Man Ray, peintre photographe 1860-1976

par Eric Canto | Mis à jour le 11/10/2024 | Publié le 30/12/2022 | Les grands Photographes, make

Man Ray, peintre, photographe surréaliste et réalisateur du XXe siècle a toujours la côte.

Man Ray (1890-1976) était un artiste américain qui a marqué l’histoire de l’art du XXe siècle. Né sous le nom d’Emmanuel Radnitzky à Philadelphie, Man Ray a grandi à Brooklyn avant de déménager à Manhattan pour poursuivre une carrière d’artiste. Il a été actif dans de nombreux mouvements artistiques, notamment le dadaïsme et le surréalisme.

Man Ray est surtout connu pour ses photographies expérimentales, qui ont repoussé les limites de l’art photographique de l’époque. Il a notamment inventé une technique appelée « rayographie », qui consiste à créer des images sans appareil photo en plaçant des objets directement sur du papier photo sensible à la lumière.

Man Ray a également travaillé dans d’autres domaines de l’art, comme la peinture, le dessin, la sculpture et le cinéma. Il a travaillé avec de nombreux artistes et personnalités célèbres de son époque, notamment Marcel Duchamp, Salvador Dali et Coco Chanel.

Man Ray a passé la majeure partie de sa carrière en Europe, principalement à Paris, où il est devenu une figure centrale de la vie artistique de la ville. Il a créé de nombreuses œuvres d’art importantes et influentes au cours de sa carrière, qui ont eu un impact significatif sur l’art moderne et contemporain

Le 2 mai 2022, son Violon d’Ingres (1924) s’est vendu aux enchères 12 millions d’euros. Cette photographie devient la plus chère vendue au monde, démontrant l’engouement des collectionneurs du XXIe siècle pour les œuvres surréalistes.

Les 28 et 29 juin 2022, soit quarante-cinq ans après sa mort, de nouvelles enchères ont eu lieu à l’Hôtel Drouot, à Paris avec environ 200 lots de photographies, objets et lithographies signés pour la plupart de l’auteur.

Retour sur  cet artiste hors du commun en 6 points.

Man Ray

Qui est Man Ray ?

Artiste américain, Man Ray est le pionnier de la peinture moderne, surréaliste, du cinéma et de la photographie. Connu pour ses photos noir et blanc, comme le Violon d’Ingres (1924)  et Larmes (1930-1932), son style onirique  est caractéristique du mouvement dadaïste.

Man Ray dédie son activité principalement à la photographie, en redécouvrant la solarisation (procédé permettant d’accentuer les contours par des lignes noires) et en utilisant la technique du rayogramme (silhouettes abstraites d’objets).

Dans les années 20, il réalise également quelques films courts-métrages comme le Retour à la raison en 1923 et l’Etoile de mer en 1928.

Pour lui, la technique et l’instrument sont accessoires. Seuls comptent l’œil et l’idée. André Breton le surnomme « L’homme à tête de lanterne magique » et Man Ray dit de lui:

« Quand j’ai vu que j’étais attaqué de toute part, j’ai su que j’étais sur le bon chemin. » Man Ray.

Quelles sont les œuvres les plus connues de Man Ray ?

• The Lovers (Les Amants), huile sur toile, 24,7 × 35,2 cm (1914)
• Autoportrait, assemblage (1916)
• Danseuse de corde s’accompagnant de son ombre (1916)
• Marcel Duchamp en Rose Sélavy (1921)
• Le Cadeau(1921) – sculpture dans l’esprit ready-made
• Marcel Proust sur son lit de mort (1922)
• Le Violon d’Ingres(1924) – photographie
• Noire et blanche(1926) – portrait
• The Fisherman’s Idol, 1926, morceaux de liège récupérés sur la plage de Biarritz puis assemblés
• Lee Miller(1930) – portrait
• Autoportrait, photographie obtenue à partir d’une solarisation (1931)
• Glass Tears(1932) – portrait
• Les Mains libres, dessins pour des poèmes de Paul Éluard, Jeanne Bucher, Paris (1937)
• Le Rébus, huile sur toile, 55 × 46 cm, Paris (1938)
• Les Vingt jours et nuits de Juliette (1952)

Où est né Man Ray ?

Man Ray, naît Emmanuel Radnitsky  le 27 août 1890  dans le sud de Philadelphie, en Pennsylvanie.

Surnommé « Manny, il est l’aîné d’une fratrie, Sam son frère, Dorothy et Essie  ses deux sœurs. Sa famille est juive ashkénaze d’origine russe. Il est l’oncle de Naomi Savage, photographe américaine (1927-2005).

Son père tient un atelier de confection tandis que sa mère est couturière.

Man Ray a grandi à Brooklyn, dans la ville de New York, et a commencé à dessiner et à peindre à un jeune âge. Il a fréquenté la Boys High School, une école publique de Brooklyn, où il a étudié l’art. Après avoir obtenu son diplôme, il a travaillé comme illustrateur et dessinateur de publicité pour diverses agences de New York.

Il commence des études d’architecture avant de se tourner vers l’art. Son éducation est déterminante dans le choix de sa voie artistique et son engouement pour l’innovation. Pour lui, caméra, pinceaux, machine à écrire, appareil photo,  sont tous des instruments égaux et équivalents.

Dans les années 1910, Man Ray a commencé à fréquenter le cercle d’artistes de Greenwich Village, un quartier de Manhattan connu pour sa vie culturelle et artistique. Il a commencé à s’intéresser à l’art moderne et expérimental, et a commencé à expérimenter avec la photographie. C’est à cette époque qu’il a rencontré Marcel Duchamp et Francis Picabia, deux artistes qui allaient devenir des amis proches et des collaborateurs de Man Ray.

Très tôt, Man Ray fréquente les milieux avant-gardistes.

En 1912, la famille change son nom, en réaction à l’antisémitisme de l’époque. Les Radnitzky deviennent les Ray. « Manny » devient « Man ».

Quelles sont les dates clés de la vie de Man Ray ?

Man Ray, son début de carrière à New-York

La carrière de Man Ray débute à New York , en 1911, dans  la Galerie 291 du photographe Alfred Stieglitz, puis chez un graveur, puis dans la publicité et chez un éditeur de cartes comme dessinateur.

Il rencontre Marcel Duchamp en 1915 dans le cadre de ses fréquentations avant-gardistes. Avec son acolyte, ils sont les représentants de la branche américaine du dadaïsme.

En effet, en 1915, Man Ray a déménagé à Ridgefield, dans le New Jersey, où il a ouvert son propre studio photographique. Il a rapidement acquis une réputation pour ses photographies expérimentales, qui utilisaient des techniques telles que le surréalisme et le photogramme (une technique de photographie sans caméra). Il a également commencé à travailler sur des œuvres de collages et d’objets trouvés.

Avec la naissance du mouvement intellectuel, littéraire et artistique Dada (mouvement anticonformiste et anti conventionnel) en 1916,  il trouve un sens à son art. Le mouvement dadaïste a des adeptes à Paris, New-York, Berlin et Cologne. Le mot « dada » ne signifie rien, mais désigne le « néant absolu », cette volonté de lutter contre l’absurdité de la guerre, et la volonté de détruire l’art et la littérature conventionnels.

C’est en 1917 qu’il publie ses premières œuvres variant de la peinture (telles que Aérographes, peinture au pistolet, 1917) à la photographie, qui restent infructueuses.

Face à cet échec, il déclare « Dada ne peut pas vivre à New-York », et décide de s’envoler pour Paris.

En 1921, Man Ray a quitté New York pour s’installer à Paris, où il a poursuivi sa carrière artistique et est devenu un membre important de la communauté artistique de la ville. Cependant, ses premières années à New York ont été très formatrices pour sa pratique artistique, et ont contribué à façonner sa vision et son style artistique.

Man Ray poursuit sa carrière à Paris

Il débarque à Paris en juillet 1921, à l’âge de 30 ans, et s’installe chez Marcel Duchamp.

Très rapidement, il rencontre les artistes surréalistes parisiens que sont Louis Aragon, André Breton, Paul Eluard…  mais surtout Kiki de Montparnasse, chanteuse de modèle français, qui devient sa compagne, son modèle et sa muse.

Il se lance dans la  photographie de mode et  dès 1922, ses portraits sont publiés dans Vanity Faire et commence dès 1924 à collaborer avec Vogue.

Man Ray et la mode

En 1924, toujours, il contribue aux publications surréalistes et publie également l’un de ses chefs d’œuvres le Violon d’Ingres.

Sa première exposition a lieu dans la Galerie Pierre à Paris en 1925.

En 1929, Man Ray démarre un travail avec Lee Miller qui devient son assistante et sa compagne, jusqu’en 1932. Ensemble ils développent la technique de solarisation.

Lee Miller et Man Ray https://www.ericcanto.com

Il tourne également  « Les Mystères du Château des Dés » dans la villa Noailles à Hyères. Ce film est dédié à la maîtresse des lieux.

En 1931, il réalise Electricité, album photographique  destiné à promouvoir la modernité de l’usage domestique de l’électricité.

Pendant vingt ans, l’artiste révolutionne l’art photographique et beaucoup de grands noms du milieu artistique comme Jean Cocteau, Meret Oppenheim (dont les photographies de nus deviendront une série très célèbre),  James Joyce poseront sous son objectif.

Il adore peindre le corps féminin. Les femmes ont toujours été très présentes dans son travail ainsi que dans son existence. Sa vie artistique et sa vie amoureuse sont presque impossibles à démêler, toutes deux sources de création.

Un véritable échange existe avec ses modèles. Certaines étaient des muses, comme Kiki de Montparnasse, Nush Eluard, Juliet Browner… D’autres étaient des confrères comme Lee Miller et Dora Maar. Chaque relation lui apportait une nouvelle source d’inspiration et un point de vue différent.

En 1933, il participe au Salon des sur-indépendants avec ses amis surréalistes.

En 1934, il rencontre sa nouvelle jeune compagne Adrienne Fidelin, de plus de 20 ans sa cadette, qui prend le nom de Ady Fidelin. Leur idylle durera 5 ans.

Man Ray et Adrienne

En 1937, il publie avec André Breton le manifeste La photographie n’est pas l’art.

Ses années parisiennes intenses artistiquement finissent par se terminer avec la 2^eme guerre mondiale, car, inquiété par la défaite de la France et ses origines juives, il décide de retourner aux Etats-Unis en compagnie de Salvador Dali.

Man Ray retourne aux Etats-Unis

En 1940, Man Ray s’installe à Hollywood, Los Angeles, en Californie avec Salvador Dali et René Clair (cinéaste). C’est là qu’il renoue avec la peinture, reçoit des propositions d’expositions et rencontre Juliet Browner, danseuse et mannequin, dans un night club. Il l’épouse en 1946. Elle devient Juliet Man Ray.

Man Ray est retourné aux États-Unis après avoir passé la majeure partie de sa carrière à Paris pour des raisons personnelles et professionnelles.

Sur le plan personnel, Man Ray avait des liens forts avec sa famille et ses amis aux États-Unis, et il a maintenu des contacts avec eux tout au long de sa vie. En outre, sa femme Juliet Browner, qu’il avait rencontrée à Paris, était originaire de Los Angeles, et ils ont finalement décidé de s’installer là-bas.

Sur le plan professionnel, Man Ray avait de nombreuses opportunités aux États-Unis, notamment en tant que photographe pour l’industrie du cinéma. Il a travaillé sur plusieurs films à Hollywood dans les années 1940, notamment en tant que photographe de plateau pour des films tels que « The Enchanted Cottage » et « Julie » (tous deux sortis en 1945).

Man Ray a également exposé ses œuvres aux États-Unis et a reçu de nombreuses commandes pour des portraits de personnalités telles que Salvador Dali et Igor Stravinsky.

Cependant, Man Ray a continué à voyager et à travailler en Europe même après son retour aux États-Unis. Il est retourné en France à plusieurs reprises, et il a également travaillé en Italie, en Espagne et en Angleterre. Finalement, il est revenu à Paris et y a passé les dernières années de sa vie avant de décéder en 1976

C’est durant ces années californiennes, il expérimente la photographie en couleurs, peint des sculptures mathématiques découvertes en 1930 et réalise son portrait rayographique.

rayographie

“Je photographie ce que je ne désire pas peindre, et je peins ce que je ne peux pas photographier.”

Man Ray finit sa vie à Paris

Il retourne à Paris en 1951, installe son atelier au 2 bis rue Ferou et devient Satrape du Collège de Pataphysique en 1963.

En 1963, il publie son autobiographie Self Portrait.

En 1966, il reçoit le prix culturel de la Société allemande de photographie et en 1974, la médaille du progrès de la Royal Photographic Sociéty.

Man Ray meurt  d’une infection pulmonaire le 18 novembre 1976 à l’âge de 86 ans.

Il est inhumé au Cimetière du Montparnasse et sa tombe porte l’épitaphe   « Unconcerned, but not indifferent » (« Détaché, mais pas indifférent »).

Sa tombe est profanée en mars 2019 à cinq reprises. Le médaillon  représentant le couple ainsi que la stèle de son épouse (Juliet Man Ray née Browner 1911-1991)  sont détruits.

En hommage à l’artiste, Michel Berger lui consacre en 1990 une chanson « Chanson pour Man Ray » sur son album Ca ne tient pas debout, et un restaurant Parisien dans le 8^e arrondissement porte son nom.

Man Ray était un artiste profondément novateur qui voulait ardemment révolutionner l’art. Ancré dans le dada puis profondément dans le surréalisme, le photographe et peintre américain a nourri son art des deux mouvements.  

Ses créations  font écho à son état intérieur, ses œuvres devenant catharsis. Il dépeint ce qu’il voit, ce qu’il pense et ce qu’il désire. Man Ray et ses amis artistes ont sans aucun doute redonné vie à Paris, libérant l’art de ses carcans traditionnels.

May Ray, sa vie de famille

Man Ray a vécu une vie personnelle assez mouvementée, marquée par des relations compliquées et des événements tragiques.

En 1921, Man Ray s’est marié avec la danseuse et modèle belge Adon Lacroix, mais leur mariage a été de courte durée et ils ont divorcé peu de temps après. En 1929, Man Ray s’est remarié avec la chanteuse et actrice américaine Juliet Browner, qui était originaire de Los Angeles. Le couple s’est installé à Paris, où ils ont vécu pendant plusieurs années avant de retourner aux États-Unis en 1940.

Le couple a eu une fille, nommée Julie, qui est née en 1940 à Los Angeles. Julie a été diagnostiquée avec une paralysie cérébrale sévère, ce qui a été un défi pour la famille. Man Ray a consacré beaucoup de temps et d’énergie à s’occuper de sa fille, qui est décédée en 1956 à l’âge de 16 ans.

En 1947, Juliet a donné naissance à un autre enfant, une fille nommée Daphne, qui est devenue elle aussi une artiste. Daphne a écrit une biographie de son père intitulée « Man Ray: An American Artist in Paris », qui a été publiée en 1998.

Malgré les difficultés personnelles qu’il a rencontrées, Man Ray a maintenu des relations étroites avec sa famille et ses amis tout au long de sa vie. Il est resté en contact avec son frère, qui était médecin à New York, et avec de nombreux artistes et écrivains de renom.

Quels sont les ouvrages de Man Ray ?

• Revolving doors, Paris, Éditions Surréalistes, 1917.
• Les Champs délicieux, Paris, hors commerce, 1922.
• Man Ray photographs 1920-1934, James Thrall Soby.
• Facile with Paul Éluard, Paris, Éd. GLM, 1935.
• La Photographie n’est pas l’art : 12 photographies, Paris, Éd. GLM, 1937, avec un avant-propos d’André Breton, Convulsionnaires.
• Alphabet for adults, Beverly Hills, California, Copley Galleries, 1948.
• Photographs-Portraits, Paris, Édition Prisma.
• Self Portrait, Londres, André Deutsch, 1963 ; Autoportrait, traduit de l’américain par Anne Guérin, Paris, Robert Laffont, 1964 ; réédité chez Seghers, 1986.

livre autoportrait – Man Ray

Où est exposé Man Ray ?

Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées et galeries du monde entier. Voici quelques exemples de lieux où vous pourriez voir des œuvres de Man Ray :

• Le Centre Pompidou à Paris, France : le Centre Pompidou est l’un des musées d’art moderne et contemporain les plus importants au monde, et il possède une importante collection d’œuvres de cet artiste.
• Le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, États-Unis : le MoMA est un musée d’art moderne et contemporain qui possède également une collection importante d’œuvres de l’artiste, notamment ses photographies expérimentales.
• La Tate Modern à Londres, Royaume-Uni : la Tate Modern est un musée d’art moderne et contemporain qui possède également des œuvres de Man Ray, notamment ses photographies, ses objets et ses films expérimentaux.
• Le Musée national d’art moderne de Tokyo à Tokyo, Japon : ce musée possède une importante collection d’art moderne et contemporain.
• Le Musée national d’art moderne et contemporain d’Alger à Alger, Algérie : ce musée possède une importante collection d’art moderne et contemporain..

Il existe également de nombreuses autres galeries et musées dans le monde entier qui exposent des œuvres de Man Ray. Les expositions temporaires sont également organisées régulièrement dans ces lieux.

• Atelier Man Ray. Unconcerned but not indifferent, Pinacothèque de Paris, du 5 mars au 1^erjuin 2008
• Man Ray, vues de l’esprit, Musée Toulouse-Lautrecet Médiathèque Pierre-Almaric, Albi, du 8 octobre 2018 au 5 janvier 2019
• Man Ray et la mode, Musée Cantini, du 8 novembre 2019 au 8 mars 2020.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Steve Mc Curry, photoreporter

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 16/12/2022 | Les grands Photographes, make

Steve Mc Curry photoreporter a eu sa première rétrospective de 40 ans de carrière ; soit plus de 150 photos grand format ; organisée en décembre 2021 au Musée Maillol, à Paris.

Steve Mc Curry est connu à travers le monde pour son portrait de l’adolescente afghane aux yeux verts, Sharbat Gula,  nommée « Afghan Girl », pris pendant la guerre d’Afghanistan en 1984.

Cette photographie, en couverture du numéro de juin 1985 du National Geographic Magazine, est devenue iconique. Cette image est d’ailleurs reprise comme couverture de l’ouvrage rétrospectif du National Geographic 100 Best Pictures en 2002.

Steve-Mc-Curry-photographe

Ce photo-reporter de l’agence Magnum est l’un des plus grands photojournalistes du monde.

Marié à Andie, amérindienne Hopi et papa à 72 ans d’une petite Lucia Assella, âgée de 5 ans, Steve Mc Curry continue de parcourir le monde.

Retour sur la vie de Steve Mc Curry en 5 points.

Steve Mc Curry, ses débuts

Steve Mc Curry est né le 24 février 1950 à Philadelphie, dans l’État de Pennsylvanie, aux États-Unis.

Très tôt, Steve Mc Curry rêvait de devenir cinéaste documentaire. C’est pour cela qu’il fit ses études au Collège d’arts et d’architecture de l’université d’État de Pennsylvanie.

Steve Mc Curry obtient  un diplôme avec félicitations en 1974.

Steve Mc Curry est d’abord photographe pour le journal de l’Etat de Pennsylvanie puis travaille pendant deux ans pour le Today’s Post King of Prussia, toujours en Pennsylvannie avant de se lancer dans le photojournalisme.

Steve Mc Curry, photoreporter : Je crois que j’ai toujours voulu voir le monde

A 19 ans, Steve Mc Curry décide de voyager en Europe puis en Amérique du Sud puis en Afrique. Dès 1978, il se lance dans le photojournalisme et se lance comme photoreporter en freelance.

« Je crois que j’ai toujours voulu voir le monde, explorer de nouvelles cultures », dit-il.

Steve Mc Curry part en Inde comme photojournaliste pigiste, désireux de découvrir « l’inattendu, le moment du hasard maîtrisé, qui permet de découvrir par accident des choses intéressantes que l’on ne cherchait pas ».

Il  se rend au cœur de nombreuses zones de conflits internationaux pour couvrir les événements, rencontrer les populations.

Steve Mc Curry couvre les zones de conflits dont la guerre Iran-Irak, la guerre civile libanaise, le Cambodge, les Philippines, la guerre du Golfe, l’éclatement de l’ex-Yougoslavie et l’Afghanistan, mais il se dit être surtout intéressé par les conséquences de la guerre sur les populations au cœur des conflits.

C’est le conflit entre le Pakistan et l’Afghanistan, qui fait décoller sa carrière lorsque, réussissant  avec courage à pénétrer les zones contrôlées par les moudjahiddins (« combattants d’Islam »), juste avant l’invasion soviétique, il ressort clandestinement avec une série d’images incroyable, premières à montrer le conflit.

Son photo-reportage obtient le Prix Robert Capa en 1980.

Steve-Mc-Curry-photographe

The Afghan Girl est l’une de ses photos les plus célèbres. Prise en 1984, elle montre une adolescente de 12 ans, orpheline de guerre, vivant dans un camp de réfugiés au Pakistan, le regard profondément triste. La photo a été prise dans l’école du camp.

Sur son visage se lit la terreur de la guerre, son courage. Ses yeux verts, son regard percutant, sont mis en avant par le foulard rouge qu’elle porte autour de la tête.

 « En l’espace de quelques secondes, tout était parfait, la lumière, l’arrière-plan et l’expression de ses yeux.»

En 2002, le magazine National Geographic organise un voyage pour retrouver The Afghan Girl. Sharbar Gula vit toujours dans un camp de réfugiés, a été mariée avant ses 15 ans, a eu plusieurs enfants dont une fille décédée.

En 2016, Sharbat Gula, toujours réfugiée sans papiers, est incarcérée, expulsée puis accueillie de nouveau par les dirigeants afghans. Finalement, elle est évacuée sous le régime taliban en 2021 pour être accueillie en Italie.

Steve Mc Curry  se souvient : « Elle s’est souvenue de moi même si je n’étais à l’école que pendant environ 20 minutes. Elle est analphabète et ne parle pas anglais et dans cette culture, les filles ne sont pas censées interagir avec des hommes qui ne sont pas de leur famille. »

Steve Mc Curry

Au travers de ses images puissantes, Steve Mc Curry montre la vie bouleversée des peuples pris au milieu des conflits, leurs émotions prises sur le vif, exprimées sur leurs visages.

« La plupart de mes clichés sont centrés sur l’individu. Je recherche des moments d’abandon, ceux où l’âme devient visible, où l’expérience transparaît sur le visage. »

« Je ne me suis jamais considéré comme un photographe de guerre, bien que mon travail en Afghanistan soit, je pense, l’une des périodes les plus dangereuses de ma vie. »

Steve Mc Curry est membre de l’Agence Magnum depuis 1986.

Steve Mc Curry, le 11 septembre 2001

Le 11 Septembre 2001, malgré l’émotion suscitée par l’effondrement des tours du World Trade Center, à New York, il photographie depuis le toit de son immeuble l’effondrement de la première tour, puis se rend précipitamment sur les lieux et immortalise le chaos indescriptible qui se déroulait sous ses yeux.

« La tristesse était indescriptible. J’avais vu ces bâtiments chaque jour de ma fenêtre. Ils étaient, pour moi, encadrés avec la voûte de Washington Square », et encore : « J’ai essayé de traduire sur la pellicule ce que je ressentais, l’horreur et la perte. C’était totalement un autre niveau du mal. »

Steve Mc Curry et le scandale, 2016

En avril 2016, Steve Mc Curry est accusé de retoucher ses photos ; dont le portrait de l’Afghane aux yeux verts ; modifiant ainsi la réalité, cette vérité, cette objectivité qu’il revendique tant vouloir mettre en avant.

Par ces modifications visuelles, Steve Mc Curry est accusé de remettre en question son respect de l’éthique du photojournalisme sur laquelle Steve Mc Curry  a bâti sa carrière.

Face à cette avalanche de critiques et à la preuve incontestable de ses retouches visuelles, le 31 mai 2016, Steve Mc Curry redéfinit son statut, comme photographe artistique et déclare « Je suis un conteur visuel, pas un photojournaliste. »

Steve Mc Curry

L’agence Magnum et le National Geographic  retirent également  certaines photographies suspectées de manipulation de leurs sites web et le Comité d’éthique du National Press Photographers Association des États-Unis publie un communiqué sévère contre le photographe, le 25 mai 2016.

« Nonobstant le titre que Steve Mc Curry se donne aujourd’hui, il a la responsabilité de respecter les standards éthiques de ses pairs et du public, qui voit en lui un photojournaliste », écrit le comité, qui conclut que « toute altération de la vérité constitue un manquement à l’éthique».

Steve Mc Curry est défendu par ses confrères comme Peter van Agtmael, photographe à l’agence Magnum qui réagit à la polémique en expliquant que  « La photographie est une profession incroyablement subjective.

Les mots “vérité” et “objectivité”, très forts, reviennent beaucoup. Je ne crois pas vraiment en ces mots. […] La subjectivité donne lieu donc à des « manipulations » telles que le : Style, choix d’objectif, position, quoi montrer et quoi exclure du cadre, éditer, choix de l’équipement, contraste, séquence. »

Malgré ce scandale, Steve Mc Curry reste l’une des figures les plus emblématiques de la photographie contemporaine depuis plus de cinq décennies. Son travail est récompensé par de nombreux prix et est exposé à travers le monde.

En effet, il a reçu  notamment  le prix Robert Capa en 1980, celui de « photographe de l’année » en 1984 par l’Association Nationale des Photographes de presse américaine », le concours World Press Photo en 1985, et le prix Olivier Rebbot, un Emmy Award en 2003 , le prix Leica Hall of Fame en 2011, et le grand prix de reconnaissance spécial du jury concours POYI en 2012.

Enfin,  Steve Mc Curry est promu Chevalier de l’ordre des Arts et des lettres en 2013. Steve Mc Curry a également publié plus d’une vingtaine d’ouvrages, dont « Enfants du monde » en 2021 aux éditions La Martinière, « A la recherche d’un ailleurs », paru en 2020 aux éditions la Martinière, « Inde », et « Portraits » parus aux éditions Phaidon en 2020 et 2013, ou encore « Une vie en images » paru en 2018 aux éditions La Martinière, « The iconic Photographs » en 2012 chez Phaidon, « Steve Mc Curry Animals » chez Taschen en 2019 et tant d’autres encore…

Steve Mc Curry, ses expositions

• 2021 : Le Monde de Steve McCurry,du 9 décembre 2021 au 31 juillet 2022, Musée Maillol, Paris, France.
• 2021 : In Search Of Elsewhere, du 4 mars au 30 avril 2021, Galerie Polka, Paris, France
• 2019: Le Monde de Steve McCurry, du 6 février 2019 au 26 mai 2019, La Sucrière, Lyon, France
• 2016: Steve McCurry, du 27 mai 2016 au 30 juin, Galerie Got, Montréal, Québec
• 2014 : Steve McCurry – Rétrospective, du 27 juin 2014 au 21 septembre 2014, Théâtre de la Photographie et de l’Image, Nice, France.
• 2008 : Jordan Festival, du 8 juillet 2008 au 9 août 2008, Contemporary Arts Jordan Festival, Jordan Tourism Board, Zara Centre, Jordanie
• 2008 : Renaître à la vie– Agence Magnum, du 29 décembre 2008 au 30 décembre 2008, Musée de l’Homme, Palais de Chaillot, Paris, France.
• 2007 : Magnum à l’affiche, Une expo dans la rue, du 5 juillet 2007 au 25 juillet 2007.
• 2007 : Steve McCurry Photographies, du 1er juillet 2007 au 31 juillet 2007, Galerie Frédéric Got Fine Art, Paris, France.
• 2007 : Exposition de Steve McCurry, du 7 septembre 2007 au 7 octobre 2007,Rennes, France.
• 2007 : Exposition de Steve McCurry,du 3 mai 2007 au 23 juin 2007, Fahey Klein Gallery, Los Angeles, États-Unis.
• 2006: Sojourn: Narratives of Asia, du 25 novembre 2006 au 27 janvier 2007, ModenArte. Modena, Italie.
• 2005: Paris Photo 2005, du 17 novembre 2005 au 20 novembre 2005, Carrousel du Louvre, Paris, France.

BONUS : interview de Steve Mc Curry , 17 octobre 2022 de Hannah Rooke pour Digital Camera World

Steve Mc Curry a passé les 40 dernières années à raconter des histoires à travers des photos – maintenant son histoire est racontée dans The Pursuit of Color Depuis plus de quarante ans, Steve Mc Curry parcourt le monde en capturant les personnes et les lieux qu’il a visités.

Des camps de réfugiés en Afghanistan aux jungles de l’Ouganda et aux rues de l’Inde, la compassion de Steve Mc Curry y pour ses sujets est inébranlable. 

Steve Mc Curry a consacré quatre décennies à raconter les histoires des autres, mais The Pursuit of Color est l’histoire de sa vie extraordinaire – les débuts, les difficultés rencontrées et la façon dont sa carrière a décollé. Dès son plus jeune âge, Steve Mc Curry savait qu’il voulait voyager, mais ne savait pas comment.

Steve Mc Curry a quitté la maison à 19 ans et a entrepris son premier de nombreux voyages en Inde, l’endroit qui a suscité son désir de voir le monde à l’âge de 12 ans. Partant de zéro, Mc Curry a dû trouver son propre chemin et ses propres ressources, mais il était complètement libre.

Steve Mc Curry est un photographe et photojournaliste emblématique depuis plus de cinquante ans.

Steve-Mc-Curry-photographe

Sa photo Afghan Girl a été présentée à plusieurs reprises sur la couverture de National Geographic et il a photographié de nombreuses missions pour la publication.  

Steve Mc Curry et est membre de Magnum Photos depuis 1986, et son travail couvre les conflits, les traditions anciennes, la culture et les voyages, tout en conservant toujours l’élément humain. « J’avais l’impression d’avoir tout le temps du monde.

Tout était frais et neuf. C’est très excitant de sortir et de photographier quelque chose pour la première fois. L’un de mes premiers voyages à l’étranger a été au Mexique.

J’ai aimé pouvoir me promener et photographier sans aucun délai, aucune tâche ou aucune pression ; le monde était une toile vierge. 

Même ceux qui ne connaissent pas Steve Mc Curry connaîtront le portrait Afghan Girl. La puissante photo du réfugié Sharbat Gula a été prise en 1984 lorsque Steve a été chargé par National Geographic de documenter la crise des réfugiés à la frontière afghane.

Dans The Pursuit of Color, il explique son processus et la signification durable de la photo. « Je pense toujours que c’est une photo importante et nous sommes restés en contact au cours des 20 dernières années. Nous nous parlons toutes les deux semaines et j’ai toujours essayé d’être à ses côtés et de l’aider de toutes les manières possibles.

Elle et sa famille vivent maintenant en Italie à cause des troubles en Afghanistan. Dans The Pursuit of Color et sur Instagram, Steve Mc Curry utilise l’expression « faire une photo » au lieu de « prendre une photo ».

Au sein de la communauté de la photographie, que vous fassiez ou preniez une photo est un débat en cours – un débat que Steve Mc Curry a rencontré pour la première fois lorsqu’il a étudié la cinématographie à l’Université d’État de Pennsylvanie.  « Cet argument du faire ou du prendre remonte à 50 ans, je me souviens en avoir parlé au collège en 1972 » se souvient-il.

Il utilise l’exemple d’une personne prenant une photo rapide de la tour Eiffel comme prenant une photo, mais quelqu’un qui regarde la lumière et la composition comme en faisant une. « Un instantané d’un chalet est une représentation pure de la chose que vous photographiez, peut-être que faire référence à une composition plus réfléchie. »  

Steve-Mc-Curry-photographe

Alors que les travaux récents de Steve Mc Curry se sont concentrés sur le pouvoir positif de l’humanité dans des séries comme Le pouvoir du jeu et de la lecture, la carrière de Steve Mc Curry a véritablement commencé dans les montagnes du Pakistan et de l’Afghanistan où il a été embauché par les troupes afghanes pour documenter la guerre sur le point de commencer avec la Russie.  

Être témoin de la souffrance à ses débuts pendant le temps passé dans les zones de guerre l’a amené à s’intéresser à la condition humaine et aux conséquences de la guerre.  « Vous devez juste trouver quelque part en vous et réaliser que le but est de faire la lumière sur une situation et j’espère que les gens seront mieux informés sur le monde dans lequel nous vivons.

Peut-être que cela peut créer un changement positif, alors c’est bien de l’obtenir. là-bas. Chacun s’en occupe à sa manière. »

Bien que la technologie de l’appareil photo ait énormément progressé depuis qu’il a possédé son premier appareil photo, un Miranda, Steve Mc Curry est resté à l’avant-garde : « Je n’ai jamais vraiment raté un battement, passer du film au numérique pour moi était en quelque sorte transparent.

« Les smartphones ont indéniablement rendu la photographie plus accessible et Steve Mc Curry, adepte des nouvelles technologies, est là pour ça.  « Pouvoir documenter nos vies, nos amis, nos événements familiaux et nos vacances si facilement, c’est formidable.

Je pense qu’avoir un enregistrement de nos vies est vraiment précieux, je suis un grand fan, j’ai 140 000 photos sur mon téléphone ! Steve n’a pas l’intention de ralentir malgré le fait qu’il ait maintenant une jeune fille. Équilibrer le travail dans ce domaine et une famille est difficile, mais Steve a trouvé un moyen de le faire fonctionner. « Nous voyageons tous ensemble, l’année dernière nous sommes allés en Italie, en Espagne, au Portugal et en Islande donc c’est super j’adore voyager avec eux. »

Il est difficile d’imaginer Steve Mc Curry faire autre chose que de la photographie. Voir le monde à travers ses yeux est passionnant, coloré, émotif et parfois stimulant.  

The Pursuit of Color explore ses motivations et ses désirs autour des principes de la photographie, mais ce sont les opportunités uniques qui lui sont présentées à travers son travail qu’il apprécie le plus ; « La meilleure partie de mon travail est de pouvoir errer et explorer le monde dans lequel nous vivons, d’aller dans des endroits dont j’ai rêvé et de rencontrer des gens intéressants.

Aussi pour avoir l’opportunité de documenter des cultures en voie de disparition » Une carrière dans la création d’images était inévitable pour Steve Mc Curry, « Pour moi, il a toujours été question d’histoire, et le film est un autre moyen de transmettre une histoire sur un moment et un lieu particuliers ».

L’art de la narration transcende le support qui le porte, et les histoires que Steve Mc Curry fait devant la caméra sont aussi captivantes que son histoire derrière elle.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Sarah Moon photographe depuis 1970

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 07/12/2022 | Les grands Photographes, make

Sarah Moon est une photographe française connue pour son travail dans le domaine de la mode, de la publicité et de la photographie artistique. Elle est née le 21 février 1941 à Vichy, en France.

Avant de devenir photographe, Sarah Moon a été mannequin pendant plusieurs années. Elle a commencé à travailler comme photographe dans les années 1970 et a rapidement acquis une réputation pour ses images évocatrices, poétiques et souvent oniriques.

Son style distinctif est caractérisé par des images floues, des couleurs délavées et une esthétique sombre et romantique. Elle a travaillé pour de nombreux clients de renom, notamment Chanel, Dior, Comme des Garçons, Cacharel, Vogue, et The New Yorker.

En plus de la photographie de mode et de publicité, Sarah Moon a également travaillé dans la photographie artistique et a exposé ses œuvres dans des galeries et des musées du monde entier. Elle a également réalisé plusieurs films, notamment un court-métrage intitulé « La Neige en deuil » en 1999.

Aujourd’hui, Sarah Moon est considérée comme l’une des photographes les plus influentes de sa génération, avec une carrière qui s’étend sur plusieurs décennies et qui continue à inspirer les photographes du monde entier.

En novembre  2022, La Maison Dior publie un ouvrage d’exception « Dior par Sarah Moon »  regroupant 120 photographies en noir et blanc de la célèbre photographe Sarah Moon .

Dior par Sarah Moon, éditions Delpire & co, disponible le 3 novembre 2022, 120€

Dior par Sarah Moon

Les créations de Sarah Moon suscitent encore étonnement et fascination. Retour sur la vie de cette photographe française de mode incontournable.

Qui est Sarah Moon photographe?

Sarah Moon, est née Marielle Sarah Warin le 17 novembre 1941 à Vernon dans l’Eure. Mannequin jusqu’en 1966 puis photographe de mode et réalisatrice française, Sarah Moon est aujourd’hui encore, toujours reconnue comme une grande artiste.

https://delpireandco.com/auteur/sarah-moon/

Sarah Moon photographe de mode

Née dans une famille juive contrainte de quitter la France sous le régime de Vichy pendant l’occupation allemande, Sarah Moon passe une partie de son enfance en Angleterre ou elle y étudie le dessin. Au début des années 60, elle exerce la profession de mannequin sous le nom de Marielle Hadengue, puis se tourne vers la photographie de mode après avoir été publiée dans l’Express en 1967, à l’âge de 26 ans.

Photographe de mode autodidacte, inspirée par  l’œuvre de Guy Bourdin, Sarah Moon conçoit  pour la marque Cacharel ses premières campagnes de mode, univers qui, à cette époque  était encore dominé par les hommes.

Son approche artistique lui permettra rapidement d’être reconnue au niveau international comme photographe de mode. Influencée par le pictorialisme, Sarah Moon photographe de mode, façonnera ses photos aux références littéraires (telles que les contes pour enfants) et cinématographiques (cinéma expressionniste allemand et celui des années 30), en montrant les femmes sous un angle particulier, dans un temps suspendu, nouant une réelle complicité avec ses modèles.

Pendant quinze années, Sarah Moon photographe, travaillera pour des marques de haute couture prestigieuses telles de Cacharel, Chanel et Dior et sera publiée dans des magazines internationaux tels que Harper’s Bazaar, Vogue et Elle. Elle reste la première femme à avoir photographié le calendrier Pirelli (1972).

« J’ai eu la chance d’être au bon endroit au bon moment. Mes photographies étaient différentes des autres. Les mannequins étaient mes copines, avec elles j’étais dans la complicité et non dans la séduction. » Sarah Moon.

Sarah Moon

“Mon statut de femme mannequin m’a aidée à être un artisan dans la photo de mode” Sarah Moon.

Sarah Moon photographe, le tournant de sa carrière

C’est au début des années 1980, que Sarah Moon débute une pratique plus personnelle, introspective et artistique. Présentés en 1983 au Centre Photographique International de New-York, ses travaux lui valent en 1984 le prix Clio. Elle sera exposée aux Rencontres d’Arles en 1980, 1981, 1994, 2005 et 2006. Ses clichés font le tour des salles d’expositions à travers le monde ; de Paris (Jeu de Paume, Maison Européenne de la Photographie, Muséum national d’histoire naturelle…), à San Francisco,  en passant par Tokyo, Londres ou encore Moscou.

Tout en continuant d’honorer des commandes pour les maisons de haute couture, Sarah Moon photographe, fait de Paris son décor et adopte le Polaroïd noir et blanc avec négatif comme support de son expression.

Elle se lance également dans la réalisation de films publicitaires ; pour lesquels elle sera récompensée par un Lion D’Or à Cannes en 1979, 1986 ,1987 et 1989 ; mais également dans la réalisation de films dès 1990 avec « Mississipi One » «Circuss » en 2002, «  l’Effraie » en 2004 , « Le Fil rouge » en 2005, « La Sirène d’Auderville » en 2007, « Le Petit Chaperon Noir » en 2010 ou encore « 5H-5 » en 2013.

Sarah Moon photographe

Sarah Moon photographe, ses inspirations

Inspirée par les contes de Lewis Caroll, le cinéma et la fiction, Sarah Moon photographe rend son univers particulièrement chargé en émotions et accorde une grande importance à la mise en scène, ce qui ancre son travail photographique dans une dimension intemporelle.

Elle aime évoquer dans ses travaux les thèmes de la solitude, de l’enfance, de la féminité, de l’imaginaire, de la mort et apporte une perception différente du sujet selon qu’il soit traité en noir et blanc ou en couleur. De plus, elle met souvent en scène des enfants, des animaux, des usines délabrées, toujours en référence à ses racines européennes, une gare froide à Saint Petersbourg, un chantier à Berlin ou encore un paysage Italien aux allures de cimetière.

Le conte, en référence aux thèmes de l’enfance et de l’imaginaire, est souvent pris comme sujet. Elle réalise notamment une série d’illustrations du conte du Petit Chaperon rouge, en 1983, ; ouvrage lauréat du prestigieux Premio Grafico Fiera di Bologna per la Gioventù, de la Foire du livre de jeunesse de Bologne (Italie) en 1984 ; et son film La Sirène d’Auderville (2007) révèle également son intérêt pour les contes d’Andersen.

«Je ne témoigne de rien. Je n’affirme rien. En ce sens, mes photos ne sont pas engagées. Par contre, je me sens totalement impliquée dans la vision fictionnelle que je propose – et qui en fait n’est qu’un écho entre le monde et moi. » Sarah Moon.

https://www.grasset.fr/livres/le-petit-chaperon-rouge-9782246320722

Ses clichés sont volontairement flous, tâchés, grattés, marqués par des dégradations « accidentellement minutieuses », évoquant le temps, la douleur, la contrainte, la décomposition, la mise en abîme en filigrane de la photographie, ancrant ainsi les tirages dans la fiction, hors du réel et du temps.

Son esthétique photographique fait également référence à l’esthétisme des années 30 puisque ce dernier s’enrichit d’une grande diversité de matières, de corsets, griffures, ainsi que la présence de personnages amputés, sûrement un lien inconscient avec la guerre qui a marqué son enfance.

C’est à Kyoto en 2002, qu’une exposition est présentée au musée d’Art Contemporain, rendant hommage à cette œuvre alliant grâce et violence, dans un style sombre et raffiné.

Sarah Moon, ses clichés les plus célèbres

Sarah Moon a créé de nombreuses photographies remarquables tout au long de sa carrière, mais il n’y a pas de consensus sur la photo la plus célèbre de son travail. Voici quelques-unes de ses images les plus connues :

• « Monnaie de Paris », une série de photographies en noir et blanc qu’elle a réalisées pour l’ouverture de la Monnaie de Paris en 2014.
• « Les Filles d’Arles », une série de portraits de jeunes femmes qu’elle a photographiées dans la ville d’Arles en France en 2001.
• « Mermaid », une image sombre et mystérieuse d’une femme dans l’eau, prise en 1995.
• « Untitled (Feathers) », une photographie de mode en couleur mettant en vedette un modèle portant une robe en plumes, prise dans les années 1990.
• « Lips », une image en noir et blanc d’une bouche féminine en gros plan, prise en 1994.

Ces images sont toutes emblématiques du style de Sarah Moon, avec leur utilisation distinctive de la couleur ou du noir et blanc, leur ambiance poétique et onirique, et leur évocation d’un univers féminin complexe et énigmatique.

Sarah Moon, ses consécrations et ses récompenses

 Les travaux et nombreuses publications de Sarah Moon lui valent de nombreuses récompenses. Sa toute première date de 1972 ou elle reçoit le D&DA d’or et d’argent à New York, États-Unis.

En 1995 Sarah Moon reçoit  le prestigieux Grand prix de la photographie de Paris.  

En plus du Lion d’Or pour ses films publicitaires reçu en 1979, 1986, 1987 et 1989 à Cannes, et du Clio Award en 1984 (New York, États-Unis), elle recevra en 1985 le Prix de la photographie appliquée (ICP, New-York), le prix du film de femme, long métrage en 1991 pour « Mississipi one »,  le FIPA d’or en 1994 pour « Contacts » (Cannes), le prix Martell à Shanghai en 2005, le prix Lucie Award en 2006 (New-York, Etats-Unis), le prix du public en 2007 (Moscou, Russie), le prix culturel de la Société allemande de photographie, à Berlin en 2007, et le prix Nadar en 2008 pour « 1,2,3,4,5″ en France.

Elle est nommée Commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres en 2009.

Sarah Moon, sa vie de famille

Sarah Moon est une personne très discrète sur sa vie privée et familiale, et peu d’informations sont disponibles sur sa vie de famille. Cependant, on sait qu’elle a été mariée au photographe Robert Delpire, qui a également été son éditeur pour plusieurs livres de photographies.

Sarah Moon et Robert Delpire ont travaillé ensemble sur de nombreux projets, notamment sur la publication de plusieurs livres de photographies. Ils ont eu deux enfants ensemble, une fille nommée Melissa et un fils nommé Victor.

Melissa Delpire a également travaillé dans le domaine de la photographie, en tant qu’éditrice et commissaire d’exposition. Elle a travaillé avec sa mère sur plusieurs projets, notamment l’exposition « From One Season to Another » au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris en 2011.

Bien que la vie privée de Sarah Moon soit peu connue, elle a toujours mis en avant le rôle important que sa famille a joué dans sa vie et sa carrière, en particulier son mari Robert Delpire. Elle a également déclaré dans des interviews que sa relation avec ses enfants a été une source d’inspiration pour son travail.

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Sarah Moon BONUS: 

Sarah Moon: The transcendence of fashion – BRITISH JOURNAL OF PHOTOGRAPHY 

« Je pars de rien, j’invente une histoire qui n’est pas racontée, j’imagine une situation qui n’existe pas »

« Pour moi, la photographie est une pure fiction – je ne crois pas faire une déclaration définie. Au lieu de cela, j’exprime quelque chose, un écho du monde peut-être », a déclaré Sarah Moon, dans une interview avec The Independent en 2008.

Née en 1941 à Vernon, en France, Moon, anciennement connue sous le nom de Marielle Warin, est devenue célèbre dans les années 1970 pour son approche unique et insaisissable de la photographie de mode.

En 1972, elle est devenue la première femme à photographier le calendrier Pirelli et, tout au long des années 70, elle a travaillé sur des commandes pour Chanel, Dior, Vogue, etc. Connue pour ses images douces, oniriques et graphiques axées sur la composition et la forme, le style inhabituel de Moon lui a valu le respect au sein de l’industrie. Mais, à partir de 1985, Moon s’est tournée vers un travail personnel, qui comprend des courts métrages basés sur la fantaisie et les contes de fées.

Maintenant, une exposition des images de Moon est présentée à la Peter Fetterman Gallery de Santa Monica, en Californie. Il couvre plus de trois décennies de sa photographie, du travail commercial au travail personnel, explorant son utilisation dynamique de la forme et de la composition, et sa capacité à déplacer un spectateur sans avoir besoin d’établir un contact visuel.

Dans une citation fournie par la galerie, Moon dit de son processus : « Je pars de rien, j’invente une histoire qui n’est pas racontée, j’imagine une situation qui n’existe pas, j’efface un espace pour en inventer un autre, je décale la lumière, je rends irréel et puis j’essaie. Je fais attention à ce à quoi je ne m’attendais pas. J’attends de voir ce dont je ne me souviens pas. Je défais ce que j’ai assemblé, j’espère avoir de la chance, mais plus que tout, j’aspire à être touché pendant que je tire.

Sarah Moon: The transcendence of fashion sera exposée à la Peter Fetterman Gallery du 07 juin au 06 septembre 2019

Sarah Moon: FAQ

Question 1: Qui est Sarah Moon ?

Sarah Moon est une artiste française née en 1941, connue pour son travail en tant que photographe, réalisatrice et artiste visuelle.

Question 2: Quel est le style artistique de Sarah Moon ?

Le travail de Sarah Moon est souvent caractérisé par son esthétique onirique et poétique, ainsi que par l’utilisation de la lumière, de la couleur et de la texture pour créer des images émotionnelles et évocatrices.

Question 3: Quels sont les sujets de prédilection de Sarah Moon ?

Les sujets de prédilection de Sarah Moon sont souvent les femmes, les enfants et les paysages, et elle est particulièrement connue pour ses portraits et ses nus.

Question 4: Comment Sarah Moon a-t-elle commencé sa carrière artistique ?

Sarah Moon a commencé sa carrière en tant que mannequin dans les années 1960 avant de devenir photographe de mode pour des magazines tels que Vogue, Marie Claire et Elle. Elle a ensuite poursuivi sa carrière en tant qu’artiste indépendante, travaillant dans la photographie, la vidéo et la réalisation.

Question 5:  Quelles sont les expositions les plus célèbres de Sarah Moon ? 

Sarah Moon a exposé dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment au Musée d’Art Moderne de Paris, au Victoria and Albert Museum de Londres, au International Center of Photography de New York, et au Stedelijk Museum d’Amsterdam.

Question 6: Quels sont les livres les plus connus de Sarah Moon ?

Sarah Moon a publié de nombreux livres de photographies, dont « Improbable Memories » (1980), « Little Red Riding Hood » (1996), et « Now and Then » (2010).

Question 7: Quels sont les prix et distinctions que Sarah Moon a remportés au cours de sa carrière ?

Sarah Moon a remporté de nombreux prix et distinctions pour son travail, notamment le Prix Nadar en 1981, le Grand Prix National de la Photographie en 1995, et le Prix de la Photographie de l’Académie des Beaux-Arts en 2018.

Question 8: Où peut-on trouver des œuvres de Sarah Moon ?

Les œuvres de Sarah Moon sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde, notamment au Musée d’Art Moderne de Paris, au Victoria and Albert Museum de Londres, au International Center of Photography de New York, et au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.

Question 9 : Quels sont les techniques de photographie que Sarah Moon utilise pour créer son style unique ?

Sarah Moon utilise une variété de techniques de photographie, y compris des pellicules et des appareils photo expérimentaux, ainsi que des effets tels que la surexposition et le flou pour créer une esthétique douce et atmosphérique.

Question 10 : Comment Sarah Moon a-t-elle évolué en tant qu’artiste au fil du temps ? 

Au fil des ans, le travail de Sarah Moon est devenu de plus en plus abstrait et conceptuel, explorant des thèmes tels que la mémoire, l’identité et la perception.

Question 11: Quelles sont les influences artistiques de Sarah Moon ? 

Sarah Moon a été influencée par des artistes tels que Man Ray, Edward Steichen et Diane Arbus, ainsi que par des mouvements artistiques tels que le surréalisme et la Nouvelle Vague.

Question 12 : Quel est le lien entre la photographie de mode et l’art dans le travail de Sarah Moon ?

Bien que Sarah Moon soit surtout connue pour son travail en tant que photographe de mode, elle a également utilisé cette plateforme pour explorer des thèmes plus larges et pour créer des images qui sont à la fois belles et évocatrices.

Question 13 : Comment les critiques ont-ils réagi au travail de Sarah Moon ?

Les critiques ont souvent salué le travail de Sarah Moon pour son esthétique poétique et émouvante, ainsi que pour sa capacité à transformer des sujets ordinaires en images extraordinaires

Mick Rock : légendaire photographe rock 1948 – 2021

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 21/11/2022 | Les grands Photographes, make

Hormis Mick Rock, Peu de stars du rock’n’roll ont mieux compris la relation symbiotique entre la musique et l’image. David Bowie a avec le photographe Mick Rock, trouvé le partenaire créatif idéal.

Chargé de faire un article de photojournalisme par le bureau londonien du magazine Rolling Stone, Mick Rock se rendit à un concert de Bowie à la mairie de Birmingham en mars 1972 et noua une relation immédiate avec le gourou du glam rock, juste au moment où il se métamorphosait en son Ziggy Stardust.

Mick Rock est un photographe britannique mondialement connu pour son travail de photographie de rock et de musique. Né en 1948, il a commencé sa carrière artistique dans les années 1970, travaillant en étroite collaboration avec des artistes tels que David Bowie, Lou Reed et Iggy Pop pour créer des images emblématiques du mouvement glam rock.

Mick Rock est souvent considéré comme le photographe le plus célèbre du mouvement, ayant contribué à définir son esthétique flamboyante et colorée. Au cours de sa carrière, il a remporté de nombreux prix et distinctions pour son travail, notamment le Lifetime Achievement Award du Classic Rock Roll of Honour Awards en 2011.

Les œuvres de Mick Rock sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde, faisant de lui l’un des photographes les plus influents de l’histoire de la musique rock.

Avant sa disparition le 18 novembre 2021, Il continuait à travailler en tant que photographe et avait publié un livre de photographies intitulé « Mick Rock: The Rise of David Bowie, 1972-1973 ». Il travaillait  également sur des projets tels que la création d’une installation artistique pour la station de métro de Tottenham Court Road à Londres. En plus de son travail de photographie, il était également impliqué dans des projets de musique et de cinéma, travaillant notamment sur la bande sonore du film « The Velvet Underground ».

Retour sur la vie de cet artiste incontournable.

Mick Rock : photographe de Bowie

Mick Rock, décédé à l’âge de 72 ans, est devenu le photographe personnel de Bowie alors que son profil a grimpé en flèche avec la sortie de son cinquième album studio, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, en juin 1972, et a capturé certains des meilleurs souvenirs images de l’étoile mercurielle.

Mick Rock

Celles-ci comprenaient la photo de Bowie et du guitariste Mick Ronson en train de déjeuner dans un train pour Aberdeen, et la célèbre photo provocante de « fellation » du duo sur scène à la mairie d’Oxford.

Comme Mick Rock l’a expliqué plus tard, probablement avec ironie : « Tout ce que David essayait de faire – et il me l’a expliqué plusieurs années plus tard, lorsque nous avons fait le livre Moonage Daydream – était de mordre la guitare. »

Mick Rock jouissait d’un accès intime unique à Bowie (« Je l’ai eu dans sa culotte, juste en train de camper »), et le charisme pionnier de Bowie a attiré d’autres musiciens tels que Lou Reed et Iggy Pop dans son orbite.

Mick Rock était toujours présent avec son appareil photo. Il a pris la photo définitive d’un Reed aux yeux de panda et à l’air mélancolique pour la couverture de son album solo à succès Transformer (1972), et a mis en sac l’image de couverture dramatique d’un Pop torse nu pour Iggy and the Stooges’ Raw Power LP ( 1973).

Sa photo de pochette pour Queen’s Queen II (1974) faisait écho de manière mémorable à une image de Marlene Dietrich du film Shanghai Express de 1932 (« Personne n’a jamais été plus glamour que la divine Mme Dietrich », a déclaré Mick Rock), et Queen l’a revisitée dans leur vidéo pour Bohemian Rhapsody en 1975.

1977 :Mick Rock s’installe à New york

Après avoir voyagé à New York en tournée avec Bowie en 1972, Mick Rock s’est de plus en plus entiché de la ville et s’y est installé en 1977. « Il ne fait aucun doute que New York était plus sombre, plus dépravée que Londres », a-t-il déclaré à l’intervieweur Barney Hoskyns.

Mick Rock

« Lou Reed m’a emmené dans des endroits que vous n’auriez jamais trouvés à Londres. » Mick Rock s’est inévitablement retrouvé à photographier des icônes de la scène new-yorkaise comme les Ramones et Debbie Harry de Blondie, et a chéri son cliché de Mötley Crüe dans un bain moussant (« le groupe le plus sale, le plus méchant des années 80, que Dieu les bénisse »).

Mick Rock n’aimait pas parler de ses antécédents et de son éducation, commentant que « je n’aborde pas cela normalement parce que je ne pense pas que ce soit nécessaire », mais il était généralement admis qu’il était né à Hammersmith, Londres, son ses parents Joan et David Rock, ce dernier étant fonctionnaire au ministère du Travail.

Cependant, Mick Rock  a jeté un éclairage différent à ce sujet dans une interview de 2017 avec le site Web The Talks . Il a décrit comment il avait été conçu lorsque sa mère mal mariée a eu une liaison avec un aviateur américain, qui est ensuite retourné aux États-Unis. Il a affirmé qu’il avait eu deux certificats de naissance, dont le premier le nommait Michael Edward Chester Smith.

Cependant, c’est sous le nom de Michael Rock qu’il a fréquenté l’école indépendante Emanuel de Battersea, avant de décrocher une bourse au Gonville and Caius College de Cambridge, où il a obtenu un diplôme en langues médiévales et modernes.

À Cambridge, il a d’abord commencé à expérimenter la photographie, en acquérant « un appareil photo Pentax cabossé d’un compagnon pour 40 livres », et là, il a rencontré le garçon local Syd Barrett , membre fondateur de Pink Floyd. Mick Rock photographierait Barrett pour son premier album solo, The Madcap Laughs (1970), avec la couverture arrière représentant une femme nue, et a également pris la photo centrale de l’album Meddle de Pink Floyd en 1971.

Mick Rock s’est immergé avec enthousiasme dans le style de vie des artistes qu’il a photographiés et a admis que «à la fin des années 80, début des années 90, mon problème de cocaïne était devenu complètement hors de propos. Je pouvais encore tirer, mais le reste de ma vie était une épave. Il a divorcé de sa première femme, Sheila (également photographe), et s’est remarié avec Pati (qui travaillait dans l’immobilier).

Mick Rock

En 1996, il a subi un quadruple pontage et une greffe de rein, sa facture médicale payée par l’ancien manager des Rolling Stones, Allen Klein , et a ensuite connu une renaissance de carrière. Il avait été irrité par le tag « Man Who Shot the 70s », considérant que cela le rendait obsolète, et il a photographié des pans d’artistes plus récents, dont Snow Patrol, les Black Keys, Snoop Dogg, Foo Fighters, Alicia Keys, Yeah Yeah Yeahs. , Janelle Monae, Rufus Wainwright, Lady Gaga, Miley Cyrus et Pharrell Williams.

En plus de ses photographies, il a créé plusieurs vidéos mémorables avec Bowie, pour Life on Mars, John I’m Only Dancing, Jean Genie et Space Oddity, et Bowie a donné son approbation aux livres de Rock Blood and Glitter : Glam – an Eyewitness Account (2001), Moonage Daydream: The Life and Times of Ziggy Stardust (2002) et The Rise of David Bowie 1972-1973 (2015).

Il a également publié des livres en collaboration avec Debbie Harry, Iggy Pop et les membres de Queen Brian May et Roger Taylor.

Mick Rock with his photo of David Bowie and Iggy Pop (Photo by J. Vespa/WireImage for Peoples Revolution)

Mick Rock

Conteur enthousiaste, Mick Rock a souligné que son travail découlait toujours d’une admiration pour les artistes avec lesquels il travaillait. « Pour moi, ces gars étaient comme Baudelaire, Rimbaud, Shelley, Keats, Coleridge, les Beats… J’ai été respectueux parce que j’aime ces gens et je sens que je suis une sorte de gardien de l’image. »

SHOOT! by ROCK – L’autobiographie visuelle d’une icône.

SHOOT! by ROCK, sortie le 22 novembre 2022, est une monographie de luxe pleine de la signature de Mick Rock, de photographies saturées de couleurs et de sujets légendaires, ainsi que de tout nouveaux souvenirs de Mick pour les accompagner.

Né en 1948 à Hammersmith, Londres, Michael Rock a traversé la scène rock londonienne de la fin des années soixante et des années soixante-dix pour devenir l’un des photographes rock et pop les plus emblématiques de tous les temps.

Mick était à la fois photographe et ami de certains des artistes et stars musicaux les plus dynamiques et passionnants de l’histoire du rock, et Shot! by Rock contient des histoires étonnantes et amusantes sur les coulisses de musiciens, de Mick Jagger à Miley Cyrus ; de Queen à Lana Del Ray; de David Bowie à Snoop Dog, et bien au-delà.

Mick a sélectionné des photos à la main et a contribué à de nouvelles histoires de son incroyable carrière. Ce livre inoubliable sert de monument à la brillante carrière de cinquante ans et à la vie étonnante de Mick.

Shot-By-Mick-Rock

Mick Rock : Publications

1995 : A Photographic Record 1969-1980
2002 : Psychedelic Renegades: Syd Barrett
2002 : Moonage Daydream: Ziggy Stardust
2003 : Killer Queen
2004 : Picture This: Debbie Harry and Blondie
2010 : Exposed

Pour conclure, Mick Rock est surtout connu pour son travail de photographie de rock et de musique, notamment pour ses portraits emblématiques d’artistes tels que David Bowie, Lou Reed et Iggy Pop. Voici quelques-unes de ses photographies et publications les plus célèbres :

• Les photographies de l’album « Transformer » de Lou Reed, sorti en 1972.
• Les photographies de l’album « The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars » de David Bowie, sorti en 1972.
• Les photographies de l’album « Raw Power » des Stooges, sorti en 1973.
• Les photographies de l’album « Queen II » de Queen, sorti en 1974.
• Les photographies du livre « Rock ‘n’ Roll Eye: The Photography of Mick Rock », publié en 1999.
• Les photographies du livre « Exposure: The Music Photography of Mick Rock », publié en 2005.
• Les photographies du livre « The Rise of David Bowie, 1972-1973 », publié en 2015.

Ces photographies et publications ont contribué à définir l’esthétique du mouvement glam rock des années 1970 et ont fait de Mick Rock l’un des photographes les plus influents de l’histoire de la musique rock.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur Mick Rock

Question 1 : Qui est Mick Rock ?

Mick Rock est un photographe britannique né en 1948, connu pour son travail en tant que photographe de rock et de musique. Il est souvent considéré comme le photographe le plus célèbre du mouvement glam rock des années 1970.

Question 2: Quels sont les sujets de prédilection de Mick Rock ?

Mick Rock est surtout connu pour son travail de photographie de rock et de musique, notamment pour avoir photographié des groupes tels que Queen, David Bowie, Lou Reed, Iggy Pop, et les Sex Pistols.

Question 3: Comment Mick Rock a-t-il commencé sa carrière artistique ?

Mick Rock a commencé sa carrière en tant que photographe dans les années 1970, travaillant en étroite collaboration avec des artistes tels que David Bowie, Iggy Pop et Lou Reed pour créer des images emblématiques du mouvement glam rock.

Question 4 : Quels sont les livres les plus connus de Mick Rock ?

Mick Rock a publié plusieurs livres de photographies, notamment « Rock ‘n’ Roll Eye » (1999), « Glam! An Eyewitness Account » (2006), « Exposure: The Music Photography of Mick Rock » (2009), et « The Rise of David Bowie, 1972-1973 » (2015).

Question 5: Quels sont les prix et distinctions que Mick Rock a remportés au cours de sa carrière ?

Mick Rock a remporté de nombreux prix et distinctions pour son travail, notamment le Lifetime Achievement Award du Classic Rock Roll of Honour Awards en 2011, et le Outstanding Contribution to Music Photography Award de la Professional Music Photographers Association en 2015.

Question 6 : Comment Mick Rock a-t-il influencé la photographie de rock et de musique ?

Mick Rock est considéré comme l’un des photographes les plus influents de l’histoire de la musique, ayant capturé certains des moments les plus emblématiques de la musique rock et ayant contribué à définir l’esthétique du mouvement glam rock des années 1970.

Question 7: Où peut-on trouver des œuvres de Mick Rock ?

Les œuvres de Mick Rock sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde, notamment dans des musées tels que le Victoria and Albert Museum de Londres et le National Portrait Gallery de Londres.

Question 8: Quel est le style de photographie de Mick Rock ?

Mick Rock est connu pour son style de photographie flamboyant et coloré, qui a contribué à définir l’esthétique du mouvement glam rock des années 1970. Il utilise souvent des techniques telles que la surexposition et la superposition d’images pour créer des effets visuels saisissants.

Question 9 : Comment Mick Rock travaille-t-il avec les artistes qu’il photographie ?

Mick Rock a souvent travaillé en étroite collaboration avec les artistes qu’il photographie, les aidant à créer des images qui reflètent leur personnalité et leur esthétique. Il a également contribué à définir l’image de nombreux artistes, en leur proposant des idées pour leurs costumes, leur maquillage et leur coiffure.

Question 10 : Quel est le processus créatif de Mick Rock lorsqu’il prend des photos ?

Le processus créatif de Mick Rock varie selon les projets, mais il travaille souvent en étroite collaboration avec les artistes qu’il photographie pour créer des images qui reflètent leur personnalité et leur style. Il utilise également des techniques de post-production pour modifier et améliorer ses images.

Question 11: Quels sont les projets récents de Mick Rock ?

Mick Rock continue de travailler en tant que photographe et a récemment publié un livre de photographies intitulé « Mick Rock: The Rise of David Bowie, 1972-1973 ». Il a également travaillé sur des projets tels que la création d’une installation artistique pour la station de métro de Tottenham Court Road à Londres.

Question 12: Quels sont les conseils de Mick Rock pour les photographes en herbe ?

Mick Rock conseille aux photographes en herbe de travailler dur, d’être passionnés par leur travail, et de ne jamais perdre de vue leur vision artistique. Il recommande également de s’inspirer de la musique et de l’art pour créer des images qui ont une signification et une émotion fortes.

Anton Corbijn : Le Magicien du Noir et Blanc qui a Transformé le Rock

par Eric Canto | Mis à jour le 09/10/2024 | Publié le 27/09/2022 | Les grands Photographes, make

Anton Corbijn. Ce nom évoque immédiatement des images en noir et blanc saisissantes, où les icônes du rock semblent dénudées de tout artifice, plongées dans un monde où l’authenticité prime. Photographe, réalisateur, artiste polyvalent, il est devenu une légende dans le milieu, capturant l’essence des plus grandes stars de la musique. Mais qu’est-ce qui le rend si unique, et comment a-t-il influencé l’art de la photographie musicale ? C’est ce que nous allons explorer ensemble.

Qui est Anton Corbijn ?

Anton Corbijn est né le 20 mai 1955 à Strijen, aux Pays-Bas. Grandissant dans un environnement religieux, il a rapidement ressenti le besoin de s’exprimer différemment, cherchant une évasion artistique. Sa carrière débute par un coup de chance : lors d’un concert aux Pays-Bas, il commence à photographier avec l’appareil de son père, et il se découvre une passion instantanée pour capturer les artistes en action. Le reste appartient à l’histoire, une histoire qu’il a lui-même écrite avec sa caméra.

Les années de formation : le jeune Corbijn et la découverte de la photo

Dans les années 70, Corbijn commence à prendre des clichés de groupes locaux. Très vite, son talent est remarqué, et il déménage à Londres pour être au plus près de la scène musicale effervescente. Cette époque marque le début de collaborations légendaires avec des artistes qui allaient bientôt dominer les charts. Il ne se contente pas de photographier les stars, il les réinvente, dévoilant des facettes souvent ignorées par le grand public.

De la scène musicale à la photographie : la fusion des passions

Ce n’est pas un hasard si Corbijn est devenu le photographe favori de nombreux musiciens. Pour lui, la musique et la photographie ne sont pas deux mondes distincts, mais des expressions complémentaires. Il parvient à capturer l’âme de ses sujets, des instants d’abandon que seule la musique semble pouvoir révéler.

Un style visuel unique : le noir et blanc brut d’Anton Corbijn

Le choix du noir et blanc n’est pas simplement une préférence esthétique, c’est une signature, une façon d’aller droit à l’essentiel. Les contrastes marqués, les ombres profondes et les textures rugueuses donnent à ses clichés une intensité rare. Le noir et blanc, pour Corbijn, c’est un moyen de transcender le sujet, de le libérer des distractions colorées pour se concentrer sur l’émotion pure.

Les collaborations marquantes d’Anton Corbijn

Si l’on devait résumer la carrière de Corbijn en un mot, ce serait « collaboration. » Il ne se contente pas de photographier, il collabore, il participe, il devient presque un membre du groupe. Ses partenariats avec des artistes comme U2 et Depeche Mode ont durablement marqué l’histoire de la musique.

Bjork – Anton Corbijn Photos

U2 et Anton Corbijn : une relation durable qui a façonné l’image du groupe

Lorsque l’on pense à U2, on imagine immédiatement des photos iconiques en noir et blanc, des paysages désolés, et des poses dramatiques. C’est le regard de Corbijn qui a contribué à créer cette image du groupe, une image qui dure depuis plus de 30 ans. Dès l’album The Joshua Tree, sa vision a aidé à définir l’esthétique visuelle du groupe, en capturant l’essence de leurs chansons : l’exploration, l’introspection, et un désir insatiable de liberté.

Les albums emblématiques où Corbijn a laissé sa marque

Les pochettes d’albums comme Achtung Baby, The Unforgettable Fire, et Rattle and Hum portent tous la patte de Corbijn. Ce dernier ne se contente pas de photographier les membres du groupe, il raconte une histoire visuelle qui résonne avec leur musique. Chaque photo devient un symbole, un moment suspendu dans le temps qui accompagne l’auditeur au fil des morceaux.

Anecdotes de tournages photo avec le groupe

Corbijn a souvent raconté des anecdotes sur ses séances photo avec U2, notamment une séance dans le désert de Mojave pour The Joshua Tree. « C’était comme si le paysage lui-même faisait partie du groupe, » se souvient-il. Cette immersion totale dans l’environnement et la musique crée des photos qui ne sont pas de simples portraits, mais des évocations de l’âme du groupe.

Depeche Mode : comment Corbijn a créé une esthétique visuelle pour le groupe

Depeche Mode est un autre groupe qui a trouvé en Corbijn un allié visuel de choix. En collaborant avec eux pour leurs clips vidéo et pochettes d’albums, il a contribué à façonner l’image de la bande synth-pop, ajoutant une touche de mystère et de profondeur qui a captivé leurs fans.

Les vidéos iconiques et les pochettes d’album

Corbijn n’est pas seulement photographe pour Depeche Mode, il a aussi réalisé certains de leurs clips les plus célèbres, comme Personal Jesus et Enjoy the Silence. Ces vidéos sont devenues des références, non seulement pour les fans du groupe, mais aussi dans le monde du clip musical.

Impact sur l’image publique de Depeche Mode

Avant Corbijn, Depeche Mode était considéré comme un simple groupe synth-pop. Grâce à ses collaborations, leur image a évolué vers quelque chose de plus sombre, de plus adulte, et de plus intemporel. Corbijn a littéralement sculpté leur identité visuelle, la rendant indissociable de leur musique.

Nirvana, Metallica, et d’autres légendes du rock : diversité et continuité dans ses choix artistiques

La liste des artistes avec lesquels Corbijn a travaillé est aussi longue qu’impressionnante : Nirvana, Metallica, The Rolling Stones, Joy Division… Chaque collaboration apporte son lot de défis, et pourtant, il parvient à capturer l’essence de chaque artiste.

Le style artistique d’Anton Corbijn

Le style d’Anton Corbijn ne se résume pas à un choix de noir et blanc, il s’agit d’une approche globale de l’art visuel. Son esthétique se caractérise par un minimalisme assumé, où chaque élément a sa place, rien n’est superflu.

Le choix du noir et blanc : pourquoi Corbijn privilégie cette esthétique

Pour Corbijn, le noir et blanc permet de révéler l’âme des artistes. « Les couleurs peuvent distraire, » explique-t-il, « le noir et blanc nous force à voir les détails, les imperfections, et c’est là que réside la vérité. » Ce choix de couleur est devenu une marque de fabrique, un moyen de distiller l’essentiel.

Anton Corbijn Photographe

Le minimalisme et l’authenticité : capturer l’essence des artistes

L’approche de Corbijn est résolument minimaliste : pas de décors extravagants, pas de retouches sophistiquées. Ce qui compte, c’est l’émotion brute. Son objectif est de dénuder les artistes de tout ce qui est superficiel pour atteindre ce qui est réel. « La photographie, c’est une quête de vérité, » dit-il souvent.

L’influence du cinéma sur ses photos : un regard de réalisateur

Les photos de Corbijn sont souvent comparées à des scènes de films. Cela n’a rien d’étonnant, puisqu’il est aussi réalisateur. Ses expériences derrière la caméra ont enrichi son regard, ajoutant une dimension narrative à ses photos. Chaque cliché raconte une histoire, et c’est ce qui les rend si captivants.

Anton Corbijn, le réalisateur

En 2007, Corbijn fait ses débuts au cinéma avec Control, un biopic sur Ian Curtis, le chanteur de Joy Division. Le film est acclamé par la critique, et Corbijn se fait une place dans le monde du septième art.

« Control » : le film qui a marqué le début d’une carrière cinématographique

Loin d’être un simple biopic, Control est une œuvre intimiste, un hommage à l’univers musical que Corbijn connaît si bien. Le film plonge le spectateur dans l’angoisse et la vulnérabilité de Curtis, et le noir et blanc sert encore une fois de toile de fond pour raconter une histoire profondément humaine.

« The American » et « A Most Wanted Man » : explorer de nouveaux horizons

Après Control, Corbijn continue à explorer le cinéma avec des films comme The American et A Most Wanted Man. Bien que ces films soient très différents de ses débuts photographiques, ils portent la marque de son style : un souci du détail, une mise en scène soignée, et un amour pour les histoires qui vont à l’essentiel.

La complémentarité entre la photo et le cinéma : deux moyens d’expression distincts mais connectés

Pour Corbijn, la photographie et le cinéma sont deux facettes d’une même pièce. L’un capture un instant, l’autre raconte une histoire en mouvement, mais les deux cherchent à révéler l’âme humaine.

Bruce Springsteen Photos

L’héritage et l’influence d’Anton Corbijn

Le nom d’Anton Corbijn est indissociable de la culture rock, mais son influence s’étend bien au-delà de la musique. Son approche a marqué des générations d’artistes et de photographes, et son héritage continue de résonner dans le monde de la photographie contemporaine.

Influence sur les photographes contemporains et les réalisateurs

Les photographes modernes qui cherchent à capturer l’essence des artistes ont souvent été influencés par Corbijn. Son utilisation du noir et blanc, sa capacité à créer des images intemporelles et sa recherche de l’authenticité sont autant de traits repris par d’autres artistes.

La marque Anton Corbijn dans la culture populaire : de la musique aux arts visuels

Que ce soit à travers des pochettes d’albums, des vidéos ou des films, Corbijn a laissé une marque indélébile sur la culture populaire. Il a redéfini ce que signifie être un photographe de musique, et a montré que la photographie peut être aussi puissante que la musique elle-même.

Expositions et rétrospectives : une reconnaissance mondiale de son œuvre

Les expositions dédiées à son travail, notamment à la Tate Modern et au Fotomuseum, attirent les foules et témoignent de la reconnaissance internationale dont il jouit. Elles permettent à un nouveau public de découvrir ses œuvres et d’apprécier la profondeur de son art.

Conclusion

Anton Corbijn n’est pas qu’un simple photographe ou réalisateur, il est un raconteur d’histoires. Son style, son approche, et sa vision ont durablement marqué l’histoire de la photographie et de la musique. Ses œuvres ne se contentent pas de capturer des images, elles capturent des âmes, et c’est cela qui les rend intemporelles.

FAQ sur Anton Corbijn

1. Pourquoi Anton Corbijn utilise-t-il principalement le noir et blanc dans ses photographies ?

Corbijn privilégie le noir et blanc car il considère que cette palette réduit les distractions et permet de se concentrer sur l’essentiel : l’émotion et l’authenticité du sujet. Pour lui, le noir et blanc crée une atmosphère intemporelle et évite que l’image ne soit datée par les tendances en matière de couleur. Cela ajoute également une profondeur émotionnelle, car les contrastes et les ombres révèlent des détails qui peuvent être perdus dans la couleur.

2. Quelles sont les collaborations les plus marquantes d’Anton Corbijn ?

Les collaborations les plus célèbres de Corbijn incluent des groupes tels que U2, Depeche Mode, Joy Division, Nirvana, et Metallica. Avec U2, il a non seulement photographié les pochettes d’albums, mais a aussi contribué à façonner l’esthétique visuelle du groupe pendant des décennies. Pour Depeche Mode, il a réalisé des clips vidéo iconiques et créé des pochettes d’albums inoubliables. Son travail avec Joy Division est particulièrement marquant, notamment pour avoir immortalisé Ian Curtis peu avant sa mort.

3. Comment le style de Corbijn a-t-il influencé la photographie musicale contemporaine ?

Anton Corbijn a introduit un style plus brut et émotionnel dans la photographie musicale, en s’éloignant de l’image glamour et en préférant une approche plus minimaliste et réaliste. Il a mis l’accent sur l’émotion des artistes, capturant des moments de vulnérabilité plutôt que des poses glamour. Cette approche a inspiré de nombreux photographes qui cherchent à aller au-delà de la surface pour capturer l’âme des musiciens.

4. Quel est le lien entre les travaux de Corbijn en photographie et en cinéma ?

Les travaux photographiques et cinématographiques de Corbijn sont étroitement liés par une recherche de vérité et d’émotion brute. En photographie, il capture des instants figés dans le temps qui racontent une histoire, tandis qu’au cinéma, il développe ces histoires sur la durée. Les deux disciplines lui permettent d’explorer l’intensité humaine, mais d’une manière différente : la photographie condense l’émotion en une seule image, tandis que le cinéma la déroule sur plusieurs minutes.

5. Quels films a réalisés Anton Corbijn et pourquoi sont-ils importants ?

Corbijn a réalisé plusieurs films, dont Control (2007), un biopic sur Ian Curtis de Joy Division, The American (2010), un thriller avec George Clooney, et A Most Wanted Man (2014), adapté du roman de John le Carré. Control est particulièrement important car il marque le passage de Corbijn de la photographie au cinéma, tout en conservant son esthétique visuelle caractéristique. Le film a été salué pour sa représentation intime et réaliste de Curtis et a montré que Corbijn pouvait utiliser le langage cinématographique pour explorer les mêmes thèmes que dans ses photographies.

6. Quelles techniques photographiques Anton Corbijn utilise-t-il ?

Corbijn privilégie les techniques simples et directes, évitant les retouches complexes. Il travaille principalement avec la lumière naturelle et utilise souvent des appareils photo argentiques pour obtenir une texture granuleuse. Sa préférence pour les prises de vue en extérieur ou dans des lieux peu conventionnels, plutôt qu’en studio, renforce l’authenticité de ses clichés. Il est également connu pour ses compositions asymétriques et ses angles inattendus qui donnent une impression de spontanéité.

7. Comment le travail de Corbijn avec Depeche Mode a-t-il influencé l’image du groupe ?

La collaboration avec Depeche Mode a débuté dans les années 80 et a contribué à transformer l’image du groupe, passant d’un look synth-pop à une esthétique plus sombre et mature. Les clips vidéo réalisés par Corbijn, tels que Enjoy the Silence et Personal Jesus, ont ajouté une dimension visuelle marquante aux chansons, renforçant l’identité du groupe. Les pochettes d’albums qu’il a créées, avec leur style épuré et émotionnel, sont également devenues des images emblématiques de la culture musicale.

8. Pourquoi les photographies d’Anton Corbijn sont-elles souvent comparées à des scènes de films ?

Les clichés de Corbijn ont un caractère cinématographique en raison de leur composition, de l’utilisation des ombres, et de la narration visuelle qui semble figer un moment d’une histoire plus vaste. Cette approche est influencée par son travail en tant que réalisateur, où il a appris à raconter des histoires à travers une série d’images en mouvement. Chaque photographie semble capturer un moment dans une scène de film qui n’existe que dans l’imagination du spectateur.

9. Quel a été l’impact d’Anton Corbijn sur les artistes avec lesquels il a travaillé ?

Les artistes qui ont collaboré avec Corbijn ne sont pas seulement des sujets de ses photographies, ils bénéficient aussi d’une redéfinition de leur image publique. Par exemple, U2 a évolué vers une esthétique plus introspective grâce à ses photographies, tandis que Depeche Mode a adopté une imagerie plus sombre et symbolique. Son travail ne se contente pas d’accompagner la musique, il la transcende et la complète, créant ainsi une synergie entre son art visuel et l’univers sonore des groupes.

10. Où peut-on voir les œuvres d’Anton Corbijn ?

Les œuvres de Corbijn sont exposées dans des musées et galeries prestigieuses à travers le monde. Des rétrospectives de son travail ont eu lieu au Fotomuseum de La Haye, à la Tate Modern de Londres, et au Foam Museum d’Amsterdam. Pour les amateurs d’art, ces expositions offrent une occasion unique de voir ses photographies en grand format et de découvrir leur impact émotionnel dans un cadre immersif.

11. Pourquoi le style de Corbijn est-il souvent qualifié de minimaliste ?

Le minimalisme chez Corbijn se manifeste par l’absence de distractions dans ses photos. Il élimine les éléments superflus pour ne laisser que l’essentiel, ce qui permet aux sujets de prendre toute la place. Ce style minimaliste, combiné à l’utilisation du noir et blanc, donne une impression de simplicité et d’intensité émotionnelle. Pour lui, moins c’est plus, et chaque détail compte.

12. Quelle est l’importance de l’intimité dans les photographies d’Anton Corbijn ?

L’intimité est au cœur de l’œuvre de Corbijn. Il parvient à établir une connexion avec les artistes qu’il photographie, capturant des moments de vulnérabilité et d’humanité. Ses photos ne sont pas seulement des images de célébrités, elles sont des portraits d’individus, avec leurs forces et leurs failles.

13. Comment Anton Corbijn choisit-il les projets sur lesquels il travaille ?

Corbijn a toujours été sélectif quant aux projets qu’il accepte. Il privilégie les collaborations où il sent qu’il peut apporter une vision unique, et où il y a un défi artistique à relever. Il aime travailler avec des musiciens et des artistes qui partagent une même sensibilité et une ouverture à l’expérimentation. Cette approche lui permet de maintenir une qualité artistique élevée dans son travail.

14. Quel a été l’impact de la numérisation sur le travail de Corbijn ?

Bien que le numérique ait transformé la photographie, Corbijn reste fidèle à l’argentique pour la majorité de ses projets. Il préfère le grain et la texture qu’offrent les films photographiques, même s’il utilise parfois le numérique pour des projets spécifiques. Son attachement à l’argentique témoigne de son désir de préserver une approche artisanale de la photographie.

15. Comment Corbijn voit-il l’avenir de la photographie ?

Corbijn est optimiste quant à l’avenir de la photographie, mais il croit que l’authenticité deviendra de plus en plus importante. Dans un monde saturé d’images, il pense que ce qui fera la différence, ce sera l’émotion et la sincérité capturées dans une photo, plutôt que la perfection technique.

Bonus : Nouveau livre d’Anton (2020)

L’important volume photographique «Depeche Mode by Anton Corbijn» est publié pour la maison d’édition TASCHEN.

Depuis 1986, l’esthétique intemporelle et menaçante du maître photographique néerlandais Anton Corbijn a solidifié la réputation de Depeche Mode en rendant leur image éthérée et toujours avant-gardiste.

« Anton a su donner une identité visuelle au son que les DM commençaient à créer. » Dave Gahan

Le volume contient plus de 500 photographies tirées des archives personnelles de Corbijn, certaines jamais vues auparavant, ainsi que des décors, des croquis, des couvertures d’albums et des observations personnelles de Corbijn.

Egalement en vente est une édition collector (# 201-1 986), chacune signée par Anton Corbijn et Depeche Mode.

Lee Jeffries Photographe humaniste depuis plus de 20 ans

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 26/09/2022 | Les grands Photographes, make

Lee Jeffries Photographe britannique

Pour ceux qui ne le connaîtraient pas encore, Lee Jeffries est un célèbre photographe britannique connu tout particulièrement pour ses portraits de sans-abris. Né en 1971, il vit et travaille à Manchester.

C’est un artiste autodidacte qui a commencé une extraordinaire histoire quotidienne avec les SDF il y a une quinzaine d’années. Dans une interview publiée il y a quelques mois en Grande-Bretagne, il déclarait « Tout le monde passe comme si les sans-abris étaient invisibles. Je transcende la peur, dans l’espoir que les gens réalisent que ces gens sont comme vous et moi ».

Les photographies de Lee Jeffries ont la gravité et l’authenticité des véritables relations humaines. Il connaît chacun de ses sujets personnellement, parfois il partage leur quotidien jusqu’au point de dormir dans la rue à leurs côtés, partageant ainsi la brutalité de leur quotidien.

Pour l’artiste Lee Jeffries c’est le seul moyen de construire une relation réelle et ainsi de donner vie à ses portraits. Les incroyables prises de vue de Lee Jeffries dégagent une sensibilité exacerbée, émouvante, captant la beauté universelle de l’humanité dans ce qu’elle a de plus dramatique.

Lee Jeffries Photographe

Lee Jeffries Photographe

Lee Jeffries Photographe – Lee Jeffries Photographe

Lee Jeffries a déclaré dans des interviews qu’il considérait la photographie comme un moyen de communiquer avec les autres et de trouver une forme de connexion avec les personnes qu’il photographie. Il est également connu pour son engagement envers les causes humanitaires et pour son travail avec des organisations caritatives pour sensibiliser à la situation des personnes sans-abri.

L’histoire de Lee Jeffries

Passionné de foot, Lee Jeffries commença par photographier en premier lieu des manifestations sportives. Un jour, il photographie en cachette une jeune femme sans-abri, dans les rues de Londres. Il va à sa rencontre et c’est à ce moment-là que sa pratique photographique se voit.

En effet, Lee Jeffries a commencé à faire de la photographie en 2008. Avant cela, il travaillait dans le milieu financier à Manchester, en Angleterre. Son premier projet photographique, intitulé « Lost Angels », a commencé par accident lorsqu’il a photographié une jeune sans-abri à Londres en 2008. Cette rencontre a profondément marqué Lee Jeffries et l’a inspiré à poursuivre une série de portraits de personnes sans-abri, en capturant leur humanité et leur vulnérabilité.

Depuis lors, Lee Jeffries a continué à photographier des portraits poignants de personnes en situation de précarité à travers le monde, tout en travaillant comme photographe indépendant et en collaborant avec des organisations caritatives pour sensibiliser à la situation des personnes sans-abri.

Grâce à son style de photographie unique et émotionnellement puissant, Lee Jeffries est devenu un photographe renommé, exposant ses œuvres dans des galeries d’art et remportant de nombreux prix prestigieux de photographie.

Il décide alors de placer les sans-abris au cœur de son art. Il compose alors une série de photos nommée HOMELESS.

L’artiste Lee Jeffries poursuit alors son projet aux quatre coins du monde, car, pour lui, la photographie constitue un moyen d’attirer l’attention et de réunir des fonds pour les « homeless » (sans-abris) du monde entier.

Son style photographique unique utilise des techniques de lumière et d’ombre pour créer des portraits émotionnellement puissants et révélateurs.

Lee Jeffries a exposé ses œuvres dans des galeries d’art à travers le monde, notamment à New York, Paris et Londres, et a remporté de nombreux prix prestigieux de photographie. Ses photographies ont été publiées dans de nombreux magazines et journaux, et ont été utilisées pour des campagnes publicitaires et des projets humanitaires.

En dehors de la photographie, Lee Jeffries est connu pour sa passion pour la course à pied, qu’il considère comme un moyen de se vider l’esprit et de se concentrer sur la créativité. Il est également un fervent défenseur de la sensibilisation à la situation des personnes sans-abri et travaille avec des organisations caritatives pour aider à leur fournir de l’aide et du soutien.

Lee Jeffries en vidéos

Lee Jeffries, ses photographies les plus célèbres

Lee Jeffries est connu pour ses portraits émouvants et intenses de personnes en situation de précarité. Certaines de ses photos les plus célèbres comprennent :

1. « Angelina », une photo de 2011 d’une jeune fille sans-abri à Los Angeles, aux États-Unis. La photo montre Angelina, âgée de 18 ans, avec les yeux fermés et une expression de tristesse et de désespoir sur son visage. Cette photo est devenue l’une des plus célèbres de Lee Jeffries et a été largement partagée sur les réseaux sociaux.
2. « Homeless Simon », une photo de 2013 d’un homme sans-abri à Londres, au Royaume-Uni. Cette photo montre Simon avec un regard intense et déterminé sur son visage, portant une capuche et un manteau qui accentuent son air de mystère et de dignité.
3. « Elizabeth », une photo de 2013 d’une femme sans-abri à Los Angeles, aux États-Unis. Cette photo montre Elizabeth avec un regard dur et déterminé sur son visage, soulignant sa force intérieure et sa résilience.
4. « Benjamin », une photo de 2014 d’un homme sans-abri à Paris, en France. Cette photo montre Benjamin avec les yeux fermés, comme s’il était perdu dans ses pensées, et une expression douloureuse sur son visage, évoquant la douleur et la vulnérabilité des personnes en situation de précarité.

Ces photos, ainsi que de nombreuses autres œuvres de Lee Jeffries, ont été exposées dans des galeries d’art à travers le monde et ont été utilisées pour des campagnes publicitaires et des projets humanitaires.

Lee Jeffries, sa bibliographie et ses expositions

Lee Jeffries a publié plusieurs livres de photographie et a également exposé ses œuvres dans des galeries et des musées à travers le monde.

En 2014, Lee Jeffries a publié son premier livre de photographie, intitulé « Lost Angels », qui rassemble ses portraits de personnes sans-abri prises à Los Angeles. Ce livre a été très bien reçu et a contribué à faire connaître le travail de Lee Jeffries à un public plus large.

Depuis lors, Lee Jeffries a publié d’autres livres de photographie, notamment « Homeless » (2019), qui présente une sélection de portraits de personnes sans-abri prises dans différents endroits du monde, et « Gathered » (2021), qui présente une sélection de portraits de personnes issues de diverses communautés et cultures.

• Le livre « Homeless » de Lee Jeffries, publié en 2019, est un recueil de portraits de personnes sans-abri prises dans différentes villes du monde, notamment à Paris, Londres, Rome, New York, Los Angeles et Amsterdam.

Le livre contient plus de 150 photographies en noir et blanc, qui capturent les visages et les expressions de personnes sans-abri dans leur quotidien. Les portraits sont accompagnés de courts textes qui racontent les histoires de vie des personnes photographiées, permettant ainsi de mieux comprendre leur situation et leur vécu.

L’ouvrage est divisé en plusieurs chapitres, chacun consacré à une ville différente et présentant des portraits de personnes sans-abri spécifiques à cette ville. Les portraits sont souvent très intenses et émouvants, montrant la vulnérabilité et la dignité des personnes sans-abri.

Le livre « Homeless » a été très bien accueilli par le public et la critique, salué pour la qualité artistique des photographies ainsi que pour la sensibilité et l’empathie de l’auteur envers les personnes photographiées. Le livre a également contribué à sensibiliser le public aux questions sociales liées à la pauvreté et à l’exclusion sociale, en mettant en lumière la réalité quotidienne des personnes les plus vulnérables de notre société.

• Le livre « Gathered » de Lee Jeffries, publié en 2021, est un recueil de portraits de personnes de diverses communautés et cultures, prises dans différentes villes du monde. Il est construit sur le modèle de « Homeless ». Le livre contient plus de 200 photographies en noir et blanc, qui capturent les visages et les expressions de personnes issues de différentes origines, races, cultures et religions. Les portraits sont souvent très intenses et expressifs, montrant la diversité et la richesse de l’humanité.

Le livre « Gathered » a aussi été très bien accueilli par le public et la critique, salué pour la qualité artistique des photographies ainsi que pour la sensibilité et l’empathie de l’auteur envers les personnes photographiées. Le livre est une célébration de la diversité humaine et un appel à l’ouverture d’esprit et à la tolérance envers les différences culturelles et sociales.

En plus de ses livres, Lee Jeffries a exposé ses œuvres dans des galeries d’art à travers le monde, notamment à Londres, Paris, Berlin, New York et Los Angeles. Ses photos ont également été exposées dans des musées, tels que le Musée d’art contemporain de Shanghai et le Musée de la Photographie de Moscou.

Les œuvres de Lee Jeffries sont appréciées pour leur intensité émotionnelle et leur capacité à susciter l’empathie envers les personnes les plus vulnérables de notre société. Ses expositions et publications ont contribué à sensibiliser le public aux questions sociales liées à la pauvreté, à la précarité et à l’exclusion sociale.

FAQ sur le photographe, Lee Jeffries

Q1: Qui est Lee Jeffries?

R: Lee Jeffries est un photographe anglais célèbre pour ses photographies de rue réalisées avec des appareils-photos argentiques.

Q2: Quelles sont les principales caractéristiques de ses photographies?

R: Les principales caractéristiques de ses photographies sont la lumière douce et enveloppante et les couleurs vives, ce qui donne une atmosphère unique à ses images.

Q3: Quels sont les principaux sujets de ses photographies?

R: Les principaux sujets de ses photographies sont les personnes à la rue, les sans-abri et les réfugiés, qu’il aime à photographier pour faire prendre conscience des conditions difficiles de leur vie.

Q4: Quel est le style de Lee Jeffries?

R: Le style de Lee Jeffries est un style de portrait intime et émouvant, où les visages et les histoires humaines sont mis en avant.

Q5: Quels sont les appareils-photos qu’utilise Lee Jeffries?

R: Lee Jeffries utilise principalement des appareils-photos argentiques, comme le Canon EOS-1V et le Hasselblad 503 CW.

Q6: Quels sont les logiciels de retouche d’image qu’utilise Lee Jeffries?

R: Lee Jeffries utilise principalement Adobe Photoshop pour retoucher ses images.

Q7: Quels sont les principaux prix que Lee Jeffries a reçu?

R: Lee Jeffries a reçu de nombreux prix, dont le Prix du Public du Taylor Wessing Photographic Portrait Prize et le Prix du Public du Sony World Photography Award.

Q8: Quels sont les principaux projets de Lee Jeffries?

R: Les principaux projets de Lee Jeffries sont ses séries de photographies intitulées « Les Visages de la Marge » et « Les Portraits des Réfugiés ».

Q9: Quels sont les principaux prix que Lee Jeffries a remportés?

R: Lee Jeffries a remporté de nombreux prix, dont le Prix du Public du Taylor Wessing Photographic Portrait Prize et le Prix du Public du Sony World Photography Award.

Q10: Quels sont les principaux livres publiés par Lee Jeffries?

R: Lee Jeffries a publié deux livres, « The Faces of the Margin » et « The Portraits of the Refugee ».

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Bonus INTERVIEW de Lee Jeffries

Vous avez eu une conférence à la Stockholm Gallery,  pouvez-vous me dire de quels thèmes vous avez discuté?

Lee Jeffries: Dans mes conférences, j’essaie de souligner la profondeur des relations avec les personnes que je photographie. Je montre généralement un petit clip vidéo que j’ai réalisé au cours des six dernières années pour le prouver. Il est extrêmement puissant et met toujours le public dans un état de choc émotionnel.

Certains de nos lecteurs ne connaissent peut-être pas la fille sans-abri qui a changé à jamais votre approche artistique. Pouvez-vous m’en dire plus sur cette rencontre inoubliable?
Oui, il y a une histoire que je connais bien. Celle du marathon de Londres. La veille de la course, j’étais dans la rue pour essayer de shooter quelque chose.

Je remarque une fille sans-abri qui est blottie dans un sac de couchage dans une porte de magasin de l’autre côté de la rue et je la photographie avec mon objectif 200 mm! Elle me voit et commence à poser un grand moment. J’ai honte de l’absence de réaction des passants. Tout ce que je veux, c’est la sortir de l’enfer. Quelque chose m’arrête et je vais lui parler. Elle m’a appris ma première leçon de photographe.

Avez-vous une formation en photographie?
Mes photos parlent de foi, d’amour et d’humanité.

Quand j’ai commencé (il y a 6 ans), je n’avais pas d’approche artistique particulière. J’ai vécu ma vie … en aimant … en ouvrant mon cœur à toutes sortes d’influences que j’ai maintenues jusqu’à ce jour. L’amour était le catalyseur de tout. Cela m’a amené de grand moment de plaisir, mais aussi des périodes de solitude sans fin qui se poursuivent encore aujourd’hui.

En fait, cela ne me dérange pas d’admettre que l’amour est la force motrice de tous mes efforts artistiques. Les sans-abris ? Pas parce qu’ils sont sans abri … plus qu’eux je comprends et je reconnais vraiment la solitude avec laquelle je marche tous les jours. C’était et c’est mon point de départ.

Votre entreprise sensibilise et influence la perception de la société. Vous avez également créé de nombreuses initiatives. Pourriez-vous développer?
J’ai eu beaucoup de chance. Une sélection de mes photos peut être achetée dans les galeries YellowKorner du monde entier.

Cela leur a donné une exposition inestimable. YellowKorner et moi avons également pu organiser des ventes aux enchères caritatives, dont la dernière a permis de récolter plus de 25 000 euros pour une association caritative basée à Paris.

J’entends l’incompréhension du public face à l’exploitation commerciale de la pauvreté, mais je pense vraiment que sans un certain nombre d’événements commerciaux comme la vente aux enchères caritatives, les gens n’auraient tout simplement pas pris conscience des conditions de vie d’un sans-abri. Il faut développer un certain niveau de conscience dans le monde de l’art.

Certains portraits ressemblent presque à une photo sincère, ils semblent distraits de leurs propres pensées. Comment y arrivez-vous et comment abordez-vous votre sujet ? Avez-vous une méthode ?
Chaque sujet est un projet. Je vais dans un quartier, par exemple à Overtown à Miami, et je plonge dans une communauté. Je marche dans les rues, mange et dors là-bas pendant des semaines. Je fais partie de cette communauté. Cela me permet d’établir des connexions profondes.

Le post-traitement est un élément clé de votre travail. Pouvez-vous me parler de votre technique ?
J’ai assisté à une réunion avec Justin Zackham à Ojai il y a quelques années et il m’a posé la même question. J’ai commencé à expliquer .. oh pendant environ 20 minutes. Finalement, il a dit: « Lee, j’aurais aimé ne jamais vous poser cette question. Vos photos sont bien plus que tout autre processus. Estimez ce que représente l’image … pas comment elle a été faite. »

Si vous deviez choisir une photo que vous aimez le plus, laquelle choisiriez-vous et pourquoi?
J’ai un lien émotionnel avec chacun d’elles. Si je devais en nommer une seule, ce serait la version couleur des mains en prière. Tout a commencé à Rome. Courir dans les couloirs du Vatican en larmes. Cette image capture l’essence de ce que j’ai fait là-bas.

Page Facebook officielle : Lee Jeffries Photographe