GREGORY CREWDSON : un des plus grands photographes d’art.
Gregory Crewdson est un photographe contemporain américain qui s’est fait connaître pour ses images cinématographiques, souvent décrites comme des scènes de film. Son travail se caractérise par des mises en scène minutieusement planifiées, des décors grandioses, des éclairages sophistiqués et une forte utilisation de la couleur.
Ses photographies ont captivé des millions de personnes à travers le monde. Sa maîtrise de lacomposition et sa capacité à capturer des moments magiques font de lui un artiste très talentueux.
Crewdson a développé un style de photographie qui s‘appelle «Scene on Location ». Ce style est caractérisé par des prises de vue de scènes de la vie quotidienne à l‘aide d‘un ensemble de lumières et d‘équipements professionnels.
Gregory Crewdson
Ses photos sont connues pour leur beauté saisissante et leur capacité à capturer des moments subtils et poignants.L‘œuvre de Crewdson aété largement exposée dans des lieux tels que la Bienal Internacional de Arte de São Paulo, le PérezArt Museum de Miami et le Museum of Modern Art de New York.
En plus de ses expositions, il a également publié plusieurs livres de photographies qui ont captivé les critiques et le public.
Crewdson a également collaboré avec plusieurs marques célèbres pour des campagnes publicitaires, telles que Nike, Calvin Klein et Audi. Il a également réalisé un certain nombre de films, dont la plus célèbre est « Brief Encounters », qui a remporté de nombreux prix.
En plus de sa carrière photographique, Crewdson a également enseigné à diverses universités et a inspiré de nombreuxétudiants à poursuivre leurs rêves artistiques. Son travail aété salué par des critiques et des fans à travers le monde.
Gregory Crewdson est un photographe qui a captivé le monde par sa maîtrise de la composition et sa capacité à capturer des moments magiques. Son travail est reconnu comme l‘un des plus importants et des plus influents de sa génération.
Les photographies de Gregory Crewdson sont des scènes dramatiques qui se sont arrêtées dans le temps, et c’est au spectateur d’imaginer l’histoire. Il est l’un des plus grands photographes d’art.
Les photographies de l’homme, dit « Edward Hopper of Photography », font l’objet d’une production complexe et d’une attention méticuleuse aux détails de la composition, dans laquelle la lumière occupe une place centrale.
Pour ce faire, Gregory Crewdson a construit au fil des années une équipe digne d’un plateau de tournage.
Biographie de Gregory Crewdson
Né en 1962 à Brooklyn, New York, Gregory Crewdson a étudié la photographie à la State University of New York à Purchase, où il a obtenu son diplôme en 1985. Il a ensuite poursuivi ses études à la Yale University School of Art, où il a obtenu un Master of Fine Arts en 1988.
Crewdson a commencé sa carrière en tant que photographe de rue à New York, mais a rapidement commencé à se concentrer sur des projets plus ambitieux, tels que sa série « Natural Wonder » (1992-1997), qui documentait les paysages de parcs nationaux américains. C’est cependant avec sa série « Twilight » (1998-2002) que Crewdson a véritablement commencé à se faire connaître, présentant des images somptueuses de la banlieue américaine.
Le travail de Gregory Crewdson
Le travail de Gregory Crewdson est souvent décrit comme étant « cinématographique » en raison de sa qualité dramatique et de sa capacité à raconter des histoires à travers des images. Ses photographies sont largement construites et planifiées à l’avance, et souvent réalisées avec une équipe importante de collaborateurs, y compris des décorateurs, des éclairagistes et des acteurs.
Ses photographies présentent souvent des scènes mystérieuses et intrigantes, évoquant des thèmes tels que la solitude, l’aliénation et l’angoisse. Les décors sont souvent des maisons de banlieue, des routes de campagne ou des zones industrielles désaffectées, mais ce sont les éclairages sophistiqués et la précision de la composition qui donnent aux images leur caractère cinématographique.
Les photographies de Crewdson ont été largement exposées aux États-Unis et à l’étranger, notamment à la galerie Luhring Augustine à New York, à la Gagosian Gallery à Londres et à la galerie White Cube à Hong Kong. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont « Beneath the Roses » (2008) et « Cathedral of the Pines » (2016).
Les Début en photographie de Gregory Crewdson
Gregory Crewdson est né à Park Slope, Brooklyn, New York, le 26 septembre 1962. Son premier souvenir de la photographie remonte à son 10e anniversaire lorsque son père l’a emmené voir la rétrospective de Diane Arbus au Museum of Modern Art de New York.
Il décrit cette expérience comme «sa première compréhension du mystère et de la complexité des images» et découvre pour la première fois que les photographies peuvent avoir un aspect psychologique et un pouvoir psychologique.
Il n’a commencé à pratiquer que plus tard lorsqu’il s’est inscrit à Purchase dans sa première classe de photographie alors qu’il étudiait à la State University of New York.
Alors qu’il était destiné à une carrière de psychologue, il était logique pour lui de prendre des photos permanentes et statiques sur les traces de son père, qui avait des difficultés à écrire, à lire et à avoir une pensée linéaire claire en tant que dyslexique.
En même temps, il a suivi des cours de théorie du film avec Tom Gynning – ce qui a eu un grand impact pour lui. Il découvre Blue Velvet de David Lynch et Third Kind Meetings de Spielberg.
L’accessibilité de ces films, qui révèlent un côté plutôt sombre, montre la tension que montrera plus tard son univers photographique. Son univers artistique a été largement façonné par son enfance.
Fils de psychanalyste, il se souvient avoir entendu la confiance de certains patients en écoutant. Ces histoires névrotiques ont produit sa photo à mi-chemin entre le cinéma et le côté sombre du mode de vie américain.
Il puise son inspiration dans la littérature et le cinéma. Ses ambiances s’inspirent des films de Spielberg ou Lynch pour leur science-fiction et leurs mondes étrangers; et rappelez-vous également les couleurs et la fantaisie originale de Wes Anderson.
Il y a également des références à Jeff Walls.
GREGORY CREWDSON
A 26 ans, Gregory Crewdson produit sa première série « Early Work ». Une œuvre de 1986 à 1988 qui a jeté les bases de son univers en illustrant l’ennui et le vide dans les familles américaines.
Par rapport au rêve de vie américain, la série suggère que ce dernier n’apparaît qu’illusoire. Trois ans plus tard, il entame sa deuxième série « Natural Wonder », sur laquelle il travaille pendant six ans jusqu’en 1997.
Les photographies immortalisent des micro-événements oniriques ou monstrueux et représentent des cadavres qui se distinguent d’un environnement rural onirique.
Son style est défini: dans un environnement qui semble être typique des jardins normaux de l’Amérique rurale, une sorte d’étrangeté surgit qui est liée à des opposés.
S’ensuit une phase ultra-productive, où le photographe s’essaie au noir et blanc plein de poésie et de mélancolie avec la série « Negative ».
Dans le même temps, il a produit la série «Hover», qui à première vue montre les rues banlieues ordinaires; mais si vous regardez les détails, vous voyez des scènes étranges et étranges.
L’étrange atmosphère de Crewdson Avec « Twilight »
C’est une série sur laquelle il travaille depuis près de cinq ans – Gregory Crewdson a commencé à s’occuper de l’éclairage cinématographique de son style.
Il fait un meilleur usage de l’aspect narratif des photographies en construisant des compositions complexes et très détaillées qui sont capturées dans des reconstructions complètes en studio ou à l’extérieur de Massachusetts.
Apparence manquante, teint translucide, situations bizarres et mystérieuses, travail avec les couleurs et l’atmosphère; ses photographies stimulent l’imagination du spectateur.
On découvre une femme qui flotte distraitement dans un salon inondé; Un adolescent qui plonge sa main dans la douche et qui a accès au monde souterrain qui crée ce contraste entre le lieu de la vie quotidienne et les voyages dans le sentiment imaginaire du voyeurisme.
L’équipe de Gregory Crewdson s’est agrandie au fil des ans. Les visions de l’artiste nécessitent des installations impressionnantes.
Il travaille en étroite collaboration avec Juliane Hiam, son directeur de studio, directeur artistique et partenaire, avec qui il écrit les scènes de ses images. Il travaille également avec le caméraman Rick Sands et Daniel Karp et sa productrice Saskia Rifkin.
Une façon de travailler similaire à celle du cinéma, et pourtant il n’y a ni avant ni après en photographie. Juste figé un instant. Le photographe utilise cette limitation, qu’il trouve positive dans son travail; pour créer plus de mystère.
GREGORY CREWDSON
Si la série « Beneath the Roses » utilise les mêmes codes et le même style, les photographies seront davantage axées sur l’aspect psychologique et les événements réels. « Créer une image est un acte de recherche. C’est de la recherche, un acte de découverte de soi
. » La solitude, l’inconfort, la désillusion et la frustration composent la complexité des sentiments qui ont été inspirés par les photographies de la série. Les personnages semblent errer sans expression.
Ces photographies représentent des moments de la vie quotidienne où le temps s’est arrêté pour prendre un tour irrationnel, explique Gregory Crewdson.
Il s’agit de la dernière série qu’il réalise dans la chambre avec un Hasselblad 8 × 10 – son appareil photo habituel, choisi pour sa clarté et sa présentation précise des détails. Un format moyen de Phase One est maintenant utilisé.
En 2002, il réalise « Dream House » avec les actrices Julianne Moore, Gwyneth Paltrow et Tilda Swindon, qu’il dirige dans cette étrange atmosphère.
L’année 2009 a été suivie de « Sanctuary »: photographies en noir et blanc prises comme documentaire sur les studios Cinecittà à Rome. Destiné à rivaliser avec Hollywood, il a photographié ces studios abandonnés qui étaient en passe de devenir une ville fantôme – et a rendu ces deux séries sacrées pour son lien étroit avec le cinéma.
L’évolution du style Crewdson
Après 5 ans à ne plus produire, Crewdson est revenu en 2014 avec une nouvelle série, Cathedral of the Pines, combinant extérieur et intérieur de la ville de Becket, Massachusetts, où il a passé son enfance.
En période hivernale, les personnages sont toujours plongés dans ce type de vide, seuls, comme s’ils n’étaient pas connectés.
Gregory Crewdson réalise cette série après une phase sombre de sa vie et la considère comme des personnages dans une tentative de « connexion ». Pour lui, l’art et la vie se mélangent et se nourrissent.
Les photographies de Gregory Crewdson, qui frisent la réalité, sont un mélange d’espaces extérieurs rêveurs, mystérieux et désenchantés et de caméras privées, qui résultent du contrôle absolu de chaque élément dont ses images sont composées.
Gregory Crewdson est un photographe et réalisateur américain né en 1962 à Brooklyn, New York.
2. Quel est le style de photographie de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson est connu pour ses photographies mises en scène, souvent grandioses et mystérieuses, avec une esthétique proche du cinéma hollywoodien.
3. Où peut-on voir les photographies de Gregory Crewdson ?
Les photographies de Gregory Crewdson sont exposées dans des galeries et des musées du monde entier. Il a notamment exposé au MoMA, à la Gagosian Gallery, et à la White Cube Gallery.
4. Quel est le processus de création de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson travaille avec une équipe de professionnels pour créer ses photographies mises en scène. Il utilise des décors grandioses, des costumes, des éclairages sophistiqués et des acteurs professionnels pour créer des images souvent surréalistes.
5. Quel est le message que Gregory Crewdson veut transmettre à travers ses photographies ?
Gregory Crewdson ne cherche pas à donner une signification unique à ses photographies, mais plutôt à susciter une réaction émotionnelle chez le spectateur et à encourager la réflexion sur des thèmes universels tels que l’isolement, l’aliénation et la perte.
6. Gregory Crewdson utilise-t-il des logiciels de retouche d’image ?
Gregory Crewdson utilise des logiciels de retouche d’image pour peaufiner ses photographies, mais il s’efforce de garder l’aspect naturel de ses images et évite les retouches excessives.
7. Quel est le coût d’une photographie de Gregory Crewdson ?
Les photographies de Gregory Crewdson sont très prisées et peuvent se vendre pour des sommes allant jusqu’à plusieurs centaines de milliers de dollars en fonction de la taille et de l’édition.
8. Quel est le processus d’édition des photographies de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson travaille avec des éditeurs pour sélectionner les images à inclure dans ses livres et expositions. Il est très méticuleux dans le choix de ses images et peut prendre plusieurs années pour éditer un seul projet.
9. Gregory Crewdson a-t-il reçu des prix pour son travail ?
Oui, Gregory Crewdson a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment le prix Infinity Award du International Center of Photography et le prix Lucie Award du Photographic Resource Center.
10. Quel est le prochain projet de Gregory Crewdson ?
Actuellement, Gregory Crewdson travaille sur un nouveau projet intitulé « An Eclipse of Moths ». Ce projet comprendra une série de photographies grand format et un film court. Crewdson a décrit le projet comme explorant « l’obscurité de la psyché humaine et les luttes internes que nous traversons tous ».
Imaginez un festival où la musique rencontre l’histoire, où les sons modernes résonnent dans les murs antiques d’un amphithéâtre romain. Ce lieu existe, et c’est là que le Festival de Nîmes prend vie chaque été. Installé dans les arènes de Nîmes, un site classé au patrimoine mondial de l’UNESCO, ce festival offre une expérience musicale unique, alliant la grandeur du passé à l’énergie du présent.
Depuis sa création, le Festival de Nîmes s’est imposé comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs de musique de tous horizons. Dans cet article, nous plongerons dans l’histoire, l’évolution, et l’impact culturel de ce festival unique en son genre, tout en explorant ce qui fait du Festival de Nîmes un événement si spécial.
1. L’Histoire du Festival de Nîmes : Un Héritage Millénaire au Service de la Musique
1.1 Les Origines : Quand l’Histoire Rencontre la Musique
Le Festival de Nîmes est ancré dans une histoire riche qui remonte à l’époque romaine. Les arènes de Nîmes, construites vers la fin du Ier siècle, ont longtemps été un lieu de spectacles, d’abord pour les combats de gladiateurs, puis pour des événements publics au fil des siècles. Cependant, ce n’est qu’en 1997 que les arènes ont été redécouvertes sous un nouvel angle : celui d’un espace dédié à la musique contemporaine.
Les arènes de Nîmes : Ce majestueux amphithéâtre romain, pouvant accueillir jusqu’à 24 000 spectateurs, est l’un des mieux préservés au monde. Avec sa structure elliptique imposante et ses gradins en pierre, les arènes offrent une acoustique exceptionnelle qui en fait un lieu idéal pour les concerts en plein air. L’idée de transformer cet édifice antique en une scène musicale moderne est née de la volonté de conjuguer patrimoine et culture vivante.
AVATAR-metal-band-concert-festival-nimes-credit photo Eric CANTO- (1)
La première édition du festival : En 1997, la ville de Nîmes décide de lancer un festival de musique estivale pour dynamiser la vie culturelle et attirer les visiteurs. Cette première édition marque le début d’une nouvelle ère pour les arènes, qui deviennent un lieu emblématique non seulement pour les habitants de Nîmes, mais aussi pour les artistes et les spectateurs du monde entier. Le succès est immédiat, et le Festival de Nîmes s’impose rapidement comme un événement phare de l’été.
1.2 L’Évolution du Festival : Une Scène Internationale
Au fil des années, le Festival de Nîmes a évolué pour devenir l’un des plus grands festivals de musique en France, attirant des artistes de renommée internationale et un public toujours plus large.
Une programmation éclectique : Le Festival de Nîmes se distingue par sa programmation diversifiée, qui couvre une large gamme de genres musicaux. Du rock au rap, en passant par la musique classique et la chanson française, le festival a su attirer un public varié en offrant des concerts pour tous les goûts. Cette diversité est l’une des clés de son succès, permettant à chaque édition de proposer des moments uniques qui marquent les esprits.
Les grands noms du festival : Au fil des ans, le Festival de Nîmes a accueilli certains des plus grands noms de la musique, comme Metallica, David Bowie, Radiohead, Elton John, et bien d’autres. Ces performances légendaires ont contribué à asseoir la réputation du festival, qui est désormais reconnu comme un événement incontournable pour les artistes en tournée mondiale. Chaque année, la programmation mélange habilement des icônes de la musique avec des artistes émergents, créant une expérience musicale riche et variée.
Une notoriété grandissante : Avec chaque nouvelle édition, le Festival de Nîmes a gagné en notoriété, attirant non seulement des spectateurs français, mais aussi un public international. Les arènes de Nîmes, avec leur cadre unique, sont devenues un lieu mythique où artistes et spectateurs viennent vivre une expérience hors du commun. Cette reconnaissance internationale a permis au festival de s’inscrire durablement dans le paysage des grands événements culturels européens.
1.3 Le Festival Aujourd’hui : Un Événement Culturel Incontournable
Aujourd’hui, le Festival de Nîmes est bien plus qu’un simple festival de musique ; c’est un événement culturel majeur qui joue un rôle important dans la vie sociale et économique de la région.
Un impact économique et touristique : Le Festival de Nîmes attire chaque année des milliers de visiteurs, générant des retombées économiques significatives pour la ville et ses environs. Les hôtels, restaurants, et commerces locaux bénéficient directement de l’afflux de spectateurs, faisant de l’événement un moteur économique pour la région. De plus, la renommée du festival contribue à la promotion touristique de Nîmes, attirant des visiteurs qui viennent découvrir le riche patrimoine historique de la ville.
Une expérience unique pour les artistes : Pour les artistes, se produire dans les arènes de Nîmes est une expérience unique en son genre. Le cadre exceptionnel et l’histoire des lieux ajoutent une dimension particulière aux concerts, souvent décrits comme des moments magiques et mémorables. De nombreux musiciens considèrent leur passage au Festival de Nîmes comme un moment fort de leur carrière, et certains reviennent même à plusieurs reprises pour retrouver cette atmosphère incomparable.
Un engagement envers la qualité : Le succès du Festival de Nîmes repose également sur un engagement constant envers la qualité, tant sur le plan artistique que technique. Les organisateurs veillent à offrir des conditions optimales pour les artistes et les spectateurs, avec une attention particulière portée à l’acoustique, aux éclairages, et à la sécurité. Cet engagement se reflète dans la satisfaction du public, qui revient chaque année pour vivre de nouvelles expériences musicales.
2. Les Moments Inoubliables du Festival de Nîmes : Des Concerts Légendaires
2.1 Les Performances Mémorables : Quand la Musique Fait Vibrer les Arènes
Le Festival de Nîmes est le théâtre de performances mémorables qui restent gravées dans la mémoire des spectateurs. Chaque édition apporte son lot de moments inoubliables, où la magie de la musique se mêle à l’atmosphère unique des arènes.
Metallica en 2009 : L’un des concerts les plus emblématiques du Festival de Nîmes reste celui de Metallica en 2009. Le groupe de heavy metal, connu pour ses performances intenses, a enflammé les arènes avec un set explosif, devant un public en délire. Ce concert a été enregistré et publié sous forme de DVD, intitulé « Français Pour Une Nuit », ce qui a permis à des millions de fans à travers le monde de revivre cette soirée exceptionnelle. Pour beaucoup, ce concert reste l’un des moments les plus marquants de l’histoire du festival.
David Bowie en 2002 : En 2002, le légendaire David Bowie a marqué les esprits avec un concert sublime dans les arènes de Nîmes. Sa voix unique et son charisme ont envoûté le public, offrant une performance qui est restée dans les annales du festival. Ce concert, qui s’est tenu lors de la tournée « Heathen Tour », a été salué pour son intensité et sa setlist variée, mêlant des classiques intemporels à des morceaux plus récents. Pour beaucoup de fans, voir Bowie se produire dans un cadre aussi majestueux a été une expérience inoubliable.
Radiohead en 2012 : En 2012, le groupe britannique Radiohead a fait vibrer les arènes de Nîmes avec une performance magistrale. Le mélange de sons électroniques et de rock alternatif du groupe a trouvé un écho particulier dans l’acoustique des arènes, créant une atmosphère presque surnaturelle. Le concert a été marqué par des moments de pure émotion, notamment lors de l’interprétation de morceaux tels que « Paranoid Android » et « Street Spirit (Fade Out) ». Cette performance reste l’une des plus acclamées par les critiques et les fans du festival.
Elton John en 2015 : Le passage d’Elton John au Festival de Nîmes en 2015 a été un autre moment fort. Le légendaire chanteur et pianiste a offert un concert empreint d’élégance et de générosité, interprétant ses plus grands succès devant un public conquis. Les arènes de Nîmes, illuminées par les feux de la scène, ont résonné au son de classiques tels que « Rocket Man », « Your Song », et « Candle in the Wind », créant une ambiance à la fois festive et émotive. Cette soirée a confirmé la capacité du festival à accueillir des artistes de renommée mondiale dans un cadre à la hauteur de leur talent.
2.2 Les Moments Surprenants : Quand l’Inattendu Crée la Magie
Au-delà des performances prévues, le Festival de Nîmes a également été le théâtre de moments inattendus qui ont ajouté une touche de magie à l’événement.
Les invités surprises : Il n’est pas rare que des artistes invités fassent des apparitions surprises lors des concerts, créant des moments de pure excitation pour le public. Lors du concert de Foo Fighters en 2018, par exemple, les spectateurs ont eu la surprise de voir Perry Farrell, le chanteur de Jane’s Addiction, rejoindre le groupe sur scène pour une reprise endiablée de « Mountain Song ».
Ces moments improvisés sont souvent ceux qui restent gravés dans les mémoires, car ils ajoutent un élément d’imprévisibilité à l’expérience.
Les collaborations inédites : Le Festival de Nîmes est aussi un lieu où des collaborations inattendues peuvent voir le jour. En 2014, lors d’un concert de Ben Harper & The Innocent Criminals, le groupe a été rejoint sur scène par Charlie Musselwhite, le légendaire harmoniciste de blues, pour un duo improvisé. Cette rencontre entre deux grands noms de la musique a donné lieu à une performance exceptionnelle, marquant les esprits par sa spontanéité et son authenticité.
Les Arènes de Nîmes
Les moments de communion avec le public : Certains concerts au Festival de Nîmes ont été marqués par des moments de communion particulièrement forts entre les artistes et le public.
Lors du concert de Rammstein en 2013, le groupe allemand, connu pour ses spectacles pyrotechniques spectaculaires, a réussi à créer une atmosphère de pure énergie et de connexion avec les spectateurs. Le final, où le public a chanté en chœur « Sonne », a été un moment de pure magie, montrant la puissance de la musique pour rassembler et émouvoir.
2.3 L’Expérience des Arènes : Plus Qu’un Simple Concert
Assister à un concert au Festival de Nîmes, c’est vivre une expérience unique où la musique et l’histoire se rejoignent pour créer quelque chose de plus grand que la somme de ses parties.
Le cadre historique : Les arènes de Nîmes offrent un cadre incomparable pour les concerts. Ce monument historique, qui a traversé les siècles, ajoute une dimension particulière à chaque performance. La grandeur des lieux, combinée à l’intimité que procure l’amphithéâtre, crée une atmosphère à la fois solennelle et festive. Pour les spectateurs, assister à un concert dans un tel lieu est une expérience inoubliable, où l’histoire se mêle à la musique contemporaine.
L’acoustique exceptionnelle : L’une des raisons pour lesquelles les arènes de Nîmes sont si prisées pour les concerts est leur acoustique exceptionnelle. La structure en pierre et la forme elliptique de l’amphithéâtre permettent une diffusion du son d’une qualité rare, faisant de chaque note une expérience sensorielle intense.
Que vous soyez installé dans les gradins ou près de la scène, la qualité sonore est toujours au rendez-vous, ce qui contribue à l’immersion totale dans le spectacle.
Une atmosphère particulière : L’atmosphère des concerts au Festival de Nîmes est souvent décrite comme électrique. La combinaison de la musique, du cadre historique, et de l’énergie du public crée une ambiance unique, où chaque concert devient un événement à part entière. Les spectateurs viennent non seulement pour écouter de la musique, mais pour vivre une expérience, partager des moments forts avec d’autres passionnés, et créer des souvenirs qui dureront toute une vie.
3. L’Impact Culturel et Économique du Festival de Nîmes
3.1 Un Moteur Économique pour la Région
Le Festival de Nîmes joue un rôle crucial dans l’économie locale, attirant chaque année des milliers de visiteurs qui contribuent à la vitalité économique de la ville et de ses environs.
Les retombées économiques : Chaque été, le Festival de Nîmes attire un large public, tant national qu’international. Cet afflux de visiteurs génère des retombées économiques importantes pour la région.
Les hôtels, restaurants, et commerces locaux bénéficient directement de l’événement, avec une augmentation notable de l’activité pendant la période du festival. Selon des études locales, le festival contribue de manière significative à l’économie de la ville, en particulier dans les secteurs de l’hôtellerie et de la restauration.
La création d’emplois : Le festival génère également des emplois temporaires, tant directs qu’indirects. De la billetterie à la sécurité, en passant par la logistique et le service à la clientèle, de nombreux postes sont créés pour répondre aux besoins du festival.
De plus, l’événement soutient l’activité des prestataires locaux, tels que les techniciens du son, les entreprises de location de matériel, et les fournisseurs de services divers, contribuant ainsi à la dynamique économique locale.
Les Arènes de Nîmes
La promotion touristique : Le Festival de Nîmes joue un rôle clé dans la promotion de la ville sur la scène nationale et internationale. En attirant des visiteurs de toute la France et d’au-delà, le festival contribue à renforcer l’image de Nîmes en tant que destination culturelle de premier plan. De nombreux spectateurs profitent de leur venue pour explorer la ville et ses environs, visitant les monuments historiques, les musées, et les sites naturels, ce qui augmente l’attrait touristique de la région.
3.2 Un Catalyseur Culturel : Promouvoir la Musique et les Arts
Au-delà de son impact économique, le Festival de Nîmes est également un catalyseur culturel, contribuant à la promotion de la musique et des arts dans la région.
Une scène pour tous les genres : Le Festival de Nîmes se distingue par sa capacité à rassembler des artistes de tous horizons musicaux, offrant une scène aux talents émergents comme aux artistes confirmés. Cette diversité musicale permet au festival de toucher un large public, tout en offrant une vitrine aux différents genres musicaux. Du rock au jazz, en passant par la pop, la musique classique, et l’électro, le festival célèbre la richesse et la diversité de la musique contemporaine.
Le soutien aux artistes locaux : En plus des grands noms de la scène internationale, le festival accorde une place importante aux artistes locaux, leur offrant une opportunité unique de se produire dans un cadre prestigieux. Ce soutien aux talents régionaux contribue à dynamiser la scène musicale locale, en offrant une visibilité précieuse aux artistes et en encourageant la création musicale dans la région.
Le festival collabore également avec des associations culturelles locales pour organiser des événements parallèles, tels que des expositions, des ateliers, et des rencontres artistiques.
Une plateforme pour l’innovation artistique : Le Festival de Nîmes n’est pas seulement un lieu de diffusion de la musique ; il est aussi un laboratoire d’innovation artistique. De nombreux artistes profitent du cadre unique des arènes pour expérimenter de nouvelles formes de performances, en intégrant des éléments visuels, scénographiques, et technologiques à leurs concerts. Cette ouverture à l’innovation fait du festival un espace de création et de découverte, où le public peut assister à des spectacles qui repoussent les limites de la scène musicale traditionnelle.
3.3 Un Héritage Durable : Conjuguer Culture et Patrimoine
Le Festival de Nîmes joue un rôle essentiel dans la préservation et la valorisation du patrimoine historique de la ville, tout en contribuant à la transmission culturelle pour les générations futures.
La valorisation des arènes : En organisant des concerts dans les arènes, le festival contribue à la valorisation de ce monument historique exceptionnel. Plutôt que de rester un simple vestige du passé, les arènes de Nîmes sont devenues un lieu vivant, où le patrimoine historique et la culture contemporaine se rejoignent.
Cette utilisation moderne du site permet de le maintenir en vie, tout en offrant au public une expérience culturelle unique. De plus, une partie des revenus générés par le festival est réinvestie dans l’entretien et la restauration des arènes, contribuant ainsi à la préservation du patrimoine pour les générations futures.
La transmission culturelle : Le Festival de Nîmes s’inscrit dans une démarche de transmission culturelle, en mettant l’accent sur l’accessibilité et l’éducation. Des initiatives telles que des billets à tarif réduit pour les jeunes, des concerts pédagogiques, et des rencontres avec les artistes sont organisées pour sensibiliser les nouvelles générations à la musique et aux arts. Cette démarche éducative vise à susciter l’intérêt des jeunes pour la culture et à les encourager à devenir les spectateurs et les créateurs de demain.
Un engagement écologique : Conscient de l’impact environnemental des grands événements, le Festival de Nîmes a également pris des mesures pour réduire son empreinte écologique. Des initiatives telles que le tri sélectif, la réduction des déchets plastiques, et l’utilisation d’énergies renouvelables sont mises en place pour rendre le festival plus respectueux de l’environnement. De plus, des partenariats avec des associations locales de protection de l’environnement sont établis pour sensibiliser le public aux enjeux écologiques et promouvoir des pratiques durables.
Conclusion
Le Festival de Nîmes est bien plus qu’un simple événement musical ; c’est une rencontre entre l’histoire et la modernité, un espace où la musique prend vie dans un cadre unique et chargé de sens. Depuis sa création, ce festival a su s’imposer comme un acteur incontournable de la scène culturelle européenne, attirant des artistes de renommée mondiale et un public toujours plus large.
En conjuguant la préservation du patrimoine, l’innovation artistique, et l’engagement pour la durabilité, le Festival de Nîmes continue de jouer un rôle essentiel dans la promotion de la musique et des arts, tout en contribuant à l’économie et à la vitalité culturelle de la région. Que vous soyez un mélomane passionné, un amateur d’histoire, ou simplement à la recherche d’une expérience inoubliable, le Festival de Nîmes offre un voyage unique au cœur de la musique et du patrimoine.
FAQ
1. Quand se déroule le Festival de Nîmes ?
Le Festival de Nîmes se déroule chaque été, généralement de juin à juillet, dans les arènes de Nîmes. La programmation est annoncée quelques mois à l’avance, avec des concerts étalés sur plusieurs semaines.
2. Comment puis-je acheter des billets pour le Festival de Nîmes ?
Les billets pour le Festival de Nîmes peuvent être achetés en ligne via le site officiel du festival ou dans les points de vente autorisés. Il est recommandé de réserver à l’avance, car certains concerts se vendent rapidement.
3. Quels genres musicaux sont représentés au Festival de Nîmes ?
Le Festival de Nîmes propose une programmation éclectique, couvrant une large gamme de genres musicaux, du rock au rap, en passant par la musique classique, la pop, le jazz, et bien d’autres.
4. Le Festival de Nîmes est-il accessible aux personnes à mobilité réduite ?
Oui, le Festival de Nîmes met en place des dispositifs pour accueillir les personnes à mobilité réduite, avec des accès dédiés et des places réservées dans les arènes. Il est conseillé de contacter l’organisation à l’avance pour toute demande spécifique.
5. Y a-t-il des activités en dehors des concerts lors du Festival de Nîmes ?
En plus des concerts, le Festival de Nîmes propose parfois des expositions, des rencontres avec les artistes, et d’autres événements culturels en parallèle. La ville de Nîmes offre également de nombreuses possibilités de visites touristiques, notamment ses monuments historiques et ses musées.
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Le format du fichier RAW est couramment utilisé par les experts et les photographes professionnels pour optimiser les photos et obtenir de meilleures capacités de traitement que JPG ou TIFF.
En plus des données du capteur, le fichier RAW contient toutes sortes d’informations, y compris des informations spécifiques à l’appareil photo (marque, modèle, type d’objectif, etc.), ainsi que des données d’image (paramètres d’exposition), vitesse, ouverture, etc.) ou des données EXIF.
Le fichier RAW peut être considéré comme l’équivalent d’un négatif argent. Les informations liées à l’image sont en fait des données brutes du capteur, données qui peuvent être soumises au premier traitement par l’électronique interne du boitier selon les marques.
Cependant, ces données ne sont pas un fichier image dans le sens où ce sont des données brutes.
Le fichier RAW n’est lisible par aucun logiciel, il est nécessaire d’utiliser un logiciel spécialisé qui sait interpréter les données RAW et permet de générer un fichier utilisable dans un format clé, tel que JPG ou TIFF.
Comment lire un fichier RAW
Certains systèmes d’exploitation peuvent reconnaître et afficher le fichier RAW (par exemple, Windows 7) ainsi que certains logiciels génériques, mais il est généralement impossible de créer des fichiers à l’aide de ce logiciel générique.
Les logiciels de création et de traitement de fichier RAW (par exemple Adobe Lightroom ou Nikon Capture NX2) sont communément appelés derawtiser.
Fichier RAW ou fichier JPEG ?
Exemples de logiciels de traitement RAW Voici quelques exemples des logiciels de traitement RAW les plus connus :
Certains logiciels de traitement d’image nécessitent un complément pour lire et traiter les fichiers RAW, comme le logiciel Adobe à l’aide du module Camera RAW. Ce module est installé par défaut avec le logiciel mentionné ci-dessus. Le logiciel GIMP gratuit nécessite un plug-in UFRaw gratuit.
Les fichiers RAW doivent nécessairement contenir des informations pour obtenir une image visible en plus des données brutes du capteur :
– Métadonnées du capteur photo nécessaires pour interpréter les données d’image. Il s’agit notamment de la taille du capteur, son profil de couleur et la disposition des filtres de couleur.
– Métadonnées contextuelles utiles à inclure dans tout système de gestion de contenu ou base de données: paramètres d’exposition, modèle d’appareil, date (et emplacement facultatif) des photos vues, informations sur l’auteur, etc.; ces métadonnées peuvent être incluses dans la section au format EXIF
– Miniature de l’image, image éventuellement réduite au format JPEG, qui permet un aperçu rapide
– Détails pour la numérisation des films de cinéma
– Les paramètres saisis par l’utilisateur ou les systèmes automatisés au moment du tournage
– Données du capteur.
Dans les fichiers bruts, les informations de luminosité sont codées avec une valeur proportionnelle au flux lumineux reçu par chaque élément. Dans la plupart des cas, chaque élément fournit une valeur pour une seule couleur.
Dans tous les formats d’image affichés, chaque pixel contient 24 bits, huit pour chaque couleur primaire, avec une correction gamma standard sRGB en général, de sorte que la différence entre les deux valeurs consécutives est imperceptible.
La différence entre ces valeurs est plus grande en lumière qu’en ombre. Si la valeur sRGB maximale, 0xFF, correspond à une valeur linéaire de 1000 unités de luminance, la différence avec la valeur sRGB immédiatement inférieure, 0xFE, est de 9 unités, tandis que la première valeur supérieure à 0, 0x01, correspond à 0,3 unité.
Il faut environ 3300 échelons à intervalles réguliers pour obtenir un pas de quantification comparable aux écrans dans les ombres et en lumière vive.
Pour corriger l’exposition, multipliez les valeurs de ligne par le nombre. Ces valeurs se trouvent dans le fichier Raw; dans l’image affichée, la différence imperceptible entre la valeur lumineuse moyenne et élevée peut devenir visible si elle est multipliée par un facteur.
L’augmentation de contraste que les caméras font souvent pour améliorer l’apparence d’une image renforce cet effet. Pour réduire la taille des fichiers et faciliter l’archivage et la transmission, le format JPEG utilise des méthodes beaucoup plus sophistiquées pour s’adapter à la perception humaine.
Ils réduisent irréversiblement les informations de couleur et coupent l’image en blocs de 8 par 8 pixels qui apparaissent si nous essayons de faire des corrections extrêmes.
Mais même si le fichier image PPM ou TIFF est plus volumineux que le fichier Raw (24 bits par pixel sans compression au lieu de 12 ou 14, avec compression sans perte), il contient moins d’informations, car une grande partie de ses données est interpolée avant que la correction gamma n’en élimine une partie.
Pourquoi shooter en Raw ? Pourquoi ne pas shooter en JPEG ?
Telles sont les questions qui divisent les photographes depuis de nombreuses années maintenant. D’une part, si vous êtes un pro, vous avez vos éditeurs qui veulent des images le plus tôt possible alors que de nombreux amateurs ne veulent pas faire tout le post-traitement de l’édition de fichier Raw.
Est-il difficile de modifier de fichier Raw ? Cela prend-il beaucoup plus de temps que le JPEG ? Examinons donc ces questions une par une et je soulignerai pourquoi, à mon avis, vous devriez shooter en RAW.
Contrairement à JPG, le format RAW permet à toutes les informations d’être capturées par le capteur. En effet, le fichier JPG est généré par la caméra selon les paramètres de prise de vue sélectionnés, et après la création du fichier JPG par l’électronique interne, il n’est plus possible d’intervenir dans l’image initiale.
Le logiciel de traitement d’image peut gérer les formats JPG de manière satisfaisante, mais RAW est le seul format qui offre une efficacité de traitement maximale.
Est-il difficile de modifier des fichiers bruts ? Pour être honnête, c’est assez facile et une fois que vous avez l’expérience, vous pouvez modifier les fichiers très rapidement. Je fais la plupart de mes retouches sur les photos en moins de 30 secondes par image.
Mais c’est avec beaucoup de pratique. Presque toute mon édition se fait dans Lightroom et j’irai rarement dans Photoshop lors de l’édition. Je vois toujours Photoshop primaire pour la manipulation d’images, tandis que Lightroom est pour la retouche photo.
Tant que vous utilisez une application comme Lightroom pour votre édition, vous devriez pouvoir éditer rapidement des photos brutes. Alors pourquoi tant de gens détestent-ils éditer leurs photos ?
La réponse simple est que ce n’est pas excitant. Appuyer sur le bouton de l’appareil photo est passionnant, mais s’asseoir devant votre ordinateur est ennuyeux. Donc, beaucoup d’amateurs veulent juste la partie sexy de la photographie, prendre une photo, la télécharger sur Internet, puis leur travail est terminé.
fichier RAW ou fichier JPEG ?
Ces types d’amateurs ne réalisent pas que c’est en post-traitement de vos images que vous développez votre style photographique. Prendre une photo, ce n’est que la moitié du travail.
Autrefois, les photographes passaient des heures dans la chambre noire à retoucher leurs clichés, et aujourd’hui ce ne devrait pas être différent. Ce n’est pas parce que le support a changé que la méthode a changé. Chaque photo que je poste pour le travail est prise en Raw et éditée.
Toute photo enregistrée au format JPEG est à peu près définie comme ça. C’est comme un gâteau, une fois le gâteau cuit, il faut le manger. Si vous n’aimez pas son goût, eh bien, vous ne pouvez rien faire.
Soit le garder ou le jeter. Shooter en Raw, c’est comme avoir la recette et les ingrédients crus pour le gâteau et vous pouvez y apporter les dernières modifications avant de cuire le gâteau.
Vous pouvez changer tellement de choses dans un fichier brut, contrairement à un JPEG. Vous pouvez modifier la balance des blancs, modifier les détails de l’ombre, contrôler les niveaux de bruit et la netteté de la photo.
Lorsque vous photographiez en JPEG dans votre appareil photo, l’appareil photo fait de son mieux pour deviner les paramètres corrects, mais il se trompe presque toujours.
Les fichiers bruts vous permettent de modifier légèrement les paramètres de votre appareil photo après la prise de la photo.
La plupart des fichiers JPEG, lorsque vous les modifiez, vous perdrez de la qualité. Chaque fois que vous enregistrez un JPEG, la qualité diminue légèrement. Les fichiers bruts ne perdent pas leur qualité si vous les modifiez ou même les enregistrez.
Personnellement, je ne recommanderais pas d’enregistrer les modifications que vous apportez sur un fichier brut. Vous voulez que le fichier brut reste original afin que vous puissiez y apporter des modifications futures lorsque le logiciel d’édition s’améliorera.
Les images ISO élevées
La deuxième raison pour laquelle vous devez prendre des photos en RAW est lorsque vous prenez des images ISO élevées.
La plupart des appareils photo utiliseront leurs propres filtres ISO élevés pour JPEG et ils ont tendance à tout adoucir, même si je peux contrôler la réduction du bruit moi-même lors de l’édition et contrôler ce qui se passe avec le bruit et en éditer une grande partie sans rendre la photo très douce.
La technologie est l’outil que nous utilisons pour créer, mais ce ne doit pas être le créateur. Un photographe doit toujours être le créateur, c’est votre vision, pas la décision de certaines routines logicielles.
L’évolution constante des logiciels
L’autre raison qui me laisse à penser qu’il faut shooter en RAW est liée à l’évolution constante des logiciels.
Le logiciel continue de s’améliorer, et si vous avez votre fichier RAW, vous pouvez revenir en arrière et rééditer vos images à l’avenir et obtenir des résultats encore meilleurs que ceux que vous pouvez obtenir actuellement.
Si vous regardez l’édition de fichier RAW dans Lightroom 2 et que vous les comparez à Lightroom 6 ou CC, vous verrez une énorme augmentation de la qualité d’image. Avec un JPEG, ce que vous voyez est ce que vous obtenez. Rien ne peut l’améliorer.
Si le fichier en RAW est si bon, pourquoi les professionnels subissent-ils tant de pression pour prendre des photos JPEG ces derniers temps ?
Beaucoup de nouvelles agences passent aux politiques JPEG uniquement et de nombreux professionnels n’en sont pas trop satisfaits.
Le temps c’est de l’argent et les photos perdent très rapidement leur valeur. La plupart des agences de presse veulent des images dès que possible. Un délai de 5 heures sur les images est trop lent. La plupart des agences souhaitent que les images soient mises en ligne dès que possible.
Ils voient une mauvaise image d’un événement qui est mis en ligne en quelques secondes, bien plus précieuses qu’une excellente image avec 5 heures de retard. Cela met les pros dans une situation difficile, car les photos sont désormais devenues un support jetable.
On peut aussi tricher le système. Je prends toujours des photos brutes, mais je transfère les fichiers bruts sur mon téléphone portable, j’en édite rapidement quelques-uns sur mon téléphone et les envoie à mon éditeur.
De cette façon, je garde toujours mon style sur la photo, mais je parviens également à garder mes éditeurs heureux. Je ferai bientôt un article sur l’édition de photos sur téléphone, car c’est quelque chose de nouveau en photographie que tous les professionnels devront faire pour adapter leur flux de travail pour survivre.
De plus, de nombreuses photos mobiles commencent à offrir des capacités brutes maintenant. Je shoote toujours avec la meilleure qualité possible. Mais s’il s’agit d’un instantané de mes animaux de compagnie ou de ma petite amie, je peux prendre des photos en JPEG pour pouvoir publier l’image sur les réseaux sociaux, puis supprimer le fichier.
Mais toute image que je prévois d’enregistrer, je continuerai à la shooter dans la haute qualité possible qui est jusqu’à présent, RAW.
Inconvénients du fichier RAW par rapport au JPEG
Bien qu’il présente de nombreux avantages, le fichier RAW présente encore certains inconvénients que vous devez connaître. La taille du fichier RAW est supérieure à la taille du fichier JPG pour la même image.
On peut donc stocker moins de photos sur la même carte mémoire, ce qui impose des restrictions supplémentaires en termes d’espace disque sur votre ordinateur.
Selon l’appareil photo, l’enregistrement de fichier RAW sur la carte prend plus de temps pendant la prise de vue, ce qui réduit la fréquence d’images en mode de prise de vue en continu.
Le fichier RAW ne peut pas être distribué immédiatement avant le traitement. Pour l’envoyer par email ou le publier sur un site internet, vous devez le traiter et créer un fichier JPG. Il en va de même pour l’obtention d’impressions dans un laboratoire numérique ou un laboratoire en ligne.
Bonus : Les logiciels & convertisseurs
Logiciels libres et open source
darktable est un outil de workflow brut pour macOS, Windows, Linux et autres systèmes d’exploitation ouverts de type Unix. Le logiciel comprend un traitement natif en virgule flottante 32 bits et une architecture de plug-in.
dcraw est un programme qui lit la plupart des formats bruts et peut être exécuté sur des systèmes d’exploitation non pris en charge par la plupart des logiciels commerciaux (comme Unix ). LibRaw [56] est une bibliothèque d’ API basée sur dcraw, offrant une interface plus pratique pour lire et convertir des fichiers bruts. HDR PhotoStudio et AZImage [57] sont quelques-unes des applications commerciales qui utilisent Libraw. Jrawio est une autre bibliothèque d’ API , écrite en code Java pur et conforme à l’API Java Image I / O standard.
digiKam est une application avancée de gestion de photos numériques pour Linux, Microsoft Windows et Mac OS X qui prend en charge le traitement brut.
ExifTool prend en charge la lecture, l’écriture et l’édition de métadonnées dans des fichiers d’images brutes. ExifTool prend en charge de nombreux types de métadonnées, notamment Exif , GPS, IPTC , XMP , JFIF , GeoTIFF , ICC Profile , Photoshop IRB, FlashPix , AFCP et ID3, ainsi que les notes du fabricant de nombreux appareils photo numériques.
ImageMagick , une suite logicielle de manipulation et de conversion d’images, lit de nombreux formats de fichiers bruts différents. [58] ImageMagick est disponible pour Linux / Unix, Mac OS, Microsoft Windows et d’autres plates-formes.
LightZone est un programme de retouche photo offrant la possibilité de modifier de nombreux formats bruts nativement. La plupart des outils sont des convertisseurs bruts, mais LightZone permet à un utilisateur de modifier un fichier brut comme s’il s’agissait de TIFF ou JPEG. Le projet a été interrompu en septembre 2011 [59] et rétabli en tant que projet open source en décembre 2012.
Rawstudio est un développeur de format brut.
RawTherapee est un développeur brut prenant en charge les systèmes d’exploitation Linux, OS X et Microsoft Windows. Il dispose d’un pipeline natif à virgule flottante 32 bits.
Shotwell est un organisateur d’images disponible pour tous les principaux systèmes d’exploitation avec la possibilité de visualiser et de modifier des images brutes et possède une capacité de téléchargement de réseaux sociaux intégrée.
UFRaw est un frontend qui utilise dcraw comme back-end . Il peut être utilisé comme un plugin GIMP et est disponible pour la plupart des systèmes d’exploitation.
Logiciel propriétaire
En plus de ceux répertoriés sous la prise en charge du système d’exploitation ci-dessus, les logiciels commerciaux décrits ci-dessous prennent en charge les formats bruts.
Convertisseurs bruts dédiés
Les produits suivants ont été lancés en tant que logiciel de traitement brut pour traiter une large gamme de fichiers bruts, et ont ceci comme objectif principal:
Adobe Photoshop Lightroom
Bibble Pro (maintenant Corel AfterShot Pro )
Capture One [60]
DxO Optics Pro (maintenant DxO PhotoLab )
Le Phocus de Hasselblad s’appuie sur la prise en charge du système d’exploitation pour traiter les fichiers non Hasselblad
ACDSee Pro est un logiciel de gestion et d’édition de photos qui prend en charge les formats bruts de 21 fabricants d’appareils photo. [61]
Adobe Photoshop prend en charge les formats bruts (à partir de la version CS2).
Affinity Photo prend en charge les formats bruts.
Blackmagic Design DaVinci Resolve
DNG Viewer est un visualiseur gratuit (32 bits) pour Microsoft Windows basé sur dcraw . La visionneuse très simple est installée en tant que visionneuse d’images RAW , prend en charge certaines opérations sans perte et peut enregistrer des images brutes au format BMP , JPEG , PNG ou TIFF . [62]
FastRawViewer est une visionneuse brute dédiée qui s’exécute sur Mac et Microsoft Windows et prétend actuellement prendre en charge tous les formats bruts à l’exception de Foveon. [63]
Helicon Filter prend en charge les formats bruts.
IrfanView est un éditeur de base freeware / shareware avec prise en charge des fichiers bruts.
La prise en charge de Konvertor pour les formats bruts est basée sur dcraw.
Paint Shop Pro contient une prise en charge brute, bien que, comme dans le cas de la plupart des éditeurs, des mises à jour du programme puissent être nécessaires pour atteindre la compatibilité avec les nouveaux formats bruts dès leur sortie.
PhotoLine prend en charge les formats bruts.
Picasa (développement interrompu) est un éditeur et organisateur gratuit de Google . Il peut lire et afficher de nombreux formats bruts, mais comme
iPhoto , Picasa ne fournit que des outils limités pour le traitement des données dans un fichier brut.
SilverFast prend en charge les formats bruts.
La prise en charge de Wild Media Server (UPnP, DLNA, HTTP) [64] pour les formats bruts est basée sur libraw.
Transloadit est un logiciel en tant que service qui prend en charge la conversion de fichiers bruts dans d’autres formats [65]
La prise en charge de XnView pour les formats bruts est principalement basée sur dcraw.
Applications basées sur un navigateur HTML5
Une nouvelle classe d’outils de traitement de fichier brut est apparu avec le développement de HTML5 – applications Internet riches .
Raw.pics.io est capable de rendre et d’appliquer des ajustements de base aux fichiers bruts et DNG.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La magie des photos noir et blanc : une collection d’art intemporelle
Les photos en noir et blanc ont longtemps fait partie de notre patrimoine culturel. Qu’il s’agisse de revivre des souvenirs personnels ou de capturer des moments historiques, les images monochromes possèdent un charme unique et indémodable. Voyons ensemble les différentes facettes de cette forme d’art, ainsi que quelques astuces pour créer vos propres impressions noir et blanc.
Pourquoi choisir le noir et blanc dans la photographie ?
Vous vous êtes peut-être déjà demandé pourquoi certaines personnes restent fascinées par les photos noir et blanc, malgré l’avènement de la couleur. La réponse réside souvent dans la puissance émotionnelle et artistique de ces clichés.
Tout d’abord, les photos en noir et blanc permettent de se concentrer sur les lignes, les formes et les contrastes, mettant ainsi en valeur la composition de l’image. En supprimant les couleurs, on élimine les distractions potentielles et on attire l’œil vers les éléments essentiels du sujet.
De plus, le rendu monochrome crée une atmosphère particulière, conférant aux photos une ambiance intemporelle et mystérieuse. Les moments capturés en noir et blanc semblent parfois figés hors du temps, nous invitant à porter un regard nouveau sur notre monde et ses habitants.
Les styles et genres en photographie noir et blanc
Les photos en noir et blanc peuvent être utilisées dans de nombreux genres photographiques, tels que :
Le portrait : les visages et expressions sont magnifiés par le noir et blanc, qui révèle la personnalité et les émotions des sujets.
La nature : les paysages et scènes naturelles prennent un aspect graphique et onirique en monochrome.
L’architecture : le rendu en noir et blanc met en valeur les lignes et textures des bâtiments, créant des compositions géométriques fascinantes.
La photo de rue : la photographie en milieu urbain gagne en intérêt grâce au contraste et au grain du noir et blanc, qui apportent une atmosphère unique aux scènes du quotidien.
Bien entendu, cette liste n’est pas exhaustive, et chaque photographe pourra explorer d’autres domaines avec sa propre sensibilité artistique.
Comment créer de belles photos noir et blanc ?
Même si la technologie moderne facilite grandement le passage d’une photo couleur à une version en noir et blanc, quelques conseils de base peuvent vous aider à obtenir des résultats encore plus impressionnants. Voici quelques astuces pour réussir vos photos monochromes :
Trouver un sujet adapté
Certaines situations se prêtent mieux que d’autres au rendu en noir et blanc. Recherchez des sujets aux formes géométriques intéressantes, offrant un bon contraste entre zones sombres et zones claires. Les textures, telles que les rides d’un visage ou l’écorce d’un arbre, peuvent également donner de bons résultats.
Jouer avec la lumière
Les photos en noir et blanc mettent particulièrement en valeur les jeux de lumière et d’ombre. Une lumière rasante peut créer des ombres dramatiques et souligner les reliefs, tandis qu’une lumière douce ou diffuse adoucira les contrastes. N’hésitez pas à expérimenter avec différents éclairages pour trouver celui qui convient le mieux à votre sujet.
Maitriser les réglages de son appareil photo
Pour réussir vos photos en noir et blanc, il est important de bien connaître les fonctionnalités de votre appareil photo. Si vous disposez d’un modèle numérique récent, il y a fort à parier qu’il comporte un mode dédié à la prise de vue monochrome. Ce dernier simplifiera grandement les choses, mais n’hésitez pas à explorer les autres options disponibles au cas où elles offriraient plus de flexibilité.
Utiliser un logiciel de retouche
Quand personne ne pouvait même imaginer disposer d’un ordinateur personnel équipé de logiciels de retouche pour travailler sur une image, les photographes passaient parfois des heures dans leur chambre noire pour optimiser leurs tirages. Aujourd’hui, des outils tels que Photoshop et Lightroom sont à portée de main pour nous aider à sublimer nos clichés. Avec un peu de pratique, on peut améliorer le contraste et les détails d’une photo en noir et blanc, tout en accentuant son aspect artistique et esthétique.
Créez votre propre collection d’images noir et blanc
Maintenant que vous savez comment réaliser de belles photos noir et blanc, pourquoi ne pas créer votre propre collection ? Que ce soit pour offrir à des proches ou décorer votre intérieur, les impressions monochromes sont toujours une bonne idée.
Imprimez vos œuvres sur différents supports
Certains choix, tels que le type de papier, peuvent avoir un impact considérable sur l’apparence de vos photos en noir et blanc. Voici quelques options parmi lesquelles choisir :
Le papier photo classique : avec son rendu lisse et brillant, il est idéal pour mettre en valeur les contrastes et les détails d’une image monochrome.
Le papier fineart : ce papier de grande qualité offre une texture plus douce et soyeuse, propice aux nuances et aux subtilités des tons de gris.
Les supports alternatifs : la toile, l’aluminium ou le plexiglas sont autant de matériaux sur lesquels il est possible d’imprimer vos photos pour un résultat original et élégant.
Pensez également aux formats et tailles d’impression, qui donneront une nouvelle dimension à vos œuvres.
Exposer et partager sa collection
Une fois vos photos en noir et blanc imprimées et encadrées, il ne vous reste plus qu’à les exposer fièrement chez vous. Créez une galerie d’art personnalisée avec vos clichés préférés, en les regroupant par thèmes ou en jouant sur les contrastes pour un effet dynamique.
Enfin, n’hésitez pas à partager vos réalisations avec votre entourage et sur les réseaux sociaux. Les photos noir et blanc ont toujours la cote et suscitent souvent de vives émotions. Qui sait, peut-être inspirerez-vous d’autres personnes à se lancer dans cette aventure artistique ?
Photos noir et blanc : le guide en 7 points
Les photos noir et blanc impliquent plus que la simple conversion de n’importe quelle photo ancienne en monochrome dans Photoshop. Seuls certains sujets fonctionnent bien en noir et blanc. L’art de la photographie en noir et blanc est étonnamment difficile à maîtriser.
La photographie en noir et blanc est l’art d’utiliser différents tons de gris, allant du blanc au sombre, pour créer des images fascinantes. Ce genre a une très longue histoire – aussi vieux que la photographie elle-même. Au moment où les photographes ont capturé la première image couleur permanente en 1861, les photos monochromes existaient depuis 35 ans.
Pourtant, bien que la couleur sexiste, elle n’a pas remplacé l’art du noir et blanc. La couleur peut être une distraction; cela peut être terne et sans vie. L’une des tâches des photographes est de simplifier une image, de distiller une scène jusqu’à son essence. Parfois, cette essence est incolore.
Ansel Adams , discutant des différences entre les deux types de photographie, a déclaré: «Je peux obtenir un bien plus grand sens de la« couleur »grâce à une image en noir et blanc bien planifiée et exécutée que je ne l’ai jamais obtenue avec la photographie en couleur.»
De bonnes photos noir et blanc et blanc sont avant tout de bonnes photos, point final. Vous ne pourrez pas sauver une image désastreuse en appliquant un filtre «Noir» dessus, bien que ce soit une chose populaire.
Il y a sept éléments essentiels pour faire des photos noir et blanc , cependant, la chose la plus importante à retenir est tout d’abord: vous devez avoir une raison pour des Photos noir et blanc. Tous les sujets ne fonctionnent pas bien en noir et blanc. Alors, demandez-vous toujours: pourquoi supprimez-vous la couleur d’une photo particulière? Pourquoi est-il si important de photographier votre sujet de cette façon?
Les photos noir et blanc peuvent être superbes, mais pas toujours. Vous devez savoir à l’avance pourquoi vous prenez une photo en noir et blanc plutôt qu’en couleur. Si vous ne pouvez pas identifier une bonne raison, peut-être que votre photo n’est pas censée être monochromatique.
Crédit photo Eric CANTO
3. Photos noir et blanc vs monochrome
Peut-être avez-vous remarqué qu’il existe deux termes courants qui font référence à la «même» chose: noir et blanc (N&B) et monochrome. Cependant, même si vous pouvez voir ces mots utilisés de manière interchangeable, ils ne sont pas identiques!
Le mot monochrome signifie «d’une seule couleur». Ainsi, les photos monochromes peuvent avoir une teinte de couleur, à condition qu’il ne s’agisse que d’une seule couleur. Les vraies photos noir et blanc n’ont aucune couleur. Ils sont entièrement noirs, gris et blancs.
La bonne nouvelle est que vous pouvez généralement utiliser l’un ou l’autre des termes sans causer de confusion. Mais si vous voulez être parfaitement précis, il est préférable d’utiliser l’expression «noir et blanc» pour les photos sans teinte.
4. Photos noir et blanc : Équipement
En général, lorsque vous faites des photos noir et blanc, vous devez simplement continuer à utiliser l’appareil photo que vous possédez déjà; cela fonctionnera aussi bien pour les images monochromes qu’en couleur. Mais il y a encore quelques considérations sur l’équipement photo qui comptent pour la photographie en noir et blanc, que nous couvrirons ci-dessous.
4.1. Photos noir et blanc et Appareils photo
Tout d’ abord, il est important de mentionner qu’il y a des caméras qui font uniquement des photos monochromes. Ils ont tendance à être très haut de gamme et coûteux, comme le Leica M Monochrome, qui se vend 8000€.
Pourquoi voudrait-on faire un tel effort pour un appareil photo qui ne photographie qu’en noir et blanc? Les caméras monochromes uniquement offrent des images en noir et blanc plus nettes et plus propres que celles que vous pouvez obtenir avec une caméra couleur, ce n’est donc pas comme s’il n’y avait aucun avantage. Pour la plupart des gens, cependant, l’aspect pratique d’une caméra couleur ordinaire en fait le choix évident.
4.2. Photos noir et blanc vs prise de vue en couleur et conversion
La plupart des appareils photo ont un mode « photos noir et blanc », ce qui soulève une question intéressante: vaut-il mieux prendre des photos en couleur et les convertir en post-traitement, ou opter pour le mode monochrome dès le départ?
Vous devez toujours prendre des photos en couleur en premier et les convertir en noir et blanc plus tard en post-production, simplement parce qu’il n’y a pas de véritable pénalité pour cela. Et, si jamais vous changez d’avis et souhaitez la version couleur à la place, vous avez toujours la possibilité de revenir en arrière.
Crédit photo Eric CANTO
De plus, si vous commencez avec un fichier couleur, vous gagnez en flexibilité, car vous pourrez toujours ajuster les «couleurs» en post-production, même après la conversion en noir et blanc. Par exemple, vous pouvez assombrir le canal bleu pour rendre le ciel plus sombre dans vos images monochromes. Cela n’est pas possible si votre fichier hors caméra est déjà en noir et blanc.
4.3. JPEG vs RAW
La section précédente était en fait un peu un faux dilemme. Tout simplement, ce n’est pas pertinent pour de nombreux photographes en premier lieu. C’est parce que – espérons-le – vous photographierez des fichiers RAW plutôt que des JPEG, et les photos RAW prises avec une caméra couleur conservent toujours les informations couleur .
Si vous n’avez pas entendu parler du débat RAW vs JPEG, consultez notre article spécifique sur le sujet. Mais l’aperçu de base est que les fichiers RAW ont plus d’informations et de qualité d’image, tandis que les fichiers JPEG sont des fichiers plus petits avec moins de données. Pour des raisons évidentes, les photographes à la recherche d’images de haute qualité ont donc tendance à prendre des photos RAW.
Ainsi, si vous photographiez au format RAW, vous pouvez activer le «monochrome» sur votre appareil photo et commencer à prendre des photos. Les images apparaîtront en noir et blanc sur l’écran LCD de l’appareil photo, mais lorsque vous les ouvrirez dans un logiciel de post-traitement, elles passeront en couleur! Le fichier RAW ne jette aucune de ces données.
Vous pouvez utiliser ça à votre avantage. Supposons que vous prenez des photos et que vous prévoyez de convertir la plupart de vos photos RAW en noir et blanc. Si vous activez le mode monochrome, vous verrez un aperçu en noir et blanc sur l’écran LCD de votre appareil photo, ce qui peut vous aider à mieux visualiser votre image. Mais la clé est que toutes ces photos sont en fait en couleur, car ce sont des fichiers RAW, donc vous ne perdez aucune flexibilité si vous décidez plus tard que vous préférez la version couleur.
4.4. Filtres
Lorsque vous découvrez l’équipement de l’appareil photo pour la photographie en noir et blanc, vous pouvez trouver des informations sur les filtres. Avec un film noir et blanc – ou si vous photographiez avec un appareil photo numérique uniquement monochrome – il est important d’utiliser des filtres à l’avant de votre objectif pour modifier le contraste et les tons de vos images.
Filtres de couleur
Le choix du filtre a un effet majeur sur les photos noir et blanc. Le filtre bleu bloque la lumière rouge, assombrissant des choses comme les feuilles et le sol. Le filtre vert illumine tout ce qui est vert. Enfin, un filtre rouge assombrit le ciel et les autres éléments bleus de la photo, tout en éclaircissant comparativement tout ce qui est rouge.
Malgré les différences majeures indiquées ci-dessus, les photographes numériques utilisent rarement aujourd’hui des filtres de couleur pour la photographie en noir et blanc. La raison en est simplement qu’ils ont trop d’impact sur les photos couleur, ce qui rend potentiellement impossible la reconversion. En outre, vous pouvez imiter plusieurs des mêmes effets lors du post-traitement en ajustant les canaux de couleur individuels.
Les puristes utilisent toujours des filtres de couleur pour leurs photos noir et blanc, car les effets ne sont pas parfaitement reproductibles dans un logiciel. Mais cela devient de moins en moins courant, et vous n’avez probablement pas besoin d’investir dans un système de filtre couleur pour votre propre photographie monochrome.
5. Les sept éléments des meilleures photos noir et blanc
Lorsque vous photographiez en noir et blanc, vous devez transmettre l’essence de votre sujet – y compris ses couleurs et autres caractéristiques – à travers des nuances de lumière et d’obscurité uniquement. Les meilleures photos noir et blanc accomplissent cela en perfectionnant les sept éléments ci-dessous.
Crédit photo Eric CANTO
5.1. Photos noir et blanc et Ombre
L’une des premières choses à retenir lors de la prise de vue en noir et blanc est que les ombres ont un impact surdimensionné. Ce ne sont plus simplement des zones plus sombres d’une photographie – ce sont des éléments majeurs de la composition, et parfois votre sujet lui-même.
Votre traitement des ombres en photographie noir et blanc affecte tous les autres aspects de l’apparence d’une photo. Les ombres sont-elles noires sans aucun détail? Cela signale une sensation d’intensité et de vide. Ou, d’un autre côté, si vos ombres sont subtiles et détaillées, cela peut rendre la photographie plus complexe dans l’ensemble.
Notez que rien dans la photographie en noir et blanc ne nécessite des régions de noir pur pour avoir une belle apparence (ou du blanc pur, d’ailleurs). C’est un peu un mythe que vous avez besoin d’une gamme complète allant des ombres profondes aux reflets nets avant qu’une photo en noir et blanc soit optimale.
Au lieu de cela, faites simplement ce qui vous convient le mieux, mais gardez un œil sur les ombres dans votre cadre. Ils ont souvent une «attraction» plus forte en noir et blanc qu’en couleur, et votre composition devra peut-être changer vis a vis de cela.
Crédit photo Eric CANTO
5.2. Contraste
Beaucoup de gens pensent que le contraste n’est que la différence entre les parties les plus claires et les plus sombres d’une photographie. Cependant, par cette seule définition, ce dégradé doux a un contraste extrême, car il contient à la fois du blanc et du noir:
Gradient de faible contraste
Au lieu de cela, le contraste comprend également une composante de proximité . La différence de luminosité entre deux objets est exagérée lorsqu’ils apparaissent côte à côte.
Le contraste est important dans la photographie en noir et blanc en raison du message qu’il envoie. Les photos noir et blanc ont un contraste élevé transmet une sensation d’intensité dynamique – souvent, encore une fois, à cause des ombres sombres. C’est pourquoi les photographes aiment ajouter du contraste aux photos monochromes. Cela aide les images à se démarquer.
Les photos à faible contraste n’attirent pas autant l’attention, mais leur qualité plus douce et atténuée peut tout aussi bien fonctionner. Certaines de mes photos noir et blanc préférées de tous les temps n’ont que quelques demi-tons argentés, et leur subtilité est ce qui les fait fonctionner si bien.
La clé est que le niveau de contraste d’une photo doit avoir un sens pour votre sujet – ce que vous pouvez affiner, au moins dans une certaine mesure, en post-production. C’est peut-être une erreur de photographier une douce journée de printemps avec un contraste intense qui distrait de votre humeur. De même, si vous prenez des photos monochromes d’un paysage puissant, un contraste élevé est un choix naturel pour faire ressortir le sujet.
5.3. Tons (sombre et clair)
Tous les photographes n’utilisent pas le mot «ton» de la même manière. Les tons sont la pierre angulaire de chaque image en noir et blanc. Si vous avez déjà entendu l’expression «high-key» ou «low-key» en photographie, vous avez probablement vu des exemples de tons poussés à l’extrême.
Bien que la plupart des photos ne soient ni particulièrement lumineuses ni particulièrement sombres – elles se situent quelque part entre les deux – vous devez quand même faire attention aux tons lorsque vous prenez une photo. En effet, tout comme le contraste, les tons peuvent envoyer un message puissant sur l’humeur de votre photo.
Bien que les différences soient extrêmes, même de minuscules variations dans les tons que vous capturez peuvent faire osciller considérablement les émotions d’une photo.
La chose la plus importante à retenir est la suivante: les tons de votre image – qu’ils soient sombres ou clairs – doivent s’harmoniser avec le caractère du sujet lui-même. Utilisez-les délibérément pour raconter l’histoire que vous avez en tête.
5.4. Formes
Les photos noir et blanc sont une collection de formes, simples ou complexes. Lorsque vous supprimez la couleur de votre boîte à outils, les formes deviennent encore plus importantes dans le cadre de l’histoire que vous racontez.
Les gens sont attirés automatiquement par les formes. S’il n’y a pas de couleur à un objet, la seule façon de le reconnaître est par sa forme. Imaginez une photo monochrome d’une lampe, silhouettée. Les seuls tons de la photo peuvent être blancs et noirs. Il n’y a pas d’ombres ou de texture pour indiquer ce que montre la photo. Mais y a-t-il un doute que vous regardez une lampe?
Les formes ancrent et simplifient une photographie. Certains belvédères célèbres sont photographiés par des milliers de personnes chaque année simplement parce qu’ils contiennent une montagne ou une rivière avec une forme agréable. Et ai-je même besoin de mentionner les formes des personnes, immédiatement reconnaissables et profondément émotionnelles?
Avec la photographie en noir et blanc, il n’y a pas de couleur pour rendre une image plus familière (ou plus abstraite, si c’est votre objectif). Ainsi, les formes sont particulièrement importantes – elles sont l’un des principaux moyens pour un spectateur de donner un sens à une photographie.
5.5. Texture
Alors que les formes créent la «grande image» d’une image, la texture remplit le reste. Et, comme tous les éléments de la photographie noir et blanc que nous avons couverts jusqu’à présent, les textures que vous capturez ont le pouvoir d’affecter l’humeur et les émotions d’une photo.
Des cailloux lisses à l’herbe grossière, de l’aluminium élégant à la rouille terne, la texture est le fondement de la personnalité d’une image. Il est très difficile de prendre des photos dures d’un ruisseau doux, par exemple, en grande partie à cause de la texture douce de l’eau. (Mais si vous n’avez un tel objectif, vous pouvez augmenter le contraste et la capture des ombres profondes -. Équilibrer la texture douce en faisant la photo d’ ensemble plus intense)
Lorsque vous ne pouvez pas compter sur la couleur pour former l’épine dorsale émotionnelle d’une image, la texture est encore plus cruciale. Cela a simplement un impact majeur sur la façon dont vos photos noir et blanc se sentent.
5.6. Composition et photos noir et blanc
Les meilleures photos noir et blanc ont tendance à avoir un objectif sous-jaccent – une indication que le photographe a délibérément capturé la scène de cette manière plutôt que d’une autre. L’image a une structure et un ordre. Ce n’est pas qu’un instantané. En d’autres termes, il a une composition forte.
La clé dans ce contexte est que les éléments de votre photo changeront en noir et blanc par rapport à la couleur. Si vous prenez des photos de portraits en couleur, par exemple, votre sujet peut avoir des yeux vifs qui affectent considérablement votre composition. Il en va de même pour la photographie de paysage, auquel cas un ciel doré peut dessiner toute l’image vers le haut. Dans les deux cas, vous devrez composer votre photo différemment si vous prenez des photos noir et blanc à la place – et ce sont loin d’être les seuls exemples.
D’autres fois, vous voudrez peut-être utiliser à votre avantage la nature plus imaginaire de la photographie en noir et blanc.
Bien sûr, il est essentiel de bien composer vos photos, quelle que soit la couleur ou le noir et blanc. Ce n’est pas quelque chose qui change lorsque vous convertissez une photo. Pourtant, lorsque vous prenez des photos noir et blanc, il est utile de penser à la scène à partir d’un état d’esprit monochrome . Lorsque vous le faites, vous vous retrouverez souvent à prendre des décisions différentes au sujet de votre composition – et cela peut transformer un plan décent en un morceau de portefeuille.
5.7. Émotion
À un certain niveau, l’émotion est la partie la plus importante de la photographie – ce qui en fait le moyen idéal pour compléter cette liste. Tous les éléments dont nous avons discuté jusqu’à présent sont importants parce qu’ils sont des outils de l’émotion; ils vous aident à définir l’ambiance et le message de vos photos noir et blanc.
L’émotion n’est pas une variable distincte dont vous avez besoin pour capturer de bonnes photos noir et blanc. Il s’agit plutôt de l’aboutissement des outils dont nous avons discuté jusqu’à présent. Bien utilisés, les six autres éléments de la photographie en noir et blanc vous permettent de sculpter votre message émotionnel d’une manière qui résonne avec les téléspectateurs et leur montre quelque chose qui vaut la peine d’être vu.
6. Post-traitement
Voyons comment vous pouvez post-traiter des images couleur en noir et blanc à l’aide de Lightroom, Photoshop et d’autres logiciels.
6.1. Comment créer une image en noir et blanc dans Lightroom
Il existe plusieurs façons de convertir des photos noir et blanc dans Lightroom, mais la plus simple consiste simplement à basculer le traitement «Noir et blanc» tout en haut du panneau de base, ou à appuyer simplement sur «v» sur votre clavier.
Vous pouvez également convertir vos photos noir et blanc en réduisant la saturation à -100 ou (avec certains appareils photo) en modifiant le profil sous «Calibrage de l’appareil photo» en monochrome. Mais ces méthodes ne sont pas optimales, car elles éliminent certaines options sous l’onglet HSL pour ajuster les couleurs individuelles dans le mélange noir et blanc.
Mélange noir et blanc
Bien que l’onglet HSL soit très utile pour affiner les photos noir et blanc, sachez que des ajustements extrêmes ajoutent souvent des niveaux de bruit élevés à vos images. Cela peut être minimisé quelque peu dans le panneau de réduction du bruit (en particulier la réduction du «bruit de couleur»), mais il est préférable de garder vos réglages au minimum.
6.2. Comment créer une image en noir et blanc dans Photoshop
Vous avez encore plus de flexibilité pour convertir vos photos noir et blanc dans Photoshop que dans Lightroom, dans la mesure où tout le monde a une méthode préférée différente. Personnellement, j’aime utiliser le «Camera RAW Filter» dans Photoshop CC, qui ouvre les mêmes options d’édition que dans Lightroom et les applique comme filtre. C’est parce que j’aime beaucoup les réglages HSL de Lightroom pour les photos noir et blanc !
Pourtant, vous avez également beaucoup d’autres options. Une méthode courante consiste à créer un calque de réglage «mélangeur de canaux», qui vous permet de contrôler le canal rouge, bleu et vert de votre image en noir et blanc.
Vous pouvez également utiliser un calque de réglage noir et blanc, réduire complètement la saturation ou même ouvrir la photo dans un plugin qui effectue une conversion en noir et blanc. En bref, il existe de nombreuses façons d’obtenir une image en noir et blanc dans Photoshop, et il est utile de tester certaines de ces méthodes par vous-même pour décider laquelle vous préférez.
6.3. Conversion de photos dans d’autres logiciels de post-traitement
De nos jours, il est très populaire d’utiliser un logiciel tiers dédié pour convertir vos photos noir et blanc. Le plus populaire est Nik Silver Efex Pro, que de nombreux photographes possèdent déjà, car il était gratuit pendant quelques années consécutives. (Il coûte maintenant 70€ dans le cadre du bundle Nik, puisque DxO l’a acheté à Google.) Il fonctionne seul ou en tant que plugin pour Lightroom et Photoshop.
Personnellement, j’ai tendance à ne pas utiliser Silver Efex Pro ou un autre logiciel de conversion tiers, car l’enregistrement de la version noir et blanc élimine les informations de couleur, ce qui signifie qu’il n’y a aucun moyen de reconvertir en couleur à partir de ce moment. (Bien que vous puissiez toujours rééditer le RAW d’origine pour une version couleur.) Pourtant, un logiciel comme Silver Efex fait un meilleur travail de gestion des ajustements extrêmes sans ajouter de bruit, il peut donc être très utile pour certaines photos. Et il est indéniable que des plugins comme celui-ci ont beaucoup plus de flexibilité que les options intégrées de Lightroom.
7. Inspiration et idées
Si vous voulez prendre de superbes photos noir et blanc, sortez et faites-le! La meilleure façon d’améliorer vos compétences est de vous entraîner, à la fois sur le terrain et en post-production. Bientôt, vous vous retrouverez à regarder le monde en monochrome, en visualisant exactement à quoi ressemblera la scène devant vous en noir et blanc. Voici quelques brèves idées pour vous aider à démarrer.
7.1. Photographie de portrait en noir et blanc
En raison de l’accessibilité de la photographie de portrait, c’est l’un des meilleurs moyens de commencer à prendre des photos noir et blanc. Portez une attention particulière à l’interaction de la lumière et des ombres lorsque vous prenez des portraits monochromes. Vous pouvez utiliser un éclairage soigneux pour sculpter la forme du visage de votre sujet ou attirer l’attention sur certaines caractéristiques, telles que le regard dans ses yeux ou la texture de ses mains. Bien fait, les résultats en disent long.
En outre, vous pouvez utiliser le noir et blanc pour distiller les émotions de votre sujet. Si vous prenez des portraits en couleur, les vêtements de la photo peuvent attirer plus l’attention qu’il ne le devrait, ce qui détourne votre message. Monochrome vous aide à vous concentrer sur des choses comme les expressions faciales et les gestes.
7.2. Photographie de paysage noir et blanc
Les images de paysages monochromes ont un sentiment de brutalité qui les aide à attirer l’attention. Ils s’appuient sur les caractéristiques fondamentales de la scène – lumière et terre – pour raconter une histoire. Parallèlement à cela, il est courant que des paysages aux couleurs innombrables deviennent indisciplinés, distrayant du message que vous souhaitez transmettre. Souvent, le noir et blanc est la meilleure solution.
Pourtant, il y aura des moments où les couleurs d’un paysage sont parfaitement bonnes, mais l’image est toujours meilleure en noir et blanc. C’est parce que, en tant que photographe, vous essayez souvent de capturer l’essence d’une scène plus qu’une simple réplique précise de ce que vous avez vu. Parfois, cette essence concerne davantage l’ombre, la texture, la forme et le contraste que des teintes particulières.
7.3. Photographie de rue et Photos noir et blanc
Le dernier est la photographie de rue – peut-être le seul genre de photographie où les gens sont plus susceptibles de photographier en monochrome qu’en couleur. Pourquoi ?
Dans un certain sens, c’est dû à l’histoire de la photographie de rue. Des gens comme Henri Cartier-Bresson et Vivian Maier ont capturé la vie de la rue exclusivement en noir et blanc, et leur influence s’est transmise à de nombreuses personnes qui prennent des photos aujourd’hui.
Mais à un niveau plus profond, la couleur peut détourner l’attention des scènes de rue d’une manière qui est plus rare dans d’autres genres. Si vous voulez que les spectateurs se concentrent sur une interaction ou un jeu de mots visuel subtil que vous avez capturé, vous ne voudrez certainement pas détourner leur regard de l’action avec des touches de couleur (en particulier dans les villes, où la position des couleurs dans le cadre est souvent au hasard). Cela ne veut pas dire que toutes les bonnes photographies de rue doivent être en noir et blanc, mais il ne devrait pas être surprenant que tant de choses le soient.
Si vous prenez des photos régulières en couleur, vous pourrez peut-être compter sur des nuages vifs au coucher du soleil pour capturer une image saisissante. Ou, pour la photographie de portrait, vous pouvez rendre votre sujet plus réaliste en décrivant la couleur de ses yeux, de ses cheveux et de sa peau avec un plus grand sens du réalisme.
Rien de tout cela n’est possible avec la photographie en noir et blanc. Au lieu de cela, vous devez travailler avec la lumière, les ombres et les éléments de composition pour raconter une histoire et capturer les émotions que vous avez en tête. Bien que cela prenne de la pratique, cela en vaut la peine. Certains messages sont simplement destinés à être transmis en monochrome.
Crédit photo Eric CANTO
Crédit photo Eric CANTO
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le choix de l’objectif pour tout type de photographie est important, mais cela est particulièrement vrai lorsque vous vous heurtez à des contraintes. Si vous êtes photographe de concert, vous savez que le temps, l’accès et l’éclairage sont des choses qui sont bien souvent hors de votre contrôle pour la photo de concert. Pour cette raison, choisir le bon équipement est indispensable.
Voici un aperçu des meilleurs objectifs à utiliser pour la photo de concert.
Objectifs fixes ou Zooms ? : l’éternelle question pour la photo de concert
L’éternel débat : les objectifs fixes ou les Zooms. Pour la photographie de concert, la réponse à cette question dépend du type d’événement que l’on couvre. Pour mon travail, qui consiste principalement à photographier des concerts dans des lieux petits et grands, je préfère largement les zooms f / 2,8. La raison est simple: la flexibilité offerte par les objectifs zoom est indispensable pour couvrir des événements tels que la musique live, où la position de chacun est souvent sévèrement restreinte.
Si vous photographiez et que vous n’avez accès qu’à la fosse photo, un zoom vous donnera la plus grande possibilité de varier vos compositions et de créer des images fascinantes pour de la photo de concert.
Si vous photographiez de plus petits spectacles sans fosse photo, où vous pouvez couvrir à partir d’une position fixe dans la foule ou avoir une capacité de mouvement limitée, la possibilité de varier facilement votre cadre sera une aubaine encore plus grande.
Photo de concert : Situations où les objectifs fixes sont intéressants.
Pour les très petits clubs où l’éclairage peut être particulièrement faible, la différence de 2 niveaux de zoom af / 1.4 prime et af / 2.8 peut avoir un impact énorme sur ses images.
Cette différence de 2 diaph peut signifier une prise de vue à une vitesse d’obturation 4x plus rapide ou un réglage ISO 1/4 de celui dont vous auriez besoin avec le zoom. Un objectif af / 1,8 peut être d’une grande aide en cas de faible luminosité.
Au-delà des avantages purement utilitaires, les amorces rapides peuvent également aider à créer des images avec un aspect très différent d’un objectif f / 2,8.
Cela est particulièrement vrai avec la prise de vue d’images à faible profondeur de champ – pensez à photographier derrière un artiste avec un grand ouverture de 35 mm f / 1,4 avec une salle remplie de téléphones portables soutenus avec les lumières allumées.
L’autre exception de la préférence des zooms concerne les objectifs spéciaux. Pour la photo live, cela signifie des super téléobjectifs (objectifs 300 mm ou plus) ou des objectifs fisheye. Ici, les focales fixes offriront la meilleure vitesse dans les performances les plus élevées.
Passons aux exemples !
Canon EF 24-70 mm F2.8 L USM photo de Concert – photo concert
Photo de concert : L’objectif Canon 24-70 mm f / 2,8
On me demande souvent quel objectif je recommande pour la photo de concert. Le canon 24-70 mm f / 2,8 est toujours mon premier choix si le budget le permet. La polyvalence de cette gamme est la raison même pour laquelle il s’agit d’un standard.
Pour moi, c’est mon objectif à tout faire en photo de concert. Un canon 24-70 mm offre une polyvalence fantastique, vous offrant un grand angle au téléobjectif court, et tout le reste.
Si vous appuyez dessus, vous pouvez très facilement couvrir un concert entier avec juste la distance focale de 24 à 70 mm et créer une variété de différents types d’images.
Sick of it all – Crédit photo Eric CANTO- photo concert
L’ouverture f / 2,8, en particulier pour les focales relativement courtes couvertes dans cette plage, est suffisamment rapide pour vous offrir des vitesses d’obturation raisonnables, en particulier avec les excellentes performances ISO élevées de pratiquement n’importe quel appareil photo APS-C ou plein format moderne.
S’il y a un objectif à acheter lorsque vous débutez en tant que photographe de musique, le Canon 24-70 mm f / 2,8 est mon premier choix.
Pour ceux qui tournent exclusivement de grands événements, un objectif comme un 24-105 mm f / 4 ou 24-120 mm f / 4 peut également être une option.
Je connais plusieurs photographes qui utilisent cet objectif sur un 24-70 mm f / 2,8, mais ces photographes tournent presque exclusivement de grands concerts bien éclairés.
En fin de compte, le choix se résume à la portée et au poids plus léger par rapport à la capacité de collecte de lumière et à la qualité optique.
CANON EF 70-200 mm f/2,8 L IS III USM photos de Concert – photo concert
Photo de concert : Le CANON 70-200 mm f / 2,8
Juste après le zoom de milieu de gamme, le Canon 70-200 mm f / 2,8 est le Graal pour le photographe de concert ou de festival. Cette plage de téléobjectif est particulièrement utile pour un cadrage plus serré des artistes individuels, qu’il s’agisse de shooter la tête d’un chanteur ou de la distance du batteur à l’arrière de la scène.
L’isolement et la portée d’un objectif 70-200 mm f / 2,8 se combinent pour produire des images qui peuvent sembler radicalement différentes d’un objectif 24-70 mm.
Pour cette raison, le 70-200 mm f / 2,8 est la deuxième recommandation que je fais lorsque vous construisez votre kit pour de la photo de concert.
Gonzales concert – Crédit photo Eric CANTO – photo concert
Lorsque vous photographiez des festivals avec des scènes plus grandes, des objectifs comme le 70-200 mm f / 2,8 deviennent indispensables, tout simplement parce que dans des lieux plus grands, la distance augmente entre les photographes et les artistes.
Cela peut être particulièrement vrai avec des scènes très hautes avec des artistes à 5-8 mètres de votre objectif (ou plus).
De plus, la plage focale plus longue d’un 70-200 mm libère le photographe de concert pour explorer différents angles et traitements. Un 200 mm peut donner à chacun la liberté de shooter de loin, ce qui peut donner aux artistes un angle plus flatteur.
Rihanna Live – Crédit photo Eric CANTO – photo concert
Canon EF 16-35mm f/2.8L USM photos de Concert
Photo de concert : Le Canon 16-35 mm f / 2,8
Ensuite, je recommande un Canon 16-35 mm f / 2,8 . Pour moi, cette gamme ultra large complète la «sainte trinité» des objectifs. Pour moi, le zoom ultra large est l’un de ces objectifs «sympa à avoir» qui ne peut être utilisé que 5 à 10% du temps, mais qui crée des images pleines d’impact et pour lesquelles il n’y a souvent pas de substitut.
J’adore utiliser un objectif 16-35 mm pour shooter une salle ou une immense scène, mais aussi pour être extrêmement proche des artistes pour jouer de façon spectaculaire avec la perspective et l’échelle.
Pour moi, un objectif comme un 16-35 mm est un objectif qui est «dispensable» la plupart du temps, mais souvent, il est tellement fou qu’il vous fera chercher l’occasion d’utiliser cette perspective unique.
Autres objectifs pour la photo de concert
L’objectif 35 mm ou 50 mm f / 1,8
Bien que je préfère les objectifs zoom pour leur flexibilité, parfois rien ne vaut un objectif à focale fixe rapide. Pour ceux qui tournent des spectacles plus petits ou des lieux plus faiblement éclairés, je recommanderais d’inclure un 35 mm f / 1,8 ou 50 mm f / 1,8 dans votre kit.
La bonne distance focale dépendra du type de lieu où vous travaillez. 35 mm pour les petits sites peut être préférable, tandis que ceux qui tournent avec des scènes plus hautes peuvent bénéficier davantage d’un 50 mm.
Red Hot Chilly Peppers – Crédit photo Eric CANTO – Photo de concert
Dans l’ensemble, je dirais que les versions f / 1.8 dans ces focales sont assez rapides pour offrir un gros avantage, tandis que les économies de coûts par rapport à l’objectif af / 1.4 font de ces objectifs une option beaucoup plus économique.
Même un objectif f / 1,8 offrira une amélioration de 1 et 2/3 arrêts. Cela peut être un énorme avantage si vous luttez pour une vitesse d’obturation raisonnable et que vous êtes déjà aux limites du confort en termes de réglage ISO.
Il y a eu d’innombrables concerts que j’ai couvertes où avoir une petite ouverture à porté a fait la différence entre travailler avec facilité ou se débattre avec un éclairage frustrant.
L’objectif 15 ou 16 mm fisheye:
Un objectif fisheye peut couvrir la même distance focale qu’un objectif rectiligne ultra-large, mais il le fait d’une manière radicalement différente. Cet effet est celui que j’aime utiliser pour les très grands spectacles, tout comme un 14-24 mm .
Cependant, l’effet est suffisamment différent pour que j’aime l’option des deux pour mes clients. Dans certains cas, un aspect rectiligne est préférable, et pour d’autres, un objectif fisheye peut produire un effet incomparable.
Le 300 mm + super téléobjectif
Pour les prises de vue à distance comme couvrir un événement depuis la table de mixage ou de la foule.Pour une option beaucoup moins chère, un télé convertisseur 1,4x vous donnera une excellente capacité à atteindre près de 300 mm lorsqu’il est associé à un 70-200 mm f / 2,8 .
Pour terminer :
Si vous avez un objectif pour la photographie musicale, un 24-70 mm f / 2,8 est -ce que je recommande avant tout autre choix pour la photo de concert. C’est le meilleur équilibre de vitesse, d’autonomie et de qualité que vous trouverez, et chaque fabricant fabrique un objectif professionnel de cette spécification.
Vous pouvez vous en tirer avec d’autres objectifs ou des zooms plus lents, mais pour la plupart des photographes d’événements professionnels, un zoom à ouverture constante comme le 24-70 mm est roi.
Green Day – Crédit photo Eric CANTO – Photo de concert
De là, j’achèterais un 70-200 mm f / 2,8 car pour moi, il reste indispensable pour un photographe de concert. Avec un zoom de milieu de gamme et 70-200 mm, vous pouvez couvrir presque tout ce qui se présente à vous en tant que photographe de musique.
Au-delà de cela, tout dépend des objectifs spéciaux: ultra-large, fisheye et super téléobjectif. Ces lentilles sont les pièces «à avoir». Mais bien qu’ils ne soient pas strictement nécessaires, ils peuvent aider à créer des images qui vous distinguent.
utiliser une vitesse d’obturation d’au moins 1/200 s
commencer avec ISO 1600
utiliser la priorité à l’ouverture ou le mode manuel
attendre le bon moment pour prendre vos photos
Utiliser TOUJOURS des bouchons d’oreille pour éviter les dommages auditifs
Il est très facile d’être intimidé par l’environnement peu éclairé d’une salle de concert. Il est important de comprendre vos paramètres et de parcourir vos images pendant la post-production pour voir où les choses se sont mal passées ou où les choses se sont bien passées. Plus vous prendrez de photos de concert dans des situations de faible luminosité, plus vous deviendrez confiant et à l’aise avec vous-même et avec votre appareil photo.
Et surtout, amusez-vous!
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photo-concert-photos-de-concert crédit photo Eric CANTO
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
