FENDER STRATOCASTER & TELECASTER : L’HISTOIRE

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 02/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

L’histoire de Fender : Fender Stratocaster & Télécaster

Leo Fender

Clarence Leonidas «Leo» Fender est né en 1909 et a grandi en Californie. Ses parents, Clarence Monte Fender et Harriet Elvira Wood, étaient propriétaires d’une orangeraie prospère située entre Anaheim et Fullerton, en Californie. Leo a montré un intérêt pour le bricolage de l’électronique à un très jeune âge.

Son oncle, qui dirigeait un atelier automobile-électrique, a eu une grande influence sur lui. Leo était fasciné par les radios et a rapidement commencé à les réparer dans un petit magasin de la maison de ses parents.

Après avoir obtenu son diplôme du Fullerton High School, Leo a fréquenté le Fullerton Junior College où il a étudié pour devenir comptable. Il a continué à apprendre l’électronique et à bricoler des radios et d’autres appareils électriques. Leo n’a jamais suivi de formation formelle en électronique.
Plus tard, il est devenu comptable et a appris un peu comment gérer une entreprise.

Alors qu’il travaillait comme comptable, un chef de groupe local a demandé à Leo s’il pouvait créer un système de sonorisation à l’usage du groupe lors des danses à Hollywood. Vous ne pouviez pas conduire à Guitar Center ou à Sam Ash à l’époque. Ce n’étaient pas des articles «prêts à l’emploi».Il a finalement été engagé pour construire six de ces systèmes de sonorisation.

Leo a épousé sa première femme, Esther Klosky en 1934 et a pris un emploi responsable avec le département des autoroutes de Californie à San Luis Obispo.

Cependant, son poste au gouvernement a été éliminé en raison de compressions. Après avoir perdu un autre emploi en tant que comptable dans une entreprise de pneus en raison d’une réduction des effectifs après seulement six mois, Leo en avait assez avec les chiffres d’équilibrage.

En 1938, avec un emprunt de 600 $, Leo et Esther retournèrent à Fullerton, et Leo créa son propre atelier de réparation de radio, «Fender Radio Service».

Le début de l’histoire de Fender

C’est là que commence l’histoire. Il a ouvert sa petite boutique pour réparer les radios, les phonographes, les amplificateurs audio pour la maison, les systèmes de sonorisation et les amplificateurs d’instruments de musique.

À la fin des années 1930, ils étaient tous basés sur des tubes à vide avec les conceptions originales basées sur la recherche développée et publiée dans le domaine public par Western Electric, qui fabriquait des équipements pour les compagnies de téléphone.

L’entreprise de vitrine de Leo proposait également des disques à vendre et des systèmes de sonorisation auto-conçus en location.

Leo a commencé à construire des amplificateurs basés sur ses propres conceptions ou des modifications de conceptions, qu’il estimait avoir amélioré leur qualité et leur utilité.

Le Fender Radio Service était l’un des rares endroits autour de Fullerton à acheter des disques ou à faire réparer une radio.

Leo était un homme d’affaires intelligent et fournissait tous les articles ou appareils de sa petite entreprise qui pourraient éventuellement faire des bénéfices.

Des musiciens locaux et des chefs de groupe ont commencé à venir chez Leo pour des systèmes de sonorisation, qu’il a construits, loués et vendus.

Ils ont également visité son magasin pour l’amplification des guitares acoustiques qui commençaient à être utilisées dans le big band et le jazz, et pour les guitares électriques «hawaïennes» ou «lap steel» qui devenaient très populaires.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, au début des années 1940, Leo rencontra Clayton Orr «Doc» Kauffman qui était musicien et formellement le concepteur en chef des guitares électriques pour Rickenbacker, qui fabriquait et vendait des guitares lap steel depuis une décennie.

Doc Kauffman a inventé et breveté l’une des premières unités de vibrato mécaniques, Vibrola (parfois appelé «Kauffman Vibrola» ou «Kaufman vibrato») en 1935. Il est rapidement devenu le partenaire commercial de Leo et ils ont fondé la K & F Manufacturing Corp pour concevoir, fabriquer , et commercialiser des instruments et amplificateurs électriques.

K & F a commencé la production en 1945 avec des guitares hawaïennes en acier lap (incorporant un micro breveté) et des amplificateurs à tube à vide (ou à valve) vendus en ensembles. À la fin de l’année, il est devenu convaincu que la fabrication était plus rentable que la réparation et il a décidé de se concentrer sur cette activité à la place.

Il est important de se rendre compte que c’était à la fin de la grande guerre et Kauffman avait déjà vu des tentatives infructueuses de profits chez Rickenbacker. Kauffman n’était pas convaincu par les perspectives avec Leo et avait peur de perdre l’argent qu’il avait encore.

Kauffman et Fender se séparèrent à l’amiable au début de 1946. À ce moment-là, Leo renomma la société Fender Electric Instrument Company. L’atelier de service d’origine est resté ouvert jusqu’en 1951, bien que Leo ne l’ait pas personnellement supervisé après 1947.

C’est donc à ce moment que «Fender» en tant que société est née. On pensait qu’une guitare lap steel personnalisée fabriquée en 1946 pour son ami Noel Boggs était le tout premier produit arborant le logo Big «F» désormais familier.

En 1948, l’ingénieur George Fullerton a été embauché par Leo, commençant un partenariat et une amitié qui dureraient plus de 40 ans. George a travaillé avec Leo sur de nombreux designs de guitares et d’amplis. Il a également joué un rôle important dans la marque en introduisant des couleurs dans les modèles de guitare. Le premier était connu sous le nom de «Fullerton Red» du nom de George Fullerton.

Deux autres personnes qui ont joué un rôle important dans les premiers succès de la marque étaient le musicien / ingénieur produit Freddie Tavares et le génie du marketing Don Randall.

Rickenbacker était le distributeur exclusif des guitares et amplificateurs Hawaiian Lap Steel de Fender à ses débuts. Don Randall a réuni ce que le partenaire d’origine de Fender, Doc Kauffman, a appelé «un distributeur de vente comme personne n’avait jamais vu dans le monde».

C’est Don Randall qui a suggéré à Leo de concevoir une guitare de style espagnol pour compléter les aciers de style hawaïen que Fender vendait vers 1948. Leo a commencé à travailler sur le design.

Personne ne sait à quel point la guitare Merle Travis de Doc Kauffman, Les Paul, Don Randall ou Paul Bigsby a eue sur la conception initiale de Leo de la première guitare électrique solid body de Fender.

Il est probable que Leo était bien conscient du corps solide de Bigsby car ils se connaissaient socialement et étaient tous deux basés en Californie. Leo   n’était pas un guitariste. Cela a peut-être été un inconvénient, mais cela lui a probablement permis de «sortir des sentiers battus» dans ce qu’il pensait que sa conception de la guitare devrait être.

Leo a passé beaucoup de temps à parler avec des musiciens country et occidentaux locaux qu’il connaissait. Il a loué des AP à beaucoup d’entre eux. Fender a fait fabriquer des guitares lap steel pendant quelques années. Leo a développé une bonne idée de ce qu’ils voulaient dans un instrument.

Il a déterminé que beaucoup de musiciens à l’époque possédaient peut-être une guitare. Si la guitare était endommagée ou si les frettes étaient usées, les réparations seraient coûteuses et prendraient beaucoup de temps. Si leur guitare était en réparation, ils ne pourraient pas gagner leur vie. Les musiciens qui travaillent apprécieraient une guitare peu coûteuse, facile et rapide à réparer.

De nombreux petits combos jouaient maintenant du boogie-woogie, du rythme et du blues, du swing occidental et du honky-tonk dans les roadhouses et les salles de danse, ce qui, selon Leo, créait un besoin croissant de guitares plus bruyantes, moins chères et plus durables.

Depuis que Leo a loué du matériel de sonorisation, il était bien conscient des problèmes de rétroaction des guitares électrifiées à corps creux. Leo était là pour concevoir ce qu’il pensait être une meilleure guitare pour les musiciens qui travaillent.

Leo pouvait regarder quelque chose et discerner immédiatement la méthode la plus simple pour faire tout ce qui devait être fait », a déclaré Les Paul. «C’était un type bon et honnête qui fabriquait une guitare simple.

LA PREMIERE FENDER : L’ESQUIRE

LA ESQUIRE

Après quelques prototypes et quelques tests et commentaires de joueurs, puis des améliorations éventuelles, Leo était prêt à lancer la première guitare solid body . La première guitare était l’Esquire 1950, ainsi nommée car elle sonnait royale.

L’Esquire avait un seul pick-up, une pleine échelle de 25,5 pouces et pas de truss rod. Le premier montré dans le catalogue 1950 était en fait peint en noir avec un pickguard blanc.

Je suppose que cela correspond au thème «royal». Même si le magazine Esquire était populaire à l’époque, personne ne s’est plaint du nom. Leo avait estimé que l’érable de roche qu’il utilisait pour les manches serait assez solide et qu’une barre de traction ne serait pas nécessaire.

Cela s’est avéré être un faux départ car certains cous avaient des problèmes de déformation. Une cinquantaine seulement ont probablement été fabriquées. Ce qui a suivi était un modèle plus raffiné.

En 1951, Leo a offert la première guitare électrique de style espagnol à corps solide produite en série, qui avait deux micros et un truss rod. L’un des problèmes était que les premières précommandes concernaient en fait le seul pick-up Esquire, qui était un peu moins cher à fabriquer.

La solution était donc de donner un nouveau nom au nouveau modèle à deux micros et de mettre fin au modèle de micros Esquire one. La radio était un roi à cette époque et Leo était un réparateur de radio, donc le nom reflétait cela, comme on l’appelait le Broadcaster.

Le diffuseur a été présenté au public par la marque en 1951, avec un prix de 169,95 $ plus 39,95 $ pour le cas. Doté de l’ajout d’une tige de truss réglable et a été la première guitare  officiellement publiée avec 2 micros (bien que certains Esquires de transition à 2 micros existent).

MAIS ce fut de courte durée… le nom fut bientôt changé. On estime que de 50 à 500 diffuseurs ont été construits, bien que la plupart des experts s’accordent à dire qu’il n’y a probablement pas eu plus de 200 instruments produits au cours des six mois environ pendant lesquels le nom du diffuseur a été utilisé.

FENDER CONTACTE PAR GRETSCH

Presque immédiatement, Fender a été contacté par la Gretsch Company de Brooklyn, New York par télégramme. Gretsch a informé Fender qu’ils avaient une marque déposée sur le nom, Broadkaster, qui était utilisée pour leur batterie.

La marque étant une jeune entreprise, a reconnu ce dilemme et savait qu’elle avait besoin d’un changement de nom rapide. Leo  était un gars qui a vécu la Grande Dépression et qui était assez frugal.

Donc, pour économiser de l’argent et ne pas ralentir la production, il a demandé aux ouvriers de l’usine de couper simplement Broadcaster des décalcomanies pour que la guitare dise simplement Fender. Les collectionneurs ont ensuite surnommé ces guitares «sans roulettes».

Fender Champion Lap Steels que Leo fabriquait dès 1948, partageait de nombreux éléments de conception pour le Broadcaster. Les premiers micros de tête sur le Fender Broadcaster étaient identiques au Champion Lap Steel.

Il n’est pas rare de trouver de nombreux champions vintage Lap Steel manquant leurs micros, boutons ou pots d’origine en tant que joueurs capables de les acheter dans des prêteurs sur gages à bas prix après la fin des années 1960.

LA FENDER TELECASTER

Bientôt, la guitare a été renommée. Beaucoup de gens achetaient des téléviseurs pour la première fois, le nom choisi était donc Telecaster. Avec la   Telecaster, Leo voulait changer le monde de la guitare pour toujours.

La Fender Telecaster était une guitare entièrement solide avec un boulon sur le manche en érable rock. L’idée était que si les frettes étaient usées ou si le manche était endommagé, vous pouviez remplacer le manche par un nouveau avec quatre vis.

LE CORPS DE LA FENDER TELECASTER

Le corps était en frêne, après que Fender eut essayé d’autres bois. Les corps prototypes étaient en pin, mais facilement bosselés car le pin est un bois tendre. Le frêne a probablement été utilisé car c’est un bois plus dur qui a un joli grain qui pourrait transparaître à travers la finition et qui était facile à acquérir.

Le corps a été acheminé pour les micros et la plaque de commande qui pourraient facilement permettre l’accès aux pièces électroniques. La Telecaster, était une guitare solidement construite qui pouvait être utilisée pour arrêter un combat de bar et rester toujours à l’écoute!

Une fois la  Telecaster introduite, l’Esquire est devenue une version à moindre coût. Il est venu avec un pick-up, mais la plupart avaient le corps a été acheminé pour deux micros et couvert par le pickguard.

Le joueur peut toujours ajouter un deuxième ramassage plus tard, s’il le souhaite. Les ventes de l’Esquire ont finalement diminué et le modèle a été abandonné en 1969. Il a cependant été réédité plusieurs fois.

Certains peuvent se demander qui a créé la première guitare électrique solid body.

Ce que nous savons avec certitude, c’est que Leo  a considérablement amélioré les conceptions antérieures qui pouvaient être produites en série et ne nécessiteraient pas de luthier hautement qualifié pour la construction.

Leo voulait produire ces guitares en masse et il a construit une usine pour y parvenir.

D’autres constructeurs, comme Paul Bigsby, n’avaient aucun désir d’usine et ne fabriquaient que des guitares fabriquées à la main. L’une des principales différences entre Bigsby et Fender était leurs modèles commerciaux.

Leo, avait une usine avec des employés à rencontrer. Cela a sûrement aidé à dicter comment la Telecaster a été conçue et construite.

LA TELECASTER « HOMEMADE »

la marque a fabriqué la plupart des pièces de la  Telecaster dans sa propre usine. Une bonne partie du génie de Leo était de pouvoir «outiller» l’usine et de concevoir le processus de construction en utilisant une main-d’œuvre locale.

Il n’y avait pas de «maîtres constructeurs» chez la marque à l’époque. La plupart des travailleurs de l’usine étaient des femmes et des travailleurs migrants formés à l’intérieur de l’usine. Leo a conclu un accord avec VC Squier Company pour fournir des cordes pour ses nouvelles guitares électriques vers 1950.

Jimmy Bryant a été l’un des premiers soutiens de la Telecaster. C’était un joueur de country de haut niveau qui était très populaire avec Speedy West (sur de l’acier à pédales qui était en fait fabriqué sur mesure par Paul Bigsby).

Jimmy était un des premiers «guitar-hero» et d’autres joueurs étaient très intéressés par cette nouvelle guitare Fender qu’il jouait. Jimmy Bryant a été utilisé dans les premières publications de vente .

La  Telecaster qui avait l’air un peu rudimentaire, par rapport aux guitares traditionnelles, s’appelait de nombreux noms, comme la pagaie de canoë, la planche, etc. Cependant, la Telecaster était un succès à peu près depuis le début, mais Leo ne s’est pas arrêté là.

Les premiers Esquire, Broadcaster, «no-caster» et   Telecaster sont connus sous le nom de Blackguards car ils partagent tous un pickguard noir de 1950 à 1954. À la fin de 1954, la  Telecaster devient Whiteguard.

LA PRECISION BASS

LEO FENDER INVENTE LA PREMIERE BASSE ELECTRIQUE

En 1951, Leo a inventé la première basse électrique solid body produite en série, la Precision Bass (P-Bass) avec une échelle de 34 pouces.

Leo a compris les problèmes rencontrés par les joueurs de contrebasse acoustique, qui ne pouvaient plus rivaliser pour le volume avec les autres musiciens. Transporter une grosse basse «dog house» n’était pas une tâche facile car ils sont gros et encombrants.

La Precision Bass a été nommée pour refléter le fait qu’elle était frettée et permettait aux bassistes de jouer avec «précision».

LEO FENDER INVENTE LE  BASSMAN

la marque a également présenté un amplificateur de basse, le Bassman, un amplificateur de 25 watts avec un haut-parleur de 15 ″ (plus tard mis à jour à 45 watts et quatre haut-parleurs de 10 ″ et souvent adopté par les guitaristes).

Ce succès précoce a certainement attiré l’attention de Gibson. Gibson avait transmis l’idée des guitares électriques solid body, mais s’est vite rendu compte qu’elles devaient réagir rapidement. L’appel du nom n’aurait plus d’importance.

Gibson a contacté Les Paul, qui essayait depuis plusieurs années d’acheter l’idée de la guitare solid body. Les Paul était un joueur de premier ordre avec des records à succès.

Gibson a présenté la guitare solid body Les Paul Gold Top de 1952 en 1952. Cet accord d’approbation avec Les Paul a été l’un des contrats les plus longs et les plus réussis dans le monde de la guitare.

Les Paul avait montré à Gibson sa «bûche» créée à partir d’un morceau de bois massif 4 X 4 auquel des «ailes» avaient été ajoutées à partir d’un corps de guitare archtop standard pour créer une forme de guitare reconnaissable qui lui permettait de jouer assis au début des années 1940 .

OW Appleton a également lancé sa guitare APP sur Gibson en 1943 qui ressemble beaucoup à une Gibson Les Paul des débuts. Gibson n’avait aucun intérêt pour une guitare solid body. Après la Telecaster de Fender, Gibson a finalement dû prendre les guitares solid body au sérieux.

LA STRATOCASTER

En 1954, la marque a répondu avec un tout nouveau design qui, selon Leo , remplacerait la Telecaster. La Stratocaster a été conçue par Leo , Bill Carson, George Fullerton et Freddie Tavares.

Freddie Tavares (qui a également contribué à la conception de l’ampli Bassman classique). Tavares était un talentueux musicien et inventeur hawaïen qui a en fait joué le swoop lap steel sur le début du thème Looney Tunes.

Il était un bon guitariste et un virtuose de la steel guitar, jouant sur plusieurs centaines de sessions d’enregistrement, d’émissions radio et de bandes sonores de films avant de travailler pour Leo.

FENDER STRATOCASTER PREMIERE GUITARE A DISPOSER DE 3 MICROS

La Stratocaster avait une forme de corps unique de l’ère spatiale «à double pan coupé» qui présentait des contours du corps pour le confort du joueur et était bien équilibrée. La Fender Stratocaster a été la première guitare à disposer de trois micros et d’un système de vibrato à ressort.

Le système de trémolo est en fait mal nommé car il s’agit en fait d’un vibrato (appelé plus tard le trémolo sur leurs amplis un vibrato). Les doubles cutaways de la Stratocaster ont permis aux joueurs d’accéder plus facilement à des positions plus élevées sur le cou.

Le nouveau trémolo tendu par ressort maintiendrait la guitare relativement harmonieuse une fois utilisée. La Fender Stratocaster est toujours la guitare électrique la plus populaire et la plus copiée au monde.

Le vibrato est un effet de modulation qui varie la hauteur. Le trémolo est également un effet de modulation, mais il utilise une amplitude ou un volume variable du signal.

Donc techniquement, le «bras trémolo» de votre guitare est un vibrato qui fait varier la hauteur des cordes et le vibrato comme le nomme sur certains amplis, est en fait un trémolo qui fait varier le volume du signal amplifié.

De véritables effets de «vibrato» peuvent être trouvés sur certaines pédales et processeurs d’effets, mais rarement intégrés dans les amplis. Tremolo modifie le signal électroniquement, ce n’est donc pas ce que l’on trouve sur votre guitare qui utilise un système de cordes mécanique pour modifier la hauteur.

LES PREMIERS JOUEURS DE FENDER STRATOCASTER

Les premiers joueurs de Stratocaster qui ont contribué à propulser ce modèle pour Fender étaient Buddy Holly, Dick Dale et Hank Marvin of the Shadows (groupe qui a initialement soutenu Cliff Richard) qui ont joué l’un des premiers Strats introduits en Grande-Bretagne.

En 1965, George Harrison et John Lennon ont acquis  Stratocasters et les ont utilisés pour Help !, Rubber Soul et des sessions d’enregistrement ultérieures; le solo de guitare à double unisson sur «Nowhere Man» est joué par Harrison et Lennon sur leur Sonic Blue Stratocasters.

Cependant, les Beatles ne jouaient pas en direct à cette époque, si peu de gens savaient que Strats était en studio. C’est plus tard que George Harrison a transformé sa Sonic Blue Stratocaster en guitare emblématique Rocky lorsqu’il a peint la sienne.

La  Stratocaster dispose de trois micros à simple bobinage, avec la sortie sélectionnée à l’origine avec un commutateur à 3 voies (comme le commutateur de la Telecaster).

Le joueur a rapidement découvert qu’en bloquant un livre de match ou un autre élément dans le commutateur, ils pouvaient obtenir des sons différents entre la 1ère et la 2ème position (les micros du chevalet et du milieu pouvaient être sélectionnés), et de même, les micros du milieu et du manche pouvaient être sélectionnés entre les 2ème et 3ème position.

Ceci est devenu connu sous le nom de ton charlatan Stratocaster. En 1977,la marque a finalement ajouté un sélecteur à 5 positions facilitant ces combinaisons de micros.

Le ton «charlatan» des micros central et chevalet a été popularisé par des joueurs tels que David Gilmour, Rory Gallagher, Mark Knopfler, Bob Dylan, Scott Thurston, Ronnie Wood, Ed King, Eric Clapton et Robert Cray.

Avec toutes ces innovations et améliorations, Leo s’était attendu à ce que la  Stratocaster remplace totalement la  Telecaster, qui paraissait grossière en comparaison.

Surnommé «la planche», c’était une hypothèse décente. Mais les joueurs tout en acceptant grandement la  Stratocaster voulaient toujours des téléviseurs et ils étaient très demandés. Depuis, la Telecaster et la Stratocaster sont en production constante.

Fin 1954, a apporté une Telecaster mise à jour. Cela a commencé ce qui a été connu comme l’ère de la garde blanche.

Des artistes country comme Buck Owens, Don Rich, Merle Haggard, Waylon Jennings, Luther Perkins, Marty Stuart et Roy Nichols ont joué presque exclusivement à  Telecasters pendant les années 1960.

Buck Owens et Don Rich ont été vus dans des émissions de télévision comme Hee Haw et The Buck Owens Show jouant régulièrement à des télédiffuseurs étincelants personnalisés construits par Fender.

Les artistes de rock et de blues ont également adoré la Fender Telecaster. Des joueurs comme Jimmy Page, Keith Richards, Jeff Beck, Bruce Springsteen, Chrissie Hynde, Andy Summers, Nancy Wilson, Mike Bloomfield, Muddy Waters et Albert Collins ont joué à Fender Telecasters.

Le B-Bender a été inventé en 1968 par les musiciens Gene Parsons et Clarence White de Nashville West et The Byrds. Gene Parsons, batteur et mécanicien, a travaillé avec Clarence White pour transformer sa Fender Telecaster de 1954.

Ils ont ajouté un mécanisme de traction des cordes afin qu’en appuyant sur la sangle de la guitare, la corde B pouvait être élevée d’un ton entier (de B à C dièse). Après la mort prématurée de Clarence, sa guitare a été achetée par Marty Stuart comme sa guitare numéro un.

Les guitares Fender Musicmaster et Duo-Sonic ont été introduites en 1956 en tant que modèles étudiants. Ces modèles ont été demandés par le service commercial de Fender.

Les deux modèles comportaient un manche en érable boulonné avec une échelle plus courte qui était considéré comme idéal pour les jeunes guitaristes débutants et les autres joueurs avec des mains plus petites. Le Musicmaster et Duo-Sonic avaient une longueur d’échelle de 22,5 pouces et 21 frettes.

LA  JAZZ MASTER

LA  JAZZMASTER UN CORPS HAUT DE GAMME

En 1958, la marque a présenté la Jazzmaster, un corps solide haut de gamme qui était à l’origine destiné aux joueurs de jazz. La conception décalée facilitait le jeu de la guitare assis.

C’était la première guitare de la marque à avoir une touche en palissandre et aussi la première à avoir une tête plus grande. Les micros comportaient des micros à simple bobinage de style plat plus gros (un peu comme un P-90) avec une électronique unique pour permettre la polyvalence des sons.

Leo s’attendait totalement à ce que la Jazzmaster remplace la Fender Stratocaster avec sa nouvelle forme de corps et son trémolo flottant nouvellement conçu. C’était la guitare la plus chère de Fender à ce jour.

Le Jazzmaster, n’a jamais atteint sa cible des musiciens de jazz. Au lieu de cela, il est rapidement devenu un instrument que les joueurs de surf adoraient.

LA F JAGUAR

La Jaguar a été introduit en 1962. Doté d’une échelle de 24 pouces (la plupart des guitares Fender ont une échelle de 25,5 pouces). La Jaguar est rapidement devenue populaire auprès des groupes de surf en vogue.

Les micros ressemblent plus à une Strat, mais étaient mieux protégés pour moins de ronflement. Il partageait un corps offset et une commutation électronique similaires. la marque a également présenté les guitares Duo-Sonic et Mustang.

Ces deux guitares offset n’ont jamais été aussi réussies que la Fender Telecaster et la Fender Stratocaster. Surtout après que Jimi Hendrix ait poussé la Fender Stratocaster dans la Stratosphère à la fin des années 1960. La Fender Stratocaster de Fender a été le modèle préféré de guitaristes virtuoses tels que Eric Clapton, Buddy Guy, Jeff Beck, Bonnie Raitt, David Gilmour et Stevie Ray Vaughan.

L’image visuelle la plus durable de Jimi Hendrix est son coup au Monterey Pop Festival 1967 quand il a allumé sa Fender Stratocaster en feu et s’est agenouillé derrière, amenant les flammes à monter plus haut.

Cependant, ces guitares offset Fender ont trouvé un tout nouveau public avec les rockers Indy, Garage et Punk alors qu’ils commençaient à jouer ces guitares Fender originales et inhabituelles.

Jazzmaster et Jaguar étaient des guitares de qualité bien construites qui pouvaient être achetées à des prix assez bas car il n’y avait pas beaucoup de marché vintage pour ces guitares de la fin des années 1970 aux années 1980.

Une fois que des joueurs comme Ric Ocasek de The Cars, Tom Verlaine de Television et Elvis Costello ont frappé grand avec l’emblématique Jazzmaster, les prix du vintage ont commencé à monter en flèche.

Trouver un modèle vintage en bon état à un prix abordable est devenu assez difficile. Cela a incité Fender à apporter les rééditions.

En 1960, la marque a introduit une nouvelle basse, un «modèle de luxe» de la Precision Bass. Ce modèle comprenait des caractéristiques qui, selon Leo, plairaient aux musiciens de jazz (comme le ferait sa guitare Jazzmaster).

La nouvelle Jazz Bass avait un manche plus fin et le corps était moins symétrique que la Precision, plus comme les guitares Jazzmaster et Jaguar récemment introduites.

Les deux micros opposés au micro split unique sur la Precision Bass standard lui ont donné un son totalement différent.

LA  MUSTANG

En 1964, à la suite de la sortie de la nouvelle Mustang, le Musicmaster et le Duo-Sonic ont été redessinés en utilisant des ébauches de cou et de corps Mustang. Le corps de la Mustang était plus grand et légèrement décalé.

Ces modèles étaient désormais proposés en 22 frettes avec une échelle de 24 pouces. Une échelle de 24 pouces est la même que la  Jaguar mais un pouce et demi plus courte que la  Stratocaster et la r Telecaster (échelle de 25,5 pouces) et trois quarts de pouce plus courte que la Gibson Les Paul. La guitare  Mustang a été abandonnée en 1982.

La gamme courte de la Fender Mustang, combinée à un bras de trémolo unique et extrêmement direct, ferait de la Mustang une guitare culte plus tard dans les années 1990. Comme la Jazzmaster et la Jaguar, ces modèles étaient bon marché dans les années 1980 et pouvaient être trouvés dans les prêteurs sur gages. Après avoir été repris par des joueurs comme Kurt Cobain, les prix du vintage ont augmenté et il y avait à nouveau une demande pour la Mustang. Fender a réédité la Mustang dans les années 1990.

En 2012, Fender a sorti une Mustang Signature Kurt Cobain. Ce modèle est basé sur les Mustangs modifiés de Kurt qu’il a joués pendant la tournée In Utero.

En 1966, Fender a publié la Mustang Bass. Un nouveau corps de basse a été conçu pour cela avec un style de corps décalé similaire à celui de la guitare Mustang, et une échelle courte (30 pouces) a été utilisée.

Une FENDER Telecaster toujours très populaire

La Fender Telecaster est aussi populaire que beaucoup pensent que « Leo a bien compris la première fois. » Des joueurs comme Vince Gill, Jeff Beck, James Burton, Brad Paisley, Mike Campbell, Tom Petty, Steve Cropper, Jim Weider, Jim Campilongo, Muddy Waters, Brent Mason, Luther Perkins, Jimmy Page, Keith Richards, Mart Stuart, Arlen Roth, Keith Urban, Chrissie Hynde, Johnny Hiland, Nancy Wilson, Merle Haggard, Waylon Jennings, Sheryl Crow, Mike Stern, Joe Strummer,  Jerry Reed et John 5 ont joué aux télédiffuseurs la plupart de leur carrière.

Le cœur de la gamme d’instruments de Fender – la Telecaster (1950), la  Stratocaster (1954), la  Jazzmaster (1958), la Jaguar (1962), la Mustang (1964), la Precision Bass (1951) et la Jazz Bass (1960) – reste en grande partie inchangée par rapport à la originaux. De nombreuses variantes à différents prix sont disponibles chez Fender et ces modèles ont également inspiré de nombreux autres fabricants pour leurs «prises» sur ces modèles classiques.

Avec l’introduction de ses nouvelles guitares American Vintage Series, Fender propose des reproductions fidèles des classiques Fender qui ressemblent, se sentent, sonnent et jouent aussi près que possible des modèles originaux. Ils représentent ce que Fender pense aujourd’hui que ces modèles classiques étaient quand ils étaient nouveaux et Leo dirigeait toujours l’entreprise.

LES AMPLIS FENDER

LES AMPLIS HAUT DE GAMME

Fender étant une entreprise qui construit des amplis pour correspondre à ses guitares a été une grande partie de leur succès précoce. Qu’est-ce qu’une guitare électrique sans un bon ampli de toute façon? Leo l’a compris depuis le début. Fender a construit des amplis robustes et qui sonnaient très bien dès le début.

L’armée a montré pendant la Seconde Guerre mondiale que les circuits électriques devaient être robustes. Leo était un bon étudiant en conception de circuits et comprenait que les musiciens itinérants avaient besoin d’amplificateurs bien construits et qui ne tombaient pas en panne sur la route.

En 1946, Fender a conçu et commencé à fabriquer le Deluxe, le Professional et le Dual Professional, ainsi que le Princeston, un ampli de pratique de 4 watts.

Poussant de 18 à 45 watts, ce sont de loin les amplificateurs les plus puissants produits commercialement. Avec un châssis en acier lourd, des plaques de contrôle chromées et des boîtiers en pin épais recouverts de tissu tweed, ces amplificateurs étaient extrêmement robustes. Ils ont rencontré les musiciens assez rapidement.

Les voitures Woody étaient en vogue dans les années 1930 aux années 1940. Leo, qui aime beaucoup les voitures, l’a peut-être inspiré avec le design de l’ampli boisé ou il se peut simplement que le bois n’ait pas encore été pensé. Même les radios ressemblaient beaucoup à des meubles à l’époque.

FENDER TWEED

Fender Tweed utilisé pour la première fois sur des amplis de 1946 à 1960 – Recouvert du même type de tissu «tweed» utilisé pour les bagages à l’époque.

Les premières armoires avaient des ouvertures de haut-parleurs à angle arrondi relativement petites, appelées «façades TV»; ils ont été remplacés en 1953 par des «panneaux larges» supérieurs et inférieurs et ceux de 1955 par les «panneaux étroits».

La gamme d’amplis tweed originale comprenait les modèles Champion / Champ, Princeton, Deluxe, Professional / Pro et Super. Les années 50 ont vu l’ajout des Bassman (1952), Bandmaster and Twin (1953), Tremolux et Harvard (1955) et Vibrolux (1956).

En 1948, Fender a commencé la série d’amplis de pratique «Champion», qui a finalement été appelé «The Champ» et est devenu l’un des amplificateurs les plus populaires jamais construits. Le Champ avait la puissance de sortie la plus basse et le circuit le plus simple de tous les amplis à lampes Fender. Le Champ n’avait qu’un seul tube de puissance. Fender l’a commercialisé comme un ampli d’étudiant et de pratique, mais ses trois ou quatre watts et son circuit simple et bon son ont rendu le Champ populaire dans les studios d’enregistrement.

À l’autre bout de la gamme, le Twin en est venu à utiliser quatre lampes de puissance 6L6 ou 5881 pour produire 50, et plus tard un énorme (pour l’époque) 75 watts.

LE FENDER BASSMAN

Le Fender Bassman de 1952 a été conçu comme amplificateur de basse pour accompagner le nouveau Fender Precision Bass. Il a été rapidement découvert par les guitaristes comme un excellent ampli pour guitares.

Donc, comme certains autres modèles prévus par Fender, a trouvé un public plus large et différent. Le Bassman est TOUJOURS un ampli de guitare recherché avec certains joueurs le sentant comme le meilleur jamais fabriqué.

Fait intéressant, Leo  cherchait les amplis les plus propres, les plus purs et les plus fiables qu’il puisse produire. À peu près, il y est parvenu, mais les joueurs ont vite découvert qu’en saturant ces amplis à lampes purs, un crunch et une distorsion étaient produits.

Ce n’était certainement pas l’intention des premières créations de Leo. Finalement, les harmoniques et la distorsion ont commencé à se frayer un chemin dans la musique populaire. Cela a bien sûr tout changé!

En 1952, le Bassman a été présenté comme un ampli combo avec un haut-parleur de quinze pouces (1 × 15), mais en 1955 a acquis sa configuration classique de haut-parleurs 4 × 10 ″. Considéré comme l’un des meilleurs amplis Fender les plus purs jamais construits par certains joueurs, Ask Brian Setzer…

La série Fender Brownface a été introduite en 1959 et abandonnée en 1963 – Fender est passé des revêtements Tweed aux revêtements Tolex pour les nouveaux amplis «brownface», ainsi appelés pour leurs panneaux de commande marron montés à l’avant.

Fender a en fait produit des amplificateurs blonds et bruns entre 1960 et 1964, avec une refonte complète des circuits, des armoires et des dispositions de contrôle.

*À cette époque, Fender a présenté le Concert, Vibrasonic, Showman et Vibroverb – et un tout nouveau Princeton. Les amplificateurs Fender Blonde ont été produits entre 1960 et 1964.

Les amplis Fender Blonde avaient une toute nouvelle conception de ferroutage tête et cabine (le Tremolux, Bassman, Showman et Bandmaster) ainsi que quelques amplis combos, y compris le Vibrasonic haut de gamme.

La plupart des combos étaient bruns, sauf pour plus tard Twins, que Fender a changé de brun à blond en 1961, et le Champ, qui a gardé son tweed jusqu’en 1964. Ils ont présenté deux couleurs de toiles de gril – bœuf et blé.

La génération Brownface comprenait des circuits de trémolo sur la plupart des modèles et introduisit la réverbération à ressort en tant qu’unité séparée et dans le Vibroverb.

Fender a également commencé à utiliser les haut-parleurs Oxford, Utah et CTS de manière interchangeable avec les Jensens. Jensens et Oxford sont restés les plus courants pendant cette période. En général, ils utilisaient le haut-parleur qu’ils pouvaient obtenir le plus économiquement et le plus facilement.

À la fin de 1963, certains amplificateurs Fender sont passés au début des panneaux blackface. D’autres modèles d’amplis de 1963, en particulier le Vibroverb, qui était le premier ampli Fender à réverbération intégrée, restaient marron.

Fender proposait toujours les amplis de 4 watts à 85, mais la différence de volume était plus grande, en raison de la tonalité améliorée et nette du 85w Twin.

Les amplificateurs Fender Blackface ont été produits entre 1964 et 1967 – passant à un revêtement Tolex noir, un tissu de calandre argenté et un panneau de commande noir. Les premiers amplis blackface ferroutage (ainsi que le Princeton) avaient des boutons blancs. Après 1964, les amplis contournaient des boutons noirs.

En 1964, la marque a changé le trémolo du complexe «vibrato harmonique» à un circuit plus simple et moins coûteux basé sur un coupleur optique, qui ne nécessitait que la moitié d’un tube à double triode 12AX7. Toujours à l’ère du blackface, ils ont ajouté des versions de réverbération interne de plusieurs amplis populaires, y compris le Princeton Reverb, Deluxe Reverb, Super Reverb, Pro Reverb, Twin Reverb et Showman Reverb.

la marque a arrêté les cosmétiques blackface à la fin de 1967. Ils les ont ramenés pendant une brève période en 1981, et les ont à nouveau interrompus l’année suivante. Ces amplis blackface sont à nouveau disponibles en réédition et certains estiment qu’ils sont les meilleurs amplis jamais fabriqués.

Randall Smith, fondateur de Mesa / Boogie Amplifiers, a noté que les amplis Blackface avaient un «son plus propre» que les versions précédentes, ce qui l’a inspiré à fabriquer des amplis «plus sales».

Questions Fréquemment Posées sur Fender

1. Quelle est l’histoire de Fender?

Réponse: Fender a été fondée en 1946 par le légendaire luthier Leo Fender. Il a conçu et construit les premiers amplificateurs et guitares électriques à la fin des années 1940, et a rapidement établi Fender comme la principale entreprise dans le monde de la musique électrique. Les produits Fender sont devenus extrêmement populaires parmi les musiciens et les fabricants d’instruments à travers le monde, et la marque est maintenant une force majeure dans l’industrie de la musique électrique.

2. Quels produits Fender sont disponibles?

Réponse: Fender propose une gamme complète d’instruments et d’équipements pour les musiciens électriques, du matériel professionnel aux produits grand public. La gamme Fender comprend des guitares électriques, des basses électriques, des amplificateurs, des accessoires, des claviers et des pédales d’effets. La marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation, ainsi que des pièces de rechange.

3. Quels sont les principaux avantages de la marque Fender?

Réponse: Les principaux avantages de Fender sont la qualité et la fiabilité de ses produits. Les instruments Fender sont conçus pour offrir une excellente précision et une qualité sonore supérieure, et sont conçus pour durer des années. La marque propose également une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange pour maintenir et réparer vos instruments. Enfin, Fender offre une garantie de trois ans sur tous ses produits pour vous assurer que vous êtes toujours couvert en cas de problème.

4. Quels types de guitares électriques Fender sont disponibles?

Réponse: Fender propose une gamme complète de guitares électriques, y compris des modèles acoustiques, des modèles de jazz, des modèles de blues, des modèles de rock, des modèles de metal et des modèles de country. La marque propose également des guitares électriques spécialisées, notamment des guitares à 7 cordes, des guitares à 12 cordes et des guitares électro-acoustiques.

5. Quels sont les principaux avantages des amplificateurs Fender?

Réponse: Les amplificateurs Fender sont conçus pour offrir une excellente qualité sonore et une grande variété de tonalités. La gamme Fender comprend des amplificateurs à tubes, des amplificateurs numériques et des amplificateurs hybrides. Les amplificateurs Fender sont conçus pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.

6. Quels sont les principaux avantages des pédales d’effets Fender?

Réponse: Les pédales d’effets Fender sont conçues pour offrir une grande variété d’effets et de tonalités. La gamme Fender comprend des pédales d’overdrive, des pédales de distorsion, des pédales de modulation, des pédales d’écho et des pédales de delay. Les pédales Fender sont conçues pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.

7. Quels sont les principaux avantages des accessoires Fender?

Réponse:Les accessoires Fender sont conçus pour offrir une grande précision et une excellente qualité sonore. La gamme Fender comprend des cordes, des capots de protection, des étuis, des supports, des câbles et des adaptateurs. La marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation, ainsi que des pièces de rechange.

8. Quels sont les principaux avantages des claviers Fender?

Réponse: Les claviers Fender sont conçus pour offrir une précision, une polyvalence et une excellente qualité sonore. La gamme Fender comprend des modèles de scène, des modèles professionnels et des modèles grand public. Les claviers Fender sont conçus pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.

9. Quels sont les principaux avantages des pièces de rechange Fender?

Réponse: Les pièces de rechange Fender sont conçues pour offrir une excellente qualité et une longue durée de vie. La gamme Fender comprend des pièces pour les guitares électriques, les basses électriques, les amplificateurs, les claviers et les pédales d’effets. Les pièces Fender sont conçues pour être robustes et fiables, et la marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation.

10. Quelles sont les conditions de garantie Fender?

Réponse: Tous les produits Fender sont couverts par une garantie de trois ans à compter de la date d’achat. La garantie couvre tous les défauts de fabrication et de matériel. La garantie ne couvre pas les dommages causés par l’utilisation abusive ou la mauvaise manipulation du produit. La garantie ne s’applique pas aux consommables tels que les cordes, les capots de protection et les câbles.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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GOJIRA : histoire, albums, clips, live en 10 points.

par Eric Canto | Mis à jour le 17/10/2024 | Publié le 27/12/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Découvrez Gojira, les maîtres français du heavy metal

Originaire d’Ondres dans les Landes, Gojira est un groupe français de heavy metal qui s’est rapidement imposé sur la scène internationale. Alliant des sonorités issues du death et du metal extrême, ce quatuor talentueux se démarque grâce à une identité puissante et méticuleusement construite au fil des albums. Dans cet article, nous vous invitons à en apprendre davantage sur l’histoire de Gojira, ses membres et sa musique.

les membres de gojira

Le parcours fulgurant de Gojira

Les débuts du groupe

Formé en 1996 à Bayonne, Pyrénées-Atlantiques, Gojira était initialement composé des deux frères Joe (chant et guitare rythmique) et Mario Duplantier (batterie), associés aux guitaristes Christian Andreu et Alexandre Cornillon. Le groupe prend alors le nom de « Godzilla » en référence à la prononciation japonaise du célèbre monstre, avant de changer pour « Gojira » en 2001 afin d’éviter tout problème de droits d’auteur.

Percée internationale

Après avoir joué pendant plusieurs années sur la scène locale et régionale, Gojira signe en 2004 avec Listenable Records, un label international qui leur permet de toucher un public plus large. Leur album « From Mars to Sirius » sorti en 2005 marque véritablement le début de leur ascension, avec des morceaux tels que « Ocean Planet » et « Flying Whales » qui les propulsent sur la scène internationale. Dès lors, le groupe tourne aux côtés de grands noms du metal comme Metallica, Slayer ou encore Slipknot.

L’identité musicale de Gojira

Un style progressivement affirmé

Au fil des albums, Gojira a su affirmer son identité, tant au niveau des paroles que de l’instrumentation. Les membres du groupe puisent leurs influences dans les racines du death metal mais aussi chez des artistes moins conventionnels tels que Tool et Massive Attack. Ils ne s’interdisent aucune expérimentation, avec des morceaux parfois très éloignés des codes traditionnels du genre. C’est ainsi que leurs compositions sont régulièrement empreintes d’une atmosphère sombre et mystérieuse, laissant place à une certaine introspection.

L’engagement écologique et humaniste

Une autre caractéristique marquante de Gojira est sans conteste leur engagement en faveur de l’environnement et du respect de la nature. Leurs textes n’hésitent pas à aborder des thèmes forts et complexes tels que la pollution, le réchauffement climatique ou la sauvegarde des espèces menacées. De plus, ils ont su toucher un public toujours plus large grâce à ces messages porteurs d’espoir et d’altruisme.

Les principaux albums et morceaux de Gojira

Au cours de leur carrière, Gojira a sorti plusieurs albums qui ont marqué l’histoire du metal français et international. Voici les plus emblématiques :

• The Link (2003) : premier album sous le nom de Gojira, il pose les bases du style musical du groupe ;
• From Mars to Sirius (2005) : véritable tournant dans la carrière de Gojira, cet album est souvent considéré comme une référence du genre ;
• The Way of All Flesh (2008) : avec des titres plus sombres et introspectifs, cet opus confirme l’identité particulière de Gojira ;
• L’Enfant Sauvage (2012) : un disque riche en sonorités variées qui mêle influences death, progressif et atmosphériques ;
• Magma (2016) : cet album marque un virage plus accessible pour le groupe, séduisant ainsi un public encore plus large.
• Fortitude (2021) : cet opus continue d’affirmer l’évolution progressive du groupe tout en restant fidèle à ses racines.

Suivre Gojira sur les réseaux sociaux et internet

Pour ne rien rater des actualités de Gojira et suivre leurs aventures au jour le jour, vous pouvez vous rendre sur leur site officiel ou les rejoindre sur les réseaux sociaux. Vous y trouverez notamment les annonces de tournée, des photos et vidéos exclusives ainsi que toutes les informations sur leurs sorties d’albums.

• Site officiel : pour vous tenir informé(e) des dernières news du groupe et accéder aux contenus exclusifs ;
• Compte Instagram : suivez Gojiraofficial pour découvrir les coulisses du groupe et admirer les clichés pris lors de leurs tournées mondiales ;
• Compte Deezer : écoutez l’intégralité de la discographie de Gojira en qualité optimale et créez vos propres playlists ;

Trouver le merchandising officiel de Gojira

Si vous êtes un véritable fan de Gojira, vous serez ravi(e) d’apprendre que le groupe propose de nombreux produits dérivés à la vente sur leur boutique en ligne EMP. Vous y trouverez tout ce qu’il vous faut pour afficher fièrement votre passion pour le quatuor français : t-shirts, posters, vinyles, CDs, cassettes, box sets et autres goodies à l’effigie de Gojira n’y attendent plus que vous.

Les membres de Gojira : l’histoire du groupe

Gojira est un groupe de metal français originaire de Bayonne, dans le sud-ouest de la France. Le groupe est composé de quatre membres : Joe Duplantier (chant et guitare), Mario Duplantier (batterie), Christian Andreu (guitare) et Jean-Michel Labadie (basse).

Le style musical de Gojira est souvent décrit comme un mélange de death metal, de thrash metal et de groove metal. Leurs paroles traitent de sujets tels que l’environnement, la nature, la spiritualité et la justice sociale.

Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « From Mars to Sirius » en 2005, « The Way of All Flesh » en 2008, « L’Enfant Sauvage » en 2012 et « Magma » en 2016. Ils ont également tourné avec des groupes tels que Metallica, Lamb of God et Slayer.

En dehors de leur musique, les membres de Gojira sont connus pour leur engagement en faveur de l’environnement et leur soutien à des organisations telles que Sea Shepherd Conservation Society et The Ocean Cleanup.

GOJIRA: Les débuts

Tirant son nom de la prononciation japonaise originale de Godzilla, le quatuor de death metal français Gojira est passé de la plus grande obscurité au cours de la première moitié de sa carrière à une reconnaissance mondiale.

Originaire de la ville de Bayonne sur la côte sud de ouest de la France, Gojira a enregistré la première d’une séquence de démos presque annuelles en 1996.

Perfectionnant progressivement leur son jusqu’en 2000, lorsque les membres du groupe Joe Duplantier (chant / guitare), Christian Andreu (guitare) ), Jean-Michel Labadie (basse) et Mario Duplantier(batterie), se sentaient prêts à enregistrer leur premier album, Terra Incognita , en ne comptant que sur leurs propres moyens.

Malgré son statut d’indépendant, le bien nommé LP a fait de nombreuses vagues avec son mélange imprévisible de death, thrash, groove, progressif et math métal – rappelant des groupes aussi divers que Pantera , Meshuggah , Suffocation et Sepultura .

GOJIRA THE LINK

Pourtant, il a fallu plusieurs années (et un curieux détour par la musique de la bande originale du Maciste All Inferno EP de 2003) pour que le monde du métal prenne de l’ampleur, et même le deuxième album de Gojira , The Link , a dû être publié via le minuscule Boycott Records indépendant avant d’être réédité par Listenable.

Cela fut suivi par l’ album live The Link Alive de 2004 et le set vidéo correspondant, dont la composante audio était limitée à 500 exemplaires.

Des compositions à la fois complexes et punitives sonores comme « Death of Me », « Remembrance » et « Embrace the World » ont constamment mis les auditeurs au défi de résister à leur gamme vertigineuse de styles Cuisinart, présenté avec une esthétique quasi industrielle et une brutalité quasi atonale.

Pour les amateurs de metal éclairés, ces chansons rappelleront principalement Meshuggah en Suède, moins les motifs rythmiques distinctifs et exotiques; pour les néophytes, ils ressembleront au travail de machines en colère, grinçant éternellement dans un avenir post-humaniste.

Mais la polyvalence susmentionnée s’est également reflétée dans quelques brefs intermèdes de changement de vitesse («Connected», «Torii», «Wisdom Comes»), des chansons plus lentes augmentées par des mélodies évanescentes et des effets sonores de bruit blanc (la chanson titre, «Dawn» ), et une paire de « singles » inhabituellement concis et moins oppressants dans « Indians » et « Over the Flows ».

Dans l’ensemble, il y avait juste assez de variété et d’émotion humaine perceptible pour élargir la portée créative de Gojira ; mais pas encore autant que le groupe développera sur les albums suivants, à commencer par le bond en avant révélateur de 2005 ‘

groupe metal francais gojira

GOJIRA: From Mars to Sirius

Maintenant, prenant enfin de l’ampleur, Gojira a vu leur troisième album, From Mars to Sirius, entrer dans les charts français au numéro 44, tout en recueillant les critiques les plus enthousiastes de leur carrière.

Un niveau de reconnaissance qui a conduit à de nombreuses apparitions dans des festivals européens et de longues tournées européennes et nord-américaines avec Obituary , Hatesphere , Children de Bodom , et Machine Head , pour n’en citer que quelques-uns.

À la fin du long cycle promotionnel de From Mars to Sirius , Gojira était largement reconnue comme une force avec laquelle il fallait compter, sur scène et en studio.

Leur quatrième album très attendu, The Way of All Flesh (sorti aux États-Unis par Prosthetic Records), a fait une forte impression en faisant ses débuts à la 138e place des charts américains en octobre 2008.

La vaste tournées que Gojira entreprit alors signifiait que les fans devraient attendre près de quatre ans pour le prochain album studio du groupe.

Groupe metal francais gojira

Albums de gojira: L’enfant sauvage

En 2012, le groupe est passé dans la cour des grands, signant au grand label Roadrunner pour la sortie de L’Enfant Sauvage, inspiré du film Truffaut du même nom.

Il a remporté de nombreux éloges de la part de la critique, ainsi que le Top 40 des charts américains, canadiens, suédois et français.

De longues années de tournées et d ‘enregistrements occasionnels – dont un autre album live, Les Enfants Sauvages – ont été suivies par la sortie du sixième album de Gojira , Magma , sorti sur Roadrunner en 2016.

Albums de gojira: MAGMA

Ce sixième album des métalleux de l’extrême français sera un pas en avant audacieux vers un nouveau territoire.

Ayant déjà consolidé leur place comme l’un des meilleurs groupes de death metal technique de l’histoire, ils élargissent ici considérablement leurs horizons, expérimentant la mélodie, le groove, des chansons plus courtes, des structures plus simples et le chant réel.

Ce passage de la complexité à l’accessibilité a vu Magma établir des comparaisons avec l’album noir de Metallica , que Gojira ont accueilli.

Bien qu’ils aient atténué un peu la complexité, la musique est toujours incroyablement lourde, et il y a encore plus d’idées dans cet album que la plupart des groupes n’en gèrent dans toute une carrière.

Du solo du Moyen-Orient de « Silvera » au brutal, syncopé tatouage de batterie qui conduit « The Cell » à la voix presque liturgique et monastique de la chanson titre et à l’effet de guitare industrielle incroyablement dur et hurlant qui apparaît périodiquement.

« The Shooting Star » prépare le terrain pour le reste de l’album avec un groove mi-tempo boueux, des voix multi-pistes, une mélodie mineure, un chant clair et un véritable mur de guitare.

La chanson titre est l’une des plus progressives du disque, rappelant l’époque de la vieille école du groupe avec au moins cinq sections différentes, Joe Duplantier rugit dans le vide sur un tourbillon cyclique de guitare.

Mais il y a presque une sensation pop dans certains des titres. La musique et le style de chant de Duplantier ont tous deux une ambiance des années 90, et le refrain de « Stranded » aurait presque pu sortir quelque chose de l’un des groupes grunge les plus boueux, comme Alice in Chains ou Tad .

L’album se termine dans un quasi-silence majestueux avec l’outro instrumental acoustique «Liberation».

La plupart des paroles sont inspirées du décès prématuré de la mère des frères Duplantier, un sujet qui a évidemment fait beaucoup de mal mais qui est également traité avec grâce, sensibilité et bon goût.

Cet album ne donnera pas à Gojira de grands succès radiophoniques pop, mais il élargira certainement son attrait en dehors du ghetto de death metal à des fans plus généraux de métal et de hard rock.

Albums de gojira: Fordtitude

Cinq longues années après la sortie du Magma révolutionnaire et au succès foudroyant , la pression est sur Gojira pour que le groupe  fournisse une suite à la hauteur, faisant de Fortitude l’ une des sorties de métal les plus attendues de 2021.

Le premier set offrait des chansons astucieusement rendues qui étaient inhabituellement personnelles; ils ont été composés en réponse à la mort du chanteur / guitariste Joe et de la mère du batteur Mario Duplantier .

Le groupe a tout utilisé, du chant clair au grunge rétro en passant par le post-punk, le prog noueux et le néo-psych pour faire passer les chansons, gagnant ainsi de nouveaux fans, dont beaucoup ne fréquentaient généralement pas la section métal du magasin de disques.

Fortitude été enregistré aux Sterling Silver Studios à Brooklyn, New York, produit par Joe Duplantier et mixé par Andy Wallace ( Nirvana ). Malgré un éventail plus large d’éléments stylistiques et de production, ces 11 chansons sont liées comme une suite.

Le premier titre « Born for One Thing » est propulsé par les rythmes explosifs de Mario au milieu des grooves du death metal et punissant les pannes industrielles alors que Joe chante la peur humaine de la mort et se prépare à son inévitabilité.

Les deux vamps de guitare de Joe et Christian Andreu se heurtent et rebondissent l’un sur l’autre.

L’hymne anti-déforestation « Amazonia » offre un groove de basse massif de Jean-Michel Labadie , soutenu par les accords de puissance, tambours battants et des instruments indigènes qui paie directement hommage à Sepultura de Roots époque.

« Another World » offre une magnifique présentation de Gojirales prouesses de la mort technologique abondantes.

Les harmonies vocales superposées et quasi-chantées introduisent « Hold On » au sommet d’une orgie de riffs de Sabbat et de tambours incantatoires.

Les voix claires en couches décalent les cadences de la guitare et de la basse, tourbillonnant ensemble parmi la réverbération et les effets néo-psychiques avant qu’Andreu ne signale un changement avec un vamp crunch-and-burn ajouté par une distorsion et des battements explosifs.

Il éclate avec un death metal lourd et groove ancré par la voix principale grondante de Joe .

La chanson titre ressemble plus à une intro de deux minutes avec des marimbas, des tam-toms et des grosses caisses offrant des rythmes cumbia et reggae.

Un chant clair sans paroles et des guitares pincées avant d’exploser en « The Chant » au milieu de basses croustillantes et de vamps de guitare électrique bruyants.

Combiné,Le premier album éponyme de Neil Young , Re-ac-tor et Killing Joke . « Sphinx » est un regard furieux en arrière sur l’ histoire de l’enregistrement de Gojira tandis que « Into the Storm » sort de la porte avec des guitares jumelles mélodiques

Ces guitares  se transforment en un vamp de death metal effréné au sommet de blastbeats triples et de chants chantés et durs.

Pour les fans de longue date, « The Grind », plus proche, est la récompense: il est incroyablement lourd, syncopé, technique et nuancé dans la production, avec des voix déchaînées qui peuvent prêcher la capitulation mais qui sont en fait profondément insurgées comme la musique bouillonnante en offre la preuve.

Les fans de Magma n’avaient pas à s’inquiéter: Fortitude est énorme ,L’évolution musicale continue alors qu’ils tissent d’anciens sons avec de nouveaux pour créer une tapisserie sonore qui met en valeur une imagination surprenante, une intelligence musicale et humaine stimulante, des émotions complexes et une immense puissance physique.

L’inspiration secrète derrière la pochette de l’album Fortitude de Gojira

Le chanteur de Gojira, Joe Duplantier, révèle comment une peinture du XIXe siècle a inspiré la couverture énigmatique du nouvel album Fortitude.

Le septième album de Gojira , Fortitude , est une sortie décisive pour le groupe et pour le métal en 2021. L’une des choses les plus frappantes de l’album au-delà de la musique est son oeuvre énigmatique, créée par le chanteur Joe Duplantier.

Le batteur de Gojira, Mario Duplantier, nous parle de la signification de l’œuvre d’art – et de l’inspiration qui la sous-tend.

«Nous avions le titre, nous savions que nous voulions appeler l’album Fortitude », dit Joe. «Les gens comprendront pourquoi on l’appelle Fortitude lorsqu’ils liront les paroles. [Pour la couverture], je voulais représenter une personne autochtone, car une grande partie de l’album est un hommage aux communautés autochtones – je voulais représenter cet aspect.

Pour l’inspiration, Mario a montré à son frère plusieurs peintures et œuvres d’art. Parmi eux, Pallas Athena , une peinture de 1898 de l’artiste autrichien Gustav Klimt.

«C’est un beau tableau», dit Joe. «Il m’a montré d’autres exemples de guerriers et de chevaliers, et l’œuvre a fini par être les Chevaliers de la Table Ronde mélangés à la culture indigène.

«Cela représente l’esprit de l’album.» ajoute Mario, qui peint également. «Joe m’a demandé: ‘Voulez-vous dessiner quelque chose?’ J’ai dit: ‘Non, non, c’est votre rôle, parce que c’est vous qui réunissez les mots. Les mots et les visuels s’accordent si bien. »

Le batteur ajoute qu’il existe un lien visuel entre de nombreuses pochettes d’albums de Gojira. «J’aime le fait qu’il y ait une ligne entre The Link , From Mars To Sirius , The Way Of All Flesh , L’Enfant Sauvage et celui-ci. Et il y a aussi un esprit derrière la technique du dessin – c’est comme un masque pour les gens qui aiment la musique. C’est très réconfortant.

GOJIRA: Projets secondaires

Joe Duplantier a été invité par les frères fondateurs du groupe brésilien influent Sepultura , Max et Igor Cavalera , à rejoindre leur nouveau groupe Cavalera Conspiracy en tant que bassiste.

L’album Inflikted est sorti en mars 2008 et une tournée a suivi à la mi-2008. Aussi, les frères Duplantier ont formé un groupe de métal d’avant-garde appelé Empalot en 1998, mettant en vedette Stéphane Chateauneuf, qui apparaît dans la courte émission de The Link Alive DVD appelée « Thang & Tanguy ».

Leur première sortie était un album de démonstration intitulé Brout , sorti en 1998. Deux albums suivirent: Tous aux Cèpesen 2001 et un CD live intitulé Empalot en Concert en 2004.

Joe Duplantier a prêté son style vocal unique à Devin Townsend sur son album de 2011 «Deconstruction». La chanson qui utilise les talents vocaux de Joe s’intitule «Sumeria».

Joe Duplantier a également exécuté des voix avec le groupe suisse Kurger sur l’album 2010 « For Death, Glory And The End Of The World » sur la chanson intitulée « Muscle ».

GOJIRA the flesh alive – groupe metal francais gojira

Style musical, les influences et les chansons de Gojira

Le son de Gojira mélange plusieurs styles.  Gojira est un groupe de death metal technique et combinant des éléments de death , thrash , groove ,  progressif ,  et de math métal .

Ils sont également considérés comme du post-métal . Gojira ont été influencés par des artistes de métaux lourds tels que Death ,  Morbid Angel , Metallica , Sepultura ,  Meshuggah , Outil , Pantera , Névrose , Slayer et Godflesh .

Gojira joue un style technique et rythmique de heavy metal avec des percussions de précision accompagnées de battements explosifs , de motifs rythmiques inhabituels et de riffs start-and-stop.

Gojira est également connu pour incorporer des éléments atmosphériques texturés et des chansons instrumentales dans sa musique.

Les chansons de Gojira ont des structures de chansons progressives et inhabituelles , utilisant rarement l’ écriture de chansons standard de couplet-chœur .

Le style vocal est varié, utilisant le style crié souvent employé dans le métal extrême, avec le style de grognement de mort principalement utilisé dans le death metal, en plus des voix claires et des cris plus élevés.

Parfois, des grognements de death metal et des voix claires sont mélangés pour créer un effet agressif mais mélodique.

Les paroles de Gojira abordent les thèmes de la vie, de la mort, de la renaissance, de la spiritualité et de la nature. En particulier, leur album 2005 De Mars à Sirius est un album conceptuel abordant des questions environnementales et des thèmes plus larges de la vie, de la mort et de la renaissance.

Les membres du groupe ont grandi dans la région d’Ondres et de Bayonne, sur la côte sud-ouest de la France ( Pyrénées-Atlantiques / Pays Basque français ).

La campagne pittoresque environnante et le littoral accidenté ont inspiré l’intérêt de Gojira pour la nature et la terre. Gojira utilise leurs paroles pour répandre ses croyances spirituelles et ses préoccupations pour l’environnement.

Dans une interview en 2016, les frères Duplantier ont déclaré que l’éducation qu’ils avaient reçue pendant leur jeunesse – par un père illustrateur et peintre, Dominique Duplantier, et une mère, Patricia, une Américaine d’origine açorienne – dans une maison de style landaise « perdue dans la forêt , sans voisinage », se reflétait dans la musique de Gojira.

Mario Duplantier a rappelé ces souvenirs, et sa mère comme, un esprit très libre, qui a toujours encouragé notre créativité.

D’une part, nous avions cette mère extravertie, qui dessinait, sculptait, réalisait de magnifiques tableaux en bois flotté, et d’autre part, un père silencieux, «  bourreau de travail  », qui pouvait passer des journées entières sur ses gigantesques dessins à l’encre de Chine, avec une rigueur presque inquiétante.

Ces deux aspects de notre éducation se retrouvent à Gojira, un mélange de discipline et quelque chose de plus extraverti, farfelu et chaotique.

Gojira coopère également avec Sea Shepherd Conservation Society pour protéger les animaux marins, en particulier les dauphins, les baleines et les requins.

Les membres de la Sea Shepherd Conservation Society sont autorisés à organiser un stand de marchandise lors des concerts de Gojira.

De plus, Gojira travaille sur l’EP Sea Shepherd avec des musiciens bien connus de la scène metal, dont Devin Townsend et le guitariste de Meshuggah Fredrik Thordendal .

Tous les profits du projet vont à l’organisation, bien qu’en juin 2016, l’état actuel de ce projet soit inconnu.

GOJIRA – Hellfest 2019 :  Le live intégral

Le concert de Gojira au Hellfest 2019 a été très acclamé par les fans et la presse.

Voici la setlist du concert :

1. Oroborus
2. Backbone
3. Stranded
4. Flying Whales
5. The Cell
6. The Heaviest Matter of the Universe
7. Silvera
8. L’Enfant Sauvage
9. Toxic Garbage Island
10. Vacuity

Le groupe a offert une performance énergique et puissante, avec des visuels impressionnants et une ambiance électrique. La setlist incluait une sélection de chansons de leurs albums précédents ainsi que de leur dernier album à l’époque, « Magma ». Le public a été impressionné par la virtuosité des membres du groupe et leur capacité à créer une atmosphère intense et captivante tout au long du concert.

FAQ sur Gojira : Tout savoir sur le groupe de metal français

1. Qui est Gojira ?

Gojira, un groupe de metal français formé en 1996, est reconnu comme l’un des acteurs majeurs de la scène metal internationale. Le groupe originaire de Bayonne a su se démarquer avec un style unique qui combine des éléments de death metal, de groove metal et de progressif. Gojira est notamment apprécié pour ses thèmes lyriques engagés, souvent centrés sur la nature, la vie, et des questions environnementales.

2. Quels sont les membres de Gojira ?

Les membres actuels de Gojira sont :

• Joe Duplantier : chant et guitare rythmique,
• Mario Duplantier : batterie,
• Christian Andreu : guitare lead,
• Jean-Michel Labadie : basse.

Le groupe a su maintenir cette formation depuis ses débuts, ce qui a contribué à sa cohésion et son évolution musicale.

3. Quelle est l’origine du nom « Gojira » ?

Le nom « Gojira » est la transcription phonétique japonaise de « Godzilla, » le célèbre monstre du cinéma. Avant de s’appeler ainsi, le groupe s’appelait Godzilla, mais pour éviter des conflits juridiques avec les créateurs du monstre, ils ont opté pour Gojira en 2001. Ce choix reflète l’esprit du groupe, qui évoque la force de la nature et des thèmes apocalyptiques.

4. Pourquoi Gojira est-il considéré comme un groupe de metal unique ?

Gojira se distingue par son approche technique du metal, combinant des éléments de death metal avec des sonorités progressives et atmosphériques. Leurs compositions sont souvent complexes, avec des changements de rythme inattendus, des riffs puissants, et des structures de chansons non conventionnelles. De plus, les thèmes abordés, notamment la protection de l’environnement, ajoutent une dimension philosophique et engagée à leur musique.

5. Quels sont les albums les plus connus de Gojira ?

Gojira a sorti plusieurs albums acclamés par la critique et le public :

• « Terra Incognita » (2001) – Leur premier album, déjà prometteur, posant les bases de leur style unique.
• « The Link » (2003) – Un album charnière qui montre l’évolution vers un son plus progressif.
• « From Mars to Sirius » (2005) – L’album qui a propulsé le groupe sur la scène internationale, avec des titres comme « Flying Whales ».
• « The Way of All Flesh » (2008) – Une exploration de la mortalité et des thématiques existentielles.
• « L’Enfant Sauvage » (2012) – Un album très personnel, marqué par une intensité émotionnelle.
• « Magma » (2016) – Album qui a remporté un succès mondial avec des chansons comme « Stranded » et « Silvera ».
• « Fortitude » (2021) – Dernier opus en date, très engagé, avec des titres comme « Amazonia » qui dénoncent la destruction de l’Amazonie.

6. Quels sont les thèmes abordés dans les chansons de Gojira ?

Les chansons de Gojira sont souvent centrées sur des thèmes profonds et universels :

• L’environnement : De nombreuses chansons de Gojira évoquent la protection de la planète, comme « Global Warming » ou « Amazonia ».
• L’existence humaine : L’album The Way of All Flesh traite par exemple de la mortalité et du sens de la vie.
• La nature et les forces cosmiques : Des titres comme « Flying Whales » illustrent l’influence des forces naturelles dans leur musique.
• La spiritualité : Joe Duplantier aborde parfois des thèmes liés à l’âme et à l’introspection, notamment dans L’Enfant Sauvage.

7. Quelle est la notoriété internationale de Gojira ?

Le groupe groupe metal francais gojira a connu une montée en puissance impressionnante sur la scène internationale. Après leur tournée aux côtés de Metallica, Gojira a conquis de nouveaux fans à travers le monde. Leur style novateur et leurs performances scéniques intenses leur ont valu une reconnaissance dans des festivals prestigieux, tels que le Download Festival et Hellfest.

8. Quels sont les meilleurs concerts et performances live de Gojira ?

Gojira est célèbre pour ses performances live électrisantes, marquées par une énergie brute et une précision musicale impeccable. Certains des concerts les plus mémorables incluent :

• Hellfest : Gojira est régulièrement la tête d’affiche de ce festival, avec des performances mémorables qui sont restées gravées dans l’esprit des fans.
• Le concert au Red Rocks Amphitheatre (2017) : Un lieu mythique où Gojira a offert une performance inoubliable.
• Tournée avec Metallica : Leur tournée en première partie de Metallica a marqué un tournant dans leur carrière, leur permettant de se faire connaître auprès d’un public encore plus large.

9. Quels sont les meilleurs morceaux de Gojira ?

Voici une sélection de quelques-unes des meilleures chansons de gojira :

• « Flying Whales » (From Mars to Sirius) – Un hymne qui incarne l’essence de leur style.
• « Stranded » (Magma) – Une chanson plus accessible mais puissante.
• « Silvera » (Magma) – Un mélange parfait de lourdeur et de mélodie.
• « Amazonia » (Fortitude) – Un cri d’alerte pour la protection de l’Amazonie.
• « L’Enfant Sauvage » (L’Enfant Sauvage) – Une chanson introspective et intense.

10. Comment Gojira a-t-il influencé la scène metal mondiale ?

Gojira a non seulement apporté une fraîcheur au death metal, mais ils ont aussi influencé toute une génération de musiciens avec leur approche technique, leurs thèmes engagés, et leur passion pour la planète. Le groupe est souvent cité par d’autres artistes comme une source d’inspiration, et ils ont contribué à renouveler l’image du metal progressif et du death metal en y incorporant des éléments nouveaux.

11. Quelles sont les collaborations marquantes de Gojira ?

Gojira a collaboré avec plusieurs grands noms du rock et du metal :

• Joe Duplantier a collaboré avec Cavalera Conspiracy, le groupe formé par Max Cavalera.
• Mario Duplantier a participé à des projets avec d’autres batteurs célèbres et a également développé une carrière en tant qu’artiste visuel. Ces collaborations renforcent la polyvalence du groupe et leur ouverture à d’autres styles.

12. Gojira est-il un groupe engagé ?

Oui, Gojira est très engagé, notamment sur les questions environnementales. Le groupe a souvent utilisé sa notoriété pour attirer l’attention sur des causes importantes comme la déforestation et le changement climatique. L’album Fortitude contient des chansons qui reflètent cet engagement, avec des titres comme « Amazonia » qui dénonce la destruction de la forêt amazonienne.

13. Pourquoi le groupe est parfois appelé « Godzilla groupe » ?

Cela vient de l’origine du nom du groupe, qui faisait référence à Godzilla avant qu’ils ne soient contraints de le changer en Gojira pour des raisons légales. Cette association avec le monstre géant symbolise aussi la puissance brute et les thématiques liées à la nature qui caractérisent la musique du groupe.

14. Comment Gojira a-t-il évolué musicalement au fil des ans ?

Depuis leurs débuts avec Terra Incognita, Gojira a constamment évolué, passant d’un death metal brut à un son plus mature et nuancé, intégrant des éléments progressifs et atmosphériques. L’album Magma marque un tournant dans leur carrière avec un son plus accessible, mais toujours aussi puissant et émotionnellement chargé.

15. Quelles sont les chansons les plus engagées de Gojira ?

Parmi les chansons de Gojira qui portent un message fort, on peut citer :

• « Amazonia » : Un appel à protéger l’Amazonie.
• « Global Warming » : Un cri d’alarme sur le changement climatique.
• « Toxic Garbage Island » : Une dénonciation de la pollution des océans.

Conclusion

En somme, Gojira n’est pas seulement un groupe de metal francais, mais un véritable phénomène international. Avec des thèmes qui résonnent dans notre monde moderne, une virtuosité musicale hors pair, et une présence scénique incroyable, le groupe continue de repousser les frontières du metal. Que vous soyez fan depuis leurs débuts ou que vous découvriez leur musique, Gojira a encore beaucoup à offrir.

NO ONE IS INNOCENT

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 24/11/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

No One Is Innocent stylisé comme [No One Is Innocent] est un groupe de rock français parisien amené par le chanteur Kémar Gulbenkian.

Le groupe a été fondé en 1994 avec le hit de 1994 « La peau ». No One Is Innocent a sorti cinq albums studio et deux albums live.

NO ONE IS INNOCENT

LES DEBUTS DU GROUPE

No One Is Innocente a été révélé en 1994 avec le premier album No One Is Innocent. Au début des années 1990, No One is Innocent, avec Lofofora, Oneyed Jack et Silmarils, étaient l’un des groupes les plus connus de la scène rap métal française à émerger dans un paysage musical marqué par le succès de groupes comme Rage Against the Machine.

Porté par le single La Peau (écrit après avoir regardé Rage Against The Machine lors d’un concert à l’Elysée-Montmartre), qui utilise des programmes soutenus par des radios jeunesse comme Fun Radio et Skyrock, le premier album du groupe est certifié or (100 000 ventes).

Le chanteur arménien Kémar signe la chanson Another Land, condamnant le génocide arménien, estimant que « ce triste événement doit être dénoncé » .

INTERVIEW DE NO ONE IS INNOCENT

Le maître mot de No One Is Innocent est la résistance ?

Vous avez toujours brandi cette bannière, sans parler des événements tragiques de 2015. Est-ce votre côté rebelle qui vous a poussé vers la musique pour écrire des paroles très engagées?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Notre engagement n’est pas seulement à cause de ces événements, nous ne sommes pas des combattants, mais il y a des raisons que nous avons approchées et défendues,

comme combattre le front national, lutter pour défendre d’autres mouvements écologistes sans papiers.

Notre parcours est marqué par la rencontre de personnes qui ont la même approche que nous, pas forcément de faire de la musique.

Ce n’est pas que je me sens rebelle, mais compte tenu de la musique que nous faisons dans ce pays, vous êtes considéré comme un rebelle.

Que ce soit la nôtre, Tagada Jones, Mass Hysteria ou autres. Donc juste parce que nous faisons cette musique, nous sommes des rebelles en France.

En fait, quand j’ai commencé le groupe, je voulais vraiment écrire des paroles engageantes et le jour où je me suis dit que je vais l’appeler « No One Is Innocent ».

Cependant, j’ai été critiqué car l’anglais n’était pas bien accueilli à l’époque. Enfin, indiquez le nom du groupe en anglais. Et puis ce n’était pas seulement en anglais, mais c’était trop long!

Mais j’étais convaincu qu’en dehors du sens de ce que signifiait «  No One Is Innocent  » et qui me convenait parfaitement, et par rapport à ce que je voulais écrire, on se souviendrait de Personne.

Vous voyez, dans ma chambre, je l’ai écrit sur le mur et je me suis concentré sur Personne.

C’est un nom complètement intemporel qui nous renvoie quelque chose et qui nous semble bien comparé à ce que nous disons dans nos paroles.

Et puis ce nom, d’album en album, vous fait comprendre ce que vous écrivez. C’est grâce à ce nom de groupe que vous savez pourquoi vous écrivez ces chansons depuis tant d’années

NO ONE IS INNOCENT

Vos paroles sont fortes et pleines de rage et nous sentons que vous êtes passionné et luttez quotidiennement contre toutes les injustices sur Terre. Passez-vous beaucoup de temps à composer des paroles?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, je suis passionné parce que mon peuple est derrière. Je ne serais pas avec une contrebasse et un clavecin.

Si je peux croire ce que je dis, c’est parce que je l’écris très bien et quand je l’interprète, c’est parce que le batteur jouera de manière à être interactif avec moi aussi, ou un strummer avec un riff qu’il présentera.

moi en transe et vice versa. Quand j’agite ce que je lance, ça affecte aussi l’humeur des gars. Nous sommes un groupe complètement interactif et tout le monde est intéressé.

La rédaction de textes prend beaucoup de temps car les exigences sont nombreuses. J’écris avec mon ami et co-auteur Emmanuel de Arriba, généralement 7 à 8 chansons sur l’album.

Nous écrivons ensemble sur « Revolution.com » (Ed.: Troisième album sorti en 2004).

Il y a des choses sur lesquelles je vais continuer seul, il y a aussi des sujets sur lesquels j’aime travailler parce qu’on se connaît depuis le lycée, et aussi parce qu’il est l’auteur et fan de Rock’n ‘Roll.

Dans un gang, il peut être le plus grand fan d’AC / DC.

Et quand vous écrivez de tels motifs, le fait qu’il y ait du «ping-pong» entre deux personnes vous permet d’aller plus loin. Nous nous complétons, et surtout, nous ne sommes pas satisfaits de ce que nous avons écrit rapidement.

Il peut y avoir des phases de génie, mais nous sommes extrêmement critiques envers notre travail, les uns envers les autres, et c’est ce qui donne de la force aux paroles.

Parfois on peut se prendre la tête pendant une semaine en deux phrases, tu vois, je veux dire que l’autre opposé est totalement obsessionnel, je le suis un peu moins, et ce côté obsessionnel me conduit à être très exigeant.

Mais comment se passe la composition d’un album ?

NO ONE IS INNOCENT Kemar : Une chose est claire: la musique anime les paroles. Vous voyez, les paroles de Jihad Propaganda ne peuvent pas concerner la musique de Charlie, et les paroles de Charlie ne peuvent pas concerner la musique de Silencio.

Mon obsession personnelle est que lorsque je travaille avec des instruments, je les écoute 20, 30, 40 fois et c’est l’intensité de ce que le titre me donne qui me donnera le sujet.

Eh bien, je ne vous cache pas qu’il y a évidemment des choses dans les tiroirs dont vous voulez parler, mais cela ne veut pas dire non plus que c’est comme un supermarché. On peut s’abstenir de parler de quelque chose si à un moment donné la musique ne fait pas ressortir le thème.

Et vous voyez, l’intensité d’un titre comme Jihad Propaganda a provoqué une telle transe pendant la chanson qu’elle a inévitablement remporté le titre.

C’est un coup dur pour Charlie de la colère. Il y a un peu de nostalgie dans les vers de Silencio.

Je suis entré dans le côté nostalgique de ce que pourrait être un gouvernement socialiste et de tout ce qu’il pourrait nous apporter pour répondre à nos attentes, vous savez, et puis à un moment donné c’est: «Mais putain pourquoi tu ne nous l’as pas donné !! « .

Vous voyez comment il est construit? vous prenez tel ou tel instrument et vous vous dites, hé, c’est la partie dont je voudrais dire quelque chose. Et quand il se met en colère, je me dis, est-ce cohérent?

Et quand quelqu’un me dit, Merde, quelle énergie, quand tu chantes tout, et puis je réponds que l’écriture est si cohérente qu’à un moment donné, cette énergie décuple.

Vous voyez, ce n’est pas une arnaque! Nous sommes communicatifs parce que tout ce travail a été là avant, et si vous donnez à vos zicos la puissance d’un texte qui illustrera la musique alors c’est …….

 Vous vous demandez souvent ce que vous écrivez?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Absolument, tout le temps. Je ne peux pas y croire, mais notre merde est d’écrire Propaganda avant de frapper les barricades.

Et les gars disaient: « Alors qu’est-ce qu’il se passe? » mais constamment!

D’accord, maintenant ils comprennent un peu plus. Ils sont impatients, mais en montrent moins. Ils savent que cela prend du temps et des exigences.

La grande chose à ce sujet est qu’à un moment donné, vous regardez en arrière ce que vous avez fait et vous vous dites: « Merde, c’était bien! » Et vous ne baissez pas la tête parce que vous êtes fier de ce que vous avez fait.

 Barricades est sorti le vendredi 13 mai 2016, le jour du concert d’AC / DC à Mareille, est-ce un pur hasard?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’est donc une coïncidence vraiment amusante! En fait, nous étions censés le publier fin avril, puis nous l’avons traduit en article promotionnel et «convenu le 13 mai.

Soudain, nous avons réalisé et avons pensé que le vendredi 13 était bon. Ce furent deux moments magiques pour nous avec la sortie de Barricades et le concert d’AC / DC. Ce que nous avons vécu avec eux au Stade de France, nous n’aurions pas pu faire mieux.

NO ONE IS INNOCENT

Vous avez encore eu la chance de jouer le concert d’ouverture de Motorhead et c’est merveilleux aussi!

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Moi, si tu veux, en plus de ne pas voir Bob Marley, c’est un gros regret, tout comme Hendrix. Honnêtement, quand je vois ce que nous avons fait avec Personne, vous vous dites que vous pouvez continuer.

Là tu l’as, la force est là et ça donne envie de continuer, outre le fait qu’on travaille sur la musique, les textes, on est constamment en train de rêver et faire de la musique c’est rêver.

  « Barricades » est sorti presque un an après la sortie de « Propaganda ». Était-il déjà en préparation ou le choix de le faire en direct était-il venu plus tard?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’était donc une décision prise fin septembre. Heureusement, nous avions des amis avec nous comme Julien Reymond, le réalisateur et monteur de DVD, notre label, qui nous a soutenus et aidés parce que nous étions à la moitié de la tournée et qu’il y a beaucoup de choses auxquelles nous n’avons pas pu assister. sauf quand j’ai participé au montage avec Julien.

Par contre, le jour du concert, on cache complètement le fait qu’on tourne un DVD, car il y a des choses bien plus importantes pour nous, comme le succès de ce concert que l’on joue chez nous, avec les gens de Charlie Hebdo qui viennent, à T-time, 15 jours après les attentats

Par conséquent, devant son peuple, nous avons le devoir d’organiser un concert qui se souviendra des fantômes.

 Vous avez eu un réel impact sur l’esprit des gens cette année!

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, ce fut une année pleine d’événements et de choses tragiques que nous avons pu rebondir musicalement.

A notre niveau, nous avons essayé de replacer la musique dans le contexte du moment et nous dire que la musique est là pour dire quelque chose, pour défendre la liberté d’expression, la laïcité et à travers notre musique, que cela nous plaise ou non, nous venons défendre nos idées.

 As-tu une chanson préférée?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Ah, bonne question ……… pas facile …………… Je te dirais Charlie, car en ce moment tous nos amis sont sur scène.

Il y a Marika et Coco qui viennent de parler, non pas parce que c’est le dernier titre du concert, mais on dit tous la même chose ensemble, c’est tout!

il y a Nico de Tagada Jones qui chante avec moi, il y a Fred Duquesne, le guitariste de Mass Hystéria, le réalisateur de notre album, et aussi Nikko Bonnière, le guitariste d’Eiffel, Fred Mariolle, les gars de Bukowski, et nous sommes là pour chanter notre titre, et c’est vraiment un moment qui restera gravé à jamais.

De plus, nous ne jouons pas une chanson triviale pour le moment.

NO ONE IS INNOCENT

Par rapport à Line Up, c’est le quatrième groupe de No One, pensez-vous que le groupe va se stabiliser cette fois?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’est donc la première fois qu’il y a un deuxième guitariste, ce qui change beaucoup. Et si on nous disait que la Propagande est l’une des meilleures de Personne, c’est aussi pour cette raison que je pense.

Grâce à cette formule, nous avons trouvé un équilibre que nous n’avions peut-être pas auparavant. Surtout avec la personnalité de Popa, avec laquelle j’ai un grand lien dans la composition, ainsi qu’avec Shanka.

Mais ce n’est pas normal qu’il se connecte si étroitement avec deux guitaristes. Nous sommes comme un couple qui a retrouvé son équilibre.

  La tournée 2016 a démarrée le 4 mars, est ce qu’il y a un concert qui t’as plus marqué qu’un autre?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, le 7ème festival de la vague a lieu à Bretignolles sur Mer. Comme nous avons l’habitude d’élever des gens sur scène, c’était une excitation totale!

Mais un débordement comme vous n’en avez jamais connu dans l’histoire de Nobody. Nous devions avoir environ 300 personnes sur scène et ils ne voulaient plus quitter la scène.

Donc à 3/4 du titre, la chanson s’est arrêtée parce qu’il y avait des gars qui sont entrés dans la batterie et puis les gens ne sortaient pas.

Nous avons dû arrêter le concert même s’il nous restait deux chansons à jouer, mais nous avons dépassé le calendrier et avons dû arrêter. Ensuite, nous devons nous dire que nous faisons des concerts pour que ces choses arrivent aussi.

Et même si on était pressé quand on quittait la scène et qu’on rentrait dans le vestiaire, on se dirait que si on fait des concerts, on a de quoi parler, pour y avoir une action inattendue, improbable, impensable, c’est tout.

NO ONE IS INNOCENT

Le dimanche 19 juin vous êtes sur la scène principale de Clisson au Hellfest, est-ce votre première fois pour No One?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Donc pour moi, et pour nous tous, c’est une immense joie car nous l’avons fait une ou deux fois en tant que spectateurs et là, maintenant, nous montons sur la grande scène à 3h du matin. midi est un moment magique pour nous.

Nous continuons dans un rêve. Nous sommes comme un groupe qui a sorti un album qui a marqué beaucoup de monde et si nous sommes programmés avec des groupes comme AC / DC et si nous sommes au Hellfest et toujours dans d’autres festivals, c’est peut-être parce que c’est un album qui a fait une grande impression.

Par contre, j’apprécie personnellement le plus la performance du plus grand festival hippie de France.

 Tu le considères comme un festival Hippie ?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Ouais, c’est Metal Woodstock, Hellfest. Ceci est incroyable.

Malgré toutes les questions et les crachats, ils ont reçu des menaces dès le début parce que vous pouvez voir des gars tomber habillés en Satan ou avec des cornes sur la tête et écouter de la musique extrême,

le festival est toujours là et il y a de plus en plus de monde et les gens ont finalement changé d’avis sur Hellfest. Mais ils n’ont pas de Babos, ce sont des hippies.

Les bébés sont des gens avec une sorte de flegme qui s’en moquent, tandis que le hippie, lui, est toujours concerné et a une conscience.

Et puis chapeau à Ben, vraiment! J’ai vécu une fureur et pour être honnête cette chose est vraiment forte à construire!

Et il a été prouvé que ce festival rassemble le plus de monde en France car il est légendaire. C’est un festival qui a une vraie éthique dans le choix des artistes et dans l’imagerie.

Membres de NO ONE IS INNOCENT

• Kémar Gulbenkian – chant
• Shanka – guitare
• Popy – guitare
• Bertrand Dessoliers – basse
• Gaël Chosson – batterie

Discographie de NO ONE IS INNOCENT

• 1994 : No One Is Innocent
• 1997 : Utopia
• 2004 : Révolution.com
• 2005 : Siempre de suerte (DVD live)
• 2007 : Gazoline
• 2011 : Drugstore
• 2015 : Propaganda (8 juin 2015)
• 2016 : Barricades Live (13 mai 2016)
• 2018 : Frankenstein (30 mars 2018)

Vidéographie de NO ONE IS INNOCENT

• La peau
• Nomenklatura
• Révolution.com
• Où étions nous
• La peur
• Salut l’artiste
• Silencio
• Charlie
• Ali king of the ring

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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