La photo artistique est une photographie créée conformément à la vision du photographe en tant qu’artiste, utilisant la photographie comme moyen d’expression créative.
Le but de la photo artistique est d’exprimer une idée, un message ou une émotion. Cela contraste avec la photographie figurative, comme le photojournalisme, qui fournit une relation visuelle documentaire de thèmes et d’événements spécifiques, représentant littéralement la réalité objective, et non l’intention subjective du photographe; et la photographie commerciale dont le but principal est la publicité de produits ou de services.
La Photo artistique
L’invention de la photo artistique : Les années 40
Un historien de la photographie a affirmé que « le premier représentant des » beaux-arts « ou de la photographie de composition était John Edwin Mayall », qui a exposé des daguerréotypes représentant la prière du Seigneur en 1851. » Margaret Cameron, Charles Lutwidge Dodgson et Oscar Gustave Rejlander et d’autres Aux États-Unis, F. Holland Day, Alfred Stieglitz et Edward Steichen ont aidé à faire de l’art photographique, et Stieglitz était particulièrement connu pour être inclus dans les collections du musée.
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La photo artistique dans les années 60
En 1960, la photographie n’était pas vraiment considérée comme des beaux-arts en Grande-Bretagne.
Le Dr SD Jouhar a déclaré lors de la fondation de la Société des beaux-arts de la photographie – «La photographie n’est plus considérée aujourd’hui que comme de l’artisanat. la photographie a été reconnue comme beaux-arts dans certains quartiers officiels, elle est présentée dans les galeries et expositions comme de l’art. Dans ce salon de Londres, il n’y a pas de reconnaissance appropriée pour la photographie d’image, mais elle n’est généralement pas comprise comme de l’art.
Que l’œuvre ait ou non une valeur esthétique, elle s’appelle « photographie d’image », terme très ambigu. Le photographe lui-même doit avoir confiance en son travail, en sa dignité et en sa valeur esthétique, ce qui l’oblige à être reconnu comme un art plutôt que comme un métier. »
La photo artistique dans les années 70
Jusqu’à la fin des années 1970, plusieurs espèces dominaient, comme les nus, les portraits et les paysages naturels (illustrés par Ansel Adams). Les artistes révolutionnaires vedettes des années 1970 et 1980, tels que Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Robert Farber et Cindy Sherman, s’appuyaient toujours sur ces genres, même s’ils les regardaient avec des yeux neufs.
D’autres ont étudié une approche esthétique immédiate. Des organisations américaines telles que l’Aperture Foundation et le Museum of Modern Art ont fait beaucoup pour maintenir la photographie à la pointe des beaux-arts. La création du département photographie par le MOMA en 1940. La première nomination de Beaumont Newhall comme premier conservateur est souvent citée comme une confirmation institutionnelle du statut de la photographie en tant qu’art.
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De nos jours…
Actuellement, il y a une tendance à régler et à éclairer soigneusement l’image, au lieu d’espérer la « découvrir » prête.
Des photographes comme Gregory Crewdson et Jeff Wall sont connus pour la qualité des oeuvres exposées. De plus, les nouvelles tendances technologiques de la photographie numérique ont ouvert une nouvelle direction dans la photographie à spectre complet, où un filtrage minutieux des choix par ultraviolet, visible et infrarouge conduit à de nouvelles visions artistiques.
Comme la technologie d’impression s’est améliorée depuis environ 1980, les tirages d’art reproduits dans un livre finement imprimé à partir d’une édition limitée sont devenus le sujet d’intérêt des collectionneurs.
Selon Art Market Trend en 2005, 7.000 photos artistique ont été vendues dans des salles de vente aux enchères, et les photos ont enregistré une augmentation annuelle moyenne de 7,6% en 1994-2004. Environ 80% des photo artistique ont été vendus aux États-Unis. Bien entendu, les enchères ne représentent qu’une fraction du total des ventes privées.
Il existe actuellement un marché de collectionneurs de photo artistique en plein développement dans lequel les photographes les plus recherchés créeront des tirages d’archives de haute qualité dans des éditions strictement limitées.
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Les tentatives des vendeurs d’art en ligne pour vendre de belles photos au grand public ainsi que des tirages d’images ont produit des résultats mitigés, avec de fortes ventes provenant uniquement de «grands noms» traditionnels de la photographie, comme Ansel Adams.
En plus du «mouvement numérique» vers la manipulation, le filtrage ou les changements de résolution, certains grands artistes recherchent intentionnellement un «naturaliste», y compris «l’éclairage naturel» comme une valeur en soi.
Parfois, une œuvre d’art, comme dans le cas de Gerhard Richter, consiste en une image photographique, qui a ensuite été peinte avec des peintures à l’huile et / ou a une signification politique ou historique au-delà de l’image même elle-même. L’existence de «peint avec une projection photographique» brouille désormais la frontière entre peinture et photographie, traditionnellement absolue.
Taille du cadre et impression
Jusqu’au milieu des années 1950, les photos artistiques étaient largement considérées comme un encadrement vulgaire et prétentieux de photographies à exposer dans la galerie.
Les impressions étaient généralement simplement collées sur un panneau ou du contreplaqué ou sur un cadre blanc dans la chambre noire, puis épinglées aux coins des panneaux d’affichage.
Les tirages ont donc été montrés sans les masquer par la réflexion du verre. La célèbre exposition de Steichen, The Family of Man, n’était pas encadrée, les peintures étaient collées sur les panneaux. Même en 1966, l’exposition MoMA de Bill Brandt n’était pas encadrée et de simples impressions étaient collées sur du contreplaqué fin.
Du milieu des années 1950 à environ 2000, la plupart des objets exposés dans la galerie étaient imprimés sur verre. Depuis 2000 environ, on observe une tendance notable à montrer des gravures de galeries modernes sur des planches et sans verre.
Photo artistique et Politique
La photo artistique apparaît principalement comme une expression de la vision de l’artiste, mais en tant que sous-produit, elle joue un rôle important dans la réalisation de certaines des causes.
Un exemple est le travail d’Ansel Adams à Yosemite et Yellowstone. Adams est l’un des photographes les plus reconnaissables du 20e siècle et il était un ardent promoteur de la protection de la nature. Alors que son objectif principal était la photographie en tant qu’art, une partie de son travail a sensibilisé à la beauté de la Sierra Nevada et aidé à obtenir un soutien politique pour leur protection.
Cette photo a également eu un impact sur la censure et le droit à la liberté d’expression, en raison de son inquiétude pour le corps nu.
Bien que la photo artistique puisse coïncider avec de nombreux autres types de photographie, le chevauchement de la photographie de mode et du photojournalisme mérite une attention particulière. En 1996, il a été annoncé qu ‘ »il y a eu récemment un flou entre l’illustration commerciale et la photographie artistique », notamment dans le domaine de la mode. Les preuves de chevauchement de la photo artistique et de la mode comprennent des conférences, expositions, foires, comme Art Basel Miami Beach et des livres.
L’essai photo et la photo artistique coïncident avec « la fin des années 1960 et 1970, lorsque … les photographes de presse ont pris contact avec la photographie et la peinture artistique ». En 1974, le Centre international de photographie a été ouvert, mettant l’accent à la fois sur le « photojournalisme humanitaire » et la « photographie artistique ».
En 1987, « Des photos prises lors de missions pour des magazines et des journaux apparaissent régulièrement [ed.] – dans des cadres – sur les murs des musées et des galeries. » De nouvelles applications pour smartphone telles que Snapchat sont parfois utilisées pour la photographie artistique.
Bonus : Le travail d’Ansel Adams
Ansel Easton Adams (20 février 1902 – 22 avril 1984) Il était un photographe américain de paysage et d’environnement connu pour ses photos en noir et blanc de l’Ouest américain. Il a aidé à mettre en place le groupe f / 64, une association de photographes prônant la photographie « propre » qui favorisait la mise au point nette et l’utilisation de toute la gamme tonale de la photographie.
En collaboration avec Fred Archer, ils ont développé un système de création d’image exigeant appelé système zonal, une méthode pour obtenir l’impression finale souhaitée par une compréhension technique approfondie de la façon dont la gamme tonale est enregistrée et développée dans l’exposition, le développement négatif et les impressions. La clarté et la profondeur qui en résultent caractérisent sa photographie.
Photo artistique : Ansel Adams
Adams a toujours été un défenseur de la protection de l’environnement, et sa pratique photographique était profondément liée à cette intercession. À l’âge de 12 ans, il a reçu son premier appareil photo lors de sa première visite au parc national de Yosemite. Il a développé son premier travail photographique en tant que membre du Sierra Club. Il a ensuite été employé par le Département américain de l’intérieur pour photographier les parcs nationaux. Pour son travail acharné et son soutien, qui ont contribué à étendre le réseau de parcs nationaux, il a reçu en 1980 la Médaille présidentielle de la liberté.
Adams a été un conseiller clé dans la création du département de photographie au Museum of Modern Art de New York, qui est une étape importante pour assurer la légitimité institutionnelle de la photographie. Il a aidé à organiser la première exposition de photos dans ce département, a contribué à la création du magazine de photographie Aperture et a été co-fondateur
le Center for Creative Photography de l’Université de l’Arizona
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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