…Surplombant le centre-ville de Los Angeles alors que des boules de feu font briller leurs costumes à paillettes de chaleur. Quelques jours avant Coachella de cette année, ce duo sera présenté en première via une bande-annonce de Jumbotron pour leur nouvel album, Random Access Memories. Seuls quelques privilégiés ont vu les tenues – et toutes les personnes impliquées dans cette séance photo veulent désespérément que le secret soit gardé.
Cette tâche s’avère quelque peu difficile. L’héliport se trouve à l’intérieur d’un parc public et il y a un chemin piétonnier juste à côté. Les coureurs et les motards errants sont presque inévitables, et si l’un d’entre eux décide de sortir son téléphone, de prendre une photo et de la télécharger sur Instagram sans rupture, cet élément important de la stratégie de déploiement méticuleuse de Daft Punk sera ruiné.
Pour la première partie du tournage de la journée, Thomas Bangalter (casque d’argent) et Guy-Manuel de Homem-Christo (casque d’or) des Daft punk se tiennent derrière un mur de flammes de huit pieds. Les membres de l’équipage, dont certains portent des gants blancs afin d’éviter les taches sur les tenues scintillantes de la paire, restent vigilants pour les passants curieux.
Et alors que la séquence de boules de feu commence, un gars est repéré en train de ramper sur le côté de l’héliport. Il s’assied dans l’herbe à proximité, ouvre son sac à dos en tremblant et prend une gorgée d’une bouteille d’eau. «C’est eux? demande-t-il en brandissant son téléphone.
DAFT PUNK
DJ Falcon, ami de longue date de Daft Punk et l’un des nombreux collaborateurs du nouvel album, se précipite. «Le gars était en transe», se souvient Falcon quelques jours plus tard. «C’est comme s’il pensait: ‘C’est l’image de ma vie – je vais être celui qui montre le monde.’ Je pouvais ressentir l’intensité. Alors que le fan tremblant essaie d’obtenir son tir, Falcon lève les bras pour le bloquer, «comme un défenseur de la NBA».
Un surveillant du parc remarque le brouhaha et crie: «Assaut! Permis révoqué! Ferme-le! » Retraite des Daft Punk dans leur caravane. Plus de boules de feu.
Finalement, le drame est maîtrisé. Personne ne pourra voir les images du téléphone-appareil photo du paparazzo potentiel. «C’était juste une vidéo de moi essayant de protéger mes amis – sautant devant la balle», dit Falcon. «Vous ne pouviez pas voir de la merde.»
FAITES UN ZOOM ARRIÈRE PENDANT UNE SECONDE,…
et toute cette scène peut sembler profondément idiote: un groupe d’adultes essayant frénétiquement de cacher l’image de deux Français à la fin de la trentaine portant des costumes qui les font ressembler à C-3PO après un relooking disco bien adapté. Mais une fois que vous passez du temps avec Daft Punk – ou même écoutez simplement leur musique, ou regardez leurs vidéos, ou regardez leur émission en direct – une telle protection devient soudainement compréhensible, voire nécessaire. C’est un instinct de garder vivante l’idée de mystère à un moment où elle semble être historiquement rare.
Le lendemain du jour où les apparences rénovées du couple ont été révélées sur les écrans de Coachella comme prévu – provoquant des élans fous et certaines des explosions les plus excitantes du festival – Bangalter dit que tout sur la RAM et son accumulation est une question de surprise, de magie. «Quand on sait comment se déroule un tour de magie, c’est tellement déprimant», explique-t-il. «Nous nous concentrons sur l’illusion parce que le fait de dévoiler comment cela se fait éteint instantanément le sentiment d’excitation et d’innocence.»
Cette stratégie s’étend à la conception intimidante et ambitieuse de l’album, qui a amené Daft Punk à recruter certains des joueurs de session les plus doués au monde – des gars qui ont travaillé sur des classiques comme Michael Jackson, Madonna et David Bowie – pour donner les rythmes, les mélodies et des accords qui rebondissent autour des têtes de Bangalter et de Homem-Christo.
Sans parler de collaborations pleines et époustouflantes avec un certain nombre de leurs idoles et de leurs contemporains partageant les mêmes idées, notamment le cerveau chic Nile Rodgers, Pharrell, le chanteur / compositeur des années 70 schmaltzy Paul Williams, Panda Bear, la divinité de la maison Todd Edwards et le créateur d’électro Giorgio Moroder. Plus: Tout a été enregistré sur bande analogique dans des palais d’enregistrement raréfiés comme Electric Lady à New York et Capitol Studios à Los Angeles. La spontanéité humaine était convoitée; les ordinateurs, avec leur tendance à la répétition stupide, ne l’étaient pas.
«La technologie a rendu la musique accessible d’une manière philosophiquement intéressante, ce qui est formidable», déclare Bangalter, parlant de la prolifération de l’enregistrement à domicile et du studio d’ordinateur portable. « Mais d’un autre côté, quand tout le monde a la capacité de faire de la magie, c’est comme s’il n’y avait plus de magie – si le public peut simplement le faire lui-même, pourquoi vont-ils s’en soucier? »
SUR LE BORD DES MONTAGNES DE SAN JACINTO…
à Rancho Mirage, en Californie – quelque part entre Frank Sinatra Dr. et un concessionnaire Bentley ensoleillé – se trouve le domaine Bing Crosby, où les Daft Punk séjournent en ville pour Coachella cette année. Le nom de la maison n’est pas un abus de langage: le célèbre crooner l’a fait construire en 1957, alors qu’il entrait dans ses années d’or. Désormais, toute personne disposant d’un compte bancaire sain peut profiter de la piscine d’eau salée, de la vue sur toute la vallée et de l’aura des célébrités de la vieille école – JFK et Marilyn Monroe auraient eu une aventure ici au début des années 60 – pour seulement 3 000 $ la nuit.
Une douzaine d’amis se détendent dans et autour de la piscine tandis que Jay-Z, Janet Jackson et Miguel sortent de la chaîne stéréo à un volume très raisonnable. Bangalter et de Homem-Christo sont assis près de la lisière du patio de l’arrière-cour, les vents de montagne en rafales le long de la demeure à un étage. Compte tenu de leur tenue typique du corps entier, il est un peu choquant de voir Daft Punk se prélasser simplement en maillot de bain.
Bangalter est grand, mince et barbu dans un haut en jean déboutonné et un chapeau de paille. Il parle à 95%, et bien qu’il prétende ne pas bien connaître l’anglais à un moment donné, il a probablement un vocabulaire plus étendu que de nombreux Américains. Il prend parfois de longues pauses – 10 secondes ou plus – avant de répondre à une question, mais ces réponses peuvent continuer, sans interruption, pendant des minutes, souvent parsemées de bégaiements réfléchis. Le joueur de 38 ans se présente comme assez sérieux et prudent, pas intéressé par les plaisanteries.
De Homem-Christo, 39 ans, est torse nu avec un petit triangle en or suspendu à son cou, une solide bande en or autour de son poignet et un iPhone à boîtier en or sur une chaise à proximité.
Avec ses cheveux foncés aux épaules tombantes, il ressemble en quelque sorte à un Johnny Depp, plus petit et plus large, français. Dans les rares cas où il parle, il est plus spacieux et moins surveillé. À quelques reprises, il résume un soliloque de Bangalter de deux minutes avec une phrase ou une phrase rapide et précise.
Au cours de notre conversation de trois heures, il y a peu d’interaction entre les deux, qui sont amis depuis 26 ans, mais aucune trace d’hostilité non plus. Même sans casque,
À ENVIRON 15 MILES DE LÀ SE TROUVE L’EMPIRE POLO FIELD
, où Daft Punk a fait ses débuts à Coachella en 2006. À ce moment-là, le duo n’avait pas tourné depuis la sortie de leur premier album, Homework , en 1997. Pour ces premiers concerts , les Daft Punk resteraient immobiles, mélangeant leurs propres pistes de danse répétitives et enivrantes avec des classiques de la maison devant peut-être 2000 personnes, des tops. «La musique minimaliste a une personnalité attrayante particulière; le duo ne le fait pas », réprimandait une critique en direct de Spin à l’époque.
Et pendant que les Daft Punk portaient une panoplie de masques pour les séances photo, les Daft Punk ont dévoilé leur robot pour Discovery de 2001 – mais n’ont pas du tout tourné derrière cet album. Le morne et monotone Human After All a suivi en 2005, amenant même les fans les plus fervents à remettre en question les motivations du duo.
Mais grâce à la curiosité et à l’adoration cultuelle qui grandit lentement pour le génie effaçant le genre de Discovery , des dizaines de milliers de personnes se sont rendues dans leur décor désertique il y a sept ans. Bangalter se souvient avoir été conduit sur scène dans une voiturette de golf en tenue de robot et avoir entendu les chants: «Daft Punk! Daft Punk! »
«Passer de 1 800 personnes à 40 000 a été assez brutal », dit-il en étirant le mot. «En raison de l’anonymat, la relation avec notre public jusque-là était un concept abstrait, donc ressentir cette énergie était très étrange. C’était comme si nous avions validé quelque chose de si abstrait – en français, ça s’appelle la concrétisation … »
De Homem-Christo propose une traduction: «Make it real».
«Nous aimons l’idée d’essayer d’être des pionniers», poursuit Bangalter, «mais le problème avec cela est que lorsque vous êtes trop en avance, la connexion ne se produit pas vraiment à l’époque. Chez Coachella, nous avions peut-être encore cinq ans d’avance sur les gens, mais la connexion se faisait à ce moment-là . C’était le plus synchronisé que nous ayons jamais ressenti.
La pyramide rougeoyante est devenue la carte de visite de Daft Punk alors qu’elle parcourait le monde pendant 18 mois, gagnant sa place comme l’un des spectacles les plus joyeux de l’histoire de la musique pop et ouvrant la voie à une plus large acceptation de la culture de la danse, en particulier aux États-Unis. Skrillex, dont la configuration live aveuglante s’est sans doute rapprochée de l’héritage de la pyramide au cours des dernières années, se souvient être allé voir Daft Punk par lui-même en 2007, acheter un billet à un scalper pour 170 $, et avoir réorganisé son esprit – sans influence de drogues ou d’alcool.
«C’était définitivement incroyable », dit-il. Panda Bear l’a appelé le meilleur concert qu’il ait jamais vu. En tant que photographe officiel de la tournée, DJ Falcon a pu vivre une quarantaine de spectacles d’un point de vue enviable. Il se souvient d’un en particulier, à l’Amphithéâtre Red Rocks au Colorado: «Il y avait tous ces handicapés avec leurs familles à l’avant, et ils étaient si heureux», dit-il, une trace de respect dans sa voix. «À un moment donné, je me demandais s’ils allaient se lever et commencer à marcher, comme un miracle!»
Avec une demande toujours extrêmement élevée, Daft Punk a mis un terme au trek alors que 2007 tirait à sa fin. «Nous voulions le sceller comme un moment spécial», déclare Bangalter. Mais ramèneraient-ils jamais la pyramide? Bangalter réfléchit à la question pendant un moment, éloignant une mouche de son nez. «Nous ne voulons jamais faire quelque chose deux fois … mais en même temps, nous n’avons jamais rien fait deux fois, donc si nous le faisions, ça pourrait être cool.
Homem-Christo rit de sa propre logique détournée, laisse échapper un gémissement las, sentant une pente glissante. Malgré les chargements d’argent qui les accueilleraient sûrement s’ils se glissaient dans leurs tenues étincelantes, et s’asseyaient au sommet d’un cube ou d’une sphère géante, ils disent qu’il n’y a pas de plans immédiats pour une nouvelle tournée de quelque nature que ce soit.
L’ÉRUPTION DE LA PYRAMIDE S’APPARENTAIT…
à votre extravagance de rock star typique par son ampleur et sa portée, mais aussi par les aspects plus inclusifs et diffusifs des concerts de DJ traditionnels, où tout le monde est la star. Cela place Daft Punk dans une position unique dans l’écosystème de la personnalité de la musique contemporaine: légitimement célèbre et sans visage.
À ce point, Bangalter compare leur situation à Batman («nous sentons que la pyramide était comme notre Batmobile»), Cendrillon («après la fin du spectacle, nous retournons à l’anonymat et à la normalité»), le magicien d’Oz («nous ») et un mec en costume de Mickey Mouse à Disney World (« si vous avez 100 enfants autour de vous toute la journée, ne devenez-vous pas grosse tête? » ).
«Regarder des robots n’est pas comme regarder une idole», affirme de Homem-Christo. «Ce n’est pas un être humain, donc c’est plus comme un miroir – l’énergie que les gens envoient sur scène rebondit et tout le monde passe un bon moment ensemble plutôt que de se concentrer sur nous. En outre, il s’avère que ces casques rendent la tâche assez difficile à voir . «Les visières sont très, très teintées, et je suis de toute façon myope», dit Bangalter. «Je pouvais entendre les clameurs, mais je n’ai pratiquement aucun souvenir visuel de la tournée à part regarder nos contrôleurs.
Tout comme leurs costumes établissent une frontière physique entre eux et leur public, les Daft Punk jouissent d’une «séparation totale» entre leur vie privée et leur vie publique, ce que les Daft Punk veulent précisément. «Nous ne parlons pas de nos vies privées parce qu’elles sont privées», dit Bangalter en riant.
« De plus, l’image publique est de toute façon plus amusante et divertissante. » Au lieu de désirer une renommée traditionnelle et une reconnaissance mondiale, Bangalter dit que les Daft Punk sont plus intéressés à «changer le monde sans que personne ne sache qui nous sommes, ce qui est un fantasme d’ego très différent, et cela semble être la prémisse de développements beaucoup plus passionnants.
«Habituellement, le style de vie des célébrités de 24 heures et nécessitant beaucoup d’entretien peut déconnecter les gens de la réalité», poursuit-il. «Et après qu’un groupe a fait des disques pendant 20 ans, ils ne font pas la merde la plus intéressante parce qu’ils tombent dans cette existence bourgeoise, réussie et établie.
Même dès leur plus jeune âge, Bangalter et de Homem-Christo ont fait tout leur possible pour se distancer du confort de la normalité. En fait, ils ne se sont peut-être jamais rencontrés si le père producteur de musique de Bangalter (qui a écrit plusieurs tubes disco des années 70) et la mère de la danseuse de ballet ne l’ont pas transféré dans le prestigieux lycée Carnot de Paris, cherchant à donner plus de défi à leur fils.
Alors que les deux ont grandi avec de l’argent – la famille de Homem-Christo dirigeait une agence de publicité – leurs parents leur ont donné un sentiment de liberté, ce qui n’était guère une évidence parmi leurs camarades de classe boutonnés.
«Même lorsque ces enfants avaient 13 ans, le poids de la classe sociale pesait déjà sur eux», dit Homem-Christo. «Ils étaient habillés comme leurs pères, c’était fou. Bangalter se souvient d’une connaissance adolescente bien élevée qui souhaitait devenir comptable parce qu’il pouvait «avoir un plan de retraite cool».
Le couple, qui était parmi les rares dans leur école à aimer Spacemen 3, My Bloody Valentine, Primal Scream, Big Star, les Beach Boys et le Velvet Underground, se sont rapidement liés. Et, à leur manière, ils vont à l’encontre du statu quo depuis. C’est pourquoi les Daft Punk sont plus punk que presque tous les groupes punk des 20 dernières années: Random Access Memories , leur premier véritable album en huit ans, pousse cette impulsion à l’extrême.
LE DISQUE MARQUE ÉGALEMENT UN MOMENT de BOUCLAGE
pour le mouvement disco des années 70, qui a commencé comme une scène underground ouverte d’esprit, s’est enchevêtré et homogénéisé par l’industrie de la musique d’entreprise, puis s’est rapidement écrasé. Sans un soutien financier important, la discothèque ne pouvait pas se permettre le temps du studio et les joueurs virtuoses qui ont produit certains de ses plus grands succès, mais son esprit progressiste a survécu à plusieurs variétés électroniques décousues des années 80, y compris la house, la techno et le hip-hop – les mêmes sons qui ont à l’origine inspiré Daft Punk sur Homework .
En tant que vrais disciples de la maison, le duo n’a jamais été timide quant à leurs influences. Des «Teachers» de Homework , un morceau dans lequel les Daft Punk listent littéralement leurs héros, aux nombreux échantillons et interpolations qui composent Discovery , les Daft Punk sont souvent à leur meilleur tout en interagissant joyeusement avec le passé.
Et RAM, qui fait la navette entre la discothèque festive, le funk maussade, le psychédélisme expansif, la pop new wave, le G-funk et même la musique trap minimaliste, a le même genre de portée éclectique que l’on trouverait dans des clubs légendaires comme le Paradise Garage de New York, où un jeu normal la nuit pourrait inclure des chansons de James Brown, de la police, de Steve Miller Band, de Talking Heads et de Kraftwerk. Pour Daft Punk, l’album est en quelque sorte un correctif à un style de musique qui, selon eux, est pris dans une ornière assommée par l’ordinateur.
«C’est très étrange comment la musique électronique s’est formatée et a oublié que ses racines sont sur la liberté et l’acceptation de chaque race, sexe et style de musique dans cette grande fête», dit Bangalter. «Au lieu de cela, il a commencé à devenir ce style de vie électronique qui impliquait également la glorification de la technologie.»
DAFT PUNK
Pour être clair: les Daft Punk ne sont pas anti-technologie, ni même anti-ordinateur (les Daft Punk admettent volontiers que la RAM n’aurait pas pu se faire sans eux). Mais ils ont une certaine colère pour l’aspect normalisant que la technologie peut avoir sur la musique, comment les lignes de code sont incapables de recréer les variables issues de techniques relativement organiques.
«Nous n’avons jamais pu nous connecter à l’utilisation d’ordinateurs comme instruments de musique», dit Bangalter en haussant les épaules. «Nous nous sommes toujours appuyés sur des composants matériels – vieilles boîtes à rythmes, synthétiseurs – mais c’était plus comme un laboratoire électrique chaotique avec des fils partout. Nous avons essayé de faire de la musique avec des ordinateurs portables au milieu des années 2000, mais c’était vraiment difficile de créer à partir de l’ordinateur sans y mettre des choses. Dans un ordinateur, tout est rappelable à tout moment, mais la vie est une succession d’événements qui n’arrivent qu’une seule fois. »
DAFT PUNK A COMMENCÉ À TRAVAILLER SUR RANDOM ACCESS MEMORIES EN 2008
jouant presque tout seul et faisant des boucles, comme les Daft Punk l’avaient fait auparavant. Mais ça ne semblait pas bien. «Il est devenu clair que nous étions limités par notre propre handicap à tenir un groove comme nous le voulions pendant plus de huit ou 16 mesures», admet Bangalter. « Ce que nous aimons dans le disco, c’est l’idée de jouer le même groove encore et encore – votre cerveau peut dire que ce n’est pas un échantillon qui est rejoué. »
Les Daft Punk ont donc recruté des instrumentistes techniquement maîtrisés (le genre de gars qui ornent les couvertures de magazines comme Modern Drummer et Bass Musician ), ont réuni différentes combinaisons de joueurs, expliqué leurs idées, créé des partitions ou fredonné des mélodies, et collecté des tonnes d’enregistrements originaux. sur bande analogique. «L’idée de travailler avec des musiciens allait bien au-delà de l’amélioration du son», déclare Bangalter. «C’était l’occasion de créer quelque chose à un niveau très personnel avec les gens que nous admirons le plus.»
À cette fin, les Daft Punk rencontraient souvent ces collaborateurs au préalable pour parler des idées et des inspirations derrière l’album avant même d’entrer dans un studio. Nile Rodgers de Chic, le funk à succès Zelig derrière certains des coups de langue les plus lisses de tous les temps, se souvient avoir éclaté sa guitare jazz L5 à l’ancienne dans son salon lors de sa première rencontre avec Bangalter et de Homem-Christo l’année dernière.
«les Daft Punk sont tout simplement excités», dit-il. Les trois ont fini par enregistrer les parties de Rodgers au cours de quelques jours aux Electric Lady Studios de Manhattan, le même endroit où Chic a déposé son premier single en 1977. En plus de son jeu de guitare, Rodgers a également montré à Daft Punk certaines de ses méthodes d’enregistrement. «C’est comme ça que vous faisiez autrefois: quand une personne vous paie le gros prix, vous voulez vous assurer qu’elle est heureuse et qu’elle n’a pas à vous rappeler», dit Rodgers en riant. «Alors je les ai bombardés d’idées et je leur ai dit: ‘OK, maintenant vous comprenez cette merde.’»
En effet, décider comment organiser ce que Bangalter appelle «une énorme quantité d’actifs» a été la partie la plus difficile de mettre de la RAM ensemble, et pourquoi cela a pris si longtemps. Par exemple, même si les Daft Punk ont enregistré des parties d’orchestre pour presque toutes les chansons de l’album, ces cordes ne se sont terminées que sur trois ou quatre pistes. Même un morceau apparemment simple comme le premier single «Get Lucky» a pris environ 18 mois du début à la fin, car il est lentement passé d’un morceau basé sur Wurlitzer à l’hymne estival haletant que nous connaissons maintenant.
Le titre de l’album, qui a été réglé dès le début, est devenu un guide et une justification pour le coup de fouet du disque passe d’une chanson à l’autre et d’invité à invité. «Cela nous a aidés à comprendre comment tous ces collaborateurs pouvaient vivre ensemble», déclare Bangalter, Lovesexy , ou même sortir un quadruple album.
Mais de toutes les parties mobiles qui composent Random Access Memories , la section la plus épineuse à assembler était la pièce maîtresse de l’album de huit minutes, «Touch». La piste kaléidoscopique met en vedette Paul Williams, 72 ans, qui a écrit d’immenses succès pour les Carpenters, Barbra Streisand, et plus encore à son apogée des années 70, avant de sombrer dans l’abus de drogue et d’alcool dans les années 80, puis de se rétablir dans les années 90.
Daft Punk était obsédé par Williams dès son plus jeune âge, en grande partie à cause de son rôle dans l’opus pop schlocky 1974 du réalisateur Brian De Palma, Phantom of the Paradise., dans lequel il joue une goule faustienne qui échange son âme pour devenir l’imprésario par excellence du rock’n’roll. Le film est ridicule, drôle, divertissant et sans cesse référentiel – tout comme Daft Punk. (À un moment de notre entretien, Bangalter a laissé échapper que lui et de Homem-Christo avaient récemment eu une réunion avec De Palma pour «discuter de certaines choses», bien qu’il ait refusé de divulguer des détails.)
Pour l’inspiration, Bangalter a donné à Williams un livre d’histoires sur des personnes qui étaient mortes, sont revenues à la vie et se sont souvenues de parties de vies passées. Et les paroles de Williams parlent d’un réveil: «Je me souviens du toucher», chante-t-il avec envie.
«En tant que personne qui a été déclarée morte et qui est revenue, je pourrais me connecter à cette idée dans la chanson», dit Williams, qui est maintenant sobre depuis 23 ans et qui fait l’objet du récent documentaire tranquillement triomphant Still Alive.
Pendant ce temps, la chanson se déforme et se plie, flottant à travers les genres, les époques et les émotions avec un sentiment d’émerveillement hallucinatoire, ne rappelant rien de moins que «A Day in the Life» des Beatles.
«C’est comme le cœur du disque», dit de Homem-Christo, «et les souvenirs des autres morceaux tournent autour de lui.
Alors que Bangalter et de Homem-Christo parlent de «Touch», il y a encore un sentiment d’étonnement dans leurs voix. «C’était la chose la plus compliquée que nous ayons jamais faite», dit Bangalter. «Et c’est devenu tellement excitant parce que nous n’avions pas l’impression de prendre la voie facile.
Avec ce record, nous avons eu le luxe de faire des choses que tant de gens ne peuvent pas faire, mais cela ne signifie pas qu’avec le luxe vient le confort. C’est cet état d’esprit à enjeux élevés qui maintient ces gars dans une position enviable dans l’imaginaire collectif, peu importe le temps qu’ils prennent entre les tours de magie. Parce que si les Daft Punk sont encore capables de s’étonner…
REPORTAGE DE MICHAEL RENAUD
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mes photos sont publiées depuis de nombreuses années dans Focus Magazine. À chaque numéro, une double page est consacrée aux concerts du moment ou à un report photo d’un événement de l’actualité culturelle.
Focus MagazineMontpellier est une publication mensuelle qui met en lumière la vie culturelle, artistique et sociale de la ville de Montpellier. Chaque numéro offre un regard approfondi sur les événements, les lieux et les personnalités qui font la richesse de cette métropole méditerranéenne. Dans cet article, nous vous présenterons l’histoire du magazine, son contenu, ses différentes rubriques, sa présence en ligne, ses engagements locaux et comment s’abonner.
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Lieux incontournables
Cette rubrique met en avant les lieux emblématiques de Montpellier, qu’il s’agisse de musées, de galeries d’art, de salles de concert ou de théâtres. Les lecteurs peuvent ainsi découvrir ou redécouvrir les trésors cachés de leur ville.
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Pour l’occasion, le magazine à créé plusieurs couvertures différentes, et a fait appel au graphiste Supakich. SupaKitch est un artiste plasticien. Né à Bagnolet , il vit et travaille à Biarritz avec sa femme Koralie, également artiste reconnue.
SUPAKITCH dans Focus Magazine
Élevé dans la culture manga et hip-hop, passionné de dessin et de musique depuis son enfance, SupaKitch trouve dans la rue une multitude de soutiens qui lui permettent de grandir. Ses premiers graffitis datent de 1990. Vers 1994, le Graffiti prend une vraie place dans sa vie: sous le pseudonyme de « Ride » il fonde l’équipe HV. Un an plus tard, une rencontre avec Hazy (photographe et graffeur) et Eone (producteur de musique et graffeur) le conduiront à son premier travail dans lequel il mélange différentes techniques (peinture, photo et graphisme), dont le thème principal est la musique.
Véritable compositeur de mélodies graphiques, il continue d’explorer son concept « Listen To My Picture », s’appropriant la technologie des circuits imprimés. Cette technique, similaire à la technique des « gravures » des illustrateurs des siècles passés, symbolise aujourd’hui le début d’un progrès dans le domaine de l’électronique. Ce contraste de temps, de nostalgie et de progrès technologique est omniprésent dans son travail.
À la fin des années 90, il a commencé à mixer différentes techniques sur les murs, usant ainsi de la peinture aérosol, peinture avec pinceau, le pochoir ou encore le collage. Originaire du mouvement graffiti où le choix du mur et du fond joue un rôle essentiel, SupaKitch a commencé à créer ses propres résines en 2016 embellies de différents motifs.
Ces motifs lui rappellent la surface de l’océan, mais également la texture des éléments. La feuille d’or étant utilisée pour améliorer la réflexion du soleil. À travers la technique empruntée aux shapers, SupaKitch aime être surpris par les schémas que prennent ses oeuvres, moment où l’art suit son propre chemin.
La surface devient ainsi un objet qui peut être coupé pour créer un rythme dans la composition des oeuvres qui se fige ensuite grâce à la résine qui se solidifie.
Interview se Christophe MALSERT, Directeur de publication
Christophe Malsert est le directeur de la publication de ce magazine gratuit ; magazine papier bimensuel et magazine de style de vie en ligne. Distribué à Montpellier, Nîmes, Avignon et Marseille et s’adresse à tous les citadins dynamiques. J’aime vraiment sa ligne éditoriale.
Nous découvrons des articles sur de nombreux sujets tels que l’architecture et le design, l’évasion, la gastronomie, la musique … Sa coopération artistique dans le domaine du graphisme avec des illustrateurs talentueux rend ce city guide très attractif. Très curieux de ce « concentré urbain et vie stylée », c’est pour moi une sorte de contenu riche et innovant dont je suis un fan absolu! C’est pourquoi je suis heureux d’avoir eu le plaisir d’interviewer Christophe Malsert.
Comment gérez-vous la crise sanitaire actuelle de votre activité professionnelle ?
Christophe Malsert : Nous ne vous mentirons pas, les 4-5 premiers jours d’emprisonnement ont été très difficiles pour l’équipe, car nous préparions le magazine avril-mai. Nous ne savions pas combien de temps durerait la crise. Au début, nous devions également résoudre rapidement avec notre comptable un licenciement partiel de notre équipe et analyser notre capacité à rester dans le temps. Ensuite, nous avons commencé à réfléchir à la manière de rester en contact avec nos lecteurs (via les réseaux sociaux) et à essayer de soutenir nos partenaires (commerçants, très petites entreprises, etc.).
Focus est aussi un studio graphique, c’est pourquoi nous avons utilisé notre savoir-faire dans le domaine de la communication au service de nos clients. Actuellement, nous sommes tous en contact constant pour discuter de nouveaux sujets dont nous aimerions discuter dans les magazines suivants.
Le comportement de chacun d’entre nous va changer après cette crise et après cette période particulière, nous devons essayer de nous réinventer.
Quels sont vos « trucs et astuces » pour vous adapter à la nouvelle situation ?
Christophe Malsert : Nous n’avons pas vraiment de « trucs et astuces », mais ce que nous disons est logique. Même si la crise a changé notre rythme de vie, nous essayons d’imposer un petit horaire quotidien. Rester en forme (exercice physique régulier) est déjà une priorité. Si le corps est en forme, la tête et le moral suivent, mais nous en aurons besoin lorsque nous récupérerons.
Il y a aussi une bonne fermeture, il est TEMPS …. Du temps pour lire, du temps pour cuisiner (bien sûr avec des produits de saison pour les circuits courts), du temps pour s’entraîner … Du temps pour faire toutes les choses que nous repoussons habituellement plus tard dans l’année 😊. Il est particulièrement important de ne pas tomber dans le désastre, étant ivre de trop de messages anxieux (ou de faux messages) qui abondent dans les réseaux sociaux.
Essayons de rester positifs, il existe de nombreuses initiatives formidables, et les retenir crée une vague de solidarité sans précédent. Pensons à demain et apprenons à faire évoluer notre société (à notre niveau), qui est à un tournant.
Interview réalisée par myurbansweetnesses.fr
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
PHOTOMagazine est un magazine français qui paraît chaque deux mois. Photo magazine est entièrement consacré à la photographie. Le magazine traite de la photographie sous de nombreux aspects, du photojournalisme à la photographie d’avant-garde, en passant par la mode, la nature et le nu artistiques, ce qui caractérisent la plupart de ses couvertures.
Photo magazine traite la photographie et les nombreuses tendances en France et dans le monde. Il aborde la technique photographique et séduit les grands photographes en leur les pages du magazine. Photo magazine, de par sa longévité et sa présence internationale, est, comme il aime à l’avancer en signature, « une référence à l’image depuis 1967. »
PHOTO Magazine : les plus belles couvertures
Magazine photo années 80 – magazine photo
Magazine photo années 80 – magazine photo
L’histoire de PHOTO Magazine
En 1967, Daniel Filipacchi qui est à la tête d’un groupe d’une vingtaine de titres de presse, crée le magazine sur une idée de Walter Carone, photojournaliste pour le magazine Paris Match.
Walton Carone 1920-1982. Walter Carone a appris le métier de photographe auprès de son père, un Italien immigré à Cannes, spécialisé dans les mariages et les banquets.
En 1945, il part tenter sa chance à Paris, équipé d’une caméra et de plusieurs pellicules. Il a débuté à Cinévie avant de travailler pour France-Dimanche, Point de Vue, Elle et enfin pour Paris-Match, qui l’a engagé trois mois avant la parution du premier numéro.
Sa carrière est étroitement liée au développement de Paris-Match, dont il était journaliste vedette, chef du département photographie et rédacteur en chef adjoint. Il a ensuite mis son talent et son expérience au service des amateurs, en créant Photo magazine, puis Photo Journal.
Catherine Deneuve inaugurera le magazine en juillet 1968, photographiée par David Bailey, son compagnon du moment.
Roger Thérond
Roger Thérond, ancien rédacteur en chef de Paris Match, rejoint la direction de du magazine et lance en 1977 le « concours amateur » (qui se poursuit à ce jour avec 50 000 candidats).
Il est officiellement directeur de la publication de PHOTO Magazine depuis avril 1969. Il recherche continuellement les photographes les plus prestigieux du moment, comme Rizzo, Brassaï, Lachapelle ou encore Richard Avedon.
Jean-Louis Swiners
Ancien rédacteur en chef de Terre d’Images, a rejoint l’équipe dans le deuxième numéro et est devenu directeur de la publicité jusqu’en 1974. Régis Pagniez a conçu non seulement le logo, mais également le design, et créé de très nombreux portfolios qui ont contribué au succès du magazine.
Quelques années plus tard, il quitte la rédaction pour émigrer en Amérique. Walter Carone sera nommé rédacteur en chef dans les années 1970-1973.
Jean-Jacques Naudet
Jusqu’en 1988, Jean-Jacques Naudet exerce des responsabilités au sein de la rédaction puis, en 1988, il laisse la place à Michel Decron, qui devient rédacteur en chef.
Agnès Grégoire
Agnès Grégoire a rejoint Photo magazine en 1988, en tant que rédactrice puis est devenue rédactrice, puis chef de département puis rédactrice adjointe, elle est devenue rédactrice en 2011 puis rédactrice en chef en 2015.
Son expérience en photographie est conséquente et il lui a permis de devenir rapporteur à l’Académie des Beaux-Arts. Elle exerce régulièrement des fonctions de conseil dans le domaine de la photographie.
Agnès Grégoire contribue à Photo España (lecture de portfolio), aux festivals de Guangzhou et de Lianzhou en Chine, au Zoom Photo Festival au Saguenay, Québec.
PHOTO Magazine – magazine photo années 80 – magazine photo
Évolution du contenu de PHOTO Magazine
La photo avant-gardiste a donné le ton du magazine à la fin des années 1960 (Art Kane, Pete Turner, Jay Maisel). Dès le tout début Photo s’est distingué comme le premier magazine présentant les shootings de grands photographes tels que Richard Avedon, Peter Lindhberg, David Lachapelle, Robert Capa, Guy Bourdin, Henri Cartier-Bresson …
Entre deux scoops « sexy », le magazine fait parfois scandale, révélant parfois en couverture de transsexuels et hermaphrodites ou offrant des photos de mineurs par Louis Malle.
En 1975 la célèbre photo de Brooke Shield jeune fit la une de Photo Magazine en 1978. Mais lorsque 3 ans plus tard, l’adolescente tente d’empêcher de nouvelles parutions et tente de récupérer les négatifs, Brooke Shield se heurte à la justice. Conclu entre sa mère et Garry Cross, le contrat prévoyait une cession totale des droits au photographe.
Après deux années de bataille juridique, Brooke Shield est finalement déboutée, et Gross ruiné.
Le magazine a été créé pendant la guerre du Vietnam et avant mai 1968. Il offre également un espace de reportage sur le terrain puis sur des sujets liés à la nature et s’inscrit dans son histoire proche du monde de la mode, l’accueillant avec des exemples d’œuvres de Cecil Beaton, Helmut Newton, William Klein …
En 1989, Photo Magazine crée le festival « Visa pour l’image« , qui rassemble chaque année des photojournalistes du monde entier (expositions, rencontres, spectacles). Le festival est rapidement reconnu internationalement par les professionnels de l’image, et le directeur est Jean-François Leroy.
La photographie utilise des relations privilégiées avec les grands photographes, les engageant dans l’écriture par écrit, avec divers acteurs étrangers dans le monde de la photographie. Plusieurs de ces correspondants ont parrainé le numéro annuel des « amateurs spéciaux » en présentant un des thèmes en lien avec leur spécialisation. PHOTO Magazine reçoit jusqu’à 50 000 photos chaque année dans le cadre du « World’s Largest Photo Contest ».
Publié en impressionpapier au début des années 90. Photo lance son site Internet en 1995. Après le décès de Roger Thérond en 2001, le groupe HFM, qui détenait déjà 50% du capital mensuel, obtient le solde des héritiers en 2002. Dix ans plus tard, en 2011, le magazine a été vendu à Magweb. Monika Bacardi et David Swaelens-Kane sont devenus propriétaires en 2014.
Autour de PHOTO Magazine
Le magazine s’est associé à diverses activités liées à la photographie, dont le Photo Management (« coaching » d’artistes), initié par l’EPMA depuis 2015. Photo Management intervient, accompagne les jeunes talents, les expose en Europe et en Amérique, à travers différents partenariats.
Le magazine réalise plus de la moitié de ses ventes à l’étranger dans environ 70 pays. PHOTO Magazine Entretient des relations privilégiées avec les professionnels de la photo, y compris les photographes.
PHOTO Magazine : Infos et chiffres
Directeur de la rédaction : Agnès Grégoire
Date de fondation : 1967
Ville d’édition : Paris
Prix au numéro : 6,90 €
Diffusion : 26 000 ex
Périodicité : bimestriel
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le magazine PHOTO est un magazine mensuel français consacré à la photographie. Il a été créé en 1967 et est considéré comme l’un des magazines les plus respectés dans le monde de la photographie. Il propose des articles sur l’histoire de la photographie, des interviews de photographes célèbres, des critiques d’expositions, des astuces techniques, des portfolios de photographes et bien plus encore.
2. Qui est le public cible du magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO s’adresse principalement aux amateurs et aux professionnels de la photographie. Il est destiné à toute personne qui s’intéresse à la photographie en tant qu’art ou en tant que métier, qu’il s’agisse de la photographie numérique ou de la photographie argentique.
3. Comment s’abonner au magazine PHOTO ?
Il est possible de s’abonner au magazine PHOTO en ligne sur le site officiel du magazine ou en appelant le service abonnement. Différentes formules d’abonnement sont proposées, allant de l’abonnement annuel au tarif standard à l’abonnement en ligne pour une durée de trois mois.
4. Quels types d’articles sont publiés dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO propose une variété d’articles sur la photographie, notamment des articles techniques sur les techniques de prise de vue, de traitement d’images et d’impression, des articles sur l’histoire de la photographie, des interviews de photographes renommés, des portfolios de photographes émergents et établis, des critiques d’expositions et de livres de photographie, et bien plus encore.
5. Comment soumettre des images pour publication dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO n’accepte pas les soumissions non sollicitées d’images pour publication. Cependant, il organise régulièrement des concours photo sur différents thèmes ouvert à tout le monde. Les concours sont annoncés sur le site web du magazine ou dans les pages du magazine.
6. Le magazine PHOTO est-il disponible en version numérique ?
Oui, le magazine PHOTO est disponible en version numérique. Les abonnés peuvent télécharger le magazine au format PDF sur le site web du magazine. Des applications mobiles sont également disponibles pour les smartphones et tablettes, permettant de lire le magazine sur ces appareils.
7. Le magazine PHOTO est-il disponible en anglais ?
Non, le magazine PHOTO n’est disponible qu’en français. Cependant, certaines parties du site web du magazine, comme les interviews de photographes célèbres, peuvent être disponibles en anglais.
8. Y a-t-il un forum ou une communauté en ligne associée au magazine PHOTO ?
Oui, le site web du magazine propose une section communauté où les lecteurs peuvent partager leurs images, discuter de la photographie et échanger des astuces techniques. Le magazine organise également des événements et des ateliers en personne pour les membres de la communauté.
9. Quels sont les photographes célèbres qui ont été présentés dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO a présenté de nombreux photographes célèbres au fil des ans, tels que Sebastião Salgado, Henri Cartier-Bresson, Annie Leibovitz, Richard Avedon, Robert Capa, William Klein, et bien d’autres encore. Régulièrement des interviews et des portraits de photographes renommés, ainsi que des critiques d’expositions présentant les œuvres de photographes établis et émergents.
10. Quelles sont les tendances actuelles en matière de photographie présentées dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO est à l’affût des tendances actuelles en matière de photographie. Ces dernières années, il s’est intéressé aux tendances émergentes telles que la photographie de rue, la photographie de paysage, la photographie documentaire et le photojournalisme, ainsi qu’à l’utilisation de nouvelles technologies dans la photographie, telles que la réalité augmentée et la photographie 360 degrés.
Le magazine explore également les nouvelles façons de présenter et de partager les images, notamment en ligne sur les réseaux sociaux et les plateformes de partage de photos.
Rammstein est un groupe perfectionniste. Cela devient encore plus clair lorsque l’on regarde le nouveau making of des photos de leur nouvel album.
2019 était sans aucun doute l’année de Rammstein. Après dix ans, Till Lindemann and Co. ont sorti un nouvel album et le sextet a également effectué une tournée des stades en Europe. Maintenant, les métalleux donnent un aperçu des préparations du shooting. Personnellement, les documentaires sur les artworks me passionnent. Concernant Rammstein, nous sommes face à une véritable machine de guerre, dont les budgets permettent toutes les folies.
Une mise en scène somptueuse
Rammstein présente un documentaire de huit minutes sur YouTube (voir ci-dessus).
Une équipe de vidéastes a accompagné le groupe lors d’une séance photo de quatre jours. C’est le photographe Jes Larsen qui s’est occupé du shooting photo, avec lequel il a ensuite conçu l’illustration du nouvel album.
Ce shooting nous présente Larsen lui-même, le retoucheur Marty Bo Kristensen et le styliste Vibe Dabelsteen.
Rammstein nouvel album : le rouleau compresseur allemand
Dix ans après « Liebe ist für alle da », Rammstein a finalement rompu le silence avec un nouvel album sans titre, dont l’image est une allumette sur un fond blanc immaculé. La mèche est aussitôt allumée, dès le premier passage mis en évidence par le clip controversé « Deutschland », qui dévoile une génération mal à l’aise avec l’histoire de son pays.
« L’Allemagne, mon cœur en flammes / Je veux t’aimer et je te maudis », a scandé le chanteur Till Lindemann avec un grand froid. Le groupe reste le même avec ses rythmes de guerre puissants. Des guitares saturées sont présentes, tout comme les effets électroniques emblématiques de ce « tanzmetal » allemand que le groupe berlinois maîtrise à la perfection.
Rammstein nouvel album
Ce septième album a été un énorme succès, catapultant d’abord en termes de ventes en Europe et dans le top 10 aux États-Unis et en Australie.
Pour le groupe utilisant la langue Goethe, qui est plutôt du genre métal industriel, il n’y a pas de précédent. Certes, le groupe allemand a légèrement adouci son point de vue alors que le tempo ralentit au son d’un arpège plus léger après l’introduction de « Puppe » ou d’une ballade propre comme « Diamond » avec une guitare classique et un violoncelle à la fin.
Le diable restant caché dans les détails, onze chansons couchées sur le CD méritent une écoute attentive, car l’album est plein de découvertes, d’arrangements et de messages de guerre condamnant les monstres pédophiles, ou les effets pervers du nationalisme.
Après la première tournée à guichets fermés des stades européens en 2019, un nouvel ensemble de dates pour l’été 2020 étaient prévus.
Malheureusement, le COVID 19 aura eu la peau des guerriers allemands
Rammstein nouvel album
Rammstein nouvel album
Rammstein nouvel album : Le groupe ?
Rammstein est un groupe de métal allemand de Berlin. Créée en 1994, elle était composée des débuts de six membres d’Allemagne de l’Est; décrit comme appartenant au genre Neue Deutsche Härte, est le représentant le plus connu. Les paroles du groupe sont principalement en allemand, c’est aussi le groupe germanophone le plus vendu au monde, près de 20 millions d’albums ont été vendus, mais parfois il comprend également des paroles en anglais, français, espagnol et même russe.
Connu pour ses concerts multipliant les effets de la pyrotechnie et de la mise en scène créative,il a à son actif depuis sa création sept albums studio, dont la musique est souvent considérée comme du métal industriel. La classification exacte de la musique du groupe est souvent remise en cause, car elle contient également de fortes influences de la musique électronique, du rock.
Groupe hybride à l’empreinte reconnaissable immédiatement, Rammstein est aujourd’hui un énorme poids lourd du métal mondial et ne joue principalement que dans des stades.
Metallica : Retour sur l’histoire d’un groupe de métal légendaire
Depuis leur formation en 1981, Metallica a marqué la scène metal et musicale mondiale. Ce groupe de metal américain originaire de Californie a réussi à s’imposer grâce à son talent et sa passion pour la musique. Dans cet article, nous allons revenir sur l’histoire du groupe et les événements qui ont construit cette légende vivante.
Les débuts du groupe
Metallica voit le jour lorsque que Lars Ulrich, un jeune batteur danois venu tenter sa chance aux États-Unis, passe une annonce dans un journal local afin de trouver des musiciens partageant son amour pour le heavy metal anglais. C’est ainsi qu’il rencontre James Hetfield, chanteur et guitariste amateur, avec qui il décide de former Metallica.
Dave Mustaine et l’album « Kill ‘Em All »
Rejoint par le bassiste Ron McGovney et le guitariste Dave Mustaine, originellement prévu pour jouer seulement quelques jours, le groupe commence à répéter et joue ses premiers concerts locaux. En 1984, ils présentent leur premier album, « Kill ‘Em All« .
Toutefois, dû à des tensions internes, Dave Mustaine est congédié du groupe peu avant le début de l’enregistrement de l’album. Il est remplacé par Kirk Hammett et fonde plus tard le groupe Megadeth. Malgré ces changements, « Kill ‘Em All » connait un succès sur la scène underground et Metallica est désormais sur le radar des fans de metal.
L’ascension vers la gloire
Ce n’est que deux ans plus tard, avec la sortie de leur deuxième album « Ride the Lightning« , que Metallica connait une explosion de popularité. Cet album introduit des éléments plus progressifs, ainsi qu’une utilisation notable du chant clair de James Hetfield, montrant la volonté du groupe à explorer de nouvelles voies artistiques.
Master of Puppets : l’apogée
En 1986, Metallica sort son troisième album, « Master of Puppets« . Considéré comme l’un des meilleurs albums de heavy metal de tous les temps, il propulse le groupe au rang d’icônes du genre et renforce sa position en tant que pilier du mouvement thrash metal américain.
Mais cette année est aussi marquée par un événement tragique : lors d’une tournée européenne, le groupe est victime d’un accident de bus qui coûte la vie à Cliff Burton, leur bassiste très talentueux. Traumatisés mais déterminés à continuer, Metallica recrute Jason Newsted pour prendre sa place et poursuit sa route.
Les années 1990 : évolutions et succès commercial
Avec l’arrivée de Newsted, le groupe connaît plusieurs changements artistiques. Leurs deux premiers albums de la décennie, « Metallica » (aussi appelé « The Black Album ») et « Load », montrent une nette évolution vers un style plus accessible, combinant heavy metal et rock n’ roll.
La controverse Napster et le départ de Jason Newsted
En 2000, Metallica se retrouve au centre d’un scandale lorsque leur chanson inédite « I Disappear » est leakée sur la plateforme de téléchargement Napster. Déclenchant une bataille juridique majeure contre Napster, les membres du groupe deviennent alors les figures de proue de la lutte contre le piratage en ligne.
Cette même année, Jason Newsted quitte soudainement le groupe, invoquant des raisons personnelles. Il sera remplacé quelques années plus tard par Robert Trujillo, qui assure toujours aujourd’hui la basse pour Metallica.
Metallica dans les années 2010 et au-delà
Avec l’album « Death Magnetic » en 2008 et surtout « Hardwired… to Self-Destruct » en 2016, Metallica revient à ses racines thrash et continue de dominer la scène métal mondiale, multipliant les tournées et les passages lors de différents festivals.
Innovations musicales et projets parallèles
Tout en restant fidèle à leur style initial, Metallica a également exploré plusieurs projets innovants, comme leur collaboration avec le compositeur Michael Kamen et l’orchestre symphonique de San Francisco en 1999 (« S&M »), ou encore leur album en collaboration avec Lou Reed, « Lulu », en 2011. Ces expériences ont montré que le groupe n’a jamais cessé d’expérimenter et de repousser les limites de leur art.
Une influence sur la culture et la société
Au fil des ans, Metallica est devenu bien plus qu’un simple groupe de metal : c’est une véritable institution qui a inspiré de nombreux artistes, contribué à populariser le genre auprès du grand public et laissé une empreinte indélébile dans l’histoire de la musique.
Lars Ulrich, batteur et fondateur du groupe, s’est illustré en tant que militant pour la protection des droits d’auteur et la lutte contre le téléchargement illégal.
Kirk Hammett, guitariste principal, est également auteur et collectionneur de films d’horreur, ayant même lancé son propre festival dédié au genre.
James Hetfield, chanteur et guitariste rythmique, soutient activement plusieurs associations caritatives et utilise sa notoriété pour promouvoir des causes environnementales et sociales.
Metallica, sans aucun doute, restera dans les mémoires comme l’un des groupes les plus marquants et influents du monde du métal. Leurs succès commerciaux, tout autant que leurs prises de position et leur travail sur la scène musicale, montrent un engagement sincère envers leur art et leur public. Et avec plus de quarante ans de carrière derrière eux, on ne peut qu’être impressionné par leur longévité et leur passion inaltérable pour la musique.
Quel est l’origine de la création de Metallica ?
Metallica a été formé à Los Angeles en 1981 par le chanteur/guitariste James Hetfield et le batteur Lars Ulrich. Les deux musiciens ont rapidement commencé à chercher des membres pour compléter leur groupe, recrutant le guitariste Dave Mustaine et le bassiste Ron McGovney pour former la formation originale de Metallica.
Après avoir enregistré une démo et joué des concerts locaux, Mustaine a été renvoyé du groupe en 1983 en raison de problèmes de drogue et d’alcool, et a ensuite formé son propre groupe, Megadeth. Kirk Hammett a été recruté pour remplacer Mustaine à la guitare solo peu de temps après.
La sortie de Kill ‘Em All en 1983 a marqué le début de la légitimation du underground du heavy metal, apportant une nouvelle complexité et profondeur au thrash metal.
Avec chaque album, le jeu et l’écriture du groupe se sont améliorés; James Hetfield a développé un rythme qui correspondait à son grognement, tandis que le guitariste principal Kirk Hammett est devenu l’un des guitaristes les plus copiés du métal.
Pour compléter le package, la batterie tonitruante (mais complexe) de Lars Ulrich s’est parfaitement adaptée au jeu de basse innovant de Cliff Burton .
La vraie naissance du thrash. Sur Kill ‘Em All , Metallica fusionne le riffing complexe de New Wave de groupes britanniques de Heavy Metal comme Judas Priest , Iron Maiden et Diamond Head avec la vélocité de Motörhead et du punk hardcore. James Hetfield Le style de guitare rythmique très technique anime la majeure partie de l’album, établissant de nouvelles normes de puissance, de précision et d’endurance.
Mais vraiment, le reste du groupe est tout aussi adroit, jouant avec une fureur contrôlée, même aux tempos les plus ridiculement rapides. Il existe déjà plusieurs compositions étendues et multi-sections préfigurant les épopées progressives ultérieures du groupe, bien que celles-ci soient motivées par l’adrénaline, pas par la texture.
Quelques hommages au heavy metal lui-même sont un peu datés lyriquement; comme Diamond Head , la plus grande influence du groupe, le son le plus efficace de Kill ‘Em All est celui de la malveillance surnaturelle – en tant que son pur, le disque est déjà tout droit sorti des enfers. Ex-membre Dave Mustainea co-écrit quatre des dix pistes originales, mais le matériau fait tous les sons d’une pièce.
Et en fait, quiconque a travaillé en arrière dans le catalogue du groupe pourrait ne pas apprécier pleinement l’impact de Kill ‘Em All lors de sa première apparition – contrairement aux versions ultérieures, il n’y a tout simplement pas beaucoup de variations musicales (à part un solo de basse lyrique de Cliff Burton ). L’ambition musicale du groupe a également grandi rapidement, alors aujourd’hui, Kill ‘Em All sonne plus comme le fondement de plus grandes choses à venir.
Mais cela n’enlève rien à la fraîcheur de son son lors de la première sortie, et le temps n’a pas atténué la montée vertigineuse de l’excitation dans ces performances. Effrayant, impressionnant et absolument implacable, Kill ‘Em All est un pouvoir destructeur pur, exécuté avec des niveaux de précision scientifique à couper le souffle.
Metallica : Master of Puppets 1986
Même si Master of Puppets n’a pas fait un bond en avant aussi gigantesque que Ride the Lightning , c’était la plus grande réussite du groupe, saluée comme un chef-d’œuvre par des critiques bien en dehors du public principal du heavy metal.
Il a également été un succès substantiel, atteignant le Top 30 et se vendant à trois millions d’exemplaires malgré une diffusion aérienne absolument inexistante. Au lieu d’une réinvention radicale, Master of Puppets est un raffinement des innovations passées.
En fait, il est possible de comparer la chanson Ride the Lightning et Master of Puppets pour la chanson et de noter les similitudes frappantes entre les positions de piste correspondantes sur chaque enregistrement .
Metallica concert
Ce soupçon de conservatisme est vraiment le seul défaut imaginable ici. Bien que ce ne soit pas aussi surprenant que Ride the Lightning , Master of Puppets se sent plus unifié, à la fois sur le plan thématique et musical. Tout y est explosé dans des proportions épiques (en effet, les chansons sont en moyenne beaucoup plus longues), et le groupe se sent plus en contrôle de sa direction.
Cependant, vous ne le sauriez jamais par les paroles – d’une manière ou d’une autre, presque toutes les chansons de Master of Puppets traitent de la peur de l’impuissance. Parfois, il s’agit d’une autorité hypocrite (chefs militaires et religieux), parfois d’impulsions humaines primaires et incontrôlables (drogues, folie, rage), et,Mode HP Lovecraft , parfois des monstres.
Pourtant, en coupant l’album avec deux tranches de chaos de thrash (« Battery » et « Damage, Inc. »), le groupe règne triomphant par la force – du son, de la volonté, de la méchanceté. Les arrangements sont épais et musclés, et le matériau varie suffisamment en texture et en tempo pour retenir l’intérêt à travers tous ses rebondissements.
Certains critiques ont appelé Master of Puppets le meilleur album de heavy metal jamais enregistré; si ce n’est pas le cas, cela se rapproche certainement. [En 2017, le groupe a sorti une énorme édition élargie de l’album avec une variété d’options de package physique, dont la plus ambitieuse était un coffret exhaustif qui comprenait un livre relié, des extraits et des interviews inédites, trois LP, dix CD, un cassette, deux DVD, une lithographie, un dossier avec des paroles manuscrites et un ensemble de six boutons.]
Après avoir sorti leur chef-d’œuvre Master of Puppets en 1986, la tragédie a frappé le groupe lorsque leur bus de tournée s’est écrasé lors d’un voyage en Suède.
Burton est décédé dans l’accident. Lorsque le groupe a décidé de continuer, Jason Newsted a été choisi pour remplacer Burton ; deux ans plus tard, le groupe a sorti le concept ambitieux … Et Justice for All , qui a frappé le Top Ten sans aucun single et très peu de soutien de MTV.
Metallica : And Justice for all
L’aspect le plus immédiatement perceptible de … Justice for all n’est pas la composition sophistiquée toujours croissante de Metallica ou le portrait lyrique apocalyptique d’une société en décadence. C’est la production étrange et sèche.
Les guitares bourdonnent légèrement, les tambours cliquent plus que les livres et la basse de Jason Newsted est presque inaudible. C’est dommage que le son froid et plat obscurcisse certains détails sonores, parce que … Et Justice for all est l’œuvre la plus complexe et ambitieuse de Metallica ; chaque chanson est une suite étendue, avec seulement deux des neuf pistes en moins de six minutes.
Metallica concert
Metallica concert
Il faut du temps pour s’enfoncer, mais compte tenu du temps, … Et Justice for all révèle pour certains, le meilleur matériau de Metallica . Il révèle également la détermination du groupe à retirer tous les arrêts de composition, en ajoutant des sections supplémentaires, des signatures rythmiques impaires et des toiles denses d’arpèges de guitare et de pistes harmonisées. Parfois, il semble qu’ils le font simplement parce qu’ils le peuvent; certaines parties de l’album manquent de direction et auraient probablement dû être coupées pour le moment.
En ce qui concerne le rythme, l’album suit à nouveau de manière lâche le plan de Ride the Lightning , mais pas aussi étroitement que Master of Puppets. Cette fois-ci, la quatrième chanson – une fois de plus une ballade avec un refrain thrashy et un outro – a donné au groupe l’un des 40 singles les plus incroyables de l’histoire; « One » était un classique du métal instantané, basé sur le roman anti-guerre de Dalton Trumbo Johnny Got His Gun et culminant avec une imitation de mitrailleuse pulvérisée.
Dans l’ensemble, les opinions sur And Justice for all restent quelque peu divisées: certains pensent que c’est un chef-d’œuvre légèrement imparfait et le summum des années progressistes de Metallica ; d’autres le voient comme gonflé et trop ambitieux. L’une ou l’autre interprétation peut être facilement appuyée, mais le groupe a clairement pris cette direction aussi loin qu’il le pouvait.
La difficulté de reproduire ces chansons en concert a finalement convaincu Metallica qu’il était temps de procéder à une refonte.
Metallica 1991
Metallica a complètement traversé le courant dominant avec Metallica de 1991, un effort éponyme qui a permis au groupe d’échanger ses longues compositions contre des structures de chansons plus concises. Parsemé de succès comme « Wherever I May Roam » et « Enter Sandman », il en est résulté un album numéro un qui s’est vendu à plus de sept millions d’exemplaires aux États-Unis seulement.
Pour soutenir le record, Metallica a lancé une longue tournée qui a gardé les musiciens sur la route pendant près de deux ans.
Après la production confuse et les structures de chansons ultra compliquées de … And Justice for All , Metallica a décidé qu’ils avaient poussé les éléments progressifs de leur musique aussi loin qu’ils le pouvaient et qu’une simplification et une rationalisation de leur son était de mise. Bien que l’évaluation ait du sens d’un point de vue musical, elle a également été l’occasion de commercialiser leur musique, et Metallica atteint les deux objectifs.
Metallica concert
Les meilleures chansons sont plus mélodiques et immédiates, les grooves écrasants et dépouillés de « Enter Sandman », « Sad but True » et « Wherever I May Roam » qui collent aux structures traditionnelles et utilisent les mêmes riffs principaux; la production nette et professionnelle de Bob Rock ajoute à leur accessibilité.
« The Unforgiven » et « Nothing Else Matters » évitent les riffs de guitare slash-and-burn qui ont toujours rythmé les ballades du groupe; ce dernier est une chanson d’amour à part entière avec une section de cordes, qui fonctionne beaucoup mieux que l’on pourrait imaginer.
L’écriture de chansons et de riff glisse ici et là, un événement rare pour Metallica , que certains fans de longue date ont interprété comme un remplisseur à côté d’un lot de singles calculé pour le succès commercial.
Les objections portaient souvent davantage sur l’idée que Metallica faisait quelque chose de explicitement commercial, mais des millions d’autres n’étaient pas d’accord. En fait, la popularité du groupe a explosé à tel point que la plupart de son catalogue arrière a trouvé une acceptation générale à part entière, tandis que d’autres groupes de speed metal progressivement inclinés copiaient le mouvement vers la simplification.
Rétrospectivement, Metallica est un bon groupe, mais pas tout à fait génial, dont les meilleurs moments ont mérité à juste titre la couronne du heavy metal, mais dont l’approche a également laissé présager un déclin créatif.
Dans les années 90, Metallica avait changé les règles de tous les groupes de heavy metal; ils étaient les leaders du genre, respectés non seulement par les headbangers, mais par les acheteurs et les critiques de disques traditionnels.
Metallica : Load et Re-load
Aucun autre groupe de heavy metal n’a jamais réussi un tel exploit. Cependant, le groupe a perdu une partie de son public principal avec son suivi tant attendu de Metallica , 1996’s Load .
L’album déplace le groupe vers le rock alternatif en termes d’image – les membres du groupe se coupent les cheveux et se font prendre en photo par Anton Corbijn . Bien que l’album ait été un succès dès sa sortie d’été, entrant dans les palmarès au premier rang et se vendant à trois millions d’exemplaires en deux mois, certains membres de la « fan base » de Metallica s’est plainte du changement d’image, ainsi que de la décision du groupe de faire le Lollapalooza.
Metallica concert
Re-Load , qui combinait du nouveau matériel avec des chansons qui n’avaient pas été enregistrées par Load , est apparu en 1997; malgré de mauvaises critiques, il s’est vendu à un rythme généralement soutenu et a donné naissance à plusieurs singles à succès, dont « Fuel » et « The Memory Remains ».
Metallica : Garage Inc, une collection de faces B
Garage Inc.,une collection de faces B, de raretés et de covers re enregistrées, a suivi en 1998. La prise de Metallica sur « Turn the Page » de Bob Seger a aidé à maintenir leur présence dans les charts, et le groupe a poursuivi son flot de produits avec S&M en 1999 avec l’Orchestre symphonique de San Francisco .
L’album fait ses débuts dans les charts directement en seconde position, reconfirmant l’immense popularité du groupe.
Metallica a passé la majeure partie de 2000 dans la controverse en menant une attaque judiciaire contre Napster, un service de partage de fichiers qui permettait aux utilisateurs de télécharger des fichiers musicaux à partir de leurs ordinateurs respectifs.
Ciblant de manière agressive la violation des droits d’auteur de leur propre matériel, Metallica a notoirement fait condamner plus de 300 000 utilisateurs, créant un débat généralisé sur la disponibilité de la musique numérique qui a fait rage pendant la majeure partie de l’année.
En janvier 2001, le bassiste Jason Newsted a annoncé son départ amical du groupe. Peu de temps après que le groupe soit apparu aux ESPN Awards en avril de la même année, Hetfield , Hammett et Ulrichest entré dans le studio d’enregistrement pour commencer à travailler sur leur prochain album, avec le producteur Bob Rock qui s’occupera de la basse pour les sessions (pendant ce temps, des rumeurs circulaient sur l’ancien bassiste Ozzy Osbourne / Alice in Chains Mike Inez étant envisagé pour le poste vacant).
En juillet, Metallica a abandonné son procès contre Napster, sentant peut-être que leur position controversée faisait plus de mal que de bien à leur image de « groupe du peuple ».
Le même été, les sessions d’enregistrement du groupe (et toutes les autres questions liées au groupe) ont été suspendues alors que Hetfield entrait dans un centre de réadaptation non divulgué pour alcoolisme et autres dépendances. Il a terminé le traitement et a rejoint Metallica alors qu’ils retournaient au studio en 2002 pour enregistrer St. Anger , qui était sorti mi-2003.
L’enregistrement de St. Anger a été couronné par la recherche d’un remplaçant permanent pour Newsted . Après un long processus d’audition, l’ancien bassiste d’ Ozzy Osbourne / Suicidal Tendencies , Robert Trujillo, a été sélectionné et a rejoint Metallica pour leur tournée mondiale 2003-2004.
Les douleurs croissantes que le groupe a connues pendant l’enregistrement de St. Anger ont été capturées dans le célèbre documentaire Some Kind of Monster , qui a vu le jour en 2004. Quatre ans plus tard, le groupe est revenu avec Death Magnetic, un album énergique qui a ramené le groupe à ses racines du début des années 80.
L’ancien producteur de Slayer , Rick Rubin, a dirigé l’album, après avoir remplacé le producteur de longue date du groupe, Bob Rock , tandis que Kirk Hammett (à qui il était interdit de jouer des solos de guitare sur St.Anger ) a parsemé le disque de riffs métalliques et de solos frénétiques.
Metallica : Death Magnetic
Death Magnetic a passé trois semaines numéro un des charts Billboard et le groupe l’a soutenu avec une vaste tournée internationale qui comprenait un concert de festival avec Slayer , Megadeth et Anthrax .
Metallica a conclu son contrat Warner avec Death Magnetic – les extraits des sessions sont apparus sous le nom de Beyond Magnetic EP fin 2011 – et alors qu’ils exploraient leurs options, ils ont entamé une collaboration avec Lou Reed , libérant l’ambitieux et arty Lulu dans à l’automne 2011.
En 2012, Metallica a lancé son propre label, Blackened, qui serait distribué par Universal; puis, l’année suivante, ils ont annoncé la sortie de leur deuxième film, Through the Never , qui combinait des images de concert spectaculaires d’eux explosant à travers les joyaux de leur catalogue arrière avec une odyssée surréaliste de road-trip avec Dane DeHaan.
Le film et l’album de la bande originale qui l’accompagne sont sortis en septembre 2013.
Au cours des prochaines années, Metallica a joué le concert occasionnel de haut niveau alors qu’ils travaillaient sur un nouvel album studio.
En 2016, le groupe a lancé une série de rééditions étendues, à commencer par les éditions de luxe de Kill ‘Em All et Ride the Lightning . Ces rééditions étaient le préambule de la publication de novembre de Hardwired … To Self-Destruct , un double album qui fut la première nouvelle musique du groupe en huit ans.
Produit par Greg Fidelman , James Hetfield et Lars Ulrich , Hardwired … To Self-Destruct a fait ses débuts au numéro un dans le monde lors de sa sortie en novembre 2016. L’année suivante, le groupe a sorti une édition massive et élargie de leur LP historique de 1986, Master of Puppets .
L’histoire continue pour Metallica…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Metallica est un groupe de heavy metal américain formé en 1981 à Los Angeles, en Californie. Les membres fondateurs du groupe étaient le chanteur et guitariste James Hetfield et le batteur Lars Ulrich, qui ont ensuite été rejoints par le guitariste Kirk Hammett et le bassiste Robert Trujillo.
Le groupe est devenu célèbre dans les années 1980 et 1990 pour leur style musical rapide et agressif, leurs paroles puissantes et leurs performances scéniques énergiques.
2. Quel est le style musical de Metallica ?
Metallica est souvent considéré comme un pionnier du thrash metal, un sous-genre du heavy metal qui se caractérise par des tempos rapides, des riffs de guitare puissants et une agressivité générale. Le groupe est également connu pour son utilisation de solos de guitare complexes et ses paroles sombres et introspectives.
3. Quels sont les membres actuels de Metallica ?
Les membres actuels de Metallica sont James Hetfield (chant, guitare rythmique), Lars Ulrich (batterie), Kirk Hammett (guitare solo) et Robert Trujillo (basse). Le groupe n’a pas changé de formation depuis l’arrivée de Trujillo en 2003, faisant de cette période la plus longue période de stabilité dans l’histoire de Metallica.
4. Quel est l’album le plus vendu de Metallica ?
Le cinquième album studio de Metallica, « Metallica« , communément appelé le « Black Album », est l’album le plus vendu du groupe à ce jour. Sorti en 1991, l’album comprend des chansons comme « Enter Sandman », « The Unforgiven » et « Nothing Else Matters », qui sont devenues des classiques du genre.
« Metallica » s’est vendu à plus de 30 millions d’exemplaires dans le monde entier et a propulsé le groupe au rang de superstar mondial.
5. Quelles sont les chansons les plus populaires de Metallica ?
Metallica a sorti de nombreux tubes tout au long de leur carrière, mais quelques-unes des chansons les plus populaires du groupe comprennent « Enter Sandman », « Master of Puppets », « One », « Nothing Else Matters », « The Unforgiven » et « Fade to Black ».
Ces chansons sont souvent considérées comme des classiques du genre et sont régulièrement jouées lors des concerts de Metallica.
6. Quels sont les prix et distinctions remportés par Metallica ?
Metallica a remporté de nombreux prix et distinctions au cours de sa carrière. Ils ont remporté neuf Grammy Awards, dont deux pour le meilleur album de heavy metal. En 2009, ils ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame, et en 2018, ils ont reçu le prix Polar Music de la musique, qui est considéré comme le prix Nobel de la musique.
7. Quelle est l’histoire de la rivalité entre Metallica et Megadeth ?
Metallica et Megadeth sont deux groupes de thrash metal qui ont émergé de la scène musicale de la baie de San Francisco dans les années 1980. Dave Mustaine, le fondateur de Megadeth, était en fait un ancien membre de Metallica, mais a été renvoyé du groupe en 1983 en raison de conflits personnels.
Cette rupture a engendré une rivalité entre les deux groupes qui a duré des années, alimentée par des interviews publiques et des chansons dissidentes. Cependant, au fil du temps, les relations entre les membres des deux groupes se sont améliorées et la rivalité s’est atténuée.
8. Quel est l’impact de Metallica sur la musique métal ?
Metallica est considéré comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire du heavy metal. Leur style musical rapide et agressif a inspiré de nombreux groupes de thrash metal et de sous-genres connexes, tandis que leurs paroles sombres et introspectives ont également eu un impact sur les paroles de nombreux groupes de métal.
Metallica est également connu pour leur approche innovante de l’industrie musicale, notamment leur utilisation précoce d’Internet pour communiquer avec leurs fans.
9. Quel est l’avenir de Metallica ?
Bien que les membres de Metallica soient tous dans la cinquantaine ou la soixantaine, le groupe continue de tourner et d’enregistrer de la musique. Ils ont récemment sorti leur dixième album studio, « Hardwired… to Self-Destruct », en 2016, et ont fait plusieurs tournées mondiales depuis lors.
Bien que l’avenir de Metallica soit incertain, les membres du groupe ont exprimé leur intention de continuer à faire de la musique et à jouer des concerts pour leurs fans.
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