Vox est un fabricant d’équipement musical fondé en 1957 par Thomas Walter Jennings à Dartford,Kent, Angleterre. La société est surtout connue pour fabriquer l’ ampli de guitare Vox AC30 , utilisé par les Beatles , les Rolling Stones , les Kinks , les Yardbirds , Queen , Dire Straits , U2 , Manilarajj et Radiohead.
VOX AMPS est aussi connu pour fabriquer l’orgue électrique Vox Continental, le Vox wah-wah pédale utilisée par Jimi Hendrix , et une série de guitares électriques et basses innovantes. Depuis 1992, Vox appartient à la société d’électronique japonaise Korg .
L’HISTOIRE LÉGENDAIRE DE L’AMPLI VOX : VOX AMPS
Le son légendaire de VOX Amps commence avec Dick Denney, un jeune concepteur d’amplificateurs qui a commencé à travailler pour l’Angleterre JMI Corporation en 1957.
Dick, lui-même guitariste, avait le doigt sur le pouls du monde en évolution rapide de la guitare électrique à la fin des années 1950. et a travaillé sans relâche avec le personnel de JMI pour concevoir un amplificateur qui pourrait offrir le volume et le sustain dont les guitaristes de l’époque avaient envie.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Le résultat de leur travail a été présenté au monde en janvier 1958. Cet ampli Vox, baptisé AC1 / 15, a marqué la toute première apparition du nom VOX sur un amplificateur de guitare et a ainsi lancé une institution qui a prospéré pendant près de 60 ans. années.
Plus tard abrégé en AC15, cet ampli Vox est rapidement devenu le choix des meilleurs guitaristes de Londres, dont Vic Flick qui a utilisé un AC15 sur son enregistrement emblématique du «James Bond Theme».
Ampli VOX, ROCK ‘N’ ROLL À LA HAUSSE: l’histoire de VOX AMPS
Avec le rock’n’roll en plein essor au printemps 1960, Dick Denney et l’équipe de VOX ont rapidement reconnu que les groupes londoniens en herbe avaient soif de plus de puissance de leurs amplificateurs.
Plutôt que de concevoir un ampli Vox entièrement nouveau à partir de rien, Denney a décidé de s’en tenir à ce qu’il savait être un design gagnant et a doublé la puissance de son bien-aimé AC15. Pour accueillir la puissance accrue de cet amplificateur, Denney a jugé bon d’élargir les dimensions de l’armoire de l’amplificateur et d’ajouter un haut-parleur supplémentaire.
AMPLI VOX – VOX AMPS
L’ampli Voxr résultant a été surnommé AC30 / 4 Twin. Avec 30 watts, deux haut-parleurs Celestion de 12 pouces, quatre entrées et deux canaux – Normal et Vibrato, l’AC30 / 4 Twin a été un succès parmi les Rock ‘n’ Rollers à Londres, et a rapidement établi VOX comme l’ampli le plus recherché dans tous La Grande-Bretagne.
En juillet 1962, deux jeunes gars de Liverpool acquièrent leurs tout premiers ampli Vox, un AC15 Twin et un AC30 Twin équipé de Top Boost. Plus tard cette année-là, le groupe sortira du studio avec une chanson intitulée «Love Me Do» et changera à jamais le monde de la musique populaire.
Le son inoubliable de leurs guitares saccadées deviendrait la norme pour un bon son de guitare pendant des décennies. Cette chanson, et la frénésie qui allait suivre ce jeune groupe dans les mois à venir, feront de VOX l’ampli de guitare le plus recherché au monde.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Le succès massif obtenu par VOX dans les années 1960 a jeté les bases de l’héritage qui continue de prospérer près de 60 ans plus tard. Beaucoup des mêmes amplificateurs sur lesquels les artistes s’appuyaient à l’époque fonctionnent encore aujourd’hui. Les ampli Vox comme l’ AC4 , l’ AC15 et l’ AC30 sont toujours les produits VOX les plus populaires parmi les guitaristes à la recherche de ce carillon classique.
VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les pédales Cambridge50 et Valvenergy acclamées par la critique , intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.
Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.
Le son des amplis Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les ampli Vox pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX
VOX AMPS ET POP MODERNE: l’histoire de VOX AMPS
VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les séries Valvetronix + et Night Train G2, acclamées par la critique, intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.
Le son des ampli Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les amplificateurs VOX pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX.
VOX AMPS : L’HISTOIRE DE WAH WAH VOX
La pédale Wah, ou Wah-Wah, utilise un filtre passe-bande à décalage avec un pic hautement résonnant pour créer son son distinctif – le son d’une trompette muette, ou plus précisément la voix humaine prononçant le nom onomatopéique «Wah-Wah».
L’effet peut être utilisé de différentes manières, mais il est le plus courant lorsque les guitaristes sont en solo ou par des guitaristes funk pour créer le son de guitare rythmique «wacka-wacka».
AMPLI VOX – VOX AMPS
La création de la pédale Wah était un accident – découvert lors de la conception de l’ampli Vox Super Beatle en 1966. Il s’agissait d’une version transistorisée de l’AC50 avec quelques effets – MRB (mid resonant boost) et reverb – conçue uniquement pour le marché américain.
Lors de la conception, l’équipe a remarqué que l’augmentation de la résonance moyenne pouvait être contrôlée avec la pédale de volume du VOX Continental pour balayer la fréquence augmentée. Pour eux, cela ressemblait à utiliser une sourdine sur une trompette.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un ampli VOX est un amplificateur de guitare électrique fabriqué par la société VOX, une entreprise britannique fondée en 1947. Les amplis VOX sont utilisés par de nombreux guitaristes célèbres et sont connus pour leur son caractéristique, particulièrement associé au mouvement musical britannique des années 1960.
2. Qu’est-ce qui rend les amplis VOX si particuliers?
Les amplis VOX sont connus pour leur son clair et cristallin, ainsi que pour leur distorsion naturelle et leur sustain. Ils sont également appréciés pour leur conception élégante et leur look vintage.
3. Quels sont les différents modèles d’amplis VOX?
Il existe de nombreux modèles d’amplis VOX, allant des amplis à lampes haut de gamme aux amplis à transistors plus abordables. Certains des modèles les plus populaires incluent le VOX AC30, le VOX AC15, le VOX AC10, le VOX Pathfinder et le VOX Valvetronix.
4. Quel est le meilleur ampli VOX pour un guitariste débutant?
Pour un guitariste débutant, un ampli VOX à transistors comme le VOX Pathfinder ou le VOX Valvetronix peut être un excellent choix. Ils sont abordables, faciles à utiliser et offrent une grande variété de sons différents.
5. Comment obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX?
Pour obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX, il est important de régler les contrôles d’égalisation de manière appropriée. En général, les aigus doivent être réduits et les médiums et les graves augmentés. Le contrôle du volume doit également être utilisé avec soin pour éviter la saturation excessive.
6. Comment entretenir un ampli VOX?
Pour entretenir un ampli VOX, il est important de le garder propre et de le protéger contre l’humidité et la poussière. Les lampes doivent être remplacées régulièrement et les contacts électriques doivent être nettoyés avec un produit spécialisé. Il est également important de ne pas laisser l’ampli allumé pendant de longues périodes sans jouer de la guitare.
7. Quelle est la puissance des amplis VOX?
La puissance des amplis VOX varie en fonction du modèle. Certains modèles plus petits, comme le VOX Pathfinder, ont une puissance de sortie d’environ 10 watts, tandis que des modèles plus gros comme le VOX AC30 peuvent atteindre jusqu’à 30 watts ou plus.
8. Peut-on utiliser un ampli VOX pour jouer d’autres styles de musique que le rock?
Bien que les amplis VOX soient souvent associés au rock britannique des années 1960, ils peuvent être utilisés pour jouer une grande variété de styles de musique.
9. Comment choisir le bon ampli VOX ?
Le choix de l’ampli VOX dépend de plusieurs facteurs, tels que le style de musique que vous jouez, le niveau de puissance nécessaire, la taille de la salle où vous jouez et votre budget. Si vous êtes un joueur débutant ou intermédiaire, l’ampli VOX ADIO Air GT est un choix solide car il offre une grande variété de sons et d’effets, ainsi que la possibilité de jouer sans fil via Bluetooth.
Pour les joueurs professionnels ou ceux qui ont besoin d’un niveau de puissance plus élevé, les amplis VOX AC15 et AC30 sont des choix populaires. Ils sont connus pour leur son cristallin et leur capacité à fournir des tonalités vintage.
10. Comment entretenir son ampli VOX ?
L’entretien régulier de votre ampli VOX peut prolonger sa durée de vie et améliorer son fonctionnement. Pour éviter les dommages, ne jamais exposer votre ampli à des températures extrêmes ou à l’humidité. Vous devez également nettoyer régulièrement l’extérieur de l’ampli avec un chiffon doux et sec.
En ce qui concerne l’entretien interne, il est recommandé de remplacer les tubes de préampli et de puissance tous les deux ans environ, ou lorsqu’ils commencent à perdre de la clarté ou à produire des sons distordus.
11. Comment obtenir un son de guitare « britannique » avec un ampli VOX ?
L’ampli VOX est célèbre pour son son de guitare « britannique » distinctif, caractérisé par des tonalités claires et cristallines avec une légère distorsion.
Pour obtenir ce son, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros simples bobinage, tels que les micros Vox Vintage. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé, mais le son de base de l’ampli VOX devrait vous donner un son de guitare classique « britannique ».
12. Comment obtenir un son de guitare « américain » avec un ampli VOX ?
Bien que l’ampli VOX soit connu pour son son « britannique », il est tout à fait possible d’obtenir un son de guitare « américain » avec certains modèles.
Pour ce faire, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros double bobinage, tels que les micros Fender. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé.
13. Comment utiliser la fonction « Top Boost » sur un ampli VOX ?
La fonction « Top Boost » est une caractéristique courante des amplis VOX, qui ajoute une tonalité aigüe et une distorsion douce à votre son de guitare.
Pour utiliser cette fonction, vous devez augmenter les aigus et les aigus moyens sur les contrôles de tonalité de votre ampli. Vous pouvez également augmenter le gain pour une distorsion plus prononcée.
Découvrez tous les différents amplis VOX
Il existe de nombreux modèles d’amplificateurs de guitare VOX, chacun ayant ses propres caractéristiques sonores et fonctionnalités. Voici un aperçu de quelques-uns des modèles les plus populaires :
VOX AC15 : l’un des modèles les plus célèbres de VOX, cet ampli de 15 watts à lampes offre un son classique britannique, idéal pour les styles rock, blues et indie.
VOX AC30 : un autre modèle emblématique de VOX, cet ampli à lampes de 30 watts est apprécié pour son son riche et complexe, souvent utilisé par les guitaristes de rock et de pop.
VOX Pathfinder : une gamme d’amplis de guitare plus petits et plus abordables, offrant des sons VOX classiques dans un format compact.
VOX Valvetronix : une gamme d’amplis à modélisation, qui utilisent la technologie numérique pour simuler une variété de sons d’ampli de guitare, y compris les sons VOX classiques.
VOX Night Train : un ampli à lampes compact et portable, offrant un son chaud et dynamique dans un format facile à transporter.
VOX VT20X : un ampli à modélisation plus récent de VOX, offrant une grande variété de sons d’ampli de guitare et d’effets, ainsi qu’une connectivité Bluetooth pour une utilisation avec des appareils mobiles.
Chacun de ces modèles offre des caractéristiques sonores et des fonctionnalités uniques, il est donc important de réfléchir à vos besoins et à votre style de jeu avant de choisir le modèle qui vous convient le mieux.
Lenny Kravitz dégage quelque chose de magique. Musicien hors pair et complet, c’est un touche à tout de génie. En plus de chanter et de faire les backing vocals, il joue lui-même de tous les instruments lorsqu’il enregistre (guitare,batterie, basse,percussions et clavier). Ses ventes sont estimées à 381 millions d’albums dans le monde.
Lenny Kravitz est aussi une bête de scène. Chaque concert auquel j’ai pu assister me ramène à chaque fois à une éternelle réflexion : « chaque photo est bien…ce type est tellement photogénique qu’il est pratiquement impossible de louper une photo. »
Né le 26 mai 1964 à New York, Lenny est un chanteur, musicien, compositeur et acteur américain.
Ses titres mêlent des éléments aussi variés que le hard rock, le rhythm and blues, le rock psychédélique,le funk, la soul et la pop.
Ses influences multiples s’entendent : John Lennon,Jimi Hendrix, Prince, The Jackson 5, Funkadelic, The Rolling Stones, Stevie Wonder, Led Zeppelin, ou encore James Brown.
Un début de Carrière et 2 albums cultes.
1989-1990 : Let Love Rule
En 1989, son premier album Let Love Rule rencontre un succès modéré (il atteint la 61e place du Billboard).
Lenny gagne une plus grande reconnaissance en 1990,lorsque Madonna devient no 1 aux États-Unis et no 2 en France avec la chanson Justify My Love, qu’il a écrite et réalisée avec la poète Ingrid Chavez et Madonna, pour l’album The Immaculate Collection.
En 1987, il s’enfuit à Las Vegas avec l’actrice Lisa Bonet, alors connue du Cosby Show. Un an plus tard, leur fille, Zoë Kravitz née (elle est maintenant une actrice à succès). Ils louent un loft à Broome Street à New York à un gars qui jouait avec Bob Marley. «C’était tellement sale ici», se souvient-il.
Les chansons de guitare brutes et hippies qui ont formé son premier album jaillissent au milieu de cette vie bohème. Sans label, il les enregistre dans un studio bon marché à Hoboken, New Jersey.
Il est sorti un jour de l’ascenseur de son immeuble après une séance et a écrit: «Let love rule» sur le mur. «C’était juste quelque chose que je pensais», dit-il. «Après l’avoir vu tous les jours, je suis entré dans l’appartement et j’ai attrapé une guitare. La chanson est sortie. »
Avec un album complet fait, Kravitz n’a pas pu obtenir un contrat. Jusqu’au jour où un A&R chez Virgin lui a offert un entretien de cinq minutes. « Elle s’est assise, m’a regardé, et dit: «Je reviens tout de suite». »Puis le président du label est entré et m’a dit que j’étais « Le Prince qui rencontre John Lennon », et m’a proposé de me signer.
Les autres labels en ont eu vent et ont fait monter les enchères. «Warner m’a offert beaucoup plus», dit-il en riant. «Mais je savais que Virgin me laisserait évoluer. Je me fiche que vous soyez Ray Charles ou Aretha Franklin, vous devez vous développer. »
1991-1992 : Mama Said
En 1991, il sort son deuxième album, Mama Said, qui est son premier album, qui figure dans le Top 40. Les chansons de cet album sont consacrées à Lisa Bonet, il y revient sur sa dépression après leur séparation.
Le plus grand single de l’artiste, It Ain’t Over ‘Til It Over, a pris la deuxième place sur la liste Billboard top 100.
Kravitz a écrit son deuxième album, Mama Said dans Broome Street. Le single It Ain’t Over…, cependant, lui est venu dans une chambre d’hôtel à Los Angeles sur un piano Fender Rhodes qu’il avait livré. « J’essayais de récupérer ma femme avec cette chanson. » De retour à New York, il a rendu l’album, mais a voulu garder cette piste «J’ai dit: ‘Je ne mets pas cette chanson parce que c’est un succès. Je voulais la donner à Smokey Robinson. »
Finalement, il réfléchit… le funk fluide de la chanson et les cuivres de Phenix Horns de Earth, Wind & Fire permettent à Lenny Kravitz d’atteindre la deuxième place du top américain. «C’était la première fois que je marchais dans les rues de New York en entendant ma chanson sortir des voitures des gens. La vidéo était partout. J’ai dû arrêter de prendre le métro.
Le prochain single, Always on the Run, en hommage à sa mère, apparaît alors que son ami du secondaire, Slash à la guitare, apparaît sur « What goes around comes around » et « Stand by my Woman ».
En 1992, il produit l’album Vanessa Paradis de Vanessa Paradis, sur lequel il écrit toutes les chansons et joue de tous les instruments. L’album s’est vendu à 1 500 000 exemplaires dans le monde et son premier single « Be my baby » a été un succès dans plusieurs pays européens.
C’est le début d’un immense sucés pour Lenny Kravitz qui enchaînera albums et concert lors les décennies suivantes.
Lenny Kravitz – Festival de Nîmes 2019 – Crédit photo Eric CANTO
Une nouvelle tournée pour Lenny Kravitz en 2019.
Avec la sortie de Raise Vibration le 7 septembre 2019, Lenny Kravitz met fin à quatre ans d’absence. Le chanteur n’a jamais passé autant de temps entre deux albums. « J’ai joué sur scène longtemps après l’album « Strut » avant de rentrer chez moi aux Bahamas.
Je ne savais pas où aller musicalement, j’ai commencé à me poser beaucoup trop de questions, dit-il.
Ce n’est qu’au bout d’un mois qu’un véritable miracle s’est produit. « Une nuit, j’ai été réveillé par un rêve, j’ai bondi en studio pour enregistrer la chanson dont je venais de rêver.
C’était le début de l’album: toutes les chansons de l’album me paraissaient ainsi. C’était la première fois! ». Kravitz, qui enregistre des albums depuis 30 ans, n’en revient toujours pas.
C’est peut-être la nouveauté de cette approche qui rend l’album particulièrement inspirant. À 54 ans, le musicien américain signe une excellente collection de compositions. « J’ai encore de l’inspiration et beaucoup d’énergie, peut-être même plus qu’avant », explique-t-il en grignotant des fruits secs.
Mon ami m’a dit que Raise Vibration ne sonne pas comme le disque d’un gars qui le fait depuis trente ans.
Ça m’a fait plaisir. » Lenny Kravitz est toujours un artisan qui produit de la musique, il joue la grande majorité des instruments. «Je n’ai donc rien à expliquer à personne, tout est fluide en studio, sans stress», explique-t-il.
« Quand j’ai commencé, je rêvais d’être entouré d’un groupe. Mais je n’avais pas assez d’argent pour m’en payer. C’est pourquoi j’ai enregistré « Let Love Rule » tout seul. J’ai développé mon son et c’est a présent ma marque de fabrique.Aujourd’hui encore, je continue a faire ainsi. »
Le concert dans les arènes de Nîmes fut assez exceptionnel pour ses fans : « Lenny Kravitz en concert c’est déjà la promesse d’une belle soirée avec des tubes qui nous font revivre, nos années collège/lycée. Quel show dans ce cadre magnifique des Arènes de Nîmes et son amphithéâtre chargé d’histoire. «
« Ce concert, ce fut surtout l’occasion unique de voir et écouter ce musicien hors-norme, et pour l’occasion en totale communion avec son public lors d’un très long bain de foule final. Inoubliable ! »
Lenny Kravitz – Crédit photo Eric CANTO
Raise vibration de Lenny Kravitz.
Raise Vibration peut rappeler le choc ressenti après la découverte de Let Love Rule en 1989. À cette époque, seule une poignée de musiciens noirs se démarquent en multipliant les références. « Il y avait un prince et moi », se souvient l’artiste.
Il est le fils d’un couple mixte d’Amérique ségréguée, entretient une relation très forte avec la France et particulièrement Paris, où il a acquis une résidence somptueuse.
Il partage aujourd’hui sa vie entre Paris et les Bahamas, souvent sur scène, il reste une figure de notre temps, musicien hors pair, il est aussi une bête de scène toujours fantastique à shooter.
Retrouvez le concert intégral de la tournée 2019 de Lenny Kravitz.
Discographie de Lenny Kravitz
Albums studio de Lenny Kravitz
1989 : Let Love Rule
1991 : Mama Said
1993 : Are You Gonna Go My Way
1995 : Circus
1998 : 5
2001 : Lenny
2004 : Baptism
2008 : It Is Time for a Love Revolution
2011 : Black And White America
2014 : Strut
2018 : Raise Vibration
Compilations / Rééditions de Lenny Kravitz
2000 : Greatest Hits
2009 : Let Love Rule: 20th Anniversary Deluxe Edition
2012 : Mama Said: 21st Anniversary Deluxe Edition
2013 : Are You Gonna Go My Way : 20th Anniversary Deluxe Edition
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bonus : Interview de Lenny Kravitz dans Rolling Stone
Après que la pandémie a commencé à se propager début mars, Lenny Kravitz a quitté son domicile parisien et a décampé dans sa retraite à Eleuthera, une petite île des Bahamas.
Plutôt que de parcourir le monde et de promouvoir ses nouveaux mémoires , Kravitz a mené une vie simple, cultivant sa propre nourriture et utilisant des arbres comme bancs d’entraînement de fortune.
Kravitz est d’humeur réfléchie grâce aux mémoires, intitulé Let Love Rule. C’est le premier des deux volumes prévus, couvrant sa vie jusqu’à la sortie de son premier album en 1989.
Avec peu d’hédonisme de rock star ou d’histoires stéréotypées d’excès à proprement parler – attendez-vous à cela dans le volume 2 – vous avez le droit d’être sceptique. Mais les mémoires sont un regard fascinant sur les dualités de toujours de Kravitz.
Enfant biracial, fils d’un père producteur de NBC News (Sy Kravitz) et d’une mère actrice de télévision (Roxie Roker, de The Jeffersons ), il a fait la navette entre Manhattan et Brooklyn avant de déménager à Los Angeles, où il se sentait également à l’aise dans un Beverly Manoir des collines et dans les sous-cultures gothiques, new wave et stoner/skater.
« J’ai toujours dit que j’aimais les extrêmes », dit Kravitz. «C’est le milieu que je ne fais pas très bien. Bien sûr que je peux le faire, mais ce n’est pas aussi attrayant pour moi. Je n’en tire aucune énergie. Je me nourris des extrêmes. L’artiste de 56 ans a parlé à Rolling Stone des Bahamas des mémoires, de la pandémie et du ralentissement.
Trouvez-vous plus facile ou plus difficile de trouver une inspiration créative pendant la quarantaine ?
Lenny Kravitz: Ce fut une période très calme et créative. Pour être honnête, quand nous ne sommes pas dans cette situation et que je suis ici en train de créer, je me rends compte que j’ai mis en quarantaine toute ma vie. Quand je descends ici, c’est un peu ça. Vous n’êtes entouré que de quelques personnes.
La seule différence est que vous pouvez aller dans le village [et] dans la colonie et passer du temps avec les gens et aller vous asseoir dans un bar ou un restaurant et parler avec les gens. Cela me manque.
Mais sinon, c’est un peu comme ça que je vis tout le temps quand je suis ici.
Trouvez-vous plus difficile de trouver l’inspiration en vieillissant ou l’âge ne joue-t-il pas un rôle ? Lenny Kravitz: Je ne m’occupe pas de cette chose vieillissante. Les chiffres augmentent, mais je suis toujours aussi affamé, motivé et inspiré que je l’étais dans le livre.
Quand j’entre dans ce studio, c’est toujours magique pour moi. Je ne le prends jamais pour acquis. Être ici vous permet de vous entendre de manière très claire parce que vous êtes dans la nature.
Parce que c’est si calme. Parce que vous êtes un peu isolé. Cela a toujours été un endroit idéal pour moi d’être créatif. Mais, oui, je suis toujours à cet endroit, mec, Dieu merci.
Je ne le ferais pas autrement. Je connais des artistes qui continuent à faire ça pendant des années, j’ai vu des gens devenir blasés [et] fatigués. Ils ne veulent pas tellement être en studio, et je n’ai pas vécu ça.
Pourquoi un mémoire maintenant, et pourquoi le diviser en deux parties ? Lenny Kravitz: Eh bien, je n’ai jamais pensé à écrire le livre. Je ne pense pas que ma vie soit si intéressante. [Mais] je suis content de l’avoir fait car écrire ce livre a été la meilleure forme de thérapie que j’aurais pu suivre.
C’était une histoire où je trouvais ma voix et je ne voulais pas qu’il s’agisse de célébrité ou de célébrité. Le deuxième livre sera un livre beaucoup plus difficile à écrire.
Les choses sont devenues intenses, mais je pense que [écrire] cela fournira le même niveau de thérapie [et] beaucoup de choses seront guéries.
J’ai été choqué de lire qu’après que vous ayez surpris votre père en train de tromper votre mère, il vous a dit : « Vous le ferez aussi » avant d’être expulsé de la maison.
Lenny Kravitz: J’avais environ 19 ans. C’était une déclaration assez profonde à un moment où je crois que ma mère voulait qu’il dise quelque chose qui m’aurait été bénéfique. « C’était faux. Je veux que vous compreniez et je suis désolé.
Et il vient d’ y aller . Aussi intransigeant que cela puisse être à ce moment-là, je ne réalisais pas à quel point cela avait pénétré mon être.
Mais quand j’y repense, je peux comprendre maintenant avec des yeux neufs et sans jugement qu’il parlait simplement de ce qu’il pensait être sa vérité.
Son père avait fait des choses similaires et il était extrêmement en colère contre son père pour cela. Et puis il répète le même genre de comportement, et puis je suppose qu’il a pensé que c’était une sorte de chaîne qui ne peut pas être brisée. « Tu le feras aussi, comme il l’a fait [et] comme je l’ai fait. » C’est vraiment triste et vraiment intense et j’ai dû faire face à cela des années plus tard.
Vous avez dit que la première chose qui vous est venue à l’esprit était l’arme que votre père gardait cachée dans son placard.
Je suis sûr que c’était une pensée dramatique d’un adolescent en colère, parce que l’aurais-je fait ? Non. Mais j’avais ce côté de moi qui me mettait rapidement en colère.
Et j’étais tellement en colère contre lui et j’étais tellement blessé, parce que je suis un fils à maman, n’est-ce pas ? J’adore ma mère et je savais que cette arme était dans le placard pour protéger la maison.
Mais c’est là que ma tête est allée. Je me souviens avoir dit à ma mère : « Si vous n’obtenez pas ce billet [d’avion] maintenant [pour m’emmener hors de LA], quelqu’un pourrait mourir. » Encore une fois, c’est un adolescent en colère, mais c’est ce que je ressentais.
Comment pensez-vous que cet événement vous a affecté plus tard dans la vie ? Lenny Kravitz: Cela a certainement soulevé des questions sur l’engagement, et pourrais-je le faire ? Mais j’ai passé quelques années à travailler pour faire sortir ça de moi.
Ce qui était beau qu’au lieu de voir mon père comme mon père et ce qu’il avait fait pour moi ou à ma mère, je l’ai vu comme un personnage.
Parce qu’une fois que vous écrivez le livre, tout le monde est un personnage et vous essayez de rassembler toutes ces choses. Je l’ai vu comme un homme qui essayait juste de trouver son moyen de vivre cette expérience avec ce qu’il avait, et ce qu’il avait dans certains domaines se limitait à ce que son père faisait avec lui.
Tout d’un coup, tout le jugement est tombé et mon amour s’est même ouvert pour lui en écrivant le livre. J’ai fini par vraiment l’aimer et le comprendre et tout ce qui restait de l’anxiété, du jugement [et] de la douleur a simplement disparu parce que je l’ai accepté en tant qu’être humain…
J’aime mon père et je l’ai aimé davantage après avoir écrit ce livre. Nous avons fait la paix avant sa mort.
Vous avez dit dans une vidéo en mars : « Nous sommes tous un ; nous sommes une seule race humaine », ce qui a été une philosophie globale pour vous. Il y a souvent un sens de l’utopie dans votre travail. Cela a-t-il été plus difficile à maintenir avec tout ce qui s’est passé cette année? Lenny Kravitz: Non, ça devient de plus en plus intense. Cela devient de plus en plus difficile. Je sais que nous avons la capacité de nous rassembler; nous sommes juste coincés dans nos horribles manières.
Je suis resté positif à travers cela. J’ai eu des jours où je dois lutter contre la dépression qui s’annonce, parce que c’est tellement triste la façon dont nous nous traitons nous-mêmes et notre planète. Et juste pour voir à quel point les choses vont à l’envers.
J’ai vu les gens avant moi se battre pour les choses pour lesquelles ils se sont battus. Si mon grand-père était vivant maintenant pour voir ce qui se passe, il ne serait pas capable de le gérer. Je sais que nous en avons la capacité, mais nous avons un trou profond à creuser pour le moment. Le système doit être complètement détruit et reconstruit.
Il y a quatre ans, vous disiez : « L’amour doit être le résultat final de chaque situation. Compte tenu des troubles sociaux de l’année dernière, y a-t-il jamais eu un espace pour la violence en tant qu’acte rebelle pour provoquer un changement social ?
Lenny Kravitz: Je vois pourquoi les gens deviennent violents et je le comprends. Ce n’est pas ma façon de faire ; Je veux agir en combattant ces choses, mais pas par la violence. Mais est-ce que je comprends la violence ? Oui.
Est-ce que je me sens parfois violent à l’intérieur ? Absolument. C’est arrivé au point [où] je regardais toutes ces vidéos où des hommes et des femmes noirs sont filmés et je ne pouvais plus le faire. Cela fait ressortir des sentiments violents.
À la fin du livre, vous écrivez : « La vie d’une rock star est à la fois une belle bénédiction et un fardeau périlleux. » Quel est le « fardeau périlleux » et comment cela a-t-il façonné votre relation avec les gens ? Lenny Kravitz: Je n’étais pas préparé à ce qui allait arriver. Même si j’avais connu la célébrité et que j’avais regardé ma mère s’en occuper d’une manière très gracieuse et que j’étais avec la mère de Zoe [Lisa Bonet] et que je la regardais s’en occuper….
J’ai été élevé comme une personne très terre-à-terre, mais lorsque le [premier] album est sorti et que la dynamique de la célébrité est arrivée et que la musique jouait dans le monde entier, l’attitude des gens à mon égard a changé.
Je voulais rester la même personne que j’étais, mais j’ai dû prendre une vraie leçon, comment puis-je garder mon esprit, mais en même temps me protéger des gens qui me voient maintenant comme cette chose et ce qu’ils peuvent obtenir d’être autour de moi ?
Je suis resté ouvert pendant les deux premières années et ensuite, vous savez, des choses se sont produites.
Vous nous avez dit en 1994 : « Je ne suis pas un hippie. Je suis juste une personne qui aime ce qu’il aime et joue ce qu’il aime. Regardez ce qui est arrivé aux hippies. La majorité d’entre eux sont maintenant des connards qui gèrent tout. Vous sentez-vous toujours de cette façon? Lenny Kravitz: C’était dans les années 90. J’ai vu beaucoup de gens et d’amis de mes parents – des gens qui étaient des hippies – [qui] sont devenus des yuppies d’entreprise et tous les neuf. Mais c’est la vie.
Nous changeons. « Hippie » est un mot si spécifique. Je suppose que vous pourriez dire que je suis toujours un hippie, peu importe ce que cela veut dire.
Je suis dans la paix et l’amour. Je suis dans la nature. Je suis dans le jardinage. Je suis dans la musique et l’art.
Que ce soit hippie ou bohème et peu importe comment vous l’appelez, je vis ce style de vie. Mais je suppose qu’alors, quand je disais « Je ne suis pas un hippie », je ne voulais pas être enfermé dans [ça].
Quelle était votre définition personnelle du succès lorsque vous avez commencé, et comment cela a-t-il changé en vieillissant ? Lenny Kravitz: Ma définition du succès était que j’étais vraiment fier des albums et des enregistrements.
Mais je m’en fichais qu’ils soient des tubes ou qu’ils se vendent. Je ne suis jamais allé à une cérémonie de remise de prix où j’ai reçu le prix. Je me souviens d’une nuit où j’étais à Paris.
Il était tard dans la nuit [et] je sortais du club Les Bains Douches et j’étais à l’arrière d’une voiture et quelqu’un m’a appelé et m’a dit: « Tu as gagné le Grammy pour… »
J’étais comme, « Oh, ouais , c’est cool, mec. Super. » Et j’ai raccroché et pris un autre coup sur mon joint. J’ai raté des moments où j’aurais dû sentir les fleurs.
Et donc je suis maintenant à un endroit dans les dernières années de ma vie où quand j’ai un quelconque succès, je m’arrête et je prends un moment pour le comprendre, parce que vous devriez.
J’étais toujours du genre « Ouais, peu importe », parce que ma tête était tellement coincée dans l’art et la fabrication de ces choses.
La pandémie a-t-elle été étrangement bonne pour cela? Beaucoup de gens ont été obligés de ralentir les choses et de réfléchir davantage. Lenny Kravitz: Oh oui. Cela commence par le simple réveil et chaque matin [en disant], « Dieu. Merci. Merci. Un autre jour de vie. C’est excitant.
Même les plus petites choses que nous appelons les « petites choses » – comme se réveiller, respirer, manger des aliments frais, avoir de l’eau courante – sont de grandes choses.
J’apprécie ces luxes et je reconnais qu’ils sont des luxes. Pour moi, être ici aux Bahamas dans la nature dans un endroit dans lequel j’ai des racines et que je peux isoler – mais pourtant ressentir cette énergie de Dieu et de la nature et des éléments – [a] été très curatif et je suis reconnaissant .
Il y a toujours eu une contradiction et une dualité dans votre vie entre la rock star hédoniste et le naturaliste décontracté. Vous écrivez dans le livre : « Je suis profondément à double face. » Était-ce une excroissance naturelle de qui vous êtes ? Lenny Kravitz: Je l’ai toujours eu, et c’est tout ce que j’ai connu. Je suis né Gémeaux. Ma mère me demandait : « D’accord, avec qui d’entre vous ai-je affaire aujourd’hui ? » J’ai toujours prospéré dessus. Je me nourris des extrêmes. Je peux vivre dans la rue ou je peux vivre dans un manoir.
Le milieu, cependant, ne m’attire pas autant. Je n’en tire pas une énergie qui me nourrit. À 15 ans, ma mère est dans l’émission de télévision numéro un. Qu’est-ce que je décide de faire ?
Pars parce que mon père ne me laisse pas aller à un concert, et maintenant je vis dans la rue [ou] les étages des gens. Je me mets dans cette position.
Je n’ai pas eu à partir, mais cela a fonctionné pour moi d’une manière ou d’une autre et cela a toujours été le cas.
En 1995, vous nous avez dit : « Je veux faire ça jusqu’à ce que je sois vieux et petit. J’aimerais être comme John Lee Hooker dans mon petit costume, jouer de la musique, gratter ma guitare. Lenny Kravitz: Quand John Lee Hooker a eu ce grand succès avec cet album [1989] The Healer, j’étais comme, « Wow, d’accord, voici un gars plus âgé et il a des disques à succès et il est en tournée. »
Regarder tous les gars que j’ai regardés, de Duke Ellington à BB King, qui a dû s’asseoir sur une chaise lors de ses dernières performances.
Mick Jagger a 70 ans et peut encore faire vibrer un stade mieux que la plupart des jeunes de 20 ans.
Je suis au milieu maintenant. Je suis encore jeune, et dans une vingtaine d’années, quand j’arriverai là où se trouve Mick, je le ferai toujours si nous avons un monde où nous pouvons le faire. Je prévois de le faire jusqu’à ce que je ne puisse plus.
Les portraits de Martin Schoeller sont connus pour ses ultra-gros plans, avec le ton, l’humeur et la cohérence des compositions qui ont ravivé les pages de nombreuses publications les plus chères en Amérique et en Europe au cours des 20 dernières années. Mais ces photographies révélatrices ne sont que la partie la plus reconnaissable de son travail étonnamment mouvementé.
Martin Schoeller a maintenant accumulé tout le travail qui défie la classification parce qu’il s’est aventuré dans toutes les sous-cultures, à l’exception des événements invisibles récents, des perturbations de la justice sociale, des célébrités et de nombreuses autres sous-catégories. Comme nous le voyons dans Martin Schoeller 1999–2019, ces images sont un véritable musée de l’histoire récente – un projet diversifié, ingénieux, dynamique, discipliné et consciencieux qui est le travail d’une perspective humaine.
L’approche de Martin Schoeller
« Comme tous des photographes de portraits, j’essaie de capter le moment où le sujet arrête de réfléchir. J’essaie d’aller au-delà de la représentation du visage du sujet, à la recherche de quelque chose d’inattendu. « – Martin Schoeller est un photographe portraitiste né en 1968. C’est un portraitiste connu pour ses portraits en gros plan extrêmes.
Martin Schoeller a travaillé comme assistant d’Annie Leibovitz dans les années 1993–1996, et depuis 1998. Ses œuvres sont apparues, entre autres chez National Geographic, Time, Rolling Stone, GQ, Entertainment Weekly, Esquire, et The New York Times Magazine. Il rejoint Richard Avedon en tant que photographe portraitiste à New Yorker en 1999. Il continue de travailler à New York. Schoeller expose à l’international et ses photos sont stockées dans des collections, dont la National Portrait Gallery de la Smithsonian Institution à Washington.
Biographie de Martin Schoeller
Martin Schoeller est allemand. Très jeune, Martin Schoeller a été influencé par le travail extraordinaire du portraitiste August Sander, connu pour ses photographies de pauvres, d’ouvriers et de bourgeois.
Son regard est alors attiré par les photos extraordinaires de Bernd et Hilla Becher, qui ont ensuite créé la célèbre école Becher.
Le travail de Martin Schoeller a été exposé aux Jeux olympiques de Pékin en 2008 et est régulièrement traité aux États-Unis et en Europe.
Ses portraits sont exposés et collectionnés dans le monde entier. Ils ont fait l’objet de plusieurs expositions et font partie de la prestigieuse National Portrait Gallery du Smithsonian Institute à Washington. Les portraits de Schoeller donnent à toutes les expressions humaines du visage une nouvelle dimension. C’est pourquoi les portraits existants sont leur raison d’être, explique David Remnick, lauréat de Pulitzer en 1994 et directeur du New Yorker Magazine.
Le premier livre de Martin Schoeller , Gros Plan, est publié en 2005 par teNeues.
Il poursuit ses portraits pour New Yorker, acquérant de nouvelles séries, commandées par des magazines ou dictées par des recherches faciales qui attirent la société moderne. C’est comme ça que je veux travailler sur des femmes championnes de culturisme. C’est ainsi que les bodybuilders sont créés, une série de monographies en tirages limités,très recherchée des collectionneurs de photographie contemporaine.
Pour les culturistes, j’essaie de montrer la faiblesse que je vois et ressens dans mes modèles quand je suis avec eux; il a réalisé des émotions complexes cachées sous un masque physique extrêmement fonctionnel. Ces femmes sont le reflet de notre désir moderne de grandeur, de force et d’agressivité; et attention à tout prix. Nous sommes dans un âge excédentaire. Martin Schoeller vit et travaille à New York et est considéré comme l’un des maîtres de la photographie moderne.
Martin Schoeller est particulièrement connu pour sa série de portraits en gros plan qui captent de près les icônes de la culture américaine. De Clint Eastwood à Barack Obama, en passant par Paris Hilton ou Bill Murray, Martin Schoeller offre au spectateur la fixation, aux yeux de ces personnalités devenues des monstres vivants.
Certainement un regard nouveau et sans compromis sur ces visages que vous penseriez connaître par cœur. Ses portraits offrent le même cadre serré et la même lumière vive et presque médicale des célébrités et des étrangers. De cette façon, il explore l’univers des jumeaux monozygotes lors d’une série pour le National Geographic ou les femmes championnes de culturisme en musculation.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Comment avez-vous commencé la photographie? Quel âge aviez-vous lorsque vous avez commencé et que faisiez-vous avant cela?
Martin Schoeller : J’ai terminé mes études secondaires en Allemagne et je n’avais aucune idée de ce que je voulais être. L’éducation en Allemagne est gratuite, donc je me suis inscrit au collège. Malgré cela, je n’y suis presque jamais allé.
J’ai travaillé avec un homme handicapé atteint de sclérose en plaques. J’ai pris soin de lui, je suis parti en vacances avec lui, je l’ai lavé et nourri. J’étais fondamentalement un travailleur social. La nuit, j’étais barman et serveur.
Il y a des avantages dans le système éducatif européen; vous avez une assurance maladie et vous pouvez gagner de l’argent sans payer d’impôts. Un de mes amis postulait dans une école de photographie à Berlin et a dit: «Pourquoi ne postulez-vous pas avec moi? Ils nous emmèneront peut-être tous les deux et nous pourrons partir ensemble.
J’avais pensé que les photographes étaient des geeks jusque-là. Chaque fois que j’organisais une fête au lycée, les photographes se tenaient dans le coin, attendaient que quelqu’un s’embarrasse, s’enfuit et prenne des clichés.
Je n’ai jamais beaucoup aimé les photographes; Je les ai toujours considérés comme des voyeurs. Mais mon ami a postulé pour l’école et j’ai pensé: «Pourquoi pas? Ce sera peut-être cool. «
Mon attitude était qu’ils n’étaient pas susceptibles de m’accepter de toute façon. Les chances étaient de un sur vingt et 800 personnes ont postulé. Ils nous ont donné certaines missions, et j’ai rempli toutes ces missions dans le temps qu’ils nous ont donné. Finalement, ils m’ont accepté et non mon ami.
Vous aviez un talent d’artiste visuel que vous ne saviez pas avoir ?
Martin Schoeller : J’ai été bouleversé qu’ils m’aient accepté. Avec le recul, je ne pense pas que mes photos étaient meilleures que mes amis. Pourtant, pour une raison quelconque, j’ai été sélectionné. J’étais flatté.
Je me suis dit: «Oh mon dieu. C’est peut-être quelque chose que je pourrais être bon si j’essaie vraiment. » Mon père a toujours dit que j’avais un bon œil. Je ne savais pas ce qu’il voulait dire par là, mais il a toujours senti que j’avais un bon sens pour les meubles, les espaces et le design; bon goût.
Plus tard, vous êtes venue à New York et avez aidé Annie Leibovitz. Comment cela s’est-il produit et qu’avez-vous appris ?
Martin Schoeller : Lorsque j’ai terminé mes études de photographie, j’ai aidé un photographe de nature morte à Francfort, puis j’ai travaillé pour un photographe très célèbre à Hambourg, qui m’a licencié après trois mois.
J’étais complètement dépassé par la situation. Je ne savais pas que n’importe qui pouvait travailler aussi dur. La charge de travail et les responsabilités étaient incroyables. C’était une combinaison de choses qui n’ont pas fonctionné.
Ce que je retiens de cela, c’est que l’aide est tellement de travail pour si peu d’argent, vous devez travailler pour quelqu’un que vous respectez et que vous aimeriez faire un jour. Mes trois photographes préférés à l’époque étaient Annie Leibovitz, Steven Meisel et Irving Penn.
J’ai économisé 2 000 $, j’ai déménagé à New York et je les ai tous appelés. Rien ne s’est passé. J’ai manqué d’argent et j’ai dû rentrer chez moi et travailler à nouveau pour l’homme handicapé.
Je suis revenu quelques mois plus tard après avoir économisé de l’argent et trouvé un travail gratuit pendant un mois pour un photographe de nature morte. Il connaissait quelqu’un qui travaillait dans le studio d’Annie et les choses se sont arrangées.
J’avais envoyé tellement de candidatures et finalement quelqu’un chez Annie m’a dit de venir me présenter. Et à l’époque, Annie venait de renvoyer quelqu’un. Le premier assistant m’aimait beaucoup. Il a dit à Annie qu’il pensait que je serais une bonne assistante, alors j’ai commencé comme troisième assistante et j’ai travaillé pour elle pendant trois ans.
Êtes-vous devenu second ou premier assistant plus tard ?
Martin Schoeller : Oui. Peu de temps après avoir commencé, le deuxième assistant est parti, et peu de temps après, le premier assistant est parti. J’ai été de nouveau pris dans une situation où j’étais complètement au-dessus de ma tête. Cela a rendu le travail assez tendu avec Annie.
Ce fut un travail intense en tant que premier assistant ?
Martin Schoeller : Ouais, c’était très intense. Vous apprenez tellement à travailler avec Annie parce qu’elle vous donne tellement de responsabilités. J’étais en charge de l’éclairage pour elle. Elle est très particulière dans son éclairage, mais elle n’est pas très technique.
Elle ne sait pas toujours comment réaliser ce qu’elle veut, mais elle sait ce qu’elle veut – ce qui est le plus important. Le problème était que parfois je ne pouvais pas lui faire plaisir, et elle disait: « Non, je n’aime pas cet éclairage. » J’ai essayé très fort de lui plaire, mais je n’ai pas toujours réussi.
Vous avez donc beaucoup appris d’elle. J’ai entendu dire qu’elle avait appris son éclairage auprès de ses assistants.
Martin Schoeller : Oui, mais mes prédécesseurs sont partis si peu de temps après que j’ai commencé que je n’ai pas eu le temps d’apprendre d’eux.
C’était difficile, mais avez-vous beaucoup appris ?
Martin Schoeller : J’ai tellement appris d’elle. Je dis toujours que je n’aurais jamais eu la carrière que j’ai eue sans avoir travaillé avec elle.
Les contacts vous ont-ils aidé à parler dans votre premier emploi ?
Martin Schoeller : Non, je pense que les contacts des photographes professionnels sont souvent surfaits. En travaillant avec Annie, vous travaillez avec les types de magazines qui ne vous embaucheraient pas en tant que jeune photographe.
Aucun photographe n’obtient son premier emploi auprès de Vanity Fair ou d’agences de publicité. Il peut y avoir une exception dans le monde de la mode, mais en tant que photographe, vous commencez avec des magazines d’affaires et un budget plus petit.
Vous étiez seul, mais son nom n’a pas aidé au début ?
Martin Schoeller : Cela m’a un peu aidé. Les gens étaient toujours curieux d’entendre ce qui se passait dans les coulisses du studio d’Annie. Cela m’a probablement aidé à obtenir plus d’interviews en personne quand ils ont entendu que je travaillais avec Annie Leibovitz.
Cependant, chaque éditeur de photos est en fin de compte responsable des photos que vous livrez, et il ne veut pas montrer au rédacteur en chef une photographie médiocre.
Il fallait avoir le travail.
Martin Schoeller : Ouais, tu dois avoir le travail.
D’où vous sont venues vos idées de beaux-arts, comme les jumeaux et les culturistes féminins? Quelle était la motivation pour faire ces séries ?
Martin Schoeller : Les culturistes féminines venaient d’un de mes assistants. Il aimait la musculation, bien que je ne puisse pas en dire autant. Il m’a montré un magazine un jour et je suis tombé sur ces bodybuilders féminins et j’étais juste sous le choc.
Pourquoi une femme se ferait-elle quelque chose comme ça, pour ressembler davantage à un homme?
Je suis allée à un concours de musculation avec mon amie et j’ai parlé à certaines dames. J’ai vu qu’elles étaient souvent des mères avec des enfants et des emplois à plein temps. Je me suis sentie très intriguée. J’ai trouvé leur apparence et leurs histoires de vie intéressantes, alors j’ai passé cinq ans à trouver ces bodybuilders professionnels à toutes les différentes compétitions à travers le pays.
D’où est venue l’idée des jumeaux?
Martin Schoeller : Les jumeaux étaient une mission pour National Geographic. National Geographic a fait un numéro sur les jumeaux et m’a engagé pour les photographier. Quand j’ai entendu parler de la mission pour la première fois, j’ai pensé: «Oh mon dieu, les jumeaux.
N’est-ce pas la chose la plus ancienne de la photographie? » Mais je ne dis pas non à National Geographic; c’est un excellent magazine.
Ils m’ont envoyé à Twinsburg, Ohio, où ils organisent un festival jumeau chaque année. Quand j’ai pris les premiers Polaroid et les ai mis côte à côte, l’attirance de deux personnes différentes qui se ressemblaient si étrangement m’a fait penser:
« Hmm, c’est peut-être quelque chose de différent. » C’était l’idée de photographier des jumeaux séparément et non ensemble comme une seule entité. Je l’ai trouvé de plus en plus fascinant.
Une fois la mission terminée, tout le monde semblait tellement intrigué par ces jumeaux, alors j’ai continué le travail. J’ai trouvé deux paires de jumeaux où l’un d’eux a subi une opération de changement de sexe.
J’ai trouvé des quadruplés identiques, ce qui est extrêmement rare. Ensuite, j’ai développé tout cela dans un livre; c’est ainsi qu’est né ce livre.
Dans quelle mesure trouvez-vous les œuvres d’art intéressantes par rapport aux missions commerciales ?
Martin Schoeller : Je ne pense pas vraiment aux termes beaux-arts et artiste et photographe. Je me vois comme un photographe. Je pense que je suis plus un photographe qu’un artiste, car je pense que le but d’un véritable artiste devrait être de proposer une idée qui n’a jamais été faite auparavant. Voilà ma définition d’un artiste. Je pense qu’il y a très peu de photographes que j’appellerais des artistes.
Je pense que la plupart d’entre eux ne sont que des photographes. Eh bien, pas seulement les photographes, mais ils ne correspondent pas à la facture des artistes. C’est pourquoi il n’y a pas tant de photographie dans les musées.
Diriez-vous que les définitions sont commerciales-affectations, puis artiste ?
Je pense que beaucoup de gens sont satisfaits du fait qu’ils se considèrent comme des artistes; cela devient une grande partie de leur identité. Je ne ressens pas ce besoin. Je n’ai pas honte de faire de la publicité.
Je suis heureux de voir mon travail dans les musées et d’être vendu dans des galeries. En tant que photographe, vous essayez simplement de créer le meilleur travail possible, quelle que soit la mission.
Quels sont les avantages et les inconvénients d’être si occupé? Y a-t-il des inconvénients ?
Martin Schoeller : Je pense que ce que les gens sous-estiment, c’est que plus vous avez de missions, plus vous avez besoin d’équipage. Vous avez une responsabilité envers vos employés. Vous vous retrouvez dans des situations où vous devez gagner beaucoup d’argent pour garder cette machine que vous avez construite.
J’ai entendu une fois, quand je travaillais avec Annie, qu’elle avait 50 ou 80 000 $ de frais généraux par mois à nettoyer juste pour atteindre le seuil de rentabilité. C’était il y a 20 ans aussi. Vous devez gagner beaucoup d’argent juste pour atteindre le seuil de rentabilité.
Vous devez en faire encore plus pour en garder pour vous. Cela devient plus facile, mais pas vraiment. Si quelqu’un est une entreprise individuelle, il peut conserver tous les bénéfices.
Est-il difficile de refuser de travailler à ce stade ?
Martin Schoeller : Je me considère très chanceux d’avoir continuellement eu tellement de travail. Mais ce n’est souvent pas le cas si j’ai trois emplois par semaine. En tant que photographe qui existe depuis longtemps, vous êtes un peu tenu pour acquis. Les gens aiment votre travail, mais cela ne signifie pas nécessairement qu’ils vous donnent du travail. Vous venez avec certaines associations.
Par exemple, vous avez peut-être fait un tournage coûteux pour quelqu’un il y a trois ans lorsque les magazines avaient plus d’argent. Mes honoraires sont les mêmes que tous les autres, mais j’ai peut-être fait un tournage intense.
Maintenant, tout le monde vous considère comme un photographe cher. De plus, les gens aiment découvrir de nouvelles personnes. Ils ne veulent pas nécessairement embaucher quelqu’un qui travaille pour le concours.
Il n’y a donc jamais un point où vous pouvez vous déplacer le long de la côte – bien qu’Annie en ait un avec ses contrats. Mais c’est très rare.
Martin Schoeller : C’est très rare, oui. Ces contrats peuvent toujours expirer à la fin d’une année. Il n’y a aucune garantie en photographie. Je dis toujours aux jeunes photographes: «Ne pensez pas que vous avez une couverture Vanity Fair et vous avez terminé; tu es aussi bon que ta dernière photo.
Vous pouvez prendre dix superbes photos et les gens diront que vous êtes bon. C’est pourtant ce qu’ils attendent de vous. Si vous prenez deux ou trois mauvaises photos, les gens s’en souviennent plus qu’ils ne se souviennent des bonnes.
Comment avez-vous rencontré Hasted Kraeutler ?
Martin Schoeller : Je ne me souviens pas très bien comment ils m’ont trouvé, ou si je les ai trouvés. Cela fait si longtemps que j’ai oublié comment nous avons été présentés.
La relation se passe-t-elle bien? Ils ont géré quelques-uns de vos spectacles.
Martin Schoeller : Tout va bien. La chose avec les projets personnels, c’est que si vous les décomposez financièrement, ils sont un gouffre financier complet. Vous n’allez jamais récupérer l’argent que vous dépensez pour ces photos.
Les spectacles sont chers ?
Oh oui. J’ai probablement dépensé 250 000 $ pour le projet de culturiste. Je n’ai même jamais voulu l’additionner. Je pense que j’ai vendu peut-être trois tirages pour 10 000 $ chacun. La galerie en reçoit la moitié, j’ai donc réalisé 15 000 $ de ventes d’imprimés.
C’est un vrai travail d’amour.
Martin Schoeller : Ouais. C’est pourquoi je dis toujours aux jeunes photographes qu’être photographe d’art n’est pas une bonne idée; il y en a très peu qui peuvent en vivre.
Envisagez-vous des projets personnels de beaux-arts en ce moment?
Martin Schoeller : J’ai eu un projet que j’ai mis en attente. J’ai un enfant de cinq ans à la maison et j’ai du mal à le quitter pendant longtemps. Mais peut-être que cette année à venir, je pourrais aller rendre visite à un autre groupe indigène – avec un peu de chance pour National Geographic – et le rassembler sous forme de livre un jour.
Quel pays visiteriez-vous?
Martin Schoeller : Nous verrons. Probablement encore l’Amazonie. Ou encore le Brésil. Mais on verra.
Quel type d’équipement utilisez-vous en termes de caméras et d’éclairage ?
Martin Schoeller : Je filme toujours tous mes gros plans sur film avec un RZ, 6 × 7 et 140, sur Portra 800.
Le film vous donne donc toujours quelque chose que vous préférez. Ouais. J’ai également une caméra Phase One. J’avais l’habitude de tout filmer jusqu’à il y a environ trois ans. Mon appareil photo préféré de tous les temps doit être le Fuji 6 × 9, avec l’objectif 90 mm. C’est un appareil télémétrique.
C’est comme un Leica surdimensionné. Je trouve qu’il est facile de se concentrer. J’ai toujours adoré cet appareil photo. J’en ai cinq. Je les utilisais exclusivement pour toutes les photos horizontales. J’ai utilisé un RZ pour les verticales et Fuji 6 × 9 pour les horizontales.
Pourquoi en avez-vous cinq ?
Martin Schoeller : J’en prendrais trois sur la route, mais certains seraient cassés. J’en ai un en réparation, celui que je pensais devoir remplacer, puis j’en ai donné un à mon assistant quand il est parti. J’en ai probablement acheté plus comme sept ou huit.
Shootez-vous aussi numériquement?
Martin Schoeller : Oui, maintenant je suis passé au numérique. J’ai toujours prêché la photographie analogique parce que je sentais que les tons chair sont meilleurs avec le film; c’est plus indulgent et plus naturel; plus en trois dimensions si vous photographiez sur film. Mon ancien assistant m’a convaincu d’essayer ces appareils photo numériques, et nous en avons essayé un tas.
Je suis tombé sur la Phase One – à l’époque c’était un Mamiya avec la Phase One de retour – et je dois dire que c’était la première fois que je sentais que les tons de peau étaient vraiment très bons.
C’était il y a combien de temps ?
Martin Schoeller : Il y a environ trois ans.
Vous utilisez donc le numérique pour le format moyen – vous ne faites pas du 35 mm?
Martin Schoeller : J’ai un Nikon numérique, mais je ne l’utilise que rarement. Je l’utilise si je dois photographier quoi que ce soit à grande vitesse comme courir ou sauter; des choses où vous devez pouvoir prendre dix images par seconde. Normalement, je tourne avec le film IQ280 de 80 mégapixels. C’est parfois une grosse douleur dans le cul. Mais lorsque l’appareil photo fonctionne et que tout fonctionne, c’est presque comme photographier en 4 × 5.
Avez-vous déjà tourné en 4 × 5?
Martin Schoeller : Non, mais j’ai beaucoup tourné en 8 × 10. Tous les culturistes que j’ai photographiés en 8 × 10. C’est pourquoi le projet était si cher.
Quelle entreprise utilisez-vous pour l’éclairage et quelles lumières spécifiques utilisez-vous? Je sais que tu utilises Kino’s.
Martin Schoeller : J’utilise le Kino Flo pour mon gros plan. Pour le stroboscope, j’utilise le Profoto Acute’s. Ils sont plus légers et plus faciles à voyager. Mais finalement, tout ce qui clignote me convient.
Avez-vous essayé les monolights Profoto, les D1?
Martin Schoeller : Non, je n’ai jamais essayé ça. J’ai toujours peur que mes lumières ne tombent.
Comment aimez-vous vivre aux États-Unis contre l’Allemagne? Qu’aimez-vous ou n’aimez-vous pas aux États-Unis et que manque-t-il à l’Allemagne?
Martin Schoeller : Chaque fois que je suis ici, je loue l’Allemagne et l’égalité en Allemagne. Toute l’infrastructure fonctionne: 80% des gens sont en union, tout le monde a une assurance maladie, l’économie se porte bien, vous pouvez aller n’importe où en train, les autoroutes sont meilleures et l’écart entre riches et pauvres n’est pas aussi drastique, et nous n’avons pas de guerres.
Vivant à New York, j’ai parfois l’impression de vivre dans un pays du tiers monde. Il y a des nids de poule profonds au milieu de New York. Et quand vous allez au Queens, il y a tellement de déchets sur la route. Je pense, dans l’ensemble, que le système européen est meilleur que le système américain; c’est plus juste. Mais chaque fois que je suis en Allemagne, je veux revenir aux États-Unis parce que le sentiment d’optimisme et d’humour me manque.
Les Allemands aiment se plaindre. C’est un peu plus lourd et plus lent. Il faut une demi-journée pour remplir la paperasse pour louer du matériel en Allemagne. Il lui manque la rapidité et la légèreté de vivre aux États-Unis et la spontanéité qui l’accompagne.
Êtes-vous citoyen maintenant ?
Martin Schoeller : Non, je n’ai toujours qu’une carte verte. Les Allemands n’aiment pas la double nationalité.
Tirage d’art photo vs affiches: quelle est la différence?
Une photographie d’art est une reproduction d’une photo originale à 100 ou 100.000 exemplaires.
Plusieurs fois, ces tirages sont produits en masse en utilisant ce que l’on appelle un processus photo-mécanique dans lequel l’image de la source originale est transféré pour créer les tirages d’art de la pièce.
En quoi les tirages d’art photo diffèrent-ils des originaux?
La principale différence entre la photographie d’art et les tirage d’art est que le tirage d’art est une création artisanale de l’artiste. Pour cette raison, le tirage d’art photo propose une œuvre totalement unique en son genre.
Le tirage d’art photo est l’impression à 30 exemplaires d’un tirage qui ne sera pas reproduit. Un Tirage d’art photo est limité à 30 exemplaires certifié, numéroté & signé. Le tirage est effectué par laboratoire spécialisé dans l’impression d’oeuvre d’art. Exposé à la lumière il aura une longévité exceptionnelle à l’inverse d’un tirage classique.
On parle alors d’une oeuvre d’art, dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe car ce tirage sera considéré comme un original de l’artiste.
Les sites de vente de photos en ligne comme Yellowkorner, proposent des milliers d’exemplaires d’une même photo. On parle alors de reproduction de photographie ou photographie d’art. Ces reproductions ne sont pas des tirages d’art photo, ils n’ont aucune côte et ne prendront aucune valeur dans le temps.
▶POURQUOI ACHETER UN TIRAGE D’ART PHOTO?
◼ Avoir une œuvre d’art chez vous dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe.
◼ Achetez une œuvre pérenne, grâce à la qualité de son tirage ( encres, papiers, supports…).
◼ La garantie d’une valeur. Une œuvre limitée à 30 exemplaires accompagnée d’un certificat d’authenticité, signé et numéroté.
◼ Soutenir le travail artistique du photographe que vous suivez
Tirage d’art photo
Le tirage d’art : c’est quoi ?
Le tirage d’art est une impression photo signée par l’artiste photographe, tirée et numérotée en un nombre restreint de copies, au maximum 30.
Une impression en tirage d’art n’a rien à voir avec un tirage classique ; en effet les tirages d’art sont réalisés par des labos spécialisés dans l’impression d’oeuvre d’art ( que vous pouvez retrouver au Musée du Louvre, au MOMA, MEP etc… )
Tirage d’art et association
Le tirage d’art est aussi le résultat de l’association de différentes matières:
– Papier à pH neutre fait de fibres naturelles, résistant au temps, fabriqués par les plus grands papetiers d’art.
– Des encres à pigment haut de gamme.
– Savoir-faire d’un maître tireur.
– Supports de qualité supérieure.
– Et enfin la vérification du rendu par l’auteur de l’oeuvre.
Un tirage d’art exposé à la lumière aura une longévité de prés de 100 ans à l’inverse d’un tirage classique qui fanera au bout de quelques années.
Pourquoi donc acheter un tirage d’art ?
Maintenant que vous savez ce qu’est un tirage d’art et que vous comprenez sa valeur, pourquoi en acheter ?
– Si vous souhaitez acheter une oeuvre c’est qu’elle vous inspire, vous plaît et décorera peut-être aussi à merveille votre intérieur.
– Soutenir le travail artistique du photographe que vous suivez. De nos jours soutenir le travail d’un artiste, c’est aussi soutenir l’art. Dans une société de consommation immédiate, l’achat d’une oeuvre permet de faire vivre un artiste et rétribuer le temps qu’il a passer à développer son art.
– Vous achetez une oeuvre pérenne, grâce à la qualité de son tirage ( encres, papiers, supports… ), une oeuvre que vous pourrez léguer.
– Et enfin, c’est aussi un investissement, vous aurez une oeuvre d’art dans votre habitat, une oeuvre dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe.
Tirage d’art photo
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
En savoir plus : Tirage d’art photoVs Poster, un peu d’histoire…
La plupart d’entre nous ont grandi avec des affiches accrochées dans nos chambres et nous avons l’habitude de les voir comme des publicités accrochées dans la ville.
Cependant, comme les tirages d’art sont de plus en plus courants, la plupart des consommateurs occasionnels ne connaissent toujours pas la différence entre les deux ou ne savent pas quand opter pour l’un par rapport à l’autre. Nous les voyons fleurir et le prix du tirage d’art est généralement un prix plus élevé; mais pourquoi ?
Le tirage d’art est devenue plus populaire et les consommateurs s’éloignent lentement des affiches traditionnelles à mesure que leurs besoins évoluent. Alors, qu’est-ce que le tirage d’art ? Pourquoi tant d’imprimeurs proposent-ils cela et qu’est-ce qui justifie le prix plus élevé? Cela se résume à quelques facteurs non seulement sur la qualité, mais aussi sur les possibilités. L’imprimerie d’art et les affiches ont chacune leur rôle dans la société et nous allons aujourd’hui en décomposer les principales différences.
Si vous avez déjà été à l’intérieur d’un grand musée, vous avez probablement parcouru la boutique de cadeaux et regardé les affiches qu’ils vendent des œuvres d’art à bas prix.
Vous avez probablement également été dans une imprimerie et vous avez vu le «prix de l’affiche» par rapport au prix de «l’impression d’art». Quelles sont les différences entre un tirage d’art et une affiche qui mériteraient une différence de prix? Les images semblent toutes deux identiques, alors pourquoi l’une devrait-elle coûter plus cher que l’autre?
Tout d’abord, l’impression est devenue un art de plus en plus au cours des dernières années à mesure que la technologie a progressé. En ce qui concerne les affiches, vous pouvez obtenir des résultats décents à la maison ou dans la plupart des imprimeries grâce à l’impression numérique. Mais pour les très gros projets, les entreprises veulent une meilleure qualité et un meilleur prix.
En conséquence, ils se tournent généralement vers l’impression offset, ce qui leur permet de produire des affiches par milliers tout en obtenant de meilleures reproductions de la pièce originale et en étant également abordables. Ceci est crucial car, à moins qu’il ne soit dédicacé, personne n’est prêt à dépenser plus de 10 $ pour une affiche des New England Patriots ou de Lady Gaga.
Par conséquent, le coût de production doit être maintenu bas. C’est pourquoi les affiches utilisent souvent du papier et de l’encre qui apportent un retour sur investissement décent. La qualité n’est pas parfaite mais si vous vous occupez correctement d’une affiche, elle durera quelques années.
En comparaison, le tirage d’art se concentre sur la qualité plutôt que sur la quantité. Les reproductions d’affiches d’un tableau célèbre pourraient se vendre à 3 $ chacune, tandis que mille tirages d’art de la même œuvre pourraient se vendre à 35 $ chacune.
Le coût de production est important mais certainement pas crucial ici. Par conséquent, tout se résume à la qualité: les tirages d’art utilisent des encres et des surfaces d’impression de meilleure qualité, ressemblent mieux à l’œuvre originale et se détériorent beaucoup plus lentement qu’une affiche.
Pourtant, les graphistes et la technologie ont tellement évolué que la plupart d’entre nous ne peuvent pas faire la différence entre une impression d’art et une affiche fraîchement produite par une imprimante. Les deux auront des couleurs et une qualité incroyables lors de l’impression et ce ne sera que quelques années plus tard que vous pourrez vraiment repérer la différence. Examinons donc de plus près les beaux-arts et les affiches
Tirage d’art photo, lithographies offset et jet d’encre
Pour ceux qui aiment le travail d’artistes populaires mais n’ont pas le budget pour acheter une œuvre originale, les reproductions de tirages d’art offrent une option abordable. L’option de reproduction la plus courante et la moins coûteuse est la lithographie offset produite à l’aide de l’impression offset commerciale.
Une autre option de reproduction est l’impression jet d’encre. Les impressions giclées consistent à prendre l’image numérique d’une œuvre d’art originale et à l’imprimer à l’aide d’une imprimante à jet d’encre sur une toile, du papier ou d’autres types de supports.
Les impressions Giclée ont tendance à coûter un peu plus que l’option offset, mais permettent également d’imprimer aussi peu ou autant d’impressions que vous le souhaitez, ainsi que la liberté d’utiliser une variété de matériaux.
Autres types de tirages d’art originaux
Certains artistes préfèrent utiliser d’autres méthodes d’impression et peuvent utiliser une variété de matériaux différents pour appliquer l’encre sur une œuvre d’art.
Des éléments tels que des blocs de bois, de l’aluminium, des plaques de plexiglas, des sérigraphies, du cuivre ou des pierres peuvent être utilisés pour créer une plaque à partir de laquelle plusieurs œuvres d’art sont fabriquées.
Même si de nombreuses pièces peuvent être fabriquées à partir de la même plaque, en raison des différences uniques dans chaque impression en raison du processus d’application, chacune de ces pièces est considérée comme une impression originale.
Il est courant de trouver des tirages d’art originaux dans des éditions qui incluent la signature de l’artiste ainsi qu’un nombre indiquant le numéro de l’impression particulière en dehors du nombre total de tirages dans l’édition, par exemple, 2 sur 10 ou 2 / dix.
Différentes méthodes d’impression
Certaines méthodes d’impression utilisées pour réaliser ces tirages d’art originaux comprennent les collagraphies, les sérigraphies, la lithographie et les tirages d’art numérique.
Les collagraphes utilisent plusieurs planches ressemblant à un collage pour agir comme une plaque pour appliquer de l’encre sur le papier. Les sérigraphies impliquent un processus de sérigraphie et peuvent créer une impression de meilleure qualité avec une plus grande précision que les collagraphes.
En lithographie, du calcaire ou une plaque photosensible sont utilisés pour créer ou transférer l’image sur. L’image est ensuite encrée à l’aide de rouleaux, puis imprimée sur papier à la main à l’aide d’une grande presse plate. Pour les tirages d’art numériques, ceux-ci peuvent être créés sur un ordinateur à l’aide d’une application d’image ou de dessin. L’image est ensuite imprimée sur du papier d’archivage à l’aide d’une imprimante à jet d’encre.
Tirages d’art et types de papier et de toile
Le tirage d’art photo peuve être imprimés sur une variété de types de papier différents, ainsi que sur des toiles. Tous les papiers doivent être sans acide pour assurer la longévité du tirage d’art.
Le papier mat d’archivage de qualité supérieure est un papier épais qui offre un contraste élevé et une reproduction nette.
Le papier photo brillant de qualité supérieure offre une grande profondeur et des couleurs vives et constitue un bon choix pour les reproductions giclées. Le papier photo semi-mat de qualité supérieure offre un ton neutre, une saturation d’encre élevée et un éblouissement minimal.
Le papier photo lustré haut de gamme est un favori des photographes de portrait et donne l’impression que les images de l’eau prennent vie. Le chiffon pour photos aux tons froids est fait à 100% de coton et est idéal pour les images en noir et blanc.
Le papier velours Somerset est le choix parfait pour les reproductions d’huiles et de pastels, tandis que le papier aquarelle fonctionne mieux pour les reproductions d’aquarelles.
Tirage d’art brillant ou mat
Lors du choix de la toile pour les impressions d’art, la toile brillante aide à recréer la texture et les qualités réfléchissantes d’une peinture. Une toile mate rendra l’impression plus semblable à la peinture originale et apportera une douceur unique à l’impression.
Lorsqu’il s’agit d’art ou de tirages d’art originaux, cela dépend généralement de ce que vous êtes prêt et capable de dépenser pour une pièce. Une œuvre originale durera généralement le plus longtemps, alors prenez le temps de déterminer ce qui compte le plus pour vous avant de faire un achat. Quoi qu’il en soit, vous aurez une belle œuvre d’art.
Obtenez des offres spéciales sur les affiches
De nombreuses imprimeries proposent des tirages d’art, mais peu de consommateurs savent vraiment ce que cela signifie. L’encre et la surface utilisées pour imprimer sont différentes des impressions d’affiche traditionnelles. Si c’est du papier, le papier sera beaucoup plus épais, les encres dureront beaucoup plus longtemps et la qualité de l’image sera bien meilleure.
Les tirages d’art ne sont pas seulement réservés au papier, il est également possible de faire des impressions d’art sur d’autres matériaux comme le bois, la toile, le cuivre, le plastique et à peu près tout ce que vous pouvez imaginer.
Différentes surfaces d’impression peuvent donner à votre image une sensation différente et vous permettre d’être vraiment créatif avec la décoration, l’art ou la préservation de vos photos. De plus, les tirages d’art ne sont pas seulement une «photocopie» , grâce à la qualité et à la longévité supérieures, ils peuvent en fait prendre de la valeur au fil du temps.
Tirages d’affiches
Les impressions d’affiches restent le choix des consommateurs qui ont besoin de produire en masse et des personnes qui veulent quelque chose de rapide immédiatement.
Pensez à l’époque de votre enfance et souvenez-vous des affiches que vous aviez l’habitude de suspendre dans votre chambre; ce n’étaient probablement pas des tirages d’art.
Quand tu as eu l’âge de les jeter, ou peut-être que tu les as encore, tu t’es rendu compte que l’image et les couleurs n’étaient pas aussi vives que tu t’en souviens quand tu étais enfant. Si cette affiche était un tirage d’art, elle serait restée en bien meilleure forme.
Les couleurs vives peuvent d’abord perdre leur éclat et au fil du temps, vous vous retrouvez avec une image fanée si elle n’est pas bien entretenue. Les affiches sont toujours un excellent moyen d’imprimer une image et elles ne perdent pas leurs couleurs aussi vite lorsque vous les encadrez et les éloignez de la surexposition à la lumière.
L’ histoire du tirage d’art photo
L’ invention par des années 1940 Un historien de la photographie a affirmé que « le premier exposant de « beaux – arts » ou la photographie de composition était John Edwin Mayall , « qui a exposé daguerréotypes illustrant la Prière du Seigneur en 1851 ».
Les tentatives réussies pour faire la photographie d’art bien remontent à l’ époque victorienne des praticiens tels que Julia Margaret Cameron , Charles Lutwidge Dodgson et Oscar Gustave Rejlander et d’autres.
Aux États-Unis, F. Holland Day , Alfred Stieglitz et Edward Steichen ont contribué à faire de la photographie un art d’art, et Stieglitz était particulièrement remarquable en l’introduisant dans les collections des musées.
Au Royaume-Uni aussi récemment qu’en 1960, la photographie n’était pas vraiment reconnue comme un Beaux-Arts. Le Dr SDJouhar a déclaré, lorsqu’il a formé l’Association des beaux-arts photographiques à cette époque -« Pour le moment, la photographie n’est généralement pas reconnue comme autre chose qu’un artisanat. Aux États-Unis, la photographie a été ouvertement acceptée comme des Beaux-Arts dans certains quartiers officiels.
Elle est présentée dans les galeries et expositions en tant qu’art. Il n’y a pas de reconnaissance correspondante dans ce domaine. Le salon de Londres présente de la photographie picturale, mais elle n’est généralement pas comprise comme un art.
Qu’une œuvre présente des qualités esthétiques ou non, elle est appelée «photographie picturale» qui est un terme très ambigu. Le photographe lui-même doit avoir confiance en son travail et dans sa dignité et sa valeur esthétique, pour forcer la reconnaissance en tant qu’art plutôt qu’en tant qu’artisanat «
Jusqu’à la fin des années 1970, plusieurs genres prédominaient, tels que les nus, les portraits et les paysages naturels (illustrés par Ansel Adams ). Des artistes « vedettes » révolutionnaires des années 1970 et 80, tels que Sally Mann , Robert Mapplethorpe , Robert Farber et Cindy Sherman , s’appuyaient toujours fortement sur ces genres , tout en les voyant avec un regard neuf. D’autres ont étudié une approche esthétique instantanée .
Des organisations américaines, telles que l’ Aperture Foundation et le Museum of Modern Art , ont beaucoup fait pour maintenir la photographie à la pointe des beaux-arts. La création par le MOMA d’un département de photographie en 1940 et la nomination de Beaumont Newhall comme premier conservateur sont souvent cités comme une confirmation institutionnelle du statut de la photographie en tant qu’art.
FAQ : Le tirage d’art
1. Qu’est-ce qu’un tirage d’art ?
Un tirage d’art est une reproduction d’une œuvre d’art originale, généralement créée en utilisant des techniques d’impression de haute qualité pour produire des tirages de qualité muséale.
2. Quelles sont les techniques d’impression utilisées pour les tirages d’art ?
Les techniques d’impression couramment utilisées pour les tirages d’art incluent l’impression jet d’encre, la lithographie, la sérigraphie et la gravure.
3. Qu’est-ce qui différencie un tirage d’art d’une impression ordinaire ?
Les tirages d’art sont créés en utilisant des techniques d’impression de haute qualité pour produire des tirages de qualité muséale, tandis que les impressions ordinaires sont souvent créées en utilisant des techniques d’impression de masse à bas prix.
4. Comment peut-on déterminer la qualité d’un tirage d’art ?
La qualité d’un tirage d’art dépend de plusieurs facteurs tels que la résolution de l’image, la qualité de l’encre et du papier, ainsi que la méthode d’impression utilisée. Il est recommandé de se renseigner sur les spécifications techniques du tirage d’art avant de l’acheter.
5. Qu’est-ce qu’un tirage limité ?
Un tirage limité est une édition limitée d’un tirage d’art, généralement numérotée et signée par l’artiste ou l’imprimeur. Les tirages limités ont souvent une valeur plus élevée que les tirages en série ou les impressions ordinaires.
6. Comment peut-on protéger un tirage d’art ?
Il est recommandé de protéger les tirages d’art en les encadrant sous verre anti-reflets, en évitant la lumière directe du soleil, l’humidité et les températures extrêmes. Les tirages d’art doivent également être manipulés avec précaution pour éviter tout dommage.
7. Comment peut-on acheter des tirages d’art ?
Les tirages d’art peuvent être achetés en visitant des galeries d’art, des foires d’art, des ventes aux enchères ou en ligne sur des sites spécialisés dans les tirages d’art.
8. Comment peut-on reconnaître un tirage d’art authentique ?
Il est recommandé de se renseigner sur l’authenticité d’un tirage d’art en vérifiant la signature de l’artiste ou de l’imprimeur, le numéro de l’édition limitée, ainsi que les spécifications techniques du tirage d’art. Il est également recommandé de se procurer des certificats d’authenticité pour les tirages d’art achetés.
En 2020, AC/DC a frappé fort avec la sortie de ** »Power Up »**, un album attendu depuis longtemps par les fans du monde entier. Cet opus est plus qu’un simple album de rock ; c’est un hommage vibrant à l’héritage d’AC/DC et une célébration de leur capacité à persister dans l’industrie musicale après plus de quatre décennies.
Avec des riffs classiques, une énergie inégalée, et des hommages subtils à leur passé, « Power Up » s’est imposé comme un album incontournable. Dans cet article, nous explorerons l’histoire derrière cet album, analyserons ses morceaux phares, et discuterons de l’impact durable d’AC/DC sur le rock.
1. L’Histoire derrière Power Up
1.1 Un Album marqué par la Perte de Malcolm Young
AC/DC a toujours été connu pour sa longévité, mais « Power Up » a une signification particulière pour le groupe. Après le décès du co-fondateur et guitariste rythmique **Malcolm Young** en 2017, de nombreux fans pensaient que cela marquait la fin du groupe. Malcolm avait joué un rôle essentiel dans la création du son emblématique d’AC/DC.
Un hommage à Malcolm : « Power Up » a été conçu comme un hommage à Malcolm, avec de nombreuses chansons basées sur des riffs qu’il avait écrits avec son frère Angus Young avant sa mort. Angus a déclaré que cet album était une façon de « garder Malcolm vivant à travers la musique ». L’influence de Malcolm est palpable tout au long de l’album, à la fois dans les riffs et dans l’énergie brute des morceaux.
Le processus d’enregistrement de « Power Up » a également réuni les membres originaux du groupe, avec **Brian Johnson** de retour au chant après des problèmes auditifs, **Phil Rudd** à la batterie, et **Cliff Williams** à la basse. Ensemble, ils ont recréé la magie d’AC/DC tout en honorant l’esprit de Malcolm.
1.2 Le Retour Triomphal de Brian Johnson
Après avoir été forcé de quitter la tournée « Rock or Bust » en 2016 en raison de graves problèmes d’audition, Brian Johnson semblait en retrait de la scène musicale. Toutefois, avec les progrès technologiques et l’aide d’un traitement spécialisé, Johnson a pu récupérer suffisamment pour enregistrer « Power Up ».
Une voix légendaire : La voix de Brian Johnson est une partie intégrante du son AC/DC. Sur « Power Up », il prouve que même après des décennies de performances intenses, il peut toujours livrer des performances vocales puissantes. Des morceaux comme « Shot in the Dark » et « Demon Fire » témoignent de sa capacité à capturer l’énergie brute du groupe.
Un retour émotionnel : Pour les fans, entendre à nouveau la voix de Brian Johnson sur un album d’AC/DC a été un moment fort. Son retour a contribué à la renaissance du groupe, montrant que même après des années d’adversité, AC/DC pouvait encore offrir de la musique à la hauteur de son légendaire catalogue.
1.3 La Production et le Choix des Morceaux
La production de « Power Up » a été confiée à **Brendan O’Brien**, qui avait déjà travaillé avec le groupe sur les albums « Black Ice » (2008) et « Rock or Bust » (2014). La collaboration avec O’Brien a permis à AC/DC de conserver leur son brut et énergique tout en bénéficiant d’une production moderne.
Un son fidèle à l’esprit AC/DC : Malgré les avancées technologiques et les tendances musicales contemporaines, AC/DC est resté fidèle à son style distinct. « Power Up » est rempli de riffs agressifs, de solos de guitare percutants, et d’une rythmique implacable. Chaque morceau semble être une continuation naturelle de l’héritage du groupe.
AC/DC Power Up
Le processus de sélection des morceaux : Angus Young a révélé que la plupart des morceaux de « Power Up » étaient basés sur des riffs et des idées de chansons écrites par lui et Malcolm avant la mort de ce dernier. Ces morceaux avaient été mis de côté, mais ont trouvé une nouvelle vie dans cet album. Cela a permis à l’album de capter l’essence du son classique d’AC/DC tout en offrant quelque chose de nouveau aux fans.
2. Analyse des Morceaux Phare de Power Up
2.1 Shot in the Dark
Le premier single de « Power Up », ** »Shot in the Dark »**, est immédiatement reconnaissable comme un morceau signature d’AC/DC. Avec un riff d’ouverture accrocheur et un rythme entraînant, cette chanson s’inscrit parfaitement dans la lignée des classiques du groupe.
Un retour aux sources : « Shot in the Dark » rappelle les morceaux emblématiques du groupe, tels que « Back in Black » ou « Thunderstruck ». La combinaison du riff percutant de guitare d’Angus Young et des paroles puissantes de Brian Johnson en fait un hymne instantané du rock.
Un message optimiste : Les paroles évoquent un sentiment d’espoir et de résilience, un thème récurrent pour AC/DC tout au long de leur carrière. Le morceau a été bien accueilli par les critiques et les fans, certains le qualifiant même de « retour glorieux » pour le groupe après plusieurs années d’absence.
2.2 Realize
« Realize » est la première piste de l’album et elle donne immédiatement le ton de « Power Up ». Avec son riff accrocheur et son rythme implacable, elle rappelle pourquoi AC/DC est l’un des groupes les plus respectés du rock.
Une introduction explosive : « Realize » ouvre l’album avec un punch immédiat, montrant qu’AC/DC n’a rien perdu de son énergie brute. Le morceau est rempli de la même puissance et intensité qui ont fait du groupe une légende du rock.
Un hommage à Malcolm : Cette chanson, comme beaucoup d’autres sur l’album, reflète l’influence de Malcolm Young. Les riffs de guitare sont simples mais puissants, capturant l’essence du style de Malcolm et montrant comment son esprit vit encore à travers la musique du groupe.
2.3 Demon Fire
« Demon Fire » est l’un des morceaux les plus agressifs de l’album, avec un rythme rapide et un chant percutant de Brian Johnson. Ce morceau rappelle l’énergie frénétique des premiers albums du groupe.
Un morceau plein d’énergie : Avec ses paroles mordantes et son rythme effréné, « Demon Fire » est un exemple parfait de la capacité d’AC/DC à continuer de livrer des morceaux puissants, même après des décennies de carrière. Le morceau combine des éléments de hard rock avec une touche de groove, rappelant les grands classiques du groupe.
Un solo de guitare explosif : Comme toujours, Angus Young brille sur ce morceau avec un solo de guitare rapide et précis, démontrant son talent inégalé en tant que guitariste principal.
À sa sortie, ** »Power Up »** a été acclamé par les critiques du monde entier. Les critiques ont salué la capacité du groupe à rester fidèle à son son tout en continuant à livrer des morceaux puissants et percutants.
Un accueil chaleureux : Les critiques ont notamment souligné la production propre et moderne de l’album, tout en reconnaissant l’authenticité brute du son AC/DC. Les performances vocales de Brian Johnson et la virtuosité d’Angus Young à la guitare ont également été saluées, prouvant que le groupe était toujours au sommet de son art.
Un lien avec le passé : Beaucoup de critiques ont noté que « Power Up » était à la fois un hommage à Malcolm Young et un rappel du pouvoir intemporel d’AC/DC en tant que groupe de rock. L’album a été qualifié de « pont entre le passé et le présent », reliant les anciens fans du groupe aux nouvelles générations.
3.2 Le Succès Commercial de Power Up
En plus d’être un succès critique, « Power Up » a également été un succès commercial. L’album a atteint la première place des charts dans plusieurs pays, dont les États-Unis, le Royaume-Uni, l’Australie et la France.
Des ventes impressionnantes : « Power Up » a été certifié disque d’or et a reçu de nombreuses distinctions pour ses performances commerciales exceptionnelles. Les fans d’AC/DC, nouveaux et anciens, ont répondu massivement à la sortie de l’album, prouvant que le groupe était toujours une force incontournable sur la scène musicale.
Une tournée annulée : Malheureusement, en raison de la pandémie de COVID-19, AC/DC n’a pas pu lancer une tournée mondiale pour promouvoir « Power Up ». Cependant, l’album a continué de se vendre en ligne et a été massivement diffusé en streaming, maintenant ainsi l’enthousiasme des fans.
3.3 AC/DC : Une Influence Intemporelle
Avec la sortie de « Power Up », AC/DC a une fois de plus prouvé qu’ils étaient l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock. Leur son unique et leur style inimitable continuent d’influencer des musiciens à travers le monde.
L’influence d’AC/DC sur les jeunes groupes : AC/DC a influencé des générations de groupes de rock et de metal. Des artistes contemporains comme Foo Fighters, Metallica, et Guns N’ Roses ont tous cité AC/DC comme une influence majeure dans leur musique. Le groupe a su maintenir sa pertinence, même face aux changements de l’industrie musicale.
Un son reconnaissable : Le son d’AC/DC est immédiatement reconnaissable grâce à ses riffs puissants, ses solos de guitare emblématiques, et ses rythmes implacables. Ce son distinctif a permis au groupe de rester populaire et pertinent pendant plus de 40 ans, et « Power Up » ne fait que renforcer cet héritage.
