J’en suis le photographe officiel depuis quinze ans.
Impossible de passer à côté du Festival de Nîmes. Chaque été, les arènes romaines vibrent au son des plus grands artistes rock, metal et variétés, dans un décor unique en France. Depuis plus de vingt-cinq ans, ce rendez-vous s’est imposé comme un pilier de la scène musicale estivale en Occitanie, fusionnant patrimoine millénaire et programmation internationale.
Je vous propose un guide détaillé : retour sur l’histoire, sélection de concerts légendaires, conseils pour préparer votre venue, et focus sur ce qui fait l’âme de ce festival atypique. Vous trouverez ici des anecdotes de terrain, des ressources exclusives et toutes les infos pratiques pour profiter au mieux de l’édition 2026.
Au fil de l’article, découvrez les coulisses du festival, son impact local, et profitez d’un éclairage unique sur les concerts cultes, la photographie live et les artistes rock et metal. Pour prolonger l’expérience, découvrez également la galerie Metallica en concert et les tirages rock et metal en édition limitée, capturés dans l’arène même.
Dans cet article
Les tirages des artistes cités
Édition originale, 30 exemplaires numérotés et signés à la main.
Le Festival de Nîmes naît en 1997 d’une idée simple : offrir une expérience musicale unique dans l’écrin des arènes de Nîmes, monument bimillénaire au cœur du centre-ville. Rapidement, le festival s’impose comme un incontournable, attirant dès ses premières éditions des têtes d’affiche internationales. L’alliance du patrimoine romain et de la culture rock/metal séduit le public et les artistes, donnant naissance à une atmosphère singulière : la pierre, la sueur, le son.
En vingt-neuf éditions, le festival a franchi plusieurs caps. Dès 2005, il élargit sa programmation à la pop, au hip-hop et à la chanson, sans jamais perdre son ADN rock. Entre 2015 et 2025, la fréquentation dépasse régulièrement les 120 000 spectateurs par an, avec des soirées sold-out pour Metallica, Muse ou Elton John. Les éditions récentes affichent des taux de remplissage très élevés, parmi les meilleurs de la région.
Année
Chiffre-clé
1997
Première édition
2009
Concert de Metallica (DVD live)
2015
100 000 spectateurs franchis
A retenir : Le Festival de Nîmes puise sa force dans le contraste entre l’histoire des arènes et la modernité de sa programmation. C’est un événement majeur de la musique live en France, reconnu pour sa scénographie et son exigence artistique.
2. Programmation et éditions précédentes
Focus sur les têtes d’affiche
Billetterie, points de vente officiels, sécurité
Evolution des artistes programmés
La programmation du Festival de Nîmes continue d’afficher complet sur plusieurs dates dès l’ouverture de la billetterie officielle. Parmi les têtes d’affiche, on retrouve Rammstein, Depeche Mode, Muse, ZZ Top, Slipknot, Ghost, Lenny Kravitz, Oasis, et Airbourne. Les soirées rock et metal restent un pilier, avec une scène locale qui s’affirme d’année en année. Les archives du festival reprennent la programmation complète de chaque édition depuis 1997.
La billetterie du festival de Nîmes s’ouvre en général dès décembre sur les plateformes officielles : site du festival, réseaux Fnac, Digitick et Ticketmaster. Pour éviter les mauvaises surprises, privilégiez les canaux recommandés par l’organisation et consultez la liste à jour des points de vente sur le site officiel du Festival de Nîmes. Les tarifs varient de 49 à 139 € selon les concerts et la catégorie choisie.
Points clés : Achetez toujours vos places via la billetterie officielle pour éviter les arnaques. Renseignez-vous sur les plans d’accès, les consignes de sécurité et les objets interdits, qui évoluent chaque année.
3. Top des concerts légendaires à Nîmes
Metallica (2009) : concert filmé et show monumental
Radiohead (2012) : performance rare et atmosphère unique
Elton John (2019) : tournée d’adieu et émotion partagée
Certains concerts du Festival de Nîmes sont gravés dans la mémoire collective. Difficile d’oublier Metallica en 2009 : un show brutal, un concert filmé dans l’arène et sorti en DVD sous le titre Français pour une nuit, des images exclusives sur Metallica en concert. La scénographie, la pyrotechnie et l’énergie du public ont fait de cette soirée un repère pour tout fan de rock et de photographie live.
Autre moment phare : Radiohead en 2012. Le groupe a distillé une atmosphère hypnotique, portée par la lumière de la scène et l’acoustique parfaite du monument. Pour Elton John, en 2019, l’émotion était à son comble : l’artiste a salué la foule pour sa dernière tournée, entouré de fans de toutes générations. Chaque été, de nouveaux concerts viennent s’ajouter à cette légende vivante, comme Kiss, Muse ou Slipknot lors des éditions récentes. Parmi les artistes que j’y ai photographiés, Alicia Keys sur le As I Am Tour en 2008 : un set au piano, capté depuis la fosse.
Concert
Année
Particularité
Metallica
2009
Enregistrement live, images backstage
Radiohead
2012
Ambiance immersive, lumière exceptionnelle
Elton John
2019
Tournée d’adieu, émotion collective
Kiss
2022
Pyrotechnie, show visuel
A retenir : Les concerts mythiques du festival sont souvent liés à des captations photo et vidéo d’exception. Retrouver la magie de ces moments en images, c’est aussi comprendre l’histoire des grands concerts en France. Pour prolonger, j’ai publié plusieurs séries sur photos rock sur scène et la backstage Metallica.
4. Conseils pratiques pour vivre le Festival de Nîmes
Accès, transports, parkings
Hébergements et bons plans locaux
Objets autorisés/interdits et check-list concert
Conseils photo pro pour capturer le live
Préparer sa venue au festival, c’est anticiper. Les arènes de Nîmes sont accessibles à pied depuis la gare SNCF (10 min), et de nombreux parkings sont situés autour du centre historique (P1 Arènes, P2 Indigo). Le choix du siège, lui, se joue au moment de la réservation : le plan des blocs des Arènes détaille la vue depuis chaque zone. Pensez à réserver votre hébergement très en avance : les hôtels de Nîmes affichent complet pendant toute la durée du festival, comme le rappelle l’office de tourisme local. Pour l’ambiance, privilégiez les hôtels ou Airbnb dans l’Écusson, vous serez plongés dans la vie nîmoise.
Niveau sécurité, la liste des objets interdits évolue chaque année : bouteilles en verre, appareils photo professionnels (hors accréditation), perches à selfie, gourdes métalliques, parapluies. Privilégiez les accessoires légers, sac à dos compact, cape de pluie, bouchons d’oreilles. Pour la photo, un compact ou smartphone récent suffit pour saisir l’ambiance. Si vous souhaitez aller plus loin, inspirez-vous de mes conseils sur la photographie de nuit ou la photo de concert.
Astuce terrain : Pour obtenir des clichés naturels, privilégiez la lumière de la scène et les moments où le public s’illumine. Les plus belles images sont souvent prises juste avant le rappel, quand la tension redescend. Pour aller plus loin, explorez la galerie The Dead Weather Alison Mosshart ou découvrez mes tirages rock et metal.
5. Impact culturel, économique et local du festival
« Le Festival de Nîmes, c’est la rencontre entre la culture contemporaine et l’héritage romain »
Le festival constitue un moteur économique important pour la ville. Hôtels, restaurants, bars et commerces du centre profitent d’un afflux massif de visiteurs venus de toute l’Europe.
Sur le plan culturel, le festival agit comme un catalyseur : il valorise la scène locale et nationale, favorise les collaborations avec d’autres événements (comme le Paloma ou les Déferlantes), et attire des artistes qui, parfois, ne se produisent qu’à Nîmes en France. L’impact sur la scène rock et metal en Occitanie est indéniable, avec une influence documentée depuis les années 2000.
Points clés : Le Festival de Nîmes est un moteur pour le tissu économique local et un ambassadeur de la culture musicale du sud de la France. Son succès inspire d’autres festivals et renforce l’attractivité de la région.
6. Le Festival de Nîmes vu par un photographe : immersion backstage et reconnaissance
Regards croisés sur la lumière, l’ambiance et la scène rock/metal
Portfolio exclusif et séries de tirages
Vivre le Festival de Nîmes, c’est aussi se glisser dans les coulisses. En tant que photographe accrédité sur place depuis plus de vingt ans, j’ai eu la chance de traverser les backstages, de capter l’énergie brute des artistes avant et après leur entrée en scène. L’ambiance y est à la fois électrique et concentrée, très différente de celle des festivals XXL comme le Hellfest.
Ces séries sur les concerts rock en arènes valorisent ce patrimoine à l’échelle internationale. L’objectif : restituer la lumière si particulière des arènes, la tension du public, les regards entre musiciens et fans. Pour ceux qui veulent prolonger l’immersion chez eux, de nombreux tirages rock et metal ou backstage Metallica sont accessibles en édition limitée.
A retenir : La photographie de concert à Nîmes, c’est un défi technique et artistique : la lumière, la pierre, les gradins. Le regard du photographe façonne la mémoire collective du festival, tout comme à Montreux ou au Download. Pour aller plus loin, explorez mon reportage sur la galerie photos backstage et la célébration musicale de Nîmes.
FAQ sur le Festival de Nîmes
Où acheter ses billets pour le Festival de Nîmes ?
Les billets sont en vente sur le site officiel du festival, ainsi que sur les réseaux Fnac Spectacles, Ticketmaster et Digitick. Pour éviter toute fraude, privilégiez toujours les points de vente listés sur la page officielle du Festival de Nîmes.
Comment accéder aux arènes pendant le festival ?
L’accès se fait principalement par l’entrée principale située boulevard des Arènes. Les portes ouvrent généralement deux heures avant le début du concert. Un contrôle de sécurité est effectué systématiquement ; pensez à venir en avance pour éviter les files d’attente.
Quels objets sont interdits dans l’amphithéâtre ?
Les bouteilles en verre, perches à selfie, appareils photo professionnels (hors accréditation), gourdes métalliques, et parapluies sont interdits. Seuls les petits sacs et accessoires personnels sont autorisés après contrôle.
Peut-on sortir et re-rentrer pendant le concert ?
Non, toute sortie de l’amphithéâtre est définitive. Prévoyez tout ce dont vous avez besoin avant d’entrer : eau, veste, bouchons d’oreille, moyens de paiement.
Comment faire de belles photos pendant le festival ?
Utilisez un smartphone récent ou un compact, sans flash. Profitez de la lumière de la scène et shootez pendant les moments forts, notamment lors des rappels ou des changements d’ambiance lumineuse.
Pour aller plus loin : explorer la scène live et la photographie rock
Le Festival de Nîmes n’est pas qu’une série de concerts : c’est une expérience de partage, de lumière et d’émotion, au cœur de l’histoire. Que vous soyez photographe, passionné de musique ou simple curieux, chaque édition réserve son lot de surprises et de rencontres. Pour préparer votre venue, inspirez-vous des meilleurs festivals à photographier en 2026 ou découvrez la galerie The Dead Weather Alison Mosshart pour une immersion backstage.
Tirages d’art de concert : les groupes que je photographie en festival sont disponibles en édition limitée signée et numérotée, Korn, Slipknot et Mass Hysteria.
RAW ou JPEG, la question revient sans cesse, surtout quand il s’agit de tirer le meilleur d’une photo de concert ou d’un portrait en lumière difficile. En 2026, la frontière entre les deux formats n’a jamais été aussi claire, mais le choix dépend de votre flux de travail, du matériel utilisé et de vos attentes sur le rendu final. Ce guide détaille chaque format, analyse leurs forces et faiblesses, montre comment les pros travaillent et vous dévoile les outils les plus récents pour traiter vos images, que vous soyez sur ordinateur ou mobile.
Je partagerai aussi mon retour d’expérience terrain, avec des exemples concrets issus de mes shootings pour Metallica en concert ou lors de l’impression de tirages grand format. Enfin, vous trouverez des conseils pratiques pour choisir le bon format selon vos besoins et sécuriser vos archives sur le long terme. On attaque par la base : qu’est-ce qu’un fichier RAW exactement ?
Accrochez le live à votre mur
Tirages d’art en édition originale, 30 exemplaires numérotés et signés à la main, papier Hahnemühle Photo Rag®, permanence 115 ans sous verre anti-UV.
Définition : Le fichier RAW est un enregistrement brut des données capturées par le capteur de l’appareil photo. Il n’applique aucune correction ni traitement automatique de l’image.
Formats principaux : CR2 (Canon), NEF (Nikon), ARW (Sony), RW2 (Panasonic), DNG (Adobe, universel). Chaque constructeur a son format propriétaire, mais le DNG s’impose peu à peu comme standard ouvert.
Contenu : Les RAW incluent toutes les informations lumière/couleur captées, plus des métadonnées (réglages, date, GPS, profil couleur).
Travailler en RAW, c’est garder le contrôle total sur l’image. On peut corriger la balance des blancs, récupérer des hautes lumières perdues ou ajuster les ombres, sans perte de qualité. C’est ce que j’utilise systématiquement sur les concerts à fort contraste, comme lors du Hellfest.
A retenir : Le RAW conserve toutes les informations du capteur, idéal pour les retouches avancées et l’archivage.
RAW : formats propriétaires et standard DNG
Chaque marque propose son propre format RAW. Si vous changez de matériel, attention à la compatibilité des logiciels d’édition. Le DNG, développé par Adobe, évite ce souci : il garantit l’accès futur à vos archives, un point crucial quand on gère des milliers de fichiers issus de concerts ou de reportages. Beaucoup de photographes professionnels conservent une copie de leurs fichiers en DNG, précisément pour cette raison d’accès à long terme.
CR2/CR3 : Canon
NEF : Nikon
ARW : Sony
RW2 : Panasonic
DNG : universel, compatible avec la majorité des logiciels
Voir la boutique de tirages pour des exemples de tirages issus de fichiers RAW
Qu’est-ce qu’un fichier JPEG ?
Le JPEG est un fichier image compressé, prêt à l’emploi et universellement lisible. Il applique directement dans l’appareil des corrections (contraste, saturation, netteté) et compresse les données pour économiser de la place.
Le JPEG, ou Joint Photographic Experts Group, est le format le plus répandu pour la photo numérique. Les appareils photo, smartphones et même certains logiciels de retouche l’utilisent par défaut.
Le principal atout du JPEG, c’est sa légèreté. Une photo JPEG pèse en moyenne 3 à 10 Mo, contre 25 à 50 Mo pour un RAW plein format en 2026. Mais cette compression s’accompagne d’une perte irréversible d’information.
Compression avec pertes : Les détails fins, les nuances de couleurs et les zones sombres ou très claires sont simplifiés ou supprimés.
Usages typiques : Partage rapide (réseaux sociaux, web), envoi par mail, stockage sur mobile ou cloud limité.
Limites : Impossible de revenir en arrière sur les réglages appliqués à la prise de vue.
A retenir : Le JPEG est fait pour la rapidité et le partage, mais sacrifie la qualité maximale et la flexibilité en post-production.
JPEG : compression et pertes de données
La compression JPEG fonctionne en éliminant les données jugées « inutiles » pour l’œil humain. Résultat : sur scène, un spot trop puissant ou un contre-jour violent brûle irrémédiablement les hautes lumières sur un JPEG, alors qu’un RAW conserve suffisamment d’informations pour sauver la prise.
Sur le terrain, je shoote systématiquement en RAW pour les concerts et portraits studio exigeants. Le workflow RAW, c’est : importation, dérrawtisation avec Lightroom ou Capture One, édition, export JPEG pour diffusion. En JPEG seul, impossible de rattraper une balance des blancs ratée ou des ombres bouchées.
Un exemple : sur une série backstage Metallica, la lumière changeait à chaque prise. En RAW, j’ai pu ajuster chaque cliché selon l’ambiance recherchée. En JPEG, j’aurais perdu la subtilité des éclairages et le rendu des peaux.
Points clés : RAW permet une flexibilité totale en post-production, JPEG offre la rapidité et la légèreté.
Le workflow RAW demande plus de temps et de stockage, mais garantit une qualité maximale pour l’archivage, la retouche et l’impression fine art. En JPEG, le flux est direct : prise de vue, partage immédiat, mais sans retour sur les défauts ou corrections avancées.
Pour les tirages couleur ou noir et blanc haut de gamme, le fichier RAW s’impose. Le JPEG garde son intérêt pour les reportages où la vitesse prime, ou pour les réseaux sociaux. En archivage, attention : le RAW reste la référence pour garantir la pérennité de vos images, même en 2026.
A retenir : RAW = flexibilité et archivage, JPEG = légèreté et rapidité. Choisissez selon votre besoin, pas selon la mode.
Impact sur archivage, mobilité, workflow rapide
Un photographe professionnel archive vite plusieurs centaines de Go de RAW par an, voire davantage. Le JPEG, beaucoup moins encombrant, permet de partager des milliers d’images sans saturer un cloud. Mais pour les besoins d’impression fine art ou d’édition poussée, je ne me passe jamais du fichier original RAW.
Logiciels 2024 pour lire, éditer, convertir RAW et JPEG
En 2026, le panel d’outils pour traiter RAW et JPEG s’est élargi. Les solutions cloud et l’intelligence artificielle accélèrent la post-production, y compris sur mobile.
Logiciel/App
Plateforme
Formats gérés
Particularités
Lightroom Classic/CC
PC/Mac/iOS/Android
RAW (tous), JPEG, DNG
Fonctions IA, synchronisation cloud, édition mobile native
Capture One Pro
PC/Mac/iPad
RAW propriétaires, JPEG
Support tethering avancé, profils couleur personnalisés
DxO PhotoLab 8
PC/Mac
RAW, JPEG, DNG
Débruitage IA DeepPRIME, corrections optiques puissantes
Photoshop 2026
PC/Mac/iPad
RAW via Camera Raw, JPEG
IA générative, automatisation workflow
Snapseed
iOS/Android
RAW, JPEG
Retouche rapide sur mobile, édition non destructive
Darktable
PC/Mac/Linux
RAW, JPEG
Open source, profils personnalisés
Google Photos
Web/Android/iOS
JPEG, certains RAW
Archivage cloud, édition IA basique
Points clés : Lightroom et Capture One restent les valeurs sûres pour les pros. Les apps mobiles (Snapseed, Lightroom Mobile) permettent aujourd’hui de traiter du RAW directement sur smartphone, un vrai changement pour les workflows rapides en concert.
En 2026, de nombreux photographes de presse utilisent des apps sur smartphone pour envoyer leurs images en direct. Les outils IA accélèrent le tri, la correction d’exposition et la conversion JPEG sans perte visible sur écran. Même pour les concerts, il m’arrive d’envoyer une sélection JPEG optimisée depuis la fosse, directement après le show.
Comment transférer ses photos RAW du mobile vers PC en 2026
Quel format choisir selon vos besoins ?
Concert, événement, reportage : RAW recommandé pour gérer les lumières extrêmes, rattraper les erreurs, et archiver pour le long terme.
Sport ou news en temps réel : JPEG pour la rapidité d’envoi, workflow direct, mais attention à la qualité sur grands formats.
Portrait, studio, fine art : RAW indispensable, surtout pour les grands tirages ou éditions limitées.
Usage hybride : Certains boîtiers permettent d’enregistrer RAW + JPEG simultanément : la flexibilité ultime.
Sur mobile, quasiment tous les modèles haut de gamme proposent aujourd’hui l’option RAW (DNG). En 2025, Apple et Samsung ont intégré des workflows RAW simplifiés, synchronisables avec Lightroom Mobile ou Google Photos en un clic.
A retenir : Adaptez le format à la finalité : RAW pour la qualité, JPEG pour la rapidité. Le workflow hybride RAW+JPEG est la solution la plus polyvalente en 2026.
En reportage, je shoote RAW+JPEG : ainsi, j’envoie le JPEG pour publication immédiate et je garde le RAW pour le livre ou l’exposition. Cette dualité me permet d’optimiser chaque image selon le contexte. Pour la préparation d’un roadbook ou d’un portfolio exposé, seul le RAW offre la latitude nécessaire.
Conseils pro : archivage, sécurité, pérennité
Sauvegarde multi-site et cloud : Stockez toujours vos RAW sur deux disques durs distincts et une solution cloud dédiée (Backblaze, Dropbox Pro, Google Photos en 2026).
Archivage long terme : Privilégiez le format DNG pour garantir la lecture future, même si les formats propriétaires évoluent.
Organisation workflow : Classez vos fichiers par projet, date, et type de format. Les outils IA de tri (Photo Mechanic, Lightroom 2026) font gagner un temps précieux.
Points clés : Ne jamais faire confiance à un seul support. Un crash disque ou une erreur humaine et c’est une tournée entière qui peut disparaître. Après 20 ans sur le terrain, je ne compte plus les histoires de photos perdues faute d’archivage rigoureux.
Ma méthode : double sauvegarde physique (SSD + NAS), export en DNG pour pérenniser les RAW, synchronisation automatique vers le cloud. Cette approche a sauvé plus d’une fois mes archives de concerts, y compris lors de la cyberattaque massive sur les clouds en février.
Quelle est la vraie différence entre RAW et JPEG ?
Le RAW contient toutes les données du capteur, permettant des retouches avancées sans perte. Le JPEG est déjà compressé et traité, plus léger mais moins flexible en post-production.
Peut-on vraiment faire la différence à l’œil nu entre RAW et JPEG ?
Sur écran, la différence est parfois subtile. Mais lors d’un tirage grand format ou d’une édition poussée, le RAW garde bien plus de détails et de nuances, surtout dans les ombres et les hautes lumières.
Quels appareils permettent de shooter en RAW ?
La quasi-totalité des reflex, hybrides et la plupart des smartphones haut de gamme de 2025/2026 proposent le RAW. Vérifiez dans le menu qualité ou format de votre appareil.
Peut-on convertir facilement un RAW en JPEG ?
Oui, tous les logiciels de traitement RAW proposent l’export en JPEG. Mais l’inverse n’est pas possible : impossible de « recréer » un RAW à partir d’un JPEG.
Est-ce que RAW prend beaucoup plus de place qu’un JPEG ?
Oui, un fichier RAW est 5 à 10 fois plus lourd qu’un JPEG. Il faut donc prévoir un stockage adapté, surtout pour les grands reportages ou les longues tournées.
La photo noir et blanc reste une signature forte, même en 2026. Si tu veux donner un impact visuel et émotionnel à tes images, ce guide t’explique comment réussir tes photos monochromes, étape par étape. Je partage ici des conseils concrets issus de mes années sur scène, de l’arrière-scène aux festivals, avec des exemples, des comparaisons et les pièges à éviter. On va voir pourquoi choisir le noir et blanc, mes 7 points clés pour réussir, les erreurs fréquentes, les références qui m’inspirent, et comment valoriser tes tirages.
Pourquoi choisir la photo noir et blanc aujourd’hui ?
Impact visuel immédiat : le noir et blanc met en avant le sujet, les lignes et la lumière, sans distraction de la couleur.
Émotion brute : la photographie monochrome révèle l’intensité d’une scène. Sur scène ou backstage, c’est souvent le choix pour créer une atmosphère intemporelle.
Simplification : en retirant la couleur, tu forces l’œil à lire la lumière, le contraste, la texture. J’ai vu des portraits de musiciens comme Ghost prendre une autre dimension en monochrome.
A retenir : En 2026, le noir et blanc n’est pas un effet vintage. C’est un choix artistique pour renforcer l’expressivité, documenter le rock ou sublimer un portrait.
Les 7 points clés pour réussir ses photos noir et blanc
Choisir le bon sujet : privilégie les scènes avec du contraste, des expressions marquées, une lumière forte ou des textures (peau, cuir, fumée…).
Maîtriser la lumière et le contraste : cherche les zones d’ombre et de lumière. En concert, la lumière rasante ou le contre-jour créent des ambiances puissantes.
Travailler la composition : utilise les lignes, la symétrie, ou le vide pour dynamiser ton image. J’applique souvent la règle des tiers et je regarde toujours où l’œil va d’abord.
Gérer exposition et bruit numérique : ajuste ton ISO pour éviter le bruit excessif, surtout en faible lumière. Le RAW t’offre plus de latitude au développement.
Convertir et retoucher avec les bons outils : Lightroom, Silver Efex Pro ou Capture One permettent de peaufiner la conversion noir et blanc. J’utilise les curseurs de contraste, clarté et structure pour modeler l’intensité.
Jouer avec textures et détails : accentue les matières (murs, cheveux, tissus). Le grain peut devenir un allié pour donner du caractère à tes images.
Imprimer et partager : choisis un papier adapté (baryté, mat, coton) pour un rendu profond. Le partage en ligne ou en expo demande une calibration parfaite.
Étape
Conseil terrain
Choix du sujet
Privilégier un éclairage marqué, un visage expressif ou une scène graphique
Réglage ISO
Rester sous 3200 ISO pour limiter le bruit, sauf intention artistique
Retouche
Travailler localement sur les hautes lumières et ombres pour modeler le contraste
A retenir : Les 7 étapes sont indissociables pour créer une image monochrome forte, de la prise de vue à l’impression.
Erreurs fréquentes à éviter en photo noir et blanc
Sujets plats ou sans contraste : un ciel gris, une lumière plate, ou un fond trop uniforme donnent une image fade et sans force.
Appliquer un filtre rapide sans retouche : la simple désaturation auto ne suffit pas. Une vraie conversion monochrome nécessite un ajustement des noirs, blancs et gris.
Ignorer les détails techniques : négliger l’exposition conduit souvent à des blancs cramés ou des noirs bouchés. Vérifie ton histogramme, surtout en live.
« J’ai vu trop de galeries où le noir et blanc paraît forcé, trop gris, sans relief. C’est la lumière, pas le logiciel, qui fait la photo. »
A retenir : Ne te fie pas aux filtres automatiques. Prends le temps de construire ton monochrome, à la prise de vue comme en post-traitement.
Exemples de photographes de référence en noir et blanc (concert et contemporain)
Brassaï : pionnier du clair-obscur, il a révélé la poésie des rues de Paris. Son travail sur la lumière inspire toujours la photographie monochrome urbaine.
Mary Ellen Mark : la force de ses portraits, notamment dans le monde du spectacle, reste une référence pour la photo de scène. Voir Mary Ellen Mark, pionnière du noir et blanc.
Håkan Strand : le Suédois a fait du minimalisme monochrome sa signature, entre paysages nordiques et silence. Voir Håkan Strand et ses tirages monochromes.
Karl Lagerfeld : le couturier photographiait lui-même ses campagnes, en noir et blanc contrasté, dès 1987. Voir Karl Lagerfeld photographe.
A retenir : S’inspirer des grands noms, c’est comprendre comment la lumière et la scène s’articulent pour donner vie au noir et blanc.
Astuces pour exposer et partager vos photos noir et blanc
Formats à privilégier : le format carré ou panoramique fonctionne bien pour la photographie monochrome, surtout en tirage grand format.
Papiers recommandés : baryté, rag ou coton pour une profondeur et une tenue dans le temps. En 2026, les tirages sur support mat sont toujours plébiscités en galerie.
Partage en ligne : calibrer tes fichiers pour éviter la dérive des gris sur les réseaux. Instagram, mais aussi des galeries spécialisées, valorisent les séries cohérentes.
Support
Avantage
Papier baryté
Profondeur des noirs, rendu classique
Papier mat coton
Texture fine, rendu doux
Aluminium
Contraste fort, aspect moderne
A retenir : Le tirage papier donne toute sa dimension aux images noir et blanc.
Pour exposer, découvre la sélection de tirages disponibles en édition limitée ou pour l’achat, fais un tour sur acheter une photo de concert. Le partage, c’est aussi une question de série cohérente.
Pour approfondir l’impression, je recommande la lecture de la page Photographie noir et blanc sur Wikipedia, régulièrement mise à jour avec les dernières techniques d’impression et conservation.
La magie des photos noir et blanc : une collection d’a
Comment créer de belles photos noir et blanc ?
Créez votre propre collection d’images noir et blanc
Photos noir et blanc : le guide en 7 points
1. Photos noir et blanc : c’est quoi ?
2. Photos noir et blanc : La bonne façon de faire
4. Photos noir et blanc : Équipement
Questions fréquentes
Pourquoi photographier en noir et blanc ?
Le noir et blanc met l’accent sur la lumière, les contrastes, les formes et l’émotion, en s’affranchissant de la couleur.
Faut-il shooter directement en noir et blanc ?
Mieux vaut shooter en RAW couleur puis convertir : vous gardez le contrôle total du rendu en post-traitement.
Comment réussir une belle photo en noir et blanc ?
Travaillez le contraste, cherchez une lumière marquée et soignez la composition ainsi que les textures.
Quels sujets se prêtent au noir et blanc ?
Le portrait, la scène de concert, l’architecture et la photo de rue, où la lumière prime sur la couleur.
Quel objectif pour la photo de concert ? Les 3 optiques d’un pro
L’essentiel en 30 secondes
Trois optiques couvrent la photo de concert : 24-70 mm f/2.8, 70-200 mm f/2.8 et un 50 mm f/1.8.
L’ouverture (f/2.8 ou plus grande) est décisive dans la pénombre, sans flash.
Le zoom pour la fosse de festival, la focale fixe lumineuse pour le club sombre.
Pour débuter : une focale fixe lumineuse, de 180 à 280 € selon la monture.
Le bon objectif pour un concert dépend de la fosse et de la distance à la scène, pas seulement de la marque du boîtier. Le plus souvent, trois optiques suffisent : un 24-70 mm f/2.8, un 70-200 mm f/2.8 et une focale fixe f/1.8. En vingt ans de fosses et de coulisses, du Hellfest aux clubs de 200 personnes, elles ne quittent jamais mon sac. Voici lesquelles, pourquoi, et comment je les règle sur le terrain (focales données en équivalent plein format).
Accrochez le live à votre mur
Tirages d’art en édition originale, 30 exemplaires numérotés et signés à la main, papier Hahnemühle Photo Rag®, permanence 115 ans sous verre anti-UV.
Pour photographier un concert, trois objectifs couvrent l’essentiel : un zoom standard 24-70 mm f/2.8 pour la polyvalence en fosse, un téléobjectif 70-200 mm f/2.8 pour capter la scène à distance, et une focale fixe lumineuse 50 mm f/1.8 (ou 35 mm) pour la basse lumière en club. L’ouverture f/2.8 ou plus grande est la clé.
Pourquoi l’objectif est décisif en photo de concert
Deux contraintes dominent tout : la lumière et la distance.
La lumière, d’abord. Une scène, c’est de la pénombre trouée par des spots qui changent sans prévenir. Pour figer un guitariste en mouvement sans flash (interdit dans la quasi-totalité des salles), il faut une vitesse d’obturation rapide, donc une grande ouverture. C’est là que l’ouverture maximale de l’objectif devient décisive : un f/2.8 laisse entrer deux fois plus de lumière qu’un f/4, et un f/1.8 environ deux fois et demie plus qu’un f/2.8, soit un peu plus de deux diaphragmes gagnés entre f/4 et f/1.8. Concrètement, ça vous permet de descendre les ISO ou de monter la vitesse, les deux choses qui sauvent une photo de concert.
La distance, ensuite. En club, vous êtes à deux mètres de l’artiste. Sur une grande scène de festival, la barrière peut être à quinze ou vingt mètres, et le premier rang (le fameux « pit ») ne dure souvent que les trois premiers morceaux. Aucune focale unique ne couvre les deux : d’où l’intérêt d’un jeu d’objectifs complémentaires plutôt qu’un seul « à tout faire ».
Ce raisonnement vaut quel que soit votre boîtier. Sur un reflex (Canon EF, Nikon F) comme sur un hybride (Canon RF, Nikon Z, Sony E), ce sont les mêmes focales et les mêmes ouvertures qui comptent. Attention toutefois au capteur : sur un boîtier APS-C, un 50 mm cadre comme un 75-80 mm en plein format. Un point à garder en tête au moment de choisir.
1. Le 24-70 mm f/2.8 : le zoom à tout faire
Focale : 24-70 mm (plein format). Ouverture : f/2.8 constante. Usage : plan large de la scène, portrait à mi-corps, détail. C’est mon couteau suisse quand le temps de shoot est court et la fosse serrée.
Son intérêt : je passe du plan d’ensemble sur toute la scène au portrait rapproché du chanteur sans changer d’objectif. En photo de concert, où l’action ne se répète pas, ce gain de temps change tout. L’ouverture f/2.8 constante sur toute la plage suffit pour la grande majorité des scènes correctement éclairées.
Exemple vécu : c’est l’objectif que j’ai le plus utilisé au Hellfest, y compris sous une averse, les versions « pro » (Canon L, Nikon S, Sony GM, ou les Sigma/Tamron équivalents) sont tropicalisées et encaissent la poussière et les projections.
Réglages type que j’utilise : mode priorité ouverture ou manuel, f/2.8, vitesse au minimum 1/250 s pour figer le mouvement, ISO en automatique plafonné (souvent entre 1600 et 6400 selon la salle), mise au point continue (AF-C / AI Servo) sur l’œil.
Le revers : le poids, de 700 g à 1 kg selon la monture, les hybrides récents étant sensiblement plus légers que les versions reflex, et le prix, qui reste élevé sur les références pro. Mais c’est l’investissement le plus durable si vous ne deviez en garder qu’un.
2. Le 70-200 mm f/2.8 : capter l’action à distance
Focale : 70-200 mm (plein format). Ouverture : f/2.8 constante. Usage : grande scène, festival open air, plan serré sur un artiste éloigné ou mobile.
Dès que la barrière s’éloigne de la scène, c’est lui qui prend le relais. Il isole un visage à quinze mètres, attrape la main sur le manche de la guitare, cadre le batteur au fond de la scène. Le f/2.8 constant garde de quoi travailler même quand la lumière baisse.
Exemple vécu : sur des grandes productions comme Rammstein, le 70-200 mm m’a permis d’attraper des expressions impossibles à saisir depuis la fosse, à plusieurs mètres de la scène.
Réglages type : f/2.8, vitesse relevée à 1/320 s voire 1/500 s pour compenser l’allonge de la focale (plus on zoome, plus le moindre bougé se voit), stabilisation activée si l’objectif en dispose, AF continu.
Le revers : c’est lourd et encombrant, même si les hybrides ont fait fondre la balance : 1 045 g pour le Sony GM II, 1 070 g pour le Canon RF, mais encore 1 440 g chez Nikon Z et jusqu’à 1,5 kg sur les anciennes montures reflex. Pour un budget serré, le 70-200 mm f/4 est plus léger et bien moins cher, au prix d’un diaphragme en moins, un vrai compromis en basse lumière. Les alternatives Sigma et Tamron f/2.8 offrent un bon rapport qualité-prix.
3. Le 50 mm (ou 35 mm) f/1.8 : la fixe lumineuse pour le club
Focale : 50 mm ou 35 mm (plein format). Ouverture : f/1.8. Usage : club sombre, petite scène, concert intimiste où la lumière manque.
Quand une salle est vraiment sous-éclairée, l’ouverture f/1.8 fait la différence : elle laisse entrer bien plus de lumière qu’un zoom f/2.8, ce qui permet de garder des ISO raisonnables et une image propre. En prime, la faible profondeur de champ détache nettement l’artiste d’un fond chargé. Léger, discret, il se fait oublier devant la scène.
Exemple vécu : sur un concert intimiste à la salle Paloma (Nîmes), c’est le 50 mm f/1.8 qui m’a sorti d’une impasse lumineuse, image nette, ambiance préservée, là où le zoom peinait.
Réglages type : f/1.8 à f/2 (fermer très légèrement rend la mise au point plus tolérante), vitesse 1/200 s minimum, ISO maîtrisés, mise au point sur l’œil. Attention à la précision de l’AF : à pleine ouverture, la zone nette est très fine.
Le meilleur atout : le prix, à condition de viser la bonne référence, car l’écart est considérable d’une monture à l’autre. En Canon RF, le 50 mm f/1.8 STM tourne autour de 200 € pour 160 g seulement. En Sony FE, le 50 mm f/1.8 se situe plutôt vers 280 €. Chez Nikon, méfiance : le Z 50 mm f/1.8 S est une optique haut de gamme qui dépasse 450 € – l’équivalent à petit budget, c’est le Z 40 mm f/2, autour de 200 €. Dans tous les cas, c’est le meilleur premier achat après le zoom du kit.
Quand le flash est autorisé, Godox équipe une bonne part des photographes.
Quel objectif selon la scène : club, salle, grande scène, festival
Situation
Focale
Ouverture
Pourquoi
Club, 200 personnes
35 ou 50 mm
f/1.8
Peu de lumière, scène à deux mètres
Salle moyenne
24-70 mm, puis 70-200 mm
f/2.8
Passer du plan large au portrait selon la distance
Grande scène
70-200 mm
f/2.8
Barrière loin de la scène, isoler un artiste
Festival de jour
70-200 mm, 24-70 mm
f/2.8 à f/4
Lumière plus facile, vitesses élevées
Et si je n’ai pas un boîtier plein format ?
Sur un capteur plus petit, la focale équivalente change : on multiplie par le facteur de recadrage (environ 1,5 pour un APS-C Nikon, Sony ou Fujifilm, 1,6 pour un APS-C Canon, 2 pour le micro 4/3 comme OM System). Ce n’est que du calcul : il ne dit rien de la qualité d’un modèle.
Objectif plein format
APS-C (x1,5)
APS-C Canon (x1,6)
Micro 4/3 (x2)
24-70 mm
36-105 mm
38-112 mm
48-140 mm
70-200 mm
105-300 mm
112-320 mm
140-400 mm
50 mm
75 mm
80 mm
100 mm
Attention : ces valeurs sont des équivalents de cadrage. La profondeur de champ et la quantité de lumière captée restent celles de la focale et de l’ouverture réelles, ce qui compte en basse lumière.
Ce que dit la règle des 3 titres sur le choix de l’objectif
Quand la fosse ne dure que trois morceaux, on n’a pas le temps de changer d’optique : on choisit avant le premier titre, selon la distance à la scène. Un zoom évite de rater un moment fort ; une fixe demande de bouger, ce qui n’est pas toujours possible. Pour la démarche d’accréditation, voir l’accréditation photo concert.
Profondeur de champ, autofocus et projecteurs rouges
À f/2.8, la zone nette est fine : face à un chanteur qui bouge, il suffit d’un pas pour sortir le visage de la zone de netteté, d’où l’intérêt de l’AF continu sur l’œil. Sous des projecteurs rouges, l’autofocus a plus de mal : le contraste baisse et les rouges saturés écrasent les détails. On anticipe en choisissant un point d’AF sur une zone contrastée et en gardant une vitesse suffisante. En grand tirage, l’objectif change le rendu : la netteté d’un bon objectif se voit dans les détails, et le bokeh d’une fixe isole le sujet. Pour aller plus loin : autofocus en basse lumière, la photo de concert en basse lumière et comment devenir photographe de concert.
Zoom ou focale fixe : comment trancher ?
Flexibilité : le zoom enchaîne les cadrages sans changer d’objectif, précieux quand le pit ne dure que trois morceaux.
Luminosité : la fixe ouvre à f/1.8 ou f/1.4, un atout décisif en club sombre.
Poids et discrétion : une fixe est légère, compacte, moins intrusive.
Budget : les zooms pro coûtent cher, une fixe lumineuse reste abordable.
À retenir : en fosse de festival, la polyvalence du zoom s’impose. En club, la fixe sauve vos images. Le bon choix dépend de votre accès à la scène et de votre style.
Débuter sans se ruiner : par où commencer
Si vous débutez, inutile de viser d’emblée les zooms pro à plusieurs centaines d’euros. Le point de départ le plus efficace, c’est une focale fixe lumineuse pour la basse lumière, 50 mm f/1.8 en Canon RF ou Sony FE, 40 mm f/2 en Nikon Z, complétée plus tard par un zoom standard d’occasion. Vous couvrirez déjà la majorité des situations, du club à la petite salle. Montez ensuite en gamme selon les concerts que vous shootez réellement. Pour aller plus loin sur le choix des optiques, voyez mon guide des meilleurs objectifs photo.
Les erreurs fréquentes à éviter
Fermer trop le diaphragme. À f/8 en concert, vous manquez de lumière et montez les ISO inutilement. Ouvrez.
Vitesse trop lente. En dessous de 1/200 s, un artiste en mouvement devient flou. Priorité à la vitesse, quitte à monter les ISO.
Un seul objectif « à tout faire ». Aucune focale ne couvre à la fois le plan large et le gros plan à vingt mètres.
Changer d’objectif au mauvais moment. Anticipez le morceau clé, préparez vos réglages, gardez un œil sur la setlist.
Oublier le boîtier. Sur un capteur APS-C, recalculez la focale équivalente avant d’acheter.
Le choix de la carte mémoire compte autant que celui de l’objectif en rafale.
Tableau récapitulatif
Objectif
Ouverture
Poids
Usage principal
24-70 mm f/2.8
f/2.8 constant
~700 g – 1 kg
Polyvalent, fosse et scène
70-200 mm f/2.8
f/2.8 constant
~1,05 – 1,5 kg
Festival, plan serré à distance
50 mm f/1.8
f/1.8
~200 g
Club, basse lumière, débuter
35 mm f/1.8
f/1.8
~300 g
Club, plan un peu plus large
16-35 mm f/2.8
f/2.8 constant
~600 – 700 g
Plan très large, ambiance
À retenir : les fixes gagnent sur la luminosité et le prix, les zooms sur la polyvalence. Vérifiez toujours la compatibilité de monture et le format de capteur de votre boîtier.
Le choix du boîtier reflex conditionne aussi les optiques disponibles.
Pour terminer
En vingt ans de concerts, j’ai appris que le meilleur objectif photo pour concert n’est pas le plus cher ni le plus récent, mais celui qui colle à votre terrain. En club, la fixe lumineuse. En festival, le zoom pro. Et pour un pass en fosse, encore faut-il être accrédité : je détaille la démarche dans mon guide de l’accréditation photo concert. Pour voir le rendu réel de ces optiques en situation live, parcourez mes tirages photo concert en édition originale.
Heureux de vous présenter ma 11e cover pour le groupe Mass Hysteria. Cela fait plusieurs années que je suis photographe pour leurs pochettes d’albums. J’ai shooté le Hellfest 2019 en me demandant comment une image pouvait synthétiser ce concert… Juste après ça , je me suis dirigé vers la sortie de scène après une heure à courir partout lorsque je vis le groupe se rassembler pour saluer le public. Ce n’était pas prévu, je suis revenu en courant pour shooter à l’arrache trois photos, dont celle-là. Tout cela sans savoir qu’elle serait la photo pour la pochette d’album Mass Hysteria Hellfest 2019.
Je compris sur le moment que si une photo devait représenter ce concert ce serait celle-là, car en dehors des prouesses, des écrans géants, des flammes et de la baffe musicale, c’est cette relation si particulière entre le groupe et son public qui pousse ce groupe, depuis 20 ans, à en faire toujours plus, à ne rien lâcher, à se surpasser à chaque concert.
L’album Mass Hysteria Hellfest est un enregistrement live du groupe français de métal. Il a été enregistré lors de leur performance au festival de musique Hellfest en France, en juin 2019. L’album contient 13 titres enregistrés en direct, dont « Contraddiction », « Furia » et « Vae Soli ».
Sorti en octobre 2019, « Hellfest » a été acclamé par la critique et les fans de musique métal pour sa production de haute qualité et l’énergie brute de la performance en live. L’album est une célébration de la musique métal française et de l’expérience du festival Hellfest, qui est devenu un événement majeur pour les amateurs de musique métal en Europe.
Avec Mass Hysteria Hellfest, le groupe a réussi à capturer l’essence de leur performance live et à la transmettre aux auditeurs, offrant ainsi une immersion totale pour ceux qui n’ont pas pu assister au concert en personne. L’album est également une étape importante dans la carrière du groupe, qui a réussi à se forger une réputation solide en France et dans d’autres pays francophones, en se produisant sur des scènes importantes telles que le Hellfest.
Contexte de la création de l’album Mass Hysteria HELLFEST
L’album « Hellfest » de Mass Hysteria a été enregistré lors de leur performance au festival de musique métal français du même nom, qui a eu lieu en juin 2019. Le groupe avait déjà joué au Hellfest auparavant, en 2016, mais leur performance de 2019 a été particulièrement remarquable, avec une énergie et une intensité qui ont attiré l’attention des organisateurs du festival.
Le groupe a été approché par les organisateurs pour enregistrer leur performance en live et sortir un album pour commémorer l’événement. Mass Hysteria a accepté et a travaillé en étroite collaboration avec les ingénieurs du son pour s’assurer que la qualité de l’enregistrement était à la hauteur de leurs normes élevées.
L’enregistrement live de Mass Hysteria Hellfest été réalisé sans aucune modification en post-production, à l’exception du mixage final, afin de préserver l’authenticité de la performance. Le groupe a déclaré que l’enregistrement de leur performance en live au Hellfest était une expérience incroyablement intense et émotionnelle, et que l’album capturait parfaitement l’énergie brute de leur performance sur scène.
La sortie de Mass Hysteria Hellfest a également coïncidé avec la tournée du groupe pour promouvoir leur album studio « Maniac », sorti en 2018. Cette tournée a été l’occasion pour le groupe de présenter leur nouveau matériel, ainsi que de revisiter leurs anciens classiques, tels que « Contraddiction » et « Furia ». L’album « Hellfest » a donc été une manière pour Mass Hysteria de célébrer leur expérience au Hellfest, ainsi que leur carrière dans la musique métal française.
Mass Hysteria HELLFEST
Le groupe Mass Hysteria : Brève présentation du groupe
Mass Hysteria est un groupe de métal français qui a été fondé en 1993. Le groupe se compose de cinq membres, avec Mouss Kelai au chant, Yann Heurtaux et Fred Duquesne à la guitare, Raphaël Mercier à la batterie et Jamie Ryan à la basse.
Mass Hysteria est connu pour son style de métal unique, qui combine des éléments de punk, de hardcore et de thrash metal avec des paroles engagées en français. Le groupe a sorti son premier album « Le Bien-être et la Paix » en 1997, qui a été salué par la critique pour son énergie brute et sa créativité.
Depuis lors, Mass Hysteria a sorti de nombreux albums, notamment « Contraddiction » en 1999, « De Cercle en Cercle » en 2001, « Failles » en 2009, « L’Armée des Ombres » en 2012 et « Maniac » en 2018. Le groupe compte aussi des titres emblématiques comme « Furia », toujours joués en concert.
Mass Hysteria est connu pour ses performances live énergiques, qui ont été saluées par les fans et les critiques. Le groupe a joué dans de nombreux festivals en France et dans d’autres pays, notamment le Hellfest, le Download Festival et le Wacken Open Air. Mass Hysteria est considéré comme l’un des groupes de métal les plus influents et les plus respectés en France, avec une base de fans dévoués qui les suivent depuis plus de deux décennies.
Découvrez la version 360° de Mass Hysteria HELLFEST
Réflexion sur l’impact de l’album « Hellfest » sur la carrière de Mass Hysteria et sur la scène métal en général.
Mass Hysteria Hellfest a eu un impact considérable sur la carrière du groupe ainsi que sur la scène métal en général.
Tout d’abord, « Hellfest » a été une sorte de consécration pour Mass Hysteria, qui a ainsi affirmé sa place dans le paysage musical français et international. L’album est un enregistrement en live du concert donné par le groupe lors de l’édition 2019 du Hellfest, l’un des plus grands festivals de métal en Europe. Grâce à ce concert, Mass Hysteria a pu montrer l’étendue de son talent et de son énergie à un public très large, composé de fans du monde entier.
De plus, Mass Hysteria Hellfest a permis à Mass Hysteria de renouer avec ses racines et de retrouver l’esprit punk et hardcore qui avait animé ses premiers albums. En effet, le groupe a enregistré une grande partie de ses premiers albums en live, dans des conditions souvent spartiates. Avec « Hellfest », Mass Hysteria a retrouvé cette spontanéité et cette urgence qui ont fait son succès.
Enfin, « Hellfest » a eu un impact considérable sur la scène métal en général. En tant qu’enregistrement live d’un concert donné lors d’un des plus grands festivals de métal au monde, l’album a permis de mettre en lumière l’importance de ce genre musical, ainsi que la vitalité et la créativité des groupes qui le composent. De plus, Mass Hysteria Hellfest a permis à Mass Hysteria de gagner de nouveaux fans, mais aussi de donner envie à de nombreux autres groupes de se produire sur scène et de créer une expérience marquante pour leur public.
En somme, l’album « Hellfest » a été un véritable tournant dans la carrière de Mass Hysteria et un événement majeur pour la scène métal en général. Grâce à cet enregistrement en live, le groupe a pu montrer toute l’étendue de son talent et de son énergie, tout en affirmant sa place parmi les plus grands groupes de métal français et internationaux.
Le tracking et les crédits de Mass Hysteria HELLFEST 2019
Version CD
1. Reprendre mes esprits
2. Positif à bloc
3. World on fire
4. Vae soli
5. Nerf de boeuf
6. Se brûler sûrement
7. Tout est poison
8. L’enfer des dieux
9. Chien de la casse
10. Contraddiction
11. Arômes complexes
12. Plus que du metal
13. Furia
Version Blu-ray
1. Reprendre mes esprits
2. Positif à bloc
3. World on fire
4. Vae soli
5. Nerf de boeuf
6. Se brûler sûrement
7. Tout est poison
8. L’enfer des dieux
9. Chien de la casse
10. Contraddiction
11. Arômes complexes
12. Plus que du metal
13. Furia
Production images
Sombrero & Co
Réalisation : Thierry Villeneuve & Julien Metternich
Post-production images
Little Big Films
Directeur de production : Yann Merrien
Montage : Julien Metternich
Étalonnage : Tristan Donard
Authoring : Thomas Garbis
Production concerts & booking
Veryshow Productions
Photos & Artwork
Eric CANTO
Management
Mehdi El Jaï assisté d’Émilie Bardalou
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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