Rival Sons, Europe Tour 2015 : photographier un son plutôt qu’un décor

Rival Sons joue un rock qui aurait pu sortir en 1972, avec l’équipement qui va avec : amplis à lampes, batterie sans triggers, et un chanteur qui tient ses notes sans filet. Sur la tournée européenne de 2015, le groupe passe encore dans des salles de taille moyenne, ce qui change tout pour un photographe.

Rival Sons, le renouveau du blues rock américain

Rival Sons s’impose au début des années 2010 comme l’un des groupes les plus crédibles du renouveau blues rock américain.

La voix de Buchanan n’a rien d’une démonstration technique, elle vit, elle respire, elle grince parfois, elle explose quand il le faut.

Sur scène, Rival Sons ne cherche pas l’explosion permanente.

Ce refus de la surenchère a valu au groupe une reconnaissance progressive mais durable, davantage construite sur la crédibilité et le bouche-à-oreille que sur un coup médiatique isolé, une trajectoire assez rare dans le paysage du rock contemporain.

Photographier Rival Sons : travailler avec la matière

Photographier Rival Sons, c’est travailler avec la matière. L’image se construit dans la sueur, dans l’effort, dans cette musique qui semble jaillir directement du sol. Rien n’est spectaculaire, tout est incarné.

C’est cette dimension organique, loin des effets numériques et des scénographies calibrées, qui rapproche Rival Sons de groupes comme Slash ou ZZ Top dans ma collection LIVE : une photographie de concert pensée pour restituer la matière du rock plutôt que son spectacle.

Le tirage : édition originale et papier Hahnemühle

Les petites salles produisent des images à forte matière : peu de lumière, beaucoup de grain, des contrastes marqués. Un papier mat coton comme le Hahnemühle Photo Rag® assume ce grain au lieu de le lisser. Tirage en édition originale de trente exemplaires numérotés et signés à la main, avec certificat d’authenticité. Formats et conditions sur la page tirages rock.

En grand format, ces images gardent quelque chose de brut qui manque souvent aux photos de stade. On sent la proximité, la chaleur de la salle, la distance réelle entre le photographe et le musicien.

Les petites salles, un terrain plus exigeant que les stades

Une salle de mille places offre à peu près le contraire d’un stade : on est à deux mètres du chanteur, mais il n’y a ni fosse, ni éclairage conçu pour la photo, ni les trois titres habituels. Souvent, on peut rester tout le concert, ce qui est un luxe, mais avec un kit lumière minimal et parfois deux poursuites en tout.

Cette proximité impose des focales courtes. Le 70-200 devient inutilisable, on travaille au 24-70 voire au 35 mm fixe, à pleine ouverture. La profondeur de champ tombe alors à quelques centimètres, et la mise au point devient le vrai sujet : sur les yeux du chanteur, jamais sur le micro, sous peine d’avoir un micro net et un visage flou.

Le bénéfice, c’est l’accès. En petite salle, on photographie les regards entre musiciens, le batteur vu depuis le côté, les échanges qui n’existent plus dans les grands formats de tournée. Ce sont ces images-là qui vieillissent le mieux, parce qu’elles montrent un groupe au travail plutôt qu’un spectacle rodé.

Photographier un son plutôt qu’un décor

Quand la scénographie se réduit à deux poursuites et un mur d’amplis, l’image ne peut pas reposer sur l’effet. Elle repose sur ce que fait le musicien avec son corps : la nuque tendue sur une note haute, le pied qui marque le tempo, la main gauche qui reste en l’air une demi-seconde après l’accord.

C’est ce qui rend ce type de tirage lisible par quelqu’un qui ne connaît pas le groupe. Il n’y a rien à décoder, aucun code visuel de tournée à identifier, juste un effort physique rendu visible. Une image de concert réussie se reconnaît à ceci : on entend à peu près ce qui se passait au moment du déclenchement.

Retrouvez cette image en tirage d’art signé et numéroté : Rival Sons – Europe Tour (2015).