GIBSON LES PAUL : 100 ANS DE MYTHE

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 01/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Gibson les Paul : L’histoire d’un mythe

Gibson, la marque de guitare sûrement  la plus emblématique au monde, est une marque américaine qui a façonné les sons de générations de musiciens depuis plus de 100 ans. De Slash à Jimmy Page, Gibson est maintenant un mythe.

Fondée en 1894 et basée à Nashville, dans le Tennessee, Gibson Brands possède un héritage de savoir-faire de classe mondiale, de partenariats musicaux légendaires et d’évolution progressive des produits qui ne ressemble à aucune autre marque de guitare.

Le portefeuille Gibson Brands comprend Gibson, la marque de guitare numéro un, ainsi que de nombreuses marques de musique les plus appréciées et les plus reconnaissables, notamment Epiphone, Kramer, Steinberger, MESA / Boogie et la division Gibson Pro Audio, KRK Systems.

Gibson Brands se consacre à la qualité, à l’innovation et à l’excellence sonore afin que les mélomanes des générations à venir continuent à découvrir la musique façonnée par Gibson Brands.

Le modèle signature de Gibson Les Paul

Le modèle signature de Gibson Les Paul a fini par définir le son de la musique rock – un rôle qui lui plaît encore aujourd’hui. Pourtant, sa conception était un processus prolongé, avec de nombreux rebondissements. Ici, nous présentons son histoire de première main, à la fois de ses créateurs et de ses joueurs les plus connus…

Histoire de la LES PAUL : la story

C’est l’histoire de l’initié des débuts de la Gibson Les Paul , la première guitare électrique solidbody de la société. Après l ’introduction par Fender du Broadcaster et de la Telecaster en 1950 et 1951, Gibson décida de concourir, engageant le guitariste américain le plus célèbre de l’époque, Les Paul , pour approuver son nouvel instrument.

GIBSON Paul Custom, Les Paul Standard ou «  Burst  »

Au cours des années qui ont suivi, les Paul Goldtop de Gibson (introduites en 1952), Les Paul Custom (1954) et Les Paul Standard ou «  Burst  » (qui a remplacé le Goldtop en 1958) ont constitué une base solide et confortable pour la gamme solidbody et qui a également présenté quelques modèles économiques: la Les Paul Junior (1954) et la Les Paul Special (1955).

Cette histoire orale des premiers Les Paul et de ses célèbres joueurs provient d’archives d’interviews que je vais vous partager.

Les personnes que vous lirez dans cet article sont: Billy Gibbons, qui était dans son groupe pré-ZZ Top Moving Sidewalks en 1968 quand il a acquis un Burst; Ted McCarty, qui a rejoint Gibson en 1948 et en est devenu le président deux ans plus tard; Jimmy Page, qui a obtenu une Les Paul Custom vers 1964 et, à Led Zeppelin, a acheté une Burst à Joe Walsh en 1969; et Les Paul lui-même – qui, avec Mary Ford, avait marqué un hit américain n ° 1 avec How High The Moon en 1951.

Les Paul «J’avais essayé de faire une guitare qui soutenait et qui reproduisait le son de la corde sans rien d’ajouté. Aucune distorsion, aucun changement dans la réponse par rapport à ce que faisait la corde. Pas de top vibrant, pas d’amélioration supplémentaire, avantageux ou désavantageux.

GIBSON LES PAUL

Je voulais m’assurer que le son produit était seulement celui de la corde excitée: vous pinciez la corde, et c’est ce que vous aviez. C’était toute mon idée au début des années 30. J’ai travaillé dessus, travaillé dessus, bourré des chiffons dans les guitares, fait des tops d’un pouce dessus. Puis enfin en disant: « Ecoute, je vais juste aller sur un journal. »

«J’ai approché Gibson en 1941. Ils ont ri à l’idée, ils m’ont appelé le gamin avec le manche à balai avec les micros dessus. L’usine était à Kalamazoo, Michigan, mais les bureaux étaient à Chicago, et c’est là que je suis allé. Le journal était ce que je leur ai apporté. Je l’ai en fait construit chez Epiphone. Je connaissais les gens là-bas, et je pouvais avoir l’usine tous les dimanches, il n’y avait personne d’autre que le gardien.

«Donc, tous les dimanches, j’y suis allé et j’ai travaillé là-bas, de 1939 à 41. Epiphone dit, qu’est-ce que c’est que ce bordel? Je dis que c’est une bûche, c’est une guitare solidbody, et ils disent, eh bien pourquoi? Et je dis, eh bien… mais je visais Gibson, je ne visais pas Epi. Je savais qu’Epi était sur le point de couler. Gibson était le plus grand du secteur et c’est là que je voulais aller. Je l’ai apporté à Chicago à Maurice Berlin, le président de CMI, la compagnie Chicago Musical Instrument [propriétaire de Gibson], et ils en ont ri.

«J’ai déménagé en Californie, je suis allé dans l’armée, je suis allé avec Bing Crosby, j’ai continué à jouer mon journal, et Leo Fender est venu dans mon jardin, et Merle Travis l’a vu, tout comme tous les autres guitaristes, tous les autres fabricants, ils l’ont tous vu.

La vibrola, j’ai commencé là-dessus dans les années 30 puis j’ai découvert qu’un mec avait déjà inventé une vibrola, mais elle était morte, elle était éteinte, elle est morte dans son élan. Alors j’ai dit: « Je vais faire ma propre vibrola », alors j’ai fait la mienne et Bigsby est venu dans mon jardin, avec Fender.  »

GIBSON LES PAUL

Gibson veut un corps solide

Ted McCarty «Les salons de la fin des années 40 étaient à Chicago en juin et à New York en janvier environ. Nous emmenions des prototypes au salon, nous leur montrions, ils obtiendraient une réaction des revendeurs – parce que c’était une exposition de revendeurs, il fallait être un concessionnaire pour entrer – et selon la réaction, nous reviendrions à l’usine et les vendeurs diraient que c’est un bon vendeur, c’est un bon vendeur, mais je ne pourrais pas faire grand-chose avec celui-ci. D’accord, vous l’avez. C’est ainsi que nous avons choisi la ligne, pourriez-vous dire.

«Nous avons réalisé que Leo Fender gagnait en popularité en Occident avec son corps solide espagnol. Il n’est arrivé nulle part à New York ou dans cette partie du pays, c’était strictement en Occident.

Je l’ai regardé et regardé et j’ai dit: «  Nous devons nous lancer dans cette affaire. On lui donne une course gratuite, c’est le seul à fabriquer ce genre de guitare. Avait ce vrai son strident, que les garçons country et occidentaux aimaient. Cela devenait populaire. Nous en avons donc discuté et décidé, faisons-en un.

«Maintenant, Les Paul m’était connue, Les Paul était un peu un innovateur, mais il jouait à Epiphone. Et j’essayais de lui faire jouer Gibson, oh, depuis quelques années. Il n’allait pas s’éloigner d’Epiphone, il leur était fidèle. Il avait fait quelques améliorations, quelques changements, dans son Epiphone qu’il utilisait. Ils n’ont pas fabriqué un Epiphone avec son nom dessus – tout ce qu’ils ont fait était Epiphone.

GIBSON LES PAUL

La Conception de la  Les Paul

Les Paul «Leo Fender a vu ce que je faisais et il a commencé à en créer un. Et quand Gibson en a entendu parler, ils ont dit de trouver ce type avec le manche à balai avec le micro dessus! Ils sont venus tout de suite, dès qu’ils ont entendu ce que faisait Léo. Ils sont venus me voir et j’ai dit: «  Eh bien, vous êtes un peu en retard. Mais d’accord, allons-y.  »

Ted McCarty «Nous avons commencé à fabriquer un corps solide et nous avions beaucoup à apprendre. Par exemple, plus le matériau est rigide, plus le bois est dur, plus le son est aigu et plus le sustain est long.

Frappez la corde et elle sonnerait pendant une longue période de maintien. Cela pourrait être trop long. Une des choses que nous avons faites a été de prendre un morceau de rail de fer de la voie ferrée, de mettre un pont, un pick-up et un cordier dessus, et de le tester.

Vous pourriez frapper cette ficelle, marcher, revenir, et ça sonnerait toujours. Parce que ce qui le fait ralentir, c’est le fait que le bois donne un peu.

«Nous avons fabriqué une guitare en érable massif. Ce n’était pas bon. Trop strident, trop de sustain. Et nous en avons fait un en acajou. Trop mou. Je n’avais pas vraiment ce truc.

Nous avons donc finalement trouvé une table en érable et un dos en acajou, en avons fait un sandwich, les avons collés ensemble.

Les Paul : la forme

Ensuite, nous avons décidé, qu’en est-il de la forme? Nous voulions quelque chose qui ne serait pas trop lourd. La Fender était une guitare beaucoup plus grosse, plus lourde. Nous avons donc fait le nôtre un peu plus petit, de forme traditionnelle.

Les Paul et son épouse Mary Ford lors d’une réception de presse au Savoy Hotel de Londres, pour le dévoilement en 1952 du modèle signature Les Paul. Notez le DeArmond Dynasonics sous les caches de micro manche P-90

«Nous avions toujours sculpté le dessus de nos belles guitares, et nous avions de véritables machines à sculpter. Leo Fender n’avait pas de machine à sculpter. Ils ont joint leur manche avec une plaque à l’arrière de la guitare. Nous avons toujours collé notre cou, en avons fait une partie intégrante. Alors j’ai dit: « D’accord, découpons le haut de cette chose, comme nous le ferions sur un L-5 et un L-7. »

«Nous avons finalement trouvé une guitare séduisante. Et en ce qui nous concerne, il avait le ton, il avait la résonance et il avait aussi le sustain, mais pas trop. Maintenant, nous avions besoin d’une excuse pour le faire. Aucune des autres grandes sociétés de guitare n’avait quoi que ce soit à voir avec un corps solide.

Leur attitude était de l’oublier, car n’importe qui avec une scie à ruban peut fabriquer une guitare solidbody. Scie à ruban et routeur, c’est tout ce dont vous aviez besoin.

«Alors j’ai commencé à réfléchir. A cette époque, Les Paul et Mary Ford roulaient très haut, ils étaient probablement l’équipe vocale numéro un aux États-Unis. Ils gagnaient un million de dollars par an. Et connaissant Les et Mary, j’ai décidé que je devrais peut-être leur montrer cette guitare.

Ted McCarty «Les et son groupe se trouvaient dans un pavillon de chasse au Delaware Water Gap, qui se trouve dans les montagnes de Pennsylvanie. J’avais parlé à Les par téléphone et j’ai parlé à Phil Braunstein, son directeur financier, un comptable de New York. Alors j’ai pris rendez-vous avec Phil, je suis allé à New York, j’ai pris le petit déjeuner, je suis monté dans sa voiture, et j’avais cette guitare [prototype] avec moi.

«C’était une journée de route depuis New York là-bas, nous y sommes arrivés la nuit, pluvieux, une nuit misérable. «J’ai dit: ‘J’ai quelque chose ici, Les, que j’aimerais que vous voyiez.’ Nous avions un amplificateur et nous y avons branché cette guitare. Il l’a pris, et il l’a joué – et il l’a joué et il l’a joué. Il y avait ce balcon à l’étage avec des chambres menant à côté, et Mary Ford était à l’étage, alors il a crié: «Mary, viens ici, je veux que tu vois ça.

«Mary est descendue. Il dit: « Joue ça, Mary, je veux entendre et voir ce que tu en penses. » Elle l’a pris et l’a joué, et elle a dit: «J’adore ça. Les a dit: «  Laissez-moi l’avoir  », et il l’a joué un peu plus, et il s’est tourné vers Mary et a dit: «  Écoutez, ils se rapprochent trop de nous, Mary, je pense que nous devrions les rejoindre. Qu’est-ce que tu penses?’ Elle dit: «J’aime ça.» »

Les Paul «C’était une guitare plate à l’époque, ce n’était pas une archtop. J’ai tout dessiné là-bas sauf le ventre, le sommet cambré. J’avais un flat-top. J’étais assis là avec Maurice Berlin au CMI, et il a dit: «Vous savez, j’aime les violons. Et il m’a fait traverser son coffre-fort et m’a montré sa collection, et il a dit:

«  Envisageriez-vous de le faire dans un archtop?  », Et j’ai dit que j’adorerais. Il a déclaré: « Personne d’autre – Fender, personne d’autre – ne peut le faire, et nous avons les installations pour le faire. » Alors j’ai dit: « Bien sûr, faisons-le. » Nous les avons donc fabriqués.

Ted McCarty «Les avait pris son Epiphone et y avait fait beaucoup de changements, y avait mis des micros qu’il avait faits. J’avais été après lui pendant quelques années, essayant de le convaincre de Gibson, je n’avais pas réussi. Alors j’ai dit: « C’est ce que nous voulons faire, nous voulons appeler cela le modèle Gibson Les Paul. »

Je lui ai dit que nous lui paierions une redevance. Je ne suis pas avocat, ni Phil Braunstein, ni Les. Nous avons donc commencé à conclure un contrat. Et j’ai une théorie sur les contrats. Plus ils sont simples, mieux ils sont. Si vous avez cinq pages de gobbledegook, ce que j’appelle «passe-partout», vous engagez un avocat intelligent et il y trouvera des failles.

Un simple, tout le monde peut comprendre. Nous avons donc commencé, la première chose que nous avons faite a été d’écrire combien nous lui paierions par guitare.

«Nous nous sommes mis d’accord toute la nuit. Je suis donc revenu à l’usine et maintenant nous avions un modèle Gibson Les Paul. J’essayais de convaincre Les de nous laisser lui fabriquer une guitare depuis des années, sans succès, mais nous avons finalement eu quelque chose qui lui plaisait. Alors nous avons commencé à les produire.

Gibson et les imperfections du bois

Ted McCarty «Nous avons fait la finition dorée car elle couvrait les imperfections du bois, l’aspect cosmétique. Si c’était de l’érable [comme le dernier Burst], ce devait être de l’érable à violon, devait être parfait, ne pouvait pas avoir de défauts, ne pouvait pas avoir de stries minérales. Mais nous avions l’habitude de le recouvrir de cette peinture [dorée].

L’absence de reliure de la touche et les vis de réglage de la hauteur du micro du chevalet en diagonale indiquent que ce modèle Goldtop de 1952 maintenant fortement modifié est l’un des tout premiers jamais fabriqués.

«Nous avons ajouté la Gibson Les Paul Custom juste pour en avoir une autre. Vous avez toutes sortes de joueurs qui aiment ça et comme ça. Chevrolet a tout un tas de modèles, Ford a tout un tas de modèles. Et il y avait une bonne raison à cela. Nous avions de plus en plus de problèmes pour obtenir du vrai bon acajou clair du Honduras. Nous aurions de l’acajou et il y aurait des stries dedans et ainsi de suite.

«Pour que la Gibson Les Paul Custom soit un corps solide, ce n’était pas un sandwich, c’était de l’acajou massif, mais peint en noir. Alors vous en aviez avec des stries? Vous en avez fait des douanes. Je l’ai agrémenté de reliures et d’autres éléments, et je l’ai vendu à un prix plus élevé.  »

La musique divine de Billy avec la  Pearly Gates

Billy Gibbons «Ce gars que je connaissais à Houston, John Wilson – il avait un Rickenbacker 12 cordes, ils sonnaient comme The Byrds, ils s’appelaient The Magic Ring – il a sonné un jour et a dit: ‘Hé, le mot est que vous en cherchez un de ces Gibson Les Paul. J’ai dit ouais. Il a déclaré: «  Il y a un fermier, un éleveur, en haut de la route, juste à l’extérieur des limites de la ville, un grand ranch là-bas, un gros éleveur de bétail, du bétail et des chevaux. Eh bien, il a une de ces choses.

«Nous avions obtenu une automobile Packard de 1936, et nous avions une amie du groupe, Renee Thomas, elle avait l’opportunité de passer une audition en Californie pour gagner un rôle dans un film, alors nous lui avons donné le Packard. Elle a appelé, dit qu’elle est en Californie et qu’elle a eu le rôle. Enfin, elle a vendu le batteur Packard et m’a envoyé ce chèque de, je crois, 350 $. Je jure, le chèque est arrivé par la poste, et mon pote s’arrête et dit: «Hé, allons voir cette guitare.

Ce magnifique ’59 Burst a été l’inspiration pour le Minnesota Burst 2016 de Gibson Custom, 39e dans une série de recréations minutieuses d’instruments historiques.
On y arrive, le gars a dit: « Vous le voulez, vous pouvez l’avoir. » J’ai dit: « Combien vous voulez? » Il dit: « Combien vous avez? » J’ai sorti le chèque et j’ai dit que je viens de recevoir ça aujourd’hui, 350 $. Il dit: «Je vais le prendre. Alors j’ai décollé avec cette guitare!

«Nous avions nommé cette voiture Pearly Gates et quand Renee l’a vendue, je l’ai rappelée, j’ai dit: ‘J’ai eu cette guitare avec l’argent.’ Elle dit: «Eh bien, nous allons appeler cette guitare Pearly Gates et vous allez jouer de la musique divine.

«Je vais vous dire, mec, c’est une sorte de guitare! C’était en 1968, juste après l’été. Je me suis demandé en cours de route pourquoi cet exemple particulier de Gibson Les Paul [’59 Burst] est si robuste.

Vraiment, la seule explication est que c’est juste arrivé à être mis en place le bon jour. La bonne combinaison de bois. «Tout était supposé à l’époque. Le jour particulier où tous les éléments disparates se sont réunis était juste ce moment magique, je suppose.

Roadrunner Guitars

Jimmy Page et la Les Paul

Gibson Les Paul Standard

jimmy Page «J’ai eu mon [trois humbucker] Gibson Les Paul Custom dans les années 60… il y avait [magasin Selmer à Charing Cross Road] et puis il y en avait un plus loin, à l’époque il était affilié d’une manière ou d’une autre, appelé [Lew Davis], et j’ai acheté il là-dedans.

Je me souviens être entré et il y avait une sorte de caisse, et les gars derrière, et juste au mur… J’ai dit: « Oh mon Dieu, laisse-moi essayer! » Ce qu’il faisait là-dedans et pourquoi, mais c’était là. C’était juste… je suis tombé amoureux de ce truc sanglant.

«Il n’y en avait pas beaucoup autour. C’était juste une chose si magnifique et ça avait l’air si merveilleux. Le réglage du milieu n’était pas ce à quoi vous vous attendiez, mais c’était un son vraiment pointu qui était vraiment superbe. Je l’ai personnalisé avec des interrupteurs pour que vous puissiez entrer dans n’importe quelle combinaison, et [en 1970] c’est celui qui a été volé.

Jimmy Page en 1975, l’année où il a acheté une sauvegarde Burst pour remplacer la «  numéro un  » Gibson Les Paul Standard qui était son pilier

«En 1969, Joe Walsh est venu au Fillmore ou au Winterland, l’un ou l’autre, à San Francisco et il a insisté, il a dit: ‘Vous devez acheter cette guitare!’ [Il est devenu le Burst ‘Number One’ de Page.] Et il semblait en fait qu’il avait été remis à neuf. J’ai dit: «Je n’en ai pas nécessairement besoin».

«Non, vous devez l’avoir, essayez-le, vous le voudrez», et tout ça. J’ai dit: « J’ai déjà la coutume. » «Non, non, vous devez l’essayer! Vous devez acheter cette guitare!

«Il a continué à insister. J’ai dit: «Ah, non, non, non, je ne peux pas me le permettre. Tu sais comment c’est.’ Ce n’était pas comme traiter avec Selmer. Il faisait vraiment du sport – il en fait toujours du sport maintenant. Parce que tout le monde y va, tu lui as vendu une Gibson Les Paul pour quoi que ce soit, des centaines de dollars. C’était un prix au prorata, il ne me volait pas et il ne me le donnait pas en cadeau.

«Je savais que c’était une bonne guitare. Je savais qu’il n’y aurait pas de retour, le grincement que je recevais de ma Telecaster, qui chaque soir, il y avait un épisode entier de contrôle. Le premier album se fait sur la Telecaster, car c’est une transition de The Yardbirds à Led Zeppelin, c’est exactement la même guitare.

Tout le monde avait ça s’ils commençaient à monter une Telecaster fort. Alors Joe a insisté pour que je l’achète, et je l’ai acheté, et j’ai lancé le deuxième album avec.

Gibson Les Paul Custom de 1956

Cette Gibson Les Paul Custom de 1956 a un simple bobinage «de base» en position manche. La Custom a été introduite en 1954 pour répondre au souhait de Gibson Les Paul d’une guitare plus luxueuse qui ressemblait à «un smoking»

«Il n’y a aucune garantie que j’aurais joué le… Je ne sais pas, c’est hypothétique, mais je n’ai peut-être pas trouvé le riff de Whole Lotta Love sur la Telecaster. Ce gros son avec lequel vous travaillez, vous êtes inspiré – eh bien, je le suis – et je sais que d’autres personnes sont, par les instruments, le son des instruments.

Et puis ils jouent quelque chose qu’ils n’ont jamais joué auparavant – et c’est vraiment convivial, et soudainement ils ont une sorte de riff, qui est propre à ce moment. Je ne dis pas que c’est la première chose que j’ai joué dessus, mais c’était à venir.

«J’ai toujours su que la Gibson Les Paul était une guitare très conviviale par rapport, disons, à une Strat ou quelque chose comme ça. C’est vraiment sympathique. Tant de choses commencent à chanter, tu sais? Vraiment chanter. »

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Tout savoir sur la Gibson Les Paul

1. Qu’est-ce que la Gibson Les Paul?

La Gibson Les Paul est une guitare électrique emblématique, fabriquée pour la première fois en 1952 par la société américaine Gibson Guitar Corporation. Elle a été conçue en collaboration avec le musicien et inventeur Lester William Polsfuss, plus connu sous le nom de Les Paul.

La guitare Les Paul est célèbre pour son design distinctif, son sustain impressionnant et sa polyvalence, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de nombreux genres musicaux, notamment le rock, le blues, le jazz et la country.

2. Quelles sont les principales caractéristiques de la Gibson Les Paul?

La Gibson Les Paul est reconnaissable à son corps en acajou massif avec une table en érable, sa forme de corps en « single cutaway » qui permet un meilleur accès aux frettes supérieures, et son manche collé, généralement en acajou avec une touche en palissandre. La combinaison de ces bois confère à la guitare un sustain et une résonance caractéristiques.

La Les Paul est également équipée de deux micros humbuckers, conçus pour réduire les interférences électromagnétiques et produire un son riche et puissant. La guitare dispose d’un sélecteur à trois positions pour choisir entre les micros, ainsi que de quatre boutons de réglage pour le volume et la tonalité de chaque micro.

3. Quelles sont les différentes finitions disponibles pour la Gibson Les Paul?

Au fil des ans, la Gibson Les Paul a été proposée dans une variété de finitions et de couleurs. Parmi les finitions les plus célèbres, on trouve le « Sunburst » (dégradé de couleur du centre vers les bords), le « Goldtop » (couleur dorée), le « Black Beauty » (noir avec des ornements dorés) et le « Cherry Sunburst » (dégradé de rouge cerise).

Les finitions de la Les Paul peuvent varier en fonction des modèles et des éditions limitées. Certaines finitions sont spécifiques à des artistes ou des modèles signature, tels que la Les Paul Jimmy Page ou la Les Paul Slash.

4. Quels sont les différents modèles de Gibson Les Paul?

Il existe plusieurs modèles de Gibson Les Paul, chacun ayant ses propres caractéristiques et spécifications. Parmi les modèles les plus populaires, on trouve :

• Les Paul Standard : Le modèle phare de la gamme, avec un corps en acajou, une table en érable, des micros humbuckers et un manche collé.
• Les Paul Custom : Une version haut de gamme de la Les Paul, avec des ornements luxueux tels que des incrustations en nacre, une binding multicouche et des accastillages dorés.
• Les Paul Studio : Une version plus abordable de la Les Paul, avec un design épuré et des caractéristiques simplifiées, sans compromettre la qualité sonore.
• Les Paul Junior : Un modèle d’entrée de gamme avec un corps en acajou massif, un seul micro P-90 et un design simplifié pour une accessibilité accrue.
• Les Paul Special : Un autre modèle d’entrée de gamme, semblable à la Junior, mais avec deux micros P-90 et des finitions légèrement différentes.
• Les Paul Traditional : Inspirée des Les Paul des années 50 et 60, la Traditional a un profil de manche plus épais et des caractéristiques vintage, comme les mécaniques Keystone et les micros Burstbucker.
• Les Paul Classic : Un modèle qui combine des éléments des Les Paul des années 60 avec des caractéristiques modernes, comme un profil de manche mince et des micros plus puissants.
• Les Paul Tribute : Un modèle abordable qui rend hommage à l’héritage de la Les Paul, avec des caractéristiques vintage et une sélection de finitions classiques.
• Les Paul Modern : Une version contemporaine de la Les Paul, avec des améliorations ergonomiques, des micros à haut rendement et des options de finition modernes.
• Les Paul Signature : Des modèles spécifiques conçus en collaboration avec des artistes célèbres, tels que Slash, Jimmy Page et Joe Bonamassa, qui présentent des spécifications et des finitions uniques.

5. Quel est le prix d’une Gibson Les Paul?

Le prix d’une Gibson Les Paul varie en fonction du modèle, des caractéristiques et des finitions. Les modèles d’entrée de gamme, tels que la Les Paul Junior et la Les Paul Special, peuvent être trouvés à partir d’environ 1 000 $, tandis que les modèles Standard et Custom se situent généralement entre 2 500 $ et 5 000 $.

Les éditions limitées, les modèles vintage et les modèles signature peuvent être plus coûteux, allant jusqu’à 10 000 $ ou plus pour des pièces de collection rares.
Il est important de noter que Gibson propose également des versions plus abordables de la Les Paul sous sa marque Epiphone, qui offre des modèles similaires avec des spécifications légèrement différentes et des matériaux moins coûteux.

6. Quels artistes célèbres jouent sur une Gibson Les Paul?

De nombreux artistes célèbres ont choisi la Gibson Les Paul comme leur guitare de prédilection, notamment :
– Jimmy Page (Led Zeppelin)
– Slash (Guns N’ Roses)
– Eric Clapton
– Peter Green (Fleetwood Mac)
– Duane Allman (The Allman Brothers Band)
– Joe Perry (Aerosmith)
– Gary Moore
– Joe Bonamassa
– Billy Gibbons (ZZ Top)
– Ace Frehley (KISS)

La Gibson Les Paul est appréciée pour sa polyvalence, son sustain et son esthétique attrayante, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de différents genres musicaux.

7. Comment entretenir et prendre soin de sa Gibson Les Paul?

Pour maintenir votre Gibson Les Paul en bon état et préserver sa qualité sonore, il est important de suivre quelques étapes d’entretien de base :
1.Nettoyez régulièrement la guitare avec un chiffon doux et sec pour éliminer la poussière et les traces de
de doigts.
2. Changez les cordes régulièrement, en fonction de votre fréquence de jeu et de vos préférences personnelles. Il est généralement recommandé de changer les cordes tous les 1 à 3 mois pour les guitaristes actifs.

• Nettoyez et hydratez la touche en utilisant un nettoyant spécial pour touche et de l’huile de citron ou de l’huile d’entretien pour bois. Cela aidera à prévenir le dessèchement et les fissures de la touche.
• Contrôlez périodiquement l’ajustement du manche et ajustez le truss rod si nécessaire pour maintenir une action confortable et éviter les problèmes de justesse.
• Protégez votre guitare des changements brusques de température et d’humidité en la conservant dans un étui rigide lorsqu’elle n’est pas utilisée. Utilisez un humidificateur pour guitare si vous vivez dans un environnement sec.
• Faites régulièrement vérifier votre guitare par un luthier professionnel pour détecter d’éventuels problèmes et effectuer les réglages nécessaires.
• Nettoyez et lubrifiez les mécaniques pour assurer un fonctionnement en douceur et prévenir la corrosion.
• Évitez d’exposer votre guitare à des sources de chaleur directe ou à la lumière du soleil, car cela peut endommager la finition et provoquer des déformations.

En suivant ces conseils d’entretien, vous pouvez préserver la qualité et la longévité de votre Gibson Les Paul.

8. Quelle est la différence entre une Gibson Les Paul et une Epiphone Les Paul?

La principale différence entre une Gibson Les Paul et une Epiphone Les Paul réside dans la qualité des matériaux, la fabrication et le prix. Gibson est la marque originale et haut de gamme, offrant des instruments de qualité supérieure fabriqués aux États-Unis avec des matériaux sélectionnés et un contrôle qualité rigoureux. En conséquence, les Gibson Les Paul ont tendance à être plus chères.

Epiphone est une filiale de Gibson qui propose des instruments plus abordables, fabriqués en Asie et conçus pour offrir une alternative de qualité aux guitaristes avec un budget plus limité. Les Epiphone Les Paul présentent des caractéristiques et des designs similaires à leurs homologues Gibson, mais avec des matériaux moins coûteux et des différences subtiles dans la construction et l’électronique.

9. Comment identifier une Gibson Les Paul authentique?

Pour vous assurer que vous achetez une Gibson Les Paul authentique, il est important de vérifier plusieurs éléments :
Examinez le logo Gibson sur la tête de la guitare. Le logo doit être net et précis, avec une police et un espacement cohérents.

Vérifiez le numéro de série, généralement situé sur l’arrière de la tête de la guitare. Les numéros de série Gibson suivent un format spécifique en fonction de l’année de fabrication. Vous pouvez vérifier la validité du numéro de série sur le site officiel de Gibson.

Inspectez la qualité de la finition, des incrustations et des matériaux utilisés. Une Gibson Les Paul authentique aura généralement une finition soignée et des incrustations précises.

Observez les mécaniques, les micros et les autres composants électroniques. Les modèles Gibson authentiques utilisent des pièces de haute qualité, souvent marquées du logo Gibson ou de marques spécifiques, comme les mécaniques Grover ou les micros Burstbucker.

Comparez la guitare à des photos et des spécifications de modèles authentiques disponibles sur le site officiel de Gibson ou dans des publications spécialisées.
Si vous avez des doutes sur l’authenticité d’une Gibson Les Paul, il est préférable de consulter un expert ou un luthier professionnel pour une évaluation.

10. Quelles sont les alternatives à la Gibson Les Paul?

Si vous êtes intéressé par une guitare similaire à la Gibson Les Paul, mais que vous souhaitez explorer d’autres options, voici quelques alternatives populaires :

– Epiphone Les Paul : Comme mentionné précédemment, Epiphone est la filiale de Gibson et propose des modèles Les Paul plus abordables avec des caractéristiques et des designs similaires.

– PRS Singlecut : La PRS Singlecut est une guitare électrique à simple pan coupé qui offre une qualité de fabrication et un son comparables à la Gibson Les Paul, avec un design distinctif propre à PRS.

– Fender Telecaster : Bien que la Fender Telecaster ait un design et une construction différents, elle est appréciée pour sa polyvalence et son son chaleureux, similaire à la Les Paul, en particulier dans les modèles équipés de micros humbuckers.

– ESP Eclipse : L’ESP Eclipse est une guitare électrique inspirée de la Les Paul, avec un design et des caractéristiques similaires, mais une orientation plus marquée vers les genres de musique heavy metal et hard rock.

En fin de compte, le choix de la guitare idéale dépend de vos préférences personnelles, de votre budget et de votre style de musique. Il est toujours recommandé d’essayer plusieurs guitares et de comparer leur son et leur jouabilité avant de prendre une décision.

GOJIRA Fortitude : Clips, photos et interview

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 01/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les metalheads avertis peuvent être enclins à convenir que GOJIRA est l’une des meilleures choses qui soit arrivée à la musique heavy au cours des 20 dernières années. Il en est de même après l’écoute de GOJIRA Fortitude.

L’album a reçu des critiques positives de la part des critiques. AllMusic a donné à l’album une note de 4,5 sur 5, fortitude est une nouvelle étape dans le parcours de GOJIRA pour devenir l’un des groupes de métal les plus importants et les plus vitaux

L’album a débuté à la quatrième place du Billboard 200, ce qui en fait l’album du groupe le mieux classé à ce jour. En outre, l’album a également débuté à la première place du palmarès des disques métals.

Le premier single de l’album, « Born for One Thing », est sorti le 28 avril 2020. La chanson a reçu un accueil positif de la part des critiques. AllMusic a loué la chanson pour son refrain « hymnique » et l’a qualifiée de « retour en force à la forme ».

GOJIRA Fortitude : la génèse

GOJIRA Fortitude est le septième album studio du groupe Gojira . GOJIRA Fortitude est sorti le 30 avril 2021 chez Roadrunner Records . Gojira Fortitude a été enregistré au studio du groupe à New York, et a été produit par Joe Duplantier et mixé par Andy Wallace .

GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude

Gojira avait l’intention d’écrire un album plus cohérent et plus brillant que Magma , mettant l’accent sur un son progressif utilisant l’incorporation d’éléments de rock classique avec un message lyrique positif.

L’écriture de GOJIRA Fortitude a commencé au début de 2018 mais a été suspendue en raison du calendrier des tournées du groupe. La pandémie COVID-19 a interrompu le mixage de l’album et sa date de sortie a été reportée à une date ultérieure.

GOJIRA Fortitude a fait ses débuts au n ° 12 sur le Billboard 200 et vendu 27,372 unités dans sa semaine débuts aux États – Unis, qui a dépassé Magma  » tableau de et les ventes. L’album est en tête des palmarès Billboard Hard Rock Albums et Top Rock Albums , ainsi que du palmarès UK Rock & Metal Albums .

Gojira Fortitude s’est classé en tête des charts en Europe et s’est vendu à 9 900 exemplaires lors de sa première semaine de sortie en France. Il a culminé au n ° 3 sur les graphiques ARIA . Fortitude a été l’album studio le plus vendu aux États-Unis lors de sa semaine d’ouverture.

GOJIRA Fortitude arrive au bon moment…

Même en ignorant l’humilité, l’humanité et le dévouement inspirant du groupe français pour les nobles causes, le monde du métal s’est asservi à presque tout ce qu’il a fait depuis son entrée dans la conscience plus large avec « From Mars to Sirius » de 2005, puis est devenu véritablement stratosphérique avec le grand label de 2012 débuts « L’Enfant Sauvage » .

GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude  

Un groupe live toujours étonnant, GOJIRA a conquis le métal traditionnel en poursuivant un parcours singulier et en entraînant tout le monde avec lui. Il probablement des gens qui pensent qu’ils sucent,

En raison de toute cette brillance pionnière, on attend beaucoup plus de GOJIRA que peut-être n’importe quel autre groupe de metal traditionnel.

« Fortitude » arrive au milieu d’une vague de battage médiatique entièrement justifiable, en grande partie provoqué par l’énorme succès de l’album précédent du groupe, « Magma » .

Ce disque était sans doute un peu moins aventureux que certains des efforts précédents du groupe, mais via les goûts irrésistiblement accrocheurs de « Stranded » et « Silvera » , GOJIRA a confirmé qu’ils pouvaient livrer des hymnes et plaire à la foule tout en maintenant l’individualité et l’intégrité créative qui a toujours été une caractéristique de leur travail.

Cinq ans plus tard, les Français ont beaucoup plus grand public à servir, et si « Fortitude » ravira sans aucun doute ceux pour qui « Magma » était un avant-goût du groupe, ce n’est pas tout à fait le triomphe sans équivoque que les fans purs et durs attendaient.

GOJIRA Fortitude : l’écoute

Les deux « Born For One Thing » et « Another World » ont livré la marchandise avant l’album complet, et bien qu’aucun des deux ne soit sorti comme un classique instantané, les deux sont pleins de rythmes agiles et de ces riffs et éclats d’harmoniques incomparables.

GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude  

Comme toujours, la voix de Joe Duplantier tourne en spirale à travers la mêlée, enveloppée de réverbération mais néanmoins autoritaire, et les crochets centraux des deux chansons s’envolent, soutenus par le génie encore plus adroit et percussif de Mario Duplantier .

« Amazonia » est GOJIRA en mode groove langoureux, évoquant la puissance de la terre brûlée de KILLING JOKE dans les couplets avant de servir un riff titubant et descendant qui se sent destiné, dans un avenir pas si lointain, à des foules immenses se cognant la tête a unisson.

« New Found » est un autre joyau, avec un riff d’ouverture à tuer et une baisse de tempo au milieu de la chanson qui facilite un fondu culminant vraiment magnifique et épique. Mieux encore, « Sphinx » sonne comme le GOJIRA classique , mais mis à jour et en quelque sorte encore plus épineux que les points culminants précédents.

GOJIRA Fortitude et l’expérimentation

Ce ne sont cependant pas toutes de bonnes nouvelles. GOJIRA a toujours été animée par le désir d’expérimenter et d’élargir leur son.

« Fortitude » n’est pas différent à cet égard, mais les courbes supposées de GOJIRA Fortitude sont loin de livrer des révélations surprenantes.

En particulier, « The Chant » est une affaire légère mais légère, avec des nuances de rock stoner et un refrain vocal doux mais banal, tandis que « The Trails » et « Hold On » semblent occuper un territoire que GOJIRA a déjà maîtrisé et éloigné. , mais avec la mélodie vocale poussée au premier plan d’une manière que les albums précédents n’avaient fait que suggérer.

GOJIRA Fortitude – GOJIRA Fortitude  

Certes, toutes les réserves que vous pourriez avoir en écoutant « Fortitude » disparaîtront dès que « Grind » plus proche éclatera, administrant au moins deux riffs plus magnifiques et suffisamment d’énergie haussière pour repousser un tsunami.

C’est une fin exaltante pour un album qui ne manque pas d’aigus, mais qui est également chargé de plusieurs accalmies et de quelques pas d’évolution qui ne sont que partiellement réussis.

Dans tous les cas, « Fortitude » est un autre excellent album de GOJIRA et reste le ticket de metal traditionnel le plus chaud et le plus distinctif du moment..

Malheureusement, si vous vous souvenez à quelle vitesse et avec quelle force votre mâchoire a heurté le sol la première fois que vous avez entendu « Ocean Planet » , « Explosia » »Stranded » , « Fortitude » ne fait pas tout à fait feu avec la même férocité mercurielle.

Le processus créatif de GOJIRA Fortitude

Le processus créatif du septième album de Gojira, Fortitude a commencé avec parcimonie fin 2017.  Gojira avait l’intention d’écrire un «album groovy et aéré» avec un thème fort et axé sur le partage avec le public, un album où deux énergies coexistent, «toutes deux très masculines et féminin « .

L’album a été inspiré comme un encouragement à l’auto-renforcement, « pour montrer le courage de faire face au monde, pour faire face aux problèmes de demain ».

L’album a été écrit et enregistré sur une période de deux ans. Le groupe a fait une pause dans ses tournées pour se concentrer sur l’écriture et l’enregistrement de l’album

Dans une interview accordée à Loudwire, le batteur Mario Duplantier a parlé de la réalisation de l’album : « Nous voulions être sûrs d’avoir assez de temps pour chaque chanson, donc… »Il poursuit : « Même si cela nous a pris deux ans, nous voulions être sûrs que chaque chanson soit la meilleure possible. »

Gojira Fortitude  :Enregistrement et production

Ayant eu des demandes soutenues de tournées dans le monde entier pour soutenir Magma , au-delà du cycle initial, le groupe a décliné afin de se concentrer sur l’écriture d’un nouvel album.

L’album a été enregistré au Silver Cord Studio dans le Queens, à New York. Le groupe a travaillé avec le producteur Josh Wilbur sur l’album Wilbur est connu pour son travail avec Lamb ofDieu, Gojira, et Megadeth. L’écriture de chansons de l’album a officiellement commencé au début de 2018 au Silver Cord Studio de New York, qui deviendrait « le cocon pour une odyssée créative de deux ans ».

Cependant, il a été interrompu par une tournée en Europe et l’écriture s’est terminée après la tournée 2019 Knotfest Roadshow à travers les États-Unis et le Canada.

Joe Duplantier a produit l’album, et le groupe l’a enregistré au Silver Cord Studio à la fin de 2019. Mario Duplantier a enregistré onze pistes de batterie en huit jours en une ou deux prises chacune.

Wallace a mixé trois chansons avant que les premiers verrouillages COVID-19 ne soient imposés, alors que l’album était prévu pour une sortie en juin 2020.

Joe Duplantier, résident de l’État de New York, visitait son père dans le sud-ouest de la France, ce qui a compliqué le processus de mix.

Le groupe était alors incapable de rejoindre Wallace en Floride en raison de la situation sanitaire.  Puis Joe Duplantier a passé plusieurs mois dans une cabane dans la forêt landaise sans écouter les nouvelles pistes et a abandonné son téléphone portable et son ordinateur.

En juillet, le groupe est revenu au processus de mixage sur Internet et par téléphone avec Wallace. Wallace préférerait être laissé seul dans le studio, sans assistants, étant vulnérable à une infection à coronavirus en raison de son âge, se disant « infiniment contrarié de ne pas être avec le groupe ».

La date de sortie de GOJIRA Fortitude a ensuite été repoussée à septembre en raison de la pandémie COVID-19 , puis a échoué par la suite et un autre report a été décidé.

Le 5 août 2020, le groupe sort un nouveau single intitulé « Another World », leur premier single en quatre ans.

Le 17 février 2021, Gojira a annoncé Fortitude et sa date de sortie pour le 30 avril 2021 via Roadrunner Records. Le même jour, le groupe a sorti une vidéo officielle pour son premier single, « Born for One Thing ».

La force a marqué le plus long écart entre deux albums de studio dans la carrière du groupe.

Style de musique et d’ écriture de Fortitude

Sur Fortitude, Gojira a adopté une approche lyrique différente de celle explorée sur leur album précédent, Magma .

Ce dernier a été fortement influencé par la mort de la mère de Joe et Mario Duplantier, a déclaré Joe Duplantier.Cette fois, le groupe « a eu l’envie de remplir l’album de plus de joie, même si cela n’apparaît pas comme une musique joyeuse ». Mario Duplantier a mentionné un processus de composition plus lent qu’avant en raison des goûts musicaux de plus en plus diversifiés au fil des ans.

Tout en conservant leur style de signature, Gojira a étendu sa gamme à une « dimension traditionnelle »des « groupes classiques ». Le but était de concentrer la musique sur le « gros riff de guitare » plutôt que sur la performance, avec une cohésion de groupe mettant l’accent sur ce point.

« Amazonia », qui parle de la déforestation de la forêt amazonienne (en particulier les incendies de forêt amazonienne en 2019 ), a été publié dans le cadre d’une collecte de fonds d’un mois pour une organisation caritative brésilienne de défense des droits des autochtones organisée par Gojira. Une partie de l’album est un hommage aux communautés indigènes .

GOJIRA Fortitude : l’interview

Gojira de Joe Duplantier a été l’invité Full Metal Jackie Radio show de ce week – end passé, en prenant un peu de temps pour discuter du très attendu nouvel album Fortitude.

Duplantier discute également de la barre fixée par leur album Magma et se rend enfin compte de l’effet qu’il a eu sur le public, s’ouvre sur le processus de création et offre ses réflexions sur un monde en tournée post-Covid.

Découvrez le chat dans son intégralité ci-dessous.

Comme c’est passionnant enfin, nous avons l’annonce d’un nouveau disque de Gojira. Fortitude sortira le 30 avril. Joe, Magma a donc amené Gojira à un autre niveau. Qu’avez-vous appris sur GOJIRA Fortitude qui est devenu le point de départ de Fortitude ?

Eh bien, vous savez que Magma a été une belle expérience et nous avons tourné et, comme vous l’avez dit, cela nous a en quelque sorte amenés à un autre niveau, mais nous ne nous en sommes pas vraiment rendu compte.

Je vois qu’aujourd’hui, quand nous sortons certaines choses, c’est beaucoup plus d’attention autour du groupe et des trucs, mais je travaillais dur pour faire des tournées et faire des interviews. Je n’ai rien vu de vraiment se passer à part ma vie quotidienne avec le groupe.

Mais quand nous avons commencé à travailler sur Fortitude , nous voulions quelque chose de différent. Magma était un peu, un peu sombre. Nous avons exprimé des émotions intenses liées au départ de ma maman lors de l’enregistrement de l’album.

Nous en avons parlé, mais sur GOJIRA Fortitude nous voulions exprimer quelque chose de différent, quelque chose de plus joyeux et énergique. Et je veux dire, joyeux, je veux dire plus percutant, plus flamboyant mais les paroles nous parlent généralement de l’humanité et du mal que font les hommes.

Donc en ce sens, ce n’est pas exactement un album de fête, mais le son est plus rock, plus excitant. Je dirais.

Le titre du nouvel album est Fortitude – un appel à l’amélioration. Pourquoi est-il important pour vous d’encourager cela maintenant?

Je ne sais pas. Malgré le fait que je pense que les humains sont assez foutus et qu’une partie de moi souhaite que les humains disparaissent de cette planète pour laisser ces pauvres animaux seuls, vous savez, mais je crois au potentiel de nous les êtres humains.

Je pense que nous avons de belles choses à offrir, et je souhaitais toujours voir le meilleur de ce que nous avons en nous sortir et c’est ce que j’essaye de faire sur le plan artistique et sur le plan humain dans ma vie de tous les jours.

C’est ce que nous voulions exprimer dans GOJIRA Fortitude aussi, voir les gens donner le meilleur d’eux-mêmes et être forts et ne pas désespérer et projeter une image positive pour leur avenir et pour notre avenir, et par la discipline et la décision et les bonnes intentions, nous pouvons mieux nous-mêmes et un meilleur affichage. Donc, c’est presque par défaut l’énergie et le message que nous choisissons par rapport à, ah, laissez-le brûler.

Joe, la créativité peut être stimulante. Comment fairepour qu’ un album comme Fortitude , vous donne de la force.

C’est une bonne question. J’apprécie chaque étape du chemin, même si parfois c’est douloureux. Nous avons presque parfois des douleurs physiques quand nous ne pouvons pas trouver la bonne partie de la chanson.

Et nous travaillons dur pour créer des chansons si fortes que nous pouvons nous asseoir dessus et elles nous apporteront des places. Tu sais ce que je veux dire?

C’est donc une grande satisfaction lorsque le puzzle d’un album se réunit enfin et que nous avons cette image plus grande de ce que nous construisons.

Tout comme lorsque vous construisez une maison, vous savez, brique par brique, vous construisez quelque chose, puis vous prenez du recul et vous le regardez et vous vous dites: «Wow! Ça va être un bon abri quand la tempête arrive »et construire un album, c’est un peu comme ça.

Cela nous apporte une telle satisfaction quand il se rassemble enfin et que nous ressentons une puissance que nous voulions créer, mais que nous ne ressentons pas forcément dans notre vie de tous les jours.

Tu sais ce que je veux dire? Donc, il s’agit essentiellement de construire quelque chose de plus grand que nous-mêmes. Et j’aime ce sentiment en théorie. C’est aussi très stimulant et inspirant.

Joe, écrire et jouer de la musique est un processus de croissance continue. Qu’est-ce qui est différent de votre sensibilité musicale aujourd’hui par rapport à quand vous avez commencé ?

Vous savez, quand nous avons commencé, nous avions cette ambition de créer quelque chose de violent, de dissonant et de bizarre et qui allait vous surprendre tout le temps.

Et nous étions vraiment concentrés sur cette ambiance death metal que nous avions au début. Nous avons été fortement influencés par des groupes comme Death ou Morbid Angel, Cannibal Corpse, vraiment tous des groupes de Floride, vraiment [rires].

Mais nous avions cette dimension rock. C’est plus une dimension traditionnelle qui vient de Led Zeppelin ou Jimi Hendrix ou Pink Floyd, vous savez, grandir et écouter des groupes plus classiques.

Et je pense que ça commence à sortir et pourrait sortir naturellement. Maintenant que nous sommes plus âgés et que nous avons le désir de créer quelque chose qui soit peut-être plus ancré et qui prend du temps à s’exprimer. Et c’est vraiment bizarre parce que nous nous sentons plus grands.

C’est une sensation merveilleuse de jouer des choses qui étaient en quelque sorte jouées auparavant. Vous savez ce que je veux dire, comme des accords majeurs ou des progressions qui étaient présents à l’époque dans les années 70 ou 80, comme avec un groupe comme Iron Maiden, par exemple.

Donc, vous pouvez trouver un peu de cela dans notre musique aussi, et je l’apprécie vraiment. C’est aussi un bon changement par rapport à toutes ces vieilles chansons que nous jouons encore à ce jour.

New York est votre base, mais vous avez été en Europe tout au long de la pandémie. Quels aspects du protocole de voyage sont des indicateurs de la reprise de certains concerts?

Je ne sais pas. J’ai fait une petite pause de New York. Je trompe New York en ce moment et je me sens mal. Je vais devoir apporter des fleurs à mon retour.

Mais je venais de visiter la France l’année dernière. Et quand toute la pandémie s’est produite juste après avoir terminé Gojira Fortitude, j’étais censé retourner au mixage avec Andy Wallace et le même studio et tout le monde a juste dit qu’il n’était pas nécessaire pour moi de voyager et de prendre des risques.

Je suis donc resté là-bas et j’ai mis mes enfants dans une école publique ici en France, ce qui leur permet de perfectionner leur français, ce qui est bien.

Maintenant, je ne sais pas ce qui va se passer. C’est un peu frustrant d’annuler tout l’été de la tournée et tous nos projets. Et puis l’année d’après, nous sommes tous dans le même bateau. Alors on verra.

On dirait que nous n’avons rien annulé à partir de l’été 2021. Il y a donc encore cette tournée avec Deftones qui pourrait avoir lieu vers septembre aux États-Unis, ce qui me passionne vraiment.

Mais cela pourrait aussi être annulé. Qui sait? Espérons qu’en 2022, l’industrie sera toujours vivante et que nous pourrons toujours partir en tournée.

Gojira Fortitude : Les titres

No. Title Length
1. « Born for One Thing » 4:21
2. « Amazonia » 5:01
3. « Another World » 4:25
4. « Hold On » 5:30
5. « New Found » 6:37
6. « Fortitude » 2:08
7. « The Chant » 5:13
8. « Sphinx » 4:00
9. « Into the Storm » 5:02
10. « The Trails » 4:07
11. « Grind » 5:34

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BMTH : Les 8 meilleures collaborations de Bring Me The Horizon

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 31/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Plongée dans l’univers du groupe de métal britannique : BMTH

Dans le monde du métal britannique, un groupe se distingue depuis plus d’une décennie pour son talent et son évolution musicale constante. Il s’agit de Bring Me The Horizon, souvent abrégé en BMTH. Ce groupe originaire de Sheffield, au coeur du Yorkshire, est devenu une référence incontournable pour les amateurs du genre.

Les débuts de Bring Me The Horizon

Le groupe a vu le jour en 2004, après la rencontre entre Oliver Sykes, Lee Malia et Matt Nicholson. Les membres initiaux ont très vite été rejoints par d’autres musiciens, dont Jordan Fish, Matt Kean et Matt Nicholls. Ensemble, ils forment BMTH et se lancent dans la création d’un style de métal bien à eux.

Au cours des premières années, le groupe explore différents styles, notamment le deathcore et le metalcore. Ils se font rapidement connaître grâce à leurs performances scéniques énergiques et cathartiques, qui captivent l’attention du public et provoquent de véritables coups de coeur chez certains fans.

Premier album : Count Your Blessings

En 2006, le groupe sort son premier album intitulé « Count Your Blessings ». Celui-ci reçoit des critiques mitigées, certaines personnes étant séduites par l’énergie brute du groupe et d’autres étant rebutées par le côté chaotique de leur musique. Néanmoins, cet album permet à BMTH de se faire remarquer sur la scène métal britannique et de construire une solide base de fans.

Un style en constante évolution

Au fil des années, le groupe n’a cessé d’évoluer musicalement, se nourrissant des influences diverses pour créer un style qui leur est propre. Chacun de leurs albums témoigne d’une véritable mutation musicale, propulsant Bring Me The Horizon vers de nouveaux horizons artistiques.

Le tournant mélodique avec Suicide Season

En 2008, BMTH sort « Suicide Season », un album marqué par un tournant mélodique dans leur musique. La voix d’Oliver Sykes, auparavant principalement criée, gagne en nuances grâce à l’utilisation du chant clair tandis que les compositions deviennent plus structurées.

Cet album est aussi marqué par des collaborations inédites pour le groupe, comme celle avec Lights, qui participe au morceau « Crucify Me ». Cette collaboration pose les bases d’un son plus expérimental qui caractérisera les productions suivantes de BMTH.

Sempiternal, l’album de la consécration

Le quatrième opus de Bring Me The Horizon, « Sempiternal », est souvent considéré comme l’album qui a fait passer le groupe au niveau supérieur. Sorti en 2013, il bénéficie d’une production de qualité signée Terry Date, producteur ayant travaillé avec des icônes telles que Deftones ou Pantera.

Sur cet album, BMTH explore des sonorités résolument plus atmosphériques et épurées que par le passé, créant ainsi un mélange envoûtant de puissance et d’émotion. Les textes abordent également des thématiques plus profondes, témoignant de la maturité artistique du groupe à cette période.

Vers des horizons toujours plus larges

Dans la continuité de leur évolution musicale, Bring Me The Horizon a continué à se réinventer avec leurs albums suivants : « That’s the Spirit » (2015) et « Amo » (2019). Ils ont également su s’imposer sur les scènes internationales grâce à d’impressionnantes performances live.

Des prestations scéniques à couper le souffle

En concert, BMTH offre une expérience explosive qui marque les esprits. La formation fait preuve d’une énergie inlassable qui galvanise le public, offrant ainsi des shows où la communion entre les musiciens et leurs fans est totale.

Leurs tournées les ont menés aux quatre coins du globe, se produisant dans les plus grands festivals métal et rock tels que le Download Festival, Hellfest ou encore Reading and Leeds Festival.

Nouvelles collaborations et projets annexes

BMTH n’hésite pas à collaborer avec d’autres artistes pour enrichir sa musique et proposer sans cesse de nouvelles choses à ses fans. Par exemple, Amy Lee d’Evanescence a prêté sa voix sur le titre

En dehors des albums et tournées, certains membres du groupe ont également exploré d’autres projets. Oliver Sykes, notamment, a lancé sa propre marque de vêtements appelée « Drop Dead Clothing » en 2005, tandis que Jordan Fish s’est investi dans la production musicale pour d’autres artistes.

Grâce à Bring Me The Horizon, l’avenir du métal britannique est assuré

En offrant un souffle nouveau au métal britannique à travers leur évolution constante, Bring Me The Horizon a su conquérir le coeur d’un large public. Leur engagement envers leur musique et leur désir de repousser les limites du genre rend leur parcours fascinant à suivre, donnant ainsi envie d’accompagner le groupe BMTH dans toutes leurs péripéties artistiques.

BMTH : Les 8 meilleures collaborations de Bring Me The Horizon

Les collaborations ne sont pas nouvelles pour BMTH , mais ces derniers temps, le groupe les embrasse de plus en plus.

De leur dernier effort avec la jeune star alternative YUNGBLUD aux noms variés qui ornent Music To Listen To… EP et album complet amo de l’année dernière , vous pouvez maintenant presque toujours compter sur Oli Sykes et co. pour appeler un ami célèbre et les inviter dans le studio.

Mais quels croisements ont le mieux fonctionné ? Ici, nous passons un long moment aux 8 plus grandes collaborations de BMTH de toute leur carrière…

BMTH

BMTH: Obey avec YUNGBLUD (2020)

Très bien, commençons par le débutant, d’accord? Que vous pensiez que YUNGBLUD appartient totalement à la scène rock ou non, il ne fait aucun doute qu’il envoie…

BMTH

Se déchaînant contre l’état du monde en 2020 , Obey est à la fois une chanson importante et stimulante pour ces temps fous – sans parler de fournir un carburant de premier ordre pour le moment venu et la musique live reviendra éventuellement. Oh ouais, pouvons-nous avoir la promesse que vous allez jouer ensemble sur scène dès que possible , les gars ?

BMTH: Wonderful life avec Dani Filth de Cradle Of Filth (2018)

Des riffs de nu-metal qui ont été initialement écrits pour Limp Bizkit ? Un spot invité de l’icône du métal extrême Dani Filth? Et un refrain pop colossal qui pourrait facilement remplir les arènes qu’Horizon a l’habitude de jouer ces dernières années? Vérifiez, vérifiez et vérifiez.

Alors qu’Oli avait averti avant la sortie d’amo que l’album serait« Certainement prendre quelques écoutes … parce que les chansons ont eu tellement de choses, » vie merveilleuse se sent déjà comme un aliment de base Bring Me the horizon. *

De plus, cela nous a apporté une vidéo officielle dans laquelle un Dani peint au cadavre mange des céréales et va faire l’épicerie, alors qu’est-ce qu’il ne faut pas aimer?

BMTH: Fuck avec Josh Franceschi de You Me At Six de (2010)

Lorsque Josh Franceschi et Oli Sykes font équipe, les résultats sont tout simplement superbes. L’apparition du leader d’Horizon sur You Me At Six’ S Bite My Tongue a tourné la 2011 seule dans un favori de la scène, mais l’année précédente, Josh avait déjà fourni un enfer d’un crossover sur Putain (tiré de 2010 ?

BMTH

Il est un enfer Croyez – moi , je l’ ai vu. Il Est un paradis, gardons-le secret).« Nous étions jeunes et amoureux / crises cardiaques en attente de se produire … » Croons Josh avec émotion devant un crescendo épique de synthés et des cris.

Tbh, le titre devrait probablement être changé en Fuck Yes .

BMTH: Football Season Is Over avec JJ Peters de Deez Nuts (2008)

Bien qu’il ait initialement voulu obtenir le roi de la fête Andrew WK sur ce fracas de metalcore sauvage, Horizon a finalement recruté l’ homme de Deez Nuts JJ Peters pour aider à marteler le message très important de Football Season Is Over:« Parti jusqu’à ce que vous passer dehors, boire jusqu’à ce que vous êtes mort / danser toute la nuit jusqu’à ce que vous ne pouvez pas sentir vos jambes . »

« Les paroles ne sont que faire la fête et être les gars, ce n’est pas trop d’une chanson sérieuse, » Oli a dit Kerrang !.« Et il a été écrit et enregistré quand j’étais ivre, que vous pouvez sans doute dire. » Ouais, nous avions une petite idée…

BMTH: ¿Avec Halsey (2019)

Si nous trichions ici, nous placerions la chanson de Halsey’s Birds Of Prey, avec la bande originale Experiment On Me, sur cette liste, étant donné qu’elle a été co-écrite par Oli et le claviériste / échantillons Jordan Fish.

Étant donné que nous parlons spécifiquement des chansons d’Horizon, nous opterons plutôt pour, à la place.

Tiré de l’ EP expérimental Music To Listen To… surprise du groupe à la fin de 2019 , c’est une écoute beaucoup plus morose que Experiment On Me, même en échantillonnant l’ouverture de Sempiternal Can You Feel My Heart? et interpoler une piste amo dans l’obscurité.

Les résultats, cependant, sont mauvais.«J’ai adoré BMTH » a tweeté Halsey,« Et je suis fan depuis que je suis, comme, 14 ans, afin d’ apprendre à travailler avec eux était super-surréaliste. »

BMTH: Crucify Me avec Lights (2010)

Horizon a deux collaborations avec le musicien électropop canadien Lights sur There Is A Hell en 2010 …, mais l’ouvreur Crucify Me le met au poteau parce que ce n’est qu’une façon vraiment géniale de lancer un disque.

Bien que le chant de Lights ne soit pas aussi important que sur son autre collaboration avec le groupe (Don’t Go), les passages de,« There is a hell, believe me I’ve seen it / There is a heaven, let’s keep it a secret,’  » sont magnifiquement envoûtante. comme elle ferme la chanson en chantant,« ‘I am the ocean, I am the sea / There is a world inside of me…» , il donne le ton pour ce qui est parfaitement à suivre …

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BMTH: Heavy metal avec Rahzel (2019)

‘« Parce que un enfant sur la« Gramme dans un réservoir Black Dahlia dit que ce n’est pas heavy metal … » a obtenu d’être l’ un des meilleurs paroles de ces derniers temps, non?

Mettant en vedette le beatboxer Rahzel des Roots, la réponse de BMTH aux trolls Internet qui ont affiché des opinions négatives sur l’évolution de leur carrière est un point culminant indéniable de l’amo de l’année dernière, avec Oli lâchant son plus beau rugissement pour faire bonne mesure pour prouver que, oui, BMTH peut encore être métal s’il le souhaite.

« Il y a un peu de cinq secondes clip à la fin de la piste qui est le plus lourd que nous avons sondé des années, » la Jordanie nous a dit dans une répartition piste par piste (non, pas ce genre …) de l’album.

BMTH : The Sadness Will Never End  avec Sam Carter d’ architects (2008)

C’était un régal de regarder Sam Carter se promener sur scène et rejoindre Bring Me The Horizon pour The Sadness Will Never End at All Points East l’année dernière. C’est un classique du metalcore qui tient toujours jusqu’à ce jour, avec BMTH et le leader d’Architects tirant à tous les cylindres.

Et si vous nous aviez dit en 2008 qu’ils finiraient par devenir deux des plus grands groupes de rock de Grande-Bretagne… eh bien, nous vous aurions probablement cru, pour être honnête.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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BMTH : interview

La semaine dernière , Bring Me The Horizon a commencé un nouveau chapitre de leur histoire créative apparemment sans fin avec la sortie de la ballade emo sTraNgeRs. Aujourd’hui , avant leur visite en Australie pour faire la une du festival Good Things , le claviériste et assistant de production, Jordan Fish a rejoint Maniacs pour une discussion sur la prochaine phase de l’évolution sonore de Bring Me The Horizon .

BMTH : retourne enfin sous terre pour jouer le Good Things Festival, après le chaos de ces dernières années, avez-vous hâte d’être de retour sur nos côtes ?

BMTH :« Tout à fait. Cela fait un petit moment que nous n’avons pas joué en Australie, donc je suis vraiment excité. C’était le premier endroit où j’ai tourné avec le groupe, et cela reste l’un de mes endroits préférés pour jouer.Nous avons beaucoup d’amis là-bas. Nous sommes donc très heureux de revenir.

Bring Me The Horizon a fait évoluer votre son depuis votre dernière visite, en sortant le premier EP POST HUMAN , quelques grosses collaborations et deux singles supplémentaires. Quelle a été l’impulsion de cette exploration inter-genres ?

BMTH :« Au départ, l’idée était que nous pouvions sortir de la musique plus rapidement et plus souvent. Bien que nous n’ayons pas vraiment fait cela, cette approche nous a permis de donner à chaque disque sa propre ambiance. Nous l’avons fait amo et s’il y a une chose que je Je regrette à propos de cet album que nous n’ayons pas autant misé sur une ambiance. J’ai l’impression que ça marche mieux quand chaque album a son propre genre d’ambiance dans une certaine mesure.

Donc je suppose que l’idée était d’essayer et être capable de faire des itérations différentes, légèrement différentes de « Bring Me » avec chaque disque que nous faisons. Nous pouvons donc en quelque sorte le mettre en place, afin que les gens sachent ce qu’ils vont obtenir.

Je pense que les gens seraient surpris d’apprendre que vous sentez que vous avancez lentement parce que du point de vue de l’auditeur, il semble que vous ayez constamment publié du contenu, que ce soit de nouvelles chansons, des collaborations ou des vidéos, il semble toujours qu’il se passe quelque chose avec Bring Me L’horizon. Pensez-vous qu’il y a quelque chose dans les partenariats d’écriture dans le groupe qui permet que ce soit le cas ?

BMTH :« Nous avons été un peu coincés sur ce disque, pour être juste, donc c’est un peu le mauvais moment pour répondre à cette question, parce que je me sens le contraire, en ce moment. J’ai l’impression que nous faisons un peu d’une tige pour nos propres dos un peu, en essayant de faire quelque chose de différent à chaque fois.

Ce n’est pas vraiment la façon la plus facile de travailler. Il serait plus simple de s’asseoir et de taper dix chansons sans vraiment se soucier du résultat et si ça sonne différent. Mais nous avons l’impression que nous devons découvrir quelque chose à chaque fois que nous faisons un nouvel album. Ce qui le rend plus difficile, mais cela le rend aussi plus amusant pour nous.

Il reste frais. Le groupe existe depuis 20 ans et je suis dans le groupe depuis 10 ans et chaque nouvelle chanson que nous écrivons me semble toujours essentielle. »

« Écrire sTraNgeRs n’a pas été comme écrire une autre chanson, c’était comme écrire la chanson la plus importante de notre carrière et c’était comme ça sur la dernière et celle d’avant. Nous avons ce sentiment tout le temps. Nous ne « Je ne veux pas laisser tomber une chanson de merde. Nous ne voulons pas que quelqu’un dise « oh, ça sonne comme une progression ennuyeuse ». Nous essayons de la faire avancer, parce que nous nous soucions du groupe et de ce que nous publions. « 

C’est définitivement évident sur sTraNgeRs, vous pouvez dire que beaucoup de réflexion a été consacrée non seulement à l’écriture de la piste, mais aussi au déploiement. Cela vous a-t-il semblé particulièrement important de partager ce message avec le monde de cette manière, en ce moment ?

Les paroles d’Oli « nous ne sommes qu’une pièce pleine d’étrangers » sont venues de l’idée d’être à un spectacle en direct. Lors d’un concert, vous vous trouvez dans une salle remplie d’inconnus, mais vous ressentez également cette connexion avec tout le monde qui chante. C’est comme ce sentiment primitif de communauté. Il a en quelque sorte grandi à partir de là.

Quand Oli travaille avec un concept qui ne lui est pas personnel, il aime trouver des liens vers un sens pour lui qui est personnel à sa vie. Il doit fonctionner à plusieurs niveaux. Donc, alors que pour nous, cela fonctionne comme une chanson live, mais pour Oli, cela a ce sens plus profond lié à une période qu’il a vécue en cure de désintoxication, lorsqu’il parlait à une salle pleine de personnes qu’il ne connaissait pas à propos de sa dépendance.

Il a donc toutes ces pensées profondes et internes, pendant que je barbote autour d’un ordinateur. Il est à un tout autre niveau,
À ce stade, Oli Sykes est une célébrité grand public, cela vous semble-t-il un peu étrange ou peut-être même surréaliste d’avoir un membre du groupe qui est sous un tel projecteur ?

BMTH : » S’il était un connard, ce serait un problème. Parce que si vous êtes le chanteur d’un groupe, tout le monde se concentrera sur vous. Donc, tout dépend de la façon dont le chanteur gère cela, et s’il laissez cela affecter leur ego à un point tel qu’ils ne sentent plus qu’ils ont besoin d’un groupe. Heureusement, ce n’est pas ce genre de personne, donc cela ne dérange aucun d’entre nous le moins du monde.

Il est de plus en plus célèbre le le groupe est devenu plus grand, mais finalement c’est une bonne chose pour nous tous parce que cela signifie que plus de gens aiment notre groupe. »
Vous avez été impliqué dans de nombreuses collaborations récemment, avec des gens comme Ed Sheeran, MGK et Sigrid ? Avez-vous une chanson préférée parmi toutes ?

BMTH :« Celui d’Ed Sheeran est la chanson d’Ed Sheeran, et la chanson de MGK est la chanson de MGK, donc ce serait celle de Sigrid parce que nous avons écrit la chanson. Ils sont tous géniaux à leur manière. La chanson de MGK est une chanson amusante et ça nous a ouvert à un public différent. Sigrid est une très bonne amie à moi et je l’aime en tant qu’artiste et en tant que personne.

C’était spécial parce que ça s’est bien passé et c’était un plaisir de travailler avec elle, J’aime que nous ayons eu cette expérience de travail ensemble. Sheeran était vraiment cool comme de la merde. Quand il nous a demandé, nous ne pouvions pas vraiment croire qu’on nous demandait de jouer à l’ouverture des Brits. Les BRIT Awards sont une chose énorme dans le Royaume-Uni et c’était une expérience tellement surréaliste.

Cela a énormément aidé notre carrière et j’aiJe ne suis même pas sûr qu’il se rende compte à quel point il a aidé notre carrière simplement en nous faisant interpréter une chanson avec lui. »
Je ne pense pas que les gens de notre coin du monde puissent vraiment comprendre à quel point Ed Sheeran est célèbre, c’est un autre niveau de renommée, n’est-ce pas ?

C’est un homme révélateur, quand vous rencontrez des gens comme ça. Il fait partie de ces personnes qui sont encore super terre à terre, ce qui est fou. Parce que quand vous arrivez à ce niveau, il est très rare que vous parveniez à conserver l’un de vous-même. Mais il est tellement terre-à-terre et normal que c’est en fait un peu bizarre. C’est un gars très cool et super sympa. »

Où allez-vous partir d’ici? Quelle est la trajectoire ascendante de Bring Me The Horizon ?

BMTH :« À ce stade, j’ai deux enfants et une famille, donc je ne suis pas vraiment aussi inquiet de devenir plus grand ou plus petit qu’avant. Nous jouons à un tas de festivals en ce moment et nous sommes passer un bon moment ensemble et c’est ce qui compte. Nous arrivons à ce point où nous apprécions simplement la balade.

Nous n’avons pas besoin d’être le plus grand groupe du monde, nous sommes qui nous sommes et tant que nous gardons profiter de ce que nous faisons et mettre le même niveau d’effort, alors nous serons bons. C’est tout ce qui m’importe. Je veux juste être heureux.

De plus, si jamais vous avez besoin d’un boost de dopamine, vous pouvez simplement regarder cette affiche du Good Things Festival et voir votre nom au-dessus des dieux du métal alternatif Deftones, et époustoufler votre adolescent !

BMTH :« Je me sens mal de répondre à cela, parce que je suis un si grand fan de Deftones. Je n’essaierais même pas de comparer nos carrières, car ce ne sont que des légendes. Ils ont été tellement influents pour moi personnellement, ils pourraient en fait être mon groupe préféré de tous les temps pour être honnête, Deftones. Je suis tellement excité de pouvoir jouer avec eux.

Nous n’avons eu la chance de jouer avec eux que quelques fois. Nous les avons soutenus une fois en Amérique et c’était juste incroyablement bon. Nous sommes juste de grands fans du groupe. « 

Dans l’esprit du Good Things Festival, quelles sont les bonnes choses dans ta vie en dehors de la musique, Jordan ?

BMTH :« J’ai deux enfants que j’aime bien et ma femme, ça me suffit ! »
Si vous pouviez avoir n’importe quelle chanson jouée lorsque vous entrez dans une pièce, dans un style pro-catch, quelle chanson aimeriez-vous que ce soit?

BMTH :« Les garçons sont de retour en ville. Ce serait une bonne chanson d’introduction. »
En regardant vers le prochain album, sTraNgeRs illustre-t-il ce à quoi ressemble l’avenir de Bring Me The Horizon ?

BMTH :« En quelque sorte, les deux singles que nous avons sortis, nous n’irons pas exactement là-bas, mais ce sera dans ce monde dans une certaine mesure. Certains contrasteront bien avec ces chansons. Il pourrait y avoir des trucs légèrement plus lourds là-bas . Il y a beaucoup de sous-genres que nous essayons de prendre et de moderniser un peu. sTraNgeRs est en quelque sorte une chanson de style emo grand public, DiE4u a plus une ambiance pop-emo, mais il y a tellement d’influences shouto et post-hardcore que nous j’explore ça pourrait finir sur le disque aussi. »

METALLICA HELLFEST 2022

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 31/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

METALLICA HELLFEST 2022 ? depuis quelques temps des rumeurs circulent mais c’est Tonton Zégut qui amène dernièrement une première pierre à l’édifice avec ce post :

 » Cela fait deux semaines que j’entends beaucoup de choses à propos du Hellfest, et plus particulièrement du Helfest 2, car oui il va y avoir un Hellfest 2 l’année prochaine, toutes les sources disent la même chose, tout est concordant donc ça authentifie l’incroyable présence de Metallica à Clisson au Hellfest 2, un aboutissement pour le festival et Ben Barbaud. » Les jours passent et le vent continue à souffler aux oreilles du Grand Zégut….

METALLICA HELLFEST 2022- METALLICA HELLFEST 2022 – METALLICA HELLFEST 2022

METALLICA HELLFEST 2022

Un Hellfest 2022 exceptionnel ?

Les festivals d’été ne seraient pas aussi passionnants sans plusieurs mois pour spéculer sur les artistes qui monteront sur scène cette année. Qui verrons-nous au Hellfest 2022?

2020 nous oblige à rester chez nous, car les festivals du monde entier sont annulés en raison de la pandémie de coronavirus. En avril, l’organisation Hellfest a annoncé l’annulation de l’édition 2020. Mais nous aimons regarder vers l’avenir et penser au retour des festivals d’été. D’autant plus que le Hellfest pourrait être deux fois plus long l’année prochaine !

Qui sera la tête d’affiche du festival français en 2022 ?

METALLICA HELLFEST 2022 – METALLICA HELLFEST 2022

Têtes d’affiche du Hellfest 2022

Nous pouvons supposer avec certitude que la première priorité du Hellfest est de déplacer sa programmation 2021 à l’année prochaine. Par conséquent, les plus grosses rumeurs sont les artistes qui étaient censés faire la une de l’édition de cette année. La rumeur la plus insistante est simple : du 17 au 19 juin 2022, les fans de musique extrême se retrouveront au Hellfest. Une semaine plus tard, Metallica clôturera le Hellfest 2…

Faith No More et System of a Down ont déjà annoncé des spectacles reprogrammés pour 2021, ils reviendront donc presque certainement. En revanche, il n’y a pas encore de nouvelles sur Deftones .

METALLICA HELLFEST 2022 ?

Metallica aime planifier à l’avance. Déjà en août 2019, des rumeurs ont commencé à circuler sur une tournée européenne en 2021. Presque comme d’habitude, c’est Francis Zégut qui a parlé de la rumeur la plus folle de 2021 : METALLICA HELLFEST 2022

La plupart des spectacles 2020 des titans du métal américains ont maintenant été annulés ou reportés, mais l’été prochain reste toujours ouvert. Ce serait une surprise si Metallica annonçait ses débuts au Hellfest !

METALLICA HELLFEST 2022

METALLICA HELLFEST 2022

À propos de Metallica

Metallica est un groupe de heavy metal américain basé à San Rafael, en Californie. Le groupe a été formé en 1981 à Los Angeles lorsque le chanteur / guitariste James Hetfield a répondu à une annonce publiée par le batteur Lars Ulrich dans un journal local.

La formation actuelle de Metallica comprend les membres fondateurs Hetfield et Ulrich, le guitariste principal de longue date Kirk Hammett et le bassiste Robert Trujillo.

Le guitariste Dave Mustaine (qui a ensuite formé Megadeth) et les bassistes Ron McGovney, Cliff Burton et Jason Newsted sont également d’anciens membres du groupe.

Les tempos rapides, les instruments et la musicalité agressive du groupe les placent comme l’un des «quatre grands» groupes fondateurs de thrash metal, aux côtés de Megadeth, Anthrax et Slayer.

Metallica a gagné une base croissante de fans dans la communauté musicale underground et a été acclamé par la critique avec ses quatre premiers albums; leur troisième album Master of Puppets (1986) a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus influents et les plus lourds. Le groupe a élargi sa direction musicale et obtenu un succès commercial substantiel avec son cinquième album éponyme Metallica (1991), qui a séduit un public plus grand public.

L’album était également leur premier à faire leurs débuts au numéro un du Billboard 200, un succès qu’ils ont également obtenu sur leurs cinq albums studio suivants. En 2000, Metallica s’est jointe à d’autres artistes qui ont intenté une action en justice contre Napster pour avoir partagé le matériel protégé par le droit d’auteur du groupe sans consentement.

Un règlement a été conclu et Napster est devenu un service payant. La sortie de St. Anger (2003) a aliéné les fans avec l’exclusion des solos de guitare et de la caisse claire « au son d’acier », et un film intitulé Some Kind of Monster a documenté l’enregistrement de St. Anger et les tensions au sein du groupe pendant ce temps. temps.

Le groupe est revenu à son style musical d’origine avec la sortie de Death Magnetic (2008), et en 2009, Metallica a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Après avoir tourné pendant la majeure partie des huit années suivantes, le groupe a enchaîné avec le double album Hardwired … to Self-Destruct (2016), qui a démontré des exemples de certains des différents styles musicaux que le groupe a essayés tout au long de sa carrière. Pour promouvoir l’album, le groupe a publié des vidéoclips pour les 13 nouvelles chansons de l’édition de luxe de l’album; avant la sortie de l’album, le groupe n’avait sorti que 26 vidéoclips dans sa carrière.

Metallica a sorti dix albums studio, quatre albums live, cinq pièces de théâtre prolongées, 39 vidéoclips et 37 singles. Le groupe a remporté huit Grammy Awards et six de ses albums ont fait leurs débuts consécutifs au numéro un du Billboard 200. L’album éponyme du groupe en 1991 s’est vendu à plus de 16 millions d’exemplaires aux États-Unis, ce qui en fait l’album le plus vendu de l’ère SoundScan.

Metallica se classe parmi les groupes les plus réussis sur le plan commercial de tous les temps, ayant vendu plus de 110 millions de disques dans le monde. Metallica a été répertorié comme l’un des plus grands artistes de tous les temps par de nombreux magazines, dont Rolling Stone, qui les a classés 61e sur sa liste des 100 plus grands artistes de tous les temps.

En 2017, Metallica est le troisième artiste musical le plus vendu depuis que Nielsen SoundScan a commencé à suivre les ventes en 1991, vendant un total de 58 millions d’albums aux États-Unis. Metallica a collaboré pendant une longue période avec le producteur Bob Rock, qui a produit quatre des albums studio du groupe entre 1990 et 2003 et a servi de bassiste temporaire pendant la production de St. Anger. En 2012, Metallica a formé le label indépendant Blackened Recordings et a pris la pleine propriété de ses albums et vidéos. Le groupe est actuellement en tournée mondiale pour promouvoir Hardwired … to Self-Destruct, sortie le 18 novembre 2016.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe.

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 19/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les amplis Marshall ont été célébrés par certains des plus grands groupes et musiciens du monde, notamment: Jimi Hendrix, Eric Clapton, Slash, Oasis, Muse, Gorillaz et Bring Me The Horizon. On peut être vu en tournée avec des artistes comme Justin Timberlake, Kendrick Lamar et Lana Del Rey. Cependant, rien de tout cela ne serait possible sans le fondateur et révolutionnaire, Jim Marshall OBE et son fils Terry.

Après plus de 20 ans à jouer sur la route le 7 juillet 1960, Jim a ouvert un magasin de musique familial avec sa femme Violet et son fils Terry appelé «Jim Marshall and Son», au 76 Uxbridge Road, Hanwell, Londres. Aujourd’hui, vous trouverez une plaque sur le trottoir à l’extérieur pour célébrer nos modestes débuts.

Le magasin a vendu une variété d’instruments de musique et a attiré de nombreux jeunes talents émergents, tels que Pete Townshend, Ritchie Blackmore, John Entwistle et Big Jim Sullivan, qui étaient des amis de Terry et connaissaient le magasin de musique grâce aux étudiants en batterie de Jim, tels que Keith Moon.

Les amplificateurs de guitare Marshall sont parmi les plus reconnus au monde. Leur signature sonore, caractérisée par une distorsion grésillante et un «crunch», a été conçue par Marshall après que des guitaristes, tels que Pete Townshend , aient visité la boutique de batterie de Marshall se plaignant que les amplis de guitare alors sur le marché n’avaient pas le bon son ou assez de volume.

Après avoir gagné beaucoup de publicité, les amplis de guitare Marshall et les enceintes de haut-parleurs ont été recherchés par les guitaristes pour ce nouveau son et ce volume accru.

Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe

De nombreux amplis de guitare Marshall actuels et réédités continuent à utiliser des tubes à vide(également appelés vannes en Grande-Bretagne et dans certaines autres régions), comme cela est courant dans ce secteur de marché. Marshall fabrique également des amplis à semi-conducteurs, hybrides (tube à vide et à semi-conducteurs) et à modélisation moins chers.

Quel ampli Marshall choisir ?

Il y a plusieurs amplificateurs Marshall sur le marché qui conviendront à des besoins différents en matière de sonorisation. Si vous êtes un débutant, je vous recommande de considérer les séries d’amplificateurs Marshall MG ou Code, qui offrent des fonctionnalités abordables et faciles à utiliser. Si vous êtes un musicien expérimenté à la recherche d’un son plus puissant et plus professionnel, vous pourriez envisager les séries JCM ou DSL.

Il est également important de prendre en compte la puissance de sortie de l’ampli, la taille de l’ampli, et la compatibilité avec vos instruments. Il serait préférable de tester différents amplificateurs pour trouver celui qui convient le mieux à vos besoins et à votre style de jeu.

L’histoire de Marshall

Les Origines

Après une carrière réussie en tant que batteur et professeur de technique de batterie, Jim Marshall s’est lancé en affaires en 1962 avec un petit magasin à Hanwell , Londres, vendant des tambours, des cymbales et des accessoires liés à la batterie; Marshall lui-même a également donné des cours de batterie.

Selon Jim, Ritchie Blackmore , Big Jim Sullivan et Pete Townshend étaient les trois principaux guitaristes qui venaient souvent dans le magasin et poussaient Marshall à fabriquer des amplis de guitare et lui disaient le son et le design qu’ils voulaient. [6] Marshall Ltd. s’est ensuite agrandie, a embauché des concepteurs et a commencé à fabriquer des amplis de guitare pour concurrencer les amplis existants, dont le plus notable à l’époque était le Fenderamplis importés d’Amérique.

Ceux-ci étaient très appréciés des guitaristes et des bassistes, mais ils étaient très chers. Les trois guitaristes ont été parmi les premiers clients des 23 premiers amplis Marshall fabriqués.

Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe

Jim Marshall voulait que quelqu’un produise une alternative moins chère aux amplis de guitare fabriqués aux États-Unis, mais comme il avait une expérience limitée en génie électrique, il a fait appel à son réparateur d’atelier, Ken Bran, un technicien de Pan American Airways , Dudley Craven, un apprenti EMI.

Le plus aimé le son du Fender Bassman 4 × 10 pouces et a fait plusieurs prototypes en utilisant l’amplificateur Fender Bassman comme modèle. Le sixième prototype produit, selon les mots de Jim, le « Marshall Sound », bien qu’à cette époque, la seule implication de Jim était de vendre les amplis à la commission dans son magasin.

Au fur et à mesure que les affaires augmentaient, Marshall demanda aux trois de travailler pour lui dans son atelier, car il avait plus d’espace et de capital pour se développer.

 

L’idée originale a été évoquée tard un vendredi soir au début de 1963 dans un bar Wimpy à Ealing dans l’ouest de Londres par trois passionnés de radio amateur après avoir été à leur réunion hebdomadaire du radio-club de Greenford, l’indicatif d’appel de Dudley était G3PUN, celui de Ken Bran était G3UDC, et Ken Underwood était G3SDW.

À la mort de Dudley en 1998 et à la mort de Ken Bran en 2018, le seul individu original est Ken Underwood.

Les six premières unités de production ont été assemblées dans les abris de jardin de Ken Bran, Dudley Craven et Ken Underwood la même année, à Heston , Hanwell et Hayes , tous dans l’ouest de Londres. Ils étaient presque des copies du circuit Bassman, avec des soupapes de puissance 5881 en surplus militaire américain, un parent du 6L6.

Peu de haut-parleurs étaient alors capables de gérer plus de 15 watts,  ce qui signifiait qu’un amplificateur approchant 50 watts devait utiliser quatre haut-parleurs.

Amplis MARSHALL

Pour leur Bassman, Fender a utilisé quatre haut-parleurs Jensen dans le même baffle que l’amplificateur, mais Marshall a choisi de séparer l’amplificateur des haut-parleurs et a placé quatre haut- parleurs Celestion de 12 pouces dans un baffle fermé séparé au lieu des quatre de 10 pouces. Jensens dans un combo à dos ouvert.

D’autres différences cruciales comprenaient l’utilisation de vannes ECC83 à gain plus élevé dans tout le pré-ampli et l’introduction d’un filtre à condensateur / résistance après le contrôle du volume. Ces changements de circuit ont donné à l’ampli plus de gain, ce qui lui a permis de passer en over drive plus tôt sur le contrôle du volume que le Bassman, et a augmenté les fréquences aiguës.

Ce nouvel amplificateur, provisoirement appelé le « Mark II », a finalement été nommé le  » JTM 45 « , d’après Jim et son fils Terry Marshall et la puissance maximale de l’amplificateur.

Jimi Hendrix, Eric Clapton et d’autres groupes basés sur le blues rock de la fin des années 1960 tels que Free ont utilisé des stacks Marshall à la fois en studio et sur scène, ce qui en fait l’un des amplis les plus recherchés et les plus populaires de l’industrie.

Amplis MARSHALL

L’accord de distribution Marshall

Marshall a conclu un accord de distribution de 15 ans avec la société britannique Rose-Morris en 1965, ce qui lui a donné le capital nécessaire pour étendre ses activités de fabrication, bien que cela s’avérerait coûteux.

Rétrospectivement, Marshall a admis que l’accord Rose-Morris était « la plus grosse erreur que j’ai jamais faite. Rose-Morris n’en avait pas vraiment la moindre idée. Pour l’exportation, ils ont ajouté 55% à mon prix, ce qui nous a mis hors du monde. marché depuis longtemps.  »

Amplification du parc Marshall

Le nouveau contrat avait privé de leurs droits de nombreux anciens distributeurs d’amplis Marshall, dont son vieil ami Johnny Jones. Le contrat de Marshall ne l’a pas empêché de construire des amplis en dehors de l’entreprise, et Marshall a donc lancé le nom de marque Park , inspiré du nom de jeune fille de l’épouse de Jones.

Pour se conformer à ses stipulations de contrat, ces amplis avaient des changements de circuit mineurs par rapport aux amplis Marshalls réguliers et des changements mineurs à l’apparence.

Amplis MARSHALL

Par exemple, souvent les parcs avaient des panneaux avant argentés ou noirs au lieu de ceux dorés des amplis Marshall, certains des enclos étaient plus hauts ou de forme différente, et les commandes étaient disposées et étiquetées différemment.

À partir du début de 1965, Park a produit un certain nombre d’amplificateurs, dont une tête de 45 watts. La plupart d’entre eux avaient une disposition et des composants Marshall, bien que certains amplificateurs inhabituels aient été fabriqués, tels qu’un amplificateur de clavier de 75 watts avec des tubes KT88 .

Un combo 2 × 12 pouces avait la possibilité d’envoyer le premier canal dans le second, probablement inspiré par les utilisateurs de Marshall faisant la même chose avec un câble de raccordement. Le Park 75 de 1972 a produit environ 100 watts au moyen de deux KT88, alors que le modèle comparable de 50 watts 1987 de l’époque utilisait 2 tubes EL34 .

En 1982, Park a pris fin, bien que Marshall ait plus tard relancé la marque pour certains amplificateurs à transistors fabriqués en Asie. [9] Les parcs fabriqués du milieu des années 1960 à environ 1974 (les «années d’or»), avec un câblage point à point – selon la rumeur, être «un peu plus chaud» que les Marshall réguliers – atteignent des prix plus élevés que les «vrais» comparables aux amplis Marshalls de la même période.

Les autres noms de marque Marshall

Wall of Marshall Fridge: produits de réfrigérateur utilisant la marque Marshall.
Les autres noms de marque que Marshall Amplification avait utilisés pour diverses raisons commerciales comprenaient Big M (pour le marché ouest-allemand de l’époque), Kitchen / Marshall (pour la chaîne de vente au détail Kitchen Music au nord de Londres), Narb (le nom de famille de Ken Bran épelé à l’envers) et CMI ( Instruments de musique Cleartone).

Les amplificateurs vendus sous ces marques sont assez rares et se vendent aux collectionneurs à des prix élevés.

Amplis MARSHALL

Les premiers modèles d’amplis

Le Bluesbreaker

Pour réduire les coûts, Marshall a commencé à s’approvisionner en pièces au Royaume-Uni. Cela a conduit à l’utilisation de transformateurs fabriqués par Dagnall et Drake et à un passage à la vanne KT66 au lieu du tube 6L6 couramment utilisé aux États-Unis.

Les changements ont donné aux amplis Marshall une voix plus agressive, qui a rapidement trouvé la faveur de joueurs comme Eric Clapton , qui s’asseyait dans la boutique de Jim pour s’entraîner. Clapton a demandé à Jim Marshall de produire un ampli combo avec trémolo, qui rentrerait dans le coffre de sa voiture, et l’un des amplis Marshall les plus célèbres est né, l’ ampli  » Bluesbreaker « .

C’est l’amplificateur, en tandem avec sa Gibson Les Paul Standard de 1960 (le « Beano »), qui a donné à Clapton ce fameux ton sur l’Album de John Mayall & the Bluesbreakers de 1966, Bluesbreakers avec Eric Clapton .

La facade en Plexi  de Marshall

Les amplis Marshall de cette époque sont facilement identifiables grâce à leur façade en verre acrylique (aka Plexiglas ), qui leur a valu le surnom de « Plexi ». En 1967, Marshall a publié une version de 50 watts du Superlead de 100 watts connue sous le nom de modèle de 1987 . En 1969, le panneau en plexiglas a été remplacé par un panneau avant en métal brossé.

Parmi les autres premiers clients, citons Pete Townshend et John Entwistle de The Who , dont la recherche de volume supplémentaire a conduit Marshall à concevoir l’amplificateur à lampes classique de 100 watts.

Ken Bran et Dudley Craven, les développeurs de Marshall, ont doublé le nombre de vannes de sortie, ajouté un transformateur de puissance plus grand et un transformateur de sortie supplémentaire. Quatre de ces amplis marshall ont été construits et livrés à Pete Townshend, et le Marshall Super Lead Model 1959 , le Plexi original, est né en 1965. À la demande de Pete Townshend, Marshall a produit un baffle 8 × 12 pouces (bientôt remplacé par une paire de baffles 4 × 12 pouces) sur lequel la tête d’amplification 1959 a été placée, donnant lieu à la pile Marshall, une image emblématique du rock and roll.

La taille du mur des piles de Marshall « est devenue bientôt un indicateur de l’état du groupe », même lorsqu’elle est rendue obsolète par des systèmes de sonorisation améliorés; en fait, bon nombre des « tableaux ridiculement énormes de têtes et de cabines » comprenaient des mannequins.

Pourtant, la plupart des têtes modernes de 100 watts ont des racines dans la conception de Marshall, même si elles contiennent souvent beaucoup plus de fonctionnalités (ou des tubes différents, tels que les tubes 6L6 plus américains ).

Modèles milieu des années 1970 et 1980

L’Amplis MARSHALL JMPS

Après 1973, pour rationaliser la production, le câblage manuel à forte intensité de main-d’œuvre a été interrompu et les amplis à valve Marshall ont été remplacés par des circuits imprimés (PCB).

Une grande partie du débat sur la différence de ton entre les amplis Marshall à panneaux en plexiglas et en aluminium remonte à 1974, date à laquelle un certain nombre de changements de circuits ont été apportés aux amplis de 1959 et 1987; avec l’ajout de «mkII» ajouté au nom «Super Lead» sur le panneau arrière et «JMP» («Jim Marshall Products») ajouté à gauche de l’interrupteur d’alimentation sur le panneau avant.

Le distributeur américain de Marshall Unicord leur a également demandé de remplacer tous les amplis vendus aux États-Unis et au Japon par le General Electric 6550 beaucoup plus robuste.au lieu du tube de sortie EL34.

L’effet combiné de différents tubes et d’un circuit modifié a donné à ces Marshall du milieu des années 1970 un son très brillant et agressif qui était plus percutant que le son EL34, mais pas aussi riche, compressé et avait moins de distorsion de l’amplificateur de puissance.

À la fin de 1975, Marshall a présenté la série «Master Volume» («MV») avec le 100W 2203, suivi en 1976 par le 50W 2204. Il s’agissait d’une tentative de contrôler le niveau de volume des amplis tout en conservant les tonalités de distorsion saturées qui avaient devenir synonyme de la marque Marshall.

Pour ce faire, les concepteurs Marshall ont connecté les deux étages d’entrée en série plutôt qu’en parallèle sur le 2203, mais pas initialement sur le 2204, et ont modifié le circuit de l’étage de gain pour préserver les caractéristiques tonales du son «  Plexi à manivelle  » et ont converti le désormais obsolète. contrôle de volume du deuxième canal à un Master Volume en le connectant entre le pré-ampli et le circuit d’égalisation. Le 2204 a emboîté le pas au début de 1977 et a changé son circuit de pré-ampli pour correspondre au 2203 (alors) plus populaire.

Par Rick Reinckens, qui était un technicien électronique à court terme employé d’Unicord qui a testé les premières unités à leur arrivée d’Angleterre, Tony Frank, l’ingénieur en chef d’Unicord, a eu l’idée d’un contrôle à double volume (un gain de pré-ampli et un volume principal).

Les modifications des circuits ont été optimisées pour reproduire le son des Marshall non MV précédents avec le contrôle de volume principal réglé sur «  bas  », mais les joueurs se sont rapidement rendu compte que «  lancer  » le MV de ces nouveaux amplis Marshall produirait encore plus de distorsion overdrive, le ton dont était plus coupant et énervé, et a ensuite trouvé la faveur de joueurs tels que Randy Rhoads , Zakk Wylde et Slash .

Les modèles de volume non maître de 1959 et 1987 ont également continué sous la ligne JMP jusqu’en 1982.

Le Marshall  JCM 800

Peu de temps après la fin de l’accord Rose-Morris à la fin de 1980, Marshall a reconditionné deux modèles MV, le 2203 et le 2204 (à 100 et 50 watts, respectivement), ainsi que le Super Lead de 1959 et 1987 non maître dans une nouvelle boîte. avec un nouveau panneau, et l’a appelé la série  » JCM800  » (du nom de ses initiales et de la plaque d’immatriculation de sa voiture). [18] Marshall a fabriqué plusieurs amplis sous le nom de JCM800.

Le Jubilé Marshall

Une année marquante pour Jim Marshall fut 1987. Elle marqua 25 ans dans le domaine des amplis et 50 ans dans la musique. Cela a été célébré avec la sortie de la série d’amplis Silver Jubilee. La série Silver Jubilee comprenait le 2555 (tête de 100 watts), 2550 (tête de 50 watts) ainsi que d’autres numéros de modèle 255x dénommant divers combos et même une « tête courte ».

Les amplis Jubilee étaient fortement basés sur les JCM800 de l’époque, avec une section de sortie très similaire avec un nouveau préampli. Leur caractéristique la plus médiatisée était la commutation à demi-puissance, qui est activée par un troisième interrupteur à bascule à côté des interrupteurs standard «power» et «standby».

Sur le modèle de 50 watts, cela se reflétait dans la numérotation – 2550 est commutable de 25 à 50 watts – et reflétait également le 25e anniversaire des amplis Marshall et Jim Marshall ‘ s 50 ans dans la musique. Les amplis étaient recouverts d’un revêtement argenté et avaient une plaque frontale argentée brillante, ainsi qu’une plaque commémorative.

Le Jubilee comportait également une conception de «canal semi-divisé», dans laquelle deux niveaux de gain d’entrée différents pouvaient être réglés, passant par la même pile de sons et le même contrôle de volume principal. Cela a permis à un niveau de gain «Marshall classique» d’être commuté au pied jusqu’à un son moderne, à gain moyen à élevé, légèrement plus sombre et plus élevé en gain que le son plus brutal JCM800 qui caractérisait la musique rock des années 1980.

« Le son de ces amplis Marshall est particulièrement épais et sombre, même à l’échelle Marshall. Le gain par rapport aux standards actuels est moyen. » [19] Le son de distorsion de la gamme Jubilee est caractérisé par le travail en direct de Slash avec Guns N ‘Roses. Il utilisait rarement autre chose en direct, mais curieusement, le Jubilé n’apparaissait sur aucun Guns N ‘Appetite for Destruction (1987) et un JCM800 modifié sur les albums suivants.

Il peut être entendu sur certains desmatériaux Velvet Revolver . Les amplis Jubilee comportaient également un bouton «pull out» qui activait un circuit d’écrêtage de diode (similaire à l’augmentation de l’entrée de l’ampli avec une pédale d’overdrive).

Les autres utilisateurs notables de Jubilee incluent les Black Crowes , John Frusciante ( Red Hot Chili Peppers ) et Alex Lifeson ( Rush ), qui l’ont largement utilisé dans l’enregistrement de l’album Clockwork Angels (2012)de Rush.

Après l’année Jubilee, la production des amplis Marshall de la série 25xx a continué pendant un an de plus (sans changements internes), mais est revenue à une livrée Marshall standard de noir et d’or. On les appelle parfois les amplis personnalisés JCM800.

Modèles milieu des années 1980 et 1990

La concurrence des sociétés américaines amplificateur

Marshall a commencé à voir plus de concurrence des sociétés d’amplification américaines telles que Mesa Boogie et Soldano. Marshall a ensuite mis à jour la gamme JCM800 avec des modèles supplémentaires et de nouvelles fonctionnalités telles que la « commutation de canal », ce qui signifiait que les joueurs pouvaient basculer entre les sons clairs et déformés en appuyant sur un commutateur au pied.

Cette fonction a fait ses débuts dans les séries 2205 (50 watts) et 2210 (100 watts) et ces amplis Marshall contenaient plus de gain de pré-ampli que jamais grâce à une nouvelle innovation; coupure de diode. Cela signifiait qu’une diode à semi-conducteurs ajoutait une distorsion supplémentaire au chemin du signal, semblable à l’ajout d’une pédale de distorsion.

En tant que tels, les JCM800 à canal partagé étaient les Marshall à gain le plus élevé jamais construits – « Lors de leur première sortie, de nombreux joueurs ont été choqués (certains ont même été rebutés) par sa distorsion brillante et intense – bien plus que tout autre ampli de l’époque. »

Bien que vivement critiqués aujourd’hui par les puristes à lampes, ces amplis étaient plus populaires que jamais, trouvant une acceptation massive au sein de la communauté du hard rock et toujours utilisés aujourd’hui par beaucoup.

Les JCM800 à canal partagé sont toujours utilisés par Tom Morello (Rage Against the Machine, Audioslave) et ont été joués exclusivement par Michael Schenker (UFO) pendant de nombreuses années.

Marshall à cette époque a commencé d’autres expériences avec des amplis à semi-conducteurs , dont la qualité s’améliorait de plus en plus en raison des innovations technologiques, mais qui étaient toujours considérés comme des équipements de niveau débutant.

Quoi qu’il en soit, les gammes de produits à semi-conducteurs portant le nom Marshall ont été et sont toujours un succès féroce (bien que mis à prix critique) pour la société, permettant aux guitaristes débutants de jouer la même marque d’ampli que leurs héros.

Un Marshall d’entrée de gamme particulièrement réussi était la série combo Lead 12 / Reverb 12, qui comportait une section de préampli très similaire à un JCM800, et une section de sortie particulièrement douce. Ces amplis ont en fait été utilisés sur disque par Billy Gibbons de ZZ Top , et sont maintenant très demandés.

Les années 1990

Le Marshall  JCM 900

Dans les années 1990, Marshall a de nouveau mis à jour sa gamme de produits avec la série JCM900. Revu par le magazine Guitarist au Royaume-Uni et compte tenu de la ligne «Shredders, voici un ampli que vous n’aurez pas besoin de modifier», cette décision de Marshall était à nouveau une excroissance des désirs des musiciens, avec plus de distorsion que jamais et toujours populaire aspects des derniers modèles JCM800.

Cependant, malgré ces affirmations marketing, ils n’étaient pas aussi performants que ceux annoncés et utilisaient des composants à semi-conducteurs pour une grande partie de la distorsion de certains modèles – ce que de nombreux guitaristes n’aimaient pas.

Pourtant, sinon avec des shredders, la ligne JCM900 a été bien accueillie par les jeunes joueurs associés à la pop, au rock, au punk et au grunge qui était répandu au début des années 1990.

Il existe trois variantes différentes du JCM900. Les modèles les plus courants sont les modèles «Dual Reverb» 4100 (100 watts) et 4500 (50 watts), qui sont un descendant du modèle JCM800 2210/2205. Ces modèles comportent deux canaux, un préampli à semi-conducteurs et une distorsion de diode.

Les 2100/2500 Mark III sont essentiellement des JCM800 2203/2204 avec un écrêtage de diode supplémentaire contrôlable via un bouton sur le panneau avant et une boucle d’effets. Celles-ci sont assez rares et n’étaient pas en production depuis longtemps avant d’être remplacées par le 2100/2500 SL-X, qui a remplacé l’écrêtage de diode du Mk III par un autre tube de préampli 12AX7 / ECC83. Ce sont facilement la distorsion la plus élevée des trois variantes.

Un certain nombre d’entre eux ont été expédiés avec Sovtek 5881vannes, une variante robuste de la famille 6L6 de vannes de sortie, en raison d’un manque d’EL34 de qualité appropriée. La plupart des JCM900 et 6100 construits entre 1994 et 1998 ont quitté l’usine avec les 5881.

A cette époque, il a sorti quelques amplis Marshall « édition spéciale » dans cette gamme, dont un modèle « Slash Signature », une première pour la société. Il s’agissait en fait d’une réédition de l’ancien amplificateur Silver Jubilee 2555, avec des composants internes identiques, un look $standard et un logo Slash. Cet ampli a conservé des EL34 et 3 000 unités ont été produites de 1996 à 1997.

Le Marshall 30e anniversaire série 6100

1993 a marqué 30 ans dans le secteur des amplis. Pour commémorer cette étape importante, Marshall a sorti la série d’amplis 30th Anniversary, le 6100LE alimenté par EL34 avec un revêtement bleu commémoratif et une plaque frontale dorée, qui a été suivi par le 6100 (en tolex bleu et toujours alimenté par EL34) puis en 1994 le 6100LM (en standard Livrée Marshall mais maintenant 5881 alimenté comme les JCM900 de l’époque).

Toutes les versions du 6100 avaient trois canaux; clean, crunch et lead. Le canal clair comportait un mid shift, qui offrait l’option d’un son plus « à la Fender », et le canal crunch présentait trois modes recréant tous les sons crunch classiques de Marshall des trois dernières décennies.

Le canal principal comportait un gain de gain commutable et un commutateur de contour de milieu de gamme, ce qui lui donnait les niveaux de ton et de gain, ce que Marshall ‘ Les ingénieurs espéraient qu’il resterait compétitif dans le monde à haut gain du début au milieu des années 90. En fait, certains joueurs ont estimé que le canal principal était peut-être le maillon le plus faible de l’arsenal de l’amplificateur, et il a été révisé au cours de la troisième année de production (le LM signifie « Lead Mod »).

Cette révision présentait un gain encore plus élevé.

La série Anniversary a trouvé une place importante avec Joe Satriani en particulier, qui a favorisé les premières versions alimentées par EL34 et n’a utilisé que le canal clair en direct avec sa pédale de distorsion Vox Satchurator qui est basée sur son ancienne Boss DS-1 modifiée . Satriani a utilisé ces anciennes pédales Boss presque exclusivement pour le travail live et sur un certain nombre d’albums studio dont The Extremist (1992) jusqu’au début des années 2000.

Les modèles Anniversary étaient probablement les Marshall les plus compliqués de tous les temps (à part peut-être le dernier JVM), avec MIDIsélection de canal, commutation demi-puissance, commutation pentode / triode, excursion de haut-parleur réglable et commutateur de compensation de faible volume.

Malgré toute cette complication, les amplis  avaient un chemin de signal pur qui ne partageait pas les lampes de pré-ampli entre les canaux (contrairement aux conceptions  ultérieures comme la TSL et la JVM). Parmi les autres utilisateurs célèbres de 6100, citons Alex Lifeson sur l’album de Rush Test for Echo (1996) et le guitariste de Ocean Color Scene (OCS) Steve Cradock .

Les modèles Marshall actuels

Marshall produit actuellement un certain nombre d’amplificateurs, qui sont un mélange de designs modernes et de rééditions vintage. La plupart des modèles tentent d’inclure le « classique » Marshall « rugissement ».

Série modernes

À partir de 2012, Marshall a produit une large gamme d’amplis avec le look et le son de l’ampli à lampes Marshall. Le plus ancien de ces modèles est la gamme JCM2000, qui est divisée en séries à deux et trois canaux, appelées Dual et Triple Super Leads.

Ces amplis sont une continuation des séries JCM800 et 900, bien que le circuit d’écrêtage de diode controversé utilisé dans les derniers 800 et 900 ampères ait été supprimé au profit d’étages de gain de valve supplémentaires. Bien que regroupés en tant que modèles JCM2000, le DSL et le TSL ont des circuits différents et sont plus éloignés que la gamme de modèles ne le suggère.

Marshall s’est tourné vers un nouveau produit phare pour clouer tous les compromis des modèles précédents, la JVM, faite dans une variété de modèles et de gammes.

 Marshall Série Vintage

Amplis Marshall Vintage Reissue

En 2001, Marshall a réédité plusieurs de ses amplis antérieurs, comme le Model 1959-SLP , qui est conçu pour être une réédition de l’amplificateur « Plexi » de la fin des années 1960, mais qui sont en réalité des rééditions du Super Lead post-1973 modèles en ce qu’ils utilisent des cartes de circuits imprimés en interne pour réduire les coûts de fabrication.

La conception originale utilisait des circuits câblés à la main sur des cartes de tourelle, qui sont maintenant disponibles pour une prime dans la série «câblée à la main». D’autres rééditions sont conçues de manière similaire sur des circuits imprimés, même lorsque les originaux étaient câblés à la main, sauf indication explicite

Ampli à semi-conducteurs

Les amplificateurs «Valvestate» de contenaient un hybride de technologie à valve et à semi-conducteurs. Actuellement appelé la «série AVT» (bien que ceux-ci soient maintenant hors de production, remplacés par le «hommage AVT» pendant une courte période), il existe un certain nombre de modèles différents, tous moins chers que leurs homologues à soupapes .

Il s’agit de la gamme actuelle d’amplis Marshall «hybrides» , avec un tube de pré-ampli 12AX7 utilisé dans le pré-ampli (pour «réchauffer» le signal) ainsi que des composants à semi-conducteurs, avec un ampli de puissance à semi-conducteurs. Ceux-ci sont considérés et commercialisés comme des équipements de niveau intermédiaire pour combler l’écart entre la gamme de vannes supérieure et la série MG de gamme inférieure.

En janvier 2009, Marshall a sorti sa dernière variante de la gamme d’amplificateurs MG. Remplaçant la gamme MG3, le MG4 a été conçu pour offrir au guitariste une multitude de fonctionnalités tout en gardant le contrôle de l’amplificateur simple.

 Marshall  Série basse

Marshall fabrique actuellement une plate-forme de basse professionnelle à soupapes appelée VBA400. Il abrite huit soupapes de puissance 6550 plus trois soupapes de pré-ampli ECC83 et une ECC82 .

L’entrée reçoit les deux basses actives et passives pick-up ; il y a aussi une sortie XLR DI pour l’enregistrement complet avec élévation de terre ( mise à la terre ) et commutateurs Pre / Post EQ .

Récemment, Marshall a honoré Lemmy Kilmister de Motörhead avec sa toute première tête d’ampli basse signature, basée sur son super bass de 100 watts « Murder One ».

Il existe également des modèles à semi-conducteurs appelés série MB allant de 15 watts à 450 watts et des armoires d’extension.

amplis MARSHALL

Il y a plusieurs facteurs à considérer lorsque vous recherchez des enceintes Marshall. Voici quelques points importants à prendre en compte :

• Puissance de sortie : Assurez-vous que l’enceinte a une puissance de sortie suffisante pour votre ampli et pour les performances que vous prévoyez de donner.
• Taille et poids : Pensez à l’endroit où vous allez utiliser l’enceinte et à la facilité de transport.
• Fréquence de réponse : Assurez-vous que l’enceinte a une réponse fréquentielle suffisamment large pour reproduire tous les sons de votre instrument ou de votre système de sonorisation.
• Type de haut-parleur : Les enceintes Marshall utilisent généralement des haut-parleurs de grave, de médiums et d’aigus pour reproduire le son.
• Connexion : Vérifiez si l’enceinte est compatible avec votre ampli ou votre système de sonorisation.
• Design : Marshall est connu pour son design classique et élégant, si vous êtes un amoureux du style Marshall, vous pourriez vouloir opter pour une enceinte qui correspond à cela.

Il est important de noter que les enceintes Marshall sont généralement plus chères que les enceintes de marques concurrentes, mais elles ont généralement une qualité sonore supérieure et une plus grande durabilité. Il est donc important de bien réfléchir à vos besoins et à votre budget avant de faire un choix.

Comment connecter une enceinte Marshall ?

Il existe plusieurs façons de connecter une enceinte Marshall à votre ampli ou système de sonorisation. La méthode la plus courante consiste à utiliser des câbles de liaison à bornes, comme des câbles Speakon ou des câbles à bornes bananes. Voici les étapes à suivre pour connecter une enceinte Marshall à un ampli :

1. Assurez-vous que l’ampli et l’enceinte sont éteints et débranchés.
2. Localisez les bornes de sortie de l’ampli et les bornes d’entrée de l’enceinte. Il est généralement indiqué sur l’ampli et l’enceinte si il s’agit de bornes positives ou négatives.
3. Branchez les câbles de liaison à bornes aux bornes de l’ampli et de l’enceinte correspondantes. Assurez-vous que les câbles sont correctement branchés et que les bornes sont bien enfoncées.
4. Allumez l’ampli et réglez-le sur la puissance appropriée pour l’enceinte. Ajustez le volume de l’ampli pour éviter de surcharger l’enceinte.
5. Testez l’enceinte en jouant de la musique ou en utilisant un générateur de test de fréquence pour vous assurer qu’elle fonctionne correctement.

Il est important de noter que certains amplis ou systèmes de sonorisation peuvent utiliser des connecteurs différents, il est donc important de vérifier les spécifications de l’ampli et de l’enceinte pour s’assurer que les connecteurs correspondent. Il est également important de vérifier les limites de puissance de l’enceinte pour éviter de la surcharger.

FAQ sur la marque Marshall

1. Qui est Marshall ?

Marshall Amplification est une entreprise britannique fondée en 1962 par Jim Marshall, qui est devenu célèbre pour ses amplis pour guitares électriques. Au fil des ans, Marshall est devenu un nom synonyme de sonorités rock et de qualité supérieure.

2. Qu’est-ce qui rend les amplis Marshall si populaires ?

Les amplis Marshall sont connus pour leur sonorité distinctive et leur puissance. Ils ont été utilisés par certains des plus grands noms de la musique rock, notamment Jimi Hendrix, Eric Clapton et Slash. Les amplis Marshall sont également réputés pour leur robustesse, leur fiabilité et leur durabilité.

3. Quels types d’amplis Marshall sont disponibles ?

Marshall propose une large gamme d’amplis pour guitares électriques, allant des petits modèles portables aux grandes têtes d’amplis pour la scène. Certains des modèles les plus populaires incluent le JCM800, le DSL100 et le JTM45.

4. Comment choisir le bon ampli Marshall pour moi ?

Le choix de l’ampli Marshall qui convient dépend de vos besoins en matière de sonorité, de puissance et de budget. Si vous êtes un musicien débutant, un petit ampli Marshall peut être suffisant, tandis que les musiciens professionnels cherchent peut-être une tête d’ampli plus puissante pour jouer sur scène. Il est important d’essayer différents modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu.

5. Comment entretenir son ampli Marshall ?

Pour que votre ampli Marshall reste en bon état de fonctionnement, il est important de le nettoyer régulièrement et de le maintenir. Cela peut inclure le remplacement des lampes et des fusibles, le nettoyage des potentiomètres et des jacks d’entrée/sortie, et l’inspection régulière des câbles et des connexions.

6. Les amplis Marshall ont-ils une garantie ?

Oui, les amplis Marshall sont généralement couverts par une garantie du fabricant. La durée de la garantie peut varier en fonction du modèle et du pays de vente, mais elle couvre généralement les défauts de fabrication et les problèmes liés aux matériaux.

7. Marshall fabrique-t-il d’autres produits en plus des amplis ?

En plus des amplis pour guitares électriques, Marshall fabrique également des enceintes de sonorisation, des casques d’écoute, des pédales d’effets et des instruments de musique. La société propose également une gamme de produits sous licence, notamment des produits dérivés pour les fans de musique rock.

8. Qu’est-ce qui distingue les amplis Marshall des autres marques d’amplis pour guitares électriques ?

Les amplis Marshall sont souvent considérés comme ayant une sonorité plus chaude et plus organique que d’autres marques d’amplis

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pour guitares électriques, grâce à leur conception et à leur construction. Les amplis Marshall sont également connus pour leur esthétique iconique, avec leur grille en tissu noir et leur logo blanc sur fond noir.

9. Comment se fait l’entretien d’un ampli Marshall ?

Il est important de maintenir régulièrement votre ampli Marshall pour qu’il fonctionne bien. Cela peut inclure le nettoyage des potentiomètres, des jacks d’entrée/sortie et de la grille en tissu, ainsi que le remplacement des lampes et des fusibles. Il est également important de s’assurer que l’ampli est stocké dans un endroit sec et à l’abri de la poussière et de l’humidité.

10. Où puis-je acheter un ampli Marshall ?

Les amplis Marshall sont disponibles dans de nombreux magasins de musique et en ligne, y compris sur le site web de la société. Il est recommandé d’essayer plusieurs modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu et à vos besoins. Il est également important de vérifier les prix et les garanties avant d’acheter un ampli Marshall pour vous assurer que vous obtenez le meilleur rapport qualité-prix.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Les fanatiques et militants du franc-parler Rage Against the Machine ont éduqué des foules de fans de musique en injectant leur cocktail Molotov explosif de rap, de punk hardcore, de funk et de métal avec une dose d’une urgence farouchement polémique et politiquement chargée.

Explosion mainstream en 1992 pour Rage Against the Machine avec « Killing in the Name » – leur protestation sonore contre la brutalité policière et le racisme systémique – Rage Against the Machine a planté son drapeau dans la scène avec son premier triple platine, Rage Against the Machine , qui a courtisé la controverse avec son couverture graphique d’un moine bouddhiste protestant et auto-immolé.

Pour le reste de la décennie, les Rage Against the Machine ont continué à faire passer ce message anti-autoritaire et révolutionnaire, prolongeant leur séquence de platine avec les gagnants ultérieurs des Grammy Awards Evil Empire (1996) et The Battle of Los Angeles (1999).

Au tournant du millénaire, il semblait qu’ils ne montreraient aucun signe de relâchement, d’équilibrer les ventes et le succès des graphiques avec des manifestations qui font la une des journaux (comme la fermeture de la Bourse de New York pour un tournage vidéo).

Rage Against the Machine

Cependant, à la fin de 2000, Rage Against the Machine a implosé et a décidé de faire une pause. Après avoir publié un album de reprises, Renegades , les membres ont poursuivi d’autres projets, avec le chanteur Zack de la Rocha en solo et le reste du groupe formant Audioslave avec Soundgarden.le chanteur Chris Cornell .

Dans les années 2010, un album de retour de Rage Against the Machine ne s’est jamais matérialisé, mais le groupe est resté un incontournable du paysage culturel, effectuant des spectacles et travaillant sur des projets parallèles tels que Prophets of Rage .

Au tournant de la décennie suivante, Rage Against the Machine a fait un autre retour officiel, organisant une tournée mondiale de retrouvailles en 2020 qui a été mise à l’écart par l’épidémie de la pandémie COVID-19.

La même année, au milieu des manifestations internationales contre la brutalité policière, leurs débuts marquants ont touché une corde sensible auprès des manifestants, réintégrant les charts américains alors que chacun de leurs albums atteignait le Top 30 des services de streaming.

Rage Against the Machine : la formation du groupe

La formation initale de Rage Against the Machine

S’attaquant aux entreprises américaines, à l’impérialisme culturel et à l’oppression gouvernementale, Rage Against the Machine s’est formé à Los Angeles au début des années 90 à partir de l’épave d’un certain nombre de groupes locaux: le chanteur Zack de la Rocha (le fils de l’artiste politique chicano Robert de la Rocha) est issu des groupes Headstance , Farside et Inside Out ; le guitariste Tom Morello (le neveu de Jomo Kenyatta, le premier président kenyan) est originaire de Lock Up ; et le batteur Brad Wilk a joué avec le futur leader de Pearl Jam Eddie Vedder .

Premiere cassette du groupe

Complété par le bassiste Tim Commerford , un ami d’enfance de de la Rocha , Rage Against the Machine a fait ses débuts en 1992 avec une cassette de 12 chansons auto-publiée et intitulée « Bullet in the Head », qui est devenue un succès lors de sa réédition en single plus tard. dans l’année.

La bande a valu au groupe un accord avec Epic, et leur saut dans les majors n’est pas passé inaperçu par les détracteurs, qui ont remis en question l’intégrité révolutionnaire de la décision de Rage Against the Machine de s’aligner sur la société mère du label, le géant des médias Sony.

Rage Against the Machine : le succès

Sans se décourager, le quatuor a fait ses débuts officiels sur les grands labels avec Rage Against the Machine , marquant des succès avec des singles comme « Killing in the Name » et « Bombtrack ». Après avoir tourné avec Lollapalooza et déclaré son soutien à des groupes comme FAIR (Fairness and Accuracy in Reporting), Rock for Choice et Refuse & Resist, Rage Against the Machine a passé quatre ans apparemment tumultueux à travailler sur leur suivi.

Malgré les rumeurs d’une rupture, Rage Against the Machine revient en 1996 avec Evil Empire , qui est entré dans les charts américains au numéro un et a marqué un single à succès avec « Bulls on Parade ».

Le morceau « Tire Me » a remporté un Grammy pour la meilleure performance métal.

En 1997,(le Wu a par la suite abandonné la tournée et les Roots les ont remplacés) et sont restés actifs dans le soutien de diverses causes politiques de gauche, y compris un concert-bénéfice controversé en 1999 pour la condamnée à mort Mumia Abu-Jamal .

Rage Against the Machine

Le troisième album The Battle of Los Angeles a suivi en 1999, faisant également ses débuts au numéro un et devenant double platine l’été suivant. L’album single « Guerrilla Radio » a valu à Rage un deuxième Grammy, cette fois pour la meilleure performance de Hard Rock.

En direct au Grand Auditorium OlympiqueAu début de 2000, de la Rocha a annoncé des plans pour un projet solo et le groupe a présenté un spectacle incendiaire en dehors de la Convention nationale démocrate en août (et des mois plus tard, les choses ont remué en dehors de la Convention nationale républicaine).

Le split de Rage Against the Machine

Entre les deux, le bassiste Commerford a été arrêté pour conduite désordonnée aux MTV’s Video Music Awards après sa perturbation bizarre d’un discours d’acceptation de Limp Bizkit . Des plans pour un album live ont été annoncés peu de temps après, mais en octobre, de la Rocha a annoncé brusquement son départ du groupe, invoquant des pannes dans la communication et la prise de décision du groupe.

Surpris mais pas en colère, le reste des Rage Against the Machine ont annoncé son intention de continuer avec un nouveau chanteur, tandis que de la Rocha s’est recentré sur son album solo, qui devait inclure des collaborations avec des artistes hip-hop de renom, notamment DJ Shadow et El-P de Company Flow .

Décembre 2000 a vu la sortie du dernier effort de studio de de la Rocha avec le groupe, les Renegades produits par Rick Rubin ; il comprenait près d’une douzaine de reprises d’artistes hip-hop, rock et punk comme EPMD , Bruce Springsteen , Devo , les Rolling Stones , le MC5 , et plus encore.

En 2001, Morello ,Wilk et Commerford avaient formé Audioslave avec le chanteur de Soundgarden Chris Cornell , et le groupe a sorti un album éponyme à la fin de 2002. Avec un album solo de la Rocha toujours pas annoncé, Epic a finalement sorti l’album de concert promis depuis longtemps Live at the Grand Auditorium olympique sur CD et DVD à temps pour Noël 2003.

Rage Against the Machine: les rumeurs de réunion.

Au cours des années suivantes, les rumeurs d’une réunion de Rage Against the Machine ont toujours tourbillonné mais ne se sont jamais concrétisées.

Deux albums Audioslave ont suivi en 2005 et 2006 avant la séparation du groupe, puis l’année suivante, Morello a commencé à sortir le folk-punk protestataire en tant que Nightwatchman .

Cette année a également amené la réunion tant attendue de Rage Against the Machine . Tout d’abord, le groupe a joué le jour de clôture du festival Coachella en 2007, puis en 2008 plusieurs autres concerts ont suivi, coïncidant généralement avec les principaux festivals en Europe et aux États-Unis.Aucun nouveau travail en studio de Rage Against the Machine ne s’est matérialisé, mais de la Rocha a collaboré avec l’ancien batteur de Mars Volta Jon Theodore dans un groupe appelé One Day as a Lion , sortant un EP cette année-là.

2009, le retour de Rage Against the Machine !

La prochaine explosion d’ activité de Rage Against the Machine est survenue en 2009 quand il y avait une campagne Internet pour amener « Killing in the Name » au sommet des charts britanniques, le tout dans l’espoir d’empêcher un gagnant de X Factor de prendre la pole position.

La campagne virale a fonctionné et Rage Against the Machine a donné un concert de célébration gratuit à Finsbury Park à l’été 2010.

Malgré tous ces concerts – y compris une apparition à l’été 2011 à LA Rising, un festival organisé par le groupe – et le mot d’un nouvel album, non des enregistrements sont apparus.

En 2013, leur premier album a reçu une réédition de luxe et, deux ans plus tard, le concert de 2010 à Finsbury Park a été publié sous forme de CD / DVD. L’année suivante, Morello , Wilk et Commerfordont uni leurs forces avec Public Enemy « s Chuck D et Cypress Colline » s B réel pour former les supergroupes prophètes de Rage , libérant un album éponyme en 2017.

Alors que 2019 touchait à sa fin, Rage Against the Machine a entamé une nouvelle décennie avec plus de rapports sur un retour. Les apparitions de Coachella ont été confirmées plus tard, le début d’un trek mondial qui associerait le groupe vétéran au duo de rap aux vues similaires (et aux collaborateurs fréquents de la Rocha ) Run the Jewels .

Cependant, les plans ont été interrompus en mars, lorsque la pandémie COVID-19 a forcé l’annulation de la plupart des musiques live pour 2020.

En juin, alors que des manifestations contre la brutalité policière éclataient dans le monde après la mort de George Floyd, les albums de Rage Against the Machine sont revenus sur Billboard.

Le premier album de Rage Against the Machine: un album essentiel

Probablement le premier album à fusionner avec succès les sons apparemment disparates du rap et du heavy metal, le premier album éponyme de Rage Against the Machine était suffisamment révolutionnaire lors de sa sortie en 1992, mais beaucoup diront qu’il n’a pas encore été dépassé en termes d’influence. et une brillance pure – bien que d’innombrables groupes aient certainement essayé.

Rage Against the Machine

Ceci est probablement dû à la relation créative unique entre le guitariste Tom Morello et le chanteur rebelle lettré Zack de la Rocha .

Alors que les racines du premier dans le déchiquetage du heavy metal des années 80 ont donné lieu à une gamme inimitable d’acrobaties à six cordes et d’effets spéciaux rythmiques (que peu de guitaristes ont réussi à reproduire), ce dernier a livré des rimes significatives avec une conviction chargée d’émotion que le blanc de banlieue les garçons de la génération nu-metal qui a suivi ne pourraient jamais espérer toucher.

En conséquence, des dalles syncopées d’insurrection de hard rock comme «Bombtrack», «Take the Power Back» et «Know Your Enemy» étaient aussi instantanément inoubliables qu’étonnantes.

Pourtant, même s’ils excellaient dans l’art de monter lentement la tension comme « Settle for Nothing », « Bullet in the Head » et le « Wake Up » particulièrement venimeux.’s « Kashmir » pour ses propres besoins – ils ont finalement explosé avec une puissance et une fureur impressionnantes.

Et même les auditeurs qui étaient incapables (ou ne voulaient pas) de traiter pleinement le choc unique de muscle et d’intellect du groupe ont été pris en compte, car RATM a pu transmettre leurs messages par une répétition obstinée via le défi fondamental de « Freedom » et leur morceau signature,  » Killing in the Name, « qui deviendrait un cri de ralliement de privation du droit de vote, grâce à son mantra implacablement rebelle de  « Fuck you, I won’t do what you tell me! »

En fin de compte, s’il y a une déception à avoir avec cet album presque parfait, c’est qu’il domine toujours les efforts ultérieurs en tant que point culminant sans équivoque de Rage Against the Machine.

En tant que tel, il reste absolument essentiel.

Rage Against the Machine : DEVIL EMPIRE

Rage Against the Machine a passé quatre ans à faire son deuxième album, Evil Empire .

Comme le titre l’indique, leur rage et leur mépris pour le système capitaliste «fasciste» en Amérique n’avaient pas diminué au cours de la demi-décennie où ils étaient partis.

Leur approche musicale n’a pas non plus changé. Le chanteur principal Zack de la Rocha est pris à mi-chemin entre les raps militants de Chuck D et les délires fanatiques d’un prédicateur de rue, criant ses slogans simplistes et libertaires sur l’assaut sonore dense du groupe.

Comme le groupe n’a pas beaucoup joué ensemble après 1993, il n’y a pas d’avancée collective dans leur musicalité. Néanmoins, le guitariste Tom Morello démontre une palette sonore impressionnante, créant de nouvelles textures dans le heavy metal, ce qui est assez difficile.

Même avec la virtuosité étudiée de Morello , le groupe semble plombé, manquant de dextérité pour exécuter pleinement leur fusion métal / hip-hop – ils n’entrent pas dans un groove; ils martèlent simplement.

Mais cela correspond aux délires hystériques de de la Rocha . Bien que son dévouement à la politique résolument de gauche soit admirable, son phrasé arythmique et ses cris râpants annulent tout message qu’il essaie de faire. Et cela signifie que Evil Empire ne réussit qu’au niveau d’un assaut sonore.

Rage Against the Machine : Battle of Los Angeles

Rage Against the Machine n’est pas vraiment le seul groupe de metal qui compte, mais leur activisme social et politique agressif est rafraîchissant, surtout à une époque de rage aveugle (ou généralement autodirigée) due à des groupes comme Limp Bizkit , Bush ou Nine.

Enregistré en moins d’un mois, The Battle of Los Angeles est l’album le plus ciblé de la carrière du groupe, explosant depuis la porte et laissant rarement passer le tout.

Comme quelques autres groupes célèbres, Rage Against the Machine a toujours été béni par le fait que le groupe crache autant de vitriol que son leader. Tout problème potentiel créé ici par La prestation d’une note de Zack de la Rocha et les polémiques extrémistes sont atténuées par des chansons et des grooves qui donnent l’impression que la révolution est vraiment là, du single « Guerrilla Radio » aux moments forts de l’album comme « Mic Check », « Calm Like une bombe »et« Né d’un homme brisé ».

Comme sur les deux albums précédents de Rage Against the Machine , la liste d’effets de guitare et de riffs vicieux de Tom Morello est presque écrasante et est aussi contagieuse que le groupe depuis ses débuts.

De la Rocha est le meilleur lorsqu’il a des objectifs spécifiques (comme le gouvernement ou l’affaire contre Mumia Abu Jamal), mais lorsqu’il tente de couvrir des problèmes de société plus généraux, il hésite. Un album qui reste essentiel

Rage Against the Machien: Renegades

Sorti après la scission fin 2000 entre Zack de la Rocha et le reste de Rage Against the Machine , l’album de reprises Renegades salue les racines musicales et philosophiques du groupe, allant de la vieille école Bronx au hard-rockin ‘Motor City en passant par Comme on pouvait s’y attendre, l’ensemble fonctionne mieux lorsque le groupe se concentre sur le matériel de ses ancêtres les plus récents: les rappeurs et les groupes hardcore.

En effet, Renegades commence par une paire de reprises hip-hop puissantes – «Microphone Fiend» d’ Eric B & Rakim et «Pistol Grip Pump» du Volume 10 – qui mettent en lumière les immenses atouts de Rage :Le riffing net et lourd de Tom Morello et le jet de vitriol finement réglé du chanteur de la Rocha , juste ce côté de l’autosatisfaction.

Une autre explosion hip-hop (et celle qui est la plus proche de chez nous), « How I Could Just Kill a Man » de Cypress Hill , est encore plus dévastatrice, un choix facile pour le clou de l’album. Les auditeurs familiers avec les originaux, cependant, peuvent avoir des problèmes avec les reprises de Rage de « I’m Housin ‘ » de EPMD , « Street Fighting Man  » des Stones et « Maggie’s Farm » de Dylan , un trio d’originaux des versions dont la colère et l’émotion étaient davantage véhiculées dans les paroles que dans les performances.

Pourtant, le batteur Brad Wilk définit un tempo hardcore frénétique approprié pour l’excellente version de « In My Eyes » de Minor Threat , et de la Rocha s’étire bien sur le « Kick Out the Jams » du MC5 .

À quelques exceptions près, Renegades fonctionne bien, en partie parce que Rage Against the Machine est à la fois assez intelligent pour changer très peu et assez talentueux pour s’approprier les chansons.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Rage Against The Machine

1. Qui est Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine est un groupe de rock américain formé en 1991 à Los Angeles, en Californie. Le groupe est composé du chanteur Zack de la Rocha, du guitariste Tom Morello, du bassiste Tim Commerford et du batteur Brad Wilk.

2. Quel est le style musical de Rage Against The Machine ?

Le style musical de Rage Against The Machine est un mélange de rock, de punk, de hip-hop et de metal. Le groupe est connu pour son utilisation de riffs de guitare agressifs et de paroles politiquement chargées.

3. Quels sont les albums les plus connus de Rage Against The Machine ?

Les albums les plus connus de Rage Against The Machine sont leur album éponyme sorti en 1992, ainsi que leur deuxième album, « Evil Empire », sorti en 1996. Le groupe a également sorti deux autres albums studio, « The Battle of Los Angeles » en 1999 et « Renegades » en 2000.

4. Quelles sont les chansons les plus populaires de Rage Against The Machine ?

Certaines des chansons les plus populaires de Rage Against The Machine incluent « Killing in the Name », « Bulls on Parade », « Guerrilla Radio », « Sleep Now in the Fire » et « Testify ».

5. Quelle est l’influence politique de Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine est connu pour son engagement politique et social, ainsi que pour ses paroles qui abordent des sujets tels que l’injustice sociale, le racisme, la guerre et le capitalisme. Le groupe est également connu pour son soutien aux mouvements de protestation et de résistance.

6. Quels sont les concerts les plus mémorables de Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine est connu pour ses concerts énergiques et politiquement chargés. Certains de leurs concerts les plus mémorables incluent leur performance à Woodstock ’99, leur concert de réunion au festival Coachella en 2007 et leur performance à la Convention nationale démocrate de 2000.

7. Pourquoi Rage Against The Machine s’est-il séparé ?

Rage Against The Machine s’est séparé en 2000 en raison de divergences créatives entre les membres du groupe. Le chanteur Zack de la Rocha a quitté le groupe pour poursuivre une carrière solo, tandis que les autres membres ont formé un nouveau groupe, Audioslave, avec le chanteur Chris Cornell.

8. Le groupe s’est-il réuni depuis sa séparation en 2000 ?

Oui, Rage Against The Machine s’est réuni à plusieurs reprises depuis sa séparation en 2000. En 2007, le groupe s’est réuni pour une tournée qui a culminé avec une performance au festival Coachella. En 2010, le groupe s’est réuni à nouveau pour une tournée mondiale.

9. Quel est l’impact culturel de Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine a eu un impact culturel important en popularisant un style musical qui mélangeait différents genres et en étant l’un des groupes les plus politiquement engagés de son époque. Le groupe a inspiré de nombreux artistes et a été cité comme une influence majeure pour de nombreux groupes de rock, de metal et de hip-hop.

10. Qu’est-ce que le projet de reformation de Rage Against The Machine en 2020 ?

En 2020, Rage Against The Machine a annoncé une tournée de réunion qui était initialement prévue pour l’été de cette année-là. La tournée a été reportée en raison de la pandémie de COVID-19, mais a finalement eu lieu en 2022. Cette tournée a été très attendue par les fans, car c’était la première fois que le groupe se produisait en concert depuis 2011.

LIVRE HELLFEST

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 05/04/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Livre Hellfest : Retour en image et vidéos sur les 2 livres Hellfest qui sont en vente actuellement. Festival culte, un des plus grand d’Europe, le Hellfest reste un sujet fantastique à traiter pour tout amateur de métal.

Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY

Livre Hellfest : Le festival raconté par les groupes

Auteur de neuf romans, Cédric Sire s’est imposé comme une référence du thriller français. Ses livres ont été récompensés à plusieurs reprises et sont traduits dans de nombreuses langues.

Le Hellfest, le plus grand festival de la scène metal et hardcore internationale, raconté pour la première fois par les groupes eux-mêmes dans un livre Hellfest. Anecdotes exclusives, plus de 310 photos inédites, Cédric Sire associé à une journaliste reconnue de la scène métal.

Passionné de métal, grâce à son ancien métier de journaliste, il côtoie les groupes qui ont fait l’histoire de ce genre. C’est dans ce contexte qui naît l’idée de s’intéresser au Hellfest sous un angle original : le regard des artistes qui font son incroyable succès.

Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY

Journaliste musicale reconnue, Isabelle Marcelly – Le Maguet a longtemps travaillé pour le magazine Rockhard. Elle a également été rédactrice en chef du magazine Metallian. Elle a également été pendant 6 ans l’attachée de presse des maisons de disques Nuclear Blast et Century Media au Hellfest, elle connaît donc particulièrement bien les coulisses du festival.

Le rapport de confiance qu’elle a établi avec la plupart des formations de la scène métal lui a permis de recueillir les différents témoignages et anecdotes recueillis dans cet ouvrage.

éditions : Gründ //  poids 2,4kg – format 25x31cm // Langue : Français

Livre Hellfest: 10 ans du festival

Chaque année depuis bientôt 15 ans, le Hellfest reçoit des milliers de festivaliers et de festivalières.

Il s’est imposé comme l’un des principaux festivals de musique européens et permet à la France et à la petite ville de Clisson, où se déroulent les concerts, d’avoir un rayonnement international sur la scène du métal et du hardcore.

Livre Hellfest

Livre Hellfest

Cet événement a accueilli les plus grands noms du métal : Mötorhead, Kiss, Guns N’Roses, Black Sabbath, Rammstein, Ghost, Gojira mais aussi Alice Cooper et Iron Maiden.

Ce livre Hellfest, découvrez le métal à travers les groupes eux-mêmes. Les artistes les plus connus prennent la parole pour dévoiler leurs souvenirs et anecdotes inédites. Découvrez le Hellfest comme vous ne l’avez jamais vu et lu !

Le Hellfest ? Le troisième plus gros festival de musique en France. Cet événement majeur et incontournable de la musique Métal et reconnu dans le monde entier. Sa fréquentation s est multipliée par six en neuf ans, atteignant en 2014, 150 000 spectateurs sur trois jours. Il reçoit chaque année les grands noms de la scène Métal internationale et française, soit plus de 800 artistes en 10 ans.

En 2015, le Hellfest fête ses 10 ans. Cet ouvrage rend hommage à tous les acteurs du festival (artistes et équipes dédiées) qui ont permis de rendre cet événement possible et durable, et pour honorer son public, plus fidèle et plus nombreux aux fils des éditions.

Retrouvez les portraits et interviews des artistes majeurs qui se sont produits sur la scène du festival (Kiss, Motörhead, Deep Purple, Mass Hysteria …), les coulisses et ambiances de backstage, les décors extraordinaires du festival et bien sûr les festivaliers et leur univers.

Livre Hellfest

Date de parution : le 7 octobre 2015
Auteur : Lelo Jimmy Batista
Editeur : Editions Hachette Pratique

Acheter le livre : Cliquez ICI

Pour pouvoir présenter ce festival, il fallait obligatoirement faire appel à une personne passionnée par la musique rock, métal et toutes les déclinaisons des musiques dites « extrêmes ». Cette personne n’est autre que Lelo Jimmy Batista, spécialiste des courants alternatifs, journaliste pour Rock Noise et Radio France, ainsi que rédacteur en chef de la version française de Noisey, la plate-forme musique de VICE.

Avant tout de chose cet ouvrage fait partie des catégories des « Beaux livres ». Il est richement illustré de pas moins de 600 photos de très bonne qualité, reflétant fidèlement l’ambiance de ce festival si particulier en France.

Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.

En introduction du livre, nous avons toute la genèse de ce festival. Et c’est une histoire totalement passionnante, où l’on découvre le début du Hellfest qui s’appelait alors le Furyfest, petit festival prenant vie en 2002 à Nantes totalisant 400 spectateurs. Son créateur Ben Barbaud se confie sur son envie et sa passion de créer un rassemblement en France pour tous les amoureux des musiques extrêmes. Et cela ne va pas être si simple à mettre en place.

Les problèmes vont se cumuler que ce soit de l’ordre de la logistique, des moyens financiers ou même de la disparition de la caisse par un des co-dirigeants du Furyfest. Et c’est en 2006 que va naître le Hellfest dans la petite ville de Clisson.

Ensuite le livre Hellfest est divisé en quatre parties distinctes pour rendre hommage à tous les acteurs qui font le succès de ce festival. Personne n’est oublié, on nous présente tour à tour, les backstages, les bénévoles, l’équipe de direction, les artistes et surtout les festivaliers qui sans eux le festival ne serait pas ce qu’il est ! Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.

Vous n’êtes pas familier avec ce style de musique ? Aucun problème, vous allez retrouver à l’intérieur de ce livre Hellfest tous les plus grands noms de la scène métal, heavy métal, hardcore. De Motörhead, à Slipknot, en passant par Alice Cooper, Kiss, Iron Maiden, Ghost ou bien encore le célèbre Marilyn Manson.

Bien évidemment ce livre Hellfest va d’abord intéresser tous les fans du Hellfest et des musiques extrêmes. Mais aussi toutes les personnes passionnées de musique en général.

Cet ouvrage de qualité est un cadeau idéal pour donner une tonalité rock’n’roll à votre Noël.

Histoire du Hellfest : Les débuts…

La première association a été créée en 2000 à Clisson sous le nom de « CLS CREW », afin d’organiser des concerts de hardcore et de punk dans la région nantaise. Le succès de ces concerts a permis de lancer le premier festival en juin 2002, baptisé Fury Fest. Elle a réuni 400 personnes pour assister au Front Agnostique de Clisson au complexe sportif du Val-de-Moine.

Le festival a continué les années suivantes. Il a attiré 7 000 personnes pour assister aux concerts de Sick of It All et Youth of Today (en) en 2003. Le format a changé à deux jours.

LIVRE HELLFEST

Puisque aucune salle n’était disponible à Clisson, la salle de la Trocardière (Rezé) a accueilli la deuxième édition. L’organisation du festival a également changé: l’association « MAN.IN.FEST » a été créée pour prendre en charge l’organisation. En 2003, le festival avait atteint 30 000 € de bénéfice, permettant à Benjamin Barbaud, l’un des fondateurs, de devenir salarié de la structure.

En 2004, le festival s’installe au Mans et se déroule dans les salles du circuit des 24 Heures où il attire 21 000 spectateurs pour des groupes tels que Slipknot et Soulfly.

LIVRE HELLFEST

Après un déficit en 2004, le festival 2005 a hérité du passif si bien que l’équipe organisatrice a décidé de donner les droits du festival à d’autres promoteurs afin de se concentrer sur l’organisation.

Cette fois, 30 000 entrées ont été enregistrées au Mans sur trois jours, alors que les fans venaient voir des artistes tels que Slayer, Motörhead et Anthrax, sur trois scènes.

Mais les problèmes financiers se sont aggravés, notamment avec la disparition des promoteurs avec 600 000 € de recettes. Ces pertes ont marqué la fin du festival, du moins temporairement.

Découvrez la suite de l’histoire dans notre article sur l’histoire du HELLFEST ICI

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Pochettes d’album : Billboard recense les 50 meilleures

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 02/04/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

La musique n’est pas qu’une question de musique. Bien sûr, les sons sont certainement l’élément le plus essentiel, mais vous ne pouvez pas ignorer le rôle de la pochette  dans la réalisation d’un album brillant.

icône sur un lecteur numérique, la pochette d’album a changé au fil des ans, mais elle définit toujours la façon dont nous regardons un album particulier.

Portraits photographiques, peintures, collages – tout cela et bien d’autres figurent sur la liste de Billboard des 50 plus grandes pochettes d’albums de tous les temps, remontant aux débuts éponymes d’Elvis Presley et jusqu’à nos jours. 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

50. Taylor Swift, ‘1989’ (2014)

Le cinquième album studio de Taylor Swift en 1989 était un départ pour la chanteuse, il est donc logique que la pochette rompe également avec la tradition. En forme de photo Polaroid de l’époque, le visage de Swift est coupé, mettant en valeur un sweat-shirt des années 80 tout en évoquant des souvenirs d’une autre époque. 

La couverture a été instantanément reproduite sur Internet, avec des milliers de fans mettant leur propre tour sur divers hommages à ce qui deviendra probablement l’une des œuvres les plus identifiables de sa carrière. 

 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

49. Jeune voyou, ‘Jeffery’ (2016)

Peu de rappeurs ont joué de manière plus convaincante ou convaincante avec l’identité ou le genre au cours des années 2010 en tant que Young Thug.

 Il n’est donc pas surprenant que sa couverture d’album la plus mémorable soit cette photo photographiée par Garfield Lamond d’un voyou au visage couvert d’une longue robe fluide conçue par Alessandro Trincone pour son   projet Jeffery – une image qui aurait été impensable dans le hip- hop des décennies plus tôt, et inoubliable pendant des décennies après. 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

48. Lady Gaga, « The Fame , Mother Monster » (2009)

Les portraits peuvent être emblématiques lorsqu’ils sont bien faits, et s’il y a un artiste qui connaît l’imagerie emblématique, c’est Lady Gaga. Pour la réédition de son premier album The Fame , Mother Monster – encadré par une perruque blanche – est devenu noir et blanc, balançant un manteau brillant et angulaire qui enveloppait la moitié inférieure de son visage.

 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

47. Janet Jackson, « Rythm Nation 1814 » (1989)

Évitant une image amicale et amusante plus propice au succès des charts pop des années 80, Janet Jackson a adopté un ton militariste pour sa pochette en noir et blanc instantanément emblématique de Rhythm Nation 1814 . 

Avec le visage de Janet n’émergeant que partiellement de l’ombre et son corps vêtu d’un uniforme de soldat indescriptible, l’œuvre d’art a mis les dirigeants de l’étiquette mal à l’aise, mais à la fin, elle avait raison. 

Cette photo de couverture complète parfaitement la conscience sociale accrue de l’album, et elle deviendra sa pochette d’album la plus reconnaissable. 

 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

46. ​​Funkadelic, ‘Maggot Brain’ (1971)

Une Barbara Cheeseborough hurlante (qui était le premier modèle de couverture d’ Essence ) possède le «cerveau d’asticot» en question sur la couverture de l’album classique de 1971 du Parlement du même nom. 

Enfouie jusqu’au cou, la vraie tournure vient lorsque vous retournez l’album – là où sa tête est à l’avant, il y a un crâne à l’arrière.

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

45. Cardi B, Invasion of Privacy(2018)

Brash, audacieux, dur à cuire et tous les autres mots « B » généralement appliqués à la montée en puissance de Cardi B en 2017 ont également fonctionné pour la couverture de son premier LP 2018,  Invasion of Privacy . 

Capturée par le photographe Jora Frantzis, Cardi ricane avec des lunettes de soleil yeux de chat, des cheveux blond moutarde et un manteau à carreaux à manches longues – éblouissant et incontournable, tout comme l’album qui l’accompagne s’avérera bientôt dans les   charts Billboard . 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

44. Whitney Houston, ‘Whitney Houston’ (1985)

Bien qu’on se souvienne le mieux (le pire ?) de lui pour avoir pris des photos nues d’une Brooke Shields très mineure, la photo de couverture de Garry Gross pour le premier album éponyme de Whitney Houston se démarque comme une image magnifiquement moins-est-plus à l’ère visuellement explosive de MTV. 

Vêtue d’une toge simple et intemporelle avec des perles, elle s’est présentée au monde comme un acte de classe dont la férocité élégante allait au-delà de toute tendance de la mode. 

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43. Fleetwood Mac, « Rumors » (1977)

Curieusement, seulement 40 % de la formation de Fleetwood Mac de l’époque figure sur la couverture de leur album le plus vendu, Rumors . 

Seuls Stevie Nicks du groupe (pris en plein tourbillon avec un châle coulant derrière elle) et Mick Fleetwood (avec une paire de boules de toilette suspendues entre ses jambes) sont représentés, photographiés par Herbert W. Worthington. 

L’album a été conçu par Desmond Strobel, tandis que Worthington a conçu le concept de couverture avec le groupe.

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42. Nicki Minaj, « The Pinkprint » (2014)

Nicki Minaj a toujours embrassé son cinglé intérieur, étendant ses membres sur la couverture de son premier album Pink Friday et éclaboussant son visage de peinture pour sa suite. Mais pour The Pinkprint, la Barbie de Harajuku a utilisé Donda de Kanye pour une image qui frise le grand art sans perdre son identité, montrant une empreinte digitale écrasée en poudre rose.

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41. Pas de doute, « Tragic Kingdom » (1995)

Dans le sillage du grunge de Seattle et de la montée du rap, No Doubt est arrivé dans le collimateur du grand public avec Tragic Kingdom aux accents ska , un album à la fois éclat et férocité punk-lite. 

La couverture fait écho à son contenu : il y a la jolie – la chanteuse principale Gwen Stefani canalise l’imagerie des affiches de pin-up des années 50 – et le laid, un arbre flétri avec des oranges pourries et des mouches entourant le fruit meurtri.

 

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40. Beyoncé, ‘Beyoncé’ (2013)

L’importance durable de l’art de couverture pour la libération surprise de Beyoncé 2013  Beyoncé ne  devrait pas du tout surpris. Non seulement parce que tout ce que fait la femme *** Flawless devient instantanément emblématique, mais parce que la simple police de caractères rose sur un fond noir uni est ce dont sont faits les rêves de design contemporain. 

Le combo couleur-police est devenu un classique et a trouvé sa place sur les chemises, les tasses et les mèmes du monde entier. 

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39. Johnny Cash, ‘American IV : The Man Comes Around’ (2002)

Cette couverture en noir et blanc est d’autant plus déchirante qu’il s’agissait du dernier album de Cash avant sa mort moins d’un an après sa sortie. C’était l’illustration parfaite pour le fondu au noir de Man in Black.

 

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38. Ariana Grande,Sweetener  (2018)

Il ne serait pas exagéré de dire que le monde entier d’Ariana Grande a été bouleversé au cours des trois années qui se sont écoulées.

Ainsi, quand Ariana est apparue à la manière de Spiderman sur la couverture de  Sweetener , cela s’est bien passé – et la confusion douce et sans prétention de l’imagerie correspondait également au changement musical de l’ensemble réfléchi, délirant et lourd de R&B qu’il accompagnait magnifiquement. 

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37. Madonna, ‘True Blue’ (1986)

Le troisième album studio de Madonna, True Blue , était couvert par une image saisissante de la diva photographiée par le célèbre photographe Herb Ritts. (Il fera plus tard équipe avec Madonna pour les reprises de You Can Dance et Like a Prayer .) Avant sa mort en 2002, Ritts réalisera également un certain nombre de vidéoclips – dont « Cherish » de Madonna – et gagnera un MTV Nomination au Video Music Award.

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36. Joni Mitchell, ‘Hejira’ (1976)

La série de classiques de Joni Mitchell s’est poursuivie avec l’album folk-jazz de 1976 , Hejira , qui présentait ses meilleures illustrations. 

Situé contre le lac Mendota du Wisconsin après une tempête de verglas, Mitchell, vêtue d’hiver, regarde le spectateur alors qu’une autoroute ouverte s’étend mystérieusement dans sa personne (via une photo superposée), suggérant la liberté et les possibilités illimitées contenues dans sa musique. 

 

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35. Metallica, « Master of Puppets » (1986)

Contrairement aux groupes de metal préoccupés par Satan et l’occultisme, Metallica a commenté le mal de la vie réelle avec la couverture magistrale de l’ album Master of Puppets . 

Des rangées apparemment sans fin de soldats morts s’étendent dans l’horizon rouge sang, chaque tombe étant reliée à une ficelle tirée par un maître sans visage dans le ciel. C’est la visualisation des « War Pigs » tout aussi politiques de Black Sabbath.

 

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34.The slits, ‘Cut’ (1979)

Bien que techniquement, oui, il s’agisse d’une image de trois femmes seins nus recouvertes de boue, il n’y a rien de sexuellement éloigné dans cette pochette d’album. Au lieu de cela, les trois principales femmes de la tenue post-punk The Slits sont décrites comme des femmes guerrières tribales inébranlables. 

Comme Viv Albertine plus tarda dit au Guardian, « Nous savions, puisque nous n’avions pas de vêtements, que nous devions avoir l’air agressif et dur. Nous ne voulions pas inviter le regard masculin. » Il est sûr de dire qu’ils ont réussi. 

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33. Kanye West, ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)

Après une poignée de pochettes d’albums mettant en vedette Dropout Bear et une image simple conçue par Kaws pour 808s & Heartbreak , Kanye West est passé à l’art de haut niveau pour My Beautiful Dark Twisted Fantasy . 

Faisant équipe avec l’artiste George Condo pour une série de peintures, le rappeur a associé la brillance de la musique de l’album à un art qui dépasse les limites, y compris une image controversée d’un Occident démoniaque chevauché par un ange nu.

 

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32. Lizzo, Cuz I Love You (2019)

Si quelqu’un a trouvé que Lizzo était une présence perturbatrice dans le courant dominant de la musique en tant que femme de couleur de grande taille, elle a clairement indiqué avec la   reprise de Cuz I Love You qu’elle n’était pas sur le point de laisser cela la dissuader un peu. 

Posant entièrement nue sur une pochette d’album autrement vierge, elle s’est présentée comme la superstar de la pop qu’elle savait déjà être – et que le reste du monde la reconnaîtrait très bientôt comme.

 

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31. Sex Pistols, « Never mind the bollocks » (1977)

Tout comme les paroles de « God Save the Queen » avaient soulevé la colère des autorités britanniques, le mot « Bollocks » éparpillé sur la couverture de l’album a provoqué une censure de masse. 

Ça n’a pas collé, car cette explosion d’art punk est rapidement devenue emblématique. La controverse sur les pochettes d’album a même alimenté sa campagne publicitaire, avec certaines annonces disant : « L’album durera. La pochette peut-être pas. »

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30. FKA Brindilles, ‘LP1’ (2014)

Avant son premier album, FKA Twigs, qui brouille les genres, s’est fait un nom grâce à des visuels époustouflants : clips musicaux, couvertures d’EP et même tournages de magazines.

Ce portrait aux reflets de porcelaine était une introduction exquise à l’émerveillement de sa musique. 

 

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29. Aretha Franklin, « I Never Loved a Man the Way I Loved You » (1967)

Le meilleur album d’Aretha Franklin, I Never Loved a Man the Way I Loved You , la montre vêtue d’une robe extrêmement élégante avec une vieille brume hollywoodienne vaporeuse bordant la photo. Mais c’est son expression – et l’angle incliné de la photo – qui rendent cela si important. 

En 1967, la représentation des femmes noires dans la culture pop était politique, intentionnellement ou non, et la pochette de l’album calme et non posée d’Aretha en dit long. Contrairement à de nombreuses pop stars féminines de l’époque, elle ne sourit pas de manière invitante au spectateur, essayant de plaire ou d’impressionner ou même de séduire – elle existe simplement, respire la confiance et un sentiment de majesté tranquille. 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

28. Bruce Springsteen, « Born in the USA » (1984)

Tout sur le personnage de Springsteen est véhiculé dans cette seule image. Il y a le drapeau américain en toile de fond, le jean usé, le t-shirt blanc et le chapeau rouge qui sortent de sa poche arrière après une longue journée de travail. 

The Boss est la quintessence de l’Amérique des cols bleus sur cette pochette d’album inoubliable. 

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27. Janis Joplin, ‘Pearl’ (1971)

Le dernier album de Janis Joplin, sorti après sa mort à 27 ans, présente l’une des images les plus emblématiques de l’époque. Joplin se drape sur une causeuse de l’ère Victoria, parée d’un costume hippie accrocheur de San Francisco, berçant un verre et un grand sourire. 

L’image est douce-amère : l’alcool aurait joué un rôle dans l’overdose mortelle d’héroïne de Joplin, mais son sourire radieux semble transcender la tristesse de la tragédie imminente. 

 

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26. Grace Jones, «  Island Life » (1985)

Grace Jones et son collaborateur fréquent Jean-Paul Goude (oui, l’homme qui a essayé de « casser Internet » avec une Kim Kardashian nue) se sont associés pour créer l’une des couvertures les plus mémorables de la décennie pour Island Life en 1985 . 

Mettant en vedette un Jones presque nu dans une pose apparemment surhumaine, l’art était en fait un composite du chanteur dans une série de poses différentes, coupées-collées ensemble pour un résultat inoubliable.

 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

25. David Bowie, ‘Aladdin Sane’ (1973)

Bien que ce ne soit pas l’album qui a présenté au monde l’alter ego de l’homme de l’espace de Bowie, lorsque les fans de musique pensent à Ziggy Stardust, c’est l’image qu’ils voient. Le maquillage des yeux en éclair, le rouget – c’est la quintessence de Bowie.

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24. Les Rolling Stones, ‘Sticky Fingers‘ (1971)

En 1969, l’artiste Andy Warhol a été approché par les Rolling Stones pour créer la pochette de leur prochain album à succès, Through the Past, Darkly (Big Hits Vol. 2) . Tout ce que Warhol a créé pour l’ensemble n’a apparemment jamais été utilisé, mais son concept d’utiliser une fermeture à glissière fonctionnelle sur une pochette d’album s’est concrétisé sur la couverture de Sticky Fingers . 

Avec des photographies de Warhol (axées sur le jean bombé d’un modèle masculin encore non identifié) et une conception graphique de Craig Braun, l’ensemble gagnerait une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure couverture d’album.

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23. Miles Davis, ‘Bitches Brew’ (1969)

L’art surréaliste pour Bitches Brew a été créé par le peintre allemand Mati Klarwein, qui était également responsable de l’art sur Abraxas de Santana , une autre entrée sur cette liste.

 Une étude sur les contrastes, la couverture gatefold complète montre une interprétation négative modifiée de la couverture plus familière – ensemble, ils incarnent le manifeste musical de Davis. 

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22. Drake (2015)

Le titre de la « mixtape » de Drake en 2015 s’est certainement avéré approprié, car la sortie inattendue a lancé l’une de ses années les plus dominantes sur le plan commercial des années 2010, le cimentant comme une superstar au niveau de toute autre idole contemporaine du top 40. 

Mais sa pochette minimaliste a eu un impact similaire, devenant l’une des premières images de ce type à devenir un phénomène Twitter à part entière, car les fans ont remplacé leurs propres messages griffonnés dans son format et en ont fait un mème musical incontournable du milieu des années 10. 

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21. Duran Duran, ‘Rio’ (1982)

L’artiste Patrick Nagel a été chargé par Paul Berrow, alors manager de Duran Duran, de créer la pochette de l’ album Rio du groupe. 

Le bassiste du groupe, John Taylor, a écrit dans son autobiographie In the Pleasure Groove: Love, Death and Duran Duran, que lorsqu’ils ont reçu la toile « massive » « cinq pieds sur cinq pieds », il a pensé « la voilà, la fille qui dansait sur le sable » (une référence aux paroles de la chanson titre du set).

 

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20. Joy Division,   (1979)

La décision du designer Peter Saville d’utiliser les ondes radio pulsar est à la hauteur de la production envoûtante de Martin Hannett pour faire de cet album un classique gothique. 

La parodie de chemise Mickey Mouse de Disney quatre décennies plus tard n’a fait que réaffirmer sa légende.

 

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19. Judas Priest, ‘British Steel’ (1980)

L’une des pochettes d’album les plus emblématiques du métal, British Steel de Judas Priest – représentant une main émergeant d’un cuir clouté tenant une lame de rasoir – est également l’une de ses plus fascinantes. 

Comment la main tient-elle la lame sans saigner ? Cette couverture capture-t-elle le moment juste avant que le sang n’éclate et recouvre la lame ? Alors que de nombreux groupes de metal rivalisaient pour se surpasser dans le reste des années 80, cette image simple et menaçante leur survit à tous. 

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18. Les racines, ‘Things Fall Apart‘ (1999)

En tant que directeur artistique Kenny Gravallis Mets-le,« Le concept d’« échec visuel dans la société » sur la pochette d’un album intitulé Things Fall Apart avait du sens. » 

L’une des cinq couvertures originales, l’image qui est restée était une photo de l’ère des droits civiques de deux adolescents noirs fuyant la police en tenue anti-émeute à Bedford-Stuyvesant – une image puissante de l’inégalité que le groupe essayait de combattre à travers sa musique.

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17. Santana, ‘Abraxas’ (1970)

Tirée d’un tableau de Mati Klarwein (il a également fait la couverture de Bitches Brew de Miles Davis ), la couverture de l’ album Abraxas de Santana est un régal psychédélique magnifiquement surréaliste pour les yeux.

 Inspiré du récit biblique de l’Annonciation, ce tableau nous présente une Vierge Marie noire nue et un ange rouge avec une conga entre les jambes. L’une des prêtresses de la quatrième de couverture apparaît également sur la quatrième de couverture de son art Bitches Brew . 

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16. Le choc,  » London Calling » (1979)

La reprise de London Calling rend à la fois hommage à Elvis Presley tout en faisant exploser sa version du rock n’ roll. Les lettres de titre roses et vertes imitent la couverture de l’album éponyme de 1956 de Presley, mais le roi n’a probablement jamais brisé une guitare basse sur scène.

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15. Nas, « Illmatique » (1994)

L’image de Nas, sept ans, superposée à une photo de Danny Clinch des projets de logements natifs du rappeur à Queensbridge a été gravée dans la mémoire de nombreux hip-hop. « Les projets étaient mon monde », a-t-il déclaré à MTV sur la signification de l’art conçu par Aimee Macauley en 1994, « jusqu’à ce que je m’éduque pour voir qu’il y a plus là-bas. »

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14. Blink-182 (1999)

Pour la couverture de leur LP révolutionnaire grand public, Blink-182 a fait appel à l’actrice adulte Janine Lindemulder pour donner une tournure très suggestive – et littérale – au titre de l’album. C’est une image qui a été gravée dans l’esprit de chaque spectateur TRL , une image qui est devenue instantanément emblématique.       

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13. Kendrick Lamar  (2015)

L’équivalent incendiaire le plus proche du 21e siècle a produit la couverture originale du drapeau américain remplie de trous de balles de Sly & The Family Stone pour 1971  Il y a une émeute qui se passe . L’image est une photo de célébration de dizaines d’hommes noirs pour la plupart torse nu se réjouissant devant la Maison Blanche – avec un juge blanc, marteau à la main, allongé immobile au bas de la photo.

Affrontant, excitant, joyeux, dérangeant et opportun, c’était une reprise aussi provocante et évocatrice que l’un des meilleurs albums de rap de la dernière décennie pouvait demander. 

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12. Hole, « Live through this » (1994)

La couverture d’album grunge la plus emblématique après Nevermind de Nirvana , Live Through This de Hole représente une reine de beauté en sanglots avec du mascara coulant sur son visage. 

Le désespoir sur le visage de la femme révèle le doute tragique qui alimente l’industrie de la beauté, mais elle n’est pas faite pour avoir l’air entièrement ridicule – nous sommes toujours obligés de la considérer comme une humaine au lieu d’une large parodie d’un archétype. C’est la rare pochette d’album satirique qui parvient toujours à être empathique. 

 

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11. Les Beatles, ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ (1967)

Par où commencer avec cette pochette d’album ? L’image présente les Beatles, dans leur Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band tenues militaires, debout devant des dizaines de célébrités, dont Marilyn Monroe, Bob Dylan, Marlon Brando et Sonny Liston, ainsi que des figures de cire d’eux-mêmes. 

Alors que les auditeurs essaient de discerner le sens secret de la musique noble, ils peuvent également essayer d’identifier les plus de 60 visages sur la couverture bondée.

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10. Elvis Presley, ‘Elvis Presley’ (1956)

Elvis savait à quel point le vert et le rose néon étaient un mélange mortel une vingtaine d’années avant que les Clash ne fassent la couverture de London Calling .

Il y a quelque chose dans cet instantané de mi-strum d’un hurlement vocal qui nous fait à chaque fois – il a visuellement présenté le rock n’ roll à une Amérique sans méfiance avant même que l’aiguille n’atteigne le vinyle. 

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9. Ennemi public,  » Fear of a Black Planet » (1990)

Clin d’œil à l’afrofuturisme d’artistes comme Sun Ra, l’œuvre d’art de Fear of a Black Planet a été conçue par Chuck D, qui a imaginé la planète noire titulaire éclipsant la terre.

De manière appropriée, étant donné le concept interplanétaire, le groupe a engagé l’illustrateur de la NASA BE Johnson pour dessiner le design final.

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8. Cyndi Lauper, « she’s So Unusual » (1983)

Cyndi Lauper a informé le monde que « Girls Just Want To Have Fun » sur ses débuts classiques en 1983, et un coup d’œil à la couverture de She’s So Unusual convertirait tout non-croyant. 

Photographiée par Annie Leibovitz devant un musée de cire abandonné à Coney Island, Lauper prend une pose volontairement étrange vêtue d’une robe de bal d’occasion, de filets de pêche et d’un méli-mélo de bijoux en conflit. Fait révélateur, ses talons sont bottés sur le côté. 

Plus que n’importe quelle pochette d’album d’une reine de la pop féminine, cela reste le cri de ralliement ultime pour rester étrange et s’aimer pour cela. 

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7. Nirvana, « Nevermind » (1991)

L’une des couvertures d’album les plus reconnaissables de tous les temps présente un bébé nu sous l’eau qui cherche un billet d’un dollar sur une ficelle. C’est une triste déclaration sur les valeurs que notre société transmet à nos jeunes – et oh, d’ailleurs, ce bébé est un homme dans la vingtaine maintenant.

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6. Pink Floyd, « Dark side of the moon » (1973)

Cet art simple en dit long. La lumière traversant un prisme et sortant comme un arc-en-ciel était censée transmettre l’éclairage de scène du groupe et les paroles de l’album. 

Et, comme en témoigne le nombre de t-shirts portant cette image aujourd’hui, le prisme est devenu synonyme de Floyd lui-même.

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5. Led Zeppelin, « Led Zeppelin » (1969)

D’une manière ou d’une autre, l’image d’un dirigeable en feu éclatant en flammes quelques instants avant de s’effondrer au sol et de faire des dizaines de morts est l’introduction visuelle parfaite au premier chef-d’œuvre de Led Zeppelin. 

Que vous le voyiez comme une indication de la musique explosive contenue dans la pochette ou comme une tactique de choc sans cœur capitalisant sur une tragédie réelle, ce rendu en noir et blanc de la catastrophe d’Hinderburg est devenu l’une des images les plus indélébiles du hard rock. 

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4. The Notorious BIG, « Ready to Die» (1994)

L’innocence d’un Biggie de la taille d’un bébé sur la couverture de son premier classique Ready to Die contredisait largement le contenu qu’il contenait. 

Mais c’était le point : l’album retraçait sa vie du début à une fin triste et préfigurant, utilisant l’innocence d’un enfant pour illustrer comment un monde cruel s’imprime dans les esprits non moulés.

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3. Patti Smith, ‘Horses’ (1975)

Mis à part les éloges de la critique pour les paroles infusées de poésie beat de Smith mélangées à du punk rock,  la  reprise de Horses est un chef-d’œuvre visuel. 

Photographiée par un ami proche et collègue artiste Robert Mapplethorpe, la photo de Smith a été considérée par le critique Camille Paglia comme l’une des plus grandes photographies jamais prises d’une femme. 

Avec Smith décrivant son look comme celui de Sinatra, tous les éléments se sont combinés pour créer l’une des plus grandes couvertures d’album (et photographies rock) de tous les temps. 

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2. Les Beatles, « Abbey Road » (1969)

Une autre pochette d’album sur cette liste arrête-t-elle le trafic ? C’est un témoignage de l’impression durable de cette photo de traversée de rue que des centaines de fans la recréent chaque jour à l’extérieur des studios Abbey Road. 

Il y a même une webcam en direct de l’attraction. Autre fait notable : c’est la première reprise des Beatles qui ne comporte pas le nom du groupe ou le titre de l’album.

 

1. The Velvet Underground et Nico, ‘The Velvet Underground & Nico’ (1967)

Cette image de banane emblématique d’Andy Warhol avec les instructions « peler lentement et voir » est une excellente couverture en soi, mais la version originale comprenait en fait un autocollant détachable révélant une banane de couleur chair en dessous. Une combinaison parfaite d’art, de musique et d’humour.

 

 

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

 

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Canon de Pachelbel: tout savoir….

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 16/03/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

I. Introduction : Le Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est une pièce de musique classique écrite par le compositeur allemand Johann Pachelbel au XVIIème siècle. Cette pièce étonnante est devenue une des chansons classiques les plus populaires et les plus connues dans le monde entier.

Elle est reconnue pour sa structure et son harmonie riches et magnifiques. Les paroles et les mélodies de ce Canon de Pachelbel sont si mémorables qu‘elles sont souvent utilisées dans des films, des documentaires et des mariages.

Dans cet article, nous examinerons le Canon de Pachelbel et discuterons de sa structure, de sa signification et de son histoire.

Canon de Pachelbel – 

2. Histoire et contexte du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est une pièce de musique baroque composée par Johann Pachelbel (1653–1706). C‘est l‘une des œuvres classiques les plus populaires et les plus célèbres de tous les temps, et elle est souvent jouée lors des mariages et autres cérémonies.

Le Canon de Pachelbel est une forme musicale connue sous le nom de «canon», qui est une structure musicale dans laquelle une mélodie est jouée simultanément à différentes hauteurs et rythmes.

La mélodie du Canon de Pachelbel est basée sur une chanson allemande populaire du XVIIe siècle connue sous le nom de «Kanon und Gigue in D–Dur». Le Canon de Pachelbel est une pièce instrumentale qui est composée à l‘origine pour trois violons et une basse continue.

La mélodie est jouée par les violons et accompagnée par la basse continue, qui est une ligne de basse répétitive qui soutient la mélodie. Au fil des années, le Canon de Pachelbel a été arrangé pour des instruments différents, y compris l‘orgue, le piano et l‘ensemble de cuivres.

Le Canon de Pachelbel est une œuvre très populaire qui a été jouée dans de nombreux films et programmes télévisés. Il est considéré comme une pièce intemporelle qui a traversé les âges et qui est toujours aussi populaire aujourd‘hui qu‘elle l‘était il y a 300 ans.

4. Biographie de Johann Pachelbel

Johann Pachelbel (1653–1706) était un compositeur, organiste et professeur d‘orgue allemand du Baroque. Né à Nuremberg, Pachelbel était le plus jeune enfant d‘une famille de musiciens respectés.

Son père, Johann (Hans) Pachelbel était un chef de chœur et un organiste de l‘église Saint–Sébastien et sa mère était la fille d‘un compositeur et organiste. Pachelbel étudia à l‘école de musique locale et apprit la composition et l‘orgue avec des professeurs locaux.

Il a ensuite étudié à l‘Université d‘Altdorf et à l‘Université de Regensburg, où il a reçu une formation approfondie en théologie et en musique.

En 1677, Pachelbel a été nommé organiste de l‘église Saint–Laurent à Vienne, où il était en contact avec des compositeurs importants tels que Heinrich Biber et Johann Jakob Froberger. Il a ensuite été nommé organiste à l‘église Saint–Stephen de Vienne en 1690, où il est resté jusqu‘à sa mort en 1706.

5. Œuvres de Pachelbel

1. Canon in D

2. Chaconne in F minor

3. Hexachordum Apollinis

4. Magnificat in G Major

5. Fugue in A minor

6. Toccata in F sharp minor

7. Prelude and Fugue in D Major

8. Suite in A minor

9. Aria Sebaldina

10. Ricercar in E minor

Canon de Pachelbel

7. Analyse musicale du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique écrit par le compositeur allemand Johann Pachelbel, et composé en 1680. C‘est l‘un des morceaux les plus populaires de l‘ère baroque et est l‘un des morceaux classiques les plus connus et les plus appréciés de tous les temps.

Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon à trois voix qui se déroule à une vitesse modérée. La première partie est jouée par une ligne mélodique qui est ensuite imitée par les deux autres voix.

La progression harmonique du Canon de Pachelbel  est basée sur une tonalité majeure et il y a une grande variété d‘accords qui sont utilisés pour créer une atmosphère expressive. Les mouvements rythmiques sont très simples, mais ils sont la clé qui donne à la pièce son caractère mélodieux.

La mélodie principale du Canon de Pachelbel est jouée dans les tons les plus aigus et est ensuite imitée par les autres voix. Les accents en contrepoint et les pauses subtiles créent une texture riche et variée.

Le Canon de Pachelbel est une pièce très mélodieuse et expressif. Une grande attention est accordée à la structure et à l‘harmonie, ce qui en fait une pièce très réussie. Le Canon de Pachelbel est une pièce qui est considérée comme l‘un des chefs–d‘œuvre les plus célèbres et les plus appréciés de la musique classique.

9. Histoire de la diffusion du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique composé par Johann Pachelbel au XVIIe siècle. Il a été composé pour l‘orgue, mais est aujourd‘hui plus communément joué à l‘orchestre et à la guitare.

Bien qu‘il ait été composé plus de 300 ans auparavant, le Canon de Pachelbel est devenu l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et populaires de tous les temps. Le Canon de Pachelbel est devenu populaire pour la première fois au début du XXe siècle, lorsque le musicien et compositeur Max Reger a adapté le morceau pour piano.

La version de Reger est devenue très populaire et a été enregistrée par de nombreux artistes, notamment le pianiste Vladimir Horowitz.

Le Canon de Pachelbel a connu une nouvelle vague de popularité au milieu des années 1960, lorsque le guitariste classique Jean–Claude Rapin a enregistré une version pour guitare. Sa version est devenue très populaire et a été enregistrée par de nombreux artistes, notamment le groupe de rock britannique The Alan Parsons Project.

Au cours des années 1970 et 1980, le Canon de Pachelbel a été adapté à divers instruments et styles musicaux, notamment le reggae, le jazz et la musique country.

Il a également été utilisé dans des films, des émissions de télévision et des publicités. Au cours des années 1990 et 2000, le Canon de Pachelbel est devenu de plus en plus populaire et a connu une nouvelle vague de popularité, notamment grâce à sa présence dans la musique populaire et le film La Chambre des Merveilles.

La version pour guitare de Rapin a également été utilisée dans de nombreux films et émissions de télévision, notamment la série télévisée Friends.

Le Canon de Pachelbel est aujourd‘hui l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et les plus populaires. Il est joué dans le monde entier et apprécié par des millions de personnes.

10. Impact et héritage du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique qui a des origines allemandes et qui a été composé par Johann Pachelbel vers 1680. Le Canon de Pachelbel est considéré comme l‘un des morceaux de musique classique les plus célèbres et les plus populaires de tous les temps.

Le Canon de Pachelbel a eu un impact considérable sur la musique classique et a été utilisé par de nombreux compositeurs au fil des siècles. C‘est une source d‘inspiration pour les nouvelles compositions et est encore aujourd‘hui un morceau très apprécié.

Le Canon de Pachelbel a également eu un impact culturel considérable. Il est souvent utilisé dans des films, des séries télévisées et des publicités, ce qui permet à un plus large public de découvrir et d‘apprécier la musique classique. Le Canon de Pachelbel est aussi un héritage culturel très important.

Il a inspiré de nombreuses interprétations et arrangements modernes, ce qui en fait un classique intemporel et un morceau qui continuera à être apprécié par les générations futures.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ: Questions fréquemment posées sur le Canon de Pachelbel

1. Qui a composé le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a été composé par Johann Pachelbel, un compositeur allemand du 17ème siècle. Il est né en 1653 et est décédé en 1706.

2. Quand le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?

Le Canon de Pachelbel a été composé vers 1680, bien que la date exacte soit inconnue. Il est également possible qu’il ait été composé avant 1680.

3. Quelle est la forme musicale utilisée dans le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon. Un canon est une forme musicale dans laquelle une ligne mélodique est jouée par plusieurs instruments ou voix à des intervalles différents en même temps. Les lignes mélodiques sont généralement entrelacées pour créer un effet élaboré.

4. Quelle est la tonalité du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est en tonalité de D majeur. La tonalité est la hauteur moyenne des sons d’une pièce et est généralement exprimée par une lettre et une accidentale. Dans le cas du Canon, la tonalité est D Majeur, ce qui signifie que la note la plus haute de la pièce est Ré.

5. Quel instrument est utilisé dans le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est généralement joué à l’orgue, mais il peut également être joué à la harpe, à la flûte, au violon et à d’autres instruments.

6. Où le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?

Le Canon de Pachelbel a été composé en Allemagne, plus précisément à Nuremberg, où Pachelbel a vécu et travaillé. Il a également composé d’autres pièces à Nuremberg, y compris des pièces pour l’orgue et des chorals.

7. Quel est le genre musical du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est un genre de musique classique appelé musique baroque. C’est une forme de musique qui était très populaire en Europe entre 1600 et 1750 et qui est caractérisée par une certaine sophistication et des ornementations.

8. Qui a popularisé le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a été popularisé par des artistes tels que les Beatles, Elvis Presley et les Beach Boys. Il a été utilisé dans de nombreuses chansons, films et publicités, et est devenu une pièce très populaire.

9. Quelle est l’influence du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a eu une grande influence sur la musique classique moderne. Il a été une source d’inspiration pour de nombreux compositeurs et a été utilisé comme base pour de nombreuses reprises et variations. Il a également influencé le genre de la musique pop.

10. Quelle est la signification symbolique du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel n’a pas de signification symbolique spécifique, mais il est largement considéré comme une pièce très mélancolique et émouvante. Il est également considéré comme une pièce romantique, et est souvent associée à l’amour et à l’amitié.