Appareil photo Leica : quel modèle choisir en 2026 ?
Pour choisir un appareil photo Leica, partez de la focale et du mode de mise au point plutôt que du prix. Le Q3 est un compact plein format à objectif fixe de 28 mm avec autofocus. Les M11 et M EV1 sont à monture M, avec mise au point manuelle. Les SL3 et SL3-S sont des hybrides autofocus à monture L. Le D-Lux 8 sert de porte d’entrée, et les M6, M-A et MP restent la voie argentique. Ce guide passe en revue la gamme en production en octobre 2026 et ce que chaque modèle implique pour un photographe de concert. Pour l’achat d’un boîtier déjà utilisé, voyez plutôt notre guide du marché de l’occasion Leica.
Mis à jour le 29 octobre 2026.
L’essentiel
Q3 : le plus simple, 28 mm fixe, 60 Mpx, autofocus, viseur électronique, 743 g avec batterie.
M11 et M EV1 : 60 Mpx, monture M, mise au point entièrement manuelle, pas d’autofocus.
SL3 et SL3-S : hybrides à monture L, autofocus, stabilisation 5 axes, boîtier tropicalisé IP54.
D-Lux 8 : le plus abordable des numériques, capteur 4/3 de 17 Mpx.
En concert : aucun Leica n’est un outil de fosse polyvalent. Le Q3 est le plus adapté aux petites salles et au backstage.
Cette analyse repose sur les fiches techniques de Leica et sur des tests de référence. Elle est écrite du point de vue d’Eric CANTO, photographe de concert (plus de 1 500 concerts) qui travaille principalement avec un Canon R5 et un EF 70-200 mm f/2.8, et non comme un essai personnel de chaque boîtier.
La gamme Leica en octobre 2026
Leica organise son catalogue en quelques familles : les M à télémètre ou à viseur électronique, les Q à objectif fixe, les SL à monture L, les compacts D-Lux et Sofort, et les boîtiers argentiques. D’après la page des appareils du site leica-camera.com, le CL n’y figure plus et les anciens M10 et Q2 non plus : on ne les trouve plus que d’occasion. Le tableau suivant reprend les caractéristiques publiées par le constructeur, poids avec batterie sauf mention.
Modèle
Type
Capteur
Optique ou monture
Poids
M11
Télémétrique numérique
60,3 Mpx
Monture M
530 g (noir), 640 g (argent)
M11-P, M11-D, M11 Monochrom
Déclinaisons du M11
60 Mpx (couleur ou noir et blanc)
Monture M
Selon version
M EV1
M à viseur électronique
60,3 Mpx
Monture M
495 g
Q3
Compact plein format
60,3 Mpx
Fixe 28 mm f/1,7
743 g
Q3 43
Compact plein format
60,3 Mpx
Fixe 43 mm f/2
772 g
Q3 Monochrom
Compact noir et blanc
60 Mpx monochrome
Fixe 28 mm f/1,7
Selon version
SL3
Hybride plein format
60,3 Mpx
Monture L
769 g sans batterie
SL3-S
Hybride plein format
24,6 Mpx
Monture L
768 g sans batterie
SL3-P
Hybride plein format
Environ 45 Mpx
Monture L
Selon version
D-Lux 8
Compact 4/3
17 Mpx
Zoom fixe f/1,7 à 2,8
397 g
Sofort 2
Instantané hybride
4,9 Mpx
Fixe 28 mm équivalent f/2
320 g sans pack de film
M6, M-A, MP
Télémétriques argentiques 35 mm
Pellicule
Monture M
M6 : 575 g sans pile
Les 5 points à vérifier avant de choisir un Leica
1. La focale que vous utilisez vraiment
Un Q3 vous impose le 28 mm, avec des recadrages numériques jusqu’au 90 mm équivalent selon DPReview, rendus possibles par les 60 Mpx. Un M ou un SL accepte plusieurs objectifs, mais chacun coûte cher. Si vous ne savez pas quelle focale vous utilisez, regardez les focales de vos photos préférées avant d’acheter.
2. La mise au point : manuelle ou autofocus
Les M11, M EV1 et les argentiques se règlent à la main : vous visez, vous faites le point, vous déclenchez. Les Q et SL disposent d’un autofocus hybride avec détection des visages, des yeux et des corps. C’est le critère qui sépare le plus nettement les modèles dès que le sujet bouge.
3. Le budget réel, optiques comprises
Un Q3 contient son objectif. Un M ou un SL, non : l’objectif APO-Summicron-M 50 mm f/2 en finition Metal Gray est annoncé à 8 950 euros, soit à peu près le prix d’un boîtier M11-P. Comptez le boîtier, deux optiques et des cartes avant de comparer.
4. Le poids, la prise en main et l’endurance
Un M11 noir pèse 530 g avec batterie, un Q3 743 g, un SL3 769 g sans batterie. DPReview cite pour le Q3 une autonomie CIPA de 350 images, ce qui se vide vite sur une soirée : prévoyez une batterie de rechange.
5. L’usage principal
Rue, voyage, portrait, concert, argentique : chaque usage a son modèle. La section « Quel Leica selon votre pratique » plus bas les associe.
Leica M : le télémètre et l’optique avant tout
Le M11 reprend un capteur de 60,3 Mpx, une plage ISO de 64 à 50 000 et une cadence de 4,5 images par seconde, d’après la fiche technique de Leica. Il se déclenche en mécanique jusqu’au 1/4000 s et en électronique jusqu’au 1/16 000 s, et offre 64 Go de mémoire interne en plus de la carte SD. Il enregistre aussi à 60, 36 ou 18 Mpx. Le détail de sa sortie figure dans notre article sur le Leica M11.
Le M11-P, le M11-D (sans écran arrière) et le M11 Monochrom, qui ne produit que du noir et blanc, sont des déclinaisons. Le M EV1 abandonne le télémètre pour un viseur électronique : il garde la monture M et la mise au point manuelle, avec loupe et focus peaking pour aider, pour 495 g avec batterie. L’image ci-dessus montre un M10-R, génération précédente, qui illustre l’esprit du boîtier : un corps compact, peu de commandes, un objectif en première ligne.
Leica Q : le plus simple à prendre en main
Le Q3 associe un capteur de 60,3 Mpx à un Summilux 28 mm f/1,7 fixe. Il offre un autofocus à 315 champs avec détection des yeux, des visages et des corps, un viseur de 5,76 millions de points, un écran inclinable et une protection IP52, selon la fiche technique Leica. Le Q3 43 garde cette base avec un objectif de 43 mm f/2, un peu plus serré, pour 772 g. Le Q3 Monochrom est une version noir et blanc du Q3.
Son prédécesseur, le Q2, n’est plus au catalogue. Si vous hésitez entre les deux, notre article sur le Leica Q2 détaille cette génération, que l’on croise encore d’occasion.
Leica SL : l’hybride à monture L
Le SL3, lancé en mars 2024 à 6 995 dollars selon DPReview, porte un capteur de 60,3 Mpx, une stabilisation 5 axes, un viseur de 5,76 millions de points, deux logements de cartes (SD et CFexpress type B) et une protection IP54. Il accepte les objectifs à monture L. Le SL3-S utilise un capteur de 24,6 Mpx et monte jusqu’à ISO 200 000, ce qui le destine à ceux qui préfèrent des fichiers plus légers, avec des pixels plus grands, en principe favorables à la basse lumière. Le SL3-P est la déclinaison de 2026.
D-Lux 8 et Sofort 2 : l’entrée de gamme
Le D-Lux 8 est un compact à capteur 4/3 de 17 Mpx et zoom lumineux f/1,7 à 2,8, jusqu’à ISO 25 000 et pour 397 g avec batterie. Il convient en voyage et en rue. Le Sofort 2 est un instantané hybride de 4,9 Mpx à objectif équivalent 28 mm, pensé pour le plaisir plus que pour la production d’images exploitables en tirage.
Leica argentique : M6, M-A et MP
Les M6, M-A et MP sont des télémétriques 35 mm à monture M. Le M6 pèse 575 g sans pile, avec un obturateur à rideaux de 1 s au 1/1000 s et une synchro flash au 1/50 s, d’après Leica. Notre fiche sur le Leica M6 en détaille l’usage. Pour choisir une pellicule, voyez notre dossier sur les pellicules photo.
Leica en concert : ce que la fiche technique implique
Précision d’intention : cette page aide à choisir un Leica. Les conseils de fosse, de lumière et d’accréditation sont traités dans nos articles sur la manière de devenir photographe de concert et sur les objectifs adaptés au concert. Voici ce qu’un photographe de concert regarde dans ces boîtiers.
Mise au point sur sujet mobile
Un chanteur se déplace, la lumière change à chaque morceau. Avec un M11 ou un M EV1, la mise au point est manuelle : cela fonctionne sur un sujet qui reste à distance constante, beaucoup moins sur un musicien qui avance vers la fosse. Le Q3 et le SL3 ont un autofocus hybride, mais DPReview juge celui du Q3 pas particulièrement rapide. Pour comprendre ce qu’on attend d’un système en basse lumière, voyez notre article sur l’autofocus en basse lumière.
Lumière de scène et sensibilité
Les 60 Mpx des Q3, M11 et SL3 donnent une grande latitude de recadrage mais des photosites plus petits qui exigent d’exposer correctement. Le Q3 ouvre à f/1,7, ce qui limite la sensibilité nécessaire. Le SL3-S, avec 24,6 Mpx et ISO jusqu’à 200 000, est plus logique sur le papier pour des scènes sombres. Les LED à variation rapide posent d’autres problèmes d’exposition quel que soit le boîtier.
Rafale, obturateur et silence
Le Q3 monte à 15 images par seconde en obturation électronique à 12 bits. Le M11 s’arrête à 4,5 images par seconde. Le SL3 atteint 15 images par seconde, mais mise au point et exposition verrouillées après la première, et 4 images par seconde en autofocus à 14 bits selon DPReview. Le Q3 combine un obturateur central mécanique (jusqu’au 1/2000 s) et un mode électronique (jusqu’au 1/16 000 s). Ce dernier supprime le bruit de déclenchement mais expose au rolling shutter sur les mouvements rapides.
Focale et position dans la salle
À 28 mm, il faut être proche de la scène : cela convient aux petites salles, aux fosses larges et au backstage, pas à un rang éloigné. Un téléobjectif lumineux répond à cette contrainte, comme l’EF 70-200 mm f/2.8 que le Canon R5 d’Eric CANTO emploie principalement. Voir notre fiche du Canon R5.
Poids et ergonomie
Un Q3 de 743 g tient dans un sac discret. Les règles d’accès aux salles varient selon l’organisateur et sont à vérifier avant chaque concert. Notre sélection de sacs photo pour photographes de concert aide à transporter un boîtier et une batterie de rechange sans encombrer la fosse.
Quel Leica selon votre pratique
Pratique
Modèle à regarder
Pourquoi
Concert en petite salle, backstage
Q3
28 mm lumineux, autofocus, rafale électronique de 15 images par seconde
Rue, reportage discret
M11, Q3
Boîtier compact, focale fixe ou optiques légères
Voyage léger
D-Lux 8, Q3
Poids de 397 g ou 743 g avec objectif intégré
Portrait et téléobjectifs
SL3, SL3-S
Monture L, autofocus avec détection des yeux
Noir et blanc exclusif
M11 Monochrom, Q3 Monochrom
Capteurs monochromes
Argentique
M6, M-A, MP
Télémétriques mécaniques 35 mm
Comparatif avec des alternatives
Un Leica n’est pas la réponse à tout. Deux alternatives vérifiées : le Canon EOS R5, hybride plein format de 2020, et le Fujifilm X100VI, compact à capteur APS-C. Pour un hybride léger à objectifs interchangeables et à petit budget, voyez aussi notre fiche du Fujifilm X-M5.
Modèle
Capteur
Optique
Rafale maximale
Stabilisation
Poids
Leica Q3
60,3 Mpx plein format
Fixe 28 mm f/1,7
15 images par seconde (électronique)
Dans l’objectif
743 g
Leica M11
60,3 Mpx plein format
Optiques M, manuel
4,5 images par seconde
Aucune
530 g à 640 g
Leica SL3
60,3 Mpx plein format
Monture L
15 images par seconde (mise au point verrouillée)
5 axes
769 g sans batterie
Canon EOS R5
Environ 45 Mpx plein format
Monture RF
20 images par seconde (électronique)
Jusqu’à 8 stops
738 g avec batterie et carte
Fujifilm X100VI
40,2 Mpx APS-C
Fixe 23 mm f/2 (35 mm équivalent)
20 images par seconde (électronique, recadrage 1,29)
5 axes, 6 EV
521 g avec batterie et carte
À fiche technique voisine, un Leica se distingue surtout par ses optiques, sa fabrication et son ergonomie, plutôt que par sa rafale ou son autofocus, où un R5 a de l’avance.
Budget et achat
Les prix de référence annoncés par Leica en mai 2026, relevés par Leica Rumors, concernent les finitions Metal Gray : 1 750 euros pour le D-Lux 8, 6 590 euros pour le Q3 et 9 290 euros pour le M11-P. Le Q3 était sorti en 2023 à 5 995 dollars aux États-Unis selon DPReview. Les finitions noires et les revendeurs peuvent afficher d’autres tarifs.
Pour l’occasion, vérifiez le numéro de série, la garantie restante et l’état du capteur et de l’obturateur. Nous détaillons ces points dans notre guide du Leica d’occasion.
FAQ : vos questions sur l’appareil photo Leica
Quel est le meilleur appareil photo Leica ?
Il n’y a pas de meilleur modèle dans l’absolu, il y a le modèle adapté à une pratique. Le Leica Q3 est le choix le plus simple pour une focale fixe de 28 mm avec autofocus. Le M11 s’adresse à qui veut la mise au point manuelle et les optiques M. Le SL3 convient à qui veut un hybride autofocus à monture L.
Quel Leica choisir pour débuter ?
Le D-Lux 8 est l’entrée de gamme numérique la plus accessible. Le Q3 est plus cher mais plus simple à prendre en main qu’un M, grâce à l’autofocus et au viseur électronique. Un M, télémétrique et manuel, demande un apprentissage de la mise au point.
Combien coûte un appareil photo Leica ?
D’après les prix annoncés par Leica en mai 2026 pour les finitions Metal Gray, le D-Lux 8 est à 1 750 euros, le Q3 à 6 590 euros et le M11-P à 9 290 euros. Les finitions noires et les promotions peuvent différer. Les objectifs M se paient en plus.
Leica argentique ou numérique : que choisir ?
Le numérique convient si vous voulez des fichiers exploitables tout de suite, un autofocus ou une sensibilité élevée. L’argentique, avec le M6, le M-A ou le MP, impose un rythme lent et des coûts par image, pour un résultat de pellicule. Les deux univers partagent les objectifs M.
Quel Leica pour la photo de concert ?
Aucun Leica n’est conçu pour la fosse. Le Q3 (28 mm, autofocus, rafale de 15 images par seconde en électronique) est le plus pratique en petite salle ou en backstage. Le SL3 accepte des téléobjectifs à monture L. Un M reste un choix de photographe qui maîtrise la mise au point manuelle.
Quels appareils photo Leica sont encore produits en 2026 ?
Le site de Leica présente en octobre 2026 les M11, M11-P, M11-D, M11 Monochrom et M EV1, les Q3, Q3 43 et Q3 Monochrom, les SL3, SL3-S et SL3-P, le D-Lux 8, le Sofort 2 et les boîtiers argentiques M6, M-A et MP.
Les objectifs M se montent-ils sur tous les Leica ?
Ils se montent directement sur les boîtiers à monture M, dont le M EV1. Sur les boîtiers à monture L comme le SL3, il faut une bague d’adaptation. Les Q, le D-Lux et le Sofort ont un objectif fixe et n’acceptent pas d’optiques interchangeables.
Crédit photo : définition, obligation et exemples de mention
L’essentiel en 30 secondes
Le crédit photo (mention du nom de l’auteur) est obligatoire : il découle du droit moral, perpétuel et inaliénable (article L.121-1 du Code de la propriété intellectuelle).
Créditer une image ne suffit jamais à avoir le droit de l’utiliser : il faut aussi une autorisation ou une licence.
Je suis photographe de concert depuis une vingtaine d’années. Mes images de scène circulent partout : médias, pages de festivals, comptes de fans, sites de salles. Et une bonne partie voyage sans mon nom. C’est pour ça que je tenais à écrire ce guide clair, sans jargon inutile et sans inventer de fausses lois : ce que dit vraiment le droit français sur le crédit photo, comment le rédiger, et ce qu’on risque à l’oublier.
Accrochez le live à votre mur
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Ce n’est pas une simple politesse. Rattacher un nom à une œuvre, c’est reconnaître qu’il y a un auteur derrière le cliché. Une photo de concert n’apparaît pas toute seule : il a fallu obtenir une accréditation, se placer dans la fosse, anticiper le moment, faire des choix de cadrage et de lumière. Le crédit rend ce travail visible.
Le crédit s’applique à toute œuvre originale, c’est-à-dire portant l’empreinte de son auteur. En photographie de concert, la condition d’originalité est presque toujours remplie : chaque image reflète des partis pris de composition, de moment et de traitement. J’entends parfois qu’une photo de foule ou de scène « n’a pas vraiment d’auteur ». C’est faux : dès qu’il y a un choix créatif, il y a un auteur, et donc un crédit à porter.
Le crédit photo est-il obligatoire ? Le cadre légal en France
Oui, le crédit photo est obligatoire, et cette obligation repose sur le droit moral de l’auteur. L’article L.121-1 du Code de la propriété intellectuelle est on ne peut plus clair :
« L’auteur jouit du droit au respect de son nom, de sa qualité et de son œuvre. Ce droit est attaché à sa personne. Il est perpétuel, inaliénable et imprescriptible. »
Trois mots comptent ici. Perpétuel : le droit d’être nommé ne s’éteint pas, il se transmet même aux héritiers. Inaliénable : l’auteur ne peut pas le vendre ni y renoncer d’un trait de plume. Imprescriptible : le temps qui passe ne l’efface pas. Concrètement, le droit d’être cité comme auteur reste attaché au photographe, même après la cession des droits d’exploitation.
Il faut distinguer deux choses qu’on confond souvent :
Le droit moral (dont le droit au nom) : c’est lui qui rend le crédit obligatoire. Il est incessible.
Les droits patrimoniaux : le droit d’exploiter l’image (la reproduire, la publier, la diffuser). Ceux-là se cèdent ou se concèdent, par contrat ou par licence, souvent contre rémunération.
Autrement dit : même quand un média a acheté le droit d’utiliser ma photo, il doit toujours la créditer. La cession des droits d’usage n’efface jamais mon nom.
À retenir : Le crédit photo n’est pas une option commerciale négociable, c’est une exigence tirée du droit moral (art. L.121-1 CPI). Publier une image sans mentionner son auteur porte atteinte à ce droit.
Créditer une image suffit-il à l’utiliser ?
Non, et c’est l’erreur la plus répandue. Mentionner le nom de l’auteur respecte son droit moral, mais ne donne aucun droit d’exploiter l’image. Pour publier une photo, il faut une autorisation ou une licence d’utilisation, distincte du crédit.
La licence, elle, définit le périmètre d’usage : le support (print, web, réseaux), la durée, le territoire, le caractère exclusif ou non, et le prix. Elle peut être gratuite ou payante. Mais dans tous les cas, l’obligation de crédit demeure, sauf clause écrite très rare et expressément acceptée par l’auteur.
La règle courte à garder en tête :
Crédit = respect du droit moral (le nom de l’auteur).
Licence / autorisation = droit d’exploiter l’image.
Droit d’auteur = le cadre global qui contient les deux.
Attention aussi à l’expression « libre de droits ». En droit français, elle n’a pas de sens juridique strict : c’est une mauvaise traduction de l’anglais royalty-free, qui veut dire « sans redevance », pas « sans droits ». Même une image dite « libre de droits » suppose de respecter la licence et, très souvent, de créditer l’auteur. Une œuvre n’est jamais totalement libre de droits, ne serait-ce qu’à cause du droit moral, incessible.
Sur le web, le crédit visible se distingue des métadonnées : la mention visible par le lecteur (crédit), la légende, et les champs IPTC intégrés au fichier, que beaucoup de plateformes suppriment à l’upload.
Le crédit photo sur le web et les réseaux sociaux
Le principe ne change pas en ligne : l’auteur doit être nommé. C’est l’endroit du crédit qui s’adapte au support.
Sur un site web, la légende sous l’image reste la solution la plus lisible. Pensez aussi à renseigner l’attribut alt et le champ légende de votre média : c’est utile pour le référencement, mais l’alt ne remplace pas une mention visible par le lecteur.
Sur les réseaux sociaux, le crédit doit apparaître dans la description du post, ou directement sur l’image. Le repost complique les choses : quand on republie l’image de quelqu’un, c’est à celui qui publie d’ajouter le nom de l’auteur, la plateforme ne le fait pas à sa place. Pour mes propres photos partagées sur Instagram, j’ajoute une signature visible, parce que le partage sans crédit y est devenu la norme plutôt que l’exception.
Un point technique important : beaucoup de réseaux sociaux suppriment les métadonnées (EXIF/IPTC) à l’upload. Le nom que vous aviez inscrit dans le fichier disparaît. C’est pour ça qu’une mention visible ou une signature intégrée à l’image reste la protection la plus fiable.
Que risque-t-on à publier sans crédit ?
Il faut ici distinguer deux situations, parce qu’on lit souvent tout et n’importe quoi à ce sujet.
1. Publier une image sans crédit, mais avec autorisation. C’est une atteinte au droit moral (le droit au nom). L’auteur peut demander réparation devant les juridictions civiles : l’ampleur de l’indemnisation dépend du cas d’espèce, appréciée par le juge. Il n’existe pas de « tarif » fixe : méfiez-vous des montants présentés comme automatiques.
2. Reproduire une image sans autorisation. C’est de la contrefaçon. Et là, les sanctions pénales sont lourdes. L’article L.335-2 du Code de la propriété intellectuelle prévoit jusqu’à trois ans d’emprisonnement et 300 000 € d’amende. En bande organisée, les peines montent à sept ans et 750 000 €. Pour une personne morale (une entreprise), l’amende peut être portée au quintuple. À cela s’ajoutent, au civil, des dommages et intérêts.
Au-delà du juridique, il y a la réputation. Dans le milieu de la photo de concert, on se connaît. Un média ou une marque qui oublie systématiquement le crédit finit par se le voir reprocher publiquement. Et à l’inverse, une image bien créditée continue de travailler pour son auteur : elle le fait connaître, elle amène des contacts. J’ai vu passer plus d’une demande de tirage ou de collaboration simplement parce que mon nom accompagnait la photo là où elle circulait.
Le cas du photographe de concert
Une photo de concert circule vite : un média la reprend, une salle la republie, un fan la partage, et le crédit se perd souvent en route. À l’accréditation, le photographe précise ses conditions d’usage et le crédit attendu ; c’est la meilleure garantie que l’auteur reste nommé quand l’image change de mains. Pour les démarches côté photographe, voir le guide de l’accréditation photo concert et la page crédits photos de ce site.
La photo de concert est un terrain particulièrement exposé. L’image se propage vite, portée par la ferveur autour d’un groupe, et elle se détache facilement de son auteur en cours de route.
Le circuit typique, je le connais par cœur. Je photographie un concert avec une accréditation photo obtenue en amont. La photo est publiée, créditée, quelque part. Puis elle est reprise par un compte de fans, un blog, une page de salle, souvent en la recadrant, parfois en la retouchant, et le nom disparaît en chemin. Trois partages plus loin, ma photo est devenue « une image trouvée sur Google ».
Ce que je fais concrètement pour limiter la casse :
Une signature visible sur les images que je partage sur les réseaux, discrète mais présente.
Les métadonnées renseignées dès l’export, en sachant qu’elles ne survivent pas toujours à l’upload.
Un rappel systématique du crédit dans mes échanges avec les médias et les organisateurs partenaires.
Et surtout, un principe : ne jamais céder l’usage d’une image sans un accord écrit qui mentionne noir sur blanc l’obligation de crédit. C’est valable pour un grand média comme pour une collaboration entre amis. Le crédit, c’est le fil qui relie une photo à celui qui l’a faite. Le couper, c’est vider l’image d’une partie de son histoire. Les clauses à inscrire au contrat, les recours en cas d’omission et une checklist complète sont détaillés dans mon guide pour protéger ses droits de photographe.
Si vous voulez voir ce travail sous sa forme aboutie, jetez un œil à mes tirages photo noir et blanc rock et metal. Et pour toute demande d’utilisation, d’accréditation ou de collaboration, la page contact est là pour ça.
FAQ – Crédit photo
Le crédit photo est-il obligatoire ?
Oui. La mention du nom de l’auteur découle du droit moral, garanti par l’article L.121-1 du Code de la propriété intellectuelle. Ce droit est perpétuel et inaliénable : l’auteur ne peut pas y renoncer par avance, et publier une image sans crédit y porte atteinte, quel que soit le support.
Créditer une photo suffit-il pour l’utiliser ?
Non. Le crédit respecte le droit moral, mais ne donne pas le droit d’exploiter l’image. Il faut en plus une autorisation ou une licence d’utilisation. Publier une photo sans autorisation reste une contrefaçon, même si le nom de l’auteur est indiqué.
Le crédit est-il obligatoire sur Instagram et les réseaux sociaux ?
Oui, le droit au nom s’applique aussi en ligne. Sur les réseaux, ajoutez le nom de l’auteur dans la description du post ou directement sur l’image. Attention : la plupart des plateformes suppriment les métadonnées à l’upload, donc une mention visible est plus fiable qu’un simple champ EXIF.
Que risque-t-on à utiliser une photo sans autorisation ?
La reproduction d’une œuvre sans l’accord de son auteur est une contrefaçon. L’article L.335-2 du Code de la propriété intellectuelle prévoit jusqu’à trois ans d’emprisonnement et 300 000 € d’amende, avec des dommages et intérêts au civil. Pour une entreprise, l’amende peut être portée au quintuple.
Une image « libre de droits » doit-elle être créditée ?
En général oui. « Libre de droits » traduit l’anglais royalty-free (« sans redevance »), pas « sans droits ». Ces images restent soumises à une licence qui impose presque toujours de créditer l’auteur. Vérifiez toujours les conditions de la banque d’images concernée avant de publier.
Groupes de rock français : les essentiels, des années 60 à aujourd’hui
L’essentiel en 30 secondes
Six décennies de rock français, du yéyé aux scènes métal qui remplissent le Hellfest.
Les fondations : Téléphone, Trust, Noir Désir, Indochine, Les Rita Mitsouko.
Le renouveau et l’export : Louise Attaque, Shaka Ponk, Phoenix, Gojira, Last Train.
27 groupes classés par décennie, avec mes photos de concert.
Téléphone, Trust, Noir Désir, Indochine, Louise Attaque, Phoenix, Gojira ou Last Train : voilà quelques-uns des groupes qui racontent le rock français, du yéyé des années 60 à la scène actuelle. Cet article les suit décennie par décennie, avec 27 groupes, leurs albums clés et mes photos de concert.
Quels sont les groupes de rock français ? Parmi les plus marquants, par époque : Les Chaussettes Noires dans les années 60, Trust dans les années 70, Téléphone dans les années 80, Noir Désir dans les années 90, Phoenix et Gojira dans les années 2000, Last Train pour la scène actuelle. Entre les deux, Indochine, Les Rita Mitsouko, Louise Attaque et Shaka Ponk ont fait passer le rock français des clubs aux stades.
Les tirages rock
Tirages d’art en édition originale, 30 exemplaires numérotés et signés à la main, papier Hahnemühle Photo Rag®, permanence 115 ans sous verre anti-UV.
Le rock français en bref : six décennies, six ruptures
Avant d’entrer dans la liste, un repère rapide. Chaque décennie a apporté sa rupture : le yéyé importe le rock anglo-saxon dans les années 60, le hard rock et la new wave imposent une identité française dans les années 70-80, l’alternatif prend le relais dans les années 90, puis l’export international et la diversité des styles marquent les années 2000 à aujourd’hui.
Louis Bertignac et Jean-Louis Aubert, deux figures de Téléphone, photo Eric CANTO.
Décennie
Groupes phares
Ce qui change
1960-1969
Les Chaussettes Noires, Les Chats Sauvages
Vague yéyé, adaptation du rock US/UK
1970-1979
Magma, Ange, Trust
Rock progressif et hard rock français
1980-1989
Téléphone, Indochine, Les Rita Mitsouko
New wave, punk, essor d’une scène nationale
1990-1999
Noir Désir, Louise Attaque, La Mano Negra
Rock alternatif, fusion avec la chanson
2000-2010
Gojira, Shaka Ponk, Phoenix
Ouverture internationale, hybridation
2010 à aujourd’hui
Last Train, Lysistrata, Bandit Bandit
Diversité des styles, scène émergente
Années 60-70 : les premiers groupes de rock français et l’affirmation d’une identité
Les premières années sont celles de l’adaptation : on chante le rock anglo-saxon en français. Puis, dès les années 70, des groupes cherchent une voie propre, entre progressif et hard rock.
Les Chaussettes Noires
Groupe emblématique du début des années 60, révélé aux côtés d’Eddy Mitchell. Ils incarnent la première vague du rock français, largement inspirée du rock’n’roll américain.
Les Chats Sauvages
Autre formation phare du début des sixties, associée à Dick Rivers. Avec Les Chaussettes Noires, ils posent les bases d’une culture rock naissante en France.
Magma
Fondé à Paris en 1969 par le batteur Christian Vander, Magma est à part : le groupe invente son propre genre, le « zeuhl », et chante dans une langue imaginaire, le kobaïen. Une influence majeure sur le rock progressif mondial.
Ange
Pionnier du rock progressif français des années 70, Ange se distingue par ses textes en français très travaillés et un univers théâtral, à contre-courant de la mode anglophone de l’époque.
Trust
Formé en 1977, Trust impose le hard rock contestataire en France. Leur album Répression (1980) et le titre « Antisocial » deviennent des hymnes transgénérationnels. J’ai eu la chance de photographier Bernie Bonvoisin et Nono sur scène : l’énergie est intacte.
Trust, pilier du hard rock français depuis 1977, photo Eric CANTO.
L’énergie de Motörhead et de Lemmy a marqué toute une génération de groupes français.
Années 80 : new wave, punk et scène nationale
La décennie 80 voit naître une scène solide, capable de remplir les Zéniths et de fédérer une génération entière, entre new wave, rock et expérimentation.
Téléphone
Le groupe le plus populaire du rock français. Formé en 1976, il enchaîne les tubes jusqu’à sa séparation en 1986. Dure Limite (1982), produit par Bob Ezrin, l’homme derrière The Wall – , reste un sommet.
Indochine
Formé en 1981, Indochine a traversé les décennies en se réinventant, de la cold wave des débuts à la pop monumentale d’aujourd’hui. Le 21 mai 2022, en ouverture du Central Tour, il a réuni 97 036 spectateurs au Stade de France : le record absolu de l’enceinte toutes disciplines confondues, concerts et sport, devant les 96 540 de U2 en 2010.
Les Rita Mitsouko
Le duo formé par Catherine Ringer et Fred Chichin a injecté une folie créative rare dans le paysage. « Marcia Baïla » (1984) reste leur titre emblématique, entre liberté formelle et énergie scénique.
Bijou
Souvent cités comme les précurseurs du punk rock en français, actifs dès la fin des années 70 et populaires au début des années 80. Un chaînon important entre le rock hexagonal et l’esprit punk.
Années 90 : le virage alternatif
Les années 90 sont celles de l’hybridation : le rock se mêle à la chanson, au folk, aux musiques du monde. C’est aussi l’âge d’or de la scène alternative.
Noir Désir
Le groupe alternatif français le plus influent de sa génération. Tostaky (1992) est régulièrement cité comme un album de référence, entre poésie, tension et engagement.
Louise Attaque
Leur premier album (1997), porté par la voix de Gaëtan Roussel et le violon d’Arnaud Samuel, s’est écoulé à environ 2,8 millions d’exemplaires, l’un des plus gros succès de l’histoire du rock français. Je les ai photographiés sur scène : le folk-rock à son meilleur.
La Mano Negra
Emmené par Manu Chao, le groupe mêle punk, rock, ska et musiques latines. Une énergie métissée qui a marqué toute une génération avant l’aventure solo de son chanteur.
Les Négresses Vertes
Fusion festive de rock, de musiques traditionnelles et de chanson, active dès la fin des années 80. Un son inclassable et profondément populaire.
Matmatah
Venu de Bretagne à la fin des années 90, Matmatah incarne un rock accessible et mélodique, avec des refrains devenus des classiques des festivals.
The ARRS fait partie de ces formations dont l’identité visuelle compte autant que le son.
Années 2000-2010 : l’ouverture internationale
C’est la période où le rock français franchit vraiment les frontières, porté par des groupes à l’identité forte et par la démocratisation de la production.
Gojira
Originaire des Landes, Gojira est devenu l’un des groupes de métal les plus respectés au monde. From Mars to Sirius (2005) marque son émergence internationale. Le groupe a joué à la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de Paris 2024 et remporté en février 2025 le Grammy Award de la meilleure performance métal pour « Mea Culpa (Ah! Ça ira!) », enregistré avec la mezzo-soprano Marina Viotti et le compositeur Victor Le Masne, une première pour le groupe, après trois nominations. Les photographier au Hellfest reste un moment fort.
Shaka Ponk
Phénomène live des années 2010 (toute leur histoire ici), Shaka Ponk mélangeait électro, métal, funk et visuels numériques. Le groupe a tiré sa révérence le 30 novembre 2024 à l’Accor Arena, au terme d’une tournée d’adieu de près de deux ans. Une présence scénique spectaculaire, que j’ai captée à plusieurs reprises.
Phoenix
Originaire de Versailles, Phoenix s’est imposé à l’étranger grâce à des titres comme « 1901 » et « Lisztomania ». Son album Wolfgang Amadeus Phoenix a remporté le Grammy Award du meilleur album de musique alternative en 2010.
Dionysos
Emmené par Mathias Malzieu, Dionysos développe un rock théâtral et littéraire, souvent lié à des projets de romans et de films. Un univers singulier dans le paysage français.
Skip the Use
Venu de Lille, le groupe a connu un fort succès au début des années 2010 avec un rock électro énergique et des concerts très physiques, avant une pause puis un retour.
La scène française s’est nourrie du metal américain, de Machine Head à Pantera.
Groupes de rock français actuels : la génération 2010 à aujourd’hui
Les groupes les plus lourds (Gojira, Mass Hysteria, Lofofora, No One Is Innocent) ne tiennent ici qu’en quelques lignes : leur dossier complet est à lire dans groupes de metal français. La scène actuelle est plurielle : post-rock, garage, noise, métal, rock à guitares. On y croise deux générations. La plus jeune construit son public autant sur scène que sur les plateformes. À côté d’elle, des formations nées dans les années 90 tournent toujours et restent des références du live.
Last Train
Formé en Alsace en 2007, Last Train s’est imposé comme l’un des grands espoirs du rock français. Son premier album, Weathering (2017), a été salué par la critique après des centaines de concerts à travers le monde.
Mass Hysteria
Pilier du métal fédérateur en France depuis les années 90, porté par la voix de Mouss Kelaï. L’Armée des Ombres (2012) est l’un de leurs albums marquants. J’ai signé la direction artistique de plusieurs de leurs visuels, et les photographier sur scène est toujours intense.
Lofofora
Pionnier du crossover en France depuis le début des années 90, Lofofora mêle hardcore, groove et textes engagés. Un groupe de scène avant tout.
No One Is Innocent
Formé au milieu des années 90, le groupe navigue entre punk, métal et textes politiques. Une longévité et une constance rares dans le paysage rock français.
Feu! Chatterton
Entre rock, chanson et poésie, Feu! Chatterton s’est imposé dans les années 2010 avec une écriture ambitieuse et un sens du live salué par la critique.
Lysistrata
Trio de Charente-Maritime créé en 2013, Lysistrata explore le post-rock, la noise et le math rock avec une intensité remarquable.
Pogo Car Crash Control
Venu de Seine-et-Marne, le groupe injecte grunge et énergie punk dans un rock brut et direct, très efficace en concert.
Bandit Bandit
Entre rock à guitares et chanson en français, ce duo incarne le renouveau d’une scène qui n’a pas peur de mêler les influences.
Chanteurs et chanteuses emblématiques du rock français
Le rock français se reconnaît aussi à ses voix. Jean-Louis Aubert chez Téléphone, Bernie Bonvoisin chez Trust, Catherine Ringer chez Les Rita Mitsouko, Manu Chao à la tête de La Mano Negra, Gaëtan Roussel chez Louise Attaque, Mathias Malzieu chez Dionysos ou Mouss Kelaï chez Mass Hysteria : chacun a imposé un timbre, une diction et une présence qui ont défini son groupe autant que ses guitares.
La scène féminine et mixte, une dynamique forte
Longtemps dominée par des figures masculines, la scène rock française s’est ouverte. Catherine Ringer (Les Rita Mitsouko) a ouvert la voie ; on retrouve aujourd’hui des artistes comme Jeanne Added, Laura Cox ou des formations mixtes comme Bandit Bandit. Une évolution que je constate concert après concert, et qui enrichit la photographie de scène de nouveaux visages.
Photographier le rock français : mon regard de terrain
Vingt ans à documenter cette scène, des loges au premier rang de la fosse. Photographier Trust en concert, capter l’énergie de Mass Hysteria au Hellfest, c’est raconter une autre histoire du rock français. Je propose des tirages fine art en noir et blanc issus de ces sessions, ainsi que des tirages backstage, pris hors scène.
Lofofora, pionnier du crossover à la française, photo Eric CANTO.No One Is Innocent, entre punk et métal engagé, photo Eric CANTO.
Pour aller plus loin sur la scène la plus lourde, je consacre un dossier complet aux groupes de metal français.
Trio des années 80 ou groupe actuel : ce que la lumière change
Un groupe ne se photographie pas de la même façon selon son époque. Les scènes rock des années 80 reposaient sur peu de projecteurs et peu de changements de couleur : des contrastes francs, des silhouettes nettes, un visage éclairé d’en haut ou de face. Une formation actuelle joue sous des lumières programmées, des LED, des stroboscopes et des écrans, avec un changement de teinte à chaque morceau et du contre-jour presque permanent. Dans la fosse, cela se traduit par des choix de réglages différents : mesurer sur le visage plutôt que sur le fond, accepter des hautes lumières saturées, verrouiller la balance des blancs, et décider très vite entre un cadrage large du groupe et un plan serré sur le chanteur, puisque la fosse se limite souvent aux trois premiers titres.
Quels sont les plus grands groupes de rock français de tous les temps ?
Parmi les essentiels : Téléphone, Trust, Noir Désir, Indochine et Les Rita Mitsouko. Chacun a marqué durablement la scène par ses albums, son engagement ou ses concerts. Leur influence se retrouve dans toute la génération actuelle.
Quels nouveaux groupes de rock français suivre aujourd’hui ?
Plusieurs formations émergent fortement : Last Train, Lysistrata, Bandit Bandit et Pogo Car Crash Control. Elles se distinguent par leur énergie sur scène et leur capacité à fusionner les styles, du post-rock au garage.
Le rock français s’exporte-t-il à l’international ?
Oui, notamment grâce à Gojira, Phoenix et Shaka Ponk. Phoenix a remporté un Grammy Award en 2010 pour Wolfgang Amadeus Phoenix, et Gojira en a remporté un en 2025, après avoir joué à la cérémonie d’ouverture des JO de Paris 2024. Le numérique a largement facilité cette ouverture.
Où trouver des photos de concerts de groupes de rock français ?
Vous pouvez découvrir mes galeries de tirages live et mes séries backstage, en édition originale. Les festivals comme le Hellfest ou Rock en Seine proposent aussi des galeries officielles.
Le rock français est-il un genre homogène ?
Au contraire : il rassemble punk, métal, rock alternatif, pop, folk et hybridations électroniques. Cette diversité, qui varie selon les époques et les régions, fait toute la richesse d’une scène en constante évolution.
Alice in Chains : chanteur, membres, histoire et albums du groupe de Seattle
Alice in Chains est un groupe de rock américain formé à Seattle en 1987, figure de la scène grunge et du metal alternatif. Son chanteur historique, Layne Staley, est mort en 2002 ; depuis 2006, William DuVall chante aux côtés de Jerry Cantrell, guitariste, compositeur principal et second chanteur. Cette page rassemble les membres, l’histoire, les albums à connaître et l’état du groupe aujourd’hui, avec des dates recoupées sur plusieurs sources.
Mis à jour le 29 octobre 2026.
L’essentiel
Formation : Seattle, 1987. Fondateurs : Layne Staley, Jerry Cantrell, Mike Starr, Sean Kinney.
Formation actuelle : Jerry Cantrell, William DuVall, Mike Inez, Sean Kinney.
Albums studio : Facelift (1990), Dirt (1992), Alice in Chains (1995), Black Gives Way to Blue (2009), The Devil Put Dinosaurs Here (2013), Rainier Fog (2018).
Layne Staley est mort à 34 ans, en avril 2002.
Le groupe a joué en France, notamment au Hellfest en 2018 et à l’Olympia en 2019.
Alice in Chains en bref : fiche d’identité
Repère
Information
Origine
Seattle, État de Washington, États-Unis
Formation
1987
Style
Grunge, metal alternatif
Fondateurs
Layne Staley, Jerry Cantrell, Mike Starr, Sean Kinney
Formation actuelle
Jerry Cantrell (guitare, chant), William DuVall (chant, guitare), Mike Inez (basse), Sean Kinney (batterie)
Premier album
Facelift, 1990 (Columbia)
Dernier album studio
Rainier Fog, 24 août 2018
Qui est le chanteur d’Alice in Chains ?
Le groupe a eu deux chanteurs principaux. Layne Staley a chanté de 1987 jusqu’à sa mort en 2002. William DuVall, né à Washington D.C. en 1967, l’a rejoint en 2006 lors de la reformation du groupe. Il avait fondé le groupe Comes with the Fall en 1999 et croisé la route de Jerry Cantrell au début des années 2000. Cantrell, lui, a toujours partagé le chant : c’est l’association de deux voix, souvent en harmonie serrée, qui donne au groupe sa signature sonore.
Pourquoi ce nom, et comment l’écrire
Le nom s’écrit « Alice in Chains », avec un s à Chains. Il vient d’un groupe précédent de Layne Staley, Alice N’ Chains. Les graphies « Alice in Chain » ou « Alice in Chaine » sont fautives.
Les membres d’Alice in Chains
Musicien
Rôle
Période
Jerry Cantrell
Guitare, chant, compositeur principal
Depuis 1987
Sean Kinney
Batterie
Depuis 1987
Mike Inez
Basse
Depuis 1993
William DuVall
Chant, guitare
Depuis 2006
Layne Staley
Chant
1987 à 2002 (mort en 2002)
Mike Starr
Basse
1987 jusqu’au tournant 1992-1993 (mort en 2011)
Mike Inez a pris la place de Mike Starr au début de 1993. Les sources divergent légèrement sur la date exacte du départ de Starr, fin 1992 ou 1993 : mieux vaut retenir le passage de l’un à l’autre autour de l’hiver 1992-1993.
L’histoire d’Alice in Chains, de 1987 à aujourd’hui
Seattle, 1987 : les débuts
Le groupe naît à Seattle en 1987 autour de Layne Staley, Jerry Cantrell, Mike Starr et Sean Kinney. Il signe chez Columbia et publie Facelift le 21 août 1990, produit par Dave Jerden. « Man in the Box » en est le single le plus connu et reçoit une nomination aux Grammy Awards en 1992.
Dirt, Jar of Flies : le sommet des années 1990
Sap, un EP, paraît en 1992, puis Dirt le 29 septembre de la même année. Cet album, qui contient « Would? », « Them Bones », « Rooster » et « Down in a Hole », est le plus vendu du groupe : il atteint la sixième place du Billboard 200 et reçoit cinq disques de platine aux États-Unis. Il est aussi le plus sombre : les textes y abordent la dépendance, dont celle de Staley. Jar of Flies (1994), un EP acoustique, débute à la première place du classement américain, une première pour un EP.
Le dernier album de la formation d’origine, Alice in Chains (1995), est surnommé « l’album du chien à trois pattes » à cause de sa pochette. Il sera le dernier avec Staley au chant.
Unplugged, puis le silence
En 1996, le groupe enregistre un concert pour MTV Unplugged, son premier concert depuis 1994 ; l’album live sort la même année. La dernière tournée de la formation d’origine s’arrête en juillet 1996 à Kansas City. Ensuite, le groupe ne publie plus rien avec Staley.
Layne Staley : sa mort en 2002
Layne Staley a été retrouvé mort le 19 avril 2002 dans son appartement de Seattle, à 34 ans. Selon le médecin légiste du comté de King, le décès remonte au 5 avril ; la cause est une overdose accidentelle d’héroïne et de cocaïne. Mike Starr est mort en 2011.
La reformation avec William DuVall
Après une reformation partielle en 2005, Jerry Cantrell, Sean Kinney et Mike Inez accueillent William DuVall au chant en 2006. Black Gives Way to Blue sort le 29 septembre 2009, près de quatorze ans après le disque précédent, et rend hommage à Staley dans son morceau-titre. Il atteint la cinquième place du Billboard 200. Viennent ensuite The Devil Put Dinosaurs Here (2013) et Rainier Fog (24 août 2018, sur le label BMG).
Les albums d’Alice in Chains à connaître
Disque
Année
À retenir
Facelift
1990
Premier album, avec « Man in the Box »
Sap (EP)
1992
EP paru chez Columbia, entre Facelift et Dirt
Dirt
1992
Album le plus vendu, « Would? », « Rooster », « Down in a Hole »
Jar of Flies (EP)
1994
Acoustique, premier EP à débuter numéro un aux États-Unis
Alice in Chains
1995
Dernier album avec Layne Staley, « Grind », « Heaven Beside You »
MTV Unplugged
1996
Album live, Staley affaibli sur scène
Black Gives Way to Blue
2009
Premier album avec William DuVall
The Devil Put Dinosaurs Here
2013
Deuxième album avec DuVall
Rainier Fog
2018
Dernier album studio à ce jour
Par où commencer ?Dirt donne la mesure du groupe, Jar of Flies montre son versant acoustique, et Black Gives Way to Blue présente la formation actuelle.
Alice in Chains aujourd’hui
Le groupe n’a pas annoncé de séparation. En avril 2025, il a annulé sa tournée nord-américaine après un problème médical de son batteur Sean Kinney, décrit par le groupe comme sans danger pour sa vie (Rolling Stone). Il a toutefois joué en juillet 2025 au concert « Back to the Beginning ». En septembre 2025, Jerry Cantrell indiquait qu’il ferait le point début 2026 sur un éventuel nouvel album ou de nouveaux concerts (Chaoszine).
Sur le site officiel, consulté le 29 octobre 2026, aucune date de concert n’est listée en page d’accueil et aucun nouvel album studio n’est mentionné ; le groupe y célèbre les 30 ans de l’album Unplugged. Pour les dates à venir, la billetterie officielle reste la seule source fiable.
Alice in Chains en France
Le groupe a joué au Hellfest, à Clisson, le 24 juin 2018, où Jerry Cantrell a dédié « Nutshell » à Vinnie Paul (Blabbermouth), puis à l’Olympia, à Paris, le 28 mai 2019, avec Black Rebel Motorcycle Club en première partie (Sortir à Paris). Pour préparer un festival de ce type, voir notre guide du Hellfest.
Ce qu’Alice in Chains demande à un photographe de concert
Photographe de concert depuis une vingtaine d’années, avec plus de 1500 concerts photographiés, je lis ce répertoire comme un cahier des charges lumineux plus que comme un souvenir. Voici ce que ce type de show impose, en analyse et non en récit : aucune de ces remarques ne décrit un concert précis du groupe.
Deux voix, deux axes. Le groupe repose sur deux chanteurs. Photographier l’un sans l’autre fait perdre la raison d’être du son ; cadrer les deux dans la même image demande un recul que le 70-200 mm f/2.8 permet de composer depuis la fosse.
Peu de lumière, beaucoup d’ombre. Une musique lourde se traduit en contre-jours, en visages à demi éclairés, en noirs profonds. On expose pour la partie éclairée et on accepte que le reste s’efface. La gestion de l’autofocus en basse lumière devient alors décisive.
Le batteur derrière. Sean Kinney reste en retrait derrière son kit : il se photographie surtout de côté ou en plongée, et le cadrage doit composer avec les cymbales.
Alice in Chains appartient à la scène de Seattle avec Pearl Jam et Soundgarden, évoqué dans notre page sur la musique metal. Pour le contexte plus large, lisez l’histoire du heavy metal. Autre groupe lourd et mélodique dans cet esprit, Deftones fait partie des artistes photographiés par Eric CANTO en concert.
Questions fréquentes sur Alice in Chains
Qui est le chanteur d’Alice in Chains ?
Le chanteur actuel est William DuVall, depuis 2006. Il a succédé à Layne Staley, chanteur du groupe jusqu’à sa mort en 2002, aux côtés de Jerry Cantrell.
Qui sont les membres d’Alice in Chains ?
Jerry Cantrell (guitare, chant), William DuVall (chant, guitare), Mike Inez (basse) et Sean Kinney (batterie). Layne Staley et Mike Starr, membres d’origine, sont morts.
Quand et où Alice in Chains a-t-il été formé ?
À Seattle, dans l’État de Washington, en 1987.
Que s’est-il passé pour Layne Staley ?
Layne Staley a été retrouvé mort le 19 avril 2002 à Seattle, à 34 ans. L’autopsie situe son décès autour du 5 avril, d’une overdose accidentelle.
Quel est l’album le plus célèbre d’Alice in Chains ?
Dirt (1992), qui contient « Would? », « Them Bones », « Rooster » et « Down in a Hole ».
Alice in Chains est-il toujours actif ?
Le groupe n’a pas annoncé de séparation. Son dernier album studio est Rainier Fog (2018). Consultez le site officiel pour les dates de concert.
Pourquoi le groupe s’appelle-t-il Alice in Chains ?
Le nom vient d’un groupe précédent de Layne Staley, Alice N’ Chains.
Canon 5D Mark III en concert : avis et fiche technique
Le Canon EOS 5D Mark III, présenté en mars 2012, reste un reflex plein format crédible pour photographier un concert : capteur de 22,3 Mpx, autofocus à 61 points, rafale de 6 i/s, deux cartes et un obturateur mécanique fiable. Il pèse plus lourd, vise moins vite et voit moins de choses qu’un hybride récent, mais son prix d’occasion le rend très rationnel. Cette page répond à une question précise : que vaut ce boîtier en fosse aujourd’hui, face au 6D, au 5D Mark IV et au R6 Mark II ?
Mis à jour le 29 octobre 2026.
L’essentiel
Capteur plein format de 22,3 Mpx, ISO 100 à 25 600 (extensions de 50 à 102 400), rafale de 6 i/s.
Autofocus de 61 points dont 41 en croix : un vrai système de reflex pro, mais sans suivi de sujet moderne.
Double fente CompactFlash et SD, boîtier en alliage de magnésium, environ 950 g prêt à shooter.
Bon choix d’occasion pour débuter ou pour un second boîtier ; le R6 Mark II le dépasse nettement en autofocus, rafale et sensibilité.
Fiche technique du Canon 5D Mark III
Voici les données utiles à un photographe de concert, recoupées sur la fiche du constructeur, celle d’Imaging Resource et la page Wikipédia du boîtier.
Caractéristique
Canon EOS 5D Mark III
Annonce
2 mars 2012 (commercialisé en mars 2012)
Capteur
CMOS plein format 36 x 24 mm, 22,3 Mpx effectifs (5760 x 3840 px)
Processeur
DIGIC 5+
Autofocus
61 points, dont jusqu’à 41 en croix
Rafale
6 i/s en JPEG comme en RAW
Sensibilité
ISO 100 à 25 600, extensible de 50 à 102 400
Obturateur
1/8000 s maximum, synchro flash 1/200 s, durée de vie annoncée de 150 000 cycles
Modes silencieux
Déclenchement silencieux en vue par vue ou à 3 i/s
Cartes
Une CompactFlash et une SD/SDHC/SDXC
Viseur
Optique à pentaprisme, couverture 100 %, grossissement 0,71x
Écran
3,2 pouces, environ 1,04 million de points, fixe
Batterie
LP-E6, environ 950 vues en visée optique (norme CIPA)
Poids
860 g le boîtier nu, environ 950 g avec batterie et carte
Vidéo
Full HD jusqu’à 30 i/s, prise micro et casque
Prix de lancement
3 499 dollars US (3 569 euros en zone euro)
Deux absences se remarquent aujourd’hui : pas de Wi-Fi intégré, pas d’écran tactile. Elles comptent peu en fosse, davantage pour envoyer vite une photo à une rédaction.
Ce que regarde un photographe de concert dans ce boîtier
Un concert est un cas limite : lumière faible et changeante, sujets qui bougent, projecteurs en contre-jour, souvent trois chansons pour tout faire. La fiche technique se lit donc avec cinq questions.
L’autofocus : 61 points, mais un suivi à l’ancienne
Le 5D Mark III a fait passer la gamme 5D de 9 à 61 points, avec 41 points en croix. Cela donne un bon verrouillage sur un chanteur au centre de la scène, surtout avec un objectif lumineux. En revanche, il n’existe ni détection des yeux ni reconnaissance du sujet : c’est le photographe qui place les points et qui anticipe. Face à un guitariste qui traverse la scène, le taux de réussite dépend davantage de votre pratique que du boîtier. La méthode est détaillée dans l’autofocus en basse lumière pour la photo de concert. Détail utile : depuis le firmware 1.2.1, l’autofocus fonctionne jusqu’à f/8, ce qui autorise un doubleur sur un téléobjectif.
Les hauts ISO : exploitable, jamais gratuit
Un capteur de 22 Mpx a de gros photosites, ce qui aide en basse lumière. DxOMark lui attribue un score de sensibilité de 2 293 ISO en faible lumière et un score global de 81, ce qui était bon en 2012 et reste correct, mais les capteurs récents font mieux. Concrètement, on prépare le fichier pour des ISO 3200 à 6400 en salle sombre, en acceptant du grain, surtout dans les ombres relevées. Au-delà, l’image devient une affaire de choix : en noir et blanc, le grain sert souvent le sujet. Pour la lumière de scène, la logique est la même qu’en basse lumière : on expose pour les hautes lumières et on assume les ombres.
La rafale : 6 i/s suffit si le moment est choisi
Six images par seconde sont modestes face aux 12 i/s mécaniques d’un hybride récent, mais le geste de concert repose sur le choix du moment : un cri, un saut, un bras levé. À 6 i/s, on ne mitraille pas, on déclenche par courtes rafales. Cela économise aussi le tri au retour.
Le silence : discret, pas muet
Le boîtier propose un déclenchement silencieux, en vue par vue ou à 3 i/s, qui atténue le bruit du miroir. Ce n’est pas un obturateur électronique : le bruit reste audible dans une salle vide, ce qui compte pour un théâtre ou un concert acoustique. En revanche, l’obturateur mécanique évite la déformation et le scintillement que l’on peut rencontrer avec les obturateurs électroniques face aux écrans LED.
Le poids et la prise en main
Environ 950 g sans objectif, auxquels s’ajoute un zoom 70-200 mm f/2.8, entre 1,3 et 1,5 kg selon la version : deux heures de fosse se sentent dans la nuque. Le viseur optique, lui, ne souffre d’aucun décalage et ne consomme rien, ce que beaucoup de photographes apprécient encore. Les deux fentes de carte permettent d’enregistrer en double, une sécurité précieuse quand le concert ne se rejoue pas. Pour choisir ses cartes, consultez notre guide des cartes SD et CompactFlash.
Réglages de départ pour un concert au 5D Mark III
Ce sont des points de départ, à ajuster selon la lumière de la salle. Ils découlent des caractéristiques du boîtier, pas d’une recette universelle.
Mode manuel avec ISO automatiques plafonnés à 6400, pour garder une vitesse stable quand l’éclairage change d’une chanson à l’autre.
Vitesse de 1/250 s environ pour figer un chanteur, plus haut pour un batteur, plus bas seulement si vous cherchez volontairement du flou de mouvement.
Ouverture maximale de l’objectif : sur un reflex, la lumière se gagne d’abord avec des optiques à f/2.8 ou plus ouvertes.
Autofocus en mode suivi (AI Servo) avec un point ou une petite zone, que vous placez vous-même sur le visage ou l’instrument.
Format RAW sur la carte CompactFlash, JPEG de secours sur la SD si vous souhaitez un envoi rapide.
Mesure de la lumière pondérée centrale ou spot : un chanteur éclairé sur fond noir trompe la mesure évaluative.
5D Mark III en concert : avis
Notre avis tient en une phrase : le 5D Mark III est un excellent boîtier d’apprentissage et un solide second boîtier, mais ce n’est plus un outil de premier choix pour couvrir seul un festival en 2026. Ses points forts sont stables : construction en alliage de magnésium, viseur optique de 100 % de couverture, ergonomie de boîtier pro et deux cartes. Ses limites sont tout aussi claires : autofocus sans suivi de sujet, rafale modeste, aucun stabilisateur dans le boîtier, bruit à partir de ISO 6400.
Ses fichiers de 5760 x 3840 px permettent un tirage d’environ 49 x 32 cm à 300 ppp, et davantage en acceptant une définition plus basse sur des formats d’exposition regardés de plus loin. Pour un tirage de collection, la qualité vient d’abord du moment et de la lumière. Vous pouvez en juger sur nos tirages de concert et dans la galerie de photos rock.
Canon 5D Mark III ou 5D Mark IV, 6D, R6 Mark II ?
Le 5D Mark III se compare à trois boîtiers qui correspondent à trois décisions d’achat : monter en gamme dans la même famille, descendre en prix, ou passer à l’hybride.
Boîtier
Capteur
Autofocus
Rafale
Cartes
Poids
Canon 6D (2012)
20,2 Mpx
11 points, 1 en croix
moins de 5 i/s
1 SD
plus léger que le 5D III
Canon 5D Mark III (2012)
22,3 Mpx
61 points, 41 en croix
6 i/s
CF + SD
environ 950 g
Canon 5D Mark IV (2016)
30,4 Mpx
61 points, 41 en croix
7 i/s
CF + SD
800 g le boîtier nu
Canon R6 Mark II (2022)
24,2 Mpx
Dual Pixel CMOS AF II, 1 053 zones
12 i/s mécanique, 40 i/s électronique
2 SD UHS-II
670 g prêt à shooter
Face au 6D : le 5D Mark III gagne largement. Le 6D n’a que 11 points, une seule carte et une rafale plus lente. Il n’est pertinent que pour son prix et sa légèreté.
Face au 5D Mark IV : le gain est réel mais modéré. Plus de définition (30,4 Mpx), une rafale à 7 i/s, une plage ISO étendue jusqu’à 32 000 en natif. Si l’écart de prix d’occasion reste raisonnable, le Mark IV est le meilleur achat reflex.
Face au R6 Mark II : c’est un autre monde. Détection du sujet et des yeux, rafale de 12 à 40 i/s, stabilisation dans le boîtier annoncée jusqu’à 8 valeurs, ISO natifs jusqu’à 102 400, boîtier plus léger de plus de 250 g. Notre guide du Canon R6 Mark II détaille son rendu en salle.
Les objectifs EF s’adaptent sur les boîtiers RF avec la bague d’adaptation Canon. Investir dans un bon zoom EF reste donc un achat durable, quel que soit le boîtier choisi. Sur ce sujet, voyez les objectifs Canon et notre sélection de 3 objectifs pour la photo de concert.
Acheter un 5D Mark III d’occasion
Le prix d’occasion a baissé depuis 2012, avec un écart sensible selon l’état et le nombre de déclenchements. Nous ne publions pas de montant : consultez les annonces récentes chez les revendeurs spécialisés avant de décider. Voici ce qu’il faut contrôler.
Le nombre de déclenchements. L’obturateur est annoncé pour 150 000 cycles. Demandez le compteur, et une photo de l’écran de contrôle si l’annonce est à distance.
Les deux fentes de carte. Testez la CompactFlash et la SD avec de vraies cartes, en écriture et en lecture.
Le numéro de série. Les premiers exemplaires de 2012 ont pu présenter une mesure de lumière faussée avec l’écran allumé dans le noir ; Canon a proposé une correction gratuite, et les boîtiers livrés après début mai 2012 en sont a priori exempts. Vérifiez que le boîtier a été corrigé.
Le firmware. La dernière version est la 1.3.6 (septembre 2019). Mettez à jour avant tout usage.
Le miroir, le viseur et les capteurs. Cherchez des poussières, des rayures, un défaut d’autofocus à pleine ouverture.
L’état des joints et des boutons. Un boîtier qui a vécu plusieurs saisons de festival peut avoir des molettes usées.
Prévoyez aussi une batterie LP-E6 neuve et des cartes rapides.
Quand choisir un autre boîtier
Si votre priorité est de réussir davantage d’images nettes en lumière faible, passez à un hybride récent : le Canon R7 si le budget compte, le R6 Mark II pour le plein format, ou le Canon R5 pour la haute définition. Si vous cherchez un reflex plus ancien et moins cher pour apprendre, le Canon 7D reste une option. Pour un panorama plus large du reflex, rendez-vous sur notre page sur les reflex. Pour démarrer dans le métier, comment devenir photographe de concert.
Cette page est dédiée au 5D Mark III. L’auteur du site, photographe de concert professionnel depuis environ 20 ans et qui a couvert plus de 1500 concerts, travaille aujourd’hui avec un Canon R5 associé à un 70-200 mm f/2.8.
Questions fréquentes sur le Canon 5D Mark III
Le Canon 5D Mark III est-il encore bon en 2026 ?
Oui pour photographier des concerts, des portraits et du reportage, à condition d’accepter un autofocus sans suivi de sujet moderne et un bruit visible au-delà de ISO 6400. Il reste très bien construit, avec double carte.
Combien de mégapixels a le Canon 5D Mark III ?
Il compte 22,3 millions de pixels effectifs sur un capteur plein format de 36 x 24 mm, soit des images de 5760 x 3840 pixels.
Jusqu’à quel ISO peut-on aller ?
La plage native va de ISO 100 à 25 600, avec des extensions à 50 et de 51 200 à 102 400. En concert, la limite utile dépend du rendu que vous acceptez.
Le 5D Mark III est-il silencieux ?
Il propose un déclenchement silencieux, en vue par vue ou à 3 i/s, plus discret que le mode normal mais pas totalement muet, car il garde un obturateur mécanique.
5D Mark III ou 5D Mark IV pour un concert ?
Le Mark IV offre 30,4 Mpx, 7 i/s et un ISO natif jusqu’à 32 000 pour le même nombre de points d’autofocus. Il vaut son surcoût si l’écart de prix d’occasion est raisonnable.
5D Mark III ou R6 Mark II ?
Le R6 Mark II est supérieur en autofocus (détection du sujet), en rafale (12 i/s mécanique, 40 i/s électronique) et en stabilisation. Le 5D Mark III ne se justifie que par un budget très serré ou des objectifs EF déjà en poche.
Que vérifier avant d’acheter un 5D Mark III d’occasion ?
Le nombre de déclenchements, les deux fentes de carte, l’état du viseur et du miroir, le firmware (dernière version 1.3.6) et le numéro de série pour la correction de mesure de 2012.
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