The Prodigy, ces anarchistes de la musique électronique, ont marqué l’histoire en transformant le paysage sonore des années 90 et 2000. Ils ont mélangé la rave, le punk, et l’électronique pour créer un son unique qui a secoué les clubs, les festivals, et les esprits. Leur musique n’est pas seulement faite pour être écoutée, elle est faite pour être ressentie.
À une époque où la musique électronique restait souvent en arrière-plan, The Prodigy l’a placée sous les projecteurs avec des hits fracassants comme « Firestarter », « Breathe » et « Smack My Bitch Up ». Leur énergie brute, leur attitude provocatrice, et leur esthétique audacieuse ont conquis le monde, faisant de The Prodigy un pilier du mouvement électronique. Explorons ensemble leur parcours fulgurant, leurs albums mythiques, et leur héritage inoubliable.
THE PRODIGY
L’univers électro-punk de The Prodigy : une fusion explosive
Liam Howlett : Le cerveau derrière le chaos
Derrière le mur de décibels et l’agitation visuelle des concerts de The Prodigy se trouve Liam Howlett, le maître d’œuvre. C’est lui qui compose et produit la majorité des morceaux du groupe. Avec une formation classique en musique, Howlett s’est rapidement tourné vers les platines et les synthétiseurs, trouvant dans la scène rave britannique de la fin des années 80 un terrain fertile pour ses expérimentations sonores. Sa capacité à mélanger breakbeat, punk, techno, et rock a défini le son unique de The Prodigy.
Howlett n’a jamais eu peur de prendre des risques. Chaque album pousse les limites de ce que l’on attend d’un groupe électronique. Avec lui aux commandes, The Prodigy a créé un univers sonore chaotique, où les basses grondent et les synthés déchirent l’air, tout en restant accessible à un large public. Il est le compositeur de génie derrière les beats assassins et les refrains catchy qui ont fait la renommée du groupe.
Keith Flint : L’incarnation du chaos
Si Liam Howlett est le cerveau, Keith Flint en est l’âme. Sa mort tragique en 2019 a laissé un vide immense dans le monde de la musique. Mais ce qu’il a laissé derrière lui est inoubliable. Avec son look punk, ses danses frénétiques et sa voix rauque, Flint a été l’incarnation vivante de l’énergie explosive de The Prodigy.
Son rôle dans des morceaux comme « Firestarter » et « Breathe » a marqué l’histoire. Flint n’était pas qu’un chanteur, c’était un performeur. Sur scène, il ne se contentait pas de chanter, il électrisait la foule. Sa présence était magnétique, et sa capacité à canaliser la rage et la rébellion a fait de The Prodigy bien plus qu’un simple groupe de musique électronique.
Albums incontournables de The Prodigy : Des hymnes rave au punk électronique
« Experience » (1992) : La naissance d’un son révolutionnaire
Le premier album de The Prodigy, « Experience », est une véritable plongée dans l’univers des raves britanniques des années 90. À l’époque, la scène rave était florissante, et Liam Howlett y a trouvé son terrain de jeu idéal. Cet album mélange des rythmes frénétiques, des basses puissantes et des samples accrocheurs qui définissent l’ADN du groupe. Des morceaux comme « Charly » et « Out of Space » deviennent rapidement des hymnes dans les clubs.
Si cet album est encore très marqué par la culture rave, il montre déjà le potentiel de The Prodigy à casser les codes. L’énergie brute qui s’en dégage attire non seulement les fans de musique électronique, mais aussi ceux qui cherchent quelque chose de plus audacieux, de plus percutant.
« Music for the Jilted Generation » (1994) : La rébellion en marche
Avec « Music for the Jilted Generation », The Prodigy franchit une nouvelle étape. Cet album est un manifeste de rébellion contre le gouvernement britannique, qui tentait à l’époque de criminaliser la culture rave avec des lois restrictives. The Prodigy répond avec des morceaux d’une agressivité nouvelle, mêlant techno, breakbeat, et rock dans une explosion sonore.
Des morceaux comme « Voodoo People » et « No Good (Start the Dance) » deviennent des classiques instantanés, et l’album est acclamé par la critique. C’est à ce moment que The Prodigy commence à transcender les genres, attirant à la fois les fans de musique électronique et les amateurs de rock alternatif. « Music for the Jilted Generation » est une déclaration audacieuse : The Prodigy n’est pas là pour plaire, ils sont là pour défier. « The Fat of the Land » (1997) : La consécration mondiale
« The Fat of the Land » est l’album qui propulse The Prodigy au rang de superstars mondiales. Avec des hits comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up », cet album devient emblématique des années 90. L’énergie punk de Keith Flint, combinée aux beats assassins de Liam Howlett, crée un cocktail explosif qui conquiert la planète.
Cet album est aussi l’un des premiers à brouiller définitivement la ligne entre rock et électronique. The Prodigy joue sur les deux tableaux, créant un son qui attire aussi bien les ravers que les rockeurs. « The Fat of the Land » est un monument de la musique alternative, et son influence se fait encore sentir aujourd’hui dans de nombreux genres musicaux.
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The Prodigy en concert : Une expérience viscérale et inoubliable
Une énergie brute sur scène
Les concerts de The Prodigy sont une vraie tornade. Dès les premières notes, l’énergie brute qui se dégage de la scène est palpable. Keith Flint, avec sa démarche frénétique et son look punk, captait immédiatement l’attention de la foule. Ses performances étaient à la fois hypnotiques et chaotiques, transformant chaque concert en une expérience unique.
Le groupe ne se contente pas de jouer ses morceaux : ils les réinventent en live. Les beats sont plus lourds, les basses plus puissantes, et les synthés plus tranchants. Chaque concert est une explosion d’énergie, où le public se retrouve entraîné dans une transe collective.
L’esthétique visuelle des performances live
En plus de l’énergie musicale, The Prodigy accorde une attention particulière à l’esthétique visuelle de leurs concerts. Les jeux de lumière, les projections vidéo, et les décors sont soigneusement orchestrés pour créer une atmosphère immersive. Les visuels reflètent souvent l’énergie brute de la musique, avec des effets stroboscopiques et des couleurs vives qui renforcent le caractère explosif des morceaux.
Les concerts de The Prodigy ne sont pas seulement des performances musicales, ce sont des spectacles sensoriels où la musique et l’image se combinent pour offrir une expérience totale.
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L’héritage de The Prodigy : Une influence indélébile
Des pionniers de la musique électronique grand public
Avant The Prodigy, la musique électronique restait largement confinée aux clubs underground. Mais avec des albums comme « The Fat of the Land », The Prodigy a réussi à faire passer cette musique dans le mainstream, tout en conservant son énergie subversive et alternative. Ils ont ouvert la voie à des artistes comme Skrillex, The Chemical Brothers, et même Daft Punk, qui ont poursuivi l’œuvre de démocratisation de la musique électronique.
The Prodigy et la culture underground
Malgré leur succès commercial, The Prodigy a toujours conservé une certaine attitude punk. Ils n’ont jamais cherché à se conformer aux attentes de l’industrie musicale, préférant rester fidèles à leurs racines rave et rebelles. Cette dualité – être à la fois des icônes mainstream tout en restant des figures de proue de l’underground – est ce qui rend The Prodigy unique.
Ils ont également été un porte-étendard de la contre-culture, notamment dans leur opposition aux lois anti-rave en Angleterre dans les années 90. Cette position leur a valu une place spéciale dans le cœur des amateurs de musique électronique et alternative.
Conclusion
The Prodigy n’est pas juste un groupe, c’est un phénomène. Leur musique, mélange unique de rave, de punk, et de techno, a redéfini les codes de la musique électronique et continue d’inspirer des générations de musiciens. Avec des albums emblématiques comme « The Fat of the Land », des performances live électrisantes, et un héritage qui s’étend bien au-delà de leur époque, The Prodigy a changé la donne.
Leur énergie brute, leur esthétique provocante et leur engagement envers la liberté artistique en font des légendes incontournables. Si leur musique frappe fort, leur héritage, lui, est indestructible.
FAQ : Tout savoir sur The Prodigy
1. Quel est l’album le plus emblématique de The Prodigy ?
L’album qui a sans doute le plus marqué l’histoire de The Prodigy est « The Fat of the Land » (1997). Cet opus est souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, grâce à des hits devenus mythiques comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up ». C’est cet album qui a véritablement propulsé le groupe au rang de superstars internationales, en réussissant à combiner l’énergie brute du punk avec la puissance de la musique électronique. « The Fat of the Land » a non seulement conquis les classements, mais il a aussi redéfini ce qu’un album de musique électronique pouvait être : audacieux, agressif, et inoubliable.
2. Comment The Prodigy a-t-il influencé la scène électronique et rock ?
The Prodigy a profondément influencé les deux scènes, en brouillant volontairement la frontière entre musique électronique et rock. Leur son unique, mélange de breakbeat, techno, punk, et industriel, a ouvert de nouvelles perspectives pour les artistes de ces genres. Des groupes et artistes comme Skrillex, Pendulum, et The Chemical Brothers leur doivent beaucoup, en particulier pour avoir popularisé la musique électronique au-delà des clubs underground.
The Prodigy a aussi joué un rôle clé dans l’essor de la musique big beat et du rock électronique, un sous-genre hybride qui combine l’agressivité du rock avec la complexité rythmique de l’électronique. Ils ont permis à cette musique de percer dans le mainstream, tout en conservant une attitude rebelle et anti-establishment, qui a inspiré de nombreux autres artistes.
3. Quelle était la relation entre Liam Howlett et Keith Flint ?
La relation entre Liam Howlett et Keith Flint était au cœur de l’alchimie qui faisait le succès de The Prodigy. Liam Howlett, en tant que cerveau créatif et compositeur principal, est celui qui a conçu et produit la majorité des morceaux du groupe. Keith Flint, avec son énergie explosive et son charisme inégalé, a apporté l’attitude punk qui a donné au groupe sa notoriété sur scène. Ils formaient une combinaison parfaite : Howlett était le technicien brillant derrière les platines et les synthés, tandis que Flint était l’incarnation physique et visuelle de l’esprit rebelle de The Prodigy.
Keith Flint, qui a commencé comme simple danseur pour le groupe, a pris de plus en plus d’importance au fil des années, notamment avec l’album « The Fat of the Land », où il est devenu la voix de morceaux cultes comme « Firestarter ». Sa mort en 2019 a laissé un vide immense, mais son impact sur The Prodigy, ainsi que sur la musique en général, reste inoubliable.
4. Quels sont les morceaux les plus célèbres de The Prodigy ?
The Prodigy a produit une multitude de hits qui sont devenus des classiques de la musique électronique et du rock alternatif. Parmi leurs titres les plus célèbres :
« Firestarter » : Probablement leur morceau le plus emblématique, avec une énergie brute et une ligne de basse inoubliable.
« Breathe » : Ce duo explosif entre Keith Flint et Maxim est devenu un hymne instantané.
« Smack My Bitch Up » : Un morceau provocateur qui a suscité des controverses mais qui reste un monument de la culture rave.
« Voodoo People » : Un classique du breakbeat, avec un riff de guitare qui est devenu iconique dans la scène électronique.
« Out of Space » : Tiré de leur premier album, ce morceau est un exemple parfait de leur style rave énergique des débuts. Ces morceaux continuent d’être joués en festivals et en clubs, témoignant de l’influence durable de The Prodigy sur la scène musicale.
5. The Prodigy continue-t-il de produire de la musique après la mort de Keith Flint ?
Après la mort tragique de Keith Flint en 2019, de nombreuses questions se sont posées sur l’avenir du groupe. Cependant, Liam Howlett a rapidement confirmé que The Prodigy continuerait à produire de la musique en hommage à Flint. En 2021, le groupe a annoncé qu’il travaillait sur de nouveaux morceaux, bien que la disparition de Flint ait profondément affecté leur dynamique. Les fans attendent avec impatience la sortie de nouveaux titres, qui, espérons-le, honoreront l’héritage de Keith Flint tout en explorant de nouvelles directions musicales.
6. Pourquoi The Prodigy a-t-il suscité des controverses ? The Prodigy a toujours été un groupe provocateur, et cela fait partie de leur ADN. Des morceaux comme « Smack My Bitch Up » ont été l’objet de vives critiques en raison de leur titre et de leurs paroles perçues comme misogynes. Le clip vidéo, qui présente des scènes violentes et explicites, a été banni de nombreuses chaînes de télévision, mais est devenu culte dans les cercles underground. Malgré les critiques, The Prodigy a toujours défendu leur art en affirmant que leurs morceaux ne prônaient pas la violence, mais plutôt l’énergie brute et la subversion.
Leur esthétique visuelle et leur attitude punk ont également été sources de controverses, mais c’est précisément ce qui a fait d’eux des icônes. Ils ont toujours refusé de se conformer aux attentes, préférant rester fidèles à leur vision artistique.
7. Comment The Prodigy a-t-il redéfini le live électronique ? The Prodigy a joué un rôle essentiel dans la redéfinition de ce qu’un concert électronique peut être. Là où beaucoup de performances électroniques se limitent à des DJs derrière leurs platines, The Prodigy a introduit une énergie live comparable à celle des concerts de rock ou de punk. Keith Flint et Maxim apportaient une intensité scénique rarement vue dans la musique électronique, transformant chaque performance en une véritable explosion d’émotions et de décibels.
Leur utilisation de visuels, de lumières et de projections lors de leurs concerts a également contribué à cette expérience immersive. En intégrant des éléments visuels aussi intenses que leur musique, The Prodigy a fait de ses concerts des événements multisensoriels qui laissent une impression durable sur le public.
8. Quelle est l’influence de The Prodigy sur les générations actuelles de musiciens ?
L’influence de The Prodigy sur les musiciens actuels est immense. Leur capacité à fusionner des genres tels que la techno, le breakbeat, le punk et le rock a ouvert la voie à de nombreux artistes et genres musicaux. Des groupes comme Pendulum, The Chemical Brothers, et Skrillex citent souvent The Prodigy comme une source d’inspiration.
Au-delà de la musique, leur attitude punk et leur refus de se conformer aux attentes de l’industrie musicale ont également inspiré de nombreux artistes. The Prodigy a montré qu’il était possible de rester fidèle à sa vision artistique tout en rencontrant un succès mondial, et cette indépendance d’esprit continue de résonner chez les musiciens d’aujourd’hui.
9. Quelle est la place de Maxim dans The Prodigy ? Maxim, l’autre figure emblématique de The Prodigy, joue un rôle essentiel dans l’énergie du groupe, en particulier sur scène. Bien que Keith Flint ait souvent été le centre d’attention, Maxim, avec son style vocal unique et son charisme scénique, a toujours apporté une dimension supplémentaire aux performances live de The Prodigy. Son style vocal, souvent plus sombre et plus posé, offrait un contrepoint parfait à l’agitation frénétique de Flint.
En plus de ses contributions musicales, Maxim est également connu pour son sens visuel, ayant exploré des projets artistiques en dehors de The Prodigy, notamment dans le domaine de l’art visuel. Son rôle au sein du groupe est crucial pour maintenir l’équilibre entre l’énergie brute de Flint et la production impeccable de Howlett.
10. Quel est l’héritage de The Prodigy dans la culture rave et underground ? The Prodigy est souvent considéré comme l’un des piliers de la culture rave britannique des années 90. À une époque où la musique rave était encore largement underground, ils ont réussi à faire passer ce son dans le mainstream tout en conservant une attitude de rébellion et d’indépendance. Des albums comme « Experience » et « Music for the Jilted Generation » sont devenus des symboles de cette époque, où la fête et la contestation allaient souvent de pair.
Leur opposition aux lois anti-rave du gouvernement britannique à travers leur musique et leurs prises de position a également consolidé leur statut de porte-étendards de la contre-culture. Même après avoir atteint le succès commercial, The Prodigy est resté fidèle à ses racines underground, ce qui les rend d’autant plus respectés dans la culture rave et alternative.
Il y a un grand secret caché depuis 14 ans et qui voit maintenant le jour: le DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA en HD. Il y a quelques jours, une vidéo de très bonne qualité du concert complet que le fantastique duo électronique français a donné au festival Lollapalooza en août 2007, à Chicago, a été partagée sur YouTube.
Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza, cette brillante performance faisait partie de l’incroyable et célèbre tournée ‘ Alive ‘ que tant de fans aimeraient avoir l’occasion de revivre.
DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
Daft Punk a toujours habitué la foule à des choses merveilleuses, brillantes et flashy. La tournée «Alive» a été remarquable à bien des égards, allant de la qualité incontestable de leurs sets, remplis des tubes de renommée internationale du duo, à la superbe façon dont ils se produisent. Pendant le set de Lollapalooza, aucun de ces composants n’était manquant.
Portant des casques noirs brillants, les deux robots se sont ralliés à des proportions incroyables, apparaissant sous une énorme pyramide de lumières. Quel moment…
L’ensemble de Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza est similaire à celui qu’ils ont présenté à Coachella en 2006 , cependant, la qualité des images est loin d’être proche.
DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
La vidéo DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
Ce ne sont pas des captures fragmentées mais une vidéo cohérente et de bonne qualité. Au début de cet incroyable film du tournage de 2007, les notes montrent que les images ont été mixées en direct pour les écrans du lieu, donnant non seulement un tournage de bonne qualité mais aussi une perspective parfaite pour revivre le moment.
Si vous avez toujours voulu pouvoir remonter le temps et revenir aux solos de Lollapalooza en 2007, devant la scène mégalomane des Daft Punk, réjouissez-vous, vous pouvez désormais profiter de tout ici.
L’Histoire de la Tournée DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
Les visuels de la tournée ont été mis en place par XL Video. La société a fourni des unités Mac Pro à huit cœurs exécutant Catalyst v4 et Final Cut Pro .
Daft Punk a approché l’entreprise avec son concept visuel pour les spectacles. « Ils sont venus nous voir avec une idée assez fixe de ce qu’ils voulaient », a déclaré le directeur de XL Video, Richard Burford. «Ils voulaient mélanger la vidéo en direct avec des effets. En utilisant les Mac Pro à huit cœurs, nous avons pu prendre huit sources numériques et les traiter comme des flux vidéo.
Ensuite, ils ont pu utiliser Catalyst pour coordonner la vidéo avec des effets d’éclairage et ajouter les leurs. effets à la volée. Les flux vidéo numériques finaux ont été diffusés sur des écrans LED . «
Début 2006, Daft Punk a annoncé des plans pour un certain nombre de spectacles d’été spéciaux. Le 29 avril, Daft Punk s’est produit au Coachella Valley Music and Arts Festival où ils ont reçu une réception jubilatoire pour leur première performance américaine depuis 1997.
Thomas Bangalter avait initialement été signalé comme disant qu’il y aurait un DVD de leur concert récent ensemble. Il a souligné plus tard sa réticence pour une telle libération, car le duo a estimé que les vidéos amateurs en ligne de leurs performances étaient plus convaincantes que tout ce qui a été capturé professionnellement.
Dans une interview avec le Miami HeraldGuy-Manuel de Homem-Christo a déclaré que leur apparition le 11 novembre au Bang Music Festival était leur finale pour 2006 et que Daft Punk donnerait plus de performances à l’avenir. Le groupe a spécifié plus tard une date pour un spectacle vivant à Bercy , Paris pour juin 2007. Également rapporté étaient des dates au Festival sans fil et à RockNess en juin, au festival d’ Oxegen en juillet et à Lollapalooza en août.
Daft Punk a alors annoncé une tournée mondiale appelée Alive 2007 .
Daft Punk en concert à Bercy en juin 2007 Daft Punk a joué au Festival RockNess sur les rives du Loch Ness , en Écosse, le 10 juin 2007 en tant que titre dans la tente Clash d’une capacité de 10 000 personnes. Au grand dam de la foule, le spectacle a été retardé, mais la foule a réservé un accueil joyeux au duo lors de leur apparition. En raison de sa popularité, une partie de la tente a été retirée pour permettre à des milliers de personnes à l’extérieur de voir le spectacle.
Le 16 juin 2007, Daft Punk a titré avec succès le troisième jour du festival sans fil d’O2 à la réaction et aux critiques positives. Le Times a décrit l’ensemble comme un « spectacle sensoriel mémorable, à la fois éblouissant et assourdissant » et ThisisLondon l’a déclaré « un ensemble presque irréprochable d’euphorie électro implacable ».
Daft Punk a été la vedette de Stage 2 / NME Stage au festival de musique Oxegen le 8 juillet 2007. Leur live a été précédé de la projection de la bande-annonce du film Daft Punk’s Electroma . Des rapports ultérieurs ont déclaré que l’apparition de Daft Punk était le point culminant du festival. NME a écrit que la performance était « un spectaculaire robotique », tandis que Shoutmouth a décrit le décor comme « typiquement triomphant ».
Quatre jours plus tard, le duo a joué au Festival Libre de Trafic Torino au Parco della Pellerina à Turin , en Italie.
Daft Punk a été la tête d’affiche de la scène AT&T le 3 août 2007, la première nuit du festival de musique Lollapalooza à Chicago. Leur émission là-bas a été saluée par Pitchfork Media, affirmant que l’expérience de regarder la performance «était un rappel bien nécessaire du pouvoir encore puissant de la pop communicative».
Le 5 août, ils ont joué au Centre International de Toronto suivi par une représentation du 9 août au KeySpan Park à Brooklyn , New York. Le duo a également titré le festival de Vegoose à Las Vegas le 27 octobre. Ils sont apparus au festival avec les groupesRage Against the Machine, Muse et reines de l’âge de pierre . [9] À la fin d’octobre, Daft Punk a joué à Mexico . Le duo a également joué le vendredi 2 novembre 2007 à l’Arena Monterrey à Monterrey, au Mexique et à Guadalajara.
Modular Records a annoncé que Daft Punk apparaîtrait en Australie pour un événement en décembre 2007 appelé Never Ever Land.
L’annonce a adressé des années de spéculation sur si Daft Punk visiterait l’Australie pour des exécutions en direct. Daft Punk a été soutenu par leurs numéros réguliers SebastiAn et Kavinsky lors des apparitions, qui avaient été annoncées comme une extension de la tournée Alive 2007 . Never Ever Land a visité Melbourne au Sidney Myer Music Bowl , Perth à l’Esplanade, Brisbane au Riverstage et enfin Sydney à l’ arène principale de Sydney Showground .
Une interview de Triple J avec Pedro Winter (Busy P) a révélé que l’apparition de Daft Punk à Sydney le 22 décembre serait leur dernier spectacle pour 2007 et le dernier à présenter le schéma de lumière pyramidale. Les billets pour la tournée australienne se sont vendus plus rapidement que pour tout événement lié à Daft Punk dans leur histoire.
Un album live intitulé Alive 2007 , qui présentait la performance du groupe au Palais Omnisports Bercy à Paris, a été publié en novembre 2007. L’album a remporté le Grammy Award du meilleur album électronique / de danse en 2009.
Dates de la tournée Alive 2006/200
29 avril 2006 Indio États Unis Festival de musique et d’arts de la vallée de Coachella
Pantera : Histoire, Albums et Héritage d’un Géant du Métal
Introduction
Pantera est plus qu’un simple groupe de métal ; c’est une légende vivante qui a redéfini le genre et influencé d’innombrables musiciens à travers le monde. Fondé au début des années 1980, Pantera a traversé plusieurs phases stylistiques avant de devenir l’un des groupes les plus respectés du heavy metal, en particulier avec l’arrivée de Phil Anselmo au chant.
Avec des albums comme « Cowboys from Hell » et « Vulgar Display of Power », Pantera a introduit un son plus agressif et direct, souvent qualifié de groove metal, qui a marqué toute une génération. Cet article retrace l’histoire du groupe, explore leurs albums les plus emblématiques, et examine l’héritage durable qu’ils ont laissé dans le monde de la musique.
PANTERA
1. Histoire du Groupe Pantera
1.1 Les Débuts de Pantera : Du Glam Metal au Groove Metal
Pantera a été formé en 1981 à Arlington, au Texas, par les frères Dimebag Darrell (guitare) et Vinnie Paul (batterie), rejoints par Rex Brown à la basse et Terry Glaze au chant. À ses débuts, le groupe s’inscrivait dans la mouvance glam metal, avec des influences de groupes comme Van Halen et Kiss. Leur premier album, « Metal Magic », sorti en 1983, reflétait ce style, avec une imagerie et un son typiques du glam.
L’évolution du style : Cependant, le groupe n’était pas satisfait de cette direction. Avec l’arrivée de Phil Anselmo au chant en 1987, Pantera a commencé à évoluer vers un son plus lourd et agressif. C’est à cette période que le groupe a trouvé sa véritable identité musicale, marquant un tournant décisif dans leur carrière.
Le son Pantera : Pantera a introduit un son distinctif, souvent qualifié de groove metal, qui mêlait la brutalité du thrash avec des rythmes lourds et groovy. Ce son est devenu la marque de fabrique du groupe, les distinguant nettement de la scène glam metal de leurs débuts.
Le passage du glam au groove metal a été une transformation cruciale pour Pantera, leur permettant de se faire un nom dans la scène heavy metal internationale.
1.2 L’Âge d’Or : Cowboys from Hell et Vulgar Display of Power
L’album « Cowboys from Hell » (1990) est souvent considéré comme le point de départ de l’âge d’or de Pantera. C’est avec cet album que le groupe a véritablement trouvé son public, définissant le son groove metal qui allait les rendre célèbres.
Cowboys from Hell : « Cowboys from Hell » est l’album qui a marqué la transition complète de Pantera vers un son plus lourd et plus mature. Des titres comme « Cemetery Gates » et « Domination » sont devenus des hymnes du metal, avec des riffs puissants de Dimebag Darrell et des vocaux agressifs de Phil Anselmo.
Vulgar Display of Power : En 1992, Pantera a sorti « Vulgar Display of Power », un album qui a encore renforcé leur statut de géants du metal. Cet album est souvent cité comme l’un des plus influents de l’histoire du métal, avec des morceaux comme « Walk », « Mouth for War », et « This Love » qui sont devenus des classiques instantanés.
L’impact sur la scène metal : Avec ces albums, Pantera a non seulement solidifié leur place dans le heavy metal, mais ils ont également influencé une génération entière de musiciens. Le groove metal de Pantera a ouvert la voie à de nombreux groupes qui ont suivi, contribuant à façonner le son du metal des années 1990.
L’âge d’or de Pantera a vu le groupe atteindre de nouveaux sommets, tant sur le plan artistique que commercial, consolidant leur héritage dans l’histoire du métal.
1.3 Les Années de Tension et la Dissolution
Malgré leur succès, les tensions internes au sein de Pantera ont commencé à émerger à la fin des années 1990. Ces tensions, exacerbées par les problèmes de toxicomanie de Phil Anselmo et les différences créatives entre les membres, ont finalement conduit à la dissolution du groupe.
The Great Southern Trendkill : Sorti en 1996, « The Great Southern Trendkill » reflète une période plus sombre pour Pantera. Bien que l’album ait été bien accueilli, il a également marqué le début des problèmes internes qui allaient déchirer le groupe. Les sessions d’enregistrement ont été marquées par des conflits, Phil Anselmo enregistrant ses parties vocales séparément du reste du groupe.
Reinventing the Steel : Le dernier album studio de Pantera, « Reinventing the Steel », est sorti en 2000. Bien que l’album ait reçu des critiques positives, les tensions internes étaient devenues insurmontables. En 2003, le groupe a officiellement annoncé sa dissolution.
La tragédie de Dimebag Darrell : En 2004, Dimebag Darrell a été tragiquement assassiné sur scène lors d’un concert avec son nouveau groupe, Damageplan. Cette perte a non seulement choqué le monde du métal, mais a également mis fin à tout espoir de réunion de Pantera.
La dissolution de Pantera a marqué la fin d’une ère, laissant derrière elle un héritage musical qui continue d’influencer le monde du métal.
2. Les Albums Légendaires de Pantera
2.1 Cowboys from Hell (1990) : L’Album Révolutionnaire
« Cowboys from Hell » est souvent considéré comme l’album qui a catapulté Pantera au rang de légende du métal. Cet album a marqué un tournant décisif dans leur carrière, leur permettant de passer du statut de groupe régional à celui de superstar internationale.
La naissance du groove metal : Avec « Cowboys from Hell », Pantera a introduit un son unique, mélangeant des riffs rapides et tranchants avec des rythmes lourds et groovy. Des morceaux comme « Cemetery Gates » et « Cowboys from Hell » sont devenus des classiques instantanés, définissant le son du groupe pour les années à venir.
L’impact sur la scène metal : « Cowboys from Hell » n’a pas seulement été un succès commercial, il a également influencé de nombreux autres groupes de metal, ouvrant la voie à un nouveau sous-genre de metal qui a marqué les années 1990. Cet album reste une référence incontournable pour les fans de métal et les musiciens du genre.
« Cowboys from Hell » est un album révolutionnaire qui a changé le visage du metal et a établi Pantera comme l’un des groupes les plus importants de leur génération.
2.2 Vulgar Display of Power (1992) : La Confirmation de la Légende
« Vulgar Display of Power » est l’album qui a solidifié la réputation de Pantera en tant que géants du métal. Cet album est souvent considéré comme l’un des meilleurs albums de metal de tous les temps, avec des morceaux qui sont devenus des hymnes du genre.
Des riffs emblématiques : Avec des morceaux comme « Walk », « Mouth for War », et « This Love », « Vulgar Display of Power » est rempli de riffs puissants et mémorables. La guitare de Dimebag Darrell brille particulièrement sur cet album, avec des solos fulgurants et des riffs lourds qui définissent le groove metal.
Un son agressif et direct : « Vulgar Display of Power » est un album plus brut et plus agressif que son prédécesseur, avec des paroles qui reflètent la colère et la frustration. Phil Anselmo livre des performances vocales intenses, ajoutant une couche supplémentaire d’intensité à l’album.
L’héritage de l’album : Cet album a non seulement été un succès commercial, mais il a également été acclamé par la critique. Il est régulièrement cité comme l’un des albums les plus influents du métal, inspirant de nombreux groupes à suivre le chemin de Pantera.
« Vulgar Display of Power » reste un pilier de la discographie de Pantera et un monument de la musique heavy metal.
2.3 Far Beyond Driven (1994) : Le Succès Commercial
« Far Beyond Driven » est l’un des albums les plus réussis commercialement de Pantera. Il a fait ses débuts à la première place du classement Billboard 200, une prouesse rare pour un album de heavy metal à l’époque.
Un son encore plus lourd : Cet album voit Pantera pousser leur son encore plus loin, avec des riffs encore plus lourds et des tempos plus rapides. Des morceaux comme « I’m Broken » et « 5 Minutes Alone » sont devenus des classiques du groupe, avec des paroles introspectives et des compositions agressives.
Le triomphe commercial : « Far Beyond Driven » a été un succès commercial massif, prouvant que Pantera pouvait atteindre les sommets des charts tout en restant fidèle à leur son heavy metal. Cet album a consolidé leur statut de groupe incontournable des années 1990.
« Far Beyond Driven » est un album qui démontre la capacité de Pantera à combiner succès commercial et intégrité artistique, confirmant leur place parmi les plus grands du métal.
3. L’Héritage de Pantera dans le Monde du Métal
3.1 L’Influence de Pantera sur la Scène Metal
L’héritage de Pantera va bien au-delà de leurs propres albums. Leur influence sur la scène metal est immense, et de nombreux groupes contemporains citent Pantera comme une inspiration majeure.
L’essor du groove metal : Pantera est souvent crédité d’avoir popularisé le genre du groove metal, un sous-genre qui mélange des éléments de thrash metal avec des rythmes plus lents et groovy. Ce style a influencé des groupes comme Lamb of God, Machine Head, et Sepultura.
Un modèle pour les musiciens : Dimebag Darrell est considéré comme l’un des plus grands guitaristes de l’histoire du metal. Son style unique, mêlant vitesse, précision et créativité, a inspiré une génération de guitaristes. De même, Phil Anselmo est reconnu pour ses performances vocales puissantes et son approche brute du chant.
Pantera a laissé une empreinte indélébile sur la scène metal, influençant de nombreux artistes et contribuant à façonner le son du metal moderne.
3.2 L’Impact de Pantera sur la Culture Populaire
Au-delà de la musique, Pantera a également eu un impact significatif sur la culture populaire. Leur style, leur attitude et leur musique ont transcendé les frontières du metal, influençant divers aspects de la culture pop.
Références dans la culture pop : Les chansons de Pantera ont été utilisées dans de nombreux films, jeux vidéo et émissions de télévision. Des morceaux comme « Walk » et « Cowboys from Hell » sont devenus des hymnes du metal, utilisés dans des bandes sonores et des scènes d’action emblématiques.
Un groupe culte : Pantera a acquis une réputation de groupe culte, avec une base de fans dévoués qui continue de croître, même après la dissolution du groupe. Leur musique reste un pilier de la culture metal, et leurs albums continuent de se vendre bien des décennies après leur sortie.
Pantera a réussi à transcender la scène metal pour devenir une force culturelle à part entière, laissant un impact durable sur la musique et la culture populaire.
3.3 L’Héritage de Dimebag Darrell et Vinnie Paul
La mort tragique de Dimebag Darrell en 2004 a marqué la fin d’une époque pour Pantera et pour le monde du metal en général. Cependant, son héritage continue de vivre à travers sa musique et son influence sur les guitaristes du monde entier.
Dimebag Darrell, une légende de la guitare : Dimebag est largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes de metal de tous les temps. Son style unique, qui mélangeait des riffs rapides, des solos techniques et une créativité sans limites, a inspiré des milliers de guitaristes à travers le monde.
Vinnie Paul, le maître des percussions :Vinnie Paul, frère de Dimebag et batteur de Pantera, a également laissé un héritage durable. Son style de batterie puissant et précis a défini le son de Pantera, et il est respecté comme l’un des meilleurs batteurs de métal de sa génération.
L’héritage de Dimebag Darrell et Vinnie Paul continue d’inspirer de nombreux musiciens, et leur contribution au monde du metal restera à jamais gravée dans l’histoire.
L’avènement du numérique : comment devenir photographe professionnel ?
L’avènement de la photographie numérique a conduit à une explosion de la photographie, à la fois en tant que forme d’art créatif et en tant que choix de carrière. Les bases pour devenir photographe sont incroyablement faciles maintenant;
Vous pouvez acheter un appareilphoto et du matériel, apprendre la photographie grâce à une multitude de cours de photographie en ligne gratuits , pratiquer vos compétences en photographie, trouver un créneau sur lequel vous pouvez vous concentrer. Vous pouvez en effet trouver vos propres réponses à la question – comment devenir photographe professionnel.
Comment devenir photographe professionnel ?
Cependant, même si cela semble facile, la vérité n’est pas aussi simple. La photographie est un domaine extrêmement compétitif qui exige que vous ayez du talent, des compétences, un sens du marketing et de la discipline pour vous démarquer en tant que photographe professionnel.
Pour réussir, les photographes professionnels ne doivent pas seulement être talentueux; ils ont également besoin de la ténacité pour faire de longues heures, rivaliser dur en raison du déséquilibre entre l’offre et la demande et gérer leur entreprise en tant qu’entrepreneur.
Bien que vous puissiez gagner beaucoup plus en tant que photographe, en fonction de votre talent, de vos compétences, de votre portefeuille et de votre sens des affaires, il serait sage de vous assurer que ce sont votre passion et votre amour pour la photographie qui motivent votre décision de devenir un photographe professionnel.
Comment devenir photographe professionnel ?
Une fois que vous avez compris ce qui vous motive et décidé de vous lancer dans la photographie, il est temps de commencer à vous pencher sur la grande question de savoir « comment devenir photographe professionnel ».
Créez votre site Web de portfolio de photographie professionnelle en quelques minutes. Commencez gratuitement. Aucune carte de crédit ou connaissance de codage ne sont requises.
Dans ce guide complet, nous avons couvert tous les aspects et étapes que vous auriez besoin de suivre pour compléter votre projet d’un amateur / photographe amateur à devenir un photographe professionnel:
1. Comment devenir photographe professionnel ? : commencez par poser les bonnes questions
La photographie professionnelle peut être un excellent choix pour une carrière si vous pouvez gérer le bon équilibre entre votre passion créative et vos instincts entrepreneuriaux.
Tout comme le démarrage de toute autre entreprise, établissez une liste de questions
Tout comme le démarrage de toute autre entreprise, établissez une liste de questions auxquelles vous devez répondre avant de commencer votre carrière de photographe et réfléchissez à la manière de devenir photographe professionnel.
Comment devenir photographe ? Qu’est-ce qui me motive?
Comment devenir photographe ? Suis-je prêt à commencer petit et à persévérer seul?
Comment devenir photographe ? Puis-je travailler seul en tant que professionnel de la photographie?
Comment devenir photographe ? Quelle spécialité de la photographie me passionne?
Comment devenir photographe ? Quelles sont les lacunes que je peux combler dans ma région?
Comment devenir photographe ? Comment améliorer mes compétences?
Comment devenir photographe ? Quelle valeur offrirais-je à mes clients?
2. Comment devenir photographe :Trouvez les bonnes réponses et un mentor
Vous trouverez les réponses à la plupart de vos questions grâce à des recherches, à la fois en ligne et hors ligne. Allez à des conférences de photographie, des expositions et des séminaires. Vous rencontriez beaucoup de photographes lors de ces événements, et vous pouvez obtenir beaucoup de réponses directement d’eux.
Vous pouvez devenir membre d’ un certain nombre de communautés de photographie en ligne. Certaines des réponses que vous recherchez viendront d’une éducation structurée, et certaines réponses ne viendront qu’avec l’expérience et le temps.
Comment devenir photographe professionnel ?
Conseil: trouvez un photographe professionnel pour vous encadrer. Aidez-le dans ses missions et commencez à apprendre les bases de la photographie avec lui.
3.Comment devenir photographe professionnel ?: Obtenez la bonne formation en photographie
La photographie professionnelle est l’un des rares domaines où une formation structurée n’est pas une condition préalable. Vous pouvez vous auto-apprendre, pratiquer et améliorer vos compétences sans aller dans un établissement d’enseignement formel . Cependant, cela peut ajouter beaucoup de valeur à votre carrière, vos compétences et votre expérience en tant que photographe professionnel.
De nombreux photographes professionnels ont suivi des cours de photographie dans les meilleures écoles de photographie , universités ou instituts de design. Outre un cours formel d’instruction pour développer leurs compétences, un photographe doit avoir un œil vif, des tonnes de créativité et des capacités techniques. Nous avons répertorié quelques étapes simples pour vous aider à démarrer.
Les programmes de certificat en photographie peuvent être complétés en quelques mois. Ils aident les étudiants à acquérir des compétences et des connaissances essentielles en photographie.
Fondamentaux de la photographie.
Principes de la photographie numérique, comment utiliser les logiciels de photographie et techniques de manipulation d’images.
Histoire de la photographie et fondation de la photographie argentique
Le diplôme d’associé en photographie est offert dans diverses écoles d’art , collèges et universités. Le cours d’associé dure généralement deux ans.
Le programme est technique et prépare les étudiants à apprendre les différents types de photographie et à utiliser diverses techniques – de la transparence et des films négatifs au travail dans un cadre naturel, de portraits. Les étudiants apprennent également à acquérir des compétences pour réaliser des photographies dans un studio.
Comment devenir photographe professionnel ?
Le diplôme en beaux-arts en photographie est généralement un cursus de quatre ans dans une université ou un collège. Ce parcours comprend des programmes d’études approfondis et des cours de soutien.
Cela implique une étude des fondamentaux de la photographie, de la photographie numérique et cinématographique , de ses récits, de son histoire et de ses techniques. Le cours enseigne également la compréhension de l’imagerie en photographie éditoriale, publicitaire et artistique.
Le Master en photographie ou Master of Fine Arts prépare les étudiants à explorer la théorie et à acquérir une expérience pratique essentielle. Le cours de maîtrise est disponible pour les étudiants qui ont terminé le programme de licence.
Cours de photographie en ligne
Si vous travaillez actuellement à temps plein, vous pouvez choisir parmi une gamme de cours de photographie en ligne qui vous permettront de bien comprendre les bases et de comprendre comment devenir photographe professionnel. Bien que les très bons soient payés, plusieurs cours de photographie en ligne gratuits sont également disponibles.
Comment devenir photographe professionnel ?
Vous pouvez suivre ces cours pendant votre temps libre et améliorer vos compétences. Vous pouvez également participer à des ateliers de photographie le week-end pour constituer votre portfolio, qui deviendra une base dans votre parcours de photographe professionnel.
Lire beaucoup est essentiel, et de nombreuses informations sont disponibles sur les blogs de photographie et les podcasts pour comprendre les bases de la photographie – composition, ouverture, vitesse d’obturation, réglages ISO, profondeur, balance des blancs, etc …
Vous pouvez toujours apprendre des compétences supplémentaires en éclairage, pose, équipement, flash et améliorez vos compétences d’édition au fur et à mesure. Commencez petit, puis commencez à travailler sur vos images à l’aide d’éditeurs de photos. Peu à peu, vous apprendrez l’art de perfectionner vos images à l’aide des paramètres du logiciel d’édition professionnel.
4.Comment devenir photographe professionnel ? : Faites un stage de photographie avec un photographe professionnel
Si vous êtes un jeune photographe en herbe, regardez et réseautez avec d’autres photographes professionnels et mentors. N’hésitez jamais à recevoir des commentaires sur votre travail. Vous allez éventuellement gagner votre vie en fonction de la qualité de votre travail.
Recherchez les postes vacants
Recherchez les postes vacants et obtenez un emploi de photographie en tant que stagiaire ou assistant pour acquérir une expérience pratique qu’aucune université ou école ne peut enseigner.
La clé est d’acquérir une expérience professionnelle de la photographie en appliquant les connaissances et les compétences que vous avez acquises dans le monde réel. Pendant votre stage, concentrez-vous sur l’apprentissage du fonctionnement d’une entreprise de photographie et sur la manière de traiter avec les clients.
Comment devenir photographe
5.Comment devenir photographe professionnel ? :Trouvez votre zone de concentration
Vos expériences de formation et de stage vous aideront à apprendre l’art et la technique de la photographie et vous donneront une idée plus précise du type de photographe que vous souhaitez devenir. Il est maintenant temps de commencer à définir votre style de photographie et de trouver votre niche et de vous concentrer sur le genre / style de photographie que vous aimez.
Voulez-vous réaliser des portraits, des voyages, des mariages, de la mode, de la photographie artistique conceptuelle, des documentaires ou êtes-vous intéressé par la photographie commerciale? Recherchez le créneau sur lequel vous souhaitez vous concentrer – Par exemple, si vous souhaitez devenir photographe de mariage, étudiez et apprenez des meilleurs sites Web de photographe de mariage .
Styles de photographie
Développez votre style individualiste de capture du monde . Créez vos propres histoires de photos. Y a-t-il quelque chose de spécifique que vous aimez photographier, par exemple, le noir et blanc, les portraits, l’humour, la couleur?
Suivez votre cœur et faites confiance à votre vision . Cela vous aidera à faire évoluer un style unique. Parfois, l’utilisation d’un équipement spécifique, d’un sujet particulier, de la configuration de l’éclairage et du processus d’édition aide à définir le style de photographie d’un individu.
Soyez conscient du travail effectué dans votre industrie . Lisez des blogs spécifiques à votre secteur, faites des recherches, trouvez de l’inspiration et laissez libre cours à votre créativité.
6. Assemblez le bon ensemble d’appareil photo, d’objectifs et de matériel photographique
Bien que vous ayez besoin de l’équipement approprié pour capturer des images de haute qualité, n’allez pas trop loin en achetant tous les gadgets de photographie sophistiqués que vous pouvez trouver.
Matériel de photographe professionnel : Soyez économe et faites des achats réfléchis.
Dans la plupart des cas, vous pouvez commencer par acheter du matériel d’occasion en bon état de fonctionnement ou des modèles d’appareil photo ou d’objectifs légèrement plus anciens à un rabais important.
Achetez un appareil photo reflex numérique décent pour commencer en tant que photographe professionnel. Vous n’avez pas besoin du modèle le plus élevé pour démarrer. Certains photographes estiment que l’utilisation d’un appareil photo reflex est une manière plus authentique d’apprendre la photographie. Lisez cet article sur les appareils photo SLR et DSLR pour vous décider.
Assurez-vous d’acheter le bon équipement en fonction du type de photographie sur lequel vous vous concentrez.
L’achat de lentilles est toujours un domaine dans lequel les gens ont tendance à faire beaucoup de gaspillage – choisissez vos lentilles avec soin afin qu’elles puissent vous servir dans la plupart de vos situations de travail. Assurez-vous également d’investir dans le matériel et les logiciels appropriés pour la post-production. Un moniteur correctement calibré et le bon logiciel d’édition seraient indispensables pour vos besoins en photographie professionnelle.
Vous pouvez louer des articles coûteux dont vous n’avez pas besoin régulièrement.
En ce qui concerne la post-production, Lightroom et Photoshop ont traditionnellement été les outils d’édition de choix pour les photographes professionnels, mais la décision d’Adobe de rendre ces programmes mensuels ou annuels uniquement les a rendus moins populaires. Il existe d’autres options d’éditeur d’images à prix raisonnable et sans abonnement qui peuvent défier Lightroom.
Par exemple, Luminar 4 de Skylum est un logiciel de retouche photo professionnel avancé pour Mac et Windows avec des filtres intelligents et plus de 100 préréglages intégrés.
Luminar accélère le flux de travail de retouche photo pour offrir d’excellents résultats en moins de temps. Il propose également des outils avancés tels que les calques, le masquage et la fusion, la correction de l’objectif et les outils de transformation – pour n’en nommer que quelques-uns – qui font passer l’édition d’image au niveau supérieur.
Tout commence à se rassembler maintenant. Vous devez maintenant perfectionner continuellement vos compétences en pratiquant encore et encore diverses facettes de votre spécialisation en photographie. Assurez-vous de maîtriser tous vos équipements et de les connaître à l’intérieur de votre appareil photo.
Comment devenir photographe professionnel ? : Prenez des photos tous les jours.
C’est la seule façon dont vous vous améliorerez dans ce que vous faites. Démarrez un 365 Day Project. Utilisez Pinterest pour créer des tableaux et organiser vos meilleurs clichés qui suivent un style particulier.
S’entraîner à être photographe
Astuce: en tant que photographe professionnel, vous ne voulez pas tâtonner avec votre équipement devant des clients. Assurez-vous de tout savoir à fond avant votre première séance photo professionnelle.
Votre portfolio de photographies est l’outil le plus crucial de votre arsenal pour devenir un photographe professionnel à succès. Avoir un portefeuille de photographies impressionnant ouvrira la voie au succès car tous les clients potentiels jugeront vos compétences et vos talents en fonction de votre portefeuille. Sélectionnez vos meilleures images qui montrent la gamme complète de votre travail – assurez-vous que votre portefeuille séduit de nouveaux clients pour vous.
9. Comment devenir photographe professionnel ? Créez votre site Web de portfolio en ligne
La création de votre site Web de portefeuille en ligne est essentielle pour vous faire connaître, atteindre les clients et leur faire voir votre travail. Votre site Web de photographie est votre fenêtre sur le monde – il peut vous ouvrir de nouvelles opportunités et gagner vos clients et projets au-delà de votre réseau et de votre région lorsque les gens recherchent un « photographe professionnel près de chez moi ».
Votre site Web, votre image de marque
Votre site Web, votre image de marque et votre contenu doivent refléter le type de travail dans lequel vous vous spécialisez, pour attirer la bonne clientèle. Apprenez de la façon dont les autres grands photographes présentent leur portfolio – jetez un œil à ces sites Web de portfolio de photographie .
Choisissez la bonne plateforme pour créer votre site Web de portefeuille.
Assurez-vous que le créateur de site Web de portefeuille que vous choisissez offre la flexibilité, les fonctionnalités et la facilité d’utilisation dont vous avez besoin pour créer un site Web de portefeuille professionnel sans aucune connaissance en codage. Une fois que vous avez un portefeuille solide, vous pouvez vous inscrire auprès des associations de photographie de votre pays pour devenir photographe professionnel certifié.
10. Comment devenir photographe professionnel ? Définissez le prix de votre photographie
Assurez-vous de calculer tous vos coûts d’intrants et vos marges bénéficiaires pour arriver aux prix de votre photographie. Recherchez les meilleurs photographes professionnels de votre région et de votre domaine, mais tenez compte de la valeur que vous apportez à la table. Soyez flexible et ayez une gamme de prix.
Ne sous-estimez pas trop vos concurrents pour gagner des projets et méfiez-vous également des prix excessifs et de la perte de clients. Apprenez les bases de la licence de vos images et créez des modèles pour les accords contractuels avec les clients.
11. Comment devenir photographe professionnel ? : Commencez à commercialiser votre entreprise de photographie
Une fois votre portefeuille en ligne en place, vous devez investir vous-même votre temps dans le marketing. Il existe plusieurs façons de vous commercialiser en tant que photographe.
Participer à des concours de photographie
Vous pouvez participer à des concours de photographie pour gagner en visibilité, participer à des expositions commerciales locales, envoyer des courriels à des clients potentiels au sujet de vos offres de services, devenir actif sur les médias sociaux, créer des réseaux et établir des relations avec les clients et promouvoir les bonnes ouvertures dans votre secteur et être ouvert aux collaborations.
Il existe un certain nombre de ressources en ligne pour les photographes que vous pouvez utiliser pour apprendre à vous commercialiser et vous faire connaître davantage en tant que photographe.
Conseil: fidéliser vos clients est essentiel pour devenir un photographe professionnel à succès. Soyez professionnel, définissez les bonnes attentes et efforcez-vous toujours de fournir votre meilleur travail.
Les clients veulent travailler avec des photographes professionnels et faire le travail correctement. La gestion de vos relations clients est la clé du succès. Cela comprend la définition des bonnes attentes, la mise en place d’un accord contractuel approprié pour chaque projet qui définit clairement la portée des travaux et les livrables et, bien sûr, s’assurer que vous répondez à leurs attentes. Assurez-vous que c’est gagnant-gagnant pour les deux parties!
L’utilisation des bons outils peut être très utile pour gérer les clients. Par exemple, vous pouvez utiliser les galeries client de Pixpa pour partager, vérifier , vendre et livrer votre travail aux clients. Des outils tels que Jotform vous permettent de gérer vos formulaires et contrats de photographie et de les intégrer dans votre site Web de portefeuille.
Tout ce que vous et tous les choix que vous faites auront un impact afin de devenir photographe professionnel
Votre priorité numéro un à partir de maintenant est de développer votre entreprise de photographie . Tout ce que vous et tous les choix que vous faites auront un impact sur votre succès – le type de travail que vous faites, les clients avec lesquels vous travaillez, le prix de votre photographie, votre spécialité et votre domaine d’activité – tout cela affecte votre entreprise de photographie.
Assurez-vous d’être cohérent et de vous vendre continuellement, de rencontrer de nouvelles personnes et, surtout, de fidéliser vos anciens clients.
Gardez votre passion pour la photographie vivante et efforcez-vous continuellement de faire un excellent travail qui vous démarquera. C’est la recette infaillible pour ouvrir la voie à votre succès à long terme en tant que photographe professionnel.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
1880 – 1895: La naissance de l’affiche lithographique (affiche et poster)
La lithographie a été inventée en 1798, mais pendant des décennies, elle était trop lente et trop chère pour la production d’affiches. La plupart des affiches ont continué à être de simples gravures sur bois ou sur métal avec peu de couleurs ou de motifs.
Tout cela a changé vers 1880
Tout cela a changé vers 1880 avec le « procédé lithographique à 3 pierres » de Cheret , une percée qui a permis aux artistes de réaliser toutes les couleurs de l’arc-en-ciel avec aussi peu que trois pierres – généralement rouge, jaune et bleu – imprimées dans un enregistrement soigné.
Le procédé de Cheret exigeait néanmoins encore un superbe art et un savoir-faire remarquable. Le résultat en valait la peine – une intensité de couleur et de texture remarquable, avec des transparences et des nuances sublimes impossibles dans d’autres supports (même à ce jour).
La capacité de combiner le mot et l’image dans un format aussi attrayant et économique a finalement permis à l’affiche lithographique d’inaugurer l’ère moderne de la publicité. Artiste extrêmement doué également, Cheret a inauguré cet âge en créant plus de 1000 affiches sur une carrière de 30 ans.
1890 – 1900: La Belle Epoque et l’Art nouveau
les expositions de posters, et d’affichent prolifèrent
En 1891, l’ extraordinaire première affiche de Toulouse-Lautrec , Moulin Rouge , élève le statut de l’affiche aux beaux-arts et déclenche un engouement pour l’affiche.
Au cours des années 1890, appelées la Belle Epoque en France , les expositions de posters, les magazines et les marchands prolifèrent; le marchand parisien pionnier Sagot a répertorié 2200 affiches différentes dans son catalogue!
À peine trois ans plus tard, Alphonse Mucha , un Tchèque travaillant à Paris, a créé le premier chef-d’œuvre de la conception d’affiche Art Nouveau .
Portant de multiples influences, notamment les préraphaélites, le mouvement des arts et de l’artisanat et l’art byzantin, ce style fleuri et fleuri est devenu le principal mouvement international d’art décoratif jusqu’à la Première Guerre mondiale.
Dans chaque pays, l’affiche a été utilisée pour célébrer les institutions culturelles uniques de la société. En France , le café et le cabaret étaient omniprésents; en Italie l’ opéra et la mode ; en Espagne la corrida et les fêtes; en Allemagne des foires et des magazines , en Grande – Bretagne et en Amérique, des revues littéraires , des bicyclettes et du cirque .
Malgré la pollinisation croisée, des styles nationaux distinctifs sont également apparus – les posters hollandaises étaient marquées par la retenue et l’ordre; Les affiches italiennes par leur drame et leur grande échelle; Affiches allemandes pour leur caractère direct et leur influence médiévale.
1900-1914: le nouveau siècle et le modernisme précoce – affiche et poster
En 1900, l’ Art nouveau avait perdu une grande partie de son dynamisme par pure imitation et répétition. La mort de Toulouse-Lautrec en 1901 et l’abandon de l’affiche par Mucha et Cheret (qui se tournèrent tous deux vers la peinture) laissèrent un vide qui fut comblé par un jeune caricaturiste italien du nom de Leonetto Cappiello , arrivé à Paris en 1898.
Fortement influencé par Cheret et Toulouse-Lautrec , Cappiello rejette le détail pointilleux de l’Art Nouveau. Au lieu de cela, il s’est concentré sur la création d’une image simple, souvent humoristique ou bizarre, qui capterait immédiatement l’attention et l’imagination du spectateur sur un boulevard très fréquenté.
Affiches et posters : Le père de la publicité moderne
Cette capacité à créer une identité de marque a fait de Cappiello le père de la publicité moderne. Son style dominera l’art de l’affiche parisienne jusqu’à la première affiche Art Déco de Cassandre en 1923.
Pendant ce temps, des artistes travaillant à la Glasgow School en Écosse, à la Sécession de Vienne en Autriche et au Deutscher Werkbund en Allemagne ont également transformé l’approche organique de l’Art nouveau. Ces écoles ont rejeté l’ornementation curviligne au profit d’une structure rectiligne et géométrique basée sur le fonctionnalisme.
Une conséquence clé de ces efforts modernistes était le Plakatstil allemand , ou style de l’affiche, qui a été lancé en 1905 par Lucian Bernhard à Berlin et à Munich par Ludwig Hohlwein . Le naturalisme minimisé et l’accent mis sur les couleurs et les formes plates ont fait de leur travail la prochaine étape vers la création d’un langage visuel abstrait et plus moderne.
1914 – 1919: Première Guerre mondiale et révolution bolchevique – affiche et poster
La Première Guerre mondiale signifiait un nouveau rôle pour l’affiche: la propagande . La guerre a inauguré la plus grande campagne publicitaire à ce jour, cruciale pour les besoins de communication de chaque combattant en temps de guerre: de la collecte de fonds , du recrutement de soldats et du renforcement des efforts des volontaires , à la stimulation de la production et à l’indignation face aux atrocités ennemies.
En utilisant les techniques contemporaines de Madison Avenue, l’ Amérique a produit à elle seule environ 2 500 conceptions d’affiche frappantes et environ 20 millions d’affiches – près de 1 pour 4 citoyens – en un peu plus de 2 ans.
Les leçons de la brillante publicité américaine dans les posters de la Première Guerre mondiale n’ont pas été perdues pour les bolcheviks , qui se sont tournés vers l’affiche pour les aider à gagner leur guerre civile contre les Blancs .
Lénine et ses disciples se sont révélés être les maîtres pionniers de la propagande moderne , et l’affiche est devenue une arme de choix tout au long du siècle dans les guerres chaudes et froides partout.
1919-1938: Entre les guerres mondiales: modernisme et art déco – affiche et poster
Après la Première Guerre mondiale, l’inspiration organique de l’Art nouveau est devenue hors de propos dans une société de plus en plus industrielle; les mouvements d’art moderne Cubisme , Futurisme , Expressionnisme , et dadaïsme sont devenus des influences principales.
Parallèlement, les premiers cours de graphisme ont été lancés en France , en Allemagne et en Suisse , moment clé dans le passage de l’illustration au graphisme dans la publicité.
Ce changement s’est rapidement fait sentir en Union soviétique , où l’ art constructiviste est né pour aider à créer la nouvelle société révolutionnaire et technologique. Les constructivistes ont développé un style «agité» de composition de posters, marqué par de fortes diagonales, un photomontage et des couleurs discordantes.
La position agressive des constructivistes, comme le montrent les travaux d’El Lissitsky, Rodchenko , Klutsis et les frères Stenberg , aurait un impact majeur sur la conception des posters occidentales, principalement à travers le Bauhaus et de Stijl.
un nouveau mouvement décoratif international majeur appelé Art Déco
Au milieu des années vingt, ces approches modernistes souvent disparates se fondent dans un nouveau mouvement décoratif international majeur appelé Art Déco . Dans ce style de l’ère des machines, la puissance et la vitesse sont devenues les thèmes principaux.
Les formes ont été simplifiées et rationalisées, et les polices courbées ont été remplacées par des polices élancées et anguleuses qui refléteraient l’ère du jazz. Toujours éclectiques, les souches de l’Art Déco réussiraient également à intégrer les arts exotiques de la Perse, de l’Égypte et de l’Afrique.
Le terme Art Déco est dérivé de l’ Exposition « Arts Décoratifs » de 1925 à Paris , qui s’est avérée être une vitrine spectaculaire pour le style.
Images géométriques et intellectuelles d’ AM Cassandre
À Paris, le style caricature de Cappiello a cédé la place aux images géométriques et intellectuelles d’ AM Cassandre , qui a popularisé les techniques de l’ aérographe qui conféraient à ses images une surface semblable à une machine.
Ses posters imposantes des Normandie , Statendam et Atlantique paquebots sont devenus des icônes de l’ère industrielle. L’Art déco, comme l’Art nouveau avant lui, s’est rapidement répandu dans toute l’Europe et aux États-Unis
1939 – 1950: Seconde Guerre mondiale et la fin de la lithographie sur pierre – affiche et poster
L’affiche a de nouveau joué un grand rôle de communication pendant la Seconde Guerre mondiale , mais cette fois, elle a partagé la vedette avec d’autres médias, en particulier la radio et la presse écrite . À cette époque, la plupart des posters étaient imprimées en utilisant la technique de production de masse de l’offset photo, ce qui a abouti au motif de points familier vu dans les journaux et les magazines.
core décliné dans la plupart des pays, la télévision devenant un concurrent supplémentaire.
L’utilisation de la photographie dans les posters, commencée en Union soviétique
L’utilisation de la photographie dans les posters, commencée en Union soviétique dans les années vingt, est maintenant devenue aussi courante que l’illustration. Après la guerre, l’affiche a encore décliné dans la plupart des pays, la télévision devenant un concurrent supplémentaire.
Le dernier souffle de l’affiche lithographique s’est produit en Suisse , où le gouvernement a fortement encouragé l’industrie de l’imprimerie et l’excellence de l’affiche. Faisant appel au sens suisse de la précision, le Sachplakat, ou Object Poster Style , s’est développé dans les années 20 mais s’est épanoui pendant la Seconde Guerre mondiale et au début des années 50 dans la région de Bâle .
Ses artistes étaient ravis de transformer des objets du quotidien en icônes géantes, utilisant une impression suisse spectaculaire pour créer de merveilleux effets de trompe-l’œil. Avec des racines remontant au Plakatstil de Lucian Bernhard et au mouvement surréaliste, l’élégance visuelle était souvent accompagnée d’un humour doux.
1946 – 1965: modernisme de l’après-guerre et du milieu du siècle – affiche et poster
Malgré les tensions imminentes de la guerre froide, la fin de la Seconde Guerre mondiale a inauguré un baby-boom et une nouvelle société de consommation avec l’arrivée de la télévision , du jet-travel et des marques mondiales qui alimentent la voie.
Les méthodes publicitaires ont évolué pour s’adapter à l’époque. Un véritable «boom de l’affiche» s’est produit au début des années 50, faisant avancer deux styles distincts, un consommateur et un corporatif.
Le premier, que nous avons appelé le style des années 50 , était de couleur vive et fantaisiste, tandis que le second, appelé le style typographique international , était plus rationnel et ordonné.
Les posters réalisées dans le style des années 50 utilisaient des couleurs vives et des motifs ludiques
Les posters réalisées dans le style des années 50 utilisaient des couleurs vives et des motifs ludiques pour plaire à un large public. Des artistes comme Herbert Leupin et Donald Brun en Suisse, Paul Rand aux États-Unis et Raymond Savignac en France illustrent les qualités enjouées du style.
Le style des années 50 a été appliqué aux services aux consommateurs ainsi qu’aux produits. Les merveilleuses campagnes aériennes de David Klein , Stan Galli et d’autres ont toujours été présentes, qui cherchaient à attirer les voyageurs vers des destinations comme Disneyland , New York , Las Vegas et Paris .
Le style typographique international, ou style suisse, était également parfaitement adapté au monde de plus en plus connecté au monde. Des conceptions systématiques hautement structurées ont accordé de l’ordre et de la clarté à tout, des autoroutes et aéroports aux manuels d’instructions des produits.
Influencé par la nouvelle typographie du Bauhaus et de Tshichhold, ce style s’est développé en Suisse à la fin des années 50 et 60. Il utilisait des éléments typographiques de base avec des règles graphiques strictes et remplaçait souvent l’illustration par une photographie austère et «moderne».
Les posters de concert de Josef Muller-Brockmann représentent l’apothéose classique de ce style – cool, élégant et systématiquement abstrait. Sur le même niveau était Erik Nitsche de « Atomes pour la paix série » d’affiches spectaculaires pour la première Conférence internationale sur les utilisations pacifiques de l’ énergie atomique.
1965 – 1972: Les années 60 et l’art de la rébellion– affiche et poster
L’ordre des années 50 cédera à un ténor plus chaotique et révolutionnaire au milieu des années 60 . Un nouveau style d’illustration, qui empruntait librement au surréalisme, au pop art et à l’expressionnisme, était plus détendu et intuitif et la première vague d’une sensibilité post-moderniste.
Affiche et poster : Surréalisme et pop art
Un exemple célèbre est l’ insertion de l’album de disque Bob Dylan de Milton Glaser en 1967 . Glaser a cristallisé le message contre-culturel du musicien en dépeignant ses longs cheveux comme un arc-en-ciel de vagues richement fluides. Le Push Pin Studio de Glaser a été associé à la créativité d’une école dynamique de l’affiche en Pologne des années 50 aux années 80.
L’école polonaise est devenue connue pour une variété sardonique et déchirante de surréalisme dans la promotion du théâtre et des organisations culturelles contrôlés par l’État.
Les excès de la culture de la drogue et de l’aliénation politique ont conduit à un bref mais spectaculaire engouement pour l’affiche psychédélique aux États-Unis, qui rappelait les excès floraux de l’Art nouveau, les images rémanentes palpitantes de l’Op-Art et les juxtapositions bizarres du surréalisme.
Et les manifestations françaises du 1er mai ont généré une école d’affiche de propagande qui rappelle l’ affiche soviétique et l’art de la bande dessinée.
1970-1989: Les années 70 et 80 – Post modernismeaffiche et poster
Le style international s’est rapidement répandu au-delà de la Suisse et est devenu le premier style de conception graphique au monde dans les années 70 . Au début des années 80 , le style a commencé à céder la place aux post-modernistes , qui cherchaient à briser les règles formelles et dogmatiques du style suisse.
Un jeune professeur de Bâle nommé Wolfgang Weingart a mené la révolte du palais qui a inauguré le style graphique prédominant d’aujourd’hui, vaguement connu sous le nom de design post-moderne. Weingart a expérimenté le processus d’impression offset pour produire des posters qui semblaient complexes et chaotiques, ludiques et spontanées – le tout en contraste frappant avec les enseignements de ses aînés.
La libération de la typographie par Weingart a été une base importante pour plusieurs nouveaux styles, de Memphis et Retro, aux progrès actuellement réalisés dans l’infographie .
1990 sur: L’affiche et le poster aujourd’hui
Le rôle et l’apparence de l’affiche ont constamment changé au cours du siècle dernier pour répondre aux besoins changeants de la société. Bien que son rôle soit moins central qu’il y a 100 ans, l’affiche évoluera davantage à mesure que l’ordinateur et le Web mondial révolutionneront la façon dont nous communiquons au 21e siècle.
Poster et AFFICHE métal
Dans notre shop en ligne, vous pouvez acheter des affiches et des posters en ligne. Notre collection est remplie de tirages photo allant des concerts au portraits et aux magnifiques tirages photographiques .
Nos affiches et posters s’intègrent bien dans de nombreuses maisons et styles de design d’intérieur. Choisissez entre nos affiches, nos posters, nos tirages photos de live et de concerts et bien plus encore. Découvrez également nos superbes posters en reproduction dibond ou plexi.
ENCADREZ VOTRE PHOTO, POSTER OU AFFICHE ET CRÉEZ DES DÉCORATIONS MURALES PERSONNALISÉES
Lorsque vous encadrez des affiches ou des photos, vous pouvez créer des arrangements personnalisés. Trouvez le mélange parfait de cadres et d’affiches pour capturer exactement la bonne sensation dans votre mur de galerie unique.
Nous proposons des cadres et des posters et photos petits et grands , dans une large gamme de styles et de designs.
Nous avons des posters colorées et noir et blanc, des cadres en chêne naturel, noyer, blanc et noir. Rafraîchissez vos murs avec une carte du monde, ou pourquoi ne pas choisir une belle photographie de concert encadrée dans un cadre en alu ?
Vous trouverez des affiches, des tirages photos et posters de haute qualité qui répondront à tous vos souhaits de décoration intérieure et transformeront votre pièce en un sanctuaire personnel ultime.
DÉCOUVREZ NOS CADRE ET FORMATS
Si vous recherchez de magnifiques cadres photo en ligne, vous êtes au bon endroit. Notre large gamme de cadres grands et petits est spécialement conçue pour les posters, vous permettant de créer l’art mural le plus élégant.
Nous avons des cadres en bois de chêne noir, blanc, couleur noyer et naturel pour une suspension facile. Tous les cadres photo peuvent être suspendus verticalement et horizontalement.
Ils répondent à des normes de qualité élevées et peuvent être facilement ouverts sur le dos. Vous pouvez être sûr que nous avons des posterss, posters et photos parfaites pour toutes les pièces de votre maison.
Achetez de belles affiches et cadres bon marché pour votre salon, votre chambre d’enfant, votre couloir, votre chambre et votre cuisine en ligne sur Poster Store.
ART MURAL DE DIFFÉRENTES TAILLES POUR LE MUR DE VOTRE INTÉRIEUR ( affiche et poster)
Nous sommes extrêmement passionnés par le design d’intérieur et aimons vous fournir des conseils et des astuces pour créer le mur de galerie parfait. Une astuce de décoration intérieure simple consiste à combiner les petits et grands tirages les uns avec les autres pour créer une galerie ou un mur photo personnalisé. Nous proposons des posters dans une large gamme de format.
De plus, nous avons également créé des modèles pour des arrangements de mur de galerie élégants afin que vous puissiez facilement créer un superbe mur de photos. Jetez un œil à notre page d’inspiration avec des exemples concrets des maisons de nos clients créatifs. N’oubliez pas de consulter notre posters les plus vendues et nouvelles sections imprimées .
L’HISTOIRE DE L’AFFICHE ET DU POSTER
L’affiche a été l’une des premières formes de publicité et a commencé à se développer comme moyen de communication visuelle au début du 19e siècle. Ils ont influencé le développement de la typographie parce qu’ils étaient destinés à être lus à distance et nécessitaient la production de caractères plus grands, généralement en bois plutôt qu’en métal.
L’affiche s’est rapidement répandue dans le monde entier et est devenue un incontournable du métier de graphiste. De nombreux artistes, comme Henry Toulouse-Latrec et Henry van de Velde, ont également créé des posters.
Ils servaient à promouvoir divers partis politiques, à recruter des soldats, à faire la publicité de produits et à diffuser des idées au grand public.
Les artistes du style typographique international du design pensaient qu’il s’agissait de l’outil de communication le plus efficace et leurs contributions au domaine du design découlaient de l’effort de perfectionnement de l’affiche. Même avec la popularité d’Internet, des posters sont toujours créées chaque jour pour toutes sortes de raisons.
