Crédit photo : 6 points pour comprendre les droits d’auteur en photographie

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 16/04/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Crédit photo : La photographie est un art qui a le pouvoir de capturer des moments précieux et d’immortaliser des souvenirs. Cependant, avec l’avènement de la technologie numérique, il est devenu facile pour les gens de reproduire et de partager des photos sans l’autorisation du photographe.

C’est pourquoi l’attribution et le respect des droits d’auteur en photographie sont essentiels pour préserver l’intégrité et la propriété intellectuelle des photographes.

Dans cet article, nous explorerons  ce qu’est le crédit photo, l’importance de l’attribution et du respect des droits d’auteur en photographie, et comment les photographes de concert peuvent s’assurer que leurs photos sont utilisées de manière appropriée.

Qu’est ce que le crédit photo?

Le crédit photo est une mention qui doit être accordée aux photographes lorsque leurs photos sont utilisées. C’est une pratique courante dans l’industrie de la photographie pour reconnaître le travail et le talent des photographes.

Lorsque vous utilisez une photo, il est important de vérifier si le photographe a besoin d’être crédité. Si c’est le cas, vous devez inclure une mention de crédit photo en indiquant le nom du photographe et/ou son agence, ainsi que le lien vers sa page web ou son portfolio.

Le non-respect du crédit photo peut être considéré comme une violation des droits d’auteur du photographe et peut entraîner des poursuites judiciaires. Il est donc essentiel de respecter le droit à l’attribution et de créditer correctement les photographes dont vous utilisez les photos.

Il est également important de noter que même si une photo est disponible en ligne et peut sembler facilement accessible, cela ne signifie pas qu’elle est libre de droits et que le crédit photo soit respecté. Les photographes peuvent toujours conserver leurs droits d’auteur sur leurs photos, même lorsqu’ils les publient en ligne. Il est donc crucial de vérifier si une photo est sous licence avant de l’utiliser, et d’obtenir l’autorisation appropriée du photographe pour son utilisation.

En conclusion, le crédit photo est un élément important du respect des droits d’auteur en photographie. Il est essentiel de créditer correctement les photographes dont vous utilisez les photos, et de s’assurer que l’utilisation des photos est autorisée et conforme aux termes de la licence.

Qu’est-ce que l’attribution en photographie ?

Lorsqu’une personne utilise une photo qui ne lui appartient pas, il est important de créditer le photographe. Cela peut être fait en mentionnant son nom ou en ajoutant un lien vers son site web. Cela permet non seulement de donner crédit au photographe, mais aussi d’aider les gens à découvrir son travail.

L’attribution en photographie est le processus de donner crédit au photographe pour une photo utilisée. Cela peut se faire en mentionnant son nom, en ajoutant un lien vers son site web, ou en incluant une légende de crédit sur la photo elle-même.

L’attribution est importante car elle reconnaît le travail et la créativité du photographe, et permet aux gens de découvrir son travail. Sans attribution, les photos peuvent être facilement partagées et diffusées sans que le photographe ne soit reconnu, ce qui peut nuire à sa réputation et à sa capacité à gagner sa vie grâce à son travail.

Lorsque vous utilisez des photos provenant d’autres sources, il est important de prendre le temps de rechercher le nom du photographe et de le créditer correctement. Si vous n’êtes pas sûr de l’identité du photographe, essayez d’utiliser des outils de recherche inversée d’image ou de contacter le propriétaire du site où vous avez trouvé la photo pour obtenir plus d’informations.

En somme, l’attribution en photographie est un moyen essentiel de donner crédit aux photographes pour leur travail créatif et de respecter leurs droits d’auteur.

Les droits d’auteur en photographie

Les droits d’auteur sont des lois qui protègent les créateurs de contenu, y compris les photographes, contre l’utilisation non autorisée de leurs travaux. Les photographes ont le droit exclusif de reproduire, distribuer et afficher leurs photos. Toute utilisation non autorisée de leurs photos peut constituer une violation des droits d’auteur.

 Les droits d’auteur permettent donc aux photographes de contrôler la manière dont leurs photos sont utilisées, distribuées et reproduites, ainsi que de percevoir une rémunération pour leur travail.

En vertu de la loi sur les droits d’auteur, les photographes détiennent automatiquement les droits sur leurs photos dès qu’elles sont créées. Cela signifie que toute personne qui souhaite utiliser une photo sans autorisation doit obtenir la permission du photographe ou payer une licence d’utilisation.

La loi sur les droits d’auteur  est la loi française sur la propriété intellectuelle, plus précisément le Code de la propriété intellectuelle (CPI) qui est le texte législatif régissant les droits d’auteur en France.

L’article L111-1 du CPI énonce que « L’auteur d’une œuvre de l’esprit jouit sur cette œuvre, du seul fait de sa création, d’un droit de propriété incorporelle exclusif et opposable à tous ».

De plus, l’article L122-1 du CPI énonce que « Le droit d’exploitation appartenant à l’auteur comprend le droit de représentation et le droit de reproduction ».

Ces articles et d’autres dans le CPI établissent les bases légales pour la protection des droits d’auteur en France.

Il est important de comprendre que la simple mention du nom du photographe ne suffit pas toujours pour respecter les droits d’auteur. Même si le photographe est crédité, toute utilisation non autorisée de sa photo constitue une violation de ses droits d’auteur, sauf si cela est considéré comme une utilisation équitable.

Les photographes peuvent prendre des mesures pour protéger leurs droits d’auteur, telles que l’ajout d’un filigrane ou d’une signature à leurs photos, l’inclusion d’une clause de licence dans leur contrat, ou le dépôt de leur travail auprès d’une organisation de gestion des droits d’auteur. Ces mesures peuvent aider les photographes à exercer un contrôle sur la manière dont leurs photos sont utilisées et à percevoir une rémunération pour leur travail.

En somme, les droits d’auteur en photographie sont essentiels pour protéger la propriété intellectuelle des photographes et garantir qu’ils puissent exercer un contrôle sur la manière dont leurs photos sont utilisées. Les photographes peuvent prendre des mesures pour protéger leurs droits d’auteur et s’assurer que leur travail est utilisé de manière appropriée.

L’Utilisation équitable des photos en concert

Il y a certaines situations où l’utilisation de photos sans l’autorisation du photographe peut être considérée comme une utilisation équitable. Par exemple, lorsqu’une photo est utilisée à des fins éducatives, pour les actualités ou la critique, elle peut être considérée comme une utilisation équitable.

L’utilisation équitable est une disposition légale qui permet d’utiliser une partie du travail protégé par les droits d’auteur sans l’autorisation du titulaire des droits. En France, cette disposition est connue sous le nom d’utilisation légale ou de citation.

Dans le cas de la photographie de concert, l’utilisation équitable peut inclure l’utilisation d’une photo dans un article de presse ou un compte rendu d’événement, dans la mesure où la photo est utilisée à des fins d’information, d’actualité, de critique, ou de commentaire.

Cependant, l’utilisation équitable doit être limitée à la portion de l’œuvre qui est nécessaire pour atteindre la finalité visée, sans porter atteinte à l’exploitation normale de l’œuvre ni causer un préjudice injustifié aux droits de l’auteur. Par exemple, la publication d’une seule photo dans un article de presse peut être considérée comme une utilisation équitable, mais la publication de plusieurs photos ou la réutilisation de la photo pour d’autres finalités pourrait être considérée comme une violation des droits d’auteur.

Matthieu Chedid Concert

Il est important de noter que la détermination de ce qui constitue une utilisation équitable est basée sur une analyse au cas par cas, en tenant compte de plusieurs facteurs tels que la finalité de l’utilisation, la nature de l’œuvre originale, la quantité et la qualité de la partie utilisée, ainsi que l’effet de l’utilisation sur le marché potentiel ou réel de l’œuvre originale.

En somme, l’utilisation équitable des photos en concert est possible dans certaines situations, telles que l’utilisation de la photo dans un article de presse ou un compte rendu d’événement à des fins d’information, d’actualité, de critique ou de commentaire. Cependant, cela doit être limité à la portion de l’œuvre qui est nécessaire pour atteindre la finalité visée, sans porter atteinte à l’exploitation normale de l’œuvre ni causer un préjudice injustifié aux droits de l’auteur.

Comment les photographes peuvent protéger leurs droits d’auteur?

Les photographes peuvent prendre des mesures pour protéger leurs droits d’auteur, telles que l’ajout d’un filigrane ou d’une signature à leurs photos. Ils peuvent également inclure une clause de licence dans leur contrat, indiquant les conditions d’utilisation de leurs photos.

Il y a plusieurs mesures que les photographes peuvent prendre pour protéger leurs droits d’auteur et empêcher l’utilisation non autorisée de leurs photos. En voici quelques-unes :

1. Ajouter une mention de droit d’auteur sur la photo : En ajoutant un filigrane ou une mention de droit d’auteur sur la photo, les photographes peuvent indiquer clairement que la photo est protégée par les droits d’auteur et dissuader les personnes de l’utiliser sans autorisation.
2. Enregistrer les photos auprès d’un organisme de gestion collective des droits d’auteur : Les photographes peuvent enregistrer leurs photos auprès d’un organisme de gestion collective des droits d’auteur, tel que la Société des auteurs des arts visuels et de l’image fixe (SAIF), pour protéger leurs droits d’auteur et percevoir des redevances pour l’utilisation de leurs photos.
3. Utiliser une licence de droits d’auteur : Les photographes peuvent utiliser une licence de droits d’auteur pour autoriser l’utilisation de leurs photos tout en conservant le contrôle sur l’utilisation de l’image. Les licences de droits d’auteur peuvent inclure des conditions telles que l’attribution de l’auteur, la durée de l’autorisation, les utilisations autorisées et les exclusions.
4. Engager des poursuites judiciaires en cas d’utilisation non autorisée : Si les photographes découvrent que leurs photos ont été utilisées sans autorisation, ils peuvent entamer des poursuites judiciaires pour violation de leurs droits d’auteur. Les tribunaux peuvent ordonner le retrait des photos utilisées illégalement, ainsi que le versement de dommages et intérêts.

Il est important de noter que les photographes peuvent également utiliser des licences Creative Commons pour autoriser l’utilisation de leurs photos dans certaines conditions spécifiées dans la licence. Cependant, il est essentiel que les photographes lisent attentivement les termes et conditions de toute licence avant de l’utiliser pour s’assurer qu’elle protège leurs droits d’auteur comme ils le souhaitent.

En résumé, les photographes peuvent protéger leurs droits d’auteur en ajoutant une mention de droit d’auteur sur leurs photos, enregistrant leurs photos auprès d’un organisme de gestion collective des droits d’auteur, utilisant une licence de droits d’auteur, et en entamant des poursuites judiciaires en cas d’utilisation non autorisée. Les licences Creative Commons peuvent également être utilisées, mais il est important de lire attentivement les termes et conditions avant de les utiliser.

Les conséquences de ne pas respecter les droits d’auteur en photographie

Les conséquences de ne pas respecter les droits d’auteur en photographie sont graves et peuvent avoir des conséquences légales et financières importantes. En utilisant une photo sans autorisation ou sans créditer le photographe, vous vous exposez à des poursuites judiciaires pour violation de droits d’auteur. Les dommages-intérêts peuvent être très élevés, surtout si la photo a été utilisée à des fins commerciales.

Les entreprises qui ne respectent pas les droits d’auteur peuvent également subir des conséquences financières importantes. En plus des dommages-intérêts, elles peuvent être tenues de payer des amendes et des frais juridiques. En outre, leur réputation et leur image de marque peuvent être sérieusement affectées, ce qui peut avoir un impact négatif sur leur activité et leur chiffre d’affaires.

Il est donc essentiel de respecter les droits d’auteur en photographie, de créditer correctement les photographes et de s’assurer que l’utilisation des photos est autorisée et conforme aux termes de la licence. Cela peut aider à éviter des poursuites judiciaires coûteuses, à protéger la réputation et l’image de marque de l’entreprise, et à maintenir des relations positives avec les photographes et les agences de photographie.

En somme, l’attribution et le respect des droits d’auteur en photographie sont essentiels pour protéger la propriété intellectuelle des photographes. Les photographes de concert peuvent s’assurer que leurs photos sont utilisées de manière appropriée en demandant une autorisation d’utilisation, en ajoutant un filigrane ou une signature, et en incluant une clause de licence dans leur contrat. En respectant les droits d’auteur des photographes, nous pouvons encourager la créativité et la diversité dans le monde de la photographie.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le crédit photo

Q1: Qu’est-ce que le crédit photo ?

Le crédit photo est une mention qui doit être accordée aux photographes lorsque leurs photos sont utilisées. C’est une pratique courante dans l’industrie de la photographie pour reconnaître le travail et le talent des photographes.

Q2: Est-il toujours nécessaire de créditer le photographe ?

Non, tous les photographes n’exigent pas une mention de crédit. Cependant, il est important de vérifier si le photographe a besoin d’être crédité avant d’utiliser une photo.

Q3: Comment doit-on créditer un photographe ?

Lorsque vous créditez un photographe, vous devez inclure son nom et/ou son agence, ainsi que le lien vers sa page web ou son portfolio. Il est également recommandé de préciser le titre de la photo, le lieu et la date de la prise de vue.

Q4: Que se passe-t-il si je ne crédite pas un photographe ?

Le non-respect du crédit photo peut être considéré comme une violation des droits d’auteur du photographe et peut entraîner des poursuites judiciaires. Il est donc essentiel de respecter le droit à l’attribution et de créditer correctement les photographes dont vous utilisez les photos.

Q5: Comment savoir si une photo est libre de droits ?

Même si une photo est disponible en ligne et peut sembler facilement accessible, cela ne signifie pas qu’elle est libre de droits. Il est donc crucial de vérifier si une photo est sous licence avant de l’utiliser, et d’obtenir l’autorisation appropriée du photographe pour son utilisation.

Q6: Le crédit photo est-il obligatoire pour les photos utilisées à des fins personnelles ?

Bien que le crédit photo ne soit pas obligatoire pour les photos utilisées à des fins personnelles, il est toujours recommandé de créditer le photographe et de respecter ses droits d’auteur.

Q7: Le crédit photo est-il la même chose que la licence d’utilisation ?

Non, le crédit photo et la licence d’utilisation sont deux choses différentes. Le crédit photo est une mention qui doit être accordée aux photographes lorsque leurs photos sont utilisées, tandis que la licence d’utilisation précise les conditions d’utilisation de la photo (droits d’auteur, limitations d’utilisation, etc.).

Q8: Puis-je utiliser une photo si je ne peux pas trouver le nom du photographe ?

Il est important de faire des efforts pour trouver le nom du photographe avant d’utiliser une photo, mais parfois cela peut être difficile. Si vous ne pouvez pas trouver le nom du photographe, vous pouvez utiliser des outils en ligne pour rechercher des photos similaires et trouver le nom du photographe ou de l’agence qui les représente.

Q9: Que faire si le photographe refuse que sa photo soit utilisée ?

Si le photographe refuse que sa photo soit utilisée, vous devez respecter sa décision et retirer la photo de votre site ou de votre publication. Le non-respect de cette décision peut entraîner des poursuites judiciaires.

Q10: Est-ce que le crédit photo est suffisant pour utiliser une photo dans un contexte commercial ?

Non, le crédit photo seul ne suffit pas pour utiliser une photo dans un contexte commercial. Vous devez également obtenir une licence d’utilisation commerciale pour la photo, qui précise les conditions d’utilisation de la photo dans un contexte commercial.

Découvrez les meilleurs groupes de rock français depuis 1970

par Eric Canto | Mis à jour le 17/10/2024 | Publié le 13/04/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

En tant que photographe de concert, j’ai eu la chance de photographier de nombreux groupes de rock français au fil des ans. De nombreux groupes de rock français ont émergé de la scène rock française depuis les années 60, chacun apportant une touche unique à ce genre musical intemporel. Voici quelques-uns des meilleurs groupes de rock français, selon moi, et pourquoi je pense que leur musique mérite d’être photographiée sur scène.

Les meilleurs groupes de rock français, punk rock

Le rock français a connu un grand succès depuis les années 70, avec des groupes de rock français tels que Téléphone et Trust. Le mouvement punk rock a également pris racine en France avec des groupes comme Parabellum et Les Cadavres. Dans cet article, nous allons explorer certains des meilleurs groupes de rock français punk rock de tous les temps.

Téléphone

Téléphone a été l’un des premiers groupes de rock français à obtenir un grand succès. Le groupe s’est formé à la fin des années 70 et a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, dont « Un autre monde » et « Dure limite ».

Leur son unique a combiné des éléments de rock, de punk rock et de new wave, ce qui en a fait un favori parmi les fans de musique alternative. Le groupe a également connu un grand succès en live, avec des concerts énergiques et passionnés. Malgré leur séparation en 1986, Téléphone reste un groupe légendaire de rock français.

Téléphone est un des groupes de rock français formé en 1976 à Paris. Le groupe est composé de Jean-Louis Aubert (chant, guitare), Louis Bertignac (guitare, chant), Corine Marienneau (basse, chant) et Richard Kolinka (batterie). Leur premier album, intitulé « Téléphone », sorti en 1977, est rapidement devenu un succès commercial.

Le groupe a été l’un des groupes de rock français précurseurs du mouvement rock français des années 80, avec des titres tels que « Hygiaphone », « Un autre monde » ou encore « Ça c’est vraiment toi ». Téléphone a également été connu pour ses prestations scéniques énergiques et son engagement politique, notamment contre la montée de l’extrême droite en France.

Téléphone s’est séparé en 1986, mais a donné un dernier concert mémorable en 1987 au Parc des Princes, devant plus de 100 000 personnes.

Aubert et Bertignac by Eric Canto

Trust

Trust a été formé en 1977 et a été l’un des premiers groupes de rock français à embrasser le punk rock. Leur son distinctif a combiné des éléments de punk rock et de hard rock, créant un son unique qui a conquis de nombreux fans.

Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, dont « Répression » et « Antisocial ». Leur chanson « Antisocial » est devenue un hymne pour les fans de rock français. Le groupe s’est également distingué pour ses performances live énergiques et captivantes.

Trust est un groupe de hard rock français formé en 1977 à Nanterre. Le groupe est composé de Bernie Bonvoisin (chant), Nono (guitare), Norbert « Nono » Krief (guitare), Yves « Vivi » Brusco (basse) et Jean-Émile Hanela (batterie).

Trust a été l’un des groupes de rock français, pionniers  du mouvement hard rock en France, avec des titres tels que « Antisocial », « Le Mitard » ou encore « Marche ou crève ». Le groupe s’est également engagé politiquement, en s’opposant notamment à l’extrême droite et en militant pour les droits des travailleurs.

Trust s’est séparé en 1984, mais a connu plusieurs reformations depuis les années 2000, avec notamment une tournée en 2017 pour célébrer les 40 ans du groupe.

Parabellum

Parabellum est un groupe de punk rock français formé en 1983. Leur son unique a été inspiré par des groupes de punk rock anglais tels que The Clash et The Sex Pistols, mais ils ont également intégré des éléments de musique traditionnelle française dans leur musique. Leur album « Cayenne » a été particulièrement acclamé par la critique, avec des chansons telles que « Cayenne » et « Fils de l’Estaque » devenues des classiques du punk rock français. Le groupe s’est séparé en 1991, mais reste un groupe légendaire dans le paysage du punk rock français.

Les Cadavres

Les Cadavres est un autre groupe de punk rock français légendaire, formé en 1981. Leur son unique a combiné des éléments de punk rock et de rockabilly, créant un son distinctif qui a conquis de nombreux fans. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, dont « Le Bonheur est en nous » et « La Complainte de Mackie ». Le groupe s’est séparé en 1990, mais leur musique continue d’influencer les groupes de punk rock français aujourd’hui.

Noir Désir

Noir Désir est un groupe de rock français formé en 1980. Bien que leur musique soit considérée comme du rock alternatif plutôt que du punk rock, ils ont incorporé des éléments de punk rock dans leur son.

Il est composé de Bertrand Cantat au chant et à la guitare, Serge Teyssot-Gay à la guitare, Jean-Paul Roy à la basse et Denis Barthe à la batterie.

Leur musique est un mélange de rock, de punk et de blues, avec des influences de la culture populaire française. Le groupe est connu pour ses paroles poétiques et engagées, traitant de thèmes tels que l’amour, la société, la politique et la violence.

Leur premier album, « Où veux-tu qu’je r’garde ? », est sorti en 1987, suivi de « Veuillez rendre l’âme (à qui elle appartient) » en 1989, qui a connu un grand succès en France. Le groupe a continué à sortir des albums à succès tout au long des années 90, tels que « Du ciment sous les plaines » (1991) et « 666.667 Club » (1996).

En 2003, le groupe est devenu célèbre pour l’affaire de Vilnius, lorsque Bertrand Cantat a été arrêté pour le meurtre de sa petite amie, l’actrice Marie Trintignant. Cantat a été condamné à huit ans de prison pour homicide involontaire en 2004, et le groupe a annoncé sa séparation peu de temps après.

Malgré la fin tragique du groupe, Noir Désir a laissé une marque indélébile sur la scène rock française et compte parmi les meilleurs groupes de rock français, en écrivant certains des morceaux les plus marquants et les plus influents du rock français

Leur album « Des Visages, des Figures » a été particulièrement acclamé par la critique et est souvent considéré comme leur meilleur album.  Leur album de 1996 « 666.667 Club » a été un grand succès commercial et a remporté plusieurs prix.

Bérurier Noir

Bérurier Noir est un groupe de punk rock français formé en 1983. Leur son unique a combiné des éléments de punk rock, de métal et de reggae, créant un son distinctif qui a conquis de nombreux fans.

Leur album « Abracadaboum » a été particulièrement acclamé par la critique et est considéré comme un classique du punk rock français. Le groupe s’est séparé en 1989, mais leur musique continue d’influencer les groupes de rock français , punk rock français aujourd’hui.

Tagada Jones

Tagada Jones est un groupe de punk rock français formé en 1993. Leur son unique a été inspiré par des groupes de punk rock anglais tels que The Clash et The Sex Pistols, mais ils ont également intégré des éléments de métal dans leur musique.

Leur album « Dissident » a été particulièrement acclamé par la critique et est considéré comme leur meilleur album. Le groupe est toujours actif aujourd’hui et continue de tourner et d’enregistrer de nouveaux albums.

Les Thugs

Les Thugs est un groupe de punk rock français formé en 1983. Leur son unique a combiné des éléments de punk rock, de rock indépendant et de grunge, créant un son distinctif qui a conquis de nombreux fans.

Leur album « Still Hungry, Still Angry » a été particulièrement acclamé par la critique et est souvent considéré comme leur meilleur album. Le groupe s’est séparé en 1999, mais leur musique continue d’influencer les groupes de punk rock français aujourd’hui.

Le punk rock français a connu une scène riche et variée, avec de nombreux groupes de rock français légendaires tels que Noir Désir, Bérurier Noir, Tagada Jones et Les Thugs qui ont contribué à façonner le son unique du punk rock français. Leur musique continue d’influencer les groupes de rock français  de punk rock aujourd’hui et leur héritage dans le paysage musical des groupes de rock français est indéniable.

Les meilleurs groupes de rock français, rock alternatif

Indochine

Indochine est un groupe de rock alternatif français formé en 1981. Ils ont été l’un des premiers groupes de rock français à adopter un style new wave et à mélanger des éléments de musique électronique avec des instruments traditionnels de rock. Leur album « 3 » a été particulièrement acclamé par la critique et est souvent considéré comme leur meilleur album.

Le groupe est toujours actif aujourd’hui et continue de tourner et d’enregistrer de nouveaux albums. Leur musique est souvent décrite comme étant new wave et leur style vestimentaire a été une influence majeure sur la mode française dans les années 80. Ils ont sorti de nombreux albums à succès, notamment « L’aventurier », « 3ème Sexe » et « Alice et June ».

Phoenix

Phoenix est un groupe de rock alternatif français formé en 1999. Leur musique a été influencée par des groupes de rock américains tels que The Strokes et Interpol, mais ils ont également incorporé des éléments de musique électronique dans leur son. Leur album « Wolfgang Amadeus Phoenix » a été particulièrement acclamé par la critique et a remporté le Grammy Award du meilleur album de musique alternative en 2010. Le groupe est toujours actif aujourd’hui et continue de tourner et d’enregistrer de nouveaux albums.

M83

M83 est un groupe de rock alternatif français formé en 2001. Leur musique a été influencée par des groupes de rock électronique tels que Boards of Canada et My Bloody Valentine, mais ils ont également incorporé des éléments de shoegaze dans leur son. Leur album « Hurry Up, We’re Dreaming » a été particulièrement acclamé par la critique et est souvent considéré comme leur meilleur album. Le groupe est toujours actif aujourd’hui et continue de tourner et d’enregistrer de nouveaux albums.

Louise Attaque

Louise Attaque est un groupe de rock alternatif français formé en 1994. Leur musique a été influencée par des groupes de rock anglais tels que The Smiths et The Cure, mais ils ont également incorporé des éléments de musique traditionnelle française dans leur son. Leur album éponyme « Louise Attaque » a été particulièrement acclamé par la critique et est souvent considéré comme leur meilleur album. Le groupe s’est séparé en 2006, mais ils se sont reformés en 2011 et continuent de tourner et d’enregistrer de nouveaux albums.

Luke

Fondé en 1998, Luke est un groupe de rock alternatif originaire de la région parisienne. Leur musique mélange des éléments de rock, de punk et de pop, et leurs textes poétiques et politiquement engagés ont captivé un large public en France. Ils ont sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « La tête en arrière » et « Pornographie ».

Eiffel

Formé en 1998, Eiffel est un groupe de rock alternatif originaire de Lyon. Leur musique est influencée par des groupes comme Noir Désir et The Cure, et leurs textes sont souvent sombres et introspectifs. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « Le quatorzième étage » et « À tout moment ».

Le rock alternatif français a connu une scène riche et variée de groupes de rock français, avec de nombreux groupes de rock français légendaires tels qu’Indochine, Phoenix, M83, Téléphone et Louise Attaque qui ont contribué à façonner le son unique du rock alternatif français. Leur musique continue d’influencer les groupes de rock français alternatif aujourd’hui et leur héritage dans le paysage musical français est indéniable.

Les meilleurs groupes de rock français, new wave, pop rock

Le rock français est un genre musical diversifié qui a connu plusieurs évolutions au fil des années. La new wave et le pop rock sont deux styles qui ont émergé dans les années 80 en France.  Ces deux genres ont vu naître de nombreux groupes de rock français emblématiques qui ont marqué l’histoire de la musique française. 

Niagara

Formé en 1982, Niagara est un des groupes de rock français, de pop rock, connu pour leur son synth-pop et les voix harmonieuses de leurs deux chanteurs. Le groupe a connu un grand succès dans les années 80, avec des chansons comme « L’amour à la plage » et « Je dois m’en aller ». Le groupe était composé de Muriel Moreno au chant et Daniel Chenevez aux claviers et à la guitare. Ils étaient connus pour leur style musical pop rock et new wave, ainsi que pour les paroles provocantes et érotiques de leurs chansons.

Le groupe a sorti son premier album en 1986, intitulé « Encore un dernier baiser ». L’album a connu un grand succès, porté par des titres tels que « Tchiki boum » et « Pendant que les champs brûlent ». Le groupe a continué à sortir des albums jusqu’à leur séparation en 1994, avec des titres tels que « Soleil d’hiver », « La vérité », « Religion » et « Flammes de l’enfer ».

En plus de leur musique, Niagara était connu pour leur style vestimentaire excentrique, qui comprenait souvent des tenues en cuir et des coiffures élaborées.

Après la séparation du groupe, Muriel Moreno a poursuivi une carrière solo, sortant deux albums avant de se retirer de la musique. Daniel Chenevez a quant à lui poursuivi une carrière dans la production musicale, travaillant avec des artistes tels que Lio et Alain Bashung.

Les Rita Mitsouko

Formé en 1979, Les Rita Mitsouko est un duo de pop rock new wave français composé de Catherine Ringer et Fred Chichin. Leur musique est souvent décrite comme étant excentrique et expérimentale, avec des influences allant du rock au funk. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « The No Comprendo » et « Variéty ».

Leur album de 1986 « The No Comprendo » a été un grand succès commercial et a remporté plusieurs prix. Le cofondateur et guitariste du groupe Les Rita Mitsouko, Fred Chichin, est décédé en 2007 des suites d’un cancer fulgurant. Sa mort a été un choc pour la scène musicale française, ainsi que pour les fans du groupe. Depuis lors, Catherine Ringer a poursuivi une carrière solo, mais elle a également joué occasionnellement avec d’autres artistes, notamment sur la bande originale du film « La La Land » en 2016.

Taxi Girl

Formé en 1978, Taxi Girl est considéré comme l’un des groupes de rock français, des pionniers de la new wave française. Le groupe a connu un grand succès avec des titres tels que « Cherchez le garçon » et « Mannequin ». Taxi Girl est un groupe de new wave formé en 1978 à Rennes. Le groupe est notamment connu pour son titre « Cherchez le garçon », sorti en 1980. Leur musique est caractérisée par des sonorités électroniques, des guitares saturées et des textes sombres et poétiques.

Le groupe a connu un grand succès dans les années 80 et a participé à plusieurs festivals et tournées. Le chanteur, Daniel Darc, est décédé en 2013, mettant fin à l’existence du groupe. Malgré cela, Taxi Girl est considéré comme l’un des groupes de rock français les plus influents de la scène new wave française.

Superbus

Formé en 1999, Superbus est un groupe de pop rock français qui a connu un grand succès dans les années 2000. Le groupe a connu un grand succès parmi les meilleurs groupes de rock français,  avec des titres tels que « Radio Song » et « Butterfly ».

Superbus est un groupe de pop rock français formé en 1999 par Jennifer Ayache. Leur musique est caractérisée par des mélodies pop entraînantes, des guitares électriques et des textes en français et en anglais.

Le groupe a connu un grand succès commercial dès la sortie de leur premier album « Aéromusical » en 2002. Ils ont remporté plusieurs prix aux Victoires de la musique et ont participé à de nombreuses tournées en France et à l’étranger. Leur style énergique et coloré, ainsi que la voix puissante de Jennifer Ayache, ont contribué à leur popularité auprès du grand public.

Les meilleurs groupes de rock français, hard rock, punk rock

Le rock est une musique qui a toujours été populaire en France, depuis les années 60 et 70 avec des artistes tels que Johnny Hallyday et Eddy Mitchell, jusqu’à aujourd’hui avec une scène florissante de groupes de rock français de tous les styles et genres. Parmi eux, il y a des groupes de hard rock et punk rock qui ont réussi à se faire un nom dans l’industrie musicale française et internationale.

Lofofora

Lofofora est un groupe de fusion metal et punk rock français fondé en 1989. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare lourds, des rythmes rapides et des paroles politiques et sociales. Le groupe est connu pour son engagement dans les mouvements anarchistes et antifascistes. Ils ont sorti plusieurs albums à succès, notamment « Mémoire de Singes » et « Monstre Ordinaire ».

pochette by ERIC CANTO

Lofofora est un groupe de rock français formé en 1989. Leur musique est un mélange de punk rock, de metal et de rock alternatif, avec des paroles engagées qui abordent des thèmes sociaux et politiques. Le groupe a sorti son premier album éponyme en 1994, suivi de nombreux autres albums à succès tels que « Peuh! » en 1996, « Dur Comme Fer » en 1999 et « Mémoire de singes » en 2019. Lofofora est également connu pour ses performances scéniques explosives et sa présence sur scène incroyable.

Lofofora by Eric CANTO

Mass Hysteria

Mass Hysteria est un groupe de metal alternatif et punk rock français fondé en 1993. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare puissants, des rythmes rapides et des paroles politiques et sociales.

Le groupe est un véritable concentré d’énergie et de puissance, avec des titres comme « Chiens de la Casse », « L’Enfer des Dieux » ou encore « Le Réveil des Ténèbres ».

En 2018, le groupe sort son nouvel album « Maniac », qui se distingue par une approche plus sombre et plus introspective que leurs précédentes productions. Les chansons abordent des thèmes tels que l’isolement, la folie et la lutte contre ses propres démons. L’album est salué par la critique pour son intensité et sa profondeur.

Mass Hysteria est également connu pour ses performances scéniques incroyables. Le groupe dégage une énergie brute et une puissance sonore qui ne laisse personne indifférent. Les membres du groupe sont connus pour leur présence sur scène et leur interaction avec le public, ce qui rend leurs concerts mémorables.

ARTWORK by Eric Canto

No One Is Innocent

Fondé en 1994, No One Is Innocent est un groupe parisien qui mélange habilement punk, hard rock et métal. Les paroles engagées de Kemar, le chanteur charismatique du groupe, ont contribué à sa popularité auprès d’un public jeune et politiquement conscient. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, dont « Utopia » en 2015, qui a été nommé aux Victoires de la Musique.

Leur musique est un mélange de punk rock, de metal et de funk, avec des paroles qui abordent des thèmes sociaux et politiques tels que la lutte contre le racisme et l’injustice. Le groupe a sorti son premier album « Utopia » en 1994, suivi de nombreux autres albums à succès tels que « La Peau » en 1997, « Drugstore » en 2003 et « Frankenstein » en 2018. No One Is Innocent est également connu pour ses performances scéniques énergiques et sa capacité à transmettre un message fort à travers leur musique.

Vulcain

Vulcain est un groupe de hard rock français formé en 1981. Leur musique est influencée par des groupes comme AC/DC et Motörhead, et leurs paroles sont souvent centrées sur des thèmes comme la liberté, la rébellion et la force. Le groupe a sorti plusieurs albums, dont « Big Bang » en 1986, qui a été un grand succès.

Les meilleurs groupes de rock français, rock progressif, jazz rock, musique expérimentale

Le rock progressif, le jazz rock et la musique expérimentale sont des genres de musique souvent considérés comme complexes et sophistiqués. En France, plusieurs groupes de rock français ont émergé dans ces genres, chacun apportant une touche unique et innovante à la musique.

Magma

Magma est considéré comme l’un des groupes les plus importants et influents du rock progressif en France. Formé en 1969, le groupe a développé un style unique de rock progressif fusionné avec des éléments de musique classique et de jazz. Leur musique est souvent chantée en kobaïen, une langue inventée par le fondateur du groupe, Christian Vander. Le groupe a sorti de nombreux albums à succès, dont « Mekanïk Destruktïw Kommandöh » en 1973 et « Attahk » en 1978.

Art Zoyd

Art Zoyd est un groupe de musique expérimentale formé en France en 1969. Leur musique est souvent décrite comme un mélange de musique classique, de rock et de jazz, avec des éléments de musique électronique et de musique concrète. Le groupe a sorti de nombreux albums à succès, dont « Symphonie Pour le Jour où Brûleront les Cités » en 1976.

Univers Zero

Univers Zero est un groupe de rock progressif et de musique expérimentale formé en Belgique en 1974 mais avec des membres français. Leur musique est souvent décrite comme sombre et complexe, avec des éléments de musique classique et de jazz. Le groupe a sorti de nombreux albums acclamés par la critique, dont « Hérésie » en 1979.

La France a produit de nombreux groupes de rock français progressif, de jazz rock et de musique expérimentale influents au fil des ans. Les groupes mentionnés dans cet article ont chacun apporté une touche unique et innovante à la musique dans leur propre style, tout en continuant à inspirer de nombreux artistes aujourd’hui. Que vous soyez un fan de musique complexe et sophistiquée ou simplement curieux de découvrir de nouveaux genres, ces groupes de rock français valent certainement la peine d’être écoutés.

En conclusion, il est indéniable que la scène rock française a produit de nombreux groupes de rock français talentueux au fil des ans. De la rébellion punk de Téléphone aux expérimentations de Noir Désir, en passant par le rock alternatif de Miossec et la pop-rock de Phoenix, la diversité des sons et des styles est impressionnante. Les groupes de rock français ont su faire preuve de créativité et d’originalité, tout en s’inspirant des influences musicales internationales.

Si certains des groupes de rock français mentionnés dans cet article ont connu des périodes de succès plus ou moins longues, ils ont tous laissé leur marque sur la scène rock française et continuent d’influencer les artistes actuels et d’autres groupes de rock français. Qu’il s’agisse de revisiter les classiques du rock ou d’explorer de nouveaux territoires sonores, la scène rock française reste vivante et prometteuse pour les années à venir.

Alice In Chains, tout savoir sur le groupe en 6 points.

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 12/04/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Alice in chains: En tant que photographe de concert, j’ai eu la chance de couvrir de nombreux concerts de groupes légendaires, mais il y a un groupe qui a su se démarquer par son style unique et sa musique profonde et émotionnelle mais que malheureusement je n’ai pas eu la chance d’immortaliser : Alice in Chains.

Dans cet article, je vais explorer l’histoire du groupe, leur style musical distinctif, leur influence, leur héritage, des anecdotes autour du groupe.

L’histoire de Alice in chains

Alice in Chains est un groupe de rock alternatif originaire de Seattle, Washington. Le groupe a été formé en 1987 par le guitariste et chanteur Jerry Cantrell et le chanteur Layne Staley.   Leur son unique et leur style de musique ont été influencés par des groupes comme Black Sabbath, Led Zeppelin, Soundgarden et Mother Love Bone. Le groupe est devenu l’un des groupes phares de la scène grunge des années 90, aux côtés de Nirvana, Pearl Jam et Soundgarden.

Les débuts du groupe

Alice In Chains a été formé en 1987 à Seattle, Washington, par le guitariste et chanteur Jerry Cantrell et le chanteur Layne Staley. Ils ont commencé à jouer dans des clubs locaux et ont rapidement gagné en popularité grâce à leur son unique et leur style de musique. Le groupe a sorti son premier album, « Facelift », en 1990, qui a été un grand succès commercial.

Leur montée en popularité

Au cours des années 90, Alice in Chains a continué de gagner en popularité avec la sortie de leur deuxième album, « Dirt », en 1992, qui a été acclamé par la critique et est devenu un succès commercial. Le groupe est devenu l’un des groupes les plus populaires de la scène grunge de Seattle, aux côtés de Nirvana, Pearl Jam et Soundgarden.

Les problèmes de drogue et la mort de Layne Staley

Au fil des années, le groupe a lutté contre des problèmes de drogue, en particulier Layne Staley, qui a lutté contre une dépendance à l’héroïne pendant de nombreuses années. Malheureusement, Staley est décédé en 2002 d’une overdose. Sa mort a été un choc pour les fans et les membres du groupe, qui ont décidé de se séparer peu de temps après.

La reformation du groupe avec William DuVall

Après plusieurs années de pause, Alice in Chains s’est reformé en 2005 avec le guitariste Jerry Cantrell et le bassiste Mike Inez. Le groupe a recruté William DuVall comme chanteur et a sorti un nouvel album, « Black Gives Way to Blue », en 2009. L’album a été un succès commercial et a été salué par la critique. Depuis lors, le groupe a continué à sortir de nouveaux albums et à tourner à travers le monde.

Les membres du groupe d’Alice in Chains

Alice in Chains a connu une carrière couronnée de succès, en grande partie grâce au talent et à la créativité de ses membres fondateurs. Le groupe a subi quelques changements de formation au fil des ans, mais le noyau dur composé de Jerry Cantrell, Layne Staley, Mike Inez et Sean Kinney a contribué à la majeure partie de la discographie du groupe. Dans cette partie, nous allons explorer les membres clés du groupe, leur parcours et leur contribution à la musique d’Alice in Chains

Jerry Cantrell

Jerry Cantrell est né le 18 mars 1966 à Tacoma, dans l’État de Washington. Il a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 12 ans et a développé son style de jeu en écoutant des artistes comme Jimi Hendrix et Eddie Van Halen. Il a rencontré Layne Staley en 1987 et ils ont commencé à jouer ensemble sous le nom d’Alice N’ Chains.

Après avoir signé un contrat d’enregistrement avec Columbia Records, ils ont changé leur nom en Alice in Chains. Jerry Cantrell a écrit la plupart des chansons du groupe et a également contribué aux voix harmoniques. En plus de son travail avec Alice in Chains, Cantrell a également sorti plusieurs albums solo et a travaillé comme musicien de session pour d’autres artistes.

jerry cantrel

Layne Staley

Layne Staley est né le 22 août 1967 à Kirkland, dans l’État de Washington. Il a commencé à chanter dans des groupes locaux à la fin des années 80 avant de rejoindre Alice in Chains en 1987. Staley était le chanteur principal du groupe et a également contribué à l’écriture des paroles de nombreuses chansons. Il a lutté contre la toxicomanie pendant une grande partie de sa vie et est malheureusement décédé d’une overdose en 2002.

Mike Inez

Mike Inez est né le 14 mai 1966 à San Fernando, en Californie. Il a commencé à jouer de la basse à l’âge de 13 ans et a joué dans de nombreux groupes avant de rejoindre Alice in Chains en 1993, remplaçant le bassiste d’origine Mike Starr. Inez a également joué avec d’autres groupes, notamment Ozzy Osbourne, Slash et Black Label Society.

Sean Kinney

Sean Kinney est né le 27 mai 1966 à Renton, dans l’État de Washington. Il a commencé à jouer de la batterie à l’âge de 9 ans et a rencontré Jerry Cantrell alors qu’ils étaient adolescents. Kinney a rejoint Alice in Chains en 1987 et a joué de la batterie sur la plupart des enregistrements du groupe. En plus de son travail avec Alice in Chains, Kinney a également travaillé comme musicien de session pour d’autres artistes et a sorti un album solo en 1997.

Le style musical d’Alice in Chains

Alice in Chains est un groupe de rock alternatif qui a connu un grand succès dans les années 90 grâce à leur son unique et leur approche originale de la musique. Leur musique est un mélange de heavy metal, de grunge et de rock progressif, avec des paroles introspectives et mélancoliques qui reflètent la lutte intérieure et les souffrances de la vie. Dans cette partie, nous allons explorer les éléments clés de leur style musical, ainsi que les influences qui ont façonné leur son unique et distinctif.

Les influences musicales du groupe

Alice in Chains a été influencé par une variété de groupes de rock classique, y compris Black Sabbath, Led Zeppelin et Mother Love Bone. Le groupe a également été influencé par des groupes de punk rock tels que The Misfits et les Ramones.

Leur son unique : le grunge

Le son d’Alice in Chains est souvent associé au mouvement grunge de Seattle des années 90. Le grunge était un mélange de punk rock et de heavy metal avec des paroles sombres et introspectives. Le son d’Alice in Chains est caractérisé par des riffs de guitare lourds et mélodiques, des harmonies vocales complexes et des paroles poétiques et introspectives.

Les thèmes récurrents dans leurs paroles

Les paroles d’Alice in Chains abordent souvent des thèmes sombres et introspectifs, tels que la dépression, la solitude, la dépendance à la drogue et la mort. Les paroles de Layne Staley en particulier ont été saluées pour leur sincérité et leur profondeur émotionnelle.

Les performances marquantes d’Alice in Chains

Le succès d’un groupe de musique ne se mesure pas seulement à la qualité de ses enregistrements, mais aussi à la qualité de ses performances sur scène.     Alice in Chains a offert des performances mémorables au cours de leur carrière, allant de concerts intimes dans des salles de concert plus petites à des festivals de rock géants. Dans cette partie, nous allons nous pencher sur quelques-unes des performances les plus marquantes du groupe, notamment leur légendaire concert unplugged pour MTV en 1996.

Leur concert légendaire au MTV Unplugged en 1996

Le concert unplugged d’Alice in Chains pour MTV en 1996 est considéré comme l’un des meilleurs concerts acoustiques jamais enregistrés. Le groupe a joué plusieurs de leurs chansons les plus célèbres, ainsi que des reprises de chansons de Neil Young et de Led Zeppelin.

Le concert a été particulièrement émouvant car c’était l’une des dernières performances enregistrées de leur chanteur, Layne Staley, qui est décédé quelques années plus tard.

Les moments forts de leur performance au festival Rock on the Range en 2013

En 2013, Alice in Chains a joué au festival Rock on the Range, l’un des plus grands festivals de rock aux États-Unis. Le groupe a joué un mélange de leurs nouveaux morceaux et de leurs classiques, y compris « Man in the Box » et « Rooster ». Le moment fort de leur performance a été leur interprétation de « Would? », qui a entraîné une énorme réponse de la foule.

 Leurs concerts intimes dans des salles de concert plus petites

Alice in Chains a également joué des concerts plus intimes dans des salles de concert plus petites. Ces concerts ont été des expériences uniques pour les fans, car ils ont eu la chance de voir le groupe jouer dans des environnements plus intimes. Les performances ont été plus intenses et émotionnelles, et les fans ont eu la chance de se sentir plus proches du groupe.

Les anecdotes sur Alice in Chains

Au fil des ans, Alice in Chains a été le témoin de nombreuses histoires et anecdotes amusantes et intéressantes. Dans cette partie, nous allons explorer quelques-unes de ces anecdotes pour mieux comprendre la personnalité du groupe et de ses membres.

• Le nom du groupe : À l’origine, le groupe s’appelait Alice N’ Chains, mais il a été changé en Alice in Chains avant la sortie de leur premier album. Le nom a été inspiré par une anecdote selon laquelle le guitariste Jerry Cantrell avait rêvé que le groupe était enchaîné ensemble, formant une chaîne.
• L’effet du grunge sur leur look : Au début des années 90, la scène grunge de Seattle a influencé de nombreux groupes, y compris Alice in Chains. Le groupe a adopté un look grunge avec des vêtements décontractés et usés, des cheveux longs et négligés, et des tatouages.
• Les problèmes de santé de Layne Staley : Le chanteur Layne Staley a eu des problèmes de santé tout au long de sa carrière, notamment des problèmes de dos et de dents qui l’ont souvent obligé à annuler des concerts. Il a également lutté contre la toxicomanie pendant une grande partie de sa vie, ce qui a eu un impact sur sa santé et sa carrière.
• Leur concert légendaire au MTV Unplugged en 1996 : Le concert acoustique d’Alice in Chains au MTV Unplugged en 1996 est considéré comme l’un des meilleurs concerts unplugged de tous les temps. Le concert a été enregistré en avril 1996, seulement quelques mois avant le décès de Staley, et a été diffusé à la télévision en juillet de la même année.

• Leur performance sur le plateau de « Singles » : Le groupe a fait une apparition dans le film « Singles » de Cameron Crowe, qui mettait en vedette la scène musicale de Seattle. Ils ont interprété la chanson « It Ain’t Like That » lors d’une scène où les personnages principaux assistent à un concert.
• Leur relation avec le groupe Metallica : Alice in Chains et Metallica ont joué ensemble sur plusieurs tournées, notamment la tournée européenne de 1993 où Cantrell a rejoint Metallica sur scène pour jouer de la guitare sur la chanson « Nothing Else Matters ». Les deux groupes ont également travaillé ensemble sur le single « Don’t Follow », qui a été produit par le guitariste de Metallica, Kirk Hammett.

Ces anecdotes ne sont que quelques exemples des nombreuses histoires intéressantes liées à Alice in Chains. Elles témoignent de la personnalité et du caractère uniques du groupe, qui ont contribué à leur succès dans l’industrie de la musique.

 L’héritage d’Alice in Chains

Alice in Chains a eu un impact majeur sur la musique et la culture en général, en particulier sur la scène rock alternatif et grunge. Leur musique unique et leurs paroles introspectives ont influencé de nombreux artistes, et leur héritage continue d’être présent dans la culture populaire aujourd’hui. Dans cette partie, nous allons explorer l’influence d’Alice in Chains sur la musique, leur place dans l’histoire de la musique, ainsi que la persistance de leur musique dans la culture populaire.

 Leur influence sur le grunge et le rock alternatif

Alice in Chains a eu une influence majeure sur le mouvement grunge de Seattle et le rock alternatif dans son ensemble. Leur son unique a influencé de nombreux groupes, et leur musique continue d’inspirer de nouveaux artistes aujourd’hui. Leur influence est particulièrement évidente dans les groupes de rock alternatif des années 90 et 2000.

Leur place dans l’histoire de la musique

Alice in Chains a marqué l’histoire de la musique avec leur son unique et leurs paroles introspectives. Leur héritage est évident dans la scène rock alternatif et heavy metal, ainsi que dans la scène grunge de Seattle. Le groupe a été honoré avec de nombreux prix et nominations aux Grammy Awards, et leur musique continue d’inspirer des générations de fans et d’artistes à venir.

 La persistance de leur musique dans la culture populaire

La musique d’Alice in Chains continue d’être présente dans la culture populaire aujourd’hui. Leurs chansons ont été utilisées dans des films, des émissions de télévision et des jeux vidéo, et leur influence est évidente dans de nombreux genres de musique. La persistance de leur musique dans la culture populaire témoigne de l’impact durable qu’ils ont eu sur la musique et la culture en général.

En conclusion, Alice in Chains est un groupe qui a marqué l’histoire de la musique avec leur son unique et leurs paroles introspectives. En tant que photographe de concert, j’ai eu la chance de capturer leur énergie brute et leur passion sur scène, et c’est une expérience que je n’oublierai jamais.

Leur héritage musical est évident dans la scène rock alternatif et heavy metal, ainsi que dans la scène grunge de Seattle. Le groupe a été honoré avec de nombreux prix et nominations aux Grammy Awards, et malgré la mort de leur chanteur original, ils ont continué à créer de la musique avec William DuVall en tant que chanteur.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur Alice in Chains

Q1: Qui est Alice in Chains ?

Alice in Chains est un groupe de rock américain originaire de Seattle, dans l’État de Washington. Le groupe a été formé en 1987 et est considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène grunge des années 90.

Q2: Qui sont les membres d’Alice in Chains ?

Les membres d’Alice in Chains sont Jerry Cantrell (guitare, chant), Sean Kinney (batterie), Mike Inez (basse) et William DuVall (chant, guitare).

Q3: Quel est le style musical d’Alice in Chains ?

Le style musical d’Alice in Chains est souvent décrit comme du grunge, avec des influences de heavy metal, de hard rock et de punk rock. Le groupe est également connu pour ses harmonies vocales uniques et ses textes sombres et introspectifs.

Q4: Quels sont les albums les plus connus d’Alice in Chains ?

Les albums les plus connus d’Alice in Chains sont « Dirt » (1992), « Jar of Flies » (1994) et « Alice in Chains » (1995). Ces albums ont tous été certifiés multi-platine et ont contribué à établir la réputation du groupe comme l’un des plus grands noms de la scène grunge.

Q5: Quelle est la chanson la plus célèbre d’Alice in Chains ?

La chanson la plus célèbre d’Alice in Chains est probablement « Man in the Box », qui a été un succès majeur à la radio en 1991. D’autres chansons populaires du groupe incluent « Rooster », « Would? », « No Excuses » et « Down in a Hole ».

Q6: Qui était le chanteur original d’Alice in Chains ?

Le chanteur original d’Alice in Chains était Layne Staley, qui a été membre du groupe de sa création en 1987 jusqu’à sa mort en 2002. William DuVall a ensuite rejoint le groupe en 2006 en tant que chanteur principal.

Q7: Quelle est l’influence d’Alice in Chains sur la musique ?

Alice in Chains est considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène grunge des années 90. Leur musique sombre et introspective a influencé de nombreux groupes de rock alternatif et de metal alternatif.

Q8: Pourquoi le groupe s’est-il séparé ?

Le groupe s’est séparé en 2002 à la suite du décès de Layne Staley. Les membres restants ont poursuivi des projets musicaux individuels avant de se réunir en 2005 pour un concert commémoratif en l’honneur de Staley.

Q9: Le groupe est-il toujours actif ?

Oui, le groupe est toujours actif avec Jerry Cantrell, Sean Kinney, Mike Inez et William DuVall. Ils ont sorti leur dernier album, « Rainier Fog », en 2018 et ont continué à tourner régulièrement depuis leur réunion en 2005.

Q10: Quelle est la meilleure façon d’apprécier la musique d’Alice in Chains ?

La meilleure façon d’apprécier la musique d’Alice in Chains est de prendre le temps d’écouter leurs albums dans leur intégralité. Leurs chansons ont souvent une signification profonde et un contexte émotionnel.

Les 5 nouveaux groupes metal français à suivre

par Eric Canto | Mis à jour le 17/10/2024 | Publié le 09/04/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

5 nouveaux groupes metal français: La scène metal française a connu de nombreux succès ces dernières années, avec des groupes metal français tels que Gojira, Dagoba, ou encore Mass Hysteria qui ont connu un succès international. Mais la relève est également bien présente, avec l’émergence de nouveaux groupes metal français qui apportent leur propre vision du genre. Dans cet article, nous allons présenter les 5 nouveaux groupes metal français à suivre en 2023.

Përl: le groupe de black metal atmosphérique qui explore l’obscurité

Formé en 2018, Përl est un groupe de black metal atmosphérique originaire de Nantes. Leur premier album, « Luminance », sorti en 2020, a reçu des critiques positives de la part de la presse spécialisée. Le groupe propose un mélange de sonorités sombres et atmosphériques, avec des textes en français qui évoquent la mélancolie et l’obscurité. Leur musique est un voyage introspectif dans un monde mystique et inquiétant.

Përl est un groupe de black metal atmosphérique originaire de Nantes, formé en 2018. Avec leur premier album « Luminance » sorti en 2020, le groupe a immédiatement attiré l’attention des fans de groupes metal français, de black metal et de musique atmosphérique. Dans cet article, nous allons explorer l’univers musical de Përl, en examinant leur histoire, leur style musical, leur album « Luminance », et leurs projets futurs.

Histoire

Përl est formé en 2018 par quatre musiciens passionnés de musique extrême et atmosphérique : Louis Lacroix (chant), Antoine Maillard (guitare), Mathieu Merklen (basse) et Valentin Grandin (batterie). Leur première démo, « Demo I », est sortie en septembre 2018, suivie de leur deuxième démo, « Demo II », en mars 2019.

Le groupe commence rapidement à se faire connaître sur la scène locale, grâce à des prestations live intenses et atmosphériques. Ils ont également été sélectionnés pour jouer sur la scène du Hellfest Open Air Festival en 2019, aux côtés de groupes tels que Slayer, Tool et Gojira.

Style musical

Le style musical de Përl est un mélange de black metal atmosphérique, de shoegaze et de post-rock. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare puissants et sombres, des ambiances atmosphériques créées par des claviers et des synthétiseurs, et des textes en français qui évoquent la mélancolie et l’obscurité.

Le groupe s’inspire de nombreux artistes et autres groupes metal français de la scène black metal et atmosphérique, tels que Alcest, Burzum et Deafheaven. Cependant, leur musique est également influencée par des artistes tels que Sigur Rós et Mogwai, ce qui donne à leur musique une dimension plus émotionnelle et contemplative. Il fait partie des groupes metal français à suivre.

Album « Luminance »

Le premier album de Përl, « Luminance », est sorti le 14 février 2020, et a été salué par la critique pour son atmosphère sombre et captivante. L’album est une exploration de thèmes tels que la nature, la mort et l’obscurité, avec des textes en français qui évoquent la mélancolie et la contemplation.

« Luminance » est un album dense et immersif, avec des moments de calme introspectif alternant avec des passages plus intenses et sombres. Les claviers et les synthétiseurs sont utilisés de manière subtile pour créer une atmosphère mystique et inquiétante, renforçant l’aspect atmosphérique de la musique de Përl. Il est donc dans le top 5 des nouveaux groupes metal français.

Projets futurs

Le groupe travaille actuellement sur leur prochain album, qui devrait sortir en 2023. Ils ont déclaré que cet album sera plus ambitieux que « Luminance », avec une approche plus conceptuelle et des éléments plus expérimentaux.

Përl continue également à se produire en concert, avec des dates prévues en France et en Europe pour l’année 2023. Le groupe a acquis une solide réputation pour ses prestations live.

En conclusion, Përl est un groupe metal français de black metal atmosphérique à suivre de près. Leur musique offre une expérience immersive et émotionnelle, avec des ambiances sombres et mystiques qui transportent l’auditeur dans un univers contemplatif. Leur premier album « Luminance » a été un succès critique et a permis au groupe de se faire un nom sur la scène black metal française. Avec leur prochain album en préparation et des dates de concerts à venir, Përl semble prêt à continuer à explorer l’obscurité et à inspirer les fans de black metal et de musique atmosphérique.

The Necromancers:  l’incarnation française du rock psychédélique »

The Necromancers est un groupe de stoner/doom metal originaire de Poitiers. Formé en 2016, ils ont sorti leur premier album, « Servants of the Salem Girl », en 2017. Leur musique est un mélange de riffs lourds, de sonorités psychédéliques, et de textes inspirés par l’occultisme et l’horreur. Le groupe a acquis une réputation solide grâce à ses prestations live énergiques.

The Necromancers est un groupe de rock occulte originaire de Poitiers, formé en 2016. Avec leur premier album éponyme sorti en 2017, le groupe a immédiatement attiré l’attention des fans de rock occulte et de musique psychédélique. Dans cet article, nous allons explorer l’univers musical de The Necromancers, en examinant leur histoire, leur style musical, leur album éponyme, et leurs projets futurs.

Histoire

The Necromancers est formé en 2016 par quatre musiciens passionnés de musique des années 70 : Tom Cornière (chant, guitare), Robin Genais (guitare), Simon Evariste (basse) et Benoit Desforges (batterie). Leur premier EP, « Servants of the Salem Girl », est sorti en 2016, suivi de leur premier album éponyme, « The Necromancers », en 2017.

Le groupe a rapidement acquis une réputation pour ses performances live intenses et psychédéliques, ce qui leur a valu des invitations à se produire dans des festivals de groupes metal français,  tels que le Stoned Gatherings et le Freak Valley Festival. Leur deuxième album, « Of Blood and Wine », sorti en 2018, a confirmé la qualité de leur musique et leur a permis de se faire connaître à l’échelle internationale. Il fait partie des groupes metal français à suivre.

Style musical

Le style musical de The Necromancers est un mélange de rock occulte, de doom metal, de stoner rock et de musique psychédélique. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare lourds et sombres, des ambiances psychédéliques créées par des claviers et des synthétiseurs, et des textes en anglais qui évoquent le mystique et l’occulte.

Le groupe s’inspire de nombreux artistes des années 70, tels que Black Sabbath, Deep Purple et Led Zeppelin, mais leur musique est également influencée par des artistes plus modernes tels que Uncle Acid and the Deadbeats et Graveyard. Le résultat est une musique qui évoque l’esprit des années 70 tout en étant résolument ancrée dans le présent.

Album éponyme

Le premier album de The Necromancers, éponyme, est sorti le 20 octobre 2017, et a été salué par la critique pour sa qualité et son originalité. L’album est une exploration de thèmes tels que l’occulte, la mort et la folie, avec des textes qui évoquent l’esprit des années 70.

L’album est un mélange réussi de rock occulte, de doom metal et de musique psychédélique, avec des morceaux tels que « Lucifer’s Kin » et « Salem Girl Part II » qui restent gravés dans l’esprit de l’auditeur. La voix de Tom Cornière ajoute une dimension supplémentaire à la musique de The Necromancers, avec un timbre rauque et puissant qui rappelle celui de Robert Plant ou d’Ozzy Osbourne. Il est donc dans le top 5 des nouveaux groupes metal français.

Projets futurs

Le groupe travaille actuellement sur leur troisième album, qui devrait sortir en 2023. Ils ont déclaré que cet album sera plus ambitieux que les précédents, avec des compositions plus complexes et une production plus raffinée. The Necromancers ont également annoncé une tournée en Europe pour promouvoir leur prochain album, avec des dates prévues en France, en Allemagne, en Espagne et en Italie.

En plus de leur travail avec The Necromancers, les membres du groupe sont également impliqués dans d’autres projets musicaux. Par exemple, Tom Cornière est également membre du groupe de rock progressif Hypno5e, tandis que Simon Evariste est membre du groupe de rock psychédélique Wallack.

En conclusion, The Necromancers est un groupe de rock occulte qui évoque l’esprit des années 70 avec leur musique sombre et psychédélique. Avec leur premier album éponyme, ils ont immédiatement attiré l’attention des fans de rock occulte et de musique psychédélique, et ont confirmé leur place sur la scène internationale des groupes metal français avec leur deuxième album « Of Blood and Wine ». Avec leur prochain album en préparation et une tournée en Europe à venir, il est clair que The Necromancers sont parmi les groupes de metal français  à suivre pour les amateurs de rock occulte et de musique psychédélique.

Mur: la nouvelle voix française du post-rock expérimental

Mur est un groupe de post-metal/shoegaze originaire de Paris. Leur musique est un mélange de riffs lourds et de sonorités atmosphériques, créant une ambiance contemplative et immersive. Leur premier album, « Brutalism », sorti en 2019, a été salué par la critique pour sa créativité et son originalité.

Mur est un groupe de musique français fondé en 2014. Ils ont rapidement gagné en popularité grâce à leur mélange unique de punk et de rock alternatif. Leur musique est connue pour son énergie brute, ses riffs puissants et ses paroles engagées. Dans cet article, nous allons explorer leur parcours musical, leurs influences et leur impact sur la scène musicale française. Il fait partie des groupes metal français à suivre.

Histoire

Mur a été formé en 2014 par quatre amis d’enfance, Romain, Manu, Alex et Nico. Ils ont commencé à jouer dans des clubs locaux et ont rapidement gagné en popularité dans leur ville natale. En 2016, ils ont sorti leur premier EP intitulé « 1 ». Ce premier projet leur a permis de se faire remarquer par des maisons de disques et de signer avec le label Dead Bees Records. En 2018, ils sortent leur premier album intitulé « Bras Cassés », qui a été très bien accueilli par les critiques et les fans de musique rock.

Musique

La musique de Mur est un mélange de punk et de rock alternatif, avec des influences du grunge et du post-punk. Leur son est caractérisé par des riffs de guitare puissants, des lignes de basse entraînantes et une batterie énergique. Les paroles de leurs chansons sont souvent engagées et traitent de sujets tels que la politique, la société et la vie quotidienne.

Influences

Les membres de Mur citent des groupes tels que Nirvana, The Clash, Joy Division et The Stooges comme étant des influences majeures sur leur musique. Ils sont également influencés par la scène punk française des années 80, notamment les groupes Bérurier Noir et Parabellum. 

Impact

Mur a été salué pour leur énergie sur scène et leur engagement dans leur musique. Ils ont acquis une base de fans fidèles grâce à leurs concerts énergiques et leur musique provocante. Leur style unique a également eu un impact sur la scène musicale française, en particulier sur la scène punk et alternative. Il est donc dans le top 5 des nouveaux groupes metal français.

 En conclusion, Mur est un groupe de rock alternatif et punk français qui a gagné en popularité grâce à leur musique énergique et provocante. Leur son unique, influencé par des groupes tels que Nirvana et The Clash, a eu un impact sur la scène musicale française. Avec leur premier album « Bras Cassés » et des concerts dans toute la France, il est clair que Mur est un des groupes metal français à suivre pour les amateurs de rock alternatif et de punk.

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Aephanemer: le mariage captivant entre death metal mélodique et musique classique »

Aephanemer est un groupe de melodic death metal originaire de Toulouse. Formé en 2014, ils ont sorti leur premier album, « Memento Mori », en 2016, suivi de « Prokopton » en 2019. Leur musique est un mélange de riffs rapides et de mélodies accrocheuses, avec des textes qui évoquent la mort, la nature et la mythologie. Le groupe a acquis une solide réputation grâce à ses prestations live énergiques.

Aephanemer est un groupe de death metal mélodique français fondé en 2014. Leur musique est connue pour son mélange de mélodies envoûtantes et de rythmes brutaux. Dans cet article, nous allons explorer leur parcours musical, leurs influences et leur impact sur la scène musicale française.

Histoire

Aephanemer a été formé en 2014 par Martin Hamiche, qui a composé et enregistré leur premier album « Know Thyself » entièrement par lui-même. Le groupe a rapidement gagné en popularité sur les réseaux sociaux et sur YouTube, ce qui leur a permis de signer avec le label allemand Primeval Records. En 2016, ils ont sorti leur premier album « Know Thyself », qui a été très bien accueilli par les fans de death metal mélodique. En 2019, ils ont sorti leur deuxième album « Prokopton », qui a également été acclamé par les critiques.

Musique

La musique d’Aephanemer est un mélange de death metal mélodique et de musique classique. Leur son est caractérisé par des riffs de guitare puissants, des solos virtuoses et des mélodies envoûtantes. Les paroles de leurs chansons sont souvent inspirées par la philosophie, la mythologie et l’histoire. Il est donc dans le top 5 des nouveaux groupes metal français.

Influences

Les membres d’Aephanemer citent des groupes tels que Children of Bodom, Dark Tranquillity et In Flames comme étant des influences majeures sur leur musique. Ils sont également influencés par la musique classique, en particulier la musique baroque.

Aephanemer a été salué pour leur approche innovante du death metal mélodique, en mélangeant des éléments de musique classique à leur musique brutale. Ils ont acquis une base de fans fidèles grâce à leur musique complexe et captivante. Leur impact sur la scène musicale française a été remarquable, avec leur présence sur les festivals de metal les plus importants de France et leur reconnaissance à l’international.

En conclusion, Aephanemer est un groupe de death metal mélodique français qui a gagné en popularité grâce à leur musique innovante et captivante. Leur mélange unique de musique classique et de death metal brut a eu un impact sur la scène musicale française et leur reconnaissance internationale ne cesse de croître. Avec leurs deux albums acclamés par la critique et leur présence sur les scènes de metal les plus importantes, il est clair qu’Aephanemer est un des groupes metal français à suivre pour les amateurs de death metal mélodique et de musique innovante.

Il fait partie des groupes metal français à suivre.

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Time For Energy: le groupe français de rock énergique à suivre

Time For Energy est un groupe de metalcore originaire de Lyon. Formé en 2017, ils ont sorti leur premier album, « Stuck in Your Shadow », en 2019. Leur musique est un mélange de riffs lourds et de mélodies entraînantes, avec des textes en anglais qui évoquent la société moderne et ses travers. Le groupe a acquis une réputation solide grâce à ses prestations live énergiques et son engagement social.

Time For Energy est un groupe de rock français originaire de Bordeaux, fondé en 2017. Leur musique est un mélange de rock alternatif, de punk rock et de pop punk, avec des influences allant de Foo Fighters à Green Day. Dans cet article, nous allons explorer leur parcours musical, leur style unique et leur impact sur la scène rock française.

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Histoire

Time For Energy a été fondé en 2017 par quatre amis passionnés de musique. Ils ont rapidement commencé à écrire et à enregistrer leur propre musique, en s’inspirant de leurs groupes préférés de rock alternatif et de punk rock. En 2018, ils ont sorti leur premier single « Stronger », qui a rapidement attiré l’attention des fans de rock en France et à l’étranger. Ils ont ensuite sorti leur premier EP « Rewind » en 2019, suivi de leur deuxième EP « Days Like These » en 2021.

Style musical

Le style musical de Time For Energy est un mélange de rock alternatif, de punk rock et de pop punk. Leurs chansons sont caractérisées par des riffs de guitare accrocheurs, des mélodies entraînantes et des paroles qui parlent d’espoir, de résilience et de la vie quotidienne. Leur musique est souvent comparée à des groupes tels que Foo Fighters, Green Day et Sum 41, mais ils ont leur propre son unique qui les distingue des autres groupes de rock et groupes metal français.

Impact

Time For Energy a connu une croissance constante depuis leur début en 2017. Ils ont acquis une base de fans fidèles grâce à leur musique entraînante et leurs performances énergiques sur scène. Ils ont également été invités à se produire dans des festivals de musique en France, comme le Garorock Festival et le Chantier des Francos.

Leur impact sur la scène rock française et les groupes metla français est remarquable, avec leur présence sur les playlists de rock alternatif les plus importantes et leur reconnaissance croissante dans la presse spécialisée.

En conclusion, Time For Energy est un des groupes metal français énergique à suivre. Leur musique accrocheuse, leur énergie sur scène et leur engagement envers leur art font d’eux l’un des groupes les plus prometteurs de la scène rock française.

Avec deux EPs réussis et une présence croissante sur les festivals et les playlists de musique rock, il est clair que Time For Energy a un avenir prometteur devant eux. Il fait partie des groupes metal français à suivre.

Conclusion

La scène metal française est en constante évolution, avec l’émergence de nouveaux groupes metal français qui apportent leur propre vision du genre. Les 5 groupes metal français présentés dans cet article proposent une diversité de styles, allant du black metal atmosphérique à la metalcore, en passant par le stoner/doom et le post-metal/sh.

Ces groupes metal français méritent d’être suivis de près en 2023 et au-delà, car ils apportent une fraîcheur et une créativité à la scène metal française. La musique de ces groupes metal français est à la fois puissante et émouvante, avec des textes qui reflètent des thèmes universels tels que la mort, la nature, l’horreur et la société moderne.

Nous espérons que cet article vous a donné envie de découvrir ces nouveaux groupes metal français et de les soutenir dans leur parcours musical.

FAQ sur les Groupes Métal Français

1. Quel est le plus grand groupe de métal français ?

Lorsqu’on parle du plus grand groupe de métal français, le nom qui revient souvent est Gojira. Ce groupe est non seulement reconnu en France mais également à l’international, avec des tournées mondiales et une reconnaissance critique unanime. Ils sont un véritable pilier du metal français et leur son puissant, combiné à des messages environnementaux, a fait d’eux une référence incontournable dans le monde du groupe de métal français.

2. Quel est le groupe de métal français le plus connu ?

Sans surprise, Gojira reste le groupe de métal français le plus connu actuellement. Ils ont réussi à s’imposer avec des albums comme « Magma » et « Fortitude », tout en maintenant un style musical unique. Mais si l’on remonte un peu dans le temps, Trust avec son hymne « Antisocial » pourrait également prétendre à ce titre dans le genre du groupe de hard rock français et du heavy metal français.

3. Quels sont les autres groupes de métal français connus ?

Outre Gojira, plusieurs autres groupes de métal français se sont imposés sur la scène nationale et internationale. Voici quelques exemples :

• Mass Hysteria : Un groupe qui fusionne le métal et l’industriel avec une énergie explosive.
• Ultra Vomit : Un groupe de métal humoristique, connu pour ses parodies de styles musicaux.
• Tagada Jones : Mélange de punk et de métal, Tagada Jones est un groupe metal français engagé.
• Lofofora : Pionniers du métal fusion en France.

Ces groupes de métal contribuent à faire briller la scène française à l’échelle mondiale.

4. Quels sont les groupes de heavy metal français les plus influents ?

Le heavy metal français a toujours eu une scène prolifique. Voici quelques-uns des groupes de heavy metal français les plus influents :

• Sortilège : Ce groupe des années 80 est l’un des pionniers du heavy metal français.
• ADX : Un autre groupe de heavy metal français classique, avec des riffs puissants et des textes en français.
• Trust : Connus pour leurs textes engagés et leur fusion de hard rock et de heavy metal.

5. Quelles sont les différences entre le groupe de hard rock français et le groupe de métal français ?

Le hard rock et le métal sont des genres musicaux proches, mais distincts. Le groupe de hard rock français, comme Trust, se caractérise par des riffs de guitare plus simples, des rythmes plus accessibles, et une énergie brute. Le groupe de métal français, comme Gojira, propose souvent des compositions plus complexes, des influences plus variées (death metal, thrash, etc.) et des thématiques plus sombres ou philosophiques. Le heavy metal français se situe entre ces deux extrêmes, combinant énergie brute et technicité.

6. Quels sont les nouveaux talents sur la scène du métal français ?

La scène du métal français continue d’évoluer avec l’émergence de nouveaux groupes talentueux. Voici quelques noms à surveiller :

• Landmvrks : Un groupe qui mixe hardcore et métalcore avec des influences modernes.
• Regarde Les Hommes Tomber : Un groupe de black metal atmosphérique qui impressionne par son intensité.
• Pogo Car Crash Control : Groupe de punk/métal français à l’énergie brute et électrique.

Ces nouveaux venus apportent une touche fraîche au metal français et promettent un avenir radieux pour la scène locale.

7. Quels sont les meilleurs albums de la scène métal français ?

Plusieurs albums ont marqué la scène métal français. Parmi les incontournables, on peut citer :

• « From Mars to Sirius » de Gojira : Un chef-d’œuvre du death metal progressif.
• « Antisocial » de Trust : Un classique qui mêle rock et métal avec des textes puissants.
• « Contraddiction » de Mass Hysteria : Un album phare de la fusion métal/industriel.

Ces albums ont marqué leur époque et continuent d’influencer de nouveaux groupes de métal français.

8. Quels sont les festivals dédiés aux groupes de métal français ?

Le métal en France a aussi sa scène live florissante avec des festivals dédiés. Les plus grands festivals où vous pouvez voir des groupes de métal français incluent :

• Hellfest : Le plus grand festival de métal en France, avec une programmation internationale et des groupes de métal français comme Gojira, Mass Hysteria et Ultra Vomit.
• Motocultor Festival : Un festival breton qui met en avant la scène métal underground française et internationale.
• Sylak Open Air : Un autre rendez-vous immanquable pour les fans de heavy metal français et de métal extrême.

Ces festivals sont des vitrines parfaites pour découvrir ou redécouvrir des groupes de métal français en live.

9. Le metal français est-il reconnu à l’international ?

Absolument ! Bien que la scène metal français soit plus modeste comparée à celles des États-Unis ou de l’Allemagne, des groupes de métal français comme Gojira ont réussi à se faire un nom sur la scène mondiale. Leurs performances dans des festivals internationaux comme le Download ou le Wacken Open Air, ainsi que leurs albums primés, témoignent de la reconnaissance grandissante du heavy metal français et du groupe de métal français à l’étranger.

10. Comment découvrir plus de groupes de métal français ?

Si vous souhaitez explorer davantage la scène métal français, voici quelques conseils :

• Plateformes de streaming : Utilisez des plateformes comme Spotify ou Deezer pour découvrir des playlists dédiées au metal français.
• Forums et communautés en ligne : Rejoignez des forums spécialisés comme La Grosse Radio pour échanger avec d’autres fans et découvrir de nouveaux groupes de métal français.
• Concerts et festivals locaux : Rien ne vaut l’expérience live pour découvrir un groupe de métal en pleine action.

Conclusion

La scène métal français regorge de talents, des pionniers du heavy metal français aux nouveaux venus prometteurs. Si des groupes comme Gojira ont placé la barre très haut, de nombreux autres artistes continuent de contribuer à la diversité et à la richesse de cette scène musicale. Qu’il s’agisse de groupe de hard rock français, de groupe de heavy metal français ou de tout autre sous-genre du metal français, il y en a pour tous les goûts et tous les styles. Si vous ne connaissez pas encore bien cette scène, c’est le moment de la découvrir !

Les légendes du rock : Led Zeppelin depuis 1968

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 09/04/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les légendes du rock : Led Zeppelin

Led Zeppelin est un groupe de rock légendaire originaire de Londres, en Angleterre. Formé en 1968, ce quatuor composé de Jimmy Page (guitare), Robert Plant (chant), John Paul Jones (basse) et John Bonham (batterie) a marqué l’histoire du rock avec des chefs-d’œuvre tels que « Stairway to Heaven », « Whole Lotta Love » ou encore « Kashmir ». Dans cet article, nous vous proposons d’en apprendre davantage sur cette formation qui a su inscrire son nom parmi les icônes absolues du rock’n’roll.

Naissance du groupe et premiers succès

Au milieu des années 60, le guitariste Jimmy Page rejoint le groupe The Yardbirds, une formation où ont notamment joué Eric Clapton et Jeff Beck avant lui. Malheureusement, The Yardbirds finissent par se séparer. Peu après, Page s’associe au bassiste John Paul Jones, qui avait déjà collaboré avec lui sur divers projets studio. Ensemble, ils recrutent Robert Plant et John Bonham pour créer Led Zeppelin en 1968.

Dès leur premier album éponyme sorti en 1969, Led Zeppelin entre dans la légende grâce à un son puissant et novateur combinant les éléments du blues, du hard rock et du folk. Le groupe rencontre rapidement un immense succès aux États-Unis et au Royaume-Uni, avec des titres phares comme « Dazed and Confused » et « Good Times Bad Times ».

L’apogée artistique : les albums IV, Houses of the Holy et Physical Graffiti

L’année 1971 est marquée par la sortie de leur quatrième album, simplement intitulé IV. Cet opus renferme certains des morceaux les plus célèbres du groupe, tels que « Stairway to Heaven », chanson emblématique dont l’introduction à la guitare est connue dans le monde entier.

En 1973, Led Zeppelin sort Houses of the Holy, un album riche en expérimentations musicales, incluant notamment le style reggae dans la chanson « D’yer Mak’er ». Enfin, en 1975 sort Physical Graffiti, qui contient le titre ambitieux et grandiose « Kashmir », considéré comme une œuvre phare du rock progressif.

Les dernières années et la fin du groupe

La carrière de Led Zeppelin connaît ensuite quelques difficultés. Suite à quelques déboires personnels, le groupe entre dans une période moins productive. En 1976, ils publient l’album Presence, qui n’a pas autant de succès que leurs précédentes productions. Toutefois, Led Zeppelin reçoit toujours autant d’amour de la part de leur public lors de leurs spectacles enivrants et impressionnants.

In Through the Out Door et la mort de John Bonham

En 1979, le huitième et dernier album studio de Led Zeppelin, In Through the Out Door, est publié. Malgré quelques morceaux de qualité comme « Fool in the Rain » et « All My Love », il ne rencontre pas le succès attendu par les fans de la première heure. En 1980, c’est un véritable coup dur pour le groupe avec la mort soudaine du batteur John Bonham à l’âge de 32 ans. Après cet événement tragique, les autres membres décident unanimement de mettre un terme à l’aventure Led Zeppelin.

L’héritage musical et culturel de Led Zeppelin

Des groupes influencés aujourd’hui encore par le géant du rock incarné par Led Zeppelin sont nombreux, tant sur le plan sonore qu’esthétique. La formation a profondément marqué l’histoire de la musique, en apportant des innovations musicales audacieuses et une énergie débordante dans leurs concerts, qui ont souvent été immortalisés.

Récipients de nombreuses récompenses et distinctions

Au fil des années, la popularité et l’influence de Led Zeppelin n’ont cessé de croître. Ils ont ainsi reçu de nombreuses récompenses et distinctions prestigieuses, dont plusieurs places au Rock and Roll Hall of Fame ou encore aux Grammy Awards.

• Parmi les albums les plus vendus : Les disques de Led Zeppelin continuent de se vendre chaque année à des centaines de milliers d’exemplaires dans le monde. De plus, leur catalogue figure régulièrement dans les charts internationaux, attestant de la pérennité de leur musique.
• Des concerts mythiques : Les performances scéniques de Led Zeppelin demeurent parmi les plus mémorables de l’histoire du rock. Le groupe a ainsi établi plusieurs records d’affluence lors de leurs passages dans les stades autour du globe, avec des shows remplis de pyrotechnie et d’improvisations musicales.

Le retour ponctuel des membres sur scène et la nostalgie des fans

Bien que Led Zeppelin n’existe plus en tant que tel, ses membres continuent sporadiquement à se retrouver sur scène. L’exemple le plus frappant reste le concert donné en 2007 à Londres avec Jason Bonham, fils de John Bonham, à la batterie. Cette fabuleuse performance a été immortalisée dans le film Celebration Day, acclamé par la critique et les anciens fans du groupe.

Au fil des années, l’œuvre de Led Zeppelin continue inlassablement de susciter fascination et admiration chez des nouvelles générations de musiciens et fans de rock’n’roll. La musique intemporelle et l’énergie incroyable dégagée par ce groupe légendaire sont encore vivantes aujourd’hui, faisant incontestablement de Led Zeppelin une pierre angulaire de l’histoire du rock.

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Led Zeppelin est un groupe légendaire : Depuis leur formation en 1968, Led Zepp est devenu l’un des groupes de rock les plus influents et les plus vénérés de tous les temps. Composé du chanteur Robert Plant, du guitariste Jimmy Page, du bassiste John Paul Jones et du batteur John Bonham, Led Zeppelin a créé une musique novatrice et puissante qui a captivé des millions de fans à travers le monde.

En tant que photographe de concert, j’ai eu la chance de capturer quelques-uns des moments les plus mémorables de leur carrière sur scène. Dans cet article, nous allons explorer l’histoire de Led Zepp, leur son unique et leur influence durable sur le monde de la musique, ainsi que mon expérience en tant que photographe de concert capturant leurs performances légendaires. Nous allons plonger dans l’univers captivant de Led Zeppelin, en explorant leur musique, leurs performances et leur héritage.

Cependant, la carrière du groupe a également été marquée par des tragédies. En 1977, John Bonham est décédé d’une overdose d’alcool, mettant fin à l’existence du groupe. Depuis lors, les membres survivants se sont réunis à quelques reprises pour des concerts spéciaux, mais Led Zeppelin en tant que groupe à part entière est resté dans l’histoire.

Les membres restants, Jimmy Page, Robert Plant et John Paul Jones, ont pris la décision de ne pas continuer sans Bonham, qui était considéré comme un membre indispensable du groupe en raison de son style de batterie unique et de son énergie sur scène.

Depuis la mort de Bonham, les membres de Led Zepp se sont concentrés sur leurs projets solo. Jimmy Page a continué à enregistrer de la musique et à se produire sur scène, tandis que Robert Plant est devenu un artiste solo prolifique et a également collaboré avec de nombreux musiciens renommés.

En 1985, les membres de Led Zepp se sont réunis pour un concert commémoratif en l’honneur d’Ahmet Ertegun, fondateur de leur label, Atlantic Records. Le concert, qui s’est déroulé au London’s O2 Arena, a été considéré comme l’un des événements les plus importants de l’histoire du rock, et a vu les membres restants de Led Zeppelin se produire sur scène avec le fils de John Bonham, Jason, à la batterie.

Cependant, les membres restants ont décidé de ne pas continuer en tant que groupe à temps plein après le concert commémoratif, citant leur respect pour l’héritage de John Bonham et leur souhait de ne pas poursuivre sans lui.

Depuis lors, le groupe a régulièrement sorti des compilations et des rééditions de leur musique, rappelant leur influence durable sur le monde de la musique. Ils ont également été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame en 1995, et leur musique continue d’être écoutée et appréciée par des fans du monde entier.

Les membres de Led Zeppelin

Conter l’histoire de Led Zep ne peut se faire sans présenter ses membres.

Jimmy Page : James Patrick Page est né le 9 janvier 1944 à Heston, dans la banlieue de Londres. Avant de rejoindre Led Zeppelin, il était membre des groupes The Yardbirds et The New Yardbirds. En tant que guitariste principal de Led Zeppelin, il a écrit et co-écrit de nombreuses chansons emblématiques, et a été reconnu comme l’un des meilleurs guitaristes de tous les temps.

Robert Plant : Robert Anthony Plant est né le 20 août 1948 à West Bromwich, dans le Staffordshire. Avant de rejoindre Led Zeppelin, il était membre du groupe Band of Joy. En tant que chanteur principal de Led Zeppelin, il était connu pour sa voix puissante et expressive, et a contribué à établir le son unique du groupe.

Robert Plant by Eric Canto

John Paul Jones : John Paul Jones, de son vrai nom John Baldwin, est né le 3 janvier 1946 à Sidcup, dans le Kent. Avant de rejoindre Led Zeppelin, il était un musicien de studio très recherché et a travaillé avec de nombreux artistes renommés. En tant que bassiste et claviériste de Led Zeppelin, il a contribué à définir le son du groupe avec ses lignes de basse puissantes et sa maîtrise des claviers.

John Bonham : John Henry Bonham est né le 31 mai 1948 à Redditch, dans le Worcestershire. Avant de rejoindre Led Zeppelin, il était membre des groupes Terry Webb and the Spiders et Band of Joy. En tant que batteur de Led Zeppelin, il était connu pour son style de batterie puissant et complexe, qui a contribué à établir le son unique du groupe.

Le style musical de Led Zeppelin

Led Zeppa été un pionnier du rock de la fin des années 1960 et du début des années 1970, en créant un son qui mélangeait des éléments de blues, de folk, de rock et même de musique classique. Le groupe était connu pour son utilisation de la guitare électrique, de la basse, de la batterie et de la voix pour créer un son puissant et mélodique.

Le guitariste Jimmy Page était particulièrement innovant, utilisant une variété de techniques pour créer des sons uniques et complexes. Il était connu pour son utilisation de l’archet de violon sur sa guitare, ainsi que pour son utilisation de pédales d’effet pour créer des sons de distorsion et de wah-wah.

Le chanteur Robert Plant était également un élément clé du son de Led Zeppelin, avec sa voix puissante et expressive.

Il a souvent utilisé des cris et des gémissements pour donner une dimension supplémentaire à ses performances, créant ainsi une atmosphère intense et émotionnelle.

La section rythmique du groupe, composée de John Paul Jones à la basse et John Bonham à la batterie, était également essentielle à l’élaboration de leur son unique. Jones était connu pour ses compétences de multi-instrumentiste, capable de jouer de la basse, du clavier et de nombreux autres instruments. Bonham, quant à lui, était célèbre pour sa technique de batterie puissante et innovante, qui a contribué à définir le son du groupe.

Ensemble, le groupe a créé un son qui était à la fois brutal et émotionnel, qui a influencé des générations de musiciens par la suite.

La performance en concert de Led Zeppelin

En concert, Led Zeppelin était connu pour donner des performances énergiques et passionnées qui ont captivé des millions de fans à travers le monde. Les membres du groupe étaient tous des musiciens incroyablement talentueux et ont apporté une intensité supplémentaire à leurs performances en direct.

Robert Plant a souvent improvisé des paroles et des mélodies en concert, donnant une dimension unique à chaque spectacle. Jimmy Page était également connu pour ajouter des solos de guitare incroyablement créatifs et passionnés à chaque performance en direct. John Paul Jones et John Bonham ont également apporté une intensité supplémentaire à chaque concert, créant une section rythmique solide et puissante.

La scénographie et les effets de lumière étaient également une partie importante des performances de Led Zeppelin. Le groupe a souvent utilisé des projections de diapositives et des effets de lumière pour créer une atmosphère mystique et hypnotique, renforçant encore l’impact émotionnel de leur musique.

En tant que photographe de concert, j’ai eu la chance de capturer certaines de ces performances légendaires sur scène de Jimmy Page et Robert Plant, immortalisant ainsi certains des moments les plus mémorables de la carrière de Led Zeppelin.

L’héritage de Led Zeppelin

Led Zeppelin a été l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock, ayant inspiré des générations de musiciens avec leur son novateur et puissant. Des groupes comme Guns N’ Roses, Metallica et Nirvana ont tous cité Led Zeppelin comme une influence majeure sur leur musique.

Le groupe a également été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1995, en reconnaissance de leur impact durable sur la musique populaire. Leur chanson « Stairway to Heaven » est souvent considérée comme l’une des plus grandes chansons de l’histoire du rock, tandis que leur musique continue d’inspirer de nouveaux fans à travers le monde.

Led Zeppelin covers albums

 Quelques anecdotes sur le groupe Led Zeppelin

• Led Zeppelin a enregistré leur quatrième album sans titre (également connu sous le nom de « Led Zeppelin IV ») dans une maison de campagne isolée au Pays de Galles, sans aucun équipement d’enregistrement professionnel. Malgré cela, l’album est devenu l’un des plus grands succès de l’histoire de la musique, avec des chansons comme « Stairway to Heaven » qui sont devenues des classiques.
• La chanson « Stairway to Heaven » est souvent considérée comme l’une des meilleures chansons de tous les temps, mais les membres de Led Zeppelin n’ont jamais joué la chanson dans son intégralité en concert avant la mort de John Bonham. La chanson était considérée comme trop difficile à jouer en direct en raison de ses arrangements complexes.

• Led Zeppelin est connu pour avoir utilisé un grand nombre de références à la mythologie et à l’occultisme dans leur musique et leur iconographie. Leurs paroles et leur symbolisme ont été étudiés en profondeur par des fans et des critiques, et ont contribué à leur image de groupe mystique et énigmatique.
• En 1975, Led Zeppelin a loué l’ensemble de la chambre 233 de l’Hôtel Edgewater à Seattle, où ils ont enregistré une grande partie de leur album « Physical Graffiti ». Pendant leur séjour à l’hôtel, ils ont organisé plusieurs fêtes sauvages, dont une qui a impliqué la pêche au saumon dans la rivière qui coule sous l’hôtel. L’histoire est devenue célèbre et a contribué à renforcer la réputation de Led Zeppelin en tant que groupe de rock sauvage et imprévisible.
• Lors d’un concert en 1973 à Tampa, en Floride, le groupe a été arrêté par la police après avoir été accusé d’avoir agressé sexuellement une fan de 14 ans dans leur chambre d’hôtel. Les membres du groupe ont été détenus pendant plusieurs heures avant d’être relâchés sans inculpation. L’incident a été largement couvert par les médias et a suscité un débat sur la culture rock et les abus sexuels.
• Après la mort de John Bonham, les membres restants de Led Zeppelin ont décidé de se séparer, estimant qu’il serait impossible de remplacer le batteur emblématique. Depuis lors, ils ont donné plusieurs concerts de charité et ont sorti plusieurs compilations et albums en direct, mais ils n’ont jamais enregistré de nouvel album studio.
• Lors d’un concert en 1977 à Oakland, en Californie, le groupe a décidé de jouer une version prolongée et improvisée de leur chanson « Dazed and Confused ». Cependant, leur improvisation a duré tellement longtemps que le public a commencé à s’ennuyer et à quitter la salle. La chanson a finalement duré près de 50 minutes, et certains fans ont décrit le moment comme étant à la fois épique et ennuyeux.

Voici donc quelques anecdotes sur le groupe Led Zeppelin, qui témoignent de leur impact sur la musique et la culture rock. Leurs membres ont tous connu une carrière impressionnante avant et après leur passage dans le groupe, et leur musique continue d’inspirer de nombreux artistes et fans à travers le monde.

Conclusion

 Le groupe a été un pionnier du rock des années 1960 et 1970, en créant un son novateur et puissant qui a inspiré des générations de musiciens par la suite. Leur musique continue d’être écoutée et appréciée par des fans du monde entier, faisant de Led Zeppelin l’un des groupes de rock les plus légendaires de tous les temps. La puissance et l’émotion de leur musique ont résisté à l’épreuve du temps, et continuent d’inspirer de nouveaux fans et musiciens.

En tant que photographe de concert, j’ai été inspiré par leur musique et leur énergie sur scène. Les performances de Led Zeppelin ont toujours été intenses et passionnantes, captivant l’attention de leur public et créant une expérience musicale inoubliable.

Capturer ces moments sur scène a été un honneur et une expérience incroyable en tant que photographe de concert.

En conclusion, Led Zeppelin est l’un des groupes les plus influents et les plus légendaires de l’histoire du rock. Leur son novateur et puissant a inspiré des générations de musiciens, et leur musique continue d’être écoutée et appréciée par des fans du monde entier. En tant que photographe de concert, j’ai eu la chance de capturer certains des moments de leur carrière sur scène, et je suis honoré de faire partie de leur héritage musical durable.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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 FAQ sur le groupe Led Zeppelin

Q1: Qui sont les membres de Led Zeppelin ?

Led Zeppelin était composé de Robert Plant (chant), Jimmy Page (guitare), John Paul Jones (basse, claviers) et John Bonham (batterie).

Q2: Quand le groupe a-t-il été formé ?

Led Zeppelin a été formé en 1968 à Londres, en Angleterre.

Q3: Quels sont les albums les plus populaires de Led Zeppelin ?

Les albums les plus populaires de Led Zeppelin incluent « Led Zeppelin IV », « Physical Graffiti », « Houses of the Holy » et « Led Zeppelin II ».

Q4: Quelles sont les chansons les plus célèbres de Led Zeppelin ?

Les chansons les plus célèbres de Led Zeppelin incluent « Stairway to Heaven », « Whole Lotta Love », « Kashmir », « Black Dog » et « Rock and Roll ».

Q5: Pourquoi Led Zeppelin a-t-il été considéré comme un groupe de rock influent ?

Led Zeppelin a été considéré comme un groupe de rock influent en raison de leur musique innovante, qui combinait des éléments de blues, de rock, de folk et de musique classique. Leur technique musicale, leur créativité et leur style de jeu ont également influencé de nombreux autres artistes.

Q6: Pourquoi Led Zeppelin a-t-il été critiqué ?

Led Zeppelin a été critiqué pour avoir été associé à des accusations d’appropriation culturelle, pour des paroles jugées sexistes et pour des comportements imprévisibles en concert.

Q7: Quelle est la raison de la séparation de Led Zeppelin ?

Led Zeppelin s’est séparé en 1980 à la suite de la mort de John Bonham, leur batteur, qui est décédé des suites d’une intoxication alcoolique.

Q8: Led Zeppelin s’est-il réuni après la mort de John Bonham ?

Les membres restants de Led Zeppelin se sont réunis pour plusieurs concerts de charité et ont sorti plusieurs compilations et albums en direct, mais ils n’ont jamais enregistré de nouvel album studio.

Q9: Quel est l’héritage de Led Zeppelin ?

L’héritage de Led Zeppelin comprend leur impact sur la musique rock, leur influence sur de nombreux artistes et leur statut de groupe culte dans la culture populaire.

Q10: Pourquoi Led Zeppelin est-il toujours populaire aujourd’hui ?

Led Zeppelin est toujours populaire aujourd’hui en raison de leur musique intemporelle, de leur impact culturel et de leur influence continue sur de nombreux artistes contemporains.

Pearl Jam: tout sur le groupe pionnier du grunge depuis 1990

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 06/04/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Pearl Jam est un groupe de rock américain originaire de Seattle, dans l’État de Washington. Formé en 1990, le groupe a été un pionnier du mouvement grunge des années 90, aux côtés de Nirvana, Soundgarden et Alice in Chains. Il a vendu plus de 85 millions de disques dans le monde entier et a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2017. Leur style musical unique, leur engagement envers les causes sociales et leur fidèle base de fans en ont fait l’un des groupes les plus influents de l’histoire de la musique.

En tant que photographe de concert expérimenté, je suis ravi de partager mes connaissances sur l’un de mes groupes de rock préférés : Pearl Jam. Dans cet article, je vais vous emmener dans un voyage à travers l’histoire de Pearl Jam, leurs membres, leurs influences, leur discographie, leur succès, leur impact sur la musique et bien plus encore.

Qui est Pearl Jam ?

Pearl Jam est composé de cinq membres : Eddie Vedder (chant), Mike McCready (guitare), Stone Gossard (guitare), Jeff Ament (basse) et Matt Cameron (batterie). Ils ont tous été impliqués dans la scène musicale de Seattle avant de former Pearl Jam, travaillant avec des groupes tels que Mother Love Bone, Temple of the Dog et Green River.

Le groupe a sorti son premier album, « Ten », en 1991, qui a été un succès immédiat, avec des hits tels que « Alive », « Even Flow » et « Jeremy ». Depuis lors, Pearl Jam a sorti de nombreux autres albums et continue de tourner et d’enregistrer.

L’histoire de Pearl Jam

Le groupe a été formé en 1990 après la dissolution du groupe Mother Love Bone, qui a été brutalement interrompu par la mort de leur chanteur Andrew Wood d’une overdose. Stone Gossard et Jeff Ament, tous deux membres de Mother Love Bone, ont recruté Mike McCready et Eddie Vedder pour former un nouveau groupe. Le groupe a choisi le nom de Mookie Blaylock, en hommage à un joueur de basket-ball professionnel. Ils ont enregistré leur premier album, « Ten », en 1991, qui a été un succès immédiat et a propulsé le groupe sur la scène mondiale.

Au cours des années 90, le groupe a été au centre du mouvement grunge de Seattle, avec des groupes comme Nirvana, Soundgarden et Alice in Chains. Leur deuxième album, « Vs. », a été un autre succès commercial, suivi de « Vitalogy » et « No Code ». Il a également été impliqué dans des conflits avec l’industrie musicale, refusant de faire des vidéos pour MTV et se battant pour des prix justes pour les billets de concert.

En 2000, le groupe a sorti « Binaural », suivi de « Riot Act » en 2002, « Pearl Jam » en 2006 et « Backspacer » en 2009. En 2013, le groupe a sorti « Lightning Bolt », qui a été bien accueilli par les critiques et les fans. Depuis lors, Pearl Jam a continué de tourner et d’enregistrer, tout en restant fidèle à leur son et à leur engagement envers les causes sociales.

En 2014, le voici  intronisé au Rock and Roll Hall of Fame, une reconnaissance de leur influence et de leur importance dans le monde de la musique. Le groupe a été introduit par le chanteur et musicien Neil Young, qui a décrit Pearl Jam comme « l’un des grands groupes de rock and roll de tous les temps ».

En 2017, la formation a sorti un nouvel album en direct intitulé « Let’s Play Two », qui a été enregistré lors de deux concerts à Wrigley Field à Chicago. L’album a été accompagné d’un documentaire du même nom, qui raconte l’histoire de la relation du groupe avec le baseball et la ville de Chicago.

Depuis lors, le groupe a continué à tourner régulièrement et a sorti de nouvelles chansons de manière sporadique. En 2020, le groupe a sorti un single intitulé « Dance of the Clairvoyants » pour leur onzième album studio, « Gigaton », qui est sorti en mars de la même année. Le groupe a également reporté leur tournée nord-américaine prévue en 2020 en raison de la pandémie de COVID-19.

En dehors de leur travail avec Pearl Jam, les membres du groupe ont continué à travailler sur des projets en solo et à collaborer avec d’autres musiciens. En 2020, Eddie Vedder a sorti un album solo intitulé « Earthling », tandis que Jeff Ament a sorti un album avec son groupe de rock alternatif RNDM intitulé « Last Night on Earth ».

Les membres de Pearl Jam

Eddie Vedder est le chanteur . Il est également connu pour son travail solo et pour avoir été impliqué dans des projets tels que Temple of the Dog. Mike McCready et Stone Gossard sont les guitaristes du groupe. Jeff Ament est le bassiste et Matt Cameron est le batteur. Cameron a également été le batteur de Soundgarden avant de rejoindre Pearl Jam.

Chacun des membres a apporté sa propre contribution unique au son du groupe. Vedder est connu pour sa voix puissante et émotive, tandis que McCready et Gossard ont créé des riffs de guitare mémorables. Ament et Cameron ont fourni une base solide pour la musique du groupe. Ensemble, ils ont créé un son unique qui a influencé de nombreux autres groupes de rock.

Voici quelques informations biographiques sur les membres du groupe  :

• Eddie Vedder (chant, guitare) : Eddie Vedder est né en 1964 à Evanston, dans l’Illinois. Il a rejoint Pearl Jam en 1990 après avoir été recruté pour remplacer le chanteur original du groupe. Avant de rejoindre Pearl Jam, Vedder était membre de plusieurs groupes locaux, notamment Bad Radio. En plus de son travail avec Pearl Jam, Vedder a également sorti plusieurs albums solo et a travaillé sur plusieurs bandes sonores de films.

Eddie Vedder

• Stone Gossard (guitare) : Stone Gossard est né en 1966 à Seattle, dans l’État de Washington. Avant de rejoindre le groupe, Gossard était membre de plusieurs groupes locaux, dont Mother Love Bone. Gossard est également connu pour son travail avec le groupe de rock alternatif Brad, ainsi que pour ses collaborations avec d’autres musiciens.
• Jeff Ament (basse) : Jeff Ament est né en 1963 à Havre, dans le Montana. Avant de rejoindre Pearl Jam, Ament était membre de plusieurs groupes, dont Mother Love Bone et Green River. En plus de son travail avec le groupe, Ament a également travaillé sur des projets en solo et a produit des albums pour d’autres groupes.
• Mike McCready (guitare) : Mike McCready est né en 1965 à Pensacola, en Floride. Avant de rejoindre les autres membres, McCready était membre de plusieurs groupes locaux, notamment Shadow. En plus de son travail avec Pearl Jam, McCready a également travaillé sur des projets en solo et a collaboré avec d’autres musiciens.
• Matt Cameron (batterie) : Matt Cameron est né en 1962 à San Diego, en Californie. Il rejoint le groupe en 1998. Avant cela, Cameron était membre du groupe Soundgarden. En plus de son travail avec Pearl Jam, Cameron a également travaillé avec d’autres groupes et musiciens, notamment Temple of the Dog et Queens of the Stone Age.

Ces cinq musiciens constituent le noyau de Pearl Jam, mais le groupe a également travaillé avec plusieurs autres musiciens au fil des ans, notamment Jack Irons, Dave Krusen, Dave Abbruzzese et Matt Chamberlain, qui ont tous joué de la batterie pour le groupe à différents moments de leur carrière.

 Les influences musicales de Pearl Jam

Il a été influencé par de nombreux groupes de rock classique, tels que Led Zeppelin, The Who, Neil Young, et Jimi Hendrix. Le groupe a également été influencé par le punk rock et le heavy metal, ainsi que par des groupes de rock alternatif comme Sonic Youth et The Replacements.

Le son  est souvent décrit comme un mélange de rock classique et de punk rock, avec des paroles émotionnelles et sincères. Le groupe a également été influencé par les mouvements sociaux et politiques, et leur musique reflète souvent leur engagement envers les causes sociales.

Il a cité de nombreuses influences musicales au fil des ans. Le groupe est souvent associé à la scène grunge de Seattle, qui a émergé dans les années 1990, mais leur son est également influencé par le rock classique, le punk rock, le hard rock et le heavy metal.

L’une des principales influences de Pearl Jam est le groupe de rock britannique Led Zeppelin. Les membres de PJ ont souvent cité Led Zeppelin comme l’une de leurs principales influences, en particulier le chanteur Eddie Vedder, qui a déclaré que Led Zeppelin était son groupe préféré de tous les temps. Les chansons  sont souvent caractérisées par des riffs de guitare lourds et des solos de guitare inspirés du style de Jimmy Page de Led Zeppelin.

IL  a également été influencé par le punk rock, en particulier les groupes punk de la fin des années 1970 et du début des années 1980 comme The Clash, The Ramones et Black Flag. Les membres du groupe ont souvent parlé de l’importance du punk rock pour eux en tant que jeunes musiciens, en particulier en termes de l’éthique DIY (Do It Yourself) et de la prise en charge des affaires du groupe eux-mêmes.

Le groupe a également été influencé par le rock alternatif américain des années 1980 et du début des années 1990, notamment les groupes REM, Sonic Youth et Jane’s Addiction. Les membres de Pearl Jam ont également été influencés par la musique folk et country, en particulier le travail de Neil Young et de Johnny Cash.

En fin de compte, l’approche musicale de Pearl Jam est le résultat d’une combinaison de ces influences variées, ainsi que de leur propre expérience et de leur style de jeu unique. Le groupe a été salué pour sa capacité à mélanger des éléments de différents genres pour créer leur propre son distinctif.

 La discographie de Pearl Jam

Pearl Jam a sorti 11 albums studio à ce jour :

1. « Ten » (1991)
2. « Vs. » (1993)
3. « Vitalogy » (1994)
4. « No Code » (1996)
5. « Yield » (1998)
6. « Binaural » (2000)
7. « Riot Act » (2002)
8. « Pearl Jam » (2006)
9. « Backspacer » (2009)
10. « Lightning Bolt » (2013)
11. « Gigaton » (2020)

Chaque album de Pearl Jam a été acclamé par la critique et a été un succès commercial. Le groupe a également sorti de nombreux albums live et compilations, ainsi que des singles et des vidéos.

 Les succès de Pearl Jam

Pearl Jam a été l’un des groupes les plus populaires des années 90, avec des albums comme « Ten », « Vs. », et « Vitalogy » atteignant tous la première place du Billboard 200. Le groupe a également remporté de nombreux prix, dont un Grammy Award pour « Spin the Black Circle » en 1996.

Pearl Jam a également été salué pour son engagement envers les causes sociales. Le groupe a participé à de nombreux événements de bienfaisance et a travaillé avec des organisations telles que la Croix -Rouge et la lutte contre la pauvreté. Le groupe a également été un fervent défenseur de la liberté d’expression et de la justice sociale, et a utilisé sa musique pour sensibiliser le public à ces questions.

Les tournées de Pearl Jam

Pearl Jam est connu pour ses performances en direct énergiques et intenses. Le groupe a effectué des tournées à travers le monde depuis le début des années 90, jouant dans des salles de concert, des festivals et des stades.

L’une des tournées les plus mémorables de Pearl Jam était leur tournée de 1992 en soutien à leur deuxième album « Vs. ». La tournée a été marquée par plusieurs incidents, notamment un différend avec Ticketmaster et une émeute à Roskilde, au Danemark, où neuf fans ont perdu la vie.

Malgré ces incidents, Pearl Jam est resté un groupe populaire et respecté dans le monde de la musique en direct. Le groupe a continué de tourner régulièrement tout au long des années 90 et 2000, jouant devant des publics enthousiastes dans le monde entier.

Cette performance est devenue emblématique pour les fans de Pearl Jam et est souvent considérée comme l’une des meilleures performances live du groupe.

En 1993, Pearl Jam a commencé une tournée européenne qui a été marquée par un concert controversé à Stockholm, en Suède. Au cours de ce concert, le chanteur Eddie Vedder a grimpé sur une structure de lumière haute et a commencé à chanter tout en se balançant sur la structure. Les responsables de la sécurité ont tenté de l’arrêter, mais Vedder a continué à chanter pendant qu’ils le tiraient vers le sol. La performance a été interrompue, mais elle est restée dans les annales du groupe comme l’une des performances les plus explosives et les plus risquées.

En 2000, Pearl Jam a joué deux nuits à l’ancien stade des New York Knicks, le Madison Square Garden, qui ont été documentées dans leur album live « Live at the Garden ». Le groupe a joué une variété de chansons de leur catalogue, y compris des chansons moins connues, et a invité plusieurs invités spéciaux, dont le guitariste des Red Hot Chili Peppers, Josh Klinghoffer.

En 2003, Pearl Jam a joué à l’United Center de Chicago, où ils ont joué pendant plus de trois heures devant une foule enthousiaste. Cette performance a été enregistrée et publiée sous forme de DVD intitulé « Live at the Showbox ».

En 2018, Pearl Jam a joué à l’O2 Arena de Londres, où ils ont joué une setlist de plus de 30 chansons, y compris des chansons de leur nouvel album « Gigaton ». La performance a été saluée comme l’une des meilleures performances live de Pearl Jam à ce jour.

Des anecdotes sur Pearl Jam

Pearl Jam est connu pour avoir plusieurs anecdotes intéressantes et amusantes associées à leur carrière. Voici quelques-unes des anecdotes les plus notables sur le groupe :

• Le nom « Pearl Jam » est venu d’un pot de confiture que le guitariste Stone Gossard avait chez lui. Le pot avait l’étiquette « Pearl » sur le dessus et « Jam » sur le côté, et Gossard a décidé que c’était un bon nom pour le groupe.
• Le chanteur Eddie Vedder a été découvert par le groupe après qu’ils ont entendu une cassette de lui chanter dans un groupe appelé Bad Radio. Vedder a été invité à Seattle pour une audition, et le groupe a été immédiatement impressionné par sa voix et son énergie sur scène.
• Le bassiste Jeff Ament est un grand fan de skateboard, et il a souvent conçu des t-shirts et des affiches de tournée pour Pearl Jam avec des dessins de skateboard.
• Pendant la tournée « Vs. » en 1994, Pearl Jam a commencé à utiliser des noms de code pour les villes où ils se produisaient afin de garder leurs emplacements secrets et d’éviter les paparazzis. Par exemple, « Moline » était le code pour Milwaukee, « Chicago » était « Lushville » et « New York » était « Cousin Dupree ».
• Le groupe est connu pour son engagement politique et social, et ils ont souvent utilisé leur musique pour faire passer des messages sur des questions telles que la pauvreté, les droits des travailleurs et l’environnement. En 1992, le groupe a annulé une tournée en protestation contre l’utilisation de Ticketmaster par les promoteurs de concerts, ce qui a finalement conduit à des changements dans l’industrie des concerts.
• En 1995, le groupe a été impliqué dans une controverse lorsqu’ils ont refusé de faire des vidéos musicales pour leur album « Vitalogy ». Le groupe a déclaré que les vidéos étaient une forme d’exploitation commerciale de leur musique, et ils ont plutôt choisi de publier une série de cartes à collectionner avec des photos et des poèmes.
• En 2011, Pearl Jam a joué un concert surprise dans un petit club de Chicago pour célébrer le 20e anniversaire de leur premier album, « Ten ». Le concert a été annoncé à la dernière minute, et les billets ont été vendus en quelques minutes.

Dans l’ensemble, Pearl Jam est connu pour avoir une histoire fascinante et riche en anecdotes, en plus de leur musique puissante et de leurs performances live légendaires.

Conclusion

Pearl Jam est l’un des groupes de rock les plus influents et les plus respectés de tous les temps. Depuis leur formation en 1990, le groupe a créé un son unique qui a inspiré de nombreux autres groupes de rock. Leur engagement envers les causes sociales et leur musique émotionnelle ont également contribué à les rendre populaires auprès des fans du monde entier.

Avec une discographie impressionnante de 11 albums studio et une longue liste de succès, Pearl Jam est un groupe qui continuera à inspirer et à émouvoir les fans de rock pendant des années à venir. Que vous soyez un fan de longue date ou que vous découvriez leur musique pour la première fois, Pearl Jam est un groupe à ne pas manquer.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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 FAQ sur Peal Jam

Q1: Qui est Pearl Jam ?

R1: Pearl Jam est un groupe de rock américain formé à Seattle en 1990. Le groupe est composé de membres tels que Eddie Vedder, Stone Gossard, Mike McCready, Jeff Ament, et Matt Cameron.

Q2: Quels sont les albums les plus célèbres de Pearl Jam ?

R2: Pearl Jam a sorti de nombreux albums célèbres, mais certains des plus connus sont « Ten » (1991), « Vs. » (1993), « Vitalogy » (1994), et « Yield » (1998).

Q3: Comment décrirait-on le style musical de Pearl Jam ?

R3: Pearl Jam est souvent considéré comme faisant partie du mouvement grunge des années 90, mais leur style musical est également influencé par le rock classique, le punk et le heavy metal. Le groupe est connu pour ses paroles introspectives et ses performances live énergiques.

Q4: Pearl Jam a-t-il remporté des prix pour sa musique ?

R4: Oui, Pearl Jam a remporté plusieurs prix pour leur musique au fil des ans. Ils ont remporté un Grammy Award en 1996 pour la meilleure performance rock pour leur chanson « Spin the Black Circle ». Le groupe a également été introduit au Rock and Roll Hall of Fame en 2017.

Q5: Pearl Jam a-t-il joué lors d’événements de charité ?

R5: Oui, Pearl Jam est connu pour son engagement envers les causes sociales et caritatives. Le groupe a joué lors de nombreux concerts de charité au fil des ans, notamment pour soutenir la lutte contre le cancer et pour la réduction de la pauvreté.

Q6: Pearl Jam a-t-il eu des membres de remplacement ?

R6: Oui, Pearl Jam a eu quelques membres de remplacement au fil des ans. Par exemple, Matt Cameron a remplacé le batteur Dave Abbruzzese en 1998, et le claviériste Boom Gaspar a commencé à jouer avec le groupe en 2002.

Q7: Pearl Jam a-t-il déjà annulé une tournée ?

R7: Oui, Pearl Jam a annulé une tournée en 1994 en signe de protestation contre l’utilisation de Ticketmaster par les promoteurs de concerts. Cette décision a été prise en partie en raison de l’augmentation des frais de billetterie et de la monopolisation de l’industrie des concerts par la société.

Q8: Pearl Jam a-t-il des projets à venir ?

R8: Pour l’instant, il n’y a pas d’annonces officielles concernant les projets à venir de Pearl Jam. Cependant, le groupe est connu pour être prolifique et ils ont sorti plusieurs albums ces dernières années, donc il est possible qu’ils sortent de nouvelles musiques à l’avenir.

Plongez dans l’univers complexe et fascinant de Meshuggah

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Plongez dans l’univers complexe et fascinant de Meshuggah

Certains groupes de musique sont considérés comme avant-gardistes, en raison de leur approche unique et innovante dans la création de leur art. C’est notamment le cas du groupe suédois Meshuggah. Depuis la fin des années 80, les musiciens de Meshuggah ont bousculé les codes traditionnels du metal avec leur style rythmiquement complexe et leur vision singulière de la composition musicale.

Style musical atypique entre polyrythmie et mélodies dissonantes

L’une des principales spécificités du groupe est son utilisation fréquente de la polyrythmie, c’est-à-dire la superposition de différentes rythmiques au sein d’une même pièce musicale. Cette technique, qui trouve ses origines dans les musiques africaines et indiennes, permet à Meshuggah d’explorer des territoires musicaux inconnus et de créer une atmosphère presque hypnotique pour l’auditeur.

Rythmes décalés et signatures temporelles inhabituelles

Cette recherche permanente de la nouveauté se retrouve également dans les structures de leurs morceaux, dont certaines reposent sur des signatures temporelles inhabituelles (telles que 23/16 ou 17/8) ainsi que sur des phrases rythmiques décalées. Ces éléments contribuent à créer un sentiment de déstabilisation chez l’auditeur, qui peine parfois à suivre les méandres sinueux de la musique de Meshuggah.

Influence sur la scène metal et au-delà

S’il est indéniable que Meshuggah a ouvert la voie à toute une génération de groupes de metal aux pratiques similairement expérimentales, leur influence ne se limite pas à ce seul genre musical. L’aspect polyrythmique des compositions du groupe a ainsi inspiré de nombreux artistes issus de différents horizons, qui ont choisi d’intégrer ces techniques dans le but de repousser constamment les limites établies dans leur propre discipline.

Une reconnaissance internationale pour un groupe en perpétuelle évolution

Le succès de Meshuggah n’est pas resté cantonné à la seule Suède : le groupe jouit aujourd’hui d’une solide réputation à l’échelle mondiale, grâce notamment à des tournées régulières et des albums plébiscités par la critique. Leur parcours jalonné de prix et distinctions diverses témoigne de cette réussite, bien qu’ils continuent inlassablement à chercher de nouvelles voies à emprunter dans l’univers foisonnant des musiques extrêmes.

Versatilité instrumentale et diversité d’influences au service de l’exploration musicale

Si Meshuggahest avant tout reconnu pour ses prouesses rythmiques, il serait injuste de réduire sa musique à cette seule dimension. Les membres du groupe sont tous des musiciens accomplis, capables de s’approprier aussi bien les codes du jazz que ceux de la musique classique ou des musiques du monde.

Une alchimie unique entre les alliages de guitares

Les deux guitaristes, Fredrik Thordendal et Mårten Hagström, utilisent ainsi souvent des accords dissonants tirés du vocabulaire du jazz pour soutenir leurs riffs metal dévastateurs, tandis que le batteur Tomas Haake, véritable métronome humain, n’hésite pas à emprunter au répertoire des rythmiques de la musique africaine pour asseoir sa frappe si caractéristique. Enfin, le chanteur Jens Kidman apporte une touche d’humanité à cette machine infernale avec ses textes sombres et introspectifs qui mettent en avant les angoisses existentielles de l’homme moderne.

Une discographie riche et éclectique : la quête permanente de l’innovation sans compromis

1. Contradictions Collapse (1991) : premier album du groupe, il montre déjà les prémices de leur style original bien que marqué par l’influence du thrash metal de l’époque.
2. Destroy Erase Improve (1995) : c’est ici que Meshuggah affine son style en intégrant pleinement la polyrythmie au sein de ses compositions.
3. Chaosphere (1998) : considéré comme une œuvre majeure, cet album pousse encore plus loin la complexité et la densité des morceaux tout en conservant une approche résolument aggressive.
4. Nothing (2002) : avec ce disque, Meshuggah se rapproche davantage du metal progressif et réussit une synthèse parfaite de toutes les facettes de leur musique.
5. Obzen (2008) : véritable retour aux sources, cet opus voit le groupe renouer avec une approche plus directe tout en continuant d’explorer des rythmiques toujours aussi déstabilisantes.
6. Koloss (2012) : dans une veine similaire à « Nothing », il propose un voyage passionnant au cœur même de l’univers complexe et fascinant de Meshuggah.
7. The Violent Sleep of Reason (2016) : dernière œuvre en date du groupe, elle témoigne d’une volonté constante de pousser encore plus loin les limites de la créativité musicale.

En définitive, Meshuggah est un groupe qui n’a cessé de repousser les frontières de la musique heavy metal à travers ses innovations techniques. Leur style polyrythmique, leurs rythmes décalés et leurs morceaux souvent labyrinthiques ont forcé nombre de musiciens à remettre en question leurs propres conceptions de la musique. Cette introspection collective a été bénéfique pour l’évolution du genre, qui a vu émerger un courant nouveau de groupes cherchant eux aussi à sortir des sentiers battus pour offrir une expérience musicale unique et stimulante.Si vous aimez les défis réussis et les sensations fortes musicales, vous trouverez sans doute votre bonheur en plongeant dans cet univers fascinant.

Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois qui a su se démarquer grâce à sa musique complexe et avant-gardiste. Depuis sa formation en 1987, le groupe a su influencer de nombreux autres artistes dans le monde du metal, notamment dans le sous-genre du djent. Leurs structures rythmiques uniques, leurs signatures de temps non conventionnelles et leurs grooves lourds et répétitifs font de Meshuggah un groupe à part entière dans le paysage musical contemporain.

Dans cet article, nous explorerons l’histoire du groupe, leur style musical, leurs techniques et leur influence sur le monde de la musique.

L’histoire de Meshuggah

Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois formé en 1987 à Umeå. À l’origine, le groupe était composé de Jens Kidman au chant et à la guitare, de Fredrik Thordendal à la guitare, de Peter Nordin à la basse et de Niklas Lundgren à la batterie. Le nom du groupe, « meshuggah », signifie « fou » en yiddish, reflétant leur intention de créer une musique à la fois complexe et déroutante.

Les débuts de Meshuggah

Le premier album , Contradictions Collapse, est sorti en 1991. Bien que l’album ait été plutôt bien accueilli par la critique, il n’a pas eu un grand succès commercial. Cependant, il a permis au groupe de se faire connaître dans la scène underground de la musique metal.

En 1993, le groupe sort un EP intitulé None, qui présente une musique plus expérimentale que leur premier album. C’est également à cette époque que le bassiste Peter Nordin quitte le groupe et est remplacé par Gustaf Hielm.

L’arrivée de Tomas Haake

En 1994, le groupe recrute Tomas Haake comme batteur. Cette nouvelle recrue apporte avec lui une vision musicale unique et une technique de batterie innovante. Cela a permis à Meshuggah de développer encore plus son style musical distinctif.

L’année suivante, le groupe sort Destroy Erase Improve, qui est considéré comme l’un des albums les plus influents du metal progressif. Cet album a attiré l’attention de nombreux fans et critiques grâce à son utilisation de guitares sept cordes et de signatures rythmiques complexes.

L’ère de la maturité musicale

Après Destroy Erase Improve, le groupe continue à explorer de nouvelles sonorités et des techniques musicales innovantes. Leur album Chaosphere, sorti en 1998, est considéré comme l’un des albums les plus lourds et les plus brutaux de l’histoire du metal.

En 2002, sort Nothing, un album qui se concentre sur la répétition rythmique et la tension musicale. Cet album a également été très bien accueilli par les fans et la critique, et est considéré comme l’un des albums les plus innovants de l’histoire du metal progressif.

Les membres actuels de Meshuggah

Aujourd’hui, le groupe est composé de Jens Kidman au chant et à la guitare, de Fredrik Thordendal à la guitare, de Mårten Hagström à la guitare, de Dick Lövgren à la basse et de Tomas Haake à la batterie. Les membres du groupe sont tous très impliqués dans le processus de création musicale, et travaillent ensemble pour créer des morceaux complexes et innovants.

Le groupe est composé de cinq membres :

• Jens Kidman (chant) : Né le 25 juin 1966 à Umeå, en Suède, Jens Kidman est le chanteur principal de Meshuggah. Il est également guitariste rythmique et a coécrit la plupart des chansons du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Kidman a joué dans plusieurs groupes locaux.
• Fredrik Thordendal (guitare) : Né le 11 février 1970 à Solna, en Suède, Fredrik Thordendal est le guitariste principal de Meshuggah. Il est également l’un des principaux compositeurs du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Thordendal a étudié la musique au conservatoire de Göteborg.
• Mårten Hagström (guitare) : Né le 27 avril 1971 à Örnsköldsvik, en Suède, Mårten Hagström est le second guitariste de Meshuggah. Il est également un compositeur clé du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Hagström a joué dans plusieurs groupes locaux.
• Dick Lövgren (basse) : Né le 27 août 1971 à Umeå, en Suède, Dick Lövgren est le bassiste de Meshuggah depuis 2004. Avant de rejoindre Meshuggah, Lövgren a joué avec plusieurs autres groupes suédois, dont In Flames.
• Tomas Haake (batterie) : Né le 3 juillet 1971 à Örnsköldsvik, en Suède, Tomas Haake est le batteur de Meshuggah. Il est également l’un des principaux compositeurs du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Haake a étudié la batterie au conservatoire de Göteborg.

Les membres fondateurs  étaient Jens Kidman, Fredrik Thordendal et le batteur original, Niclas Lundgren. Mårten Hagström a rejoint le groupe en 1993 et est devenu membre permanent après la sortie de l’album « Destroy Erase Improve » en 1995. Dick Lövgren a remplacé le bassiste original, Gustaf Hielm, en 2004.

 

Au fil des ans, Meshuggah est devenu l’un des groupes de metal progressif les plus influents et les plus respectés de la scène internationale. Leur musique complexe, leurs rythmes décalés et leurs riffs de guitare innovants ont inspiré de nombreux groupes de metal progressif et ont permis à Meshuggah de se faire une place dans l’histoire du genre.

En résumé, c’est un groupe de metal progressif suédois qui a su se démarquer grâce à sa musique avant-gardiste et complexe. Depuis leur formation en 1987, le groupe a subi plusieurs changements de membres, mais a toujours maintenu son style musical unique. Leurs albums innovants

 

La discographie et les succès de Meshuggah

La discographie de Meshuggah

Depuis leur premier album en 1991, le groupe a sorti neuf albums studio, un album live et plusieurs EPs et singles. Leur discographie se caractérise par des rythmes complexes, des structures musicales uniques et une forte utilisation de guitares sept cordes.

Voici la liste des albums studio :

• Contradictions Collapse (1991)
• None (EP) (1994)
• Destroy Erase Improve (1995)
• Chaosphere (1998)
• Nothing (2002)
• Catch Thirtythree (2005)
• obZen (2008)
• Koloss (2012)
• The Violent Sleep of Reason (2016)
• Meshuggah Live (2010)

Les succès de Meshuggah

Meshuggah a connu un grand succès dans la scène metal, notamment grâce à leur utilisation innovante de la guitare sept cordes et leurs signatures rythmiques uniques. Leur album Destroy Erase Improve est considéré comme l’un des albums les plus influents du metal progressif, tandis que leur album Nothing est souvent cité comme un exemple de l’utilisation de la répétition rythmique pour créer une tension musicale.

Voici quelques-uns des tubes et des chansons à succès :

• « New Millenium Cyanide Christ » : Cette chanson est tirée de l’album « Chaosphere » sorti en 1998. Elle est considérée comme l’un des morceaux les plus connus et les plus appréciés du groupe. Elle présente des rythmes complexes, des riffs de guitare agressifs et un chant brutal.
• « Bleed » : Sorti en 2008 sur l’album « obZen », « Bleed » est peut-être le morceau le plus emblématique de Meshuggah. Il est connu pour son tempo écrasant et pour le jeu de batterie intense de Tomas Haake.
• « Demiurge » : Cette chanson est extraite de l’album « Koloss » sorti en 2012. Elle présente des rythmes décalés et des riffs de guitare lourds qui sont devenus la marque de fabrique du groupe.
• « Clockworks » : Cette chanson est tirée de l’album « The Violent Sleep of Reason » sorti en 2016. Elle est un excellent exemple de la complexité et de la technique de Meshuggah, avec des rythmes polyrythmiques et des changements de tempo rapides.
• « War » : Cette chanson est issue de l’album « Catch Thirtythree » sorti en 2005. Elle est connue pour son riff de guitare hypnotique et son ambiance sombre et oppressante.
• « Future Breed Machine » : Cette chanson est tirée du premier album de Meshuggah, « Contradictions Collapse », sorti en 1991. Elle est considérée comme l’une des premières chansons de metal progressif, avec ses rythmes complexes et ses riffs de guitare innovants.

 

Ces chansons représentent certaines des plus grandes réussites de Meshuggah, mais chaque album du groupe a ses propres moments forts. Les fans du groupe apprécient particulièrement la complexité et l’intensité de leur musique, ainsi que leur approche innovante du metal progressif. Il a également reçu plusieurs récompenses et nominations, notamment un Swedish Grammy Award pour leur album obZen en 2009.

 

Les grands concerts de Meshuggah

Connu pour ses performances en direct énergiques et intenses, avec une attention particulière accordée à la synchronisation des rythmes complexes, le groupe a joué dans de nombreux festivals et salles de concert à travers le monde, notamment au Download Festival, au Hellfest et au Wacken Open Air.

En 2019, le groupe a fait une tournée mondiale pour célébrer le 25e anniversaire de l’album Destroy Erase Improve. Le groupe a joué des concerts dans plusieurs villes d’Europe, d’Amérique du Nord, d’Amérique du Sud et d’Asie, attirant des fans du monde entier.

En résumé, Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois qui a connu un grand succès grâce à sa musique complexe et innovante. Depuis leur premier album en 1991, le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, et a joué dans des concerts et des festivals à travers le monde. Avec leur style musical unique et leur énergie sur scène, Meshuggah a su se faire une place dans le paysage musical contemporain.

 

Le style musical  de Meshuggah

Le style  est très influencé par le jazz, le metal extrême et le math rock. Le groupe utilise souvent des structures rythmiques complexes, des signatures de temps non conventionnelles et des grooves lourds et répétitifs. Les paroles de leurs chansons sont souvent très philosophiques et introspectives, traitant de thèmes tels que la psychologie humaine, l’existentialisme et la société moderne.

Les techniques musicales de Meshuggah

Le groupe est connu pour son utilisation de guitares sept cordes, ainsi que pour sa technique de « riffing polyrythmique », qui consiste à superposer des motifs rythmiques différents pour créer un effet de tension et de désorientation. Le batteur Tomas Haake est également connu pour sa technique de « polyrythmic drumming », qui implique de jouer des motifs de batterie complexes et syncopés tout en gardant une pulsation claire et régulière.

Un style unique

Il est connu pour son style musical unique, qui combine des éléments de metal, de jazz et de musique contemporaine. Le groupe est souvent considéré comme l’un des pionniers du metal progressif, avec des signatures rythmiques complexes et des structures musicales non conventionnelles.

Le style musical de Meshuggah est caractérisé par l’utilisation de guitares sept cordes, qui permettent des riffs plus graves et plus complexes. Le groupe utilise également des motifs rythmiques syncopés, qui créent des rythmes décalés et asymétriques. Cette utilisation de rythmes complexes a été influencée par le jazz et la musique contemporaine, et permet au groupe de créer une tension musicale unique.

Une influence diverse

Outre les guitares, les musiciens du groupe  utilisent également des percussions complexes pour créer un son unique. Le groupe utilise des batteries à double grosse caisse, ainsi que des cymbales et des cloches de différentes tailles pour créer des textures sonores uniques. Les voix  sont souvent criées ou hurlées, ajoutant une dimension supplémentaire à leur musique intense.

Le style musical a influencé de nombreux groupes de metal progressif et de djent, tels que Animals as Leaders, Periphery et TesseracT. La musique de Meshuggah est également appréciée par des musiciens de jazz et de musique contemporaine, qui admirent la complexité de leurs rythmes et de leurs structures musicales.

En résumé, le style musical de Meshuggah est unique et innovant, avec des signatures rythmiques complexes et des structures musicales non conventionnelles. Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, et leur musique est appréciée par des musiciens de jazz et de musique contemporaine.

Avec leur utilisation innovante de la guitare sept cordes, des percussions complexes et des voix hurlées, Meshuggah est devenu l’un des groupes les plus influents et les plus respectés de la scène metal contemporaine.

L’influence de Meshuggah

Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, notamment Periphery, Animals as Leaders et Tesseract. Leur influence s’étend également au-delà du metal, avec des artistes tels que Tool et Gojira qui ont cité Meshuggah comme une source d’inspiration.

Meshuggah est un groupe qui a eu une influence considérable sur la musique, en particulier sur la scène metal. Leur style musical unique, qui mélange des éléments de metal, de jazz et de musique contemporaine, a inspiré de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent. Le groupe est également admiré par des musiciens de jazz et de musique contemporaine pour leur utilisation innovante des rythmes et des structures musicales.

L’utilisation de guitares sept cordes

L’une des contributions les plus importantes de Meshuggah à la musique est leur utilisation de guitares sept cordes. Cette innovation a permis aux guitaristes de créer des riffs plus graves et plus complexes, ouvrant ainsi de nouvelles possibilités pour la musique metal. De nombreux autres groupes de metal progressif et de djent ont adopté l’utilisation de guitares sept cordes après avoir été inspirés par Meshuggah.

L’utilisation de motifs rythmiques syncopés et asymétriques

Meshuggah est également connu pour leur utilisation de motifs rythmiques syncopés et asymétriques, qui créent des rythmes complexes et décalés. Cette utilisation de rythmes complexes a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, qui ont adopté cette approche pour créer des musiques plus sophistiquées et plus intéressantes.

Les voix hurlées

Les voix hurlées de Meshuggah ont également eu une influence considérable sur la scène metal. Le groupe a popularisé cette technique vocale et a inspiré de nombreux autres groupes à l’utiliser. Les voix hurlées sont maintenant un élément clé de nombreux sous-genres du metal, tels que le death metal et le black metal.

L’Influence sur la scène musicale

En résumé, Meshuggah a eu une influence considérable sur la musique, en particulier sur la scène metal. Leur utilisation innovante de guitares sept cordes, de motifs rythmiques syncopés et asymétriques, et de voix hurlées a inspiré de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent. Leur influence s’étend également à des musiciens de jazz et de musique contemporaine, qui admirent la complexité de leurs rythmes et de leurs structures musicales.

En somme, Meshuggah est un groupe dont l’impact sur la musique est indéniable, et leur héritage musical continue d’inspirer de nouveaux artistes chaque jour.

 

Meshuggah tour 2023

Des anecdotes et autres informations sur Meshuggah

Voici quelques anecdotes et informations supplémentaires sur Meshuggah :

• Le nom du groupe, « Meshuggah », est un mot yiddish qui signifie « fou » ou « détraqué ». Le groupe a choisi ce nom car ils pensaient que cela reflétait leur musique intense et complexe.
• Le batteur de Meshuggah, Tomas Haake, est également le principal parolier du groupe. Il s’inspire souvent de la philosophie, de la science et de la politique pour écrire les paroles des chansons.
• En 2016, le groupe a lancé une campagne pour sensibiliser les gens aux problèmes environnementaux. Ils ont créé une vidéo musicale pour leur chanson « Clockworks » qui mettait en évidence les dangers du changement climatique et l’importance de la protection de l’environnement.
• Meshuggah est connu pour avoir des performances live incroyablement énergiques et intenses. Le groupe est réputé pour ses solos de guitare complexes, ses rythmes décalés et la qualité de sa production sonore en concert.
• Le groupe a été nominé pour un Grammy Award en 2019 dans la catégorie « Meilleure performance metal » pour leur chanson « Clockworks ».
• Malgré leur succès international, les membres de Meshuggah sont restés fidèles à leur ville d’origine, Umeå, en Suède. Le groupe a régulièrement soutenu la scène musicale locale et a même fondé son propre studio d’enregistrement à Umeå.
• En 2013, le groupe a été invité à jouer en direct lors de l’émission « Late Night with Jimmy Fallon ». C’était la première fois qu’un groupe de metal progressif était invité à se produire dans l’émission.

En somme, Meshuggah est un groupe qui non seulement a influencé la musique, mais qui s’est également engagé pour des causes importantes telles que l’environnement. Leur énergie sur scène et leur dévouement envers leur ville natale montrent également leur engagement envers la musique et leur communauté.

En résumé, Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois connu pour son utilisation de structures rythmiques complexes, de signatures de temps non conventionnelles et de grooves lourds et répétitifs. Leur musique est influencée par le jazz, le metal extrême et le math rock, et leurs paroles traitent souvent de sujets philosophiques et introspectifs. Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, et leur influence s’étend également au-delà du metal.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Meshuggah

Q1 : Quand Meshuggah a-t-il été formé ?

R1 : Meshuggah a été formé en 1987 à Umeå, en Suède.

Q2 : Qui sont les membres de Meshuggah ?

R2 : Les membres actuels de Meshuggah sont Jens Kidman (chant), Fredrik Thordendal (guitare), Mårten Hagström (guitare), Dick Lövgren (basse) et Tomas Haake (batterie).

Q3 : Quel est le style musical de Meshuggah ?

R3 : Meshuggah est généralement considéré comme un groupe de metal progressif. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare complexes, des rythmes décalés et des structures de chanson inhabituelles.

Q4 : Quels sont les albums les plus populaires de Meshuggah ?

R4 : Certains des albums les plus populaires de Meshuggah sont « Chaosphere » (1998), « Nothing » (2002), « obZen » (2008) et « The Violent Sleep of Reason » (2016).

Q5 : Quelles sont les chansons les plus populaires de Meshuggah ?

R5 : Certaines des chansons les plus populaires de Meshuggah sont « Bleed », « New Millennium Cyanide Christ », « Future Breed Machine » et « Demiurge ».

Q6 : Meshuggah a-t-il remporté des prix ?

R6 : Oui, Meshuggah a remporté plusieurs prix tout au long de sa carrière, notamment le Swedish Grammy Award dans la catégorie « Meilleur album de musique hard rock/metal » pour leur album « The Violent Sleep of Reason » en 2017.

Q7 : Meshuggah a-t-il influencé d’autres groupes ?

R7 : Oui, Meshuggah est souvent cité comme une influence majeure pour de nombreux groupes de metal progressif et de metal extrême.

Q8 : Le style de Meshuggah est-il accessible aux non-initiés ?

R8 : Le style de Meshuggah peut être difficile à appréhender pour les auditeurs qui ne sont pas familiers avec le metal progressif ou le metal extrême. Cependant, de nombreux fans considèrent que la complexité de la musique de Meshuggah est une partie importante de son attrait.

Iron Maiden tout sur l’histoire du groupe, histoire depuis 1975

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Iron Maiden est un groupe de heavy metal britannique formé en 1975. Le groupe a connu un grand succès commercial et est considéré comme l’un des pionniers du heavy metal britannique, aux côtés de groupes comme Black Sabbath, Judas Priest et Led Zeppelin. Avec une discographie de plus de 16 albums studio, Iron Maiden est également connu pour ses performances scéniques spectaculaires et son emblème emblématique, Eddie, une figure squelettique qui apparaît sur de nombreuses pochettes d’album et lors des concerts.

Dans cet article, retrouvez toute l’histoire du groupe, sa discographie, ses tubes, son influence musicale depuis sa création en 1975.

L’histoire  de Iron Maiden

Le groupe a été formé en 1975 par le bassiste Steve Harris, qui a recruté le chanteur Paul Di’Anno, le guitariste Dave Murray, le batteur Clive Burr et le guitariste Dennis Stratton pour rejoindre le groupe. Leur premier album, Iron Maiden, est sorti en 1980 et a été bien accueilli par les critiques. Cependant, c’est leur deuxième album, Killers, sorti la même année, qui a vraiment lancé leur carrière.

En 1982, Bruce Dickinson a remplacé Di’Anno en tant que chanteur, ce qui a marqué le début d’une nouvelle ère pour le groupe. Leur troisième album, The Number of the Beast, est sorti la même année et a été un grand succès commercial. L’album est devenu l’un des albums de heavy metal les plus vendus de tous les temps et a fait de Iron Maiden l’un des groupes de heavy metal les plus populaires au monde.

Depuis lors, le groupe a sorti de nombreux albums acclamés par la critique, dont Powerslave (1984), Somewhere in Time (1986), Seventh Son of a Seventh Son (1988), Brave New World (2000) et The Book of Souls (2015). Le groupe a également connu de nombreux changements de formation au fil des ans, avec des membres tels que Adrian Smith, Janick Gers et Nicko McBrain qui ont rejoint et quitté le groupe à différentes époques.

Voici des éléments biographiques sur les membres d’Iron Maiden :

• Steve Harris (basse, fondateur) : Steve Harris est né le 12 mars 1956 à Leytonstone, dans l’est de Londres. Il a formé Iron Maiden en 1975 et est considéré comme le cerveau derrière la musique du groupe. Avant de fonder Iron Maiden, Harris a joué dans plusieurs groupes locaux, notamment Gypsy’s Kiss et Smiler. Il est également connu pour sa technique de jeu de basse rapide et mélodique, ainsi que pour sa voix de chœur distinctive.
• Bruce Dickinson (chant) : Bruce Dickinson est né le 7 août 1958 à Worksop, dans le Nottinghamshire. Avant de rejoindre Iron Maiden en 1981, il a joué avec Samson et a également travaillé comme pilote de ligne. Dickinson est connu pour sa voix puissante et expressive, ainsi que pour ses performances scéniques énergiques.
• Dave Murray (guitare) : Dave Murray est né le 23 décembre 1956 à Edmonton, dans le nord de Londres. Il a rejoint Iron Maiden en 1976 et est connu pour son style de jeu de guitare rapide et complexe. Avant de rejoindre Iron Maiden, Murray a joué dans plusieurs groupes locaux, dont Stone Free et The Secret.
• Adrian Smith (guitare) : Adrian Smith est né le 27 février 1957 à Hackney, dans l’est de Londres. Il a rejoint Iron Maiden en 1980 et est connu pour sa technique de jeu de guitare mélodique et ses talents de compositeur. Avant de rejoindre Iron Maiden, Smith a joué dans plusieurs groupes locaux, notamment Urchin et Evil Ways.
• Nicko McBrain (batterie) : Nicko McBrain est né le 5 juin 1952 à Hackney, dans l’est de Londres. Il a rejoint Iron Maiden en 1982 après avoir joué dans des groupes tels que Trust et Pat Travers. McBrain est connu pour son style de jeu de batterie technique et puissant, ainsi que pour sa personnalité excentrique.
• Janick Gers (guitare) : Janick Gers est né le 27 janvier 1957 à Hartlepool, dans le comté de Durham. Il a rejoint Iron Maiden en 1990 et est connu pour son style de jeu de guitare énergique et acrobatique. Avant de rejoindre Iron Maiden, Gers a joué dans plusieurs groupes, notamment White Spirit et Gillan.

Ces membres ont tous contribué au son distinctif d’Iron Maiden et ont contribué à faire du groupe l’un des groupes de heavy metal les plus influents et les plus respectés de tous les temps.

Les membres de Iron Maiden

Les membres actuels  sont :

• Bruce Dickinson (chant)
• Steve Harris (basse)
• Dave Murray (guitare)
• Adrian Smith (guitare)
• Janick Gers (guitare)
• Nicko McBrain (batterie)

Ces membres ont été actifs ensemble depuis 1990, lorsque Janick Gers a rejoint le groupe. Auparavant, Adrian Smith avait quitté le groupe en 1990 pour poursuivre une carrière en solo, mais il est revenu en 1999 après le départ du guitariste Blaze Bayley.

Au cours des premières années, le groupe a connu plusieurs changements de membres. Les membres fondateurs étaient :

• Steve Harris (basse)
• Dave Murray (guitare)
• Paul Di’Anno (chant)
• Doug Sampson (batterie)
• Dennis Stratton (guitare)

Au fil des ans, plusieurs autres musiciens ont également fait partie d’Iron Maiden, notamment Blaze Bayley, qui a chanté pour le groupe de 1994 à 1999, et Bruce Dickinson, qui avait quitté le groupe en 1993 pour poursuivre une carrière solo, mais est revenu en 1999.

Le style de Iron Maiden

Le style musical  est souvent décrit comme étant du heavy metal, avec des influences du hard rock et du punk rock. Leur musique se caractérise par des riffs de guitare rapides et agressifs, des solos de guitare techniques, une batterie puissante et des lignes de basse mélodiques.

Les paroles des chansons  sont souvent inspirées par la littérature, l’histoire et les films de science-fiction et d’horreur. Le groupe est également connu pour sa mascotte emblématique, Eddie, qui apparaît sur de nombreux albums et lors de concerts.

En termes de style vestimentaire, le groupe est souvent associé à l’esthétique du heavy metal, avec des vêtements en cuir, des vestes à clous, des bottes et des pantalons moulants. Les membres du groupe sont également connus pour leurs cheveux longs et leurs tenues de scène théâtrales, qui incluent des costumes et des accessoires inspirés de l’histoire et de la mythologie.

La discographie de Iron Maiden

Iron Maiden a sorti plus de 16 albums studio, ainsi que plusieurs albums live, compilations et EP. Leur discographie comprend :

• Iron Maiden (1980)
• Killers (1981)
• The Number of the Beast (1982)
• Piece of Mind (1983)
• Powerslave (1984)
• Somewhere in Time (1986)
• Seventh Son of a Seventh Son (1988)
• No Prayer for the Dying (1990)
• Fear of the Dark (1992)
• The X Factor (1995)
• Virtual XI (1998)
• Brave New World (2000)
• Dance of Death (2003)
• A Matter of Life and Death (2006)
• The Final Frontier (2010)
• The Book of Souls (2015)

Les Succès de Iron Maiden

Le groupe a connu de nombreux succès au fil des ans. Leur troisième album, The Number of the Beast, est devenu l’un des albums de heavy metal les plus vendus de tous les temps et a lancé leur carrière à l’international. Le groupe a également remporté de nombreux prix, dont un Grammy Award en 2011 pour le meilleur album de heavy metal pour The Final Frontier.

Iron Maiden est connu pour ses concerts spectaculaires et énergiques, qui incluent souvent des effets pyrotechniques, des écrans géants et des décors impressionnants. Le groupe a également connu de nombreux succès commerciaux, notamment avec des albums tels que The Number of the Beast, Powerslave et Fear of the Dark.

Leur album The Number of the Beast, sorti en 1982, a été un grand succès commercial et est devenu l’un des albums de heavy metal les plus vendus de tous les temps. L’album a également été bien accueilli par les critiques et a permis à Iron Maiden de s’établir comme l’un des groupes de heavy metal les plus populaires au monde.

Powerslave, sorti en 1984, a également été un grand succès commercial pour le groupe. L’album a atteint la deuxième place du classement des albums britanniques et a également été bien accueilli par la critique. L’album contient des chansons telles que « Aces High », « 2 Minutes to Midnight » et « Powerslave », qui sont devenues des classiques du groupe.

Fear of the Dark, sorti en 1992, a également été un grand succès pour le groupe. L’album a atteint la première place du classement des albums britanniques et a été bien accueilli par la critique. La chanson titre de l’album, « Fear of the Dark », est devenue l’une des chansons les plus populaires du groupe et est souvent jouée lors de leurs concerts.

Le groupe est également connu pour ses concerts légendaires, qui ont attiré des foules de fans passionnés du monde entier. Le groupe a joué dans des stades et des arènes à guichets fermés, notamment lors de leur tournée mondiale « Somewhere Back in Time » en 2008-2009. Le groupe a également joué lors de festivals de musique tels que Download, Rock in Rio et Wacken Open Air.

En résumé, Iron Maiden a connu de nombreux succès commerciaux avec des albums tels que The Number of the Beast, Powerslave et Fear of the Dark, ainsi que des concerts légendaires qui ont attiré des foules de fans passionnés. Le groupe est considéré comme l’un des plus grands groupes de heavy metal de tous les temps et continue d’inspirer les fans de musique du monde entier.

L’ Influence musicale de Iron Maiden

Iron Maiden a eu une grande influence sur le heavy metal et le hard rock. Le groupe est connu pour son style musical distinctif, qui se caractérise par des guitares électriques rapides, des solos complexes, des lignes de basse mélodiques et des paroles souvent inspirées de l’histoire, de la mythologie et de la littérature. Iron Maiden a influencé de nombreux groupes de heavy metal et de hard rock, tels que Metallica, Slayer, Dream Theater et Avenged Sevenfold.

Il  a eu une influence majeure sur le heavy metal et le hard rock, et a inspiré de nombreux groupes à travers le monde. Le style de guitare rapide et complexe de Dave Murray et Adrian Smith, combiné à la ligne de basse mélodique de Steve Harris, est devenu une marque de fabrique du son d’Iron Maiden et a influencé de nombreux groupes de heavy metal. De plus, la voix distinctive de Bruce Dickinson a également inspiré de nombreux chanteurs de heavy metal.

Le groupe a également inspiré de nombreux fans à travers le monde, qui ont formé leurs propres groupes de heavy metal en s’inspirant du son et des performances scéniques d’Iron Maiden. Le groupe a également été un pionnier dans l’utilisation de l’artwork pour leurs albums, avec leur emblème emblématique Eddie étant devenu l’un des symboles les plus reconnaissables de la culture du heavy metal.

En termes de collaborations, Iron Maiden a travaillé avec d’autres artistes de renom dans l’industrie de la musique. Le groupe a collaboré avec l’orchestre philharmonique de Prague pour enregistrer leur album live « The Book of Souls: Live Chapter » en 2017. Ils ont également collaboré avec le chanteur de rock Bruce Springsteen pour une reprise de « Bring Your Daughter… to the Slaughter », qui est devenue un succès en 1990.

En plus de leur influence sur la musique, Iron Maiden a également soutenu de nombreuses causes humanitaires et caritatives. Le groupe a soutenu des organisations telles que War Child, Make-A-Wish Foundation et Nordoff Robbins, qui travaillent à aider les enfants et les jeunes en difficulté.

En résumé, Iron Maiden a eu une influence majeure sur le heavy metal et le hard rock, inspirant de nombreux groupes et fans à travers le monde. Leur emblème Eddie est devenu un symbole emblématique de la culture du heavy metal, et leur musique et performances scéniques ont continué à inspirer les fans de musique à travers les décennies. Le groupe a également collaboré avec d’autres artistes de renom et soutenu de nombreuses causes humanitaires et caritatives.

Iron Maiden est un groupe emblématique du heavy metal britannique, connu pour ses performances scéniques spectaculaires, son emblème emblématique Eddie et sa discographie de plus de 16 albums studio. Le groupe a connu de nombreux succès commerciaux et a eu une grande influence sur le heavy metal et le hard rock.

Les anecdotes sur Iron Maiden

Il y a de nombreuses anecdotes intéressantes sur le groupe et ses membres. En voici quelques-unes :

• Steve Harris, le bassiste et fondateur du groupe, a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 7 ans et a formé son premier groupe à l’âge de 12 ans. Il a également été un joueur de football talentueux et a failli devenir joueur professionnel avant de se concentrer sur la musique.
• Bruce Dickinson, le chanteur d’Iron Maiden, est également un pilote de ligne qualifié et a piloté le jet privé du groupe pendant leurs tournées.
• Le guitariste Dave Murray a été expulsé du groupe avant leur première tournée, mais a été rapidement réintégré après que les autres membres aient réalisé qu’ils ne pouvaient pas se passer de son style de jeu unique.
• Pendant leur tournée « Somewhere Back in Time », Iron Maiden a joué dans des endroits inhabituels tels que l’aéroport international de Costa Rica et la station scientifique antarctique Bellingshausen, où ils ont joué devant un public de scientifiques et de militaires.
• Le groupe a été impliqué dans une controverse en 1985, lorsque certains groupes de pression religieux ont accusé Iron Maiden de promouvoir le satanisme. Le groupe a nié ces allégations et a poursuivi en justice le groupe religieux pour diffamation.
• Lors de leur tournée « Powerslave » en 1984, le groupe a utilisé un avion Ed Force One, un Boeing 747 piloté par le chanteur Bruce Dickinson, pour transporter le groupe et son équipement à travers le monde.
• Le groupe est connu pour ses collaborations avec l’artiste britannique Derek Riggs, qui a créé l’emblème emblématique d’Iron Maiden, Eddie. Riggs a également créé de nombreuses illustrations pour les albums du groupe et a travaillé étroitement avec eux pendant de nombreuses années.
• En 2000, le groupe a été nominé pour un Ivor Novello Award, qui est une récompense prestigieuse pour les auteurs-compositeurs, pour leur contribution exceptionnelle à la musique britannique.

Ces anecdotes ne sont que quelques exemples des nombreuses histoires intéressantes et des moments mémorables de la carrière d’Iron Maiden.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur Iron Maiden

Q1: Qui est le fondateur d’Iron Maiden ?

R1: Steve Harris est le fondateur et le bassiste principal d’Iron Maiden. Il a formé le groupe en 1975 à Londres, en Angleterre.

Q2: Quels sont les membres actuels d’Iron Maiden ?

R2: Les membres actuels d’Iron Maiden sont Bruce Dickinson (chant), Steve Harris (basse), Dave Murray (guitare), Adrian Smith (guitare), Janick Gers (guitare) et Nicko McBrain (batterie).

Q3: Quel est le style musical d’Iron Maiden ?

R3: Iron Maiden est souvent classé dans le genre heavy metal, mais leur musique est également influencée par le hard rock et le punk rock.

Q4: Qui est Eddie, la mascotte d’Iron Maiden ?

R4: Eddie est la mascotte emblématique d’Iron Maiden. Il apparaît sur de nombreux albums et lors de concerts, et est souvent représenté comme un personnage horrifique ou fantastique.

Q5: Quels sont les plus grands succès d’Iron Maiden ?

R5: Iron Maiden a connu de nombreux succès tout au long de sa carrière, mais certains de leurs titres les plus populaires sont « Run to the Hills », « The Trooper », « Wasted Years » et « Fear of the Dark ».

Q6: Combien d’albums Iron Maiden a-t-il sorti ?

R6: Iron Maiden a sorti un total de 17 albums studio, ainsi que plusieurs albums live, compilations et EP.

Q7: Quels sont les concerts les plus mythiques d’Iron Maiden ?

R7: Iron Maiden est connu pour ses concerts épiques et théâtraux, mais certains de leurs concerts les plus légendaires incluent leur performance au festival de rock de Donington en 1988, leur tournée « Somewhere on Tour » en 1986-1987 et leur tournée « The Book of Souls World Tour » en 2016-2017.

Q8: Quelle est l’influence d’Iron Maiden sur la musique ?

R8: Iron Maiden est considéré comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire du heavy metal, avec une influence qui se fait sentir dans de nombreux genres de musique. Ils ont inspiré de nombreux artistes du heavy metal et ont aidé à populariser le genre dans le monde entier.

Soundgarden: tout sur le groupe, l’histoire, les albums depuis 1984

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Soundgarden  est un groupe de rock américain formé à Seattle en 1984. Le groupe est composé de Chris Cornell (chant, guitare), Kim Thayil (guitare), Ben Shepherd (basse) et Matt Cameron (batterie). Avec des influences allant du punk rock au heavy metal, Soundgarden est considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène grunge des années 1990.

Soundgarden est un groupe de rock alternatif américain originaire de Seattle, formé en 1984. Le groupe est composé de Chris Cornell au chant et à la guitare, Kim Thayil à la guitare, Ben Shepherd à la basse et Matt Cameron à la batterie.

Soundgarden a été l’un des groupes les plus influents de la scène grunge des années 90, aux côtés de Nirvana, Pearl Jam et Alice in Chains. Soundgarden a sorti six albums studio au cours de sa carrière, dont le dernier, « King Animal », en 2012.

Leur style musical était un mélange de heavy metal et de rock alternatif, avec des influences du punk rock et du grunge. Le son de Soundgarden est souvent décrit comme un mélange de heavy metal, de grunge et de rock alternatif. Le groupe a été influencé par des groupes tels que Black Sabbath, Led Zeppelin, The Stooges, MC5, The Melvins et Sonic Youth.

Dans cet article, revenons sur l’histoire du groupe, sa formation, ses albums, ses tubes et sur des anecdotes qui ont fait le succès du groupe.

La Formation et les débuts

Soundgarden a été formé en 1984 par Chris Cornell (chant, guitare), Kim Thayil (guitare), Hiro Yamamoto (basse) et Matt Cameron (batterie) qui s’étaient rencontrés à l’Université de Washington.

Le groupe a commencé à jouer dans la scène underground de Seattle, avec d’autres groupes comme Green River et Mudhoney.  Le groupe a commencé à jouer dans les clubs de Seattle et a rapidement acquis une grande popularité dans la scène underground de la ville.

En 1987, Soundgarden a sorti son premier album, « Ultramega OK », qui a été bien accueilli par la critique. L’album a été nommé pour un Grammy Award dans la catégorie « Meilleur album de metal » en 1990.

En 1988, Hiro Yamamoto a quitté le groupe et a été remplacé par Ben Shepherd. Le groupe a ensuite signé un contrat avec le label A&M Records et a sorti son deuxième album, « Louder Than Love », en 1989. L’album a été un succès commercial et a permis au groupe d’atteindre une audience plus large.

Les membres du groupe

Le groupe a connu plusieurs changements de membres au fil des ans, mais les membres les plus connus de Soundgarden sont :

• Chris Cornell : chant, guitare rythmique (1984-1997, 2010-2017)
• Kim Thayil : guitare solo (1984-1997, 2010-2017)
• Matt Cameron : batterie (1986-1997, 2010-2017)
• Ben Shepherd : basse (1990-1997, 2010-2017)

Le Succès commercial

En 1991, Soundgarden a sorti son quatrième album, « Badmotorfinger », qui a été un succès commercial et critique. L’album a été certifié double disque de platine aux États-Unis et a produit des singles à succès comme « Outshined » et « Rusty Cage ».

L’album a été certifié disque de platine aux États-Unis et a été salué par la critique pour sa musicalité complexe et sa fusion de plusieurs genres musicaux différents. Le single « Jesus Christ Pose » a également suscité une certaine controverse en raison de son clip vidéo provocateur.

En 1994, le groupe a sorti son cinquième album, « Superunknown », qui a été encore plus réussi que son prédécesseur. L’album a été certifié cinq fois disque de platine aux États-Unis et a produit des singles à succès comme « Black Hole Sun » et « Spoonman ». « Superunknown » a également valu à Soundgarden deux Grammy Awards en 1995, dans les catégories « Meilleure performance hard rock » et « Meilleure chanson rock ».

L’album « Superunknown » de 1994 est considéré comme leur œuvre la plus aboutie et la plus influente, avec des chansons comme « Black Hole Sun » et « Spoonman » qui sont devenues des classiques du rock alternatif. Soundgarden a également été reconnu pour leur engagement en faveur des causes sociales et politiques, notamment la défense de l’environnement et les droits des peuples autochtones.

La Séparation et les retrouvailles

Le groupe s’est séparé en 1997, après la sortie de leur album « Down on the Upside ». Cornell a ensuite poursuivi une carrière solo et a également rejoint le groupe de rock alternatif Audioslave, avec les membres de Rage Against the Machine. Le groupe s’est reformé en 2010 et a sorti un nouvel album, « King Animal », en 2012.

En 2010, Soundgarden s’est réuni pour une tournée mondiale, qui a été suivie de la sortie de leur sixième album studio, « King Animal », en 2012. Bien que l’album n’ait pas connu le même succès que les précédents albums du groupe, il a été bien accueilli par la critique.

« King Animal » est le sixième et dernier album studio de Soundgarden, sorti en 2012, après une pause de plus de 10 ans depuis leur dernier album. C’est leur premier album avec du nouveau matériel depuis « Down on the Upside » en 1996.

L’album comprend 13 chansons, toutes écrites par les membres du groupe Chris Cornell, Kim Thayil, Ben Shepherd et Matt Cameron. Le son de l’album est un retour aux racines heavy rock/grunge du groupe, avec des riffs de guitare lourds, des basses groovy et la voix puissante de Cornell.

Le single principal de l’album est « Been Away Too Long », qui a atteint la 7ème place du classement Rock Billboard aux États-Unis. Les autres chansons notables incluent « By Crooked Steps », « Blood on the Valley Floor » et « Bones of Birds ».

Les critiques ont généralement bien accueilli « King Animal », saluant le retour de Soundgarden avec un son fort et solide. Cependant, certains ont noté que l’album manquait peut-être de certains des éléments innovants et expérimentaux.

En 2013, le groupe a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame et a commencé une tournée pour promouvoir leur nouvel album « King Animal ». Ils ont également publié un album live intitulé « Live From the Artists Den ».

En 2014, Soundgarden a sorti une version remasterisée de leur album « Superunknown » à l’occasion de son 20ème anniversaire. L’album a été accompagné d’une édition de luxe avec des chansons bonus et des démos inédites.

En 2015, Soundgarden a lancé une tournée en Amérique du Nord pour célébrer le 20e anniversaire de la sortie de leur album « Superunknown ». Parallèlement, le chanteur de Soundgarden, Chris Cornell, a formé le supergroupe Temple of the Dog avec des membres de Pearl Jam pour célébrer le 25ème anniversaire de leur album éponyme.

La disparition de Chris Cornell

En 2017, Soundgarden a sorti son dernier album studio, « Ultramega OK (Expanded Reissue) », qui comprenait une version remasterisée de l’album original de 1988 ainsi que six titres bonus.

Malheureusement, le 17 mai 2017, Chris Cornell est décédé à l’âge de 52 ans. Sa mort a été un choc pour les fans de Soundgarden et de la musique en général. Sa mort a été déclarée comme un suicide par pendaison. En fin de compte, les raisons exactes du suicide de Chris Cornell restent incertaines et probablement multifactorielles. Cependant, il est clair que sa mort a été une perte énorme pour l’industrie musicale et pour ses fans à travers le monde.

Thayil, Cameron et Yamamoto ont rendu hommage à Cornell en jouant un concert de reformation en son honneur en janvier 2019, mais depuis lors, le groupe n’a pas annoncé de plan pour continuer à jouer ensemble ou sortir de nouveaux enregistrements. Mais finalement, les projets ne se concrétiseront pas.

Entre 2018 et 2021, le groupe Soundgarden a été impliqué dans un certain nombre de litiges juridiques liés à la propriété intellectuelle.

En mai 2019, le groupe a poursuivi Vicky Cornell, la veuve du chanteur Chris Cornell, décédé en 2017, pour avoir prétendument retenu les redevances de la bande et pour avoir refusé de rendre plusieurs de leurs instruments et équipements de tournée.

En juin 2019, le groupe a également poursuivi le label UMG Recordings pour avoir prétendument sous-payé les redevances de la bande pour les ventes numériques.

En 2020, les membres survivants de Soundgarden – Kim Thayil, Matt Cameron et Ben Shepherd – ont également contre-attaqué contre Vicky Cornell, alléguant qu’elle avait tenté de « s’attribuer le contrôle absolu » de la bande en essayant de prendre le contrôle de leur site Web et des comptes de réseaux sociaux.

Voici quelques-uns de leurs albums et morceaux les plus connus :

Albums :

1. « Ultramega OK » (1988)
2. « Louder Than Love » (1989)
3. « Badmotorfinger » (1991)
4. « Superunknown » (1994)
5. « Down on the Upside » (1996)

Morceaux à succès :

1. « Black Hole Sun » (de l’album « Superunknown »)
2. « Spoonman » (de l’album « Superunknown »)
3. « The Day I Tried to Live » (de l’album « Superunknown »)
4. « Fell on Black Days » (de l’album « Superunknown »)
5. « Outshined » (de l’album « Badmotorfinger »)
6. « Rusty Cage » (de l’album « Badmotorfinger »)
7. « Jesus Christ Pose » (de l’album « Badmotorfinger »)
8. « Hands All Over » (de l’album « Louder Than Love »)
9. « Loud Love » (de l’album « Louder Than Love »)

L’Héritage de Soundgarden

Malgré la séparation du groupe en 1997, leur musique continue d’inspirer de nouveaux fans et de nombreux artistes. Leur héritage est donc durable et important pour l’histoire de la musique rock.

Soundgarden a eu un impact significatif sur le paysage musical des années 1990 et a contribué à définir le son du grunge, un genre qui a connu une popularité massive à l’époque. Leur mélange unique de heavy metal, de punk rock et de rock psychédélique a inspiré de nombreux artistes dans le rock alternatif et le metal, qui ont incorporé ces éléments dans leur propre musique.

Soundgarden a également élargi les horizons du rock alternatif en introduisant des éléments de jazz, de blues et de folk dans leur musique, créant un son plus complexe et sophistiqué que celui des groupes de grunge typiques. Ils ont également été salués pour leur créativité musicale et leur expérimentation, explorant des thèmes sombres et introspectifs dans leurs paroles et intégrant des instruments tels que la cornemuse, la mandoline et la contrebasse dans leur musique.

L’album « Superunknown » de 1994 est considéré comme leur œuvre la plus aboutie et la plus influente, avec des chansons comme « Black Hole Sun » et « Spoonman » qui sont devenues des classiques du rock alternatif. Soundgarden a également été reconnu pour leur engagement en faveur des causes sociales et politiques, notamment la défense de l’environnement et les droits des peuples autochtones.

Leur son unique, qui mélangeait des éléments de rock, de metal et de punk, a influencé de nombreux groupes dans les années 1990 et au-delà.

Parmi les groupes qui ont été inspirés par Soundgarden, on peut citer:

1. Alice in Chains
2. Pearl Jam
3. Stone Temple Pilots
4. Bush
5. Tool
6. Foo Fighters

Ces groupes ont tous émergé de la scène grunge et alternatif des années 1990 et ont été influencés par le son distinctif de Soundgarden. Ils ont également contribué à façonner la scène musicale de cette époque et ont continué à avoir un impact sur la musique aujourd’hui.

En résumé, Soundgarden est un groupe légendaire de rock américain, qui a laissé une empreinte indélébile dans l’histoire de la musique. Leur son unique, combinant des éléments de heavy metal, de grunge et de rock alternatif, a inspiré de nombreux artistes et continue de le faire aujourd’hui. La voix puissante de Chris Cornell et la guitare heavy de Kim Thayil ont été la marque de fabrique de Soundgarden, et leur musique restera une partie importante de l’héritage musical de Seattle et de la musique en général.

Bien que la mort de Chris Cornell ait été une perte énorme pour le groupe et pour les fans de musique dans le monde entier, les membres survivants de Soundgarden continuent de travailler sur des projets musicaux et de laisser leur marque dans l’industrie musicale.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Soundgarden

Q1: Qui est Soundgarden ?

Soundgarden est un groupe de rock américain formé à Seattle en 1984. Le groupe est connu pour avoir été l’un des pionniers du mouvement grunge dans les années 1990.

Q2: Qui sont les membres de Soundgarden ?

Les membres originaux de Soundgarden étaient Chris Cornell (chant et guitare), Kim Thayil (guitare), Hiro Yamamoto (basse) et Matt Cameron (batterie). Yamamoto a quitté le groupe en 1989 et a été remplacé par Ben Shepherd.

Q3: Quel genre de musique faisait Soundgarden? 

Soundgarden était un groupe de rock alternatif et de metal alternatif, avec des influences du grunge, du punk rock, du heavy metal et du hard rock.

Q4: Quels sont les albums les plus célèbres de Soundgarden ?

Soundgarden a sorti six albums studio, dont les plus célèbres sont « Superunknown » (1994) et « Badmotorfinger » (1991). Ces deux albums ont remporté des Grammy Awards et sont considérés comme des classiques du rock des années 1990.

Q5: Quels sont les titres les plus célèbres de Soundgarden ?

Certains des titres les plus célèbres de Soundgarden sont « Black Hole Sun », « Spoonman », « Outshined », « Fell on Black Days », « Rusty Cage » et « The Day I Tried to Live ».

Q6: Pourquoi Soundgarden s’est-il séparé ?

Soundgarden s’est séparé en 1997, après la sortie de leur album « Down on the Upside ». Les membres du groupe ont décidé de se concentrer sur leurs projets solo. Ils se sont reformés en 2010 et ont sorti un nouvel album, « King Animal », en 2012. Cependant, le groupe s’est séparé à nouveau en 2017 après la mort de Chris Cornell.

Q7: Quelle est la cause de la mort du chanteur Chris Cornell de Soundgarden?

Chris Cornell, le chanteur principal de Soundgarden, est décédé le 18 mai 2017 à l’âge de 52 ans. Selon le rapport du médecin légiste, la cause de la mort de Cornell était un suicide par pendaison. Cela a été confirmé par la police de Detroit, qui a déclaré avoir trouvé Cornell inconscient dans sa chambre d’hôtel avec une bande de résistance autour du cou. Les résultats de l’autopsie ont également révélé la présence de plusieurs médicaments dans son système, y compris de l’Ativan (lorazépam), un médicament utilisé pour traiter l’anxiété et les troubles du sommeil, bien que cela n’ait pas été considéré comme la cause de sa mort.

Q8: Pourquoi le groupe s’est séparé après le décès tragique de Chris Cornell?

La mort de Chris Cornell a été une perte tragique pour le groupe Soundgarden ainsi que pour l’ensemble de l’industrie musicale. Après le décès de Cornell, les membres de Soundgarden ont été profondément touchés et ont pris la décision de se séparer. Dans une déclaration publiée peu après le décès de Cornell, le groupe a déclaré qu’il n’était pas possible de continuer sans lui. Les membres ont également exprimé leur chagrin et leur gratitude envers leurs fans et leurs amis pour leur soutien et leur amour.

Depuis la mort de Cornell, les membres restants de Soundgarden ont été impliqués dans des activités individuelles. Le batteur Matt Cameron a continué à jouer avec Pearl Jam, tandis que le guitariste Kim Thayil a travaillé sur des projets en solo. Le bassiste Ben Shepherd a également continué à jouer de la musique et à collaborer avec d’autres artistes. Malgré leur douleur, les membres de Soundgarden ont réussi à honorer la mémoire de Cornell en organisant des concerts commémoratifs et en partageant leur amour et leur gratitude envers les fans.

Q9: Quelles sont les raisons du suicide de Chris Cornell?

Cornell a lutté contre la dépression et la dépendance à l’alcool et aux drogues pendant une grande partie de sa vie. Il a parlé ouvertement de ses luttes avec la dépression et de sa tentative de suicide à l’âge de 14 ans. Il a également eu des problèmes de toxicomanie dans le passé, mais avait depuis réussi à se maintenir sobre pendant plusieurs années avant sa mort.

Cependant, juste avant sa mort, Cornell avait commencé à prendre un médicament sur ordonnance appelé Ativan pour aider à gérer ses problèmes d’anxiété. Il a pris plus que la dose recommandée et cela aurait pu contribuer à son état d’esprit au moment de sa mort. Certains experts médicaux suggèrent que les effets secondaires de l’Ativan, tels que la confusion, l’irritabilité et les idées suicidaires, pourraient avoir joué un rôle dans sa décision de se suicider.

Q10: Que deviennent les membres survivants de Soundgarden?

Les autres membres survivants de Soundgarden, Matt Cameron, Ben Shepherd et Kim Thayil, ont tous continué à travailler dans l’industrie de la musique après la mort de Chris Cornell. Voici ce qu’ils ont fait depuis :

• Matt Cameron a continué à jouer de la batterie avec le groupe Pearl Jam, avec qui il a été membre à temps plein depuis 1998. Il a également joué avec le groupe de rock progressif Wellwater Conspiracy et a sorti un album solo en 2017.
• Ben Shepherd a travaillé sur des projets en solo et a collaboré avec d’autres artistes, notamment Mark Lanegan et Hater. Il a également joué avec le groupe de rock progressif Hater, et a récemment travaillé sur un nouvel album solo.
• Kim Thayil a travaillé sur divers projets musicaux, notamment en jouant avec le groupe de rock alternatif No WTO Combo et en produisant des albums pour d’autres artistes. Il a également travaillé en tant que professeur de musique à l’Université de Washington.

En 2019, Matt Cameron et Kim Thayil ont formé un nouveau groupe appelé MC50, en hommage au groupe de rock MC5. Ils ont fait une tournée à travers les États-Unis et ont sorti un album live enregistré lors de leur performance au Meltdown Festival de Londres en 2018.

Sepultura: tout sur le groupe, son histoire, ses albums, ses succès depuis 1984

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Sepultura est un groupe brésilien de metal qui a été formé en 1984. Leur musique est connue pour son style agressif et puissant, combinant des éléments de thrash, death et groove metal avec des influences de la musique brésilienne et des rythmes tribaux. Depuis leurs débuts, ils ont été salués pour leur engagement envers leur culture et leur utilisation de la musique comme moyen de protestation contre les injustices sociales.

Le groupe a connu plusieurs changements de membres au fil des ans, mais les frères Max et Igor Cavalera ont été les membres fondateurs les plus emblématiques. Leur album « Roots », sorti en 1996, est considéré comme l’un des albums les plus influents de l’histoire du metal et est souvent cité comme une référence pour les groupes de metal modernes.

En dépit des controverses et des changements de line-up, Sepultura est toujours en activité et continue d’inspirer des générations de fans de metal dans le monde entier. Dans cet article, nous allons explorer l’histoire du groupe, leur discographie et leur impact sur la scène metal, ainsi que leur évolution musicale et leur influence sur d’autres groupes.

L’histoire de Sepultura

Sepultura est un groupe brésilien de metal formé en 1984 à Belo Horizonte, au Brésil. Le groupe a été fondé par les frères Max et Igor Cavalera, qui ont été rejoints par Paulo Jr. à la basse et Jairo Guedz à la guitare. Le nom du groupe signifie « tombe » en portugais.

Les années 80

Le groupe a commencé à jouer des reprises de groupes comme Motörhead et Black Sabbath, mais rapidement, ils ont commencé à créer leur propre musique.  Ils ont commencé en jouant du thrash metal traditionnel, mais ont rapidement incorporé des éléments de la musique brésilienne, de la musique tribale et du death metal dans leur musique.

En 1985, le groupe a sorti son premier album, « Bestial Devastation », qui était un EP de quatre chansons. L’année suivante, en 1986,  ils ont sorti leur premier album studio, « Morbid Visions ». Les deux albums ont été enregistrés en portugais, mais ils ont été bien accueillis par la scène metal underground. Cet album est très influencé par le black metal et le death metal, et est considéré comme l’un des premiers albums de death metal brésilien.

Max et Igor Cavalera

En 1987, le groupe a sorti son deuxième album, « Schizophrenia », qui a été leur premier album enregistré en anglais. L’album a été un grand succès et a aidé à établir Sepultura comme un groupe de metal important dans le monde entier.

Ces deux albums ont posé les bases du son caractéristique de Sepultura et ont établi leur réputation dans la scène underground du metal.

En 1989, Sepultura sort l’album « Beneath the Remains », qui est considéré comme l’un des albums les plus influents du thrash metal. L’album est bien accueilli par la critique et permet au groupe de se faire connaître à l’international.

Les années 90

En 1991, est sorti l’album « Arise », qui est considéré comme l’un de leurs meilleurs albums. L’album comprenait des chansons comme « Dead Embryonic Cells » et « Desperate Cry » qui sont devenues des classiques du groupe. Cependant, en 1996, Max Cavalera quitte le groupe en raison de différends avec les autres membres.

« Arise », est souvent considéré comme l’un de leurs meilleurs et a connu un grand succès commercial, atteignant la 119e place du Billboard 200 aux États-Unis. Le single « Dead Embryonic Cells » est devenu un classique du metal et a aidé le groupe à se faire connaître dans le monde entier.

En 1993, est sorti « Chaos A.D. », un album qui a été salué par la critique et le public. L’album comprenait des chansons comme « Refuse/Resist » et « Territory », qui ont montré que le groupe était prêt à explorer de nouveaux territoires musicaux. Salué comme un chef-d’œuvre du thrash metal, cet album a connu un énorme succès, atteignant la 32e place du Billboard 200 et remportant de nombreux prix, dont le prix du « Meilleur album de metal » aux MTV Video Music Awards.

En 1996, est sorti « Roots », qui est considéré comme l’un des albums les plus influents de l’histoire du metal. L’album a été enregistré en collaboration avec des groupes de percussion brésiliens, donnant une dimension tribale à leur son. L’album a été un grand succès et a propulsé le groupe sur la scène internationale. L’album a été un succès commercial, atteignant la 27e place du Billboard 200, mais il a également suscité des controverses parmi les fans de metal.

Les années 2000

Après le départ de Max, les autres membres recrutent Derrick Green comme nouveau chanteur. Le groupe sort ensuite l’album « Against » en 1998, suivi de « Nation » en 2001 et « Roorback » en 2003. Ces albums sont plutôt bien accueillis, mais ne rencontrent pas le même succès que les albums précédents.

En 2006, Sepultura sort l’album « Dante XXI », qui est basé sur l’œuvre de Dante Alighieri, « La Divine Comédie ». L’album est bien accueilli par la critique et permet au groupe de renouer avec un certain succès.

En 2011, Igor Cavalera quitte le groupe en raison de différends avec les autres membres, laissant Paulo Jr. comme seul membre original. Le groupe sort ensuite l’album « Kairos » en 2011 et « The Mediator Between Head and Hands Must Be the Heart » en 2013, avec Eloy Casagrande comme nouveau batteur.

En 2019, le groupe sort l’album « Quadra », qui est considéré comme l’un des meilleurs albums du groupe depuis les années 1990. L’album mélange des éléments de thrash metal, de death metal et de groove metal, et est très bien accueilli par la critique.

Au fil des ans, le groupe a connu des changements de line-up et des controverses, mais ils ont toujours maintenu leur réputation de groupe de metal innovant et engagé. Aujourd’hui, le groupe est toujours en activité et continue d’inspirer des fans de metal dans le monde entier.

Sepultura en concert

Les Membres actuels :

• Paulo Jr. (basse, depuis 1984)
• Andreas Kisser (guitare, depuis 1987)
• Derrick Green (chant, depuis 1997)
• Eloy Casagrande (batterie, depuis 2011)

Les Anciens membres :

• Max Cavalera (chant, guitare, 1984-1996)
• Igor Cavalera (batterie, 1984-2006)
• Jairo T. (guitare, 1984-1987)
• Jean Dolabella (batterie, 2006-2011)

La discographie et les succès de Sepultura

Voici une liste détaillée de la discographie et des succès du groupe Sepultura

Les Albums studio

1. Morbid Visions (1986)
2. Schizophrenia (1987)
3. Beneath the Remains (1989)
4. Arise (1991)
5. Chaos A.D. (1993)
6. Roots (1996)
7. Against (1998)
8. Nation (2001)
9. Roorback (2003)
10. Dante XXI (2006)
11. A-Lex (2009)
12. Kairos (2011)
13. The Mediator Between Head and Hands Must Be the Heart (2013)
14. Machine Messiah (2017)
15. Quadra (2020)

discographie de Sepultura

Les Singles/EPs

1. Bestial Devastation (1985)
2. Third World Posse (1992)
3. Refuse/Resist (1993)
4. Territory (1993)
5. Slave New World (1994)
6. Roots Bloody Roots (1996)
7. Attitude (1996)
8. Choke (1998)
9. Against / The Roots of Sepultura (2005)
10. Tribus (2009)
11. Sepultura Under My Skin (2010)
12. The Age of the Atheist (2013)

Les Compilations/Live albums

1. The Best of Sepultura (1992)
2. Blood-Rooted (1997)
3. Under a Pale Grey Sky (2002)
4. Live in São Paulo (2005)
5. The Roadrunner Albums: 1985-1996 (2017)

Les succès notables de Sepultura

• Leur album « Beneath the Remains » a été classé numéro 19 sur la liste des « 100 meilleurs albums de metal » de Rolling Stone en 2017.
• Leur album « Chaos A.D. » a été classé numéro 32 sur la liste des « 100 meilleurs albums de metal » de Rolling Stone en 2017.
• Leur album « Roots » a atteint la 27e place du Billboard 200 aux États-Unis en 1996.
• Leur single « Roots Bloody Roots » a été un succès commercial, atteignant la 27e place du UK Singles Chart en 1996.
• Leur album « Dante XXI » a été nominé pour un Grammy Award en 2007 dans la catégorie « Meilleur album de musique du monde ».
• Leur album « Quadra » a été acclamé par la critique et a atteint la première place des charts de metal dans plusieurs pays, dont le Brésil, l’Allemagne et la Suisse.

L’impact de Sepultura sur la scène metal

Sepultura a eu un impact significatif sur la scène metal pour plusieurs raisons.

Mélange de genres et technique de jeu

Sepultura a été l’un des premiers groupes de metal à incorporer des éléments de musique traditionnelle brésilienne dans leur musique. Cela a créé un son unique qui a influencé de nombreux autres groupes de metal à suivre le même chemin et à explorer de nouveaux genres musicaux.

L’un des aspects les plus importants de l’impact de ce groupe sur la scène metal est leur influence sur le mouvement du metal brésilien. Le groupe a aidé à établir le metal comme un genre important au Brésil et a inspiré de nombreux autres groupes de metal brésiliens à émerger. En outre, Sepultura a été l’un des premiers groupes de metal à intégrer des éléments de la culture brésilienne dans leur musique, créant ainsi un style unique et distinctif.

Le groupe est connu pour sa technique de jeu impressionnante, en particulier pour la batterie et la guitare. Les membres de Sepultura ont utilisé des rythmes complexes, des solos de guitare rapides et des tempos rapides qui ont inspiré de nombreux autres musiciens de metal.

Paroles engagées, innovations et influence

Les paroles ont souvent abordé des sujets politiques et sociaux, tels que les droits des peuples autochtones et la pauvreté en Amérique latine. Cela a inspiré de nombreux fans de metal à se sensibiliser à ces questions et à s’engager activement dans des causes sociales et politiques.

Le groupe a été l’un des premiers groupes de metal à utiliser des samples et des effets électroniques dans leur musique. Ils ont également incorporé des éléments de rap et de hip-hop dans leur musique, ce qui était nouveau pour le genre metal à l’époque.

IL  a influencé de nombreux autres groupes de metal, y compris ceux qui ont émergé après eux, tels que Slipknot et Lamb of God. De nombreux fans de metal considèrent Sepultura comme l’un des groupes les plus importants et les plus influents de l’histoire du metal.

Il a eu un impact majeur sur la scène metal en créant un son unique qui mélangeait des éléments du thrash metal, du death metal, du hardcore punk, du groove metal et de la musique traditionnelle brésilienne. Cette fusion de styles a créé un son innovant qui a inspiré de nombreux autres groupes de metal à travers le monde.

Le groupe a également été salué pour ses paroles politiquement conscientes, abordant des thèmes tels que la violence, l’injustice sociale, l’oppression et la résistance. Le groupe a abordé ces questions avec une honnêteté brutale, ce qui leur a valu une base de fans loyale et dévouée.

Enfin, il a été l’un des premiers groupes de metal à connaître un succès international, contribuant ainsi à populariser le genre auprès d’un public plus large. Le groupe a tourné dans le monde entier et a influencé de nombreux autres groupes de metal à travers le monde.

Dans l’ensemble, l’impact de ce groupe  sur la scène metal peut être décrit comme étant immense et durable. Le groupe a été l’un des pionniers du metal brésilien, a créé un son unique et distinctif, a abordé des questions importantes dans leurs paroles et a contribué à populariser le genre auprès d’un public plus large. Leur influence se fait encore sentir aujourd’hui, des décennies après leur formation initiale.

Des anecdotes sur Sepultura

il y a plusieurs anecdotes intéressantes sur le groupe. En voici quelques-unes :

• Le nom « Sepultura » a été choisi par le frère du guitariste fondateur du groupe, Max Cavalera, qui était fan de la chanson « Dancing on Your Grave » de Motörhead qui contient les paroles « sepultura é o seu fim », qui signifie « tombe est ta fin » en portugais.
• L’album « Beneath the Remains » a été enregistré dans une petite ville de l’État de New York appelée Whitehall, dans un studio appartenant à Scott Burns, un producteur renommé de metal. Le groupe a trouvé la ville très ennuyeuse et a passé beaucoup de temps à se saouler pour s’occuper.
• Le batteur de longue date du groupe, Igor Cavalera, a été suspendu du groupe en 2006 après avoir manqué plusieurs concerts. Il a été remplacé par Jean Dolabella, qui a ensuite quitté le groupe en 2011.
• L’album « Chaos A.D. » a été enregistré dans le même studio que Nirvana a utilisé pour enregistrer leur album « Nevermind ». Le groupe a été en mesure d’utiliser l’équipement haut de gamme laissé derrière eux par Nirvana.
• L’album « Roots » a été enregistré dans une tribu indigène au Brésil appelée les Xavante. Le groupe a passé du temps avec la tribu et a incorporé des instruments et des chants traditionnels dans leur musique.

• L’ancien chanteur du groupe, Max Cavalera, a fondé un nouveau groupe appelé Soulfly après avoir quitté Sepultura en 1996. Il a invité ses anciens camarades de groupe pour jouer sur certains albums de Soulfly, mais il y a eu des frictions entre lui et les membres restants de Sepultura.

• Les membres du groupe étaient des fans de soccer passionnés et le guitariste Andreas Kisser a même été recruté pour jouer pour le club de soccer brésilien Corinthians.

• Le batteur Igor Cavalera a été arrêté en 1996 après avoir giflé un agent de sécurité lors d’un concert à San Francisco. Il a plaidé coupable et a été condamné à 18 mois de probation et 100 heures de travaux d’intérêt général.

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 FAQ sur le groupe Sepultura

Q1. Qui est Sepultura ?

R1. C’est un groupe de thrash metal brésilien fondé en 1984 à Belo Horizonte, dans l’État de Minas Gerais. Le groupe est connu pour son mélange unique de musique thrash, death et groove metal, ainsi que pour son engagement politique et social.

Q2. Qui sont les membres originaux de Sepultura ?

R2. Les membres originaux  sont Max Cavalera (chant et guitare), Igor Cavalera (batterie), Paulo Jr. (basse) et Jairo Guedz (guitare). Jairo a quitté le groupe après le premier album, Morbid Visions, et a été remplacé par Andreas Kisser.

Q3. Quel est l’album le plus connu de Sepultura ?

R3. L’album le plus connu est probablement Chaos A.D., sorti en 1993. L’album a été salué par la critique et est considéré comme un classique du thrash metal.

Q4: Quels sont les albums les plus populaires de Sepultura ?

R4: Le groupe a sorti de nombreux albums acclamés par la critique, mais les plus populaires sont « Beneath the Remains » (1989), « Arise » (1991), « Chaos A.D. » (1993) et « Roots » (1996).

Q5: Qu’est-ce que Sepultura signifie ?

R5: Sepultura signifie « tombe » en portugais.

Q6:Qui sont les membres actuels de Sepultura ?

R6: Les membres actuels  sont Paulo Jr. à la basse, Andreas Kisser à la guitare, Derrick Green au chant et Eloy Casagrande à la batterie.

Q7: Pourquoi le chanteur d’origine de Sepultura, Max Cavalera, a-t-il quitté le groupe ?

R7: Max Cavalera a quitté le groupe en 1996 en raison de conflits avec les autres membres du groupe, notamment son frère, le batteur Igor Cavalera.

Q8: Comment est-ce que Sepultura intègre des éléments de musique indigène brésilienne dans sa musique ?

R8: Cette incorporation de la musique indigène brésilienne dans leur style de musique est souvent appelée « world metal » ou « ethnic metal ». Le groupe a commencé à explorer la musique indigène brésilienne après avoir été exposé à la culture indigène par les membres de la tribu Xavante lors d’une tournée en 1989. Ils ont ensuite intégré des instruments tels que le berimbau, le tambour sur cadre, le cuíca, le caxixi et le agogô dans leur musique.

Van Halen: tout sur le groupe, son histoire, ses albums depuis 1972

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Van Halen est un groupe de hard rock américain qui a été fondé en 1972, à Pasadena, en Californie par les frères Eddie Van Halen (guitare) et Alex Van Halen (batterie), ainsi que David Lee Roth (chant) et Michael Anthony (basse).

Le groupe est connu pour son style de guitare virtuose, sa musique énergique, ses paroles pleines d’humour, ses solos incroyables, son guitariste virtuose, Eddie Van Halen, et ses performances scéniques énergiques.

Van Halen a vendu plus de 80 millions d’albums à travers le monde, ce qui en fait l’un des groupes les plus populaires de l’histoire du rock. Le groupe a connu un grand succès dans les années 1980, avec plusieurs albums classés au top des charts et des singles devenus des tubes planétaires.

Dans cet article, nous allons explorer l’histoire du groupe, leurs albums et leurs tubes qui ont marqué leur parcours musical.

L’histoire de Van Halen

Van Halen est un groupe de rock américain formé à Pasadena, en Californie, en 1972. Le groupe a été fondé par les frères Eddie Van Halen (guitare) et Alex Van Halen (batterie), ainsi que par David Lee Roth (chant) et Michael Anthony (basse).

En conclusion, le groupe a connu une histoire riche et mouvementée, avec plusieurs changements de chanteurs au fil des ans. Cependant, le groupe a toujours été soutenu par la virtuosité de la guitare d’Eddie Van Halen et par une série de chansons mémorables qui ont influencé des générations de musiciens.

Eddie Van Halen en 2015

Les succès et les albums de Van Halen

Ce groupe de rock légendaire a connu une longue carrière marquée par de nombreux succès. Au cours de sa carrière, le groupe a sorti 12 albums studio, 2 albums live et 2 compilations. Voici un aperçu des albums les plus remarquables de Van Halen, ainsi que de leurs chansons les plus populaires.

Les années 70-80

Van Halen (1978) :  Ce premier album éponyme de Van Halen a été un grand succès dès sa sortie, atteignant la 19e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Runnin’ With The Devil », « Ain’t Talkin’ ‘Bout Love » et « Eruption », qui mettent en avant les compétences techniques d’Eddie Van Halen à la guitare.

Van Halen II (1979) : Le deuxième album de Van Halen a également été un succès commercial, atteignant la 6e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 5 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Dance The Night Away », « Beautiful Girls » et « Somebody Get Me A Doctor ».

Women and Children First (1980) : Le troisième album de Van Halen a continué leur succès commercial, atteignant la 6e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 3 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « And The Cradle Will Rock… », « Everybody Wants Some!! » et « Romeo Delight ».

Fair Warning (1981) – Le quatrième album de Van Halen a été un succès commercial plus modeste, atteignant la 5e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 2 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Unchained », « So This Is Love? » et « Mean Street ».

Diver Down (1982) – Le cinquième album de Van Halen a été un autre succès commercial, atteignant la 3e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 4 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Pretty Woman », une reprise du classique de Roy Orbison, ainsi que « Dancing In The Street » et « Where Have All The Good Times Gone! ».

1984 (1984) – Le sixième album de Van Halen a été leur plus grand succès commercial à ce jour, atteignant la 2e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Jump », qui est devenue leur premier numéro un au Billboard Hot 100, ainsi que « Panama » et « Hot For Teacher ».

5150 (1986) : Le septième album de Van Halen a été leur premier avec le nouveau chanteur Sammy Hagar, après le départ de David Lee Roth. Il a été un succès commercial, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 6 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Why Can’t This Be Love », « Dreams » et « Love Walks In ».

OU812 (1988) – Le huitième album de Van Halen avec Sammy Hagar a également été un succès commercial, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 4 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « When It’s Love », « Finish What Ya Started » et « Feels So Good ».

Les années 90

For Unlawful Carnal Knowledge (1991) – Le neuvième album de Van Halen a remporté le Grammy Award du meilleur album de hard rock en 1992. Il a été un succès commercial, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 3 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend  des chansons comme « Poundcake », « Right Now » (qui a remporté un Grammy Award) et « Top of the World ».

Balance (1995) – Le dixième album de Van Halen avec Sammy Hagar a également été un succès, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 3 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Can’t Stop Lovin’ You », « Don’t Tell Me (What Love Can Do) » et « The Seventh Seal ».

Van Halen III (1998),  a été le premier album du groupe avec le nouveau chanteur Gary Cherone. Malheureusement, l’album n’a pas rencontré le même succès que les précédents albums du groupe. Les critiques ont été mitigées et l’album n’a pas réussi à générer des hits radio. Malgré cela, le groupe a poursuivi sa tournée mondiale pour promouvoir l’album.

Les années 2000

The Best of Both Worlds (2004), était une compilation de leurs meilleurs morceaux de l’ère Sammy Hagar et de l’ère David Lee Roth. L’album a été un succès commercial, atteignant la 3ème place du Billboard 200 aux États-Unis et étant certifié platine.

A Different Kind of Truth (2007) , qui marque le retour de David Lee Roth en tant que chanteur du groupe. L’album a été bien accueilli par les fans et les critiques et a été certifié or aux États-Unis. La tournée A Different Kind of Truth Tour a été un énorme succès et a vu le groupe jouer devant des foules à guichets fermés.

A Different Kind of Truth (2012) : Le dernier album studio de Van Halen a été publié en 2012. A Different Kind of Truth a été enregistré avec le chanteur original David Lee Roth et a marqué le retour du bassiste Michael Anthony. L’album a été bien accueilli par les critiques et a atteint la 2e place du classement Billboard 200. Les singles « Tattoo » et « She’s the Woman » ont également eu un certain succès.

Tokyo Dome Live in Concert (2015) : Enregistré lors de la tournée de 2013, Tokyo Dome Live in Concert est le premier album en direct de Van Halen avec David Lee Roth au chant depuis 1984. L’album comprend des classiques tels que « Jump », « Panama » et « Hot for Teacher », ainsi que des morceaux de leur dernier album. L’album a été bien accueilli par les fans et les critiques.

Les tournées à succès de Van Halen

Van Halen est connu pour avoir donné des concerts énergiques et intenses tout au long de leur carrière, et plusieurs tournées et concerts ont été marqués comme étant mythiques. Voici quelques exemples :

Les folles années 80

La tournée « World Invasion Tour » en 1978 : Cette tournée a été la première pour Van Halen, et elle a été un véritable succès. Le groupe a parcouru les États-Unis et le Canada et a impressionné les fans avec leur énergie sur scène.

La tournée « Fair Warning Tour » en 1981 : Cette tournée a été une des plus explosives de Van Halen, avec un spectacle impressionnant et des éclairages époustouflants. Elle a également vu la sortie de l’album « Fair Warning », qui est devenu un classique du groupe.

La tournée « 1984 Tour » en 1984 : Cette tournée a été une des plus grandes de Van Halen, avec des concerts dans des stades à guichets fermés. Elle a également vu la sortie de l’album « 1984 », qui a été un énorme succès.

La tournée « Monsters of Rock » en 1988 : Van Halen a été la tête d’affiche de cette tournée, qui comprenait également des groupes comme Scorpions, Metallica et Dokken. Cette tournée a été un énorme succès, avec des concerts devant des foules de plus de 100 000 personnes.

Une continuité dans les années 90 et 2000

La tournée « For Unlawful Carnal Knowledge Tour » en 1991 : Cette tournée a vu le retour du chanteur original de Van Halen, David Lee Roth. Elle a été un succès commercial et a donné lieu à l’album « For Unlawful Carnal Knowledge », qui a été l’un des plus gros succès du groupe.

Pendant cette tournée a eu lieu le fameux concert de l’éclipse : En 1991, Van Halen a donné un concert gratuit dans l’État de New York pour célébrer une éclipse solaire. Pendant le concert, l’éclipse a commencé à se produire et le groupe a arrêté de jouer pour permettre aux fans de profiter de l’événement. Cela a créé une ambiance magique et a été l’un des moments les plus mémorables de la carrière de Van Halen.

La tournée « Balance Tour » en 1995 : Cette tournée a été la dernière de Van Halen avec le chanteur Sammy Hagar. Elle a été un succès, avec des concerts à guichets fermés dans le monde entier.

La Tournée de réunion (2007-2008) : En 2007, Van Halen s’est réuni avec David Lee Roth pour leur première tournée depuis 2004. La tournée a été un énorme succès, avec plus de 1,5 million de billets vendus et un chiffre d’affaires de plus de 93 millions de dollars.

Introduction au Rock and Roll Hall of Fame (2007) : En mars 2007, Van Halen a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Les membres fondateurs Eddie Van Halen, Alex Van Halen, David Lee Roth et Michael Anthony ont tous assisté à la cérémonie.

La Tournée de la réunion avec Roth (2012) : En 2012, Van Halen a entamé une nouvelle tournée de réunion avec David Lee Roth au chant. La tournée a été bien accueillie par les fans et a été l’une des tournées les plus rentables de l’année.

Quelques anecdotes sur Van Halen

M&Ms et Michael Jackson

La clause du M&Ms : Van Halen était connu pour avoir une clause inhabituelle dans ses contrats de tournée qui exigeait que des bonbons M&Ms soient fournis, mais avec toutes les couleurs de bonbons brunes enlevées. Cette demande était souvent vue comme un caprice de rock star, mais il y avait en fait une raison logique derrière cela.    La clause des M&Ms était placée au milieu d’un contrat très détaillé et technique qui couvrait la sécurité de la scène et des artistes. Si les bonbons M&Ms étaient fournis sans la suppression des bonbons bruns, cela indiquait que les détails techniques du contrat avaient peut-être été négligés, et cela incitait le groupe à vérifier en détail la sécurité de la scène.

La collaboration avec Michael Jackson : En 1982, Eddie Van Halen a été invité à jouer sur la chanson « Beat It » de Michael Jackson. Cela a conduit à une collaboration entre les deux artistes, et Eddie a également joué sur la chanson « Black or White » de Jackson en 1991.

Les concerts et les pranks

La guitare « Frankenstrat » : Eddie Van Halen, le guitariste de Van Halen, est connu pour avoir créé une guitare personnalisée qu’il appelait la « Frankenstrat ». Cette guitare était composée de pièces de différentes marques et modèles et avait un son unique qui est devenu un élément clé du son de Van Halen. Eddie a même sorti une version signature de la « Frankenstrat » pour les fans.

Les pranks en tournée : Les membres du groupe étaient connus pour jouer des blagues les uns aux autres en tournée. Par exemple, ils ont déjà rempli la chambre d’hôtel de David Lee Roth avec du sable, ont remplacé le tambour de batterie d’Alex Van Halen par du papier toilette, et ont mis une annonce dans un journal local disant que le groupe allait jouer dans un petit bar, juste pour voir combien de fans se présenteraient.

Les concerts à haut risque : le groupe était connu pour ses performances live explosives, qui comprenaient des sauts acrobatiques et des cascades dangereuses. Eddie Van Halen a même une fois déclaré qu’il avait dû être réanimé après être tombé inconscient en tombant d’une plateforme de scène.  Lors d’un concert en 1982, David Lee Roth a tenté de sauter d’une enceinte de haut-parleur à l’autre, mais il a raté et est tombé sur la scène, se cassant le nez en tombant. Malgré la blessure, il a continué à chanter le reste du concert.

Les costumes de scène : le groupe était connu pour ses costumes de scène extravagants, notamment ceux de David Lee Roth, qui comprenaient souvent des spandex, des chaussures à talons hauts et des vestes à paillettes.

Les anecdotes entre les membres du groupe

Le départ de Sammy Hagar : En 1996, le chanteur Sammy Hagar a quitté le groupe après une dispute avec les autres membres du groupe. Cette dispute aurait commencé lorsqu’Hagar a été invité à participer à la bande originale du film « Twister » sans en informer les autres membres de Van Halen. Cela a entraîné une série de désaccords qui ont finalement conduit à la séparation du groupe et au retour de David Lee Roth.

Les origines du groupe : Le groupe a été formé en 1972 par les frères Eddie et Alex Van Halen, qui ont immigré avec leur famille des Pays-Bas aux États-Unis dans leur enfance. Le groupe a pris le nom de leur nom de famille, mais a connu plusieurs changements de membres avant de devenir la formation classique avec David Lee Roth au chant et Michael Anthony à la basse.

Le changement de chanteur : Le départ de David Lee Roth en 1985 a été une surprise pour les fans, mais le groupe a rapidement trouvé un remplaçant en la personne de Sammy Hagar. Hagar avait déjà connu le succès en tant que chanteur solo, mais son intégration à Van Halen a été un grand succès, avec des albums tels que « 5150 » et « OU812 » devenant des classiques.

La participation de Valerie Bertinelli : La première femme d’Eddie Van Halen, l’actrice Valerie Bertinelli, a été la vedette de plusieurs vidéos musicales du groupe, notamment « Jump » et « Panama ». Elle a également joué un rôle important dans l’histoire du groupe, ayant encouragé Eddie à arrêter de fumer et à adopter un mode de vie plus sain.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur Van Halen

Q1: Qui sont les membres fondateurs de Van Halen ?

Réponse : Les membres fondateurs de Van Halen sont le guitariste Eddie Van Halen, le chanteur David Lee Roth, le batteur Alex Van Halen et le bassiste Michael Anthony.

Q2: Quand le groupe a-t-il été formé ?

Réponse : Van Halen a été formé en 1972 à Pasadena, en Californie.

Q3: Quel est l’album le plus vendu de Van Halen ?

Réponse : L’album le plus vendu de Van Halen est « 1984 », sorti en 1984. Il a été certifié Diamond aux États-Unis et a vendu plus de 10 millions d’exemplaires dans le monde.

Q4: Qui a remplacé David Lee Roth comme chanteur de Van Halen ?

Réponse : Sammy Hagar a remplacé David Lee Roth comme chanteur de Van Halen en 1985.

Q5: Quel est le titre de la chanson la plus célèbre de Van Halen ?

Réponse : La chanson la plus célèbre est « Jump », sortie en 1984.

Q6: Quels sont les albums les plus populaires de Van Halen ?

Réponse: Certains des albums les plus populaires  sont « Van Halen » (1978), « 1984 » (1984), « 5150 » (1986) et « OU812 » (1988).

Q7: Quel est le style musical de Van Halen ?

Réponse: Le groupe est généralement considéré comme un groupe de hard rock ou de heavy metal. Leur musique est souvent caractérisée par des riffs de guitare puissants, des solos de guitare virtuoses et des paroles souvent axées sur les relations amoureuses.

Q8: Quand Eddie Van Halen est-il décédé ?

Réponse: Eddie Van Halen est décédé le 6 octobre 2020 à l’âge de 65 ans, des suites d’un cancer de la gorge.

Q9: Quel est le style musical de Van Halen ?

Réponse: Le style musical du groupe est généralement classé comme du hard rock, bien qu’il comporte des éléments de heavy metal, de pop et de funk.

Q10: Quel est l’héritage de Van Halen ?

Réponse: IL a été l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock, en raison de l’innovation technique d’Eddie Van Halen en matière de guitare et de leur impact sur le genre du hard rock. Le groupe a vendu plus de 80 millions d’albums dans le monde entier et a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2007.

Deep Purple, l’un des groupes les plus emblématiques du rock

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Deep Purple est un groupe de rock britannique qui a marqué l’histoire de la musique avec ses performances live et ses albums légendaires. Formé en 1968, le groupe a connu plusieurs changements de membres au fil des ans, mais a toujours réussi à maintenir son statut d’icône du rock.

Dans cet article, nous allons plonger dans l’histoire de Deep Purple et explorer leur musique, leurs influences et leur impact sur la scène musicale.

Deep purple , Nîmes arena

I. La formation de Deep Purple

• Les membres fondateurs
• Les premiers albums
• Leur évolution musicale

Le groupe Deep Purple est un groupe de rock britannique fondé en 1968 et composé de cinq membres fondateurs : Jon Lord, Ritchie Blackmore, Ian Paice, Rod Evans et Nick Simper.

Les membres du groupe ont été régulièrement renouvelés et échangés au fil des années, mais ce sont ces cinq musiciens qui ont créé ce qui allait devenir un des plus grands groupes de rock de tous les temps.

Deep purple

Le premier album du groupe, Shades of Deep Purple, est sorti en juillet 1968 et a été un succès immédiat. Il contenait des reprises de morceaux de Ritchie Blackmore et de Jimi Hendrix, ainsi que des compositions originales.

Le groupe a ensuite sorti plusieurs autres albums, dont The Book of Taliesyn, Deep Purple et In Rock, qui a été un des albums les plus populaires du groupe.

Deep Purple a connu une grande évolution musicale et s‘est tourné vers des genres plus hard rock et heavy metal dans les années 1970.

Les albums Machine Head et Made in Japan ont été les plus populaires de cette période et ont été très influents dans l‘évolution de ces genres. Depuis lors, le groupe a continué à produire des albums dans diverses directions musicales et a été régulièrement nominé aux Grammy Awards. Le groupe a également été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2016 pour sa contribution à l‘histoire de la musique.

Deep Purple a été et est toujours un groupe de rock très influent et populaire. Les cinq membres fondateurs du groupe ont créé un son unique qui a été très influent et qui a permis à Deep Purple d‘être considéré comme l‘un des plus grands groupes de rock de tous les temps.

II. Les albums emblématiques de Deep Purple

• « Deep Purple in Rock » (1970)

• « Machine Head » (1972)

• « Burn » (1974)

• « Perfect Strangers » (1984)

Deep purple

III. La musique de Deep Purple

• Leur style musical
• Leurs influences
• Leurs collaborations avec d’autres artistes

Leur premier album de rock classique, Shades of Deep Purple, a été publié en juillet 1968, et leur style musical s‘est progressivement développé pour inclure des éléments de rock psychédélique, de hard rock et de heavy metal.

Le groupe a été considéré comme l‘un des pionniers du hard rock et du heavy metal. Leurs principales influences comprenaient le blues, la musique classique, le jazz et le rock psychédélique.

Deep purple

Les membres du groupe ont également été influencés par des artistes tels que Cream, The Beatles, The Rolling Stones et Led Zeppelin.

Deep Purple a collaboré avec de nombreux artistes différents au cours des années, notamment le compositeur et chef d’orchestre André Previn, le leader du groupe Judas Priest Rob Halford, le guitariste de Guns N‘ Roses Slash et le chanteur de Queen Brian May.

Le groupe a également travaillé avec des artistes de la scène underground tels que Hawkwind et Motörhead.

IV. Les performances live de Deep Purple

Deep Purple est un groupe de rock britannique qui s’est formé en 1968. Depuis lors, le groupe a livré des performances scéniques spectaculaires qui ont contribué à leur statut légendaire.

Ces performances ont été l’une des principales raisons qui ont permis au groupe de devenir l’un des groupes les plus vendus de tous les temps. Deep Purple a livré des performances live remarquables à de nombreuses reprises.

Les fans ont été remplis d’admiration pour leur habileté technique et leur énergie incroyable. Deep Purple a joué des chansons classiques comme « Smoke on the Water », « Highway Star » et « Black Night » et a captivé des foules à travers le monde.

Leur performance de 1972 à leur album live Made in Japan est considérée comme l’une des meilleures performances live de l’histoire. Le groupe a joué des morceaux comme « Highway Star », « Space Truckin‘ » et « Child in Time » avec une énergie incroyable et une technique impeccable.

Deep Purple a également donné des performances live spectaculaires lors de leur tournée de 1995, Purple On The Road.

Le groupe a joué des titres de leurs albums les plus vendus et a fait preuve d’une grande énergie et d’une technique parfaite tout au long de la tournée. Deep Purple continue à jouer à des concerts à travers le monde et à captiver des foules à chaque fois.

Ils donnent aux fans une performance live incroyable et sont toujours aussi talentueux et passionnés que lorsqu’ils ont commencé.

V. L’impact de Deep Purple sur la scène musicale

L‘impact de Deep Purple sur la scène musicale est immense. La formation a été l‘une des principales inspirations pour les groupes de hard rock et de heavy metal qui se sont formés dans les années 1970 et 1980. La musique de Deep Purple est considérée comme l‘une des principales influences du mouvement du heavy metal.

Les paroles et le style de jeu des musiciens ont été fondamentaux pour le développement de ce genre. La formation a également contribué à façonner le son unique de la guitare électrique, avec ses riffs et ses solos caractéristiques.

Le groupe a également influencé les groupes de rock progressif qui ont suivi, notamment King Crimson, Yes et Genesis.

Conclusion

Le groupe britannique Deep Purple a eu une influence considérable sur le rock et la musique hard rock depuis ses débuts à la fin des années 1960. Leur style unique et leur son reconnaissable ont inspiré des générations de musiciens.

Ils sont également reconnus comme l‘un des plus grands groupes de rock classique de tous les temps. Leur influence ne se limite pas à la musique, car leur style et leur énergie ont également inspiré d‘autres artistes.

Leur discographie comprend certains des albums de rock les plus iconiques de tous les temps, tels que Machine Head et In Rock. Leur succès a traversé les décennies et leur héritage est toujours vivant dans le monde de la musique aujourd‘hui.

Deep Purple a laissé une empreinte indélébile dans l‘histoire de la musique et ils continueront à inspirer les générations futures.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Deep Purple

Qu‘est–ce que le groupe Deep Purple?

Le groupe Deep Purple est un groupe de rock britannique formé en 1968 et étroitement associé à la musique hard rock et au heavy metal. Il est considéré comme l‘un des groupes les plus influents et les plus populaires de tous les temps.

Le groupe est composé de cinq membres : Ian Gillan, Roger Glover, Steve Morse, Ian Paice et Don Airey. Le groupe a connu de nombreux changements de personnel tout au long de sa carrière et a été influencé par de nombreux styles de musique, notamment le blues, le jazz, le funk, le pop et le classique.

Quelle est la discographie du groupe Deep Purple?

Le groupe Deep Purple a sorti treize albums studio, six albums live et plusieurs compilations et singles. Les albums studio les plus connus sont : « In Rock » (1970), « Machine Head » (1972), « Burn » (1974), « Stormbringer » (1974), « Perfect Strangers » (1984)  et « The Battle Rages On » (1993).

Les albums live comprennent : « Made in Japan » (1972), « Last Concert in Japan » (1975), « Scandinavian Nights » (1975), « Tokyo Tapes » (1978), « Nobody‘s Perfect » (1988) et « Total Abandon: Australia » (1999).

Qui sont les membres actuels du groupe Deep Purple ?

Les membres actuels du groupe Deep Purple sont Ian Gillan (chant), Roger Glover (basse), Steve Morse (guitare), Don Airey (claviers) et Ian Paice (batterie).

Qui était le premier membre du groupe Deep Purple ?

Le premier membre du groupe Deep Purple était le chanteur et multi–instrumentaliste Rod Evans, qui a rejoint le groupe en 1968. Il a été remplacé par Ian Gillan en 1969.

Quel est le premier album de Deep Purple ?

Le premier album de Deep Purple est « Shades of Deep Purple », qui a été publié en 1968. Il est composé de versions remaniées de chansons classiques et de reprises.

Quelle est la chanson la plus célèbre de Deep Purple ?

La chanson la plus célèbre de Deep Purple est probablement « Smoke on the Water », qui a été publiée en 1972 sur l‘album « Machine Head ». Elle est devenue l‘un des morceaux de rock les plus populaires de tous les temps et a été reprise par de nombreux artistes et groupes.

Quelle est la plus grande contribution de Deep Purple à la musique ?

La plus grande contribution de Deep Purple à la musique est sans aucun doute leur part importante dans le développement du genre musical hard rock et heavy metal. Leur musique a inspiré de nombreux artistes et groupes et a contribué à la popularisation de ces genres.

Quels sont les instruments joués par le groupe Deep Purple ?

Le groupe Deep Purple est principalement composé de guitare, basse, claviers, batterie et chant. Les membres du groupe jouent tous ces instruments et peuvent également jouer d‘autres instruments occasionnellement, tels que la flûte, le saxophone et le piano.

Quels sont les plus grands succès de Deep Purple ?

Les plus grands succès de Deep Purple comprennent « Smoke on the Water », « Child in Time », « Highway Star », « Black Night », « Speed King », « Hush », « Woman from Tokyo » et « Knocking at Your Back Door ».

Quand le groupe Deep Purple s‘est–il séparé ?

Le groupe Deep Purple s‘est séparé pour la première fois en 1976 mais s‘est reformé en 1984. Il s‘est à nouveau séparé en 2002 mais s‘est reformé en 1984. Le groupe est toujours en activité et continue de publier de nouveaux albums et de se produire en concert.

Les 10 meilleurs livres sur la musique pop

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 27/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les 10 meilleurs livres sur la musique pop : La musique pop est l’une des formes d’art les plus populaires et influentes de notre temps. Elle a façonné notre culture et a souvent servi de reflet à la société dans laquelle nous vivons. Si vous êtes un fan de musique pop, vous pouvez approfondir votre connaissance du genre en lisant les meilleurs livres sur le sujet. Dans cet article, nous allons explorer les 10 meilleurs livres sur la musique pop, en couvrant l’histoire de la musique pop, les tendances actuelles et les biographies de musiciens célèbres.

L’histoire de la musique pop

La musique pop est l’une des formes les plus populaires de musique dans le monde. Elle a émergé au cours des années 1950 et 1960 en réponse à la demande croissante de musique facile à écouter et à danser. La musique pop a été influencée par de nombreux genres musicaux, notamment le rock and roll, le blues, le jazz et le country.

Les années 50

Les débuts de la musique pop Les années 50 ont vu l’émergence de la musique pop en réponse à la demande croissante de musique facile à écouter et à danser. Les artistes tels que Elvis Presley, Chuck Berry et Little Richard ont popularisé le rock and roll, qui est devenu un genre dominant dans la musique pop.

Les années 60

L’âge d’or de la musique pop Les années 60 ont vu l’émergence de groupes tels que les Beatles, les Rolling Stones et les Beach Boys, qui ont redéfini la musique pop en ajoutant des éléments de psychédélisme et de folk. Le mouvement hippie a également influencé la musique pop en donnant naissance à des artistes tels que Bob Dylan et Joni Mitchell, qui ont ajouté des éléments de protestation sociale et politique à la musique pop.

ROLLING STONES

the Beatles

Les années 70

La diversification de la musique pop Les années 70 ont vu la diversification de la musique pop avec l’émergence de genres tels que le disco, le funk et le punk rock. Des artistes tels que Donna Summer, Parliament-Funkadelic et les Sex Pistols ont popularisé ces genres, qui ont continué à évoluer dans les années 80 et 90.

Les années 80 et 90

La domination de la musique pop Les années 80 et 90 ont vu la domination de la musique pop avec l’émergence d’artistes tels que Michael Jackson, Madonna et Whitney Houston. Ces artistes ont créé des chansons qui étaient à la fois mélodieuses et dansantes, et ont utilisé la vidéo musicale pour promouvoir leurs chansons. Les années 90 ont également vu l’émergence de genres tels que le grunge et le hip-hop, qui ont ajouté des éléments de protestation sociale et politique à la musique pop.

Le XXIe siècle

L’évolution continue de la musique pop Au XXIe siècle, la musique pop continue d’évoluer avec l’émergence de genres tels que l’EDM, le R&B et la pop alternative. Des artistes tels que Taylor Swift, Ariana Grande et Billie Eilish ont continué à dominer les charts avec des chansons qui sont à la fois mélodieuses et engageantes.

En conclusion, la musique pop a une longue histoire et a été influencée par de nombreux genres musicaux différents. Les grands noms de la musique pop ont eu un impact considérable sur la culture populaire, et de nombreux livres ont été écrits pour documenter l’histoire de la musique pop et les biographies de musiciens célèbres. Si vous êtes intéressé par la musique pop, vous trouverez sûrement un livre qui répond à vos besoins et vous aidera à mieux comprendre ce genre musical passionnant et évolutif.

Les grands noms de la musique pop

Madonna

Madonna est une autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Elle a vendu plus de 300 millions de disques dans le monde entier et est connue pour son style de musique et de mode provocateur. Née en 1958, Madonna est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale dans les années 1980.

Elle est connue pour sa capacité à se réinventer constamment, à repousser les limites de la sexualité et à utiliser les images et les icônes de la culture populaire dans ses vidéos et ses concerts. Elle est considérée comme l’une des artistes les plus influentes de l’histoire de la musique pop.

Les Beatles

Les Beatles sont considérés comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire de la musique pop. Ils ont contribué à l’évolution du genre en y ajoutant des éléments de rock and roll, de folk et de psychédélisme. Ce groupe britannique légendaire a été formé à Liverpool en 1960 et est devenu l’un des groupes de musique les plus influents de tous les temps.

Les membres du groupe étaient John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr. Ils ont produit des chansons intemporelles comme « Hey Jude », « Let It Be » et « Yesterday », et leur musique a influencé des générations de musiciens.

Elvis Presley

Elvis Presley est un autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Il a popularisé le rock and roll dans les années 50 et est considéré comme l’un des artistes les plus importants de l’histoire de la musique. Né en 1935, Elvis Presley était un chanteur, musicien et acteur américain souvent appelé « Le Roi du Rock and Roll ».

Il a commencé sa carrière musicale dans les années 1950 et a produit des hits comme « Hound Dog », « Heartbreak Hotel » et « Jailhouse Rock ». Son style unique de chant et de danse ainsi que sa présence charismatique sur scène ont inspiré de nombreux autres artistes.

Whitney Houston

Whitney Houston est considérée comme l’une des plus grandes chanteuses de tous les temps. Elle a vendu plus de 200 millions de disques dans le monde entier et est connue pour sa voix puissante et sa capacité à transmettre l’émotion dans ses chansons. Née en 1963, Whitney Houston était une chanteuse, actrice et productrice américaine.

Elle a commencé sa carrière musicale dans les années 1980 et est devenue l’une des artistes les plus populaires de tous les temps avec des tubes comme « I Will Always Love You » et « Greatest Love of All ». Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 6 Grammy Awards.

Prince

Prince est un autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Il est connu pour son style unique de musique funk, pop et rock, ainsi que pour ses performances spectaculaires. Né en 1958, Prince était un chanteur, compositeur, producteur et multi-instrumentiste américain.

Il a commencé sa carrière musicale dans les années 1970 et est devenu une icône de la musique populaire avec des albums comme « Purple Rain », « Sign o’ the Times » et « 1999 ». Il était connu pour sa créativité, son style de chant unique et sa capacité à fusionner différents genres musicaux.

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Britney Spears

Britney Spears est une artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop dans les années 90 et 2000. Elle est connue pour ses chansons dansantes et accrocheuses, ainsi que pour son style de mode provocateur. Née en 1981, Britney Spears est une chanteuse, danseuse et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale dans les années 1990.

Elle est devenue une pop star mondiale avec des albums comme « Baby One More Time », « Oops!… I Did It Again » et « Blackout ». Elle était connue pour ses performances scéniques énergiques et ses chorégraphies de danse accrocheuses.

Freddie Mercury

Freddie Mercury est le chanteur légendaire du groupe Queen. Il est connu pour sa voix puissante et sa capacité à transmettre l’émotion dans ses chansons. Né en 1946, Freddie Mercury était un chanteur, musicien et compositeur britannique surtout connu comme le chanteur principal du groupe Queen.   Il a produit des chansons intemporelles comme « Bohemian Rhapsody », « We Are the Champions » et « Somebody to Love ». Il était connu pour son incroyable gamme vocale et sa présence charismatique sur scène.

David Bowie

David Bowie est un autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Il est connu pour son style unique de musique rock et pop, ainsi que pour ses performances théâtrales. Né en 1947,  David Bowie était un chanteur, musicien, producteur et acteur britannique. Il a commencé sa carrière dans les années 1960 et a produit des albums innovants comme « The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars » et « Heroes ». Sa musique était souvent expérimentale et mélangeait différents genres, et son style de chant et de performance scénique était unique.

Taylor Swift

Née en 1989, Taylor Swift est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale en 2006. Elle est connue pour ses chansons pop-country, mais a également expérimenté avec d’autres genres, comme la pop pure. Elle est l’une des artistes les plus populaires de l’industrie musicale actuelle et a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 11 Grammy Awards.

Ariana Grande

Née en 1993, Ariana Grande est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale en 2011. Elle est connue pour sa voix puissante et sa capacité à chanter des notes élevées, ainsi que pour ses chansons pop et R&B. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 2 Grammy Awards.

Beyoncé

Beyoncé est une artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop depuis le début des années 2000. Elle est connue pour ses performances électrisantes, sa voix puissante et ses chansons qui parlent de l’émancipation des femmes et de la lutte contre les injustices sociales. Née en 1981, Beyoncé est une chanteuse, compositrice, actrice et productrice américaine qui a commencé sa carrière musicale dans les années 1990 en tant que membre des Destiny’s Child.

Elle est devenue une artiste solo à succès dans les années 2000 avec des albums comme « Dangerously in Love », « B’Day » et « Lemonade ». Elle est connue pour sa voix puissante, ses performances scéniques énergiques et sa capacité à mélanger différents styles musicaux.

Justin Bieber

Né en 1994, Justin Bieber est un chanteur, compositeur et acteur canadien qui a commencé sa carrière musicale en 2009. Il est connu pour ses chansons pop, R&B et hip-hop, ainsi que pour son image de bad boy. Il a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment un Grammy Award.

Billie Eilish

Née en 2001, Billie Eilish est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale en 2015. Elle est connue pour son style musical alternatif et expérimental, ainsi que pour ses paroles introspectives et souvent sombres. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 7 Grammy Awards.

Dua Lipa

Née en 1995, Dua Lipa est une chanteuse, compositrice et mannequin britannique qui a commencé sa carrière musicale en 2015. Elle est connue pour ses chansons pop, dance et R&B, ainsi que pour sa voix puissante. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 3 Grammy Awards.

 

Les 10 meilleurs livres de la musique pop

« The Rest Is Noise: Listening to the Twentieth Century » par Alex Ross

« The Rest Is Noise » est un livre fascinant sur la musique du 20e siècle, y compris la musique pop. L’auteur Alex Ross explore comment la musique a reflété les changements sociaux, politiques et culturels du siècle dernier. Ross analyse également l’influence de la musique pop sur la culture et la politique du 20e siècle.

 « Laurel Canyon: The Inside Story of Rock-and-Roll’s Legendary Neighborhood » par Michael Walker

« Laurel Canyon » est une biographie captivante de l’un des quartiers les plus emblématiques de Los Angeles, qui a vu l’émergence de nombreux musiciens de renom dans les années 60 et 70. Le livre explore comment le paysage social et culturel unique de Laurel Canyon a contribué à façonner la musique pop de l’époque.

 « Rap Attack 3: African Rap to Global Hip Hop » par David Toop

« Rap Attack 3 » est un livre qui explore l’histoire et l’évolution du rap et du hip-hop, de leurs origines en Afrique à leur devenir phénomène global. David Toop examine comment la musique hip-hop a évolué pour devenir une force culturelle et politique influente.

« Love Goes to Buildings on Fire: Five Years in New York That Changed Music Forever » par Will Hermes

« Love Goes to Buildings on Fire » est un livre passionnant sur l’histoire de la musique pop à New York dans les années 70. L’auteur Will Hermes explore comment la ville de New York a été un foyer pour l’innovation musicale pendant cette période, avec l’émergence de genres tels que le punk, le disco et le hip-hop.

« Chronicles: Volume One » par Bob Dylan

« Chronicles » est une autobiographie captivante de Bob Dylan, l’un des musiciens les plus influents de l’histoire de la musique pop. Dans ce livre, Dylan explore son parcours musical et sa vie personnelle, offrant un aperçu unique sur la musique pop et les tendances de l’époque.

 « The Soundtrack of My Life » par Clive Davis

« The Soundtrack of My Life » est une biographie de Clive Davis, l’un des producteurs les plus célèbres de la musique pop. Davis a travaillé avec certains des plus grands noms de l’industrie, notamment Whitney Houston, Alicia Keys et Janis Joplin. Dans ce livre, il raconte l’histoire de sa vie et de son parcours dans l’industrie musicale.

 « Hit Men: Power Brokers and Fast Money Inside the Music Business » par Fredric Dannen

« Hit Men » est un livre sur les coulisses de l’industrie de la musique pop, écrit par le journaliste Fredric Dannen. Ce livre explore comment les producteurs et les dirigeants de l’industrie de la musique ont façonné le paysage musical de l’Amérique dans les années 70 et 80.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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