ARTE CONCERTHELLFEST, c’est chaque année les lives du Hellfest sur vos écrans, retour sur le documentaire en vidéo, le live de GOJIRA….
Le Hellfest rencontre les métalleux sur Arte et Arte Concert lors du Hellfest Festival avec un véritable festival en ligne comprenant des concerts et des documentaires inédits
ARTE CONCERT HELLFEST
ARTE Concert est une plate-forme numérique gratuite dédiée au spectacle vivant dont une partie est diffusée en direct. Créée en mai 2009 par la chaîne de télévision européenne ARTE, l’offre regroupe une large diversité de genres musicaux : pop, rock, musiques électroniques, hip-hop, metal, musique classique, musique baroque, opéra, jazz, musiques du monde.
En plus des performances et des concerts, le portail web Arte Live propose des reportages en coulisses, des interviews exclusives des artistes et des principaux acteurs des différents festivals ainsi que des extraits de répétitions générales.
Pandémie COVID-19 en 2020, le service de streaming en direct United We Stream a été lancé. En coopération avec divers travailleurs culturels, les DJ et les concerts des clubs vides sont diffusés en direct dans le monde entier chaque jour.
Plus de 900 spectacles en direct et en rediffusion sont diffusés chaque année sur Arte Concert.
ARTE CONCERT HELLFEST – 15 ans de bruit et de fureur
Deftones, Faith No More et Judas Priest étaient attendus à Clisson pour la 15e édition du Hellfest, du 19 au 21 juin. Cette année, dans ce vaste chaudron où la sueur imbibe les looks les plus carnavalesques, on devait célébrer aussi les 50 ans du metal, inauguré en 1970 par le groupeBlack Sabbath avec son album éponyme.
Annulés pour cause de crise sanitaire, le déchaînement festif et le déluge de décibels qui font la marque du Hellfest survivent dans ce portrait rétrospectif.
Nourri des archives de quinze années hautes en couleur, qui ont vu passer Motörhead, Rammstein, Korn ou Apocalyptica, le documentaire de Fabrice Gerardi donne la parole à nombre de têtes d’affiche, et aux fondateurs du festival, Yoann Le Nevé et Ben Barbaud. Le film convie tous les courants (heavy metal, hardcore, pagan, hard-rock…), mais aussi des images de scènes, de coulisses et d’ambiances illustrant une évolution phénoménale.
ARTE CONCERT HELLFEST
En quelques années, le festival est passé de la marge sulfureuse à la grand-messe extatique. Avec, en cerise sur le gâteau d’anniversaire, la voix off du très rock (et très barbu) Francis Zégut, maître de cérémonie attitré d’ARTE pour ces festivités d’enfer.
GOJIRA – Hellfest 2019 – ARTE CONCERT HELLFEST
Gojira est un groupe de heavy metal français d’ Ondres . Fondé sous le nom de Godzilla en 1996, la formation du groupe – composée des frères Joe (chant principal, guitare rythmique) et Mario Duplantier (batterie), Christian Andreu (guitare solo) et Jean-Michel Labadie (basse) – est la même depuis le Le nom du groupe change pour Gojira en 2001.
Gojira est connue pour son style de death metal progressif et technique , et ses paroles spirituelles et sur le thème de l’environnement.. Ils sont passés « de la plus grande obscurité pendant la première moitié de leur carrière à une reconnaissance mondiale généralisée dans la seconde ».
ARTE CONCERT HELLFEST
Lamb of God au Hellfest (2019) – ARTE CONCERT HELLFEST 🔥
Lamb of God est né dans un campus universitaire en Virginie. Sa première mouture est initiée par Mark Morton, Chris Adler, John Campbell, Abe Spear et Randy Blythe qui forment alors le groupe Burn the Priest.
Plus tard, Abe Spear laisse sa place à Willie Alder et la bande change de pseudo : elle répondra dorénavant au nom de Lamb of God.
Lamb of God sort l’album New American Gospel en 2000. Ce premier opus est adulé par la critique qui rapproche ses sonorités thrash et groove metal à celles de Pantera. On aura trouvé pire comme comparaison.
Le groupe enfonce ensuite le clou avec As the Palaces Burn (2003) puis Ashes of the Wakes (2004), l’album de la consécration.
En live aussi le groupe assure et se forge une réputation de bêtes de scène. Lamb of God assure du coup les premières parties du World Magnetic Tour de Metallica. Après avoir publié Résolution en 2012, les membres de Lamb of God assoient leur position de maître de l’extrême metal avec l’album VII : Sturm und Drang (2015) puis l’EP The Duke (2016). Sans surprise, d’énormes succès.
Avec ce curriculum vitae aussi massif que classieux, on a carrément hâte de voir ce que Lamb of God va infliger au public du Hellfest ! Vous venez ?
Faith No More au Hellfest (2015) – Hellfest From Home – ARTE CONCERT HELLFEST
Walls of Jericho au Hellfest (2012) – ARTE Concert
Retour en image sur le concert du groupe Walls of Jericho enregistré en 2012 au Hellfest.
ARTE CONCERT HELLFEST: « Quinze ans de bruit et de fureur »
En 2019, Arte a fait l’objet de critiques publiques lorsque le diffuseur a diffusé en direct un concert du groupe de rock controversé Böhse Onkelz . Au Hellfest en France, le groupe a joué la chanson « The Nice Man », qui est interdite en Allemagne et qu’Arte a également diffusée en Allemagne.
Ce fait était connu à l’ avance du Böhse Onkelz . Arte a déclaré qu’elle n’avait reçu la liste des morceaux que peu de temps avant le début du concert et qu’elle n’était donc plus en mesure de réagir à temps. En raison de l’incident, le concert n’a pas été inclus dans la médiathèque.
Célébrez « Quinze ans de bruit et de fureur »! Le Hellfest, annulé en raison de la pandémie de coronavirus, célébrera son 15e anniversaire en ligne et sur Arte avec Hellfest from Home.
Au programme, trois concerts exclusifs tournés sans public à Clisson (Loire-Atlantique), un véritable festival en ligne avec une quarantaine de concerts des années précédentes, et un documentaire original retraçant l’histoire du festival.
Ultra Vomit, Stinky et Regardez les hommes qui tombent ouvriront les festivités le jeudi 18 juin à 20h sur Arte Concert et hellfest.fr avec un concert donné sans public sur le site du festival à Clisson.
Du 19 au 21 juin de midi à minuit sur Facebook et Youtube seront diffusés quotidiennement quatre concerts sélectionnés parmi les plus belles vies des années passées: Steel Panther, Sepultura, Dropkicks Murphys, Delvildriver le 19 juin, Apocalyptica, Papa Roach, Faith No More , In Flames le 20 juin, et Parkway Drive, Bullet for My Valentine, Prophets of Rage, Soulfly le 21 juin.
45 concerts enregistrés lors des éditions précédentes seront disponibles sur Arte Concert et hellfest.fr. Tous les concerts resteront en ligne pendant plusieurs mois sur ArteConcert.
La chaîne franco-allemande proposera deux nouveaux documentaires Hellfest 2019 le 19 juin à 1h05 (disponible sur Arte Concert du 12 juin au 3 juillet 2020) et Hellfest, quinze ans de bruit et de fureur le 26 juin à 11h55. pm (disponible sur Arte Concert à partir du 19 juin 2020 et sur hellfest.fr en avant-première à partir du jeudi 18 juin à 22h).
Enfin, le magazine Tracks se concentrera sur «Le dessous du métal» le 26 juin à 23h25 (et sur arte.tv jusqu’au 26 juin 2023). De quoi consoler les quelque 180 000 aficionados de métal qui allaient assister au légendaire festival!
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Arte est une émission de télévision et un service de streaming en direct proposé par Arte Concert, en collaboration avec le festival de musique Hellfest. C’est une plateforme qui permet de regarder en direct les performances des groupes de musique lors du festival Hellfest, l’un des plus grands festivals de musique metal et hard rock en France.
2. Comment regarder Arte Concert Hellfest ?
Arte est disponible en streaming sur la plateforme Arte Concert, qui propose également d’autres concerts et événements en direct. Il est également possible de regarder Arte Concert Hellfest sur la chaîne de télévision Arte, qui diffuse également des extraits des performances.
3. Quel est le contenu proposé sur Arte Concert Hellfest ?
Arte propose des concerts en direct et des extraits de performances de groupes de musique de différents genres, tels que le metal, le hard rock, le punk, et bien d’autres encore. Les performances sont filmées avec plusieurs caméras professionnelles pour offrir une expérience de visionnage immersive et de haute qualité.
4. Combien de temps dure Arte Concert Hellfest ?
Arte dure généralement tout le week-end du festival Hellfest, soit trois jours de concerts en direct et de rediffusions d’extraits de performances.
5. Y a-t-il des frais pour regarder Arte Concert Hellfest ?
Non, Arte est gratuit pour les téléspectateurs. Il suffit de se connecter sur la plateforme Arte Concert ou de regarder la diffusion sur la chaîne de télévision Arte.
6. Peut-on regarder Arte Concert Hellfest en dehors de la France ?
Oui, Arte est disponible dans plusieurs pays à travers le monde, notamment en Europe et en Amérique du Nord. La plateforme Arte Concert propose une liste complète des pays dans lesquels elle est disponible.
7. Comment est choisie la programmation d’Arte Concert Hellfest ?
La programmation d’Arte est choisie en collaboration avec les organisateurs du festival Hellfest. Ils sélectionnent les groupes de musique qui participent au festival, et Arte Concert choisit ceux qui seront filmés pour être diffusés en direct ou enregistrés pour des rediffusions.
8. Y a-t-il des interviews ou des documentaires proposés sur Arte Concert Hellfest ?
Oui, en plus des performances en direct, Arte Cpropose également des interviews avec les artistes et des documentaires sur le festival et l’univers de la musique metal et hard rock.
9. Peut-on regarder les performances passées sur Arte Concert Hellfest ?
Oui, Arte propose des rediffusions d’extraits de performances passées, ainsi que des documentaires sur les éditions précédentes du festival.
10. Quel est l’objectif d’Arte Concert Hellfest ?
L’objectif d’Arte est de permettre aux fans de musique de vivre l’expérience du festival Hellfest depuis chez eux, en proposant des performances de haute qualité filmées avec plusieurs caméras professionnelles et un son de qualité. C’est également une opportunité pour les artistes de se faire connaître auprès d’un public plus large en étant diffusés à la télévision et en ligne. Enfin, Arte Concert Hellfest permet de promouvoir la culture musicale, en particulier celle de la musique metal et hard rock, qui est souvent mal comprise et stigmatisée.
Les amplis Marshall ont été célébrés par certains des plus grands groupes et musiciens du monde, notamment: Jimi Hendrix, Eric Clapton, Slash, Oasis, Muse, Gorillaz et Bring Me The Horizon. On peut être vu en tournée avec des artistes comme Justin Timberlake, Kendrick Lamar et Lana Del Rey. Cependant, rien de tout cela ne serait possible sans le fondateur et révolutionnaire, Jim Marshall OBE et son fils Terry.
Après plus de 20 ans à jouer sur la route le 7 juillet 1960, Jim a ouvert un magasin de musique familial avec sa femme Violet et son fils Terry appelé «Jim Marshall and Son», au 76 Uxbridge Road, Hanwell, Londres. Aujourd’hui, vous trouverez une plaque sur le trottoir à l’extérieur pour célébrer nos modestes débuts.
Le magasin a vendu une variété d’instruments de musique et a attiré de nombreux jeunes talents émergents, tels que Pete Townshend, Ritchie Blackmore, John Entwistle et Big Jim Sullivan, qui étaient des amis de Terry et connaissaient le magasin de musique grâce aux étudiants en batterie de Jim, tels que Keith Moon.
Les amplificateurs de guitare Marshall sont parmi les plus reconnus au monde. Leur signature sonore, caractérisée par une distorsion grésillante et un «crunch», a été conçue par Marshall après que des guitaristes, tels que Pete Townshend , aient visité la boutique de batterie de Marshall se plaignant que les amplis de guitare alors sur le marché n’avaient pas le bon son ou assez de volume.
Après avoir gagné beaucoup de publicité, les amplis de guitare Marshall et les enceintes de haut-parleurs ont été recherchés par les guitaristes pour ce nouveau son et ce volume accru.
Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe
De nombreux amplis de guitare Marshall actuels et réédités continuent à utiliser des tubes à vide(également appelés vannes en Grande-Bretagne et dans certaines autres régions), comme cela est courant dans ce secteur de marché. Marshall fabrique également des amplis à semi-conducteurs, hybrides (tube à vide et à semi-conducteurs) et à modélisation moins chers.
Quel ampli Marshall choisir ?
Il y a plusieurs amplificateurs Marshall sur le marché qui conviendront à des besoins différents en matière de sonorisation. Si vous êtes un débutant, je vous recommande de considérer les séries d’amplificateurs Marshall MG ou Code, qui offrent des fonctionnalités abordables et faciles à utiliser. Si vous êtes un musicien expérimenté à la recherche d’un son plus puissant et plus professionnel, vous pourriez envisager les séries JCM ou DSL.
Il est également important de prendre en compte la puissance de sortie de l’ampli, la taille de l’ampli, et la compatibilité avec vos instruments. Il serait préférable de tester différents amplificateurs pour trouver celui qui convient le mieux à vos besoins et à votre style de jeu.
L’histoire de Marshall
Les Origines
Après une carrière réussie en tant que batteur et professeur de technique de batterie, Jim Marshall s’est lancé en affaires en 1962 avec un petit magasin à Hanwell , Londres, vendant des tambours, des cymbales et des accessoires liés à la batterie; Marshall lui-même a également donné des cours de batterie.
Selon Jim, Ritchie Blackmore , Big Jim Sullivan et Pete Townshend étaient les trois principaux guitaristes qui venaient souvent dans le magasin et poussaient Marshall à fabriquer des amplis de guitare et lui disaient le son et le design qu’ils voulaient. [6] Marshall Ltd. s’est ensuite agrandie, a embauché des concepteurs et a commencé à fabriquer des amplis de guitare pour concurrencer les amplis existants, dont le plus notable à l’époque était le Fenderamplis importés d’Amérique.
Ceux-ci étaient très appréciés des guitaristes et des bassistes, mais ils étaient très chers. Les trois guitaristes ont été parmi les premiers clients des 23 premiers amplis Marshall fabriqués.
Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe
Jim Marshall voulait que quelqu’un produise une alternative moins chère aux amplis de guitare fabriqués aux États-Unis, mais comme il avait une expérience limitée en génie électrique, il a fait appel à son réparateur d’atelier, Ken Bran, un technicien de Pan American Airways , Dudley Craven, un apprenti EMI.
Le plus aimé le son du Fender Bassman 4 × 10 pouces et a fait plusieurs prototypes en utilisant l’amplificateur Fender Bassman comme modèle. Le sixième prototype produit, selon les mots de Jim, le « Marshall Sound », bien qu’à cette époque, la seule implication de Jim était de vendre les amplis à la commission dans son magasin.
Au fur et à mesure que les affaires augmentaient, Marshall demanda aux trois de travailler pour lui dans son atelier, car il avait plus d’espace et de capital pour se développer.
L’idée originale a été évoquée tard un vendredi soir au début de 1963 dans un bar Wimpy à Ealing dans l’ouest de Londres par trois passionnés de radio amateur après avoir été à leur réunion hebdomadaire du radio-club de Greenford, l’indicatif d’appel de Dudley était G3PUN, celui de Ken Bran était G3UDC, et Ken Underwood était G3SDW.
À la mort de Dudley en 1998 et à la mort de Ken Bran en 2018, le seul individu original est Ken Underwood.
Les six premières unités de production ont été assemblées dans les abris de jardin de Ken Bran, Dudley Craven et Ken Underwood la même année, à Heston , Hanwell et Hayes , tous dans l’ouest de Londres. Ils étaient presque des copies du circuit Bassman, avec des soupapes de puissance 5881 en surplus militaire américain, un parent du 6L6.
Peu de haut-parleurs étaient alors capables de gérer plus de 15 watts, ce qui signifiait qu’un amplificateur approchant 50 watts devait utiliser quatre haut-parleurs.
Amplis MARSHALL
Pour leur Bassman, Fender a utilisé quatre haut-parleurs Jensen dans le même baffle que l’amplificateur, mais Marshall a choisi de séparer l’amplificateur des haut-parleurs et a placé quatre haut- parleurs Celestion de 12 pouces dans un baffle fermé séparé au lieu des quatre de 10 pouces. Jensens dans un combo à dos ouvert.
D’autres différences cruciales comprenaient l’utilisation de vannes ECC83 à gain plus élevé dans tout le pré-ampli et l’introduction d’un filtre à condensateur / résistance après le contrôle du volume. Ces changements de circuit ont donné à l’ampli plus de gain, ce qui lui a permis de passer en over drive plus tôt sur le contrôle du volume que le Bassman, et a augmenté les fréquences aiguës.
Ce nouvel amplificateur, provisoirement appelé le « Mark II », a finalement été nommé le » JTM 45 « , d’après Jim et son fils Terry Marshall et la puissance maximale de l’amplificateur.
Jimi Hendrix, Eric Clapton et d’autres groupes basés sur le blues rock de la fin des années 1960 tels que Free ont utilisé des stacks Marshall à la fois en studio et sur scène, ce qui en fait l’un des amplis les plus recherchés et les plus populaires de l’industrie.
Amplis MARSHALL
L’accord de distribution Marshall
Marshall a conclu un accord de distribution de 15 ans avec la société britannique Rose-Morris en 1965, ce qui lui a donné le capital nécessaire pour étendre ses activités de fabrication, bien que cela s’avérerait coûteux.
Rétrospectivement, Marshall a admis que l’accord Rose-Morris était « la plus grosse erreur que j’ai jamais faite. Rose-Morris n’en avait pas vraiment la moindre idée. Pour l’exportation, ils ont ajouté 55% à mon prix, ce qui nous a mis hors du monde. marché depuis longtemps. »
Amplification du parc Marshall
Le nouveau contrat avait privé de leurs droits de nombreux anciens distributeurs d’amplis Marshall, dont son vieil ami Johnny Jones. Le contrat de Marshall ne l’a pas empêché de construire des amplis en dehors de l’entreprise, et Marshall a donc lancé le nom de marque Park , inspiré du nom de jeune fille de l’épouse de Jones.
Pour se conformer à ses stipulations de contrat, ces amplis avaient des changements de circuit mineurs par rapport aux amplis Marshalls réguliers et des changements mineurs à l’apparence.
Amplis MARSHALL
Par exemple, souvent les parcs avaient des panneaux avant argentés ou noirs au lieu de ceux dorés des amplis Marshall, certains des enclos étaient plus hauts ou de forme différente, et les commandes étaient disposées et étiquetées différemment.
À partir du début de 1965, Park a produit un certain nombre d’amplificateurs, dont une tête de 45 watts. La plupart d’entre eux avaient une disposition et des composants Marshall, bien que certains amplificateurs inhabituels aient été fabriqués, tels qu’un amplificateur de clavier de 75 watts avec des tubes KT88 .
Un combo 2 × 12 pouces avait la possibilité d’envoyer le premier canal dans le second, probablement inspiré par les utilisateurs de Marshall faisant la même chose avec un câble de raccordement. Le Park 75 de 1972 a produit environ 100 watts au moyen de deux KT88, alors que le modèle comparable de 50 watts 1987 de l’époque utilisait 2 tubes EL34 .
En 1982, Park a pris fin, bien que Marshall ait plus tard relancé la marque pour certains amplificateurs à transistors fabriqués en Asie. [9] Les parcs fabriqués du milieu des années 1960 à environ 1974 (les «années d’or»), avec un câblage point à point – selon la rumeur, être «un peu plus chaud» que les Marshall réguliers – atteignent des prix plus élevés que les «vrais» comparables aux amplis Marshalls de la même période.
Les autres noms de marque Marshall
Wall of Marshall Fridge: produits de réfrigérateur utilisant la marque Marshall.
Les autres noms de marque que Marshall Amplification avait utilisés pour diverses raisons commerciales comprenaient Big M (pour le marché ouest-allemand de l’époque), Kitchen / Marshall (pour la chaîne de vente au détail Kitchen Music au nord de Londres), Narb (le nom de famille de Ken Bran épelé à l’envers) et CMI ( Instruments de musique Cleartone).
Les amplificateurs vendus sous ces marques sont assez rares et se vendent aux collectionneurs à des prix élevés.
Amplis MARSHALL
Les premiers modèles d’amplis
Le Bluesbreaker
Pour réduire les coûts, Marshall a commencé à s’approvisionner en pièces au Royaume-Uni. Cela a conduit à l’utilisation de transformateurs fabriqués par Dagnall et Drake et à un passage à la vanne KT66 au lieu du tube 6L6 couramment utilisé aux États-Unis.
Les changements ont donné aux amplis Marshall une voix plus agressive, qui a rapidement trouvé la faveur de joueurs comme Eric Clapton , qui s’asseyait dans la boutique de Jim pour s’entraîner. Clapton a demandé à Jim Marshall de produire un ampli combo avec trémolo, qui rentrerait dans le coffre de sa voiture, et l’un des amplis Marshall les plus célèbres est né, l’ ampli » Bluesbreaker « .
C’est l’amplificateur, en tandem avec sa GibsonLes Paul Standard de 1960 (le « Beano »), qui a donné à Clapton ce fameux ton sur l’Album de John Mayall & the Bluesbreakers de 1966, Bluesbreakers avec Eric Clapton .
La facade en Plexi de Marshall
Les amplis Marshall de cette époque sont facilement identifiables grâce à leur façade en verre acrylique (aka Plexiglas ), qui leur a valu le surnom de « Plexi ». En 1967, Marshall a publié une version de 50 watts du Superlead de 100 watts connue sous le nom de modèle de 1987 . En 1969, le panneau en plexiglas a été remplacé par un panneau avant en métal brossé.
Parmi les autres premiers clients, citons Pete Townshend et John Entwistle de The Who , dont la recherche de volume supplémentaire a conduit Marshall à concevoir l’amplificateur à lampes classique de 100 watts.
Ken Bran et Dudley Craven, les développeurs de Marshall, ont doublé le nombre de vannes de sortie, ajouté un transformateur de puissance plus grand et un transformateur de sortie supplémentaire. Quatre de ces amplis marshall ont été construits et livrés à Pete Townshend, et le Marshall Super Lead Model 1959 , le Plexi original, est né en 1965. À la demande de Pete Townshend, Marshall a produit un baffle 8 × 12 pouces (bientôt remplacé par une paire de baffles 4 × 12 pouces) sur lequel la tête d’amplification 1959 a été placée, donnant lieu à la pile Marshall, une image emblématique du rock and roll.
La taille du mur des piles de Marshall « est devenue bientôt un indicateur de l’état du groupe », même lorsqu’elle est rendue obsolète par des systèmes de sonorisation améliorés; en fait, bon nombre des « tableaux ridiculement énormes de têtes et de cabines » comprenaient des mannequins.
Pourtant, la plupart des têtes modernes de 100 watts ont des racines dans la conception de Marshall, même si elles contiennent souvent beaucoup plus de fonctionnalités (ou des tubes différents, tels que les tubes 6L6 plus américains ).
Modèles milieu des années 1970 et 1980
L’Amplis MARSHALL JMPS
Après 1973, pour rationaliser la production, le câblage manuel à forte intensité de main-d’œuvre a été interrompu et les amplis à valve Marshall ont été remplacés par des circuits imprimés (PCB).
Une grande partie du débat sur la différence de ton entre les amplis Marshall à panneaux en plexiglas et en aluminium remonte à 1974, date à laquelle un certain nombre de changements de circuits ont été apportés aux amplis de 1959 et 1987; avec l’ajout de «mkII» ajouté au nom «Super Lead» sur le panneau arrière et «JMP» («Jim Marshall Products») ajouté à gauche de l’interrupteur d’alimentation sur le panneau avant.
Le distributeur américain de Marshall Unicord leur a également demandé de remplacer tous les amplis vendus aux États-Unis et au Japon par le General Electric 6550 beaucoup plus robuste.au lieu du tube de sortie EL34.
L’effet combiné de différents tubes et d’un circuit modifié a donné à ces Marshall du milieu des années 1970 un son très brillant et agressif qui était plus percutant que le son EL34, mais pas aussi riche, compressé et avait moins de distorsion de l’amplificateur de puissance.
À la fin de 1975, Marshall a présenté la série «Master Volume» («MV») avec le 100W 2203, suivi en 1976 par le 50W 2204. Il s’agissait d’une tentative de contrôler le niveau de volume des amplis tout en conservant les tonalités de distorsion saturées qui avaient devenir synonyme de la marque Marshall.
Pour ce faire, les concepteurs Marshall ont connecté les deux étages d’entrée en série plutôt qu’en parallèle sur le 2203, mais pas initialement sur le 2204, et ont modifié le circuit de l’étage de gain pour préserver les caractéristiques tonales du son « Plexi à manivelle » et ont converti le désormais obsolète. contrôle de volume du deuxième canal à un Master Volume en le connectant entre le pré-ampli et le circuit d’égalisation. Le 2204 a emboîté le pas au début de 1977 et a changé son circuit de pré-ampli pour correspondre au 2203 (alors) plus populaire.
Par Rick Reinckens, qui était un technicien électronique à court terme employé d’Unicord qui a testé les premières unités à leur arrivée d’Angleterre, Tony Frank, l’ingénieur en chef d’Unicord, a eu l’idée d’un contrôle à double volume (un gain de pré-ampli et un volume principal).
Les modifications des circuits ont été optimisées pour reproduire le son des Marshall non MV précédents avec le contrôle de volume principal réglé sur « bas », mais les joueurs se sont rapidement rendu compte que « lancer » le MV de ces nouveaux amplis Marshall produirait encore plus de distorsion overdrive, le ton dont était plus coupant et énervé, et a ensuite trouvé la faveur de joueurs tels que Randy Rhoads , Zakk Wylde et Slash .
Les modèles de volume non maître de 1959 et 1987 ont également continué sous la ligne JMP jusqu’en 1982.
Le Marshall JCM 800
Peu de temps après la fin de l’accord Rose-Morris à la fin de 1980, Marshall a reconditionné deux modèles MV, le 2203 et le 2204 (à 100 et 50 watts, respectivement), ainsi que le Super Lead de 1959 et 1987 non maître dans une nouvelle boîte. avec un nouveau panneau, et l’a appelé la série » JCM800 » (du nom de ses initiales et de la plaque d’immatriculation de sa voiture). [18] Marshall a fabriqué plusieurs amplis sous le nom de JCM800.
Le Jubilé Marshall
Une année marquante pour Jim Marshall fut 1987. Elle marqua 25 ans dans le domaine des amplis et 50 ans dans la musique. Cela a été célébré avec la sortie de la série d’amplis Silver Jubilee. La série Silver Jubilee comprenait le 2555 (tête de 100 watts), 2550 (tête de 50 watts) ainsi que d’autres numéros de modèle 255x dénommant divers combos et même une « tête courte ».
Les amplis Jubilee étaient fortement basés sur les JCM800 de l’époque, avec une section de sortie très similaire avec un nouveau préampli. Leur caractéristique la plus médiatisée était la commutation à demi-puissance, qui est activée par un troisième interrupteur à bascule à côté des interrupteurs standard «power» et «standby».
Sur le modèle de 50 watts, cela se reflétait dans la numérotation – 2550 est commutable de 25 à 50 watts – et reflétait également le 25e anniversaire des amplis Marshall et Jim Marshall ‘ s 50 ans dans la musique. Les amplis étaient recouverts d’un revêtement argenté et avaient une plaque frontale argentée brillante, ainsi qu’une plaque commémorative.
Le Jubilee comportait également une conception de «canal semi-divisé», dans laquelle deux niveaux de gain d’entrée différents pouvaient être réglés, passant par la même pile de sons et le même contrôle de volume principal. Cela a permis à un niveau de gain «Marshall classique» d’être commuté au pied jusqu’à un son moderne, à gain moyen à élevé, légèrement plus sombre et plus élevé en gain que le son plus brutal JCM800 qui caractérisait la musique rock des années 1980.
« Le son de ces amplis Marshall est particulièrement épais et sombre, même à l’échelle Marshall. Le gain par rapport aux standards actuels est moyen. » [19] Le son de distorsion de la gamme Jubilee est caractérisé par le travail en direct de Slash avec Guns N ‘Roses. Il utilisait rarement autre chose en direct, mais curieusement, le Jubilé n’apparaissait sur aucun Guns N ‘Appetite for Destruction (1987) et un JCM800 modifié sur les albums suivants.
Il peut être entendu sur certains desmatériaux Velvet Revolver . Les amplis Jubilee comportaient également un bouton «pull out» qui activait un circuit d’écrêtage de diode (similaire à l’augmentation de l’entrée de l’ampli avec une pédale d’overdrive).
Les autres utilisateurs notables de Jubilee incluent les Black Crowes , John Frusciante ( Red Hot Chili Peppers ) et Alex Lifeson ( Rush ), qui l’ont largement utilisé dans l’enregistrement de l’album Clockwork Angels (2012)de Rush.
Après l’année Jubilee, la production des amplis Marshall de la série 25xx a continué pendant un an de plus (sans changements internes), mais est revenue à une livrée Marshall standard de noir et d’or. On les appelle parfois les amplis personnalisés JCM800.
Modèles milieu des années 1980 et 1990
La concurrence des sociétés américaines amplificateur
Marshall a commencé à voir plus de concurrence des sociétés d’amplification américaines telles que Mesa Boogie et Soldano. Marshall a ensuite mis à jour la gamme JCM800 avec des modèles supplémentaires et de nouvelles fonctionnalités telles que la « commutation de canal », ce qui signifiait que les joueurs pouvaient basculer entre les sons clairs et déformés en appuyant sur un commutateur au pied.
Cette fonction a fait ses débuts dans les séries 2205 (50 watts) et 2210 (100 watts) et ces amplis Marshall contenaient plus de gain de pré-ampli que jamais grâce à une nouvelle innovation; coupure de diode. Cela signifiait qu’une diode à semi-conducteurs ajoutait une distorsion supplémentaire au chemin du signal, semblable à l’ajout d’une pédale de distorsion.
En tant que tels, les JCM800 à canal partagé étaient les Marshall à gain le plus élevé jamais construits – « Lors de leur première sortie, de nombreux joueurs ont été choqués (certains ont même été rebutés) par sa distorsion brillante et intense – bien plus que tout autre ampli de l’époque. »
Bien que vivement critiqués aujourd’hui par les puristes à lampes, ces amplis étaient plus populaires que jamais, trouvant une acceptation massive au sein de la communauté du hard rock et toujours utilisés aujourd’hui par beaucoup.
Les JCM800 à canal partagé sont toujours utilisés par Tom Morello (Rage Against the Machine, Audioslave) et ont été joués exclusivement par Michael Schenker (UFO) pendant de nombreuses années.
Marshall à cette époque a commencé d’autres expériences avec des amplis à semi-conducteurs , dont la qualité s’améliorait de plus en plus en raison des innovations technologiques, mais qui étaient toujours considérés comme des équipements de niveau débutant.
Quoi qu’il en soit, les gammes de produits à semi-conducteurs portant le nom Marshall ont été et sont toujours un succès féroce (bien que mis à prix critique) pour la société, permettant aux guitaristes débutants de jouer la même marque d’ampli que leurs héros.
Un Marshall d’entrée de gamme particulièrement réussi était la série combo Lead 12 / Reverb 12, qui comportait une section de préampli très similaire à un JCM800, et une section de sortie particulièrement douce. Ces amplis ont en fait été utilisés sur disque par Billy Gibbons de ZZ Top , et sont maintenant très demandés.
Les années 1990
Le Marshall JCM 900
Dans les années 1990, Marshall a de nouveau mis à jour sa gamme de produits avec la série JCM900. Revu par le magazine Guitarist au Royaume-Uni et compte tenu de la ligne «Shredders, voici un ampli que vous n’aurez pas besoin de modifier», cette décision de Marshall était à nouveau une excroissance des désirs des musiciens, avec plus de distorsion que jamais et toujours populaire aspects des derniers modèles JCM800.
Cependant, malgré ces affirmations marketing, ils n’étaient pas aussi performants que ceux annoncés et utilisaient des composants à semi-conducteurs pour une grande partie de la distorsion de certains modèles – ce que de nombreux guitaristes n’aimaient pas.
Pourtant, sinon avec des shredders, la ligne JCM900 a été bien accueillie par les jeunes joueurs associés à la pop, au rock, au punk et au grunge qui était répandu au début des années 1990.
Il existe trois variantes différentes du JCM900. Les modèles les plus courants sont les modèles «Dual Reverb» 4100 (100 watts) et 4500 (50 watts), qui sont un descendant du modèle JCM800 2210/2205. Ces modèles comportent deux canaux, un préampli à semi-conducteurs et une distorsion de diode.
Les 2100/2500 Mark III sont essentiellement des JCM800 2203/2204 avec un écrêtage de diode supplémentaire contrôlable via un bouton sur le panneau avant et une boucle d’effets. Celles-ci sont assez rares et n’étaient pas en production depuis longtemps avant d’être remplacées par le 2100/2500 SL-X, qui a remplacé l’écrêtage de diode du Mk III par un autre tube de préampli 12AX7 / ECC83. Ce sont facilement la distorsion la plus élevée des trois variantes.
Un certain nombre d’entre eux ont été expédiés avec Sovtek 5881vannes, une variante robuste de la famille 6L6 de vannes de sortie, en raison d’un manque d’EL34 de qualité appropriée. La plupart des JCM900 et 6100 construits entre 1994 et 1998 ont quitté l’usine avec les 5881.
A cette époque, il a sorti quelques amplis Marshall « édition spéciale » dans cette gamme, dont un modèle « Slash Signature », une première pour la société. Il s’agissait en fait d’une réédition de l’ancien amplificateur Silver Jubilee 2555, avec des composants internes identiques, un look $standard et un logo Slash. Cet ampli a conservé des EL34 et 3 000 unités ont été produites de 1996 à 1997.
Le Marshall 30e anniversaire série 6100
1993 a marqué 30 ans dans le secteur des amplis. Pour commémorer cette étape importante, Marshall a sorti la série d’amplis 30th Anniversary, le 6100LE alimenté par EL34 avec un revêtement bleu commémoratif et une plaque frontale dorée, qui a été suivi par le 6100 (en tolex bleu et toujours alimenté par EL34) puis en 1994 le 6100LM (en standard Livrée Marshall mais maintenant 5881 alimenté comme les JCM900 de l’époque).
Toutes les versions du 6100 avaient trois canaux; clean, crunch et lead. Le canal clair comportait un mid shift, qui offrait l’option d’un son plus « à la Fender », et le canal crunch présentait trois modes recréant tous les sons crunch classiques de Marshall des trois dernières décennies.
Le canal principal comportait un gain de gain commutable et un commutateur de contour de milieu de gamme, ce qui lui donnait les niveaux de ton et de gain, ce que Marshall ‘ Les ingénieurs espéraient qu’il resterait compétitif dans le monde à haut gain du début au milieu des années 90. En fait, certains joueurs ont estimé que le canal principal était peut-être le maillon le plus faible de l’arsenal de l’amplificateur, et il a été révisé au cours de la troisième année de production (le LM signifie « Lead Mod »).
Cette révision présentait un gain encore plus élevé.
La série Anniversary a trouvé une place importante avec Joe Satriani en particulier, qui a favorisé les premières versions alimentées par EL34 et n’a utilisé que le canal clair en direct avec sa pédale de distorsion Vox Satchurator qui est basée sur son ancienne Boss DS-1 modifiée . Satriani a utilisé ces anciennes pédales Boss presque exclusivement pour le travail live et sur un certain nombre d’albums studio dont The Extremist (1992) jusqu’au début des années 2000.
Les modèles Anniversary étaient probablement les Marshall les plus compliqués de tous les temps (à part peut-être le dernier JVM), avec MIDIsélection de canal, commutation demi-puissance, commutation pentode / triode, excursion de haut-parleur réglable et commutateur de compensation de faible volume.
Malgré toute cette complication, les amplis avaient un chemin de signal pur qui ne partageait pas les lampes de pré-ampli entre les canaux (contrairement aux conceptions ultérieures comme la TSL et la JVM). Parmi les autres utilisateurs célèbres de 6100, citons Alex Lifeson sur l’album de Rush Test for Echo (1996) et le guitariste de Ocean Color Scene (OCS) Steve Cradock .
Les modèles Marshall actuels
Marshall produit actuellement un certain nombre d’amplificateurs, qui sont un mélange de designs modernes et de rééditions vintage. La plupart des modèles tentent d’inclure le « classique » Marshall « rugissement ».
Série modernes
À partir de 2012, Marshall a produit une large gamme d’amplis avec le look et le son de l’ampli à lampes Marshall. Le plus ancien de ces modèles est la gamme JCM2000, qui est divisée en séries à deux et trois canaux, appelées Dual et Triple Super Leads.
Ces amplis sont une continuation des séries JCM800 et 900, bien que le circuit d’écrêtage de diode controversé utilisé dans les derniers 800 et 900 ampères ait été supprimé au profit d’étages de gain de valve supplémentaires. Bien que regroupés en tant que modèles JCM2000, le DSL et le TSL ont des circuits différents et sont plus éloignés que la gamme de modèles ne le suggère.
Marshall s’est tourné vers un nouveau produit phare pour clouer tous les compromis des modèles précédents, la JVM, faite dans une variété de modèles et de gammes.
Marshall Série Vintage
Amplis Marshall Vintage Reissue
En 2001, Marshall a réédité plusieurs de ses amplis antérieurs, comme le Model 1959-SLP , qui est conçu pour être une réédition de l’amplificateur « Plexi » de la fin des années 1960, mais qui sont en réalité des rééditions du Super Lead post-1973 modèles en ce qu’ils utilisent des cartes de circuits imprimés en interne pour réduire les coûts de fabrication.
La conception originale utilisait des circuits câblés à la main sur des cartes de tourelle, qui sont maintenant disponibles pour une prime dans la série «câblée à la main». D’autres rééditions sont conçues de manière similaire sur des circuits imprimés, même lorsque les originaux étaient câblés à la main, sauf indication explicite
Ampli à semi-conducteurs
Les amplificateurs «Valvestate» de contenaient un hybride de technologie à valve et à semi-conducteurs. Actuellement appelé la «série AVT» (bien que ceux-ci soient maintenant hors de production, remplacés par le «hommage AVT» pendant une courte période), il existe un certain nombre de modèles différents, tous moins chers que leurs homologues à soupapes .
Il s’agit de la gamme actuelle d’amplis Marshall «hybrides» , avec un tube de pré-ampli 12AX7 utilisé dans le pré-ampli (pour «réchauffer» le signal) ainsi que des composants à semi-conducteurs, avec un ampli de puissance à semi-conducteurs. Ceux-ci sont considérés et commercialisés comme des équipements de niveau intermédiaire pour combler l’écart entre la gamme de vannes supérieure et la série MG de gamme inférieure.
En janvier 2009, Marshall a sorti sa dernière variante de la gamme d’amplificateurs MG. Remplaçant la gamme MG3, le MG4 a été conçu pour offrir au guitariste une multitude de fonctionnalités tout en gardant le contrôle de l’amplificateur simple.
Marshall Série basse
Marshall fabrique actuellement une plate-forme de basse professionnelle à soupapes appelée VBA400. Il abrite huit soupapes de puissance 6550 plus trois soupapes de pré-ampli ECC83 et une ECC82 .
L’entrée reçoit les deux basses actives et passives pick-up ; il y a aussi une sortie XLR DI pour l’enregistrement complet avec élévation de terre ( mise à la terre ) et commutateurs Pre / Post EQ .
Récemment, Marshall a honoré Lemmy Kilmister de Motörhead avec sa toute première tête d’ampli basse signature, basée sur son super bass de 100 watts « Murder One ».
Il existe également des modèles à semi-conducteurs appelés série MB allant de 15 watts à 450 watts et des armoires d’extension.
amplis MARSHALL
Que faut il savoir sur les enceinte marshall
Il y a plusieurs facteurs à considérer lorsque vous recherchez des enceintes Marshall. Voici quelques points importants à prendre en compte :
Puissance de sortie : Assurez-vous que l’enceinte a une puissance de sortie suffisante pour votre ampli et pour les performances que vous prévoyez de donner.
Taille et poids : Pensez à l’endroit où vous allez utiliser l’enceinte et à la facilité de transport.
Fréquence de réponse : Assurez-vous que l’enceinte a une réponse fréquentielle suffisamment large pour reproduire tous les sons de votre instrument ou de votre système de sonorisation.
Type de haut-parleur : Les enceintes Marshall utilisent généralement des haut-parleurs de grave, de médiums et d’aigus pour reproduire le son.
Connexion : Vérifiez si l’enceinte est compatible avec votre ampli ou votre système de sonorisation.
Design : Marshall est connu pour son design classique et élégant, si vous êtes un amoureux du style Marshall, vous pourriez vouloir opter pour une enceinte qui correspond à cela.
Il est important de noter que les enceintes Marshall sont généralement plus chères que les enceintes de marques concurrentes, mais elles ont généralement une qualité sonore supérieure et une plus grande durabilité. Il est donc important de bien réfléchir à vos besoins et à votre budget avant de faire un choix.
Comment connecter une enceinte Marshall ?
Il existe plusieurs façons de connecter une enceinte Marshall à votre ampli ou système de sonorisation. La méthode la plus courante consiste à utiliser des câbles de liaison à bornes, comme des câbles Speakon ou des câbles à bornes bananes. Voici les étapes à suivre pour connecter une enceinte Marshall à un ampli :
Assurez-vous que l’ampli et l’enceinte sont éteints et débranchés.
Localisez les bornes de sortie de l’ampli et les bornes d’entrée de l’enceinte. Il est généralement indiqué sur l’ampli et l’enceinte si il s’agit de bornes positives ou négatives.
Branchez les câbles de liaison à bornes aux bornes de l’ampli et de l’enceinte correspondantes. Assurez-vous que les câbles sont correctement branchés et que les bornes sont bien enfoncées.
Allumez l’ampli et réglez-le sur la puissance appropriée pour l’enceinte. Ajustez le volume de l’ampli pour éviter de surcharger l’enceinte.
Testez l’enceinte en jouant de la musique ou en utilisant un générateur de test de fréquence pour vous assurer qu’elle fonctionne correctement.
Il est important de noter que certains amplis ou systèmes de sonorisation peuvent utiliser des connecteurs différents, il est donc important de vérifier les spécifications de l’ampli et de l’enceinte pour s’assurer que les connecteurs correspondent. Il est également important de vérifier les limites de puissance de l’enceinte pour éviter de la surcharger.
FAQ sur la marque Marshall
1. Qui est Marshall ?
Marshall Amplification est une entreprise britannique fondée en 1962 par Jim Marshall, qui est devenu célèbre pour ses amplis pour guitares électriques. Au fil des ans, Marshall est devenu un nom synonyme de sonorités rock et de qualité supérieure.
2. Qu’est-ce qui rend les amplis Marshall si populaires ?
Les amplis Marshall sont connus pour leur sonorité distinctive et leur puissance. Ils ont été utilisés par certains des plus grands noms de la musique rock, notamment Jimi Hendrix, Eric Clapton et Slash. Les amplis Marshall sont également réputés pour leur robustesse, leur fiabilité et leur durabilité.
3. Quels types d’amplis Marshall sont disponibles ?
Marshall propose une large gamme d’amplis pour guitares électriques, allant des petits modèles portables aux grandes têtes d’amplis pour la scène. Certains des modèles les plus populaires incluent le JCM800, le DSL100 et le JTM45.
4. Comment choisir le bon ampli Marshall pour moi ?
Le choix de l’ampli Marshall qui convient dépend de vos besoins en matière de sonorité, de puissance et de budget. Si vous êtes un musicien débutant, un petit ampli Marshall peut être suffisant, tandis que les musiciens professionnels cherchent peut-être une tête d’ampli plus puissante pour jouer sur scène. Il est important d’essayer différents modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu.
5. Comment entretenir son ampli Marshall ?
Pour que votre ampli Marshall reste en bon état de fonctionnement, il est important de le nettoyer régulièrement et de le maintenir. Cela peut inclure le remplacement des lampes et des fusibles, le nettoyage des potentiomètres et des jacks d’entrée/sortie, et l’inspection régulière des câbles et des connexions.
6. Les amplis Marshall ont-ils une garantie ?
Oui, les amplis Marshall sont généralement couverts par une garantie du fabricant. La durée de la garantie peut varier en fonction du modèle et du pays de vente, mais elle couvre généralement les défauts de fabrication et les problèmes liés aux matériaux.
7. Marshall fabrique-t-il d’autres produits en plus des amplis ?
En plus des amplis pour guitares électriques, Marshall fabrique également des enceintes de sonorisation, des casques d’écoute, des pédales d’effets et des instruments de musique. La société propose également une gamme de produits sous licence, notamment des produits dérivés pour les fans de musique rock.
8. Qu’est-ce qui distingue les amplis Marshall des autres marques d’amplis pour guitares électriques ?
Les amplis Marshall sont souvent considérés comme ayant une sonorité plus chaude et plus organique que d’autres marques d’amplis
eric.canto@groupe-grim.com
continue
pour guitares électriques, grâce à leur conception et à leur construction. Les amplis Marshall sont également connus pour leur esthétique iconique, avec leur grille en tissu noir et leur logo blanc sur fond noir.
9. Comment se fait l’entretien d’un ampli Marshall ?
Il est important de maintenir régulièrement votre ampli Marshall pour qu’il fonctionne bien. Cela peut inclure le nettoyage des potentiomètres, des jacks d’entrée/sortie et de la grille en tissu, ainsi que le remplacement des lampes et des fusibles. Il est également important de s’assurer que l’ampli est stocké dans un endroit sec et à l’abri de la poussière et de l’humidité.
10. Où puis-je acheter un ampli Marshall ?
Les amplis Marshall sont disponibles dans de nombreux magasins de musique et en ligne, y compris sur le site web de la société. Il est recommandé d’essayer plusieurs modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu et à vos besoins. Il est également important de vérifier les prix et les garanties avant d’acheter un ampli Marshall pour vous assurer que vous obtenez le meilleur rapport qualité-prix.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Imaginez un groupe capable de faire trembler les stades du monde entier avec des riffs de guitare puissants, des harmonies symphoniques et des paroles qui dénoncent la manipulation politique et la fin du monde.
Muse, c’est tout cela à la fois. Un groupe britannique qui, depuis ses débuts dans les années 90, a su imposer un son unique, une esthétique futuriste et des performances live explosives.
Matthew Bellamy, Dominic Howard, et Chris Wolstenholme ne sont pas seulement des musiciens, ce sont des architectes sonores qui fusionnent le rock, la musique électronique, et des éléments classiques pour créer un univers apocalyptique où chaque chanson résonne comme un appel à la rébellion.
Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers musical et artistique de Muse, décrypter leur ascension fulgurante, analyser leurs albums les plus marquants, et explorer leur impact sur la scène musicale moderne. Alors, mettez vos écouteurs et préparez-vous à embarquer pour un voyage sonore à travers l’œuvre visionnaire de Muse.
I. Histoire de Muse : De Teignmouth à la scène mondiale
1.1 Les débuts à Teignmouth : Une petite ville, un grand rêve
Muse voit le jour à Teignmouth, une petite ville côtière du Devon, au Royaume-Uni. C’est dans ce cadre paisible que les futurs membres du groupe se rencontrent à l’adolescence. Matthew Bellamy (chant et guitare), Dominic Howard (batterie), et Chris Wolstenholme (basse) sont tous issus d’un milieu modeste, mais partagent une passion commune pour la musique. Dès leurs premières répétitions dans les garages de la ville, les membres de Muse se lancent dans une quête pour trouver leur son, mélangeant l’agressivité du grunge à l’expérimentation du rock progressif.
Mais la vie dans une petite ville comme Teignmouth n’était pas forcément propice à une carrière internationale. Le trio sait qu’il doit se démarquer et faire entendre sa voix pour sortir de l’ombre. Après plusieurs années de galère, où ils jouent dans des pubs et des clubs locaux, Muse commence à se faire remarquer pour son énergie brute et son talent instrumental.
1.2 Le premier album : « Showbiz » et l’émergence d’un groupe prometteur
C’est en 1999 que Muse fait ses débuts sur la scène internationale avec « Showbiz », leur premier album. Cet album pose les bases du son Muse : des riffs de guitare puissants, une utilisation intense du piano, et la voix haut perchée de Matthew Bellamy, capable de passer des murmures les plus doux aux cris les plus rageurs.
L’album contient des titres qui deviendront des classiques comme « Sunburn » et « Muscle Museum« . Même si l’album n’est pas encore un succès planétaire, il attire l’attention de la critique et du public, notamment grâce aux performances live explosives du groupe. Muse est souvent comparé à Radiohead à cette époque, mais ils se distinguent rapidement par leur approche plus explosive et leur goût pour les thématiques dystopiques.
1.3 L’explosion avec « Origine de la symétrie »
En 2001, Muse sort son deuxième album, « Origin of Symmetry », et c’est là que les choses s’accélèrent. L’album est un véritable coup de tonnerre sur la scène musicale. Avec des titres comme « Plug In Baby », « New Born », et « Bliss », Muse impose un son beaucoup plus agressif et expérimental, avec une place centrale donnée aux claviers et aux effets électroniques. L’album est acclamé pour son audace et sa complexité.
Les performances de Matthew Bellamy à la guitare et au piano sont désormais légendaires, et le groupe se fait rapidement un nom sur la scène internationale. « Origin of Symmetry » explore des thématiques qui deviendront récurrentes dans la discographie de Muse : la dystopie, la technologie, la manipulation et la révolte contre l’oppression.
II. L’univers musical de Muse : Un mélange unique de rock, classique et électronique
2.1 Un son entre rock symphonique et électronique
Ce qui distingue Muse des autres groupes de rock contemporains, c’est leur capacité à mélanger des genres musicaux variés tout en gardant une identité sonore forte. À la base, Muse est un groupe de rock alternatif, mais leur son intègre des influences de la musique classique, du rock progressif, et même de la musique électronique. Matthew Bellamy, formé au piano classique, incorpore régulièrement des éléments de musique baroque et de symphonies dans les compositions du groupe, comme on peut l’entendre sur des titres comme « Butterflies and Hurricanes« .
Dans leurs albums les plus récents, Muse n’a pas hésité à intégrer des synthétiseurs et des boîtes à rythmes, créant une fusion entre le rock symphonique et les sons électroniques futuristes. Des titres comme « Madness » ou « The Dark Side » illustrent parfaitement cette approche hybride. En live, Muse joue souvent sur cette dualité entre organique et technologique, avec des performances mêlant guitare électrique et effets électroniques sur fond de vidéos futuristes.
2.2 Des thématiques récurrentes : Dystopie, rébellion et apocalypse
L’un des éléments clés de l’œuvre de Muse est l’utilisation de thèmes récurrents dans leurs paroles. La dystopie, la révolte contre l’oppression, et la fin du monde sont des sujets qui reviennent fréquemment dans leurs chansons. Bellamy, qui s’intéresse à la politique, à la science-fiction et aux théories du complot, utilise souvent ses textes pour dénoncer la corruption, la manipulation des masses par les gouvernements, et l’impact de la technologie sur l’humanité.
Sur l’album « Absolution » (2003), des chansons comme « Apocalypse Please » et « Stockholm Syndrome » abordent l’idée de la fin des temps et de la lutte pour la survie dans un monde en ruine. L’album « The Resistance » (2009) va encore plus loin dans l’exploration de la révolte contre la tyrannie, avec des morceaux comme « Uprising », un véritable hymne à la révolution.
2.3 La voix et les performances scéniques de Matthew Bellamy
Si Muse est un groupe incroyablement puissant musicalement, la voix de Matthew Bellamy est sans doute l’une des clés de leur succès. Doté d’une tessiture impressionnante, Bellamy est capable de chanter dans des registres très variés, passant des graves profonds aux aigus stratosphériques. Sa voix, à la fois émotionnelle et puissante, donne une intensité particulière à chaque morceau. Des titres comme « Supermassive Black Hole » ou « Knights of Cydonia » sont des exemples parfaits de cette maîtrise vocale.
Mais c’est en live que Muse prend toute son ampleur. Le groupe est célèbre pour ses concerts spectaculaires, où la musique est accompagnée de visuels impressionnants, de jeux de lumières futuristes, et de décors gigantesques. Bellamy, en plus d’être un chanteur hors pair, est également un guitariste virtuose et un pianiste talentueux. Les concerts de Muse sont de véritables expériences sensorielles où la musique, l’image et la performance se mélangent pour créer un show unique.
III. L’impact culturel de Muse : Un groupe engagé et visionnaire
3.1 Un engagement politique et social marqué
Muse n’est pas seulement un groupe de musique, ils sont également connus pour leurs prises de position politiques et sociales. À travers leurs chansons, le groupe critique souvent les dérives autoritaires, la surveillance de masse, et les injustices sociales. Matthew Bellamy s’est exprimé à plusieurs reprises contre la politique de certains gouvernements et l’inaction face aux enjeux climatiques.
L’album « The Resistance » est particulièrement représentatif de cet engagement. Il aborde des thèmes comme la lutte contre l’oppression et le totalitarisme, s’inspirant du roman dystopique « 1984 » de George Orwell. « Uprising » est un véritable appel à la révolte, tandis que « Resistance » parle de la résistance face à un régime autoritaire. Les paroles de Muse résonnent fortement auprès d’un public sensible aux questions politiques et sociales, et leurs concerts sont souvent des lieux de communion où les fans se sentent galvanisés par cette énergie révolutionnaire.
3.2 Une esthétique visuelle futuriste
Le clip de « Uprising », par exemple, représente une révolte contre une société dystopique où des ours en peluche géants symbolisent un gouvernement oppressif. Ce visuel, entre cartoon et film de science-fiction, reflète à merveille l’esthétique unique de Muse, qui cherche à combiner le fantastique et le réalisme politique.
Le groupe accorde une attention particulière à la façon dont il se présente visuellement. Matthew Bellamy lui-même est fasciné par l’architecture futuriste et les technologies de pointe, des thèmes qu’il intègre non seulement dans la musique mais aussi dans les décors de scène. Lors de leurs tournées, les spectacles de Muse sont connus pour être des expériences multimédias éblouissantes, où la musique est renforcée par des écrans géants, des hologrammes et des lumières spectaculaires. Cette combinaison de son et d’image plonge les spectateurs dans un univers où la science-fiction devient presque réalité.
3.3 La fusion entre la musique classique et moderne
Un autre aspect important de l’impact culturel de Muse réside dans leur capacité à mêler des influences classiques et modernes. Matthew Bellamy a grandi en écoutant des compositeurs comme Rachmaninov et Chopin, et son éducation musicale classique se reflète dans des compositions ambitieuses qui utilisent des orchestrations complexes. Sur l’album « The Resistance », le morceau « Exogenesis Symphony » est une véritable symphonie en trois parties qui marie des cordes, des cuivres, et des riffs de guitare puissants, créant une œuvre épique.
Muse a ainsi réussi à amener des éléments classiques dans la musique rock moderne, tout en restant accessible à un large public. Ce mélange de genres donne à leur musique une profondeur supplémentaire, et a permis à des jeunes générations de se familiariser avec des concepts et des structures musicales habituellement réservées aux amateurs de musique classique.
IV. Les albums marquants de Muse : Une discographie iconique
4.1 « Origin of Symmetry » (2001) : Le chef-d’œuvre qui a tout changé
« Origin of Symmetry » est souvent considéré comme le premier grand tournant dans la carrière de Muse. Cet album a révélé leur capacité à mixer des genres variés tout en délivrant un son cohérent, puissant et unique. Ce qui distingue cet album, ce sont les compositions complexes et le sens du drame. Des morceaux comme « New Born », « Plug In Baby », et « Bliss » combinent des riffs épiques, des arrangements électroniques, et des envolées vocales impressionnantes.
Cet album aborde des thèmes qui deviendront centraux dans leur discographie, tels que la révolte et la lutte contre les forces oppressives. C’est également sur « Origin of Symmetry » que Muse commence à expérimenter avec des sons plus électroniques et classiques, notamment sur des morceaux comme « Space Dementia » où le piano de Bellamy prend une place centrale.
4.2 « Absolution » (2003) : Une apocalypse en musique
Avec « Absolution », Muse se plonge plus profondément dans les thèmes de l’apocalypse et du chaos mondial. Cet album est empreint d’une atmosphère sombre, presque désespérée, avec des morceaux comme « Apocalypse Please » et « Time Is Running Out » qui décrivent un monde au bord de l’effondrement.
« Absolution » est également l’album qui a permis à Muse de s’imposer sur la scène internationale. Les chansons sont massives, à la fois en termes de son et de contenu lyrique, et le groupe perfectionne ici sa signature sonore : des morceaux grandioses, des orchestrations et une tension palpable. C’est aussi à ce moment-là que Muse devient un groupe de stade, capable de mobiliser des foules massives avec leur musique épique et leurs performances enflammées.
4.3 « Trous noirs et révélations » (2006) : Un voyage interstellaire
« Black Holes and Revelations » est probablement l’un des albums les plus éclectiques de Muse, où le groupe explore des thèmes plus larges et plus abstraits, notamment à travers une imagerie inspirée de la science-fiction. Avec des morceaux comme « Supermassive Black Hole », « Knights of Cydonia », et « Map of the Problematique », Muse continue d’explorer des territoires sonores inédits, flirtant avec des influences électroniques, funk, et sci-fi western.
L’album est marqué par une esthétique rétrofuturiste, et ses clips vidéos s’inspirent souvent des films de science-fiction des années 60 et 70. C’est ici que Muse atteint de nouveaux sommets en termes de popularité mondiale, consolidant leur place en tant que groupe majeur de la scène rock contemporaine.
4.4 « The 2nd Law » (2012) : Une ode à l’énergie et la survie
L’album « The 2nd Law« est sans doute l’un des projets les plus expérimentaux de Muse. Il aborde des thématiques comme l’énergie, le déclin des ressources, et les conséquences du changement climatique. Musicalement, il pousse encore plus loin les influences électroniques et intègre même des éléments de dubstep, comme sur le morceau « The 2nd Law: Unsustainable ».
Cet album est à la fois ambitieux et complexe, mêlant des sonorités électroniques modernes avec des orchestrations symphoniques traditionnelles. Bien que cet album ait divisé les critiques, il montre que Muse n’a jamais peur de prendre des risques et d’explorer de nouvelles avenues musicales.
4.5 « Simulation Theory » (2018) : L’ère de la simulation
Avec « Simulation Theory », Muse plonge dans l’univers de la réalité virtuelle et des théories du complot autour de l’idée que notre monde pourrait être une simulation informatique. L’album est influencé par la culture des années 80 et la science-fiction, avec des références visuelles à des films comme « Tron » ou « Blade Runner ».
Musicalement, « Simulation Theory » est plus accessible que ses prédécesseurs, avec des influences synthpop très marquées. Des titres comme « Pressure » et « The Dark Side » témoignent d’une volonté de créer des morceaux accrocheurs tout en explorant des sujets philosophiques profonds. L’album est un mélange parfait de sonorités rétro et futuristes, tout en offrant des réflexions sur la technologie et l’avenir de l’humanité.
V. Le futur de Muse : Où va le groupe ?
5.1 Des performances live toujours plus spectaculaires
Si Muse a déjà conquis le monde avec sa musique et ses albums, le groupe est aussi célèbre pour ses performances live spectaculaires. Leurs tournées sont toujours des événements monumentaux, où les visuels, les effets spéciaux et les décors futuristes prennent autant de place que la musique elle-même. Muse s’efforce constamment de repousser les limites des concerts en créant des shows immersifs où les spectateurs sont plongés dans un univers de science-fiction et de dystopie.
5.2 Un avenir musical toujours plus audacieux
L’avenir de Muse semble prometteur, avec de nombreuses rumeurs autour d’un prochain album et de nouvelles expérimentations musicales. Le groupe continue de pousser les frontières de la musique rock en intégrant des influences contemporaines tout en restant fidèle à leur son symphonique et futuriste. Muse a toujours su se renouveler, et il est fort probable que leur prochain projet apportera encore des surprises à leur public.
Conclusion
Muse n’est pas seulement un groupe de rock. C’est un phénomène culturel, une fusion de genres et de styles qui a repoussé les limites du rock moderne tout en abordant des thèmes profonds comme la politique, la technologie, et l’apocalypse. Depuis leurs débuts à Teignmouth jusqu’aux plus grandes scènes du monde, Muse a su rester à l’avant-garde de la musique tout en capturant l’imaginaire de millions de fans.
FAQ
1. Comment Muse a-t-il commencé sa carrière ?
Muse a commencé dans la petite ville de Teignmouth, au Royaume-Uni, et s’est fait connaître grâce à son premier album « Showbiz » en 1999.
2. Quels sont les thèmes récurrents dans les chansons de Muse ?
Muse aborde souvent des thèmes comme la dystopie, la révolte contre l’oppression, la fin du monde, et la technologie dans leurs chansons.
3. Quel est l’album le plus marquant de Muse ?
« Origin of Symmetry » (2001) est souvent considéré comme leur album le plus marquant, avec des morceaux phares comme « Plug In Baby » et « New Born ».
4. Pourquoi Muse est-il connu pour ses concerts live ?
Muse est célèbre pour ses concerts spectaculaires, combinant performances musicales virtuoses et effets visuels futuristes. Le groupe utilise des écrans géants, des hologrammes, et des jeux de lumière immersifs, créant une expérience sensorielle unique pour les spectateurs. Leur capacité à réinventer constamment la mise en scène de leurs tournées est une des raisons pour lesquelles ils attirent des foules massives à chaque concert.
5. Quels sont les prochains projets de Muse ?
Muse n’a pas encore annoncé de date précise pour leur prochain album, mais ils continuent d’expérimenter de nouvelles sonorités et de pousser les limites de leur musique. Il est probable que leur prochain projet explore davantage les nouvelles technologies et l’impact de la la science-fiction sur la société moderne, thèmes récurrents dans leur œuvre.
Lacomposition photographique est l’une des bases fondamentales de tout art. Que ce soit la photographie, la peinture ou le graphisme.
C’est le mot pour décrire comment tout dans votre pièce s’emboîte. Mais la composition photographique est souvent négligée et rejetée.
La composition photographique
Qu’est-ce que la composition photographique?
Les photographes de tous niveaux ont tendance à s’inquiéter d’abord de leur équipement. Caméras, objectifs, montages d’éclairage, posant leurs modèles. Tout sauf la composition.
Et pourtant, c’est ce qui rassemble leur image.La composition photographique est ce qui sépare une image bien prise d’un cliché. Il existe des «règles» de composition spécifiques que vous devez apprendre et prendre en compte lors de la capture d’une image ou d’une scène.
Ces règles deviendront une seconde nature. Vous ne penserez même pas à la composition.
La composition photographique
Les 5 règles les plus utilisées de la composition photographique
Il existe de nombreux types de composition. Il peut être difficile de savoir quand utiliser chacun d’eux pour augmenter le niveau d’intérêt de votre image.
Parfois, les photographes abusent d’une règle de composition spécifique parce qu’ils ont une connaissance limitée des possibilités.D’autres règles de composition sont abusées, car les photographes ne savent pas comment les utiliser.L’une de ces règles de composition sur-utilisées et abusées est la règle des tiers.
C’est l’acte de placer l’intérêt vers les coins de l’image, plutôt que vers le centre.Lorsque vous utilisez cette règle, vous devez penser à votre style et à votre contenu.Il doit aider à réitérer et à décrire votre concept ou votre message.
Si ce n’est pas le cas, cela va à l’encontre de l’image.
Toutes les photographies de personnes ou avec des personnes à l’intérieur auront des lignes oculaires. À moins que vous n’aimiez la composition Guillotine (pas de têtes), vous aurez des lignes des yeux.
C’est là que regarde votre sujet. Cela pourrait être vers la caméra et le spectateur.Cela peut également être adressé à une autre personne ou à un sujet dans le cadre. Certains vous font sortir du cadre.
Les yeux dans une image sont notre point de départ. Nous suivons ensuite leur regard sur ce sur quoi ils se concentrent.
La composition photographique
Comment choisir le placement de l’horizon dans la composition photographique
L’horizon est important. Au niveau de la mer, il est à 86 milles de l’horizon.C’est l’endroit où le ciel et la terre se rencontreront toujours, et c’est tout autour de vous.
Alors, où mettez-vous cette ligne dominante dans votre cadre? Eh bien, beaucoup de gens prendront une image 50/50, plaçant la ligne au centre de l’image.Cela n’accorde aucune importance à l’une ou l’autre moitié.Cela pourrait être symétrique. Pourtant, cela ne vous donne rien d’autre que la sensation de deux images collées ensemble.
La question importante est de savoir ce qui est le plus intéressant: le ciel ou la terre?
Quelle est la règle des tiers? (Et comment l’utiliser dans les photos!)
La règle des tiers fait partie des règles de composition les plus essentielles en photographie. Lorsque vous commencez à prendre des photos, vous apprenez très vite à connaître cette règle.
La règle des tiers divise le cadre avec deux lignes verticales et deux lignes horizontales. Les quatre lignes se coupent en quatre points. Pour créer une photo visuellement attrayante, vous devez placer vos points d’intérêt autour de ces endroits.
La composition photographique
Tirer le meilleur parti des lignes, des formes et des formes
Après avoir pris de nombreuses photos, vous constaterez que chaque endroit a des lignes, des formes et des formes. Certaines images en auront plus que d’autres.
En tant que photographes assoiffés de composition, nous pouvons les utiliser à notre avantage.Les lignes sont les bords d’un sujet ou d’un objet qui montrent les limites entre deux ou plusieurs éléments différents.
Ils servent également à diriger les yeux du spectateur. La forme est ce qui donne du caractère à l’objet.Cela peut être bidimensionnel. Pourtant, la forme est ce qui lui donne un aspect 3D grâce à l’utilisation d’ombres ou de perspective.
La composition photographique
Comment utiliser les triangles dans la composition photographique
Les triangles sont des formes très importantes. Regardez les pyramides pour leur force et leur puissance. Vous les trouverez également dans tout ce que vous voyez et souhaitez photographier.
Ils sont puissants car ils combinent les techniques des lignes et des chemins. Ils donnent au spectateur une impression de stabilité. Ou même de l’instabilité.
Ces triangles peuvent englober la règle des lignes directrices. Ils pointent vers une partie de l’image avec intérêt.Les triangles implicites sont ce que vous trouverez le plus courant. Les lignes constituent une forme implicite, plutôt qu’un triangle exact.
La composition photographique
Utilisation du poids visuel dans vos photos
Le poids visuel d’une image est plus que la somme de ses parties. Chaque sujet ou objet a un poids, visible sur ses photographies.En comprenant les poids des objets, vous pouvez les contrôler.
Les yeux fournissent des poids visuels très forts dans les images.Ils sont l’endroit où nous accordons le plus d’attention.Réduire les yeux dans une image, c’est réduire l’attention et la concentration que vos spectateurs donneront à une scène.
Équilibrer une image est un bon début pour une composition réussie. La symétrie peut être un moyen efficace de montrer une scène équilibrée.
De droite à gauche comme vu dans une scène architecturale, ou de haut en bas que vous voyez dans un reflet. Ils sont tous deux puissants pour attirer votre attention sur l’image.
Le placement, la taille et le poids visuel des objets dans la scène sont importants pour créer un équilibre. Le contraire peut également fonctionner.Déséquilibrer une scène exprès peut provoquer des tensions.
Votre spectateur recherchera l’image pour la compréhension ou la signification.
La composition photographique
Le « point unique » extrêmement important dans la composition
Un bon point de départ pour la composition consiste à se concentrer sur la capture d’un sujet.Cela vous aidera à vous concentrer sur un sujet ou un élément.
Oubliez les arrangements distrayants ou complexes.
Un seul point brisera une scène simple, ajoutant de l’intérêt à une zone qui manque.Ce que vous voulez d’avoir un point unique dépend de votre propre vision et de ce qui est à votre disposition.
Photographier un portrait est un excellent exemple de cette composition en un seul point.Il peut même fonctionner parallèlement à la règle des tiers, en plaçant le visage vers les coins de l’image.
Le choix du bon point de mise au point est crucial pour la composition en photographie. Le bon point de mise au point aide à transmettre le message que vous voulez dire avec votre photographie. Et aide le spectateur à le comprendre.
Avant d’expérimenter avec les points de mise au point pour améliorer votre composition photographique, vous devez comprendre la partie technique.Vous devez apprendre à sélectionner un point AF avec votre appareil photo.
Et décidez également si vous souhaitez prendre des photos en mode manuel ou dans l’un des modes de mise au point automatique.
Composition de photographie de figure à fond
La figure au sol est une forme de composition. Nous pouvons l’utiliser pour différencier deux couleurs ou contrastes opposés.C’est une excellente technique pour séparer votre sujet de son arrière-plan.
Une photographie doit pouvoir être bien «lue». Nous constatons souvent que les images les plus simples fonctionnent le mieux.Cette forme de composition prend une image d’un sujet d’une manière qui lui accorde la plus grande attention.
Si vous photographiez un chien blanc dans la neige, il serait difficile pour le spectateur de se concentrer sur l’animal.C’est parce que le premier plan et l’arrière-plan sont blancs. Alors, comment pouvons-nous contourner cela?
Utiliser le ratio d’or pour démarrer vos photos
Le nombre d’or est un guide de composition. On l’appelle parfois la spirale de Fibonacci, la spirale dorée, la grille phi ou la moyenne d’or.Il aide à guider l’œil du spectateur sur toute la photo, menant à des images plus captivantes.
Ceci est basé sur les spirales vues dans la nature, de l’ADN aux ondes. Le rapport est de 1,618 pour 1.Avec deux pièces, si vous en faites une 1,618 fois la taille de l’autre objet, la paire sera agréable à l’œil.
La spirale dorée suggère de placer le sujet sur la plus petite boîte de cette spirale.
Une fois que vous avez commencé à rechercher des modèles, vous commencerez à les voir partout. Tout a un motif si vous êtes suffisamment proche ou assez éloigné pour les voir.
Les meilleurs photographes de rue sont aptes à reconnaître (et souvent à casser) des modèles. Ils peuvent être à la fois artificiels et naturels.
La photographie architecturale est un excellent genre pour trouver des motifs géométriquement parfaits. Trouver les modèles et les montrer est un défi en soi.
Cadres naturels pour une meilleure composition photo
Le cadrage naturel est un outil de composition précieux dans l’inventaire de tout photographe.Il dirige l’œil du spectateur vers le centre d’intérêt d’une photographie avec rapidité et efficacité.
Ils ajoutent également du récit et de la profondeur à une image, en retenant l’attention du spectateur plus longtemps.Les cadres sont partout où nous regardons, et photographier avec un appareil photo utilise déjà un cadre.
Cette composition aiguise votre attention sur l’intérieur. C’est là que se trouvent les sujets les plus intéressants.
En photographie, le «cadre» est la scène rectangulaire que votre appareil photo capture. Remplir le cadre signifie que vous faites occuper votre sujet sur une grande partie de la photo.
Les photographes débutants laissent souvent trop d’espace autour de leurs sujets. C’est peut-être parce qu’ils sont trop timides pour se rapprocher de leur sujet. Mais vous devez le faire si vous souhaitez remplir le cadre.
Rappelez-vous ce que le grand photojournaliste, Robert Capa a dit: «Si vos photos ne sont pas assez bonnes, vous n’êtes pas assez proches».
Comment utiliser la symétrie dans la composition photographique
La symétrie est attrayante pour l’œil humain. Nous gravitons vers ces imperfections visuelles comme une fourmi au sucre.Il y a un réconfort dans ces images. Ils offrent une ambiance paisible et apaisante.
Pour le portrait, cela peut paraître étrange, mais pour les paysages, ils fonctionnent bien.
Présentation du photographe de concert Ross Halfin
Ross Halfin (né le 11 août 1957) est un photographe britannique de rock and roll . Il commence la photo en travaillant pour le magazine Sounds dans les années 70, où il tourne avec divers artistes sur la scène punk, notamment avec les Sex Pistols , Clash , Jam , 999 et The Adverts.
Photographe culte, Ross Halfin suit Metallica depuis presque 30 ans. De leur tout début en 1981 jusqu à leur tournée World Magnetic en 2010, il a tout vu, tout immortalisé, participant à faire de ce groupe la légende du rock que le monde entier connaît : « Il est toujours planté devant votre putain de gueule… Chaque goutte de sueur, chaque molécule de salive, chaque poil de nez superflu… Putain, il saisit tout parce qu’il est toujours là où il faut. » Lars Ulrich
La carrière de Ross Halfin photographe
Ross Halfin a travaillé avec toutes les stars laplanète Rock et Metal, parmi lesquels Iron Maiden, Def Leppard, KISS, les Clash, les Sex Pistols et les Who. Il vit à Surrey, en Angleterre.
Ayant étudié les beaux-arts à la Wimbledon School of Art au cours des années 1970, Ross Halfin avait prévu de devenir peintre, mais trouvait l’école d’art trop prétentieuse et aussi étouffante.
Presque par accident, Ross Halfin se passionne pour la photographie musicale, introduisant ses appareils photo dans des concerts comme The Who, AC / DC, Led Zeppelin, Man et Free. Parce que Sounds, Melody Maker et NME s’intéressaient à la scène punk, Ross Halfin avait également tourné The Clash, The Sex Pistols, The Jam, Adam Ant, The Adverts, Blondie et The Specials.
Des concerts et des stars du rock qui se sont comportées comme telles, pas des petits trucs apologétiques auto-apitoyantes. Il passera la décennie suivante à parcourir le monde avec des poids lourds tels que Iron Maiden, Metallica, Def Leppard, Guns N ‘Roses, Kiss et Mötley Crüe. Ross Halfin travaillera également comme photographe officiel de la tournée pour Paul McCartney, George Harrison et Qui parmi de nombreux autres.
Le photographe Ross Halfin a également fait des artworks d’albums, des programmes de tournées, des affiches et d’innombrables couvertures de magazines (son image emblématique d’Angus Young d’AC / DC honorée par le numéro 1 de Kerrang!).
Metallica – Ross Halfin photographe
Ross Halfin photographe de musique mais aussi de voyage...
Loin du monde de la musique et de ses frasques, Ross Halfin s’intéresse de plus en plus aux voyages et à la photographie de voyage.
«J’avais tourné un peu partout, couvrant la scène punk avec du folk et de la soul, et bien sûr tout le rock», explique-t-il. « je suis reconnu comme photographe de concert, mais je ne suis pas que ça…
Dans les années 1990, lorsque la musique et sa distribution ont commencé à changer, j’ai également commencé à changer moi aussi , j’ai eu envie de photographier d’autres sujets. La photographie de voyage est devenue importante pour moi; J’avais peint des paysages à la faculté des arts et j’avais l’impression de revenir en arrière.
Ces images sont restées inédites jusqu’à Sojourner, un livre de photos capturées au cours de temps morts lors de missions globales, qui a été publié via Genesis Publications en 2011. «Je les ai toutes prises pour mon propre plaisir», dit-il. «Mon seul regret est de ne pas m’être lancé dans la photographie de voyage. Pour moi, il n’y a pas de plus de belles choses que la texture d’un ciel asiatique. «
Ross se sent-il mal compris? «Pas exactement, mais je suis définitivement stéréotypé», répond-il.
Pour Ross Halfin, il n’y a qu’une seule définition d’une bonne photo. « C’est quelque chose qui va arrêter quelqu’un dans sa trajectoire », estime-t-il. «Cela devrait leur donner envie de revenir en arrière, de regarder et d’examiner plus en détail. C’est pourquoi cela m’agace lorsque les concepteurs mettent trop de mots sur une couverture de magazine que j’ai faite. Cette image devrait juste vendre le magazine, et rien de plus. »
Sa technique photographique est basée sur l’utilisation de la lumière naturelle et artificielle pour créer des images dynamiques et expressives qui capturent l’énergie et l’essence de ses sujets.
Pour réaliser ses portraits, Ross Halfin utilise souvent un équipement photographique de haute qualité, notamment des appareils photo professionnels et des objectifs à grande ouverture pour capturer des images nettes et lumineuses avec une faible profondeur de champ.
Il travaille également beaucoup en post-production pour ajuster la couleur et le contraste de ses images afin d’obtenir des résultats qui correspondent à sa vision artistique.
Enfin, l’une des techniques les plus importantes de Ross Halfin est son approche personnelle envers ses sujets. Il cherche à établir une connexion avec eux pour les mettre à l’aise et leur permettre de se montrer sous leur meilleur jour. Cette approche donne souvent des résultats étonnamment naturels et spontanés, créant ainsi des images uniques et mémorables.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
ROSS HALFIN a parcouru le monde en photographiant des stars du rock comme Jimmy Page et Mötley Crüe dans des décors aussi variés que Perth, en Australie, et les Badlands du Dakota du Sud. En cours de route, il a appris quelques choses sur le meilleur objectif avec lequel voyager et où trouver un paysage magnifique. Pour un coucher de soleil saisissant, il a dit que la fenêtre d’un avion qui décolle de l’aéroport international de Los Angeles est l’endroit où il faut être. « Vous voyez la côte de la Californie toute dans l’ombre et cette incroyable lumière dorée. C’est Los Angeles à son meilleur.
Vous trouverez ci-dessous des extraits d’une conversation sur où et comment capturer les meilleures vues du monde, avec ou sans appareil photo.
Q. Comment prendre une bonne photo depuis un avion ? Ross Halfin: Assurez-vous d’être devant l’aile. Et déterminez toujours de quel côté de l’avion le soleil se couche. Tirez sur un léger angle et vous obtiendrez de superbes choses. J’utilise un Leica D-Lux 5, qui est un peu sûr, un appareil photo fantastique. Il a beaucoup d’options, comme une palette de peinture. En prenant des photos en fin de journée, vous obtiendrez des couleurs extrêmes.
Q. Comment composer une bonne photo de voyage ? Ross Halfin: Vous devez essayer de filmer les choses d’une manière différente. Le temple d’Uluwatu à Bali est situé au bord de la mer. C’est sur une falaise, en fait, une chute de mille pieds. De cette façon, vous regardez la mer d’en haut, d’en haut, et vous obtenez ces textures et ces couleurs étonnantes ; l’océan s’écraser sur le rivage; toutes ces couches. Je pouvais y aller et obtenir des images différentes à chaque fois.
Q. Quel est le meilleur équipement photo pour les voyageurs ? Ross Halfin: J’avais l’habitude de voyager avec un objectif géant de 300 millimètres, mais je me suis retrouvé à l’emmener partout dans le monde et à ne jamais l’utiliser. Donc, un bon objectif est un zoom de 70 à 200 millimètres, pour tirer dans un paysage ; ou un 85 millimètres, pour les portraits. Un grand angle de 35 millimètres est bon pour les couchers de soleil. Vous obtiendrez de très belles photos avec ces trois objectifs et un boîtier de 35 millimètres.
Q. Et si vous ne pouvez prendre qu’un seul objectif ? Ross Halfin: Je prendrais probablement un 85 ou 105 millimètres. Ils sont agréables car vous pouvez photographier à distance ou faire des portraits.
Q. Où les voyageurs doivent-ils aller pour shooter ? Ross Halfin: Hors des sentiers battus. Il faut aller chercher des trucs. A la Barbade, allez dans les collines. Il y a ces incroyables vieux cimetières remplis de tombes de pirates des années 1600.
À Melbourne, passez cette formation rocheuse appelée les 12 apôtres jusqu’à quelque chose appelé Razorback, une falaise étroite qui s’est érodée au fil du temps. Vous vous tenez là et réalisez que la prochaine chose est le pôle Sud. À Bali, éloignez-vous d’Ubud, où se trouvent les Four Seasons et tout, et allez à Abang. Personne n’est là. Allez photographier les rizières juste avant le coucher du soleil. Il y aura des couleurs incroyables.
Pour se rendre à Kelimutu, à Flores, nous avons dû prendre trois petits vols depuis Bali et conduire cinq heures au-dessus d’une montagne dans le noir. Vous pouvez y avoir une voiture et un chauffeur pour 25 $ par jour. Nous nous sommes levés à 3 heures le lendemain matin et avons conduit pendant 30 minutes et marché pendant une heure. Lorsque la lumière s’est allumée, j’ai réalisé que j’étais au-dessus des nuages, regardant trois volcans actifs. Au Népal, à Katmandou, vous êtes au sommet du monde. Ils vous emmèneront dans de petits avions avec de grandes fenêtres et vous feront faire le tour des montagnes pour 100 $.
Q. Comment évitez-vous les touristes ? Ross Halfin: Si vous voulez photographier les pyramides de la lune à Mexico, la seule façon d’obtenir une bonne photo par vous-même – et je l’ai fait avec Metallica – était de soudoyer les gardes à 5 heures du soir et ils restons encore 20 minutes après que tout le monde soit parti.Ou si vous allez aux pyramides en Egypte, l’astuce est d’y aller à l’aube avant que les cars de tourisme n’arrivent à 10h. Les arnaqueurs ne sont même pas là et vous avez les pyramides pour vous tout seul. Vous pouvez faire la même chose le soir.
Hamburger Abendblatt : Lemmy de Motörhead a dit un jour qu’il ne se souvenait pas de beaucoup de choses des années 70. Ressentez-vous la même chose pour les années 80, l’époque où l’on célébrait des fêtes particulièrement somptueuses ? Ross Halfin : Il y a en fait des trucs dont je ne me souviens pas, mais il en va de même pour tous ceux qui étaient là et qui ont pris de la coke. C’était une époque folle quand je pense au groupe Mötley Crüe et à leurs histoires de femmes légendaires – elles sont toutes vraies. A cette époque, je prenais des photos dans le tour bus, c’était de la pure pornographie. Aujourd’hui, personne ne s’en tirerait avec quelque chose comme ça.
Avez-vous également été impliqué dans les excès ? Ross Halfin: Il y avait une fille avec qui tout le monde couchait. J’en ai parlé dans une interview que mon fils a ensuite lue. Il était juste comme, « J’avais deux ans à l’époque, qu’est-ce que tu as dit à maman ? » Eh bien, je suis divorcé maintenant…
Vous a-t-on déjà proposé du sexe pour rapprocher les filles de leurs idoles ? Ross Halfin: Oui, c’est arrivé, mais je n’irais pas là-dedans aujourd’hui. Aussi parce que certains groupes traitaient très mal les filles. Il y avait de mauvaises scènes – mais si je peux vous dire quelque chose d’amusant : en 1992, je voyageais avec Metallica. Après un concert à Des Moines, le directeur de tournée a fait venir trois filles.
Le batteur Lars Ulrich l’a trouvé trop moche et a dit qu’il n’y avait que 20 000 fans devant la scène, donc il devrait y avoir plus de choix. « Non, » répondis-je, « les 19 997 autres étaient des hommes. » C’est le truc avec les émissions de Metallica.
Vous avez beaucoup à voir avec les superstars et leurs managers. Vous avez déjà refusé des commandes car les conditions ne vous convenaient pas ? Ross Halfin: Tout le temps. Je devrais accompagner U2 en tournée ; à l’époque, ils donnaient quatre ou cinq concerts par semaine. Et tout à coup, on a dit que j’étais autorisé à monter dans l’avion, mais pas à parler aux musiciens. C’était dégradant et j’ai quitté le travail. En général, toutes ces règles en cours d’élaboration sont pires que dans l’armée.
Après tout, je ne photographie pas une réunion de la CIA ou une performance d’Obama, mais des gars qui jouent d’un morceau de bois à six cordes. En gros, je ne signe aucun contrat. Si vous ne me faites pas confiance, cherchez quelqu’un d’autre.
Vous avez vu beaucoup de choses sur et surtout derrière la scène au fil des décennies. Y a-t-il autre chose qui vous surprend ? Ross Halfin: Encore et encore. J’étais avec les mecs de Metallica à une soirée chez Lenny Kravitz à Paris. Et quand je suis allé aux toilettes, j’ai vu qu’il avait du papier toilette noir. Avec ses initiales dessus. Ensuite, j’étais juste ennuyé de ne pas avoir pris un rouleau avec moi comme preuve.
Y a-t-il quelqu’un avec qui tu ne retravaillerais plus ? Demi : Norah Jones. J’ai rarement rencontré quelqu’un d’aussi peu professionnel. Elle avait un gros cul et exigeait que je ne m’approche pas à moins de 200 mètres. Une heure était prévue pour les portraits, au final j’ai eu deux minutes. Aussi un emploi que j’ai quitté. Le plus difficile est de photographier des femmes plus âgées. J’ai eu des expériences terribles avec Siouxsie Sioux et Chrissie Hynde des Pretenders, toutes deux dans la soixantaine. Vous pouvez vieillir dignement.
Malgré toute l’adversité, aimez-vous toujours votre travail ? Ross Halfin: Bien sûr. Dire à un chauffeur de bus ou à un agriculteur que mon travail est dur. Elle n’est pas. Bien sûr, les tournages sont parfois épuisants émotionnellement, mais je voyage en première classe, je dors dans des hôtels de luxe et je traîne beaucoup. Pas mal, je pense.
Mais était-ce mieux avant ? Ross Halfin: Avant , tout était beaucoup plus facile pour moi. Les groupes et les managers étaient contents de me voir. Aujourd’hui, il s’agit de gagner le plus d’argent possible. La cupidité éclipse tout. Par exemple, Jon Bon Jovi a demandé 2000 euros pour un billet VIP et les fans n’ont même pas pu le rencontrer en personne pour ce prix. C’est obscène.
Vous vivez à Londres mais travaillez beaucoup aux États-Unis. Vous n’avez jamais pensé à vous y installer ? Ross Halfin: Quand j’étais plus jeune, je rêvais de l’Amérique parce que je pensais que c’était le pays du sexe et de la drogue. Aujourd’hui, je sais que cela ne s’applique qu’à Los Angeles, San Francisco et New York. Rien ne se passe dans le reste du pays. Là-bas, la plupart des gens sont sans instruction et n’ont aucune culture. Donc j’aime bien vivre à Londres. Plus je vieillis, plus j’apprécie l’Europe.
Que doit mettre un groupe pour que vous puissiez le photographier ? Ross Halfin: Eh bien, si c’est un groupe connu, il y a des phrases typiques que je demande. Et maintenant, n’appelez pas. Pour un groupe débutant, je demanderais ce qu’il peut dépenser. Bien sûr, j’ai aussi rendu service à des groupes quand je les aimais particulièrement. Il faut juste faire attention à ne pas se faire abuser. Comme je l’ai dit, la musique est devenue une industrie
