Gibson, la marque de guitare sûrement la plus emblématique au monde, est une marque américaine qui a façonné les sons de générations de musiciens depuis plus de 100 ans. De Slash à Jimmy Page, Gibson est maintenant un mythe.
Fondée en 1894 et basée à Nashville, dans le Tennessee, Gibson Brands possède un héritage de savoir-faire de classe mondiale, de partenariats musicaux légendaires et d’évolution progressive des produits qui ne ressemble à aucune autre marque de guitare.
Le portefeuille Gibson Brands comprend Gibson, la marque de guitare numéro un, ainsi que de nombreuses marques de musique les plus appréciées et les plus reconnaissables, notamment Epiphone, Kramer, Steinberger, MESA / Boogie et la division Gibson Pro Audio, KRK Systems.
Gibson Brands se consacre à la qualité, à l’innovation et à l’excellence sonore afin que les mélomanes des générations à venir continuent à découvrir la musique façonnée par Gibson Brands.
Le modèle signature de Gibson Les Paul a fini par définir le son de la musique rock – un rôle qui lui plaît encore aujourd’hui. Pourtant, sa conception était un processus prolongé, avec de nombreux rebondissements. Ici, nous présentons son histoire de première main, à la fois de ses créateurs et de ses joueurs les plus connus…
C’est l’histoire de l’initié des débuts de la Gibson Les Paul , la première guitare électrique solidbody de la société. Après l ’introduction par Fender du Broadcaster et de la Telecaster en 1950 et 1951, Gibson décida de concourir, engageant le guitariste américain le plus célèbre de l’époque, Les Paul , pour approuver son nouvel instrument.
Au cours des années qui ont suivi, les Paul Goldtop de Gibson (introduites en 1952), Les Paul Custom (1954) et Les Paul Standard ou « Burst » (qui a remplacé le Goldtop en 1958) ont constitué une base solide et confortable pour la gamme solidbody et qui a également présenté quelques modèles économiques: la Les Paul Junior (1954) et la Les Paul Special (1955).
Cette histoire orale des premiers Les Paul et de ses célèbres joueurs provient d’archives d’interviews que je vais vous partager.
Les personnes que vous lirez dans cet article sont: Billy Gibbons, qui était dans son groupe pré-ZZ Top Moving Sidewalks en 1968 quand il a acquis un Burst; Ted McCarty, qui a rejoint Gibson en 1948 et en est devenu le président deux ans plus tard; Jimmy Page, qui a obtenu une Les Paul Custom vers 1964 et, à Led Zeppelin, a acheté une Burst à Joe Walsh en 1969; et Les Paul lui-même – qui, avec Mary Ford, avait marqué un hit américain n ° 1 avec How High The Moon en 1951.
Les Paul «J’avais essayé de faire une guitare qui soutenait et qui reproduisait le son de la corde sans rien d’ajouté. Aucune distorsion, aucun changement dans la réponse par rapport à ce que faisait la corde. Pas de top vibrant, pas d’amélioration supplémentaire, avantageux ou désavantageux.
GIBSON LES PAUL
Je voulais m’assurer que le son produit était seulement celui de la corde excitée: vous pinciez la corde, et c’est ce que vous aviez. C’était toute mon idée au début des années 30. J’ai travaillé dessus, travaillé dessus, bourré des chiffons dans les guitares, fait des tops d’un pouce dessus. Puis enfin en disant: « Ecoute, je vais juste aller sur un journal. »
«J’ai approché Gibson en 1941. Ils ont ri à l’idée, ils m’ont appelé le gamin avec le manche à balai avec les micros dessus. L’usine était à Kalamazoo, Michigan, mais les bureaux étaient à Chicago, et c’est là que je suis allé. Le journal était ce que je leur ai apporté. Je l’ai en fait construit chez Epiphone. Je connaissais les gens là-bas, et je pouvais avoir l’usine tous les dimanches, il n’y avait personne d’autre que le gardien.
«Donc, tous les dimanches, j’y suis allé et j’ai travaillé là-bas, de 1939 à 41. Epiphone dit, qu’est-ce que c’est que ce bordel? Je dis que c’est une bûche, c’est une guitare solidbody, et ils disent, eh bien pourquoi? Et je dis, eh bien… mais je visais Gibson, je ne visais pas Epi. Je savais qu’Epi était sur le point de couler. Gibson était le plus grand du secteur et c’est là que je voulais aller. Je l’ai apporté à Chicago à Maurice Berlin, le président de CMI, la compagnie Chicago Musical Instrument [propriétaire de Gibson], et ils en ont ri.
«J’ai déménagé en Californie, je suis allé dans l’armée, je suis allé avec Bing Crosby, j’ai continué à jouer mon journal, et Leo Fender est venu dans mon jardin, et Merle Travis l’a vu, tout comme tous les autres guitaristes, tous les autres fabricants, ils l’ont tous vu.
La vibrola, j’ai commencé là-dessus dans les années 30 puis j’ai découvert qu’un mec avait déjà inventé une vibrola, mais elle était morte, elle était éteinte, elle est morte dans son élan. Alors j’ai dit: « Je vais faire ma propre vibrola », alors j’ai fait la mienne et Bigsby est venu dans mon jardin, avec Fender. »
GIBSON LES PAUL
Ted McCarty «Les salons de la fin des années 40 étaient à Chicago en juin et à New York en janvier environ. Nous emmenions des prototypes au salon, nous leur montrions, ils obtiendraient une réaction des revendeurs – parce que c’était une exposition de revendeurs, il fallait être un concessionnaire pour entrer – et selon la réaction, nous reviendrions à l’usine et les vendeurs diraient que c’est un bon vendeur, c’est un bon vendeur, mais je ne pourrais pas faire grand-chose avec celui-ci. D’accord, vous l’avez. C’est ainsi que nous avons choisi la ligne, pourriez-vous dire.
«Nous avons réalisé que Leo Fender gagnait en popularité en Occident avec son corps solide espagnol. Il n’est arrivé nulle part à New York ou dans cette partie du pays, c’était strictement en Occident.
Je l’ai regardé et regardé et j’ai dit: « Nous devons nous lancer dans cette affaire. On lui donne une course gratuite, c’est le seul à fabriquer ce genre de guitare. Avait ce vrai son strident, que les garçons country et occidentaux aimaient. Cela devenait populaire. Nous en avons donc discuté et décidé, faisons-en un.
«Maintenant, Les Paul m’était connue, Les Paul était un peu un innovateur, mais il jouait à Epiphone. Et j’essayais de lui faire jouer Gibson, oh, depuis quelques années. Il n’allait pas s’éloigner d’Epiphone, il leur était fidèle. Il avait fait quelques améliorations, quelques changements, dans son Epiphone qu’il utilisait. Ils n’ont pas fabriqué un Epiphone avec son nom dessus – tout ce qu’ils ont fait était Epiphone.
GIBSON LES PAUL
Les Paul «Leo Fender a vu ce que je faisais et il a commencé à en créer un. Et quand Gibson en a entendu parler, ils ont dit de trouver ce type avec le manche à balai avec le micro dessus! Ils sont venus tout de suite, dès qu’ils ont entendu ce que faisait Léo. Ils sont venus me voir et j’ai dit: « Eh bien, vous êtes un peu en retard. Mais d’accord, allons-y. »
Ted McCarty «Nous avons commencé à fabriquer un corps solide et nous avions beaucoup à apprendre. Par exemple, plus le matériau est rigide, plus le bois est dur, plus le son est aigu et plus le sustain est long.
Frappez la corde et elle sonnerait pendant une longue période de maintien. Cela pourrait être trop long. Une des choses que nous avons faites a été de prendre un morceau de rail de fer de la voie ferrée, de mettre un pont, un pick-up et un cordier dessus, et de le tester.
Vous pourriez frapper cette ficelle, marcher, revenir, et ça sonnerait toujours. Parce que ce qui le fait ralentir, c’est le fait que le bois donne un peu.
«Nous avons fabriqué une guitare en érable massif. Ce n’était pas bon. Trop strident, trop de sustain. Et nous en avons fait un en acajou. Trop mou. Je n’avais pas vraiment ce truc.
Nous avons donc finalement trouvé une table en érable et un dos en acajou, en avons fait un sandwich, les avons collés ensemble.
Ensuite, nous avons décidé, qu’en est-il de la forme? Nous voulions quelque chose qui ne serait pas trop lourd. La Fender était une guitare beaucoup plus grosse, plus lourde. Nous avons donc fait le nôtre un peu plus petit, de forme traditionnelle.
Les Paul et son épouse Mary Ford lors d’une réception de presse au Savoy Hotel de Londres, pour le dévoilement en 1952 du modèle signature Les Paul. Notez le DeArmond Dynasonics sous les caches de micro manche P-90
«Nous avions toujours sculpté le dessus de nos belles guitares, et nous avions de véritables machines à sculpter. Leo Fender n’avait pas de machine à sculpter. Ils ont joint leur manche avec une plaque à l’arrière de la guitare. Nous avons toujours collé notre cou, en avons fait une partie intégrante. Alors j’ai dit: « D’accord, découpons le haut de cette chose, comme nous le ferions sur un L-5 et un L-7. »
«Nous avons finalement trouvé une guitare séduisante. Et en ce qui nous concerne, il avait le ton, il avait la résonance et il avait aussi le sustain, mais pas trop. Maintenant, nous avions besoin d’une excuse pour le faire. Aucune des autres grandes sociétés de guitare n’avait quoi que ce soit à voir avec un corps solide.
Leur attitude était de l’oublier, car n’importe qui avec une scie à ruban peut fabriquer une guitare solidbody. Scie à ruban et routeur, c’est tout ce dont vous aviez besoin.
«Alors j’ai commencé à réfléchir. A cette époque, Les Paul et Mary Ford roulaient très haut, ils étaient probablement l’équipe vocale numéro un aux États-Unis. Ils gagnaient un million de dollars par an. Et connaissant Les et Mary, j’ai décidé que je devrais peut-être leur montrer cette guitare.
Ted McCarty «Les et son groupe se trouvaient dans un pavillon de chasse au Delaware Water Gap, qui se trouve dans les montagnes de Pennsylvanie. J’avais parlé à Les par téléphone et j’ai parlé à Phil Braunstein, son directeur financier, un comptable de New York. Alors j’ai pris rendez-vous avec Phil, je suis allé à New York, j’ai pris le petit déjeuner, je suis monté dans sa voiture, et j’avais cette guitare [prototype] avec moi.
«C’était une journée de route depuis New York là-bas, nous y sommes arrivés la nuit, pluvieux, une nuit misérable. «J’ai dit: ‘J’ai quelque chose ici, Les, que j’aimerais que vous voyiez.’ Nous avions un amplificateur et nous y avons branché cette guitare. Il l’a pris, et il l’a joué – et il l’a joué et il l’a joué. Il y avait ce balcon à l’étage avec des chambres menant à côté, et Mary Ford était à l’étage, alors il a crié: «Mary, viens ici, je veux que tu vois ça.
«Mary est descendue. Il dit: « Joue ça, Mary, je veux entendre et voir ce que tu en penses. » Elle l’a pris et l’a joué, et elle a dit: «J’adore ça. Les a dit: « Laissez-moi l’avoir », et il l’a joué un peu plus, et il s’est tourné vers Mary et a dit: « Écoutez, ils se rapprochent trop de nous, Mary, je pense que nous devrions les rejoindre. Qu’est-ce que tu penses?’ Elle dit: «J’aime ça.» »
Les Paul «C’était une guitare plate à l’époque, ce n’était pas une archtop. J’ai tout dessiné là-bas sauf le ventre, le sommet cambré. J’avais un flat-top. J’étais assis là avec Maurice Berlin au CMI, et il a dit: «Vous savez, j’aime les violons. Et il m’a fait traverser son coffre-fort et m’a montré sa collection, et il a dit:
« Envisageriez-vous de le faire dans un archtop? », Et j’ai dit que j’adorerais. Il a déclaré: « Personne d’autre – Fender, personne d’autre – ne peut le faire, et nous avons les installations pour le faire. » Alors j’ai dit: « Bien sûr, faisons-le. » Nous les avons donc fabriqués.
Ted McCarty «Les avait pris son Epiphone et y avait fait beaucoup de changements, y avait mis des micros qu’il avait faits. J’avais été après lui pendant quelques années, essayant de le convaincre de Gibson, je n’avais pas réussi. Alors j’ai dit: « C’est ce que nous voulons faire, nous voulons appeler cela le modèle Gibson Les Paul. »
Je lui ai dit que nous lui paierions une redevance. Je ne suis pas avocat, ni Phil Braunstein, ni Les. Nous avons donc commencé à conclure un contrat. Et j’ai une théorie sur les contrats. Plus ils sont simples, mieux ils sont. Si vous avez cinq pages de gobbledegook, ce que j’appelle «passe-partout», vous engagez un avocat intelligent et il y trouvera des failles.
Un simple, tout le monde peut comprendre. Nous avons donc commencé, la première chose que nous avons faite a été d’écrire combien nous lui paierions par guitare.
«Nous nous sommes mis d’accord toute la nuit. Je suis donc revenu à l’usine et maintenant nous avions un modèle Gibson Les Paul. J’essayais de convaincre Les de nous laisser lui fabriquer une guitare depuis des années, sans succès, mais nous avons finalement eu quelque chose qui lui plaisait. Alors nous avons commencé à les produire.
Ted McCarty «Nous avons fait la finition dorée car elle couvrait les imperfections du bois, l’aspect cosmétique. Si c’était de l’érable [comme le dernier Burst], ce devait être de l’érable à violon, devait être parfait, ne pouvait pas avoir de défauts, ne pouvait pas avoir de stries minérales. Mais nous avions l’habitude de le recouvrir de cette peinture [dorée].
L’absence de reliure de la touche et les vis de réglage de la hauteur du micro du chevalet en diagonale indiquent que ce modèle Goldtop de 1952 maintenant fortement modifié est l’un des tout premiers jamais fabriqués.
«Nous avons ajouté la Gibson Les Paul Custom juste pour en avoir une autre. Vous avez toutes sortes de joueurs qui aiment ça et comme ça. Chevrolet a tout un tas de modèles, Ford a tout un tas de modèles. Et il y avait une bonne raison à cela. Nous avions de plus en plus de problèmes pour obtenir du vrai bon acajou clair du Honduras. Nous aurions de l’acajou et il y aurait des stries dedans et ainsi de suite.
«Pour que la Gibson Les Paul Custom soit un corps solide, ce n’était pas un sandwich, c’était de l’acajou massif, mais peint en noir. Alors vous en aviez avec des stries? Vous en avez fait des douanes. Je l’ai agrémenté de reliures et d’autres éléments, et je l’ai vendu à un prix plus élevé. »
Billy Gibbons «Ce gars que je connaissais à Houston, John Wilson – il avait un Rickenbacker 12 cordes, ils sonnaient comme The Byrds, ils s’appelaient The Magic Ring – il a sonné un jour et a dit: ‘Hé, le mot est que vous en cherchez un de ces Gibson Les Paul. J’ai dit ouais. Il a déclaré: « Il y a un fermier, un éleveur, en haut de la route, juste à l’extérieur des limites de la ville, un grand ranch là-bas, un gros éleveur de bétail, du bétail et des chevaux. Eh bien, il a une de ces choses.
«Nous avions obtenu une automobile Packard de 1936, et nous avions une amie du groupe, Renee Thomas, elle avait l’opportunité de passer une audition en Californie pour gagner un rôle dans un film, alors nous lui avons donné le Packard. Elle a appelé, dit qu’elle est en Californie et qu’elle a eu le rôle. Enfin, elle a vendu le batteur Packard et m’a envoyé ce chèque de, je crois, 350 $. Je jure, le chèque est arrivé par la poste, et mon pote s’arrête et dit: «Hé, allons voir cette guitare.
Ce magnifique ’59 Burst a été l’inspiration pour le Minnesota Burst 2016 de Gibson Custom, 39e dans une série de recréations minutieuses d’instruments historiques.
On y arrive, le gars a dit: « Vous le voulez, vous pouvez l’avoir. » J’ai dit: « Combien vous voulez? » Il dit: « Combien vous avez? » J’ai sorti le chèque et j’ai dit que je viens de recevoir ça aujourd’hui, 350 $. Il dit: «Je vais le prendre. Alors j’ai décollé avec cette guitare!
«Nous avions nommé cette voiture Pearly Gates et quand Renee l’a vendue, je l’ai rappelée, j’ai dit: ‘J’ai eu cette guitare avec l’argent.’ Elle dit: «Eh bien, nous allons appeler cette guitare Pearly Gates et vous allez jouer de la musique divine.
«Je vais vous dire, mec, c’est une sorte de guitare! C’était en 1968, juste après l’été. Je me suis demandé en cours de route pourquoi cet exemple particulier de Gibson Les Paul [’59 Burst] est si robuste.
Vraiment, la seule explication est que c’est juste arrivé à être mis en place le bon jour. La bonne combinaison de bois. «Tout était supposé à l’époque. Le jour particulier où tous les éléments disparates se sont réunis était juste ce moment magique, je suppose.
Roadrunner Guitars
jimmy Page «J’ai eu mon [trois humbucker] Gibson Les Paul Custom dans les années 60… il y avait [magasin Selmer à Charing Cross Road] et puis il y en avait un plus loin, à l’époque il était affilié d’une manière ou d’une autre, appelé [Lew Davis], et j’ai acheté il là-dedans.
Je me souviens être entré et il y avait une sorte de caisse, et les gars derrière, et juste au mur… J’ai dit: « Oh mon Dieu, laisse-moi essayer! » Ce qu’il faisait là-dedans et pourquoi, mais c’était là. C’était juste… je suis tombé amoureux de ce truc sanglant.
«Il n’y en avait pas beaucoup autour. C’était juste une chose si magnifique et ça avait l’air si merveilleux. Le réglage du milieu n’était pas ce à quoi vous vous attendiez, mais c’était un son vraiment pointu qui était vraiment superbe. Je l’ai personnalisé avec des interrupteurs pour que vous puissiez entrer dans n’importe quelle combinaison, et [en 1970] c’est celui qui a été volé.
Jimmy Page en 1975, l’année où il a acheté une sauvegarde Burst pour remplacer la « numéro un » Gibson Les Paul Standard qui était son pilier
«En 1969, Joe Walsh est venu au Fillmore ou au Winterland, l’un ou l’autre, à San Francisco et il a insisté, il a dit: ‘Vous devez acheter cette guitare!’ [Il est devenu le Burst ‘Number One’ de Page.] Et il semblait en fait qu’il avait été remis à neuf. J’ai dit: «Je n’en ai pas nécessairement besoin».
«Non, vous devez l’avoir, essayez-le, vous le voudrez», et tout ça. J’ai dit: « J’ai déjà la coutume. » «Non, non, vous devez l’essayer! Vous devez acheter cette guitare!
«Il a continué à insister. J’ai dit: «Ah, non, non, non, je ne peux pas me le permettre. Tu sais comment c’est.’ Ce n’était pas comme traiter avec Selmer. Il faisait vraiment du sport – il en fait toujours du sport maintenant. Parce que tout le monde y va, tu lui as vendu une Gibson Les Paul pour quoi que ce soit, des centaines de dollars. C’était un prix au prorata, il ne me volait pas et il ne me le donnait pas en cadeau.
«Je savais que c’était une bonne guitare. Je savais qu’il n’y aurait pas de retour, le grincement que je recevais de ma Telecaster, qui chaque soir, il y avait un épisode entier de contrôle. Le premier album se fait sur la Telecaster, car c’est une transition de The Yardbirds à Led Zeppelin, c’est exactement la même guitare.
Tout le monde avait ça s’ils commençaient à monter une Telecaster fort. Alors Joe a insisté pour que je l’achète, et je l’ai acheté, et j’ai lancé le deuxième album avec.
Cette Gibson Les Paul Custom de 1956 a un simple bobinage «de base» en position manche. La Custom a été introduite en 1954 pour répondre au souhait de Gibson Les Paul d’une guitare plus luxueuse qui ressemblait à «un smoking»
«Il n’y a aucune garantie que j’aurais joué le… Je ne sais pas, c’est hypothétique, mais je n’ai peut-être pas trouvé le riff de Whole Lotta Love sur la Telecaster. Ce gros son avec lequel vous travaillez, vous êtes inspiré – eh bien, je le suis – et je sais que d’autres personnes sont, par les instruments, le son des instruments.
Et puis ils jouent quelque chose qu’ils n’ont jamais joué auparavant – et c’est vraiment convivial, et soudainement ils ont une sorte de riff, qui est propre à ce moment. Je ne dis pas que c’est la première chose que j’ai joué dessus, mais c’était à venir.
«J’ai toujours su que la Gibson Les Paul était une guitare très conviviale par rapport, disons, à une Strat ou quelque chose comme ça. C’est vraiment sympathique. Tant de choses commencent à chanter, tu sais? Vraiment chanter. »
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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La Gibson Les Paul est une guitare électrique emblématique, fabriquée pour la première fois en 1952 par la société américaine Gibson Guitar Corporation. Elle a été conçue en collaboration avec le musicien et inventeur Lester William Polsfuss, plus connu sous le nom de Les Paul.
La guitare Les Paul est célèbre pour son design distinctif, son sustain impressionnant et sa polyvalence, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de nombreux genres musicaux, notamment le rock, le blues, le jazz et la country.
La Gibson Les Paul est reconnaissable à son corps en acajou massif avec une table en érable, sa forme de corps en « single cutaway » qui permet un meilleur accès aux frettes supérieures, et son manche collé, généralement en acajou avec une touche en palissandre. La combinaison de ces bois confère à la guitare un sustain et une résonance caractéristiques.
La Les Paul est également équipée de deux micros humbuckers, conçus pour réduire les interférences électromagnétiques et produire un son riche et puissant. La guitare dispose d’un sélecteur à trois positions pour choisir entre les micros, ainsi que de quatre boutons de réglage pour le volume et la tonalité de chaque micro.
Au fil des ans, la Gibson Les Paul a été proposée dans une variété de finitions et de couleurs. Parmi les finitions les plus célèbres, on trouve le « Sunburst » (dégradé de couleur du centre vers les bords), le « Goldtop » (couleur dorée), le « Black Beauty » (noir avec des ornements dorés) et le « Cherry Sunburst » (dégradé de rouge cerise).
Les finitions de la Les Paul peuvent varier en fonction des modèles et des éditions limitées. Certaines finitions sont spécifiques à des artistes ou des modèles signature, tels que la Les Paul Jimmy Page ou la Les Paul Slash.
Il existe plusieurs modèles de Gibson Les Paul, chacun ayant ses propres caractéristiques et spécifications. Parmi les modèles les plus populaires, on trouve :
Le prix d’une Gibson Les Paul varie en fonction du modèle, des caractéristiques et des finitions. Les modèles d’entrée de gamme, tels que la Les Paul Junior et la Les Paul Special, peuvent être trouvés à partir d’environ 1 000 $, tandis que les modèles Standard et Custom se situent généralement entre 2 500 $ et 5 000 $.
Les éditions limitées, les modèles vintage et les modèles signature peuvent être plus coûteux, allant jusqu’à 10 000 $ ou plus pour des pièces de collection rares.
Il est important de noter que Gibson propose également des versions plus abordables de la Les Paul sous sa marque Epiphone, qui offre des modèles similaires avec des spécifications légèrement différentes et des matériaux moins coûteux.
De nombreux artistes célèbres ont choisi la Gibson Les Paul comme leur guitare de prédilection, notamment :
– Jimmy Page (Led Zeppelin)
– Slash (Guns N’ Roses)
– Eric Clapton
– Peter Green (Fleetwood Mac)
– Duane Allman (The Allman Brothers Band)
– Joe Perry (Aerosmith)
– Gary Moore
– Joe Bonamassa
– Billy Gibbons (ZZ Top)
– Ace Frehley (KISS)
La Gibson Les Paul est appréciée pour sa polyvalence, son sustain et son esthétique attrayante, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de différents genres musicaux.
Pour maintenir votre Gibson Les Paul en bon état et préserver sa qualité sonore, il est important de suivre quelques étapes d’entretien de base :
1.Nettoyez régulièrement la guitare avec un chiffon doux et sec pour éliminer la poussière et les traces de
de doigts.
2. Changez les cordes régulièrement, en fonction de votre fréquence de jeu et de vos préférences personnelles. Il est généralement recommandé de changer les cordes tous les 1 à 3 mois pour les guitaristes actifs.
En suivant ces conseils d’entretien, vous pouvez préserver la qualité et la longévité de votre Gibson Les Paul.
La principale différence entre une Gibson Les Paul et une Epiphone Les Paul réside dans la qualité des matériaux, la fabrication et le prix. Gibson est la marque originale et haut de gamme, offrant des instruments de qualité supérieure fabriqués aux États-Unis avec des matériaux sélectionnés et un contrôle qualité rigoureux. En conséquence, les Gibson Les Paul ont tendance à être plus chères.
Epiphone est une filiale de Gibson qui propose des instruments plus abordables, fabriqués en Asie et conçus pour offrir une alternative de qualité aux guitaristes avec un budget plus limité. Les Epiphone Les Paul présentent des caractéristiques et des designs similaires à leurs homologues Gibson, mais avec des matériaux moins coûteux et des différences subtiles dans la construction et l’électronique.
Pour vous assurer que vous achetez une Gibson Les Paul authentique, il est important de vérifier plusieurs éléments :
Examinez le logo Gibson sur la tête de la guitare. Le logo doit être net et précis, avec une police et un espacement cohérents.
Vérifiez le numéro de série, généralement situé sur l’arrière de la tête de la guitare. Les numéros de série Gibson suivent un format spécifique en fonction de l’année de fabrication. Vous pouvez vérifier la validité du numéro de série sur le site officiel de Gibson.
Inspectez la qualité de la finition, des incrustations et des matériaux utilisés. Une Gibson Les Paul authentique aura généralement une finition soignée et des incrustations précises.
Observez les mécaniques, les micros et les autres composants électroniques. Les modèles Gibson authentiques utilisent des pièces de haute qualité, souvent marquées du logo Gibson ou de marques spécifiques, comme les mécaniques Grover ou les micros Burstbucker.
Comparez la guitare à des photos et des spécifications de modèles authentiques disponibles sur le site officiel de Gibson ou dans des publications spécialisées.
Si vous avez des doutes sur l’authenticité d’une Gibson Les Paul, il est préférable de consulter un expert ou un luthier professionnel pour une évaluation.
Si vous êtes intéressé par une guitare similaire à la Gibson Les Paul, mais que vous souhaitez explorer d’autres options, voici quelques alternatives populaires :
– Epiphone Les Paul : Comme mentionné précédemment, Epiphone est la filiale de Gibson et propose des modèles Les Paul plus abordables avec des caractéristiques et des designs similaires.
– PRS Singlecut : La PRS Singlecut est une guitare électrique à simple pan coupé qui offre une qualité de fabrication et un son comparables à la Gibson Les Paul, avec un design distinctif propre à PRS.
– Fender Telecaster : Bien que la Fender Telecaster ait un design et une construction différents, elle est appréciée pour sa polyvalence et son son chaleureux, similaire à la Les Paul, en particulier dans les modèles équipés de micros humbuckers.
– ESP Eclipse : L’ESP Eclipse est une guitare électrique inspirée de la Les Paul, avec un design et des caractéristiques similaires, mais une orientation plus marquée vers les genres de musique heavy metal et hard rock.
En fin de compte, le choix de la guitare idéale dépend de vos préférences personnelles, de votre budget et de votre style de musique. Il est toujours recommandé d’essayer plusieurs guitares et de comparer leur son et leur jouabilité avant de prendre une décision.
Les metalheads avertis peuvent être enclins à convenir que GOJIRA est l’une des meilleures choses qui soit arrivée à la musique heavy au cours des 20 dernières années. Il en est de même après l’écoute de GOJIRA Fortitude.
L’album a reçu des critiques positives de la part des critiques. AllMusic a donné à l’album une note de 4,5 sur 5, fortitude est une nouvelle étape dans le parcours de GOJIRA pour devenir l’un des groupes de métal les plus importants et les plus vitaux
L’album a débuté à la quatrième place du Billboard 200, ce qui en fait l’album du groupe le mieux classé à ce jour. En outre, l’album a également débuté à la première place du palmarès des disques métals.
Le premier single de l’album, « Born for One Thing », est sorti le 28 avril 2020. La chanson a reçu un accueil positif de la part des critiques. AllMusic a loué la chanson pour son refrain « hymnique » et l’a qualifiée de « retour en force à la forme ».
GOJIRA Fortitude est le septième album studio du groupe Gojira . GOJIRA Fortitude est sorti le 30 avril 2021 chez Roadrunner Records . Gojira Fortitude a été enregistré au studio du groupe à New York, et a été produit par Joe Duplantier et mixé par Andy Wallace .
GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude
Gojira avait l’intention d’écrire un album plus cohérent et plus brillant que Magma , mettant l’accent sur un son progressif utilisant l’incorporation d’éléments de rock classique avec un message lyrique positif.
L’écriture de GOJIRA Fortitude a commencé au début de 2018 mais a été suspendue en raison du calendrier des tournées du groupe. La pandémie COVID-19 a interrompu le mixage de l’album et sa date de sortie a été reportée à une date ultérieure.
GOJIRA Fortitude a fait ses débuts au n ° 12 sur le Billboard 200 et vendu 27,372 unités dans sa semaine débuts aux États – Unis, qui a dépassé Magma » tableau de et les ventes. L’album est en tête des palmarès Billboard Hard Rock Albums et Top Rock Albums , ainsi que du palmarès UK Rock & Metal Albums .
Gojira Fortitude s’est classé en tête des charts en Europe et s’est vendu à 9 900 exemplaires lors de sa première semaine de sortie en France. Il a culminé au n ° 3 sur les graphiques ARIA . Fortitude a été l’album studio le plus vendu aux États-Unis lors de sa semaine d’ouverture.
Même en ignorant l’humilité, l’humanité et le dévouement inspirant du groupe français pour les nobles causes, le monde du métal s’est asservi à presque tout ce qu’il a fait depuis son entrée dans la conscience plus large avec « From Mars to Sirius » de 2005, puis est devenu véritablement stratosphérique avec le grand label de 2012 débuts « L’Enfant Sauvage » .
Un groupe live toujours étonnant, GOJIRA a conquis le métal traditionnel en poursuivant un parcours singulier et en entraînant tout le monde avec lui. Il probablement des gens qui pensent qu’ils sucent,
En raison de toute cette brillance pionnière, on attend beaucoup plus de GOJIRA que peut-être n’importe quel autre groupe de metal traditionnel.
« Fortitude » arrive au milieu d’une vague de battage médiatique entièrement justifiable, en grande partie provoqué par l’énorme succès de l’album précédent du groupe, « Magma » .
Ce disque était sans doute un peu moins aventureux que certains des efforts précédents du groupe, mais via les goûts irrésistiblement accrocheurs de « Stranded » et « Silvera » , GOJIRA a confirmé qu’ils pouvaient livrer des hymnes et plaire à la foule tout en maintenant l’individualité et l’intégrité créative qui a toujours été une caractéristique de leur travail.
Cinq ans plus tard, les Français ont beaucoup plus grand public à servir, et si « Fortitude » ravira sans aucun doute ceux pour qui « Magma » était un avant-goût du groupe, ce n’est pas tout à fait le triomphe sans équivoque que les fans purs et durs attendaient.
Les deux « Born For One Thing » et « Another World » ont livré la marchandise avant l’album complet, et bien qu’aucun des deux ne soit sorti comme un classique instantané, les deux sont pleins de rythmes agiles et de ces riffs et éclats d’harmoniques incomparables.
GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude
Comme toujours, la voix de Joe Duplantier tourne en spirale à travers la mêlée, enveloppée de réverbération mais néanmoins autoritaire, et les crochets centraux des deux chansons s’envolent, soutenus par le génie encore plus adroit et percussif de Mario Duplantier .
« Amazonia » est GOJIRA en mode groove langoureux, évoquant la puissance de la terre brûlée de KILLING JOKE dans les couplets avant de servir un riff titubant et descendant qui se sent destiné, dans un avenir pas si lointain, à des foules immenses se cognant la tête a unisson.
« New Found » est un autre joyau, avec un riff d’ouverture à tuer et une baisse de tempo au milieu de la chanson qui facilite un fondu culminant vraiment magnifique et épique. Mieux encore, « Sphinx » sonne comme le GOJIRA classique , mais mis à jour et en quelque sorte encore plus épineux que les points culminants précédents.
Ce ne sont cependant pas toutes de bonnes nouvelles. GOJIRA a toujours été animée par le désir d’expérimenter et d’élargir leur son.
« Fortitude » n’est pas différent à cet égard, mais les courbes supposées de GOJIRA Fortitude sont loin de livrer des révélations surprenantes.
En particulier, « The Chant » est une affaire légère mais légère, avec des nuances de rock stoner et un refrain vocal doux mais banal, tandis que « The Trails » et « Hold On » semblent occuper un territoire que GOJIRA a déjà maîtrisé et éloigné. , mais avec la mélodie vocale poussée au premier plan d’une manière que les albums précédents n’avaient fait que suggérer.
GOJIRA Fortitude – GOJIRA Fortitude
Certes, toutes les réserves que vous pourriez avoir en écoutant « Fortitude » disparaîtront dès que « Grind » plus proche éclatera, administrant au moins deux riffs plus magnifiques et suffisamment d’énergie haussière pour repousser un tsunami.
C’est une fin exaltante pour un album qui ne manque pas d’aigus, mais qui est également chargé de plusieurs accalmies et de quelques pas d’évolution qui ne sont que partiellement réussis.
Dans tous les cas, « Fortitude » est un autre excellent album de GOJIRA et reste le ticket de metal traditionnel le plus chaud et le plus distinctif du moment..
Malheureusement, si vous vous souvenez à quelle vitesse et avec quelle force votre mâchoire a heurté le sol la première fois que vous avez entendu « Ocean Planet » , « Explosia » »Stranded » , « Fortitude » ne fait pas tout à fait feu avec la même férocité mercurielle.
Le processus créatif du septième album de Gojira, Fortitude a commencé avec parcimonie fin 2017. Gojira avait l’intention d’écrire un «album groovy et aéré» avec un thème fort et axé sur le partage avec le public, un album où deux énergies coexistent, «toutes deux très masculines et féminin « .
L’album a été inspiré comme un encouragement à l’auto-renforcement, « pour montrer le courage de faire face au monde, pour faire face aux problèmes de demain ».
L’album a été écrit et enregistré sur une période de deux ans. Le groupe a fait une pause dans ses tournées pour se concentrer sur l’écriture et l’enregistrement de l’album
Dans une interview accordée à Loudwire, le batteur Mario Duplantier a parlé de la réalisation de l’album : « Nous voulions être sûrs d’avoir assez de temps pour chaque chanson, donc… »Il poursuit : « Même si cela nous a pris deux ans, nous voulions être sûrs que chaque chanson soit la meilleure possible. »
Ayant eu des demandes soutenues de tournées dans le monde entier pour soutenir Magma , au-delà du cycle initial, le groupe a décliné afin de se concentrer sur l’écriture d’un nouvel album.
L’album a été enregistré au Silver Cord Studio dans le Queens, à New York. Le groupe a travaillé avec le producteur Josh Wilbur sur l’album Wilbur est connu pour son travail avec Lamb ofDieu, Gojira, et Megadeth. L’écriture de chansons de l’album a officiellement commencé au début de 2018 au Silver Cord Studio de New York, qui deviendrait « le cocon pour une odyssée créative de deux ans ».
Cependant, il a été interrompu par une tournée en Europe et l’écriture s’est terminée après la tournée 2019 Knotfest Roadshow à travers les États-Unis et le Canada.
Joe Duplantier a produit l’album, et le groupe l’a enregistré au Silver Cord Studio à la fin de 2019. Mario Duplantier a enregistré onze pistes de batterie en huit jours en une ou deux prises chacune.
Wallace a mixé trois chansons avant que les premiers verrouillages COVID-19 ne soient imposés, alors que l’album était prévu pour une sortie en juin 2020.
Joe Duplantier, résident de l’État de New York, visitait son père dans le sud-ouest de la France, ce qui a compliqué le processus de mix.
Le groupe était alors incapable de rejoindre Wallace en Floride en raison de la situation sanitaire. Puis Joe Duplantier a passé plusieurs mois dans une cabane dans la forêt landaise sans écouter les nouvelles pistes et a abandonné son téléphone portable et son ordinateur.
En juillet, le groupe est revenu au processus de mixage sur Internet et par téléphone avec Wallace. Wallace préférerait être laissé seul dans le studio, sans assistants, étant vulnérable à une infection à coronavirus en raison de son âge, se disant « infiniment contrarié de ne pas être avec le groupe ».
La date de sortie de GOJIRA Fortitude a ensuite été repoussée à septembre en raison de la pandémie COVID-19 , puis a échoué par la suite et un autre report a été décidé.
Le 5 août 2020, le groupe sort un nouveau single intitulé « Another World », leur premier single en quatre ans.
Le 17 février 2021, Gojira a annoncé Fortitude et sa date de sortie pour le 30 avril 2021 via Roadrunner Records. Le même jour, le groupe a sorti une vidéo officielle pour son premier single, « Born for One Thing ».
La force a marqué le plus long écart entre deux albums de studio dans la carrière du groupe.
Sur Fortitude, Gojira a adopté une approche lyrique différente de celle explorée sur leur album précédent, Magma .
Ce dernier a été fortement influencé par la mort de la mère de Joe et Mario Duplantier, a déclaré Joe Duplantier.Cette fois, le groupe « a eu l’envie de remplir l’album de plus de joie, même si cela n’apparaît pas comme une musique joyeuse ». Mario Duplantier a mentionné un processus de composition plus lent qu’avant en raison des goûts musicaux de plus en plus diversifiés au fil des ans.
Tout en conservant leur style de signature, Gojira a étendu sa gamme à une « dimension traditionnelle »des « groupes classiques ». Le but était de concentrer la musique sur le « gros riff de guitare » plutôt que sur la performance, avec une cohésion de groupe mettant l’accent sur ce point.
« Amazonia », qui parle de la déforestation de la forêt amazonienne (en particulier les incendies de forêt amazonienne en 2019 ), a été publié dans le cadre d’une collecte de fonds d’un mois pour une organisation caritative brésilienne de défense des droits des autochtones organisée par Gojira. Une partie de l’album est un hommage aux communautés indigènes .
Gojira de Joe Duplantier a été l’invité Full Metal Jackie Radio show de ce week – end passé, en prenant un peu de temps pour discuter du très attendu nouvel album Fortitude.
Duplantier discute également de la barre fixée par leur album Magma et se rend enfin compte de l’effet qu’il a eu sur le public, s’ouvre sur le processus de création et offre ses réflexions sur un monde en tournée post-Covid.
Découvrez le chat dans son intégralité ci-dessous.
Comme c’est passionnant enfin, nous avons l’annonce d’un nouveau disque de Gojira. Fortitude sortira le 30 avril. Joe, Magma a donc amené Gojira à un autre niveau. Qu’avez-vous appris sur GOJIRA Fortitude qui est devenu le point de départ de Fortitude ?
Eh bien, vous savez que Magma a été une belle expérience et nous avons tourné et, comme vous l’avez dit, cela nous a en quelque sorte amenés à un autre niveau, mais nous ne nous en sommes pas vraiment rendu compte.
Je vois qu’aujourd’hui, quand nous sortons certaines choses, c’est beaucoup plus d’attention autour du groupe et des trucs, mais je travaillais dur pour faire des tournées et faire des interviews. Je n’ai rien vu de vraiment se passer à part ma vie quotidienne avec le groupe.
Mais quand nous avons commencé à travailler sur Fortitude , nous voulions quelque chose de différent. Magma était un peu, un peu sombre. Nous avons exprimé des émotions intenses liées au départ de ma maman lors de l’enregistrement de l’album.
Nous en avons parlé, mais sur GOJIRA Fortitude nous voulions exprimer quelque chose de différent, quelque chose de plus joyeux et énergique. Et je veux dire, joyeux, je veux dire plus percutant, plus flamboyant mais les paroles nous parlent généralement de l’humanité et du mal que font les hommes.
Donc en ce sens, ce n’est pas exactement un album de fête, mais le son est plus rock, plus excitant. Je dirais.
Le titre du nouvel album est Fortitude – un appel à l’amélioration. Pourquoi est-il important pour vous d’encourager cela maintenant?
Je ne sais pas. Malgré le fait que je pense que les humains sont assez foutus et qu’une partie de moi souhaite que les humains disparaissent de cette planète pour laisser ces pauvres animaux seuls, vous savez, mais je crois au potentiel de nous les êtres humains.
Je pense que nous avons de belles choses à offrir, et je souhaitais toujours voir le meilleur de ce que nous avons en nous sortir et c’est ce que j’essaye de faire sur le plan artistique et sur le plan humain dans ma vie de tous les jours.
C’est ce que nous voulions exprimer dans GOJIRA Fortitude aussi, voir les gens donner le meilleur d’eux-mêmes et être forts et ne pas désespérer et projeter une image positive pour leur avenir et pour notre avenir, et par la discipline et la décision et les bonnes intentions, nous pouvons mieux nous-mêmes et un meilleur affichage. Donc, c’est presque par défaut l’énergie et le message que nous choisissons par rapport à, ah, laissez-le brûler.
Joe, la créativité peut être stimulante. Comment fairepour qu’ un album comme Fortitude , vous donne de la force.
C’est une bonne question. J’apprécie chaque étape du chemin, même si parfois c’est douloureux. Nous avons presque parfois des douleurs physiques quand nous ne pouvons pas trouver la bonne partie de la chanson.
Et nous travaillons dur pour créer des chansons si fortes que nous pouvons nous asseoir dessus et elles nous apporteront des places. Tu sais ce que je veux dire?
C’est donc une grande satisfaction lorsque le puzzle d’un album se réunit enfin et que nous avons cette image plus grande de ce que nous construisons.
Tout comme lorsque vous construisez une maison, vous savez, brique par brique, vous construisez quelque chose, puis vous prenez du recul et vous le regardez et vous vous dites: «Wow! Ça va être un bon abri quand la tempête arrive »et construire un album, c’est un peu comme ça.
Cela nous apporte une telle satisfaction quand il se rassemble enfin et que nous ressentons une puissance que nous voulions créer, mais que nous ne ressentons pas forcément dans notre vie de tous les jours.
Tu sais ce que je veux dire? Donc, il s’agit essentiellement de construire quelque chose de plus grand que nous-mêmes. Et j’aime ce sentiment en théorie. C’est aussi très stimulant et inspirant.
Joe, écrire et jouer de la musique est un processus de croissance continue. Qu’est-ce qui est différent de votre sensibilité musicale aujourd’hui par rapport à quand vous avez commencé ?
Vous savez, quand nous avons commencé, nous avions cette ambition de créer quelque chose de violent, de dissonant et de bizarre et qui allait vous surprendre tout le temps.
Et nous étions vraiment concentrés sur cette ambiance death metal que nous avions au début. Nous avons été fortement influencés par des groupes comme Death ou Morbid Angel, Cannibal Corpse, vraiment tous des groupes de Floride, vraiment [rires].
Mais nous avions cette dimension rock. C’est plus une dimension traditionnelle qui vient de Led Zeppelin ou Jimi Hendrix ou Pink Floyd, vous savez, grandir et écouter des groupes plus classiques.
Et je pense que ça commence à sortir et pourrait sortir naturellement. Maintenant que nous sommes plus âgés et que nous avons le désir de créer quelque chose qui soit peut-être plus ancré et qui prend du temps à s’exprimer. Et c’est vraiment bizarre parce que nous nous sentons plus grands.
C’est une sensation merveilleuse de jouer des choses qui étaient en quelque sorte jouées auparavant. Vous savez ce que je veux dire, comme des accords majeurs ou des progressions qui étaient présents à l’époque dans les années 70 ou 80, comme avec un groupe comme Iron Maiden, par exemple.
Donc, vous pouvez trouver un peu de cela dans notre musique aussi, et je l’apprécie vraiment. C’est aussi un bon changement par rapport à toutes ces vieilles chansons que nous jouons encore à ce jour.
New York est votre base, mais vous avez été en Europe tout au long de la pandémie. Quels aspects du protocole de voyage sont des indicateurs de la reprise de certains concerts?
Je ne sais pas. J’ai fait une petite pause de New York. Je trompe New York en ce moment et je me sens mal. Je vais devoir apporter des fleurs à mon retour.
Mais je venais de visiter la France l’année dernière. Et quand toute la pandémie s’est produite juste après avoir terminé Gojira Fortitude, j’étais censé retourner au mixage avec Andy Wallace et le même studio et tout le monde a juste dit qu’il n’était pas nécessaire pour moi de voyager et de prendre des risques.
Je suis donc resté là-bas et j’ai mis mes enfants dans une école publique ici en France, ce qui leur permet de perfectionner leur français, ce qui est bien.
Maintenant, je ne sais pas ce qui va se passer. C’est un peu frustrant d’annuler tout l’été de la tournée et tous nos projets. Et puis l’année d’après, nous sommes tous dans le même bateau. Alors on verra.
On dirait que nous n’avons rien annulé à partir de l’été 2021. Il y a donc encore cette tournée avec Deftones qui pourrait avoir lieu vers septembre aux États-Unis, ce qui me passionne vraiment.
Mais cela pourrait aussi être annulé. Qui sait? Espérons qu’en 2022, l’industrie sera toujours vivante et que nous pourrons toujours partir en tournée.
No. Title Length
1. « Born for One Thing » 4:21
2. « Amazonia » 5:01
3. « Another World » 4:25
4. « Hold On » 5:30
5. « New Found » 6:37
6. « Fortitude » 2:08
7. « The Chant » 5:13
8. « Sphinx » 4:00
9. « Into the Storm » 5:02
10. « The Trails » 4:07
11. « Grind » 5:34
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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Certaines formes, appelées photos esthétiques, sont agréables à regarder.
Mais qu’est-ce qui fait ressortir ces images ? Voici tout ce dont vous avez besoin pour comprendre et utiliser l’esthétique dans votre photographie.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Par définition, l’esthétique est la mesure ou l’appréciation de la beauté.
En photographie, cela signifie généralement qu’une image fait appel à l’œil.il y a quelque chose dans son sujet, sa composition, sa couleur (ou son absence).Cela donne envie de s’asseoir et de l’observer.
Comme la beauté, l’esthétique n’est pas facile à définir avec des mots simples. Tout dépend des préférences, des expériences et des connaissances en photographie du spectateur.
Un débutant en photographie de paysage pourrait trouver toutes sortes de photos esthétiques. Un expert peut avoir une opinion différente sur les mêmes images.
La photo esthétique -photography-aesthetic – portrait
Il y a des exceptions à chaque règle. Mais nous pouvons convenir que certaines images sont plus attrayantes que d’autres. Quelques facteurs importants font toute la différence.
Les connaître peut éviter des compositions peu flatteuses. Et vous pouvez améliorer votre photographie.
Les photos esthétiques ne sont pas seulement faites pour l’appréciation.Si vous savez prendre des photos qui se démarquent, vous serez en mesure de fournir aux futurs clients des résultats impressionnants. En prenant des photos esthétiques, vous attirerez plus de personnes vers votre travail sur les plateformes sociales. Cela améliorera également votre portefeuille. Cela pourrait conduire à des opportunités de photos et à des offres d’emploi.
Vous apprécierez la possibilité de prendre des photos accrocheuses n’importe où.
Ce sont quelques-uns des nombreux avantages de comprendre comment fonctionne une belle photographie . Et pourquoi c’est important.
Trouver et développer un style est une partie importante du parcours de tout photographe. Mais ce n’est pas la même chose que l’esthétique.Le style photographique et l’esthétique photographique ne vont pas de pair. Cela signifie que vous pouvez avoir un style fort mais pas du tout esthétique.
En général, un style est une façon d’aborder la photographie. Cela inclut les paramètres techniques, l’équipement, etc.
L’esthétique va un peu plus loin que cela. Jetez un œil à votre galerie et voyez si vous remarquez des motifs de couleur, de composition, de sujets, etc.S’il y a des similitudes qui font ressortir votre style général, vous avez une esthétique.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Certains photographes sont connus pour leurs images sur le thème de la fantaisie ou leurs clichés nostalgiques. Ou un sujet qu’ils photographient souvent.
Si vous pouvez reconnaître une photographie sans connaître le nom du créateur, alors cet artiste a une forte esthétique.
De plus, si vos images ont une émotion qui attire l’attention d’une personne, vous avez une image esthétique.
Comme vous le savez déjà, l’esthétique n’est pas une chose solide, mais elle se compose de quelques facteurs simples.
C’est ce qui fait ressortir presque toutes les belles images. Ils vous font ressentir quelque chose. Ils vous incitent à prendre de superbes photos de vous-même.
La règle des tiers peut améliorer les compositions. Il est composé de deux lignes horizontales et de deux lignes verticales.
Vous pouvez les visualiser vous-même ou demander à votre appareil photo de faire le travail pour vous en utilisant des directives visuelles.
Placez vos sujets à l’intersection de ces lignes. Les horizons doivent être parallèles ou sur les lignes horizontales.
Ces directives visent à améliorer vos compositions et à éviter les photographies ternes.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Vous pouvez améliorer l’esthétique de votre photographie directement depuis votre téléphone. La plupart des appareils photo pour smartphones d’aujourd’hui ont des directives sur la règle des tiers, comme illustré ici. Des applications avancées sont également disponibles pour comprendre cette règle à un niveau plus profond.
Les lignes directrices peuvent être n’importe quoi tant qu’elles vont toutes dans la même direction. Leur but est de diriger les yeux du spectateur vers votre sujet.
Sans eux, vos compositions pourraient sembler trop encombrées ou vides.
Les lignes directrices courantes sont les ombres, les routes et les voies ferrées. En raison de la nature de cette technique, elle est souvent utilisée dans la photographie de paysage
.
La photo esthétique -photography-aesthetic
La psychologie utilise la théorie de la Gestalt pour comprendre le cerveau humain. Vous pouvez également l’utiliser en photographie pour améliorer des choses comme le cadrage et la narration.
Vous remarquerez souvent ces principes dans la photo esthétique.
Certains des principes de la Gestalt incluent la proximité, la ségrégation et la fermeture. Ils soulignent tous l’importance de placer les sujets dans des endroits spécifiques. L’esprit peut alors traiter ce qu’il regarde.
Par exemple, regardez le principe de proximité. Il indique que les sujets qui sont proches les uns des autres semblent familiaux. Vous pouvez l’utiliser pour souligner la relation entre deux ou plusieurs modèles de votre photo.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Avant de l’utiliser, vous devez comprendre vos préférences uniques en tant qu’artiste.Cela implique quelques étapes simples et vous pouvez le comprendre.
Votre objectif est de mettre toutes vos photos au même endroit afin que vous puissiez trouver des similitudes et des différences.
Plus tard, cela vous aidera à déterminer le type d’esthétique d’image que vous recherchez. Et comment aborder votre propre photographie.
Vous pouvez créer un blog Tumblr, ajouter des images à un tableau Pinterest ou enregistrer des publications surInstagram.Assurez-vous d’avoir accès aux portfolios des photographes.
De cette façon, vous pouvez également vous faire une idée de leur esthétique générale.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Une fois que toutes vos références sont au même endroit, vous pouvez commencer à les analyser. Voici quelques points à surveiller :
Avez-vous un mélange de sujets que vous aimez, ou pouvez-vous les catégoriser ?Vous êtes plutôt attiré par les gens, les paysages, les textures, etc. ?
La lumière dans les images est-elle limitée, douce, dure ou un mélange de tout ?L’éclairage est une partie importante de toute image.Portez une attention particulière aux différentes approches d’éclairage pour découvrir votre esthétique de prédilection.
Combien de techniques et de principes pouvez-vous nommer ?C’est un excellent exercice de photographie. Et un moyen facile de comprendre ce qui vous attire sur certaines photos. La plupart de vos photos préférées sont-elles non conventionnelles ou suivent-elles la règle des tiers ?
Vous êtes attiré par les photographies monochromes, vibrantes ou délavées? Recherchez les astuces d’édition et de correction des couleurs. Vous n’avez pas besoin d’être un pro de Photoshop. Notez les types de combinaisons de couleurs que vous aimez.
La plupart des photos sont-elles nettes et détaillées ou douces et abstraites? Essayez de déterminer les paramètres de l’appareil photo que le photographe a utilisés. Vous remarquerez peut-être que vous aimez les arrière-plans doux, les photos granuleuses ou les textures inhabituelles.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Même les photographes experts ne sont pas des sorciers. Peu importe votre expérience, posez des questions. N’ayez pas peur de contacter vos photographes préférés et de demander de l’aide.Vous pourriez gagner de précieuses leçons et des mentors pour la vie.
Vous aurez également une idée encore plus claire des raisons pour lesquelles les autres abordent la photographie d’une certaine manière.
Vous avez probablement une idée de vos photos préférées et des personnes qui les ont prises. Discutez-en avec vos pairs !
Vous n’êtes pas obligé de vous limiter aux photographes. Mais cela aiderait si vos amis connaissaient même un peu la photographie. De cette façon, vous obtiendrez des commentaires appropriés qui enrichiront tous vos connaissances en esthétique.
Vos discussions n’ont pas besoin d’être philosophiques. Vous pouvez discuter de la notion d’esthétique,des portfolios d’autres photographes. Même pourquoi certaines images ressortent plus que d’autres, et ainsi de suite.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Prenez vos propres photos. Assurez-vous de les considérer comme esthétiques. Demandez des critiques constructives en mettant l’accent sur l’esthétique.
Cela pourrait vous fournir des commentaires inestimables.
Avec toutes ces nouvelles connaissances en tête, vous pouvez commencer à prendre des photos. Pour éviter de vous sentir dépassé, prenez quelques notes.Utilisez-les tout au long de votre séance photo.
Lorsque vous prenez des photos, voyez ce qui vous attire.Si cela correspond aux notes que vous avez prises, vous êtes sur le point de comprendre votre esthétique. Vous pourrez utiliser ces informations quand et où vous prendrez des photos à l’avenir.
Je gravite vers les images en noir et blanc, l’heure d’ or et les visages expressifs.C’est évident dans toutes mes images et c’est une partie importante de mon esthétique.
Comme vous pouvez le voir, vous n’avez pas besoin d’utiliser des termes compliqués pour décrire votre esthétique. Expérimentez avec des termes simples jusqu’à ce que vous trouviez quelque chose qui sonne bien.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Votre esthétique photographique est importante. Cela peut vous aider à prendre des photos saisissantes. Et vous aurez une meilleure compréhension des principes fondamentaux de la photographie. Si vous suivez ce processus, vous aurez la possibilité de développer votre style unique.
Il suffit d’être curieux.Recherchez différents artistes et expérimentez avec toutes sortes de genres.Vous trouverez alors l’esthétique à travers laquelle vous pourrez vous exprimer pleinement.
Pour plus d’aide sur la réalisation de photos esthétiques, consultez notre article sur comment utiliser le nombre d’or ou réaliser des portraits en noir et blanc!
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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Dans le monde du métal britannique, un groupe se distingue depuis plus d’une décennie pour son talent et son évolution musicale constante. Il s’agit de Bring Me The Horizon, souvent abrégé en BMTH. Ce groupe originaire de Sheffield, au coeur du Yorkshire, est devenu une référence incontournable pour les amateurs du genre.
Le groupe a vu le jour en 2004, après la rencontre entre Oliver Sykes, Lee Malia et Matt Nicholson. Les membres initiaux ont très vite été rejoints par d’autres musiciens, dont Jordan Fish, Matt Kean et Matt Nicholls. Ensemble, ils forment BMTH et se lancent dans la création d’un style de métal bien à eux.
Au cours des premières années, le groupe explore différents styles, notamment le deathcore et le metalcore. Ils se font rapidement connaître grâce à leurs performances scéniques énergiques et cathartiques, qui captivent l’attention du public et provoquent de véritables coups de coeur chez certains fans.
En 2006, le groupe sort son premier album intitulé « Count Your Blessings ». Celui-ci reçoit des critiques mitigées, certaines personnes étant séduites par l’énergie brute du groupe et d’autres étant rebutées par le côté chaotique de leur musique. Néanmoins, cet album permet à BMTH de se faire remarquer sur la scène métal britannique et de construire une solide base de fans.
Au fil des années, le groupe n’a cessé d’évoluer musicalement, se nourrissant des influences diverses pour créer un style qui leur est propre. Chacun de leurs albums témoigne d’une véritable mutation musicale, propulsant Bring Me The Horizon vers de nouveaux horizons artistiques.
En 2008, BMTH sort « Suicide Season », un album marqué par un tournant mélodique dans leur musique. La voix d’Oliver Sykes, auparavant principalement criée, gagne en nuances grâce à l’utilisation du chant clair tandis que les compositions deviennent plus structurées.
Cet album est aussi marqué par des collaborations inédites pour le groupe, comme celle avec Lights, qui participe au morceau « Crucify Me ». Cette collaboration pose les bases d’un son plus expérimental qui caractérisera les productions suivantes de BMTH.
Le quatrième opus de Bring Me The Horizon, « Sempiternal », est souvent considéré comme l’album qui a fait passer le groupe au niveau supérieur. Sorti en 2013, il bénéficie d’une production de qualité signée Terry Date, producteur ayant travaillé avec des icônes telles que Deftones ou Pantera.
Sur cet album, BMTH explore des sonorités résolument plus atmosphériques et épurées que par le passé, créant ainsi un mélange envoûtant de puissance et d’émotion. Les textes abordent également des thématiques plus profondes, témoignant de la maturité artistique du groupe à cette période.
Dans la continuité de leur évolution musicale, Bring Me The Horizon a continué à se réinventer avec leurs albums suivants : « That’s the Spirit » (2015) et « Amo » (2019). Ils ont également su s’imposer sur les scènes internationales grâce à d’impressionnantes performances live.
En concert, BMTH offre une expérience explosive qui marque les esprits. La formation fait preuve d’une énergie inlassable qui galvanise le public, offrant ainsi des shows où la communion entre les musiciens et leurs fans est totale.
Leurs tournées les ont menés aux quatre coins du globe, se produisant dans les plus grands festivals métal et rock tels que le Download Festival, Hellfest ou encore Reading and Leeds Festival.
BMTH n’hésite pas à collaborer avec d’autres artistes pour enrichir sa musique et proposer sans cesse de nouvelles choses à ses fans. Par exemple, Amy Lee d’Evanescence a prêté sa voix sur le titre
En dehors des albums et tournées, certains membres du groupe ont également exploré d’autres projets. Oliver Sykes, notamment, a lancé sa propre marque de vêtements appelée « Drop Dead Clothing » en 2005, tandis que Jordan Fish s’est investi dans la production musicale pour d’autres artistes.
En offrant un souffle nouveau au métal britannique à travers leur évolution constante, Bring Me The Horizon a su conquérir le coeur d’un large public. Leur engagement envers leur musique et leur désir de repousser les limites du genre rend leur parcours fascinant à suivre, donnant ainsi envie d’accompagner le groupe BMTH dans toutes leurs péripéties artistiques.
Les collaborations ne sont pas nouvelles pour BMTH , mais ces derniers temps, le groupe les embrasse de plus en plus.
De leur dernier effort avec la jeune star alternative YUNGBLUD aux noms variés qui ornent Music To Listen To… EP et album complet amo de l’année dernière , vous pouvez maintenant presque toujours compter sur Oli Sykes et co. pour appeler un ami célèbre et les inviter dans le studio.
Mais quels croisements ont le mieux fonctionné ? Ici, nous passons un long moment aux 8 plus grandes collaborations de BMTH de toute leur carrière…
BMTH
Très bien, commençons par le débutant, d’accord? Que vous pensiez que YUNGBLUD appartient totalement à la scène rock ou non, il ne fait aucun doute qu’il envoie…
BMTH
Se déchaînant contre l’état du monde en 2020 , Obey est à la fois une chanson importante et stimulante pour ces temps fous – sans parler de fournir un carburant de premier ordre pour le moment venu et la musique live reviendra éventuellement. Oh ouais, pouvons-nous avoir la promesse que vous allez jouer ensemble sur scène dès que possible , les gars ?
Des riffs de nu-metal qui ont été initialement écrits pour Limp Bizkit ? Un spot invité de l’icône du métal extrême Dani Filth? Et un refrain pop colossal qui pourrait facilement remplir les arènes qu’Horizon a l’habitude de jouer ces dernières années? Vérifiez, vérifiez et vérifiez.
Alors qu’Oli avait averti avant la sortie d’amo que l’album serait« Certainement prendre quelques écoutes … parce que les chansons ont eu tellement de choses, » vie merveilleuse se sent déjà comme un aliment de base Bring Me the horizon. *
De plus, cela nous a apporté une vidéo officielle dans laquelle un Dani peint au cadavre mange des céréales et va faire l’épicerie, alors qu’est-ce qu’il ne faut pas aimer?
Lorsque Josh Franceschi et Oli Sykes font équipe, les résultats sont tout simplement superbes. L’apparition du leader d’Horizon sur You Me At Six’ S Bite My Tongue a tourné la 2011 seule dans un favori de la scène, mais l’année précédente, Josh avait déjà fourni un enfer d’un crossover sur Putain (tiré de 2010 ?
BMTH
Il est un enfer Croyez – moi , je l’ ai vu. Il Est un paradis, gardons-le secret).« Nous étions jeunes et amoureux / crises cardiaques en attente de se produire … » Croons Josh avec émotion devant un crescendo épique de synthés et des cris.
Tbh, le titre devrait probablement être changé en Fuck Yes .
Bien qu’il ait initialement voulu obtenir le roi de la fête Andrew WK sur ce fracas de metalcore sauvage, Horizon a finalement recruté l’ homme de Deez Nuts JJ Peters pour aider à marteler le message très important de Football Season Is Over:« Parti jusqu’à ce que vous passer dehors, boire jusqu’à ce que vous êtes mort / danser toute la nuit jusqu’à ce que vous ne pouvez pas sentir vos jambes . »
« Les paroles ne sont que faire la fête et être les gars, ce n’est pas trop d’une chanson sérieuse, » Oli a dit Kerrang !.« Et il a été écrit et enregistré quand j’étais ivre, que vous pouvez sans doute dire. » Ouais, nous avions une petite idée…
Si nous trichions ici, nous placerions la chanson de Halsey’s Birds Of Prey, avec la bande originale Experiment On Me, sur cette liste, étant donné qu’elle a été co-écrite par Oli et le claviériste / échantillons Jordan Fish.
Étant donné que nous parlons spécifiquement des chansons d’Horizon, nous opterons plutôt pour, à la place.
Tiré de l’ EP expérimental Music To Listen To… surprise du groupe à la fin de 2019 , c’est une écoute beaucoup plus morose que Experiment On Me, même en échantillonnant l’ouverture de Sempiternal Can You Feel My Heart? et interpoler une piste amo dans l’obscurité.
Les résultats, cependant, sont mauvais.«J’ai adoré BMTH » a tweeté Halsey,« Et je suis fan depuis que je suis, comme, 14 ans, afin d’ apprendre à travailler avec eux était super-surréaliste. »
Horizon a deux collaborations avec le musicien électropop canadien Lights sur There Is A Hell en 2010 …, mais l’ouvreur Crucify Me le met au poteau parce que ce n’est qu’une façon vraiment géniale de lancer un disque.
Bien que le chant de Lights ne soit pas aussi important que sur son autre collaboration avec le groupe (Don’t Go), les passages de,« There is a hell, believe me I’ve seen it / There is a heaven, let’s keep it a secret,’ » sont magnifiquement envoûtante. comme elle ferme la chanson en chantant,« ‘I am the ocean, I am the sea / There is a world inside of me…» , il donne le ton pour ce qui est parfaitement à suivre …
BMTH
‘« Parce que un enfant sur la« Gramme dans un réservoir Black Dahlia dit que ce n’est pas heavy metal … » a obtenu d’être l’ un des meilleurs paroles de ces derniers temps, non?
Mettant en vedette le beatboxer Rahzel des Roots, la réponse de BMTH aux trolls Internet qui ont affiché des opinions négatives sur l’évolution de leur carrière est un point culminant indéniable de l’amo de l’année dernière, avec Oli lâchant son plus beau rugissement pour faire bonne mesure pour prouver que, oui, BMTH peut encore être métal s’il le souhaite.
« Il y a un peu de cinq secondes clip à la fin de la piste qui est le plus lourd que nous avons sondé des années, » la Jordanie nous a dit dans une répartition piste par piste (non, pas ce genre …) de l’album.
C’était un régal de regarder Sam Carter se promener sur scène et rejoindre Bring Me The Horizon pour The Sadness Will Never End at All Points East l’année dernière. C’est un classique du metalcore qui tient toujours jusqu’à ce jour, avec BMTH et le leader d’Architects tirant à tous les cylindres.
Et si vous nous aviez dit en 2008 qu’ils finiraient par devenir deux des plus grands groupes de rock de Grande-Bretagne… eh bien, nous vous aurions probablement cru, pour être honnête.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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La semaine dernière , Bring Me The Horizon a commencé un nouveau chapitre de leur histoire créative apparemment sans fin avec la sortie de la ballade emo sTraNgeRs. Aujourd’hui , avant leur visite en Australie pour faire la une du festival Good Things , le claviériste et assistant de production, Jordan Fish a rejoint Maniacs pour une discussion sur la prochaine phase de l’évolution sonore de Bring Me The Horizon .
BMTH : retourne enfin sous terre pour jouer le Good Things Festival, après le chaos de ces dernières années, avez-vous hâte d’être de retour sur nos côtes ?
BMTH :« Tout à fait. Cela fait un petit moment que nous n’avons pas joué en Australie, donc je suis vraiment excité. C’était le premier endroit où j’ai tourné avec le groupe, et cela reste l’un de mes endroits préférés pour jouer.Nous avons beaucoup d’amis là-bas. Nous sommes donc très heureux de revenir.
Bring Me The Horizon a fait évoluer votre son depuis votre dernière visite, en sortant le premier EP POST HUMAN , quelques grosses collaborations et deux singles supplémentaires. Quelle a été l’impulsion de cette exploration inter-genres ?
BMTH :« Au départ, l’idée était que nous pouvions sortir de la musique plus rapidement et plus souvent. Bien que nous n’ayons pas vraiment fait cela, cette approche nous a permis de donner à chaque disque sa propre ambiance. Nous l’avons fait amo et s’il y a une chose que je Je regrette à propos de cet album que nous n’ayons pas autant misé sur une ambiance. J’ai l’impression que ça marche mieux quand chaque album a son propre genre d’ambiance dans une certaine mesure.
Donc je suppose que l’idée était d’essayer et être capable de faire des itérations différentes, légèrement différentes de « Bring Me » avec chaque disque que nous faisons. Nous pouvons donc en quelque sorte le mettre en place, afin que les gens sachent ce qu’ils vont obtenir.
Je pense que les gens seraient surpris d’apprendre que vous sentez que vous avancez lentement parce que du point de vue de l’auditeur, il semble que vous ayez constamment publié du contenu, que ce soit de nouvelles chansons, des collaborations ou des vidéos, il semble toujours qu’il se passe quelque chose avec Bring Me L’horizon. Pensez-vous qu’il y a quelque chose dans les partenariats d’écriture dans le groupe qui permet que ce soit le cas ?
BMTH :« Nous avons été un peu coincés sur ce disque, pour être juste, donc c’est un peu le mauvais moment pour répondre à cette question, parce que je me sens le contraire, en ce moment. J’ai l’impression que nous faisons un peu d’une tige pour nos propres dos un peu, en essayant de faire quelque chose de différent à chaque fois.
Ce n’est pas vraiment la façon la plus facile de travailler. Il serait plus simple de s’asseoir et de taper dix chansons sans vraiment se soucier du résultat et si ça sonne différent. Mais nous avons l’impression que nous devons découvrir quelque chose à chaque fois que nous faisons un nouvel album. Ce qui le rend plus difficile, mais cela le rend aussi plus amusant pour nous.
Il reste frais. Le groupe existe depuis 20 ans et je suis dans le groupe depuis 10 ans et chaque nouvelle chanson que nous écrivons me semble toujours essentielle. »
« Écrire sTraNgeRs n’a pas été comme écrire une autre chanson, c’était comme écrire la chanson la plus importante de notre carrière et c’était comme ça sur la dernière et celle d’avant. Nous avons ce sentiment tout le temps. Nous ne « Je ne veux pas laisser tomber une chanson de merde. Nous ne voulons pas que quelqu’un dise « oh, ça sonne comme une progression ennuyeuse ». Nous essayons de la faire avancer, parce que nous nous soucions du groupe et de ce que nous publions. «
C’est définitivement évident sur sTraNgeRs, vous pouvez dire que beaucoup de réflexion a été consacrée non seulement à l’écriture de la piste, mais aussi au déploiement. Cela vous a-t-il semblé particulièrement important de partager ce message avec le monde de cette manière, en ce moment ?
Les paroles d’Oli « nous ne sommes qu’une pièce pleine d’étrangers » sont venues de l’idée d’être à un spectacle en direct. Lors d’un concert, vous vous trouvez dans une salle remplie d’inconnus, mais vous ressentez également cette connexion avec tout le monde qui chante. C’est comme ce sentiment primitif de communauté. Il a en quelque sorte grandi à partir de là.
Quand Oli travaille avec un concept qui ne lui est pas personnel, il aime trouver des liens vers un sens pour lui qui est personnel à sa vie. Il doit fonctionner à plusieurs niveaux. Donc, alors que pour nous, cela fonctionne comme une chanson live, mais pour Oli, cela a ce sens plus profond lié à une période qu’il a vécue en cure de désintoxication, lorsqu’il parlait à une salle pleine de personnes qu’il ne connaissait pas à propos de sa dépendance.
Il a donc toutes ces pensées profondes et internes, pendant que je barbote autour d’un ordinateur. Il est à un tout autre niveau,
À ce stade, Oli Sykes est une célébrité grand public, cela vous semble-t-il un peu étrange ou peut-être même surréaliste d’avoir un membre du groupe qui est sous un tel projecteur ?
BMTH : » S’il était un connard, ce serait un problème. Parce que si vous êtes le chanteur d’un groupe, tout le monde se concentrera sur vous. Donc, tout dépend de la façon dont le chanteur gère cela, et s’il laissez cela affecter leur ego à un point tel qu’ils ne sentent plus qu’ils ont besoin d’un groupe. Heureusement, ce n’est pas ce genre de personne, donc cela ne dérange aucun d’entre nous le moins du monde.
Il est de plus en plus célèbre le le groupe est devenu plus grand, mais finalement c’est une bonne chose pour nous tous parce que cela signifie que plus de gens aiment notre groupe. »
Vous avez été impliqué dans de nombreuses collaborations récemment, avec des gens comme Ed Sheeran, MGK et Sigrid ? Avez-vous une chanson préférée parmi toutes ?
BMTH :« Celui d’Ed Sheeran est la chanson d’Ed Sheeran, et la chanson de MGK est la chanson de MGK, donc ce serait celle de Sigrid parce que nous avons écrit la chanson. Ils sont tous géniaux à leur manière. La chanson de MGK est une chanson amusante et ça nous a ouvert à un public différent. Sigrid est une très bonne amie à moi et je l’aime en tant qu’artiste et en tant que personne.
C’était spécial parce que ça s’est bien passé et c’était un plaisir de travailler avec elle, J’aime que nous ayons eu cette expérience de travail ensemble. Sheeran était vraiment cool comme de la merde. Quand il nous a demandé, nous ne pouvions pas vraiment croire qu’on nous demandait de jouer à l’ouverture des Brits. Les BRIT Awards sont une chose énorme dans le Royaume-Uni et c’était une expérience tellement surréaliste.
Cela a énormément aidé notre carrière et j’aiJe ne suis même pas sûr qu’il se rende compte à quel point il a aidé notre carrière simplement en nous faisant interpréter une chanson avec lui. »
Je ne pense pas que les gens de notre coin du monde puissent vraiment comprendre à quel point Ed Sheeran est célèbre, c’est un autre niveau de renommée, n’est-ce pas ?
C’est un homme révélateur, quand vous rencontrez des gens comme ça. Il fait partie de ces personnes qui sont encore super terre à terre, ce qui est fou. Parce que quand vous arrivez à ce niveau, il est très rare que vous parveniez à conserver l’un de vous-même. Mais il est tellement terre-à-terre et normal que c’est en fait un peu bizarre. C’est un gars très cool et super sympa. »
Où allez-vous partir d’ici? Quelle est la trajectoire ascendante de Bring Me The Horizon ?
BMTH :« À ce stade, j’ai deux enfants et une famille, donc je ne suis pas vraiment aussi inquiet de devenir plus grand ou plus petit qu’avant. Nous jouons à un tas de festivals en ce moment et nous sommes passer un bon moment ensemble et c’est ce qui compte. Nous arrivons à ce point où nous apprécions simplement la balade.
Nous n’avons pas besoin d’être le plus grand groupe du monde, nous sommes qui nous sommes et tant que nous gardons profiter de ce que nous faisons et mettre le même niveau d’effort, alors nous serons bons. C’est tout ce qui m’importe. Je veux juste être heureux.
De plus, si jamais vous avez besoin d’un boost de dopamine, vous pouvez simplement regarder cette affiche du Good Things Festival et voir votre nom au-dessus des dieux du métal alternatif Deftones, et époustoufler votre adolescent !
BMTH :« Je me sens mal de répondre à cela, parce que je suis un si grand fan de Deftones. Je n’essaierais même pas de comparer nos carrières, car ce ne sont que des légendes. Ils ont été tellement influents pour moi personnellement, ils pourraient en fait être mon groupe préféré de tous les temps pour être honnête, Deftones. Je suis tellement excité de pouvoir jouer avec eux.
Nous n’avons eu la chance de jouer avec eux que quelques fois. Nous les avons soutenus une fois en Amérique et c’était juste incroyablement bon. Nous sommes juste de grands fans du groupe. «
Dans l’esprit du Good Things Festival, quelles sont les bonnes choses dans ta vie en dehors de la musique, Jordan ?
BMTH :« J’ai deux enfants que j’aime bien et ma femme, ça me suffit ! »
Si vous pouviez avoir n’importe quelle chanson jouée lorsque vous entrez dans une pièce, dans un style pro-catch, quelle chanson aimeriez-vous que ce soit?
BMTH :« Les garçons sont de retour en ville. Ce serait une bonne chanson d’introduction. »
En regardant vers le prochain album, sTraNgeRs illustre-t-il ce à quoi ressemble l’avenir de Bring Me The Horizon ?
BMTH :« En quelque sorte, les deux singles que nous avons sortis, nous n’irons pas exactement là-bas, mais ce sera dans ce monde dans une certaine mesure. Certains contrasteront bien avec ces chansons. Il pourrait y avoir des trucs légèrement plus lourds là-bas . Il y a beaucoup de sous-genres que nous essayons de prendre et de moderniser un peu. sTraNgeRs est en quelque sorte une chanson de style emo grand public, DiE4u a plus une ambiance pop-emo, mais il y a tellement d’influences shouto et post-hardcore que nous j’explore ça pourrait finir sur le disque aussi. »
METALLICA HELLFEST 2022 ? depuis quelques temps des rumeurs circulent mais c’est Tonton Zégut qui amène dernièrement une première pierre à l’édifice avec ce post :
» Cela fait deux semaines que j’entends beaucoup de choses à propos du Hellfest, et plus particulièrement du Helfest 2, car oui il va y avoir un Hellfest 2 l’année prochaine, toutes les sources disent la même chose, tout est concordant donc ça authentifie l’incroyable présence de Metallica à Clisson au Hellfest 2, un aboutissement pour le festival et Ben Barbaud. » Les jours passent et le vent continue à souffler aux oreilles du Grand Zégut….
METALLICA HELLFEST 2022- METALLICA HELLFEST 2022 – METALLICA HELLFEST 2022
METALLICA HELLFEST 2022
Les festivals d’été ne seraient pas aussi passionnants sans plusieurs mois pour spéculer sur les artistes qui monteront sur scène cette année. Qui verrons-nous au Hellfest 2022?
2020 nous oblige à rester chez nous, car les festivals du monde entier sont annulés en raison de la pandémie de coronavirus. En avril, l’organisation Hellfest a annoncé l’annulation de l’édition 2020. Mais nous aimons regarder vers l’avenir et penser au retour des festivals d’été. D’autant plus que le Hellfest pourrait être deux fois plus long l’année prochaine !
Qui sera la tête d’affiche du festival français en 2022 ?
METALLICA HELLFEST 2022 – METALLICA HELLFEST 2022
Nous pouvons supposer avec certitude que la première priorité du Hellfest est de déplacer sa programmation 2021 à l’année prochaine. Par conséquent, les plus grosses rumeurs sont les artistes qui étaient censés faire la une de l’édition de cette année. La rumeur la plus insistante est simple : du 17 au 19 juin 2022, les fans de musique extrême se retrouveront au Hellfest. Une semaine plus tard, Metallica clôturera le Hellfest 2…
Faith No More et System of a Down ont déjà annoncé des spectacles reprogrammés pour 2021, ils reviendront donc presque certainement. En revanche, il n’y a pas encore de nouvelles sur Deftones .
Metallica aime planifier à l’avance. Déjà en août 2019, des rumeurs ont commencé à circuler sur une tournée européenne en 2021. Presque comme d’habitude, c’est Francis Zégut qui a parlé de la rumeur la plus folle de 2021 : METALLICA HELLFEST 2022
La plupart des spectacles 2020 des titans du métal américains ont maintenant été annulés ou reportés, mais l’été prochain reste toujours ouvert. Ce serait une surprise si Metallica annonçait ses débuts au Hellfest !
METALLICA HELLFEST 2022
METALLICA HELLFEST 2022
Metallica est un groupe de heavy metal américain basé à San Rafael, en Californie. Le groupe a été formé en 1981 à Los Angeles lorsque le chanteur / guitariste James Hetfield a répondu à une annonce publiée par le batteur Lars Ulrich dans un journal local.
La formation actuelle de Metallica comprend les membres fondateurs Hetfield et Ulrich, le guitariste principal de longue date Kirk Hammett et le bassiste Robert Trujillo.
Le guitariste Dave Mustaine (qui a ensuite formé Megadeth) et les bassistes Ron McGovney, Cliff Burton et Jason Newsted sont également d’anciens membres du groupe.
Les tempos rapides, les instruments et la musicalité agressive du groupe les placent comme l’un des «quatre grands» groupes fondateurs de thrash metal, aux côtés de Megadeth, Anthrax et Slayer.
Metallica a gagné une base croissante de fans dans la communauté musicale underground et a été acclamé par la critique avec ses quatre premiers albums; leur troisième album Master of Puppets (1986) a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus influents et les plus lourds. Le groupe a élargi sa direction musicale et obtenu un succès commercial substantiel avec son cinquième album éponyme Metallica (1991), qui a séduit un public plus grand public.
L’album était également leur premier à faire leurs débuts au numéro un du Billboard 200, un succès qu’ils ont également obtenu sur leurs cinq albums studio suivants. En 2000, Metallica s’est jointe à d’autres artistes qui ont intenté une action en justice contre Napster pour avoir partagé le matériel protégé par le droit d’auteur du groupe sans consentement.
Un règlement a été conclu et Napster est devenu un service payant. La sortie de St. Anger (2003) a aliéné les fans avec l’exclusion des solos de guitare et de la caisse claire « au son d’acier », et un film intitulé Some Kind of Monster a documenté l’enregistrement de St. Anger et les tensions au sein du groupe pendant ce temps. temps.
Le groupe est revenu à son style musical d’origine avec la sortie de Death Magnetic (2008), et en 2009, Metallica a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Après avoir tourné pendant la majeure partie des huit années suivantes, le groupe a enchaîné avec le double album Hardwired … to Self-Destruct (2016), qui a démontré des exemples de certains des différents styles musicaux que le groupe a essayés tout au long de sa carrière. Pour promouvoir l’album, le groupe a publié des vidéoclips pour les 13 nouvelles chansons de l’édition de luxe de l’album; avant la sortie de l’album, le groupe n’avait sorti que 26 vidéoclips dans sa carrière.
Metallica a sorti dix albums studio, quatre albums live, cinq pièces de théâtre prolongées, 39 vidéoclips et 37 singles. Le groupe a remporté huit Grammy Awards et six de ses albums ont fait leurs débuts consécutifs au numéro un du Billboard 200. L’album éponyme du groupe en 1991 s’est vendu à plus de 16 millions d’exemplaires aux États-Unis, ce qui en fait l’album le plus vendu de l’ère SoundScan.
Metallica se classe parmi les groupes les plus réussis sur le plan commercial de tous les temps, ayant vendu plus de 110 millions de disques dans le monde. Metallica a été répertorié comme l’un des plus grands artistes de tous les temps par de nombreux magazines, dont Rolling Stone, qui les a classés 61e sur sa liste des 100 plus grands artistes de tous les temps.
En 2017, Metallica est le troisième artiste musical le plus vendu depuis que Nielsen SoundScan a commencé à suivre les ventes en 1991, vendant un total de 58 millions d’albums aux États-Unis. Metallica a collaboré pendant une longue période avec le producteur Bob Rock, qui a produit quatre des albums studio du groupe entre 1990 et 2003 et a servi de bassiste temporaire pendant la production de St. Anger. En 2012, Metallica a formé le label indépendant Blackened Recordings et a pris la pleine propriété de ses albums et vidéos. Le groupe est actuellement en tournée mondiale pour promouvoir Hardwired … to Self-Destruct, sortie le 18 novembre 2016.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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