Rammstein concert à Sud de France Arena à Montpellier : Retour en image sur un concert impressionnant.
Mardi 23 avril 2013, le groupe allemand de métal industriel gothique Rammstein a rempli l’aréna de produits inflammables et de spectateurs. Pas moins de 12 000 fans sont venus de tout le Grand Sud pour participer à leur spectacle pyrotechnique inégalé. Park & Suites Arena était très chaud !
Rammstein concert Sud de France Arena à Montpellier
Le groupe Rammstein
Rammstein est un groupe de métal industriel allemand de Berlin. L’entreprise, fondée en 1994, compte depuis le début six membres de la RDA. Il est décrit comme appartenant au genre Neue Deutsche Härte et est le représentant le plus connu.
Les paroles du groupe sont principalement en allemand, c’est aussi le groupe germanophone le plus vendu au monde avec près de 20 millions d’albums vendus, mais parfois il contient également des paroles en anglais, français, espagnol ou même russe.
Cependant, la classification exacte est controversée, car elle a également de fortes influences sur la musique électronique, le rock ou même la pop telle qu’elle s’est développée au fil des albums. Il connaît un succès international depuis son deuxième album Sehnsucht en 1997 et a même fait une tournée mondiale pour son sixième album Liebe Ist Für Alle Da entre 2009 et 2011.
Cependant, ce succès s’est accompagné d’une controverse dès le départ, en particulier des allégations qui ont lié le groupe au national-socialisme, en raison de prétendues corrélations dans leur langage visuel (ce qui est également le cas pour le groupe slovène Ljubljana, dont il s’est inspiré) et avec des allégations d’incitation à la violence liée au tournage à Columbine High School.
Rammstein a toujours nié tout lien avec toute forme de racisme ou de soutien à la violence, et s’est défini avant tout comme un groupe qui ne veut pas transmettre un message, et il est généralement reconnu que la controverse est plus un goût pour la provocation et des interprétations malheureuses d’une idéologie contenu.
Rammstein concert Sud de France Arena à Montpellier
Un live ide Rammstein impressionnant
Après l’excellent best-of-tour de l’année dernière, Rammstein a élargi sa tournée avec plus de dates, dont plusieurs en France, pour notre plus grand plaisir ! Rammstein est vraiment devenu un groupe « public », dans le sens où il y a des enfants, des personnes âgées, des talons aiguilles, des Goths. Néanmoins le groupe ne change pas sa recette, toujours aussi violent visuellement et musicalement aucune concession.
Le live est impressionnant, le son, la lumière, énormément les moyens pyrotechniques utilisés avec les flammes à gogo, le fantastique retour du gode-ceinture, les litres et les litres sur le dos du clavier tandis que « Buck up, » l’interprétation parfaite de chaque chanson … bref, toujours performance globale d’un grand niveau avec l’arrivée du chanteur sur une plateforme descendante, enveloppée dans une veste en plumes rose… Ou le feu d’artifice verticalement sur la scène derrière chaque membre du groupe !
Un groupe rassembleur, du grand art, du métal surpuissant.
Rammstein est un excellent exemple d’un groupe qui a atteint des sommets de renommée internationale, tout en refusant résolument de compromettre sa vision ou de se plier à toute notion préconçue de ce qu’un groupe à succès stratosphérique devrait faire.
Pionniers du mouvement «Neue Deutsche Härte» (nouvelle dureté allemande) du milieu des années 90, aux côtés d’Oomph !, Megaherz et Stahlhammer, le mélange Rammstein de métal alternatif, de groove et d’electronica était le seul exemple du genre à atteindre un public mondial véritablement sismique. .
Rammstein live -Crédit photo Eric CANTO
Rammstein Discographie / Rammstein Album
1995 Herzeleid – Sortie : 24 septembre 1995 – Label : Motor Music – Format : CD, K7
1997 Sehnsucht – Sortie : 22 août 1997 – Label : Motor Music – Format : CD, K7
2001 Mutter – Sortie : 2 avril 2001- Label : Motor Music – Format : CD, K7, LP
2004 Reise, Reise – Sortie : 27 septembre 2004 – Label : Universal Music – Format : CD
2005 Rosenrot – Sortie : 28 octobre 2005 – Label : Universal Music – Format : CD
2009 Liebe ist für alle da – Sortie : 16 octobre 2009 – Label : Universal Music – Format : CD
2019 Rammstein – Sortie : 17 mai 2019 – Label : Universal Music – Format : CD
Rammstein a été créé en 1994 à Berlin, en Allemagne, par les musiciens Till Lindemann, Richard Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christoph Schneider et Christian Lorenz. Le groupe s’est rapidement fait remarquer pour son mélange unique de métal industriel, de techno et de musique électronique.
Quel est le style musical de Rammstein ?
Rammstein est connu pour son style unique qui combine des éléments de metal, de rock industriel et de musique électronique. Ils utilisent des rythmes lourds, des guitares électriques puissantes, des claviers et des percussions pour créer un son intense et énergique. Les paroles sont souvent en allemand, bien que le groupe ait également enregistré des chansons en anglais, en espagnol et en français.
Quelles sont les chansons les plus célèbres de Rammstein ?
Rammstein a sorti de nombreux succès au fil des ans. Certaines de leurs chansons les plus célèbres incluent « Du Hast », « Sonne », « Ich Will », « Feuer Frei! », « Engel » et « Mein Herz Brennt ».
Quel est le spectacle sur scène de Rammstein ?
Le spectacle sur scène de Rammstein est souvent considéré comme l’un des plus impressionnants dans l’industrie musicale. Le groupe utilise des effets pyrotechniques spectaculaires, des costumes élaborés et des décors impressionnants pour créer une expérience immersive pour le public. Le chanteur Till Lindemann est également connu pour ses performances provocatrices et parfois choquantes sur scène.
Quelles sont les influences musicales de Rammstein ?
Les membres de Rammstein ont cité de nombreuses influences musicales au fil des ans, notamment des groupes de métal comme Metallica, Slayer et AC/DC, ainsi que des artistes de musique électronique comme Kraftwerk et Daft Punk.
H3 : Quel est le sens des paroles de Rammstein ?
Les paroles de Rammstein sont souvent considérées comme provocatrices et controversées, et elles ont souvent été interprétées de différentes manières. Les chansons du groupe abordent des thèmes tels que la violence, la sexualité, la guerre, la religion et la politique, et elles sont souvent accompagnées d’images visuelles choquantes dans leurs vidéos musicales.
Rammstein a-t-il remporté des prix ?
Oui, Rammstein a remporté plusieurs prix au cours de sa carrière, notamment des Echo Awards (l’équivalent allemand des Grammy Awards) et des MTV Europe Music Awards. Le groupe a également été nominé pour un Grammy Award en 2019 pour son album éponyme.
Quels sont les membres actuels de Rammstein ?
Les membres actuels de Rammstein sont :
Till Lindemann : chant
Richard Z. Kruspe : guitare
Oliver « Ollie » Riedel : basse
Paul Landers : guitare
Christian « Flake » Lorenz : claviers
Christoph « Doom » Schneider : batterie
Quelles sont les chansons les plus célèbres de Rammstein?
Rammstein a produit de nombreux succès au fil des ans. Certaines de leurs chansons les plus célèbres incluent « Du Hast », « Engel », « Ich Will », « Sonne », « Links 2 3 4 » et « Mein Herz brennt ». Ces chansons ont été populaires dans le monde entier et ont contribué à établir la réputation de Rammstein en tant que l’un des groupes les plus innovants et influents de la scène musicale actuelle.
Bonus : Critique de Melodie Maker pour la sortie du live PARIS de Rammstein
Paris est un chef-d’œuvre moderne du cinéma musical: un concert live filmé avec tout le flair et l’élégance d’un clip. Tourné par le célèbre réalisateur et ancien membre du groupe suédois de black metal Bathory Jonas Akerlund, le film utilise des coupes rapides, des gros plans, des colorations dramatiques et des effets CGI pour créer une expérience plus vibrante que la réalité.
À l’aide de 25 caméras et tourné en deux nuits au Palais Omnisports de Paris-Bercy, Akerlund explique son concept pour Paris comme « tourner un spectacle en direct (tout en) essayant de traduire l’énergie que vous obtenez dans la salle pour filmer ».
Il explique: « J’essaie avec chaque astuce du livre pour faire autant d’impressions que possible sur le public. »
Regarder Paris est certainement une expérience viscérale et déroutante, comme si un spectacle avec des pénis géants jaillissait, suffisamment de pyro pour détruire un petit pays et le claviériste Christian « Flake ‘Lorenz cuisiné dans un pot de feu n’était pas assez stimulant visuellement.
Les antécédents d’ Akerlund dans les vidéoclips contribuent sans aucun doute à l’esthétique saisissante qui a déjà travaillé avec le groupe sur leurs promotions vidéo pour «Ich Tu Dir Weh», « Mein Land» et la parodie porno controversée «Pussy».
«C’était principalement la vision et les idées visuelles de Jonas», explique le batteur de Rammstein, Christoph Schneider. «Nous lui avons confié un contrôle créatif et lui avons dit: ‘C’est votre film, vous êtes un grand cinéaste et monteur, alors vous le faites comme vous le voyez.’
«Avoir cette coupe rapide et ce montage lourd semblait trop sur toute la durée d’un spectacle, alors nous nous sommes un peu impliqués et avons changé les choses ici et là, mais nous ne l’avons pas vraiment changé vraiment.»
«Il a un bon sens du détail et se concentre sur les choses que vous ne voyez pas lorsque vous êtes dans le public. Jonas a donc commencé à couper les choses très rapidement et à les rendre très énervées; lorsque nous l’avons vu pour la première fois, nous avons été très choqués par la rapidité de la coupe et la difficulté de la suivre et de la digérer.
Malgré quelques réserves concernant le montage final, Rammstein n’a que du respect pour Akerlund et sa vision de leur spectacle en direct. Le guitariste Paul Landers fait l’éloge de sa fluidité visuelle et met la patience exigée pour un projet de cette ampleur à la compétence technique des Suédois.
Bien que cela puisse sembler une procédure tout à fait normale pour la plupart des groupes, les fans fidèles de Rammstein savent qu’ils abandonnent rarement beaucoup de contrôle créatif. Les six membres du groupe ont le sentiment que toutes les choses marquées de la bannière Rammstein cadrent avec la vision et les mythes qu’ils ont créés.
Permettre à Akerlund de se répandre avec sa vision créative a conduit à la représentation visuelle la plus saisissante de Rammstein à ce jour – un exploit, étant donné qu’il existe déjà 4 DVD contenant des images en direct disponibles dans le commerce. Alors pourquoi ont-ils ressenti le besoin d’en faire un autre?
«Vous les créez pour l’histoire», explique Schneider. « Si quelqu’un dans 20 ans dans le futur veut savoir à quoi ressemblait Rammstein, voici un document visuel à regarder. »
Rammstein est actuellement en train d’écrire son septième album studio encore sans titre. On sait peu de choses sur l’album en dehors du cercle restreint de Rammstein, mais compte tenu de l’écart de huit ans depuis leur dernier album, l’anticipation est à un niveau record pour la nouvelle musique du groupe.
Ce que nous savons: 28 idées de chansons ont été esquissées pour l’enregistrement, dont 24 ont déjà des paroles. Landers les décrit comme «pas prêts à enregistrer, mais en direct!» Certains d’entre eux sont des morceaux nus de chansons, certains sont pratiquement terminés.
Mais ne vous attendez pas à un effort tentaculaire et épique sur un double album; si un thème général revient au premier plan au cours de ces premières étapes de la création du disque, il réduit la graisse et affine les choses à l’essentiel.
Schneider souligne: «C’est une sorte de secret de la musique de Rammstein pour être clair et se débarrasser du ballast et se concentrer sur ce qui est là, ce qui le rend plus difficile et a plus d’impact. Cette fois, c’est plus facile, car nous nous entendons très bien ces dernières années.
«Peut-être que cela revient à l’âge; vous essayez de ne plus changer vos amis ou collègues, alors vous les acceptez davantage tels qu’ils sont et leur donnez l’espace dont ils ont besoin. »
« Pour le moment, c’est presque une harmonie insupportable dans ce groupe », lance Länder avec un sourire malicieux.
Un sens de l’euphonie a été établi en partie grâce à la mission d’un producteur de superviser non pas l’enregistrement, mais les sessions d’écriture. Olsen Involtini a déjà travaillé avec le groupe pour arranger des cordes pour Mutter et Reise, Reise, créer des remixes et concevoir leur son live; son histoire de travail avec le groupe fait d’Involtini un parfait médiateur pour lancer des idées créatives entre les deux.
«C’est un bon ami à nous», explique Schneider. «Il produit du hip-hop et de la musique pop en Allemagne et il joue également de la guitare. Il a beaucoup de bonnes qualités alors nous l’avons amené pour diriger la répétition et travailler avec nous sur les chansons.
«Si deux d’entre nous ne sont pas d’accord, nous prenons la direction qu’il aime. Souvent, nous nous perdions dans la fabrication de quelque chose; il y aurait 20 versions différentes d’une chanson et il nous aiderait à nous concentrer sur ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas. »
Landers ajoute rapidement: «L’écriture dans Rammstein est toujours démocratique… pas facile, mais démocratique. Nous sommes comme des chiens avides. Mais avec Olsen qui dirige la répétition, nous n’avons pas à nous battre autant – nous suivons simplement son exemple. Il nous aide à nous concentrer et à éviter les combats inutiles. »
Cette dernière partie en particulier est probablement une partie cruciale du rôle d’Involtini; les tensions dans le studio lors de la création du Liebe ist für alle de 2009 semblent avoir été le principal moteur de la longue pause de Rammstein. (Landers décrit l’écriture de l’album comme faire un collage à côté d’une fenêtre ouverte; le vent continue de disperser les morceaux, ce qui rend difficile leur assemblage.)
Alors, quel a été le catalyseur pour réunir les six membres de Rammstein pour commencer à travailler sur leur septième album?
« La façon dont j’ai tendance à le dire », explique Landers, « est que nous quatre qui n’avions pas enregistré de record à cette époque avaient faim. Till et Richard ne voulaient pas aller au restaurant parce qu’ils avaient déjà mangé, mais nous avons tous les quatre dit: «Nous avons faim! Alors ils ont accepté de venir. Nous avons fait un compromis et avons dit: « Commençons par trois ou quatre chansons et voyons ce que ça fait sans pression. » Et ça faisait du bien, et maintenant nous avons 28 idées de chansons. »
Rammstein live -Crédit photo Eric CANTO
« Le groupe avait des souvenirs particulièrement mauvais sur la dernière production », ajoute Schneider, se référant à Liebe ist für alle . «Cela a pris beaucoup de temps et il y a eu beaucoup de discussions. Nous perdrions la trace des choses très facilement et personne ne voulait sauter directement dans cette situation. Tout le monde avait peur que si nous nous mettions à écrire un autre album, nous recommencions tous ces petits combats. Mais cela a changé maintenant, et avec la contribution d’Olsen, nous ne nous battons plus si fort – personne ne s’entre-tue pour prendre sa part sur les autres. «
Alors que la majorité des chansons du groupe sont écrites dans leur langue maternelle, leur musique transcende toute barrière linguistique; Rammstein fait partie d’une petite poignée de groupes capables de vendre des arènes à travers le monde sans l’aide de chansons écrites en anglais.
Leur popularité internationale écrasante dépasse de loin les attentes de la plupart des groupes en dehors de l’Anglosphere, et est la preuve (le cas échéant) du pouvoir de la musique à communiquer sur un terrain de jeu universel.
Landers résume succinctement le large attrait du groupe lorsqu’il décrit son approche de l’écriture des riffs délicieusement simples, mais exécutés avec goût de Rammstein: «Une chose à laquelle j’essaie de penser lorsque nous écrivons des chansons, c’est ce que ça fera de jouer en live. Si vous vous tenez à la maison et que vous jouez un accord fort qui sonne, ça fait du bien, vous vous sentez puissant! Mais si vous êtes assis et que vous cueillez doucement, cela ne vous fait pas du bien.
«Nous essayons d’avoir plus de moments dans la musique Rammstein qui vous font vous sentir bien; si ça a l’air bien, ça sonne aussi bien. »
Cette formule relativement simple, à côté d’un spectacle conquérant dont beaucoup attesteront est l’un des meilleurs spectacles du monde de la musique live, fait en sorte que Rammstein continuera de battre toutes les chances et restera l’une des propositions les plus célèbres et uniques en métal .
Souvent, le spectacle est si (littéralement) explosif, il éclipse apparemment la qualité et l’audace pure de l’écriture de chansons du sextuor allemand. Mais c’est pour sous-estimer l’esprit acerbe de «Mein Teil», l’audace orchestrale de «Mein Herz brennt», la beauté délicate de «Ohne Dich» ou le coup de poing pur et dur de «Sonne», une chanson de 16 ans qui sonne aussi dynamique et puissant qu’en 2001.
Est-il irritant que l’écriture de chansons complexe du groupe soit éclipsée par la simple domination de leur show fougueux? «Nous mettons autant d’efforts dans la musique que dans le spectacle», explique Schneider. «Tout comme nous mettons autant d’efforts dans les photos, les lumières, les vidéos parce que nous savons qu’ils vont tous ensemble. Chaque élément a son rôle à jouer et se soutient mutuellement. »
« Vous ne pouvez pas forcer les gens à réagir d’une certaine manière à ce que vous mettez devant eux », ajoute Landers. «Nous vivons dans un monde libre et les gens ont le droit de ne pas écouter. Nous savons que parfois le spectacle éclipse la musique, et nous essayons de ne pas laisser cela se produire. Mais la musique est très bonne à mes yeux, et nous essayons d’avoir un équilibre entre les deux.
«Si vous rencontrez une belle femme aux cheveux blonds et aux gros seins, vous pourriez commencer à lui parler à cause de son apparence, mais vous découvrirez ensuite qu’elle est intelligente, drôle, et de bon cœur. Nous essayons à Rammstein d’être la blonde avec un cerveau. »
« Au cours des dix dernières années, MathewGuido Photographe a combiné son esthétique unique pour des compositions intéressantes et la faisabilité commerciale avec des détaillants, des étiquettes et des publications internationales. En tant que magicien de la lumière, les images de la beauté de Mathew explorent et illustrent la complexité des émotions humaines.
Mathew Guido Photographe est intrigué par la complexité des émotions humaines. de l’art de la Renaissance et les motifs exagérés de l’anime japonais. Le photographe Mathew Guido vient de réaliser une jolie série de portraits intitulée Eye Candy pour le magazine SCHON. Il a immortalisé des femmes dans des lunettes de soleil sous la lumière colorée des néons qui se reflètent dans les lunettes. Une série très populaire et brillante dans laquelle les corps et les visages sont dessinés entre la lumière et l’ombre.
En tant que «magicien de la lumière», Mathew crée des photos d’une beauté intemporelle qui explorent sans crainte les complexités de l’émotion humaine. En mélangeant son style unique de lumière inspiré par les maîtres de l’ère de la Renaissance avec des thèmes exagérés issus de son amour d’enfance pour l’anime japonais, Mathew exprime l’œuvre de sa vie à travers les yeux d’un véritable visionnaire artistique. Ses histoires ne manqueront pas d’ouvrir vos yeux et votre esprit à de nouvelles perspectives audacieuses et à de merveilleuses impressions durables.
Mathew Guido : Eye Candy
Webnell.com : Eye Candy est une belle série de photographie de mode par Mathew Guido photographe. C’était un travail de commission pour l’un des meilleurs magazines. Mathew Guido est un photographe de mode canadien. Le modèle de la belle série Eye Candy est Naro Lokuruka. Selon son biograpy, « En tant que magicien de la lumière, Mathews a de beaux portraits envoûtants qui n’ont pas peur d’explorer et d’illustrer la complexité de l’émotion humaine. et laisser une impression mémorable « . Cette année, Mathew Guido photographe est le fier récipiendaire des prix Muse Creative et des prix Applied Arts. Sa photographie de mode a été présentée dans de grands magazines comme Schon, Dress to Kill, Vogue Italia, Lush et bien d’autres.
Mathew Guido Photographe: biographie
Mathew Guido est un photographe de mode et d’art primé basé à Toronto, au Canada.
Son travail juxtapose le drame de l’éclairage chairoscuro avec les couleurs exagérées et les compositions fantastiques de l’animation japonaise. Ces influences ont conduit Mathew à créer sa série de photos la plus renommée « Eye Candy », qui a été sélectionnée par Adobe pour être la couverture de Lightroom Classic CC. Mathew continue de créer des techniques d’éclairage innovantes qui ont un large impact sur le monde de la photographie numérique.
Mathew Guido a été scolarisé à l’ École secondaire catholique Robert F Hall (2003-2007)
Mathew Guido a commencé à travailler comme photographe en 2005 en tant que stagiaire assistant un photographe de mode, puis a dirigé sa propre entreprise au cours des 11 dernières années.
2017, Meilleur photographe canadien, Prix notables, TORONTO/CANADA
2017, Prix Platine, Muse Creative Award, TORONTO/CANADA
2016, Prix de la photographie, Arts appliqués, TORONTO, CANADA 2016, Meilleure photographie, North American Hair Awards LAS VEGAS/ ÉTATS-UNIS
2015, Argent, Prix De La Photographie Paris PARIS, FRANCE
Ouvrages:
« 2017 », Adobe Lightroom Classic CC, Pearson Education, John Evans, New York USA, ISBN – 10:0134540026 ISBN – 13:9780134540023
Bonus: interview de Mathew Guido, avril 2011 pour LOOKBOOK’S
âgé de 22 ans demain, le jeune photographe a déjà développé un œil expert pour évoquer l’émotion brute à travers les contrastes, les couleurs et l’imagination débordante. Mathew a étudié avec David LaChapelle et est actuellement représenté par ArtHouse.
Son style unique insuffle un amour pour les dessins animés et les anime japonais. Les clichés de Mathew diffèrent de ceux de nombreux artistes en ce que son travail a tendance à tomber du côté plus morose de la photographie de mode.
Ne s’éloignant jamais de ses racines artistiques, Mathew se lance également dans l’illustration, la peinture et la production vidéo. Dans notre récente interview, voici ce que le jeune photographe de talent avait à partager sur son style et sa technique.
Comment êtes-vous venu à la photographie en tant que profession?
A l’origine j’ai commencé dans l’art par l’illustration et la peinture. Je suis venu à la photographie comme une nouvelle forme de peinture. J’ai commencé à m’amuser avec ça en filmant pour mes amis et quand je voyageais et j’ai eu une bonne réponse, alors j’ai continué avec ça. J’ai fait un stage chez David LaChapelle, ce qui m’a donné une bonne dynamique.
Comment définiriez-vous ou décririez-vous votre style photographique ?
Mon style est très important pour moi et j’essaie de présenter mon travail d’une certaine manière. Mon travail est quelque peu influencé par mon amour pour les dessins animés et les illustrations japonaises. J’exagère souvent dans la composition, la couleur et l’ambiance, ce qui tend à tout unir en un seul appel. J’essaie de mettre l’accent sur les reflets et les ombres, ce qui peut faire ressortir un autre type de beauté.
Qu’est-ce que ça fait de travailler avec ArtHouse et NYC FotoWorks ?
En assistant à l’événement NYC FotoWorks à New York, je peux dire que cela m’a donné l’occasion de parler avec tant d’éditeurs, et j’ai réalisé que je revenais à Toronto avec des opinions éclairées. Cela m’a incité à voir où je pouvais m’adapter et à y aller. J’exhorte tous les photographes en quête de direction, d’orientation et de clarté à assister à cet événement. Cela a changé ma carrière. Et au cours des derniers mois, j’ai signé avec une agence incroyable, ArtHouse.
Je sais que vous avez travaillé avec Adidas. En quoi le travail avec la deuxième plus grande entreprise de vêtements de sport au monde diffère-t-il des tournages de haute couture ?
C’est marrant. Sur un ensemble de mode, vous pouvez passer une heure entière sur un seul morceau de cheveux. Avec Adidas, vous pouvez passer autant de temps sur un seul lacet. C’est le même processus mais avec une sensation différente. J’aime travailler avec de grandes entreprises, même si le débouché artistique peut être quelque peu différent. Les couleurs qui ressortent de vos clichés semblent donner un certain état d’esprit aux spectateurs.
À quoi pensez-vous lorsque vous vous concentrez sur certaines couleurs ?
J’essaie de faire ressortir la profondeur des couleurs. Si c’est rouge, je choisis des tons riches. Cela a tendance à déclencher et évoquer l’émotion différemment. Il fait ressortir une certaine profondeur dans les plans.
Vos photos semblent créer une ambiance très définie. Je ne veux pas dire sombre, mais ils semblent évoquer une forte émotion. Comment capter cet effet ?
Je cherche à évoquer une certaine émotion, mais je suis aussi ouvert à évoluer. Cela a tendance à rendre les choses un peu plus sombres, et cela signifie généralement des couleurs et des contrastes plus forts. Les plans les plus sombres touchent les gens différemment. Avant mes prises de vue, je parle avec des modèles et je leur explique ce que je pense, pour qu’ils le sachent.
Quelles sont quelques icônes de la photographie dont vous admirez le travail ?
Miles Aldridge, Steven Klein et Tim Walker. Je les aime tous pour des raisons différentes. Il semble qu’il y ait de l’art infusé dans vos photos. J’ai également lu que vous aviez un amour pour l’art et l’anime japonais, qui vous accompagnait dans votre enfance.
Qu’est-ce qui inspire votre travail ?
Je suis inspiré par l’anime, l’art japonais et les expériences de vie. Je n’ai jamais regardé d’autres photographes. C’est un marché différent à Toronto; il n’y a pas autant de photographies de mauvaise humeur, alors j’essaie de combler cette lacune.
Avez-vous des hobbies ou passe-temps favoris ?
Je me suis lancé dans la vidéo, mais je n’ai pas eu assez de temps pour ça. Je fais de la peinture et des illustrations. Je suis aussi une sorte de nerd et j’aime les anime et les dessins animés japonais.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le photographe est un professionnel de l’image. Il est capable de réaliser des prises de vue dans les domaines de la mode, du mariage, de l’actualité, du paysage…
Il est avant tout un créatif. Toutefois, le photographe professionnelpeut consacrer une grande partie de son activité à la commercialisation de ses photos et au démarchage de nouveaux clients.
Comment devenir Photographe ? Retrouvez ici les missions, formation nécessaire, rémunération de cette profession.
Il existe plusieurs types dephotographe professionnel. Qu’il s’agisse d’un travailleur indépendant ou d’un salarié, la tâche principale reste de faire des photos pour les clients.
Lorsqu’un photographe travaille dans un laboratoire, ses activités sont beaucoup plus sédentaires. Il doit alors être responsable du développement personnel et de la commercialisation de l’imprimé dans tous les médias.
Photographe professionnel, la fiche métier. Crédit photo Eric CANTO
Rôle du photographe professionnel
Le photographe professionnel est un artiste à part entière. Il intervient tout au long du cycle de production de ses photos de partout à la vente. Le profil complet est important pour:
• Prenez des photos conformément aux spécifications spécifiées par le client.
• Adaptez la lumière, le cadrage et la composition au sujet sur lequel il travaille.
• Installez-vous confortablement et adaptez-vous au sujet s’il s’agit d’une personne.
• Effectuez tous les travaux de réparation nécessaires car il connaît l’outil informatique.
• Développez et photographiez des photos à l’aide des derniers outils numériques.
• Commercialisez vos enregistrements en ciblant des clients potentiels ou en trouvant de nouveaux marchés.
• Entretenez régulièrement votre équipement pour éviter les mauvaises surprises lors d’une séance photo.
• Adaptez le développement de matériel photo et informatique.
Comme tous les artistes, les photographes doivent être créatifs pour poursuivre leur carrière. Ils doivent avoir une forte personnalité et une sensibilité pour se démarquer de la concurrence. Ils doivent également se tenir au courant des tendances de l’industrie afin de ne pas s’isoler du marché.
Parce qu’il est en contact direct avec les clients et éventuellement avec les mannequins, le photographe doit avoir d’excellentes qualités interpersonnelles et humaines. Ses compétences en communication jouent souvent un rôle décisif dans le succès de la photo ou dans la définition de spécifications claires.
Lorsqu’il travaille seul, le photographe est responsable de la prise de photos de la prise de vue à l’impression. Il commande généralement le tirage à un fournisseur de services externe. Il doit donc bien comprendre son environnement professionnel pour ne travailler qu’avec des personnes de confiance.
Photographe professionnel, la fiche métier. Crédit photo Eric CANTO
Photographe : carrière / possibilité d’évolution
Pour un photographe novice, obtenir des postes rémunérés est presque impossible. C’est pourquoi beaucoup d’entre eux créent leur propre entreprise, espérant obtenir un emploi fixe un jour, avoir de l’expérience en tant que photographe adjoint ou générer suffisamment de revenus pour subvenir à leurs besoins.
Cependant, avec un bon livre, certaines personnes peuvent souhaiter entrer dans l’agence de presse ou dans le journal national ou local. Grâce à une formation parallèle en vente, ils peuvent également rejoindre un studio photo et même gérer un studio photo avec des années d’expérience.
Salaire mensuel total pour les débutants: 1 430 €
Photographe pro, la fiche métier. Crédit photo Eric CANTO
Devenir photographe professionnel: besoin de formation
Le métier de photographe est ouvert à ceux qui ont fait leurs preuves. Cependant, il est préférable d’être correctement formé pour comprendre les aspects théoriques et pratiques du trading. Il existe plusieurs spécialisations:
• La photographie BTS n’est disponible que pour les diplômés de la section S;
• Depuis 2012, la photographie professionnelle Bac a remplacé la photographie CAP et a permis aux étudiants de troisième année de se former en 3 ans;
• L’école nationale de photographie est très sélective et propose 3 ans de formation après avoir passé le concours Bac + 2;
• L’Université propose des masters professionnels en photographie. L’université Paris VIII propose l’une des MST les plus célèbres en photographie et multimédia;
• Les écoles privées décernent également des diplômes en photographie, mais toutes ne sont pas accréditées. Pour obtenir un poste à salaire permanent, les candidats doivent souvent démontrer leurs compétences en photographie. Par conséquent, leurs livres peuvent s’avérer décisifs et plus importants que leur formation.
Statut juridique en France
Photographe, c’est un choix entre plusieurs statuts juridiques, régime d’auto-entrepreneur principalement mais aussi :
photographe artiste-auteur,
photographe d’illustration, artisan
photographe de presse (pour 89%)
Le statut social peut être rattaché au régime général.
Pratique pro et domaine d’activité
La population mondiale de photographes qui pratiquent la photographie est très importante – plus d’un milliard de personnes – et très diversifiée, ce qui fait du nom de « photographe » un concept vague et très ambigu.
Une personne qui propose des agrandissements de 3 × 5 cm au prix de 2 € sur un stand avec des photos artistiques comme Bièvres s’appelle « photographe » lorsque le même mot « photographe » est utilisé pour indiquer le statut de « Andreas Gursky, photographe allemand dont les paysages mesurant 3 × 4 m sont vendus à Christie ou Sotheby de 2 à 4 millions d’euros.
La variété des pratiques photographiques conduit à distinguer les photographes par catégorie, avec des classifications assez nombreuses. Les photographes amateurs qui se consacrent à la photographie comme passe-temps ou passe-temps créatif, se distinguent des photographes professionnels qui le font du travail et en tirent des revenus.
Le classement des photographes par sujet peut être l’une des principales différences: paysage, portrait, mode, reportage, guerre, nudité, animaux, etc.
Les photographes professionnels gagnent leur vie et vendent leur travail.
Ils peuvent avoir le statut d’auteur et peuvent donc produire des œuvres à vendre sans commande préalable (par exemple, paysages, faune et flore ou guerre) ou ils peuvent devenir artisans et accepter les services commandés (rapport de mariage, séance photo de famille, par exemple portrait artistique) de tout acte ayant avantages fiscaux et obligations très claires.
Un photographe professionnel peut ajouter jusqu’à deux actes s’il veut être en mesure d’effectuer toutes sortes de services et de tâches liés au droit d’auteur.
Les photographes professionnels sont représentés devant les organismes publics par une organisation syndicale professionnelle, principalement l’Union des photographes professionnels (UPP) pour les auteurs et la Fédération française du commerce de la photographie et de l’image (FFPMI) pour les artisans.
Situation du métier / contexte pour devenir photographe
Le marché des photographes est désormais saturé. Avec la démocratisation des appareils numériques, de nombreux amateurs ont plus ou moins démarré leur propre entreprise.
Ce n’est pas un secret pour réussir à bâtir votre propre entreprise: vous devez vous démarquer en imposant votre propre style ou en vous déplaçant sur un marché de niche.
En conséquence, certains photographes se spécialisent aujourd’hui dans les portraits personnels ou les vieux métiers en argent. L’essentiel est de créer vos propres opportunités.
Voila quelques pistes, à vous maintenant de vous lancer !
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Dans la série des trucs qui inspirent…le magnifique livre de Jean Luc Navette : c’est beau, terriblement beau.
Le livre de Jean Luc Navette « Dernier été du vieux monde »
Jean Luc Navette nous offre un objet graphique qui est littéralement plein d’histoires. Des sujets tels qu’une promesse d’amour, une rupture avec le destin, l’émergence du malheur, la randonnée, le blues country et les ballades meurtrières se succèdent et se heurtent simultanément dans une valse grinçante et magnifique. « L’été dernier du vieux monde » est le véhicule d’années de nuits blanches, un taxi pour ses esprits …
Jean-Luc Navette s’est installé à Lyon il y a longtemps. Illustrateur de formation, Jean Luc Navette s’est inspiré du réalisme, de la gravure, des images de la Première Guerre mondiale et du début du XXe siècle pour créer son propre style. Résultat: le travail de l’artiste ne manque pas d’impressionner par son originalité et sa maîtrise magistrale.
En effet, Jean-Luc Navette navigue dans un univers où l’obscurité ne se réalise qu’avec un coup de crayon. Un autre imaginaire, renforcé par des références lointaines et meurtrières, où le blues scintille encore dans l’âme de lumière. Une vision extraordinaire du monde noir et blanc, d’où émergent des histoires vraies d’hier et d’aujourd’hui. Des histoires sombres qui finissent généralement mal …
Jean Luc Navette : « Mon travail, le tatouage et l’illustration, consiste à raconter des histoires à travers une seule image ou une série d’images. Quand j’étais très jeune, j’ai commencé à dessiner pour le plaisir. Je suis ensuite retourné à l’école Emile Cohl peu de temps après le lycée, où tout est devenu plus sérieux et structuré. »
Etudes et formation
Jean Luc Navette : « Le refus de saisir le formulaire et l’opportunité de découvrir la vie sans être enfermé m’ont incité à étudier le dessin. Étudiez et approfondissez ma connaissance de ma passion, le dessin. C’est pour cette raison que je suis entré au « département papier » de l’école Emile Cohl en 1994. Je l’ai quittée et j’ai obtenu mon diplôme en 1999. »
« J’ai eu la chance d’avoir des parents compréhensifs, ils m’ont soutenu dans mes décisions et mes souhaits, même s’ils différaient parfois de leur propre vision du monde. C’est normal, il y a toujours beaucoup de soucis quand votre enfant choisit une « passion professionnelle ». Sa motivation doit être élevée et il doit être patient car c’est un long chemin et un moyen très facile de faire quelque chose de mal. »
Les emplois de Jean Luc Navette
Je suis allé au tatouage parce que j’étais très intéressé par ce médium, puis les choses ont naturellement glissé du papier à la peau. Depuis, je fais des allers-retours entre les deux tous les jours. Il faut du temps pour se faire un nom dans l’industrie du tatouage, les choses ne se produisent pas d’un coup. Il faut du travail, de la persévérance pour trouver sa place. « Au début, une petite goutte est sortie, puis la goutte est devenue une flaque d’eau, puis elle a commencé à couler lentement, lentement, peut-être qu’un jour elle formera un ruisseau, une rivière, pourquoi pas un océan? »
Pour devenir tatoueur, il faut beaucoup de passion, de curiosité et d’écoute. Je pense que nous devons garder les yeux et les oreilles ouverts, nous référer aux anciens et respecter leurs enseignements sans essayer de copier leur travail. Philippe Rivière, le directeur et fondateur de l’école Emile Cohl, nous disait souvent: « Vous n’êtes bon que sur les épaules de quelqu’un » et « vous ne devriez pas essayer de devenir de pauvres artistes, mais de bons artisans ».
Je me rapporte souvent à ce que j’ai appris pendant mes études et cela me permet de me concentrer à nouveau. Ce sont des balises que vous devez garder à l’esprit si vous êtes un peu perdu. Fondamentalement, laissez-vous inspirer sans copier, mais malheureusement, quand vous voyez la superficialité de cet environnement et la facilité avec laquelle les tatoueurs et les artistes doivent généralement se copier, il y a encore un long chemin à parcourir.
De nos jours, c’est très rapide et il est plus facile de s’insérer dans un courant déjà fluide. Comme toujours, lorsque les phares sont allumés, il attire les gens qui aiment briller et être dans la lumière. Pour ce qui est d’apprendre à dessiner, je pense que la chose la plus difficile à raconter est une histoire.
Vous devez donc multiplier votre vocabulaire pour obtenir plus d’options et de façons de créer avec succès votre propre histoire. Le tatouage m’a ouvert des portes dans le sens où depuis dix ans que je le pratique, il remplit ma vie, je porte les traces que les souvenirs gardent; cela m’a permis de voyager, de rencontrer des gens de tous horizons et de tout ce qui était différent. Cela m’apporte beaucoup et j’ai eu la chance de traverser cette rue.
Le style pictural de Jean Luc Navette
Il faut beaucoup de temps pour trouver le style d’image, et surtout, vous ne devez pas sauter les étapes et travailler d’abord sur votre vocabulaire: « Vous devez apprendre à parler avant de chanter ». Je me souviens d’un jour en classe où j’ai demandé à un professeur quand nous étions sûrs de sa ligne et de son style.
Jean Luc Navette m’a répondu avec beaucoup d’humour que ce serait une question permanente et qu’il valait mieux changer de voie si je cherchais des certitudes. Pour développer votre style personnel, vous devez être curieux et construire une culture globale. La documentation est essentielle pour savoir comment les choses fonctionnent si vous voulez les transcrire à travers des images.
Le tatouage est une profession et un art souvent mal vu qui a une mauvaise réputation, mais cette image est en train de changer. Je ne pense pas avoir vraiment participé à ce changement, mais j’ai pris le train quand j’ai essayé de raccrocher quelques voitures et pas seulement d’être passager. L’image du tatouage change, mais il y a encore beaucoup de travail à faire.
Pendant mes études, mes attentes n’étaient pas aussi élevées qu’aujourd’hui. Je les ai largement dépassés. Maintenant, je ne peux pas dire avec certitude sur combien de projets j’ai travaillé, probablement autant qu’il y a plusieurs jours. De la multitude de projets que j’ai réalisés, je dis généralement que la chose la plus importante pour moi est la suivante !
Les conseils de Jean Luc Navette
Jean Luc Navette « Si je devais donner des conseils à des gens qui veulent suivre la même formation que moi, je leur conseillerais de ne pas sauter les étapes, de garder la tête froide et d’être patient. A l’école, certaines matières me paraissaient ennuyeuses quand je devais me lever le lundi matin pour étudier le charbon de bois ou le documentaire, mais je perdais beaucoup de temps et faisais parfois des impasses »
Après avoir voulu me renouveler et rattraper mon retard, c’était deux fois plus épuisant. Je pensais que j’aurais mieux fait d’éteindre ma cigarette dans le jardin et de retourner au travail. Heureusement, Philippe Rivière (fondateur et directeur de l’école Emile Cohl) a veillé sur le grain et m’a fait tout mettre dans la caboche … grâce à lui. Écoutez la chanson de Gabin « Je sais » si votre tête est trop lourde lundi matin, vous gagnerez un temps précieux au travail… »
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La société STRANGER&STANGER est spécialisée depuis 1994 dans le design de bouteilles d’alcool. Le rapport avec la photo ? Aucun sauf qu’on lui doit notamment le packaging de l’édition limitée du rhum Don PAPA 10 ans. Le résultat est juste magnifique d’ailleurs la liste des awards gagnés par STRANGER&STRANGER est folle. Don Papa 10 ans est un rhum des Philippines produit sur l’île de Negros. Cette version produite en très petite quantité est exclusivement réservée au marché français !
Le Rhum Don Papa 10 ans est l’un des rhums les plus populaires de la marque. Comme son nom l’indique, il est vieilli pendant une décennie entière en fûts de chêne américain, ce qui lui donne une saveur plus riche et plus complexe que le rhum original.
Quelle est l’histoire du Rhum Don Papa?
Il tire son nom de Dionisio Magbuelas, un héros philippin surnommé Don Papa, qui s’est battu pour l’indépendance des Philippines au 19ème siècle.
Il est produit sur l’île de Negros aux Philippines, qui est connue pour sa production de canne à sucre depuis plus de 100 ans. La marque a été créée en 2012 par la compagnie Bleeding Heart Rum Company, qui a voulu rendre hommage à l’héritage de Don Papa et à la riche tradition de la production de rhum aux Philippines.
Comment est produit le Rhum Don Papa?
Il est produit à partir de la canne à sucre cultivée sur l’île de Negros. La canne à sucre est récoltée à la main et pressée pour extraire le jus de canne à sucre. Le jus est ensuite fermenté avec des levures naturelles pour produire un moût alcoolisé.
Le moût est ensuite distillé en utilisant un alambic à colonne, ce qui permet de produire un rhum plus léger et plus doux en goût. Le rhum est ensuite vieilli pendant au moins 7 ans en fûts de chêne américain, qui contribuent à sa couleur ambrée et à sa saveur riche et complexe.
Quelles sont les caractéristiques du goût du Rhum Don Papa?
Il a un goût complexe et sucré, avec des notes de vanille, de miel, de fruits tropicaux et de chêne grillé. Il a une texture douce et soyeuse en bouche, avec une finition légèrement épicée.
Il est considéré comme un rhum de dégustation, qui peut être apprécié seul ou avec un glaçon pour en apprécier toutes les nuances de saveur.
Le Rhum Don Papa est-il récompensé?
Il a remporté de nombreuses récompenses et distinctions depuis son lancement. Il a notamment remporté la médaille d’or au San Francisco World Spirits Competition en 2013 et en 2017, ainsi que la médaille d’or au Rum Masters en 2018.
Ces récompenses témoignent de la qualité et de la réputation du rhum Don Papa en tant que rhum haut de gamme.
Le secret de la fabrication du Rhum Don Papa 10 ans
L’incroyable délicatesse du rhum don papa 10 ans peut également s’expliquer par un secret fait maison. En fait, trois grammes de sucre par litre sont ajoutés au rhum avant qu’il ne soit mis en barriques pour mûrir longtemps. Le nom de Don Papa est un hommage à Dionisio Magbuelas, également connu sous le nom de Papa Isio, un véritable révolutionnaire qui a façonné l’histoire des Philippines au XIXe siècle.
Contremaître dans une plantation de canne à sucre, mais aussi chamans et guérisseurs, est devenu le chef de la révolte nationale qui a conduit le pays à son indépendance en 1896. Aujourd’hui, son portrait orne les bouteilles de Don Papa. Une belle façon de découvrir une partie de l’histoire des Philippines, mais aussi de maintenir l’esprit rebelle de la marque.
L’incroyable délicatesse de Don Papa peut également s’expliquer par un secret fait maison. En fait, trois grammes de sucre par litre sont ajoutés au rhum avant qu’il ne soit mis en barriques pour mûrir longtemps. Le nom est un hommage à Dionisio Magbuelas, également connu sous le nom de Papa Isio, un véritable révolutionnaire qui a façonné l’histoire des Philippines au XIXe siècle.
Contremaître dans une plantation de canne à sucre, mais aussi chamans et guérisseurs, est devenu le chef de la révolte nationale qui a conduit le pays à son indépendance en 1896.
Aujourd’hui, son portrait orne les bouteilles de Don Papa. Une belle façon de découvrir une partie de l’histoire des Philippines, mais aussi de maintenir l’esprit rebelle de la marque. L’autre force est la production de rhum en édition limitée comme le Sherry Cask Rum ou le Rare Cask Rum.
NOTES DE DÉGUSTATION DON PAPA 10 ans
Couleur: ambre foncé avec des reflets sombres.
Nez: Profond et riche avec une impression de force. Marqué par des notes d’agrumes et de vanille.
Bouche: Gourmande et complexe, avec des notes claires de cacao, d’agrumes et de fruits secs.
Finale: Longue et riche en fruits secs et agrumes avec une pointe de cacao. Délicieux.
DÉTAILS DU PRODUIT
Type / sous-type :Rhum / Rhum Traditionnel
Distillerie :DON PAPA
Pays / Région :Philippines / Ile de Negros
Négociant :Embouteilleur Officiel
Degré :43%
Volume :70cl
Age :De 10 à 16 ans
Tourbe :Non
Packaging :Tube
Quels sont les différents types de Rhum Don Papa?
Il est disponible en plusieurs variations, chacune avec ses propres caractéristiques de goût et de vieillissement. Voici un aperçu des principales variations de Rhum Don Papa :
Don Papa 7 ans : Le rhum 7 ans est le rhum original de la marque. Il est vieilli pendant au moins 7 ans en fûts de chêne américain et offre une saveur douce et fruitée avec des notes de vanille et de miel.
Don Papa 10 ans : Le rhum 10 ans est vieilli pendant une décennie entière en fûts de chêne américain, ce qui lui donne une saveur plus riche et plus complexe que le rhum original. Il a des notes de vanille, de chêne grillé et de fruits secs, avec une finition légèrement épicée.
Don Papa Rare Cask : Le rhum D Rare Cask est vieilli pendant au moins 10 ans en fûts de chêne français et américain, ce qui lui donne une saveur profonde et complexe avec des notes de vanille, de caramel et de noix de muscade. Il est produit en édition limitée et est considéré comme l’un des rhums les plus exclusifs de la marque.
Don Papa Sherry Cask : Le rhum Sherry Cask est vieilli pendant 4 ans en fûts de chêne américain, puis vieilli pendant une année supplémentaire en fûts de sherry espagnol. Cette double maturation donne au rhum une saveur riche et fruitée avec des notes de fruits secs, de chocolat et de caramel.
Don Papa Sevillana Cask Finish : Le rhum Sevillana Cask Finish est vieilli pendant 4 ans en fûts de chêne américain, puis est transféré pour une année de finition en fûts de vin de Jerez. Cette finition donne au rhum des notes d’agrumes et de chêne grillé, avec une finale douce et fruitée.
Papa Baroko : Le rhum Baroko est vieilli pendant 7 ans en fûts de chêne américain, puis est fini en fûts de brandy espagnol pendant 18 mois. Cette finition lui donne une saveur douce et fruitée avec des notes de raisins secs, de miel et de chêne grillé.
Chaque variation de Rhum offre des nuances de saveur différentes en fonction de son vieillissement et de son processus de production unique.
FAQ sur le rhum Don Papa
Qu’est-ce que le rhum Don Papa?
C’ est un rhum de qualité supérieure produit aux Philippines. Il est fabriqué à partir de mélasse, qui est fermentée, distillée et vieillie en fûts de chêne américain pendant au moins 7 ans. Il est caractérisé par des notes de vanille, de miel et de fruits tropicaux, ainsi qu’une texture veloutée et une finition douce.
Qui est Don Papa?
C’est le nom d’un héros philippin qui a mené une rébellion contre les colons espagnols à la fin du 19ème siècle. Il a été nommé en son honneur pour rendre hommage à l’héritage et à la fierté de la culture philippine.
Comment boire du rhum Don Papa?
Il peut être apprécié seul, sur glace ou mélangé dans des cocktails. Il est souvent utilisé pour créer des cocktails tropicaux tels que le Mai Tai et le Daiquiri. Pour apprécier la saveur complexe du rhum, il est recommandé de le déguster dans un verre à dégustation et de le laisser reposer pendant quelques minutes avant de le boire.
Quelle est la différence entre le rhum Don Papa et d’autres rhums de qualité supérieure?
Il se distingue des autres rhums de qualité supérieure par son origine philippine et son processus de fabrication unique. Le rhum Don Papa est vieilli en fûts de chêne américain pendant au moins 7 ans, ce qui lui confère une saveur riche et complexe. Les notes de vanille, de miel et de fruits tropicaux sont également uniques au rhum Don Papa.
Le rhum Don Papa contient-il des additifs?
Il est produit à partir de mélasse pure et ne contient pas d’additifs artificiels tels que des colorants ou des arômes. Cependant, certaines variantes de rhum Don Papa sont aromatisées avec des ingrédients naturels tels que le gingembre, le miel et le citron.
Le rhum Don Papa est-il végétalien?
Il est végétalien car il ne contient aucun ingrédient d’origine animale. Il est produit à partir de mélasse pure et vieilli en fûts de chêne américain.
Le rhum Don Papa est-il sans gluten?
Il est sans gluten car il est fabriqué à partir de mélasse de canne à sucre, qui ne contient pas de gluten. Cependant, il est important de noter que le rhum peut être contaminé par du gluten lors de la fabrication ou du vieillissement dans des fûts ayant contenu d’autres produits.
Le rhum Don Papa est-il considéré comme un rhum de luxe?
Il est considéré comme un rhum de qualité supérieure et est souvent classé parmi les rhums de luxe en raison de son processus de fabrication unique, de son goût complexe et de son origine exotique. Le rhum Don Papa est vieilli pendant au moins 7 ans en fûts de chêne américain, ce qui lui confère une saveur riche et des notes aromatiques uniques. En outre, le rhum Don Papa est produit en quantités limitées, ce qui contribue à sa réputation de rhum haut de gamme.
Où puis-je acheter du rhum Don Papa?
Il est disponible dans les magasins spécialisés en spiritueux, les épiceries fines et les sites de commerce électronique. Il est également disponible dans certains bars et restaurants qui proposent une sélection de rhums haut de gamme.
Le rhum Don Papa est-il un bon choix pour offrir en cadeau?
Il est un excellent choix de cadeau pour les amateurs de rhum ou pour ceux qui apprécient les spiritueux haut de gamme. Son emballage élégant et sa réputation de rhum de qualité supérieure en font un cadeau élégant et mémorable.
Comment conserver le rhum Don Papa?
Il doit être conservé dans un endroit frais et sec, à l’abri de la lumière directe du soleil. Il est recommandé de le conserver debout et de le refermer soigneusement après chaque utilisation pour préserver son goût et son arôme. Le rhum Don Papa peut être conservé pendant plusieurs années s’il est stocké dans des conditions optimales.
Comment savoir si le rhum Don Papa est authentique?
Il est livré avec une étiquette de bouteille authentique, qui présente le logo et le nom de la marque. La bouteille doit également comporter un sceau de qualité sur le bouchon, qui garantit l’authenticité et l’intégrité du produit. Il est recommandé d’acheter du rhum auprès de revendeurs de confiance pour s’assurer de l’authenticité du produit.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mass Hysteria Le Trianon: Sixième artwork pour Mass Hysteria
Six albums, huit ans à suivre le groupe, le voir devenir incontournable, les suivre sur les dates, en studio, dans les galères et les grands moments. Huit ans à ne les voir ne rien lâcher, à garder une exigence intacte, à ne rien laisser arrêter cette aventure de 20 ans. Troisième LIVE, il faut trouver un autre angle, ce fut celui de l’intro de ce concert, un concert qui fit la part belle à Matière noire en live….
Dans la catégorie live Mass Hysteria, voici le quatrième du nom: Mass Hysteria Le Trianon. Un autre live, quel intérêt me direz-vous? Oui, à peine trois après Mass Hysteria à l’Olympia qui a ensuite célébré en grande pompe les vingt ans du groupe français chez Bruno Coquatrix et cinq ans après l’énergique Live capturé dans la chaleur du Bikini à Toulouse, voici le dernier enregistré dans ce superbe salle parisienne après une première partie de la tournée qui n’aurait pas pu voir le jour…
En effet, depuis le live à l’Olympia en 2013, deux événements majeurs ont eu lieu dans notre beau pays de liberté d’expression: une tragédie tout d’abord début 2015 avec les attentats terroristes de Charlie Hebdo suivi en novembre par les meurtres du Bataclan comme vous le savez tous malgré lequel Mass Hysteria voulait à juste titre assurer son début de tournée à cette même période en communiquant clairement à ce sujet.
C’est là que réside le principal intérêt de Mass Hysteria Le Trianon ce nouvel enregistrement live limité à 5000 exemplaires. Au niveau playlist, nous avons droit à l’interprétation sans faille du dernier album de Mass Hysteria: Matière noire. Et malheureusement, jamais les nouvelles compositions de cet album n’ont trouvé un tel écho et n’ont pris vie dans ces temps sombres (« L’Enfer Des Dieux » dédicacés aux victimes disparues le 13 novembre 2015).
Sur un ton sérieux et de plus en plus sérieux, les musiciens enchaînent le feu (« Chiens De La Casse », « Vae Soli! », « More than Metal » …) entrecoupé de temps en temps de petites blagues ou des dédicaces politiques épicées («merci Macron») du chanteur charismatique Mouss qui, s’il reconnaît lors du concert de ne pas être très bruyant ce soir, fait le boulot comme d’habitude à deux cents pour cent devant un public de fidèles au taquet. « Mère d’Iroise », dédiée à toutes les « mamans » dont notamment celle disparue du chanteur, termine avec mélancolie ce premier set qui ne constitue que la partie audio du live CD.
Puis nos gars reviennent avec le classique « Contraddiction » suivi de l’essentiel et très punk « P4 » où les deux guitaristes Yann et Fred investissent comme d’habitude la fosse entourant Mouss, défiant ainsi les consignes de sécurité du Trianon pour cette soirée. Beaucoup d’autres tubes pleuvent (« Une somme de détails, » Babylone « , » La connaissance c’est le pouvoir « , » donne-toi la douleur « et » Furia « )un set ou règne le bon esprit, prouvant une fois de plus que Mass Hysteria est à la fois un groupe français incontournable sur scène et sur album depuis prés de vingt-cinq ans maintenant!
Ajoutons enfin la présence de quelques invités de renom ici et là (Stéphane Buriez, Reuno (Lofofora), l’ancien guitariste Nicolas récupéré et qui est content de voir, l’ancien bassiste Vincent Mercier …) et en prime le clip de » L’Enfer des Dieux « ainsi que les préparations de ce concert.
Chien de la casse
Vae soli !
Vector equilibrium
Notre complot
L’Espérance et le Refus
Tout est poison
L’Enfer des dieux
À bout de souffle
Matière noire
Plus que du metal
Mère d’Iroise
Chien de la casse
Vae soli !
Vector equilibrium
Notre complot
L’Espérance et le Refus
Tout est poison
L’Enfer des dieux
À bout de souffle
Matière noire
Plus que du metal
Mère d’Iroise
Contraddiction
P4
Une somme de détails
Babylone
Positif à bloc
Pulsion
World on Fire
L’Archipel des pensées
Knowledge is Power
Respect to the Dancefloor
Donnez-vous la peine
Furia
Les crédits de l’album: Mass Hysteria Le Trianon
Mouss Kelai : chant
Yann Heurtaux : guitare
Frédéric Duquesne : guitare
Thomas Zanghellini : basse
Raphaël Mercier : batterie
Nicolas Sarrouy : guitare (sur le morceau L’Archipel des pensées)
Vincent Mercier : basse (sur le morceau Knowledge is Power)
Stéphane Buriez : chant (sur le morceau World on Fire)
Reuno Wangermez : chant (sur le morceau Donnez-vous la peine)
Eric Canto : Artwork et photos
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Les horaires des festivals de musique sont presque toujours affichés lors de l’événement, sinon longtemps à l’avance.
Avec souvent des dizaines de groupes se produisant un jour donné, il est utile de prendre quelques minutes pour planifier l’angle d’attaque pour maximiser l’efficacité.
Les heures de départ, la distance entre les scènes et la popularité attendue des groupes sont les principaux facteurs de la planification.
La popularité est particulièrement importante car le nombre de photographes pourrait être limité.
Avec toute prise de vue prolongée, le rythme est essentiel, surtout si l’on est limité en terme de batteries ou cartes mémoire.
La dernière chose que l’on veut, c’est être à court de jus ou de temps à la fin de la journée alors que les plus grands groupes de la tournée sont programmés.
Bien sûr, ce conseil de stimulation ne s’applique pas seulement à la conservation de vos cartes mémoire et de la batterie de votre appareil photo, mais également à votre propre énergie.
Si vous avez la chance de prendre quelques pauses, faites-le.
Prendre de petites pauses peut faire la différence entre être en mesure de fournir votre meilleur travail pour les plus grands groupes et manquer de gaz avant même que les têtes d’affiche ne montent sur scène.
Festival de musique : Dans la fosse photo
Dans les grands festivals de musique, les stands de photos peuvent rapidement devenir bondés, donc la courtoisie est de mise.
Soyez gentil, car selon toute vraisemblance, vous allez partager des photos avec les mêmes personnes toute la journée / le week-end.
Matériel de photographie pour les festivals de musique
Les Batteries
Avec plusieurs jours complets de prise de vue, vous souhaitez que les batteries de votre appareil photo soient complètement chargées avant le début de chaque journée.
La dernière chose que vous voulez, c’est que votre appareil photo meure vers la fin de la journée, lorsque de nombreux gros groupes arrivent.
Pour économiser l’énergie de la batterie, vous pouvez réduire la revue des images et prendre des photos de manière conservatrice.
Mieux encore, apportez une batterie supplémentaire. Les batteries supplémentaires seront essentielles si vous avez un appareil photo énergivore, surtout si vous checkez vos images tout au long de la journée, ce qui réduit rapidement la durée de vie de la batterie.
Festival de musique – Crédit photo Eric CANTO
Cartes mémoire et stockage d’images
Lorsque vous photographiez un festival de musique, le stockage d’images est d’une importance capitale.
Les festivals de musique sont les marathons de la photographie musicale en direct, et de grandes quantités de stockage sont tout aussi importantes que d’avoir les batteries pour alimenter vos appareils photo.
Inutile de dire qu’un festival d’une journée va nécessiter au moins 2 à 4 fois plus d’espace de stockage que le concert d’un artiste.
Il est donc essentiel d’avoir un plan pour gérer le stockage sur place.
Avec une quantité limitée de cartes mémoire et un grand nombre de groupes jouant chaque jour dans de grands festivals, il est très important de gérer efficacement vos données. À cette fin, il existe trois approches principales :
Cartes mémoire de grande capacité
Téléchargements mobiles (ordinateur portable ou lecteur portable)
Montage à huis clos (examen et suppression sur site)
Un aspect intéressant des festivals est qu’à l’exception des têtes d’affiche, la plupart des spectacles diurnes peuvent être filmés sans rien de plus sophistiqué qu’un objectif en kit et des objectifs à ouverture variable plus lents.
Cela dit, je recommande toujours les zooms f / 2,8, car lorsque le soleil se couche et que les têtes d’affiche sortent, ces lentilles lentes seront paralysantes pour un éclairage de scène normal.
Téléobjectifs : pour les scènes principales avec les artistes en tête d’affiche, pour les grands festivals (en partie due à la hauteur des scènes), idéal pour photographier les groupes d’un point de vue plus éloigné de la scène.
Lentilles de milieu de gamme : pour la photographie sur scène plus petites.
Objectifs grand angle : idéal pour capturer l’atmosphère des festivals, et particulièrement agréable si les artistes quittent la scène et se rapprochent des fans.
Outils musicaux (amplificateurs, instruments, etc.), réactions de la foule, plats savoureux, aménagements de camping élaborés, événements météorologiques, installations artistiques, expositions et spectacles parallèles. Tout cela contribue à l’expérience globale que véhiculent vos photos.
L’intégration de détails dans votre série de photos de festival donne au spectateur un regard intime sur le fonctionnement interne des festivals de musique. Prenez le temps de former votre appareil photo aux détails.
La fumée et l’éclairage dramatique , les confettis, les feux d’artifice et les pièces pyrotechniques font tous partie des performances des festivals de musique. Surtout à l’approche de la fin de la journée.
Pour geler des confettis ou des pièces pyrotechniques en action pendant la soirée, utilisez une grande ouverture avec une sensibilité ISO généreuse et une vitesse d’obturation d’au moins 1 / 200s.
Il est difficile de ne pas se laisser emporter par l’élan du tournage d’un festival de musique. Mais prendre soin de soi est important.
Portez des bouchons d’oreille. Emportez un poncho en cas de pluie. Boire beaucoup d’eau. Portez un chapeau et de la crème solaire pendant la journée et préparez un pull pour la nuit .
Assurez-vous de porter des chaussures confortables. Prenez des collations avec vous au cas où vous auriez un petit creux ou si vous auriez besoin d’un coup de sucre.
Si vous restez au festival pendant plus d’une journée, un bon conseil pour le festival est de prendre des lingettes humides, elles sont comme une douche dans un paquet!
Et ayez un pod de chargement externe ou plusieurs pour votre téléphone. Les bornes de recharge ne sont pas toujours disponibles, voire pas du tout.
Conclusion
La photographie de festival de musique est un domaine fascinant et vaste de la photographie .
En tant que débutant, la photographie de festival de musique peut sembler un peu intimidante.
Mais grâce à la planification, à la préparation et à une petite expérience de travail, vous constaterez que la photographie de festival de musique est à la fois une expérience stimulante et enrichissante.
Vous recherchez d’autres bons conseils pour les débutants? Pourquoi ne pas consulter notre article sur les conditions de photographie que vous devez savoir ensuite!
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un festival de musique est un événement culturel où de nombreux artistes et groupes musicaux se produisent sur scène pendant plusieurs jours.
Ces festivals ont souvent lieu en plein air et attirent un grand nombre de personnes. Les festivals de musique peuvent se concentrer sur un genre musical particulier, tels que le rock, le jazz, l’électro ou le classique, ou proposer une programmation plus diversifiée.
2. Comment fonctionne l’organisation d’un festival de musique?
L’organisation d’un festival de musique implique la recherche et la sélection des artistes à programmer, la location d’un espace approprié pour l’événement, la vente des billets, la mise en place des équipements et des infrastructures nécessaires, ainsi que la coordination des services de sécurité et de secours.
L’organisation d’un festival de musique est généralement très complexe et nécessite une grande planification et coordination.
3. Quels sont les avantages d’assister à un festival de musique?
Assister à un festival de musique est une expérience unique et divertissante qui permet de découvrir de nouveaux artistes, de partager sa passion pour la musique avec d’autres fans, et de profiter d’une atmosphère festive. Les festivals de musique offrent également une occasion de voyager et de découvrir de nouveaux endroits.
4. Comment choisir le festival de musique à assister?
Le choix du festival de musique à assister dépend des préférences musicales de chacun. Il est important de rechercher les festivals qui proposent les genres musicaux que l’on préfère, ainsi que les artistes et groupes que l’on souhaite voir en concert.
Il est également important de considérer la proximité géographique, le coût des billets et des hébergements, ainsi que les infrastructures proposées.
5. Quels sont les équipements nécessaires pour assister à un festival de musique?
Pour assister à un festival de musique, il est important de prévoir des équipements de base tels que des vêtements confortables, des chaussures adaptées à la marche et à la danse, de l’eau, des snacks, de la crème solaire et une casquette pour se protéger du soleil.
Il peut également être utile d’apporter une chaise pliante, une couverture, une lampe de poche, un sac à dos et un appareil photo.
6. Comment se préparer à un festival de musique?
Pour se préparer à un festival de musique, il est important de bien se renseigner sur les dates, les horaires et la programmation des concerts, ainsi que sur les règles et les restrictions de l’événement.
Il est également important de réserver l’hébergement à l’avance, de planifier les déplacements, de prévoir un budget pour la nourriture et les boissons sur place, et de s’informer sur les moyens de paiement acceptés.
7.Comment se déroule un festival de musique ?
Un festival de musique est généralement un événement en plein air sur plusieurs jours avec plusieurs scènes et artistes. Les festivaliers peuvent camper sur place ou se rendre à l’hébergement à proximité.
Les billets peuvent être achetés pour un ou plusieurs jours. Les festivaliers peuvent généralement circuler librement entre les scènes et assister aux performances des artistes qu’ils préfèrent.
Il peut y avoir des zones de restauration et de boisson, des marchands de produits dérivés, des installations de toilettes et d’autres commodités.
8.Comment choisir un festival de musique ?
Le choix d’un festival de musique dépendra en grande partie de vos goûts musicaux et de l’expérience que vous recherchez. Les festivals peuvent être axés sur différents genres musicaux, comme le rock, la pop, l’électronique, le hip-hop ou le jazz.
Vous pouvez également tenir compte de l’emplacement, de la durée et du coût du festival. Faites vos recherches sur les festivals qui vous intéressent et lisez les commentaires et les critiques d’autres festivaliers pour vous aider à faire un choix éclairé.
9.Comment se préparer pour un festival de musique ?
La préparation pour un festival de musique dépendra de la durée et de l’emplacement du festival. Assurez-vous d’avoir des billets et des réservations d’hébergement en place à l’avance. Préparez une liste de ce que vous devez emporter, comme des vêtements confortables, des chaussures de marche, des fournitures de camping (si vous campez sur place), de la nourriture et de l’eau, un sac à dos, une tente et un sac de couchage. Assurez-vous également d’avoir une trousse de premiers soins et des médicaments de base en cas de besoin.
10.Comment profiter au maximum d’un festival de musique ?
Pour profiter au maximum d’un festival de musique, planifiez votre temps à l’avance. Découvrez l’horaire et les horaires des artistes que vous voulez voir et planifiez votre emploi du temps en conséquence.
Assurez-vous également de vous hydrater régulièrement et de manger suffisamment de nourriture pour rester énergique tout au long du festival.
Soyez prêt à faire la queue pour les toilettes et les zones de restauration et soyez respectueux envers les autres festivaliers. Enfin, profitez de l’ambiance du festival et amusez-vous en découvrant de nouveaux artistes et en rencontrant de nouvelles personnes.
Tout ce qu’il faut savoir sur la photographie de portrait
La photographie de portrait est un genre passionnant et gratifiant qui permet d’immortaliser les expressions, les émotions et le caractère unique des personnes que nous photographions. Il existe cependant plusieurs astuces et techniques pour réaliser des portraits de qualité. Dans cet article, nous aborderons les différents aspects importants tels que les réglages, le cadrage, la lumière et bien d’autres conseils pratiques.
Réglages essentiels pour réussir son portrait photo
Pour obtenir des portraits photos réussis, il est crucial de maîtriser quelques réglages. Voici quelques-uns des plus importants :
Ouverture : Une grande ouverture (petit nombre f) permet de créer un arrière-plan flou qui met en valeur le sujet principal. Il est recommandé d’utiliser une ouverture comprise entre f/1.8 et f/5.6, selon l’objectif utilisé et la profondeur de champ souhaitée.
Vitesse d’obturation : Utilisez une vitesse assez rapide pour éviter le flou de bougé, causé par le mouvement du photographe ou du sujet. Une bonne règle de base est d’utiliser au minimum une vitesse équivalente à la focale inversée (par exemple, 1/100 s pour un objectif 100 mm).
Sensibilité ISO : Réglez l’ISO de manière à obtenir une exposition correcte sans trop monter en sensibilité. Privilégiez une valeur comprise entre 100 et 800 ISO pour éviter le bruit numérique.
Mode de mesure : Le mode de mesure pondérée centrale ou spot est souvent recommandé pour les portraits, car il permet de bien exposer le visage du sujet.
Conseils pour un cadrage réussi
Le cadrage a également un impact considérable sur la qualité d’un portrait photo. Voici quelques conseils pour améliorer sa composition :
Règle des tiers : Placez le sujet selon la règle des tiers, en positionnant les yeux sur l’une des intersections imaginaires pour obtenir une composition harmonieuse.
Orientation : Choisissez entre un format paysage ou portrait en fonction du sujet et de l’effet recherché. Le format portrait convient généralement mieux aux portraits serrés, tandis que le format paysage permet d’inclure plus d’éléments qui peuvent apporter du contexte à la scène.
Espace négatif : Laissez de l’espace autour du sujet pour créer un sentiment de respiration et de profondeur dans l’image.
Attention aux éléments parasites : Évitez les objets inutiles ou distrayants dans le cadre, qui détournent l’attention du sujet principal.
Comment travailler avec la lumière en photographie de portrait
La lumière joue un rôle essentiel dans la réussite d’un portrait photo. Voici quelques conseils pour tirer le meilleur parti de la lumière naturelle ou artificielle :
Utiliser la lumière naturelle
L’heure dorée : Profitez de la qualité exceptionnelle de la lumière en fin de journée, lorsque le soleil est bas sur l’horizon et produit une lumière chaude et douce.
Les jours nuageux : La lumière diffuse des jours nuageux crée un éclairage uniforme qui met en valeur les traits du visage sans créer de zones d’ombre trop marquées.
Le réflecteur : Utilisez un réflecteur pour rediriger la lumière vers le sujet et adoucir les ombres, notamment en cas de forte luminosité.
Travailler avec la lumière artificielle
Flash : En intérieur ou en faible luminosité, il peut être nécessaire d’utiliser un flash. Privilégiez un flash déporté, orienté vers un mur ou le plafond pour obtenir un éclairage indirect plus doux.
Éclairage continu : Les sources d’éclairage continu, comme les lampes LED, permettent de travailler avec une température de couleur constante et de mieux visualiser l’effet de la lumière sur le sujet avant de prendre la photo.
Modificateurs de lumière : Les modificateurs tels que les parapluies, les softboxes ou les réflecteurs permettent de contrôler et d’adoucir la lumière artificielle pour obtenir un rendu plus naturel.
La relation entre le photographe et le modèle
Pour réaliser de beaux portraits, il est important que le photographe sache également établir une relation de confiance avec son modèle, afin qu’il se sente à l’aise devant l’objectif. Voici quelques conseils pour instaurer un climat propice à la création de portraits réussis :
Instaurer un dialogue : Parlez avec votre modèle, posez-lui des questions sur ses goûts, ses passions, ses attentes par rapport à la séance photo. Cela permettra de créer un lien et de détendre l’atmosphère.
Donner des directives : Aidez votre modèle en lui donnant des indications claires et précises sur les poses à adopter, l’expression du visage ou la direction du regard.
Faire preuve d’empathie : Essayez de vous mettre à la place de votre modèle et de comprendre ce qui peut le mettre à l’aise ou, au contraire, le rendre mal à l’aise. Adapter votre approche en fonction de sa personnalité et de ses besoins.
Montrer son travail : N’hésitez pas à montrer quelques photos au cours de la séance pour rassurer votre modèle et lui donner un aperçu du résultat final.
La photographie de portrait nécessite une excellente maîtrise des réglages techniques, du cadrage et de la lumière, mais également un bon relationnel avec le modèle. En suivant ces conseils, vous pourrez améliorer vos compétences en matière de portraits et créer des images qui marqueront les esprits.
EN SAVOIR PLUS…
Comment faire un bon portrait photo ?: ce qu’il y a à savoir pour commencer la photo portrait
Le portrait photo est une science difficile. Il n’y a pas de recette miracle mais plutôt une suite de petites choses à savoir. Savoir capter le petit instant qui fait la beauté de quelqu’un, le regard qui trahit une émotion, l’attitude qui est propre à une personne…n’est cependant pas une tâche facile. Pour réussir un portrait photo, il en faut bien plus que le savoir-faire technique, mais pas que…
Découvrez dans cet article quelques infos pour essayé de faire un bon portrait photo lorsque l’on débute. Rien de miraculeux mais si vous souhaitez vous y mettre, voici quelques pistes.
La photographie de portrait peut être extrêmement enrichissante et en même temps extrêmement difficile. Alors que la plupart des autres genres photographiques reposent entièrement sur les idées, le talent et les techniques du photographe… Le portrait photo introduit un joker… le sujet.
Un «sujet» de portrait s’ennuiera et s’agitera s’il doit s’asseoir en attendant le photographe. Cela est particulièrement vrai pour les enfants, les gens d’affaires occupés, les personnes âgées et les animaux domestiques.
La plupart du temps, les portraits photo ne sont pas techniquement compliqués. Vous devez mettre en valeur votre model, le point fort qui prendra toute l’attention de l’image à moins que vous ne vouliez l’associer à un autre élément.
L’essentiel est de mettre en valeur votre sujet. Qu’il occupe toute l’attention dans l’image.
Avant de prendre un portrait, vous devez savoir que vous devez utiliser une distance focale qui ne déforme pas le sujet. En raison de la distorsion qu’ils provoquent, vous devez éviter de prendre des photos avec des focales courtes mais plutôt utiliser un objectif qui a une distance focale d’au moins 50 mm.
De toute évidence, l’utilisation d’un objectif grand angle est généralement interdite en photographie de portrait, sauf si votre objectif est de déformer intentionnellement votre sujet.
Gardez également à l’esprit que le fait de vous en rapprocher augmente l’effet de distorsion. Pour commencer dans la photographie de portrait, je recommande d’utiliser un zoom (de préférence une grande ouverture) à partir de la distance focale 50 mm ou un objectif à focale fixe.
Je parle de la grande ouverture, c’est parce que la faible profondeur de champ qu’elle génère est importante en portrait photo.
Où faire la mise au point en portrait photo ?
Pour faire une mise au point en portrait photo, visez les yeux « le miroir de l’âme ». Il faut qu’il soit net pour en maximiser l’effet. Prenez au moins un œil sur les 2 si vous aimez jouer avec de très faibles profondeurs de champ. Vous pouvez mettre en évidence la personne en photographiant des détails (une mèche de cheveux, …etc.) afin de mettre le sujet en valeur, en particulier lorsque vous utilisez une faible profondeur de champ.
photographie portrait– Crédit photo Eric CANTO
Photo noir et blanc portrait : Comment choisir vos sujets en poetrait photo
Cette réflexion commence le mieux par la question: «Quel type de portrait allez-vous créer? Quel résultat final recherchez-vous? » Si quelqu’un vous embauche, ou vous a demandé, de créer son portrait photo, eh bien, vous n’avez pas le choix sur le sujet. Ils sont le «sujet» du portrait. Dans ce cas, votre attention est mieux tournée vers trois objectifs.
• Quel type de portrait photo veulent-ils – de quoi avez-vous besoin?
• Quels choix logistiques pouvez-vous faire pour donner à votre sujet le portrait photo qu’il demande? Par exemple, cette situation nécessite-t-elle un studio? De quel type de composition a-t-il besoin?
• Enfin, compte tenu de ces paramètres, de quel type d’équipement et de techniques avez-vous besoin pour réussir à fournir à votre sujet le style de portrait qu’il recherche? Si vous créez un portrait pour votre portfolio,
Il est utile de le savoir à l’avance, de sorte que vous vous sentiez libre de vous déchaîner et de prendre les photos ou les personnes que vous voulez! Dans cette situation, il n’y a pas de règles. Si vous voulez des ombres profondes? Allez-y! Souhaitez-vous que votre sujet se tienne la cheville profondément dans la boue au milieu d’un champ.
Pourquoi pas.
Où regarder quand on prend un portrait photo ? Comment cadrer un portrait ?
Lorsque vous réalisez un portrait , commencez par un cadrage serré pour mettre en valeur le visage. Vous pouvez ensuite réaliser un cadrage plus large pour mettre votre sujet en relation avec son environnement. N’oubliez pas toutefois d’utiliser un profondeur de champ faible pour l’isoler de l’arrière-plan.
Photographier un portrait, c’est avant tout connaître quelques règles de base, dont les notions de cadrage et de compositions. Pour commencer, je vous suggère d’utiliser la règle des tiers, afin de ne pas vous confondre avec le nombre d’or.
Cette règle de cadrage simple vous offre une bonne base de travail pour rendre vos images plus harmonieuses. Vous êtes libre de respecter ou non Sachant qu’en photographie de portrait, l’important est avant tout de capter les yeux et les expressions faciales du modèle.
C’est ici voilà toute la difficulté d’obtenir un beau portrait. N’oubliez pas que le sujet doit attirer votre attention à tout moment pour photographier au bon moment.
Dans ce cas, vous pouvez vous permettre pour couper la partie supérieure du visage en plaçant les yeux sur le tiers supérieur de l’image.
Personnellement, je préfère les portraits serrés car ils font vraiment de la place pour le visage d’une personne et crée une véritable intimité, mais dans tous les cas (même pour une photo en pied) remplissez le cadre avec l’objet photographié autant que possible, il ne fera que se renforcer.
Comment gérer la lumière naturelle en portrait photo ?
Très important, la lumière naturelle joue beaucoup pour parfaire un portrait. Pour en profiter au maximum, prenez votre photo lorsque le soleil est légèrement voilé ou mettez-vous à l’ombre tout simplement.
Le but est d’adoucir les ombres. Évitez, par contre, le grand soleil qui a tendance à entraîner des ombres dures sur le visage.
Un réflecteur peut, par ailleurs, énormément vous aider à réussir vos photos sous la lumière. C’est un petit panneau de tissu blanc ou argenté qui va réfléchir la lumière là où vous voulez.
Il va apporter de la lumière là où il n’y en a pas, permettant ainsi d’éclairer le visage de votre sujet de manière très simple et flexible lorsque vous réalisez votre portrait . Il ajoutera également cette petite étincelle de lumière dans les yeux.
Crédit photo Eric CANTO
La gestion de votre modèle lors de la réalisation d’un portrait photo
Outre la maîtrise de la technicité, il faut également savoir gérer votre modèle en photo portrait. Cette tâche est assez délicate, car elle est la clé pour avoir des photos bien naturelles et réussir de beaux portraits photos. Savoir détendre et déstresser votre modèle.
L’ultime exercice que vous avez à faire consiste à aider votre modèle à être à l’aise. Le maître mot est de parler, encore et encore.
Pas facile, mais l’idée est d’établir un climat de complicité, de détendre la personne et de gagner sa confiance. Il faut que vous soyez donc patient !
Portrait photo : Faire rire votre modèle
Encore une tâche compliquée d’autant plus que tout le monde n’a pas le sens de l’humour. Or, en portrait : on veut à tout prix obtenir une expression joyeuse sur le visage de son modèle.
L’astuce c’est de jouer sur l’inattendu. Au lieu de faire rire votre modèle, étonnez-le plutôt en disant quelque chose de complètement inattendu ! Cela fonctionne tant auprès des proches qu’auprès des inconnus.
Crédit photo Eric CANTO
Quelle est la différence entre portrait et photo ?: Obtenir une expression naturelle
En portrait, c’est ce qu’on recherche le plus : capturer une expression naturelle. Pour réussir à en avoir une, voici quelques astuces.
« Ferme les yeux »
Demandez à votre modèle de fermer les yeux. Lorsque vous serez ensuite prêt à déclencher, vous lui demanderez d’ouvrir les yeux et déclenchez immédiatement. Répétez plusieurs fois jusqu’à ce que vous ayez ce que vous souhaitez.
« Pense à… » / « Visualise ça »
Ici, le but est de trouver quelque chose qui va provoquer à votre modèle l’émotion positive ou négative que vous souhaitez montrer. Pour ce faire, demandez-lui de visualiser quelque chose ou bien de penser à quelque chose. Pour des jeunes mariés, dis-leur de « Fermez les yeux, et pensez à votre lune de miel. Vous êtes tous les deux sur la plage : pensez au soleil, au bruit de la mer, au souffle du vent sur votre peau. Maintenant, ouvrez les yeux. »Le résultat sera impressionnant !
« Donnez leur un rôle à jouer »
Pour obtenir une expression naturelle, ceci marche également à merveille. Demandez à votre modèle de jouer un rôle, assez paradoxalement ! Se mettre dans la peau d’un enfant, par exemple. Vous verrez qu’il se libérera un peu, il se détachera de son ego et sera bien à l’aise. Si vous avez l’œil, vous finirez par saisir une de ses expressions lors des séances photos.
Comment faire de beaux portraits photo ?
Poser est un art qui demande vraiment plus de temps et d’efforts que ce qui peut être accompli en un seul article. Cependant, voici quelques lignes directrices pour la photo portrait qui vous permettront de démarrer dans la bonne direction pour une bonne pose.
C’est là que la «Shot List», est utile pour la planification préalable de votre portrait . N’oubliez pas que le jour même de votre shooting, les choses peuvent changer. Cependant, avoir une liste de plans vous permettra de rester organisé.
En portrait , il existe des guides standard pour le «recadrage» ou le «cadre» d’un portrait. Ceci est important, car le recadrage peut affecter la pose. Les guides standard sont: la photo de la tête, la photo de la tête et des épaules, celle de la moitié du corps, celle de trois quarts du corps, celle de tout le corps et une photo de groupe. Ce sont tous assez explicites.
Pour une photo portrait professionnel: Ne coupez pas le corps là où il se plie…
Si le portrait photo est censé être «pleine longueur», assurez-vous d’inclure tout le corps et de donner à l’image un peu d’espace sur les bords.
Voici un point clé. Ne coupez pas le corps là où il se plie. Si votre portrait photo est une photo dans la tête, rendez votre photo cadrée si serrée que vous ne voyez pas le cou « du tout », ou incluez tout le cou pour de meilleurs résultats.
Si votre portrait photo est une photo de la tête et des épaules, ne recadrez pas le sujet au niveau des épaules ou des coudes. Si votre portrait est un portrait en demi-longueur, gardez toute la taille dans la photo et au-dessus des genoux, ou complètement hors de la photo (au-dessus de la taille).
portrait photo : Ne coupez pas les bras ou les mains.
Si votre portrait est en pleine longueur, ne coupez pas le sujet au niveau des chevilles. Les autres points chauds de la pose comprennent le haut des bras, le cou et le placement des mains. S’il y a un excès de peau sur le cou, essayez de faire étirer le cou du sujet.
Capturez le sujet de sorte que l ‘«étirement» semble normal et pas déplacé. Par exemple, placez l’appareil photo plus haut que le sujet, de sorte que lorsqu’ils étirent leur cou, ils regardent vers le haut vers l’appareil photo.
L’effet final est plus naturel en combinant une pose correcte avec la nécessité de traiter les points chauds. S’il y a un excès de chair sur les bras, il ne sera amplifié que si vous posez le sujet avec les bras pressés contre son corps.
Gardez les bras hors du corps. Cela peut être vrai même avec des sujets qui ont des bras fins. Enfin, rien ne tuera votre portrait plus rapidement que des mains que votre sujet perçoit comme étranges.
Ce point chaud particulier est seulement accentué par le fait que la plupart des sujets de portrait photo ne savent pas quoi faire de leurs mains et, lorsqu’ils deviennent nerveux, ils feront des choses étranges avec leurs mains.
1. Ne poussez pas les mains vers l’avant du corps. Cela les fera paraître grands et encombrants.
2. Avant de cliquer sur l’obturateur, regardez les mains du sujet. Sont-ils crispés ou détendus? Ont-ils croisé les doigts d’une manière étrange?
3. Si le sujet est nerveux, donnez-lui quelque chose à faire. Placez-le sur leurs genoux ou faites-leur glisser leur pouce dans une poche de pantalon. Demandez-leur de tenir un accessoire.
Si vous êtes en «mode photo de groupe», placez soigneusement les mains de chaque individu sur un individu à côté d’eux. Vous devez cependant faire attention à cette astuce. Dans un portrait de famille, tout le monde peut s’accrocher l’un à l’autre.
Dans un portrait d’entreprise, considérez attentivement toutes les options touchantes. Les dernières considérations pour poser sont la posture et les jambes du sujet. Personne n’a l’air bien debout raide comme une planche. Travaillez avec votre sujet pour qu’il se détende dans une position corporelle normale.
Demandez-leur de croiser une jambe sur l’autre, ou placez un seul pied en avant ou sur le côté. Étudiez la photographie de portrait (que vous appréciez) pour voir comment le photographe a travaillé avec la position, les mains et les pieds du sujet. Voici une astuce simple pour poser des groupes de personnes.
Ne les alignez pas. Pensez en termes de triangles. Étudiez la photographie de portrait (que vous appréciez) pour voir comment le photographe a travaillé avec la position, les mains et les pieds du sujet. Voici une astuce simple pour poser des groupes de personnes. Ne les alignez pas. Pensez en termes de triangles.
Étudiez la photographie de portrait photo (que vous appréciez) pour voir comment le photographe a travaillé avec la position, les mains et les pieds du sujet. Voici une astuce simple pour poser des groupes de personnes. Ne les alignez pas. Pensez en termes de triangles.
Quelques astuces pour faire poser votre modèle lors d’un portrait photo
Faire du portrait photo nécessite par ailleurs de donner une certaine instruction.
Pour s’y mettre il faut :
Être précis dans vos instructions
Au fur et à mesure, guidez votre modèle, en lui demandant avec précision où il doit se positionner ou vers quelle direction il doit regarder. Ne dites pas « Regarde à droite » par exemple, mais « Est-ce que tu peux regarder le poteau là-bas ? (en le montrant)ou encore « Est-ce que tu peux tourner la tête vers le poteau là-bas, et ensuite me regarder mais sans bouger la tête ? »
Rendre vos modèles plus beaux
Découvrez 4 conseils pratiques pour mettre votre modèle en valeur pour un portrait photo (car les détails comptent !)
1. Faire baisser légèrement le menton de votre model
Faire baisser légèrement le menton rend les gens plus beaux. Cela a tendance à mieux dessiner la ligne de la mâchoire, à affiner le visage et masquer un léger embonpoint.
2. L’angle de vue
Pour mettre en valeur votre modèle, votre angle de vue est important. Ne photographiez jamais quelqu’un en contre-plongée (vu de dessous). Prenez votre photo pile face à la personne, légèrement au-dessus (en plongée) ou légèrement en-dessous (en contre-plongée).
3. Le « squinch »
Pour que votre modèle ait un regard plus intense, optez pour le squinch. Il s’agit de lui faire relever la paupière inférieure, quasiment sans que la paupière supérieure ne bouge.
4. Pose de trois quarts ou de face
La position du corps joue aussi sur la manière dont vous verrez le modèle, et ce, même si vous photographiez un buste par exemple.
– De face, il va paraître plus imposant.
– A trois quart, la silhouette va s’affiner.
Voila donc quelques indications pour commencer. Ce n’est pas si complexe que cela, une seule chose à garder en tête : faire et refaire du portrait photo. Testez encore et encore, vous allez voir, c’est magique, on progresse jour après jour…
portrait photo
FAQ sur la photographie de portrait
1. Qu’est-ce que la photographie de portrait ?
La photographie de portrait est un genre de photographie qui se concentre sur la capture de l’apparence physique d’une personne. Les portraits peuvent être pris en studio, à l’extérieur, ou dans tout autre lieu choisi pour sa signification ou sa symbolique.
2. Quelles sont les techniques de base de la photographie de portrait photo ?
Les techniques de base de la photographie de portrait comprennent la gestion de la lumière, la composition, la pose, la mise au point et la gestion de la profondeur de champ. La lumière est souvent le plus important de ces éléments, car elle peut affecter l’ambiance de l’image et souligner les caractéristiques du sujet.
3. Comment choisir l’emplacement pour un portrait photo?
Le choix de l’emplacement dépend souvent de l’effet que le photographe souhaite créer. Les portraits en studio peuvent permettre un meilleur contrôle de la lumière et de l’environnement, tandis que les portraits en extérieur peuvent offrir une plus grande variété de textures et de couleurs. L’emplacement doit être choisi en fonction des préférences du sujet et des objectifs esthétiques du photographe.
4. Comment choisir les vêtements pour un portrait photo ?
Les vêtements pour un portrait doivent être choisis en fonction de l’effet souhaité. Les vêtements simples et unis sont souvent préférables, car ils permettent au sujet de ressortir davantage. Les motifs et les couleurs vives peuvent distraire l’œil et être difficiles à reproduire fidèlement en photographie.
5. Comment poser le sujet pour un portrait photo ?
La pose doit être naturelle et confortable pour le sujet, tout en soulignant les caractéristiques physiques du sujet. Le photographe peut guider le sujet en lui donnant des instructions simples, mais il est important de rester à l’écoute des préférences du sujet pour que le résultat soit satisfaisant.
6. Quel équipement est nécessaire pour la portrait photo
?
Le matériel nécessaire pour la photographie de portrait dépend de l’objectif de la séance. Un appareil photo avec un objectif de portrait de qualité, un trépied, un éclairage et des réflecteurs sont des éléments couramment utilisés en photographie de portrait.
7. Comment gérer la profondeur de champ en photographie de portrait ?
La profondeur de champ est importante en photographie de portrait car elle peut aider à isoler le sujet de l’arrière-plan. Les objectifs à grande ouverture (f/1.4 – f/2.8) permettent d’obtenir une faible profondeur de champ, tandis que les objectifs à petite ouverture (f/8 – f/16) permettent d’obtenir une grande profondeur de champ.
8. Comment gérer la lumière en portrait photo ?
La lumière est souvent le plus important des éléments de la photographie de portrait et il est important de la maîtriser pour obtenir des résultats satisfaisants. Les photographes peuvent utiliser différents types d’éclairage, tels que la lumière naturelle, les lampes à lumière continue ou les flashs. Le placement de la lumière est également important pour créer des ombres et des reflets qui mettent en valeur le sujet.
9. Comment retoucher un portrait après la séance photo ?
La retouche d’un portrait peut aider à améliorer l’apparence du sujet et à corriger les défauts mineurs de l’image. Les retouches courantes comprennent la suppression de taches de peau, la réduction des rides et l’amélioration de la netteté de l’image. Il est important de ne pas trop retoucher l’image, car cela peut la rendre irréaliste ou artificielle.
10. Comment créer une atmosphère confortable pour le sujet pendant la séance photo ?
Pour que le sujet se sente à l’aise pendant la séance photo, le photographe doit créer une atmosphère détendue et accueillante. Des conversations légères peuvent aider à détendre l’atmosphère, tandis que des pauses régulières peuvent aider le sujet à se reposer. Il est également important d’écouter les préférences du sujet et de le guider avec des instructions claires et simples tout au long de la séance.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La couverture de l’album Failles de Mass Hysteria réalisée par Eric Canto, photographe : « Après 6 mois, mon travail est maintenant terminé. Je suis très fier de vous présenter la couverture de mon dernier travail : le nouvel album de Mass Hysteria : » FAILLES « . En magasin le 28 septembre en édition collector. »
Le sixième album de MASS HYSTERIA n’est rien d’autre qu’une putain de claque au visage ! Le combo a fait le « clean ». Il a fait une nette impression de l’époque qui a suivi la désormais légendaire « Contradiction » et son célèbre tube « Furia ». L’album Mass Hysteria Failles s’est vendu à 7 000 exemplaires environ. Il s’agit du premier album avec Nicolas Sarrouy à la guitare à la suite du départ de Olivier Coursier, ainsi que le dernier avec Stéphan Jacquet à la basse.
Loin de la pop / rock de l’album « Mass Hysteria » (2005) et de « De Cercle En Cercle » (2001), nos Parisiens en colère, riches de volonté sauvage, avaient déjà un certain enthousiasme et 2007 carrément une énergie positive avec « une somme de détails », qui a marqué un retour aux sources, époque « Contradiction ».
– World On Fire (04:08)
– Plus qu’aucune mer (04:07)
– Failles (03:34)
– L’archipel des pensées (03:29)
– Clean (03:13)
– Dysphoria (02:56)
– Le magnétisme des sentiments (04:10)
– Aller plus loin (02:56)
– Respirer (04:04)
– Get High (03:46)
– Rien n’être plus (03:18)
– Comme on danse (03:10)
L’année 2009 aura été une grande année pour Mass Hysteria. On les retrouve en première partie de Metallica à Nimes, de Limp Bizkit à Paris, et ils sortent en cette rentrée, leur 6ème album studio, avec un titre, Failles, et une pochette qui annoncent du lourd.
Et bien du lourd, si vous en cherchiez, vous allez être gâtés. Cet album de Mass Hysteria Failles, c’est comme la deuxième lame wilkinson ou le double effet kisscool. Après l’excellent Une somme de détails sorti en 2007 (et chroniqué ici) qui annonçait déjà un retour au gros son des Mass d’origine, Failles enfonce le clou ! Pas moins de 12 morceaux sur cette galette. Ah non pardon, douze SKUDS devrais-je dire, tant cet album n’offre pas 1 seconde de répit. On en prend littéralement plein la gueule. Aucune fioritures, juste de l’efficacité à l’état pur.
Zoom sur les morceaux de l’album Mass Hysteria Failles
D’abord y’a ce World on Fire, titre anglais mais chant français de Mouss qui, dans les premières secondes, rappelle le ton harangueur de Bernie Bonvoisin de la grande époque. Les rythmiques sont monstrueuses, les phrases chocs tombent: « Ne laissez pas la haine du système, ne laissez pas la haine s’installer/s’exprimer » ou bien « orgasme financier, éjaculation de billets ». Tout le monde est habillé pour l’hiver. Quel délire ça va être en live ce morceau. Je voudrais déjà y être.
Et que dire de l’intro énorme de Mass Hysteria Failles. Petit piano bontempi, pour un thème à la Indochine, et explosion de guitares. Rythme lent, lancinant. C’est marrant à un moment je trouve que le chant très rap, ressemble à une chanson de Diam’s (oups la référence).
L’archipel des pensées est plus classique, samples en fond, mid tempo, j’aime quand même bien le break de rythmique au milieu. Ca va donner en live ça aussi. J’adore aussi l’hystérique Clean, à l’intro style ancien Prodigy. Super speed sur le couplet, riffs de grands malades et mid tempo sur le refrain. Bien bon. Il dit avoir fait le Feng Shui, amusant car ce morceau ne me semble pas être très Zen, bien au contraire. Dysphoria (l’opposé de Euphoria) et le seul morceau où on trouve un bref moment de calme (relatif) dans le break. Profitez ça ne dure pas. On note encore une phrase qui pète « je n’ai pas connu mon Everest, le plus grand dépassement de soi ».
Encore une intro d’électro sur Le magnétisme des sentiments, morceau faussement calme.
Aller plus loin, avec un superbe refrain « jusqu’où peut on aller ensemble ? ». morceau faussement bourrin de Mass Hysteria Failles.
Encore une intro géniale avec Respirer, style Prodigy encore (c’est l’effet des samples j’imagine), qui annonce l’explosion des riffs des guitares simples et efficaces. Grosse basse ronflante, et chœurs du groupe sur le refrain. Ca rend super. Rammstein n’a qu’à bien se tenir, Mass Hysteria défouraille (et sans avoir besoin de clip porno).
Haaaa, j’adore ce morceau Get High. L’intro électro est géniale et le reste défonce tout. Dur de ne pas headbanger sur ce morceau. En plus je ne peux m’empêcher de sourire en repensant à l’interview de Yann avant le concert de Nîmes, où il expliquait que Mouss avait un accent « frenchy, frenchy ». Moi je trouve qu’il s’en tire plutôt bien sur ce morceau chanté en anglais (une première pour les Mass).
Superbe intro encore batterie + samples + voix sur Rien n’est plus. Les riffs de gratte sont toujours hyper acérés: « Tout peut changer ! ». Bref y’a encore de l’espoir nous hurle Mouss.
Comme toujours avec les Mass on finit sur le DanceFloor (cf interview Yann). On termine l’album avec Comme on danse, que je trouve géniale, très rythmée, et pleine de formules magiques « sautez, hurlez, dansez, voyez comme on danse, voyez comme on pense, voyez comme on emmerde la tendance ». Les furieux vont s’en donner à cœur joie dans la fosse cette chanson a été écrite pour la scène. Ca va pogoter !
Juste un bémol sur Plus qu’aucune Mer que je trouve un peu en retrait comme morceau et sur l’utilisation à plusieurs reprises de la voix passée au filtre style radiobox. J’aime pas beaucoup, mais rien de grave. Rassurez vous.
Moi je vous le dis : Mass Hysteria a une formule magique. Comme dans l’excellent sketch de Mozinor sur la formule de Besson pour faire des films à succès. Ici c’est plutôt :
des riffs de Yann et Nico aiguisés comme la double hache de Gimli
des formules chocs et engagées de Mouss
une section rythmique (Stephan et Rapha)
un zeste de samples et d’électro
La recette d’une tuerie tout simplement !
PS: Posologie en cas de crise (actuelle): Une écoute le matin et une écoute le soir, à donf. On peut dépasser sans problème la dose prescrite.
Faire desphotos live peut être très excitant…Imaginez-vous debout à quelques mètres de votre idole que vous prenez en photo. En tant que mélomane passionné, cela semble être le paradis et en effet, c’est une description détaillée de ce que l’on peut ressentir. Mais comment commencez-vous à faire des photos live ? Quel est l’équipement dont vous avez besoin ? Découvrez 5 conseils de photo live pour commencer l’aventure…
Si vous êtes un photographe ou un amateur de musique, vous savez probablement à quel point il est difficile de capturer les moments intenses et fugaces d’un concert. Cependant, avec les conseils suivants, vous serez en mesure de prendre des photos de qualité professionnelle en direct.
Photos live : Choisissez le bon équipement
Le choix de l’équipement approprié est crucial pour capturer des images de qualité en direct. Optez pour un appareil photo avec une haute sensibilité ISO pour une meilleure capture de la lumière en environnement sombre. Un objectif lumineux avec une grande ouverture est également essentiel pour obtenir des images nettes et bien exposées.
Pour capturer des images de qualité lors de concerts live, il est important de choisir le bon équipement. Voici quelques éléments clés à prendre en considération :
Appareil photo : Un appareil photo avec une bonne sensibilité ISO est essentiel pour capturer des images nettes dans des conditions de faible éclairage, qui sont courantes lors des concerts live. Un appareil photo reflex numérique ou un appareil photo hybride sont généralement recommandés pour leur qualité d’image et leur flexibilité.
Objectif : Un objectif lumineux avec une grande ouverture est recommandé pour les concerts live. Il permettra d’obtenir des images nettes et bien exposées, même dans des conditions de faible éclairage. Un objectif à focale fixe avec une ouverture f/1.8 ou f/2 est souvent un excellent choix pour ce type de situation.
Batteries supplémentaires : Les concerts peuvent durer plusieurs heures, il est donc important de s’assurer que vous avez suffisamment de batteries pour tenir jusqu’à la fin. Il est recommandé d’avoir au moins une batterie supplémentaire complètement chargée.
Cartes mémoire : Les fichiers de photos de haute qualité peuvent prendre beaucoup de place sur votre carte mémoire. Il est donc important d’avoir une carte mémoire de grande capacité (32 Go ou plus) ou d’en avoir plusieurs pour éviter de manquer d’espace de stockage.
Trépied : Un trépied peut être utile pour les prises de vue à faible vitesse d’obturation ou pour les prises de vue à distance. Il permet également de maintenir une position stable pour obtenir des images nettes et éviter les flous de bougé.
En somme, le choix de l’équipement approprié est essentiel pour capturer des images de qualité lors de concerts . En optant pour un appareil photo de qualité avec un objectif lumineux, des batteries et des cartes mémoire supplémentaires, et éventuellement un trépied, vous serez prêt à capturer des images mémorables qui vous permettront de revivre l’expérience du concert encore et encore.
Photos live : Anticipez les mouvements
La photographie de concerts live peut être un défi pour les photographes, car les artistes sur scène sont souvent en mouvement constant. Pour capturer des images nettes et de qualité, il est donc important d’anticiper les mouvements des artistes. Voici quelques conseils pour y parvenir :
Observer attentivement : Avant de prendre des photos, observez attentivement les artistes sur scène pour comprendre leur rythme et leur style de mouvement. Cela vous aidera à anticiper leurs mouvements et à vous préparer à capturer les moments forts du concert.
Déplacez-vous : Pour obtenir le meilleur angle de vue, vous devrez peut-être vous déplacer en fonction des mouvements des artistes. Essayez de vous positionner à un endroit stratégique où vous pouvez capturer plusieurs angles de vue intéressants, tout en restant à une distance de sécurité de la scène et des autres spectateurs.
Utilisez un mode de mise au point rapide : Les modes de mise au point automatiques peuvent être lents et inefficaces pour la photographie de concerts live. Utilisez plutôt un mode de mise au point rapide, comme le mode de mise au point continue (AF-C) ou le suivi du sujet, pour suivre les mouvements des artistes et éviter les photos floues.
Privilégiez des vitesses d’obturation élevées : Les vitesses d’obturation élevées permettent de figer les mouvements rapides des artistes sur scène et d’obtenir des images nettes. Utilisez une vitesse d’obturation d’au moins 1/250 ou 1/500 seconde pour capturer les mouvements des artistes.
En anticipant les mouvements des artistes sur scène, vous serez en mesure de capturer des images nettes et de qualité lors de concerts live. Prenez le temps d’observer attentivement, de vous déplacer si nécessaire, d’utiliser un mode de mise au point rapide et des vitesses d’obturation élevées pour obtenir des images impressionnantes qui captureront l’essence même de l’énergie et de l’émotion du concert.
Photos live : Utilisez des réglages manuels
Pour obtenir des photos de qualité lors de concerts live, il est important d’utiliser des réglages manuels sur votre appareil photo. Les conditions d’éclairage changeantes et les mouvements rapides des artistes sur scène peuvent rendre difficile l’utilisation des modes automatiques. Voici quelques conseils pour utiliser efficacement les réglages manuels :
La sensibilité ISO : Les concerts live ont souvent une faible luminosité, il est donc important d’utiliser une sensibilité ISO élevée pour capturer des images bien exposées. Cependant, une sensibilité ISO trop élevée peut entraîner du bruit sur vos photos. Essayez de trouver un équilibre entre la sensibilité ISO et la qualité d’image. En général, une sensibilité ISO de 1600 à 3200 est une bonne plage pour la photographie de concerts live.
La vitesse d’obturation : La vitesse d’obturation est importante pour figer les mouvements rapides des artistes sur scène. Utilisez une vitesse d’obturation rapide (1/250s ou plus rapide) pour obtenir des images nettes. Cependant, gardez à l’esprit que des vitesses d’obturation trop rapides peuvent entraîner une sous-exposition de vos photos.
L’ouverture : L’ouverture détermine la profondeur de champ de votre image. Pour la photographie de concerts live, une grande ouverture (f/2.8 ou plus grande) est recommandée pour créer un flou d’arrière-plan et mettre en évidence les artistes sur scène. Cependant, gardez à l’esprit que cela peut rendre plus difficile la mise au point précise sur le sujet.
La balance des blancs : Les concerts live ont souvent des lumières de couleurs différentes, ce qui peut affecter la balance des blancs de vos photos. Utilisez les réglages de balance des blancs manuels de votre appareil photo pour ajuster les couleurs de vos photos en fonction de la scène et des lumières du concert.
En utilisant des réglages manuels, vous pouvez capturer des photos de qualité lors de concerts livet. Expérimentez avec différents réglages pour trouver l’équilibre parfait entre la sensibilité ISO, la vitesse d’obturation, l’ouverture et la balance des blancs pour obtenir des images nettes et bien exposées qui capturent l’énergie et l’émotion du concert.
Photos live : Soyez créatif
La photographie de concert peut être une expérience passionnante et créative, car elle permet aux photographes de capturer l’énergie et l’émotion des artistes sur scène. Voici quelques conseils pour stimuler votre créativité et obtenir des photos de concert uniques et mémorables :
Jouez avec les angles de vue : La photographie de concert ne se limite pas à des prises de vue frontales. Essayez des angles de vue différents, comme des prises de vue en contre-plongée ou des prises de vue en plongée, pour donner une perspective différente à vos photos.
Utilisez des effets de lumière : Les effets de lumière peuvent ajouter de l’ambiance et de la créativité à vos photos de concert. Essayez d’utiliser la lumière colorée ou les faisceaux lumineux pour ajouter un effet dramatique à vos images.
Cherchez les moments forts : Les concerts sont remplis de moments forts et émotionnels. Cherchez ces moments, comme une chanson particulièrement émouvante ou un solo de guitare épique, pour capturer des images qui reflètent l’essence même du concert.
Jouez avec la vitesse d’obturation : En utilisant une vitesse d’obturation plus lente, vous pouvez créer des effets de mouvement intéressants sur vos photos de concert. Essayez de capturer le mouvement des artistes sur scène avec une vitesse d’obturation plus lente pour obtenir des images uniques.
Soyez attentif aux détails : Les concerts ne sont pas seulement des artistes sur scène, il y a également de nombreux détails intéressants à capturer, comme les instruments de musique, les gestes des artistes, les expressions faciales, les tatouages, etc.
En étant créatif et en expérimentant avec différents angles, effets de lumière, vitesses d’obturation et détails, vous pouvez capturer des photos de concert uniques et mémorables qui reflètent l’énergie et l’émotion de l’événement.
Respectez les règles de sécurité :
Lorsque vous photographiez un concert live, il est important de respecter les règles de sécurité pour vous-même, les artistes et les autres spectateurs. Voici quelques conseils à garder à l’esprit pour assurer la sécurité lors de la prise de vue de concerts :
Restez à distance de la scène : Il est important de rester à une distance appropriée de la scène pour éviter tout risque pour vous-même et pour les artistes. Évitez de vous approcher trop près de la scène ou des artistes en action.
Suivez les instructions des organisateurs du concert : Les organisateurs du concert ont mis en place des mesures de sécurité pour protéger les artistes et les spectateurs. Suivez les instructions des organisateurs du concert en matière de sécurité et de prise de vue pour éviter les problèmes.
Soyez conscient de l’environnement : Les concerts peuvent être des environnements bruyants et chaotiques. Soyez conscient de votre environnement et des personnes autour de vous pour éviter les collisions ou les accidents.
Évitez d’utiliser des flashs : Les flashs peuvent distraire les artistes et perturber leur performance. Évitez d’utiliser des flashs lors de la prise de vue de concerts live.
Ne pas obstruer la vue des autres spectateurs : Soyez conscient de votre position et ne bloquez pas la vue des autres spectateurs. Évitez de vous tenir debout ou de vous déplacer devant les autres spectateurs.
En suivant ces règles de sécurité, vous pouvez profiter d’une expérience de prise de vue de concert live sans risque pour vous-même ou pour les autres. N’oubliez pas que la sécurité est la priorité absolue lors de la prise de vue de concerts.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Brian Griffin est né à Birmingham le 13 avril 1948, mais a vécu dans le Pays noir jusqu’à ce qu’il aille à Manchester Polytechnic (1969-1972) pour étudier la photographie. A partir de 1972, il vit à Londres en tant que photographe indépendant. Il a reçu sa première commande pour Management Today en novembre 1972. Il a été exposé pour la première fois chez Young British Photographers en 1975. Il a reçu «Liberté de la ville d’Arles, France» en 1987. Publication du livre «Travail» en 1988. Avec une exposition personnelle à la National Portrait Gallery.
Son travail fût récompensé par le prix du meilleur livre photographique au monde à Barcelone Primavera Fotografica en 1991. En 1989, le journal Guardian l’a également proclamé « Photographe de la décennie ».
Le magazine « Life » a également utilisé la photo « A Broken Frame » sur la couverture avant le supplément spécial « The Greatest Photographs Of The 80’s ».
Brian Griffin photographe
Avec plus d’une centaine d’albums et de couvertures de magazines, Brian Griffin est l’un des chroniqueurs les plus connus de New Wave, Post-Punk et New Romantics. Cependant, lorsque cet enfant de Birmingham a déménagé à Londres à l’âge de 25 ans après avoir étudié la photographie au Manchester Polytechnic, il rêvait de travailler dans la mode.
« Ça s’est mal terminé », plaisante Brian Griffin photographe aujourd’hui, rappelant ses débuts en tant que « photographe d’affaires ».
Comment a-t-il immortalisé les visages les plus emblématiques de la scène musicale des années 80? « J’ai apporté mon portfolio à STIFF Records, un label indépendant à l’époque, et je leur ai montré mon travail. Ils l’ont aimé et c’est comme ça que ça a commencé », dit-il.
Le nouveau livre de Brian Griffin photographe POP – un livre de 400 pages qui s’étend du milieu des années 1970 à la fin des années 1980 – éclaire l’une des périodes les plus riches de l’histoire de la musique, dans laquelle une nouvelle scène apparaît chaque semaine.
Au centre de cette excitation, Brian Griffin tourne son objectif sur les visages qui façonnent ce nouveau paysage musical. Pour i-D, il revient sur les photos qui ont marqué cette fois.
Brian Griffin : «Cette séance a eu lieu chez un coiffeur à Coventry pour le Radio Times. Tout était prêt quand je suis arrivé, je devais juste être là et relâcher la détente. J’étais un jeune photographe, ils auraient pu me manger cru car j’étais très naïf. Je devais leur donner des instructions.
Depuis lors, je dirige à peu près les gens, plus aujourd’hui. Je vois mes sujets comme des marionnettes, qui peuvent me demander de bouger d’une manière ou d’une autre.
Brian Griffin photographe
Brian Griffin : « Le shoot a duré toute une journée et ce jour-là, Iggy m’a épuisé. Nous étions à Notting Hill. Il m’a lavé, il était si énergique. J’étais jeune, tellement en forme, mais il était extraordinaire, particulièrement inventif et brillant dans son Corps J’avais beaucoup de respect pour lui car il venait de travailler avec Bowie à Berlin.
Iggy avait quelque chose de bouleversant mais je pouvais bien faire avec lui. Le lendemain, il a fait son tournage publicitaire et je ne suis pas venu parce que je n’étais pas celui qui a été embauché pour le faire. Il est devenu fou parce que je n’étais pas là. C’est donc qu’il a aimé l’idée que j’étais là, ce que je ne comprends toujours pas. «
Elvis Costello
Brian Griffin photographe
Brian Griffin : « Cette photo a été prise dans une maison de label ou un palais dans les collines d’Hollywood. J’avais une série dans le Sunday Times Magazine parce que le groupe jouait au Hollywood High School. Je suis sorti beaucoup avec eux et j’ai improvisé la session pendant que nous y étions.
Prenez un verre dans la piscine, j’ai dit à Elvis de s’allonger sur le plongeoir et quelque temps plus tard j’ai ramené mon travail à Londres, et le Sunday Times était très strict: elle ne voulait aucune de mes photos Riviera, le directeur d’Elvis, m’a demandé après toute la série et mes photos ont finalement servi de pochettes d’album et de pochettes d’album. «
Echo & the Bunnymen
Brian Griffin photographe
Brian Griffin : « J’ai pris cette photo à Porthcawl Beach, dans le sud du Pays de Galles, pour la couverture de leur album Heaven Up Here. Le groupe travaillait à Rockfield, un grand studio à l’époque, et Porthcawl était la plage la plus proche. L’idée de la photo est venue de leurs managers qui voulait être entouré de mouettes sur la plage, j’ai photographié comme de minuscules personnages qui, comme vous pouvez l’imaginer, n’aimaient pas vraiment le label – Ian McCulloch était très beau et ses managers voulaient que nous soyons pour moi le moins qu’on puisse dire , pas bien reçu, mais finalement ils ont choisi cette photo et NME l’a choisie comme la meilleure couverture d’album de l’année. «
Brian Griffin photographe
Kate Bush
Brian Griffin : « Kate avait en tête A Broken Frame de Depeche Mode, elle avait beaucoup aimé cette photo prise dans le champ de blé et souhaitait quelque chose de proche. J’ai donc trouvé un champ dans lequel nous pouvions travailler, proche de ma maison à High Wycombe. Nous sommes allés là-bas avec le propriétaire du champ, les maquilleurs, les coiffeurs, les assistants et nous avons réalisé le shooting au beau milieu de ce champ. Kate est une femme géniale, tout à fait extraordinaire. Je ne vois pas ce qu’on peut dire d’autre d’elle, vraiment : elle est extraordinaire. C’est quelqu’un d’impossible à oublier, même après avoir passé une seule journée avec elle… »
Brian Griffin : « Nous avons utilisé une larme d’argent qui peut être vue près de son œil droit. Pour prendre la photo, j’ai beaucoup joué avec la double exposition. Il était important que j’aie un film dans l’appareil photo. et n’a pas bougé pour rembobiner la caméra et définir un nouveau plan pour le précédent. «
Dans Black Country Dada, Brian Griffin parle de pop stars filantes, d’hommes d’affaires surréalistes et de bâtisseurs majestueux
« Quand j’ai quitté la maison à 18 ans pour aller à l’université à Manchester, j’ai dit à ma mère: » Je vais être plus célèbre que David Bailey. « Cela n’a pas fonctionné de cette façon. »
Si vous avez acheté un disque de Depeche Mode dans les années 80 et 90, il y a de fortes chances que Brian Griffin ait tourné la pochette, ainsi que des dizaines d’autres pochettes d’albums emblématiques. Au cours d’une carrière de plus de quatre décennies, Brian a été récompensé par des prix allant du photographe Life de la décennie au meilleur livre photo de la décennie. Brian vient de lancer son autobiographie auto-publiée au FormatFestival, Brian parle de la joie du contrôle total, des pressions financières de faire cavalier seul et pourquoi ses fanzines auto-publiés se vendent toujours 40 ans plus tard.
En quoi était-ce différent d’écrire une autobiographie plutôt que de travailler sur un livre photo ?
L’autobiographie était une tâche énorme, il m’a fallu un an pour l’écrire pour commencer parce que je ne suis pas écrivain. C’était difficile d’essayer d’être mon propre éditeur, de décider quoi utiliser et de prendre toutes sortes de décisions que vous devez prendre lorsque vous faites un livre.
Ensuite, j’ai dû choisir toutes les images car il y a 200 ou 300 photographies dans le livre. La conception a été réalisée par The Cafeteria, à Sheffield, et c’est leur expertise qui m’a aidé à traverser cela et l’édition du livre. C’était donc une entreprise colossale, vous pouviez multiplier par 3 ou 4 la création d’un livre photo. Et puis j’ai dû réunir tout l’argent.
Avez-vous déjà publié vous-même ?
Mon premier livre auto-publié était Brian Griffin Copyright 1978. C’était une affaire mince et agrafée et j’ai imprimé 500 exemplaires mais à l’époque il ne s’est pas vendu et j’en ai encore beaucoup à la maison. Mais au cours des 10 dernières années, il a commencé à se vendre assez bien lors de conférences ou de conférences, ou via mon site Web, je les signe et les envoie.
Puis en 1988 j’ai publié Work, qui est aujourd’hui un livre très célèbre mais qui à l’époque n’avait pas fait sensation. J’ai imprimé 1000 copies papier qui avaient un disque à l’intérieur, et 3000 copies brochées. Et parce que je faisais beaucoup de photographie commerciale à l’époque, je pouvais me permettre de dépenser quelque chose comme 30 000 £ pour cela, j’ai peur de penser à ce que ce serait aujourd’hui. Nous avons eu un grand événement de lancement avec plusieurs centaines de personnes, et nous n’avons vendu qu’un seul exemplaire. Un seul exemplaire.
Pourquoi continuez-vous à le faire, qu’est-ce qui vous motive à publier votre travail sous forme de livre ?
Vous ne le faites pas pour gagner beaucoup d’argent, c’est certain. Par exemple, ce livre est un livre cartonné de 216 pages, tous produits à partir de photographies analogiques et il a fallu un an pour l’écrire, plus tous les frais des concepteurs et des imprimeurs. Je ne pouvais me permettre de faire que 750 exemplaires et au moment où vous avez tout payé, il en reste très peu.
Quel est l’attrait de l’auto-édition ?
Vous êtes tellement comblé lorsque vous recevez le premier exemplaire, lorsque vous ouvrez la boîte et que vous sentez le papier et l’encre. Vous pouvez sentir toute l’énergie que vous y mettez. Vous vous sentez juste incroyable. Et deuxièmement, pour le nouveau, c’est incroyable de l’avoir jamais écrit, je ne suis pas un écrivain mais j’ai écrit 40 à 50 000 mots dans ce livre, c’est presque autant qu’un roman. Et j’ai tout fait sur le livre à part le concevoir. Cela ressemble à un héritage. Prendre une belle photo est le meilleur sentiment de tous, mais cela vient juste après.
Avez-vous tourné de nouveaux projets ? Sur quoi travaillez-vous?
J’ai fait beaucoup de mode ces dernières années. Tout ce que j’ai toujours voulu faire, c’est être photographe de mode, ce qui est vraiment bizarre à admettre. Quand j’avais 18 ans, j’ai quitté la maison pour aller à l’université à Manchester en 1969, j’ai dit à ma mère, je vais être plus célèbre que David Bailey. Cela n’a pas fonctionné de cette façon et je suis devenu photographe professionnel. Mais peu à peu, je me suis lancé dans la mode, j’ai tourné par intermittence pendant la majeure partie de ma carrière, mais pas à plein temps.
Né à Birmingham en 1948 et diplômé de l’école polytechnique de Manchester, Brian Griffin est l’un des photographes les plus créatifs et les plus influents d’Angleterre. Sa carrière a été extrêmement variée mais à partir de la fin des années 70, il a commencé à photographier les musiciens et les groupes de l’époque. Maintenant, ses énormes archives de photographies musicales ont été rassemblées dans un nouveau livre, simplement intitulé « Pop ». J’ai rattrapé Brian pour discuter du livre.
Salut Brian et merci beaucoup de discuter avec nous. Première question : comment le livre est-il né ?
Le livre a commencé à germer de manière minimale en 2003, mais il n’a jamais abouti ! En 2005, ça a recommencé et j’ai fait faire une maquette de base avec quelques pages de la taille d’un album, mais il n’y avait aucun intérêt. Puis, en 2008, nous avons assemblé un mannequin de grande taille, qui faisait environ la moitié de la taille de Pop. Cependant, le partenaire de GOST Books à l’époque ne pensait pas que cela réussirait avec autant d’artistes différents et que cela ne plairait pas à suffisamment de gens.
Le projet a donc disparu du radar. Mais ensuite, en 2016, Stuart Smith, le co-fondateur de GOST, m’a arrêté dans la rue et m’a proposé de continuer ! Stuart et son équipe m’ont aidé à monter une campagne Kickstarter pour collecter des fonds, avec un objectif de 30 000 £, pour la publication du livre. Je ne connaissais rien à Kickstarter, mais c’était ardu. Il faut y mettre beaucoup d’efforts – j’ai vécu avec ça 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, pompant les médias sociaux et mettant en place une série de films pour le promouvoir. Vous n’avez que 30 jours pour lever les fonds ou vous perdez tout.
La réponse a été incroyable – nous recherchions 30 000 £ et nous avons collecté 33 000 £. Et puis nous avons eu des gens qui avaient raté le Kickstarter ! Au final, nous avons collecté environ 35 000 £. Cela nous a permis non seulement de publier, mais aussi de publier le très gros livre que je voulais (même si je voulais en fait 500 pages et que nous nous sommes arrêtés sur 400).
Le livre a été composé avec Terry Rawlings, un auteur musical qui habite près de chez moi et qui était donc toujours disponible pour discuter de tout ! Nous ne pouvions nous permettre d’imprimer que 1200 exemplaires et nous étions également liés à une exposition de lancement au Festival de Lodz en Pologne.
Mais je savais que le livre vendrait des piles! Il ne nous reste plus que 80 livres et nous en avons publié plus de 500 rien que cette semaine (signer tous ces exemplaires n’était pas amusant !). Je savais que le livre prendrait de l’ampleur avec le temps. Stuart m’a dit en juin que si j’en vendais 400 avant le 1er avril 2018, il m’achèterait un menu dégustation de 7 plats au restaurant de Gordon Ramsey à Londres et maintenant il me doit un repas très cher. Nous espérons faire un autre tirage pour l’année prochaine.
Qu’est-ce qui vous a amené à tourner de la musique en premier lieu ?
J’avais envie d’élargir mes perspectives et il y avait beaucoup de groupes en costume qui ressemblaient aux hommes d’affaires en costume que j’avais l’habitude de photographier. J’adorais la musique – en fait j’avais une petite discothèque appelée « Plum » le mercredi soir dans un pub près de Birmingham quand j’étais plus jeune. La prétention à la renommée de Plum était que la femme de Robert Plant avait l’habitude de venir à la discothèque lorsqu’il était en tournée.
J’ai photographié quelques groupes avant de faire un effort sérieux et en fait le premier était The Clash pour le Radio Times. J’avais donc quelques photos décentes dans mon portfolio et je savais qu’Elvis Costello était signé chez Stiff Records, alors je suis allé leur rendre visite. En fait, Elvis était parti pour Radar Records, mais j’ai rencontré le patron Dave Robinson et il m’a engagé pour mon premier tournage, en photographiant la pochette de l’album The Parkerilla de Graham Parker et The Rumour.
Et combien d’artistes sont dans le livre?
Je pense qu’il y a environ 100 musiciens / groupes dans le livre et environ 164 pochettes de disques. Il y a une concentration à la fin des années 70 et dans les années 80, et une ou deux plus tard. Le livre est un peu comme une encyclopédie musicale. Tout est daté et chronologique – tout assembler prenait énormément de temps.
Mais le livre est un livre de geek – pour les geeks du vinyle ! J’ai même cédé toute ma collection de disques pour des promesses de dons et j’ai acheté tous ceux que je n’avais pas déjà. À part les dernières prises de vue du livre, tout était analogique, j’ai donc dû parcourir chaque feuille de négatif pour voir ce qu’il y avait et chercher où je pouvais acheter des albums et des singles. Ensuite, j’ai dû découvrir s’il y avait des manches que j’avais tournées et que j’avais oubliées !
Et j’ai en fait trouvé des trucs que j’avais tournés dont je ne me souvenais pas! Il y avait un groupe qui s’appelait Babaluma et je ne savais pas qui ils étaient. J’ai envoyé la photo à John Pache qui m’a commandé le tournage et il ne s’en souvenait pas non plus. Heureusement, Terry Rawlings a reconnu le batteur et c’est ainsi que nous avons découvert qui était le groupe. Le plus drôle, c’est que je les avais photographiés dans la voiture de John !
Quel matériel et éclairage as-tu utilisé pour les photos ?
Quand j’ai commencé à l’époque de The Clash et de Joe Jackson, je tournais avec un 35 mm Olympus OM-1. Puis, en 1979, j’ai acheté un Hasselblad et c’était le pilier. J’ai utilisé Redheads et Blondes et les ai complétés avec Bowens Flash Spot. Et puis j’ai eu 4 têtes Flash Multiblitz avec une puissance nominale de 250 joules – elles étaient à la fois portables et alimentées par le secteur. Je me souviens que lorsque nous avons tourné A Broken Frame (Depeche Mode), les lumières devaient être juste au bord du cadre et à leur limite pour pouvoir lutter contre la lumière naturelle.
Comment ce travail se compare-t-il à votre travail en entreprise ? Était-ce une vraie juxtaposition ou avez-vous trouvé que vous pouviez établir des parallèles entre les deux ?
Certainement une juxtaposition. Mais en fait, je ne l’ai pas trouvé aussi intéressant que le travail en entreprise. C’était plus étrange et plus surréaliste, alors que les membres du groupe avec leurs coupes de cheveux amusantes semblaient devoir être étranges ! Les groupes étaient une douleur dans le cul la plupart du temps. Mais le travail en entreprise était très mal payé, tandis que le travail dans la musique payait des taux beaucoup plus élevés.
Avez-vous un cliché préféré dans le livre ?
Pas vraiment, même si j’aime bien les trucs de Depeche Mode et en particulier les plans de Construction Time. Nous avons tourné sur une montagne en Suisse et l’accessoire principal était un véritable marteau de forgeron. Nous l’avons emmené de Rotherhithe à la Suisse dans un sac poubelle noir et quand il a frappé le carrousel en métal en Suisse, il a fait un bruit tout-puissant.
Le bruit a immédiatement attiré la police de l’aéroport et nous étions sur le point d’être arrêtés. Je peux encore imaginer la scène ! J’ai également apprécié la complexité de l’utilisation de l’élastique de la culotte et des expositions multiples, comme la triple exposition dans le plan de King Sunny Adé.
Joe Jackson ne voulait plus travailler avec moi après l’album Look Sharp parce que je n’avais tourné que ses pieds, mais cet album l’a rendu célèbre. Et je me souviens que les producteurs d’Echo et The Bunnymen étaient assez paniqués quand je les ai photographiés en silhouette, mais cette couverture est maintenant devenue assez célèbre.
Et quels sont les plans maintenant pour le livre?
Nous allons faire un autre tirage du livre. Je viens d’ouvrir une exposition à Naples, en Italie, avec 33 photos de ma collection – toutes vintage originales et joliment encadrées. C’est sur pendant 3 mois et toutes les images sont de Pop.
Ce week-end (9 décembre) un autre spectacle s’ouvre en Hollande, qui est presque une installation, avec des vidéos et des tas de photos de tailles différentes. J’espère que le salon de Naples se déplacera à Milan et que le Belfast Photo Festival envisage également d’organiser un salon. J’espère que nous aurons une tournée au Royaume-Uni l’année prochaine.
Si vous possédez des albums à partir des années 70, il est probable que Brian ait tourné de nombreuses couvertures. Vous trouverez des artistes comme Depeche Mode, Spandau Ballet, Ultravox, Queen, Peter Gabriel, Kate Bush, Iggy Pop et Bryan Ferry présentés dans le livre, aux côtés d’une foule d’autres visages célèbres (et moins célèbres).
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Hakan Strand est un photographe d’art suédois de Stockholm. Hakan crée d’incroyables moments poétiques à partir de ses photographies. Ses collections monochromes telles que Short Stories, Seascapes, Landscapes, Cityscapes, Architecture sont tout simplement à couper le souffle. Ses images sont immédiatement méditatives et relient ses téléspectateurs à un niveau très personnel.
Vous pouvez consulter son site Web ci-dessous pour en savoir plus: hakanstrand.com/
Håkan Strand (1959) est un photographe primé de Stockholm, en Suède. Son style se caractérise par une beauté scandinave qui se compose de minimalisme, de simplicité, de formes claires mais poétiques, de réflexion sur la beauté des petites choses et de détails bien construits.
Les photos de Hakan Strand
Ces photos, conçues comme des peintures, rendent hommage aux grands maîtres de la peinture et de la photographie et inspirent des noms comme Kirsten Klein et Michael Kenna. Avec une faible exposition, il crée des compositions sombres qui traduisent des ambiances entre crépuscule et coucher de soleil. Le mauvais temps et le ciel nuageux réchauffent ces atmosphères irréelles, qui sont conservées exclusivement en noir et blanc et soulignent le côté mystique et fantomatique.
Ce n’est pas un hasard si la série Silent Moments présentée ici signifie: c’est en effet un hommage au calme, à la virginité et à la nature que le photographe nous offre. Calme, remède à la vie quotidienne bruyante et chaotique de notre époque. Chaque photo devient alors un moment de silence, de contemplation, un moment où le temps s’arrête.
Ombres et lumières
Ombre et lumière, silence et grands espaces, la plage nous emmène dans un voyage intérieur. Il se concentre sur la route, cette ligne claire qui définit les contours d’un paysage, cet élément auquel nos yeux sont trop habitués. Vous le découvrez ici comme le protagoniste d’un monde dans lequel la présence humaine semble soudainement avoir disparu.
C’est exactement cette route vide qui s’enfonce dans le brouillard et traverse des zones incommensurables, la plus belle métaphore du silence en images.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
C’est un photographe suédois né en 1976 à Sundsvall. Il est spécialisé dans la photographie de paysages minimalistes en noir et blanc. Il a commencé à photographier en 2004 et a depuis publié plusieurs livres de photographies.
Quel est le style de photographie d’Hakan Strand ?
Le style de ses photographie est axé sur les paysages minimalistes en noir et blanc. Il utilise souvent des compositions simples et des contrastes forts pour créer des images d’une grande pureté et d’une beauté frappante. Ses images sont souvent apaisantes et contemplatives, invitant le spectateur à s’immerger dans l’image.
Quels sont les sujets de prédilection d’Hakan Strand ?
Hakan Strand se concentre principalement sur la photographie de paysages naturels, notamment des forêts, des lacs, des rivières et des montagnes. Il est également connu pour ses photographies minimalistes d’architecture.
Quel est l’équipement photographique d’Hakan Strand ?
Il utilise principalement un appareil photo numérique plein format Sony A7R III avec des objectifs Sony et Zeiss. Il utilise également un trépied pour stabiliser son appareil photo lors de la prise de vue.
Comment Hakan Strand traite-t-il ses photos ?
Hakan Strand traite ses photos en utilisant principalement Adobe Lightroom et Photoshop. Il utilise des techniques de post-traitement pour accentuer les contrastes et créer des images à fort impact visuel. Il utilise également des techniques de conversion en noir et blanc pour donner à ses images une apparence intemporelle.
Quels sont les livres de photographies d’Hakan Strand ?
Il a publié plusieurs livres de photographies, dont « Silent Moments », « Muted », « Shades of Winter » et « Equilibrium ». Ces livres présentent des photographies de paysages minimalistes en noir et blanc, accompagnées de courts textes introspectifs.
Où peut-on voir les photographies d’Hakan Strand ?
Les photographies d’Hakan Strand sont exposées dans des galeries du monde entier, notamment en Europe et aux États-Unis. Il expose également régulièrement dans des salons d’art photographique. Ses photographies sont également disponibles à l’achat en ligne sur son site web et sur des sites de vente d’art en ligne.
Quels sont les prix et les distinctions reçus par Hakan Strand ?
Hakan Strand a remporté plusieurs prix et distinctions pour son travail photographique. Il a notamment remporté le prix International Photographer of the Year en 2018 dans la catégorie « FineArt Landscape » et a été finaliste dans la catégorie « Black and White Photographer of the Year » aux Sony World Photography Awards en 2019.
Quelle est la philosophie d’Hakan Strand en matière de photographie ?
Son style de photographie est principalement axé sur la simplicité, la minimalisme et l’atmosphère. Ses images sont souvent en noir et blanc, ce qui crée une ambiance éthérée et calme. Les compositions de Strand sont souvent très épurées, avec des espaces négatifs qui renforcent la sensation d’espace et de solitude.
Qu’est-ce qui inspire Hakan Strand ?
Il est inspiré par la nature et la solitude. Il cherche à capturer la beauté et la paix qu’il trouve dans les paysages naturels, en particulier les paysages nordiques. Le temps et les saisons ont également une grande influence sur son travail, car il aime capturer la nature dans ses différents états.
Comment Hakan Strand réalise-t-il ses photos ?
Il utilise un appareil photo de format moyen et des pellicules noir et blanc pour capturer ses images. Il prend son temps pour trouver le bon cadre et la bonne composition, et utilise souvent des temps d’exposition plus longs pour créer des effets de flou ou de mouvement. Il travaille ensuite en chambre noire pour développer et imprimer ses images.
Où Hakan Strand expose-t-il ses œuvres ?
Les œuvres de Hakan Strand sont exposées dans des galeries et des musées du monde entier. Il a exposé ses photos en solo ou en groupe dans des lieux prestigieux tels que la National Gallery de Londres et le Centre Pompidou à Paris. Il vend également ses tirages limités sur son site web.
Quels sont les sujets de prédilection de Hakan Strand ?
Les sujets de prédilection de Hakan Strand sont les paysages naturels, en particulier les paysages nordiques. Il aime capturer la solitude et la sérénité de ces environnements et créer une ambiance calme et réfléchissante. Il photographie également des sujets urbains de temps en temps, mais toujours avec la même esthétique minimaliste.
Qu’est-ce qui distingue les photographies de Hakan Strand des autres ?
Ce qui distingue les photographies de Hakan Strand des autres est l’ambiance qui s’en dégage. Ses images sont souvent très épurées, avec des espaces négatifs qui renforcent la sensation d’espace et de solitude. La palette de couleurs est généralement limitée au noir et blanc, ce qui crée une ambiance éthérée et calme. La plupart de ses images ont un aspect intemporel, comme si elles avaient été prises il y a des décennies.
Hakan Strand a-t-il remporté des prix pour son travail ?
Oui, Il a remporté plusieurs prix pour son travail. En 2017, il a remporté le premier prix du concours international de photographie monochrome de la revue britannique Black and White Photography. En 2020,
Script Joker : Joker, l’un des plus grands succès de l’année 2019, vient de sortir son scénario: The Joker Screenplay. Pour fêter Noël, le Warner a voulu nous offrir un petit cadeau en rendant accessible le script Joker à tout le travail de Todd Philipps et Scott Silver, scénaristes du film. Un de mes aspects préférés est qu’il commence par ce qui suit: «Cette histoire se déroule dans son propre univers ». Voici le SCRIPT du JOKER
script joker 2019
L’histoire
Il n’a aucun lien avec aucun des films DC précédents. Nous le voyons comme un film classique de Warner Bros. Graveleux, intimes et étrangement drôles, les personnages vivent dans le monde réel et les enjeux sont personnels. Bien qu’elle n’ait jamais été mentionnée dans le film, cette histoire se déroule dans le passé. Appelons cela 1981. C’est une période troublée.
Le taux de criminalité à Gotham atteint des niveaux record. Et l’écart entre les « Haves » et les « Have-Nots » est palpable. Les rêves sont inaccessibles et glissent dans des délires. »
Todd Phillips ( The Hangover ) a réalisé Joker à partir d’un script Joker qu’il a coécrit avec Scott Silver sur la base des personnages de DC Comics. Phillips a également produit le film avec Bradley Cooper et Emma Tillinger Koskoff. Il met en vedette Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz et Frances Conroy.
Ce dernier scénario d’une centaine de pages retrace les lieux et les intentions du jeu. Il y a aussi des commentaires qui décrivent l’intrigue du film. Plongez-vous scène après scène dans la folie d’Arthur Fleck, un comédien raté qui est maudit par un rire malade et sera bientôt le symbole de la cruauté dans les rues de Gotham. Et peut-être que vous trouverez les réponses aux questions dans votre tête.
SCRIPT JOKER
Le film
Réalisateurs en herbe, fans de l’univers Batman, fans de la culture pop … dans ce scénario, vous pourrez mieux comprendre les intentions des scénaristes et imaginer la préparation de Joaquin Phoenix, qui est prévu pour les Oscars.Joker a été nominé pour la meilleure interprétation masculine, le meilleur film dramatique, le meilleur réalisateur et la meilleure musique de film dans quatre catégories aux Golden Globes.
Pour mettre une chance de votre côté et permettre aux lecteurs d’analyser le film de tous les côtés, Les studios Warner Bros ont publié le script en ligne et dans son intégralité pour ceux qui veulent le comparer avec la version finale.
Le scénario écrit par le réalisateur Todd Phillips et Scott Silver contient quelques différences par rapport à l’histoire finale, car certaines scènes ont été improvisées sur le tournage de Joaquin Phoenix. Au moment de la publication du scénario, Phillips s’est confié à Tim sur les réactions et les opinions concernant ce film controversé. Le réalisateur explique qu’en particulier une ligne a attiré l’attention du public.
« L’une des choses que j’ai remarquées qui a vraiment attiré le public est ce qu’Arthur dit dans son cahier: » La pire chose à propos de la maladie mentale est que les gens aimeraient que vous agissiez comme vous. Il n’avait rien.
Il a vraiment résonné auprès de nombreuses personnes atteintes de maladie mentale qui se sont vues un peu dans le film, chez Arthur ou dans ses expériences de différentes manières. Beaucoup de gens m’écrivent des courriels ou des messages sur mon Instagram en disant: « Cette ligne est exactement ce qu’elle fait … »
Un script qui nous permet d’en savoir plus sur ce film époustouflant.
Mass Hysteria est en deuil. Une triste nouvelle vient d’être annoncée. Michel SIX nous a quitté des suites d’une longue maladie. Les fans de Mass Hysteria le connaissaient, Michel avait posé pour la pochette de « Failles ».
La rencontre
En 2009, Je cherchais à illustrer pour Mass hysteria un album sombre qui allait s’appeler « Failles ». Je cherchais une « gueule », un visage qui aurait vécu. Je le trouvai près de Montpellier dans la communauté Emmaüs. Une courte, mais belle rencontre dans une tente de la communauté, une série de quelques photos avec Michel et son grand sourire. Puis une demande « vous pourriez me faire un regard plus sombre ? » et là un regard terrible et une photo qui fit la couverture de la pochette de l’album.
L’album
Cette pochette fut une grande fierté pour lui et pour moi. Je le rencontrais à plusieurs reprises pour lui amener la version vinyle, les affiches,…. Il usa ses tee-shirts MASS jusqu’à la corde, l’affiche de la tournée bien en place dans le réfectoire des compagnons.
Le groupe l’invita pour le rencontrer lorsqu’il passa en concert à Montpellier, au concert et à la soirée qui s’en suivit. Le groupe l’invita sur scène pour le présenter au public et le remercier. Je garde en mémoire ses larmes lorsque le public lui fit une ovation, je garde aussi en mémoire son sourire au moment de la photo de fin avec lui au centre de la scène et le groupe autour.
Une belle rencontre, une triste nouvelle.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photo, c’est avec une image obtenue à l’aide d’une chambre noire au terme de plusieurs heures de pose et fixée sur une simple plaque enduite de bitume de Judée que débute, en 1827, l’âge de la photographie. Depuis, ce sont plus de cinq milliards d’images qui, d’après des statistiques officielles, sont développées chaque année rien que dans les grands laboratoires allemands.
Nous vivons, c’est évident, à l’ère des technologies de l’image. Cinéma et télévision, vidéo et technologies numériques, toutes ces images cherchent à accaparer l’attention en essayant de nous séduire, de nous manipuler, de nous érotiser et parfois aussi, de nous informer. A tel point qu’on peut parler d’un véritable déluge d’images, ce qui peut paraître menaçant mais plus fondamentalement, renvoie à un problème d’ordre phénoménologique : Quel est notre comportement face à toutes ces images ?
Comment se fait notre sélection ? Qu’est-ce que nous percevons encore au juste ? Et qu’est-ce qui a des chances d’accéder à la mémoire iconographique collective ?
En réalité, nous vivons actuellement une situation paradoxale. Tandis que l’ analogique « classique avec les territoires qui lui sont communément attachés comme par exemple le photojournalisme, est en perte de vitesse, la photographie traditionnelle, elle, fait de plus en plus l’objet d’un discours officiel. Sa présence dans des galeries d’art et des musées, dans des salons ou à des ventes est devenue quelque chose de naturel.
Comme si elle s’était résorbée d’elle-même, la question de savoir si des photos sont des œuvres d’art ne se pose plus. Payer de grosses sommes en dollars pour des images-clés de l’histoire de la photographie, mais aussi pour des travaux d’artistes photographes contemporains, n’est plus chose rare depuis longtemps. Une jeune génération a découvert dans la photographie ce qui auparavant était considéré par les investisseurs comme des antiquités.
La photographie a avancé en âge et en même temps, elle est devenue plus actuelle que jamais. En sa qualité de médium de type plutôt contemplatif, elle a trouvé un nouvel emploi porteur d’avenir.
C’est en ce sens que le médiologue Norbert Bolz parle d’une « grande image silencieuse » qui, à l’heure du déferlement de données électroniques, permet en quelque sorte de faire halte. Là où la télévision, la vidéo ou internet génèrent un bruissement visuel, seule l’image photographique traditionnelle a, en tant que « triomphe de l’abstraction », la force de s’incruster dans notre mémoire, de susciter en quelque sorte le souvenir.
Avec son exposition « images mentales », Michael Schirner en a donné, au milieu des années 80, la preuve par l’exemple. N’y figuraient que des carrés noirs dans lesquels étaient impressionnées, en négatif, quelques lignes de texte. Willy Brandt agenouillé devant le monument des héros du ghetto de Varsovie », pouvait-on ainsi lire. Ou encore « L’empreinte du pied du premier homme ayant marché sur la lune ».
La photographie, comme l’a résumé Horst Wackerbarth, serait le seul genre capable de dépasser le niveau, populaire, de la surface visible et celui, élitiste, de la vision première, pour agir, de façon subtile, plus en profondeur».
C’est est un moyen technique et mécanique de représenter graphiquement des moments, des objets ou des personnes. Mais c’est aussi un moyen d’expression plus ou moins abstrait qui porte l’écriture de son auteur, et dont l’objectivité est égale à tout travail artistique. Piégée dans l’imitation de la peinture depuis longtemps (peinture, marines, portraits, etc.), elle a trouvé sa propre voie artistique au milieu du XXe siècle avec l’apparition du surréalisme. De nos jours, de nombreux artistes utilisent ce médium, souvent associé à la « documentation », plus qu’à l’art en tant que tel. Elle mélangent parfois de nombreux médias différents (peinture, sculpture, maquillage, art numérique) en une seule image. C’est unart permet plus que tout autre support d’ancrer la réalité dans une œuvre d’art afin de lui donner une nouvelle dimension.
Eric Canto, photographe de festival, concert et portraits artistes :
Eric Canto est photographe de concert et festival depuis de nombreuses années. Il a eu l’occasion de réaliser des photographies pour de nombreux artistes connus, avec par exemple la cover de l’album « Hellfest » de Mass Hysteria. Découvrez son travail :
LE LOUP DE WALL STREET le nouveau fil de Martin Scorsese
Martin Scorsese est le réalisateur de films aussi remarquables que Mean Streets, Les Affranchis ou Casino n’en a pas fini avec son exploration sans concession du rêve américain. Le Loup de Wall Street, son nouvel opus, est à sa manière une sorte de quintessence des obsessions « scorsesiennes ».
On y retrouve la plupart de ses thèmes favoris : l’argent, le sexe et la drogue, mais aussi, plus enfouis qu’à l’accoutumée, la souffrance, le péché et la mort.
LE LOUP DE WALL STREET : ce que raconte le film
LE LOUP DE WALL STREET raconte l’histoire – vraie – de l’ascension vertigineuse de Jordan Belfort, petit courtier chez LF Rothschild en 1987, star de Wall Street et de tous ses excès fin 1993. Entre-temps, en 1989, il aura créé Stratton Oakmont, une firme de courtage qui lui valut, moyennant des méthodes que la plus élémentaire des morales réprouve, d’amasser en très peu de temps une fortune considérable.
Comme Steven Spielberg, Martin Scorsese est de ces réalisateurs qui, alors qu’ils ont passé la soixantaine, témoignent de la même énergie, et si le bonhomme (et sa fidèle monteuse Thelma Schoonmaker) n’a rien perdu de son talent. Inspiré d’une histoire réelle, il raconte l’ascension vers la fortune d’un courtier en bourse – Jordan Belfort – interprété par Leonardo DiCaprio, et les malversations au cœur des années 1980, le menant à la chute et à une forme de rédemption.
Adaptation de l’autobiographie homonyme de Jordan Belfort, il s’agit du plus gros succès commercial de Martin Scorsese. Pour le plaisir, voici quelques affiches d’un film tout de même bien rock’n roll…
LE LOUP DE WALL STREET
LE LOUP DE WALL STREET
La bande annonce du loup de wall street.
Critique du Film LE LOUP DE WALL STREET par le Telegraph
Le loup de Wall Street, le nouveau film de Martin Scorsese, souffle dans les salles de cinéma avec une indignation en arrière-plan. Le 23e long métrage de Scorsese en près de 50 ans – et le meilleur depuis plus de 20 ans – est basé sur les souvenirs du courtier en valeurs mobilières Jordan Belfort, qui a fondé Stratton Oakmont dans un garage abandonné à Long Island et a passé une grande partie des années 1990 avec la sienne La production de films est le chemin vers une grande fortune personnelle.
Une partie de cet argent a été utilisée pour financer le genre de vie sociale que la perte de cheveux de Caligula aurait pu causer, bien que la fête ait finalement pris fin en 1998 lorsque le FBI a accusé Belfort de la fraude. et le blanchiment d’argent.
Scorsese nous le montre, mais il est principalement préoccupé par la route rapide et cynique de Belfort jusqu’au sommet et par l’approvisionnement presque illimité de filles et de drogues qu’il y trouve. Une semaine typique à Stratton Oakmont se compose de fanfares nues et de fanfares, ainsi que d’un spectacle que Belfort appelle « Stripper Jostle ». En tant que tel, le film est accusé de glorifier ses crimes, d’ignorer ses victimes et de ne pas satisfaire le besoin de justice du public.
Les thrillers criminels ne sont généralement pas très risqués pour le public: nous investissons du plaisir dans les stratégies et les tromperies des méchants pour garantir que le retour sera finalement moralement satisfaisant. Le loup de Wall Street joue le marché différemment. Il nous vend le sleaze et le vend dur, mais il ne paie pas comme nous l’attendons. La valeur des investissements peut augmenter ou diminuer.
Aussi embarrassante que cela puisse paraître, l’idée n’est pas nouvelle. Scorsese raconte cette préhistoire américaine émergente et automnale, en s’inspirant des grandes images de gangsters des années 1930, telles que Scarface de Howard Hawks et The Public Enemy de William A Wellman, par des hommes ambitieux impatients de pouvoir et de richesse. (Soit dit en passant, ces deux films ont causé des déficiences morales dans leur temps pour des raisons largement similaires.)
Scorsese présente une scène sensationnelle qui fait immédiatement écho dans The Public Enemy, où Cagney venge un demi-pamplemousse sur le visage de son amant. Ici, cependant, c’est l’épouse du gobelet indigné de Belfort, Naomi, joué par Margot Robbie, qui jette un premier, un deuxième et un troisième verre d’eau dans le visage de son mari alors qu’il provoque une crise de colère.
Son objectif, qui est en plein essor dans le rôle-titre, est joué par Leonardo DiCaprio, dont le geste, nommé par Oscar et Bafta, est l’un des meilleurs de l’acteur: un boom à couper le souffle de pur anti-héroïsme. Comme Paul Muni et James Cagney dans ces films de gangsters de l’âge d’or, il est plus grand, plus fort et monstrueux que la vie, et la ressemblance est certainement prévue.
Cela donne au film un ton sombre et étrange qui ne se trouve pas normalement dans Scorsese, mais le matériau pourrait difficilement être traité différemment. Une scène dans laquelle Belfort imite des relations sexuelles brutales avec un client qu’il a trompé au téléphone se joue en riant, et une séquence dans laquelle un toxicomane est traîné pouce par pouce à travers un parking mène à un grand épisode slapstick – une esquisse démoniaque de Jerry Lewis.
Mais l’énergie sauvage du film contredit la prudence de Scorsese. Il court sur une corde raide comme à Goodfellas et Casino. Glorifiez sans consentement et traitez le public comme des adultes, sachant que notre sens moral compensera le manque d’un de leurs personnages. Pendant ce temps, les amis de Belfort sont tout aussi animés pour éviter l’un de ces précédents films.
Il y a Jonah Hill comme un acolyte fidèle, Rob Reiner comme le père en colère de Belfort, Joanna Lumley comme un blanchisseur d’argent poli, Jean Dujardin de The Artist, comme un banquier suisse qui est si reptile que vous attendez à moitié que la langue sorte des lignes et lécher négligemment un globe oculaire.
« C’est Ellis Island, les gens », se déchaîne-t-il, le front brillant, alors qu’il exhorte ses fidèles employés à rester forts face à l’enquête du FBI. «Peu m’importe qui vous êtes, d’où vous venez, que vos proches soient venus sur le Mayflower ou sur une chambre à air d’Haïti. Ici, c’est la terre des opportunités. »Puis vient la morale, aussi propre que terrifiante:« Stratton Oakmont est l’Amérique ».
Je suis très heureux de vous annoncer la sortie de matière noire vinyle de l’album Matière noire mardi 3 mai. Le groupe et Verycords ont décidé de proposer aux fans une version ultra limitée de ce fantastique album. Une version collector avec un grand livret de 11 pages format vinyle.
Le groupe MASS HYSTERIA
Mass Hysteria est un groupe de metalfrançais formé en 1993. Le groupe est connu pour son mélange unique de metalcore, thrash et punk, ainsi que pour ses paroles poignantes et introspectives en français.
Le groupe a commencé à se faire connaître en France au milieu des années 90, avec la sortie de leur premier album studio « Le Bien-être et la Paix » en 1997. Depuis lors, ils ont sorti plusieurs albums acclamés par la critique, dont « Contraddiction » en 1999 et « L’Armée des Ombres » en 2003.
MassHysteria est également connu pour ses performances en direct intenses et énergiques, qui ont gagné le respect et l’admiration des fans de metal dans le monde entier. Le groupe a joué dans de nombreux festivals de musique en France et à l’étranger, notamment le Hellfest, le Wacken Open Air et le DownloadFestival.
Le groupe est composé de cinq membres : Mouss Kelai (chant), Yann Heurtaux (guitare), Pierre Bihl (basse), Raphaël Mercier (batterie) et Fred Jimenez (guitare). Ensemble, ils ont créé un son unique et puissant qui est devenu une référence dans le paysage musical français.
Leurs paroles sont souvent introspectives et poignantes, explorant des thèmes tels que la politique, la société et la condition humaine. Leur musique a inspiré de nombreux fans en France et à l’étranger, ce qui en fait l’un des groupes de metal les plus influents de leur génération.
L’artwork de Matière noire
Carte blanche pour l’artwork de Matière noire vinyle, l’idée pour ma part était de proposer visuellement non pas exactement la même chose mais une adaptation en fonction de ce format.
C’est là où on se rend compte de ce que l’on a perdu en passant du vinyle au CD… On garde la base de l’artwork mais on le fait évoluer…
Le vinyle est blanc, livret grand format, un bel objet que je vous laisse découvrir dont le pressage unique et ultra limité à 500 exemplaires me pousse à vous conseiller fortement la préco !
L’album Matière noire
Sorti en 2015, cet album est considéré par beaucoup comme l’un des meilleurs albums de Mass Hysteria à ce jour. Dans cet article, nous allons examiner les principales caractéristiques de l’album et explorer pourquoi il a été si bien reçu par les fans et les critiques.
Le son et le style : L’une des principales raisons pour lesquelles « Matière Noire » est un album si réussi est son son unique et puissant. Mass Hysteria a réussi à créer un mélange de metalcore, de thrash et de punk qui est à la fois puissant et mélodique. Les riffs de guitare accrocheurs et les lignes de chant agressives sont accompagnés d’une section rythmique solide pour créer un son énergique et percutant.
Les paroles et les thèmes : « Matière Noire » est un album concept qui explore les thèmes de l’obscurité, de la violence et de l’aliénation. Les paroles, en français, sont incisives et poignantes, et s’adressent à un public qui cherche à se connecter avec des idées et des émotions profondes. Les thèmes de l’album touchent à des questions existentielles et émotionnelles, faisant de cet album un travail sérieux et réfléchi.
La production : La production de « Matière Noire » est remarquablement bien faite, créant un son clair et puissant qui met en valeur la musique de Mass Hysteria. Les riffs de guitare et la section rythmique sont clairement audibles, tout comme les paroles poignantes. La production aide à créer l’ambiance sombre et pesante qui caractérise l’album.
Les moments forts : L’album « Matière Noire » est rempli de moments forts, notamment les titres « Chiens de la Casse », « Furia » et « Vector Equilibrium ». Chaque chanson a une énergie unique et des riffs accrocheurs qui restent en tête longtemps après la fin de l’album.
En conclusion, « Matière Noire » est un album remarquablement puissant et mélodique de Mass Hysteria qui explore des thèmes sombres et émotionnels. La production est de haute qualité, mettant en valeur chaque instrument et chaque ligne de chant. Si vous cherchez un album de metalcore en français qui est à la fois mélodique et énergique, « Matière Noire » est un choix incontournable.
Les titres de Matière noire:
– Chiens de la casse
– Vae soli !
– Vector equilibrium
– Notre complot
– L’espérance et le refus
– Tout est poison
– L’enfer des dieux
– À bout de souffle
– Matière noire
– Plus que du metal
– Mère d’Iroise
L’album est remarquable pour son son unique et puissant, créant un mélange de metalcore, de thrash et de punk. Les riffs de guitare accrocheurs et les lignes de chant agressives sont accompagnés d’une section rythmique solide pour créer un son énergique et percutant. La production est également de haute qualité, mettant en valeur chaque instrument et chaque ligne de chant.
Les moments forts de l’album incluent les titres « Chiens de la Casse », « Furia » et « Vector Equilibrium ». Chaque chanson a une énergie unique et des riffs accrocheurs qui restent en tête longtemps après la fin de l’album.
En résumé, « Matière Noire » est un album puissant et mélodique de Mass Hysteria qui explore des thèmes sombres et émotionnels. Il est bien produit et est considéré comme l’un des meilleurs albums du groupe. Si vous cherchez un album de metalcore en français qui est à la fois mélodique et énergique, « Matière Noire » est un choix incontournable.
Crédits:
Mouss Kelai — chant
Yann Heurtaux — guitare
Frédéric Duquesne — guitare
Vincent Mercier — basse
Raphaël Mercier — batterie
Eric Canto — Artwork et photos
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Groupe phare du métalfrançais,MASS HYSTERIA Matière noire est le huitième album studio, Matière Noire. Un véritable Avis de tempête sur l’Hexagone. Originaire de Bretagne, Mass Hysteria est un des principaux groupes de métal française tant pour sa qualité que sa longévité. En 1993, le groupe se fait remarquer dés son premier album Le bien être et la paix (1997).
Gros son, paroles en français, le groupe explose avec Contraddiction (1999), moins industrielle et avec plus d’influences hip-hop, en 2001, le groupe sort » De cercles en cercles ». Plus atmosphérique, voire un peu plus teinté de hip-hop, avec notamment Acid et Base de La Brigade, le groupe déçoit certains fans , mais élargit leur public avec cet album. plus accessible mais de très haute qualité .
En 2005, c’est le clash. Le groupe Mass Hysteria a sorti un album avec un titre beaucoup plus pop-rock. S’il leur ouvre les portes des grandes radios, cet album est encore plus déroutant pour les fans du groupe. La direction artistique pas toujours comprise est rejointe par la production, ce que le groupe admet comme un échec sonore entre Métal et Rock, qui se cherche et ne se retrouve pas toujours.
L’album contient quelques pépites (Poison d´asile) et une collaboration avec Miossec qui signe quelques paroles pour l’album. Une véritable audace et une volonté d’évoluer. En 2007, tout est rentré dans l’ordre avec Une somme de détails. Revenant à leurs racines stylistiques avec des influences néo-métal bien digérées, le groupe pose les bases du style qu’il conservera sur deux albums suivants, « Failles (2009) » et le successeur « L’armée des ombres (2012) ».
Il faut également mentionner la vidéo live de 2011, enregistrée au Bikini, ainsi que le premier album live (Mass Hysteria à l’Olympia) de 2013.
Plus sombre et plus engagé que les albums précédents, « L’armée des ombres » brandissait le mantra du groupe. Alors que l’impression générale sur cet album était entre colère et impuissance face à un monde en mutation et à ceux qui le façonnent,MASS HYSTERIA Matière Noire vous donne le sentiment de lever la tête dans la confusion.
Contrairement aux autres albums, les textes des deux derniers opus sont plus concrets et ancrés dans le présent, notamment grâce à l’utilisation de noms et de références claires à l’actualité («Sans-dents»)
En termes de son, Mass Hysteria continue d’évoluer. L’album donne une place honorable à de nouveaux arrangements: harmonica, violon, chœurs lyriques, percussions, tout en conservant les folles machines hallucinatoires de L’armée des ombres.
Tout cela crée de nouveaux titres très réussis (Vae Soli, Vector Equilibrium) et donne une nouvelle intensité au travail de Mass Hysteria. C’est ce qui rend cet album original.
Le reste (structures, guitare-basse-batterie, paroles …) est d’un trés haut niveau, mais reste globalement assez classique du Mass Hysteria des derniers albums, à l’exception de » plus que du métal » , avec un côté plus fusion-industriel qui rappelle les premiers albums.
Poursuivant les trois albums précédents, apportant une nouvelle fraîcheur, Matière Noire réussit avec des paroles incisives et des arrangements parfaits qui mettent une pression constante sur l’ensemble de l’album. « Matière noire » est un tsunami qui ne vous laissera guère de moment de repos pendant 50 minutes.
Il y a deux version de l’album MASS HYSTERIA MATIÈRE NOIRE, une première version cristal et une version limitée avec un visuel différent et un fourreau comportant un gel pack. Cette version limitée ne sera pas re-pressée. Le livret est à découvrir en achetant l’album.
Beaucoup de boulot mais un résultat qui semble plaire… Pour Mass Hysteria Matière noire, le nouvel album du groupe, l’idée de départ était un visuel trouvé par le guitariste du groupe Yann HEURTAUX sur internet : un visage sur un fond marron avec de l’encre qui coulait sur le visage d’une femme. De cette base, j’ai organisé un shooting très…salissant ou j’ai utilisé cette idée de départ avec cette fois un fond immaculé et le souhait de décliner cette idée sur chaque partie du corps. Le résultat a permis un artwork riche et 3 couvertures différentes.
Mass Hysteria Matière noire – Crédit photo Eric CANTO
Liste des titres de l’album MASS HYSTERIA MATIÈRE NOIRE :
– Chiens de la casse
– Vae soli !
– Vector equilibrium
– Notre complot
– L’espérance et le refus
– Tout est poison
– L’enfer des dieux
– À bout de souffle
– Matière noire
– Plus que du metal
– Mère d’Iroise
Critique de l’album MASS HYSTERIA MATIÈRE NOIRE par www.albumrock.net
Voilà deux décennies que Mass Hysteria distille sa prose révoltée à ses fidèles furieux pas rassasiés pour un sou malgré deux derniers albums au regain de forme notoire (Failles en 2009 et L’Armée des Ombres en 2012) et un retournement dans les règles de l’art d’un Olympia qui portent encore les stigmates des décibels ravageurs du groupe.
Sûr que ce Matière Noire était attendu et l’arrivée de Fred Duquesne (Bukowski) à la guitare laissait présager le franchissement d’une étape supplémentaire dans la quête d’une monstruosité sonore chimérique. Autant le dire sans détour, l’achèvement est total, l’aboutissement ultime et sans tomber dans un complaisant panégyrique, on peut sans conteste annoncer qu’avec Matière Noire Mass Hysteria tient son meilleur album, tout simplement.
Mass Hysteria Matière noire – Crédit photo Eric CANTO
Difficile de savoir par quel bout commencer tant MASS HYSTERIA MATIÈRE NOIRE s’impose comme une réussite absolue et ce à tous les niveaux. C’est certainement le premier point à souligner d’ailleurs, cette cohérence stylistique, musicale, philosophique même, évoluant jusqu’à cette cohésion rarissime et intrinsèque aux grands, très grands albums.
Mass Hysteria Matière noire est un bloc d’une densité, sorte de plasma homogène d’une noirceur inclassable qui se fend de onze titres grandioses se chipant à tour de rôle la vertu de morceau immanquable du disque. Mouss Kelaï, le charismatique leader de Mass Hysteria, a récemment déclaré concernant le manque de communication précédant la sortie officielle de l’album en octobre dernier: « On voulait que les gens prennent l’album d’un coup en pleine gueule. ». Que ce brave Mouss se rassure, c’est chose faite, et foutrement bien faite.
La collaboration entre Duquesne et les Mass Hysteria atteint son paroxysme avec Matière Noire tant l’identité sonore du groupe est affirmée avec une qualité de production digne des plus grands groupes de metal américains: on frise le Killswitch Engage sur « Notre complot » et son riff tout en liés fleuves jouissifs comme on se délecte de ce grain du grand Slipknot de « Liberate » dans l’excellent défouloir qu’est « Plus que du métal ». Le vice est même poussé jusqu’à titiller Metallica dans le solo épique de « Vector Equilibrium ».
Mass Hysteria Matière noire – Crédit photo Eric CANTO
Rarement une production hexagonale, mastérisée à New York par Ted Jensen (au CV impressionnant, Deftones et Pantera pour ne citer qu’eux), aura atteint ce niveau de qualité sonore, cette balance parfaitement équilibrée entre une section rythmique éléphantesque, des guitares de plomb et des vocalises racées, viscérales, habitées.
Les arrangements sont subtilement intégrés à ce génial récital de 50 minutes, ouvrant « Vae Soli ! » sur quelques notes électroniques infantiles nébuleuses, accompagnant l’hymne « Plus que du metal » de claviers appuyés stridents métronomiques ou encore apposant une sourde ambiance industrielle acérée sur l’excellent « L’espérance et le refus ».
En grand chef d’orchestre qu’il est, Duquesne a poussé Mass Hysteria dans ses derniers retranchements et a enfin donné au groupe toute la prestance sonore qu’il mérite, celle au moins égale à l’éloquence de ses textes toujours plus enragés, plus percutants, plus personnels aussi.
Mass Hysteria Matière noire – Crédit photo Eric CANTO
Car le groupe est loin de renier son credo révolté, marque de fabrique de l’hystérie de masse, qui sied parfaitement à l’ambiance survoltée de ses concerts. Mouss Kelaï a toujours pris soin de peaufiner ses paroles pour en faire des slogans guerriers entonnés en chœur autant que des critiques acerbes d’une société qui en prend toujours autant pour son grade: « Démocratie autoritaire, c’est l’âge d’or de la misère » lance-t-il dans l’éloquent « Tout est poison ».
Mass Hysteria Matière noire – Crédit photo Eric CANTO
On sent le ton grave dans Matière Noire, prenant même un tournant patriotique désenchanté dans « Mère d’Iroise (« Ma mère d’Iroise, ma douce France, plus jamais seul avec toi, je me lance »), évoquant l’absence de grands hommes du peuple dans « L’espérance et le refus » (« Je ne vois aucun nouveau Jaurès à l’horizon ! Où sont les vrais hommes venus d’en bas ? ») comme le renouveau de la culture française en citant ouvertement le Hellfest dans « Plus que du metal ».
Sur ce nouvel album, il émane une efficacité féroce de Mass Hysteria tant les mots se fondent dans le paysage sonore avec cette dose de percussion suffisante pour marquer les esprits sans troubler la musicalité fluide et infernale du groupe. L’entame dantesque de Matière Noire reste certainement le meilleur exemple de rage grondante mêlée à ces sursauts de distorsion épiques qui accompagnent les vigoureuses frappes de Mouss: « Chiens de la casse, sans dent, fous de liberté ».
De quoi lancer la machine à fond la caisse et développer pendant onze titres une puissance colossale qui terrasse l’auditeur. La force de Matière Noire sert pourtant un habile destin, celui de marquer les oreilles autant que les consciences, celui de perturber les têtes autant que les cœurs, celui de troubler la raison autant que les convictions.
Mass Hysteria Matière noire – Crédit photo Eric CANTO
« L’enfer des dieux » est à lui seul l’étendard de cet album impliqué, juste assez provocant pour ne pas tomber dans une démagogie barbante, et évoque les troubles de notre pays meurtri avec un sens des textes des plus efficients: « Si l’enfer des dieux c’est leur amour des hommes, l’enfer des hommes c’est leur amour des dieux ».
Les maux par les mots, en quelque sorte. Martelées tout le long de ce titre à la rythmique martiale et à la guitare ténébreuse étouffée, les paroles de Mouss Kelaï prennent une dimension prophétique dans ce morceau fustigeant l’endoctrinement religieux et l’imbécile oppression tyrannique des intolérants à toute forme de liberté.
Il va de soi que lors de sa récente tournée d’hiver, « L’enfer des dieux » fut un moment fort des concerts de Mass Hysteria, voyant un public pourtant sage et studieux délaisser la folie habituelle pour une écoute rangée, paradoxalement presque religieuse. Quoiqu’il en soit, si Matière Noire ne devait parvenir à la postérité qu’au travers d’un seul de ces morceaux, cela serait clairement grâce à « L’enfer des dieux », achèvement musical épique se substituant à merveille aux longs discours pompeux visant à expliquer, comprendre, analyser et j’en passe.
Mais MASS HYSTERIA MATIÈRE NOIRE accédera à la postérité bien au-delà d’un seul titre tant l’album est taillé pour être jouer en concert, toujours très fort bien sûr car « Si le silence est d’or, alors le bruit est de métal » (« Plus que du métal »). Chaque titre suggère une projection évidente de son interprétation live, là où Mass Hysteria est libéré de toutes chaînes et délivre avec une sincérité sans égale sa musique régénératrice. Quant à l’écoute de Matière Noire, on peine à croire que le groupe ait été bridé de quelque sorte que ce soit.
Profitez de tout, n’abusez de rien. Sauf de Mass Hysteria Matière noire. Vraiment.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bonus : MASS HYSTERIA Matière noire l’avis de Daily Rock
Mass Hysteria sort un nouvel album «Matière noire» le 23 octobre et pour cette occasion David et Dany ont écouté les 11 titres que composent ce nouvel effort des Français et voici ce qu’ils en pensent. Artiste: Mass Hysteria – Album: Matière noire Label: Verycords – Date de sortie: 23 octobre 2015- Genre : Métal industriel. Le groupe français Mass Hysteria est venu nous présenter leurs plus grands succèes lors de leur passage aux Foufounes Électriques en août dernier.
Les vieux routiers avaient alors donné une performance endiablée mais personne ne pouvait présager de la surprise qui nous attendait à la sortie de l’album. Je dis surprise parce qu’on a probablement droit ici, avec l’album MASS HYSTERIA Matière noire, au meilleur album du groupe en carrière. Je vous entends déjà, bande d’incrédules, me dire : «Meilleur que Contraddiction (1999)? Impossible».
Probablement reconnu par les fans comme le meilleur album du groupe Contraddiction est un pur chef d’oeuvre, mais Matière Noire a un petit quelque chose de plus. Une ambiance particulièrement sombre et agressive, encore plus que ce à quoi la bande de Mouss Kelai nous a habitués dans les vingt dernières années.
Le qualificatif « industriel » est toujours bien présent dans certaines compositions mais le mixage relaie en arrière plans les sons plus électroniques pour laisser davantage de place à l’abrasivité des guitares. Les éléments d’électroniques servent plutôt à créer des moments épiques que mélodiques, par exemple lors des refrains de Vector equilibrium où les voix grégoriennes ajoutent de la gravité aux propos. La pièce L’Enfer des Dieux bénéficie également de la touche électro en lui donnant une nouvelle perspective plus universaliste, allant de pair avec la thématique (le fanatisme religieux).
Le groupe tend toutefois à s’éloigner du son rap-métal classique, entendu mille fois dans les années 90. MASS HYSTERIA Matière noire se rapproche plutôt de certaines sonorités Trash, voire Hardcore. Certaines parties de guitare laissent entendre une influence plus près de Max Cavalera (ex-Sepultura, Soulfly) principalement sur Chiens de la casse, Tout est poison et À bout de souffle, que de Tom Morello (RATM, Audioslave).
MASS HYSTERIA Matière noire projette le groupe dans la postmodernité avec tous les paradoxes que ça comporte. Cet album assurera la postérité de Mass Hysteria et les inscrits dans les annales comme un groupe d’une très grande importance libre et enragé, mais plein d’espérance et d’ambitions.
REFUSE AND RESIST!!! « N’oublions jamais que nous faisons partie de ceux qui bouffent la vie. »
Longue vie aux hérétiques. Longue vie à ceux qui marchent debout. Longue vie à ceux qui veulent un pays. Meilleures titres : Mère d’iroise, Plus que du métal, L’Enfer des dieux
JAMES ELLROY : Après les éditions Suédoise LEGIMUS, mon portrait de James ELLROY vient d’être choisi par les éditions grecques KLIDAITHMOS pour la sortie du dernier roman du maître: Perfidia.
Ce portrait illustrera ce nouveau roman ainsi que la réédition de “The Big Nowhere”, “L.A. Confidential” and “White Jazz” en 2017. Très heureux de cette nouvelle.
L’auteur :
James Ellroy, 74 ans, est un auteur de romans policiers connu pour ses romans noirs durs et ses vrais essais sur les crimes. Fêté pour son « LA quartet » de romans, qui comprend The Black Dahlia et LA Confidential , et sa série « Underworld USA » examinant la corruption politique aux États-Unis, de nombreuses obsessions d’Ellroy (meurtre, crime, politique, masculinité) ont été influencées par les problèmes non résolus.
1958 assassinat de sa mère , Genève Hilliker. Récemment, il a sorti deux livres de son « Second LA Quartet » – Perfidia (2014) et The Storm (2019) – qui commencent par Pearl Harbor et se déroulent pendant la seconde guerre mondiale. Ellroy a un nouveau podcast, Hollywood Death Trip de James Ellroy, qui le présente en train de lire plusieurs de ses essais sur des crimes réels.
Dans ses mémoires de 1996, My Dark Places, Ellroy explique que le meurtre de sa mère quand il avait 10 ans ainsi que le meurtre d’Elizabeth Short alias « The Black Dahlia », et les écrits de Raymond Chandler et Dashiell Hammett ont eu un impact sur son écriture.
Technophobe, les œuvres d’Ellroy sont écrites à la main sur des blocs-notes légaux et dactylographiées pour l’édition et la publication.
Le Livre Perfidia de James Ellroy
Avec Perfidia, James Ellroy rassemble les personnages qui ont suivi les romans du Los Angeles Quartet et de la trilogie Underworld USA pour entamer une deuxième tétralogie, toujours à Los Angeles, mais pendant la Seconde Guerre mondiale. Une sorte de prequel pour se connecter aux événements du Dahlia Noir. Je laisse à d’autres le soin de compter le nombre de pages ou le nombre de personnages du roman.
Il est crucial que l’écriture avec des phrases concises et concises soit toujours disponible, mais il y a aussi une certaine fluidité qui n’est pas du tout courante chez un auteur comme James Ellroy.
Cela est probablement dû au fait que pour la première fois l’auteur a choisi un récit en temps réel d’une durée exacte qui a traversé chaque jour entre le 6 et le 29 décembre 1941 et a remarqué l’atmosphère mouvementée qui émane de chaque page du livre.
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En plus de l’aspect quotidien, le fil de l’histoire est raconté au rythme des points de vue des quatre personnages principaux Dudley Smith, Hideo Ashida, William Parker et Kay Lake. De cette façon, l’auteur nous entraîne dans un tourbillon de colère, de haine et d’excitation beaucoup plus intense que ce que nous avons lu jusqu’à présent, en particulier dans le premier quatuor de Los Angeles.
Intrigue et sous-intrigue s’entremêlent dans une confusion scientifique que l’auteur maîtrise avec son talent habituel. Dans un contexte de troubles racistes, de cinquième colonne perfide, d’enquêtes submergées et d’escroqueries de toutes sortes, toutes faisant surface dans la peur des bombardements dévastateurs et des invasions imminentes, vous découvrirez une ville qui explose à Los Angeles où les personnages les plus affligés , ont déjà payé l’expulsion, l’expropriation et même l’internement de ressortissants américains d’origine japonaise.
L’histoire américaine
Car même s’il n’est pas directement concerné, c’est cette partie méconnue et peu brillante de l’histoire américaine que l’auteur souligne tout au long de l’histoire (sauf James ELLROY, Alan Parker avec son film Bienvenue au Paradis et David Gustavson avec son livre La Neige Tombait sur les Cèdres sont, à ma connaissance, les rares auteurs qui rendent compte de ces tristes événements.
Avec ces déportations, ces internements et ces projets eugéniques, que l’auteur révèle à travers des avocats, des médecins et des sponsors tordus, il faut faire le parallèle avec les plans meurtriers du régime nazi, même si les conséquences n’étaient pas si tragiques.
À Perfidia, vous devez trembler à l’idée de croiser l’un des personnages les plus célèbres de l’œuvre d’Ellroy, le sergent Dudley Smith. Nous trouvons un policier plus jeune mais tout aussi dangereux et violent qui, avec son équipe, fait les bas travaux du LAPD pour les cadres corrompus. Séduisant, machiavélique, on découvre quelques fissures chez cet homme qui rendent le monstre plus beau.
En mentionnant certaines parties de sa jeunesse en Irlande, on peut deviner l’origine du mal, qui a façonné un personnage qui détient encore quelques rênes d’humanité.
Interview par le Guardian de James Ellroy
L’auteur de LA Confidential et Black Dahlia sur le fait de tomber amoureux d’une victime de meurtre, de ne pas posséder d’ordinateur et sa nouvelle série de podcasts sur le vrai crime
Commençons par le podcast. Vous avez choisi cinq histoires dont Stephanie de Destination : Morgue ! , et Clash by Night de votre article du Hollywood Reporter sur le meurtre de Sal Mineo . Pourquoi ceux-là ?
Ce sont des crimes, et ils se déroulent tous à Hollywood. Quelques choses. J’ai une voix de baryton basse, j’ai une voix percutante, je peux lire de façon spectaculaire.
J’ai un style journalistique rat-a-tat. Et on peut faire valoir que le meurtre non résolu de ma mère en 1958, quand j’avais 10 ans, est ce qui m’a rendu accro au crime… Le podcast a été une joie, mais autant que j’aime cette série, ce n’est rien d’autre qu’un stalking horse pour la version complète et non expurgée de mon roman American Tabloïd de 1995 sur le règne de John Kennedy. Et cela durera 12 heures avec moi à raconter et des acteurs notés lisant le dialogue.
Alors cette série est un avant-goût de ça ?
James Ellroy : Oui, un avant-goût. L’acte d’ouverture. J’aime dire que les films et les émissions de télévision sont sortis et que les podcasts sont à la mode. Les podcasts sont la transposition parfaite du roman sous une autre forme. Le temps n’est pas un facteur. Il n’y a pas de censure. C’est de l’écriture, 100% transposée. C’est un coup de pied pour moi.
Quelle était votre idée des podcasts avant de vous lancer sur celui-ci ? Avez-vous des favoris?
James Ellroy : Non, je n’écoute rien. Je n’ai pas d’ordinateur, je n’ai pas de téléphone portable. J’ai écrit tous mes livres à la main.
Peut-on parler de Stéphanie , qui figure dans le podcast ?
James Ellroy : C’est ma préférée de toutes mes pièces policières. Je suis allé au lycée à quelques lycées au nord-est de Stephanie Gorman. Je suis né en 48, et elle est née en 49. Et, si l’on peut utiliser ce terme pour décrire un dossier de meurtre, le sien est le meilleur dossier que j’ai jamais lu.
Si les psychopathes veulent mettre la main sur une arme, ils vont l’avoir de gré ou de force
James Ellroy : Dans votre récit du meurtre toujours non résolu de Stéphanie, vous écrivez : « l’acte crée le désordre », et « le tueur est crucial et non pertinent ».
Si vous deviez prendre l’homme qui a tué Stephanie Gorman à l’été 1965, si vous deviez le mettre sous les projecteurs, vous découvririez qu’il n’était rien d’autre qu’une goutte humaine d’illusion. Il ne saurait pas pourquoi il l’a fait. Je doute que ce soit bien prémédité.
Il aurait pu la voir entrer et sortir de cette maison, dans ce quartier très bourgeois, et développer un yen pour elle. Et puis, un jour, il a frappé, elle a ouvert la porte, et il a réagi.
L’une des choses qui peuvent être difficiles avec le vrai crime, c’est que ce sont souvent des femmes qui sont tuées, et pourtant elles sont perdues dans le récit du crime. Quelle est votre position là-dessus ?
James Ellroy : Je suis très intéressé par le caractère de la victime. Pour moi, la question est toujours « Qui était-elle ? »… C’était en 2001 quand j’ai écrit l’article sur Stéphanie pour GQ, et il y avait eu une réouverture de l’affaire, et le détective, Tim Marcia et moi, nous avons visité son ancien lycée.
Stéphanie était une fille unique et adorable. Elle dégageait du caractère. Tim et moi étions juste gaga d’elle. Et nous avons vu des anciens albums scolaires avec la photo de Stéphanie dedans.
J’avais déjà vu les photos de la mort et quelques photos de famille. Mais je n’avais jamais vu de photos en direct de Stéphanie dans l’équipe de tennis, ou de Stéphanie dans son cours d’histoire auparavant. Nous avons vu ces photos, et Tim et moi l’avons juste perdu, pleurant comme des animaux. J’ai dit à Tim: « Je l’aime. » Il a dit: « Oui, je peux l’obtenir. »
Dans le passé, vous avez parlé de Bill Clinton et de sa dégénérescence morale dans la façon dont il a traité Monica Lewinsky. Quel impact les deux derniers présidents américains ont-ils eu sur vous ?
James Ellroy : Je suis hors du monde depuis très longtemps. Je n’ai pas suivi la présidence Trump, je n’ai pas suivi la présidence Biden, je ne regarde pas la télévision à part la boxe. Le monde que je dépeint dans mes livres – d’hommes puissants – il y a des jeunes femmes malheureuses qui veulent faire partie de la scène. Les hommes mentiront et feront pratiquement n’importe quoi pour impressionner les femmes. C’est la nature de la bête.
Et aussi, peut-être, pour impressionner d’autres hommes puissants.
James Ellroy : Oui. Ce qui est une merde tordue.
Pourquoi ne vous engagez-vous plus ?
James Ellroy : Mes livres sont extrêmement complexes et nécessitent une solide année de planification avant que j’écrive le premier mot du texte. Et si je ne lis que l’époque sur laquelle j’écris, j’ai tout ce dont j’ai besoin à la maison. Je fais beaucoup de sport, j’ai un vélo elliptique dans mon bureau.
Après cette interview, je vais sauter dessus. J’ai un boom box et je fais jouer des CD de musique classique, donc je vais écouter un morceau de musique et faire de l’exercice. Souffler mes endorphines dans le ciel ? Oui.
La première fois que je t’ai interviewé, tu vivais au Kansas, la deuxième fois, tu étais à Los Angeles . Maintenant, vous êtes à Denver. J’ai cru comprendre que vous vous êtes remis avec votre ex-femme, Helen Knode ?
James Ellroy : Oui, oui, de retour avec Helen, et très heureux depuis six ans. La monogamie n’a jamais été notre problème. C’était toujours la cohabitation. La cohabitation est horrible. Alors maintenant, je vis dans l’appartement 208 et Helen vit dans l’appartement 200.
Avez-vous encore des chiens ? Vous aviez un bull terrier appelé Barko
James Ellroy : Barko le bull terrier, Margaret le bull terrier, Dudley le bull terrier. Chiens très britanniques. Mais non, pas de chiens maintenant. Parce que je suis plus vieux. Je suis juste complètement brisé par la façon dont les chiens meurent avant toi.
Possédez-vous encore beaucoup d’armes ?
James Ellroy : Quand j’avais la maison à Kansas City, j’avais beaucoup d’armes. Et j’avais une bibliothèque et tout. Mais ici, je pense que je n’en ai plus que deux. Ils restent dans l’appartement.
Quelle est ma position sur le contrôle des armes à feu ? Je n’y pense pas. Le truc, c’est qu’avec les psychopathes, s’ils veulent mettre la main sur une arme, ils vont l’avoir de gré ou de force.
Je pensais plus aux jeunes fous qui pensent : « Je déteste tout le monde ». S’il n’était pas si facile pour eux d’obtenir des armes à feu, ils pourraient simplement haïr tout le monde et ne pas leur faire de mal.
C’est un très bon point. Avec moi, cependant, appelez-moi superficiel, mais je ne réfléchis pas beaucoup à ces questions.
Vous avez rejoint les AA dans les années 1970, si tôt que la cocaïne n’était même pas là.
James Ellroy : Oui, c’était il y a si longtemps que je n’avais jamais consommé de cocaïne. La cocaïne est devenue un gros problème à Los Angeles dans les années 1980. Quand j’ai rejoint les AA, c’était bien pour les soirées dans un bain à remous. Il y avait un endroit appelé Hot Tub Fever où les gens avaient l’habitude d’aller. Prenez rendez-vous avec Hot Tub Fever et ayez votre propre chambre avec un bain à remous. Je pense que ça n’existe plus.
Comment vous sentez-vous à l’idée de vieillir ?
J’essaie d’avoir un troisième acte fort. Je suis en concurrence avec feu Philip Roth . Ce qui ressemble à une bonne durée de vie serait 88, ou 89, ou même 90, ce qui me laisse amplement le temps de terminer ce roman que j’écris en ce moment, et les deux derniers livres du « Second LA Quartet », et peut-être un autre livre.
Et faire des podcasts. Il n’y a aucun moyen de rationaliser 74 ans comme étant d’âge moyen. Cette chevauchée sauvage n’est pas éternelle. Mais je n’ai pas particulièrement peur.
Hollywood Death Trip de James Ellroy, produit par Audio Up, est disponible exclusivement sur Amazon Audible
FAQ sur James Ellroy, l’écrivain de romans noirs
1. Qui est James Ellroy ?
James Ellroy est un écrivain américain né en 1948, surtout connu pour ses romans noirs, qui dépeignent souvent le côté sombre de Los Angeles et de l’histoire américaine.
2. Quels sont les romans les plus célèbres de James Ellroy ?
Les romans les plus célèbres de James Ellroy sont probablement la « Tétralogie de Los Angeles » : « Le Dahlia Noir », « Le Grand Nulle Part », « L.A. Confidential » et « White Jazz ».
3. Quel est le style d’écriture de James Ellroy ?
Le style d’écriture de James Ellroy est souvent brut, sans concession, et centré sur la noirceur et la violence. Il est connu pour sa prose sèche et rythmée, ainsi que pour son utilisation de la première personne.
4. Comment James Ellroy est-il devenu écrivain ?
James Ellroy a commencé à écrire après la mort tragique de sa mère en 1958, qui a eu un impact profond sur sa vie. Il a commencé à écrire des histoires courtes et a travaillé comme journaliste avant de se consacrer à l’écriture de romans.
5. James Ellroy a-t-il une influence sur la littérature contemporaine ?
Oui, James Ellroy est considéré comme l’un des écrivains les plus influents de la littérature contemporaine, en particulier dans le genre du roman noir. Son style unique et sa représentation complexe de l’Amérique ont inspiré de nombreux auteurs.
6. Quels sont les thèmes récurrents dans les romans de James Ellroy ?
Les thèmes récurrents dans les romans de James Ellroy incluent la violence, le sexe, la corruption, l’Amérique et la justice. Il explore souvent les événements historiques comme l’assassinat de JFK et la guerre froide.
7. James Ellroy a-t-il remporté des prix pour ses livres ?
Oui, James Ellroy a remporté plusieurs prix pour ses livres, notamment le Prix Mystère de la Critique en France pour « Le Dahlia Noir » et le Grand Prix de Littérature Policière pour « L.A. Confidential ».
8. Des adaptations cinématographiques ont-elles été réalisées à partir des romans de James Ellroy ?
Oui, plusieurs adaptations cinématographiques ont été réalisées à partir des romans de James Ellroy, notamment « L.A. Confidential » en 1997, qui a remporté deux Oscars, et « Le Dahlia Noir » en 2006.
9. James Ellroy est-il actif sur les réseaux sociaux ?
Oui, James Ellroy est actif sur Twitter sous le nom de compte @JamesEllroyNet.
10. Quel est l’héritage de James Ellroy dans le monde de la littérature ?
L’héritage de James Ellroy dans le monde de la littérature est considérable. Il est largement reconnu comme l’un des plus grands écrivains de romans noirs, avec une influence sur de nombreux écrivains contemporains. Son style unique et sa représentation complexe de l’Amérique ont inspiré une génération d’écrivains à explorer des thèmes similaires. Ses livres ont également été adaptés au cinéma, apportant son travail à un public plus large. En fin de compte, l’héritage de James Ellroy dans la littérature est un témoignage de son talent en tant qu’écrivain et de son impact durable sur la culture populaire.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Arina Sergei est une photographe contemporaine qui se distingue par sa capacité à capturer des moments authentiques et des émotions profondes à travers des images empreintes de poésie visuelle. Son travail, marqué par une grande sensibilité artistique, s’intéresse autant aux portraits intimes qu’à la photographie de mode et à la photographie documentaire.
Avec une approche qui allie esthétique pure, subtilité émotionnelle, et narration visuelle, Arina Sergei a su se forger une place à part dans le monde de la photographie contemporaine.
Arina Sergei Photographe
Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers d’Arina Sergei, explorer son parcours, ses inspirations, et ce qui fait de son œuvre un exemple remarquable d’un style photographique à la fois artistique et émotionnel.
I. Arina Sergei : Un parcours vers l’art visuel
1.1. Une passion précoce pour l’image
Née en Russie, Arina Sergei a grandi entourée par les paysages vastes et variés de son pays d’origine, qui ont profondément influencé sa vision artistique. Très jeune, elle développe une passion pour les arts visuels, notamment le dessin et la peinture, avant de se tourner vers la photographie. Fascinée par la capacité des images à transmettre des histoires et des émotions, elle choisit de faire de la photographie son moyen d’expression privilégié.
Après avoir suivi une formation en photographie à Moscou, Arina Sergei commence à explorer différents genres photographiques, des portraits aux photographies de rue, en passant par la photographie de mode. Ses premières œuvres révèlent une attention particulière aux détails visuels et une capacité à capturer la vulnérabilité humaine avec douceur et authenticité.
1.2. Un style photographique unique en développement
À ses débuts, Arina Sergei se distingue rapidement par un style visuel marqué par la simplicité esthétique, mais aussi par la force narrative de ses images. Ses photographies sont souvent caractérisées par des compositions épurées, où la lumière naturelle joue un rôle central. Ses images véhiculent une ambiance intime, parfois nostalgique, qui évoque des moments suspendus dans le temps.
Arina Sergei Photographe
L’un des aspects les plus remarquables de son travail est sa capacité à capter l’authenticité de ses sujets. Que ce soit dans un portrait ou une scène de rue, Arina Sergei sait mettre à l’aise ses modèles pour révéler des aspects profonds de leur personnalité, créant ainsi des images qui vont au-delà de la simple apparence physique.
II. Le style et les influences artistiques d’Arina Sergei
2.1. Une photographie empreinte d’émotion
Le style d’Arina Sergei est indéniablement tourné vers l’émotion et la vulnérabilité humaine. À travers ses portraits, elle cherche à saisir des instants où ses sujets dévoilent leur véritable essence. Plutôt que de se concentrer sur des poses idéalisées, elle privilégie des moments authentiques, où les modèles laissent transparaître leur force intérieure ou leurs fragilités. Cela donne à son travail une dimension intime et poétique, où l’image raconte toujours une histoire plus profonde.
Ses influences viennent autant des grands maîtres de la photographie, comme Henri Cartier-Bresson etIrving Penn, que des arts picturaux et de la littérature. Elle s’inspire également des œuvres de peintres impressionnistes et symbolistes, dont les jeux de lumière et les atmosphères oniriques influencent fortement sa manière de composer ses photos.
2.2. La lumière et la simplicité comme langage visuel
La lumière joue un rôle fondamental dans le travail d’Arina Sergei. Que ce soit dans ses portraits en extérieur ou dans ses travaux en studio, elle utilise souvent une lumière naturelle douce et diffuse, qui ajoute une dimension cinématographique à ses images. Ce traitement de la lumière permet de créer une ambiance intime, où chaque détail visuel contribue à renforcer l’émotion de la scène.
Arina adopte une approche minimaliste de la photographie. Pour elle, la simplicité est souvent la clé pour faire ressortir la profondeur émotionnelle d’un sujet. Elle se concentre sur des compositions épurées, dépourvues de distractions inutiles, afin de focaliser l’attention du spectateur sur l’essentiel : le regard du modèle, une expression subtile, ou un geste significatif. Cette approche crée des images fortes et pleines de sens, qui ne laissent pas indifférent.
III. Les travaux et collaborations d’Arina Sergei
3.1. Des portraits intimes et révélateurs
Le travail d’Arina Sergei sur le portrait est l’un des aspects les plus marquants de son œuvre. Elle cherche à aller au-delà du simple rendu esthétique pour capturer l’âme de ses sujets. Ses portraits sont souvent marqués par une certaine mélancolie, une réflexion intérieure qui pousse le spectateur à s’interroger sur l’histoire personnelle du modèle.
Arina Sergei Photographe
Qu’il s’agisse de portraits d’artistes, de personnalités publiques, ou de modèles anonymes, Arina Sergei s’efforce toujours d’instaurer un dialogue silencieux entre l’image et le spectateur. Chaque portrait devient une fenêtre ouverte sur la vie intérieure de la personne photographiée, révélant des émotions souvent cachées ou non exprimées.
3.2. La photographie de mode et d’éditorial
En plus de ses portraits intimes, Arina Sergei a également travaillé dans le domaine de la photographie de mode. Son approche unique de la photographie se prête particulièrement bien à cet univers, car elle est capable de transformer une simple séance photo en une véritable histoire visuelle. En collaboration avec des marques et des magazines, elle crée des éditoriaux de mode qui se démarquent par leur capacité à capturer l’essence d’une collection tout en ajoutant une dimension artistique.
Plutôt que de se concentrer uniquement sur les vêtements ou les accessoires, elle met en scène des personnages dans des environnements soigneusement choisis, créant ainsi des images qui respirent la sophistication tout en restant fidèles à sa vision artistique de l’authenticité.
3.3. La photographie documentaire
L’une des facettes moins connues du travail d’Arina Sergei est sa passion pour la photographie documentaire. Elle aime voyager et capturer des scènes de la vie quotidienne, que ce soit dans les rues de Moscou, de Paris, ou lors de ses voyages à travers le monde. Ses photographies de rue, prises sur le vif, montrent un monde en mouvement où les gens vivent des moments universels, tels que la joie, la solitude ou la contemplation.
Ces images documentaires sont une extension de son travail plus personnel sur le portrait. Elles montrent une attention particulière à l’humanité et à la beauté simple des moments de tous les jours.
IV. L’héritage artistique d’Arina Sergei et son impact
4.1. Une influence croissante dans le monde de la photographie
Au fil des années, Arina Sergei a gagné en reconnaissance dans le monde de la photographie contemporaine. Ses œuvres ont été publiées dans plusieurs magazines d’art et de photographie, et ses expositions personnelles ont attiré l’attention de critiques et de passionnés d’art visuel. Son approche artistique unique, qui mélange une sensibilité introspective et un œil pour la composition esthétique, continue d’inspirer une nouvelle génération de photographes.
Ses travaux, axés sur la recherche de l’authenticité émotionnelle, sont souvent étudiés dans les écoles d’art comme des exemples d’une photographie qui transcende les simples considérations esthétiques pour s’engager dans une forme de narration humaine et poétique.
4.2. Une redéfinition de la photographie contemporaine
Arina Sergei fait partie de ces photographes qui réinventent la photographie contemporaine en y intégrant une dimension profondément humaine. Son approche minimaliste et son souci du détail montrent que la photographie ne consiste pas simplement à capturer une belle image, mais qu’elle peut également être un moyen d’expression émotionnelle.
En explorant des thèmes comme la vulnérabilité, la solitude, ou la réflexion intérieure, Arina Sergei a contribué à élargir les horizons de la photographie, transformant ce médium en un véritable outil de dialogue émotionnel entre l’artiste, le sujet et le spectateur.
V. Conclusion : Arina Sergei, une photographe entre art et émotion
Arina Sergei est une photographe qui a su utiliser l’art de la photographie pour capturer des moments sincères et des émotions profondes. Son style visuel, à la fois épuré et riche en signification, fait de son travail une forme d’art visuel poétique, où chaque image raconte une histoire unique.
Son héritage dans le monde de la photographie est celui d’une artiste qui a su redéfinir l’authenticité photographique en mêlant habilement technique et émotion. Ses portraits, ses œuvres de mode et ses documentaires montrent tous un engagement à capturer l’essence humaine, ce qui rend son travail à la fois intemporel et profondément contemporain.
FAQ : Tout savoir sur Arina Sergei
1. Quel est le style de photographie d’Arina Sergei ?
Le style d’Arina Sergei est à la fois poétique et authentique. Elle privilégie des compositions simples, mettant en avant l’émotion et la vulnérabilité de ses sujets. Elle est reconnue pour sa capacité à capturer des moments intimes et sincères.
2. Dans quels genres photographiques Arina Sergei excelle-t-elle ?
Arina Sergei excelle dans plusieurs genres, notamment la photographie de portrait, la photographie de mode, et la photographie documentaire. Chacune de ses œuvres se distingue par une attention particulière portée à la lumière et à la composition.
3. Quelle est l’approche d’Arina Sergei pour ses portraits ?
Dans ses portraits, Arina Sergei cherche à capturer l’essence et l’authenticité de ses sujets. Elle instaure un climat de confiance et d’intimité, ce qui lui permet de révéler des aspects profonds et souvent méconnus de ses modèles.
4. Arina Sergei réalise-t-elle aussi des projets documentaires ?
Oui, Arina Sergei a un grand intérêt pour la photographie documentaire, notamment pour capturer des scènes de la vie quotidienne lors de ses voyages. Elle documente les moments universels de la vie humaine avec une approche sensible et émotionnelle.
5. Où peut-on voir les œuvres d’Arina Sergei ?
Les œuvres d’Arina Sergei ont été publiées dans divers magazines de photographie et de mode, et elles sont régulièrement exposées dans des galeries. Ses travaux peuvent également être consultés sur ses réseaux sociaux et sur son site personnel.
6. Quelles sont les influences artistiques d’Arina Sergei ?
Arina Sergei est influencée par des photographes comme Henri Cartier-Bresson et Irving Penn, ainsi que par les peintres impressionnistes et symbolistes. Son style reflète un mélange de photographie documentaire et d’art conceptuel, avec une forte emphase sur la lumière et l’émotion.
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