C’est une questions des plus difficiles : Qu’est ce que la photographie artistique ? Les domaines où la créativité et le point de vue individuel sont présents et n’amènent pas de réponse évidentes.
«Est-ce de l’art? Commençant par la question de savoir si l’art peut être défini d’une manière utile, la question nécessite toujours une certaine quantité d’interprétation et de sentiment personnels pour répondre, ce qui signifie qu’il ne peut jamais y avoir de véritable consensus.
Que le mode d’expression soit la peinture, la musique ou la littérature, une œuvre peut être une œuvre d’art sublime pour certains et quelque chose de moins pour d’autres.
La photographie n’est pas différente. Comme l’écriture, qui voit une division distincte entre le journalisme et la fiction, la photographie est comprise comme ayant une division claire entre le figuratif et l’artistique.
Le figuratif est la photographie qui cherche simplement à enregistrer une scène telle qu’elle s’est produite naturellement, sans aucune interférence, mise en scène ou même interprétation artistique. L’artistique cherche à créer quelque chose de beau mais pas forcément réaliste ou précis. La question de savoir ce qu’est la photographie artistique se résume finalement à ce concept de transformation.
Qu’est-ce qui définit la photographie artistique ?
Avant tout, la photographie artistique doit être transformationnelle, pas simplement représentationnelle. Bien que vous puissiez capturer une scène incroyable sur le chemin du travail, votre photo ne peut être considérée comme de l’art que si elle a été modifiée d’une manière ou d’une autre par votre intelligence et votre processus de réflexion.
Cependant, cela ne signifie pas que la photographie artistique ne peut être réalisée qu’avec une mise en scène et un éclairage complexes ou des effets numériques; en fait, certaines des photos les plus artistiques jamais prises ont été des paysages – par exemple, l’œuvre d’Ansel Adams.
C’est parce que la transformation artistique est plus subtile que la plupart des gens ne le comprennent. Vous pouvez appliquer un filtre artistique à n’importe quelle photographie via les éléments suivants:
Le cadrage :
En choisissant simplement de cadrer ou de recadrer la scène d’une certaine manière, vous pouvez élever une photo au statut d’art. La célèbre photographie d’Alfred Stieglitz The Steerage (1907) est souvent considérée comme la première photographie artistique importante jamais prise.
Bien que cela puisse être considéré comme purement représentatif, les décisions de Stieglitz en matière de cadrage, de ce qu’il faut inclure dans la scène et de liaison des différentes formes et lignes qui se sont produites naturellement avant lui étaient en réalité transformationnelles, aboutissant à une photographie qui est un véritable art.
Le choix du film:
À l’ère moderne, le choix du film, la couleur par rapport au noir et blanc, et d’autres décisions techniques peuvent agir comme un filtre artistique, transformant une scène même si aucune autre mise en scène ou modification technique n’y est apportée.
L’angle:
La photographie artistique représentationnelle doit simplement prendre en compte la scène qu’elle traverse. Cependant, la scène peut être élevée simplement en prenant la décision de prendre la photo sous un angle spécifique, un point de vue spécifique et à un moment précis.
La photographie artistique nécessite la prise en compte du recadrage et du cadrage.
La vision artistique :
À l’ère moderne, les questions entourant la photographie artistique ont été compliquées par la technologie. Les photographes disposent désormais d’outils incroyablement puissants qui peuvent changer complètement l’apparence des photos – tout comme la plupart des gens, sous la forme de filtres qu’ils peuvent appliquer sur les photos prises avec leurs smartphones et autres appareils.
Des applications informatiques comme Photoshop ont également placé des capacités incroyables entre les mains de photographes sans formation.
En conséquence, les photographes modernes se sont séparés en deux approchent
Une Manipulation accrue :
Manipulation directe du sujet et de la scène pour différencier leur travail non seulement de la photographie artistique figurative, mais du travail amateur produit par l’application automatique de filtres et d’effets.
Une approches plus naturalistes :
Certains photographes en sont venus à valoriser la lumière naturelle et les techniques sans effet, cherchant à transformer leurs photos en art en utilisant uniquement des méthodes traditionnelles comme le cadrage et le recadrage.
La plupart des gens reconnaissent plus facilement le premier comme un art en raison de la préparation et du travail nécessaires à la mise en place d’un plan – impliquant souvent des techniques d’éclairage, la construction de décors et la location de modèles.
Cependant, cette dernière approche, tout en se rapprochant d’un modèle de représentation, implique toujours le filtre d’un point de vue artistique. Bien que le résultat final puisse être plus subtil, c’est toujours de l’art.
Une approche plus controversée …
Une dernière approche plus controversée – adoptée par des artistes tels que Gerhart Richter – consiste à transformer les photographies via l’application d’autres matériaux, tels que la peinture sur la photographie ou la transformer physiquement.
Si l’œuvre finale peut facilement être considérée comme une œuvre d’art, la question de savoir si la photographie elle-même doit être considérée comme une photographie artistique – puisqu’elle n’avait pas de nature artistique inhérente avant l’application d’un processus externe – est solide. Cependant, beaucoup le considèrent simplement comme un équivalent analogique des filtres numériques.
En fin de compte, bien sûr, l’art est créé par le spectateur. Une photographie qui élève votre esprit, modifie votre vision du monde ou vous affecte d’une autre manière peut être considérée comme un art, quelle que soit sa qualification technique ou procédurale. Découvrez notre collection de belles photographies d’art et dites-nous ce que vous en pensez!
7 conseils pour commencer la photographie artistique.
L’aspect le plus important de la photographie d’art est la vision du photographe. Il ne s’agit pas de la réalité ou de ce qui est devant la caméra. Tout dépend du message ou de l’émotion que le photographe veut évoquer lorsque quelqu’un est témoin de cette image.
La photographie d’art peut parfois être très différente de la réalité. Mais vous pouvez toujours prendre des images réalistes de style documentaire tout en faisant de la photographie artistique.
Passons à un tas de conseils et d’idées que vous pouvez utiliser pour vous lancer dans la photographie artistique.
1. Créer un corpus de travail cohérent
photographie artistique
Un corpus d’oeuvre signifie une collection d’images quelque peu liées les unes aux autres. Il peut s’agir du même type de sujet ou d’activité ou même d’un style de traitement. Parfois, une seule image ne suffit pas pour transmettre les sentiments ou la vision réels d’un photographe.
Par exemple, j’ai créé un petit corpus d’œuvres nommé Bustle. J’ai rassemblé 15 images illustrant les activités de personnes qui se dirigent vers leur destination dans leur vie de tous les jours.
Certaines des images de cette collection sont ci-dessus. Remarquez sur chaque image, comment les jambes des personnes sont en mouvement . Cette chose est commune à toutes les images avec le même style de traitement. Et c’est comme ça qu’ils sont liés.
Pour un travail décent, collectez au moins 10 à 15 images qui sont fortement liées les unes aux autres d’une manière que le spectateur peut facilement identifier.
2. Suivre le travail de photographes célèbres
Je sais que cette astuce est trop évidente. Je détestais ça aussi au début. Mais c’est la réalité à laquelle nous devons tous faire face. La photographie artistique est un créneau très difficile et aucun livre, article ou atelier ne peut vous apprendre mieux que d’étudier les œuvres de photographes d’art célèbres eux-mêmes.
Prenons par exemple Annie Leibovitz, la célèbre photographe portraitiste des beaux-arts. Elle utilise un style d’éclairage unique avec des couleurs et des poses audacieuses . Josef Sudek et Philip-Lorca Dicorcia sont quelques autres photographes dont vous devriez découvrir le travail.
Choisissez un photographe d’art que vous aimez et étudiez son travail. Analysez comment leurs images sont connectées les unes aux autres. Voyez ce qui les rend spéciaux.
3. Photographie artistique : ne photographiez pas en noir et blanc uniquement
photographie artistique
Je sais que la première chose qui me vient à l’esprit à propos de la photographie artistique est le noir et blanc .
La majorité de la photographie professionnelle des beaux-arts est en noir et blanc. Mais c’est uniquement parce que le noir et blanc réduit la distraction et vous permet de vous concentrer davantage sur le message d’une photographie.
Mais vous pouvez toujours obtenir la même chose avec des compositions plus propres et épurées. En raison des compositions simples, les versions couleur sont bien meilleures et plus puissantes que le noir et blanc.
C’est le concept qui compte. Convertissez vos images en monochrome uniquement si cela ajoute vraiment de la valeur.
photographie artistique
4. Avoir une déclaration d’artiste
Rédiger une déclaration d’artiste avant de démarrer un projet est très utile. Cela clarifie votre esprit sur l’objet de votre projet. Une fois votre déclaration prête, il vous sera facile de rechercher des sujets et de minimiser les distractions dans vos images.
La déclaration de l’artiste n’a pas besoin d’être pleine de jargon technique ou de longs paragraphes. Soyez bref . Pour commencer, écrivez deux ou trois phrases qui donnent un aperçu de votre projet. Expliquez ensuite comment ces idées sont présentées dans votre travail.
Voici un exemple : Les marchés et les arrêts de bus sont les endroits où l’on trouve toujours des gens pressés. Ils se précipitent vers leurs destinations. Ils n’ont pas le temps de s’arrêter et de réfléchir à ce qui se passe autour d’eux.
J’adore capturer les gens quand leurs gardes sont à terre. Mon travail se compose de photographies dans lesquelles mes sujets sont des personnes qui s’activent vers leur destination. Toutes les images ici sont capturées sous une forme purement candide.
Pour les galeries et autres espaces professionnels, vous pourriez avoir besoin d’un artiste BIO complet ou d’une déclaration d’artiste complète, mais cela sort du cadre de cet article.
5. Utiliser la vitesse d’obturation pour modifier la réalité sur vos photos artistiques
photographie artistique
Étant donné que la photographie artistique concerne la vision de l’artiste, vous pouvez utiliser diverses techniques pour mettre en valeur votre message. Cela pourrait être un type spécifique de technique de post-traitement, dans la tromperie ou la composition.
Dans l’image ci-dessus, je voulais mettre l’accent sur la nature solitaire mais agressive de l’ océan . Une vitesse d’ obturation rapide comme 1/200 de seconde pourrait geler le mouvement. Trop lent et cela pourrait ajouter une sen
Vous pouvez utiliser cette technique pour déplacer des personnes, des voitures, etc., pour modifier les scènes et leur donner une signification spécifique. Essayez de montrer quelque chose dont nos yeux ne sont pas habitués à être témoins dans la vraie vie.
6. Photographie artistique : utiliser des styles uniques d’étalonnage et de traitement des couleurs
Le noir et blanc est trop courant. Tout le monde l’utilise. Avoir un style de traitement ou un étalonnage des couleurs unique est très important pour un photographe d’art. Cela aide les gens à reconnaître votre travail.
Prenez le peintre Vincent van Gogh. Il a un style très distinctif dans ses peintures. Si vous le connaissez, vous reconnaîtrez probablement ses toiles parmi des centaines d’autres toiles. C’est la puissance d’un style signature.
Vous ne pouvez pas créer un corpus de travail uniquement sur le style de traitement, mais avoir un style cohérent et unique aidera vos images à devenir plus cohérentes et connectées.
7. Utiliser un seul sujet pour un projet entier
Vous pouvez utiliser un sujet spécifique pour l’ensemble de votre travail ou un mini projet si vous le souhaitez. C’est un bon début pour un projet de photographie d’art pour les débutants .
Il est facile à planifier et à exécuter. Les résultats sont plus cohérents. Et vous apprendrez les bases tout en vous concentrant sur un seul sujet.
Christian Richter est un photographe allemand qui a réalisé une série complète sur les lieux abandonnés à travers l’Europe. « Je vis dans un pays du Moyen-Orient, Oman, qui regorge de vieille architecture islamique . J’ai donc réalisé un projet nommé Arches d’Oman et photographié des arches dans divers bâtiments et mosquées. »
Vous pouvez sélectionner n’importe quelle activité, lieu ou thème spécifique pour démarrer votre premier projet.
Éviter les clichés de photographie artistique.
Voici donc une petite liste de clichés que vous devez comprendre avant de vous lancer. Et puis vous devriez les éviter.
1. Images extrêmement vagues
La photographie d’art n’est pas une énigme à résoudre. Si votre concept est un peu vague, présentez un corpus complet de travail afin qu’il soit facile à comprendre pour les gens.
2. Images bruyantes et granuleuses
Parfois, vous photographiez dans des conditions de lumière extrêmement faible et cela introduit du bruit. C’est compréhensible. Cependant, ajouter du grain dans le post, juste pour couvrir une mauvaise exposition ou pour donner l’impression qu’il a été tourné sur un film, n’est pas acceptable.
3. Vignettes fortes
Les vignettes aident à concentrer l’attention du spectateur sur le sujet. Mais n’ajoutez pas de vignette forte juste pour donner l’impression que l’image a été tournée sur un film. Ou pour essayer de cacher une mauvaise composition.
Conclusion
La photographie d’art va au-delà de ce qui se trouve réellement devant la caméra. C’est l’interprétation très personnelle d’un artiste d’une situation qui peut être très différente de la réalité.
Le cœur même de la photographie d’art est de transmettre un certain sentiment ou un message à travers votre photographie. La caméra n’est qu’un médium.
Vous faites tout ce qu’il faut pour transmettre votre message. Que vous ayez besoin d’utiliser des techniques de traitement à huis clos ou de post-traitement. Présenter vos images comme un ensemble cohérent de travail avec une déclaration d’artiste n’est pas seulement professionnel, mais il transmet également votre message plus clairement.
Avez-vous besoin d’un diplôme en beaux-arts pour cela ? A mon avis, non. Il est utile de comprendre l’histoire et l’évolution de la photographie artistique. Mais ce n’est pas une obligation.
Le plus important est de former votre vision et d’utiliser votre imagination pour faire ressortir quelque chose d’unique à partir de situations ordinaires.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photographie artistique est un style de photographie qui est créé pour exprimer des idées ou des émotions plutôt que pour documenter un événement ou une situation spécifique.
2. Qu’est-ce qui différencie la photographie artistique de la photographie documentaire ?
La photographie artistique est créée pour l’expression personnelle et la créativité de l’artiste, tandis que la photographie documentaire est créée pour documenter un événement ou une situation spécifique.
3. Quels types de photographies peuvent être considérés comme de la photographie artistique ?
La photographie artistique peut inclure une variété de styles et de techniques tels que le portrait, le paysage, l’abstrait, le surréalisme, la photographie de rue et la photographie de mode.
4. Comment peut-on apprécier la photographie artistique ?
La photographie artistique peut être appréciée de nombreuses manières, notamment en visitant des expositions de photographies, en achetant des tirages d’art pour les collectionner et en suivant des photographes artistiques sur les réseaux sociaux.
5. Comment les photographes artistiques déterminent-ils le prix de leurs œuvres ?
Les photographes artistiques déterminent souvent le prix de leurs œuvres en fonction de leur expérience, de leur renommée, de la rareté de leur œuvre et de la taille du tirage.
6. Comment peut-on se former à la pratique de la photographie artistique ?
La formation à la pratique de la photographie artistique peut inclure des cours de photographie dans des écoles ou des universités, des ateliers de photographie, des stages et des résidences d’artistes.
7. Comment peut-on acheter des tirages d’art en photographie artistique ?
Les tirages d’art en photographie artistique peuvent être achetés en visitant des galeries d’art, des foires d’art, des ventes aux enchères ou en ligne sur des sites spécialisés dans la photographie artistique.
8. Comment peut-on prendre soin de ses tirages d’art en photographie artistique ?
Il est important de prendre soin de ses tirages d’art en photographie artistique en les encadrant sous verre anti-reflets, en évitant la lumière directe du soleil, l’humidité et les températures extrêmes. Les tirages d’art doivent également être nettoyés régulièrement avec des méthodes de nettoyage appropriées.
Les fanatiques et militants du franc-parler Rage Against the Machine ont éduqué des foules de fans de musique en injectant leur cocktail Molotov explosif de rap, de punk hardcore, de funk et de métal avec une dose d’une urgence farouchement polémique et politiquement chargée.
Explosion mainstream en 1992 pour Rage Against the Machine avec « Killing in the Name » – leur protestation sonore contre la brutalité policière et le racisme systémique – Rage Against the Machine a planté son drapeau dans la scène avec son premier triple platine, Rage Against the Machine , qui a courtisé la controverse avec son couverture graphique d’un moine bouddhiste protestant et auto-immolé.
Pour le reste de la décennie, lesRage Against the Machine ont continué à faire passer ce message anti-autoritaire et révolutionnaire, prolongeant leur séquence de platine avec les gagnants ultérieurs des Grammy Awards Evil Empire (1996) et The Battle of Los Angeles (1999).
Au tournant du millénaire, il semblait qu’ils ne montreraient aucun signe de relâchement, d’équilibrer les ventes et le succès des graphiques avec des manifestations qui font la une des journaux (comme la fermeture de la Bourse de New York pour un tournage vidéo).
Rage Against the Machine
Cependant, à la fin de 2000, Rage Against the Machine a implosé et a décidé de faire une pause. Après avoir publié un album de reprises, Renegades , les membres ont poursuivi d’autres projets, avec le chanteur Zack de la Rocha en solo et le reste du groupe formant Audioslave avec Soundgarden.le chanteur Chris Cornell .
Dans les années 2010, un album de retour de Rage Against the Machine ne s’est jamais matérialisé, mais le groupe est resté un incontournable du paysage culturel, effectuant des spectacles et travaillant sur des projets parallèles tels que Prophets of Rage .
Au tournant de la décennie suivante, Rage Against the Machine a fait un autre retour officiel, organisant une tournée mondiale de retrouvailles en 2020 qui a été mise à l’écart par l’épidémie de la pandémie COVID-19.
La même année, au milieu des manifestations internationales contre la brutalité policière, leurs débuts marquants ont touché une corde sensible auprès des manifestants, réintégrant les charts américains alors que chacun de leurs albums atteignait le Top 30 des services de streaming.
Rage Against the Machine : la formation du groupe
La formation initale de Rage Against the Machine
S’attaquant aux entreprises américaines, à l’impérialisme culturel et à l’oppression gouvernementale, Rage Against the Machine s’est formé à Los Angeles au début des années 90 à partir de l’épave d’un certain nombre de groupes locaux: le chanteur Zack de la Rocha (le fils de l’artiste politique chicano Robert de la Rocha) est issu des groupes Headstance , Farside et Inside Out ; le guitariste Tom Morello (le neveu de Jomo Kenyatta, le premier président kenyan) est originaire de Lock Up ; et le batteur Brad Wilk a joué avec le futur leader de Pearl Jam Eddie Vedder .
Premiere cassette du groupe
Complété par le bassiste Tim Commerford , un ami d’enfance de de la Rocha , Rage Against the Machine a fait ses débuts en 1992 avec une cassette de 12 chansons auto-publiée et intitulée « Bullet in the Head », qui est devenue un succès lors de sa réédition en single plus tard. dans l’année.
La bande a valu au groupe un accord avec Epic, et leur saut dans les majors n’est pas passé inaperçu par les détracteurs, qui ont remis en question l’intégrité révolutionnaire de la décision de Rage Against the Machine de s’aligner sur la société mère du label, le géant des médias Sony.
Rage Against the Machine : le succès
Sans se décourager, le quatuor a fait ses débuts officiels sur les grands labels avec Rage Against the Machine , marquant des succès avec des singles comme « Killing in the Name » et « Bombtrack ». Après avoir tourné avec Lollapalooza et déclaré son soutien à des groupes comme FAIR (Fairness and Accuracy in Reporting), Rock for Choice et Refuse & Resist, Rage Against the Machine a passé quatre ans apparemment tumultueux à travailler sur leur suivi.
Malgré les rumeurs d’une rupture, Rage Against the Machine revient en 1996 avec Evil Empire , qui est entré dans les charts américains au numéro un et a marqué un single à succès avec « Bulls on Parade ».
Le morceau « Tire Me » a remporté un Grammy pour la meilleure performance métal.
En 1997,(le Wu a par la suite abandonné la tournée et les Roots les ont remplacés) et sont restés actifs dans le soutien de diverses causes politiques de gauche, y compris un concert-bénéfice controversé en 1999 pour la condamnée à mort Mumia Abu-Jamal .
Rage Against the Machine
Le troisième album The Battle of Los Angeles a suivi en 1999, faisant également ses débuts au numéro un et devenant double platine l’été suivant. L’album single « Guerrilla Radio » a valu à Rage un deuxième Grammy, cette fois pour la meilleure performance de Hard Rock.
En direct au Grand Auditorium OlympiqueAu début de 2000, de la Rocha a annoncé des plans pour un projet solo et le groupe a présenté un spectacle incendiaire en dehors de la Convention nationale démocrate en août (et des mois plus tard, les choses ont remué en dehors de la Convention nationale républicaine).
Le split de Rage Against the Machine
Entre les deux, le bassiste Commerford a été arrêté pour conduite désordonnée aux MTV’s Video Music Awards après sa perturbation bizarre d’un discours d’acceptation de Limp Bizkit . Des plans pour un album live ont été annoncés peu de temps après, mais en octobre, de la Rocha a annoncé brusquement son départ du groupe, invoquant des pannes dans la communication et la prise de décision du groupe.
Surpris mais pas en colère, le reste des Rage Against the Machine ont annoncé son intention de continuer avec un nouveau chanteur, tandis que de la Rocha s’est recentré sur son album solo, qui devait inclure des collaborations avec des artistes hip-hop de renom, notamment DJ Shadow et El-P de Company Flow .
Décembre 2000 a vu la sortie du dernier effort de studio de de la Rocha avec le groupe, les Renegades produits par Rick Rubin ; il comprenait près d’une douzaine de reprises d’artistes hip-hop, rock et punk comme EPMD , Bruce Springsteen , Devo , les Rolling Stones , le MC5 , et plus encore.
En 2001, Morello ,Wilk et Commerford avaient formé Audioslave avec le chanteur de Soundgarden Chris Cornell , et le groupe a sorti un album éponyme à la fin de 2002. Avec un album solo de la Rocha toujours pas annoncé, Epic a finalement sorti l’album de concert promis depuis longtemps Live at the Grand Auditorium olympique sur CD et DVD à temps pour Noël 2003.
Rage Against the Machine: les rumeurs de réunion.
Au cours des années suivantes, les rumeurs d’une réunion de Rage Against the Machine ont toujours tourbillonné mais ne se sont jamais concrétisées.
Deux albums Audioslave ont suivi en 2005 et 2006 avant la séparation du groupe, puis l’année suivante, Morello a commencé à sortir le folk-punk protestataire en tant que Nightwatchman .
Cette année a également amené la réunion tant attendue de Rage Against the Machine . Tout d’abord, le groupe a joué le jour de clôture du festival Coachella en 2007, puis en 2008 plusieurs autres concerts ont suivi, coïncidant généralement avec les principaux festivals en Europe et aux États-Unis.Aucun nouveau travail en studio de Rage Against the Machine ne s’est matérialisé, mais de la Rocha a collaboré avec l’ancien batteur de Mars Volta Jon Theodore dans un groupe appelé One Day as a Lion , sortant un EP cette année-là.
2009, le retour de Rage Against the Machine !
La prochaine explosion d’ activité de Rage Against the Machine est survenue en 2009 quand il y avait une campagne Internet pour amener « Killing in the Name » au sommet des charts britanniques, le tout dans l’espoir d’empêcher un gagnant de X Factor de prendre la pole position.
La campagne virale a fonctionné et Rage Against the Machine a donné un concert de célébration gratuit à Finsbury Park à l’été 2010.
Malgré tous ces concerts – y compris une apparition à l’été 2011 à LA Rising, un festival organisé par le groupe – et le mot d’un nouvel album, non des enregistrements sont apparus.
En 2013, leur premier album a reçu une réédition de luxe et, deux ans plus tard, le concert de 2010 à Finsbury Park a été publié sous forme de CD / DVD. L’année suivante, Morello , Wilk et Commerfordont uni leurs forces avec Public Enemy « s Chuck D et Cypress Colline » s B réel pour former les supergroupes prophètes de Rage , libérant un album éponyme en 2017.
Alors que 2019 touchait à sa fin, Rage Against the Machine a entamé une nouvelle décennie avec plus de rapports sur un retour. Les apparitions de Coachella ont été confirmées plus tard, le début d’un trek mondial qui associerait le groupe vétéran au duo de rap aux vues similaires (et aux collaborateurs fréquents de la Rocha ) Run the Jewels .
Cependant, les plans ont été interrompus en mars, lorsque la pandémie COVID-19 a forcé l’annulation de la plupart des musiques live pour 2020.
En juin, alors que des manifestations contre la brutalité policière éclataient dans le monde après la mort de George Floyd, les albums de Rage Against the Machine sont revenus sur Billboard.
Le premier album de Rage Against the Machine: un album essentiel
Probablement le premier album à fusionner avec succès les sons apparemment disparates du rap et du heavy metal, le premier album éponyme de Rage Against the Machine était suffisamment révolutionnaire lors de sa sortie en 1992, mais beaucoup diront qu’il n’a pas encore été dépassé en termes d’influence. et une brillance pure – bien que d’innombrables groupes aient certainement essayé.
Rage Against the Machine
Ceci est probablement dû à la relation créative unique entre le guitariste Tom Morello et le chanteur rebelle lettré Zack de la Rocha .
Alors que les racines du premier dans le déchiquetage du heavy metal des années 80 ont donné lieu à une gamme inimitable d’acrobaties à six cordes et d’effets spéciaux rythmiques (que peu de guitaristes ont réussi à reproduire), ce dernier a livré des rimes significatives avec une conviction chargée d’émotion que le blanc de banlieue les garçons de la génération nu-metal qui a suivi ne pourraient jamais espérer toucher.
En conséquence, des dalles syncopées d’insurrection de hard rock comme «Bombtrack», «Take the Power Back» et «Know Your Enemy» étaient aussi instantanément inoubliables qu’étonnantes.
Pourtant, même s’ils excellaient dans l’art de monter lentement la tension comme « Settle for Nothing », « Bullet in the Head » et le « Wake Up » particulièrement venimeux.’s « Kashmir » pour ses propres besoins – ils ont finalement explosé avec une puissance et une fureur impressionnantes.
Et même les auditeurs qui étaient incapables (ou ne voulaient pas) de traiter pleinement le choc unique de muscle et d’intellect du groupe ont été pris en compte, car RATM a pu transmettre leurs messages par une répétition obstinée via le défi fondamental de « Freedom » et leur morceau signature, » Killing in the Name, « qui deviendrait un cri de ralliement de privation du droit de vote, grâce à son mantra implacablement rebelle de « Fuck you, I won’t do what you tell me! »
En fin de compte, s’il y a une déception à avoir avec cet album presque parfait, c’est qu’il domine toujours les efforts ultérieurs en tant que point culminant sans équivoque de Rage Against the Machine.
En tant que tel, il reste absolument essentiel.
Rage Against the Machine : DEVIL EMPIRE
Rage Against the Machine a passé quatre ans à faire son deuxième album, Evil Empire .
Comme le titre l’indique, leur rage et leur mépris pour le système capitaliste «fasciste» en Amérique n’avaient pas diminué au cours de la demi-décennie où ils étaient partis.
Leur approche musicale n’a pas non plus changé. Le chanteur principal Zack de la Rocha est pris à mi-chemin entre les raps militants de Chuck D et les délires fanatiques d’un prédicateur de rue, criant ses slogans simplistes et libertaires sur l’assaut sonore dense du groupe.
Comme le groupe n’a pas beaucoup joué ensemble après 1993, il n’y a pas d’avancée collective dans leur musicalité. Néanmoins, le guitariste Tom Morello démontre une palette sonore impressionnante, créant de nouvelles textures dans le heavy metal, ce qui est assez difficile.
Même avec la virtuosité étudiée de Morello , le groupe semble plombé, manquant de dextérité pour exécuter pleinement leur fusion métal / hip-hop – ils n’entrent pas dans un groove; ils martèlent simplement.
Mais cela correspond aux délires hystériques de de la Rocha . Bien que son dévouement à la politique résolument de gauche soit admirable, son phrasé arythmique et ses cris râpants annulent tout message qu’il essaie de faire. Et cela signifie que Evil Empire ne réussit qu’au niveau d’un assaut sonore.
Rage Against the Machine : Battle of Los Angeles
Rage Against the Machine n’est pas vraiment le seul groupe de metal qui compte, mais leur activisme social et politique agressif est rafraîchissant, surtout à une époque de rage aveugle (ou généralement autodirigée) due à des groupes comme Limp Bizkit , Bush ou Nine.
Enregistré en moins d’un mois, The Battle of Los Angeles est l’album le plus ciblé de la carrière du groupe, explosant depuis la porte et laissant rarement passer le tout.
Comme quelques autres groupes célèbres, Rage Against the Machine a toujours été béni par le fait que le groupe crache autant de vitriol que son leader. Tout problème potentiel créé ici par La prestation d’une note de Zack de la Rocha et les polémiques extrémistes sont atténuées par des chansons et des grooves qui donnent l’impression que la révolution est vraiment là, du single « Guerrilla Radio » aux moments forts de l’album comme « Mic Check », « Calm Like une bombe »et« Né d’un homme brisé ».
Comme sur les deux albums précédents de Rage Against the Machine , la liste d’effets de guitare et de riffs vicieux de Tom Morello est presque écrasante et est aussi contagieuse que le groupe depuis ses débuts.
De la Rocha est le meilleur lorsqu’il a des objectifs spécifiques (comme le gouvernement ou l’affaire contre Mumia Abu Jamal), mais lorsqu’il tente de couvrir des problèmes de société plus généraux, il hésite. Un album qui reste essentiel
Rage Against the Machien: Renegades
Sorti après la scission fin 2000 entre Zack de la Rocha et le reste de Rage Against the Machine , l’album de reprises Renegades salue les racines musicales et philosophiques du groupe, allant de la vieille école Bronx au hard-rockin ‘Motor City en passant par Comme on pouvait s’y attendre, l’ensemble fonctionne mieux lorsque le groupe se concentre sur le matériel de ses ancêtres les plus récents: les rappeurs et les groupes hardcore.
En effet, Renegades commence par une paire de reprises hip-hop puissantes – «Microphone Fiend» d’ Eric B & Rakim et «Pistol Grip Pump» du Volume 10 – qui mettent en lumière les immenses atouts de Rage :Le riffing net et lourd de Tom Morello et le jet de vitriol finement réglé du chanteur de la Rocha , juste ce côté de l’autosatisfaction.
Une autre explosion hip-hop (et celle qui est la plus proche de chez nous), « How I Could Just Kill a Man » de Cypress Hill , est encore plus dévastatrice, un choix facile pour le clou de l’album. Les auditeurs familiers avec les originaux, cependant, peuvent avoir des problèmes avec les reprises de Rage de « I’m Housin ‘ » de EPMD , « Street Fighting Man » des Stones et « Maggie’s Farm » de Dylan , un trio d’originaux des versions dont la colère et l’émotion étaient davantage véhiculées dans les paroles que dans les performances.
Pourtant, le batteur Brad Wilk définit un tempo hardcore frénétique approprié pour l’excellente version de « In My Eyes » de Minor Threat , et de la Rocha s’étire bien sur le « Kick Out the Jams » du MC5 .
À quelques exceptions près, Renegades fonctionne bien, en partie parce que Rage Against the Machine est à la fois assez intelligent pour changer très peu et assez talentueux pour s’approprier les chansons.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Rage Against The Machine est un groupe de rock américain formé en 1991 à Los Angeles, en Californie. Le groupe est composé du chanteur Zack de la Rocha, du guitariste Tom Morello, du bassiste Tim Commerford et du batteur Brad Wilk.
2. Quel est le style musical de Rage Against The Machine ?
Le style musical de Rage Against The Machine est un mélange de rock, de punk, de hip-hop et de metal. Le groupe est connu pour son utilisation de riffs de guitare agressifs et de paroles politiquement chargées.
3. Quels sont les albums les plus connus de Rage Against The Machine ?
Les albums les plus connus de Rage Against The Machine sont leur album éponyme sorti en 1992, ainsi que leur deuxième album, « Evil Empire », sorti en 1996. Le groupe a également sorti deux autres albums studio, « The Battle of Los Angeles » en 1999 et « Renegades » en 2000.
4. Quelles sont les chansons les plus populaires de Rage Against The Machine ?
Certaines des chansons les plus populaires de Rage Against The Machine incluent « Killing in the Name », « Bulls on Parade », « Guerrilla Radio », « Sleep Now in the Fire » et « Testify ».
5. Quelle est l’influence politique de Rage Against The Machine ?
Rage Against The Machine est connu pour son engagement politique et social, ainsi que pour ses paroles qui abordent des sujets tels que l’injustice sociale, le racisme, la guerre et le capitalisme. Le groupe est également connu pour son soutien aux mouvements de protestation et de résistance.
6. Quels sont les concerts les plus mémorables de Rage Against The Machine ?
Rage Against The Machine est connu pour ses concerts énergiques et politiquement chargés. Certains de leurs concerts les plus mémorables incluent leur performance à Woodstock ’99, leur concert de réunion au festival Coachella en 2007 et leur performance à la Convention nationale démocrate de 2000.
7. Pourquoi Rage Against The Machine s’est-il séparé ?
Rage Against The Machine s’est séparé en 2000 en raison de divergences créatives entre les membres du groupe. Le chanteur Zack de la Rocha a quitté le groupe pour poursuivre une carrière solo, tandis que les autres membres ont formé un nouveau groupe, Audioslave, avec le chanteur Chris Cornell.
8. Le groupe s’est-il réuni depuis sa séparation en 2000 ?
Oui, Rage Against The Machine s’est réuni à plusieurs reprises depuis sa séparation en 2000. En 2007, le groupe s’est réuni pour une tournée qui a culminé avec une performance au festival Coachella. En 2010, le groupe s’est réuni à nouveau pour une tournée mondiale.
9. Quel est l’impact culturel de Rage Against The Machine ?
Rage Against The Machine a eu un impact culturel important en popularisant un style musical qui mélangeait différents genres et en étant l’un des groupes les plus politiquement engagés de son époque. Le groupe a inspiré de nombreux artistes et a été cité comme une influence majeure pour de nombreux groupes de rock, de metal et de hip-hop.
10. Qu’est-ce que le projet de reformation de Rage Against The Machine en 2020 ?
En 2020, Rage Against The Machine a annoncé une tournée de réunion qui était initialement prévue pour l’été de cette année-là. La tournée a été reportée en raison de la pandémie de COVID-19, mais a finalement eu lieu en 2022. Cette tournée a été très attendue par les fans, car c’était la première fois que le groupe se produisait en concert depuis 2011.
Les Foo Fighters sont un groupe de rock mondialement connu qui a été formé au milieu des années 1990. Depuis leur création, ils ont su conquérir le cœur de millions de fans à travers la planète avec leur musique énergique et leurs prestations scéniques impressionnantes. Cet article vous fera découvrir les grands moments de cette formation mythique et comment elle a su traverser les différentes épreuves qui se sont présentées à elle.
La naissance du groupe Foo Fighters
À l’origine, Dave Grohl était le batteur du légendaire groupe Nirvana. Malheureusement, après la dissolution de celui-ci suite au décès de Kurt Cobain en avril 1994, il décide de former une nouvelle bande sous le nom de Foo Fighters.
Il s’inspire alors de son amour pour les films de science-fiction et choisit ce nom en référence aux ovnis présumés aperçus par les pilotes de chasse pendant la Seconde Guerre mondiale. Pour débuter, Dave Grohl enregistre seul une démo où il interprète tous les instruments. Cette démo est ensuite diffusée dans ses cercles d’amis et suscite rapidement l’intérêt des maisons de disques.
Le succès fulgurant et les premiers albums
Après avoir signé un contrat avec une grande maison de disques, les Foo Fighters sortent leur premier album éponyme en 1995. C’est lors de la tournée suivante que le groupe trouve sa configuration définitive avec l’arrivée de Nate Mendel à la basse et de Taylor Hawkins à la batterie. Le succès est immédiat, porté par des tubes tels que Big Me ou I’ll Stick Around.
Le deuxième album des Foo Fighters
En 1997, leur second opus intitulé The Colour and the Shape voit le jour. Il s’agit d’un véritable chef-d’œuvre qui propulse le groupe au rang de stars internationales. Les titres phares de cet album sont Everlong, Monkey Wrench ou encore My Hero. À partir de ce moment-là, les Foo Fighters deviennent incontournables dans l’univers du rock.
Des albums toujours plus créatifs
Au fil de leur carrière, les Foo Fighters ont sorti plusieurs albums, chacun étant accueilli avec enthousiasme par les critiques et les fans. Parmi eux :
There Is Nothing Left to Lose en 1999, avec notamment le hit Learn to Fly,
One by One en 2002, marqué par des chansons telles que All My Life ou Times Like These,
In Your Honor en 2005, un double album reprenant d’une part les morceaux énergiques du groupe et d’autre part des ballades plus douces,
Echoes, Silence, Patience & Grace en 2007,
Wasting Light en 2011, enregistré dans le garage de Dave Grohl et qui revient aux sources du groupe avec un son plus brut et authentique.
Dave Grohl, leader incontestable
Au-delà des albums et des concerts, les Foo Fighters sont également connus pour leur investissement personnel dans différents projets musicaux. Leur leader, Dave Grohl, a notamment réalisé plusieurs documentaires sur la musique, comme Sound City, qui retrace l’histoire d’un célèbre studio d’enregistrement californien, ou Sonic Highways, une série-documentaire explorant l’influence géographique sur la musique américaine. Par ailleurs, il a collaboré avec de nombreux artistes tels que Lemmy Kilmister (Motörhead), Paul McCartney ou encore Trent Reznor (Nine Inch Nails).
Un engagement social fort
Les Foo Fighters ont également fait preuve d’une grande implication sociale et politique tout au long de leur carrière. Ils se sont par exemple engagés dans la lutte contre le sida, en participant à divers concerts et événements caritatifs. De manière générale, ils cherchent à véhiculer un message positif à travers leurs chansons, appelant souvent à l’amour, la fraternité et la solidarité entre les peuples.
Des prestations live mémorables
L’un des aspects les plus marquants des Foo Fighters est sans conteste leur présence sur scène. Le groupe a cette faculté de transformer chaque concert en un véritable événement, proposant des shows énergiques et parfaitement orchestrés. Les live sont l’occasion pour le public de chanter à tue-tête les paroles des chansons et d’échanger avec les membres du groupe lors de leurs célèbres discours entre les morceaux.
Une performance incroyable malgré les obstacles
En 2015, lors d’un concert en Suède, Dave Grohl tombe de la scène et se casse la jambe. Malgré la douleur et l’intervention des médecins, il décide de continuer le show assis sur une chaise. Une détermination qui force l’admiration et renforce encore le lien qui unit les Foo Fighters à leurs fans.
Leur longévité, preuve de leur talent
Aujourd’hui, les Foo Fighters continuent de partager leur amour de la musique avec de nouveaux albums et tournées mondiales. Plus de 25 ans après leur création, ils prouvent que rien ne peut les arrêter et témoignent toujours de leur passion pour la scène et leur fidélité envers leur public.
Alors que Dave Grohl officiait derrière la batterie de Nirvana, enregistrant des chansons à la maison (qu’il a sorti en K7), ses chansons jetteront les bases de Foo Fighters, né en 1995 après la mort de Kurt Cobain. Musicalement, on s’éloigne du grunge, il est difficile de continuer dans un style similaire après le succès de Nirvana.
Les Foo Fighters mélangent le rock, un côté punk des mélodies pop avec des guitares plus « lourdes ». Changement notable pour Dave Grohl, il tient maintenant le micro et la guitare. En 1995, le chanteur a composé et enregistré 15 chansons qu’il a copiées sur une centaine de K7, envoyées à des amis. Les maisons de disques se battront alors pour le signer.
Dave Grohl décide alors de créer un groupe qui se nommera Foo Fighters. Il embauche Nate Mendel (bassiste de Sunny Day Real Estate) et William Goldsmith (batteur de Sunny Day) real estate),Pat Smear guitariste de Nirvana et Germ. Le premier album éponyme (avec les morceaux enregistrés par Grohl) sort pendant l’été 1995 et est en 1996, cet album sera disque de platine aux États-Unis.
Foo Fighters – Foo Fighters
Le groupe a ensuite tourné et est entré en studio pour l’enregistrement de The Color And The Shape fin 1996; William Goldsmith quitte le groupe (et donc Grohl pour enregistrer les parties de batterie) et est remplacé par Taylor Hawkins (qui a joué avec Alanis Morissette) qui enregistre les parties batterie. Le troisième album du groupe sort en 1999, il a été enregistré en trio avec Chris Shiflett (ex No Use For A Name).
En 2002, One By One, l’album le plus calme du groupe, est sorti, suivi d’un double album: In Your Honor. Skin And Bones 2006 est un CD live acoustique avec les chansons les plus connues du combo. L’année suivante, le sixième album de Foo Fighters sort: Echoes, Silence, Patience And Grace. Pat Smear revient dans le groupe début 2011 pour la sortie en avril de Wasting Light, enregistré par Butch Vid, qui a produit Nevermind en 1991.
En mai 2014, le groupe a confirmé les rumeurs d’un futur album composé de huit chansons enregistrées avec des légendes locales dans huit villes américaines différentes (Chicago, Austin, Nashville, Los Angeles, Seattle, La Nouvelle-Orléans, Washington et New York) , Début août, Foo Fighters a annoncé Sonic Highways pour une sortie mondiale prévue pour novembre de la même année. Comme la chanson précédente, elle est produite par Butch Vig, et chaque chanson est non seulement enregistrée dans une ville différente, mais a également un thème spécifique.
En tournée à nouveau en Europe, les attentats du 13 novembre 2015 en France obligent la formation à annuler les dates restantes de ce concert, dont celui prévu le 16 novembre à Paris. Quelques jours plus tard, ils sortent l’EP, le 23 novembre 2015, lors de Sainte Cécile, la fête des musiciens. Initialement prévue pour remercier les fans du groupe, Sainte Cécile est également dédiée aux victimes des attentats, comme un « une célébration de la vie par la musique ».
En 2016, le groupe travaille sur leur prochain album, soit le neuvième, annoncé début 2017. Le single Run sort en juin et de nombreux concerts sont annoncés ainsi qu’une tournée aux Etats-Unis d’octobre à novembre, sans compter sur leur 1er festival à San Bernardino en Californie qui accueilla de nombreux groupes tels que Queens of the Stone Age, The Kills…
En 2019, les membres du groupe Foo Fighters sont en studio pour l’enregistrement de leur dixième album prévu pour 2020, mais dont la sortie sera retardée du fait de la pandémie COVID-19. En novembre 2020, les titres Medicine at Midnight, Shame Shame et Waiting on a War sont diffusés. Le groupe se produit lors de l’élection de Joe Biden à la présidence des Etats-Unis d’Amérique.
L’année 2022 sera une année tragique pour le groupe. Après la sortie de leur comédie d’horreur Studio 666, en février 2022, c’est le décès soudain de Taylor Hawkins qui frappe le groupe. La tournée mondiale est alors annulée.
Malgré cela, et afin de rendre hommage à leur ami, les Foo Fighters organisent avec la famille de Taylor Hawkins le Taylor Hawkins Tribute Concert, deux concerts; un au Stade de Wembley à Londres le 3 septembre 2022 et l’autre à The Forum d’Inglewood en Californie le 27 septembre 2022. Ces deux dates ont permis aux proches, aux artistes tels que Pink, Nile Rodgers, Liam Gallager, Supergrass, Lars Ulrich… et fans du groupe de se réunir pour célébrer Taylor Hawkins.
Le groupe a remporté 15 Grammy Awards, vendu des dizaines de millions de disques et composé des titres devenus cultes tels que « This Is A Call », « Everlong », « Monkey Wrench », « My Hero », « Learn To Fly », « All My Life », « Times Like These », « Best Of You », « The Pretender », « Walk » « These Days», « The Sky Is A Neighborhood» et bien d’autres….
Foo Fighters est un groupe qui prend toute sa dimension sur scène. Quelques extraits ci-dessous du concert a Wembley, summum d’une carrière qui nous réserve, à coup sûr, encore de nombreuses surprises. La dernière surprise en date reste ce concert annoncé des Foo Fighters dans les arènes de Nîmes lors du prochain Festival de Nîmes, qui malheureusement n’aura pas lieu.
Bonus: extrait de la dernière interview de Taylor Hawkins en juin 2021 pour Rolling Stone Magazine, by Brian Hiatt
Nous ne savons pas comment l’appeler : une dernière visite avec Taylor Hawkins
En juin 2021, le batteur des Foo Fighters s’est assis à son domicile de Los Angeles pour sa dernière interview en personne avec Rolling Stone. Il est allé au fond du moment où il a presque quitté le groupe, le trac, et son « frère aîné » Dave Grohl.
A l’arrière de la propriété de Taylor Hawkins à Los Angeles, après la piscine, se trouve une maison d’hôtes qu’il a transformée en club-house et studio rock & roll tout droit sorti de ses rêveries d’adolescent.
Sa batterie est là, ainsi qu’une formidable collection de guitares et de basses. Les souvenirs rock (affiches, peaux de batterie personnalisées, dépliants de concert, même un numéro spécial de Rolling Stone sur Guns N ‘Roses) couvrent toutes les surfaces, du plafond au sol. « Ma femme déteste cet endroit », dit-il en riant.
Dans l’après-midi du 15 juin 2021, avec une émission du club Foo Fighters qui se profilait ce soir-là – leur première véritable représentation publique depuis le début de la pandémie – Hawkins s’est assis dans ce club-house pour ce qui s’est avéré être sa dernière interview en personne avec Rolling Stone.
Il était pieds nus, en short jaune canari et sans chemise, comme d’habitude. Sur une étagère juste au-dessus de lui se trouvaient une peau de tambour Freddie Mercury et une bannière vintage jaune vif de Tower Records, avec le slogan «Pas de musique, pas de vie», imprimé en caractères rouges.
Une fois la conversation terminée, Hawkins s’est dirigé vers sa batterie, a mis des écouteurs et a joué avec la partie de batterie maniaque d’Alex Van Halen sur « Out of Love » de Van Halen. « C’est comme ça que je m’entraîne », a-t-il déclaré en posant ses bâtons après avoir interprété toute la chanson à un niveau d’intensité inébranlable et digne d’un stade. Des parties de la conversation sont apparues dans l’histoire de couverture de Foo Fighters de l’année dernière;
Vous avez dit que votre fils était un grand fan de Nirvana, n’est-ce pas ?
Mon fils aime Nirvana maintenant. Je n’ai jamais vu le Nirvana. Je suis tellement dégoûté. J’ai envoyé un texto à Dave. Il ne m’a pas répondu par SMS, bien sûr. Mais j’ai dit : « Maintenant, je peux à nouveau aimer Nirvana. Je ne pouvais pas parce que tu étais dans le groupe et c’est bizarre.
C’est comme regarder vos parents avoir des relations sexuelles. Tu sais ce que je veux dire? « C’est ta vie. Je ne vais pas parler de ta vie avant de te connaître. C’est un peu étrange. Je veux dire, il sait que je respecte ça. Je pense qu’ils étaient les Beatles du rock alternatif, sans aucun doute. Et maintenant, je peux regarder ces vidéos avec mon fils et nous pouvons nous dire : « Mon Dieu, ils étaient tellement durs à cuire. »
Comment vous sentez-vous par rapport à l’émission de ce soir ?
T.H: Je suis vraiment nerveux à propos de ce soir, parce que nous n’avons rien fait. J’espère que nous sommes prêts. J’ai encore du mal à rejouer certaines chansons.
Ah bon?
T.H: Oh ouais. J’ai le trac majeur, majeur, majeur, majeur. Comme aujourd’hui, c’est comme, je suis en enfer en ce moment. La dernière année et demie, à part regarder le monde s’effondrer sur les nouvelles, j’ai été sur la route pendant 28 ans. Alors je dis ça avec le cœur lourd…
Et j’étais content de pouvoir garder les gens, aider ma famille et tout le monde, m’assurer que tout le monde allait bien. Ça a été une putain de bénédiction. Mais je suis sur la route depuis 28 ans, littéralement, donc j’ai eu un an et demi d’écart par rapport à ce sentiment que j’ai aujourd’hui.
Eddie Van Halen a déclaré qu’une grande partie de sa toxicomanie était due à l’anxiété de performance.
T.H: Oh, parce qu’il avait putain de peur, mec. Effrayé. Juste peur. Je le suis toujours, je ne passe tout simplement pas une bonne journée. J’ai l’impression que tout dans mon corps va mal. Ma jambe ne va pas bien et tout ce genre de merde. Comme toutes ces sortes de psychoses folles que vous traversez pour vous préparer suffisamment juste pour jouer un petit spectacle de club.
Quelles sont les chansons les plus difficiles à jouer ?
T.H: « Rope », parce que je chante et joue de la batterie dessus. Je chante et joue de la batterie sur beaucoup de choses, juste des voix de fond, mais parce que c’est une sorte de duo dans les couplets, et le groove est devenu si bizarre.… Juste pour une raison quelconque, mon cerveau et ma bouche et ma jambe et mes mains, elles ne se parlent pas correctement. Comme si l’ordinateur avait un bug juste là. Je dois aller au Genius Bar et régler ça d’une manière ou d’une autre.C’est drôle, parce que j’en parlais à [Matt] Cameron ce matin.
Il est comme, « Tu fais un spectacle? Merde. Qu’est-ce que c’est que ce bordel ? » Je suis comme, « Je ne sais pas. J’ai peur, en fait. » Je me sentais bien de ne rien faire. C’est bien d’être perdant pendant un an et demi; c’était vraiment le cas. Dave avait l’habitude de paniquer à propos de choses comme ça, mais il ne le fait plus. Il a vraiment dépassé ça. Il avait l’habitude d’avoir aussi de mauvais nerfs. Il boit juste [rires], ce qui aide aussi, j’en suis sûr. Je ne peux pas faire ça et jouer de la batterie. Je ne peux pas faire ça.
Il faut donc être totalement sobre pour faire ça ?
T.H:: Oh, mon Dieu, mec. Vous voyez ce que je fais. Ouais, pour de bons résultats, ouais. Je veux dire, certaines personnes vont bien.
L’herbe affecte votre perception du temps, évidemment.
T.H: Oh, mon Dieu, mec, ce serait le pire. J’ai déjà fait cette erreur, mec, à l’époque, dans les années 90. Parce que quand tu es au lycée, tu t’assois dans ta salle de jam avec tous tes copains et tu t’en fous et tu fais des déchirures de bang et tu t’éclates sur des putains de chansons de Zeppelin ou de Jane ou de Police ou quoi que ce soit.
Et vous écrivez vos chansons et vous êtes tous trébuchés. Vous ne voulez pas ça sur scène. Je ne connais pas d’enfoirés qui le peuvent. Certaines personnes le font, et plus de pouvoir pour eux. Mais merde cette merde. Alors oui, je suis pétrifié en ce moment.
Ouais. Êtes-vous totalement sobre dans votre vie ou juste quand vous jouez ?
T.H: Je ne veux pas rentrer dans tout ça. Je mène juste une vie vraiment saine. J’ai tellement parcouru cette route avec des gens, et ça a été, comme un passage de ma vie. C’est comme si mon histoire – et le groupe aussi, presque parfois – était ma putain de grosse merde à Londres il y a 20 ans. [Hawkins a fait une overdose en 2001, entraînant un coma de deux semaines.]
Vous avez l’impression que les gens comprennent déjà ?
T.H: Oui, je ne veux pas en parler. Je ne veux pas que mon fils le lise. Écoutez, pour tous ceux qui ont des problèmes et leur putain de vie est un gâchis, ouais, je comprends. Vous savez, ma vie a été là de nombreuses fois, alors je comprends. Je ne veux pas que ce soit la pièce maîtresse de mon histoire.
Mais fondamentalement, peu importe ce que vous faites, vous êtes en bonne santé. Je suis en bonne santé. Est-ce que je te parais bien ?Ça a l’air bien, mec, ouais. Est-ce que je jouais bien de la batterie hier ? Est-ce que je chantais bien hier ?
Ouais ouais ouais.
T.H: Non ça va. J’ai reçu le message, qui était très important. Et j’ai de la chance. J’ai juste de la chance d’avoir reçu le message au bon moment. Alors oui, je suis en bonne santé. Je vais bien… Je reçois des infections des sinus vraiment graves. Et je viens de le découvrir par mon médecin, j’ai fait tous mes tests sanguins et mon cœur a été vérifié et il a dit: « Mec, tu es dans une forme incroyable.
Votre cœur est grand parce que vous faites beaucoup d’exercice. C’est comme le cœur d’un coureur. Et c’est bien. La seule chose est, dit-il, « Je pense que vous souffrez d’apnée du sommeil. » Et ma femme dit toujours que tu ronfles et que tu fais des bruits bizarres pendant que tu dors et tout.
Avez-vous toujours eu ce niveau d’anxiété à propos des spectacles?
T.H: Toujours. Toujours. Toujours.«Je me disais définitivement:« Nous devons nous entraîner davantage. Nous devons avoir de meilleures lumières. Nous devons en faire un spectacle. C’est moi. Je viens de Queen et Van Halen et d’autres choses, ainsi que de la police.
Vous avez dit hier soir, il s’agit de vous décevoir. D’où cela vient-il ?
T.H: J’ai juste cette idée de la perfection dans ma tête, comment ça devrait être. La dynamique du groupe a changé au fil des ans. Quoi que Dave dise, ça me va, je vais bien. Mais quand nous étions plus jeunes et que je me disais simplement: «Tu sais, nous devons être putain de bons. On doit être un putain de groupe de rock d’arène. On peut le faire. »
Et Dave l’a déjà fait dans Nirvana sans même y penser. Et les Foo Fighters y arrivaient, mais c’était vraiment important pour moi de maximiser notre potentiel en tant que groupe live et de trouver des fins sympas et des choses comme ça.
[…]
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Livre Hellfest : Retour en image et vidéos sur les 2 livresHellfest qui sont en vente actuellement. Festival culte, un des plus grand d’Europe, le Hellfest reste un sujet fantastique à traiter pour tout amateur de métal.
Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY
Livre Hellfest : Le festival raconté par les groupes
Auteur de neuf romans, Cédric Sire s’est imposé comme une référence du thriller français. Ses livres ont été récompensés à plusieurs reprises et sont traduits dans de nombreuses langues.
Passionné de métal, grâce à son ancien métier de journaliste, il côtoie les groupes qui ont fait l’histoire de ce genre. C’est dans ce contexte qui naît l’idée de s’intéresser au Hellfest sous un angle original : le regard des artistes qui font son incroyable succès.
Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY
Journaliste musicale reconnue, Isabelle Marcelly – Le Maguet a longtemps travaillé pour le magazineRockhard. Elle a également été rédactrice en chef du magazine Metallian. Elle a également été pendant 6 ans l’attachée de presse des maisons de disques Nuclear Blast et Century Media au Hellfest, elle connaît donc particulièrement bien les coulisses du festival.
Le rapport de confiance qu’elle a établi avec la plupart des formations de la scène métal lui a permis de recueillir les différents témoignages et anecdotes recueillis dans cet ouvrage.
éditions : Gründ // poids 2,4kg – format 25x31cm // Langue : Français
Ce livre Hellfest, découvrez le métal à travers les groupes eux-mêmes. Les artistes les plus connus prennent la parole pour dévoiler leurs souvenirs et anecdotes inédites. Découvrez le Hellfest comme vous ne l’avez jamais vu et lu !
Le Hellfest ? Le troisième plus gros festival de musique en France. Cet événement majeur et incontournable de la musique Métal et reconnu dans le monde entier. Sa fréquentation s est multipliée par six en neuf ans, atteignant en 2014, 150 000 spectateurs sur trois jours. Il reçoit chaque année les grands noms de la scène Métal internationale et française, soit plus de 800 artistes en 10 ans.
En 2015, le Hellfest fête ses 10 ans. Cet ouvrage rend hommage à tous les acteurs du festival (artistes et équipes dédiées) qui ont permis de rendre cet événement possible et durable, et pour honorer son public, plus fidèle et plus nombreux aux fils des éditions.
Retrouvez les portraits et interviews des artistes majeurs qui se sont produits sur la scène du festival (Kiss, Motörhead, Deep Purple, Mass Hysteria …), les coulisses et ambiances de backstage, les décors extraordinaires du festival et bien sûr les festivaliers et leur univers.
Livre Hellfest
Date de parution : le 7 octobre 2015
Auteur : Lelo Jimmy Batista
Editeur : Editions Hachette Pratique
Pour pouvoir présenter ce festival, il fallait obligatoirement faire appel à une personne passionnée par la musique rock, métal et toutes les déclinaisons des musiques dites « extrêmes ». Cette personne n’est autre que Lelo Jimmy Batista, spécialiste des courants alternatifs, journaliste pour Rock Noise et Radio France, ainsi que rédacteur en chef de la version française de Noisey, la plate-forme musique de VICE.
Avant tout de chose cet ouvrage fait partie des catégories des « Beaux livres ». Il est richement illustré de pas moins de 600 photos de très bonne qualité, reflétant fidèlement l’ambiance de ce festival si particulier en France.
Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.
En introduction du livre, nous avons toute la genèse de ce festival. Et c’est une histoire totalement passionnante, où l’on découvre le début du Hellfest qui s’appelait alors le Furyfest, petit festival prenant vie en 2002 à Nantes totalisant 400 spectateurs. Son créateur Ben Barbaud se confie sur son envie et sa passion de créer un rassemblement en France pour tous les amoureux des musiques extrêmes. Et cela ne va pas être si simple à mettre en place.
Les problèmes vont se cumuler que ce soit de l’ordre de la logistique, des moyens financiers ou même de la disparition de la caisse par un des co-dirigeants du Furyfest. Et c’est en 2006 que va naître le Hellfest dans la petite ville de Clisson.
Ensuite le livre Hellfest est divisé en quatre parties distinctes pour rendre hommage à tous les acteurs qui font le succès de ce festival. Personne n’est oublié, on nous présente tour à tour, les backstages, les bénévoles, l’équipe de direction, les artistes et surtout les festivaliers qui sans eux le festival ne serait pas ce qu’il est ! Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.
Vous n’êtes pas familier avec ce style de musique ? Aucun problème, vous allez retrouver à l’intérieur de ce livre Hellfest tous les plus grands noms de la scène métal, heavy métal, hardcore. De Motörhead, à Slipknot, en passant par Alice Cooper, Kiss, Iron Maiden, Ghost ou bien encore le célèbre Marilyn Manson.
Bien évidemment ce livre Hellfest va d’abord intéresser tous les fans du Hellfest et des musiques extrêmes. Mais aussi toutes les personnes passionnées de musique en général.
Cet ouvrage de qualité est un cadeau idéal pour donner une tonalité rock’n’roll à votre Noël.
Histoire du Hellfest : Les débuts…
La première association a été créée en 2000 à Clisson sous le nom de « CLS CREW », afin d’organiser des concerts de hardcore et de punk dans la région nantaise. Le succès de ces concerts a permis de lancer le premier festival en juin 2002, baptisé Fury Fest. Elle a réuni 400 personnes pour assister au Front Agnostique de Clisson au complexe sportif du Val-de-Moine.
Le festival a continué les années suivantes. Il a attiré 7 000 personnes pour assister aux concerts de Sick of It All et Youth of Today (en) en 2003. Le format a changé à deux jours.
LIVRE HELLFEST
Puisque aucune salle n’était disponible à Clisson, la salle de la Trocardière (Rezé) a accueilli la deuxième édition. L’organisation du festival a également changé: l’association « MAN.IN.FEST » a été créée pour prendre en charge l’organisation. En 2003, le festival avait atteint 30 000 € de bénéfice, permettant à Benjamin Barbaud, l’un des fondateurs, de devenir salarié de la structure.
En 2004, le festival s’installe au Mans et se déroule dans les salles du circuit des 24 Heures où il attire 21 000 spectateurs pour des groupes tels que Slipknot et Soulfly.
LIVRE HELLFEST
Après un déficit en 2004, le festival 2005 a hérité du passif si bien que l’équipe organisatrice a décidé de donner les droits du festival à d’autres promoteurs afin de se concentrer sur l’organisation.
Cette fois, 30 000 entrées ont été enregistrées au Mans sur trois jours, alors que les fans venaient voir des artistes tels que Slayer, Motörhead et Anthrax, sur trois scènes.
Mais les problèmes financiers se sont aggravés, notamment avec la disparition des promoteurs avec 600 000 € de recettes. Ces pertes ont marqué la fin du festival, du moins temporairement.
La musique n’est pas qu’une question de musique. Bien sûr, les sons sont certainement l’élément le plus essentiel, mais vous ne pouvez pas ignorer le rôle de la pochette dans la réalisation d’un album brillant.
icône sur un lecteur numérique, la pochette d’album a changé au fil des ans, mais elle définit toujours la façon dont nous regardons un album particulier.
Portraits photographiques, peintures, collages – tout cela et bien d’autres figurent sur la liste de Billboard des 50 plus grandes pochettes d’albums de tous les temps, remontant aux débuts éponymes d’Elvis Presley et jusqu’à nos jours.
Pochette album: Billboard recense les 50 meilleurs
50. Taylor Swift, ‘1989’ (2014)
Le cinquième album studio de Taylor Swift en 1989 était un départ pour la chanteuse, il est donc logique que la pochette rompe également avec la tradition. En forme de photo Polaroid de l’époque, le visage de Swift est coupé, mettant en valeur un sweat-shirt des années 80 tout en évoquant des souvenirs d’une autre époque.
La couverture a été instantanément reproduite sur Internet, avec des milliers de fans mettant leur propre tour sur divers hommages à ce qui deviendra probablement l’une des œuvres les plus identifiables de sa carrière.
49. Jeune voyou, ‘Jeffery’ (2016)
Peu de rappeurs ont joué de manière plus convaincante ou convaincante avec l’identité ou le genre au cours des années 2010 en tant que Young Thug.
Il n’est donc pas surprenant que sa couverture d’album la plus mémorable soit cette photo photographiée par Garfield Lamond d’un voyou au visage couvert d’une longue robe fluide conçue par Alessandro Trincone pour son projet Jeffery – une image qui aurait été impensable dans le hip- hop des décennies plus tôt, et inoubliable pendant des décennies après.
48. Lady Gaga, « The Fame , Mother Monster » (2009)
Les portraits peuvent être emblématiques lorsqu’ils sont bien faits, et s’il y a un artiste qui connaît l’imagerie emblématique, c’est Lady Gaga. Pour la réédition de son premier album The Fame , Mother Monster – encadré par une perruque blanche – est devenu noir et blanc, balançant un manteau brillant et angulaire qui enveloppait la moitié inférieure de son visage.
47. Janet Jackson, « Rythm Nation 1814 » (1989)
Évitant une image amicale et amusante plus propice au succès des charts pop des années 80, Janet Jackson a adopté un ton militariste pour sa pochette en noir et blanc instantanément emblématique de Rhythm Nation 1814 .
Avec le visage de Janet n’émergeant que partiellement de l’ombre et son corps vêtu d’un uniforme de soldat indescriptible, l’œuvre d’art a mis les dirigeants de l’étiquette mal à l’aise, mais à la fin, elle avait raison.
Cette photo de couverture complète parfaitement la conscience sociale accrue de l’album, et elle deviendra sa pochette d’album la plus reconnaissable.
46. Funkadelic, ‘Maggot Brain’ (1971)
Une Barbara Cheeseborough hurlante (qui était le premier modèle de couverture d’ Essence ) possède le «cerveau d’asticot» en question sur la couverture de l’album classique de 1971 du Parlement du même nom.
Enfouie jusqu’au cou, la vraie tournure vient lorsque vous retournez l’album – là où sa tête est à l’avant, il y a un crâne à l’arrière.
45. Cardi B, Invasion of Privacy(2018)
Brash, audacieux, dur à cuire et tous les autres mots « B » généralement appliqués à la montée en puissance de Cardi B en 2017 ont également fonctionné pour la couverture de son premier LP 2018, Invasion of Privacy .
Capturée par le photographe Jora Frantzis, Cardi ricane avec des lunettes de soleil yeux de chat, des cheveux blond moutarde et un manteau à carreaux à manches longues – éblouissant et incontournable, tout comme l’album qui l’accompagne s’avérera bientôt dans les charts Billboard .
44. Whitney Houston, ‘Whitney Houston’ (1985)
Bien qu’on se souvienne le mieux (le pire ?) de lui pour avoir pris des photos nues d’une Brooke Shields très mineure, la photo de couverture de Garry Gross pour le premier album éponyme de Whitney Houston se démarque comme une image magnifiquement moins-est-plus à l’ère visuellement explosive de MTV.
Vêtue d’une toge simple et intemporelle avec des perles, elle s’est présentée au monde comme un acte de classe dont la férocité élégante allait au-delà de toute tendance de la mode.
43. Fleetwood Mac, « Rumors » (1977)
Curieusement, seulement 40 % de la formation de Fleetwood Mac de l’époque figure sur la couverture de leur album le plus vendu, Rumors .
Seuls Stevie Nicks du groupe (pris en plein tourbillon avec un châle coulant derrière elle) et Mick Fleetwood (avec une paire de boules de toilette suspendues entre ses jambes) sont représentés, photographiés par Herbert W. Worthington.
L’album a été conçu par Desmond Strobel, tandis que Worthington a conçu le concept de couverture avec le groupe.
42. Nicki Minaj, « The Pinkprint » (2014)
Nicki Minaj a toujours embrassé son cinglé intérieur, étendant ses membres sur la couverture de son premier album Pink Friday et éclaboussant son visage de peinture pour sa suite. Mais pour The Pinkprint, la Barbie de Harajuku a utilisé Donda de Kanye pour une image qui frise le grand art sans perdre son identité, montrant une empreinte digitale écrasée en poudre rose.
41. Pas de doute, « Tragic Kingdom » (1995)
Dans le sillage du grunge de Seattle et de la montée du rap, No Doubt est arrivé dans le collimateur du grand public avec Tragic Kingdom aux accents ska , un album à la fois éclat et férocité punk-lite.
La couverture fait écho à son contenu : il y a la jolie – la chanteuse principale Gwen Stefani canalise l’imagerie des affiches de pin-up des années 50 – et le laid, un arbre flétri avec des oranges pourries et des mouches entourant le fruit meurtri.
40. Beyoncé, ‘Beyoncé’ (2013)
L’importance durable de l’art de couverture pour la libération surprise de Beyoncé 2013 Beyoncé ne devrait pas du tout surpris. Non seulement parce que tout ce que fait la femme *** Flawless devient instantanément emblématique, mais parce que la simple police de caractères rose sur un fond noir uni est ce dont sont faits les rêves de design contemporain.
Le combo couleur-police est devenu un classique et a trouvé sa place sur les chemises, les tasses et les mèmes du monde entier.
39. Johnny Cash, ‘American IV : The Man Comes Around’ (2002)
Cette couverture en noir et blanc est d’autant plus déchirante qu’il s’agissait du dernier album de Cash avant sa mort moins d’un an après sa sortie. C’était l’illustration parfaite pour le fondu au noir de Man in Black.
38. Ariana Grande,Sweetener (2018)
Il ne serait pas exagéré de dire que le monde entier d’Ariana Grande a été bouleversé au cours des trois années qui se sont écoulées.
Ainsi, quand Ariana est apparue à la manière de Spiderman sur la couverture de Sweetener , cela s’est bien passé – et la confusion douce et sans prétention de l’imagerie correspondait également au changement musical de l’ensemble réfléchi, délirant et lourd de R&B qu’il accompagnait magnifiquement.
37. Madonna, ‘True Blue’ (1986)
Le troisième album studio de Madonna, True Blue , était couvert par une image saisissante de la diva photographiée par le célèbre photographe Herb Ritts. (Il fera plus tard équipe avec Madonna pour les reprises de You Can Dance et Like a Prayer .) Avant sa mort en 2002, Ritts réalisera également un certain nombre de vidéoclips – dont « Cherish » de Madonna – et gagnera un MTV Nomination au Video Music Award.
36. Joni Mitchell, ‘Hejira’ (1976)
La série de classiques de Joni Mitchell s’est poursuivie avec l’album folk-jazz de 1976 , Hejira , qui présentait ses meilleures illustrations.
Situé contre le lac Mendota du Wisconsin après une tempête de verglas, Mitchell, vêtue d’hiver, regarde le spectateur alors qu’une autoroute ouverte s’étend mystérieusement dans sa personne (via une photo superposée), suggérant la liberté et les possibilités illimitées contenues dans sa musique.
35. Metallica, « Master of Puppets » (1986)
Contrairement aux groupes de metal préoccupés par Satan et l’occultisme, Metallica a commenté le mal de la vie réelle avec la couverture magistrale de l’ album Master of Puppets .
Des rangées apparemment sans fin de soldats morts s’étendent dans l’horizon rouge sang, chaque tombe étant reliée à une ficelle tirée par un maître sans visage dans le ciel. C’est la visualisation des « War Pigs » tout aussi politiques de Black Sabbath.
34.The slits, ‘Cut’ (1979)
Bien que techniquement, oui, il s’agisse d’une image de trois femmes seins nus recouvertes de boue, il n’y a rien de sexuellement éloigné dans cette pochette d’album. Au lieu de cela, les trois principales femmes de la tenue post-punk The Slits sont décrites comme des femmes guerrières tribales inébranlables.
Comme Viv Albertine plus tarda dit au Guardian, « Nous savions, puisque nous n’avions pas de vêtements, que nous devions avoir l’air agressif et dur. Nous ne voulions pas inviter le regard masculin. » Il est sûr de dire qu’ils ont réussi.
33. Kanye West, ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)
Après une poignée de pochettes d’albums mettant en vedette Dropout Bear et une image simple conçue par Kaws pour 808s & Heartbreak , Kanye West est passé à l’art de haut niveau pour My Beautiful Dark Twisted Fantasy .
Faisant équipe avec l’artiste George Condo pour une série de peintures, le rappeur a associé la brillance de la musique de l’album à un art qui dépasse les limites, y compris une image controversée d’un Occident démoniaque chevauché par un ange nu.
32. Lizzo, Cuz I Love You (2019)
Si quelqu’un a trouvé que Lizzo était une présence perturbatrice dans le courant dominant de la musique en tant que femme de couleur de grande taille, elle a clairement indiqué avec la reprise de Cuz I Love You qu’elle n’était pas sur le point de laisser cela la dissuader un peu.
Posant entièrement nue sur une pochette d’album autrement vierge, elle s’est présentée comme la superstar de la pop qu’elle savait déjà être – et que le reste du monde la reconnaîtrait très bientôt comme.
31. Sex Pistols, « Never mind the bollocks » (1977)
Tout comme les paroles de « God Save the Queen » avaient soulevé la colère des autorités britanniques, le mot « Bollocks » éparpillé sur la couverture de l’album a provoqué une censure de masse.
Ça n’a pas collé, car cette explosion d’art punk est rapidement devenue emblématique. La controverse sur les pochettes d’album a même alimenté sa campagne publicitaire, avec certaines annonces disant : « L’album durera. La pochette peut-être pas. »
30. FKA Brindilles, ‘LP1’ (2014)
Avant son premier album, FKA Twigs, qui brouille les genres, s’est fait un nom grâce à des visuels époustouflants : clips musicaux, couvertures d’EP et même tournages de magazines.
Ce portrait aux reflets de porcelaine était une introduction exquise à l’émerveillement de sa musique.
29. Aretha Franklin, « I Never Loved a Man the Way I Loved You » (1967)
Le meilleur album d’Aretha Franklin, I Never Loved a Man the Way I Loved You , la montre vêtue d’une robe extrêmement élégante avec une vieille brume hollywoodienne vaporeuse bordant la photo. Mais c’est son expression – et l’angle incliné de la photo – qui rendent cela si important.
En 1967, la représentation des femmes noires dans la culture pop était politique, intentionnellement ou non, et la pochette de l’album calme et non posée d’Aretha en dit long. Contrairement à de nombreuses pop stars féminines de l’époque, elle ne sourit pas de manière invitante au spectateur, essayant de plaire ou d’impressionner ou même de séduire – elle existe simplement, respire la confiance et un sentiment de majesté tranquille.
28. Bruce Springsteen, « Born in the USA » (1984)
Tout sur le personnage de Springsteen est véhiculé dans cette seule image. Il y a le drapeau américain en toile de fond, le jean usé, le t-shirt blanc et le chapeau rouge qui sortent de sa poche arrière après une longue journée de travail.
The Boss est la quintessence de l’Amérique des cols bleus sur cette pochette d’album inoubliable.
27. Janis Joplin, ‘Pearl’ (1971)
Le dernier album de Janis Joplin, sorti après sa mort à 27 ans, présente l’une des images les plus emblématiques de l’époque. Joplin se drape sur une causeuse de l’ère Victoria, parée d’un costume hippie accrocheur de San Francisco, berçant un verre et un grand sourire.
L’image est douce-amère : l’alcool aurait joué un rôle dans l’overdose mortelle d’héroïne de Joplin, mais son sourire radieux semble transcender la tristesse de la tragédie imminente.
26. Grace Jones, « Island Life » (1985)
Grace Jones et son collaborateur fréquent Jean-Paul Goude (oui, l’homme qui a essayé de « casser Internet » avec une Kim Kardashian nue) se sont associés pour créer l’une des couvertures les plus mémorables de la décennie pour Island Life en 1985 .
Mettant en vedette un Jones presque nu dans une pose apparemment surhumaine, l’art était en fait un composite du chanteur dans une série de poses différentes, coupées-collées ensemble pour un résultat inoubliable.
25. David Bowie, ‘Aladdin Sane’ (1973)
Bien que ce ne soit pas l’album qui a présenté au monde l’alter ego de l’homme de l’espace de Bowie, lorsque les fans de musique pensent à Ziggy Stardust, c’est l’image qu’ils voient. Le maquillage des yeux en éclair, le rouget – c’est la quintessence de Bowie.
En 1969, l’artiste Andy Warhol a été approché par les Rolling Stones pour créer la pochette de leur prochain album à succès, Through the Past, Darkly (Big Hits Vol. 2) . Tout ce que Warhol a créé pour l’ensemble n’a apparemment jamais été utilisé, mais son concept d’utiliser une fermeture à glissière fonctionnelle sur une pochette d’album s’est concrétisé sur la couverture de Sticky Fingers .
Avec des photographies de Warhol (axées sur le jean bombé d’un modèle masculin encore non identifié) et une conception graphique de Craig Braun, l’ensemble gagnerait une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure couverture d’album.
23. Miles Davis, ‘Bitches Brew’ (1969)
L’art surréaliste pour Bitches Brew a été créé par le peintre allemand Mati Klarwein, qui était également responsable de l’art sur Abraxas de Santana , une autre entrée sur cette liste.
Une étude sur les contrastes, la couverture gatefold complète montre une interprétation négative modifiée de la couverture plus familière – ensemble, ils incarnent le manifeste musical de Davis.
22. Drake (2015)
Le titre de la « mixtape » de Drake en 2015 s’est certainement avéré approprié, car la sortie inattendue a lancé l’une de ses années les plus dominantes sur le plan commercial des années 2010, le cimentant comme une superstar au niveau de toute autre idole contemporaine du top 40.
Mais sa pochette minimaliste a eu un impact similaire, devenant l’une des premières images de ce type à devenir un phénomène Twitter à part entière, car les fans ont remplacé leurs propres messages griffonnés dans son format et en ont fait un mème musical incontournable du milieu des années 10.
21. Duran Duran, ‘Rio’ (1982)
L’artiste Patrick Nagel a été chargé par Paul Berrow, alors manager de Duran Duran, de créer la pochette de l’ album Rio du groupe.
Le bassiste du groupe, John Taylor, a écrit dans son autobiographie In the Pleasure Groove: Love, Death and Duran Duran, que lorsqu’ils ont reçu la toile « massive » « cinq pieds sur cinq pieds », il a pensé « la voilà, la fille qui dansait sur le sable » (une référence aux paroles de la chanson titre du set).
20. Joy Division, (1979)
La décision du designer Peter Saville d’utiliser les ondes radio pulsar est à la hauteur de la production envoûtante de Martin Hannett pour faire de cet album un classique gothique.
La parodie de chemise Mickey Mouse de Disney quatre décennies plus tard n’a fait que réaffirmer sa légende.
19. Judas Priest, ‘British Steel’ (1980)
L’une des pochettes d’album les plus emblématiques du métal, British Steel de Judas Priest – représentant une main émergeant d’un cuir clouté tenant une lame de rasoir – est également l’une de ses plus fascinantes.
Comment la main tient-elle la lame sans saigner ? Cette couverture capture-t-elle le moment juste avant que le sang n’éclate et recouvre la lame ? Alors que de nombreux groupes de metal rivalisaient pour se surpasser dans le reste des années 80, cette image simple et menaçante leur survit à tous.
18. Les racines, ‘Things Fall Apart‘ (1999)
En tant que directeur artistique Kenny Gravallis Mets-le,« Le concept d’« échec visuel dans la société » sur la pochette d’un album intitulé Things Fall Apart avait du sens. »
L’une des cinq couvertures originales, l’image qui est restée était une photo de l’ère des droits civiques de deux adolescents noirs fuyant la police en tenue anti-émeute à Bedford-Stuyvesant – une image puissante de l’inégalité que le groupe essayait de combattre à travers sa musique.
17. Santana, ‘Abraxas’ (1970)
Tirée d’un tableau de Mati Klarwein (il a également fait la couverture de Bitches Brew de Miles Davis ), la couverture de l’ album Abraxas de Santana est un régal psychédélique magnifiquement surréaliste pour les yeux.
Inspiré du récit biblique de l’Annonciation, ce tableau nous présente une Vierge Marie noire nue et un ange rouge avec une conga entre les jambes. L’une des prêtresses de la quatrième de couverture apparaît également sur la quatrième de couverture de son art Bitches Brew .
16. Le choc, » London Calling » (1979)
La reprise de London Calling rend à la fois hommage à Elvis Presley tout en faisant exploser sa version du rock n’ roll. Les lettres de titre roses et vertes imitent la couverture de l’album éponyme de 1956 de Presley, mais le roi n’a probablement jamais brisé une guitare basse sur scène.
15. Nas, « Illmatique » (1994)
L’image de Nas, sept ans, superposée à une photo de Danny Clinch des projets de logements natifs du rappeur à Queensbridge a été gravée dans la mémoire de nombreux hip-hop. « Les projets étaient mon monde », a-t-il déclaré à MTV sur la signification de l’art conçu par Aimee Macauley en 1994, « jusqu’à ce que je m’éduque pour voir qu’il y a plus là-bas. »
14. Blink-182 (1999)
Pour la couverture de leur LP révolutionnaire grand public, Blink-182 a fait appel à l’actrice adulte Janine Lindemulder pour donner une tournure très suggestive – et littérale – au titre de l’album. C’est une image qui a été gravée dans l’esprit de chaque spectateur TRL , une image qui est devenue instantanément emblématique.
13. Kendrick Lamar (2015)
L’équivalent incendiaire le plus proche du 21e siècle a produit la couverture originale du drapeau américain remplie de trous de balles de Sly & The Family Stone pour 1971 Il y a une émeute qui se passe . L’image est une photo de célébration de dizaines d’hommes noirs pour la plupart torse nu se réjouissant devant la Maison Blanche – avec un juge blanc, marteau à la main, allongé immobile au bas de la photo.
Affrontant, excitant, joyeux, dérangeant et opportun, c’était une reprise aussi provocante et évocatrice que l’un des meilleurs albums de rap de la dernière décennie pouvait demander.
12. Hole, « Live through this » (1994)
La couverture d’album grunge la plus emblématique après Nevermind de Nirvana , Live Through This de Hole représente une reine de beauté en sanglots avec du mascara coulant sur son visage.
Le désespoir sur le visage de la femme révèle le doute tragique qui alimente l’industrie de la beauté, mais elle n’est pas faite pour avoir l’air entièrement ridicule – nous sommes toujours obligés de la considérer comme une humaine au lieu d’une large parodie d’un archétype. C’est la rare pochette d’album satirique qui parvient toujours à être empathique.
11. Les Beatles, ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ (1967)
Par où commencer avec cette pochette d’album ? L’image présente les Beatles, dans leur Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band tenues militaires, debout devant des dizaines de célébrités, dont Marilyn Monroe, Bob Dylan, Marlon Brando et Sonny Liston, ainsi que des figures de cire d’eux-mêmes.
Alors que les auditeurs essaient de discerner le sens secret de la musique noble, ils peuvent également essayer d’identifier les plus de 60 visages sur la couverture bondée.
10. Elvis Presley, ‘Elvis Presley’ (1956)
Elvis savait à quel point le vert et le rose néon étaient un mélange mortel une vingtaine d’années avant que les Clash ne fassent la couverture de London Calling .
Il y a quelque chose dans cet instantané de mi-strum d’un hurlement vocal qui nous fait à chaque fois – il a visuellement présenté le rock n’ roll à une Amérique sans méfiance avant même que l’aiguille n’atteigne le vinyle.
9. Ennemi public, » Fear of a Black Planet » (1990)
Clin d’œil à l’afrofuturisme d’artistes comme Sun Ra, l’œuvre d’art de Fear of a Black Planet a été conçue par Chuck D, qui a imaginé la planète noire titulaire éclipsant la terre.
De manière appropriée, étant donné le concept interplanétaire, le groupe a engagé l’illustrateur de la NASA BE Johnson pour dessiner le design final.
8. Cyndi Lauper, « she’s So Unusual » (1983)
Cyndi Lauper a informé le monde que « Girls Just Want To Have Fun » sur ses débuts classiques en 1983, et un coup d’œil à la couverture de She’s So Unusual convertirait tout non-croyant.
Photographiée par Annie Leibovitz devant un musée de cire abandonné à Coney Island, Lauper prend une pose volontairement étrange vêtue d’une robe de bal d’occasion, de filets de pêche et d’un méli-mélo de bijoux en conflit. Fait révélateur, ses talons sont bottés sur le côté.
Plus que n’importe quelle pochette d’album d’une reine de la pop féminine, cela reste le cri de ralliement ultime pour rester étrange et s’aimer pour cela.
7. Nirvana, « Nevermind » (1991)
L’une des couvertures d’album les plus reconnaissables de tous les temps présente un bébé nu sous l’eau qui cherche un billet d’un dollar sur une ficelle. C’est une triste déclaration sur les valeurs que notre société transmet à nos jeunes – et oh, d’ailleurs, ce bébé est un homme dans la vingtaine maintenant.
6. Pink Floyd, « Dark side of the moon » (1973)
Cet art simple en dit long. La lumière traversant un prisme et sortant comme un arc-en-ciel était censée transmettre l’éclairage de scène du groupe et les paroles de l’album.
Et, comme en témoigne le nombre de t-shirts portant cette image aujourd’hui, le prisme est devenu synonyme de Floyd lui-même.
5. Led Zeppelin, « Led Zeppelin » (1969)
D’une manière ou d’une autre, l’image d’un dirigeable en feu éclatant en flammes quelques instants avant de s’effondrer au sol et de faire des dizaines de morts est l’introduction visuelle parfaite au premier chef-d’œuvre de Led Zeppelin.
Que vous le voyiez comme une indication de la musique explosive contenue dans la pochette ou comme une tactique de choc sans cœur capitalisant sur une tragédie réelle, ce rendu en noir et blanc de la catastrophe d’Hinderburg est devenu l’une des images les plus indélébiles du hard rock.
4. The Notorious BIG, « Ready to Die» (1994)
L’innocence d’un Biggie de la taille d’un bébé sur la couverture de son premier classique Ready to Die contredisait largement le contenu qu’il contenait.
Mais c’était le point : l’album retraçait sa vie du début à une fin triste et préfigurant, utilisant l’innocence d’un enfant pour illustrer comment un monde cruel s’imprime dans les esprits non moulés.
3. Patti Smith, ‘Horses’ (1975)
Mis à part les éloges de la critique pour les paroles infusées de poésie beat de Smith mélangées à du punk rock, la reprise de Horses est un chef-d’œuvre visuel.
Photographiée par un ami proche et collègue artiste Robert Mapplethorpe, la photo de Smith a été considérée par le critique Camille Paglia comme l’une des plus grandes photographies jamais prises d’une femme.
Avec Smith décrivant son look comme celui de Sinatra, tous les éléments se sont combinés pour créer l’une des plus grandes couvertures d’album (et photographies rock) de tous les temps.
2. Les Beatles, « Abbey Road » (1969)
Une autre pochette d’album sur cette liste arrête-t-elle le trafic ? C’est un témoignage de l’impression durable de cette photo de traversée de rue que des centaines de fans la recréent chaque jour à l’extérieur des studios Abbey Road.
Il y a même une webcam en direct de l’attraction. Autre fait notable : c’est la première reprise des Beatles qui ne comporte pas le nom du groupe ou le titre de l’album.
1. The Velvet Underground et Nico, ‘The Velvet Underground & Nico’ (1967)
Cette image de banane emblématique d’Andy Warhol avec les instructions « peler lentement et voir » est une excellente couverture en soi, mais la version originale comprenait en fait un autocollant détachable révélant une banane de couleur chair en dessous. Une combinaison parfaite d’art, de musique et d’humour.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Leur approche musicale n’a pas non plus changé. Le chanteur principal Zack de la Rocha est pris à mi-chemin entre les raps militants de Chuck D et les délires fanatiques d’un prédicateur de rue, criant ses slogans simplistes et libertaires sur l’assaut sonore dense du groupe.
Enregistré en moins d’un mois, The Battle of Los Angeles est l’album le plus ciblé de la carrière du groupe, explosant depuis la porte et laissant rarement passer le tout.
En effet, Renegades commence par une paire de reprises hip-hop puissantes – «Microphone Fiend» d’ Eric B & Rakim et «Pistol Grip Pump» du Volume 10 – qui mettent en 
