Cindy Sherman Photographe américaine

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/08/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

« J’essaie de faire en sorte que les autres reconnaissent quelque chose d’eux-mêmes plutôt que moi. » —Cindy Sherman

Cindy Sherman est l’une des artistes les plus connues et les plus importantes qui travaillent aujourd’hui.

Sa pratique performative de plusieurs décennies consistant à se photographier sous différentes formes,  a produit de nombreuses images parmi les plus emblématiques et les plus influentes de l’art contemporain.

Au cœur du travail de Sherman se trouve la multitude de stéréotypes identitaires qui ont surgi à la fois dans l’histoire de l’art et dans l’histoire de la publicité, du cinéma et des médias.

Sherman révèle et démantèle ces stéréotypes ainsi que les mécanismes de leur production en créant série après série de photographies qui se concentrent sur des procédures particulières de création d’images. La collection Broad est dédiée au travail de Sherman depuis plus de trente ans et ses collections sont inégalées dans le monde.

Dans ses premières œuvres, de petites photographies en noir et blanc connues sous le nom de série Untitled Film Still , Sherman a exploré les images de femmes dans les films des années 1950 et 1960. 

Dans les images fixes du film, plutôt que de citer des films reconnaissables, Sherman suggère des genres, ce qui donne des personnages qui émergent comme des types de personnalité au lieu d’actrices spécifiques. 

Les six premières images de la série, dont Untitled Film Still #6 , 1977, montrent la même actrice blonde à différentes étapes de sa carrière. Plus tard, le personnage dans Untitled Film Still # 34 , 1979, apparaît comme une séductrice, attendant à la maison son amant, et dans Untitled Film Still # 35, 1979, Sherman pourrait être considérée comme le trope de la femme diligente au foyer qui reste sexuellement attirante et disponible pour son mari.

Dans une série plus récente, comprenant des photographies couleur plus grandes, Sherman a reconstitué les décors de divers portraits européens du XVe au début du XIXe siècle. Dans Untitled #205 , 1989, Sherman se fait passer pour La Fornarina, tout comme le modèle aurait pu être peint par son amant, le peintre italien du XVIe siècle Raphaël, ou plus tard par Ingres. 

Cindy Sherman

Cindy Sherman

Ici, cependant, Fornarina de Sherman expose des seins gonflés de lait en plastique et berce un faux ventre de femme enceinte sous son châle. L’utilisation évidente par Sherman de parties du corps prothétiques et d’un décor théâtral oblige le spectateur à réfléchir à la posture et à la modélisation des sources historiques originales.

Pour cette raison, de nombreux critiques ont loué la déconstruction par Sherman des visions ouvertement masculines de la femme dans l’histoire de l’art. 

Biographie de Cindy Sherman

Cindy Sherman , en entier Cynthia Morris Sherman , (née le 19 janvier 1954 à Glen Ridge, New Jersey , États-Unis), est une  photographe américaine connue pour ses images – en particulier pour ses autoportraits minutieusement « déguisés » – qui commentent les jeux de rôle sociaux et stéréotypes sexuels .

Sherman a grandi à Long Island, New York . En 1972, elle s’inscrit à l’ Université d’État de New York (SUNY) à Buffalo et se spécialise en peinture, puis se tourne vers la photographie . Elle est diplômée de SUNY en 1976 et en 1977 a commencé à travailler sur Untitled Film Stills (1977–80), l’une de ses séries les plus connues. 

La série de photographies en noir et blanc de 8 × 10 pouces mettant en vedette Sherman dans une variété de rôles, rappelle le film noir et présente aux téléspectateurs une représentation ambiguë des femmes en tant qu’objets sexuels. Sherman a déclaré que la série parlait « de la fausseté du jeu de rôle ainsi que du mépris pour le public » masculin « dominant qui lirait à tort les images comme sexy. » 

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Elle a continué à être le modèle de ses photographies, enfilant des perruques et des costumes qui évoquent des images des domaines de la publicité, de la télévision, du cinéma et de la mode et qui, à leur tour, remettent en question les stéréotypes culturels soutenus par ces médias.

Au cours des années 1980, Sherman a commencé à utiliser des films couleur, à exposer de très grands tirages et à se concentrer davantage sur l’éclairage et l’expression faciale. 

À l’aide d’appendices prothétiques et de quantités généreuses de maquillage, Sherman est entré dans le domaine du grotesque et du sinistre avec des photographies représentant des corps mutilés et reflétant des préoccupations telles que les troubles de l’alimentation, la folie et la mort. 

Son travail est devenu moins ambigu, se concentrant peut-être davantage sur les résultats de l’acceptation par la société des rôles stéréotypés pour les femmes que sur les rôles eux-mêmes.

Sherman est revenue aux commentaires ironiques sur les identités féminines clichées dans les années 1990, introduisant des mannequins dans certaines de ses photographies, et en 1997, elle a réalisé le film comique noir Tueur de bureau . 

Deux ans plus tard, elle a exposé des images troublantes de poupées sauvages et de parties de poupées qui exploraient son intérêt pour la juxtaposition de la violence et de l’artificialité. Sherman a poursuivi ces juxtapositions dans une série de photographies de 2000 dans lesquelles elle se faisait passer pour des femmes hollywoodiennes avec un maquillage exagéré et des implants mammaires en silicone, obtenant à nouveau un résultat pathétique énigmatique . 

Cette même année, une importante rétrospective de son œuvre est présentée au Museum of Contemporary Art de Chicago et au Musée d’art contemporain de Los Angeles. 

Une rétrospective de 2012 au Museum of Modern Art (MoMA) de New York était accompagnée d’une série de films comprenant des films que Sherman considérait comme ayant influencé son travail.

En 2016, Sherman a reçu le prix Praemium Imperiale de peinture, une catégorie qui englobe également la photographie. Cette même année, elle a débuté une série de nouvelles photographies dans l’exposition « Imitation of Life » au Broad Museum, Los Angeles, et Metro Pictures, New York. En 2017, Sherman a fait sensation lorsqu’elle a fait son privé Compte Instagram public. 

La plate-forme de médias sociaux , où les utilisateurs peuvent exposer des vignettes de leur vie quotidienne et manipuler leur apparence à l’aide de filtres, semblait faite pour son travail, et Sherman a été célébrée pour son utilisation habile de l’application pour faire de l’art.

 Ses selfies, parfois grotesquement déformés et parfois énigmatiques, attirent l’attention sur certaines des caractéristiques les plus troublantes d’Instagram, à savoir l’ ambiguïté entre le réel et la mise en scène. Une rétrospective a été organisée par la National Portrait Gallery, Londres, en 2019.

Technique photo

Cindy Sherman est une artiste et photographe américaine connue pour son travail photographique qui explore les thèmes de l’identité, du genre, et de la représentation de soi. Sa technique photographique est très diversifiée, mais elle est surtout connue pour ses autoportraits, dans lesquels elle joue différents rôles et utilise des accessoires, des costumes et des décors pour créer des images surprenantes et intrigantes.

Sherman utilise souvent des éclairages directs et des couleurs vives pour donner à ses images un aspect cinématographique et dramatique. Elle utilise également différents formats, tels que le format carré, pour créer des images qui rappellent les photographies de mode ou de publicité.

Une autre caractéristique importante de la technique de Cindy Sherman est son utilisation de la mise en scène. Elle crée souvent des décors et des costumes complexes pour ses images, qui ajoutent des éléments de réalisme et de fiction à ses autoportraits. Cette technique de mise en scène donne à ses images une dimension narrative qui invite le spectateur à réfléchir sur les questions d’identité et de représentation de soi.

Enfin, Sherman utilise souvent la post-production pour retoucher ses images et leur donner un aspect plus dramatique ou surréaliste. Elle ajoute parfois des effets de maquillage, des filtres et des textures pour créer des images qui semblent sortir tout droit d’un rêve ou d’un film.

Cindy Sherman

Les livres de Cindy Sherman

2007

Durand, Regis, Jean-Pierre Criqui and Laura Mulvey. Cindy Sherman. France: Flammarion, 2007.

2003

Galassi, Pierre. Cindy Sherman: Les photos complètes du film sans titre . New York : Musée d’art moderne, 2003.

2000

Cruz, Amanda, Elizabeth AT Smith et Amelia Jones. Cindy Sherman : Rétrospective. New York : Tamise et Hudson, 2000.

Cindy Sherman

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Slipknot : Découverte du groupe emblématique de nu-metal

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 21/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Slipknot : Découverte du groupe emblématique de nu-metal

Dans le monde du nu-metal, nombreux sont les groupes qui ont su se démarquer et s’imposer au fil des années. Slipknot est sans conteste l’un d’entre eux, ayant réussi à créer un univers musical et visuel aussi unique que marquant.

Histoire et formation de Slipknot

Formé en 1995 aux États-Unis, plus précisément dans la ville de Des Moines en Iowa, ce groupe comprend initialement quatre membres avant d’évoluer et de compter jusqu’à neuf musiciens. Aujourd’hui composé de huit artistes talentueux sur scène, Slipknot doit son nom à un morceau du groupe NOFX et non pas à l’étonnante parure portée lors de ses concerts.

Des débuts marqués par la recherche d’un style propre

Au début de sa carrière, cette formation a connu des hauts et des bas, mais a toujours gardé une volonté farouche de créer quelque chose de novateur, différents et personnel. En effet, alors qu’ils peinent à trouver leur direction musicale, deux nouveaux membres rejoignent Slipknot, offrant ainsi au groupe davantage de possibilités aussi bien musicales que visuelles.

C’est alors que commence la conceptualisation de leur premier album éponyme sorti en 1999. Produit par Ross Robinson, celui-ci puise dans divers courants tels que le metal extreme, le punk et même un peu de rap pour donner naissance à un opus aux sonorités brutes et énergiques.

Un succès populaire croissant

Dès lors, la notoriété de Slipknot augmente rapidement. Le public est conquis par l’énergie dégagée sur scène, les masques inquiétants et l’univers sombre développé autour du groupe. Après le passage de deux membres supplémentaires, Slipknot connaît un succès international, grâce notamment au single « Wait and Bleed » présent sur leur premier album. C’est ainsi que commence une longue série de tournées à travers le monde et de collaborations avec des groupes renommés, comme Korn, Rammstein ou Marilyn Manson.

Principaux albums et chansons marquantes

1. Iowa (2001) : Second opus du groupe, cet album confirme le succès rencontré par Slipknot et affiche des ventes impressionnantes. On y retrouve des morceaux tels que « Disasterpiece », « People = Shit » ou encore « My Plague », qui témoignent d’une maîtrise grandissante du style propre de Slipknot.
2. Vol. 3 : The Subliminal Verses (2004) : Troisième production de Slipknot, cet album est le résultat d’un travail approfondi sur les ambiances et les mélodies. Les titres tels que « Duality » et « Vermilion » en sont des exemples frappants.
3. All Hope Is Gone (2008) : Plus engagé sur le plan politique et social, ce disque aborde des thèmes tels que la guerre et la manipulation. Les morceaux « Psychosocial » et « Snuff » en sont les principales illustrations.
4. .5 : The Gray Chapter (2014) : Album hommage au bassiste Paul Gray décédé en 2010, cet opus se veut plus introspectif que les précédents, avec des chansons comme « The Devil in I » ou « Killpop ».
5. We Are Not Your Kind (2019) : Cinquième production studio du groupe, cet album a été acclamé par le public notamment grâce aux titres « Unsainted », qui possède un clip vidéo spectaculaire, et « Nero Forte ».

Prestation scénique et univers de Slipknot

Slipknot se démarque clairement de ses pairs dans le domaine du nu-metal grâce à son univers visuel unique et effrayant.

Le concept des masques caractéristiques à chaque membre

Cette idée est apparue lors de la création de leur premier album, afin de renforcer l’ambiance sombre qu’ils souhaitaient diffuser à travers leur musique. Chaque musicien porte un masque qui lui est propre, régulièrement modifiés au fil des années. En concert, ces masques contribuent pour beaucoup à l’énergie déployée sur scène, captivant ainsi le public.

Prestations scéniques explosives

Lors de concerts ou festivals, on peut admirer un show digne de ce nom. Chaque membre joue son rôle à la perfection, y compris les percussionnistes et le batteur, qui utilisent des instruments aux formes spécifiques pour mieux répondre à leurs besoins musicaux.

De plus, Slipknot se focalise sur l’esthétique scénique, ajoutant pyrotechnie et autres effets visuels lors de ses prestations. Ce côté explosif combiné à leur musique puissante contribue à faire de chaque concert une expérience incomparable pour toute personne présente.

Un groupe en constant renouvellement

Au fil du temps plusieurs membres ont quitté ou ont été intégrés au sein du groupe; néanmoins, les musiciens actuels de Slipknot poursuivent avec ardeur l’aventure musicale démarrée il y a plus de 25 ans. Que réserve l’avenir pour cette formation emblématique ? Une chose est sûre : fans et amateurs de nu-metal garderont un oeil attentif sur leurs prochains projets.

Quel est le style musical de Slipknot ?

Le style musical de Slipknot est une combinaison unique de métal extrême, de nu metal, et de rock alternatif. Leur musique a des influences de death métal, thrash métal, hardcore punk et métal industriel.

Les membres du groupe se servent de leurs instruments pour créer des riffs de guitare lourds et des lignes de basse agressives, tout en utilisant des claviers et des samples pour ajouter des textures supplémentaires. Les chansons de Slipknot se caractérisent par leurs paroles agressives et leurs rythmes saccadés.

Quelle est l’influence de Slipknot sur le métal extrême ?

Slipknot a eu une influence considérable sur le métal extrême. Le groupe a révolutionné le genre avec son influence sur le son, les riffs, les paroles et la présentation scénique, introduisant une nouvelle forme de métal extrême qui a été adoptée par de nombreux groupes à travers le monde.

Le groupe a contribué à populariser le nu–métal, qui a été caractérisé par des riffs lourds, des paroles agressives et une image provocante. De plus, Slipknot a été le premier groupe à introduire le masque sur scène, ce qui a contribué à créer une atmosphère mystérieuse et puissante.

Combien de Grammy Awards a remporté Slipknot ?

Slipknot a remporté deux Grammy Awards depuis leur formation en 1995. En 2006, ils ont remporté le Grammy pour la meilleure performance métal avec « Before I Forget », et en 2019, ils ont remporté le Grammy pour la meilleure performance métal avec « All Out Life ».

Discographie complète de Slipknot

Albums studio :

1. Slipknot (1999)
2. Iowa (2001)
3. Vol. 3: (The Subliminal Verses) (2004)
4. All Hope Is Gone (2008)
5. .5: The Gray Chapter (2014)
6. We Are Not Your Kind (2019)

Albums live :

1. 9.0: Live (2005)
2. Day of the Gusano: Live in Mexico (2017)

Compilations :

1. Antennas to Hell (2012)
2. Slipknot: Collector’s Edition Slipcase (2013)

Singles :

1. « Wait and Bleed » (1999)
2. « Spit It Out » (2000)
3. « Left Behind » (2001)
4. « My Plague » (2002)
5. « Duality » (2004)
6. « Vermilion » (2004)
7. « Before I Forget » (2005)
8. « The Nameless » (2006)
9. « The Blister Exists » (2006)
10. « Psychosocial » (2008)
11. « Dead Memories » (2008)
12. « Snuff » (2009)
13. « The Negative One » (2014)
14. « The Devil In I » (2014)
15. « Killpop » (2015)
16. « All Out Life » (2018)
17. « Unsainted » (2019)
18. « Solway Firth » (2019)

DVDs :

1. Welcome to Our Neighborhood (1999)
2. Disasterpieces (2002)
3. Voliminal: Inside the Nine (2006)
4. (sic)nesses (2010)
5. Day of the Gusano: Live in Mexico (2017)

Slipknot a également sorti plusieurs clips vidéo pour leurs chansons, ainsi que des éditions spéciales et des rééditions de leurs albums. La liste ci-dessus reflète leur discographie principale et la plus reconnue.

Slipknot : The End, So Far 

The End, So Far , à l’origine The End, for Now… , est le septième album studio du groupe de heavy metal américain Slipknot .

Ce sera aussi leur dernier album avec Roadrunner. Il était initialement prévu pour une date de sortie printemps/été 2022, mais a finalement été publié le 30 septembre 2022. Slipknot a également apparemment confirmé que cela serait leur dernier album.

Slipknot The End So Far : la génèse

En mars 2021, Corey Taylor a déclaré que l’album pourrait être un album concept.

En juin 2021, la page Diluted Maggot Tumblr a republié huit photos de Slipknot dans le studio enregistrant l’album, à l’origine pour les membres OT9. L’une de ces photos comprend le nom du morceau,  » Heirloom « .

En juillet 2021, le guitariste Jim Root a publié une vidéo sur sa story Instagram intitulée « k, bye ». Les fans ont émis l’hypothèse que cela signifiait que Jim avait fini d’enregistrer ses parties pour l’album. 

Le 26 août 2021, alors qu’il parlait à un fan dans le cadre de Galaxy Con, Corey a expliqué que l’obtention de Covid-19 avait interrompu ses dernières sessions vocales pour l’album. 

Le 22 octobre 2021, Slipknot a révélé qu’il devait diffuser en direct Knotfest Los Angeles dans le monde le 5 novembre.  

En plus du composant de diffusion en direct, Knotfest a publié des packs de produits dérivés en édition spéciale spécifiques à l’événement de Los Angeles, dont l’un comprend un sweat à capuche avec « Secret Artwork » qui a été révélé le 5 novembre.

Slipknot The End, So Far 2022

Le 2 novembre 2021, Slipknot a publié un nouveau site Web, thechapeltownrag.com, que les fans ont découvert en trouvant des graphiques et des liens sur Knotfest.com .

Le site Web, à l’époque, comprenait 6 graphiques de type NFT, dont chacun comprenait un bref échantillon de nouvelle musique.  Et avec chaque graphique inclus un fragment, qui, une fois combiné, a fait le « Secret Artwork » précédemment taquiné sur le site Web de Knotfest Veeps.

Le lendemain, le 3 novembre, 3 autres graphiques ont été publiés. Le titre officiel de la chanson, « The Chapeltown Rag », a été révélé en utilisant le site Web Identify Songs Online .

Le lendemain, le 4 novembre, Slipknot a officiellement annoncé la chanson, qui est sortie et jouée en direct pour la première fois au Knotfest Los Angeles le vendredi 5 novembre. 

Le 15 décembre 2021, Jim a publié une vidéo sur son histoire Instagram détaillant comment Slipknot était toujours en studio pour enregistrer l’album.  Le 19 décembre, Jay Weinberg a fait de même. 

Au cours de quelques mois, Corey Taylor a révélé plus d’informations sur The End, So Far . Le 16 décembre, lors d’une interview avec HardDrive Radio, a déclaré que l’objectif était de le mixer en janvier, afin qu’il soit prêt à sortir, deux ou trois mois plus tard, en mars ou en avril. 

Il a également déclaré que Clown travaillait actuellement sur la pochette de l’album et sur les vidéoclips de « The Chapeltown Rag » et « quel que soit le premier single « . Le 11 janvier, il a tweeté confirmant que l’album sortirait en 2022.  

Slipknot The End, So Far 2022

Le 15 janvier, lors d’une interview avec Tony Toscano, a déclaré qu’il venait de terminer le chant de l’album et qu’il espérait sortir l’album d’ici l’été, ou dans les deux ou trois prochains mois. 

 Le 2 février, Corey a confirmé que l’album était fini avec l’enregistrement et devait seulement être mixé. Il a réitéré en disant que l’album sortira dans les trois prochains mois, tout en confirmant que la pochette et le titre de l’album avaient été réalisés. 

Et le 3 février, a déclaré que l’album est « une version plus lourde du Vol. 3 . » 

Le 23 mars, lors d’une interview avec Loudwire, Sid Wilson a révélé qu’il utilisait « des échantillons de différentes lunes autour de différentes planètes » et qu’il travaillait sur le disque pendant que le groupe était en tournée. 

Le 28 mars, lors d’une interview avec WZOR, Jay Weinberg a révélé que l’album contiendrait « la chanson de blues la plus lourde du monde ». 

Les 5, 6, 18 mai et les 9 et 25 juin, alors qu’il se trouvait sur le serveur officiel Knotverse Discord, Clown a organisé une séance de questions-réponses et a répondu à quelques questions sur le prochain album. 

Le 1er juin, alors qu’il se produisait en direct au Heritage Bank Center de Cincinnati, OH, États-Unis, Taylor a réitéré en disant que l’album, bien qu’il n’ait pas de date de sortie officielle, sortirait « très bientôt ». 

Le 6 juin, alors qu’il était sur le compte officiel de Knotfest Twitch , Weinberg a parlé du prochain album, déclarant que l’album est entièrement terminé, sauf que le groupe attend une date de sortie, mais qu’il arrive « très, très bientôt ».

Une nouvelle chanson sortira, espérons-le, « dans le mois prochain environ ». Et le groupe « a augmenté l’expérimentation » sur le disque. 

Le 19 juillet, le groupe a officiellement annoncé l’album, The End, So Far , dont la date de sortie est le 30 septembre et a également sorti un clip pour le deuxième single,  » The Dying Song (Time to Sing) « . 

Slipknot The End, So Far : les Fuites

Dans les jours qui ont précédé l’annonce officielle de l’album, diverses informations ont été divulguées sur les réseaux sociaux, en particulier la page reddit non officielle du groupe.

À partir du 14 juillet, l’utilisateur de Reddit @oooahh85 a publié une conversation qu’il a eue avec un ami détaillant comment Slipknot avait enregistré deux vidéoclips.  

L’utilisateur a également déclaré, dans un commentaire laissé sur le message, que l’un des vidéo clips devait, à l’époque, sortir le samedi 16 juillet, tandis que l’autre devait sortir début août.  

Slipknot The End, So Far 2022

Plus tard dans la journée, l’utilisateur a publié l’une des photos qu’il a reçues de son ami du vidéoclip. 

Le 16 juillet, l’utilisateur de Reddit a commencé à taquiner le single à venir, en publiant un message crypté avec des mots aléatoires, qu’en combinant uniquement les premières lettres que vous avez reçues  » Dying  » &  » Yen « ,  qui devaient plus tard être révélées à être les deux chansons pour lesquelles Slipknot a enregistré des vidéoclips.  

Plus tard dans la journée, l’utilisateur a posté l’autre photo prise par son ami à partir du clip vidéo avec la légende « Ḏëšœḻâṯę Ÿęãṟŋíṉg Įŋṯèṟfėṟèḏ Ṉêṯhėṟ Gøṉë. »  Et le 17 juillet, l’utilisateur a posté un fil de discussion récapitulant/clarifiant les informations. 

Le 18 juillet, des informations sur le deuxième single de l’album, « The Dying Song », qui présentait la pochette officielle de l’album avec le titre original de The End, for Now… , ont été divulguées sur Reddit.

L’utilisateur de Reddit @badboystwo , qui avait précédemment divulgué que l’album serait pressé sur du vinyle transparent  et a déclaré que le deuxième single était en fait le titre « Dying Song » et non « Dying »,  a révélé quelques informations à propos de l’album dans les commentaires de l’article. 

En disant que la date de sortie estimée de l’album était la « première semaine de septembre », l’album aurait 12 titres  et la dernière chanson de l’album s’appellerait « 

Slipknot The End, So Far 2022

Track Listing: Slipknot The End, So Far

1. « Adderall » 5:40
2. « The Dying Song (Time to Sing) » 3:24
3. « The Chapeltown Rag » Corey Taylor • Jim Root 4:52
4. « Yen » 4:45
5. « Hivemind »
6. « Warranty »
7. « Medicine for the Dead »
8. « Acidic »
9. « Heirloom »
10. « H377 »
11. « De Sade »
12. « Finale »

Slipknot The End, So Far 2022

Musicien Slipknot The End, So Far

• (#8) Corey Taylor – chant
• (#7) Mick Thomson – guitares
• (#6) Shawn Crahan – percussions, direction artistique, photographie
• (#5) Craig Jones – échantillons, médias, claviers
• (#4) Jim Root – guitares
• (#0) Sid Wilson – platines, claviers
• (V) Alex Venturella – basse
• (J) Jay Weinberg – batterie
•  Michael Pfaff – percussions

• Date de sortie : 30 septembre 2022
• Studio Henson Studios (Hollywood, Californie)
• Enregistré Début 2021 – Février 2022
• Producteur Slipknot • Joe Barresi

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Guns n roses : 30 ans de rock’n roll

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

À une époque où la pop était dominée par la musique de danse et le pop-métal, Guns N’ Roses a ramené le rock & roll brut et laid dans les charts. 

Ce n’étaient pas des gentils garçons : les gentils garçons ne jouent pas du rock & roll. Ils étaient laids, misogynes et violents ; ils étaient aussi drôles, vulnérables et parfois sensibles, comme l’a montré leur succès révolutionnaire, « Sweet Child O ‘Mine ». 

Tandis que Slash et Izzy Stradlin crachaient férocement des riffs de guitare en duel dignes d’ Aerosmith ou des Stones , Axl Rose criait ses histoires de sexe, de drogue et d’apathie dans la grande ville. Pendant ce temps, le bassiste Duff McKagan et le batteur Steven Adler étaient une section rythmique souple qui gardait la musique lâche et puissante.

Guns n roses : Appetite for Destruction 

La musique de Guns N ‘Roses était basique et granuleuse, avec une base solide, dure et bluesy; ils étaient sombres, sordides, sales et honnêtes – tout ce que le bon hard rock et le heavy metal devraient être.

Il y avait quelque chose de rafraîchissant dans un groupe qui pouvait tout provoquer, de la dévotion à la haine, d’autant plus que les deux camps avaient également raison.

Guns n roses

Il n’y avait pas eu de groupe de hard rock aussi brut ou talentueux depuis des années, et la rage primale de Rose leur a donné un poids supplémentaire , le son de déchets blancs confus et frustrés se disputant une part du gâteau.

Alors que les années 80 sont devenues les années 90, il n’y avait tout simplement pas de groupe plus intéressant, mais en raison des frictions intra-groupe et de l’émergence du rock alternatif, Rose, malgré son grand succès auprès des fans, est finalement parti, et il a passé plus de 15 ans à enregistrer avant que Chinese Democracy n’apparaisse en 2008.

Guns N’ Roses a sorti son premier EP en 1986, qui a conduit à un contrat avec Geffen ; l’année suivante, le groupe sort son premier album, Appetite for Destruction . Il a commencé à se faire un public avec leurs nombreux spectacles en direct, mais l’album n’a commencé à se vendre que près d’un an plus tard, lorsque MTV a commencé à jouer « Sweet Child O ‘Mine« . 

Bientôt, l’album et le single sont devenus numéro un, et Guns N’ Roses est devenu l’un des plus grands groupes du monde. Leur premier single, « Welcome to the Jungle », a été réédité et classé dans le Top Ten, et « Paradise City » a suivi ses traces. Fin 1988, ils sortent G N’ R Lies, qui a associé quatre nouvelles chansons acoustiques (dont le hit du Top Five « Patience ») avec leur premier EP. 

Le plus incendiaire de G N’ R Lies , « One in a Million », a suscité une intense controverse, alors que Rose glissait dans la misogynie, le sectarisme et la violence pure; essentiellement, il a réussi à distiller toutes les formes de préjugés et de haine en un morceau de cinq minutes.

Guns n roses : Use Your Illusion

Guns N’ Roses a commencé à travailler sur la suite tant attendue d’ Appetite for Destruction à la fin de 1990. En octobre de la même année, le groupe a renvoyé Adler , affirmant que sa dépendance à la drogue le faisait mal jouer ; il a été remplacé par Matt Sorum du Cult . Pendant l’enregistrement, le groupe a ajouté Dizzy Reed aux claviers. 

Guns n roses

À la fin des sessions, le nouvel album était devenu deux nouveaux albums. Après avoir été retardés de près d’un an, les albums Use Your Illusion I et Use Your Illusion II sont sortis en septembre 1991.

Désordonnés mais fascinants, les albums présentaient un groupe plus ambitieux; alors qu’il y avait encore un bon nombre de rockeurs de guitare à plein régime, il y avait des coups de couteau à la ballade à la Elton John , du blues acoustique, des sections de cuivres, des choristes féminines, des épopées de rock d’art de dix minutes avec plusieurs sections différentes, et un bon nombre de paroles introspectives et introspectives. Bref, ils faisaient maintenant de l’art, et, étonnamment, ils y sont parvenus. 

Les albums de Guns n roses se sont très bien vendus au début, mais alors qu’ils semblaient destinés à donner le ton pour la décennie à venir, cela s’est avéré ne pas être du tout le cas.

Guns n roses

Guns n roses : la décomposition

Nevermind de Nirvana a atteint le numéro un au début de 1992, faisant soudain de Guns N ‘Roses – avec toutes leurs prétentions, vidéos impressionnistes, modèles et excès de rock star – un groupe de seconde zone. Rose a géré le changement en devenant un dictateur, ou du moins un petit tyran; ses crises de colère en concert sont devenues légendaires, allant même jusqu’à provoquer une émeute à Montréal. 

Stradlin est parti à la fin de 1991 et avec son départ, le groupe a perdu son meilleur auteur-compositeur; il a été remplacé par l’ancien guitariste de Kills for Thrills , Gilby Clarke . 

Guns n roses n’a pas pleinement compris le changement dans le hard rock jusqu’en 1993, quand ils ont sorti un album de reprises punk, The Spaghetti Incident; il a reçu de bonnes critiques, mais le groupe n’a pas réussi à capturer l’esprit téméraire non seulement des versions originales, mais aussi de son propre Appetite for Destruction . 

Au milieu de 1994, des rumeurs circulaient selon lesquelles Guns n roses était sur le point de se séparer, car Rose voulait poursuivre une nouvelle direction plus industrielle et Slash voulait s’en tenir à leur hard rock aux influences blues. 

Guns n roses est resté dans les limbes pendant plusieurs années encore, et Slash a refait surface en 1995 avec le projet parallèle Slash’s Snakepit et un LP, It’s Five O’Clock Somewhere .

Guns n roses

Rose est resté à l’écart des projecteurs, devenant une recluse virtuelle et ne faisant que bricoler dans le studio; il a également recruté divers musiciens – dont Dave Navarro , Tommy Stinson et l’ancien guitariste de Nine Inch Nails Robin Finck – pour des jam sessions informelles. Les membres restants ont été exaspérés par l’inclusion par Rose de son ami d’enfance Paul Huge dans les nouvelles sessions lorsque Stradlin et Clarke ont été exclus de rejoindre le groupe. 

Et un remake de « Sympathy for the Devil » des Rolling Stones a été essentiellement la goutte d’eau qui a fait déborder le vase, étant donné que Rose coupait certaines des contributions des autres membres et collait Huge sur la chanson sans consulter personne.

En 1996, Slash était officiellement sorti de Guns N ‘Roses, laissant Rose le seul survivant de l’apogée du groupe. Les rumeurs ont continué à courir, toujours aucun nouvel album n’était à venir, bien que Rose ait réenregistré Appetite for Destruction avec une nouvelle programmation à des fins de répétition.

Première nouvelle chanson originale de Guns n roses en huit ans, le morceau de métal industriel « Oh My God » est finalement apparu sur la bande originale du film End of Days d’ Arnold Schwarzenegger en 1999 . Peu de temps après, Geffen a publié les deux disques Live Era: ’87-’93.

L’année 2000 a vu l’ajout des guitaristes Robin Finck (de Nine Inch Nails ) et Buckethead , et 2001 a été accueillie avec les premières dates live de Guns N’ Roses en près de sept ans, alors que le groupe (qui était composé de Rose plus les guitaristes Finck et Buckethead , le bassiste Stinson , l’ancien batteur de Primus Brian « Brain » Mantia , l’ami d’enfance et guitariste Paul Huge , et le claviériste de longue date de Guns n roses Dizzy Reed) a joué un spectacle le soir du Nouvel An 2000 à Las Vegas, puis au gigantesque festival Rock in Rio le mois suivant. Le soir du Nouvel An 2001, le groupe a joué presque exactement le même set que l’année précédente.

Une apparition aux Video Music Awards 2002 de MTV a contribué à susciter l’intérêt pour le nouvel album, mais une performance rouillée de Rose et une interview où il a déclaré que son nouvel album ne sortirait pas de si tôt, n’ont pas fait grand-chose pour faire avancer leur cause. Cet été-là, Guns n roses a commencé sa première tournée en près de huit ans et ils ont réussi à remplir tous leurs engagements en Europe et en Asie.

 Malheureusement, ils ont provoqué une émeute violente et destructrice à Vancouver lorsque Rose ne s’est pas présenté au premier rendez-vous de leur tournée nord-américaine. Alors qu’il était à la hauteur de ses anciennes manigances avec la formation réorganisée, l’ancien chanteur des Stone Temple Pilots Scott Weiland , Slash , Sorum, et McKagan ont formé le célèbre Velvet Revolver au printemps 2002.

Guns n roses : Chinese Democracy

Et ainsi les années ont passé et toujours pas de nouvel album de Guns n roses, au point que c’est devenu une blague de trop. L’album a longtemps été présenté comme Chinese Democracy , et parfois des enregistrements de session fuyaient et se frayaient un chemin sur les réseaux de partage de fichiers Internet.

Un article fascinant écrit par Jeff Leeds pour le New York Times, publié en mars 2005, a révélé à quel point la réalisation de l’album était devenue compliquée et coûteuse. 

Selon l’article, intitulé « L’album le plus cher jamais sorti », Rose a commencé à travailler sur l’album en 1994 et a accumulé des coûts de production d’au moins 13 millions de dollars. Les producteurs impliqués dans l’album à un moment ou à un autre comprenaient Mike Clink , Youth ,Sean Beavan , et même Roy Thomas Baker . (Curieusement, Moby a affirmé s’être également vu offrir le poste.) Marco Beltrami et Paul Buckmaster auraient été amenés pour des arrangements orchestraux, et il y avait une porte tournante de guitaristes; Buckethead a quitté le groupe en 2004 et Ron « Bumblefoot » Thal a finalement pris sa place. 

En 2006, l’album de Guns n roses semblait plus proche de la sortie, alors que Rose commençait à faire surface en public et emmenait même son groupe sur la route pour certains spectacles. Le plus gros gâchis de l’industrie de la musique a finalement porté ses fruits en 2008 quand Axl a dévoilé un disque qui avait plus d’une décennie de préparation. 

Alors que Chinese Democracy a reçu de nombreuses critiques élogieuses, et la réponse critique a été globalement positive, le disque n’a pas répondu aux attentes (c’est presque impossible), faisant ses débuts au numéro trois du Billboard 200 lors de sa sortie en novembre. Une tournée mondiale a suivi.

Guns N Roses

Le guitariste DJ Ashba de Sixx: AM a rejoint Guns n roses en 2009, et le groupe a continué à travailler sur de nouvelles compositions,  à jouer des spectacles. Certains des anciens membres du groupe se présentant occasionnellement pour des apparitions en tant qu’invités. 

En 2012, la programmation classique de Guns n roses a été intronisée au Rock & Roll Hall of Fame, et Slash , McKagan , Clarke , Adler et Sorum se sont réunis et ont interprété quelques chansons de l’ère Appetite avec le chanteur Myles Kennedy remplaçant Rose , qui avait refusé de participer.

Bumblefoota quitte le groupe en 2014 et en juillet 2015, Ashba a annoncé qu’il avait également quitté le groupe. En 2016, Guns n roses s’est lancé dans la tournée Not in This Lifetime … Tour, qui mettait en vedette Rose aux côtés d’une formation réunie avec le guitariste Slash , le bassiste Duff McKagan et plusieurs membres de longue date en tournée.

La tournée, dont le titre faisait référence à une citation donnée par Rose en 2012, a également trouvé le batteur original Steven Adler rejoignant le groupe pour plusieurs arrêts.

Une version remastérisée d’ Appetite for Destruction des Guns n Roses est arrivée en 2018 et comprenait un single inédit, « Shadow of Your Love », enregistré par la formation originale. Le groupe a continué à tourner tout au long de 2020 et 2021, faisant ses débuts avec plusieurs chansons, dont « Absurd » et « Hard Skool », cette dernière ayant servi de titre à l’EP 2022 Hard Skool .

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BEST magazine: le retour du magazine culte !

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 18/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Best Magazine, c’est quoi ?

En septembre 1968 paraît en France le 1er numéro du légendaire magazine BEST. Une aventure de 30 ans.
Février 2022, le magazine BEST revient en kiosque.

Sous l’impulsion de l’entreprenant David Kane, avec l’incontournable Patrick Eudeline en Rédacteur en chef, et sous la Direction artistique de Philippe Blondez, le magazine sera en kiosque, en France et à l’export, le 16 février 2022.

Best Magazine est un magazine français de presse people qui a été créé en 1977. Au fil des années, il est devenu l’un des magazines les plus populaires en France, avec des millions de lecteurs réguliers. Best Magazine est publié chaque semaine et couvre une variété de sujets, allant des nouvelles de célébrités à des articles sur les tendances de la mode et de la beauté.

Dans cet article, nous allons examiner de plus près l’histoire de Best Magazine, sa couverture éditoriale et ce qui le rend si populaire auprès des lecteurs français.

Histoire de Best Magazine

Best Magazine a été créé en 1977 par Jean-Pierre Cassagne. À l’époque, il était un magazine de cinéma et de musique qui couvrait les derniers films et albums, ainsi que des interviews avec des célébrités. Cependant, au fil du temps, Best Magazine a évolué pour devenir un magazine de presse people.

Au cours des années 80 et 90, Best Magazine a connu une croissance rapide de sa popularité, avec une circulation hebdomadaire qui a atteint les 2 millions d’exemplaires en 1997. La couverture du magazine est également devenue plus centrée sur les célébrités, avec des photos exclusives et des histoires scandaleuses.

Quelle est la nouvelle formule de BEST magazine ?

BEST est un magazine transgénérationnel. Il fait appel à des chroniqueurs issus du BEST historique, ainsi qu’à de nouvelles plumes. Il s’adresse tout autant à un lectorat fidèle au titre passé, mais également à la nouvelle génération. Il créée des ponts culturels entre les acteurs de la génération X et les millennials.

La Baseline de Best : MUSIQUE – STYLE – POP CULTURE.

La baseline de Best Magazine – « MUSIQUE – STYLE – POP CULTURE » – résume parfaitement les trois piliers sur lesquels repose le contenu du magazine.

La musique est un élément clé de Best Magazine depuis sa création. Le magazine a commencé en tant que magazine de cinéma et de musique, et bien qu’il se soit concentré davantage sur les célébrités au fil des ans, la musique reste un élément important de la couverture éditoriale. Les lecteurs peuvent trouver des critiques d’albums, des interviews avec des musiciens et des articles sur les dernières tendances musicales.

Le style est également une partie importante de la couverture éditoriale de Best Magazine. Les lecteurs peuvent trouver des articles sur les dernières tendances de la mode, des conseils de style et des interviews avec des créateurs de mode. Le magazine couvre également des événements de mode tels que les défilés de mode et les Fashion Weeks.

Enfin, la pop culture est un élément clé de la couverture de Best Magazine. Les lecteurs peuvent trouver des articles sur les tendances en matière de divertissement, des interviews avec des stars de la télévision et du cinéma, ainsi que des histoires sur les événements de divertissement les plus chauds.

Dans l’ensemble, la baseline de Best Magazine résume parfaitement le contenu du magazine. Les lecteurs peuvent s’attendre à trouver une couverture approfondie de la musique, du style et de la pop culture, ainsi que des histoires intéressantes sur les célébrités et les tendances les plus en vogue.

Caractéristiques techniques de Best magazine :

• BEST est un magazine trimestriel.
• Format : 210x300mm.
• 160 pages couleurs.
• Diffusion : France et export (France Messageries & Export Press).

Site web : www.best-magazine.fr

Instagram : bestmagazine.fr
Facebook : bestmagazine.fr

Best Magazine : l’edito

BEST magazine, et un numéro 2 déjà ! Les groupes de rock en savent quelque chose : c’est un virage difficile. Le syndrome du deuxième album, on appelle cela ! Le premier BEST était foufou et foutraque, s’en allait – volontairement – dans tous les sens. Vous l’avez aimé. Le tirage était quasi épuisé en quinze jours. Vous l’avez cherché et trouvé dans les plus improbables kiosques, et des gamines de treize ans ont été heureuses d’afficher ce poster de Dita. Quel bonheur !

Sur les réseaux sociaux, ce fut toute une affaire. Quelques jaloux, éclopés de vieilles batailles, n’étaient pas heureux de ce succès et critiquaient tout leur saoul : « Mais Dieu du Ciel, d’où viennent ces gens, que complotent-ils ? », « Et cet oriflamme sur le visage de Dita Von Teese, n’aurait-il pas une signification cachée ? », « Et toutes ces photos, quelle est leur origine ? », « Internet, probablement ! ».

C’est cela, oui…. Alors qu’aucune photo issue de la toile n’est digne de paraître dans un journal digne de ce nom : trop pixellisée. Pas d’assez bonne qualité. Il aurait dû savoir cela celui qui osa prétendre telle bêtise. Il est vrai que ses dernières responsabilités dans la Presse remontent à si longtemps ! Internet n’existait pas encore. Bon, trois ronchons qui s’étranglent contre des centaines de réactions enthousiastes, de commentaires, de demandes enflammées : Nous allons survivre au fort relatif affront.

Best magazine – magazine BEST 2022

Ce Best, deuxième du nom, donc, exagère les défauts et foucades du premier. Non mais !
On y apprend plein de choses sur ce que fut le Londres des débuts du rock sixties et le Paris de légende, on y ouaille la légende de Lucy Gordon, comme celle de Joe Meek ou l’histoire du hard-rock français. On s’y promène autour des Stones. On y découvre Orville Peck.

On y parle tatouages, objets culte et studio d’enregistrement. Et puis de mode et de cinéma, bien évidemment ! Il y a des chroniques de disques – un écueil du premier –, des nouveaux artistes à découvrir, du metal à revendre.
Et de la chanson, bien sûr ! (Serge Reggiani, n’ayons peur de rien).

Un Best qui plonge dans nos racines et visite le présent, en somme. Parce que tel est son Destin. PS : Le prix du papier – le savez-vous ? – a quasi doublé. C’est la galère chez les éditeurs. Par le fait, il y a un luxe auquel nous avons dû renoncer… Le poster ! On n’allait quand même pas rogner sur ces 160 formidables pages ?

Best magazine – magazine BEST 2022

Best magazine: David Swaelens-Kane, qui avait racheté le magazine « Photo » ainsi que la licence de la marque Playboy pour les pays francophones, décide de relancer en février 2022, un des plus grands magazines spécialisé dans le rock français des années 80′ et 90′, c’est-à-dire « Best magazine », dont les quadragénaires et quinquagénaires se souviennent comme le grand concurrent de « Rock & Folk ». », surtout au début des années 1980.

Best Magazine était une référence dans la presse musicale. Il a été paru de septembre 1968 à mars 2000, avec une interruption de décembre 1994 à 1998, et enfin pour quelques numéros en 1999-2000, avant de disparaître et de renaître sous la forme d’un mook trimestriel en 2022.

En effet, la nouvelle incarnation du titre se fera sous la forme d’un « mook » haut de gamme; c’est-à-dire un mélange de magazine et de livre; que David Swaelens-Kane espère être à la hauteur des attentes des lecteurs collectionneurs.

Best magazine – magazine BEST 2022

Ce mook et son site internet (qui est gratuit), serviront de vitrine à un « grand concours de radio-crochet en version papier », comme l’indique David Swaelens-Kane, le nouveau propriétaire du titre.

Les « Best Awards » récompenseront des talents issus de nouvelles scènes, avec, à la clé, par exemple, des contrats de management pour obtenir une signature avec une maison de disques. « L’ADN du titre est rock mais nous serons ouverts aux musiques urbaines », précise David Swaelens-Kane.

BEST magazine : Version Papier Radio-Crochet

Le concours récompensera également les entrepreneurs de la musique. « J’ai toujours aimé le côté entrepreneur, pour moi Elon Musk est le nouveau Bob Dylan », confie celui qui dit vouloir faire de la musique mais qui a compris « très tôt qu’il n’était et ne serait pas David Bowie ».

David Swaelens-Kane a récemment investi dans une société événementielle en Belgique. Il espère trouver là-bas, des synergies avec « Best magazine » comme par exemple, l’organisation de concerts ou d’autres événements musicaux, dont le concours Best, qui donnera lieu à une grande soirée de gala.

Pour ses aventures dans les médias, l’idée est d’être financièrement équilibré sur le papier et de générer des profits en dehors des médias. « Best magazine » emploiera une quinzaine de personnes, sera tiré à 50 000 exemplaires et bénéficiera d’un investissement de 1,5 million d’euros injectés par David Swaelens-Kane.

« Best magazine » a été créé en 1968 par Jacques Morlain et Gérard Bernar, deux anciens de « Disco Revue », avec un premier numéro sur les Rolling Stones, raconte Jacques Morlain dans un podcast « Rock & Press ». L’idée était de mieux couvrir la musique anglo-saxonne, même si le magazine défendait alors bien la scène française.

Best magazine – magazine BEST 2022

BEST magazine: Patrick Eudeline

L’âge d’or de la presse musicale prend fin dans les années 1980 avec la concurrence des radios et télévisions gratuites qui proposent désormais des émissions comme « Les Enfants du rock » et l’interdiction de la publicité pour certains annonceurs stratégiques (alcool, tabac, etc.).

Best Magazine a cessé de paraître à la fin des années 1990, malgré l’ajout d’un CD-Rom pour séduire les fans de rock ! « Rock & Folk » est toujours publié, même si tout le secteur a dû se réinventer avec le Web.

L’idée de faire revivre « Best magazine » est née d’une conversation entre David Swaelens-Kane et Patrick Eudeline, l’une des plumes historiques de « Best magazine » et de la presse musicale. Le critique de rock instruit, occupera la place de rédacteur en chef.

David Swaelens-Kane a vendu Photo « sans perdre d’argent » en 2020, explique-t-il. Playboy, lui aussi, est toujours dans sa bourse et survit en tant que magazine même s’il a lui aussi évolué en mook.

Extrait BEST MAGAZINE n°2

MALCOM MCLAREN :L’art du désastre par Manu Leduc, Marie Eynard, Lionel Chouin et Philippe Ory – Futuropolis
Lorsque Marilyn Manson,reprenant Patti Smith, éructait en intro de « Rock’n’Roll Nigger » : « Je suis l’antéchrist américain, je suis sa merde et elle devrait avoir honte de ce qu’elle a mangé », il prouvait que les leçons
de Malcolm McLaren avaient été bien digérées…

Adulé et détesté, le trublion rouquin voulait mettre la société de consommation à genoux devant son  vomi. En inventant l’esthétique de la laideur, en habillant la jeunesse anglaise dans ses poubelles, en embauchant des voyous qu’il pensait pouvoir manipuler, Malcolm McLaren rêvait de provoquer des reflux gastriques à l’aristocratie rock, rendre le binaire de nouveau dangereux, en refaire un art de vivre sur le fil du rasoir (rouillé) et accomplir une révolution en enculant l’art bourgeois avec des capotes trouées.

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Si vous lisez « Best », c’est qu’il a quelque part un peu réussi son coup à un moment donné. Il méritait bien sa propre BD de 200 pages, solidement scénarisée par Manu Leduc et Marie Eynard d’après les bios de John Lydon et de Jon Savage, mais aussi par le biais d’entretiens privés avec Marc Zermati (à qui l’album est dédié) et Jean-Charles de Castelbajac, qui la préface.

Ce qui surprend au premier abord, ce sont les illustrations de Lionel Chouin, ses planches sans bordures de cases qui offrent à ses personnages une liberté de mouvement absolue, affranchis du traditionnel gaufrier.

Son trait est agressif, ses personnages affûtés comme des épingles à nourrices et le lettrage énorme donne l’impression que tout ce petit monde hurle en permanence. Férocement atypique sans être underground, son dessin est vivant, rehaussé par les couleurs de Philippe Ory.

Avec des personnages à grosses têtes, caricaturés mais reconnaissables, avec des bras trop fins et des jambes   longilignes, les auteurs  rappellent le volet tragi-comique de la grande escroquerie du rock’n’roll et de ses moments irrésistibles : la confection des vêtements avec les pilons de poulet de Viviane Westwood, l’effervescence du Do It Yourself et ses boutiques éphémères, mais aussi une audition surréaliste avec le futur Johnny Rotten hurlant du Alice Cooper dans un pommeau de douche en guise de micro sous les moqueries de toute la boutique Sex.

Les auteurs écrivent aussi des scènes plus intimistes où McLaren est renié par sa famille juive lors de l’enterrement de sa grand-mère à cause des swastikas sur ses tee-shirts.

Best-magazine

Leduc et Eynard distillent avec une fluidité jouissive toute l’audace du personnage : des faux concerts de Pink Floyd pour attirer le public, son art de se faire virer des maisons de disques après avoir empoché les thunes, sa partie d’échecs marketing face à un Richard Branson toujours hilare mais plus rusé que lui.

Tout ceci est précis et authentique : le travail de Jamie Reid autour des visuels du groupe, la conception de « No Feelings », la querelle entre Rotten et McLaren autour de « God Save The Queen » que le chanteur voulait intituler « No Future », « L’art  du désastre » fourmille d’anecdotes sourcées, vérifiées, intégrées dans le récit de manière très fluide.

Si toutes les grandes étapes du Gospel selon St Malcolm y sont (la révolte grandissante de Lydon qui voit clair dans son jeu, son obsession pour son film, la toxicomanie de Vicious qu’il tentera sincèrement de canaliser), le lecteur découvrira aussi un autre aspect d’un personnage trop souvent diabolisé.

Méprisé et abandonné par sa famille depuis sa prime enfance, Malcolm McLaren entretient une touchante histoire d’amour avec Rose, sa grandmère, une punk avant l’heure qui lui donne force et motivation alors que ce jeune fouteur de merde passe son temps à exaspérer son monde et se faire jeter des écoles d’art où il assume avec panache une nullité assumée.

Entre son groupe qui ne lui demande rien d’autre que du fric, et lui qui ne sait pas montrer son affection, c’est une relation vouée au désastre que Malcolm échoue à racheter avec son propre paternel.

Machiavélique, à la fois brillant et foutraque, le génie de Malcolm McLaren est de créer des situations qui le dépassent et dont il pense avoir le contrôle. Il ne se départit jamais de sa bonne humeur et, telle une créature de Franquin, passe son temps à inventer, rêver, déclamer des ambitions démesurés en créant catastrophe sur catastrophe au nom de l’art.

On voudrait le détester et on ne peut pas s’empêcher de le trouver souvent attachant pour sa ténacité et sa lucidité : créer le chaos pour éviter que les Pistols ne soient digérés et récupérés par le système. Sa devise, « Mieux vaut un échec retentissant qu’une réussite médiocre » va finalement dans le sens de la vie.

En Rock.

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Photographie livre: Les meilleurs livres pour photographes

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 18/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Photographie livre : Les meilleurs livres pour photographes

Dans le monde de la photographie, il existe une multitude d’ouvrages et de ressources permettant aux passionnés d’apprendre et de se perfectionner. Que vous soyez un photographe amateur ou professionnel, les livres sont un excellent moyen d’enrichir vos connaissances et vos compétences. Voici donc une sélection des meilleurs livres pour photographes qui vous guideront tout au long de votre évolution.

Manuels pour maîtriser l’éclairage en photographie

À la recherche du parfait manual d’éclairage photo ? L’éclairage est un élément essentiel dans la réalisation de clichés réussis. Il vous permettra de mettre en valeur les sujets, de créer une ambiance ou encore de donner une impression de volume et de relief à vos images. Voici quelques titres incontournables pour maîtriser cette technique :

• « Lumière et éclairage en photographie numérique » : Un ouvrage complet et didactique qui aborde les bases de la lumière jusqu’à l’éclairage plus complexe.
• « Éclairer pour le portrait – Techniques créatives » : Des conseils pratiques et illustrés pour maîtriser toutes les situations propres à la prise de vue de portrait.
• « Techniques d’éclairage en studio » : Cet ouvrage propose une approche progressive et expérimentale pour apprendre à gérer et à scénographier la lumière en studio.

Les cahiers d’exercices pour la photographie

Le cahier d’exercices est un outil pédagogique efficace pour les apprentis photographes. Grâce à ces exercices, vous pourrez assimiler rapidement les notions théoriques et pratiquer régulièrement pour progresser dans votre « art ». Voici quelques titres incontournables de cette catégorie :

• « Photographez vos créations : astuces, conseils et techniques » : Dans ce livre, découvrez des exercices pour apprendre à valoriser vos réalisations dans différents styles de photos artistiques.
• « 30 exercices pour débuter en photographie numérique » : Un support idéal pour passer de la théorie à la pratique avec de nombreux exemples illustrés et des défis à relever.
• « 100 idées photo » : Ce cahier d’exercices se compose de rubriques telles que la composition, l’éclairage naturel et artificiel, ou encore la mise en scène, afin de seconder votre processus créatif.

Des livres pour développer sa créativité et son style personnel

Mieux qu’un cours magistral, les meilleurs livres pour photographe sont ceux qui vont solliciter le lecteur et lui donner envie de s’impliquer activement dans sa démarche créative. Parmi les ouvrages les plus inspirants sur le sujet, vous trouverez :

• « L’art de la composition photographique » : Ce livre explore les principes et les techniques de la composition pour vous aider à créer des images personnelles et expressives.
• « Trouver son style en photographie » : Un guide complet pour développer votre propre signature visuelle, grâce à des études de cas et à des exercices pratiques.
• « Cadrer, composer, déclencher ! » : Le photographe y partage ses astuces pour choisir le meilleur cadrage et mettre en scène les éléments qui composent vos images.

Photographie livre

Photographie livre : approfondir ses connaissances sur l’histoire et la culture photographique

Pour élever votre passion de la photographie à un niveau supérieur, il est judicieux de s’initier aux grands courants artistiques et aux photographes qui ont marqué l’histoire du médium. Voici quelques ouvrages pour vous immerger dans cet univers :

• « Histoire de la photographie. De 1839 à nos jours » : Ce volume retrace l’évolution de la photographie à travers le temps, permettant ainsi de comprendre les principales avancées techniques et les mutations culturelles.
• « Les photographes célèbres : chefs d’œuvre et portraits commentés » : Découvrez les parcours inspirants des plus grands noms de la discipline, accompagnés d’un florilège de leurs œuvres.

Ouvrages pour approfondir ses compétences techniques

La maîtrise de la technique est un élément primordial pour tout photographe souhaitant progresser. De nombreux ouvrages abordent des aspects techniques spécifiques afin d’affiner vos compétences dans divers domaines :

• « Maîtriser le post-traitement en photographie » : Apprenez à sublimer vos images grâce à cet ouvrage qui traite de la retouche photo, du choix des logiciels aux réglages optimaux.
• « La couleur en photographie : approche scientifique et créative » : Grâce à ce guide, découvrez les fondamentaux de la théorie de la couleur et comment l’utiliser à bon escient pour donner vie à vos clichés.

Ouvrages spécialisés sur des genres photographiques précis

Pour ceux qui souhaitent se spécialiser dans un genre photographique, il existe de nombreux livres dédiés à ces thèmes particuliers :

• « Le guide complet du street art » : Un ouvrage exhaustif qui vous plonge dans l’art urbain, avec des techniques spécifiques à cette discipline.
• « Le grand livre de la photo de mariage » : Ce livre offre une méthodologie précise pour aborder sereinement chaque étape clé du reportage de mariage.
• « Photographier la nature en macro » : Un manuel spécialement conçu pour apprendre les bases de la macrophotographie, avec des conseils pratiques pour réussir vos prises de vue.

En somme, les livres pour photographes sont nombreux et abordent des thématiques toutes aussi variées que passionnantes. Que vous soyez débutant ou confirmé, l’investissement dans cette littérature est une excellente manière d’accroître vos compétences en photographie.

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Le guide de la photographie de concert

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 18/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

photographie de concert

 

Capturer un concert ou un spectacle en direct peut être un travail passionnant, se rapprocher d’un artiste ou d’un groupe. Se nourrissant de l’énergie de la foule, la photographie de concert est une question de timing, de technique et d’un peu de créativité pour obtenir la photo parfaite. Peut-être êtes-vous un mélomane intéressé à vous lancer dans la photographie de concert, ou peut-être êtes-vous un tireur chevronné qui cherche à diversifier ses compétences.

Devenir photographe de musique peut être compétitif, et commencer, peut être un défi lorsque vous essayez de décrocher des concerts ou des spectacles à photographier. De nombreux photographes de concerts établissent leur liste de clients au fil du temps, en utilisant leur portefeuille de photographies musicales pour obtenir leur prochain emploi. Trouver le bon modèle de site Web  pour votre portfolio, ainsi que la façon de présenter votre travail, peut être un peu intimidant, en particulier pour les photographes de concerts débutants.

Plongeons-nous dans tout ce que vous devez savoir pour réussir dans la photographie de concert, du meilleur appareil photo, objectifs et configuration d’éclairage pour les concerts à la création d’un  site Web de portefeuille en ligne  pour vous permettre d’impressionner plus facilement des clients potentiels. Découvrez nos conseils de photographie de concert pour vous aider à développer votre carrière un concert à la fois.

 

Comment devient-on photographe de concert ?

photographie de concert

 

Maintenant que vous avez une meilleure idée de l’équipement et du portefeuille nécessaires pour réussir dans la photographie de concert, vous vous sentez peut-être prêt à lancer votre carrière. Mais les gens ne tombent pas simplement dans le business et décrochent des concerts tout de suite. Voici quelques conseils de photographe de concert pour vous aider à décrocher votre prochain emploi:

Tourner de petites émissions locales

L’une des meilleures façons de faire avancer votre carrière, est de vous concentrer sur des salons plus petits dans votre région. Vérifiez vos listes de spectacles locales pour voir quels groupes jouent et contactez le lieu ou le booker pour voir s’ils ont besoin d’un photographe. Il y a de fortes chances que vous ayez moins de concurrence lorsque vous allez à des spectacles locaux et cela peut être un excellent moyen de faire connaître votre nom.

Opter pour des expositions plus petites, signifie également que vous avez plus de possibilités de prendre beaucoup de superbes images, que vous pouvez ensuite inclure dans votre portfolio en ligne. Vous pouvez utiliser votre couverture de petites émissions locales pour rehausser votre profil et, espérons-le, décrocher de plus gros concerts.

Prendre un laisser-passer photo

Les laisser-passer photo sont le meilleur moyen d’accéder à des spectacles et à des lieux plus importants en tant que tireur. Ils sont souvent distribués par un publiciste ou un booker à des photographes spécifiques afin qu’ils puissent couvrir le spectacle, se déplacer facilement sur la scène et dans la salle. Un laisser-passer vous donnera également accès à la fosse photo, qui est souvent située à un endroit idéal pour prendre de superbes photos.

Il est généralement plus facile d’obtenir un laisser-passer photo si vous travaillez pour une publication, car le publiciste aura conscience que les images seront publiées quelque part pour la presse. Ils sont souvent approuvés et distribués quelques jours avant un spectacle afin que vous puissiez vous préparer au tournage.

Réseau avec des publications

Après avoir couvert quelques émissions locales, vous réaliserez peut-être que votre prochaine meilleure option est d’essayer de décrocher un travail par le biais d’une publication, comme un journal local ou un magazine en ligne. Contactez ces points de vente pour voir s’ils ont besoin de photographies de concerts, en particulier si vous remarquez qu’ils semblent un peu manquer dans ce département. Assurez-vous de partager votre portfolio en ligne avec eux pour augmenter vos chances de décrocher le poste.

Certains photographes décident de lancer leurs propres publications  afin de tracer leur propre chemin et de mettre un pied dans la porte. Si tel est le cas, vous pouvez décider de collaborer avec d’autres photographes, artistes et créatifs pour faire décoller votre publication.

Démarrer un blog photo

Bloguer sur votre expérience en tant que photographe de concert peut vous aider à rester actif en ligne et à vous habituer à partager votre travail. Peut-être que vous faites une photo de concert par semaine avec une courte rédaction pour mettre en valeur vos meilleurs clichés, ou gardez une liste tournante d’ idées d’articles de blog  afin de ne jamais manquer de contenu.

La plupart des créateurs de sites Web vous permettront d’héberger facilement un blog sur votre site en tant que page distincte et de le mettre à jour régulièrement. Assurez-vous de partager les articles de votre blog via vos comptes de médias sociaux pour augmenter le trafic vers votre site Web et créez des articles connexes sur vos médias sociaux afin de rester à jour et visible en ligne.

Rechercher le droit d’auteur sur vos images

Une bonne photographie de concert peut être une denrée rare, surtout si vous prenez des photos d’un musicien ou d’un groupe bien connus. Bien que vous ne puissiez peut-être pas utiliser la photographie de concert pour les photos d’archives, car ce sont souvent des images très spécifiques, vous pouvez discuter des droits sur votre travail avec toutes les publications ou les groupes avec lesquels vous travaillez.

L’octroi de licences pour vos photos  se fait souvent dans le cadre d’un accord que vous pouvez avoir avec une publication pour garantir que vos droits sur l’image sont protégés et que vous êtes correctement indemnisé. La détermination de choses comme les droits réservés pour la photographie de concert devrait être une discussion que vous avez avec toute personne qui l’achète, car vous voulez vous assurer que vous gagnez la valeur de votre travail.

 

photographie de concert

 

Comment photographiez-vous les concerts ?

Les concerts peuvent être notoirement difficiles à filmer, car il faut souvent tenir compte de l’éclairage de la scène, des musiciens et des limites du lieu. Cependant, vous pouvez vous retrouver avec des photos incroyables en utilisant ces conseils de photographie de concert :

Utiliser le mode appareil photo manuel

Votre appareil photo reflex numérique aura un mode priorité à l’ouverture et un mode appareil photo manuel. Bien qu’il puisse être tentant d’utiliser le mode priorité à l’ouverture et de laisser l’appareil photo faire la plupart du travail pour vous, ce paramètre ne vous donne pas le même contrôle que le mode de prise de vue manuelle. Souvent, lorsque vous filmez des concerts, vous devez être réactif à votre environnement et ajuster les paramètres de votre appareil photo pour s’adapter à une prise de vue ou à un angle particulier. L’utilisation du mode appareil photo manuel vous donnera la possibilité de prérégler les paramètres de votre appareil photo, puis de les modifier au fur et à mesure que vous travaillez.

Commencer par le numéro d’ouverture le plus bas

L’un des plus grands défis pour la photographie de concert est la faible luminosité, car vous filmerez probablement des groupes dans un lieu sombre. Pour vous assurer que vos photos ne sont pas en proie à des problèmes de faible luminosité, réglez votre ouverture sur le plus petit nombre de votre objectif, tel que f/1.8. Cela permettra à la plus grande quantité de lumière d’entrer dans votre capteur afin que vous puissiez prendre des photos avec l’objectif grand ouvert.

Gardez à l’esprit que vous devrez probablement ajuster votre réglage d’ouverture lorsque vous entrez et sortez de conditions d’éclairage spécifiques, telles que des stroboscopes ou des flashs sur scène pendant un spectacle. Mais commencer au réglage le plus bas vous donne l’espace pour jouer avec au besoin et ne pas vous soucier de la faible luminosité qui affecte négativement vos prises de vue.

Opter pour une vitesse d’obturation rapide

La photographie de concert vous oblige à vous déplacer beaucoup sur la scène et dans la salle pour essayer de capturer les groupes et la foule. Vous devez également répondre aux artistes qui chantent, dansent et se pavanent sur scène. Des vitesses d’obturation de 1/250 ou plus vous permettront de capturer le mouvement sans obtenir d’images floues. De cette façon, vous pouvez filmer l’énergie de l’interprète et de la foule, en figeant correctement l’action avec votre appareil photo.

Gardez à l’esprit que vous devrez ajuster vos vitesses d’obturation en fonction du réglage et des artistes de scène. Vous pouvez également modifier ces paramètres pour obtenir des photos de foule. Si vous remarquez que la salle est faiblement éclairée mais que le groupe n’est pas aussi actif sur scène, vous pouvez probablement passer à des vitesses d’obturation plus lentes de 1/250 ou moins et toujours obtenir des images nettes et nettes.

Utiliser un paramètre ISO élevé

L’ISO de votre appareil photo détermine la sensibilité de votre appareil photo à la lumière. Un ISO plus élevé entraîne une plus grande sensibilité à la lumière et permet au capteur de votre appareil photo de réagir plus rapidement à la lumière. Un ISO élevé est essentiel pour prendre des photos dans des conditions de faible éclairage, car il vous aidera à vous assurer que vos images sont correctement éclairées et ne sortent pas trop sombres ou floues.

Commencez avec un ISO de 1600 pendant un concert et augmentez-le jusqu’à un maximum de 3200 ISO pour contrer la faible luminosité au besoin. Gardez à l’esprit qu’un ISO plus élevé entraînera plus de bruit ou de grain dans vos photos de concert. Mais il est généralement préférable d’obtenir du grain et une belle image, plutôt qu’une photo floue ou mal éclairée. Vous pouvez ensuite ajuster le grain en post-production à l’aide d’outils d’édition comme  Adobe Lightroom  ou Photoshop.

Faire une mesure ponctuelle

La mesure spot est un paramètre que vous pouvez utiliser dans votre appareil photo numérique. C’est un outil pratique qui prend une lecture légère juste pour le centre de votre viseur. C’est pratique pour la photographie de concert, car vous filmerez souvent des groupes éclairés par un projecteur et le reste de la scène est sombre. Vous pouvez utiliser le mode de mesure spot pour placer le visage de l’artiste au milieu de votre viseur afin d’obtenir la bonne exposition.

La mesure spot peut vous aider à éviter les problèmes de faible luminosité tels que les visages surexposés, ce qui est un problème courant lorsque l’arrière-plan est sombre et qu’un projecteur est utilisé.

Éviter la photographie au flash

La plupart des lieux ne vous permettent pas d’utiliser la photographie au flash, et pour une bonne raison. Non seulement cela agace les groupes ou les interprètes, les aveuglant alors qu’ils essaient de se produire. La photographie au flash n’a pas non plus fière allure, car elle surexposera les visages et donnera une image déséquilibrée. Aborder les conditions de faible luminosité avec les paramètres de votre appareil photo, plutôt qu’avec un flash, vous assurera d’obtenir une superbe photo à chaque fois.

Prendre toujours des photos en RAW

La prise de vue en RAW, plutôt qu’en JPEG, vous donnera la flexibilité de régler tout problème dans vos images plus tard pendant la post-production. Les outils d’édition comme Adobe Lightroom ou  Photoshop  fonctionnent mieux sur les images RAW, vous permettant de traiter facilement les conditions de faible luminosité, le grain et d’autres imperfections. Assurez-vous que votre appareil photo est toujours réglé pour prendre des photos en RAW afin de pouvoir les modifier ultérieurement et vous assurer qu’ils sont à leur meilleur.

Quel est le meilleur équipement photo pour la photographie de concert ?

Souvent, les photographes s’en tiennent à un appareil photo et à un objectif de base configurés pour capturer des photos de concert. Ceci comprend:

Un appareil photo reflex numérique

Les concerts de tournage sont un concert au rythme effréné, où vous devez réagir rapidement aux musiciens, à la foule et à l’ambiance de la salle. Vous aurez besoin d’un appareil photo capable de prendre de nombreuses images de haute qualité et de les stocker rapidement afin de pouvoir filmer en déplacement pendant un spectacle. Un appareil photo reflex numérique aura également des fonctionnalités telles que les paramètres de lumière et de vitesse d’obturation que vous pouvez régler facilement, en fonction du type de photographie de concert que vous souhaitez obtenir.

Bien que la prise de vue sur film avec un appareil photo manuel puisse donner des images sympas, il peut être difficile de prendre rapidement de nombreuses images différentes avec un appareil photo manuel. Lorsque vous achetez du matériel pour la photographie de concert, investissez dans un appareil photo reflex numérique comme le Nikon D700 ou le Canon 60D, car ils sont très performants et polyvalents, capables de gérer les objectifs dont vous avez besoin pour prendre de superbes photos de concert.

Un objectif de 50 mm

Cet objectif est un excellent investissement à long terme pour la photographie de concert, car il est capable de capturer rapidement et efficacement de nombreux angles différents. Un objectif de 50 mm est un bourreau de travail et s’adaptera bien à votre appareil photo reflex numérique. C’est aussi un objectif assez abordable et ne sera pas trop hors de portée financièrement pour les nouveaux tireurs.

La plupart des photographes de concert opteront pour un objectif 50 mm F/1.4 ou un objectif 50 mm F/1.8 de la même marque que leur boîtier, comme un Nikon D700 avec un objectif Nikon 50 mm F/1.4.

photographie de concert

 

Comment construire un portfolio de photographie de concert ?

Présenter votre meilleur travail

Votre portfolio de photographies de concerts devrait vraiment épater les visiteurs et mettre en valeur votre talent. Encombrer votre site Web avec du travail qui est juste correct ou assez bon ne suffira pas dans le monde concurrentiel de la photographie de concert. Assurez-vous d’être sélectif sur le travail que vous présentez sur votre site Web de portefeuille afin de mettre en avant votre meilleur atout.

Peut-être y a-t-il une série d’images de bandes de faible luminosité dont vous êtes fier, ou un ensemble de photos de concerts tapageuses que vous aimeriez mettre en valeur. L’inclusion de votre meilleur travail garantira que votre portfolio est impressionnant et mettra en valeur vos compétences uniques, ainsi que ce que vous pouvez apporter à chaque concert ou spectacle.

Inclure des images de haute qualité

Les images floues et mal éclairées n’impressionneront personne, encore moins les clients potentiels ! N’utilisez que des images de haute qualité de votre travail sur votre portfolio pour le garder professionnel et propre. Les images de votre portfolio doivent être de qualité Web, correctement éditées et traitées afin qu’elles se chargent rapidement pour les visiteurs. Vous pouvez apprendre à éditer vous-même les photos dans le cadre de la post-production pour vous assurer qu’elles sont à leur meilleure qualité.

Créer une page de portfolio accrocheuse

Votre page de portfolio est sans doute la vedette du spectacle. Il agit comme votre CV visuel et montre aux visiteurs vos compétences en action. Incluez toutes les photographies de concerts dont vous êtes fier sur cette page, des images de musiciens aux photos de spectacles en direct en passant par des photos de foule impressionnantes.

Selon la plate-forme de site Web que vous utilisez pour votre site Web, vous devriez pouvoir mettre en page votre page de portefeuille en utilisant différents modèles ou thèmes. Peut-être que vous optez pour une disposition en grille pour votre page de portfolio, mettant en valeur votre photographie de concert sur la page principale qu’un visiteur du site verra. Ou vous pouvez opter pour une mise en page défilante, où vos meilleurs looks apparaissent dans une rangée ordonnée ou empilés les uns sur les autres.

Inclure une page À propos de moi et une page de contact

Votre site Web ne consiste pas seulement à partager vos superbes photos de concert. C’est aussi un endroit où vous pouvez partager votre histoire avec les visiteurs, y compris qui vous êtes et pourquoi vous êtes si passionné par le tournage de spectacles et de groupes. Sur votre page « À propos de moi », vous pouvez noter votre formation et votre expérience professionnelle, telles que les musiciens que vous avez photographiés ou les émissions que vous avez couvertes. Certains sites Web de portfolio incluront également une  déclaration d’artiste , qui met en évidence la façon dont vous abordez votre travail et pourquoi vous êtes passionné par ce que vous faites.

Vous devez également vous assurer d’inclure « une page de contact », avec votre adresse e-mail, afin que les clients potentiels puissent vous contacter facilement. La plupart des créateurs de sites Web vous permettent de créer facilement un formulaire de contact qui va directement à votre courrier électronique afin que vous puissiez vous connecter avec les visiteurs de votre portefeuille en ligne.

photographie de concert

 

Rendre votre site Web de portefeuille facile à utiliser

Les visiteurs de votre site de portfolio devraient pouvoir accéder facilement à chaque page ou section. Gardez à l’esprit l’expérience utilisateur lorsque vous créez votre site et assurez-vous qu’il n’est pas déroutant ou encombré. Vérifiez que le contenu est facile à cliquer et à ouvrir, idéalement en un à deux clics. Les visiteurs peuvent être rebutés par un site mal organisé qui n’est ni intuitif ni clair, et les visiteurs désintéressés peuvent signifier des clients ou des concerts perdus. Testez votre site avant sa mise en ligne pour confirmer qu’il est accessible aux visiteurs afin qu’ils soient encouragés à rester et à découvrir ce que vous avez à offrir.

 

Mettre régulièrement à jour votre portefeuille

Assurez-vous de mettre à jour votre portfolio avec vos dernières photos de concert ou de montrer des images pour vous assurer qu’il reste frais et actuel. Le contenu obsolète peut décourager les visiteurs de cliquer sur votre site, et il peut envoyer un message que vous ne travaillez pas ou ne bousculez pas autant que vous pourriez en avoir besoin en tant que photographe de concert. Les mises à jour hebdomadaires ou mensuelles de votre site Web peuvent vraiment améliorer le contenu de votre site et garder votre portefeuille à jour.

Combien gagne un photographe de concert ?

En tant que photographe de concert, vous commencerez probablement à travailler avec un salaire horaire d’environ 20 à 25 euros de l’heure. Selon le nombre de concerts que vous décrochez, vous pourriez gagner 39 000 euros en moyenne et progresser jusqu’à un salaire plus élevé de 66 300 euros à mesure que vous acquérez plus d’expérience et plus de clients.

 

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

 

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Photographe célèbre : Les 25 meilleures photographies au monde

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 06/04/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Il y a des photographies qui transcendent le support et deviennent des icônes. Ces 25 images comptent parmi les plus célèbres du monde et ont été prises par certains des plus célèbres photographes de tous les temps.

Elles racontent des histoires étonnantes, capturent des moments cruciaux de l’histoire et suscitent des émotions fortes chez ceux qui les voient. Que vous soyez un passionné de photographie ou que vous cherchiez simplement un peu d’inspiration, ces photos vous laisseront certainement une impression durable.

N°25 – V-J Day in Times Square (1945) – Photographe célèbre :  Albert Eisenstaedt

L’une des photographies les plus emblématiques de tous les temps, V-J Day in Times Square, a été prise par le photographe Albert Eisenstaedt du magazine Life.

Elle montre un marin embrassant une infirmière sur Times Square, à New York, le 14 août 1945, jour où le Japon a annoncé sa reddition et où la Seconde Guerre mondiale a pris fin. La photo est devenu un classique instantané et en est venu à symboliser la joie et le soulagement ressentis par beaucoup à la fin de la guerre.

La photographie d’Eisenstaedt capture parfaitement l’énergie chaotique de Times Square en ce jour historique. Des milliers de personnes s’étaient rassemblées pour célébrer la nouvelle de la capitulation du Japon, et l’excitation était palpable dans l’air. 

Photographe célèbre

N°24 – Dali Atomicus (1948) – Photographe célèbre : Philippe Halsman

Dali Atomicus est une photographie prise par Philippe Halsman en 1948. Elle représente Salvador Dali en plein vol, entouré de divers objets, dont une chaise, un chat et un seau d’eau.

La photo a été prise en utilisant trois expositions séparées qui ont ensuite été superposées pour créer l’image finale. Dali Atomicus est considéré comme l’un des photographes les plus novateurs et les plus influents de tous les temps.

Photographe célèbre

N°23 – Le selfie Oscar de Bradley Cooper (2014)

L’une des photographies les plus célèbres de ces dernières années est le selfie de Bradley Cooper lors de la cérémonie des Oscars 2014.

La photo, qui mettait en scène un who’s who de stars hollywoodiennes, est rapidement devenue virale et a été recréée d’innombrables fois. C’est un excellent exemple du pouvoir d’une photographie bien placée pour capturer un moment et raconter une histoire.

Photographe célèbre

N°22 – Windblown Jackie (1971) – Photographe célèbre : Ron Galella

Jackie Kennedy Onassis était l’une des femmes les plus photographiées au monde, et cette image d’elle soufflant dans le vent est l’une des plus emblématiques.

Elle a été prise par Ron Galella en 1971, quelques années seulement après l’assassinat de son mari, le président John F. Kennedy. La photo capture à la fois l’élégance et la vulnérabilité de Jackie,et c’est devenu le symbole de sa force face à la tragédie.

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N°21 – D Day (1944) – Photographe célèbre : Robert Capa

Le débarquement de juin 1944 a marqué un tournant dans la Seconde Guerre mondiale, et les photos prises par Robert Capa font partie des images les plus emblématiques du conflit.

Cette image particulière montre des soldats du 16e régiment d’infanterie de la première armée américaine qui débarquent à Omaha Beach le 6 juin 1944.}

FRANCE. Normandy. June 6th, 1944. US troops assault Omaha Beach during the D-Day landings.

N°20 – The Situation Room (2011) – Photographe célèbre : Pete Souza

The Situation Room est une photographie prise par le photographe de la Maison-Blanche Pete Souza le 1er mai 2011. Elle montre le président Barack Obama et son équipe de sécurité nationale dans la salle de situation de la Maison-Blanche pendant le raid sur le complexe d’Oussama ben Laden au Pakistan.

La photo est rapidement devenue une image emblématique de la présidence Obama et a été largement saluée pour sa composition et sa qualité. Elle a été qualifiée de « l’une des photographies les plus influentes du 21e siècle »

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N°19 – Dovima et les éléphants (1955) – Photographe célèbre : Richard Avedon 

Dovima et les éléphants est une photographie mondialement connue prise par Richard Avedon en 1955. Elle montre le mannequin français Dovima posant avec des éléphants devant le cirque d’Hiver à Paris. La photo a été prise pour une robe de soirée parue dans Harper’s Bazaar et a rapidement fait l’objet d’une publication dans le magazine Life. Elle est devenue depuis l’une des images les plus emblématiques de l’histoire de la mode.

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N°18 – L. Brejnev et E. Honecker (1979) – Photographe célèbre : Régis Bossu

Cette photo, prise par le photographe français Régis Bossu, capture le moment où le dirigeant soviétique Leonid Brejnev et le président est-allemand Erich Honecker se sont embrassés avec passion.

Cette image, considérée comme un symbole de la relation étroite entre les deux pays à l’époque, est devenue l’une des photos les plus célèbres de l’époque de la guerre froide.

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N°17 – Mohammed Ali vs. Sonny Liston – (1955) Photographe célèbre : Neil Leifer

La photo de Muhammad Ali se tenant au-dessus de Sonny Liston est l’une des images les plus emblématiques de l’histoire du sport. Elle capture le moment où Ali, alors connu sous le nom de Cassius Clay, est devenu le champion du monde des poids lourds.

La photo a été prise par Neil Leifer, qui est largement considéré comme l’un des plus grands photographes sportifs de tous les temps.

Photographe célèbre

N°16 –  Mère migrante (1936) – Photographe célèbre : Dorothea Lange

Un cliché devenu symbole de la Grande Dépression puis érigé en porte-drapeau des réfugiés.

L’une des photographies les plus emblématiques du XXe siècle, « Migrant Mother », a été prise par Dorothea Lange en 1936. Elle montre une mère et ses enfants serrés l’un contre l’autre dans une tentative désespérée de se réchauffer. La photo capture le désespoir et l’espoir que de nombreux Américains ressentaient pendant la Grande Dépression.

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N°15 – Napalm Girl (1972) Photographe célèbre : Nick Ut

Cette illustration de l’horreur de la guerre du Vietnam, qui participa à la prise de conscience de l’opinion publique.

La photo de la « fille du napalm » est l’une des images les plus célèbres et les plus emblématiques de la guerre du Viêt Nam. Elle a été prise par le photographe Nick Ut de l’Associated Press en 1972 et montre une jeune fille, Phan Thi Kim Phuc, courant nue sur une route après avoir été gravement brûlée au napalm.

La photo a provoqué un tollé international contre l’utilisation de telles armes et a contribué à retourner l’opinion publique contre la guerre.

N°14 – Mickael Jordan (1984) – Co Rentmeester

Cette photo célèbre de Michael Jordan a été prise par Co Rentmeester en 1984 pour le magazine Life. Elle est devenue depuis l’une des images les plus emblématiques de l’histoire du sport.

Jordan est représenté en plein vol, sur le point de smasher un ballon de basket. Son expression est intense et concentrée, traduisant la force et la détermination qui ont fait de lui l’un des plus grands joueurs de tous les temps.

Cette photo capture parfaitement ses incroyables qualités athlétiques et sa volonté de gagner.

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N°13 – The Pillow Fight (1964) – Harry Benson

Image fraternelle du groupe The BEATLES célébrant son succès.

La bataille d’oreillers a été prise par Harry Benson en 1964 et est l’une des photographies les plus emblématiques du 20e siècle.

Elle capture un moment de légèreté au plus fort des tensions de la guerre froide entre les États-Unis et l’Union soviétique. La photo a été saluée pour sa composition et son humour, et est devenue un symbole durable de paix et d’amitié.

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N°12 – Derrière la gare Saint Lazare (1932) – Photographe célèbre : Henri Cartier Bresson

La photo « Derrière la gare Saint Lazare » d’Henri Cartier Bresson est l’une des plus célèbres au monde. L’image capture un moment de chaos et de confusion alors que les gens se bousculent pour monter dans un train.

La photo est remarquable pour sa composition et son utilisation de l’ombre et de la lumière. Il s’agit d’une image emblématique qui en est venue à symboliser la condition humaine.

Un superbe jeu de reflets capturé en monochrome.

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N°11 – L’afghane aux yeux verts (1984) – Photographe célèbre : Steeve Mc Curry

Cette photo, prise par le photographe de renommée mondiale Steve McCurry, est l’une des images les plus emblématiques et célèbres du XXe siècle.

La femme sur la photo, connue uniquement sous le nom de Sharbat Gula, vivait dans un camp de réfugiés au Pakistan au moment où elle a été prise. Ses yeux verts perçants et ses traits frappants ont captivé les téléspectateurs du monde entier et ont contribué à humaniser le sort des réfugiés afghans.

La photo a été réimprimée d’innombrables fois et en est venue à symboliser à la fois la force et la résilience du peuple afghan.

Photographe célèbre

N°10 – Guerillero Heroico (1960) – Photographe célèbre : Alberto Korda

La photographie d’Alberto Korda du leader révolutionnaire cubain Ernesto « Che » Guevara est devenue l’une des images les plus emblématiques et célèbres du XXe siècle. Prise en 1960, elle montre Guevara lors d’une cérémonie à la mémoire des victimes de l’explosion de La Coubre. La photo capturant la compassion et le regard intense de Guevara a été largement reproduite et adaptée, ce qui en fait l’un des portraits  les plus reconnaissables de l’histoire.

N°9 – Le monstre du Loch Ness (1934) – Photographe inconnu

Le monstre du Loch Ness est l’une des photographies les plus célèbres au monde. L’image a été prise en 1934 par un photographe inconnu et est depuis devenue une icône.

La photo montre une longue créature ressemblant à un serpent émergeant de l’eau. Si beaucoup de gens pensent que cette photo est la preuve de l’existence du monstre du Loch Ness, d’autres pensent qu’il s’agit d’un canular. Quelle que soit votre opinion, cette photo est fascinante et a captivé l’imagination des gens du monde entier pendant des décennies.

Photographe célèbre

N°8 – Le baiser de l’hôtel de ville (1950) Robert Doisneau 

La photographie de Doisneau « Le baiser à l’hôtel de ville » est l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle. La photo montre deux amoureux s’embrassant devant l’hôtel de ville de Paris. L’image est simple, mais incroyablement puissante et en est venue à symboliser le romantisme et la beauté de Paris.

Doisneau a pris la photo à l’insu des sujets et ce n’est qu’après sa publication qu’ils se sont présentés et se sont identifiés comme étant Françoise Girard et Jacques Carteaud.

Une image incontournable mise en scène pour le magazine Life.

Photographe célèbre

N°7 – L’Homme marchant sur la lune (1969) Neil Armstrong

première personne à marcher sur la lune. « C’est un petit pas pour l’homme, un grand pas pour l’humanité. »}

En 1969, Neil Armstrong est entré dans l’histoire en devenant la première personne à marcher sur la lune. Ses célèbres mots, « C’est un petit pas pour l’homme, un bond de géant pour l’humanité », sont devenus un élément emblématique de la mission Apollo 11. Cette photo capture un moment qui restera à jamais gravé dans les mémoires et témoigne de l’esprit humain d’exploration.

N°6 – Black Power Salute (1968) John Dominis 

Le « Black Power Salute » est l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle.

Elle a été prise par John Dominis lors des Jeux olympiques d’été de 1968 à Mexico et montre deux athlètes noirs, Tommie Smith et John Carlos, faisant un salut le poing levé pendant la cérémonie de remise des médailles. Cette photo est rapidement devenue un symbole du mouvement Black Power et reste un élément important de l’histoire des droits civiques.

Photographe célèbre

N°5 – Déjeuner au sommet d’un gratte-ciel (1932) – photographe inconnu

Le déjeuner au sommet d’un gratte-ciel est l’une des photographies les plus célèbres de tous les temps. L’image montre des ouvriers en train de faire une pause sur une poutre en acier au-dessus de la ville de New York.

Elle rappelle le dur labeur et le dévouement qui ont permis de construire certaines des structures les plus emblématiques du monde.

Cette photographie est devenue une icône de l’industrie et de l’ingéniosité américaines et continue d’étonner les spectateurs près de 90 ans après avoir été prise. 

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N°4 – (1963) – Robert H Jackson

Le photographe reçu le prix Pulitzer pour cette photo de l’assassinat de Lee Harvey Oswald, meurtrier présumé de JFK, par Jack Ruby.

N°3 – Albert Einstein (1951) – Arthur Sasse

La photographie d’Albert Einstein tirant la langue a été prise en 1951 par Arthur Sasse.

Il s’agissait à l’origine d’un portrait humoristique, mais il est devenu depuis l’une des images les plus emblématiques du XXe siècle. Cette photo est un excellent exemple de la personnalité enjouée d’Einstein et de son sens de l’humour.

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N°2–  Marilyn Monroe (1955) Sam Shaw

Marilyn Monroe est l’une des figures les plus emblématiques de l’histoire américaine. Son image a été reproduite d’innombrables fois et son visage est instantanément reconnaissable par les gens du monde entier. Cette photographie, prise par Sam Shaw en 1955, capture sa beauté légendaire et son sex-appeal. C’est l’une des photographies les plus célèbres de tous les temps et elle continue d’envoûter les spectateurs aujourd’hui encore.

Une image de légende prise dans les rues de New York pour clôturer le tournage de 7 ans de réflexion.

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N°1 – L’Homme de la place Tian’anmen (1989) – Jeff Widener

L’homme de la place Tiananmen est l’une des images les plus emblématiques du XXe siècle. Elle a été prise lors des manifestations de la place Tiananmen à Pékin, en Chine, en 1989, et montre un homme seul tenant tête à une ligne de chars.

La photo est rapidement devenue virale et a fini par symboliser le pouvoir de la résistance pacifique. Jeff Widener, le photographe qui a pris cette image, a déclaré qu’elle avait « changé sa vie du jour au lendemain.

En conclusion, les 25 photographies les plus célèbres du monde sont véritablement emblématiques. Elles ont été prises par certains des plus grands photographes de tous les temps et capturent des histoires étonnantes, des moments cruciaux de l’histoire et des émotions fortes. Que vous soyez un passionné de photographie ou que vous cherchiez simplement un peu d’inspiration, ces photos vous laisseront certainement une impression durable.

icône, reconnaissance et inspiration sont les mots qui viennent à l’esprit après avoir vu ces 25 célèbres photographies du monde entier. Ces images pittoresques nous offrent une fenêtre sur d’autres cultures et d’autres moments de l’histoire que nous n’avons peut-être jamais vus auparavant. Toutes plus belles les unes que les autres, elles méritent toutes notre attention et notre admiration.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Hellfest La bible

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 27/02/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

I. Introduction : Présentation du livre « Hellfest, la bible »

Le livre « Hellfest, la bible » est un ouvrage qui retrace l’histoire et l’ambiance du festival de musique Hellfest, qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Écrit par les fondateurs du festival, Benjamin Barbaud et Yoann Le Nevé, ainsi que par le journaliste Guillaume Fleury, cet ouvrage est considéré comme la référence ultime sur le Hellfest.

Publié en 2021, à l’occasion des 15 ans du festival, « Hellfest, la bible » offre une plongée immersive dans l’univers unique du Hellfest. Le livre est illustré de nombreuses photographies et propose également des témoignages de membres de l’équipe, d’artistes et de festivaliers.

Au-delà de sa dimension événementielle, le Hellfest est devenu une véritable institution dans la scène musicale française et internationale, avec une programmation qui attire chaque année des milliers de fans de metal et de hard rock. Le livre « Hellfest, la bible » permet ainsi de mieux comprendre l’impact de ce festival sur la culture musicale contemporaine, ainsi que sur la ville de Clisson et ses habitants.

Contexte de publication et d’écriture du livre Hellfest La bible

Le livre « Hellfest la Bible » a été publié en 2016 en France. Il a été écrit par l’équipe organisatrice du festival de musique metal Hellfest, qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Le livre a été publié par les Éditions Huginn & Muninn, une maison d’édition spécialisée dans les ouvrages de référence sur la pop culture.

L’écriture du livre a été motivée par le désir de l’équipe du Hellfest de documenter l’histoire du festival, qui avait alors dix ans d’existence. Le livre rassemble des interviews des membres de l’équipe organisatrice, des anecdotes sur les coulisses du festival, des photos et des informations sur les groupes de musique qui ont joué lors des différentes éditions du Hellfest.

Le livre a été publié à l’occasion de la dixième édition du Hellfest, qui s’est déroulée en juin 2016. Il a été largement salué par les fans de musique metal et les amateurs de festivals, qui ont apprécié de découvrir les secrets et les coulisses du Hellfest, l’un des événements musicaux les plus populaires en France

II. Le Hellfest la bible : présentation et histoire

Le Hellfest est un festival de musique metal qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Créé en 2006 par une équipe de passionnés de musique, le Hellfest est rapidement devenu l’un des événements les plus populaires de la scène metal européenne.

Le festival se déroule sur trois jours et propose une programmation riche et variée, avec des groupes de metal, de hard rock, de punk et de hardcore. Parmi les artistes qui ont joué au Hellfest au fil des années, on peut citer Iron Maiden, Metallica, Slayer, Motörhead, Black Sabbath, Kiss, Guns N’ Roses, Deep Purple, Judas Priest, AC/DC, Marilyn Manson, System of a Down et bien d’autres.

Le Hellfest se distingue également par son ambiance particulière, qui allie convivialité et décontraction à une passion commune pour la musique metal. Le festival accueille chaque année des milliers de fans de toute l’Europe et même au-delà, qui viennent camper sur place pour profiter pleinement de l’ambiance unique du Hellfest.

Au fil des années, le Hellfest est devenu l’un des événements majeurs de la scène metal mondiale, attirant des fans de musique de tous âges et de tous horizons. Le festival a également été salué pour son engagement en faveur de l’environnement et de la durabilité, avec des initiatives telles que la mise en place de tri sélectif et l’utilisation de vaisselle compostable.

du livre Hellfest La bible

III. Les coulisses du Hellfest

Les coulisses du Hellfest sont un aspect fascinant de cet événement musical. En effet, l’organisation d’un festival de cette envergure nécessite une logistique complexe et une équipe de professionnels dévoués.

Tout d’abord, la programmation du Hellfest est élaborée plusieurs mois à l’avance, avec la recherche et la sélection de groupes de musique en fonction de leurs disponibilités et de leurs affinités avec le public du festival. Cette tâche est confiée à une équipe de programmateurs expérimentés qui connaissent bien la scène metal et les attentes des fans.

Ensuite, l’organisation du festival en elle-même nécessite une coordination minutieuse entre différents services : sécurité, logistique, restauration, billetterie, communication, etc. L’équipe du Hellfest est composée de professionnels aguerris qui ont l’habitude de travailler sur des événements de grande envergure.

Pendant les trois jours du festival, les coulisses du Hellfest sont un véritable tourbillon d’activité. Les techniciens son et lumière travaillent sans relâche pour assurer le bon déroulement des concerts, tandis que les équipes de sécurité et de secours veillent à la sécurité des festivaliers.

Enfin, l’organisation du Hellfest implique également une gestion rigoureuse des déchets et de l’environnement. Le festival a mis en place des initiatives telles que le tri sélectif, la récupération de l’eau de pluie et l’utilisation de vaisselle compostable pour réduire son impact environnemental.

Au final, les coulisses du Hellfest sont un univers passionnant où l’effervescence de la musique et la rigueur de l’organisation se conjuguent pour offrir aux festivaliers une expérience unique et inoubliable.

Hellfest La bible

IV. La programmation du Hellfest

Le Hellfest est connu pour sa programmation riche et variée, qui met en avant les grandes stars du metal et les groupes émergents de la scène underground. Au fil des années, le festival a accueilli des artistes légendaires ainsi que des découvertes prometteuses, offrant aux fans de musique metal une expérience inoubliable.

Voici un aperçu de la programmation de quelques éditions marquantes du Hellfest :

• Hellfest 2019 : Cette édition du festival a été marquée par la présence de groupes tels que Slayer, Kiss, Tool, Def Leppard, Slash, Rob Zombie, ZZ Top et bien d’autres. Les concerts de Slayer et Kiss ont été particulièrement mémorables, avec des performances énergiques et explosives qui ont conquis le public.
• Hellfest 2016 : Pour célébrer les dix ans du festival, l’équipe du Hellfest avait concocté une programmation de choix, avec des groupes tels que Black Sabbath, Rammstein, Iron Maiden, Twisted Sister, Megadeth et bien d’autres. Le concert de Black Sabbath, qui marquait leur dernière tournée mondiale, a été un moment émouvant pour les fans de metal.
• Hellfest 2013 : Cette édition du festival a été marquée par la présence de groupes tels que Kiss, Korn, Motörhead, Stone Sour, ZZ Top et bien d’autres. Le concert de Kiss a été un moment inoubliable pour les fans, avec une mise en scène spectaculaire et des tubes légendaires interprétés en live.

Au fil des années, la programmation du Hellfest a évolué pour refléter les tendances de la scène metal et les attentes du public. Le festival a ainsi accueilli des groupes de tous horizons, du death metal au punk rock en passant par le heavy metal et le thrash. Le Hellfest a également fait la part belle aux groupes français et européens, offrant ainsi une plateforme de choix aux talents locaux.

V. La communauté du Hellfest

La communauté du Hellfest est un aspect important de cet événement musical. Les festivaliers sont passionnés de musique metal et viennent de toute l’Europe pour assister à ce festival de renommée internationale.

Les festivaliers du Hellfest sont connus pour leur esprit de camaraderie et leur passion pour la musique. Beaucoup d’entre eux sont des habitués du festival et reviennent chaque année pour retrouver leurs amis et profiter de la programmation riche et variée. Les festivaliers sont souvent vêtus de t-shirts de groupes de musique, de vestes en cuir et de bottes, créant ainsi une atmosphère conviviale et festive.

Le Hellfest a également un impact significatif sur la ville de Clisson et la région. Pendant les trois jours du festival, des milliers de festivaliers envahissent la ville, créant une ambiance de fête et stimulant l’économie locale. De nombreux commerces et restaurants bénéficient de cette affluence et proposent des offres spéciales pour les festivaliers.

Le Hellfest attire différents types de public, chacun ayant sa propre perception de l’événement. Certains festivaliers sont des puristes du metal et ne jurent que par les groupes les plus extrêmes de la scène underground, tandis que d’autres viennent plutôt pour découvrir de nouveaux artistes et profiter de l’ambiance festive.

Le festival attire également des familles avec enfants, grâce à la mise en place d’activités et d’espaces dédiés pour les plus jeunes. Enfin, certains festivaliers viennent simplement pour profiter de l’ambiance conviviale et festive du festival, sans forcément être de grands fans de musique metal.

En conclusion, la communauté du Hellfest est un aspect essentiel de cet événement musical. Les festivaliers sont passionnés de musique metal et viennent de toute l’Europe pour assister à ce festival de renommée internationale. Le festival a un impact significatif sur la ville de Clisson et la région, créant une ambiance de fête et stimulant l’économie locale. Le Hellfest attire différents types de public, chacun ayant sa propre perception de l’événement.

CARACTÉRISTIQUES du livre Hellfest la bible.

Auteur du livre Hellfest La bible : Philippe Lageat,  Vanessa Girth, Baptiste Brelet, 

Editeur du livre Hellfest La bible : Point Barre
Date de parution du livre Hellfest La bible  : 08/11/2022
EAN du livre Hellfest La bible : 9782957834211
Format du livre Hellfest La bible: 28cm x 32cm
Poids du livre Hellfest La bible : 4,5000kg
ISBN du livre Hellfest La bible : 2957834219
Illustration : Photos couleur
Nombre de pages du livre Hellfest La bible : 592
SKU du livre Hellfest La bible : 5163871

Hellfest la bible

Combien de temps dure un concert

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 17/02/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Combien de temps dure un concert ? Les concerts sont des événements musicaux qui attirent des millions de fans à travers le monde chaque année. La durée d’un concert varie considérablement selon plusieurs facteurs, tels que le genre musical, l’artiste, la salle de concert et le type d’événement.

 

Combien de temps dure un concert ?

Les concerts de musique populaire, rock, hip-hop, R&B et électro durent généralement entre 1 heure et 2 heures, avec quelques exceptions notables. Les artistes tels que Bruce Springsteen et les Rolling Stones ont été connus pour jouer pendant plus de trois heures lors de leurs concerts.

En revanche, les concerts de musique classique peuvent être beaucoup plus longs, avec des représentations allant de 2 à 3 heures, voire plus. Les opéras et les ballets, par exemple, peuvent durer plusieurs heures.

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

La durée des festivals peut également varier considérablement. Certains festivals peuvent durer plusieurs jours, avec des concerts se déroulant sur plusieurs scènes simultanément. Dans ce cas, chaque artiste jouera généralement pendant une heure environ.

Les horaires de fermeture des salles de concert peuvent également influencer la durée d’un concert. Certaines salles de concert ont des horaires stricts, ce qui signifie que les concerts doivent se terminer avant une certaine heure. Les concerts en plein air peuvent également être programmés pour se terminer avant la tombée de la nuit.

Enfin, il est important de considérer la nature de l’artiste et de son spectacle lorsqu’on évalue la durée d’un concert. Les spectacles acoustiques peuvent être plus courts que les concerts avec un grand spectacle visuel et pyrotechnique, qui peuvent nécessiter plus de temps pour la mise en place et le démontage.

En somme, la durée d’un concert dépend de nombreux facteurs différents, tels que le genre musical, l’artiste, la salle de concert et le type d’événement. Les fans peuvent trouver des informations sur la durée prévue d’un concert avant d’acheter leurs billets et prévoir leur soirée en conséquence.

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

Combien de temps dure un concert ?  La durée des concerts au fil du temps

Au fil des années, la durée moyenne des concerts a connu des évolutions significatives. Dans les années 60 et 70, les concerts de rock duraient souvent plusieurs heures, avec des performances étendues et des improvisations. Cependant, au fil du temps, la durée des concerts a tendance à se raccourcir.

Au début des années 2000, la durée moyenne des concerts était d’environ 1h30 à 2 heures. Aujourd’hui, les concerts ont tendance à durer entre 1 heure et 1h30, avec quelques exceptions notables pour les artistes les plus populaires.

Plusieurs raisons peuvent expliquer cette tendance à la réduction de la durée des concerts. Tout d’abord, les coûts de production des spectacles ont augmenté, ce qui signifie que les artistes doivent jouer plus de concerts pour rentabiliser les coûts.

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

Les spécificités des salles de concert : Présentation des horaires de fermeture des salles de concert.

Les salles de concert sont des espaces dédiés à la musique live, où les artistes se produisent devant un public. Elles présentent des spécificités en termes d’horaires de fermeture et d’impact sur la durée des concerts, ainsi que d’autres critères qui peuvent influencer la durée des concerts.

En ce qui concerne les horaires de fermeture des salles de concert, ils sont souvent fixés par les autorités locales en fonction des lois et des règlements en vigueur. Les horaires peuvent varier en fonction de la taille de la ville et de la densité de la population, ainsi que de la proximité des habitations. Dans certains cas, les horaires peuvent être prolongés ou réduits en fonction de la situation ou des événements en cours.

Ces horaires ont un impact direct sur la durée des concerts en salle. En général, les concerts en salle débutent en début de soirée et se terminent avant minuit, afin de respecter les horaires de fermeture. Cependant, certains concerts peuvent se prolonger au-delà de cette heure, notamment les concerts d’artistes populaires ou les festivals de musique, qui peuvent être autorisés à continuer jusqu’à une heure plus tardive.

 

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

La durée d’un concert en salle dépend également de plusieurs autres facteurs, notamment la taille de la salle et le nombre de spectateurs. En général, les concerts dans des salles plus grandes peuvent être plus longs que ceux dans des salles plus petites, car ils offrent plus d’espace pour les spectateurs et les artistes. De même, le nombre de spectateurs peut influencer la durée du concert, car les artistes peuvent ajuster leur performance en fonction de l’ambiance et de l’énergie de la foule.

D’autres critères peuvent également influencer la durée d’un concert en salle, tels que la complexité de la production, la programmation d’autres événements dans la salle, ou la disponibilité des artistes. Les organisateurs de concerts et les artistes peuvent également planifier la durée du concert en fonction de l’âge et de la composition du public, afin de s’assurer que le spectacle soit adapté aux attentes et aux besoins de l’audience.

En résumé, les horaires de fermeture des salles de concert ont un impact sur la durée des concerts en salle, qui peut varier en fonction de la taille de la salle, du nombre de spectateurs et d’autres critères tels que la complexité de la production ou la disponibilité des artistes. Les organisateurs de concerts et les artistes doivent prendre en compte ces facteurs pour offrir un spectacle adapté aux attentes de l’audience et respecter les horaires de fermeture.

 

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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A MOMENT SUSPENDED IN TIME, 10 ans de photos live

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/11/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Le concept du livre

Ils entrent en scène en écartant d’une main les rideaux de la célébrité, et face à eux, soudain, des milliers de regards impatients que la cérémonie commence… Ils font face au public et aussitôt un masque couvre leur visage, comme une seconde peau. Et pourtant le masque, parfois, se fissure. Une timidité soudaine, un moment de repli, de doute ou de rage.

Un retour sur soi fugace et sincère, comme un mot échangé entre l’être et son double. Alors l’humain s’expose et transcende le personnage… Cette série de photos de concerts procède de cette idée, ou plus justement de cette quête : prendre sur le fait, au beau milieu d’un spectacle d’aveuglement collectif ou derrière la scène, cet entre-deux fragile, ce moment suspendu où l’artiste se révèle à lui même tel qu’il est et non tel qu’on croit le voir.

Livre photos de concert

« Je photographie des artistes sur scène, en tournée, en studio, backstage, je fais des photos de concerts depuis une quinzaine d’années. Ces 10 premières années m’ont permis de croiser beaucoup de musiciens, de traverser la France, la Belgique, d’atterrir à Londres, à Montréal, de me coucher dans des tours bus en Suisse pour me réveiller en Allemagne, de voyager plus de 100.000 km, …

…de dérusher mes photos avec Bjork en peignoir dans sa loge, de manger entre The Hives et Disclosure, faire du quad avec Slipknot, d’être invité dans le plus grand Apple store du monde à Londres pour y faire une conférence…

…de créer les 8  dernières pochettes d’albums pour Mass Hysteria, le «Monstre ordinaire» de Lofofora, l’album Jazz d’Olivia Ruiz, le premier Bukowski, de shooter Suicidal tendencies ou Ghost dans des toilettes, de boire des coups en regardant Lemmy jouer au flipper, d’assister à près de 700 concerts…

…d’être photographe officiel de grands festivals, de tester l’alcool des loges aux Eurocks, au Hellfest, au Sonisphere, au Heavy Montréal, au Main Square, à Garorock, dans des salles minuscules ou très grandes, de faire des photos de fin de concerts avec 50.000 personnes qui lèvent les bras, de boire quelques semi-remorques de bières, de me coucher trop tard et me réveiller trop tôt, de traverser cette frénésie pour y capter quelques moments . »

Slipknot, The Cure, photos de concert de Muse, Public Enemy, photos de concert de Rihanna, The Kills, Alicia Keys, Suicidal Tendencies, U2, Kiss, Korn, Aaron , Arthur H, Jay Z, photos de concert de Kiss, photos de concert de Rammstein,

Jack White, photos de concert de Mass Hysteria, Agnes Obel, photos de concert de Iggy Pop, M, photos de concert de Slash, No One Is Innocent, photos de concert de Bjork, Neil Young, Asgeir, Airbourne, Aqme, Depeche Mode,

Photos de concert de Nin Inch Nails, Olivia Ruiz, The Arrs, Refused, photos de concert de Paul Mc Cartney, Lenny Kravitz, Walls Of Jericho, Massive Attack, Kezia Jones, Stromae, Sting, The Bloody Beetroots, Sick Ofit All, The Dead Weater, Motorhead, Arctic Monkeys, Rodriguez Jr, Jane’s Addiction, Flea, Lee Fields, photos de concert de Jamie Cullum, Tricky, Royal Republic, Dead Weather, Bring Me The Horizon, etc…

Les Caractéristiques du livre :

• Livre de 208 pages
• Grand format : 24 x 32 cm
•  Poids (approx) : 1,52 kg
•  Langue : français
•  Papier : 150 g/m2 – couché mod. satiné
•  Format à la française
•  Brochures cousues dos rond + Tranchefil assorti
•  Couverture contrecollée sur carton 24/10ème
•  Chartes achats et impression responsables
•  Label Imprim’vert
•  FSC (Forest Stewardship Council)
•  PEFC™ (Program for the Endorsement of Forest Certification)

Livre photos de concert  » A MOMENT SUSPENDED IN TIME » 

Livre photos de concertLivre photos de concert

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Livre photos de concert : Interview pour Daily Rock par Nicolas Keshvary

Eric Canto, bien connu dans le milieu de la photo et de la musique, est un photographe hors pair, avec un talent fou et un énorme cœur. Mais arrêtons-là les flatteries, car si, à ce jour, il est d’une grande humilité, il risquerait de vite prendre la grosse tête.

À l’occasion de la sortie prochaine de son livre « A suspended moment in time », il nous livre les secrets de sa conception, dans une ambiance plutôt détendue ! Les premiers mots du livre résument l’idée de ce bouquin : 

« Ils entrent en scène en écartant d’une main les rideaux de la célébrité, et face à eux, soudain, des milliers de regards impatients que la cérémonie commence… Ils font face au public et aussitôt un masque couvre leur visage, comme une seconde peau. »

Tout d’abord Eric, tous nos lecteurs ne te connaissent pas encore, alors peux-tu te présenter en quelques mots ?

Je fais des photos de concert depuis dix ans maintenant, pour des labels, des magazines et des artistes. Je fais des photos de concert, mais aussi du portrait, de la conception de pochettes d’albums des photos presse et de la communication qui tourne autour de leur sortie.

 Beaucoup de monde te connaît via ton travail avec les Mass Hysteria. Quels sont les autres artistes avec lesquels tu as travaillé ?

 On me connaît en effet surtout dans le milieu métal grâce aux albums de Mass Hysteria que j’ai fait, mais j’ai aussi travaillé avec des groupes comme Lofo, ou encore Unswabbed. Mais je vais t’étonner, j’ai aussi bossé avec Olivia Ruiz, et tout récemment avec des artistes comiques comme Pierre Emmanuel Barré.

Je travaille surtout sur des coups de cœur en fonction des rencontres que je peux faire, mais la base reste avant tout le métal et le rock.

 Sur l’ensemble de ton travail artistique sur les différents albums, quel est celui qui, à ton goût, est le plus abouti ou réussi ?

 En fait il y en a deux, non plutôt trois au final (rires) ! Je suis assez content du dernier album studio des Mass (Matière noire), car il a été « accouché dans la douleur ».

Il y a eu une grande réflexion et un travail pointu suite a huit mois de discussion avec Yann, qui a des idées très arrêtées et qui sait où il veut précisément aller, que ce soit musicalement ou graphiquement.

Pour « Failles » c’était plus simple, car il cherchait une « gueule », du coup j’ai cherché pendant de nombreux mois dans des foyers d’accueil et d’autres endroits une gueule.

Pour « Matière noire » il avait une idée précise du modèle, de la matière, et on a échangé longtemps pour aboutir à ce résultat. La séance photo qui a été faite 3 mois avant la sortie de l’album a été drastique et militaire. Cette pochette me plaît, car on a synthétisé tout ce que l’on voulait faire, une déclinaison intéressante.

L’autre pochette que j’aime beaucoup est celui de Lofofora « Monstre ordinaire », car je n’avais pas beaucoup d’indications pour arriver au projet final. Reno est venu en me disant « je recherche un visuel qui puisse représenter la monstruosité ordinaire sans passer par le cliché simple du patron en costard cravate en guise de monstre ».

Il fallait que ça soit beaucoup plus fin. Il fallait réfléchir, chercher, tester cette idée de ce type qui s’éloigne avec sa pelle avec la vision du gars au sol qui se la serait prise. Il n’y a rien de monstrueux ni de sanguinolent, mais on pouvait très bien s’imaginer que quelque chose s’était passé. De montrer cette part de monstruosité qui se cache en chacun d’entre nous.

Nous avons donc évoqué ce que tu as fait par le passé, mais tu as une nouvelle actualité, c’est la sortie de ton livre. Comment est venue cette idée ?

L’idée m’est venue il y a un peu plus de 8 mois de faire un livre de photos de concert et quelqu’un m’a relancé sur le sujet quelque temps après et m’a parlé du mode participatif pour le financement de ce dernier.

Je suis parti sur un concept pour voir si les gens allaient adhérer ou non. L’idée d’un livre de photos de concert ma parlait, mais cette idée allait-elle parler à d’autres ?

Sortir un bouquin de photos de concert à tant d’exemplaires juste pour le plaisir ne m’intéressait pas.

L’idée était de montrer mon concept, tout comme je peux le faire pour une pochette d’album et voir si cela peut intéresser du monde ou pas, tout en étant maître de ce que je voulais faire sans aucune directive de qui que ce soit.

Et le financement participatif permet vraiment de faire cela, et d’avoir la totale liberté de faire ce que j’ai envie de faire. Je ne fais quasiment pas d’expo, mais l’idée de compiler mes photos pour les présenter a commencé à germer quand j’ai trouvé la trame de ce que je voulais faire.

 Vu la multitude de clichés que tu as pu faire, comment s’est fait le choix des photos de concert pour le bouquin ?

 Le fait de présenter une série de photos de concert sans lien ne m’intéresse pas. En regardant ses propres photos et celles des autres, on remarque au fil des années le chemin que le photographe prend.

Dans mon cas j’au noté que je recherchais des moments très précis dans mes photos de concert, que ce soit au niveau du cadrage ou du sujet, des moments où l’artiste est dépouillé avec généralement une lumière derrière et peu d’objet, et il y a comme un moment de flottement, un moment suspendu.

Je pense que cela doit venir de mes études de psychologie qui font que je m’interroge sur la présence d’une personne face à une foule de 50000 personnes et ce qui peut se passer dans sa tête à ce moment.

À vraie dire, je ne fais pas que m’interroger, cela me fascine. L’idée qu’un artiste ou un groupe se mette un masque à un moment donné pour affronter le public et supporter la pression qui l’attend m’intéresse beaucoup.

Je me suis rendu compte que c’est ce que je cherchais dans la plupart de mes photos et j’ai décidé de travailler avec un ami écrivain et je lui ai demandé de transcrire en mot cette idée sur mes photos que je lui avais apportée.

Il a écrit un texte qui exprime exactement ce que je voulais dire, et j’ai décidé de m’en servir comme support.

 En en parlant je me rappelle d’une interview d’il y a quelque temps de Corey Taylor, le chanteur de Slipknot aux Eurockéennes où je lui avais posé la question de savoir si l’apport du masque, qui permet de se lâcher complètement, n’est pas une frustration au final de ne pas être reconnu.

Il m’avait dit que dès que le masque est mis, il n’y a plus de limite et cela est salvateur, car on peut tout se permettre. Le masque est pour lui quelque chose de libérateur, une soupape. 

Donc le contenu du livre n’est pas une compilation de photos de concert,  ces moments suspendus reflètent ce que l’on peut trouver qu’on peut trouver également backstage, en loge, ou derrière la scène.

Ce ne sont pas forcément des moments dramatiques, mais cela peut être des moments de rires avant de monter sur scène par exemple.

Ton livre sortant au mois d’octobre, est-ce que d’ici là tu vas encore faire tout une série de photos, le choix des photos est il définitivement fait ou cela peut encore changer d’ici la ?

 Le choix va évoluer obligatoirement, j’ai beaucoup de matière et je vais travailler avec un ami graphiste qui fait un travail de mise en page fabuleux, pour trouver le raccord parfait entre photos en graphisme. Ça ne va pas être la course à la photo.

J’ai vraiment la liberté de faire comme j’ai envie sans passer par l’aval de qui que ce soit, à l’instar d’un travail que je peux faire pour un artiste et qui doit être validé en amont. C’est aussi pour moi une possibilité de mettre en perspective mon travail en gardant la main à chaque moment de la création du livre.

Bonus :10 conseils pour capturer des photos de concert.

1. Éteignez votre flash

Vous êtes sur place et si vous avez de la chance, vous pourriez même être dans la fosse. La première règle principale consiste à désactiver votre flash, que ce soit sur votre téléphone ou votre appareil photo. Si vous ne le faites pas, vous ennuierez invariablement le groupe ou l’artiste et deuxièmement, les images ne seront généralement pas si bonnes. 

Essayez d’utiliser les conditions d’éclairage existantes. Souvent, l’éclairage dans les petites salles ne sera pas excellent; essayez de l’utiliser à votre avantage en devenant plus créatif avec vos angles.

2. Travaillez rapidement

Si vous êtes dans la fosse (la zone protégée entre la scène et la barrière de la foule), il y a généralement trois chansons et vous ne disposez que de 10 à 15 minutes pour obtenir les clichés dont vous avez besoin. 

Shootez avec diligence et assurez-vous de couvrir autant d’angles et les différents membres du groupe que vous le pouvez.

3. Observez et soyez conscient

Regardez comment le groupe se déplace sur scène, observez l’interaction entre les membres du groupe. Essayez de vous assurer d’obtenir une gamme d’expressions, assurez-vous que vos photos sont propres sans que les microphones, etc. n’obstruent le visage du chanteur.

4. Visez à obtenez leur meilleur côté

Les images sont-elles flatteuses? Les membres du groupe sont humains; si une photo montre quelqu’un d’une manière négative ou peu flatteuse, jetez-la. Les plans montrant l’émotion, l’énergie brute et les expressions dynamiques sont excellentes, mais évitez autant que possible les doubles mentons manifestes ou les angles pas terribles.

5. Maîtrisez votre appareil photo

Que vous photographiez avec un reflex numérique de base ou même un iPhone, sachez quels paramètres vous utiliserez à l’avance. Mon conseil – dans la mesure du possible – est de shooter en RAW et avec l’appareil photo en mode manuel. Utilisez une application telle que Photoshop pour modifier vos images.

Si vous n’êtes pas familier avec les logiciels d’imagerie, cela peut sembler assez intimidant au premier abord. Mais une fois que vous vous y serez habitué, cela améliorera considérablement la qualité de vos images.

6. Alternez les cadrages

Essayez de photographier une gamme de formes et d’angles, prenez des photos plus larges montrant l’artiste en relation avec la mise en scène. L’une des principales erreurs que les gens font est d’essayer de recadrer de manière trop serrée. 

Essayez un mélange de portraits et de paysages. Si vous avez l’occasion de vous déplacer, tirez sur l’artiste à partir de différentes positions. Essayez d’incorporer la foule dans vos photos, cela peut ajouter une atmosphère à vos images.

7. N’exagérez pas la retouche

Si vous utilisez une application de retouche photo, n’exagérez pas la retouche. Une tendance récente est de sursaturer les images et de les faire apparaître comme si elles avaient été prises en HDR, cela peut donner un effet de dessin animé et devrait être évité.

8. Respectez le public

Que vous tiriez de la foule ou dans la fosse, respectez toujours le public et les autres photographes. Ne tenez pas votre appareil photo en l’air pendant de longues périodes, faites preuve de courtoisie et de respect, en particulier envers le public qui aura payé pour son billet et qui aura peut-être même fait la queue pour se rendre à l’avant pour voir sa vue interrompue par vous et votre appareil photo. 

9. Recherchez sur youtube…

Si le groupe ou l’artiste est assez célèbre, recherchez des vidéos YouTube de sa tournée actuelle ou consultez les dernières images en ligne. Cela vous donnera une indication des conditions de prise de vue et de l’éclairage, etc. Aussi, si vous pouvez vous attendre à des prises de vue ou à d’autres moments passionnants pendant le spectacle.

10. Profitez de l’expérience

Le shooting de photos de concert peut être extrêmement difficile, mais aussi très amusant.

Pratiquez votre art: la plupart des petites salles vous permettront d’utiliser votre appareil photo, alors shootez. Apprenez à être constructif sur vos images. Organisez un site Web pour illustrer votre travail. 

Une fois que vous avez un portfolio, commencez à contacter des groupes locaux et des lieux locaux et vous pourrez éventuellement commencer à construire un relationnel qui, espérons-le, pourra un jour vous permettre de vous faire payer pour vos images.

Def Leppard : L’Histoire, la Musique et l’Héritage d’un Groupe Légendaire

par Eric Canto | Mis à jour le 14/10/2024 | Publié le 28/11/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Def Leppard

Les débuts de Def Leppard : D’un rêve d’adolescents à la conquête du rock mondial

L’origine du groupe et les premières influences

Fondé en 1977 à Sheffield, au Royaume-Uni, Def Leppard est le fruit de la passion de jeunes musiciens influencés par le heavy metal et le glam rock. À l’origine, le groupe était connu sous le nom de Atomic Mass, mais avec l’arrivée du chanteur Joe Elliott, le nom change pour devenir Def Leppard. Ce choix, inspiré par les groupes de glam rock comme T. Rex et Mott the Hoople, marque le début d’une ascension rapide vers la gloire.

Leurs premières influences se situent à la croisée du heavy metal naissant et du rock classique des années 70, notamment des groupes comme Led Zeppelin, Thin Lizzy, et Queen. Cependant, Def Leppard souhaitait se démarquer en injectant une dose de mélodie dans leur musique, rendant leurs chansons plus accessibles tout en restant ancrées dans l’énergie brute du hard rock.

 « On Through the Night » : Le premier album et l’émergence d’un son unique

En 1980, Def Leppard sort son premier album, « On Through the Night ». Ce disque marque leurs premiers pas sur la scène internationale, bien que leur son soit encore en développement. Les morceaux sont imprégnés d’un style heavy metal traditionnel, mais des éléments plus mélodiques pointent déjà le bout de leur nez, annonçant la direction que le groupe prendra dans les années à venir.

Si l’album est relativement bien accueilli, c’est leur deuxième opus, « High ‘n’ Dry », sorti en 1981, qui va commencer à attirer l’attention. Produit par Mutt Lange, célèbre pour son travail avec AC/DC, cet album marque une évolution dans leur son avec des morceaux comme « Bringin’ On the Heartbreak », un titre qui deviendra l’un de leurs premiers succès radio.

 L’explosion de « Pyromania » et le triomphe de Def Leppard dans les années 80

 « Pyromania » : Un album révolutionnaire

C’est en 1983 que Def Leppard frappe un grand coup avec l’album « Pyromania ». Propulsé par des singles comme « Photograph », « Rock of Ages », et « Foolin’ », l’album est un succès immédiat, atteignant la deuxième place des charts américains et se vendant à des millions d’exemplaires. La production léchée de Mutt Lange, associée à des riffs accrocheurs et des refrains qui restent en tête, fait de Def Leppard l’un des groupes les plus populaires de la scène rock de l’époque.

« Photograph », en particulier, devient un hymne pour la jeunesse des années 80, avec ses paroles évoquant l’obsession et le désir, des thèmes récurrents dans la culture pop de cette époque. Le son de Def Leppard, mélodique mais toujours résolument rock, devient la référence pour de nombreux groupes de hard rock à suivre.

 

La montée en puissance du groupe et l’ère des superstars

Avec le succès de « Pyromania », Def Leppard entre dans la catégorie des superstars du rock. Le groupe tourne dans le monde entier, remplissant les stades et devenant une référence incontournable de la scène glam metal et hard rock. Mais malgré le succès, des défis majeurs attendent le groupe.

En 1984, alors que Def Leppard prépare ce qui deviendra leur plus grand album, « Hysteria », le batteur Rick Allen est victime d’un accident de voiture qui lui fait perdre son bras gauche. Un coup dur pour le groupe, mais au lieu d’abandonner, Rick Allen décide de continuer à jouer de la batterie en développant une technique unique avec un kit de batterie électronique spécialement conçu pour lui.

 « Hysteria » : L’album de la consécration et des records

Un album hors norme

Après quatre ans de travail acharné, Def Leppard sort enfin « Hysteria » en 1987. L’album est immédiatement un triomphe planétaire. Avec pas moins de sept singles à succès, dont « Pour Some Sugar on Me », « Love Bites », et « Armageddon It », « Hysteria » devient l’un des albums les plus vendus de l’histoire du rock, dépassant les 25 millions de copies vendues dans le monde.

Ce qui distingue « Hysteria », c’est son mélange parfait de riffs rock et de mélodies pop, renforcé par une production ultra-sophistiquée, encore une fois sous la direction de Mutt Lange. L’album est conçu pour plaire à un public large, combinant l’énergie brute du rock avec des refrains catchy et des harmonies vocales complexes.

« Pour Some Sugar on Me » devient l’hymne de l’été 1987, propulsant Def Leppard encore plus haut dans le panthéon des légendes du rock. Grâce à des vidéoclips omniprésents sur MTV, le groupe devient une figure incontournable de la culture pop des années 80.

La tournée mondiale et le statut de légendes vivantes

La tournée qui suit la sortie de « Hysteria » est l’une des plus impressionnantes de l’époque. Def Leppard remplit des stades à travers le monde, avec des shows spectaculaires et une mise en scène digne des plus grandes productions. À la fin des années 80, le groupe atteint des sommets inégalés, rivalisant avec des groupes comme Bon Jovi, Van Halen, et Guns N’ Roses.

Mais derrière les paillettes et le glamour, Def Leppard doit faire face à des défis personnels et professionnels. Le succès massif entraîne des tensions au sein du groupe, et la pression pour continuer à produire des hits est immense. Cependant, malgré ces obstacles, Def Leppard continue à sortir des albums qui trouvent leur public.

L’après Hysteria : Résilience et longévité dans une industrie changeante

Tragedy strikes again : la mort de Steve Clark

Alors que le groupe est au sommet de sa popularité, une autre tragédie frappe en 1991 avec la mort de Steve Clark, le guitariste principal, après une longue bataille contre l’alcoolisme. Sa disparition est un coup dur pour le groupe, mais Def Leppard décide de continuer, et Vivian Campbell, ancien guitariste de Dio, rejoint la formation.

Le groupe sort « Adrenalize » en 1992, un album qui rencontre un grand succès, même s’il n’atteint pas les sommets de « Hysteria ». Le single « Let’s Get Rocked » devient néanmoins un hit, prouvant que Def Leppard reste une force majeure sur la scène rock.

 

Def Leppard

 

Le phénomène Limp Bizkit : le groupe de nu metal américain depuis 1997

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/10/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Le phénomène Limp Bizkit : un groupe de nu metal américain

Limp Bizkit est sans doute l’un des groupes les plus controversés et à la fois les plus populaires du genre nu metal. Originaires de Jacksonville, en Floride, ces musiciens ont réussi à créer un son unique ayant marqué une génération. Dans cet article, nous explorerons leur parcours ainsi que les éléments qui ont contribué à leur succès fulgurant.

La genèse du groupe : rencontre entre Fred Durst et Sam Rivers

C’est en 1994 que Fred Durst, alors tatoueur, fait la rencontre de Sam Rivers, bassiste de formation. Les deux hommes deviennent rapidement amis et décident de former leur propre groupe de musique, avec l’idée d’allier rock et hip-hop. Ils sont rapidement rejoints par le cousin de Sam, John Otto, à la batterie et Wes Borland, guitariste aux talents multiples et à l’apparence excentrique.

Un nom original pour un groupe original

Pour trouver le nom de leur groupe, ils ont choisi « Limp Bizkit », qui signifie littéralement « biscuit mou » en anglais. Un choix étrange, mais qui reflète bien l’esprit décalé et provocateur du band, qui marquera toute leur carrière.

Une ascension fulgurante

Dès leurs premières performances, le groupe se fait remarquer pour son énergie incroyable sur scène et sa capacité à électriser le public. Leur style musical mélangeant habilement rock, metal, hip-hop et autres sonorités leur permet de se démarquer rapidement. C’est cette singularité qui va les amener à signer avec le label Flip/Interscope alors qu’ils n’ont encore rien enregistré.

Le succès de l’album « Three Dollar Bill, Y’all$ »

En 1997, Limp Bizkit sort son premier album intitulé « Three Dollar Bill, Y’all$« . Celui-ci est marqué par la chanson phare « Counterfeit« , qui sera leur premier single. Le succès de cet opus leur ouvrira les portes du fameux festival Ozzfest et de nombreuses autres dates de concert aux côtés de groupes renommés comme Korn ou Deftones.

La consécration : « Significant Other » et « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water

L’année 1999 marque une étape cruciale dans la carrière de Limp Bizkit. Leur deuxième album, « Significant Other« , fait un véritable carton avec des titres emblématiques tels que « Nookie » et « Break Stuff« . Ces morceaux provoquent une véritable hystérie chez leurs fans et assurent au groupe une place indéniable sur la scène internationale du nu metal.

Toile de fond controversée en streaming

C’est également durant cette période que le groupe fait parler de lui pour d’autres raisons. En effet, ils sont controversés notamment pour leur participation au désastreux festival Woodstock 99, durant lequel des violences et incendies ont eu lieu. Cette polémique n’empêche pourtant pas Limp Bizkit de continuer sur sa lancée.

En 2000, ils sortent leur troisième album : « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water« . Celui-ci se vend à plus de six millions d’exemplaires aux États-Unis seulement, preuve du succès phénoménal du groupe. Parmi les morceaux les plus populaires, on retrouve « Rollin’ » ou encore « My Way« .

Départs et retours au sein du groupe

Le parcours de Limp Bizkit est également marqué par des tensions internes ayant mené à plusieurs départs et retours de membres. Le guitariste emblématique Wes Borland a notamment quitté le groupe deux fois avant de revenir finalement en 2009. Par la suite, la formation aura quelques changements, tels que l’arrivée du DJ Franko Carino.

Un nouvel album attendu

• Nouveau single « Dad Vibes »
• Album toujours en préparation

Aujourd’hui, les fans de Limp Bizkit sont toujours impatients de découvrir un nouvel album, qui semble être en préparation depuis quelques années déjà. En attendant, ils peuvent se réjouir avec le nouveau single du groupe, « Still Sucks », que Fred Durst a révélé lors d’un récent concert.

Il est indéniable que Limp Bizkit a marqué de son empreinte l’histoire de la musique, en étant à la fois adulés et décriés. Mais une chose est sûre : leur héritage perdure encore aujourd’hui auprès des fans du monde entier.

EN SAVOIR PLUS…

Pivot de la scène nu-métal de la fin des années 90, Limp Bizkit  a fait connaître le rap au grand public avec les albums qui ont défini sa carrière, Defined Other , Chocolate Starfish et Hot Dog Flavored Water .

Mené par le charismatique – et polarisant – leader Fred Durst , le groupe Limp Bizkit  a connu une série de succès radio (« Counterfeit », « Faith », « Nookie », « Break Stuff », « Rollin’ (Air Raid Vehicle) » et « Behind Blue Eyes ») avant de faire une pause au milieu des années 2000, alors que leur mélange frénétique de hip-hop, de métal et de post-grunge tombait en désuétude.

Limp Bizkit s’est réuni en 2009 et a sorti Gold Cobra, deux ans plus tard. Depuis lors, Limp Bizkit a continué à tourner et à sortir des singles occasionnels. En 2021, Limp Bizkit a annoncé que le Stampede des Disco Elephants, leur premier nouvel album studio depuis plus d’une décennie, était presque terminé.

Limp Bizkit

Limp Bizkit : Three Dollar Bill

Limp Bizkit a été formé en Floride en 1994 par le chanteur Fred Durst et son ami, le bassiste Sam Rivers. Le cousin de Rivers , John Otto, s’est rapidement joint à la batterie et le guitariste Wes Borland a complété le quatuor original (plus tard complété par DJ Lethal ).

Après que Korn ait joué dans la région de Jacksonville en 1995, le bassiste Fieldy s’est fait tatouer plusieurs fois par Durst (un tatoueur) et les deux sont devenus amis. La fois où  Korn était dans la région, ils ont récupéré la démo de Limp Bizkit et ont été tellement impressionnés qu’ils l’ont transmise à leur producteur, Ross Robinson..

Grâce principalement au bouche-à-oreille, le groupe Limp Bizkit a été choisi pour tourner avec House of Pain et les Deftones .

Les contrats avec le label affluent et après avoir signé avec Flip/Interscope, Limp Bizkit sort son premier album, Three Dollar Bill Y’All . À la mi-1998, Limp Bizkit était devenu l’un des groupes les plus en vogue de la scène rap-metal en plein essor, aidé également par plus d’action en tournée – cette fois avec Faith No More et plus tard, Primus – ainsi qu’une apparition sur Défilé de mode Spring Break ’98 de MTV.

La plus grande pause, cependant, a été une place sur la tournée des valeurs familiales de cet été, qui a considérablement rehaussé le profil du groupe.

Limp-Bizkit

Avec leur premier label, Three Dollar Bill Y’All , Limp Bizkit s’est rapidement hissé au sommet du sous-genre alt-metal connu sous le nom de « rapcore ». Une partie de la raison pour laquelle le groupe se démarquait de ses pairs était son énergie cinétique et frénétique.

Ils n’ont peut-être pas beaucoup d’idées originales – ils sont en grande partie une excroissance de Korn , Faith No More et les Red Hot Chili Peppers – mais ils le font bien.

Ils ont une section rythmique puissante et des punch line mémorables, dont la plupart compensent l’écriture inégale. Là encore, vous ne recherchez pas la perfection pour un premier album – vous recherchez un son prometteur, et sur ce front, Limp Bizkit est à la hauteur.

Limp Bizkit

Limp Bizkit : Significative Other

Le deuxième album très attendu de Limp Bizkit , Significative Other , est sorti en juin 1999, et lui et la vidéo qui l’accompagne pour « Nookie » ont fait du groupe des superstars. Significative Other a fait ses débuts au numéro un et s’était vendu à plus de quatre millions d’exemplaires à la fin de l’année, aidant également à pousser Three Dollar Bill Y’All au- delà de la barre des disques de platine.

Durst , quant à lui, a été sélectionné pour un poste de vice-président senior chez Interscope Records début juillet. Cependant, au milieu de ce succès massif, la controverse a poursuivi le groupe après la performance de cet été à Woodstock ’99.

À la suite des émeutes et des agressions sexuelles qui se sont avérées être l’héritage malheureux du festival, Durst a été fortement critiqué pour avoir encouragé la foule déjà tapageuse et l’avoir incitée à « casser des trucs ».

Non seulement au moins un viol par mosh pit a été signalé pendant le set du groupe (en plus de nombreuses autres blessures), mais le chaos qui s’en est suivi a forcé les organisateurs du festival à débrancher la prise au milieu de leur spectacle.

Même si la performance de Limp Bizkit a eu lieu la veille des tristement célèbres émeutes de clôture du festival, le groupe a été éreinté par les médias, qui leur ont reproché d’avoir déclenché l’étincelle qui a enflammé une atmosphère potentiellement volatile. Intrépide,

Limp Bizkit a fait la une de la tournée Family values cette année-là, avec le nouveau controversé Durst faisant la une des journaux pour des affrontements périodiques avec les compagnons de tournée de Bizkit .

Limp-Bizkit

Limp Bizkit s’est fait une réputation grâce à un travail acharné, faisant une tournée infernale de leur premier album Three Dollar Bill Y’All et s’élevant ainsi au statut de popularité de leurs mentors de métal alternatif Korn , tout aussi influencés par le rap .

Avec leur deuxième album, Significative Other , Limp Bizkit frôle le niveau artistique de Korn ; à tout le moins, c’est considérablement plus ambitieux et multidimensionnel que Three Dollar Bill . Boite Bizkit, bien sûr, n’a pas abandonné leur signature sonore surchargée de testostérone, ils l’ont juste construit.

Il y a des fioritures de néo-psychédélia sur des numéros de métal martelant et il y a des tourbillons de cordes, même des crooning, au fond le plus inattendu. Tout cela renforce simplement la force de leur attaque rap-metal, qui peut devenir un peu fastidieuse si elle est sans fioritures. Ce n’est pas un hasard si la palette sonore élargie sert également de coloration émotionnelle aux paroles de Fred Durst .

Il a rompu avec sa petite amie de longue date – son autre significatif, si vous voulez — pendant l’écriture de l’album, et son angoisse est apparente tout au long du disque, car presque chaque chanson est imprégnée de la culpabilité, de la colère et du regret qui ont été soulevés à la suite de la séparation.

Cela donne cependant l’impression qu’il s’agit d’un Blood on the Tracks alt-metal . Ce n’est pas. Néanmoins, il a plus de poids émotionnel que Three Dollar Bill , avec une musique plus efficace et aventureuse.

Plus important encore, il équilibre ces nouvelles préoccupations avec des traces de leur humour juvénile ainsi que le puissant aggro rap-metal qui est leur stock dans le commerce.

Ce qui en fait un rare bond en avant artistique qui plaira toujours au public qui en veut juste plus.

Limp Bizkit

Limp Bizkit : Results may vary

Pendant la crise de Napster en 2000, Durst est devenu l’un des défenseurs les plus virulents du commerce de musique en ligne ; cet été-là, Limp Bizkit s’est lancé dans une tournée gratuite parrainée par Napster.

Tout cela a préparé le terrain pour la sortie en octobre du troisième album du groupe, Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water .

Wes Borland a quitté le groupe peu de temps après, nécessitant une longue recherche d’un guitariste de remplacement de valeur comparable; enfin, après avoir passé près de trois ans sans nouvel album, le groupe Limp Bizkit a sorti Results May Vary , qui a culminé au numéro 3 du Billboard 200 américain et est finalement devenu platine.

Borlandest revenu après sa sortie, et le groupe a publié The Unquestionable Truth, Pt. 1 EP en 2005.

limp bizkit

Limp Bizkit

Limp Bizkit – Greatest Hitz

The Bizkit a ensuite publié Greatest Hitz , une enquête sur les carrières en 17 pistes qui comprenait tous les succès de leur apogée. En 2009, le groupe retourne en studio pour enregistrer avec sa formation originale.

Après un certain nombre de retards,Limp Bizkit sort son cinquième album studio, Gold Cobra, à l’été 2011. Avec le single « Shotgun », The LP a été généralement bien reçu et classé dans plusieurs pays.

En 2012, le groupe Limp Bizkit a quitté Interscope, a rejoint la liste de Cash Money Records et est retourné en studio pour commencer à travailler sur l’album numéro sept. Ils ont sorti les singles « Ready To Go » et « Endless Slaughter » en 2013, mais il faudra des années avant que le nouveau disque ne voit le jour.

Limp Bizkit – concert au Hellfest

Marqué par des difficultés créatives et des changements de label et de personnel, le Stampede of the Disco Elephants qui en résulte est apparu à l’horizon après la sortie du single « Dad Vibes » en 2021.

Six mois après la sortie de Limp Bizkit The Unquestionable Truth, Pt. De 1 à l’apathie quasi universelle – ce qui peut arriver lorsque vous sortez un album sans aucune promotion – le groupe s’est précipité sur la compilation Greatest Hitz , une généreuse promenade de 17 titres dans le passé.

Franchement, il est difficile d’imaginer comment cette collection aurait pu être mieux exécutée. Bien que cela puisse ne rien contenir de The Unquestionable Truth, Pt. 1 — ce qui est en fait un peu dommage, car c’était un bien meilleur album que son prédécesseur de 2003, Results May Vary, mais une règle cardinale des albums à succès (ou hitz) est qu’ils doivent contenir des chansons que les gens ont réellement entendues – il contient tous les grands succès de MTV ou de rock actif du groupe.

Deux singles mineurs dans les charts sont MIA – « Crushed » en 2000 et « Almost Over » en 2004 pour être précis – mais tout ce dont on se souvient est ici. Il y a leur premier single, « Counterfeit »; il y a « Faith », le premier de leur série interminable de reprises embarrassantes, est ici, avec leur pire (« Behind Blue Eyes ») et leur dernier.

Il y a les grands succès « Nookie », « Break Stuff », « Rollin’ (Air Raid Vehicle) », « My Way » et « My Generation »; et il y a « Take a Look Around », leur contribution à la bande originale de Mission Impossible 2, qui est moins oubliable que les trois sélections de Results May Vary .

Rien de tout cela n’a bien vieilli – en fait, il a vieilli incroyablement vite, sonnant plus vieux que les tubes de rock alternatif du milieu des années 90 – mais c’est presque hors de propos, car cela fait bien son travail, et les auditeurs ceux qui veulent avoir du Limp Bizkit dans leur collection trouveront cela pour leur fournir plus de ce qu’ils veulent que tout autre dizc Bizkit .

Limp Bizkit : Gold Cobra 

Arrivant à la conclusion que The Unquestionable Truth était si puissant qu’il n’avait jamais eu besoin du deuxième volume promis, Limp Bizkit a fait une pause au cours de la seconde moitié des années 2000, le leader Fred Durst étant beaucoup plus acclamé par la critique en tant que réalisateur qu’il ne l’a jamais fait en tant que réalisateur. un chanteur.

Malgré ces hosannas à contrecœur, Durst s’est senti obligé de réunir le Bizkit , d’effacer les souvenirs du programme raté de The Unquestionable Truth et de Wes Borland-moins « Répéter si nécessaire », pour trouver un moyen d’exploiter la colère qui a déclenché tout le processus.

Une tâche difficile pour n’importe quel groupe, mais en plus de se frotter à Auto-Tune – l’effet vocal électronique tremblant qui est embroché sur « AutoTunage » – Limp Bizkit a l’ intention de revenir en arrière et de revenir à l’attaque à plein régime de Three Billet d’un dollar Y’All .

Si le groupe Limp Bizkit  est déterminé à agir comme si les 15 dernières années ne s’étaient jamais produites, Durst est déterminé à agir comme s’il avait 15 ans, en lançant toujours des flèches douloureuses à quiconque aurait pu se mettre sur son chemin.

Le contexte compte et l’angoisse des adolescents est un peu plus difficile à digérer venant d’un homme adulte que d’une vingtaine d’années, en particulier si cet adulte est un millionnaire qui ressemble maintenant un peu à Le frère le plus lourd de Michael Stipe .

Durst ne peut toujours pas s’empêcher de crier à chaque fois qu’il est en colère, et il est souvent en colère : il est fou d’Auto-Tune, il est fou des connards de Beverly Hills, il se demande pourquoi il devrait essayer, il pense que tu devrais avoir une vie et te préparer vous-même pour une « attaque de requin ».

Moins un détail ou deux, c’est le même ensemble de griefs qu’il colporte depuis le début, les similitudes si frappantes qu’elles sont sûrement aussi intentionnelles que Bizkit sortir leur mouture métallique pré-millénaire, agissant comme si les années W n’avaient jamais eu lieu.

Bien sûr, en tant que son pur, il est bien exécuté – plus assuré, musical et, bien, professionnel que n’importe lequel de leurs autres albums, leur âge leur conférant une dextérité absente de leurs tubes – mais la rétro-rage délibérée soulève la question : à qui s’adresse cette musique exactement ? Est-il destiné à attirer un nouveau lot d’adolescents frustrés qui bégaient ou est-ce pour des adultes abattus et déçus qui n’ont pas encore ébranlé les ressentiments des adolescents?

L’argent sûr est sur ce dernier, mais cela suggère seulement que toute cette rage est un acte calculé, que Limp Bizkit – dont les membres sont bien plus intelligents que leur art, comme toute interview avec Durst ou Borland prouve — n’agit de cette façon que parce que c’est tout ce qu’ils savent faire ou parce que ça se vend… du moins ça l’a fait à un moment donné.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Limp Bizkit

1. Qui est Limp Bizkit et comment ont-ils commencé leur carrière musicale?

Limp Bizkit est un groupe de rock américain formé en 1994 à Jacksonville, en Floride. Le groupe est composé de Fred Durst au chant, Wes Borland à la guitare, Sam Rivers à la basse, John Otto à la batterie et DJ Lethal aux platines. Ils ont commencé leur carrière musicale en jouant dans des clubs locaux en Floride et ont rapidement gagné en popularité grâce à leur son unique et énergique.

2. Quel est le style musical de Limp Bizkit?

Le style musical de Limp Bizkit est un mélange de rap, de rock, de metal et de punk. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare puissants, des rythmes de batterie lourds et des paroles qui reflètent souvent la colère et la frustration.

3. Quels sont les albums les plus connus de Limp Bizkit?

Limp Bizkit a sorti six albums studio au cours de leur carrière, mais leurs deux albums les plus connus sont « Significant Other » (1999) et « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water » (2000). Ces albums ont été des succès commerciaux et ont propulsé le groupe au sommet des charts.

4. Quelles sont les chansons les plus célèbres de Limp Bizkit?

Certaines des chansons les plus célèbres de Limp Bizkit sont « Nookie », « Break Stuff », « My Way », « Rollin' », et « Behind Blue Eyes ».

5. Comment Limp Bizkit a-t-il influencé la musique?

Limp Bizkit a influencé la musique en introduisant un son hybride de rap et de rock qui a ouvert la voie à de nombreux autres groupes de rap-rock et de nu-metal. Le groupe a également été l’un des premiers à intégrer un DJ à leur formation, ce qui est maintenant devenu une pratique courante dans de nombreux genres musicaux.

6. Comment le groupe a-t-il évolué au fil du temps?

Au fil du temps, Limp Bizkit a évolué en explorant différentes sonorités et en expérimentant de nouveaux styles musicaux. Leur album « Results May Vary » (2003) a marqué un tournant dans leur carrière avec une approche plus douce et plus introspective, tandis que leur album « Gold Cobra » (2011) a vu le retour du son plus agressif et énergique pour lequel ils sont connus.

7. Quels sont les membres actuels de Limp Bizkit?

Les membres actuels de Limp Bizkit sont Fred Durst (chant), Wes Borland (guitare), Sam Rivers (basse), John Otto (batterie) et DJ Lethal (platines).

8. Le groupe a-t-il remporté des prix pour leur musique?

Oui, Limp Bizkit a remporté plusieurs prix pour leur musique, notamment un Grammy Award pour la meilleure performance hard rock en 2001 pour leur chanson « Take a Look Around ».

9. Quels sont les moments forts de la carrière de Limp Bizkit?

Limp Bizkit a connu de nombreux moments forts au cours de leur carrière, notamment leur performance à Woodstock ’99 qui a été marquée par des troubles et des incendies, leur tournée mondiale en 2001 qui a été un immense succès, et leur collaboration avec le rappeur Method Man sur la chanson « N 2 Gether Now » qui a été un grand succès.

10. Quel est l’héritage de Limp Bizkit dans l’histoire de la musique?

Limp Bizkit a laissé un héritage durable dans l’histoire de la musique en tant que groupe pionnier du mouvement nu-metal et du rap-rock. Leur mélange unique de rap et de rock a influencé de nombreux autres groupes et a ouvert la voie à de nouveaux genres musicaux. Leur son énergique et leur présence sur scène ont également inspiré des générations de fans de musique à travers le monde.

The Beatles: Get Back, tout ce que vous devez savoir

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 18/10/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Le prochain documentaire « The Beatles: Get Back » réalisé par Peter Jackson offrira un regard révélateur sur le groupe. Voici ce que nous savons jusqu’à présent.

The Beatles Get Back, le documentaire

The Beatles Get Back, le documentaire

Les Beatles sont peut-être l’un des groupes les plus intensément documentés et étudiés de l’histoire – ils ont dominé la liste des 100 plus grands artistes de tous les temps de Rolling Stone , et de nombreux films ont été réalisés sur leur ascension vers la gloire et leur impact culturel. Leur héritage se perpétue dans la musique moderne et la culture populaire.

Il semble presque étrange qu’il puisse y avoir tellement plus à apprendre sur le groupe britannique emblématique, mais heureusement pour les fans des Beatles, Disney + a collaboré avec WingNut Films pour réaliser une série documentaire en trois parties qui examinera de toutes nouvelles séquences des Beatles, comme enregistré par Michael Lindsay-Hogg en 1969.

The Beatles: Get Back plongera profondément dans la vie et les sessions d’enregistrement des Beatles du début janvier 1969 jusqu’à leur incroyable ensemble sur le toit sur Savile Row le 30 janvier 1969, qui était la dernière performance publique en direct du groupe de leur carrière .

La série présente le tout premier enregistrement complet du spectacle en direct et offrira un regard incroyablement approfondi sur les derniers jours des Beatles en tant que groupe. The Beatles: Get Back sera diffusé pendant trois jours pendant les vacances de Thanksgiving, à partir du 25 novembre 2021 , et vous pourrez regarder chaque épisode lors de sa diffusion sur Disney+ .

Où trouver The Beatles: Get Back quand il sortira ?

Le réalisateur Peter Jackson a passé trois ans à reconstituer les images de Michael Lindsay-Hogg, tout en utilisant des technologies modernes de montage et de restauration.

The Beatles: Get Back

DISNEY+

Vous pouvez diffuser The Beatles: Get Back à sa sortie, ainsi que d’autres séries documentaires, sur Disney+. Le service de streaming est disponible via une connexion Internet si vous habitez en Australie, Autriche, Canada, îles anglo-normandes, France, Allemagne, Inde, Irlande, île de Man, Italie, Monaco, Pays-Bas, Nouvelle-Zélande, Porto Rico, Espagne, La Suisse, le Royaume-Uni ou les États-Unis La plate-forme de streaming direct de Disney est accessible à partir de navigateurs de bureau, d’appareils mobiles, de consoles de jeux, etc.

Disney+ abrite les films Walt Disney Studios, les films et séries Marvel, les séries originales de Disney Channel, les films et courts métrages Pixar, les films et séries Star Wars et les titres National Geographic. La plateforme publie également en permanence de nouveaux contenus , tels que The Mandalorian , Raya et le dernier dragon , ainsi que des séries à venir comme Obi-Wan Kenobi , et des films à venir comme Luca .

De quoi parlera The Beatles : Get Back ?

Réalisé par Peter Jackson et produit par The Walt Disney Studios et WingNut Film Productions Ltd., The Beatles: Get Back présentera des séquences inédites de Michael Lindsay-Hogg (réalisateur de films comme Brideshead Revisited et Waiting for Godot ), qui documente les Beatles au cours de la préparation et de la performance de leur spectacle de 1969, qui présentait leur dernière performance en direct en tant que groupe, aboutissant à une interprétation de la chanson « Get Back ».

L’ensemble sur le toit, qui comprenait des mélanges et des versions de chansons qui apparaîtraient sur le dernier album studio des Beatles, Let It Be , vit à travers 150 heures d’audio inédit et 60 heures de séquences inédites, qui capturent le quotidien de les sessions d’enregistrement intimes qui ont précédé le spectacle. Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono Lennon et Olivia Harrison ont tous déclaré leur soutien à la série documentaire de six heures.

The Beatles: Get Back

Jackson, un fan autoproclamé des Beatles, a passé trois ans à reconstituer les images de Lindsay-Hogg, en utilisant des technologies modernes de montage et de restauration. Le résultat est quelque chose qu’il décrit comme une « histoire d’amis et d’individus », qui offrira un aperçu de la vie et des relations des Beatles.

Jackson est la première personne en 50 ans à avoir eu accès aux archives médiatiques que le documentaire point culminant, et The Beatles: Get Back offrira au public une chance de découvrir la musique des Beatles comme jamais auparavant. La série documentaire arrivera également sur les talons d’un livre compagnon, The Beatles: Get Back , qui fait ses débuts le 12 octobre et présente des transcriptions de la audio du documentaire, des centaines de nouvelles photos, et plus encore.

Comment regarder The Beatles : Get Back ?

Pour commencer à regarder The Beatles: Get Back le 25 novembre 2021, vous pouvez vous abonner à Disney+ dès aujourd’hui à partir de 7,99 $ ou 79,99 $ pour un abonnement d’un an. Envisagez d’investir dans un forfait avec Hulu ou ESPN+ pour tirer le meilleur parti de votre abonnement, ou même de vous abonner pendant un an pour économiser un peu d’argent supplémentaire.

Disney+ est disponible sur des appareils tels que les produits Apple, les appareils de diffusion en continu Roku, Google Chromecast, les téléphones Android et les téléviseurs, XBOX One, PlayStation 4, les téléviseurs LG, les produits Samsung, Chrome OS, Mac OS ou Windows PC.

En plus de tous ses nouveaux contenus, Disney+ abrite également des films classiques comme Aladdin , Sleeping Beauty , Robin Hood , A Bug’s Life et The Princess and The Frog que vous pouvez regarder à la demande, ainsi que des émissions Disney Channel Original comme Sky High , Elena of Avalor , Kim Possible et The Owl House . Ils ont également beaucoup de propriétés auxquelles vous ne vous attendez pas , comme Pixar Shorts, The Princess Bride , The Simpsons , Home Alone ,Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l’Armoire , Hamilton , et plus encore.

Début 2019, Apple Corps Ltd et WingNut Films Ltd ont annoncé un nouveau documentaire sur les Beatles , qui serait basé sur environ 55 heures de séquences de studio inédites des sessions « Get Back » et Let It Be du groupe en 1969 . Au cours des deux dernières années, de nouvelles informations ont continué à tomber sur le film, dirigé par le réalisateur oscarisé Sir Peter Jackson. Initialement prévu pour une sortie en septembre 2020, The Beatles: Get Back sera diffusé sur Disney + du 25 au 27 novembre.

En attendant sa première, voici ce que nous savons jusqu’à présent sur The Beatles: Get Back .

Il a été réalisé avec l’entière coopération du groupe

Les deux Paul McCartney et Ringo Starr ont chanté les louanges du film, tandis que John Lennon veuve de, Yoko Ono Lennon et George Harrison « veuve, Olivia Harrison, ont également offert leur soutien du projet.

Ce sera l’expérience ultime de voler sur le mur

« C’est comme si une machine à remonter le temps nous ramène en 1969, et nous pouvons nous asseoir dans le studio en regardant ces quatre amis faire de la bonne musique ensemble », a déclaré Peter Jackson.

Les images utilisées dans Get Back ont été tournées à l’origine pour le documentaire de Michael Lindsay-Hogg de 1970, Let It Be , qui a capturé des moments intimes en studio pendant que le groupe répétait et enregistrait les chansons de ce qui serait leur dernier album.

Le métrage, maintenant revisité par Jackson sous un nouveau jour, est le seul matériel à noter qui documente les Beatles au travail en studio.

The Beatles: Get Back

Il mettra en vedette la célèbre performance sur le toit dans son intégralité

Le 30 janvier 1969, les Beatles ont joué une performance surprise sur le toit de leur studio Savile Row. Bien que les images du tournage en direct aient été bien documentées au fil des ans, elles n’ont jamais été montrées dans leur intégralité. The Beatles: Get Back de Jackson comprendra l’intégralité de la performance de 42 minutes.

Ringo a récemment partagé ses souvenirs de cette performance emblématique avec Variety : « Nous avions décidé de jouer ensemble, en tant que groupe live. Et nous avons pensé à d’autres lieux, puis nous avons pensé : ‘Attendez, montons juste sur le toit.’ Et Michael a filmé ce truc sur le toit vraiment bien, avec beaucoup de caméras. »

Alors que le film original montrait environ 20 minutes de la performance, Ringo a déclaré qu’il était ravi de voir l’ensemble dans son intégralité, ajoutant « c’est génial ».

Le premier montage était de 18 heures

« Le premier montage a duré 18 heures et j’espérais qu’il y aurait un appétit pour dire: » OK, faisons une version de six heures « , a partagé Jackson dans une nouvelle interview avec GQ .

Toutes les séquences que nous avons tournées sont là et nous les avons simplement laissées comme scène coupée, il ne nous a donc pas fallu longtemps pour en faire une version plus longue.

Je savais que dans ce monde d’Internet, de streaming et de tout le reste, nous trouverions un chez-soi quelque part pour une version plus longue, ce qui évite d’avoir à couper des choses. »

Jackson a utilisé la technologie numérique en combinaison avec des images d’archives

Jackson a expliqué dans la même interview qu’ils avaient adopté la technologie du film They Shall Not Grow Old pour équilibrer la palette de couleurs du film, mais rien d’autre n’a été changé. Cela a laissé le réalisateur envieux de la mode à cette époque.

« Tout ce que nous avons fait, c’est d’utiliser la technologie que nous avons développée pour le film de la Première Guerre mondiale ‘Ils ne vieilliront pas’, en prenant toutes ces vieilles images de la Première Guerre mondiale et en les restaurant.

Nous n’avons pas essayé de pousser les couleurs primaires des vêtements vers le haut ou quoi que ce soit. Nous n’avons fait aucun truc comme ça. Nous venons d’équilibrer les tons de peau, et les couleurs que vous voyez, je suppose, sont les couleurs qui étaient là ce jour-là. Je veux dire, ça te rend jaloux des années 60, parce que les vêtements sont tellement fantastiques.

The Beatles: Get Back

‘Get Back’ est une célébration

Dans l’introduction de son interview avec Peter Jackson dans GQ , le journaliste Dylan Jones a expliqué à quel point le nouveau film est moins décevant que l’original.

« ‘The Beatles: Get Back’ est une autre étape sur la route longue et sinueuse vers une immortalité améliorée, car les films montrent les Beatles au sommet de leur art et ne se détériorent pas, comme ils semblaient l’être dans ‘Let de Michael Lindsay-Hogg Il soit.’

Le tout dernier film des Beatles a été un énorme échec lors de sa sortie en 1970 et il est resté un échec depuis. » Bref, Get Back est une célébration.

Vous pouvez vous attendre à entendre de la nouvelle musique

En plus des 55 heures de film, Jackson travaille également avec 140 heures d’enregistrements audio. Plusieurs des chansons sélectionnées au cours des sessions ont été incluses dans la compilation Anthology 3 de 1996, qui comprenait des extraits et des démos de « The White Album », Abbey Road et Let It Be . Cependant, il y a beaucoup de musique qui n’a pas été officiellement publiée.

Il offrira également une chance d’observer le développement des membres du groupe en tant qu’artistes solos. La plupart des morceaux qui n’ont pas été diffusés sur Let It Be ont ensuite été développés et inclus dans leurs albums solo, notamment le « Teddy Boy » écrit par Paul McCartney, qui est apparu sur son premier album solo de 1970, McCartney , et celui de George Harrison. Hear Me Lord’ et ‘Isn’t It A Pity’, qui ont ensuite été publiés sur son album de 1970, All Things Must Pass .

John Lennon, quant à lui, peut être entendu en train de travailler sur « Gimme Some Truth » et « Oh My Love », qui sont tous deux apparus dans Imagine en 1971 .

La vraie relation du groupe est révélée

Alors que le long métrage de Lindsay-Hogg offrait un regard en profondeur sur les sessions des Beatles, il révélait également certains des moments de tension dans le studio. À bien des égards, il documente un groupe au bord de la rupture.

Get Back , en revanche, regarde les images dans leur ensemble et brosse un tableau très différent du temps passé ensemble par le groupe. Dans une récente interview sur The Howard Stern Show , Paul McCartney a déclaré : « Nous nous amusons évidemment ensemble. Vous pouvez voir que nous nous respectons et que nous faisons de la musique ensemble, et c’est une joie de la voir se dérouler.

Pendant ce temps, dans une déclaration, Ringo a rappelé: « Nous avons passé des heures et des heures à rire et à jouer de la musique… Il y avait beaucoup de joie, et je pense que Peter le montrera. Je pense que cette version sera beaucoup plus paisible et aimante, comme nous l’étions vraiment.

S’adressant à Variety , Ringo a ajouté que le film original, « se concentrait uniquement sur le moment le plus bas… Tout le monde connaît ma position. Je pensais que le downer était beaucoup plus gros que le reste (dans Let It Be ). J’étais là . C’était très amusant… J’ai dit : « Je sais qu’il y a beaucoup d’humour là-bas. »

« La réalité est très différente du mythe », a confirmé Jackson dans un communiqué de presse. « Après avoir revu toutes les séquences et l’audio que Michael Lindsay-Hogg a tourné 18 mois avant leur rupture, c’est tout simplement un incroyable trésor historique. Bien sûr, il y a des moments dramatiques, mais aucune des discordes auxquelles ce projet a longtemps été associé. »

« The Beatles: Get Back crée un contre-récit joyeux au film Let It Be des Beatles de 1970, la chanson du cygne , qui a essentiellement documenté la rupture du groupe et est une expérience plutôt déprimante. Le nouveau film est complètement différent, avec les quatre membres qui rient et font le clown à la manière classique de la vadrouille », a écrit Variety , qui a pu visionner des segments du film.

 The Beatles, Get Back: la fiche technique

– Titre original : The Beatles: Get Back
– Réalisation : Peter Jackson, avec des archives filmées par Michael Lindsay-Hogg
– Musique : The Beatles (remastérisée par Giles Martin et Sam Okell)
– Photographie : Anthony B. Richmond
– Montage : Jabez Olssen
– Production : Jonathan Clyde, Peter Jackson et Clare Olssen
– Producteurs délégués : Jeff Jones et Ken Kamins
– Sociétés de production : Apple Corps et WingNut Films
– Société de distribution : Walt Disney Pictures
– Pays d’origine : Drapeau du Royaume-Uni Royaume-Uni, Drapeau des États-Unis États-Unis, Drapeau de la Nouvelle-Zélande Nouvelle-Zélande
– Format : Couleurs
– Genre : documentaire musical
– Durée : 6 heures
– Dates de sortie : 25, 26 et 27 novembre 2021 (Disney+)

The Beatles, Get Back: La Distribution

•  John Lennon
• Paul McCartney
• George Harrison
• Ringo Starr
• Billy Preston
• Yoko Ono
• Mal Evans
• George Martin
• Linda McCartney
• Heather McCartney

The Beatles, Get Back: La génése

Initié par le directeur général de Apple Corps Jeff Jones et son collègue Jonathan Clyde, Peter Jackson est approché afin d’effectuer la restauration des images tournées en janvier 1969 pour un nouveau film documentaire.

Le réalisateur qui devait effectuer ce nouveau montage ayant démissionné, Jackson se montre intéressé au projet. Mais celui-ci, possédant une copie du film original et réticent de réaliser un film sur la dissolution de ce groupe mythique, n’a pas accepté de s’impliquer avant de visionner ces heures de séquences filmées.

Par la suite, il affirme : « Ce que j’ai trouvé, c’est que j’ai ri continuellement. Je ne faisais que rire. Je riais et riais et riais et je ne pouvais pas m’arrêter. » Lorsqu’il rencontre Paul McCartney à l’arrière-scène de son spectacle à Auckland en 2017, il surprend l’ex-beatle quand il lui décrit ce qu’il a vu.

Refusant de permettre la restauration du film d’origine et inquiété par ses propres souvenirs de ses séances, teintées par la perception généralement glauque de ce mois en studio, McCartney est rassuré et le projet peut alors débuter.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Quelle est l’histoire derrière l’album Get Back des Beatles ?

L’album Get Back a une histoire assez complexe et mouvementée. À l’origine, le projet était de faire un documentaire cinématographique sur l’enregistrement d’un nouvel album des Beatles, qui aurait pour titre provisoire Get Back.

Le réalisateur Michael Lindsay-Hogg a filmé le groupe pendant plusieurs semaines, notamment pendant les sessions d’enregistrement au studio Twickenham à Londres et dans les studios d’Apple Corps à Savile Row. Le projet a été marqué par des tensions au sein du groupe, notamment entre Paul McCartney et les autres membres, ainsi que des problèmes techniques et artistiques.

Finalement, le projet a été abandonné, mais les enregistrements ont été retravaillés et ont abouti à la sortie de l’album Let It Be, qui est sorti en 1970, peu après la séparation du groupe. En 2003, une version alternative de l’album, intitulée Let It Be… Naked, a été publiée, qui présente les chansons dans une version dépouillée, sans les ajouts et les effets sonores qui avaient été ajoutés à l’époque.

En 2021, une nouvelle version de l’album, intitulée Get Back, est sortie, qui a été remixée et restaurée à partir des enregistrements originaux.

Quelles sont les chansons les plus connues de l’album Get Back des Beatles ?

L’album Get Back a donné naissance à plusieurs chansons qui sont devenues des classiques du répertoire des Beatles. La chanson-titre, « Get Back », est sans doute la plus célèbre, avec son riff de guitare entraînant et son refrain accrocheur. « Let It Be » est également un classique, avec sa mélodie émouvante et ses paroles qui ont une signification spirituelle pour beaucoup de gens.

« The Long and Winding Road » est une ballade puissante avec des arrangements orchestraux, tandis que « Across the Universe » est une chanson plus expérimentale avec des paroles inspirées de la méditation transcendantale.

Quelle a été la réception de l’album Get Back des Beatles ?

L’album Get Back a été accueilli de manière mitigée par la critique à sa sortie, en partie en raison de la façon dont les enregistrements ont été produits et des conflits internes du groupe. Cependant, certaines des chansons de l’album sont devenues des classiques indémodables et ont été saluées pour leur qualité musicale.

La version remixée et restaurée de l’album qui est sortie en 2021 a été saluée par les fans et la critique pour sa qualité sonore améliorée et pour le fait qu’elle présente le groupe de manière plus positive, en montrant leur collaboration créative et leur complicité.

Quand est-ce que l’album « Let It Be » est sorti ?

« L’album « Let It Be » est sorti le 8 mai 1970, après que le groupe ait déjà annoncé sa séparation. Cependant, l’enregistrement de l’album a été tumultueux et il y avait beaucoup de tension entre les membres du groupe. Pour cette raison, la production de l’album a été mise en attente et le groupe a enregistré l’album « Abbey Road » avant de finaliser « Let It Be ».

Quelle est la signification de la chanson « Get Back » ?

« Get Back » a été écrite par Paul McCartney et a été inspirée par la ségrégation raciale aux États-Unis à l’époque. McCartney a imaginé une histoire dans laquelle Jojo était un homme blanc qui voulait aller à Los Angeles pour rencontrer une femme noire nommée Loretta Martin. La chanson a été enregistrée avec Billy Preston, un pianiste américain qui a également joué avec les Beatles lors de la session de « Let It Be ».

Comment a été enregistré l’album « Let It Be » ?

L’album « Let It Be » a été enregistré en grande partie en janvier 1969, dans les studios de Twickenham Film Studios à Londres. Le groupe a également enregistré des sessions à la fin du mois d’août de la même année aux studios Apple, également à Londres. L’album a été produit par Phil Spector, qui a ajouté des arrangements orchestraux à certaines chansons, y compris « The Long and Winding Road ».

L’album a été enregistré en utilisant un équipement relativement simple, car le groupe cherchait à enregistrer un album dans un style « live ». Cependant, le processus d’enregistrement a été marqué par des tensions et des désaccords, et il y avait des divergences sur la façon dont l’album devait être produit.

La musique Métal expliquée à ma mère !

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/09/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

La musique métal : présentation, origine et culture

Vous avez probablement entendu parler de la musique métal…, ma mère aussi.
J’ai beau lui expliquer depuis des années le pourquoi du comment, elle ne comprend toujours pas. Voilà donc une synthèse pour qu’enfin, elle comprenne… Le métal, savez-vous vraiment ce qu’est la musique métal ? Connaissez-vous cette musique et sa culture? Vous pouvez avoir des hypothèses erronées sur ce sujet.

La musique métal : c’est quoi ?

La musique métal est un style musical qui provient de nombreux courants, principalement du hard rock. Le rock est généralement l’un des styles musicaux les plus importants du 20e siècle.

Après Psychedelic Rock et Blues Rock des années 60 avec Sweet Smoke et Yardbirds, un nouveau genre est apparu au début des années 70: le Hard Rock. Ce rock est beaucoup plus musclé, avec des riffs puissants *, un son de guitare riche et souvent un tempo plus rapide.

Le chanteur de hard rock est très souvent charismatique et forme « la marque » du groupe. La liste des groupes d’anthologie est longue dans ce genre, mais on peut citer, par exemple, Led Zep, Aerosmith, Deep Purple, Van Halen et bien sûr AC / DC.

A partie de 1969, un groupe quelque peu différent a commencé à faire parler de lui : Black Sabbath. C’était du hard rock ? Pas vraiment, car même si le chanteur Ozzy Osbourne avait une voix aussi charismatique que celle de Robert Plant (Led Zeppelin) ou Bon Scott (AC / DC), le tempo était beaucoup plus lent, les riffs beaucoup plus durs.

Les chansons étaient souvent composées en mode mineur, contrairement au hard rock, qui avait tendance à être en mode majeur. En termes simples, un mode majeur donne généralement à la chanson un ton plus joyeux et dynamique qu’un mode mineur, qui lui  donne un sentiment plus triste, plus mélancolique, plus sombre et plus mystérieux. Attention cependant, ce n’est pas systématique et il existe de nombreux contre-exemples.

Black Sabbath a réussi et de nombreux groupes s’en sont inspirés. Compte tenu de l’expansion de ce style, il a finalement été caractérisé et nommé : le métal. La musique métal est née.

Crédit photo : Eric CANTO

Les propriétés musicales de la musique métal…

La musique métal est un genre extrêmement complexe et diversifié, il est donc assez difficile de généraliser la musique métal, mais certains éléments typiques sont toujours présents dans les différents sous-genres. Tout d’abord, le mode mineur prédomine dans les compositions, ce qui donne aux chansons une connotation sombre.

Ce sentiment est renforcé par l’utilisation massive de l’intervalle « Newt » (exactement trois tons, ce qui correspond à un cinquième augmenté ou un cinquième réduit), qui est considéré comme un accord dissonant par excellence et contribue au fait que l’impression peut être entendue dans une musique agaçante et grinçante, d’où le nom « Métal ». Un très bon exemple est la chanson « Black Sabbath » du groupe du même nom, dans laquelle le gimmick principal repose sur le triton.

Crédit photo : Eric CANTO

Les instruments de la musique métal

Au niveau des instruments, on retrouve dans la musique métal la combinaison caractéristique du hard rock: une ou deux guitares électriques (en l’occurrence lead et rythmique), une basse et un kit de batterie. Les musiciens peuvent également utiliser un clavier, en particulier dans des genres comme le métal symphonique et d’autres instruments folkloriques (violon, cornemuse, flûte, etc.) en métal folklorique.

Le rythme des compositions de la musique métal est généralement très rapide et s’approche parfois des limites de la capacité humaine. Un exemple bien connu est la chanson « Through the Fire and Flames » de DragonForce, dont le tempo est de 200 battements par minute.

Le rythme de la musique métal

Le rythme très rapide de la musique métal oblige souvent les musiciens à avoir une grande maîtrise technique de leurs instruments, voire une certaine virtuosité. C’est généralement le cas pour les batteurs qui utilisent beaucoup de toms et la double pédale.

Une exception notable concerne le Doom Metal, qui se caractérise par un rythme très lent. Les techniques utilisées sur la guitare vont des accords de puissance (accords simples, mauvais harmoniques qui sonnent puissants) à des accords plus complexes et virtuoses comme le shred (qui combine vitesse et technique) ou le picking de trémolo (note répétée très rapidement).

Le chant de la musique métal

Concernant la chanson, on associe souvent (à tort!) Le chant de la gorge (la chanson qui donne l’impression que le chanteur mange son déjeuner) avec du métal.

Ce type de chanson n’existe pas dans tous les sous-genres de la musique métal, bien au contraire! Le type de voix et la technique vocale utilisés sont des caractéristiques distinctives importantes des sous-genres, c’est pourquoi j’y reviendrai dans un autre article.

L’esprit du métal: un mouvement satanique ?

Le métal est souvent associé à tort au satanisme. Pourquoi ? Il s’avère que le métal est un style résolument provocateur. Cet esprit existe également dans le punk, mais ce genre attaque davantage la politique et la société, tandis que le métal est plus contraire à la religion.

En fait, le métal rejette souvent l’influence de la religion sur nos sociétés et les entraves qui leur sont associées.

Cela ne veut pas dire que les métalleux ne sont pas croyants ou impies.

Il y a un petit sous-genre appelé « Christian Métal » qui incorpore des messages chrétiens dans les paroles. Cependant, ce style s’est particulièrement développé dans les pays où le christianisme domine, et les groupes choisissent souvent de marquer leur opposition et de simplement s’inspirer de ce que l’Église condamne: le diable et le satanisme. Pour cette raison, certains éléments rappellent la culture de métal imprégné de Satan:

– Le triton: Cette période a été interdite au Moyen Âge et associée à Satan. L’Eglise l’avait appelé « Diabolus In Musica ».

– Cornes de diable: C’est le symbole collectif des têtes métalliques, de l’index et du petit doigt levé.

– Le nombre 666 signifie « le nombre de la bête », le nombre du diable, contrairement au nombre 333, qui est associé à la Trinité (Dieu, le Christ et le Saint-Esprit). Plusieurs chansons le montrent, y compris la chanson et l’album éponyme d’Iron Maiden « The Number of the Beast ».

– La croix inversée: symbole de l’Antéchrist, qui est contenu dans les logos de certains groupes ou dans des éléments décoratifs scéniques.

– Le pentagramme inversé: figure ésotérique utilisée dans les rituels sataniques et parfois représentée dans les logos de certains groupes. Bien que ces éléments soient très présents dans la culture du métal, très peu de groupes et de métallurgistes sont résolument sataniques.

Ces références ne sont utilisées que pour indiquer le rejet de la religion en général (en particulier les religions chrétiennes) et font largement partie du « folklore ». Le métal n’est donc pas un mouvement satanique, comme certains groupes et politiciens chrétiens veulent le croire.

Crédit photo : Eric CANTO

Thèmes récurrents de la musique métal

Comme je l’ai dit, le métal est un genre qui s’intéresse davantage à la spiritualité, à nos questions intérieures et à nos peurs. Et quoi de plus effrayant pour l’homme à cet égard que la mort, ce grand inconnu ?

Par conséquent, ce dernier est l’un des thèmes récurrents à la fois dans les chansons et les noms des groupes. A travers le métal, les groupes ont aussi le désir de porter nos sentiments négatifs à l’extérieur, de servir brièvement de « catharsis ».

La souffrance physique et mentale, la peur, l’inconfort, la solitude, la colère et la violence sont donc des sources d’inspiration pour de nombreux groupes.

Dans certains genres comme le folk métal et le black métal, les mythologies nordiques et celtiques jouent un rôle important, souvent associé au désir de redécouvrir nos origines et de communiquer avec les forces de la nature. Il convient également de noter que le paganisme a été sévèrement condamné par l’Église et que toutes ces mythologies et cultures ont été abandonnées en raison de l’oppression catholique.

Une manière de marquer à nouveau son opposition aux religions chrétiennes … Les univers qui émergent de la littérature fantastique héroïque (chevalerie, créatures mythiques, magie, quête héroïque, bataille entre le bien et le mal, etc.) sont également une source d’inspiration pour certains groupes, notamment pour le Power Metal et le Metal symphonique.

Cependant, ne croyez pas que les métalleux sont déprimés et à risque de suicide ou même de mystiques! Les Métalleux aiment aussi (et surtout) apprécier et profiter des joies de la vie: l’alcool et le sexe sont des sujets très courants dans les chansons.

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Crédit photo : Eric CANTO

Culture de la musique métal

Code vestimentaire de la musique métal

La couleur du métal est le noir. Le métal head a souvent les cheveux longs, un t-shirt à l’image de son groupe préféré, un jean ou un pantalon à bretelles, éventuellement des bracelets de force, et le Dr. Martens ou Converse, bref, une tenue pour se sentir bien et faire preuve de passion. Le cuir, les ongles, les pointes diverses et variées sont également des éléments très courants.

La veste à patch est aussi un vêtement associé au hard rock et au métal: c’est une veste (en jean ou en mesh) sur laquelle le métalhead coud des patchs avec les noms et logos des groupes qu’il préfère.

Lors de concerts, vous pouvez également rencontrer des amateurs de musique métal portant un kilt et une corne à boire. Dans ces cas, vous devez traiter avec des amateurs de folk métal. Note importante: Très souvent, des amateurs de musique métal s’intègrent dans la population, car beaucoup ne prennent cette « tenue » que lors de concerts et de festivals.

Un autre point important de l’aspect métallique est certainement les modifications corporelles: les fans de métal portent souvent de nombreux tatouages ​​et couvrent parfois une partie du corps (bras, dos, torse, etc.). Les piercings sont également courants.

Comment bouge un métalleux lors de concerts de métal

Les amateurs de musique métal aiment aller à des concerts ou à des festivals comme le Hellfest. Contrairement à de nombreux concerts d’autres styles musicaux, le public métal est particulièrement dynamique. Le mouvement de base est le headbang, un mouvement de la tête d’avant en arrière qui suit le tempo de la musique. Et les métalleux vous diront que l’effet est beaucoup plus réussi si vous avez les cheveux longs !

Le signe le plus pratiqué est celui des cornes du diable, qui est principalement utilisé pour saluer la fin d’une pièce et d’un concert (le metalhead préfère généralement faire les cornes du diable et sa satisfaction par un cri ou un Exprimez un grognement au lieu d’applaudir).

Des chorégraphies peuvent être réalisées pour les plus sportifs. Tout d’abord, le pogo, inspiré du punk, qui forme la base de la « danse » métal. Il s’agit de sauter de haut en bas et de rencontrer vos voisins, ce qui vous donne l’impression de sauter de haut en bas.

Soyez assuré que si jamais vous tombez dans un pogo, il y aura toujours quelqu’un pour vous aider à vous lever ! Ensuite, il y a d’autres chorégraphies plus extrêmes réservées aux plus audacieux: – The Mosh Pit: Pogo, qui exerce également des mouvements de bras d’avant en arrière et des coups de pied un peu inspirés des arts martiaux. Le mosh pit est principalement pratiqué dans les concerts de métalcore.

Le wall of death

Le mouvement le plus extrême et impressionnant du public ! Afin de former un mur de la mort, le public s’est divisé en deux parties à la demande du chanteur, une à sa droite, une à sa gauche. A son signal, les deux moitiés du public doivent se heurter au milieu du terrain et provoquer une grosse collision. C’est ainsi que se termine cette première partie de « Metal for Dummies« .

Le métal étant un genre très vaste et complexe, dans un prochain article, j’expliquerai les caractéristiques des différents sous-genres qui peuplent ce style de musique.

Maintenant que vous en savez un peu plus sur la culture métal, j’espère que vous n’avez plus peur des amateurs de musique métal et de leur musique, car même si ce style semble violent à première vue, vous constaterez qu’il est très riche et que ses disciples sont des amateurs de bière et de camaraderie, mais surtout…des mélomanes.

Voilà, normalement ma mère a capté ce que nous venons de raconter.

Là franchement, je ne peux pas plus simplifier.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur la musique Métal

1. Qu’est-ce que la musique Métal ?

La musique Métal est un genre musical qui est apparu à la fin des années 1960 et au début des années 1970, principalement en Grande-Bretagne et aux États-Unis. Elle se caractérise par des guitares électriques très saturées, des rythmes lourds et des voix puissantes. Le Métal englobe de nombreux sous-genres, tels que le Heavy Métal, le Thrash Métal, le Death Métal, le Black Métal, le Doom Métal, etc.

2. Quels sont les instruments typiques utilisés dans la musique Métal ?

Les instruments typiques utilisés dans la musique Métal sont la guitare électrique, la basse électrique, la batterie et le chant. Certaines formations incluent également des claviers, des violons ou d’autres instruments plus inhabituels.

3. Qu’est-ce que le headbanging ?

Le headbanging est un mouvement caractéristique associé à la musique Métal. Il consiste en un mouvement de la tête en avant et en arrière, en suivant le rythme de la musique. Le headbanging peut être pratiqué debout ou assis, et peut varier en intensité selon les individus.

4. Quels sont les artistes emblématiques de la musique Métal ?

La musique Métal a donné naissance à de nombreux artistes emblématiques, tels que Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica, Slayer, Megadeth, Pantera, AC/DC, Judas Priest, Motörhead, Ozzy Osbourne, et bien d’autres encore.

5. Qu’est-ce que le mosh pit ?

Le mosh pit, également appelé circle pit ou pit, est une pratique associée à la musique Métal. Il s’agit d’un espace dans le public où les spectateurs se regroupent pour danser de manière très énergique en se bousculant. Le mosh pit peut être assez violent et nécessite une grande vigilance pour éviter les blessures.

6. Comment les paroles des chansons Métal sont-elles généralement écrites ?

Les paroles des chansons Métal peuvent aborder de nombreux sujets, tels que la politique, la religion, la guerre, l’amour, la mort, la nature, etc. Elles sont souvent écrites de manière poétique, métaphorique ou imagée, et peuvent être très sombres ou provocatrices.

7. Comment la musique Métal est-elle perçue dans la société ?

La musique Métal est souvent perçue de manière controversée dans la société. Elle est parfois associée à des comportements violents, des drogues, ou des idéologies extrêmes. Cependant, elle est également appréciée par de nombreux fans pour son énergie, sa créativité, et son engagement envers la liberté d’expression.

8. Comment la musique Métal a-t-elle évolué au fil du temps ?

La musique Métal a connu de nombreuses évolutions au fil du temps, avec l’apparition de nouveaux sous-genres et des influences diverses provenant d’autres genres musicaux. Par exemple, le Heavy Métal classique des années 1970 a évolué vers le Thrash Métal dans les années 1980, qui était plus rapide et plus agressif. Dans les années 1990, le Death Métal et le Black Métal ont émergé, avec des paroles plus sombres et des rythmes plus lents. Au cours des dernières années, des genres tels que le Metalcore et le Djent ont vu le jour, apportant des éléments de musique électronique et de Jazz au Métal.

9. Qu’est-ce que le metal underground ?

Le metal underground est une scène musicale alternative qui se caractérise par des groupes indépendants et des labels de musique indépendants. Ces groupes ne sont pas forcément connus du grand public, mais ils sont appréciés par les fans de Métal pour leur originalité, leur créativité et leur engagement envers le genre.

10. Qu’est-ce que le Metallica Black Album et pourquoi est-il important pour le Métal ?

Le Metallica Black Album est le cinquième album studio de Metallica, sorti en 1991. Il s’agit d’un album très important pour la musique Métal, car il a permis au groupe de conquérir un public plus large et de s’affirmer comme l’un des plus grands groupes de Métal au monde. L’album est également important car il a introduit des éléments plus mélodiques dans le son de Metallica, ce qui a influencé de nombreux groupes de Métal ultérieurs.