En septembre 1968 paraît en France le 1er numéro du légendaire magazine BEST. Une aventure de 30 ans.
Février 2022, le magazine BEST revient en kiosque.
Sous l’impulsion de l’entreprenant David Kane, avec l’incontournable Patrick Eudeline en Rédacteur en chef, et sous la Direction artistique de Philippe Blondez, le magazine sera en kiosque, en France et à l’export, le 16 février 2022.
Best Magazine est un magazine français de presse people qui a été créé en 1977. Au fil des années, il est devenu l’un des magazines les plus populaires en France, avec des millions de lecteurs réguliers. Best Magazine est publié chaque semaine et couvre une variété de sujets, allant des nouvelles de célébrités à des articles sur les tendances de la mode et de la beauté.
Dans cet article, nous allons examiner de plus près l’histoire de Best Magazine, sa couverture éditoriale et ce qui le rend si populaire auprès des lecteurs français.
Histoire de Best Magazine
Best Magazine a été créé en 1977 par Jean-Pierre Cassagne. À l’époque, il était un magazine de cinéma et de musique qui couvrait les derniers films et albums, ainsi que des interviews avec des célébrités. Cependant, au fil du temps, Best Magazine a évolué pour devenir un magazine de presse people.
Au cours des années 80 et 90, Best Magazine a connu une croissance rapide de sa popularité, avec une circulation hebdomadaire qui a atteint les 2 millions d’exemplaires en 1997. La couverture du magazine est également devenue plus centrée sur les célébrités, avec des photos exclusives et des histoires scandaleuses.
Couverture éditoriale de Best Magazine
La couverture de Best Magazine est centrée sur les célébrités et les potins de la vie privée. Le magazine publie des photos exclusives de célébrités et des histoires sur leur vie privée, ainsi que des interviews avec des personnalités connues. Le magazine couvre également des événements tels que les soirées de célébrités et les tapis rouges.
Best Magazine publie également des articles sur les tendances de la mode et de la beauté, ainsi que des conseils de santé et de bien-être. Les lecteurs peuvent également trouver des histoires intéressantes sur des personnalités de la télévision, du cinéma et de la musique.
Pourquoi Best Magazine est-il si populaire ?
Best Magazine est populaire auprès des lecteurs français en raison de sa couverture approfondie et exclusive des célébrités. Les lecteurs peuvent découvrir les derniers potins sur leurs célébrités préférées et avoir accès à des photos exclusives qu’ils ne trouveront nulle part ailleurs. Les interviews avec des célébrités connues et les histoires de la vie privée des stars sont également très appréciées.
En outre, Best Magazine est également populaire en raison de ses articles sur la mode
Quelle est la nouvelle formule de BEST magazine ?
BEST est un magazine transgénérationnel. Il fait appel à des chroniqueurs issus du BEST historique, ainsi qu’à de nouvelles plumes. Il s’adresse tout autant à un lectorat fidèle au titre passé, mais également à la nouvelle génération. Il créée des ponts culturels entre les acteurs de la génération X et les millennials.
La Baseline de Best : MUSIQUE – STYLE – POP CULTURE.
La baseline de Best Magazine – « MUSIQUE – STYLE – POP CULTURE » – résume parfaitement les trois piliers sur lesquels repose le contenu du magazine.
La musique est un élément clé de Best Magazine depuis sa création. Le magazine a commencé en tant que magazine de cinéma et de musique, et bien qu’il se soit concentré davantage sur les célébrités au fil des ans, la musique reste un élément important de la couverture éditoriale. Les lecteurs peuvent trouver des critiques d’albums, des interviews avec des musiciens et des articles sur les dernières tendances musicales.
Le style est également une partie importante de la couverture éditoriale de Best Magazine. Les lecteurs peuvent trouver des articles sur les dernières tendances de la mode, des conseils de style et des interviews avec des créateurs de mode. Le magazine couvre également des événements de mode tels que les défilés de mode et les Fashion Weeks.
Enfin, la pop culture est un élément clé de la couverture de Best Magazine. Les lecteurs peuvent trouver des articles sur les tendances en matière de divertissement, des interviews avec des stars de la télévision et du cinéma, ainsi que des histoires sur les événements de divertissement les plus chauds.
Dans l’ensemble, la baseline de Best Magazine résume parfaitement le contenu du magazine. Les lecteurs peuvent s’attendre à trouver une couverture approfondie de la musique, du style et de la pop culture, ainsi que des histoires intéressantes sur les célébrités et les tendances les plus en vogue.
BEST magazine, et un numéro 2 déjà ! Les groupes de rock en savent quelque chose : c’est un virage difficile. Le syndrome du deuxième album, on appelle cela ! Le premier BEST était foufou et foutraque, s’en allait – volontairement – dans tous les sens. Vous l’avez aimé. Le tirage était quasi épuisé en quinze jours. Vous l’avez cherché et trouvé dans les plus improbables kiosques, et des gamines de treize ans ont été heureuses d’afficher ce poster de Dita. Quel bonheur !
Sur les réseaux sociaux, ce fut toute une affaire. Quelques jaloux, éclopés de vieilles batailles, n’étaient pas heureux de ce succès et critiquaient tout leur saoul : « Mais Dieu du Ciel, d’où viennent ces gens, que complotent-ils ? », « Et cet oriflamme sur le visage de Dita Von Teese, n’aurait-il pas une signification cachée ? », « Et toutes ces photos, quelle est leur origine ? », « Internet, probablement ! ».
C’est cela, oui…. Alors qu’aucune photo issue de la toile n’est digne de paraître dans un journal digne de ce nom : trop pixellisée. Pas d’assez bonne qualité. Il aurait dû savoir cela celui qui osa prétendre telle bêtise. Il est vrai que ses dernières responsabilités dans la Presse remontent à si longtemps ! Internet n’existait pas encore. Bon, trois ronchons qui s’étranglent contre des centaines de réactions enthousiastes, de commentaires, de demandes enflammées : Nous allons survivre au fort relatif affront.
Best magazine – magazine BEST 2022
Ce Best, deuxième du nom, donc, exagère les défauts et foucades du premier. Non mais !
On y apprend plein de choses sur ce que fut le Londres des débuts du rock sixties et le Paris de légende, on y ouaille la légende de Lucy Gordon, comme celle de Joe Meek ou l’histoire du hard-rock français. On s’y promène autour des Stones. On y découvre Orville Peck.
On y parle tatouages, objets culte et studio d’enregistrement. Et puis de mode et de cinéma, bien évidemment ! Il y a des chroniques de disques – un écueil du premier –, des nouveaux artistes à découvrir, du metal à revendre.
Et de la chanson, bien sûr ! (Serge Reggiani, n’ayons peur de rien).
Un Best qui plonge dans nos racines et visite le présent, en somme. Parce que tel est son Destin. PS : Le prix du papier – le savez-vous ? – a quasi doublé. C’est la galère chez les éditeurs. Par le fait, il y a un luxe auquel nous avons dû renoncer… Le poster ! On n’allait quand même pas rogner sur ces 160 formidables pages ?
Best magazine – magazine BEST 2022
Best magazine: David Swaelens-Kane, qui avait racheté le magazine « Photo » ainsi que la licence de la marque Playboy pour les pays francophones, décide de relancer en février 2022, un des plus grands magazines spécialisé dans le rock français des années 80′ et 90′, c’est-à-dire « Best magazine », dont les quadragénaires et quinquagénaires se souviennent comme le grand concurrent de « Rock & Folk ». », surtout au début des années 1980.
Best Magazine était une référence dans la presse musicale. Il a été paru de septembre 1968 à mars 2000, avec une interruption de décembre 1994 à 1998, et enfin pour quelques numéros en 1999-2000, avant de disparaître et de renaître sous la forme d’un mook trimestriel en 2022.
En effet, la nouvelle incarnation du titre se fera sous la forme d’un « mook » haut de gamme; c’est-à-dire un mélange de magazine et de livre; que David Swaelens-Kane espère être à la hauteur des attentes des lecteurs collectionneurs.
Best magazine – magazine BEST 2022
Ce mook et son site internet (qui est gratuit), serviront de vitrine à un « grand concours de radio-crochet en version papier », comme l’indique David Swaelens-Kane, le nouveau propriétaire du titre.
Les « Best Awards » récompenseront des talents issus de nouvelles scènes, avec, à la clé, par exemple, des contrats de management pour obtenir une signature avec une maison de disques. « L’ADN du titre est rock mais nous serons ouverts aux musiques urbaines », précise David Swaelens-Kane.
BEST magazine : Version Papier Radio-Crochet
Le concours récompensera également les entrepreneurs de la musique. « J’ai toujours aimé le côté entrepreneur, pour moi Elon Musk est le nouveau Bob Dylan », confie celui qui dit vouloir faire de la musique mais qui a compris « très tôt qu’il n’était et ne serait pas David Bowie ».
David Swaelens-Kane a récemment investi dans une société événementielle en Belgique. Il espère trouver là-bas, des synergies avec « Best magazine » comme par exemple, l’organisation de concerts ou d’autres événements musicaux, dont le concours Best, qui donnera lieu à une grande soirée de gala.
Pour ses aventures dans les médias, l’idée est d’être financièrement équilibré sur le papier et de générer des profits en dehors des médias. « Best magazine » emploiera une quinzaine de personnes, sera tiré à 50 000 exemplaires et bénéficiera d’un investissement de 1,5 million d’euros injectés par David Swaelens-Kane.
« Best magazine » a été créé en 1968 par Jacques Morlain et Gérard Bernar, deux anciens de « Disco Revue », avec un premier numéro sur les Rolling Stones, raconte Jacques Morlain dans un podcast « Rock & Press ». L’idée était de mieux couvrir la musique anglo-saxonne, même si le magazine défendait alors bien la scène française.
Best magazine – magazine BEST 2022
BEST magazine: Patrick Eudeline
L’âge d’or de la presse musicale prend fin dans les années 1980 avec la concurrence des radios et télévisions gratuites qui proposent désormais des émissions comme « Les Enfants du rock » et l’interdiction de la publicité pour certains annonceurs stratégiques (alcool, tabac, etc.).
Best Magazine a cessé de paraître à la fin des années 1990, malgré l’ajout d’un CD-Rom pour séduire les fans de rock ! « Rock & Folk » est toujours publié, même si tout le secteur a dû se réinventer avec le Web.
L’idée de faire revivre « Best magazine » est née d’une conversation entre David Swaelens-Kane et Patrick Eudeline, l’une des plumes historiques de « Best magazine » et de la presse musicale. Le critique de rock instruit, occupera la place de rédacteur en chef.
David Swaelens-Kane a vendu Photo « sans perdre d’argent » en 2020, explique-t-il. Playboy, lui aussi, est toujours dans sa bourse et survit en tant que magazine même s’il a lui aussi évolué en mook.
Extrait BEST MAGAZINE n°2
MALCOM MCLAREN :L’art du désastre par Manu Leduc, Marie Eynard, Lionel Chouin et Philippe Ory – Futuropolis Lorsque Marilyn Manson,reprenant Patti Smith, éructait en intro de « Rock’n’Roll Nigger » : « Je suis l’antéchrist américain, je suis sa merde et elle devrait avoir honte de ce qu’elle a mangé », il prouvait que les leçons de Malcolm McLaren avaient été bien digérées…
Adulé et détesté, le trublion rouquin voulait mettre la société de consommation à genoux devant son vomi. En inventant l’esthétique de la laideur, en habillant la jeunesse anglaise dans ses poubelles, en embauchant des voyous qu’il pensait pouvoir manipuler, Malcolm McLaren rêvait de provoquer des reflux gastriques à l’aristocratie rock, rendre le binaire de nouveau dangereux, en refaire un art de vivre sur le fil du rasoir (rouillé) et accomplir une révolution en enculant l’art bourgeois avec des capotes trouées.
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Si vous lisez « Best », c’est qu’il a quelque part un peu réussi son coup à un moment donné. Il méritait bien sa propre BD de 200 pages, solidement scénarisée par Manu Leduc et Marie Eynard d’après les bios de John Lydon et de Jon Savage, mais aussi par le biais d’entretiens privés avec Marc Zermati (à qui l’album est dédié) et Jean-Charles de Castelbajac, qui la préface.
Ce qui surprend au premier abord, ce sont les illustrations de Lionel Chouin, ses planches sans bordures de cases qui offrent à ses personnages une liberté de mouvement absolue, affranchis du traditionnel gaufrier.
Son trait est agressif, ses personnages affûtés comme des épingles à nourrices et le lettrage énorme donne l’impression que tout ce petit monde hurle en permanence. Férocement atypique sans être underground, son dessin est vivant, rehaussé par les couleurs de Philippe Ory.
Avec des personnages à grosses têtes, caricaturés mais reconnaissables, avec des bras trop fins et des jambes longilignes, les auteurs rappellent le volet tragi-comique de la grande escroquerie du rock’n’roll et de ses moments irrésistibles : la confection des vêtements avec les pilons de poulet de Viviane Westwood, l’effervescence du Do It Yourself et ses boutiques éphémères, mais aussi une audition surréaliste avec le futur Johnny Rotten hurlant du Alice Cooper dans un pommeau de douche en guise de micro sous les moqueries de toute la boutique Sex.
Les auteurs écrivent aussi des scènes plus intimistes où McLaren est renié par sa famille juive lors de l’enterrement de sa grand-mère à cause des swastikas sur ses tee-shirts.
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Leduc et Eynard distillent avec une fluidité jouissive toute l’audace du personnage : des faux concerts de Pink Floyd pour attirer le public, son art de se faire virer des maisons de disques après avoir empoché les thunes, sa partie d’échecs marketing face à un Richard Branson toujours hilare mais plus rusé que lui.
Tout ceci est précis et authentique : le travail de Jamie Reid autour des visuels du groupe, la conception de « No Feelings », la querelle entre Rotten et McLaren autour de « God Save The Queen » que le chanteur voulait intituler « No Future », « L’art du désastre » fourmille d’anecdotes sourcées, vérifiées, intégrées dans le récit de manière très fluide.
Si toutes les grandes étapes du Gospel selon St Malcolm y sont (la révolte grandissante de Lydon qui voit clair dans son jeu, son obsession pour son film, la toxicomanie de Vicious qu’il tentera sincèrement de canaliser), le lecteur découvrira aussi un autre aspect d’un personnage trop souvent diabolisé.
Méprisé et abandonné par sa famille depuis sa prime enfance, Malcolm McLaren entretient une touchante histoire d’amour avec Rose, sa grandmère, une punk avant l’heure qui lui donne force et motivation alors que ce jeune fouteur de merde passe son temps à exaspérer son monde et se faire jeter des écoles d’art où il assume avec panache une nullité assumée.
Entre son groupe qui ne lui demande rien d’autre que du fric, et lui qui ne sait pas montrer son affection, c’est une relation vouée au désastre que Malcolm échoue à racheter avec son propre paternel.
Machiavélique, à la fois brillant et foutraque, le génie de Malcolm McLaren est de créer des situations qui le dépassent et dont il pense avoir le contrôle. Il ne se départit jamais de sa bonne humeur et, telle une créature de Franquin, passe son temps à inventer, rêver, déclamer des ambitions démesurés en créant catastrophe sur catastrophe au nom de l’art.
On voudrait le détester et on ne peut pas s’empêcher de le trouver souvent attachant pour sa ténacité et sa lucidité : créer le chaos pour éviter que les Pistols ne soient digérés et récupérés par le système. Sa devise, « Mieux vaut un échec retentissant qu’une réussite médiocre » va finalement dans le sens de la vie.
En Rock.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Photographie livre : Les meilleurs livres pour photographes
Dans le monde de la photographie, il existe une multitude d’ouvrages et de ressources permettant aux passionnés d’apprendre et de se perfectionner. Que vous soyez un photographe amateur ou professionnel, les livres sont un excellent moyen d’enrichir vos connaissances et vos compétences. Voici donc une sélection des meilleurs livres pour photographes qui vous guideront tout au long de votre évolution.
Manuels pour maîtriser l’éclairage en photographie
À la recherche du parfait manual d’éclairage photo ? L’éclairage est un élément essentiel dans la réalisation de clichés réussis. Il vous permettra de mettre en valeur les sujets, de créer une ambiance ou encore de donner une impression de volume et de relief à vos images. Voici quelques titres incontournables pour maîtriser cette technique :
« Lumière et éclairage en photographie numérique » : Un ouvrage complet et didactique qui aborde les bases de la lumière jusqu’à l’éclairage plus complexe.
« Éclairer pour le portrait – Techniques créatives » : Des conseils pratiques et illustrés pour maîtriser toutes les situations propres à la prise de vue de portrait.
« Techniques d’éclairage en studio » : Cet ouvrage propose une approche progressive et expérimentale pour apprendre à gérer et à scénographier la lumière en studio.
Les cahiers d’exercices pour la photographie
Le cahier d’exercices est un outil pédagogique efficace pour les apprentis photographes. Grâce à ces exercices, vous pourrez assimiler rapidement les notions théoriques et pratiquer régulièrement pour progresser dans votre « art ». Voici quelques titres incontournables de cette catégorie :
« Photographez vos créations : astuces, conseils et techniques » : Dans ce livre, découvrez des exercices pour apprendre à valoriser vos réalisations dans différents styles de photos artistiques.
« 30 exercices pour débuter en photographie numérique » : Un support idéal pour passer de la théorie à la pratique avec de nombreux exemples illustrés et des défis à relever.
« 100 idées photo » : Ce cahier d’exercices se compose de rubriques telles que la composition, l’éclairage naturel et artificiel, ou encore la mise en scène, afin de seconder votre processus créatif.
Des livres pour développer sa créativité et son style personnel
Mieux qu’un cours magistral, les meilleurs livres pour photographe sont ceux qui vont solliciter le lecteur et lui donner envie de s’impliquer activement dans sa démarche créative. Parmi les ouvrages les plus inspirants sur le sujet, vous trouverez :
« L’art de la composition photographique » : Ce livre explore les principes et les techniques de la composition pour vous aider à créer des images personnelles et expressives.
« Trouver son style en photographie » : Un guide complet pour développer votre propre signature visuelle, grâce à des études de cas et à des exercices pratiques.
« Cadrer, composer, déclencher ! » : Le photographe y partage ses astuces pour choisir le meilleur cadrage et mettre en scène les éléments qui composent vos images.
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Photographie livre : approfondir ses connaissances sur l’histoire et la culture photographique
Pour élever votre passion de la photographie à un niveau supérieur, il est judicieux de s’initier aux grands courants artistiques et aux photographes qui ont marqué l’histoire du médium. Voici quelques ouvrages pour vous immerger dans cet univers :
« Histoire de la photographie. De 1839 à nos jours » : Ce volume retrace l’évolution de la photographie à travers le temps, permettant ainsi de comprendre les principales avancées techniques et les mutations culturelles.
« Les photographes célèbres : chefs d’œuvre et portraits commentés » : Découvrez les parcours inspirants des plus grands noms de la discipline, accompagnés d’un florilège de leurs œuvres.
Ouvrages pour approfondir ses compétences techniques
La maîtrise de la technique est un élément primordial pour tout photographe souhaitant progresser. De nombreux ouvrages abordent des aspects techniques spécifiques afin d’affiner vos compétences dans divers domaines :
« Maîtriser le post-traitement en photographie » : Apprenez à sublimer vos images grâce à cet ouvrage qui traite de la retouche photo, du choix des logiciels aux réglages optimaux.
« La couleur en photographie : approche scientifique et créative » : Grâce à ce guide, découvrez les fondamentaux de la théorie de la couleur et comment l’utiliser à bon escient pour donner vie à vos clichés.
Ouvrages spécialisés sur des genres photographiques précis
Pour ceux qui souhaitent se spécialiser dans un genre photographique, il existe de nombreux livres dédiés à ces thèmes particuliers :
« Le guide complet du street art » : Un ouvrage exhaustif qui vous plonge dans l’art urbain, avec des techniques spécifiques à cette discipline.
« Le grand livre de la photo de mariage » : Ce livre offre une méthodologie précise pour aborder sereinement chaque étape clé du reportage de mariage.
« Photographier la nature en macro » : Un manuel spécialement conçu pour apprendre les bases de la macrophotographie, avec des conseils pratiques pour réussir vos prises de vue.
En somme, les livres pour photographes sont nombreux et abordent des thématiques toutes aussi variées que passionnantes. Que vous soyez débutant ou confirmé, l’investissement dans cette littérature est une excellente manière d’accroître vos compétences en photographie.
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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Pour faire de la photographie de concert, vous voudrez commencer par photographier de petits spectacles locaux, obtenir des laisser-passer photo pour accéder à de grands spectacles, réseauter avec différentes publications, créer un blog de photographies pour présenter votre travail et diffuser vos photos.
Capturer un concert ou un spectacle en direct peut être un travail passionnant, se rapprocher d’un artiste ou d’un groupe. Se nourrissant de l’énergie de la foule, la photographie de concert est une question de timing, de technique et d’un peu de créativité pour obtenir la photo parfaite. Peut-être êtes-vous un mélomane intéressé à vous lancer dans la photographie de concert, ou peut-être êtes-vous un tireur chevronné qui cherche à diversifier ses compétences.
Devenir photographe de musique peut être compétitif, et commencer, peut être un défi lorsque vous essayez de décrocher des concerts ou des spectacles à photographier. De nombreux photographes de concerts établissent leur liste de clients au fil du temps, en utilisant leur portefeuille de photographies musicales pour obtenir leur prochain emploi. Trouver le bon modèle de site Web pour votre portfolio, ainsi que la façon de présenter votre travail, peut être un peu intimidant, en particulier pour les photographes de concerts débutants.
Plongeons-nous dans tout ce que vous devez savoir pour réussir dans la photographie de concert, du meilleur appareil photo, objectifs et configuration d’éclairage pour les concerts à la création d’un site Web de portefeuille en ligne pour vous permettre d’impressionner plus facilement des clients potentiels. Découvrez nos conseils de photographie de concert pour vous aider à développer votre carrière un concert à la fois.
Comment devient-on photographe de concert ?
photographie de concert
Maintenant que vous avez une meilleure idée de l’équipement et du portefeuille nécessaires pour réussir dans la photographie de concert, vous vous sentez peut-être prêt à lancer votre carrière. Mais les gens ne tombent pas simplement dans le business et décrochent des concerts tout de suite. Voici quelques conseils de photographe de concert pour vous aider à décrocher votre prochain emploi:
Tourner de petites émissions locales
L’une des meilleures façons de faire avancer votre carrière, est de vous concentrer sur des salons plus petits dans votre région. Vérifiez vos listes de spectacles locales pour voir quels groupes jouent et contactez le lieu ou le booker pour voir s’ils ont besoin d’un photographe. Il y a de fortes chances que vous ayez moins de concurrence lorsque vous allez à des spectacles locaux et cela peut être un excellent moyen de faire connaître votre nom.
Opter pour des expositions plus petites, signifie également que vous avez plus de possibilités de prendre beaucoup de superbes images, que vous pouvez ensuite inclure dans votre portfolio en ligne. Vous pouvez utiliser votre couverture de petites émissions locales pour rehausser votre profil et, espérons-le, décrocher de plus gros concerts.
Prendre un laisser-passer photo
Les laisser-passer photo sont le meilleur moyen d’accéder à des spectacles et à des lieux plus importants en tant que tireur. Ils sont souvent distribués par un publiciste ou un booker à des photographes spécifiques afin qu’ils puissent couvrir le spectacle, se déplacer facilement sur la scène et dans la salle. Un laisser-passer vous donnera également accès à la fosse photo, qui est souvent située à un endroit idéal pour prendre de superbes photos.
Il est généralement plus facile d’obtenir un laisser-passer photo si vous travaillez pour une publication, car le publiciste aura conscience que les images seront publiées quelque part pour la presse. Ils sont souvent approuvés et distribués quelques jours avant un spectacle afin que vous puissiez vous préparer au tournage.
Réseau avec des publications
Après avoir couvert quelques émissions locales, vous réaliserez peut-être que votre prochaine meilleure option est d’essayer de décrocher un travail par le biais d’une publication, comme un journal local ou un magazine en ligne. Contactez ces points de vente pour voir s’ils ont besoin de photographies de concerts, en particulier si vous remarquez qu’ils semblent un peu manquer dans ce département. Assurez-vous de partager votre portfolio en ligne avec eux pour augmenter vos chances de décrocher le poste.
Certains photographes décident de lancer leurs propres publications afin de tracer leur propre chemin et de mettre un pied dans la porte. Si tel est le cas, vous pouvez décider de collaborer avec d’autres photographes, artistes et créatifs pour faire décoller votre publication.
Démarrer un blog photo
Bloguer sur votre expérience en tant que photographe de concert peut vous aider à rester actif en ligne et à vous habituer à partager votre travail. Peut-être que vous faites une photo de concert par semaine avec une courte rédaction pour mettre en valeur vos meilleurs clichés, ou gardez une liste tournante d’ idées d’articles de blog afin de ne jamais manquer de contenu.
La plupart des créateurs de sites Web vous permettront d’héberger facilement un blog sur votre site en tant que page distincte et de le mettre à jour régulièrement. Assurez-vous de partager les articles de votre blog via vos comptes de médias sociaux pour augmenter le trafic vers votre site Web et créez des articles connexes sur vos médias sociaux afin de rester à jour et visible en ligne.
Rechercher le droit d’auteur sur vos images
Une bonne photographie de concert peut être une denrée rare, surtout si vous prenez des photos d’un musicien ou d’un groupe bien connus. Bien que vous ne puissiez peut-être pas utiliser la photographie de concert pour les photos d’archives, car ce sont souvent des images très spécifiques, vous pouvez discuter des droits sur votre travail avec toutes les publications ou les groupes avec lesquels vous travaillez.
L’octroi de licences pour vos photos se fait souvent dans le cadre d’un accord que vous pouvez avoir avec une publication pour garantir que vos droits sur l’image sont protégés et que vous êtes correctement indemnisé. La détermination de choses comme les droits réservés pour la photographie de concert devrait être une discussion que vous avez avec toute personne qui l’achète, car vous voulez vous assurer que vous gagnez la valeur de votre travail.
photographie de concert
Comment photographiez-vous les concerts ?
Les concerts peuvent être notoirement difficiles à filmer, car il faut souvent tenir compte de l’éclairage de la scène, des musiciens et des limites du lieu. Cependant, vous pouvez vous retrouver avec des photos incroyables en utilisant ces conseils de photographie de concert :
Utiliser le mode appareil photo manuel
Votre appareil photo reflex numérique aura un mode priorité à l’ouverture et un mode appareil photo manuel. Bien qu’il puisse être tentant d’utiliser le mode priorité à l’ouverture et de laisser l’appareil photo faire la plupart du travail pour vous, ce paramètre ne vous donne pas le même contrôle que le mode de prise de vue manuelle. Souvent, lorsque vous filmez des concerts, vous devez être réactif à votre environnement et ajuster les paramètres de votre appareil photo pour s’adapter à une prise de vue ou à un angle particulier. L’utilisation du mode appareil photo manuel vous donnera la possibilité de prérégler les paramètres de votre appareil photo, puis de les modifier au fur et à mesure que vous travaillez.
Commencer par le numéro d’ouverture le plus bas
L’un des plus grands défis pour la photographie de concert est la faible luminosité, car vous filmerez probablement des groupes dans un lieu sombre. Pour vous assurer que vos photos ne sont pas en proie à des problèmes de faible luminosité, réglez votre ouverture sur le plus petit nombre de votre objectif, tel que f/1.8. Cela permettra à la plus grande quantité de lumière d’entrer dans votre capteur afin que vous puissiez prendre des photos avec l’objectif grand ouvert.
Gardez à l’esprit que vous devrez probablement ajuster votre réglage d’ouverture lorsque vous entrez et sortez de conditions d’éclairage spécifiques, telles que des stroboscopes ou des flashs sur scène pendant un spectacle. Mais commencer au réglage le plus bas vous donne l’espace pour jouer avec au besoin et ne pas vous soucier de la faible luminosité qui affecte négativement vos prises de vue.
Opter pour une vitesse d’obturation rapide
La photographie de concert vous oblige à vous déplacer beaucoup sur la scène et dans la salle pour essayer de capturer les groupes et la foule. Vous devez également répondre aux artistes qui chantent, dansent et se pavanent sur scène. Des vitesses d’obturation de 1/250 ou plus vous permettront de capturer le mouvement sans obtenir d’images floues. De cette façon, vous pouvez filmer l’énergie de l’interprète et de la foule, en figeant correctement l’action avec votre appareil photo.
Gardez à l’esprit que vous devrez ajuster vos vitesses d’obturation en fonction du réglage et des artistes de scène. Vous pouvez également modifier ces paramètres pour obtenir des photos de foule. Si vous remarquez que la salle est faiblement éclairée mais que le groupe n’est pas aussi actif sur scène, vous pouvez probablement passer à des vitesses d’obturation plus lentes de 1/250 ou moins et toujours obtenir des images nettes et nettes.
Utiliser un paramètre ISO élevé
L’ISO de votre appareil photo détermine la sensibilité de votre appareil photo à la lumière. Un ISO plus élevé entraîne une plus grande sensibilité à la lumière et permet au capteur de votre appareil photo de réagir plus rapidement à la lumière. Un ISO élevé est essentiel pour prendre des photos dans des conditions de faible éclairage, car il vous aidera à vous assurer que vos images sont correctement éclairées et ne sortent pas trop sombres ou floues.
Commencez avec un ISO de 1600 pendant un concert et augmentez-le jusqu’à un maximum de 3200 ISO pour contrer la faible luminosité au besoin. Gardez à l’esprit qu’un ISO plus élevé entraînera plus de bruit ou de grain dans vos photos de concert. Mais il est généralement préférable d’obtenir du grain et une belle image, plutôt qu’une photo floue ou mal éclairée. Vous pouvez ensuite ajuster le grain en post-production à l’aide d’outils d’édition comme Adobe Lightroom ou Photoshop.
Faire une mesure ponctuelle
La mesure spot est un paramètre que vous pouvez utiliser dans votre appareil photo numérique. C’est un outil pratique qui prend une lecture légère juste pour le centre de votre viseur. C’est pratique pour la photographie de concert, car vous filmerez souvent des groupes éclairés par un projecteur et le reste de la scène est sombre. Vous pouvez utiliser le mode de mesure spot pour placer le visage de l’artiste au milieu de votre viseur afin d’obtenir la bonne exposition.
La mesure spot peut vous aider à éviter les problèmes de faible luminosité tels que les visages surexposés, ce qui est un problème courant lorsque l’arrière-plan est sombre et qu’un projecteur est utilisé.
Éviter la photographie au flash
La plupart des lieux ne vous permettent pas d’utiliser la photographie au flash, et pour une bonne raison. Non seulement cela agace les groupes ou les interprètes, les aveuglant alors qu’ils essaient de se produire. La photographie au flash n’a pas non plus fière allure, car elle surexposera les visages et donnera une image déséquilibrée. Aborder les conditions de faible luminosité avec les paramètres de votre appareil photo, plutôt qu’avec un flash, vous assurera d’obtenir une superbe photo à chaque fois.
Prendre toujours des photos en RAW
La prise de vue en RAW, plutôt qu’en JPEG, vous donnera la flexibilité de régler tout problème dans vos images plus tard pendant la post-production. Les outils d’édition comme Adobe Lightroom ou Photoshop fonctionnent mieux sur les images RAW, vous permettant de traiter facilement les conditions de faible luminosité, le grain et d’autres imperfections. Assurez-vous que votre appareil photo est toujours réglé pour prendre des photos en RAW afin de pouvoir les modifier ultérieurement et vous assurer qu’ils sont à leur meilleur.
Quel est le meilleur équipement photo pour la photographie de concert ?
Souvent, les photographes s’en tiennent à un appareil photo et à un objectif de base configurés pour capturer des photos de concert. Ceci comprend:
Un appareil photo reflex numérique
Les concerts de tournage sont un concert au rythme effréné, où vous devez réagir rapidement aux musiciens, à la foule et à l’ambiance de la salle. Vous aurez besoin d’un appareil photo capable de prendre de nombreuses images de haute qualité et de les stocker rapidement afin de pouvoir filmer en déplacement pendant un spectacle. Un appareil photo reflex numérique aura également des fonctionnalités telles que les paramètres de lumière et de vitesse d’obturation que vous pouvez régler facilement, en fonction du type de photographie de concert que vous souhaitez obtenir.
Bien que la prise de vue sur film avec un appareil photo manuel puisse donner des images sympas, il peut être difficile de prendre rapidement de nombreuses images différentes avec un appareil photo manuel. Lorsque vous achetez du matériel pour la photographie de concert, investissez dans un appareil photo reflex numérique comme le Nikon D700 ou le Canon 60D, car ils sont très performants et polyvalents, capables de gérer les objectifs dont vous avez besoin pour prendre de superbes photos de concert.
Un objectif de 50 mm
Cet objectif est un excellent investissement à long terme pour la photographie de concert, car il est capable de capturer rapidement et efficacement de nombreux angles différents. Un objectif de 50 mm est un bourreau de travail et s’adaptera bien à votre appareil photo reflex numérique. C’est aussi un objectif assez abordable et ne sera pas trop hors de portée financièrement pour les nouveaux tireurs.
La plupart des photographes de concert opteront pour un objectif 50 mm F/1.4 ou un objectif 50 mm F/1.8 de la même marque que leur boîtier, comme un Nikon D700 avec un objectif Nikon 50 mm F/1.4.
photographie de concert
Comment construire un portfolio de photographie de concert ?
Présenter votre meilleur travail
Votre portfolio de photographies de concerts devrait vraiment épater les visiteurs et mettre en valeur votre talent. Encombrer votre site Web avec du travail qui est juste correct ou assez bon ne suffira pas dans le monde concurrentiel de la photographie de concert. Assurez-vous d’être sélectif sur le travail que vous présentez sur votre site Web de portefeuille afin de mettre en avant votre meilleur atout.
Peut-être y a-t-il une série d’images de bandes de faible luminosité dont vous êtes fier, ou un ensemble de photos de concerts tapageuses que vous aimeriez mettre en valeur. L’inclusion de votre meilleur travail garantira que votre portfolio est impressionnant et mettra en valeur vos compétences uniques, ainsi que ce que vous pouvez apporter à chaque concert ou spectacle.
Inclure des images de haute qualité
Les images floues et mal éclairées n’impressionneront personne, encore moins les clients potentiels ! N’utilisez que des images de haute qualité de votre travail sur votre portfolio pour le garder professionnel et propre. Les images de votre portfolio doivent être de qualité Web, correctement éditées et traitées afin qu’elles se chargent rapidement pour les visiteurs. Vous pouvez apprendre à éditer vous-même les photos dans le cadre de la post-production pour vous assurer qu’elles sont à leur meilleure qualité.
Créer une page de portfolio accrocheuse
Votre page de portfolio est sans doute la vedette du spectacle. Il agit comme votre CV visuel et montre aux visiteurs vos compétences en action. Incluez toutes les photographies de concerts dont vous êtes fier sur cette page, des images de musiciens aux photos de spectacles en direct en passant par des photos de foule impressionnantes.
Selon la plate-forme de site Web que vous utilisez pour votre site Web, vous devriez pouvoir mettre en page votre page de portefeuille en utilisant différents modèles ou thèmes. Peut-être que vous optez pour une disposition en grille pour votre page de portfolio, mettant en valeur votre photographie de concert sur la page principale qu’un visiteur du site verra. Ou vous pouvez opter pour une mise en page défilante, où vos meilleurs looks apparaissent dans une rangée ordonnée ou empilés les uns sur les autres.
Inclure une page À propos de moi et une page de contact
Votre site Web ne consiste pas seulement à partager vos superbes photos de concert. C’est aussi un endroit où vous pouvez partager votre histoire avec les visiteurs, y compris qui vous êtes et pourquoi vous êtes si passionné par le tournage de spectacles et de groupes. Sur votre page « À propos de moi », vous pouvez noter votre formation et votre expérience professionnelle, telles que les musiciens que vous avez photographiés ou les émissions que vous avez couvertes. Certains sites Web de portfolio incluront également une déclaration d’artiste , qui met en évidence la façon dont vous abordez votre travail et pourquoi vous êtes passionné par ce que vous faites.
Vous devez également vous assurer d’inclure « une page de contact », avec votre adresse e-mail, afin que les clients potentiels puissent vous contacter facilement. La plupart des créateurs de sites Web vous permettent de créer facilement un formulaire de contact qui va directement à votre courrier électronique afin que vous puissiez vous connecter avec les visiteurs de votre portefeuille en ligne.
photographie de concert
Rendre votre site Web de portefeuille facile à utiliser
Les visiteurs de votre site de portfolio devraient pouvoir accéder facilement à chaque page ou section. Gardez à l’esprit l’expérience utilisateur lorsque vous créez votre site et assurez-vous qu’il n’est pas déroutant ou encombré. Vérifiez que le contenu est facile à cliquer et à ouvrir, idéalement en un à deux clics. Les visiteurs peuvent être rebutés par un site mal organisé qui n’est ni intuitif ni clair, et les visiteurs désintéressés peuvent signifier des clients ou des concerts perdus. Testez votre site avant sa mise en ligne pour confirmer qu’il est accessible aux visiteurs afin qu’ils soient encouragés à rester et à découvrir ce que vous avez à offrir.
Mettre régulièrement à jour votre portefeuille
Assurez-vous de mettre à jour votre portfolio avec vos dernières photos de concert ou de montrer des images pour vous assurer qu’il reste frais et actuel. Le contenu obsolète peut décourager les visiteurs de cliquer sur votre site, et il peut envoyer un message que vous ne travaillez pas ou ne bousculez pas autant que vous pourriez en avoir besoin en tant que photographe de concert. Les mises à jour hebdomadaires ou mensuelles de votre site Web peuvent vraiment améliorer le contenu de votre site et garder votre portefeuille à jour.
Combien gagne un photographe de concert ?
En tant que photographe de concert, vous commencerez probablement à travailler avec un salaire horaire d’environ 20 à 25 euros de l’heure. Selon le nombre de concerts que vous décrochez, vous pourriez gagner 39 000 euros en moyenne et progresser jusqu’à un salaire plus élevé de 66 300 euros à mesure que vous acquérez plus d’expérience et plus de clients.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Il y a des photographies qui transcendent le support et deviennent des icônes. Ces 25 images comptent parmi les plus célèbres du monde et ont été prises par certains des plus célèbres photographes de tous les temps.
Elles racontent des histoires étonnantes, capturent des moments cruciaux de l’histoire et suscitent des émotions fortes chez ceux qui les voient. Que vous soyez un passionné de photographie ou que vous cherchiez simplement un peu d’inspiration, ces photos vous laisseront certainement une impression durable.
N°25 – V-J Day in Times Square (1945) – Photographe célèbre : Albert Eisenstaedt
L’une des photographies les plus emblématiques de tous les temps, V-J Day in Times Square, a été prise par le photographe Albert Eisenstaedt du magazine Life.
Elle montre un marin embrassant une infirmière sur Times Square, à New York, le 14 août 1945, jour où le Japon a annoncé sa reddition et où la Seconde Guerre mondiale a pris fin. La photo est devenu un classique instantané et en est venu à symboliser la joie et le soulagement ressentis par beaucoup à la fin de la guerre.
La photographie d’Eisenstaedt capture parfaitement l’énergie chaotique de Times Square en ce jour historique. Des milliers de personnes s’étaient rassemblées pour célébrer la nouvelle de la capitulation du Japon, et l’excitation était palpable dans l’air.
Photographe célèbre
N°24 – Dali Atomicus (1948) – Photographe célèbre : Philippe Halsman
Dali Atomicus est une photographie prise par Philippe Halsman en 1948. Elle représente Salvador Dali en plein vol, entouré de divers objets, dont une chaise, un chat et un seau d’eau.
La photo a été prise en utilisant trois expositions séparées qui ont ensuite été superposées pour créer l’image finale. Dali Atomicus est considéré comme l’un des photographes les plus novateurs et les plus influents de tous les temps.
Photographe célèbre
N°23 – Le selfie Oscar de Bradley Cooper (2014)
L’une des photographies les plus célèbres de ces dernières années est le selfie de Bradley Cooper lors de la cérémonie des Oscars 2014.
La photo, qui mettait en scène un who’s who de stars hollywoodiennes, est rapidement devenue virale et a été recréée d’innombrables fois. C’est un excellent exemple du pouvoir d’une photographie bien placée pour capturer un moment et raconter une histoire.
Jackie Kennedy Onassis était l’une des femmes les plus photographiées au monde, et cette image d’elle soufflant dans le vent est l’une des plus emblématiques.
Elle a été prise par Ron Galella en 1971, quelques années seulement après l’assassinat de son mari, le président John F. Kennedy. La photo capture à la fois l’élégance et la vulnérabilité de Jackie,et c’est devenu le symbole de sa force face à la tragédie.
Photographe célèbre
N°21 – D Day (1944) – Photographe célèbre : Robert Capa
Le débarquement de juin 1944 a marqué un tournant dans la Seconde Guerre mondiale, et les photos prises par Robert Capa font partie des images les plus emblématiques du conflit.
Cette image particulière montre des soldats du 16e régiment d’infanterie de la première armée américaine qui débarquent à Omaha Beach le 6 juin 1944.}
FRANCE. Normandy. June 6th, 1944. US troops assault Omaha Beach during the D-Day landings.
N°20 – The Situation Room (2011) – Photographe célèbre : Pete Souza
The Situation Room est une photographie prise par le photographe de la Maison-Blanche Pete Souza le 1er mai 2011. Elle montre le président Barack Obama et son équipe de sécurité nationale dans la salle de situation de la Maison-Blanche pendant le raid sur le complexe d’Oussama ben Laden au Pakistan.
La photo est rapidement devenue une image emblématique de la présidence Obama et a été largement saluée pour sa composition et sa qualité. Elle a été qualifiée de « l’une des photographies les plus influentes du 21e siècle »
Photographe célèbre
N°19 – Dovima et les éléphants (1955) – Photographe célèbre : Richard Avedon
Dovima et les éléphants est une photographie mondialement connue prise par Richard Avedon en 1955. Elle montre le mannequin français Dovima posant avec des éléphants devant le cirque d’Hiver à Paris. La photo a été prise pour une robe de soirée parue dans Harper’s Bazaar et a rapidement fait l’objet d’une publication dans le magazine Life. Elle est devenue depuis l’une des images les plus emblématiques de l’histoire de la mode.
Photographe célèbre
N°18 – L. Brejnev et E. Honecker (1979) – Photographe célèbre : Régis Bossu
Cette photo, prise par le photographe français Régis Bossu, capture le moment où le dirigeant soviétique Leonid Brejnev et le président est-allemand Erich Honecker se sont embrassés avec passion.
Cette image, considérée comme un symbole de la relation étroite entre les deux pays à l’époque, est devenue l’une des photos les plus célèbres de l’époque de la guerre froide.
Photographe célèbre
N°17 – Mohammed Ali vs. Sonny Liston – (1955) Photographe célèbre : Neil Leifer
La photo de Muhammad Ali se tenant au-dessus de Sonny Liston est l’une des images les plus emblématiques de l’histoire du sport. Elle capture le moment où Ali, alors connu sous le nom de Cassius Clay, est devenu le champion du monde des poids lourds.
La photo a été prise par Neil Leifer, qui est largement considéré comme l’un des plus grands photographes sportifs de tous les temps.
Un cliché devenu symbole de la Grande Dépression puis érigé en porte-drapeau des réfugiés.
L’une des photographies les plus emblématiques du XXe siècle, « Migrant Mother », a été prise par Dorothea Lange en 1936. Elle montre une mère et ses enfants serrés l’un contre l’autre dans une tentative désespérée de se réchauffer. La photo capture le désespoir et l’espoir que de nombreux Américains ressentaient pendant la Grande Dépression.
Photographe célèbre
N°15 – Napalm Girl (1972) Photographe célèbre : Nick Ut
Cette illustration de l’horreur de la guerre du Vietnam, qui participa à la prise de conscience de l’opinion publique.
La photo de la « fille du napalm » est l’une des images les plus célèbres et les plus emblématiques de la guerre du Viêt Nam. Elle a été prise par le photographe Nick Ut de l’Associated Press en 1972 et montre une jeune fille, Phan Thi Kim Phuc, courant nue sur une route après avoir été gravement brûlée au napalm.
La photo a provoqué un tollé international contre l’utilisation de telles armes et a contribué à retourner l’opinion publique contre la guerre.
N°14 – Mickael Jordan (1984) – Co Rentmeester
Cette photo célèbre de Michael Jordan a été prise par Co Rentmeester en 1984 pour le magazine Life. Elle est devenue depuis l’une des images les plus emblématiques de l’histoire du sport.
Jordan est représenté en plein vol, sur le point de smasher un ballon de basket. Son expression est intense et concentrée, traduisant la force et la détermination qui ont fait de lui l’un des plus grands joueurs de tous les temps.
Cette photo capture parfaitement ses incroyables qualités athlétiques et sa volonté de gagner.
La bataille d’oreillers a été prise par Harry Benson en 1964 et est l’une des photographies les plus emblématiques du 20e siècle.
Elle capture un moment de légèreté au plus fort des tensions de la guerre froide entre les États-Unis et l’Union soviétique. La photo a été saluée pour sa composition et son humour, et est devenue un symbole durable de paix et d’amitié.
Photographe célèbre
N°12 – Derrière la gare Saint Lazare (1932) – Photographe célèbre : Henri Cartier Bresson
La photo « Derrière la gare Saint Lazare » d’Henri Cartier Bresson est l’une des plus célèbres au monde. L’image capture un moment de chaos et de confusion alors que les gens se bousculent pour monter dans un train.
La photo est remarquable pour sa composition et son utilisation de l’ombre et de la lumière. Il s’agit d’une image emblématique qui en est venue à symboliser la condition humaine.
Un superbe jeu de reflets capturé en monochrome.
Photographe célèbre
N°11 – L’afghane aux yeux verts (1984) – Photographe célèbre : Steeve Mc Curry
Cette photo, prise par le photographe de renommée mondiale Steve McCurry, est l’une des images les plus emblématiques et célèbres du XXe siècle.
La femme sur la photo, connue uniquement sous le nom de Sharbat Gula, vivait dans un camp de réfugiés au Pakistan au moment où elle a été prise. Ses yeux verts perçants et ses traits frappants ont captivé les téléspectateurs du monde entier et ont contribué à humaniser le sort des réfugiés afghans.
La photo a été réimprimée d’innombrables fois et en est venue à symboliser à la fois la force et la résilience du peuple afghan.
Photographe célèbre
N°10 – Guerillero Heroico (1960) – Photographe célèbre : Alberto Korda
La photographie d’Alberto Korda du leader révolutionnaire cubain Ernesto « Che » Guevara est devenue l’une des images les plus emblématiques et célèbres du XXe siècle. Prise en 1960, elle montre Guevara lors d’une cérémonie à la mémoire des victimes de l’explosion de La Coubre. La photo capturant la compassion et le regard intense de Guevara a été largement reproduite et adaptée, ce qui en fait l’un des portraits les plus reconnaissables de l’histoire.
N°9 – Le monstre du Loch Ness (1934) – Photographe inconnu
Le monstre du Loch Ness est l’une des photographies les plus célèbres au monde. L’image a été prise en 1934 par un photographe inconnu et est depuis devenue une icône.
La photo montre une longue créature ressemblant à un serpent émergeant de l’eau. Si beaucoup de gens pensent que cette photo est la preuve de l’existence du monstre du Loch Ness, d’autres pensent qu’il s’agit d’un canular. Quelle que soit votre opinion, cette photo est fascinante et a captivé l’imagination des gens du monde entier pendant des décennies.
Photographe célèbre
N°8 – Le baiser de l’hôtel de ville (1950) Robert Doisneau
La photographie de Doisneau « Le baiser à l’hôtel de ville » est l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle. La photo montre deux amoureux s’embrassant devant l’hôtel de ville de Paris. L’image est simple, mais incroyablement puissante et en est venue à symboliser le romantisme et la beauté de Paris.
Doisneau a pris la photo à l’insu des sujets et ce n’est qu’après sa publication qu’ils se sont présentés et se sont identifiés comme étant Françoise Girard et Jacques Carteaud.
Une image incontournable mise en scène pour le magazine Life.
Photographe célèbre
N°7 – L’Homme marchant sur la lune (1969) Neil Armstrong
première personne à marcher sur la lune. « C’est un petit pas pour l’homme, un grand pas pour l’humanité. »}
En 1969, Neil Armstrong est entré dans l’histoire en devenant la première personne à marcher sur la lune. Ses célèbres mots, « C’est un petit pas pour l’homme, un bond de géant pour l’humanité », sont devenus un élément emblématique de la mission Apollo 11. Cette photo capture un moment qui restera à jamais gravé dans les mémoires et témoigne de l’esprit humain d’exploration.
N°6 – Black Power Salute (1968) John Dominis
Le « Black Power Salute » est l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle.
Elle a été prise par John Dominis lors des Jeux olympiques d’été de 1968 à Mexico et montre deux athlètes noirs, Tommie Smith et John Carlos, faisant un salut le poing levé pendant la cérémonie de remise des médailles. Cette photo est rapidement devenue un symbole du mouvement Black Power et reste un élément important de l’histoire des droits civiques.
Photographe célèbre
N°5 – Déjeuner au sommet d’un gratte-ciel (1932) – photographe inconnu
Le déjeuner au sommet d’un gratte-ciel est l’une des photographies les plus célèbres de tous les temps. L’image montre des ouvriers en train de faire une pause sur une poutre en acier au-dessus de la ville de New York.
Elle rappelle le dur labeur et le dévouement qui ont permis de construire certaines des structures les plus emblématiques du monde.
Cette photographie est devenue une icône de l’industrie et de l’ingéniosité américaines et continue d’étonner les spectateurs près de 90 ans après avoir été prise.
Photographe célèbre
N°4 – (1963) – Robert H Jackson
Le photographe reçu le prix Pulitzer pour cette photo de l’assassinat de Lee Harvey Oswald, meurtrier présumé de JFK, par Jack Ruby.
N°3 – Albert Einstein (1951) – Arthur Sasse
La photographie d’Albert Einstein tirant la langue a été prise en 1951 par Arthur Sasse.
Il s’agissait à l’origine d’un portrait humoristique, mais il est devenu depuis l’une des images les plus emblématiques du XXe siècle. Cette photo est un excellent exemple de la personnalité enjouée d’Einstein et de son sens de l’humour.
Photographe célèbre
N°2– Marilyn Monroe (1955) Sam Shaw
Marilyn Monroe est l’une des figures les plus emblématiques de l’histoire américaine. Son image a été reproduite d’innombrables fois et son visage est instantanément reconnaissable par les gens du monde entier. Cette photographie, prise par Sam Shaw en 1955, capture sa beauté légendaire et son sex-appeal. C’est l’une des photographies les plus célèbres de tous les temps et elle continue d’envoûter les spectateurs aujourd’hui encore.
Une image de légende prise dans les rues de New York pour clôturer le tournage de 7 ans de réflexion.
Photographe célèbre
N°1 – L’Homme de la place Tian’anmen (1989) – Jeff Widener
L’homme de la place Tiananmen est l’une des images les plus emblématiques du XXe siècle. Elle a été prise lors des manifestations de la place Tiananmen à Pékin, en Chine, en 1989, et montre un homme seul tenant tête à une ligne de chars.
La photo est rapidement devenue virale et a fini par symboliser le pouvoir de la résistance pacifique. Jeff Widener, le photographe qui a pris cette image, a déclaré qu’elle avait « changé sa vie du jour au lendemain.
En conclusion, les 25 photographies les plus célèbres du monde sont véritablement emblématiques. Elles ont été prises par certains des plus grands photographes de tous les temps et capturent des histoires étonnantes, des moments cruciaux de l’histoire et des émotions fortes. Que vous soyez un passionné de photographie ou que vous cherchiez simplement un peu d’inspiration, ces photos vous laisseront certainement une impression durable.
icône, reconnaissance et inspiration sont les mots qui viennent à l’esprit après avoir vu ces 25 célèbres photographies du monde entier. Ces images pittoresques nous offrent une fenêtre sur d’autres cultures et d’autres moments de l’histoire que nous n’avons peut-être jamais vus auparavant. Toutes plus belles les unes que les autres, elles méritent toutes notre attention et notre admiration.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Photo de concert: Capturer l’essence d’un concert en basse lumière peut être un défi pour les photographes.
Cependant, avec les bonnes techniques et les équipements adaptés, vous pouvez immortaliser ces moments magiques. Dans cet article, nous allons vous montrer comment réussir vos photos de concert en basse lumière et ainsi créer des souvenirs inoubliables.
Choisissez le bon matériel pour faire de la photo de concert
a. Appareil photo Pour réussir vos photos de concert en basse lumière
il est essentiel de choisir un appareil photo performant dans ces conditions. Un reflex numérique ou un appareil hybride avec un capteur plein format est souvent recommandé pour leur meilleure qualité d’image et sensibilité en faible éclairage. Les appareils modernes offrent des performances ISO élevées, ce qui permet de capturer des images de qualité même lorsque la lumière est faible.
b. Objectifs pour photo de concert
Les objectifs à ouverture rapide (f/2.8 ou plus lumineux) sont idéaux pour la photo de concert en basse lumière. Ils permettent de capter un maximum de lumière et ainsi d’obtenir des images plus nettes. Les focales fixes, telles que 35mm, 50mm, ou 85mm, sont réputées pour leur qualité d’image et leur ouverture maximale. Une stabilisation d’image intégrée peut également être un atout pour éviter le flou de bougé.
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Maîtrisez vos réglages en photo de concert
a. Mode de prise de vue
Utilisez le mode manuel ou priorité à l’ouverture pour contrôler l’exposition en fonction de la scène. Cela vous permettra d’ajuster l’ouverture et la vitesse d’obturation en fonction des conditions de lumière et des mouvements des artistes.
b. ISO en photo de concert
Augmentez votre sensibilité ISO pour compenser le manque de lumière, mais soyez attentif au bruit numérique. N’hésitez pas à monter jusqu’à 3200 ou 6400 ISO si votre appareil le permet sans trop de dégradation de l’image. Vous pouvez également utiliser la fonction de réduction du bruit intégrée à votre appareil ou des logiciels de post-production pour atténuer ce problème.
c. Vitesse d’obturation en photo de concert
Choisissez une vitesse d’obturation suffisamment rapide pour éviter le flou de bougé, généralement supérieure à 1/100s, et ajustez-la en fonction des mouvements des musiciens. Si les artistes bougent rapidement, une vitesse plus élevée sera nécessaire pour figer l’action.
d. Ouverture en photo de concert
L’ouverture détermine la profondeur de champ et la quantité de lumière qui entre dans l’appareil. Une ouverture plus grande (un chiffre f/ plus petit) permettra de capter plus de lumière, mais réduira également la profondeur de champ. Ajustez l’ouverture en fonction de l’effet souhaité et de la quantité de lumière disponible.
e. Balance des blancs
La balance des blancs permet d’ajuster les couleurs de l’image en fonction de la lumière ambiante. En concert, les sources de lumière sont souvent variées et changeantes. Vous pouvez régler la balance des blancs sur un mode prédéfini correspondant à la situation (tungstène, LED, etc.) ou utiliser le mode automatique. N’oubliez pas que vous pourrez ajuster la balance des blancs lors de la post-production si vous photographiez en RAW.
Trouvez le bon angle et la bonne position en photo de concert
a. Anticipation des mouvements
Pour réussir vos photos de concert, il est crucial d’anticiper les mouvements des artistes sur scène. Observez-les attentivement et essayez de vous placer de manière à capturer des expressions et des interactions intéressantes entre les musiciens. Restez mobile et n’hésitez pas à changer de position pour varier les points de vue.
b. Expérimentation des angles
Expérimentez avec différents angles pour donner une impression de grandeur ou des perspectives plus dynamiques. La contre-plongée, par exemple, peut créer un effet de puissance et mettre en valeur l’artiste, tandis que la plongée permet de montrer l’ensemble de la scène et du public.
c. Composition
Lorsque vous prenez des photos de concert, la composition est un élément essentiel pour des images impactantes. Utilisez la règle des tiers pour placer les éléments importants de l’image, tels que les musiciens ou les instruments, et guidez le regard du spectateur. Pensez également à inclure des éléments du cadre naturel, comme l’architecture de la salle ou les jeux de lumière, pour ajouter de l’intérêt à vos photos.
Jouez avec la lumière en photo de concert
a. Lumière ambiante en photo de concert
En photo de concert, la lumière ambiante est souvent complexe et changeante. Profitez des éclairages de scène, des projecteurs et des effets lumineux pour créer une atmosphère unique et ajouter de la profondeur à vos images. Apprenez à lire la lumière et à l’utiliser à votre avantage pour mettre en valeur les artistes et les détails de la scène.
b. Zones d’ombre et silhouettes
Les zones d’ombre et les silhouettes peuvent ajouter du contraste et du mystère à vos images. Ne cherchez pas toujours à éclairer l’ensemble de la scène, mais jouez plutôt avec les ombres pour créer des effets de clair-obscur et accentuer l’émotion de la performance.
c. Effets spéciaux
Les effets de lumière tels que les flares, le bokeh ou les étoiles peuvent apporter une touche artistique à vos photos de concert. N’hésitez pas à expérimenter avec ces effets pour créer des images uniques et captivantes.
Post-production en photo de concert
a. Logiciels de traitement d’image
Pour parfaire vos photos de concert, il est souvent nécessaire de passer par la post-production. Des logiciels tels que Lightroom, Photoshop ou Capture One sont particulièrement adaptés pour traiter vos images et les ajuster à votre goût.
b. Correction de l’exposition
La première étape de la post-production consiste à vérifier et ajuster l’exposition de vos images. Vous pouvez récupérer des détails dans les hautes lumières et les ombres, et ajuster la luminosité globale pour obtenir l’effet souhaité.
c. Réduction du bruit numérique
Les photos prises en basse lumière sont souvent sujettes au bruit numérique. Utilisez les fonctionnalités de réduction du bruit intégrées à votre logiciel de traitement d’image pour atténuer cet effet. Des logiciels dédiés, tels que Topaz DeNoise ou DxO PhotoLab, offrent également des outils avancés pour réduire le bruit tout en préservant les détails.
d. Ajustement des couleurs
La post-production est également l’occasion d’ajuster les couleurs de vos images. Modifiez la balance des blancs, la saturation, la vibrance, la teinte et la température pour obtenir des couleurs fidèles à la scène ou pour créer des ambiances particulières.
e. Recadrage et composition en photo de concert
N’hésitez pas à recadrer vos images pour mettre en valeur les éléments les plus intéressants et éliminer les distractions. Vous pouvez également ajuster l’angle et l’alignement de vos photos pour une composition plus harmonieuse.
f. Filtres et effets en photo de concert
Appliquez des filtres et des effets pour ajouter du caractère à vos images de concert. Le vignettage, la clarté, le contraste, ou encore les effets de grain et de texture peuvent donner une dimension supplémentaire à vos photos et les rendre encore plus captivantes.
Conclusion
Réussir ses photos de concert en basse lumière demande une bonne maîtrise de son matériel, des réglages adaptés et une approche créative pour tirer parti des conditions de faible éclairage. En suivant les conseils et techniques présentés dans ce guide ultime, vous serez en mesure de capturer des images spectaculaires qui reflètent l’ambiance et l’énergie des concerts.
N’oubliez pas que la pratique est essentielle pour progresser en photo de concert, alors sortez votre appareil et commencez à immortaliser ces moments magiques.
Canon EOS 1000D : l’appareil photo parfait pour la photographie de concert
CanonEOS 1000D: La photographie de concert est une discipline exigeante qui nécessite des compétences techniques et créatives pour capturer des images saisissantes dans des environnements de faible luminosité et des situations de mouvement rapide.
Le Canon EOS 1000D est un appareil photo reflex numérique léger et compact qui est facile à transporter lors de concerts. Il est équipé d’un capteur d’image CMOS de 10,1 mégapixels et d’un processeur d’image DIGIC III, qui permettent de capturer des images nettes et détaillées même dans des conditions de faible luminosité. Il dispose également d’un système de mise au point automatique à 7 points, qui permet de suivre les mouvements rapides des artistes sur scène.
Réglages recommandés pour la photographie de concert
Lors de la photographie de concert, il est important de régler l’appareil photo pour capturer des images nettes et précises malgré les conditions de faible luminosité et les mouvements rapides. Voici quelques réglages recommandés pour le Canon EOS 1000D :
Utilisez le mode manuel pour contrôler l’exposition et la vitesse d’obturation
Réglez la sensibilité ISO sur une valeur élevée pour compenser la faible luminosité
Utilisez une ouverture de diaphragme large pour permettre plus de lumière dans l’objectif
Utilisez un objectif avec une longueur focale rapide pour capturer les mouvements rapides des artistes sur scène
Canon EOS 1000D
Accessoires recommandés pour le Canon EOS 1000D
Pour la photographie de concert, il est recommandé d’utiliser des accessoires supplémentaires pour améliorer les performances de l’appareil photo. Voici quelques accessoires recommandés pour le Canon EOS 1000D :
Un flash externe pour augmenter la luminosité dans les environnements sombres
Un trépied pour maintenir l’appareil photo stable et éviter les flous de bougé
Des filtres pour corriger les couleurs et les effets de lumière indésirables
Conseils pour la photographie de concert
En plus des réglages et des accessoires recommandés, voici quelques conseils pour la photographie de concert avec le Canon EOS 1000D :
Anticipez les mouvements des artistes sur scène pour capturer les moments clés
Utilisez le mode rafale pour capturer plusieurs images en succession rapide
Essayez de varier les angles de prise de vue pour créer des images plus créatives
Assurez-vous de respecter les règles de photographie de concert et de ne pas déranger les autres spectateurs ou
Vidéo et enregistrement sonore
Canon EOS 1000D
5.1 Vidéo
Le Canon EOS 1000D dispose d’une fonction vidéo, mais elle est assez limitée. Il ne peut enregistrer des vidéos qu’en résolution VGA (640×480) avec une fréquence d’images de 30 images par seconde. De plus, la durée d’enregistrement est limitée à 18 minutes, ou jusqu’à ce que la carte mémoire soit pleine. Cela signifie que si vous prévoyez de filmer des concerts en entier, vous devrez avoir plusieurs cartes mémoire à portée de main.
5.2 Enregistrement sonore
Le Canon EOS 1000D dispose également d’une fonction d’enregistrement sonore qui vous permet d’enregistrer du son en même temps que vous prenez des photos. Cette fonction peut être utile pour capturer les sons ambiants du concert, ou pour enregistrer des interviews avec les musiciens.
Canon EOS 1000D
En conclusion
En conclusion, le Canon EOS 1000D est un choix solide pour les photographes de concert débutants ou amateurs qui recherchent un appareil photo abordable et facile à utiliser. Bien qu’il ne dispose pas de toutes les fonctionnalités avancées des modèles plus chers, il offre une qualité d’image décente et une gamme de fonctionnalités utiles pour la photographie de concert. Avec un peu de pratique et d’expérience, vous pouvez capturer des photos étonnantes et mémorables de vos artistes préférés avec cet appareil photo.
FAQ sur le Canon EOS 1000D : Tout ce que vous devez savoir
Le Canon EOS 1000D, également connu sous le nom de Rebel XS en Amérique du Nord, est un appareil photo reflex numérique d’entrée de gamme sorti en 2008. C’est un modèle abordable, conçu pour les débutants souhaitant découvrir la photographie reflex sans sacrifier la qualité des images. Si vous envisagez d’acheter un Canon EOS 1000D ou si vous cherchez des informations à son sujet, cette FAQ détaillée couvre tous les aspects essentiels.
1. Qu’est-ce que le Canon EOS 1000D ?
Le Canon EOS 1000D est un appareil photo reflex numérique (DSLR) conçu pour les débutants. Il s’agit de l’un des modèles les plus accessibles de la gamme Canon EOS. Lancé en 2008, il se positionne comme une option abordable tout en offrant des fonctionnalités suffisantes pour apprendre les bases de la photographie reflex.
2. Quelles sont les caractéristiques techniques principales du Canon EOS 1000D ?
Voici les spécifications clés du Canon EOS 1000D :
Capteur : CMOS APS-C de 10,1 mégapixels
Processeur d’image : DIGIC III
Plage ISO : 100 à 1600
Vitesse d’obturation : 1/4000 à 30 secondes
Système AF : 7 points de mise au point automatique
Écran LCD : 2,5 pouces, 230 000 pixels
Rafale : 3 images par seconde (jusqu’à 514 images en JPEG)
3. Le Canon EOS 1000D est-il encore un bon choix aujourd’hui ?
Le Canon EOS 1000D reste un bon choix pour les photographes débutants qui cherchent un appareil photo reflex abordable, surtout s’il est acheté d’occasion. Bien que des modèles plus récents offrent de meilleures performances, le 1000D propose encore une qualité d’image décente, idéale pour s’initier à la photographie. Cependant, il ne dispose pas de certaines fonctionnalités modernes comme la vidéo HD ou la stabilisation d’image.
4. Quelle est la qualité des images avec le Canon EOS 1000D ?
Avec son capteur de 10,1 mégapixels, le Canon EOS 1000D produit des images de bonne qualité dans de bonnes conditions d’éclairage. Les photos sont nettes et détaillées, et l’appareil est capable de produire des tirages jusqu’à 20×30 cm sans perte de qualité. Cependant, comme beaucoup de modèles de cette époque, il peut produire du bruit numérique à des sensibilités ISO élevées, en particulier en faible luminosité.
5. Quels types d’objectifs sont compatibles avec le Canon EOS 1000D ?
Le Canon EOS 1000D est compatible avec les objectifs à monture Canon EF et Canon EF-S, ce qui vous donne accès à un large choix d’objectifs pour répondre à différents besoins photographiques. Voici quelques suggestions populaires pour accompagner le 1000D :
Canon EF-S 18-55mm f/3.5-5.6 IS : Objectif de kit standard, idéal pour les débutants.
Canon EF 50mm f/1.8 STM : Une focale fixe abordable pour les portraits avec un excellent rapport qualité/prix.
Canon EF-S 55-250mm f/4-5.6 IS STM : Un téléobjectif abordable pour capturer des sujets distants.
6. Quelle est l’autonomie de la batterie du Canon EOS 1000D ?
Le Canon EOS 1000D utilise une batterie rechargeable LP-E5, qui permet de capturer environ 500 à 600 photos par charge, selon les conditions de prise de vue. Si vous avez l’intention de photographier sur une longue période, comme lors de voyages ou d’événements, il est recommandé d’avoir une batterie supplémentaire à portée de main.
7. Le Canon EOS 1000D dispose-t-il de la vidéo ?
Non, le Canon EOS 1000D ne prend pas en charge l’enregistrement vidéo. Cette fonctionnalité a commencé à apparaître sur les modèles réflex après la sortie du 1000D. Si vous cherchez un reflex avec une fonction vidéo, vous devrez envisager des modèles plus récents comme le Canon EOS 550D ou le Canon EOS 600D, qui prennent en charge la vidéo en haute définition (HD).
8. Comment fonctionne le mode rafale sur le Canon EOS 1000D ?
Le Canon EOS 1000D dispose d’un mode rafale qui permet de capturer des images en continu à une vitesse de 3 images par seconde. En mode JPEG, l’appareil peut capturer jusqu’à 514 images consécutives avant que la mémoire tampon ne soit saturée, tandis qu’en mode RAW, il peut prendre environ 5 images avant de ralentir pour enregistrer les données.
9. Le Canon EOS 1000D a-t-il un écran tactile ou articulé ?
Non, l’écran LCD du Canon EOS 1000D n’est ni tactile ni articulé. Il s’agit d’un écran fixe de 2,5 pouces avec une résolution de 230 000 pixels. Bien que cet écran soit suffisant pour revoir vos photos, il peut paraître petit et peu lumineux comparé aux standards actuels. Pour les prises de vue avec des angles difficiles, vous devrez utiliser le viseur optique.
10. Est-il possible de prendre des photos en RAW avec le Canon EOS 1000D ?
Oui, le Canon EOS 1000D permet de capturer des photos au format RAW, en plus du format JPEG. Le format RAW enregistre les données brutes du capteur, offrant une flexibilité maximale pour l’édition des images en post-traitement. C’est un avantage significatif pour les photographes qui souhaitent ajuster les paramètres tels que la balance des blancs, l’exposition et le contraste après la prise de vue.
11. Quels accessoires sont disponibles pour le Canon EOS 1000D ?
De nombreux accessoires sont compatibles avec le Canon EOS 1000D, notamment :
Flashs externes : Comme le Canon Speedlite 430EX II, pour des options d’éclairage supplémentaires.
Poignées d’alimentation (Grip) : La poignée BG-E5 permet d’ajouter une seconde batterie pour doubler l’autonomie de l’appareil et améliore la prise en main, notamment pour les photos en orientation portrait.
Filtres d’objectif : Vous pouvez ajouter des filtres UV, ND ou polarisants pour améliorer vos photos selon les conditions de prise de vue.
Télécommandes : Télécommande filaire ou infrarouge pour déclencher l’appareil à distance.
12. Quelle est la différence entre le Canon EOS 1000D et le Canon EOS 1100D ?
Le Canon EOS 1100D, sorti en 2011, est le successeur direct du 1000D. Il améliore certaines spécifications comme la résolution du capteur (12,2 mégapixels contre 10,1 mégapixels), la montée en ISO (jusqu’à ISO 6400), et la qualité vidéo (le 1100D prend en charge l’enregistrement vidéo HD, contrairement au 1000D). Cependant, le 1000D reste un appareil solide pour débuter, surtout si vous n’avez pas besoin de la fonction vidéo.
13. Le Canon EOS 1000D est-il adapté à la photographie professionnelle ?
Le Canon EOS 1000D est principalement conçu pour les débutants, et bien qu’il soit capable de produire des photos de qualité, il manque de certaines fonctionnalités avancées qui sont souvent exigées par les photographes professionnels, comme une meilleure gestion des ISO en faible lumière, un système autofocus plus rapide, et une résolution plus élevée. Cependant, il peut être utilisé pour des projets semi-professionnels ou des travaux photographiques personnels.
14. Quels types de cartes mémoire le Canon EOS 1000D utilise-t-il ?
Le Canon EOS 1000D utilise des cartes SD/SDHC pour le stockage des images. Ces cartes sont largement disponibles et peu coûteuses. Il est conseillé d’utiliser des cartes avec une capacité d’au moins 8 Go, surtout si vous prévoyez de capturer des images en RAW ou d’utiliser le mode rafale.
15. Où puis-je acheter un Canon EOS 1000D d’occasion ?
Le Canon EOS 1000D étant un modèle plus ancien, il est disponible principalement sur les marchés de l’occasion, tels que eBay, Le Bon Coin, ou dans des magasins spécialisés en matériel photo d’occasion. Lors de l’achat, assurez-vous de vérifier l’état de l’appareil, en particulier le nombre de déclenchements, l’état du capteur, de l’obturateur et de l’écran LCD. Optez toujours pour des vendeurs de confiance.
Conclusion
Le Canon EOS 1000D est un appareil photo reflex numérique d’entrée de gamme qui reste une option intéressante pour les débutants ou ceux qui cherchent un appareil photo simple mais performant. Il offre une qualité d’image solide, une compatibilité avec une large gamme d’objectifs Canon, et suffisamment de fonctionnalités pour permettre aux novices de progresser en photographie. Si vous recherchez un modèle accessible et facile à utiliser pour vos premiers pas dans le monde des réflex numériques, le Canon EOS 1000D peut être un bon choix, même en 2024.
Bière hellfest :Présentation du Hellfest et de son importance pour la bière
Le Hellfest est un festival de musique qui se déroule chaque année à Clisson, en France, depuis 2006. Il est connu pour être l’un des plus grands festivals de metal au monde, attirant des fans de musique de partout dans le monde pour une fin de semaine de concerts et d’événements.
Le Hellfest est également important pour la bière, car il propose une sélection de bières artisanales de qualité supérieure. Depuis plusieurs années, le festival a établi des partenariats avec des brasseries locales et internationales pour offrir aux fans de la musique une expérience de dégustation de bière unique.
bière hellfest
Les amateurs de bière peuvent profiter d’une variété de styles, allant des bières blondes légères aux bières brunes fortes et complexes. De plus, le festival propose également des ateliers de brassage de bière et des dégustations animées par des experts de la bière.
Le Hellfest a donc une importance significative pour la bière en France et au-delà, en encourageant la consommation de bières artisanales de qualité supérieure et en mettant en avant la richesse et la diversité de la culture brassicole.
La bière Mélusine : la biére du Hellfest
La Brasserie Mélusine a créé une bière en l’honneur du festival de musique métal Hellfest. Cette bière, nommée « Hellfest Beer », est une bière blonde de type Pale Ale, brassée avec des malts d’orge et de blé et des houblons américains. Elle titre à 6,66% d’alcool, en référence au chiffre symbolique du festival.
La brasserie Mélusine, basée en Vendée, est connue pour ses bières artisanales de qualité. La Hellfest Beer a été créée en collaboration avec le festival Hellfest, pour répondre à la demande croissante des festivaliers en quête d’une bière de qualité à déguster pendant l’événement.
La Hellfest Beer est disponible en bouteilles de 33cl et en fûts de 30 litres pour les professionnels. Elle est également proposée à la vente sur le site de la brasserie Mélusine au prix de 3,50 euros la bouteille.
Cette bière est une belle occasion pour les amateurs de musique métal et de bière de découvrir les saveurs de la Vendée et de soutenir une brasserie artisanale locale.
biere hellfest
La Hellfest Beer : un hommage
Hellfest Beer (bière hellfest) est une bière de la brasserie artisanale Mélusine, située en Vendée, en France, en hommage au festival de musique métal Hellfest. Cette bière blonde de type Pale Ale est brassée avec des malts d’orge et de blé ainsi que des houblons américains. Elle titre à 6,66% d’alcool, un chiffre symbolique en référence à l’atmosphère du festival.
La Hellfest Beer (bière hellfest) est souvent proposée sur le site du Hellfest, mais elle est également disponible à l’année sur le site de la brasserie Mélusine ainsi que dans certains bars et magasins spécialisés. Elle est conditionnée en bouteilles de 33cl et en fûts de 30 litres pour les professionnels.
La Hellfest Beer (bière hellfest) a remporté plusieurs prix, notamment la médaille d’or au concours international de bières artisanales de Lyon en 2017. Elle est très appréciée des amateurs de bières artisanales et de musique métal qui apprécient son goût équilibré et sa puissance en alcool.
L’histoire de la bière
La bière est l’une des boissons les plus anciennes du monde, avec une histoire qui remonte à plusieurs milliers d’années. Les premières traces de fabrication de bière datent de l’Antiquité, notamment en Mésopotamie, en Égypte et en Grèce, où elle était souvent consommée lors de cérémonies religieuses.
Au Moyen Âge, la bière devient une boisson courante en Europe, fabriquée par les moines dans les monastères. La bière était alors consommée quotidiennement car elle était plus sûre que l’eau, qui pouvait être contaminée.
Au fil des siècles, la bière est devenue de plus en plus populaire et a connu des évolutions techniques et gustatives importantes. L’utilisation de houblon comme agent de conservation et d’aromatisation a été une innovation majeure dans l’histoire de la bière, apparue en Allemagne au XIIIe siècle. Au XIXe siècle, l’invention de la machine à vapeur a permis la production de bière à grande échelle.
Aujourd’hui, la bière est consommée dans le monde entier et est disponible dans une grande variété de styles et de saveurs. Les brasseries artisanales se multiplient, proposant des bières aux goûts de plus en plus variés. La bière est également devenue une boisson culturelle, associée à des événements festifs et conviviaux tels que les festivals de musique, les matchs de sport, les soirées entre amis, etc.
La biére et la métal…
La bière et le metal sont souvent associés, car les deux sont souvent considérés comme faisant partie d’une culture alternative. Les fans de metal sont souvent représentés comme des personnes qui aiment boire de la bière, et les groupes de metal ont souvent des chansons qui parlent de la consommation de cette boisson. De plus, de nombreuses brasseries artisanales proposent des bières avec des noms inspirés de la musique metal ou en collaboration avec des groupes de metal.
Cependant, il est important de noter que l’association de la bière et du metal est plus qu’un simple stéréotype. Les deux sont souvent liés à une culture de la communauté, où les fans se rassemblent pour écouter de la musique, socialiser et partager une boisson. Les festivals de musique metal, comme le Hellfest, sont souvent des événements où la bière est un élément important de l’expérience.
Cela dit, il est également important de souligner que la consommation d’alcool doit être pratiquée de manière responsable, car l’abus d’alcool peut avoir des conséquences négatives sur la santé et la sécurité. Les organisateurs de festivals de musique, comme le Hellfest, prennent généralement des mesures pour assurer la sécurité des festivaliers, notamment en proposant des boissons non alcoolisées et en contrôlant la consommation d’alcool.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
I. Introduction : Présentation du livre « Hellfest, la bible »
Le livre « Hellfest, la bible » est un ouvrage qui retrace l’histoire et l’ambiance du festival de musique Hellfest, qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Écrit par les fondateurs du festival, Benjamin Barbaud et Yoann Le Nevé, ainsi que par le journaliste Guillaume Fleury, cet ouvrage est considéré comme la référence ultime sur le Hellfest.
Publié en 2021, à l’occasion des 15 ans du festival, « Hellfest, la bible » offre une plongée immersive dans l’univers unique du Hellfest. Le livre est illustré de nombreuses photographies et propose également des témoignages de membres de l’équipe, d’artistes et de festivaliers.
Au-delà de sa dimension événementielle, le Hellfest est devenu une véritable institution dans la scène musicale française et internationale, avec une programmation qui attire chaque année des milliers de fans de metal et de hard rock. Le livre « Hellfest, la bible » permet ainsi de mieux comprendre l’impact de ce festival sur la culture musicale contemporaine, ainsi que sur la ville de Clisson et ses habitants.
Contexte de publication et d’écriture du livre Hellfest La bible
Le livre « Hellfest la Bible » a été publié en 2016 en France. Il a été écrit par l’équipe organisatrice du festival de musique metal Hellfest, qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Le livre a été publié par les Éditions Huginn & Muninn, une maison d’édition spécialisée dans les ouvrages de référence sur la pop culture.
L’écriture du livre a été motivée par le désir de l’équipe du Hellfest de documenter l’histoire du festival, qui avait alors dix ans d’existence. Le livre rassemble des interviews des membres de l’équipe organisatrice, des anecdotes sur les coulisses du festival, des photos et des informations sur les groupes de musique qui ont joué lors des différentes éditions du Hellfest.
Le livre a été publié à l’occasion de la dixième édition du Hellfest, qui s’est déroulée en juin 2016. Il a été largement salué par les fans de musique metal et les amateurs de festivals, qui ont apprécié de découvrir les secrets et les coulisses du Hellfest, l’un des événements musicaux les plus populaires en France
II. Le Hellfest la bible : présentation et histoire
Le Hellfest est un festival de musique metal qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Créé en 2006 par une équipe de passionnés de musique, le Hellfest est rapidement devenu l’un des événements les plus populaires de la scène metal européenne.
Le festival se déroule sur trois jours et propose une programmation riche et variée, avec des groupes de metal, de hard rock, de punk et de hardcore. Parmi les artistes qui ont joué au Hellfest au fil des années, on peut citer Iron Maiden, Metallica, Slayer, Motörhead, Black Sabbath, Kiss, Guns N’ Roses, Deep Purple, Judas Priest, AC/DC, Marilyn Manson, System of a Down et bien d’autres.
Le Hellfest se distingue également par son ambiance particulière, qui allie convivialité et décontraction à une passion commune pour la musique metal. Le festival accueille chaque année des milliers de fans de toute l’Europe et même au-delà, qui viennent camper sur place pour profiter pleinement de l’ambiance unique du Hellfest.
Au fil des années, le Hellfest est devenu l’un des événements majeurs de la scène metal mondiale, attirant des fans de musique de tous âges et de tous horizons. Le festival a également été salué pour son engagement en faveur de l’environnement et de la durabilité, avec des initiatives telles que la mise en place de tri sélectif et l’utilisation de vaisselle compostable.
du livre Hellfest La bible
III. Les coulisses du Hellfest
Les coulisses du Hellfest sont un aspect fascinant de cet événement musical. En effet, l’organisation d’un festival de cette envergure nécessite une logistique complexe et une équipe de professionnels dévoués.
Tout d’abord, la programmation du Hellfest est élaborée plusieurs mois à l’avance, avec la recherche et la sélection de groupes de musique en fonction de leurs disponibilités et de leurs affinités avec le public du festival. Cette tâche est confiée à une équipe de programmateurs expérimentés qui connaissent bien la scène metal et les attentes des fans.
Ensuite, l’organisation du festival en elle-même nécessite une coordination minutieuse entre différents services : sécurité, logistique, restauration, billetterie, communication, etc. L’équipe du Hellfest est composée de professionnels aguerris qui ont l’habitude de travailler sur des événements de grande envergure.
Pendant les trois jours du festival, les coulisses du Hellfest sont un véritable tourbillon d’activité. Les techniciens son et lumière travaillent sans relâche pour assurer le bon déroulement des concerts, tandis que les équipes de sécurité et de secours veillent à la sécurité des festivaliers.
Enfin, l’organisation du Hellfest implique également une gestion rigoureuse des déchets et de l’environnement. Le festival a mis en place des initiatives telles que le tri sélectif, la récupération de l’eau de pluie et l’utilisation de vaisselle compostable pour réduire son impact environnemental.
Au final, les coulisses du Hellfest sont un univers passionnant où l’effervescence de la musique et la rigueur de l’organisation se conjuguent pour offrir aux festivaliers une expérience unique et inoubliable.
Hellfest La bible
IV. La programmation du Hellfest
Le Hellfest est connu pour sa programmation riche et variée, qui met en avant les grandes stars du metal et les groupes émergents de la scène underground. Au fil des années, le festival a accueilli des artistes légendaires ainsi que des découvertes prometteuses, offrant aux fans de musique metal une expérience inoubliable.
Voici un aperçu de la programmation de quelques éditions marquantes du Hellfest :
Hellfest 2019 : Cette édition du festival a été marquée par la présence de groupes tels que Slayer, Kiss, Tool, Def Leppard, Slash, Rob Zombie, ZZ Top et bien d’autres. Les concerts de Slayer et Kiss ont été particulièrement mémorables, avec des performances énergiques et explosives qui ont conquis le public.
Hellfest 2016 : Pour célébrer les dix ans du festival, l’équipe du Hellfest avait concocté une programmation de choix, avec des groupes tels que Black Sabbath, Rammstein, Iron Maiden, Twisted Sister, Megadeth et bien d’autres. Le concert de Black Sabbath, qui marquait leur dernière tournée mondiale, a été un moment émouvant pour les fans de metal.
Hellfest 2013 : Cette édition du festival a été marquée par la présence de groupes tels que Kiss, Korn, Motörhead, Stone Sour, ZZ Top et bien d’autres. Le concert de Kiss a été un moment inoubliable pour les fans, avec une mise en scène spectaculaire et des tubes légendaires interprétés en live.
Au fil des années, la programmation du Hellfest a évolué pour refléter les tendances de la scène metal et les attentes du public. Le festival a ainsi accueilli des groupes de tous horizons, du death metal au punk rock en passant par le heavy metal et le thrash. Le Hellfest a également fait la part belle aux groupes français et européens, offrant ainsi une plateforme de choix aux talents locaux.
V. La communauté du Hellfest
La communauté du Hellfest est un aspect important de cet événement musical. Les festivaliers sont passionnés de musique metal et viennent de toute l’Europe pour assister à ce festival de renommée internationale.
Les festivaliers du Hellfest sont connus pour leur esprit de camaraderie et leur passion pour la musique. Beaucoup d’entre eux sont des habitués du festival et reviennent chaque année pour retrouver leurs amis et profiter de la programmation riche et variée. Les festivaliers sont souvent vêtus de t-shirts de groupes de musique, de vestes en cuir et de bottes, créant ainsi une atmosphère conviviale et festive.
Le Hellfest a également un impact significatif sur la ville de Clisson et la région. Pendant les trois jours du festival, des milliers de festivaliers envahissent la ville, créant une ambiance de fête et stimulant l’économie locale. De nombreux commerces et restaurants bénéficient de cette affluence et proposent des offres spéciales pour les festivaliers.
Le Hellfest attire différents types de public, chacun ayant sa propre perception de l’événement. Certains festivaliers sont des puristes du metal et ne jurent que par les groupes les plus extrêmes de la scène underground, tandis que d’autres viennent plutôt pour découvrir de nouveaux artistes et profiter de l’ambiance festive.
Le festival attire également des familles avec enfants, grâce à la mise en place d’activités et d’espaces dédiés pour les plus jeunes. Enfin, certains festivaliers viennent simplement pour profiter de l’ambiance conviviale et festive du festival, sans forcément être de grands fans de musique metal.
En conclusion, la communauté du Hellfest est un aspect essentiel de cet événement musical. Les festivaliers sont passionnés de musique metal et viennent de toute l’Europe pour assister à ce festival de renommée internationale. Le festival a un impact significatif sur la ville de Clisson et la région, créant une ambiance de fête et stimulant l’économie locale. Le Hellfest attire différents types de public, chacun ayant sa propre perception de l’événement.
CARACTÉRISTIQUES du livre Hellfest la bible.
Auteur du livre Hellfest La bible : Philippe Lageat, Vanessa Girth, Baptiste Brelet,
Editeur du livre Hellfest La bible : Point Barre Date de parution du livre Hellfest La bible : 08/11/2022 EAN du livre Hellfest La bible : 9782957834211 Format du livre Hellfest La bible: 28cm x 32cm Poids du livre Hellfest La bible : 4,5000kg ISBN du livre Hellfest La bible : 2957834219 Illustration : Photos couleur Nombre de pages du livre Hellfest La bible : 592 SKU du livre Hellfest La bible : 5163871
Combien de temps dure un concert ? Les concerts sont des événements musicaux qui attirent des millions de fans à travers le monde chaque année. La durée d’un concert varie considérablement selon plusieurs facteurs, tels que le genre musical, l’artiste, la salle de concert et le type d’événement.
Combien de temps dure un concert ?
Les concerts de musique populaire, rock, hip-hop, R&B et électro durent généralement entre 1 heure et 2 heures, avec quelques exceptions notables. Les artistes tels que Bruce Springsteen et les Rolling Stones ont été connus pour jouer pendant plus de trois heures lors de leurs concerts.
En revanche, les concerts de musique classique peuvent être beaucoup plus longs, avec des représentations allant de 2 à 3 heures, voire plus. Les opéras et les ballets, par exemple, peuvent durer plusieurs heures.
Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert
La durée des festivals peut également varier considérablement. Certains festivals peuvent durer plusieurs jours, avec des concerts se déroulant sur plusieurs scènes simultanément. Dans ce cas, chaque artiste jouera généralement pendant une heure environ.
Les horaires de fermeture des salles de concert peuvent également influencer la durée d’un concert. Certaines salles de concert ont des horaires stricts, ce qui signifie que les concerts doivent se terminer avant une certaine heure. Les concerts en plein air peuvent également être programmés pour se terminer avant la tombée de la nuit.
Enfin, il est important de considérer la nature de l’artiste et de son spectacle lorsqu’on évalue la durée d’un concert. Les spectacles acoustiques peuvent être plus courts que les concerts avec un grand spectacle visuel et pyrotechnique, qui peuvent nécessiter plus de temps pour la mise en place et le démontage.
En somme, la durée d’un concert dépend de nombreux facteurs différents, tels que le genre musical, l’artiste, la salle de concert et le type d’événement. Les fans peuvent trouver des informations sur la durée prévue d’un concert avant d’acheter leurs billets et prévoir leur soirée en conséquence.
Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert
Combien de temps dure un concert ? La durée des concerts au fil du temps
Au fil des années, la durée moyenne des concerts a connu des évolutions significatives. Dans les années 60 et 70, les concerts de rock duraient souvent plusieurs heures, avec des performances étendues et des improvisations. Cependant, au fil du temps, la durée des concerts a tendance à se raccourcir.
Au début des années 2000, la durée moyenne des concerts était d’environ 1h30 à 2 heures. Aujourd’hui, les concerts ont tendance à durer entre 1 heure et 1h30, avec quelques exceptions notables pour les artistes les plus populaires.
Plusieurs raisons peuvent expliquer cette tendance à la réduction de la durée des concerts. Tout d’abord, les coûts de production des spectacles ont augmenté, ce qui signifie que les artistes doivent jouer plus de concerts pour rentabiliser les coûts.
Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert
Les spécificités des salles de concert : Présentation des horaires de fermeture des salles de concert.
Les salles de concert sont des espaces dédiés à la musique live, où les artistes se produisent devant un public. Elles présentent des spécificités en termes d’horaires de fermeture et d’impact sur la durée des concerts, ainsi que d’autres critères qui peuvent influencer la durée des concerts.
En ce qui concerne les horaires de fermeture des salles de concert, ils sont souvent fixés par les autorités locales en fonction des lois et des règlements en vigueur. Les horaires peuvent varier en fonction de la taille de la ville et de la densité de la population, ainsi que de la proximité des habitations. Dans certains cas, les horaires peuvent être prolongés ou réduits en fonction de la situation ou des événements en cours.
Ces horaires ont un impact direct sur la durée des concerts en salle. En général, les concerts en salle débutent en début de soirée et se terminent avant minuit, afin de respecter les horaires de fermeture. Cependant, certains concerts peuvent se prolonger au-delà de cette heure, notamment les concerts d’artistes populaires ou les festivals de musique, qui peuvent être autorisés à continuer jusqu’à une heure plus tardive.
Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert
La durée d’un concert en salle dépend également de plusieurs autres facteurs, notamment la taille de la salle et le nombre de spectateurs. En général, les concerts dans des salles plus grandes peuvent être plus longs que ceux dans des salles plus petites, car ils offrent plus d’espace pour les spectateurs et les artistes. De même, le nombre de spectateurs peut influencer la durée du concert, car les artistes peuvent ajuster leur performance en fonction de l’ambiance et de l’énergie de la foule.
D’autres critères peuvent également influencer la durée d’un concert en salle, tels que la complexité de la production, la programmation d’autres événements dans la salle, ou la disponibilité des artistes. Les organisateurs de concerts et les artistes peuvent également planifier la durée du concert en fonction de l’âge et de la composition du public, afin de s’assurer que le spectacle soit adapté aux attentes et aux besoins de l’audience.
En résumé, les horaires de fermeture des salles de concert ont un impact sur la durée des concerts en salle, qui peut varier en fonction de la taille de la salle, du nombre de spectateurs et d’autres critères tels que la complexité de la production ou la disponibilité des artistes. Les organisateurs de concerts et les artistes doivent prendre en compte ces facteurs pour offrir un spectacle adapté aux attentes de l’audience et respecter les horaires de fermeture.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Ils entrent en scène en écartant d’une main les rideaux de la célébrité, et face à eux, soudain, des milliers de regards impatients que la cérémonie commence… Ils font face au public et aussitôt un masque couvre leur visage, comme une seconde peau. Et pourtant le masque, parfois, se fissure. Une timidité soudaine, un moment de repli, de doute ou de rage.
Un retour sur soi fugace et sincère, comme un mot échangé entre l’être et son double. Alors l’humain s’expose et transcende le personnage… Cette série de photos de concerts procède de cette idée, ou plus justement de cette quête : prendre sur le fait, au beau milieu d’un spectacle d’aveuglement collectif ou derrière la scène, cet entre-deux fragile, ce moment suspendu où l’artiste se révèle à lui même tel qu’il est et non tel qu’on croit le voir.
« Je photographie des artistes sur scène, en tournée, en studio, backstage, je fais des photos de concerts depuis une quinzaine d’années. Ces 10 premières années m’ont permis de croiser beaucoup de musiciens, de traverser la France, la Belgique, d’atterrir à Londres, à Montréal, de me coucher dans des tours bus en Suisse pour me réveiller en Allemagne, de voyager plus de 100.000 km, …
…de dérusher mes photos avec Bjork en peignoir dans sa loge, de manger entre The Hives et Disclosure, faire du quad avec Slipknot, d’être invité dans le plus grand Apple store du monde à Londres pour y faire une conférence…
…d’être photographe officiel de grands festivals, de tester l’alcool des loges aux Eurocks, au Hellfest, au Sonisphere, au Heavy Montréal, au Main Square, à Garorock, dans des salles minuscules ou très grandes, de faire des photos de fin de concerts avec 50.000 personnes qui lèvent les bras, de boire quelques semi-remorques de bières, de me coucher trop tard et me réveiller trop tôt, de traverser cette frénésie pour y capter quelques moments . »
Photos de concert de Nin Inch Nails, Olivia Ruiz, The Arrs, Refused, photos de concert de Paul Mc Cartney, Lenny Kravitz, Walls Of Jericho, Massive Attack, Kezia Jones, Stromae, Sting, The Bloody Beetroots, Sick Ofit All, The Dead Weater, Motorhead, Arctic Monkeys, Rodriguez Jr, Jane’s Addiction, Flea, Lee Fields, photos de concert de Jamie Cullum, Tricky, Royal Republic, Dead Weather, Bring Me The Horizon, etc…
Livre photos de concert : Interview pour Daily Rock par Nicolas Keshvary
Eric Canto, bien connu dans le milieu de la photo et de la musique, est un photographe hors pair, avec un talent fou et un énorme cœur. Mais arrêtons-là les flatteries, car si, à ce jour, il est d’une grande humilité, il risquerait de vite prendre la grosse tête.
À l’occasion de la sortie prochaine de son livre « A suspended moment in time », il nous livre les secrets de sa conception, dans une ambiance plutôt détendue ! Les premiers mots du livre résument l’idée de ce bouquin :
« Ils entrent en scène en écartant d’une main les rideaux de la célébrité, et face à eux, soudain, des milliers de regards impatients que la cérémonie commence… Ils font face au public et aussitôt un masque couvre leur visage, comme une seconde peau. »
Tout d’abord Eric, tous nos lecteurs ne te connaissent pas encore, alors peux-tu te présenter en quelques mots ?
Je fais des photos de concert depuis dix ans maintenant, pour des labels, des magazines et des artistes. Je fais des photos de concert, mais aussi du portrait, de la conception de pochettes d’albums des photos presse et de la communication qui tourne autour de leur sortie.
Beaucoup de monde te connaît via ton travail avec les MassHysteria. Quels sont les autres artistes avec lesquels tu as travaillé ?
On me connaît en effet surtout dans le milieu métal grâce aux albums de Mass Hysteria que j’ai fait, mais j’ai aussi travaillé avec des groupes comme Lofo, ou encore Unswabbed. Mais je vais t’étonner, j’ai aussi bossé avec Olivia Ruiz, et tout récemment avec des artistes comiques comme Pierre Emmanuel Barré.
Je travaille surtout sur des coups de cœur en fonction des rencontres que je peux faire, mais la base reste avant tout le métal et le rock.
Sur l’ensemble de ton travail artistique sur les différents albums, quel est celui qui, à ton goût, est le plus abouti ou réussi ?
En fait il y en a deux, non plutôt trois au final (rires) ! Je suis assez content du dernier album studio des Mass (Matière noire), car il a été « accouché dans la douleur ».
Il y a eu une grande réflexion et un travail pointu suite a huit mois de discussion avec Yann, qui a des idées très arrêtées et qui sait où il veut précisément aller, que ce soit musicalement ou graphiquement.
Pour « Failles » c’était plus simple, car il cherchait une « gueule », du coup j’ai cherché pendant de nombreux mois dans des foyers d’accueil et d’autres endroits une gueule.
Pour « Matière noire » il avait une idée précise du modèle, de la matière, et on a échangé longtemps pour aboutir à ce résultat. La séance photo qui a été faite 3 mois avant la sortie de l’album a été drastique et militaire. Cette pochette me plaît, car on a synthétisé tout ce que l’on voulait faire, une déclinaison intéressante.
L’autre pochette que j’aime beaucoup est celui de Lofofora « Monstre ordinaire », car je n’avais pas beaucoup d’indications pour arriver au projet final. Reno est venu en me disant « je recherche un visuel qui puisse représenter la monstruosité ordinaire sans passer par le cliché simple du patron en costard cravate en guise de monstre ».
Il fallait que ça soit beaucoup plus fin. Il fallait réfléchir, chercher, tester cette idée de ce type qui s’éloigne avec sa pelle avec la vision du gars au sol qui se la serait prise. Il n’y a rien de monstrueux ni de sanguinolent, mais on pouvait très bien s’imaginer que quelque chose s’était passé. De montrer cette part de monstruosité qui se cache en chacun d’entre nous.
Nous avons donc évoqué ce que tu as fait par le passé, mais tu as une nouvelle actualité, c’est la sortie de ton livre. Comment est venue cette idée ?
L’idée m’est venue il y a un peu plus de 8 mois de faire un livre de photos de concert et quelqu’un m’a relancé sur le sujet quelque temps après et m’a parlé du mode participatif pour le financement de ce dernier.
Je suis parti sur un concept pour voir si les gens allaient adhérer ou non. L’idée d’un livre de photos de concert ma parlait, mais cette idée allait-elle parler à d’autres ?
Sortir un bouquin de photos de concert à tant d’exemplaires juste pour le plaisir ne m’intéressait pas.
L’idée était de montrer mon concept, tout comme je peux le faire pour une pochette d’album et voir si cela peut intéresser du monde ou pas, tout en étant maître de ce que je voulais faire sans aucune directive de qui que ce soit.
Et le financement participatif permet vraiment de faire cela, et d’avoir la totale liberté de faire ce que j’ai envie de faire. Je ne fais quasiment pas d’expo, mais l’idée de compiler mes photos pour les présenter a commencé à germer quand j’ai trouvé la trame de ce que je voulais faire.
Vu la multitude de clichés que tu as pu faire, comment s’est fait le choix des photos de concert pour le bouquin ?
Le fait de présenter une série de photos de concert sans lien ne m’intéresse pas. En regardant ses propres photos et celles des autres, on remarque au fil des années le chemin que le photographe prend.
Dans mon cas j’au noté que je recherchais des moments très précis dans mes photos de concert, que ce soit au niveau du cadrage ou du sujet, des moments où l’artiste est dépouillé avec généralement une lumière derrière et peu d’objet, et il y a comme un moment de flottement, un moment suspendu.
Je pense que cela doit venir de mes études de psychologie qui font que je m’interroge sur la présence d’une personne face à une foule de 50000 personnes et ce qui peut se passer dans sa tête à ce moment.
À vraie dire, je ne fais pas que m’interroger, cela me fascine. L’idée qu’un artiste ou un groupe se mette un masque à un moment donné pour affronter le public et supporter la pression qui l’attend m’intéresse beaucoup.
Je me suis rendu compte que c’est ce que je cherchais dans la plupart de mes photos et j’ai décidé de travailler avec un ami écrivain et je lui ai demandé de transcrire en mot cette idée sur mes photos que je lui avais apportée.
Il a écrit un texte qui exprime exactement ce que je voulais dire, et j’ai décidé de m’en servir comme support.
En en parlant je me rappelle d’une interview d’il y a quelque temps de Corey Taylor, le chanteur de Slipknot aux Eurockéennes où je lui avais posé la question de savoir si l’apport du masque, qui permet de se lâcher complètement, n’est pas une frustration au final de ne pas être reconnu.
Il m’avait dit que dès que le masque est mis, il n’y a plus de limite et cela est salvateur, car on peut tout se permettre. Le masque est pour lui quelque chose de libérateur, une soupape.
Donc le contenu du livre n’est pas une compilation de photos de concert, ces moments suspendus reflètent ce que l’on peut trouver qu’on peut trouver également backstage, en loge, ou derrière la scène.
Ce ne sont pas forcément des moments dramatiques, mais cela peut être des moments de rires avant de monter sur scène par exemple.
Ton livre sortant au mois d’octobre, est-ce que d’ici là tu vas encore faire tout une série de photos, le choix des photos est il définitivement fait ou cela peut encore changer d’ici la ?
Le choix va évoluer obligatoirement, j’ai beaucoup de matière et je vais travailler avec un ami graphiste qui fait un travail de mise en page fabuleux, pour trouver le raccord parfait entre photos en graphisme. Ça ne va pas être la course à la photo.
J’ai vraiment la liberté de faire comme j’ai envie sans passer par l’aval de qui que ce soit, à l’instar d’un travail que je peux faire pour un artiste et qui doit être validé en amont. C’est aussi pour moi une possibilité de mettre en perspective mon travail en gardant la main à chaque moment de la création du livre.
Bonus :10 conseils pour capturer des photos de concert.
1. Éteignez votre flash
Vous êtes sur place et si vous avez de la chance, vous pourriez même être dans la fosse. La première règle principale consiste à désactiver votre flash, que ce soit sur votre téléphone ou votre appareil photo. Si vous ne le faites pas, vous ennuierez invariablement le groupe ou l’artiste et deuxièmement, les images ne seront généralement pas si bonnes.
Essayez d’utiliser les conditions d’éclairage existantes. Souvent, l’éclairage dans les petites salles ne sera pas excellent; essayez de l’utiliser à votre avantage en devenant plus créatif avec vos angles.
2. Travaillez rapidement
Si vous êtes dans la fosse (la zone protégée entre la scène et la barrière de la foule), il y a généralement trois chansons et vous ne disposez que de 10 à 15 minutes pour obtenir les clichés dont vous avez besoin.
Shootez avec diligence et assurez-vous de couvrir autant d’angles et les différents membres du groupe que vous le pouvez.
3. Observez et soyez conscient
Regardez comment le groupe se déplace sur scène, observez l’interaction entre les membres du groupe. Essayez de vous assurer d’obtenir une gamme d’expressions, assurez-vous que vos photos sont propres sans que les microphones, etc. n’obstruent le visage du chanteur.
4. Visez à obtenez leur meilleur côté
Les images sont-elles flatteuses? Les membres du groupe sont humains; si une photo montre quelqu’un d’une manière négative ou peu flatteuse, jetez-la. Les plans montrant l’émotion, l’énergie brute et les expressions dynamiques sont excellentes, mais évitez autant que possible les doubles mentons manifestes ou les angles pas terribles.
5. Maîtrisez votre appareil photo
Que vous photographiez avec un reflex numérique de base ou même un iPhone, sachez quels paramètres vous utiliserez à l’avance. Mon conseil – dans la mesure du possible – est de shooter en RAW et avec l’appareil photo en mode manuel. Utilisez une application telle que Photoshop pour modifier vos images.
Si vous n’êtes pas familier avec les logiciels d’imagerie, cela peut sembler assez intimidant au premier abord. Mais une fois que vous vous y serez habitué, cela améliorera considérablement la qualité de vos images.
6. Alternez les cadrages
Essayez de photographier une gamme de formes et d’angles, prenez des photos plus larges montrant l’artiste en relation avec la mise en scène. L’une des principales erreurs que les gens font est d’essayer de recadrer de manière trop serrée.
Essayez un mélange de portraits et de paysages. Si vous avez l’occasion de vous déplacer, tirez sur l’artiste à partir de différentes positions. Essayez d’incorporer la foule dans vos photos, cela peut ajouter une atmosphère à vos images.
7. N’exagérez pas la retouche
Si vous utilisez une application de retouche photo, n’exagérez pas la retouche. Une tendance récente est de sursaturer les images et de les faire apparaître comme si elles avaient été prises en HDR, cela peut donner un effet de dessin animé et devrait être évité.
8. Respectez le public
Que vous tiriez de la foule ou dans la fosse, respectez toujours le public et les autres photographes. Ne tenez pas votre appareil photo en l’air pendant de longues périodes, faites preuve de courtoisie et de respect, en particulier envers le public qui aura payé pour son billet et qui aura peut-être même fait la queue pour se rendre à l’avant pour voir sa vue interrompue par vous et votre appareil photo.
9. Recherchez sur youtube…
Si le groupe ou l’artiste est assez célèbre, recherchez des vidéos YouTube de sa tournée actuelle ou consultez les dernières images en ligne. Cela vous donnera une indication des conditions de prise de vue et de l’éclairage, etc. Aussi, si vous pouvez vous attendre à des prises de vue ou à d’autres moments passionnants pendant le spectacle.
10. Profitez de l’expérience
Le shooting de photos de concert peut être extrêmement difficile, mais aussi très amusant.
Pratiquez votre art: la plupart des petites salles vous permettront d’utiliser votre appareil photo, alors shootez. Apprenez à être constructif sur vos images. Organisez un site Web pour illustrer votre travail.
Une fois que vous avez un portfolio, commencez à contacter des groupes locaux et des lieux locaux et vous pourrez éventuellement commencer à construire un relationnel qui, espérons-le, pourra un jour vous permettre de vous faire payer pour vos images.
Def Leppard, un nom qui évoque à lui seul le glamour et la grandeur du rock des années 80. Ce groupe britannique est l’une des formations les plus emblématiques du rock classique, ayant vendu plus de 100 millions d’albums à travers le monde.Mélangeant des riffs puissants, des refrains accrocheurs et une production léchée, Def Leppard a marqué l’histoire avec des albums comme « Pyromania » et « Hysteria », devenus des piliers du rock.Mais derrière les projecteurs et les hits planétaires, leur parcours est semé de défis, de drames et de résilience. Plongeons dans l’univers du groupe, leurs succès, leurs luttes, et pourquoi ils continuent de captiver des millions de fans à travers les générations.
Def Leppard
Les débuts de Def Leppard : D’un rêve d’adolescents à la conquête du rock mondial
L’origine du groupe et les premières influences
Fondé en 1977 à Sheffield, au Royaume-Uni, Def Leppard est le fruit de la passion de jeunes musiciens influencés par le heavy metal et le glam rock. À l’origine, le groupe était connu sous le nom de Atomic Mass, mais avec l’arrivée du chanteur Joe Elliott, le nom change pour devenir Def Leppard. Ce choix, inspiré par les groupes de glam rock comme T. Rex et Mott the Hoople, marque le début d’une ascension rapide vers la gloire.
Leurs premières influences se situent à la croisée du heavymetal naissant et du rock classique des années 70, notamment des groupes comme Led Zeppelin, Thin Lizzy, et Queen. Cependant, Def Leppard souhaitait se démarquer en injectant une dose de mélodie dans leur musique, rendant leurs chansons plus accessibles tout en restant ancrées dans l’énergie brute du hard rock.
« On Through the Night » : Le premier album et l’émergence d’un son unique
En 1980, Def Leppard sort son premier album, « On Through the Night ». Ce disque marque leurs premiers pas sur la scène internationale, bien que leur son soit encore en développement. Les morceaux sont imprégnés d’un style heavy metal traditionnel, mais des éléments plus mélodiques pointent déjà le bout de leur nez, annonçant la direction que le groupe prendra dans les années à venir.
Si l’album est relativement bien accueilli, c’est leur deuxième opus, « High ‘n’ Dry », sorti en 1981, qui va commencer à attirer l’attention. Produit par Mutt Lange, célèbre pour son travail avec AC/DC, cet album marque une évolution dans leur son avec des morceaux comme « Bringin’ On the Heartbreak », un titre qui deviendra l’un de leurs premiers succès radio.
L’explosion de « Pyromania » et le triomphe de Def Leppard dans les années 80
« Pyromania » : Un album révolutionnaire
C’est en 1983 que Def Leppard frappe un grand coup avec l’album « Pyromania ». Propulsé par des singles comme « Photograph », « Rock of Ages », et « Foolin’ », l’album est un succès immédiat, atteignant la deuxième place des charts américains et se vendant à des millions d’exemplaires. La production léchée de Mutt Lange, associée à des riffs accrocheurs et des refrains qui restent en tête, fait de Def Leppard l’un des groupes les plus populaires de la scène rock de l’époque.
« Photograph », en particulier, devient un hymne pour la jeunesse des années 80, avec ses paroles évoquant l’obsession et le désir, des thèmes récurrents dans la culture pop de cette époque. Le son de Def Leppard, mélodique mais toujours résolument rock, devient la référence pour de nombreux groupes de hard rock à suivre.
La montée en puissance du groupe et l’ère des superstars
Avec le succès de « Pyromania », Def Leppard entre dans la catégorie des superstars du rock. Le groupe tourne dans le monde entier, remplissant les stades et devenant une référence incontournable de la scène glam metal et hard rock. Mais malgré le succès, des défis majeurs attendent le groupe.
En 1984, alors que Def Leppard prépare ce qui deviendra leur plus grand album, « Hysteria », le batteur Rick Allen est victime d’un accident de voiture qui lui fait perdre son bras gauche. Un coup dur pour le groupe, mais au lieu d’abandonner, Rick Allen décide de continuer à jouer de la batterie en développant une technique unique avec un kit de batterie électronique spécialement conçu pour lui.
« Hysteria » : L’album de la consécration et des records
Un album hors norme
Après quatre ans de travail acharné, Def Leppard sort enfin « Hysteria » en 1987. L’album est immédiatement un triomphe planétaire. Avec pas moins de sept singles à succès, dont « Pour Some Sugar on Me », « Love Bites », et « Armageddon It », « Hysteria » devient l’un des albums les plus vendus de l’histoire du rock, dépassant les 25 millions de copies vendues dans le monde.
Ce qui distingue « Hysteria », c’est son mélange parfait de riffs rock et de mélodies pop, renforcé par une production ultra-sophistiquée, encore une fois sous la direction de Mutt Lange. L’album est conçu pour plaire à un public large, combinant l’énergie brute du rock avec des refrains catchy et des harmonies vocales complexes.
« Pour Some Sugar on Me » devient l’hymne de l’été 1987, propulsant Def Leppard encore plus haut dans le panthéon des légendes du rock. Grâce à des vidéoclips omniprésents sur MTV, le groupe devient une figure incontournable de la culture pop des années 80.
La tournée mondiale et le statut de légendes vivantes
La tournée qui suit la sortie de « Hysteria » est l’une des plus impressionnantes de l’époque. Def Leppard remplit des stades à travers le monde, avec des shows spectaculaires et une mise en scène digne des plus grandes productions. À la fin des années 80, le groupe atteint des sommets inégalés, rivalisant avec des groupes comme Bon Jovi, Van Halen, et Guns N’ Roses.
Mais derrière les paillettes et le glamour, Def Leppard doit faire face à des défis personnels et professionnels. Le succès massif entraîne des tensions au sein du groupe, et la pression pour continuer à produire des hits est immense. Cependant, malgré ces obstacles, Def Leppard continue à sortir des albums qui trouvent leur public.
L’après Hysteria : Résilience et longévité dans une industrie changeante
Tragedy strikes again : la mort de Steve Clark
Alors que le groupe est au sommet de sa popularité, une autre tragédie frappe en 1991 avec la mort de Steve Clark, le guitariste principal, après une longue bataille contre l’alcoolisme. Sa disparition est un coup dur pour le groupe, mais Def Leppard décide de continuer, et Vivian Campbell, ancien guitariste de Dio, rejoint la formation.
Le groupe sort « Adrenalize » en 1992, un album qui rencontre un grand succès, même s’il n’atteint pas les sommets de « Hysteria ». Le single « Let’s Get Rocked » devient néanmoins un hit, prouvant que Def Leppard reste une force majeure sur la scène rock.
Def Leppard
La survie dans un paysage musical en mutation
Avec l’arrivée des années 90 et du mouvement grunge, le rock glamour et flamboyant de Def Leppard devient moins à la mode. Mais le groupe, loin de s’effondrer, choisit de persévérer. Leur son évolue pour s’adapter à de nouvelles tendances tout en restant fidèle à leurs racines rock. Des albums comme « Slang » (1996) montrent une approche plus sombre et expérimentale, tandis que « Euphoria » (1999) ramène une énergie plus proche des grandes heures du groupe.
La longévité de Def Leppardest remarquable. Contrairement à de nombreux groupes de leur époque, ils continuent de tourner, d’enregistrer de nouveaux albums, et de remplir des stades. Leur résilience face aux défis personnels et à l’évolution de l’industrie musicale témoigne de leur passion pour la musique et de leur capacité à se renouveler sans perdre leur essence.
Conclusion
Def Leppard est bien plus qu’un simple groupe de rock des années 80. Avec des albums qui ont marqué l’histoire et des concerts légendaires, ils ont prouvé qu’ils étaient une force durable dans l’univers musical. Leur capacité à surmonter des obstacles, des tragédies personnelles aux changements dans l’industrie musicale, les a placés parmi les légendes vivantes musicales.
Def Leppard a non seulement défini ce qu’était le rock grand public dans les années 80, mais ils ont également prouvé que leur musique était intemporelle. Avec des hymnes comme « Pour Some Sugar on Me », « Photograph », et « Love Bites », ils ont touché des millions de fans à travers plusieurs générations.
Leur longévité dans une industrie aussi volatile témoigne de leur résilience, de leur passion pour la musique et de leur capacité à évoluer tout en restant fidèles à eux-mêmes. Que ce soit sur scène ou en studio, Def Leppardcontinue d’écrire son histoire, rappelant à tous que le rock est bien plus qu’un genre musical : c’est une manière de vivre.
FAQ : Tout savoir sur Def Leppard
1. Quels sont les albums incontournables de Def Leppard ? Def Leppard compte plusieurs albums emblématiques. Les plus incontournables sont :
« Pyromania » (1983) : Cet album est celui qui a véritablement mis le groupe sur la carte du rock mondial avec des hits comme « Photograph » et « Rock of Ages ».
« Hysteria » (1987) : Considéré comme leur chef-d’œuvre, cet album est devenu l’un des plus vendus de l’histoire du rock, avec des titres comme « Pour Some Sugar on Me », « Love Bites », et « Armageddon It ».
« Adrenalize » (1992) : Bien qu’il soit sorti après la mort de Steve Clark, cet album a consolidé la place du groupe dans l’industrie avec des hits comme « Let’s Get Rocked ».
2. Comment Def Leppard a-t-il surmonté la perte de Steve Clark ?
La mort de Steve Clark en 1991 a été une épreuve difficile pour Def Leppard, mais le groupe a décidé de continuer malgré tout. Ils ont trouvé en Vivian Campbell, ancien guitariste de Dio, un nouveau membre qui a apporté une nouvelle énergie au groupe. Le groupe a poursuivi sa carrière avec succès, en sortant l’album « Adrenalize » en 1992, qui a connu un succès mondial.
3. Comment Rick Allen joue-t-il de la batterie après la perte de son bras ? Rick Allen, le batteur de Def Leppard, a perdu son bras gauche dans un accident de voiture en 1984. Au lieu d’abandonner, Allen a travaillé avec des ingénieurs pour développer un kit de batterie électronique sur mesure, qui lui permet de jouer à la batterie avec un bras et ses pieds. Sa détermination et son talent ont inspiré des millions de fans à travers le monde.
4. Def Leppard a-t-il été influencé par d’autres genres musicaux ?
Oui, bien que Def Leppard soit principalement associé au glam metal et au hard rock, ils ont également incorporé des éléments de pop et de rock mélodique dans leur musique. L’influence de producteurs comme Mutt Lange a permis au groupe de créer des chansons plus accessibles avec des refrains accrocheurs et des harmonies vocales sophistiquées. Au fil des années, ils ont aussi expérimenté avec des sons plus modernes, comme sur l’album « Slang » (1996).
5. Def Leppard continue-t-il à tourner et à sortir de nouveaux albums ?
Oui, Def Leppard est toujours actif. Malgré les changements dans l’industrie musicale et les défis personnels, le groupe continue à enregistrer et à tourner dans le monde entier. En 2019, ils ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame, un témoignage de leur impact durable sur la musique rock. Ils continuent de remplir des stades et de captiver un public fidèle avec leurs performances énergiques et leurs hymnes intemporels.
Le phénomène Limp Bizkit : un groupe de nu metal américain
Limp Bizkit est sans doute l’un des groupes les plus controversés et à la fois les plus populaires du genre nu metal. Originaires de Jacksonville, en Floride, ces musiciens ont réussi à créer un son unique ayant marqué une génération. Dans cet article, nous explorerons leur parcours ainsi que les éléments qui ont contribué à leur succès fulgurant.
La genèse du groupe : rencontre entre Fred Durst et Sam Rivers
C’est en 1994 que Fred Durst, alors tatoueur, fait la rencontre de Sam Rivers, bassiste de formation. Les deux hommes deviennent rapidement amis et décident de former leur propre groupe de musique, avec l’idée d’allier rock et hip-hop. Ils sont rapidement rejoints par le cousin de Sam, John Otto, à la batterie et Wes Borland, guitariste aux talents multiples et à l’apparence excentrique.
Un nom original pour un groupe original
Pour trouver le nom de leur groupe, ils ont choisi « Limp Bizkit », qui signifie littéralement « biscuit mou » en anglais. Un choix étrange, mais qui reflète bien l’esprit décalé et provocateur du band, qui marquera toute leur carrière.
Une ascension fulgurante
Dès leurs premières performances, le groupe se fait remarquer pour son énergie incroyable sur scène et sa capacité à électriser le public. Leur style musical mélangeant habilement rock, metal, hip-hop et autres sonorités leur permet de se démarquer rapidement. C’est cette singularité qui va les amener à signer avec le label Flip/Interscope alors qu’ils n’ont encore rien enregistré.
Le succès de l’album « Three Dollar Bill, Y’all$ »
En 1997, Limp Bizkit sort son premier album intitulé « Three Dollar Bill, Y’all$« . Celui-ci est marqué par la chanson phare « Counterfeit« , qui sera leur premier single. Le succès de cet opus leur ouvrira les portes du fameux festival Ozzfest et de nombreuses autres dates de concert aux côtés de groupes renommés comme Korn ou Deftones.
La consécration : « Significant Other » et « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water
L’année 1999 marque une étape cruciale dans la carrière de Limp Bizkit. Leur deuxième album, « Significant Other« , fait un véritable carton avec des titres emblématiques tels que « Nookie » et « Break Stuff« . Ces morceaux provoquent une véritable hystérie chez leurs fans et assurent au groupe une place indéniable sur la scène internationale du nu metal.
Toile de fond controversée en streaming
C’est également durant cette période que le groupe fait parler de lui pour d’autres raisons. En effet, ils sont controversés notamment pour leur participation au désastreux festival Woodstock 99, durant lequel des violences et incendies ont eu lieu. Cette polémique n’empêche pourtant pas Limp Bizkit de continuer sur sa lancée.
En 2000, ils sortent leur troisième album : « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water« . Celui-ci se vend à plus de six millions d’exemplaires aux États-Unis seulement, preuve du succès phénoménal du groupe. Parmi les morceaux les plus populaires, on retrouve « Rollin’ » ou encore « My Way« .
Départs et retours au sein du groupe
Le parcours de Limp Bizkit est également marqué par des tensions internes ayant mené à plusieurs départs et retours de membres. Le guitariste emblématique Wes Borland a notamment quitté le groupe deux fois avant de revenir finalement en 2009. Par la suite, la formation aura quelques changements, tels que l’arrivée du DJ Franko Carino.
Un nouvel album attendu
Nouveau single « Dad Vibes »
Album toujours en préparation
Aujourd’hui, les fans de Limp Bizkit sont toujours impatients de découvrir un nouvel album, qui semble être en préparation depuis quelques années déjà. En attendant, ils peuvent se réjouir avec le nouveau single du groupe, « Still Sucks », que Fred Durst a révélé lors d’un récent concert.
Il est indéniable que Limp Bizkit a marqué de son empreinte l’histoire de la musique, en étant à la fois adulés et décriés. Mais une chose est sûre : leur héritage perdure encore aujourd’hui auprès des fans du monde entier.
EN SAVOIR PLUS…
Pivot de la scène nu-métal de la fin des années 90, Limp Bizkit a fait connaître le rap au grand public avec les albums qui ont défini sa carrière, Defined Other , Chocolate Starfish et Hot Dog Flavored Water .
Mené par le charismatique – et polarisant – leader Fred Durst , le groupe Limp Bizkit a connu une série de succès radio (« Counterfeit », « Faith », « Nookie », « Break Stuff », « Rollin’ (Air Raid Vehicle) » et « Behind Blue Eyes ») avant de faire une pause au milieu des années 2000, alors que leur mélange frénétique de hip-hop, de métal et de post-grunge tombait en désuétude.
Limp Bizkit s’est réuni en 2009 et a sorti Gold Cobra, deux ans plus tard. Depuis lors, Limp Bizkit a continué à tourner et à sortir des singles occasionnels. En 2021, Limp Bizkit a annoncé que le Stampede des Disco Elephants, leur premier nouvel album studio depuis plus d’une décennie, était presque terminé.
Limp Bizkit
Limp Bizkit : Three Dollar Bill
Limp Bizkit a été formé en Floride en 1994 par le chanteur Fred Durst et son ami, le bassiste Sam Rivers. Le cousin de Rivers , John Otto, s’est rapidement joint à la batterie et le guitariste Wes Borland a complété le quatuor original (plus tard complété par DJ Lethal ).
Après que Korn ait joué dans la région de Jacksonville en 1995, le bassiste Fieldy s’est fait tatouer plusieurs fois par Durst (un tatoueur) et les deux sont devenus amis. La fois où Korn était dans la région, ils ont récupéré la démo de Limp Bizkit et ont été tellement impressionnés qu’ils l’ont transmise à leur producteur, Ross Robinson..
Grâce principalement au bouche-à-oreille, le groupe Limp Bizkita été choisi pour tourner avec House of Pain et les Deftones .
Les contrats avec le label affluent et après avoir signé avec Flip/Interscope, Limp Bizkit sort son premier album, Three Dollar Bill Y’All . À la mi-1998, Limp Bizkit était devenu l’un des groupes les plus en vogue de la scène rap-metal en plein essor, aidé également par plus d’action en tournée – cette fois avec Faith No More et plus tard, Primus – ainsi qu’une apparition sur Défilé de mode Spring Break ’98 de MTV.
La plus grande pause, cependant, a été une place sur la tournée des valeurs familiales de cet été, qui a considérablement rehaussé le profil du groupe.
Limp-Bizkit
Avec leur premier label, Three Dollar Bill Y’All , Limp Bizkit s’est rapidement hissé au sommet du sous-genre alt-metal connu sous le nom de « rapcore ». Une partie de la raison pour laquelle le groupe se démarquait de ses pairs était son énergie cinétique et frénétique.
Ils n’ont peut-être pas beaucoup d’idées originales – ils sont en grande partie une excroissance de Korn , Faith No More et les Red Hot Chili Peppers – mais ils le font bien.
Ils ont une section rythmique puissante et des punch line mémorables, dont la plupart compensent l’écriture inégale. Là encore, vous ne recherchez pas la perfection pour un premier album – vous recherchez un son prometteur, et sur ce front, Limp Bizkit est à la hauteur.
Limp Bizkit
Limp Bizkit : Significative Other
Le deuxième album très attendu de Limp Bizkit, Significative Other , est sorti en juin 1999, et lui et la vidéo qui l’accompagne pour « Nookie » ont fait du groupe des superstars. Significative Other a fait ses débuts au numéro un et s’était vendu à plus de quatre millions d’exemplaires à la fin de l’année, aidant également à pousser Three Dollar Bill Y’All au- delà de la barre des disques de platine.
Durst , quant à lui, a été sélectionné pour un poste de vice-président senior chez Interscope Records début juillet. Cependant, au milieu de ce succès massif, la controverse a poursuivi le groupe après la performance de cet été à Woodstock ’99.
À la suite des émeutes et des agressions sexuelles qui se sont avérées être l’héritage malheureux du festival, Durst a été fortement critiqué pour avoir encouragé la foule déjà tapageuse et l’avoir incitée à « casser des trucs ».
Non seulement au moins un viol par mosh pit a été signalé pendant le set du groupe (en plus de nombreuses autres blessures), mais le chaos qui s’en est suivi a forcé les organisateurs du festival à débrancher la prise au milieu de leur spectacle.
Même si la performance de Limp Bizkit a eu lieu la veille des tristement célèbres émeutes de clôture du festival, le groupe a été éreinté par les médias, qui leur ont reproché d’avoir déclenché l’étincelle qui a enflammé une atmosphère potentiellement volatile. Intrépide,
Limp Bizkit a fait la une de la tournée Family values cette année-là, avec le nouveau controversé Durst faisant la une des journaux pour des affrontements périodiques avec les compagnons de tournée de Bizkit .
Limp-Bizkit
Limp Bizkit s’est fait une réputation grâce à un travail acharné, faisant une tournée infernale de leur premier album Three Dollar Bill Y’All et s’élevant ainsi au statut de popularité de leurs mentors de métal alternatif Korn , tout aussi influencés par le rap .
Avec leur deuxième album, Significative Other , Limp Bizkit frôle le niveau artistique de Korn ; à tout le moins, c’est considérablement plus ambitieux et multidimensionnel que Three Dollar Bill . Boite Bizkit, bien sûr, n’a pas abandonné leur signature sonore surchargée de testostérone, ils l’ont juste construit.
Il y a des fioritures de néo-psychédélia sur des numéros de métal martelant et il y a des tourbillons de cordes, même des crooning, au fond le plus inattendu. Tout cela renforce simplement la force de leur attaque rap-metal, qui peut devenir un peu fastidieuse si elle est sans fioritures. Ce n’est pas un hasard si la palette sonore élargie sert également de coloration émotionnelle aux paroles de Fred Durst .
Il a rompu avec sa petite amie de longue date – son autre significatif, si vous voulez — pendant l’écriture de l’album, et son angoisse est apparente tout au long du disque, car presque chaque chanson est imprégnée de la culpabilité, de la colère et du regret qui ont été soulevés à la suite de la séparation.
Cela donne cependant l’impression qu’il s’agit d’un Blood on the Tracks alt-metal . Ce n’est pas. Néanmoins, il a plus de poids émotionnel que Three Dollar Bill , avec une musique plus efficace et aventureuse.
Plus important encore, il équilibre ces nouvelles préoccupations avec des traces de leur humour juvénile ainsi que le puissant aggro rap-metal qui est leur stock dans le commerce.
Ce qui en fait un rare bond en avant artistique qui plaira toujours au public qui en veut juste plus.
Limp Bizkit
Limp Bizkit : Results may vary
Pendant la crise de Napster en 2000, Durst est devenu l’un des défenseurs les plus virulents du commerce de musique en ligne ; cet été-là, Limp Bizkit s’est lancé dans une tournée gratuite parrainée par Napster.
Tout cela a préparé le terrain pour la sortie en octobre du troisième album du groupe, Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water .
Wes Borland a quitté le groupe peu de temps après, nécessitant une longue recherche d’un guitariste de remplacement de valeur comparable; enfin, après avoir passé près de trois ans sans nouvel album, le groupe Limp Bizkit a sorti Results May Vary , qui a culminé au numéro 3 du Billboard 200 américain et est finalement devenu platine.
Borlandest revenu après sa sortie, et le groupe a publié The Unquestionable Truth, Pt. 1 EP en 2005.
limp bizkit
Limp Bizkit
Limp Bizkit – Greatest Hitz
The Bizkit a ensuite publié Greatest Hitz , une enquête sur les carrières en 17 pistes qui comprenait tous les succès de leur apogée. En 2009, le groupe retourne en studio pour enregistrer avec sa formation originale.
Après un certain nombre de retards,Limp Bizkit sort son cinquième album studio, Gold Cobra, à l’été 2011. Avec le single « Shotgun », The LP a été généralement bien reçu et classé dans plusieurs pays.
En 2012, le groupe Limp Bizkit a quitté Interscope, a rejoint la liste de Cash Money Records et est retourné en studio pour commencer à travailler sur l’album numéro sept. Ils ont sorti les singles « Ready To Go » et « Endless Slaughter » en 2013, mais il faudra des années avant que le nouveau disque ne voit le jour.
Marqué par des difficultés créatives et des changements de label et de personnel, le Stampede of the Disco Elephants qui en résulte est apparu à l’horizon après la sortie du single « Dad Vibes » en 2021.
Six mois après la sortie de Limp Bizkit The Unquestionable Truth, Pt. De 1 à l’apathie quasi universelle – ce qui peut arriver lorsque vous sortez un album sans aucune promotion – le groupe s’est précipité sur la compilation Greatest Hitz , une généreuse promenade de 17 titres dans le passé.
Franchement, il est difficile d’imaginer comment cette collection aurait pu être mieux exécutée. Bien que cela puisse ne rien contenir de The Unquestionable Truth, Pt. 1 — ce qui est en fait un peu dommage, car c’était un bien meilleur album que son prédécesseur de 2003, Results May Vary, mais une règle cardinale des albums à succès (ou hitz) est qu’ils doivent contenir des chansons que les gens ont réellement entendues – il contient tous les grands succès de MTV ou de rock actif du groupe.
Deux singles mineurs dans les charts sont MIA – « Crushed » en 2000 et « Almost Over » en 2004 pour être précis – mais tout ce dont on se souvient est ici. Il y a leur premier single, « Counterfeit »; il y a « Faith », le premier de leur série interminable de reprises embarrassantes, est ici, avec leur pire (« Behind Blue Eyes ») et leur dernier.
Il y a les grands succès « Nookie », « Break Stuff », « Rollin’ (Air Raid Vehicle) », « My Way » et « My Generation »; et il y a « Take a Look Around », leur contribution à la bande originale de Mission Impossible 2, qui est moins oubliable que les trois sélections de Results May Vary .
Rien de tout cela n’a bien vieilli – en fait, il a vieilli incroyablement vite, sonnant plus vieux que les tubes de rock alternatif du milieu des années 90 – mais c’est presque hors de propos, car cela fait bien son travail, et les auditeurs ceux qui veulent avoir du Limp Bizkit dans leur collection trouveront cela pour leur fournir plus de ce qu’ils veulent que tout autre dizc Bizkit .
Limp Bizkit : Gold Cobra
Arrivant à la conclusion que The Unquestionable Truth était si puissant qu’il n’avait jamais eu besoin du deuxième volume promis, Limp Bizkit a fait une pause au cours de la seconde moitié des années 2000, le leader Fred Durst étant beaucoup plus acclamé par la critique en tant que réalisateur qu’il ne l’a jamais fait en tant que réalisateur. un chanteur.
Malgré ces hosannas à contrecœur, Durst s’est senti obligé de réunir le Bizkit , d’effacer les souvenirs du programme raté de The Unquestionable Truth et de Wes Borland-moins « Répéter si nécessaire », pour trouver un moyen d’exploiter la colère qui a déclenché tout le processus.
Une tâche difficile pour n’importe quel groupe, mais en plus de se frotter à Auto-Tune – l’effet vocal électronique tremblant qui est embroché sur « AutoTunage » – Limp Bizkit a l’ intention de revenir en arrière et de revenir à l’attaque à plein régime de Three Billet d’un dollar Y’All .
Si le groupe Limp Bizkit est déterminé à agir comme si les 15 dernières années ne s’étaient jamais produites, Durst est déterminé à agir comme s’il avait 15 ans, en lançant toujours des flèches douloureuses à quiconque aurait pu se mettre sur son chemin.
Le contexte compte et l’angoisse des adolescents est un peu plus difficile à digérer venant d’un homme adulte que d’une vingtaine d’années, en particulier si cet adulte est un millionnaire qui ressemble maintenant un peu à Le frère le plus lourd de Michael Stipe .
Durst ne peut toujours pas s’empêcher de crier à chaque fois qu’il est en colère, et il est souvent en colère : il est fou d’Auto-Tune, il est fou des connards de Beverly Hills, il se demande pourquoi il devrait essayer, il pense que tu devrais avoir une vie et te préparer vous-même pour une « attaque de requin ».
Moins un détail ou deux, c’est le même ensemble de griefs qu’il colporte depuis le début, les similitudes si frappantes qu’elles sont sûrement aussi intentionnelles que Bizkit sortir leur mouture métallique pré-millénaire, agissant comme si les années W n’avaient jamais eu lieu.
Bien sûr, en tant que son pur, il est bien exécuté – plus assuré, musical et, bien, professionnel que n’importe lequel de leurs autres albums, leur âge leur conférant une dextérité absente de leurs tubes – mais la rétro-rage délibérée soulève la question : à qui s’adresse cette musique exactement ? Est-il destiné à attirer un nouveau lot d’adolescents frustrés qui bégaient ou est-ce pour des adultes abattus et déçus qui n’ont pas encore ébranlé les ressentiments des adolescents?
L’argent sûr est sur ce dernier, mais cela suggère seulement que toute cette rage est un acte calculé, que Limp Bizkit – dont les membres sont bien plus intelligents que leur art, comme toute interview avec Durst ou Borland prouve — n’agit de cette façon que parce que c’est tout ce qu’ils savent faire ou parce que ça se vend… du moins ça l’a fait à un moment donné.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
1. Qui est Limp Bizkit et comment ont-ils commencé leur carrière musicale?
Limp Bizkit est un groupe de rock américain formé en 1994 à Jacksonville, en Floride. Le groupe est composé de Fred Durst au chant, Wes Borland à la guitare, Sam Rivers à la basse, John Otto à la batterie et DJ Lethal aux platines. Ils ont commencé leur carrière musicale en jouant dans des clubs locaux en Floride et ont rapidement gagné en popularité grâce à leur son unique et énergique.
2. Quel est le style musical de Limp Bizkit?
Le style musical de Limp Bizkit est un mélange de rap, de rock, de metal et de punk. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare puissants, des rythmes de batterie lourds et des paroles qui reflètent souvent la colère et la frustration.
3. Quels sont les albums les plus connus de Limp Bizkit?
Limp Bizkit a sorti six albums studio au cours de leur carrière, mais leurs deux albums les plus connus sont « Significant Other » (1999) et « Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water » (2000). Ces albums ont été des succès commerciaux et ont propulsé le groupe au sommet des charts.
4. Quelles sont les chansons les plus célèbres de Limp Bizkit?
Certaines des chansons les plus célèbres de Limp Bizkit sont « Nookie », « Break Stuff », « My Way », « Rollin' », et « Behind Blue Eyes ».
5. Comment Limp Bizkit a-t-il influencé la musique?
Limp Bizkit a influencé la musique en introduisant un son hybride de rap et de rock qui a ouvert la voie à de nombreux autres groupes de rap-rock et de nu-metal. Le groupe a également été l’un des premiers à intégrer un DJ à leur formation, ce qui est maintenant devenu une pratique courante dans de nombreux genres musicaux.
6. Comment le groupe a-t-il évolué au fil du temps?
Au fil du temps, Limp Bizkit a évolué en explorant différentes sonorités et en expérimentant de nouveaux styles musicaux. Leur album « Results May Vary » (2003) a marqué un tournant dans leur carrière avec une approche plus douce et plus introspective, tandis que leur album « Gold Cobra » (2011) a vu le retour du son plus agressif et énergique pour lequel ils sont connus.
7. Quels sont les membres actuels de Limp Bizkit?
Les membres actuels de Limp Bizkit sont Fred Durst (chant), Wes Borland (guitare), Sam Rivers (basse), John Otto (batterie) et DJ Lethal (platines).
8. Le groupe a-t-il remporté des prix pour leur musique?
Oui, Limp Bizkit a remporté plusieurs prix pour leur musique, notamment un Grammy Award pour la meilleure performance hard rock en 2001 pour leur chanson « Take a Look Around ».
9. Quels sont les moments forts de la carrière de Limp Bizkit?
Limp Bizkit a connu de nombreux moments forts au cours de leur carrière, notamment leur performance à Woodstock ’99 qui a été marquée par des troubles et des incendies, leur tournée mondiale en 2001 qui a été un immense succès, et leur collaboration avec le rappeur Method Man sur la chanson « N 2 Gether Now » qui a été un grand succès.
10. Quel est l’héritage de Limp Bizkit dans l’histoire de la musique?
Limp Bizkit a laissé un héritage durable dans l’histoire de la musique en tant que groupe pionnier du mouvement nu-metal et du rap-rock. Leur mélange unique de rap et de rock a influencé de nombreux autres groupes et a ouvert la voie à de nouveaux genres musicaux. Leur son énergique et leur présence sur scène ont également inspiré des générations de fans de musique à travers le monde.
Le prochain documentaire « The Beatles: Get Back » réalisé par Peter Jackson offrira un regard révélateur sur le groupe. Voici ce que nous savons jusqu’à présent.
The Beatles Get Back, le documentaire
The Beatles Get Back, le documentaire
Les Beatles sont peut-être l’un des groupes les plus intensément documentés et étudiés de l’histoire – ils ont dominé la liste des 100 plus grands artistes de tous les temps de Rolling Stone , et de nombreux films ont été réalisés sur leur ascension vers la gloire et leur impact culturel. Leur héritage se perpétue dans la musique moderne et la culture populaire.
Il semble presque étrange qu’il puisse y avoir tellement plus à apprendre sur le groupe britannique emblématique, mais heureusement pour les fans des Beatles, Disney + a collaboré avec WingNut Films pour réaliser une série documentaire en trois parties qui examinera de toutes nouvelles séquences des Beatles, comme enregistré par Michael Lindsay-Hogg en 1969.
The Beatles: Get Back plongera profondément dans la vie et les sessions d’enregistrement des Beatles du début janvier 1969 jusqu’à leur incroyable ensemble sur le toit sur Savile Row le 30 janvier 1969, qui était la dernière performance publique en direct du groupe de leur carrière .
La série présente le tout premier enregistrement complet du spectacle en direct et offrira un regard incroyablement approfondi sur les derniers jours des Beatles en tant que groupe. The Beatles: Get Back sera diffusé pendant trois jours pendant les vacances de Thanksgiving, à partir du 25 novembre 2021 , et vous pourrez regarder chaque épisode lors de sa diffusion sur Disney+ .
Où trouver The Beatles: Get Back quand il sortira ?
Le réalisateur Peter Jackson a passé trois ans à reconstituer les images de Michael Lindsay-Hogg, tout en utilisant des technologies modernes de montage et de restauration.
The Beatles: Get Back
DISNEY+
Vous pouvez diffuserThe Beatles: Get Back à sa sortie, ainsi que d’autres séries documentaires, sur Disney+. Le service de streaming est disponible via une connexion Internet si vous habitez en Australie, Autriche, Canada, îles anglo-normandes, France, Allemagne, Inde, Irlande, île de Man, Italie, Monaco, Pays-Bas, Nouvelle-Zélande, Porto Rico, Espagne, La Suisse, le Royaume-Uni ou les États-Unis La plate-forme de streaming direct de Disney est accessible à partir de navigateurs de bureau, d’appareils mobiles, de consoles de jeux, etc.
Disney+ abrite les films Walt Disney Studios, les films et séries Marvel, les séries originales de Disney Channel, les films et courts métrages Pixar, les films et séries Star Wars et les titres National Geographic. La plateforme publie également en permanence de nouveaux contenus , tels que The Mandalorian , Raya et le dernier dragon , ainsi que des séries à venir comme Obi-Wan Kenobi , et des films à venir comme Luca .
De quoi parlera The Beatles : Get Back ?
Réalisé par Peter Jackson et produit par The Walt Disney Studios et WingNut Film Productions Ltd., The Beatles: Get Back présentera des séquences inédites de Michael Lindsay-Hogg (réalisateur de films comme Brideshead Revisited et Waiting for Godot ), qui documente les Beatles au cours de la préparation et de la performance de leur spectacle de 1969, qui présentait leur dernière performance en direct en tant que groupe, aboutissant à une interprétation de la chanson « Get Back ».
L’ensemble sur le toit, qui comprenait des mélanges et des versions de chansons qui apparaîtraient sur le dernier album studio des Beatles, Let It Be , vit à travers 150 heures d’audio inédit et 60 heures de séquences inédites, qui capturent le quotidien de les sessions d’enregistrement intimes qui ont précédé le spectacle. Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono Lennon et Olivia Harrison ont tous déclaré leur soutien à la série documentaire de six heures.
The Beatles: Get Back
Jackson, un fan autoproclamé des Beatles, a passé trois ans à reconstituer les images de Lindsay-Hogg, en utilisant des technologies modernes de montage et de restauration. Le résultat est quelque chose qu’il décrit comme une « histoire d’amis et d’individus », qui offrira un aperçu de la vie et des relations des Beatles.
Jackson est la première personne en 50 ans à avoir eu accès aux archives médiatiques que le documentaire point culminant, et The Beatles: Get Back offrira au public une chance de découvrir la musique des Beatles comme jamais auparavant. La série documentaire arrivera également sur les talons d’un livre compagnon, The Beatles: Get Back , qui fait ses débuts le 12 octobre et présente des transcriptions de la audio du documentaire, des centaines de nouvelles photos, et plus encore.
Comment regarder The Beatles : Get Back ?
Pour commencer à regarder The Beatles: Get Back le 25 novembre 2021, vous pouvez vous abonner à Disney+ dès aujourd’hui à partir de 7,99 $ ou 79,99 $ pour un abonnement d’un an. Envisagez d’investir dans un forfait avec Hulu ou ESPN+ pour tirer le meilleur parti de votre abonnement, ou même de vous abonner pendant un an pour économiser un peu d’argent supplémentaire.
Disney+ est disponible sur des appareils tels que les produits Apple, les appareils de diffusion en continu Roku, Google Chromecast, les téléphones Android et les téléviseurs, XBOX One, PlayStation 4, les téléviseurs LG, les produits Samsung, Chrome OS, Mac OS ou Windows PC.
En plus de tous ses nouveaux contenus, Disney+ abrite également des films classiques comme Aladdin , Sleeping Beauty , Robin Hood , A Bug’s Life et The Princess and The Frog que vous pouvez regarder à la demande, ainsi que des émissions Disney Channel Original comme Sky High , Elena of Avalor , Kim Possible et The Owl House . Ils ont également beaucoup de propriétés auxquelles vous ne vous attendez pas , comme Pixar Shorts, The Princess Bride , The Simpsons , Home Alone ,Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l’Armoire , Hamilton , et plus encore.
Début 2019, Apple Corps Ltd et WingNut Films Ltd ont annoncé un nouveau documentaire sur les Beatles , qui serait basé sur environ 55 heures de séquences de studio inédites des sessions « Get Back » et Let It Be du groupe en 1969 . Au cours des deux dernières années, de nouvelles informations ont continué à tomber sur le film, dirigé par le réalisateur oscarisé Sir Peter Jackson. Initialement prévu pour une sortie en septembre 2020, The Beatles: Get Back sera diffusé sur Disney + du 25 au 27 novembre.
En attendant sa première, voici ce que nous savons jusqu’à présent sur The Beatles: Get Back .
Il a été réalisé avec l’entière coopération du groupe
Les deux Paul McCartney et Ringo Starr ont chanté les louanges du film, tandis que John Lennon veuve de, Yoko Ono Lennon et George Harrison « veuve, Olivia Harrison, ont également offert leur soutien du projet.
Ce sera l’expérience ultime de voler sur le mur
« C’est comme si une machine à remonter le temps nous ramène en 1969, et nous pouvons nous asseoir dans le studio en regardant ces quatre amis faire de la bonne musique ensemble », a déclaré Peter Jackson.
Les images utilisées dans Get Back ont été tournées à l’origine pour le documentaire de Michael Lindsay-Hogg de 1970, Let It Be , qui a capturé des moments intimes en studio pendant que le groupe répétait et enregistrait les chansons de ce qui serait leur dernier album.
Le métrage, maintenant revisité par Jackson sous un nouveau jour, est le seul matériel à noter qui documente les Beatles au travail en studio.
The Beatles: Get Back
Il mettra en vedette la célèbre performance sur le toit dans son intégralité
Le 30 janvier 1969, les Beatles ont joué une performance surprise sur le toit de leur studio Savile Row. Bien que les images du tournage en direct aient été bien documentées au fil des ans, elles n’ont jamais été montrées dans leur intégralité. The Beatles: Get Back de Jackson comprendra l’intégralité de la performance de 42 minutes.
Ringo a récemment partagé ses souvenirs de cette performance emblématique avec Variety : « Nous avions décidé de jouer ensemble, en tant que groupe live. Et nous avons pensé à d’autres lieux, puis nous avons pensé : ‘Attendez, montons juste sur le toit.’ Et Michael a filmé ce truc sur le toit vraiment bien, avec beaucoup de caméras. »
Alors que le film original montrait environ 20 minutes de la performance, Ringo a déclaré qu’il était ravi de voir l’ensemble dans son intégralité, ajoutant « c’est génial ».
Le premier montage était de 18 heures
« Le premier montage a duré 18 heures et j’espérais qu’il y aurait un appétit pour dire: » OK, faisons une version de six heures « , a partagé Jackson dans une nouvelle interview avec GQ .
Toutes les séquences que nous avons tournées sont là et nous les avons simplement laissées comme scène coupée, il ne nous a donc pas fallu longtemps pour en faire une version plus longue.
Je savais que dans ce monde d’Internet, de streaming et de tout le reste, nous trouverions un chez-soi quelque part pour une version plus longue, ce qui évite d’avoir à couper des choses. »
Jackson a utilisé la technologie numérique en combinaison avec des images d’archives
Jackson a expliqué dans la même interview qu’ils avaient adopté la technologie du film They Shall Not Grow Old pour équilibrer la palette de couleurs du film, mais rien d’autre n’a été changé. Cela a laissé le réalisateur envieux de la mode à cette époque.
« Tout ce que nous avons fait, c’est d’utiliser la technologie que nous avons développée pour le film de la Première Guerre mondiale ‘Ils ne vieilliront pas’, en prenant toutes ces vieilles images de la Première Guerre mondiale et en les restaurant.
Nous n’avons pas essayé de pousser les couleurs primaires des vêtements vers le haut ou quoi que ce soit. Nous n’avons fait aucun truc comme ça. Nous venons d’équilibrer les tons de peau, et les couleurs que vous voyez, je suppose, sont les couleurs qui étaient là ce jour-là. Je veux dire, ça te rend jaloux des années 60, parce que les vêtements sont tellement fantastiques.
The Beatles: Get Back
‘Get Back’ est une célébration
Dans l’introduction de son interview avec Peter Jackson dans GQ , le journaliste Dylan Jones a expliqué à quel point le nouveau film est moins décevant que l’original.
« ‘The Beatles: Get Back’ est une autre étape sur la route longue et sinueuse vers une immortalité améliorée, car les films montrent les Beatles au sommet de leur art et ne se détériorent pas, comme ils semblaient l’être dans ‘Let de Michael Lindsay-Hogg Il soit.’
Le tout dernier film des Beatles a été un énorme échec lors de sa sortie en 1970 et il est resté un échec depuis. » Bref, Get Back est une célébration.
Vous pouvez vous attendre à entendre de la nouvelle musique
En plus des 55 heures de film, Jackson travaille également avec 140 heures d’enregistrements audio. Plusieurs des chansons sélectionnées au cours des sessions ont été incluses dans la compilation Anthology 3 de 1996, qui comprenait des extraits et des démos de « The White Album », Abbey Road et Let It Be . Cependant, il y a beaucoup de musique qui n’a pas été officiellement publiée.
Il offrira également une chance d’observer le développement des membres du groupe en tant qu’artistes solos. La plupart des morceaux qui n’ont pas été diffusés sur Let It Be ont ensuite été développés et inclus dans leurs albums solo, notamment le « Teddy Boy » écrit par Paul McCartney, qui est apparu sur son premier album solo de 1970, McCartney , et celui de George Harrison. Hear Me Lord’ et ‘Isn’t It A Pity’, qui ont ensuite été publiés sur son album de 1970, All Things Must Pass .
John Lennon, quant à lui, peut être entendu en train de travailler sur « Gimme Some Truth » et « Oh My Love », qui sont tous deux apparus dans Imagine en 1971 .
La vraie relation du groupe est révélée
Alors que le long métrage de Lindsay-Hogg offrait un regard en profondeur sur les sessions des Beatles, il révélait également certains des moments de tension dans le studio. À bien des égards, il documente un groupe au bord de la rupture.
Get Back , en revanche, regarde les images dans leur ensemble et brosse un tableau très différent du temps passé ensemble par le groupe. Dans une récente interview sur The Howard Stern Show , Paul McCartney a déclaré : « Nous nous amusons évidemment ensemble. Vous pouvez voir que nous nous respectons et que nous faisons de la musique ensemble, et c’est une joie de la voir se dérouler.
Pendant ce temps, dans une déclaration, Ringo a rappelé: « Nous avons passé des heures et des heures à rire et à jouer de la musique… Il y avait beaucoup de joie, et je pense que Peter le montrera. Je pense que cette version sera beaucoup plus paisible et aimante, comme nous l’étions vraiment.
S’adressant à Variety , Ringo a ajouté que le film original, « se concentrait uniquement sur le moment le plus bas… Tout le monde connaît ma position. Je pensais que le downer était beaucoup plus gros que le reste (dans Let It Be ). J’étais là . C’était très amusant… J’ai dit : « Je sais qu’il y a beaucoup d’humour là-bas. »
« La réalité est très différente du mythe », a confirmé Jackson dans un communiqué de presse. « Après avoir revu toutes les séquences et l’audio que Michael Lindsay-Hogg a tourné 18 mois avant leur rupture, c’est tout simplement un incroyable trésor historique. Bien sûr, il y a des moments dramatiques, mais aucune des discordes auxquelles ce projet a longtemps été associé. »
« The Beatles: Get Back crée un contre-récit joyeux au film Let It Be des Beatles de 1970, la chanson du cygne , qui a essentiellement documenté la rupture du groupe et est une expérience plutôt déprimante. Le nouveau film est complètement différent, avec les quatre membres qui rient et font le clown à la manière classique de la vadrouille », a écrit Variety , qui a pu visionner des segments du film.
The Beatles, Get Back: la fiche technique
– Titre original : The Beatles: Get Back
– Réalisation : Peter Jackson, avec des archives filmées par Michael Lindsay-Hogg
– Musique : The Beatles (remastérisée par Giles Martin et Sam Okell)
– Photographie : Anthony B. Richmond
– Montage : Jabez Olssen
– Production : Jonathan Clyde, Peter Jackson et Clare Olssen
– Producteurs délégués : Jeff Jones et Ken Kamins
– Sociétés de production : Apple Corps et WingNut Films
– Société de distribution : Walt Disney Pictures
– Pays d’origine : Drapeau du Royaume-Uni Royaume-Uni, Drapeau des États-Unis États-Unis, Drapeau de la Nouvelle-Zélande Nouvelle-Zélande
– Format : Couleurs
– Genre : documentaire musical
– Durée : 6 heures
– Dates de sortie : 25, 26 et 27 novembre 2021 (Disney+)
The Beatles, Get Back: La Distribution
John Lennon
Paul McCartney
George Harrison
Ringo Starr
Billy Preston
Yoko Ono
Mal Evans
George Martin
Linda McCartney
Heather McCartney
The Beatles, Get Back: La génése
Initié par le directeur général de Apple Corps Jeff Jones et son collègue Jonathan Clyde, Peter Jackson est approché afin d’effectuer la restauration des images tournées en janvier 1969 pour un nouveau film documentaire.
Le réalisateur qui devait effectuer ce nouveau montage ayant démissionné, Jackson se montre intéressé au projet. Mais celui-ci, possédant une copie du film original et réticent de réaliser un film sur la dissolution de ce groupe mythique, n’a pas accepté de s’impliquer avant de visionner ces heures de séquences filmées.
Par la suite, il affirme : « Ce que j’ai trouvé, c’est que j’ai ri continuellement. Je ne faisais que rire. Je riais et riais et riais et je ne pouvais pas m’arrêter. » Lorsqu’il rencontre Paul McCartney à l’arrière-scène de son spectacle à Auckland en 2017, il surprend l’ex-beatle quand il lui décrit ce qu’il a vu.
Refusant de permettre la restauration du film d’origine et inquiété par ses propres souvenirs de ses séances, teintées par la perception généralement glauque de ce mois en studio, McCartney est rassuré et le projet peut alors débuter.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Quelle est l’histoire derrière l’album Get Back des Beatles ?
L’album Get Back a une histoire assez complexe et mouvementée. À l’origine, le projet était de faire un documentaire cinématographique sur l’enregistrement d’un nouvel album des Beatles, qui aurait pour titre provisoire Get Back.
Le réalisateur Michael Lindsay-Hogg a filmé le groupe pendant plusieurs semaines, notamment pendant les sessions d’enregistrement au studio Twickenham à Londres et dans les studios d’Apple Corps à Savile Row. Le projet a été marqué par des tensions au sein du groupe, notamment entre Paul McCartney et les autres membres, ainsi que des problèmes techniques et artistiques.
Finalement, le projet a été abandonné, mais les enregistrements ont été retravaillés et ont abouti à la sortie de l’album Let It Be, qui est sorti en 1970, peu après la séparation du groupe. En 2003, une version alternative de l’album, intitulée Let It Be… Naked, a été publiée, qui présente les chansons dans une version dépouillée, sans les ajouts et les effets sonores qui avaient été ajoutés à l’époque.
En 2021, une nouvelle version de l’album, intitulée Get Back, est sortie, qui a été remixée et restaurée à partir des enregistrements originaux.
Quelles sont les chansons les plus connues de l’album Get Back des Beatles ?
L’album Get Back a donné naissance à plusieurs chansons qui sont devenues des classiques du répertoire des Beatles. La chanson-titre, « Get Back », est sans doute la plus célèbre, avec son riff de guitare entraînant et son refrain accrocheur. « Let It Be » est également un classique, avec sa mélodie émouvante et ses paroles qui ont une signification spirituelle pour beaucoup de gens.
« The Long and Winding Road » est une ballade puissante avec des arrangements orchestraux, tandis que « Across the Universe » est une chanson plus expérimentale avec des paroles inspirées de la méditation transcendantale.
Quelle a été la réception de l’album Get Back des Beatles ?
L’album Get Back a été accueilli de manière mitigée par la critique à sa sortie, en partie en raison de la façon dont les enregistrements ont été produits et des conflits internes du groupe. Cependant, certaines des chansons de l’album sont devenues des classiques indémodables et ont été saluées pour leur qualité musicale.
La version remixée et restaurée de l’album qui est sortie en 2021 a été saluée par les fans et la critique pour sa qualité sonore améliorée et pour le fait qu’elle présente le groupe de manière plus positive, en montrant leur collaboration créative et leur complicité.
Quand est-ce que l’album « Let It Be » est sorti ?
« L’album « Let It Be » est sorti le 8 mai 1970, après que le groupe ait déjà annoncé sa séparation. Cependant, l’enregistrement de l’album a été tumultueux et il y avait beaucoup de tension entre les membres du groupe. Pour cette raison, la production de l’album a été mise en attente et le groupe a enregistré l’album « Abbey Road » avant de finaliser « Let It Be ».
Quelle est la signification de la chanson « Get Back » ?
« Get Back » a été écrite par Paul McCartney et a été inspirée par la ségrégation raciale aux États-Unis à l’époque. McCartney a imaginé une histoire dans laquelle Jojo était un homme blanc qui voulait aller à Los Angeles pour rencontrer une femme noire nommée Loretta Martin. La chanson a été enregistrée avec Billy Preston, un pianiste américain qui a également joué avec les Beatles lors de la session de « Let It Be ».
Comment a été enregistré l’album « Let It Be » ?
L’album « Let It Be » a été enregistré en grande partie en janvier 1969, dans les studios de Twickenham Film Studios à Londres. Le groupe a également enregistré des sessions à la fin du mois d’août de la même année aux studios Apple, également à Londres. L’album a été produit par Phil Spector, qui a ajouté des arrangements orchestraux à certaines chansons, y compris « The Long and Winding Road ».
L’album a été enregistré en utilisant un équipement relativement simple, car le groupe cherchait à enregistrer un album dans un style « live ». Cependant, le processus d’enregistrement a été marqué par des tensions et des désaccords, et il y avait des divergences sur la façon dont l’album devait être produit.
La musique métal : présentation, origine et culture
Vous avez probablement entendu parler de la musique métal…, ma mère aussi.
J’ai beau lui expliquer depuis des années le pourquoi du comment, elle ne comprend toujours pas. Voilà donc une synthèse pour qu’enfin, elle comprenne… Le métal, savez-vous vraiment ce qu’est la musique métal ? Connaissez-vous cette musique et sa culture? Vous pouvez avoir des hypothèses erronées sur ce sujet.
La musique métal : c’est quoi ?
La musique métal est un style musical qui provient de nombreux courants, principalement du hard rock. Le rock est généralement l’un des styles musicaux les plus importants du 20e siècle.
Après Psychedelic Rock et Blues Rock des années 60 avec Sweet Smoke et Yardbirds, un nouveau genre est apparu au début des années 70: le Hard Rock. Ce rock est beaucoup plus musclé, avec des riffs puissants *, un son de guitare riche et souvent un tempo plus rapide.
Le chanteur de hard rock est très souvent charismatique et forme « la marque » du groupe. La liste des groupes d’anthologie est longue dans ce genre, mais on peut citer, par exemple, Led Zep, Aerosmith, Deep Purple, Van Halen et bien sûr AC / DC.
A partie de 1969, un groupe quelque peu différent a commencé à faire parler de lui : Black Sabbath. C’était du hard rock ? Pas vraiment, car même si le chanteur Ozzy Osbourne avait une voix aussi charismatique que celle de Robert Plant (Led Zeppelin) ou Bon Scott (AC / DC), le tempo était beaucoup plus lent, les riffs beaucoup plus durs.
Les chansons étaient souvent composées en mode mineur, contrairement au hard rock, qui avait tendance à être en mode majeur. En termes simples, un mode majeur donne généralement à la chanson un ton plus joyeux et dynamique qu’un mode mineur, qui lui donne un sentiment plus triste, plus mélancolique, plus sombre et plus mystérieux. Attention cependant, ce n’est pas systématique et il existe de nombreux contre-exemples.
Black Sabbath a réussi et de nombreux groupes s’en sont inspirés. Compte tenu de l’expansion de ce style, il a finalement été caractérisé et nommé : le métal. La musique métalest née.
La musique métal est un genre extrêmement complexe et diversifié, il est donc assez difficile de généraliser la musique métal, mais certains éléments typiques sont toujours présents dans les différents sous-genres. Tout d’abord, le mode mineur prédomine dans les compositions, ce qui donne aux chansons une connotation sombre.
Ce sentiment est renforcé par l’utilisation massive de l’intervalle « Newt » (exactement trois tons, ce qui correspond à un cinquième augmenté ou un cinquième réduit), qui est considéré comme un accord dissonant par excellence et contribue au fait que l’impression peut être entendue dans une musique agaçante et grinçante, d’où le nom « Métal ». Un très bon exemple est la chanson « Black Sabbath » du groupe du même nom, dans laquelle le gimmick principal repose sur le triton.
Crédit photo : Eric CANTO
Les instruments de la musique métal
Au niveau des instruments, on retrouve dans la musique métal la combinaison caractéristique du hard rock: une ou deux guitares électriques (en l’occurrence lead et rythmique), une basse et un kit de batterie. Les musiciens peuvent également utiliser un clavier, en particulier dans des genres comme le métal symphonique et d’autres instruments folkloriques (violon, cornemuse, flûte, etc.) en métal folklorique.
Le rythme des compositions de la musique métal est généralement très rapide et s’approche parfois des limites de la capacité humaine. Un exemple bien connu est la chanson « Through the Fire and Flames » de DragonForce, dont le tempo est de 200 battements par minute.
Le rythme de la musique métal
Le rythme très rapide de la musique métal oblige souvent les musiciens à avoir une grande maîtrise technique de leurs instruments, voire une certaine virtuosité. C’est généralement le cas pour les batteurs qui utilisent beaucoup de toms et la double pédale.
Une exception notable concerne le Doom Metal, qui se caractérise par un rythme très lent. Les techniques utilisées sur la guitare vont des accords de puissance (accords simples, mauvais harmoniques qui sonnent puissants) à des accords plus complexes et virtuoses comme le shred (qui combine vitesse et technique) ou le picking de trémolo (note répétée très rapidement).
Le chant de la musique métal
Concernant la chanson, on associe souvent (à tort!) Le chant de la gorge (la chanson qui donne l’impression que le chanteur mange son déjeuner) avec du métal.
Ce type de chanson n’existe pas dans tous les sous-genres de la musique métal, bien au contraire! Le type de voix et la technique vocale utilisés sont des caractéristiques distinctives importantes des sous-genres, c’est pourquoi j’y reviendrai dans un autre article.
L’esprit du métal: un mouvement satanique ?
Le métal est souvent associé à tort au satanisme. Pourquoi ? Il s’avère que le métal est un style résolument provocateur. Cet esprit existe également dans le punk, mais ce genre attaque davantage la politique et la société, tandis que le métal est plus contraire à la religion.
En fait, le métal rejette souvent l’influence de la religion sur nos sociétés et les entraves qui leur sont associées.
Cela ne veut pas dire que les métalleux ne sont pas croyants ou impies.
Il y a un petit sous-genre appelé « Christian Métal » qui incorpore des messages chrétiens dans les paroles. Cependant, ce style s’est particulièrement développé dans les pays où le christianisme domine, et les groupes choisissent souvent de marquer leur opposition et de simplement s’inspirer de ce que l’Église condamne: le diable et le satanisme. Pour cette raison, certains éléments rappellent la culture de métal imprégné de Satan:
– Le triton: Cette période a été interdite au Moyen Âge et associée à Satan. L’Eglise l’avait appelé « Diabolus In Musica ».
– Cornes de diable: C’est le symbole collectif des têtes métalliques, de l’index et du petit doigt levé.
– Le nombre 666 signifie « le nombre de la bête », le nombre du diable, contrairement au nombre 333, qui est associé à la Trinité (Dieu, le Christ et le Saint-Esprit). Plusieurs chansons le montrent, y compris la chanson et l’album éponyme d’Iron Maiden « The Number of the Beast ».
– La croix inversée: symbole de l’Antéchrist, qui est contenu dans les logos de certains groupes ou dans des éléments décoratifs scéniques.
– Le pentagramme inversé: figure ésotérique utilisée dans les rituels sataniques et parfois représentée dans les logos de certains groupes. Bien que ces éléments soient très présents dans la culture du métal, très peu de groupes et de métallurgistes sont résolument sataniques.
Ces références ne sont utilisées que pour indiquer le rejet de la religion en général (en particulier les religions chrétiennes) et font largement partie du « folklore ». Le métal n’est donc pas un mouvement satanique, comme certains groupes et politiciens chrétiens veulent le croire.
Crédit photo : Eric CANTO
Thèmes récurrents de la musique métal
Comme je l’ai dit, le métal est un genre qui s’intéresse davantage à la spiritualité, à nos questions intérieures et à nos peurs. Et quoi de plus effrayant pour l’homme à cet égard que la mort, ce grand inconnu ?
Par conséquent, ce dernier est l’un des thèmes récurrents à la fois dans les chansons et les noms des groupes. A travers le métal, les groupes ont aussi le désir de porter nos sentiments négatifs à l’extérieur, de servir brièvement de « catharsis ».
La souffrance physique et mentale, la peur, l’inconfort, la solitude, la colère et la violence sont donc des sources d’inspiration pour de nombreux groupes.
Dans certains genres comme le folk métal et le black métal, les mythologies nordiques et celtiques jouent un rôle important, souvent associé au désir de redécouvrir nos origines et de communiquer avec les forces de la nature. Il convient également de noter que le paganisme a été sévèrement condamné par l’Église et que toutes ces mythologies et cultures ont été abandonnées en raison de l’oppression catholique.
Une manière de marquer à nouveau son opposition aux religions chrétiennes … Les univers qui émergent de la littérature fantastique héroïque (chevalerie, créatures mythiques, magie, quête héroïque, bataille entre le bien et le mal, etc.) sont également une source d’inspiration pour certains groupes, notamment pour le Power Metal et le Metal symphonique.
Cependant, ne croyez pas que les métalleux sont déprimés et à risque de suicide ou même de mystiques! Les Métalleux aiment aussi (et surtout) apprécier et profiter des joies de la vie: l’alcool et le sexe sont des sujets très courants dans les chansons.
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Crédit photo : Eric CANTO
Culture de la musique métal
Code vestimentaire de la musique métal
La couleur du métal est le noir. Le métal head a souvent les cheveux longs, un t-shirt à l’image de son groupe préféré, un jean ou un pantalon à bretelles, éventuellement des bracelets de force, et le Dr. Martens ou Converse, bref, une tenue pour se sentir bien et faire preuve de passion. Le cuir, les ongles, les pointes diverses et variées sont également des éléments très courants.
La veste à patch est aussi un vêtement associé au hard rock et au métal: c’est une veste (en jean ou en mesh) sur laquelle le métalhead coud des patchs avec les noms et logos des groupes qu’il préfère.
Lors de concerts, vous pouvez également rencontrer des amateurs de musique métal portant un kilt et une corne à boire. Dans ces cas, vous devez traiter avec des amateurs de folk métal. Note importante: Très souvent, des amateurs de musique métal s’intègrent dans la population, car beaucoup ne prennent cette « tenue » que lors de concerts et de festivals.
Un autre point important de l’aspect métallique est certainement les modifications corporelles: les fans de métal portent souvent de nombreux tatouages et couvrent parfois une partie du corps (bras, dos, torse, etc.). Les piercings sont également courants.
Comment bouge un métalleux lors de concerts de métal
Les amateurs de musique métal aiment aller à des concerts ou à des festivals comme le Hellfest. Contrairement à de nombreux concerts d’autres styles musicaux, le public métal est particulièrement dynamique. Le mouvement de base est le headbang, un mouvement de la tête d’avant en arrière qui suit le tempo de la musique. Et les métalleux vous diront que l’effet est beaucoup plus réussi si vous avez les cheveux longs !
Le signe le plus pratiqué est celui des cornes du diable, qui est principalement utilisé pour saluer la fin d’une pièce et d’un concert (le metalhead préfère généralement faire les cornes du diable et sa satisfaction par un cri ou un Exprimez un grognement au lieu d’applaudir).
Des chorégraphies peuvent être réalisées pour les plus sportifs. Tout d’abord, le pogo, inspiré du punk, qui forme la base de la « danse » métal. Il s’agit de sauter de haut en bas et de rencontrer vos voisins, ce qui vous donne l’impression de sauter de haut en bas.
Soyez assuré que si jamais vous tombez dans un pogo, il y aura toujours quelqu’un pour vous aider à vous lever ! Ensuite, il y a d’autres chorégraphies plus extrêmes réservées aux plus audacieux: – The Mosh Pit: Pogo, qui exerce également des mouvements de bras d’avant en arrière et des coups de pied un peu inspirés des arts martiaux. Le mosh pit est principalement pratiqué dans les concerts de métalcore.
Le wall of death
Le mouvement le plus extrême et impressionnant du public ! Afin de former un mur de la mort, le public s’est divisé en deux parties à la demande du chanteur, une à sa droite, une à sa gauche. A son signal, les deux moitiés du public doivent se heurter au milieu du terrain et provoquer une grosse collision. C’est ainsi que se termine cette première partie de « Metal for Dummies« .
Le métal étant un genre très vaste et complexe, dans un prochain article, j’expliquerai les caractéristiques des différents sous-genres qui peuplent ce style de musique.
Maintenant que vous en savez un peu plus sur la culture métal, j’espère que vous n’avez plus peur des amateurs de musique métal et de leur musique, car même si ce style semble violent à première vue, vous constaterez qu’il est très riche et que ses disciples sont des amateurs de bière et de camaraderie, mais surtout…des mélomanes.
Voilà, normalement ma mère a capté ce que nous venons de raconter.
Là franchement, je ne peux pas plus simplifier.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La musique Métal est un genre musical qui est apparu à la fin des années 1960 et au début des années 1970, principalement en Grande-Bretagne et aux États-Unis. Elle se caractérise par des guitares électriques très saturées, des rythmes lourds et des voix puissantes. Le Métal englobe de nombreux sous-genres, tels que le Heavy Métal, le Thrash Métal, le Death Métal, le Black Métal, le Doom Métal, etc.
2. Quels sont les instruments typiques utilisés dans la musique Métal ?
Les instruments typiques utilisés dans la musique Métal sont la guitare électrique, la basse électrique, la batterie et le chant. Certaines formations incluent également des claviers, des violons ou d’autres instruments plus inhabituels.
3. Qu’est-ce que le headbanging ?
Le headbanging est un mouvement caractéristique associé à la musique Métal. Il consiste en un mouvement de la tête en avant et en arrière, en suivant le rythme de la musique. Le headbanging peut être pratiqué debout ou assis, et peut varier en intensité selon les individus.
4. Quels sont les artistes emblématiques de la musique Métal ?
La musique Métal a donné naissance à de nombreux artistes emblématiques, tels que Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica, Slayer, Megadeth, Pantera, AC/DC, Judas Priest, Motörhead, Ozzy Osbourne, et bien d’autres encore.
5. Qu’est-ce que le mosh pit ?
Le mosh pit, également appelé circle pit ou pit, est une pratique associée à la musique Métal. Il s’agit d’un espace dans le public où les spectateurs se regroupent pour danser de manière très énergique en se bousculant. Le mosh pit peut être assez violent et nécessite une grande vigilance pour éviter les blessures.
6. Comment les paroles des chansons Métal sont-elles généralement écrites ?
Les paroles des chansons Métal peuvent aborder de nombreux sujets, tels que la politique, la religion, la guerre, l’amour, la mort, la nature, etc. Elles sont souvent écrites de manière poétique, métaphorique ou imagée, et peuvent être très sombres ou provocatrices.
7. Comment la musique Métal est-elle perçue dans la société ?
La musique Métal est souvent perçue de manière controversée dans la société. Elle est parfois associée à des comportements violents, des drogues, ou des idéologies extrêmes. Cependant, elle est également appréciée par de nombreux fans pour son énergie, sa créativité, et son engagement envers la liberté d’expression.
8. Comment la musique Métal a-t-elle évolué au fil du temps ?
La musique Métal a connu de nombreuses évolutions au fil du temps, avec l’apparition de nouveaux sous-genres et des influences diverses provenant d’autres genres musicaux. Par exemple, le Heavy Métal classique des années 1970 a évolué vers le Thrash Métal dans les années 1980, qui était plus rapide et plus agressif. Dans les années 1990, le Death Métal et le Black Métal ont émergé, avec des paroles plus sombres et des rythmes plus lents. Au cours des dernières années, des genres tels que le Metalcore et le Djent ont vu le jour, apportant des éléments de musique électronique et de Jazz au Métal.
9. Qu’est-ce que le metal underground ?
Le metal underground est une scène musicale alternative qui se caractérise par des groupes indépendants et des labels de musique indépendants. Ces groupes ne sont pas forcément connus du grand public, mais ils sont appréciés par les fans de Métal pour leur originalité, leur créativité et leur engagement envers le genre.
10. Qu’est-ce que le Metallica Black Album et pourquoi est-il important pour le Métal ?
Le Metallica Black Album est le cinquième album studio de Metallica, sorti en 1991. Il s’agit d’un album très important pour la musique Métal, car il a permis au groupe de conquérir un public plus large et de s’affirmer comme l’un des plus grands groupes de Métal au monde. L’album est également important car il a introduit des éléments plus mélodiques dans le son de Metallica, ce qui a influencé de nombreux groupes de Métal ultérieurs.
Comprendre la défiscalisation oeuvre d’art c’es simple : Vous souhaitez embellir votre salon ou vos salles de réunion à peu de frais ? Cela tombe bien car l’acquisition de tirage d’art peut vous ouvrir les portes de la défiscalisation d’oeuvre d’art ! En effet, en soutenant un artiste par l’achat d’une de ses œuvres, vous pourrez réduire le montant de votre impôt.
Par ailleurs, la défiscalisation des œuvres d’art (contemporain ou classique) concerne aussi bien les particuliers que les professionnels. Mais la réduction d’impôt liée aux œuvres d’art doit répondre à des exigences bien précises. Nous vous expliquons comment ça marche.
Défiscalisation oeuvre d’art
L’entreprise qui achète des œuvres originales d’artistes vivants pour les exposer au public peut déduire le prix d’acquisition de son résultat imposable. C’est aussi le cas pour l’achat d’instruments de musique destinés être prêtés aux artistes. Il faut cependant que ces œuvres ou instruments répondent à certaines conditions.
Oeuvre d’art et impôt sur le revenu
Acheter une œuvre d’art pour décorer sa maison ou son local professionnel est une riche idée. Signe d’ouverture d’esprit et de sensibilité artistique. C’est également un excellent moyen d’alléger un peu ses impôts sur le revenu.
En effet, l’acquisition, la restauration d’œuvres d’art ou de mobilier ancien, la location d’instruments de musique figure parmi les moyens de bénéficier d’une défiscalisation. En effet, les œuvres d’art n’entrent pas dans la base taxable de l’Impôt sur la Fortune Immobilière (ex-ISF). De plus, elles ouvrent le droit à une défiscalisation pour les particuliers et les entreprises.
Sont pris en compte comme des œuvres d’art au yeux du fisc les éléments suivants :
• Photographie en tirage d’art
• voitures de collection,
• statues,
• tapis et tapisseries,
• gravures,
• vêtements d’hommes célèbres,
• tableaux,
• timbres,
• objets d’antiquité de plus de 100 ans,
• insectes sous cadre-vitrine
Défiscalisation oeuvre d’art
Particulier et défiscalisation oeuvre d’art
L’acquisition d’œuvres d’art vous sera financièrement utile si vous payez l’Impôt de Solidarité sur la Fortune. En effet, les œuvres d’art sont totalement pris en compte pour une réduction d’impôts et ne doivent donc pas être mentionnées sur votre déclaration d’ISF. De plus, l’argent dépensé pour l’acquisition de ces œuvres n’est également pas imposable.
Exonéré d’ISF jusqu’en 2017, l’art est aujourd’hui purement et simplement exclu de l’assiette de l’impôt sur la fortune immobilière issu de la loi de finances pour 2018.
Cela signifie que vous pouvez légalement abaisser le plafond de votre ISF. Le tout en en investissant dans une œuvre d’art qui pourrait vous rapporter une somme conséquente en cas de revente !
Attention : lors de cette revente, vous devrez vous acquitter soit d’une taxe de 5 % sur votre plus-value, soit d’une taxation normale de 27 % avec un abattement de 10 % par an à partir de deux ans d’acquisition.
Défiscalisation oeuvre d’art
Dans le cas d’une succession, les œuvres acquises peuvent être pris en compte dans le forfait des 5 % de meubles meublants. On désigne par là tous les objets servant à l’ameublement et à la décoration d’un logement. Vous avez également la possibilité de les proposer en tant que paiement en dation (titre de paiement des droits dus).
Contrairement aux entreprises qui doivent s’engager à exposer les œuvres acquises au public pour pouvoir les défiscaliser. Pour les particuliers, l’exposition n’est absolument pas obligatoire.
Société et défiscalisation oeuvre d’art : Pour qui ?
– Les sociétés soumises, de plein droit ou sur option, à l’impôt sur les sociétés (IS).
– Les entreprises individuelles soumises à l’impôt sur le revenu dans la catégorie des BIC, à l’exclusion des BNC (Exemple : un médecin ne peut pas mais un cabinet médical pourrait).
– Plus généralement, il faut être en mesure d’inscrire le prix de l’œuvre à un compte de réserve spéciale au passif du bilan de l’entreprise.
Société et défiscalisation oeuvre d’art : les conditions
L’entreprise doit exposer l’œuvre d’art et doit communiquer sur le lieu de l’exposition :
– Dans un lieu accessible gratuitement au public ou aux salariés ; dans les locaux de l’entreprise, (Exemple : il ne peut pas s’agir d’un bureau personnel, d’une résidence personnelle ou d’un lieu réservé aux seuls clients de l’entreprise) ;
– Ou lors de manifestations organisées par l’entreprise ou par un musée, une collectivité territoriale ou un établissement public auquel le bien aura été confié ou dans un musée auquel le bien est mis en dépôt ;
– En permanence pendant 5 ans (période correspondant à l’année d’acquisition et aux 4 années suivantes).
Défiscalisation oeuvre d’art
Société et défiscalisation oeuvre d’art : Comment et combien ?
L’acquisition d’œuvres originales d’artistes vivants et le mécénat, ouvrent à une déduction fiscale plafonnée en fonction de l’option la plus avantageuse pour l’entreprise :
– Soit à hauteur de 0,5% du chiffre d’Affaire Hors Taxe
– ou bien à hauteur 20 000 €, plafond alternatif
Pour l’achat d’œuvre d’art, le montant de l’achat est déductible du résultat de l’année d’acquisition et sur les quatre années qui suivent (soit un étalement sur 5 ans) et ce par fractions égales = division du prix de l’œuvre par 5.
Ces 1/5ème sont donc déductibles dans la limite de 0,5% du Chiffre d’Affaire Hors Taxe ou 20 000 euros, en fonction de l’option la plus avantageuse et minorées des actions de mécénats déjà réalisées sur l’année.
Si la fraction du prix d’acquisition de ou des œuvres achetées (1/5ème) ne peut être totalement déduite sur une année, l’excédent non utilisé ne peut pas être reporté et déduit sur l’année suivante, il est perdu.
Défiscalisation oeuvre d’art
Voici quelques exemples de défiscalisation d’oeuvre d’art :
Défiscalisation oeuvre d’art, exemple 1 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvres pour un montant de 10 000 €. Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros, supérieur au plafond des 0,5% de son CA HT : ici 1 000 euros seulement. Elle peut ainsi bénéficier de la totalité de la déduction fiscale : 10 000 euros / 5 = 2 000 euros. Elle peut donc déduire sur 5 ans 2 000 euros par an et ce jusqu’à 20 000 euros maximum pour l’année N.
défiscalisation d’oeuvres d’art
Défiscalisation oeuvre d’art, exemple 2 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 5 millions d’euros.
Elle achète une ou des œuvres pour un montant de 10 000 €. Elle a ici intérêt à choisir le plafond imposé par les 0,5% du CA HT : ici 25 000 euros, supérieur au plafond alternatif de 20 000 euros. Elle peut ainsi bénéficier de la totalité de la déduction fiscale : 10 000 euros / 5 = 2 000 euros.
Elle peut donc déduire sur 5 ans 2 000 euros par an et ce jusqu’à 25 000 euros maximum pour l’année N.
Défiscalisation oeuvre d’art exemple 3 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvres pour un montant de 10 000 euros et réalise des actions de mécénat pour un montant de 18 000 euros.
Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros, supérieur au plafond des 0,5% de son CA HT : ici 1 000 euros seulement.
L’entreprise peut bénéficier de la totalité de la déduction fiscale : 10 000 euros / 5 = 2 000 euros + 18 000 euros = 20 000 euros.
Elle peut donc déduire sur 5 ans 2 000 euros par an mais aussi bénéficier de la déduction au titre de ses actions de mécénat pour un total de 20 000 euros (18 000 euros + 2 000 euros) sur l’année N.
défiscalisation d’oeuvres d’art
Défiscalisation oeuvre d’art exemple 4 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvre pour un montant de 10 000 € et réalise des actions de mécénat pour un total de 20 000 euros.
Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros supérieur au plafond des 0,5% du CA HT : ici 1 000 euros seulement.
Dans la mesure où le plafond global de déduction est déjà atteint à la suite de l’opération de mécénat (20 000 euros), le montant de déduction annuel correspondant à l’achat de l’œuvre d’art : 10 000 euros/5 = 2 000 € n’est pas déductible. Ce montant est définitivement perdu pour l’année N.
Défiscalisation oeuvre d’art exemple 5 :
Une entreprise réalise pour l’année N un chiffre d’affaires de 200 000 euros.
Elle achète une ou des œuvres d’art pour un montant de 10 000 € et effectue des actions de mécénat pour un montant de 19 000 euros.
Elle a ici intérêt à choisir le plafond alternatif de 20 000 euros, supérieur au plafond des 0,5% de son CA HT : ici 1 000 euros seulement.
Dans la mesure où le plafond global de déduction (20 000 euros) est atteint en additionnant le mécénat et l’achat d’œuvre (10 000 euros/5 = 2 000 euros + 19 000 = 21 000 euros), Le mécénat est déductible prioritairement et ici intégralement.
Ce n’est pas le cas du montant correspondant à l’achat de ou des œuvres d’art : 10 000 euros /5 = 2 000 euros. Seule la fraction restante se situant en-dessous du plafond de 20 000 euros, soit 1 000 euros l’est. Les 1 000 euros restants sont définitivement perdus.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le papier Fine Art est un papier de très haute qualité utilisé pour l’impression d’art. L’impression d’art est le terme souvent utilisé pour désigner des photographies professionnelles imprimées sur du papier de très haute qualité.
Cette appellation, papier Fine Art, qui n’est en aucun cas un label, répond à certains critères de qualité, notamment sur le papier, recherchés par de nombreux photographes et imprimeurs.
Des professionnels attirés par le papier Fine d’art
La différence entre le papier Fine ART et le papier photo normal réside dans la composition du papier lui-même. En effet, les fibres naturelles (généralement du coton ou de l’alpha cellulose) doivent entrer dans la composition du papier beaux-arts.
Le papier Fine ART n’est pas blanchi artificiellement au chlore, garantissant ainsi que les photos résistent à l’épreuve du temps. Un atout majeur dans le domaine de la photographie d’art !
Le papier photo normal répond aux besoins de certains utilisateurs lorsqu’il s’agit d’imprimer des photos à visionner occasionnellement, tandis que le papier beaux-arts garantira que les images sont présentées sous leur meilleur jour et offre de bonnes performances lors de l’exposition de tirages.
papier fine art
Papier Fine ART : des tirages faits pour durer
papier Fine Art étant destiné à l’impression de photographies de haute qualité, sa qualité doit être parfaitement adaptée à la réception d’encres et de pigments. La composition de la couche de surface doit permettre à l’encre de bien adhérer dans le temps, tout en offrant un pH neutre pour que le papier résiste également à l’épreuve du temps.
Enfin, papier Fine Art vous permettra de mettre en valeur la composition de l’image, tout en offrant le support idéal pour des couleurs intenses et des contrastes marqués, tout en permettant une large gamme de tons de gris.
Papier fine art
Choisir un papier Fine ART : une question de feeling
L’épaisseur, la teinte et la texture du papier sont trois éléments « sensoriels » qui jouent un rôle important dans le choix d’un papier photo Fine ART. L’épaisseur aura non seulement un effet sur la rigidité du papier, mais aussi sur son adhérence et sa capacité à résister à l’impression.
Tous les papiers photo Fine ART n’ont pas la même nuance de blanc. Certains auront des teintes plus chaudes que d’autres. Par exemple, Canson® Infinity Photo Lustre Premium RC est l’un des papiers les plus blancs, tandis que Canson® Infinity Platine Fiber Rag aura un ton plus chaud.
Le ton d’un papier est un facteur crucial lorsqu’on décide d’imprimer une photographie en noir et blanc ou en couleur. Par exemple, les tons de gris sont moins nets sur un papier blanc chaud.
La texture d’un papier Fine ART correspond à son ressenti au toucher : lisse, granuleux, etc. En général, un papier lisse conviendra mieux à une photo qui sera exposée sous verre, tandis qu’un papier plus texturé donnera plus de caractère à une photo non émaillée.
Par exemple, Canson Infinity Velin Museum Rag 315 g/m² a une structure lisse et légèrement granuleuse, ce qui est idéal pour imprimer une photo de haute qualité
Choisir le bon papier beaux-arts pour vos impressions est un processus très subjectif. Cela dépend uniquement de l’apparence que vous souhaitez personnellement obtenir pour votre œuvre d’art. Par exemple, la même image peut être imprimée sur un papier chiffon en coton lisse ou un papier aquarelle texturé, mais l’apparence de l’impression finale peut être très différente.
La durée de vie du papier beaux-arts
En ce qui concerne les papiers d’archives d’art, il existe deux catégories principales : les papiers mats (finition mate) et les papiers photo (finition satinée/brillante).
La durée de vie de nos impressions sur ces papiers nous survivra à tous, vous envisagez 75 à 100 ans si elles sont stockées et entretenues correctement.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
C’est quoi exactement l’impression Fine ART ? Une idée fausse standard que les collectionneurs novices ont est que toutes les impressions sont des reproductions. Comme des affiches accrochées au mur, reproduites mécaniquement et vendues.
La vérité est que les tirages d’art, même dans les rares occasions où ils prennent la forme d’affiches, sont des œuvres d’art originales à part entière. Ces œuvres portent la trace de la main de l’artiste, ainsi que les marques de l’imprimeur avec lequel l’artiste a choisi de travailler.
Les estampes réalisées par nos artistes préférés sont tout aussi originales que leurs sculptures, peintures ou photographies, il y en a juste plus.
La gravure est avant tout un art. Pour cette raison, les tirages originaux se vendent plus d’un million de dollars aux enchères.
Tout récemment, une eau-forte de Pablo Picasso, La Minotauromachie, s’est vendue pour la somme record de 1,98 million de dollars. Bien sûr, tous les types d’impressions n’atteignent pas cette stratosphère somme .
Comme nous le verrons, la collection d’estampes peut être un moyen pragmatiquement peu coûteux de développer une collection d’art respectable. L’essentiel est de savoir quoi chercher.
IMPRESSION FINE ART – L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
Les tirages d’art sont généralement imprimés à partir de fichiers électroniques à l’aide d’encres de qualité archive et sur du papier sans acide, c’est l‘impression Fine ART
Si vous recherchez une impression qui durera des décennies, choisissez toujours un papier sans acide. C’est la matière acide de plusieurs papiers qui les fait jaunir, casser et se fissurer avec le temps. Nos tirages sur le shop sont sans acide et faits de fibres 100 % coton, ce qui garantit que votre impression sera aussi belle pendant plusieurs années qu’elle l’était le jour de sa publication.
Ces couleurs, lorsqu’elles sont mélangées, peuvent produire des millions de couleurs différentes. Ils ont une gamme de couleurs beaucoup plus large que votre imprimante grand format moyenne.
Les fichiers numériques appropriés pour l’impression fine Art peuvent être dans plusieurs formats tels que ceux produits par des appareils photo numériques, des scanners ou des applications informatiques comme Adobe Photoshop.
Lors de la création de tels fichiers électroniques, il est essentiel de s’assurer que l’image est acceptable pour l’impression dans la taille requise. Pour des résultats optimaux, les photos doivent être de 300 dpi dans la taille d’impression requise, bien que s’il s’agisse d’une image d’excellente qualité, vous pouvez fréquemment éliminer 150 dpi et moins.
IMPRESSION FINE ART- L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
Tirages Fine Art et papier photo : quelle différence ?
L’impression fine Art est le terme souvent utilisé pour désigner des photographies professionnelles imprimées sur du papier de très haute qualité. Cette appellation, qui n’est en aucun cas un label, répond à des critères de qualité précis, sur le papier notamment, recherchés par de nombreux photographes et imprimeurs.
La différence entre le papier photo ordinaire et le papier fin Art réside dans la composition du papier lui-même.
Les fibres naturelles (généralement du coton ou de l’alpha-cellulose) doivent être incluses dans la structure du papier. Le papier n’est pas blanchi artificiellement au chlore, garantissant ainsi que les photos résistent à l’épreuve du temps. Un atout non négligeable dans le domaine de la photographie ! Le papier photo standard répond aux besoins des clients qui les consultent occasionnellement.
En revanche, les papiers beaux-arts assurent la meilleure lumière et offrent d’excellentes performances lors de l’exposition et sont faits pour durer. Le papier fin étant destiné à l’impression de photographies de haute qualité, sa qualité doit être parfaitement adaptée à la réception d’encres et de pigments.
Enfin, un papier fine art vous permettra de mettre en valeur la composition de l’image tout en offrant le support idéal pour des couleurs intenses et des contrastes marqués, tout en permettant également une large gamme de tons de gris.
IMPRESSION FINE ART: L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
L’impression giclée d’art (Giclée Printing)
Le terme giclée est le terme générique utilisé dans le monde entier pour caractériser une impression d’art sur imprimante à jet d’encre haute définition grand format. C’est le mot français qui a d’abord été employé tel quel, avec l’accent, par les inventeurs anglophones du procédé.
Impression Giclée : Elle est née dans le sillage des technologies informatiques de plus en plus accessibles aux artistes. Graham Nash (du groupe de rock Crosby, Stills, Nash et Young) a été l’un des premiers à utiliser avec succès des imprimantes informatiques pour son entreprise d’impression.
Cependant, en 1991, l’un des employés de Nash, l’artiste Jack Duganne, a inventé le terme « giclée », pour éloigner sa méthode d’impression plus artistique du modèle plus commercial de Nash.
Le mot lui-même dérive du mot français pour « buse » (giclée), et fait aujourd’hui référence à toute impression réalisée à l’aide d’encres d’archives, de papiers d’archives et de contrôle de la qualité des couleurs.
Les impressions giclées sont souvent une alternative peu coûteuse pour les artistes numériques qui souhaitent faire des reproductions de leurs œuvres d’art originales en deux dimensions tout en préservant le rendu original pour eux-mêmes.
Parlez à ceux qui savent. Un revendeur expérimenté saura évaluer une impression par le type de papier sur lequel elle est imprimée, l’absence ou la présence de filigranes, la taille globale de la feuille et la consistance de l’impression.
Cela dit, les premières éditions ont presque toujours plus de valeur, alors n’ayez pas peur de poser des questions et de consulter des spécialistes.
Il ne s’agit pas simplement d’une question de précaution, mais d’un prolongement d’un véritable intérêt pour le travail d’un artiste qui doit guider sa curiosité. Globalement, il faut surtout se méfier d’acheter un faux en pensant qu’il s’agit d’une œuvre authentique.
Puisqu’une estampe signée par l’artiste augmente sa valeur, il faut s’assurer que la signature qu’elle porte est légitime.
IMPRESSION FINE ART: L’IMPRESSION FINE ART EN 5 POINTS
Ne présumez pas que l’artiste a signé une estampe. Des personnes sans scrupules sont connues pour prendre une véritable empreinte et falsifier la signature de l’artiste.
Étant donné qu’une estampe signée au crayon par l’artiste vaut plus que la même composition non signée, il faut être particulièrement prudent si l’on collectionne des œuvres d’artistes de premier plan tels que Virtosu, Picasso, Salvador Dali, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, etc.
Cependant, les impressions non signées ne sont pas toujours de mauvaises choses. Les acheteurs avisés à petit budget sont connus pour rechercher délibérément des impressions non signées du même tirage, sachant qu’il n’y a pas de différence esthétiquement, alors que les économies sont énormes.
Qu’est-ce qu’un tirage photographique ?
La différence entre une impression photographique et une impression fine art a à voir avec le papier impliqué dans l’impression. Le papier photographique n’est pas d’une qualité aussi élevée que le papier beaux-arts. Le papier photographique contient de l’acide, ce qui peut faire s’estomper l’impression, la fissurer ou même la fragiliser avec le temps.
Papier Fine art
Les IMPRESSIONS FINE ART sont réalisées avec des encres d’archives de haute qualité sur des papiers fins sans acide à l’aide d’une imprimante grand format haute résolution. Ceux-ci sont également connus sous le nom d’impressions fines giclées.
Ces papiers fins exquis sont sans acide car la teneur en acide d’autres papiers d’impression photographique peut les rendre cassants et se fissurer avec le temps. Ils deviendront également jaunes à cause d’une trop grande exposition à la lumière.
Les tirages d’art réalisés avec du papier sans acide ont une durée de vie de plus de cent ans et ne se fanent généralement pas, ne se fissurent pas et ne jaunissent pas. Le papier fin doit répondre à des critères de qualité spécifiques pour être considéré comme du papier fin. Les tirages fins sont très recherchés par les photographes et les artistes lorsqu’ils sélectionnent un papier pour leurs clients.
Qu’est-ce que la photographie d’art ?
La numérisation de la photographie change la façon dont les gens prennent des photos et définit en grande partie combien ont le talent et le don de devenir des professionnels. N’importe qui avec un appareil photo est un photographe, et beaucoup d’entre eux veulent être des photographes professionnels. Certains d’entre eux veulent être des artistes, ou bien ils peuvent être les deux.
Il y a une augmentation de ceux qui s’appellent eux-mêmes Fine Photographers, alors peut-être qu’il est temps de se pencher sur ce qu’ils sont ? En quoi sont-ils différents des photographes habituels ?
La photographie fine, c’est avant tout l’artiste. Au lieu de capturer ce que la caméra voit, ils capturent ce que l’artiste voit. Dans la photographie fine, l’artiste utilise l’appareil photo comme un autre outil pour créer une œuvre d’art. La caméra est utilisée pour créer une pièce qui révèle la vision de l’artiste, faisant une déclaration de cette vision. Il ne s’agit pas de documenter le sujet devant l’objectif.
IMPRESSION FINE ART encadrées
Afin de ne pas endommager l’œuvre, nous vous conseillons d’acheter des tirages d’art encadrés car le cadre sert de protection et le verre couvrira l’impression de la poussière et des traces de doigts.
Impressions Fine Art sur toile fines
Les impressions Fine Art sur toile sont imprimées directement sur la toile. L’impression est ensuite enroulée autour d’un cadre de civière et finie avec un choix de cadre et de matériel de suspension. Souvent disponible avec une variété de cadres personnalisés.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
L’ajout de l’une des meilleures cartes mémoire à un appareilphoto est une partie essentielle du processus d’un photographe ou d’un vidéaste. Même l’appareil photo le plus sophistiqué ne fonctionnera pas sans une carte décente pour stocker des images et des vidéos.
Cependant, ce ne sont pas seulement les appareils photo qui ont besoin de ces cartes flash, composant essentiel pour les téléphones, les caméras de sécurité, mais également les caméras de tableau de bord, les consoles de jeux et les drones.
Chacun des meilleurs appareils photo et caméscopes sont compatibles avec différents types de cartes mémoire.
Le type le plus populaire est la carte Secure Digital (SD) (environ la taille d’un timbre-poste) tandis que le deuxième plus courant est le type plus petit connu sous le nom de microSD (environ la taille d’un ongle).
Alors que les meilleurs smartphones et tablettes graphiques avec une option de mémoire extensible privilégient généralement la carte microSD, les appareils photo dédiés auront tendance à nécessiter une carte SD.
Mais les caméras utilisent également d’autres types de cartes. La carte CompactFlash (CF) a à peu près la taille d’une menthe After Eight, et on la voit le plus souvent dans les anciens appareils photo reflex numériques.
Ses successeurs, les nouveaux formats CFexpress et XQD, ont été développés pour répondre à la demande croissante des caméras de dernière génération.
Cela inclut les appareils photo sans miroir bien considérés, comme le Nikon Z6 et le Nikon Z7, qui enregistrent très rapidement des vidéos et des images à très haute résolution.
Quel que soit le type de photos que vous souhaitez prendre, vous aurez besoin d’une bonne carte mémoire. Votre carte doit avoir le stockage pour les accueillir, ainsi que les vitesses de transfert idéales pour suivre les volumes de données impliqués.
Si vous avez besoin de plus à ce sujet, vous pouvez passer directement à la section sur le choix de la bonne carte mémoire .
Sinon, continuez à faire défiler cet article, pour en savoir plus sur les meilleures cartes mémoire que vous pouvez acheter dès maintenant.
MEILLEURES CARTES SD
Carte SD, carte Compactflash
01. SanDisk Extreme PRO SD UHS-I
La meilleure carte SD à tous les niveaux
Type de carte : SDXC | Capacité : 64 Go-1 To | Vitesse de lecture : jusqu’à 90 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 170 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : laphotographie et/ou la vidéo (y compris 4K)
Les utilisateurs expérimentés sont invités à consulter la carte Extreme PRO SDXC du fabricant de cartes de longue date SanDisk. Disponible dans des capacités allant de 64 Go à un impressionnant 1 To, cette option offre une classe de vitesse trois.
Le véritable avantage pratique ici n’est pas seulement des vitesses d’écriture allant jusqu’à 90 Mo/s – ce qui signifie qu’il est capable de gérer des prises de vue séquentielles à tir rapide et en JPEG et Raw – mais une vitesse de transfert extrêmement rapide jusqu’à 170 Mo/s , ce qui accélérera le flux de travail des passionnés et des pros.
En plus de faciliter la capture d’une séquence de photographies brutes, le traitement des données proposé ici le rend également adapté à la prise de vue vidéo 4K. Pour résumer, c’est un concurrent capable.
Carte SD, carte Compactflash
02. Lexar Professionnel 633x SDXC UHS-I
Un excellent choix pour les gros tireurs de photos et de vidéos
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 1 To | Vitesse de lecture : jusqu’à 95 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 45 Mb/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et/ou la vidéo (y compris 4K)
Disponible dans une variété de capacités allant de 32 Go à 1 To, la carte SD Lexar Professional 633x SDXC UHS-I est une carte SD conçue pour subir les rigueurs d’un usage professionnel.
Ses vitesses de transfert sont suffisamment rapides pour gérer à la fois des volumes élevés de photos et de vidéos 4K, donc peu importe ce que vous prévoyez de filmer, vous pouvez être assuré que la carte SD peut suivre.
Bien que les cartes SD de capacité inférieure puissent être achetées à un prix assez raisonnable de nos jours, les prix grimpent assez rapidement lorsque vous atteignez le niveau 1 To, alors gardez cela à l’esprit si le budget est un problème.
Si vous pouvez vous y étendre, c’est une excellente carte SD qui devrait vous récompenser avec de nombreuses années d’utilisation.
Carte SD, carte Compactflash
03. Vitesse Lexar Professional Class 10 UHS-II 2000X
Type de carte : SDHC ou SDXC | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 300 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 260 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris 4K)
Lexar a longtemps été la carte de prédilection pour les passionnés de photographie et les tireurs professionnels, et, malgré sa disparition du marché pendant un certain temps, il a rebondi avec de nombreuses options Lexar toujours disponibles.
Un choix solide pour nous est le Lexar Professional 16 Go Class 10 UHS-II 1000x Speed , qui déploie la technologie UHS-II pour permettre des vitesses de transfert jusqu’à 300 Mo/s et des vitesses d’écriture jusqu’à 260 Mo/s.
Cela garantit que, que vous enregistriez des vidéos Full HD, 4K ou que vous tourniez des fichiers Raw haute résolution, cette carte fournit la marchandise, même si la capacité de données maximale est de 128 Go, plutôt que les 512 Go maximum offerts par certains concurrents.
Une alternative proche en termes de spécifications et de performances serait Extreme PRO SD UHS-II de SanDisk (également présenté ici), mais vous ne pouvez pas vraiment vous tromper avec celui-ci.
04. SanDisk Extreme PRO SD UHS-II V90
Une carte encore plus rapide que la version UHS-I Pro
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 300 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 260 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : les professionnels souhaitant prendre des photos en rafale rapide d’images fixes haute résolution et des vidéos UHD
Manquer cette photo essentielle si vous travaillez en tant que photographe professionnel peut être une erreur coûteuse, et est particulièrement irritant si c’est parce que votre carte SD ne peut pas suivre.
Essayez d’éviter que ce dernier ne se produise en investissant dans cet exemple ultra rapide (et inévitablement plus coûteux) du pilier de l’industrie SanDisk.
Le SanDisk Extreme PRO SD UHS-II mis à niveau offre des vitesses de lecture allant jusqu’à 300 Mo/s, des vitesses d’écriture tout aussi impressionnantes de 260 Mo/s et des vitesses vidéo V90 soutenues, c’est un leader de classe parmi les cartes mémoire.
Les spécifications ci-dessus en font une option incontournable pour les photographes de reportage, sportifs et animaliers, les prises de vue en rafale d’images fixes à tir rapide ou les vidéastes qui souhaitent la clarté d’une vidéo en résolution 4K ou 8K avec l’inévitable consommation de données qui l’accompagne.
Comme il s’agit également d’une carte SDXC (« Extended Capacity »), le stockage est impressionnant.
Les offres de cartes SD disponibles vont de 32 Go à 128 Go, mais l’accent est mis ici sur la vitesse.
Carte SD, carte Compactflash
05. Sony SF-G Tough SDXC
Une nouvelle génération de carte SD ultra-robuste
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 300 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 299 Mo/s | Garantie : Fabricant | Convient pour : la photographie et la vidéo en rafale à grande vitesse (y compris 4K)
Plus la capacité de données de la carte SD est grande, plus le risque de perdre des centaines, voire des milliers de précieux fichiers image est grand en cas de problème. Le Sony Tough , fourni au format SD d’usage courant, prétend éliminer une partie de ce stress .
Bien qu’aucune carte SD ne puisse prétendre être à 100% à l’épreuve de la destruction, celles-ci se vantent d’être étanches à la poussière et à l’eau, tout en possédant une résistance à la flexion en plus – à savoir être capable de résister à 18 kg de pression exercée (c’est 18 fois supérieure à la SD standard).
Si vous avez besoin de plus de conviction, la Tough de Sony a également été testée contre des chutes de cinq mètres de hauteur, tandis que la carte SD peut simplement être lavée de toute saleté qui s’y trouve.
En termes de vitesse, un autre bonus est la capacité de la carte SD à gérer la capture séquentielle de 241 Raw compressés ou de 362 JPEG en mode de prise de vue en rafale à 20 ips sur le Sony A9. Si vous êtes un tireur professionnel et que vous avez le budget, vous voudrez certainement vérifier cela.
06. Transcendez SDXC UHS-II U3
Idéal pour filmer des fichiers Raw ou des vidéos haute résolution
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 64 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 285 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 180 Mo/s | Garantie : Garantie limitée de cinq ans | Convient pour : les pros qui prennent des photos à tir rapide en haute résolution et des vidéos 4K de haute qualité
Si vous avez principalement besoin de capturer des fichiers Raw, vous aurez besoin d’une carte SD capable de gérer des images de la plus haute qualité en rafales séquentielles, ainsi qu’une carte offrant une capacité de stockage suffisante pour éviter d’avoir à échanger le support utilisé à ce moment décisif.
Alors que la capacité maximale de 64 Go du Transcend SDXC UHS-II U3 (l’alternative étant de 32 Go) peut initialement sembler un peu petite par rapport aux autres options ici, les performances sont tout sauf, grâce à des temps de lecture et d’écriture remarquablement rapides de 285 Mo/s et 180 Mo/s respectivement.
Évidemment, vous aurez besoin d’un reflex numérique ou d’un caméscope compatible UHS-II pour pouvoir utiliser celui-ci – alors vérifiez – mais des vitesses jusqu’à 3 fois plus rapides que les cartes SD UHS-1 standard peuvent être fournies.
Ces cartes SD de marque Transcend sont également résistantes aux chocs et aux rayons X, offrant ainsi un certain degré de certitude aux passionnés et aux professionnels de la photo et de la vidéo.
07. PNY Elite Performance SDXC 512 Go
Carte média SD de grande capacité pour tous vos souvenirs numériques
Type de carte : SDXC | Capacité : jusqu’à 512 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 95 Mo/s | Vitesse d’écriture : Non spécifié | Garantie : à vie (limitée) | Convient pour : la photographie et la vidéo en rafale à grande vitesse (y compris 4K)
Bien qu’il existe de nombreuses offres de carte SD à petit prix portant la marque PNY basée aux États-Unis, la série PNY Elite Performance SDXC , avec des capacités allant de 32 Go utiles à 512 Go généreux, est actuellement en tête de gamme.
Il offre non seulement une capacité élevée, mais également une vitesse de lecture standard de 95 Mo par seconde à partir d’unecarte SD au format SDXC.
Le surnom « Elite » signifie que ces cartes compatibles UHS-1 à vitesse de classe 10 ne conviennent pas seulement pour filmer des vidéos sur un reflex numérique, mais sont également durables, étant étanches, résistantes aux chocs, à la température et aux aimants.
Ainsi, la marque peut affirmer que la gamme de carte SD Elite Performance convient aux passionnés de photo avancés et même aux professionnels, ainsi qu’à ceux qui enregistrent des clips de qualité 4K. La tranquillité d’esprit d’une garantie à vie limitée est fournie.
Type de carte : SDHC | Capacité : jusqu’à 256 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 90 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 40 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris 4K)
MEILLEURES CARTES MICROSD
09. Samsung PRO Endurance
La meilleure carte MicroSD, adaptée à une multitude d’appareils
Type de carte : microSD (avec adaptateur SD) | Capacité : jusqu’à 128 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 100 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 30 Mo/s | Garantie : jusqu’à 5 ans | Convient pour : caméras d’action, dashcams, caméras de sécurité
Le Samsung PRO Endurance est notre choix pour la meilleure carte MicroSD du moment. Cela coûte un peu plus cher d’obtenir une carte microSD avec des adaptateurs de plus grande taille pour une carte SD, bien que cette série soit toujours à un prix très raisonnable.
L’attrait ici comprend le fait que les cartes sont censées être capables de résister à des environnements difficiles, durent plus longtemps et sont particulièrement adaptées à une utilisation dans des caméras d’action.
En effet, ils peuvent enregistrer en continu à des vitesses de lecture/écriture élevées (100 Mo/s et 30 Mo/s, respectivement).
Également promis pour la carte de capacité la plus élevée est un meilleur de l’industrie de 43 800 heures d’enregistrement vidéo en continu.
La tranquillité d’esprit est assurée par des garanties allant de deux ans pour les cartes de capacité inférieure à cinq ans pour les cartes de capacité maximale.
(Crédit image: Sandisk)
10. SanDisk Extreme Pro microSDXC UHS-I
Meilleure carte microSD avec de GRANDES quantités de stockage
Type de carte : microSDXC | Capacité : jusqu’à 1 To | Vitesse de lecture : jusqu’à 170 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 90 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : Prise et création d’images haute capacité
Le SanDisk Extreme Pro microSDXC UHS-I est une autre carte microSDXC et un adaptateur SD plus grand pour les créateurs d’images prolifiques qui collent leurs cartes dans une variété d’emplacements ; ici disponible dans une variété de capacités de stockage allant de 32 Go jusqu’à 1 To.
Imaginez qu’à partir de supports à semi-conducteurs de la simple taille d’un ongle.
Cependant, bien que les vitesses de lecture et d’écriture de ces cartes soient adéquates, elles ne sont pas tout à fait les plus rapides du marché avec une vitesse de lecture de « seulement » 170 Mo/sec maximum et une vitesse d’écriture allant jusqu’à 90 Mo/sec.
Si c’est la vitesse que vous voulez plutôt que la capacité, regardez également les cartes UHS-II du même fabricant de la série, qui atteignent une capacité maximale de 128 Go, tout en offrant une vitesse de transfert légèrement plus satisfaisante de 275 Mo/s.
11. Samsung EVO Plus
Meilleure carte microSD avec adaptateur de carte SD
Type de carte : microSD (avec adaptateur SD) | Capacité : jusqu’à 512 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 100 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 30 Mo/s | Garantie : 10 ans | Convient pour : la photographie au jour le jour
La microSD Samsung EVO Plus couvre des capacités de 32 Go à 512 Go. Cette carte microSD de classe 10 est livrée avec un adaptateur SD qui lui permet d’être utilisée dans les appareils photo aussi facilement qu’un smartphone ou une tablette.
Coûtant moins de 10 £/10 $ pour la capacité de 32 Go la plus faible, cela semble être un bon rapport qualité-prix étant donné qu’il gère des vitesses de lecture de 100 Mo/s (bien qu’une vitesse d’écriture modeste de 30 Mo/s).
Un design rouge vif garantit également que cette option polyvalente de Samsung ne se perd pas facilement à l’arrière du canapé, malgré la taille d’un ongle.
La tranquillité d’esprit est également assurée par une garantie limitée de 10 ans, ainsi que par le fait que cette carte est déclarée étanche, résistante à la température, aux rayons X et aux aimants.
AUTRES TYPES DE CARTES MÉMOIRE
(Crédit image: Sandisk)
12. Carte SanDisk Extreme PRO CFexpress
La meilleure carte mémoire CFexpress
Type de carte : CFexpress Type B | Capacité : jusqu’à 512 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 1700 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 1400 Mo/s | Garantie : Non spécifié | Convient pour : laphotographie professionnelle
CFexpress est le dernier format de carte mémoire sur le marché – et ces cartes ultra-rapides sont utilisées dans un grand nombre d’appareils photo sans miroir haut de gamme, de reflex numériques et de caméscopes professionnels tels que le Canon EOS-1D X III, Nikon D6, Nikon Z7 et Panasonic Lumix S1.
Avec une vitesse d’écriture phénoménale de 1400 Mb/s, la carte SanDisk Extreme PRO CFexpress et d’autres similaires créent une nouvelle référence pour les performances de la caméra – et pour la fiabilité de la carte.
Le prix à l’heure actuelle pour ces cartes est cher, mais pour un usage professionnel cela vaut largement l’investissement.
Il s’agit d’une carte CFexpress de type B ; avec le temps, il y aura également une carte de type A plus petite et une carte de type C plus grande également.
(Crédit image : Sony)
13. Carte mémoire Sony XQD série G
La meilleure carte XQD du moment
Type de carte : XQD | Capacité : 64 Go-240 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 440 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 400 Mo/s | Garantie : Fabricant | Convient pour : la photographie et la vidéo en rafale à grande vitesse (y compris 4K)
La carte mémoire Sony XQD série G est au format XQD n’est pas utilisée dans tous les appareils photo, mais a été adoptée par Nikon pour certains de ses reflex numériques et les récents appareils photo sans miroir plein format de la série Z (ainsi que les caméscopes haut de gamme de Sony ).
Le format est appelé à devenir redondant, car il utilise le même facteur de forme que les cartes CFexpress de type B plus récentes, mais cela signifie que les prix ont commencé à devenir plus raisonnables.
14. SanDisk Extreme PRO CompactFlash
Une vitesse de lecture de 160 Mo/s n’a rien de rétro
Type de carte : CompactFlash | Capacité : jusqu’à 256 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 160 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 150 Mo/s | Garantie : Garantie à vie limitée | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris 4K)
Convient pour la capture photo ou vidéo professionnelle
Convient aux résolutions Full HD et 4K
Ne peut pas correspondre à la vitesse de SDXC Extreme PRO
L’un des plus anciens formats de mémoire d’appareil photo
Les cartes Compact Flash peuvent être plus anciennes et plus encombrantes que la nouvelle alternative au format SD, mais cela ne signifie pas qu’elles ne peuvent toujours pas fournir une capacité et une vitesse suffisantes pour satisfaire l’utilisateur de reflex numérique d’aujourd’hui.
Un exemple en est la gamme CompactFlash de SanDisk , qui offre des capacités allant de 16 Go utiles à un utilisateur avancé de 256 Go, vous n’avez donc pas besoin d’échanger des cartes multimédias dans le feu de l’action.
Les vitesses d’écriture allant jusqu’à 140 Mo/s avec une capacité maximale de 256 Go (sinon c’est 150 Mo/s pour les 128 Go et les capacités inférieures), ce qui le rend également tout aussi adapté à une utilisation vidéo, en particulier pour les reflex numériques offrant également Capture Full HD.
En fait, avec une vitesse d’écriture minimale soutenue de 65 Mo/s, l’affirmation de son fabricant est que celui-ci est le leader de sa catégorie.
15. Transcendez la CompactFlash 800
Le CF de Transcend offre beaucoup de stockage de données pour votre argent
Type de carte : CompactFlash | Capacité : jusqu’à 256 Go | Vitesse de lecture : jusqu’à 120 Mo/s | Vitesse d’écriture : jusqu’à 60 Mo/s | Garantie : Garantie limitée de cinq ans | Convient pour : la photographie et la vidéo (y compris Full HD)
Bien qu’elle ne soit peut-être pas aussi reconnaissable pour l’observateur occasionnel que les marques de cartes concurrentes, Transcend est l’un des acteurs à plus long terme sur le marché – et, utilement, fabrique toujours de nombreuses cartes de faible capacité, ce qui est un attrait évident pour ceux qui ont un budget plus serré.
Cependant, même les offres de capacité supérieure qui peuvent plaire aux utilisateurs semi-professionnels de reflex numériques – comme cette série CompactFlash 800 – ne sont guère chères pour ce qui est proposé.
Les capacités vont de 32 Go standard à 256 Go légèrement plus impressionnants. Les spécifications sont également solides pour une carte budgétaire ; ici, nous obtenons des vitesses de lecture allant jusqu’à 120 Mo/s et des vitesses d’écriture de 60 Mo/s.
Les performances réelles sont bien sûr affectées par le matériel et les logiciels de l’appareil photo, comme c’est le cas avec n’importe quelle carte. Cependant, il existe un code de correction d’erreur intégré ici pour détecter et corriger toute erreur de transfert.
QUELLE EST LA DIFFÉRENCE?
Type de carte
Tout cela signifie que lorsque vous choisissez la meilleure carte mémoire pour votre appareil photo , votre smartphone ou votre tablette, la première chose que vous devez faire est de sélectionner celle qui s’adapte réellement à celle-ci.
Vérifiez auprès du fabricant de votre appareil si vous n’êtes pas sûr ; l’information flottera quelque part. Il convient de noter que les cartes microSD sont souvent livrées avec un adaptateur SD et peuvent donc être utilisées avec un appareil photo doté d’un emplacement SD.
Cela peut être utile si vous souhaitez basculer une carte mémoire entre votre appareil photo principal et votre smartphone.
SD ou SDHC ou SDXC ?
Les cartes SD de taille standard sont de trois types principaux : SD, SDHC et SDXC. Le type SD standard ne se trouve plus dans les magasins, vous avez donc généralement le choix entre SDHC ou SDXC.
Les anciennes cartes SDHC ont une capacité comprise entre 4 Go et 32 Go. Les cartes SDXC ont une capacité d’au moins 64 Go, allant jusqu’à 1 To. Certains appareils ne prennent en charge les cartes que jusqu’à une certaine capacité.
Vitesse et capacité
Une fois que cela est trié, il s’agit de savoir quoi et comment vous photographiez, ce qui affecte le type de vitesse (lecture/écriture) et de capacité (en mégaoctets ou Mo, mais plus couramment de nos jours, en gigaoctets ou en Go) que vous allez besoin de votre carte. Tourner beaucoup de vidéos 4K ou d’images à très haute résolution nécessitera beaucoup des deux.
La vitesse de la carte est particulièrement importante lors de l’enregistrement de vidéos haute résolution ou de séquences d’action motorisées.
Il est mesuré par un certain nombre d’échelles et de normes différentes, mais la clé à rechercher sur la carte est la vitesse mesurée en Mo/s (mégaoctets par seconde). Notez que la vitesse de lecture est souvent supérieure à la vitesse d’écriture.
UHS-I ou UHS-II
Les cartes SD et microSD les plus rapides disponibles utilisent la norme de bus UHS-II – mais pour utiliser la vitesse supplémentaire, votre appareil photo doit être compatible UHS-II.
Si votre appareil photo a deux emplacements, l’un peut être UHS-II et l’autre juste UHS-I. Les cartes UHS-I ont une vitesse de bus maximale de 104 Mo/s, tandis que les cartes UHS-II ont une vitesse de bus maximale de 312 Mo/s.
Résistance aux intempéries
Si vous photographiez dans des conditions extérieures plus extrêmes, il peut être intéressant d’envisager une carte plus « résistante à la destruction » qui peut tomber dans l’eau ou la saleté, comme celle de la gamme Sony Tough.
La règle générale lors de l’achat d’une carte est d’opter pour la capacité de stockage de données la plus élevée et la vitesse d’écriture/lecture la plus rapide disponible pour votre budget et la capacité de votre appareil photo.
Si vous ne filmez qu’avec un appareil photo d’entrée de gamme, avec une résolution modeste et un faible taux d’images par seconde, vous n’aurez peut-être pas besoin d’opter pour celle qui est actuellement le « top dog » parmi les cartes mémoire, ce qui peut économiser vous un paquet.
Les prix grimpent étonnamment haut une fois que vous obtenez des vitesses rapides et des capacités élevées, ce qui est logique, car après tout, ceux sont des outils professionnels.
FAQ : Carte SD
Qu’est-ce qu’une carte SD ?
Une carte SD (Secure Digital) est un petit périphérique de stockage utilisé pour stocker des fichiers numériques tels que des photos, des vidéos et de la musique. Elle est utilisée dans de nombreux appareils électroniques, tels que les smartphones, les appareils photo numériques, les tablettes et les ordinateurs portables.
Quelle est la capacité de stockage d’une carte SD ?
Les cartes SD ont une capacité de stockage variable allant de quelques mégaoctets à plusieurs téraoctets. Les cartes SD de 1 Go, 2 Go, 4 Go et 8 Go sont courantes, mais les cartes de 16 Go, 32 Go et 64 Go sont également disponibles. Les cartes SD de 128 Go, 256 Go et même 512 Go sont également disponibles pour les utilisateurs ayant besoin d’un stockage important.
Comment utiliser une carte SD ?
Pour utiliser une carte SD, il suffit de l’insérer dans l’appareil électronique compatible. Par exemple, pour utiliser une carte SD dans un smartphone, il faut l’insérer dans le logement prévu à cet effet. Pour transférer des fichiers sur une carte SD, il suffit de la connecter à un ordinateur à l’aide d’un lecteur de carte SD et de copier les fichiers sur la carte.
Comment formater une carte SD ?
Pour formater une carte SD, il faut la connecter à un ordinateur à l’aide d’un lecteur de carte SD et utiliser l’utilitaire de formatage intégré au système d’exploitation. Sur Windows, il suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris sur l’icône de la carte SD dans l’Explorateur de fichiers, de sélectionner « Formater » et de suivre les instructions. Sur un Mac, il faut ouvrir l’utilitaire de disque, sélectionner la carte SD et cliquer sur « Effacer » pour la formater.
Comment récupérer des données perdues sur une carte SD ?
Si des données ont été supprimées par erreur sur une carte SD, il est possible de les récupérer à l’aide d’un logiciel de récupération de données. Il existe de nombreux programmes disponibles en ligne pour récupérer des fichiers perdus ou supprimés sur une carte SD. Il est important d’arrêter d’utiliser la carte SD dès que la perte de données est constatée, car cela peut rendre la récupération plus difficile.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
1. Qu’est-ce qu’une carte mémoire pour appareil photo?
Une carte mémoire pour appareil photo est un dispositif de stockage amovible et réinscriptible utilisé pour stocker des données numériques, telles que des photos et des vidéos.
Les cartes mémoire sont essentielles pour les appareils photo numériques, car elles permettent aux photographes de stocker des milliers de photos et des heures de vidéo sans avoir à remplacer ou à vider la carte constamment.
Les cartes mémoire varient en termes de capacité, de vitesse et de format, et il est important de choisir la carte appropriée pour votre appareil photo et vos besoins en matière de photographie.
2. Quels sont les principaux types de cartes mémoire pour appareil photo?
Il existe plusieurs types de cartes mémoire pour appareil photo, dont les principaux sont :
1. SD (Secure Digital) : largement utilisées et compatibles avec de nombreux appareils photo, les cartes SD sont disponibles en trois tailles (SD, miniSD et microSD) et plusieurs classes de vitesse.
2. CompactFlash (CF) : principalement utilisées dans les appareils photo reflex numériques professionnels, les cartes CF offrent une capacité de stockage élevée et des vitesses de transfert rapides.
3. XQD/CFexpress : conçues pour les appareils photo haut de gamme et les caméscopes, ces cartes offrent des vitesses de transfert très rapides, permettant des rafales de photos en haute résolution et l’enregistrement de vidéos 4K ou 8K.
3. Comment choisir la bonne capacité de stockage pour ma carte mémoire?
La capacité de stockage dépend de vos besoins en matière de photographie et de la résolution de votre appareil photo. Les cartes mémoire sont disponibles dans des capacités allant de quelques gigaoctets (Go) à plusieurs téraoctets (To).
Pour les photographes occasionnels ou les appareils photo à faible résolution, une carte de 16 Go ou 32 Go peut suffire. Cependant, pour les photographes professionnels, les vidéastes ou les utilisateurs d’appareils photo haute résolution, des cartes de 64 Go, 128 Go ou même plus peuvent être nécessaires pour stocker un grand nombre de photos et de vidéos de haute qualité.
4. Qu’est-ce que la classe de vitesse et comment l’identifier?
La classe de vitesse d’une carte mémoire indique la vitesse minimale à laquelle les données peuvent être écrites sur la carte. Une classe de vitesse plus élevée permet d’écrire et de lire les données plus rapidement, ce qui est important pour les appareils photo avec des taux de rafale élevés, l’enregistrement vidéo en haute résolution ou la lecture de fichiers volumineux. Les classes de vitesse sont indiquées par un symbole sur la carte : un chiffre à l’intérieur d’un cercle (Class 2, 4, 6, 10), un chiffre à l’intérieur d’une lettre « U » (UHS Speed Class 1 et 3) ou un chiffre à l
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continue
‘intérieur d’une lettre « V » (Video Speed Class 6, 10, 30, 60, 90). Les cartes UHS et V sont généralement plus rapides et mieux adaptées aux appareils photo et caméscopes modernes à haute résolution.
5. Comment savoir si ma carte mémoire est compatible avec mon appareil photo?
Pour vérifier la compatibilité de votre carte mémoire avec votre appareil photo, consultez le manuel de l’appareil photo ou le site Web du fabricant pour connaître les types de cartes mémoire pris en charge et les classes de vitesse recommandées.
Il est important de s’assurer que la carte mémoire que vous choisissez est non seulement compatible avec votre appareil photo, mais également adaptée à vos besoins en matière de vitesse et de capacité de stockage.
6. Comment entretenir et protéger ma carte mémoire?
Pour garantir la longévité et les performances optimales de votre carte mémoire, suivez ces conseils d’entretien :
1. Rangez les cartes mémoire dans un étui de protection lorsque vous ne les utilisez pas pour éviter les dommages physiques et les rayures.
2. Évitez les températures extrêmes, l’humidité et les champs magnétiques, car ils peuvent endommager les cartes mémoire et les données stockées.
3. Ne retirez pas la carte mémoire de l’appareil photo pendant qu’elle est en cours d’utilisation, car cela peut provoquer la perte de données ou l’endommagement de la carte.
4. Formatez régulièrement la carte mémoire dans votre appareil photo pour maintenir une performance optimale et éviter les erreurs de lecture/écriture.
7. Qu’est-ce que la récupération de données sur une carte mémoire?
La récupération de données est le processus de récupération de photos, vidéos ou autres fichiers supprimés ou corrompus à partir d’une carte mémoire. Des logiciels de récupération de données peuvent être utilisés pour analyser la carte mémoire et récupérer les fichiers perdus. Bien que la récupération de données ne soit pas toujours garantie, elle peut être une solution précieuse pour récupérer des souvenirs importants ou des fichiers professionnels perdus à la suite d’une suppression accidentelle, d’une corruption de carte ou d’un formatage.
8. Comment transférer des photos et des vidéos de ma carte mémoire vers mon ordinateur?
Pour transférer des photos et des vidéos de votre carte mémoire vers votre ordinateur, vous pouvez utiliser un lecteur de cartes mémoire externe ou le câble USB fourni avec votre appareil photo.
Connectez le lecteur de cartes ou l’appareil photo à votre ordinateur, insérez la carte mémoire et ouvrez l’explorateur de fichiers pour accéder au contenu de la carte.
Vous pouvez ensuite copier, déplacer ou supprimer les fichiers selon vos besoins. Assurez-vous d’éjecter correctement la carte mémoire avant de la déconnecter de votre ordinateur pour éviter les erreurs de données.
La composition en Photographie est l’une des pierres angulaires de la photographie. Elle détermine non seulement l’organisation des éléments dans une image, mais aussi la manière dont cette image sera perçue par ceux qui la regardent. Une bonne composition peut transformer une photo ordinaire en une œuvre d’art captivante.Que vous soyez un photographe débutant ou expérimenté, comprendre et maîtriser les règles de composition est essentiel pour créer des images équilibrées, dynamiques, et visuellement attractives. Dans cet article, nous explorerons les différentes techniques et règles de composition qui vous aideront à améliorer vos compétences en photographie et à capturer des images mémorables.
1. Les Règles de Base de la Composition en Photographie
1.1 La Règle des Tiers : Un Fondement de la Composition en photographie
La règle des tiers est l’une des règles les plus fondamentales et les plus utilisées en photographie. Elle repose sur l’idée que diviser l’image en tiers, tant horizontalement que verticalement, permet de créer un équilibre visuel agréable.
Comment appliquer la règle des tiers : Imaginez que votre cadre soit divisé en neuf parties égales par deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placez les éléments importants de votre composition sur ces lignes ou aux intersections des lignes. Cela crée un équilibre naturel et guide le regard du spectateur à travers l’image.
Exemples d’application : Lorsque vous photographiez un paysage, placez l’horizon sur l’une des lignes horizontales pour équilibrer le ciel et la terre. Pour les portraits, positionnez les yeux du sujet sur une des lignes horizontales supérieures pour attirer l’attention sur le regard. La règle des tiers est simple à appliquer et peut transformer radicalement l’impact visuel de vos photos.
Bien que la règle des tiers soit un excellent point de départ, elle n’est pas absolue. Une fois que vous la maîtrisez, n’hésitez pas à expérimenter en brisant cette règle pour créer des compositions plus dynamiques ou pour mettre en avant des sujets de manière plus créative.
La Composition en Photographie
1.2 La Symétrie et l’Équilibre : Créer une Harmonie Visuelle
La symétrie et l’équilibre sont des éléments clés de la composition qui peuvent donner à vos photos un sens de l’harmonie et de la tranquillité. La symétrie consiste à créer une image où les deux côtés sont identiques ou très similaires, tandis que l’équilibre peut être soit symétrique soit asymétrique.
Symétrie parfaite : Une symétrie parfaite peut être utilisée pour créer des images puissantes et équilibrées. Par exemple, photographier un bâtiment avec une architecture symétrique en plaçant l’axe de symétrie au centre de l’image crée une composition forte et harmonieuse. La symétrie fonctionne également bien avec les reflets, comme dans une photo d’un lac calme où le paysage est reflété de manière miroir.
Équilibre asymétrique : L’équilibre asymétrique, en revanche, consiste à équilibrer les éléments de l’image sans qu’ils soient identiques. Par exemple, un grand sujet sur un côté de l’image peut être équilibré par plusieurs petits éléments sur l’autre côté. Ce type de composition crée une tension visuelle intéressante tout en maintenant une harmonie globale.
Utiliser la symétrie créative : La symétrie ne doit pas nécessairement être parfaite pour être efficace. Parfois, introduire une légère variation ou une rupture dans la symétrie peut ajouter de l’intérêt et de la dynamique à une image. Expérimentez avec différents types de symétrie pour voir comment ils affectent la perception de votre photo.
La Composition en Photographie
1.3 Les Lignes Directrices : Guider le Regard du Spectateur
Les lignes directrices sont des éléments visuels qui mènent l’œil du spectateur à travers une image, en le guidant vers le point focal principal. Ces lignes peuvent être naturelles ou créées par des éléments architecturaux, des chemins, des routes, ou même des ombres.
Identifier les lignes : Les lignes directrices peuvent être partout dans votre environnement. Cherchez des routes, des rivières, des clôtures, ou des rangées d’arbres qui peuvent mener l’œil vers votre sujet principal. Les lignes diagonales sont particulièrement efficaces pour créer une sensation de mouvement et de profondeur dans une image.
Utilisation créative des lignes : Les lignes directrices ne doivent pas toujours mener directement au sujet principal. Elles peuvent également être utilisées pour diviser l’image, créer des motifs géométriques, ou ajouter du dynamisme à la composition. Par exemple, une ligne courbe peut donner une sensation de fluidité et de douceur, tandis qu’une ligne droite ou diagonale peut renforcer la stabilité ou le mouvement.
Jouer avec les perspectives : En jouant avec la perspective, vous pouvez utiliser les lignes directrices pour renforcer la profondeur de champ et donner à l’image une dimension supplémentaire. Essayez de photographier des lignes qui convergent vers l’horizon pour attirer l’œil du spectateur vers un point particulier, créant ainsi une sensation d’immersion dans la scène.
2. Techniques Avancées de Composition en photographie pour des Photos Époustouflantes
2.1 La Règle d’Or et la Spirale de Fibonacci : Un Proportionnement Naturel
La règle d’or et la spirale de Fibonacci sont des concepts mathématiques qui ont été utilisés pendant des siècles dans l’art et l’architecture pour créer des compositions équilibrées et esthétiquement plaisantes. En photographie, ces concepts peuvent également être appliqués pour améliorer la composition.
La règle d’or : La règle d’or divise une image en sections basées sur un rapport de 1:1,618, créant des proportions qui sont perçues comme naturellement harmonieuses. Pour l’appliquer, vous pouvez utiliser un calque de grille d’or dans votre logiciel de retouche photo ou simplement visualiser la division dans votre tête lorsque vous composez votre photo.
La spirale de Fibonacci : La spirale de Fibonacci est une courbe qui suit le rapport d’or, et qui peut être utilisée pour guider l’œil à travers une image de manière fluide. Vous pouvez placer des éléments clés de votre composition le long de cette spirale pour créer une image naturellement équilibrée et agréable à regarder.
Quand utiliser ces techniques : La règle d’or et la spirale de Fibonacci sont particulièrement utiles pour les compositions complexes ou pour les scènes où vous souhaitez créer une sensation de continuité et de fluidité. Elles peuvent être appliquées à une grande variété de sujets, des paysages aux portraits, en passant par la photographie architecturale.
2.2 Les Cadres Naturels : Ajouter de la Profondeur et de l’Intérêt en Composition en Photographie
Les cadres naturels sont des éléments dans une scène qui entourent ou encadrent votre sujet principal, ajoutant de la profondeur et dirigeant l’attention du spectateur. Ces cadres peuvent être des branches d’arbres, des fenêtres, des portes, ou même des ombres.
Identifier les cadres naturels : Cherchez des éléments dans votre environnement qui peuvent servir de cadre à votre sujet. Par exemple, photographier une personne à travers une fenêtre ou une arche naturelle peut ajouter de l’intérêt à la composition et attirer l’œil vers le sujet principal. Les cadres naturels fonctionnent particulièrement bien pour ajouter de la profondeur à une image en créant une distinction entre le premier plan et l’arrière-plan.
Utilisation créative des cadres : Les cadres naturels ne doivent pas nécessairement entourer complètement votre sujet. Parfois, un cadre partiel ou une suggestion de cadre peut être tout aussi efficace. Expérimentez avec différents types de cadres, comme les ombres, les reflets, ou même les formes créées par la lumière, pour ajouter une nouvelle dimension à vos images.
Contraste et mise au point : Utiliser un cadre naturel peut également aider à créer un contraste entre le sujet et son environnement. Par exemple, un cadre sombre autour d’un sujet lumineux attire immédiatement l’attention. De plus, en utilisant une grande ouverture pour flouter le cadre, vous pouvez isoler encore plus votre sujet et renforcer son impact visuel.
2.3 La Simplicité et le Minimalisme : Moins, c’est Plus
Le minimalisme en photographie consiste à réduire la composition à ses éléments essentiels, en éliminant tout ce qui n’est pas nécessaire pour transmettre le message ou l’émotion de l’image. La simplicité peut souvent avoir un impact visuel plus fort que des compositions complexes.
Focus sur le sujet : En éliminant les distractions, vous pouvez mettre en valeur votre sujet de manière plus claire et directe. Par exemple, un portrait en gros plan avec un fond uni ou flou concentre toute l’attention sur les traits du visage et l’expression du sujet. En minimalisant les éléments de la composition, vous permettez au spectateur de se concentrer sur ce qui est vraiment important.
Utilisation de l’espace négatif en composition en Photographie: L’espace négatif est l’espace autour de votre sujet. En laissant beaucoup d’espace vide dans une image, vous pouvez créer une sensation de calme, de solitude, ou de contemplation. L’espace négatif peut également renforcer la composition en dirigeant subtilement l’œil vers le sujet principal.
Jouer avec les couleurs et les formes :En composition minimaliste, les couleurs et les formes jouent un rôle crucial. Des couleurs contrastantes ou une forme géométrique simple peuvent être extrêmement puissantes dans une image minimaliste. Expérimentez avec des compositions qui utilisent un seul élément coloré ou une forme dominante pour créer une image visuellement frappante.
3. Conseils Pratiques pour Améliorer Votre Composition en Photographie
3.1 Prendre son Temps : La Patience comme Clé du Succès
La composition demande du temps et de la réflexion. Prendre le temps de bien cadrer votre image avant de déclencher est essentiel pour obtenir une composition équilibrée et esthétique.
Analyser la scène : Avant de prendre une photo, prenez le temps d’observer attentivement la scène. Identifiez les éléments qui attireront le regard et envisagez différentes façons de les composer. Essayez plusieurs angles et perspectives pour voir comment ils affectent l’équilibre et l’esthétique de l’image.
Attendre le bon moment : En photographie, le timing est souvent crucial. Que ce soit pour capturer une lumière particulière, un mouvement ou une expression, attendre le bon moment peut faire toute la différence. Par exemple, dans une scène de rue, attendez que le sujet entre dans le cadre d’une manière qui complète votre composition.
La règle du « Moins, c’est plus » : Appliquez cette règle non seulement dans la composition mais aussi dans le nombre de photos que vous prenez. Au lieu de déclencher rapidement et de prendre des dizaines de clichés, essayez de vous concentrer sur une ou deux photos vraiment bien composées. Cette approche vous forcera à être plus conscient de la composition et à créer des images plus fortes.
3.2 La Pratique Continue : Affiner votre Œil Photographique
Comme toute compétence, la maîtrise de la composition s’améliore avec la pratique. Plus vous prenez de photos, plus vous développerez votre œil pour les bonnes compositions.
Pratiquez régulièrement : La clé pour améliorer votre composition est de pratiquer régulièrement. Emportez votre appareil photo partout avec vous et saisissez chaque occasion pour prendre des photos. Entraînez-vous à appliquer les règles de composition que vous avez apprises, puis expérimentez pour voir comment les briser peut créer des effets intéressants.
Analyser vos photos : Après chaque session photo, prenez le temps d’analyser vos images. Identifiez ce qui fonctionne bien et ce qui pourrait être amélioré. Comparez vos photos avec celles des photographes que vous admirez pour voir comment ils composent leurs images et ce que vous pouvez en tirer.
Critiquez et soyez critique : Ne vous contentez pas de vos premières impressions. Soyez critique envers votre propre travail et demandez des critiques constructives à d’autres photographes. Cela vous aidera à identifier les faiblesses de vos compositions et à découvrir de nouvelles façons de les améliorer.
3.3 Explorer de Nouveaux Angles : Casser la Routine Visuelle
Un moyen efficace d’améliorer vos compétences en composition est d’explorer de nouveaux angles et perspectives. Sortir de votre zone de confort visuel peut vous aider à voir les choses sous un jour nouveau et à trouver des compositions innovantes.
Changer de perspective : Essayez de photographier des sujets familiers sous différents angles. Par exemple, photographiez un bâtiment non seulement de face mais aussi depuis le sol, en contre-plongée, ou depuis un point élevé. Cela peut révéler des compositions plus intéressantes que ce que vous aviez initialement imaginé.
Utiliser des objectifs différents : Si vous avez plusieurs objectifs, utilisez-les pour explorer différentes façons de composer vos images. Un objectif grand angle peut vous permettre d’inclure plus d’éléments dans la scène, tandis qu’un téléobjectif peut vous aider à isoler des détails spécifiques et à compresser la perspective.
Relever des défis de la composition en photographie : Fixez-vous des défis de composition pour stimuler votre créativité. Par exemple, essayez de composer une série d’images en utilisant uniquement la règle des tiers, ou composez une série de photos minimalistes en utilisant un seul élément visuel fort. Ces exercices vous aideront à renforcer votre compréhension des règles de composition et à développer votre propre style photographique.
Le CANON R5 de Canon est un excellent appareil photo pour les professionnels ou tous ceux qui recherchent une option extrêmement performante pour presque tous les types de photographie, des sports et de l’action aux portraits et paysages en studio.
Il s’agit d’un appareil photo sans miroir plein format de 45 MP qui peut filmer des clips vidéo 8K, qui possède une mise au point automatique Dual Pixel impressionnante et une excellente ergonomie.
Le Canon R5 peut également capturer des images fixes et des vidéos HDR 10 bits pour un affichage HDR et est le successeur spirituel (et sans miroir) des appareils photo reflex numériques de la série 5D de Canon.
Ce n’est pas un appareil photo parfait, mais nous pensons que c’est un ajout excellent et très compétitif à un domaine déjà encombré d’appareils photo sans miroir plein format haute résolution compétents.
Canon R5
Canon R5 : l’appareil photo idéal pour la photographie de concert
La photographie de concert est l’un des genres de photographie les plus difficiles à maîtriser en raison de l’éclairage imprévisible, du mouvement rapide et de l’environnement bruyant. Pour obtenir des photos de qualité professionnelle, il est important d’utiliser un appareil photo qui peut gérer toutes ces variables.
Le Canon R5 est l’un des meilleurs choix pour la photographie de concert en raison de ses performances exceptionnelles dans des conditions de faible luminosité, de sa vitesse de mise au point automatique et de sa haute résolution. Dans cet article, nous allons examiner en détail les caractéristiques de l’appareil photo Canon R5 et expliquer pourquoi c’est un choix idéal pour la photographie de concert.
Caractéristiques de l’appareil photo Canon R5
Le Canon R5 est un appareil photo numérique plein format équipé d’un capteur CMOS de 45 mégapixels et d’un processeur d’image DIGIC X. Il offre des performances exceptionnelles en termes de qualité d’image, de vitesse et de fonctionnalité. Voici quelques caractéristiques clés de l’appareil photo Canon R5 qui en font un excellent choix pour la photographie de concert :
Sensibilité ISO élevée
Le Canon R5 a une plage de sensibilité ISO allant jusqu’à 51 200, ce qui en fait un choix idéal pour la photographie de concert. Il vous permet de capturer des images nettes même dans des conditions de faible luminosité, ce qui est courant lors de concerts.
Stabilisation d’image intégrée
L’une des caractéristiques les plus intéressantes de l’appareil photo Canon R5 est la stabilisation d’image intégrée. Cette fonctionnalité vous permet de capturer des images nettes même en utilisant des vitesses d’obturation plus lentes. Cela est particulièrement utile lors de la prise de photos en mouvement dans un environnement de concert.
Autofocus rapide et précis
Le Canon R5 est équipé d’un système autofocus avancé qui offre une vitesse de mise au point automatique rapide et précise. Le système de mise au point automatique Dual Pixel CMOS AF II offre une couverture de mise au point automatique à 100 % horizontalement et verticalement, ce qui vous permet de suivre les mouvements rapides de l’artiste sur scène.
Enregistrement vidéo 8K
Le Canon R5 est l’un des rares appareils photo sur le marché capable d’enregistrer des vidéos 8K. Cette résolution ultra-élevée offre une qualité d’image exceptionnelle et des détails incroyables. Cela est particulièrement utile lors de la prise de vidéos de concerts pour capturer tous les détails de la performance.
Pourquoi le Canon R5 est-il idéal pour la photographie de concert ?
Qualité d’image exceptionnelle
La qualité d’image est un aspect crucial de la photographie de concert. Le Canon R5 offre une résolution de 45 mégapixels, ce qui signifie que chaque détail est clair et net. De plus
La qualité d’image
Le Canon R5 est équipé d’un capteur CMOS de 45 mégapixels, offrant une résolution d’image exceptionnelle pour les photographes professionnels. Le capteur prend en charge une plage dynamique étendue, ce qui signifie que vous pouvez capturer des images avec une grande différence de luminosité entre les zones les plus sombres et les plus claires de la scène.
Le Canon R5 dispose également d’un processeur d’image DIGIC X de nouvelle génération qui aide à fournir une qualité d’image exceptionnelle, avec des détails nets et des couleurs vives. Les images produites par le Canon R5 ont une profondeur et une texture incroyables, ce qui rend chaque photo unique et captivante.
La stabilisation d’image
La stabilisation d’image est un élément essentiel de la photographie de concert, surtout lorsqu’on travaille avec des objectifs à focale fixe. Le Canon R5 dispose d’un système de stabilisation d’image intégré qui permet de compenser les tremblements de l’appareil photo.
Le système de stabilisation d’image fonctionne avec les objectifs compatibles RF et EF de Canon, ce qui signifie que vous pouvez profiter de la stabilisation d’image même avec des objectifs plus anciens. La stabilisation d’image du Canon R5 est également utile lors de la prise de vue vidéo, offrant des vidéos plus fluides et professionnelles.
La vitesse de prise de vue en continu
La vitesse de prise de vue en continu est un autre aspect important pour la photographie de concert. Le Canon R5 est capable de prendre des photos en continu jusqu’à 12 images par seconde avec le viseur électronique, ou 20 images par seconde en utilisant l’écran LCD.
Cela signifie que vous pouvez capturer des moments éphémères ou des mouvements rapides avec facilité, permettant de saisir des images époustouflantes de musiciens en pleine action sur scène. Le Canon R5 dispose également d’un tampon de mémoire suffisamment grand pour capturer jusqu’à 180 photos RAW ou 1000 JPEG en une seule rafale.
La connectivité
Le Canon R5 est équipé d’une connectivité Wi-Fi et Bluetooth intégrée, ce qui permet de transférer facilement des images vers un smartphone ou une tablette, ou de contrôler à distance l’appareil photo à l’aide de l’application Canon Camera Connect.
La connectivité permet également de partager des images sur les réseaux sociaux ou de les transférer directement vers un ordinateur pour une édition ultérieure. Le Canon R5 dispose également d’un port USB-C pour une connectivité filaire rapide et pratique.
Le Canon R5 est un choix exceptionnel pour la photographie de concert, offrant une qualité d’image exceptionnelle, une stabilisation d’image intégrée, une vitesse de prise de vue en continu rapide et une connectivité facile à utiliser.
Que vous soyez un photographe professionnel cherchant à capturer des images de concert époustouflantes, ou simplement un amateur passionné souhaitant capturer des moments mémorables, le Canon R5 est un choix fiable et performant.
Spécifications clés du Canon R5:
Capteur CMOS Dual Pixel plein format 45MP
Vidéo 8K, avec option pour Raw ou 4:2:2 C-log 10 bits ou HDR PQ
Jusqu’à 4K/120p, ou 4K suréchantillonné jusqu’à 30p
Couverture à 100 % Système AF Dual Pixel II avec détection des humains et des animaux entraînée par l’apprentissage automatique
Étanchéité aux intempéries revendiquée aux niveaux EOS 5D Mark IV
Wi-Fi 2,4/5 GHz avec connectivité Bluetooth et FTP
CIPA évalué à environ 320 coups (en utilisant EVF)
Les nouveautés du Canon R5
Points clés à retenir:
Le tout nouveau capteur 45MP offre une bonne résolution et une plage dynamique, augmente la vitesse de lecture par rapport à certains capteurs Canon précédents
La capture vidéo 8K et une pléthore d’autres modes plairont aux photographes hybrides/vidéo
Le stabilisateur d’image intégré offre 8 arrêts de stabilisation revendiqués sur le marché lorsqu’il est associé aux bons objectifs
Le nouveau système de mise au point automatique à couverture de 100 % est impressionnant
Des commandes bien pensées et un niveau de personnalisation raisonnable devraient satisfaire la plupart des utilisateurs
* 24.00p n’est disponible que pour le DCI 4K en modes capteur complet et APS-C
Canon R5
FAQ sur le Canon EOS R5 : Tout ce que vous devez savoir
Le Canon EOS R5 est un appareil photo hybride (mirrorless) haut de gamme, lancé en 2020. Il s’agit d’un appareil révolutionnaire pour les photographes professionnels et vidéastes, grâce à sa haute résolution de 45 mégapixels et sa capacité à filmer en 8K. Si vous envisagez d’acheter le Canon EOS R5 ou si vous souhaitez en savoir plus sur ses fonctionnalités, cette FAQ détaillée vous fournira toutes les informations nécessaires pour comprendre cet appareil exceptionnel.
1. Qu’est-ce que le Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 est un appareil photo hybride (mirrorless) qui fait partie du système Canon EOS R, introduit par la marque pour s’éloigner des appareils reflex (DSLR). Il est doté d’un capteur plein format de 45 mégapixels et est capable de filmer en 8K. Le R5 est conçu pour les professionnels ou les passionnés exigeants, tant pour la photographie que la vidéo, grâce à ses performances exceptionnelles dans des conditions variées.
2. Quelles sont les caractéristiques techniques principales du Canon EOS R5 ?
Voici les spécifications clés du Canon EOS R5 :
Capteur : Plein format CMOS de 45 mégapixels
Processeur d’image : DIGIC X
Plage ISO : 100 à 51 200 (extensible à 102 400)
Système autofocus : Dual Pixel CMOS AF II avec 1053 zones
Écran LCD : 3,2 pouces, 2,1 millions de points, articulé et tactile
Viseur électronique : OLED de 5,76 millions de points
Vitesse d’obturation : 1/8000 à 30 secondes
Mode rafale : 20 images par seconde avec obturateur électronique, 12 images par seconde avec obturateur mécanique
Vidéo : 8K à 30 images/seconde, 4K à 120 images/seconde
Monture d’objectif : RF (compatible avec les objectifs EF via adaptateur)
Poids : Environ 650 g (boîtier seul)
3. Quelle est la qualité des images du Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 offre une qualité d’image exceptionnelle, grâce à son capteur plein format de 45 mégapixels. Il capture des images extrêmement détaillées, avec une large plage dynamique et des couleurs fidèles. Ce niveau de résolution permet d’imprimer des photos à grande échelle sans perte de qualité. En faible lumière, le R5 gère très bien les ISO élevés, avec peu de bruit jusqu’à environ ISO 6400, ce qui le rend idéal pour les photographes de paysages, de portraits et d’événements.
4. Le Canon EOS R5 est-il bon pour la vidéo ?
Oui, le Canon EOS R5 est un monstre en vidéo. Il est capable de filmer en 8K RAW à 30 images par seconde, une fonctionnalité rare dans le monde des appareils photo. En plus de cela, il peut enregistrer en 4K à 120 images par seconde, ce qui est idéal pour des ralentis ultra-fluide. Le R5 prend également en charge l’enregistrement en 10-bit 4:2:2 Canon Log, offrant une flexibilité maximale en post-production pour les vidéastes professionnels.
Cependant, il y a eu des rapports concernant des problèmes de surchauffe lors de l’enregistrement prolongé en 8K et en 4K 120p. Canon a depuis déployé plusieurs mises à jour de firmware pour améliorer la gestion thermique et prolonger la durée d’enregistrement, mais il reste à prendre en considération pour les vidéastes.
5. Quels types d’objectifs sont compatibles avec le Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 utilise la monture Canon RF, qui est compatible avec les objectifs RF natifs. Canon a développé une gamme impressionnante d’objectifs RF, allant des focales fixes ultra-lumineuses aux zooms professionnels. Voici quelques exemples populaires :
Canon RF 50mm f/1.2L : Une focale fixe lumineuse pour des portraits avec un bokeh sublime.
Canon RF 24-70mm f/2.8L IS USM : Un zoom polyvalent pour les professionnels.
Canon RF 70-200mm f/2.8L IS USM : Un téléobjectif compact idéal pour le sport, la faune, et les portraits.
Le R5 est également compatible avec les objectifs Canon EF grâce à l’adaptateur EF-EOS R. Cela signifie que si vous possédez déjà des objectifs Canon EF ou EF-S, vous pouvez les utiliser sans problème sur le R5.
6. Qu’est-ce que la stabilisation d’image intégrée (IBIS) et comment fonctionne-t-elle sur le Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 est doté d’un système de stabilisation d’image intégré (IBIS), ce qui signifie que le capteur lui-même se déplace pour compenser les vibrations de l’appareil photo. Ce système est capable de fournir jusqu’à 8 stops de compensation lorsqu’il est utilisé avec certains objectifs RF. Cela permet de prendre des photos nettes à des vitesses d’obturation plus lentes sans avoir besoin d’un trépied, et est particulièrement utile en faible lumière ou lors de l’utilisation d’objectifs longs.
7. Quelle est l’autonomie de la batterie du Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 utilise la batterie LP-E6NH, qui offre une autonomie d’environ 320 clichés par charge en utilisant le viseur électronique, et jusqu’à 490 clichés en utilisant l’écran LCD. Pour les tournages vidéo, l’autonomie est évidemment réduite. Si vous planifiez une longue séance photo ou vidéo, il est fortement conseillé d’avoir des batteries supplémentaires à disposition, en particulier si vous utilisez des fonctionnalités gourmandes en énergie comme la vidéo 8K ou la rafale à 20 images par seconde.
8. Le Canon EOS R5 dispose-t-il de la double carte mémoire ?
Oui, le Canon EOS R5 est équipé de deux emplacements pour cartes mémoire : un pour les cartes CFexpress et un pour les cartes SD UHS-II. L’emplacement CFexpress est nécessaire pour gérer les flux de données massifs générés par l’enregistrement vidéo en 8K ou la rafale haute vitesse en RAW. L’emplacement SD UHS-II offre une option plus économique et est idéal pour la photographie classique ou la vidéo 4K en débit normal.
9. Quelles sont les performances du Canon EOS R5 en mode rafale ?
Le Canon EOS R5 est un appareil très rapide en termes de rafale. Avec l’obturateur mécanique, il peut prendre jusqu’à 12 images par seconde, et avec l’obturateur électronique, il peut monter jusqu’à 20 images par seconde. Ce niveau de performance le rend parfait pour les photographes de sport, de faune ou de toute autre discipline nécessitant la capture de sujets en mouvement rapide.
10. Le Canon EOS R5 surchauffe-t-il en mode vidéo ?
Oui, des problèmes de surchauffe ont été signalés lors de l’enregistrement prolongé en 8K ou en 4K à 120 images/seconde. Après environ 20 minutes de tournage en 8K, l’appareil peut atteindre des températures élevées et limiter le temps d’enregistrement. Canon a déployé des mises à jour de firmware pour améliorer la gestion de la surchauffe, mais il est recommandé de planifier des pauses entre les prises pour éviter tout problème.
11. Le Canon EOS R5 est-il adapté à la photographie professionnelle ?
Absolument. Le Canon EOS R5 est conçu pour les photographes professionnels et les créateurs de contenu. Grâce à son capteur de 45 mégapixels, ses performances rapides en rafale, son autofocus exceptionnel et sa capacité à filmer en 8K, le R5 est un appareil polyvalent capable de répondre à des exigences professionnelles dans une grande variété de disciplines, allant des portraits à la photographie de paysages, en passant par le sport et la faune.
12. Comment fonctionne l’autofocus du Canon EOS R5 ?
Le système autofocus du Canon EOS R5 utilise la technologie Dual Pixel CMOS AF II, offrant une mise au point extrêmement rapide et précise avec 1 053 zones AF couvrant presque tout le cadre. Il est également équipé de la détection des yeux, des visages et des animaux, ce qui permet de suivre efficacement les sujets en mouvement, même à grande vitesse. Que vous photographiez des portraits ou des scènes d’action, l’autofocus du R5 est l’un des meilleurs de sa catégorie.
13. Quelles sont les options de connectivité du Canon EOS R5 ?
Le Canon EOS R5 dispose d’une gamme complète d’options de connectivité, y compris :
Wi-Fi et Bluetooth pour le transfert sans fil des images et le contrôle à distance via l’application Canon Camera Connect.
USB-C pour des transferts rapides des fichiers vers un ordinateur.
HDMI pour la sortie vidéo vers un moniteur externe.
Prise microphone et prise casque pour un enregistrement audio et une surveillance audio de qualité professionnelle lors des tournages vidéo.
14. Quelle est la différence entre le Canon EOS R5 et le Canon EOS R6 ?
La principale différence entre le Canon EOS R5 et le Canon EOS R6 réside dans la résolution du capteur. Le R5 a un capteur de 45 mégapixels, tandis que le R6 utilise un capteur de 20 mégapixels. Le R5 est conçu pour les photographes et vidéastes professionnels qui ont besoin de la plus haute résolution et des capacités vidéo 8K, tandis que le R6 est un peu plus accessible, avec des performances légèrement inférieures, mais une meilleure gestion des fichiers et une excellente qualité d’image en basse lumière. Le R6 est aussi plus abordable que le R5.
Conclusion
Le Canon EOS R5 est l’un des appareils photo hybrides les plus avancés disponibles aujourd’hui. Avec sa résolution de 45 mégapixels, ses capacités vidéo 8K, et ses performances en rafale incroyables, il convient parfaitement aux photographes professionnels et aux vidéastes exigeants. Si vous recherchez un appareil polyvalent qui excelle aussi bien en photo qu’en vidéo, le Canon EOS R5 est une excellente option qui continue de redéfinir les standards du marché.
David Bailey est considéré comme l’un des pionniers de la photographie contemporaine, Devenu célèbre pour ses photographies de mode dans les rues de Londres, il a immortalisé les plus grands mannequins, artistes et personnages médiatiques de ces cinquante dernières années.
David Bailey et les années 60
Les années 60, nous dit David Bailey dans sa nouvelle autobiographie, étaient terminées vers 1965. Les calendriers pourraient affirmer le contraire. Mais il a un son de vérité, du moins en ce qui concerne la version mod, monochrome et sur mesure des années 60, l’ère du Swinging London. David Bailey devrait savoir, après tout. Il prétend modestement avoir inventé la décennie.
David Bailey: Look again
Son voyage à New York avec le mannequin Jean Shrimpton pour un shooting Vogue en 1962 a pris certaines des qualités légendaires de l’arrivée de Lénine à la gare de Finlande : un moment qui a inauguré une révolution.
* Il est possible d’exagérer à quel point sa technique était innovante – Vogue existe pour faire la chronique des tendances, rarement pour les définir – mais son impact a été historique. Auparavant, les pages du magazine étaient dominées par des tournages scéniques dans lesquels des mannequins hautains prenaient des poses courantes telles que «attraper un papillon» et «héler un taxi».
En revanche, les photos de Shrimpton de David Bailey la montraient dans des décors naturalistes sur un film 35 mm granuleux. Ils ont aligné Vogue avec un nouvel esprit en général dans la culture – dans le style de tir de guérilla des cinéastes français de la Nouvelle Vague ; dans le sérieux du réalisme de l’évier de cuisine ; et surtout dans la ‘Jeune Idée’, un terme nébuleux qui allait mûrir dans une décennie définie par la jeunesse. Les vêtements étaient presque accessoires. Il s’agissait, comme l’affirme David Bailey, plus d’une fois dans ce livre, de la jeune fille.
David Bailey: Look again
David Bailey a abordé la photographie de mode comme une forme de portrait, tandis que ses portraits délimitaient la mode. Beaucoup de ces personnes étaient ses amis (Mick Jagger, Terence Stamp, Michael Caine), beaucoup d’autres ses amants (Shrimpton, Catherine Deneuve, Penelope Tree), tous photographiés dans son style distinctif et contrasté sur un fond blanc uni.
(Ce n’était pas, il s’efforce de le souligner, de Richard Avedon, mais a été développé par son mentor John French pour obtenir un plus grand impact sur le papier journal Daily Express .) Brutes, non filtrées, les images parlaient de son rapport instinctif avec ses sujets. , de connexions forgées par son charme terreux et racé.
Plus proche d’un mémoire que d’une autobiographie, Look Again est une curieuse affaire. Elle aussi est brute et non filtrée. Les phrases sont saccadées. Le style est grossier et démotique. La structure est une sorte de flux de conscience, comme si nous étions assis avec Bailey et écoutions ses souvenirs.
David Bailey: Look again
Cela n’a rien d’étonnant, puisque le photographe David Bailey est dyslexique et a réalisé le livre avec l’aide de l’historien de l’art James Fox, décrit ici non pas comme un nègre mais comme son « collaborateur ».
Comme un ensemble de pinces bulldog utilisées par un styliste de mode pour améliorer la coupe d’un vêtement, Fox a la tâche peu enviable d’imposer une sorte de forme aux réminiscences informes de Bailey, en restant invisible tout le temps.
Regarde encore est à son plus évocateur lorsqu’il s’agit de l’enfance de Bailey dans les années 1940. Il y a un fort sentiment d’appartenance et un œil pour un détail révélateur : les bâtiments bombardés avec leurs intérieurs exposés comme des maisons de poupées ; la chambre froide avec des meubles recouverts de plastique réservée aux visiteurs spéciaux; la brutalité désinvolte de la vie de l’East End.
(Son père, un tailleur de patrons, a été marqué à vie lorsqu’un jeune voyou l’a tailladé au visage. L’identité de l’agresseur a été cachée à Bailey pendant plusieurs décennies, mais il s’agissait du gangster Reginald Kray – dont il a pris les photos de mariage en 1965.)
On peut dire à peu près la même chose de sa période en poste dans ce qui était alors la Malaisie en service national avec la RAF; tandis que le reste de la caserne était orné de pin-up coquines, une affiche de Picasso était suspendue au-dessus de la couchette de l’aviateur Bailey.
Les années 60, naturellement, occupent la part du lion du livre, mais ici, le style narratif dégressif de David Bailey joue contre lui.
Les pages sont riches d’anecdotes – apprendre au danseur de ballet Rudolf Noureev à faire le twist, se faire arrêter par la police avec un python dans le coffre de sa Rolls-Royce – dont certaines seront déjà familières aux aficionados de l’homme et son travail.
Mais quelque part en cours de route, le sens du lieu, et pire encore, de l’époque, se dissipe. Le livre prend une allure presque picaresque, une séquence brumeuse d’incidents dans lesquels notre héros, tel un Moll Flanders masculin ou le protagoniste d’un roman de Fielding, ricoche d’amant en amant.
Nous sommes passés de Shrimpton à Deneuve (qu’il a épousé pour un pari) à Tree à Marie Helvin à, finalement, Catherine Dyer, sa femme depuis 1986. Look Again, dans des sections de dialogue transcrit comme un scénario de théâtre. Leurs souvenirs des événements ne correspondent pas toujours à ceux de David Bailey.
Dans un sens, ce récit chaotique renvoie à la question de la fin des années 60. De nombreuses personnalités qui se sont fait connaître au cours de cette décennie obsédée par la jeunesse sont confrontées à un dilemme : leurs premières réalisations éclipsent le reste de leur vie, leur talent se fige en une simple célébrité.
En 1965, David Bailey était sans aucun doute une célébrité. Le personnage principal de Blow-Up d’ Antonionia été célèbre sur son modèle, bien que Bailey déplore le maniaque de son homologue fictif « Ouais, bébé ! » maniérismes – plus appropriés, dit-il, à un photographe de studio de Chelsea. (« Il était si carré, David Hemmings. Il aurait été préférable d’avoir Terence Stamp. ») Les décennies suivantes ont un peu l’impression qu’il cherche un nouveau but.
Malgré tout ce qu’il soutient parfois que son apogée est le présent, il n’est pas clair que David Bailey y soit parvenu. Il répertorie certains de ses plus grands succès – photographe officiel de Live Aid en 1985, une publicité anti-fourrure mémorable dans laquelle le manteau d’un mannequin fait glisser du sang sur le podium, une série de publicités télévisées comiques pour les caméras Olympus – mais le sens de la conduite de les chapitres précédents ont disparu.
Dans sa crudité et son manque de vernis, son insistance sur le fait que tout tourne autour de la fille, Look Again évoque sans effort l’homme et son travail. Il est donc regrettable qu’il souffre par endroits de quelque chose que sa photographie d’une netteté irréprochable n’a jamais fait : un étrange manque de mise au point.
Look Again de David Bailey est publié par Mac millan .
Qui est David Bailey ?
David Bailey est un photographe de mode anglais surtout connu pour ses images de célébrités, de mannequins et de musiciens. Bien qu’il soit également connu pour son livre de photographie NWI (1982), qui documente le processus de gentrification dans les quartiers londoniens de Primrose Hill et Camden.
Né le 2 janvier 1938 à Londres, Royaume-Uni, David Bailey a abandonné ses études secondaires pour servir dans la Royal Air Force où il a développé un intérêt pour la photographie d’ Henri Cartier-Bresson . Il est aujourd’hui âgé de 85 ans.
De retour en Angleterre, David Bailey a commencé à travailler en tant que photographe de mode John French l’assistante de. Au cours des années 1960 et 1970, l’artiste a attiré l’attention de la presse après une série de mariages très médiatisés avec Jean Shrimpton, Catherine Deneuve et Marie Helvin.
En 1965, David Bailey publie son premier livre de photographies Box of Pin-Ups , une collection d’images en noir et blanc représentant Mick Jagger, les Beatles, Twiggy et Andy Warhol., ainsi que plusieurs autres personnalités.
David Bailey a ensuite reçu le titre de Commandeur de l’Ordre de l’Empire britannique des mains de la reine Elizabeth II et, en 2016, un prix pour l’ensemble de ses réalisations du Centre international de la photographie de New York.
Les photographies de l’artiste sont conservées dans les collections de la National Portrait Gallery et du Victoria and Albert Museum de Londres. Bailey vit et travaille actuellement à Londres, au Royaume-Uni.
Marié à Rosemary Bramble (m. 1960-1964), puis à Catherine Deneuve (m.1965-1972), Marie Helvin (m.1975-1985), il est marié à Catherine Dyer depuis 1986 et est père de 3 enfants, Sascha Bailey, Paloma Bailey, Fenton Fox Bailey.
L’avis du Guardian
Pensez aux nuits blanches de M. Edward Shrimpton, un constructeur autodidacte qui, en 1960, s’était acheté une ferme de 200 acres dans le Buckinghamshire et avait envoyé ses deux filles dans la meilleure école de couvent locale. Tout d’abord, son aîné, Jean, 18 ans, tombe amoureux d’un homme marié, un East Ender, qui a pris des photos « glamour » d’elle.
Et comme si cela ne suffisait pas, sa fille cadette, Chrissie, fréquente un étudiant, dont la seule perspective d’emploi rémunérateur semble être avec un groupe de musique qui n’a pas encore sorti de disque. Face à la perspective de David Bailey dans sa grange à foin et de Mick Jagger dans sa chambre du fond, il semble qu’Edward Shrimpton n’ait pas pu décider qui pointer son fusil de chasse en premier.
Soixante ans plus tard, Jean Shrimpton et David Bailey peuvent encore évoquer le frisson de ces premières liaisons, dans lesquelles au moins une image libre d’esprit de la décennie qui a suivi a été créée.
Pour autant qu’ils s’en souviennent, ils n’ont jamais fait d’interview ensemble au cours des années où ils se sont rendus célèbres, alors quand ils s’assoient ici, au cœur des mémoires prévisibles et candides de Bailey, c’est comme s’ils reconstituaient de petits fragments d’un fantasme partagé.
Le shooting phare de Vogue à New York, emmenant la mode studio dans la rue, lui apportant des fleurs, et les portant sans gêne, leur premier sexe, sur Littleton Common (« ah oui, je m’en souviens bien »). « Il m’a fallu trois mois pour faire passer ma jambe », se souvient Bailey, pour souligner sa bravoure.
Une grande partie de cette histoire se lit comme un pays étranger à notre époque de censure. Il y a beaucoup de choses que vous pourriez penser que vous savez déjà dans ce livre, mais ce qui le place au-dessus du familier, ce sont les segments enregistrés dans lesquels nous entendons Bailey tester sa mémoire contre certaines des personnes dont il a été le plus proche – non seulement Shrimpton, mais aussi ses ex-femmes, Catherine Deneuve et Marie Helvin, l’épouse actuelle, Catherine Dyer, et bien d’autres amis et amants.
De cette façon, James Fox, le nègre de David Bailey, fait de ce qui pourrait être un exercice d’auto-mythologie quelque chose de beaucoup plus brut et surprenant (en ce sens, le livre fait un digne successeur des derniers efforts de Fox en tant que « fantôme » pour Keith Richards’s Life).
Parfois, il laisse libre cours au personnage cockney non reconstruit de Bailey, mais en l’écoutant en compagnie de vieux amis et de vieux amants, nous l’entendons également confronter et examiner certains moteurs plus complexes de sa créativité priapique.
Cela remonte en grande partie à l’enfance du photographe. Fox le sonde et le presse au sujet de sa relation avec ses parents, sa mère en colère et son père capricieux – il était l’accident qui a imposé leur mariage horriblement malheureux – et laisse ce rationnement d’affection en temps de guerre expliquer une partie de l’agitation légendaire de David Bailey.
Bailey fait remonter son œil pour la beauté féminine à l’après-midi de 1948 lorsqu’il est allé avec sa mère et sa tante lors de leur voyage annuel dans le West End et à Selfridges pour essayer les robes qu’ils ne pouvaient jamais se permettre, avant de rentrer chez eux pour courir. des versions d’entre eux sur leurs machines à coudre.
À une telle occasion, sa mère a essayé une robe de style Dior et s’est retournée devant la vitrine du grand magasin, à contre-jour – et David Bailey, neuf ans, a pris sa première photo dans sa tête.
Il a conservé cette image, semble-t-il, même s’il était traité de stupide tous les jours à l’école (il est parti à 14 ans et a reçu un diagnostic de dyslexie à 30 ans) et à travers des emplois qui comprenaient un passage en tant que collecteur de dettes dans l’East End à ses adolescents.
Il était, selon son plus vieil ami, Danny O’Connor, jamais sans «le regard de Bailey» apparemment voir des choses chez les gens – les femmes – qu’ils se voyaient à peine eux-mêmes.
Le regard lui a causé beaucoup d’ennuis, se faisant battre par des voyous locaux, « les garçons Barking », dont il a regardé les petites amies, mais c’était aussi son attirance presque indéfectible. Il n’a jamais douté de ce don. « Ma mère avait l’habitude de dire : ‘Tu finiras comme nous tous, à conduire le bus 101’ », se souvient-il.
« Je me suis dit ‘Je ne le ferais pas.’ » Une grande partie de cette histoire, et une grande partie du comportement qu’elle décrit, se lit comme un pays étranger à notre époque de censure. Comme le dit l’assistant de longue date de Bailey, John Swannell : « Quel que soit le voyage dans lequel il était, il est allé chercher le modèle et 99% du temps, il les a fait craquer. »
Il n’y a, parmi les nombreux anciens amants qui apparaissent dans ces pages, aucune suggestion que cette attention était indésirable. Le récit subtil de Fox vous permet de voir à quoi cela ressemblait à travers les yeux de Bailey et vous permet parfois de voir les bords de ce viseur.
BONUS: Interview de David Bailey pour gagosian quarterly, par Derek Blasberg, été 2019
Le photographe s’est assis avec Derek Blasberg pour parler de son processus, de sa bête noire et de ses expériences avec Jean Shrimpton, Anjelica Huston, Freddie Mercury, et plus encore.
DEREK BLASBERG: De souvenez-vous de la première fois que nous nous sommes rencontrés ? C’était il y a des années, et j’étais la styliste d’un shooting magazine avec Daphne Guinness. J’étais terrifié parce qu’on m’avait dit que vous détestiez les Américains et les stylistes insistants et que j’étais là pour être les deux.
DAVID BAILEY: Oui, je me souviens de ce tournage. Tu allais bien, mais c’est son petit ami qui m’a énervé. Je lui ai dit de disparaître, je pense.
DBLY: Oui,vous l’avez fait ! Ce qui a été un énorme soulagement pour moi.
DBAI Je suppose que je ne l’ai pas aimé [rires]. Il se tenait derrière moi et essayait de la diriger sur les photos, ce qui était affreux, mais elle était gentille.
DBL Les shootings pour tant de magazines de mode vous manquent ?
DBAI Je ne vois plus aucun des magazines pour lesquels je tournais.
DBL: Ils ont tous mal avec les budgets de nos jours.
DBAI: Aucun d’entre eux n’a jamais été vraiment riche. Vogue anglaise ? Oubliez ça, ils n’ont jamais eu de gros budgets. Vogue française ? Rien. Italie : rien. Seul Vogue américain l’a fait. Je me souviens qu’une fois [l’ancienne rédactrice en chef du Vogue américain Diana] Vreeland m’a téléphoné et m’a dit: « Tu vas me donner l’enfer mais nous devons surveiller l’argent. »
Elle a parlé pendant une heure lors de cet appel – un appel longue distance, qui à l’époque coûtait une fortune – et elle a passé environ une heure et demie à parler. Puis elle m’a téléphoné le lendemain et m’a dit : « Iras-tu en Inde pour photographier un tigre blanc ? [rires] Après m’avoir dit de réduire les budgets, elle m’envoie en Inde pour photographier un tigre blanc ! Il était dans un zoo de toute façon ! Vreeland était l’une des femmes les plus extraordinaires que j’ai jamais rencontrées.
DBL: C’est fascinant de voir comment Diana Vreeland est restée une telle icône de la mode.
DBAI: Eh bien, elle était vraiment fantastique. Elle était intelligente et l’une des femmes les plus intéressantes que j’ai jamais rencontrées, d’une drôle de manière.
DBL: Elle a inspiré le personnage de Kay Thompson dans le film Funny Face [1957], qui mettait en vedette Audrey Hepburn.
DBAI: C’était un grand film. J’ai vu ce film quand j’étais assistant du photographe John French.
DB: Il a ce grand numéro d’ouverture, « Think Pink ».
DBAI: Yeah, cette déclaration de Diana Vreeland. C’est elle qui a dit « Le rose est le bleu marine de l’Inde ». C’est aussi bon que la ligne d’Andy Warhol sur le fait que tout le monde est célèbre pendant quinze minutes. Mais je me demande si cet écrivain médiatique…
DBAI: Yeah, celui qui a dit que l’image est le message. Il a dit toutes sortes de choses accrocheuses. Je me demande si Warhol a obtenu beaucoup de citations de lui.
DBL: Il sait que vous avez commencé à prendre des photos après votre appel au service national, l’équivalent britannique du repêchage militaire américain, mais avant cela, pensiez-vous que vous seriez dans le monde de la mode ? Dans les magazines, les médias et les photographies ?
DBAI: Personne n’ y a pensé. J’aimais la photographie mais je ne pensais pas à la mode. En fait, c’était vraiment un accident : je jouais de la trompette, je voulais être Chet Baker, mais, heureusement, quelqu’un a volé ma trompette [rires].
DBL: Quand ?
DBAI: Lorsque j’étais dans l’Armée de l’Air. Un officier l’a pris et je n’ai rien pu faire. Il a dit : « Puis-je emprunter votre trompette pour dessiner ? J’ai dit « Ouais », puis il a dit : « Désolé de te dire ça, mais quelqu’un l’a volé. » C’était un officier et je n’étais qu’un soldat, donc je ne pouvais rien y faire.
DBL: C’est peut-être la meilleure chose qui vous soit jamais arrivée.
DBAI: oui, probablement ! J’aurais été un très mauvais Chet Baker [rires].
DBL: Et c’est à ce moment-là que vous avez travaillé avec John French, n’est-ce pas ? DBOUi, pendant environ onze mois. John était un gars formidable. Et puis je suis allé à Vogue.
DBL: Vous étiez assez jeune et – comment dire ? – pas le genre de photographe typique utilisé par Vogue à l’époque. À ce moment-là, Vogue cherchait des gens assez polis.
DBAI: Honnêtement, je ne sais pas comment je suis arrivée à Vogue avec mon accent. Les Américains ne le savent peut-être pas, mais ce n’était pas facilement accepté en Angleterre d’avoir un accent comme le mien. Il y avait de très belles filles dans les années 1960 avec des accents comme le mien et nous n’avions pas le droit de travailler avec elles.
J’ai toujours pensé : « Eh bien, qu’est-ce que son accent a à voir avec une photo ? Nous ne faisons pas de film ! » Mais ils n’auraient rien à voir avec quelqu’un qu’ils pensaient être « commun ». C’était comme ça jusqu’aux années 70, vraiment.
DBL: Pourquoi vous ont-ils laissé entrer ?
DBAI: Je ne sais pas pourquoi. Je pense que le directeur artistique était un outsider et peut-être qu’il pensait que j’étais un outsider aussi. Il était homosexuel et, à cette époque, être homosexuel était en fait interdit par la loi. J’étais un étranger d’une manière différente, donc nous avions quelque chose en commun.
DBL: Vous étiez contre la société, et les magazines aimaient les gentils gens de la classe moyenne supérieure comme Cecil Beaton.
DBAI: Cecil détestait ne pas être chic. Il aurait aimé être comte ou seigneur ou n’importe quoi d’autre. Ils ont fait de lui un monsieur à la fin, donc au moins il l’a en quelque sorte compris.
DBL: Vous avez contribué à inaugurer une nouvelle ère de la photographie très post-Cecil Beaton.
DBAI: Il avait une façon de mettre les gens à l’aise. C’étaient de superbes photos parce qu’il filmait des gens dans une chaise élégante et leur donnait l’impression qu’ils avaient toujours été dans cette chaise élégante.
DBL: Vous avez cependant fait sortir les gens de leurs chaises de luxe. En arrivant chez Vogue, saviez-vous que vous introduisiez un style unique ?
DBAI: Non. Je n’y ai jamais pensé, pour être honnête. Cela semblait juste être du bon sens. Je ne pense même pas que les gens aient réalisé que les photos étaient bonnes quand je les ai faites. . . mais nous ne savions rien à l’époque.
DBL: Il y a cette excellente citation que vous avez faite : « Environ 2 000 personnes se sont amusées dans les Swinging ’60s. »
DBAI: Yeah, ils n’étaient pas très amusants si vous étiez un mineur de charbon ou un pêcheur ou quelque chose comme ça. Il n’y avait que quelques milliers de personnes qui s’amusaient dans les années 60 et c’était un truc de la classe ouvrière. C’était la première fois qu’ils avaient une voix. Je pense que la raison pour laquelle c’est arrivé était que nous étions trop nombreux. Il y avait Michael Caine, Terence Stamp, Albert Finney.
Si vous regardez des films anglais des années 50, c’étaient tous des gens de la classe moyenne qui jouaient au cockney. Vous pouvez dire par leur accent qu’ils n’étaient pas vraiment de l’East End. Finalement, nous étions comme, qu’est-ce que c’est?
DBAI: Yeah, je vais leur parler pendant quelques heures si je peux avant de leur tirer dessus. Ensuite, cela ne prend que dix minutes. Mais pensez-y : comment pouvez-vous tirer sur quelqu’un que vous ne connaissez pas ? Ce n’est pas grave si je les ai déjà rencontrés et que je les connais, si je les connais depuis des années, comme Jack [Nicholson] ou quelqu’un d’autre, mais si un étranger arrive et que je ne sais pas qui il est, comment puis-je savoir quand j’ai le bon coup?
DBL: Si je pouvais dire que demain tu pourrais tirer sur qui tu veux, qui serait-ce ?
DBAI: Personne, vraiment. Il y a vingt ans, cela aurait probablement été Fidel Castro. [Magazine editor] Tina Brown voulait faire ça, et nous avons essayé plusieurs fois, mais ils disaient: « Pouvez-vous aller passer six semaines là-bas, mais ils ne sont pas sûrs que vous l’obtiendrez. » Alors j’ai dit : « Je ne peux pas passer six semaines à Cuba !
Finalement, ils ont envoyé [Herb] Ritts, et il est resté là-bas pendant deux semaines et est parti. Il en a eu marre aussi. Honnêtement, je ne pense pas que les Cubains étaient si intéressés.
DBL: Une question que je reçois souvent, en particulier avec les personnes qui aiment la photographie, est la suivante : comment commence-t-on une collection de photographies ? Que recherchez-vous lorsque vous prenez des photos ? Qu’est-ce qu’une image importante pour vous ?
DBAI: Je ne parle jamais aux gens de cette merde ! [rires] Honnêtement, je ne sais pas. Je n’ai collectionné que deux photographes dans ma vie : l’un est Irving Penn et l’autre est Manuel Álvarez Bravo. J’ai probablement une vingtaine de photos de chacun d’eux.
DBL: Vous arrive-t-il d’afficher vos propres images ?
DBAI: Non, jamais. Sur mes murs ? Non. Je ne veux pas que mes photos soient chez moi.
DBL: Il y a une photo de Georgia O’Keeffe dans les toilettes.
DBAI: C’est de Bruce Weber.
DBL: Oh, c’est vrai.
DBAI: Ils sont principalement Bruce aux toilettes. Ha! Je parie qu’il aimerait ça.
DBL: Avez-vous une camaraderie avec d’autres photographes ?
DBAI: Non. Je l’ai fait avec Helmut [Newton] et avec Bruce – j’essaie de penser à qui d’autre. Je connaissais assez bien Irving Penn. Il me laissait louer son studio.
DBLT: Parlez-moi de modèles. Qui aimes-tu?
DBAI: Easy : Je pense que les deux plus grands modèles sont Jean Shrimpton et Kate Moss.
DBL: Certaines de vos premières photos les plus célèbres sont avec la crevette, mais ensuite elle a complètement quitté la mode et est sortie de la grille. Droite?
DBAI: Eh bien, elle n’a pas aimé ça. Jean détestait ça. Kate adore ça. C’est la différence. Kate est fantastique. Elle vient parfois ici et elle repart vers quatre heures du matin. Je viens de prendre une belle nouvelle photo d’elle. Je ferais n’importe quoi pour Kate.
DBL: Il est heureux de vous entendre dire cela parce que je pense que souvent, les photographes comme vous ont si peu de patience pour les gens de la mode.
DBAI: J’ai cessé de faire de la mode il y a des années. C’était trop. En 1971, j’ai fait 800 pages chez Condé Nast en un an, et c’était tout simplement trop.
DBL: Wow, 800 de quoi que ce soit, c’est trop.
DBAI : J’ai pensé : « Merde, je dois arrêter de travailler comme ça. Je vais me transformer en robe si je ne fais pas attention ! » [Rires] Je n’ai jamais vraiment aimé la mode de toute façon. J’aime les filles mais je n’ai jamais vraiment été bonne pour le business. J’aime Yves Saint Laurent, je suppose. En fait, je suis allé voir sa première collection et j’étais avec Catherine Deneuve et je lui ai dit : « Catherine, tu dois arrêter de porter ce que tu portes et il faut que tu enfiles ce Yves Saint Laurent. »
DBL: Vraiment ? YSL et Deneuve sont devenus des amis et des muses pour la vie.
DBAI : C’est moi qui l’ai présentée à Yves. Après cela, Pierre Bergé a été mon meilleur ami pour le reste de sa vie.
DBL: Est-ce que votre façon de prendre des photos aujourd’hui diffère un peu de celle que vous aviez lorsque vous avez réalisé les portraits de Michael Caine dans les années 1960 ?
DBAI: Non, je les prends tous de la même manière. Je n’ai jamais vraiment changé. J’ai de la chance d’une certaine manière, car mes photos ne semblent pas dater. Si je faisais des photos de mode maintenant, j’éviterais les cheveux et les chaussures. Je n’ai jamais porté trop de cheveux ou de chaussures parce que ces deux choses, les livres de mode, vieillissent plus qu’autre chose. Je recadre toujours des trucs. J’ai toujours eu des ennuis avec Vogue, comme « Oh, on ne peut pas voir les pieds. »
Et je disais: « Eh bien, vous savez à quoi ressemblent les pieds » [rires]. J’aime faire mon propre style. Je ne veux pas faire de trucs marrants. Je veux prendre la photo et continuer. Moins est toujours plus.
DBL: Quand vous voyez les photos de Mick Jagger, les photos que nous avions exposées dans la galerie, vous paraissent-elles encore fraîches ?
DBAI : Au début, je n’étais pas submergé par l’idée de faire une exposition de photographies des années 60 – je me suis dit : « Ugh, encore les années 60 ». Et je déteste ce terme « Swinging ’60s » et tout ça, c’est tellement cliché. Mais ici, ils se sentaient frais.
DBL: Mais nous sommes tous tellement ivres de nostalgie. Je veux dire, Freddie Mercury est le nom le plus chaud à Hollywood et il est mort depuis des décennies.
DBAI: Oh ouais, j’ai vu ce film, Bohemian Rhapsody. C’est bon, il est bon.
DBL: aviez-vous connu Freddie ?
DBAI: Freddie a enfoncé sa langue dans ma gorge !
DBL: n’êtes-vous pas sorti avec Anjelica Huston ?
DBAI: OUi, j’étais avec elle avant Nicholson. Elle était super, Anjelica. C’est une imitatrice fantastique. Elle peut imiter n’importe qui. J’ai fait un livre sur elle.
DBL: Tu es sorti avec Shrimpton aussi.
DBAI: Je l’ai fait.
DBL: J’ai entendu dire qu’elle dirigeait maintenant une chambre d’hôtes au bord de la mer.
DBAI: C’est mieux qu’une chambre d’hôtes ! C’est un peu comme Fawlty Towers. La dernière fois que je suis resté avec elle, nous avons tous les deux été enfermés à 20 heures du soir et nous n’avons pas pu rentrer parce que personne ne savait où était la putain de clé. Il n’y avait personne à la réception. C’est un hôtel adorable. Il n’y a pas trop d’hôtels de charme à St. Ives.
DBL: Alors tu es toujours ami avec elle ?
DBAI: Oui ! Je suis ami avec toutes mes ex-petites amies sauf Marie Helvin. Je ne la vois jamais.
DBL: Êtes-vous ami avec des personnes avec qui vous avez travaillé au fil des ans ?
DBAI: Ah ouais. Tout le monde. J’aime travailler avec les mêmes femmes depuis quinze ans. Vogue en a eu marre mais j’ai travaillé avec [ma femme] Catherine pendant quarante ans.
DBL: Ça doit être valorisant d’avoir encore des gens qui viennent voir des photos vieilles de cinquante ans dans une galerie, non ?
DBAI: Je pense qu’ils sont plus vieux que ça. Quel âge j’ai? Quatre-vingts. Ouais, ils sont plus vieux que ça. Ils datent du début des années 60.
DBL: Il était poli et coupé quelques années.
DBAI Non, non, je suis très vieux [rires].
DBL: Dernière question : Quelle est la première personne que vous avez eu envie de prendre en photo ?
DBAI: Somerset Maugham. Il a écrit Of Human Bondage. Ils en ont fait un film et il s’agissait d’un gang de filles. Il a fait beaucoup de bons livres et il comprenait les femmes plus que n’importe quel hétéro.
DBL: C’était le premier portrait de célébrité ?
DBAI: Première personne célèbre, ouais. Je me suis dit : « Merde, s’ils sont tous comme ça, ça va être génial. » Il n’aurait pas pu être plus gentil et il est mort quelques années plus tard. Il m’a dit : « Ne donne pas tout. » La dragonne de mon appareil photo était un morceau de ficelle [rires] et je n’avais pas beaucoup d’argent à l’époque, ce qu’il a remarqué. Il a dit: «Oh bien, tu es pauvre. Ne donnez rien. Gardez quelque chose en retour.
DBAI s’entendait bien avec lui. Il était très vieux—
DBL: Quel âge ?
DBAI: Shit, il devait avoir soixante-treize ans ou quelque chose comme ça, ce qui est plus jeune que moi maintenant. Mais ne me demandez aucun conseil.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
David Bailey est un photographe britannique né en 1938 à Londres. Il est surtout connu pour ses portraits de célébrités des années 1960, ainsi que pour son travail dans la photographie de mode.
2. Comment David Bailey a-t-il commencé dans la photographie ?
Bailey a commencé sa carrière de photographe en 1959, lorsqu’il a été embauché comme assistant pour le photographe John French. Il a rapidement commencé à travailler pour Vogue, où il a été remarqué pour son style de photographie innovant et sa capacité à capturer l’esprit de l’époque.
3. Qu’est-ce qui a rendu le travail de Bailey si remarquable ?
Le travail de Bailey est connu pour sa capacité à capturer l’essence de ses sujets. Il a également été salué pour sa technique de photographie, notamment son utilisation de la lumière naturelle et son choix de cadrage. Ses portraits sont souvent intimes et expressifs, ce qui a permis de créer des images emblématiques de la culture populaire britannique des années 60.
4. Quels sont les sujets célèbres que David Bailey a photographiés ?
Bailey a photographié de nombreuses personnalités célèbres au cours de sa carrière, notamment les Beatles, les Rolling Stones, Andy Warhol, Michael Caine, Mick Jagger, Jean Shrimpton, et bien d’autres.
5. Qu’est-ce que la photographie de mode signifie pour David Bailey ?
Pour Bailey, la photographie de mode est avant tout un moyen d’explorer la créativité et l’expression personnelle. Il a toujours cherché à créer des images qui sont à la fois belles et provocantes, tout en évitant les stéréotypes de la mode conventionnelle.
6. Qu’est-ce qui a rendu le travail de Bailey si influent dans la photographie de mode ?
Bailey a été un pionnier de la photographie de mode moderne, qui a rompu avec les conventions rigides de la photographie de mode traditionnelle. Son approche personnelle et non conventionnelle a contribué à redéfinir la photographie de mode dans les années 1960.
7. Comment David Bailey a-t-il utilisé la photographie pour explorer des questions sociales et politiques ?
Bailey a utilisé sa photographie pour aborder des questions sociales et politiques importantes, notamment la pauvreté, la guerre et les droits civils. Ses portraits de personnes dans les quartiers défavorisés de Londres ont contribué à sensibiliser le public aux inégalités économiques et sociales.
8. Quel est l’héritage de David Bailey sur la photographie contemporaine ?
L’héritage de Bailey sur la photographie contemporaine est considérable. Son style personnel et son approche non conventionnelle ont influencé de nombreux photographes depuis lors, tandis que ses photographies iconiques des années 60 ont continué à inspirer la culture populaire britannique et internationale.
9. Quel est le travail le plus célèbre de David Bailey ?
Le travail le plus célèbre de Bailey est peut-être sa série de portraits de la mannequin Jean Shrimpton en 1963, qui est devenue un symbole emblématique de la culture populaire britannique des années 60. Ces portraits ont été salués pour leur intimité et leur capacité à capturer l’esprit de l’époque.
10. Comment David Bailey a-t-il continué à travailler dans la photographie jusqu’à aujourd’hui ?
Bailey a continué à travailler dans la photographie depuis les années 60, créant des portraits de célébrités et des campagnes publicitaires pour des marques de mode de renommée mondiale. Il a également publié de nombreux livres de photographie et exposé son travail dans des musées et des galeries à travers le monde.
En conclusion, David Bailey est un photographe britannique iconique, connu pour son style de photographie personnel et non conventionnel qui a redéfini la photographie de mode dans les années 1960. Ses portraits de célébrités et son travail social et politique ont également contribué à façonner la culture populaire britannique des années 60. Son héritage se poursuit dans la photographie contemporaine et son travail continue d’être une source d’inspiration pour de nombreux photographes aujourd’hui.
Cette collection de 20 photographies célèbres a été soigneusement choisie en raison de leur importance dans l’histoire. Chacune de ces images emblématiques a contribué à façonner notre histoire et à modifier le monde dans lequel nous vivons. Ce sont certaines des images les plus puissantes et les plus influentes jamais capturées par certains des photographes les plus célèbres de l’histoire.
Les images ont un moyen de couper et de déclencher une réponse émotionnelle immédiate comme rien d’autre ne peut le faire. Ils nous ouvrent une fenêtre pour voir le monde à travers les yeux du photographe.
La photographie a contribué à renforcer l’histoire en la rendant plus tangible et réelle. Cela a également fait de l’appareil photo un outil important non seulement pour documenter l’historique, mais aussi pour aider à le changer.
Photo célèbre #1 Henri Cartier-Bresson – Homme sautant la flaque d’eau|1930
Dans cette photo, l’une de ses photos les plus emblématiques,Henri Cartier-Bresson acapturé une scène à travers une clôture derrière la gare Saint-Lazare à Paris.
Cette image est devenue l’exemple parfait de ce que Cartier-Bresson appelait« L’instant décisif ».
« Il n’y a rien dans ce monde qui n’ait pas un moment décisif. »
–HENRI CARTIER-BRESSON
Le photographe français est souvent désigné comme le père du photojournalisme moderne.
Il a inventé le terme « le moment décisif » pour désigner un moment où le photographe capture une seconde éphémère, l’immortalisant dans le temps.
Photo célèbre #2 The Steerage d’Alfred Stieglitz |1907
Photo célèbre: le top 20
La célèbre photo d’Alfred StieglitzThe Steerage|1907
«Je suis resté envoûté pendant un moment.J’ai vu des formes liées les unes aux autres – une image de formes, et sous-jacente, une nouvelle vision qui m’a retenu. ALFRED STIEGLITZ
L’un des photographes les plus célèbres du début du 20e siècle, Stieglitz s’est battu pour que la photographie soit prise aussi au sérieux que la peinture en tant que forme d’art valable. Son travail de pionnier a contribué à changer la façon dont beaucoup considéraient la photographie. Ses galeries à New York présentaient bon nombre des meilleurs photographes de l’époque.
Son image emblématique « The Steerage » ne résumepas seulement ce qu’il appelle la photographie directe – offrant une vision véridique du monde. Cela nous donne également un point de vue plus complexe et multicouche qui transmet l’abstraction à travers les formes de l’image.Et comment ces formes se rapportent les unes aux autres.
Remarque :Il y a de nombreuses années, l’un de mes instructeurs de mon programme de photographie à l’université nous a montré The Steerage et a expliqué à quel point c’était important, à quel point c’était important.La version de 21 ans de moi-même n’a pas compris. J’avoue qu’il m’a fallu de nombreuses années pour comprendre son génie et son message. Donc, si vous ne comprenez pas tout de suite, vous êtes en bonne compagnie.
Photo célèbre #3 Stanley FormanWoman Falling From Fire Escape| 1975
Photo célèbre: le top 20 Lacélèbre photo deStanley FormanWoman Falling From Fire Escape| 1975
Forman était un photographe bien connu travaillant pour le Boston Herald lorsqu’il s’est rendu sur les lieux d’un incendie. Ce qui a commencé alors qu’il documentait le sauvetage d’une jeune femme et d’un enfant a rapidement pris une tournure lorsque l’escalier de secours s’est effondré.
La paire a commencé à tomber et il a continué à tirer pendant qu’ils tombaient. Il les a capturés entrain de nager dans les airs .Forman n’a baissé son appareil photo et s’est retourné qu’au dernier moment lorsqu’il s’est rendu compte qu’il était en train d’assister à une femme en train de s’effondrer vers la mort.
Cette célèbre photographie a valu à Forman un prix Pulitzer. Mais son héritage intéressant réside dans les questions éthiques qu’il a soulevées quant au moment où un photographe doit arrêter de prendre des photos et s’il est approprié de publier des images dérangeantes. Cela a également poussé de nombreuses municipalités à appliquer des codes de sécurité plus stricts en matière d’évacuation en cas d’incendie, alors vous décidez.
Photo célèbre #4 Photo controversée de Kevin Carter – Starving Child and Vulture|1993
Photo célèbre: le top 20 – Photo gagnante du prixKevin CarterPulitzerEnfant affamé et vautour|1993
Cette image est une autre image lauréate du prix Pulitzer. Aussi célèbre pour son impact social que pour les questions éthiques qu’il soulève.
En 1993, le photojournaliste sud-africain Kevin Carters’est rendu au Soudan pour photographier la famine. Son image d’un enfant effondré, avec un vautour qui la traque, n’a pas seulement provoqué l’indignation du public à cause du sujet horrible.Cela a également suscité de nombreuses critiques dirigées contre le photographe, pour avoir photographié l’enfant plutôt que de l’aider.
Ce jour-là, et l’assaut qui a suivi a continué à hanter Carter jusqu’à ce qu’il se suicide en 1994.
Pour mémoire, la mère était apparemment juste à côté de la scène et l’enfant n’a jamais été en danger d’être attaqué par l’oiseau.Notez qu’il a également été tourné avec un téléobjectif plus long qui rend une scène plus compressée, faisant apparaître l’oiseau plus près de l’enfant que la réalité.
Si vous voulez en savoir plus sur cette image et sur d’autres prises par des photojournalistes en Afrique du Sud pendant la chute de l’apartheid, consultezThe Bang Bang Club.Regardez la bande-annonce ci-dessous et vous pouvez regarder le film complet sur YouTube pour 3,99 $.C’est un excellent documentaire, mais pas pour les âmes sensibles.
Photo célèbre #5 Le photographe lauréat du prix Pulitzer Eddie Adams |Exécution de Saigon|1968
Le photojournaliste Eddie Adams, lauréat du prix Pulitzer, était dans les rues de Saigon le 1er février 1968 pour photographier les ravages de la guerre.
Photo célèbre: le top 20 – Eddie Adams|Exécution de Saigon |1968
Les photographies fixes sont l’arme la plus puissante au monde.- Eddie Adams, photographe Croyant qu’il assistait à l’exécution de routine d’un prisonnier. Il regarda dans le viseur de son appareil photo, pour capturer la scène. Mais ce qu’il a capturé était l’assassinat occasionnel du prisonnier.
Cette photo emblématique est devenue l’une des images les plus puissantes de la guerre du Vietnam. Il a contribué à alimenter le mouvement anti-guerre et à mettre fin à l’implication des États-Unis dans la guerre, car il a donné vie à un visuel horrible, l’ampleur de la violence qui se produisait.
Photo célèbre: le top 20 – Laphoto emblématique deYousuf Karsh,Winston Churchill|1941
« Au moment où je suis revenu à mon appareil photo, il avait l’air si belliqueux qu’il aurait pu me dévorer. C’est à cet instant que j’ai pris la photo.
–YOUSUF KARSH
À la suite de l’attaque de Pearl Harbour,Churchill arrive à Ottawa pour remercier les alliés de leur aide.
Ignorant qu’un photographe avait été chargé de faire son portrait, il refusa de retirer son cigare. Une fois le photographe installé, il s’est dirigé vers Churchill, a retiré le cigare de sa bouche et a pris sa célèbre photo avec la mine renfrognée.
À propos de l’incident, Churchill a déclaré à Karsh : « Vous pouvez même faire en sorte qu’un lion rugissant reste immobile pour être photographié. »
Cette image est l’un des portraits politiques les plus largement reproduits. Elle autorisait les photographes à réaliser des portraits plus honnêtes, voire critiques, de dirigeants politiques.
Photo célèbre #7 Nick Ut |La terreur de la guerre|1972
Photo célèbre: le top 20 – Nick UtThe Terror of War|1972
« L’horreur de la guerre du Vietnam que j’ai enregistrée n’avait pas besoin d’être réparée. »
–NICK UT
À 25 miles au nord-ouest de Saigon, le photographe de guerre Nick Ut a capturé l’une des images les plus poignantes de l’histoire de la guerre du Vietnam. Le plus souvent, on ne voit pas les visages de ceux qui souffrent des dommages collatéraux de la guerre.
Mais l’image déchirante de Phan Thi Kim Phuc,9 ans, aforcé le monde à voir. Victime d’une chute de napalm par erreur, elle a ensuite été aidée par Ut et a reçu un traitement qui lui a sauvé la vie.
Au moment de la publication en 1972, de nombreux journaux ont dû assouplir leur politique sur la nudité. L’image reste controversée à ce jour, récemment elle a été brièvement supprimée de Facebook pour les mêmes raisons.
Nick Ut a remporté un prix Pulitzer pour cette célèbre image en 1973.
Photo célèbre #8 Margaret Bourke-White –Gandhi et la roue tournante|1946
Photo célèbre: le top 20 – Margaret Bourke-White– Gandhi et la roue tournante|1946
En 1946,Margaret Bourke-White, la première femme photographe du magazine LIFE, s’est vu offrir une rare opportunité de photographier le Mahatma Gandhi. Cette opportunité de rêve s’est rapidement transformée en cauchemar. Elle a dû surmonter de nombreux défis avant d’accéder au leader idéologique de l’Inde.Y compris pour faire tourner le célèbre fil à la maison de Gandhi.
Après deux tirs ratés, grâce à des difficultés techniques, c’est la troisième fois que Bourke-White a de la chance.
Cette image emblématique de Gandhi à son rouet a été capturée moins de deux ans avant son assassinat.
Remarque :Bourke-White était une icône pour moi en tant que jeune photographe. Elle semblait intrépide et allait là où même certains hommes n’osaient pas aller. Son courage et son courage m’ont influencé ainsi que mon travail au début de ma carrière. Il y a un film sur sa vie (elle est jouée par Farrah Fawcett)appelé Double Exposure. Si vous pouvez mettre la main dessus, c’est une excellente montre.
Photo célèbre #9 Lewis Hine –Cotton Mill Girl|1908
Photo célèbre: le top 20 – Lewis Hine|Fille de filature de coton|1908
Créé en 1904, le Comité national sur le travail des enfants existait pour lutter pour les droits des enfants travailleurs aux États-Unis. Ils ont réalisé que l’outil le plus puissant dont ils disposaient était de montrer le vrai visage de ces enfants. Ils pensaient que voir ces images de travail des enfants éveillerait les citoyens à exiger le changement.
Lorsque Lewis Hine, un photographe d’investigation, est tombé sur Sadie Pfeifer, l’un des plus petits au travail. Debout à seulement 48 pouces, il savait qu’il avait un coup qui changerait le point de vue des gens.
Cette photographie, avec d’autres, a été un élément crucial de la campagne qui a conduit à une modification de la législation. Le résultat a été une réduction de 50 % du nombre d’enfants travailleurs sur une période de 10 ans.
Photo célèbre #dix Mendiant aveugle de Paul Strand |1916
Photo célèbre: le top 20 – Mendiant aveuglede Paul Strand |1916
L’image révolutionnaire de Paul Strand d’une femme aveugle était un portrait franc qui s’écartait des portraits posés plus formels de l’époque.
Strand n’a pas seulement capturé un moment dans le temps, lorsqu’un pays changeait rapidement, en raison d’une vague d’immigration.Mais il a également pris la première image qui a ouvert la voie à un nouveau style – la photographie de rue.
Photo célèbre #11La journée emblématique duVJ à Times Square par Alfred Eisenstaedt |1945
Photo célèbre: le top 20 – La journée emblématique duVJ à Times Square par Alfred Eisenstaedt |1945
« Les gens me disent que quand je serai au paradis, ils se souviendront de cette photo. »
–ALFRED EISENSTAEDT
La mission d’Alfred Eisenstaedt à travers cette photographie était de « trouver et saisir le moment de la narration ».Dans cette photographie d’après-guerre à Times Square, c’est exactement ce qu’il a fait.
Sa célèbre photographie du soldat et de l’infirmière dentaire est devenue l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle, signifiant la fin joyeuse des années de guerre.
Photo célèbre #12 La première photographie de l’histoire – par Joseph Nicéphore Niépce – Vue depuis la fenêtre du Gras |vers 1826
Photo célèbre: le top 20
C’est la PREMIÈRE photographie jamais prise, elle a été réalisée par Joseph Nicéphore Niépce |Vue depuis la fenêtre du Grasvers 1826
Il est intéressant de noter que la première photographie permanente jamais prise n’a pas été prise par un artiste, mais par l’inventeur Joseph Nicéphore Niépce. Sa fascination pour l’imprimerie l’amène à installer une camera obscura dans son atelier en France en 1826.
La scène de la fenêtre a été coulée sur une plaque d’étain et a présenté une copie grossière de la scène à l’extérieur de sa fenêtre. C’étaitune pose de 8 heures et il n’y a qu’un seul exemplaire, une image positive. C’est pourquoi l’image est quelque peu confuse car le soleil s’était déplacé dans la cour pendant l’exposition, faisant apparaître des ombres des deux côtés.
Son travail révolutionnaire a ouvert la voie au développement de la photographie moderne.
Photo célèbre #13 James Nachtwey | famine en Somalie|1992
Photo célèbre: le top 20 – James Nachtwey|famine en Somalie|1992
« Oserons-nous dire que ce n’est pas pire que ça ? Lecteur du New York Times Magazine après avoir vu l’image de Nachtwey
Incapable d’obtenir une mission pour documenter la famine de 1992 en Somalie, le photojournaliste James Nachtwey a décidé d’y aller seul.
Soutenu sur le terrain par la Croix-Rouge, Nachtwey a capturé les horreurs de la famine. Ceci, son image la plus obsédante capture une femme dans une brouette attendant d’être emmenée dans un centre d’alimentation.
Après la publication de ses images poignantes,la Croix-Rouge a reçu la plus grande vague de soutien public depuis la Seconde Guerre mondiale et a pu sauver UN million et demi de personnes.
Photo célèbre #14 Alberto Korda de Che Guevara,Guerillero Heroico|1960
Photo célèbre: le top 20 – Alberto Korda|Guérillero Heroico|1960
Le photographe Alberto Korda n’a pas réalisé qu’aprèsavoir pris deux clichésdu jeune associé de Fidel Castro, cela deviendrait une image si emblématique.
À sa mort, 7 ans plus tard,son portrait de Che Guevara deviendrait l’image emblématique de la rébellion et de la révolution pour les peuples du monde entier.Encore aujourd’hui, il est répandu dans la culture cubaine et dans le monde. Aussi controversé que soit le Che, que vous le considériez comme un héros ou un méchant, le portrait résiste à l’épreuve du temps.
Photo célèbre: le top 20 – Philippe Halsman aréalisé cette célèbre photoDalí Atomicusen 1948
Le travail de toute une vie de Philippe Halsman a été de capturer l’essence de ceux qu’il a photographiés. Sachant qu’un portrait standard du flamboyant Salvador Dali n’allait pas se laver, il s’est mis à créer quelque chose d’extraordinaire.
Halsman a même encordé sa femme et sa fille pour aider à jeter les chats et l’eau dans le cadre. Après 26 prises de vue, ils ont finalement capturé cette image qui fait écho aux propres œuvres de Dali. Remarque : rappelez-vous que c’était tout film donc devait être fait dans une seule image, il n’y avait pas de Photoshop !
Halsman et Dali avaient tous deux un sens inhabituel du style et de la créativité – certains pourraient même dire bizarre.Ils ont collaboré sur de nombreux projets ensemble,y compris Halsman recréant l’une des peintures de Dali d’un crâne en utilisant des nus humains.
Halsman a contribué à façonner la photographie de portrait moderne. Ses images de Dali, Albert Einstein, Marilyn Monroe et Alfred Hitchcock ont brisé le moule et encouragé les photographes à collaborer avec leurs sujets.
Remarque : l’un de mes livres de photographie de table basse préférés est Halsman at Work.Il comprend non seulement de superbes photographies, mais aussi les histoires derrière la façon dont il les a faites, racontées par sa femme Yvonne qui a travaillé à ses côtés pour prendre des photos de lui en train de travailler.
Photo célèbre #16 Dorothée Lange |Mère migrante|1936
Photo célèbre: le top 20 – Dorothée Lange|Mère migrante|1936
En mission pour l’Administration de la réinstallation, Dorothea Lange a été chargée de capturer le sort des personnes les plus touchées par la Grande Dépression en 1936.
Lang a étroitement encadré Thompson, 32 ans, et ses jeunes enfants, entraînant le spectateur dans la douleur et l’épuisement gravés sur son visage qui semble vieilli au-delà de ses années.
À son retour, la photographie de Lange, désormais célèbre, est devenue l’image la plus emblématique des 160 000 prises pour documenter cette période désespérée.
Le gouvernement a agi en voyant la souffrance et a envoyé 20 000 livres de nourriture.
Photo célèbre #17 Eadweard Muybridge |Le cheval en mouvement|1878
Photo célèbre: le top 20 – Eadweard Muybridge |Le cheval en mouvement|1878
Se lancer dans une tâche pour découvrir si un cheval prend son envol au galop. Le photographe Eadweard Muybridge a été chargé par le gouverneur de Californie Leland Stanford de prouver sa théorie.
Muybridge a développé une technique pour capturer le cheval en utilisant une exposition d’une fraction de seconde seulement. Il avait aligné 12 appareils photo qui ont été déclenchés pour photographier en succession rapide par le cheval au galop.
La série d’images capturées par Muybridge n’a pas seulement prouvé qu’un cheval prend effectivement son envol. Ils ont également ouvert la voie à une nouvelle façon d’utiliser la photographie avec d’autres technologies pour capturer la vérité.
Cette méthode a ouvert la voie au développement de l’animation et du cinéma.
Photo célèbre #18W. Eugène Smith |Médecin de campagne|1948
Photo célèbre: le top 20 – W. Eugène Smith | Médecin de campagne|1948
« Je ne cherche pas à posséder mon sujet mais plutôt à m’y donner »,
–EUGÈNE SMITH
L’objectif de Smith était de voir le monde du point de vue de ses sujets et pour les spectateurs qui regardent son travail de faire de même. Cette image est tirée de sa photo. L’essai « Country Doctor » a été pris après que Smith ait passé 23 jours avec le sujet.
En suivant le médecin et en apprenant vraiment à le connaître, Smith a pu capturer l’essence de son sujet à travers une seule image. Cette image et l’essai qui l’accompagne sont devenus un modèle pour le formulaire que beaucoup ont imité depuis.
Mais l’image faisait partie du grand essai photographique qui a établi une nouvelle norme pour ce genre de photographie, le photojournalisme.
Photo célèbre #19Robert Capa |Le soldat qui tombe|1936
Robert Capa|Le soldat qui tombe|1936
L’image de Capa d’un milicien espagnol abattu a été prise sans qu’il ait jamais regardé dans son viseur.
Capturée en tenant son appareil photo au-dessus de sa tête alors qu’il était dans les tranchées, cette image a amené la photographie de guerre à un niveau différent. Peu de temps après, les journalistes ont commencé à être formellement intégrés dans les unités de l’armée à mesure que leur importance dans la capture et la documentation des horreurs de la guerre a été réalisée.
Photo célèbre #20 Harold Edgerton |Couronne de goutte de lait|1957
Harold Edgerton|Couronne de goutte de lait|1957
Le professeur d’électrotechnique Edgerton a commencé une série d’expériences dans son laboratoire du MIT, en inventant un appareil photo qui photographierait un instant fugace dans l’obscurité.
Combinant un éclairage stroboscopique high-tech et un obturateur d’appareil photo qui permettrait au photographe de capturer un instant invisible à l’œil nu.Il a installé un compte-gouttes de lait à côté d’une minuterie avec son appareil photo.
Sa photographie en stop-motion a réussi àfiger l’impact d’une goutte de lait sur une table et a cimenté l’importance de la photographie dans le monde de l’avancement de la compréhension humaine de notre monde physique.
L’achat de photo d’art en ligne à le vent en poupe actuellement. L’image est d’ailleurs partout : des influenceurs documentant leurs choix de mode aux publicités commerciales, il y a des images partout où nous regardons. Pourtant, ne vous laissez pas tromper par la saturation du champ.
La photographie d’art, les photos d’art est une étoile montante dans le monde exclusif de la collection d’art. L’achat d’image en ligne explose.
Loin de votre photo de téléphone intelligent moyenne, les pièces dignes d’un musée par des maîtres photographes sont des choix judicieux pour les investisseurs et les amateurs d’art.
Des photographies telles que « Rhien II » d’Andreas Gursky se sont vendues à des millions. La valeur d’investissement de ces chefs-d’œuvre fait partie du changement croissant dans le monde de l’art.
Aujourd’hui, la photographie est enfin placée dans le même domaine que les arts séculaires de la peinture et de la sculpture. L’abordabilité relative de la photographie d’art par rapport à ces autres médiums en fait un bon point de départ pour un collectionneur d’art en herbe.
Une collection de photographies d’art organisée rehaussera votre espace avec de la couleur, du luxe et de la personnalité. Choisir d’acheter le travail d’un véritable artiste, plutôt que des tirages commercialisés en masse, signifie que vous soutenez directement le parcours de l’artiste.
Les éditions limitées garantissent que votre achat sera l’un des quelques chefs-d’œuvre produits par l’artiste. Ces éditions exclusives apporteront une individualité et une beauté rare à votre maison tout en ayant une réelle valeur.
Commençons par nos 10 raisons pour lesquelles vous devriez commencer votre collection de photographies d’art dès aujourd’hui. Car, après tout, il n’est jamais trop tard pour se découvrir une nouvelle passion !
ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE
1.ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE EST À LA HAUSSE DANS LE MONDE DE L’ART
Par rapport aux peintures ou aux sculptures, la photographie est plus accessible financièrement … pour l’instant. Avec la popularité croissante du média, certaines photographies se vendent déjà à des prix très élevés et cela ne fera qu’augmenter.
La bonne nouvelle est qu’il existe encore des prix pour chaque collectionneur. Les photographies peuvent aller de 150 USD à 6,5 millions (le montant du record du monde payé pour « Phantom » de Peter Lik). Cependant, si vous cherchez à acheter le travail d’un photographe bien connu, attendez-vous à des prix plus élevés.
À partir de là, cela dépend de vous, de votre budget et de votre style d’investissement. Voulez-vous acheter une photographie à succès établie pour suivre l’augmentation du prix par rapport au premier exemplaire vendu ? Ou préférez-vous acquérir l’un des premiers exemplaires d’une édition limitée pour un prix moindre et attendre de voir comment il gagne en popularité ?
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2. VOTRE COLLECTION DE PHOTOGRAPHIES D’ART SERA COMPLÈTEMENT ORIGINALE
Personne n’aime être un imitateur . Lorsque vous achetez des œuvres d’art dans une chaîne de magasins, vous savez que des milliers d’autres ont la même scène de ville, la même impression botanique ou la même copie d’un célèbre tableau accroché dans leur maison. Il est vrai que rechercher l’art que vous aimez prendra plus de temps et d’argent que de trouver quelque chose chez IKEA. Mais cela ne fait-il pas partie du plaisir ?
Passer par ce processus peut vous renseigner sur l’art, le design d’intérieur, la théorie des couleurs, les techniques d’investissement et votre propre personnalité.
Lorsque vous regardez la pièce que vous avez choisie sur votre mur, elle parlera vraiment de votre individualité, plutôt que de simplement faire partie de l’arrière-plan.Kit métallisé.
3. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :VOUS SOUTIENDREZ DE VRAIS ARTISTES ET NON L’ART D’USINE
L’art original est réalisé par des artistes individuels.
Les photographes d’art passent chaque jour à créer des œuvres qui révèlent leur vision artistique. Chaque photographie est à la fois incroyable à regarder et a une histoire originale derrière elle. Peut-on en dire autant d’une image qui a été réimprimée un million de fois parce qu’elle occupe une certaine niche dans un magasin de décoration d’intérieur ?
Lorsque vous investissez dans le travail d’un véritable photographe d’art, vous investissez dans la poursuite de sa carrière. Si vous aimez leur travail, aidez-les à en faire plus.
4. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :OPTEZ POUR LE RARE AVEC UNE ÉDITION LIMITÉE
La photographie en édition limitée permet de posséder une œuvre d’art de grande valeur. Ces éditions sont accompagnées d’un certificat d’authenticité et de la signature de l’artiste, afin de garantir leur valeur dans le temps.
De nombreux acheteurs d’art potentiels ont du mal à comprendre la différence entre une édition limitée et une édition ouverte . Les photographies peuvent être simplement réimprimées, n’est-ce pas ?
Pourquoi les éditions limitées sont-elles tellement plus chères ? Utilisons une analogie avec un livre pour clarifier les choses.
Imaginez avoir acheté l’un des premiers exemplaires de Shakespeare’s Collected Plays, connu sous le nom de « First Folio ». En 1623, vous auriez peut-être payé 15 shillings (134 livres en tenant compte de l’inflation actuelle). Aujourd’hui, ce même livre vaut des millions de livres. Un exemplaire de « First Folio » a été vendu 5,2 millions à la maison de vente aux enchères Sotheby’s en 2006 .
Oui, les « pièces de théâtre » de Shakespeare ont été réimprimées des millions de fois. Presque tous ceux qui sont allés au lycée au Royaume-Uni ou en Amérique ont lu au moins une partie de la collection. Pourtant, l’éditeur ne pourra jamais faire une autre première édition. La poignée de ces livres rares qui existent ne fera qu’augmenter en valeur avec le temps.
Les photographes d’art limitent le nombre de copies qu’ils font d’une pièce particulière pour exactement cette raison. Ils veulent que la valeur de leur travail reste dans ce monde exceptionnel de rareté.
Une fois qu’une édition est épuisée, selon le code du photographe d’art, elle ne sera jamais réimprimée. C’est pourquoi il est important de saisir cette superbe image en édition limitée que vous regardez avant que quelqu’un d’autre ne le fasse !
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5. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE D’ART AJOUTE DU LUXE À VOTRE ESPACE
Si vous parcourez les pages de n’importe quel magazine de décoration haut de gamme, vous remarquerez que les chambres sont remplies d’œuvres d’art magnifiques. Loin de l’ordinaire du marché de masse, ces images confèrent une sophistication mondaine à n’importe quelle pièce.
Les architectes d’intérieur savent que concevoir une pièce autour d’œuvres d’art originales, en harmonisant les couleurs et les styles, ancrera l’espace. Une collection bien organisée peut faire toute la différence entre ennuyeux et brillant .
De plus, la photographie d’art peut être un sujet de discussion pour vos invités ou clients. Les histoires derrière la photographie et l’artiste sont infiniment plus intéressantes que de décrire votre week-end de shopping au centre commercial.
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6. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE D’ART EST INTEMPORELLE
La photographie de masse peut rapidement sembler dépassée, en partie parce qu’elle est trop saturée sur le marché. Alors que la photographie d’art évoluera avec votre style et suscitera encore et encore l’intérêt.
Une partie de la valeur d’investissement d’une œuvre d’art réside dans le fait qu’elle peut rester une partie de votre décor pour les années à venir . Chaque fois que vous accrochez votre photo dans un nouvel endroit ou que vous changez les tendances qui l’entourent, elle se démarquera toujours comme un ajout élégant.
Et la meilleure partie ? La photographie d’art conserve sa valeur dans le temps. Donc, tant que vous prenez bien soin de votre investissement, il sera vraiment intemporel.
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7. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : VOUS POUVEZ RAMENER VOS VOYAGES À LA MAISON AVEC VOUS
Des photos phénoménales de lieux intéressants et des portraits des personnes qui y vivent peuvent vous permettre de vous évader de votre vie quotidienne.
Le voyage est une catégorie populaire de la photographie d’art car il peut stimuler la mémoire d’un voyage bien-aimé. Ou il peut servir de vie ambitieuse. Vous ne pourrez peut-être jamais atteindre le sommet brumeux de cette montagne à Sapa, au Vietnam. Mais avoir une photographie artistique du lieu peut toujours vous y transporter.
Un photographe de voyage d’art peut voyager jusqu’au bout du monde et raconter les histoires de personnes et de lieux dont nous ne pouvons que rêver.
De plus, les photographies de paysages créent une impression de profondeur et d’espace dans n’importe quelle pièce. Une photographie à grande échelle peut inciter l’œil à regarder au-delà du mur et à pénétrer dans les terres au-delà. Choisir une photographie avec une technique de traitement qui offre un effet 3D peut aller encore plus loin dans la création de cette illusion.
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8. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : UTILISEZ L’ART POUR CRÉER UNE AMBIANCE SPÉCIALE DANS VOTRE ESPACE
L’ambiance de votre décor changera avec le sujet de votre photo . L’image d’une forêt verdoyante peut créer un effet serein et diminuer l’anxiété. Une scène urbaine peut ajouter une touche industrielle à un projet de design urbain. Un portrait intrigant peut agir comme un « gardien de la pièce », attirant les gens à entendre l’histoire derrière les yeux du sujet.
Choisissez d’abord quelques pièces que vous aimez, puis réfléchissez à ce qu’elles vous font ressentir.
Quelle sorte d’atmosphère la photo créera-t-elle dans votre espace ? Quel esprit essayez-vous d’évoquer ? Branché? Zen? Mondain? Surprenant? Luxueux?
Que vous soyez attiré par les portraits, les paysages, les images urbaines ou abstraites, une photo d’art ajoutera de la texture et de l’intérêt à votre décoration d’intérieur. À partir de là, l’ambiance est à vous pour créer !
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9. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :LES EXPERTS RÉVÈLENT QUE LA PHOTOGRAPHIE D’ART A DE LA VALEUR
Ne nous croyez pas sur parole. Les experts dans le domaine de la collection d’art ont déclaré que la photographie d’art est une forme d’investissement en hausse.
Le marché de l’art existe depuis des siècles, mais il y a toujours de la place pour de nouveaux artistes et médiums pour faire sensation. Des articles dans Robb Report , The Guardian et Sotheby’s soulignent la tendance croissante à l’acquisition par les collectionneurs de photographies contemporaines aux prix les plus élevés.
Le prix de départ d’une édition limitée peut dépendre de beaucoup de choses. Il prend en compte la notoriété du photographe, la demande des collectionneurs pour des pièces similaires, la technique de traitement ou les matériaux utilisés, le sujet et l’importance historique.
Faites vos recherches et investissez dans un budget qui vous convient. Choisissez une œuvre que vous aimez et votre photo résistera à l’épreuve du temps.
Cela nous amène à notre dernière raison :
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10. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :ACHETEZ-LE PARCE QUE VOUS L’AIMEZ
Achetez de l’art qui vous apporte de la joie personnelle.
N’achetez jamais une photographie d’art simplement sur les recommandations des galeristes ou des marchands d’art. C’est vous qui vivrez avec jour après jour, ce qui signifie que vous êtes l’expert le plus important !
Commencez par choisir quelques pièces dont vous ne pouvez pas détourner le regard. Pour une raison quelconque, ils devraient déclencher une émotion à l’intérieur de vous. Ensuite, recherchez leur valeur, y compris l’artiste et les normes avec lesquelles ils ont été produits avant de faire votre choix final.
Sans un lien personnel avec l’œuvre, elle ne finira que dans une archive de stockage quelque part. Et quoi de plus triste qu’une pièce dans laquelle un artiste a mis toute son âme et qu’on ne voit jamais ?
Commencez une collection que vous aimez. Le reste se mettra en place à partir de là.
Nous espérons que vous avez apprécié notre série sur Comment et pourquoi investir dans la photographie d’art.
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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Alors que les festivals de musique gagnent en popularité, ces enfants d’expériences sont devenus un élément clé de la vie culturelle sur la planète. Sauter dans une tente pendant des jours pour apercevoir Beyoncé entrant dans l’ histoire à Coachella. Se presser dans un parc pour une performance surprise qui s’avère être Dolly Parton au Newport Folk Festival .
Festivals de musique : un important générateur d’argent
Au cours de la dernière décennie, les festivals de musique sont devenus un important générateur d’argent dans une industrie concurrentielle qui voit des centaines d’événements de ce type chaque année aux États-Unis. Il y a les grands – Coachella, Lollapalooza, Outside Lands, Governors Ball – avec des prix très élevés, plusieurs scènes, des options de camping et des listes presque infinies d’artistes.
Et parallèlement à leur popularité croissante, des centaines de festivals de musique plus petits, de niche ou de genre ont prospéré. Recherchez « festival de musique près de chez moi » et vous en trouverez probablement un à au moins quelques heures de route.
Les origines des festivals de musique remontent à la Grèce antique , où de tels événements impliquaient souvent des compétitions dans les domaines de la musique, des arts et des sports. Les festivals de musique moderne aux États-Unis sont nés de l’établissement et de la philosophie de Woodstock .
Bien qu’il ne s’agisse pas du premier événement du genre (les Newport Folk and Jazz Festivals, le Milwaukee’s Summerfest et le Monterey Pop Festival sont antérieurs à Woodstock), l’ événement de 1969 occupe une place mythique dans l’histoire de la culture pop américaine.
Festivals de musique : Des entreprises grand public
Les festivals de musique ont depuis évolué du bricolage et de l’esprit communautaire de Woodstock, pour devenir des entreprises grand public qui récoltent des bénéfices et adoptent des parrainages d’entreprise, alors que plus de 32 millions de personnes y assister chaque année, selon Billboard.
Coachella, l’un des festivals de musique les plus populaires du pays, a rapporté 114,6 millions de dollars en 2017, établissant un record majeur pour la première franchise de festivals de musique récurrents à gagner plus de 100 millions de dollars.
Festivals de musique
«Auparavant, ils étaient davantage une communion de culture», explique Carlos Chirinos, professeur de musique clinique et de santé mondiale à l’Université de New York. « Un groupe de personnes qui étaient dans le même type de musique, ils se réunissaient. C’était la force motrice tout au long des années 1970 et 1980 jusqu’à ce qu’il devienne un format rentable.
Les mécanismes qui ont conduit les festivals de musique à devenir les meilleurs revenus ont beaucoup à voir avec les effets de la vie moderne, dit Chirinos. Les gens sont désormais plus susceptibles de dépenser de l’argent pour des expériences plutôt que des biens matériels, dit-il, affirmant que partager un clip d’une performance de Billie Eilish ou Cardi B avec ses abonnés Instagram est plus gratifiant que d’acheter quelque chose de cher.
Festivals de musique
Cette «économie expérientielle» s’est développée au fur et à mesure que les marques se sont tournées vers les festivals de musique, cherchant à capitaliser sur les opportunités qu’offre un grand groupe dans un espace singulier, dit-il. Une enquête Deloitte 2019 auprès des millennials, un groupe qui représente au moins 45% des 32 millions de personnes qui fréquentent les festivals de musique— constate que la plupart des expériences valorisent : 57 % des personnes interrogées ont déclaré qu’elles donnaient la priorité aux voyages et à la découverte du monde plutôt qu’à la possession d’une maison.
Festivals de musique : une nouvelle expérience
La musique elle-même a également changé, faisant des festivals de musique une plus grande attraction pour les auditeurs. Alors que le streaming devient l’un des moyens les plus populaires d’écouter de la musique, les ventes de billets et de marchandises représentent l’essentiel des dépenses des fans en musique.
Parce que l’écoute de la musique est devenue pratiquement gratuite (ou sur abonnement), l’accès est sans précédent et rend la musique live encore plus spéciale, selon Chirinos. « Le public est désireux de se connecter à l’artiste », dit-il.
Festivals de musique
Pour les artistes, apparaissant dans des festivals de musique est un moyen plus facile de faire de l’ argent que selon le niveau record de ventes ou de longues tournées, dit Rishi Bahl, professeur de musicien et marketing à La Roche College à Pittsburgh, en Pennsylvanie.
Comme les ventes records ont connu une baisse de forte dans la du début au milieu des années 2000, grâce à la croissance de la musique numérique, les artistes ont commencé à dépendre des tournées pour gagner de l’argent. Bahl dit que les organisateurs du festival ont rapidement compris le pic d’artistes prenant la route et ont décidé de les payer plus pour participer à leurs événements.
Il note que la majorité du calendrier des tournées d’un groupe comme The Offspring, qui a joué à Woodstock ’99 , se compose désormais de représentations en festival. Sur les 20 spectacles que The Offspring jouera le reste de cette année, une quinzaine d’entre eux participent à des festivals de musique.
« Ils n’ont plus besoin de la routine des tournées. Ils s’envoleront pour un spectacle, seront payés à six chiffres, rentreront chez eux », dit Bahl. « Donc, ce modèle est très important pour expliquer pourquoi les artistes et les agents se concentrent si fort sur les festivals de musique. »
Du côté des affaires, les festivals de musique sont devenus plus rationalisés et façonnés par l’avènement de grands promoteurs de musique au cours de la dernière décennie. Monter un festival est un défi, entre devoir payer suffisamment les artistes pour assurer leurs représentations, devoir vendre un certain nombre de billets pour réussir, les surcoûts d’assurance et les risques d’intempéries.
Festivals de musique: les promoteurs poids lourds
De grands promoteurs de musique live d’entreprise, tels que Live Nation ou AEG Live, ont, ces dernières années, acquis de lourdes participations majoritaires dans certains des plus grands festivals de musique du pays. Leur capacité d’organisation aide à gérer la billetterie et d’autres facteurs qui entrent en jeu dans l’organisation d’un festival.
Après avoir acheté une participation majoritaire dans Bonnaroo en 2015, Live Nation a acheté cette année la participation restante pour prendre le contrôle total du festival.
Live Nation contrôle également, ou contrôle partiellement, des festivals de musique comme Lollapalooza et Austin City Limits, parmi plusieurs dizaines d’autres. Chaque année, la compagnie propose un « Passeport Festival » qui donne accès au public à plus de 100 festivals à partir de 999 $. AEG Live a aidé à produire Coachella, Firefly et Stagecoach grâce à la propriété du promoteur Goldenvoice.
Ensuite, il y a le revers de la médaille : tous les festivals de musique ne sont pas destinés au grand public, et tous les programmeurs ne veulent pas l’influence des grands promoteurs. Don Smiley, le PDG du Summerfest, qui se déroule sur 11 jours chaque année à Milwaukee, explique que son organisation s’est adaptée à l’évolution des temps pour que l’événement annuel reste pertinent.
Festivals de musique
Summerfest, qui voit entre 750 000 et 850 000 personnes chaque année au cours de ses près de deux semaines, s’est présenté comme le « plus grand festival de musique au monde » (bien que le record actuel appartienne en fait à l’ Autriche Donauinselfest , qui comptait plus de 3 millions de participants en 2015). « Nous continuons à offrir de nouvelles expériences, du visionnage au premier rang aux expériences VIP, en passant par l’adoption de nouvelles technologies », a déclaré Smiley à TIME.
Festivals de musique : Une offre diversifiée.
En fin de compte, le succès d’un festival se résume à la programmation. La liste du Summerfest 2019 comprenait Lionel Richie, The Killers, Jennifer Lopez, Billie Eilish, Lil Wayne, Snoop Dogg et The National, un groupe suffisamment diversifié qui ne repose pas sur un genre ou un type d’artiste. « Notre clientèle est en fait de huit à 80 ans [en âge] », déclare Smiley. « Nous couvrons tous les genres de musique. C’est ce que nous essayons d’offrir.
Le Newport Folk Festival, qui a débuté en 1959, en est un autre qui a réussi à s’adapter suffisamment pour attirer les foules sans compromettre sa vision de se réunir pour attirer des commandites d’entreprise. Une organisation à but non lucratif, les bénéfices de Newport sont envoyés à la Newport Festivals Foundation et à des œuvres caritatives.
Jay Sweet, qui dirige les festivals de folk et de jazz de Newport, a déclaré à TIME que le festival de folk avait réussi à durer si longtemps en « se concentrant uniquement sur lui-même ». Là où les récentes tentatives pour relancer Woodstock ont échoué , Newport a continué dans l’esprit de rassembler les gens « dans un sens communautaire », dit Sweet. « Nous sommes restés fidèles à notre propre plan et nous n’avons pas beaucoup changé », dit-il. « C’est très axé sur l’artiste. »
Bien que la tendance générale à regrouper les festivals de musique en sociétés n’ait pas touché certains des plus anciens festivals de musique du pays, elle a affecté la façon dont le public vit d’autres événements. Même les festivals de musique de niche qui pourraient avoir des programmations plus spécifiques au genre doivent rivaliser pour attirer l’attention du public.
Bahl, qui organise le festival annuel de musique punk et rock Four Chords à Pittsburgh, affirme que l’influence est devenue une bulle qui va bientôt éclater. « Quand j’ai lancé Four Chords, il y avait deux autres grands [festivals] », dit-il. « Maintenant, il y en a 14 et Pittsburgh est un si petit marché, alors imaginez comment cela se traduit sur d’autres marchés. C’est essentiellement un peu noyé à bien des égards parce que tout le monde s’approprie ce concept. Tout le monde le fait. »
Mais il est peu probable que les festivals de musique qui ont réalisé une cache culturelle perdent de leur pertinence de si tôt. Les billets en prévente pour Coachella 2019 vendus en environ deux heures et demie, une heure plus rapide que ils ont vendu l’année précédente, le Palm Springs Desert Sun a rapporté . Et pour la première fois depuis 2013, Bonnaroo a vendu plus de billets pour 2019 avec 80 000 personnes présentes, selon le Nashville Tennessean .
Chirinos dit que grâce à l’aide de grands conglomérats musicaux, des festivals de musique comme Coachella et Bonnaroo sont devenus des marques connues. « Ils ont investi et possèdent en partie de nombreux festivals, ce qui donne aux [festivals] la longévité et la continuité qui leur donnent une marque », dit-il. « Ils deviennent quelque chose qui est ancré dans la culture. »
À leur tour, leur popularité permet aux gens de signaler qu’ils font partie de grands moments culturels, car la possibilité d’assister à un festival de musique (et de diffuser son expérience sur les réseaux sociaux) est devenue une expérience que beaucoup convoitent.
« Ici, c’est : ‘Es-tu allé à Coachella ?’ Au Royaume-Uni, c’est : ‘Avez-vous été à Glastonbury ?’ », dit Chirinos. « Cela devient une partie de la culture, pas seulement un autre événement. »
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Si les années 90 étaient un film, la bande originale serait 100 % Nirvana. À l’époque où Kurt Cobain , Krist Novoselic et Dave Grohl sont entrés en scène avec des jeans déchirés, un son brut et des voix hurlantes, leur révolution grungy a complètement modifié le visage de la culture populaire.
La musique qu’ils ont popularisée, loin d’être l’hymne de l’apathie qu’elle est souvent qualifiée de, était comme un violent coup de pied au visage de la cupidité des entreprises. C’était nouveau.
C’était nerveux. Il était en avance sur son temps. Même maintenant, des années plus tard, où le rock alternatif envahit les ondes et où « Smells Like Teen Spirit » est joué sans ironie lors d’événements d’un milliard de dollars, la philosophie punk de Nirvana continue de gagner de nouveaux fans.
Cependant, alors que la place de Nirvana dans l’histoire est assurée, les luttes auxquelles les artistes ont été confrontés en tant que groupe sont également bien documentées.
Entre toxicomanie, dépression, tension et doute de soi, les choses se sont souvent compliquées dans les coulisses, tout s’appuyant sur la tristement célèbre tragédie qui a finalement mis fin au groupe Nirvana.
LA PAUVRETÉ, L’ITINÉRANCE ET DEUX ENFANTS QUI AIMAIENT LA MUSIQUE
Kurt Cobain et Krist Novoselic ont d’abord pris vaguement conscience l’un de l’autre en tant qu’autres parias victimes d’intimidation au lycée d’Aberdeen, Washington, selon Nirvana: The Biography.Novoselic, le fils de réfugiés yougoslaves, sabotait habilement les assemblées scolaires. Cobain a quitté la maison de sa mère alors qu’il n’avait que 17 ans, a abandonné l’école et est rapidement devenu sans abri.
Certains des endroits où il dormait la nuit comprenaient une boîte en carton, la salle d’attente de l’hôpital et sous un pont, selon le musée d’histoire d’Aberdeen , c’est à ce moment-là qu’il n’était pas arrêté pour avoir apposé des graffitis sur les murs des ruelles. Dans une tournure tristement ironique, la quête d’emploi de l’adolescent Cobain lui a valu un emploi de concierge dans le même lycée qu’il avait abandonné.
C’est à cette époque, selon le NME , que Novoselic – qui était encore étudiant – a d’abord remarqué comment Cobain s’exprimait toujours de manière artistique, même lorsqu’il était au travail. Cobain avait déjà monté un album DIY, comme le décrit le NME , et il en a donné un exemplaire à Novoselic… qui l’a ignoré pendant des mois. Aie.
Une fois que Novoselic a écouté, cependant, il s’est rendu compte que le gars avait un talent sérieux et a accepté son offre de créer un groupe. Les deux enfants ont commencé à jouer ensemble dans un salon de coiffure géré par la tante de Novoselic, n’ayant probablement aucune idée que leur mentalité punk, leur son unique et leurs origines ouvrières étaient sur le point de changer la musique populaire, pour toujours.
UN GROUPE AUX MULTIPLES NOMS ET IDENTITÉS
Cobain et Novoselic ont mis du temps à trouver leur créneau. Au début, personne n’était trop enthousiasmé par la musique qu’ils créaient, selon NME , Cobain décrivant leurs premiers concerts comme jouant devant un public de « locaux qui détestaient nos tripes et pensaient que c’était de la musique terrible ».
Certes, Nirvana qui a joué ces spectacles n’était pas le Nirvana que vous connaissez aujourd’hui. Ils n’étaient pas encore entrés dans leur groove, et cela n’était nulle part plus évident que dans la quête du groupe pour un nom propre. « Fecal Matter » était un nom que Cobain aimait, selon Yahoo , ce qui est certainement difficile à imaginer bien jouer sur MTV.
Smell Fish, Man Bug, Ted Ed Fred, Labido, Skid Row et les Reaganites sont d’autres noms de groupe qu’il a proposés. Finalement, LounderSound écrit que Cobain a changé de vitesse, s’est rendu compte qu’il voulait un nom de groupe plus beau et plus significatif au lieu d’un nom grincheux, et a opté pour « Nirvana », basé sur le concept bouddhiste de l’illumination. Bien mieux.
Maintenant, qu’en est-il de ce visage souriant Nirvana aux yeux X que vous avez sur votre T-shirt ? Cet emblème est venu bien plus tard, mais on pense qu’il s’agissait simplement d’un croquis que Cobain a dessiné pour un dépliant en 1991.
LES BATTEURS DE NIRVANA ALLAIENT ET VENAIENT, SOUVENT DE MANIÈRE CHAOTIQUE
Maintenant, si vous êtes un fan de Nirvana, vous avez probablement remarqué l’absence d’un nom clé de la formation du groupe (autre que Pat Smear, qui a rejoint beaucoup plus tard), et c’est Dave Grohl .
C’est parce que Nirvana a traversé une cargaison de batteurs en route vers le vainqueur, selon Mental Floss, dont beaucoup ont quitté le groupe pour des raisons criminelles. Leur premier gars, Aaron Buckhard, a été abandonné après s’être battu avec un officier de police et avoir mis en fourrière la voiture de Cobain. Pas cool.
Le batteur suivant, Dale Crover, a fait un bref passage avant de déménager à San Francisco. Son remplaçant, Dave Foster, a agressé le fils d’un maire et a été arrêté. Plusieurs autres ont suivi, notamment Chad Channing, jusqu’à ce que Cobain et Novoselic rencontrent enfin Grohl.
Grohl et Nirvana étaient, heureusement, un mariage parfait (ou Nirvana, si vous préférez). Comme l’a dit plus tard Cobain, selon NME , « Le groupe est enfin au complet parce que tous les autres batteurs que nous avions étaient à peu près nuls. »
Alors que ce remaniement constant des batteurs se déroulait, selon l’ Encyclopedia Britannica , Nirvana avait frappé de petites salles à travers le nord-ouest, faisant des vagues. L’une des démos de Nirvana est tombée sur les genoux d’un label indépendant de Seattle nommé Sub Pop, qui a signé le groupe. En 1988, ils ont sorti leur premier single – une reprise de la chanson Shocking Blue « Love Buzz » – et leur premier album, Bleach , est sorti l’année suivante.
LE GARS QUI A PAYÉ LA FACTURE DU NIRVANA
Avez-vous déjà entendu parler de Jason Everman ? C’est un nom qu’il faut connaître, comme l’explique le New York Times . Everman est le gars qui a financé le premier album de Nirvana, Bleach , pour un total de 606,17 $ – ce qui peut ne pas sembler beaucoup, mais c’est une grosse pâte pour une équipe d’adolescents décoiffés comme le début de Nirvana.
Everman a également été le deuxième guitariste de Nirvana pendant une bonne partie du temps… mais aujourd’hui, il essaie d’éviter de parler de tout le shebang. Pourquoi? Parce que ça ne s’est pas bien passé. Pendant que Nirvana était sur la route, l’ambiance d’Everman ne correspondait tout simplement pas aux autres gars de la camionnette.
Il était calme, replié sur lui-même et semble avoir pour la plupart cessé de parler à tout le monde dans le groupe, ce qui a finalement conduit Cobain à le considérer comme un « métalleux lunatique ». La tension s’est accrue et Nirvana – étant un groupe de punks qui n’avaient pas encore appris à gérer des conflits émotionnels étranges – a en fait annulé leur tournée et est rentré chez lui pendant 50 heures, dans un silence de mort, juste pour jeter Everman au bord du trottoir. Bon sang.
Une fois Nirvana dans ses feux arrière, Everman a rejoint Soundgarden. C’est logique, mais ensuite, Everman a pris un virage à gauche et a rejoint … euh, les forces spéciales de l’armée américaine. Plus surprenant encore, Everman a suivi son passage militaire en obtenant un baccalauréat en philosophie de l’Université Columbia. Une sacrée trajectoire de carrière unique, c’est sûr.
LA RENOMMÉE, LE SUCCÈS… ET LE DOUTE DE NIRVANA
Comme le souligne l’ Encyclopedia Britannica , le moment où Nirvana est passé d’un succès underground à un phénomène mondial a été, sans aucun doute, la sortie en 1991 de leur premier album sur une major, Nevermind .
Cela comprenait leur single « Smells Like Teen Spirit », qui a été diffusé presque 24h/24 et 7j/7 sur MTV, le transformant rapidement en l’une de ces chansons que tout le monde peut fredonner, même s’ils ne comprennent pas le sarcasme intelligent des paroles.
Après le frisson initial du succès, cependant, Nirvana – et Cobain en particulier – se sont rapidement sentis mal à l’aise avec toute l’attention qu’ils recevaient. La nouvelle réputation de Cobain en tant que porte-parole de sa génération n’était pas quelque chose qu’il embrassait : à un moment donné, il a dit catégoriquement à Rolling Stone : « Je suis un porte-parole pour moi – même « , arguant qu’il était aussi confus que tout le monde, et n’avaient pas les réponses que les gens cherchaient.
Quoi qu’il en soit, Cobain est rapidement devenu un héros culte. Sa réputation sale, énervée et terre-à-terre n’a été renforcée que par son aversion pour la divinité des célébrités, son refus d’accepter des offres de promenade en limousine, etc.
Alors que Nirvana est devenu une icône, des rumeurs ont circulé selon lesquelles Cobain pourrait consommer de l’héroïne. À l’époque, il a rejeté ces allégations, mais le temps les prouverait tristement exactes.
PROBLÈMES DE SANTÉ ET ABUS D’HÉROÏNE
Tout au long d’une interview accordée à Rolling Stone en 1992 , Cobain a discuté publiquement des mystérieuses douleurs à l’estomac non diagnostiquées qui l’avaient tourmenté pendant une grande partie de sa vie – et a nié les allégations de consommation d’héroïne.
Il est allé jusqu’à dénoncer complètement la consommation de drogue, la qualifiant de « perte de temps », et a également fait valoir que sa mauvaise santé avait atteint un point où il ne pouvait même plus boire d’alcool, et encore moins utiliser des drogues dures.
Ce n’était… pas vrai, c’est le moins qu’on puisse dire. En réalité, selon Newsweek , la maladie chronique de l’estomac de Cobain et sa consommation d’héroïne étaient profondément liées : il a commencé à utiliser la drogue par intermittence à la fin des années 80, en particulier pour soulager ses symptômes gastro-intestinaux.
Assez facile à comprendre – même si ce n’est pas sage – mais la lutte de toute une vie de Cobain contre la dépression a provoqué une crise toxique avec l’abus d’héroïne, et il est devenu dépendant.
Bien que des observateurs occasionnels aient souvent spéculé que les problèmes de drogue de Cobain pourraient avoir été causés soit par la renommée soudaine de Nirvana, soit par sa relation turbulente avec Courtney Love, les faits montrent que ses luttes ont précédé ces deux choses.
PEU IMPORTE TOUT CE TRUC DE NEVERMIND
Tout le monde aimait Nevermind … sauf, ironiquement, Kurt Cobain lui-même.
Il ne fait aucun doute que Nevermind est l’album qui a fait de Nirvana une force culturelle avec laquelle il faut compter, mais selon Slate , Cobain en est venu à détester le son brillant et studio du disque.
Dans l’une de ses interviews au franc-parler caractéristique, il a un jour décrit Nevermind comme étant un « bonbon », disant qu’avec le recul, il en était gêné. Cette aversion n’avait rien à voir avec le travail du groupe lui-même – en fait, il aimait la version originale et non améliorée de l’album, qui a depuis été rééditée – mais plutôt, il méprisait la façon dont l’ingénieur du son Andy Wallace coupé le bruit, lissé les défauts et égalisé tout dans une finition radio-amicale.
Selon Cobain, ces modifications ont peut-être semblé plus professionnelles, mais elles étaient beaucoup moins grunge. Assez juste.
Suite à cela, Nirvana a engagé Steve Albini pour leur prochain album, In Utero . Cette dernière version, selon PSN Europe , a été enregistrée et mixée en moins de deux semaines, s’adaptant beaucoup plus naturellement au style chaotique et improvisé de Nirvana.
UNE OVERDOSE DE DROGUE AVANT QUE NIRVANA NE JOUE AU SATURDAY NIGHT LIVE
En 1992, il ne faisait aucun doute que Nirvana était devenu le plus grand groupe du monde, et la même année, ils ont fait une apparition marquante sur Saturday Night Live . Comme Dave Grohl dit qu’il , la taille étonnamment faible de la SNL ensemble était hallucinant, parler rien de l’énergie maniaque ou le fait qu’ils immédiatement se sont appelés par Weird Al Yankovic , qui demande la permission d’usurper « Smells Like Teen Esprit. »
Malheureusement, l’ apparence SNL du groupe a été assombrie par le gouffre de plus en plus profond de l’abus de drogues dans lequel Cobain s’enfonçait. Lors d’une séance photo la veille des débuts, selon le Nirvana Club, Cobain n’arrêtait pas de s’endormir. Il a fait une overdose d’héroïne plus tard dans la nuit et n’a été relancé que par une dose illégale de médicament administrée par Courtney Love .
Néanmoins, Nirvana était entièrement prêt pour SNL le lendemain. Le groupe a effacé la scène dans une performance frénétique de « Smells Like Teen Spirit » et « Territorial Pissings », cassant l’équipement partout. Heureusement pour le réseau, ils s’étaient préparés à cela en remplaçant leur équipement sonore habituel par des trucs bon marché.
LES CONFLITS DE NIRVANA AVEC D’AUTRES GROUPES
Nirvana n’a pas tenu sa langue.
Quand ils ont eu un problème avec d’autres groupes, ils ont parlé. Par exemple, dans une interview avec Rolling Stone , Cobain a critiqué Pearl Jam comme étant des shills d’entreprise qui avaient sauté dans le train du grunge. Aie. La plus grande colère de Cobain, cependant, était réservée à Axl Rose de Guns ‘N Roses.
Cobain a souvent accusé la musique de Rose d’être de la camelote dénuée de sens, selon Rolling Stone , ce qui a finalement conduit Rose à considérer Cobain comme un « junkie F-in’ avec une femme droguée ».
Cependant, la raison la plus profonde pour laquelle Cobain détestait tellement Rose – la musique cracha de côté – était sa conviction que Rose était un homophobe raciste et sexiste. Vous voyez, même si les gens peignent toujours Nirvana comme un symbole de l’apathie de la génération X, le vrai Kurt Cobain était un défenseur infatigable des droits LGBTQ+, des droits des femmes, et plus encore, qui était très en avance sur son temps : selon Mashable , il s’exprimait fréquemment.
Contre l’homophobie, il a publiquement dit aux fanatiques de rester à l’écart de ses émissions et a parlé ouvertement de la façon dont les femmes étaient opprimées par la culture populaire. Il portait parfois des robes sur scène, selon la BBC , pour protester contre le sexisme, et il a dit un jour que même s’il n’était pas gay, il aurait aimé l’être, car cela mettrait les homophobes en colère.
Avait-il raison à propos d’Axl Rose ? Décidez par vous-même, mais n’oubliez pas qu’en 2018, comme le souligne le Guardian , Guns N’ Roses a dû retirer l’une de leurs chansons de 1988 d’une réédition d’album parce que les paroles comportaient des insultes racistes et homophobes.
AU FUR ET À MESURE QUE NIRVANA GRANDISSAIT, LES PROBLÈMES DE SANTÉ DE COBAIN GRANDISSAIENT AUSSI
En 1994, Nirvana était plus grand que jamais. Cependant, à ce stade, il n’y avait plus moyen de cacher les problèmes qui se déroulaient dans les coulisses. En mars, la nouvelle est tombée que Cobain avait été hospitalisé à Rome à la suite d’un bref coma, provoqué par une terrible combinaison de champagne et de tranquillisants sur ordonnance.
Ni Cobain ni Love n’ont commenté la question, mais le mois suivant, le Los Angeles Times a rapporté que Nirvana avait été contraint de quitter une apparition imminente au célèbre festival de musique Lollapalooza ’94 de Chicago, citant les problèmes de santé de Cobain. Des rumeurs circulaient selon lesquelles le plus grand groupe du monde était sur le point de s’effondrer.
Des sources proches du groupe ont déclaré que ces théories étaient absurdes, soulignant que Nirvana avait souvent été sur le point de rompre., et les membres finissaient toujours par arranger les choses.
Malheureusement, comme vous le savez probablement aujourd’hui, la menace perçue de la dissolution de Nirvana était mineure par rapport aux circonstances tragiques qui se sont rapidement produites …
LE SUICIDE DE KURT COBAIN
Le 8 avril 1994, comme décrit par Biography, le corps de Kurt Cobain a été retrouvé dans la serre au-dessus de son garage de Seattle, avec un fusil de chasse tombé sur sa poitrine.
Il avait disparu pendant des jours après un bref passage en cure de désintoxication : le mois précédent, ses camarades du groupe Nirvana , ses amis et sa femme avaient organisé une intervention, le suppliant de se faire soigner. Une lettre de suicide a été trouvée et l’autopsie a trouvé des traces d’héroïne et de Valium dans son corps.
Cobain avait lutté contre la dépression toute sa vie. On pense qu’il a envisagé le suicide lorsqu’il était adolescent (selon NME ) et que le stress de la vie adulte, ses problèmes de santé et sa dépendance à l’héroïne pesaient lourdement sur lui.
Cependant, Newsweek souligne qu’il ne s’est certainement pas suicidé à cause du succès de Nirvana, comme cela est si souvent théorisé, et alors qu’il a souvent été accusé de ne pas se soucier de sa jeune fille – IE, « S’il l’a fait, pourquoi se suiciderait-il? » – il est important de reconnaître que non seulement il a désespérément essayé de devenir sobre, pour le bien de sa fille, mais que sa propre note de suicide contenait l’affirmation erronée qu’elle serait plus heureuse avec lui mort.
Fondamentalement, Cobain a passé une grande partie de sa vie à lutter contre le dégoût de soi, l’instabilité financière, la toxicomanie et les problèmes de santé non diagnostiqués. Sa dépression était profonde et il n’est pas juste de le juger pour cela.
NIRVANA SE DISSOUT
Nirvana a pris fin avec la mort de Kurt Cobain. Il était la voix du groupe, le cœur et le centre de leur message. Cependant, au fur et à mesure que la poussière retombe et que les années passent, ses camarades de groupe se remettent à faire de la musique.
Parmi les membres restants de Nirvana, Krist Novoselic a gardé le profil le plus bas. Il a joué dans un certain nombre de petits groupes, selon le Seattle Times , sa plus récente entreprise étant un groupe local du comté de Wahkiakum appelé Giants in the Trees.
Quant à Dave Grohl, eh bien, vous savez ce qu’il a fait : il a fondé les Foo Fighters en 1995, selon Biography , un groupe qui a produit des tubes emblématiques comme « Everlong », gagnant leur propre place dans l’histoire de la musique. Il y a aussi Pat Smear, le dernier deuxième guitariste de Nirvana, qui a rejoint Grohl sur les Foo Fighters, selon Rockapedia .
En fin de compte, cependant, il est difficile de ne pas penser à ce qui aurait pu se passer si Cobain avait vécu. Le Nirvana existerait-il encore aujourd’hui ? Il semble probable que les tendances créatives de Cobain l’aient finalement poussé à se lancer seul, à la Sting and the Police , pour favoriser de nouvelles innovations et approches.
Comme le souligne la BBC , en 1993, il parlait d’évoluer vers des instruments acoustiques, et il prenait toujours de nouvelles directions. Donc, quoi qu’il se soit passé ensuite dans sa carrière, cela aurait certainement été fascinant … et, peut-être, un changement aussi important que Nirvana lui-même.
NIRVANA: les dates et le chronologie
Le 10 mai 1965, naissance de Krist Novoselic .
Le 20 février 1967, naissance de Kurt Cobain.
Le 14 janvier 1969, naissance de Dave Grohl .
Automne 1985 Kurt rencontre Krist. Ils jouent ensemble dans plusieurs groupes, dont Stiff Woodies.
Décembre 1987 Kurt, Krist et le batteur Aaron Burckhard forment la formation originale de Nirvana à Aberdeen, Washington.
23 janvier 1988 Nirvana enregistre une démo de 10 chansons avec le « Godfather of Grunge », légendaire producteur de Seattle Jack Endino. Le boss de Sub Pop, Jonathan Poneman, entend la cassette et propose de sortir un single de Nirvana. Le groupe accepte.
Le gros 4 : retour sur la tournée événement ! – Zénith DIJON : Tristesse, chaleur & sandwichs
Samedi 26 mars, la première date du Gros 4 avec Mass Hystéria, No One Is Innocent, Ultra Vomit et Tagada Jones à Dijon. Le Gros 4, c’est le clin d’œil français au Big 4 américain composé de Metallica, Slayer, Megadeth et Anthrax. Le Gros 4 commence sa tournée des zéniths de France ce soir.
Cette affiche XXL passe par le Zénith de Montpellier le 5 juin prochain pour le plus grand bonheur des métalleux. Oui, avouons-le, cette affiche ne te concerne pas si tu n’aimes pas le métal, si tu as liké l’arrivée de JUL sur scène en scooter, si tu kiffes JUL plus globalement, prévois autre chose pour le 5 juin.
Cette journée du 26 commence dans une immense tristesse mais finit dans la chaleur & et les sandwichs. Ce matin-là, tombe la nouvelle de la disparition du batteur des Foo Fighters : Taylor Hawkins. Foo Fighters, ce groupe phare de la scène indépendante américaine, qui doit se produire dans les arènes de Nîmes cet été.
Le groupe annonce sur Facebook cette tragique disparition survenue la nuit précédente à Bogota. La terrible nouvelle se mêle à un départ pour Dijon… comme une punition. Cette journée part mal.
Voiture chargée, la route défile et cinq heures plus tard, vers 14h30, le Zénith de Dijon est en vue.
14h30, cela peut sembler tôt pour un concert qui commence à 19h00, mais j’ai un joker, je bosse avec Mass Hysteria depuis près de 15 ans. Je rejoins l’équipe en backstage avec un plaisir non dissimulé. Un retour aux affaires dans la joie et la bonne humeur, après deux ans de COVID, sans concert, et surtout un Zénith de Paris d’anthologie.
Balances entre 15h00 et 16h00 dans un Zénith encore vide, puis échanges, apéritif, très peu de légumes et de fruits mais du houblon. Ouverture des portes à 18h00 sur une foule qui attend depuis 15h00. L’ordre de passage est tiré au sort chaque soir. Pour Dijon, ça sera Ultra Vomit qui ouvrira le bal, suivi de MassHysteria, No one is Innocent et enfin Tagada Jones.
Je ne vais pas vous spoiler la soirée… Pour ceux qui seront au Zénith de Montpellier début juin, voici toutefois quelques éléments : le show est gros, l’écran vidéo géant, la pyrotechnie impressionnante, beaucoup de lights et de décors. Le concept est global.
Peut-être, vous dire de ne pas aller derrière la batterie car vous risquez, comme moi, de sentir les flammes et de prendre un coup de chaud. Vous dire que si vous allez devant, dans le pit, vous risquez de vous faire gentiment secouer. Vous dire aussi de venir léger, car il fait et fera chaud, très chaud.
Une journée qui commença donc dans une tristesse infinie mais qui finalement se termina dans la chaleur (oui je sais, ne pas aller derrière la batterie sur cette tournée…)
Et les sandwichs me direz-vous ? Ils vont clôturer cette soirée à 3h00 du mat dans le tour bus avec les Mass et No one. C’est un peu ça les clichés, on m’avait promis du rock’n’roll, des groupies et de la coke et je me retrouve à me taper des sandwichs au jambon dans un tour bus avec huit barbus.
De rage, j’ai bouffé 3 sandwichs. De rage et pour éponger aussi…
Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !
LE GROS 4 – Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !
LE GROS 4 – Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !
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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
HELLFEST 2022 : Après deux années sans festival, le Hellfest voit très grand pour son retour en 2022.
Il n’y aura pas une seule 15e édition, mais bien deux éditions du Hellfest 2022: du 17 au 19 juin puisdu 24 au 26 juin 2022.
La programmation du Hellfest 2022 fut dévoilée officiellement par son patron Ben Barbaud jeudi 17 juin, Metallica, l’un des plus grands groupes de metal au monde à n’avoir jamais joué au Hellfest, clôturera le HELLFEST 2022.
Après avoir été mis à l’écart par la pandémie, le Hellfest à Clisson, en France, revient pour le Hellfest 2022 avec un événement de sept jours et deux week-ends mettant en vedette 350 groupes stupéfiants sur six scènes, avec Metallica , Guns N’ Roses , Nine Inch Nails , Scorpions , Avenged Sevenfold , Faith No More et Deftones font partie des plus grands groupes qui seront là.
Après un coup d’œil à la programmation, la plus grande question est vraiment : « Quel groupe ne sera pas à Clisson au Hellfest 2022 ? »
Hellfest 2022
Le premier volet du festival Hellfest 2022 en deux parties aura lieu les 17, 18 et 19 juin avec en tête d’affiche Deftones, Faith No More et Avenged Sevenfold. Les Dropkick Murphys, Megadeth, Korn, Volbeat, Judas Priest, Deep Purple et bien d’autres devraient également apparaître.
Cette partie du Hellfest est épuisée depuis fin 2019, alors bonne chance pour y gagner un billet. Des billets seront disponibles pour les quatre dates étendues qui auront lieu le week-end suivant.
Le festival Hellfest 2022 reprendra les 23, 24, 25 et 26 juin et c’est un autre set percutant avec Scorpions, Nine Inch Nails, Guns N ‘Roses et Metallica tous en haut de l’affiche aux dates respectives. Parmi les autres grands noms, citons Whitesnake, Ministry, Black Label Society, Alice Cooper, Megadeth (encore une fois), Nightwish, Sabaton, Helloween, Rise Against, Hatebreed et des dizaines d’autres.
Hellfest 2022 : Les Groupes qui seront sur scène
Plus de 350 groupes au Hellfest 2022 ! en voici quelques uns : Metallica, Nine Inch Nails, Faith No More, Deftones, Judas Priest, Guns N’ Roses, Mercyful Fate, Deep Purple, Scorpions, Alice Cooper, Megadeth, Korn, Converge: Blood Moon, Helloween, Hatebreed, Ministry, Whitesnake, Dropkick Murphys, Suicidal Tendencies, Social Distortion, Rise Against, Bad Religion, The Exploited, Hatebreed, The Offspring, Opeth, Mastodon, Down, Skinny Puppy, Killing Joke, The Distillers, HEALTH,…
A ces groupes s’ajoutent : Kreator, Youth of Today, Cro-Mags, Slapshot, Higher Power, Anti-Flag, Agnostic Front, Turnstile, Touche Amore, Xibalba, Madball, Terror, Crowbar, Judiciary, Year of the Knife, Electric Wizard, Envy, Baroness, High On Fire, Black Mountain, Mono & the Joy Quail Quartet, OM, Pelican, Life of Agony, Inter Arma, Earth, Godflesh, Monster Magnet, The Obsessed, Eyehategod, …
…Thou, Year of No Light, Obituary, Death To All, At The Gates, Grave, Gatecreeper, Enforced, Sepultura, Sacred Reich, Devin Townsend, Coroner, Dying Fetus, Misery Index, Dropdead, Katatonia, My Dying Bride, Carcass, Napalm Death, Destruction, Blood Incantation, Mayhem, Abbath, Rotting Christ, Alcest, Triptykon, Cult of Fire, Midnight, L7… you know, just to name a few.
Hellfest 2022
Hellfest 2022 : le communiqué du festival
» Que dire sinon que nous sommes fiers (et excités) de dévoiler enfin le line up tant attendu de notre édition anniversaire ! Garder un tel line-up secret pendant plusieurs semaines n’a pas été une tâche facile, surtout ces derniers jours… Cela fait plus de 16 mois que notre rythme de travail a été bouleversé par l’arrivée de ce virus, depuis que l’industrie de la musique live s’est éteint. Malgré cela, notre confiance n’a jamais été affectée et nous avons continué à travailler avec un état d’esprit positif.
La frustration de deux ans sans festival nous a fait rêver encore plus grand de nos retrouvailles ! En 2022, nous vous proposons un nouveau format unique étalé sur 10 jours ! Jamais faite auparavant, cette formule restera, sans aucun doute, dans l’histoire des musiques dites « extrêmes » ! Deux fois plus historique, car cette formule n’est censée exister qu’en 2022 et ne se reproduira plus dans les années à venir.
Le Hellfest, aussi appelé Hellfest Summer Open Air , est un festival de rock en mettant l’ accent sur la musique heavy metal , a lieu chaque année en Juin à Clisson en Loire-Atlantique , France. Sa forte fréquentation en fait le festival de musique français avec le plus gros chiffre d’affaires. C’est aussi l’un des plus grands festivals de métal d’Europe et le premier à exister en France.
Il trouve son origine dans un autre festival de musique, le Fury Fest, organisé de 2002 à 2005, dans différentes régions des Pays de la Loire .
Hellfest 2022
Le Hellfest a pris le relais en 2006 et a connu au fil des années une augmentation continue du nombre de visiteurs, passant de 22 000 lors de la première édition à 55 000 billets vendus par jour en 2017.
Sa programmation est principalement axée sur le hard rock et le métal sur les deux scènes principales, tandis que chacune des quatre autres scènes du festival est dédiée à un style particulier comme le black metal , le death metal , le doom metal ou le stoner metal , rendant possible la présence de groupes tels que comme Iron Maiden , Rammstein , ZZ Top et Motörhead , ainsi que celui de Slayer , Mass Hysteria , Sepultura , Kiss ou Anthrax.
Guns N’ Roses au Hellfest 2022
Zégut l’annonce depuis plusieurs jours, Gun’s & Roses seront au Hellfest 2022…
Guns N’ Roses , souvent abrégé en GNR , est un groupe de hard rock américain de Los Angeles , Californie, formé en 1985. Lorsqu’ils ont signé avec Geffen Records en 1986, le groupe comprenait le chanteur Axl Rose , le guitariste Slash , le guitariste rythmique Izzy Stradlin , le bassiste Duff McKagan et le batteur Steven Adler .
Hellfest 2022
La formation actuelle se compose de Rose, Slash, McKagan, du guitariste Richard Fortus , du batteur Frank Ferrer et des claviéristes Dizzy Reed et Melissa Reese .
Le premier album de Guns N’ Roses, Appetite for Destruction (1987), a atteint la première place du Billboard 200 un an après sa sortie, grâce au top 10 des singles » Welcome to the Jungle « , » Paradise City » et » Sweet Child o’ Mine « , le seul single du groupe à atteindre la première place du Billboard Hot 100 .
L’album s’est vendu à environ 30 millions d’exemplaires dans le monde, dont 18 millions d’unités aux États-Unis, ce qui en fait le premier album le plus vendu du pays et le onzième album le plus vendu . Leur prochain album studio, GN’ R Lies (1988), a atteint la deuxième place du Billboard200, vendu à dix millions d’exemplaires dans le monde (dont cinq millions aux États-Unis), et comprenait le top 5 » Patience « .
Use Your Illusion I et Use Your Illusion II , enregistrés simultanément et sortis en 1991, ont fait leurs débuts respectivement aux deuxième et première places du Billboard 200 et se sont vendus à 35 millions d’exemplaires dans le monde, dont 14 millions d’unités aux États-Unis.
Les albums d’ Illusion comprenaient le single » You could be mine » (également présent dans la bande originale du film Terminator 2 ), des reprises de » Live and Let Die » et » Knockin’ on Heaven’s Door « ,Don’t Cry « , » November Rain » et » Estranged « ), qui présentaient notamment des clips à gros budget .
Les disques Illusion ont également été soutenus par le vaste Use Your Illusion Tour , une tournée mondiale qui a duré de 1991 à 1993. « The Spaghetti Incident? » (1993), un album de reprises, était le dernier album studio du groupe à présenter Slash et McKagan avant leur départ initial.
Hellfest 2022 – Hellfest 2022
Travail sur un album de suivi au point mort en raison de différences créatives entre les membres du groupe ; en 1998, seuls Rose et Reed restaient de la gamme de l’ère Illusion . Après une décennie de travail et plusieurs changements de line-up, le sixième album studio tant attendu de Guns N’ Roses, Chinese Democracy (2008), est sorti.
Avec un coût de production estimé à 14 millions de dollars, c’est l’album rock le plus cher de l’histoire. Il a fait ses débuts au numéro trois du Billboard 200, mais a sous-estimé les attentes de l’industrie malgré un accueil critique majoritairement positif. Slash et McKagan ont rejoint le groupe en 2016 pour la tournée Not in This Lifetime… , qui est devenue la troisième tournée de concerts la plus lucrative jamais enregistrée , avec plus de 584 millions de dollars de recettes brutes à sa conclusion en 2019.
Dans leurs premières années, l’hédonisme et la rébellion du groupe ont attiré des comparaisons avec les premiers Rolling Stones et leur ont valu le surnom de « groupe le plus dangereux du monde ».
La formation classique du groupe, avec les membres ultérieurs Reed et le batteur Matt Sorum , a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2012, sa première année d’éligibilité. Guns N’ Roses a vendu plus de 100 millions de disques dans le monde, dont 45 millions aux États-Unis, ce qui en fait l’un des groupes les plus vendus de l’histoire .
Metallica au Hellfest 2022
Metallica est l’un des groupes de métal les plus importants et les plus influents de tous les temps, élaborant le plan directeur du thrash metal à ses débuts, puis repoussant les limites du métal traditionnel et du hard rock alors qu’ils s’installaient dans leur rôle d’héritage populaire en tant que des décennies se sont écoulées.
Entre la rencontre de l’énergie brute et des compositions de speed metal complexes de leur premier album Kill ‘Em All en 1983et la production en couches et axée sur la radio de «l’album noir» éponyme de 1991, le groupe a tourné album classique après album classique, chaque nouveau chapitre menant le développement du métal à l’échelle mondiale.
Tout au long des années 90 et au-delà, le groupe a été très actif en tant qu’acteur de tournée au niveau des stades tout en lançant sporadiquement de la nouvelle musique.
Des riffs acérés, des voix grondantes et une batterie de précision à haute puissance sont restés au cœur de leur son alors même qu’ils exploraient de nouvelles idées sur des albums ultérieurs comme St. Anger en 2003 ou leur dixième album studio, Hardwired… To Self-Destruct en 2016 . .
Un Hellfest 2022 complètement fou !
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Hyraw clothing : La marque qui vous offre un style rock unique
Si vous êtes à la recherche de vêtements et accessoires au design inspiré par l’esprit du rock, Hyraw clothing est sans doute la marque qu’il vous faut. Cette entreprise française propose en effet une large gamme de produits alliant originalité, qualité et confort. Des t-shirts aux vestes en passant par les bijoux et autres objets dérivés, il y en a pour tous les goûts et tous les budgets. Dans cet article, nous vous invitons à découvrir l’univers d’Hyraw clothing.
Une marque qui puise ses inspirations dans le rock’n’roll
Fondée en 2005, la société Hyraw s’est rapidement imposée comme un acteur incontournable sur la scène alternative française grâce à son style résolument rock. Cet esprit se retrouve dans toutes les créations de la marque, autant au niveau des motifs que des matériaux employés.
Des visuels marquants
L’une des caractéristiques des vêtements Hyraw réside dans leurs designs percutants. Souvent sombres, ces derniers mettent en avant différentes thématiques chères aux amateurs de rock comme les têtes-de-mort, les croix ou encore les animaux sauvages. Les illustrations sont réalisées par des artistes talentueux pour offrir à chaque collection un résultat singulier et percutant.
Des matières de qualité
Puisque le rock est avant tout une attitude, la marque Hyraw est soucieuse d’utiliser des matériaux qui correspondent à cet état d’esprit. Ainsi, les vêtements sont principalement confectionnés en coton pour garantir un maximum de confort sans négliger le côté esthétique. Pour les accessoires, la marque opte le plus souvent pour de l’acier inoxydable afin d’assurer une résistance optimale et préserver leur aspect même après plusieurs années.
Une diversité de produits pour satisfaire tous les styles
Hyraw clothing se distingue également par le nombre important de références qu’elle propose à sa clientèle. Une variété qui permet à chaque personne adepte du style rock de trouver son bonheur.
Vêtements hommes et femmes
Pour habiller les fans de rock, Hyraw offre de nombreux modèles de t-shirts, sweats, chemises et vestes, déclinés aussi bien pour les hommes que pour les femmes. Les coupes sont modernes et adaptées à toutes les morphologies, tandis que les designs s’intègrent facilement aux tenues quotidiennes ou peuvent être portés lors d’événements spécifiques comme les concerts, soirées déguisées ou festivals.
T-shirts : les modèles de t-shirts Hyraw sont disponibles dans de multiples designs, allant des motifs classiques aux plus audacieux. À manches courtes ou longues, ils conviennent à toutes les saisons et se combinent facilement avec tous les types de pantalons, jeans et shorts.
Sweats : idéaux pour affronter le froid tout en restant stylé, les sweats Hyraw se déclinent en différentes versions avec ou sans capuche, et sont conçus pour offrir chaleur et confort.
Chemises : pour un look plus chic tout en conservant la touche rock, la marque propose aussi des chemises élégantes aux motifs originaux. Parfaites pour les occasions spéciales ou pour le quotidien.
Vestes : indispensables pour affirmer son style lors des soirées fraîches, les vestes Hyraw allient esthétisme et praticité, grâce à leur design unique et leurs poches fonctionnelles.
Accessoires pour sublimer sa tenue
Pour compléter une tenue, il est indispensable de disposer d’accessoires adaptés à notre style. C’est pourquoi Hyraw offre également une large collection de bijoux et autres accessoires venant ajouter une note supplémentaire à votre look :
Bijoux : bagues, bracelets, colliers et boucles d’oreilles au design inspiré par l’univers du rock.
Ceintures : pour un look complet, la marque propose également des ceintures assorties à ses vêtements, souvent agrémentées de supports métalliques pour renforcer l’allure rock’n’roll.
Chaussettes : pour ceux qui souhaitent pousser la personnalisation jusqu’au bout, Hyraw dispose également d’une série de chaussettes aux motifs variés.
Casquettes et bonnets : la tête n’a pas été oubliée, puisque la marque propose des casquettes et bonnets affichant les mêmes thèmes que les vêtements.
Hyraw clothing, c’est aussi de nombreux objets dérivés
Les fans de rock et de métal ont également la possibilité d’affirmer leur passion grâce aux nombreux gadgets et goodies disponibles sur le site de la marque. Du porte-clés aux coques de téléphone en passant par les housses de couette et autres affiches, ces objets inédits permettent à chacun d’exprimer son appréciation pour cet univers musical captivant.
Comme vous pouvez le constater, Hyraw clothing s’impose comme une véritable référence dans le monde des vêtements et accessoires dédiés au style rock. Ne vous étonnez donc pas si vos prochaines tenues portent l’emblème de cette griffe française !
La marque Hyraw clothing, bien connu des métalleux est une marque française de vêtements et d’accessoires du sud de la France. J’ai eu la joie de shooter la derniére collection de la marque Hyraw il y a quelques mois.
Cette marque est cofondée par Christophe dit « Musclor ». Son parcours est plutôt au départ dans la musique. Il tenait il y a quelques années une boutique rock où il faisaiT de la vente en ligne (NB : La Boutique Metal) mais il n’était pas fabricant, il achetait et revendait.
Musclor a avant tout travaillé 15 ans dans la musique en tant que manager des groupes tels que « Tripod » et « ETHS ».
Retour sur l’interview du cofondateur d’Hyraw clothing par Daily rock
Comment commence Hyraw Clothing?
Au début, je n’avais pas la volonté de créer une marque de vêtements. Avec « Coriace », nous fabriquions déjà des produits pour essayer de gagner plus d’argent. c’est le but.
Cependant, tout est venu d’une rencontre avec les graphistes Jérémie et Yann. Lorsque nous nous sommes rencontrés, nous avons pensé que ce serait une bonne chose de travailler ensemble et de créer une marque de vêtements, car tout le monde porte des vêtements et tout le monde aime ça. Cela commence à partir de là.
Quelle est la philosophie de « Hyraw clothing« ?
Notre philosophie est d’avancer le plus possible, de produire des choses qui nous surprennent, et de les développer le plus possible, nous donnant ainsi les moyens de faire des choses intéressantes.
Nous le fournissons aux gens et ils décident. C’est comme un groupe de musique. Le groupe a fait ce qu’il veut, puis le propose au public, et les gens décident si c’est bon ou pas.
Eh bien, c’est un peu la même chose pour nous, nous avons décidé de créer une marque de vêtements, car au final nous avons appris à nous connaître, nous avons appris les compétences de l’autre et nous nous sommes développés dans ce sens.
Jérémie vient du monde des sports de glisse, du skate, du kitesurf. Nous avons tous les deux la musique en commun. Parce que j’avais des magasins, j’avais aussi cette approche d’ Internet pour revendre des vêtements, ce qui s’est avéré intéressant. La vraie philosophie qui nous anime est « nous faisons les choses que nous aimons et nous les ferons toujours ».
Comment choisissez-vous un modèle pour mettre en valeur Hyraw clothing ?
Le premier critère est qu’elle soit belle. Après cela, elle doit être impliquée.
Nous travaillons avec « Makanie Terror », elle est allemand, mais elle fait partie du monde alternatif. Nous ne l’avons choisi pas parce qu’elle est une grande modèle. Nous l’avons choisi pas parce qu’elle a des tatouages, elle représente aussi quelque chose.
Elle évolue dans un environnement qui nous intéresse. Elle est fan de métal, elle va au concert et ainsi de suite. C’est en effet le plus important.
Pour le modèle, nous avons travaillé avec Aaron Matts, le chanteur de « Betrayal of the Martyrs », qui parle anglais; mais après cela, nous préférerions travailler avec un chanteur avec une vraie attitude.
Avec qui Hyraw clothing coopére ?
Nous coopérons avec de nombreux groupes de France et du monde entier. Pour obtenir une liste exhaustive, vous devez consulter le site Web, car je n’ai pas tout en tête.
Nous aimons travailler avec les festivals de musique car ils ont beaucoup d’idées, ils sont très créatifs et ils sont totalement cohérents avec nos suggestions et notre façon de faire.
Depuis la création du festival, Ben vend des fringues sur notre festival. Année après année, nous devenons de plus en plus gros, jusqu’à ce que nous ayons un pied ferme sur Hellstreet, et enfin Guillaume, qui est responsable de tous les liens de vente de produits et Extramarket, nous a dit qu’un jour « vous nous faites un design de chemise? »
Nous travaillons dur. Nous lui avons donné deux possibilités. Il nous a dit: » C’est très réussi, et je prends les deux. Une fois sur place, tout est aussi simple que cela. Puis d’une année sur l’autre, cela s’est poursuivi. La deuxième année, ils nous en ont demandé deux, nous en avons gagné trois, puis ils nous ont proposé de faire le gobelet, et nous leur avons dit oui.
Hyraw clothing et la musique ?
L’essence de la marque Hyraw est de collaborer avec des artistes. Nous écoutons de la musique tous les jours. Enracinés dans cela, nous prétendons être une marque axée sur la musique, tout comme « Sullen » prétend être de l’industrie du tatouage, nous sommes de la musique.
De plus, les personnes tatouées et les skateurs sont également très intéressés, car certains fans de musique font du skate. Pourquoi les choisir? Parce que c’est une vitrine, c’est évident. Cela nous rend visibles.
Avec qui avez-vous collaboré pour prendre des photos?
Eh bien, à un moment donné, nous avons tout fait nous-mêmes, mais maintenant c’est un peu difficile de le faire. Un jour, nous avons décidé de travailler avec un photographe professionnel spécialisé dans la photographie de modèles tatoués. Nous travaillons avec lui car nous avons déjà travaillé avec sa petite amie modèle. Elle nous l’a présenté.
Il a un réseau de connaissances dans ce milieu. Maintenant, nous travaillons avec lui. Demain, nous travaillerons avec d’autres. Là, on a des idées de photos qu’il n’aime pas, on va les regarder. Mais pour l’instant, nous travaillons avec.
Pouvons nous trouver des «vêtements Hyraw clothing» partout?
Eh bien, il y a encore un long chemin à parcourir au niveau national. D’un point de vue national, nous avons environ 40 vendeurs, pas beaucoup. Mais maintenant, avec Internet, tout le monde peut commander, et cela fonctionne très bien.
FAQ sur la marque de vêtements HYRAW
Qu’est-ce que HYRAW ?
HYRAW est une marque de vêtements créée en France en 2013. Elle propose une gamme de vêtements et d’accessoires inspirés par la culture underground et le monde du tatouage.
Quel est le style de HYRAW ?
Le style de HYRAW est caractérisé par des motifs sombres et graphiques, souvent inspirés par l’univers du tatouage et du rock’n’roll. Les vêtements sont également conçus pour être confortables et résistants, avec une attention particulière portée à la qualité des matériaux.
Pour qui sont les vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont destinés à un public qui apprécie la culture underground, le monde du tatouage et de la musique rock. Les vêtements sont conçus pour être portés au quotidien, mais peuvent également être utilisés pour des occasions plus spéciales.
Où peut-on trouver des vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont disponibles dans des boutiques spécialisées dans la mode alternative, ainsi que sur le site web de la marque. Il est également possible de trouver des vêtements HYRAW dans des festivals et des événements liés à la culture underground.
Quels sont les produits proposés par HYRAW ?
HYRAW propose une gamme de vêtements et d’accessoires, comprenant des t-shirts, des sweats à capuche, des vestes, des pantalons, des casquettes, des bonnets et des sacs à dos. La marque propose également des produits pour femmes, avec des modèles spécifiquement conçus pour leur morphologie.
Comment sont fabriqués les vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont fabriqués dans des usines en Europe et en Asie, avec une attention particulière portée à la qualité des matériaux et à la durabilité des produits. La marque utilise des matériaux de haute qualité tels que le coton organique et le cuir véritable.
Quelle est l’éthique de HYRAW ?
HYRAW s’engage à respecter l’environnement et les droits des travailleurs. La marque utilise des matériaux durables et biologiques lorsque cela est possible, et travaille avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales. La marque est également transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.
HYRAW est-elle une marque responsable ?
HYRAW est engagée dans une démarche de développement durable et de responsabilité sociale. La marque travaille avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales, et utilise des matériaux durables et biologiques. La marque est également transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.
Quels sont les engagements de HYRAW en matière de durabilité ?
HYRAW s’engage à réduire son impact environnemental en utilisant des matériaux durables et biologiques, en réduisant les déchets et en minimisant l’empreinte carbone de ses produits. La marque travaille également avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales, et est transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.
Comment entretenir les vêtements HYRAW ?
Les vêtements HYRAW sont conçus pour être résistants et durables, mais il est important de les entretenir correctement pour prolonger leur durée de vie. Les vêtements doivent être lavés à l’envers à une température maximale de 30 degrés, avec des couleurs similaires. Il est recommandé de ne pas utiliser d’adoucissant et de ne pas les mettre au sèche-linge. Les vêtements en cuir doivent être nettoyés avec un produit spécialisé pour le cuir.
HYRAW propose-t-elle des collections limitées ?
La marque propose régulièrement des collections limitées en éditions spéciales. Ces collections sont souvent inspirées par des collaborations avec des artistes, des tatoueurs ou des musiciens, et offrent des designs uniques et exclusifs pour les fans de la marque.
En résumé, quelle est la particularité de HYRAW ?
C’ est une marque de vêtements qui se distingue par son style underground et inspiré de la culture du tatouage et du rock’n’roll. La marque propose des produits de haute qualité, durables et fabriqués dans le respect de l’environnement et des droits des travailleurs. HYRAW s’adresse à un public qui apprécie l’originalité, l’authenticité et la créativité.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Pierre Commoy et Gilles Blanchard grandissent tous deux dans des familles aisées qui imposent des codes de conduite qu’ils dépasseront rapidement à l’adolescence.
Ils plongent dans le cinéma coréen, chinois, hollywoodien et toutes les photos de magazines vedettes aux couleurs riches. Après des études d’art au Havre pour Gilles et une école de photo pour Pierre, ils s’installent respectivement à Paris en dès le début des années 1970.
Pierre a pris des photos pour plusieurs magazines, Gilles a peint et réalisé des collages. Ils se rencontrent lors d’une fête en 1976 et entament une vie amoureuse et professionnelle fortement influencée par le popart.
L’année 1978 est un tournant dans leur collaboration artistique: Bollywood et ses innombrables couleurs est un choc. Ils parviennent à développer un style onirique et fantaisiste, inspiré de celui du photographe américain James Bidgood.
Des artistes connus et des « people » ont été photographiés par Pierre & Gilles comme par exemple Étienne Daho (albums La Notte, la Notte et Reserection), Marilyn Manson, Lio, Amanda Lear, Pascale Borel et Valérie Lemercier, Sylvie Vartan, Cheb Khaled, Catherine Deneuve, Serge Gainsbourg, Natacha Régnier, François Pinault, Christian Boltanski, Arielle Dombasle, Laetitia Casta, Dita von Teese, Alain Chamfort, Armande Altaï, Siouxsie Sioux, Marc Almond (album Enchanted, 45 tours A lover spurned, The desperate hours et Waifs and strays), Jean Paul Gaultier, Nina Hagen, Madonna, Jérémie Renier, Sheila, Mireille Mathieu, Bettina, Régine, Kylie Minogue, Stromae, ou encore l’album Héros de Shy’m…
Ils ont également produit des photos et des couvertures d’albums pour des groupes pop / rock tels que Deee-Lite, Erasure (1989: couverture, photo intérieure et livret de l’album Wild! Et couverture du drame!), Indochine, Mikado, Les Calamités, pour The Adventures of Ghosthorse & Stillborn de CocoRosie ou Les Douleurs de l’Ennui du groupe français Opera Multi Steel…
Stromae par Pierre et Gilles
Pierre et gilles : les oeuvres…
Ils sont connus pour leurs photographies retouchées prises ensemble depuis leur rencontre.
Ils prétendent être des artisans. Ces œuvres traitent de sujets de la culture pop, de la culture gay, mais aussi de la pornographie ou de la religion, leurs sujets les plus importants, et en même temps se défendent contre le blasphème: «Nous avons une préférence pour le mystique. Il est difficile pour nous de créer une séparation entre art et religion.
» Leurs œuvres sont souvent décrites par la presse comme romantiques: « la fumeuse de chicha », l’une des plus connues, en est un exemple caractéristique. Ils définissent leur travail comme suit: «Nous aimons idéaliser, mais nous parlons aussi de la mort, du mystère et de l’étrangeté de la vie. Il y a autant de douceur que de violence dans nos photos… ».
Pierre et Gilles prétendent s’inspirer de nombreuses mythologies: la mythologie moderne avec, par exemple, l’image d’un cow-boy, la mythologie chrétienne avec l’image d’Adam ou Saint Sébastien, la mythologie hindoue avec l’image de Krishna et en particulier les classiques de la mythologie ancienne avec des images de Narcisse ou d’Achille.
Ces inspirations proviennent de différentes sources: cours d’histoire et cours de catéchisme dans l’enfance, puis films (pour Pierre) et visites de musées (pour Gilles): » Nous étions fascinés par les mythologies, les dieux et les demi-dieux. Ces histoires nous mettent […] dans un monde plein de rêves, d’atrocités et de miracles, dans lequel le divin est en harmonie avec l’histoire. »
Les expos de Pierre et gilles
Paradis et Garçons de Paris, galerie Texbraun, Paris, 1983
Naufragés et Pleureuses, galerie Samia Saouma, Paris, 1986
Première rétrospective, Maison européenne de la photographie, Paris, 1996
Douce Violence, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2000
Arrache mon cœur, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2001
Beautiful Dragon, rétrospective sur le thème de l’Asie, Museum of Art de Séoul, 2004
Le Grand Amour, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, France, 2004
Rétrospective, inauguration du Muséum d’art contemporain de Shanghai, 2005
Un monde parfait, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2007
Double je, Jeu de Paume, Paris, 2007- Rétrospective, Manège, Moscou, 2007
Wonderful Town, galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2010
Héros, Galerie Daniel Templon, Paris, 2014
Clair-obscur, Musée d’Ixelles, Bruxelles, 2017, commissaire Sophie Duplaix
Clair-Obscur, MuMa musée d’art moderne André Malraux, Le Havre, 2017
Le Temps imaginaire, Galerie Templon, Paris, janvier 2018
Le Génie du Christianisme, Couvent des Minimes, Perpignan, juin 2018. Une exposition organisée par le Festival International du Livre d’Art et du Film, commissaire Numa Hambursin
Age of Classics! L’Antiquité dans la culture pop, Musée Saint-Raymond, musée des Antiques de Toulouse, Toulouse, printemps-été
2019.
Looking at the Pictorial World Seemingly Old and Voluptuous, K Museum of Contemporary Art, Seoul, Décembre
2018- Mai 2019 – La Fabrique des Idoles, Cité de la Musique, Philharmonie de Paris, Novembre 2019 – Février 2020
LIO
Les publications de Pierre et Gilles
L’Odyssée imaginaire, , Contrejour, 1988
Dan Cameron et Bernard Macardé, , l’œuvre complète 1976-1996, Benedikt Taschen, Cologne, 1996
Catherine Francblin, Douce Violence, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 1998
Pierre et Gilles – Beautiful Dragon, textes de Bernard Marcadé et Parang Park, entretien de Jérôme Sans, Seoul Museum of Art, Seoul, 2004
Pierre et Gilles – Beautiful Dragon, Textes de Bernard Marcadé et Venka Purushothaman, préface de Kwok Kian Chow, Singapore
Art Museum, Singapour, 2004
Jean-Jacques Aillagon et Frédéric Blanc, Frédéric, – Le Grand Amour, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2004 Album, éd. galerie Jérôme de Noirmont, 2004
Sailors & Sea, éd. Taschen, 2005
Pierre et Gilles – Rétrospective, catalogue d’exposition, MOCA Shanghai, 2005
Thomas Doustaly et Paquita Paquin, Pierre & Gilles : Autobiographie en photomatons, Bàzàr Edition, mars 2012, 448 p.
Chloé Devis, Derrière l’objectif de Pierre et Gilles : Photos et propos, Éditions Hoebeke, avril 2013, 155 p.
Héros, catalogue de l’exposition à la Galerie Daniel Templon, entretien avec Catherine Grenier, 2013 6
Eric Troncy, Pierre et Gilles, Editions Flammarion, octobre 2016 7
Sophie Duplaix et Michel Poivert, Marc Donnadieu, Pierre et Gilles, Clair Obscur, 13 février 20178
Le temps imaginaire, catalogue d’exposition, Galerie Daniel Templon, Paris, 2018, 80 p.=
Le Génie du Christianisme, catalogue d’exposition, Festival International du Livre d’Art et du Film, Perpignan, 36 pages
Pierre et Gilles, La Fabrique des Idoles, catalogue d’exposition, Editions Xavier Baral, 2019, 353 pages
IN VIVO Au centre Pompidou
Pierre et Gilles, le livre la fabrique des idoles.
Qu’est-ce que « La Fabrique des idoles »?
« La Fabrique des idoles » est un livre publié en 2019 par les artistes français Pierre et Gilles. Il s’agit d’un ouvrage monographique qui retrace plus de 40 ans de carrière de ce duo d’artistes, qui sont connus pour leurs photographies kitsch et colorées. Le livre est divisé en plusieurs sections, chacune consacrée à une période spécifique de leur travail.
Que peut-on trouver dans ce livre?
« La Fabrique des idoles » contient plus de 500 photographies de Pierre et Gilles, ainsi que des textes de différents auteurs qui analysent leur travail. Les photographies sont organisées par période, et chaque section est introduite par un texte qui contextualise le travail de Pierre et Gilles à cette époque. Le livre contient également des citations et des interviews des deux artistes, ainsi qu’une bibliographie complète de leur travail.
FAQ sur Pierre et Gilles
Qui sont Pierre et Gilles ?
Pierre et Gilles sont un duo d’artistes français connus pour leur travail photographique combinant des portraits photographiques avec des éléments picturaux, tels que des peintures à la gouache et des collages. Ils ont travaillé ensemble depuis le début des années 1970 et ont créé une œuvre iconique, souvent caractérisée par une esthétique kitsch, pop et baroque.
Quel est le style artistique de Pierre et Gilles ?
Le style artistique de Pierre et Gilles est souvent décrit comme une combinaison de photographie et de peinture, qui fusionne les techniques de ces deux médiums. Leur travail est également marqué par une esthétique kitsch, colorée et baroque, ainsi que par une fascination pour la beauté, la célébrité et les icônes pop culturelles.
Quels sont les thèmes abordés dans les œuvres de Pierre et Gilles ?
Les œuvres de Pierre et Gilles abordent souvent des thèmes tels que la beauté, la religion, la sexualité, la célébrité et la mort. Ils ont travaillé avec de nombreux sujets, notamment des personnalités du monde de la musique, de la mode et du cinéma, ainsi que des représentations de figures mythologiques et religieuses.
Quelles sont les techniques utilisées par Pierre et Gilles ?
Pierre et Gilles combinent la photographie avec des techniques de peinture, telles que la gouache, la peinture acrylique et le collage. Ils travaillent également avec des décors, des accessoires et des costumes pour créer des scènes mises en scène et souvent surréalistes.
Quelles sont les expositions les plus connues de Pierre et Gilles ?
Les œuvres de Pierre et Gilles ont été présentées dans de nombreuses expositions internationales. Certaines des plus connues incluent « Pierre et Gilles: Double Je, 1976-2007 » au Centre Georges Pompidou à Paris en 2007, « Pierre et Gilles: 40 » à la Galerie Templon à Paris en 2017 et « Pierre et Gilles: Clair-Obscur » au Musée des Beaux-Arts de Montréal en 2020.
Quelle est la signification derrière les œuvres de Pierre et Gilles ?
Les œuvres de Pierre et Gilles ont souvent une signification profonde et symbolique, mais cette signification peut varier selon l’interprétation de chaque spectateur. Les thèmes récurrents dans leur travail, tels que la beauté, la religion et la sexualité, peuvent être interprétés de différentes manières, reflétant ainsi la complexité de l’expérience humaine.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Gibson, la marque de guitare sûrement la plus emblématique au monde, est une marque américaine qui a façonné les sons de générations de musiciens depuis plus de 100 ans. De Slash à Jimmy Page, Gibson est maintenant un mythe.
Fondée en 1894 et basée à Nashville, dans le Tennessee, Gibson Brands possède un héritage de savoir-faire de classe mondiale, de partenariats musicaux légendaires et d’évolution progressive des produits qui ne ressemble à aucune autre marque de guitare.
Le portefeuille Gibson Brands comprend Gibson, la marque de guitare numéro un, ainsi que de nombreuses marques de musique les plus appréciées et les plus reconnaissables, notamment Epiphone, Kramer, Steinberger, MESA / Boogie et la division Gibson Pro Audio, KRK Systems.
Gibson Brands se consacre à la qualité, à l’innovation et à l’excellence sonore afin que les mélomanes des générations à venir continuent à découvrir la musique façonnée par Gibson Brands.
Le modèle signature de Gibson Les Paul
Le modèle signature de Gibson Les Paul a fini par définir le son de la musique rock – un rôle qui lui plaît encore aujourd’hui. Pourtant, sa conception était un processus prolongé, avec de nombreux rebondissements. Ici, nous présentons son histoire de première main, à la fois de ses créateurs et de ses joueurs les plus connus…
Histoire de la LES PAUL : la story
C’est l’histoire de l’initié des débuts de la Gibson Les Paul , la première guitare électrique solidbody de la société. Après l ’introduction par Fender du Broadcaster et de la Telecaster en 1950 et 1951, Gibson décida de concourir, engageant le guitariste américain le plus célèbre de l’époque, Les Paul , pour approuver son nouvel instrument.
GIBSON Paul Custom, Les Paul Standard ou « Burst »
Au cours des années qui ont suivi, les Paul Goldtop de Gibson (introduites en 1952), Les Paul Custom (1954) et Les Paul Standard ou « Burst » (qui a remplacé le Goldtop en 1958) ont constitué une base solide et confortable pour la gamme solidbody et qui a également présenté quelques modèles économiques: la Les Paul Junior (1954) et la Les Paul Special (1955).
Cette histoire orale des premiers Les Paul et de ses célèbres joueurs provient d’archives d’interviews que je vais vous partager.
Les personnes que vous lirez dans cet article sont: Billy Gibbons, qui était dans son groupe pré-ZZ Top Moving Sidewalks en 1968 quand il a acquis un Burst; Ted McCarty, qui a rejoint Gibson en 1948 et en est devenu le président deux ans plus tard; Jimmy Page, qui a obtenu une Les Paul Custom vers 1964 et, à Led Zeppelin, a acheté une Burst à Joe Walsh en 1969; et Les Paul lui-même – qui, avec Mary Ford, avait marqué un hit américain n ° 1 avec How High The Moon en 1951.
Les Paul «J’avais essayé de faire une guitare qui soutenait et qui reproduisait le son de la corde sans rien d’ajouté. Aucune distorsion, aucun changement dans la réponse par rapport à ce que faisait la corde. Pas de top vibrant, pas d’amélioration supplémentaire, avantageux ou désavantageux.
GIBSON LES PAUL
Je voulais m’assurer que le son produit était seulement celui de la corde excitée: vous pinciez la corde, et c’est ce que vous aviez. C’était toute mon idée au début des années 30. J’ai travaillé dessus, travaillé dessus, bourré des chiffons dans les guitares, fait des tops d’un pouce dessus. Puis enfin en disant: « Ecoute, je vais juste aller sur un journal. »
«J’ai approché Gibson en 1941. Ils ont ri à l’idée, ils m’ont appelé le gamin avec le manche à balai avec les micros dessus. L’usine était à Kalamazoo, Michigan, mais les bureaux étaient à Chicago, et c’est là que je suis allé. Le journal était ce que je leur ai apporté. Je l’ai en fait construit chez Epiphone. Je connaissais les gens là-bas, et je pouvais avoir l’usine tous les dimanches, il n’y avait personne d’autre que le gardien.
«Donc, tous les dimanches, j’y suis allé et j’ai travaillé là-bas, de 1939 à 41. Epiphone dit, qu’est-ce que c’est que ce bordel? Je dis que c’est une bûche, c’est une guitare solidbody, et ils disent, eh bien pourquoi? Et je dis, eh bien… mais je visais Gibson, je ne visais pas Epi. Je savais qu’Epi était sur le point de couler. Gibson était le plus grand du secteur et c’est là que je voulais aller. Je l’ai apporté à Chicago à Maurice Berlin, le président de CMI, la compagnie Chicago Musical Instrument [propriétaire de Gibson], et ils en ont ri.
«J’ai déménagé en Californie, je suis allé dans l’armée, je suis allé avec Bing Crosby, j’ai continué à jouer mon journal, et Leo Fender est venu dans mon jardin, et Merle Travis l’a vu, tout comme tous les autres guitaristes, tous les autres fabricants, ils l’ont tous vu.
La vibrola, j’ai commencé là-dessus dans les années 30 puis j’ai découvert qu’un mec avait déjà inventé une vibrola, mais elle était morte, elle était éteinte, elle est morte dans son élan. Alors j’ai dit: « Je vais faire ma propre vibrola », alors j’ai fait la mienne et Bigsby est venu dans mon jardin, avec Fender. »
GIBSON LES PAUL
Gibson veut un corps solide
Ted McCarty «Les salons de la fin des années 40 étaient à Chicago en juin et à New York en janvier environ. Nous emmenions des prototypes au salon, nous leur montrions, ils obtiendraient une réaction des revendeurs – parce que c’était une exposition de revendeurs, il fallait être un concessionnaire pour entrer – et selon la réaction, nous reviendrions à l’usine et les vendeurs diraient que c’est un bon vendeur, c’est un bon vendeur, mais je ne pourrais pas faire grand-chose avec celui-ci. D’accord, vous l’avez. C’est ainsi que nous avons choisi la ligne, pourriez-vous dire.
«Nous avons réalisé que Leo Fender gagnait en popularité en Occident avec son corps solide espagnol. Il n’est arrivé nulle part à New York ou dans cette partie du pays, c’était strictement en Occident.
Je l’ai regardé et regardé et j’ai dit: « Nous devons nous lancer dans cette affaire. On lui donne une course gratuite, c’est le seul à fabriquer ce genre de guitare. Avait ce vrai son strident, que les garçons country et occidentaux aimaient. Cela devenait populaire. Nous en avons donc discuté et décidé, faisons-en un.
«Maintenant, Les Paul m’était connue, Les Paul était un peu un innovateur, mais il jouait à Epiphone. Et j’essayais de lui faire jouer Gibson, oh, depuis quelques années. Il n’allait pas s’éloigner d’Epiphone, il leur était fidèle. Il avait fait quelques améliorations, quelques changements, dans son Epiphone qu’il utilisait. Ils n’ont pas fabriqué un Epiphone avec son nom dessus – tout ce qu’ils ont fait était Epiphone.
GIBSON LES PAUL
La Conception de la Les Paul
Les Paul «Leo Fender a vu ce que je faisais et il a commencé à en créer un. Et quand Gibson en a entendu parler, ils ont dit de trouver ce type avec le manche à balai avec le micro dessus! Ils sont venus tout de suite, dès qu’ils ont entendu ce que faisait Léo. Ils sont venus me voir et j’ai dit: « Eh bien, vous êtes un peu en retard. Mais d’accord, allons-y. »
Ted McCarty «Nous avons commencé à fabriquer un corps solide et nous avions beaucoup à apprendre. Par exemple, plus le matériau est rigide, plus le bois est dur, plus le son est aigu et plus le sustain est long.
Frappez la corde et elle sonnerait pendant une longue période de maintien. Cela pourrait être trop long. Une des choses que nous avons faites a été de prendre un morceau de rail de fer de la voie ferrée, de mettre un pont, un pick-up et un cordier dessus, et de le tester.
Vous pourriez frapper cette ficelle, marcher, revenir, et ça sonnerait toujours. Parce que ce qui le fait ralentir, c’est le fait que le bois donne un peu.
«Nous avons fabriqué une guitare en érable massif. Ce n’était pas bon. Trop strident, trop de sustain. Et nous en avons fait un en acajou. Trop mou. Je n’avais pas vraiment ce truc.
Nous avons donc finalement trouvé une table en érable et un dos en acajou, en avons fait un sandwich, les avons collés ensemble.
Les Paul : la forme
Ensuite, nous avons décidé, qu’en est-il de la forme? Nous voulions quelque chose qui ne serait pas trop lourd. La Fender était une guitare beaucoup plus grosse, plus lourde. Nous avons donc fait le nôtre un peu plus petit, de forme traditionnelle.
Les Paul et son épouse Mary Ford lors d’une réception de presse au Savoy Hotel de Londres, pour le dévoilement en 1952 du modèle signature Les Paul. Notez le DeArmond Dynasonics sous les caches de micro manche P-90
«Nous avions toujours sculpté le dessus de nos belles guitares, et nous avions de véritables machines à sculpter. Leo Fender n’avait pas de machine à sculpter. Ils ont joint leur manche avec une plaque à l’arrière de la guitare. Nous avons toujours collé notre cou, en avons fait une partie intégrante. Alors j’ai dit: « D’accord, découpons le haut de cette chose, comme nous le ferions sur un L-5 et un L-7. »
«Nous avons finalement trouvé une guitare séduisante. Et en ce qui nous concerne, il avait le ton, il avait la résonance et il avait aussi le sustain, mais pas trop. Maintenant, nous avions besoin d’une excuse pour le faire. Aucune des autres grandes sociétés de guitare n’avait quoi que ce soit à voir avec un corps solide.
Leur attitude était de l’oublier, car n’importe qui avec une scie à ruban peut fabriquer une guitare solidbody. Scie à ruban et routeur, c’est tout ce dont vous aviez besoin.
«Alors j’ai commencé à réfléchir. A cette époque, Les Paul et Mary Ford roulaient très haut, ils étaient probablement l’équipe vocale numéro un aux États-Unis. Ils gagnaient un million de dollars par an. Et connaissant Les et Mary, j’ai décidé que je devrais peut-être leur montrer cette guitare.
Ted McCarty «Les et son groupe se trouvaient dans un pavillon de chasse au Delaware Water Gap, qui se trouve dans les montagnes de Pennsylvanie. J’avais parlé à Les par téléphone et j’ai parlé à Phil Braunstein, son directeur financier, un comptable de New York. Alors j’ai pris rendez-vous avec Phil, je suis allé à New York, j’ai pris le petit déjeuner, je suis monté dans sa voiture, et j’avais cette guitare [prototype] avec moi.
«C’était une journée de route depuis New York là-bas, nous y sommes arrivés la nuit, pluvieux, une nuit misérable. «J’ai dit: ‘J’ai quelque chose ici, Les, que j’aimerais que vous voyiez.’ Nous avions un amplificateur et nous y avons branché cette guitare. Il l’a pris, et il l’a joué – et il l’a joué et il l’a joué. Il y avait ce balcon à l’étage avec des chambres menant à côté, et Mary Ford était à l’étage, alors il a crié: «Mary, viens ici, je veux que tu vois ça.
«Mary est descendue. Il dit: « Joue ça, Mary, je veux entendre et voir ce que tu en penses. » Elle l’a pris et l’a joué, et elle a dit: «J’adore ça. Les a dit: « Laissez-moi l’avoir », et il l’a joué un peu plus, et il s’est tourné vers Mary et a dit: « Écoutez, ils se rapprochent trop de nous, Mary, je pense que nous devrions les rejoindre. Qu’est-ce que tu penses?’ Elle dit: «J’aime ça.» »
Les Paul «C’était une guitare plate à l’époque, ce n’était pas une archtop. J’ai tout dessiné là-bas sauf le ventre, le sommet cambré. J’avais un flat-top. J’étais assis là avec Maurice Berlin au CMI, et il a dit: «Vous savez, j’aime les violons. Et il m’a fait traverser son coffre-fort et m’a montré sa collection, et il a dit:
« Envisageriez-vous de le faire dans un archtop? », Et j’ai dit que j’adorerais. Il a déclaré: « Personne d’autre – Fender, personne d’autre – ne peut le faire, et nous avons les installations pour le faire. » Alors j’ai dit: « Bien sûr, faisons-le. » Nous les avons donc fabriqués.
Ted McCarty «Les avait pris son Epiphone et y avait fait beaucoup de changements, y avait mis des micros qu’il avait faits. J’avais été après lui pendant quelques années, essayant de le convaincre de Gibson, je n’avais pas réussi. Alors j’ai dit: « C’est ce que nous voulons faire, nous voulons appeler cela le modèle Gibson Les Paul. »
Je lui ai dit que nous lui paierions une redevance. Je ne suis pas avocat, ni Phil Braunstein, ni Les. Nous avons donc commencé à conclure un contrat. Et j’ai une théorie sur les contrats. Plus ils sont simples, mieux ils sont. Si vous avez cinq pages de gobbledegook, ce que j’appelle «passe-partout», vous engagez un avocat intelligent et il y trouvera des failles.
Un simple, tout le monde peut comprendre. Nous avons donc commencé, la première chose que nous avons faite a été d’écrire combien nous lui paierions par guitare.
«Nous nous sommes mis d’accord toute la nuit. Je suis donc revenu à l’usine et maintenant nous avions un modèle Gibson Les Paul. J’essayais de convaincre Les de nous laisser lui fabriquer une guitare depuis des années, sans succès, mais nous avons finalement eu quelque chose qui lui plaisait. Alors nous avons commencé à les produire.
Gibson et les imperfections du bois
Ted McCarty «Nous avons fait la finition dorée car elle couvrait les imperfections du bois, l’aspect cosmétique. Si c’était de l’érable [comme le dernier Burst], ce devait être de l’érable à violon, devait être parfait, ne pouvait pas avoir de défauts, ne pouvait pas avoir de stries minérales. Mais nous avions l’habitude de le recouvrir de cette peinture [dorée].
L’absence de reliure de la touche et les vis de réglage de la hauteur du micro du chevalet en diagonale indiquent que ce modèle Goldtop de 1952 maintenant fortement modifié est l’un des tout premiers jamais fabriqués.
«Nous avons ajouté la Gibson Les Paul Custom juste pour en avoir une autre. Vous avez toutes sortes de joueurs qui aiment ça et comme ça. Chevrolet a tout un tas de modèles, Ford a tout un tas de modèles. Et il y avait une bonne raison à cela. Nous avions de plus en plus de problèmes pour obtenir du vrai bon acajou clair du Honduras. Nous aurions de l’acajou et il y aurait des stries dedans et ainsi de suite.
«Pour que la Gibson Les Paul Custom soit un corps solide, ce n’était pas un sandwich, c’était de l’acajou massif, mais peint en noir. Alors vous en aviez avec des stries? Vous en avez fait des douanes. Je l’ai agrémenté de reliures et d’autres éléments, et je l’ai vendu à un prix plus élevé. »
La musique divine de Billy avec la Pearly Gates
Billy Gibbons «Ce gars que je connaissais à Houston, John Wilson – il avait un Rickenbacker 12 cordes, ils sonnaient comme The Byrds, ils s’appelaient The Magic Ring – il a sonné un jour et a dit: ‘Hé, le mot est que vous en cherchez un de ces Gibson Les Paul. J’ai dit ouais. Il a déclaré: « Il y a un fermier, un éleveur, en haut de la route, juste à l’extérieur des limites de la ville, un grand ranch là-bas, un gros éleveur de bétail, du bétail et des chevaux. Eh bien, il a une de ces choses.
«Nous avions obtenu une automobile Packard de 1936, et nous avions une amie du groupe, Renee Thomas, elle avait l’opportunité de passer une audition en Californie pour gagner un rôle dans un film, alors nous lui avons donné le Packard. Elle a appelé, dit qu’elle est en Californie et qu’elle a eu le rôle. Enfin, elle a vendu le batteur Packard et m’a envoyé ce chèque de, je crois, 350 $. Je jure, le chèque est arrivé par la poste, et mon pote s’arrête et dit: «Hé, allons voir cette guitare.
Ce magnifique ’59 Burst a été l’inspiration pour le Minnesota Burst 2016 de Gibson Custom, 39e dans une série de recréations minutieuses d’instruments historiques.
On y arrive, le gars a dit: « Vous le voulez, vous pouvez l’avoir. » J’ai dit: « Combien vous voulez? » Il dit: « Combien vous avez? » J’ai sorti le chèque et j’ai dit que je viens de recevoir ça aujourd’hui, 350 $. Il dit: «Je vais le prendre. Alors j’ai décollé avec cette guitare!
«Nous avions nommé cette voiture Pearly Gates et quand Renee l’a vendue, je l’ai rappelée, j’ai dit: ‘J’ai eu cette guitare avec l’argent.’ Elle dit: «Eh bien, nous allons appeler cette guitare Pearly Gates et vous allez jouer de la musique divine.
«Je vais vous dire, mec, c’est une sorte de guitare! C’était en 1968, juste après l’été. Je me suis demandé en cours de route pourquoi cet exemple particulier de Gibson Les Paul [’59 Burst] est si robuste.
Vraiment, la seule explication est que c’est juste arrivé à être mis en place le bon jour. La bonne combinaison de bois. «Tout était supposé à l’époque. Le jour particulier où tous les éléments disparates se sont réunis était juste ce moment magique, je suppose.
Roadrunner Guitars
Jimmy Page et la Les Paul
Gibson Les Paul Standard
jimmy Page «J’ai eu mon [trois humbucker] Gibson Les Paul Custom dans les années 60… il y avait [magasin Selmer à Charing Cross Road] et puis il y en avait un plus loin, à l’époque il était affilié d’une manière ou d’une autre, appelé [Lew Davis], et j’ai acheté il là-dedans.
Je me souviens être entré et il y avait une sorte de caisse, et les gars derrière, et juste au mur… J’ai dit: « Oh mon Dieu, laisse-moi essayer! » Ce qu’il faisait là-dedans et pourquoi, mais c’était là. C’était juste… je suis tombé amoureux de ce truc sanglant.
«Il n’y en avait pas beaucoup autour. C’était juste une chose si magnifique et ça avait l’air si merveilleux. Le réglage du milieu n’était pas ce à quoi vous vous attendiez, mais c’était un son vraiment pointu qui était vraiment superbe. Je l’ai personnalisé avec des interrupteurs pour que vous puissiez entrer dans n’importe quelle combinaison, et [en 1970] c’est celui qui a été volé.
Jimmy Page en 1975, l’année où il a acheté une sauvegarde Burst pour remplacer la « numéro un » Gibson Les Paul Standard qui était son pilier
«En 1969, Joe Walsh est venu au Fillmore ou au Winterland, l’un ou l’autre, à San Francisco et il a insisté, il a dit: ‘Vous devez acheter cette guitare!’ [Il est devenu le Burst ‘Number One’ de Page.] Et il semblait en fait qu’il avait été remis à neuf. J’ai dit: «Je n’en ai pas nécessairement besoin».
«Non, vous devez l’avoir, essayez-le, vous le voudrez», et tout ça. J’ai dit: « J’ai déjà la coutume. » «Non, non, vous devez l’essayer! Vous devez acheter cette guitare!
«Il a continué à insister. J’ai dit: «Ah, non, non, non, je ne peux pas me le permettre. Tu sais comment c’est.’ Ce n’était pas comme traiter avec Selmer. Il faisait vraiment du sport – il en fait toujours du sport maintenant. Parce que tout le monde y va, tu lui as vendu une Gibson Les Paul pour quoi que ce soit, des centaines de dollars. C’était un prix au prorata, il ne me volait pas et il ne me le donnait pas en cadeau.
«Je savais que c’était une bonne guitare. Je savais qu’il n’y aurait pas de retour, le grincement que je recevais de ma Telecaster, qui chaque soir, il y avait un épisode entier de contrôle. Le premier album se fait sur la Telecaster, car c’est une transition de The Yardbirds à Led Zeppelin, c’est exactement la même guitare.
Tout le monde avait ça s’ils commençaient à monter une Telecaster fort. Alors Joe a insisté pour que je l’achète, et je l’ai acheté, et j’ai lancé le deuxième album avec.
Gibson Les Paul Custom de 1956
Cette Gibson Les Paul Custom de 1956 a un simple bobinage «de base» en position manche. La Custom a été introduite en 1954 pour répondre au souhait de Gibson Les Paul d’une guitare plus luxueuse qui ressemblait à «un smoking»
«Il n’y a aucune garantie que j’aurais joué le… Je ne sais pas, c’est hypothétique, mais je n’ai peut-être pas trouvé le riff de Whole Lotta Love sur la Telecaster. Ce gros son avec lequel vous travaillez, vous êtes inspiré – eh bien, je le suis – et je sais que d’autres personnes sont, par les instruments, le son des instruments.
Et puis ils jouent quelque chose qu’ils n’ont jamais joué auparavant – et c’est vraiment convivial, et soudainement ils ont une sorte de riff, qui est propre à ce moment. Je ne dis pas que c’est la première chose que j’ai joué dessus, mais c’était à venir.
«J’ai toujours su que la Gibson Les Paul était une guitare très conviviale par rapport, disons, à une Strat ou quelque chose comme ça. C’est vraiment sympathique. Tant de choses commencent à chanter, tu sais? Vraiment chanter. »
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La Gibson Les Paul est une guitare électrique emblématique, fabriquée pour la première fois en 1952 par la société américaine Gibson Guitar Corporation. Elle a été conçue en collaboration avec le musicien et inventeur Lester William Polsfuss, plus connu sous le nom de Les Paul.
La guitare Les Paul est célèbre pour son design distinctif, son sustain impressionnant et sa polyvalence, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de nombreux genres musicaux, notamment le rock, le blues, le jazz et la country.
2. Quelles sont les principales caractéristiques de la Gibson Les Paul?
La Gibson Les Paul est reconnaissable à son corps en acajou massif avec une table en érable, sa forme de corps en « single cutaway » qui permet un meilleur accès aux frettes supérieures, et son manche collé, généralement en acajou avec une touche en palissandre. La combinaison de ces bois confère à la guitare un sustain et une résonance caractéristiques.
La Les Paul est également équipée de deux micros humbuckers, conçus pour réduire les interférences électromagnétiques et produire un son riche et puissant. La guitare dispose d’un sélecteur à trois positions pour choisir entre les micros, ainsi que de quatre boutons de réglage pour le volume et la tonalité de chaque micro.
3. Quelles sont les différentes finitions disponibles pour la Gibson Les Paul?
Au fil des ans, la Gibson Les Paul a été proposée dans une variété de finitions et de couleurs. Parmi les finitions les plus célèbres, on trouve le « Sunburst » (dégradé de couleur du centre vers les bords), le « Goldtop » (couleur dorée), le « Black Beauty » (noir avec des ornements dorés) et le « Cherry Sunburst » (dégradé de rouge cerise).
Les finitions de la Les Paul peuvent varier en fonction des modèles et des éditions limitées. Certaines finitions sont spécifiques à des artistes ou des modèles signature, tels que la Les Paul Jimmy Page ou la Les Paul Slash.
4. Quels sont les différents modèles de Gibson Les Paul?
Il existe plusieurs modèles de Gibson Les Paul, chacun ayant ses propres caractéristiques et spécifications. Parmi les modèles les plus populaires, on trouve :
Les Paul Standard : Le modèle phare de la gamme, avec un corps en acajou, une table en érable, des micros humbuckers et un manche collé.
Les Paul Custom : Une version haut de gamme de la Les Paul, avec des ornements luxueux tels que des incrustations en nacre, une binding multicouche et des accastillages dorés.
Les Paul Studio : Une version plus abordable de la Les Paul, avec un design épuré et des caractéristiques simplifiées, sans compromettre la qualité sonore.
Les Paul Junior : Un modèle d’entrée de gamme avec un corps en acajou massif, un seul micro P-90 et un design simplifié pour une accessibilité accrue.
Les Paul Special : Un autre modèle d’entrée de gamme, semblable à la Junior, mais avec deux micros P-90 et des finitions légèrement différentes.
Les Paul Traditional : Inspirée des Les Paul des années 50 et 60, la Traditional a un profil de manche plus épais et des caractéristiques vintage, comme les mécaniques Keystone et les micros Burstbucker.
Les Paul Classic : Un modèle qui combine des éléments des Les Paul des années 60 avec des caractéristiques modernes, comme un profil de manche mince et des micros plus puissants.
Les Paul Tribute : Un modèle abordable qui rend hommage à l’héritage de la Les Paul, avec des caractéristiques vintage et une sélection de finitions classiques.
Les Paul Modern : Une version contemporaine de la Les Paul, avec des améliorations ergonomiques, des micros à haut rendement et des options de finition modernes.
Les Paul Signature : Des modèles spécifiques conçus en collaboration avec des artistes célèbres, tels que Slash, Jimmy Page et Joe Bonamassa, qui présentent des spécifications et des finitions uniques.
5. Quel est le prix d’une Gibson Les Paul?
Le prix d’une Gibson Les Paul varie en fonction du modèle, des caractéristiques et des finitions. Les modèles d’entrée de gamme, tels que la Les Paul Junior et la Les Paul Special, peuvent être trouvés à partir d’environ 1 000 $, tandis que les modèles Standard et Custom se situent généralement entre 2 500 $ et 5 000 $.
Les éditions limitées, les modèles vintage et les modèles signature peuvent être plus coûteux, allant jusqu’à 10 000 $ ou plus pour des pièces de collection rares.
Il est important de noter que Gibson propose également des versions plus abordables de la Les Paul sous sa marque Epiphone, qui offre des modèles similaires avec des spécifications légèrement différentes et des matériaux moins coûteux.
6. Quels artistes célèbres jouent sur une Gibson Les Paul?
De nombreux artistes célèbres ont choisi la Gibson Les Paul comme leur guitare de prédilection, notamment :
– Jimmy Page (Led Zeppelin)
– Slash (Guns N’ Roses)
– Eric Clapton
– Peter Green (Fleetwood Mac)
– Duane Allman (The Allman Brothers Band)
– Joe Perry (Aerosmith)
– Gary Moore
– Joe Bonamassa
– Billy Gibbons (ZZ Top)
– Ace Frehley (KISS)
La Gibson Les Paul est appréciée pour sa polyvalence, son sustain et son esthétique attrayante, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de différents genres musicaux.
7. Comment entretenir et prendre soin de sa Gibson Les Paul?
Pour maintenir votre Gibson Les Paul en bon état et préserver sa qualité sonore, il est important de suivre quelques étapes d’entretien de base :
1.Nettoyez régulièrement la guitare avec un chiffon doux et sec pour éliminer la poussière et les traces de
de doigts.
2. Changez les cordes régulièrement, en fonction de votre fréquence de jeu et de vos préférences personnelles. Il est généralement recommandé de changer les cordes tous les 1 à 3 mois pour les guitaristes actifs.
Nettoyez et hydratez la touche en utilisant un nettoyant spécial pour touche et de l’huile de citron ou de l’huile d’entretien pour bois. Cela aidera à prévenir le dessèchement et les fissures de la touche.
Contrôlez périodiquement l’ajustement du manche et ajustez le truss rod si nécessaire pour maintenir une action confortable et éviter les problèmes de justesse.
Protégez votre guitare des changements brusques de température et d’humidité en la conservant dans un étui rigide lorsqu’elle n’est pas utilisée. Utilisez un humidificateur pour guitare si vous vivez dans un environnement sec.
Faites régulièrement vérifier votre guitare par un luthier professionnel pour détecter d’éventuels problèmes et effectuer les réglages nécessaires.
Nettoyez et lubrifiez les mécaniques pour assurer un fonctionnement en douceur et prévenir la corrosion.
Évitez d’exposer votre guitare à des sources de chaleur directe ou à la lumière du soleil, car cela peut endommager la finition et provoquer des déformations.
En suivant ces conseils d’entretien, vous pouvez préserver la qualité et la longévité de votre Gibson Les Paul.
8. Quelle est la différence entre une Gibson Les Paul et une Epiphone Les Paul?
La principale différence entre une Gibson Les Paul et une Epiphone Les Paul réside dans la qualité des matériaux, la fabrication et le prix. Gibson est la marque originale et haut de gamme, offrant des instruments de qualité supérieure fabriqués aux États-Unis avec des matériaux sélectionnés et un contrôle qualité rigoureux. En conséquence, les Gibson Les Paul ont tendance à être plus chères.
Epiphone est une filiale de Gibson qui propose des instruments plus abordables, fabriqués en Asie et conçus pour offrir une alternative de qualité aux guitaristes avec un budget plus limité. Les Epiphone Les Paul présentent des caractéristiques et des designs similaires à leurs homologues Gibson, mais avec des matériaux moins coûteux et des différences subtiles dans la construction et l’électronique.
9. Comment identifier une Gibson Les Paul authentique?
Pour vous assurer que vous achetez une Gibson Les Paul authentique, il est important de vérifier plusieurs éléments :
Examinez le logo Gibson sur la tête de la guitare. Le logo doit être net et précis, avec une police et un espacement cohérents.
Vérifiez le numéro de série, généralement situé sur l’arrière de la tête de la guitare. Les numéros de série Gibson suivent un format spécifique en fonction de l’année de fabrication. Vous pouvez vérifier la validité du numéro de série sur le site officiel de Gibson.
Inspectez la qualité de la finition, des incrustations et des matériaux utilisés. Une Gibson Les Paul authentique aura généralement une finition soignée et des incrustations précises.
Observez les mécaniques, les micros et les autres composants électroniques. Les modèles Gibson authentiques utilisent des pièces de haute qualité, souvent marquées du logo Gibson ou de marques spécifiques, comme les mécaniques Grover ou les micros Burstbucker.
Comparez la guitare à des photos et des spécifications de modèles authentiques disponibles sur le site officiel de Gibson ou dans des publications spécialisées.
Si vous avez des doutes sur l’authenticité d’une Gibson Les Paul, il est préférable de consulter un expert ou un luthier professionnel pour une évaluation.
10. Quelles sont les alternatives à la Gibson Les Paul?
Si vous êtes intéressé par une guitare similaire à la Gibson Les Paul, mais que vous souhaitez explorer d’autres options, voici quelques alternatives populaires :
– Epiphone Les Paul : Comme mentionné précédemment, Epiphone est la filiale de Gibson et propose des modèles Les Paul plus abordables avec des caractéristiques et des designs similaires.
– PRS Singlecut : La PRS Singlecut est une guitare électrique à simple pan coupé qui offre une qualité de fabrication et un son comparables à la Gibson Les Paul, avec un design distinctif propre à PRS.
– Fender Telecaster : Bien que la Fender Telecaster ait un design et une construction différents, elle est appréciée pour sa polyvalence et son son chaleureux, similaire à la Les Paul, en particulier dans les modèles équipés de micros humbuckers.
– ESP Eclipse : L’ESP Eclipse est une guitare électrique inspirée de la Les Paul, avec un design et des caractéristiques similaires, mais une orientation plus marquée vers les genres de musique heavy metal et hard rock.
En fin de compte, le choix de la guitare idéale dépend de vos préférences personnelles, de votre budget et de votre style de musique. Il est toujours recommandé d’essayer plusieurs guitares et de comparer leur son et leur jouabilité avant de prendre une décision.
Les metalheads avertis peuvent être enclins à convenir que GOJIRA est l’une des meilleures choses qui soit arrivée à la musique heavy au cours des 20 dernières années. Il en est de même après l’écoute de GOJIRA Fortitude.
L’album a reçu des critiques positives de la part des critiques. AllMusic a donné à l’album une note de 4,5 sur 5, fortitude est une nouvelle étape dans le parcours de GOJIRA pour devenir l’un des groupes de métal les plus importants et les plus vitaux
L’album a débuté à la quatrième place du Billboard 200, ce qui en fait l’album du groupe le mieux classé à ce jour. En outre, l’album a également débuté à la première place du palmarès des disques métals.
Le premier single de l’album, « Born for One Thing », est sorti le 28 avril 2020. La chanson a reçu un accueil positif de la part des critiques. AllMusic a loué la chanson pour son refrain « hymnique » et l’a qualifiée de « retour en force à la forme ».
GOJIRA Fortitude : la génèse
GOJIRA Fortitude est le septième album studio du groupe Gojira . GOJIRA Fortitude est sorti le 30 avril 2021 chez Roadrunner Records . Gojira Fortitude a été enregistré au studio du groupe à New York, et a été produit par Joe Duplantier et mixé par Andy Wallace .
GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude
Gojira avait l’intention d’écrire un album plus cohérent et plus brillant que Magma , mettant l’accent sur un son progressif utilisant l’incorporation d’éléments de rock classique avec un message lyrique positif.
L’écriture de GOJIRA Fortitude a commencé au début de 2018 mais a été suspendue en raison du calendrier des tournées du groupe. La pandémie COVID-19 a interrompu le mixage de l’album et sa date de sortie a été reportée à une date ultérieure.
GOJIRA Fortitude a fait ses débuts au n ° 12 sur le Billboard 200 et vendu 27,372 unités dans sa semaine débuts aux États – Unis, qui a dépassé Magma » tableau de et les ventes. L’album est en tête des palmarès Billboard Hard Rock Albums et Top Rock Albums , ainsi que du palmarès UK Rock & Metal Albums .
Gojira Fortitude s’est classé en tête des charts en Europe et s’est vendu à 9 900 exemplaires lors de sa première semaine de sortie en France. Il a culminé au n ° 3 sur les graphiques ARIA . Fortitude a été l’album studio le plus vendu aux États-Unis lors de sa semaine d’ouverture.
GOJIRA Fortitude arrive au bon moment…
Même en ignorant l’humilité, l’humanité et le dévouement inspirant du groupe français pour les nobles causes, le monde du métal s’est asservi à presque tout ce qu’il a fait depuis son entrée dans la conscience plus large avec « From Mars to Sirius » de 2005, puis est devenu véritablement stratosphérique avec le grand label de 2012 débuts « L’Enfant Sauvage » .
Un groupe live toujours étonnant, GOJIRA a conquis le métal traditionnel en poursuivant un parcours singulier et en entraînant tout le monde avec lui. Il probablement des gens qui pensent qu’ils sucent,
En raison de toute cette brillance pionnière, on attend beaucoup plus de GOJIRA que peut-être n’importe quel autre groupe de metal traditionnel.
« Fortitude » arrive au milieu d’une vague de battage médiatique entièrement justifiable, en grande partie provoqué par l’énorme succès de l’album précédent du groupe, « Magma » .
Ce disque était sans doute un peu moins aventureux que certains des efforts précédents du groupe, mais via les goûts irrésistiblement accrocheurs de « Stranded » et « Silvera » , GOJIRA a confirmé qu’ils pouvaient livrer des hymnes et plaire à la foule tout en maintenant l’individualité et l’intégrité créative qui a toujours été une caractéristique de leur travail.
Cinq ans plus tard, les Français ont beaucoup plus grand public à servir, et si « Fortitude » ravira sans aucun doute ceux pour qui « Magma » était un avant-goût du groupe, ce n’est pas tout à fait le triomphe sans équivoque que les fans purs et durs attendaient.
GOJIRA Fortitude : l’écoute
Les deux « Born For One Thing » et « Another World » ont livré la marchandise avant l’album complet, et bien qu’aucun des deux ne soit sorti comme un classique instantané, les deux sont pleins de rythmes agiles et de ces riffs et éclats d’harmoniques incomparables.
GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude
Comme toujours, la voix de Joe Duplantier tourne en spirale à travers la mêlée, enveloppée de réverbération mais néanmoins autoritaire, et les crochets centraux des deux chansons s’envolent, soutenus par le génie encore plus adroit et percussif de Mario Duplantier .
« Amazonia » est GOJIRA en mode groove langoureux, évoquant la puissance de la terre brûlée de KILLING JOKE dans les couplets avant de servir un riff titubant et descendant qui se sent destiné, dans un avenir pas si lointain, à des foules immenses se cognant la tête a unisson.
« New Found » est un autre joyau, avec un riff d’ouverture à tuer et une baisse de tempo au milieu de la chanson qui facilite un fondu culminant vraiment magnifique et épique. Mieux encore, « Sphinx » sonne comme le GOJIRA classique , mais mis à jour et en quelque sorte encore plus épineux que les points culminants précédents.
GOJIRA Fortitude et l’expérimentation
Ce ne sont cependant pas toutes de bonnes nouvelles. GOJIRA a toujours été animée par le désir d’expérimenter et d’élargir leur son.
« Fortitude » n’est pas différent à cet égard, mais les courbes supposées de GOJIRA Fortitude sont loin de livrer des révélations surprenantes.
En particulier, « The Chant » est une affaire légère mais légère, avec des nuances de rock stoner et un refrain vocal doux mais banal, tandis que « The Trails » et « Hold On » semblent occuper un territoire que GOJIRA a déjà maîtrisé et éloigné. , mais avec la mélodie vocale poussée au premier plan d’une manière que les albums précédents n’avaient fait que suggérer.
GOJIRA Fortitude – GOJIRA Fortitude
Certes, toutes les réserves que vous pourriez avoir en écoutant « Fortitude » disparaîtront dès que « Grind » plus proche éclatera, administrant au moins deux riffs plus magnifiques et suffisamment d’énergie haussière pour repousser un tsunami.
C’est une fin exaltante pour un album qui ne manque pas d’aigus, mais qui est également chargé de plusieurs accalmies et de quelques pas d’évolution qui ne sont que partiellement réussis.
Dans tous les cas, « Fortitude » est un autre excellent album de GOJIRA et reste le ticket de metal traditionnel le plus chaud et le plus distinctif du moment..
Malheureusement, si vous vous souvenez à quelle vitesse et avec quelle force votre mâchoire a heurté le sol la première fois que vous avez entendu « Ocean Planet » , « Explosia » »Stranded » , « Fortitude » ne fait pas tout à fait feu avec la même férocité mercurielle.
Le processus créatif de GOJIRA Fortitude
Le processus créatif du septième album de Gojira, Fortitude a commencé avec parcimonie fin 2017. Gojira avait l’intention d’écrire un «album groovy et aéré» avec un thème fort et axé sur le partage avec le public, un album où deux énergies coexistent, «toutes deux très masculines et féminin « .
L’album a été inspiré comme un encouragement à l’auto-renforcement, « pour montrer le courage de faire face au monde, pour faire face aux problèmes de demain ».
L’album a été écrit et enregistré sur une période de deux ans. Le groupe a fait une pause dans ses tournées pour se concentrer sur l’écriture et l’enregistrement de l’album
Dans une interview accordée à Loudwire, le batteur Mario Duplantier a parlé de la réalisation de l’album : « Nous voulions être sûrs d’avoir assez de temps pour chaque chanson, donc… »Il poursuit : « Même si cela nous a pris deux ans, nous voulions être sûrs que chaque chanson soit la meilleure possible. »
Gojira Fortitude :Enregistrement et production
Ayant eu des demandes soutenues de tournées dans le monde entier pour soutenir Magma , au-delà du cycle initial, le groupe a décliné afin de se concentrer sur l’écriture d’un nouvel album.
L’album a été enregistré au Silver Cord Studio dans le Queens, à New York. Le groupe a travaillé avec le producteur Josh Wilbur sur l’album Wilbur est connu pour son travail avec Lamb ofDieu, Gojira, et Megadeth. L’écriture de chansons de l’album a officiellement commencé au début de 2018 au Silver Cord Studio de New York, qui deviendrait « le cocon pour une odyssée créative de deux ans ».
Cependant, il a été interrompu par une tournée en Europe et l’écriture s’est terminée après la tournée 2019 Knotfest Roadshow à travers les États-Unis et le Canada.
Joe Duplantier a produit l’album, et le groupe l’a enregistré au Silver Cord Studio à la fin de 2019. Mario Duplantier a enregistré onze pistes de batterie en huit jours en une ou deux prises chacune.
Wallace a mixé trois chansons avant que les premiers verrouillages COVID-19 ne soient imposés, alors que l’album était prévu pour une sortie en juin 2020.
Joe Duplantier, résident de l’État de New York, visitait son père dans le sud-ouest de la France, ce qui a compliqué le processus de mix.
Le groupe était alors incapable de rejoindre Wallace en Floride en raison de la situation sanitaire. Puis Joe Duplantier a passé plusieurs mois dans une cabane dans la forêt landaise sans écouter les nouvelles pistes et a abandonné son téléphone portable et son ordinateur.
En juillet, le groupe est revenu au processus de mixage sur Internet et par téléphone avec Wallace. Wallace préférerait être laissé seul dans le studio, sans assistants, étant vulnérable à une infection à coronavirus en raison de son âge, se disant « infiniment contrarié de ne pas être avec le groupe ».
La date de sortie de GOJIRA Fortitude a ensuite été repoussée à septembre en raison de la pandémie COVID-19 , puis a échoué par la suite et un autre report a été décidé.
Le 5 août 2020, le groupe sort un nouveau single intitulé « Another World », leur premier single en quatre ans.
Le 17 février 2021, Gojira a annoncé Fortitude et sa date de sortie pour le 30 avril 2021 via Roadrunner Records. Le même jour, le groupe a sorti une vidéo officielle pour son premier single, « Born for One Thing ».
La force a marqué le plus long écart entre deux albums de studio dans la carrière du groupe.
Style de musique et d’ écriture de Fortitude
Sur Fortitude, Gojira a adopté une approche lyrique différente de celle explorée sur leur album précédent, Magma .
Ce dernier a été fortement influencé par la mort de la mère de Joe et Mario Duplantier, a déclaré Joe Duplantier.Cette fois, le groupe « a eu l’envie de remplir l’album de plus de joie, même si cela n’apparaît pas comme une musique joyeuse ». Mario Duplantier a mentionné un processus de composition plus lent qu’avant en raison des goûts musicaux de plus en plus diversifiés au fil des ans.
Tout en conservant leur style de signature, Gojira a étendu sa gamme à une « dimension traditionnelle »des « groupes classiques ». Le but était de concentrer la musique sur le « gros riff de guitare » plutôt que sur la performance, avec une cohésion de groupe mettant l’accent sur ce point.
« Amazonia », qui parle de la déforestation de la forêt amazonienne (en particulier les incendies de forêt amazonienne en 2019 ), a été publié dans le cadre d’une collecte de fonds d’un mois pour une organisation caritative brésilienne de défense des droits des autochtones organisée par Gojira. Une partie de l’album est un hommage aux communautés indigènes .
GOJIRA Fortitude : l’interview
Gojira de Joe Duplantier a été l’invité Full Metal Jackie Radio show de ce week – end passé, en prenant un peu de temps pour discuter du très attendu nouvel album Fortitude.
Duplantier discute également de la barre fixée par leur album Magma et se rend enfin compte de l’effet qu’il a eu sur le public, s’ouvre sur le processus de création et offre ses réflexions sur un monde en tournée post-Covid.
Découvrez le chat dans son intégralité ci-dessous.
Comme c’est passionnant enfin, nous avons l’annonce d’un nouveau disque de Gojira. Fortitude sortira le 30 avril. Joe, Magma a donc amené Gojira à un autre niveau. Qu’avez-vous appris sur GOJIRA Fortitude qui est devenu le point de départ de Fortitude ?
Eh bien, vous savez que Magma a été une belle expérience et nous avons tourné et, comme vous l’avez dit, cela nous a en quelque sorte amenés à un autre niveau, mais nous ne nous en sommes pas vraiment rendu compte.
Je vois qu’aujourd’hui, quand nous sortons certaines choses, c’est beaucoup plus d’attention autour du groupe et des trucs, mais je travaillais dur pour faire des tournées et faire des interviews. Je n’ai rien vu de vraiment se passer à part ma vie quotidienne avec le groupe.
Mais quand nous avons commencé à travailler sur Fortitude , nous voulions quelque chose de différent. Magma était un peu, un peu sombre. Nous avons exprimé des émotions intenses liées au départ de ma maman lors de l’enregistrement de l’album.
Nous en avons parlé, mais sur GOJIRA Fortitude nous voulions exprimer quelque chose de différent, quelque chose de plus joyeux et énergique. Et je veux dire, joyeux, je veux dire plus percutant, plus flamboyant mais les paroles nous parlent généralement de l’humanité et du mal que font les hommes.
Donc en ce sens, ce n’est pas exactement un album de fête, mais le son est plus rock, plus excitant. Je dirais.
Le titre du nouvel album est Fortitude – un appel à l’amélioration. Pourquoi est-il important pour vous d’encourager cela maintenant?
Je ne sais pas. Malgré le fait que je pense que les humains sont assez foutus et qu’une partie de moi souhaite que les humains disparaissent de cette planète pour laisser ces pauvres animaux seuls, vous savez, mais je crois au potentiel de nous les êtres humains.
Je pense que nous avons de belles choses à offrir, et je souhaitais toujours voir le meilleur de ce que nous avons en nous sortir et c’est ce que j’essaye de faire sur le plan artistique et sur le plan humain dans ma vie de tous les jours.
C’est ce que nous voulions exprimer dans GOJIRA Fortitude aussi, voir les gens donner le meilleur d’eux-mêmes et être forts et ne pas désespérer et projeter une image positive pour leur avenir et pour notre avenir, et par la discipline et la décision et les bonnes intentions, nous pouvons mieux nous-mêmes et un meilleur affichage. Donc, c’est presque par défaut l’énergie et le message que nous choisissons par rapport à, ah, laissez-le brûler.
Joe, la créativité peut être stimulante. Comment fairepour qu’ un album comme Fortitude , vous donne de la force.
C’est une bonne question. J’apprécie chaque étape du chemin, même si parfois c’est douloureux. Nous avons presque parfois des douleurs physiques quand nous ne pouvons pas trouver la bonne partie de la chanson.
Et nous travaillons dur pour créer des chansons si fortes que nous pouvons nous asseoir dessus et elles nous apporteront des places. Tu sais ce que je veux dire?
C’est donc une grande satisfaction lorsque le puzzle d’un album se réunit enfin et que nous avons cette image plus grande de ce que nous construisons.
Tout comme lorsque vous construisez une maison, vous savez, brique par brique, vous construisez quelque chose, puis vous prenez du recul et vous le regardez et vous vous dites: «Wow! Ça va être un bon abri quand la tempête arrive »et construire un album, c’est un peu comme ça.
Cela nous apporte une telle satisfaction quand il se rassemble enfin et que nous ressentons une puissance que nous voulions créer, mais que nous ne ressentons pas forcément dans notre vie de tous les jours.
Tu sais ce que je veux dire? Donc, il s’agit essentiellement de construire quelque chose de plus grand que nous-mêmes. Et j’aime ce sentiment en théorie. C’est aussi très stimulant et inspirant.
Joe, écrire et jouer de la musique est un processus de croissance continue. Qu’est-ce qui est différent de votre sensibilité musicale aujourd’hui par rapport à quand vous avez commencé ?
Vous savez, quand nous avons commencé, nous avions cette ambition de créer quelque chose de violent, de dissonant et de bizarre et qui allait vous surprendre tout le temps.
Et nous étions vraiment concentrés sur cette ambiance death metal que nous avions au début. Nous avons été fortement influencés par des groupes comme Death ou Morbid Angel, Cannibal Corpse, vraiment tous des groupes de Floride, vraiment [rires].
Mais nous avions cette dimension rock. C’est plus une dimension traditionnelle qui vient de Led Zeppelin ou Jimi Hendrix ou Pink Floyd, vous savez, grandir et écouter des groupes plus classiques.
Et je pense que ça commence à sortir et pourrait sortir naturellement. Maintenant que nous sommes plus âgés et que nous avons le désir de créer quelque chose qui soit peut-être plus ancré et qui prend du temps à s’exprimer. Et c’est vraiment bizarre parce que nous nous sentons plus grands.
C’est une sensation merveilleuse de jouer des choses qui étaient en quelque sorte jouées auparavant. Vous savez ce que je veux dire, comme des accords majeurs ou des progressions qui étaient présents à l’époque dans les années 70 ou 80, comme avec un groupe comme Iron Maiden, par exemple.
Donc, vous pouvez trouver un peu de cela dans notre musique aussi, et je l’apprécie vraiment. C’est aussi un bon changement par rapport à toutes ces vieilles chansons que nous jouons encore à ce jour.
New York est votre base, mais vous avez été en Europe tout au long de la pandémie. Quels aspects du protocole de voyage sont des indicateurs de la reprise de certains concerts?
Je ne sais pas. J’ai fait une petite pause de New York. Je trompe New York en ce moment et je me sens mal. Je vais devoir apporter des fleurs à mon retour.
Mais je venais de visiter la France l’année dernière. Et quand toute la pandémie s’est produite juste après avoir terminé Gojira Fortitude, j’étais censé retourner au mixage avec Andy Wallace et le même studio et tout le monde a juste dit qu’il n’était pas nécessaire pour moi de voyager et de prendre des risques.
Je suis donc resté là-bas et j’ai mis mes enfants dans une école publique ici en France, ce qui leur permet de perfectionner leur français, ce qui est bien.
Maintenant, je ne sais pas ce qui va se passer. C’est un peu frustrant d’annuler tout l’été de la tournée et tous nos projets. Et puis l’année d’après, nous sommes tous dans le même bateau. Alors on verra.
On dirait que nous n’avons rien annulé à partir de l’été 2021. Il y a donc encore cette tournée avec Deftones qui pourrait avoir lieu vers septembre aux États-Unis, ce qui me passionne vraiment.
Mais cela pourrait aussi être annulé. Qui sait? Espérons qu’en 2022, l’industrie sera toujours vivante et que nous pourrons toujours partir en tournée.
Gojira Fortitude : Les titres
No. Title Length
1. « Born for One Thing » 4:21
2. « Amazonia » 5:01
3. « Another World » 4:25
4. « Hold On » 5:30
5. « New Found » 6:37
6. « Fortitude » 2:08
7. « The Chant » 5:13
8. « Sphinx » 4:00
9. « Into the Storm » 5:02
10. « The Trails » 4:07
11. « Grind » 5:34
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Par définition, l’esthétique est la mesure ou l’appréciation de la beauté.
En photographie, cela signifie généralement qu’une image fait appel à l’œil.il y a quelque chose dans son sujet, sa composition, sa couleur (ou son absence).Cela donne envie de s’asseoir et de l’observer.
Comme la beauté, l’esthétique n’est pas facile à définir avec des mots simples. Tout dépend des préférences, des expériences et des connaissances en photographie du spectateur.
Un débutant en photographie de paysage pourrait trouver toutes sortes de photos esthétiques. Un expert peut avoir une opinion différente sur les mêmes images.
La photo esthétique -photography-aesthetic – portrait
Il y a des exceptions à chaque règle. Mais nous pouvons convenir que certaines images sont plus attrayantes que d’autres. Quelques facteurs importants font toute la différence.
La plupart des gens conviendraient que cette image correspond à la définition de la photographie esthétique. La composition inhabituelle, l’emplacement paisible, la symétrie accrocheuse et les couleurs pastel le font ressortir.
Pourquoi l’esthétique compte dans la Photo esthétique
Les photos esthétiques ne sont pas seulement faites pour l’appréciation.Si vous savez prendre des photos qui se démarquent, vous serez en mesure de fournir aux futurs clients des résultats impressionnants. En prenant des photos esthétiques, vous attirerez plus de personnes vers votre travail sur les plateformes sociales. Cela améliorera également votre portefeuille. Cela pourrait conduire à des opportunités de photos et à des offres d’emploi.
Vous apprécierez la possibilité de prendre des photos accrocheuses n’importe où.
Ce sont quelques-uns des nombreux avantages de comprendre comment fonctionne une belle photographie . Et pourquoi c’est important.
Comprendre l’esthétique de la photographie peut vous aider à améliorer votre entreprise et à gagner plus d’argent.Par exemple, les éditeurs et les agences de stock gravitent vers des images aux compositions parfaites. Plus vos images sont esthétiques, plus il vous sera facile d’attirer des clients.
Est-ce que l’esthétique et le style sont la même chose ?
Trouver et développer un style est une partie importante du parcours de tout photographe. Mais ce n’est pas la même chose que l’esthétique.Le style photographique et l’esthétique photographique ne vont pas de pair. Cela signifie que vous pouvez avoir un style fort mais pas du tout esthétique.
En général, un style est une façon d’aborder la photographie. Cela inclut les paramètres techniques, l’équipement, etc.
L’esthétique va un peu plus loin que cela. Jetez un œil à votre galerie et voyez si vous remarquez des motifs de couleur, de composition, de sujets, etc.S’il y a des similitudes qui font ressortir votre style général, vous avez une esthétique.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Certains photographes sont connus pour leurs images sur le thème de la fantaisie ou leurs clichés nostalgiques. Ou un sujet qu’ils photographient souvent.
Si vous pouvez reconnaître une photographie sans connaître le nom du créateur, alors cet artiste a une forte esthétique.
De plus, si vos images ont une émotion qui attire l’attention d’une personne, vous avez une image esthétique.
Comment prendre des photos esthétiques ?
Comme vous le savez déjà, l’esthétique n’est pas une chose solide, mais elle se compose de quelques facteurs simples.
C’est ce qui fait ressortir presque toutes les belles images. Ils vous font ressentir quelque chose. Ils vous incitent à prendre de superbes photos de vous-même.
La règle des tiers dans la photo esthétique
La règle des tiers peut améliorer les compositions. Il est composé de deux lignes horizontales et de deux lignes verticales.
Vous pouvez les visualiser vous-même ou demander à votre appareil photo de faire le travail pour vous en utilisant des directives visuelles.
Placez vos sujets à l’intersection de ces lignes. Les horizons doivent être parallèles ou sur les lignes horizontales.
Ces directives visent à améliorer vos compositions et à éviter les photographies ternes.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Vous pouvez améliorer l’esthétique de votre photographie directement depuis votre téléphone. La plupart des appareils photo pour smartphones d’aujourd’hui ont des directives sur la règle des tiers, comme illustré ici. Des applications avancées sont également disponibles pour comprendre cette règle à un niveau plus profond.
Lignes directrices dans la photo esthétique
Les lignes directrices peuvent être n’importe quoi tant qu’elles vont toutes dans la même direction. Leur but est de diriger les yeux du spectateur vers votre sujet.
Sans eux, vos compositions pourraient sembler trop encombrées ou vides.
Les lignes directrices courantes sont les ombres, les routes et les voies ferrées. En raison de la nature de cette technique, elle est souvent utilisée dans la photographie de paysage
.
La photo esthétique -photography-aesthetic
La photo esthétique: Principes de la théorie de la Gestalt
La psychologie utilise la théorie de la Gestalt pour comprendre le cerveau humain. Vous pouvez également l’utiliser en photographie pour améliorer des choses comme le cadrage et la narration.
Vous remarquerez souvent ces principes dans la photo esthétique.
Certains des principes de la Gestalt incluent la proximité, la ségrégation et la fermeture. Ils soulignent tous l’importance de placer les sujets dans des endroits spécifiques. L’esprit peut alors traiter ce qu’il regarde.
Par exemple, regardez le principe de proximité. Il indique que les sujets qui sont proches les uns des autres semblent familiaux. Vous pouvez l’utiliser pour souligner la relation entre deux ou plusieurs modèles de votre photo.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Comment rendre une photo esthétique
Avant de l’utiliser, vous devez comprendre vos préférences uniques en tant qu’artiste.Cela implique quelques étapes simples et vous pouvez le comprendre.
Créez une collection d’images qui se démarquent de vous
Votre objectif est de mettre toutes vos photos au même endroit afin que vous puissiez trouver des similitudes et des différences.
Plus tard, cela vous aidera à déterminer le type d’esthétique d’image que vous recherchez. Et comment aborder votre propre photographie.
Vous pouvez créer un blog Tumblr, ajouter des images à un tableau Pinterest ou enregistrer des publications surInstagram.Assurez-vous d’avoir accès aux portfolios des photographes.
De cette façon, vous pouvez également vous faire une idée de leur esthétique générale.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Observez et prenez des notes pour comprendre votre goût
Une fois que toutes vos références sont au même endroit, vous pouvez commencer à les analyser. Voici quelques points à surveiller :
Sujets
Avez-vous un mélange de sujets que vous aimez, ou pouvez-vous les catégoriser ?Vous êtes plutôt attiré par les gens, les paysages, les textures, etc. ?
Éclairage
La lumière dans les images est-elle limitée, douce, dure ou un mélange de tout ?L’éclairage est une partie importante de toute image.Portez une attention particulière aux différentes approches d’éclairage pour découvrir votre esthétique de prédilection.
Compositions
Combien de techniques et de principes pouvez-vous nommer ?C’est un excellent exercice de photographie. Et un moyen facile de comprendre ce qui vous attire sur certaines photos. La plupart de vos photos préférées sont-elles non conventionnelles ou suivent-elles la règle des tiers ?
Couleurs
Vous êtes attiré par les photographies monochromes, vibrantes ou délavées? Recherchez les astuces d’édition et de correction des couleurs. Vous n’avez pas besoin d’être un pro de Photoshop. Notez les types de combinaisons de couleurs que vous aimez.
Se concentrer
La plupart des photos sont-elles nettes et détaillées ou douces et abstraites? Essayez de déterminer les paramètres de l’appareil photo que le photographe a utilisés. Vous remarquerez peut-être que vous aimez les arrière-plans doux, les photos granuleuses ou les textures inhabituelles.
La photo esthétique -photography-aesthetic
La photo esthétique: Soyez curieux et familiarisez-vous avec de nouveaux concepts
Même les photographes experts ne sont pas des sorciers. Peu importe votre expérience, posez des questions. N’ayez pas peur de contacter vos photographes préférés et de demander de l’aide.Vous pourriez gagner de précieuses leçons et des mentors pour la vie.
Vous aurez également une idée encore plus claire des raisons pour lesquelles les autres abordent la photographie d’une certaine manière.
Discutez de la photographie avec d’autres artistes
Vous avez probablement une idée de vos photos préférées et des personnes qui les ont prises. Discutez-en avec vos pairs !
Vous n’êtes pas obligé de vous limiter aux photographes. Mais cela aiderait si vos amis connaissaient même un peu la photographie. De cette façon, vous obtiendrez des commentaires appropriés qui enrichiront tous vos connaissances en esthétique.
Vos discussions n’ont pas besoin d’être philosophiques. Vous pouvez discuter de la notion d’esthétique,des portfolios d’autres photographes. Même pourquoi certaines images ressortent plus que d’autres, et ainsi de suite.
La photo esthétique -photography-aesthetic
Prenez vos propres photos. Assurez-vous de les considérer comme esthétiques. Demandez des critiques constructives en mettant l’accent sur l’esthétique.
Cela pourrait vous fournir des commentaires inestimables.
Pratiquez pour comprendre la photo esthétique
Avec toutes ces nouvelles connaissances en tête, vous pouvez commencer à prendre des photos. Pour éviter de vous sentir dépassé, prenez quelques notes.Utilisez-les tout au long de votre séance photo.
Lorsque vous prenez des photos, voyez ce qui vous attire.Si cela correspond aux notes que vous avez prises, vous êtes sur le point de comprendre votre esthétique. Vous pourrez utiliser ces informations quand et où vous prendrez des photos à l’avenir.
Je gravite vers les images en noir et blanc, l’heure d’ or et les visages expressifs.C’est évident dans toutes mes images et c’est une partie importante de mon esthétique.
Comme vous pouvez le voir, vous n’avez pas besoin d’utiliser des termes compliqués pour décrire votre esthétique. Expérimentez avec des termes simples jusqu’à ce que vous trouviez quelque chose qui sonne bien.
La photo esthétique -photography-aesthetic
La photo esthétique : Conclusion
Votre esthétique photographique est importante. Cela peut vous aider à prendre des photos saisissantes. Et vous aurez une meilleure compréhension des principes fondamentaux de la photographie. Si vous suivez ce processus, vous aurez la possibilité de développer votre style unique.
Il suffit d’être curieux.Recherchez différents artisteset expérimentez avec toutes sortes de genres.Vous trouverez alors l’esthétique à travers laquelle vous pourrez vous exprimer pleinement.
Pour plus d’aide sur la réalisation de photos esthétiques, consultez notre article sur comment utiliser le nombre d’or ou réaliser des portraits en noir et blanc!
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Plongée dans l’univers du groupe de métal britannique : BMTH
Dans le monde du métal britannique, un groupe se distingue depuis plus d’une décennie pour son talent et son évolution musicale constante. Il s’agit de Bring Me The Horizon, souvent abrégé en BMTH. Ce groupe originaire de Sheffield, au coeur du Yorkshire, est devenu une référence incontournable pour les amateurs du genre.
Les débuts de Bring Me The Horizon
Le groupe a vu le jour en 2004, après la rencontre entre Oliver Sykes, Lee Malia et Matt Nicholson. Les membres initiaux ont très vite été rejoints par d’autres musiciens, dont Jordan Fish, Matt Kean et Matt Nicholls. Ensemble, ils forment BMTH et se lancent dans la création d’un style de métal bien à eux.
Au cours des premières années, le groupe explore différents styles, notamment le deathcore et le metalcore. Ils se font rapidement connaître grâce à leurs performances scéniques énergiques et cathartiques, qui captivent l’attention du public et provoquent de véritables coups de coeur chez certains fans.
Premier album : Count Your Blessings
En 2006, le groupe sort son premier album intitulé « Count Your Blessings ». Celui-ci reçoit des critiques mitigées, certaines personnes étant séduites par l’énergie brute du groupe et d’autres étant rebutées par le côté chaotique de leur musique. Néanmoins, cet album permet à BMTH de se faire remarquer sur la scène métal britannique et de construire une solide base de fans.
Un style en constante évolution
Au fil des années, le groupe n’a cessé d’évoluer musicalement, se nourrissant des influences diverses pour créer un style qui leur est propre. Chacun de leurs albums témoigne d’une véritable mutation musicale, propulsant Bring Me The Horizon vers de nouveaux horizons artistiques.
Le tournant mélodique avec Suicide Season
En 2008, BMTH sort « Suicide Season », un album marqué par un tournant mélodique dans leur musique. La voix d’Oliver Sykes, auparavant principalement criée, gagne en nuances grâce à l’utilisation du chant clair tandis que les compositions deviennent plus structurées.
Cet album est aussi marqué par des collaborations inédites pour le groupe, comme celle avec Lights, qui participe au morceau « Crucify Me ». Cette collaboration pose les bases d’un son plus expérimental qui caractérisera les productions suivantes de BMTH.
Sempiternal, l’album de la consécration
Le quatrième opus de Bring Me The Horizon, « Sempiternal », est souvent considéré comme l’album qui a fait passer le groupe au niveau supérieur. Sorti en 2013, il bénéficie d’une production de qualité signée Terry Date, producteur ayant travaillé avec des icônes telles que Deftones ou Pantera.
Sur cet album, BMTH explore des sonorités résolument plus atmosphériques et épurées que par le passé, créant ainsi un mélange envoûtant de puissance et d’émotion. Les textes abordent également des thématiques plus profondes, témoignant de la maturité artistique du groupe à cette période.
Vers des horizons toujours plus larges
Dans la continuité de leur évolution musicale, Bring Me The Horizon a continué à se réinventer avec leurs albums suivants : « That’s the Spirit » (2015) et « Amo » (2019). Ils ont également su s’imposer sur les scènes internationales grâce à d’impressionnantes performances live.
Des prestations scéniques à couper le souffle
En concert, BMTH offre une expérience explosive qui marque les esprits. La formation fait preuve d’une énergie inlassable qui galvanise le public, offrant ainsi des shows où la communion entre les musiciens et leurs fans est totale.
Leurs tournées les ont menés aux quatre coins du globe, se produisant dans les plus grands festivals métal et rock tels que le DownloadFestival, Hellfest ou encore Reading and Leeds Festival.
Nouvelles collaborations et projets annexes
BMTH n’hésite pas à collaborer avec d’autres artistes pour enrichir sa musique et proposer sans cesse de nouvelles choses à ses fans. Par exemple, Amy Lee d’Evanescence a prêté sa voix sur le titre
En dehors des albums et tournées, certains membres du groupe ont également exploré d’autres projets. Oliver Sykes, notamment, a lancé sa propre marque de vêtements appelée « Drop Dead Clothing » en 2005, tandis que Jordan Fish s’est investi dans la production musicale pour d’autres artistes.
Grâce à Bring Me The Horizon, l’avenir du métal britannique est assuré
En offrant un souffle nouveau au métal britannique à travers leur évolution constante, Bring Me The Horizon a su conquérir le coeur d’un large public. Leur engagement envers leur musique et leur désir de repousser les limites du genre rend leur parcours fascinant à suivre, donnant ainsi envie d’accompagner le groupe BMTH dans toutes leurs péripéties artistiques.
BMTH : Les 8 meilleures collaborations de Bring Me The Horizon
Les collaborations ne sont pas nouvelles pour BMTH , mais ces derniers temps, le groupe les embrasse de plus en plus.
De leur dernier effort avec la jeune star alternative YUNGBLUD aux noms variés qui ornent Music To Listen To… EP et album complet amo de l’année dernière , vous pouvez maintenant presque toujours compter sur Oli Sykes et co. pour appeler un ami célèbre et les inviter dans le studio.
Mais quels croisements ont le mieux fonctionné ? Ici, nous passons un long moment aux 8 plus grandes collaborations de BMTH de toute leur carrière…
BMTH
BMTH: Obey avec YUNGBLUD (2020)
Très bien, commençons par le débutant, d’accord? Que vous pensiez que YUNGBLUD appartient totalement à la scène rock ou non, il ne fait aucun doute qu’il envoie…
BMTH
Se déchaînant contre l’état du monde en 2020 , Obey est à la fois une chanson importante et stimulante pour ces temps fous – sans parler de fournir un carburant de premier ordre pour le moment venu et la musique live reviendra éventuellement. Oh ouais, pouvons-nous avoir la promesse que vous allez jouer ensemble sur scène dès que possible , les gars ?
BMTH: Wonderful life avec Dani Filth de Cradle Of Filth (2018)
Des riffs de nu-metal qui ont été initialement écrits pour Limp Bizkit ? Un spot invité de l’icône du métal extrême Dani Filth? Et un refrain pop colossal qui pourrait facilement remplir les arènes qu’Horizon a l’habitude de jouer ces dernières années? Vérifiez, vérifiez et vérifiez.
Alors qu’Oli avait averti avant la sortie d’amo que l’album serait« Certainement prendre quelques écoutes … parce que les chansons ont eu tellement de choses, » vie merveilleuse se sent déjà comme un aliment de base Bring Me the horizon. *
De plus, cela nous a apporté une vidéo officielle dans laquelle un Dani peint au cadavre mange des céréales et va faire l’épicerie, alors qu’est-ce qu’il ne faut pas aimer?
BMTH: Fuck avec Josh Franceschi de You Me At Six de (2010)
Lorsque Josh Franceschi et Oli Sykes font équipe, les résultats sont tout simplement superbes. L’apparition du leader d’Horizon sur You Me At Six’ S Bite My Tongue a tourné la 2011 seule dans un favori de la scène, mais l’année précédente, Josh avait déjà fourni un enfer d’un crossover sur Putain (tiré de 2010 ?
BMTH
Il est un enfer Croyez – moi , je l’ ai vu. Il Est un paradis, gardons-le secret).« Nous étions jeunes et amoureux / crises cardiaques en attente de se produire … » Croons Josh avec émotion devant un crescendo épique de synthés et des cris.
Tbh, le titre devrait probablement être changé en Fuck Yes .
BMTH: Football Season Is Over avec JJ Peters de Deez Nuts (2008)
Bien qu’il ait initialement voulu obtenir le roi de la fête Andrew WK sur ce fracas de metalcore sauvage, Horizon a finalement recruté l’ homme de Deez Nuts JJ Peters pour aider à marteler le message très important de Football Season Is Over:« Parti jusqu’à ce que vous passer dehors, boire jusqu’à ce que vous êtes mort / danser toute la nuit jusqu’à ce que vous ne pouvez pas sentir vos jambes . »
« Les paroles ne sont que faire la fête et être les gars, ce n’est pas trop d’une chanson sérieuse, » Oli a dit Kerrang !.« Et il a été écrit et enregistré quand j’étais ivre, que vous pouvez sans doute dire. » Ouais, nous avions une petite idée…
BMTH: ¿Avec Halsey (2019)
Si nous trichions ici, nous placerions la chanson de Halsey’s Birds Of Prey, avec la bande originale Experiment On Me, sur cette liste, étant donné qu’elle a été co-écrite par Oli et le claviériste / échantillons Jordan Fish.
Étant donné que nous parlons spécifiquement des chansons d’Horizon, nous opterons plutôt pour, à la place.
Tiré de l’ EP expérimental Music To Listen To… surprise du groupe à la fin de 2019 , c’est une écoute beaucoup plus morose que Experiment On Me, même en échantillonnant l’ouverture de Sempiternal Can You Feel My Heart? et interpoler une piste amo dans l’obscurité.
Les résultats, cependant, sont mauvais.«J’ai adoré BMTH » a tweeté Halsey,« Et je suis fan depuis que je suis, comme, 14 ans, afin d’ apprendre à travailler avec eux était super-surréaliste. »
BMTH: Crucify Me avec Lights (2010)
Horizon a deux collaborations avec le musicien électropop canadien Lights sur There Is A Hell en 2010 …, mais l’ouvreur Crucify Me le met au poteau parce que ce n’est qu’une façon vraiment géniale de lancer un disque.
Bien que le chant de Lights ne soit pas aussi important que sur son autre collaboration avec le groupe (Don’t Go), les passages de,« There is a hell, believe me I’ve seen it / There is a heaven, let’s keep it a secret,’ » sont magnifiquement envoûtante. comme elle ferme la chanson en chantant,« ‘I am the ocean, I am the sea / There is a world inside of me…» , il donne le ton pour ce qui est parfaitement à suivre …
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BMTH: Heavy metal avec Rahzel (2019)
‘« Parce que un enfant sur la« Gramme dans un réservoir Black Dahlia dit que ce n’est pas heavy metal … » a obtenu d’être l’ un des meilleurs paroles de ces derniers temps, non?
Mettant en vedette le beatboxer Rahzel des Roots, la réponse de BMTH aux trolls Internet qui ont affiché des opinions négatives sur l’évolution de leur carrière est un point culminant indéniable de l’amo de l’année dernière, avec Oli lâchant son plus beau rugissement pour faire bonne mesure pour prouver que, oui, BMTH peut encore être métal s’il le souhaite.
« Il y a un peu de cinq secondes clip à la fin de la piste qui est le plus lourd que nous avons sondé des années, » la Jordanie nous a dit dans une répartition piste par piste (non, pas ce genre …) de l’album.
BMTH : The Sadness Will Never End avec Sam Carter d’ architects (2008)
C’était un régal de regarder Sam Carter se promener sur scène et rejoindre Bring Me The Horizon pour The Sadness Will Never End at All Points East l’année dernière. C’est un classique du metalcore qui tient toujours jusqu’à ce jour, avec BMTH et le leader d’Architects tirant à tous les cylindres.
Et si vous nous aviez dit en 2008 qu’ils finiraient par devenir deux des plus grands groupes de rock de Grande-Bretagne… eh bien, nous vous aurions probablement cru, pour être honnête.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La semaine dernière , Bring Me The Horizon a commencé un nouveau chapitre de leur histoire créative apparemment sans fin avec la sortie de la ballade emo sTraNgeRs. Aujourd’hui , avant leur visite en Australie pour faire la une du festival Good Things , le claviériste et assistant de production, Jordan Fish a rejoint Maniacs pour une discussion sur la prochaine phase de l’évolution sonore de Bring Me The Horizon .
BMTH : retourne enfin sous terre pour jouer le Good Things Festival, après le chaos de ces dernières années, avez-vous hâte d’être de retour sur nos côtes ?
BMTH :« Tout à fait. Cela fait un petit moment que nous n’avons pas joué en Australie, donc je suis vraiment excité. C’était le premier endroit où j’ai tourné avec le groupe, et cela reste l’un de mes endroits préférés pour jouer.Nous avons beaucoup d’amis là-bas. Nous sommes donc très heureux de revenir.
Bring Me The Horizon a fait évoluer votre son depuis votre dernière visite, en sortant le premier EP POST HUMAN , quelques grosses collaborations et deux singles supplémentaires. Quelle a été l’impulsion de cette exploration inter-genres ?
BMTH :« Au départ, l’idée était que nous pouvions sortir de la musique plus rapidement et plus souvent. Bien que nous n’ayons pas vraiment fait cela, cette approche nous a permis de donner à chaque disque sa propre ambiance. Nous l’avons fait amo et s’il y a une chose que je Je regrette à propos de cet album que nous n’ayons pas autant misé sur une ambiance. J’ai l’impression que ça marche mieux quand chaque album a son propre genre d’ambiance dans une certaine mesure.
Donc je suppose que l’idée était d’essayer et être capable de faire des itérations différentes, légèrement différentes de « Bring Me » avec chaque disque que nous faisons. Nous pouvons donc en quelque sorte le mettre en place, afin que les gens sachent ce qu’ils vont obtenir.
Je pense que les gens seraient surpris d’apprendre que vous sentez que vous avancez lentement parce que du point de vue de l’auditeur, il semble que vous ayez constamment publié du contenu, que ce soit de nouvelles chansons, des collaborations ou des vidéos, il semble toujours qu’il se passe quelque chose avec Bring Me L’horizon. Pensez-vous qu’il y a quelque chose dans les partenariats d’écriture dans le groupe qui permet que ce soit le cas ?
BMTH :« Nous avons été un peu coincés sur ce disque, pour être juste, donc c’est un peu le mauvais moment pour répondre à cette question, parce que je me sens le contraire, en ce moment. J’ai l’impression que nous faisons un peu d’une tige pour nos propres dos un peu, en essayant de faire quelque chose de différent à chaque fois.
Ce n’est pas vraiment la façon la plus facile de travailler. Il serait plus simple de s’asseoir et de taper dix chansons sans vraiment se soucier du résultat et si ça sonne différent. Mais nous avons l’impression que nous devons découvrir quelque chose à chaque fois que nous faisons un nouvel album. Ce qui le rend plus difficile, mais cela le rend aussi plus amusant pour nous.
Il reste frais. Le groupe existe depuis 20 ans et je suis dans le groupe depuis 10 ans et chaque nouvelle chanson que nous écrivons me semble toujours essentielle. »
« Écrire sTraNgeRs n’a pas été comme écrire une autre chanson, c’était comme écrire la chanson la plus importante de notre carrière et c’était comme ça sur la dernière et celle d’avant. Nous avons ce sentiment tout le temps. Nous ne « Je ne veux pas laisser tomber une chanson de merde. Nous ne voulons pas que quelqu’un dise « oh, ça sonne comme une progression ennuyeuse ». Nous essayons de la faire avancer, parce que nous nous soucions du groupe et de ce que nous publions. «
C’est définitivement évident sur sTraNgeRs, vous pouvez dire que beaucoup de réflexion a été consacrée non seulement à l’écriture de la piste, mais aussi au déploiement. Cela vous a-t-il semblé particulièrement important de partager ce message avec le monde de cette manière, en ce moment ?
Les paroles d’Oli « nous ne sommes qu’une pièce pleine d’étrangers » sont venues de l’idée d’être à un spectacle en direct. Lors d’un concert, vous vous trouvez dans une salle remplie d’inconnus, mais vous ressentez également cette connexion avec tout le monde qui chante. C’est comme ce sentiment primitif de communauté. Il a en quelque sorte grandi à partir de là.
Quand Oli travaille avec un concept qui ne lui est pas personnel, il aime trouver des liens vers un sens pour lui qui est personnel à sa vie. Il doit fonctionner à plusieurs niveaux. Donc, alors que pour nous, cela fonctionne comme une chanson live, mais pour Oli, cela a ce sens plus profond lié à une période qu’il a vécue en cure de désintoxication, lorsqu’il parlait à une salle pleine de personnes qu’il ne connaissait pas à propos de sa dépendance.
Il a donc toutes ces pensées profondes et internes, pendant que je barbote autour d’un ordinateur. Il est à un tout autre niveau, À ce stade, Oli Sykes est une célébrité grand public, cela vous semble-t-il un peu étrange ou peut-être même surréaliste d’avoir un membre du groupe qui est sous un tel projecteur ?
BMTH : » S’il était un connard, ce serait un problème. Parce que si vous êtes le chanteur d’un groupe, tout le monde se concentrera sur vous. Donc, tout dépend de la façon dont le chanteur gère cela, et s’il laissez cela affecter leur ego à un point tel qu’ils ne sentent plus qu’ils ont besoin d’un groupe. Heureusement, ce n’est pas ce genre de personne, donc cela ne dérange aucun d’entre nous le moins du monde.
Il est de plus en plus célèbre le le groupe est devenu plus grand, mais finalement c’est une bonne chose pour nous tous parce que cela signifie que plus de gens aiment notre groupe. » Vous avez été impliqué dans de nombreuses collaborations récemment, avec des gens comme Ed Sheeran, MGK et Sigrid ? Avez-vous une chanson préférée parmi toutes ?
BMTH :« Celui d’Ed Sheeran est la chanson d’Ed Sheeran, et la chanson de MGK est la chanson de MGK, donc ce serait celle de Sigrid parce que nous avons écrit la chanson. Ils sont tous géniaux à leur manière. La chanson de MGK est une chanson amusante et ça nous a ouvert à un public différent. Sigrid est une très bonne amie à moi et je l’aime en tant qu’artiste et en tant que personne.
C’était spécial parce que ça s’est bien passé et c’était un plaisir de travailler avec elle, J’aime que nous ayons eu cette expérience de travail ensemble. Sheeran était vraiment cool comme de la merde. Quand il nous a demandé, nous ne pouvions pas vraiment croire qu’on nous demandait de jouer à l’ouverture des Brits. Les BRIT Awards sont une chose énorme dans le Royaume-Uni et c’était une expérience tellement surréaliste.
Cela a énormément aidé notre carrière et j’aiJe ne suis même pas sûr qu’il se rende compte à quel point il a aidé notre carrière simplement en nous faisant interpréter une chanson avec lui. » Je ne pense pas que les gens de notre coin du monde puissent vraiment comprendre à quel point Ed Sheeran est célèbre, c’est un autre niveau de renommée, n’est-ce pas ?
C’est un homme révélateur, quand vous rencontrez des gens comme ça. Il fait partie de ces personnes qui sont encore super terre à terre, ce qui est fou. Parce que quand vous arrivez à ce niveau, il est très rare que vous parveniez à conserver l’un de vous-même. Mais il est tellement terre-à-terre et normal que c’est en fait un peu bizarre. C’est un gars très cool et super sympa. »
Où allez-vous partir d’ici? Quelle est la trajectoire ascendante de Bring Me The Horizon ?
BMTH :« À ce stade, j’ai deux enfants et une famille, donc je ne suis pas vraiment aussi inquiet de devenir plus grand ou plus petit qu’avant. Nous jouons à un tas de festivals en ce moment et nous sommes passer un bon moment ensemble et c’est ce qui compte. Nous arrivons à ce point où nous apprécions simplement la balade.
Nous n’avons pas besoin d’être le plus grand groupe du monde, nous sommes qui nous sommes et tant que nous gardons profiter de ce que nous faisons et mettre le même niveau d’effort, alors nous serons bons. C’est tout ce qui m’importe. Je veux juste être heureux.
De plus, si jamais vous avez besoin d’un boost de dopamine, vous pouvez simplement regarder cette affiche du Good Things Festival et voir votre nom au-dessus des dieux du métal alternatif Deftones, et époustoufler votre adolescent !
BMTH :« Je me sens mal de répondre à cela, parce que je suis un si grand fan de Deftones. Je n’essaierais même pas de comparer nos carrières, car ce ne sont que des légendes. Ils ont été tellement influents pour moi personnellement, ils pourraient en fait être mon groupe préféré de tous les temps pour être honnête, Deftones. Je suis tellement excité de pouvoir jouer avec eux.
Nous n’avons eu la chance de jouer avec eux que quelques fois. Nous les avons soutenus une fois en Amérique et c’était juste incroyablement bon. Nous sommes juste de grands fans du groupe. «
Dans l’esprit du Good Things Festival, quelles sont les bonnes choses dans ta vie en dehors de la musique, Jordan ?
BMTH :« J’ai deux enfants que j’aime bien et ma femme, ça me suffit ! » Si vous pouviez avoir n’importe quelle chanson jouée lorsque vous entrez dans une pièce, dans un style pro-catch, quelle chanson aimeriez-vous que ce soit?
BMTH :« Les garçons sont de retour en ville. Ce serait une bonne chanson d’introduction. » En regardant vers le prochain album, sTraNgeRs illustre-t-il ce à quoi ressemble l’avenir de Bring Me The Horizon ?
BMTH :« En quelque sorte, les deux singles que nous avons sortis, nous n’irons pas exactement là-bas, mais ce sera dans ce monde dans une certaine mesure. Certains contrasteront bien avec ces chansons. Il pourrait y avoir des trucs légèrement plus lourds là-bas . Il y a beaucoup de sous-genres que nous essayons de prendre et de moderniser un peu. sTraNgeRs est en quelque sorte une chanson de style emo grand public, DiE4u a plus une ambiance pop-emo, mais il y a tellement d’influences shouto et post-hardcore que nous j’explore ça pourrait finir sur le disque aussi. »
METALLICAHELLFEST 2022 ? depuis quelques temps des rumeurs circulent mais c’est Tonton Zégut qui amène dernièrement une première pierre à l’édifice avec ce post :
» Cela fait deux semaines que j’entends beaucoup de choses à propos du Hellfest, et plus particulièrement du Helfest 2, car oui il va y avoir un Hellfest 2 l’année prochaine, toutes les sources disent la même chose, tout est concordant donc ça authentifie l’incroyable présence de Metallica à Clisson au Hellfest 2, un aboutissement pour le festival et Ben Barbaud. » Les jours passent et le vent continue à souffler aux oreilles du Grand Zégut….
Les festivals d’été ne seraient pas aussi passionnants sans plusieurs mois pour spéculer sur les artistes qui monteront sur scène cette année. Qui verrons-nous au Hellfest 2022?
2020 nous oblige à rester chez nous, car les festivals du monde entier sont annulés en raison de la pandémie de coronavirus. En avril, l’organisation Hellfest a annoncé l’annulation de l’édition 2020. Mais nous aimons regarder vers l’avenir et penser au retour des festivals d’été. D’autant plus que le Hellfest pourrait être deux fois plus long l’année prochaine !
Nous pouvons supposer avec certitude que la première priorité du Hellfest est de déplacer sa programmation 2021 à l’année prochaine. Par conséquent, les plus grosses rumeurs sont les artistes qui étaient censés faire la une de l’édition de cette année. La rumeur la plus insistante est simple : du 17 au 19 juin 2022, les fans de musique extrême se retrouveront au Hellfest. Une semaine plus tard, Metallica clôturera le Hellfest 2…
Faith No More et System of a Down ont déjà annoncé des spectacles reprogrammés pour 2021, ils reviendront donc presque certainement. En revanche, il n’y a pas encore de nouvelles sur Deftones .
METALLICA HELLFEST 2022 ?
Metallica aime planifier à l’avance. Déjà en août 2019, des rumeurs ont commencé à circuler sur une tournée européenne en 2021. Presque comme d’habitude, c’est Francis Zégut qui a parlé de la rumeur la plus folle de 2021 : METALLICA HELLFEST 2022
Metallica est un groupe de heavy metal américain basé à San Rafael, en Californie. Le groupe a été formé en 1981 à Los Angeles lorsque le chanteur / guitariste James Hetfield a répondu à une annonce publiée par le batteur Lars Ulrich dans un journal local.
La formation actuelle de Metallica comprend les membres fondateurs Hetfield et Ulrich, le guitariste principal de longue date Kirk Hammett et le bassiste Robert Trujillo.
Le guitariste Dave Mustaine (qui a ensuite formé Megadeth) et les bassistes Ron McGovney, Cliff Burton et Jason Newsted sont également d’anciens membres du groupe.
Les tempos rapides, les instruments et la musicalité agressive du groupe les placent comme l’un des «quatre grands» groupes fondateurs de thrash metal, aux côtés de Megadeth, Anthrax et Slayer.
Metallica a gagné une base croissante de fans dans la communauté musicale underground et a été acclamé par la critique avec ses quatre premiers albums; leur troisième album Master of Puppets (1986) a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus influents et les plus lourds. Le groupe a élargi sa direction musicale et obtenu un succès commercial substantiel avec son cinquième album éponyme Metallica (1991), qui a séduit un public plus grand public.
L’album était également leur premier à faire leurs débuts au numéro un du Billboard 200, un succès qu’ils ont également obtenu sur leurs cinq albums studio suivants. En 2000, Metallica s’est jointe à d’autres artistes qui ont intenté une action en justice contre Napster pour avoir partagé le matériel protégé par le droit d’auteur du groupe sans consentement.
Un règlement a été conclu et Napster est devenu un service payant. La sortie de St. Anger (2003) a aliéné les fans avec l’exclusion des solos de guitare et de la caisse claire « au son d’acier », et un film intitulé Some Kind of Monster a documenté l’enregistrement de St. Anger et les tensions au sein du groupe pendant ce temps. temps.
Le groupe est revenu à son style musical d’origine avec la sortie de Death Magnetic (2008), et en 2009, Metallica a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Après avoir tourné pendant la majeure partie des huit années suivantes, le groupe a enchaîné avec le double album Hardwired … to Self-Destruct (2016), qui a démontré des exemples de certains des différents styles musicaux que le groupe a essayés tout au long de sa carrière. Pour promouvoir l’album, le groupe a publié des vidéoclips pour les 13 nouvelles chansons de l’édition de luxe de l’album; avant la sortie de l’album, le groupe n’avait sorti que 26 vidéoclips dans sa carrière.
Metallica a sorti dix albums studio, quatre albums live, cinq pièces de théâtre prolongées, 39 vidéoclips et 37 singles. Le groupe a remporté huit Grammy Awards et six de ses albums ont fait leurs débuts consécutifs au numéro un du Billboard 200. L’album éponyme du groupe en 1991 s’est vendu à plus de 16 millions d’exemplaires aux États-Unis, ce qui en fait l’album le plus vendu de l’ère SoundScan.
Metallica se classe parmi les groupes les plus réussis sur le plan commercial de tous les temps, ayant vendu plus de 110 millions de disques dans le monde. Metallica a été répertorié comme l’un des plus grands artistes de tous les temps par de nombreux magazines, dont Rolling Stone, qui les a classés 61e sur sa liste des 100 plus grands artistes de tous les temps.
En 2017, Metallica est le troisième artiste musical le plus vendu depuis que Nielsen SoundScan a commencé à suivre les ventes en 1991, vendant un total de 58 millions d’albums aux États-Unis. Metallica a collaboré pendant une longue période avec le producteur Bob Rock, qui a produit quatre des albums studio du groupe entre 1990 et 2003 et a servi de bassiste temporaire pendant la production de St. Anger. En 2012, Metallica a formé le label indépendant Blackened Recordings et a pris la pleine propriété de ses albums et vidéos. Le groupe est actuellement en tournée mondiale pour promouvoir Hardwired … to Self-Destruct, sortie le 18 novembre 2016.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
ARTE CONCERTHELLFEST, c’est chaque année les lives du Hellfest sur vos écrans, retour sur le documentaire en vidéo, le live de GOJIRA….
Le Hellfest rencontre les métalleux sur Arte et Arte Concert lors du Hellfest Festival avec un véritable festival en ligne comprenant des concerts et des documentaires inédits
ARTE CONCERT HELLFEST
ARTE Concert est une plate-forme numérique gratuite dédiée au spectacle vivant dont une partie est diffusée en direct. Créée en mai 2009 par la chaîne de télévision européenne ARTE, l’offre regroupe une large diversité de genres musicaux : pop, rock, musiques électroniques, hip-hop, metal, musique classique, musique baroque, opéra, jazz, musiques du monde.
En plus des performances et des concerts, le portail web Arte Live propose des reportages en coulisses, des interviews exclusives des artistes et des principaux acteurs des différents festivals ainsi que des extraits de répétitions générales.
Pandémie COVID-19 en 2020, le service de streaming en direct United We Stream a été lancé. En coopération avec divers travailleurs culturels, les DJ et les concerts des clubs vides sont diffusés en direct dans le monde entier chaque jour.
Plus de 900 spectacles en direct et en rediffusion sont diffusés chaque année sur Arte Concert.
ARTE CONCERT HELLFEST – 15 ans de bruit et de fureur
Deftones, Faith No More et Judas Priest étaient attendus à Clisson pour la 15e édition du Hellfest, du 19 au 21 juin. Cette année, dans ce vaste chaudron où la sueur imbibe les looks les plus carnavalesques, on devait célébrer aussi les 50 ans du metal, inauguré en 1970 par le groupeBlack Sabbath avec son album éponyme.
Annulés pour cause de crise sanitaire, le déchaînement festif et le déluge de décibels qui font la marque du Hellfest survivent dans ce portrait rétrospectif.
Nourri des archives de quinze années hautes en couleur, qui ont vu passer Motörhead, Rammstein, Korn ou Apocalyptica, le documentaire de Fabrice Gerardi donne la parole à nombre de têtes d’affiche, et aux fondateurs du festival, Yoann Le Nevé et Ben Barbaud. Le film convie tous les courants (heavy metal, hardcore, pagan, hard-rock…), mais aussi des images de scènes, de coulisses et d’ambiances illustrant une évolution phénoménale.
ARTE CONCERT HELLFEST
En quelques années, le festival est passé de la marge sulfureuse à la grand-messe extatique. Avec, en cerise sur le gâteau d’anniversaire, la voix off du très rock (et très barbu) Francis Zégut, maître de cérémonie attitré d’ARTE pour ces festivités d’enfer.
GOJIRA – Hellfest 2019 – ARTE CONCERT HELLFEST
Gojira est un groupe de heavy metal français d’ Ondres . Fondé sous le nom de Godzilla en 1996, la formation du groupe – composée des frères Joe (chant principal, guitare rythmique) et Mario Duplantier (batterie), Christian Andreu (guitare solo) et Jean-Michel Labadie (basse) – est la même depuis le Le nom du groupe change pour Gojira en 2001.
Gojira est connue pour son style de death metal progressif et technique , et ses paroles spirituelles et sur le thème de l’environnement.. Ils sont passés « de la plus grande obscurité pendant la première moitié de leur carrière à une reconnaissance mondiale généralisée dans la seconde ».
ARTE CONCERT HELLFEST
Lamb of God au Hellfest (2019) – ARTE CONCERT HELLFEST 🔥
Lamb of God est né dans un campus universitaire en Virginie. Sa première mouture est initiée par Mark Morton, Chris Adler, John Campbell, Abe Spear et Randy Blythe qui forment alors le groupe Burn the Priest.
Plus tard, Abe Spear laisse sa place à Willie Alder et la bande change de pseudo : elle répondra dorénavant au nom de Lamb of God.
Lamb of God sort l’album New American Gospel en 2000. Ce premier opus est adulé par la critique qui rapproche ses sonorités thrash et groove metal à celles de Pantera. On aura trouvé pire comme comparaison.
Le groupe enfonce ensuite le clou avec As the Palaces Burn (2003) puis Ashes of the Wakes (2004), l’album de la consécration.
En live aussi le groupe assure et se forge une réputation de bêtes de scène. Lamb of God assure du coup les premières parties du World Magnetic Tour de Metallica. Après avoir publié Résolution en 2012, les membres de Lamb of God assoient leur position de maître de l’extrême metal avec l’album VII : Sturm und Drang (2015) puis l’EP The Duke (2016). Sans surprise, d’énormes succès.
Avec ce curriculum vitae aussi massif que classieux, on a carrément hâte de voir ce que Lamb of God va infliger au public du Hellfest ! Vous venez ?
Faith No More au Hellfest (2015) – Hellfest From Home – ARTE CONCERT HELLFEST
Walls of Jericho au Hellfest (2012) – ARTE Concert
Retour en image sur le concert du groupe Walls of Jericho enregistré en 2012 au Hellfest.
ARTE CONCERT HELLFEST: « Quinze ans de bruit et de fureur »
En 2019, Arte a fait l’objet de critiques publiques lorsque le diffuseur a diffusé en direct un concert du groupe de rock controversé Böhse Onkelz . Au Hellfest en France, le groupe a joué la chanson « The Nice Man », qui est interdite en Allemagne et qu’Arte a également diffusée en Allemagne.
Ce fait était connu à l’ avance du Böhse Onkelz . Arte a déclaré qu’elle n’avait reçu la liste des morceaux que peu de temps avant le début du concert et qu’elle n’était donc plus en mesure de réagir à temps. En raison de l’incident, le concert n’a pas été inclus dans la médiathèque.
Célébrez « Quinze ans de bruit et de fureur »! Le Hellfest, annulé en raison de la pandémie de coronavirus, célébrera son 15e anniversaire en ligne et sur Arte avec Hellfest from Home.
Au programme, trois concerts exclusifs tournés sans public à Clisson (Loire-Atlantique), un véritable festival en ligne avec une quarantaine de concerts des années précédentes, et un documentaire original retraçant l’histoire du festival.
Ultra Vomit, Stinky et Regardez les hommes qui tombent ouvriront les festivités le jeudi 18 juin à 20h sur Arte Concert et hellfest.fr avec un concert donné sans public sur le site du festival à Clisson.
Du 19 au 21 juin de midi à minuit sur Facebook et Youtube seront diffusés quotidiennement quatre concerts sélectionnés parmi les plus belles vies des années passées: Steel Panther, Sepultura, Dropkicks Murphys, Delvildriver le 19 juin, Apocalyptica, Papa Roach, Faith No More , In Flames le 20 juin, et Parkway Drive, Bullet for My Valentine, Prophets of Rage, Soulfly le 21 juin.
45 concerts enregistrés lors des éditions précédentes seront disponibles sur Arte Concert et hellfest.fr. Tous les concerts resteront en ligne pendant plusieurs mois sur ArteConcert.
La chaîne franco-allemande proposera deux nouveaux documentaires Hellfest 2019 le 19 juin à 1h05 (disponible sur Arte Concert du 12 juin au 3 juillet 2020) et Hellfest, quinze ans de bruit et de fureur le 26 juin à 11h55. pm (disponible sur Arte Concert à partir du 19 juin 2020 et sur hellfest.fr en avant-première à partir du jeudi 18 juin à 22h).
Enfin, le magazine Tracks se concentrera sur «Le dessous du métal» le 26 juin à 23h25 (et sur arte.tv jusqu’au 26 juin 2023). De quoi consoler les quelque 180 000 aficionados de métal qui allaient assister au légendaire festival!
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Arte est une émission de télévision et un service de streaming en direct proposé par Arte Concert, en collaboration avec le festival de musique Hellfest. C’est une plateforme qui permet de regarder en direct les performances des groupes de musique lors du festival Hellfest, l’un des plus grands festivals de musique metal et hard rock en France.
2. Comment regarder Arte Concert Hellfest ?
Arte est disponible en streaming sur la plateforme Arte Concert, qui propose également d’autres concerts et événements en direct. Il est également possible de regarder Arte Concert Hellfest sur la chaîne de télévision Arte, qui diffuse également des extraits des performances.
3. Quel est le contenu proposé sur Arte Concert Hellfest ?
Arte propose des concerts en direct et des extraits de performances de groupes de musique de différents genres, tels que le metal, le hard rock, le punk, et bien d’autres encore. Les performances sont filmées avec plusieurs caméras professionnelles pour offrir une expérience de visionnage immersive et de haute qualité.
4. Combien de temps dure Arte Concert Hellfest ?
Arte dure généralement tout le week-end du festival Hellfest, soit trois jours de concerts en direct et de rediffusions d’extraits de performances.
5. Y a-t-il des frais pour regarder Arte Concert Hellfest ?
Non, Arte est gratuit pour les téléspectateurs. Il suffit de se connecter sur la plateforme Arte Concert ou de regarder la diffusion sur la chaîne de télévision Arte.
6. Peut-on regarder Arte Concert Hellfest en dehors de la France ?
Oui, Arte est disponible dans plusieurs pays à travers le monde, notamment en Europe et en Amérique du Nord. La plateforme Arte Concert propose une liste complète des pays dans lesquels elle est disponible.
7. Comment est choisie la programmation d’Arte Concert Hellfest ?
La programmation d’Arte est choisie en collaboration avec les organisateurs du festival Hellfest. Ils sélectionnent les groupes de musique qui participent au festival, et Arte Concert choisit ceux qui seront filmés pour être diffusés en direct ou enregistrés pour des rediffusions.
8. Y a-t-il des interviews ou des documentaires proposés sur Arte Concert Hellfest ?
Oui, en plus des performances en direct, Arte Cpropose également des interviews avec les artistes et des documentaires sur le festival et l’univers de la musique metal et hard rock.
9. Peut-on regarder les performances passées sur Arte Concert Hellfest ?
Oui, Arte propose des rediffusions d’extraits de performances passées, ainsi que des documentaires sur les éditions précédentes du festival.
10. Quel est l’objectif d’Arte Concert Hellfest ?
L’objectif d’Arte est de permettre aux fans de musique de vivre l’expérience du festival Hellfest depuis chez eux, en proposant des performances de haute qualité filmées avec plusieurs caméras professionnelles et un son de qualité. C’est également une opportunité pour les artistes de se faire connaître auprès d’un public plus large en étant diffusés à la télévision et en ligne. Enfin, Arte Concert Hellfest permet de promouvoir la culture musicale, en particulier celle de la musique metal et hard rock, qui est souvent mal comprise et stigmatisée.
Les amplis Marshall ont été célébrés par certains des plus grands groupes et musiciens du monde, notamment: Jimi Hendrix, Eric Clapton, Slash, Oasis, Muse, Gorillaz et Bring Me The Horizon. On peut être vu en tournée avec des artistes comme Justin Timberlake, Kendrick Lamar et Lana Del Rey. Cependant, rien de tout cela ne serait possible sans le fondateur et révolutionnaire, Jim Marshall OBE et son fils Terry.
Après plus de 20 ans à jouer sur la route le 7 juillet 1960, Jim a ouvert un magasin de musique familial avec sa femme Violet et son fils Terry appelé «Jim Marshall and Son», au 76 Uxbridge Road, Hanwell, Londres. Aujourd’hui, vous trouverez une plaque sur le trottoir à l’extérieur pour célébrer nos modestes débuts.
Le magasin a vendu une variété d’instruments de musique et a attiré de nombreux jeunes talents émergents, tels que Pete Townshend, Ritchie Blackmore, John Entwistle et Big Jim Sullivan, qui étaient des amis de Terry et connaissaient le magasin de musique grâce aux étudiants en batterie de Jim, tels que Keith Moon.
Les amplificateurs de guitare Marshall sont parmi les plus reconnus au monde. Leur signature sonore, caractérisée par une distorsion grésillante et un «crunch», a été conçue par Marshall après que des guitaristes, tels que Pete Townshend , aient visité la boutique de batterie de Marshall se plaignant que les amplis de guitare alors sur le marché n’avaient pas le bon son ou assez de volume.
Après avoir gagné beaucoup de publicité, les amplis de guitare Marshall et les enceintes de haut-parleurs ont été recherchés par les guitaristes pour ce nouveau son et ce volume accru.
Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe
De nombreux amplis de guitare Marshall actuels et réédités continuent à utiliser des tubes à vide(également appelés vannes en Grande-Bretagne et dans certaines autres régions), comme cela est courant dans ce secteur de marché. Marshall fabrique également des amplis à semi-conducteurs, hybrides (tube à vide et à semi-conducteurs) et à modélisation moins chers.
Quel ampli Marshall choisir ?
Il y a plusieurs amplificateurs Marshall sur le marché qui conviendront à des besoins différents en matière de sonorisation. Si vous êtes un débutant, je vous recommande de considérer les séries d’amplificateurs Marshall MG ou Code, qui offrent des fonctionnalités abordables et faciles à utiliser. Si vous êtes un musicien expérimenté à la recherche d’un son plus puissant et plus professionnel, vous pourriez envisager les séries JCM ou DSL.
Il est également important de prendre en compte la puissance de sortie de l’ampli, la taille de l’ampli, et la compatibilité avec vos instruments. Il serait préférable de tester différents amplificateurs pour trouver celui qui convient le mieux à vos besoins et à votre style de jeu.
L’histoire de Marshall
Les Origines
Après une carrière réussie en tant que batteur et professeur de technique de batterie, Jim Marshall s’est lancé en affaires en 1962 avec un petit magasin à Hanwell , Londres, vendant des tambours, des cymbales et des accessoires liés à la batterie; Marshall lui-même a également donné des cours de batterie.
Selon Jim, Ritchie Blackmore , Big Jim Sullivan et Pete Townshend étaient les trois principaux guitaristes qui venaient souvent dans le magasin et poussaient Marshall à fabriquer des amplis de guitare et lui disaient le son et le design qu’ils voulaient. [6] Marshall Ltd. s’est ensuite agrandie, a embauché des concepteurs et a commencé à fabriquer des amplis de guitare pour concurrencer les amplis existants, dont le plus notable à l’époque était le Fenderamplis importés d’Amérique.
Ceux-ci étaient très appréciés des guitaristes et des bassistes, mais ils étaient très chers. Les trois guitaristes ont été parmi les premiers clients des 23 premiers amplis Marshall fabriqués.
Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe
Jim Marshall voulait que quelqu’un produise une alternative moins chère aux amplis de guitare fabriqués aux États-Unis, mais comme il avait une expérience limitée en génie électrique, il a fait appel à son réparateur d’atelier, Ken Bran, un technicien de Pan American Airways , Dudley Craven, un apprenti EMI.
Le plus aimé le son du Fender Bassman 4 × 10 pouces et a fait plusieurs prototypes en utilisant l’amplificateur Fender Bassman comme modèle. Le sixième prototype produit, selon les mots de Jim, le « Marshall Sound », bien qu’à cette époque, la seule implication de Jim était de vendre les amplis à la commission dans son magasin.
Au fur et à mesure que les affaires augmentaient, Marshall demanda aux trois de travailler pour lui dans son atelier, car il avait plus d’espace et de capital pour se développer.
L’idée originale a été évoquée tard un vendredi soir au début de 1963 dans un bar Wimpy à Ealing dans l’ouest de Londres par trois passionnés de radio amateur après avoir été à leur réunion hebdomadaire du radio-club de Greenford, l’indicatif d’appel de Dudley était G3PUN, celui de Ken Bran était G3UDC, et Ken Underwood était G3SDW.
À la mort de Dudley en 1998 et à la mort de Ken Bran en 2018, le seul individu original est Ken Underwood.
Les six premières unités de production ont été assemblées dans les abris de jardin de Ken Bran, Dudley Craven et Ken Underwood la même année, à Heston , Hanwell et Hayes , tous dans l’ouest de Londres. Ils étaient presque des copies du circuit Bassman, avec des soupapes de puissance 5881 en surplus militaire américain, un parent du 6L6.
Peu de haut-parleurs étaient alors capables de gérer plus de 15 watts, ce qui signifiait qu’un amplificateur approchant 50 watts devait utiliser quatre haut-parleurs.
Amplis MARSHALL
Pour leur Bassman, Fender a utilisé quatre haut-parleurs Jensen dans le même baffle que l’amplificateur, mais Marshall a choisi de séparer l’amplificateur des haut-parleurs et a placé quatre haut- parleurs Celestion de 12 pouces dans un baffle fermé séparé au lieu des quatre de 10 pouces. Jensens dans un combo à dos ouvert.
D’autres différences cruciales comprenaient l’utilisation de vannes ECC83 à gain plus élevé dans tout le pré-ampli et l’introduction d’un filtre à condensateur / résistance après le contrôle du volume. Ces changements de circuit ont donné à l’ampli plus de gain, ce qui lui a permis de passer en over drive plus tôt sur le contrôle du volume que le Bassman, et a augmenté les fréquences aiguës.
Ce nouvel amplificateur, provisoirement appelé le « Mark II », a finalement été nommé le » JTM 45 « , d’après Jim et son fils Terry Marshall et la puissance maximale de l’amplificateur.
Jimi Hendrix, Eric Clapton et d’autres groupes basés sur le blues rock de la fin des années 1960 tels que Free ont utilisé des stacks Marshall à la fois en studio et sur scène, ce qui en fait l’un des amplis les plus recherchés et les plus populaires de l’industrie.
Amplis MARSHALL
L’accord de distribution Marshall
Marshall a conclu un accord de distribution de 15 ans avec la société britannique Rose-Morris en 1965, ce qui lui a donné le capital nécessaire pour étendre ses activités de fabrication, bien que cela s’avérerait coûteux.
Rétrospectivement, Marshall a admis que l’accord Rose-Morris était « la plus grosse erreur que j’ai jamais faite. Rose-Morris n’en avait pas vraiment la moindre idée. Pour l’exportation, ils ont ajouté 55% à mon prix, ce qui nous a mis hors du monde. marché depuis longtemps. »
Amplification du parc Marshall
Le nouveau contrat avait privé de leurs droits de nombreux anciens distributeurs d’amplis Marshall, dont son vieil ami Johnny Jones. Le contrat de Marshall ne l’a pas empêché de construire des amplis en dehors de l’entreprise, et Marshall a donc lancé le nom de marque Park , inspiré du nom de jeune fille de l’épouse de Jones.
Pour se conformer à ses stipulations de contrat, ces amplis avaient des changements de circuit mineurs par rapport aux amplis Marshalls réguliers et des changements mineurs à l’apparence.
Amplis MARSHALL
Par exemple, souvent les parcs avaient des panneaux avant argentés ou noirs au lieu de ceux dorés des amplis Marshall, certains des enclos étaient plus hauts ou de forme différente, et les commandes étaient disposées et étiquetées différemment.
À partir du début de 1965, Park a produit un certain nombre d’amplificateurs, dont une tête de 45 watts. La plupart d’entre eux avaient une disposition et des composants Marshall, bien que certains amplificateurs inhabituels aient été fabriqués, tels qu’un amplificateur de clavier de 75 watts avec des tubes KT88 .
Un combo 2 × 12 pouces avait la possibilité d’envoyer le premier canal dans le second, probablement inspiré par les utilisateurs de Marshall faisant la même chose avec un câble de raccordement. Le Park 75 de 1972 a produit environ 100 watts au moyen de deux KT88, alors que le modèle comparable de 50 watts 1987 de l’époque utilisait 2 tubes EL34 .
En 1982, Park a pris fin, bien que Marshall ait plus tard relancé la marque pour certains amplificateurs à transistors fabriqués en Asie. [9] Les parcs fabriqués du milieu des années 1960 à environ 1974 (les «années d’or»), avec un câblage point à point – selon la rumeur, être «un peu plus chaud» que les Marshall réguliers – atteignent des prix plus élevés que les «vrais» comparables aux amplis Marshalls de la même période.
Les autres noms de marque Marshall
Wall of Marshall Fridge: produits de réfrigérateur utilisant la marque Marshall.
Les autres noms de marque que Marshall Amplification avait utilisés pour diverses raisons commerciales comprenaient Big M (pour le marché ouest-allemand de l’époque), Kitchen / Marshall (pour la chaîne de vente au détail Kitchen Music au nord de Londres), Narb (le nom de famille de Ken Bran épelé à l’envers) et CMI ( Instruments de musique Cleartone).
Les amplificateurs vendus sous ces marques sont assez rares et se vendent aux collectionneurs à des prix élevés.
Amplis MARSHALL
Les premiers modèles d’amplis
Le Bluesbreaker
Pour réduire les coûts, Marshall a commencé à s’approvisionner en pièces au Royaume-Uni. Cela a conduit à l’utilisation de transformateurs fabriqués par Dagnall et Drake et à un passage à la vanne KT66 au lieu du tube 6L6 couramment utilisé aux États-Unis.
Les changements ont donné aux amplis Marshall une voix plus agressive, qui a rapidement trouvé la faveur de joueurs comme Eric Clapton , qui s’asseyait dans la boutique de Jim pour s’entraîner. Clapton a demandé à Jim Marshall de produire un ampli combo avec trémolo, qui rentrerait dans le coffre de sa voiture, et l’un des amplis Marshall les plus célèbres est né, l’ ampli » Bluesbreaker « .
C’est l’amplificateur, en tandem avec sa GibsonLes Paul Standard de 1960 (le « Beano »), qui a donné à Clapton ce fameux ton sur l’Album de John Mayall & the Bluesbreakers de 1966, Bluesbreakers avec Eric Clapton .
La facade en Plexi de Marshall
Les amplis Marshall de cette époque sont facilement identifiables grâce à leur façade en verre acrylique (aka Plexiglas ), qui leur a valu le surnom de « Plexi ». En 1967, Marshall a publié une version de 50 watts du Superlead de 100 watts connue sous le nom de modèle de 1987 . En 1969, le panneau en plexiglas a été remplacé par un panneau avant en métal brossé.
Parmi les autres premiers clients, citons Pete Townshend et John Entwistle de The Who , dont la recherche de volume supplémentaire a conduit Marshall à concevoir l’amplificateur à lampes classique de 100 watts.
Ken Bran et Dudley Craven, les développeurs de Marshall, ont doublé le nombre de vannes de sortie, ajouté un transformateur de puissance plus grand et un transformateur de sortie supplémentaire. Quatre de ces amplis marshall ont été construits et livrés à Pete Townshend, et le Marshall Super Lead Model 1959 , le Plexi original, est né en 1965. À la demande de Pete Townshend, Marshall a produit un baffle 8 × 12 pouces (bientôt remplacé par une paire de baffles 4 × 12 pouces) sur lequel la tête d’amplification 1959 a été placée, donnant lieu à la pile Marshall, une image emblématique du rock and roll.
La taille du mur des piles de Marshall « est devenue bientôt un indicateur de l’état du groupe », même lorsqu’elle est rendue obsolète par des systèmes de sonorisation améliorés; en fait, bon nombre des « tableaux ridiculement énormes de têtes et de cabines » comprenaient des mannequins.
Pourtant, la plupart des têtes modernes de 100 watts ont des racines dans la conception de Marshall, même si elles contiennent souvent beaucoup plus de fonctionnalités (ou des tubes différents, tels que les tubes 6L6 plus américains ).
Modèles milieu des années 1970 et 1980
L’Amplis MARSHALL JMPS
Après 1973, pour rationaliser la production, le câblage manuel à forte intensité de main-d’œuvre a été interrompu et les amplis à valve Marshall ont été remplacés par des circuits imprimés (PCB).
Une grande partie du débat sur la différence de ton entre les amplis Marshall à panneaux en plexiglas et en aluminium remonte à 1974, date à laquelle un certain nombre de changements de circuits ont été apportés aux amplis de 1959 et 1987; avec l’ajout de «mkII» ajouté au nom «Super Lead» sur le panneau arrière et «JMP» («Jim Marshall Products») ajouté à gauche de l’interrupteur d’alimentation sur le panneau avant.
Le distributeur américain de Marshall Unicord leur a également demandé de remplacer tous les amplis vendus aux États-Unis et au Japon par le General Electric 6550 beaucoup plus robuste.au lieu du tube de sortie EL34.
L’effet combiné de différents tubes et d’un circuit modifié a donné à ces Marshall du milieu des années 1970 un son très brillant et agressif qui était plus percutant que le son EL34, mais pas aussi riche, compressé et avait moins de distorsion de l’amplificateur de puissance.
À la fin de 1975, Marshall a présenté la série «Master Volume» («MV») avec le 100W 2203, suivi en 1976 par le 50W 2204. Il s’agissait d’une tentative de contrôler le niveau de volume des amplis tout en conservant les tonalités de distorsion saturées qui avaient devenir synonyme de la marque Marshall.
Pour ce faire, les concepteurs Marshall ont connecté les deux étages d’entrée en série plutôt qu’en parallèle sur le 2203, mais pas initialement sur le 2204, et ont modifié le circuit de l’étage de gain pour préserver les caractéristiques tonales du son « Plexi à manivelle » et ont converti le désormais obsolète. contrôle de volume du deuxième canal à un Master Volume en le connectant entre le pré-ampli et le circuit d’égalisation. Le 2204 a emboîté le pas au début de 1977 et a changé son circuit de pré-ampli pour correspondre au 2203 (alors) plus populaire.
Par Rick Reinckens, qui était un technicien électronique à court terme employé d’Unicord qui a testé les premières unités à leur arrivée d’Angleterre, Tony Frank, l’ingénieur en chef d’Unicord, a eu l’idée d’un contrôle à double volume (un gain de pré-ampli et un volume principal).
Les modifications des circuits ont été optimisées pour reproduire le son des Marshall non MV précédents avec le contrôle de volume principal réglé sur « bas », mais les joueurs se sont rapidement rendu compte que « lancer » le MV de ces nouveaux amplis Marshall produirait encore plus de distorsion overdrive, le ton dont était plus coupant et énervé, et a ensuite trouvé la faveur de joueurs tels que Randy Rhoads , Zakk Wylde et Slash .
Les modèles de volume non maître de 1959 et 1987 ont également continué sous la ligne JMP jusqu’en 1982.
Le Marshall JCM 800
Peu de temps après la fin de l’accord Rose-Morris à la fin de 1980, Marshall a reconditionné deux modèles MV, le 2203 et le 2204 (à 100 et 50 watts, respectivement), ainsi que le Super Lead de 1959 et 1987 non maître dans une nouvelle boîte. avec un nouveau panneau, et l’a appelé la série » JCM800 » (du nom de ses initiales et de la plaque d’immatriculation de sa voiture). [18] Marshall a fabriqué plusieurs amplis sous le nom de JCM800.
Le Jubilé Marshall
Une année marquante pour Jim Marshall fut 1987. Elle marqua 25 ans dans le domaine des amplis et 50 ans dans la musique. Cela a été célébré avec la sortie de la série d’amplis Silver Jubilee. La série Silver Jubilee comprenait le 2555 (tête de 100 watts), 2550 (tête de 50 watts) ainsi que d’autres numéros de modèle 255x dénommant divers combos et même une « tête courte ».
Les amplis Jubilee étaient fortement basés sur les JCM800 de l’époque, avec une section de sortie très similaire avec un nouveau préampli. Leur caractéristique la plus médiatisée était la commutation à demi-puissance, qui est activée par un troisième interrupteur à bascule à côté des interrupteurs standard «power» et «standby».
Sur le modèle de 50 watts, cela se reflétait dans la numérotation – 2550 est commutable de 25 à 50 watts – et reflétait également le 25e anniversaire des amplis Marshall et Jim Marshall ‘ s 50 ans dans la musique. Les amplis étaient recouverts d’un revêtement argenté et avaient une plaque frontale argentée brillante, ainsi qu’une plaque commémorative.
Le Jubilee comportait également une conception de «canal semi-divisé», dans laquelle deux niveaux de gain d’entrée différents pouvaient être réglés, passant par la même pile de sons et le même contrôle de volume principal. Cela a permis à un niveau de gain «Marshall classique» d’être commuté au pied jusqu’à un son moderne, à gain moyen à élevé, légèrement plus sombre et plus élevé en gain que le son plus brutal JCM800 qui caractérisait la musique rock des années 1980.
« Le son de ces amplis Marshall est particulièrement épais et sombre, même à l’échelle Marshall. Le gain par rapport aux standards actuels est moyen. » [19] Le son de distorsion de la gamme Jubilee est caractérisé par le travail en direct de Slash avec Guns N ‘Roses. Il utilisait rarement autre chose en direct, mais curieusement, le Jubilé n’apparaissait sur aucun Guns N ‘Appetite for Destruction (1987) et un JCM800 modifié sur les albums suivants.
Il peut être entendu sur certains desmatériaux Velvet Revolver . Les amplis Jubilee comportaient également un bouton «pull out» qui activait un circuit d’écrêtage de diode (similaire à l’augmentation de l’entrée de l’ampli avec une pédale d’overdrive).
Les autres utilisateurs notables de Jubilee incluent les Black Crowes , John Frusciante ( Red Hot Chili Peppers ) et Alex Lifeson ( Rush ), qui l’ont largement utilisé dans l’enregistrement de l’album Clockwork Angels (2012)de Rush.
Après l’année Jubilee, la production des amplis Marshall de la série 25xx a continué pendant un an de plus (sans changements internes), mais est revenue à une livrée Marshall standard de noir et d’or. On les appelle parfois les amplis personnalisés JCM800.
Modèles milieu des années 1980 et 1990
La concurrence des sociétés américaines amplificateur
Marshall a commencé à voir plus de concurrence des sociétés d’amplification américaines telles que Mesa Boogie et Soldano. Marshall a ensuite mis à jour la gamme JCM800 avec des modèles supplémentaires et de nouvelles fonctionnalités telles que la « commutation de canal », ce qui signifiait que les joueurs pouvaient basculer entre les sons clairs et déformés en appuyant sur un commutateur au pied.
Cette fonction a fait ses débuts dans les séries 2205 (50 watts) et 2210 (100 watts) et ces amplis Marshall contenaient plus de gain de pré-ampli que jamais grâce à une nouvelle innovation; coupure de diode. Cela signifiait qu’une diode à semi-conducteurs ajoutait une distorsion supplémentaire au chemin du signal, semblable à l’ajout d’une pédale de distorsion.
En tant que tels, les JCM800 à canal partagé étaient les Marshall à gain le plus élevé jamais construits – « Lors de leur première sortie, de nombreux joueurs ont été choqués (certains ont même été rebutés) par sa distorsion brillante et intense – bien plus que tout autre ampli de l’époque. »
Bien que vivement critiqués aujourd’hui par les puristes à lampes, ces amplis étaient plus populaires que jamais, trouvant une acceptation massive au sein de la communauté du hard rock et toujours utilisés aujourd’hui par beaucoup.
Les JCM800 à canal partagé sont toujours utilisés par Tom Morello (Rage Against the Machine, Audioslave) et ont été joués exclusivement par Michael Schenker (UFO) pendant de nombreuses années.
Marshall à cette époque a commencé d’autres expériences avec des amplis à semi-conducteurs , dont la qualité s’améliorait de plus en plus en raison des innovations technologiques, mais qui étaient toujours considérés comme des équipements de niveau débutant.
Quoi qu’il en soit, les gammes de produits à semi-conducteurs portant le nom Marshall ont été et sont toujours un succès féroce (bien que mis à prix critique) pour la société, permettant aux guitaristes débutants de jouer la même marque d’ampli que leurs héros.
Un Marshall d’entrée de gamme particulièrement réussi était la série combo Lead 12 / Reverb 12, qui comportait une section de préampli très similaire à un JCM800, et une section de sortie particulièrement douce. Ces amplis ont en fait été utilisés sur disque par Billy Gibbons de ZZ Top , et sont maintenant très demandés.
Les années 1990
Le Marshall JCM 900
Dans les années 1990, Marshall a de nouveau mis à jour sa gamme de produits avec la série JCM900. Revu par le magazine Guitarist au Royaume-Uni et compte tenu de la ligne «Shredders, voici un ampli que vous n’aurez pas besoin de modifier», cette décision de Marshall était à nouveau une excroissance des désirs des musiciens, avec plus de distorsion que jamais et toujours populaire aspects des derniers modèles JCM800.
Cependant, malgré ces affirmations marketing, ils n’étaient pas aussi performants que ceux annoncés et utilisaient des composants à semi-conducteurs pour une grande partie de la distorsion de certains modèles – ce que de nombreux guitaristes n’aimaient pas.
Pourtant, sinon avec des shredders, la ligne JCM900 a été bien accueillie par les jeunes joueurs associés à la pop, au rock, au punk et au grunge qui était répandu au début des années 1990.
Il existe trois variantes différentes du JCM900. Les modèles les plus courants sont les modèles «Dual Reverb» 4100 (100 watts) et 4500 (50 watts), qui sont un descendant du modèle JCM800 2210/2205. Ces modèles comportent deux canaux, un préampli à semi-conducteurs et une distorsion de diode.
Les 2100/2500 Mark III sont essentiellement des JCM800 2203/2204 avec un écrêtage de diode supplémentaire contrôlable via un bouton sur le panneau avant et une boucle d’effets. Celles-ci sont assez rares et n’étaient pas en production depuis longtemps avant d’être remplacées par le 2100/2500 SL-X, qui a remplacé l’écrêtage de diode du Mk III par un autre tube de préampli 12AX7 / ECC83. Ce sont facilement la distorsion la plus élevée des trois variantes.
Un certain nombre d’entre eux ont été expédiés avec Sovtek 5881vannes, une variante robuste de la famille 6L6 de vannes de sortie, en raison d’un manque d’EL34 de qualité appropriée. La plupart des JCM900 et 6100 construits entre 1994 et 1998 ont quitté l’usine avec les 5881.
A cette époque, il a sorti quelques amplis Marshall « édition spéciale » dans cette gamme, dont un modèle « Slash Signature », une première pour la société. Il s’agissait en fait d’une réédition de l’ancien amplificateur Silver Jubilee 2555, avec des composants internes identiques, un look $standard et un logo Slash. Cet ampli a conservé des EL34 et 3 000 unités ont été produites de 1996 à 1997.
Le Marshall 30e anniversaire série 6100
1993 a marqué 30 ans dans le secteur des amplis. Pour commémorer cette étape importante, Marshall a sorti la série d’amplis 30th Anniversary, le 6100LE alimenté par EL34 avec un revêtement bleu commémoratif et une plaque frontale dorée, qui a été suivi par le 6100 (en tolex bleu et toujours alimenté par EL34) puis en 1994 le 6100LM (en standard Livrée Marshall mais maintenant 5881 alimenté comme les JCM900 de l’époque).
Toutes les versions du 6100 avaient trois canaux; clean, crunch et lead. Le canal clair comportait un mid shift, qui offrait l’option d’un son plus « à la Fender », et le canal crunch présentait trois modes recréant tous les sons crunch classiques de Marshall des trois dernières décennies.
Le canal principal comportait un gain de gain commutable et un commutateur de contour de milieu de gamme, ce qui lui donnait les niveaux de ton et de gain, ce que Marshall ‘ Les ingénieurs espéraient qu’il resterait compétitif dans le monde à haut gain du début au milieu des années 90. En fait, certains joueurs ont estimé que le canal principal était peut-être le maillon le plus faible de l’arsenal de l’amplificateur, et il a été révisé au cours de la troisième année de production (le LM signifie « Lead Mod »).
Cette révision présentait un gain encore plus élevé.
La série Anniversary a trouvé une place importante avec Joe Satriani en particulier, qui a favorisé les premières versions alimentées par EL34 et n’a utilisé que le canal clair en direct avec sa pédale de distorsion Vox Satchurator qui est basée sur son ancienne Boss DS-1 modifiée . Satriani a utilisé ces anciennes pédales Boss presque exclusivement pour le travail live et sur un certain nombre d’albums studio dont The Extremist (1992) jusqu’au début des années 2000.
Les modèles Anniversary étaient probablement les Marshall les plus compliqués de tous les temps (à part peut-être le dernier JVM), avec MIDIsélection de canal, commutation demi-puissance, commutation pentode / triode, excursion de haut-parleur réglable et commutateur de compensation de faible volume.
Malgré toute cette complication, les amplis avaient un chemin de signal pur qui ne partageait pas les lampes de pré-ampli entre les canaux (contrairement aux conceptions ultérieures comme la TSL et la JVM). Parmi les autres utilisateurs célèbres de 6100, citons Alex Lifeson sur l’album de Rush Test for Echo (1996) et le guitariste de Ocean Color Scene (OCS) Steve Cradock .
Les modèles Marshall actuels
Marshall produit actuellement un certain nombre d’amplificateurs, qui sont un mélange de designs modernes et de rééditions vintage. La plupart des modèles tentent d’inclure le « classique » Marshall « rugissement ».
Série modernes
À partir de 2012, Marshall a produit une large gamme d’amplis avec le look et le son de l’ampli à lampes Marshall. Le plus ancien de ces modèles est la gamme JCM2000, qui est divisée en séries à deux et trois canaux, appelées Dual et Triple Super Leads.
Ces amplis sont une continuation des séries JCM800 et 900, bien que le circuit d’écrêtage de diode controversé utilisé dans les derniers 800 et 900 ampères ait été supprimé au profit d’étages de gain de valve supplémentaires. Bien que regroupés en tant que modèles JCM2000, le DSL et le TSL ont des circuits différents et sont plus éloignés que la gamme de modèles ne le suggère.
Marshall s’est tourné vers un nouveau produit phare pour clouer tous les compromis des modèles précédents, la JVM, faite dans une variété de modèles et de gammes.
Marshall Série Vintage
Amplis Marshall Vintage Reissue
En 2001, Marshall a réédité plusieurs de ses amplis antérieurs, comme le Model 1959-SLP , qui est conçu pour être une réédition de l’amplificateur « Plexi » de la fin des années 1960, mais qui sont en réalité des rééditions du Super Lead post-1973 modèles en ce qu’ils utilisent des cartes de circuits imprimés en interne pour réduire les coûts de fabrication.
La conception originale utilisait des circuits câblés à la main sur des cartes de tourelle, qui sont maintenant disponibles pour une prime dans la série «câblée à la main». D’autres rééditions sont conçues de manière similaire sur des circuits imprimés, même lorsque les originaux étaient câblés à la main, sauf indication explicite
Ampli à semi-conducteurs
Les amplificateurs «Valvestate» de contenaient un hybride de technologie à valve et à semi-conducteurs. Actuellement appelé la «série AVT» (bien que ceux-ci soient maintenant hors de production, remplacés par le «hommage AVT» pendant une courte période), il existe un certain nombre de modèles différents, tous moins chers que leurs homologues à soupapes .
Il s’agit de la gamme actuelle d’amplis Marshall «hybrides» , avec un tube de pré-ampli 12AX7 utilisé dans le pré-ampli (pour «réchauffer» le signal) ainsi que des composants à semi-conducteurs, avec un ampli de puissance à semi-conducteurs. Ceux-ci sont considérés et commercialisés comme des équipements de niveau intermédiaire pour combler l’écart entre la gamme de vannes supérieure et la série MG de gamme inférieure.
En janvier 2009, Marshall a sorti sa dernière variante de la gamme d’amplificateurs MG. Remplaçant la gamme MG3, le MG4 a été conçu pour offrir au guitariste une multitude de fonctionnalités tout en gardant le contrôle de l’amplificateur simple.
Marshall Série basse
Marshall fabrique actuellement une plate-forme de basse professionnelle à soupapes appelée VBA400. Il abrite huit soupapes de puissance 6550 plus trois soupapes de pré-ampli ECC83 et une ECC82 .
L’entrée reçoit les deux basses actives et passives pick-up ; il y a aussi une sortie XLR DI pour l’enregistrement complet avec élévation de terre ( mise à la terre ) et commutateurs Pre / Post EQ .
Récemment, Marshall a honoré Lemmy Kilmister de Motörhead avec sa toute première tête d’ampli basse signature, basée sur son super bass de 100 watts « Murder One ».
Il existe également des modèles à semi-conducteurs appelés série MB allant de 15 watts à 450 watts et des armoires d’extension.
amplis MARSHALL
Que faut il savoir sur les enceinte marshall
Il y a plusieurs facteurs à considérer lorsque vous recherchez des enceintes Marshall. Voici quelques points importants à prendre en compte :
Puissance de sortie : Assurez-vous que l’enceinte a une puissance de sortie suffisante pour votre ampli et pour les performances que vous prévoyez de donner.
Taille et poids : Pensez à l’endroit où vous allez utiliser l’enceinte et à la facilité de transport.
Fréquence de réponse : Assurez-vous que l’enceinte a une réponse fréquentielle suffisamment large pour reproduire tous les sons de votre instrument ou de votre système de sonorisation.
Type de haut-parleur : Les enceintes Marshall utilisent généralement des haut-parleurs de grave, de médiums et d’aigus pour reproduire le son.
Connexion : Vérifiez si l’enceinte est compatible avec votre ampli ou votre système de sonorisation.
Design : Marshall est connu pour son design classique et élégant, si vous êtes un amoureux du style Marshall, vous pourriez vouloir opter pour une enceinte qui correspond à cela.
Il est important de noter que les enceintes Marshall sont généralement plus chères que les enceintes de marques concurrentes, mais elles ont généralement une qualité sonore supérieure et une plus grande durabilité. Il est donc important de bien réfléchir à vos besoins et à votre budget avant de faire un choix.
Comment connecter une enceinte Marshall ?
Il existe plusieurs façons de connecter une enceinte Marshall à votre ampli ou système de sonorisation. La méthode la plus courante consiste à utiliser des câbles de liaison à bornes, comme des câbles Speakon ou des câbles à bornes bananes. Voici les étapes à suivre pour connecter une enceinte Marshall à un ampli :
Assurez-vous que l’ampli et l’enceinte sont éteints et débranchés.
Localisez les bornes de sortie de l’ampli et les bornes d’entrée de l’enceinte. Il est généralement indiqué sur l’ampli et l’enceinte si il s’agit de bornes positives ou négatives.
Branchez les câbles de liaison à bornes aux bornes de l’ampli et de l’enceinte correspondantes. Assurez-vous que les câbles sont correctement branchés et que les bornes sont bien enfoncées.
Allumez l’ampli et réglez-le sur la puissance appropriée pour l’enceinte. Ajustez le volume de l’ampli pour éviter de surcharger l’enceinte.
Testez l’enceinte en jouant de la musique ou en utilisant un générateur de test de fréquence pour vous assurer qu’elle fonctionne correctement.
Il est important de noter que certains amplis ou systèmes de sonorisation peuvent utiliser des connecteurs différents, il est donc important de vérifier les spécifications de l’ampli et de l’enceinte pour s’assurer que les connecteurs correspondent. Il est également important de vérifier les limites de puissance de l’enceinte pour éviter de la surcharger.
FAQ sur la marque Marshall
1. Qui est Marshall ?
Marshall Amplification est une entreprise britannique fondée en 1962 par Jim Marshall, qui est devenu célèbre pour ses amplis pour guitares électriques. Au fil des ans, Marshall est devenu un nom synonyme de sonorités rock et de qualité supérieure.
2. Qu’est-ce qui rend les amplis Marshall si populaires ?
Les amplis Marshall sont connus pour leur sonorité distinctive et leur puissance. Ils ont été utilisés par certains des plus grands noms de la musique rock, notamment Jimi Hendrix, Eric Clapton et Slash. Les amplis Marshall sont également réputés pour leur robustesse, leur fiabilité et leur durabilité.
3. Quels types d’amplis Marshall sont disponibles ?
Marshall propose une large gamme d’amplis pour guitares électriques, allant des petits modèles portables aux grandes têtes d’amplis pour la scène. Certains des modèles les plus populaires incluent le JCM800, le DSL100 et le JTM45.
4. Comment choisir le bon ampli Marshall pour moi ?
Le choix de l’ampli Marshall qui convient dépend de vos besoins en matière de sonorité, de puissance et de budget. Si vous êtes un musicien débutant, un petit ampli Marshall peut être suffisant, tandis que les musiciens professionnels cherchent peut-être une tête d’ampli plus puissante pour jouer sur scène. Il est important d’essayer différents modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu.
5. Comment entretenir son ampli Marshall ?
Pour que votre ampli Marshall reste en bon état de fonctionnement, il est important de le nettoyer régulièrement et de le maintenir. Cela peut inclure le remplacement des lampes et des fusibles, le nettoyage des potentiomètres et des jacks d’entrée/sortie, et l’inspection régulière des câbles et des connexions.
6. Les amplis Marshall ont-ils une garantie ?
Oui, les amplis Marshall sont généralement couverts par une garantie du fabricant. La durée de la garantie peut varier en fonction du modèle et du pays de vente, mais elle couvre généralement les défauts de fabrication et les problèmes liés aux matériaux.
7. Marshall fabrique-t-il d’autres produits en plus des amplis ?
En plus des amplis pour guitares électriques, Marshall fabrique également des enceintes de sonorisation, des casques d’écoute, des pédales d’effets et des instruments de musique. La société propose également une gamme de produits sous licence, notamment des produits dérivés pour les fans de musique rock.
8. Qu’est-ce qui distingue les amplis Marshall des autres marques d’amplis pour guitares électriques ?
Les amplis Marshall sont souvent considérés comme ayant une sonorité plus chaude et plus organique que d’autres marques d’amplis
eric.canto@groupe-grim.com
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pour guitares électriques, grâce à leur conception et à leur construction. Les amplis Marshall sont également connus pour leur esthétique iconique, avec leur grille en tissu noir et leur logo blanc sur fond noir.
9. Comment se fait l’entretien d’un ampli Marshall ?
Il est important de maintenir régulièrement votre ampli Marshall pour qu’il fonctionne bien. Cela peut inclure le nettoyage des potentiomètres, des jacks d’entrée/sortie et de la grille en tissu, ainsi que le remplacement des lampes et des fusibles. Il est également important de s’assurer que l’ampli est stocké dans un endroit sec et à l’abri de la poussière et de l’humidité.
10. Où puis-je acheter un ampli Marshall ?
Les amplis Marshall sont disponibles dans de nombreux magasins de musique et en ligne, y compris sur le site web de la société. Il est recommandé d’essayer plusieurs modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu et à vos besoins. Il est également important de vérifier les prix et les garanties avant d’acheter un ampli Marshall pour vous assurer que vous obtenez le meilleur rapport qualité-prix.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Imaginez un groupe capable de faire trembler les stades du monde entier avec des riffs de guitare puissants, des harmonies symphoniques et des paroles qui dénoncent la manipulation politique et la fin du monde.
Muse, c’est tout cela à la fois. Un groupe britannique qui, depuis ses débuts dans les années 90, a su imposer un son unique, une esthétique futuriste et des performances live explosives.
Matthew Bellamy, Dominic Howard, et Chris Wolstenholme ne sont pas seulement des musiciens, ce sont des architectes sonores qui fusionnent le rock, la musique électronique, et des éléments classiques pour créer un univers apocalyptique où chaque chanson résonne comme un appel à la rébellion.
Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers musical et artistique de Muse, décrypter leur ascension fulgurante, analyser leurs albums les plus marquants, et explorer leur impact sur la scène musicale moderne. Alors, mettez vos écouteurs et préparez-vous à embarquer pour un voyage sonore à travers l’œuvre visionnaire de Muse.
I. Histoire de Muse : De Teignmouth à la scène mondiale
1.1 Les débuts à Teignmouth : Une petite ville, un grand rêve
Muse voit le jour à Teignmouth, une petite ville côtière du Devon, au Royaume-Uni. C’est dans ce cadre paisible que les futurs membres du groupe se rencontrent à l’adolescence. Matthew Bellamy (chant et guitare), Dominic Howard (batterie), et Chris Wolstenholme (basse) sont tous issus d’un milieu modeste, mais partagent une passion commune pour la musique. Dès leurs premières répétitions dans les garages de la ville, les membres de Muse se lancent dans une quête pour trouver leur son, mélangeant l’agressivité du grunge à l’expérimentation du rock progressif.
Mais la vie dans une petite ville comme Teignmouth n’était pas forcément propice à une carrière internationale. Le trio sait qu’il doit se démarquer et faire entendre sa voix pour sortir de l’ombre. Après plusieurs années de galère, où ils jouent dans des pubs et des clubs locaux, Muse commence à se faire remarquer pour son énergie brute et son talent instrumental.
1.2 Le premier album : « Showbiz » et l’émergence d’un groupe prometteur
C’est en 1999 que Muse fait ses débuts sur la scène internationale avec « Showbiz », leur premier album. Cet album pose les bases du son Muse : des riffs de guitare puissants, une utilisation intense du piano, et la voix haut perchée de Matthew Bellamy, capable de passer des murmures les plus doux aux cris les plus rageurs.
L’album contient des titres qui deviendront des classiques comme « Sunburn » et « Muscle Museum« . Même si l’album n’est pas encore un succès planétaire, il attire l’attention de la critique et du public, notamment grâce aux performances live explosives du groupe. Muse est souvent comparé à Radiohead à cette époque, mais ils se distinguent rapidement par leur approche plus explosive et leur goût pour les thématiques dystopiques.
1.3 L’explosion avec « Origine de la symétrie »
En 2001, Muse sort son deuxième album, « Origin of Symmetry », et c’est là que les choses s’accélèrent. L’album est un véritable coup de tonnerre sur la scène musicale. Avec des titres comme « Plug In Baby », « New Born », et « Bliss », Muse impose un son beaucoup plus agressif et expérimental, avec une place centrale donnée aux claviers et aux effets électroniques. L’album est acclamé pour son audace et sa complexité.
Les performances de Matthew Bellamy à la guitare et au piano sont désormais légendaires, et le groupe se fait rapidement un nom sur la scène internationale. « Origin of Symmetry » explore des thématiques qui deviendront récurrentes dans la discographie de Muse : la dystopie, la technologie, la manipulation et la révolte contre l’oppression.
II. L’univers musical de Muse : Un mélange unique de rock, classique et électronique
2.1 Un son entre rock symphonique et électronique
Ce qui distingue Muse des autres groupes de rock contemporains, c’est leur capacité à mélanger des genres musicaux variés tout en gardant une identité sonore forte. À la base, Muse est un groupe de rock alternatif, mais leur son intègre des influences de la musique classique, du rock progressif, et même de la musique électronique. Matthew Bellamy, formé au piano classique, incorpore régulièrement des éléments de musique baroque et de symphonies dans les compositions du groupe, comme on peut l’entendre sur des titres comme « Butterflies and Hurricanes« .
Dans leurs albums les plus récents, Muse n’a pas hésité à intégrer des synthétiseurs et des boîtes à rythmes, créant une fusion entre le rock symphonique et les sons électroniques futuristes. Des titres comme « Madness » ou « The Dark Side » illustrent parfaitement cette approche hybride. En live, Muse joue souvent sur cette dualité entre organique et technologique, avec des performances mêlant guitare électrique et effets électroniques sur fond de vidéos futuristes.
2.2 Des thématiques récurrentes : Dystopie, rébellion et apocalypse
L’un des éléments clés de l’œuvre de Muse est l’utilisation de thèmes récurrents dans leurs paroles. La dystopie, la révolte contre l’oppression, et la fin du monde sont des sujets qui reviennent fréquemment dans leurs chansons. Bellamy, qui s’intéresse à la politique, à la science-fiction et aux théories du complot, utilise souvent ses textes pour dénoncer la corruption, la manipulation des masses par les gouvernements, et l’impact de la technologie sur l’humanité.
Sur l’album « Absolution » (2003), des chansons comme « Apocalypse Please » et « Stockholm Syndrome » abordent l’idée de la fin des temps et de la lutte pour la survie dans un monde en ruine. L’album « The Resistance » (2009) va encore plus loin dans l’exploration de la révolte contre la tyrannie, avec des morceaux comme « Uprising », un véritable hymne à la révolution.
2.3 La voix et les performances scéniques de Matthew Bellamy
Si Muse est un groupe incroyablement puissant musicalement, la voix de Matthew Bellamy est sans doute l’une des clés de leur succès. Doté d’une tessiture impressionnante, Bellamy est capable de chanter dans des registres très variés, passant des graves profonds aux aigus stratosphériques. Sa voix, à la fois émotionnelle et puissante, donne une intensité particulière à chaque morceau. Des titres comme « Supermassive Black Hole » ou « Knights of Cydonia » sont des exemples parfaits de cette maîtrise vocale.
Mais c’est en live que Muse prend toute son ampleur. Le groupe est célèbre pour ses concerts spectaculaires, où la musique est accompagnée de visuels impressionnants, de jeux de lumières futuristes, et de décors gigantesques. Bellamy, en plus d’être un chanteur hors pair, est également un guitariste virtuose et un pianiste talentueux. Les concerts de Muse sont de véritables expériences sensorielles où la musique, l’image et la performance se mélangent pour créer un show unique.
III. L’impact culturel de Muse : Un groupe engagé et visionnaire
3.1 Un engagement politique et social marqué
Muse n’est pas seulement un groupe de musique, ils sont également connus pour leurs prises de position politiques et sociales. À travers leurs chansons, le groupe critique souvent les dérives autoritaires, la surveillance de masse, et les injustices sociales. Matthew Bellamy s’est exprimé à plusieurs reprises contre la politique de certains gouvernements et l’inaction face aux enjeux climatiques.
L’album « The Resistance » est particulièrement représentatif de cet engagement. Il aborde des thèmes comme la lutte contre l’oppression et le totalitarisme, s’inspirant du roman dystopique « 1984 » de George Orwell. « Uprising » est un véritable appel à la révolte, tandis que « Resistance » parle de la résistance face à un régime autoritaire. Les paroles de Muse résonnent fortement auprès d’un public sensible aux questions politiques et sociales, et leurs concerts sont souvent des lieux de communion où les fans se sentent galvanisés par cette énergie révolutionnaire.
3.2 Une esthétique visuelle futuriste
Le clip de « Uprising », par exemple, représente une révolte contre une société dystopique où des ours en peluche géants symbolisent un gouvernement oppressif. Ce visuel, entre cartoon et film de science-fiction, reflète à merveille l’esthétique unique de Muse, qui cherche à combiner le fantastique et le réalisme politique.
Le groupe accorde une attention particulière à la façon dont il se présente visuellement. Matthew Bellamy lui-même est fasciné par l’architecture futuriste et les technologies de pointe, des thèmes qu’il intègre non seulement dans la musique mais aussi dans les décors de scène. Lors de leurs tournées, les spectacles de Muse sont connus pour être des expériences multimédias éblouissantes, où la musique est renforcée par des écrans géants, des hologrammes et des lumières spectaculaires. Cette combinaison de son et d’image plonge les spectateurs dans un univers où la science-fiction devient presque réalité.
3.3 La fusion entre la musique classique et moderne
Un autre aspect important de l’impact culturel de Muse réside dans leur capacité à mêler des influences classiques et modernes. Matthew Bellamy a grandi en écoutant des compositeurs comme Rachmaninov et Chopin, et son éducation musicale classique se reflète dans des compositions ambitieuses qui utilisent des orchestrations complexes. Sur l’album « The Resistance », le morceau « Exogenesis Symphony » est une véritable symphonie en trois parties qui marie des cordes, des cuivres, et des riffs de guitare puissants, créant une œuvre épique.
Muse a ainsi réussi à amener des éléments classiques dans la musique rock moderne, tout en restant accessible à un large public. Ce mélange de genres donne à leur musique une profondeur supplémentaire, et a permis à des jeunes générations de se familiariser avec des concepts et des structures musicales habituellement réservées aux amateurs de musique classique.
IV. Les albums marquants de Muse : Une discographie iconique
4.1 « Origin of Symmetry » (2001) : Le chef-d’œuvre qui a tout changé
« Origin of Symmetry » est souvent considéré comme le premier grand tournant dans la carrière de Muse. Cet album a révélé leur capacité à mixer des genres variés tout en délivrant un son cohérent, puissant et unique. Ce qui distingue cet album, ce sont les compositions complexes et le sens du drame. Des morceaux comme « New Born », « Plug In Baby », et « Bliss » combinent des riffs épiques, des arrangements électroniques, et des envolées vocales impressionnantes.
Cet album aborde des thèmes qui deviendront centraux dans leur discographie, tels que la révolte et la lutte contre les forces oppressives. C’est également sur « Origin of Symmetry » que Muse commence à expérimenter avec des sons plus électroniques et classiques, notamment sur des morceaux comme « Space Dementia » où le piano de Bellamy prend une place centrale.
4.2 « Absolution » (2003) : Une apocalypse en musique
Avec « Absolution », Muse se plonge plus profondément dans les thèmes de l’apocalypse et du chaos mondial. Cet album est empreint d’une atmosphère sombre, presque désespérée, avec des morceaux comme « Apocalypse Please » et « Time Is Running Out » qui décrivent un monde au bord de l’effondrement.
« Absolution » est également l’album qui a permis à Muse de s’imposer sur la scène internationale. Les chansons sont massives, à la fois en termes de son et de contenu lyrique, et le groupe perfectionne ici sa signature sonore : des morceaux grandioses, des orchestrations et une tension palpable. C’est aussi à ce moment-là que Muse devient un groupe de stade, capable de mobiliser des foules massives avec leur musique épique et leurs performances enflammées.
4.3 « Trous noirs et révélations » (2006) : Un voyage interstellaire
« Black Holes and Revelations » est probablement l’un des albums les plus éclectiques de Muse, où le groupe explore des thèmes plus larges et plus abstraits, notamment à travers une imagerie inspirée de la science-fiction. Avec des morceaux comme « Supermassive Black Hole », « Knights of Cydonia », et « Map of the Problematique », Muse continue d’explorer des territoires sonores inédits, flirtant avec des influences électroniques, funk, et sci-fi western.
L’album est marqué par une esthétique rétrofuturiste, et ses clips vidéos s’inspirent souvent des films de science-fiction des années 60 et 70. C’est ici que Muse atteint de nouveaux sommets en termes de popularité mondiale, consolidant leur place en tant que groupe majeur de la scène rock contemporaine.
4.4 « The 2nd Law » (2012) : Une ode à l’énergie et la survie
L’album « The 2nd Law« est sans doute l’un des projets les plus expérimentaux de Muse. Il aborde des thématiques comme l’énergie, le déclin des ressources, et les conséquences du changement climatique. Musicalement, il pousse encore plus loin les influences électroniques et intègre même des éléments de dubstep, comme sur le morceau « The 2nd Law: Unsustainable ».
Cet album est à la fois ambitieux et complexe, mêlant des sonorités électroniques modernes avec des orchestrations symphoniques traditionnelles. Bien que cet album ait divisé les critiques, il montre que Muse n’a jamais peur de prendre des risques et d’explorer de nouvelles avenues musicales.
4.5 « Simulation Theory » (2018) : L’ère de la simulation
Avec « Simulation Theory », Muse plonge dans l’univers de la réalité virtuelle et des théories du complot autour de l’idée que notre monde pourrait être une simulation informatique. L’album est influencé par la culture des années 80 et la science-fiction, avec des références visuelles à des films comme « Tron » ou « Blade Runner ».
Musicalement, « Simulation Theory » est plus accessible que ses prédécesseurs, avec des influences synthpop très marquées. Des titres comme « Pressure » et « The Dark Side » témoignent d’une volonté de créer des morceaux accrocheurs tout en explorant des sujets philosophiques profonds. L’album est un mélange parfait de sonorités rétro et futuristes, tout en offrant des réflexions sur la technologie et l’avenir de l’humanité.
V. Le futur de Muse : Où va le groupe ?
5.1 Des performances live toujours plus spectaculaires
Si Muse a déjà conquis le monde avec sa musique et ses albums, le groupe est aussi célèbre pour ses performances live spectaculaires. Leurs tournées sont toujours des événements monumentaux, où les visuels, les effets spéciaux et les décors futuristes prennent autant de place que la musique elle-même. Muse s’efforce constamment de repousser les limites des concerts en créant des shows immersifs où les spectateurs sont plongés dans un univers de science-fiction et de dystopie.
5.2 Un avenir musical toujours plus audacieux
L’avenir de Muse semble prometteur, avec de nombreuses rumeurs autour d’un prochain album et de nouvelles expérimentations musicales. Le groupe continue de pousser les frontières de la musique rock en intégrant des influences contemporaines tout en restant fidèle à leur son symphonique et futuriste. Muse a toujours su se renouveler, et il est fort probable que leur prochain projet apportera encore des surprises à leur public.
Conclusion
Muse n’est pas seulement un groupe de rock. C’est un phénomène culturel, une fusion de genres et de styles qui a repoussé les limites du rock moderne tout en abordant des thèmes profonds comme la politique, la technologie, et l’apocalypse. Depuis leurs débuts à Teignmouth jusqu’aux plus grandes scènes du monde, Muse a su rester à l’avant-garde de la musique tout en capturant l’imaginaire de millions de fans.
FAQ
1. Comment Muse a-t-il commencé sa carrière ?
Muse a commencé dans la petite ville de Teignmouth, au Royaume-Uni, et s’est fait connaître grâce à son premier album « Showbiz » en 1999.
2. Quels sont les thèmes récurrents dans les chansons de Muse ?
Muse aborde souvent des thèmes comme la dystopie, la révolte contre l’oppression, la fin du monde, et la technologie dans leurs chansons.
3. Quel est l’album le plus marquant de Muse ?
« Origin of Symmetry » (2001) est souvent considéré comme leur album le plus marquant, avec des morceaux phares comme « Plug In Baby » et « New Born ».
4. Pourquoi Muse est-il connu pour ses concerts live ?
Muse est célèbre pour ses concerts spectaculaires, combinant performances musicales virtuoses et effets visuels futuristes. Le groupe utilise des écrans géants, des hologrammes, et des jeux de lumière immersifs, créant une expérience sensorielle unique pour les spectateurs. Leur capacité à réinventer constamment la mise en scène de leurs tournées est une des raisons pour lesquelles ils attirent des foules massives à chaque concert.
5. Quels sont les prochains projets de Muse ?
Muse n’a pas encore annoncé de date précise pour leur prochain album, mais ils continuent d’expérimenter de nouvelles sonorités et de pousser les limites de leur musique. Il est probable que leur prochain projet explore davantage les nouvelles technologies et l’impact de la la science-fiction sur la société moderne, thèmes récurrents dans leur œuvre.
Lacomposition photographique est l’une des bases fondamentales de tout art. Que ce soit la photographie, la peinture ou le graphisme.
C’est le mot pour décrire comment tout dans votre pièce s’emboîte. Mais la composition photographique est souvent négligée et rejetée.
La composition photographique
Qu’est-ce que la composition photographique?
Les photographes de tous niveaux ont tendance à s’inquiéter d’abord de leur équipement. Caméras, objectifs, montages d’éclairage, posant leurs modèles. Tout sauf la composition.
Et pourtant, c’est ce qui rassemble leur image.La composition photographique est ce qui sépare une image bien prise d’un cliché. Il existe des «règles» de composition spécifiques que vous devez apprendre et prendre en compte lors de la capture d’une image ou d’une scène.
Ces règles deviendront une seconde nature. Vous ne penserez même pas à la composition.
La composition photographique
Les 5 règles les plus utilisées de la composition photographique
Il existe de nombreux types de composition. Il peut être difficile de savoir quand utiliser chacun d’eux pour augmenter le niveau d’intérêt de votre image.
Parfois, les photographes abusent d’une règle de composition spécifique parce qu’ils ont une connaissance limitée des possibilités.D’autres règles de composition sont abusées, car les photographes ne savent pas comment les utiliser.L’une de ces règles de composition sur-utilisées et abusées est la règle des tiers.
C’est l’acte de placer l’intérêt vers les coins de l’image, plutôt que vers le centre.Lorsque vous utilisez cette règle, vous devez penser à votre style et à votre contenu.Il doit aider à réitérer et à décrire votre concept ou votre message.
Si ce n’est pas le cas, cela va à l’encontre de l’image.
Toutes les photographies de personnes ou avec des personnes à l’intérieur auront des lignes oculaires. À moins que vous n’aimiez la composition Guillotine (pas de têtes), vous aurez des lignes des yeux.
C’est là que regarde votre sujet. Cela pourrait être vers la caméra et le spectateur.Cela peut également être adressé à une autre personne ou à un sujet dans le cadre. Certains vous font sortir du cadre.
Les yeux dans une image sont notre point de départ. Nous suivons ensuite leur regard sur ce sur quoi ils se concentrent.
La composition photographique
Comment choisir le placement de l’horizon dans la composition photographique
L’horizon est important. Au niveau de la mer, il est à 86 milles de l’horizon.C’est l’endroit où le ciel et la terre se rencontreront toujours, et c’est tout autour de vous.
Alors, où mettez-vous cette ligne dominante dans votre cadre? Eh bien, beaucoup de gens prendront une image 50/50, plaçant la ligne au centre de l’image.Cela n’accorde aucune importance à l’une ou l’autre moitié.Cela pourrait être symétrique. Pourtant, cela ne vous donne rien d’autre que la sensation de deux images collées ensemble.
La question importante est de savoir ce qui est le plus intéressant: le ciel ou la terre?
Quelle est la règle des tiers? (Et comment l’utiliser dans les photos!)
La règle des tiers fait partie des règles de composition les plus essentielles en photographie. Lorsque vous commencez à prendre des photos, vous apprenez très vite à connaître cette règle.
La règle des tiers divise le cadre avec deux lignes verticales et deux lignes horizontales. Les quatre lignes se coupent en quatre points. Pour créer une photo visuellement attrayante, vous devez placer vos points d’intérêt autour de ces endroits.
La composition photographique
Tirer le meilleur parti des lignes, des formes et des formes
Après avoir pris de nombreuses photos, vous constaterez que chaque endroit a des lignes, des formes et des formes. Certaines images en auront plus que d’autres.
En tant que photographes assoiffés de composition, nous pouvons les utiliser à notre avantage.Les lignes sont les bords d’un sujet ou d’un objet qui montrent les limites entre deux ou plusieurs éléments différents.
Ils servent également à diriger les yeux du spectateur. La forme est ce qui donne du caractère à l’objet.Cela peut être bidimensionnel. Pourtant, la forme est ce qui lui donne un aspect 3D grâce à l’utilisation d’ombres ou de perspective.
La composition photographique
Comment utiliser les triangles dans la composition photographique
Les triangles sont des formes très importantes. Regardez les pyramides pour leur force et leur puissance. Vous les trouverez également dans tout ce que vous voyez et souhaitez photographier.
Ils sont puissants car ils combinent les techniques des lignes et des chemins. Ils donnent au spectateur une impression de stabilité. Ou même de l’instabilité.
Ces triangles peuvent englober la règle des lignes directrices. Ils pointent vers une partie de l’image avec intérêt.Les triangles implicites sont ce que vous trouverez le plus courant. Les lignes constituent une forme implicite, plutôt qu’un triangle exact.
La composition photographique
Utilisation du poids visuel dans vos photos
Le poids visuel d’une image est plus que la somme de ses parties. Chaque sujet ou objet a un poids, visible sur ses photographies.En comprenant les poids des objets, vous pouvez les contrôler.
Les yeux fournissent des poids visuels très forts dans les images.Ils sont l’endroit où nous accordons le plus d’attention.Réduire les yeux dans une image, c’est réduire l’attention et la concentration que vos spectateurs donneront à une scène.
Équilibrer une image est un bon début pour une composition réussie. La symétrie peut être un moyen efficace de montrer une scène équilibrée.
De droite à gauche comme vu dans une scène architecturale, ou de haut en bas que vous voyez dans un reflet. Ils sont tous deux puissants pour attirer votre attention sur l’image.
Le placement, la taille et le poids visuel des objets dans la scène sont importants pour créer un équilibre. Le contraire peut également fonctionner.Déséquilibrer une scène exprès peut provoquer des tensions.
Votre spectateur recherchera l’image pour la compréhension ou la signification.
La composition photographique
Le « point unique » extrêmement important dans la composition
Un bon point de départ pour la composition consiste à se concentrer sur la capture d’un sujet.Cela vous aidera à vous concentrer sur un sujet ou un élément.
Oubliez les arrangements distrayants ou complexes.
Un seul point brisera une scène simple, ajoutant de l’intérêt à une zone qui manque.Ce que vous voulez d’avoir un point unique dépend de votre propre vision et de ce qui est à votre disposition.
Photographier un portrait est un excellent exemple de cette composition en un seul point.Il peut même fonctionner parallèlement à la règle des tiers, en plaçant le visage vers les coins de l’image.
Le choix du bon point de mise au point est crucial pour la composition en photographie. Le bon point de mise au point aide à transmettre le message que vous voulez dire avec votre photographie. Et aide le spectateur à le comprendre.
Avant d’expérimenter avec les points de mise au point pour améliorer votre composition photographique, vous devez comprendre la partie technique.Vous devez apprendre à sélectionner un point AF avec votre appareil photo.
Et décidez également si vous souhaitez prendre des photos en mode manuel ou dans l’un des modes de mise au point automatique.
Composition de photographie de figure à fond
La figure au sol est une forme de composition. Nous pouvons l’utiliser pour différencier deux couleurs ou contrastes opposés.C’est une excellente technique pour séparer votre sujet de son arrière-plan.
Une photographie doit pouvoir être bien «lue». Nous constatons souvent que les images les plus simples fonctionnent le mieux.Cette forme de composition prend une image d’un sujet d’une manière qui lui accorde la plus grande attention.
Si vous photographiez un chien blanc dans la neige, il serait difficile pour le spectateur de se concentrer sur l’animal.C’est parce que le premier plan et l’arrière-plan sont blancs. Alors, comment pouvons-nous contourner cela?
Utiliser le ratio d’or pour démarrer vos photos
Le nombre d’or est un guide de composition. On l’appelle parfois la spirale de Fibonacci, la spirale dorée, la grille phi ou la moyenne d’or.Il aide à guider l’œil du spectateur sur toute la photo, menant à des images plus captivantes.
Ceci est basé sur les spirales vues dans la nature, de l’ADN aux ondes. Le rapport est de 1,618 pour 1.Avec deux pièces, si vous en faites une 1,618 fois la taille de l’autre objet, la paire sera agréable à l’œil.
La spirale dorée suggère de placer le sujet sur la plus petite boîte de cette spirale.
Une fois que vous avez commencé à rechercher des modèles, vous commencerez à les voir partout. Tout a un motif si vous êtes suffisamment proche ou assez éloigné pour les voir.
Les meilleurs photographes de rue sont aptes à reconnaître (et souvent à casser) des modèles. Ils peuvent être à la fois artificiels et naturels.
La photographie architecturale est un excellent genre pour trouver des motifs géométriquement parfaits. Trouver les modèles et les montrer est un défi en soi.
Cadres naturels pour une meilleure composition photo
Le cadrage naturel est un outil de composition précieux dans l’inventaire de tout photographe.Il dirige l’œil du spectateur vers le centre d’intérêt d’une photographie avec rapidité et efficacité.
Ils ajoutent également du récit et de la profondeur à une image, en retenant l’attention du spectateur plus longtemps.Les cadres sont partout où nous regardons, et photographier avec un appareil photo utilise déjà un cadre.
Cette composition aiguise votre attention sur l’intérieur. C’est là que se trouvent les sujets les plus intéressants.
En photographie, le «cadre» est la scène rectangulaire que votre appareil photo capture. Remplir le cadre signifie que vous faites occuper votre sujet sur une grande partie de la photo.
Les photographes débutants laissent souvent trop d’espace autour de leurs sujets. C’est peut-être parce qu’ils sont trop timides pour se rapprocher de leur sujet. Mais vous devez le faire si vous souhaitez remplir le cadre.
Rappelez-vous ce que le grand photojournaliste, Robert Capa a dit: «Si vos photos ne sont pas assez bonnes, vous n’êtes pas assez proches».
Comment utiliser la symétrie dans la composition photographique
La symétrie est attrayante pour l’œil humain. Nous gravitons vers ces imperfections visuelles comme une fourmi au sucre.Il y a un réconfort dans ces images. Ils offrent une ambiance paisible et apaisante.
Pour le portrait, cela peut paraître étrange, mais pour les paysages, ils fonctionnent bien.
Présentation du photographe de concert Ross Halfin
Ross Halfin (né le 11 août 1957) est un photographe britannique de rock and roll . Il commence la photo en travaillant pour le magazine Sounds dans les années 70, où il tourne avec divers artistes sur la scène punk, notamment avec les Sex Pistols , Clash , Jam , 999 et The Adverts.
Photographe culte, Ross Halfin suit Metallica depuis presque 30 ans. De leur tout début en 1981 jusqu à leur tournée World Magnetic en 2010, il a tout vu, tout immortalisé, participant à faire de ce groupe la légende du rock que le monde entier connaît : « Il est toujours planté devant votre putain de gueule… Chaque goutte de sueur, chaque molécule de salive, chaque poil de nez superflu… Putain, il saisit tout parce qu’il est toujours là où il faut. » Lars Ulrich
La carrière de Ross Halfin photographe
Ross Halfin a travaillé avec toutes les stars laplanète Rock et Metal, parmi lesquels Iron Maiden, Def Leppard, KISS, les Clash, les Sex Pistols et les Who. Il vit à Surrey, en Angleterre.
Ayant étudié les beaux-arts à la Wimbledon School of Art au cours des années 1970, Ross Halfin avait prévu de devenir peintre, mais trouvait l’école d’art trop prétentieuse et aussi étouffante.
Presque par accident, Ross Halfin se passionne pour la photographie musicale, introduisant ses appareils photo dans des concerts comme The Who, AC / DC, Led Zeppelin, Man et Free. Parce que Sounds, Melody Maker et NME s’intéressaient à la scène punk, Ross Halfin avait également tourné The Clash, The Sex Pistols, The Jam, Adam Ant, The Adverts, Blondie et The Specials.
Des concerts et des stars du rock qui se sont comportées comme telles, pas des petits trucs apologétiques auto-apitoyantes. Il passera la décennie suivante à parcourir le monde avec des poids lourds tels que Iron Maiden, Metallica, Def Leppard, Guns N ‘Roses, Kiss et Mötley Crüe. Ross Halfin travaillera également comme photographe officiel de la tournée pour Paul McCartney, George Harrison et Qui parmi de nombreux autres.
Le photographe Ross Halfin a également fait des artworks d’albums, des programmes de tournées, des affiches et d’innombrables couvertures de magazines (son image emblématique d’Angus Young d’AC / DC honorée par le numéro 1 de Kerrang!).
Metallica – Ross Halfin photographe
Ross Halfin photographe de musique mais aussi de voyage...
Loin du monde de la musique et de ses frasques, Ross Halfin s’intéresse de plus en plus aux voyages et à la photographie de voyage.
«J’avais tourné un peu partout, couvrant la scène punk avec du folk et de la soul, et bien sûr tout le rock», explique-t-il. « je suis reconnu comme photographe de concert, mais je ne suis pas que ça…
Dans les années 1990, lorsque la musique et sa distribution ont commencé à changer, j’ai également commencé à changer moi aussi , j’ai eu envie de photographier d’autres sujets. La photographie de voyage est devenue importante pour moi; J’avais peint des paysages à la faculté des arts et j’avais l’impression de revenir en arrière.
Ces images sont restées inédites jusqu’à Sojourner, un livre de photos capturées au cours de temps morts lors de missions globales, qui a été publié via Genesis Publications en 2011. «Je les ai toutes prises pour mon propre plaisir», dit-il. «Mon seul regret est de ne pas m’être lancé dans la photographie de voyage. Pour moi, il n’y a pas de plus de belles choses que la texture d’un ciel asiatique. «
Ross se sent-il mal compris? «Pas exactement, mais je suis définitivement stéréotypé», répond-il.
Pour Ross Halfin, il n’y a qu’une seule définition d’une bonne photo. « C’est quelque chose qui va arrêter quelqu’un dans sa trajectoire », estime-t-il. «Cela devrait leur donner envie de revenir en arrière, de regarder et d’examiner plus en détail. C’est pourquoi cela m’agace lorsque les concepteurs mettent trop de mots sur une couverture de magazine que j’ai faite. Cette image devrait juste vendre le magazine, et rien de plus. »
Sa technique photographique est basée sur l’utilisation de la lumière naturelle et artificielle pour créer des images dynamiques et expressives qui capturent l’énergie et l’essence de ses sujets.
Pour réaliser ses portraits, Ross Halfin utilise souvent un équipement photographique de haute qualité, notamment des appareils photo professionnels et des objectifs à grande ouverture pour capturer des images nettes et lumineuses avec une faible profondeur de champ.
Il travaille également beaucoup en post-production pour ajuster la couleur et le contraste de ses images afin d’obtenir des résultats qui correspondent à sa vision artistique.
Enfin, l’une des techniques les plus importantes de Ross Halfin est son approche personnelle envers ses sujets. Il cherche à établir une connexion avec eux pour les mettre à l’aise et leur permettre de se montrer sous leur meilleur jour. Cette approche donne souvent des résultats étonnamment naturels et spontanés, créant ainsi des images uniques et mémorables.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
ROSS HALFIN a parcouru le monde en photographiant des stars du rock comme Jimmy Page et Mötley Crüe dans des décors aussi variés que Perth, en Australie, et les Badlands du Dakota du Sud. En cours de route, il a appris quelques choses sur le meilleur objectif avec lequel voyager et où trouver un paysage magnifique. Pour un coucher de soleil saisissant, il a dit que la fenêtre d’un avion qui décolle de l’aéroport international de Los Angeles est l’endroit où il faut être. « Vous voyez la côte de la Californie toute dans l’ombre et cette incroyable lumière dorée. C’est Los Angeles à son meilleur.
Vous trouverez ci-dessous des extraits d’une conversation sur où et comment capturer les meilleures vues du monde, avec ou sans appareil photo.
Q. Comment prendre une bonne photo depuis un avion ? Ross Halfin: Assurez-vous d’être devant l’aile. Et déterminez toujours de quel côté de l’avion le soleil se couche. Tirez sur un léger angle et vous obtiendrez de superbes choses. J’utilise un Leica D-Lux 5, qui est un peu sûr, un appareil photo fantastique. Il a beaucoup d’options, comme une palette de peinture. En prenant des photos en fin de journée, vous obtiendrez des couleurs extrêmes.
Q. Comment composer une bonne photo de voyage ? Ross Halfin: Vous devez essayer de filmer les choses d’une manière différente. Le temple d’Uluwatu à Bali est situé au bord de la mer. C’est sur une falaise, en fait, une chute de mille pieds. De cette façon, vous regardez la mer d’en haut, d’en haut, et vous obtenez ces textures et ces couleurs étonnantes ; l’océan s’écraser sur le rivage; toutes ces couches. Je pouvais y aller et obtenir des images différentes à chaque fois.
Q. Quel est le meilleur équipement photo pour les voyageurs ? Ross Halfin: J’avais l’habitude de voyager avec un objectif géant de 300 millimètres, mais je me suis retrouvé à l’emmener partout dans le monde et à ne jamais l’utiliser. Donc, un bon objectif est un zoom de 70 à 200 millimètres, pour tirer dans un paysage ; ou un 85 millimètres, pour les portraits. Un grand angle de 35 millimètres est bon pour les couchers de soleil. Vous obtiendrez de très belles photos avec ces trois objectifs et un boîtier de 35 millimètres.
Q. Et si vous ne pouvez prendre qu’un seul objectif ? Ross Halfin: Je prendrais probablement un 85 ou 105 millimètres. Ils sont agréables car vous pouvez photographier à distance ou faire des portraits.
Q. Où les voyageurs doivent-ils aller pour shooter ? Ross Halfin: Hors des sentiers battus. Il faut aller chercher des trucs. A la Barbade, allez dans les collines. Il y a ces incroyables vieux cimetières remplis de tombes de pirates des années 1600.
À Melbourne, passez cette formation rocheuse appelée les 12 apôtres jusqu’à quelque chose appelé Razorback, une falaise étroite qui s’est érodée au fil du temps. Vous vous tenez là et réalisez que la prochaine chose est le pôle Sud. À Bali, éloignez-vous d’Ubud, où se trouvent les Four Seasons et tout, et allez à Abang. Personne n’est là. Allez photographier les rizières juste avant le coucher du soleil. Il y aura des couleurs incroyables.
Pour se rendre à Kelimutu, à Flores, nous avons dû prendre trois petits vols depuis Bali et conduire cinq heures au-dessus d’une montagne dans le noir. Vous pouvez y avoir une voiture et un chauffeur pour 25 $ par jour. Nous nous sommes levés à 3 heures le lendemain matin et avons conduit pendant 30 minutes et marché pendant une heure. Lorsque la lumière s’est allumée, j’ai réalisé que j’étais au-dessus des nuages, regardant trois volcans actifs. Au Népal, à Katmandou, vous êtes au sommet du monde. Ils vous emmèneront dans de petits avions avec de grandes fenêtres et vous feront faire le tour des montagnes pour 100 $.
Q. Comment évitez-vous les touristes ? Ross Halfin: Si vous voulez photographier les pyramides de la lune à Mexico, la seule façon d’obtenir une bonne photo par vous-même – et je l’ai fait avec Metallica – était de soudoyer les gardes à 5 heures du soir et ils restons encore 20 minutes après que tout le monde soit parti.Ou si vous allez aux pyramides en Egypte, l’astuce est d’y aller à l’aube avant que les cars de tourisme n’arrivent à 10h. Les arnaqueurs ne sont même pas là et vous avez les pyramides pour vous tout seul. Vous pouvez faire la même chose le soir.
Hamburger Abendblatt : Lemmy de Motörhead a dit un jour qu’il ne se souvenait pas de beaucoup de choses des années 70. Ressentez-vous la même chose pour les années 80, l’époque où l’on célébrait des fêtes particulièrement somptueuses ? Ross Halfin : Il y a en fait des trucs dont je ne me souviens pas, mais il en va de même pour tous ceux qui étaient là et qui ont pris de la coke. C’était une époque folle quand je pense au groupe Mötley Crüe et à leurs histoires de femmes légendaires – elles sont toutes vraies. A cette époque, je prenais des photos dans le tour bus, c’était de la pure pornographie. Aujourd’hui, personne ne s’en tirerait avec quelque chose comme ça.
Avez-vous également été impliqué dans les excès ? Ross Halfin: Il y avait une fille avec qui tout le monde couchait. J’en ai parlé dans une interview que mon fils a ensuite lue. Il était juste comme, « J’avais deux ans à l’époque, qu’est-ce que tu as dit à maman ? » Eh bien, je suis divorcé maintenant…
Vous a-t-on déjà proposé du sexe pour rapprocher les filles de leurs idoles ? Ross Halfin: Oui, c’est arrivé, mais je n’irais pas là-dedans aujourd’hui. Aussi parce que certains groupes traitaient très mal les filles. Il y avait de mauvaises scènes – mais si je peux vous dire quelque chose d’amusant : en 1992, je voyageais avec Metallica. Après un concert à Des Moines, le directeur de tournée a fait venir trois filles.
Le batteur Lars Ulrich l’a trouvé trop moche et a dit qu’il n’y avait que 20 000 fans devant la scène, donc il devrait y avoir plus de choix. « Non, » répondis-je, « les 19 997 autres étaient des hommes. » C’est le truc avec les émissions de Metallica.
Vous avez beaucoup à voir avec les superstars et leurs managers. Vous avez déjà refusé des commandes car les conditions ne vous convenaient pas ? Ross Halfin: Tout le temps. Je devrais accompagner U2 en tournée ; à l’époque, ils donnaient quatre ou cinq concerts par semaine. Et tout à coup, on a dit que j’étais autorisé à monter dans l’avion, mais pas à parler aux musiciens. C’était dégradant et j’ai quitté le travail. En général, toutes ces règles en cours d’élaboration sont pires que dans l’armée.
Après tout, je ne photographie pas une réunion de la CIA ou une performance d’Obama, mais des gars qui jouent d’un morceau de bois à six cordes. En gros, je ne signe aucun contrat. Si vous ne me faites pas confiance, cherchez quelqu’un d’autre.
Vous avez vu beaucoup de choses sur et surtout derrière la scène au fil des décennies. Y a-t-il autre chose qui vous surprend ? Ross Halfin: Encore et encore. J’étais avec les mecs de Metallica à une soirée chez Lenny Kravitz à Paris. Et quand je suis allé aux toilettes, j’ai vu qu’il avait du papier toilette noir. Avec ses initiales dessus. Ensuite, j’étais juste ennuyé de ne pas avoir pris un rouleau avec moi comme preuve.
Y a-t-il quelqu’un avec qui tu ne retravaillerais plus ? Demi : Norah Jones. J’ai rarement rencontré quelqu’un d’aussi peu professionnel. Elle avait un gros cul et exigeait que je ne m’approche pas à moins de 200 mètres. Une heure était prévue pour les portraits, au final j’ai eu deux minutes. Aussi un emploi que j’ai quitté. Le plus difficile est de photographier des femmes plus âgées. J’ai eu des expériences terribles avec Siouxsie Sioux et Chrissie Hynde des Pretenders, toutes deux dans la soixantaine. Vous pouvez vieillir dignement.
Malgré toute l’adversité, aimez-vous toujours votre travail ? Ross Halfin: Bien sûr. Dire à un chauffeur de bus ou à un agriculteur que mon travail est dur. Elle n’est pas. Bien sûr, les tournages sont parfois épuisants émotionnellement, mais je voyage en première classe, je dors dans des hôtels de luxe et je traîne beaucoup. Pas mal, je pense.
Mais était-ce mieux avant ? Ross Halfin: Avant , tout était beaucoup plus facile pour moi. Les groupes et les managers étaient contents de me voir. Aujourd’hui, il s’agit de gagner le plus d’argent possible. La cupidité éclipse tout. Par exemple, Jon Bon Jovi a demandé 2000 euros pour un billet VIP et les fans n’ont même pas pu le rencontrer en personne pour ce prix. C’est obscène.
Vous vivez à Londres mais travaillez beaucoup aux États-Unis. Vous n’avez jamais pensé à vous y installer ? Ross Halfin: Quand j’étais plus jeune, je rêvais de l’Amérique parce que je pensais que c’était le pays du sexe et de la drogue. Aujourd’hui, je sais que cela ne s’applique qu’à Los Angeles, San Francisco et New York. Rien ne se passe dans le reste du pays. Là-bas, la plupart des gens sont sans instruction et n’ont aucune culture. Donc j’aime bien vivre à Londres. Plus je vieillis, plus j’apprécie l’Europe.
Que doit mettre un groupe pour que vous puissiez le photographier ? Ross Halfin: Eh bien, si c’est un groupe connu, il y a des phrases typiques que je demande. Et maintenant, n’appelez pas. Pour un groupe débutant, je demanderais ce qu’il peut dépenser. Bien sûr, j’ai aussi rendu service à des groupes quand je les aimais particulièrement. Il faut juste faire attention à ne pas se faire abuser. Comme je l’ai dit, la musique est devenue une industrie
C’est une questions des plus difficiles : Qu’est ce que la photographie artistique ? Les domaines où la créativité et le point de vue individuel sont présents et n’amènent pas de réponse évidentes.
«Est-ce de l’art? Commençant par la question de savoir si l’art peut être défini d’une manière utile, la question nécessite toujours une certaine quantité d’interprétation et de sentiment personnels pour répondre, ce qui signifie qu’il ne peut jamais y avoir de véritable consensus.
Que le mode d’expression soit la peinture, la musique ou la littérature, une œuvre peut être une œuvre d’art sublime pour certains et quelque chose de moins pour d’autres.
La photographie n’est pas différente. Comme l’écriture, qui voit une division distincte entre le journalisme et la fiction, la photographie est comprise comme ayant une division claire entre le figuratif et l’artistique.
Le figuratif est la photographie qui cherche simplement à enregistrer une scène telle qu’elle s’est produite naturellement, sans aucune interférence, mise en scène ou même interprétation artistique. L’artistique cherche à créer quelque chose de beau mais pas forcément réaliste ou précis. La question de savoir ce qu’est la photographie artistique se résume finalement à ce concept de transformation.
Qu’est-ce qui définit la photographie artistique ?
Avant tout, la photographie artistique doit être transformationnelle, pas simplement représentationnelle. Bien que vous puissiez capturer une scène incroyable sur le chemin du travail, votre photo ne peut être considérée comme de l’art que si elle a été modifiée d’une manière ou d’une autre par votre intelligence et votre processus de réflexion.
Cependant, cela ne signifie pas que la photographie artistique ne peut être réalisée qu’avec une mise en scène et un éclairage complexes ou des effets numériques; en fait, certaines des photos les plus artistiques jamais prises ont été des paysages – par exemple, l’œuvre d’Ansel Adams.
C’est parce que la transformation artistique est plus subtile que la plupart des gens ne le comprennent. Vous pouvez appliquer un filtre artistique à n’importe quelle photographie via les éléments suivants:
Le cadrage :
En choisissant simplement de cadrer ou de recadrer la scène d’une certaine manière, vous pouvez élever une photo au statut d’art. La célèbre photographie d’Alfred Stieglitz The Steerage (1907) est souvent considérée comme la première photographie artistique importante jamais prise.
Bien que cela puisse être considéré comme purement représentatif, les décisions de Stieglitz en matière de cadrage, de ce qu’il faut inclure dans la scène et de liaison des différentes formes et lignes qui se sont produites naturellement avant lui étaient en réalité transformationnelles, aboutissant à une photographie qui est un véritable art.
Le choix du film:
À l’ère moderne, le choix du film, la couleur par rapport au noir et blanc, et d’autres décisions techniques peuvent agir comme un filtre artistique, transformant une scène même si aucune autre mise en scène ou modification technique n’y est apportée.
L’angle:
La photographie artistique représentationnelle doit simplement prendre en compte la scène qu’elle traverse. Cependant, la scène peut être élevée simplement en prenant la décision de prendre la photo sous un angle spécifique, un point de vue spécifique et à un moment précis.
La photographie artistique nécessite la prise en compte du recadrage et du cadrage.
La vision artistique :
À l’ère moderne, les questions entourant la photographie artistique ont été compliquées par la technologie. Les photographes disposent désormais d’outils incroyablement puissants qui peuvent changer complètement l’apparence des photos – tout comme la plupart des gens, sous la forme de filtres qu’ils peuvent appliquer sur les photos prises avec leurs smartphones et autres appareils.
Des applications informatiques comme Photoshop ont également placé des capacités incroyables entre les mains de photographes sans formation.
En conséquence, les photographes modernes se sont séparés en deux approchent
Une Manipulation accrue :
Manipulation directe du sujet et de la scène pour différencier leur travail non seulement de la photographie artistique figurative, mais du travail amateur produit par l’application automatique de filtres et d’effets.
Une approches plus naturalistes :
Certains photographes en sont venus à valoriser la lumière naturelle et les techniques sans effet, cherchant à transformer leurs photos en art en utilisant uniquement des méthodes traditionnelles comme le cadrage et le recadrage.
La plupart des gens reconnaissent plus facilement le premier comme un art en raison de la préparation et du travail nécessaires à la mise en place d’un plan – impliquant souvent des techniques d’éclairage, la construction de décors et la location de modèles.
Cependant, cette dernière approche, tout en se rapprochant d’un modèle de représentation, implique toujours le filtre d’un point de vue artistique. Bien que le résultat final puisse être plus subtil, c’est toujours de l’art.
Une approche plus controversée …
Une dernière approche plus controversée – adoptée par des artistes tels que Gerhart Richter – consiste à transformer les photographies via l’application d’autres matériaux, tels que la peinture sur la photographie ou la transformer physiquement.
Si l’œuvre finale peut facilement être considérée comme une œuvre d’art, la question de savoir si la photographie elle-même doit être considérée comme une photographie artistique – puisqu’elle n’avait pas de nature artistique inhérente avant l’application d’un processus externe – est solide. Cependant, beaucoup le considèrent simplement comme un équivalent analogique des filtres numériques.
En fin de compte, bien sûr, l’art est créé par le spectateur. Une photographie qui élève votre esprit, modifie votre vision du monde ou vous affecte d’une autre manière peut être considérée comme un art, quelle que soit sa qualification technique ou procédurale. Découvrez notre collection de belles photographies d’art et dites-nous ce que vous en pensez!
7 conseils pour commencer la photographie artistique.
L’aspect le plus important de la photographie d’art est la vision du photographe. Il ne s’agit pas de la réalité ou de ce qui est devant la caméra. Tout dépend du message ou de l’émotion que le photographe veut évoquer lorsque quelqu’un est témoin de cette image.
La photographie d’art peut parfois être très différente de la réalité. Mais vous pouvez toujours prendre des images réalistes de style documentaire tout en faisant de la photographie artistique.
Passons à un tas de conseils et d’idées que vous pouvez utiliser pour vous lancer dans la photographie artistique.
1. Créer un corpus de travail cohérent
photographie artistique
Un corpus d’oeuvre signifie une collection d’images quelque peu liées les unes aux autres. Il peut s’agir du même type de sujet ou d’activité ou même d’un style de traitement. Parfois, une seule image ne suffit pas pour transmettre les sentiments ou la vision réels d’un photographe.
Par exemple, j’ai créé un petit corpus d’œuvres nommé Bustle. J’ai rassemblé 15 images illustrant les activités de personnes qui se dirigent vers leur destination dans leur vie de tous les jours.
Certaines des images de cette collection sont ci-dessus. Remarquez sur chaque image, comment les jambes des personnes sont en mouvement . Cette chose est commune à toutes les images avec le même style de traitement. Et c’est comme ça qu’ils sont liés.
Pour un travail décent, collectez au moins 10 à 15 images qui sont fortement liées les unes aux autres d’une manière que le spectateur peut facilement identifier.
2. Suivre le travail de photographes célèbres
Je sais que cette astuce est trop évidente. Je détestais ça aussi au début. Mais c’est la réalité à laquelle nous devons tous faire face. La photographie artistique est un créneau très difficile et aucun livre, article ou atelier ne peut vous apprendre mieux que d’étudier les œuvres de photographes d’art célèbres eux-mêmes.
Prenons par exemple Annie Leibovitz, la célèbre photographe portraitiste des beaux-arts. Elle utilise un style d’éclairage unique avec des couleurs et des poses audacieuses . Josef Sudek et Philip-Lorca Dicorcia sont quelques autres photographes dont vous devriez découvrir le travail.
Choisissez un photographe d’art que vous aimez et étudiez son travail. Analysez comment leurs images sont connectées les unes aux autres. Voyez ce qui les rend spéciaux.
3. Photographie artistique : ne photographiez pas en noir et blanc uniquement
photographie artistique
Je sais que la première chose qui me vient à l’esprit à propos de la photographie artistique est le noir et blanc .
La majorité de la photographie professionnelle des beaux-arts est en noir et blanc. Mais c’est uniquement parce que le noir et blanc réduit la distraction et vous permet de vous concentrer davantage sur le message d’une photographie.
Mais vous pouvez toujours obtenir la même chose avec des compositions plus propres et épurées. En raison des compositions simples, les versions couleur sont bien meilleures et plus puissantes que le noir et blanc.
C’est le concept qui compte. Convertissez vos images en monochrome uniquement si cela ajoute vraiment de la valeur.
photographie artistique
4. Avoir une déclaration d’artiste
Rédiger une déclaration d’artiste avant de démarrer un projet est très utile. Cela clarifie votre esprit sur l’objet de votre projet. Une fois votre déclaration prête, il vous sera facile de rechercher des sujets et de minimiser les distractions dans vos images.
La déclaration de l’artiste n’a pas besoin d’être pleine de jargon technique ou de longs paragraphes. Soyez bref . Pour commencer, écrivez deux ou trois phrases qui donnent un aperçu de votre projet. Expliquez ensuite comment ces idées sont présentées dans votre travail.
Voici un exemple : Les marchés et les arrêts de bus sont les endroits où l’on trouve toujours des gens pressés. Ils se précipitent vers leurs destinations. Ils n’ont pas le temps de s’arrêter et de réfléchir à ce qui se passe autour d’eux.
J’adore capturer les gens quand leurs gardes sont à terre. Mon travail se compose de photographies dans lesquelles mes sujets sont des personnes qui s’activent vers leur destination. Toutes les images ici sont capturées sous une forme purement candide.
Pour les galeries et autres espaces professionnels, vous pourriez avoir besoin d’un artiste BIO complet ou d’une déclaration d’artiste complète, mais cela sort du cadre de cet article.
5. Utiliser la vitesse d’obturation pour modifier la réalité sur vos photos artistiques
photographie artistique
Étant donné que la photographie artistique concerne la vision de l’artiste, vous pouvez utiliser diverses techniques pour mettre en valeur votre message. Cela pourrait être un type spécifique de technique de post-traitement, dans la tromperie ou la composition.
Dans l’image ci-dessus, je voulais mettre l’accent sur la nature solitaire mais agressive de l’ océan . Une vitesse d’ obturation rapide comme 1/200 de seconde pourrait geler le mouvement. Trop lent et cela pourrait ajouter une sen
Vous pouvez utiliser cette technique pour déplacer des personnes, des voitures, etc., pour modifier les scènes et leur donner une signification spécifique. Essayez de montrer quelque chose dont nos yeux ne sont pas habitués à être témoins dans la vraie vie.
6. Photographie artistique : utiliser des styles uniques d’étalonnage et de traitement des couleurs
Le noir et blanc est trop courant. Tout le monde l’utilise. Avoir un style de traitement ou un étalonnage des couleurs unique est très important pour un photographe d’art. Cela aide les gens à reconnaître votre travail.
Prenez le peintre Vincent van Gogh. Il a un style très distinctif dans ses peintures. Si vous le connaissez, vous reconnaîtrez probablement ses toiles parmi des centaines d’autres toiles. C’est la puissance d’un style signature.
Vous ne pouvez pas créer un corpus de travail uniquement sur le style de traitement, mais avoir un style cohérent et unique aidera vos images à devenir plus cohérentes et connectées.
7. Utiliser un seul sujet pour un projet entier
Vous pouvez utiliser un sujet spécifique pour l’ensemble de votre travail ou un mini projet si vous le souhaitez. C’est un bon début pour un projet de photographie d’art pour les débutants .
Il est facile à planifier et à exécuter. Les résultats sont plus cohérents. Et vous apprendrez les bases tout en vous concentrant sur un seul sujet.
Christian Richter est un photographe allemand qui a réalisé une série complète sur les lieux abandonnés à travers l’Europe. « Je vis dans un pays du Moyen-Orient, Oman, qui regorge de vieille architecture islamique . J’ai donc réalisé un projet nommé Arches d’Oman et photographié des arches dans divers bâtiments et mosquées. »
Vous pouvez sélectionner n’importe quelle activité, lieu ou thème spécifique pour démarrer votre premier projet.
Éviter les clichés de photographie artistique.
Voici donc une petite liste de clichés que vous devez comprendre avant de vous lancer. Et puis vous devriez les éviter.
1. Images extrêmement vagues
La photographie d’art n’est pas une énigme à résoudre. Si votre concept est un peu vague, présentez un corpus complet de travail afin qu’il soit facile à comprendre pour les gens.
2. Images bruyantes et granuleuses
Parfois, vous photographiez dans des conditions de lumière extrêmement faible et cela introduit du bruit. C’est compréhensible. Cependant, ajouter du grain dans le post, juste pour couvrir une mauvaise exposition ou pour donner l’impression qu’il a été tourné sur un film, n’est pas acceptable.
3. Vignettes fortes
Les vignettes aident à concentrer l’attention du spectateur sur le sujet. Mais n’ajoutez pas de vignette forte juste pour donner l’impression que l’image a été tournée sur un film. Ou pour essayer de cacher une mauvaise composition.
Conclusion
La photographie d’art va au-delà de ce qui se trouve réellement devant la caméra. C’est l’interprétation très personnelle d’un artiste d’une situation qui peut être très différente de la réalité.
Le cœur même de la photographie d’art est de transmettre un certain sentiment ou un message à travers votre photographie. La caméra n’est qu’un médium.
Vous faites tout ce qu’il faut pour transmettre votre message. Que vous ayez besoin d’utiliser des techniques de traitement à huis clos ou de post-traitement. Présenter vos images comme un ensemble cohérent de travail avec une déclaration d’artiste n’est pas seulement professionnel, mais il transmet également votre message plus clairement.
Avez-vous besoin d’un diplôme en beaux-arts pour cela ? A mon avis, non. Il est utile de comprendre l’histoire et l’évolution de la photographie artistique. Mais ce n’est pas une obligation.
Le plus important est de former votre vision et d’utiliser votre imagination pour faire ressortir quelque chose d’unique à partir de situations ordinaires.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photographie artistique est un style de photographie qui est créé pour exprimer des idées ou des émotions plutôt que pour documenter un événement ou une situation spécifique.
2. Qu’est-ce qui différencie la photographie artistique de la photographie documentaire ?
La photographie artistique est créée pour l’expression personnelle et la créativité de l’artiste, tandis que la photographie documentaire est créée pour documenter un événement ou une situation spécifique.
3. Quels types de photographies peuvent être considérés comme de la photographie artistique ?
La photographie artistique peut inclure une variété de styles et de techniques tels que le portrait, le paysage, l’abstrait, le surréalisme, la photographie de rue et la photographie de mode.
4. Comment peut-on apprécier la photographie artistique ?
La photographie artistique peut être appréciée de nombreuses manières, notamment en visitant des expositions de photographies, en achetant des tirages d’art pour les collectionner et en suivant des photographes artistiques sur les réseaux sociaux.
5. Comment les photographes artistiques déterminent-ils le prix de leurs œuvres ?
Les photographes artistiques déterminent souvent le prix de leurs œuvres en fonction de leur expérience, de leur renommée, de la rareté de leur œuvre et de la taille du tirage.
6. Comment peut-on se former à la pratique de la photographie artistique ?
La formation à la pratique de la photographie artistique peut inclure des cours de photographie dans des écoles ou des universités, des ateliers de photographie, des stages et des résidences d’artistes.
7. Comment peut-on acheter des tirages d’art en photographie artistique ?
Les tirages d’art en photographie artistique peuvent être achetés en visitant des galeries d’art, des foires d’art, des ventes aux enchères ou en ligne sur des sites spécialisés dans la photographie artistique.
8. Comment peut-on prendre soin de ses tirages d’art en photographie artistique ?
Il est important de prendre soin de ses tirages d’art en photographie artistique en les encadrant sous verre anti-reflets, en évitant la lumière directe du soleil, l’humidité et les températures extrêmes. Les tirages d’art doivent également être nettoyés régulièrement avec des méthodes de nettoyage appropriées.
Les fanatiques et militants du franc-parler Rage Against the Machine ont éduqué des foules de fans de musique en injectant leur cocktail Molotov explosif de rap, de punk hardcore, de funk et de métal avec une dose d’une urgence farouchement polémique et politiquement chargée.
Explosion mainstream en 1992 pour Rage Against the Machine avec « Killing in the Name » – leur protestation sonore contre la brutalité policière et le racisme systémique – Rage Against the Machine a planté son drapeau dans la scène avec son premier triple platine, Rage Against the Machine , qui a courtisé la controverse avec son couverture graphique d’un moine bouddhiste protestant et auto-immolé.
Pour le reste de la décennie, lesRage Against the Machine ont continué à faire passer ce message anti-autoritaire et révolutionnaire, prolongeant leur séquence de platine avec les gagnants ultérieurs des Grammy Awards Evil Empire (1996) et The Battle of Los Angeles (1999).
Au tournant du millénaire, il semblait qu’ils ne montreraient aucun signe de relâchement, d’équilibrer les ventes et le succès des graphiques avec des manifestations qui font la une des journaux (comme la fermeture de la Bourse de New York pour un tournage vidéo).
Rage Against the Machine
Cependant, à la fin de 2000, Rage Against the Machine a implosé et a décidé de faire une pause. Après avoir publié un album de reprises, Renegades , les membres ont poursuivi d’autres projets, avec le chanteur Zack de la Rocha en solo et le reste du groupe formant Audioslave avec Soundgarden.le chanteur Chris Cornell .
Dans les années 2010, un album de retour de Rage Against the Machine ne s’est jamais matérialisé, mais le groupe est resté un incontournable du paysage culturel, effectuant des spectacles et travaillant sur des projets parallèles tels que Prophets of Rage .
Au tournant de la décennie suivante, Rage Against the Machine a fait un autre retour officiel, organisant une tournée mondiale de retrouvailles en 2020 qui a été mise à l’écart par l’épidémie de la pandémie COVID-19.
La même année, au milieu des manifestations internationales contre la brutalité policière, leurs débuts marquants ont touché une corde sensible auprès des manifestants, réintégrant les charts américains alors que chacun de leurs albums atteignait le Top 30 des services de streaming.
Rage Against the Machine : la formation du groupe
La formation initale de Rage Against the Machine
S’attaquant aux entreprises américaines, à l’impérialisme culturel et à l’oppression gouvernementale, Rage Against the Machine s’est formé à Los Angeles au début des années 90 à partir de l’épave d’un certain nombre de groupes locaux: le chanteur Zack de la Rocha (le fils de l’artiste politique chicano Robert de la Rocha) est issu des groupes Headstance , Farside et Inside Out ; le guitariste Tom Morello (le neveu de Jomo Kenyatta, le premier président kenyan) est originaire de Lock Up ; et le batteur Brad Wilk a joué avec le futur leader de Pearl Jam Eddie Vedder .
Premiere cassette du groupe
Complété par le bassiste Tim Commerford , un ami d’enfance de de la Rocha , Rage Against the Machine a fait ses débuts en 1992 avec une cassette de 12 chansons auto-publiée et intitulée « Bullet in the Head », qui est devenue un succès lors de sa réédition en single plus tard. dans l’année.
La bande a valu au groupe un accord avec Epic, et leur saut dans les majors n’est pas passé inaperçu par les détracteurs, qui ont remis en question l’intégrité révolutionnaire de la décision de Rage Against the Machine de s’aligner sur la société mère du label, le géant des médias Sony.
Rage Against the Machine : le succès
Sans se décourager, le quatuor a fait ses débuts officiels sur les grands labels avec Rage Against the Machine , marquant des succès avec des singles comme « Killing in the Name » et « Bombtrack ». Après avoir tourné avec Lollapalooza et déclaré son soutien à des groupes comme FAIR (Fairness and Accuracy in Reporting), Rock for Choice et Refuse & Resist, Rage Against the Machine a passé quatre ans apparemment tumultueux à travailler sur leur suivi.
Malgré les rumeurs d’une rupture, Rage Against the Machine revient en 1996 avec Evil Empire , qui est entré dans les charts américains au numéro un et a marqué un single à succès avec « Bulls on Parade ».
Le morceau « Tire Me » a remporté un Grammy pour la meilleure performance métal.
En 1997,(le Wu a par la suite abandonné la tournée et les Roots les ont remplacés) et sont restés actifs dans le soutien de diverses causes politiques de gauche, y compris un concert-bénéfice controversé en 1999 pour la condamnée à mort Mumia Abu-Jamal .
Rage Against the Machine
Le troisième album The Battle of Los Angeles a suivi en 1999, faisant également ses débuts au numéro un et devenant double platine l’été suivant. L’album single « Guerrilla Radio » a valu à Rage un deuxième Grammy, cette fois pour la meilleure performance de Hard Rock.
En direct au Grand Auditorium OlympiqueAu début de 2000, de la Rocha a annoncé des plans pour un projet solo et le groupe a présenté un spectacle incendiaire en dehors de la Convention nationale démocrate en août (et des mois plus tard, les choses ont remué en dehors de la Convention nationale républicaine).
Le split de Rage Against the Machine
Entre les deux, le bassiste Commerford a été arrêté pour conduite désordonnée aux MTV’s Video Music Awards après sa perturbation bizarre d’un discours d’acceptation de Limp Bizkit . Des plans pour un album live ont été annoncés peu de temps après, mais en octobre, de la Rocha a annoncé brusquement son départ du groupe, invoquant des pannes dans la communication et la prise de décision du groupe.
Surpris mais pas en colère, le reste des Rage Against the Machine ont annoncé son intention de continuer avec un nouveau chanteur, tandis que de la Rocha s’est recentré sur son album solo, qui devait inclure des collaborations avec des artistes hip-hop de renom, notamment DJ Shadow et El-P de Company Flow .
Décembre 2000 a vu la sortie du dernier effort de studio de de la Rocha avec le groupe, les Renegades produits par Rick Rubin ; il comprenait près d’une douzaine de reprises d’artistes hip-hop, rock et punk comme EPMD , Bruce Springsteen , Devo , les Rolling Stones , le MC5 , et plus encore.
En 2001, Morello ,Wilk et Commerford avaient formé Audioslave avec le chanteur de Soundgarden Chris Cornell , et le groupe a sorti un album éponyme à la fin de 2002. Avec un album solo de la Rocha toujours pas annoncé, Epic a finalement sorti l’album de concert promis depuis longtemps Live at the Grand Auditorium olympique sur CD et DVD à temps pour Noël 2003.
Rage Against the Machine: les rumeurs de réunion.
Au cours des années suivantes, les rumeurs d’une réunion de Rage Against the Machine ont toujours tourbillonné mais ne se sont jamais concrétisées.
Deux albums Audioslave ont suivi en 2005 et 2006 avant la séparation du groupe, puis l’année suivante, Morello a commencé à sortir le folk-punk protestataire en tant que Nightwatchman .
Cette année a également amené la réunion tant attendue de Rage Against the Machine . Tout d’abord, le groupe a joué le jour de clôture du festival Coachella en 2007, puis en 2008 plusieurs autres concerts ont suivi, coïncidant généralement avec les principaux festivals en Europe et aux États-Unis.Aucun nouveau travail en studio de Rage Against the Machine ne s’est matérialisé, mais de la Rocha a collaboré avec l’ancien batteur de Mars Volta Jon Theodore dans un groupe appelé One Day as a Lion , sortant un EP cette année-là.
2009, le retour de Rage Against the Machine !
La prochaine explosion d’ activité de Rage Against the Machine est survenue en 2009 quand il y avait une campagne Internet pour amener « Killing in the Name » au sommet des charts britanniques, le tout dans l’espoir d’empêcher un gagnant de X Factor de prendre la pole position.
La campagne virale a fonctionné et Rage Against the Machine a donné un concert de célébration gratuit à Finsbury Park à l’été 2010.
Malgré tous ces concerts – y compris une apparition à l’été 2011 à LA Rising, un festival organisé par le groupe – et le mot d’un nouvel album, non des enregistrements sont apparus.
En 2013, leur premier album a reçu une réédition de luxe et, deux ans plus tard, le concert de 2010 à Finsbury Park a été publié sous forme de CD / DVD. L’année suivante, Morello , Wilk et Commerfordont uni leurs forces avec Public Enemy « s Chuck D et Cypress Colline » s B réel pour former les supergroupes prophètes de Rage , libérant un album éponyme en 2017.
Alors que 2019 touchait à sa fin, Rage Against the Machine a entamé une nouvelle décennie avec plus de rapports sur un retour. Les apparitions de Coachella ont été confirmées plus tard, le début d’un trek mondial qui associerait le groupe vétéran au duo de rap aux vues similaires (et aux collaborateurs fréquents de la Rocha ) Run the Jewels .
Cependant, les plans ont été interrompus en mars, lorsque la pandémie COVID-19 a forcé l’annulation de la plupart des musiques live pour 2020.
En juin, alors que des manifestations contre la brutalité policière éclataient dans le monde après la mort de George Floyd, les albums de Rage Against the Machine sont revenus sur Billboard.
Le premier album de Rage Against the Machine: un album essentiel
Probablement le premier album à fusionner avec succès les sons apparemment disparates du rap et du heavy metal, le premier album éponyme de Rage Against the Machine était suffisamment révolutionnaire lors de sa sortie en 1992, mais beaucoup diront qu’il n’a pas encore été dépassé en termes d’influence. et une brillance pure – bien que d’innombrables groupes aient certainement essayé.
Rage Against the Machine
Ceci est probablement dû à la relation créative unique entre le guitariste Tom Morello et le chanteur rebelle lettré Zack de la Rocha .
Alors que les racines du premier dans le déchiquetage du heavy metal des années 80 ont donné lieu à une gamme inimitable d’acrobaties à six cordes et d’effets spéciaux rythmiques (que peu de guitaristes ont réussi à reproduire), ce dernier a livré des rimes significatives avec une conviction chargée d’émotion que le blanc de banlieue les garçons de la génération nu-metal qui a suivi ne pourraient jamais espérer toucher.
En conséquence, des dalles syncopées d’insurrection de hard rock comme «Bombtrack», «Take the Power Back» et «Know Your Enemy» étaient aussi instantanément inoubliables qu’étonnantes.
Pourtant, même s’ils excellaient dans l’art de monter lentement la tension comme « Settle for Nothing », « Bullet in the Head » et le « Wake Up » particulièrement venimeux.’s « Kashmir » pour ses propres besoins – ils ont finalement explosé avec une puissance et une fureur impressionnantes.
Et même les auditeurs qui étaient incapables (ou ne voulaient pas) de traiter pleinement le choc unique de muscle et d’intellect du groupe ont été pris en compte, car RATM a pu transmettre leurs messages par une répétition obstinée via le défi fondamental de « Freedom » et leur morceau signature, » Killing in the Name, « qui deviendrait un cri de ralliement de privation du droit de vote, grâce à son mantra implacablement rebelle de « Fuck you, I won’t do what you tell me! »
En fin de compte, s’il y a une déception à avoir avec cet album presque parfait, c’est qu’il domine toujours les efforts ultérieurs en tant que point culminant sans équivoque de Rage Against the Machine.
En tant que tel, il reste absolument essentiel.
Rage Against the Machine : DEVIL EMPIRE
Rage Against the Machine a passé quatre ans à faire son deuxième album, Evil Empire .
Comme le titre l’indique, leur rage et leur mépris pour le système capitaliste «fasciste» en Amérique n’avaient pas diminué au cours de la demi-décennie où ils étaient partis.
Leur approche musicale n’a pas non plus changé. Le chanteur principal Zack de la Rocha est pris à mi-chemin entre les raps militants de Chuck D et les délires fanatiques d’un prédicateur de rue, criant ses slogans simplistes et libertaires sur l’assaut sonore dense du groupe.
Comme le groupe n’a pas beaucoup joué ensemble après 1993, il n’y a pas d’avancée collective dans leur musicalité. Néanmoins, le guitariste Tom Morello démontre une palette sonore impressionnante, créant de nouvelles textures dans le heavy metal, ce qui est assez difficile.
Même avec la virtuosité étudiée de Morello , le groupe semble plombé, manquant de dextérité pour exécuter pleinement leur fusion métal / hip-hop – ils n’entrent pas dans un groove; ils martèlent simplement.
Mais cela correspond aux délires hystériques de de la Rocha . Bien que son dévouement à la politique résolument de gauche soit admirable, son phrasé arythmique et ses cris râpants annulent tout message qu’il essaie de faire. Et cela signifie que Evil Empire ne réussit qu’au niveau d’un assaut sonore.
Rage Against the Machine : Battle of Los Angeles
Rage Against the Machine n’est pas vraiment le seul groupe de metal qui compte, mais leur activisme social et politique agressif est rafraîchissant, surtout à une époque de rage aveugle (ou généralement autodirigée) due à des groupes comme Limp Bizkit , Bush ou Nine.
Enregistré en moins d’un mois, The Battle of Los Angeles est l’album le plus ciblé de la carrière du groupe, explosant depuis la porte et laissant rarement passer le tout.
Comme quelques autres groupes célèbres, Rage Against the Machine a toujours été béni par le fait que le groupe crache autant de vitriol que son leader. Tout problème potentiel créé ici par La prestation d’une note de Zack de la Rocha et les polémiques extrémistes sont atténuées par des chansons et des grooves qui donnent l’impression que la révolution est vraiment là, du single « Guerrilla Radio » aux moments forts de l’album comme « Mic Check », « Calm Like une bombe »et« Né d’un homme brisé ».
Comme sur les deux albums précédents de Rage Against the Machine , la liste d’effets de guitare et de riffs vicieux de Tom Morello est presque écrasante et est aussi contagieuse que le groupe depuis ses débuts.
De la Rocha est le meilleur lorsqu’il a des objectifs spécifiques (comme le gouvernement ou l’affaire contre Mumia Abu Jamal), mais lorsqu’il tente de couvrir des problèmes de société plus généraux, il hésite. Un album qui reste essentiel
Rage Against the Machien: Renegades
Sorti après la scission fin 2000 entre Zack de la Rocha et le reste de Rage Against the Machine , l’album de reprises Renegades salue les racines musicales et philosophiques du groupe, allant de la vieille école Bronx au hard-rockin ‘Motor City en passant par Comme on pouvait s’y attendre, l’ensemble fonctionne mieux lorsque le groupe se concentre sur le matériel de ses ancêtres les plus récents: les rappeurs et les groupes hardcore.
En effet, Renegades commence par une paire de reprises hip-hop puissantes – «Microphone Fiend» d’ Eric B & Rakim et «Pistol Grip Pump» du Volume 10 – qui mettent en lumière les immenses atouts de Rage :Le riffing net et lourd de Tom Morello et le jet de vitriol finement réglé du chanteur de la Rocha , juste ce côté de l’autosatisfaction.
Une autre explosion hip-hop (et celle qui est la plus proche de chez nous), « How I Could Just Kill a Man » de Cypress Hill , est encore plus dévastatrice, un choix facile pour le clou de l’album. Les auditeurs familiers avec les originaux, cependant, peuvent avoir des problèmes avec les reprises de Rage de « I’m Housin ‘ » de EPMD , « Street Fighting Man » des Stones et « Maggie’s Farm » de Dylan , un trio d’originaux des versions dont la colère et l’émotion étaient davantage véhiculées dans les paroles que dans les performances.
Pourtant, le batteur Brad Wilk définit un tempo hardcore frénétique approprié pour l’excellente version de « In My Eyes » de Minor Threat , et de la Rocha s’étire bien sur le « Kick Out the Jams » du MC5 .
À quelques exceptions près, Renegades fonctionne bien, en partie parce que Rage Against the Machine est à la fois assez intelligent pour changer très peu et assez talentueux pour s’approprier les chansons.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Rage Against The Machine est un groupe de rock américain formé en 1991 à Los Angeles, en Californie. Le groupe est composé du chanteur Zack de la Rocha, du guitariste Tom Morello, du bassiste Tim Commerford et du batteur Brad Wilk.
2. Quel est le style musical de Rage Against The Machine ?
Le style musical de Rage Against The Machine est un mélange de rock, de punk, de hip-hop et de metal. Le groupe est connu pour son utilisation de riffs de guitare agressifs et de paroles politiquement chargées.
3. Quels sont les albums les plus connus de Rage Against The Machine ?
Les albums les plus connus de Rage Against The Machine sont leur album éponyme sorti en 1992, ainsi que leur deuxième album, « Evil Empire », sorti en 1996. Le groupe a également sorti deux autres albums studio, « The Battle of Los Angeles » en 1999 et « Renegades » en 2000.
4. Quelles sont les chansons les plus populaires de Rage Against The Machine ?
Certaines des chansons les plus populaires de Rage Against The Machine incluent « Killing in the Name », « Bulls on Parade », « Guerrilla Radio », « Sleep Now in the Fire » et « Testify ».
5. Quelle est l’influence politique de Rage Against The Machine ?
Rage Against The Machine est connu pour son engagement politique et social, ainsi que pour ses paroles qui abordent des sujets tels que l’injustice sociale, le racisme, la guerre et le capitalisme. Le groupe est également connu pour son soutien aux mouvements de protestation et de résistance.
6. Quels sont les concerts les plus mémorables de Rage Against The Machine ?
Rage Against The Machine est connu pour ses concerts énergiques et politiquement chargés. Certains de leurs concerts les plus mémorables incluent leur performance à Woodstock ’99, leur concert de réunion au festival Coachella en 2007 et leur performance à la Convention nationale démocrate de 2000.
7. Pourquoi Rage Against The Machine s’est-il séparé ?
Rage Against The Machine s’est séparé en 2000 en raison de divergences créatives entre les membres du groupe. Le chanteur Zack de la Rocha a quitté le groupe pour poursuivre une carrière solo, tandis que les autres membres ont formé un nouveau groupe, Audioslave, avec le chanteur Chris Cornell.
8. Le groupe s’est-il réuni depuis sa séparation en 2000 ?
Oui, Rage Against The Machine s’est réuni à plusieurs reprises depuis sa séparation en 2000. En 2007, le groupe s’est réuni pour une tournée qui a culminé avec une performance au festival Coachella. En 2010, le groupe s’est réuni à nouveau pour une tournée mondiale.
9. Quel est l’impact culturel de Rage Against The Machine ?
Rage Against The Machine a eu un impact culturel important en popularisant un style musical qui mélangeait différents genres et en étant l’un des groupes les plus politiquement engagés de son époque. Le groupe a inspiré de nombreux artistes et a été cité comme une influence majeure pour de nombreux groupes de rock, de metal et de hip-hop.
10. Qu’est-ce que le projet de reformation de Rage Against The Machine en 2020 ?
En 2020, Rage Against The Machine a annoncé une tournée de réunion qui était initialement prévue pour l’été de cette année-là. La tournée a été reportée en raison de la pandémie de COVID-19, mais a finalement eu lieu en 2022. Cette tournée a été très attendue par les fans, car c’était la première fois que le groupe se produisait en concert depuis 2011.
Les Foo Fighters sont un groupe de rock mondialement connu qui a été formé au milieu des années 1990. Depuis leur création, ils ont su conquérir le cœur de millions de fans à travers la planète avec leur musique énergique et leurs prestations scéniques impressionnantes. Cet article vous fera découvrir les grands moments de cette formation mythique et comment elle a su traverser les différentes épreuves qui se sont présentées à elle.
La naissance du groupe Foo Fighters
À l’origine, Dave Grohl était le batteur du légendaire groupe Nirvana. Malheureusement, après la dissolution de celui-ci suite au décès de Kurt Cobain en avril 1994, il décide de former une nouvelle bande sous le nom de Foo Fighters.
Il s’inspire alors de son amour pour les films de science-fiction et choisit ce nom en référence aux ovnis présumés aperçus par les pilotes de chasse pendant la Seconde Guerre mondiale. Pour débuter, Dave Grohl enregistre seul une démo où il interprète tous les instruments. Cette démo est ensuite diffusée dans ses cercles d’amis et suscite rapidement l’intérêt des maisons de disques.
Le succès fulgurant et les premiers albums
Après avoir signé un contrat avec une grande maison de disques, les Foo Fighters sortent leur premier album éponyme en 1995. C’est lors de la tournée suivante que le groupe trouve sa configuration définitive avec l’arrivée de Nate Mendel à la basse et de Taylor Hawkins à la batterie. Le succès est immédiat, porté par des tubes tels que Big Me ou I’ll Stick Around.
Le deuxième album des Foo Fighters
En 1997, leur second opus intitulé The Colour and the Shape voit le jour. Il s’agit d’un véritable chef-d’œuvre qui propulse le groupe au rang de stars internationales. Les titres phares de cet album sont Everlong, Monkey Wrench ou encore My Hero. À partir de ce moment-là, les Foo Fighters deviennent incontournables dans l’univers du rock.
Des albums toujours plus créatifs
Au fil de leur carrière, les Foo Fighters ont sorti plusieurs albums, chacun étant accueilli avec enthousiasme par les critiques et les fans. Parmi eux :
There Is Nothing Left to Lose en 1999, avec notamment le hit Learn to Fly,
One by One en 2002, marqué par des chansons telles que All My Life ou Times Like These,
In Your Honor en 2005, un double album reprenant d’une part les morceaux énergiques du groupe et d’autre part des ballades plus douces,
Echoes, Silence, Patience & Grace en 2007,
Wasting Light en 2011, enregistré dans le garage de Dave Grohl et qui revient aux sources du groupe avec un son plus brut et authentique.
Dave Grohl, leader incontestable
Au-delà des albums et des concerts, les Foo Fighters sont également connus pour leur investissement personnel dans différents projets musicaux. Leur leader, Dave Grohl, a notamment réalisé plusieurs documentaires sur la musique, comme Sound City, qui retrace l’histoire d’un célèbre studio d’enregistrement californien, ou Sonic Highways, une série-documentaire explorant l’influence géographique sur la musique américaine. Par ailleurs, il a collaboré avec de nombreux artistes tels que Lemmy Kilmister (Motörhead), Paul McCartney ou encore Trent Reznor (Nine Inch Nails).
Un engagement social fort
Les Foo Fighters ont également fait preuve d’une grande implication sociale et politique tout au long de leur carrière. Ils se sont par exemple engagés dans la lutte contre le sida, en participant à divers concerts et événements caritatifs. De manière générale, ils cherchent à véhiculer un message positif à travers leurs chansons, appelant souvent à l’amour, la fraternité et la solidarité entre les peuples.
Des prestations live mémorables
L’un des aspects les plus marquants des Foo Fighters est sans conteste leur présence sur scène. Le groupe a cette faculté de transformer chaque concert en un véritable événement, proposant des shows énergiques et parfaitement orchestrés. Les live sont l’occasion pour le public de chanter à tue-tête les paroles des chansons et d’échanger avec les membres du groupe lors de leurs célèbres discours entre les morceaux.
Une performance incroyable malgré les obstacles
En 2015, lors d’un concert en Suède, Dave Grohl tombe de la scène et se casse la jambe. Malgré la douleur et l’intervention des médecins, il décide de continuer le show assis sur une chaise. Une détermination qui force l’admiration et renforce encore le lien qui unit les Foo Fighters à leurs fans.
Leur longévité, preuve de leur talent
Aujourd’hui, les Foo Fighters continuent de partager leur amour de la musique avec de nouveaux albums et tournées mondiales. Plus de 25 ans après leur création, ils prouvent que rien ne peut les arrêter et témoignent toujours de leur passion pour la scène et leur fidélité envers leur public.
Alors que Dave Grohl officiait derrière la batterie de Nirvana, enregistrant des chansons à la maison (qu’il a sorti en K7), ses chansons jetteront les bases de Foo Fighters, né en 1995 après la mort de Kurt Cobain. Musicalement, on s’éloigne du grunge, il est difficile de continuer dans un style similaire après le succès de Nirvana.
Les Foo Fighters mélangent le rock, un côté punk des mélodies pop avec des guitares plus « lourdes ». Changement notable pour Dave Grohl, il tient maintenant le micro et la guitare. En 1995, le chanteur a composé et enregistré 15 chansons qu’il a copiées sur une centaine de K7, envoyées à des amis. Les maisons de disques se battront alors pour le signer.
Dave Grohl décide alors de créer un groupe qui se nommera Foo Fighters. Il embauche Nate Mendel (bassiste de Sunny Day Real Estate) et William Goldsmith (batteur de Sunny Day) real estate),Pat Smear guitariste de Nirvana et Germ. Le premier album éponyme (avec les morceaux enregistrés par Grohl) sort pendant l’été 1995 et est en 1996, cet album sera disque de platine aux États-Unis.
Foo Fighters – Foo Fighters
Le groupe a ensuite tourné et est entré en studio pour l’enregistrement de The Color And The Shape fin 1996; William Goldsmith quitte le groupe (et donc Grohl pour enregistrer les parties de batterie) et est remplacé par Taylor Hawkins (qui a joué avec Alanis Morissette) qui enregistre les parties batterie. Le troisième album du groupe sort en 1999, il a été enregistré en trio avec Chris Shiflett (ex No Use For A Name).
En 2002, One By One, l’album le plus calme du groupe, est sorti, suivi d’un double album: In Your Honor. Skin And Bones 2006 est un CD live acoustique avec les chansons les plus connues du combo. L’année suivante, le sixième album de Foo Fighters sort: Echoes, Silence, Patience And Grace. Pat Smear revient dans le groupe début 2011 pour la sortie en avril de Wasting Light, enregistré par Butch Vid, qui a produit Nevermind en 1991.
En mai 2014, le groupe a confirmé les rumeurs d’un futur album composé de huit chansons enregistrées avec des légendes locales dans huit villes américaines différentes (Chicago, Austin, Nashville, Los Angeles, Seattle, La Nouvelle-Orléans, Washington et New York) , Début août, Foo Fighters a annoncé Sonic Highways pour une sortie mondiale prévue pour novembre de la même année. Comme la chanson précédente, elle est produite par Butch Vig, et chaque chanson est non seulement enregistrée dans une ville différente, mais a également un thème spécifique.
En tournée à nouveau en Europe, les attentats du 13 novembre 2015 en France obligent la formation à annuler les dates restantes de ce concert, dont celui prévu le 16 novembre à Paris. Quelques jours plus tard, ils sortent l’EP, le 23 novembre 2015, lors de Sainte Cécile, la fête des musiciens. Initialement prévue pour remercier les fans du groupe, Sainte Cécile est également dédiée aux victimes des attentats, comme un « une célébration de la vie par la musique ».
En 2016, le groupe travaille sur leur prochain album, soit le neuvième, annoncé début 2017. Le single Run sort en juin et de nombreux concerts sont annoncés ainsi qu’une tournée aux Etats-Unis d’octobre à novembre, sans compter sur leur 1er festival à San Bernardino en Californie qui accueilla de nombreux groupes tels que Queens of the Stone Age, The Kills…
En 2019, les membres du groupe Foo Fighters sont en studio pour l’enregistrement de leur dixième album prévu pour 2020, mais dont la sortie sera retardée du fait de la pandémie COVID-19. En novembre 2020, les titres Medicine at Midnight, Shame Shame et Waiting on a War sont diffusés. Le groupe se produit lors de l’élection de Joe Biden à la présidence des Etats-Unis d’Amérique.
L’année 2022 sera une année tragique pour le groupe. Après la sortie de leur comédie d’horreur Studio 666, en février 2022, c’est le décès soudain de Taylor Hawkins qui frappe le groupe. La tournée mondiale est alors annulée.
Malgré cela, et afin de rendre hommage à leur ami, les Foo Fighters organisent avec la famille de Taylor Hawkins le Taylor Hawkins Tribute Concert, deux concerts; un au Stade de Wembley à Londres le 3 septembre 2022 et l’autre à The Forum d’Inglewood en Californie le 27 septembre 2022. Ces deux dates ont permis aux proches, aux artistes tels que Pink, Nile Rodgers, Liam Gallager, Supergrass, Lars Ulrich… et fans du groupe de se réunir pour célébrer Taylor Hawkins.
Le groupe a remporté 15 Grammy Awards, vendu des dizaines de millions de disques et composé des titres devenus cultes tels que « This Is A Call », « Everlong », « Monkey Wrench », « My Hero », « Learn To Fly », « All My Life », « Times Like These », « Best Of You », « The Pretender », « Walk » « These Days», « The Sky Is A Neighborhood» et bien d’autres….
Foo Fighters est un groupe qui prend toute sa dimension sur scène. Quelques extraits ci-dessous du concert a Wembley, summum d’une carrière qui nous réserve, à coup sûr, encore de nombreuses surprises. La dernière surprise en date reste ce concert annoncé des Foo Fighters dans les arènes de Nîmes lors du prochain Festival de Nîmes, qui malheureusement n’aura pas lieu.
Bonus: extrait de la dernière interview de Taylor Hawkins en juin 2021 pour Rolling Stone Magazine, by Brian Hiatt
Nous ne savons pas comment l’appeler : une dernière visite avec Taylor Hawkins
En juin 2021, le batteur des Foo Fighters s’est assis à son domicile de Los Angeles pour sa dernière interview en personne avec Rolling Stone. Il est allé au fond du moment où il a presque quitté le groupe, le trac, et son « frère aîné » Dave Grohl.
A l’arrière de la propriété de Taylor Hawkins à Los Angeles, après la piscine, se trouve une maison d’hôtes qu’il a transformée en club-house et studio rock & roll tout droit sorti de ses rêveries d’adolescent.
Sa batterie est là, ainsi qu’une formidable collection de guitares et de basses. Les souvenirs rock (affiches, peaux de batterie personnalisées, dépliants de concert, même un numéro spécial de Rolling Stone sur Guns N ‘Roses) couvrent toutes les surfaces, du plafond au sol. « Ma femme déteste cet endroit », dit-il en riant.
Dans l’après-midi du 15 juin 2021, avec une émission du club Foo Fighters qui se profilait ce soir-là – leur première véritable représentation publique depuis le début de la pandémie – Hawkins s’est assis dans ce club-house pour ce qui s’est avéré être sa dernière interview en personne avec Rolling Stone.
Il était pieds nus, en short jaune canari et sans chemise, comme d’habitude. Sur une étagère juste au-dessus de lui se trouvaient une peau de tambour Freddie Mercury et une bannière vintage jaune vif de Tower Records, avec le slogan «Pas de musique, pas de vie», imprimé en caractères rouges.
Une fois la conversation terminée, Hawkins s’est dirigé vers sa batterie, a mis des écouteurs et a joué avec la partie de batterie maniaque d’Alex Van Halen sur « Out of Love » de Van Halen. « C’est comme ça que je m’entraîne », a-t-il déclaré en posant ses bâtons après avoir interprété toute la chanson à un niveau d’intensité inébranlable et digne d’un stade. Des parties de la conversation sont apparues dans l’histoire de couverture de Foo Fighters de l’année dernière;
Vous avez dit que votre fils était un grand fan de Nirvana, n’est-ce pas ?
Mon fils aime Nirvana maintenant. Je n’ai jamais vu le Nirvana. Je suis tellement dégoûté. J’ai envoyé un texto à Dave. Il ne m’a pas répondu par SMS, bien sûr. Mais j’ai dit : « Maintenant, je peux à nouveau aimer Nirvana. Je ne pouvais pas parce que tu étais dans le groupe et c’est bizarre.
C’est comme regarder vos parents avoir des relations sexuelles. Tu sais ce que je veux dire? « C’est ta vie. Je ne vais pas parler de ta vie avant de te connaître. C’est un peu étrange. Je veux dire, il sait que je respecte ça. Je pense qu’ils étaient les Beatles du rock alternatif, sans aucun doute. Et maintenant, je peux regarder ces vidéos avec mon fils et nous pouvons nous dire : « Mon Dieu, ils étaient tellement durs à cuire. »
Comment vous sentez-vous par rapport à l’émission de ce soir ?
T.H: Je suis vraiment nerveux à propos de ce soir, parce que nous n’avons rien fait. J’espère que nous sommes prêts. J’ai encore du mal à rejouer certaines chansons.
Ah bon?
T.H: Oh ouais. J’ai le trac majeur, majeur, majeur, majeur. Comme aujourd’hui, c’est comme, je suis en enfer en ce moment. La dernière année et demie, à part regarder le monde s’effondrer sur les nouvelles, j’ai été sur la route pendant 28 ans. Alors je dis ça avec le cœur lourd…
Et j’étais content de pouvoir garder les gens, aider ma famille et tout le monde, m’assurer que tout le monde allait bien. Ça a été une putain de bénédiction. Mais je suis sur la route depuis 28 ans, littéralement, donc j’ai eu un an et demi d’écart par rapport à ce sentiment que j’ai aujourd’hui.
Eddie Van Halen a déclaré qu’une grande partie de sa toxicomanie était due à l’anxiété de performance.
T.H: Oh, parce qu’il avait putain de peur, mec. Effrayé. Juste peur. Je le suis toujours, je ne passe tout simplement pas une bonne journée. J’ai l’impression que tout dans mon corps va mal. Ma jambe ne va pas bien et tout ce genre de merde. Comme toutes ces sortes de psychoses folles que vous traversez pour vous préparer suffisamment juste pour jouer un petit spectacle de club.
Quelles sont les chansons les plus difficiles à jouer ?
T.H: « Rope », parce que je chante et joue de la batterie dessus. Je chante et joue de la batterie sur beaucoup de choses, juste des voix de fond, mais parce que c’est une sorte de duo dans les couplets, et le groove est devenu si bizarre.… Juste pour une raison quelconque, mon cerveau et ma bouche et ma jambe et mes mains, elles ne se parlent pas correctement. Comme si l’ordinateur avait un bug juste là. Je dois aller au Genius Bar et régler ça d’une manière ou d’une autre.C’est drôle, parce que j’en parlais à [Matt] Cameron ce matin.
Il est comme, « Tu fais un spectacle? Merde. Qu’est-ce que c’est que ce bordel ? » Je suis comme, « Je ne sais pas. J’ai peur, en fait. » Je me sentais bien de ne rien faire. C’est bien d’être perdant pendant un an et demi; c’était vraiment le cas. Dave avait l’habitude de paniquer à propos de choses comme ça, mais il ne le fait plus. Il a vraiment dépassé ça. Il avait l’habitude d’avoir aussi de mauvais nerfs. Il boit juste [rires], ce qui aide aussi, j’en suis sûr. Je ne peux pas faire ça et jouer de la batterie. Je ne peux pas faire ça.
Il faut donc être totalement sobre pour faire ça ?
T.H:: Oh, mon Dieu, mec. Vous voyez ce que je fais. Ouais, pour de bons résultats, ouais. Je veux dire, certaines personnes vont bien.
L’herbe affecte votre perception du temps, évidemment.
T.H: Oh, mon Dieu, mec, ce serait le pire. J’ai déjà fait cette erreur, mec, à l’époque, dans les années 90. Parce que quand tu es au lycée, tu t’assois dans ta salle de jam avec tous tes copains et tu t’en fous et tu fais des déchirures de bang et tu t’éclates sur des putains de chansons de Zeppelin ou de Jane ou de Police ou quoi que ce soit.
Et vous écrivez vos chansons et vous êtes tous trébuchés. Vous ne voulez pas ça sur scène. Je ne connais pas d’enfoirés qui le peuvent. Certaines personnes le font, et plus de pouvoir pour eux. Mais merde cette merde. Alors oui, je suis pétrifié en ce moment.
Ouais. Êtes-vous totalement sobre dans votre vie ou juste quand vous jouez ?
T.H: Je ne veux pas rentrer dans tout ça. Je mène juste une vie vraiment saine. J’ai tellement parcouru cette route avec des gens, et ça a été, comme un passage de ma vie. C’est comme si mon histoire – et le groupe aussi, presque parfois – était ma putain de grosse merde à Londres il y a 20 ans. [Hawkins a fait une overdose en 2001, entraînant un coma de deux semaines.]
Vous avez l’impression que les gens comprennent déjà ?
T.H: Oui, je ne veux pas en parler. Je ne veux pas que mon fils le lise. Écoutez, pour tous ceux qui ont des problèmes et leur putain de vie est un gâchis, ouais, je comprends. Vous savez, ma vie a été là de nombreuses fois, alors je comprends. Je ne veux pas que ce soit la pièce maîtresse de mon histoire.
Mais fondamentalement, peu importe ce que vous faites, vous êtes en bonne santé. Je suis en bonne santé. Est-ce que je te parais bien ?Ça a l’air bien, mec, ouais. Est-ce que je jouais bien de la batterie hier ? Est-ce que je chantais bien hier ?
Ouais ouais ouais.
T.H: Non ça va. J’ai reçu le message, qui était très important. Et j’ai de la chance. J’ai juste de la chance d’avoir reçu le message au bon moment. Alors oui, je suis en bonne santé. Je vais bien… Je reçois des infections des sinus vraiment graves. Et je viens de le découvrir par mon médecin, j’ai fait tous mes tests sanguins et mon cœur a été vérifié et il a dit: « Mec, tu es dans une forme incroyable.
Votre cœur est grand parce que vous faites beaucoup d’exercice. C’est comme le cœur d’un coureur. Et c’est bien. La seule chose est, dit-il, « Je pense que vous souffrez d’apnée du sommeil. » Et ma femme dit toujours que tu ronfles et que tu fais des bruits bizarres pendant que tu dors et tout.
Avez-vous toujours eu ce niveau d’anxiété à propos des spectacles?
T.H: Toujours. Toujours. Toujours.«Je me disais définitivement:« Nous devons nous entraîner davantage. Nous devons avoir de meilleures lumières. Nous devons en faire un spectacle. C’est moi. Je viens de Queen et Van Halen et d’autres choses, ainsi que de la police.
Vous avez dit hier soir, il s’agit de vous décevoir. D’où cela vient-il ?
T.H: J’ai juste cette idée de la perfection dans ma tête, comment ça devrait être. La dynamique du groupe a changé au fil des ans. Quoi que Dave dise, ça me va, je vais bien. Mais quand nous étions plus jeunes et que je me disais simplement: «Tu sais, nous devons être putain de bons. On doit être un putain de groupe de rock d’arène. On peut le faire. »
Et Dave l’a déjà fait dans Nirvana sans même y penser. Et les Foo Fighters y arrivaient, mais c’était vraiment important pour moi de maximiser notre potentiel en tant que groupe live et de trouver des fins sympas et des choses comme ça.
[…]
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Livre Hellfest : Retour en image et vidéos sur les 2 livresHellfest qui sont en vente actuellement. Festival culte, un des plus grand d’Europe, le Hellfest reste un sujet fantastique à traiter pour tout amateur de métal.
Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY
Livre Hellfest : Le festival raconté par les groupes
Auteur de neuf romans, Cédric Sire s’est imposé comme une référence du thriller français. Ses livres ont été récompensés à plusieurs reprises et sont traduits dans de nombreuses langues.
Passionné de métal, grâce à son ancien métier de journaliste, il côtoie les groupes qui ont fait l’histoire de ce genre. C’est dans ce contexte qui naît l’idée de s’intéresser au Hellfest sous un angle original : le regard des artistes qui font son incroyable succès.
Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY
Journaliste musicale reconnue, Isabelle Marcelly – Le Maguet a longtemps travaillé pour le magazineRockhard. Elle a également été rédactrice en chef du magazine Metallian. Elle a également été pendant 6 ans l’attachée de presse des maisons de disques Nuclear Blast et Century Media au Hellfest, elle connaît donc particulièrement bien les coulisses du festival.
Le rapport de confiance qu’elle a établi avec la plupart des formations de la scène métal lui a permis de recueillir les différents témoignages et anecdotes recueillis dans cet ouvrage.
éditions : Gründ // poids 2,4kg – format 25x31cm // Langue : Français
Ce livre Hellfest, découvrez le métal à travers les groupes eux-mêmes. Les artistes les plus connus prennent la parole pour dévoiler leurs souvenirs et anecdotes inédites. Découvrez le Hellfest comme vous ne l’avez jamais vu et lu !
Le Hellfest ? Le troisième plus gros festival de musique en France. Cet événement majeur et incontournable de la musique Métal et reconnu dans le monde entier. Sa fréquentation s est multipliée par six en neuf ans, atteignant en 2014, 150 000 spectateurs sur trois jours. Il reçoit chaque année les grands noms de la scène Métal internationale et française, soit plus de 800 artistes en 10 ans.
En 2015, le Hellfest fête ses 10 ans. Cet ouvrage rend hommage à tous les acteurs du festival (artistes et équipes dédiées) qui ont permis de rendre cet événement possible et durable, et pour honorer son public, plus fidèle et plus nombreux aux fils des éditions.
Retrouvez les portraits et interviews des artistes majeurs qui se sont produits sur la scène du festival (Kiss, Motörhead, Deep Purple, Mass Hysteria …), les coulisses et ambiances de backstage, les décors extraordinaires du festival et bien sûr les festivaliers et leur univers.
Livre Hellfest
Date de parution : le 7 octobre 2015
Auteur : Lelo Jimmy Batista
Editeur : Editions Hachette Pratique
Pour pouvoir présenter ce festival, il fallait obligatoirement faire appel à une personne passionnée par la musique rock, métal et toutes les déclinaisons des musiques dites « extrêmes ». Cette personne n’est autre que Lelo Jimmy Batista, spécialiste des courants alternatifs, journaliste pour Rock Noise et Radio France, ainsi que rédacteur en chef de la version française de Noisey, la plate-forme musique de VICE.
Avant tout de chose cet ouvrage fait partie des catégories des « Beaux livres ». Il est richement illustré de pas moins de 600 photos de très bonne qualité, reflétant fidèlement l’ambiance de ce festival si particulier en France.
Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.
En introduction du livre, nous avons toute la genèse de ce festival. Et c’est une histoire totalement passionnante, où l’on découvre le début du Hellfest qui s’appelait alors le Furyfest, petit festival prenant vie en 2002 à Nantes totalisant 400 spectateurs. Son créateur Ben Barbaud se confie sur son envie et sa passion de créer un rassemblement en France pour tous les amoureux des musiques extrêmes. Et cela ne va pas être si simple à mettre en place.
Les problèmes vont se cumuler que ce soit de l’ordre de la logistique, des moyens financiers ou même de la disparition de la caisse par un des co-dirigeants du Furyfest. Et c’est en 2006 que va naître le Hellfest dans la petite ville de Clisson.
Ensuite le livre Hellfest est divisé en quatre parties distinctes pour rendre hommage à tous les acteurs qui font le succès de ce festival. Personne n’est oublié, on nous présente tour à tour, les backstages, les bénévoles, l’équipe de direction, les artistes et surtout les festivaliers qui sans eux le festival ne serait pas ce qu’il est ! Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.
Vous n’êtes pas familier avec ce style de musique ? Aucun problème, vous allez retrouver à l’intérieur de ce livre Hellfest tous les plus grands noms de la scène métal, heavy métal, hardcore. De Motörhead, à Slipknot, en passant par Alice Cooper, Kiss, Iron Maiden, Ghost ou bien encore le célèbre Marilyn Manson.
Bien évidemment ce livre Hellfest va d’abord intéresser tous les fans du Hellfest et des musiques extrêmes. Mais aussi toutes les personnes passionnées de musique en général.
Cet ouvrage de qualité est un cadeau idéal pour donner une tonalité rock’n’roll à votre Noël.
Histoire du Hellfest : Les débuts…
La première association a été créée en 2000 à Clisson sous le nom de « CLS CREW », afin d’organiser des concerts de hardcore et de punk dans la région nantaise. Le succès de ces concerts a permis de lancer le premier festival en juin 2002, baptisé Fury Fest. Elle a réuni 400 personnes pour assister au Front Agnostique de Clisson au complexe sportif du Val-de-Moine.
Le festival a continué les années suivantes. Il a attiré 7 000 personnes pour assister aux concerts de Sick of It All et Youth of Today (en) en 2003. Le format a changé à deux jours.
LIVRE HELLFEST
Puisque aucune salle n’était disponible à Clisson, la salle de la Trocardière (Rezé) a accueilli la deuxième édition. L’organisation du festival a également changé: l’association « MAN.IN.FEST » a été créée pour prendre en charge l’organisation. En 2003, le festival avait atteint 30 000 € de bénéfice, permettant à Benjamin Barbaud, l’un des fondateurs, de devenir salarié de la structure.
En 2004, le festival s’installe au Mans et se déroule dans les salles du circuit des 24 Heures où il attire 21 000 spectateurs pour des groupes tels que Slipknot et Soulfly.
LIVRE HELLFEST
Après un déficit en 2004, le festival 2005 a hérité du passif si bien que l’équipe organisatrice a décidé de donner les droits du festival à d’autres promoteurs afin de se concentrer sur l’organisation.
Cette fois, 30 000 entrées ont été enregistrées au Mans sur trois jours, alors que les fans venaient voir des artistes tels que Slayer, Motörhead et Anthrax, sur trois scènes.
Mais les problèmes financiers se sont aggravés, notamment avec la disparition des promoteurs avec 600 000 € de recettes. Ces pertes ont marqué la fin du festival, du moins temporairement.
La musique n’est pas qu’une question de musique. Bien sûr, les sons sont certainement l’élément le plus essentiel, mais vous ne pouvez pas ignorer le rôle de la pochette dans la réalisation d’un album brillant.
icône sur un lecteur numérique, la pochette d’album a changé au fil des ans, mais elle définit toujours la façon dont nous regardons un album particulier.
Portraits photographiques, peintures, collages – tout cela et bien d’autres figurent sur la liste de Billboard des 50 plus grandes pochettes d’albums de tous les temps, remontant aux débuts éponymes d’Elvis Presley et jusqu’à nos jours.
Pochette album: Billboard recense les 50 meilleurs
50. Taylor Swift, ‘1989’ (2014)
Le cinquième album studio de Taylor Swift en 1989 était un départ pour la chanteuse, il est donc logique que la pochette rompe également avec la tradition. En forme de photo Polaroid de l’époque, le visage de Swift est coupé, mettant en valeur un sweat-shirt des années 80 tout en évoquant des souvenirs d’une autre époque.
La couverture a été instantanément reproduite sur Internet, avec des milliers de fans mettant leur propre tour sur divers hommages à ce qui deviendra probablement l’une des œuvres les plus identifiables de sa carrière.
49. Jeune voyou, ‘Jeffery’ (2016)
Peu de rappeurs ont joué de manière plus convaincante ou convaincante avec l’identité ou le genre au cours des années 2010 en tant que Young Thug.
Il n’est donc pas surprenant que sa couverture d’album la plus mémorable soit cette photo photographiée par Garfield Lamond d’un voyou au visage couvert d’une longue robe fluide conçue par Alessandro Trincone pour son projet Jeffery – une image qui aurait été impensable dans le hip- hop des décennies plus tôt, et inoubliable pendant des décennies après.
48. Lady Gaga, « The Fame , Mother Monster » (2009)
Les portraits peuvent être emblématiques lorsqu’ils sont bien faits, et s’il y a un artiste qui connaît l’imagerie emblématique, c’est Lady Gaga. Pour la réédition de son premier album The Fame , Mother Monster – encadré par une perruque blanche – est devenu noir et blanc, balançant un manteau brillant et angulaire qui enveloppait la moitié inférieure de son visage.
47. Janet Jackson, « Rythm Nation 1814 » (1989)
Évitant une image amicale et amusante plus propice au succès des charts pop des années 80, Janet Jackson a adopté un ton militariste pour sa pochette en noir et blanc instantanément emblématique de Rhythm Nation 1814 .
Avec le visage de Janet n’émergeant que partiellement de l’ombre et son corps vêtu d’un uniforme de soldat indescriptible, l’œuvre d’art a mis les dirigeants de l’étiquette mal à l’aise, mais à la fin, elle avait raison.
Cette photo de couverture complète parfaitement la conscience sociale accrue de l’album, et elle deviendra sa pochette d’album la plus reconnaissable.
46. Funkadelic, ‘Maggot Brain’ (1971)
Une Barbara Cheeseborough hurlante (qui était le premier modèle de couverture d’ Essence ) possède le «cerveau d’asticot» en question sur la couverture de l’album classique de 1971 du Parlement du même nom.
Enfouie jusqu’au cou, la vraie tournure vient lorsque vous retournez l’album – là où sa tête est à l’avant, il y a un crâne à l’arrière.
45. Cardi B, Invasion of Privacy(2018)
Brash, audacieux, dur à cuire et tous les autres mots « B » généralement appliqués à la montée en puissance de Cardi B en 2017 ont également fonctionné pour la couverture de son premier LP 2018, Invasion of Privacy .
Capturée par le photographe Jora Frantzis, Cardi ricane avec des lunettes de soleil yeux de chat, des cheveux blond moutarde et un manteau à carreaux à manches longues – éblouissant et incontournable, tout comme l’album qui l’accompagne s’avérera bientôt dans les charts Billboard .
44. Whitney Houston, ‘Whitney Houston’ (1985)
Bien qu’on se souvienne le mieux (le pire ?) de lui pour avoir pris des photos nues d’une Brooke Shields très mineure, la photo de couverture de Garry Gross pour le premier album éponyme de Whitney Houston se démarque comme une image magnifiquement moins-est-plus à l’ère visuellement explosive de MTV.
Vêtue d’une toge simple et intemporelle avec des perles, elle s’est présentée au monde comme un acte de classe dont la férocité élégante allait au-delà de toute tendance de la mode.
43. Fleetwood Mac, « Rumors » (1977)
Curieusement, seulement 40 % de la formation de Fleetwood Mac de l’époque figure sur la couverture de leur album le plus vendu, Rumors .
Seuls Stevie Nicks du groupe (pris en plein tourbillon avec un châle coulant derrière elle) et Mick Fleetwood (avec une paire de boules de toilette suspendues entre ses jambes) sont représentés, photographiés par Herbert W. Worthington.
L’album a été conçu par Desmond Strobel, tandis que Worthington a conçu le concept de couverture avec le groupe.
42. Nicki Minaj, « The Pinkprint » (2014)
Nicki Minaj a toujours embrassé son cinglé intérieur, étendant ses membres sur la couverture de son premier album Pink Friday et éclaboussant son visage de peinture pour sa suite. Mais pour The Pinkprint, la Barbie de Harajuku a utilisé Donda de Kanye pour une image qui frise le grand art sans perdre son identité, montrant une empreinte digitale écrasée en poudre rose.
41. Pas de doute, « Tragic Kingdom » (1995)
Dans le sillage du grunge de Seattle et de la montée du rap, No Doubt est arrivé dans le collimateur du grand public avec Tragic Kingdom aux accents ska , un album à la fois éclat et férocité punk-lite.
La couverture fait écho à son contenu : il y a la jolie – la chanteuse principale Gwen Stefani canalise l’imagerie des affiches de pin-up des années 50 – et le laid, un arbre flétri avec des oranges pourries et des mouches entourant le fruit meurtri.
40. Beyoncé, ‘Beyoncé’ (2013)
L’importance durable de l’art de couverture pour la libération surprise de Beyoncé 2013 Beyoncé ne devrait pas du tout surpris. Non seulement parce que tout ce que fait la femme *** Flawless devient instantanément emblématique, mais parce que la simple police de caractères rose sur un fond noir uni est ce dont sont faits les rêves de design contemporain.
Le combo couleur-police est devenu un classique et a trouvé sa place sur les chemises, les tasses et les mèmes du monde entier.
39. Johnny Cash, ‘American IV : The Man Comes Around’ (2002)
Cette couverture en noir et blanc est d’autant plus déchirante qu’il s’agissait du dernier album de Cash avant sa mort moins d’un an après sa sortie. C’était l’illustration parfaite pour le fondu au noir de Man in Black.
38. Ariana Grande,Sweetener (2018)
Il ne serait pas exagéré de dire que le monde entier d’Ariana Grande a été bouleversé au cours des trois années qui se sont écoulées.
Ainsi, quand Ariana est apparue à la manière de Spiderman sur la couverture de Sweetener , cela s’est bien passé – et la confusion douce et sans prétention de l’imagerie correspondait également au changement musical de l’ensemble réfléchi, délirant et lourd de R&B qu’il accompagnait magnifiquement.
37. Madonna, ‘True Blue’ (1986)
Le troisième album studio de Madonna, True Blue , était couvert par une image saisissante de la diva photographiée par le célèbre photographe Herb Ritts. (Il fera plus tard équipe avec Madonna pour les reprises de You Can Dance et Like a Prayer .) Avant sa mort en 2002, Ritts réalisera également un certain nombre de vidéoclips – dont « Cherish » de Madonna – et gagnera un MTV Nomination au Video Music Award.
36. Joni Mitchell, ‘Hejira’ (1976)
La série de classiques de Joni Mitchell s’est poursuivie avec l’album folk-jazz de 1976 , Hejira , qui présentait ses meilleures illustrations.
Situé contre le lac Mendota du Wisconsin après une tempête de verglas, Mitchell, vêtue d’hiver, regarde le spectateur alors qu’une autoroute ouverte s’étend mystérieusement dans sa personne (via une photo superposée), suggérant la liberté et les possibilités illimitées contenues dans sa musique.
35. Metallica, « Master of Puppets » (1986)
Contrairement aux groupes de metal préoccupés par Satan et l’occultisme, Metallica a commenté le mal de la vie réelle avec la couverture magistrale de l’ album Master of Puppets .
Des rangées apparemment sans fin de soldats morts s’étendent dans l’horizon rouge sang, chaque tombe étant reliée à une ficelle tirée par un maître sans visage dans le ciel. C’est la visualisation des « War Pigs » tout aussi politiques de Black Sabbath.
34.The slits, ‘Cut’ (1979)
Bien que techniquement, oui, il s’agisse d’une image de trois femmes seins nus recouvertes de boue, il n’y a rien de sexuellement éloigné dans cette pochette d’album. Au lieu de cela, les trois principales femmes de la tenue post-punk The Slits sont décrites comme des femmes guerrières tribales inébranlables.
Comme Viv Albertine plus tarda dit au Guardian, « Nous savions, puisque nous n’avions pas de vêtements, que nous devions avoir l’air agressif et dur. Nous ne voulions pas inviter le regard masculin. » Il est sûr de dire qu’ils ont réussi.
33. Kanye West, ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)
Après une poignée de pochettes d’albums mettant en vedette Dropout Bear et une image simple conçue par Kaws pour 808s & Heartbreak , Kanye West est passé à l’art de haut niveau pour My Beautiful Dark Twisted Fantasy .
Faisant équipe avec l’artiste George Condo pour une série de peintures, le rappeur a associé la brillance de la musique de l’album à un art qui dépasse les limites, y compris une image controversée d’un Occident démoniaque chevauché par un ange nu.
32. Lizzo, Cuz I Love You (2019)
Si quelqu’un a trouvé que Lizzo était une présence perturbatrice dans le courant dominant de la musique en tant que femme de couleur de grande taille, elle a clairement indiqué avec la reprise de Cuz I Love You qu’elle n’était pas sur le point de laisser cela la dissuader un peu.
Posant entièrement nue sur une pochette d’album autrement vierge, elle s’est présentée comme la superstar de la pop qu’elle savait déjà être – et que le reste du monde la reconnaîtrait très bientôt comme.
31. Sex Pistols, « Never mind the bollocks » (1977)
Tout comme les paroles de « God Save the Queen » avaient soulevé la colère des autorités britanniques, le mot « Bollocks » éparpillé sur la couverture de l’album a provoqué une censure de masse.
Ça n’a pas collé, car cette explosion d’art punk est rapidement devenue emblématique. La controverse sur les pochettes d’album a même alimenté sa campagne publicitaire, avec certaines annonces disant : « L’album durera. La pochette peut-être pas. »
30. FKA Brindilles, ‘LP1’ (2014)
Avant son premier album, FKA Twigs, qui brouille les genres, s’est fait un nom grâce à des visuels époustouflants : clips musicaux, couvertures d’EP et même tournages de magazines.
Ce portrait aux reflets de porcelaine était une introduction exquise à l’émerveillement de sa musique.
29. Aretha Franklin, « I Never Loved a Man the Way I Loved You » (1967)
Le meilleur album d’Aretha Franklin, I Never Loved a Man the Way I Loved You , la montre vêtue d’une robe extrêmement élégante avec une vieille brume hollywoodienne vaporeuse bordant la photo. Mais c’est son expression – et l’angle incliné de la photo – qui rendent cela si important.
En 1967, la représentation des femmes noires dans la culture pop était politique, intentionnellement ou non, et la pochette de l’album calme et non posée d’Aretha en dit long. Contrairement à de nombreuses pop stars féminines de l’époque, elle ne sourit pas de manière invitante au spectateur, essayant de plaire ou d’impressionner ou même de séduire – elle existe simplement, respire la confiance et un sentiment de majesté tranquille.
28. Bruce Springsteen, « Born in the USA » (1984)
Tout sur le personnage de Springsteen est véhiculé dans cette seule image. Il y a le drapeau américain en toile de fond, le jean usé, le t-shirt blanc et le chapeau rouge qui sortent de sa poche arrière après une longue journée de travail.
The Boss est la quintessence de l’Amérique des cols bleus sur cette pochette d’album inoubliable.
27. Janis Joplin, ‘Pearl’ (1971)
Le dernier album de Janis Joplin, sorti après sa mort à 27 ans, présente l’une des images les plus emblématiques de l’époque. Joplin se drape sur une causeuse de l’ère Victoria, parée d’un costume hippie accrocheur de San Francisco, berçant un verre et un grand sourire.
L’image est douce-amère : l’alcool aurait joué un rôle dans l’overdose mortelle d’héroïne de Joplin, mais son sourire radieux semble transcender la tristesse de la tragédie imminente.
26. Grace Jones, « Island Life » (1985)
Grace Jones et son collaborateur fréquent Jean-Paul Goude (oui, l’homme qui a essayé de « casser Internet » avec une Kim Kardashian nue) se sont associés pour créer l’une des couvertures les plus mémorables de la décennie pour Island Life en 1985 .
Mettant en vedette un Jones presque nu dans une pose apparemment surhumaine, l’art était en fait un composite du chanteur dans une série de poses différentes, coupées-collées ensemble pour un résultat inoubliable.
25. David Bowie, ‘Aladdin Sane’ (1973)
Bien que ce ne soit pas l’album qui a présenté au monde l’alter ego de l’homme de l’espace de Bowie, lorsque les fans de musique pensent à Ziggy Stardust, c’est l’image qu’ils voient. Le maquillage des yeux en éclair, le rouget – c’est la quintessence de Bowie.
En 1969, l’artiste Andy Warhol a été approché par les Rolling Stones pour créer la pochette de leur prochain album à succès, Through the Past, Darkly (Big Hits Vol. 2) . Tout ce que Warhol a créé pour l’ensemble n’a apparemment jamais été utilisé, mais son concept d’utiliser une fermeture à glissière fonctionnelle sur une pochette d’album s’est concrétisé sur la couverture de Sticky Fingers .
Avec des photographies de Warhol (axées sur le jean bombé d’un modèle masculin encore non identifié) et une conception graphique de Craig Braun, l’ensemble gagnerait une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure couverture d’album.
23. Miles Davis, ‘Bitches Brew’ (1969)
L’art surréaliste pour Bitches Brew a été créé par le peintre allemand Mati Klarwein, qui était également responsable de l’art sur Abraxas de Santana , une autre entrée sur cette liste.
Une étude sur les contrastes, la couverture gatefold complète montre une interprétation négative modifiée de la couverture plus familière – ensemble, ils incarnent le manifeste musical de Davis.
22. Drake (2015)
Le titre de la « mixtape » de Drake en 2015 s’est certainement avéré approprié, car la sortie inattendue a lancé l’une de ses années les plus dominantes sur le plan commercial des années 2010, le cimentant comme une superstar au niveau de toute autre idole contemporaine du top 40.
Mais sa pochette minimaliste a eu un impact similaire, devenant l’une des premières images de ce type à devenir un phénomène Twitter à part entière, car les fans ont remplacé leurs propres messages griffonnés dans son format et en ont fait un mème musical incontournable du milieu des années 10.
21. Duran Duran, ‘Rio’ (1982)
L’artiste Patrick Nagel a été chargé par Paul Berrow, alors manager de Duran Duran, de créer la pochette de l’ album Rio du groupe.
Le bassiste du groupe, John Taylor, a écrit dans son autobiographie In the Pleasure Groove: Love, Death and Duran Duran, que lorsqu’ils ont reçu la toile « massive » « cinq pieds sur cinq pieds », il a pensé « la voilà, la fille qui dansait sur le sable » (une référence aux paroles de la chanson titre du set).
20. Joy Division, (1979)
La décision du designer Peter Saville d’utiliser les ondes radio pulsar est à la hauteur de la production envoûtante de Martin Hannett pour faire de cet album un classique gothique.
La parodie de chemise Mickey Mouse de Disney quatre décennies plus tard n’a fait que réaffirmer sa légende.
19. Judas Priest, ‘British Steel’ (1980)
L’une des pochettes d’album les plus emblématiques du métal, British Steel de Judas Priest – représentant une main émergeant d’un cuir clouté tenant une lame de rasoir – est également l’une de ses plus fascinantes.
Comment la main tient-elle la lame sans saigner ? Cette couverture capture-t-elle le moment juste avant que le sang n’éclate et recouvre la lame ? Alors que de nombreux groupes de metal rivalisaient pour se surpasser dans le reste des années 80, cette image simple et menaçante leur survit à tous.
18. Les racines, ‘Things Fall Apart‘ (1999)
En tant que directeur artistique Kenny Gravallis Mets-le,« Le concept d’« échec visuel dans la société » sur la pochette d’un album intitulé Things Fall Apart avait du sens. »
L’une des cinq couvertures originales, l’image qui est restée était une photo de l’ère des droits civiques de deux adolescents noirs fuyant la police en tenue anti-émeute à Bedford-Stuyvesant – une image puissante de l’inégalité que le groupe essayait de combattre à travers sa musique.
17. Santana, ‘Abraxas’ (1970)
Tirée d’un tableau de Mati Klarwein (il a également fait la couverture de Bitches Brew de Miles Davis ), la couverture de l’ album Abraxas de Santana est un régal psychédélique magnifiquement surréaliste pour les yeux.
Inspiré du récit biblique de l’Annonciation, ce tableau nous présente une Vierge Marie noire nue et un ange rouge avec une conga entre les jambes. L’une des prêtresses de la quatrième de couverture apparaît également sur la quatrième de couverture de son art Bitches Brew .
16. Le choc, » London Calling » (1979)
La reprise de London Calling rend à la fois hommage à Elvis Presley tout en faisant exploser sa version du rock n’ roll. Les lettres de titre roses et vertes imitent la couverture de l’album éponyme de 1956 de Presley, mais le roi n’a probablement jamais brisé une guitare basse sur scène.
15. Nas, « Illmatique » (1994)
L’image de Nas, sept ans, superposée à une photo de Danny Clinch des projets de logements natifs du rappeur à Queensbridge a été gravée dans la mémoire de nombreux hip-hop. « Les projets étaient mon monde », a-t-il déclaré à MTV sur la signification de l’art conçu par Aimee Macauley en 1994, « jusqu’à ce que je m’éduque pour voir qu’il y a plus là-bas. »
14. Blink-182 (1999)
Pour la couverture de leur LP révolutionnaire grand public, Blink-182 a fait appel à l’actrice adulte Janine Lindemulder pour donner une tournure très suggestive – et littérale – au titre de l’album. C’est une image qui a été gravée dans l’esprit de chaque spectateur TRL , une image qui est devenue instantanément emblématique.
13. Kendrick Lamar (2015)
L’équivalent incendiaire le plus proche du 21e siècle a produit la couverture originale du drapeau américain remplie de trous de balles de Sly & The Family Stone pour 1971 Il y a une émeute qui se passe . L’image est une photo de célébration de dizaines d’hommes noirs pour la plupart torse nu se réjouissant devant la Maison Blanche – avec un juge blanc, marteau à la main, allongé immobile au bas de la photo.
Affrontant, excitant, joyeux, dérangeant et opportun, c’était une reprise aussi provocante et évocatrice que l’un des meilleurs albums de rap de la dernière décennie pouvait demander.
12. Hole, « Live through this » (1994)
La couverture d’album grunge la plus emblématique après Nevermind de Nirvana , Live Through This de Hole représente une reine de beauté en sanglots avec du mascara coulant sur son visage.
Le désespoir sur le visage de la femme révèle le doute tragique qui alimente l’industrie de la beauté, mais elle n’est pas faite pour avoir l’air entièrement ridicule – nous sommes toujours obligés de la considérer comme une humaine au lieu d’une large parodie d’un archétype. C’est la rare pochette d’album satirique qui parvient toujours à être empathique.
11. Les Beatles, ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ (1967)
Par où commencer avec cette pochette d’album ? L’image présente les Beatles, dans leur Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band tenues militaires, debout devant des dizaines de célébrités, dont Marilyn Monroe, Bob Dylan, Marlon Brando et Sonny Liston, ainsi que des figures de cire d’eux-mêmes.
Alors que les auditeurs essaient de discerner le sens secret de la musique noble, ils peuvent également essayer d’identifier les plus de 60 visages sur la couverture bondée.
10. Elvis Presley, ‘Elvis Presley’ (1956)
Elvis savait à quel point le vert et le rose néon étaient un mélange mortel une vingtaine d’années avant que les Clash ne fassent la couverture de London Calling .
Il y a quelque chose dans cet instantané de mi-strum d’un hurlement vocal qui nous fait à chaque fois – il a visuellement présenté le rock n’ roll à une Amérique sans méfiance avant même que l’aiguille n’atteigne le vinyle.
9. Ennemi public, » Fear of a Black Planet » (1990)
Clin d’œil à l’afrofuturisme d’artistes comme Sun Ra, l’œuvre d’art de Fear of a Black Planet a été conçue par Chuck D, qui a imaginé la planète noire titulaire éclipsant la terre.
De manière appropriée, étant donné le concept interplanétaire, le groupe a engagé l’illustrateur de la NASA BE Johnson pour dessiner le design final.
8. Cyndi Lauper, « she’s So Unusual » (1983)
Cyndi Lauper a informé le monde que « Girls Just Want To Have Fun » sur ses débuts classiques en 1983, et un coup d’œil à la couverture de She’s So Unusual convertirait tout non-croyant.
Photographiée par Annie Leibovitz devant un musée de cire abandonné à Coney Island, Lauper prend une pose volontairement étrange vêtue d’une robe de bal d’occasion, de filets de pêche et d’un méli-mélo de bijoux en conflit. Fait révélateur, ses talons sont bottés sur le côté.
Plus que n’importe quelle pochette d’album d’une reine de la pop féminine, cela reste le cri de ralliement ultime pour rester étrange et s’aimer pour cela.
7. Nirvana, « Nevermind » (1991)
L’une des couvertures d’album les plus reconnaissables de tous les temps présente un bébé nu sous l’eau qui cherche un billet d’un dollar sur une ficelle. C’est une triste déclaration sur les valeurs que notre société transmet à nos jeunes – et oh, d’ailleurs, ce bébé est un homme dans la vingtaine maintenant.
6. Pink Floyd, « Dark side of the moon » (1973)
Cet art simple en dit long. La lumière traversant un prisme et sortant comme un arc-en-ciel était censée transmettre l’éclairage de scène du groupe et les paroles de l’album.
Et, comme en témoigne le nombre de t-shirts portant cette image aujourd’hui, le prisme est devenu synonyme de Floyd lui-même.
5. Led Zeppelin, « Led Zeppelin » (1969)
D’une manière ou d’une autre, l’image d’un dirigeable en feu éclatant en flammes quelques instants avant de s’effondrer au sol et de faire des dizaines de morts est l’introduction visuelle parfaite au premier chef-d’œuvre de Led Zeppelin.
Que vous le voyiez comme une indication de la musique explosive contenue dans la pochette ou comme une tactique de choc sans cœur capitalisant sur une tragédie réelle, ce rendu en noir et blanc de la catastrophe d’Hinderburg est devenu l’une des images les plus indélébiles du hard rock.
4. The Notorious BIG, « Ready to Die» (1994)
L’innocence d’un Biggie de la taille d’un bébé sur la couverture de son premier classique Ready to Die contredisait largement le contenu qu’il contenait.
Mais c’était le point : l’album retraçait sa vie du début à une fin triste et préfigurant, utilisant l’innocence d’un enfant pour illustrer comment un monde cruel s’imprime dans les esprits non moulés.
3. Patti Smith, ‘Horses’ (1975)
Mis à part les éloges de la critique pour les paroles infusées de poésie beat de Smith mélangées à du punk rock, la reprise de Horses est un chef-d’œuvre visuel.
Photographiée par un ami proche et collègue artiste Robert Mapplethorpe, la photo de Smith a été considérée par le critique Camille Paglia comme l’une des plus grandes photographies jamais prises d’une femme.
Avec Smith décrivant son look comme celui de Sinatra, tous les éléments se sont combinés pour créer l’une des plus grandes couvertures d’album (et photographies rock) de tous les temps.
2. Les Beatles, « Abbey Road » (1969)
Une autre pochette d’album sur cette liste arrête-t-elle le trafic ? C’est un témoignage de l’impression durable de cette photo de traversée de rue que des centaines de fans la recréent chaque jour à l’extérieur des studios Abbey Road.
Il y a même une webcam en direct de l’attraction. Autre fait notable : c’est la première reprise des Beatles qui ne comporte pas le nom du groupe ou le titre de l’album.
1. The Velvet Underground et Nico, ‘The Velvet Underground & Nico’ (1967)
Cette image de banane emblématique d’Andy Warhol avec les instructions « peler lentement et voir » est une excellente couverture en soi, mais la version originale comprenait en fait un autocollant détachable révélant une banane de couleur chair en dessous. Une combinaison parfaite d’art, de musique et d’humour.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Découvrez les coulisses fascinantes de la sensation pop mondiale Dua Lipa ! Plongez dans l’univers captivant de cette artiste à la renommée internationale et explorez les mystères qui entourent sa montée fulgurante vers la gloire.
Des révélations exclusives et des anecdotes surprenantes vous attendent, offrant un regard unique sur la vie et la carrière de cette icône de la musique pop. Préparez-vous à être ébloui par les secrets bien gardés de Dua Lipa qui vous réservent une lecture inoubliable et enrichissante.
Les secrets de la pop star Dua Lipa
La scène musicale mondiale a été révolutionnée par une artiste dont le nom résonne dans les cœurs de millions de fans : **Dua Lipa**. Cette chanteuse, à la fois icône de mode et symbole de force, a su s’imposer comme une référence incontournable de la pop moderne.
Chanteuse pop Dua Lipa
Depuis ses débuts, **Dua Lipa** a captivé l’auditoire avec sa voix distinctive et ses mélodies entraînantes. Son ascension fulgurante est le fruit d’un talent indéniable et d’un dévouement inébranlable à son art. Chaque performance est une nouvelle preuve de sa capacité à capturer l’essence de la pop music, avec une aisance et une originalité qui lui sont propres.
Dua Lipa, l’artiste britannique
Originaire de Londres, cette **artiste britannique** n’a pas tardé à conquérir le monde, portant haut les couleurs de la musique du Royaume-Uni. Elle incarne la diversité et le dynamisme de la scène pop britannique, offrant à ses fans des compositions riches en émotions et en nuances.
La talentueuse interprète Dua Lipa
En plus de ses talents de chanteuse, **Dua Lipa** se distingue par ses capacités d’interprétation hors pair. Ses clips vidéo, véritables œuvres d’art, et ses performances scéniques témoignent de son engagement artistique total. La **talentueuse interprète** ne cesse d’explorer de nouveaux horizons musicaux, repoussant les limites de la créativité.
Dua Lipa, la star de la pop music
En conclusion, **Dua Lipa** s’est imposée comme une figure majeure de la **pop music**. Son influence dépasse les frontières du genre musical, inspirant une nouvelle génération d’artistes et de mélomanes. Sa capacité à innover tout en restant fidèle à ses racines fait d’elle une source d’inspiration inépuisable et une **star de la pop music** par excellence.
3. La force de l’image de marque de Dua Lipa
3.1. Son style vestimentaire unique et tendance
La chanteuse pop Dua Lipa s’est distinguée non seulement par sa voix unique mais aussi par son style vestimentaire avant-gardiste. Elle se démarque par ses choix de tenues audacieux qui fusionnent le rétro avec des nouveautés futuristes, ce qui rend son apparence aussi mémorable que ses mélodies.
Ces choix de mode renforcent l’image de marque de Dua Lipa, faisant d’elle une icône de style pour ses millions de fans à travers le monde. Son sens de la mode unique et tendance contribue grandement à sa reconnaissance dans l’industrie de la musique et au-delà.
3.2. Ses collaborations stratégiques avec des marques de renom
Dua Lipa, l’artiste britannique, a intelligemment étendu son influence en nouant des partenariats avec des marques de luxe et de lifestyle. Ces collaborations stratégiques incluent des marques de renom qui cherchent à associer leur image à la fraîcheur et à la modernité que représente la star de la pop music.
Ces alliances lui permettent non seulement de toucher de nouveaux publics mais aussi de renforcer son image de marque sophistiquée et versatile.
4. L’engagement de Dua Lipa auprès de ses fans
4.1. Son utilisation des réseaux sociaux pour créer une communauté engagée
La talentueuse interprète Dua Lipa utilise les réseaux sociaux de manière stratégique pour renforcer son lien avec ses fans. Elle partage non seulement des aperçus de sa vie professionnelle et personnelle mais encourage aussi une communication ouverte avec sa communauté. Cela a créé une base de fans extrêmement engagée qui soutient Dua Lipa à travers toutes ses initiatives musicales et personnelles.
4.2. Ses actions philanthropiques et son implication dans des causes sociales
En plus de sa présence dynamique en ligne, Dua Lipa est également active dans diverses causes philanthropiques et sociales. Son implication dans ces initiatives montre son engagement à utiliser sa plateforme pour faire une différence positive dans le monde. Que ce soit en soutenant l’éducation des enfants ou en participant à des campagnes de sensibilisation sur des enjeux globaux, l’engagement de Dua Lipa auprès de ses fans va bien au-delà de la musique, consolidant sa réputation de personnalité influente et consciente socialement.
Les secrets de la réussite de Dua Lipa en tant qu’artiste polyvalente
Sa capacité à innover et à se réinventer
La carrière de **Dua Lipa, l’artiste britannique**, est marquée par une constante évolution qui témoigne de sa capacité à innover et à se réinventer. Sa musique traverse et redéfinit les frontières des genres musicaux, montrant une maîtrise remarquable de son image et de son son. Sa faculté à embrasser le changement, tout en restant fidèle à sa signature vocale unique, a solidifié sa position comme une figure incontournable dans l’industrie de la pop music.
Sa vision artistique et sa créativité sans limites
La talentueuse interprète Dua Lipa a également séduit le public et la critique par sa vision artistique futuriste et sa créativité sans limites. Ses clips vidéo, ses tenues de scène et ses performances en direct sont la preuve d’un engagement à offrir une expérience visuelle et sonore qui complète et enrichit ses morceaux. Sa capacité à raconter des histoires à travers ses albums a engendré une connexion profonde avec une base de fans globale.
Les perspectives d’avenir pour Dua Lipa dans l’industrie musicale
Les projets à venir et les collaborations potentielles
Avec un avenir prometteur, **la chanteuse pop Dua Lipa** se prépare à élargir encore son impact sur la scène musicale mondiale. Les projets à venir, y compris des albums, des tournées mondiales et des collaborations avec d’autres artistes de renom, suscitent déjà un intérêt considérable de la part des fans et des professionnels de l’industrie. Ces initiatives démontrent son désir d’explorer de nouveaux horizons artistiques et de maintenir son rôle de pionnière dans la musique pop.
L’impact attendu sur l’industrie et sur ses fans
**Dua Lipa, la star de la pop music**, est non seulement une source d’inspiration pour de nombreux artistes émergents, mais elle continue aussi d’impressionner et de rassembler une communauté de fans dévoués à travers le monde. Son influence s’étend bien au-delà de sa musique, défiant les normes de l’industrie et encourageant les jeunes artistes à poursuivre leurs rêves.
L’impact attendu de ses futurs projets sur l’industrie musicale et sur ses fans est indéniable, promettant de nouvelles étapes réussies dans sa carrière déjà impressionnante. En somme, cet article nous a permis de plonger dans les secrets de la pop star internationale, Dua Lipa.
De ses débuts modestes à son succès fulgurant, en passant par son image de marque distincte et son engagement envers ses fans, Dua Lipa a su imposer sa présence dans l’industrie musicale d’une manière remarquable.
L’article a souligné l’importance des premiers pas de Dua Lipa dans l’industrie musicale, mettant en lumière les obstacles qu’elle a dû surmonter pour atteindre ses objectifs. Son parcours est une source d’inspiration pour de nombreux jeunes artistes qui aspirent à vivre de leur passion.
Le succès fulgurant de Dua Lipa repose en grande partie sur ses nombreux hits qui ont conquis le public du monde entier. Son sens de l’innovation et sa créativité sans limites ont permis à sa musique de toucher de nombreuses personnes, lui conférant une place de choix parmi la nouvelle génération de stars de la pop.
Au-delà de sa musique, Dua Lipa a également construit une image de marque distincte, se démarquant par son style vestimentaire unique et tendance. Ses collaborations stratégiques avec des marques renommées ont renforcé son influence et ont contribué à sa notoriété grandissante.
Un aspect important de la carrière de Dua Lipa est son engagement auprès de ses fans et de la communauté. En utilisant les réseaux sociaux de manière intelligente, elle a réussi à créer une communauté engagée qui la suit avec passion. De plus, ses actions philanthropiques et son implication dans des causes sociales démontrent son désir de faire une différence dans le monde.
En tant qu’artiste polyvalente, Dua Lipa a réussi à se réinventer et à innover constamment, ce qui est sans aucun doute l’une des clés de sa réussite. Sa vision artistique unique et sa capacité à repousser les limites de la musique pop ont fait d’elle une force incontournable dans l’industrie.
En ce qui concerne l’avenir, Dua Lipa continue de travailler sur de nouveaux projets et pourrait potentiellement collaborer avec d’autres grands noms de l’industrie musicale. Son impact sur l’industrie et sur ses fans est encore difficile à prédire, mais il est indéniable que sa carrière est en constante évolution et qu’elle a encore beaucoup à offrir.
En conclusion, Dua Lipa est bien plus qu’une simple pop star. Elle incarne la détermination, l’innovation et l’engagement, ce qui fait d’elle une figure importante de l’industrie musicale actuelle. Son parcours est un exemple inspirant pour les jeunes artistes et son impact continue de grandir. On ne peut qu’attendre avec impatience les prochains projets de cette talentueuse artiste.
Robert Doisneau est un Photographefrançais, né à Gentilly le 14 avril 1912 et mort à Paris le 1er avril 1994.
Robert Doisneau est considéré dans le monde entier comme l’un des « photographes de rue » les plus intéressants, et c’est parce qu’il savait se faire passer pour personne esprit entre douloureux et drôle, gentil et mélancolique de Paris en ce siècle.
obert Doisneau (1912-1994) est l’un des photographes les plus célèbres de France. Il est surtout connu pour ses photographies de rue prises à Paris dans les années 1930 et 1940. Doisneau a également travaillé pour des magazines tels que Vogue et Life, ainsi que pour des publicités, des films et des livres. Sa carrière a duré plus de 60 ans, et son influence sur la photographie de rue et documentaire est encore palpable aujourd’hui.
Robert Doisneau : les débuts
Robert Doisneau suit une formation de lithographe et étudie les arts graphiques et la gravure à l’Ecole Estinenne de Paris entre 1926 et 1929. Robert Doisneau aborde la photographie en autodidacte à l’âge de 17 ans, enregistrant la vie de la ville de Paris avec son objectif.
Robert Doisneau
Trouvé dans la photographie le meilleur moyen de fixer des expériences vécues au quotidien en se promenant dans ses rues: mendiants, enfants, gendarmes, jeunes, rien n’échappait à une inscription toujours attentive de Doisneau.
Le saut de Robert Doisneau vers la photographie professionnelle ne se produit qu’en 1934, moment où la société Renault, dans ses usines de Billancourt, l’engage comme photographe industriel et publicitaire.
Les images prises peu de temps ont à voir avec cette autre vision de la photographie qui a commencé dans sa jeunesse, donc, cette même année, Robert Doisneau s’est installé seul en tant que journaliste de presse.
Jeunesse et débuts dans la photographie
Robert Doisneau est né en 1912 à Gentilly, une banlieue de Paris. Sa famille avait une longue tradition d’artisanat et de travail manuel, mais Robert était attiré par les arts dès son plus jeune âge. Il a commencé à dessiner et à peindre à l’âge de 14 ans, mais n’a pas trouvé sa véritable passion avant de découvrir la photographie quelques années plus tard.
À 16 ans, il est devenu apprenti chez le fabricant d’accessoires photographiques André Vigneau. Il a travaillé sur des appareils photo, des plaques de verre et des lentilles, et a appris les bases de la photographie. C’est à cette époque qu’il a acheté son premier appareil photo, un Leica 35mm qui allait devenir son outil de travail préféré pour le reste de sa carrière.
Après son apprentissage, Doisneau a travaillé pour l’agence publicitaire Alliance Graphique, où il a rencontré André Kertész, l’un des photographes les plus influents de l’époque. Kertész a encouragé Doisneau à poursuivre une carrière dans la photographie, et en 1934, Doisneau a commencé à travailler en tant que photographe indépendant.
Dans les années 1930, Robert Doisneau a commencé à travailler sur ses premières photographies de rue. Il a pris des photos de travailleurs, de vagabonds, de musiciens et de toutes sortes de personnages dans les rues de Paris. Ses photographies capturaient la vie quotidienne de la ville, avec un sens aigu de l’observation et un humour subtil.
En 1939, Doisneau a été embauché par le magazine Vogue pour travailler sur des photographies de mode. Bien qu’il ait été peu intéressé par ce genre de photographie, il a accepté le travail.
Robert Doisneau et la guerre
L’autonomie professionnelle lui fut de courte durée, surpris par le déclenchement de la guerre, qui l’obligea à renoncer au rêve d’indépendance, et pendant quelques années, Robert Doisneau servit l’armée française – jusqu’en 1940 – et la résistance – jusqu’à la fin de la guerre. conflit – où Robert Doisneau a travaillé comme faussaire.
Robert Doisneau
Ce que la guerre n’a pas eu, c’est que l’abandon absolu de sa photo de carrière et, pendant cette courte période, Doisneau a réalisé quelques œuvres, principalement des cartes postales.
La publication de vos photographies à propos de la libération de Paris, en 1944, lui a valu une reconnaissance mondiale, raison pour laquelle il est devenu reporter pour l’agence de presse parisienne Rapho.
Robert Doisneau et Vogue
En 1949, Robert Doisneau signe un contrat avec Vogue, prestigieux magazine de mode où Robert Doisneau travaille jusqu’en 1952 comme photographe permanent puis comme free-lance. La mode a contribué à faire de Doisneau un univers non glamour et dérangeant, plein de beauté mais inamical.
En ce sens, les milieux de la haute société n’étaient pas piégés par l’artiste au même titre que l’univers modeste, pauvre et austère de la rue, qui reflétait un humour hors du commun.
Robert Doisneau
La publicité et la mode ne sont pas des domaines dans lesquels l’auteur évolue avec plus de plaisir. Si Doisneau occupe une place dans la mémoire photographique, est-ce dû à la rue Thomas, à ces moments uniques, émouvants et comiques avec sa charge de tristesse et de mélancolie des classes sociales les plus pauvres et les moins aisées du vieux Paris.
La vie française pouvait lire l’inconografia de Doisneau. Mariée à la Maison Gégène, œuvre de 1948 où la jeune fille jouit comme une écolière vêtue d’une longue robe blanche au bout d’une balançoire dans un cadre plein de charme, de fraîcheur et de joie prendre,…
…au clochard des Halles, un café où dans un à moitié et à plat sur une table, la dureté de l’expression des personnages introduit le spectateur dans une ambiance parisienne qui n’est pas justement celle du «rêve» français.
L’oeuvre de Robert Doisneau
L’œuvre la plus célèbre de Robert Doisneau est sans aucun doute le baiser à l’hôtel de ville. Immédiateté, fraîcheur, douceur et tendresse se rejoignent dans une image reproduite par milliers à travers le monde et qui a été la mémoire collective en tant que symbole d’un amour jeune et débordant, dans la ville du romantisme.
A l’occasion d’une vive polémique pour savoir si la photo était improvisée, Doisneau a dû révéler le secret jusqu’alors gardé, et reconnaître que les personnages étaient deux étudiants en art dramatique que le photographe avait convaincu de poser pour lui en 1950.
Robert Doisneau
En 1956, le prix Niepce de photographie et en 1983 Robert Doisneau reçoit le Grand Prix national de photo. Un an plus tard, Robert Doisneau obtient la nomination de Chevalier de la Légion d’honneur.
En tant que photographe de rue et d’environnements marginaux, à la hauteur d’un Brassai avec lequel il a exposé au Musée d’art moderne en 1951, ou encore un Cartier-Bresson cependant, le « moment décisif » Doisneau est plus convivial, gentil et complet.
Son grand sens de l’humour se cache derrière ces visages moins aisés au regard du spectateur en quête d’une saine complicité.
En avril 2005, le baiser de Robert Doisneau atteint les 155 000 € lors d’une vente aux enchères à l’hôtel Dassault à Paris. L’exemplaire vendu appartenait à Françoise Bornet, la protagoniste du cliché auquel le propre Doisneau a consacré cet exemplaire.
Robert Doisneau en quelques dates
1912: Robert Doisneau est Né à Gentilly (Val de Marne), le 14 avril.
1916: Son père tombe au combat pendant la Première Guerre mondiale.
1919: Sa mère meurt et il est élevé par des parents.
1925–1929: Études à l’école supérieure des arts et de l’imprimerie de Paris, obtention d’un diplôme de lithographe.
1930: Employé par l’Atelier Ullmann en tant qu’artiste de lettrage. C’est là que Robert Doisneau prend ses premières photographies.
1931: Robert Doisneaudevient assistant du photographe André Vigneau.
1932: Robert Doisneau achète son premier appareil photo et commence à photographier Paris et sa banlieue. La même année, il vend son premier reportage photo au magazine Excelsior.
1934: Employé à l’usine Renault de Boulogne-Billancourt en tant que photographe technique.
1936: Robert Doisneau épouse Pierrette Chaumaison. Le couple a deux filles, Annette (1942) et Francine (1947). De 1979 jusqu’à la mort de son père, Annette est assistante de Doisneau.
1939: Souvent en retard au travail, Robert Doisneau perd son emploi chez Renault. Rencontre Charles Rado, le fondateur hongrois de l’agence Rapho, qui l’emploie comme photographe.
Lui et ses collègues photographes parcourent la France à la recherche de sujets de reportage commercialisables. Il est engagé, en tant que photographe, lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate.
1940: Suite à la capitulation de la France, Robert Doisneau utilise ses compétences d’imprimeur en tant que civil, et produit des faux papiers et des copies de documents personnels pour les membres de la Résistance française.
Robert Doisneau
1942: Rencontre Maximilien Vox, qui lui demande de réaliser des reportages photo.
1946: Rejoint brièvement l’agence photo Alliance, mais retourne finalement à Rapho, désormais dirigée par Raymond Grosset. A travers l’agence, il est fréquemment embauché par Paris Match, le New York Times, Life et Fortune.
1947: Son travail de photographe est reconnu par le prix Kodak.
1948: Présenté au French Photographers Today, exposition de la New York Photoleague Gallery, aux côtés de Brassaï, Willy Ronis et Izis.
1949: Son premier livre, La banlieue de Paris, est publié, avec un texte de l’écrivain Blaise Cendrars. Robert Doisneau Signe un contrat avec le magazine Vogue , mais devient désenchanté par le monde trop artificiel de la mode parisienne et quitte le périodique mondialement connu en 1951.
1950: Réalise Le baiser de l’hôtel de ville pour le magazine Life . Il fait partie d’une série qui présente les rues de Paris en images idéalisées. C’est pour devenir l’une de ses œuvres les plus connues.
1951: Présenté à Five French Photographers, l’exposition du Museum of Modern Art, New York, aux côtés de Brassaï, Cartier-Bresson, Izis et Willy Ronis.
1954: Sa première exposition personnelle, à l’Art Institute of Chicago.
1955: Robert Doisneau est présenté à The Family of Man, la légendaire exposition organisée par Edward Steichen.
1956: Robert Doisneau remporte le prix Niepce.
Robert Doisneau
1960: Robert Doisneau voyage aux États-Unis, pour la première fois de sa vie, à l’invitation d’un ami proche, l’acteur et violoncelliste Maurice Baquet, qui parcourt le pays. Doisneau réalise des reportages photo sur New York, Hollywood et Palm Springs, en utilisant pour la première fois un film couleur.
1961: Son reportage photographique sur le voyage américain apparaît dans le numéro de février du magazine Fortune .
1983: Robert Doisneau gagne le Grand Prix National de la Photographie.
1984: Robert Doisneau Est fait Chevalier de l’Ordre de la Légion d’Honneur. Participe au projet de photographie de DATAR, la Délégation de l’Aménagement du Territoire et de l’Action Régionale.
1986: Robert Doisneau remporte le prix Balzac.
1988: Dans une affaire judiciaire largement médiatisée, Doisneau admet avoir travaillé avec des mannequins rémunérés lors du tournage d’une série de 1950 sur les amoureux pour le magazine LIFE . Robert Doisneau craignait d’envahir la vie privée d’autrui et a agi en accord avec les rédacteurs en chef.
1992: Exposition rétrospective à Modern Art Oxford, la dernière qu’il a lui-même organisée.
1994: Robert Doisneau Décède à Montrouge le 1er avril et est inhumé au cimetière de Raizeux, à côté de sa femme, décédée six mois plus tôt.
Robert Doisneau ‘La chance de la promenade’
amais une meilleure phrase a été inventée pour décrire le concours fortuit d’événements qui mène à une photographie de rue réussie, je ne l’ai pas encore entendue.
Le titre de chapitre de Jean-Claude Gautrand, «La chance de la balade», résume parfaitement l’état d’esprit du vivaneau urbain lorsqu’il descend dans la rue, caméra à la main.
Il résume également assez bien l’approche de Robert Doisneau alors qu’il cherchait à enregistrer les scènes en constante évolution sur les boulevards et les ruelles de son Paris bien-aimé.
Robert Doisneau
Doisneau était l’une des nombreuses vedettes de la photographie – flâneurs – qui ont parcouru la Ville Lumière au siècle dernier, définissant dans leurs images en noir et blanc un Paris disparu depuis longtemps, mais que tout voyageur d’aujourd’hui cherche à réinventer.
Cependant, rares sont ceux qui ont pu donner autant de leur propre personnalité à leur travail que Doisneau. Son sens de l’humour espiègle est clairement évident dans nombre de ses photographies les plus connues et pourtant, comme beaucoup d’humoristes, il y avait un côté mélancolique à sa personnalité. Sa joie évidente face aux délices de la ville était teintée de tristesse, en particulier vers la fin de sa vie.
Pour Robert Doisneau, le Paris qu’il aimait avait, dans les années 1980, changé à jamais.
La banlieue de Sarcelles par exemple, à dix kilomètres au nord de l’Ile de la Cité, était devenue «un décor idiot où l’on ne peut plus jouer, un fond dur et minéral.
On peut gratter un cœur dans le plâtre mou de Montreuil mais pas dans le béton de Sarcelles.
En 1984, chargé conjointement avec d’autres de photographier Paris, y compris Saint-Denis et sa ville natale de Gentilly où il a pris la plupart de ses premières images, il a remarqué: «Le ciment a remplacé les carreaux de plâtre et les huttes en bois. Il n’y a rien pour attraper la lumière.
Né le 14 avril 1912, dans un quartier parisien bordant désormais le périphérique au sud de la ville, Doisneau n’a pas eu à lutter aussi dur que certains de ses contemporains pour se faire reconnaître. Diplômé de graveur / lithographe en 1929, il se tourne presque immédiatement vers la photographie, devenant l’assistant du photographe André Vigneau deux ans plus tard.
L’année suivante voit son premier succès lorsque le journal L’Excelsior publie une série d’images prises dans un marché aux puces.
Doisneau était opérationnel. Il a remporté un prix Kodak en 1947 et, quatre ans plus tard, exposait avec Brassai, Willy Ronis et Izis au Museum of Modern Art de New York. D’innombrables autres publications et expositions suivront à Kyoto, Rome, Pékin et Tokyo.
Le type contemporain de photographie de rue «dans votre visage» – plus comme des agressions avec un appareil photo – aurait été étranger au modeste et respectueux Doisneau.
Il reconnaissait sa réticence à approcher les gens de trop près, en particulier au début de sa carrière, mais y voyait une vertu. Il a dit: «En fin de compte, la contrainte n’est pas une mauvaise chose.
Ma timidité m’a censurée et je n’ai pris les gens que de loin. Bien qu’il ait eu tendance à se rapprocher un peu plus tard, il a toujours essayé de replacer les gens dans le contexte de leur origine – et avec une toile de fond comme Paris, qui pourrait lui en vouloir?
Le livre de Gautrand contient la plupart des meilleures photographies de Doisneau et une courte biographie en anglais, français et allemand qui regorge de petites anecdotes donnant un aperçu du personnage de l’artiste.
Parmi les photographies, la célèbre série de peintures de nu dans la vitrine de la boutique d’art (The Sidelong Glance – Romi’s Shop) attirant furtivement l’attention des admirateurs masculins. L’arrière-plan de ses célèbres images «Kisses», dont la plupart ont été mises en scène mais qui ont connu un succès aux États-Unis et en France, est également exploré.
J’aime tellement les images de ce livre qu’il est difficile de choisir mes favoris personnels, mais « Georges Braque à Varangeville » (p. 147), « Bassin de la Villette » (p. 102/103) et « Rue des Ursins » ( p. 54) sont des points forts particuliers.
Quelques visages célèbres – Simone de Beauvoir, Orson Welles, Jacques Tati – peuvent être repérés dans les 192 pages du livre, mais ce sont les Parisiens ordinaires qui occupent le devant de la scène – une métaphore appropriée pour une ville que Doisneau considère comme un théâtre. «L’une des plus grandes joies de ma carrière a été de voir et de parler à des gens que je ne connais pas.
Très souvent, ces gens simples sont les âmes les plus douces et génèrent par eux-mêmes une atmosphère de poésie », a-t-il déclaré. «J’ai pris un plaisir malicieux à mettre en lumière les rebuts de la société, à la fois dans les personnes que j’ai prises et dans mon choix de parcours.
Vers la fin de sa vie, on peut sentir un sentiment de désenchantement s’insinuer dans la nature autrement ensoleillée de Doisneau. À peine deux ans avant sa mort en 1994, il a déclaré: «Je ne suis plus le bienvenu maintenant. La magie est partie. C’est la fin de la photographie «sauvage», de ceux qui ont déniché des trésors cachés. J’ai moins de joie en moi.
Il est intéressant de noter que Doisneau a utilisé un Rolleiflex au début et au milieu de sa carrière. Plus silencieux mais peut-être moins discret que le Leica de Cartier-Bresson, il offrait une qualité technique supérieure et cette netteté et cette richesse de ton sont évidentes dans les reproductions aux tons chauds du livre.
Doisneau, Cartier-Bresson et André Kertesz étaient pour moi les trois grands de la photographie parisienne mais j’ai toujours penché vers l’esprit et l’humour de Doisneau.
LeCanon de Pachelbel est une pièce de musique classique écrite par le compositeur allemand Johann Pachelbel au XVIIème siècle. Cette pièce étonnante est devenue une des chansons classiques les plus populaires et les plus connues dans le monde entier.
Elle est reconnue pour sa structure et son harmonie riches et magnifiques. Les paroles et les mélodies de ce Canon de Pachelbel sont si mémorables qu‘elles sont souvent utilisées dans des films, des documentaires et des mariages.
Dans cet article, nous examinerons le Canon de Pachelbel et discuterons de sa structure, de sa signification et de son histoire.
Canon de Pachelbel –
2. Histoire et contexte du Canon de Pachelbel
Le Canon de Pachelbel est une pièce de musique baroque composée par Johann Pachelbel (1653–1706). C‘est l‘une des œuvres classiques les plus populaires et les plus célèbres de tous les temps, et elle est souvent jouée lors des mariages et autres cérémonies.
Le Canon de Pachelbel est une forme musicale connue sous le nom de «canon», qui est une structure musicale dans laquelle une mélodie est jouée simultanément à différentes hauteurs et rythmes.
La mélodie du Canon de Pachelbel est basée sur une chanson allemandepopulaire du XVIIe siècle connue sous le nom de «Kanon und Gigue in D–Dur».Le Canon de Pachelbel est une pièceinstrumentale qui est composée à l‘origine pour trois violons et une basse continue.
La mélodie est jouée par les violons et accompagnée par la basse continue, qui est une ligne de basse répétitive qui soutient la mélodie. Au fil des années, le Canon de Pachelbel aété arrangé pour des instruments différents, y compris l‘orgue, le piano et l‘ensemble de cuivres.
Le Canon de Pachelbel est une œuvre très populaire qui aété jouée dans de nombreux films et programmes télévisés. Il est considéré comme une pièce intemporelle qui a traversé les âges et qui est toujours aussi populaire aujourd‘hui qu‘elle l‘était il y a 300 ans.
4. Biographie de Johann Pachelbel
Johann Pachelbel (1653–1706)était un compositeur, organiste et professeur d‘orgue allemand du Baroque.Né à Nuremberg, Pachelbelétait le plus jeune enfant d‘une famille de musiciens respectés.
Son père, Johann (Hans) Pachelbelétait un chef de chœur et un organiste de l‘église Saint–Sébastien et sa mèreétait la fille d‘un compositeur et organiste.Pachelbelétudia à l‘école de musique locale et apprit lacomposition et l‘orgue avec des professeurs locaux.
Il a ensuiteétudié à l‘Université d‘Altdorf et à l‘Université de Regensburg, où il a reçu une formation approfondie en théologie et en musique.
En 1677, Pachelbel aété nommé organiste de l‘église Saint–Laurent à Vienne, où ilétait en contact avec des compositeurs importants tels que Heinrich Biber et Johann Jakob Froberger. Il a ensuiteété nommé organiste à l‘église Saint–Stephen de Vienne en 1690, où il est resté jusqu‘à sa mort en 1706.
5. Œuvres de Pachelbel
1. Canon in D
2. Chaconne in F minor
3. Hexachordum Apollinis
4. Magnificat in G Major
5. Fugue in A minor
6. Toccata in F sharp minor
7. Prelude and Fugue in D Major
8. Suite in A minor
9. Aria Sebaldina
10. Ricercar in E minor
Canon de Pachelbel
7. Analyse musicale du Canon de Pachelbel
Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique écrit par le compositeur allemand Johann Pachelbel, et composé en 1680. C‘est l‘un des morceaux les plus populaires de l‘ère baroque et est l‘un des morceaux classiques les plus connus et les plus appréciés de tous les temps.
Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon à trois voix qui se déroule à une vitesse modérée. La première partie est jouée par une ligne mélodique qui est ensuite imitée par les deux autres voix.
La progression harmonique du Canon de Pachelbel est basée sur une tonalité majeure et il y a une grande variété d‘accords qui sont utilisés pour créer une atmosphère expressive.Les mouvements rythmiques sont très simples, mais ils sont la clé qui donne à la pièce son caractère mélodieux.
La mélodie principale du Canon de Pachelbel est jouée dans les tons les plus aigus et est ensuite imitée par les autres voix. Les accents en contrepoint et les pauses subtiles créent une texture riche et variée.
Le Canon de Pachelbel est une pièce très mélodieuse et expressif. Une grande attention est accordée à la structure et à l‘harmonie, ce qui en fait une pièce très réussie. Le Canon de Pachelbel est une pièce qui est considérée comme l‘un des chefs–d‘œuvre les plus célèbres et les plus appréciés de la musique classique.
9. Histoire de la diffusion du Canon de Pachelbel
Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique composé par Johann Pachelbel au XVIIe siècle. Il aété composé pour l‘orgue, mais est aujourd‘hui plus communément joué à l‘orchestre et à la guitare.
Bien qu‘il aitété composé plus de 300 ans auparavant, le Canon de Pachelbel est devenu l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et populaires de tous les temps.Le Canon de Pachelbel est devenu populaire pour la première fois au début du XXe siècle, lorsque le musicien et compositeur Max Reger a adapté le morceau pour piano.
La version de Reger est devenue très populaire et aété enregistrée par de nombreux artistes, notamment le pianiste Vladimir Horowitz.
Le Canon de Pachelbel a connu une nouvelle vague de popularité au milieu des années 1960, lorsque le guitariste classique Jean–Claude Rapin a enregistré une version pour guitare. Sa version est devenue très populaire et aété enregistrée par de nombreux artistes, notamment le groupe derock britannique The Alan Parsons Project.
Au cours des années 1970 et 1980, le Canon de Pachelbel aété adapté à divers instruments et styles musicaux, notamment le reggae, le jazz et la musique country.
Il a égalementété utilisé dans des films, des émissions de télévision et des publicités.Au cours des années 1990 et 2000, le Canon de Pachelbel est devenu de plus en plus populaire et a connu une nouvelle vague de popularité, notamment grâce à sa présence dans la musique populaire et le film La Chambre des Merveilles.
La version pour guitare de Rapin a égalementété utilisée dans de nombreux films et émissions de télévision, notamment la série télévisée Friends.
Le Canon de Pachelbel est aujourd‘hui l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et les plus populaires. Il est joué dans le monde entier et apprécié par des millions de personnes.
10. Impact et héritage du Canon de Pachelbel
Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique qui a des origines allemandes et qui aété composé par Johann Pachelbel vers 1680. Le Canon de Pachelbel est considéré comme l‘un des morceaux de musique classique les plus célèbres et les plus populaires de tous les temps.
Le Canon de Pachelbel a eu un impact considérable sur la musique classique et aété utilisé par de nombreux compositeurs au fil des siècles. C‘est une source d‘inspiration pour les nouvelles compositions et est encore aujourd‘hui un morceau très apprécié.
Le Canon de Pachelbel a également eu un impact culturel considérable. Il est souvent utilisé dans des films, des séries télévisées et des publicités, ce qui permet à un plus large public de découvrir et d‘apprécier la musique classique.Le Canon de Pachelbel est aussi un héritage culturel très important.
Il a inspiré de nombreuses interprétations et arrangements modernes, ce qui en fait un classique intemporel et un morceau qui continuera à être apprécié par les générations futures.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
FAQ: Questions fréquemment posées sur le Canon de Pachelbel
1. Qui a composé le Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel a été composé par Johann Pachelbel, un compositeur allemand du 17ème siècle. Il est né en 1653 et est décédé en 1706.
2. Quand le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?
Le Canon de Pachelbel a été composé vers 1680, bien que la date exacte soit inconnue. Il est également possible qu’il ait été composé avant 1680.
3. Quelle est la forme musicale utilisée dans le Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon. Un canon est une forme musicale dans laquelle une ligne mélodique est jouée par plusieurs instruments ou voix à des intervalles différents en même temps. Les lignes mélodiques sont généralement entrelacées pour créer un effet élaboré.
4. Quelle est la tonalité du Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel est en tonalité de D majeur. La tonalité est la hauteur moyenne des sons d’une pièce et est généralement exprimée par une lettre et une accidentale. Dans le cas du Canon, la tonalité est D Majeur, ce qui signifie que la note la plus haute de la pièce est Ré.
5. Quel instrument est utilisé dans le Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel est généralement joué à l’orgue, mais il peut également être joué à la harpe, à la flûte, au violon et à d’autres instruments.
6. Où le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?
Le Canon de Pachelbel a été composé en Allemagne, plus précisément à Nuremberg, où Pachelbel a vécu et travaillé. Il a également composé d’autres pièces à Nuremberg, y compris des pièces pour l’orgue et des chorals.
7. Quel est le genre musical du Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel est un genre de musique classique appelé musique baroque. C’est une forme de musique qui était très populaire en Europe entre 1600 et 1750 et qui est caractérisée par une certaine sophistication et des ornementations.
8. Qui a popularisé le Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel a été popularisé par des artistes tels que les Beatles, Elvis Presley et les Beach Boys. Il a été utilisé dans de nombreuses chansons, films et publicités, et est devenu une pièce très populaire.
9. Quelle est l’influence du Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel a eu une grande influence sur la musique classique moderne. Il a été une source d’inspiration pour de nombreux compositeurs et a été utilisé comme base pour de nombreuses reprises et variations. Il a également influencé le genre de la musique pop.
10. Quelle est la signification symbolique du Canon de Pachelbel ?
Le Canon de Pachelbel n’a pas de signification symbolique spécifique, mais il est largement considéré comme une pièce très mélancolique et émouvante. Il est également considéré comme une pièce romantique, et est souvent associée à l’amour et à l’amitié.
Les secrets de la fascination pour les photos de femmes nues
Nombreux sont ceux qui sont fascinés par les photos de femmes nues ou les images érotiques présentant des corps féminins dénudés. Cette attirance a traversé les siècles, et s’est perpétuée à travers différentes formes d’art, allant du dessin aux photographies pornographiques modernes. Dans cet article, nous décrypterons l’intérêt profond pour ces images ainsi que les raisons poussant certaines personnes à vouloir admirer et collectionner les photos de femmes nues.
L’évolution historique des représentations de femmes nues
Il est essentiel de revenir sur quelques moments clés de l’histoire où les représentations de femmes nues étaient perçues différemment selon les époques. En effet, cette évolution aidera à mieux comprendre la place occupée actuellement par les photos de femmes nues dans nos sociétés.
L’Antiquité et ses idéaux de beauté
Dès l’Antiquité, les sociétés grecque et romaine accordaient une grande importance au nudus veritas, c’est-à-dire le nu véritable. À travers la sculpture notamment, les artistes représentaient principalement des hommes nus, mais aussi quelques femmes dénudées. Ces dernières incarnaient généralement des divinités comme Aphrodite, et étaient appréciées pour leur beauté idéalisée tout en étant vues comme un moyen d’atteindre un niveau intellectuel supérieur.
La Renaissance et l’érotisme
Durant la Renaissance, les modèles de femmes nues se popularisent, notamment grâce à des artistes comme Sandro Botticelli ou Léonard de Vinci. Les corps féminins dénudés sont alors présentés sur un mode érotique, sans pour autant tomber dans la vulgarité. Ils deviennent également le moyen d’exprimer un message politique ou moral, tout en étant une source d’inspiration inépuisable.
L’apparition de la photographie et ses conséquences
Avec l’apparition de la photographie au XIXe siècle, l’art de représenter la nudité féminine prend une nouvelle dimension. En effet, les possibilités offertes par cette technique permettent aux artistes de réaliser des photos de femmes nues qui repoussent encore davantage les limites du désir et de l’érotisme. La production de ces images s’intensifie et se démocratise, donnant naissance à ce que nous connaissons aujourd’hui sous le terme porno.
Pourquoi les photos de femmes nues suscitent-elles un tel intérêt ?
Il existe différentes raisons pouvant expliquer l’attirance pour les photos de femmes nues. Notamment :
Le désir sexuel assumenté : D’un point de vue biologique, être attiré par la nudité relève tout simplement du fait que ces images activent notre libido et nos pulsions sexuelles. C’est donc un phénomène naturel; pour certains, ces représentations demeurent un moyen d’explorer leur sexualité;
Les mystères liés à l’intimité : Le fait que notre société perçoit la nudité comme quelque chose d’intime, voir de tabou, peut aussi expliquer cette fascination pour les corps nus. Admirer de telles images, c’est en somme pénétrer dans l’intimité dévoilée d’une personne qui se montre vulnérable et désirable;
L’esthétique des formes : Les photos de femmes nues sont souvent appréciées pour leur esthétique visuelle, qui met en valeur les courbes gracieuses du corps. Certaines personnes peuvent ainsi être touchées par la forme artistique de ces clichés plutôt que par leur seule charge érotique.
L’évolution fulgurante des collections et galeries de photos de femmes nues sur internet
Au XXIe siècle, posséder une collection personnelle de photos de femmes nues est devenu plus simple et accessible que jamais grâce aux nouvelles technologies de l’information et de la communication. De nombreux sites web proposent aujourd’hui des galeries de photos porno, disponibles à tout moment et gratuitement pour la plupart. Voici quelques points importants à connaître sur cette tendance :
Une offre pléthorique
Internet a permis d’élargir considérablement le choix et la variété des photos de femmes nues disponibles en ligne. Quelle que soit votre préférence et vos goûts, vous trouverez probablement les images que vous recherchez, depuis les photos professionnelles de mannequins renommées, jusqu’aux clichés amateurs pris dans l’intimité de leurs foyers.
L’anonymat et le téléchargement rapide
Le monde virtuel offre également un avantage non négligeable : la discrétion. En effet, il est possible de consulter des collections de photos de femmes nues tout en gardant son anonymat, sans que personne ne connaisse vos préférences. De plus, les internautes peuvent rapidement télécharger ces images sur leur ordinateur ou leur téléphone grâce à une connexion internet toujours plus rapide et performante.
Les risques et précautions à prendre
Malgré les nombreux avantages qu’offre Internet pour découvrir et collectionner des photos de femmes nues, il est crucial de rester vigilant quant aux risques associés. Ne faites jamais confiance aveuglément à un site internet présentant ce type de contenu. Assurez-vous toujours de la légalité des images mises à disposition et respectez scrupuleusement les limites d’âge imposées par la loi. Enfin, ne partagez pas d’informations personnelles, comme votre vraie identité, lors de visites sur des sites dédiés à l’érotisme ou la pornographie.
Les plus belles photos de femmes nues d’Helmut Newton
En l’honneur du 100e anniversaire du photographe Helmut Newton et du 40e anniversaire de la maison d’édition Taschen, la société relance Sumo , un livre de collection de 1999 consacré aux photographies les plus scandaleuses capturées par l’artiste allemand. Surnommée Baby Sumo , cette réédition a été coupée en deux du tome original, en plus d’être éditée et révisée par la femme du photographe, June Newton .
Le nouveau livre de collection est publié à seulement 10 000 exemplaires numérotés, pèse près de 20 livres, et est accompagné d’un pupitre en acier inoxydable exceptionnel, conçu par Philippe Starck , ainsi que d’un piédestal et d’un livret retraçant la réalisation de la publication légendaire – le tout pour la somme extraordinaire de 1 500 $.
Véritable pièce de collection, le livre offre un hommage mérité à Newton, à qui l’on doit des clichés incomparables des plus grandes stars du cinéma du siècle dernier, ainsi que les plus belles photos de femmes nues d’Helmut Newton, des photos de femmes nues exceptionnelles des plus beaux modèles féminins de notre génération.
À l’intérieur de l’un des livres les plus chers du 20e siècle.
Quand il est sorti, le Sumo original était énorme à tous points de vue. C’était un hommage de 464 pages au photographe le plus influent et le plus controversé du 20e siècle et un livre qui a battu tous les records de poids, de taille et de valeur monétaire.
L’idée d’une collection d’images, reproduites sur des pages de taille exceptionnelle selon des normes de conception et d’impression de pointe, est née d’un dialogue ouvert et exploratoire entre le photographe et l’éditeur.
Avec un poids impressionnant de 77 livres, un concept original et des techniques de production irréprochables, le livre a véritablement établi de nouvelles normes. Publié en édition limitée à 10000 exemplaires signés et numérotés, le premier Sumo épuisé peu de temps après sa publication et sa valeur de revente s’est rapidement multipliée.
Photos de femmes nues
Une sensation dans le monde de l’édition mondiale, le livre a amené le genre monographique à une toute nouvelle dimension et peut maintenant être trouvé dans de nombreuses collections importantes à travers le monde, y compris celle du Museum of Modern Art de New York .
Le tout premier exemplaire de Sumo, signé par plus de 100 célébrités apparaissant dans le livre, a battu le record du livre le plus cher du XXe siècle, vendu aux enchères à Berlin le 6 avril 2000 pour 620 000 Deutsche Marks (soit 369 194 $).
Une chose est sûre, le nouveau Baby Sumo n’a rien perdu de glamour. Avec plus de 400 images à couper le souffle, reproduites et imprimées selon les derniers standards, il a toujours le prestige d’une exposition privée de photographies.
Helmut Newton. Baby Sumo est désormais disponible en édition limitée à 10 000 exemplaires via Taschen.
Photos de femmes nues
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FAQ : Sumo, le livre d’Helmut Newton
1. Qu’est-ce que le livre Sumo d’Helmut Newton ?
Sumo est un livre de photographie publié en 1999 qui contient une collection de photographies d’Helmut Newton. Le livre mesure plus de 50 cm de haut et pèse plus de 30 kg, ce qui en fait l’un des plus grands et des plus lourds livres de photographie jamais publiés.
2. Combien de photographies sont incluses dans Sumo ?
Sumo contient plus de 400 photographies d’Helmut Newton, qui ont été sélectionnées et organisées par l’artiste lui-même. Les photographies couvrent une période de plus de 40 ans de la carrière de Newton, de ses premiers travaux en noir et blanc jusqu’à ses dernières photographies en couleurs.
3. Quel est le prix de Sumo ?
Le prix de Sumo varie en fonction de l’édition et de l’état du livre, mais il est généralement considéré comme l’un des livres de photographie les plus chers jamais publiés. Certaines éditions peuvent se vendre pour des milliers de dollars.
4. Pourquoi Sumo est-il si célèbre ?
Sumo est célèbre pour plusieurs raisons, notamment sa taille et son poids impressionnants, ainsi que pour la qualité des photographies incluses dans le livre. Il est également considéré comme une représentation importante de l’œuvre d’Helmut Newton et de son influence sur la photographie contemporaine.
5. Où peut-on acheter Sumo aujourd’hui ?
Sumo n’est plus disponible à l’achat en tant que livre neuf, mais il peut être trouvé sur le marché de l’occasion ou dans des collections privées. Des reproductions et des éditions plus petites du livre sont également disponibles à l’achat.
6. Comment a été créé le livre Sumo ?
Le livre Sumo a été créé en collaboration avec l’éditeur allemand Benedikt Taschen. Newton a sélectionné les photographies pour le livre, et Taschen a travaillé sur la conception et la production du livre, en utilisant des techniques d’impression de haute qualité pour garantir que les photographies étaient présentées de la meilleure façon possible.
7. Quel est le format de Sumo ?
Le livre Sumo est très grand, mesurant plus de 50 cm de haut et pesant plus de 30 kg. Il est conçu pour être posé sur une table ou sur le sol pour être visualisé, plutôt que d’être tenu dans les mains comme un livre traditionnel.
L’un des photographes de mode et créateur de photos de femmes nues les plus influents au monde dans un documentaire.
«Tout photographe qui prétend ne pas être un voyeur est soit un idiot, soit un menteur» : est un parfait exemple de l’approche franche d’Helmut Newton sur la vie.
Décédé en 2004, il est et restera toujours l’un des photographes de mode et de nu les plus influents au monde. Imitées mais jamais égalées, ses photographies sont à la fois choquantes, sensuelles et incroyablement élégantes, et lui ont forgé une réputation internationale.
À partir des années 1970, le photographe berlinois a commencé à faire des photos de femmes nues pour de grandes publications telles que Vogue , Vanity Fair et Harper’s Bazaar.
De la série «Naked and Dressed» où une armée de mannequins a frappé des poses identiques entièrement habillées et ne portant que des chaussures, au célèbre portrait provocateur de Catherine Deneuve en 1976, l’œuvre monochromatique d’Helmut Newton est peuplée de femmes puissantes et triomphantes, toutes dotées d »une sensualité affirmée et explicite.
Parfois couvert de compliments, parfois considéré comme un misogyne objectivant le corps féminin, ce photographe a longtemps divisé les opinions. Mais quelle était la véritable ambition d’Helmut Newton?
C’est la question posée par le premier documentaire posthume dédié à Helmut Newton, intitulé The Bad and the Beautiful .
Ecrit et réalisé par Gero Von Boehm, un ami proche de l’artiste, le film revient sur la vie d’un rebelle très en avance sur son temps et révèle un aspect jusqu’alors inconnu de sa personnalité: on découvre un homme débordant d’humour sur ses séances photos, car ses proches révèlent des moments d’intimité et des controverses inconnues.
Déjà en sortie générale en Allemagne, le documentaire rassemble les femmes importantes – et seulement les femmes – de sa vie et de son travail pour en discuter. Une décision délibérée de Gero Von Boehm dont le but précis est de mettre leur voix au cœur du sujet et de l’attention du spectateur.
On voit ainsi l’épouse du photographe June Newton, le mannequin Claudia Schiffer et Anna Wintour, entre autres, partager leurs expériences aux côtés de ce grand artiste.
Déjà sorti en Allemagne, le documentaire prévu pour le Film Forum de New York est très attendu en France, même si aucune date n’a encore été confirmée.
Critique du premier documentaire posthume dédié à Helmut Newton
Le film fascinant du réalisateur Gero von Boehm comprend les muses du célèbre photographe de mode, mais pose également des questions sur ses images misogynes.
L’intelligence, l’impartialité et des photos de femmes nues
L’intelligence et l’impartialité de ce documentaire sur le photographe de mode provocateur qu’est Helmut Newton, fait un changement par rapport au ton flatteur que vous obtenez dans beaucoup de films de mode.
C’est un portrait «autorisé» flatteur, mettant en vedette des interviews de célèbres muses newtoniennes Charlotte Rampling, Grace Jones et Claudia Schiffer. Mais le réalisateur Gero von Boehm mérite des points pour ne pas avoir ignoré la controverse «porno chic» autour de ses images fétichistes les plus extrêmes de femmes nues.
Il y a un clip brillant de Newton apparaissant en tant qu’invité à la télévision française aux côtés de Susan Sontag, qui l’accuse à son visage d’être un misogyne.
Le film bénéficie de superbes images des coulisses de Newton sur le tournage de ses prises de vues. «Ne paraissez pas frappé par la pauvreté. Regardez incroyable! » il instruit un modèle.
Newton lui-même a l’air de descendre d’un yacht sur la Côte d’Azur – un jeune octogénaire malicieux, équilibré et bronzé. Il est né en Allemagne en 1920 dans une famille juive et a fui les nazis en 1938. En Australie, il a rencontré sa femme, June, et à Paris s’est fait un nom en photographiant un type particulier de femmes – des amazoniennes qui projetaient le sexe et le glamour.
Des hommes pour lesquels il avait peu de temps; c’étaient des accessoires – comme un chapeau ou une paire de chaussures. Newton est décédé en 2004 dans un accident de voiture à Los Angeles.
Une interview d’archive de Newton
Dans une interview d’archives, Newton dit que ses photographies placent les femmes dans une position de pouvoir – son modèle est toujours dominant, regardant l’homme qui la regarde. Ce n’est pas toujours vrai. Certainement pas dans son infâme cliché d’une femme à quatre pattes, nue mais sur une selle de cheval, sur le dos.
Certains des commentaires les plus intéressants ici proviennent d’Isabella Rossellini, qui pense que les photographies de Newton ont révélé ce que certains hommes ressentent – comment l’attirance pour une femme peut les rendre irrités et en colère. Un autre ancien mannequin pense qu’il a tenu un miroir de la misogynie dans la société. Vous préférerez peut-être la prise plus simple de Sontag. Un film fascinant.
FAQ : Les plus belles photos d’Helmut Newton
1. Qui était Helmut Newton ?
Helmut Newton était un photographe allemand connu pour ses photographies de mode, de nu et de célébrités.
2. Qu’est-ce qui rend les photos de femmes nues d’Helmut Newton si spéciales ?
Les photos d’Helmut Newton se caractérisent par leur esthétique unique, souvent audacieuse et provocante, ainsi que par leur utilisation de l’éclairage, de la composition et de la mise en scène pour créer des images saisissantes et inoubliables.
3. Quelles sont les photos de femmes nues les plus célèbres d’Helmut Newton ?
Les photos les plus célèbres d’Helmut Newton comprennent « Big Nude III », « Sie Kommen » (Eve Arnold et Marlene Dietrich), « Self Portrait with Wife and Models » et « Saddle II ».
4. Quel était le style de photographie d’Helmut Newton ?
Le style de photographie d’Helmut Newton était caractérisé par des mises en scène audacieuses, des poses provocantes et une esthétique souvent sombre et sexy. Ses photographies étaient souvent érotiques et cherchaient à explorer les frontières de la sexualité et de la féminité.
5. Pourquoi les photos de femmes nues d’Helmut Newton ont-elles suscité la controverse ?
Les photos d’Helmut Newton ont suscité la controverse en raison de leur contenu souvent provocant et érotique, ainsi que de leur représentation de la sexualité et de la féminité. Certains ont accusé Newton de sexualiser et de dégrader les femmes dans ses photographies.
6. Quelle est la place d’Helmut Newton dans l’histoire de la photographie ?
Helmut Newton est considéré comme l’un des photographes les plus influents du XXe siècle, ayant contribué à redéfinir les frontières de la photographie de mode et érotique. Son travail continue d’inspirer les photographes et les artistes aujourd’hui.
7. Où peut-on voir les photos de femmes nues d’Helmut Newton aujourd’hui ?
Les photos d’Helmut Newton peuvent être vues dans des galeries et des musées du monde entier, ainsi que dans des publications de photographie et des livres d’art. Il existe également plusieurs sites web dédiés à la présentation de son travail.
8. Quelle est l’influence d’Helmut Newton sur la photographie contemporaine ?
L’influence d’Helmut Newton sur la photographie contemporaine est importante, en particulier en ce qui concerne la photographie de mode et érotique. Son style distinctif continue d’inspirer de nombreux photographes aujourd’hui.
9. Quels ont été les défis de la carrière d’Helmut Newton en tant que photographe ?
eric.canto@groupe-grim.com continue Certains des défis de la carrière d’Helmut Newton en tant que photographe comprenaient la controverse entourant certaines de ses photographies, ainsi que des critiques de son approche de la représentation de la féminité et de la sexualité dans ses œuvres. Cependant, malgré ces obstacles, Newton a réussi à se faire un nom dans l’industrie de la photographie et est aujourd’hui considéré comme l’un des photographes les plus influents de son temps.
10. Comment les photographies d’Helmut Newton ont-elles évolué au fil du temps ?
Au fil du temps, les photographies d’Helmut Newton ont évolué pour inclure des éléments plus narratifs et des histoires plus complexes. Il a également commencé à travailler avec des célébrités, notamment Catherine Deneuve, David Bowie et Charlotte Rampling, ce qui a ajouté une nouvelle dimension à son travail. Cependant, son style distinctif est resté constant tout au long de sa carrière, ce qui a contribué à son statut d’icône de la photographie.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
The Prodigy, ces anarchistes de la musique électronique, ont marqué l’histoire en transformant le paysage sonore des années 90 et 2000. Ils ont mélangé la rave, le punk, et l’électronique pour créer un son unique qui a secoué les clubs, les festivals, et les esprits. Leur musique n’est pas seulement faite pour être écoutée, elle est faite pour être ressentie.
À une époque où la musique électronique restait souvent en arrière-plan, The Prodigy l’a placée sous les projecteurs avec des hits fracassants comme « Firestarter », « Breathe » et « Smack My Bitch Up ». Leur énergie brute, leur attitude provocatrice, et leur esthétique audacieuse ont conquis le monde, faisant de The Prodigy un pilier du mouvement électronique. Explorons ensemble leur parcours fulgurant, leurs albums mythiques, et leur héritage inoubliable.
THE PRODIGY
L’univers électro-punk de The Prodigy : une fusion explosive
Liam Howlett : Le cerveau derrière le chaos
Derrière le mur de décibels et l’agitation visuelle des concerts de The Prodigy se trouve Liam Howlett, le maître d’œuvre. C’est lui qui compose et produit la majorité des morceaux du groupe. Avec une formation classique en musique, Howlett s’est rapidement tourné vers les platines et les synthétiseurs, trouvant dans la scène rave britannique de la fin des années 80 un terrain fertile pour ses expérimentations sonores. Sa capacité à mélanger breakbeat, punk, techno, et rock a défini le son unique de The Prodigy.
Howlett n’a jamais eu peur de prendre des risques. Chaque album pousse les limites de ce que l’on attend d’un groupe électronique. Avec lui aux commandes, The Prodigy a créé un univers sonore chaotique, où les basses grondent et les synthés déchirent l’air, tout en restant accessible à un large public. Il est le compositeur de génie derrière les beats assassins et les refrains catchy qui ont fait la renommée du groupe.
Keith Flint : L’incarnation du chaos
Si Liam Howlett est le cerveau, Keith Flint en est l’âme. Sa mort tragique en 2019 a laissé un vide immense dans le monde de la musique. Mais ce qu’il a laissé derrière lui est inoubliable. Avec son look punk, ses danses frénétiques et sa voix rauque, Flint a été l’incarnation vivante de l’énergie explosive de The Prodigy.
Son rôle dans des morceaux comme « Firestarter » et « Breathe » a marqué l’histoire. Flint n’était pas qu’un chanteur, c’était un performeur. Sur scène, il ne se contentait pas de chanter, il électrisait la foule. Sa présence était magnétique, et sa capacité à canaliser la rage et la rébellion a fait de The Prodigy bien plus qu’un simple groupe de musique électronique.
Albums incontournables de The Prodigy : Des hymnes rave au punk électronique
« Experience » (1992) : La naissance d’un son révolutionnaire
Le premier album de The Prodigy, « Experience », est une véritable plongée dans l’univers des raves britanniques des années 90. À l’époque, la scène rave était florissante, et Liam Howlett y a trouvé son terrain de jeu idéal. Cet album mélange des rythmes frénétiques, des basses puissantes et des samples accrocheurs qui définissent l’ADN du groupe. Des morceaux comme « Charly » et « Out of Space » deviennent rapidement des hymnes dans les clubs.
Si cet album est encore très marqué par la culture rave, il montre déjà le potentiel de The Prodigy à casser les codes. L’énergie brute qui s’en dégage attire non seulement les fans de musique électronique, mais aussi ceux qui cherchent quelque chose de plus audacieux, de plus percutant.
« Music for the Jilted Generation » (1994) : La rébellion en marche
Avec « Music for the Jilted Generation », The Prodigy franchit une nouvelle étape. Cet album est un manifeste de rébellion contre le gouvernement britannique, qui tentait à l’époque de criminaliser la culture rave avec des lois restrictives. The Prodigy répond avec des morceaux d’une agressivité nouvelle, mêlant techno, breakbeat, et rock dans une explosion sonore.
Des morceaux comme « Voodoo People » et « No Good (Start the Dance) » deviennent des classiques instantanés, et l’album est acclamé par la critique. C’est à ce moment que The Prodigy commence à transcender les genres, attirant à la fois les fans de musique électronique et les amateurs de rock alternatif. « Music for the Jilted Generation » est une déclaration audacieuse : The Prodigy n’est pas là pour plaire, ils sont là pour défier. « The Fat of the Land » (1997) : La consécration mondiale
« The Fat of the Land » est l’album qui propulse The Prodigy au rang de superstars mondiales. Avec des hits comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up », cet album devient emblématique des années 90. L’énergie punk de Keith Flint, combinée aux beats assassins de Liam Howlett, crée un cocktail explosif qui conquiert la planète.
Cet album est aussi l’un des premiers à brouiller définitivement la ligne entre rock et électronique. The Prodigy joue sur les deux tableaux, créant un son qui attire aussi bien les ravers que les rockeurs. « The Fat of the Land » est un monument de la musique alternative, et son influence se fait encore sentir aujourd’hui dans de nombreux genres musicaux.
THE PRODIGY
The Prodigy en concert : Une expérience viscérale et inoubliable
Une énergie brute sur scène
Les concerts de The Prodigy sont une vraie tornade. Dès les premières notes, l’énergie brute qui se dégage de la scène est palpable. Keith Flint, avec sa démarche frénétique et son look punk, captait immédiatement l’attention de la foule. Ses performances étaient à la fois hypnotiques et chaotiques, transformant chaque concert en une expérience unique.
Le groupe ne se contente pas de jouer ses morceaux : ils les réinventent en live. Les beats sont plus lourds, les basses plus puissantes, et les synthés plus tranchants. Chaque concert est une explosion d’énergie, où le public se retrouve entraîné dans une transe collective.
L’esthétique visuelle des performances live
En plus de l’énergie musicale, The Prodigy accorde une attention particulière à l’esthétique visuelle de leurs concerts. Les jeux de lumière, les projections vidéo, et les décors sont soigneusement orchestrés pour créer une atmosphère immersive. Les visuels reflètent souvent l’énergie brute de la musique, avec des effets stroboscopiques et des couleurs vives qui renforcent le caractère explosif des morceaux.
Les concerts de The Prodigy ne sont pas seulement des performances musicales, ce sont des spectacles sensoriels où la musique et l’image se combinent pour offrir une expérience totale.
THE PRODIGY
L’héritage de The Prodigy : Une influence indélébile
Des pionniers de la musique électronique grand public
Avant The Prodigy, la musique électronique restait largement confinée aux clubs underground. Mais avec des albums comme « The Fat of the Land », The Prodigy a réussi à faire passer cette musique dans le mainstream, tout en conservant son énergie subversive et alternative. Ils ont ouvert la voie à des artistes comme Skrillex, The Chemical Brothers, et même Daft Punk, qui ont poursuivi l’œuvre de démocratisation de la musique électronique.
The Prodigy et la culture underground
Malgré leur succès commercial, The Prodigy a toujours conservé une certaine attitude punk. Ils n’ont jamais cherché à se conformer aux attentes de l’industrie musicale, préférant rester fidèles à leurs racines rave et rebelles. Cette dualité – être à la fois des icônes mainstream tout en restant des figures de proue de l’underground – est ce qui rend The Prodigy unique.
Ils ont également été un porte-étendard de la contre-culture, notamment dans leur opposition aux lois anti-rave en Angleterre dans les années 90. Cette position leur a valu une place spéciale dans le cœur des amateurs de musique électronique et alternative.
Conclusion
The Prodigy n’est pas juste un groupe, c’est un phénomène. Leur musique, mélange unique de rave, de punk, et de techno, a redéfini les codes de la musique électronique et continue d’inspirer des générations de musiciens. Avec des albums emblématiques comme « The Fat of the Land », des performances live électrisantes, et un héritage qui s’étend bien au-delà de leur époque, The Prodigy a changé la donne.
Leur énergie brute, leur esthétique provocante et leur engagement envers la liberté artistique en font des légendes incontournables. Si leur musique frappe fort, leur héritage, lui, est indestructible.
FAQ : Tout savoir sur The Prodigy
1. Quel est l’album le plus emblématique de The Prodigy ?
L’album qui a sans doute le plus marqué l’histoire de The Prodigy est « The Fat of the Land » (1997). Cet opus est souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, grâce à des hits devenus mythiques comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up ». C’est cet album qui a véritablement propulsé le groupe au rang de superstars internationales, en réussissant à combiner l’énergie brute du punk avec la puissance de la musique électronique. « The Fat of the Land » a non seulement conquis les classements, mais il a aussi redéfini ce qu’un album de musique électronique pouvait être : audacieux, agressif, et inoubliable.
2. Comment The Prodigy a-t-il influencé la scène électronique et rock ?
The Prodigy a profondément influencé les deux scènes, en brouillant volontairement la frontière entre musique électronique et rock. Leur son unique, mélange de breakbeat, techno, punk, et industriel, a ouvert de nouvelles perspectives pour les artistes de ces genres. Des groupes et artistes comme Skrillex, Pendulum, et The Chemical Brothers leur doivent beaucoup, en particulier pour avoir popularisé la musique électronique au-delà des clubs underground.
The Prodigy a aussi joué un rôle clé dans l’essor de la musique big beat et du rock électronique, un sous-genre hybride qui combine l’agressivité du rock avec la complexité rythmique de l’électronique. Ils ont permis à cette musique de percer dans le mainstream, tout en conservant une attitude rebelle et anti-establishment, qui a inspiré de nombreux autres artistes.
3. Quelle était la relation entre Liam Howlett et Keith Flint ?
La relation entre Liam Howlett et Keith Flint était au cœur de l’alchimie qui faisait le succès de The Prodigy. Liam Howlett, en tant que cerveau créatif et compositeur principal, est celui qui a conçu et produit la majorité des morceaux du groupe. Keith Flint, avec son énergie explosive et son charisme inégalé, a apporté l’attitude punk qui a donné au groupe sa notoriété sur scène. Ils formaient une combinaison parfaite : Howlett était le technicien brillant derrière les platines et les synthés, tandis que Flint était l’incarnation physique et visuelle de l’esprit rebelle de The Prodigy.
Keith Flint, qui a commencé comme simple danseur pour le groupe, a pris de plus en plus d’importance au fil des années, notamment avec l’album « The Fat of the Land », où il est devenu la voix de morceaux cultes comme « Firestarter ». Sa mort en 2019 a laissé un vide immense, mais son impact sur The Prodigy, ainsi que sur la musique en général, reste inoubliable.
4. Quels sont les morceaux les plus célèbres de The Prodigy ?
The Prodigy a produit une multitude de hits qui sont devenus des classiques de la musique électronique et du rock alternatif. Parmi leurs titres les plus célèbres :
« Firestarter » : Probablement leur morceau le plus emblématique, avec une énergie brute et une ligne de basse inoubliable.
« Breathe » : Ce duo explosif entre Keith Flint et Maxim est devenu un hymne instantané.
« Smack My Bitch Up » : Un morceau provocateur qui a suscité des controverses mais qui reste un monument de la culture rave.
« Voodoo People » : Un classique du breakbeat, avec un riff de guitare qui est devenu iconique dans la scène électronique.
« Out of Space » : Tiré de leur premier album, ce morceau est un exemple parfait de leur style rave énergique des débuts. Ces morceaux continuent d’être joués en festivals et en clubs, témoignant de l’influence durable de The Prodigy sur la scène musicale.
5. The Prodigy continue-t-il de produire de la musique après la mort de Keith Flint ?
Après la mort tragique de Keith Flint en 2019, de nombreuses questions se sont posées sur l’avenir du groupe. Cependant, Liam Howlett a rapidement confirmé que The Prodigy continuerait à produire de la musique en hommage à Flint. En 2021, le groupe a annoncé qu’il travaillait sur de nouveaux morceaux, bien que la disparition de Flint ait profondément affecté leur dynamique. Les fans attendent avec impatience la sortie de nouveaux titres, qui, espérons-le, honoreront l’héritage de Keith Flint tout en explorant de nouvelles directions musicales.
6. Pourquoi The Prodigy a-t-il suscité des controverses ? The Prodigy a toujours été un groupe provocateur, et cela fait partie de leur ADN. Des morceaux comme « Smack My Bitch Up » ont été l’objet de vives critiques en raison de leur titre et de leurs paroles perçues comme misogynes. Le clip vidéo, qui présente des scènes violentes et explicites, a été banni de nombreuses chaînes de télévision, mais est devenu culte dans les cercles underground. Malgré les critiques, The Prodigy a toujours défendu leur art en affirmant que leurs morceaux ne prônaient pas la violence, mais plutôt l’énergie brute et la subversion.
Leur esthétique visuelle et leur attitude punk ont également été sources de controverses, mais c’est précisément ce qui a fait d’eux des icônes. Ils ont toujours refusé de se conformer aux attentes, préférant rester fidèles à leur vision artistique.
7. Comment The Prodigy a-t-il redéfini le live électronique ? The Prodigy a joué un rôle essentiel dans la redéfinition de ce qu’un concert électronique peut être. Là où beaucoup de performances électroniques se limitent à des DJs derrière leurs platines, The Prodigy a introduit une énergie live comparable à celle des concerts de rock ou de punk. Keith Flint et Maxim apportaient une intensité scénique rarement vue dans la musique électronique, transformant chaque performance en une véritable explosion d’émotions et de décibels.
Leur utilisation de visuels, de lumières et de projections lors de leurs concerts a également contribué à cette expérience immersive. En intégrant des éléments visuels aussi intenses que leur musique, The Prodigy a fait de ses concerts des événements multisensoriels qui laissent une impression durable sur le public.
8. Quelle est l’influence de The Prodigy sur les générations actuelles de musiciens ?
L’influence de The Prodigy sur les musiciens actuels est immense. Leur capacité à fusionner des genres tels que la techno, le breakbeat, le punk et le rock a ouvert la voie à de nombreux artistes et genres musicaux. Des groupes comme Pendulum, The Chemical Brothers, et Skrillex citent souvent The Prodigy comme une source d’inspiration.
Au-delà de la musique, leur attitude punk et leur refus de se conformer aux attentes de l’industrie musicale ont également inspiré de nombreux artistes. The Prodigy a montré qu’il était possible de rester fidèle à sa vision artistique tout en rencontrant un succès mondial, et cette indépendance d’esprit continue de résonner chez les musiciens d’aujourd’hui.
9. Quelle est la place de Maxim dans The Prodigy ? Maxim, l’autre figure emblématique de The Prodigy, joue un rôle essentiel dans l’énergie du groupe, en particulier sur scène. Bien que Keith Flint ait souvent été le centre d’attention, Maxim, avec son style vocal unique et son charisme scénique, a toujours apporté une dimension supplémentaire aux performances live de The Prodigy. Son style vocal, souvent plus sombre et plus posé, offrait un contrepoint parfait à l’agitation frénétique de Flint.
En plus de ses contributions musicales, Maxim est également connu pour son sens visuel, ayant exploré des projets artistiques en dehors de The Prodigy, notamment dans le domaine de l’art visuel. Son rôle au sein du groupe est crucial pour maintenir l’équilibre entre l’énergie brute de Flint et la production impeccable de Howlett.
10. Quel est l’héritage de The Prodigy dans la culture rave et underground ? The Prodigy est souvent considéré comme l’un des piliers de la culture rave britannique des années 90. À une époque où la musique rave était encore largement underground, ils ont réussi à faire passer ce son dans le mainstream tout en conservant une attitude de rébellion et d’indépendance. Des albums comme « Experience » et « Music for the Jilted Generation » sont devenus des symboles de cette époque, où la fête et la contestation allaient souvent de pair.
Leur opposition aux lois anti-rave du gouvernement britannique à travers leur musique et leurs prises de position a également consolidé leur statut de porte-étendards de la contre-culture. Même après avoir atteint le succès commercial, The Prodigy est resté fidèle à ses racines underground, ce qui les rend d’autant plus respectés dans la culture rave et alternative.
Il y a un grand secret caché depuis 14 ans et qui voit maintenant le jour: le DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA en HD. Il y a quelques jours, une vidéo de très bonne qualité du concert complet que le fantastique duo électronique français a donné au festival Lollapalooza en août 2007, à Chicago, a été partagée sur YouTube.
Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza, cette brillante performance faisait partie de l’incroyable et célèbre tournée ‘ Alive ‘ que tant de fans aimeraient avoir l’occasion de revivre.
DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
Daft Punk a toujours habitué la foule à des choses merveilleuses, brillantes et flashy. La tournée «Alive» a été remarquable à bien des égards, allant de la qualité incontestable de leurs sets, remplis des tubes de renommée internationale du duo, à la superbe façon dont ils se produisent. Pendant le set de Lollapalooza, aucun de ces composants n’était manquant.
Portant des casques noirs brillants, les deux robots se sont ralliés à des proportions incroyables, apparaissant sous une énorme pyramide de lumières. Quel moment…
L’ensemble de Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza est similaire à celui qu’ils ont présenté à Coachella en 2006 , cependant, la qualité des images est loin d’être proche.
DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
La vidéo DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
Ce ne sont pas des captures fragmentées mais une vidéo cohérente et de bonne qualité. Au début de cet incroyable film du tournage de 2007, les notes montrent que les images ont été mixées en direct pour les écrans du lieu, donnant non seulement un tournage de bonne qualité mais aussi une perspective parfaite pour revivre le moment.
Si vous avez toujours voulu pouvoir remonter le temps et revenir aux solos de Lollapalooza en 2007, devant la scène mégalomane des Daft Punk, réjouissez-vous, vous pouvez désormais profiter de tout ici.
L’Histoire de la Tournée DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA
Les visuels de la tournée ont été mis en place par XL Video. La société a fourni des unités Mac Pro à huit cœurs exécutant Catalyst v4 et Final Cut Pro .
Daft Punk a approché l’entreprise avec son concept visuel pour les spectacles. « Ils sont venus nous voir avec une idée assez fixe de ce qu’ils voulaient », a déclaré le directeur de XL Video, Richard Burford. «Ils voulaient mélanger la vidéo en direct avec des effets. En utilisant les Mac Pro à huit cœurs, nous avons pu prendre huit sources numériques et les traiter comme des flux vidéo.
Ensuite, ils ont pu utiliser Catalyst pour coordonner la vidéo avec des effets d’éclairage et ajouter les leurs. effets à la volée. Les flux vidéo numériques finaux ont été diffusés sur des écrans LED . «
Début 2006, Daft Punk a annoncé des plans pour un certain nombre de spectacles d’été spéciaux. Le 29 avril, Daft Punk s’est produit au Coachella Valley Music and Arts Festival où ils ont reçu une réception jubilatoire pour leur première performance américaine depuis 1997.
Thomas Bangalter avait initialement été signalé comme disant qu’il y aurait un DVD de leur concert récent ensemble. Il a souligné plus tard sa réticence pour une telle libération, car le duo a estimé que les vidéos amateurs en ligne de leurs performances étaient plus convaincantes que tout ce qui a été capturé professionnellement.
Dans une interview avec le Miami HeraldGuy-Manuel de Homem-Christo a déclaré que leur apparition le 11 novembre au Bang Music Festival était leur finale pour 2006 et que Daft Punk donnerait plus de performances à l’avenir. Le groupe a spécifié plus tard une date pour un spectacle vivant à Bercy , Paris pour juin 2007. Également rapporté étaient des dates au Festival sans fil et à RockNess en juin, au festival d’ Oxegen en juillet et à Lollapalooza en août.
Daft Punk a alors annoncé une tournée mondiale appelée Alive 2007 .
Daft Punk en concert à Bercy en juin 2007 Daft Punk a joué au Festival RockNess sur les rives du Loch Ness , en Écosse, le 10 juin 2007 en tant que titre dans la tente Clash d’une capacité de 10 000 personnes. Au grand dam de la foule, le spectacle a été retardé, mais la foule a réservé un accueil joyeux au duo lors de leur apparition. En raison de sa popularité, une partie de la tente a été retirée pour permettre à des milliers de personnes à l’extérieur de voir le spectacle.
Le 16 juin 2007, Daft Punk a titré avec succès le troisième jour du festival sans fil d’O2 à la réaction et aux critiques positives. Le Times a décrit l’ensemble comme un « spectacle sensoriel mémorable, à la fois éblouissant et assourdissant » et ThisisLondon l’a déclaré « un ensemble presque irréprochable d’euphorie électro implacable ».
Daft Punk a été la vedette de Stage 2 / NME Stage au festival de musique Oxegen le 8 juillet 2007. Leur live a été précédé de la projection de la bande-annonce du film Daft Punk’s Electroma . Des rapports ultérieurs ont déclaré que l’apparition de Daft Punk était le point culminant du festival. NME a écrit que la performance était « un spectaculaire robotique », tandis que Shoutmouth a décrit le décor comme « typiquement triomphant ».
Quatre jours plus tard, le duo a joué au Festival Libre de Trafic Torino au Parco della Pellerina à Turin , en Italie.
Daft Punk a été la tête d’affiche de la scène AT&T le 3 août 2007, la première nuit du festival de musique Lollapalooza à Chicago. Leur émission là-bas a été saluée par Pitchfork Media, affirmant que l’expérience de regarder la performance «était un rappel bien nécessaire du pouvoir encore puissant de la pop communicative».
Le 5 août, ils ont joué au Centre International de Toronto suivi par une représentation du 9 août au KeySpan Park à Brooklyn , New York. Le duo a également titré le festival de Vegoose à Las Vegas le 27 octobre. Ils sont apparus au festival avec les groupesRage Against the Machine, Muse et reines de l’âge de pierre . [9] À la fin d’octobre, Daft Punk a joué à Mexico . Le duo a également joué le vendredi 2 novembre 2007 à l’Arena Monterrey à Monterrey, au Mexique et à Guadalajara.
Modular Records a annoncé que Daft Punk apparaîtrait en Australie pour un événement en décembre 2007 appelé Never Ever Land.
L’annonce a adressé des années de spéculation sur si Daft Punk visiterait l’Australie pour des exécutions en direct. Daft Punk a été soutenu par leurs numéros réguliers SebastiAn et Kavinsky lors des apparitions, qui avaient été annoncées comme une extension de la tournée Alive 2007 . Never Ever Land a visité Melbourne au Sidney Myer Music Bowl , Perth à l’Esplanade, Brisbane au Riverstage et enfin Sydney à l’ arène principale de Sydney Showground .
Une interview de Triple J avec Pedro Winter (Busy P) a révélé que l’apparition de Daft Punk à Sydney le 22 décembre serait leur dernier spectacle pour 2007 et le dernier à présenter le schéma de lumière pyramidale. Les billets pour la tournée australienne se sont vendus plus rapidement que pour tout événement lié à Daft Punk dans leur histoire.
Un album live intitulé Alive 2007 , qui présentait la performance du groupe au Palais Omnisports Bercy à Paris, a été publié en novembre 2007. L’album a remporté le Grammy Award du meilleur album électronique / de danse en 2009.
Dates de la tournée Alive 2006/200
29 avril 2006 Indio États Unis Festival de musique et d’arts de la vallée de Coachella
Leur approche musicale n’a pas non plus changé. Le chanteur principal Zack de la Rocha est pris à mi-chemin entre les raps militants de Chuck D et les délires fanatiques d’un prédicateur de rue, criant ses slogans simplistes et libertaires sur l’assaut sonore dense du groupe.
Enregistré en moins d’un mois, The Battle of Los Angeles est l’album le plus ciblé de la carrière du groupe, explosant depuis la porte et laissant rarement passer le tout.
En effet, Renegades commence par une paire de reprises hip-hop puissantes – «Microphone Fiend» d’ Eric B & Rakim et «Pistol Grip Pump» du Volume 10 – qui mettent en 
