Prince, de son vrai nom Prince Rogers Nelson, est l’une des figures les plus influentes et emblématiques de l’histoire de la musique. Artiste complet, il a marqué plusieurs générations avec son talent exceptionnel, sa créativité débordante, et son style unique qui a transcendé les genres.
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Cet article explore la carrière fascinante de Prince, ses contributions inestimables à la musique, et son impact indélébile sur la culture populaire. Que vous soyez un fan de longue date ou que vous découvriez son œuvre pour la première fois, ce guide complet répondra à toutes vos questions sur Prince et son héritage musical.
1. Les débuts de Prince : Du prodige de Minneapolis à la scène internationale
Prince n’est pas devenu une légende du jour au lendemain. Ses premières années ont été marquées par un développement musical intense, une recherche d’identité artistique, et une détermination à briser les barrières. Cette section retrace les débuts de Prince, de son enfance à Minneapolis à ses premiers succès sur la scène musicale mondiale.
1.1 L’enfance et les premières influences musicales
Prince Rogers Nelson est né le 7 juin 1958 à Minneapolis, dans le Minnesota. Fils de musiciens, il est plongé très tôt dans l’univers de la musique. Son père, John L. Nelson, était pianiste et compositeur, tandis que sa mère, Mattie Shaw, était chanteuse de jazz. Cette sous-partie explore l’enfance de Prince, ses premières influences musicales, et comment il a développé son talent musical dès son plus jeune âge.
**Les premières influences de Prince** incluent une gamme variée de genres musicaux, du jazz au funk en passant par le rock et le R&B. Il apprend à jouer du piano à l’âge de sept ans, avant de maîtriser la guitare et la batterie. Nous examinerons ici comment ces premières influences ont façonné son style musical unique, combinant des éléments de différents genres pour créer un son qui lui est propre.
1.2 Les débuts dans la musique : De Grand Central à son premier contrat
Adolescent, Prince forme son premier groupe, Grand Central, avec quelques amis de lycée. Ce groupe, qui mélangeait funk, rock et R&B, lui permet de se faire connaître sur la scène locale. Cette sous-partie retrace l’évolution de Grand Central, les premières performances de Prince, et comment il a attiré l’attention des producteurs, menant à son premier contrat d’enregistrement.
**La transition de Prince de Grand Central à une carrière solo** marque le début de son ascension. À l’âge de 19 ans, il signe un contrat avec Warner Bros. Records, devenant le plus jeune producteur de l’histoire de la maison de disques. Nous discuterons de l’importance de ce contrat pour Prince, de ses premiers enregistrements, et de la manière dont il a commencé à définir son image artistique, en insistant sur le contrôle créatif total de sa musique.
1.3 Les premiers albums : « For You » et « Prince »
En 1978, Prince sort son premier album, *For You*, un projet ambitieux où il joue tous les instruments et compose tous les morceaux. Cet album marque le début de sa carrière professionnelle, mais c’est avec son deuxième album, *Prince*, sorti en 1979, qu’il connaît son premier véritable succès commercial. Cette sous-partie explore la production de ces deux albums, leur réception critique et commerciale, et comment ils ont jeté les bases de sa future carrière.
**L’album *For You***, bien que n’ayant pas rencontré un succès commercial retentissant, a montré le potentiel de Prince en tant que musicien polyvalent et innovant. Avec des morceaux comme « Soft and Wet », l’album dévoile son talent pour fusionner des genres et créer un son unique. **L’album *Prince***, quant à lui, contient des hits comme « I Wanna Be Your Lover » et se vend à plus d’un million d’exemplaires, établissant Prince comme une force montante dans l’industrie de la musique. Nous examinerons comment ces albums ont contribué à définir le son de Prince et à élargir son audience.
2. L’ascension de Prince : Une carrière marquée par l’innovation et la controverse
Les années 80 marquent la montée en puissance de Prince, avec une série d’albums qui redéfinissent la musique pop et le positionnent comme une figure emblématique de la culture populaire. Cette section explore les albums emblématiques de cette période, ainsi que les controverses et les défis qui ont accompagné son ascension.
2.1 « Dirty Mind », « Controversy », et l’affirmation de son identité artistique
Avec la sortie de *Dirty Mind* en 1980 et de *Controversy* en 1981, Prince commence à explorer des thèmes plus audacieux et à repousser les limites de la musique pop. Ces albums sont marqués par des paroles provocantes, des explorations de la sexualité, et une fusion innovante de funk, rock et new wave. Cette sous-partie analyse l’impact de ces albums sur la carrière de Prince, ainsi que la manière dont ils ont contribué à façonner son image d’artiste rebelle et avant-gardiste.
**L’album *Dirty Mind*** est souvent considéré comme un tournant dans la carrière de Prince. Avec des chansons comme « Head » et « When You Were Mine », il aborde des thèmes de sexualité, d’identité et de rébellion, créant un son brut et minimaliste qui contraste avec la musique pop de l’époque.
**L’album *Controversy*** poursuit cette exploration, avec des titres comme « Controversy » et « Do Me, Baby » qui établissent Prince comme un artiste prêt à briser les tabous et à repousser les limites. Nous discuterons de l’impact de ces albums sur la perception de Prince par le public et la critique, ainsi que de leur influence sur la musique pop des années 80.
2.2 « 1999 » et l’explosion du succès international
En 1982, Prince sort *1999*, l’album qui le propulse sur la scène internationale. Avec des hits comme « 1999 », « Little Red Corvette », et « Delirious », cet album devient un phénomène mondial et positionne Prince comme l’un des artistes les plus innovants de sa génération. Cette sous-partie explore la création de *1999*, son impact sur la carrière de Prince, et comment il a ouvert la voie à son prochain chef-d’œuvre, *Purple Rain*.
**L’album *1999*** est un chef-d’œuvre de la synthèse des genres, mélangeant le funk, le rock, la pop et la musique électronique pour créer un son futuriste et accrocheur. Les singles de l’album connaissent un succès retentissant, avec « 1999 » devenant un hymne des années 80 et « Little Red Corvette » établissant Prince comme un artiste pop de premier plan.
Nous analyserons comment cet album a non seulement élargi l’audience de Prince à l’international, mais a également influencé de nombreux autres artistes de l’époque. Nous discuterons également de la manière dont *1999* a jeté les bases du prochain projet ambitieux de Prince, *Purple Rain*.
2.3 « Purple Rain » : L’apogée de la carrière de Prince
*Purple Rain*, sorti en 1984, est sans doute l’album le plus emblématique de Prince. Accompagné d’un film du même nom, cet album est un triomphe commercial et critique, avec des hits comme « When Doves Cry », « Let’s Go Crazy », et bien sûr, « Purple Rain ». Cette sous-partie explore la production de cet album légendaire, son impact sur la carrière de Prince, et comment il a consolidé son statut de superstar mondiale.
**L’album *Purple Rain*** est plus qu’un simple album ; c’est une œuvre d’art complète qui a marqué une génération. Le film, dans lequel Prince joue le rôle principal, est un succès critique et commercial, renforçant l’impact culturel de l’album. Les chansons de *Purple Rain* sont devenues des classiques intemporels, et l’album lui-même a été certifié multi-platine dans plusieurs pays. Nous discuterons de la manière dont *Purple Rain* a transformé la carrière de Prince, en le propulsant au rang de légende vivante, et comment cet album a influencé la musique pop, le rock, et la culture populaire en général.
3. L’impact culturel de Prince : Un artiste qui a redéfini les normes
Au-delà de sa musique, Prince a eu un impact profond sur la culture populaire, en redéfinissant les normes de genre, de sexualité, et de créativité artistique. Cette section explore l’influence de Prince sur la société, son rôle en tant qu’icône culturelle, et la manière dont il a utilisé sa notoriété pour défendre ses convictions.
3.1 Prince et la redéfinition des genres musicaux
Prince n’a jamais accepté d’être limité par les catégories musicales. Tout au long de sa carrière, il a brouillé les frontières entre les genres, créant une musique qui défie toute classification simple. Cette sous-partie explore comment Prince a redéfini les genres musicaux, en mélangeant le funk, le rock, le R&B, le jazz, et bien plus encore pour créer un son unique et révolutionnaire.
**L’influence de Prince sur les genres musicaux** est incommensurable. En refusant de se conformer aux attentes de l’industrie musicale, il a ouvert la voie à d’autres artistes pour explorer de nouveaux territoires sonores. Nous examinerons comment Prince a intégré divers genres dans sa musique, créant ainsi un son qui transcende les étiquettes traditionnelles. Nous discuterons également de son impact sur les artistes contemporains, qui continuent de s’inspirer de sa capacité à repousser les limites de la musique.
3.2 L’influence de Prince sur la mode et l’expression de soi
Prince n’était pas seulement un musicien, il était aussi un pionnier de la mode et un champion de l’expression individuelle. Son style vestimentaire audacieux, son maquillage, et son attitude provocatrice ont fait de lui une icône de la mode et un modèle pour ceux qui cherchent à s’exprimer sans compromis. Cette sous-partie explore l’impact de Prince sur la mode, son influence sur l’expression de soi, et comment il a redéfini les normes de genre et de sexualité.
**Le style de Prince** était aussi révolutionnaire que sa musique. Connue pour ses tenues flamboyantes, ses couleurs vives, et ses accessoires excentriques, il a défié les conventions de la mode masculine et féminine, créant un look qui était totalement unique.
Nous examinerons comment Prince a utilisé la mode comme un moyen d’expression personnelle, et comment son style a influencé la mode pop et la culture populaire. Nous discuterons également de la manière dont il a contribué à la conversation sur le genre et la sexualité, en brouillant les frontières et en encourageant ses fans à embrasser leur propre identité.
3.3 L’engagement social et les convictions personnelles de Prince
Prince était non seulement un artiste, mais aussi un activiste engagé. Tout au long de sa carrière, il a utilisé sa plateforme pour défendre ses convictions, que ce soit en matière de droits civiques, de justice sociale, ou de liberté artistique. Cette sous-partie explore l’engagement social de Prince, ses prises de position sur des questions importantes, et comment il a utilisé sa musique pour faire passer des messages puissants.
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**L’engagement social de Prince** était profondément enraciné dans sa musique et ses actions. Il a souvent abordé des thèmes de justice sociale dans ses chansons, comme « Sign o’ the Times » qui traite des problèmes sociétaux de l’époque.
Nous analyserons comment Prince a utilisé sa musique comme un outil de changement social, en abordant des sujets comme le racisme, l’injustice et la violence. Nous discuterons également de son soutien à des causes caritatives, de son engagement pour les droits des artistes, et de la manière dont il a utilisé sa notoriété pour défendre la liberté d’expression et les droits humains.
4. L’héritage de Prince : Un impact durable sur la musique et la culture
Prince a laissé derrière lui un héritage qui continue d’influencer la musique et la culture populaire. Cette section se concentre sur son héritage, la manière dont il est perçu aujourd’hui, et comment sa musique continue d’inspirer les générations futures.
4.1 Les rééditions, documentaires, et l’influence posthume
Depuis la disparition de Prince en 2016, son œuvre a été redécouverte et célébrée à travers des rééditions, des documentaires, et de nouvelles interprétations de sa musique. Cette sous-partie explore l’impact posthume de Prince, la manière dont son héritage est préservé, et comment il continue d’influencer la musique et la culture.
**Les rééditions des albums de Prince** ont permis à une nouvelle génération de découvrir son génie musical. Nous analyserons comment ces rééditions, souvent enrichies de contenu inédit, ont ravivé l’intérêt pour son œuvre. Nous discuterons également des documentaires, comme « Prince: Sign o’ the Times », qui ont offert un aperçu de sa vie et de sa carrière, et de la manière dont ils ont contribué à renforcer son héritage. Nous examinerons comment la musique de Prince continue d’influencer les artistes contemporains et comment son style et son approche créative restent pertinents dans le paysage musical actuel.
4.2 La reconnaissance critique et les récompenses
Prince a reçu de nombreuses récompenses tout au long de sa carrière, et son héritage est régulièrement célébré dans le monde de la musique. Cette sous-partie explore les récompenses les plus significatives qu’il a reçues, ainsi que la reconnaissance critique qui lui a été accordée.
**Les récompenses et distinctions de Prince** sont le reflet de son impact durable sur la musique. Nous examinerons les moments clés où il a été honoré, comme son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame, ainsi que les Grammy Awards et autres distinctions qu’il a reçues.
Nous discuterons de la manière dont ces récompenses ont non seulement célébré ses réalisations passées, mais ont également consolidé son statut de légende vivante. Nous aborderons également les hommages rendus à Prince par d’autres artistes et institutions, et comment ces hommages ont contribué à cimenter son héritage dans l’histoire de la musique.
4.3 La perception de Prince par les nouvelles générations
Prince continue d’influencer les nouvelles générations, non seulement par sa musique, mais aussi par son style de vie et son attitude. Cette sous-partie explore comment il est perçu par les jeunes aujourd’hui, son influence sur les artistes contemporains, et comment son héritage continue d’évoluer.
**La perception de Prince par les jeunes générations** est fascinante, car il parvient à rester pertinent même après des décennies dans l’industrie. Nous analyserons comment ses valeurs, son style, et sa musique résonnent avec les jeunes d’aujourd’hui, et comment ils continuent de s’inspirer de son parcours. Nous discuterons également de l’influence de Prince sur les médias contemporains, et comment ils sont représentés dans les films, les séries, et la culture populaire moderne.
Conclusion
Prince n’était pas seulement un artiste ; il était une force de la nature. Avec une carrière qui s’étend sur plusieurs décennies, il a redéfini les normes de la musique populaire et a laissé un impact indélébile sur la culture mondiale. De ses débuts à Minneapolis à son statut de légende, Prince continue de fasciner et d’inspirer des millions de personnes à travers le monde. Alors que nous célébrons son héritage, il est clair que l’influence de Prince sur la musique, la culture et la société se fera sentir pour les générations à venir.
FAQ
1. Quel est l’album le plus emblématique de Prince ?
Purple Rain est souvent considéré comme l’album le plus emblématique de Prince, avec des hits comme « When Doves Cry » et « Purple Rain ».
2. Comment Prince a-t-il influencé la mode et la culture populaire ?
Prince a redéfini le style vestimentaire avec ses tenues flamboyantes, ses couleurs vives, et son attitude audacieuse, influençant des générations de créateurs de mode et de musiciens.
3. Quelle est l’implication de Prince dans l’engagement social et les droits des artistes ?
Prince a été un fervent défenseur des droits des artistes et a souvent utilisé sa musique pour aborder des questions de justice sociale et de liberté artistique.
4. Comment Prince est-il perçu par les nouvelles générations ?
Prince est perçu par les nouvelles générations comme une icône intemporelle, dont la musique et l’attitude continuent de résonner avec les jeunes d’aujourd’hui.
5. Quels sont les projets posthumes qui ont contribué à préserver l’héritage de Prince ?
Les rééditions d’albums, les documentaires, et les hommages musicaux ont tous contribué à préserver l’héritage de Prince et à le présenter à une nouvelle génération de fans.
Kerrang! est un magazine hebdomadaire britannique consacré à la musique rock et métal, actuellement publié par Wasted Talent (la même société qui possède la publication de musique électronique Mixmag ).
Il a été publié pour la première fois le 6 juin 1981 en tant que supplément ponctuel dans le journal Sounds.
Fondé il y a trente-quatre ans, un événement aussi sismique que les événements dans l’industrie de l’édition, sans parler de la musique, c’est aussi une radio, une chaîne de télévision, c’est une cérémonie de remise de prix, une tournée.
Nommé d’après le mot onomatopée qui dérive du son produit lors de la lecture d’un accord de puissance sur une guitare électrique déformée, Kerrang! a d’abord été consacrée à la nouvelle vague du heavy metal britannique et à la montée du hard rock .
Au début des années 2000, il est devenu l’hebdomadaire de musique britannique le plus vendu. L’édition imprimée de Kerrang! est actuellement en pause de publication en raison de la pandémie COVID-19 en cours , bien que le site Web et les éditions numériques se poursuivent comme d’habitude.
Kerrang! : L’histoire
Les débuts de Kerrang!
Le magazine a été fondé en 1981. Le magazine a commencé la publication le 6 juin 1981 et a été édité par Geoff Barton , initialement comme un supplément ponctuel dans le journal Sounds , qui se concentrait sur la nouvelle vague du phénomène britannique des métaux lourds et sur la montée d’autres actes de hard rock .
Angus Young d’ AC / DC est apparu sur le magazine’ S premier couvercle. Lancé en tant que magazine mensuel, le magazine a commencé à apparaître tous les quinze jours puis dès 1987 chaque semaine.
Le propriétaire d’origine était United Newspapers qui l’a ensuite vendu à EMAP en 1991.
Au cours des années 1980 et au début des années 1990, le magazine a placé de nombreux numéros de thrash et de glam métal en couverture, notamment Mötley Crüe , Slayer , Bon Jovi , Metallica , Poison et Venom ).
Kerrang! Trash Métal !
Le terme « thrash métal » a été inventé pour la première fois dans la presse musicale par Kerrang! journaliste Malcolm Dome , en référence à la chanson Anthrax » Métal Thrashing Mad « .
Avant cela, James Hetfield de Metallica avait fait référence à leur son comme » power métal« . L’accent du magazine changerait au cours des années 1990 une fois que les actes grunge tels que Nirvana seraient devenus célèbres.
Le magazine A parfois fait face à des critiques pour avoir répété ce processus chaque fois qu’un nouveau sous-genre musical devenait populaire.
La popularité de la société a de nouveau augmenté avec l’embauche de l’éditeur Paul Rees vers 2000, lorsque le genre nu métal , avec des groupes comme Limp Bizkit et Slipknot , devenait plus populaire.
Rees a continué à éditer le magazine Q et l’ancien Kerrang! Le rédacteur des revues Ashley Bird a été nommé rédacteur en chef de 2003 à 2005. Suite à son départ, Paul Brannigan a pris la relève en mai 2005.
Avec l’émergence de l’ emo et du metalcore entre le milieu et la fin des années 2000, le genre se concentre sur le magazine décalé une fois de plus. La refonte n’a pas été bien accueillie par tous les lecteurs et de nombreuses plaintes ont été reçues à propos de Kerrang! L’ accent soudain sur la musique emo et metalcore.
Le records de Kerrang!
Cependant, à la suite de ce changement, Brannigan a amené le magazine dans sa période la plus réussie commercialement avec un record jamais enregistré ABC pour le titre de 80.186 exemplaires. En outre, le magazine a continué à présenter occasionnellement des groupes plus établis tels que Iron Maiden et Metallica sur la couverture, en dépit d’être critiqué pour faire autrement.
En 2008, EMAP a vendu ses magazines grand public à Bauer Media Group . Brannigan a quitté le magazine en 2009 et Nichola Browne a été nommé rédacteur en chef. Plus tard, elle a démissionné en avril 2011. L’ancien rédacteur en chef de NME et le rédacteur adjoint de GamesMaster James McMahon a été nommé rédacteur en chef le 6 juin 2011.
En avril 2017, le magazine, son site Web et le K! ont été achetés par Mixmag Media, éditeur du mensuel de danse Mixmag , ainsi que des actifs liés au défunt magazine de style The Face . Mixmag a depuis formé la société mère Wasted Talent, qui a relancé Kerrang! comme un titre numérique, tout en continuant à publier une édition imprimée hebdomadaire.
L’ancien rédacteur en chef Phil Alexander a été nommé directeur de la création mondiale le 3 août 2017. Bauer a conservé la propriété de Kerrang! Radio et le réseau Box Plus continueront d’exploiter Kerrang! TV comme avant.
Le logo de du magazine a été lancé à la mi-2017 avant que le magazine ne reçoive une refonte complète en 2018. Ce changement a vu plusieurs des fonctionnalités de longue date du magazine abandonnées, y compris l’Ultimate Rockstar Test, tandis que de nouvelles fonctionnalités ont été ajoutées à leur place.
Kerrang! : Éditions internationales
Emap a lancé Kerrang! Australie à la fin des années 1990. Contrairement à son homologue hebdomadaire au Royaume-Uni, l’édition australienne a été publiée mensuellement en raison de la forte concurrence des publications musicales locales gratuites. Kerrang! est également publié en espagnol et en allemand.le magazine a annoncé son intention de s’étendre aux États-Unis en mars 2018.
En mars 2018, suite à une refonte du magazine, le magazine a annoncé son expansion aux États-Unis, avec un bureau à New York dirigé par Ethan Fixell . L’objectif serait de générer du contenu, des événements et des partenariats de marque centrés sur les États-Unis.
Le Site Web KERRANG!
Kerrang! Le site Web de www.kerrang.com a été lancé à l’été 2001 par Dan Silver. Kerrang! La société mère de Emap a acquis le nom de domaine d’un cybersquatter norvégien du nom de Steingram Stegane pour une somme symbolique de 666 £.
Kerrang! Le site Web présente des nouvelles et des articles sur les groupes de rock contemporain et classique, ainsi que des aperçus des événements à venir. Le site héberge Kerrang! La boutique en ligne, les podcasts, les babillards électroniques, les segments de la télévision et de la radio offrent plus de possibilités de vendre des marchandises et des produits associés.
En 2001, le magazine a lancé son propre forum en ligne avec la section «rants and raves» absorbant la majeure partie du trafic. Bien qu’initialement extrêmement populaire, le nombre d’utilisateurs a commencé à diminuer vers 2005, le nombre de personnes en ligne tombant à 10 alors qu’il était auparavant plus proche du chiffre de 100.
Les Récompenses
Depuis 1993, le magazine organise une cérémonie annuelle de remise de prix pour récompenser les groupes les plus réussis dans l’intérêt de leurs lecteurs. Les récompenses sont devenues l’un des événements les plus reconnus de Grande-Bretagne par le livre Guinness, désormais disparu, des singles et albums à succès britanniques , énumérant souvent certains des gagnants dans leur tour d’horizon annuel de l’année précédente.
L’événement est présenté par de grandes célébrités de la musique, avec de nombreuses autres en dehors de l’industrie qui assistent à l’événement.
Après un an de pause, les prix ont été relancés en 2018, avec des invités notables dont Johnny Depp , Joe Perry , Tony Iommi , Corey Taylor et Dave Grohl , entre autres.
Radio Kerrang!
Article principal: Radio Kerrang
En 2000, EMAP a lancé Kerrang! en tant que station de radio numérique , à travers le Royaume-Uni. C’était principalement une station de «jukebox», jouant une séquence consécutive de rock et de musique alternative .
Le 10 juin 2004, Kerrang! 105.2 a été lancée en tant que station de radio régionale à Birmingham avec une campagne publicitaire de l’agence de création londonienne ODD.
La radio avait un certain nombre de programmes spécialisés consacrés aux nombreux sous-genres de la musique rock. La production radiophonique comprenait des entrevues avec des acteurs de la culture et de la société populaires ainsi que des acteurs de la musique. Elle a cessé de diffuser sur FM à partir du 14 juin 2013 et est redevenue une station numérique, avec des auditeurs capables de syntoniser sur DAB ou le Kerrang! Application radio.
Avec ce changement de diffusion est venu un déménagement à Kerrang! Bureaux de la radio de Birmingham à Londres. Absolute Radio diffuse désormais sur sa fréquence FM.
Kerrang! TV
En 2001, EMAP a lancé Kerrang! TV . Comme pour la station de radio, la chaîne de télévision couvre le côté le plus grand public de la musique rock ainsi que des groupes de rock classique comme Aerosmith et AC / DC , et des groupes de heavy metal classiques tels que Kerrang! Magazine et Metallica .
Kerrang! TV, avec ses chaînes sœurs The Box Plus Network , est désormais entièrement détenue par Channel Four Television Corporation .
La tournée Kerrang!
La tournée s’est déroulée de 2006 à 2017. La programmation de chaque année était généralement annoncée en octobre de l’année précédente et se tenait en janvier et février de l’année suivante. La boisson énergisante implacable a parrainé le magazine Tournée pendant plusieurs années. Il est actuellement inconnu si la tournée sera jamais relancée.
Les dates de la tournée Kerrang!
2006, a présenté Bullet pour My Valentine , Hawthorne Heights , Still Remains et Aiden .
2007, avec Biffy Clyro , The Bronx , The Audition et I Am Ghost .
2008, a présenté Coheed et Cambria , Madina Lake , Fightstar et Circa Survive .
2009, parrainé par Relentless Energy Drink à partir de cette année; a présenté Mindless Self Indulgence , Dir En Grey , Bring Me the Horizon , Black Tide et In Case of Fire .
2010, a présenté All Time Low , The Blackout , Young Guns et My Passion . Jettblack ont été ajoutés pour deux dates au London Roundhouse à la fin de la tournée.
2011, en vedette Good Charlotte , Four Year Strong , Framing Hanley et The Wonder Years .
2012. La tournée a duré du 5 au 17 février. [25] Il a présenté la Nouvelle Gloire Trouvée , Somme 41 , letlive. et pendant qu’elle dort . Le 20 janvier 2012, il a été révélé que Sum 41 avait été malheureusement forcé de se retirer en raison du chanteur Deryck Whibley qui avait subi une blessure au dos et n’était pas assez bien pour jouer pendant la durée de la tournée, ils ont été remplacés par The Blackout qui avait déjà joué sur la tournée 2010. [26]
2013, a présenté Black Veil Brides , Chiodos , Tonight Alive et Fearless Vampire Killers . C’était une tournée de 11 dates qui s’est déroulée du 3 au 15 février, les 6 et 11 étant des jours de congé. William Control était un DJ invité et est également apparu aux côtés de Black Veil Brides sur 2 chansons; Les ombres meurent et à la fin.
2014, a présenté Limp Bizkit , Crossfaith , Nekrogoblikon et Baby Godzilla.
2015, mettait en vedette Don Broco , We Are the In Crowd , Bury Tomorrow , Beartooth et Young Guns . [27]
2016. Le 29 septembre, la tête d’affiche du onzième Kerrang! La tournée s’est révélée être Sum 41. [28] Dans une interview avec Kerrang, le chanteur Deryck Whibley a déclaré que « Après une pause de trois ans, nous sommes honorés que notre première tournée de retour soit le Kerrang! » [29] La tournée a présenté Sum 41 , Roam , Frank Carter & The Rattlesnakes and Biters .
2017, a présenté The Amity Affliction , Boston Manor, Vukovi et Casey .
Le K! Pit
L’année après le Kerrang final! Tour, Kerrang! a lancé un nouveau concept de concert connu sous le nom de «The K! Pit ‘, où le magazine fait la promotion d’un concert gratuit pour un groupe populaire dans une petite salle londonienne.
Les fans y accèdent en demandant des billets en ligne et en étant sélectionnés au hasard dans un tirage de type compétition. Les artistes présentés jusqu’à présent incluent Parkway Drive , Mastodon , Fever 333 et Neck Deep , cette dernière performance coïncidant avec le Kerrang 2018 ! Récompenses où Neck Deep remporterait la « Meilleure chanson ».
La marque a depuis également lancé la série à Brooklyn, New York, mettant en vedette des artistes tels que Sum 41 , Baroness, Knocked Loose, Filles, apte pour une autopsie . Les performances sont également diffusées sur le Kerrang! Page Facebook avant d’être téléchargée sur YouTube.
Le Kerrang officiel! Graphique Rock
Dans les années 80, le magazine publie des graphiques hebdomadaires de heavy metal pour des singles, des albums et des albums d’importation. Chacun a été compilé à partir des données de vente de cinquante magasins spécialisés à travers le Royaume-Uni.
En mars 2012, Kerrang! a annoncé un nouveau classement hebdomadaire des singles rock pour le Royaume-Uni, basé sur la diffusion sur Kerrang Radio, Kerrang TV et des stations de radio rock spécialisées, ainsi que sur les chiffres de vente de la société Official Charts Company . À partir de 2020, le graphique continue d’être imprimé dans le magazine chaque semaine, contient 20 titres et contient souvent des faits d’accompagnement ou des citations d’artistes.
Le profil officiel de Kerrang Spotify comprend également une liste de lecture des pistes sur le graphique et est mis à jour tous les mercredis. Le graphique était autrefois annoncé le samedi matin sur Kerrang! Radio et peut être visionné en ligne tous les samedis à midi. Le graphique serait également affiché sur Kerrang! Télévision les jeudis à 16h.
Contrairement au UK Rock & Metal Singles Chart produit par la Official Charts Company, qui est généralement dominé par des artistes de rock classique, le Kerrang! Rock Chart se concentre principalement sur les nouveautés d’artistes rock contemporains.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photographie, comme tout art, ne doit pas être pratiquée dans une chambre d’écho. Afin de devenir meilleur dans votre métier, vous devez voir ce que font les autres artistes. C’est ainsi que les gens grandissent et perfectionnent leurs compétences.
Essayer d’imiter le travail de photographes célèbres n’est pas du vol, c’est simplement une pratique de votre talent. L’acte de créer quelque chose de nouveau et d’unique découle de cette pratique. Voici notre liste de photographes célèbres dont j’espère que vous pourrez vous inspirer créative.
Photographe célèbre 1: Annie Leibovitz
Annie Leibovitz est une photographe de premier plan. Annie Leibovitz a commencé sa carrière de tournage pour le magazineRolling Stone, y travaillant pendant 10 ans avant de passer à d’autres entreprises. Annie Leibovitz tourne pour de nombreuses publications mais fait la majorité de son travail pour Vanity Fair.
Si vous deviez prendre un numéro actuel du magazine, Annie Leibovitz aurait probablement pris certaines des images qu’il contient. Leibovitz a photographié presque toutes les célébrités imaginables et ce qui la distingue vraiment des autres photographes célèbres, c’est son style d’éclairage.
Elle utilise une configuration d’éclairage très distincte qui offre une image presque picturale en sourdine. Ses photographies sont très reconnaissables si vous avez étudié son travail même pour une courte période de temps.
La cohérence dans votre style photographique est une grande compétence à atteindre car cela signifie que les gens peuvent facilement reconnaître votre travail et vous serez davantage embauché.
Si vous voulez imiter Annie Leibovitz, vous devez devenir un maître en éclairage de studio . Bien que l’éclairage de studio puisse être un peu effrayant au début, lorsqu’il est bien fait, la récompense est une image magnifiquement conçue.
Gregory Crewdson dépense des milliers et même des millions de dollars pour créer une seule photographie. Imaginez l’ensemble d’un film majeur utilisé pour une seule image. Gregory Crewdson a commencé à expérimenter ces ensembles à grande échelle à l’université et continue de les rendre plus extravagants.
En tant que photographe célèbre, il utilise tout, des bouches d’incendie cassées à la brumisation manuelle d’ensembles entiers pour obtenir ce look. Il utilise des appareils photo grand format pour capturer toute la profondeur qui se passe dans chaque scène, puis réalise d’énormes impressions.
On m’a dit que le seul moyen de saisir la profondeur et le détail de ses photographies est de les voir en personne.
L’idée de mettre en place des scènes est très intéressante et pourrait être longuement expérimentée. Vous n’avez pas besoin d’investir beaucoup d’argent ou d’avoir de nombreux outils pour créer quelque chose d’extraordinaire. Je recommande de commencer par recréer certaines des photos de Gregory, puis d’essayer certaines de vos propres idées.
Ce serait un autre excellent endroit pour mettre en œuvre l’utilisation de feux de vitesse.
Photographe célèbre 3: Richard Avedon
Richard Avedon était un photographe célèbre, un photographe de mode et de portrait de New York. Richard Avedon est devenu célèbre en tirant pour de nombreuses publications telles que Harper’s Bazaar et a photographié un éventail de personnalités.
Mais le travail que je veux souligner est un corpus de photographies intitulé In The American West .
Dans l’Ouest américain, Richard Avedon a parcouru le pays en photographiant des gens ordinaires qu’il trouvait intéressants. Dans l’Ouest américain, Richard Avedon installait un drap blanc sur le côté nord d’un bâtiment pour un éclairage uniforme et un arrière-plan cohérent. Ses assistants rechargeaient constamment son appareil photo géant 8 × 10 pendant qu’il interagissait avec les sujets.
Photographe célèbre RIchard Avdon
En se promenant, il prenait une photo en obtenant des expressions incroyables de la part des personnes debout devant ses caméras. Semblable au travail de Crewdson, Avedon a imprimé ces très grands. Le détail de chaque image est à couper le souffle.
Alors que certains considéraient ce travail de photographe de mode et de portrait comme se moquant des cols bleus, je pense que cela jette un bel éclairage sur les métiers de ces personnes.
Il offrait aux spectateurs dans les galeries un aperçu de la vie quotidienne et du travail auquel ils n’étaient pas habitués et le mettait juste devant leurs visages à vivre. Ces images sont également des œuvres d’art incroyablement belles.
Richard Avedon a vraiment pris son temps pour choisir des individus intéressants et uniques à photographier. Ces photos valent vraiment la peine de passer du temps à regarder.
Photographe célèbre 4: Elliott Erwitt
S’éloignant de la photographie grand format, Elliott Erwitt tournait principalement avec des appareils photo 35 mm. Erwitt était originaire de France et a immigré aux États-Unis pour aller à l’université. Il a travaillé comme assistant de photographie dans l’armée américaine où il a perfectionné ses compétences.
En tant que photographe, Elliott a concentré une grande partie de son attention sur la photographie de rue et est l’un des photographes de rue américains les plus spirituels à avoir jamais honoré la terre. Ses images sont à la fois profondes et amusantes. Si vous aimez la photographie de rue, Elliott Erwitt vous épatera!
Photographe celebre Erwitt
Photographe célèbre 5: Vivian Maier
Probablement la photographe célèbre les plus intéressantes de tous les temps, Vivian Maier n’est devenue célèbre qu’après sa mort. En 2007, John Maloof a acheté une malle de négatifs et de films non développés lors d’une vente aux enchères. Il ne savait pas que le contenu de cette malle comprendrait des milliers d’images d’un photographe bientôt connu nommé Vivian Maier.
Ce que nous savons maintenant de Vivian, c’est qu’elle a passé sa vie en tant que nounou. Elle a principalement photographié sur un appareil photo à double objectif 6 × 6 et l’a emporté partout où elle allait.
La majorité de ses photographies ont été prises à Chicago et à New York. Elle a simplement photographié tout ce qui l’intéressait lorsqu’elle marchait dans les rues.
Photographe célèbre Vivian Maier
Bien qu’elle soit connue pour être recluse et bizarre, ses photographies ne représentent pas ce côté d’elle. Les images de Vivian sont audacieuses et montrent des inconnus qui regardent directement dans son appareil photo.
Je ne peux qu’imaginer ce que les gens ont pensé quand ils ont remarqué une nounou pointant une caméra sur eux dans les rues de Chicago.
Mais sa photographie constante a porté ses fruits et ses images sont très soignées et belles. La chose la plus frappante dans ses photographies est qu’elles semblent appartenir à une autre époque.
Quand on regarde son travail, on dirait qu’il aurait pu être tourné dans les années 30 ou 40, mais la plupart d’entre eux l’ont été beaucoup plus tard.
Si vous voulez en savoir plus sur Vivian Maier, je vous recommande de regarder un magnifique documentaire réalisé sur elle intitulé Finding Vivian Maier.
Photographe célèbre 6: Edward Weston
Edward Henry Weston était l’un des photographes célèbres américains les plus influents du XXe siècle. Il a été reconnu pour son travail dans divers genres. Des nus aux natures mortes en passant par les paysages, Edward Weston a dépeint les sujets de manière innovante mais simple.
Beaucoup pensent qu’Edward Weston a développé l’approche américaine de la photographie moderne en raison de sa concentration sur les lieux et les gens de l’Amérique occidentale.
Des objets du quotidien aux paysages élémentaires, Weston a contribué à sortir la photographie de la perception victorienne de la peinture. Il a été le pionnier d’une approche moderniste d’un appareil photo grand format pour produire des images noir et blanc richement détaillées.
Certaines de ses œuvres célèbres incluent des photos de coquillages, de feuilles de chou et de poivrons qui semblent mystiques et presque érotiques.
Tout au long de sa carrière de quatre décennies, Weston a montré des images soigneusement composées et bien ciblées. Il a continué à travailler jusqu’à ce que sa maladie de Parkinson l’oblige à abandonner l’appareil photo en 1948.
L’héritage de Weston vit sur trois générations de photographes célèbres, ses fils Cole et Brett et ses petits-enfants Cara et Kim.
Photographe célèbre 7: Henri Cartier-Bresson
Considéré par de nombreux historiens comme le «père du photojournalisme», Henri Cartier-Bresson était un photographe humaniste français. Il était un photographe de rue pionnier et savant connu pour ses candides, c’est à dire ses photographies capturée sans pose du sujet photographié. Henri Cartier-Bresson a qualifié son style de photographie de représentation de l’intuition, à la fois, et de la spontanéité.
Henri Cartier-Bresson a inventé le terme «moment décisif», qui est devenu un sujet fascinant mais très débattu dans la photographie moderne. Cela fait référence à la situation où les éléments psychologiques et visuels des personnes dans des scènes de la vie réelle se réunissent en harmonie pour exprimer l’essence de ce moment.
Henri Cartier Bresson s’est rendu en Chine pendant sa révolution, puis en Union soviétique après la mort de Joseph Staline, et enfin en Amérique après la Seconde Guerre mondiale pour documenter les perturbations économiques et sociales après la guerre.
Cartier Bresson a également été l’un des premiers photographes à utiliser un film 35 mm tandis que d’autres utilisaient des appareils photo moyen format volumineux et lourds.
Photographe célèbre 9: Andreas Gursky
Gursky est un photographe célèbre allemand qui se concentre sur l’architecture grand format, la photographie de paysage et les photos manipulées numériquement.
Ses compositions uniques encadrent les sujets à grande échelle, utilisant souvent un point de vue élevé et épissant plus tard plusieurs images ensemble pour un résultat plus dramatique.
Cependant, cette technique de photographie a relancé le débat séculaire sur la manipulation d’image et la capacité d’enregistrement de la vérité d’un appareil photo. Néanmoins, le monde continue d’admirer le travail de Gursky, certaines de ses images atteignant les prix les plus élevés du marché de l’art parmi les photographes célèbres vivants.
Malgré son talent pour le surréalisme et les abstractions, son travail évalue généralement l’agitation de la vie contemporaine et la culture de consommation. Ses photographies sont pleines de couleurs et de touches industrialisées, étonnamment séduisantes et belles.
Photographe célèbre 10: Imogen Cunningham
Cunningham était un photographe célèbre, un américain reconnu pour ses portraits, ses paysages industriels et sa photographie botanique. Ses portraits intimes véhiculent des images floues et une mise au point douce pour solidifier la structure et la silhouette de ses sujets.
Pendant ce temps, les natures mortes florales de Cunningham montrent des formes naturelles utilisant la lumière, les ombres et l’attention portée aux détails.
Ses premières estampes ont été réalisées dans le pictorialisme, un style photographique qui imitait la peinture académique du début du siècle. Cunningham a également expérimenté des images plus nettes pour créer la technique connue sous le nom de photographie nette.
En 1910, elle s’est forgé une solide réputation en tant que photographe portraitiste et commerciale. Au début des années 1920, Cunningham a changé son style pour inclure la vie végétale et la photographie de rue. Elle a également brièvement travaillé pour Vanity Fair et des célébrités dans les années 1930.
Photographe célèbre 11: Man Ray
Man Ray était un artiste visuel américain qui a contribué aux mouvements Dada et surréaliste. Il était surtout connu pour ses portraits et ses photographies de mode. Ray a également expérimenté la création d’images sans caméra, qu’il appelait des «rayographes».
Ray avait été grandement influencé par le travail d’Alfred Stieglitz, dans lequel il utilisait un style similaire de photographies non vernies. Il a également mis en évidence les espaces négatifs, les ombres et l’application à arêtes vives de couleurs non modulées.
Dans les années 1920, Ray a commencé à faire des images animées et a réalisé quatre films non narratifs très créatifs. Il revient à Paris dans les années 1950 et se concentre sur la peinture jusqu’à sa mort.
Photographe célèbre 12: Eliot Porter
Porter était un photographe célèbre pour ses images colorées et intimes de la nature. Il s’est intéressé à la photographie en utilisant un appareil photo Kodak pour prendre des photos d’oiseaux et de paysages dans la maison d’été de sa famille dans le Maine. Tout comme Ansel Adams, Porter a pratiqué la photographie «directe» pour montrer le sujet de manière directe, en mettant l’accent sur les détails et les tons.
Porter est passé à la photographie couleur après qu’un éditeur a rejeté une proposition de livre sur les oiseaux, car les gens ne pouvaient pas différencier les espèces d’oiseaux sur des images en noir et blanc. Il a utilisé un système de lumières stroboscopiques et a passé des heures à composer la scène pour photographier les oiseaux.
Au début et au milieu des années 1950, Porter a beaucoup voyagé pour photographier des lieux d’importance culturelle et écologique. Il a documenté le parc Adirondack, Glen Canyon, les Appalaches, la Basse Californie, les îles Galapágos, la Turquie, la Grèce, l’Islande, l’Afrique, la Chine et l’Antarctique. Avec son travail, Porter a pu publier un certain nombre de livres de photographie acclamés par la critique.
Photographe célèbre 13: Diane Arbus
Arbus était une photographe célèbre surtout connue pour son portrait des gens de New York dans les années 1950 et 1960. Elle a capturé des photographies directes implacables de personnes considérées comme des déviants sociaux à cette époque. Ses images montrent souvent ses sujets regardant directement dans l’appareil photo, la mise au point nette incitant les spectateurs à les regarder et à les reconnaître.
Son œil documentaire a produit des portraits choquants mais intrigants de nudistes, d’hommes tatoués, de détenus d’asile, de malades mentaux, de strip-teaseuses, de toxicomanes, d’artistes de carnaval, de nains et de la communauté LGBT. Arbus a photographié ses sujets dans des environnements familiers comme leur maison, leur lieu de travail ou leur rue pour montrer qu’ils sont comme tout le monde.
Alors que son travail a repoussé les limites de ce que les gens perçoivent comme approprié, ses photographies ont mis en évidence l’essence de l’égalité et de la représentation appropriée à une époque où peu de gens étaient prêts à accepter les marginalisés comme des membres fonctionnels de la société. À l’heure actuelle, des photographes célèbres voient son travail photographique comme une source d’inspiration d’intensité psychologique.
Photographe célèbre 14: George Hurrell
Hurrell était un photographe américain réputé pour ses portraits de stars hollywoodiennes. Son style caractéristique d’éclairage de précision, de projecteurs, de composition, d’ombres et de retouches à la main sur les négatifs a contribué au glamour d’Hollywood des années 1930 aux années 1940.
Les superbes portraits en noir et blanc de Hurrell sont devenus recherchés pour le marketing des acteurs.
Après avoir tourné des images séduisantes pour l’actrice Norma Shearer, MGM a embauché Hurrell comme chef du département de photographie. À la MGM, il était chargé de prendre des photos de stars hollywoodiennes pour chaque film. En dehors de cela, George a travaillé pour Warner Brothers Studio et Columbia Pictures.
Hurrell a servi pendant la Seconde Guerre mondiale et a vécu à New York par la suite en tant que photographe de mode. De retour à Hollywood au milieu des années 50, ses portraits glamour ne font plus appel aux studios. Hurrell a continué à travailler comme photographe d’images fixes sur des plateaux de tournage jusqu’à sa mort.
Photographe célèbre 15: Cindy Sherman
Sherman est une artiste américaine qui a passé la majeure partie de sa vie professionnelle à explorer les concepts d’identité, de sexualité et de féminité. Son travail de photographie se compose principalement d’autoportraits, se représentant dans divers contextes et personnages imaginés.
Le style unique de photographie de portrait de Sherman est devenu central dans la prolifération des images et le consumérisme du XXe siècle.
Alors que Sherman a commencé comme peintre, elle est devenue frustrée par les limites de la forme d’art à l’ère du minimalisme, ce qui l’a amenée à se tourner vers la photographie.
Elle s’inspire de la télévision, du cinéma, de l’imagerie et de la mode de la culture pop pour défier les rôles restrictifs des identités féminines et l’aversion pour l’objectivation.
En tant que maître des photographies socialement critiques, Sherman a remis en question l’influence oppressive des médias de masse sur les identités individuelles et collectives des gens.
À travers ses autoportraits, elle a attiré l’attention du public sur des sujets troublants, les forçant à reconsidérer les hypothèses et les stéréotypes culturels.
Bien sur, il existe bien sur des centaines d’autres photographes à découvrir, mais pour cela, Google reste votre meilleurs ami 🙂
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Décider de faire de vente de photographies d’art signées et numérotées peut être un excellent moyen de susciter l’intérêt des collectionneurs et de créer un sentiment d’urgence autour du processus d’achat.
Cependant, comprendre ce à quoi les collectionneurs d’art s’attendent lorsqu’ils achètent des éditions limitées est une partie importante de votre travail d’artiste. Il y a une variété de facteurs à garder à l’esprit – du choix de la taille de l’édition à la façon de signer et dater correctement vos tirages.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
C’est quoi la photographie d’art ?
La photographie d’art est une forme de photographie qui se concentre sur l’expression artistique et la création d’images à des fins esthétiques plutôt que simplement documentaires ou informatives. Contrairement à la photographie commerciale ou de presse, qui vise à vendre un produit ou à relater une histoire, la photographie d’art est destinée à être exposée et appréciée pour sa valeur artistique.
La photographie d’art peut prendre de nombreuses formes, allant de la photographie de paysages à la photographie de portraits, en passant par la photographie abstraite et expérimentale. Elle peut être en noir et blanc ou en couleur, numérique ou argentique. Les photographes d’art cherchent souvent à explorer de nouvelles techniques et à expérimenter avec différents styles pour créer des images qui sont originales, expressives et stimulantes sur le plan visuel.
La photographie d’art est appréciée dans les galeries d’art, les musées et les collections privées, où elle peut être vendue comme œuvre d’art. De nombreux photographes d’art travaillent en tant qu’artistes indépendants, mais certains peuvent également travailler pour des magazines d’art ou collaborer avec des entreprises pour des projets artistiques.
En résumé, la photographie d’art est un moyen d’expression créative qui vise à produire des images qui sont belles, significatives et émotionnelles plutôt que purement informatives ou commerciales. Elle est appréciée pour sa valeur esthétique et est souvent considérée comme une forme d’art à part entière.
Comment la photographie d’art se distingue-t-elle de la photographie commerciale ou documentaire ?
La photographie d’art se distingue de la photographie commerciale ou documentaire par ses objectifs, ses techniques et ses finalités.
Tout d’abord, la photographie commerciale est réalisée à des fins publicitaires ou promotionnelles. Elle est utilisée pour vendre un produit, un service ou une marque. La photographie documentaire, quant à elle, a pour but de documenter un événement, un lieu ou une situation, enregistrant ainsi une réalité visuelle et sociale.
En revanche, la photographie d’art est créée dans un but esthétique ou expressif, cherchant à créer des images qui sont belles, significatives et émotionnelles. Elle est souvent réalisée pour être exposée dans des galeries d’art, des musées ou des collections privées. La photographie d’art peut également être utilisée pour transmettre des idées ou des messages sociaux, politiques ou culturels.
De plus, la photographie d’art peut utiliser des techniques créatives et expérimentales, telles que l’utilisation de lumières et de couleurs, des expositions longues ou des effets spéciaux pour créer des images qui sont plus artistiques que documentaires ou commerciales. Elle peut également utiliser des sujets qui sont plus abstraits ou symboliques que des sujets réalistes ou commerciaux.
En somme, la photographie d’art se distingue de la photographie commerciale et documentaire par ses objectifs esthétiques, ses techniques créatives et ses finalités artistiques.
Comment la photographie d’art est-elle utilisée et exposée dans le monde de l’art ?
Expositions individuelles : les photographes d’art peuvent organiser des expositions individuelles dans des galeries d’art, des musées ou des centres culturels. Ces expositions permettent aux photographes de présenter leur travail à un public plus large et d’interagir avec les amateurs et les critiques d’art.
Expositions collectives : les photographes d’art peuvent également participer à des expositions collectives, où leur travail est exposé aux côtés d’autres artistes. Les expositions collectives peuvent être organisées autour d’un thème commun, d’un mouvement artistique ou d’un médium particulier.
Ventes aux enchères : les photographies d’art peuvent être vendues aux enchères dans des maisons de vente aux enchères spécialisées dans les beaux-arts. Ces ventes aux enchères peuvent attirer des collectionneurs et des investisseurs d’art du monde entier.
Édition de livres d’art : les photographies d’art peuvent être publiées dans des livres d’art, des catalogues d’exposition ou des magazines spécialisés. Ces publications permettent aux photographes d’art d’atteindre un public plus large et de diffuser leur travail auprès des amateurs d’art.
Collections privées : les photographies d’art peuvent également être achetées et conservées dans des collections privées d’art. Les collectionneurs d’art peuvent acquérir des photographies d’art pour leur collection personnelle ou pour des raisons d’investissement.
En somme, la photographie d’art peut être utilisée et exposée dans une variété de contextes, de l’exposition individuelle à la vente aux enchères, en passant par les publications d’art et les collections privées. Les photographes d’art peuvent ainsi toucher un public varié et interagir avec des amateurs d’art, des critiques et des collectionneurs du monde entier.
Comment devient-on photographe d’art ?
Devenir photographe d’art peut être un processus long et exigeant, mais voici quelques étapes qui peuvent aider à y parvenir :
Acquérir des compétences techniques : pour devenir photographe d’art, il est important d’avoir une maîtrise technique de la photographie, y compris de la composition, de la gestion de la lumière, des réglages de l’appareil photo, de la post-production, etc. Il peut être utile de suivre des cours de photographie et de pratiquer régulièrement pour acquérir ces compétences.
Trouver sa voix artistique : la photographie d’art est avant tout une expression personnelle de l’artiste, il est donc important de trouver sa propre voix artistique. Cela peut impliquer d’explorer différents styles de photographie, de s’inspirer d’autres artistes et d’expérimenter avec différentes techniques.
Créer un portfolio solide : pour être reconnu comme photographe d’art, il est important d’avoir un portfolio solide qui démontre votre maîtrise technique et votre voix artistique. Un portfolio peut inclure des photographies individuelles, des séries de photographies et des projets personnels.
Participer à des expositions : pour se faire connaître en tant que photographe d’art, il peut être utile de participer à des expositions collectives ou individuelles dans des galeries d’art, des musées ou des centres culturels. Cela peut aider à créer une visibilité et une notoriété auprès du public et des critiques d’art.
Réseauter avec d’autres artistes et professionnels de l’art : en tant que photographe d’art, il est important de développer des relations avec d’autres artistes, des critiques d’art, des collectionneurs et des professionnels de l’art. Cela peut aider à créer des opportunités d’exposition, de publication et de collaboration.
En somme, devenir photographe d’art nécessite du temps, de l’engagement et une grande passion pour la photographie. Il est important de développer ses compétences techniques, de trouver sa voix artistique, de créer un portfolio solide, de participer à des expositions et de réseauter avec d’autres professionnels de l’art.
Comment peut-on trouver des photographes d’art émergents ou des œuvres d’art photographiques à acheter ?
Il existe plusieurs façons de trouver des photographes d’art émergents et des œuvres d’art photographiques à acheter :
Les galeries d’art : Les galeries d’art sont un excellent point de départ pour découvrir des artistes émergents et leurs œuvres photographiques. Les galeries d’art spécialisées en photographie sont souvent un bon choix.
Les foires d’art : Les foires d’art sont une excellente occasion de découvrir de nouveaux artistes et de voir un large éventail d’œuvres photographiques. De nombreuses villes organisent des foires d’art annuelles ou biennales, notamment des foires d’art contemporain, qui peuvent inclure des œuvres photographiques.
Les musées et les expositions : Les musées organisent souvent des expositions photographiques qui peuvent mettre en vedette des artistes émergents. Visiter les expositions de photographie est une excellente façon de découvrir de nouveaux artistes et de voir leur travail en personne.
Les sites web d’art : Il existe de nombreux sites web spécialisés dans la vente d’œuvres d’art photographiques en ligne. Vous pouvez parcourir ces sites pour découvrir de nouveaux artistes et acheter des œuvres en ligne.
Les réseaux sociaux : Les réseaux sociaux sont un excellent moyen de découvrir des artistes émergents et de suivre leur travail. De nombreux photographes d’art publient régulièrement leur travail sur les réseaux sociaux, vous pouvez donc les suivre pour découvrir de nouvelles œuvres et être informé des expositions à venir.
Il est important de faire des recherches approfondies avant d’acheter des œuvres photographiques, en particulier lorsqu’il s’agit d’artistes émergents. Assurez-vous de connaître les antécédents de l’artiste, de voir des exemples de son travail et de comprendre les termes de l’achat.
Choisissez soigneusement la taille de l’édition pour la vente de photographies d’art signées et numérotées
La Vente de photographies d’art signées et numérotées ont tendance à être plus recherchées que les éditions ouvertes, mais une fois que vous avez défini la taille, vous ne pourrez plus changer d’avis et créer plus d’images, même si elles se sont vendues plus rapidement que vous ne le pensiez.
Il ne s’agit pas simplement de revenir sur votre parole – ce qui est déjà assez mauvais pour votre réputation en soi – cela diminue la valeur des pièces que vous avez déjà vendues.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Ainsi, même si l’ensemble est limité, plus les images sont précieuses, choisissez de sélectionner un nombre en gardant à l’esprit le nombre d’impressions que vous souhaitez ou pensez que vous pourrez vendre.
La confiance est primordiale pour vendre des photographies d’art signées et numérotées
Une fois que vous avez choisi de créer des tirages en édition limitée, décidez à l’avance de la taille du tirage et indiquez clairement aux acheteurs potentiels le nombre en cours de création.
Les acheteurs de photographies d’art signées et numérotées prennent souvent une décision d’achat en se basant sur le fait que la pièce est limitée et que modifier la taille du tirage est une violation de la confiance.
Quel que soit le nombre que vous choisissez, si votre travail est imprimable, vous n’avez pas réellement besoin d’imprimer le tirage complet en une seule fois.
Étiquetez-les simplement par ordre chronologique au fur et à mesure de leur création (si vous choisissez une série de 10, par exemple, étiquetez le premier «1/10» et le dernier «10/10»).
De nombreuses imprimantes vous permettront de conserver les images numériques dans un fichier, ce qui vous permettra de revenir facilement et de terminer l’impression d’un tirage lorsque vous êtes prêt.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Laissez de la place pour les options lors de la vente de photographies d’art signées et numérotées
La vente de photographies d’art signées et numérotées peut se faire dans différentes tailles à condition que vous communiquiez clairement à vos acheteurs ce que vous entendez lorsque vous dites que la pièce est une édition limitée.
Si votre travail est une sérigraphie, par exemple, expliquez que l’image ne sera plus jamais imprimée à cette taille particulière. Cela vous laisse la possibilité de créer une impression en édition limitée au formataffiche par exemple, puis une édition ouverte de notecards à une date ultérieure.
Vente de photographies d’art signées et numérotées : Pensez long terme
Vendre toute une série d’impressions en édition limitée est une situation idéale, mais vous pourriez avoir le sentiment que vous auriez dû en créer davantage dans le but de répondre au marché et d’augmenter vos ventes.
C’est une façon naturelle de ressentir, mais comme nous l’avons déjà mentionné, il n’est tout simplement pas éthique d’augmenter la taille de votre édition une fois qu’elle a été définie.
Au lieu de cela, essayez de vous rappeler que cette demande pour votre travail se transformera probablement en intérêt pour les pièces futures.
Gardez une liste des collectionneurs intéressés à acheter et informez-les lorsqu’une nouvelle pièce est disponible à la vente.
Vous construirez une solide base de collectionneurs qui savent qu’ils peuvent faire confiance à votre parole et seront ravis lorsqu’une opportunité se présentera d’acheter une nouvelle pièce de votre travail.
Savoir comment étiqueter vos tirages de photographies en édition limitée
Lorsque vous étiquetez des photographies, des sérigraphies, des lithographies, des sérigraphies ou des monographies, signez chaque impression ou certificat.
Par exemple, vous pouvez décider d’indiquer le numéro d’impression (1/10 ou quel que soit le nombre) en bas à gauche, le titre (si vous en avez un) au centre et le signe et la date à droite.
Vente de photographies d’art signées et numérotées : Être cohérent
Tout comme vous décidez de la taille de votre tirage en édition limitée et que vous vous y tenez, une fois que vous avez choisi un format pour la façon dont vous souhaitez signer, dater et numéroter vos impressions, soyez cohérent.
Décidez comment vous voulez noter la date (01-12-16 vs 01/12/16 vs 01/12/2016 etc.) et utilisez ce format chaque fois que vous étiquetez ou certifiez votre travail.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Présentez votre travail honnêtement
Soyez clair sur la taille du tirage, le type de papier et d’encre utilisé lorsque vous travaillez avec des travaux imprimables, et documentez chaque article que vous vendez. Incluez un certificat d’authenticité original avec chaque vente.
Ces documents doivent être signés, datés et répertorier toutes les informations importantes telles que le titre de l’œuvre, le type de support et, le cas échéant: le type de papier, la date imprimée et la taille du tirage.
Vente de photographies d’art signées et numérotées : Enregistrez et étiquetez correctement vos épreuves d’artiste
Lors du processus d’impression, vous risquez de vous retrouver avec un certain nombre de tirages qui sont tirés au même niveau de qualité que le produit final mais qui vous sont fournis par l’imprimante pour vous assurer que tout va bien avant de procéder à l’exécution.
Ces impressions initiales sont appelées «épreuves d’artiste» et ont leurs racines dans les premiers jours de la gravure lorsque les artistes les utilisaient pour résoudre les problèmes de couleur et de qualité des impressions.
De nos jours, ces rares sous-ensembles de l’édition sont un standard dans les tirages en édition limitée et sont généralement la propriété de l’artiste.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Les «épreuves d’artiste» ne doivent pas être comptées dans la numérotation de l’édition limitée, mais doivent être signées et numérotées séparément – en veillant à ajouter «AP» pour les distinguer.
Les points d’accès peuvent être vendus à un prix légèrement plus élevé que le reste de la série et ne sont généralement pas vendus immédiatement (voire pas du tout).
Cette décision est prise à votre discrétion. La raison de ce prix plus élevé vient de l’idée que les premières images tirées de la plaque d’une imprimante sont de la plus haute qualité, car les plaques et les écrans ne sont pas encore usés.
Signez votre travail
Peu importe à quel point vous croyez que votre travail est identifiable, n’oubliez pas de signer un certificat. Vous ne pouvez jamais être sûr de la destination future et des types de problèmes pouvant résulter d’un manque de signature ou même d’une signature illisible ou incohérente.
Choisissez une signature soit facile à lire, soit si unique et très facile à identifier et une fois que vous avez pris votre décision, tenez-vous-y. Cette marque servira à jamais à authentifier une pièce de votre travail.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Faire des choix éclairés sur ces questions dès le début, puis s’y tenir vous aidera à gagner la confiance de vos acheteurs et à bâtir de bonnes relations à long terme.
Prendre le temps de décider d’une signature et d’une manière cohérente d’étiqueter votre travail vous servira également à l’avenir et contribuera grandement à éviter l’apparition de problèmes d’authentification.
Plus vous en savez sur le processus, plus il devient facile et vous pouvez dépenser votre énergie à vous concentrer sur ce que vous faites de mieux: créer votre travail.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photographie d’art est une forme d’expression visuelle qui utilise la photographie comme moyen de création artistique. Elle se distingue de la photographie documentaire ou commerciale en mettant l’accent sur la créativité, l’esthétique et l’émotion plutôt que sur la simple représentation de la réalité. La photographie d’art peut prendre de nombreuses formes, allant du portrait à la nature morte en passant par le paysage et l’abstrait.
Qu’est-ce qui distingue la photographie d’art de la photographie ordinaire?
La principale différence entre la photographie d’art et la photographie ordinaire réside dans l’intention de l’artiste. Alors que la photographie ordinaire est souvent utilisée pour documenter la réalité ou pour des raisons commerciales, la photographie d’art est créée dans un but esthétique ou expressif. Elle se concentre sur la beauté, la créativité et l’émotion, plutôt que sur la simple représentation de la réalité.
Comment crée-t-on une photographie d’art?
La création d’une photographie d’art implique souvent un processus de réflexion créative, qui peut prendre différentes formes en fonction de l’artiste et de sa vision. Certains artistes utilisent des techniques de post-production pour donner à leur photographie une apparence plus créative ou abstraite, tandis que d’autres préfèrent travailler en utilisant uniquement la prise de vue. Le choix des sujets, des cadrages, de la lumière et de la couleur sont tous des éléments importants dans la création d’une photographie d’art.
Comment choisir un sujet pour une photographie d’art?
Le choix d’un sujet pour une photographie d’art dépend largement de la vision de l’artiste et de ce qu’il souhaite exprimer. Certains artistes se concentrent sur des sujets tels que le corps humain, les paysages naturels ou urbains, ou encore des objets du quotidien, tandis que d’autres cherchent à explorer des sujets plus abstraits ou conceptuels. L’important est de trouver un sujet qui inspire l’artiste et qui lui permette de créer une photographie qui exprime sa vision créative.
Qu’est-ce qui fait une bonne photographie d’art?
La qualité d’une photographie d’art dépend de plusieurs éléments, notamment de la créativité, de l’esthétique et de l’émotion qu’elle transmet. Une bonne photographie d’art doit être esthétiquement agréable à regarder, elle doit susciter une émotion chez le spectateur et transmettre la vision de l’artiste. Elle doit également être techniquement bien réalisée, avec une bonne utilisation de la lumière, des couleurs et des cadrages.
Comment évaluer la valeur d’une photographie d’art?
L’évaluation de la valeur d’une photographie d’art dépend de plusieurs facteurs, notamment de la notoriété de l’artiste, de la rareté de l’édition de la photographie, de la qualité de l’impression et de la provenance de la photographie. Les photographies d’art sont souvent vendues en éditions limitées, ce qui signifie que chaque tirage est numéroté et signé par l’artiste. Les photographies d’art peuvent également être vendues aux enchères, où elles sont évaluées en fonction de leur qualité et de leur valeur artistique.
Comment exposer une photographie d’art?
Les photographies d’art peuvent être exposées de différentes manières, que ce soit dans des galeries d’art, des musées ou des espaces publics tels que des cafés ou des restaurants. L’exposition peut être individuelle ou collective, en fonction de l’artiste et de l’organisateur de l’événement. Il est également possible d’exposer des photographies d’art en ligne, sur des sites web spécialisés ou des plateformes de vente en ligne.
Comment préserver une photographie d’art?
La conservation des photographies d’art est importante pour préserver leur qualité et leur valeur à long terme. Les photographies doivent être stockées dans des endroits secs et frais, à l’abri de la lumière directe du soleil et de l’humidité. Il est également important d’utiliser des matériaux de conservation de qualité, tels que des encres pigmentées et des papiers sans acide. Les photographies d’art doivent être manipulées avec soin pour éviter toute déchirure ou détérioration.
Quels sont les grands noms de la photographie d’art?
La photographie d’art a produit de nombreux grands artistes au fil des ans. Parmi les noms les plus célèbres, on peut citer Ansel Adams, qui a capturé des paysages naturels emblématiques de l’Ouest américain, Diane Arbus, qui a exploré les thèmes de la marginalité et de la différence, et Cindy Sherman, qui a créé des autoportraits pour interroger les normes sociales et les stéréotypes. D’autres grands noms de la photographie d’art incluent Robert Mapplethorpe, Man Ray et Edward Weston.
Quel équipement est nécessaire pour la photographie d’art?
Le choix de l’équipement pour la photographie d’art dépend largement de l’artiste et de son style de création. Cependant, un appareil photo de haute qualité avec une résolution élevée et des objectifs interchangeables est généralement nécessaire pour obtenir des images de qualité supérieure. Les accessoires tels que les trépieds, les filtres et les éclairages supplémentaires peuvent également être utiles pour créer des effets créatifs ou pour travailler dans des conditions de lumière difficiles.
Quelles sont les tendances actuelles de la photographie d’art?
Les tendances en matière de photographie d’art évoluent constamment, mais certaines tendances actuelles incluent l’utilisation de techniques de post-production pour créer des effets créatifs et abstraits, l’exploration de thèmes sociaux et politiques tels que la diversité et l’inclusion, et l’utilisation de nouvelles technologies telles que la réalité augmentée et la vidéo pour créer des expériences d’art immersives.
La tournée est désormais l’un des plus gros revenus pour les artistes, selon Billboard. Avant la tournée d’un artiste, il est important pour eux et pour la direction de la tournée de réserver des lieux adaptés à leur public cible – compte tenu de l’emplacement, du type de lieu, de la capacité et des installations.
Il existe d’innombrables grandes salles de concert dans le monde, des grandes arènes aux petits clubs , cet article vous parlera des 10 meilleures salles de musique live dans le monde!
Salles de concert : Royal Albert Hall – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
Ouvert en 1871 par la reine Victoria, l’Albert Hall est l’une des salles de concerts britanniques les plus prisées et les plus distinctives. Il peut accueillir 5272 personnes et accueille plus de 400 événements chaque année, notamment des concerts de rock, de pop et de classique, des spectacles d’opéra et de ballet, des projections de films et des événements sportifs.
Les artistes réguliers incluent Eric Clapton, Shirley Bassey et James Last. «The Proms» est son événement le plus connu, y ayant eu lieu chaque été depuis 1941. Conçu pour convenir à tous les genres, ce lieu dispose d’un système de sonorisation permanent D&B Audio Technik.
La scène est de forme semi-circulaire, avec plus de place qu’assez pour que n’importe quel groupe ou orchestre se produise facilement. Les quais de chargement sont à deux étages plus bas afin que les camions puissent déposer des décors, du matériel et des artistes.
La salle dispose d’un deuxième espace de spectacle, la salle Elgar, qui accueille également des événements musicaux et possède son propre restaurant. Située au-dessus du porche de la porte 9 au troisième étage (niveau du cercle), la salle est très adaptable et dispose d’un kit technique complet disponible.
Avec son propre système d’éclairage DMX, la pièce peut également bénéficier de la lumière naturelle ou être obscurcie. Il est prévu pour la projection AV et les haut-parleurs PA 4 Meyer UPJ de haute qualité et 4 haut-parleurs Meyer UP4-XP, 2 microphones radio portables et un lien iPod directement vers le système AV.
Il y a un boîtier de plancher 32x XLR relié au système audiovisuel si vous souhaitez utiliser votre propre bureau de son. Une large gamme de microphones et de moniteurs est disponible pour ces deux salles. La sortie de cette pièce peut également être canalisée vers le reste de la salle.
Salles de concert :Red Rocks Amphitheatre – Colorado, États-Unis
Salles de concert
En vedette dans notre article « Top 10 des salles aux États-Unis », Red Rocks est l’une des salles de concert les plus uniques et les plus belles au monde. Il est à 10 miles à l’ouest de Denver, Colorado, États-Unis et fait partie des parcs de montagne de Denver, Red Rocks Park.
Situé entre deux gigantesques rochers de grès à 6450 pieds au-dessus du niveau de la mer, il crée une acoustique naturelle que l’argent ne peut pas acheter. Une fois que le soleil se couche et que les lumières s’allument, ce lieu étonnant se transforme en un spectacle à couper le souffle.
Il peut accueillir jusqu’à 10000 fans qui ont regardé des performances célèbres telles que Jimi Hendrix, les rolling stones, les Beatles, U2 et Earth, Wind and Fire. Un écran LED haute résolution de 14 × 20 pieds a également été ajouté côté scène en 2017 pour améliorer l’expérience des fans.
Salles de concert :Opéra de Sydney – Sydney, Australie
Salles de concert
Première salle de concert en Australie, l’Opéra de Sydney accueille plus de 2000 événements par an pour plus de 8,2 millions de personnes. Construit en 1973, ce centre des arts de la scène multi-lieux a accueilli certains des plus grands musiciens, tels que Brian Wilson, Bon Iver et Mary J. Blige.
L’Opéra comprend un certain nombre d’installations différentes pour les groupes de touristes. Il y a la salle de concert principale (2679 places), un théâtre d’avant-scène (1507 places), un théâtre dramatique (544 places), une salle de théâtre (398 places), le studio (280 places ou 400 places debout), la salle Utzon (pour les petits spectacles) ), un studio d’enregistrement et un parvis extérieur.
Un système D&B Audio Technik Line Array est installé dans le hall principal. Ce système a été mis en place pour améliorer les performances amplifiées ainsi que le délai d’exécution entre les productions .
Une zone derrière la scène a permis à l’équipe de son de positionner une console, un équipement de traitement et des câbles audio pré-configurés .
Cela réduit le temps de configuration des groupes ou des artistes. Les nuages acoustiques sont situés au-dessus de la scène, qui peuvent être abaissés et relevés par l’équipe technique pour répondre aux besoins acoustiques. Le quai de chargement est une zone partagée et les camions de plus de 4,3 mètres doivent prévoir un autre moyen d’accès.
Le seul inconvénient de ce lieu est que le stationnement n’est pas gratuit! Depuis le quai de chargement, le personnel aide à décharger et à transporter tout l’équipement jusqu’à l’ascenseur où il monte au 1er étage et monte une courte rampe sur la scène.
En tant que salles de concert à Sydney, vous n’obtiendrez pas mieux que cela!
Salles de concert : The O2 Arena – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
Une autre des incroyables salles de concert au Royaume-Uni, l’O2 Arena est une installation événementielle intérieure polyvalente pouvant accueillir 20 000 personnes. Il s’agit de la deuxième capacité intérieure la plus élevée du Royaume-Uni.
Il propose des performances d’artistes tels que Prince, Céline Dion, Queen et Stormzy.
Dans les coulisses, il y a un salon club VIP, des vestiaires et une entrée et sortie VIP pour les artistes. La structure du dôme mesure 52 mètres de haut en son point central et est une pièce d’architecture majeure sur les toits de Londres.
L’arène peut être modifiée en position assise, debout, sur table ou peut même être transformée en espace sportif. En raison de son emplacement, le lieu applique un couvre-feu de 23 heures. Il y a des vestiaires complets, des bureaux et des espaces de soutien.
La très grande zone de chargement peut accueillir 4 gros camions et la scène standard mesure 60x40x6 pieds. Le lieu peut fournir tous les principaux AV (y compris les effets spéciaux). Il y a une grande cour de service souterraine pour les artistes et l’équipage et 12 camions peuvent se garer dans cet espace. Il y a un parking gratuit pour les membres d’équipage, les artistes, les camions de soutien, les voitures et les voitures privées.
Salles de concert : Grosser Musikvereinssaal – Vienne, Autriche
Salles de concert
Une légende parmi les salles de musique classique de Vienne, cette salle de concert a ouvert ses portes en 1870. Principalement utilisée pour les concerts classiques, elle est considérée comme le joyau de la couronne parmi les salles de concert.
Ce music-hall de Vienne offre 2000 places pour les amateurs de musique classique, mais est également populaire auprès des amateurs d’architecture. Avec sa longue forme rectangulaire (50x20x20 pieds), la salle est connue pour fournir le meilleur environnement pour l’acoustique, ce qui la rend idéale pour la musique classique.
Comme il est richement recouvert de couleur or, il est parfois appelé la «boîte dorée». Dans ce bâtiment conçu à cet effet, le plancher en bois est creux, ce qui agit comme une boîte à résonateur.
Avec le plafond suspendu en bois, cela permet au son de résonner dans toute la salle. Au total, il y a six salles de musique dans ce lieu de musique classique.
Salles de concert : Nippon Budokan – Tokyo, Japon
Salles de concert
Cette arène couverte est située au cœur de la capitale japonaise, Tokyo. Construit en 1964, le lieu a accueilli certains des plus grands noms de la culture musicale occidentale, tels que Toto, Led Zeppelin, Kiss, Diana Ross, Aerosmith et Iron Maiden.
Le bâtiment octogonal peut accueillir 14 471 places. Son objectif principal est d’accueillir des concours d’arts martiaux, mais il est devenu un lieu de concert populaire pour les artistes et les groupes au cours des 50 dernières années.
Salles de concert : Radio City Music Hall – New York, États-Unis
Salles de concert
Le Radio City Music Hall est connu comme le «palais du peuple». Conçu pour que les artistes divertissent et amusent tout en élevant et inspirant, Radio City est un lieu de beauté offrant un excellent divertissement à des prix abordables. Construit en 1932, ce grand auditorium Art déco saisissant peut accueillir environ 5960 places.
Le hall d’entrée est remarquable à environ 60 pieds de haut. Le lieu maintient son objectif initial d’être un hommage étonnant à la réussite humaine dans l’art, la science et l’industrie.
Dit être le plus grand théâtre en salle du monde, chacune des trois sections de scène est montée hydrauliquement pour des effets de mise en scène, et tout l’orchestre peut être abaissé et élevé. En plus de ses 25 000 lumières, la scène peut également envoyer des fontaines d’eau, de la pluie, du brouillard et des nuages.
Salles de concert : Eventim Apollo – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
L’un des principaux lieux de musique de Londres est l’Eventim Apollo (anciennement connu sous le nom de Hammersmith Apollo). C’est également l’un des théâtres originaux les plus grands et les mieux conservés avec une capacité de 3 487 places.
Ouvert en 1932 sous le nom de Hammersmith Odeon, il a subi plusieurs changements de nom et de propriété. Des artistes légendaires tels que The Rolling Stones, Queen et Bob Marley se sont produits ici au fil des décennies.
L’Eventim a un intérieur conçu Art Déco avec des installations sonores et lumineuses de haute technologie. De nombreuses configurations de sol différentes sont disponibles en fonction du type de performance requis pour s’asseoir / se tenir debout. Le lieu possède également son propre grand orgue de théâtre.
Salles de concert : Opéra de Dubaï – Dubaï, EAU
Salles de concert
L’Opéra de Dubaï est un bâtiment plus récent, ayant ouvert ses portes en 2016. Il a accueilli des artistes et des groupes du monde entier, tels que Katherine Jenkins, Russell Howard, des actes d’hommage de classe mondiale, des ballets et des concerts classiques. Cette salle de 2500 places est parfaite pour les performances acoustiques, classiques et pop.
La zone culturelle luxueuse du centre-ville de Dubaï est le lieu de la magnifique salle de concert. La salle peut être configurée de trois manières; comme théâtre, salle de concert ou salle d’événement à plancher plat. Il abrite également un superbe restaurant sur le toit avec vue sur la ville de Dubaï.
Salles de concert : Ronnie Scotts – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
Petite salle de concert emblématique de Londres, Ronnie Scotts accueille des concerts de jazz et des jams tous les soirs de la semaine, attirant des musiciens professionnels du monde entier pour se produire. Le saxophoniste Ronnie Scott a ouvert le club en 1959 en tant que petit club de sous-sol où les musiciens locaux pouvaient jouer.
Parmi les premiers artistes figurent Miles Davis et Count Basie, et à ce jour, il a continué à présenter les plus grands noms de la scène jazz, tels que Lee Ritenour, Marcus Miller et Jules Holland.
C’est également l’endroit idéal pour apercevoir les étoiles montantes et la prochaine grande nouveauté! Les sièges de style club de jazz à table créent une atmosphère plus intime dans la petite salle.
La scène mesure 6m x 4m et il y a plusieurs petits vestiaires pour les artistes dans les coulisses et en bas. Le lieu dispose d’une console de 48 pouces, 24 sorties et d’un mixage de moniteurs en façade, ainsi que d’une impressionnante ligne arrière, de micros, de moniteurs et d’installations d’enregistrement.
Si vous souhaitez toujours louer votre propre équipement de backline , nous sommes toujours là pour vous. Ronnie Scotts dispose également d’une salle plus petite, le Ronnies Bar, au-dessus du club principal qui dispose de ses propres installations techniques et d’un système de DJ.
Pour finir…
Du club de jazz intimiste Ronnie Scotts à Londres aux 25 000 lumières extravagantes du Radio City Music Hall de New York, nous espérons que vous avez apprécié nos meilleures salles à travers le monde.
Brighton, Dublin, Brisbane et Manchester sont d’autres exemples remarquables de salles de concerts incroyables – il y en a tout simplement trop pour les énumérer.
créer une section FAQ de 10 questions- réponse avec balise H2 et h3 sur un article « les meilleures salles de concert au monde »
FAQ sur les meilleures salles de concert au monde
1. Où se trouve la salle de concert la plus connue au monde ?
La salle de concert la plus connue au monde est le Madison Square Garden de New York.
2. Quelle est la plus grande salle de concert du monde ?
La plus grande salle de concert au monde est le Stade du Roi Fahd à Riyad, en Arabie Saoudite. Cette salle peut accueillir jusqu’à 120 000 spectateurs.
3. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des plus belles au monde ?
La salle de concert la plus considérée comme l’une des plus belles au monde est l’Opera House de Sydney, en Australie.
4. Quelle est la plus ancienne salle de concert encore en activité au monde ?
La plus ancienne salle de concert encore en activité au monde est la Reduta Jazz Club à Prague, en République tchèque. Elle a été fondée en 1906.
5. Quelle salle de concert a la plus grande capacité d’accueil au Royaume-Uni ?
La salle de concert avec la plus grande capacité d’accueil au Royaume-Uni est le stade de Wembley à Londres, qui peut accueillir jusqu’à 90 000 spectateurs.
6. Quelle salle de concert a la plus grande capacité d’accueil aux États-Unis ?
La salle de concert avec la plus grande capacité d’accueil aux États-Unis est le stade AT&T à Arlington, au Texas, qui peut accueillir jusqu’à 100 000 spectateurs.
7. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de jazz ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de jazz est le Blue Note à New York.
8. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de rock ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de rock est le Rock and Roll Hall of Fame à Cleveland, Ohio.
9. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique classique ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique classique est le Musikverein à Vienne, en Autriche.
10. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique électronique ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique électronique est le Berghain à Berlin, en Allemagne.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
