Ils entrent en scène en écartant d’une main les rideaux de la célébrité, et face à eux, soudain, des milliers de regards impatients que la cérémonie commence… Ils font face au public et aussitôt un masque couvre leur visage, comme une seconde peau. Et pourtant le masque, parfois, se fissure. Une timidité soudaine, un moment de repli, de doute ou de rage.
Un retour sur soi fugace et sincère, comme un mot échangé entre l’être et son double. Alors l’humain s’expose et transcende le personnage… Cette série de photos de concerts procède de cette idée, ou plus justement de cette quête : prendre sur le fait, au beau milieu d’un spectacle d’aveuglement collectif ou derrière la scène, cet entre-deux fragile, ce moment suspendu où l’artiste se révèle à lui même tel qu’il est et non tel qu’on croit le voir.
« Je photographie des artistes sur scène, en tournée, en studio, backstage, je fais des photos de concerts depuis une quinzaine d’années. Ces 10 premières années m’ont permis de croiser beaucoup de musiciens, de traverser la France, la Belgique, d’atterrir à Londres, à Montréal, de me coucher dans des tours bus en Suisse pour me réveiller en Allemagne, de voyager plus de 100.000 km, …
…de dérusher mes photos avec Bjork en peignoir dans sa loge, de manger entre The Hives et Disclosure, faire du quad avec Slipknot, d’être invité dans le plus grand Apple store du monde à Londres pour y faire une conférence…
…d’être photographe officiel de grands festivals, de tester l’alcool des loges aux Eurocks, au Hellfest, au Sonisphere, au Heavy Montréal, au Main Square, à Garorock, dans des salles minuscules ou très grandes, de faire des photos de fin de concerts avec 50.000 personnes qui lèvent les bras, de boire quelques semi-remorques de bières, de me coucher trop tard et me réveiller trop tôt, de traverser cette frénésie pour y capter quelques moments . »
Photos de concert de Nin Inch Nails, Olivia Ruiz, The Arrs, Refused, photos de concert de Paul Mc Cartney, Lenny Kravitz, Walls Of Jericho, Massive Attack, Kezia Jones, Stromae, Sting, The Bloody Beetroots, Sick Ofit All, The Dead Weater, Motorhead, Arctic Monkeys, Rodriguez Jr, Jane’s Addiction, Flea, Lee Fields, photos de concert de Jamie Cullum, Tricky, Royal Republic, Dead Weather, Bring Me The Horizon, etc…
Livre photos de concert : Interview pour Daily Rock par Nicolas Keshvary
Eric Canto, bien connu dans le milieu de la photo et de la musique, est un photographe hors pair, avec un talent fou et un énorme cœur. Mais arrêtons-là les flatteries, car si, à ce jour, il est d’une grande humilité, il risquerait de vite prendre la grosse tête.
À l’occasion de la sortie prochaine de son livre « A suspended moment in time », il nous livre les secrets de sa conception, dans une ambiance plutôt détendue ! Les premiers mots du livre résument l’idée de ce bouquin :
« Ils entrent en scène en écartant d’une main les rideaux de la célébrité, et face à eux, soudain, des milliers de regards impatients que la cérémonie commence… Ils font face au public et aussitôt un masque couvre leur visage, comme une seconde peau. »
Tout d’abord Eric, tous nos lecteurs ne te connaissent pas encore, alors peux-tu te présenter en quelques mots ?
Je fais des photos de concert depuis dix ans maintenant, pour des labels, des magazines et des artistes. Je fais des photos de concert, mais aussi du portrait, de la conception de pochettes d’albums des photos presse et de la communication qui tourne autour de leur sortie.
Beaucoup de monde te connaît via ton travail avec les MassHysteria. Quels sont les autres artistes avec lesquels tu as travaillé ?
On me connaît en effet surtout dans le milieu métal grâce aux albums de Mass Hysteria que j’ai fait, mais j’ai aussi travaillé avec des groupes comme Lofo, ou encore Unswabbed. Mais je vais t’étonner, j’ai aussi bossé avec Olivia Ruiz, et tout récemment avec des artistes comiques comme Pierre Emmanuel Barré.
Je travaille surtout sur des coups de cœur en fonction des rencontres que je peux faire, mais la base reste avant tout le métal et le rock.
Sur l’ensemble de ton travail artistique sur les différents albums, quel est celui qui, à ton goût, est le plus abouti ou réussi ?
En fait il y en a deux, non plutôt trois au final (rires) ! Je suis assez content du dernier album studio des Mass (Matière noire), car il a été « accouché dans la douleur ».
Il y a eu une grande réflexion et un travail pointu suite a huit mois de discussion avec Yann, qui a des idées très arrêtées et qui sait où il veut précisément aller, que ce soit musicalement ou graphiquement.
Pour « Failles » c’était plus simple, car il cherchait une « gueule », du coup j’ai cherché pendant de nombreux mois dans des foyers d’accueil et d’autres endroits une gueule.
Pour « Matière noire » il avait une idée précise du modèle, de la matière, et on a échangé longtemps pour aboutir à ce résultat. La séance photo qui a été faite 3 mois avant la sortie de l’album a été drastique et militaire. Cette pochette me plaît, car on a synthétisé tout ce que l’on voulait faire, une déclinaison intéressante.
L’autre pochette que j’aime beaucoup est celui de Lofofora « Monstre ordinaire », car je n’avais pas beaucoup d’indications pour arriver au projet final. Reno est venu en me disant « je recherche un visuel qui puisse représenter la monstruosité ordinaire sans passer par le cliché simple du patron en costard cravate en guise de monstre ».
Il fallait que ça soit beaucoup plus fin. Il fallait réfléchir, chercher, tester cette idée de ce type qui s’éloigne avec sa pelle avec la vision du gars au sol qui se la serait prise. Il n’y a rien de monstrueux ni de sanguinolent, mais on pouvait très bien s’imaginer que quelque chose s’était passé. De montrer cette part de monstruosité qui se cache en chacun d’entre nous.
Nous avons donc évoqué ce que tu as fait par le passé, mais tu as une nouvelle actualité, c’est la sortie de ton livre. Comment est venue cette idée ?
L’idée m’est venue il y a un peu plus de 8 mois de faire un livre de photos de concert et quelqu’un m’a relancé sur le sujet quelque temps après et m’a parlé du mode participatif pour le financement de ce dernier.
Je suis parti sur un concept pour voir si les gens allaient adhérer ou non. L’idée d’un livre de photos de concert ma parlait, mais cette idée allait-elle parler à d’autres ?
Sortir un bouquin de photos de concert à tant d’exemplaires juste pour le plaisir ne m’intéressait pas.
L’idée était de montrer mon concept, tout comme je peux le faire pour une pochette d’album et voir si cela peut intéresser du monde ou pas, tout en étant maître de ce que je voulais faire sans aucune directive de qui que ce soit.
Et le financement participatif permet vraiment de faire cela, et d’avoir la totale liberté de faire ce que j’ai envie de faire. Je ne fais quasiment pas d’expo, mais l’idée de compiler mes photos pour les présenter a commencé à germer quand j’ai trouvé la trame de ce que je voulais faire.
Vu la multitude de clichés que tu as pu faire, comment s’est fait le choix des photos de concert pour le bouquin ?
Le fait de présenter une série de photos de concert sans lien ne m’intéresse pas. En regardant ses propres photos et celles des autres, on remarque au fil des années le chemin que le photographe prend.
Dans mon cas j’au noté que je recherchais des moments très précis dans mes photos de concert, que ce soit au niveau du cadrage ou du sujet, des moments où l’artiste est dépouillé avec généralement une lumière derrière et peu d’objet, et il y a comme un moment de flottement, un moment suspendu.
Je pense que cela doit venir de mes études de psychologie qui font que je m’interroge sur la présence d’une personne face à une foule de 50000 personnes et ce qui peut se passer dans sa tête à ce moment.
À vraie dire, je ne fais pas que m’interroger, cela me fascine. L’idée qu’un artiste ou un groupe se mette un masque à un moment donné pour affronter le public et supporter la pression qui l’attend m’intéresse beaucoup.
Je me suis rendu compte que c’est ce que je cherchais dans la plupart de mes photos et j’ai décidé de travailler avec un ami écrivain et je lui ai demandé de transcrire en mot cette idée sur mes photos que je lui avais apportée.
Il a écrit un texte qui exprime exactement ce que je voulais dire, et j’ai décidé de m’en servir comme support.
En en parlant je me rappelle d’une interview d’il y a quelque temps de Corey Taylor, le chanteur de Slipknot aux Eurockéennes où je lui avais posé la question de savoir si l’apport du masque, qui permet de se lâcher complètement, n’est pas une frustration au final de ne pas être reconnu.
Il m’avait dit que dès que le masque est mis, il n’y a plus de limite et cela est salvateur, car on peut tout se permettre. Le masque est pour lui quelque chose de libérateur, une soupape.
Donc le contenu du livre n’est pas une compilation de photos de concert, ces moments suspendus reflètent ce que l’on peut trouver qu’on peut trouver également backstage, en loge, ou derrière la scène.
Ce ne sont pas forcément des moments dramatiques, mais cela peut être des moments de rires avant de monter sur scène par exemple.
Ton livre sortant au mois d’octobre, est-ce que d’ici là tu vas encore faire tout une série de photos, le choix des photos est il définitivement fait ou cela peut encore changer d’ici la ?
Le choix va évoluer obligatoirement, j’ai beaucoup de matière et je vais travailler avec un ami graphiste qui fait un travail de mise en page fabuleux, pour trouver le raccord parfait entre photos en graphisme. Ça ne va pas être la course à la photo.
J’ai vraiment la liberté de faire comme j’ai envie sans passer par l’aval de qui que ce soit, à l’instar d’un travail que je peux faire pour un artiste et qui doit être validé en amont. C’est aussi pour moi une possibilité de mettre en perspective mon travail en gardant la main à chaque moment de la création du livre.
Bonus :10 conseils pour capturer des photos de concert.
1. Éteignez votre flash
Vous êtes sur place et si vous avez de la chance, vous pourriez même être dans la fosse. La première règle principale consiste à désactiver votre flash, que ce soit sur votre téléphone ou votre appareil photo. Si vous ne le faites pas, vous ennuierez invariablement le groupe ou l’artiste et deuxièmement, les images ne seront généralement pas si bonnes.
Essayez d’utiliser les conditions d’éclairage existantes. Souvent, l’éclairage dans les petites salles ne sera pas excellent; essayez de l’utiliser à votre avantage en devenant plus créatif avec vos angles.
2. Travaillez rapidement
Si vous êtes dans la fosse (la zone protégée entre la scène et la barrière de la foule), il y a généralement trois chansons et vous ne disposez que de 10 à 15 minutes pour obtenir les clichés dont vous avez besoin.
Shootez avec diligence et assurez-vous de couvrir autant d’angles et les différents membres du groupe que vous le pouvez.
3. Observez et soyez conscient
Regardez comment le groupe se déplace sur scène, observez l’interaction entre les membres du groupe. Essayez de vous assurer d’obtenir une gamme d’expressions, assurez-vous que vos photos sont propres sans que les microphones, etc. n’obstruent le visage du chanteur.
4. Visez à obtenez leur meilleur côté
Les images sont-elles flatteuses? Les membres du groupe sont humains; si une photo montre quelqu’un d’une manière négative ou peu flatteuse, jetez-la. Les plans montrant l’émotion, l’énergie brute et les expressions dynamiques sont excellentes, mais évitez autant que possible les doubles mentons manifestes ou les angles pas terribles.
5. Maîtrisez votre appareil photo
Que vous photographiez avec un reflex numérique de base ou même un iPhone, sachez quels paramètres vous utiliserez à l’avance. Mon conseil – dans la mesure du possible – est de shooter en RAW et avec l’appareil photo en mode manuel. Utilisez une application telle que Photoshop pour modifier vos images.
Si vous n’êtes pas familier avec les logiciels d’imagerie, cela peut sembler assez intimidant au premier abord. Mais une fois que vous vous y serez habitué, cela améliorera considérablement la qualité de vos images.
6. Alternez les cadrages
Essayez de photographier une gamme de formes et d’angles, prenez des photos plus larges montrant l’artiste en relation avec la mise en scène. L’une des principales erreurs que les gens font est d’essayer de recadrer de manière trop serrée.
Essayez un mélange de portraits et de paysages. Si vous avez l’occasion de vous déplacer, tirez sur l’artiste à partir de différentes positions. Essayez d’incorporer la foule dans vos photos, cela peut ajouter une atmosphère à vos images.
7. N’exagérez pas la retouche
Si vous utilisez une application de retouche photo, n’exagérez pas la retouche. Une tendance récente est de sursaturer les images et de les faire apparaître comme si elles avaient été prises en HDR, cela peut donner un effet de dessin animé et devrait être évité.
8. Respectez le public
Que vous tiriez de la foule ou dans la fosse, respectez toujours le public et les autres photographes. Ne tenez pas votre appareil photo en l’air pendant de longues périodes, faites preuve de courtoisie et de respect, en particulier envers le public qui aura payé pour son billet et qui aura peut-être même fait la queue pour se rendre à l’avant pour voir sa vue interrompue par vous et votre appareil photo.
9. Recherchez sur youtube…
Si le groupe ou l’artiste est assez célèbre, recherchez des vidéos YouTube de sa tournée actuelle ou consultez les dernières images en ligne. Cela vous donnera une indication des conditions de prise de vue et de l’éclairage, etc. Aussi, si vous pouvez vous attendre à des prises de vue ou à d’autres moments passionnants pendant le spectacle.
10. Profitez de l’expérience
Le shooting de photos de concert peut être extrêmement difficile, mais aussi très amusant.
Pratiquez votre art: la plupart des petites salles vous permettront d’utiliser votre appareil photo, alors shootez. Apprenez à être constructif sur vos images. Organisez un site Web pour illustrer votre travail.
Une fois que vous avez un portfolio, commencez à contacter des groupes locaux et des lieux locaux et vous pourrez éventuellement commencer à construire un relationnel qui, espérons-le, pourra un jour vous permettre de vous faire payer pour vos images.
Def Leppard, un nom qui évoque à lui seul le glamour et la grandeur du rock des années 80. Ce groupe britannique est l’une des formations les plus emblématiques du rock classique, ayant vendu plus de 100 millions d’albums à travers le monde.Mélangeant des riffs puissants, des refrains accrocheurs et une production léchée, Def Leppard a marqué l’histoire avec des albums comme « Pyromania » et « Hysteria », devenus des piliers du rock.Mais derrière les projecteurs et les hits planétaires, leur parcours est semé de défis, de drames et de résilience. Plongeons dans l’univers du groupe, leurs succès, leurs luttes, et pourquoi ils continuent de captiver des millions de fans à travers les générations.
Def Leppard
Les débuts de Def Leppard : D’un rêve d’adolescents à la conquête du rock mondial
L’origine du groupe et les premières influences
Fondé en 1977 à Sheffield, au Royaume-Uni, Def Leppard est le fruit de la passion de jeunes musiciens influencés par le heavy metal et le glam rock. À l’origine, le groupe était connu sous le nom de Atomic Mass, mais avec l’arrivée du chanteur Joe Elliott, le nom change pour devenir Def Leppard. Ce choix, inspiré par les groupes de glam rock comme T. Rex et Mott the Hoople, marque le début d’une ascension rapide vers la gloire.
Leurs premières influences se situent à la croisée du heavymetal naissant et du rock classique des années 70, notamment des groupes comme Led Zeppelin, Thin Lizzy, et Queen. Cependant, Def Leppard souhaitait se démarquer en injectant une dose de mélodie dans leur musique, rendant leurs chansons plus accessibles tout en restant ancrées dans l’énergie brute du hard rock.
« On Through the Night » : Le premier album et l’émergence d’un son unique
En 1980, Def Leppard sort son premier album, « On Through the Night ». Ce disque marque leurs premiers pas sur la scène internationale, bien que leur son soit encore en développement. Les morceaux sont imprégnés d’un style heavy metal traditionnel, mais des éléments plus mélodiques pointent déjà le bout de leur nez, annonçant la direction que le groupe prendra dans les années à venir.
Si l’album est relativement bien accueilli, c’est leur deuxième opus, « High ‘n’ Dry », sorti en 1981, qui va commencer à attirer l’attention. Produit par Mutt Lange, célèbre pour son travail avec AC/DC, cet album marque une évolution dans leur son avec des morceaux comme « Bringin’ On the Heartbreak », un titre qui deviendra l’un de leurs premiers succès radio.
L’explosion de « Pyromania » et le triomphe de Def Leppard dans les années 80
« Pyromania » : Un album révolutionnaire
C’est en 1983 que Def Leppard frappe un grand coup avec l’album « Pyromania ». Propulsé par des singles comme « Photograph », « Rock of Ages », et « Foolin’ », l’album est un succès immédiat, atteignant la deuxième place des charts américains et se vendant à des millions d’exemplaires. La production léchée de Mutt Lange, associée à des riffs accrocheurs et des refrains qui restent en tête, fait de Def Leppard l’un des groupes les plus populaires de la scène rock de l’époque.
« Photograph », en particulier, devient un hymne pour la jeunesse des années 80, avec ses paroles évoquant l’obsession et le désir, des thèmes récurrents dans la culture pop de cette époque. Le son de Def Leppard, mélodique mais toujours résolument rock, devient la référence pour de nombreux groupes de hard rock à suivre.
La montée en puissance du groupe et l’ère des superstars
Avec le succès de « Pyromania », Def Leppard entre dans la catégorie des superstars du rock. Le groupe tourne dans le monde entier, remplissant les stades et devenant une référence incontournable de la scène glam metal et hard rock. Mais malgré le succès, des défis majeurs attendent le groupe.
En 1984, alors que Def Leppard prépare ce qui deviendra leur plus grand album, « Hysteria », le batteur Rick Allen est victime d’un accident de voiture qui lui fait perdre son bras gauche. Un coup dur pour le groupe, mais au lieu d’abandonner, Rick Allen décide de continuer à jouer de la batterie en développant une technique unique avec un kit de batterie électronique spécialement conçu pour lui.
« Hysteria » : L’album de la consécration et des records
Un album hors norme
Après quatre ans de travail acharné, Def Leppard sort enfin « Hysteria » en 1987. L’album est immédiatement un triomphe planétaire. Avec pas moins de sept singles à succès, dont « Pour Some Sugar on Me », « Love Bites », et « Armageddon It », « Hysteria » devient l’un des albums les plus vendus de l’histoire du rock, dépassant les 25 millions de copies vendues dans le monde.
Ce qui distingue « Hysteria », c’est son mélange parfait de riffs rock et de mélodies pop, renforcé par une production ultra-sophistiquée, encore une fois sous la direction de Mutt Lange. L’album est conçu pour plaire à un public large, combinant l’énergie brute du rock avec des refrains catchy et des harmonies vocales complexes.
« Pour Some Sugar on Me » devient l’hymne de l’été 1987, propulsant Def Leppard encore plus haut dans le panthéon des légendes du rock. Grâce à des vidéoclips omniprésents sur MTV, le groupe devient une figure incontournable de la culture pop des années 80.
La tournée mondiale et le statut de légendes vivantes
La tournée qui suit la sortie de « Hysteria » est l’une des plus impressionnantes de l’époque. Def Leppard remplit des stades à travers le monde, avec des shows spectaculaires et une mise en scène digne des plus grandes productions. À la fin des années 80, le groupe atteint des sommets inégalés, rivalisant avec des groupes comme Bon Jovi, Van Halen, et Guns N’ Roses.
Mais derrière les paillettes et le glamour, Def Leppard doit faire face à des défis personnels et professionnels. Le succès massif entraîne des tensions au sein du groupe, et la pression pour continuer à produire des hits est immense. Cependant, malgré ces obstacles, Def Leppard continue à sortir des albums qui trouvent leur public.
L’après Hysteria : Résilience et longévité dans une industrie changeante
Tragedy strikes again : la mort de Steve Clark
Alors que le groupe est au sommet de sa popularité, une autre tragédie frappe en 1991 avec la mort de Steve Clark, le guitariste principal, après une longue bataille contre l’alcoolisme. Sa disparition est un coup dur pour le groupe, mais Def Leppard décide de continuer, et Vivian Campbell, ancien guitariste de Dio, rejoint la formation.
Le groupe sort « Adrenalize » en 1992, un album qui rencontre un grand succès, même s’il n’atteint pas les sommets de « Hysteria ». Le single « Let’s Get Rocked » devient néanmoins un hit, prouvant que Def Leppard reste une force majeure sur la scène rock.
Def Leppard
La survie dans un paysage musical en mutation
Avec l’arrivée des années 90 et du mouvement grunge, le rock glamour et flamboyant de Def Leppard devient moins à la mode. Mais le groupe, loin de s’effondrer, choisit de persévérer. Leur son évolue pour s’adapter à de nouvelles tendances tout en restant fidèle à leurs racines rock. Des albums comme « Slang » (1996) montrent une approche plus sombre et expérimentale, tandis que « Euphoria » (1999) ramène une énergie plus proche des grandes heures du groupe.
La longévité de Def Leppardest remarquable. Contrairement à de nombreux groupes de leur époque, ils continuent de tourner, d’enregistrer de nouveaux albums, et de remplir des stades. Leur résilience face aux défis personnels et à l’évolution de l’industrie musicale témoigne de leur passion pour la musique et de leur capacité à se renouveler sans perdre leur essence.
Conclusion
Def Leppard est bien plus qu’un simple groupe de rock des années 80. Avec des albums qui ont marqué l’histoire et des concerts légendaires, ils ont prouvé qu’ils étaient une force durable dans l’univers musical. Leur capacité à surmonter des obstacles, des tragédies personnelles aux changements dans l’industrie musicale, les a placés parmi les légendes vivantes musicales.
Def Leppard a non seulement défini ce qu’était le rock grand public dans les années 80, mais ils ont également prouvé que leur musique était intemporelle. Avec des hymnes comme « Pour Some Sugar on Me », « Photograph », et « Love Bites », ils ont touché des millions de fans à travers plusieurs générations.
Leur longévité dans une industrie aussi volatile témoigne de leur résilience, de leur passion pour la musique et de leur capacité à évoluer tout en restant fidèles à eux-mêmes. Que ce soit sur scène ou en studio, Def Leppardcontinue d’écrire son histoire, rappelant à tous que le rock est bien plus qu’un genre musical : c’est une manière de vivre.
FAQ : Tout savoir sur Def Leppard
1. Quels sont les albums incontournables de Def Leppard ? Def Leppard compte plusieurs albums emblématiques. Les plus incontournables sont :
« Pyromania » (1983) : Cet album est celui qui a véritablement mis le groupe sur la carte du rock mondial avec des hits comme « Photograph » et « Rock of Ages ».
« Hysteria » (1987) : Considéré comme leur chef-d’œuvre, cet album est devenu l’un des plus vendus de l’histoire du rock, avec des titres comme « Pour Some Sugar on Me », « Love Bites », et « Armageddon It ».
« Adrenalize » (1992) : Bien qu’il soit sorti après la mort de Steve Clark, cet album a consolidé la place du groupe dans l’industrie avec des hits comme « Let’s Get Rocked ».
2. Comment Def Leppard a-t-il surmonté la perte de Steve Clark ?
La mort de Steve Clark en 1991 a été une épreuve difficile pour Def Leppard, mais le groupe a décidé de continuer malgré tout. Ils ont trouvé en Vivian Campbell, ancien guitariste de Dio, un nouveau membre qui a apporté une nouvelle énergie au groupe. Le groupe a poursuivi sa carrière avec succès, en sortant l’album « Adrenalize » en 1992, qui a connu un succès mondial.
3. Comment Rick Allen joue-t-il de la batterie après la perte de son bras ? Rick Allen, le batteur de Def Leppard, a perdu son bras gauche dans un accident de voiture en 1984. Au lieu d’abandonner, Allen a travaillé avec des ingénieurs pour développer un kit de batterie électronique sur mesure, qui lui permet de jouer à la batterie avec un bras et ses pieds. Sa détermination et son talent ont inspiré des millions de fans à travers le monde.
4. Def Leppard a-t-il été influencé par d’autres genres musicaux ?
Oui, bien que Def Leppard soit principalement associé au glam metal et au hard rock, ils ont également incorporé des éléments de pop et de rock mélodique dans leur musique. L’influence de producteurs comme Mutt Lange a permis au groupe de créer des chansons plus accessibles avec des refrains accrocheurs et des harmonies vocales sophistiquées. Au fil des années, ils ont aussi expérimenté avec des sons plus modernes, comme sur l’album « Slang » (1996).
5. Def Leppard continue-t-il à tourner et à sortir de nouveaux albums ?
Oui, Def Leppard est toujours actif. Malgré les changements dans l’industrie musicale et les défis personnels, le groupe continue à enregistrer et à tourner dans le monde entier. En 2019, ils ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame, un témoignage de leur impact durable sur la musique rock. Ils continuent de remplir des stades et de captiver un public fidèle avec leurs performances énergiques et leurs hymnes intemporels.
Le phénomène Limp Bizkit : un groupe de nu metal américain
Limp Bizkit est sans doute l’un des groupes les plus controversés et à la fois les plus populaires du genre nu metal. Originaires de Jacksonville, en Floride, ces musiciens ont réussi à créer un son unique ayant marqué une génération. Dans cet article, nous explorerons leur parcours ainsi que les éléments qui ont contribué à leur succès fulgurant.
La genèse du groupe : rencontre entre Fred Durst et Sam Rivers
C’est en 1994 que Fred Durst, alors tatoueur, fait la rencontre de Sam Rivers, bassiste de formation. Les deux hommes deviennent rapidement amis et décident de former leur propre groupe de musique, avec l’idée d’allier rock et hip-hop. Ils sont rapidement rejoints par le cousin de Sam, John Otto, à la batterie et Wes Borland, guitariste aux talents multiples et à l’apparence excentrique.
Un nom original pour un groupe original
Pour trouver le nom de leur groupe, ils ont choisi « Limp Bizkit », qui signifie littéralement « biscuit mou » en anglais. Un choix étrange, mais qui reflète bien l’esprit décalé et provocateur du band, qui marquera toute leur carrière.
Une ascension fulgurante
Dès leurs premières performances, le groupe se fait remarquer pour son énergie incroyable sur scène et sa capacité à électriser le public. Leur style musical mélangeant habilement rock, metal, hip-hop et autres sonorités leur permet de se démarquer rapidement. C’est cette singularité qui va les amener à signer avec le label Flip/Interscope alors qu’ils n’ont encore rien enregistré.
Le succès de l’album « Three Dollar Bill, Y’all$ »
En 1997, Limp Bizkit sort son premier album intitulé « Three Dollar Bill, Y’all$« . Celui-ci est marqué par la chanson phare « Counterfeit« , qui sera leur premier single. Le succès de cet opus leur ouvrira les portes du fameux festival Ozzfest et de nombreuses autres dates de concert aux côtés de groupes renommés comme Korn ou Deftones.
La consécration : « Significant Other » et « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water
L’année 1999 marque une étape cruciale dans la carrière de Limp Bizkit. Leur deuxième album, « Significant Other« , fait un véritable carton avec des titres emblématiques tels que « Nookie » et « Break Stuff« . Ces morceaux provoquent une véritable hystérie chez leurs fans et assurent au groupe une place indéniable sur la scène internationale du nu metal.
Toile de fond controversée en streaming
C’est également durant cette période que le groupe fait parler de lui pour d’autres raisons. En effet, ils sont controversés notamment pour leur participation au désastreux festival Woodstock 99, durant lequel des violences et incendies ont eu lieu. Cette polémique n’empêche pourtant pas Limp Bizkit de continuer sur sa lancée.
En 2000, ils sortent leur troisième album : « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water« . Celui-ci se vend à plus de six millions d’exemplaires aux États-Unis seulement, preuve du succès phénoménal du groupe. Parmi les morceaux les plus populaires, on retrouve « Rollin’ » ou encore « My Way« .
Départs et retours au sein du groupe
Le parcours de Limp Bizkit est également marqué par des tensions internes ayant mené à plusieurs départs et retours de membres. Le guitariste emblématique Wes Borland a notamment quitté le groupe deux fois avant de revenir finalement en 2009. Par la suite, la formation aura quelques changements, tels que l’arrivée du DJ Franko Carino.
Un nouvel album attendu
Nouveau single « Dad Vibes »
Album toujours en préparation
Aujourd’hui, les fans de Limp Bizkit sont toujours impatients de découvrir un nouvel album, qui semble être en préparation depuis quelques années déjà. En attendant, ils peuvent se réjouir avec le nouveau single du groupe, « Still Sucks », que Fred Durst a révélé lors d’un récent concert.
Il est indéniable que Limp Bizkit a marqué de son empreinte l’histoire de la musique, en étant à la fois adulés et décriés. Mais une chose est sûre : leur héritage perdure encore aujourd’hui auprès des fans du monde entier.
EN SAVOIR PLUS…
Pivot de la scène nu-métal de la fin des années 90, Limp Bizkit a fait connaître le rap au grand public avec les albums qui ont défini sa carrière, Defined Other , Chocolate Starfish et Hot Dog Flavored Water .
Mené par le charismatique – et polarisant – leader Fred Durst , le groupe Limp Bizkit a connu une série de succès radio (« Counterfeit », « Faith », « Nookie », « Break Stuff », « Rollin’ (Air Raid Vehicle) » et « Behind Blue Eyes ») avant de faire une pause au milieu des années 2000, alors que leur mélange frénétique de hip-hop, de métal et de post-grunge tombait en désuétude.
Limp Bizkit s’est réuni en 2009 et a sorti Gold Cobra, deux ans plus tard. Depuis lors, Limp Bizkit a continué à tourner et à sortir des singles occasionnels. En 2021, Limp Bizkit a annoncé que le Stampede des Disco Elephants, leur premier nouvel album studio depuis plus d’une décennie, était presque terminé.
Limp Bizkit
Limp Bizkit : Three Dollar Bill
Limp Bizkit a été formé en Floride en 1994 par le chanteur Fred Durst et son ami, le bassiste Sam Rivers. Le cousin de Rivers , John Otto, s’est rapidement joint à la batterie et le guitariste Wes Borland a complété le quatuor original (plus tard complété par DJ Lethal ).
Après que Korn ait joué dans la région de Jacksonville en 1995, le bassiste Fieldy s’est fait tatouer plusieurs fois par Durst (un tatoueur) et les deux sont devenus amis. La fois où Korn était dans la région, ils ont récupéré la démo de Limp Bizkit et ont été tellement impressionnés qu’ils l’ont transmise à leur producteur, Ross Robinson..
Grâce principalement au bouche-à-oreille, le groupe Limp Bizkita été choisi pour tourner avec House of Pain et les Deftones .
Les contrats avec le label affluent et après avoir signé avec Flip/Interscope, Limp Bizkit sort son premier album, Three Dollar Bill Y’All . À la mi-1998, Limp Bizkit était devenu l’un des groupes les plus en vogue de la scène rap-metal en plein essor, aidé également par plus d’action en tournée – cette fois avec Faith No More et plus tard, Primus – ainsi qu’une apparition sur Défilé de mode Spring Break ’98 de MTV.
La plus grande pause, cependant, a été une place sur la tournée des valeurs familiales de cet été, qui a considérablement rehaussé le profil du groupe.
Limp-Bizkit
Avec leur premier label, Three Dollar Bill Y’All , Limp Bizkit s’est rapidement hissé au sommet du sous-genre alt-metal connu sous le nom de « rapcore ». Une partie de la raison pour laquelle le groupe se démarquait de ses pairs était son énergie cinétique et frénétique.
Ils n’ont peut-être pas beaucoup d’idées originales – ils sont en grande partie une excroissance de Korn , Faith No More et les Red Hot Chili Peppers – mais ils le font bien.
Ils ont une section rythmique puissante et des punch line mémorables, dont la plupart compensent l’écriture inégale. Là encore, vous ne recherchez pas la perfection pour un premier album – vous recherchez un son prometteur, et sur ce front, Limp Bizkit est à la hauteur.
Limp Bizkit
Limp Bizkit : Significative Other
Le deuxième album très attendu de Limp Bizkit, Significative Other , est sorti en juin 1999, et lui et la vidéo qui l’accompagne pour « Nookie » ont fait du groupe des superstars. Significative Other a fait ses débuts au numéro un et s’était vendu à plus de quatre millions d’exemplaires à la fin de l’année, aidant également à pousser Three Dollar Bill Y’All au- delà de la barre des disques de platine.
Durst , quant à lui, a été sélectionné pour un poste de vice-président senior chez Interscope Records début juillet. Cependant, au milieu de ce succès massif, la controverse a poursuivi le groupe après la performance de cet été à Woodstock ’99.
À la suite des émeutes et des agressions sexuelles qui se sont avérées être l’héritage malheureux du festival, Durst a été fortement critiqué pour avoir encouragé la foule déjà tapageuse et l’avoir incitée à « casser des trucs ».
Non seulement au moins un viol par mosh pit a été signalé pendant le set du groupe (en plus de nombreuses autres blessures), mais le chaos qui s’en est suivi a forcé les organisateurs du festival à débrancher la prise au milieu de leur spectacle.
Même si la performance de Limp Bizkit a eu lieu la veille des tristement célèbres émeutes de clôture du festival, le groupe a été éreinté par les médias, qui leur ont reproché d’avoir déclenché l’étincelle qui a enflammé une atmosphère potentiellement volatile. Intrépide,
Limp Bizkit a fait la une de la tournée Family values cette année-là, avec le nouveau controversé Durst faisant la une des journaux pour des affrontements périodiques avec les compagnons de tournée de Bizkit .
Limp-Bizkit
Limp Bizkit s’est fait une réputation grâce à un travail acharné, faisant une tournée infernale de leur premier album Three Dollar Bill Y’All et s’élevant ainsi au statut de popularité de leurs mentors de métal alternatif Korn , tout aussi influencés par le rap .
Avec leur deuxième album, Significative Other , Limp Bizkit frôle le niveau artistique de Korn ; à tout le moins, c’est considérablement plus ambitieux et multidimensionnel que Three Dollar Bill . Boite Bizkit, bien sûr, n’a pas abandonné leur signature sonore surchargée de testostérone, ils l’ont juste construit.
Il y a des fioritures de néo-psychédélia sur des numéros de métal martelant et il y a des tourbillons de cordes, même des crooning, au fond le plus inattendu. Tout cela renforce simplement la force de leur attaque rap-metal, qui peut devenir un peu fastidieuse si elle est sans fioritures. Ce n’est pas un hasard si la palette sonore élargie sert également de coloration émotionnelle aux paroles de Fred Durst .
Il a rompu avec sa petite amie de longue date – son autre significatif, si vous voulez — pendant l’écriture de l’album, et son angoisse est apparente tout au long du disque, car presque chaque chanson est imprégnée de la culpabilité, de la colère et du regret qui ont été soulevés à la suite de la séparation.
Cela donne cependant l’impression qu’il s’agit d’un Blood on the Tracks alt-metal . Ce n’est pas. Néanmoins, il a plus de poids émotionnel que Three Dollar Bill , avec une musique plus efficace et aventureuse.
Plus important encore, il équilibre ces nouvelles préoccupations avec des traces de leur humour juvénile ainsi que le puissant aggro rap-metal qui est leur stock dans le commerce.
Ce qui en fait un rare bond en avant artistique qui plaira toujours au public qui en veut juste plus.
Limp Bizkit
Limp Bizkit : Results may vary
Pendant la crise de Napster en 2000, Durst est devenu l’un des défenseurs les plus virulents du commerce de musique en ligne ; cet été-là, Limp Bizkit s’est lancé dans une tournée gratuite parrainée par Napster.
Tout cela a préparé le terrain pour la sortie en octobre du troisième album du groupe, Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water .
Wes Borland a quitté le groupe peu de temps après, nécessitant une longue recherche d’un guitariste de remplacement de valeur comparable; enfin, après avoir passé près de trois ans sans nouvel album, le groupe Limp Bizkit a sorti Results May Vary , qui a culminé au numéro 3 du Billboard 200 américain et est finalement devenu platine.
Borlandest revenu après sa sortie, et le groupe a publié The Unquestionable Truth, Pt. 1 EP en 2005.
limp bizkit
Limp Bizkit
Limp Bizkit – Greatest Hitz
The Bizkit a ensuite publié Greatest Hitz , une enquête sur les carrières en 17 pistes qui comprenait tous les succès de leur apogée. En 2009, le groupe retourne en studio pour enregistrer avec sa formation originale.
Après un certain nombre de retards,Limp Bizkit sort son cinquième album studio, Gold Cobra, à l’été 2011. Avec le single « Shotgun », The LP a été généralement bien reçu et classé dans plusieurs pays.
En 2012, le groupe Limp Bizkit a quitté Interscope, a rejoint la liste de Cash Money Records et est retourné en studio pour commencer à travailler sur l’album numéro sept. Ils ont sorti les singles « Ready To Go » et « Endless Slaughter » en 2013, mais il faudra des années avant que le nouveau disque ne voit le jour.
Marqué par des difficultés créatives et des changements de label et de personnel, le Stampede of the Disco Elephants qui en résulte est apparu à l’horizon après la sortie du single « Dad Vibes » en 2021.
Six mois après la sortie de Limp Bizkit The Unquestionable Truth, Pt. De 1 à l’apathie quasi universelle – ce qui peut arriver lorsque vous sortez un album sans aucune promotion – le groupe s’est précipité sur la compilation Greatest Hitz , une généreuse promenade de 17 titres dans le passé.
Franchement, il est difficile d’imaginer comment cette collection aurait pu être mieux exécutée. Bien que cela puisse ne rien contenir de The Unquestionable Truth, Pt. 1 — ce qui est en fait un peu dommage, car c’était un bien meilleur album que son prédécesseur de 2003, Results May Vary, mais une règle cardinale des albums à succès (ou hitz) est qu’ils doivent contenir des chansons que les gens ont réellement entendues – il contient tous les grands succès de MTV ou de rock actif du groupe.
Deux singles mineurs dans les charts sont MIA – « Crushed » en 2000 et « Almost Over » en 2004 pour être précis – mais tout ce dont on se souvient est ici. Il y a leur premier single, « Counterfeit »; il y a « Faith », le premier de leur série interminable de reprises embarrassantes, est ici, avec leur pire (« Behind Blue Eyes ») et leur dernier.
Il y a les grands succès « Nookie », « Break Stuff », « Rollin’ (Air Raid Vehicle) », « My Way » et « My Generation »; et il y a « Take a Look Around », leur contribution à la bande originale de Mission Impossible 2, qui est moins oubliable que les trois sélections de Results May Vary .
Rien de tout cela n’a bien vieilli – en fait, il a vieilli incroyablement vite, sonnant plus vieux que les tubes de rock alternatif du milieu des années 90 – mais c’est presque hors de propos, car cela fait bien son travail, et les auditeurs ceux qui veulent avoir du Limp Bizkit dans leur collection trouveront cela pour leur fournir plus de ce qu’ils veulent que tout autre dizc Bizkit .
Limp Bizkit : Gold Cobra
Arrivant à la conclusion que The Unquestionable Truth était si puissant qu’il n’avait jamais eu besoin du deuxième volume promis, Limp Bizkit a fait une pause au cours de la seconde moitié des années 2000, le leader Fred Durst étant beaucoup plus acclamé par la critique en tant que réalisateur qu’il ne l’a jamais fait en tant que réalisateur. un chanteur.
Malgré ces hosannas à contrecœur, Durst s’est senti obligé de réunir le Bizkit , d’effacer les souvenirs du programme raté de The Unquestionable Truth et de Wes Borland-moins « Répéter si nécessaire », pour trouver un moyen d’exploiter la colère qui a déclenché tout le processus.
Une tâche difficile pour n’importe quel groupe, mais en plus de se frotter à Auto-Tune – l’effet vocal électronique tremblant qui est embroché sur « AutoTunage » – Limp Bizkit a l’ intention de revenir en arrière et de revenir à l’attaque à plein régime de Three Billet d’un dollar Y’All .
Si le groupe Limp Bizkit est déterminé à agir comme si les 15 dernières années ne s’étaient jamais produites, Durst est déterminé à agir comme s’il avait 15 ans, en lançant toujours des flèches douloureuses à quiconque aurait pu se mettre sur son chemin.
Le contexte compte et l’angoisse des adolescents est un peu plus difficile à digérer venant d’un homme adulte que d’une vingtaine d’années, en particulier si cet adulte est un millionnaire qui ressemble maintenant un peu à Le frère le plus lourd de Michael Stipe .
Durst ne peut toujours pas s’empêcher de crier à chaque fois qu’il est en colère, et il est souvent en colère : il est fou d’Auto-Tune, il est fou des connards de Beverly Hills, il se demande pourquoi il devrait essayer, il pense que tu devrais avoir une vie et te préparer vous-même pour une « attaque de requin ».
Moins un détail ou deux, c’est le même ensemble de griefs qu’il colporte depuis le début, les similitudes si frappantes qu’elles sont sûrement aussi intentionnelles que Bizkit sortir leur mouture métallique pré-millénaire, agissant comme si les années W n’avaient jamais eu lieu.
Bien sûr, en tant que son pur, il est bien exécuté – plus assuré, musical et, bien, professionnel que n’importe lequel de leurs autres albums, leur âge leur conférant une dextérité absente de leurs tubes – mais la rétro-rage délibérée soulève la question : à qui s’adresse cette musique exactement ? Est-il destiné à attirer un nouveau lot d’adolescents frustrés qui bégaient ou est-ce pour des adultes abattus et déçus qui n’ont pas encore ébranlé les ressentiments des adolescents?
L’argent sûr est sur ce dernier, mais cela suggère seulement que toute cette rage est un acte calculé, que Limp Bizkit – dont les membres sont bien plus intelligents que leur art, comme toute interview avec Durst ou Borland prouve — n’agit de cette façon que parce que c’est tout ce qu’ils savent faire ou parce que ça se vend… du moins ça l’a fait à un moment donné.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
1. Qui est Limp Bizkit et comment ont-ils commencé leur carrière musicale?
Limp Bizkit est un groupe de rock américain formé en 1994 à Jacksonville, en Floride. Le groupe est composé de Fred Durst au chant, Wes Borland à la guitare, Sam Rivers à la basse, John Otto à la batterie et DJ Lethal aux platines. Ils ont commencé leur carrière musicale en jouant dans des clubs locaux en Floride et ont rapidement gagné en popularité grâce à leur son unique et énergique.
2. Quel est le style musical de Limp Bizkit?
Le style musical de Limp Bizkit est un mélange de rap, de rock, de metal et de punk. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare puissants, des rythmes de batterie lourds et des paroles qui reflètent souvent la colère et la frustration.
3. Quels sont les albums les plus connus de Limp Bizkit?
Limp Bizkit a sorti six albums studio au cours de leur carrière, mais leurs deux albums les plus connus sont « Significant Other » (1999) et « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water » (2000). Ces albums ont été des succès commerciaux et ont propulsé le groupe au sommet des charts.
4. Quelles sont les chansons les plus célèbres de Limp Bizkit?
Certaines des chansons les plus célèbres de Limp Bizkit sont « Nookie », « Break Stuff », « My Way », « Rollin' », et « Behind Blue Eyes ».
5. Comment Limp Bizkit a-t-il influencé la musique?
Limp Bizkit a influencé la musique en introduisant un son hybride de rap et de rock qui a ouvert la voie à de nombreux autres groupes de rap-rock et de nu-metal. Le groupe a également été l’un des premiers à intégrer un DJ à leur formation, ce qui est maintenant devenu une pratique courante dans de nombreux genres musicaux.
6. Comment le groupe a-t-il évolué au fil du temps?
Au fil du temps, Limp Bizkit a évolué en explorant différentes sonorités et en expérimentant de nouveaux styles musicaux. Leur album « Results May Vary » (2003) a marqué un tournant dans leur carrière avec une approche plus douce et plus introspective, tandis que leur album « Gold Cobra » (2011) a vu le retour du son plus agressif et énergique pour lequel ils sont connus.
7. Quels sont les membres actuels de Limp Bizkit?
Les membres actuels de Limp Bizkit sont Fred Durst (chant), Wes Borland (guitare), Sam Rivers (basse), John Otto (batterie) et DJ Lethal (platines).
8. Le groupe a-t-il remporté des prix pour leur musique?
Oui, Limp Bizkit a remporté plusieurs prix pour leur musique, notamment un Grammy Award pour la meilleure performance hard rock en 2001 pour leur chanson « Take a Look Around ».
9. Quels sont les moments forts de la carrière de Limp Bizkit?
Limp Bizkit a connu de nombreux moments forts au cours de leur carrière, notamment leur performance à Woodstock ’99 qui a été marquée par des troubles et des incendies, leur tournée mondiale en 2001 qui a été un immense succès, et leur collaboration avec le rappeur Method Man sur la chanson « N 2 Gether Now » qui a été un grand succès.
10. Quel est l’héritage de Limp Bizkit dans l’histoire de la musique?
Limp Bizkit a laissé un héritage durable dans l’histoire de la musique en tant que groupe pionnier du mouvement nu-metal et du rap-rock. Leur mélange unique de rap et de rock a influencé de nombreux autres groupes et a ouvert la voie à de nouveaux genres musicaux. Leur son énergique et leur présence sur scène ont également inspiré des générations de fans de musique à travers le monde.
Le prochain documentaire « The Beatles: Get Back » réalisé par Peter Jackson offrira un regard révélateur sur le groupe. Voici ce que nous savons jusqu’à présent.
The Beatles Get Back, le documentaire
The Beatles Get Back, le documentaire
Les Beatles sont peut-être l’un des groupes les plus intensément documentés et étudiés de l’histoire – ils ont dominé la liste des 100 plus grands artistes de tous les temps de Rolling Stone , et de nombreux films ont été réalisés sur leur ascension vers la gloire et leur impact culturel. Leur héritage se perpétue dans la musique moderne et la culture populaire.
Il semble presque étrange qu’il puisse y avoir tellement plus à apprendre sur le groupe britannique emblématique, mais heureusement pour les fans des Beatles, Disney + a collaboré avec WingNut Films pour réaliser une série documentaire en trois parties qui examinera de toutes nouvelles séquences des Beatles, comme enregistré par Michael Lindsay-Hogg en 1969.
The Beatles: Get Back plongera profondément dans la vie et les sessions d’enregistrement des Beatles du début janvier 1969 jusqu’à leur incroyable ensemble sur le toit sur Savile Row le 30 janvier 1969, qui était la dernière performance publique en direct du groupe de leur carrière .
La série présente le tout premier enregistrement complet du spectacle en direct et offrira un regard incroyablement approfondi sur les derniers jours des Beatles en tant que groupe. The Beatles: Get Back sera diffusé pendant trois jours pendant les vacances de Thanksgiving, à partir du 25 novembre 2021 , et vous pourrez regarder chaque épisode lors de sa diffusion sur Disney+ .
Où trouver The Beatles: Get Back quand il sortira ?
Le réalisateur Peter Jackson a passé trois ans à reconstituer les images de Michael Lindsay-Hogg, tout en utilisant des technologies modernes de montage et de restauration.
The Beatles: Get Back
DISNEY+
Vous pouvez diffuserThe Beatles: Get Back à sa sortie, ainsi que d’autres séries documentaires, sur Disney+. Le service de streaming est disponible via une connexion Internet si vous habitez en Australie, Autriche, Canada, îles anglo-normandes, France, Allemagne, Inde, Irlande, île de Man, Italie, Monaco, Pays-Bas, Nouvelle-Zélande, Porto Rico, Espagne, La Suisse, le Royaume-Uni ou les États-Unis La plate-forme de streaming direct de Disney est accessible à partir de navigateurs de bureau, d’appareils mobiles, de consoles de jeux, etc.
Disney+ abrite les films Walt Disney Studios, les films et séries Marvel, les séries originales de Disney Channel, les films et courts métrages Pixar, les films et séries Star Wars et les titres National Geographic. La plateforme publie également en permanence de nouveaux contenus , tels que The Mandalorian , Raya et le dernier dragon , ainsi que des séries à venir comme Obi-Wan Kenobi , et des films à venir comme Luca .
De quoi parlera The Beatles : Get Back ?
Réalisé par Peter Jackson et produit par The Walt Disney Studios et WingNut Film Productions Ltd., The Beatles: Get Back présentera des séquences inédites de Michael Lindsay-Hogg (réalisateur de films comme Brideshead Revisited et Waiting for Godot ), qui documente les Beatles au cours de la préparation et de la performance de leur spectacle de 1969, qui présentait leur dernière performance en direct en tant que groupe, aboutissant à une interprétation de la chanson « Get Back ».
L’ensemble sur le toit, qui comprenait des mélanges et des versions de chansons qui apparaîtraient sur le dernier album studio des Beatles, Let It Be , vit à travers 150 heures d’audio inédit et 60 heures de séquences inédites, qui capturent le quotidien de les sessions d’enregistrement intimes qui ont précédé le spectacle. Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono Lennon et Olivia Harrison ont tous déclaré leur soutien à la série documentaire de six heures.
The Beatles: Get Back
Jackson, un fan autoproclamé des Beatles, a passé trois ans à reconstituer les images de Lindsay-Hogg, en utilisant des technologies modernes de montage et de restauration. Le résultat est quelque chose qu’il décrit comme une « histoire d’amis et d’individus », qui offrira un aperçu de la vie et des relations des Beatles.
Jackson est la première personne en 50 ans à avoir eu accès aux archives médiatiques que le documentaire point culminant, et The Beatles: Get Back offrira au public une chance de découvrir la musique des Beatles comme jamais auparavant. La série documentaire arrivera également sur les talons d’un livre compagnon, The Beatles: Get Back , qui fait ses débuts le 12 octobre et présente des transcriptions de la audio du documentaire, des centaines de nouvelles photos, et plus encore.
Comment regarder The Beatles : Get Back ?
Pour commencer à regarder The Beatles: Get Back le 25 novembre 2021, vous pouvez vous abonner à Disney+ dès aujourd’hui à partir de 7,99 $ ou 79,99 $ pour un abonnement d’un an. Envisagez d’investir dans un forfait avec Hulu ou ESPN+ pour tirer le meilleur parti de votre abonnement, ou même de vous abonner pendant un an pour économiser un peu d’argent supplémentaire.
Disney+ est disponible sur des appareils tels que les produits Apple, les appareils de diffusion en continu Roku, Google Chromecast, les téléphones Android et les téléviseurs, XBOX One, PlayStation 4, les téléviseurs LG, les produits Samsung, Chrome OS, Mac OS ou Windows PC.
En plus de tous ses nouveaux contenus, Disney+ abrite également des films classiques comme Aladdin , Sleeping Beauty , Robin Hood , A Bug’s Life et The Princess and The Frog que vous pouvez regarder à la demande, ainsi que des émissions Disney Channel Original comme Sky High , Elena of Avalor , Kim Possible et The Owl House . Ils ont également beaucoup de propriétés auxquelles vous ne vous attendez pas , comme Pixar Shorts, The Princess Bride , The Simpsons , Home Alone ,Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l’Armoire , Hamilton , et plus encore.
Début 2019, Apple Corps Ltd et WingNut Films Ltd ont annoncé un nouveau documentaire sur les Beatles , qui serait basé sur environ 55 heures de séquences de studio inédites des sessions « Get Back » et Let It Be du groupe en 1969 . Au cours des deux dernières années, de nouvelles informations ont continué à tomber sur le film, dirigé par le réalisateur oscarisé Sir Peter Jackson. Initialement prévu pour une sortie en septembre 2020, The Beatles: Get Back sera diffusé sur Disney + du 25 au 27 novembre.
En attendant sa première, voici ce que nous savons jusqu’à présent sur The Beatles: Get Back .
Il a été réalisé avec l’entière coopération du groupe
Les deux Paul McCartney et Ringo Starr ont chanté les louanges du film, tandis que John Lennon veuve de, Yoko Ono Lennon et George Harrison « veuve, Olivia Harrison, ont également offert leur soutien du projet.
Ce sera l’expérience ultime de voler sur le mur
« C’est comme si une machine à remonter le temps nous ramène en 1969, et nous pouvons nous asseoir dans le studio en regardant ces quatre amis faire de la bonne musique ensemble », a déclaré Peter Jackson.
Les images utilisées dans Get Back ont été tournées à l’origine pour le documentaire de Michael Lindsay-Hogg de 1970, Let It Be , qui a capturé des moments intimes en studio pendant que le groupe répétait et enregistrait les chansons de ce qui serait leur dernier album.
Le métrage, maintenant revisité par Jackson sous un nouveau jour, est le seul matériel à noter qui documente les Beatles au travail en studio.
The Beatles: Get Back
Il mettra en vedette la célèbre performance sur le toit dans son intégralité
Le 30 janvier 1969, les Beatles ont joué une performance surprise sur le toit de leur studio Savile Row. Bien que les images du tournage en direct aient été bien documentées au fil des ans, elles n’ont jamais été montrées dans leur intégralité. The Beatles: Get Back de Jackson comprendra l’intégralité de la performance de 42 minutes.
Ringo a récemment partagé ses souvenirs de cette performance emblématique avec Variety : « Nous avions décidé de jouer ensemble, en tant que groupe live. Et nous avons pensé à d’autres lieux, puis nous avons pensé : ‘Attendez, montons juste sur le toit.’ Et Michael a filmé ce truc sur le toit vraiment bien, avec beaucoup de caméras. »
Alors que le film original montrait environ 20 minutes de la performance, Ringo a déclaré qu’il était ravi de voir l’ensemble dans son intégralité, ajoutant « c’est génial ».
Le premier montage était de 18 heures
« Le premier montage a duré 18 heures et j’espérais qu’il y aurait un appétit pour dire: » OK, faisons une version de six heures « , a partagé Jackson dans une nouvelle interview avec GQ .
Toutes les séquences que nous avons tournées sont là et nous les avons simplement laissées comme scène coupée, il ne nous a donc pas fallu longtemps pour en faire une version plus longue.
Je savais que dans ce monde d’Internet, de streaming et de tout le reste, nous trouverions un chez-soi quelque part pour une version plus longue, ce qui évite d’avoir à couper des choses. »
Jackson a utilisé la technologie numérique en combinaison avec des images d’archives
Jackson a expliqué dans la même interview qu’ils avaient adopté la technologie du film They Shall Not Grow Old pour équilibrer la palette de couleurs du film, mais rien d’autre n’a été changé. Cela a laissé le réalisateur envieux de la mode à cette époque.
« Tout ce que nous avons fait, c’est d’utiliser la technologie que nous avons développée pour le film de la Première Guerre mondiale ‘Ils ne vieilliront pas’, en prenant toutes ces vieilles images de la Première Guerre mondiale et en les restaurant.
Nous n’avons pas essayé de pousser les couleurs primaires des vêtements vers le haut ou quoi que ce soit. Nous n’avons fait aucun truc comme ça. Nous venons d’équilibrer les tons de peau, et les couleurs que vous voyez, je suppose, sont les couleurs qui étaient là ce jour-là. Je veux dire, ça te rend jaloux des années 60, parce que les vêtements sont tellement fantastiques.
The Beatles: Get Back
‘Get Back’ est une célébration
Dans l’introduction de son interview avec Peter Jackson dans GQ , le journaliste Dylan Jones a expliqué à quel point le nouveau film est moins décevant que l’original.
« ‘The Beatles: Get Back’ est une autre étape sur la route longue et sinueuse vers une immortalité améliorée, car les films montrent les Beatles au sommet de leur art et ne se détériorent pas, comme ils semblaient l’être dans ‘Let de Michael Lindsay-Hogg Il soit.’
Le tout dernier film des Beatles a été un énorme échec lors de sa sortie en 1970 et il est resté un échec depuis. » Bref, Get Back est une célébration.
Vous pouvez vous attendre à entendre de la nouvelle musique
En plus des 55 heures de film, Jackson travaille également avec 140 heures d’enregistrements audio. Plusieurs des chansons sélectionnées au cours des sessions ont été incluses dans la compilation Anthology 3 de 1996, qui comprenait des extraits et des démos de « The White Album », Abbey Road et Let It Be . Cependant, il y a beaucoup de musique qui n’a pas été officiellement publiée.
Il offrira également une chance d’observer le développement des membres du groupe en tant qu’artistes solos. La plupart des morceaux qui n’ont pas été diffusés sur Let It Be ont ensuite été développés et inclus dans leurs albums solo, notamment le « Teddy Boy » écrit par Paul McCartney, qui est apparu sur son premier album solo de 1970, McCartney , et celui de George Harrison. Hear Me Lord’ et ‘Isn’t It A Pity’, qui ont ensuite été publiés sur son album de 1970, All Things Must Pass .
John Lennon, quant à lui, peut être entendu en train de travailler sur « Gimme Some Truth » et « Oh My Love », qui sont tous deux apparus dans Imagine en 1971 .
La vraie relation du groupe est révélée
Alors que le long métrage de Lindsay-Hogg offrait un regard en profondeur sur les sessions des Beatles, il révélait également certains des moments de tension dans le studio. À bien des égards, il documente un groupe au bord de la rupture.
Get Back , en revanche, regarde les images dans leur ensemble et brosse un tableau très différent du temps passé ensemble par le groupe. Dans une récente interview sur The Howard Stern Show , Paul McCartney a déclaré : « Nous nous amusons évidemment ensemble. Vous pouvez voir que nous nous respectons et que nous faisons de la musique ensemble, et c’est une joie de la voir se dérouler.
Pendant ce temps, dans une déclaration, Ringo a rappelé: « Nous avons passé des heures et des heures à rire et à jouer de la musique… Il y avait beaucoup de joie, et je pense que Peter le montrera. Je pense que cette version sera beaucoup plus paisible et aimante, comme nous l’étions vraiment.
S’adressant à Variety , Ringo a ajouté que le film original, « se concentrait uniquement sur le moment le plus bas… Tout le monde connaît ma position. Je pensais que le downer était beaucoup plus gros que le reste (dans Let It Be ). J’étais là . C’était très amusant… J’ai dit : « Je sais qu’il y a beaucoup d’humour là-bas. »
« La réalité est très différente du mythe », a confirmé Jackson dans un communiqué de presse. « Après avoir revu toutes les séquences et l’audio que Michael Lindsay-Hogg a tourné 18 mois avant leur rupture, c’est tout simplement un incroyable trésor historique. Bien sûr, il y a des moments dramatiques, mais aucune des discordes auxquelles ce projet a longtemps été associé. »
« The Beatles: Get Back crée un contre-récit joyeux au film Let It Be des Beatles de 1970, la chanson du cygne , qui a essentiellement documenté la rupture du groupe et est une expérience plutôt déprimante. Le nouveau film est complètement différent, avec les quatre membres qui rient et font le clown à la manière classique de la vadrouille », a écrit Variety , qui a pu visionner des segments du film.
The Beatles, Get Back: la fiche technique
– Titre original : The Beatles: Get Back
– Réalisation : Peter Jackson, avec des archives filmées par Michael Lindsay-Hogg
– Musique : The Beatles (remastérisée par Giles Martin et Sam Okell)
– Photographie : Anthony B. Richmond
– Montage : Jabez Olssen
– Production : Jonathan Clyde, Peter Jackson et Clare Olssen
– Producteurs délégués : Jeff Jones et Ken Kamins
– Sociétés de production : Apple Corps et WingNut Films
– Société de distribution : Walt Disney Pictures
– Pays d’origine : Drapeau du Royaume-Uni Royaume-Uni, Drapeau des États-Unis États-Unis, Drapeau de la Nouvelle-Zélande Nouvelle-Zélande
– Format : Couleurs
– Genre : documentaire musical
– Durée : 6 heures
– Dates de sortie : 25, 26 et 27 novembre 2021 (Disney+)
The Beatles, Get Back: La Distribution
John Lennon
Paul McCartney
George Harrison
Ringo Starr
Billy Preston
Yoko Ono
Mal Evans
George Martin
Linda McCartney
Heather McCartney
The Beatles, Get Back: La génése
Initié par le directeur général de Apple Corps Jeff Jones et son collègue Jonathan Clyde, Peter Jackson est approché afin d’effectuer la restauration des images tournées en janvier 1969 pour un nouveau film documentaire.
Le réalisateur qui devait effectuer ce nouveau montage ayant démissionné, Jackson se montre intéressé au projet. Mais celui-ci, possédant une copie du film original et réticent de réaliser un film sur la dissolution de ce groupe mythique, n’a pas accepté de s’impliquer avant de visionner ces heures de séquences filmées.
Par la suite, il affirme : « Ce que j’ai trouvé, c’est que j’ai ri continuellement. Je ne faisais que rire. Je riais et riais et riais et je ne pouvais pas m’arrêter. » Lorsqu’il rencontre Paul McCartney à l’arrière-scène de son spectacle à Auckland en 2017, il surprend l’ex-beatle quand il lui décrit ce qu’il a vu.
Refusant de permettre la restauration du film d’origine et inquiété par ses propres souvenirs de ses séances, teintées par la perception généralement glauque de ce mois en studio, McCartney est rassuré et le projet peut alors débuter.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Quelle est l’histoire derrière l’album Get Back des Beatles ?
L’album Get Back a une histoire assez complexe et mouvementée. À l’origine, le projet était de faire un documentaire cinématographique sur l’enregistrement d’un nouvel album des Beatles, qui aurait pour titre provisoire Get Back.
Le réalisateur Michael Lindsay-Hogg a filmé le groupe pendant plusieurs semaines, notamment pendant les sessions d’enregistrement au studio Twickenham à Londres et dans les studios d’Apple Corps à Savile Row. Le projet a été marqué par des tensions au sein du groupe, notamment entre Paul McCartney et les autres membres, ainsi que des problèmes techniques et artistiques.
Finalement, le projet a été abandonné, mais les enregistrements ont été retravaillés et ont abouti à la sortie de l’album Let It Be, qui est sorti en 1970, peu après la séparation du groupe. En 2003, une version alternative de l’album, intitulée Let It Be… Naked, a été publiée, qui présente les chansons dans une version dépouillée, sans les ajouts et les effets sonores qui avaient été ajoutés à l’époque.
En 2021, une nouvelle version de l’album, intitulée Get Back, est sortie, qui a été remixée et restaurée à partir des enregistrements originaux.
Quelles sont les chansons les plus connues de l’album Get Back des Beatles ?
L’album Get Back a donné naissance à plusieurs chansons qui sont devenues des classiques du répertoire des Beatles. La chanson-titre, « Get Back », est sans doute la plus célèbre, avec son riff de guitare entraînant et son refrain accrocheur. « Let It Be » est également un classique, avec sa mélodie émouvante et ses paroles qui ont une signification spirituelle pour beaucoup de gens.
« The Long and Winding Road » est une ballade puissante avec des arrangements orchestraux, tandis que « Across the Universe » est une chanson plus expérimentale avec des paroles inspirées de la méditation transcendantale.
Quelle a été la réception de l’album Get Back des Beatles ?
L’album Get Back a été accueilli de manière mitigée par la critique à sa sortie, en partie en raison de la façon dont les enregistrements ont été produits et des conflits internes du groupe. Cependant, certaines des chansons de l’album sont devenues des classiques indémodables et ont été saluées pour leur qualité musicale.
La version remixée et restaurée de l’album qui est sortie en 2021 a été saluée par les fans et la critique pour sa qualité sonore améliorée et pour le fait qu’elle présente le groupe de manière plus positive, en montrant leur collaboration créative et leur complicité.
Quand est-ce que l’album « Let It Be » est sorti ?
« L’album « Let It Be » est sorti le 8 mai 1970, après que le groupe ait déjà annoncé sa séparation. Cependant, l’enregistrement de l’album a été tumultueux et il y avait beaucoup de tension entre les membres du groupe. Pour cette raison, la production de l’album a été mise en attente et le groupe a enregistré l’album « Abbey Road » avant de finaliser « Let It Be ».
Quelle est la signification de la chanson « Get Back » ?
« Get Back » a été écrite par Paul McCartney et a été inspirée par la ségrégation raciale aux États-Unis à l’époque. McCartney a imaginé une histoire dans laquelle Jojo était un homme blanc qui voulait aller à Los Angeles pour rencontrer une femme noire nommée Loretta Martin. La chanson a été enregistrée avec Billy Preston, un pianiste américain qui a également joué avec les Beatles lors de la session de « Let It Be ».
Comment a été enregistré l’album « Let It Be » ?
L’album « Let It Be » a été enregistré en grande partie en janvier 1969, dans les studios de Twickenham Film Studios à Londres. Le groupe a également enregistré des sessions à la fin du mois d’août de la même année aux studios Apple, également à Londres. L’album a été produit par Phil Spector, qui a ajouté des arrangements orchestraux à certaines chansons, y compris « The Long and Winding Road ».
L’album a été enregistré en utilisant un équipement relativement simple, car le groupe cherchait à enregistrer un album dans un style « live ». Cependant, le processus d’enregistrement a été marqué par des tensions et des désaccords, et il y avait des divergences sur la façon dont l’album devait être produit.
La musique métal : présentation, origine et culture
Vous avez probablement entendu parler de la musique métal…, ma mère aussi.
J’ai beau lui expliquer depuis des années le pourquoi du comment, elle ne comprend toujours pas. Voilà donc une synthèse pour qu’enfin, elle comprenne… Le métal, savez-vous vraiment ce qu’est la musique métal ? Connaissez-vous cette musique et sa culture? Vous pouvez avoir des hypothèses erronées sur ce sujet.
La musique métal : c’est quoi ?
La musique métal est un style musical qui provient de nombreux courants, principalement du hard rock. Le rock est généralement l’un des styles musicaux les plus importants du 20e siècle.
Après Psychedelic Rock et Blues Rock des années 60 avec Sweet Smoke et Yardbirds, un nouveau genre est apparu au début des années 70: le Hard Rock. Ce rock est beaucoup plus musclé, avec des riffs puissants *, un son de guitare riche et souvent un tempo plus rapide.
Le chanteur de hard rock est très souvent charismatique et forme « la marque » du groupe. La liste des groupes d’anthologie est longue dans ce genre, mais on peut citer, par exemple, Led Zep, Aerosmith, Deep Purple, Van Halen et bien sûr AC / DC.
A partie de 1969, un groupe quelque peu différent a commencé à faire parler de lui : Black Sabbath. C’était du hard rock ? Pas vraiment, car même si le chanteur Ozzy Osbourne avait une voix aussi charismatique que celle de Robert Plant (Led Zeppelin) ou Bon Scott (AC / DC), le tempo était beaucoup plus lent, les riffs beaucoup plus durs.
Les chansons étaient souvent composées en mode mineur, contrairement au hard rock, qui avait tendance à être en mode majeur. En termes simples, un mode majeur donne généralement à la chanson un ton plus joyeux et dynamique qu’un mode mineur, qui lui donne un sentiment plus triste, plus mélancolique, plus sombre et plus mystérieux. Attention cependant, ce n’est pas systématique et il existe de nombreux contre-exemples.
Black Sabbath a réussi et de nombreux groupes s’en sont inspirés. Compte tenu de l’expansion de ce style, il a finalement été caractérisé et nommé : le métal. La musique métalest née.
La musique métal est un genre extrêmement complexe et diversifié, il est donc assez difficile de généraliser la musique métal, mais certains éléments typiques sont toujours présents dans les différents sous-genres. Tout d’abord, le mode mineur prédomine dans les compositions, ce qui donne aux chansons une connotation sombre.
Ce sentiment est renforcé par l’utilisation massive de l’intervalle « Newt » (exactement trois tons, ce qui correspond à un cinquième augmenté ou un cinquième réduit), qui est considéré comme un accord dissonant par excellence et contribue au fait que l’impression peut être entendue dans une musique agaçante et grinçante, d’où le nom « Métal ». Un très bon exemple est la chanson « Black Sabbath » du groupe du même nom, dans laquelle le gimmick principal repose sur le triton.
Crédit photo : Eric CANTO
Les instruments de la musique métal
Au niveau des instruments, on retrouve dans la musique métal la combinaison caractéristique du hard rock: une ou deux guitares électriques (en l’occurrence lead et rythmique), une basse et un kit de batterie. Les musiciens peuvent également utiliser un clavier, en particulier dans des genres comme le métal symphonique et d’autres instruments folkloriques (violon, cornemuse, flûte, etc.) en métal folklorique.
Le rythme des compositions de la musique métal est généralement très rapide et s’approche parfois des limites de la capacité humaine. Un exemple bien connu est la chanson « Through the Fire and Flames » de DragonForce, dont le tempo est de 200 battements par minute.
Le rythme de la musique métal
Le rythme très rapide de la musique métal oblige souvent les musiciens à avoir une grande maîtrise technique de leurs instruments, voire une certaine virtuosité. C’est généralement le cas pour les batteurs qui utilisent beaucoup de toms et la double pédale.
Une exception notable concerne le Doom Metal, qui se caractérise par un rythme très lent. Les techniques utilisées sur la guitare vont des accords de puissance (accords simples, mauvais harmoniques qui sonnent puissants) à des accords plus complexes et virtuoses comme le shred (qui combine vitesse et technique) ou le picking de trémolo (note répétée très rapidement).
Le chant de la musique métal
Concernant la chanson, on associe souvent (à tort!) Le chant de la gorge (la chanson qui donne l’impression que le chanteur mange son déjeuner) avec du métal.
Ce type de chanson n’existe pas dans tous les sous-genres de la musique métal, bien au contraire! Le type de voix et la technique vocale utilisés sont des caractéristiques distinctives importantes des sous-genres, c’est pourquoi j’y reviendrai dans un autre article.
L’esprit du métal: un mouvement satanique ?
Le métal est souvent associé à tort au satanisme. Pourquoi ? Il s’avère que le métal est un style résolument provocateur. Cet esprit existe également dans le punk, mais ce genre attaque davantage la politique et la société, tandis que le métal est plus contraire à la religion.
En fait, le métal rejette souvent l’influence de la religion sur nos sociétés et les entraves qui leur sont associées.
Cela ne veut pas dire que les métalleux ne sont pas croyants ou impies.
Il y a un petit sous-genre appelé « Christian Métal » qui incorpore des messages chrétiens dans les paroles. Cependant, ce style s’est particulièrement développé dans les pays où le christianisme domine, et les groupes choisissent souvent de marquer leur opposition et de simplement s’inspirer de ce que l’Église condamne: le diable et le satanisme. Pour cette raison, certains éléments rappellent la culture de métal imprégné de Satan:
– Le triton: Cette période a été interdite au Moyen Âge et associée à Satan. L’Eglise l’avait appelé « Diabolus In Musica ».
– Cornes de diable: C’est le symbole collectif des têtes métalliques, de l’index et du petit doigt levé.
– Le nombre 666 signifie « le nombre de la bête », le nombre du diable, contrairement au nombre 333, qui est associé à la Trinité (Dieu, le Christ et le Saint-Esprit). Plusieurs chansons le montrent, y compris la chanson et l’album éponyme d’Iron Maiden « The Number of the Beast ».
– La croix inversée: symbole de l’Antéchrist, qui est contenu dans les logos de certains groupes ou dans des éléments décoratifs scéniques.
– Le pentagramme inversé: figure ésotérique utilisée dans les rituels sataniques et parfois représentée dans les logos de certains groupes. Bien que ces éléments soient très présents dans la culture du métal, très peu de groupes et de métallurgistes sont résolument sataniques.
Ces références ne sont utilisées que pour indiquer le rejet de la religion en général (en particulier les religions chrétiennes) et font largement partie du « folklore ». Le métal n’est donc pas un mouvement satanique, comme certains groupes et politiciens chrétiens veulent le croire.
Crédit photo : Eric CANTO
Thèmes récurrents de la musique métal
Comme je l’ai dit, le métal est un genre qui s’intéresse davantage à la spiritualité, à nos questions intérieures et à nos peurs. Et quoi de plus effrayant pour l’homme à cet égard que la mort, ce grand inconnu ?
Par conséquent, ce dernier est l’un des thèmes récurrents à la fois dans les chansons et les noms des groupes. A travers le métal, les groupes ont aussi le désir de porter nos sentiments négatifs à l’extérieur, de servir brièvement de « catharsis ».
La souffrance physique et mentale, la peur, l’inconfort, la solitude, la colère et la violence sont donc des sources d’inspiration pour de nombreux groupes.
Dans certains genres comme le folk métal et le black métal, les mythologies nordiques et celtiques jouent un rôle important, souvent associé au désir de redécouvrir nos origines et de communiquer avec les forces de la nature. Il convient également de noter que le paganisme a été sévèrement condamné par l’Église et que toutes ces mythologies et cultures ont été abandonnées en raison de l’oppression catholique.
Une manière de marquer à nouveau son opposition aux religions chrétiennes … Les univers qui émergent de la littérature fantastique héroïque (chevalerie, créatures mythiques, magie, quête héroïque, bataille entre le bien et le mal, etc.) sont également une source d’inspiration pour certains groupes, notamment pour le Power Metal et le Metal symphonique.
Cependant, ne croyez pas que les métalleux sont déprimés et à risque de suicide ou même de mystiques! Les Métalleux aiment aussi (et surtout) apprécier et profiter des joies de la vie: l’alcool et le sexe sont des sujets très courants dans les chansons.
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Crédit photo : Eric CANTO
Culture de la musique métal
Code vestimentaire de la musique métal
La couleur du métal est le noir. Le métal head a souvent les cheveux longs, un t-shirt à l’image de son groupe préféré, un jean ou un pantalon à bretelles, éventuellement des bracelets de force, et le Dr. Martens ou Converse, bref, une tenue pour se sentir bien et faire preuve de passion. Le cuir, les ongles, les pointes diverses et variées sont également des éléments très courants.
La veste à patch est aussi un vêtement associé au hard rock et au métal: c’est une veste (en jean ou en mesh) sur laquelle le métalhead coud des patchs avec les noms et logos des groupes qu’il préfère.
Lors de concerts, vous pouvez également rencontrer des amateurs de musique métal portant un kilt et une corne à boire. Dans ces cas, vous devez traiter avec des amateurs de folk métal. Note importante: Très souvent, des amateurs de musique métal s’intègrent dans la population, car beaucoup ne prennent cette « tenue » que lors de concerts et de festivals.
Un autre point important de l’aspect métallique est certainement les modifications corporelles: les fans de métal portent souvent de nombreux tatouages et couvrent parfois une partie du corps (bras, dos, torse, etc.). Les piercings sont également courants.
Comment bouge un métalleux lors de concerts de métal
Les amateurs de musique métal aiment aller à des concerts ou à des festivals comme le Hellfest. Contrairement à de nombreux concerts d’autres styles musicaux, le public métal est particulièrement dynamique. Le mouvement de base est le headbang, un mouvement de la tête d’avant en arrière qui suit le tempo de la musique. Et les métalleux vous diront que l’effet est beaucoup plus réussi si vous avez les cheveux longs !
Le signe le plus pratiqué est celui des cornes du diable, qui est principalement utilisé pour saluer la fin d’une pièce et d’un concert (le metalhead préfère généralement faire les cornes du diable et sa satisfaction par un cri ou un Exprimez un grognement au lieu d’applaudir).
Des chorégraphies peuvent être réalisées pour les plus sportifs. Tout d’abord, le pogo, inspiré du punk, qui forme la base de la « danse » métal. Il s’agit de sauter de haut en bas et de rencontrer vos voisins, ce qui vous donne l’impression de sauter de haut en bas.
Soyez assuré que si jamais vous tombez dans un pogo, il y aura toujours quelqu’un pour vous aider à vous lever ! Ensuite, il y a d’autres chorégraphies plus extrêmes réservées aux plus audacieux: – The Mosh Pit: Pogo, qui exerce également des mouvements de bras d’avant en arrière et des coups de pied un peu inspirés des arts martiaux. Le mosh pit est principalement pratiqué dans les concerts de métalcore.
Le wall of death
Le mouvement le plus extrême et impressionnant du public ! Afin de former un mur de la mort, le public s’est divisé en deux parties à la demande du chanteur, une à sa droite, une à sa gauche. A son signal, les deux moitiés du public doivent se heurter au milieu du terrain et provoquer une grosse collision. C’est ainsi que se termine cette première partie de « Metal for Dummies« .
Le métal étant un genre très vaste et complexe, dans un prochain article, j’expliquerai les caractéristiques des différents sous-genres qui peuplent ce style de musique.
Maintenant que vous en savez un peu plus sur la culture métal, j’espère que vous n’avez plus peur des amateurs de musique métal et de leur musique, car même si ce style semble violent à première vue, vous constaterez qu’il est très riche et que ses disciples sont des amateurs de bière et de camaraderie, mais surtout…des mélomanes.
Voilà, normalement ma mère a capté ce que nous venons de raconter.
Là franchement, je ne peux pas plus simplifier.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La musique Métal est un genre musical qui est apparu à la fin des années 1960 et au début des années 1970, principalement en Grande-Bretagne et aux États-Unis. Elle se caractérise par des guitares électriques très saturées, des rythmes lourds et des voix puissantes. Le Métal englobe de nombreux sous-genres, tels que le Heavy Métal, le Thrash Métal, le Death Métal, le Black Métal, le Doom Métal, etc.
2. Quels sont les instruments typiques utilisés dans la musique Métal ?
Les instruments typiques utilisés dans la musique Métal sont la guitare électrique, la basse électrique, la batterie et le chant. Certaines formations incluent également des claviers, des violons ou d’autres instruments plus inhabituels.
3. Qu’est-ce que le headbanging ?
Le headbanging est un mouvement caractéristique associé à la musique Métal. Il consiste en un mouvement de la tête en avant et en arrière, en suivant le rythme de la musique. Le headbanging peut être pratiqué debout ou assis, et peut varier en intensité selon les individus.
4. Quels sont les artistes emblématiques de la musique Métal ?
La musique Métal a donné naissance à de nombreux artistes emblématiques, tels que Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica, Slayer, Megadeth, Pantera, AC/DC, Judas Priest, Motörhead, Ozzy Osbourne, et bien d’autres encore.
5. Qu’est-ce que le mosh pit ?
Le mosh pit, également appelé circle pit ou pit, est une pratique associée à la musique Métal. Il s’agit d’un espace dans le public où les spectateurs se regroupent pour danser de manière très énergique en se bousculant. Le mosh pit peut être assez violent et nécessite une grande vigilance pour éviter les blessures.
6. Comment les paroles des chansons Métal sont-elles généralement écrites ?
Les paroles des chansons Métal peuvent aborder de nombreux sujets, tels que la politique, la religion, la guerre, l’amour, la mort, la nature, etc. Elles sont souvent écrites de manière poétique, métaphorique ou imagée, et peuvent être très sombres ou provocatrices.
7. Comment la musique Métal est-elle perçue dans la société ?
La musique Métal est souvent perçue de manière controversée dans la société. Elle est parfois associée à des comportements violents, des drogues, ou des idéologies extrêmes. Cependant, elle est également appréciée par de nombreux fans pour son énergie, sa créativité, et son engagement envers la liberté d’expression.
8. Comment la musique Métal a-t-elle évolué au fil du temps ?
La musique Métal a connu de nombreuses évolutions au fil du temps, avec l’apparition de nouveaux sous-genres et des influences diverses provenant d’autres genres musicaux. Par exemple, le Heavy Métal classique des années 1970 a évolué vers le Thrash Métal dans les années 1980, qui était plus rapide et plus agressif. Dans les années 1990, le Death Métal et le Black Métal ont émergé, avec des paroles plus sombres et des rythmes plus lents. Au cours des dernières années, des genres tels que le Metalcore et le Djent ont vu le jour, apportant des éléments de musique électronique et de Jazz au Métal.
9. Qu’est-ce que le metal underground ?
Le metal underground est une scène musicale alternative qui se caractérise par des groupes indépendants et des labels de musique indépendants. Ces groupes ne sont pas forcément connus du grand public, mais ils sont appréciés par les fans de Métal pour leur originalité, leur créativité et leur engagement envers le genre.
10. Qu’est-ce que le Metallica Black Album et pourquoi est-il important pour le Métal ?
Le Metallica Black Album est le cinquième album studio de Metallica, sorti en 1991. Il s’agit d’un album très important pour la musique Métal, car il a permis au groupe de conquérir un public plus large et de s’affirmer comme l’un des plus grands groupes de Métal au monde. L’album est également important car il a introduit des éléments plus mélodiques dans le son de Metallica, ce qui a influencé de nombreux groupes de Métal ultérieurs.
Comprendre la défiscalisation oeuvre d’art c’es simple : Vous souhaitez embellir votre salon ou vos salles de réunion à peu de frais ? Cela tombe bien car l’acquisition de tirage d’art peut vous ouvrir les portes de la défiscalisation d’oeuvre d’art ! En effet, en soutenant un artiste par l’achat d’une de ses œuvres, vous pourrez réduire le montant de votre impôt.
Par ailleurs, la défiscalisation des œuvres d’art (contemporain ou classique) concerne aussi bien les particuliers que les professionnels. Mais la réduction d’impôt liée aux œuvres d’art doit répondre à des exigences bien précises. Nous vous expliquons comment ça marche.
Défiscalisation oeuvre d’art
L’entreprise qui achète des œuvres originales d’artistes vivants pour les exposer au public peut déduire le prix d’acquisition de son résultat imposable. C’est aussi le cas pour l’achat d’instruments de musique destinés être prêtés aux artistes. Il faut cependant que ces œuvres ou instruments répondent à certaines conditions.
Oeuvre d’art et impôt sur le revenu
Acheter une œuvre d’art pour décorer sa maison ou son local professionnel est une riche idée. Signe d’ouverture d’esprit et de sensibilité artistique. C’est également un excellent moyen d’alléger un peu ses impôts sur le revenu.
En effet, l’acquisition, la restauration d’œuvres d’art ou de mobilier ancien, la location d’instruments de musique figure parmi les moyens de bénéficier d’une défiscalisation. En effet, les œuvres d’art n’entrent pas dans la base taxable de l’Impôt sur la Fortune Immobilière (ex-ISF). De plus, elles ouvrent le droit à une défiscalisation pour les particuliers et les entreprises.
Sont pris en compte comme des œuvres d’art au yeux du fisc les éléments suivants :
• Photographie en tirage d’art
• voitures de collection,
• statues,
• tapis et tapisseries,
• gravures,
• vêtements d’hommes célèbres,
• tableaux,
• timbres,
• objets d’antiquité de plus de 100 ans,
• insectes sous cadre-vitrine
Défiscalisation oeuvre d’art
Particulier et défiscalisation oeuvre d’art
L’acquisition d’œuvres d’art vous sera financièrement utile si vous payez l’Impôt de Solidarité sur la Fortune. En effet, les œuvres d’art sont totalement pris en compte pour une réduction d’impôts et ne doivent donc pas être mentionnées sur votre déclaration d’ISF. De plus, l’argent dépensé pour l’acquisition de ces œuvres n’est également pas imposable.
Exonéré d’ISF jusqu’en 2017, l’art est aujourd’hui purement et simplement exclu de l’assiette de l’impôt sur la fortune immobilière issu de la loi de finances pour 2018.
Cela signifie que vous pouvez légalement abaisser le plafond de votre ISF. Le tout en en investissant dans une œuvre d’art qui pourrait vous rapporter une somme conséquente en cas de revente !
Attention : lors de cette revente, vous devrez vous acquitter soit d’une taxe de 5 % sur votre plus-value, soit d’une taxation normale de 27 % avec un abattement de 10 % par an à partir de deux ans d’acquisition.
Défiscalisation oeuvre d’art
Dans le cas d’une succession, les œuvres acquises peuvent être pris en compte dans le forfait des 5 % de meubles meublants. On désigne par là tous les objets servant à l’ameublement et à la décoration d’un logement. Vous avez également la possibilité de les proposer en tant que paiement en dation (titre de paiement des droits dus).
Contrairement aux entreprises qui doivent s’engager à exposer les œuvres acquises au public pour pouvoir les défiscaliser. Pour les particuliers, l’exposition n’est absolument pas obligatoire.
Société et défiscalisation oeuvre d’art : Pour qui ?
– Les sociétés soumises, de plein droit ou sur option, à l’impôt sur les sociétés (IS).
– Les entreprises individuelles soumises à l’impôt sur le revenu dans la catégorie des BIC, à l’exclusion des BNC (Exemple : un médecin ne peut pas mais un cabinet médical pourrait).
– Plus généralement, il faut être en mesure d’inscrire le prix de l’œuvre à un compte de réserve spéciale au passif du bilan de l’entreprise.
Société et défiscalisation oeuvre d’art : les conditions
L’entreprise doit exposer l’œuvre d’art et doit communiquer sur le lieu de l’exposition :
– Dans un lieu accessible gratuitement au public ou aux salariés ; dans les locaux de l’entreprise, (Exemple : il ne peut pas s’agir d’un bureau personnel, d’une résidence personnelle ou d’un lieu réservé aux seuls clients de l’entreprise) ;
– Ou lors de manifestations organisées par l’entreprise ou par un musée, une collectivité territoriale ou un établissement public auquel le bien aura été confié ou dans un musée auquel le bien est mis en dépôt ;
– En permanence pendant 5 ans (période correspondant à l’année d’acquisition et aux 4 années suivantes).
Défiscalisation oeuvre d’art
Société et défiscalisation oeuvre d’art : Comment et combien ?
L’acquisition d’œuvres originales d’artistes vivants et le mécénat, ouvrent à une déduction fiscale plafonnée en fonction de l’option la plus avantageuse pour l’entreprise :
– Soit à hauteur de 0,5% du chiffre d’Affaire Hors Taxe
– ou bien à hauteur 20 000 €, plafond alternatif
Pour l’achat d’œuvre d’art, le montant de l’achat est déductible du résultat de l’année d’acquisition et sur les quatre années qui suivent (soit un étalement sur 5 ans) et ce par fractions égales = division du prix de l’œuvre par 5.
Ces 1/5ème sont donc déductibles dans la limite de 0,5% du Chiffre d’Affaire Hors Taxe ou 20 000 euros, en fonction de l’option la plus avantageuse et minorées des actions de mécénats déjà réalisées sur l’année.
Si la fraction du prix d’acquisition de ou des œuvres achetées (1/5ème) ne peut être totalement déduite sur une année, l’excédent non utilisé ne peut pas être reporté et déduit sur l’année suivante, il est perdu.
Défiscalisation oeuvre d’art
Voici quelques exemples de défiscalisation d’oeuvre d’art :
Défiscalisation oeuvre d’art, exemple 1 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvres pour un montant de 10 000 €. Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros, supérieur au plafond des 0,5% de son CA HT : ici 1 000 euros seulement. Elle peut ainsi bénéficier de la totalité de la déduction fiscale : 10 000 euros / 5 = 2 000 euros. Elle peut donc déduire sur 5 ans 2 000 euros par an et ce jusqu’à 20 000 euros maximum pour l’année N.
défiscalisation d’oeuvres d’art
Défiscalisation oeuvre d’art, exemple 2 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 5 millions d’euros.
Elle achète une ou des œuvres pour un montant de 10 000 €. Elle a ici intérêt à choisir le plafond imposé par les 0,5% du CA HT : ici 25 000 euros, supérieur au plafond alternatif de 20 000 euros. Elle peut ainsi bénéficier de la totalité de la déduction fiscale : 10 000 euros / 5 = 2 000 euros.
Elle peut donc déduire sur 5 ans 2 000 euros par an et ce jusqu’à 25 000 euros maximum pour l’année N.
Défiscalisation oeuvre d’art exemple 3 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvres pour un montant de 10 000 euros et réalise des actions de mécénat pour un montant de 18 000 euros.
Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros, supérieur au plafond des 0,5% de son CA HT : ici 1 000 euros seulement.
L’entreprise peut bénéficier de la totalité de la déduction fiscale : 10 000 euros / 5 = 2 000 euros + 18 000 euros = 20 000 euros.
Elle peut donc déduire sur 5 ans 2 000 euros par an mais aussi bénéficier de la déduction au titre de ses actions de mécénat pour un total de 20 000 euros (18 000 euros + 2 000 euros) sur l’année N.
défiscalisation d’oeuvres d’art
Défiscalisation oeuvre d’art exemple 4 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvre pour un montant de 10 000 € et réalise des actions de mécénat pour un total de 20 000 euros.
Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros supérieur au plafond des 0,5% du CA HT : ici 1 000 euros seulement.
Dans la mesure où le plafond global de déduction est déjà atteint à la suite de l’opération de mécénat (20 000 euros), le montant de déduction annuel correspondant à l’achat de l’œuvre d’art : 10 000 euros/5 = 2 000 € n’est pas déductible. Ce montant est définitivement perdu pour l’année N.
Défiscalisation oeuvre d’art exemple 5 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvres d’art pour un montant de 10 000 € et effectue des actions de mécénat pour un montant de 19 000 euros.
Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros, supérieur au plafond des 0,5% de son CA HT : ici 1 000 euros seulement.
Dans la mesure où le plafond global de déduction (20 000 euros) est atteint en additionnant le mécénat et l’achat d’œuvre (10 000 euros/5 = 2 000 euros + 19 000 = 21 000 euros), Le mécénat est déductible prioritairement et ici intégralement.
Ce n’est pas le cas du montant correspondant à l’achat de ou des œuvres d’art : 10 000 euros /5 = 2 000 euros. Seule la fraction restante se situant en-dessous du plafond de 20 000 euros, soit 1 000 euros l’est. Les 1 000 euros restants sont définitivement perdus.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le papier Fine Art est un papier de très haute qualité utilisé pour l’impression d’art. L’impression d’art est le terme souvent utilisé pour désigner des photographies professionnelles imprimées sur du papier de très haute qualité.
Cette appellation, papier Fine Art, qui n’est en aucun cas un label, répond à certains critères de qualité, notamment sur le papier, recherchés par de nombreux photographes et imprimeurs.
Des professionnels attirés par le papier Fine d’art
La différence entre le papier Fine ART et le papier photo normal réside dans la composition du papier lui-même. En effet, les fibres naturelles (généralement du coton ou de l’alpha cellulose) doivent entrer dans la composition du papier beaux-arts.
Le papier Fine ART n’est pas blanchi artificiellement au chlore, garantissant ainsi que les photos résistent à l’épreuve du temps. Un atout majeur dans le domaine de la photographie d’art !
Le papier photo normal répond aux besoins de certains utilisateurs lorsqu’il s’agit d’imprimer des photos à visionner occasionnellement, tandis que le papier beaux-arts garantira que les images sont présentées sous leur meilleur jour et offre de bonnes performances lors de l’exposition de tirages.
papier fine art
Papier Fine ART : des tirages faits pour durer
papier Fine Art étant destiné à l’impression de photographies de haute qualité, sa qualité doit être parfaitement adaptée à la réception d’encres et de pigments. La composition de la couche de surface doit permettre à l’encre de bien adhérer dans le temps, tout en offrant un pH neutre pour que le papier résiste également à l’épreuve du temps.
Enfin, papier Fine Art vous permettra de mettre en valeur la composition de l’image, tout en offrant le support idéal pour des couleurs intenses et des contrastes marqués, tout en permettant une large gamme de tons de gris.
Papier fine art
Choisir un papier Fine ART : une question de feeling
L’épaisseur, la teinte et la texture du papier sont trois éléments « sensoriels » qui jouent un rôle important dans le choix d’un papier photo Fine ART. L’épaisseur aura non seulement un effet sur la rigidité du papier, mais aussi sur son adhérence et sa capacité à résister à l’impression.
Tous les papiers photo Fine ART n’ont pas la même nuance de blanc. Certains auront des teintes plus chaudes que d’autres. Par exemple, Canson® Infinity Photo Lustre Premium RC est l’un des papiers les plus blancs, tandis que Canson® Infinity Platine Fiber Rag aura un ton plus chaud.
Le ton d’un papier est un facteur crucial lorsqu’on décide d’imprimer une photographie en noir et blanc ou en couleur. Par exemple, les tons de gris sont moins nets sur un papier blanc chaud.
La texture d’un papier Fine ART correspond à son ressenti au toucher : lisse, granuleux, etc. En général, un papier lisse conviendra mieux à une photo qui sera exposée sous verre, tandis qu’un papier plus texturé donnera plus de caractère à une photo non émaillée.
Par exemple, Canson Infinity Velin Museum Rag 315 g/m² a une structure lisse et légèrement granuleuse, ce qui est idéal pour imprimer une photo de haute qualité
Choisir le bon papier beaux-arts pour vos impressions est un processus très subjectif. Cela dépend uniquement de l’apparence que vous souhaitez personnellement obtenir pour votre œuvre d’art. Par exemple, la même image peut être imprimée sur un papier chiffon en coton lisse ou un papier aquarelle texturé, mais l’apparence de l’impression finale peut être très différente.
La durée de vie du papier beaux-arts
En ce qui concerne les papiers d’archives d’art, il existe deux catégories principales : les papiers mats (finition mate) et les papiers photo (finition satinée/brillante).
La durée de vie de nos impressions sur ces papiers nous survivra à tous, vous envisagez 75 à 100 ans si elles sont stockées et entretenues correctement.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
C’est quoi exactement l’impression Fine ART ? Une idée fausse standard que les collectionneurs novices ont est que toutes les impressions sont des reproductions. Comme des affiches accrochées au mur, reproduites mécaniquement et vendues.
La vérité est que les tirages d’art, même dans les rares occasions où ils prennent la forme d’affiches, sont des œuvres d’art originales à part entière. Ces œuvres portent la trace de la main de l’artiste, ainsi que les marques de l’imprimeur avec lequel l’artiste a choisi de travailler.
Les estampes réalisées par nos artistes préférés sont tout aussi originales que leurs sculptures, peintures ou photographies, il y en a juste plus.
La gravure est avant tout un art. Pour cette raison, les tirages originaux se vendent plus d’un million de dollars aux enchères.
Tout récemment, une eau-forte de Pablo Picasso, La Minotauromachie, s’est vendue pour la somme record de 1,98 million de dollars. Bien sûr, tous les types d’impressions n’atteignent pas cette stratosphère somme .
Comme nous le verrons, la collection d’estampes peut être un moyen pragmatiquement peu coûteux de développer une collection d’art respectable. L’essentiel est de savoir quoi chercher.
IMPRESSION FINE ART – L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
Les tirages d’art sont généralement imprimés à partir de fichiers électroniques à l’aide d’encres de qualité archive et sur du papier sans acide, c’est l‘impression Fine ART
Si vous recherchez une impression qui durera des décennies, choisissez toujours un papier sans acide. C’est la matière acide de plusieurs papiers qui les fait jaunir, casser et se fissurer avec le temps. Nos tirages sur le shop sont sans acide et faits de fibres 100 % coton, ce qui garantit que votre impression sera aussi belle pendant plusieurs années qu’elle l’était le jour de sa publication.
Ces couleurs, lorsqu’elles sont mélangées, peuvent produire des millions de couleurs différentes. Ils ont une gamme de couleurs beaucoup plus large que votre imprimante grand format moyenne.
Les fichiers numériques appropriés pour l’impression fine Art peuvent être dans plusieurs formats tels que ceux produits par des appareils photo numériques, des scanners ou des applications informatiques comme Adobe Photoshop.
Lors de la création de tels fichiers électroniques, il est essentiel de s’assurer que l’image est acceptable pour l’impression dans la taille requise. Pour des résultats optimaux, les photos doivent être de 300 dpi dans la taille d’impression requise, bien que s’il s’agisse d’une image d’excellente qualité, vous pouvez fréquemment éliminer 150 dpi et moins.
IMPRESSION FINE ART- L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
Tirages Fine Art et papier photo : quelle différence ?
L’impression fine Art est le terme souvent utilisé pour désigner des photographies professionnelles imprimées sur du papier de très haute qualité. Cette appellation, qui n’est en aucun cas un label, répond à des critères de qualité précis, sur le papier notamment, recherchés par de nombreux photographes et imprimeurs.
La différence entre le papier photo ordinaire et le papier fin Art réside dans la composition du papier lui-même.
Les fibres naturelles (généralement du coton ou de l’alpha-cellulose) doivent être incluses dans la structure du papier. Le papier n’est pas blanchi artificiellement au chlore, garantissant ainsi que les photos résistent à l’épreuve du temps. Un atout non négligeable dans le domaine de la photographie ! Le papier photo standard répond aux besoins des clients qui les consultent occasionnellement.
En revanche, les papiers beaux-arts assurent la meilleure lumière et offrent d’excellentes performances lors de l’exposition et sont faits pour durer. Le papier fin étant destiné à l’impression de photographies de haute qualité, sa qualité doit être parfaitement adaptée à la réception d’encres et de pigments.
Enfin, un papier fine art vous permettra de mettre en valeur la composition de l’image tout en offrant le support idéal pour des couleurs intenses et des contrastes marqués, tout en permettant également une large gamme de tons de gris.
IMPRESSION FINE ART: L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
L’impression giclée d’art (Giclée Printing)
Le terme giclée est le terme générique utilisé dans le monde entier pour caractériser une impression d’art sur imprimante à jet d’encre haute définition grand format. C’est le mot français qui a d’abord été employé tel quel, avec l’accent, par les inventeurs anglophones du procédé.
Impression Giclée : Elle est née dans le sillage des technologies informatiques de plus en plus accessibles aux artistes. Graham Nash (du groupe de rock Crosby, Stills, Nash et Young) a été l’un des premiers à utiliser avec succès des imprimantes informatiques pour son entreprise d’impression.
Cependant, en 1991, l’un des employés de Nash, l’artiste Jack Duganne, a inventé le terme « giclée », pour éloigner sa méthode d’impression plus artistique du modèle plus commercial de Nash.
Le mot lui-même dérive du mot français pour « buse » (giclée), et fait aujourd’hui référence à toute impression réalisée à l’aide d’encres d’archives, de papiers d’archives et de contrôle de la qualité des couleurs.
Les impressions giclées sont souvent une alternative peu coûteuse pour les artistes numériques qui souhaitent faire des reproductions de leurs œuvres d’art originales en deux dimensions tout en préservant le rendu original pour eux-mêmes.
Parlez à ceux qui savent. Un revendeur expérimenté saura évaluer une impression par le type de papier sur lequel elle est imprimée, l’absence ou la présence de filigranes, la taille globale de la feuille et la consistance de l’impression.
Cela dit, les premières éditions ont presque toujours plus de valeur, alors n’ayez pas peur de poser des questions et de consulter des spécialistes.
Il ne s’agit pas simplement d’une question de précaution, mais d’un prolongement d’un véritable intérêt pour le travail d’un artiste qui doit guider sa curiosité. Globalement, il faut surtout se méfier d’acheter un faux en pensant qu’il s’agit d’une œuvre authentique.
Puisqu’une estampe signée par l’artiste augmente sa valeur, il faut s’assurer que la signature qu’elle porte est légitime.
IMPRESSION FINE ART: L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
Ne présumez pas que l’artiste a signé une estampe. Des personnes sans scrupules sont connues pour prendre une véritable empreinte et falsifier la signature de l’artiste.
Étant donné qu’une estampe signée au crayon par l’artiste vaut plus que la même composition non signée, il faut être particulièrement prudent si l’on collectionne des œuvres d’artistes de premier plan tels que Virtosu, Picasso, Salvador Dali, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, etc.
Cependant, les impressions non signées ne sont pas toujours de mauvaises choses. Les acheteurs avisés à petit budget sont connus pour rechercher délibérément des impressions non signées du même tirage, sachant qu’il n’y a pas de différence esthétiquement, alors que les économies sont énormes.
Qu’est-ce qu’un tirage photographique ?
La différence entre une impression photographique et une impression fine art a à voir avec le papier impliqué dans l’impression. Le papier photographique n’est pas d’une qualité aussi élevée que le papier beaux-arts. Le papier photographique contient de l’acide, ce qui peut faire s’estomper l’impression, la fissurer ou même la fragiliser avec le temps.
Papier Fine art
Les IMPRESSIONS FINE ART sont réalisées avec des encres d’archives de haute qualité sur des papiers fins sans acide à l’aide d’une imprimante grand format haute résolution. Ceux-ci sont également connus sous le nom d’impressions fines giclées.
Ces papiers fins exquis sont sans acide car la teneur en acide d’autres papiers d’impression photographique peut les rendre cassants et se fissurer avec le temps. Ils deviendront également jaunes à cause d’une trop grande exposition à la lumière.
Les tirages d’art réalisés avec du papier sans acide ont une durée de vie de plus de cent ans et ne se fanent généralement pas, ne se fissurent pas et ne jaunissent pas. Le papier fin doit répondre à des critères de qualité spécifiques pour être considéré comme du papier fin. Les tirages fins sont très recherchés par les photographes et les artistes lorsqu’ils sélectionnent un papier pour leurs clients.
Qu’est-ce que la photographie d’art ?
La numérisation de la photographie change la façon dont les gens prennent des photos et définit en grande partie combien ont le talent et le don de devenir des professionnels. N’importe qui avec un appareil photo est un photographe, et beaucoup d’entre eux veulent être des photographes professionnels. Certains d’entre eux veulent être des artistes, ou bien ils peuvent être les deux.
Il y a une augmentation de ceux qui s’appellent eux-mêmes Fine Photographers, alors peut-être qu’il est temps de se pencher sur ce qu’ils sont ? En quoi sont-ils différents des photographes habituels ?
La photographie fine, c’est avant tout l’artiste. Au lieu de capturer ce que la caméra voit, ils capturent ce que l’artiste voit. Dans la photographie fine, l’artiste utilise l’appareil photo comme un autre outil pour créer une œuvre d’art. La caméra est utilisée pour créer une pièce qui révèle la vision de l’artiste, faisant une déclaration de cette vision. Il ne s’agit pas de documenter le sujet devant l’objectif.
IMPRESSION FINE ART encadrées
Afin de ne pas endommager l’œuvre, nous vous conseillons d’acheter des tirages d’art encadrés car le cadre sert de protection et le verre couvrira l’impression de la poussière et des traces de doigts.
Impressions Fine Art sur toile fines
Les impressions Fine Art sur toile sont imprimées directement sur la toile. L’impression est ensuite enroulée autour d’un cadre de civière et finie avec un choix de cadre et de matériel de suspension. Souvent disponible avec une variété de cadres personnalisés.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
L’ajout de l’une des meilleures cartes mémoire à un appareilphoto est une partie essentielle du processus d’un photographe ou d’un vidéaste. Même l’appareil photo le plus sophistiqué ne fonctionnera pas sans une carte décente pour stocker des images et des vidéos.
Cependant, ce ne sont pas seulement les appareils photo qui ont besoin de ces cartes flash, composant essentiel pour les téléphones, les caméras de sécurité, mais également les caméras de tableau de bord, les consoles de jeux et les drones.
Chacun des meilleurs appareils photo et caméscopes sont compatibles avec différents types de cartes mémoire.
Le type le plus populaire est la carte Secure Digital (SD) (environ la taille d’un timbre-poste) tandis que le deuxième plus courant est le type plus petit connu sous le nom de microSD (environ la taille d’un ongle).
Alors que les meilleurs smartphones et tablettes graphiques avec une option de mémoire extensible privilégient généralement la carte microSD, les appareils photo dédiés auront tendance à nécessiter une carte SD.
Mais les caméras utilisent également d’autres types de cartes. La carte CompactFlash (CF) a à peu près la taille d’une menthe After Eight, et on la voit le plus souvent dans les anciens appareils photo reflex numériques.
Ses successeurs, les nouveaux formats CFexpress et XQD, ont été développés pour répondre à la demande croissante des caméras de dernière génération.
Cela inclut les appareils photo sans miroir bien considérés, comme le Nikon Z6 et le Nikon Z7, qui enregistrent très rapidement des vidéos et des images à très haute résolution.
Quel que soit le type de photos que vous souhaitez prendre, vous aurez besoin d’une bonne carte mémoire. Votre carte doit avoir le stockage pour les accueillir, ainsi que les vitesses de transfert idéales pour suivre les volumes de données impliqués.
Si vous avez besoin de plus à ce sujet, vous pouvez passer directement à la section sur le choix de la bonne carte mémoire .
Sinon, continuez à faire défiler cet article, pour en savoir plus sur les meilleures cartes mémoire que vous pouvez acheter dès maintenant.
MEILLEURES CARTES SD
Carte SD, carte Compactflash
01. SanDisk Extreme PRO SD UHS-I
La meilleure carte SD à tous les niveaux
Type de carte : SDXC | Capacité : 64 Go-1 To | Vitesse de lecture : jusqu’à 90 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 170 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : laphotographie et/ou la vidéo (y compris 4K)
Les utilisateurs expérimentés sont invités à consulter la carte Extreme PRO SDXC du fabricant de cartes de longue date SanDisk. Disponible dans des capacités allant de 64 Go à un impressionnant 1 To, cette option offre une classe de vitesse trois.
Le véritable avantage pratique ici n’est pas seulement des vitesses d’écriture allant jusqu’à 90 Mo/s – ce qui signifie qu’il est capable de gérer des prises de vue séquentielles à tir rapide et en JPEG et Raw – mais une vitesse de transfert extrêmement rapide jusqu’à 170 Mo/s , ce qui accélérera le flux de travail des passionnés et des pros.
En plus de faciliter la capture d’une séquence de photographies brutes, le traitement des données proposé ici le rend également adapté à la prise de vue vidéo 4K. Pour résumer, c’est un concurrent capable.
Carte SD, carte Compactflash
02. Lexar Professionnel 633x SDXC UHS-I
Un excellent choix pour les gros tireurs de photos et de vidéos
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 1 To | Vitesse de lecture : jusqu’à 95 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 45 Mb/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et/ou la vidéo (y compris 4K)
Disponible dans une variété de capacités allant de 32 Go à 1 To, la carte SD Lexar Professional 633x SDXC UHS-I est une carte SD conçue pour subir les rigueurs d’un usage professionnel.
Ses vitesses de transfert sont suffisamment rapides pour gérer à la fois des volumes élevés de photos et de vidéos 4K, donc peu importe ce que vous prévoyez de filmer, vous pouvez être assuré que la carte SD peut suivre.
Bien que les cartes SD de capacité inférieure puissent être achetées à un prix assez raisonnable de nos jours, les prix grimpent assez rapidement lorsque vous atteignez le niveau 1 To, alors gardez cela à l’esprit si le budget est un problème.
Si vous pouvez vous y étendre, c’est une excellente carte SD qui devrait vous récompenser avec de nombreuses années d’utilisation.
Carte SD, carte Compactflash
03. Vitesse Lexar Professional Class 10 UHS-II 2000X
Type de carte : SDHC ou SDXC | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 300 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 260 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris 4K)
Lexar a longtemps été la carte de prédilection pour les passionnés de photographie et les tireurs professionnels, et, malgré sa disparition du marché pendant un certain temps, il a rebondi avec de nombreuses options Lexar toujours disponibles.
Un choix solide pour nous est le Lexar Professional 16 Go Class 10 UHS-II 1000x Speed , qui déploie la technologie UHS-II pour permettre des vitesses de transfert jusqu’à 300 Mo/s et des vitesses d’écriture jusqu’à 260 Mo/s.
Cela garantit que, que vous enregistriez des vidéos Full HD, 4K ou que vous tourniez des fichiers Raw haute résolution, cette carte fournit la marchandise, même si la capacité de données maximale est de 128 Go, plutôt que les 512 Go maximum offerts par certains concurrents.
Une alternative proche en termes de spécifications et de performances serait Extreme PRO SD UHS-II de SanDisk (également présenté ici), mais vous ne pouvez pas vraiment vous tromper avec celui-ci.
04. SanDisk Extreme PRO SD UHS-II V90
Une carte encore plus rapide que la version UHS-I Pro
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 300 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 260 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : les professionnels souhaitant prendre des photos en rafale rapide d’images fixes haute résolution et des vidéos UHD
Manquer cette photo essentielle si vous travaillez en tant que photographe professionnel peut être une erreur coûteuse, et est particulièrement irritant si c’est parce que votre carte SD ne peut pas suivre.
Essayez d’éviter que ce dernier ne se produise en investissant dans cet exemple ultra rapide (et inévitablement plus coûteux) du pilier de l’industrie SanDisk.
Le SanDisk Extreme PRO SD UHS-II mis à niveau offre des vitesses de lecture allant jusqu’à 300 Mo/s, des vitesses d’écriture tout aussi impressionnantes de 260 Mo/s et des vitesses vidéo V90 soutenues, c’est un leader de classe parmi les cartes mémoire.
Les spécifications ci-dessus en font une option incontournable pour les photographes de reportage, sportifs et animaliers, les prises de vue en rafale d’images fixes à tir rapide ou les vidéastes qui souhaitent la clarté d’une vidéo en résolution 4K ou 8K avec l’inévitable consommation de données qui l’accompagne.
Comme il s’agit également d’une carte SDXC (« Extended Capacity »), le stockage est impressionnant.
Les offres de cartes SD disponibles vont de 32 Go à 128 Go, mais l’accent est mis ici sur la vitesse.
Carte SD, carte Compactflash
05. Sony SF-G Tough SDXC
Une nouvelle génération de carte SD ultra-robuste
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 300 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 299 Mo/s | Garantie : Fabricant | Convient pour : la photographie et la vidéo en rafale à grande vitesse (y compris 4K)
Plus la capacité de données de la carte SD est grande, plus le risque de perdre des centaines, voire des milliers de précieux fichiers image est grand en cas de problème. Le Sony Tough , fourni au format SD d’usage courant, prétend éliminer une partie de ce stress .
Bien qu’aucune carte SD ne puisse prétendre être à 100% à l’épreuve de la destruction, celles-ci se vantent d’être étanches à la poussière et à l’eau, tout en possédant une résistance à la flexion en plus – à savoir être capable de résister à 18 kg de pression exercée (c’est 18 fois supérieure à la SD standard).
Si vous avez besoin de plus de conviction, la Tough de Sony a également été testée contre des chutes de cinq mètres de hauteur, tandis que la carte SD peut simplement être lavée de toute saleté qui s’y trouve.
En termes de vitesse, un autre bonus est la capacité de la carte SD à gérer la capture séquentielle de 241 Raw compressés ou de 362 JPEG en mode de prise de vue en rafale à 20 ips sur le Sony A9. Si vous êtes un tireur professionnel et que vous avez le budget, vous voudrez certainement vérifier cela.
06. Transcendez SDXC UHS-II U3
Idéal pour filmer des fichiers Raw ou des vidéos haute résolution
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 64 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 285 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 180 Mo/s | Garantie : Garantie limitée de cinq ans | Convient pour : les pros qui prennent des photos à tir rapide en haute résolution et des vidéos 4K de haute qualité
Si vous avez principalement besoin de capturer des fichiers Raw, vous aurez besoin d’une carte SD capable de gérer des images de la plus haute qualité en rafales séquentielles, ainsi qu’une carte offrant une capacité de stockage suffisante pour éviter d’avoir à échanger le support utilisé à ce moment décisif.
Alors que la capacité maximale de 64 Go du Transcend SDXC UHS-II U3 (l’alternative étant de 32 Go) peut initialement sembler un peu petite par rapport aux autres options ici, les performances sont tout sauf, grâce à des temps de lecture et d’écriture remarquablement rapides de 285 Mo/s et 180 Mo/s respectivement.
Évidemment, vous aurez besoin d’un reflex numérique ou d’un caméscope compatible UHS-II pour pouvoir utiliser celui-ci – alors vérifiez – mais des vitesses jusqu’à 3 fois plus rapides que les cartes SD UHS-1 standard peuvent être fournies.
Ces cartes SD de marque Transcend sont également résistantes aux chocs et aux rayons X, offrant ainsi un certain degré de certitude aux passionnés et aux professionnels de la photo et de la vidéo.
07. PNY Elite Performance SDXC 512 Go
Carte média SD de grande capacité pour tous vos souvenirs numériques
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 512 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 95 Mo/s | Vitesse d’écriture : Non spécifié | Garantie : à vie (limitée) | Convient pour : la photographie et la vidéo en rafale à grande vitesse (y compris 4K)
Bien qu’il existe de nombreuses offres de carte SD à petit prix portant la marque PNY basée aux États-Unis, la série PNY Elite Performance SDXC , avec des capacités allant de 32 Go utiles à 512 Go généreux, est actuellement en tête de gamme.
Il offre non seulement une capacité élevée, mais également une vitesse de lecture standard de 95 Mo par seconde à partir d’unecarte SD au format SDXC.
Le surnom « Elite » signifie que ces cartes compatibles UHS-1 à vitesse de classe 10 ne conviennent pas seulement pour filmer des vidéos sur un reflex numérique, mais sont également durables, étant étanches, résistantes aux chocs, à la température et aux aimants.
Ainsi, la marque peut affirmer que la gamme de carte SD Elite Performance convient aux passionnés de photo avancés et même aux professionnels, ainsi qu’à ceux qui enregistrent des clips de qualité 4K. La tranquillité d’esprit d’une garantie à vie limitée est fournie.
Type de carte : SDHC | Capacité : jusqu’à 256 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 90 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 40 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris 4K)
MEILLEURES CARTES MICROSD
09. Samsung PRO Endurance
La meilleure carte MicroSD, adaptée à une multitude d’appareils
Type de carte : microSD (avec adaptateur SD) | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 100 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 30 Mo/s | Garantie : jusqu’à 5 ans | Convient pour : caméras d’action, dashcams, caméras de sécurité
Le Samsung PRO Endurance est notre choix pour la meilleure carte MicroSD du moment. Cela coûte un peu plus cher d’obtenir une carte microSD avec des adaptateurs de plus grande taille pour une carte SD, bien que cette série soit toujours à un prix très raisonnable.
L’attrait ici comprend le fait que les cartes sont censées être capables de résister à des environnements difficiles, durent plus longtemps et sont particulièrement adaptées à une utilisation dans des caméras d’action.
En effet, ils peuvent enregistrer en continu à des vitesses de lecture/écriture élevées (100 Mo/s et 30 Mo/s, respectivement).
Également promis pour la carte de capacité la plus élevée est un meilleur de l’industrie de 43 800 heures d’enregistrement vidéo en continu.
La tranquillité d’esprit est assurée par des garanties allant de deux ans pour les cartes de capacité inférieure à cinq ans pour les cartes de capacité maximale.
(Crédit image: Sandisk)
10. SanDisk Extreme Pro microSDXC UHS-I
Meilleure carte microSD avec de GRANDES quantités de stockage
Type de carte : microSDXC | Capacité : jusqu’à 1 To | Vitesse de lecture : jusqu’à 170 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 90 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : Prise et création d’images haute capacité
Le SanDisk Extreme Pro microSDXC UHS-I est une autre carte microSDXC et un adaptateur SD plus grand pour les créateurs d’images prolifiques qui collent leurs cartes dans une variété d’emplacements ; ici disponible dans une variété de capacités de stockage allant de 32 Go jusqu’à 1 To.
Imaginez qu’à partir de supports à semi-conducteurs de la simple taille d’un ongle.
Cependant, bien que les vitesses de lecture et d’écriture de ces cartes soient adéquates, elles ne sont pas tout à fait les plus rapides du marché avec une vitesse de lecture de « seulement » 170 Mo/sec maximum et une vitesse d’écriture allant jusqu’à 90 Mo/sec.
Si c’est la vitesse que vous voulez plutôt que la capacité, regardez également les cartes UHS-II du même fabricant de la série, qui atteignent une capacité maximale de 128 Go, tout en offrant une vitesse de transfert légèrement plus satisfaisante de 275 Mo/s.
11. Samsung EVO Plus
Meilleure carte microSD avec adaptateur de carte SD
Type de carte : microSD (avec adaptateur SD) | Capacité : jusqu’à 512 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 100 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 30 Mo/s | Garantie : 10 ans | Convient pour : la photographie au jour le jour
La microSD Samsung EVO Plus couvre des capacités de 32 Go à 512 Go. Cette carte microSD de classe 10 est livrée avec un adaptateur SD qui lui permet d’être utilisée dans les appareils photo aussi facilement qu’un smartphone ou une tablette.
Coûtant moins de 10 £/10 $ pour la capacité de 32 Go la plus faible, cela semble être un bon rapport qualité-prix étant donné qu’il gère des vitesses de lecture de 100 Mo/s (bien qu’une vitesse d’écriture modeste de 30 Mo/s).
Un design rouge vif garantit également que cette option polyvalente de Samsung ne se perd pas facilement à l’arrière du canapé, malgré la taille d’un ongle.
La tranquillité d’esprit est également assurée par une garantie limitée de 10 ans, ainsi que par le fait que cette carte est déclarée étanche, résistante à la température, aux rayons X et aux aimants.
AUTRES TYPES DE CARTES MÉMOIRE
(Crédit image: Sandisk)
12. Carte SanDisk Extreme PRO CFexpress
La meilleure carte mémoire CFexpress
Type de carte : CFexpress Type B | Capacité : jusqu’à 512 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 1700 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 1400 Mo/s | Garantie : Non spécifié | Convient pour : laphotographie professionnelle
CFexpress est le dernier format de carte mémoire sur le marché – et ces cartes ultra-rapides sont utilisées dans un grand nombre d’appareils photo sans miroir haut de gamme, de reflex numériques et de caméscopes professionnels tels que le Canon EOS-1D X III, Nikon D6, Nikon Z7 et Panasonic Lumix S1.
Avec une vitesse d’écriture phénoménale de 1400 Mb/s, la carte SanDisk Extreme PRO CFexpress et d’autres similaires créent une nouvelle référence pour les performances de la caméra – et pour la fiabilité de la carte.
Le prix à l’heure actuelle pour ces cartes est cher, mais pour un usage professionnel cela vaut largement l’investissement.
Il s’agit d’une carte CFexpress de type B ; avec le temps, il y aura également une carte de type A plus petite et une carte de type C plus grande également.
(Crédit image : Sony)
13. Carte mémoire Sony XQD série G
La meilleure carte XQD du moment
Type de carte : XQD | Capacité : 64 Go-240 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 440 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 400 Mo/s | Garantie : Fabricant | Convient pour : la photographie et la vidéo en rafale à grande vitesse (y compris 4K)
La carte mémoire Sony XQD série G est au format XQD n’est pas utilisée dans tous les appareils photo, mais a été adoptée par Nikon pour certains de ses reflex numériques et les récents appareils photo sans miroir plein format de la série Z (ainsi que les caméscopes haut de gamme de Sony ).
Le format est appelé à devenir redondant, car il utilise le même facteur de forme que les cartes CFexpress de type B plus récentes, mais cela signifie que les prix ont commencé à devenir plus raisonnables.
14. SanDisk Extreme PRO CompactFlash
Une vitesse de lecture de 160 Mo/s n’a rien de rétro
Type de carte : CompactFlash | Capacité : jusqu’à 256 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 160 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 150 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris 4K)
Convient pour la capture photo ou vidéo professionnelle
Convient aux résolutions Full HD et 4K
Ne peut pas correspondre à la vitesse de SDXC Extreme PRO
L’un des plus anciens formats de mémoire d’appareil photo
Les cartes Compact Flash peuvent être plus anciennes et plus encombrantes que la nouvelle alternative au format SD, mais cela ne signifie pas qu’elles ne peuvent toujours pas fournir une capacité et une vitesse suffisantes pour satisfaire l’utilisateur de reflex numérique d’aujourd’hui.
Un exemple en est la gamme CompactFlash de SanDisk , qui offre des capacités allant de 16 Go utiles à un utilisateur avancé de 256 Go, vous n’avez donc pas besoin d’échanger des cartes multimédias dans le feu de l’action.
Les vitesses d’écriture allant jusqu’à 140 Mo/s avec une capacité maximale de 256 Go (sinon c’est 150 Mo/s pour les 128 Go et les capacités inférieures), ce qui le rend également tout aussi adapté à une utilisation vidéo, en particulier pour les reflex numériques offrant également Capture Full HD.
En fait, avec une vitesse d’écriture minimale soutenue de 65 Mo/s, l’affirmation de son fabricant est que celui-ci est le leader de sa catégorie.
15. Transcendez la CompactFlash 800
Le CF de Transcend offre beaucoup de stockage de données pour votre argent
Type de carte : CompactFlash | Capacité : jusqu’à 256 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 120 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 60 Mo/s | Garantie : Garantie limitée de cinq ans | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris Full HD)
Bien qu’elle ne soit peut-être pas aussi reconnaissable pour l’observateur occasionnel que les marques de cartes concurrentes, Transcend est l’un des acteurs à plus long terme sur le marché – et, utilement, fabrique toujours de nombreuses cartes de faible capacité, ce qui est un attrait évident pour ceux qui ont un budget plus serré.
Cependant, même les offres de capacité supérieure qui peuvent plaire aux utilisateurs semi-professionnels de reflex numériques – comme cette série CompactFlash 800 – ne sont guère chères pour ce qui est proposé.
Les capacités vont de 32 Go standard à 256 Go légèrement plus impressionnants. Les spécifications sont également solides pour une carte budgétaire ; ici, nous obtenons des vitesses de lecture allant jusqu’à 120 Mo/s et des vitesses d’écriture de 60 Mo/s.
Les performances réelles sont bien sûr affectées par le matériel et les logiciels de l’appareil photo, comme c’est le cas avec n’importe quelle carte. Cependant, il existe un code de correction d’erreur intégré ici pour détecter et corriger toute erreur de transfert.
QUELLE EST LA DIFFÉRENCE?
Type de carte
Tout cela signifie que lorsque vous choisissez la meilleure carte mémoire pour votre appareil photo , votre smartphone ou votre tablette, la première chose que vous devez faire est de sélectionner celle qui s’adapte réellement à celle-ci.
Vérifiez auprès du fabricant de votre appareil si vous n’êtes pas sûr ; l’information flottera quelque part. Il convient de noter que les cartes microSD sont souvent livrées avec un adaptateur SD et peuvent donc être utilisées avec un appareil photo doté d’un emplacement SD.
Cela peut être utile si vous souhaitez basculer une carte mémoire entre votre appareil photo principal et votre smartphone.
SD ou SDHC ou SDXC ?
Les cartes SD de taille standard sont de trois types principaux : SD, SDHC et SDXC. Le type SD standard ne se trouve plus dans les magasins, vous avez donc généralement le choix entre SDHC ou SDXC.
Les anciennes cartes SDHC ont une capacité comprise entre 4 Go et 32 Go. Les cartes SDXC ont une capacité d’au moins 64 Go, allant jusqu’à 1 To. Certains appareils ne prennent en charge les cartes que jusqu’à une certaine capacité.
Vitesse et capacité
Une fois que cela est trié, il s’agit de savoir quoi et comment vous photographiez, ce qui affecte le type de vitesse (lecture/écriture) et de capacité (en mégaoctets ou Mo, mais plus couramment de nos jours, en gigaoctets ou en Go) que vous allez besoin de votre carte. Tourner beaucoup de vidéos 4K ou d’images à très haute résolution nécessitera beaucoup des deux.
La vitesse de la carte est particulièrement importante lors de l’enregistrement de vidéos haute résolution ou de séquences d’action motorisées.
Il est mesuré par un certain nombre d’échelles et de normes différentes, mais la clé à rechercher sur la carte est la vitesse mesurée en Mo/s (mégaoctets par seconde). Notez que la vitesse de lecture est souvent supérieure à la vitesse d’écriture.
UHS-I ou UHS-II
Les cartes SD et microSD les plus rapides disponibles utilisent la norme de bus UHS-II – mais pour utiliser la vitesse supplémentaire, votre appareil photo doit être compatible UHS-II.
Si votre appareil photo a deux emplacements, l’un peut être UHS-II et l’autre juste UHS-I. Les cartes UHS-I ont une vitesse de bus maximale de 104 Mo/s, tandis que les cartes UHS-II ont une vitesse de bus maximale de 312 Mo/s.
Résistance aux intempéries
Si vous photographiez dans des conditions extérieures plus extrêmes, il peut être intéressant d’envisager une carte plus « résistante à la destruction » qui peut tomber dans l’eau ou la saleté, comme celle de la gamme Sony Tough.
La règle générale lors de l’achat d’une carte est d’opter pour la capacité de stockage de données la plus élevée et la vitesse d’écriture/lecture la plus rapide disponible pour votre budget et la capacité de votre appareil photo.
Si vous ne filmez qu’avec un appareil photo d’entrée de gamme, avec une résolution modeste et un faible taux d’images par seconde, vous n’aurez peut-être pas besoin d’opter pour celle qui est actuellement le « top dog » parmi les cartes mémoire, ce qui peut économiser vous un paquet.
Les prix grimpent étonnamment haut une fois que vous obtenez des vitesses rapides et des capacités élevées, ce qui est logique, car après tout, ceux sont des outils professionnels.
FAQ : Carte SD
Qu’est-ce qu’une carte SD ?
Une carte SD (Secure Digital) est un petit périphérique de stockage utilisé pour stocker des fichiers numériques tels que des photos, des vidéos et de la musique. Elle est utilisée dans de nombreux appareils électroniques, tels que les smartphones, les appareils photo numériques, les tablettes et les ordinateurs portables.
Quelle est la capacité de stockage d’une carte SD ?
Les cartes SD ont une capacité de stockage variable allant de quelques mégaoctets à plusieurs téraoctets. Les cartes SD de 1 Go, 2 Go, 4 Go et 8 Go sont courantes, mais les cartes de 16 Go, 32 Go et 64 Go sont également disponibles. Les cartes SD de 128 Go, 256 Go et même 512 Go sont également disponibles pour les utilisateurs ayant besoin d’un stockage important.
Comment utiliser une carte SD ?
Pour utiliser une carte SD, il suffit de l’insérer dans l’appareil électronique compatible. Par exemple, pour utiliser une carte SD dans un smartphone, il faut l’insérer dans le logement prévu à cet effet. Pour transférer des fichiers sur une carte SD, il suffit de la connecter à un ordinateur à l’aide d’un lecteur de carte SD et de copier les fichiers sur la carte.
Comment formater une carte SD ?
Pour formater une carte SD, il faut la connecter à un ordinateur à l’aide d’un lecteur de carte SD et utiliser l’utilitaire de formatage intégré au système d’exploitation. Sur Windows, il suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris sur l’icône de la carte SD dans l’Explorateur de fichiers, de sélectionner « Formater » et de suivre les instructions. Sur un Mac, il faut ouvrir l’utilitaire de disque, sélectionner la carte SD et cliquer sur « Effacer » pour la formater.
Comment récupérer des données perdues sur une carte SD ?
Si des données ont été supprimées par erreur sur une carte SD, il est possible de les récupérer à l’aide d’un logiciel de récupération de données. Il existe de nombreux programmes disponibles en ligne pour récupérer des fichiers perdus ou supprimés sur une carte SD. Il est important d’arrêter d’utiliser la carte SD dès que la perte de données est constatée, car cela peut rendre la récupération plus difficile.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
1. Qu’est-ce qu’une carte mémoire pour appareil photo?
Une carte mémoire pour appareil photo est un dispositif de stockage amovible et réinscriptible utilisé pour stocker des données numériques, telles que des photos et des vidéos.
Les cartes mémoire sont essentielles pour les appareils photo numériques, car elles permettent aux photographes de stocker des milliers de photos et des heures de vidéo sans avoir à remplacer ou à vider la carte constamment.
Les cartes mémoire varient en termes de capacité, de vitesse et de format, et il est important de choisir la carte appropriée pour votre appareil photo et vos besoins en matière de photographie.
2. Quels sont les principaux types de cartes mémoire pour appareil photo?
Il existe plusieurs types de cartes mémoire pour appareil photo, dont les principaux sont :
1. SD (Secure Digital) : largement utilisées et compatibles avec de nombreux appareils photo, les cartes SD sont disponibles en trois tailles (SD, miniSD et microSD) et plusieurs classes de vitesse.
2. CompactFlash (CF) : principalement utilisées dans les appareils photo reflex numériques professionnels, les cartes CF offrent une capacité de stockage élevée et des vitesses de transfert rapides.
3. XQD/CFexpress : conçues pour les appareils photo haut de gamme et les caméscopes, ces cartes offrent des vitesses de transfert très rapides, permettant des rafales de photos en haute résolution et l’enregistrement de vidéos 4K ou 8K.
3. Comment choisir la bonne capacité de stockage pour ma carte mémoire?
La capacité de stockage dépend de vos besoins en matière de photographie et de la résolution de votre appareil photo. Les cartes mémoire sont disponibles dans des capacités allant de quelques gigaoctets (Go) à plusieurs téraoctets (To).
Pour les photographes occasionnels ou les appareils photo à faible résolution, une carte de 16 Go ou 32 Go peut suffire. Cependant, pour les photographes professionnels, les vidéastes ou les utilisateurs d’appareils photo haute résolution, des cartes de 64 Go, 128 Go ou même plus peuvent être nécessaires pour stocker un grand nombre de photos et de vidéos de haute qualité.
4. Qu’est-ce que la classe de vitesse et comment l’identifier?
La classe de vitesse d’une carte mémoire indique la vitesse minimale à laquelle les données peuvent être écrites sur la carte. Une classe de vitesse plus élevée permet d’écrire et de lire les données plus rapidement, ce qui est important pour les appareils photo avec des taux de rafale élevés, l’enregistrement vidéo en haute résolution ou la lecture de fichiers volumineux. Les classes de vitesse sont indiquées par un symbole sur la carte : un chiffre à l’intérieur d’un cercle (Class 2, 4, 6, 10), un chiffre à l’intérieur d’une lettre « U » (UHS Speed Class 1 et 3) ou un chiffre à l
eric.canto@groupe-grim.com
continue
‘intérieur d’une lettre « V » (Video Speed Class 6, 10, 30, 60, 90). Les cartes UHS et V sont généralement plus rapides et mieux adaptées aux appareils photo et caméscopes modernes à haute résolution.
5. Comment savoir si ma carte mémoire est compatible avec mon appareil photo?
Pour vérifier la compatibilité de votre carte mémoire avec votre appareil photo, consultez le manuel de l’appareil photo ou le site Web du fabricant pour connaître les types de cartes mémoire pris en charge et les classes de vitesse recommandées.
Il est important de s’assurer que la carte mémoire que vous choisissez est non seulement compatible avec votre appareil photo, mais également adaptée à vos besoins en matière de vitesse et de capacité de stockage.
6. Comment entretenir et protéger ma carte mémoire?
Pour garantir la longévité et les performances optimales de votre carte mémoire, suivez ces conseils d’entretien :
1. Rangez les cartes mémoire dans un étui de protection lorsque vous ne les utilisez pas pour éviter les dommages physiques et les rayures.
2. Évitez les températures extrêmes, l’humidité et les champs magnétiques, car ils peuvent endommager les cartes mémoire et les données stockées.
3. Ne retirez pas la carte mémoire de l’appareil photo pendant qu’elle est en cours d’utilisation, car cela peut provoquer la perte de données ou l’endommagement de la carte.
4. Formatez régulièrement la carte mémoire dans votre appareil photo pour maintenir une performance optimale et éviter les erreurs de lecture/écriture.
7. Qu’est-ce que la récupération de données sur une carte mémoire?
La récupération de données est le processus de récupération de photos, vidéos ou autres fichiers supprimés ou corrompus à partir d’une carte mémoire. Des logiciels de récupération de données peuvent être utilisés pour analyser la carte mémoire et récupérer les fichiers perdus. Bien que la récupération de données ne soit pas toujours garantie, elle peut être une solution précieuse pour récupérer des souvenirs importants ou des fichiers professionnels perdus à la suite d’une suppression accidentelle, d’une corruption de carte ou d’un formatage.
8. Comment transférer des photos et des vidéos de ma carte mémoire vers mon ordinateur?
Pour transférer des photos et des vidéos de votre carte mémoire vers votre ordinateur, vous pouvez utiliser un lecteur de cartes mémoire externe ou le câble USB fourni avec votre appareil photo.
Connectez le lecteur de cartes ou l’appareil photo à votre ordinateur, insérez la carte mémoire et ouvrez l’explorateur de fichiers pour accéder au contenu de la carte.
Vous pouvez ensuite copier, déplacer ou supprimer les fichiers selon vos besoins. Assurez-vous d’éjecter correctement la carte mémoire avant de la déconnecter de votre ordinateur pour éviter les erreurs de données.
La composition en Photographie est l’une des pierres angulaires de la photographie. Elle détermine non seulement l’organisation des éléments dans une image, mais aussi la manière dont cette image sera perçue par ceux qui la regardent. Une bonne composition peut transformer une photo ordinaire en une œuvre d’art captivante.Que vous soyez un photographe débutant ou expérimenté, comprendre et maîtriser les règles de composition est essentiel pour créer des images équilibrées, dynamiques, et visuellement attractives. Dans cet article, nous explorerons les différentes techniques et règles de composition qui vous aideront à améliorer vos compétences en photographie et à capturer des images mémorables.
1. Les Règles de Base de la Composition en Photographie
1.1 La Règle des Tiers : Un Fondement de la Composition en photographie
La règle des tiers est l’une des règles les plus fondamentales et les plus utilisées en photographie. Elle repose sur l’idée que diviser l’image en tiers, tant horizontalement que verticalement, permet de créer un équilibre visuel agréable.
Comment appliquer la règle des tiers : Imaginez que votre cadre soit divisé en neuf parties égales par deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placez les éléments importants de votre composition sur ces lignes ou aux intersections des lignes. Cela crée un équilibre naturel et guide le regard du spectateur à travers l’image.
Exemples d’application : Lorsque vous photographiez un paysage, placez l’horizon sur l’une des lignes horizontales pour équilibrer le ciel et la terre. Pour les portraits, positionnez les yeux du sujet sur une des lignes horizontales supérieures pour attirer l’attention sur le regard. La règle des tiers est simple à appliquer et peut transformer radicalement l’impact visuel de vos photos.
Bien que la règle des tiers soit un excellent point de départ, elle n’est pas absolue. Une fois que vous la maîtrisez, n’hésitez pas à expérimenter en brisant cette règle pour créer des compositions plus dynamiques ou pour mettre en avant des sujets de manière plus créative.
La Composition en Photographie
1.2 La Symétrie et l’Équilibre : Créer une Harmonie Visuelle
La symétrie et l’équilibre sont des éléments clés de la composition qui peuvent donner à vos photos un sens de l’harmonie et de la tranquillité. La symétrie consiste à créer une image où les deux côtés sont identiques ou très similaires, tandis que l’équilibre peut être soit symétrique soit asymétrique.
Symétrie parfaite : Une symétrie parfaite peut être utilisée pour créer des images puissantes et équilibrées. Par exemple, photographier un bâtiment avec une architecture symétrique en plaçant l’axe de symétrie au centre de l’image crée une composition forte et harmonieuse. La symétrie fonctionne également bien avec les reflets, comme dans une photo d’un lac calme où le paysage est reflété de manière miroir.
Équilibre asymétrique : L’équilibre asymétrique, en revanche, consiste à équilibrer les éléments de l’image sans qu’ils soient identiques. Par exemple, un grand sujet sur un côté de l’image peut être équilibré par plusieurs petits éléments sur l’autre côté. Ce type de composition crée une tension visuelle intéressante tout en maintenant une harmonie globale.
Utiliser la symétrie créative : La symétrie ne doit pas nécessairement être parfaite pour être efficace. Parfois, introduire une légère variation ou une rupture dans la symétrie peut ajouter de l’intérêt et de la dynamique à une image. Expérimentez avec différents types de symétrie pour voir comment ils affectent la perception de votre photo.
La Composition en Photographie
1.3 Les Lignes Directrices : Guider le Regard du Spectateur
Les lignes directrices sont des éléments visuels qui mènent l’œil du spectateur à travers une image, en le guidant vers le point focal principal. Ces lignes peuvent être naturelles ou créées par des éléments architecturaux, des chemins, des routes, ou même des ombres.
Identifier les lignes : Les lignes directrices peuvent être partout dans votre environnement. Cherchez des routes, des rivières, des clôtures, ou des rangées d’arbres qui peuvent mener l’œil vers votre sujet principal. Les lignes diagonales sont particulièrement efficaces pour créer une sensation de mouvement et de profondeur dans une image.
Utilisation créative des lignes : Les lignes directrices ne doivent pas toujours mener directement au sujet principal. Elles peuvent également être utilisées pour diviser l’image, créer des motifs géométriques, ou ajouter du dynamisme à la composition. Par exemple, une ligne courbe peut donner une sensation de fluidité et de douceur, tandis qu’une ligne droite ou diagonale peut renforcer la stabilité ou le mouvement.
Jouer avec les perspectives : En jouant avec la perspective, vous pouvez utiliser les lignes directrices pour renforcer la profondeur de champ et donner à l’image une dimension supplémentaire. Essayez de photographier des lignes qui convergent vers l’horizon pour attirer l’œil du spectateur vers un point particulier, créant ainsi une sensation d’immersion dans la scène.
2. Techniques Avancées de Composition en photographie pour des Photos Époustouflantes
2.1 La Règle d’Or et la Spirale de Fibonacci : Un Proportionnement Naturel
La règle d’or et la spirale de Fibonacci sont des concepts mathématiques qui ont été utilisés pendant des siècles dans l’art et l’architecture pour créer des compositions équilibrées et esthétiquement plaisantes. En photographie, ces concepts peuvent également être appliqués pour améliorer la composition.
La règle d’or : La règle d’or divise une image en sections basées sur un rapport de 1:1,618, créant des proportions qui sont perçues comme naturellement harmonieuses. Pour l’appliquer, vous pouvez utiliser un calque de grille d’or dans votre logiciel de retouche photo ou simplement visualiser la division dans votre tête lorsque vous composez votre photo.
La spirale de Fibonacci : La spirale de Fibonacci est une courbe qui suit le rapport d’or, et qui peut être utilisée pour guider l’œil à travers une image de manière fluide. Vous pouvez placer des éléments clés de votre composition le long de cette spirale pour créer une image naturellement équilibrée et agréable à regarder.
Quand utiliser ces techniques : La règle d’or et la spirale de Fibonacci sont particulièrement utiles pour les compositions complexes ou pour les scènes où vous souhaitez créer une sensation de continuité et de fluidité. Elles peuvent être appliquées à une grande variété de sujets, des paysages aux portraits, en passant par la photographie architecturale.
2.2 Les Cadres Naturels : Ajouter de la Profondeur et de l’Intérêt en Composition en Photographie
Les cadres naturels sont des éléments dans une scène qui entourent ou encadrent votre sujet principal, ajoutant de la profondeur et dirigeant l’attention du spectateur. Ces cadres peuvent être des branches d’arbres, des fenêtres, des portes, ou même des ombres.
Identifier les cadres naturels : Cherchez des éléments dans votre environnement qui peuvent servir de cadre à votre sujet. Par exemple, photographier une personne à travers une fenêtre ou une arche naturelle peut ajouter de l’intérêt à la composition et attirer l’œil vers le sujet principal. Les cadres naturels fonctionnent particulièrement bien pour ajouter de la profondeur à une image en créant une distinction entre le premier plan et l’arrière-plan.
Utilisation créative des cadres : Les cadres naturels ne doivent pas nécessairement entourer complètement votre sujet. Parfois, un cadre partiel ou une suggestion de cadre peut être tout aussi efficace. Expérimentez avec différents types de cadres, comme les ombres, les reflets, ou même les formes créées par la lumière, pour ajouter une nouvelle dimension à vos images.
Contraste et mise au point : Utiliser un cadre naturel peut également aider à créer un contraste entre le sujet et son environnement. Par exemple, un cadre sombre autour d’un sujet lumineux attire immédiatement l’attention. De plus, en utilisant une grande ouverture pour flouter le cadre, vous pouvez isoler encore plus votre sujet et renforcer son impact visuel.
2.3 La Simplicité et le Minimalisme : Moins, c’est Plus
Le minimalisme en photographie consiste à réduire la composition à ses éléments essentiels, en éliminant tout ce qui n’est pas nécessaire pour transmettre le message ou l’émotion de l’image. La simplicité peut souvent avoir un impact visuel plus fort que des compositions complexes.
Focus sur le sujet : En éliminant les distractions, vous pouvez mettre en valeur votre sujet de manière plus claire et directe. Par exemple, un portrait en gros plan avec un fond uni ou flou concentre toute l’attention sur les traits du visage et l’expression du sujet. En minimalisant les éléments de la composition, vous permettez au spectateur de se concentrer sur ce qui est vraiment important.
Utilisation de l’espace négatif en composition en Photographie: L’espace négatif est l’espace autour de votre sujet. En laissant beaucoup d’espace vide dans une image, vous pouvez créer une sensation de calme, de solitude, ou de contemplation. L’espace négatif peut également renforcer la composition en dirigeant subtilement l’œil vers le sujet principal.
Jouer avec les couleurs et les formes :En composition minimaliste, les couleurs et les formes jouent un rôle crucial. Des couleurs contrastantes ou une forme géométrique simple peuvent être extrêmement puissantes dans une image minimaliste. Expérimentez avec des compositions qui utilisent un seul élément coloré ou une forme dominante pour créer une image visuellement frappante.
3. Conseils Pratiques pour Améliorer Votre Composition en Photographie
3.1 Prendre son Temps : La Patience comme Clé du Succès
La composition demande du temps et de la réflexion. Prendre le temps de bien cadrer votre image avant de déclencher est essentiel pour obtenir une composition équilibrée et esthétique.
Analyser la scène : Avant de prendre une photo, prenez le temps d’observer attentivement la scène. Identifiez les éléments qui attireront le regard et envisagez différentes façons de les composer. Essayez plusieurs angles et perspectives pour voir comment ils affectent l’équilibre et l’esthétique de l’image.
Attendre le bon moment : En photographie, le timing est souvent crucial. Que ce soit pour capturer une lumière particulière, un mouvement ou une expression, attendre le bon moment peut faire toute la différence. Par exemple, dans une scène de rue, attendez que le sujet entre dans le cadre d’une manière qui complète votre composition.
La règle du « Moins, c’est plus » : Appliquez cette règle non seulement dans la composition mais aussi dans le nombre de photos que vous prenez. Au lieu de déclencher rapidement et de prendre des dizaines de clichés, essayez de vous concentrer sur une ou deux photos vraiment bien composées. Cette approche vous forcera à être plus conscient de la composition et à créer des images plus fortes.
3.2 La Pratique Continue : Affiner votre Œil Photographique
Comme toute compétence, la maîtrise de la composition s’améliore avec la pratique. Plus vous prenez de photos, plus vous développerez votre œil pour les bonnes compositions.
Pratiquez régulièrement : La clé pour améliorer votre composition est de pratiquer régulièrement. Emportez votre appareil photo partout avec vous et saisissez chaque occasion pour prendre des photos. Entraînez-vous à appliquer les règles de composition que vous avez apprises, puis expérimentez pour voir comment les briser peut créer des effets intéressants.
Analyser vos photos : Après chaque session photo, prenez le temps d’analyser vos images. Identifiez ce qui fonctionne bien et ce qui pourrait être amélioré. Comparez vos photos avec celles des photographes que vous admirez pour voir comment ils composent leurs images et ce que vous pouvez en tirer.
Critiquez et soyez critique : Ne vous contentez pas de vos premières impressions. Soyez critique envers votre propre travail et demandez des critiques constructives à d’autres photographes. Cela vous aidera à identifier les faiblesses de vos compositions et à découvrir de nouvelles façons de les améliorer.
3.3 Explorer de Nouveaux Angles : Casser la Routine Visuelle
Un moyen efficace d’améliorer vos compétences en composition est d’explorer de nouveaux angles et perspectives. Sortir de votre zone de confort visuel peut vous aider à voir les choses sous un jour nouveau et à trouver des compositions innovantes.
Changer de perspective : Essayez de photographier des sujets familiers sous différents angles. Par exemple, photographiez un bâtiment non seulement de face mais aussi depuis le sol, en contre-plongée, ou depuis un point élevé. Cela peut révéler des compositions plus intéressantes que ce que vous aviez initialement imaginé.
Utiliser des objectifs différents : Si vous avez plusieurs objectifs, utilisez-les pour explorer différentes façons de composer vos images. Un objectif grand angle peut vous permettre d’inclure plus d’éléments dans la scène, tandis qu’un téléobjectif peut vous aider à isoler des détails spécifiques et à compresser la perspective.
Relever des défis de la composition en photographie : Fixez-vous des défis de composition pour stimuler votre créativité. Par exemple, essayez de composer une série d’images en utilisant uniquement la règle des tiers, ou composez une série de photos minimalistes en utilisant un seul élément visuel fort. Ces exercices vous aideront à renforcer votre compréhension des règles de composition et à développer votre propre style photographique.
Le CANON R5 de Canon est un excellent appareil photo pour les professionnels ou tous ceux qui recherchent une option extrêmement performante pour presque tous les types de photographie, des sports et de l’action aux portraits et paysages en studio.
Il s’agit d’un appareil photo sans miroir plein format de 45 MP qui peut filmer des clips vidéo 8K, qui possède une mise au point automatique Dual Pixel impressionnante et une excellente ergonomie.
Le Canon R5 peut également capturer des images fixes et des vidéos HDR 10 bits pour un affichage HDR et est le successeur spirituel (et sans miroir) des appareils photo reflex numériques de la série 5D de Canon.
Ce n’est pas un appareil photo parfait, mais nous pensons que c’est un ajout excellent et très compétitif à un domaine déjà encombré d’appareils photo sans miroir plein format haute résolution compétents.
Canon R5
Canon R5 : l’appareil photo idéal pour la photographie de concert
La photographie de concert est l’un des genres de photographie les plus difficiles à maîtriser en raison de l’éclairage imprévisible, du mouvement rapide et de l’environnement bruyant. Pour obtenir des photos de qualité professionnelle, il est important d’utiliser un appareil photo qui peut gérer toutes ces variables.
Le Canon R5 est l’un des meilleurs choix pour la photographie de concert en raison de ses performances exceptionnelles dans des conditions de faible luminosité, de sa vitesse de mise au point automatique et de sa haute résolution. Dans cet article, nous allons examiner en détail les caractéristiques de l’appareil photo Canon R5 et expliquer pourquoi c’est un choix idéal pour la photographie de concert.
Caractéristiques de l’appareil photo Canon R5
Le Canon R5 est un appareil photo numérique plein format équipé d’un capteur CMOS de 45 mégapixels et d’un processeur d’image DIGIC X. Il offre des performances exceptionnelles en termes de qualité d’image, de vitesse et de fonctionnalité. Voici quelques caractéristiques clés de l’appareil photo Canon R5 qui en font un excellent choix pour la photographie de concert :
Sensibilité ISO élevée
Le Canon R5 a une plage de sensibilité ISO allant jusqu’à 51 200, ce qui en fait un choix idéal pour la photographie de concert. Il vous permet de capturer des images nettes même dans des conditions de faible luminosité, ce qui est courant lors de concerts.
Stabilisation d’image intégrée
L’une des caractéristiques les plus intéressantes de l’appareil photo Canon R5 est la stabilisation d’image intégrée. Cette fonctionnalité vous permet de capturer des images nettes même en utilisant des vitesses d’obturation plus lentes. Cela est particulièrement utile lors de la prise de photos en mouvement dans un environnement de concert.
Autofocus rapide et précis
Le Canon R5 est équipé d’un système autofocus avancé qui offre une vitesse de mise au point automatique rapide et précise. Le système de mise au point automatique Dual Pixel CMOS AF II offre une couverture de mise au point automatique à 100 % horizontalement et verticalement, ce qui vous permet de suivre les mouvements rapides de l’artiste sur scène.
Enregistrement vidéo 8K
Le Canon R5 est l’un des rares appareils photo sur le marché capable d’enregistrer des vidéos 8K. Cette résolution ultra-élevée offre une qualité d’image exceptionnelle et des détails incroyables. Cela est particulièrement utile lors de la prise de vidéos de concerts pour capturer tous les détails de la performance.
Pourquoi le Canon R5 est-il idéal pour la photographie de concert ?
Qualité d’image exceptionnelle
La qualité d’image est un aspect crucial de la photographie de concert. Le Canon R5 offre une résolution de 45 mégapixels, ce qui signifie que chaque détail est clair et net. De plus
La qualité d’image
Le Canon R5 est équipé d’un capteur CMOS de 45 mégapixels, offrant une résolution d’image exceptionnelle pour les photographes professionnels. Le capteur prend en charge une plage dynamique étendue, ce qui signifie que vous pouvez capturer des images avec une grande différence de luminosité entre les zones les plus sombres et les plus claires de la scène.
Le Canon R5 dispose également d’un processeur d’image DIGIC X de nouvelle génération qui aide à fournir une qualité d’image exceptionnelle, avec des détails nets et des couleurs vives. Les images produites par le Canon R5 ont une profondeur et une texture incroyables, ce qui rend chaque photo unique et captivante.
La stabilisation d’image
La stabilisation d’image est un élément essentiel de la photographie de concert, surtout lorsqu’on travaille avec des objectifs à focale fixe. Le Canon R5 dispose d’un système de stabilisation d’image intégré qui permet de compenser les tremblements de l’appareil photo.
Le système de stabilisation d’image fonctionne avec les objectifs compatibles RF et EF de Canon, ce qui signifie que vous pouvez profiter de la stabilisation d’image même avec des objectifs plus anciens. La stabilisation d’image du Canon R5 est également utile lors de la prise de vue vidéo, offrant des vidéos plus fluides et professionnelles.
La vitesse de prise de vue en continu
La vitesse de prise de vue en continu est un autre aspect important pour la photographie de concert. Le Canon R5 est capable de prendre des photos en continu jusqu’à 12 images par seconde avec le viseur électronique, ou 20 images par seconde en utilisant l’écran LCD.
Cela signifie que vous pouvez capturer des moments éphémères ou des mouvements rapides avec facilité, permettant de saisir des images époustouflantes de musiciens en pleine action sur scène. Le Canon R5 dispose également d’un tampon de mémoire suffisamment grand pour capturer jusqu’à 180 photos RAW ou 1000 JPEG en une seule rafale.
La connectivité
Le Canon R5 est équipé d’une connectivité Wi-Fi et Bluetooth intégrée, ce qui permet de transférer facilement des images vers un smartphone ou une tablette, ou de contrôler à distance l’appareil photo à l’aide de l’application Canon Camera Connect.
La connectivité permet également de partager des images sur les réseaux sociaux ou de les transférer directement vers un ordinateur pour une édition ultérieure. Le Canon R5 dispose également d’un port USB-C pour une connectivité filaire rapide et pratique.
Le Canon R5 est un choix exceptionnel pour la photographie de concert, offrant une qualité d’image exceptionnelle, une stabilisation d’image intégrée, une vitesse de prise de vue en continu rapide et une connectivité facile à utiliser.
Que vous soyez un photographe professionnel cherchant à capturer des images de concert époustouflantes, ou simplement un amateur passionné souhaitant capturer des moments mémorables, le Canon R5 est un choix fiable et performant.
Spécifications clés du Canon R5:
Capteur CMOS Dual Pixel plein format 45MP
Vidéo 8K, avec option pour Raw ou 4:2:2 C-log 10 bits ou HDR PQ
Jusqu’à 4K/120p, ou 4K suréchantillonné jusqu’à 30p
Couverture à 100 % Système AF Dual Pixel II avec détection des humains et des animaux entraînée par l’apprentissage automatique
Étanchéité aux intempéries revendiquée aux niveaux EOS 5D Mark IV
Wi-Fi 2,4/5 GHz avec connectivité Bluetooth et FTP
CIPA évalué à environ 320 coups (en utilisant EVF)
Les nouveautés du Canon R5
Points clés à retenir:
Le tout nouveau capteur 45MP offre une bonne résolution et une plage dynamique, augmente la vitesse de lecture par rapport à certains capteurs Canon précédents
La capture vidéo 8K et une pléthore d’autres modes plairont aux photographes hybrides/vidéo
Le stabilisateur d’image intégré offre 8 arrêts de stabilisation revendiqués sur le marché lorsqu’il est associé aux bons objectifs
Le nouveau système de mise au point automatique à couverture de 100 % est impressionnant
Des commandes bien pensées et un niveau de personnalisation raisonnable devraient satisfaire la plupart des utilisateurs
* 24.00p n’est disponible que pour le DCI 4K en modes capteur complet et APS-C
Canon R5
FAQ sur le Canon EOS R5 : Tout ce que vous devez savoir
Le Canon EOS R5 est un appareil photo hybride (mirrorless) haut de gamme, lancé en 2020. Il s’agit d’un appareil révolutionnaire pour les photographes professionnels et vidéastes, grâce à sa haute résolution de 45 mégapixels et sa capacité à filmer en 8K. Si vous envisagez d’acheter le Canon EOS R5 ou si vous souhaitez en savoir plus sur ses fonctionnalités, cette FAQ détaillée vous fournira toutes les informations nécessaires pour comprendre cet appareil exceptionnel.
1. Qu’est-ce que le Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 est un appareil photo hybride (mirrorless) qui fait partie du système Canon EOS R, introduit par la marque pour s’éloigner des appareils reflex (DSLR). Il est doté d’un capteur plein format de 45 mégapixels et est capable de filmer en 8K. Le R5 est conçu pour les professionnels ou les passionnés exigeants, tant pour la photographie que la vidéo, grâce à ses performances exceptionnelles dans des conditions variées.
2. Quelles sont les caractéristiques techniques principales du Canon EOS R5 ?
Voici les spécifications clés du Canon EOS R5 :
Capteur : Plein format CMOS de 45 mégapixels
Processeur d’image : DIGIC X
Plage ISO : 100 à 51 200 (extensible à 102 400)
Système autofocus : Dual Pixel CMOS AF II avec 1053 zones
Écran LCD : 3,2 pouces, 2,1 millions de points, articulé et tactile
Viseur électronique : OLED de 5,76 millions de points
Vitesse d’obturation : 1/8000 à 30 secondes
Mode rafale : 20 images par seconde avec obturateur électronique, 12 images par seconde avec obturateur mécanique
Vidéo : 8K à 30 images/seconde, 4K à 120 images/seconde
Monture d’objectif : RF (compatible avec les objectifs EF via adaptateur)
Poids : Environ 650 g (boîtier seul)
3. Quelle est la qualité des images du Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 offre une qualité d’image exceptionnelle, grâce à son capteur plein format de 45 mégapixels. Il capture des images extrêmement détaillées, avec une large plage dynamique et des couleurs fidèles. Ce niveau de résolution permet d’imprimer des photos à grande échelle sans perte de qualité. En faible lumière, le R5 gère très bien les ISO élevés, avec peu de bruit jusqu’à environ ISO 6400, ce qui le rend idéal pour les photographes de paysages, de portraits et d’événements.
4. Le Canon EOS R5 est-il bon pour la vidéo ?
Oui, le Canon EOS R5 est un monstre en vidéo. Il est capable de filmer en 8K RAW à 30 images par seconde, une fonctionnalité rare dans le monde des appareils photo. En plus de cela, il peut enregistrer en 4K à 120 images par seconde, ce qui est idéal pour des ralentis ultra-fluide. Le R5 prend également en charge l’enregistrement en 10-bit 4:2:2 Canon Log, offrant une flexibilité maximale en post-production pour les vidéastes professionnels.
Cependant, il y a eu des rapports concernant des problèmes de surchauffe lors de l’enregistrement prolongé en 8K et en 4K 120p. Canon a depuis déployé plusieurs mises à jour de firmware pour améliorer la gestion thermique et prolonger la durée d’enregistrement, mais il reste à prendre en considération pour les vidéastes.
5. Quels types d’objectifs sont compatibles avec le Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 utilise la monture Canon RF, qui est compatible avec les objectifs RF natifs. Canon a développé une gamme impressionnante d’objectifs RF, allant des focales fixes ultra-lumineuses aux zooms professionnels. Voici quelques exemples populaires :
Canon RF 50mm f/1.2L : Une focale fixe lumineuse pour des portraits avec un bokeh sublime.
Canon RF 24-70mm f/2.8L IS USM : Un zoom polyvalent pour les professionnels.
Canon RF 70-200mm f/2.8L IS USM : Un téléobjectif compact idéal pour le sport, la faune, et les portraits.
Le R5 est également compatible avec les objectifs Canon EF grâce à l’adaptateur EF-EOS R. Cela signifie que si vous possédez déjà des objectifs Canon EF ou EF-S, vous pouvez les utiliser sans problème sur le R5.
6. Qu’est-ce que la stabilisation d’image intégrée (IBIS) et comment fonctionne-t-elle sur le Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 est doté d’un système de stabilisation d’image intégré (IBIS), ce qui signifie que le capteur lui-même se déplace pour compenser les vibrations de l’appareil photo. Ce système est capable de fournir jusqu’à 8 stops de compensation lorsqu’il est utilisé avec certains objectifs RF. Cela permet de prendre des photos nettes à des vitesses d’obturation plus lentes sans avoir besoin d’un trépied, et est particulièrement utile en faible lumière ou lors de l’utilisation d’objectifs longs.
7. Quelle est l’autonomie de la batterie du Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 utilise la batterie LP-E6NH, qui offre une autonomie d’environ 320 clichés par charge en utilisant le viseur électronique, et jusqu’à 490 clichés en utilisant l’écran LCD. Pour les tournages vidéo, l’autonomie est évidemment réduite. Si vous planifiez une longue séance photo ou vidéo, il est fortement conseillé d’avoir des batteries supplémentaires à disposition, en particulier si vous utilisez des fonctionnalités gourmandes en énergie comme la vidéo 8K ou la rafale à 20 images par seconde.
8. Le Canon EOS R5 dispose-t-il de la double carte mémoire ?
Oui, le Canon EOS R5 est équipé de deux emplacements pour cartes mémoire : un pour les cartes CFexpress et un pour les cartes SD UHS-II. L’emplacement CFexpress est nécessaire pour gérer les flux de données massifs générés par l’enregistrement vidéo en 8K ou la rafale haute vitesse en RAW. L’emplacement SD UHS-II offre une option plus économique et est idéal pour la photographie classique ou la vidéo 4K en débit normal.
9. Quelles sont les performances du Canon EOS R5 en mode rafale ?
Le Canon EOS R5 est un appareil très rapide en termes de rafale. Avec l’obturateur mécanique, il peut prendre jusqu’à 12 images par seconde, et avec l’obturateur électronique, il peut monter jusqu’à 20 images par seconde. Ce niveau de performance le rend parfait pour les photographes de sport, de faune ou de toute autre discipline nécessitant la capture de sujets en mouvement rapide.
10. Le Canon EOS R5 surchauffe-t-il en mode vidéo ?
Oui, des problèmes de surchauffe ont été signalés lors de l’enregistrement prolongé en 8K ou en 4K à 120 images/seconde. Après environ 20 minutes de tournage en 8K, l’appareil peut atteindre des températures élevées et limiter le temps d’enregistrement. Canon a déployé des mises à jour de firmware pour améliorer la gestion de la surchauffe, mais il est recommandé de planifier des pauses entre les prises pour éviter tout problème.
11. Le Canon EOS R5 est-il adapté à la photographie professionnelle ?
Absolument. Le Canon EOS R5 est conçu pour les photographes professionnels et les créateurs de contenu. Grâce à son capteur de 45 mégapixels, ses performances rapides en rafale, son autofocus exceptionnel et sa capacité à filmer en 8K, le R5 est un appareil polyvalent capable de répondre à des exigences professionnelles dans une grande variété de disciplines, allant des portraits à la photographie de paysages, en passant par le sport et la faune.
12. Comment fonctionne l’autofocus du Canon EOS R5 ?
Le système autofocus du Canon EOS R5 utilise la technologie Dual Pixel CMOS AF II, offrant une mise au point extrêmement rapide et précise avec 1 053 zones AF couvrant presque tout le cadre. Il est également équipé de la détection des yeux, des visages et des animaux, ce qui permet de suivre efficacement les sujets en mouvement, même à grande vitesse. Que vous photographiez des portraits ou des scènes d’action, l’autofocus du R5 est l’un des meilleurs de sa catégorie.
13. Quelles sont les options de connectivité du Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 dispose d’une gamme complète d’options de connectivité, y compris :
Wi-Fi et Bluetooth pour le transfert sans fil des images et le contrôle à distance via l’application Canon Camera Connect.
USB-C pour des transferts rapides des fichiers vers un ordinateur.
HDMI pour la sortie vidéo vers un moniteur externe.
Prise microphone et prise casque pour un enregistrement audio et une surveillance audio de qualité professionnelle lors des tournages vidéo.
14. Quelle est la différence entre le Canon EOS R5 et le Canon EOS R6 ?
La principale différence entre le Canon EOS R5 et le Canon EOS R6 réside dans la résolution du capteur. Le R5 a un capteur de 45 mégapixels, tandis que le R6 utilise un capteur de 20 mégapixels. Le R5 est conçu pour les photographes et vidéastes professionnels qui ont besoin de la plus haute résolution et des capacités vidéo 8K, tandis que le R6 est un peu plus accessible, avec des performances légèrement inférieures, mais une meilleure gestion des fichiers et une excellente qualité d’image en basse lumière. Le R6 est aussi plus abordable que le R5.
Conclusion
Le Canon EOS R5 est l’un des appareils photo hybrides les plus avancés disponibles aujourd’hui. Avec sa résolution de 45 mégapixels, ses capacités vidéo 8K, et ses performances en rafale incroyables, il convient parfaitement aux photographes professionnels et aux vidéastes exigeants. Si vous recherchez un appareil polyvalent qui excelle aussi bien en photo qu’en vidéo, le Canon EOS R5 est une excellente option qui continue de redéfinir les standards du marché.
David Bailey est considéré comme l’un des pionniers de la photographie contemporaine, Devenu célèbre pour ses photographies de mode dans les rues de Londres, il a immortalisé les plus grands mannequins, artistes et personnages médiatiques de ces cinquante dernières années.
David Bailey et les années 60
Les années 60, nous dit David Bailey dans sa nouvelle autobiographie, étaient terminées vers 1965. Les calendriers pourraient affirmer le contraire. Mais il a un son de vérité, du moins en ce qui concerne la version mod, monochrome et sur mesure des années 60, l’ère du Swinging London. David Bailey devrait savoir, après tout. Il prétend modestement avoir inventé la décennie.
David Bailey: Look again
Son voyage à New York avec le mannequin Jean Shrimpton pour un shooting Vogue en 1962 a pris certaines des qualités légendaires de l’arrivée de Lénine à la gare de Finlande : un moment qui a inauguré une révolution.
* Il est possible d’exagérer à quel point sa technique était innovante – Vogue existe pour faire la chronique des tendances, rarement pour les définir – mais son impact a été historique. Auparavant, les pages du magazine étaient dominées par des tournages scéniques dans lesquels des mannequins hautains prenaient des poses courantes telles que «attraper un papillon» et «héler un taxi».
En revanche, les photos de Shrimpton de David Bailey la montraient dans des décors naturalistes sur un film 35 mm granuleux. Ils ont aligné Vogue avec un nouvel esprit en général dans la culture – dans le style de tir de guérilla des cinéastes français de la Nouvelle Vague ; dans le sérieux du réalisme de l’évier de cuisine ; et surtout dans la ‘Jeune Idée’, un terme nébuleux qui allait mûrir dans une décennie définie par la jeunesse. Les vêtements étaient presque accessoires. Il s’agissait, comme l’affirme David Bailey, plus d’une fois dans ce livre, de la jeune fille.
David Bailey: Look again
David Bailey a abordé la photographie de mode comme une forme de portrait, tandis que ses portraits délimitaient la mode. Beaucoup de ces personnes étaient ses amis (Mick Jagger, Terence Stamp, Michael Caine), beaucoup d’autres ses amants (Shrimpton, Catherine Deneuve, Penelope Tree), tous photographiés dans son style distinctif et contrasté sur un fond blanc uni.
(Ce n’était pas, il s’efforce de le souligner, de Richard Avedon, mais a été développé par son mentor John French pour obtenir un plus grand impact sur le papier journal Daily Express .) Brutes, non filtrées, les images parlaient de son rapport instinctif avec ses sujets. , de connexions forgées par son charme terreux et racé.
Plus proche d’un mémoire que d’une autobiographie, Look Again est une curieuse affaire. Elle aussi est brute et non filtrée. Les phrases sont saccadées. Le style est grossier et démotique. La structure est une sorte de flux de conscience, comme si nous étions assis avec Bailey et écoutions ses souvenirs.
David Bailey: Look again
Cela n’a rien d’étonnant, puisque le photographe David Bailey est dyslexique et a réalisé le livre avec l’aide de l’historien de l’art James Fox, décrit ici non pas comme un nègre mais comme son « collaborateur ».
Comme un ensemble de pinces bulldog utilisées par un styliste de mode pour améliorer la coupe d’un vêtement, Fox a la tâche peu enviable d’imposer une sorte de forme aux réminiscences informes de Bailey, en restant invisible tout le temps.
Regarde encore est à son plus évocateur lorsqu’il s’agit de l’enfance de Bailey dans les années 1940. Il y a un fort sentiment d’appartenance et un œil pour un détail révélateur : les bâtiments bombardés avec leurs intérieurs exposés comme des maisons de poupées ; la chambre froide avec des meubles recouverts de plastique réservée aux visiteurs spéciaux; la brutalité désinvolte de la vie de l’East End.
(Son père, un tailleur de patrons, a été marqué à vie lorsqu’un jeune voyou l’a tailladé au visage. L’identité de l’agresseur a été cachée à Bailey pendant plusieurs décennies, mais il s’agissait du gangster Reginald Kray – dont il a pris les photos de mariage en 1965.)
On peut dire à peu près la même chose de sa période en poste dans ce qui était alors la Malaisie en service national avec la RAF; tandis que le reste de la caserne était orné de pin-up coquines, une affiche de Picasso était suspendue au-dessus de la couchette de l’aviateur Bailey.
Les années 60, naturellement, occupent la part du lion du livre, mais ici, le style narratif dégressif de David Bailey joue contre lui.
Les pages sont riches d’anecdotes – apprendre au danseur de ballet Rudolf Noureev à faire le twist, se faire arrêter par la police avec un python dans le coffre de sa Rolls-Royce – dont certaines seront déjà familières aux aficionados de l’homme et son travail.
Mais quelque part en cours de route, le sens du lieu, et pire encore, de l’époque, se dissipe. Le livre prend une allure presque picaresque, une séquence brumeuse d’incidents dans lesquels notre héros, tel un Moll Flanders masculin ou le protagoniste d’un roman de Fielding, ricoche d’amant en amant.
Nous sommes passés de Shrimpton à Deneuve (qu’il a épousé pour un pari) à Tree à Marie Helvin à, finalement, Catherine Dyer, sa femme depuis 1986. Look Again, dans des sections de dialogue transcrit comme un scénario de théâtre. Leurs souvenirs des événements ne correspondent pas toujours à ceux de David Bailey.
Dans un sens, ce récit chaotique renvoie à la question de la fin des années 60. De nombreuses personnalités qui se sont fait connaître au cours de cette décennie obsédée par la jeunesse sont confrontées à un dilemme : leurs premières réalisations éclipsent le reste de leur vie, leur talent se fige en une simple célébrité.
En 1965, David Bailey était sans aucun doute une célébrité. Le personnage principal de Blow-Up d’ Antonionia été célèbre sur son modèle, bien que Bailey déplore le maniaque de son homologue fictif « Ouais, bébé ! » maniérismes – plus appropriés, dit-il, à un photographe de studio de Chelsea. (« Il était si carré, David Hemmings. Il aurait été préférable d’avoir Terence Stamp. ») Les décennies suivantes ont un peu l’impression qu’il cherche un nouveau but.
Malgré tout ce qu’il soutient parfois que son apogée est le présent, il n’est pas clair que David Bailey y soit parvenu. Il répertorie certains de ses plus grands succès – photographe officiel de Live Aid en 1985, une publicité anti-fourrure mémorable dans laquelle le manteau d’un mannequin fait glisser du sang sur le podium, une série de publicités télévisées comiques pour les caméras Olympus – mais le sens de la conduite de les chapitres précédents ont disparu.
Dans sa crudité et son manque de vernis, son insistance sur le fait que tout tourne autour de la fille, Look Again évoque sans effort l’homme et son travail. Il est donc regrettable qu’il souffre par endroits de quelque chose que sa photographie d’une netteté irréprochable n’a jamais fait : un étrange manque de mise au point.
Look Again de David Bailey est publié par Mac millan .
Qui est David Bailey ?
David Bailey est un photographe de mode anglais surtout connu pour ses images de célébrités, de mannequins et de musiciens. Bien qu’il soit également connu pour son livre de photographie NWI (1982), qui documente le processus de gentrification dans les quartiers londoniens de Primrose Hill et Camden.
Né le 2 janvier 1938 à Londres, Royaume-Uni, David Bailey a abandonné ses études secondaires pour servir dans la Royal Air Force où il a développé un intérêt pour la photographie d’ Henri Cartier-Bresson . Il est aujourd’hui âgé de 85 ans.
De retour en Angleterre, David Bailey a commencé à travailler en tant que photographe de mode John French l’assistante de. Au cours des années 1960 et 1970, l’artiste a attiré l’attention de la presse après une série de mariages très médiatisés avec Jean Shrimpton, Catherine Deneuve et Marie Helvin.
En 1965, David Bailey publie son premier livre de photographies Box of Pin-Ups , une collection d’images en noir et blanc représentant Mick Jagger, les Beatles, Twiggy et Andy Warhol., ainsi que plusieurs autres personnalités.
David Bailey a ensuite reçu le titre de Commandeur de l’Ordre de l’Empire britannique des mains de la reine Elizabeth II et, en 2016, un prix pour l’ensemble de ses réalisations du Centre international de la photographie de New York.
Les photographies de l’artiste sont conservées dans les collections de la National Portrait Gallery et du Victoria and Albert Museum de Londres. Bailey vit et travaille actuellement à Londres, au Royaume-Uni.
Marié à Rosemary Bramble (m. 1960-1964), puis à Catherine Deneuve (m.1965-1972), Marie Helvin (m.1975-1985), il est marié à Catherine Dyer depuis 1986 et est père de 3 enfants, Sascha Bailey, Paloma Bailey, Fenton Fox Bailey.
L’avis du Guardian
Pensez aux nuits blanches de M. Edward Shrimpton, un constructeur autodidacte qui, en 1960, s’était acheté une ferme de 200 acres dans le Buckinghamshire et avait envoyé ses deux filles dans la meilleure école de couvent locale. Tout d’abord, son aîné, Jean, 18 ans, tombe amoureux d’un homme marié, un East Ender, qui a pris des photos « glamour » d’elle.
Et comme si cela ne suffisait pas, sa fille cadette, Chrissie, fréquente un étudiant, dont la seule perspective d’emploi rémunérateur semble être avec un groupe de musique qui n’a pas encore sorti de disque. Face à la perspective de David Bailey dans sa grange à foin et de Mick Jagger dans sa chambre du fond, il semble qu’Edward Shrimpton n’ait pas pu décider qui pointer son fusil de chasse en premier.
Soixante ans plus tard, Jean Shrimpton et David Bailey peuvent encore évoquer le frisson de ces premières liaisons, dans lesquelles au moins une image libre d’esprit de la décennie qui a suivi a été créée.
Pour autant qu’ils s’en souviennent, ils n’ont jamais fait d’interview ensemble au cours des années où ils se sont rendus célèbres, alors quand ils s’assoient ici, au cœur des mémoires prévisibles et candides de Bailey, c’est comme s’ils reconstituaient de petits fragments d’un fantasme partagé.
Le shooting phare de Vogue à New York, emmenant la mode studio dans la rue, lui apportant des fleurs, et les portant sans gêne, leur premier sexe, sur Littleton Common (« ah oui, je m’en souviens bien »). « Il m’a fallu trois mois pour faire passer ma jambe », se souvient Bailey, pour souligner sa bravoure.
Une grande partie de cette histoire se lit comme un pays étranger à notre époque de censure. Il y a beaucoup de choses que vous pourriez penser que vous savez déjà dans ce livre, mais ce qui le place au-dessus du familier, ce sont les segments enregistrés dans lesquels nous entendons Bailey tester sa mémoire contre certaines des personnes dont il a été le plus proche – non seulement Shrimpton, mais aussi ses ex-femmes, Catherine Deneuve et Marie Helvin, l’épouse actuelle, Catherine Dyer, et bien d’autres amis et amants.
De cette façon, James Fox, le nègre de David Bailey, fait de ce qui pourrait être un exercice d’auto-mythologie quelque chose de beaucoup plus brut et surprenant (en ce sens, le livre fait un digne successeur des derniers efforts de Fox en tant que « fantôme » pour Keith Richards’s Life).
Parfois, il laisse libre cours au personnage cockney non reconstruit de Bailey, mais en l’écoutant en compagnie de vieux amis et de vieux amants, nous l’entendons également confronter et examiner certains moteurs plus complexes de sa créativité priapique.
Cela remonte en grande partie à l’enfance du photographe. Fox le sonde et le presse au sujet de sa relation avec ses parents, sa mère en colère et son père capricieux – il était l’accident qui a imposé leur mariage horriblement malheureux – et laisse ce rationnement d’affection en temps de guerre expliquer une partie de l’agitation légendaire de David Bailey.
Bailey fait remonter son œil pour la beauté féminine à l’après-midi de 1948 lorsqu’il est allé avec sa mère et sa tante lors de leur voyage annuel dans le West End et à Selfridges pour essayer les robes qu’ils ne pouvaient jamais se permettre, avant de rentrer chez eux pour courir. des versions d’entre eux sur leurs machines à coudre.
À une telle occasion, sa mère a essayé une robe de style Dior et s’est retournée devant la vitrine du grand magasin, à contre-jour – et David Bailey, neuf ans, a pris sa première photo dans sa tête.
Il a conservé cette image, semble-t-il, même s’il était traité de stupide tous les jours à l’école (il est parti à 14 ans et a reçu un diagnostic de dyslexie à 30 ans) et à travers des emplois qui comprenaient un passage en tant que collecteur de dettes dans l’East End à ses adolescents.
Il était, selon son plus vieil ami, Danny O’Connor, jamais sans «le regard de Bailey» apparemment voir des choses chez les gens – les femmes – qu’ils se voyaient à peine eux-mêmes.
Le regard lui a causé beaucoup d’ennuis, se faisant battre par des voyous locaux, « les garçons Barking », dont il a regardé les petites amies, mais c’était aussi son attirance presque indéfectible. Il n’a jamais douté de ce don. « Ma mère avait l’habitude de dire : ‘Tu finiras comme nous tous, à conduire le bus 101’ », se souvient-il.
« Je me suis dit ‘Je ne le ferais pas.’ » Une grande partie de cette histoire, et une grande partie du comportement qu’elle décrit, se lit comme un pays étranger à notre époque de censure. Comme le dit l’assistant de longue date de Bailey, John Swannell : « Quel que soit le voyage dans lequel il était, il est allé chercher le modèle et 99% du temps, il les a fait craquer. »
Il n’y a, parmi les nombreux anciens amants qui apparaissent dans ces pages, aucune suggestion que cette attention était indésirable. Le récit subtil de Fox vous permet de voir à quoi cela ressemblait à travers les yeux de Bailey et vous permet parfois de voir les bords de ce viseur.
BONUS: Interview de David Bailey pour gagosian quarterly, par Derek Blasberg, été 2019
Le photographe s’est assis avec Derek Blasberg pour parler de son processus, de sa bête noire et de ses expériences avec Jean Shrimpton, Anjelica Huston, Freddie Mercury, et plus encore.
DEREK BLASBERG: De souvenez-vous de la première fois que nous nous sommes rencontrés ? C’était il y a des années, et j’étais la styliste d’un shooting magazine avec Daphne Guinness. J’étais terrifié parce qu’on m’avait dit que vous détestiez les Américains et les stylistes insistants et que j’étais là pour être les deux.
DAVID BAILEY: Oui, je me souviens de ce tournage. Tu allais bien, mais c’est son petit ami qui m’a énervé. Je lui ai dit de disparaître, je pense.
DBLY: Oui,vous l’avez fait ! Ce qui a été un énorme soulagement pour moi.
DBAI Je suppose que je ne l’ai pas aimé [rires]. Il se tenait derrière moi et essayait de la diriger sur les photos, ce qui était affreux, mais elle était gentille.
DBL Les shootings pour tant de magazines de mode vous manquent ?
DBAI Je ne vois plus aucun des magazines pour lesquels je tournais.
DBL: Ils ont tous mal avec les budgets de nos jours.
DBAI: Aucun d’entre eux n’a jamais été vraiment riche. Vogue anglaise ? Oubliez ça, ils n’ont jamais eu de gros budgets. Vogue française ? Rien. Italie : rien. Seul Vogue américain l’a fait. Je me souviens qu’une fois [l’ancienne rédactrice en chef du Vogue américain Diana] Vreeland m’a téléphoné et m’a dit: « Tu vas me donner l’enfer mais nous devons surveiller l’argent. »
Elle a parlé pendant une heure lors de cet appel – un appel longue distance, qui à l’époque coûtait une fortune – et elle a passé environ une heure et demie à parler. Puis elle m’a téléphoné le lendemain et m’a dit : « Iras-tu en Inde pour photographier un tigre blanc ? [rires] Après m’avoir dit de réduire les budgets, elle m’envoie en Inde pour photographier un tigre blanc ! Il était dans un zoo de toute façon ! Vreeland était l’une des femmes les plus extraordinaires que j’ai jamais rencontrées.
DBL: C’est fascinant de voir comment Diana Vreeland est restée une telle icône de la mode.
DBAI: Eh bien, elle était vraiment fantastique. Elle était intelligente et l’une des femmes les plus intéressantes que j’ai jamais rencontrées, d’une drôle de manière.
DBL: Elle a inspiré le personnage de Kay Thompson dans le film Funny Face [1957], qui mettait en vedette Audrey Hepburn.
DBAI: C’était un grand film. J’ai vu ce film quand j’étais assistant du photographe John French.
DB: Il a ce grand numéro d’ouverture, « Think Pink ».
DBAI: Yeah, cette déclaration de Diana Vreeland. C’est elle qui a dit « Le rose est le bleu marine de l’Inde ». C’est aussi bon que la ligne d’Andy Warhol sur le fait que tout le monde est célèbre pendant quinze minutes. Mais je me demande si cet écrivain médiatique…
DBAI: Yeah, celui qui a dit que l’image est le message. Il a dit toutes sortes de choses accrocheuses. Je me demande si Warhol a obtenu beaucoup de citations de lui.
DBL: Il sait que vous avez commencé à prendre des photos après votre appel au service national, l’équivalent britannique du repêchage militaire américain, mais avant cela, pensiez-vous que vous seriez dans le monde de la mode ? Dans les magazines, les médias et les photographies ?
DBAI: Personne n’ y a pensé. J’aimais la photographie mais je ne pensais pas à la mode. En fait, c’était vraiment un accident : je jouais de la trompette, je voulais être Chet Baker, mais, heureusement, quelqu’un a volé ma trompette [rires].
DBL: Quand ?
DBAI: Lorsque j’étais dans l’Armée de l’Air. Un officier l’a pris et je n’ai rien pu faire. Il a dit : « Puis-je emprunter votre trompette pour dessiner ? J’ai dit « Ouais », puis il a dit : « Désolé de te dire ça, mais quelqu’un l’a volé. » C’était un officier et je n’étais qu’un soldat, donc je ne pouvais rien y faire.
DBL: C’est peut-être la meilleure chose qui vous soit jamais arrivée.
DBAI: oui, probablement ! J’aurais été un très mauvais Chet Baker [rires].
DBL: Et c’est à ce moment-là que vous avez travaillé avec John French, n’est-ce pas ? DBOUi, pendant environ onze mois. John était un gars formidable. Et puis je suis allé à Vogue.
DBL: Vous étiez assez jeune et – comment dire ? – pas le genre de photographe typique utilisé par Vogue à l’époque. À ce moment-là, Vogue cherchait des gens assez polis.
DBAI: Honnêtement, je ne sais pas comment je suis arrivée à Vogue avec mon accent. Les Américains ne le savent peut-être pas, mais ce n’était pas facilement accepté en Angleterre d’avoir un accent comme le mien. Il y avait de très belles filles dans les années 1960 avec des accents comme le mien et nous n’avions pas le droit de travailler avec elles.
J’ai toujours pensé : « Eh bien, qu’est-ce que son accent a à voir avec une photo ? Nous ne faisons pas de film ! » Mais ils n’auraient rien à voir avec quelqu’un qu’ils pensaient être « commun ». C’était comme ça jusqu’aux années 70, vraiment.
DBL: Pourquoi vous ont-ils laissé entrer ?
DBAI: Je ne sais pas pourquoi. Je pense que le directeur artistique était un outsider et peut-être qu’il pensait que j’étais un outsider aussi. Il était homosexuel et, à cette époque, être homosexuel était en fait interdit par la loi. J’étais un étranger d’une manière différente, donc nous avions quelque chose en commun.
DBL: Vous étiez contre la société, et les magazines aimaient les gentils gens de la classe moyenne supérieure comme Cecil Beaton.
DBAI: Cecil détestait ne pas être chic. Il aurait aimé être comte ou seigneur ou n’importe quoi d’autre. Ils ont fait de lui un monsieur à la fin, donc au moins il l’a en quelque sorte compris.
DBL: Vous avez contribué à inaugurer une nouvelle ère de la photographie très post-Cecil Beaton.
DBAI: Il avait une façon de mettre les gens à l’aise. C’étaient de superbes photos parce qu’il filmait des gens dans une chaise élégante et leur donnait l’impression qu’ils avaient toujours été dans cette chaise élégante.
DBL: Vous avez cependant fait sortir les gens de leurs chaises de luxe. En arrivant chez Vogue, saviez-vous que vous introduisiez un style unique ?
DBAI: Non. Je n’y ai jamais pensé, pour être honnête. Cela semblait juste être du bon sens. Je ne pense même pas que les gens aient réalisé que les photos étaient bonnes quand je les ai faites. . . mais nous ne savions rien à l’époque.
DBL: Il y a cette excellente citation que vous avez faite : « Environ 2 000 personnes se sont amusées dans les Swinging ’60s. »
DBAI: Yeah, ils n’étaient pas très amusants si vous étiez un mineur de charbon ou un pêcheur ou quelque chose comme ça. Il n’y avait que quelques milliers de personnes qui s’amusaient dans les années 60 et c’était un truc de la classe ouvrière. C’était la première fois qu’ils avaient une voix. Je pense que la raison pour laquelle c’est arrivé était que nous étions trop nombreux. Il y avait Michael Caine, Terence Stamp, Albert Finney.
Si vous regardez des films anglais des années 50, c’étaient tous des gens de la classe moyenne qui jouaient au cockney. Vous pouvez dire par leur accent qu’ils n’étaient pas vraiment de l’East End. Finalement, nous étions comme, qu’est-ce que c’est?
DBAI: Yeah, je vais leur parler pendant quelques heures si je peux avant de leur tirer dessus. Ensuite, cela ne prend que dix minutes. Mais pensez-y : comment pouvez-vous tirer sur quelqu’un que vous ne connaissez pas ? Ce n’est pas grave si je les ai déjà rencontrés et que je les connais, si je les connais depuis des années, comme Jack [Nicholson] ou quelqu’un d’autre, mais si un étranger arrive et que je ne sais pas qui il est, comment puis-je savoir quand j’ai le bon coup?
DBL: Si je pouvais dire que demain tu pourrais tirer sur qui tu veux, qui serait-ce ?
DBAI: Personne, vraiment. Il y a vingt ans, cela aurait probablement été Fidel Castro. [Magazine editor] Tina Brown voulait faire ça, et nous avons essayé plusieurs fois, mais ils disaient: « Pouvez-vous aller passer six semaines là-bas, mais ils ne sont pas sûrs que vous l’obtiendrez. » Alors j’ai dit : « Je ne peux pas passer six semaines à Cuba !
Finalement, ils ont envoyé [Herb] Ritts, et il est resté là-bas pendant deux semaines et est parti. Il en a eu marre aussi. Honnêtement, je ne pense pas que les Cubains étaient si intéressés.
DBL: Une question que je reçois souvent, en particulier avec les personnes qui aiment la photographie, est la suivante : comment commence-t-on une collection de photographies ? Que recherchez-vous lorsque vous prenez des photos ? Qu’est-ce qu’une image importante pour vous ?
DBAI: Je ne parle jamais aux gens de cette merde ! [rires] Honnêtement, je ne sais pas. Je n’ai collectionné que deux photographes dans ma vie : l’un est Irving Penn et l’autre est Manuel Álvarez Bravo. J’ai probablement une vingtaine de photos de chacun d’eux.
DBL: Vous arrive-t-il d’afficher vos propres images ?
DBAI: Non, jamais. Sur mes murs ? Non. Je ne veux pas que mes photos soient chez moi.
DBL: Il y a une photo de Georgia O’Keeffe dans les toilettes.
DBAI: C’est de Bruce Weber.
DBL: Oh, c’est vrai.
DBAI: Ils sont principalement Bruce aux toilettes. Ha! Je parie qu’il aimerait ça.
DBL: Avez-vous une camaraderie avec d’autres photographes ?
DBAI: Non. Je l’ai fait avec Helmut [Newton] et avec Bruce – j’essaie de penser à qui d’autre. Je connaissais assez bien Irving Penn. Il me laissait louer son studio.
DBLT: Parlez-moi de modèles. Qui aimes-tu?
DBAI: Easy : Je pense que les deux plus grands modèles sont Jean Shrimpton et Kate Moss.
DBL: Certaines de vos premières photos les plus célèbres sont avec la crevette, mais ensuite elle a complètement quitté la mode et est sortie de la grille. Droite?
DBAI: Eh bien, elle n’a pas aimé ça. Jean détestait ça. Kate adore ça. C’est la différence. Kate est fantastique. Elle vient parfois ici et elle repart vers quatre heures du matin. Je viens de prendre une belle nouvelle photo d’elle. Je ferais n’importe quoi pour Kate.
DBL: Il est heureux de vous entendre dire cela parce que je pense que souvent, les photographes comme vous ont si peu de patience pour les gens de la mode.
DBAI: J’ai cessé de faire de la mode il y a des années. C’était trop. En 1971, j’ai fait 800 pages chez Condé Nast en un an, et c’était tout simplement trop.
DBL: Wow, 800 de quoi que ce soit, c’est trop.
DBAI : J’ai pensé : « Merde, je dois arrêter de travailler comme ça. Je vais me transformer en robe si je ne fais pas attention ! » [Rires] Je n’ai jamais vraiment aimé la mode de toute façon. J’aime les filles mais je n’ai jamais vraiment été bonne pour le business. J’aime Yves Saint Laurent, je suppose. En fait, je suis allé voir sa première collection et j’étais avec Catherine Deneuve et je lui ai dit : « Catherine, tu dois arrêter de porter ce que tu portes et il faut que tu enfiles ce Yves Saint Laurent. »
DBL: Vraiment ? YSL et Deneuve sont devenus des amis et des muses pour la vie.
DBAI : C’est moi qui l’ai présentée à Yves. Après cela, Pierre Bergé a été mon meilleur ami pour le reste de sa vie.
DBL: Est-ce que votre façon de prendre des photos aujourd’hui diffère un peu de celle que vous aviez lorsque vous avez réalisé les portraits de Michael Caine dans les années 1960 ?
DBAI: Non, je les prends tous de la même manière. Je n’ai jamais vraiment changé. J’ai de la chance d’une certaine manière, car mes photos ne semblent pas dater. Si je faisais des photos de mode maintenant, j’éviterais les cheveux et les chaussures. Je n’ai jamais porté trop de cheveux ou de chaussures parce que ces deux choses, les livres de mode, vieillissent plus qu’autre chose. Je recadre toujours des trucs. J’ai toujours eu des ennuis avec Vogue, comme « Oh, on ne peut pas voir les pieds. »
Et je disais: « Eh bien, vous savez à quoi ressemblent les pieds » [rires]. J’aime faire mon propre style. Je ne veux pas faire de trucs marrants. Je veux prendre la photo et continuer. Moins est toujours plus.
DBL: Quand vous voyez les photos de Mick Jagger, les photos que nous avions exposées dans la galerie, vous paraissent-elles encore fraîches ?
DBAI : Au début, je n’étais pas submergé par l’idée de faire une exposition de photographies des années 60 – je me suis dit : « Ugh, encore les années 60 ». Et je déteste ce terme « Swinging ’60s » et tout ça, c’est tellement cliché. Mais ici, ils se sentaient frais.
DBL: Mais nous sommes tous tellement ivres de nostalgie. Je veux dire, Freddie Mercury est le nom le plus chaud à Hollywood et il est mort depuis des décennies.
DBAI: Oh ouais, j’ai vu ce film, Bohemian Rhapsody. C’est bon, il est bon.
DBL: aviez-vous connu Freddie ?
DBAI: Freddie a enfoncé sa langue dans ma gorge !
DBL: n’êtes-vous pas sorti avec Anjelica Huston ?
DBAI: OUi, j’étais avec elle avant Nicholson. Elle était super, Anjelica. C’est une imitatrice fantastique. Elle peut imiter n’importe qui. J’ai fait un livre sur elle.
DBL: Tu es sorti avec Shrimpton aussi.
DBAI: Je l’ai fait.
DBL: J’ai entendu dire qu’elle dirigeait maintenant une chambre d’hôtes au bord de la mer.
DBAI: C’est mieux qu’une chambre d’hôtes ! C’est un peu comme Fawlty Towers. La dernière fois que je suis resté avec elle, nous avons tous les deux été enfermés à 20 heures du soir et nous n’avons pas pu rentrer parce que personne ne savait où était la putain de clé. Il n’y avait personne à la réception. C’est un hôtel adorable. Il n’y a pas trop d’hôtels de charme à St. Ives.
DBL: Alors tu es toujours ami avec elle ?
DBAI: Oui ! Je suis ami avec toutes mes ex-petites amies sauf Marie Helvin. Je ne la vois jamais.
DBL: Êtes-vous ami avec des personnes avec qui vous avez travaillé au fil des ans ?
DBAI: Ah ouais. Tout le monde. J’aime travailler avec les mêmes femmes depuis quinze ans. Vogue en a eu marre mais j’ai travaillé avec [ma femme] Catherine pendant quarante ans.
DBL: Ça doit être valorisant d’avoir encore des gens qui viennent voir des photos vieilles de cinquante ans dans une galerie, non ?
DBAI: Je pense qu’ils sont plus vieux que ça. Quel âge j’ai? Quatre-vingts. Ouais, ils sont plus vieux que ça. Ils datent du début des années 60.
DBL: Il était poli et coupé quelques années.
DBAI Non, non, je suis très vieux [rires].
DBL: Dernière question : Quelle est la première personne que vous avez eu envie de prendre en photo ?
DBAI: Somerset Maugham. Il a écrit Of Human Bondage. Ils en ont fait un film et il s’agissait d’un gang de filles. Il a fait beaucoup de bons livres et il comprenait les femmes plus que n’importe quel hétéro.
DBL: C’était le premier portrait de célébrité ?
DBAI: Première personne célèbre, ouais. Je me suis dit : « Merde, s’ils sont tous comme ça, ça va être génial. » Il n’aurait pas pu être plus gentil et il est mort quelques années plus tard. Il m’a dit : « Ne donne pas tout. » La dragonne de mon appareil photo était un morceau de ficelle [rires] et je n’avais pas beaucoup d’argent à l’époque, ce qu’il a remarqué. Il a dit: «Oh bien, tu es pauvre. Ne donnez rien. Gardez quelque chose en retour.
DBAI s’entendait bien avec lui. Il était très vieux—
DBL: Quel âge ?
DBAI: Shit, il devait avoir soixante-treize ans ou quelque chose comme ça, ce qui est plus jeune que moi maintenant. Mais ne me demandez aucun conseil.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
David Bailey est un photographe britannique né en 1938 à Londres. Il est surtout connu pour ses portraits de célébrités des années 1960, ainsi que pour son travail dans la photographie de mode.
2. Comment David Bailey a-t-il commencé dans la photographie ?
Bailey a commencé sa carrière de photographe en 1959, lorsqu’il a été embauché comme assistant pour le photographe John French. Il a rapidement commencé à travailler pour Vogue, où il a été remarqué pour son style de photographie innovant et sa capacité à capturer l’esprit de l’époque.
3. Qu’est-ce qui a rendu le travail de Bailey si remarquable ?
Le travail de Bailey est connu pour sa capacité à capturer l’essence de ses sujets. Il a également été salué pour sa technique de photographie, notamment son utilisation de la lumière naturelle et son choix de cadrage. Ses portraits sont souvent intimes et expressifs, ce qui a permis de créer des images emblématiques de la culture populaire britannique des années 60.
4. Quels sont les sujets célèbres que David Bailey a photographiés ?
Bailey a photographié de nombreuses personnalités célèbres au cours de sa carrière, notamment les Beatles, les Rolling Stones, Andy Warhol, Michael Caine, Mick Jagger, Jean Shrimpton, et bien d’autres.
5. Qu’est-ce que la photographie de mode signifie pour David Bailey ?
Pour Bailey, la photographie de mode est avant tout un moyen d’explorer la créativité et l’expression personnelle. Il a toujours cherché à créer des images qui sont à la fois belles et provocantes, tout en évitant les stéréotypes de la mode conventionnelle.
6. Qu’est-ce qui a rendu le travail de Bailey si influent dans la photographie de mode ?
Bailey a été un pionnier de la photographie de mode moderne, qui a rompu avec les conventions rigides de la photographie de mode traditionnelle. Son approche personnelle et non conventionnelle a contribué à redéfinir la photographie de mode dans les années 1960.
7. Comment David Bailey a-t-il utilisé la photographie pour explorer des questions sociales et politiques ?
Bailey a utilisé sa photographie pour aborder des questions sociales et politiques importantes, notamment la pauvreté, la guerre et les droits civils. Ses portraits de personnes dans les quartiers défavorisés de Londres ont contribué à sensibiliser le public aux inégalités économiques et sociales.
8. Quel est l’héritage de David Bailey sur la photographie contemporaine ?
L’héritage de Bailey sur la photographie contemporaine est considérable. Son style personnel et son approche non conventionnelle ont influencé de nombreux photographes depuis lors, tandis que ses photographies iconiques des années 60 ont continué à inspirer la culture populaire britannique et internationale.
9. Quel est le travail le plus célèbre de David Bailey ?
Le travail le plus célèbre de Bailey est peut-être sa série de portraits de la mannequin Jean Shrimpton en 1963, qui est devenue un symbole emblématique de la culture populaire britannique des années 60. Ces portraits ont été salués pour leur intimité et leur capacité à capturer l’esprit de l’époque.
10. Comment David Bailey a-t-il continué à travailler dans la photographie jusqu’à aujourd’hui ?
Bailey a continué à travailler dans la photographie depuis les années 60, créant des portraits de célébrités et des campagnes publicitaires pour des marques de mode de renommée mondiale. Il a également publié de nombreux livres de photographie et exposé son travail dans des musées et des galeries à travers le monde.
En conclusion, David Bailey est un photographe britannique iconique, connu pour son style de photographie personnel et non conventionnel qui a redéfini la photographie de mode dans les années 1960. Ses portraits de célébrités et son travail social et politique ont également contribué à façonner la culture populaire britannique des années 60. Son héritage se poursuit dans la photographie contemporaine et son travail continue d’être une source d’inspiration pour de nombreux photographes aujourd’hui.
Cette collection de 20 photographies célèbres a été soigneusement choisie en raison de leur importance dans l’histoire. Chacune de ces images emblématiques a contribué à façonner notre histoire et à modifier le monde dans lequel nous vivons. Ce sont certaines des images les plus puissantes et les plus influentes jamais capturées par certains des photographes les plus célèbres de l’histoire.
Les images ont un moyen de couper et de déclencher une réponse émotionnelle immédiate comme rien d’autre ne peut le faire. Ils nous ouvrent une fenêtre pour voir le monde à travers les yeux du photographe.
La photographie a contribué à renforcer l’histoire en la rendant plus tangible et réelle. Cela a également fait de l’appareil photo un outil important non seulement pour documenter l’historique, mais aussi pour aider à le changer.
Photo célèbre #1 Henri Cartier-Bresson – Homme sautant la flaque d’eau|1930
Dans cette photo, l’une de ses photos les plus emblématiques,Henri Cartier-Bresson acapturé une scène à travers une clôture derrière la gare Saint-Lazare à Paris.
Cette image est devenue l’exemple parfait de ce que Cartier-Bresson appelait« L’instant décisif ».
« Il n’y a rien dans ce monde qui n’ait pas un moment décisif. »
–HENRI CARTIER-BRESSON
Le photographe français est souvent désigné comme le père du photojournalisme moderne.
Il a inventé le terme « le moment décisif » pour désigner un moment où le photographe capture une seconde éphémère, l’immortalisant dans le temps.
Photo célèbre #2 The Steerage d’Alfred Stieglitz |1907
Photo célèbre: le top 20
La célèbre photo d’Alfred StieglitzThe Steerage|1907
«Je suis resté envoûté pendant un moment.J’ai vu des formes liées les unes aux autres – une image de formes, et sous-jacente, une nouvelle vision qui m’a retenu. ALFRED STIEGLITZ
L’un des photographes les plus célèbres du début du 20e siècle, Stieglitz s’est battu pour que la photographie soit prise aussi au sérieux que la peinture en tant que forme d’art valable. Son travail de pionnier a contribué à changer la façon dont beaucoup considéraient la photographie. Ses galeries à New York présentaient bon nombre des meilleurs photographes de l’époque.
Son image emblématique « The Steerage » ne résumepas seulement ce qu’il appelle la photographie directe – offrant une vision véridique du monde. Cela nous donne également un point de vue plus complexe et multicouche qui transmet l’abstraction à travers les formes de l’image.Et comment ces formes se rapportent les unes aux autres.
Remarque :Il y a de nombreuses années, l’un de mes instructeurs de mon programme de photographie à l’université nous a montré The Steerage et a expliqué à quel point c’était important, à quel point c’était important.La version de 21 ans de moi-même n’a pas compris. J’avoue qu’il m’a fallu de nombreuses années pour comprendre son génie et son message. Donc, si vous ne comprenez pas tout de suite, vous êtes en bonne compagnie.
Photo célèbre #3 Stanley FormanWoman Falling From Fire Escape| 1975
Photo célèbre: le top 20 Lacélèbre photo deStanley FormanWoman Falling From Fire Escape| 1975
Forman était un photographe bien connu travaillant pour le Boston Herald lorsqu’il s’est rendu sur les lieux d’un incendie. Ce qui a commencé alors qu’il documentait le sauvetage d’une jeune femme et d’un enfant a rapidement pris une tournure lorsque l’escalier de secours s’est effondré.
La paire a commencé à tomber et il a continué à tirer pendant qu’ils tombaient. Il les a capturés entrain de nager dans les airs .Forman n’a baissé son appareil photo et s’est retourné qu’au dernier moment lorsqu’il s’est rendu compte qu’il était en train d’assister à une femme en train de s’effondrer vers la mort.
Cette célèbre photographie a valu à Forman un prix Pulitzer. Mais son héritage intéressant réside dans les questions éthiques qu’il a soulevées quant au moment où un photographe doit arrêter de prendre des photos et s’il est approprié de publier des images dérangeantes. Cela a également poussé de nombreuses municipalités à appliquer des codes de sécurité plus stricts en matière d’évacuation en cas d’incendie, alors vous décidez.
Photo célèbre #4 Photo controversée de Kevin Carter – Starving Child and Vulture|1993
Photo célèbre: le top 20 – Photo gagnante du prixKevin CarterPulitzerEnfant affamé et vautour|1993
Cette image est une autre image lauréate du prix Pulitzer. Aussi célèbre pour son impact social que pour les questions éthiques qu’il soulève.
En 1993, le photojournaliste sud-africain Kevin Carters’est rendu au Soudan pour photographier la famine. Son image d’un enfant effondré, avec un vautour qui la traque, n’a pas seulement provoqué l’indignation du public à cause du sujet horrible.Cela a également suscité de nombreuses critiques dirigées contre le photographe, pour avoir photographié l’enfant plutôt que de l’aider.
Ce jour-là, et l’assaut qui a suivi a continué à hanter Carter jusqu’à ce qu’il se suicide en 1994.
Pour mémoire, la mère était apparemment juste à côté de la scène et l’enfant n’a jamais été en danger d’être attaqué par l’oiseau.Notez qu’il a également été tourné avec un téléobjectif plus long qui rend une scène plus compressée, faisant apparaître l’oiseau plus près de l’enfant que la réalité.
Si vous voulez en savoir plus sur cette image et sur d’autres prises par des photojournalistes en Afrique du Sud pendant la chute de l’apartheid, consultezThe Bang Bang Club.Regardez la bande-annonce ci-dessous et vous pouvez regarder le film complet sur YouTube pour 3,99 $.C’est un excellent documentaire, mais pas pour les âmes sensibles.
Photo célèbre #5 Le photographe lauréat du prix Pulitzer Eddie Adams |Exécution de Saigon|1968
Le photojournaliste Eddie Adams, lauréat du prix Pulitzer, était dans les rues de Saigon le 1er février 1968 pour photographier les ravages de la guerre.
Photo célèbre: le top 20 – Eddie Adams|Exécution de Saigon |1968
Les photographies fixes sont l’arme la plus puissante au monde.- Eddie Adams, photographe Croyant qu’il assistait à l’exécution de routine d’un prisonnier. Il regarda dans le viseur de son appareil photo, pour capturer la scène. Mais ce qu’il a capturé était l’assassinat occasionnel du prisonnier.
Cette photo emblématique est devenue l’une des images les plus puissantes de la guerre du Vietnam. Il a contribué à alimenter le mouvement anti-guerre et à mettre fin à l’implication des États-Unis dans la guerre, car il a donné vie à un visuel horrible, l’ampleur de la violence qui se produisait.
Photo célèbre: le top 20 – Laphoto emblématique deYousuf Karsh,Winston Churchill|1941
« Au moment où je suis revenu à mon appareil photo, il avait l’air si belliqueux qu’il aurait pu me dévorer. C’est à cet instant que j’ai pris la photo.
–YOUSUF KARSH
À la suite de l’attaque de Pearl Harbour,Churchill arrive à Ottawa pour remercier les alliés de leur aide.
Ignorant qu’un photographe avait été chargé de faire son portrait, il refusa de retirer son cigare. Une fois le photographe installé, il s’est dirigé vers Churchill, a retiré le cigare de sa bouche et a pris sa célèbre photo avec la mine renfrognée.
À propos de l’incident, Churchill a déclaré à Karsh : « Vous pouvez même faire en sorte qu’un lion rugissant reste immobile pour être photographié. »
Cette image est l’un des portraits politiques les plus largement reproduits. Elle autorisait les photographes à réaliser des portraits plus honnêtes, voire critiques, de dirigeants politiques.
Photo célèbre #7 Nick Ut |La terreur de la guerre|1972
Photo célèbre: le top 20 – Nick UtThe Terror of War|1972
« L’horreur de la guerre du Vietnam que j’ai enregistrée n’avait pas besoin d’être réparée. »
–NICK UT
À 25 miles au nord-ouest de Saigon, le photographe de guerre Nick Ut a capturé l’une des images les plus poignantes de l’histoire de la guerre du Vietnam. Le plus souvent, on ne voit pas les visages de ceux qui souffrent des dommages collatéraux de la guerre.
Mais l’image déchirante de Phan Thi Kim Phuc,9 ans, aforcé le monde à voir. Victime d’une chute de napalm par erreur, elle a ensuite été aidée par Ut et a reçu un traitement qui lui a sauvé la vie.
Au moment de la publication en 1972, de nombreux journaux ont dû assouplir leur politique sur la nudité. L’image reste controversée à ce jour, récemment elle a été brièvement supprimée de Facebook pour les mêmes raisons.
Nick Ut a remporté un prix Pulitzer pour cette célèbre image en 1973.
Photo célèbre #8 Margaret Bourke-White –Gandhi et la roue tournante|1946
Photo célèbre: le top 20 – Margaret Bourke-White– Gandhi et la roue tournante|1946
En 1946,Margaret Bourke-White, la première femme photographe du magazine LIFE, s’est vu offrir une rare opportunité de photographier le Mahatma Gandhi. Cette opportunité de rêve s’est rapidement transformée en cauchemar. Elle a dû surmonter de nombreux défis avant d’accéder au leader idéologique de l’Inde.Y compris pour faire tourner le célèbre fil à la maison de Gandhi.
Après deux tirs ratés, grâce à des difficultés techniques, c’est la troisième fois que Bourke-White a de la chance.
Cette image emblématique de Gandhi à son rouet a été capturée moins de deux ans avant son assassinat.
Remarque :Bourke-White était une icône pour moi en tant que jeune photographe. Elle semblait intrépide et allait là où même certains hommes n’osaient pas aller. Son courage et son courage m’ont influencé ainsi que mon travail au début de ma carrière. Il y a un film sur sa vie (elle est jouée par Farrah Fawcett)appelé Double Exposure. Si vous pouvez mettre la main dessus, c’est une excellente montre.
Photo célèbre #9 Lewis Hine –Cotton Mill Girl|1908
Photo célèbre: le top 20 – Lewis Hine|Fille de filature de coton|1908
Créé en 1904, le Comité national sur le travail des enfants existait pour lutter pour les droits des enfants travailleurs aux États-Unis. Ils ont réalisé que l’outil le plus puissant dont ils disposaient était de montrer le vrai visage de ces enfants. Ils pensaient que voir ces images de travail des enfants éveillerait les citoyens à exiger le changement.
Lorsque Lewis Hine, un photographe d’investigation, est tombé sur Sadie Pfeifer, l’un des plus petits au travail. Debout à seulement 48 pouces, il savait qu’il avait un coup qui changerait le point de vue des gens.
Cette photographie, avec d’autres, a été un élément crucial de la campagne qui a conduit à une modification de la législation. Le résultat a été une réduction de 50 % du nombre d’enfants travailleurs sur une période de 10 ans.
Photo célèbre #dix Mendiant aveugle de Paul Strand |1916
Photo célèbre: le top 20 – Mendiant aveuglede Paul Strand |1916
L’image révolutionnaire de Paul Strand d’une femme aveugle était un portrait franc qui s’écartait des portraits posés plus formels de l’époque.
Strand n’a pas seulement capturé un moment dans le temps, lorsqu’un pays changeait rapidement, en raison d’une vague d’immigration.Mais il a également pris la première image qui a ouvert la voie à un nouveau style – la photographie de rue.
Photo célèbre #11La journée emblématique duVJ à Times Square par Alfred Eisenstaedt |1945
Photo célèbre: le top 20 – La journée emblématique duVJ à Times Square par Alfred Eisenstaedt |1945
« Les gens me disent que quand je serai au paradis, ils se souviendront de cette photo. »
–ALFRED EISENSTAEDT
La mission d’Alfred Eisenstaedt à travers cette photographie était de « trouver et saisir le moment de la narration ».Dans cette photographie d’après-guerre à Times Square, c’est exactement ce qu’il a fait.
Sa célèbre photographie du soldat et de l’infirmière dentaire est devenue l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle, signifiant la fin joyeuse des années de guerre.
Photo célèbre #12 La première photographie de l’histoire – par Joseph Nicéphore Niépce – Vue depuis la fenêtre du Gras |vers 1826
Photo célèbre: le top 20
C’est la PREMIÈRE photographie jamais prise, elle a été réalisée par Joseph Nicéphore Niépce |Vue depuis la fenêtre du Grasvers 1826
Il est intéressant de noter que la première photographie permanente jamais prise n’a pas été prise par un artiste, mais par l’inventeur Joseph Nicéphore Niépce. Sa fascination pour l’imprimerie l’amène à installer une camera obscura dans son atelier en France en 1826.
La scène de la fenêtre a été coulée sur une plaque d’étain et a présenté une copie grossière de la scène à l’extérieur de sa fenêtre. C’étaitune pose de 8 heures et il n’y a qu’un seul exemplaire, une image positive. C’est pourquoi l’image est quelque peu confuse car le soleil s’était déplacé dans la cour pendant l’exposition, faisant apparaître des ombres des deux côtés.
Son travail révolutionnaire a ouvert la voie au développement de la photographie moderne.
Photo célèbre #13 James Nachtwey | famine en Somalie|1992
Photo célèbre: le top 20 – James Nachtwey|famine en Somalie|1992
« Oserons-nous dire que ce n’est pas pire que ça ? Lecteur du New York Times Magazine après avoir vu l’image de Nachtwey
Incapable d’obtenir une mission pour documenter la famine de 1992 en Somalie, le photojournaliste James Nachtwey a décidé d’y aller seul.
Soutenu sur le terrain par la Croix-Rouge, Nachtwey a capturé les horreurs de la famine. Ceci, son image la plus obsédante capture une femme dans une brouette attendant d’être emmenée dans un centre d’alimentation.
Après la publication de ses images poignantes,la Croix-Rouge a reçu la plus grande vague de soutien public depuis la Seconde Guerre mondiale et a pu sauver UN million et demi de personnes.
Photo célèbre #14 Alberto Korda de Che Guevara,Guerillero Heroico|1960
Photo célèbre: le top 20 – Alberto Korda|Guérillero Heroico|1960
Le photographe Alberto Korda n’a pas réalisé qu’aprèsavoir pris deux clichésdu jeune associé de Fidel Castro, cela deviendrait une image si emblématique.
À sa mort, 7 ans plus tard,son portrait de Che Guevara deviendrait l’image emblématique de la rébellion et de la révolution pour les peuples du monde entier.Encore aujourd’hui, il est répandu dans la culture cubaine et dans le monde. Aussi controversé que soit le Che, que vous le considériez comme un héros ou un méchant, le portrait résiste à l’épreuve du temps.
Photo célèbre: le top 20 – Philippe Halsman aréalisé cette célèbre photoDalí Atomicusen 1948
Le travail de toute une vie de Philippe Halsman a été de capturer l’essence de ceux qu’il a photographiés. Sachant qu’un portrait standard du flamboyant Salvador Dali n’allait pas se laver, il s’est mis à créer quelque chose d’extraordinaire.
Halsman a même encordé sa femme et sa fille pour aider à jeter les chats et l’eau dans le cadre. Après 26 prises de vue, ils ont finalement capturé cette image qui fait écho aux propres œuvres de Dali. Remarque : rappelez-vous que c’était tout film donc devait être fait dans une seule image, il n’y avait pas de Photoshop !
Halsman et Dali avaient tous deux un sens inhabituel du style et de la créativité – certains pourraient même dire bizarre.Ils ont collaboré sur de nombreux projets ensemble,y compris Halsman recréant l’une des peintures de Dali d’un crâne en utilisant des nus humains.
Halsman a contribué à façonner la photographie de portrait moderne. Ses images de Dali, Albert Einstein, Marilyn Monroe et Alfred Hitchcock ont brisé le moule et encouragé les photographes à collaborer avec leurs sujets.
Remarque : l’un de mes livres de photographie de table basse préférés est Halsman at Work.Il comprend non seulement de superbes photographies, mais aussi les histoires derrière la façon dont il les a faites, racontées par sa femme Yvonne qui a travaillé à ses côtés pour prendre des photos de lui en train de travailler.
Photo célèbre #16 Dorothée Lange |Mère migrante|1936
Photo célèbre: le top 20 – Dorothée Lange|Mère migrante|1936
En mission pour l’Administration de la réinstallation, Dorothea Lange a été chargée de capturer le sort des personnes les plus touchées par la Grande Dépression en 1936.
Lang a étroitement encadré Thompson, 32 ans, et ses jeunes enfants, entraînant le spectateur dans la douleur et l’épuisement gravés sur son visage qui semble vieilli au-delà de ses années.
À son retour, la photographie de Lange, désormais célèbre, est devenue l’image la plus emblématique des 160 000 prises pour documenter cette période désespérée.
Le gouvernement a agi en voyant la souffrance et a envoyé 20 000 livres de nourriture.
Photo célèbre #17 Eadweard Muybridge |Le cheval en mouvement|1878
Photo célèbre: le top 20 – Eadweard Muybridge |Le cheval en mouvement|1878
Se lancer dans une tâche pour découvrir si un cheval prend son envol au galop. Le photographe Eadweard Muybridge a été chargé par le gouverneur de Californie Leland Stanford de prouver sa théorie.
Muybridge a développé une technique pour capturer le cheval en utilisant une exposition d’une fraction de seconde seulement. Il avait aligné 12 appareils photo qui ont été déclenchés pour photographier en succession rapide par le cheval au galop.
La série d’images capturées par Muybridge n’a pas seulement prouvé qu’un cheval prend effectivement son envol. Ils ont également ouvert la voie à une nouvelle façon d’utiliser la photographie avec d’autres technologies pour capturer la vérité.
Cette méthode a ouvert la voie au développement de l’animation et du cinéma.
Photo célèbre #18W. Eugène Smith |Médecin de campagne|1948
Photo célèbre: le top 20 – W. Eugène Smith | Médecin de campagne|1948
« Je ne cherche pas à posséder mon sujet mais plutôt à m’y donner »,
–EUGÈNE SMITH
L’objectif de Smith était de voir le monde du point de vue de ses sujets et pour les spectateurs qui regardent son travail de faire de même. Cette image est tirée de sa photo. L’essai « Country Doctor » a été pris après que Smith ait passé 23 jours avec le sujet.
En suivant le médecin et en apprenant vraiment à le connaître, Smith a pu capturer l’essence de son sujet à travers une seule image. Cette image et l’essai qui l’accompagne sont devenus un modèle pour le formulaire que beaucoup ont imité depuis.
Mais l’image faisait partie du grand essai photographique qui a établi une nouvelle norme pour ce genre de photographie, le photojournalisme.
Photo célèbre #19Robert Capa |Le soldat qui tombe|1936
Robert Capa|Le soldat qui tombe|1936
L’image de Capa d’un milicien espagnol abattu a été prise sans qu’il ait jamais regardé dans son viseur.
Capturée en tenant son appareil photo au-dessus de sa tête alors qu’il était dans les tranchées, cette image a amené la photographie de guerre à un niveau différent. Peu de temps après, les journalistes ont commencé à être formellement intégrés dans les unités de l’armée à mesure que leur importance dans la capture et la documentation des horreurs de la guerre a été réalisée.
Photo célèbre #20 Harold Edgerton |Couronne de goutte de lait|1957
Harold Edgerton|Couronne de goutte de lait|1957
Le professeur d’électrotechnique Edgerton a commencé une série d’expériences dans son laboratoire du MIT, en inventant un appareil photo qui photographierait un instant fugace dans l’obscurité.
Combinant un éclairage stroboscopique high-tech et un obturateur d’appareil photo qui permettrait au photographe de capturer un instant invisible à l’œil nu.Il a installé un compte-gouttes de lait à côté d’une minuterie avec son appareil photo.
Sa photographie en stop-motion a réussi àfiger l’impact d’une goutte de lait sur une table et a cimenté l’importance de la photographie dans le monde de l’avancement de la compréhension humaine de notre monde physique.
L’achat de photo d’art en ligne à le vent en poupe actuellement. L’image est d’ailleurs partout : des influenceurs documentant leurs choix de mode aux publicités commerciales, il y a des images partout où nous regardons. Pourtant, ne vous laissez pas tromper par la saturation du champ.
La photographie d’art, les photos d’art est une étoile montante dans le monde exclusif de la collection d’art. L’achat d’image en ligne explose.
Loin de votre photo de téléphone intelligent moyenne, les pièces dignes d’un musée par des maîtres photographes sont des choix judicieux pour les investisseurs et les amateurs d’art.
Des photographies telles que « Rhien II » d’Andreas Gursky se sont vendues à des millions. La valeur d’investissement de ces chefs-d’œuvre fait partie du changement croissant dans le monde de l’art.
Aujourd’hui, la photographie est enfin placée dans le même domaine que les arts séculaires de la peinture et de la sculpture. L’abordabilité relative de la photographie d’art par rapport à ces autres médiums en fait un bon point de départ pour un collectionneur d’art en herbe.
Une collection de photographies d’art organisée rehaussera votre espace avec de la couleur, du luxe et de la personnalité. Choisir d’acheter le travail d’un véritable artiste, plutôt que des tirages commercialisés en masse, signifie que vous soutenez directement le parcours de l’artiste.
Les éditions limitées garantissent que votre achat sera l’un des quelques chefs-d’œuvre produits par l’artiste. Ces éditions exclusives apporteront une individualité et une beauté rare à votre maison tout en ayant une réelle valeur.
Commençons par nos 10 raisons pour lesquelles vous devriez commencer votre collection de photographies d’art dès aujourd’hui. Car, après tout, il n’est jamais trop tard pour se découvrir une nouvelle passion !
ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE
1.ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE EST À LA HAUSSE DANS LE MONDE DE L’ART
Par rapport aux peintures ou aux sculptures, la photographie est plus accessible financièrement … pour l’instant. Avec la popularité croissante du média, certaines photographies se vendent déjà à des prix très élevés et cela ne fera qu’augmenter.
La bonne nouvelle est qu’il existe encore des prix pour chaque collectionneur. Les photographies peuvent aller de 150 USD à 6,5 millions (le montant du record du monde payé pour « Phantom » de Peter Lik). Cependant, si vous cherchez à acheter le travail d’un photographe bien connu, attendez-vous à des prix plus élevés.
À partir de là, cela dépend de vous, de votre budget et de votre style d’investissement. Voulez-vous acheter une photographie à succès établie pour suivre l’augmentation du prix par rapport au premier exemplaire vendu ? Ou préférez-vous acquérir l’un des premiers exemplaires d’une édition limitée pour un prix moindre et attendre de voir comment il gagne en popularité ?
ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE
2. VOTRE COLLECTION DE PHOTOGRAPHIES D’ART SERA COMPLÈTEMENT ORIGINALE
Personne n’aime être un imitateur . Lorsque vous achetez des œuvres d’art dans une chaîne de magasins, vous savez que des milliers d’autres ont la même scène de ville, la même impression botanique ou la même copie d’un célèbre tableau accroché dans leur maison. Il est vrai que rechercher l’art que vous aimez prendra plus de temps et d’argent que de trouver quelque chose chez IKEA. Mais cela ne fait-il pas partie du plaisir ?
Passer par ce processus peut vous renseigner sur l’art, le design d’intérieur, la théorie des couleurs, les techniques d’investissement et votre propre personnalité.
Lorsque vous regardez la pièce que vous avez choisie sur votre mur, elle parlera vraiment de votre individualité, plutôt que de simplement faire partie de l’arrière-plan.Kit métallisé.
3. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :VOUS SOUTIENDREZ DE VRAIS ARTISTES ET NON L’ART D’USINE
L’art original est réalisé par des artistes individuels.
Les photographes d’art passent chaque jour à créer des œuvres qui révèlent leur vision artistique. Chaque photographie est à la fois incroyable à regarder et a une histoire originale derrière elle. Peut-on en dire autant d’une image qui a été réimprimée un million de fois parce qu’elle occupe une certaine niche dans un magasin de décoration d’intérieur ?
Lorsque vous investissez dans le travail d’un véritable photographe d’art, vous investissez dans la poursuite de sa carrière. Si vous aimez leur travail, aidez-les à en faire plus.
4. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :OPTEZ POUR LE RARE AVEC UNE ÉDITION LIMITÉE
La photographie en édition limitée permet de posséder une œuvre d’art de grande valeur. Ces éditions sont accompagnées d’un certificat d’authenticité et de la signature de l’artiste, afin de garantir leur valeur dans le temps.
De nombreux acheteurs d’art potentiels ont du mal à comprendre la différence entre une édition limitée et une édition ouverte . Les photographies peuvent être simplement réimprimées, n’est-ce pas ?
Pourquoi les éditions limitées sont-elles tellement plus chères ? Utilisons une analogie avec un livre pour clarifier les choses.
Imaginez avoir acheté l’un des premiers exemplaires de Shakespeare’s Collected Plays, connu sous le nom de « First Folio ». En 1623, vous auriez peut-être payé 15 shillings (134 livres en tenant compte de l’inflation actuelle). Aujourd’hui, ce même livre vaut des millions de livres. Un exemplaire de « First Folio » a été vendu 5,2 millions à la maison de vente aux enchères Sotheby’s en 2006 .
Oui, les « pièces de théâtre » de Shakespeare ont été réimprimées des millions de fois. Presque tous ceux qui sont allés au lycée au Royaume-Uni ou en Amérique ont lu au moins une partie de la collection. Pourtant, l’éditeur ne pourra jamais faire une autre première édition. La poignée de ces livres rares qui existent ne fera qu’augmenter en valeur avec le temps.
Les photographes d’art limitent le nombre de copies qu’ils font d’une pièce particulière pour exactement cette raison. Ils veulent que la valeur de leur travail reste dans ce monde exceptionnel de rareté.
Une fois qu’une édition est épuisée, selon le code du photographe d’art, elle ne sera jamais réimprimée. C’est pourquoi il est important de saisir cette superbe image en édition limitée que vous regardez avant que quelqu’un d’autre ne le fasse !
ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE
5. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE D’ART AJOUTE DU LUXE À VOTRE ESPACE
Si vous parcourez les pages de n’importe quel magazine de décoration haut de gamme, vous remarquerez que les chambres sont remplies d’œuvres d’art magnifiques. Loin de l’ordinaire du marché de masse, ces images confèrent une sophistication mondaine à n’importe quelle pièce.
Les architectes d’intérieur savent que concevoir une pièce autour d’œuvres d’art originales, en harmonisant les couleurs et les styles, ancrera l’espace. Une collection bien organisée peut faire toute la différence entre ennuyeux et brillant .
De plus, la photographie d’art peut être un sujet de discussion pour vos invités ou clients. Les histoires derrière la photographie et l’artiste sont infiniment plus intéressantes que de décrire votre week-end de shopping au centre commercial.
ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE
6. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE D’ART EST INTEMPORELLE
La photographie de masse peut rapidement sembler dépassée, en partie parce qu’elle est trop saturée sur le marché. Alors que la photographie d’art évoluera avec votre style et suscitera encore et encore l’intérêt.
Une partie de la valeur d’investissement d’une œuvre d’art réside dans le fait qu’elle peut rester une partie de votre décor pour les années à venir . Chaque fois que vous accrochez votre photo dans un nouvel endroit ou que vous changez les tendances qui l’entourent, elle se démarquera toujours comme un ajout élégant.
Et la meilleure partie ? La photographie d’art conserve sa valeur dans le temps. Donc, tant que vous prenez bien soin de votre investissement, il sera vraiment intemporel.
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7. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : VOUS POUVEZ RAMENER VOS VOYAGES À LA MAISON AVEC VOUS
Des photos phénoménales de lieux intéressants et des portraits des personnes qui y vivent peuvent vous permettre de vous évader de votre vie quotidienne.
Le voyage est une catégorie populaire de la photographie d’art car il peut stimuler la mémoire d’un voyage bien-aimé. Ou il peut servir de vie ambitieuse. Vous ne pourrez peut-être jamais atteindre le sommet brumeux de cette montagne à Sapa, au Vietnam. Mais avoir une photographie artistique du lieu peut toujours vous y transporter.
Un photographe de voyage d’art peut voyager jusqu’au bout du monde et raconter les histoires de personnes et de lieux dont nous ne pouvons que rêver.
De plus, les photographies de paysages créent une impression de profondeur et d’espace dans n’importe quelle pièce. Une photographie à grande échelle peut inciter l’œil à regarder au-delà du mur et à pénétrer dans les terres au-delà. Choisir une photographie avec une technique de traitement qui offre un effet 3D peut aller encore plus loin dans la création de cette illusion.
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8. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : UTILISEZ L’ART POUR CRÉER UNE AMBIANCE SPÉCIALE DANS VOTRE ESPACE
L’ambiance de votre décor changera avec le sujet de votre photo . L’image d’une forêt verdoyante peut créer un effet serein et diminuer l’anxiété. Une scène urbaine peut ajouter une touche industrielle à un projet de design urbain. Un portrait intrigant peut agir comme un « gardien de la pièce », attirant les gens à entendre l’histoire derrière les yeux du sujet.
Choisissez d’abord quelques pièces que vous aimez, puis réfléchissez à ce qu’elles vous font ressentir.
Quelle sorte d’atmosphère la photo créera-t-elle dans votre espace ? Quel esprit essayez-vous d’évoquer ? Branché? Zen? Mondain? Surprenant? Luxueux?
Que vous soyez attiré par les portraits, les paysages, les images urbaines ou abstraites, une photo d’art ajoutera de la texture et de l’intérêt à votre décoration d’intérieur. À partir de là, l’ambiance est à vous pour créer !
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9. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :LES EXPERTS RÉVÈLENT QUE LA PHOTOGRAPHIE D’ART A DE LA VALEUR
Ne nous croyez pas sur parole. Les experts dans le domaine de la collection d’art ont déclaré que la photographie d’art est une forme d’investissement en hausse.
Le marché de l’art existe depuis des siècles, mais il y a toujours de la place pour de nouveaux artistes et médiums pour faire sensation. Des articles dans Robb Report , The Guardian et Sotheby’s soulignent la tendance croissante à l’acquisition par les collectionneurs de photographies contemporaines aux prix les plus élevés.
Le prix de départ d’une édition limitée peut dépendre de beaucoup de choses. Il prend en compte la notoriété du photographe, la demande des collectionneurs pour des pièces similaires, la technique de traitement ou les matériaux utilisés, le sujet et l’importance historique.
Faites vos recherches et investissez dans un budget qui vous convient. Choisissez une œuvre que vous aimez et votre photo résistera à l’épreuve du temps.
Cela nous amène à notre dernière raison :
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10. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :ACHETEZ-LE PARCE QUE VOUS L’AIMEZ
Achetez de l’art qui vous apporte de la joie personnelle.
N’achetez jamais une photographie d’art simplement sur les recommandations des galeristes ou des marchands d’art. C’est vous qui vivrez avec jour après jour, ce qui signifie que vous êtes l’expert le plus important !
Commencez par choisir quelques pièces dont vous ne pouvez pas détourner le regard. Pour une raison quelconque, ils devraient déclencher une émotion à l’intérieur de vous. Ensuite, recherchez leur valeur, y compris l’artiste et les normes avec lesquelles ils ont été produits avant de faire votre choix final.
Sans un lien personnel avec l’œuvre, elle ne finira que dans une archive de stockage quelque part. Et quoi de plus triste qu’une pièce dans laquelle un artiste a mis toute son âme et qu’on ne voit jamais ?
Commencez une collection que vous aimez. Le reste se mettra en place à partir de là.
Nous espérons que vous avez apprécié notre série sur Comment et pourquoi investir dans la photographie d’art.
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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Alors que les festivals de musique gagnent en popularité, ces enfants d’expériences sont devenus un élément clé de la vie culturelle sur la planète. Sauter dans une tente pendant des jours pour apercevoir Beyoncé entrant dans l’ histoire à Coachella. Se presser dans un parc pour une performance surprise qui s’avère être Dolly Parton au Newport Folk Festival .
Festivals de musique : un important générateur d’argent
Au cours de la dernière décennie, les festivals de musique sont devenus un important générateur d’argent dans une industrie concurrentielle qui voit des centaines d’événements de ce type chaque année aux États-Unis. Il y a les grands – Coachella, Lollapalooza, Outside Lands, Governors Ball – avec des prix très élevés, plusieurs scènes, des options de camping et des listes presque infinies d’artistes.
Et parallèlement à leur popularité croissante, des centaines de festivals de musique plus petits, de niche ou de genre ont prospéré. Recherchez « festival de musique près de chez moi » et vous en trouverez probablement un à au moins quelques heures de route.
Les origines des festivals de musique remontent à la Grèce antique , où de tels événements impliquaient souvent des compétitions dans les domaines de la musique, des arts et des sports. Les festivals de musique moderne aux États-Unis sont nés de l’établissement et de la philosophie de Woodstock .
Bien qu’il ne s’agisse pas du premier événement du genre (les Newport Folk and Jazz Festivals, le Milwaukee’s Summerfest et le Monterey Pop Festival sont antérieurs à Woodstock), l’ événement de 1969 occupe une place mythique dans l’histoire de la culture pop américaine.
Festivals de musique : Des entreprises grand public
Les festivals de musique ont depuis évolué du bricolage et de l’esprit communautaire de Woodstock, pour devenir des entreprises grand public qui récoltent des bénéfices et adoptent des parrainages d’entreprise, alors que plus de 32 millions de personnes y assister chaque année, selon Billboard.
Coachella, l’un des festivals de musique les plus populaires du pays, a rapporté 114,6 millions de dollars en 2017, établissant un record majeur pour la première franchise de festivals de musique récurrents à gagner plus de 100 millions de dollars.
Festivals de musique
«Auparavant, ils étaient davantage une communion de culture», explique Carlos Chirinos, professeur de musique clinique et de santé mondiale à l’Université de New York. « Un groupe de personnes qui étaient dans le même type de musique, ils se réunissaient. C’était la force motrice tout au long des années 1970 et 1980 jusqu’à ce qu’il devienne un format rentable.
Les mécanismes qui ont conduit les festivals de musique à devenir les meilleurs revenus ont beaucoup à voir avec les effets de la vie moderne, dit Chirinos. Les gens sont désormais plus susceptibles de dépenser de l’argent pour des expériences plutôt que des biens matériels, dit-il, affirmant que partager un clip d’une performance de Billie Eilish ou Cardi B avec ses abonnés Instagram est plus gratifiant que d’acheter quelque chose de cher.
Festivals de musique
Cette «économie expérientielle» s’est développée au fur et à mesure que les marques se sont tournées vers les festivals de musique, cherchant à capitaliser sur les opportunités qu’offre un grand groupe dans un espace singulier, dit-il. Une enquête Deloitte 2019 auprès des millennials, un groupe qui représente au moins 45% des 32 millions de personnes qui fréquentent les festivals de musique— constate que la plupart des expériences valorisent : 57 % des personnes interrogées ont déclaré qu’elles donnaient la priorité aux voyages et à la découverte du monde plutôt qu’à la possession d’une maison.
Festivals de musique : une nouvelle expérience
La musique elle-même a également changé, faisant des festivals de musique une plus grande attraction pour les auditeurs. Alors que le streaming devient l’un des moyens les plus populaires d’écouter de la musique, les ventes de billets et de marchandises représentent l’essentiel des dépenses des fans en musique.
Parce que l’écoute de la musique est devenue pratiquement gratuite (ou sur abonnement), l’accès est sans précédent et rend la musique live encore plus spéciale, selon Chirinos. « Le public est désireux de se connecter à l’artiste », dit-il.
Festivals de musique
Pour les artistes, apparaissant dans des festivals de musique est un moyen plus facile de faire de l’ argent que selon le niveau record de ventes ou de longues tournées, dit Rishi Bahl, professeur de musicien et marketing à La Roche College à Pittsburgh, en Pennsylvanie.
Comme les ventes records ont connu une baisse de forte dans la du début au milieu des années 2000, grâce à la croissance de la musique numérique, les artistes ont commencé à dépendre des tournées pour gagner de l’argent. Bahl dit que les organisateurs du festival ont rapidement compris le pic d’artistes prenant la route et ont décidé de les payer plus pour participer à leurs événements.
Il note que la majorité du calendrier des tournées d’un groupe comme The Offspring, qui a joué à Woodstock ’99 , se compose désormais de représentations en festival. Sur les 20 spectacles que The Offspring jouera le reste de cette année, une quinzaine d’entre eux participent à des festivals de musique.
« Ils n’ont plus besoin de la routine des tournées. Ils s’envoleront pour un spectacle, seront payés à six chiffres, rentreront chez eux », dit Bahl. « Donc, ce modèle est très important pour expliquer pourquoi les artistes et les agents se concentrent si fort sur les festivals de musique. »
Du côté des affaires, les festivals de musique sont devenus plus rationalisés et façonnés par l’avènement de grands promoteurs de musique au cours de la dernière décennie. Monter un festival est un défi, entre devoir payer suffisamment les artistes pour assurer leurs représentations, devoir vendre un certain nombre de billets pour réussir, les surcoûts d’assurance et les risques d’intempéries.
Festivals de musique: les promoteurs poids lourds
De grands promoteurs de musique live d’entreprise, tels que Live Nation ou AEG Live, ont, ces dernières années, acquis de lourdes participations majoritaires dans certains des plus grands festivals de musique du pays. Leur capacité d’organisation aide à gérer la billetterie et d’autres facteurs qui entrent en jeu dans l’organisation d’un festival.
Après avoir acheté une participation majoritaire dans Bonnaroo en 2015, Live Nation a acheté cette année la participation restante pour prendre le contrôle total du festival.
Live Nation contrôle également, ou contrôle partiellement, des festivals de musique comme Lollapalooza et Austin City Limits, parmi plusieurs dizaines d’autres. Chaque année, la compagnie propose un « Passeport Festival » qui donne accès au public à plus de 100 festivals à partir de 999 $. AEG Live a aidé à produire Coachella, Firefly et Stagecoach grâce à la propriété du promoteur Goldenvoice.
Ensuite, il y a le revers de la médaille : tous les festivals de musique ne sont pas destinés au grand public, et tous les programmeurs ne veulent pas l’influence des grands promoteurs. Don Smiley, le PDG du Summerfest, qui se déroule sur 11 jours chaque année à Milwaukee, explique que son organisation s’est adaptée à l’évolution des temps pour que l’événement annuel reste pertinent.
Festivals de musique
Summerfest, qui voit entre 750 000 et 850 000 personnes chaque année au cours de ses près de deux semaines, s’est présenté comme le « plus grand festival de musique au monde » (bien que le record actuel appartienne en fait à l’ Autriche Donauinselfest , qui comptait plus de 3 millions de participants en 2015). « Nous continuons à offrir de nouvelles expériences, du visionnage au premier rang aux expériences VIP, en passant par l’adoption de nouvelles technologies », a déclaré Smiley à TIME.
Festivals de musique : Une offre diversifiée.
En fin de compte, le succès d’un festival se résume à la programmation. La liste du Summerfest 2019 comprenait Lionel Richie, The Killers, Jennifer Lopez, Billie Eilish, Lil Wayne, Snoop Dogg et The National, un groupe suffisamment diversifié qui ne repose pas sur un genre ou un type d’artiste. « Notre clientèle est en fait de huit à 80 ans [en âge] », déclare Smiley. « Nous couvrons tous les genres de musique. C’est ce que nous essayons d’offrir.
Le Newport Folk Festival, qui a débuté en 1959, en est un autre qui a réussi à s’adapter suffisamment pour attirer les foules sans compromettre sa vision de se réunir pour attirer des commandites d’entreprise. Une organisation à but non lucratif, les bénéfices de Newport sont envoyés à la Newport Festivals Foundation et à des œuvres caritatives.
Jay Sweet, qui dirige les festivals de folk et de jazz de Newport, a déclaré à TIME que le festival de folk avait réussi à durer si longtemps en « se concentrant uniquement sur lui-même ». Là où les récentes tentatives pour relancer Woodstock ont échoué , Newport a continué dans l’esprit de rassembler les gens « dans un sens communautaire », dit Sweet. « Nous sommes restés fidèles à notre propre plan et nous n’avons pas beaucoup changé », dit-il. « C’est très axé sur l’artiste. »
Bien que la tendance générale à regrouper les festivals de musique en sociétés n’ait pas touché certains des plus anciens festivals de musique du pays, elle a affecté la façon dont le public vit d’autres événements. Même les festivals de musique de niche qui pourraient avoir des programmations plus spécifiques au genre doivent rivaliser pour attirer l’attention du public.
Bahl, qui organise le festival annuel de musique punk et rock Four Chords à Pittsburgh, affirme que l’influence est devenue une bulle qui va bientôt éclater. « Quand j’ai lancé Four Chords, il y avait deux autres grands [festivals] », dit-il. « Maintenant, il y en a 14 et Pittsburgh est un si petit marché, alors imaginez comment cela se traduit sur d’autres marchés. C’est essentiellement un peu noyé à bien des égards parce que tout le monde s’approprie ce concept. Tout le monde le fait. »
Mais il est peu probable que les festivals de musique qui ont réalisé une cache culturelle perdent de leur pertinence de si tôt. Les billets en prévente pour Coachella 2019 vendus en environ deux heures et demie, une heure plus rapide que ils ont vendu l’année précédente, le Palm Springs Desert Sun a rapporté . Et pour la première fois depuis 2013, Bonnaroo a vendu plus de billets pour 2019 avec 80 000 personnes présentes, selon le Nashville Tennessean .
Chirinos dit que grâce à l’aide de grands conglomérats musicaux, des festivals de musique comme Coachella et Bonnaroo sont devenus des marques connues. « Ils ont investi et possèdent en partie de nombreux festivals, ce qui donne aux [festivals] la longévité et la continuité qui leur donnent une marque », dit-il. « Ils deviennent quelque chose qui est ancré dans la culture. »
À leur tour, leur popularité permet aux gens de signaler qu’ils font partie de grands moments culturels, car la possibilité d’assister à un festival de musique (et de diffuser son expérience sur les réseaux sociaux) est devenue une expérience que beaucoup convoitent.
« Ici, c’est : ‘Es-tu allé à Coachella ?’ Au Royaume-Uni, c’est : ‘Avez-vous été à Glastonbury ?’ », dit Chirinos. « Cela devient une partie de la culture, pas seulement un autre événement. »
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Si les années 90 étaient un film, la bande originale serait 100 % Nirvana. À l’époque où Kurt Cobain , Krist Novoselic et Dave Grohl sont entrés en scène avec des jeans déchirés, un son brut et des voix hurlantes, leur révolution grungy a complètement modifié le visage de la culture populaire.
La musique qu’ils ont popularisée, loin d’être l’hymne de l’apathie qu’elle est souvent qualifiée de, était comme un violent coup de pied au visage de la cupidité des entreprises. C’était nouveau.
C’était nerveux. Il était en avance sur son temps. Même maintenant, des années plus tard, où le rock alternatif envahit les ondes et où « Smells Like Teen Spirit » est joué sans ironie lors d’événements d’un milliard de dollars, la philosophie punk de Nirvana continue de gagner de nouveaux fans.
Cependant, alors que la place de Nirvana dans l’histoire est assurée, les luttes auxquelles les artistes ont été confrontés en tant que groupe sont également bien documentées.
Entre toxicomanie, dépression, tension et doute de soi, les choses se sont souvent compliquées dans les coulisses, tout s’appuyant sur la tristement célèbre tragédie qui a finalement mis fin au groupe Nirvana.
LA PAUVRETÉ, L’ITINÉRANCE ET DEUX ENFANTS QUI AIMAIENT LA MUSIQUE
Kurt Cobain et Krist Novoselic ont d’abord pris vaguement conscience l’un de l’autre en tant qu’autres parias victimes d’intimidation au lycée d’Aberdeen, Washington, selon Nirvana: The Biography.Novoselic, le fils de réfugiés yougoslaves, sabotait habilement les assemblées scolaires. Cobain a quitté la maison de sa mère alors qu’il n’avait que 17 ans, a abandonné l’école et est rapidement devenu sans abri.
Certains des endroits où il dormait la nuit comprenaient une boîte en carton, la salle d’attente de l’hôpital et sous un pont, selon le musée d’histoire d’Aberdeen , c’est à ce moment-là qu’il n’était pas arrêté pour avoir apposé des graffitis sur les murs des ruelles. Dans une tournure tristement ironique, la quête d’emploi de l’adolescent Cobain lui a valu un emploi de concierge dans le même lycée qu’il avait abandonné.
C’est à cette époque, selon le NME , que Novoselic – qui était encore étudiant – a d’abord remarqué comment Cobain s’exprimait toujours de manière artistique, même lorsqu’il était au travail. Cobain avait déjà monté un album DIY, comme le décrit le NME , et il en a donné un exemplaire à Novoselic… qui l’a ignoré pendant des mois. Aie.
Une fois que Novoselic a écouté, cependant, il s’est rendu compte que le gars avait un talent sérieux et a accepté son offre de créer un groupe. Les deux enfants ont commencé à jouer ensemble dans un salon de coiffure géré par la tante de Novoselic, n’ayant probablement aucune idée que leur mentalité punk, leur son unique et leurs origines ouvrières étaient sur le point de changer la musique populaire, pour toujours.
UN GROUPE AUX MULTIPLES NOMS ET IDENTITÉS
Cobain et Novoselic ont mis du temps à trouver leur créneau. Au début, personne n’était trop enthousiasmé par la musique qu’ils créaient, selon NME , Cobain décrivant leurs premiers concerts comme jouant devant un public de « locaux qui détestaient nos tripes et pensaient que c’était de la musique terrible ».
Certes, Nirvana qui a joué ces spectacles n’était pas le Nirvana que vous connaissez aujourd’hui. Ils n’étaient pas encore entrés dans leur groove, et cela n’était nulle part plus évident que dans la quête du groupe pour un nom propre. « Fecal Matter » était un nom que Cobain aimait, selon Yahoo , ce qui est certainement difficile à imaginer bien jouer sur MTV.
Smell Fish, Man Bug, Ted Ed Fred, Labido, Skid Row et les Reaganites sont d’autres noms de groupe qu’il a proposés. Finalement, LounderSound écrit que Cobain a changé de vitesse, s’est rendu compte qu’il voulait un nom de groupe plus beau et plus significatif au lieu d’un nom grincheux, et a opté pour « Nirvana », basé sur le concept bouddhiste de l’illumination. Bien mieux.
Maintenant, qu’en est-il de ce visage souriant Nirvana aux yeux X que vous avez sur votre T-shirt ? Cet emblème est venu bien plus tard, mais on pense qu’il s’agissait simplement d’un croquis que Cobain a dessiné pour un dépliant en 1991.
LES BATTEURS DE NIRVANA ALLAIENT ET VENAIENT, SOUVENT DE MANIÈRE CHAOTIQUE
Maintenant, si vous êtes un fan de Nirvana, vous avez probablement remarqué l’absence d’un nom clé de la formation du groupe (autre que Pat Smear, qui a rejoint beaucoup plus tard), et c’est Dave Grohl .
C’est parce que Nirvana a traversé une cargaison de batteurs en route vers le vainqueur, selon Mental Floss, dont beaucoup ont quitté le groupe pour des raisons criminelles. Leur premier gars, Aaron Buckhard, a été abandonné après s’être battu avec un officier de police et avoir mis en fourrière la voiture de Cobain. Pas cool.
Le batteur suivant, Dale Crover, a fait un bref passage avant de déménager à San Francisco. Son remplaçant, Dave Foster, a agressé le fils d’un maire et a été arrêté. Plusieurs autres ont suivi, notamment Chad Channing, jusqu’à ce que Cobain et Novoselic rencontrent enfin Grohl.
Grohl et Nirvana étaient, heureusement, un mariage parfait (ou Nirvana, si vous préférez). Comme l’a dit plus tard Cobain, selon NME , « Le groupe est enfin au complet parce que tous les autres batteurs que nous avions étaient à peu près nuls. »
Alors que ce remaniement constant des batteurs se déroulait, selon l’ Encyclopedia Britannica , Nirvana avait frappé de petites salles à travers le nord-ouest, faisant des vagues. L’une des démos de Nirvana est tombée sur les genoux d’un label indépendant de Seattle nommé Sub Pop, qui a signé le groupe. En 1988, ils ont sorti leur premier single – une reprise de la chanson Shocking Blue « Love Buzz » – et leur premier album, Bleach , est sorti l’année suivante.
LE GARS QUI A PAYÉ LA FACTURE DU NIRVANA
Avez-vous déjà entendu parler de Jason Everman ? C’est un nom qu’il faut connaître, comme l’explique le New York Times . Everman est le gars qui a financé le premier album de Nirvana, Bleach , pour un total de 606,17 $ – ce qui peut ne pas sembler beaucoup, mais c’est une grosse pâte pour une équipe d’adolescents décoiffés comme le début de Nirvana.
Everman a également été le deuxième guitariste de Nirvana pendant une bonne partie du temps… mais aujourd’hui, il essaie d’éviter de parler de tout le shebang. Pourquoi? Parce que ça ne s’est pas bien passé. Pendant que Nirvana était sur la route, l’ambiance d’Everman ne correspondait tout simplement pas aux autres gars de la camionnette.
Il était calme, replié sur lui-même et semble avoir pour la plupart cessé de parler à tout le monde dans le groupe, ce qui a finalement conduit Cobain à le considérer comme un « métalleux lunatique ». La tension s’est accrue et Nirvana – étant un groupe de punks qui n’avaient pas encore appris à gérer des conflits émotionnels étranges – a en fait annulé leur tournée et est rentré chez lui pendant 50 heures, dans un silence de mort, juste pour jeter Everman au bord du trottoir. Bon sang.
Une fois Nirvana dans ses feux arrière, Everman a rejoint Soundgarden. C’est logique, mais ensuite, Everman a pris un virage à gauche et a rejoint … euh, les forces spéciales de l’armée américaine. Plus surprenant encore, Everman a suivi son passage militaire en obtenant un baccalauréat en philosophie de l’Université Columbia. Une sacrée trajectoire de carrière unique, c’est sûr.
LA RENOMMÉE, LE SUCCÈS… ET LE DOUTE DE NIRVANA
Comme le souligne l’ Encyclopedia Britannica , le moment où Nirvana est passé d’un succès underground à un phénomène mondial a été, sans aucun doute, la sortie en 1991 de leur premier album sur une major, Nevermind .
Cela comprenait leur single « Smells Like Teen Spirit », qui a été diffusé presque 24h/24 et 7j/7 sur MTV, le transformant rapidement en l’une de ces chansons que tout le monde peut fredonner, même s’ils ne comprennent pas le sarcasme intelligent des paroles.
Après le frisson initial du succès, cependant, Nirvana – et Cobain en particulier – se sont rapidement sentis mal à l’aise avec toute l’attention qu’ils recevaient. La nouvelle réputation de Cobain en tant que porte-parole de sa génération n’était pas quelque chose qu’il embrassait : à un moment donné, il a dit catégoriquement à Rolling Stone : « Je suis un porte-parole pour moi – même « , arguant qu’il était aussi confus que tout le monde, et n’avaient pas les réponses que les gens cherchaient.
Quoi qu’il en soit, Cobain est rapidement devenu un héros culte. Sa réputation sale, énervée et terre-à-terre n’a été renforcée que par son aversion pour la divinité des célébrités, son refus d’accepter des offres de promenade en limousine, etc.
Alors que Nirvana est devenu une icône, des rumeurs ont circulé selon lesquelles Cobain pourrait consommer de l’héroïne. À l’époque, il a rejeté ces allégations, mais le temps les prouverait tristement exactes.
PROBLÈMES DE SANTÉ ET ABUS D’HÉROÏNE
Tout au long d’une interview accordée à Rolling Stone en 1992 , Cobain a discuté publiquement des mystérieuses douleurs à l’estomac non diagnostiquées qui l’avaient tourmenté pendant une grande partie de sa vie – et a nié les allégations de consommation d’héroïne.
Il est allé jusqu’à dénoncer complètement la consommation de drogue, la qualifiant de « perte de temps », et a également fait valoir que sa mauvaise santé avait atteint un point où il ne pouvait même plus boire d’alcool, et encore moins utiliser des drogues dures.
Ce n’était… pas vrai, c’est le moins qu’on puisse dire. En réalité, selon Newsweek , la maladie chronique de l’estomac de Cobain et sa consommation d’héroïne étaient profondément liées : il a commencé à utiliser la drogue par intermittence à la fin des années 80, en particulier pour soulager ses symptômes gastro-intestinaux.
Assez facile à comprendre – même si ce n’est pas sage – mais la lutte de toute une vie de Cobain contre la dépression a provoqué une crise toxique avec l’abus d’héroïne, et il est devenu dépendant.
Bien que des observateurs occasionnels aient souvent spéculé que les problèmes de drogue de Cobain pourraient avoir été causés soit par la renommée soudaine de Nirvana, soit par sa relation turbulente avec Courtney Love, les faits montrent que ses luttes ont précédé ces deux choses.
PEU IMPORTE TOUT CE TRUC DE NEVERMIND
Tout le monde aimait Nevermind … sauf, ironiquement, Kurt Cobain lui-même.
Il ne fait aucun doute que Nevermind est l’album qui a fait de Nirvana une force culturelle avec laquelle il faut compter, mais selon Slate , Cobain en est venu à détester le son brillant et studio du disque.
Dans l’une de ses interviews au franc-parler caractéristique, il a un jour décrit Nevermind comme étant un « bonbon », disant qu’avec le recul, il en était gêné. Cette aversion n’avait rien à voir avec le travail du groupe lui-même – en fait, il aimait la version originale et non améliorée de l’album, qui a depuis été rééditée – mais plutôt, il méprisait la façon dont l’ingénieur du son Andy Wallace coupé le bruit, lissé les défauts et égalisé tout dans une finition radio-amicale.
Selon Cobain, ces modifications ont peut-être semblé plus professionnelles, mais elles étaient beaucoup moins grunge. Assez juste.
Suite à cela, Nirvana a engagé Steve Albini pour leur prochain album, In Utero . Cette dernière version, selon PSN Europe , a été enregistrée et mixée en moins de deux semaines, s’adaptant beaucoup plus naturellement au style chaotique et improvisé de Nirvana.
UNE OVERDOSE DE DROGUE AVANT QUE NIRVANA NE JOUE AU SATURDAY NIGHT LIVE
En 1992, il ne faisait aucun doute que Nirvana était devenu le plus grand groupe du monde, et la même année, ils ont fait une apparition marquante sur Saturday Night Live . Comme Dave Grohl dit qu’il , la taille étonnamment faible de la SNL ensemble était hallucinant, parler rien de l’énergie maniaque ou le fait qu’ils immédiatement se sont appelés par Weird Al Yankovic , qui demande la permission d’usurper « Smells Like Teen Esprit. »
Malheureusement, l’ apparence SNL du groupe a été assombrie par le gouffre de plus en plus profond de l’abus de drogues dans lequel Cobain s’enfonçait. Lors d’une séance photo la veille des débuts, selon le Nirvana Club, Cobain n’arrêtait pas de s’endormir. Il a fait une overdose d’héroïne plus tard dans la nuit et n’a été relancé que par une dose illégale de médicament administrée par Courtney Love .
Néanmoins, Nirvana était entièrement prêt pour SNL le lendemain. Le groupe a effacé la scène dans une performance frénétique de « Smells Like Teen Spirit » et « Territorial Pissings », cassant l’équipement partout. Heureusement pour le réseau, ils s’étaient préparés à cela en remplaçant leur équipement sonore habituel par des trucs bon marché.
LES CONFLITS DE NIRVANA AVEC D’AUTRES GROUPES
Nirvana n’a pas tenu sa langue.
Quand ils ont eu un problème avec d’autres groupes, ils ont parlé. Par exemple, dans une interview avec Rolling Stone , Cobain a critiqué Pearl Jam comme étant des shills d’entreprise qui avaient sauté dans le train du grunge. Aie. La plus grande colère de Cobain, cependant, était réservée à Axl Rose de Guns ‘N Roses.
Cobain a souvent accusé la musique de Rose d’être de la camelote dénuée de sens, selon Rolling Stone , ce qui a finalement conduit Rose à considérer Cobain comme un « junkie F-in’ avec une femme droguée ».
Cependant, la raison la plus profonde pour laquelle Cobain détestait tellement Rose – la musique cracha de côté – était sa conviction que Rose était un homophobe raciste et sexiste. Vous voyez, même si les gens peignent toujours Nirvana comme un symbole de l’apathie de la génération X, le vrai Kurt Cobain était un défenseur infatigable des droits LGBTQ+, des droits des femmes, et plus encore, qui était très en avance sur son temps : selon Mashable , il s’exprimait fréquemment.
Contre l’homophobie, il a publiquement dit aux fanatiques de rester à l’écart de ses émissions et a parlé ouvertement de la façon dont les femmes étaient opprimées par la culture populaire. Il portait parfois des robes sur scène, selon la BBC , pour protester contre le sexisme, et il a dit un jour que même s’il n’était pas gay, il aurait aimé l’être, car cela mettrait les homophobes en colère.
Avait-il raison à propos d’Axl Rose ? Décidez par vous-même, mais n’oubliez pas qu’en 2018, comme le souligne le Guardian , Guns N’ Roses a dû retirer l’une de leurs chansons de 1988 d’une réédition d’album parce que les paroles comportaient des insultes racistes et homophobes.
AU FUR ET À MESURE QUE NIRVANA GRANDISSAIT, LES PROBLÈMES DE SANTÉ DE COBAIN GRANDISSAIENT AUSSI
En 1994, Nirvana était plus grand que jamais. Cependant, à ce stade, il n’y avait plus moyen de cacher les problèmes qui se déroulaient dans les coulisses. En mars, la nouvelle est tombée que Cobain avait été hospitalisé à Rome à la suite d’un bref coma, provoqué par une terrible combinaison de champagne et de tranquillisants sur ordonnance.
Ni Cobain ni Love n’ont commenté la question, mais le mois suivant, le Los Angeles Times a rapporté que Nirvana avait été contraint de quitter une apparition imminente au célèbre festival de musique Lollapalooza ’94 de Chicago, citant les problèmes de santé de Cobain. Des rumeurs circulaient selon lesquelles le plus grand groupe du monde était sur le point de s’effondrer.
Des sources proches du groupe ont déclaré que ces théories étaient absurdes, soulignant que Nirvana avait souvent été sur le point de rompre., et les membres finissaient toujours par arranger les choses.
Malheureusement, comme vous le savez probablement aujourd’hui, la menace perçue de la dissolution de Nirvana était mineure par rapport aux circonstances tragiques qui se sont rapidement produites …
LE SUICIDE DE KURT COBAIN
Le 8 avril 1994, comme décrit par Biography, le corps de Kurt Cobain a été retrouvé dans la serre au-dessus de son garage de Seattle, avec un fusil de chasse tombé sur sa poitrine.
Il avait disparu pendant des jours après un bref passage en cure de désintoxication : le mois précédent, ses camarades du groupe Nirvana , ses amis et sa femme avaient organisé une intervention, le suppliant de se faire soigner. Une lettre de suicide a été trouvée et l’autopsie a trouvé des traces d’héroïne et de Valium dans son corps.
Cobain avait lutté contre la dépression toute sa vie. On pense qu’il a envisagé le suicide lorsqu’il était adolescent (selon NME ) et que le stress de la vie adulte, ses problèmes de santé et sa dépendance à l’héroïne pesaient lourdement sur lui.
Cependant, Newsweek souligne qu’il ne s’est certainement pas suicidé à cause du succès de Nirvana, comme cela est si souvent théorisé, et alors qu’il a souvent été accusé de ne pas se soucier de sa jeune fille – IE, « S’il l’a fait, pourquoi se suiciderait-il? » – il est important de reconnaître que non seulement il a désespérément essayé de devenir sobre, pour le bien de sa fille, mais que sa propre note de suicide contenait l’affirmation erronée qu’elle serait plus heureuse avec lui mort.
Fondamentalement, Cobain a passé une grande partie de sa vie à lutter contre le dégoût de soi, l’instabilité financière, la toxicomanie et les problèmes de santé non diagnostiqués. Sa dépression était profonde et il n’est pas juste de le juger pour cela.
NIRVANA SE DISSOUT
Nirvana a pris fin avec la mort de Kurt Cobain. Il était la voix du groupe, le cœur et le centre de leur message. Cependant, au fur et à mesure que la poussière retombe et que les années passent, ses camarades de groupe se remettent à faire de la musique.
Parmi les membres restants de Nirvana, Krist Novoselic a gardé le profil le plus bas. Il a joué dans un certain nombre de petits groupes, selon le Seattle Times , sa plus récente entreprise étant un groupe local du comté de Wahkiakum appelé Giants in the Trees.
Quant à Dave Grohl, eh bien, vous savez ce qu’il a fait : il a fondé les Foo Fighters en 1995, selon Biography , un groupe qui a produit des tubes emblématiques comme « Everlong », gagnant leur propre place dans l’histoire de la musique. Il y a aussi Pat Smear, le dernier deuxième guitariste de Nirvana, qui a rejoint Grohl sur les Foo Fighters, selon Rockapedia .
En fin de compte, cependant, il est difficile de ne pas penser à ce qui aurait pu se passer si Cobain avait vécu. Le Nirvana existerait-il encore aujourd’hui ? Il semble probable que les tendances créatives de Cobain l’aient finalement poussé à se lancer seul, à la Sting and the Police , pour favoriser de nouvelles innovations et approches.
Comme le souligne la BBC , en 1993, il parlait d’évoluer vers des instruments acoustiques, et il prenait toujours de nouvelles directions. Donc, quoi qu’il se soit passé ensuite dans sa carrière, cela aurait certainement été fascinant … et, peut-être, un changement aussi important que Nirvana lui-même.
NIRVANA: les dates et le chronologie
Le 10 mai 1965, naissance de Krist Novoselic .
Le 20 février 1967, naissance de Kurt Cobain.
Le 14 janvier 1969, naissance de Dave Grohl .
Automne 1985 Kurt rencontre Krist. Ils jouent ensemble dans plusieurs groupes, dont Stiff Woodies.
Décembre 1987 Kurt, Krist et le batteur Aaron Burckhard forment la formation originale de Nirvana à Aberdeen, Washington.
23 janvier 1988 Nirvana enregistre une démo de 10 chansons avec le « Godfather of Grunge », légendaire producteur de Seattle Jack Endino. Le boss de Sub Pop, Jonathan Poneman, entend la cassette et propose de sortir un single de Nirvana. Le groupe accepte.
Le gros 4 : retour sur la tournée événement ! – Zénith DIJON : Tristesse, chaleur & sandwichs
Samedi 26 mars, la première date du Gros 4 avec Mass Hystéria, No One Is Innocent, Ultra Vomit et Tagada Jones à Dijon. Le Gros 4, c’est le clin d’œil français au Big 4 américain composé de Metallica, Slayer, Megadeth et Anthrax. Le Gros 4 commence sa tournée des zéniths de France ce soir.
Cette affiche XXL passe par le Zénith de Montpellier le 5 juin prochain pour le plus grand bonheur des métalleux. Oui, avouons-le, cette affiche ne te concerne pas si tu n’aimes pas le métal, si tu as liké l’arrivée de JUL sur scène en scooter, si tu kiffes JUL plus globalement, prévois autre chose pour le 5 juin.
Cette journée du 26 commence dans une immense tristesse mais finit dans la chaleur & et les sandwichs. Ce matin-là, tombe la nouvelle de la disparition du batteur des Foo Fighters : Taylor Hawkins. Foo Fighters, ce groupe phare de la scène indépendante américaine, qui doit se produire dans les arènes de Nîmes cet été.
Le groupe annonce sur Facebook cette tragique disparition survenue la nuit précédente à Bogota. La terrible nouvelle se mêle à un départ pour Dijon… comme une punition. Cette journée part mal.
Voiture chargée, la route défile et cinq heures plus tard, vers 14h30, le Zénith de Dijon est en vue.
14h30, cela peut sembler tôt pour un concert qui commence à 19h00, mais j’ai un joker, je bosse avec Mass Hysteria depuis près de 15 ans. Je rejoins l’équipe en backstage avec un plaisir non dissimulé. Un retour aux affaires dans la joie et la bonne humeur, après deux ans de COVID, sans concert, et surtout un Zénith de Paris d’anthologie.
Balances entre 15h00 et 16h00 dans un Zénith encore vide, puis échanges, apéritif, très peu de légumes et de fruits mais du houblon. Ouverture des portes à 18h00 sur une foule qui attend depuis 15h00. L’ordre de passage est tiré au sort chaque soir. Pour Dijon, ça sera Ultra Vomit qui ouvrira le bal, suivi de MassHysteria, No one is Innocent et enfin Tagada Jones.
Je ne vais pas vous spoiler la soirée… Pour ceux qui seront au Zénith de Montpellier début juin, voici toutefois quelques éléments : le show est gros, l’écran vidéo géant, la pyrotechnie impressionnante, beaucoup de lights et de décors. Le concept est global.
Peut-être, vous dire de ne pas aller derrière la batterie car vous risquez, comme moi, de sentir les flammes et de prendre un coup de chaud. Vous dire que si vous allez devant, dans le pit, vous risquez de vous faire gentiment secouer. Vous dire aussi de venir léger, car il fait et fera chaud, très chaud.
Une journée qui commença donc dans une tristesse infinie mais qui finalement se termina dans la chaleur (oui je sais, ne pas aller derrière la batterie sur cette tournée…)
Et les sandwichs me direz-vous ? Ils vont clôturer cette soirée à 3h00 du mat dans le tour bus avec les Mass et No one. C’est un peu ça les clichés, on m’avait promis du rock’n’roll, des groupies et de la coke et je me retrouve à me taper des sandwichs au jambon dans un tour bus avec huit barbus.
De rage, j’ai bouffé 3 sandwichs. De rage et pour éponger aussi…
Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !
LE GROS 4 – Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !
LE GROS 4 – Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !
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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
HELLFEST 2022 : Après deux années sans festival, le Hellfest voit très grand pour son retour en 2022.
Il n’y aura pas une seule 15e édition, mais bien deux éditions du Hellfest 2022: du 17 au 19 juin puisdu 24 au 26 juin 2022.
La programmation du Hellfest 2022 fut dévoilée officiellement par son patron Ben Barbaud jeudi 17 juin, Metallica, l’un des plus grands groupes de metal au monde à n’avoir jamais joué au Hellfest, clôturera le HELLFEST 2022.
Après avoir été mis à l’écart par la pandémie, le Hellfest à Clisson, en France, revient pour le Hellfest 2022 avec un événement de sept jours et deux week-ends mettant en vedette 350 groupes stupéfiants sur six scènes, avec Metallica , Guns N’ Roses , Nine Inch Nails , Scorpions , Avenged Sevenfold , Faith No More et Deftones font partie des plus grands groupes qui seront là.
Après un coup d’œil à la programmation, la plus grande question est vraiment : « Quel groupe ne sera pas à Clisson au Hellfest 2022 ? »
Hellfest 2022
Le premier volet du festival Hellfest 2022 en deux parties aura lieu les 17, 18 et 19 juin avec en tête d’affiche Deftones, Faith No More et Avenged Sevenfold. Les Dropkick Murphys, Megadeth, Korn, Volbeat, Judas Priest, Deep Purple et bien d’autres devraient également apparaître.
Cette partie du Hellfest est épuisée depuis fin 2019, alors bonne chance pour y gagner un billet. Des billets seront disponibles pour les quatre dates étendues qui auront lieu le week-end suivant.
Le festival Hellfest 2022 reprendra les 23, 24, 25 et 26 juin et c’est un autre set percutant avec Scorpions, Nine Inch Nails, Guns N ‘Roses et Metallica tous en haut de l’affiche aux dates respectives. Parmi les autres grands noms, citons Whitesnake, Ministry, Black Label Society, Alice Cooper, Megadeth (encore une fois), Nightwish, Sabaton, Helloween, Rise Against, Hatebreed et des dizaines d’autres.
Hellfest 2022 : Les Groupes qui seront sur scène
Plus de 350 groupes au Hellfest 2022 ! en voici quelques uns : Metallica, Nine Inch Nails, Faith No More, Deftones, Judas Priest, Guns N’ Roses, Mercyful Fate, Deep Purple, Scorpions, Alice Cooper, Megadeth, Korn, Converge: Blood Moon, Helloween, Hatebreed, Ministry, Whitesnake, Dropkick Murphys, Suicidal Tendencies, Social Distortion, Rise Against, Bad Religion, The Exploited, Hatebreed, The Offspring, Opeth, Mastodon, Down, Skinny Puppy, Killing Joke, The Distillers, HEALTH,…
A ces groupes s’ajoutent : Kreator, Youth of Today, Cro-Mags, Slapshot, Higher Power, Anti-Flag, Agnostic Front, Turnstile, Touche Amore, Xibalba, Madball, Terror, Crowbar, Judiciary, Year of the Knife, Electric Wizard, Envy, Baroness, High On Fire, Black Mountain, Mono & the Joy Quail Quartet, OM, Pelican, Life of Agony, Inter Arma, Earth, Godflesh, Monster Magnet, The Obsessed, Eyehategod, …
…Thou, Year of No Light, Obituary, Death To All, At The Gates, Grave, Gatecreeper, Enforced, Sepultura, Sacred Reich, Devin Townsend, Coroner, Dying Fetus, Misery Index, Dropdead, Katatonia, My Dying Bride, Carcass, Napalm Death, Destruction, Blood Incantation, Mayhem, Abbath, Rotting Christ, Alcest, Triptykon, Cult of Fire, Midnight, L7… you know, just to name a few.
Hellfest 2022
Hellfest 2022 : le communiqué du festival
» Que dire sinon que nous sommes fiers (et excités) de dévoiler enfin le line up tant attendu de notre édition anniversaire ! Garder un tel line-up secret pendant plusieurs semaines n’a pas été une tâche facile, surtout ces derniers jours… Cela fait plus de 16 mois que notre rythme de travail a été bouleversé par l’arrivée de ce virus, depuis que l’industrie de la musique live s’est éteint. Malgré cela, notre confiance n’a jamais été affectée et nous avons continué à travailler avec un état d’esprit positif.
La frustration de deux ans sans festival nous a fait rêver encore plus grand de nos retrouvailles ! En 2022, nous vous proposons un nouveau format unique étalé sur 10 jours ! Jamais faite auparavant, cette formule restera, sans aucun doute, dans l’histoire des musiques dites « extrêmes » ! Deux fois plus historique, car cette formule n’est censée exister qu’en 2022 et ne se reproduira plus dans les années à venir.
Le Hellfest, aussi appelé Hellfest Summer Open Air , est un festival de rock en mettant l’ accent sur la musique heavy metal , a lieu chaque année en Juin à Clisson en Loire-Atlantique , France. Sa forte fréquentation en fait le festival de musique français avec le plus gros chiffre d’affaires. C’est aussi l’un des plus grands festivals de métal d’Europe et le premier à exister en France.
Il trouve son origine dans un autre festival de musique, le Fury Fest, organisé de 2002 à 2005, dans différentes régions des Pays de la Loire .
Hellfest 2022
Le Hellfest a pris le relais en 2006 et a connu au fil des années une augmentation continue du nombre de visiteurs, passant de 22 000 lors de la première édition à 55 000 billets vendus par jour en 2017.
Sa programmation est principalement axée sur le hard rock et le métal sur les deux scènes principales, tandis que chacune des quatre autres scènes du festival est dédiée à un style particulier comme le black metal , le death metal , le doom metal ou le stoner metal , rendant possible la présence de groupes tels que comme Iron Maiden , Rammstein , ZZ Top et Motörhead , ainsi que celui de Slayer , Mass Hysteria , Sepultura , Kiss ou Anthrax.
Guns N’ Roses au Hellfest 2022
Zégut l’annonce depuis plusieurs jours, Gun’s & Roses seront au Hellfest 2022…
Guns N’ Roses , souvent abrégé en GNR , est un groupe de hard rock américain de Los Angeles , Californie, formé en 1985. Lorsqu’ils ont signé avec Geffen Records en 1986, le groupe comprenait le chanteur Axl Rose , le guitariste Slash , le guitariste rythmique Izzy Stradlin , le bassiste Duff McKagan et le batteur Steven Adler .
Hellfest 2022
La formation actuelle se compose de Rose, Slash, McKagan, du guitariste Richard Fortus , du batteur Frank Ferrer et des claviéristes Dizzy Reed et Melissa Reese .
Le premier album de Guns N’ Roses, Appetite for Destruction (1987), a atteint la première place du Billboard 200 un an après sa sortie, grâce au top 10 des singles » Welcome to the Jungle « , » Paradise City » et » Sweet Child o’ Mine « , le seul single du groupe à atteindre la première place du Billboard Hot 100 .
L’album s’est vendu à environ 30 millions d’exemplaires dans le monde, dont 18 millions d’unités aux États-Unis, ce qui en fait le premier album le plus vendu du pays et le onzième album le plus vendu . Leur prochain album studio, GN’ R Lies (1988), a atteint la deuxième place du Billboard200, vendu à dix millions d’exemplaires dans le monde (dont cinq millions aux États-Unis), et comprenait le top 5 » Patience « .
Use Your Illusion I et Use Your Illusion II , enregistrés simultanément et sortis en 1991, ont fait leurs débuts respectivement aux deuxième et première places du Billboard 200 et se sont vendus à 35 millions d’exemplaires dans le monde, dont 14 millions d’unités aux États-Unis.
Les albums d’ Illusion comprenaient le single » You could be mine » (également présent dans la bande originale du film Terminator 2 ), des reprises de » Live and Let Die » et » Knockin’ on Heaven’s Door « ,Don’t Cry « , » November Rain » et » Estranged « ), qui présentaient notamment des clips à gros budget .
Les disques Illusion ont également été soutenus par le vaste Use Your Illusion Tour , une tournée mondiale qui a duré de 1991 à 1993. « The Spaghetti Incident? » (1993), un album de reprises, était le dernier album studio du groupe à présenter Slash et McKagan avant leur départ initial.
Hellfest 2022 – Hellfest 2022
Travail sur un album de suivi au point mort en raison de différences créatives entre les membres du groupe ; en 1998, seuls Rose et Reed restaient de la gamme de l’ère Illusion . Après une décennie de travail et plusieurs changements de line-up, le sixième album studio tant attendu de Guns N’ Roses, Chinese Democracy (2008), est sorti.
Avec un coût de production estimé à 14 millions de dollars, c’est l’album rock le plus cher de l’histoire. Il a fait ses débuts au numéro trois du Billboard 200, mais a sous-estimé les attentes de l’industrie malgré un accueil critique majoritairement positif. Slash et McKagan ont rejoint le groupe en 2016 pour la tournée Not in This Lifetime… , qui est devenue la troisième tournée de concerts la plus lucrative jamais enregistrée , avec plus de 584 millions de dollars de recettes brutes à sa conclusion en 2019.
Dans leurs premières années, l’hédonisme et la rébellion du groupe ont attiré des comparaisons avec les premiers Rolling Stones et leur ont valu le surnom de « groupe le plus dangereux du monde ».
La formation classique du groupe, avec les membres ultérieurs Reed et le batteur Matt Sorum , a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2012, sa première année d’éligibilité. Guns N’ Roses a vendu plus de 100 millions de disques dans le monde, dont 45 millions aux États-Unis, ce qui en fait l’un des groupes les plus vendus de l’histoire .
Metallica au Hellfest 2022
Metallica est l’un des groupes de métal les plus importants et les plus influents de tous les temps, élaborant le plan directeur du thrash metal à ses débuts, puis repoussant les limites du métal traditionnel et du hard rock alors qu’ils s’installaient dans leur rôle d’héritage populaire en tant que des décennies se sont écoulées.
Entre la rencontre de l’énergie brute et des compositions de speed metal complexes de leur premier album Kill ‘Em All en 1983et la production en couches et axée sur la radio de «l’album noir» éponyme de 1991, le groupe a tourné album classique après album classique, chaque nouveau chapitre menant le développement du métal à l’échelle mondiale.
Tout au long des années 90 et au-delà, le groupe a été très actif en tant qu’acteur de tournée au niveau des stades tout en lançant sporadiquement de la nouvelle musique.
Des riffs acérés, des voix grondantes et une batterie de précision à haute puissance sont restés au cœur de leur son alors même qu’ils exploraient de nouvelles idées sur des albums ultérieurs comme St. Anger en 2003 ou leur dixième album studio, Hardwired… To Self-Destruct en 2016 . .
Un Hellfest 2022 complètement fou !
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Hyraw clothing : La marque qui vous offre un style rock unique
Si vous êtes à la recherche de vêtements et accessoires au design inspiré par l’esprit du rock, Hyraw clothing est sans doute la marque qu’il vous faut. Cette entreprise française propose en effet une large gamme de produits alliant originalité, qualité et confort. Des t-shirts aux vestes en passant par les bijoux et autres objets dérivés, il y en a pour tous les goûts et tous les budgets. Dans cet article, nous vous invitons à découvrir l’univers d’Hyraw clothing.
Une marque qui puise ses inspirations dans le rock’n’roll
Fondée en 2005, la société Hyraw s’est rapidement imposée comme un acteur incontournable sur la scène alternative française grâce à son style résolument rock. Cet esprit se retrouve dans toutes les créations de la marque, autant au niveau des motifs que des matériaux employés.
Des visuels marquants
L’une des caractéristiques des vêtements Hyraw réside dans leurs designs percutants. Souvent sombres, ces derniers mettent en avant différentes thématiques chères aux amateurs de rock comme les têtes-de-mort, les croix ou encore les animaux sauvages. Les illustrations sont réalisées par des artistes talentueux pour offrir à chaque collection un résultat singulier et percutant.
Des matières de qualité
Puisque le rock est avant tout une attitude, la marque Hyraw est soucieuse d’utiliser des matériaux qui correspondent à cet état d’esprit. Ainsi, les vêtements sont principalement confectionnés en coton pour garantir un maximum de confort sans négliger le côté esthétique. Pour les accessoires, la marque opte le plus souvent pour de l’acier inoxydable afin d’assurer une résistance optimale et préserver leur aspect même après plusieurs années.
Une diversité de produits pour satisfaire tous les styles
Hyraw clothing se distingue également par le nombre important de références qu’elle propose à sa clientèle. Une variété qui permet à chaque personne adepte du style rock de trouver son bonheur.
Vêtements hommes et femmes
Pour habiller les fans de rock, Hyraw offre de nombreux modèles de t-shirts, sweats, chemises et vestes, déclinés aussi bien pour les hommes que pour les femmes. Les coupes sont modernes et adaptées à toutes les morphologies, tandis que les designs s’intègrent facilement aux tenues quotidiennes ou peuvent être portés lors d’événements spécifiques comme les concerts, soirées déguisées ou festivals.
T-shirts : les modèles de t-shirts Hyraw sont disponibles dans de multiples designs, allant des motifs classiques aux plus audacieux. À manches courtes ou longues, ils conviennent à toutes les saisons et se combinent facilement avec tous les types de pantalons, jeans et shorts.
Sweats : idéaux pour affronter le froid tout en restant stylé, les sweats Hyraw se déclinent en différentes versions avec ou sans capuche, et sont conçus pour offrir chaleur et confort.
Chemises : pour un look plus chic tout en conservant la touche rock, la marque propose aussi des chemises élégantes aux motifs originaux. Parfaites pour les occasions spéciales ou pour le quotidien.
Vestes : indispensables pour affirmer son style lors des soirées fraîches, les vestes Hyraw allient esthétisme et praticité, grâce à leur design unique et leurs poches fonctionnelles.
Accessoires pour sublimer sa tenue
Pour compléter une tenue, il est indispensable de disposer d’accessoires adaptés à notre style. C’est pourquoi Hyraw offre également une large collection de bijoux et autres accessoires venant ajouter une note supplémentaire à votre look :
Bijoux : bagues, bracelets, colliers et boucles d’oreilles au design inspiré par l’univers du rock.
Ceintures : pour un look complet, la marque propose également des ceintures assorties à ses vêtements, souvent agrémentées de supports métalliques pour renforcer l’allure rock’n’roll.
Chaussettes : pour ceux qui souhaitent pousser la personnalisation jusqu’au bout, Hyraw dispose également d’une série de chaussettes aux motifs variés.
Casquettes et bonnets : la tête n’a pas été oubliée, puisque la marque propose des casquettes et bonnets affichant les mêmes thèmes que les vêtements.
Hyraw clothing, c’est aussi de nombreux objets dérivés
Les fans de rock et de métal ont également la possibilité d’affirmer leur passion grâce aux nombreux gadgets et goodies disponibles sur le site de la marque. Du porte-clés aux coques de téléphone en passant par les housses de couette et autres affiches, ces objets inédits permettent à chacun d’exprimer son appréciation pour cet univers musical captivant.
Comme vous pouvez le constater, Hyraw clothing s’impose comme une véritable référence dans le monde des vêtements et accessoires dédiés au style rock. Ne vous étonnez donc pas si vos prochaines tenues portent l’emblème de cette griffe française !
La marque Hyraw clothing, bien connu des métalleux est une marque française de vêtements et d’accessoires du sud de la France. J’ai eu la joie de shooter la derniére collection de la marque Hyraw il y a quelques mois.
Cette marque est cofondée par Christophe dit « Musclor ». Son parcours est plutôt au départ dans la musique. Il tenait il y a quelques années une boutique rock où il faisaiT de la vente en ligne (NB : La Boutique Metal) mais il n’était pas fabricant, il achetait et revendait.
Musclor a avant tout travaillé 15 ans dans la musique en tant que manager des groupes tels que « Tripod » et « ETHS ».
Retour sur l’interview du cofondateur d’Hyraw clothing par Daily rock
Comment commence Hyraw Clothing?
Au début, je n’avais pas la volonté de créer une marque de vêtements. Avec « Coriace », nous fabriquions déjà des produits pour essayer de gagner plus d’argent. c’est le but.
Cependant, tout est venu d’une rencontre avec les graphistes Jérémie et Yann. Lorsque nous nous sommes rencontrés, nous avons pensé que ce serait une bonne chose de travailler ensemble et de créer une marque de vêtements, car tout le monde porte des vêtements et tout le monde aime ça. Cela commence à partir de là.
Quelle est la philosophie de « Hyraw clothing« ?
Notre philosophie est d’avancer le plus possible, de produire des choses qui nous surprennent, et de les développer le plus possible, nous donnant ainsi les moyens de faire des choses intéressantes.
Nous le fournissons aux gens et ils décident. C’est comme un groupe de musique. Le groupe a fait ce qu’il veut, puis le propose au public, et les gens décident si c’est bon ou pas.
Eh bien, c’est un peu la même chose pour nous, nous avons décidé de créer une marque de vêtements, car au final nous avons appris à nous connaître, nous avons appris les compétences de l’autre et nous nous sommes développés dans ce sens.
Jérémie vient du monde des sports de glisse, du skate, du kitesurf. Nous avons tous les deux la musique en commun. Parce que j’avais des magasins, j’avais aussi cette approche d’ Internet pour revendre des vêtements, ce qui s’est avéré intéressant. La vraie philosophie qui nous anime est « nous faisons les choses que nous aimons et nous les ferons toujours ».
Comment choisissez-vous un modèle pour mettre en valeur Hyraw clothing ?
Le premier critère est qu’elle soit belle. Après cela, elle doit être impliquée.
Nous travaillons avec « Makanie Terror », elle est allemand, mais elle fait partie du monde alternatif. Nous ne l’avons choisi pas parce qu’elle est une grande modèle. Nous l’avons choisi pas parce qu’elle a des tatouages, elle représente aussi quelque chose.
Elle évolue dans un environnement qui nous intéresse. Elle est fan de métal, elle va au concert et ainsi de suite. C’est en effet le plus important.
Pour le modèle, nous avons travaillé avec Aaron Matts, le chanteur de « Betrayal of the Martyrs », qui parle anglais; mais après cela, nous préférerions travailler avec un chanteur avec une vraie attitude.
Avec qui Hyraw clothing coopére ?
Nous coopérons avec de nombreux groupes de France et du monde entier. Pour obtenir une liste exhaustive, vous devez consulter le site Web, car je n’ai pas tout en tête.
Nous aimons travailler avec les festivals de musique car ils ont beaucoup d’idées, ils sont très créatifs et ils sont totalement cohérents avec nos suggestions et notre façon de faire.
Depuis la création du festival, Ben vend des fringues sur notre festival. Année après année, nous devenons de plus en plus gros, jusqu’à ce que nous ayons un pied ferme sur Hellstreet, et enfin Guillaume, qui est responsable de tous les liens de vente de produits et Extramarket, nous a dit qu’un jour « vous nous faites un design de chemise? »
Nous travaillons dur. Nous lui avons donné deux possibilités. Il nous a dit: » C’est très réussi, et je prends les deux. Une fois sur place, tout est aussi simple que cela. Puis d’une année sur l’autre, cela s’est poursuivi. La deuxième année, ils nous en ont demandé deux, nous en avons gagné trois, puis ils nous ont proposé de faire le gobelet, et nous leur avons dit oui.
Hyraw clothing et la musique ?
L’essence de la marque Hyraw est de collaborer avec des artistes. Nous écoutons de la musique tous les jours. Enracinés dans cela, nous prétendons être une marque axée sur la musique, tout comme « Sullen » prétend être de l’industrie du tatouage, nous sommes de la musique.
De plus, les personnes tatouées et les skateurs sont également très intéressés, car certains fans de musique font du skate. Pourquoi les choisir? Parce que c’est une vitrine, c’est évident. Cela nous rend visibles.
Avec qui avez-vous collaboré pour prendre des photos?
Eh bien, à un moment donné, nous avons tout fait nous-mêmes, mais maintenant c’est un peu difficile de le faire. Un jour, nous avons décidé de travailler avec un photographe professionnel spécialisé dans la photographie de modèles tatoués. Nous travaillons avec lui car nous avons déjà travaillé avec sa petite amie modèle. Elle nous l’a présenté.
Il a un réseau de connaissances dans ce milieu. Maintenant, nous travaillons avec lui. Demain, nous travaillerons avec d’autres. Là, on a des idées de photos qu’il n’aime pas, on va les regarder. Mais pour l’instant, nous travaillons avec.
Pouvons nous trouver des «vêtements Hyraw clothing» partout?
Eh bien, il y a encore un long chemin à parcourir au niveau national. D’un point de vue national, nous avons environ 40 vendeurs, pas beaucoup. Mais maintenant, avec Internet, tout le monde peut commander, et cela fonctionne très bien.
FAQ sur la marque de vêtements HYRAW
Qu’est-ce que HYRAW ?
HYRAW est une marque de vêtements créée en France en 2013. Elle propose une gamme de vêtements et d’accessoires inspirés par la culture underground et le monde du tatouage.
Quel est le style de HYRAW ?
Le style de HYRAW est caractérisé par des motifs sombres et graphiques, souvent inspirés par l’univers du tatouage et du rock’n’roll. Les vêtements sont également conçus pour être confortables et résistants, avec une attention particulière portée à la qualité des matériaux.
Pour qui sont les vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont destinés à un public qui apprécie la culture underground, le monde du tatouage et de la musique rock. Les vêtements sont conçus pour être portés au quotidien, mais peuvent également être utilisés pour des occasions plus spéciales.
Où peut-on trouver des vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont disponibles dans des boutiques spécialisées dans la mode alternative, ainsi que sur le site web de la marque. Il est également possible de trouver des vêtements HYRAW dans des festivals et des événements liés à la culture underground.
Quels sont les produits proposés par HYRAW ?
HYRAW propose une gamme de vêtements et d’accessoires, comprenant des t-shirts, des sweats à capuche, des vestes, des pantalons, des casquettes, des bonnets et des sacs à dos. La marque propose également des produits pour femmes, avec des modèles spécifiquement conçus pour leur morphologie.
Comment sont fabriqués les vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont fabriqués dans des usines en Europe et en Asie, avec une attention particulière portée à la qualité des matériaux et à la durabilité des produits. La marque utilise des matériaux de haute qualité tels que le coton organique et le cuir véritable.
Quelle est l’éthique de HYRAW ?
HYRAW s’engage à respecter l’environnement et les droits des travailleurs. La marque utilise des matériaux durables et biologiques lorsque cela est possible, et travaille avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales. La marque est également transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.
HYRAW est-elle une marque responsable ?
HYRAW est engagée dans une démarche de développement durable et de responsabilité sociale. La marque travaille avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales, et utilise des matériaux durables et biologiques. La marque est également transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.
Quels sont les engagements de HYRAW en matière de durabilité ?
HYRAW s’engage à réduire son impact environnemental en utilisant des matériaux durables et biologiques, en réduisant les déchets et en minimisant l’empreinte carbone de ses produits. La marque travaille également avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales, et est transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.
Comment entretenir les vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont conçus pour être résistants et durables, mais il est important de les entretenir correctement pour prolonger leur durée de vie. Les vêtements doivent être lavés à l’envers à une température maximale de 30 degrés, avec des couleurs similaires. Il est recommandé de ne pas utiliser d’adoucissant et de ne pas les mettre au sèche-linge. Les vêtements en cuir doivent être nettoyés avec un produit spécialisé pour le cuir.
HYRAW propose-t-elle des collections limitées ?
La marque propose régulièrement des collections limitées en éditions spéciales. Ces collections sont souvent inspirées par des collaborations avec des artistes, des tatoueurs ou des musiciens, et offrent des designs uniques et exclusifs pour les fans de la marque.
En résumé, quelle est la particularité de HYRAW ?
C’ est une marque de vêtements qui se distingue par son style underground et inspiré de la culture du tatouage et du rock’n’roll. La marque propose des produits de haute qualité, durables et fabriqués dans le respect de l’environnement et des droits des travailleurs. HYRAW s’adresse à un public qui apprécie l’originalité, l’authenticité et la créativité.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Pierre Commoy et Gilles Blanchard grandissent tous deux dans des familles aisées qui imposent des codes de conduite qu’ils dépasseront rapidement à l’adolescence.
Ils plongent dans le cinéma coréen, chinois, hollywoodien et toutes les photos de magazines vedettes aux couleurs riches. Après des études d’art au Havre pour Gilles et une école de photo pour Pierre, ils s’installent respectivement à Paris en dès le début des années 1970.
Pierre a pris des photos pour plusieurs magazines, Gilles a peint et réalisé des collages. Ils se rencontrent lors d’une fête en 1976 et entament une vie amoureuse et professionnelle fortement influencée par le popart.
L’année 1978 est un tournant dans leur collaboration artistique: Bollywood et ses innombrables couleurs est un choc. Ils parviennent à développer un style onirique et fantaisiste, inspiré de celui du photographe américain James Bidgood.
Des artistes connus et des « people » ont été photographiés par Pierre & Gilles comme par exemple Étienne Daho (albums La Notte, la Notte et Reserection), Marilyn Manson, Lio, Amanda Lear, Pascale Borel et Valérie Lemercier, Sylvie Vartan, Cheb Khaled, Catherine Deneuve, Serge Gainsbourg, Natacha Régnier, François Pinault, Christian Boltanski, Arielle Dombasle, Laetitia Casta, Dita von Teese, Alain Chamfort, Armande Altaï, Siouxsie Sioux, Marc Almond (album Enchanted, 45 tours A lover spurned, The desperate hours et Waifs and strays), Jean Paul Gaultier, Nina Hagen, Madonna, Jérémie Renier, Sheila, Mireille Mathieu, Bettina, Régine, Kylie Minogue, Stromae, ou encore l’album Héros de Shy’m…
Ils ont également produit des photos et des couvertures d’albums pour des groupes pop / rock tels que Deee-Lite, Erasure (1989: couverture, photo intérieure et livret de l’album Wild! Et couverture du drame!), Indochine, Mikado, Les Calamités, pour The Adventures of Ghosthorse & Stillborn de CocoRosie ou Les Douleurs de l’Ennui du groupe français Opera Multi Steel…
Stromae par Pierre et Gilles
Pierre et gilles : les oeuvres…
Ils sont connus pour leurs photographies retouchées prises ensemble depuis leur rencontre.
Ils prétendent être des artisans. Ces œuvres traitent de sujets de la culture pop, de la culture gay, mais aussi de la pornographie ou de la religion, leurs sujets les plus importants, et en même temps se défendent contre le blasphème: «Nous avons une préférence pour le mystique. Il est difficile pour nous de créer une séparation entre art et religion.
» Leurs œuvres sont souvent décrites par la presse comme romantiques: « la fumeuse de chicha », l’une des plus connues, en est un exemple caractéristique. Ils définissent leur travail comme suit: «Nous aimons idéaliser, mais nous parlons aussi de la mort, du mystère et de l’étrangeté de la vie. Il y a autant de douceur que de violence dans nos photos… ».
Pierre et Gilles prétendent s’inspirer de nombreuses mythologies: la mythologie moderne avec, par exemple, l’image d’un cow-boy, la mythologie chrétienne avec l’image d’Adam ou Saint Sébastien, la mythologie hindoue avec l’image de Krishna et en particulier les classiques de la mythologie ancienne avec des images de Narcisse ou d’Achille.
Ces inspirations proviennent de différentes sources: cours d’histoire et cours de catéchisme dans l’enfance, puis films (pour Pierre) et visites de musées (pour Gilles): » Nous étions fascinés par les mythologies, les dieux et les demi-dieux. Ces histoires nous mettent […] dans un monde plein de rêves, d’atrocités et de miracles, dans lequel le divin est en harmonie avec l’histoire. »
Les expos de Pierre et gilles
Paradis et Garçons de Paris, galerie Texbraun, Paris, 1983
Naufragés et Pleureuses, galerie Samia Saouma, Paris, 1986
Première rétrospective, Maison européenne de la photographie, Paris, 1996
Douce Violence, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2000
Arrache mon cœur, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2001
Beautiful Dragon, rétrospective sur le thème de l’Asie, Museum of Art de Séoul, 2004
Le Grand Amour, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, France, 2004
Rétrospective, inauguration du Muséum d’art contemporain de Shanghai, 2005
Un monde parfait, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2007
Double je, Jeu de Paume, Paris, 2007- Rétrospective, Manège, Moscou, 2007
Wonderful Town, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2010
Héros, Galerie Daniel Templon, Paris, 2014
Clair-obscur, Musée d’Ixelles, Bruxelles, 2017, commissaire Sophie Duplaix
Clair-Obscur, MuMa musée d’art moderne André Malraux, Le Havre, 2017
Le Temps imaginaire, Galerie Templon, Paris, janvier 2018
Le Génie du Christianisme, Couvent des Minimes, Perpignan, juin 2018. Une exposition organisée par le Festival International du Livre d’Art et du Film, commissaire Numa Hambursin
Age of Classics! L’Antiquité dans la culture pop, Musée Saint-Raymond, musée des Antiques de Toulouse, Toulouse, printemps-été
2019.
Looking at the Pictorial World Seemingly Old and Voluptuous, K Museum of Contemporary Art, Seoul, Décembre
2018- Mai 2019 – La Fabrique des Idoles, Cité de la Musique, Philharmonie de Paris, Novembre 2019 – Février 2020
LIO
Les publications de Pierre et Gilles
L’Odyssée imaginaire, , Contrejour, 1988
Dan Cameron et Bernard Macardé, , l’œuvre complète 1976-1996, Benedikt Taschen, Cologne, 1996
Catherine Francblin, Douce Violence, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 1998
Pierre et Gilles – Beautiful Dragon, textes de Bernard Marcadé et Parang Park, entretien de Jérôme Sans, Seoul Museum of Art, Seoul, 2004
Pierre et Gilles – Beautiful Dragon, Textes de Bernard Marcadé et Venka Purushothaman, préface de Kwok Kian Chow, Singapore
Art Museum, Singapour, 2004
Jean-Jacques Aillagon et Frédéric Blanc, Frédéric, – Le Grand Amour, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2004 Album, éd. galerie Jérôme de Noirmont, 2004
Sailors & Sea, éd. Taschen, 2005
Pierre et Gilles – Rétrospective, catalogue d’exposition, MOCA Shanghai, 2005
Thomas Doustaly et Paquita Paquin, Pierre & Gilles : Autobiographie en photomatons, Bàzàr Edition, mars 2012, 448 p.
Chloé Devis, Derrière l’objectif de Pierre et Gilles : Photos et propos, Éditions Hoebeke, avril 2013, 155 p.
Héros, catalogue de l’exposition à la Galerie Daniel Templon, entretien avec Catherine Grenier, 2013 6
Eric Troncy, Pierre et Gilles, Editions Flammarion, octobre 2016 7
Sophie Duplaix et Michel Poivert, Marc Donnadieu, Pierre et Gilles, Clair Obscur, 13 février 20178
Le temps imaginaire, catalogue d’exposition, Galerie Daniel Templon, Paris, 2018, 80 p.=
Le Génie du Christianisme, catalogue d’exposition, Festival International du Livre d’Art et du Film, Perpignan, 36 pages
Pierre et Gilles, La Fabrique des Idoles, catalogue d’exposition, Editions Xavier Baral, 2019, 353 pages
IN VIVO Au centre Pompidou
Pierre et Gilles, le livre la fabrique des idoles.
Qu’est-ce que « La Fabrique des idoles »?
« La Fabrique des idoles » est un livre publié en 2019 par les artistes français Pierre et Gilles. Il s’agit d’un ouvrage monographique qui retrace plus de 40 ans de carrière de ce duo d’artistes, qui sont connus pour leurs photographies kitsch et colorées. Le livre est divisé en plusieurs sections, chacune consacrée à une période spécifique de leur travail.
Que peut-on trouver dans ce livre?
« La Fabrique des idoles » contient plus de 500 photographies de Pierre et Gilles, ainsi que des textes de différents auteurs qui analysent leur travail. Les photographies sont organisées par période, et chaque section est introduite par un texte qui contextualise le travail de Pierre et Gilles à cette époque. Le livre contient également des citations et des interviews des deux artistes, ainsi qu’une bibliographie complète de leur travail.
FAQ sur Pierre et Gilles
Qui sont Pierre et Gilles ?
Pierre et Gilles sont un duo d’artistes français connus pour leur travail photographique combinant des portraits photographiques avec des éléments picturaux, tels que des peintures à la gouache et des collages. Ils ont travaillé ensemble depuis le début des années 1970 et ont créé une œuvre iconique, souvent caractérisée par une esthétique kitsch, pop et baroque.
Quel est le style artistique de Pierre et Gilles ?
Le style artistique de Pierre et Gilles est souvent décrit comme une combinaison de photographie et de peinture, qui fusionne les techniques de ces deux médiums. Leur travail est également marqué par une esthétique kitsch, colorée et baroque, ainsi que par une fascination pour la beauté, la célébrité et les icônes pop culturelles.
Quels sont les thèmes abordés dans les œuvres de Pierre et Gilles ?
Les œuvres de Pierre et Gilles abordent souvent des thèmes tels que la beauté, la religion, la sexualité, la célébrité et la mort. Ils ont travaillé avec de nombreux sujets, notamment des personnalités du monde de la musique, de la mode et du cinéma, ainsi que des représentations de figures mythologiques et religieuses.
Quelles sont les techniques utilisées par Pierre et Gilles ?
Pierre et Gilles combinent la photographie avec des techniques de peinture, telles que la gouache, la peinture acrylique et le collage. Ils travaillent également avec des décors, des accessoires et des costumes pour créer des scènes mises en scène et souvent surréalistes.
Quelles sont les expositions les plus connues de Pierre et Gilles ?
Les œuvres de Pierre et Gilles ont été présentées dans de nombreuses expositions internationales. Certaines des plus connues incluent « Pierre et Gilles: Double Je, 1976-2007 » au Centre Georges Pompidou à Paris en 2007, « Pierre et Gilles: 40 » à la Galerie Templon à Paris en 2017 et « Pierre et Gilles: Clair-Obscur » au Musée des Beaux-Arts de Montréal en 2020.
Quelle est la signification derrière les œuvres de Pierre et Gilles ?
Les œuvres de Pierre et Gilles ont souvent une signification profonde et symbolique, mais cette signification peut varier selon l’interprétation de chaque spectateur. Les thèmes récurrents dans leur travail, tels que la beauté, la religion et la sexualité, peuvent être interprétés de différentes manières, reflétant ainsi la complexité de l’expérience humaine.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
