Mass Hysteria l’armée des ombres est le 7e album studio de Mass Hysteria, groupe de métal français.L’armée des ombres est sorti le 27 août 2012. Je me suis occupé sur cet album de l’artwork, des photos presse ainsi que de toute la communication.
L’armée des ombres est le premier album avec Vincent Mercier à la basse, remplaçant Stéphan Jacquet « Titou », ainsi que le dernier avec Nicolas Sarrouy à la guitare. L’ancien guitariste du groupe Olivier Coursier, aujourd’hui dans AaRON s’est occupé des samples de l’album.
Mass Hysteria a 18 ans, une majorité que le cours des années ne dément pas. L’âge de l’émancipation, l’âge auquel rien n’est impossible.
Où nous voyons la liberté, où nous rêvons. Combattant la mode, les périodes sombres, un amour sans faille pour la musique et pour cette alchimie indescriptible entre le groupe et le public. Fort de son expérience et des années passées, Mass Hysteria ne fait plus attention aux détails, et distille aujourd’hui une recette unique en France, faisant fi des détails pour ne conserver que le nécessaire.
Trois ans après « Failles » MASS HYSTERIA change de label, bassiste et adopte le côté sombre de l’album, dont la pochette annonce la couleur: sombre.
Il n’y a plus d’humeurs révolutionnaires festives des albums précédents, le monde a changé, de même MASS et « l’armée des ombres » ne sont rien d’autre qu’un bataillon de survivants face au système actuel qui envisage la destruction de l’homme lui-même.
Oui, pas joyeux, joyeux, mais c’est l’atmosphère qui sort du battage médiatique, il suffit de regarder l’artwork dérangeant pour le remarquer. Même « Positive A Bloc » avec son titre optimiste n’est pas pour là pour calmer l’ambiance.
C’est juste une bombe en introduction à cet album. Un de ces morceaux qui vous frappe sans le voir venir, et annonce la couleur et montre que le groupe n’est pas venu là pour faire de la figuration.
Mass Hysteria l’armée des ombres en tournée
Les samples nous permettent de comprendre que cette chanson est une machine qui écrase tout sur son passage, des guitares grasses et lourdes accompagnent la batterie et sa double grosse caisse sur la quasi-totalité du titre. Le son est très dense, presque étouffant, avec le goût de l’Indus, ce qui n’est pas désagréable.
C’est une recette magique qui déroule sur l’ensemble de l’album. Cela dit, on pourrait penser que « L’Armée des Ombres » n’est qu’un régiment en marche, que le CD est une frontière très linéaire et ennuyeuse. Eh bien, si vous l’écoutez de manière substantielle, oui. Mais l’ambiance est ce que le groupe impose donne toute sa subtilité à l’album.
En effet, les échantillons électros et les sons occupent une grande place dans les chansons, ajoutant à l’atmosphère dure créée par les instruments, des climats différents pour augmenter la pression, comme dans « Commedia Dell » Inferno.
MASS sait aussi surprendre l’auditeur avec le titre « Même si j’explose », son intro sur le clavier et le refrain sont forts et engageants, et dégagent une atmosphère post-apocalyptique dérangeante, mais terriblement excitante.
Aussi dur, sérieux et puissant que l’armée de l’ombre, vous partez bien éveillé et bien ancré dans la réalité économique de plus en plus difficile. Cette fois, Mouss ne porte plus de gants, car ses paroles n’ont jamais été aussi directes. Ils témoignent de son anxiété, de sa profonde préoccupation pour ce monde et de la chute actuelle.
On ne rit plus, l’état d’urgence est annoncé et l’Armée fantôme revient sur scène. Cette nouvelle chanson est la chanson la plus métal, la plus dure et la plus compacte que Mass Hysteria nous ait jamais offerte. Sur cet album, il y a l’occasion de présenter le nouveau bassiste Vince Mercier, qui remplace le symbolique Titou parti l’an dernier.
Le changement s’est opéré avec style avec une basse ronde et éclatante, comme dans « L’homme sans tête ». Mass Hysteria l’armée des ombres est encore plus réussi que Failles, car les titres qui composent cet album sont plus intenses. Au final, on ne voit qu’une chose, le résultat est impressionnant. L’armée des ombres réussit, car en perdant un peu d’insouciance, Mass Hysteria a gagné en efficacité.
Mass Hysteria l’armée des ombres : Le making of
Mass Hysteria l’armée des ombres : Teaser Basse
Mass Hysteria l’armée des ombres : le Teaser
Mass Hysteria l’armée des ombres : Teaser de l’album
Mass Hysteria l’armée des ombres : l’interview
Il semble que Mass Hysteria ait parcouru un long chemin entre un album noir, plus introspectif et personnel, et l’armée des ombres, qui apparaît presque comme un « cri du peuple ». Le rock’n roll doit-il être positionné comme un art de la résistance, dans le contexte actuel ?
Raphaël: Sans faire partie de l’approche punk, le rock’n roll doit redevenir « dangereux ».
Yann: J’écoute et j’aime certaines choses dans le rock d’aujourd’hui, mais je pense aussi que c’est un peu trop propre. Ce qui est actuellement un succès, comme Black Keys, est peut-être trop intelligent, même si la musique est très bien structurée et que le groupe est excellent au concert.
La page « image » est importante, mais elle semble prendre trop de place. En général, je pense qu’il y a un manque de rébellion dans la scène actuelle, une certaine rébellion. Peut-être faut-il qu’un groupe américain émerge en tête du discours pour faire repartir le rock français dans cet esprit. Lorsque Rage Against The Machine est apparu au début des années 90, ils ont profondément changé le paysage musical.
La scène américaine doit-elle être le moteur des artistes français?
Raphaël: Personnellement, je ne suis pas influencé par la scène française. Trust, Bérurier Noir et Lofofora m’ont alors fait forte impression. Ce qui se fait aujourd’hui ne m’intéresse pas vraiment. Cependant, il existe de très bons groupes qui offrent une musique extrêmement forte.
Yann: Il ne s’agit pas de critique, je pense que la musique d’aujourd’hui répond aux exigences du système. Si une grosse locomotive américaine atterrit en France, elle sera suivie par une foule de groupes français.
Cela s’est produit avec la vague de Korn et Deftones. Mass Hysteria a grandement profité de l’explosion de la scène américaine. Le métal existe, le succès du Hellfest est d’en témoigner, mais il se développe en «sous-marin». Aucun média ne veut supporter ce genre, nous sommes fermés plus que toute autre chose.
Raphaël: D’un autre côté, si un gars a l’intention de détruire des tombes et de porter un t-shirt Slayer, les magazines feront la une avec cette anecdote. Il est difficile de développer ce genre de musique en France. Le genre est malheureusement ultra-stéréotypé et pour beaucoup ce n’est rien d’autre que du bruit. C’est toujours une musique complexe qui nécessite une certaine technique et beaucoup d’efforts.
Mass Hysteria est de retour avec un nouvel album, L’Armée des Ombres. Le groupe propose ici un disque plus sombre et plus impliqué, idéalement adapté à l’époque par rapport au message. Comment avez-vous abordé ce septième album : Mass Hysteria l’armée des ombres ?
Yann: Les graphismes de cet album sont très sombres et je pense que cela donne le côté sombre de l’album. Les compositions sont plus « métal » et nettes, mais en termes de paroles l’armée des ombres s’inscrit parfaitement dans la continuité de son prédécesseur. Les textes sont cependant très réalistes et directs par rapport au monde actuel. Je pense que les graphiques peuvent avoir un petit impact sur le contenu de cet enregistrement.
Raphaël: « World on Fire » sur Failles était déjà une chanson engagée, comme « Babylon » sur Une Somme de Détail. Malgré cela, l’armée fantôme a prononcé un discours encourageant et Mouss a d’abord utilisé son slogan « Positif à bloc ».
Yann: Mass vieillit également. Les temps changent et pas nécessairement dans le bon sens. Après tout, nous essayons d’être positifs sur un monde qui devient un peu barbare.
Vous avez changé le bassiste avec le départ de Stéphane, qui était là depuis le début. Comment vous êtes-vous retrouvé dans cette situation et comment avez-vous intégré votre ami Vincent?
Yann Heurtaux: Je ne veux pas m’étendre sur le pourquoi, mais Stephan est parti…, tout ce que je peux dire, c’est que c’était difficile pour les deux côtés. Ensuite, le choix a été fait rapidement: nous ne voulions pas quelqu’un que nous ne connaissions pas, alors nous avons regardé autour et il y avait Vince. Il a passé du temps dans les mêmes bars et nous avons passé de nombreuses soirées ensemble, nous sommes amis depuis longtemps.
Au niveau de la guitare, nous ressentons des influences plus diverses, à la fois plus lourdes et plus repliées si nécessaire. Comment décririez-vous le travail des guitares ?
Yann : Nous avons vraiment pris la tête du son. Il fallait ensuite équilibrer le moment où les machines devaient être présentes et le moment où les guitares devaient prendre le contrôle: le mix était très important, c’est pourquoi nous travaillons avec Fred Duquesne, il nous connaît, je lui fais confiance!
Selon vous, qu’est-ce qui a le plus contribué à ces nouvelles compositions par rapport à ce que vous avez réussi à écrire sur Failles ?
Raphaël: Mass Hysteria l’armée des ombres est plus compact, vous pouvez l’écouter en même temps. A la fin de Failles, je pense qu’il y a deux ou trois titres moins forts. L’armée passe d’elle-même sans se désagréger.
Le disque a une meilleure structure. Mass Hysteria l’armée des ombres est en fait relativement monolithique. Un titre comme « Raison close » impose cependant un tempo moyen plus fort et est enregistré comme un souffle « léger » au milieu de compositions très « métal » …
Yann: le titre se distingue par son ambiance et son rythme. J’adore les paroles de Mouss, il a abordé la chanson un peu différemment. J’aime cette chanson, mais nous ne la jouerons probablement pas, elle scellera l’ensemble, qui est plus axé sur les chansons fortes.
Raphaël: Parmi les chansons « lentes » que nous avons composées, « Raison close » est probablement ma préférée. Mais ce n’est pas vraiment un titre live. C’est génial sur l’album, mais c’est une chanson que vous pouvez écouter dans les deux.
Tous les groupes ont les leurs, à commencer par AC / DC avec « Touch Too Much ». Deux compositions sont également réservées uniquement à la sortie de Digipak, dont le très bon « Soyez vous-même » …
Yann: C’est une combinaison de circonstances. Nous avons fourni notre liste de chansons, et la maison de disques a décidé de faire exploser deux chansons dans la version standard pour réserver une édition limitée. Pour être honnêtes, nous pourrions choisir d’autres opportunités potentielles. Tout s’est passé rapidement, l’ordre de mastering n’a pas pu être modifié.
Mass Hysteria a signé un nouveau label, et comme Failles avait déjà trois ans, nous ne voulions pas perdre de temps inutilement. Vous devez également répondre aux exigences de planification. Cependant, il a été pensé bien à l’avance, nous avons consacré le temps nécessaire à l’écriture.
Raphaël: L’actualité de Mass Hysteria a été particulièrement chargée ces dernières années, notamment en matière de concerts. Nous avons également préparé notre premier DVD live. Nous avons attaqué des compos pour l’armée fin 2011. Nous sommes également à une époque où nous ne pouvons pas nous permettre d’oublier.
Pour De Cercle en Cercle et l’album noir, nous avions composé pendant de longs mois, même si ce n’était pas vraiment volontaire. Aujourd’hui, nous n’avons plus ce luxe, nous devons rapidement revenir au premier plan.
Mass Hysteria L’Armée des ombres reste particulièrement cohérente avec les Failles et Une somme de détails. Le tout peut être écouté comme un bloc ou une trilogie …
Yann: Bien sûr. L’unité résulte également du fait que la trilogie a été produite par Fred Duquesne. Compte tenu du travail qu’il a réalisé sur l’armée des ombres, il est difficile pour cette collaboration d’aller au-delà de ces trois albums.
Dès le premier album, la « touche » de Mass Hysteria était sa capacité à combiner la puissance des guitares avec le côté dance des samples électroniques. Après le départ d’Olivier Coursier, personne n’a repris cette fonction dans le groupe.
Comment avez-vous abordé Mass Hysteria l’armée des ombres ?
Yann: Olivier s’est occupé des appareils de ce nouvel album. Nous avions de très bonnes relations avec lui. Sur Failles, Julien a occupé un poste temporaire. C’est quelqu’un qui a travaillé avec Sinclair. Pour Mass Hysteria l’armée des ombres l’armée des ombres, nous ne savions pas vraiment qui appeler. Nous avons bien sûr frappé à la porte d’Olivier. Son travail est vraiment très bon, il a sublimé les chansons.
Le titre de L’Armée des Ombres fait-il référence au roman de Kessel ?
Bien sûr ! C’est le nom de la résistance des hommes et des femmes pour moi et nos vrais héros. Ce film est exceptionnel avec Lino Ventura! La résistance est le sujet qui nous fascine. La chanson de L’esprit Du Temps leur rend hommage, elle cite deux grands héros, Edgar Morin et Stéphane Hessel, et je recommande fortement la lecture de leurs œuvres.
En tant qu’ancien membre, qu’a-t-il pensé de ce dernier album ?
Il a vraiment aimé cet album. Bien qu’il joue dans AaRON, Olivier écoute toujours du métal. Il suit de près Mass Hysteria. Je sais qu’il aime nos derniers albums et pense que Mass Hysteria l’armée des ombres est l’une de nos meilleures œuvres.
Raphaël: Parmi nos proches, beaucoup de gens semblent avoir la même opinion. Nous avons de vieux fans qui reviennent maintenant sur la musique du groupe.
Yann: L’évolution s’est déroulée progressivement. Mass Hysteria est née d’une somme des détails. Bien que j’adore l’album noir, les gens l’ont mal compris, principalement parce que nous avons fait de mauvais choix en matière de production. J’ai du mal à écouter cet album, mais j’adore ces chansons.
A cette époque, nous avions déjà contacté Fred Duquesne, je regrette toujours de ne pas avoir pu concrétiser cette coopération. Il fallait ramener les fans à la maison. Nous avons vraiment travaillé le son avec Fred. Le public répond de plus en plus, en une semaine nous avons vendu mille disques de plus que Failles sur la même période. Au regard de l’état de l’industrie musicale actuellement, c’est vraiment positif.
Au début de sa carrière, Mass Hysteria aborde la fusion des styles, transplantant des samples dans une musique plutôt rock. Quelle est votre opinion sur les expériences avec le métal et le dubstep qui semblent se multiplier depuis un certain temps?
Yann: J’ai été frappé par la première chanson de Korn, « Get Up! » … Le Dubstep existe depuis des années, mais aujourd’hui il apparaît partout.
Ce mélange crée une musique ultra efficace, notamment grâce au côté fort du rock’n’roll. Personnellement, je trouve ce style de musique assez intéressant, même s’il a tendance à tourner en rond . Rien ne vaut les bons vieux classiques électros. J’ai récemment assisté au concert de Chemicals Brothers, c’était tellement puissant.
Mais Skrillex Zenith était également énorme.
Lizzo a inspiré les pages du numéro de février de Rolling Stone avec une belle série de photos par David LaChapelle. Le photographe et artiste hawaïen a fait ses armes pour le magazine d’interview d’Andy Warhol dans les années 1980 et est depuis devenu une figure importante du monde de l’art pour ses séances de photo hardcore qui apparaissent dans Rolling Stone et d’autres revues nationales du passé.
Les œuvres colorées et remarquables de David LaChapelle sont inspirées de l’iconographie religieuse, du surréalisme et de l’apocalypse. Lorsqu’ils sont lus le plus cyniquement, ils peuvent mettre en évidence les éléments les plus intrépides de leurs sujets célèbres. Mais David LaChapelle est rarement cynique à propos de qui il photographie, et il pense que ce CD combine spécifiquement les aspects « amusants et sains » de son travail avec Lizzo.
En fait, le directeur créatif de la chanteuseLizzo, Quinn Wilson, a déclaré que l’équipe avait reçu les premiers exemples du style et de l’inspiration uniques du photographe. « Je pense que sur le plan esthétique et élargi, j’ai toujours regardé DavidLaChapelle« , a déclaré Wilson à Rolling Stone sur le tournage de la couverture de Lizzo à Los Angeles.
Pendant l’un des plans, j’ai commencé à halluciner parce que c’est tellement incroyable que j’ai travaillé d’une manière ou d’une autre – même si c’est juste un peu de couleur ou juste un peu d’influence de sa part qui a été tourné dans notre travail nous en voyons maintenant le véritable créateur ensemble. Avec elle. Elle est devant son objectif. C’est un moment où je me dis: « Nous avons fait notre travail, nous l’avons bien fait. »
Wilson a ajouté que la chanteuse Lizzo avait probablement mis quelque chose dans la tête de David LaChapelle: « Il n’a besoin d’aucune action », a-t-elle déclaré le matin. Depuis que David LaChapelle a déménagé vers Los Angeles depuis son île il y a environ 14 ans, il s’est éloigné de la photographie de célébrités et s’est concentré sur les films d’art et de danse . Il est apparu en 2018 avec des images surréalistes et souvent risquées de Tupac Shakur, David Bowie, Whitney Houston et Keith Richards. Kanye West, Miley Miley Cyrus et bien d’autres.
La photo de Lizzo réalisée par David LaChapelle photographe en couverture de Rolling Stone
David LaChapelle avec Rolling Stone a récemment parlé, depuis sa maison à Maui, de travailler avec la chanteuseLizzo pour faire une premiere couverture. Qu’est-ce qui vous a amené à Lizzo en premier et vous a permis de travailler ensemble ? « Un ami a joué une chanson d’elle; Je suis ici à Hawaï, donc je suis un peu déconnecté. J’écoute Stevie Wonder. De temps en temps, il y a une chanson qui vous éblouit et nous shootons ici avec mon ami: « Je fais ma coiffure. Regarde mes ongles Bébé, comment vas-tu? Je me sens bien. » Je veux dire que c’est la chanson de joie qui n’est jamais sortie.
C’est tellement joyeux et plein de lumière et nous avons tous dansé et juste soufflé les haut-parleurs dans la jungle. Tellement merveilleux. Je l’ai aimée, puis je l’ai oubliée. Et puis j’ai regardé quelque chose sur YouTube et je pense que mes algorithmes sont similaires … J’aime Chaka et Aretha, alors ils ont posté une vidéo d’elle. Et j’ai pensé, attends, c’est cette fille !
Elle fait son truc, chante et bouge, puis joue de la flûte, et je me suis dit: que se passe-t-il?
Chaque fois que quelqu’un peut jouer d’un instrument, c’est juste magique pour moi. C’est comme la fille de la classe assise à l’arrière. C’est la fille que j’ai forcée à être ma meilleure amie au lycée. Elle a juste pleuré sur cette flûte et j’ai pensé: « OK, ça doit arriver. Je veux la prendre en photo. » Et c’était tout.
David LaChapelle photographe
David LaChapelle photographe
David Lachapelle photographe
David LaChapelle photographe
David Lachapelle photographe – David Lachapelle photographe
Bonus: David LaChapelle photographe explique son inspiration pour le tournage de la couverture de Lizzo ‘Rolling Stone’
La « musique de Lizzo est une sorte d’évasion et de joie, et j’étais vraiment attirée par elle pour cette joie qu’elle a. C’est le genre de fille vers qui j’aurais gravité au lycée R…
Lizzo orne les pages du numéro de février 2020 de Rolling Stone avec une magnifique série de photographies de David LaChapelle.
Le photographe et artiste basé à Hawaï a fait ses premières armes en travaillant pour le magazine Andy Warhol’s Interview dans les années 1980, et est depuis devenu une figure majeure du monde de l’art pour ses séances photo de célébrités non traditionnelles, apparaissant dans Rolling Stone et d’autres magazines nationaux pour les trois dernières décennies. Les œuvres colorées et saisissantes de LaChapelle s’inspirent de l’iconographie religieuse, du surréalisme et de l’apocalypse.
S’ils sont lus de la manière la plus cynique, ils peuvent mettre en évidence les éléments les moins recommandables de leurs sujets célèbres. Mais LaChapelle est rarement cynique à propos de qui il photographie, et il dit que ce tournage en particulier visait à fusionner les aspects « amusants et sains » de son travail avec la personnalité de Lizzo.
En fait, la directrice créative de Lizzo, Quinn Wilson, a déclaré que pour les premiers exemples de style et d’art unique de la pop star, son équipe s’était inspirée du photographe. « Je pense que d’un point de vue esthétique et de référence, j’ai toujours regardé vers David LaChapelle », a déclaré Wilson à Rolling Stone sur le tournage de la couverture de Lizzo à Los Angeles.
« Pendant l’un des tournages, j’ai commencé à pleurer, parce que c’est tellement incroyable d’avoir fait du travail d’une manière ou d’une autre – même si c’est juste, comme, une petite touche de couleur, ou juste une toute petite influence de lui qui est incluse dans notre travail – nous voyons maintenant le véritable créateur de cela avec elle.
Elle est devant son objectif. C’est un moment où je me dis: « Nous avons fait notre travail, nous avons bien fait notre travail. » Wilson a ajouté que Lizzo a dû déclencher quelque chose à LaChapelle depuis, « Il n’a pas besoin du concert », a-t-elle dit en riant. Depuis qu’il a déménagé sa base de travail de Los Angeles vers sa résidence actuelle sur l’île il y a environ 14 ans, LaChapelle s’est largement éloigné de la photographie de célébrités, se concentrant plutôt sur les belles œuvres d’art et les films de danse occasionnels. Il a publié ce qu’il a dit être ses dernières collections de livres, Lost + Found, Part I et Good News, Part II,…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
All access pour ce shooting avec un groupe décontracté malgré l’enjeu. Avoir un accès à la scène et aux backstages est toujours un grand bonheur, car si les 3 premiers morceaux dans le pit, c’est déjà une bonne chose, pouvoir avoir aussi des points de vue de derrière la scène est assez exaltant.
Un moment toujours trop court dans des arènes que je commence à connaître par cœur.
Retour en image et interview du groupe par Mike Smith.
Enjoy.
Interview Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band) par Mike Smith
Avatar , l’un des groupes de métal les plus intrigants et visuellement les plus intrigants à émerger de Suède cette décennie, s’est produit dans une machine à sous pour Mushroomhead lors de la phase 2 à Lynchburg, en Virginie.
Bien avant l’heure du spectacle, alors que les premiers arrivants se rassemblaient nonchalamment devant les portes du lieu, je me suis assis à une table dans le restaurant adjacent avec Johannes Eckerström, un vrai leader s’il en était.
Géant sortant d’un jeune homme, à la fois en taille physique et en esprit, Johannes est le dernier d’une longue lignée de figures de proue métalliques inclinées dans le théâtre telles que Marilyn Manson et King Diamond.
Avec le port de la peinture faciale macabre de marque encore à quelques heures de distance, le chanteur germano-suédois et moi avons pu nous rapporter en tant que contemporains sur une multitude de sujets, en commençant par son groupe lui-même et en passant par la nostalgie musicale, jusqu’à «Selling Out », aux malheurs du nü-metal, au piratage, aux différences culturelles, au mythe du« Rock God »et à la« mentalité de groupie », et bien plus encore.
Si jamais une interview pouvait être décrite comme un portrait d’une personne, j’ose dire que ce serait celle-ci. Je vous donne Johannes Eckerström d’Avatar – non abrégé, non édité et non censuré.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Mike Smith : J’avoue que je suis encore très nouveau sur Avatar. J’ai passé en revue «Black Waltz» en 2012 pour un magazine, mais je n’en ai jamais eu de copie, et ce n’est qu’à «Hail The Apocalypse», [2014] et maintenant cette tournée que je suis vraiment devenu curieux. Avatar semble assez différent de beaucoup de ce qui existe, donc en gros, de quoi êtes-vous les gars?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, « Black Waltz » a été le premier album à sortir aux États-Unis. Les trois albums précédents, nous n’en avions sorti qu’en Europe – en fait le troisième n’a été sorti que par un petit gars indépendant dans un garage au Japon.
Et il a cessé de répondre aux e-mails après un mois, donc je ne compte pas vraiment celui-là. [rires] « Black Waltz » était le premier album où nous nous sommes vraiment mis ensemble. Cela a commencé à devenir plus qu’une simple chanson, même si je sentais que nous avions fait nos meilleures chansons à ce jour sur cet album.
Nous avons compris que nous voulions tout traiter sur Avatar comme un art, comme un projet d’art conceptuel. C’est ce que nous avons admiré dans de nombreux autres groupes dans toutes sortes de genres différents. Si vous regardez quelqu’un de The Hives à Mushroomhead, ce sont des gens qui réussissent à assembler les visuels avec ce que la musique dit.
Tout communique la même chose. La plupart des plus grands groupes le font, soit dans des exemples extrêmes comme KISS, soit subtilement comme Foo Fighters. Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral. Nous savions que nous voulions faire quelque chose comme ça, dans un sens très large du terme.
Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout. Nous lui avons donné un peu de temps, et à un moment donné, nous avons eu une idée pour une couverture d’album me mettant en vedette dans un lac de feu.
Et un lac de feu n’est amusant que si vous avez un vrai lac et un vrai feu. [rires] Nous sommes donc allés à la campagne, et le seul pyrotechnicien assez fou pour l’essayer était un gars du nom de Bryce Graves, d’un groupe américain appelé soit dans des exemples extrêmes comme KISS, soit subtilement comme Foo Fighters. Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral.
Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral. Nous savions que nous voulions faire quelque chose comme ça, dans un sens très large du terme. Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Nous sommes donc allés à la campagne, et le seul pyrotechnicien assez fou pour l’essayer était un gars du nom de Bryce Graves, d’un groupe américain appelé au sens très large du terme. Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout.
Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout. Nous lui avons donné un peu de temps, et à un moment donné, nous avons eu une idée pour une couverture d’album me mettant en vedette dans un lac de feu.
Alors il m’a allumé le feu, et c’était très cool. [rires] Puis il a montré d’autres astuces qu’il pouvait faire, comme manger le verre d’une ampoule et des trucs comme ça. Cela nous a amenés à décider d’utiliser tout cela dans un clip, et tout ce dont nous avions besoin était de m’intégrer dans le contexte de la vidéo.
Nous l’avons vu comme une vidéo de performance, mais il y aurait eu TROP de performances en incluant tout le groupe. C’était une Christina Aguilera, «laisser la chanteuse se promener et chanter et faire des poses sexy».
[rires] Et nous avons eu toute cette ambiance de cirque dans la chanson, avec le son de la valse et des échantillons avec des orgues, alors nous avons étoffé le contexte: faisons de moi un clown effrayant! [rires] Et ça vient de cliquer. Cela a si bien fonctionné, résonné avec moi et l’ensemble du groupe.
Nous avions trouvé le visage de la musique, et quelque chose à partir duquel construire. Depuis lors, c’est une chose très organique, et nous voici aujourd’hui.
Nous savons maintenant que nous voulons toujours connecter la musique avec les visuels, et mettre les vidéos musicales main dans la main avec les chansons elles-mêmes. Chaque aspect est également important. Voilà ce que nous sommes aujourd’hui: un projet d’art conceptuel.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Mike: Et à part votre niveau de confiance à cet égard, qu’est-ce qui a changé dans la musique? Selon vous, qu’est-ce qui a rendu la musique de « Black Waltz » tellement meilleure?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, nous avons commencé à apprendre le principe «moins c’est plus». Personnellement, j’ai eu l’impression de redécouvrir le métal. Je suis redevenu treize ans, en quelque sorte. C’est très simple: en métal, le riff est roi, et le riff est groove. Prenez «Iron Man» de Sabbath, ce rythme, ce riff… [commence à taper sur la table, chanter]
Mike: D’accord. Et TOUT LE MONDE le sait!
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Et imaginez si ça avait sonné comme ça. [tape un rythme rapide et technique en chantant le riff] Ça aurait été la pire chanson de tous les temps! Il devait avoir ce rythme et cette rythmique spécifiques qu’ils avaient élaborés avec Bill Ward. Ils ont créé le bon groove pour cette chanson en particulier.
Mike: Si ça avait été une explosion, les gens ne s’en souviendraient peut-être pas.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, mais dans d’autres cas, ce groove peut également signifier un beat. Je veux dire, je n’aurais pas voulu entendre « De Mysteriis Dom Sathanas » de Mayhem commençant par [tape un rythme de danse, commence la techno-beatboxing, rit]. Pas de groove disco backbeat sur celui-là !
Mike: D’accord. Quel que soit le rythme, il doit être adapté à la chanson.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, exactement – le rythme résonne avec le riff, ce qui crée un groove, et résonne avec le style de jeu des musiciens spécifiques.
Passant du noir au Black Sabbath, «Paranoid» ne sonne VRAIMENT bien que lorsqu’il est interprété par Sabbath, la gamme originale. Ronnie James Dio était un chanteur incroyable, mais l’une des choses les plus faibles qu’il ait jamais faites, à mon avis, est de chanter «Paranoid». Ça n’a pas marché.
Mike: Certaines interprétations de Dio des chansons d’Ozzy sonnaient très bien, mais sur d’autres, vous pouvez certainement dire que quelqu’un d’autre les avait déjà faites, quelqu’un de plus approprié.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): D’accord. Personne ne peut toucher Dio en tant que chanteur en soi, mais parfois cela n’a pas fonctionné aussi bien que quand Ozzy Osbourne a chanté ces chansons particulières.
Il s’agit donc de trouver ce qui vous convient en tant que musicien individuel. Une fois que nous avons compris ces morceaux, écrit des riffs que nous aimions et obtenu quelques titres de chansons dans nos têtes, le ciel était la limite.
Vient ensuite la partie «Pink Floyd» de la composition, où nous emmenons la chanson partout où elle doit aller. Heureusement pour nos carrières, cela signifiait que certaines chansons ne durent que trois minutes et trente-trois secondes, avec un refrain accrocheur.
C’était bien. [rires] Parce qu’ici, aux États-Unis, la radio est toujours importante, même pour le métal, d’une manière qui ne l’est pas du tout en Europe, sauf en Finlande, en gros.
Nous n’écrivons pas de «chansons radio» – nous écrivons simplement des chansons – et certaines chansons devaient durer neuf minutes, et contiennent des guitares de diapositives et des échantillons étranges de comédies musicales indiennes.
Mais de toute façon, il s’agit de respecter les fondations du métal comme nous le définissons, puis de faire ce que nous voulons avec lui.
Mike: Rencontrez-vous des gens qui n’aiment tout simplement pas le fait que vous ayez des chansons à la radio? J’imagine que certains cyniques ne se soucieraient même pas de faire la distinction entre un groupe comme Avatar, dont le processus créatif se traduit parfois par une «chanson radio» et un groupe de cookies que vous pouvez dire, écrit des chansons spécifiquement destinées à la radio.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Je pense que dans un sens… cela nous met dans une foule de gens qui ne me dérange pas d’être.
Une partie de notre public vient de la radio, mais cela ne me dérange pas, parce que je vois toujours des tonnes d’Opeth Des t-shirts à nos concerts aussi, ce qui est très cool pour moi.
Cela me fait penser: «Wow, vous aimez Opeth et nous aussi? Nous devons être plutôt bons, je suppose! Cool! » [rires]
Mais c’est intéressant d’être ici aux États-Unis, parce que le truc de la radio ne nous est pas arrivé en Europe, et je ne pense pas que cela arrivera jamais, parce que ces chaînes ne sont tout simplement pas là. Ici, nous sommes plutôt considérés comme un groupe de rock radio-friendly, mais c’est bizarre…
Il y a quelque temps, j’ai mentionné Mayhem. Nous venons de ce genre de formation en tant que groupe; nous étions à l’origine un groupe de death metal quand nous apprenions à jouer en faisant des reprises.
C’était tout «Hammer Smashed Face. « [Cannibal Corpse] Et puis d’autres trucs ont été intégrés au fil des ans, puis d’une certaine manière, certains ont commencé à s’intégrer dans le format radio. Mais ça ne me dérange pas, tu sais? Tant que je ne suis pas tenté d’écrire uniquement dans ce but.
Mike: Bien sûr. Ensuite, tout deviendrait vicié assez rapidement.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Nous devions donc rester concentrés sur ce sentiment que nous avions lors de notre petite «fête de réunion» dans la brasserie de Göteborg.
[rires] «Ne nous répétons pas; mettons-nous au défi; faisons-le pour nous. Et si la direction peut le mettre à la radio, alors oui, tant mieux pour eux!
Mike: Cela vous a-t-il étonné qu’Avatar ait atteint ce niveau ici aux États-Unis? Après quelques tournées et la performance Rock on the Range, et bien sûr la radio, les gens bourdonnent vraiment sur vous.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, j’essaie de trouver un équilibre avec ma mégalomanie. [rires] L’auto-qualification est un sentiment que je déteste juste… mais quand vous êtes concentré sur votre travail, vous êtes comme, [parlant très rapidement]
«OK, donc nous devons aller à la direction et obtenir cet accord et allons à notre [charabia indéchiffrable]. » [rires] Vous transformez ces rêves en objectifs très rapidement, vous savez?
Bien sûr, parfois vous vous arrêtez et l’appréciez, comme « Hé, c’est assez mignon. »
Mais pour nous… Oui, en quelque sorte, nous avons été surpris que les gens nous aiment tellement. Nous ne pouvions pas savoir cela à l’avance. Mais là encore, nous avons eu près de dix ans de pratique en Europe et dix ans d’erreurs, ce qui a conduit le groupe qui a sorti «Black Waltz» comme son premier album ici.
Le niveau d’entrée d’expérience que nous avons eu en arrivant ici a conduit à des partenariats que nous avons construits immédiatement. Nous n’avions plus d’agent de réservation travaillant dans le garage de sa maman à côté de la maison de la maman de notre bassiste. [rires]
Ce type était de retour en Suède. Ici, nous n’avons pas eu à parcourir ces étranges contrats de label où ils spécifient toutes les planètes du système solaire, où ils ont également les droits de libération à des fins futures, lorsque de nouvelles planètes sont découvertes, et bla bla bla. Toute cette merde bizarre.
[rires] Nous n’en avions pas ici, car nous avons vécu ces expériences en Europe. Nous sommes venus ici en tant que groupe beaucoup plus expérimenté, sachant mieux ce que nous voulions. Vous pensez toujours que vous êtes honnête sur le plan artistique, mais c’est toujours un processus d’apprentissage pour décoller des couches de vous-même et trouver de nouveaux niveaux d’honnêteté. «Black Waltz», en ce sens, était notre album le plus profond jusqu’à cette date.
Donc pour ces raisons, je n’ai pas été vraiment choqué par notre succès, parce que la configuration était déjà là, mais nous avons eu de la chance que les chansons semblent également être aux normes, et que les gens les aiment.
Cette partie que vous ne pouvez jamais connaître et ne garantissez jamais, et nous ne savons toujours pas. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien!
Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça. Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène. Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire.
Tout ça est plutôt cool. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien! Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça.
Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène.
Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire. Tout ça est plutôt cool. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien! Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça.
Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène. Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire. Tout ça est plutôt cool.
Mike: Je peux imaginer prendre les choses au fur et à mesure – «Nous sommes arrivés à ce niveau, cool… Allons-nous aller plus haut? Peut-être, peut-être pas – Oh, niveau suivant! C’est cool aussi. «
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, je veux dire, nous avons faim, et maintenant nous sentons que nous pouvons construire le groupe, sur le plan professionnel, d’une manière que nous avons eu du mal à comprendre il y a cinq ans. Cela n’a pas vraiment bougé à l’époque. Maintenant ça bouge et c’est très amusant.
Mais c’est aussi devenu un peu un travail. Ce n’est pas un mauvais travail, mais encore une fois, vous transformez ces rêves en objectifs, et l’idée est de rester à la terre et concentré. Cela rend difficile de s’arrêter et de célébrer.
Ce qui ressemble à un point de réussite de l’extérieur est en fait un point de travail intense pour le groupe. Nous sommes très occupés maintenant, ce qui est très cool, mais nous ne nous arrêtons pas pour secouer les bouteilles de champagne. [des rires]
Mike: Au sujet de ce type théâtral de hard rock et de métal … il y a eu un grand succès populaire il y a dix, quinze ans, lorsque des groupes ont éclaté comme Slipknot, Mudvayne et Mushroomhead – qui sont ici ce soir, bien sûr.
Si Avatar avait fait son truc à cette époque ou légèrement avant, pensez-vous que les choses se seraient déroulées de la même manière? Ou pensez-vous que quelque chose devait changer en premier, comme la montée en popularité de groupes suédois comme In Flames?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): C’est la partie intéressante, ce que tu dis là. Évidemment, si nous devions sortir « Hail The Apocalypse » il y a vingt ans, tout un tas de nos influences n’auraient pas encore existé.
J’ai toujours l’impression que nous avons fait un nouvel album, et il est toujours dans le genre du métal, donc dans ce sens, il aurait été lié à quelque chose de préexistant, avec notre propre petit point de vue bien sûr.
Mais si nous l’avions sorti à cette époque… l’album « Mutter » de Rammstein [2001] n’aurait probablement pas été sorti, et nous l’avons beaucoup écouté. [rires] Donc je suppose que si vous le formuliez ainsi, nous aurions encore plus époustouflé!
Oui, peut-être que nous nous serions adaptés au contexte de cette scène… mais inévitablement, cela aurait été légèrement différent. Je ne sais pas vraiment. Mais il est toujours intéressant de spéculer!
Mike: Oui, les divisions entre les scènes américaine et européenne, et les grandes migrations de tendance, m’ont toujours beaucoup fasciné. Par exemple, il a fallu quelques années au style métallique de Göteborg pour se faire remarquer ici aux États-Unis.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Et vice-versa. Parce que quand on écoutait ces groupes de Göteborg… enfin, pour moi en particulier, ce sont des groupes un peu plus anciens qui m’ont fait entrer dans le métal en général. Années 70 et 80. Et donc, les nouvelles choses à l’époque – ce terme méprisable de «nü-métal» – n’étaient pas correctes.
Les fans de Slipknot n’étaient pas du tout des metalheads, selon moi à l’époque. [rires] Ça m’a pris du temps, parce que maintenant j’adore Slipknot, et j’entre dans Mushroomhead. «Mesmerize» de System Of A Down est à chaque fois l’un des albums de fête de notre groupe. Tellement de ces trucs. Mais à quinze ans…
Mike: « Posers! »
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): « Posers » n’était même pas assez fort. Cela ressemblait plus à du «poison». Nous pensions que cela détruisait le métal. [rires] Cela me fait me demander… si nous faisions cela en Suède en 1999, en nous peignant, en faisant le truc théâtral dans cet environnement à l’époque… [grimace]
Je pense que l’Europe est plus ouverte MAINTENANT à ce que nous faisons. Tout comme il a fallu un certain temps aux groupes suédois pour percer en Amérique du Nord, il a fallu un certain temps aux enfants comme moi pour aimer Slipknot.
Mike: Une chose similaire m’est arrivée. J’avais quinze ans lorsque Slipknot a sorti ses débuts, que je suis devenu fou, et j’étais aussi à Korn à cette époque, mais j’ai ensuite quitté la phase et j’ai fait une grande croisade élitiste «anti-nü-metal» pendant quelques années. .
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Mais ensuite, quelques années plus tard, je parie que vous avez accidentellement entendu « Spit It Out » et que vous avez commencé à faire cela … [commence un tête à tête « Night At The Roxbury »] et que vous avez pensé: « C’ÉTAIT hypocrite. » [des rires]
Mike: [rires] C’est exactement ce qui s’est passé. J’avais rangé mes CD Slipknot et je me suis promené en disant aux gens: «Blah, Korn est le pire», et cetera.
Johannes (AVATAR Métal Band) : «Je ne les ai jamais aimés! Ce n’est jamais arrivé! » [rires] Ouais, je me souviens d’un gars de quelques années plus jeune que moi qui vivait dans ma rue. Il a commencé avec les trucs nü-metal, et chaque année, il a continué à devenir plus d’un « truc metalhead ».
Et pendant la période de transition, il a précisé qu’il n’aimait que le VIEUX ÉCOLE Limp Bizkit. [rires] Il disait: « Je n’aime que leurs affaires avant qu’elles ne soient toutes vendues. » Parce que c’est ce que vous avez dit à propos de n’importe quel groupe au cours d’une transition – vous n’aimiez que la «vieille école», l’original, la vraie «avant qu’ils ne soient tous vendus». Et personne ne définit jamais vraiment quand ils ont vendu.
Mike: Beaucoup de gens doivent mettre un qualificatif sur les choses. Vous ne pouvez jamais simplement aimer un groupe; vous devez vous annoncer «ne les aimez que jusqu’à [X] album».
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): D’accord, et l’histoire de Limp Bizkit montre vraiment à quel point c’est bizarre, surtout à l’époque où In Flames a sorti « Reroute To Remain ». [2002] Cela a changé beaucoup de choses.
Mike: C’est un super album, cependant.
Johannes (AVATAR Métal Band) : J’adore! Mais je devais les voir en direct avant de me sentir à l’aise avec ça. Parce que pour un, ils… [fait une grimace horrifiée] ont tourné avec Slipknot! En Amérique! Porter une salopette blanche sur scène! [rires]
Nous étions tous du genre: « Hmmm, je ne suis pas sûr de ça… » nous sommes en sécurité; «Natural Born Chaos» [2002] est un album incroyable », et tout.
Nous avons donc vu cela, et cela nous a réchauffé à «Reroute To Remain». Nous nous sommes finalement simplement dit: «Eh bien, qu’est-ce qu’un sold out de toute façon?»
Pour moi, c’était comme si Avatar flirtait avec le «sold out» sur le troisième album, mais ensuite ça a explosé! Personne n’a aimé ça. Parce que vous ne pouvez pas faire de la bonne musique de cette façon. Aucune chance.
Mike: Et vous ne pouvez pas techniquement «vendre» si personne ne l’achète.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Nous avions tellement de sentiments mitigés, parce que nous voulions être plus thrash et plus brutaux, mais aussi plus traditionnels…
nous voulions être TOUT en même temps, sauf pour nous-mêmes. C’était étrange. Il était difficile de se concentrer artistiquement, car nous essayions de plaire à tout le monde.
Mike: Et je suppose qu’avec plus d’âge et de maturité vient la simple satisfaction de vous plaire, comme avec la redécouverte de groupes comme Slipknot et Korn et en décidant que vous les avez vraiment aimé à nouveau après tout.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Bien sûr, et à quelques exceptions près, j’ai arrêté d’adorer les catalogues entiers des groupes. Non pas parce que certains albums sont «à guichets fermés» et d’autres «pas à guichets fermés», mais simplement parce qu’ils deviennent plus sélectifs.
Ce n’est même pas vraiment une question de genre. C’est juste de bonnes choses. Je pense que dix pour cent de ce que Marilyn Manson a fait est vraiment incroyable pour moi. Il m’a fait peur et a déclenché ma puberté d’une manière si étrange.
Je n’étais pas prêt quand j’avais douze ans, quand « Mechanical Animals » [1998] est sorti!
C’était bizarre et explique beaucoup de choses qui ne me conviennent pas aujourd’hui. [rires] Mais à part ça… Aujourd’hui, je reconnais certaines choses qui sont plus faibles, mais j’aime toujours ces dix pour cent – ces chansons en particulier, ou peut-être un album complet ici ou là.
Mike: Êtes-vous un gros téléchargeur?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Non, mais je suis un produit de mon temps. Je possède bien plus de CD et de vinyles que la plupart des mecs nés en ’86, mais aussi beaucoup moins que ceux nés quelques années avant moi.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Tout le groupe, nous sommes tous un produit de notre temps. Avatar n’a jamais existé avant Napster. Ils avaient le nom en 2001, et j’ai rejoint en 2002, quand nous étions enfants. Napster était déjà fini et mort à ce moment-là.
C’était Kazaa ou autre chose, tout ce partage de fichiers. Nous n’avons donc publié de musique que pendant l’ère du téléchargement. Je préfère la solution iTunes, Spotify, «venez nous voir et achetez un T-shirt».
Qui a besoin d’être aussi riche que les Rolling Stones? Sérieusement. Cela me rend un peu d’accord avec ça. Lorsque l’argent disparaît, il supprime un peu de la cupidité au fil du temps.
Mike: Et peut-être aussi un peu de pression financière.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, et l’inconvénient est qu’avec le niveau où nous sommes maintenant, à une époque différente, nous aurions peut-être obtenu beaucoup plus d’argent à l’avance pour faire des conneries plus folles que nous ne pouvons le faire maintenant, mais quand même, nous le faisons ont un support d’étiquette et nous en sommes satisfaits. Donc, c’est comme ça aujourd’hui.
A suivre…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts portraits, pochettes d’albums.
AC/DC Highway to hell est une chanson du groupe de rock australien AC/DC . C’est le morceau d’ouverture de leur album de 1979 Highway to Hell . Il est initialement sorti en single en 1979.
AC/DC Highway to hell a été écrite par Angus Young , Malcolm Young et Bon Scott , avec Angus Young crédité pour avoir écrit le riff de guitare qui est devenu un classique instantané.
AC / DC avait fait plusieurs albums de studio avant et les promouvait constamment via un programme de tournée exténuant, mentionné par Angus Young comme étant sur une autoroute vers l’enfer, d’où le nom.
Cela fait 44 ans qu’AC / DC est sorti pour la première fois d’Australie avec son premier album bruyant, High Voltage , et il est sûr de dire que, à cette époque, le groupe a tout vu et tout fait:
des albums en tête des charts et singles, a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2003, a perdu certains membres clés dans des circonstances tragiques en cours de route.
Mais peut-être le cran le plus impressionnant sur le pied-à-terre collectif d’AC / DC est celui-ci: le fait que, sur la liste des artistes les plus vendus de tous les temps aux États-Unis, AC / DC est classé 10e.
Ce qui signifie que Guns N ‘Roses , Metallica , Van Halen, U2, Aerosmith, les Rolling Stones et d’innombrables autres actes légendaires sont bien derrière AC / DC en ce qui concerne les ventes de disques de tous les temps en Amérique.
AC/DC Highway to hell
AC/DC Highway to hell : Les débuts…
À la fin des années 70, les choses étaient assez différentes pour AC / DC, et il y avait un chemin difficile devant eux avant de pouvoir créer ce qui allait s’avérer être leur album révolutionnaire créatif et commercial, Highway to Hell de 1979. .
Entre la formation du groupe à Sydney, en Australie, en 1973 – avec une formation initiale composée des frères écossais Angus et Malcolm Young aux guitares, Dave Evans au micro, Larry Van Kriedt à la basse et Colin Burgess à la batterie – et 1978, le rugueux- and-tumble rockers a sorti cinq albums studio complets: High Voltage (1975), TNT (1975), Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976), Let There Be Rock (1977) et Powerage(1978).
AC/DC Highway to hell
Le groupe – qui s’était alors solidifié dans l’unité désormais classique de Bon Scott au chant, Cliff Williams à la basse, Phil Rudd à la batterie et les frères Young – a maintenu un rythme assez furieux d’enregistrement et de tournées pendant ces premières années.
Ils construisaient certainement une base de fans fidèles comme en témoignent les foules en constante augmentation et l’augmentation des ventes d’albums à chaque fois. Mais ce n’était pas suffisant – pas pour Atlantic Records, le label américain d’AC / DC, en tout cas.
En 1978, le disco était toujours l’une des formes dominantes de musique sur les ondes américaines, et du côté rock, des tubes dansants savamment produits comme « Baker Street » de Gerry Rafferty, « Miss You » des Rolling Stones, « Foreigner’s » Hot Blooded « et » Wheel in the Sky « de Journey étaient en tête des charts.
AC/DC Highway to hell
Atlantic voulait que AC / DC atteigne un certain niveau de succès radiophonique mesurable aux États-Unis, et le groupe n’allait certainement pas le faire avec des hurlements bruyants et parfois insipides comme « Whole Lotta Rosie », « Riff Raff » ou « She’s Got Balls » . » Enfer, le label n’a même pas sorti Dirty Deeds – qui a été enregistré au début de 1976 – aux États-Unis jusqu’à un an après Bon Scott ‘
Le finale pour Atlantic est arrivée vers la fin de 1978, lorsque le label a sorti le premier album live d’AC / DC, If You Want Blood You’ve Got It.
Cela faisait à peine six mois depuis la sortie de Powerage , et avec cet album ne produisant rien de proche d’une chanson à succès, Atlantic espérait que If You Want Blood ferait pour AC / DC ce que Alive! avait fait pour KISS cinq ans plus tôt – exploitez l’énergie live inégalée du groupe dans un album et priez pour qu’au moins une chanson attrape le feu de la radio à la Kiss « Rock and Roll All Nite », ou la version live de Peter Frampton de « Show Me the Way » « de Frampton Comes Alive en 1976 !
AC/DC Highway to hell – AC/DC Highway to hell
« If you want blood » a moyennement bien performé lors de sa sortie en novembre 1978, devançant les albums studio récents du groupe, mais il est rapidement devenu évident pour Atlantic qu’AC / DC n’allait jamais percer en grand aux États-Unis s’ils étaient autorisés à continuer à écrire de la musique selon leurs propres conditions et enregistrement sur leur propre terrain de Sydney, Australie.
En ce qui concerne le label, une intervention s’impose. Alors que le calendrier passait de 1978 à 1979, le vice-président senior d’Atlantic Records, Michael Klenfner, était dans un avion pour Sydney pour rencontrer les membres d’AC / DC et élaborer un plan de match pour le prochain album du groupe, la suite de Powerage.
Jusque-là, tous les disques d’AC / DC avaient été produits par l’équipe de Harry Vanda et George Young, le frère aîné d’Angus et Malcolm, et enregistrés aux Albert Studios à Sydney – alors quand Klenfner l’a suggéré, pour ce prochain album , le groupe abandonne Vanda et Young et travaille avec un producteur extérieur choisi par Atlantic, les tensions ont commencé à s’intensifier.
Vanda and Young avait connu un succès considérable dans le monde entier en tant que producteurs, auteurs-compositeurs et musiciens, mais cela n’avait pas d’importance pour Atlantic – le label voulait du sang frais dans le camp AC / DC, quelqu’un qui pourrait prendre la puissance brute du blues-rock du groupe et l’énergie live maniaque et l’ajuster en quelque chose qui générerait des chansons à succès et des ventes d’albums plus puissantes.
AC/DC Highway to hell
Comme l’ancien manager d’AC / DC Michael Browning l’a dit aux écrivains Murray Engleheart et Arnaud Durieux dans le livre AC / DC: Maximum Rock & Roll de 2006 , « George et Harry étaient assez honorables à ce sujet. Ils auraient pu être en quelque sorte énervés. »
» Je suis sûr qu’ils l’étaient. Pour une maison de disques américaine, dire qu’il faut changer de producteur alors qu’ils sont en quelque sorte vénérés dans leur propre pays était un peu une gifle, je suppose. Donc c’était très, très difficile. Malcolm et Angus n’aimaient pas du tout ça. Ils étaient très énervés. »
Quand il s’agissait de choisir un producteur qui pourrait, espérons-le, élever le jeu d’AC / DC à un niveau supérieur, Atlantic avait un nom en tête: Eddie Kramer. Kramer travaillait comme producteur et ingénieur depuis le milieu des années 60, et son curriculum vitae comptait des crédits impressionnants: Jimi Hendrix, les Beatles, les Rolling Stones, Led Zeppelin et KISS, entre autres.
AC/DC Highway to hell
Kramer s’est rendu à Sydney où lui et les garçons se sont enfermés dans les studios Albert pour enregistrer des pistes de démonstration, après quoi ils se sont tous envolés pour Miami pour commencer à enregistrer l’album qui deviendrait finalement Highway to Hell – du moins c’est ce qu’ils pensaient tous.
Il n’a fallu que quelques semaines à Criteria Recording Studios, le lieu de travail principal de Kramer, pour que tout le monde se rende compte que, malgré son apparence sur papier, ce n’était pas un match fait au paradis du rock & roll.
« Il ne correspondait pas vraiment à nous en tant que producteur », a déclaré Malcolm Young dans le numéro d’avril 2003 du magazine Guitar World . « Nous lui avons montré les riffs de ‘Highway to Hell’ et il ne l’a pas tout à fait compris. Nous avons pensé, ce type est déconnecté de ce que nous sommes. »
« Et en même temps, je suppose que toutes les idées d’Eddie ne semblent pas nous inspirer », a commenté Angus dans le même numéro de Guitar World .
« Je ne sais pas pourquoi, mais il n’arrêtait pas de parler de pianos. Peut-être pensait-il qu’un piano était une chose intéressante pour un groupe de rock and roll. Mais ce n’était pas le bon mot à utiliser autour de nous. »
Après avoir travaillé ensemble à Criteria pendant trois semaines sans même avoir dépassé la phase de répétition, il était évident pour tous que cette mission devait être interrompue, pronto – et il a fallu un coup de téléphone fortuit de Malcolm Young au manager Michael Browning pour y arriver.
Avec Browning en ligne, un Young clairement agité lui a annoncé que l’enregistrement avec Kramer n’allait pas bien et a demandé à Browning de faire sortir le groupe de Miami.
Comme le destin l’aurait voulu, à l’époque, Browning partageait une maison à New York avec un jeune producteur renommé nommé Robert John « Mutt » Lange et le manager de Lange, Clive Calder.
Alors qu’il était toujours au téléphone avec Young, Browning s’est tourné vers Lange et a dit: « Mec, tu dois faire ce disque. »
Lange était un producteur accompli à l’époque, ayant travaillé avec des artistes principalement britanniques comme City Boy, Graham Parker, les Motors, Savoy Brown et les rockers irlandais les Boomtown Rats – et même s’il n’avait pas le palmarès hard-rock d’Eddie Kramer, Atlantic Records était très favorable à ce que Mutt Lange prenne la tête de l’enregistrement de Highway to Hell .
Après la débâcle de Kramer, les membres d’AC / DC hésitaient naturellement à entrer dans une autre situation avec un producteur autre que leur équipe de confiance de longue date de George Young et Harry Vanda.
«Nous étions très prudents à l’idée de travailler avec n’importe qui de nouveau», a déclaré Angus Young dans le numéro d’avril 2003 de Guitar World .
«À un moment donné, nous avons pensé, y a-t-il quelqu’un là-bas, autre que George et Harry, qui peut vraiment rendre justice à notre musique?
Et en fait, certaines des choses que nous entendrions sur ce que les gens faisaient avec les disques, nous Je dirais: « Décidément, c’est trop extravagant.
» Vous entendiez dire que des producteurs ont enlevé un groupe pendant deux ans, les ont mis dans un manoir. Et c’était quelque chose que nous ne voulions pas. Nous étions donc assez nerveux. »
Avec Mutt Lange maintenant enfermé en tant que nouveau producteur d’AC / DC, le vrai travail sur AC/DC Highway to hell pourrait enfin commencer.
Le groupe était trop heureux de quitter Miami ensoleillé et de se diriger vers Londres froide et morne au début de 1979 pour rencontrer Lange et commencer.
Pendant les deux semaines suivantes, le groupe a travaillé sur toutes les nouvelles chansons dans un espace de répétition miteux qui n’avait pas de chaleur, à l’exception d’un petit radiateur au kérosène et d’un sol en terre battue. Les manteaux d’hiver étaient souvent portés lors des séances d’entraînement.
Mais c’est exactement là que Highway to Hell a finalement commencé à se réunir, et à la fin des deux semaines, toutes les chansons étaient affinées et prêtes à être enregistrées – ce qui était différent des sessions d’enregistrement précédentes, pendant lesquelles AC / DC passait habituellement le temps d’écrire et de réécrire des chansons en studio jusqu’à ce qu’elles soient prêtes.
En mars 1979, AC / DC se retrouva niché dans les Roundhouse Studios de Londres avec leur nouveau producteur pour commencer ce qui allait être la session d’enregistrement la plus importante et la plus critique de la carrière du groupe.
AC / DC et Mutt Lange ont cliqué tout de suite, et leur respect mutuel a fait que les sessions d’AC/DC Highway to hell se sont déroulées rapidement et sans heurts, avec très peu de bosses en cours de route (à part la rencontre occasionnelle avec Scott sur sa performance vocale. ).
Le groupe avait toujours enregistré en direct en studio, et Lange savait qu’il ne valait pas mieux que de suggérer une approche différente.
«Mutt s’est rendu compte que nous étions un bon groupe qui pouvait jouer de leurs instruments, alors il nous a laissé aller», a déclaré Malcolm Young dans Guitar World .
« La liberté était là. Et nous lui avons donné la liberté aussi – nous essayions tout ce qu’il nous demandait. Mutt s’intégrait très bien avec le groupe. »
Quelques semaines plus tard – après des sessions d’enregistrement supplémentaires aux Chalk Farm Studios puis un mixage aux Basing Street Studios – AC/DC Highway to hell était terminé.
En fin de compte, Lange a donné à Atlantic exactement ce qu’il voulait: un disque AC / DC avec des chansons bien conçues et entraînantes, des refrains palpitants et une touche raffinée.
La qualité et l’énergie des albums précédents d’AC / DC étaient tout à fait intactes, mais l’élément punk-rock déséquilibré et chaotique qui, selon Atlantic, retenait le groupe sur le plan commercial avait disparu.
Dix chansons et à peine 42 minutes de longueur, AC/DC Highway to hell est un chef-d’œuvre d’écriture tendue et précise et de production sans fioritures – une expérience d’écoute du début à la fin qui plus que tient aujourd’hui, 40 ans depuis son 27 juillet 1979, date de sortie.
AC/DC Highway to hell est dirigé par la chanson titre, avec son refrain entraînant et adapté à la radio, un riff d’ouverture simple mais efficace qui rappelle le classique gratuit « All Right Now », et des paroles sur la vie sur la voie rapide.
Il y a aussi le dansant «Girls Got Rhythm», le boogie-swing de «Walk All Over You», l’explosion de blues au rythme rapide «Beating Around the Bush», le classique du concert «Shot Down in Flames» et l’album sexy, se rapprochant, « Night Prowler. »
AC/DC Highway to hell – AC/DC Highway to hell
1979 a été l’année où tout a changé pour AC / DC. C’était l’année où ils ont établi ce qui allait devenir une relation très fructueuse avec Mutt Lange;
l’année où ils ont appris ce dont ils étaient vraiment capables en tant qu’auteurs-compositeurs et musiciens; l’année où ils ont appris qu’il était acceptable de quitter leur nid confortable à Sydney et de faire de la musique ailleurs dans le monde.
Ils ont également appris à quoi ressemblait le grand succès en Amérique, alors que Highway to Hell atteignait la 17e place des charts américains et était le premier album de platine d’AC / DC aux États-Unis, se vendant à plus d’un million d’exemplaires.
Malheureusement, ce serait aussi la dernière année de Bon Scott sur terre – en février 1980, le chanteur écossais qui faisait la fête serait mort après avoir bu dangereusement, et la carrière soudainement florissante d’AC / DC serait envoyée dans une spirale sombre et déprimante. Bien sûr, ils finiraient par revenir de la tragédie – de retour en noir, pour être précis.
AC/DC Highway to hell : le contexte de l’album
Le titre et les paroles de AC/DC Highway to hell reflètent la nature incroyablement ardue des tournées constantes et de la vie sur la route.
L’autoroute qui a inspiré le nom de la chanson, Canning Highway , relie l’ autoroute Perth Kwinana à son port Fremantle et abritait de nombreux pubs et hôtels préférés de Bon Scott, y compris le Raffles Hotel .
AC/DC Highway to hell a passé 45 semaines sur le tableau des singles allemands , même s’il n’a culminé qu’à la 30e place, à sa 19e semaine sur ce tableau.
Le chanteur principal Bon Scott a été retrouvé mort à l’arrière de la voiture d’un ami, un peu plus de six mois après la sortie de la chanson. La chanson est dans la tonalité de la majeur.
AC/DC Highway to hell a remporté la catégorie « titre australien le plus joué à l’étranger » aux APRA Awards 2009 .
AC/DC Highway to hell : le groupe
Bon Scott – chant principal
Angus Young – guitare solo
Malcolm Young – guitare rythmique, choeurs
Cliff Williams – guitare basse, choeurs
Phil Rudd – batterie
AC/DC Highway to hell : la production
AC/DC Highway to hell a été produit par Mutt Lange dans le cadre de l’album du même nom, et son travail est considéré comme un facteur important dans la livraison de l’un des albums classiques d’AC / DC, l’émergence du son de double guitare, qui a ensuite été perfectionné sur Back in Black , et amélioré les chœurs avec Malcolm Young, rejoint par Cliff Williams pour la première fois.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Festival de Lunel 2020 : A quelques kilomètres de Montpellier, dans le cadre idyllique des nouvelles arènes de la ville, un nouveau festival dévoile sa seconde programmation. J’ai eu le plaisir d’y shooter quelques artiste en 2019, des artistes nationaux et internationaux qui ont présenté leur univers unique dans un nouveau lieu, celui des arènes. Lunel est une commune du département de l’Hérault en région Occitanie.
Festival de Lunel 2019 : Retour sur la programmation.
L’inauguration Festival eut lieu en 2019 avec un démarrage prestigieux et une programmation variée, organisée par l’agence Onze Productions. Une saison estivale mouvementée et musicale pour ce premier Festival avec de superbes invités et des artistes talentueux!
Au programme de ce Festival 2019 du 24 mai au 3 août 2019 onze soirées pour des artistes français et internationaux. D’Aldebert et son enfance le 28 juillet à Barbara Hendricks le 27 juillet via Aya Nakamura le 3 août , il y en eu pour tous les goûts! Le groupeRock Skip the The Use electro rock ouvrit les festivités lors de la première soirée du Festival le 24 mai 2019.
Feder et Mome, les DJs vedettes des platines ont transformé les arènes de Lunel en une immense piste de danse en rythme avec leurs tubes planétaires et house, hip-hop, électro et remix profonds. Le 15 juillet 2019, au soir de la Pescalune, c’est au groupe L.E.J. qui a enflammé les nouvelles arènes de Lunel. Tournée, victoire musicale et nouvel album en préparation, on ne peut plus arrêter la montée en puissance de ces 3 amies d’enfance au talent indéniable.
Julien Clerc participa à ce premier ensemble festival dans les arènes de Lunel et interpréta son répertoire de tubes de chansons françaises pour le plus grand plaisir de ses fans! La Bienheureuse Prêtresse du Blues Barbara Hendricks et ses musiciens donna un concert extraordinaire le 27 juillet 2019 !
Aldebert le 28 juillet (concert à 17h) avec le troisième épisode de ses enfantillages et pour clôturer ce festival le 3 août 2019, l’aspirante star française des 3 dernières années: Aya Nakamura.
Une Programmation polyvalente et populaire pour l’édition 2019 du Festival de Lunel qui a jeté des ponts entre les styles et entre les générations.
De l’électro (Feder, Møme, Synapson, Bleu Toucan, Joris Delacroix, Vimala …) au hip-hop (Fianso, Aya Nakamura Joey Star, Cut Killer, Rim K du 113 …) à la chanson (Julien Clerc, LEJ, Barbara Hendricks). ..), le spectacle jeunesse (Aldebert …) et le format pop-rock (Skip the Use …). En plus des nombreux concerts, des conférences et réunions, des ateliers philo et des activités autour de la culture furent organisées.
une offre large et riche qui fit le succès de l’édition 2019.
Programmation 2019
Skip The Use – Feder – Møme – Vimala – Earth Wind And Fire – Synapson – Joris Delacroix – Bleu Toucan – LEJ – Maxenss – Julien Clerc – Barbara Hendricks – Aldebert – Jeanne Added – Léonie Pernet – Fianso – Joey Starr – Cut Killer – RimK du 113 – Aya Nakamura – Fabien Olicard…
Festival de Lunel 2020 : Une deuxième édition pleine de promesse.
le Festival de Lunel 2020 aura lieu les 5, 6, 7 et 8 août. Il propose pour 2020 de la nouvelle chanson française avec GAUVAIN SERS, les tubes d’OLDELAF, un vent d’indépendance avec BLACK M, suivis de près de LORD ESPERANZA, étoile montante du rap français.
Le Festival de Lunel 2020 célébrera également les 15 ans du label CHINESE MAN RECORDS avec un spectacle explosif de CHINESE MAN, SCRATCH BANDITS CREW et BAJA FREQUENCIA, qui fera bouger la scène de l’arène avec son électro hip-hop classique.
En clôture du Festival de Lunel, MARWA LOUD, nouveau phénomène du hip hop français nommé dans la catégorie French Revelation NRJ Music Awards 2018, offrira au public l’opportunité de découvrir sa voix douce et ses mélodies enivrantes.
Les arènes Francis San Juan sont les arènes de la ville de Lunel dans le département français de l’Hérault. Selon Torofiesta, elle peuvent accueillir plus de 4000 personnes, selon Jean-Baptiste Maudet 3000 personnes.
Elles ont été construites en 1861 et redessinées en 1981. Des courses espagnoles s’y déroulent, principalement des Novilladas, mais surtout des courses camarguaises. Grâce à la restructuration, les arènes de Lunel peuvent étendre leur vocation à organiser des concerts, spectacles et autres événements. L’inauguration de cette nouvelle salle d’arène a eu lieu le samedi 29 septembre 2018.
En décembre 2014, la ville a lancé un concours limité de gestion de projet pour restructurer les arènes afin de créer 1 000 places supplémentaires et un toit qui protège les spectateurs. La capacité totale peut varier entre 3 500 et 5 000 places selon la configuration et le type de spectacle joué (corrida, concert, théâtre, événements sportifs, etc.).
Trois cabinets d’architecture ont répondu au concours: Jakob + MacFarlane, A + Architecture et Jacques Ferrier Architects. L’agence Jacques Ferrier Architects a remporté le concours. Le groupe était composé des architectes CoO Architects, TPF Engineering, Line Environment and Building et dUCKS Sceno. La restructuration des arènes a permis d’augmenter et d’actualiser la capacité d’accueil des spectateurs. Cet endroit est surmonté d’un toit avec des motifs en dentelle qui donnent à l’ensemble un cachet que l’on ne retrouve nul part ailleurs.
Une véritable première pour les arènes semi-couvertes, qui donne à Lunel une touche de charme et de modernité sans précédent. L’inauguration eut lieu le samedi 29 septembre 2018.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
