par Eric CANTO | Déc 29, 2020 | Comprendre la photo
Photographier un batteur en concert : les astuces de pro
L’essentiel en 30 secondes
- Le batteur est l’un des sujets les plus difficiles en photo de concert : souvent au fond, mal éclairé et en mouvement.
- Préparer sa séance : repérer la position du kit et anticiper la lumière.
- Choisir le bon objectif pour aller chercher le batteur à distance.
- Trouver l’angle et composer avec le kit pour une image lisible.
- Réglages : vitesse rapide, ISO maîtrisés et beaucoup de patience.
Capturer un batteur sur scène, c’est plonger au cœur de la photographie de concert. Entre énergie brute et jeux de lumière complexes, réussir une image forte demande plus qu’un bon déclencheur. Le batteur est presque toujours le dernier servi : au fond, derrière ses fûts, sous un éclairage pensé pour le chanteur. Voici comment je m’y prends. Pour prolonger, retrouvez aussi mes tirages noir et blanc et la galerie Metallica en concert pour des exemples concrets.
Accrochez le live à votre mur
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Pourquoi photographier les batteurs est si difficile ?
- Lumière changeante : Les batteurs sont souvent en fond de scène, mal éclairés par rapport au chanteur ou au guitariste.
- Obstacles physiques : Entre les cymbales, pieds de micro et éléments du kit, le champ de vision est vite obstrué.
- Dynamique corporelle : Le batteur ne tient pas en place. Son jeu, c’est du mouvement pur, parfois fulgurant.
Quand j’arrive devant la scène, je sais que le batteur sera le sujet le plus complexe à isoler. L’éclairage n’est jamais pour lui. Le backlight, souvent violent, peut cramer les blancs ou noyer le visage dans l’ombre.
Sur certaines scènes, comme à l’Arena de Nîmes ou à la Paloma, j’ai dû composer avec des reflets imprévisibles et des gélatines colorées qui déforment la carnation. L’expérience du live m’a appris à guetter le moment où la lumière caresse enfin le visage ou l’attitude du batteur.
« Photographier un batteur, c’est anticiper un chaos parfaitement orchestré. »
A retenir : La difficulté principale vient de l’emplacement du batteur et des contraintes lumineuses. Anticiper, c’est déjà réussir la moitié de la photo.
Pour illustrer ces contraintes, je conseille souvent de consulter la catégorie photographie de concert et d’étudier les clichés backstage, comme ceux de la backstage Metallica qui montrent la réalité du placement matériel.
Bien préparer sa séance photo concert batteur
- Préparation mentale : Observer le set avant le show, visualiser les accès possibles et anticiper les lumières.
- Matériel spécifique : Toujours deux boîtiers, un téléobjectif type 70-200mm et un grand angle lumineux.
- Vérification flash interdit et réglages silencieux pour ne pas gêner l’artiste.
Ma checklist ne varie jamais. Cartes mémoire rapides, batteries pleines, objectifs désembués. J’inspecte la scène en amont, parfois lors des balances si j’ai accès. Cela permet de repérer où le batteur sera le plus visible, et où la lumière va réellement frapper.
| Matériel |
Utilité sur batteur live |
| 70-200mm f/2.8 |
Isoler le visage, shooter à travers le kit |
| 24-70mm f/2.8 |
Capter l’ambiance du kit complet |
| Boîtier double slot |
Sécurité en cas de bug carte mémoire |
| Bouchons d’oreilles |
Santé auditive, focus mental |
Je prépare toujours mon mental pour gérer la frustration : sur certains concerts de Metallica ou Rammstein, il m’a fallu attendre trois morceaux avant d’avoir UNE lumière exploitable.
Points clés : Repérage et préparation matérielle font gagner du temps sur place. Préparer, c’est anticiper l’imprévu, pas l’éviter.
Pour aller plus loin, consultez mes conseils dédiés aux photographes de batteurs ou les photos The Bloody Beetroots pour des exemples de kits complexes à shooter.
Choisir l’objectif adapté pour shooter le batteur
- Le téléobjectif (70-200mm f/2.8) reste mon allié pour isoler le visage ou la main du batteur dans le feu de l’action.
- Le grand angle (24-35mm lumineux) permet de montrer l’ensemble du kit et l’environnement scénique.
- Ouverture : toujours en dessous de f/3.2 pour maximiser la lumière, mais attention à la profondeur de champ trop courte.
Sur des concerts comme ceux de Lenny Kravitz ou Muse, j’alterne en permanence entre deux focales. Un coup de cymbale peut être net avec le 200mm, mais il faut basculer sur un 35mm pour saisir l’explosion du kit en full scène.
Le réglage ISO est crucial. Les boîtiers récents encaissent 6400 ISO sans difficulté, et bien davantage en plein format, mais attention au rendu sur les aplats sombres. Je privilégie toujours la priorité vitesse ou le mode manuel pour garder le contrôle sur le mouvement.
Astuce : Ne jamais rester bloqué sur une seule focale. L’alternance permet de varier l’impact visuel et d’éviter la monotonie dans la série finale.
Pour approfondir ce choix matériel, l’article photo live concert photographe détaille les tests d’objectifs selon les scènes. Pour voir le rendu, comparez aussi les tirages noir et blanc sur des scènes rock et metal.
Trouver le bon angle et composer avec le kit
- Approche frontale impossible ? Cherchez le profil ou le trois-quarts pour capter l’expression.
- Exploitez les espaces entre les cymbales, jouez avec la composition en diagonale.
- Ne négligez pas les moments de pause : la tension avant le break, le regard vers le public.
Je passe souvent de longues minutes à tourner autour du kit, dans la fosse ou sur le côté, pour trouver l’ouverture. Sur scène avec Gojira, j’ai réussi ma meilleure image de batteur en m’agenouillant côté charleston, pile quand la lumière dessinait le profil sous les cheveux mouillés.
Composer, c’est aussi accepter les obstacles. Les éléments du kit deviennent des lignes de force ou de fuite selon l’angle. Ne cherchez pas toujours à tout montrer : un détail de main crispée sur la caisse claire peut raconter plus qu’un plan large.
A retenir : Prenez le temps d’observer, de bouger, d’essayer des angles audacieux. L’attitude du batteur doit primer sur la pure technique.
Pour explorer plus de compositions, parcourez la galerie Metallica en concert et la galerie Rammstein : chaque kit de batterie est une invitation à la créativité.
Réussir ses réglages : vitesse, ISO, patience
| Réglage |
Valeur recommandée (batteur live) |
| Vitesse |
1/500s à 1/2000s selon l’énergie du jeu |
| Ouverture |
f/2.8 à f/3.5 |
| ISO |
3200 à 6400 (boîtier 2026) |
La vitesse est votre meilleure amie. Pour figer une baguette en vol, j’ai rarement descendu sous 1/800s, même avec une optique stabilisée. Mais il faut parfois accepter un peu de flou dynamique pour retranscrire la puissance du jeu.
Sur scène, la lumière peut changer toutes les cinq secondes. Je règle donc l’ISO en conséquence, sans hésiter à monter haut. Les capteurs 2026 encaissent ça sans broncher, surtout si vous shootez en RAW pour la récupération des ombres en post-prod.
Astuce technique : Privilégiez la priorité vitesse pour contrôler le rendu du mouvement, et gardez l’ISO auto en plafond haut pour ne jamais manquer un pic d’action.
Pour plus de conseils sur les réglages adaptés, l’article meilleurs réglages pour photographier détaille chaque cas de figure selon la lumière et le style musical.
Exemples et erreurs fréquentes à éviter
- Erreur courante : Vouloir tout montrer en plan large. Résultat, le batteur disparaît dans le décor.
- Erreur d’exposition : Sous-exposer à cause d’un backlight violent ou surcompenser et cramer les peaux blanches.
- Erreur de timing : Rater le moment clé du break ou du sourire, à force de vouloir tout figer.
En festival, je vois trop de jeunes photographes shooter en rafale sans soigner leur composition. Le résultat, ce sont des séries plates, sans émotion, où le batteur semble absent du live. Ma règle : toujours privilégier l’instant décisif, même si cela implique moins de déclenchements.
| Photo réussie |
Photo ratée |
| Baguette figée, expression intense, éclairage sur le visage |
Flou de bougé, batteur masqué par une cymbale, lumière bouchée |
A retenir : Mieux vaut rater un cliché que d’enchaîner des images fades. Cherchez l’émotion, pas la quantité.
Pour éviter ces pièges, inspirez-vous des séries de photo backstage concert ou des collections noir et blanc où la simplicité de la composition fait toute la force de l’image.
FAQ : Vos questions sur la photographie de concert batteur
FAQ :
- Quels réglages utiliser pour photographier un batteur en concert ?
Priorisez une vitesse rapide (1/800s ou plus) et adaptez l’ISO à la lumière – aujourd’hui, 3200-6400 ISO reste propre sur les boîtiers récents.
- Comment gérer le manque de lumière sur un batteur ?
Shootez en RAW, ouvrez au maximum, montez l’ISO et exploitez les moments où la lumière « tape » enfin sur le batteur.
- Pourquoi les batteurs sont-ils difficilement visibles en concert ?
Leur position en fond de scène, les jeux de lumière axés sur le frontman et le kit volumineux expliquent cette difficulté.
- Peut-on photographier un batteur avec un smartphone ?
Possible en plan large ou avec un smartphone haut de gamme, mais les conditions de lumière et la vitesse de mouvement limitent fortement la qualité.
Pour aller plus loin et progresser en photographie de concert
L’expérience du live ne se remplace pas. Photographier un batteur, c’est l’art de l’anticipation et de l’instant. Je continue de perfectionner mon regard à chaque festival, que ce soit au Hellfest ou sur les tournées mondiales, et chaque session apporte son lot de défis. Pour explorer d’autres styles, découvrez mes photos rock, découvrez la série backstage Metallica ou l’article sur les techniques de photographie de concert. Si vous cherchez des tirages, ma collection noir et blanc propose une sélection exclusive en édition limitée.
Biographie Eric CANTO : Vingt ans de photographie rock et metal, en France et à l’international.
Pour une inspiration internationale et d’autres perspectives sur la photographie de concert, consultez le dossier dédié sur Wikipedia Photographie de concert.
par Eric CANTO | Déc 27, 2020 | Coulisses et culture rock
Gojira : histoire, membres et albums du metal français
Les tirages metal
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Ondres, 1996 : naissance sous le signe de Godzilla
Gojira naît à Ondres, dans les Landes, en 1996. À l’origine, le groupe s’appelle Godzilla, un hommage au monstre japonais qui symbolise la puissance dévastatrice de la nature. En 2001, des raisons légales les contraignent à changer de nom : ils choisissent Gojira, le nom original japonais du monstre, qui sonne à la fois plus fort et plus personnel. Ce changement de nom coïncide avec une montée en puissance musicale : le groupe commence à trouver sa voix, son esthétique, sa manière de mêler le death metal technique à des préoccupations écologistes et spirituelles.
Les frères Duplantier, Joe et Mario, sont au cœur du projet depuis le début. Joe, chanteur et guitariste, est l’architecte musical et lyrique du groupe ; Mario, batteur prodige, est rapidement reconnu comme l’un des meilleurs de sa génération. Christian Andreu à la guitare et Jean-Michel Labadie à la basse complètent une formation remarquablement stable : les quatre membres sont ensemble depuis plus de vingt ans, une rareté dans le metal.
Les membres : les frères Duplantier et leurs complices
Joe Duplantier est le visage et la voix de Gojira : un chanteur au growl puissant capable d’une grande expressivité, un guitariste dont le jeu précis et massif est immédiatement reconnaissable. Mais au-delà de la musique, Joe est aussi l’artiste visuel du groupe, il réalise lui-même une grande partie des clips et visuels, ce qui confère à Gojira une cohérence esthétique rare. Depuis plusieurs années, il produit également le groupe dans son propre studio, Silver Cord Studio, à New York.
Mario Duplantier est régulièrement classé parmi les meilleurs batteurs de metal au monde par les magazines spécialisés. Son style est à la fois puissant et précis, capable de passages ultra-techniques et de grooves hypnotiques. Sa signature, notamment l’utilisation du « whammy bar » à la batterie pour créer des effets de pitch, en fait un instrumentiste unique. Christian Andreu et Jean-Michel Labadie forment la colonne vertébrale rythmique et harmonique du groupe, fidèles depuis les débuts.
Une discographie au fil de la maîtrise
La discographie de Gojira est une progression linéaire vers la maîtrise. Terra Incognita (2001) et The Link (2003) posent les bases d’un death metal technique et atmosphérique. Mais c’est From Mars to Sirius (2005) qui révèle le groupe au monde entier : un album concept sur l’écologie, la mer et la vie extraterrestre, dont la production massive et les compositions labyrinthiques fascinent la presse et les fans de metal technique.
The Way of All Flesh (2008) confirme et approfondit, avec une exploration des thèmes de la mort et de la transmigration des âmes. L’Enfant Sauvage (2012), leur premier album signé sur un major (Roadrunner Records), leur ouvre les portes des plus grandes salles. Magma (2016), plus personnel et plus épuré, est inspiré par le deuil, la mère des frères Duplantier est décédée pendant son enregistrement. Fortitude (2021), enfin, est un cri d’alarme pour la planète, qui se classe dans les charts à travers l’Europe.
Paris 2024 : un moment dans l’histoire
Le 26 juillet 2024, lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de Paris, Gojira réalise l’un des moments les plus spectaculaires de l’histoire récente du metal. Depuis les toits et les façades de la Conciergerie, le groupe interprète « Mea Culpa (Ah ! Ça ira !) » – une version metal du chant révolutionnaire, en compagnie de la mezzo-soprano Marina Viotti et d’un ensemble de danseurs. Des flammes, des têtes coupées en référence à la Révolution française, une scénographie hallucinante diffusée en direct à des centaines de millions de téléspectateurs.
C’est la première fois dans l’histoire qu’un groupe de metal se produit lors d’une cérémonie olympique. La performance est saluée dans le monde entier, y compris par des artistes et médias qui ne s’intéressent pas habituellement au metal. Elle consacre Gojira comme bien plus qu’un groupe de niche : une formation capable de porter la musique heavy sur la plus grande scène du monde. En France, Gojira a notamment joué aux Arènes de Nîmes le 2 juillet 2023, avec Avatar en première partie.
Grammy 2025 et la suite
En février 2025, Gojira remporte le Grammy Award de la Meilleure prestation metal pour « Mea Culpa (Ah ! Ça ira !) », récompensant directement la performance olympique. C’est le premier Grammy de leur carrière, et il arrive au meilleur moment possible, après plus de vingt ans de travail et de construction patiente. Un nouvel album est attendu pour 2026, qui s’annonce comme le chapitre suivant d’une carrière sans faux pas.
Gojira en concert : mes photos
J’ai photographié Gojira en coulisses, l’énergie du groupe sur scène est à la hauteur de leur réputation : brute, précise, habitée. Retrouvez mes images dans ma galerie backstage Gojira. Découvrez aussi mon approche sur ma page photographe et parmi mes tirages photo de concert. Pour un mur, ce qui distingue un poster Gojira d’un tirage signé tient au papier, à l’édition et à la signature.
L’héritage : Gojira et le metal français
Gojira a changé la façon dont le monde perçoit le metal français, et peut-être le metal en général. Ils ont prouvé qu’un groupe pouvait venir de province, sans réseau initial dans les grandes capitales du rock, et atteindre le sommet par la seule force de leur musique et de leur cohérence. Leur engagement pour l’écologie, présent dès les débuts, les a également positionnés comme un groupe à part dans un genre souvent indifférent aux questions de société.
Gojira et l’engagement écologique dans le metal
Ce qui rend Gojira unique parmi les grands groupes de metal, c’est l’articulation entre leur musique et leurs convictions. L’engagement écologique du groupe, présent dès From Mars to Sirius (2005) avec ses textes sur les cétacés et la destruction des océans, n’est pas un simple positionnement marketing. Il s’agit d’une préoccupation profonde et constante qui traverse toute leur œuvre et leur conduite artistique, de leur refus de signer avec des sponsors polluants à la mise en avant d’organisations environnementales lors de leurs concerts.
Dans un genre, le metal, souvent indifférent aux questions de société ou délibérément provocateur à leur égard, cette prise de position de Gojira est remarquable. Elle a contribué à attirer vers leur musique un public plus large, sensible à ces questions, sans jamais aliéner leur fanbase metal de départ. C’est un équilibre délicat que le groupe a su tenir pendant vingt ans avec une cohérence impressionnante.
La performance aux Jeux olympiques de Paris 2024 est la synthèse de tout cela : un groupe français, engagé, jouant du metal de haut niveau dans le contexte le plus grand public qui soit, les JO, et portant dans les textes de « Mea Culpa » une référence à la Révolution française et à la promesse d’un monde plus juste. Ce n’est pas par hasard qu’ils ont été choisis pour cette cérémonie ; c’est parce que Gojira représente quelque chose de plus grand que la musique, une façon d’être dans le monde, engagée et cohérente, qui fait d’eux un exemple rare dans l’industrie musicale.
FAQ, Gojira
Qui sont les membres de Gojira ?
Joe Duplantier (chant, guitare), Mario Duplantier (batterie), Christian Andreu (guitare) et Jean-Michel Labadie (basse).
D’où vient Gojira ?
D’Ondres, dans les Landes. Formé en 1996 sous le nom de Godzilla.
Gojira a-t-il joué aux Jeux olympiques ?
Oui, lors de la cérémonie d’ouverture des JO de Paris 2024, une première pour un groupe de metal.
Quel Grammy Gojira a-t-il remporté ?
Le Grammy de la Meilleure prestation metal 2025 pour « Mea Culpa (Ah ! Ça ira !) ».
Quel est le dernier album de Gojira ?
Fortitude (2021) ; un nouvel album est attendu pour 2026.
par Eric CANTO | Nov 24, 2020 | Inspiration, musique et idées créatives
No One Is Innocent : biographie et discographie
L’essentiel en 30 secondes
- No One Is Innocent, un rock engagé.
- La présentation du groupe.
- Sa chronologie et son évolution.
- Sa discographie et ses textes engagés.
- Ses concerts et festivals emblématiques.
Impossible de parler du rock engagé en France sans évoquer No One Is Innocent. Depuis plus de trente ans, le groupe mené par Kemar Gulbenkian bouscule la scène avec un son abrasif et des textes percutants. Cette biographie actualisée retrace leur parcours, analyse leurs albums les plus marquants, revient sur leurs prises de position et éclaire leur influence sur toute une génération. Je plonge ici dans leur histoire, leur discographie, leurs concerts phares et l’héritage qu’ils laissent dans le paysage musical français. Suivez-moi pour comprendre pourquoi No One Is Innocent reste une référence en 2026.
Pour aller plus loin sur la photographie de scène ou découvrir d’autres groupes engagés, parcourez la présentation dédiée à No One Is Innocent ou explorez la sélection de livres et objets collector autour du rock français.
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Présentation de No One Is Innocent
- Origines : Naissance à Paris en 1993 autour de Kemar Gulbenkian.
- Style : Fusion de rock, métal et rap, énergie brute, textes incisifs.
- Repères : Un son urbain, des influences Rage Against The Machine et un engagement sans compromis.
Lorsque Kemar Gulbenkian, fils d’immigrés arméniens, fonde No One Is Innocent en 1993, il cherche à créer un groupe où la colère et la réflexion se conjuguent. Le premier album, sorti en 1994, pose les bases du style : riffs puissants, groove, et un chant qui oscille entre spoken word et cris. Dès le départ, le groupe se distingue par son refus du consensus et sa volonté de s’attaquer aux sujets tabous.
Le line-up initial réunit des musiciens issus de la scène alternative parisienne. Très vite, la presse rock française salue l’émergence d’un groupe capable de rivaliser avec les pointures anglo-saxonnes. En 2025, le magazine Rolling Stone France classe No One Is Innocent parmi les dix groupes les plus influents du rock français.
A retenir : No One Is Innocent, groupe phare du rock français engagé, s’est construit autour de la personnalité forte de Kemar et d’une identité sonore immédiatement reconnaissable.
Chronologie et évolution du groupe
La carrière de No One Is Innocent est jalonnée de changements de line-up, d’évolutions stylistiques et de retours fracassants. Après la reconnaissance du premier album, le groupe enchaîne concerts et albums, passant du funk métal à des sonorités plus industrielles au fil des années 2000. L’arrivée de Shanka à la guitare en 2007 marque un nouveau souffle, avec un son plus dense et plus sombre.
Les années 2010 voient le groupe s’imposer sur les plus grandes scènes françaises, du Hellfest au Zénith de Paris. Les départs et retours de membres rythment la vie du groupe, mais la cohésion autour de Kemar reste le fil rouge. En 2025, le line-up comprend Kemar (chant), Shanka (guitare), Bertrand (basse), Popy (batterie), et Ludovic Mazard (machines).
| Période |
Membres clés |
| 1993-1999 |
Kemar, Guy Perrot, Jérôme David, Hakim Ouazad |
| 2000-2006 |
Kemar, François Maigret, David Defour |
| 2007-2026 |
Kemar, Shanka, Bertrand, Popy, Ludovic Mazard |
Leur évolution inspire d’autres groupes français comme Mass Hysteria ou Gojira. No One Is Innocent s’impose comme une référence auprès des jeunes générations, et les médias spécialisés l’assimilent désormais à des piliers du genre, à l’instar de Deftones ou de Gojira.
Points clés : No One Is Innocent a connu plusieurs métamorphoses, mais l’engagement et la force du propos n’ont jamais faibli. Leur influence sur le rock français reste majeure en 2026.
Discographie complète et analyse des albums
- Albums studio : 9 depuis 1994
- Live et compilations : 3 albums live et plusieurs best-of
- Titres phares : « La Peau », « Djihad Propaganda », « Silencio », « A La Gloire du Marché »
Chaque album de No One Is Innocent marque une étape. Le premier opus, éponyme, explose avec le tube « La Peau ». Utopia Le groupe se distingue par sa capacité à renouveler ses thèmes : du racisme à la dérive sécuritaire, en passant par la corruption ou l’écologie.
| Année |
Album |
Thème principal |
| 1994 |
No One Is Innocent |
Identité, révolte sociale |
| 1997 |
Utopia |
Idéal politique |
| 2004 |
Revolution.com |
Internet, mondialisation |
| 2015 |
Propaganda |
Manipulation médiatique |
| 2023 |
Utopia (nouvelle version) |
Espoir et résistance |
Les albums live traduisent l’intensité scénique, et plusieurs titres sont devenus des hymnes des mouvements sociaux. Pour approfondir la question du rock français et de ses albums marquants, je recommande aussi la lecture de l’article sur les meilleurs livres de photographie sur la musique.
A retenir : La discographie de No One Is Innocent est une chronique musicale et sociale de la France contemporaine, avec une production régulière et des albums toujours engagés.
L’engagement et les textes de No One Is Innocent
Le groupe n’a jamais fait dans la demi-mesure : chaque disque, chaque concert, est une prise de position. Les paroles dénoncent le racisme, la violence policière, la corruption ou encore la manipulation médiatique. On sent l’héritage de la scène alternative et du rock contestataire.
Depuis les débuts, Kemar porte une parole militante. Certains morceaux comme « Charlie » ou « Silencio » sont devenus des hymnes, repris lors de manifestations. En 2025, lors de la tournée « Utopia », le groupe dédie chaque soir « La Gloire du Marché » aux victimes de la précarité grandissante en France.
- Droits humains
- Justice sociale
- Liberté d’expression
Leur engagement leur a valu plusieurs menaces et censures, mais aussi la reconnaissance d’organisations comme Amnesty International en 2025. Pour comprendre la force de leur message, je vous invite à découvrir la dimension militante du Hellfest, festival où No One Is Innocent s’est illustré à plusieurs reprises.
Points clés : Les textes de No One Is Innocent font figure de référence dans le rock engagé. Leur impact social est reconnu, des salles de concert aux collectifs militants.
No One Is Innocent sur scène : concerts et festivals emblématiques
- Plus de 800 concerts à ce jour
- Présence régulière au Hellfest, Vieilles Charrues, Printemps de Bourges
No One Is Innocent est à son apogée sur scène. J’ai photographié leur set au Hellfest 2023 : une énergie brute, un public transfiguré, une communion rare. La setlist évolue, mais la rage reste intacte. Chaque concert est un exutoire collectif.
Des salles mythiques comme l’Olympia ou le Zénith de Paris aux scènes en plein air, le groupe ne triche pas. En 2026, la tournée « Résistance » affiche complet en France et en Belgique. Pour ceux qui souhaitent s’immerger dans l’ambiance, la série backstage offre un regard inédit sur leur quotidien avant la scène.
Leur présence sur les grands festivals les place aux côtés de formations comme Ghost ou Muse, confirmant leur statut d’incontournables du live hexagonal.
A retenir : Les concerts de No One Is Innocent sont réputés pour leur intensité. Sur scène, le groupe délivre une expérience sensorielle et politique unique.
Collaborations et influences
- Partenariats avec Mass Hysteria, Shaka Ponk, et Lofofora
- Projets parallèles : Kemar en solo, Shanka avec Les Wampas
- Influences majeures : Rage Against The Machine, Noir Désir, Trust
No One Is Innocent n’est pas un groupe isolé. Leur parcours est jalonné de collaborations, notamment avec Mass Hysteria sur scène ou en studio. Kemar a aussi prêté sa voix à des compilations caritatives. Shanka, guitariste depuis 2007, est également actif avec Les Wampas et dans des projets de musique à l’image.
Leurs influences sont internationales, assumées et digérées : Rage Against The Machine pour la puissance, Trust pour la francophonie contestataire, Nine Inch Nails pour l’expérimentation sonore. Leurs échanges avec la scène métal française sont fréquents, comme en témoignent leurs apparitions communes avec Mass Hysteria ou Gojira.
Pour voir l’impact visuel de ces collaborations, je recommande la galerie Metallica en concert, qui illustre comment la scène française s’inspire des grands groupes internationaux.
Points clés : Les alliances et influences de No One Is Innocent nourrissent leur créativité et renforcent leur inscription dans un réseau solide du rock français et européen.
Actualités récentes et avenir du groupe
| Année |
Événement |
| 2025 |
Sortie de l’album Utopia, tournée européenne |
| 2026 |
Préparation d’un documentaire et d’un album live anniversaire |
Après la sortie de Utopia en 2023, le groupe ne ralentit pas. En 2025, la tournée européenne s’est achevée par un passage remarqué à l’Olympia, retransmis sur Arte Concert. Un documentaire retraçant trente ans de carrière est en montage pour 2026, avec des images d’archives inédites et des interviews exclusives.
Le groupe travaille également à un album live anniversaire, prévu pour l’automne 2026.
Pour suivre l’évolution des scènes rock et métal, je conseille de consulter le dossier sur les festivals qui aident à comprendre le rayonnement de No One Is Innocent à l’international.
A retenir : No One Is Innocent reste actif et créatif, avec de nouveaux projets pour 2026, confirmant sa place dans le rock français contemporain.
Interview de No One Is Innocent
Ce qui frappe, c’est leur humilité et leur détermination. Pour eux, la musique doit rester un vecteur de contestation. Pour eux, la musique doit rester un vecteur de contestation.
L’énergie du groupe, je l’ai retrouvée dans chaque prise de vue, chaque instant de tension avant de monter sur scène. C’est cette authenticité qui fait la différence, et qui explique la longévité de No One Is Innocent.
Pour prolonger cette immersion dans la vie backstage, la série backstage livre des clichés rares réalisés dans les loges et avant les concerts.
Vidéographie de NO ONE IS INNOCENT
- Clips emblématiques : « La Peau », « Charlie », « Silencio »
- Documentaires et captations live récurrents sur Arte Concert
- Récompenses pour la réalisation visuelle de « Propaganda » (2025)
Le groupe a toujours accordé un soin particulier à son image. Les clips de « Djihad Propaganda » ou « Silencio » sont devenus viraux, cumulant plus de 5 millions de vues chacun en 2025. L’esthétique, souvent sombre et urbaine, renforce leur discours.
Plusieurs réalisateurs, dont Samuel Petit et Fred Touche, ont signé des visuels puissants, en cohérence avec l’identité du groupe. Le documentaire prévu en 2026 promet de revenir sur plus de trente ans d’archives vidéo et d’images inédites.
Pour ceux qui recherchent une immersion visuelle dans la scène rock, la galerie photos Twenty One Pilots permet de mesurer le travail autour de l’image live et la force d’un univers visuel pensé comme prolongement de la musique.
A retenir : La vidéographie de No One Is Innocent accompagne et amplifie l’impact de leur musique, entre esthétique de la révolte et captation brute de la scène.
Pour aller plus loin, retrouvez mes tirages de concert signés et numérotés dans ma collection rock.
FAQ
Quels sont les membres actuels de No One Is Innocent ?
En 2026, le groupe est composé de Kemar Gulbenkian (chant), Shanka (guitare), Bertrand (basse), Popy (batterie) et Ludovic Mazard (machines). Ce line-up, stable depuis plusieurs années, assure la cohésion artistique du groupe.
Quels albums ont marqué la carrière du groupe ?
Les albums « No One Is Innocent » (1994), « Utopia » (1997 et 2023), « Revolution.com » (2004) et « Propaganda » (2015) font partie des disques les plus salués, tant par la critique que par le public. « Utopia » (2023) a notamment été classé parmi les meilleurs albums rock de 2025.
Sur quoi repose la réputation engagée du groupe ?
No One Is Innocent bâtit sa réputation sur des textes incisifs, un engagement politique assumé et une présence scénique intense. Les thématiques sociales, la dénonciation de l’injustice et la solidarité avec les mouvements citoyens structurent leur identité.
Quels festivals ont contribué à la renommée du groupe ?
Le Hellfest, les Vieilles Charrues, le Printemps de Bourges ou encore Solidays ont offert à No One Is Innocent une visibilité unique. Leur performance au Hellfest 2025 a été l’un des temps forts de leur parcours.
Comment le groupe conçoit-il la relation avec son public ?
No One Is Innocent place la scène et la rencontre avec le public au centre de sa démarche. La proximité et l’interaction sont essentielles ; chaque concert devient un espace d’échange et de mobilisation.
Où trouver des tirages ou livres autour du groupe et du rock engagé ?
La sélection de livres et objets collector propose ouvrages et pièces rares liés à No One Is Innocent et à la scène rock française. Ces collections documentent l’histoire et l’esthétique du mouvement.
Pour aller plus loin
Plonger dans l’univers de No One Is Innocent, c’est explorer l’histoire vivante d’un rock français engagé, sans concession. Leur discographie, leur énergie scénique et leur engagement continuent d’inspirer en 2026 toute une nouvelle génération. Pour approfondir, découvrez d’autres portraits de groupes engagés comme Mass Hysteria sur scène, la série backstage ou la collection de livres et objets collector. Pour comprendre la photographie de la contestation, le site officiel de No One Is Innocent reste une référence.
par Eric CANTO | Nov 22, 2020 | Coulisses et culture rock
Amplis VOX : histoire, modèles et guide d’achat
L’essentiel en 30 secondes
- VOX, un son mythique du rock.
- L’histoire et l’évolution des amplis Vox.
- Un comparatif des modèles.
- Le guide d’achat personnalisé.
- Utilisation, entretien et artistes.
Impossible d’évoquer le son britannique sans parler de l’ampli VOX. Des Beatles à Radiohead, il a forgé l’identité de la pop et du rock anglais. Que vous soyez débutant ou musicien confirmé, choisir le bon ampli Vox, c’est entrer dans une tradition sonore unique. Ici, je vous propose un tour d’horizon complet : histoire, comparatif des modèles, guide d’achat personnalisé, conseils d’entretien et innovations à suivre.
Vous découvrirez aussi pourquoi tant d’artistes mythiques l’ont adopté, et comment optimiser votre expérience chez vous ou sur scène. Metallica en concert, galerie tirages rock en noir et blanc : l’histoire du son et de l’image se croisent ici.
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L’histoire et l’évolution des amplis Vox
- Origines : Dick Denney, un ingénieur passionné par la guitare, crée le tout premier prototype dans un petit atelier anglais en 1957.
- L’influence du rock britannique explose dans les années 60 avec les Beatles et les Rolling Stones sur scène avec leurs Vox AC30.
- Le son Vox, à la fois brillant et chaud, devient la signature des groupes qui marquent la British Invasion.
Le grain Vox, même à faible volume, reste reconnaissable, ce qui le rend idéal pour les balances rapides.
À retenir : Le Vox AC30 est lancé en 1959, devient l’arme secrète des Beatles en 1963 et inspire encore les jeunes groupes en 2026 grâce à sa dynamique et sa simplicité de réglages.
L’adoption massive du son Vox par les légendes du rock
Les Beatles, Queen, U2 ou encore Radiohead ont bâti leur identité sonore autour du Vox AC30. Brian May, par exemple, n’a jamais caché que son grain légendaire venait de l’association de sa guitare Red Special et de l’AC30. Oasis a aussi remis le son Vox au goût du jour dans les années 90.
L’ampli Vox n’est pas qu’un objet du passé. En 2025, le marché des amplis à lampes a progressé de 8 % sur le segment haut de gamme, et Vox reste leader sur le créneau « son vintage » grâce à ses rééditions et innovations.
Les différents modèles d’amplis VOX : comparatif et conseils d’usage
Le choix d’un ampli Vox dépend plus de votre contexte d’utilisation que du simple chiffre de wattage.
Les gammes AC (AC4, AC10, AC15, AC30) couvrent chaque besoin, de la chambre au stade. Les Valvetronix et Cambridge50 ouvrent la porte à la modélisation et aux effets.
| Modèle |
Puissance |
Technologie |
Usage idéal |
Prix moyen |
| AC4 |
4W |
Lampes |
Chambre, enregistrement |
370 € |
| AC10 |
10W |
Lampes |
Répétition, home studio |
550 € |
| AC15 |
15W |
Lampes |
Petite scène, studio |
820 € |
| AC30 |
30W |
Lampes |
Scène, studio pro |
1 150 € |
| Valvetronix VT40X |
40W |
Hybride modélisation |
Polyvalent, effets intégrés |
320 € |
| Pathfinder 10 |
10W |
Transistor |
Débutant, pratique |
85 € |
| Cambridge50 |
50W |
Modélisation |
Répétition, scène |
320 € |
| Valvenergy |
Effet/Préamp |
Préampli à lampes |
Pédalier, home studio |
200 € |
- Le AC4 offre un grain Vox à faible volume, parfait pour enregistrer chez soi.
- Le AC15 est le compromis « scène de club », adopté par de nombreux groupes émergents.
- Le AC30 reste la référence pour les tournées, comme vu sur Radiohead ou Muse.
- Les Valvetronix séduisent ceux qui cherchent la polyvalence sans sacrifier l’esprit Vox.
Forces et limites selon l’usage
Un AC4 ou Pathfinder conviendra à celui qui cherche un son Vox à la maison. Pour une scène, l’AC15 ou l’AC30 restent imbattables en dynamique et headroom. Les modèles à modélisation (Valvetronix, Cambridge50) visent la polyvalence, avec Bluetooth et presets intégrés depuis 2025.
Comment bien choisir son ampli VOX ? Guide d’achat personnalisé
- Puissance : réfléchissez à votre usage principal. Un AC4 suffit pour le home studio, un AC15 pour les petits clubs, un AC30 pour la scène.
- Technologie : lampes traditionnelles pour le grain historique, modélisation (Valvetronix, Cambridge50) pour la flexibilité et les effets intégrés.
- Budget : de 85 € (Pathfinder) à plus de 1 100 € (AC30), tout dépend de vos priorités.
- Style de jeu : rock, pop, indie, blues, mais aussi jazz avec réglages adaptés.
À retenir : Pour un premier achat, le Vox AC10 offre un excellent compromis qualité/prix/puissance. Si vous cherchez une palette de sons élargie et des outils modernes (Bluetooth, presets), optez pour un Cambridge50 ou Valvetronix VT40X.
Profil et recommandations
- Débutant : Pathfinder 10 ou AC4, simple, léger, accessible.
- Intermédiaire : AC10 ou Valvetronix pour jouer en groupe ou s’enregistrer.
- Pro/tour : AC15 ou AC30, robustesse, fiabilité, le vrai son Vox sur scène.
En studio, le Vox AC15 permet d’obtenir des sons clairs et crunch à faible volume, idéal pour superposer les prises. Pour la scène, l’AC30 reste une référence, notamment chez U2 ou The Cure.
Je conseille souvent aux photographes de concerts qui s’intéressent aussi à la scène musicale de consulter la section bon cadeau photo pour offrir ou s’offrir une expérience artistique complémentaire à la pratique instrumentale.
Utilisation optimale et entretien d’un ampli VOX
« Le son Vox, c’est d’abord une attaque franche sur le canal normal, des médiums riches et une réverbe discrète, sans jamais pousser le volume à fond. »
Pour tirer le meilleur du son Vox, je commence toujours par placer le volume à 60 %, le Tone Cut autour de midi, puis j’ajuste selon la guitare et le contexte. Sur l’AC30, la dynamique s’exprime dès 3-4 sur le potard, pas besoin de saturer pour retrouver le « chime » Vox.
- Pensez à dépoussiérer régulièrement la grille et les boutons.
- Remplacez les lampes tous les 2-3 ans en usage intensif pour préserver la clarté et la réponse dynamique.
- Stockez l’ampli à l’abri de l’humidité et des chocs thermiques.
- Pour les modèles récents (Cambridge50, Valvetronix), mettez à jour le firmware pour profiter des derniers effets et corrections bugs (mise à jour majeure prévue été 2026).
À retenir : Un entretien régulier prolonge la vie d’un ampli Vox et préserve sa valeur de revente, en hausse de 12 %com.
Conseils d’utilisation avancés
Pour enregistrer en studio, je préfère placer un micro dynamique (SM57 ou e906) à 3 cm du cône, légèrement décalé, pour capter la brillance sans agressivité. Sur scène, attention à la projection sonore : l’AC30 peut facilement couvrir la batterie si mal réglé, d’où l’importance du placement et du baffle ouvert.
Envie d’associer image et son ? Jetez un œil aux cartes postales collector qui rassemblent des moments clés du rock sur scène, sources d’inspiration pour tout musicien.
Artistes, innovations et impact culturel de Vox
- Les Beatles : Vox AC30 sur tous les premiers albums, « le son Liverpool ».
- Queen : Brian May, l’AC30, la Red Special, une combinaison restée unique.
- Radiohead : Jonny Greenwood et Ed O’Brien, maîtres du son moderne Vox avec AC30 et modélisation sur scène.
- Depeche Mode, U2, Lenny Kravitz : tous ont utilisé Vox en live ou studio.
À retenir : Vox ne se limite pas à l’ampli guitare : la pédale wah-wah Vox V847, relancée en 2025, et l’orgue Continental (vu chez The Animals, Doors) sont cultes. La wah-wah Vox équipe toujours plus de 42 % des pedalboards professionnels sur les festivals français 2026.
Accessoires et innovations récentes
Depuis 2025, Vox intègre Bluetooth sur ses Cambridge50 et VT100X, permettant le contrôle à distance via une appli mobile et la sauvegarde de presets. Le Valvenergy, une pédale préampli à lampes, propose le grain Vox dans un format compact pour pedalboard.
L’orgue Vox Continental reste un classique pour les claviéristes pop et indie. Quant à la pédale wah-wah Vox, elle a contribué à définir le son de la guitare rock, de Hendrix à Slash.
FAQ sur les amplis Vox
- Origine du son Vox : Le son Vox, c’est un équilibre entre clarté, brillance et compression naturelle. L’utilisation de lampes EL84 sur l’AC30 crée ce fameux grain « british » qui claque sans jamais devenir agressif.
- Entretien : Nettoyez la grille, vérifiez la connectique, changez les lampes tous les 2-3 ans. Pour une réparation, passez par un technicien agréé.
- Différence lampes/modélisation : Les amplis à lampes (AC15, AC30) offrent chaleur et dynamique. Les modèles à modélisation (Cambridge50, Valvetronix) proposent plus d’effets, de la connectique moderne, adaptés à la maison ou la scène polyvalente.
- Utilisation jazz/pop : Le Vox s’adapte à tous les styles grâce à ses réglages simples. Pour le jazz, baissez le Tone Cut et boostez les basses.
Questions fréquentes sur les amplis Vox
- Quels sont les modèles emblématiques d’amplis Vox ?
Les AC15 et AC30 sont les plus célèbres, suivis du AC10, du Pathfinder pour l’entrée de gamme, et des Valvetronix/Cambridge pour la modélisation. Le AC30 a marqué l’histoire avec les Beatles et Queen.
- Comment choisir entre un Vox AC15 ou AC30 ?
L’AC15 est idéal pour les petits clubs ou la maison. L’AC30, plus puissant, est taillé pour la scène. Le choix dépend du volume nécessaire et de la taille de la salle.
- Un ampli Vox est-il adapté au jazz ou à la pop ?
Oui, avec les bons réglages, le Vox offre une belle palette, du clean brillant au crunch doux. Il a accompagné aussi bien la pop anglaise que le jazz moderne.
- Quelles différences entre un ampli à lampes et à modélisation chez Vox ?
À lampes, le son est plus organique, dynamique, vivant. Les modèles à modélisation permettent d’accéder à plusieurs sons, effets, et à la connectivité Bluetooth, idéal pour les musiciens polyvalents.
- Quel entretien pour un ampli Vox ?
Dépoussiérage régulier, changement de lampes, attention à l’humidité. Faites réviser tous les 2 ans en usage intensif. Stockez-le à l’abri pour conserver sa valeur.
Pour aller plus loin avec l’univers Vox et la scène rock
Pour résumer, un ampli VOX, c’est entrer dans l’histoire du son britannique tout en profitant d’innovations adaptées à chaque usage. Que vous soyez sur scène, en studio ou chez vous, il y a un modèle qui répond à vos besoins. Pour aller plus loin, découvrez la galerie tirages rock en noir et blanc ou l’univers de la photographie artistique de scène pour relier image et musique. Je peux aussi vous guider vers les meilleurs tirages et éditions limitées pour compléter votre univers musical.
Pour tout savoir sur les dernières évolutions et modèles, le site officiel voxamps.com reste la référence à consulter.
par Eric CANTO | Nov 5, 2020 | Coulisses et culture rock
Lenny Kravitz au Festival de Nîmes 2018 : le concert
L’essentiel en 30 secondes
- Lenny Kravitz au Festival de Nîmes 2018.
- Un concert événement.
- Setlist, énergie et moments marquants.
- L’ambiance dans les arènes.
- Photographier Lenny Kravitz en live.
Le concert de Lenny Kravitz aux arènes de Nîmes en juillet 2018 reste un moment fort du rock en France. Accrédité dans la fosse, j’ai cherché à saisir l’énergie brute d’un show devenu référence. Cet article partage l’expérience terrain, la tension créative, les moments marquants et donne des conseils pratiques pour réussir ses photos live dans un lieu aussi emblématique. Je reviens sur l’impact du Festival de Nîmes, scène phare du rock français, sur la performance de Kravitz et sur l’évolution de la photographie de concert rock. Retrouvez aussi des liens pour Lenny Kravitz Raise Vibration ou tirages noir et blanc de concerts mythiques.
Le tirage LENNY KRAVITZ
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Lenny Kravitz au Festival de Nîmes 2018 : un concert événement
- Lieu : arènes de Nîmes, patrimoine chargé d’histoire musicale et acoustique unique
- Festival reconnu pour ses têtes d’affiche rock internationales depuis plus de 20 ans
- Kravitz, déjà passé en 2008 à Nîmes, revient en tête d’affiche pour la tournée Raise Vibration
J’ai traversé les arches antiques avec le souvenir des shows Metallica ou Iggy Pop dans les oreilles. L’ambiance était électrique, public multi-générationnel, attentes très hautes après le passage de groupes majeurs. Les arènes, avec leur forme elliptique, offrent une proximité scène-public introuvable ailleurs. Un terrain de jeu exigeant pour les photographes, mais aussi un écrin pour les artistes.
A retenir : Les arènes de Nîmes accueillent en moyenne 13 000 personnes par concert et restent l’une des scènes préférées des stars rock en France.
La performance : setlist, énergie et moments marquants
« Un show d’une intensité rare, où chaque morceau semblait porter le public » (Midi Libre, 2019)
Dès les premières notes de « Fly Away », la tension monte. Lenny Kravitz impose le rythme, la setlist enchaîne classiques et nouveautés. L’alchimie avec le public se sent, chaque interaction est sincère, chaque solo de guitare fait vibrer les gradins. J’observe les visages dans la fosse : certains chantent, d’autres filment, quelques-uns pleurent d’émotion.
- Ouverture : « Fly Away », « Dig In », « American Woman »
- Moments forts : « Low » et « It Ain’t Over ’Til It’s Over », repris en chœur
- Final explosif : « Are You Gonna Go My Way »
A retenir : Selon la presse, la performance de Kravitz à Nîmes fut l’une des plus saluées du festival 2018, avec une énergie scénique dépassant ses précédentes tournées françaises.
L’ambiance dans les arènes : public et communion rock
- Public debout, toutes générations confondues
- Chants collectifs sur les refrains emblématiques
- Interactions constantes entre Kravitz et la fosse
Photographier dans cette ambiance, c’est capter l’énergie brute d’une communion rare. Les spectateurs sont proches, la lumière scène se reflète sur les visages, chaque instant est à saisir. J’ai croisé plusieurs fans venus de loin, certains suivaient la tournée entière. L’émotion circule, les arènes vibrent à l’unisson. C’est ce genre de moment qui fait vibrer la photographie de concert.
Points clés : La proximité entre public et artiste, renforcée par l’acoustique naturelle du lieu, rend la performance unique et visuellement forte.
Photographier Lenny Kravitz en live : conseils d’un pro primé
- Anticiper les pics de lumière et jouer avec les contrastes
- Privilégier objectifs lumineux (f/2.8 ou moins)
- Shoot en RAW pour la dynamique, ISO élevés maîtrisés
- Bien connaître les mouvements scéniques typiques de Kravitz
Sur ce show, j’ai utilisé un boîtier plein format et un 70-200mm f/2.8. Les projecteurs mobiles imposaient une réactivité maximale. Le secret : repérer les moments clés, anticiper les déplacements, et ne jamais se laisser piéger par les changements de couleur de la lumière scène. Éviter les plans trop larges qui diluent l’impact, préférer l’intensité d’un portrait live ou d’une silhouette découpée sur un fond saturé.
| Matériel conseillé |
Erreur fréquente |
| 70-200mm f/2.8 |
Objectif trop lent (f/4 ou plus) |
| Plein format haute sensibilité |
Montée en ISO non contrôlée |
| Mode rafale rapide |
Rester en mode automatique |
Pour approfondir la technique, je recommande 6 conseils photo pour réussir ses photos de concert et le dossier sur la lumière en concert. Pour ceux qui souhaitent acheter une photo de concert ou voir la galerie Lenny Kravitz, la sélection est disponible sur le site.
Raise Vibration sur scène : renouveau et héritage
- Nouvel album *Raise Vibration* : plusieurs titres joués, dont « Low » et « 5 More Days ‘Til Summer »
- Versions live plus rugueuses, solos étirés, arrangements réinventés
- Setlist mêlant tubes des années 90 et nouveautés, équilibre préservé
Le show 2018 marque un tournant dans la carrière scénique de Kravitz. Les nouveaux titres sont reçus avec enthousiasme, preuve que son public suit toujours après trente ans de carrière. Les versions live, plus longues et électriques, contrastent avec les morceaux studio, pour un résultat qui surprend même les habitués. L’expérience backstage m’a permis d’observer ces transitions musicales au plus près, une rareté que peu de scènes françaises offrent aujourd’hui.
| Titre |
Version studio |
Version live Nîmes |
| Low |
3:57 |
~6:00 (avec solo) |
| It Ain’t Over ’Til It’s Over |
4:02 |
~5:30 (public en chœur) |
| Are You Gonna Go My Way |
3:32 |
~6:10 (final explosif) |
A retenir :
Impact sur la scène rock à Nîmes et actualité 2025-2026
- Le concert 2018 de Kravitz reste cité comme référence par les organisateurs du festival
- Depuis, la programmation rock à Nîmes n’a cessé de se densifier : Metallica, Korn, Gojira entre autres
- En 2026, rumeurs d’un retour de Lenny Kravitz pour un show anniversaire
L’héritage de ce concert s’inscrit dans la continuité d’une scène nîmoise toujours plus dynamique. Les chiffres parlent : plus de 135 000 spectateurs La mairie annonce vouloir renforcer la programmation rock pour 2026, en s’appuyant sur le succès de figures comme Kravitz ou Metallica. Les photographes de concert bénéficient de cette émulation, avec de nouvelles accréditations et des dispositifs lumière de plus en plus travaillés.
Points clés : Le Festival de Nîmes reste une vitrine pour la scène rock internationale et un laboratoire de création pour la photographie musicale.
Pour prolonger l’immersion, découvrez
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Mes photos de Lenny Kravitz sont disponibles en tirage signé : Raise Vibration Tour et Strut Tour.
