» Motorhead Lemmy n’est pas une biographie de Lemmy Kilmister, l’âme bouillonnante de Motorhead. C’est bien mieux. Greg Olliver et Wes Orshoski ont suivi Lemmy sur une période de deux ans.
Ils l’ont accompagné dans les coulisses d’une tournée, ou soir après soir, il réanime la légende, ce typhon rock’n’roll qui franchit la barrière du son et culmine avec le culte « Ace of Spades » dans sa maison de Los Angeles.
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Le gars est un doigt d’honneur à lui tout seul. Il est l’esprit du rock. Il faut s’incliner devant lui. Dave Navarro, Nikki Sixx, Billy Bob Thornton, Slash, Ozzy Osbourne Joan Jett, Henry Rollins, Alice Cooper, Ice T et bien d’autres rocks stars…pour eux, « Lemmy incarne ce qu’ils ne sont plus depuis bien longtemps. »
Véritable légende et icône de la scène heavymétal et hard rock depuis 40 ans, Lemmy a marqué son époque par son style de jeu, sa voix rauque et ses excès.
Marqué par des dizaines de disques et de tournées, son parcours est également marqué par des escapades et des anecdotes aussi improbables les unes que les autres, qui suffiraient pour écrire un roman. Lemmy raconte cela parfaitement.
En 2006, Lemmy Kilmister a accordé une interview à Libération. Il a exprimé son dégoût pour les légumes et s’est décrit comme « remarquablement conservé malgré une vie en excès, un peu comme une vipère dans un pot d’alcool ».
L’occasion tout de même de discuter de ses problèmes de santé, et en particulier de son sang plus sain, selon les dernières analyses.
« Keith Richards avait les moyens de faire changer son sang, mais je n’ai pas son argent », a expliqué Lemmy à qui les médecins auraient expliqué, alors qu’il était hospitalisé à Londres au début des années 1990: « Vous voyez, si on vous donne du sang pur, vous mourrez … s’il vous plaît, ne donnez pas votre sang ! Il est si toxique que vous tueriez quelqu’un! »
Motorhead Lemmy : un mode de vie…fou
Compte tenu de son mode de vie, Lemmy a eu une longévité inattendue. Il l’attribuait au fait qu’il n’avait jamais consommé d’héroïne, une drogue qu’il avait vue emporter beaucoup d’amis.
Cependant, il était loin d’être hostile à d’autres drogues, telles que le LSD et les amphétamines. Selon la légende, il ne pouvait pas arrêter de se droguer, sinon son corps aurait cessé de fonctionner. Lui-même disait qu’il n’avait pas pu dormir pendant deux semaines après en avoir pris.
Sa consommation d’alcool était également impressionnante. Dans le documentaire Live Fast Die Old, on apprend notamment qu’il a consommé une bouteille de Jack Daniel’s par jour pendant 30 ans (ce qui, si on fait le calcul, équivaudrait à quelque 10000 litres consommés dans sa vie).
Lemmy avait déclaré au Guardian qu’il était passé à la vodka orange pour gérer son diabète. Malgré ses problèmes de santé, il disait être « indestructible » et n’avait pas l’intention de s’arrêter.
Avant que Lemmy Kilmister ne devienne le leader incontesté et charismatique de Motörhead, il a roulé sa bosse ailleurs.
Entre la fin des années 1960 et le début des années 1970, il a joué dans plusieurs autres groupes, comme The Rockin ‘Vickers, Sam Gopal et surtout Hawkwind, un groupe de space rock toujours actif dans lequel des dizaines de musiciens ont joué.
Le rockeur a également était roadie, c’est-à-dire technicien qui accompagne les groupes en tournée.
Et pas pour des inconnus. À la fin des années 1960, il suit Jimi Hendrix et prépare ses guitares. « Quand il jouait, c’était magique. L’espace et le temps s’arrêtaient », a déclaré le leader de Motörhead, décrivant Hendrix comme « un gars vraiment sympa » et « très poli ».
Motorhead Lemmy : Une voix d’outre-tombe, un micro perché…
Sur scène, Lemmy chantait avec un microphone anormalement haut, une habitude qu’il avait gardée depuis les débuts du groupe.
Cette position inhabituelle l’obligeait à chanter la tête tournée vers le haut, ce qui, selon lui, l’empêchait à l’époque de voir le peu de spectateurs.
Autre explication possible, relayée par Rolling Stone, la position de son micro lui permettait de regarder vers le haut, « comme s’il prononçait un sermon en colère ou hurlait face à une brute beaucoup plus grosse que lui ». À moins que ce soit simplement un moyen de conserver son timbre robuste.
Motorhead Lemmy : Pas de mariage mais deux fils…
Lemmy n’a jamais été marié, pas vraiment un adepte d’une vie de famille stable et ordonnée, et avait deux fils.
Dans un portrait rendu public après sa mort, Libération rappelle qu’il a été abandonné par son père et que cette expérience, tout comme son style de vie, a probablement joué un rôle dans les relations avec ces deux enfants.
Son premier fils, Sean, est né lorsque Lemmy n’avait que 17 ans. Adopté par la suite, il n’a jamais rencontré son père.
Dans le documentaire Lemmy, le chanteur fait référence quand il dit que la mère de l’enfant l’a trouvé, mais « n’a pas eu le courage » de dire à son fils qui était son père.
Le deuxième fils de Lemmy, Paul, est né au milieu des années 1960. Il n’a connu son père qu’à l’âge de 6 ans, et ils se rencontraient régulièrement.
OFFICIAL « MAKING OF LEMMY »
Motorhead Lemmy : Une collection…d’objets nazis
Adepte de la provocation, Lemmy est également devenu connu pour son penchant pour les objets liés au nazisme et au IIIe Reich.
Des objets qu’il gardait chez lui mais qu’il arborait aussi parfois sur scène, suscitant controverses et accusations de sympathie idéologique, même si le rockeur l’a toujours niée et que son point de vue ne laissait aucun doute.
« Je ne collectionne que des objets, je ne collectionne pas d’idées », a expliqué Lemmy, qui se considérait plutôt comme un « anarchiste ».
Il a reconnu sa fascination pour les uniformes nazis (mais aussi napoléoniens) en expliquant que « les méchants ont toujours eu les meilleurs trucs » tandis que les soldats britanniques ont des uniformes kakis qui les faisaient ressembler à des « grenouilles des marais ».
Motorhead Lemmy : Une sexualité débridée
Comme d’autres rockeurs, Lemmy a construit son image sulfureuse sur sa consommation excessive d’alcool et de drogues, mais aussi sur sa sexualité débridée.
En 2006, le magazine Maxim l’a également classé dans son top 10 des «légendes sexuelles vivantes», lui décernant pas moins de 2000 conquêtes. « Je n’ai jamais dit 2000, j’ai dit 1000.
Mais je suis probablement aux alentours de 1200 maintenant », a déclaré Lemmy au magazine mensuel pour hommes.
« Je l’ai commencé il y a longtemps et je n’ai jamais été marié, donc je n’ai jamais pris de pause. » Lemmy souffrait aussi parfois de ces excès sexuels, s’évanouissant surtout sur scène après un léger « épuisement ».
Le leader de Motörhead a également exprimé à plusieurs reprises son amour et son respect pour les femmes, qu’il considérait comme égales dans tous les domaines.
Lemmy reste une des dernières véritables légendes du rock. Par son oeuvre, son mode de vie, par sa façon si particulière d’avoir traversé son temps.
Motorhead était un groupe de heavy métal britannique originaire de Londres, en Angleterre. Le groupe a été formé par le bassiste et chanteur Lemmy Kilmister en 1975 et dissous en 2015 après la mort de ce dernier. Il faisait partie de la nouvelle vague de métaux lourds britanniques, qui a imprégné la communauté britannique de heavy métal.
Les albums Overkill, Bomber, Ace of Spades et surtout No Sleep’til Hammersmith ont renforcé la réputation de Motorhead comme l’un des plus grands groupes de rock du Royaume-Uni.
Motorhead est considéré dans le heavy métal comme l’une des principales influences du speed et du thrash, Lemmy Kilmister admet qu’il déteste ce terme, préférant décrire le son du groupe comme « rock and roll ».
L’approche de Motorhead à sa musique est restée simple tout au long de la vie du groupe, préférant jouer ce que ses membres ont aimé, sans se soucier de « ce que les autres pensent ». Au cours des 40 années de sa carrière, le groupe a vendu plus de 35 millions d’albums dans le monde.
Les textes de Motorhead couvrent des sujets aussi larges que la guerre, le sexe,le bien contre le mal, la consommation de drogue et la vie sur la route.
Le logo du groupe a été créé en 1977 par l’artiste Joe Petagno pour les besoins de l’album Motorhead. Le groupe se classe 26ème dans le classement VH1 des 100 plus grands groupes de métal.
Les héritiers de Motorhead
Metallica
Parmi ceux qui se considèrent comme les plus influencés par Motörhead se trouve bien sûr Metallica, et Lars Ulrich était même le président junior du fan club de Motorhead.
Le groupe leur rendra hommage, notamment l’album The Lemmy’s a.k.a Metallica, enregistré lors de l’anniversaire des cinquante ans de Lemmy dans Whiskey A Go-Go à Los Angeles. Les groupes des Big Four disent que Motorhead a beaucoup d’influence.
L’album se compose de 8 chansons de Motorhead jouées par Metallica et de 12 chansons jouées par Motorhead. Sur cet album live, Four Horsemen comprend Overkill (avec Lemmy), Damage Case, Stone Dead Forever, Too Late Too Late, The Chase Better than the Catch et (We Are) The Road Crew.
D’autres groupes de thrash comme Sodome ou Sepultura le disent. Le Venom, pionnier du Black Metal, se déclare également sous l’influence de Motorhead.
Il a fondé le groupe Probot et Lemmy autour de lui, on voit aussi Dave Grohl dans un T-shirt Motorhead dans son Clip, comme Axl Rose of Guns N ‘Roses dans le clip Estranged, M Shadows Avenged Sevenfold au Hellfest 2014, ainsi que Greg Graffin de Bad Religion dans des clips bonus de DVD Live at the Palladium.
Le chanteur du groupe Rancid n’a pas non plus caché son amour pour Lemmy et Motorhead, nous voyons donc qu’il a pris la même apparence que Lemmy dans son groupe Lars Frederiksen et les salauds, adoptant un style de barbe ou un fer à repasser sur le cou.
Airbourn
Le groupe australien Airbourne rend hommage à Lemmy et Motorhead par la chanson « It’s All for Rock’n’Roll« . Dans le clip de ce titre, Lemmy apparaît à plusieurs reprises, menant une carrière difficile (probablement une référence à la période « roadie ») ou sur scène.
D’un autre côté, on voit dans le clip une structure de scène similaire à celle mise en œuvre lors des concerts de Motörhead pour le titre « Bomber ». Dee Dee Ramone, qui a composé plus de la moitié des chansons des Ramones, était également un grand fan de Motorhead.
Lemmy enregisgrera une chanson dédiée à Ramones sur un album de 1916 intitulé R.A.M.O.N.E.S. À ce sujet, le chanteur des Ramones Joey a déclaré: « La chanson de Lemmy pour nous est le plus grand hommage, comme si Lennon faisait de même.
» Il y a eu de nombreux groupes d’hommage, principalement britanniques, tels que Motörheadache et I’m Not Motörhead de Portsmouth en Grande-Bretagne.
2004 : Everything Louder Than Everything Else (Live 1991) (DVD)
2005 : Stage Fright (Live 2004) (DVD)
2010 : Lemmy The Movie (DVD)
2011 : The Wörld Is Ours – Vol. 1 – Everywhere Further Than Everyplace Else (DVD)
2012 : The World Is Ours – Vol.2 – Anyplace Crazy As Anywhere Else (DVD)
2016 : Clean Your Clock (DVD)
BONUS: la dernière interview de Lemmy
L’icône de Motorhead, Lemmy, a ri d’apparaître sur scène comme un fantôme après sa mort dans l’une de ses dernières interviews. La conversation de 14 minutes a été enregistrée par la chaîne de télévision allemande ZDF fin novembre, des semaines avant le décès du 28 décembre . Son manager Todd Singerman a révélé cette semaine que Lemmy était devenu trop fragile pour passer des interviews et des soundchecks lors de sa dernière tournée.
Le batteur Mikkey Dee a déclaré que son collègue avait «dépensé toute son énergie» sur la route en décembre. Malgré un air malade et fatigué, Lemmy était de bonne humeur lors de l’interview ZDF. Lorsqu’on lui a demandé s’il avait l’intention de continuer à jouer, il a plaisanté: «Après la mort ? Non. Je vais devoir m’arrêter alors, je pense.
On ne sait jamais… je pourrais hanter quelque part. Gâcher le concert de quelqu’un d’autre. Tears For Fears ou quelqu’un – apparaissez au milieu et dites « Tout le monde! » » Il a dit de la longévité de son groupe: «40 ans, c’est une blague. C’est ridicule. La presse ne nous aimait pas.
Ils nous ont donné six mois à vivre. Ils sont tous partis et je suis toujours là. Dommage. » Il a évoqué la mort récente de l’ancien batteur Philthy ‘Animal’ Taylor , en disant: «J’ai l’impression d’avoir connu Phil toute ma vie. C’était un fou – et j’admire cela chez une personne. Je pense qu’il a perdu sa volonté de vivre. Il faisait beaucoup de mauvaises drogues et vivait avec les mauvaises personnes.
C’était trop pour sa constitution. Jusqu’à présent, j’ai survécu, parce que je l’ai inventé, plus ou moins. » Lemmy a ajouté: «Je ne recommande pas le mode de vie, car la plupart des gens en meurent. Beaucoup de mes amis sont morts, ce qui ne devrait pas être le cas.
Ils avaient beaucoup plus de musique en eux. Mais c’est comme ça que la vie est – tout dépend de la chance. Pour l’avenir, il a déclaré: «Je le ferai aussi longtemps que possible. J’ai 70 ans en décembre et c’est un peu ridicule après ça.
Mais je vais voir comment je me sens. » Il a également parlé des attentats terroristes de Paris, de la musique punk, de l’écriture de chansons, d’Elvis, de Little Richard, de Carl Perkins, de Lars Ulrich et du rejet du titre de « parrain du heavy metal ».
Slayer, le groupe emblématique du metal et leur incroyable parcours
Au fil des années, Slayer s’est imposé comme l’un des groupes les plus emblématiques de la scène metal. Leur musique puissante et envoûtante a marqué l’histoire du rock et continue d’influencer de nombreux artistes. Dans cet article, nous allons revenir sur l’histoire de ce groupe hors du commun, découvrir ses membres fondateurs et explorer leurs albums cultes. Alors, sans plus attendre, entrons dans l’univers exceptionnel de Slayer.
Les débuts de Slayer : entre passion et audace
Tout commence en 1981 à Huntington Park, une banlieue de Los Angeles. Deux guitaristes talentueux, Kerry King et Jeff Hanneman, décident de s’associer pour former un groupe. Ils recrutent alors Tom Araya, un chanteur et bassiste doté d’une voix puissante et captivante, ainsi que Dave Lombardo, un batteur exceptionnel. Ainsi naît Slayer, un groupe qui n’a pas encore pris sa forme définitive, mais dont les fondations sont désormais posées.
Le quatuor s’investit corps et âme dans la création de leur premier album, enchaînant les répétitions et les concerts locaux pour se faire connaître. En 1983, ils sortent leur premier opus intitulé « Show No Mercy ». L’accueil est très positif, notamment grâce à des morceaux tels que « Die by the Sword » ou « Evil Has No Boundaries ». Forts de ce premier succès, les membres de Slayer décident de poursuivre leur aventure et enchainent les tournées à travers les Etats-Unis.
Les albums cultes de Slayer
Avec plus de trente années d’existence et une discographie riche de douze albums studio, Slayer a su évoluer tout en restant fidèle à son style emblématique. Découvrons ensemble quelques-uns de leurs albums les plus marquants :
« Reign in Blood » (1986) – Souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, cet album est un véritable monument du metal. Avec des morceaux aussi emblématiques que « Angel of Death » ou « Raining Blood », il propulse le groupe au sommet de la scène métal internationale.
« South of Heaven » (1988) – Plus atmosphérique et mélodique que son prédécesseur, cet opus séduit grâce à des titres tels que « Mandatory Suicide » ou « Ghosts of War ». Il confirme également l’excellente collaboration entre les deux guitaristes fondateurs, Kerry King et Jeff Hanneman.
« Seasons in the Abyss » (1990) – Fusionnant avec brio l’énergie brute de « Reign in Blood » et la richesse mélodique de « South of Heaven », cet album offre certains des meilleurs morceaux du groupe, notamment « War Ensemble » et « Dead Skin Mask ».
« God Hates Us All » (2001) – Après une période plus calme, Slayer revient avec cet album puissant et sombre, qui plonge l’auditeur dans un univers aussi fascinant que dérangeant. Des titres tels que « Disciple » et « New Faith » témoignent de la rage et de la virtuosité du groupe.
Leurs dernières années de carrière
En 2015, le groupe sort son dernier album studio en date, intitulé « Repentless ». Cette réalisation fait suite au décès du guitariste fondateur Jeff Hanneman en 2013, remplacé par Gary Holt. Bien que confrontés à cette épreuve difficile, les membres de Slayer continuent de donner le meilleur d’eux-mêmes pour offrir à leurs fans des morceaux d’une intensité rare et maintenir l’héritage de leur ami disparu.
Fidèles à leur engagement scénique depuis leurs débuts, Slayer annonce également une ultime tournée mondiale en 2018, baptisée « The Final World Tour ». C’est ainsi que Tom Araya, Kerry King, Paul Bostaph et Gary Holt sillonnent les routes du monde entier pour dire adieu à leurs fidèles admirateurs et célébrer ensemble une dernière fois leur passion commune pour la musique.
L’influence de Slayer sur la scène metal
Tout au long de leur carrière, Slayer a eu un impact indéniable sur la scène metal, inspirant de nombreux groupes et artistes venus après eux. Leur style musical unique et novateur a notamment influencé le genre du thrash metal, dont ils sont considérés comme l’un des pionniers aux côtés de METALLICA, MEGADETH et ANTHRAX. Leur succès a également encouragé d’autres formations à tenter leur chance dans ce style musical exigeant, notamment les groupes TESTAMENT, EXODUS ou encore KREATOR.
Mais Slayer ne se limite pas au domaine du thrash metal. Leurs compositions ont également touché des artistes provenant d’autres styles musicaux, comme le death metal, le black metal, le punk hardcore ou même le hip-hop. Des groupes aussi variés que SLIPKNOT, LAMB OF GOD, BEHEMOTH, CONVERGE ou encore PUBLIC ENEMY revendiquent ainsi l’influence importante quIls ont eu sur leurs parcours musicaux.
La passion toujours vive chez les fans de Slayer
Aujourd’hui, malgré l’annonce de la fin de leur carrière scénique, la cote d’amour pour Slayer reste intacte auprès de ses admirateurs. Concerts événements, objets collectors et autres projets dérivés témoignent de cet attachement indéfectible envers le groupe et sa musique. En somme, si Slayer peut être fier d’un héritage riche en émotions et en succès, ils peuvent surtout compter sur une communauté de fans qui n’est pas prête de les abandonner, quelles que soient les circonstances.
EN SAVOIR PLUS:
Slayer était un groupe de thrash métal américain de Huntington Park, en Californie . Le groupe a été formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman , le batteur Dave Lombardo et le bassiste et chanteur Tom Araya . Le style musical rapide et agressif de Slayer en a fait l’un des « quatre grands » groupes fondateurs de thrash metal , aux côtés de Metallica , Megadeth et Anthrax .
La formation finale de Slayer comprenait King, Araya, le batteur Paul Bostaph et le guitariste Gary Holt . Le batteur Jon Dette était également membre du groupe.
Dans la programmation originale, King, Hanneman et Araya ont contribué aux paroles du groupe, et toute la musique du groupe a été écrite par King et Hanneman.
Les paroles et les pochettes d’album du groupe, qui couvrent des sujets tels que le meurtre , les tueurs en série , la torture , le génocide , la politique , l’expérimentation humaine , le satanisme , les crimes de haine , le terrorisme , la religion , l’ anti religion , le nazisme , le racisme , la guerre et la prison, ont généré des interdictions d’album, des retards, des poursuites et des critiques de la part de groupes religieux et de factions du grand public.
Cependant, sa musique a été très influente, souvent citée par de nombreux groupes comme une influence musicale, visuelle et lyrique; le troisième album du groupe, Reign in Blood (1986), a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus lourds et les plus influents.
Slayer a sorti douze albums studio, deux albums live, un coffret, six clips musicaux, deux pièces prolongées et un album de couverture. Quatre des albums studio du groupe ont reçu la certification d’or aux États-Unis.
Le groupe a reçu cinq nominations aux Grammy Awards, dont une en 2007 pour la chanson » Eyes of the Insane » et une en 2008 pour la chanson « Final Six », toutes deux issues de l’album Christ Illusion (2006). Entre 1991 et 2013, le groupe a vendu cinq millions d’albums aux États-Unis.
Après plus de trois décennies d’enregistrement et d’ interprétation, Slayer a annoncé en Janvier 2018 , cette qu’elle se lancer dans sa tournée mondiale finale , qui a eu lieu de mai 2018 à Novembre 2019, et le groupe s’est dissous par la suite.
Histoire
Premières années (1981–1983)
Slayer a été formé en 1981 par Kerry King , Jeff Hanneman , Dave Lombardo et Tom Araya à Huntington Park, en Californie.
Le groupe a commencé à jouer des reprises de chansons de groupes comme Iron Maiden , Black Sabbath , Judas Priest et Venom dans des fêtes et des clubs du sud de la Californie . L’image primitive du groupe reposait fortement sur des thèmes sataniques qui comprenaient des pentagrammes , du maquillage, des pointes et des croix inversées.
Rumeurs selon lesquelles le groupe était à l’origine connu sous le nom de Dragonslayer, après le film de 1981 du même nom, ont été démentis par King, comme il l’a déclaré plus tard: « Nous ne l’avons jamais été; c’est un mythe à ce jour. »
En 1983, Slayer a été invité à ouvrir pour le groupe Bitch au Woodstock Club à Anaheim, en Californie, pour interpréter huit chansons, dont six étaient des reprises. Le groupe a été repéré par Brian Slagel , un ancien journaliste musical qui avait récemment fondé Metal Blade Records .
Impressionné par Slayer, il a rencontré le groupe dans les coulisses et leur a demandé d’enregistrer une chanson originale pour son prochain album de compilation Metal Massacre III . Le groupe a accepté et leur chanson « Aggressive Perfector » a créé un buzz underground à sa sortie au milieu de 1983, ce qui a conduit Slagel à offrir au groupe un contrat d’enregistrement avec Metal Blade.
Show No Mercy , Haunting the Chapel et Hell Awaits (1983-1986)
Jeff Hanneman a été le guitariste de Slayer pendant 30 ans, de 1981 à 2011.Il était le principal auteur-compositeur avec Kerry King, ainsi qu’un parolier.
Sans budget d’enregistrement, le groupe a dû autofinancer son premier album. Combinant les économies d’Araya, qui était employée en tant que thérapeute respiratoire, et l’argent emprunté au père de King, le groupe est entré dans le studio en novembre 1983.
L’album a été précipité dans la sortie, stockant des étagères trois semaines après que les pistes aient été terminé.
Show No Mercy, sorti en décembre 1983 chez Metal Blade Records, a généré une popularité underground pour le groupe. Le groupe a commencé une tournée du club de Californie pour promouvoir l’album.
La tournée a donné au groupe une popularité supplémentaire et les ventes de Show No Mercy ont finalement atteint plus de 20 000 aux États-Unis et 20 000 autres dans le monde.
En février 1984, King rejoint brièvement le nouveau groupe de Dave Mustaine , Megadeth . Hanneman était inquiet de la décision de King, déclarant dans une interview, « Je suppose que nous allons avoir un nouveau guitariste. »
Tandis que Mustaine voulait que King reste sur une base permanente, King est parti après cinq spectacles, déclarant que le groupe de Mustaine « prenait trop de mon temps. » La scission a provoqué une rupture entre King et Mustaine, qui a évolué en une querelle de longue durée entre les deux groupes.
En juin 1984, Slayer sort un EP à trois titres intitulé Haunting the Chapel . L’EP présente un style plus sombre et plus orienté thrash que Show No Mercy , et jette les bases de la future direction du groupe.
En mars 1985, Slayer a entamé une tournée nationale avec Venom et Exodus , ce qui a donné lieu à leur première vidéo à domicile baptisée Combat Tour: The Ultimate Revenge . La vidéo présentait des images filmées au club Studio 54 . Le groupe a ensuite fait ses débuts européens en direct au Heavy Sound Festival en Belgique en ouverture pour UFO .
Toujours en 1985, Slayer a fait des tournées ou joué des spectacles sélectionnés avec des groupes comme Megadeth, Destruction , DRI , Possessed , Agent Steel , SOD , Nasty Savage et Church of métal .
Show No Mercy se vendit à plus de 40 000 exemplaires, ce qui conduisit le groupe à retourner en studio pour enregistrer leur deuxième album. Metal Blade a financé un budget d’enregistrement, ce qui a permis au groupe d’embaucher le producteur Ron Fair .
Sorti en mars 1985, le deuxième album de Slayer, Hell Awaits , s’est étendu sur l’obscurité de Haunting the Chapel , avec l’enfer et Satan comme sujets de chanson communs.
Reign in Blood , le bref hiatus de Lombardo et South of Heaven (1986–1989)
Le guitariste Kerry King était l’un des deux membres constants de Slayer.
Après le succès de Hell Awaits , Slayer s’est vu proposer un contrat d’enregistrement avec Russell Simmons et le nouveau Def Def Records de Rick Rubin , un label largement hip hop .
Le groupe a accepté avec un producteur expérimenté et un budget d’enregistrement de label majeur. le groupe subi une cure de jouvence sonore pour leur troisième album Reign in Blood , résultant : des chansons plus courtes et plus rapides avec une production plus claire. Les arrangements complexes et les longs titres de Hell Awaits ont été abandonnés au profit de structures de chansons dépouillées et influencées par le punk hardcore .
Le distributeur de Def Jam, Columbia Records , a refusé de sortir l’album en raison de la chanson » Angel of Death » qui détaille les camps de concentration de l’ Holocauste et les expériences humaines menées par le médecin nazi Josef Mengele .
L’album a été distribué par Geffen Records le 7 octobre 1986. Cependant, en raison de la controverse, Reign in Blood n’est pas apparu sur le calendrier de sortie de Geffen Records. Bien que l’album n’ait reçu pratiquement aucune diffusion radio, il est devenu le premier groupe à entrer dans le Billboard 200 , débutant au numéro 94, et le premier album du groupe certifié or aux États-Unis.
Slayer a entamé la tournée mondiale Reign in Pain, avec Overkill aux États-Unis d’octobre à décembre 1986 et Malice en Europe en avril et mai 1987. Ils ont également joué avec d’autres groupes tels que Agnostic Front , Testament , Metal Church , DRI , Dark Angel et Flotsam et Jetsam .
Le groupe a été ajouté comme groupe de première partie pour la tournée américaine de WASP , mais juste un mois après, le batteur Lombardo quitta le groupe: « Je ne gagnais pas d’argent. Je me suis dit si nous allions être professionnel, je voulais que mon loyer soit payé. » Pour continuer la tournée, Slayer a enrôlé Tony Scaglione de Whiplash .
Cependant, Lombardo a été convaincu par sa femme de revenir en 1987. À l’insistance de Rubin, Slayer a enregistré une version de couverture de » In-A-Gadda-Da-Vida « d’ Iron Butterfly pour le film Less Than Zero .
Bien que le groupe ne soit pas satisfait du produit final, Hanneman le jugeant « une mauvaise représentation de Slayer » et King le qualifiant de « gros morceau de merde », ce fut l’une de leurs premières chansons à obtenir une diffusion radio .
Fin 1987, Slayer revient au studio pour enregistrer son quatrième album studio. Pour contraster la vitesse de Reign in Blood , le groupe a consciemment décidé de ralentir les tempos et d’incorporer un chant plus mélodique.
Selon Hanneman, « Nous savions que nous ne pouvions pas battre Reign in Blood , alors nous avons dû ralentir. Nous savions que tout ce que nous faisions allait être comparé à cet album, et je me souviens que nous avons en fait discuté du ralentissement. C’était bizarre – nous ‘ai jamais fait ça sur un album, avant ou depuis. »
Sorti en juillet 1988, South of Heaven a reçu des réponses mitigées de la part des fans et des critiques, bien que ce soit la sortie la plus réussie de Slayer à l’époque, faisant ses débuts au numéro 57 sur le Billboard 200, et leur deuxième album à recevoir la certification d’or aux États Unis.
La réponse de presse à l’album a été contrastée, avec AllMusic citant l’album comme « dérangeant et puissant »,et Kim Nelly de Rolling Stone l’ appelant « un radotage satanique véritablement offensant ».
King dit que « cet album fut ma performance la plus terne », bien qu’Araya l’ait qualifié de « floraison tardive » qui a finalement grandi dans la tête des gens. Slayer a fait une tournée d’août 1988 à janvier 1989 pour promouvoir South of Heaven , soutenir Judas Priest aux États-Unis lors de leur tournée Ram It Down , et visiter l’Europe avec Nuclear Assault et les États-Unis avec Motörhead et Overkill .
« Seasons in the Abyss » et deuxième départ de Lombardo (1990–1993)
Le bassiste / chanteur Tom Araya était l’un des deux membres constants de Slayer.
Slayer est revenu au studio au début des années 1990 avec le coproducteur Andy Wallace pour enregistrer son cinquième album studio. Après le contrecoup créé par South of Heaven , Slayer est revenu à la «vitesse martelante de Reign in Blood , tout en conservant leur nouveau sens mélodique ».
Seasons in the Abyss , sorti le 9 octobre 1990, est le premier album de Slayer à sortir sous le nouveau label Def American de Rubin , car il s’est séparé du propriétaire de Def Jam, Russell Simmons, pour des différences créatives.
L’album a fait ses débuts au numéro 44 sur le Billboard 200 et a été certifié or en 1992 .L’album a donné naissance au premier clip de Slayer pour la chanson titre de l’album, qui a été filmée devant les pyramides de Gizeh en Égypte.
Au cours de l’étape européenne à guichets fermés de cette tournée, les billets ont monté en flèche à 1 000 deutsche marks (680 $ US) sur le marché noir. Avec la popularité du thrash américain à son apogée, le groupe a de nouveau tourné avec Testament au début de 1991 et à trois titres la version nord-américaine de la tournée Clash of the Titans cet été-là avec Megadeth, Anthrax et Alice in Chains .
Le groupe sortit un double album live, Decade of Aggressionen 1991, pour fêter les dix ans de leur formation. La compilation a fait ses débuts au numéro 55 sur le Billboard 200.
En mai 1992, Lombardo quitta le groupe en raison de conflits avec les autres membres, ainsi que de son désir de ne pas être en tournée pour la naissance de son premier enfant. Lombardo forma son propre groupe Grip Inc. avec le guitariste Voodoocult Waldemar Sorychta , et Slayer recruta l’ancien batteur Forbidden Paul Bostaph pour occuper le poste de batteur.
Slayer a fait ses débuts avec Bostaph au festival Monsters of Rock de 1992 à Castle Donington . Le premier effort de Bostaph en studio fut un mélange de trois chansons Exploited , « War », « UK ’82 » et « Disorder », avec le rappeur Ice-T, pour la bande originale du film Judgment Night en 1993.
Divine Intervention , Undisputed Attitude et Diabolus in Musica (1994–2000)
En 1994, Slayer sort Divine Intervention , le premier album du groupe avec Bostaph à la batterie. L’album comprenait des chansons sur Reinhard Heydrich , un architecte de l’Holocauste, et Jeffrey Dahmer , un tueur en série américain et un délinquant sexuel.
Les autres thèmes incluaient le meurtre, les maux de l’église et les longueurs auxquelles les gouvernements allaient exercer le pouvoir, l’intérêt d’Araya pour les tueurs en série a inspiré une grande partie du contenu des paroles.
Slayer se prépare pour une tournée mondiale en 1995, avec Biohazard et Machine Head .
En 1996, Undisputed Attitude , un album de reprises punk sortit. Le groupe reprit des chansons de Minor Threat , TSOL , Dirty Rotten Imbeciles , DI , Verbal Abuse, Dr. Know et The Stooges . L’album comprenait trois morceaux originaux, « Gemini », « Can’t Stand You », « Ddamm »; les deux derniers ont été écrits par Hanneman en 1984–1985 pour un projet parallèle intitulé Pap Smear.
Bostaph quitta Slayer peu de temps après l’enregistrement de l’album pour travailler sur son propre projet, Truth About Seafood. Avec le départ de Bostaph, Slayer recruta le batteur du Testament Jon Dette et a titré l’Ozzfest 1996 aux côtés d’ Ozzy Osbourne , Danzig , Biohazard , Sepultura et Fear Factory .
Dette fût licencié après un an, en raison d’une retombée avec les membres du groupe. Après cela, Bostaph revint our continuer la tournée.
Diabolus in Musica (latin pour « The Devil in Music ») sorti en 1998, se classa 31 au Billboard 200, se vendant à plus de 46 000 exemplaires au cours de sa première semaine. L’album reçu des critiques très contrastées.
Le critique de Blabbermouth.net , Borijov Krgin, a décrit l’album comme « une faible tentative d’incorporer des éléments mis à jour dans le son du groupe, dont la présence a quelque peu accru les efforts du groupe et a donné l’espoir que Slayer pourrait s’abstenir de ressasser sans cesse leur matériel précédent pour leur sortie future »
Ben Ratliff du New York Times avait des sentiments similaires, écrivant le 22 juin 1998 que: « Huit des onze chansons de Diabolus in Musica , dont quelques-unes ont été jouées lors de l’émission, sont dans la même tonalité grise, et les idées rythmiques du groupe ont une similitude fatigante aussi. »
Slayer s’est associé au groupe hardcore numérique Atari Teenage Riot pour enregistrer une chanson pour la bande originale de Spawn intitulée « No Remorse (I Wanna Die) ». Le groupe a rendu hommage à Black Sabbath en enregistrant une reprise de « Hand of Doom » pour le deuxième de deux albums hommage, intitulé Nativity in Black II .
Une tournée mondiale a suivi pour soutenir le nouvel album, avec Slayer faisant une apparition au Royaume-Uni Ozzfest 1998 .
God Hates Us All (2001-2005)
Après des retards concernant le remixage et les illustrations, y compris les couvertures de diapositives créées pour couvrir les illustrations originales car elles étaient jugées « trop graphiques », le prochain album de Slayer, God Hates Us All , est sorti le 11 septembre 2001 .
Le groupe a reçu sa première nomination aux Grammy pour le titre « Disciple », bien que le Grammy ait été décerné à Tool , pour » Schism « .
Les attaques du 11 septembre contre l’Amérique ont mis en péril la tournée européenne 2001 Tattoo the Planet, qui devait à l’origine présenter Pantera , Static-X , Cradle of Filth , Biohazard et Vision of Disorder.
Les dates au Royaume-Uni ont été reportées en raison de restrictions de vol, avec une majorité de groupes décidant de se retirer, laissant Slayer et Cradle of Filth restant pour la partie européenne de la tournée.
Pantera, Static-X, Vision of Disorder et Biohazard ont été remplacés par d’autres groupe ; Amorphis , In Flames , Moonspell , Children of Bodom et Necrodeath . Biohazard a finalement décidé de rejoindre la tournée plus tard, et a réservé de nouveaux concerts dans les pays, où ils ont raté quelques dates.
Le batteur Bostaph a quitté Slayer avant Noël en 2001, en raison d’une blessure chronique au coude, ce qui entraverait sa capacité à jouer. La tournée « God Hates Us All » de Slayer étant inachevée , le directeur, Rick Sales, contacta Lombardo, et lui demanda s’il aimerait terminer le reste de la tournée. Lombardo a accepté l’offre et est restera membre permanent.
SLAYER
Christ Illusion (2006-2008)
Le batteur de Original Slayer, Dave Lombardo, a rejoint le groupe en 2001 après une interruption de neuf ans et a joué sur les albums Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009) avant de repartir en 2013.
Le prochain album studio, Christ Illusion , devait initialement sortir le 6 juin 2006 et serait le premier album avec le batteur original Lombardo depuis 1990 . Cependant, le groupe a décidé de retarder la sortie du disque, car ils ne voulaient pas être parmi les nombreux, selon King, « demi-cul, stupides putains de perdants » publiant des disques le 6 juin.
Bien que USA Today ait rapporté que l’idée a été contrecarrée parce que le groupe n’a pas réussi à obtenir suffisamment de temps d’enregistrement en studio. Slayer a sorti Eternal Pyre le 6 juin comme un EP en édition limitée .
Cinq mille exemplaires ont été publiés et vendus exclusivement dans les chaînes de magasins Hot Topic , et vendus dans les heures suivant leur sortie. Le 30 juin, Nuclear Blast Records a sorti une version de disque vinyle de 7 « limitée à mille exemplaires.
Christ Illusion est sorti le 8 août 2006 et a fait ses débuts au numéro 5 sur le Billboard 200, se vendant à plus de 62 000 exemplaires au cours de sa première semaine. Slayer a été intronisé au Kerrang! Hall of Fame pour leur influence sur la scène heavy metal.
Une tournée mondiale baptisée The Unholy Alliance Tour a été entreprise pour soutenir le nouveau disque. La tournée devait initialement démarrer le 6 juin, mais a été reportée au 10 juin, car Araya a dû subir une opération de la vésicule biliaire .
La tournée a fait son chemin à travers l’Amérique et l’Europe et les groupes qui ont participé, à part Thine Eyes Bleed, se sont réunis pour se produire au Festival Loudpark au Japon le 15 octobre 2006.
La vidéo du premier single de l’album, » Eyes of the Insane « , est sortie le 30 octobre 2006. Le titre a été présentée sur la bande originale de Saw III , et a remporté un Grammy-Award pour » Best Metal Performance » au 49th Grammy Awards, bien que le groupe n’ait pas pu assister en raison d’obligations de tournée.
Une semaine plus tard, le groupe a visité le 52e escadron de services situé sur la base de l’US Air Force à Spangdahlem en Allemagne pour donner un concert. Il s’agissait de la toute première visite d’une base militaire pour le groupe.
Le groupe a fait sa première apparition TV sur le l’emission de Jimmy Kimmel Live!le 19 janvier, jouant la chanson « Eyes of the Insane », et quatre chansons supplémentaires pour les fans après le spectacle (bien que les images de » Jihad » aient été coupées en raison de ses thèmes lyriques controversés).
Slayer a fait une tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande en avril avec Mastodon, et est apparu au Download Festival , Rock Am Ring , et une tournée d’été avec Marilyn Manson et Bleeding Through .
World Painted Blood (2009-2011)
En 2008, Araya déclare son incertitude quant à l’avenir du groupe, et qu’il ne peut pas se voir continuer la carrière à un âge plus avancé. Il a dit qu’une fois que le groupe aurait terminé son prochain album, qui était le dernier disque de leur contrat, le groupe s’asseyait et discutait de son avenir.
King pensais que le groupe produirait au moins deux autres albums avant d’envisager de se dissoudre: « Nous parlons d’aller en studio en février prochain [2009] et de sortir le prochain album donc si nous faisons les choses en temps opportun Je ne vois pas de raison pour laquelle nous ne pouvons pas sortir plus d’un album. »
Slayer, avec Trivium , Mastodon et Amon Amarth, font alors équipe pour une tournée européenne intitulée «The Unholy Alliance: Chapter III», en octobre et novembre 2008.
Le onzième album studio du groupe, World Painted Blood , est sorti chez American Recordings . Il fût disponible le 3 novembre en Amérique du Nord et le 2 novembre pour le reste du monde.
Le groupe déclara que l’album reprenait des éléments de toutes leurs œuvres précédentes, notamment Seasons in the Abyss , South of Heaven et Reign in Blood . Megadeth et Slayer ont uni leurs forces encore une fois pour la tournée Carnage américaine de Juillet à Octobre 2010 , avec Anthrax et Testament.
Début 2011, Hanneman a reçu un diagnostic de fasciite nécrosante . Selon le groupe, les médecins ont déclaré que cela provenait probablement d’une morsure d’araignée.
Araya a déclaré à propos de la condition de Hanneman: « Jeff était gravement malade. Jeff a fini par contracter une bactérie qui rongeait sa chair sur son bras, alors ils lui ont ouvert le bras, du poignet à l’épaule, et ils ont fait une greffe de peau sur lui, ils ont nettoyé … C’était un virus mangeur de chair, donc il était vraiment, vraiment mauvais. Alors nous attendrons qu’il s’améliore, et quand il sera à cent pour cent, il sortira et se joindra à nous. »
Le groupe decida de jouer leurs dates de tournée à venir sans Hanneman. Gary Holt d’ Exodus a remplacé Hanneman. Le 23 avril 2011, lors de l’émission American Big 4 à Indio, en Californie , Hanneman a rejoint ses camarades de groupe pour jouer les deux dernières chansons de leur ensemble, « South of Heaven » et « Angel of Death ».
Cela s’est avéré être la dernière performance live de Hanneman avec le groupe.
La mort de Hanneman, la troisième scission de Lombardo et Repentless (2011-2016)
Lorsqu’on lui a demandé si Slayer ferait un autre album, Lombardo a répondu « Oui absolument; bien qu’il n’y ait rien d’écrit, il y a certainement des plans. » Cependant, Araya disait que Slayer ne commencerait pas à écrire un nouvel album jusqu’à ce que la condition de Hanneman se soit améliorée.
Pour célébrer le 25e anniversaire de Reign In Blood , le groupe a interprété toutes les pistes de l’album au festival All Tomorrow’s Parties à l’ Alexandra Palace à Londres.
En novembre 2011, Lombardo a publie un tweet indiquant que le groupe commençait à écrire de la nouvelle musique. Cela signifiait probablement que l’état de Hanneman s’était amélioré, et on pensait qu’il était prêt à entrer dans le studio.
King avait travaillé avec Lombardo cette année-là et ils ont terminé trois chansons. Le groupe prévoyait d’entrer en studio en mars ou avril 2012 et espérait que l’album soit enregistré avant la tournée américaine du groupe fin mai et le sortir d’ici l’été de la même année.
Cependant, King dit à l’époque que l’album à venir ne serait pas fini avant septembre et octobre de cette année, rendant une sortie 2013 probable.
En juillet 2012, King a révélé deux titres de chansons pour l’album à venir, « Chasing Death » et « Implode ».
En février 2013, Lombardo est licencié juste avant que Slayer ne joue au festival australien Soundwave en raison d’une dispute avec les membres du groupe au sujet d’un différend salarial.
Slayer et American Recordings publient une déclaration, disant que « M. Lombardo est venu dans le groupe moins d’une semaine avant leur départ prévu pour l’Australie pour présenter un ensemble de conditions entièrement nouvelles pour son engagement qui étaient contraires à celles qui avaient été précédemment. »
Lombardo est alors officiellement hors de Slayer pour la troisième fois, et, en mai, Bostaph rejoint le groupe.
Le guitariste d’ Exodus Gary Holt rejoint Slayer en 2011, à l’origine en tant que membre de tournée, et devient plus tard un remplaçant officiel de Jeff Hanneman , décédé en 2013.
Le 2 mai 2013, Hanneman est décédé des suites d’une insuffisance hépatique dans un hôpital local près de son domicile dans l’ Inland Empire du sud de la Californie ; la cause du décès a ensuite été déterminée comme étant une cirrhose liée à l’alcool .
King a confirmé que le groupe continuerait, disant: « Jeff va être dans les pensées de tout le monde pendant longtemps. Il est malheureux que vous ne puissiez pas empêcher que des choses malheureuses se produisent.
Mais nous allons continuer – et il ‘ je serai là en esprit. » Cependant, Araya se sentait plus incertain quant à l’avenir du groupe, exprimant sa conviction que « Après 30 ans [avec Hanneman actif dans le groupe], ce serait littéralement comme recommencer ».
Malgré l’incertitude concernant l’avenir du groupe, Slayer a toujours travaillé sur un suivi de World Painted Blood . De plus, le nouvel album contiendrait du matériel écrit par Hanneman.
Le groupe a annoncé qu’il avait signé avec Nuclear Blast , et prévoyait de sortir un nouvel album en 2015. Il a été rapporté que Holt prendrait en charge les fonctions de guitare de Hanneman à plein temps, bien que Holt n’ait pas participé à l’écriture de chansons .
En février, Slayer a annoncé une tournée américaine de dix-sept dates pour commencer en juin avec Suicidal Tendencies et Exodus . En 2015, Slayer a titré le Rockstar Energy Mayhem Festival pour la deuxième fois. Sans repentir, le douzième album studio du groupe, est sorti le 11 septembre 2015.
Slayer a fait une tournée de deux ans et demi à l’appui de Repentless . Le groupe a fait une tournée en Europe avec Anthrax et Kvelertak en octobre et novembre 2015 et s’est lancé dans trois tournées nord-américaines: une avec Testament et Carcass en février et mars 2016 puis avec Anthrax et Death Angel en septembre et octobre 2016. Une seule date en Asie du Sud-Est en 2017 a eu lieu aux Philippines.
Treizième album studio annulé, tournée d’adieu et séparation (2016-2019)
En août 2016, on a demandé au guitariste Kerry King si Slayer publierait une suite de Repentless .
Il a répondu: « Nous avons beaucoup de restes du dernier album, parce que nous avons écrit tellement de choses, et nous en avons aussi enregistré un tas.
Si les paroles ne changent pas musicalement la chanson, ces chansons sont terminées. Nous avons donc une longueur d’avance sur le match sans même rien avoir à faire pour le prochain album. Et j’ai travaillé sur des trucs sur mon temps d’arrêt.
Comme, je vais me réchauffer et un riff me viendra à l’esprit et je l’enregistrerai. J’en ai une poignée. Donc les roues tournent encore. Je n’ai encore rien travaillé sur le plan lyrique à part ce qui a été fait sur le dernier album, donc c’est quelque chose que je dois faire. Mais, ouais , Repentless n’a pas encore tout à fait un an. »
King a également déclaré que Slayer ne devait pas entrer dans le studio avant au moins 2018. Dans une interview en octobre sur le podcast de Jamey Jasta, le chanteur de Hatebreed , King a déclaré qu’il était » complètement ouvert « au fait que le guitariste Gary Holt (qui n’a pas contribué à l’écriture de chansons sur Repentless ) soit impliqué dans le processus d’écriture du prochain album de Slayer.
Il a expliqué: » Je suis tout à fait disposé à ce que Gary travaille sur quelque chose. Cela ne veut pas dire que cela arrivera ou ne se produira pas. Mais mes oreilles sont ouvertes. »
Le 22 Janvier 2018, Slayer annonce sa tournée mondiale d’ adieu , qui a commencé en Amérique du Nord en mai et Juin, soutenu par Anthrax , Behemoth et Testament . La deuxième étape de la tournée nord-américaine a eu lieu en juillet et août, Napalm Death remplaçant Behemoth, suivie en novembre et décembre par une tournée européenne avec Lamb of God, Anthrax et Obituary .
La tournée d’adieu s’est poursuivie en 2019, avec des plans pour visiter des endroits tels que l’Amérique du Sud, l’Australie et le Japon; en plus des festivals européens tels que le Hellfest et Graspop , Slayer joue également au Mexique au Force Fest en octobre 2018.
Le 2 décembre 2018, Holt annonce qu’il ne jouerait pas le reste de la tournée européenne du groupe car son son père est mourant. En conséquence, Vio-lence et l’ancien guitariste de Machine Head Phil Demmel le remplaceront.
Holt avait déclaré que Slayer ne sortirait pas de nouvel album avant la fin de la tournée d’adieu.
La dernière étape nord-américaine de la tournée, surnommée « The Last Campaign », a eu lieu en novembre 2019 et comprenait également le soutien de Primus , Ministry et Philip H. Anselmo & The Illegals . Bien qu’il soit qualifié de tournée d’adieu pour Slayer, leur manager Rick Sales a déclaré que le groupe ne se séparait pas, mais n’avait pas l’intention de se produire à nouveau en live.
Kristen Mulderig, qui travaille avec Rick Sales Entertainment Group, aurait également déclaré qu’il y aurait des activités liées à Slayer après la fin de la tournée. Cependant, dans les deux jours suivant la fin de la tournée, la femme du roi, Ayesha, a déclaré sur sa page Instagram qu’il n’y avait « aucune chance » que Slayer se réunisse pour exécuter plus de spectacles ou sortir de la nouvelle musique.
En mars 2020, en parlant à Guitar World de sa dernière approbation avec Dean Guitars , King a laissé entendre qu’il continuerait à faire de la musique en dehors de Slayer, disant simplement: « Dean ne m’a pas signé pour rien! » Lorsqu’on lui a demandé par le podcast Let There Be Talk en juin 2020 si une réunion Slayer se produirait jamais, Holt a déclaré: « Si cela se produit, si cela se produit, cela n’a rien à voir avec moi ».
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Slayer est un groupe de heavy metal américain formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman. Le groupe est connu pour ses performances sur scène très intenses et ses chansons brutales et rapides. Slayer a joué un rôle important dans le développement de la musique thrash metal et a contribué à façonner le son du genre.
Qui sont les membres du groupe Slayer?
Les membres fondateurs de Slayer sont le guitariste Kerry King et le batteur Dave Lombardo. Ils ont ensuite été rejoints par le chanteur/bassiste Tom Araya et le guitariste Jeff Hanneman. Après le décès de Hanneman en 2013, le groupe a recruté Gary Holt pour le remplacer à la guitare.
Quels sont les albums de Slayer?
Slayer a sorti 11 albums studio depuis sa formation en 1981. Les albums sont les suivants : Show No Mercy (1983), Hell Awaits (1985), Reign in Blood (1986), South of Heaven (1988), Seasons in the Abyss (1990), Divine Intervention (1994), Undisputed Attitude (1996), Diabolus in Musica (1998), God Hates Us All (2001), Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009).
Quels sont les titres les plus populaires de Slayer?
Les titres les plus populaires de Slayer incluent ‘Raining Blood’ (1986), ‘Angel of Death’ (1986), ‘War Ensemble’ (1990), ‘Seasons in the Abyss’ (1990), ‘Dead Skin Mask’ (1991), ‘South of Heaven’ (1988), ‘Mandatory Suicide’ (1988), ‘Chemical Warfare’ (1985), ‘Hell Awaits’ (1985) et ‘Altar of Sacrifice’ (1983).
Quels sont les principaux festivals où Slayer a joué?
Slayer a joué dans de nombreux grands festivals de musique à travers le monde. Les principaux festivals auxquels le groupe a participé comprennent Wacken Open Air en Allemagne, Download Festival en Angleterre, Rock am Ring en Allemagne, Rock im Park en Allemagne, Graspop Metal Meeting en Belgique, Knotfest en Amérique du Nord et South Korea’s Pentaport Rock Festival.
Qu’est-ce que le style musical de Slayer?
Le style musical de Slayer est principalement du thrash metal, mais le groupe incorpore également des éléments de death metal et de heavy metal traditionnel. Les chansons sont généralement très rapides et brutales, avec des guitares agressives et des rythmes complexes.
Quels sont les principaux prix remportés par Slayer?
Slayer a remporté de nombreux prix au cours de sa carrière. En 2003, le groupe a été honoré par la Revolver Golden Gods Awards comme «Meilleur groupe de metal». En 2016, Slayer a reçu le prix «Lifetime Achievement Award» lors des Metal Hammer Golden Gods Awards. En 2017, le groupe a remporté le prix «Hall of Fame» lors des Classic Rock Roll of Honour Awards. En 2018, Slayer a été intronisé au «Hall of Fame» des Kerrang! Awards.
Quels sont les membres fondateurs de Slayer?
Les membres fondateurs de Slayer sont Kerry King (guitare) et Jeff Hanneman (guitare). King et Hanneman ont fondé le groupe en 1981 et sont restés membres du groupe jusqu’à la mort de Hanneman en 2013.
Quelle est l’influence de Slayer sur la scène metal?
Slayer est largement considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène metal. Le groupe a joué un rôle important dans le développement du genre thrash metal et a contribué à façonner le son du genre. De nombreux groupes de metal modernes ont été influencés par le style de Slayer et le groupe est un modèle pour de nombreux musiciens.
Quels sont les projets de Slayer à venir?
Slayer a annoncé qu’ils allaient entamer une tournée mondiale en 2020 pour célébrer leur 40e anniversaire. Depuis, le groupe a splité, Slayer n’existe plus.
Quelle est la signification du logo de Slayer ?
Le logo de Slayer, souvent appelé « le logo de l’aigle », représente un aigle avec une épée dans ses griffes. L’aigle est souvent associé à la guerre et à la mort, tandis que l’épée symbolise la justice et la vengeance. Le logo a été créé par le guitariste Kerry King.
Quel est l’héritage de Slayer dans le metal ?
L’héritage de Slayer dans le metal est considérable, tant en termes d’influence musicale que de culture populaire. Le groupe est souvent considéré comme l’un des pionniers du thrash metal et son style agressif et extrême a inspiré de nombreux autres groupes de metal. Le logo de Slayer est également devenu un symbole emblématique du metal.
Pourquoi Slayer s’est-il séparé ?
En 2018, Slayer a annoncé sa dissolution après plus de 35 ans de carrière.
10. Quels sont les moments les plus mémorables de l’histoire de Slayer ?
Il y a eu plusieurs moments mémorables dans l’histoire de Slayer, en voici quelques-uns :
Leur performance à la première édition du festival de musique metal « Monsters of Rock » en 1988, où ils ont partagé la scène avec Metallica, Van Halen, Scorpions et d’autres grands noms de la musique.
La controverse entourant la chanson « Angel of Death » de l’album « Reign in Blood », qui aborde le sujet de l’Holocauste. La chanson a été accusée de glorifier la violence et l’antisémitisme, mais les membres de Slayer ont défendu la chanson en affirmant qu’elle avait été écrite dans un contexte historique et n’était pas destinée à être offensante.
Le décès du guitariste Jeff Hanneman en 2013, qui a bouleversé les fans de Slayer et a conduit à l’arrivée de Gary Holt en tant que guitariste de remplacement.
La tournée d’adieu de Slayer en 2018-2019, qui a vu le groupe jouer dans des salles combles à travers le monde pour célébrer leur carrière de plus de trois décennies.
Slayer est un groupe emblématique de la musique metal, connu pour son style musical agressif et ses paroles violentes. Le groupe a eu une influence considérable sur la musique metal et a inspiré de nombreux autres groupes au fil des ans. Bien que Slayer se soit séparé en 2018, leur héritage dans le metal reste important et leurs fans continuent de les célébrer comme l’un des plus grands groupes de l’histoire du genre.
La photographie d’art est un domaine de la photographie qui se concentre sur la création d’images expressives et esthétiques qui vont au-delà de la simple représentation d’une scène.
La créativité : La photographie d’art permet aux artistes de s’exprimer de manière créative en utilisant des techniques et des approches innovantes pour capturer et transformer leur sujet en quelque chose de plus expressif et esthétique.
L’émotion : Les photographies d’art sont souvent utilisées pour communiquer des émotions et des sentiments profonds, qu’ils soient positifs ou négatifs. Les photographes d’art cherchent souvent à évoquer une réponse émotionnelle chez le spectateur en utilisant des techniques telles que la composition, l’éclairage et la couleur.
La composition : La composition est un élément essentiel de la photographie d’art. Les photographes d’art cherchent à créer des images qui sont esthétiquement équilibrées et qui ont une composition réfléchie et intentionnelle. La composition peut aider à diriger l’œil du spectateur vers les éléments clés de l’image et à donner un sens de l’équilibre et de la profondeur.
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L’originalité : La photographie d’art est souvent utilisée pour créer des images uniques et originales qui sortent des sentiers battus. Les photographes d’art cherchent souvent à créer des images qui sont différentes et qui se démarquent, afin de créer un impact visuel et émotionnel plus fort. La recherche de l’originalité est souvent ce qui distingue la photographie d’art de la photographie commerciale ou documentaire.
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En fin de compte, la créativité en photographie d’art dépend de la capacité du photographe à explorer et à expérimenter de nouvelles approches, techniques et perspectives pour créer des images qui sont expressives, esthétiques et originales.
Photo d’art – Photographie d’art
L’émotion en photo d’art
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La composition en photo d’art
La composition est un élément clé de la photographie d’art, car elle permet au photographe de créer une image visuellement équilibrée, intéressante et expressive. Voici quelques points clés sur la composition en photo d’art :
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La tehnique en photo d’art
La technique en photographie d’art est importante pour réaliser des images de qualité et réussir à transmettre des émotions et des messages. Voici quelques points clés sur la technique en photographie d’art :
La maîtrise de l’appareil photo : Le photographe doit connaître les réglages de base de l’appareil photo, tels que l’ouverture, la vitesse d’obturation et la sensibilité ISO, pour pouvoir adapter les paramètres en fonction de la situation de prise de vue.
Le choix de l’objectif : Le choix de l’objectif peut avoir un impact significatif sur l’image. Les objectifs grand angle peuvent être utilisés pour capturer une vue d’ensemble, tandis que les objectifs à focale fixe peuvent être utilisés pour créer un effet de profondeur de champ ou pour réaliser des portraits.
La lumière : La lumière est un élément clé de la photographie d’art. Les photographes doivent apprendre à utiliser la lumière naturelle et artificielle pour créer des effets de lumière intéressants, tels que les ombres, les reflets et les contrastes.
La post-production : La post-production est une étape importante de la photographie d’art. Les photographes peuvent utiliser des logiciels de retouche pour ajuster la luminosité, le contraste, la saturation, la netteté et d’autres paramètres de l’image pour améliorer sa qualité et sa cohérence.
La créativité : La technique est importante, mais la créativité est essentielle en photographie d’art. Les photographes doivent apprendre à sortir des sentiers battus, à explorer de nouveaux angles de prise de vue, à expérimenter avec la composition et à chercher des sujets qui leur inspirent pour créer des images originales et expressives.
En fin de compte, la technique en photographie d’art est importante pour créer des images de qualité, mais la créativité est essentielle pour créer des images originales et expressives. Les photographes doivent apprendre à maîtriser leur appareil photo, à utiliser la lumière et la post-production pour améliorer la qualité de leurs images, tout en gardant leur créativité et leur vision artistique intactes.
Pour conclure…
La photographie d’art est un moyen de s’exprimer artistiquement et de capturer des moments et des émotions uniques. Pour réussir à transmettre efficacement son message, un photographe d’art doit considérer cinq points clés : la maîtrise de l’appareil photo, le choix de l’objectif, la lumière, la post-production et la créativité.
La technique est importante pour créer des images de qualité, mais elle ne suffit pas à elle seule pour produire des photos d’art impactantes. Les photographes d’art doivent également faire preuve de créativité en expérimentant de nouvelles approches et en recherchant des sujets qui leur inspirent.
En fin de compte, la photographie d’art est une combinaison subtile de technique et de créativité. En gardant ces cinq points clés à l’esprit, les photographes d’art peuvent réussir à capturer des images qui communiquent leur vision personnelle et évoquent des émotions chez le spectateur.
Comment le faire de la photo d’art?
La photographie numérique a changé la façon dont les gens prennent des photos et combien les prennent.
N’importe qui avec un appareil photo peut être photographe de nos jours, et beaucoup d’entre eux veulent être des photographes professionnels ou des artistes, bien qu’ils puissent être les deux. Partout sur Internet, il y a une montée en puissance de ceux qui se disent photographes d’art ; alors peut-être qu’il est temps d’examiner ce qu’ils sont et en quoi ils sont différents des photographes habituels.
Récemment, j’ai entendu un photographe en ligne dire que vous pouviez ajouter un flou sur une image, puis appeler cela de l’art. Cela ne rend pas une image artistique, cela la rend juste ridicule.
Le travail doit porter sur vous et sur ce qui vous passionne. Ne vous inquiétez pas de ce que les autres pensent. Si vous savez quelle est votre vision, quel est votre sujet et comment vous voulez créer votre travail, alors votre déclaration devrait venir facilement et vous vous retrouverez sur une nouvelle voie, passionnante.
Si vous ne faites que de belles images sans aucun des éléments ci-dessus, il y a de fortes chances que vous ne créez pas de photo d’art.
Cependant, si vous avez une vision ou un message et que vous souhaitez transmettre des idées à travers votre travail, vous êtes plus susceptible de créer de la photo d’art. Peut-être devriez-vous réfléchir à ce que vous voulez que votre travail soit. Il est également très bien de simplement prendre des photos parce que vous aimez cela…
Les 5 Erreurs courantes dans la photo d’art
1. Ignorer l’importance de la qualité technique en photo d’art.
Alors que la photo artistique consiste à ignorer les règles et à exprimer son esprit, la maîtrise technique de la photographie en tant que médium ne peut être négligée.
La photo d’art nécessite un haut niveau d’expertise dans ce qui fait une photo techniquement bonne. Par exemple, obtenir la bonne mise au point, l’éclairage pour une bonne exposition et ce qui rend une composition intéressante sont importantes.
Une fois que vous savez comment contrôler ces éléments dans la caméra, vous avez le pouvoir de les utiliser comme formes de communication pour votre message.
Trop souvent, les artistes utilisent des films de qualité médiocre ou des capteurs de caméra de mauvaise qualité pour obtenir un aspect granuleux et artistique. La meilleure pratique serait d’utiliser une technique de meilleure qualité mais d’obtenir le résultat artistique grâce à la technique.
Quand tenir l’appareil photo à la main est un autre exemple d’un aspect technique à ne pas négliger. Savoir quand et comment utiliser un trépied est essentiel pour toute photographie.
Enfin, les photographes ont tendance à trop s’appuyer sur les fonctionnalités automatiques de leurs appareils photo modernes. L’exposition automatique et la mise au point automatique sont d’excellents outils, mais ils ont tendance à produire des images ternes et ordinaires.
Régler votre appareil photo en mode entièrement manuel vous permet de contrôler l’image et d’obtenir exactement le look que vous recherchez.
2. Confondre la qualité technique avec l’art.
Alors que la qualité technique est vitale pour la photo d’art, une photographie techniquement parfaite n’en fait pas de l’art. La photographie d’art concerne votre message, qui transcende entièrement les aspects techniques. La technique ne doit pas brouiller les éléments compositionnels et artistiques.
3. Suivre trop de règles en photo d’art.
Les photographes débutants apprennent toutes sortes de règles. Il y a la règle des tiers , la règle d’or et bien d’autres à suivre pour créer de la photo d’art.
Mais suivre les règles que tout le monde apprend signifie que vos images peuvent ressembler à la photographie de tout le monde. Si vous voulez que votre art soit unique et se démarque, vous devrez apprendre à enfreindre certaines règles. C’est une base de l’art globalement, il faut connaitre les techniques, les maîtriser complètement afin de pouvoir les dépasser.
4. Essayer de rendre toutes vos photos belles.
Presque toutes les photographies commerciales sont basées sur des photographies belles et esthétiques. En conséquence, nous sommes tous conditionnés à percevoir la photographie à travers le même filtre de cette beauté.
Mais parfois, surtout en tant que photographes artistiques , le message que nous essayons de communiquer est contraire à cette esthétique. Parfois crasseux, sale ou dramatique correspondent mieux au message. La photo d’art n’a pas besoin d’être belle, mais elle doit être convaincante et percutante.
5. Ne pas utiliser l’abstraction en photo d’art.
L’abstraction est un autre concept important de la photo d’art. Cela peut signifier supprimer les éléments superflus d’une photo et la distiller jusqu’à l’essentiel. Cela aide le spectateur à se connecter à l’image à un niveau plus fondamental.
Ou cela peut être fait lors de la composition de la photo ou en post-production. Quoi qu’il en soit, cela fait partie intégrante de l’envoi du bon message avec votre photo.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Avec un programme principalement composé de nouvelles productions, les Rencontres d’Arles ont acquis une dimension internationale. En 2017, plus de 125 000 spectateurs ont pu découvrir la 48e édition du festival. En 2018, le festival a battu un nouveau record avec 140000 visiteurs.
Certains sites, comme les chapelles du XIIe siècle ou les bâtiments industriels du XIXe siècle, sont ouverts au public pendant la durée du festival.
Grâce aux Rencontres d’Arles, de nombreux photographes ont été découverts et mis en lumière, ce qui confirme l’importance du festival comme tremplin pour la photographie et la création contemporaine. Ces dernières années, les Rencontres d’Arles ont invité de nombreux commissaires et ont confié certains de ses programmes à des personnalités telles que Martin Parr (2004), Raymond Depardon (2006) ou le couturier d’Arles Christian Lacroix (2008) ou encore Nan Goldin (2009).
Grâce aux grâce au soutien du ministère de la Culture, le festival a pu étendre et développer ses activités, devenant ainsi l’un des événements majeurs du calendrier culturel européen. Chaque année, le festival attire environ 200 000 visiteurs, ce qui en fait l’une des destinations touristiques les plus populaires en France.
Le festival est organisé autour d’un thème central, qui sert de point de départ à un large éventail d’expositions, de conférences, de films et d’autres événements. L’objectif du festival est de promouvoir la photographie contemporaine et d’encourager le dialogue entre les artistes, les critiques et le public.
L’un des points forts du festival est le « musée en plein air », qui présente une sélection des meilleures photographies contemporaines du monde entier. Cette année, le musée sera ouvert de juin à septembre. Un autre point fort est la « Nuit de la photographie », qui a lieu le premier samedi de chaque mois. Cet événement est l’occasion pour les photographes de présenter leur travail à un public plus large.
Événements
La semaine d’ouverture des Rencontres d’Arles propose des événements axés sur la photographie (projections nocturnes, visites d’expositions, débats, symposiums, soirées, signatures de livres, etc.) dans des lieux historiques de la ville, dont certains sont spécialement ouverts pour l’occasion.
Les moments les plus importants des dernières conférences sont: la Nuit de l’Europe (2008), dans laquelle un large panorama des identités photographiques européennes a été présenté; défilé de spectacles de Christian Lacroix lors de la soirée de clôture du festival (2008); et le concert de Patti Smith à l’occasion du 20e anniversaire de l’agence Vu (2006).
La Nuit de l’année
La nuit de l’année est le festival incontournable des Rencontres d’Arles. Elle se déroule dans les Papeteries Étienne du quartier Trinquetaille. Cette soirée d’ouverture de la semaine ouvre la variété des pratiques artistiques associées à l’image. Il présente les coups de cœur de l’année, propose aux artistes, institutions, magazines une licence …
La nuit de l’année est de neuf écrans pour une trentaine de représentations. L’événement commence à la fin de la journée avec la campagne BYOPaper – Bring Your Own Paper. 40 artistes sont sélectionnés pour coller leurs estampes sur les murs de la papeterie.
Un jury composé de l’équipe de direction des Rencontres d’Arles et de l’équipe du magazinephoto lifestyle Fisheye sélectionne chaque année les 40 projets. En 2017, les Papeteries Étienne ont accueilli la nuit de l’année pour la troisième fois consécutive, à laquelle ont assisté plus de 5000 visiteurs.
Cosmos-Arles Books
Cosmos-Arles Books est un événement satellite des Rencontres d’Arles dédié aux nouvelles pratiques éditoriales. Au cours des quinze dernières années, les publications photographiques grand format, les livres commerciaux et les livres électroniques sont devenus des matériaux expérimentaux importants pour les photographes et les artistes.
La photographie y est redécouverte comme moyen d’expression et de diffusion, et l’hybridité des formes qui lui sont propres y trouve sans aucun doute son champ d’expression le plus riche. Pour incarner cette énergie, la direction artistique des livres Cosmos Arles sera reprise par Olivier Cablat et Sebastian Hau (Cosmos) et Sam Stourdzé, directeur des Rencontres d’Arles.
Soirées au Théâtre Antique
Les projections nocturnes en plein air du théâtre romain d’Arles montrent le travail d’un photographe ou d’un spécialiste de la photographie, accompagné de concerts et de performances.
Chaque soirée fait l’objet d’une création unique. Lors de l’édition 2009 du festival, 8500 spectateurs ont assisté aux soirées du Théâtre antique, en moyenne 2000 spectateurs par soirée et 2500 pour la soirée de clôture et la représentation de la ballade de la dépendance sexuelle de Nan Goldin, accompagnée d’un concert de Tiger Lillies. Lors de l’édition 2013, plus de 6 000 spectateurs ont assisté aux soirées avec projections photo ou environ 1 500 spectateurs par soirée.
Colloques et débats des Rencontres de la photographie d’Arles
Au cours de la semaine d’ouverture des Rencontres, des réunions et débats sont organisés au cours desquels les photographes présents sont invités à parler de leur travail ou à répondre aux questions que se pose le public sur les photos exposées.
Les dernières éditions de ces événements se sont donc tournées vers la photographie sur différents sujets: peut-on encore imaginer aujourd’hui une esthétique noir et blanc pour la photographie? (2013), Comment les réseaux sociaux affectent-ils la créativité et l’information? (2011) Breaks, un concept central de la photographie d’aujourd’hui (2009), Le devoir en photographie: liberté ou coercition (2008), opérations et mutations du marché de la photo (2007) …
Les Stages de photographie des Rencontres de la photographie d’Arles
L’échange entre photographes professionnels et praticiens de tous niveaux est un enjeu constant depuis la création des Rencontres d’Arles. Chaque année, les cours photo permettent aux participants de s’engager dans un processus créatif personnel au plus près des enjeux esthétiques, éthiques et technologiques de la photographie.
De grands noms de la photographie ont régulièrement formé des directeurs des Rencontres d’Arles: Abbas, Guy Le Querrec, René Burri, Mary Ellen Mark, Paul Almasy, Antoine d’Agata, Martin Parr, Joan Fontcuberta, Jean Mezière etc.
La Rentrée en Images
Depuis 2004, l’événement «Une rentrée scolaire en images» est au cœur de la politique pédagogique développée par les Rencontres d’Arles. Au cours des deux premières semaines de septembre, les étudiants du CP au Master visitent les expositions, qui sont encadrées par des médiateurs spécialisés.
S’appuyant sur le programme du festival, l’événement vise à initier les jeunes aux arts visuels et s’inscrit dans une politique plus large de démocratisation culturelle. En effet, « Un retour à l’école en images » peut toucher plusieurs milliers d’élèves, dont un nombre important aborde pour la première fois le monde de l’art contemporain.
Luma Rencontres Dummy Book Award
En 2015, les Rencontres d’Arles ont lancé un prix promotionnel pour la publication d’un modèle de livre. Doté d’un budget de production de 25 000 euros, ce nouveau prix est ouvert à tout photographe et artiste en herbe qui utilise la photographie sur proposition d’un modèle de livre qui n’a jamais été publié. La production de l’édition gagnante commence à l’automne après la fin du festival et sera présentée lors de la prochaine édition des Rencontres d’Arles.
Photo Folio Review & Gallery
Lancé en 2006, Photo Folio Review & Gallery propose aux photographes des lectures de portfolio pendant la semaine d’ouverture du festival et la possibilité d’exposer leurs images pendant la durée des Rencontres d’Arles. Au cours de ces lectures, les photographes mettent leur travail à la disposition d’experts en photographie internationaux de divers domaines: éditeurs, conservateurs, directeurs d’institutions, directeurs d’agences, galeristes, collectionneurs, critiques et directeurs artistiques.
Le Prix des Rencontres d’Arles
Depuis leur création en 2002, les Rencontres d’Arles Awards ont permis de découvrir de nouveaux talents aux Rencontres d’Arles. Leur formule a été développée en 2007 pour conserver trois prix annuels, décernés tout l’été à Arles et décernés lors de la cérémonie de clôture de la semaine spécialisée du festival: le Prix Découverte (25 000 euros), l’auteur du Prix du Livre (8 000 euros) et le Prix du Livre du Prix Historique ( 8 000 euros) Lors de l’édition 2015, un nouveau prix, le Prix Photo-Texte (6 000 euros).
Le Budget des Rencontres de la photographie d’Arles
Le budget de l’édition 2015 des réunions était de 7 millions d’euros, dont 38% provenaient de fonds publics, 43% de revenus propres (principalement billetterie et dérivés) et 17% de mécénat et de partenariats privés.
Les expositions par Année
2010 : 41e édition (3 juillet – 19 septembre)
Promenade Argentine : Léon Ferrari, Marcos Adandia, Leandro Berra, Marcos Lopez, Sebastiano Mauri, Gabriel Valansi, Promenade rock : Mick Jagger, Jean Pigozzi, Claude Gassian, I am a cliché, Échos de l’esthétique punk, Andy Warhol, Billy Name, Stephen Shore, Robert Mapplethorpe5, Dan Graham, Peter Hujar, David Wojnarowicz, Bruce Conner, Destroy All Monsters, Sue Rynski, David Lamelas, Dennis Morris, Jamie Reid, Album Covers, Linder, Alain Dister, Robert Malaval, Belle journée en perspective, Katharina Sieverding, Rhona Bitner, Céleste Boursier-Mougenot, Christian Marclay, Meredith Sparks, Wolfgang Tillmans,
Promenade argentique : Ernst Haas, Shoot ! La photographie existentielle, Michel Campeau, Chambre(s) claire(s), note(s) sur la photographie, Polaroid en péril !, Zhang Dali, Augusto Ferrari, Des photographes en autoportraits, où sont-ils ?,
Promenade avec les amis de la Fondation Luma : Fischli/Weiss, Luke Fowler/Peter Hutton, Prix Découverte 2010, Artistes présentés par Tom Eccles, Anne Colier, Liz Deschenes, Roe Ethridge, Artistes présentés par Liam Gillick, Marlo Pascual, Gilad Ratman, Solmaz Shahbazi, Artistes présentés par Hans Ulrich Obrist & Philippe Parreno, Hans Peter Feldmann, Shannon Ebner, Kazuo Shinohara, Taryn Simon, Trisha Donnelly, Darius Khondji, Artistes présentés par Beatrix Ruf, Annette Kelm, Elad Lassry, Leigh Ledare, Prix du livre d’auteur et prix du livre historique 2010,
Promenade des passages de témoins : Un parcours dans la collection de Marin Karmitz, France 14, ReGeneration2, Paolo Woods, ENSP (promotion 2010), SFR jeunes talents, Lea Golda Holterman,
Hors promenade : No Scoop, Télérama culture couverture, Ivan Mikhailov, Des clics et des classes, Marcher-créer, Mario Giacomelli, Klavdij Sluban, 1950-2010 : Picto a 60 ans, Patrick Bouchain, François Deladerrière, Galerie Vu’, François Halard, Peter Klasen, Pierre Jahan
2011 : 42e édition (4 juillet – 18 septembre)
Chris Marker, photos du New York Times, Robert Capa, Pentti Sammallahti, JR, Wang Qingsong, Dulce Pinzon,…
2012 : 43e édition (3 juillet – 23 septembre)
Les 30 ans de l’ENSP, Josef Koudelka, Amos Gitai, Klavdij Sluban & Laurent Tixador, Arnaud Claass6, Grégoire Alexandre, Édouard Beau, Jean-Christophe Béchet, Olivier Cablat, Sébastien Calvet, Monique Deregibus & Arno Gisinger, Vincent Fournier, Marina Gadonneix, Valérie Jouve, Sunghee Lee, Isabelle Le Minh, Mireille Loup, Alexandre Maubert, Mehdi Meddaci, Collection Jan Mulder, Alain Desvergnes7, Olivier Metzger, Joséphine Michel, Erwan Morère, Tadashi Ono, Bruno Serralongue, Dorothée Smith, Bertrand Stofleth & Geoffroy Mathieu, Pétur Thomsen, Jean-Louis Tornato, Aurore Valade, Christian Milovanoff8,
2013 : 44e édition (1er juillet – 22 septembre)
Hiroshi Sugimoto, Sergio Larrain, Guy Bourdin, Alfredo Jaar9, John Stezaker10, Wolfgang Tillmans11, Viviane Sassen12, Jean-Michel Fauquet, Arno Rafael Minkkinen, Miguel Angel Rojas, Pieter Hugo13, Michel Van den Eeckhoudt, Xavier Barral14, John Davis, Antoine Gonin15, Thabiso Sekgala, Philippe Chancel, Raphaël Dallaporta, Alain Willaume, Cedric Nunn, Santu Mofokeng, Harry Gruyaert, Jo Ractliffe, Zanele Muholi, Patrick Tourneboeuf, Thibaut Cuisset, Antoine Cairns, Jean-Louis Courtinat, Christina de Middel, Stéphane Couturier, Frédéric Nauczyciel, Jacques Henri Lartigue, Pierre Jamet, Raynal Pellicer, Studio Fouad, Erik Kessels.
2014 : 45e édition (7 juillet – 21 septembre)
Expositions : Lucien Clergue, Christian Lacroix, Raymond Depardon, Léon Gimpel, David Bailey, Vik Muniz, Patrick Swirc, Denis Rouvre, Vincent Pérez, Chema Madoz, Élise Mazac, Robert Drowilal, Anouck Durand, Refik Vesei, Pleurat Sulo, Katjusha Kumi, Ilit Azoulay, Katharina Gaenssler, Miguel Mitlag, Victor Robledo, Youngsoo Han, Zhang Kechun, Pieter Ten Hoopen, Will Steacy, Kudzanai Chiurai, Patrick Willocq, Ciril Jazbec, Milou Abel, Sema Bekirovic, Melanie Bonajo, Hans de Vries, Hans Eijkelboom, Erik Fens, Jos Houweling, Hans van der Meer, Maurice van Es, Benoît Aquin, Luc Delahaye, Mitch Epstein, Nadav Kander.
2015 : 46e édition (6 juillet – 20 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Walker Evans, Stephen Shore, Robert Venturi, Denise Scott Brown, Toon Michiels, Olivier Cablat, Markus Brunetti, Paul Ronald, Sandro Miller, Eikoh Hosoe, Masahisa Fukase, Daido Moriyama, Masatoshi Naito, Issei Suda, Kou Inose, Sakiko Nomura, Daisuke Yokota, Martin Gusinde, Paolo Woods, Gabriele Galimberti, Natasha Caruana, Alex Majoli, Paolo Pellegrin, Ambroise Tézenas, Thierry Bouët, Anna Orlowska, Vlad Krasnoshchok, Sergiy Lebedynskyy, Vadym Trykoz, Lisa Barnard, Robert Zhao Renhui, Pauline Fargue, Julián Barón, Delphine Chanet, Omar Victor Diop, Paola Pasquaretta, Niccolò Benetton, Simone Santilli, Dorothée Smith, Rebecca Topakian, Denis Darzacq, Swen Renault, Paolo Woods, Elsa Leydier, Alice Wielinga, Cloé Vignaud, Louis Mattonet Pablo Mendez.
2016 : 47e édition (4 juillet – 25 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Sid Grossman, Ethan Levitas, Garry Winogrand, Peter Mitchell, Eamonn Doyle, William Klein, Christian Marclay, Bernard Plossu, Charles Fréger, Sara Galbiati, Peter Helles Eriksen, Tobias Selnaes Markussen, Maud Sulter, Laia Abril, Piero Martinello, João Pina, Stéphanie Solinas, Yan Morvan, Alexandre Guirkinger, Don McCullin, PJ Harvey& Seamus Murphy, Yann Gross, Alinka Echeverría, Maurizio Cattelan & Pierpaolo Ferrari, Augustin Rebetez, Frank Berger, Stephanie Kiwitt, Basma Alsharif, Daisuke Yokota, Marie Angeletti, Christodoulos Panayiotou, Nader Adem, Sarah Waiswa, Beni Bischof, Sara Cwynar.
2017 : 48e édition (3 juillet – 19 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Joel Meyerowitz, Michael Wolf, Audrey Tautou, Kate Barry, Roger Ballen, Marie Bovo, Mathieu Asselin, Gideon Mendel, Karlheinz Weinberger, Samuel Gratacap, Mathieu Pernot, Niels Ackermann, Sébastien Gober, Yves Chaudouët, Guillaume Herbaut, Eleonore Lubna, Dominique Auerbacher, Gabriele Basilico, Alain Ceccaroli, Despatin & Gobeli, Robert Doisneau, Tom Drahos, Pierre de Fenoÿl, Jean-Louis Garnell, Albert Giordan, François Hers, Josef Koudelka, Christian Milovanoff, Sophie Ristelhueber, Holger Trülzsch, Dune Varela, Christophe Rihet, Masahisa Fukase, Julián Barón, Ricardo Cases, Federico Clavarino, David Hornillos, Alejandro Marote, Óscar Monzón, Bernardita Morello, Miren Pastor, Michele Tagliaferri, Fosi Vegue, Antonio M. Xoubanova, Julie Balagué, Vincent Fillon, Bruno Fontana, Jean Noviel, Camille Richer, Meead Akhi, Azadeh Akhlaghi, Ali & Ramyar, Saba Alizadeh, Hoda Amin, Hawar Amini, Abbas Attar, Fatemeh Baigmoradi, Dadbeh Bassir, Erfan Dadkhah, Solmaz Daryani, Gohar Dashti, Alireza Fani, Hamed Farhangi, Arash Fayez, Shadi Ghadirian, Jassem Ghazbanpour, Azin Haghighi, Ghazaleh Hedayat, Bahman Jalali, Rana Javadi, Poolad Javaher Haghighi, Alborz Kazemi, Babak Kazemi, Kaveh Kazemi, Mehregan Kazemi, Arash Khamooshi, Danial Khodaie, Abbas Kiarostami, Gelareh Kiazand, Abbas Kowsari, Yalda Moaiery, Sasan Moayyedi, Mehran Mohajer, Mehdi Monem, Amir Mousavi, Sahar Mokhtari, Tahmineh Monzavi, Mehran Naghshbandi, Azin Nafarhaghighi, Mehrdad Naraghi, Morteza Niknahad & Behnam Zakeri, Ebrahim Noroozi, Mohsen Rastani, Ghazaleh Rezaei, Behnam Sadighi, Majid Saeedi, Omid Salehi, Hasan Sarbakhshian, Jalal Sepehr, Bahram Shabani, Noushin Shafiei, Hashem Shakeri, Jalal Shams Azaran, Sina Shiri, Arya Tabandehpoor, Nazanin Tabatabaee Yazdi, Maryam Takhtkeshian, Newsha Tavakolian, Sadegh Tirafkan, Mehdi Vosoughnia, Mohsen Yazdipour, Hasti Zahiri, Maryam Zandi.
2018 : 49e édition (2 juillet – 23 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : William Wegman, Robert Frank, Raymond Depardon, Paul Graham, Taysir Batniji, Laura Henno, Michael Christopher Brown, Jane Evelyn Atwood, Gregor Sailer, Baptiste Rabichon, Ann Ray, René Burri, Jean-Luc Godard, Dmitry Markovet Picasso.
2019 : 50e édition (1er juillet – 22 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Edward Weston, Lucien Clergue, Eve Arnold, Abigail Heyman, Susan Meiselas, Helen Levitt, Libuše Jarcovjáková, Alberto García-Alix, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez, Miguel Trillo, Tom Wood, Ying Ang, Matthew Casteel, David Denil, Yvonne De Rosa, Isa Ho, Chia Huang, Hou I-Ting, Dominique Laugé, Manuel Rivera-Ortiz, Evangelía Kranióti, Man Ray, Germaine Krull, Berenice Abbott, László Moholy-Nagy, Florence Henri, Claude Martin-Rainaud, Philippe Chancel, Randa Mirza, Camille Fallet, Guillaume Simoneau, Laurence Aëgerter, Lionel Astruc, Erick Bonnier, Marjan Teeuwen, Pixy Liao, Yann Pocreau
Les expositions de Années 2000
2000 : 31e édition
Tina Modotti, Jakob Tuggener, Peter Sakaer, Masahisa Fukase, Herbert Matter, Robert Heinecken, Jean-Michel Alberola, Tom Drahos, Willy Ronis, Frederick Sommer, Lucien Clergue, Sophie Calle…
2001 : 32e édition
Luc Delahaye, Patrick Tosani, Stéphane Couturier, David Rosenfeld, James Casebere, Peter Lindbergh, Jonathan Abbou…
2002 : 33e édition (6 juillet -8 septembre)
Guillaume Herbaut, Baader Meinhof, Astrid Proll, Josef Koudelka, Gabriele Basilico, Rineke Dijkstra, Lise Sarfati, Jochen Gerz, Collection Ordoñez Falcon, Larry Sultan, Alex Mac Lean, Alastair Thain, Raeda Saadeh, Zineb Sedira, Serguei Tchilikov, Jem Southam, Alexey Titarenko, Andreas Magdanz, Sophie Ristelhueber…
2003 : 34e édition (5 juillet -12 octobre)
Collection Claude Berri, Hou Bo4,Lin Tianmiao & Wang Gongxin, Xin Danwen, Gao Bo, Shao Yinong & Mu Chen, Hong Li, Hai Bo, Chen Lingyang, Ma Liuming, Hong Hao, Naoya Hatakeyama, Roman Opalka, Jean-Pierre Sudre, Suzanne Lafont, Corinne Mercadier, Adam Bartos, Marie Le Mounier, Yves Chaudouët, Galerie VU, Harry Gruyaert, Vincenzo Castella, Alain Willaume, François Halard, Donovan Wylie, Jérôme Brézillon & Nicolas Guiraud, Jean-Daniel Berclaz, Monique Deregibus, Youssef Nabil, Tina Barney…
2004 : 35e édition (8 juillet -19 septembre)
Dayanita Singh, Les archives du ghetto de Lodz, Stephen Gill, Oleg Kulik, Arsen Savadov, Keith Arnatt, Raphaël Dallaporta, Taiji Matsue, Tony Ray-Jones, Osamu Kanemura, Kawauchi Rinko, Chris Killip, Chris Shaw, Kimura Ihei, Neeta Madahar, Frank Breuer, Hans van der Meer, James Mollison, Chris Killip, Mathieu Pernot, Paul Shambroom, Katy Grannan, Lucien Clergue, AES + F, György Lörinczy…
2005 : 36e édition (5 juillet -18 septembre)
Collection William M. Hunt, Miguel Rio Branco, Thomas Dworzak, Alex Majoli, Paolo Pellegrin, Ilkka Uimonen, Barry Frydlender, David Tartakover, Michal Heiman, Denis Rouvre, Denis Darzacq, David Balicki, Joan Fontcuberta, Christer Strömholm, Keld Helmer-Petersen…
s 2006 : 37e édition (4 juillet -17 septembre)
La photographie américaine à travers les collections françaises, Robert Adams, Cornell Capa, Gilles Caron, Don McCullin, Guy Le Querrec, Susan Meiselas, Julien Chapsal, Michael Ackerman, David Burnett, Lise Sarfati, Sophie Ristelhueber, Dominique Issermann, Jean Gaumy, Daniel Angeli, Paul Graham, Claudine Doury, Jean-Christophe Béchet, David Goldblatt, Anders Petersen, Philippe Chancel, Meyer, Olivier Culmann, Gilles Coulon, Gilles Leimdorfer,…
2007 : 38e édition (3 juillet -16 septembre)
Les 60 ans de Magnum Photos, Pannonica de Koenigswarter, Le Studio Zuber, Collections d’Albums Indiens de la Collection Alkazi, Alberto Garcia-Alix, Raghu Rai, Dayanita Singh, Nony Singh, Sunil Gupta, Anay Mann, Pablo Bartholomew, Bharat Sikka, Jeetin Sharma, Siya Singh, Huang Rui, Gao Brothers, RongRong & inri, Liu Bolin, JR…
2008 : 39e édition (8 juillet -14 septembre)
Richard Avedon, Grégoire Alexandre, Joël Bartoloméo, Achinto Bhadra, Jean-Christian Bourcart, Samuel Fosso, Charles Fréger, Pierre Gonnord, Françoise Huguier, Grégoire Korganow, Peter Lindbergh, Guido Mocafico, Henri Roger, Paolo Roversi, Joachim Schmid, Georges Tony Stoll, Patrick Swirc, Tim Walker, Vanessa Winship, Marikel LAHANA, Sung-Hee Lee, Christophe Mattern…
2009 : 40e édition (7 juillet -13 septembre)
Robert Delpire, Willy Ronis, Jean-Claude Lemagny, Lucien Clergue, Elger Esser, Roni Horn, Duane Michals, Nan Goldin (invitée d’honneur), Brian Griffin, Naoya Hatakeyama, JH Engström, David Armstrong, Eugene Richards, Martin Parr, Paolo Nozolino…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Foo Fighters The Pretender est le premier single du groupe extrait de l’album « Echoes, Silence, Patience & Grace » du groupe américain Foo Fighters sorti en 2007. C’est l’une des chansons les plus réussies de Foo Fighters, elle est classée 37ème au Billboard américain.
En tant que photographe de concert, j’ai déjà eu la chance de shooter les Foo Fighters et de voir la folie qu’occasionne ce titre lorsque le groupe le joue sur scène. Revenons ici sur le making-of de ce titre phare des Foo, son histoire, l’enregistrement, ses paroles.
Foo Fighters The Pretender
Le clip vidéo : Foo Fighters The Pretender
Le clip de Foo fighters the pretender a été réalisé par Sam Brown. Foo Fighters the Pretender est présenté au format 16/9. Il utilise fortement le panoramique, et les zooms. Il s’agit du groupe interprétant une chanson dans un hangar à avion avec de nombreuses lumières au plafond. Derrière le groupe se trouve un grand écran rouge . Les membres du groupe des Foo fighters font face à ce qui semble être un CRS qui avance jusqu’à une ligne noire.
Au fur et à mesure que la chanson des Foo Fighters the Pretender se joue, de plus en plus de CRS avancent et se rassemblent sur la même ligne noire. Chaque policier possède un numéro sur sa poitrine, qui est en ordre de compte à rebours vers le moment de la chanson le plus intense qui approche. Lorsque le pont le plus silencieux commence, la vidéo ralentit et les officiers chargent l’équipe. Lorsque le groupe commence le refrain au plus fort de la chanson, l’écran explose soudainement et pulvérise du liquide rouge hors de lui, écrasant les policiers et aspergeant le groupe.
À la fin de la vidéo de Foo Fighters the Pretender, Dave Grohl tombe à genoux sur le sol. Les effets visuels de la vidéo ont été créés par Mechnology Visual Effects à Burbank, en Californie.
Foo Fighters The Pretender : le making of du clip
L’enregistrement du titre: Foo Fighters The Pretender
Dave Grohl a d’abord composé le titre « Silver Heart » lors de la pré-production d’Echoes, Silent, Patience et Grace, mais la chanson n’évoluait pas… Selon le producteur Gil Norton, « La chorale était là, mais il n’y a pas de paroles et de pont. La chanson était beaucoup plus lente. » lors d’une pause de 10 jours pendant l’enregistrement en avril 2007, Dave Grohl écouta le mixage de monitoring, et pensa que le disque avait besoin d’une chanson au rythme rapide. Il l’écrivit en une journée.
Dave Grohl a décrit la chanson Foo Fighters the Pretender comme une « chanson de Foo Fighters avec un peu de Chuck Berry« . La chanson est écrite dans la tonalité de La Mineur et montre la dynamique changeante que Grohl voulait utiliser pour cet album, en commençant par une introduction très simplifiée, avec une guitare et des voix douces ainsi qu’ une petite section de cordes.
Foo Fighters The Pretender
Rich Costey, ingénieur du mixage, a déclaré que faire tout ce travail dynamique, ainsi que l’équilibre des instruments, était un défi parce que Dave Grohl et le batteur Taylor Hawkins voulaient toujours se concentrer davantage sur leurs instruments. Les overdubs de guitare de Costey étaient également inquiétants – « Les guitares de » The Pretender « sont assez « pleines », donc ça devient assez dense pour mixer l’ensemble. L’enjeu de ce type de mix est de conserver la puissance de la chanson, tout en déterminant la place de tout. L’équilibre des guitares était une grande difficulté par rapport à la batterie et au chant. »
Dave Grohl a admis que la chanson de Sesame Street avait surement inconsciemment influencé son écriture de la chanson. Dans une interview avec XFM en 2007, Dave Grohl n’a pas expliqué la signification de The Pretender, mais a suggéré que ses racines se trouvaient dans la tourmente politique actuelle.
Grohl a également déclaré que Foo Fighters the Pretender n’était pas initialement prévu pour l’album et que cela s’est produit très rapidement: Cette chanson n’est arrivée que très tard. Jusqu’à ce titre, je ne savais pas si nous avions une bonne chanson d’ouverture… ou non. Donc après l’enregistrement, j’ai pensé: « Oh, c’est parfait, nous avons une chanson pour ouvrir un album » et c’est devenu la chanson préférée de tout le monde. … C’est une sorte de chanson avec laquelle j’ai hâte d’ouvrir les concerts. Nous avons composé cette chanson, je ne sais pas, en un jour…, alors que pour beaucoup d’autres chansons, nous avons travaillé pendant des semaines.
Foo Fighters The Pretender
Foo Fighters The Pretender : la mise en perspective historique
Après l’éclatement de la tristesse et de la colère du 11 septembre, le président Bush avait décidé d’envoyer l’armée américaine en Irak « à la recherche d’armes de destruction massive ». La colère envers le terrorisme a poussé les gens à soutenir la décision de ce président.
Bien sûr, certaines personnes étaient contre l’idée, mais le nationalisme était élevé à ce stade et les gens voulaient juste se venger sans penser aux conséquences auxquelles nous pourrions faire face à l’avenir. Des années ont passé, les combats n’ont jamais cessé et nous n’avons jamais trouvé «d’armes de destruction massive».
Cette ambiance historique sera le terreau de l’écriture du tube Foo Fighters The Pretender.
Foo Fighters The Pretender
Foo Fighters The Pretender : Les crédits de l’enregistrement
Dave Grohl : chanteur, guitare rythmique
Chris Shiflett : lead guitar
Nate Mendel : Basse
Taylor Hawkins : batterie et chant
Section Section de quatuor à cordes, arrangée par Audrey Riley
La tracklist de l’album Echoes, Silence, Patience & Grace des Foo Fighters :
01. The Pretender
02. Let It Die
03. Erase/Replace
04. Long Road to Ruin
05. Come Alive
06. Stranger Things Have Happened
07. Cheer Up, Boys (Your Make Up Is Running)
08. Summer’s End
09. Ballad of the Beaconsfield Miners
10. Statues
11. But, Honestly
12. Home
Foo Fighters The Pretender : Classements du titre
Cette chanson était numéro 47 sur la liste des 100 meilleures chansons de 2007 Rolling Stone. La chanson a été nominée pour un Grammy Award en 2008 pour la meilleure chanson rock et record de l’année. La même année, il remporte un Grammy Award dans la catégorie Meilleure performance Hard Rock. Cette chanson était également numéro 94 dans le top 100 des MTV Asia en 2007. Le clip a été nominé pour le meilleur clip rock aux Video Music Award 2008, mais a perdu face à Linkin Park.
Cet album était le quatrième album des Foo Fighters dans lequel la chanson était en tête de la liste des chansons américaines Hot Modern Rock. « The Pretender » était la chanson rock alternative de 2007. Ce titre a détenu le record dans l’histoire de Modern Rock Tracks, battant le record de 16 semaines de « Scar Tissue » des Red Hot Chili Peppers et Green Day’s Boulevard of Broken Dreams, avec 18 semaines numéro un. Il a également passé 6 semaines au numéro 1 sur la liste Hot Mainstream Rock Tracks.
Foo Fighters The Pretender
Paroles originales : Foo Fighters The Pretender
Keep you in the dark
You know they all pretend
Keep you in the dark
And so it all began
Send in your skeletons
Sing as their bones go marching in, again
The need you buried deep
The secrets that you keep are ever ready
Are you ready?
I’m finished making sense
Done pleading ignorance
That whole defense
Spinning infinity, boy
The wheel is spinning me
It’s never-ending, never-ending
Same old story
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
In time our soul untold
I’m just another soul for sale, oh well
The page is out of print
We are not permanent
We’re temporary, temporary
Same old story
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
I’m the voice inside your head
You refuse to hear
I’m the face that you have to face
Mirrored in your stare
I’m what’s left, I’m what’s right
I’m the enemy
I’m the hand that will take you down
Bring you to your knees
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Keep you in the dark
You know they all pretend
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)
What if I say I will never surrender?
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Foo Fighters the Pretender
Paroles en Francais : Foo Fighters The Pretender
{Celui qui prétend}
Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant
Tu restes dans le noir
Et c’est ainsi que tout à commencé
Envoie moi tes squelettes
Chante pendant que leurs os marchent à nouveau
Tes besoins enfuis au plus profond de toi
Les secrets que tu gardes sont toujours prêts
Es-tu prêt?
J’en ai assez d’être normal
De plaider l’innocence
Toute cette…défense
Tu fais tourner l’infinité
Cette roue qui me fait tourner
Ça ne s’arrête jamais, s’arrête jamais
Toujours la même histoire
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Avec le temps notre âme est indescriptible
Je ne suis qu’une autre âme à vendre…et alors?
Cette page est épuisée
Nous ne sommes pas éternels
Nous sommes éphémères, éphémères
Toujours la même histoire
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement un autre de tes
personnages?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Je suis la voix à l’intérieur de ta tête
Que tu refuses d’entendre
Je suis le visage auquel tu dois faire face
Réfléchis dans ton regard
Je suis ce qui reste, je suis ce qui est juste
Je suis l’ennemi
Je suis la main qui te détruira
Et te fera tomber à genoux
Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Foo Fighters The Pretender en live à Wembley
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mass Hysteria est un groupe de metalfrançais qui a gagné une immense popularité auprès des fans de metal partout dans le monde. Depuis leur formation en 1993, ils ont sorti plusieurs albums acclamés par la critique et ont joué dans des festivals de musique en France et à l’étranger.
Leur son unique, qui mélange des riffs de guitare lourds avec des paroles fortes et engagées, a attiré des fans de tous horizons. Mass hysteriaest connu pour sa capacité à faire passer des messages politiques et sociaux importants à travers leur musique, tout en offrant un spectacle incroyablement énergique.
Leur album le plus récent, « Maniac« , sorti en 2018, a été très bien accueilli par les fans et les critiques. Il présente un son plus mature et plus diversifié que les albums précédents du groupe, tout en restant fidèle à leur style unique.
Mass Hysteria est également connu pour ses performances live incroyables, avec des spectacles pleins d’énergie et de passion. Le groupe est très engagé envers leur public, offrant des shows mémorables qui laissent les fans épuisés mais heureux.
En somme, MassHysteria est un groupe de metal français qui a conquis la scène internationale grâce à son son unique, ses paroles fortes et engagées, et ses performances live incroyables. Ils continuent d’inspirer des fans à travers le monde avec leur musique, et leur avenir promet d’être tout aussi brillant que leur passé.
Présentation de Mass Hysteria, ses origines et ses influences…
Mass Hysteria est un groupe de metal français originaire de Paris, fondé en 1993. Le groupe se compose de six membres: Mouss Kelai (chant), Yann Heurtaux (guitare), Frédéric Duquesne (guitare), Raphaël Mercier (batterie), Julien Nicolas (claviers) et Vincent Mercier (basse).
Le groupe s’est formé à une époque où le metal français était en pleine effervescence, avec des groupes comme Gojira, Dagoba ou encore Eths. Leur premier album, « Le Bien-être et la Paix » sorti en 1997, a connu un grand succès auprès des fans de metal français, et a permis au groupe de se faire connaître sur la scène nationale.
Le style de Mass Hysteria est un mélange de metal, de punk et de hardcore, avec des paroles souvent engagées et politiques. Le groupe s’est notamment inspiré des mouvements punk et hardcore des années 80, ainsi que de groupes de metal tels que Metallica ou Sepultura.
Mass Hysteria a également été influencé par la culture hip-hop, et a collaboré avec plusieurs rappeurs français, tels que Passi ou Casey, pour fusionner leurs styles et créer des morceaux uniques.
Au fil des années, le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, tels que « Contraddiction » en 1999, « De Cercle en Cercle » en 2001, ou encore « Matière Noire » en 2015. Leur son unique et leur énergie sur scène leur ont permis de gagner de nombreux fans en France et à l’étranger.
En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est inspiré de nombreux mouvements musicaux pour créer un son unique, mélangeant metal, punk, hardcore et hip-hop. Leur engagement politique et social, ainsi que leur énergie sur scène, ont fait d’eux l’un des groupes de metal les plus populaires en France.
Discographie Mass Hysteria
Voici la discographie complète du groupe de metal français Mass Hysteria :
« Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » (2014)
Compilations :
« Mass Hysteria / F.F.F. » (2002)
EP :
« Plus Que Du Metal » (1995)
« Contraddiction » (version single) (1999)
« Mass Hysteria » (version single) (2005)
Mass Hysteria est un groupe qui a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « Le Bien-être et la Paix » qui leur a permis de se faire connaître, « Contraddiction » qui a remporté un grand succès commercial, et « L’Armée des Ombres » qui a été très bien accueilli par les fans et la presse spécialisée.
Le groupe a également sorti plusieurs albums live, dont « Live à L’Elysée Montmartre » en 2006 et « Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » en 2014, qui témoignent de leur énergie et de leur talent sur scène.
En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui a sorti une discographie riche et variée, avec des albums studio acclamés par la critique et des albums live témoignant de leur talent sur scène.
Mass Hysteria : l’album MANIAC
« Maniac » est le neuvième album studio du groupe de metal français Mass Hysteria, sorti en 2018. Cet album marque une nouvelle étape dans l’histoire du groupe, qui continue d’évoluer et de se renouveler tout en restant fidèle à son identité musicale.
L’album a été enregistré aux Studios Sainte-Marthe à Paris, sous la direction du producteur Fred Duquesne, qui avait déjà travaillé avec le groupe sur leur précédent album « Matière Noire ». Le processus d’enregistrement a été long et minutieux, car le groupe souhaitait peaufiner chaque détail pour obtenir le son qu’ils avaient en tête.
L’album comporte onze titres, qui témoignent de l’évolution musicale de Mass Hysteria. Le groupe a intégré de nouvelles influences, notamment des sonorités électroniques et des arrangements plus complexes, tout en conservant son identité musicale énergique et engagée. Les paroles abordent des thèmes tels que l’aliénation, la folie, la liberté et l’amour, avec une grande sensibilité et une réflexion profonde.
« Maniac » a été très bien accueilli par la critique et par les fans, qui ont salué l’évolution musicale du groupe tout en reconnaissant leur engagement et leur message politique et social. L’album a été suivi d’une tournée à travers la France et l’Europe, qui a permis au groupe de partager leur musique avec leur public fidèle et de conquérir de nouveaux fans.
Conclusion
En conclusion, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est forgé une place importante dans le paysage musical français grâce à sa musique énergique et engagée. Le groupe a su mélanger plusieurs styles musicaux pour créer un son unique, qui témoigne de son engagement politique et social.
Leur discographie riche et variée, ainsi que leur présence scénique impressionnante, ont permis à Mass Hysteria de s’imposer comme un groupe incontournable du metal français.
Le message porté par Mass Hysteria est fort et universel, puisqu’il aborde des thèmes tels que la société de consommation, la guerre, l’injustice sociale, ou encore la condition humaine. Le groupe utilise sa musique comme un moyen de faire passer des messages forts et de sensibiliser son public aux problèmes de société.
En somme, Mass Hysteria est un groupe important dans le paysage musical français, tant pour son message que pour sa musique énergique et engagée. Leur discographie et leur engagement politique et social en font un groupe qui compte, et qui est à suivre de près pour tous les amateurs de metal et de musique engagée.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le 26 janvier 2020, Slipknot a enregistré une session au légendaire studio Bida Radio 1 Maida Vale à Londres. La session a eu lieu dans les studios légendaires de la BBC Maida Vale à Londres, en Angleterre. Au milieu du SLIPKNOT Tour 2020 – SLIPKNOT Unmasked All Out Life est une pause intimiste dans la tournée des stades que fait actuellement le groupe.
SLIPKNOT All Out Life : un concert intimiste
Un très petit public de 120 fans a vu le groupe jouer un ensemble de six chansons, une bien petite jauge au milieu d’un slipknot tour 2020 qui squatte les stades. Six morceaux dont les titres Unsainted, Psychosocial, The Devil In I, Duality, Disasterpiece et Wait And Bleed.
L’émission a été filmée par des professionnels et sera diffusée sur BBC Four sous le nom de Slipknot Unmasked: All Out Life, le vendredi 13 mars 2020 à minuit. Pour info, BBC Four est la chaîne de télévision britannique BBC disponible via la télévision numérique terrestre, IPTV, satellite et câble.
SLIPKNOT Unmasked All Out Life – Slipknot tour 2020
Setlist de Slipknot Unmasked All Out Life (slipknot tour 2020 )
01. Unsainted
02. Psychosocial
03. The Devil In I
04. Duality
05. Disasterpiece
06. Wait And Bleed
SLIPKNOT Tour 2020 : le Knotfest Roadshow
Slipknot a annoncé le Knotfest Roadshow en 2020, produit par Live Nation pour son Slipknot tour 2020. Des invités spéciaux tels que A Day To Remember, Underoath et Code Orange rejoindront le groupe. L’année dernière, lors du Knotfest Roadshow, Slipknot a joué devant les plus grandes foules américaines de son histoire.
Cette année, le slipknot tour 2020 débutera le 30 mai à Syracuse (New York) et se terminera le 25 juin à The Woodlands (Texas), passant auparavant dans 15 autres villes. De plus, le Slipknot tour 2020 a visité 30 villes d’Amérique du Nord cet été.Actuellement, Slipknot continue le Slipknot tour 2020, une suite de concerts promotionnels de son dernier album We Are Not Your Kind, qui a été publié en août 2019 par Roadrunner Records.
Découvrez le documentaire Slipknot Unmasked: All Out Life (Documentary)
Slipknot « We Are Not Your Kind » : le nouvel album
Slipknot a sorti « We Are Not Your Kind », l’un des albums les plus attendus de 2019. Ce sixième album est la continuation d’un très bon cinquième, The Grey Chapter, un album dédié au défunt bassiste du groupe, était sorti cinq ans plus tôt. Le groupe de l’Iowa a officialisé leur retour d’All Out Life l’année dernière avant d’annoncer la sortie de leur album tant attendu. À cette fin, Slipknot a dévoilé le premier extrait « Unsainted », qui a déjà annoncé un album qui combine à la fois lourdeur et mélodies fortes.
C’est ce que l’on observe en écoutant We Are Not Your Kind: nous sommes d’accord avec son prédécesseur, avec une tendance très conceptuelle, notamment grâce aux nombreux intermèdes entre chaque chanson constituant l’album. Vous ne pouvez pas échapper au très psychédélique « Death from Death » avec ses tambours indiens, et même « What’s Next », avec cette boîte à musique en compagnie d’une guitare, donnant l’effet d’une limite étonnante et gênante, mais réussie.
Slipknot Tour: vidéo Live BBC Londres
La recette de Slipknot est très présente, alliant riffs forts, chœurs groove et stade, en compagnie de Corey Taylor, qui chante alternativement rock et voix claire, car il sait le faire.
Dans les chansons les plus efficaces on remarque « Nero Forte », « Solway Firth » ou même le dernier single « Birth of the Cruel » avec des grattages très actuels et typiques du groupe. Certains titres de l’album évoquent les débuts de Slipknot, comme le très réussi « Red Flag » ou « Critical Darling », avec ce pont d’efficacité totale qui relie les fans de la première heure au combo américaine.
Néanmoins, nous trouverons plus de chansons de planification, comme « A Liar’s Funeral » à un tempo moyen ou même « Spiders » avec ce piano aux sonorités très miteuses, un solo de guitare exceptionnel et une basse très sèche. De même, dans le cas de « My Pain », qui est également très psychédélique, avec une introduction très élevée, composée uniquement de sons électroniques, rendant la chanson sombre et mystérieuse.
Nous gardons avec We Are Not Your Kind qu’il s’agit d’un album très sombre et expérimental, à travers divers arrangements tout au long de l’album, soutenu par une production complète et exemplaire. En effet, Slipknot a beaucoup travaillé pour rendre cet album aussi réussi que possible et le résultat ne mérite pas le moins du monde.
Cependant, ce sixième album nécessite quelques séances d’écoute pour apprécier tous ses efforts. Il y a là de vraies pépites, le groupe ne s’est pas contenté de reproduire ce qu’il sait faire dès la première tentative, qui a fêté cette année ses 20 bougies. Vous devez être capable de creuser pour réaliser que « We Are Not Your Kind » est un pari réussi pour Slipknot et que les Américains signent un retour triomphal.
Tracklist:
01. Insert Coin 1:39
02. Unsainted 4:21
03. Birth Of The Cruel 4:36
04. Death Because Of Death 1:21
05. Nero Forte 5:15
06. Critical Darling 6:26
07. A Liar’s Funeral 5:27
08. Red Flag 4:12
09. What’s Next 0:54
10. Spiders 4:04
11. Orphan 6:02
12. My Pain 6:48
13. Not Long For This World 6:36
14. Solway Firth 5:56
Sortie le 9 août chez Roadrunner Records
Enregistré novembre 2018 – avril 2019 EasrWest Studios, à Hollywood, Californie Durée 63:29
Producteur Greg Fidelman, Slipknot
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La pandémie de coronavirus met à mal l’industrie du Métal en annulant les festivals en en reportant les tournées. Mais les groupes réagissent en mettant en ligne leurs incroyables représentations comme Metallica, Gojira, Slipknot, ou encore Iron Maiden. Amis du concert métal… vous avez de quoi faire.
Pas de Concert métal avant 2021 ?
Dans un article du New York Times Magazine, cinq experts en santé publique ont été interrogés au sujet de la réouverture des entreprises; triste et inquiétante annonce pour les festivals de concerts métal.
En effet, Zeke Emanuel, Directeur du Healthcare, un des cinq experts interrogés sur divers aspects de la remise en marche de la vie américaine quotidienne, a insisté sur le fait qu’un retour à des fonctions normales devrait se faire « par étapes et qu’il doit commencer par une distanciation physique plus importante sur le lieu de travail qui permette aux personnes à moindre risque de revenir » et que les plus grands rassemblements tels que les festivals, « seront les derniers à revenir ». Il a anticipé au-delà d’un an « En réalité, nous parlons de l’automne 2021 au plus tôt. »
Un but : la diminution du nombre de personnes infectées
La réouverture des espaces publics et de travail signifie inévitablement qu’il y aura toujours une transmission de virus entre les personnes, c’est -à-dire un flux et un reflux de l’augmentation et de la diminution du nombre de personnes infectées.
« A Hong Kong, à Singapour et dans d’autres endroits, nous voyons des résurgences quand ils s’ouvrent et permettent plus d’activité.
Ce sera ce roller coaster, de haut en bas », a t-il estimé. Il a ajouté: « La question est quand cela augmente. Pouvons-nous faire de meilleurs tests et retrouver les contacts afin de pouvoir nous concentrer sur des personnes particulières et les isoler sans avoir à réimposer un confinement comme nous l’avons fait auparavant? »
Compte tenu de l’absence de tournées, d’innombrables artistes poursuivent leur travail. Ils continuent de diffuser des concerts métal, et se réunissent partout pour offrir des performances live à tous leurs fans.
Par exemple, Dave Grohl et Billie Joe Armstrong ont organisé des concerts dans leur salon, où ils jouent leurs grands classiques que tout le monde aime.
Qu’il s’agisse d’un festival en ligne dans un jeu ou d’un live sur Facebook, il y en a pour tous les fans de rock et de métal. Certaines organisations et labels accueillent même chaque semaine un artiste différent.
Voyez quelques exemples ci-dessous. Profitez-en et restez en sécurité !
Les lundis de Metallica
Chaque lundi soir, Metallica diffuse une performance de concert métal enregistrée précédemment sur sa chaîne Facebook et YouTube. Restez à jour avec chaque performance en suivant leurs comptes de médias sociaux.
Diffusions en direct hebdomadaires de Knotfest
Le site Web de Knotfest diffusera une performance en direct de vos concerts métal préférés tous les vendredis. Jusqu’à présent, ils ont diffusé des sets de Lamb of God et Megadeth, qui comportaient tous les deux des discussions en direct avec des membres des groupes.
Napalm Records « Napalm Sofa Series ». Napalm Records accueillera plusieurs groupes sur leur «Napalm Sofa Series», qui se déroulera sous forme de diffusion en direct sur leur page Facebook . Assurez-vous de rester à l’écoute pour les mises à jour, car ils annoncent des performances différentes régulièrement.
Bref, face aux conséquences colossales du COVID-19, toute l’industrie de la musique tente de trouver des solutions pour répondre aux besoins du public et le faire patienter… un peu.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bien que l’origine du terme métal soit largement attribuée au romancier William Burroughs , son utilisation remonte en fait au 19e siècle, lorsqu’il faisait référence au canon ou au pouvoir en général.
Il a également été utilisé pour classer certains éléments ou composés , comme dans l’expression empoisonnement aux métaux lourds . Ce style musical est apparu dans les paroles de Steppenwolf « Born to be Wild »(1968), et au début des années 1970, les critiques de rock l’utilisaient pour faire référence à un style de musique spécifique.
Les groupes britanniques du milieu des années 1960 tels que Cream , les Yardbirds et le Jeff Beck Group, avec Jimi Hendrix , sont généralement crédités pour avoir développé des sons de batterie, de basse et de guitare plus lourds qui différencient ce style musical des autres rock blues.
Le nouveau son a été codifié dans les années 1970 parLed Zeppelin , Deep Purple et Black Sabbath avec la sortie de Led Zeppelin II, Deep Purple in Rock et Paranoid, respectivement, qui comportait des riffs lourds, des «power chord», des paroles mystiques, des solos de guitare et de batterie et des styles vocaux qui allaient des pleurs de Robert Plant de Led Zeppelin aux gémissements d’ Ozzy Osbourne de Black Sabbath .
En développant des spectacles sur scène de plus en plus élaborés et en faisant des tournées incessantes tout au long des années 1970 pour compenser leur manque de diffusion radio, des groupes tels que Kiss, AC / DC , Aerosmith , Judas Priest et Alice Cooper ont établi une base de fans internationale.
La popularité de ce style musical a chuté pendant les années disco à la fin des années 1970, mais il a connu plus de succès que jamais dans les années 1980 alors que Def Leppard , Iron Maiden et Saxon ont dirigé la «nouvelle vague de heavy métal britannique» qui, avec l’impact de la virtuosité étonnante de la guitare d’Eddie Van Halen , a ravivé le genre.
Une vague de Métal «glam», avec des groupes spécifiques comme Mötley Crüe et Ratt, émanaient de Los Angeles à partir de 1983 environ; Poison, Guns N ‘Roses et des centaines d’autres groupes ont ensuite déménagé à Los Angeles dans l’espoir d’obtenir des contrats d’enregistrement.
Mais le heavy métal était devenu un phénomène mondial avec le succès des Scorpions et d’autres groupes du Japon à la Scandinavie.
L’influence musicale la plus importante de la décennie a été l’ adaptation des progressions d’accords, de la figuration et des idéaux de virtuosité des modèles baroques, en particulier Bach et Vivaldi.
Comme Van Halen, des guitaristes tels que Ritchie Blackmore (de Deep Purple), Randy Rhoads (avec Osbourne) et Yngwie Malmsteen ont démontré de nouveaux niveaux et styles de technique de guitare rock, faisant exploser les stéréotypes populaires de ce style musical comme monolithiques et musicalement simples.
Le métal s’est fragmenté en sous-genres dans les années 1980.
Une scène underground plus petite, aux styles plus durs, s’est développée en opposition au métal plus orienté pop de Bon Jovi, Whitesnake et des groupes glam.
Metallica , Megadeth, Anthrax et Slayer ont été les pionniers du thrash métal, qui se distingue par ses tempos rapides, ses timbres de voix et de guitare durs, son agressivité et ses paroles critiques ou sarcastiques.
Les styles de heavy metal plus largement populaires ont pratiquement repris le courant dominant de la musique populaire à la fin des années 1980, mais la cohérence du genre s’est effondrée au tournant de la décennie; des groupes tels que Guns N ‘Roses et Nirvana ont attiré les fans dans des directions différentes, et de nombreux fans ont également abandonné la musique rap .
Au cours des années 1990, de nombreuses stars des décennies précédentes, telles que Van Halen, Metallica et Osbourne, ont connu un succès continu aux côtés de nouveaux groupes tels que Soundgarden, mais le nom de heavy métal était moins souvent utilisé pour commercialiser ces groupes ou pour définir leur communauté de fans .
Les musiciens et les fans de heavy métal ont été sévèrement critiqués dans les années 80. Des groupes politiques et universitaires ont surgi pour blâmer le genre et ses fans pour avoir causé tout, du crime et de la violence au découragement et au suicide.
Mais les défenseurs de la musique ont souligné qu’il n’y avait aucune preuve que l’exploration par le heavy métal de la folie et de l’horreur ait causé, plutôt qu’articulé , ces maux sociaux.
Les paroles et les images du genre ont longtemps abordé un large éventail de sujets, et sa musique a toujours été plus variée et virtuose que les critiques aiment l’admettre.
J’ai rencontré Reuno, le chanteur de Lofofora, il y a quelques années lors d’un de ses projets solos. Lorsque le groupe me contacta quelques temps après pour m’occuper du visuel de l’album, je dois dire que je fus….heureux car grand fan du groupe.
Certains groupes ont des idées très précises, d’autres pas. Pour cet album de Lofofora, Reuno avait une chose en tête, l’album allait s’appeler « Monstre ordinaire« . Il souhaitait quelque chose qui puisse se rapporter, représenter cette monstruosité sans passer par des raccourcis trop simples, du style un patron en costard,…
Le travail fut d’essayer de parler d’une monstruosité qui puisse être dans chacun d’entre nous. Non pas juger telle ou telle personne ou caste, mais parler de la monstruosité humaine. Cette série n’est donc pas explicite, on ne sait pas si l’homme, dont on ne voit pas le visage, enterre ou déterre quelque chose. S’il s’effondre à la vue de ce qu’il découvre ou s’il s’effondre à la vue de ce qu’il déterre. Cette monstruosité est latente…
Lofofora est un groupe de musique français formé à Paris en 1989. Le groupe est souvent associé au mouvement punk, bien qu’il incorpore également des éléments de metal, de rock alternatif et de musique world. Les membres fondateurs du groupe sont Reuno (chant), Phil Curty (guitare), Daniel Descieux (basse) et Édouard Caro (batterie).
Le groupe s’est fait connaître dans les années 1990 en France grâce à ses textes engagés et son énergie sur scène. Les paroles de Lofofora abordent des thèmes tels que la politique, la société, la violence, l’injustice et la condition humaine. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « L’épreuve du contraire » (1999), « Mémoires de singes » (2007) et « Simple Appareil » (2018).
Lofofora est également connu pour ses prestations live puissantes et énergiques. Le groupe a tourné en France et à l’étranger, se produisant dans des festivals et des salles de concert de renom. Au fil des ans, Lofofora a influencé de nombreux autres groupes de musique en France et a contribué à l’émergence d’une scène punk et metal française dynamique et engagée.
Importance de Lofofora dans le paysage musical français
Lofofora est considéré comme l’un des groupes les plus importants et influents de la scène alternative française. Depuis sa formation en 1989, le groupe a marqué le paysage musical français par son engagement, son style musical unique et ses prestations live intenses.
Lofofora a contribué à l’émergence d’une scène punk et metal française dynamique et engagée, en inspirant de nombreux autres groupes à travers le pays. Le groupe est reconnu pour sa capacité à rassembler les foules et à transmettre un message fort à travers ses paroles et sa musique.
Au-delà de son influence musicale, Lofofora a également eu un impact important sur la culture française en général. Les textes du groupe abordent des questions sociales et politiques importantes, telles que l’injustice, la violence et la marginalisation, ce qui a permis d’ouvrir le débat et de sensibiliser un public plus large à ces problématiques.
En somme, Lofofora est un groupe emblématique de la scène alternative française et un symbole de la rébellion et de l’engagement contre l’injustice.
L’album Lofofora Monstre ordinaire
Montre ordinaire s’ouvre en territoire connu : Reuno n’a rien perdu de son agressivité, un flux reconnaissable entre mille. Il crache, hurle, appelle, comme il le fait depuis plus de 20 ans. Comme il le dit sur Utopiste, il n’a pas dit son «dernier mot» et nous pouvons «le tuer, et pire encore, mais ne jamais le faire taire».
Les textes reviennent sur des sujets phare du groupe, la brutalisation de masse à coup de « conneries en barre ». Les conquérants rappellent la conquête du Nouveau Monde vue par les indigènes et ce n’est pas très beau, un mec sans histoire ressemble étrangement a macho blues, tant de perspicacité amère sur la société.
Monstre ordinaire
Monstre ordinaire est inspiré, les riffs de Daniel sont dévastateurs (Utopiste, Un Mec Sans Histoire) même si on remarque généralement une approche moins groovy que dans le passé, plus lourde et pesante (Frustrasong est un bon exemple). En fin de compte, c’est son côté sombre qui plaît le plus.
Le groupe n’a jamais sorti quelque chose d’aussi noire. Cette obscurité, dont la révélation prend du temps, se produit partout, à commencer par les textes de Reuno qui, s’ils sont plus sombres que d’habitude, restent de grande qualité.
Signe qu’après tant d’années le gars a encore quelque chose à dire … La façon dont il chante est également en train de changer: moins saccadée, plus profonde, plus sombre … La dernière chanson a atteint le sommet de l’obscurité de l’album, La Beauté et la Bête qui affiche 7 minutes au compteur et donne un rendu final très éloigné de ce que le groupe propose d’habitude.
Monstre ordinaire
Lofofora Monstre ordinaire : Un album personnel
Cependant, cet album, plus sombre selon Reuno, est aussi très personnel. Mais il conserve sa portée universelle .
« Ma folie » est une véritable introspection de la folie du chanteur, à la limite de la schizophrénie, un thème que l’on retrouve sur Frustrasong, qui peut facilement illustrer le parallèle entre le héros et le monstre. D’autres titres d’album sont paradoxalement beaucoup plus profonds et il faudrait sans doute écouter de longues heures pour détecter tout ce que le groupe voulait exprimer.
Lofofora Monstre ordinaire : Un album lourd et sombre
Musicalement, l’entrée Utopist annonce le contenu de l’album: un très bon son, parfaitement mixé lorsque la guitare, la basse, la batterie et la voix divisent la scène et infligent de gros coups sur l’auditeur tout en conservant la touche mélodique.
Seules les premières secondes du « visiteur » donnent un moment de répit avant que des guitares très sales reviennent pour annoncer le retour de l’ivresse afin de jouer ce merveilleux chant d’obscurité et de violence.
La voix de Reuno est centrale elle charme, frappe, mène, déclare, augmente l’avalanche provoquée par d’autres instruments. Avec le monstre ordinaire, Lofofora est en grande forme et prouve que le groupe est toujours là.
Monstre ordinaire – credit Eric CANTO
Les titres de Lofofora Monstre ordinaire
01. Utopiste
02. Les évadés
03. Élixir
04. Les conquérants
05. La merde en tube
06. Le visiteur
07. Ma folie
08. Un mec sans histoire
09. Cannibales
10. Frustrasong
11. La beauté et la bête
Sortie 24 octobre 2011
Enregistré juillet 2011 Durée 50:44
Genre Punk hardcore, stoner rock
Label At(h)ome
Les débuts de Lofofora
Lofofora est un groupe de métal français qui voit le jour en 1989, il est composée de Reuno (chant), Phil Curty (basse), Daniel Descieux (guitare) et Vincent Hernault (batterie). Le nom du groupe fait référence au peyote dont le nom scientifique est Lophophora williamsii.
Lofofora est considéré comme l’un des pionniers du rock fusion métal (guitares saturées, raps, punk) en France. Peu de temps après, Phil Curty (basse) et Erik « Ragout » Rossignol (batteur) ont rencontré The Hammers quand une impulsion pour un nouveau style de musique est apparue. Nous pouvons citer lors de cette période l’apparition de groupes comme Mass Hysteria, No one is innocent, Silmarils, etc…
Les premiers concerts du quatuor ont eu lieu dans les années 1990-1991. Lofofora signe, en juin 1994, après quelques mois de négociations avec Polygram, ce qui permet de financer l’album enregistré et mixé par Daniel Weber (Trepal Pal, Young Gods) en octobre, chez Forces motrices à Genève.
La tournée du première album se déroule sur 115 dates dont 10 concerts au Canada . A la fin de cette tournée le groupe se penche sur l’exercice difficile du second album. Peuh ! sera composé entre janvier et mai 1996. L’album Peuh ! sera enregistré au studio Hautregard par André Gielen.
« Dur comme fer » sort en mars 1999. C’est le le troisième album du groupe. Cet album est sans doute le plus sombre et le plus abouti du groupe avec ses tempos lourds et inquiétants. Plusieurs albums suivront, de nombreuses tournées et un groupe toujours en activité et toujours aussi énervé.
Lofofora sur scène…
Un concert de Lofofora est un moment intense et énergique, où la musique et les paroles engagées du groupe prennent tout leur sens. Voici quelques caractéristiques qui sont souvent associées à un concert de Lofofora :
Une forte présence scénique : Reuno, le chanteur, est un showman charismatique et généreux, qui n’hésite pas à descendre dans la fosse pour chanter avec le public. Les autres membres du groupe sont également très dynamiques et communiquent leur énergie à la foule.
Un son puissant et efficace : Lofofora est connu pour son style musical énergique et percutant, avec des riffs de guitare puissants, une section rythmique solide et des mélodies accrocheuses. Le son est généralement assez fort et enveloppant, pour que le public puisse se laisser emporter par la musique.
Des textes engagés et poétiques : Les paroles des chansons de Lofofora abordent des sujets sociaux et politiques, comme la lutte contre les inégalités, la défense de l’environnement, la critique du système capitaliste, etc. Les textes sont souvent poétiques et imagés, et le groupe n’hésite pas à jouer sur les mots et les sonorités.
Une communion avec le public : Un concert de Lofofora est souvent l’occasion d’une véritable communion entre le groupe et le public, qui partagent ensemble une même énergie et une même envie de se libérer. Le public chante les paroles avec Reuno, saute en rythme, applaudit à tout rompre, et parfois même s’embrasse ou se prend dans les bras.
Une ambiance conviviale et festive : Malgré la dimension engagée et militante de leur musique, les membres de Lofofora sont également très proches de leur public et cherchent à créer une ambiance conviviale et festive. Ils n’hésitent pas à faire des blagues, à raconter des anecdotes, à offrir des bières au public, etc.
Discographie de Lofofora
Voici la discographie complète de Lofofora :
Albums studio :
« Lofofora » (1995)
« Dur Comme Fer » (1996)
« Peuh! » (1997)
« Double » (1998)
« Monstre ordinaire » (1999)
« Le Fond et la Forme » (2001)
« Mémoire de Singes » (2007)
« Les Choses Qui Nous Dérangent » (2011)
« L’épreuve du contraire » (2014)
« Simple Appareil » (2018)
Albums live :
« Lofofora & the Ed Warner’s Cage Experience » (1999)
« Live! » (2003)
« LIVE[S] (XIV) – 2013 » (2013)
Compilations :
« Lofofora Volume 1 » (1999)
« Lofofora Volume 2 » (1999)
Lofofora a également sorti plusieurs singles, EPs et participé à de nombreuses compilations tout au long de sa carrière.
La discographie de Lofofora témoigne de l’évolution du groupe à travers les années, depuis ses débuts punk rock jusqu’à son style plus complexe et varié mélangeant punk, metal, rock alternatif et musiques du monde. Le groupe a su maintenir une forte cohérence artistique tout en se renouvelant constamment, ce qui a permis de fidéliser son public et d’inspirer de nombreux autres artistes en France et ailleurs.
Membres actuels de Lofofora
Reuno Wangermez : chant
Phil Curty : guitare
Daniel Descieux : basse
Vincent Hernault : batterie
Reuno est le fondateur du groupe, présent depuis sa création en 1989. Les autres membres ont rejoint le groupe à des moments différents, mais ils font tous partie intégrante de l’histoire et de l’évolution de Lofofora.
Au fil des années, le groupe a connu quelques changements de line-up, avec des départs et des arrivées de musiciens. Néanmoins, la formation actuelle est stable depuis plusieurs années et continue d’enregistrer des albums, de donner des concerts et de défendre avec passion les couleurs de Lofofora sur scène.
Les membres de Lofofora sont également impliqués dans d’autres projets musicaux, ce qui leur permet d’explorer de nouvelles sonorités et de nourrir leur inspiration. Mais c’est ensemble, en tant que Lofofora, qu’ils continuent de porter haut les valeurs et l’engagement de la scène alternative française.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Vous êtes considéré comme un pionnier de la scène métal française. Qu’est-ce que tu en penses ?
Reuno Lofofora : Vous savez, nous n’avons jamais demandé de médaille. Au moment où nous avons commencé, nous avons été présentés comme les successeurs de Bérurier Noir ou Trust. En parallèle, Loudblast revient, et le dernier album est très bon. Nous n’avons jamais eu de complexe par rapport au français, et notre côté punk des débuts a donné naissance à un son plus hardcore, voire métal. Nous avons toujours eu un très bon accueil sur la scène métal, et ces dernières années nous ont été plus que favorables.
Vous avez encore recruté un nouveau batteur en 2009 …
Reuno Lofofora: Nous les utilisons! En fait, cela est dû à un manque de motivation de leur part. Il est toujours regrettable que de telles choses se produisent, mais je vois surtout le côté positif de Lofofora.
Vincent est le batteur parfait. Nous avons adoré au début. Il a su apporter quelque chose de plus à la composition et a un véritable esprit de groupe. Vous savez, nous ne sommes pas là pour sentir le cul: le respect est fondamental dans ce groupe, et Vincent s’est bien intégré. C’est un excellent batteur avec un très bon jeu. Pas d’espace à remplir, ce n’est pas son affaire.
Comment avez-vous perçu cette scène au cours de la dernière décennie ?
Reuno Lofofora: Les années Nu-Métal ont mis en colère de nombreux groupes, tout comme nous. Tout le monde voulait devenir riche et célèbre, et finalement les trois quarts des groupes ont disparu de la circulation. Heureusement, il y a ceux qui gardent la route, par exemple Noï-d. La communauté métal s’est ouverte et la musique fusion a beaucoup évolué. Les groupes sont moins honnêtes et nous pensons que les gens aiment regarder de nouveaux groupes en live.
Ce nouvel album est plus exigeant, plus métal. Est-ce aussi votre point de vue ?
Reuno Lofofora: Absolument. Je dirais même que c’est moche. Certains l’apprécieront, d’autres pas, mais on s’en fiche, car on fait ce qu’on veut! Il a fallu un an pour sortir l’album. Doudou (ndlr: guitare) a eu une période plutôt sombre, il était en Angleterre à l’époque. Il a apporté beaucoup de riffs. Il a toujours cette petite chose au niveau du groove, et ses rythmes sont accrocheurs.
L’album est assez brut, avec beaucoup d’harmonie à la basse. Nous avons joué 3 nouvelles chansons en direct, « Utopiste », « Les Évadés », « La Merde en Tube » et c’était vraiment terrible.
Comment voyez-vous Lofofora dans 10 ans?
Reuno Lofofora: Avec des varices et des rhumatismes, mon ami ! Je suis toujours étonné que Lofo soit toujours là, 20 ans plus tard. Les groupes sont actuellement assez volatils. Pour être honnête, j’ai peur de l’incrustation et j’espère que nous aurons toujours le désir et l’énergie de plaire à tout le monde. Le secret de notre longévité est simple: nous n’avons jamais signé de contrat avec major et nous ne serons jamais un phénomène de mode.
Comment est-ce d’entendre des groupes dire que Lofo est l’un des groupes qui les a le plus influencés ?
Reuno Lofofora: C’est un plaisir. Quand j’ai eu mon premier album rock, cela m’a propulsé dans une vie de liberté. Si vous pouvez lui donner un avant-goût, c’est très bien. Lorsque vous démarrez un groupe, il voyage sur les routes, car vous voulez partager des choses avec les gens d’une manière relativement altruiste. Ensuite, il y a deux catégories de personnes qui montent sur scène. Il y a ceux qui veulent briller, être pompés par des groupes. Il y a aussi ceux qui veulent partager de bons moments sur scène avec les téléspectateurs. Et il y a aussi l’occasion de rencontrer des gens tous les jours, ce qui enrichit nos vies.
Bring Me The Horizon : L’évolution d’un groupe qui a redéfini les frontières du rock et du metal
Introduction
Bring Me the Horizon (BMTH), un nom qui résonne avec force dans l’univers de la musique alternative, est bien plus qu’un simple groupe de rock. Depuis leurs débuts dans le deathcore jusqu’à leur transformation en pionniers du rock moderne, BMTH a constamment repoussé les limites des genres musicaux.
Cet article explore l’histoire fascinante du groupe, leur évolution musicale, et leur impact sur la scène internationale. Si vous êtes fan de rock, de metal ou simplement curieux de découvrir comment ce groupe a su conquérir le monde, ce guide complet est fait pour vous.
1. L’histoire de Bring Me the Horizon : Des débuts à Sheffield au succès mondial
Bring Me the Horizon a commencé dans les sous-sols de Sheffield, au Royaume-Uni, avant de devenir l’un des groupes les plus influents de la scène rock moderne. Cette section retrace les origines du groupe, leur formation, et les premières étapes de leur carrière.
1.1 Les origines : La naissance de BMTH dans la scène underground
Bring Me the Horizon s’est formé en 2004 à Sheffield, une ville connue pour sa scène musicale vibrante. Le groupe était initialement composé d’Oli Sykes, Lee Malia, Matt Kean, Matt Nicholls, et Curtis Ward. Inspirés par le deathcore et le hardcore, ils ont rapidement attiré l’attention avec un son brut et agressif, qui contrastait fortement avec les tendances pop de l’époque. Leur premier EP, *This Is What the Edge of Your Seat Was Made For*, a rapidement fait des vagues dans la scène underground britannique.
**Les débuts de BMTH** ont été marqués par une énergie brute et une agressivité qui se reflétaient dans leur musique et leurs performances scéniques. Ils se sont rapidement forgé une réputation pour leurs concerts intenses et chaotiques, où l’énergie du groupe se répercutait sur le public. Cette sous-partie analysera comment leur son initial a été façonné par leurs influences musicales et par l’environnement de la scène underground britannique.
1.2 La percée avec « Count Your Blessings » : Un album qui divise
En 2006, BMTH sort son premier album studio, *Count Your Blessings*, qui polarise immédiatement la critique. Cet album, profondément ancré dans le deathcore, est un cocktail de violence sonore et de technicité. Cependant, il a également suscité des réactions mitigées, certains fans adorant sa brutalité, tandis que d’autres le critiquaient pour son manque de mélodie et de structure. Cette sous-partie explorera en profondeur les éléments de cet album qui ont à la fois construit et détruit des ponts avec le public.
**L’impact de « Count Your Blessings »** ne se limite pas seulement à sa réception critique. L’album a également joué un rôle crucial dans l’établissement de BMTH sur la scène internationale, leur permettant de tourner à travers l’Europe et l’Amérique du Nord. Nous discuterons des thèmes abordés dans les paroles, de l’évolution du son du groupe, et de l’impact de cet album sur la suite de leur carrière.
1.3 L’évolution musicale avec « Suicide Season » : La réinvention d’un genre
Avec *Suicide Season* en 2008, BMTH amorce un virage stylistique majeur, s’éloignant du deathcore pur pour intégrer des éléments de metalcore et d’électronique. Cet album est considéré comme un tournant dans leur carrière, marquant le début de leur évolution musicale qui les mènera à explorer de nouveaux territoires sonores. Cette sous-partie analysera les changements musicaux et lyriques qui ont caractérisé cet album, et comment BMTH a commencé à se distinguer de leurs pairs.
**L’impact de « Suicide Season »** sur la scène musicale a été significatif, influençant de nombreux autres groupes à expérimenter avec de nouveaux sons.
Cet album a non seulement changé la perception du public envers BMTH, mais il a également montré que le groupe n’avait pas peur de prendre des risques. Nous examinerons également comment cet album a aidé BMTH à élargir leur base de fans, attirant des auditeurs qui n’étaient peut-être pas familiers avec leur son plus brutal des débuts.
2. L’évolution musicale de Bring Me the Horizon : Du deathcore au rock alternatif
BMTH est un groupe qui a constamment évolué, explorant de nouveaux genres et repoussant les limites de leur son. Cette section se concentre sur l’évolution musicale du groupe, de leurs débuts dans le deathcore à leur transformation en pionniers du rock moderne.
2.1 « There Is a Hell Believe Me I’ve Seen It » : L’expérimentation et l’innovation
En 2010, BMTH sort *There Is a Hell Believe Me I’ve Seen It. There Is a Heaven Let’s Keep It a Secret.*, un album qui pousse encore plus loin l’expérimentation sonore. Cet album intègre des éléments de musique électronique, d’orchestration, et de chœurs, tout en conservant l’agressivité caractéristique du groupe.
Cette sous-partie explorera comment cet album a ouvert de nouvelles voies pour BMTH, leur permettant de se distinguer encore plus de leurs contemporains.
**Les influences musicales variées** qui se manifestent dans cet album montrent la volonté de BMTH d’évoluer et de ne pas se limiter à un seul genre. Nous analyserons comment l’incorporation de ces éléments a non seulement enrichi leur son, mais a également élargi leur audience.
Cet album a également abordé des thèmes plus complexes et personnels, reflétant la croissance des membres du groupe en tant qu’artistes et individus.
2.2 « Sempiternal » : Le chef-d’œuvre qui redéfinit le groupe
*Sempiternal*, sorti en 2013, est souvent considéré comme le chef-d’œuvre de BMTH. Cet album marque un changement radical, intégrant des mélodies accrocheuses, des synthétiseurs, et des éléments de rock alternatif.
Il a non seulement reçu des critiques élogieuses, mais il a également permis à BMTH de franchir une nouvelle étape dans leur carrière, atteignant un public encore plus large. Cette sous-partie analysera les innovations musicales de *Sempiternal* et comment cet album a redéfini l’identité du groupe.
**L’impact de « Sempiternal »** a été monumental, tant sur le plan commercial que critique. Cet album a non seulement consolidé la réputation de BMTH en tant que leaders de la scène rock alternative, mais il a également influencé de nombreux autres artistes à expérimenter avec de nouveaux sons. Nous discuterons également des thèmes lyriques abordés dans cet album, qui traitent de sujets tels que la dépression, la spiritualité, et la résilience.
2.3 « That’s the Spirit » : La transition vers un son plus accessible
En 2015, BMTH sort *That’s the Spirit*, un album qui représente une transition vers un son plus accessible et commercial. Cet album intègre des éléments de pop, d’électro, et de rock alternatif, marquant un éloignement significatif de leurs racines metal. Cette sous-partie analysera les raisons derrière ce changement de direction, les critiques qu’il a suscitées, et comment BMTH a réussi à maintenir leur intégrité artistique tout en atteignant un plus large public.
**La réception de « That’s the Spirit »** a été variée, certains fans appréciant l’évolution du groupe, tandis que d’autres regrettant leur son plus lourd des débuts. Cependant, cet album a permis à BMTH d’atteindre un nouveau niveau de succès commercial, avec des singles comme « Drown » et « Happy Song » devenant des hits mondiaux. Nous examinerons également comment cet album a ouvert la porte à de nouvelles opportunités pour le groupe, notamment en termes de collaborations et de tournées internationales.
3. L’influence et l’impact culturel de Bring Me the Horizon
Bring Me the Horizon n’a pas seulement influencé la scène musicale, ils ont également eu un impact significatif sur la culture populaire. Cette section examine l’influence de BMTH sur d’autres artistes, ainsi que leur impact sur la mode, les médias, et la culture des jeunes.
3.1 L’influence sur la scène musicale : De nouveaux standards pour le rock et le metal
BMTH a redéfini les frontières du rock et du metal, influençant une multitude de groupes à travers les genres. Leur capacité à fusionner des éléments de différents genres a ouvert la voie à de nouvelles expérimentations dans la musique alternative. Cette sous-partie analysera comment BMTH a influencé la scène musicale, de leur impact sur le metalcore à leur rôle dans l’émergence de nouveaux sous-genres.
**L’influence de BMTH** s’étend bien au-delà de leur propre discographie. Leur capacité à évoluer musicalement tout en maintenant une base de fans solide a inspiré de nombreux autres groupes à suivre leur propre voie créative.
Nous discuterons également de la manière dont BMTH a contribué à populariser des genres autrefois underground, comme le deathcore, et comment ils ont aidé à démocratiser un son plus accessible sans sacrifier leur intégrité artistique.
3.2 L’impact sur la culture des jeunes : Mode, attitudes, et identité
BMTH a eu un impact considérable sur la culture des jeunes, non seulement par leur musique, mais aussi par leur influence sur la mode et les attitudes. Leur style distinctif, mélangeant des éléments de goth, de punk, et de streetwear, est devenu emblématique pour de nombreux fans. Cette sous-partie explorera comment BMTH a influencé la mode et l’identité des jeunes, créant un mouvement qui transcende la musique.
**Le style visuel de BMTH** a joué un rôle clé dans leur attrait pour les jeunes. De leurs clips musicaux aux designs de merchandising, le groupe a toujours mis un point d’honneur à soigner leur image, ce qui leur a permis de créer une identité visuelle forte et reconnaissable. Nous analyserons également comment leur approche de sujets tels que la santé mentale, l’aliénation, et la rébellion a résonné auprès d’une jeune génération en quête de sens et d’identité.
3.3 La présence médiatique et l’influence digitale : De YouTube aux réseaux sociaux
BMTH a su tirer parti des médias numériques pour étendre leur influence, utilisant YouTube, Instagram, et autres plateformes pour rester connectés avec leurs fans. Leur présence en ligne a non seulement renforcé leur popularité, mais elle a aussi permis de créer une communauté mondiale autour de leur musique. Cette sous-partie analysera comment BMTH a utilisé les médias numériques pour se promouvoir, interagir avec leurs fans, et influencer la scène musicale.
**La stratégie digitale de BMTH** a été un facteur clé de leur succès. Leur utilisation des réseaux sociaux pour annoncer des albums, partager des contenus exclusifs, et interagir directement avec les fans a permis de créer un lien fort et personnel avec leur audience. Nous discuterons également de l’impact de leurs clips musicaux, qui cumulent des millions de vues sur YouTube, et comment leur esthétique visuelle a contribué à leur image globale.
4. Les membres de BMTH : Figures emblématiques et dynamique de groupe
Les membres de BMTH ont chacun apporté une contribution unique au succès du groupe, leur personnalité et leur talent étant au cœur de leur musique. Cette section se concentre sur les membres clés du groupe, leur rôle au sein de BMTH, et la dynamique interne qui a façonné leur musique.
4.1 Oli Sykes : Le charismatique leader et chanteur
Oli Sykes, le chanteur principal de BMTH, est souvent considéré comme le visage du groupe. Son charisme sur scène, ses paroles introspectives, et sa capacité à se réinventer ont été essentiels à l’évolution de BMTH. Cette sous-partie explore la carrière de Sykes, son impact sur le groupe, et comment sa personnalité a façonné l’image et le son de BMTH.
**Le parcours d’Oli Sykes** est fascinant, de ses débuts en tant que figure de la scène underground à son statut actuel de leader d’un groupe mondialement reconnu. Nous examinerons comment Sykes a surmonté des défis personnels, notamment des problèmes de santé mentale et des addictions, pour devenir un symbole de résilience et d’inspiration pour les fans du monde entier. Nous analyserons également son rôle dans l’écriture des paroles et sa contribution à l’évolution sonore de BMTH.
4.2 Lee Malia : Le guitariste et architecte sonore
Lee Malia, le guitariste principal de BMTH, a joué un rôle crucial dans la définition du son du groupe. Son jeu de guitare, qui combine technicité et mélodie, a été un élément clé de l’évolution musicale de BMTH. Cette sous-partie se concentre sur l’apport de Malia au groupe, son style de jeu, et comment il a contribué à façonner le son de BMTH au fil des années.
**Le style de jeu de Lee Malia** est unique, mêlant des influences variées allant du metal au rock classique. Nous analyserons comment son approche de la guitare a évolué avec le temps, passant de riffs brutaux et complexes à des mélodies plus subtiles et nuancées. Nous discuterons également de sa contribution aux compositions du groupe et de son rôle dans l’innovation musicale de BMTH.
4.3 La dynamique de groupe : Matt Kean, Matt Nicholls, et les autres membres
BMTH ne serait pas ce qu’il est aujourd’hui sans la contribution de ses autres membres, notamment Matt Kean à la basse et Matt Nicholls à la batterie. La section rythmique du groupe a toujours été un pilier solide, apportant puissance et cohésion à leur musique. Cette sous-partie explore la dynamique de groupe, le rôle de chaque membre, et comment leur collaboration a permis de maintenir l’intégrité musicale de BMTH au fil des années.
**La section rythmique de BMTH** est souvent sous-estimée, mais elle joue un rôle crucial dans le son du groupe. Nous analyserons comment Matt Kean et Matt Nicholls ont contribué à la profondeur et à la complexité de la musique de BMTH, tout en maintenant une base rythmique solide qui a permis au groupe d’explorer de nouvelles directions sonores. Nous discuterons également de l’importance de la collaboration entre les membres du groupe et de la manière dont ils ont surmonté les défis internes pour maintenir leur cohésion.
5. L’avenir de BMTH : Quelles sont les prochaines étapes ?
BMTH a toujours été un groupe en évolution constante, repoussant les limites de leur musique et explorant de nouveaux territoires sonores. Cette section se concentre sur l’avenir du groupe, leurs projets à venir, et ce que les fans peuvent attendre de BMTH dans les années à venir.
5.1 Les nouveaux projets et collaborations
BMTH est connu pour ses collaborations innovantes avec d’autres artistes et pour son ouverture à de nouveaux genres musicaux. Cette sous-partie explore les projets récents du groupe, y compris leurs collaborations avec des artistes d’autres genres, et comment cela influence leur son. Nous discuterons également des rumeurs et des attentes autour de leurs futurs albums.
**Les collaborations de BMTH** ont toujours été un moyen pour le groupe d’élargir leurs horizons et d’expérimenter de nouveaux sons. De leurs collaborations avec des artistes de pop, de hip-hop, ou même de musique électronique, BMTH a montré qu’ils n’ont pas peur de sortir des sentiers battus. Nous examinerons également comment ces collaborations ont enrichi leur musique et ce que les fans peuvent attendre de futures collaborations.
5.2 L’évolution continue du son de BMTH
BMTH a prouvé à maintes reprises qu’ils ne se contentent pas de rester dans leur zone de confort. Cette sous-partie explore les évolutions musicales possibles pour le groupe, les nouvelles directions qu’ils pourraient prendre, et comment ils continuent de surprendre leur audience. Nous discuterons également de la manière dont leur son pourrait évoluer à mesure qu’ils vieillissent et mûrissent en tant qu’artistes.
**L’évolution sonore de BMTH** a été un élément clé de leur succès, et il est probable que le groupe continue à explorer de nouvelles directions. Nous examinerons comment leur son pourrait évoluer dans le futur, en tenant compte des tendances actuelles de la musique alternative et des influences que le groupe pourrait intégrer dans leurs futurs travaux. Nous discuterons également de l’impact potentiel de cette évolution sur leur base de fans et sur leur place dans l’industrie musicale.
5.3 L’héritage de BMTH : L’impact durable sur la musique et la culture
Enfin, nous examinerons l’héritage de BMTH et comment ils ont influencé non seulement la musique, mais aussi la culture au sens large. Cette sous-partie explore comment BMTH sera probablement perçu à l’avenir, leur place dans l’histoire de la musique, et l’impact durable qu’ils auront laissé sur la scène musicale et culturelle.
**L’héritage de BMTH** est déjà évident, mais leur impact à long terme continue de se développer. Nous discuterons de la manière dont BMTH pourrait être perçu par les générations futures, en tenant compte de leur contribution à l’évolution du rock et du metal, ainsi que de leur influence sur la culture des jeunes. Nous examinerons également comment leur musique pourrait continuer à résonner avec les auditeurs dans les décennies à venir.
Conclusion
Bring Me the Horizon n’est pas seulement un groupe, c’est un phénomène culturel. De leurs débuts dans la scène underground de Sheffield à leur statut de leaders du rock moderne, BMTH a constamment évolué et redéfini les frontières de la musique alternative. Leur capacité à se réinventer tout en restant fidèles à leur essence a fait d’eux un groupe incontournable, et leur impact se fait sentir bien au-delà de la musique.
Alors que leur carrière continue d’évoluer, il est certain que Bring Me the Horizon continuera de surprendre, d’inspirer, et de façonner l’avenir de la musique pour les années à venir.
FAQ
1. Comment Bring Me the Horizon a-t-il évolué musicalement au fil des ans ?
BMTH a évolué d’un son deathcore brutal à un rock alternatif plus accessible, intégrant des éléments de pop, d’électronique, et de metal dans leur musique.
2. Quel est l’album le plus influent de Bring Me the Horizon ?
« Sempiternal » est souvent considéré comme l’album le plus influent de BMTH, marquant un tournant dans leur carrière et redéfinissant leur son.
3. Pourquoi Bring Me the Horizon est-il considéré comme un groupe innovant ?
BMTH est innovant pour sa capacité à fusionner différents genres, à expérimenter avec de nouveaux sons, et à repousser constamment les limites du rock et du metal.
4. Quelle est l’influence de Bring Me the Horizon sur la culture des jeunes ?
BMTH a influencé la culture des jeunes par leur style distinctif, leurs paroles introspectives, et leur capacité à aborder des sujets tels que la santé mentale et l’aliénation.
5. Quels sont les projets futurs de Bring Me the Horizon ?
BMTH continue d’évoluer et de collaborer avec d’autres artistes, et les fans peuvent s’attendre à de nouvelles explorations musicales dans leurs futurs albums.
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1 . Calibrez votre reflex numérique
La calibration de la mise au point automatique (AF) peut améliorer la précision et la fiabilité de la mise au point automatique de votre reflex numérique, en particulier lors de la prise de vue avec des objectifs interchangeables. Voici les étapes à suivre pour calibrer l’autofocus de votre appareil photo :
Trouvez une cible de test : pour calibrer l’AF, vous aurez besoin d’une cible de test, comme un charte de mise au point automatique ou un objet avec des détails fins et nets, tels qu’un texte imprimé ou un motif à carreaux.
Configurez votre appareil photo : placez votre appareil photo sur un trépied pour éviter les tremblements et les mouvements pendant la calibration. Réglez votre appareil photo sur le mode de mise au point automatique, puis sélectionnez le point AF que vous voulez calibrer. Si votre appareil photo dispose d’options de micro-ajustement AF, assurez-vous qu’elles sont activées.
Placez la cible de test : placez la cible de test à une distance appropriée, en fonction de la longueur focale de votre objectif. Assurez-vous que la cible est bien éclairée et que le contraste est suffisant pour que l’AF puisse fonctionner correctement.
Effectuez la mise au point : prenez une série de photos de la cible de test en utilisant l’AF. Vérifiez chaque photo pour voir si la mise au point est précise et si elle se situe sur la partie de la cible que vous souhaitez mettre au point.
Répétez le processus : si la mise au point n’est pas précise, ajustez les paramètres de l’objectif ou de l’appareil photo et répétez le processus jusqu’à ce que vous obteniez une mise au point précise et fiable.
En calibrant la mise au point automatique de votre reflex numérique, vous pouvez améliorer la qualité de vos photos et vous assurer que les images que vous capturez sont nettes et précises.
2. Comprendre le fonctionne la mise au point automatique
La mise au point automatique (AF) est un processus complexe qui permet aux photographes de capturer des images nettes et claires sans avoir à ajuster manuellement la mise au point de l’objectif. Voici un aperçu de son fonctionnement :
Le photographe encadre la scène à travers le viseur ou l’écran LCD de l’appareil photo.
L’appareil photo utilise un capteur AF pour détecter le contraste et la netteté de l’image, en analysant les différentes zones de la scène.
Les algorithmes de l’appareil photo utilisent ces informations pour déterminer quelle zone de la scène doit être mise au point. Les points AF de l’appareil photo sont positionnés sur la zone de mise au point sélectionnée.
L’appareil photo ajuste ensuite la mise au point de l’objectif en se basant sur les informations fournies par le capteur AF et les points AF.
Enfin, une fois la mise au point effectuée, l’appareil photo déclenche l’obturateur et prend la photo.
Il existe différents types de capteurs AF, tels que les capteurs à détection de phase et les capteurs à détection de contraste, qui fonctionnent différemment. Les appareils photo modernes offrent également de nombreuses options de mise au point automatique, telles que la mise au point automatique en continu, la sélection de zone de mise au point, la mise au point manuelle assistée et bien d’autres encore.
3. Évitez la concurrence
Une cause fréquente d’erreurs de mise au point par faible luminosité est la concurrence entre des éléments dont le contraste est supérieur à celui de votre sujet. Il peut s’agir d’une lumière derrière le sujet ou d’un objet légèrement devant lui (pour la photographie musicale, les microphones sont connus pour tromper les capteurs AF et créer une mauvaise mise au point).
Étant donné que les capteurs AF sont en réalité beaucoup plus grands que ce qui est affiché dans le viseur, il est très facile pour eux de détecter une mauvaise cible si le contraste est suffisamment élevé. Si vous donnez suffisamment d’espace à la concurrence potentielle ou si vous modifiez légèrement votre point de vue pour obtenir la meilleure vue possible de votre objectif, vous pouvez alors obtenir de meilleurs résultats.
Autofocus basse lumière en concert
4. Autofocus, Zones cibles à contraste élevé
Le contraste est tout avec une mise au point automatique précise. Pour de meilleurs résultats, utilisez des zones à contraste élevé pour faire la mise au point sur les bords définis par le sujet. Avec des lignes de contraste dures, les capteurs AF peuvent obtenir une mise au point précise. Si votre sujet présente moins de contraste, recherchez les zones à contraste élevé situées sur le même plan que celui sur lequel vous souhaitez effectuer la mise au point.
Cela peut signifier une mise au point automatique sur un motif sur la chemise d’un sujet au lieu de son visage ou une ombre nette sur son oreille au lieu de ses yeux. Lorsque vous utilisez d’autres cibles AF, assurez-vous qu’elles sont aussi proches de l’objectif que du point AF pour tirer le meilleur parti de cette astuce.
5. Utilisez le collimateur AF central
Tous les collimateurs AF ne sont pas identiques. Avec presque tous les reflex numériques, le collimateur autofocus central est le plus sensible et le plus précis en usine en raison de l’étalonnage et du type de capteurs utilisés pour le centre. Utilisez cela à votre avantage en donnant la priorité au collimateur autofocus central par rapport aux autres points pour des performances d’autofocus plus précises et plus fiables.
Pour mieux comprendre votre équipement, reportez-vous au manuel de votre appareil photo reflex numérique pour savoir quels capteurs AF sont les collimateurs AF de type croisé les plus sensibles (capteurs bidimensionnels sur les axes verticaux et horizontaux) pour savoir quels points sont plus précis.
Personnellement, j’utilise très souvent la méthode de mise au point et de recomposition. Autrement dit, effectuez un verrouillage AF sur un sujet, puis ré-assemblez le pour la composition préférée. Autrement dit, si vous avez des problèmes avec une mise au point précise, la méthode de mise au point et de recomposition peut être à blâmer. L’utilisation de la méthode de ré-assemblage du focus entraîne des erreurs de focus – c’est juste une question de géométrie.
Il est préférable de rapprocher le plus possible le cadre lors de la mise au point sans ré-assembler considérablement la scène lorsque vous appuyez sur le déclencheur. Il est préférable de choisir un collimateur autofocus qui soit le plus proche du collimateur de mise au point souhaité et provoquera le moindre changement de mise au point lors de la recomposition. Chaque recomposition après réception du verrouillage AF entraîne des erreurs de mise au point avec précision.
La distance et la profondeur de champ jouent un rôle essentiel pour déterminer si le décalage de mise au point est perceptible lors de la mise au point et de la recomposition. Plus la profondeur de champ est petite, plus le changement de foyer résultant de la recomposition est spectaculaire. :
Pour finir avec l’autofocus : si vous avez du mal à « clouer » l’AF (autofocus), j’espère que ces suggestions vous aideront. Les deux derniers conseils – pour utiliser le collimateur AF central et comprendre les limites de la méthode de mise au point et de recomposition – sont un peu plus éditoriaux (et même contradictoires). Il est rare qu’une grande photo ait son sujet si légèrement au centre du cadre que vous puissiez utiliser le collimateur AF central sans le remonter.
En fin de compte, le timing, la composition et un sujet fascinant ont priorité sur la perfection technique.
Autofocus : en conclusion…
En conclusion, l’autofocus (AF) est une fonctionnalité essentielle de la photographie numérique moderne qui permet aux photographes de capturer des images nettes et précises sans avoir à ajuster manuellement la mise au point de leur objectif. Les progrès technologiques ont permis le développement de différents types de capteurs AF et d’options de mise au point automatique avancées, offrant aux photographes une plus grande flexibilité et une meilleure précision dans leurs prises de vue.
Cependant, malgré ses avantages, l’autofocus peut parfois être imprécis ou ne pas fonctionner correctement, en particulier lors de la prise de vue dans des conditions de faible luminosité ou avec des sujets en mouvement rapide. Dans ces cas, il peut être nécessaire de calibrer l’autofocus pour obtenir des résultats optimaux.
En fin de compte, l’autofocus reste un outil précieux pour les photographes de tous niveaux, leur permettant de se concentrer sur l’aspect créatif de leur travail plutôt que sur les tâches techniques liées à la mise au point de leur objectif.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Hard Force est un magazine de musique français spécialisé dans le hard rock et le heavy metal et publié entre 1985 et 2000. Sa première édition a été publiée en octobre 1985 et distribuée à 1500 exemplaires via un réseau de distribution « maison » et fondée à l’origine par Hard Force Association en tant que fanzine (ses membres étaient à l’époque Christian Lamet, Jean de Larquier, Serge Lamet, Philippe Marek et Daniel Baud).
Un départ fulgurant
En moins d’un an, les exigences de qualité en termes de contenu et de forme de certains de ses créateurs ont fait du fanzine un format de magazine professionnel en kiosque.
Il s’est rapidement positionné comme un outsider de Hard Rock Magazine, lancé un an plus tôt, et a profité de la disparition d’Enfer Magazine et de Metal Attack.
Les grandes années
De 1985 à 2000, Hard Force est reconnu en France comme un magazine de référence en termes d’originalité, de dossiers et d’entretiens. Hard Force est pionnier dans la plupart des initiatives technologiques (création de samplers, Discographies et biographies exhaustives, CD-Rom multimédia, premières sections Internet de la presse musicale française, etc…).
La disparition
Hard Force a cessé de paraître en 2000. Prés de 10 ans après, le 30 octobre 2009, Hard Force a lancé un réseau social appelé « THE METAL NETWORK« .
La renaissance
Fin 2010, Hard Force a lancé un magazine web (archives, documents audio et vidéo) pour marquer son 25e anniversaire, réalisé par Christian Lamet, plusieurs journalistes impliqués dans la rédaction du magazine de 1985 à 2000 et de nouveaux collaborateurs.
En trois ans, le site Hard Force devient une référence. Réactivité éditoriale, information quotidienne, les médias ravivent l’esprit d’origine.
En effet, il va redevenir le partenaire privilégié de la plupart des événements live en France, concerts, tournées et festivals. En décembre 2012, Christian Lamet a lancé l’émission hebdomadaire « MetalXS » sur L’Enôrme TV, exclusivement dédiée au métal.
Hard Force est le partenaire de cette nouvelle chaîne.
Collaborateurs de Hard Force
Rédacteur en chef de Hard Force
Christian Lamet
Rédacteurs de Hard Force
Christine Chapel, Hervé Guegano, Richard Guérin, Laurent Joulins, Nicolas Kontos, Stéphane Lacassagne, Laurent Lacoste, Christian Lamet, Serge Lamet, Etienne Lançon, Alain Lavanne, Jean de Larquier, Yann Le Goff, Juliette Legouy, Fabrice Lemaitre, Nicolas Gounet, Philippe Goussard, Charles Gronche, Laura Grünberger,Marc Belpois, Benji, Stéphane Bergeon, Daniel Bernot, Guillaume Bertail, Eric Beuriot, Elisabeth Bieber, Jean-François Lescene, Frank Arnaud, Roger Balac, Albert Bareiro, Daniel Baud, Emmanuel Potts, Hervé Reiss,
Christophe Rudant, François Schenck, François Sinibaldi, Vincent Tigreat, Jean-Christophe Thomas, Martine Varago, Christian Veraz, Olivier Wallerand, Valérie Chedot, Joël Coudrier, Vincent Dresel, Christophe Droit, Laurent Ducastel, Henry Dumatray, Samantha Dunn, Arnaud Durieux, Patrick Garel, Arnaud Geenens, Pascal Girard, Stéphane Girard, Guillaume Goriot,Christophe Blanquart, Laurent Bollee, Laurent Borde, Jean-François Bouquet, Marc Bredenbach, Franck Brisson, Eric Bruno-Mattiet, Julien Capraro,Valérie Lestienne, Jérôme Mairal, Isabelle Maitre, Philippe Marek, Patrick Meyer, Gilles Moinet, Thierry Mousset, Fred Pederzoli, Lionel Pétillon.
Hard Force Magazine
Membres honoraires ou collaborateurs exceptionnels de Hard Force
Bernie Bonvoisin, Renaud Hantson, Francis Zégut, Elie Benali
Correspondants et collaborateurs à l’étranger de Hard Force
Alexis Charbonnier, Claude Englebert, Alain Fahrny, Valérie Le Terreux, Daniel Oliveira, Michael Patton, K.K. Pearcy, Paul Suter, Sasha Stojanovic, Agence Intervision (Mohamed Ansar, Paul Branigan, Elianne Halbersberg, Mark Putterford, Paul Rees, Sylvie Simmons, Victoria Strommer, Jodi Summers, Arlett Vereecke), Norman C. Allin, Christian Bouchard,
Christophe Blanquart, Norman Bouthiller, Henri Clausel, Renaud Corloüer, Rafaël Erdodi, Claude Gassian, Philippe Goussard, Nicolas Kontos, Martin Lepage, Danny Lilken, Jen Lowery, Didier Picard, Eva Ries, François Schenck, Niels Van Iperen, Christophe Viala, Marc Villalonga,
P. Wagner, Sharon Weisz, SIN, Pierre Terrasson, Irene Vogeli ) – Agence Intervision (Gene Ambo, P. Bergen, Steffan Chirazi, Agence DALLE APRF (Michael Bussman, George Chin, Ron Delany, Larry Di Marzio, Peter Distefano, Carmello Giordano, Idols, Gie Knaeps,
Tony Motram, Ebet Roberts, Edouard Setton, L. McAfee, Alex Mitram, Ray Palmer, Alex Solca, David Wainwright, Mick Wall, Mark Webb, Tony Woolliscroft, Neil Zlozower), Agence Repfoto (Robert Ellis), Bertrand Alary, Andrew C. Allin, Pascal Beaumont, Jean-Paul Bellanger, Benji, Daniel Bernot, Jean-Max Bigand, Fin Costello, Ana Maria DiSanto, Tom Farrington, Paul Frati, Rick Gould, Ross Halfin, Mike Hashimoto, Mick Hutson, Robert John, Dave Jordan, Gene Kirkland, Glenn LaFerman, Mark Leialoha.
Illustrateurs :
Jean-Marc Tavernier, Jean-Pierre Charbonnier, Christian de Metter, Daniel Pierre.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
J’ai 55 ans maintenant. Une carrière professionnelle inhabituelle, car mes études de bibliothécaire après l’obtention du diplôme ne sont pas il n’y a pas de prédisposition au journalisme, et surtout au monde des médias. Ce fut une énorme passion pour la musique qui m’a orientée de cette façon.
Une volonté de partager cette passion avec les autres, de découvrir de nouveaux musiciens, de nouveaux disques et une vie au rythme des concerts a été la première motivation. Maintenant je me rends compte à quel point le but justifiait les moyens: Je n’avais que 19 ans, lorsque le premier numéro de HARD FORCE est sorti, j’étais complètement inexpérimenté et il fallait une forte dose un non-sens afin que nous puissions commencer l’aventure.
Comment avez-vous contracté le virus et qu’est-ce qui vous a amené au hard rock?
Si c’est un virus, c’est presque depuis ma naissance. Ma culture musicale a commencé avec les albums que mon père écoutait. À la fin dans les années 1960, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck et Jimmy Page ont révolutionné la musique. Il s’agit notamment de leurs guitares qui secoua mon enfance. Parmi ceux que je viens de mentionner figurent les créateurs de hard rock et de saturation.
De l’énergie, mais toujours une mélodie, deux éléments qui me paraissent nécessaires dans la musique que j’écoute depuis. Le hard rock est comme une extension de cette « éducation ». Sur mes albums d’ adolescent, il y avait le même nombre de LYNYRD SKYNYRD, AC / DC de la période Scott des premiers albums, THIN LIZZY, Ted Nugent, puis TRUST et IRON MAIDEN depuis le début comme BOSTON, KANSAS ou … TOTO.
D’où est venue l’idée de créer HARD FORCE ?
Dans les années 1981-1982, ce fut l’ouverture des ondes et l’apparition de stations de radio libre. J’ai Créé une radio associative à Samois-sur-Seine (77) il y avait une opportunité de faire écouter ma musique et d’apprendre à parler dans le micro. Nous étions donc un groupe d’amis qui ne se rendaient même pas compte qu’ils vivaient à l’époque, des pionniers, sans restrictions commerciales, sans quotas ni censure.
Nous n’étions pas des adultes et on nous laissé les clés de la radio ! Nous avons créé l’émission de hard rock « Countdown » sur Radio Arc en Ciel. Nous avons commencé un samedi en fin d’après-midi et nous avons rendu l’antenne trois heures plus tard, quand nous n’avions plus d’albums à à faire écouter (que nous avons bien sûr achetés avec les nôtres argent de poche).
Dans ce programme, nous avons reçu tous les groupes français, des amateurs locaux .
Il y a une opportunité pour la première interview « internationale »: Yngwie Malmsteen. Nous sommes alors en juin 1985, soit Le guitare hero le plus spectaculaire du moment. Dans le même temps, le Festival de France avec le plus grand plateau a lieu. Des groupes français se sont réunis en deux jours et Monsters of Rock à Castle Donington.
Plein d’interviews, frustré de revenir la radio et que cette « affaire » n’est entendue que par une poignée, nous pensions que la création d’un fanzine ce serait un résultat largement logique.
Étiez-vous un lecteur de la presse métal (ENFER MAGAZINE, METAL ATTACK) avant cette création?
Bien sûr. Je dirais même ROCK & FOLK et BEST . BEST a été le premier magazine national à oser le hard rock et le heavy metal en couverture du magazine. ENFER, cependant, incarne le moment historique de la création une presse spécialisée dans le hard rock, même si METAL ATTACK est apparu peu de temps après, en 1983.
ENFER était plus documenté, METAL ATTACK plus élégant, l’un plus épicé, pointu et savant, l’autre plus fédérateur et efficace. Tous les deux coexistaient parfaitement, constituant un panorama intéressant et une source d’information pour les lecteurs précieux pour les animateurs radio débutants …
Vous êtes-vous senti libre de la rédaction ou sous la pression de certains labels et attachés de presse ?
La liberté est illusoire, impossible. Parce que la vie d’un magazine dépend de ses ventes ou de ses revenus publicitaires – et très souvent les deux – quelle liberté avons-nous? La flatterie pour les lecteurs crée une dépendance. La page publicitaire est un engagement pris par l’annonceur.
Notre liberté a été gagnée grâce aux idées innovantes dont j’ai parlé plus tôt, dans les domaines où personne n’est allé. Nous sommes prêts surprise. « L’originalité dans le consensus » peut être une bonne définition.
Savez-vous ce qui est arrivé aux anciens membres de la rédac ??
Je sais ce qui leur est arrivé. En revanche, très peu sont ceux avec qui je suis resté en contact étroit. Il y a eu de véritables «divorces» après HARD FORCE. Ils sont donc une poignée au cours des 15 dernières années que je vois ou rencontre régulièrement. Il reste de l’amitié en dehors du magazine, ce fut une telle aventure.
En tant que chef d’équipe de rédaction, qu’avez-vous préféré faire et qu’avez-vous détesté ou craint?
Le plaisir consistait à écrire, à examiner la documentation des dossiers, à participer à un concert ou festival, partir à l’étranger pour mener une interview dans laquelle un échange avec le musicien va bien au-delà des questions et réponses.
Au début, nous voulons tout faire. Vous devez apprendre à déléguer et c’est le plus difficile. J’ai dû participer à la production complète du produit, ce qui a considérablement raccourci mon temps de repos. Pendant pendant des années j’ai vécu des concerts et des voyages de journalistes par procuration, gardant de rares moments avec certains artistes précis quand ils venaient à Paris.
Quelle était la relation avec la presse métal compétitive ? Y avait-il une saine compétition, émulation, espionnage, jalousie?
Je pense avoir pris la première salve de bois vert d’un ami, quelques mois seulement après la publication du fanzine.
De puis j’ai réalisé que l’apparition de HARD FORCE, même petite, pouvait perturber tout ce que je faisais. Quand HARD FORCE est arrivé nous avons changé le registre dans les kiosques. J’ai reçu des appels téléphoniques anonymes au bureau, de l’intimidation… J’ai su plus tard qu’ils émanaient journalistes oisifs travaillant « en face ».
Beaucoup d’activités de sape ont été lancées dans des maisons de disques, faisant du lobbying pour nous discréditer, bloquer les publicités ou donner des interviews. Pendant ce temps, vous pouvez facilement devenir paranoïaque.
J’ai commencé à me défendre avec la seule arme que j’avais: mon magazine mensuel. Ça a juste fait rire les autres, mais à quoi ça sert ? à me soulager !
Est-ce que les querelles entre amateurs de courants glam contre thrash, par exemple étaient du pain béni pour vous ?
J’ai toujours trouvé fou que l’on oppose BEATLES et STONES, les rivalité entre styles hard rock et le métal m’ont toujours étonné. Je ne parle pas de goût, je parle d’intolérance et de fanatisme. HARD FORCE a toujours maintenu une certaine pluralité.
C’était un mix difficile car il fallait informer sur les nouveaux produits et être représentatif des styles établis avec l’augmentation des courants. La musique est toujours en mouvement: un magazine, s’il veut survivre, ne peut pas rester figé le passé mais doit s’y référer.
Êtes-vous conscient d’avoir marqué une certaine génération par vos écrits et votre combat dans un magazine culte ?
Être culte n’est pas un postulat lorsque vous démarrez un fanzine ou un magazine. Ce serait suffisant! Les différentes équipes successivement et moi-même, nous avons essayé de proposer le meilleur magazine possible, le plus sincère dans le processus.
Si nous en avons encouragé certains, initié d’autres, c’est un fabuleux bonus. Ai-je vraiment dit mon dernier mot, c’est toute la question ? J’espère également combiner certaines choses à l’avenir.
J’ai rencontréGilles Lartigot il y a une dizaine d’années. C’est au VIP du festival Hellfest open air . Nous avions discuté autour d’un verre de nos passions communes, la musique et l’alimentation. Gilles est un métalleux dans l’âme, c’est une de nos passions communes.
L’alimentation en est une seconde. Mass Hysteria jouait cette année là. C’est aussi un point en commun que nous avons, l’amour du métalfrançais. Gilles Lartigot a d’ailleurs produit le premier album du groupe marseillais Dagoba.
Le shooting de la couverture du livre de Gilles Lartigot Eat2
Je fus agréablement surpris de recevoir, il y a quelques mois, un coup de téléphone de Gilles Lartigot. Il venait de terminer la suite de son best -seller EAT et voulait un portrait pour la couverture de son nouveau livre EAT2.
Gilles naviguant régulièrement entre l’Europe et l’Amérique du nord, le rendez-vous fut pris à Aubagne, sa maison du sud de la France pour un shooting improvisé. Autour d’un bon repas, nous discutons du projet, de ses attentes en matière de photo, puis après quelques heures de shooting, un résultat sobre et efficace.
Pas de fioriture lors de ce shooting, pas de coiffeur, pas de maquilleur, juste un peu d’argile blanche que Gilles Lartigot avait dans un pot. Les portraits de cette séance photo sont dans le même esprit.
Qui est Gilles Lartigot ?
Gilles Lartigot est un militant français pour une consommation éco-responsable et saine, hors des supermarchés et des produits agro-industriels. Gilles vit en France et à Montréal. Il est l’auteur du best seller « EAT – Chronique d’un fauve dans la jungle alimentaire » aux éditions WinterFields, paru en septembre 2013.
EAT, le livre de Gilles Lartigot est le résultat d’une enquête qui a duré plus de trois ans, une étude traitant des modes alimentaires. Le propos tourne autour du « bien manger ».
Résumé de Gilles Lartigot Eat2
Résumé du livre EAT 2 de Gilles Lartigot : « Nous vivons dans une société toxique pour notre santé. La nourriture industrielle nous rend malade. La pollution, le stress et les produits chimiques font partie de notre vie quotidienne. Gilles Lartigot, auteur du livre Eat, témoigne de son parcours et de sa conscience des aliments modernes. Il révèle divers faits sur l’élevage industriel et les additifs chimiques et nous donne quelques options pour une meilleure assimilation des aliments pour notre corps et notre esprit. »
Dans ce livre, l’auteur souligne l’importance d’être ouvert, de ne pas discriminer les gens pour leurs divergentes opinions, d’être compatissant et empathique. « C’est l’idée de débattre ensemble pour comprendre le monde dans lequel nous vivons, ne pas être sujet et être acteur de notre propre bonheur. Malgré notre désaccord, chacun de nous a une opinion intéressante à partager, une pierre pour éveiller la conscience collective. »
Pourquoi vouliez-vous écrire une suite à EAT ?
Gille Lartigot : C’était vraiment un souhait de ma part. Si je devais écouter mes lecteurs, j’écrirais un livre tous les six mois. J’ai pris mon temps. J’ai étudié de près des dossiers, comme le cas du cancer après ma rencontre avec le Dr Nicole Delepine ou la lutte pour la survie avec Vol West, qui reste l’un des piliers centraux du livre.
Deux sujets principaux intéressants et actuels que je voulais absolument partager avec les lecteurs. Ensuite, c’est allé assez vite, j’avais rassemblé beaucoup d’informations depuis que j’ai écrit EAT en 2013. Ma pensée avait changé.
Gilles Lartigot Eat2
Présentation de Gille Lartigot par COTE Magazine
Gilles Lartigot a tout d’un athlète, un mètre quatre-vingt-dix et son quintal de muscles. Plus de trente ans de culture physique lui ont permis de faire face à tous les aléas de la vie. Dès le matin, la pratique sportive nourrit ses réflexions et son inspiration, mais aussi sa volonté d’ériger la nourriture et son mode de consommation en priorités absolues. Sa vision est simple: nous vivons dans une société toxique pleine d’industriels nuisibles en proie au stress, à la pollution et aux produits chimiques qui nous entourent.
Les dérives dans l’industrie alimentaire continueront d’augmenter et la rentabilité deviendra une exigence. En dehors de l’élevage industriel, des OGM, et des farines animales , il y a la menace du TAFTA, qui imposera des méthodes d’élevage toujours plus intensives au détriment de la qualité.
Parce que nos habitudes alimentaires déterminent notre santé et déterminent l’avenir de nos enfants, Gilles Lartigot a résumé ses observations et considérations dans un livre. Il livre une observation grossière des dangers de la nourriture moderne et de son impact sur le développement des cancers, des accidents vasculaires cérébraux et des maladies chroniques. Si le livre est un grand succès, c’est aussi parce qu’il prône une autre façon de manger, met l’accent sur ce qui est bon pour la santé et propose des recettes originales qui brisent les préjugés.
Bien sûr, nous avons publié un certain nombre d’articles sur l’alimentation, mais EAT est différent: il explique les bases de l’alimentation actuelle grâce à de nombreuses interviews réalisées avec des spécialistes. Gilles Lartigot prolonge ses réflexions écrites en sillonnant la France, en organisant des cycles de conférences où il dévoile les secrets d’une cuisine originale.
Eric CANTO Photographe : Photos de concert, portraits, pochettes d’album.
Gille Lartigot : Je suis un écrivain 100% indépendant. J’ai écrit « Eat » il y a un peu plus d’un an. Plus tôt, j’ai eu un cycle de vie assez éclectique. J’étais musicien puis producteur. J’ai vécu en Californie à l’âge de 18 ans. A cette époque, j’avais des contacts avec le monde du sport et de la culture physique et je me suis intéressé à la nutrition.
J’ai travaillé avec mon père qui était imprimeur. J’ai fait beaucoup d’activités différentes jusqu’à ce que je commence à me poser des questions sur mon travail et ma vie en général. Nous sommes souvent absorbés par le travail. S’il est passionnant, il peut être réalisé sur un lieu et un temps dédiés, et c’est une bonne chose. Mais la plupart du temps, le travail entre dans la vie personnelle et familiale. Pour les gens qui ont des enfants, le problème est qu’ils ne peuvent pas les voir grandir, ils ne peuvent pas s’occuper d’eux. Ma femme et moi voulions faire une pause.
Nous avons lancé un projet dans l’industrie alimentaire. Tout a commencé avec les films réalisés avec une caméra cachée. L’objectif étant de protéger les animaux. Nous avons pris conscience des atrocités que nous infligeons à nos animaux, en particulier aux animaux que nous mangeons et qui sont dans nos assiettes.
Ensuite, nous avons traité les mensonges de l’industrie alimentaire. Je veux dire des conseils nutritionnels de ce type: « Il faut boire du lait », « Les protéines animales valent mieux que les protéines végétales » … Toutes ces désinformations, soutenues par le lobby, qui nous ont poussé à écrire « Eat ».
Ton alimentation de sportif à tes débuts ?
Gille Lartigot : En musculation, un repas classique se compose de nombreux produits laitiers, poulet, bœuf ou thon avec riz. Quelle chose digeste ! Mon approche de la nourriture était purement physique. J’ai dû manger mes protéines, glucides, lipides. Il s’agissait de repas avec une très petite quantité de matières premières, auxquelles des compléments alimentaires à base de lait de vache, des boissons gazeuses légères, des boissons d’endurance à la malto-dextrine, des colorants très fluorescents étaient rajoutés … Mais malgré tout, je sentais que je mangeais une alimentation très saine.
Je n’ai jamais été trop préparé ou cuisiné de plats, car mon sport exigeait de moi une nourriture « propre ». Ça vous fait sourire aujourd’hui … Mon changement de régime s’est fait rapidement, et les plantes sont désormais la base de mon alimentation. Il est encourageant de penser que le changement peut survenir à tout âge!
Le déclic est venu comment ?
Gille Lartigot : C’est lorsque j’ai aidé à infiltrer les fermes industrielles pour mon enquête. La première était une ferme de poules pondeuses, ce qui m’a suffisamment choqué, puis les porcs. Là, j’ai vu des choses que je n’aurais pas dû voir et qui m’ont marqué fortement. Je ne pouvais plus manger de viande. J’étais un peu paniqué car j’ai continué ce sport et j’avais encore ces préjugés alimentaires construits depuis vingt ans. J’ai donc été obligé de me renseigner sur les aliments dits « alternatifs »: végétarisme, véganisme, cru, jus …
Cela m’a ouvert les yeux. J’ai réalisé que nous pouvions manger avec conscience. Quand nous apprenons comment nos animaux sont élevés et abattus, peu de gens peuvent encore manger cette viande. C’est devenu une grande poubelle, surtout au détriment des animaux. Quand nous savons que nous tuons 3 millions d’animaux par jour et que nous devons toujours en produire plus, il est évident qu’ils sont tués de manière terrible. Pour produire plus de plantes, nous avons dû utiliser des pesticides, etc. Pour produire plus d’animaux vivants, nous tombons volontairement malades.
Aujourd’hui, les gens ne veulent pas voir, ils ne veulent pas savoir. Et quand on me dit que l’Homme a toujours été carnivore, je réponds que cela n’est pas vrai car l’homme ne mangeait pas de viande en cage. Il chassait pour se nourrir. et l’homme est omnivore. Cette consommation excessive de viande se produit de nos jours. Avant la Seconde Guerre mondiale, il n’y avait pas de fermes industrielles. Nous mangions des bêtes élevées dans des conditions normales c’est à dire raisonnable; qui permettaient de répondre à des besoins « locaux » donc plus restreints et donc dans des conditions plus responsables et respectueuses.
Les bovins recevaient de la nourriture adaptée, pas du maïs OGM. Nous ne les bourrions pas d’antibiotiques, et ne les vaccinions pas dès la naissance. Ces pratiques me choquent. J’ai également été frappé par le fait que ces informations n’ont pas été communiquées par les principaux médias. J’avais vraiment besoin de chercher loin pour apprendre à manger différemment. Mes succès personnels m’ont convaincu.
Tu entends quoi par nourriture originel?
Gille Lartigot : C’est de la nourriture produite par la terre! Fondamentalement, c’est un légume. Je m’appuie en particulier sur les textes de Charles Darwin, le père de l’évolution, qui dit que l’homme est construit comme un végétarien, il doit donc manger des légumes. Hippocrate, le père de la médecine, était végétarien. Les grands penseurs grecs comme Socrate étaient végétariens. Vous avez aussi Albert Einstein, Confucius, Léonard de Vinci … Vous commencez à vous demander: ces gens sont encore très intelligents!
Je n’aime pas classer les gens: végétariens, végans … Pour moi, ce sont des « cases ». Quoique nous choisissons, il y a des aliments toxiques et des aliments originaux. Si tout le monde ne mangeait que de la viande bio, cultivée « normalement », alors la production se suffirait pas à satisfaire les habitudes alimentaires de tout le monde. Il faudrait rééduquer les gens à n’en manger qu’une fois par semaine! Ce que faisaient les anciens.
Gilles Lartigot Eat 2
Changer d’alimentation, ça apporte quoi ?
Gille Lartigot : La santé. C’est quelque chose de nécessaire. Malheureusement, les gens réalisent souvent leur erreurs alimentaires lorsqu’ils sont malades. C’est dommage alors qu’ils pourraient l’empêcher. Quand vous avez des enfants, vous voulez leur santé. En leur donnant des frites, de la purée de pommes de terre, du Mc Do, du coca ou des bonbons, vous les empoisonnez. Il faut en être conscient.
Mais quand vous réalisez que vous pouvez manger différemment, que c’est bien et que vous vous amusez, alors vous réalisez que le problème n’est pas l’argent. Les gens dépensent de l’argent pour des médicaments, des substituts de repas, des compléments alimentaires et des vitamines chimiques. Le problème du temps se pose. Le temps a été volé par la société moderne. Nous n’avons plus le temps d’aller au marché,de cuisiner,de s’informer…
Mais ce problème est devenu mondial, et affecte d’autres domaines de la vie. Vous n’avez pas à changer le monde, mais vous devez changer vos habitudes, et la nourriture est à la base de ce changement, car lorsque nous buvons du jus fraîchement pressé, nous ne pensons pas la même chose que lorsque l’on nous buvons du »Gatorade ».
Avec un changement de régime, il y a une sorte d’excitation. C’est comme ouvrir une cage. Manger des aliments toxiques affecte nos pensées. C’est donc une histoire de conscience et chacun a le « clic » pour lui trouver une porte.
Irving Penn était l’un des grands photographes du XXe siècle, connu pour ses images saisissantes de nature morte et ses portraits. Bien qu’il ait été célébré comme l’un des meilleurs photographes du magazine Vogue pendant plus de soixante ans,Irving Penn était un homme qui a évité les feux de la rampe et a poursuivi son travail avec un dévouement calme et implacable.
À une époque où la photographie était d’abord perçue comme un moyen de communication, il l’a abordée avec un œil d’artiste et a élargi le potentiel créatif du médium, tant dans son travail professionnel que personnel.
Mieux connu pour sa photographie de mode, le répertoire de Penn comprend également des portraits de grands créateurs; photographies ethnographiques du monde entier; Nature morte moderniste de nourriture, d’os, de bouteilles, de métal et d’objets trouvés; et essais photographiques de voyage.
Il a été parmi les premiers photographes à poser des sujets sur un simple fond gris ou blanc et il a effectivement utilisé sa simplicité. Élargissant son environnement de studio austère, Penn a construit un ensemble de toiles de fond inclinées verticales, pour former un coin aigu et dur. Les sujets photographiés avec cette technique étaient John Hersey , Martha Graham , Marcel Duchamp , Pablo Picasso , Georgia O’Keeffe , WH Auden et Igor Stravinsky .
Les compositions de natures mortes de Penn sont clairsemées et très organisées, des assemblages d’aliments ou d’objets qui articulent l’interaction abstraite de la ligne et du volume. Ses photographies sont composées avec une grande attention aux détails, ce qui se poursuit dans son art de développer et de faire des tirages de ses photographies.
Il a expérimenté de nombreuses techniques d’impression, y compris des tirages réalisés sur des feuilles d’aluminium recouvertes d’une émulsion de platine rendant l’image avec une chaleur qui manquait aux tirages argentiques non teintés. Ses impressions en noir et blanc sont remarquables pour leur contraste profond, leur donnant un aspect net et net.
Tout en étant imprégné de la tradition moderniste, Penn s’est également aventuré au-delà des frontières créatives.
La naissance d’Irving Penn
Né en 1917 à Plainfield, New Jersey de parents immigrés, Irving Penn a fréquenté la Philadelphia Museum School of Industrial Arts de 1934 à 1938 et a étudié avec Alexey Brodovitch dans son Design Laboratory. Émigré russe travaillant à Paris dans les années 1920, Brodovitch a enseigné les principes de l’art moderne et du design dans des magazines, des expositions et de la photographie.
Après un certain temps à New York en tant qu’assistant de Brodovitch au Harper’s Bazaar et divers emplois de directeur artistique, Irving Penn est allé au Mexique pour peindre en 1941, voyageant à travers le Sud américain et en prenant des photos en cours de route. Il a finalement été déçu par ses tableaux et les a détruits avant de retourner à New York à la fin de l’année suivante. En 1943, le nouveau directeur artistique de Vogue, Alexander Liberman, a engagé Irving Penn comme son associé pour préparer des mises en page et suggérer des idées de couvertures aux photographes du magazine.
Irving PENN Photographe
Liberman, un autre émigré russe qui avait travaillé à Paris, a regardé les planches contact de Irving Penn lors de ses récents voyages et a reconnu « un esprit et un œil qui savait ce qu’il voulait voir ». Il a encouragé Irving Penn à commencer à prendre les photographies qu’il envisageait, lançant une longue et fructueuse carrière ainsi qu’une collaboration qui a transformé la photographie moderne.
Irving Penn, le début d’une réputation
Après la Seconde Guerre mondiale, alors que Irving Penn s’est rapidement forgé une réputation pour son style frappant dans la nature morte et le portrait, Liberman l’a envoyé dans le monde entier pour des missions de portraits et de mode.
Ces expériences formatrices ont confirmé pour Irving Penn l’intérêt de la photographie dans l’environnement contrôlé d’un studio, où il pouvait couper tout ce qui n’était pas essentiel à ses compositions et se concentrer sur ses sujets. Indépendamment de ces missions, Irving Penn a entrepris un projet personnel majeur, photographiant des nus charnus à courte distance en studio pour « percer la douceur de l’image ».
Il s’agissait d’une nouvelle approche de la photographie issue d’une profonde réflexion sur les modèles historiques de l’art antérieur, mais les images étaient jugées trop provocantes et non montrées depuis des décennies.
Irving Penn et Paris
En 1950, Irving Penn est envoyé à Paris pour photographier les collections haute couture de Vogue . Il a travaillé dans un studio de jour avec un vieux rideau de théâtre en toile de fond et a été honoré d’un modèle extraordinaire nommé Lisa Fonssagrives, qu’il a rencontré pour la première fois en 1947. Née en Suède et formée comme danseuse, elle était l’une des mannequins de l’époque les plus recherchées, parce qu’elle avait une compréhension sophistiquée de la forme et de la posture.
Irving Penn a rappelé plus tard: « Quand Lisa est entrée, je l’ai vue et mon cœur battait vite et il n’y avait aucun doute « . Ils se sont mariés à Londres en septembre 1950. Dans le même temps, Irving Penn a également travaillé sur un projet inspiré par les traditions de gravure ancienne, photographiant les métiers comme les bouchers, boulangers, ouvriers qui devenaient représentatifs d’un monde en voie de disparition.
Irving Penn et les Nus
IRVING Penn a photographié une série de nus le week-end et le soir en 1949-1950. Attiré par des modèles charnus dont il a capturé les ondulations corpulentes en gros plan, il les a imprimées en utilisant des techniques expérimentales, blanchissant et développant les impressions jusqu’à ce qu’elles prennent une qualité éthérée. Penn a abordé la photographie sur ce projet avec des principes qui allaient à l’encontre de l’élégance brillante des pages de magazine.
Les voyages d’Irving Penn
Les voyages d’Irving Penn pour Vogue ont augmenté entre 1964 et 1971, l’emmenant au Japon, en Espagne, au Cameroun,au Dahomey, au Népal, en Crète, en Nouvelle-Guinée et au Maroc. Au cours de ces voyages, Irving Penn était de plus en plus libre de se concentrer sur ce qui l’intéressait vraiment: faire des portraits de personnes à la lumière naturelle.
Lors des premiers voyages, il a adapté des espaces comme un garage ou une grange, et a noté le rôle crucial d’un environnement neutre pour encourager l’échange respectueux qui l’intéressait. Finalement, cela l’a amené à construire un studio de tentes qui pourrait être démonté et transporté d’un endroit à un autre. Irving Penn sentait « dans ce vide de la tente » qu’ il y avait la possibilité de contact, une expérience émouvante pour les sujets eux-mêmes.
Le travail de Irving Penn a été mis en lumière sur les pages de Vogue , où il était largement diffusé. Cependant, au début des années 1950, les éditeurs ont commencé à sentir que les photographies de Irving Penn étaient trop « sévères » pour le magazine, ses publications ont été réduites et il s’est tourné vers la publicité.
Irving Penn a salué les défis que ce nouveau domaine offrait, en particulier dans les domaines de la photographie de nature morte, et a expérimenté avec des lumières stroboscopiques pour produire des images qui ont véritablement révolutionné la photographie publicitaire.
La révolution des années 60
Au début des années 1960, les budgets des magazines étaient tendus et la qualité des reproductions offset était en baisse. Bien que Irving Penn ait de nouveau photographié intensivement pour le magazine, il est devenu de plus en plus déçu par la façon dont ses photos apparaissaient sur la page, évitant de les regarder parce qu’ « elles font trop mal ».
La solution fut de lancer un renouveau des techniques d’impression, révolutionnaires à une époque où les tirages photographiques n’étaient pas considérés comme des objets artistiques. À partir de recherches et d’expérimentations approfondies, il a étudié des méthodes du XIXe siècle qui pourraient offrir un plus grand contrôle sur les variations et les tonalités subtiles qu’il recherchait à reproduire. Il a poursuivi ses recherches jusqu’à ce qu’il perfectionne un procédé complexe d’impression dans les métaux platine et palladium.
Les années 70 « le trésor des déchets de la ville »
Au début des années 1970, Irving Penn a fermé son studio de Manhattan et s’est plongé dans l’impression de platine dans le laboratoire qu’il a construit sur la ferme familiale de Long Island, NY. Cela a conduit à trois grandes séries conçues pour le platine: Cigarettes (1972, présentée au Musée d’art moderne en 1975), Street Material (1975-1976, présentée au Metropolitan Museum of Art en 1977) et Archéologie (1979-1980, exposé à la Marlborough Gallery en 1982).
Comme sa précédente série Nudes, cette œuvre s’écarte radicalement des usages dominants de la photographie. Bien que beaucoup l’ont trouvée répugnante, Irving Penn a vu dans le sujet « un trésor des déchets de la ville, des formes de couleurs, de taches et de typographies déformées intrigantes ».
Les années 80 d’Irving Penn
En 1983, Irving Penn a rouvert un studio dans la ville et a repris un calendrier chargé de travaux commerciaux et de revues. L’année suivante, il a été honoré d’une rétrospective organisée par John Szarkowski au Museum of Modern Art, qui a fait une tournée internationale jusqu’en 1989.
Après la rétrospective, Irving Penn a repris la peinture et le dessin comme une quête créative, incorporant même l’impression au platine dans sa pratique. Il a également trouvé la liberté de création grâce à une collaboration vivifiante à longue distance avec la designer japonaise Issey Miyake, qui a envoyé ses créations dynamiques et sculpturales à New-York pour que Irving Penn les interprète photographiquement.
Nature morte
À la base du travail de Irving Penn se trouve son talent spécial pour la nature morte auquel il a appliqué sa technique donnant à son travail, une couleur particulière, une signature. De ses premiers clichés pour Vogue à sa dernière série de travaux personnels, des images puissantes invitant à la contemplation de la conscience aiguë d’Irving Penn sont restées, gravées pour toujours.
Irving Penn a fréquemment inclus des éléments de memento mori et des sujets choisis qui pourraient sembler indignes d’un examen attentif, à première vue, ce qui donne à ses images un mordant qui persiste.
Les Portraits
Une grande partie du travail de Penn pour Vogue consistait en des portraits de célébrités, d’artistes, d’écrivains et d’autres personnalités pertinentes pour le reportage valorisées par le magazine. Ils constituent une véritable encyclopédie de l’histoire culturelle du XXe siècle.
Pour sa première campagne de portraits, il a mis en place des environnements inhabituels dans le studio pour que ses modèles s’y insèrent et réagissent contre un espace resserré fait de deux murs placés en biais, et un tapis en lambeaux drapé sur une base solide dans laquelle ils pourraient s’asseoir. Ceux-ci indiquent l’intérêt de Penn pour la perturbation, présent dans ses premiers travaux pour le magazine alors qu’il tentait de donner à ses images une granularité qui animerait la page.
Cette pratique a permis à Penn d’affiner sa capacité à reproduire l’environnement sans rien de plus qu’une toile de fond et un tabouret. Il évite les arrière-plans ornés qui pourraient distraire du sujet, dans ses portraits, Penn a cherché à distiller l’essence de son sujet.
La mode et Irving Penn
Tout au long de la longue carrière d’Irving Penn chez Vogue , la mode a été l’élément essentiel de son travail. Dans les années 1940, en utilisant des fonds en papier blanc et des compositions saisissantes pour souligner la forme, il a introduit un style concis dans la photographie de mode qui s’écartait des décors kitsch et fleuris qui définissaient le genre à l’époque.
En plus des photographies réalisées en studio de 1950 à 1995, Penn se rendait souvent à Paris pour photographier les collections haute couture pour des magazines. Jusqu’à la fin de sa vie, Penn a utilisé le même rideau de théâtre trouvé à Paris en 1950 comme toile de fond pour transformer une remarquable variété de styles et de dessins en images intemporelles. Dès le début, Irving Penn a cherché à exprimer la forme sculpturale des vêtements, un thème qu’il a exploré dans une collaboration spéciale avec Issey Miyake.
La fin de vie d’Irving Penn
La créativité de Irving Penn a prospéré au cours des dernières décennies de sa vie. Ses portraits innovants, ses natures mortes, ses photos de mode et de beauté ont continué à apparaître régulièrement dans Vogue. Le studio était occupé par des magazines, de la publicité et du travail personnel, ainsi que des projets d’impression et d’exposition.
Irving Penn a adopté avec enthousiasme de nouvelles idées, construisant des appareils photo pour photographier les débris sur le trottoir, expérimentant avec une bande de lumière en mouvement pendant de longues expositions ou avec l’impression couleur numérique.
Les projets de livres étaient également une priorité, et Irving Penn a accordé une attention particulière à leur production, de la conception à la qualité de l’impression. Déterminé à façonner l’ensemble des œuvres qu’il a laissées derrière une carrière aussi prolifique, il a également soigneusement structuré et réduit ses archives.
Particulièrement après la mort de Lisa en 1992, il a cherché du réconfort dans son travail et dans la structure de son horaire de studio, et il peignait la plupart du temps, le soir après le travail et le week-end. En 2009, Irving Penn est décédé à New -York, à l’âge de 92 ans.
Les expositions d’ Irving Penn
1975 Recent Works, Photographs of Cigarettes, Museum of Modern Art, New York
1975 I Platini di Irving Penn: 25 Anni di Fotografia, Galleria Civica d’Arte Moderna, Turin
1975 Platinum Plates, The Photographers’ Gallery, London
1977 Street Material. Photographs in Platinum Metals, The Metropolitan Museum of Art, New York
1980 Exhibition at the Center for Visual Arts, Oakland, California
1984 a retrospective, The Museum of Modern Art, New York
1986 Printemps des arts de Monte Carlo, Monte Carlo
1990 Master Images, National Museum of American Art and the National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
1990 Platinum Test Material, Center for Creative Photography, University of Arizona
1994 I Collection Privée/Privatsammlung, Musée d’Art et d’Histoire, Fribourg, Switzerland
1995 A Donation in Memory of Lisa Fonssagrives-Penn, Moderna Museet, Stockholm
1997 Le Bain: Dancers’ Workshop of San Francisco, Maison Européenne de la Photographie, Paris
1997 A Career in Photography, The Art Institute of Chicago
2001 Objects (Still Lifes) for the Printed Page, Museum Folkwang, Essen
2002 Dancer: 1999 Nudes by Irving Penn, Whitnew Museum of American Art, New York
2002 Earthly Bodies: Irving Penn’s Nudes, 1949–1950, The Metropolitan Museum of Art, New York
2004 Dahomey (1967), The Museum of Fine Arts, Houston
2005 Irving Penn: Platinum Prints, the National Gallery of Art, Washington, D.C.
2008 Close Encounters, Morgan Library & Museum, New York
2009 The Small Trades, J. Paul Getty Museum, Los Angeles: a collection of 252 full-length portraits by Penn from 1950 to 1951
2010 Exhibition at the National Portrait Gallery (London): an exhibit of over 120 portraits of people from the worlds of literature, music and the visual and performing arts
2012 Diverse Worlds, Museum of Modern Art (Moderna Museet), Malmö, Sweden
2013 On Assignment, Pace Gallery, New York City, New York.
2015-2016 Beyond Beauty, career retrospective of 146 photographs at the Smithsonian American Art Museum.
2017 Centennial, Metropolitan Museum of Art, New York City;[21] Irving Penn – Le Centenaire, Grand Palais, Paris.
Les livres d’Irvin Penn
Moments Preserved. 1960
Worlds in a Small Room. 1974. ISBN 978-0-670-79025-8
Inventive Paris Clothes, 1909–1939. 1977. ISBN 0-670-40067-X
Flowers. 1980. ISBN 0-517-540746
Passage. 1991. ISBN 0-679-40491-0
Drawings. 1999. ISBN 0-9665480-0-0
The Astronomers Plan a Voyage to Earth. 1999. ISBN 0-9665480-1-9
Irving Penn Regards The Work of Issey Miyake. 1999. ISBN 0-224-05966-1
Still Life. 2001. ISBN 0-8212-2702-5
A Notebook at Random. 2004. ISBN 0-8212-6192-4
Photographs of Dahomey. 2004. ISBN 3-7757-1449-9
Livres à propos d’Irving Penn
A Career in Photography. Colin Westerbeck. 1997.
Earthly Bodies: Irving Penn’s Nudes, 1949-50. By Irving Penn, Maria Morris Hambourg, Metropolitan Museum of Art, 2002.
Platinum Prints. Sarah Greenough, David Summers. 2005.
Small Trades. 2009. ISBN 978-0-89236-996-6
Irving Penn Portraits. 2010. ISBN 978-1-85514-417-0
Beyond Beauty. Merry A. Foresta. Yale University Press, 2015. ISBN 978-0-300214-901
Centennial. Maria Morris Hambourg, Jeff L. Rosenheim, Alexandra Dennett, Philippe Garner, Adam Kirsch, Harald E.L. Prins, Vasilios Zatse., New York: Metropolitan Museum of Art/Yale University Press, 2017. ISBN 978-1588396181
Irving Penn: Le Centenaire. Paris: Editions de la Réunion des musées nationaux, 2017.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mass HysteriaOlympia est le second live que j’ai fait pour le groupe. Le précédent live, je l’avais shooté au BIKINI à Toulouse. LE BIKINI est LA salle du sud de la France, elle et son boss, le bien nommé Hervé, bon vivant légendaire du rock’n roll, lui et ses fantastiques magrets de canard (…). Pour ce second live, on passait d’une salle fantastique, à une salle mythique : l’Olympia à Paris. Le 5 avril 2013 est donc une date important pour Mass Hysteriaet pour moi.
Après une journée à tourner dans les 4 coins de cette salle mythique, une soirée riche en décibels et en sueur, je me suis attelé à créer les visuels des versions CD et DVD de ce double album que je vous laisse découvrir ci-dessous.
Mass Hysteria Olympia : Le concert
Le groupe avait annoncé son passage dans la mythique salle parisienne de L’Olympia pour fêter comme il se doit ses 20 ans. C’est dans une salle complète et bouillante et devant 2200 furieux que le groupe a célébré ses 20 ans.
Pour compléter l’événement, histoire de compliquer la tâche, Mass Hysteria a invité deux formations : The Arrs, qui ouvrira le bal avec un nouvel album en poche à présenter au public, et Punish Yourself, le combo industriel toulousain.
Ce concert fait le tour de la carrière du groupe pour nous offrir probablement le meilleur de La discographie. Le groupe en profite pour réunir le Line Up original pour le plaisir des fans de la première époque.
Le groupe vise haut, mélange les tempos et les ambiances pour créer des moments forts en maintenant ce lien qu’il a toujours eu avec le public. Il s’agit bien d’une des qualités du groupe une proximité et un respect qui lui permet de générer cette furia propre qu’au groupe.
Mass Hysteria Olympia est un album de 21 titres pour environ 1h40 de Furia.
Mass HytseriaOlympia l’album live le plus complet du groupe, mais également comme un très beau cadeau pour les fans du groupe.On y retrouve les classiques. Des titres comme Positif à Bloc, World on Fire, Babylone, Une Somme de Détails….
La version Blue Ray commence par l’installation des mythiques lettres sur la façade de l’Olympia, la célèbre salle de concert parisienne qui a vu passer des milliers d’artistes. C’est cette image qui sert de fond au menu du disque.
Ce Blu-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia, le set grandiose du Hellfest et le clip vidéo de « Même si J’explose ».
Erwan Disez — guitare (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
Stéphan Jaquet — basse (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
Pascal Jeannet — chœurs (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
Une version Blu Ray a également été éditée, mais la piste 5.1 étant défectueuse (contrairement à la PCM et la 2.0) sa commercialisation s’est limitée à la sortie. À noter qu’elle contenait en bonus inédit l’intégralité du concert au Hellfest de 2013.
Récompense de Mass Hysteria Olympia
En mars 2018, soit 5 ans après sa sortie, il s’est vendu à plus de 7 500 exemplaires et est certifié vidéo or.
L’histoire du groupe MASS HYSTERIA
Mass Hysteria est né en 1993 dans le 20ème arrondissement de Paris, le groupe est constitué en grande majorité de bretons immigrés. Mass Hysteria enregistre 2 démos avant de produire le premier album. Des démos où la guitare est tenue par Alain Fornassari un ancien de Treponem Pal. Le groupe trouve sa configuration de croisière avec l’arrivée de Pascal aux machines et de Yann Heurtaux à la seconde guitare.
En 1997, le premier album suivi d’un live les placeent au sommet du Métal Industriel. Kmar, le chanteur de No One Is Innocent n’hésite pas à les encenser en affirmant que Mass Hysteria est » un des seuls trucs qui soit arrivé comme ça, qui a débarqué et qui tient vraiment bien la route » .
Et puis, en 2005, c’est la chute : l’album éponyme tente une percée vers la poprock. A tel point que 3 morceaux sont signés par Miossec… Une déconvenue commerciale qui signe un retour aux sources avec la sortie de « Une somme de détails » en 2007 où l’on trouve Fred de Watcha à la préproduction… Et Emmanuelle Monet (ex Dolly) sur le dernier titre en hommage à son bassiste décédé en 2006.
Un très bon opus qui (re)place Mass Hysteria comme un des leaders de Métal français. Et pourquoi pas une percée hors de l’Hexagone puisque pour « Contraddiction » – déjà – Korn, médusé par la puissance du groupe, évoquera une participation des frenchies à leur US Family Values !
En juillet 2009, c’est Metallica qui souhaite les voir assurer leur première partie aux Arènes de Nîmes. Un beau défi qui devance de quelques mois la sortie de leur 5ème album sorti fin septembre.
Mais autant de défis scéniques ne pouvaient rester sans récompense : en juin 2011 « Mass Hysteria live » témoigne, une seconde fois dans l’histoire du groupe, de cette puissance ravageuse. Le tout enregistré au Bikini à Toulouse et au Hellfest en Bretagne.
« L’armée des ombres » sort en 2012 suivi un an plus tard d’un autre live enregistré le 5 avril 2013 à l’Olympia et au Hellfest de la même année par Arte. En 2015, Nicolas Sarrouy quitte le groupe remplacé par le guitariste et producteur Fred Duquesne.
En 2016, ils sont de nouveau au Hellfest où ils affirment haut et fort que Clisson est bien en Bretagne !
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
BONUS: Critique de l’album Mass Hysteria – A L’Olympia (Live) par Karnogal de lagrosseradiométal.com
En bonus un retour sur la critique de l’album MASS HYSTERIA à L’Olympia par la grosse radio.com lors de la sortie de l’album en DVD. En Un grand merci à eux pour ce retour intéressant.
Poursuivant son parcours extrêmement riche depuis la sortie de L’Armée des ombres, Mass Hysteria vient de sortir un troisième album live enregistré à l’Olympia en avril 2013 à l’occasion de ses vingt ans. Histoire de poursuivre une année extrêmement riche, la bande se fait également plaisir en proposant cet enregistrement en DVD et Blue Ray. Ben l’ancien va se faire un plaisir de décortiquer ce dernier. Mais d’abord, place au CD!
5 avril 2013. Une date à placer sous le signe de la fête et de la réussite. En effet, Mass Hysteria avait annoncé que ce passage dans la mythique salle parisienne qu’est L’Olympia serait l’occasion de fêter ses vingt ans. Et c’est donc dans une salle complète de chez complète et devant 2200 furieux et furieuses que le groupe a célébré sa double décennie.
Ces furieux et furieuses ont d’ailleurs été particulièrement gâtés. Avec 21 pistes pour environ 1h40 d’indus-metal, À L’Olympia s’affiche non seulement comme l’album live le plus complet du groupe, mais également comme un très beau cadeau pour ses fans.
La discographie, composée de sept disques, voit tous ses classiques joués avec une énergie et une rage évidente (même sans les images!). Seul Mass Hysteria est laissé de côté, ce qui n’est surement pas une mauvaise chose pour certains.
Après avoir envoyé du très très lourd avec le totalement efficace « Positif à bloc », Mass Hysteria continu de manœuvrer le bulldozer L’Armée des ombres avec « Tout doit disparaitre ».
Pierre angulaire de ce live, la dernière production de MH voit huit de ses pistes jouées lors de ce concert. Les classiques « P4 », « Donnez-vous la peine » ou encore « Babylone » sont évidemment présents et le plaisir que l’on ressent, aussi bien chez les musiciens que dans les oreilles, est le même que lorsque l’on écoutait ces titres il y a cinq, dix ou quinze ans.
La bande reste fidèle à elle même en terminant sa setlist par des compositions qui ont fait son succès comme « Respect to the Dancefloor » ou la complètement déjantée « Furia ».
Célèbre pour être très proche de son public, Mouss Kelai n’est pas avare en parole et clame régulièrement son amour pour la scène française. Seul bémol, certaines de ses interventions ont été coupées nette. Dommage. Enfin côté son, l’équilibre entre chaque instrument est excellent. On a plus qu’à fermer les yeux et s’imaginer les cinq bonhommes retourner la scène avec frénésie
.
Bilan des courses: À L’Olymbia est un très bon album live avec pour seul défaut son manque de surprise. Les classiques, et seulement les classiques, composent ces deux disques. Des titres comme « Attracteurs étranges » ou encore un « Killing The Hype » auraient été les bienvenues. Mais en dépit de cette petite déception, Mass Hysteria comblera tous ses fans.
Le son c’est génial, l’image, c’est encore mieux, surtout chez Mass Hysteria qui a toujours apporté à l’aspect visuel de ses créations beaucoup de soin, aidé en cela par l’extraordinaire travail d’Eric Canto.
Pour célébrer dignement ses 20 ans, le groupe investit donc l’Olympia, et c’est tout naturellement que le Blue Ray s’ouvre sur l’installation des mythiques lettres rouges sur la façade de la célèbre salle de concert parisienne.
C’est d’ailleurs cette image qui sert de fond au menu du disque et Mouss le rappellera avec une poignante sincérité durant le concert » les grands groupes, ils sont blasés …pour eux, l’Olympia, c’est un showcase, mais pour nous, c’est 20 ans pour arriver à ça, et un putain de bonheur ! »
Dans le détail, le blue-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia (set entier ou accès par titre), le set hallucinant du Hellfest et la vidéo de « Même si J’explose ». Dans le détail, le blue-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia (set entier ou accès par titre), le set hallucinant du Hellfest et la vidéo de « Même si J’explose » C’est un peu léger et cela me donne l’occasion de souligner une légère déception, dans ce format, point de documentaire sur la tournée des festivals de l’été, uniquement disponible sur le DVD.
Côté audio, c’est le classique choix : stéréo ou 5.1.
Avant de revenir sur le concert parisien, parlons du clip. C’est une pure merveille ! Esthétiquement très travaillé avec un sublime rendu noir et blanc, des ralentis et des gros plans de toute beauté, cette vidéo referme magnifiquement le visionnage (eh oui, je commence par la fin, comme dans un roman qu’on attend avec impatience).
Le concert du Hellfest… à part vous conseiller d’aller lire le report publié fin juin, que dire ? Que Mouss était définitivement dans une très grande forme ce jour-là, insufflant une énergie diabolique à cette prestation, que le groupe et le public ne faisait qu’un, et que rien que pour l’image du circle pit sur « P4 » avec Mouss, Nico et Yann encerclés par une marée humaine tourbillonnante, l’achat de cette vidéo est purement indispensable !
Inutile d’en dire plus, si ce n’est peut-être que la durée du set (45 minutes) confère à ce gig une atmosphère d’urgence encore plus palpable que sur un concert classique du combo.
Mais abordons maintenant le véritable objet de cette chronique (en essayant de ne pas trop être redondant avec ce que Karnogal vient de vous dire (et auquel j’adhère tout à fait).
On démarre avec l’entrée dans la salle (chargée d’histoire) entrecoupée de courte interviews de fans. Sur scène, le noir se fait et l’intro voit des percussions japonaises martelées un rythme lancinant, tandis qu’en milieu de scène se dressent les deux personnages qui illustrent la pochette de L’Armée des ombres. Un long moment de calme, de fascination, d’immobilisme terminé par un noir assez long. Lorsque la lumière revient, le quintet est sur scène et c’est l’explosion avec l’ouverture sur « Positif à bloc ».
Visuellement, c’est simple, c’est la première fois que je regarde une vidéo de concert qui donne REELLEMENT l’impression d’assister au spectacle, d’être totalement immergé dans l’action. Le secret ?
En plus des prises de vue habituelles, des caméras dans le public, ou bien en fond de salle mais filmant à ras des spectateurs donnent un réalisme hors norme à cette captation (y compris quand les cadreurs se font embarquer dans les mouvements de foule !).
La réalisation est très organique (sans surjouer dans le montage épileptique) et j’ai particulièrement apprécié la discrétion des cameramen sur scène qu’on ne voit quasiment pas dans le montage
Quelques lignes plus haut, j’ai parlé de quintet, mais c’est faux, car ce soir-là, encore plus que les autres, outre Mouss, Yann, Nico, Vincent et Raphaël, il faut aussi compter le public, omniprésent (sur Babylone, c’est juste époustouflant !), ressemblant autant à un océan déchaîné qu’à un lac de lave en fusion. Un mouvement permanent secoué de spasmes, de convulsions.
Et puis il y a ces visages, proches de l’extase, ces regards dans lesquels on lit la ferveur, mais aussi la reconnaissance, le plaisir de voir le chemin parcouru, tous ces fans connaissant tous les textes du premier au dernier mot…Une osmose qui atteint peut-être son paroxysme sur les morceaux les plus calmes, notamment « Remède » (et tant pis si ce titre voit Mouss être approximatif dans sa justesse).
Une foule qui mange littéralement dans la main du vocaliste, qui s’exécute lorsque celui-ci lui demande de se séparer en deux pour un braveheart (difficile à mettre en place dans l’exiguïté de la salle, mais qui donne lieu à une mémorable bataille !).
La soirée défile à grande vitesse et pour donner une dimension encore plus humaine à cette célébration, le groupe remercie son staff dans un superbe hommage (ingé son, light) mais appelle aussi les anciens membres et même tous les gamins des musiciens (il faut voir l’émotion et la fierté de Yann, prenant son bout de chou dans les bras et venant se poster en milieu de scène) avant une version ultra festive de « Respect to The Dancefloor ».
Le final est carrément surprenant avec l’arrivée de danseuses brésiliennes avant « Furia » (un joli clin d’œil aux grandes heures de ce temple parisien de la variété).
Que vous aimiez Mass Hysteria ou que vous souhaitiez simplement découvrir ce groupe, précipitez-vous sur ce témoignage live car il est aussi impressionnant que fidèle à tout ce que ce combo peut représenter dans le paysage métal français. Un must !
Pendant les années 60, la musique rock était un élément fondamental du divertissement collectif.
Pendant ce temps, une autre vague musicale s’est également développée, connue sous le nom de heavy métal, dérivée de grands interprètes avec une toute nouvelle approche des compositions de chansons et des performances live.
Il a été largement accepté par des millions de jeunes, qui se sont immédiatement identifiés avec ses paroles et son visuel.
Des sons intenses et puissants de riffs déformés et des motifs de batterie uniques, accompagnés d’une forte présence de la guitare électrique et des sons stridents typiques du genre dont il est dérivé, c’est la marque de ce style musical.
Bien que l’apparition de ce genre se soit produite fin des années 60, sa popularité continue de croître aujourd’hui, on peut donc affirmer avec certitude que le heavy métal sera toujours présent et résonnera.
Heavy Métal
Origines du heavy métal : comment le terme a-t-il été créé ?
L’origine de ce mot provient de plusieurs sources, il est donc difficile de déterminer exactement où il a été créé.
Cependant, certaines théories semblent répondre à cette question.
Bien que le mot dérivé du célèbre romancier William Burroughs soit largement accepté, qui inclut dans l’un de ses romans un personnage dont le surnom est «le garçon de heavy métal», le terme remonte au 19e siècle.
Le terme est apparu pour la première fois dans les paroles du célèbre album de Steppenwolf «Born to be Wild» (1968) et en 1970, les critiques de musique faisaient déjà référence au terme heavy métal Music comme un style spécifique et unique.
Si nous remontons à la naissance du heavy métal, il y a un grand fond de musique classique.
Des guitaristes expérimentés dans la musique classique ont développé de nouvelles formes d’accords et de progressions solo.
Cette influence a donné naissance à une approche complètement nouvelle des compositions, de l’énergie, de l’atmosphère, des solos de guitare, des voix, des paroles et des performances live.
Les musiciens ont commencé à s’écarter des sonorités classiques standard et les ont mélangées à de lourds riffs et motifs de batterie.
Les paroles avaient un thème de base et tournaient autour d’un message personnel. Les chansons devenaient de plus en plus ciblées et politiques.
Dans les années 1960, le heavy métal s’est propagé dans les esprits musicaux du monde et a gagné une place solide sur presque tous les continents.
AVATAR-metal-band-concert-festival-nimes-credit photo Eric CANTO
Précurseurs du heavy métal
L’histoire du heavy métal est un peu déroutante, et il n’est pas possible de dire exactement où et quand il est apparu.
Ceci grâce au fait que ce genre a différentes influences musicales, c’est-à-dire que différentes régions du monde ont apporté une contribution significative au concept qui existe aujourd’hui.
On sait qu’au milieu des années 1960, de nombreux groupes britanniques ont exercé une véritable influence pour renforcer les fondations du heavy métal. Ce sont ces artistes qui ont grandement contribué à ce que nous savons maintenant du heavy métal.
Des groupes comme Cream, The Jeff Beck Group et The Yardbirds ainsi que des professionnels comme Jimmy Hendrix étaient connus pour faire des rythmes de batterie lourds, des riffs déformés et uniquement des basses profondes.
Ces styles n’avaient jamais été expérimentés auparavant. Ces nouvelles formes ont détourné la musique rock centrale basée sur le blues vers une approche plus lourde (heavy métal) et de ces mélanges, il a été possible de valider que ce nouveau mouvement allait complètement secouer toute l’industrie du rock.
De nombreuses théories indiquent que ceux qui ont suivi les traces des artistes susmentionnés et ont commencé à jouer du vrai heavy métal étaient le groupeBlack Sabbath.
Puisqu’ils ont réussi à intégrer le heavy du genre avec d’autres éléments caractéristiques, grâce à leur succès, ce groupe a ouvert la voie à de nombreux autres qui s’ajouteront à la liste des groupes de heavy métal au cours des prochaines années.
Ces nouveaux mixages sonores sont devenus de plus en plus populaires dans les années 70 par des groupes de pionniers anglais comme Led Zeppelin et Deep Purple, qui ont complètement modelé le concept actuel du heavy métal.
Bien sûr, il existe de nombreux autres noms de groupes qui sont également apparus simultanément.
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Comment le heavy métal a-t-il marqué l’histoire ?
La musique est une forme d’expression qui agit comme une entité libérant de l’énergie. Par conséquent, beaucoup pensent que le heavy métal incite à la violence. Le heavy métal représente surtout l’expression de sentiments négatifs.
Cependant, la musique à elle seule n’encourage pas les actes de vandalisme ou le non-respect de la loi. Depuis que le genre a atteint le sommet de sa popularité, beaucoup se sont fortement prononcés contre lui. Une chose est claire : tout le monde ne partage pas la même idéologie et peu se reconnaissent dans les paroles, les sentiments et les situations que la plupart des artistes du genre décrivent dans leurs compositions.
Le heavy métal a toujours été au centre des critiques depuis son apparition et certains groupes politiques ainsi que des universitaires l’ont blâmé pour avoir poussé au crime et à la violence.
Les amateurs de heavy métal ont noté qu’il n’y avait pas de lien entre la violence et la musique, au contraire, il a exploré un large éventail de possibilités d’expression à travers son son puissant.
Le heavy métal a émergé dans le but d’exprimer les sentiments que beaucoup réprimaient, et sa popularité a augmenté parce que des millions de personnes partageaient les mêmes sentiments que cette musique a réussi à transmettre.
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Beaucoup des premiers groupes de heavy métal, tels que Led Zeppelin, Deep Purple, Uriah Heep et UFO, sont maintenant considérés, au sein de la communauté métal actuelle, comme des groupes de heavy métal au sens où vous l’entendrez aujourd’hui, mais plutôt comme des groupes de hard rock.
Beaucoup de ces groupes ne se revendiquent pas du heavy métal, même s’ils admettent, que grâce à leurs œuvres, le développement du genre. À cette époque, ainsi que dans les années 70, les concepts de heavy métal et de hard rock étaient en fait à peu près synonyme.
Pour illustrer la confusion des genres qui en résultent, on peut citer le groupe de rock progressif Jethro Tull, qui n’est pas considéré comme un groupe de heavy métal et qui n’a jamais prétendu appartenir à ce genre, mais qui a marqué l’esprit avec l’album Aqualung (1971) 72 , dans un style similaire aux codes du heavy métal, le groupe a reçu après de nombreuses années un Grammy Award du meilleur album du genre pour « Crest of a Knave (1987) ».
Un autre groupe qui flirte également avec les frontières encore floues entre le rock psychédélique et le heavy métal: Hawkwind, notamment sa chanson Master of the Universe (1971). De nombreux artistes précurseurs de métal sont également considérés comme des précurseurs punk tels que The Stooges, MC5, Grand Funk Railroad, The Who, The New York Dolls, The Troggs et Blue Cheer.
Pochette d’album : comme le suggèrent les lois de la physique, vous verrez les choses avant de les entendre. Ce n’est pas différent quand il s’agit d’écouter un album ou une chanson, car le plus souvent, avant d’appuyer sur la lecture, la première chose qui attirera votre attention est la Pochette d’album, son esthétisme, ses couleurs, son message…
Dans cet article, je vais explorer la relation entre la musique et les œuvres d’art, en détaillant son importance pour améliorer l’expérience de l’auditeur, mais aussi, comment les œuvres d’art ont changé et continueront de changer à l’ère numérique.
Pochette d’album: Relation entre l’œuvre d’art et la musique
Bien qu’il puisse sembler qu’un album soit centré uniquement sur la musique, l’illustration ornant sa pochette est essentiellement l’équivalent de la couverture d’un livre. En effet, la musique est une expérience qui met tous nos sens en éveil. L’auditeur va ressentir l’émotion générée par l’univers de l’artiste, parce que la musique va nourrir son imagination. C’est pour cette raison que l’artwork est important dans la musique.
En conséquence, les œuvres d’art et la musique vont de pair.
Les clips vidéo font partie intégrante de l’industrie musicale et il en va de même pour les illustrations de votre album.
L’œuvre d’art sert de portail à ce que l’auditeur peut attendre d’un album, et même à quel type de musicien se cache derrière la créativité.
Des couvertures d’album solides font une déclaration, car après tout, cette imagerie est l’occasion de faire la bonne première impression.
De nos jours, avec les nombreux progrès technologiques, les fabricants de disques sont capables de produire un kaléidoscope de vinyles de toutes les couleurs et de tous les motifs.l’aspect visuel sert un projet musical, le met en avant et influence le public.
Ainsi, le vinyle physique lui-même devient partie intégrante de l’œuvre d’art et à son tour partie intégrante de l’expérience musicale collective. On écoute aussi avec les yeux.
Pochette d’album
Pochette d’album : L’évolution de l’oeuvre dans l’industrie musicale actuelle
Avant Internet, la musique ne pouvait être achetée que dans un format physique et, par conséquent, l’emballage et la présentation d’un album étaient primordiaux pour assurer son succès commercial.
Les artistes avaient une toile en carton de 30 x 30 cm ou une boîte en plastique de 10 x 10 cm pour embellir les albums avec des illustrations qui inciteraient les auditeurs à prendre en mains l’objet, le découvrir pour finalement l’acheter.
De nos jours, les pochettes d’album et de single apparaissent comme de minuscules carrés sur nos bibliothèques de musique et nos sites de streaming. Pourtant, malgré cette miniaturisation, ces aides visuelles sont toujours d’actualité.
Pochette d’album : Avons-nous encore besoin d’une cover, d’un artwork ?
Lorsque nous écoutons de la musique, nous voulons ressentir d’une certaine manière, être transporté dans un endroit entièrement différent, et laPochette d’album peut aider à le faire.
La sensation de toucher est également quelque chose qui améliore l’expérience d’écoute.
Malgré la récente augmentation des sites de streaming musical, les ventes de vinyles ont continué d’augmenter au cours des cinq dernières années environ, ce qui a donné aux artistes la liberté de travailler sur une plus grande toile.
Quoi qu’il en soit, il est quelque chose de spécial et profondément personnel de placer un vinyle sur une platine et d’écouter un album tout en ayant la pochette à portée de main.
Et n’oublions pas que pour un artiste, se créer une identité artistique est primordiale pour se démarquer et se faire un nom. L’identité visuelle de l’artiste (typographie, charte graphique, une histoire, pochettes, affiches de concerts…) est donc primordiale pour que son nom et projet musical soient reconnus.
Sur la plupart des versions de luxe, les artistes ont tendance à inclure des illustrations d’accompagnement, des photographies, des livrets de paroles, qui sont tous conçus pour l’interaction.
Cela nous amène également à l’un des aspects les plus sous-discutés de l’attrait esthétique des couvertures de vinyle : la texture.
Certaines pochettes sont fabriquées avec un extérieur brillant, tandis que d’autres optent pour un style parchemin plus rugueux.
Cet aspect de la création de pochettes d’album joue sur le toucher.
C’est une caractéristique que l’on retrouve chez les lecteurs. Toucher le livre apporte une certaine dimension à sa lecture. Il en va de même pour les vinyles.
Même si les illustrations d’album sont maintenant (principalement) réduites à une minuscule vignette sur nos écrans, c’est toujours un aspect si important du processus de création d’un monde pour un album particulier.
Donc, afin de répondre à la question de savoir si nous avons encore besoin de pochettes d’album, je vous laisse avec une pensée : imaginez ce que ce serait, si tous les CD, vinyles, albums numériques que vous possédez n’avaient pas d’illustration.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
C’est un élément clé de la présentation visuelle d’un album musical. Elle est souvent constituée d’une image ou d’une illustration, accompagnée du nom de l’artiste, du titre de l’album et éventuellement d’autres informations. La Pochette d’album peut également contenir les paroles des chansons, les crédits de l’album, les remerciements ou autres éléments qui peuvent être pertinents pour le projet musical.
Quels sont les différents types de pochettes d’album ?
Il existe différents types de pochettes d’album, allant de simples photographies en noir et blanc à des illustrations complexes et colorées. Certaines pochettes d’album mettent en avant l’image de l’artiste, tandis que d’autres se concentrent sur une idée ou un concept en particulier. Les pochettes d’album peuvent également varier en termes de taille et de forme, allant de petits formats pour les CD à des Pochette d’album plus grandes pour les vinyles.
Qui crée les pochettes d’album ?
Les pochettes d’album peuvent être créées par des graphistes, des designers, des illustrateurs ou même des artistes eux-mêmes. Les artistes ont souvent une vision claire de ce qu’ils veulent pour leur Pochette d’album et peuvent travailler avec des designers pour réaliser cette vision. Dans d’autres cas, les labels peuvent embaucher des graphistes ou des designers pour travailler sur la pochette de l’album.
Comment la pochette d’album peut-elle influencer l’expérience d’écoute ?
La Pochette d’album peut jouer un rôle important dans l’expérience d’écoute d’un album. Elle peut évoquer des émotions et des sentiments, ou offrir un aperçu visuel de l’ambiance et du ton de l’album. En tant qu’élément clé de l’identité visuelle de l’album, la pochette peut également influencer la façon dont les auditeurs perçoivent l’artiste et le projet musical dans son ensemble.
Quelles sont certaines des pochettes d’album les plus emblématiques de l’histoire de la musique ?
Il y a de nombreuses pochettes d’album iconiques dans l’histoire de la musique. Voici quelques exemples :
« Abbey Road » des Beatles : l’image des quatre membres du groupe traversant un passage clouté est l’une des images les plus emblématiques de l’histoire de la musique.
« Nevermind » de Nirvana : l’image d’un bébé nageant sous l’eau pour attraper un billet de un dollar est devenue une icône culturelle.
« The Dark Side of the Moon » de Pink Floyd : la pochette représente un prisme lumineux traversant un triangle, un visuel qui est devenu indissociable de la musique elle-même.
Comment créer une pochette d’album?
Il y a plusieurs façons de créer une pochette d’album, mais voici quelques étapes générales pour vous aider à démarrer:
Définissez le concept et le thème de votre album: pensez à ce que vous voulez communiquer à travers votre musique et à ce qui représente le mieux l’essence de votre travail. Cela peut vous aider à définir le style visuel de votre pochette d’album.
Trouvez un designer graphique ou un photographe: Si vous n’êtes pas un expert en conception graphique ou en photographie, il peut être utile de faire appel à un professionnel pour créer votre pochette . Assurez-vous de trouver quelqu’un qui comprend votre vision artistique et qui peut travailler en étroite collaboration avec vous pour réaliser votre projet.
Sélectionnez une image ou une illustration: Si vous travaillez avec un photographe, discutez avec lui des images que vous souhaitez utiliser. Si vous travaillez avec un designer graphique, vous pouvez envisager d’utiliser une illustration ou une création numérique. Assurez-vous que l’image que vous choisissez est de haute qualité et convient à la taille de la pochette d’album .
Concevez votre pochette : travaillez avec votre designer graphique ou photographe pour créer un design qui reflète votre concept artistique. Assurez-vous que le nom de l’artiste et le titre de l’album sont clairement visibles, ainsi que les informations nécessaires telles que le nom du label et les crédits de production.
Soignez les détails : la pochette de votre album est souvent le premier point de contact avec votre public. Assurez-vous que le design est cohérent avec votre image artistique et le thème de l’album. Prenez le temps de vérifier les détails tels que les couleurs, les polices et les images pour vous assurer que tout est cohérent et professionnel.
Imprimez votre pochette d’album: une fois que vous êtes satisfait de votre design final, il est temps de l’imprimer. Trouvez une imprimerie qui peut imprimer des pochettes d’album et assurez-vous que le design est imprimé sur un support de haute qualité.
Comment trouver des inspirations pour des pochettes d’album ?
Il existe de nombreuses façons de trouver de l’inspiration pour les pochettes d’album. Voici quelques idées pour vous aider:
Recherchez les pochettes d’albums de vos artistes préférés: Analysez les pochettes d’album d’artistes que vous appréciez pour voir comment ils ont représenté leur musique visuellement.
Parcourez les galeries d’art: Visitez des galeries d’art pour découvrir des œuvres qui peuvent inspirer votre pochette . Les expositions de photographie, de peinture ou de design peuvent fournir des idées intéressantes pour votre design.
Parcourez les sites web de design graphique: Il existe de nombreux sites web qui présentent des conceptions graphiques pour les pochettes d’album et d’autres projets. Parcourez ces sites pour voir les tendances actuelles et pour trouver de l’inspiration pour votre propre pochette .
Quels sont les différents types de pochettes d’albums?
Il existe de nombreux types de pochettes d’albums, chacune avec ses propres caractéristiques et avantages. Voici quelques-uns des types les plus courants :
Pochette standard : Il s’agit de la pochette d’album la plus courante pour les albums, généralement en papier cartonné avec une ouverture sur le côté pour insérer le disque. Elle peut comporter des illustrations, des photos ou des textes pour l’artwork.
Pochette gatefold : Une pochette gatefold s’ouvre comme un livre et a généralement plus d’espace pour les illustrations ou les photos. Elle peut contenir un livret ou un poster à l’intérieur, ou un disque supplémentaire.
Pochette en digipack : Il s’agit d’une pochette en carton pliable qui ressemble à une boîte à CD. Elle peut avoir plusieurs panneaux pour des illustrations ou des photos, ainsi qu’un livret.
Pochette en jewel case : Il s’agit d’une pochette en plastique rigide qui s’ouvre comme un livre et contient un livret. Elle est souvent utilisée pour les CD.
Pochette en vinyle coloré : Certaines pochettes pour les disques vinyles sont fabriquées à partir de vinyle coloré, ce qui ajoute un aspect visuel unique à la pochette d’album.
Comment peut-on créer une pochette d’album ?
Il y a plusieurs façons de créer une pochette d’album. Si vous êtes un artiste professionnel, vous pouvez embaucher un graphiste pour créer la pochette pour vous. Si vous êtes un artiste indépendant, vous pouvez créer vous-même la pochette à l’aide d’un logiciel de conception graphique comme Adobe Photoshop ou Illustrator.
Voici quelques étapes de base pour créer une pochette d’album :
Définir le concept et le thème de la pochette d’album
Sélectionner les images ou les illustrations qui seront utilisées pour l’artwork
Définir la police de caractères et la disposition pour le titre et les crédits de l’album
Créer une maquette pour avoir une idée de l’ensemble de la pochette d’album
Obtenir les autorisations pour les images et les illustrations utilisées si elles ne sont pas de votre propriété
Finaliser la conception et enregistrer les fichiers pour l’impression
Il est important de se rappeler que la pochette d’album est souvent le premier point de contact entre l’auditeur et l’artiste, il est donc crucial de créer une pochette d’album qui attire l’attention et reflète l’esthétique de l’artiste.
Les Déferlantes est un festival de musique incontournable en France, qui se déroule chaque été depuis 2007 à Argelès-sur-Mer, dans le sud de la France. Ce festival attire des milliers de fans de musique chaque année, grâce à une programmation éclectique qui met en vedette des artistes internationaux et nationaux de renom.
Le festival « Les Déferlantes » est un festival de musique qui se déroule chaque année en France, à Argelès-sur-Mer, dans les Pyrénées-Orientales. Il est organisé depuis 2007 et accueille chaque été des artistes nationaux et internationaux de renom dans différents genres musicaux, tels que le rock, la pop, l’électro, le hip-hop, le reggae, etc.
Le festival se déroule sur plusieurs jours et offre aux spectateurs des concerts, des animations et des activités variées. Le site du festival est situé en bord de mer, ce qui permet également de profiter de la plage et de l’environnement naturel de la région.
En plus de sa programmation musicale, le festival est également connu pour son engagement en faveur de l’environnement, avec une politique de développement durable et une sensibilisation du public à l’écologie.
Le festival Les Déferlantes propose une programmation variée, qui s’adresse à tous les goûts musicaux. Des artistes de renommée mondiale comme Muse, Depeche Mode et Arctic Monkeys ont déjà participé au festival, mais il y a aussi de la place pour les artistes émergents et les talents locaux. Le festival accueille également des DJ sets pour les fans de musique électronique.
Festival les Déferlantes Sud de France
Festival les Déferlantes Sud de France
La mer, un château, les vignes pour seul décor. Quatre jours de musique, de partage, de sourires, de rencontres et de découvertes sous le soleil catalan… Vivement l’été !
La naissance du Festival les Déferlantes Sud de France
Né de la rencontre de deux amis, David Garcia, programmateur au Médiator de Perpignan et Christophe Samitier, organisateur de soirées électro, l’événement illumine la belle région catalane et lui permet d’accueillir les plus grands noms du monde entier de Sting à Iggy POP en passant par Lenny Kravitz sans parler des Français comme -M-, IAM et une bonne liste de découvertes locales.
«Nous avions organisé Argelès Rock au printemps 2005 et lorsque les femmes méditerranéennes ont quitté Valmy Park, nous avons demandé à la communauté de changer de musique. Souvenez-vous de David Garcia qui, en 2007, avec l’aide de son ami le musicien Cali, a écrit sa première édition. Lors de la programmation, le directeur du festival explique d’abord la question des têtes d’affiche: »
Je me demande s’ils ne me coûteront pas un bras car les frais ont augmenté ces dernières années. Les premières offres aux artistes remontent à presque un an plus tôt. En fait, on nous informe qu’un musicien va tourner et on décide de se positionner dessus ou non. Cela s’applique à la fois aux têtes d’affiche et aux autres musiciens prévus. Cela peut prendre quelques mois avant le premier retour.»
L’avantage du Festival les Déferlantes Sud de France est leur capacité à plaire à toute la famille quels que soient leurs goûts musicaux. Pour s’en assurer, il faut prendre des décisions: « Nous essayons de trouver un équilibre pour nous assurer qu’une soirée n’est pas juste du rock ou du vintage par exemple. Nous nous assurons que le public trouve au moins deux artistes qui ils sont adorer puis découvrir. Il peut découvrir quelqu’un d’une autre génération ou quelque chose de nouveau. Nous nous assurons d’avoir un large spectre artistique. »
Ces passionnés de musique veulent stimuler la découverte et continuer à se connaître puis la partager … Pour y parvenir, ils attirent les festivaliers avec l’aide de grands noms avant de proposer leurs enregistrements du cœur de demain. À cela s’ajoute la présence de la scène Nouvelle Vague, dans laquelle seuls des artistes régionaux apparaissent.
Et la formule est payante: «En 2015, nous avions Christine and the queen, qui avaient très peu de date cet été. Nous en sommes très fiers. Nous avons également eu Arcade Fire en 2010. Plus personnellement, nous avons programmé les Spécials qui sont le groupe de ma vie. Nous devons également nous rappeler que nous sommes à Argelès, où il n’y a pas de grande salle, donc tout ce que nous avons est déjà génial.»
FESTIVAL LES DÉFERLANTES
L’engagement du festival Les déferlantes
Le festival Les Déferlantes est engagé en faveur de l’environnement et de la responsabilité sociale. Voici quelques exemples de son engagement :
Développement durable : Le festival met en place des actions pour limiter son impact sur l’environnement. Par exemple, il encourage les festivaliers à venir en transport en commun, en covoiturage ou à vélo. Il utilise également des énergies renouvelables, comme des panneaux solaires, pour alimenter une partie des équipements. Les déchets sont triés et recyclés autant que possible.
Responsabilité sociale : Le festival encourage l’inclusion sociale et la diversité. Il travaille avec des associations locales pour proposer des activités aux personnes en situation de handicap ou en difficulté sociale. Il offre également des opportunités d’emploi et de formation pour les jeunes de la région.
Sensibilisation du public : Le festival sensibilise les festivaliers aux enjeux environnementaux et sociaux à travers des animations et des actions de sensibilisation. Il propose également des espaces de rencontre et de débat pour discuter de ces enjeux avec le public.
Soutien aux associations : Le festival soutient des associations locales en leur offrant une visibilité sur le site et en leur permettant de collecter des fonds. Il organise également des actions de solidarité pour soutenir des causes sociales et environnementales.
L’ensemble de ces actions témoigne de la volonté du festival Les Déferlantes d’être un acteur responsable et engagé sur les plans social et environnemental.
Donnez vie à la région…
Sur place, les festivaliers sont étonnés de ne pas avoir l’habitude de voir de grands noms chez eux, de ne pas voir de concert dans cette belle ville au bord de la mer. Il n’est pas rare de leur parler uniquement pour les entendre raconter qu’ils sont heureux lorsqu’une affiche principale évoque le nom d’Argelès-sur-Mer.
Un sentiment que le réalisateur partage toujours: « Quand j’en parle, ça me fait peur. Le montage du festival est encore compliqué. On est dans les profondeurs de la France, il faut 5h30 en train pour arriver de Paris Joe Cocker, Lenny Kravitz, Sting … les voir dans la région était inimaginable il y a encore un certain temps. Avant de devoir faire tout un voyage pour les voir, ce n’est pas à tout le monde qui peux se payer une nuit d’hôtel, le transport, les billets…c’est un sacré coût », a-t-il déclaré.
Le lieu lui-même est un atout essentiel de l’événement: « Dans les Pyrénées-Orientales il y a des châteaux, la mer et les montagnes. Et quand il s’agit du Festival les Déferlantes Sud de France, il y a tout. C’est comme à Paris au même endroit que vous pourriez trouver le Louvre et la Tour Eiffel. »
FESTIVAL LES DÉFERLANTES
Toutes les informations pratiques sur le Festival les Déferlantes
Date : Le festival Les Déferlantes se déroule chaque année sur plusieurs jours en été. Les dates exactes peuvent varier d’une année à l’autre, mais elles sont généralement annoncées plusieurs mois à l’avance. Il est conseillé de consulter le site officiel du festival pour connaître les dates de l’édition en cours.
Lieu : Le festival se déroule à Argelès-sur-Mer, une ville située dans les Pyrénées-Orientales, dans le sud de la France. Le site du festival est situé à proximité de la plage, sur l’Esplanade de la Mer.
Accès : Le festival est accessible en voiture, en train ou en avion. Si vous venez en voiture, vous pouvez utiliser les autoroutes A9 ou A61 pour vous rendre à Argelès-sur-Mer. Si vous venez en train, la gare la plus proche est la gare d’Argelès-sur-Mer, à environ 3 km du site du festival. En avion, vous pouvez atterrir à l’aéroport de Perpignan-Rivesaltes, situé à environ 30 km d’Argelès-sur-Mer.
Hébergement : Il existe de nombreuses options d’hébergement à Argelès-sur-Mer et dans les environs, notamment des hôtels, des campings et des locations de vacances. Il est recommandé de réserver votre hébergement à l’avance, car les disponibilités peuvent être limitées pendant la période du festival.
Billets : Les billets pour le festival Les Déferlantes sont disponibles à l’achat sur le site officiel du festival, ainsi que dans certains points de vente physiques. Les tarifs varient en fonction des jours et des artistes programmés. Il est conseillé de réserver vos billets à l’avance, car le festival peut être complet certains jours.
Infos pratiques : Sur le site du festival, vous pouvez trouver des informations pratiques sur les horaires, les consignes de sécurité, les moyens de paiement acceptés, les points de restauration et les activités proposées sur le site.
R : Le Festival Les Déferlantes aura lieu du jeudi 7 juillet au dimanche 10 juillet.
Q : Où se déroule le Festival Les Déferlantes ?
R : Le Festival Les Déferlantes se déroule sur le site du Parc de Valmy, à Argelès-sur-Mer, dans le sud de la France.
Q : Comment puis-je obtenir des billets pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Les billets pour le Festival Les Déferlantes peuvent être achetés en ligne sur le site officiel du festival ou dans les points de vente autorisés.
Q : Y a-t-il des mesures de sécurité spéciales en place pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, le Festival Les Déferlantes dispose d’un plan de sécurité complet qui est mis en place pour garantir la sécurité de tous les participants. Cela comprend des fouilles à l’entrée, des patrouilles de sécurité et des caméras de surveillance.
Questions pratiques
Q : Puis-je amener de la nourriture et des boissons au Festival Les Déferlantes ?
R : Il est interdit d’apporter de la nourriture et des boissons sur le site du festival. Cependant, il y a de nombreux stands de nourriture et de boissons à l’intérieur du site.
Q : Y a-t-il un camping sur place pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, il y a un camping sur place pour le Festival Les Déferlantes. Les campeurs peuvent acheter un billet pour le camping qui leur donne accès au site du festival et au camping.
Q : Y a-t-il des restrictions d’âge pour assister au Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, les personnes de moins de 16 ans doivent être accompagnées d’un adulte pour assister au festival. Les personnes de moins de 18 ans ne sont pas autorisées à acheter ou à consommer de l’alcool sur le site du festival.
Questions sur les artistes
Q : Qui sont les artistes confirmés pour le Festival Les Déferlantes 2023 ?
R : Les artistes confirmés pour le Festival Les Déferlantes 2023 seront annoncés prochainement sur le site officiel du festival.
Q : Comment savoir quand mes artistes préférés joueront-ils au Festival Les Déferlantes ?
R : L’horaire complet des performances des artistes sera annoncé sur le site officiel du festival avant le début du festival. Vous pouvez également télécharger l’application officielle du festival pour avoir toutes les informations en temps réel.
Questions sur les billets
Q : Les billets pour le Festival Les Déferlantes sont-ils remboursables ?
R : Les billets pour le Festival Les Déferlantes ne sont pas remboursables, sauf en cas d’annulation du festival. Cependant, il est possible de revendre les billets sur des plateformes de revente officielles.
Q : Puis-je transférer mon billet à quelqu’un d’autre ?
R : Oui, vous pouvez transférer votre billet à quelqu’un d’autre en le revendant sur des plateformes de revente officielles. Il est important de noter que le billet doit être au nom de la personne qui assiste au festival.
Q : Puis-je acheter des billets pour une seule journée du Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, il est possible d’acheter des billets pour une seule journée du Festival Les Déferlantes. Les billets pour une seule journée sont généralement mis en vente après l’annonce de la programmation.
Q : Quel est le coût des billets pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Le coût des billets pour le Festival Les Déferlantes varie en fonction du type de billet que vous achetez. Les billets pour le festival peuvent être achetés en ligne sur le site officiel du festival et les prix varient en fonction de la date d’achat et du type de billet choisi.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Chaque été, le parc de Saint-Cloud, aux portes de Paris, se transforme en une scène musicale vibrante où les plus grands noms du rock, de la pop, et de l’électro se rencontrent pour le plus grand plaisir des festivaliers. Bienvenue à Rock en Seine, l’un des festivals de musique les plus emblématiques de France.
Depuis sa création en 2003, Rock en Seine a su s’imposer comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs de musique, attirant des milliers de spectateurs venus de tout le pays et d’ailleurs. Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers de Rock en Seine, en explorant son histoire, ses moments mémorables, et l’impact culturel qu’il a eu sur la scène musicale française et internationale.
1. L’Histoire de Rock en Seine : Du Début Modeste à la Gloire Internationale
1.1 Les Origines : Naissance d’un Festival
Rock en Seine a vu le jour en 2003, une époque où la scène musicale parisienne avait besoin d’un nouvel élan. À l’origine, le festival a été conçu pour combler un vide dans l’agenda des festivals en France, qui manquait alors d’un événement majeur consacré au rock et aux musiques alternatives. Le pari était audacieux : organiser un festival à la fin de l’été, après la plupart des autres grands événements musicaux.
Le parc de Saint-Cloud : Le choix du lieu s’est porté sur le parc de Saint-Cloud, un vaste domaine historique aux portes de Paris, offrant un cadre verdoyant et spacieux. Ce cadre idyllique, combiné à la proximité de la capitale, a rapidement fait de Rock en Seine un succès populaire. Dès la première édition, le festival a attiré une foule enthousiaste, séduite par la programmation éclectique et l’atmosphère unique du site.
Les débuts modestes : La première édition de Rock en Seine s’est déroulée sur une seule journée, avec une affiche modeste mais prometteuse. Des groupes comme Massive Attack, Morcheeba, et les Queens of the Stone Age ont attiré les premiers festivaliers, posant les bases d’une longue tradition de qualité. Malgré des débuts modestes, l’accueil positif du public et des critiques a encouragé les organisateurs à voir plus grand pour les éditions suivantes.
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1.2 La Croissance du Festival : De la Niche à l’Événement Majeur
Au fil des ans, Rock en Seine a connu une croissance spectaculaire, tant en termes de fréquentation que de notoriété. Ce qui avait commencé comme un petit événement estival est rapidement devenu l’un des festivals les plus importants de France, attirant des artistes de renommée mondiale et un public toujours plus nombreux.
Une programmation de plus en plus ambitieuse : Dès 2004, le festival s’étend sur deux jours, puis trois à partir de 2007, pour offrir une programmation encore plus riche et diversifiée. Les organisateurs ont su attirer des têtes d’affiche prestigieuses, comme Radiohead, The Chemical Brothers, et R.E.M., tout en offrant une plateforme aux artistes émergents. Cette montée en puissance a permis à Rock en Seine de se forger une réputation de festival incontournable sur la scène européenne.
L’élargissement des genres musicaux : Bien que le rock soit au cœur de l’ADN du festival, Rock en Seine n’a jamais hésité à explorer d’autres genres musicaux, de la pop à l’électro, en passant par le rap et le folk. Cette ouverture a permis d’attirer un public plus diversifié, tout en garantissant une expérience musicale riche et variée. Le mélange des genres est devenu l’une des marques de fabrique du festival, qui continue d’attirer des festivaliers aux goûts éclectiques.
Un impact international : À mesure que le festival prenait de l’ampleur, il a commencé à attirer l’attention des médias et des professionnels de la musique à l’échelle internationale. Les collaborations avec d’autres festivals européens et la participation d’artistes venus du monde entier ont contribué à faire de Rock en Seine un événement de référence sur la scène musicale mondiale. Aujourd’hui, le festival est reconnu bien au-delà des frontières françaises, attirant des spectateurs venus des quatre coins de l’Europe.
1.3 Rock en Seine Aujourd’hui : Un Festival Mûr et Établi
Aujourd’hui, Rock en Seine est bien plus qu’un simple festival de musique ; c’est un événement culturel majeur qui fait partie intégrante de la vie estivale parisienne. Avec une capacité d’accueil de plus de 100 000 festivaliers sur trois jours, Rock en Seine est devenu un incontournable pour les amateurs de musique, offrant chaque année des performances mémorables dans un cadre unique.
Un lieu de découvertes musicales : Rock en Seine est non seulement un lieu où les grands noms de la musique se produisent, mais aussi un tremplin pour les nouveaux talents. Le festival accorde une place importante aux artistes émergents, leur offrant une visibilité précieuse sur une scène prestigieuse. Cette volonté de soutenir la nouvelle génération de musiciens est l’un des éléments qui rendent le festival si dynamique et attrayant.
Un engagement pour l’environnement : Conscient de son impact écologique, Rock en Seine s’est engagé dans une démarche de développement durable, en mettant en place diverses initiatives pour réduire son empreinte environnementale. Le tri des déchets, l’utilisation de gobelets réutilisables, et la promotion des transports en commun sont autant d’actions qui témoignent de la volonté du festival de minimiser son impact sur l’environnement.
Un festival pour tous : Rock en Seine s’efforce d’être un événement inclusif, accessible à tous, y compris aux personnes à mobilité réduite. Des dispositifs spécifiques sont mis en place pour faciliter l’accès et le confort des festivaliers, rendant ainsi l’expérience Rock en Seine accessible au plus grand nombre.
2. Les Moments Inoubliables de Rock en Seine : Des Concerts Mémorables
2.1 Les Performances Légendaires : Quand le Rock Prend le Pouvoir
Rock en Seine a été le théâtre de performances légendaires qui ont marqué l’histoire du festival et laissé une empreinte indélébile dans la mémoire des festivaliers. Chaque édition apporte son lot de moments forts, où la magie de la musique se mêle à l’énergie du public.
Rage Against the Machine en 2008 : L’un des concerts les plus emblématiques de Rock en Seine reste celui de Rage Against the Machine en 2008. Après plusieurs années d’absence, le groupe californien a fait son grand retour sur scène à Paris, offrant une performance explosive qui a enflammé le public. Le concert, marqué par l’intensité et l’engagement politique du groupe, a été l’un des moments forts du festival, laissant un souvenir impérissable chez les spectateurs.
Arctic Monkeys en 2014 : En 2014, les Arctic Monkeys ont livré une performance mémorable lors de leur passage à Rock en Seine. Avec un setlist composé de leurs plus grands succès, le groupe britannique a captivé la foule avec son énergie et son charisme. Ce concert a été salué comme l’un des meilleurs de cette édition, renforçant la place des Arctic Monkeys parmi les têtes d’affiche incontournables du festival.
David Bowie en 2005 : Le passage de David Bowie à Rock en Seine en 2005 reste l’un des moments les plus marquants de l’histoire du festival. Le légendaire chanteur britannique, accompagné de son groupe, a offert une performance électrisante, interprétant certains de ses plus grands succès dans une ambiance survoltée. Ce concert, devenu mythique, a contribué à asseoir la réputation internationale de Rock en Seine.
2.2 Les Moments Surprenants : Quand l’Inattendu Crée la Magie
Au-delà des performances prévues, Rock en Seine a également été le théâtre de moments inattendus qui ont ajouté une touche de magie à l’événement. Les invités surprises, les collaborations improvisées, et les interactions spontanées avec le public font partie de ces instants qui rendent chaque édition unique.
Les invités surprises : Il n’est pas rare que des artistes invités fassent des apparitions surprises lors des concerts, créant des moments de pure excitation pour le public. Lors du concert de The Last Shadow Puppets en 2016, les spectateurs ont eu la surprise de voir Miles Kane et Alex Turner être rejoints sur scène par Johnny Marr, l’ex-guitariste des Smiths, pour un duo improvisé. Ces moments imprévus sont souvent ceux qui restent gravés dans les mémoires, car ils ajoutent un élément d’imprévisibilité à l’expérience.
Les collaborations inédites : Rock en Seine est aussi un lieu où des collaborations inattendues peuvent voir le jour. En 2019, lors d’un concert de Jorja Smith, la chanteuse britannique a été rejointe sur scène par Loyle Carner pour un duo improvisé. Cette rencontre entre deux étoiles montantes de la scène musicale a donné lieu à une performance exceptionnelle, marquant les esprits par sa spontanéité et son authenticité.
Les moments de communion avec le public : Certains concerts à Rock en Seine ont été marqués par des moments de communion particulièrement forts entre les artistes et le public. Lors du concert de Massive Attack en 2010, le groupe a réussi à créer une atmosphère de pure émotion avec des morceaux comme « Teardrop » et « Unfinished Sympathy », chantés en chœur par des milliers de festivaliers. Ce genre de moments, où la musique transcende la scène pour unir les spectateurs, est l’une des raisons pour lesquelles Rock en Seine reste un festival si spécial.
2.3 L’Expérience Rock en Seine : Plus Qu’un Simple Concert
Assister à un concert à Rock en Seine, c’est vivre une expérience unique où la musique, le cadre, et l’ambiance se rejoignent pour créer quelque chose de plus grand que la somme de ses parties. Le parc de Saint-Cloud, avec ses vastes espaces verts et son atmosphère bucolique, offre un cadre idéal pour un festival de cette envergure.
Le cadre idyllique : Le parc de Saint-Cloud, avec sa vue imprenable sur Paris et ses jardins à la française, ajoute une dimension particulière à chaque concert. Les festivaliers peuvent profiter d’un environnement naturel exceptionnel tout en assistant à des performances de qualité. Le contraste entre la nature paisible du parc et l’énergie brute des concerts crée une atmosphère unique, où chaque spectateur peut se sentir à la fois détendu et exalté.
Une ambiance conviviale : Rock en Seine est réputé pour son ambiance conviviale et festive, où les festivaliers de tous horizons se retrouvent pour partager leur passion de la musique. Que ce soit en pique-niquant sur l’herbe, en déambulant entre les scènes, ou en dansant devant les artistes, l’atmosphère du festival est toujours joyeuse et décontractée. Cet esprit de communauté est l’une des forces du festival, qui attire chaque année un public fidèle et enthousiaste.
Un festival pour les curieux : Au-delà des têtes d’affiche, Rock en Seine est aussi un lieu de découvertes musicales, où les festivaliers peuvent explorer de nouveaux genres et artistes. Les scènes plus petites, dédiées aux talents émergents, offrent une vitrine précieuse aux artistes en début de carrière, permettant aux spectateurs de découvrir des pépites avant qu’elles ne deviennent les stars de demain. Ce côté exploratoire fait partie intégrante de l’expérience Rock en Seine, où chaque édition réserve son lot de surprises et de révélations.
3. L’Impact Culturel et Économique de Rock en Seine
3.1 Un Moteur Économique pour la Région
Rock en Seine joue un rôle crucial dans l’économie locale, attirant chaque année des milliers de visiteurs qui contribuent à la vitalité économique de la région parisienne.
Les retombées économiques : Chaque été, Rock en Seine attire un large public, tant national qu’international. Cet afflux de visiteurs génère des retombées économiques importantes pour la région. Les hôtels, restaurants, et commerces locaux bénéficient directement de l’événement, avec une augmentation notable de l’activité pendant la période du festival. Selon des études locales, le festival contribue de manière significative à l’économie de la région, en particulier dans les secteurs de l’hôtellerie et de la restauration.
La création d’emplois : Le festival génère également des emplois temporaires, tant directs qu’indirects. De la billetterie à la sécurité, en passant par la logistique et le service à la clientèle, de nombreux postes sont créés pour répondre aux besoins du festival. De plus, l’événement soutient l’activité des prestataires locaux, tels que les techniciens du son, les entreprises de location de matériel, et les fournisseurs de services divers, contribuant ainsi à la dynamique économique locale.
La promotion touristique : Rock en Seine joue un rôle clé dans la promotion de la région parisienne sur la scène nationale et internationale. En attirant des visiteurs de toute la France et d’au-delà, le festival contribue à renforcer l’image de Paris en tant que destination culturelle de premier plan. De nombreux spectateurs profitent de leur venue pour explorer la ville et ses environs, visitant les monuments historiques, les musées, et les sites naturels, ce qui augmente l’attrait touristique de la région.
3.2 Un Catalyseur Culturel : Promouvoir la Musique et les Arts
Au-delà de son impact économique, Rock en Seine est également un catalyseur culturel, contribuant à la promotion de la musique et des arts dans la région.
Une scène pour tous les genres : Rock en Seine se distingue par sa capacité à rassembler des artistes de tous horizons musicaux, offrant une scène aux talents émergents comme aux artistes confirmés. Cette diversité musicale permet au festival de toucher un large public, tout en offrant une vitrine aux différents genres musicaux. Du rock au jazz, en passant par la pop, la musique classique, et l’électro, le festival célèbre la richesse et la diversité de la musique contemporaine.
Le soutien aux artistes locaux : En plus des grands noms de la scène internationale, le festival accorde une place importante aux artistes locaux, leur offrant une opportunité unique de se produire dans un cadre prestigieux. Ce soutien aux talents régionaux contribue à dynamiser la scène musicale locale, en offrant une visibilité précieuse aux artistes et en encourageant la création musicale dans la région. Le festival collabore également avec des associations culturelles locales pour organiser des événements parallèles, tels que des expositions, des ateliers, et des rencontres artistiques.
Une plateforme pour l’innovation artistique : Rock en Seine n’est pas seulement un lieu de diffusion de la musique ; il est aussi un laboratoire d’innovation artistique. De nombreux artistes profitent du cadre unique du festival pour expérimenter de nouvelles formes de performances, en intégrant des éléments visuels, scénographiques, et technologiques à leurs concerts. Cette ouverture à l’innovation fait du festival un espace de création et de découverte, où le public peut assister à des spectacles qui repoussent les limites de la scène musicale traditionnelle.
3.3 Un Héritage Durable : Conjuguer Culture et Patrimoine
Rock en Seine joue un rôle essentiel dans la préservation et la valorisation du patrimoine historique et culturel de la région, tout en contribuant à la transmission culturelle pour les générations futures.
La valorisation du parc de Saint-Cloud : En organisant des concerts dans le parc de Saint-Cloud, le festival contribue à la valorisation de ce site historique exceptionnel. Plutôt que de rester un simple espace de verdure, le parc devient un lieu vivant, où le patrimoine historique et la culture contemporaine se rejoignent. Cette utilisation moderne du site permet de le maintenir en vie, tout en offrant au public une expérience culturelle unique. De plus, une partie des revenus générés par le festival est réinvestie dans l’entretien et la restauration du parc, contribuant ainsi à la préservation du patrimoine pour les générations futures.
La transmission culturelle : Rock en Seine s’inscrit dans une démarche de transmission culturelle, en mettant l’accent sur l’accessibilité et l’éducation. Des initiatives telles que des billets à tarif réduit pour les jeunes, des concerts pédagogiques, et des rencontres avec les artistes sont organisées pour sensibiliser les nouvelles générations à la musique et aux arts. Cette démarche éducative vise à susciter l’intérêt des jeunes pour la culture et à les encourager à devenir les spectateurs et les créateurs de demain.
Un engagement écologique : Conscient de l’impact environnemental des grands événements, Rock en Seine a également pris des mesures pour réduire son empreinte écologique. Des initiatives telles que le tri sélectif, la réduction des déchets plastiques, et l’utilisation d’énergies renouvelables sont mises en place pour rendre le festival plus respectueux de l’environnement. De plus, des partenariats avec des associations locales de protection de l’environnement sont établis pour sensibiliser le public aux enjeux écologiques et promouvoir des pratiques durables.
Erwin Olaf (né en 1959 à Hilversum, Pays-Bas) est apparu sur la scène artistique internationale avec sa série Chessmen, qui a remporté le prix du jeune photographe européen de l’année en 1988.
Elle a été suivie d’une exposition au Ludwig Museum de Cologne, suivie d’expositions individuelles et collectives dans d’importants musées et galeries du monde entier, notamment au Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Málaga, Espagne; Museu da Imagem e do Som, São Paulo; Martin-Gropius-Bau, Berlin; Centre d’art contemporain du sud-est, Winston-Salem, Caroline du Nord; et le Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chili.
Il est surtout connu pour son travail commercial et personnel. Il a été chargé de photographier des campagnes publicitaires pour de grandes entreprises internationales telles que Levi’s , Microsoft et Nokia . Certaines de ses séries photographiques les plus célèbres incluent « Grief », « Rain » et « Royal Blood ». Ne craignant jamais la controverse, son travail est souvent audacieux et provocateur.
Erwin Olaf a étudié le journalisme à l’École de journalisme d’ Utrecht . Son travail est montré dans des galeries et des musées partout dans le monde, par exemple chez Wagner + Partner, Berlin; Flatland Gallery, Amsterdam; Hamiltons Gallery, Londres; Galerie Magda Danysz, Paris ; Galerie Espacio Minimo, Madrid; et plein d’autres.
Erwin Olaf a conçu les pièces en euros néerlandaises de 2014 avec le portrait du roi Willem-Alexander .
Erwin OLAF Photographe
La carrière d’ Erwin Olaf photographe
Erwin Olaf a commencé sa carrière en tant que photojournaliste documentant la vie nocturne des années 1980. Il a de plus en plus recherché et défini ses propres sujets, qu’il a fréquemment examinés dans une série d’œuvres en noir et blanc (Squares, Chessmen and Blacks) et en couleurs (Mind of Their Own, Rain, Hope) (chagrin, aube et aube). Ces dernières années, il a développé ses sujets sous forme de peintures monumentales, pour lesquelles il assume à la fois le rôle de réalisateur et de photographe.
Ses travaux les plus récents à Berlin, Shanghai et Palm Springs marquent la fin du projet en trois parties Shifting Metropolises (titre provisoire), une série d’œuvres d’art sur des villes de renommée internationale en pleine mutation sismique dans le monde de la modernité.
Au lieu de créer un environnement de studio contrôlé, Olaf a filmé sur place pour la première fois dans cette trilogie tout en conservant ses associations cinématographiques caractéristiques pour produire une série d’œuvres façonnées par les émotions et les névroses authentiques de ces lieux et de leurs habitants.
L’approche audacieuse d’ Erwin Olaf dans son travail lui a valu un certain nombre de missions institutionnelles, notamment Louis Vuitton, Vogue, le Stedelijk Museum Amsterdam et le Rijksmuseum d’Amsterdam, pour lesquels il a conçu l’exposition Catwalk 2016, y compris une vidéo promotionnelle et une campagne photo. Il a reçu le prix du photographe de l’année aux International Color Awards 2006 et le Dutch Artist Award 2014 du magazine Kunstbeeld ainsi que le célèbre Johannes Vermeer Award des Pays-Bas en 2011. D’autres prix internationaux incluent le Lion d’argent à Cannes Festival de la publicité et Lucie Award pour ses services publicitaires, tous deux en 2008.
Erwin OLAF Photographe
Olaf a projeté une œuvre vidéo au Centre Pompidou, Paris; Musée de la FIT, New York; et Nuit Blanche Toronto, avec une partition en direct commandée pour sa série Waiting.
Il a également projeté son installation vidéo trente canaux L’Éveil sur l’Hôtel de Ville pour Nuit Blanche à Paris, organisée par Jean de Loisy (directeur, Palais de Tokyo). En mars 2018, le Museu da Imagem e do Som de São Paulo a accueilli une rétrospective de son travail.
En 2018, le Rijksmuseum a acquis cinq cents œuvres clés des quarante ans de travail d’Olaf pour leur collection. Cela fait suite aux portraits officiels d’Olaf pour la famille royale néerlandaise en 2017-2018 et au design de la nouvelle pièce en euros du roi Willem-Alexander en 2013.
Rutger Pontzen, critique d’art pour le journal néerlandais le Volkskrant, a déclaré: «Controverse ou non, Erwin Olaf donne une photo des pays-bas. ,et cela le rend distinctif dans la photographie néerlandaise.
Erwin OLAF Photographe
En d’autres termes, son travail fait partie du patrimoine culturel. La photographie de renommée internationale d’Erwin Olaf fait toujours partie intégrante de la culture néerlandaise. Taco Dibbits, directeur du Rijksmuseum, déclare: « Son travail est profondément enraciné dans les traditions visuelles de l’art néerlandais. C’est pourquoi Olaf est » l’un des photographes les plus importants du dernier quart du XXe siècle « .
En 2019, le Gemeentemuseum Den Haag et le Fotomuseum Den Haag aux Pays-Bas organiseront une exposition personnelle conjointe pour Erwin Olaf pour commémorer son 60e anniversaire et célébrer son 40e anniversaire en tant que photographe. Le Shanghai Center of Photography présente également une exposition personnelle cette année, et le Rijksmuseum présente une exposition d’une sélection d’œuvres acquises par Olaf en 2018. L’artiste vit et travaille à Amsterdam.
Erwin OLAF Photographe
Erwin OLAF Photographe
Erwin Olaf photographe
INTERVIEW Pourquoi avez-vous choisi ces emplacements particuliers ?
Erwin Olaf Photographe : Les lieux que j’ai utilisés existaient tous au début du 20e siècle et ils sont chacun importants pour l’histoire des Berlins. Le Rathaus Schöneberg, par exemple, est l’endroit où le président Kennedy a prononcé ces mots célèbres: «Ich bin ein Berliner». Le stade olympique de Berlin était l’endroit où Hitler refusait de serrer la main du grand athlète Jesse Owens parce qu’il était noir. Une autre raison est l’escalier.
J’ai de l’emphysème, donc les escalader est de plus en plus difficile. Berlin est aussi une confrontation de mes propres démons et c’est pourquoi j’ai intégré des escaliers dans beaucoup de photographies. C’est moi que j’ai photographié dans les escaliers du stade olympique de Berlin.
Vous avez utilisé beaucoup d’enfants dans ce projet, pourquoi Erwin Olaf photographe ?
Erwin Olaf Photographe : J’ai tendance à travailler uniquement avec des personnes matures mais avec ce projet, je n’étais pas satisfait des résultats. Pendant que j’étais à l’aéroport en Espagne, j’ai regardé des enfants et leurs parents ensemble. Les enfants ont tellement de contrôle sur leurs mères et leurs pères et les adultes écoutent les enfants.
J’ai commencé à penser que si un jour c’était des enfants qui dirigeaient. Ce serait terrifiant car ils ne sauraient pas gérer le pouvoir, en plus de cela, ils peuvent être erratiques et irrationnels. C’est la même chose pour les adultes mais avec les enfants c’est plus extrême.
Pouvez-vous nous parler de la signification de ces images?
Erwin Olaf Photographe : Certains d’entre eux abordent des événements historiques associés aux bâtiments tandis que d’autres sont complètement abstraits. La photo représentant le clown debout sur un plongeoir au Stadtbad Neukölln par exemple. Je ne pourrais jamais vous dire ce qu’il y a dans la lettre qu’il tient ou pourquoi il la présente au garçon assis près de la piscine.
Ce n’était que l’instinct. J’avais étudié beaucoup d’art du 20e siècle et je voulais entamer un dialogue avec le spectateur. Souvent, les photographies ne le font pas aussi bien que les peintures. Je veux que le spectateur invente sa propre histoire et crée son fantasme.
Votre marque de commerce est des impressions couleur grand format. Lors de cette exposition, nous comprenons que vous présenterez de petites impressions au carbone faites à la main. Parlez-nous de ces derniers et du processus de fabrication.
Erwin Olaf Photographe : J’ai commencé à penser, c’est mieux mieux? J’en doute, alors j’ai étudié l’impression au carbone. Cette technique a 150 ans et j’ai été aidé par l’une des deux personnes aux Pays-Bas qui pouvaient le faire.
Le processus est incroyablement délicat et difficile et cela peut prendre 24 heures avant de vous retrouver avec une impression qui vous satisfait.
Les autres expositions d’Erwin Olaf
2019:
Exposition personnelle anniversaire, Musée Gemeente de La Haye et Musée de la photographie de La Haye, La Haye, Pays-Bas
Palm Springs Unseen, Flatland, Amsterdam
2017:
Album 13 d’Indochine, Galerie Rabouan Moussin, Paris, France
Human & Nature, Gallery Kong, Séoul, République de Corée
2016:
Erwin Olaf – Four Series, Centro de Arte Contemporaneo de Málaga, Málaga, Espagne
Cell of Emotions, National Art Gallery, Sofia, Bulgarie
Hommage à Louis Gallait, Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou, Russie
2015:
A Corps Perdu, Galerie Magda Danysz , Paris
Erwin Olaf: The Empire of Illusion, Museo de Arte Contemporaine de Rosario, Rosario, Argentine
En attente, Flatland, Amsterdam
« Rétrospective », Fondation Oriente Museu, Macao, Chine
« Erwin Olaf – Berlin », Galerie Rabouan Moussion, Paris
« Erwin Olaf – En attente », Galerie Rabouan Moussion, Paris
« Émotions – Installations », La Sucrière, Lyon
«Berlin», Hasted Kraeutler Gallery, New York
«Berlin», Hamiltons Gallery, Londres
2012:
The Dark Side , Galerie Rabouan Moussion, Paris
«Works 2000 – 2010», Art Statements Gallery, Hong Kong
«Erwin Olaf», Galerie Kong, Séoul
« Short Stories », Galerie Wagner, Berlin
2011:
«Erwin Olaf», Art Statements Gallery, Tokyo
« Paradis le club », Galerie Rabouan Moussion, Paris
« High Tension », Carbon, Dubaï
« Captured sens », Cer Modern, Ankara
«Erwin Olaf», Festival international de photographie nordique de lumière, Kristiansund
2010:
«Hôtel Erwin Olaf», Galerie Magda Danysz , Paris
«Hôtel Erwin Olaf», Galerie Paris-Benijing, Pékin
« Erwin Olaf – Travaux récents », Hamiltons Gallery, Londres
«Hotel, Dawn & Dusk», Hasted Kraeutler Gallery, New York
2009:
Crépuscule, Flatland, Amsterdam
« Série Laboral Escena », Galerie Magda Danysz , Paris
« Rain, Hope, Grief & Fall », Institut des Pays-Bas, Paris
« Fléchettes du plaisir », Musée Domus Artium, Salamanque
«Moving Targets», Musée d’art de Haïfa, Haïfa
Biographie officielle d’Erwin Olaf
Erwin Olaf (né à Hilversum, Pays-Bas, 1959) a émergé sur la scène artistique internationale avec sa série Chessmen, qui a remporté le prix du jeune photographe européen de l’année en 1988.
Elle a été suivie d’une exposition au Museum Ludwig de Cologne, avec des expositions personnelles et collectives ultérieures dans les principaux musées et galeries du monde entier, notamment le Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Málaga, Espagne; Museu da Imagem e do Som, São Paulo; Martin-Gropius-Bau, Berlin; Southeastern Center for Contemporary Art, Winston-Salem, Caroline du Nord; et Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chili.
Débutant sa carrière de photojournaliste documentant la vie nocturne des années 1980, Olaf a de plus en plus cherché et défini ses propres sujets, souvent explorés dans des séries d’œuvres en noir et blanc (Squares, Chessmen, and Blacks) et en couleur (Mind of their Own, Rain, Hope, Grief, Dusk et Dawn).
Ces dernières années, il a développé ses thèmes sous la forme de tableaux monumentaux, pour lesquels il adopte à la fois le rôle de réalisateur et de photographe. Son travail le plus récent, à Berlin, Shanghai et Palm Springs, marque la conclusion du projet en trois parties Shifting Metropolises (titre provisoire), une série d’œuvres d’art examinant des villes de renommée internationale subissant des changements sismiques dans le monde moderne.
Plutôt que de fabriquer un environnement de studio contrôlé, dans cette trilogie Olaf a tourné sur place pour la première fois, conservant ses associations cinématographiques caractéristiques pour produire un corpus d’œuvres travaillé avec les émotions et les névroses authentiques de ces lieux et de leurs habitants.
L’approche audacieuse d’Olaf envers son travail a remporté un certain nombre de commandes d’institutions, notamment Louis Vuitton, Vogue, le Stedelijk Museum d’Amsterdam et le Rijksmuseum d’Amsterdam, pour lesquels il a conçu l’exposition Catwalk 2016, y compris une vidéo promotionnelle et une campagne photographique.
Il a reçu le prix du photographe de l’année aux International Color Awards 2006 et de l’artiste néerlandais de l’année 2014 du magazine Kunstbeeld, ainsi que le prestigieux prix Johannes Vermeer des Pays-Bas en 2011. Parmi les autres prix internationaux, citons le Lion d’argent au Festival de la publicité de Cannes et un prix Lucie pour ses réalisations en publicité, tous deux en 2008.
Olaf a projeté des œuvres vidéo au Centre Pompidou, Paris; Musée au FIT, New York; et Nuit Blanche Toronto, avec une partition en direct commandée pour sa série Waiting. Il a également projeté son installation vidéo de trente chaînes L’Éveil sur l’Hôtel de Ville pour Nuit Blanche à Paris, sous la direction de Jean de Loisy (réalisateur, Palais de Tokyo). En mars 2018, le Museu da Imagem e do Som de São Paulo a accueilli une rétrospective de son travail.
En 2018, le Rijksmuseum a acquis cinq cents œuvres d’art clés de l’œuvre d’Olaf depuis quarante ans pour sa collection. Cela faisait suite aux portraits officiels réalisés par Olaf pour la famille royale néerlandaise en 2017-2018 et à la conception de la nouvelle pièce en euros pour le roi Willem-Alexander en 2013. Rutger Pontzen, critique d’art pour le journal néerlandais Volkskrant, a déclaré: «Controversé ou non, Erwin Olaf donne une image des Pays-Bas. . . et cela le rend distinctif dans la photographie néerlandaise. . . .
En d’autres termes, son œuvre appartient au patrimoine culturel. Désormais de renommée internationale, la photographie d’Erwin Olaf reste un élément essentiel de la culture néerlandaise. Taco Dibbits, directeur du Rijksmuseum, déclare: «Son travail est profondément enraciné dans les traditions visuelles de l’art hollandais», et par conséquent Olaf est «l’un des photographes les plus importants du dernier quart du XXe siècle».
Plus récemment, en 2019, le Gemeentemuseum Den Haag et le Fotomuseum Den Haag, aux Pays-Bas, ont accueilli une exposition solo conjointe pour Erwin Olaf pour commémorer son soixantième anniversaire et célébrer ses quarante ans de photographie.
En juillet de la même année, pour marquer le transfert de sa collection principale au musée, le Rijksmuseum a ouvert l’exposition 12x Erwin Olaf, dans lequel Olaf a placé onze de ses photographies et une installation vidéo, en dialogue avec des peintures hollandaises de la collection du musée.
Les célébrations d’ouverture ont eu lieu le 2 juillet, jour du 60e anniversaire de l’artiste, lorsque Olaf a été nommé Chevalier de l’Ordre du Lion des Pays-Bas, un ordre hollandais de chevalerie décerné à ceux qui ont des mérites d’une nature très exceptionnelle pour la société. Le photographe a été distingué au Rijksmuseum d’Amsterdam pour ses principales photos et son engagement envers la communauté LGBTq, selon la municipalité d’Amsterdam.
Lorsque le Hellfest ouvre ses portes à Clisson, il y a déjà une ruée vers le « merch » officiel, la boutique Hellfest. Derrière le comptoir, dix vendeurs ne savent plus vers qui se tourner. Plusieurs articles sont déjà en stock dés les premières heures. «Les T-shirts L et XL sortent toujours très vite», précise l’un des deux responsables du «Merch» qui sont au cœur du site. C’est pourquoi nous recommandons de faire vos achats au début du festival. »
Boutique HELLFEST : Une file d’attente chaque année
Chaque année, la file d’attente est sans fin et le soleil frappe. Mais après plus d’une heure d’attente et environ 90 euros, vous pouvez sortir en souriant. « J’ai pris un polo pour mon père, un porte-clés et une chemise pour moi, une tasse et des aimants pour les amis à la boutiqueHellfest.
Attendre dans la file d’attente, même si cela prend quelques heures, fait partie du jeu lorsque vous venez au festival. Le métallurgiste aime les objets, surtout lorsqu’il s’agit de souvenirs. Passer par la boutique Hellfest, C’est comme une nécessité! »
Chaque année, pour réduire les temps d’attente, il est possible de compléter le bon de commande après avoir effectué votre sélection dans un petit livret qui contient une cinquantaine de références ( Briquet, badge, couette …). Les organisateurs l’assurent chaque année: il ne restera presque plus rien dimanche.
Boutique Hellfest: La course au tee-shirt
Dimitri et Hugues, qui sortent les mains chargées, sont pressés de retirer les articles de l’emballage. « J’ai pris un pantalon court, un chapeau et un marcel. Je vais les mettre de suite ».
Lorsque vous regardez autour de nous, vous vous rendez compte que beaucoup ont déjà trouvé et enfilé leurs nouveaux tee-shirts. Cela va du chapeau de cow-boy au tee-shirt, sweat, pulls molletonnés aussi, il peut faire un peu froid la nuit à Clisson.
Des six modèles de la version 2019 du T-shirt par exemple, tous les modèles affichent une programmation à l’arrière, il y en a pour tous, du fluo, du sobre, du trash. Des modèles très sobres aussi permettant d’utiliser le tee-shirt à l’année, même au bureau. Car la discrétion et aussi disponible avec juste un petit logo du festival.
Boutique Hellfest : Un vrai village de « merch », bientôt.
Le merchandising au festival génère près d’un million de chiffre d’affaires, est selon les organisateurs l’un des points noirs du festival. « Nous avons de nombreuses demandes, nous avons souvent de très longues files d’attente », explique Alex Rebecq, porte-parole du Hellfest.
Heureusement, nous avons affaire à un public très respectueux qui ne se presse pas et attend patiemment. Les organisateurs espèrent que le problème sera enfin résolu et un site de vente en ligne est maintenant disponible pour pallier à ces ruptures de stock pendant l’édition.
« Nous devons repenser complètement notre approche du merch sur site. « Nous pensons à un véritable village de merch, un truc un peu fou » poursuit Alex. « Ce serait mieux pour les participants du festival, mieux pour le travail de nos équipes sur place ».
Boutique Hellfest – Hellfest shop
La boutique Hellfest en ligne : le Hellfest Shop
Le festival a ouvert il y a déjà plusieurs années un site en ligne permettant de commander toute l’année le « Merch » du festival.
T-shirts, Sweats, Vestes, Accesoires…le merchandising officiel du festival est a porté de clic. De très nombreux produits textiles et accessoires, mais aussi les livres du festival.
Livre Hellfest : le festival raconté par les groupes.
Près de 2,5 kilos pour ce livre étonnant, 300 pages, à peu près autant de photographies,un tirage de 20 000 exemplaires, 100 groupes, des heures et des heures de lecture et une diffusion en France, Belgique et Suisse francophone.
Ce livre raconte le festival, tout simplement, mais le festival depuis le backstage, vu de la scène, par les coulisses, par des groupes qui y ont arpenté le festival tout au long des quatorze éditions.
Le Hellfest Shop est la boutique en ligne officielle du Hellfest, le célèbre festival de musique metal qui se déroule chaque année à Clisson, en France. Cette boutique permet aux fans du festival et du genre metal de se procurer des produits dérivés, des vêtements, et des accessoires estampillés Hellfest. Que vous soyez un amateur de heavy metal, de hard rock ou de death metal, vous trouverez ici de quoi afficher fièrement votre amour pour l’un des plus grands festivals européens de musique extrême.
2. Quels types de produits puis-je acheter sur le Hellfest Shop ?
Le Hellfest Shop propose une large gamme de produits pour répondre à tous les goûts des fans de metal. Voici quelques exemples des produits que vous pouvez y trouver :
Vêtements : T-shirts, hoodies, vestes, pantalons, casquettes, et même des chaussettes, tous ornés des logos et des designs uniques inspirés du Hellfest.
Accessoires : Badges, pin’s, patchs brodés, porte-clés, écharpes, mugs et autres goodies pour agrémenter votre quotidien avec une touche de Hellfest.
Vinyles et CD : Sélection d’albums de groupes ayant joué au festival.
Affiches et lithographies : Posters officiels du festival et de ses différentes éditions, souvent en édition limitée.
Merchandising exclusif : Objets rares et collectors, parfois disponibles uniquement pendant des périodes spécifiques ou lors d’événements spéciaux liés au Hellfest.
3. Les produits du Hellfest Shop sont-ils disponibles à l’international ?
Oui, le Hellfest Shop livre à l’international. Peu importe où vous vous trouvez dans le monde, vous pouvez commander vos produits Hellfest favoris. Les délais de livraison peuvent varier en fonction de votre lieu de résidence, mais le shop s’efforce d’expédier rapidement, que vous soyez en France, en Europe ou à l’autre bout du globe.
4. Comment sont sélectionnés les produits vendus sur le Hellfest Shop ?
Les produits proposés sur le Hellfest Shop sont soigneusement sélectionnés pour leur qualité et leur authenticité. L’équipe du Hellfest travaille en collaboration avec des designers, des artistes et des marques partenaires pour créer des produits uniques qui reflètent l’esprit du festival. Les vêtements, par exemple, sont souvent en coton bio, garantissant confort et durabilité. Les collections varient au fil des éditions, avec de nouvelles gammes dévoilées chaque année pour coller à l’actualité du festival.
5. Y a-t-il des collections limitées sur le Hellfest Shop ?
Oui, le Hellfest Shop propose régulièrement des collections limitées, particulièrement autour des périodes de festival ou à l’occasion de collaborations spéciales. Ces collections sont souvent disponibles en quantités réduites et incluent des articles collectors, tels que des affiches signées, des vêtements numérotés ou des produits dérivés en série limitée. Il est conseillé aux fans de surveiller les annonces du Hellfest et du shop pour ne pas manquer ces occasions uniques.
6. Quels sont les délais de livraison pour les produits commandés sur le Hellfest Shop ?
Les délais de livraison dépendent de plusieurs facteurs, notamment votre lieu de résidence. Voici quelques estimations :
France métropolitaine : 3 à 5 jours ouvrables.
Europe : 5 à 10 jours ouvrables.
Reste du monde : 10 à 15 jours ouvrables.
Cependant, pendant les périodes de forte demande, comme juste avant le festival ou lors de la sortie de nouvelles collections, les délais peuvent être un peu plus longs.
7. Quels sont les frais de livraison appliqués par le Hellfest Shop ?
Les frais de livraison varient en fonction du pays de destination et du poids du colis. Vous pouvez consulter ces frais lors du processus de commande, juste avant de valider votre achat. Le Hellfest Shop propose également des promotions occasionnelles où les frais de livraison peuvent être réduits ou offerts pour des commandes dépassant un certain montant.
8. Puis-je retourner un produit acheté sur le Hellfest Shop ?
Oui, le Hellfest Shop accepte les retours sous certaines conditions :
Les produits doivent être retournés dans leur état d’origine, non portés, non lavés et avec toutes les étiquettes attachées.
Vous disposez de 14 jours à compter de la réception de votre commande pour demander un retour.
Les frais de retour sont à la charge de l’acheteur, sauf en cas d’erreur de la part du shop (produit défectueux ou mauvaise commande).
Une fois le retour validé, un remboursement sera effectué ou un échange proposé en fonction des disponibilités.
9. Comment puis-je suivre ma commande sur le Hellfest Shop ?
Une fois votre commande passée, vous recevrez un e-mail de confirmation avec un lien de suivi. Ce lien vous permettra de suivre l’avancement de la livraison de votre colis, depuis le départ de l’entrepôt jusqu’à la réception chez vous. Si vous rencontrez un problème ou si vous ne recevez pas cet e-mail, vous pouvez contacter le service client du Hellfest Shop pour obtenir de l’aide.
10. Les produits du Hellfest Shop sont-ils de bonne qualité ?
Absolument ! Le Hellfest Shop met un point d’honneur à offrir des produits de haute qualité. Que ce soit pour les vêtements, fabriqués à partir de matériaux durables et confortables, ou pour les accessoires et objets de collection, chaque article est conçu pour durer et refléter l’esprit du Hellfest. Les avis des clients sont généralement très positifs, notamment sur la durabilité des produits et la fidélité des designs au thème du festival.
11. Comment le Hellfest Shop soutient-il la communauté metal ?
En achetant sur le Hellfest Shop, vous soutenez directement l’organisation du Hellfest et sa capacité à organiser ce festival majeur de la scène metal. Une partie des bénéfices des ventes est réinvestie dans le développement du festival, ainsi que dans des initiatives caritatives et écologiques menées par l’organisation Hellfest. De plus, certains produits exclusifs sont créés en collaboration avec des artistes ou des groupes de la scène metal, renforçant ainsi les liens entre la communauté musicale et le festival.
12. Le Hellfest Shop propose-t-il des cartes-cadeaux ?
Oui, le Hellfest Shop propose des cartes-cadeaux que vous pouvez acheter pour offrir à vos proches. Ces cartes sont disponibles en plusieurs montants et permettent à l’heureux bénéficiaire de choisir parmi une vaste gamme de produits. C’est une excellente option si vous voulez faire plaisir à un fan de Hellfest sans vous tromper sur le produit !
13. Quels sont les modes de paiement acceptés sur le Hellfest Shop ?
Le Hellfest Shop accepte plusieurs modes de paiement pour faciliter vos achats :
Cartes bancaires (Visa, MasterCard, etc.).
PayPal.
Paiement en plusieurs fois, disponible pour certaines commandes.
Tous les paiements sont sécurisés grâce aux normes en vigueur pour garantir la protection de vos informations.
14. Le Hellfest Shop propose-t-il des articles pour enfants ?
Oui, le Hellfest Shop propose également une gamme d’articles pour enfants, notamment des t-shirts et des accessoires. Ces articles permettent aux plus jeunes de la famille de partager leur passion pour le Hellfest et la musique metal tout en étant habillés confortablement et avec style.
15. Les produits du Hellfest Shop sont-ils éco-responsables ?
Le Hellfest Shop s’engage à promouvoir des pratiques durables et éco-responsables. De nombreux produits, notamment les vêtements, sont fabriqués à partir de coton biologique ou de matériaux recyclés. L’équipe met un point d’honneur à limiter l’impact écologique du shop en utilisant des emballages écoresponsables et en collaborant avec des partenaires respectueux de l’environnement.
16. Comment puis-je contacter le service client du Hellfest Shop ?
Si vous avez des questions ou des préoccupations concernant une commande ou un produit, vous pouvez contacter le service client du Hellfest Shop via leur formulaire en ligne ou par e-mail. Le service client s’efforce de répondre rapidement et efficacement à toutes les demandes, que ce soit pour des questions de commande, de retour ou de produit.
17. Y a-t-il des promotions régulières sur le Hellfest Shop ?
Le Hellfest Shop propose régulièrement des promotions et des offres spéciales, notamment autour des périodes de festival ou à l’occasion d’événements comme le Black Friday. Pour ne rien manquer, il est conseillé de s’inscrire à la newsletter du Hellfest Shop ou de suivre les réseaux sociaux du festival pour être tenu informé des dernières offres.
18. Comment s’inscrire à la newsletter du Hellfest Shop ?
Vous pouvez vous inscrire à la newsletter du Hellfest Shop directement sur leur site. Cette inscription vous permettra de recevoir des informations exclusives sur les nouvelles collections, les promotions et les événements liés au Hellfest. En plus, vous serez informé en avant-première des collaborations spéciales et des lancements de produits en édition limitée.
19. Le Hellfest Shop a-t-il une boutique physique ?
En dehors des périodes du festival, le Hellfest Shop est principalement en ligne. Cependant, pendant le Hellfest, une grande boutique physique est installée sur le site du festival, où les festivaliers peuvent acheter des produits exclusifs et en édition limitée.
The ARRS, abréviation de The Alien’s Right Respect Sect, est un groupe de métalcorefrançais originaire de Paris Île-de-France. The ARRS a été fondée en 1998 à Paris, Île-de-France.
Après plusieurs années d’investissements en Île-de-France et sur des scènes de démo, qui ont rapidement acquis une bonne réputation,The ARRSest devenu populaire en 2005.
Le premier album de The ARRS
Avec le premier album … Et la douleur est la même (Beat im All / PIAS). Les dix titres qui le composent sont très bien reçus par le public et permettent de reconnaître le quintette de ses pairs et professionnels, et ainsi de réaliser des centaines de dates à travers l’Europe.
La performance constatée sur la scène principale du Furyfest la même année confirme leur potentiel. The ARRS a sorti son deuxième album, intitulé Trinité en 2007, avec les labels de disques Active Entertainment / PIAS, et est reparti avec encore plus de férocité.
C’est en raison de sa superbe et magnifique prestation que le groupe a de nouveau participé au Hellfest avec de grands groupes internationaux.
Le deuxième album de THE ARRS : TRINITE
En 2007, le deuxième album Trinité’s sonne différemment, même s’il reste dans la continuité du travail du groupe, et les paroles du groupe portent toujours des thèmes religieux. The Arrs s’exporte en Europe pour 80 concerts, sa popularité ne cesse de grandir, d’augmenter.
Heros/ Assassins, le troisiéme album
En 2009, « Heros / Assassins » sort le label « Misty Season ». Les gens ont ressenti la maturité acquise lors de la tournée précédente, et l’équipe était plus ferme dans son authenticité. L’album se situe entre le rythme hardcore punk et la mélodie heavy metal, consolidant sa position de référence dans le genre français.
ARRS a ensuite annoncé un DVD live gratuit, capté par dix caméras dans la salle du Trabendo Trabendo à Paris.
THE ARRS – Héros / assassins
Soleil noir en 2012
2012 est une nouvelle année. Des années plus tard, Paskual et Jérôme quittent le groupe pour faire place à Stefo (guitare) et Phil (basse). À travers cette nouvelle forme, le groupe s’est modernisé et porté dans la vision des gens avec une nouvelle image visuelle, considérée comme sa meilleure œuvre, Soleil noir (Verycords / Warner Music France). Cet album est plus violent, plus sombre et plus réussi que les épisodes précédents, et a été bien accueilli par l’industrie.
Dernier album de The ARRS : Khrónos
En 2015, Khrónos est le cinquième album studio du groupe (Verycords / Warner Music France), qui est également le deuxième album sorti sous la même formation 2.0. Le 5 janvier 2017, le groupe annonce que sa tournée 2017 sera la dernière, qu’il n’y aura pas de nouveaux albums et que l’aventure se terminera au concert de Paris en octobre.
The ARRS – Khronos
Après avoir traversé la France pour la dernière fois, la route de THE ARRS s’est terminée à Trabendo le 11 novembre 2017, avec une date d’adieu magnifique. La carrière d’un groupe est terminée. Depuis près de 19 ans, le groupe a vu beaucoup de jeunes groupe arriver et a principalement sorti des albums de grande qualité, tels que le petit dernier : KHronos.
Discographie
2015 : Khrónos
2012 : Soleil noir
2009 : Héros assassin
2007 : Trinité
2005 : …Et la douleur est la même
Autres sorties
2003 : Condition Humaine – EP (Autoproduction)
2009 : Condition Humaine – Réédition EP (Customcore Records)
2010 : Just Live – DVD Live (En téléchargement à prix libre)
2011 : Dans la chair et par le sang – Coffret 2CD + DVD live (Customcore Records)
2017 : » Crépuscule » – EP ( Autoproduction ) Format numérique 3 Titres 12 min 36
Les concerts sont l’un des événements les plus captivants et les plus excitants que l’on puisse assister. Les artistes donnent tout sur scène pour offrir une expérience inoubliable à leur public. Pour de nombreux fans, la musique et l’ambiance des concerts restent gravées dans leur mémoire pour toujours. Mais que diriez-vous d’immortaliser ces moments grâce à des photos de concert professionnelles?
La vente de photos de concert est un moyen unique de garder des souvenirs tangibles de vos artistes préférés et de leur musique. Que vous soyez un fan inconditionnel ou que vous cherchiez simplement à ajouter à votre collection de photos, les photos de concert peuvent être un investissement précieux.
Les photos de concert professionnelles captent l’énergie et l’émotion de l’instant. Les photographes spécialisés dans la photographie de concert ont l’œil pour capturer les moments les plus mémorables, les moments les plus épiques et les moments les plus intenses de chaque concert. Ils travaillent avec des équipements haut de gamme pour produire des images nettes et de haute qualité qui transmettent l’excitation et l’atmosphère du moment.
Les photos de concert peuvent également être un excellent ajout à votre décor intérieur. En les accrochant sur les murs de votre maison ou de votre bureau, vous pouvez rappeler les moments les plus excitants de vos concerts préférés. Les photos de concert peuvent également être un excellent cadeau pour les fans de musique de votre entourage.
Si vous cherchez à acheter des photos de concert, il existe de nombreuses options disponibles. De nombreux photographes professionnels vendent leurs photos de concert en ligne ou dans des boutiques spécialisées. Les sites de vente en ligne tels que Etsy et Amazon proposent également une grande sélection de photos de concert.
En conclusion, l’achat de photos de concert est un moyen unique et excitant d’immortaliser les moments les plus mémorables de vos concerts préférés. Que vous soyez un fan inconditionnel ou simplement à la recherche d’un moyen de décorer votre espace, les photos de concert peuvent être un investissement précieux et un souvenir intemporel.
Importance de la photographie de concert
La photographie de concert joue un rôle important pour les fans de musique et les artistes eux-mêmes. Tout d’abord, elle permet de capturer les moments les plus mémorables d’un concert, notamment l’énergie et l’émotion que les artistes transmettent à leur public. Les photos de concert permettent également aux fans de garder des souvenirs tangibles de leurs concerts préférés et de les revivre même des années plus tard.
De plus, la photographie de concert est un moyen pour les artistes de promouvoir leur travail et d’interagir avec leur public. Les photos de concert peuvent être partagées sur les réseaux sociaux et utilisées pour la promotion de futurs événements musicaux. Les photographes de concert professionnels peuvent également être invités à photographier des événements privés pour les artistes ou les maisons de disques.
Enfin, la photographie de concert est un art en soi. Les photographes de concert doivent être en mesure de capter les moments les plus intéressants tout en travaillant dans des conditions de faible luminosité et de mouvement rapide. Ils doivent également être capables de produire des images nettes et de haute qualité pour créer des souvenirs durables pour les fans de musique.
Il y a plusieurs avantages à acheter des photos de concert, que ce soit pour les fans de musique ou pour les collectionneurs d’art. Voici quelques-uns des avantages les plus importants :
Garder des souvenirs tangibles : Les photos de concert sont un moyen de garder des souvenirs tangibles de vos concerts préférés. Elles vous permettent de revivre les moments les plus mémorables de l’événement, y compris les performances des artistes, l’ambiance et l’énergie de la foule. Les photos de concert vous permettent également de vous rappeler de l’expérience que vous avez vécue avec vos amis et votre famille.
Ajouter à votre collection de photos : Si vous êtes un passionné de photographie ou un collectionneur d’art, les photos de concert peuvent être un excellent ajout à votre collection. Elles peuvent être considérées comme une forme d’art contemporain et peuvent ajouter une dimension intéressante à votre collection.
Décoration intérieure : Les photos de concert peuvent être utilisées pour décorer votre maison ou votre bureau. Elles peuvent être encadrées et accrochées sur les murs pour ajouter une touche personnelle à votre décor.
Cadeau pour les fans de musique : Si vous cherchez un cadeau original pour un fan de musique, les photos de concert peuvent être une excellente option. Elles sont uniques et personnalisées, et peuvent être choisies en fonction des goûts musicaux de la personne.
En résumé, l’achat de photos de concert peut être bénéfique pour les fans de musique et les collectionneurs d’art. Les photos de concert permettent de garder des souvenirs tangibles, d’ajouter à votre collection de photos, de décorer votre maison ou votre bureau, et de servir de cadeau original pour les fans de musique.
Vente photos de concert de Sick of it all – Photo de concert par Eric CANTO
Comment acheter des photos de concert
Il existe plusieurs moyens d’acheter des photos de concert :
Directement auprès du photographe : Vous pouvez contacter directement le photographe qui a pris les photos lors du concert. La plupart des photographes ont un site web ou une boutique en ligne où ils vendent leurs photos. Vous pouvez également les contacter par email ou par téléphone pour passer une commande.
Sur des sites web spécialisés : Il existe plusieurs sites web spécialisés dans la vente de photos de concert. Ces sites regroupent des photos de différents photographes et artistes, et vous pouvez facilement trouver des photos de vos artistes préférés.
Lors de festivals et de concerts : Si vous assistez à des festivals et à des concerts, il est possible que des photographes soient présents pour prendre des photos de l’événement. Certains d’entre eux vendent ensuite leurs photos sur place, ou vous pouvez les contacter ultérieurement pour passer une commande.
Avant d’acheter des photos de concert, assurez-vous de vérifier la qualité des photos et de vérifier les tarifs. Les prix peuvent varier considérablement en fonction de la qualité de la photo et de la notoriété du photographe. Il est également important de vérifier les droits d’utilisation des photos, surtout si vous comptez les utiliser pour un usage commercial.
La photographie de concert professionnelle
La photographie de concert professionnelle est une discipline de la photographie qui consiste à capturer les moments les plus marquants des performances en direct des artistes et des groupes de musique. Cette forme de photographie est très populaire auprès des fans de musique, des artistes et des professionnels de l’industrie musicale.
Pour conclure : Récapitulation des avantages de l’achat de photos de concert
L’achat de photos de concert présente plusieurs avantages, notamment :
Capturer des moments uniques : Les concerts sont des événements en direct qui ne se répètent pas et qui peuvent produire des moments uniques et mémorables. L’achat de photos de concert permet de capturer ces moments pour les revivre et les apprécier plus tard.
Obtenir des images de haute qualité : Les photographes professionnels de concerts utilisent des équipements de pointe pour capturer des images de haute qualité. Les photos achetées seront donc nettes, claires et parfaitement exposées.
Posséder des souvenirs uniques : Les photos de concert sont des souvenirs uniques qui permettent de revivre l’expérience du concert encore et encore. Elles peuvent être encadrées et exposées dans votre maison ou votre bureau, ou utilisées pour personnaliser votre téléphone ou votre ordinateur.
Soutenir les artistes et les photographes : En achetant des photos de concert, vous soutenez les artistes et les photographes qui travaillent dur pour capturer ces moments uniques. Cela peut aider à encourager leur travail et leur permettre de continuer à créer de superbes images de concerts.
Accéder à une grande variété de photos : Les photographes de concerts prennent souvent des centaines de photos lors d’un seul événement, offrant ainsi une grande variété de choix pour trouver l’image parfaite. De plus, il est souvent possible de trouver des photos de différents angles ou perspectives qui ne sont pas accessibles au public pendant le concert.
Découvrez notre selection de PHOTOS DE CONCERT
Vente photos de concert : Découvrez notre sélection de photos de concert. Nos nombreuses photos de musique n’attendent que vous pour donner une touche d’originalité à votre décoration. Si vous êtes passionné de rock, de métal ou encore de pop et que vous allez régulièrement assister à des concerts, vous avez sans doute remarqué la présence de photographes de concert pendant le spectacle.
Si vous souhaitez opter pour une ambiance particulière parcourez notre sélection de photos couleur Toutes les photographies de concert mises en vente sur ericcanto.com sont vendues en édition limitée.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un premier teaser ultra efficace pour le documentaire de Spike Jonze :Beastie Boys Story. Le réalisateur de Her accompagne lesBeastie Boys depuis des années et a réalisé certains de leurs clips. L’histoire d’amour entre Spike Jonze et les Beastie Boys remonte à plusieurs années.
Le réalisateur de Her and In the Skin de John Malkovich a rencontré les Beastie Boys au début des années 1990. Ils ont ensuite travaillé plusieurs fois ensemble, sur des clips comme « Ricky’s Theme », « Root Down » ou même « Sabotage« . À l’occasion du 25e anniversaire de la sortie de l’album Ill Communication, Spike Jonze a produit un documentaire intimiste qui retrace l’histoire du groupe.
Le réalisateur a pu accompagner Mike D (Mike Diamond), Ad-Rock (Adam Horovitz) et feu MCA (le musicien décédé d’un cancer en 2012) dans leur vie quotidienne pendant plusieurs années.
Le premier teaser ultra-efficace du documentaire Beastie Boys Story vient de sortir. Vous pouvez y voir les trois Mc de l’autel à leurs débuts, dans des sessions hip-hop improvisées et dans des clips. Mike D et Ad-Rock apparaissent alors plus âgés sur une immense scène de théâtre devant un public de fans.
« Bonjour à tous! Ce que nous allons faire ici, c’est que nous voyagerons loin, très loin dans le temps! », entend-on en arrière-plan. Quelque chose qui vous met l’eau à la bouche.
Le film sera disponible dans certaines salles IMAX à partir du 3 avril et sur Apple TV + à partir du 24 avril Les Beastie Boys ont développé une approche et un style qui va de quinze ans de punk rock animé au hip-hop, un style ouvert et particulié. Loin d’être des adolescents douteux, ils ont redéfini la jeunesse: une secte cool ouverte à tous et qui a entre 7 et 77 ans. La discographie des Beastie Boys est sans faille.
Beastie boys Story
Le début des Beastie boys
Hiver 1981: Un obscur groupe punk de New York enregistre une chanson forte à huit pistes pour un magasin de disques hardcore dans l’East Village de New York: le certificat de naissance en vinyle des Beastie Boys, Polly Woog Stew, une naissance époustouflante. Mars 1982: Le groupe, dont la composition est encore incertaine, troque ses singles hardcore contre le maxi rap de Sugarhill.
Adam Horovitz a ensuite accompagné Mike D., Adam Yauch et Kate Schellenbach à la batterie (maintenant avec Luscious Jackson) pour enregistrer le Single Cookie Puss, une farce téléphonique dans la cour de récréation qui lorgne ouvertement vers le hip-hop. À partir de là, « nous avons laissé tomber nos instruments et commencé à faire des MCs », explique Mike D. Encore une fois, nous prouvons que le punk mène à tout lorsque vous le quittez.
License to ill (Def Jam, 1986)
“Fight for your right to party / Your father was caught smoking ¬ he said « No way » / Now your mother threw » (fight for your rights). Concentré de manière particulièrement explosive sur la colère des jeunes, le premier album des Beastie Boys, précédé du tonnerre Maxi Rock Hard (1984), est le tout premier.
Insolent, provocateur et sexiste, des paroles bruyantes plutôt stridentes, associées à une collision sonore titanesque entre le heavy métal et les rythmes hip hop. Rick Rubin, co-fondateur du label Def Jam, qui a signé le trio Thug sous contrat, n’est pas étranger à cette effraction brutale de riffs de tartre dans le chaudron de rap Horovitz aujourd’hui.
Rick Rubin, l’architecte sonore du duo mémorable de Run DMC avec Aerosmith on Walk, a l’intention d’utiliser sa vision musicale élargie pour servir une approche entre deux clans qui est incompatible dès le départ, mais qui est similaire à bien des égards: les cheveux métalliques et que B-Boys.
Avec ce Licensed to Ill, le premier album de rap dans les charts américains, qui étonnera encore et encore douze ans plus tard, il connaîtra un brillant succès.
Avec un paradoxe, la batterie de John Bonham (Led Zeppelin) à l’ouverture. Au niveau de l’enregistrement, Adam Horovitz voulait rendre un hommage au Zeppelin sur New Style (« Si j’étais guitariste, je serais Jimmy Page »), Page ne l’entendra pas de cette oreille quand il découvrira son riff de The Ocean sur le disque. L’affaire est finalement réglée à l’amiable pour une dizaine de dollars.
Si un bon nombre de B-boys sont immédiatement conquis par ce feu contagieux, une partie de la jeune nation hip-hop fronce les sourcils face à ce rappeur blanc de blancs (juifs et aussi de bonnes familles) dont le succès écrasant leur rappelle le succès, la réappropriation opportuniste dont le jazz et le rock étaient déjà victimes.
Surtout, contrairement au « message » politique qui commence à émerger dans le hip-hop (l’émergence des groupes de rap les plus engagés, Public Enemy, n’aura lieu que l’année suivante), ces escrocs lubriques à l’humour d’écolier, qui n’ont apparemment d’autre souci que de revendiquer « le droit de faire la fête ».
C’est le début de l’aventure de l’un des groupes les plus importants de ces trente dernières années.
Le , Adam Yauch, âgé de 47 ans ,meurt après une bataille de trois ans contre le cancer. Le groupe décide de ne pas survivre à la perte d’Adam. Le , Mike D annonce la fin définitive du groupe : Nous ne sommes plus capables de tourner depuis que MCA, Adam Yauch, est mort […] nous ne pouvons pas faire de nouveaux morceaux.
beastie boys story
Membres des Beastie Boys
Anciens membres des Beastie boys
John Berry – guitare (1981–1982)
Mike D – chant, batterie (1981–2012)
Kate Schellenbach – batterie, percussions (1981–1984)
MCA – chant, basse (1981–2012)
Ad-Rock – chant, guitare (1982–2012)
Membres de tournée
DJ Double R – DJing (1984–1985)
Doctor Dré – DJing (1986)
DJ Hurricane – DJing (1986–1997)
Eric Bobo – percussions (1992–1996)
Money Mark (Mark Ramos-Nishita) – clavier, chant (1992–2012)
AWOL – batterie (1994–1995)
Alfredo Ortiz – batterie, percussions (1996–2012)
Mix Master Mike – DJing, platines, chœurs (1998–2012)
Discographie des Beastie Boys
1986 : Licensed to Ill
1989 : Paul’s Boutique
1992 : Check Your Head
1994 : Ill Communication
1996 : The In Sound From Way Out
1998 : Hello Nasty
2004 : To the 5 Boroughs
2007 : The Mix-Up
2011 : Hot Sauce Committee Part Two
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bonus : Interview du NY Times, Les Beastie Boys posent le micro et ramassent le stylo
Après la mort d’Adam Yauch, Michael Diamond et Adam Horovitz ont travaillé pour capturer l’esthétique et l’héritage du groupe révolutionnaire sur la page. Voici comment ils l’ont fait.
Michael Diamond (Mike D) des Beastie Boys (à gauche) et Adam Horovitz (Ad-Rock) ont tenté de définir leur propre héritage dans leur «Beastie Boys Book».Crédit…Brad Ogbonna pour le New York Times
L’histoire commence – ou peut-être se termine – avec trois gars au début de la cinquantaine qui traînent dans un bel après-midi de fin d’été, buvant du café glacé et parlant de combien ils aiment le Clash, et à quel point c’est étrange que l’hôtel encombré de célébrités où ils Être assis est juste en haut du bloc de là où CBGB était à l’époque. Des trucs de papa.
Deux des papas, cependant, sont les membres survivants des Beastie Boys: Adam Horovitz, avec des cheveux gris surélevés et un T-shirt blanc avec un léger graffito sur le devant; et Michael Diamond, vêtu d’un bouton rouge vif, ses cheveux toujours sombres, son visage froissé et bronzé après des années de vie dans le sud de la Californie. Ad-Rock et Mike D, en d’autres termes.
Le troisième Beastie, Adam Yauch – MCA, la conscience, le chaman et l’épine dorsale intellectuelle du groupe – est décédé en 2012 après une bataille de trois ans contre le cancer des glandes salivaires. Son absence, six ans plus tard, est un fait palpable dans la salle. Son nom revient souvent dans la conversation, comme dans le nouveau livre qu’Horovitz et Diamond ont écrit.
Appelé «Beastie Boys Book» (bien que la page de couverture puisse vous faire croire que le véritable titre est «PIZZA»), c’est un butoir de 571 pages et une pierre tombale, un recueil d’anecdotes, de recettes, de riffs espiègles et d’histoires de chiens hirsutes et une élégie sincère à un ami très regretté.
Le volume, plein de photographies et de bandes dessinées anciennes, avec une multitude de polices et de mises en page, est un summa non musical de l’esthétique Beastie.
Histoire personnelle, folklore des bus de tournée, geek de studio et drame générationnel qui convoque une liste impressionnante de témoins, y compris les écrivains Jonathan Lethem, Ada Calhoun et Colson Whitehead, la comédienne / actrice Amy Poehler et divers collègues musiciens.
Certains comptes sont réglés, du bœuf est écrasé, et sans aucun doute, certaines affaires laides sont aérographiées ou sautées. Un mauvais comportement est reconnu; La bonne foi des alliées féministes est maintenue. Puisqu’il n’y aura plus de nouvelle musique de Beastie Boys, cet album aidera à consolider un héritage tentaculaire et compliqué.
La construction de monuments n’est pas quelque chose que vous attendez nécessairement des Beasties, qui ont construit leur carrière par irrévérence, sournoiserie et cool discret. Au début, au début des années 1980, le nom était un acronyme pour Boys Entering Anarchistic States Toward Internal Excellence, écrit Diamond, et la programmation comprenait une fille, Kate Schellenbach.
Le groupe est passé du hardcore au hip-hop lorsque le rap ressemblait plus à une mode qu’à une force dominante de la culture pop. Ils étaient puérils et profanes puis, d’une manière ou d’une autre, dans les années 90, des musiciens sérieux avec quelque chose à dire et des innovations surprenantes à apporter. Yauch était une bouddhiste et une féministe affirmée.
Leur vidéo « Sabotage » de 1994 , réalisé par Spike Jonze, était un jetable rétro loufoque qui a contribué à transformer le genre.
Les beastie boys ont pratiqué l’extension de marque multiplateforme avant que ces mots horribles ne deviennent une monnaie culturelle. Ils étaient conscients de la mode, de la nourriture et du graphisme, ils ont trouvé de l’art et de vieux «médias physiques» étranges au moment où le genre numérique commençait à les balayer.
«J’écoute de la cire / je n’utilise pas le CD», se vantait Mike D dans «Sure Shot» en 1994, anticipant la reconquête millénaire de la suprématie du vinyle d’une décennie ou plus.
À peu près au même moment, ils ont lancé un magazine appelé Grand Royal qui était aussi une sorte de label de disques et aussi une sorte de magasin de consommation de style de vie et aussi une sorte de club-house où l’on pouvait se sentir à la fois comme un noob et un savant.
C’était comme un site Web, mais sur papier. Idiot et à faire soi-même, il avait le sens désarmant, improvisé et ressemblant à ce que j’ai trouvé, de l’intégrité artistique qui est au cœur de l’héritage de Beastie.
Cet héritage entre les couvertures rigides ne ressemble pas beaucoup à un mémoire de rock star standard. À la manière d’apt Gen X, c’est plus drôle et plus modeste que les best-sellers des héros musicaux des baby-boomers. Nous en avons parlé tous les trois et de bien d’autres choses. Ce sont des extraits édités de la conversation.
Alors, comment est né le livre?
MICHAEL DIAMOND des beastie boys : C’est mieux que de nous faire tenter une comédie musicale à Broadway, je pense.
ADAM HOROVITZ Whoa.
DIAMOND des beastie boys : Yauch, quand nous étions enfants, il adorait «The Kids Are Alright», le documentaire Who. C’était comme une obsession.
Et donc il était intéressé, lorsque nous travaillions sur «Hot Sauce Committee» ou même un peu avant cela, à rassembler des documents d’archives dans un projet de type documentaire. Ensuite, il a été question de quelqu’un qui ferait un livre sur le groupe, alors nous étions en quelque sorte comme, nous devrions nous rassembler et le faire.
Puis Yauch est mort et nous étions trop tristes et ce n’était certainement pas le moment pour nous d’y toucher. Et puis nous y sommes retournés et cela a traversé différentes manifestations. Nous avons commencé avec l’idée d’amener les gens qui étaient autour du groupe et nos amis et personnes impliquées à différents moments à raconter l’histoire.
Qu’est-ce que vous vouliez le plus que ce ne soit pas?
DIAMANT des beastie boys : Nous ne voulions certainement pas que ce soit comme une autobiographie rock typique. «Je suis monté dans le bus un jour et il y avait un garçon qui jouait de la guitare et il s’est avéré qu’il s’agissait de John Lennon.
HOROVITZ des beastie boys : Bien que ce serait génial – dans une histoire sur les Beastie Boys. Nous ne voulions pas faire le truc où ces autobiographies sont comme un tas de trucs, puis quelques photos, et plus de trucs, et plus de photos.
DIAMANT des beastie boys : Voici 20 pages de nous quand nous grandissions. Voici 20 pages quand nous devenons célèbres. Voici 20 pages quand nous sommes célèbres et voici 20 pages après que nous ne pouvions pas nous supporter et maintenant j’ai écrit toutes ces choses diffamatoires sur les gars avec qui j’étais dans le groupe.
HOROVITZ des beastie boys : En 2018, vous pouvez simplement Google tout cela et écrire votre propre livre. Nous ne voulions pas non plus avoir d’histoires sur des choses vraiment personnelles, ou des trucs scandaleux ou [jurons] qui ne sont l’affaire de personne.
Y a-t-il des endroits où vous vous souvenez des choses différemment?
HOROVITZ des beastie boys : Non. C’était plutôt: Est-ce que l’un de nous se souvient?
DIAMANT des beastie boys : Nous avons tous deux été étonnés de voir à quel point nous nous souvenons peu.
Eh bien, cela fait longtemps.
DIAMANT des beastie boys : Surtout parce que c’était important de vivre le moment fou de notre adolescence. Parce que c’était si formateur et à cause de l’époque où c’était à New York .
Comment vous souvenez-vous de cela maintenant – de la musique que vous avez écoutée et qu’est-ce qui vous a donné l’idée que c’était quelque chose que vous pouviez faire?
HOROVITZ des beastie boys : Nous avions environ 15 ans, et nous allions voir des groupes, et beaucoup de groupes étaient comme des groupes punk hardcore. J’avais une guitare, et je connaissais quelques accords, et tu as réalisé que tu pouvais jouer cette chanson des Ramones, et c’est comme, Jésus, chaque chanson des Ramones est juste ça? Je pourrais faire ça.
La seule musique accessible que nous pourrions faire serait le hard-core. Même le punk semblait sophistiqué.
DIAMANT des beastie boys : Le point d’entrée était là. Avant cela, de grands groupes de rock étaient sur scène et c’était inaccessible. Mais si vous alliez dans un club comme A7, tout le club avait peut-être la taille de cette chambre d’hôtel, et il y avait littéralement un canapé comme ce canapé sur le côté de la scène.
La barrière entre le public et le groupe n’existait pas vraiment, et la plupart des gens du public étaient dans des groupes. Une autre chose intéressante qui se passait lorsque nous avons commencé à sortir dans des clubs à l’adolescence – que ce soit Mudd Club , Danceteria ou ailleurs – était cette culture de tout le monde faisant quelque chose.
S’ils ne faisaient pas partie d’un groupe, ils essayaient de vous vendre leur petit fanzine de poésie ou de devenir le prochain artiste visuel. Tout le monde avait un peu de créativité.
DIAMOND des beastie boys : Au début, nous étions un groupe hard-core comme tout le monde. Sauf que peut-être que nous avions le sens de l’humour à ce sujet.
HOROVITZ des beastie boys : Et puis nous avons commencé à rapper. Nous étions comme les rappeurs du centre-ville. Il n’y avait personne d’autre qui frappait au centre-ville. Droite? Le pont était que nous avons rencontré Rick Rubin . Nous allions tous dans les mêmes clubs mais il était un peu plus âgé et il avait une boîte à rythmes.
DIAMANT des beastie boys : Et nous avons en quelque sorte atteint un moment d’épuisement avec le hardcore. Le rap 12 pouces a commencé à sortir, et cela semblait être une chose vraiment excitante. «Sucker MC’s» [de Run-DMC] était vraiment le disque qui a tout brisé, c’était ce dépouillé, minimal… voilà ce que le rap allait être.
HOROVITZ des beastie boys : Cette époque du rap était vraiment punk pour une raison quelconque. Quelque chose était connectable dans la mesure où nous voulions faire des disques de rap, en plus d’aimer les disques de rap.
DIAMANT des beastie boys : Ou peut-être que nous étions tellement naïfs et que nous n’avions aucun adulte responsable autour de vous pour dire: «À quoi pensez-vous les gars?»
Étiez-vous un peu gêné d’être des enfants blancs travaillant dans l’idiome du rap?
HOROVITZ des beastie boys : Eh bien, nous venions du centre-ville, donc nous frappions à Danceteria, dans ces clubs blancs du centre-ville, vraiment. Personne au centre-ville ne rappait. Personne que nous connaissions ne rappait. Donc nous étions comme, nous devrions le faire. On ne s’en moquait pas, on adorait ça et on voulait en faire partie.
Au bout d’une minute, nous avons eu des costumes Puma assortis, et nous portions des chiffons, et nous avons joué dans ce club du Queens appelé Encore, et tout le monde se moque de nous. Ils ont allumé les lumières fluorescentes quand nous sommes arrivés à faire nos deux chansons d’ouverture pour Kurtis Blow, et nous étions comme, mec, nous avons l’air stupides.
DIAMOND des beastie boys : Nous nous sommes tous sentis comme [juron] après ce concert. Mais nous étions toujours déterminés à faire du rap car c’est ce que nous aimions faire. Nous avons en quelque sorte réalisé que nous devions être notre propre version.
Beaucoup d’enfants grandissent maintenant dans un monde créé par Beastie, où la musique, les baskets, les vêtements, la nourriture, une grande partie de ce qu’ils consomment sont connectés et inter-marques. Et vous avez été des pionniers dans ce genre de choses. Comment cela est-il né de la musique?
DIAMOND des beastie boys : C’était la grande leçon du punk et du hardcore. Que vous puissiez publier quoi que ce soit. Pour jouer à des concerts, vous voliez l’accès à une machine Xerox et fabriquiez des dépliants.
HOROVITZ des beastie boys : Punks n’engage pas de personnes pour faire la couverture de leur disque. Les punks font tout eux-mêmes. C’est ça le vrai punk – le faire soi-même et bâtir une communauté où les gens partagent des idées et partagent leur créativité.
J’ai l’impression que nous avons toujours essayé d’y revenir. Grand Royal a commencé parce que nous étions sur la tournée Lollapalooza et nous voulions envoyer ce message aux gens que le Mosh Pit est ringard.
Arrêter de faire ça. MTV l’a ruiné, et c’est dangereux, et les filles sont blessées. Donc Mike avait conçu tout ça et nous l’avons fait passer à Lollapalooza et ensuite nous nous sommes dit, faisons juste un fanzine et sortons-le.
Et puis il est simplement passé au niveau suivant. Nous avons eu de la chance d’avoir de l’argent.
DIAMANT des beastie boys : Et que nous avons eu le public. Le fait que nous ayons eu un public plus large pour ces choses que nous avons faites est encore un petit miracle pour moi.
Quand je pense à vous les gars, je pense à deux moments. Le premier, le début et le milieu des années 80, dont nous parlions.
Mais il y a aussi le début et le milieu des années 90, une décennie plus tard, quand il y a une floraison créative dans le hip-hop et le moment indie-rock. D’une manière ou d’une autre, vous étiez dans ces deux endroits. Comment pensez-vous y être arrivé?
HOROVITZ des beastie boys : Eh bien, cela revient probablement à aimer le Clash. Ils avaient des chansons punk-rock, des chansons reggae et des chansons mélodiques, et ils ont juste suivi ce qu’ils voulaient faire, non?
DIAMOND des beastie boys : Il ne nous est jamais venu à l’esprit de ne pas faire de musique qui incluait quelque influence que ce soit.
Heureusement, nous avons pu faire des disques sur une bonne période de temps, car vous n’allez pas tout découvrir à la fois. La réalité que nous pourrions être joués sur «Yo! MTV Raps »à côté de« 120 Minutes »- je suppose que c’est là que MTV était à l’époque.
Même s’ils présentaient de la musique rap et de la musique alternative, ils les présentaient de manière séparée. Nous essayions de tout mettre ensemble, et en quelque sorte nous étions l’enfant étrange dont les vidéos pouvaient jouer sur les deux.
Une chose qui était certainement vraie des premiers Beastie Boys était la personnalité ludique et odieuse. Il y avait le pénis gonflable sur scène à vos spectacles.
HOROVITZ des beastie boys : Hydraulique. C’était un pénis hydraulique.
Et déjà, il y a probablement 20 ans, vous vous êtes éloigné de certains des aspects les plus offensants de cela. En ce moment, à travers la culture, il y a beaucoup de comptes en cours sur la misogynie et l’homophobie, passées et présentes, et je me demande si cela est revenu à nouveau en travaillant sur le livre?
DIAMANT des beastie boys : Nous avons tous, en grandissant, soit eu l’expérience de nous comporter mal, soit de faire un mauvais travail de la façon dont nous traitions les autres dans n’importe quel type de relation. Pour nous, bien sûr, une grande partie de cela était dans le personnage public que nous avons créé.
C’était quelque chose d’inspirant dans le livre, c’était l’occasion de s’ouvrir et de se plonger dedans et de pouvoir dire: «Nous étions [jurons]. Nous aurions vraiment pu mieux gérer cela. Mais peut-être que nous devions être [jurons] pour apprendre notre leçon.
HOROVITZ des beastie boys : Je veux dire que vous ne pouvez pas ne pas en parler. C’est une grande partie de notre histoire pour nous.
Parce que pendant longtemps nous n’avons pas joué «Fight for Your Right to Party», nous n’avons joué aucune de ces chansons. «Licensed to Ill» était comme un rhume, et nous avons pris tellement de vitamine C que nous n’aurions plus jamais eu ce rhume.
Mais ensuite on s’est rendu compte que l’on peut séparer le bien du mal, que ce n’est pas tout, quelle est l’expression, coupée et séchée?
DIAMANT des beastie boys : Cela ne semblait plus binaire.
HOROVITZ des beastie boys : Oh maintenant, nous utilisons des mots fantaisistes.
DIAMANT des beastie boys : Ce qui a ouvert la porte, ce sont les paroles de Yauch à la fin des années 90 sur «Sure Shot» sur «le manque de respect des femmes doit être passé».
Au fur et à mesure que nous avons évolué pour avoir cette voix, nous pourrions être à l’aise de revenir en arrière et de jouer l’une de ces chansons, en disant maintenant que nous sommes suffisamment clairement établis comme autre chose pour pouvoir jouer cette musique sans le devenir.
Il y a quelque chose de doux-amer dans ce livre, à cause de la mort de Yauch.
HOROVITZ des beastie boys : C’est [juron] triste. Il n’y a aucun moyen de le contourner. Comment êtes-vous censé terminer ce livre? Moi et Mike assis ici? Moi et Mike allons au cinéma? Il y a tellement de films Dwayne «The Rock» Johnson que nous n’avons pas encore vus.
DIAMANT des beastie boys : Ce qu’il y avait de gentil à ce sujet, c’était de pouvoir revenir en arrière et d’exploiter ces histoires dont il était au-delà de tout. C’était une chose gratifiante, quelque chose qui nous manque chaque jour.
Je ne sais pas comment nous pourrions faire cela avec un degré d’honnêteté sans avoir cette tristesse et cette perte.
HOROVITZ des beastie boys : Il n’y a pas moyen de contourner cela. Il est le groupe.
Mass Hysteria l’armée des ombres est le 7e album studio de Mass Hysteria, groupe de métal français.L’armée des ombres est sorti le 27 août 2012. Je me suis occupé sur cet album de l’artwork, des photos presse ainsi que de toute la communication.
L’armée des ombres est le premier album avec Vincent Mercier à la basse, remplaçant Stéphan Jacquet « Titou », ainsi que le dernier avec Nicolas Sarrouy à la guitare. L’ancien guitariste du groupe Olivier Coursier, aujourd’hui dans AaRON s’est occupé des samples de l’album.
Mass Hysteria a 18 ans, une majorité que le cours des années ne dément pas. L’âge de l’émancipation, l’âge auquel rien n’est impossible.
Où nous voyons la liberté, où nous rêvons. Combattant la mode, les périodes sombres, un amour sans faille pour la musique et pour cette alchimie indescriptible entre le groupe et le public. Fort de son expérience et des années passées, Mass Hysteria ne fait plus attention aux détails, et distille aujourd’hui une recette unique en France, faisant fi des détails pour ne conserver que le nécessaire.
Trois ans après « Failles » MASS HYSTERIA change de label, bassiste et adopte le côté sombre de l’album, dont la pochette annonce la couleur: sombre.
Il n’y a plus d’humeurs révolutionnaires festives des albums précédents, le monde a changé, de même MASS et « l’armée des ombres » ne sont rien d’autre qu’un bataillon de survivants face au système actuel qui envisage la destruction de l’homme lui-même.
Oui, pas joyeux, joyeux, mais c’est l’atmosphère qui sort du battage médiatique, il suffit de regarder l’artwork dérangeant pour le remarquer. Même « Positive A Bloc » avec son titre optimiste n’est pas pour là pour calmer l’ambiance.
C’est juste une bombe en introduction à cet album. Un de ces morceaux qui vous frappe sans le voir venir, et annonce la couleur et montre que le groupe n’est pas venu là pour faire de la figuration.
Mass Hysteria l’armée des ombres en tournée
Les samples nous permettent de comprendre que cette chanson est une machine qui écrase tout sur son passage, des guitares grasses et lourdes accompagnent la batterie et sa double grosse caisse sur la quasi-totalité du titre. Le son est très dense, presque étouffant, avec le goût de l’Indus, ce qui n’est pas désagréable.
C’est une recette magique qui déroule sur l’ensemble de l’album. Cela dit, on pourrait penser que « L’Armée des Ombres » n’est qu’un régiment en marche, que le CD est une frontière très linéaire et ennuyeuse. Eh bien, si vous l’écoutez de manière substantielle, oui. Mais l’ambiance est ce que le groupe impose donne toute sa subtilité à l’album.
En effet, les échantillons électros et les sons occupent une grande place dans les chansons, ajoutant à l’atmosphère dure créée par les instruments, des climats différents pour augmenter la pression, comme dans « Commedia Dell » Inferno.
MASS sait aussi surprendre l’auditeur avec le titre « Même si j’explose », son intro sur le clavier et le refrain sont forts et engageants, et dégagent une atmosphère post-apocalyptique dérangeante, mais terriblement excitante.
Aussi dur, sérieux et puissant que l’armée de l’ombre, vous partez bien éveillé et bien ancré dans la réalité économique de plus en plus difficile. Cette fois, Mouss ne porte plus de gants, car ses paroles n’ont jamais été aussi directes. Ils témoignent de son anxiété, de sa profonde préoccupation pour ce monde et de la chute actuelle.
On ne rit plus, l’état d’urgence est annoncé et l’Armée fantôme revient sur scène. Cette nouvelle chanson est la chanson la plus métal, la plus dure et la plus compacte que Mass Hysteria nous ait jamais offerte. Sur cet album, il y a l’occasion de présenter le nouveau bassiste Vince Mercier, qui remplace le symbolique Titou parti l’an dernier.
Le changement s’est opéré avec style avec une basse ronde et éclatante, comme dans « L’homme sans tête ». Mass Hysteria l’armée des ombres est encore plus réussi que Failles, car les titres qui composent cet album sont plus intenses. Au final, on ne voit qu’une chose, le résultat est impressionnant. L’armée des ombres réussit, car en perdant un peu d’insouciance, Mass Hysteria a gagné en efficacité.
Mass Hysteria l’armée des ombres : Le making of
Mass Hysteria l’armée des ombres : Teaser Basse
Mass Hysteria l’armée des ombres : le Teaser
Mass Hysteria l’armée des ombres : Teaser de l’album
Mass Hysteria l’armée des ombres : l’interview
Il semble que Mass Hysteria ait parcouru un long chemin entre un album noir, plus introspectif et personnel, et l’armée des ombres, qui apparaît presque comme un « cri du peuple ». Le rock’n roll doit-il être positionné comme un art de la résistance, dans le contexte actuel ?
Raphaël: Sans faire partie de l’approche punk, le rock’n roll doit redevenir « dangereux ».
Yann: J’écoute et j’aime certaines choses dans le rock d’aujourd’hui, mais je pense aussi que c’est un peu trop propre. Ce qui est actuellement un succès, comme Black Keys, est peut-être trop intelligent, même si la musique est très bien structurée et que le groupe est excellent au concert.
La page « image » est importante, mais elle semble prendre trop de place. En général, je pense qu’il y a un manque de rébellion dans la scène actuelle, une certaine rébellion. Peut-être faut-il qu’un groupe américain émerge en tête du discours pour faire repartir le rock français dans cet esprit. Lorsque Rage Against The Machine est apparu au début des années 90, ils ont profondément changé le paysage musical.
La scène américaine doit-elle être le moteur des artistes français?
Raphaël: Personnellement, je ne suis pas influencé par la scène française. Trust, Bérurier Noir et Lofofora m’ont alors fait forte impression. Ce qui se fait aujourd’hui ne m’intéresse pas vraiment. Cependant, il existe de très bons groupes qui offrent une musique extrêmement forte.
Yann: Il ne s’agit pas de critique, je pense que la musique d’aujourd’hui répond aux exigences du système. Si une grosse locomotive américaine atterrit en France, elle sera suivie par une foule de groupes français.
Cela s’est produit avec la vague de Korn et Deftones. Mass Hysteria a grandement profité de l’explosion de la scène américaine. Le métal existe, le succès du Hellfest est d’en témoigner, mais il se développe en «sous-marin». Aucun média ne veut supporter ce genre, nous sommes fermés plus que toute autre chose.
Raphaël: D’un autre côté, si un gars a l’intention de détruire des tombes et de porter un t-shirt Slayer, les magazines feront la une avec cette anecdote. Il est difficile de développer ce genre de musique en France. Le genre est malheureusement ultra-stéréotypé et pour beaucoup ce n’est rien d’autre que du bruit. C’est toujours une musique complexe qui nécessite une certaine technique et beaucoup d’efforts.
Mass Hysteria est de retour avec un nouvel album, L’Armée des Ombres. Le groupe propose ici un disque plus sombre et plus impliqué, idéalement adapté à l’époque par rapport au message. Comment avez-vous abordé ce septième album : Mass Hysteria l’armée des ombres ?
Yann: Les graphismes de cet album sont très sombres et je pense que cela donne le côté sombre de l’album. Les compositions sont plus « métal » et nettes, mais en termes de paroles l’armée des ombres s’inscrit parfaitement dans la continuité de son prédécesseur. Les textes sont cependant très réalistes et directs par rapport au monde actuel. Je pense que les graphiques peuvent avoir un petit impact sur le contenu de cet enregistrement.
Raphaël: « World on Fire » sur Failles était déjà une chanson engagée, comme « Babylon » sur Une Somme de Détail. Malgré cela, l’armée fantôme a prononcé un discours encourageant et Mouss a d’abord utilisé son slogan « Positif à bloc ».
Yann: Mass vieillit également. Les temps changent et pas nécessairement dans le bon sens. Après tout, nous essayons d’être positifs sur un monde qui devient un peu barbare.
Vous avez changé le bassiste avec le départ de Stéphane, qui était là depuis le début. Comment vous êtes-vous retrouvé dans cette situation et comment avez-vous intégré votre ami Vincent?
Yann Heurtaux: Je ne veux pas m’étendre sur le pourquoi, mais Stephan est parti…, tout ce que je peux dire, c’est que c’était difficile pour les deux côtés. Ensuite, le choix a été fait rapidement: nous ne voulions pas quelqu’un que nous ne connaissions pas, alors nous avons regardé autour et il y avait Vince. Il a passé du temps dans les mêmes bars et nous avons passé de nombreuses soirées ensemble, nous sommes amis depuis longtemps.
Au niveau de la guitare, nous ressentons des influences plus diverses, à la fois plus lourdes et plus repliées si nécessaire. Comment décririez-vous le travail des guitares ?
Yann : Nous avons vraiment pris la tête du son. Il fallait ensuite équilibrer le moment où les machines devaient être présentes et le moment où les guitares devaient prendre le contrôle: le mix était très important, c’est pourquoi nous travaillons avec Fred Duquesne, il nous connaît, je lui fais confiance!
Selon vous, qu’est-ce qui a le plus contribué à ces nouvelles compositions par rapport à ce que vous avez réussi à écrire sur Failles ?
Raphaël: Mass Hysteria l’armée des ombres est plus compact, vous pouvez l’écouter en même temps. A la fin de Failles, je pense qu’il y a deux ou trois titres moins forts. L’armée passe d’elle-même sans se désagréger.
Le disque a une meilleure structure. Mass Hysteria l’armée des ombres est en fait relativement monolithique. Un titre comme « Raison close » impose cependant un tempo moyen plus fort et est enregistré comme un souffle « léger » au milieu de compositions très « métal » …
Yann: le titre se distingue par son ambiance et son rythme. J’adore les paroles de Mouss, il a abordé la chanson un peu différemment. J’aime cette chanson, mais nous ne la jouerons probablement pas, elle scellera l’ensemble, qui est plus axé sur les chansons fortes.
Raphaël: Parmi les chansons « lentes » que nous avons composées, « Raison close » est probablement ma préférée. Mais ce n’est pas vraiment un titre live. C’est génial sur l’album, mais c’est une chanson que vous pouvez écouter dans les deux.
Tous les groupes ont les leurs, à commencer par AC / DC avec « Touch Too Much ». Deux compositions sont également réservées uniquement à la sortie de Digipak, dont le très bon « Soyez vous-même » …
Yann: C’est une combinaison de circonstances. Nous avons fourni notre liste de chansons, et la maison de disques a décidé de faire exploser deux chansons dans la version standard pour réserver une édition limitée. Pour être honnêtes, nous pourrions choisir d’autres opportunités potentielles. Tout s’est passé rapidement, l’ordre de mastering n’a pas pu être modifié.
Mass Hysteria a signé un nouveau label, et comme Failles avait déjà trois ans, nous ne voulions pas perdre de temps inutilement. Vous devez également répondre aux exigences de planification. Cependant, il a été pensé bien à l’avance, nous avons consacré le temps nécessaire à l’écriture.
Raphaël: L’actualité de Mass Hysteria a été particulièrement chargée ces dernières années, notamment en matière de concerts. Nous avons également préparé notre premier DVD live. Nous avons attaqué des compos pour l’armée fin 2011. Nous sommes également à une époque où nous ne pouvons pas nous permettre d’oublier.
Pour De Cercle en Cercle et l’album noir, nous avions composé pendant de longs mois, même si ce n’était pas vraiment volontaire. Aujourd’hui, nous n’avons plus ce luxe, nous devons rapidement revenir au premier plan.
Mass Hysteria L’Armée des ombres reste particulièrement cohérente avec les Failles et Une somme de détails. Le tout peut être écouté comme un bloc ou une trilogie …
Yann: Bien sûr. L’unité résulte également du fait que la trilogie a été produite par Fred Duquesne. Compte tenu du travail qu’il a réalisé sur l’armée des ombres, il est difficile pour cette collaboration d’aller au-delà de ces trois albums.
Dès le premier album, la « touche » de Mass Hysteria était sa capacité à combiner la puissance des guitares avec le côté dance des samples électroniques. Après le départ d’Olivier Coursier, personne n’a repris cette fonction dans le groupe.
Comment avez-vous abordé Mass Hysteria l’armée des ombres ?
Yann: Olivier s’est occupé des appareils de ce nouvel album. Nous avions de très bonnes relations avec lui. Sur Failles, Julien a occupé un poste temporaire. C’est quelqu’un qui a travaillé avec Sinclair. Pour Mass Hysteria l’armée des ombres l’armée des ombres, nous ne savions pas vraiment qui appeler. Nous avons bien sûr frappé à la porte d’Olivier. Son travail est vraiment très bon, il a sublimé les chansons.
Le titre de L’Armée des Ombres fait-il référence au roman de Kessel ?
Bien sûr ! C’est le nom de la résistance des hommes et des femmes pour moi et nos vrais héros. Ce film est exceptionnel avec Lino Ventura! La résistance est le sujet qui nous fascine. La chanson de L’esprit Du Temps leur rend hommage, elle cite deux grands héros, Edgar Morin et Stéphane Hessel, et je recommande fortement la lecture de leurs œuvres.
En tant qu’ancien membre, qu’a-t-il pensé de ce dernier album ?
Il a vraiment aimé cet album. Bien qu’il joue dans AaRON, Olivier écoute toujours du métal. Il suit de près Mass Hysteria. Je sais qu’il aime nos derniers albums et pense que Mass Hysteria l’armée des ombres est l’une de nos meilleures œuvres.
Raphaël: Parmi nos proches, beaucoup de gens semblent avoir la même opinion. Nous avons de vieux fans qui reviennent maintenant sur la musique du groupe.
Yann: L’évolution s’est déroulée progressivement. Mass Hysteria est née d’une somme des détails. Bien que j’adore l’album noir, les gens l’ont mal compris, principalement parce que nous avons fait de mauvais choix en matière de production. J’ai du mal à écouter cet album, mais j’adore ces chansons.
A cette époque, nous avions déjà contacté Fred Duquesne, je regrette toujours de ne pas avoir pu concrétiser cette coopération. Il fallait ramener les fans à la maison. Nous avons vraiment travaillé le son avec Fred. Le public répond de plus en plus, en une semaine nous avons vendu mille disques de plus que Failles sur la même période. Au regard de l’état de l’industrie musicale actuellement, c’est vraiment positif.
Au début de sa carrière, Mass Hysteria aborde la fusion des styles, transplantant des samples dans une musique plutôt rock. Quelle est votre opinion sur les expériences avec le métal et le dubstep qui semblent se multiplier depuis un certain temps?
Yann: J’ai été frappé par la première chanson de Korn, « Get Up! » … Le Dubstep existe depuis des années, mais aujourd’hui il apparaît partout.
Ce mélange crée une musique ultra efficace, notamment grâce au côté fort du rock’n’roll. Personnellement, je trouve ce style de musique assez intéressant, même s’il a tendance à tourner en rond . Rien ne vaut les bons vieux classiques électros. J’ai récemment assisté au concert de Chemicals Brothers, c’était tellement puissant.
Mais Skrillex Zenith était également énorme.
Lizzo a inspiré les pages du numéro de février de Rolling Stone avec une belle série de photos par David LaChapelle. Le photographe et artiste hawaïen a fait ses armes pour le magazine d’interview d’Andy Warhol dans les années 1980 et est depuis devenu une figure importante du monde de l’art pour ses séances de photo hardcore qui apparaissent dans Rolling Stone et d’autres revues nationales du passé.
Les œuvres colorées et remarquables de David LaChapelle sont inspirées de l’iconographie religieuse, du surréalisme et de l’apocalypse. Lorsqu’ils sont lus le plus cyniquement, ils peuvent mettre en évidence les éléments les plus intrépides de leurs sujets célèbres. Mais David LaChapelle est rarement cynique à propos de qui il photographie, et il pense que ce CD combine spécifiquement les aspects « amusants et sains » de son travail avec Lizzo.
En fait, le directeur créatif de la chanteuseLizzo, Quinn Wilson, a déclaré que l’équipe avait reçu les premiers exemples du style et de l’inspiration uniques du photographe. « Je pense que sur le plan esthétique et élargi, j’ai toujours regardé DavidLaChapelle« , a déclaré Wilson à Rolling Stone sur le tournage de la couverture de Lizzo à Los Angeles.
Pendant l’un des plans, j’ai commencé à halluciner parce que c’est tellement incroyable que j’ai travaillé d’une manière ou d’une autre – même si c’est juste un peu de couleur ou juste un peu d’influence de sa part qui a été tourné dans notre travail nous en voyons maintenant le véritable créateur ensemble. Avec elle. Elle est devant son objectif. C’est un moment où je me dis: « Nous avons fait notre travail, nous l’avons bien fait. »
Wilson a ajouté que la chanteuse Lizzo avait probablement mis quelque chose dans la tête de David LaChapelle: « Il n’a besoin d’aucune action », a-t-elle déclaré le matin. Depuis que David LaChapelle a déménagé vers Los Angeles depuis son île il y a environ 14 ans, il s’est éloigné de la photographie de célébrités et s’est concentré sur les films d’art et de danse . Il est apparu en 2018 avec des images surréalistes et souvent risquées de Tupac Shakur, David Bowie, Whitney Houston et Keith Richards. Kanye West, Miley Miley Cyrus et bien d’autres.
La photo de Lizzo réalisée par David LaChapelle photographe en couverture de Rolling Stone
David LaChapelle avec Rolling Stone a récemment parlé, depuis sa maison à Maui, de travailler avec la chanteuseLizzo pour faire une premiere couverture. Qu’est-ce qui vous a amené à Lizzo en premier et vous a permis de travailler ensemble ? « Un ami a joué une chanson d’elle; Je suis ici à Hawaï, donc je suis un peu déconnecté. J’écoute Stevie Wonder. De temps en temps, il y a une chanson qui vous éblouit et nous shootons ici avec mon ami: « Je fais ma coiffure. Regarde mes ongles Bébé, comment vas-tu? Je me sens bien. » Je veux dire que c’est la chanson de joie qui n’est jamais sortie.
C’est tellement joyeux et plein de lumière et nous avons tous dansé et juste soufflé les haut-parleurs dans la jungle. Tellement merveilleux. Je l’ai aimée, puis je l’ai oubliée. Et puis j’ai regardé quelque chose sur YouTube et je pense que mes algorithmes sont similaires … J’aime Chaka et Aretha, alors ils ont posté une vidéo d’elle. Et j’ai pensé, attends, c’est cette fille !
Elle fait son truc, chante et bouge, puis joue de la flûte, et je me suis dit: que se passe-t-il?
Chaque fois que quelqu’un peut jouer d’un instrument, c’est juste magique pour moi. C’est comme la fille de la classe assise à l’arrière. C’est la fille que j’ai forcée à être ma meilleure amie au lycée. Elle a juste pleuré sur cette flûte et j’ai pensé: « OK, ça doit arriver. Je veux la prendre en photo. » Et c’était tout.
David LaChapelle photographe
David LaChapelle photographe
David Lachapelle photographe
David LaChapelle photographe
David Lachapelle photographe – David Lachapelle photographe
Bonus: David LaChapelle photographe explique son inspiration pour le tournage de la couverture de Lizzo ‘Rolling Stone’
La « musique de Lizzo est une sorte d’évasion et de joie, et j’étais vraiment attirée par elle pour cette joie qu’elle a. C’est le genre de fille vers qui j’aurais gravité au lycée R…
Lizzo orne les pages du numéro de février 2020 de Rolling Stone avec une magnifique série de photographies de David LaChapelle.
Le photographe et artiste basé à Hawaï a fait ses premières armes en travaillant pour le magazine Andy Warhol’s Interview dans les années 1980, et est depuis devenu une figure majeure du monde de l’art pour ses séances photo de célébrités non traditionnelles, apparaissant dans Rolling Stone et d’autres magazines nationaux pour les trois dernières décennies. Les œuvres colorées et saisissantes de LaChapelle s’inspirent de l’iconographie religieuse, du surréalisme et de l’apocalypse.
S’ils sont lus de la manière la plus cynique, ils peuvent mettre en évidence les éléments les moins recommandables de leurs sujets célèbres. Mais LaChapelle est rarement cynique à propos de qui il photographie, et il dit que ce tournage en particulier visait à fusionner les aspects « amusants et sains » de son travail avec la personnalité de Lizzo.
En fait, la directrice créative de Lizzo, Quinn Wilson, a déclaré que pour les premiers exemples de style et d’art unique de la pop star, son équipe s’était inspirée du photographe. « Je pense que d’un point de vue esthétique et de référence, j’ai toujours regardé vers David LaChapelle », a déclaré Wilson à Rolling Stone sur le tournage de la couverture de Lizzo à Los Angeles.
« Pendant l’un des tournages, j’ai commencé à pleurer, parce que c’est tellement incroyable d’avoir fait du travail d’une manière ou d’une autre – même si c’est juste, comme, une petite touche de couleur, ou juste une toute petite influence de lui qui est incluse dans notre travail – nous voyons maintenant le véritable créateur de cela avec elle.
Elle est devant son objectif. C’est un moment où je me dis: « Nous avons fait notre travail, nous avons bien fait notre travail. » Wilson a ajouté que Lizzo a dû déclencher quelque chose à LaChapelle depuis, « Il n’a pas besoin du concert », a-t-elle dit en riant. Depuis qu’il a déménagé sa base de travail de Los Angeles vers sa résidence actuelle sur l’île il y a environ 14 ans, LaChapelle s’est largement éloigné de la photographie de célébrités, se concentrant plutôt sur les belles œuvres d’art et les films de danse occasionnels. Il a publié ce qu’il a dit être ses dernières collections de livres, Lost + Found, Part I et Good News, Part II,…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
All access pour ce shooting avec un groupe décontracté malgré l’enjeu. Avoir un accès à la scène et aux backstages est toujours un grand bonheur, car si les 3 premiers morceaux dans le pit, c’est déjà une bonne chose, pouvoir avoir aussi des points de vue de derrière la scène est assez exaltant.
Un moment toujours trop court dans des arènes que je commence à connaître par cœur.
Retour en image et interview du groupe par Mike Smith.
Enjoy.
Interview Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band) par Mike Smith
Avatar , l’un des groupes de métal les plus intrigants et visuellement les plus intrigants à émerger de Suède cette décennie, s’est produit dans une machine à sous pour Mushroomhead lors de la phase 2 à Lynchburg, en Virginie.
Bien avant l’heure du spectacle, alors que les premiers arrivants se rassemblaient nonchalamment devant les portes du lieu, je me suis assis à une table dans le restaurant adjacent avec Johannes Eckerström, un vrai leader s’il en était.
Géant sortant d’un jeune homme, à la fois en taille physique et en esprit, Johannes est le dernier d’une longue lignée de figures de proue métalliques inclinées dans le théâtre telles que Marilyn Manson et King Diamond.
Avec le port de la peinture faciale macabre de marque encore à quelques heures de distance, le chanteur germano-suédois et moi avons pu nous rapporter en tant que contemporains sur une multitude de sujets, en commençant par son groupe lui-même et en passant par la nostalgie musicale, jusqu’à «Selling Out », aux malheurs du nü-metal, au piratage, aux différences culturelles, au mythe du« Rock God »et à la« mentalité de groupie », et bien plus encore.
Si jamais une interview pouvait être décrite comme un portrait d’une personne, j’ose dire que ce serait celle-ci. Je vous donne Johannes Eckerström d’Avatar – non abrégé, non édité et non censuré.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Mike Smith : J’avoue que je suis encore très nouveau sur Avatar. J’ai passé en revue «Black Waltz» en 2012 pour un magazine, mais je n’en ai jamais eu de copie, et ce n’est qu’à «Hail The Apocalypse», [2014] et maintenant cette tournée que je suis vraiment devenu curieux. Avatar semble assez différent de beaucoup de ce qui existe, donc en gros, de quoi êtes-vous les gars?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, « Black Waltz » a été le premier album à sortir aux États-Unis. Les trois albums précédents, nous n’en avions sorti qu’en Europe – en fait le troisième n’a été sorti que par un petit gars indépendant dans un garage au Japon.
Et il a cessé de répondre aux e-mails après un mois, donc je ne compte pas vraiment celui-là. [rires] « Black Waltz » était le premier album où nous nous sommes vraiment mis ensemble. Cela a commencé à devenir plus qu’une simple chanson, même si je sentais que nous avions fait nos meilleures chansons à ce jour sur cet album.
Nous avons compris que nous voulions tout traiter sur Avatar comme un art, comme un projet d’art conceptuel. C’est ce que nous avons admiré dans de nombreux autres groupes dans toutes sortes de genres différents. Si vous regardez quelqu’un de The Hives à Mushroomhead, ce sont des gens qui réussissent à assembler les visuels avec ce que la musique dit.
Tout communique la même chose. La plupart des plus grands groupes le font, soit dans des exemples extrêmes comme KISS, soit subtilement comme Foo Fighters. Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral. Nous savions que nous voulions faire quelque chose comme ça, dans un sens très large du terme.
Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout. Nous lui avons donné un peu de temps, et à un moment donné, nous avons eu une idée pour une couverture d’album me mettant en vedette dans un lac de feu.
Et un lac de feu n’est amusant que si vous avez un vrai lac et un vrai feu. [rires] Nous sommes donc allés à la campagne, et le seul pyrotechnicien assez fou pour l’essayer était un gars du nom de Bryce Graves, d’un groupe américain appelé soit dans des exemples extrêmes comme KISS, soit subtilement comme Foo Fighters. Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral.
Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral. Nous savions que nous voulions faire quelque chose comme ça, dans un sens très large du terme. Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Nous sommes donc allés à la campagne, et le seul pyrotechnicien assez fou pour l’essayer était un gars du nom de Bryce Graves, d’un groupe américain appelé au sens très large du terme. Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout.
Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout. Nous lui avons donné un peu de temps, et à un moment donné, nous avons eu une idée pour une couverture d’album me mettant en vedette dans un lac de feu.
Alors il m’a allumé le feu, et c’était très cool. [rires] Puis il a montré d’autres astuces qu’il pouvait faire, comme manger le verre d’une ampoule et des trucs comme ça. Cela nous a amenés à décider d’utiliser tout cela dans un clip, et tout ce dont nous avions besoin était de m’intégrer dans le contexte de la vidéo.
Nous l’avons vu comme une vidéo de performance, mais il y aurait eu TROP de performances en incluant tout le groupe. C’était une Christina Aguilera, «laisser la chanteuse se promener et chanter et faire des poses sexy».
[rires] Et nous avons eu toute cette ambiance de cirque dans la chanson, avec le son de la valse et des échantillons avec des orgues, alors nous avons étoffé le contexte: faisons de moi un clown effrayant! [rires] Et ça vient de cliquer. Cela a si bien fonctionné, résonné avec moi et l’ensemble du groupe.
Nous avions trouvé le visage de la musique, et quelque chose à partir duquel construire. Depuis lors, c’est une chose très organique, et nous voici aujourd’hui.
Nous savons maintenant que nous voulons toujours connecter la musique avec les visuels, et mettre les vidéos musicales main dans la main avec les chansons elles-mêmes. Chaque aspect est également important. Voilà ce que nous sommes aujourd’hui: un projet d’art conceptuel.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Mike: Et à part votre niveau de confiance à cet égard, qu’est-ce qui a changé dans la musique? Selon vous, qu’est-ce qui a rendu la musique de « Black Waltz » tellement meilleure?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, nous avons commencé à apprendre le principe «moins c’est plus». Personnellement, j’ai eu l’impression de redécouvrir le métal. Je suis redevenu treize ans, en quelque sorte. C’est très simple: en métal, le riff est roi, et le riff est groove. Prenez «Iron Man» de Sabbath, ce rythme, ce riff… [commence à taper sur la table, chanter]
Mike: D’accord. Et TOUT LE MONDE le sait!
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Et imaginez si ça avait sonné comme ça. [tape un rythme rapide et technique en chantant le riff] Ça aurait été la pire chanson de tous les temps! Il devait avoir ce rythme et cette rythmique spécifiques qu’ils avaient élaborés avec Bill Ward. Ils ont créé le bon groove pour cette chanson en particulier.
Mike: Si ça avait été une explosion, les gens ne s’en souviendraient peut-être pas.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, mais dans d’autres cas, ce groove peut également signifier un beat. Je veux dire, je n’aurais pas voulu entendre « De Mysteriis Dom Sathanas » de Mayhem commençant par [tape un rythme de danse, commence la techno-beatboxing, rit]. Pas de groove disco backbeat sur celui-là !
Mike: D’accord. Quel que soit le rythme, il doit être adapté à la chanson.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, exactement – le rythme résonne avec le riff, ce qui crée un groove, et résonne avec le style de jeu des musiciens spécifiques.
Passant du noir au Black Sabbath, «Paranoid» ne sonne VRAIMENT bien que lorsqu’il est interprété par Sabbath, la gamme originale. Ronnie James Dio était un chanteur incroyable, mais l’une des choses les plus faibles qu’il ait jamais faites, à mon avis, est de chanter «Paranoid». Ça n’a pas marché.
Mike: Certaines interprétations de Dio des chansons d’Ozzy sonnaient très bien, mais sur d’autres, vous pouvez certainement dire que quelqu’un d’autre les avait déjà faites, quelqu’un de plus approprié.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): D’accord. Personne ne peut toucher Dio en tant que chanteur en soi, mais parfois cela n’a pas fonctionné aussi bien que quand Ozzy Osbourne a chanté ces chansons particulières.
Il s’agit donc de trouver ce qui vous convient en tant que musicien individuel. Une fois que nous avons compris ces morceaux, écrit des riffs que nous aimions et obtenu quelques titres de chansons dans nos têtes, le ciel était la limite.
Vient ensuite la partie «Pink Floyd» de la composition, où nous emmenons la chanson partout où elle doit aller. Heureusement pour nos carrières, cela signifiait que certaines chansons ne durent que trois minutes et trente-trois secondes, avec un refrain accrocheur.
C’était bien. [rires] Parce qu’ici, aux États-Unis, la radio est toujours importante, même pour le métal, d’une manière qui ne l’est pas du tout en Europe, sauf en Finlande, en gros.
Nous n’écrivons pas de «chansons radio» – nous écrivons simplement des chansons – et certaines chansons devaient durer neuf minutes, et contiennent des guitares de diapositives et des échantillons étranges de comédies musicales indiennes.
Mais de toute façon, il s’agit de respecter les fondations du métal comme nous le définissons, puis de faire ce que nous voulons avec lui.
Mike: Rencontrez-vous des gens qui n’aiment tout simplement pas le fait que vous ayez des chansons à la radio? J’imagine que certains cyniques ne se soucieraient même pas de faire la distinction entre un groupe comme Avatar, dont le processus créatif se traduit parfois par une «chanson radio» et un groupe de cookies que vous pouvez dire, écrit des chansons spécifiquement destinées à la radio.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Je pense que dans un sens… cela nous met dans une foule de gens qui ne me dérange pas d’être.
Une partie de notre public vient de la radio, mais cela ne me dérange pas, parce que je vois toujours des tonnes d’Opeth Des t-shirts à nos concerts aussi, ce qui est très cool pour moi.
Cela me fait penser: «Wow, vous aimez Opeth et nous aussi? Nous devons être plutôt bons, je suppose! Cool! » [rires]
Mais c’est intéressant d’être ici aux États-Unis, parce que le truc de la radio ne nous est pas arrivé en Europe, et je ne pense pas que cela arrivera jamais, parce que ces chaînes ne sont tout simplement pas là. Ici, nous sommes plutôt considérés comme un groupe de rock radio-friendly, mais c’est bizarre…
Il y a quelque temps, j’ai mentionné Mayhem. Nous venons de ce genre de formation en tant que groupe; nous étions à l’origine un groupe de death metal quand nous apprenions à jouer en faisant des reprises.
C’était tout «Hammer Smashed Face. « [Cannibal Corpse] Et puis d’autres trucs ont été intégrés au fil des ans, puis d’une certaine manière, certains ont commencé à s’intégrer dans le format radio. Mais ça ne me dérange pas, tu sais? Tant que je ne suis pas tenté d’écrire uniquement dans ce but.
Mike: Bien sûr. Ensuite, tout deviendrait vicié assez rapidement.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Nous devions donc rester concentrés sur ce sentiment que nous avions lors de notre petite «fête de réunion» dans la brasserie de Göteborg.
[rires] «Ne nous répétons pas; mettons-nous au défi; faisons-le pour nous. Et si la direction peut le mettre à la radio, alors oui, tant mieux pour eux!
Mike: Cela vous a-t-il étonné qu’Avatar ait atteint ce niveau ici aux États-Unis? Après quelques tournées et la performance Rock on the Range, et bien sûr la radio, les gens bourdonnent vraiment sur vous.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, j’essaie de trouver un équilibre avec ma mégalomanie. [rires] L’auto-qualification est un sentiment que je déteste juste… mais quand vous êtes concentré sur votre travail, vous êtes comme, [parlant très rapidement]
«OK, donc nous devons aller à la direction et obtenir cet accord et allons à notre [charabia indéchiffrable]. » [rires] Vous transformez ces rêves en objectifs très rapidement, vous savez?
Bien sûr, parfois vous vous arrêtez et l’appréciez, comme « Hé, c’est assez mignon. »
Mais pour nous… Oui, en quelque sorte, nous avons été surpris que les gens nous aiment tellement. Nous ne pouvions pas savoir cela à l’avance. Mais là encore, nous avons eu près de dix ans de pratique en Europe et dix ans d’erreurs, ce qui a conduit le groupe qui a sorti «Black Waltz» comme son premier album ici.
Le niveau d’entrée d’expérience que nous avons eu en arrivant ici a conduit à des partenariats que nous avons construits immédiatement. Nous n’avions plus d’agent de réservation travaillant dans le garage de sa maman à côté de la maison de la maman de notre bassiste. [rires]
Ce type était de retour en Suède. Ici, nous n’avons pas eu à parcourir ces étranges contrats de label où ils spécifient toutes les planètes du système solaire, où ils ont également les droits de libération à des fins futures, lorsque de nouvelles planètes sont découvertes, et bla bla bla. Toute cette merde bizarre.
[rires] Nous n’en avions pas ici, car nous avons vécu ces expériences en Europe. Nous sommes venus ici en tant que groupe beaucoup plus expérimenté, sachant mieux ce que nous voulions. Vous pensez toujours que vous êtes honnête sur le plan artistique, mais c’est toujours un processus d’apprentissage pour décoller des couches de vous-même et trouver de nouveaux niveaux d’honnêteté. «Black Waltz», en ce sens, était notre album le plus profond jusqu’à cette date.
Donc pour ces raisons, je n’ai pas été vraiment choqué par notre succès, parce que la configuration était déjà là, mais nous avons eu de la chance que les chansons semblent également être aux normes, et que les gens les aiment.
Cette partie que vous ne pouvez jamais connaître et ne garantissez jamais, et nous ne savons toujours pas. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien!
Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça. Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène. Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire.
Tout ça est plutôt cool. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien! Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça.
Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène.
Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire. Tout ça est plutôt cool. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien! Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça.
Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène. Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire. Tout ça est plutôt cool.
Mike: Je peux imaginer prendre les choses au fur et à mesure – «Nous sommes arrivés à ce niveau, cool… Allons-nous aller plus haut? Peut-être, peut-être pas – Oh, niveau suivant! C’est cool aussi. «
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, je veux dire, nous avons faim, et maintenant nous sentons que nous pouvons construire le groupe, sur le plan professionnel, d’une manière que nous avons eu du mal à comprendre il y a cinq ans. Cela n’a pas vraiment bougé à l’époque. Maintenant ça bouge et c’est très amusant.
Mais c’est aussi devenu un peu un travail. Ce n’est pas un mauvais travail, mais encore une fois, vous transformez ces rêves en objectifs, et l’idée est de rester à la terre et concentré. Cela rend difficile de s’arrêter et de célébrer.
Ce qui ressemble à un point de réussite de l’extérieur est en fait un point de travail intense pour le groupe. Nous sommes très occupés maintenant, ce qui est très cool, mais nous ne nous arrêtons pas pour secouer les bouteilles de champagne. [des rires]
Mike: Au sujet de ce type théâtral de hard rock et de métal … il y a eu un grand succès populaire il y a dix, quinze ans, lorsque des groupes ont éclaté comme Slipknot, Mudvayne et Mushroomhead – qui sont ici ce soir, bien sûr.
Si Avatar avait fait son truc à cette époque ou légèrement avant, pensez-vous que les choses se seraient déroulées de la même manière? Ou pensez-vous que quelque chose devait changer en premier, comme la montée en popularité de groupes suédois comme In Flames?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): C’est la partie intéressante, ce que tu dis là. Évidemment, si nous devions sortir « Hail The Apocalypse » il y a vingt ans, tout un tas de nos influences n’auraient pas encore existé.
J’ai toujours l’impression que nous avons fait un nouvel album, et il est toujours dans le genre du métal, donc dans ce sens, il aurait été lié à quelque chose de préexistant, avec notre propre petit point de vue bien sûr.
Mais si nous l’avions sorti à cette époque… l’album « Mutter » de Rammstein [2001] n’aurait probablement pas été sorti, et nous l’avons beaucoup écouté. [rires] Donc je suppose que si vous le formuliez ainsi, nous aurions encore plus époustouflé!
Oui, peut-être que nous nous serions adaptés au contexte de cette scène… mais inévitablement, cela aurait été légèrement différent. Je ne sais pas vraiment. Mais il est toujours intéressant de spéculer!
Mike: Oui, les divisions entre les scènes américaine et européenne, et les grandes migrations de tendance, m’ont toujours beaucoup fasciné. Par exemple, il a fallu quelques années au style métallique de Göteborg pour se faire remarquer ici aux États-Unis.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Et vice-versa. Parce que quand on écoutait ces groupes de Göteborg… enfin, pour moi en particulier, ce sont des groupes un peu plus anciens qui m’ont fait entrer dans le métal en général. Années 70 et 80. Et donc, les nouvelles choses à l’époque – ce terme méprisable de «nü-métal» – n’étaient pas correctes.
Les fans de Slipknot n’étaient pas du tout des metalheads, selon moi à l’époque. [rires] Ça m’a pris du temps, parce que maintenant j’adore Slipknot, et j’entre dans Mushroomhead. «Mesmerize» de System Of A Down est à chaque fois l’un des albums de fête de notre groupe. Tellement de ces trucs. Mais à quinze ans…
Mike: « Posers! »
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): « Posers » n’était même pas assez fort. Cela ressemblait plus à du «poison». Nous pensions que cela détruisait le métal. [rires] Cela me fait me demander… si nous faisions cela en Suède en 1999, en nous peignant, en faisant le truc théâtral dans cet environnement à l’époque… [grimace]
Je pense que l’Europe est plus ouverte MAINTENANT à ce que nous faisons. Tout comme il a fallu un certain temps aux groupes suédois pour percer en Amérique du Nord, il a fallu un certain temps aux enfants comme moi pour aimer Slipknot.
Mike: Une chose similaire m’est arrivée. J’avais quinze ans lorsque Slipknot a sorti ses débuts, que je suis devenu fou, et j’étais aussi à Korn à cette époque, mais j’ai ensuite quitté la phase et j’ai fait une grande croisade élitiste «anti-nü-metal» pendant quelques années. .
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Mais ensuite, quelques années plus tard, je parie que vous avez accidentellement entendu « Spit It Out » et que vous avez commencé à faire cela … [commence un tête à tête « Night At The Roxbury »] et que vous avez pensé: « C’ÉTAIT hypocrite. » [des rires]
Mike: [rires] C’est exactement ce qui s’est passé. J’avais rangé mes CD Slipknot et je me suis promené en disant aux gens: «Blah, Korn est le pire», et cetera.
Johannes (AVATAR Métal Band) : «Je ne les ai jamais aimés! Ce n’est jamais arrivé! » [rires] Ouais, je me souviens d’un gars de quelques années plus jeune que moi qui vivait dans ma rue. Il a commencé avec les trucs nü-metal, et chaque année, il a continué à devenir plus d’un « truc metalhead ».
Et pendant la période de transition, il a précisé qu’il n’aimait que le VIEUX ÉCOLE Limp Bizkit. [rires] Il disait: « Je n’aime que leurs affaires avant qu’elles ne soient toutes vendues. » Parce que c’est ce que vous avez dit à propos de n’importe quel groupe au cours d’une transition – vous n’aimiez que la «vieille école», l’original, la vraie «avant qu’ils ne soient tous vendus». Et personne ne définit jamais vraiment quand ils ont vendu.
Mike: Beaucoup de gens doivent mettre un qualificatif sur les choses. Vous ne pouvez jamais simplement aimer un groupe; vous devez vous annoncer «ne les aimez que jusqu’à [X] album».
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): D’accord, et l’histoire de Limp Bizkit montre vraiment à quel point c’est bizarre, surtout à l’époque où In Flames a sorti « Reroute To Remain ». [2002] Cela a changé beaucoup de choses.
Mike: C’est un super album, cependant.
Johannes (AVATAR Métal Band) : J’adore! Mais je devais les voir en direct avant de me sentir à l’aise avec ça. Parce que pour un, ils… [fait une grimace horrifiée] ont tourné avec Slipknot! En Amérique! Porter une salopette blanche sur scène! [rires]
Nous étions tous du genre: « Hmmm, je ne suis pas sûr de ça… » nous sommes en sécurité; «Natural Born Chaos» [2002] est un album incroyable », et tout.
Nous avons donc vu cela, et cela nous a réchauffé à «Reroute To Remain». Nous nous sommes finalement simplement dit: «Eh bien, qu’est-ce qu’un sold out de toute façon?»
Pour moi, c’était comme si Avatar flirtait avec le «sold out» sur le troisième album, mais ensuite ça a explosé! Personne n’a aimé ça. Parce que vous ne pouvez pas faire de la bonne musique de cette façon. Aucune chance.
Mike: Et vous ne pouvez pas techniquement «vendre» si personne ne l’achète.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Nous avions tellement de sentiments mitigés, parce que nous voulions être plus thrash et plus brutaux, mais aussi plus traditionnels…
nous voulions être TOUT en même temps, sauf pour nous-mêmes. C’était étrange. Il était difficile de se concentrer artistiquement, car nous essayions de plaire à tout le monde.
Mike: Et je suppose qu’avec plus d’âge et de maturité vient la simple satisfaction de vous plaire, comme avec la redécouverte de groupes comme Slipknot et Korn et en décidant que vous les avez vraiment aimé à nouveau après tout.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Bien sûr, et à quelques exceptions près, j’ai arrêté d’adorer les catalogues entiers des groupes. Non pas parce que certains albums sont «à guichets fermés» et d’autres «pas à guichets fermés», mais simplement parce qu’ils deviennent plus sélectifs.
Ce n’est même pas vraiment une question de genre. C’est juste de bonnes choses. Je pense que dix pour cent de ce que Marilyn Manson a fait est vraiment incroyable pour moi. Il m’a fait peur et a déclenché ma puberté d’une manière si étrange.
Je n’étais pas prêt quand j’avais douze ans, quand « Mechanical Animals » [1998] est sorti!
C’était bizarre et explique beaucoup de choses qui ne me conviennent pas aujourd’hui. [rires] Mais à part ça… Aujourd’hui, je reconnais certaines choses qui sont plus faibles, mais j’aime toujours ces dix pour cent – ces chansons en particulier, ou peut-être un album complet ici ou là.
Mike: Êtes-vous un gros téléchargeur?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Non, mais je suis un produit de mon temps. Je possède bien plus de CD et de vinyles que la plupart des mecs nés en ’86, mais aussi beaucoup moins que ceux nés quelques années avant moi.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Tout le groupe, nous sommes tous un produit de notre temps. Avatar n’a jamais existé avant Napster. Ils avaient le nom en 2001, et j’ai rejoint en 2002, quand nous étions enfants. Napster était déjà fini et mort à ce moment-là.
C’était Kazaa ou autre chose, tout ce partage de fichiers. Nous n’avons donc publié de musique que pendant l’ère du téléchargement. Je préfère la solution iTunes, Spotify, «venez nous voir et achetez un T-shirt».
Qui a besoin d’être aussi riche que les Rolling Stones? Sérieusement. Cela me rend un peu d’accord avec ça. Lorsque l’argent disparaît, il supprime un peu de la cupidité au fil du temps.
Mike: Et peut-être aussi un peu de pression financière.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, et l’inconvénient est qu’avec le niveau où nous sommes maintenant, à une époque différente, nous aurions peut-être obtenu beaucoup plus d’argent à l’avance pour faire des conneries plus folles que nous ne pouvons le faire maintenant, mais quand même, nous le faisons ont un support d’étiquette et nous en sommes satisfaits. Donc, c’est comme ça aujourd’hui.
A suivre…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts portraits, pochettes d’albums.
AC/DC Highway to hell est une chanson du groupe de rock australien AC/DC . C’est le morceau d’ouverture de leur album de 1979 Highway to Hell . Il est initialement sorti en single en 1979.
AC/DC Highway to hell a été écrite par Angus Young , Malcolm Young et Bon Scott , avec Angus Young crédité pour avoir écrit le riff de guitare qui est devenu un classique instantané.
AC / DC avait fait plusieurs albums de studio avant et les promouvait constamment via un programme de tournée exténuant, mentionné par Angus Young comme étant sur une autoroute vers l’enfer, d’où le nom.
Cela fait 44 ans qu’AC / DC est sorti pour la première fois d’Australie avec son premier album bruyant, High Voltage , et il est sûr de dire que, à cette époque, le groupe a tout vu et tout fait:
des albums en tête des charts et singles, a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2003, a perdu certains membres clés dans des circonstances tragiques en cours de route.
Mais peut-être le cran le plus impressionnant sur le pied-à-terre collectif d’AC / DC est celui-ci: le fait que, sur la liste des artistes les plus vendus de tous les temps aux États-Unis, AC / DC est classé 10e.
Ce qui signifie que Guns N ‘Roses , Metallica , Van Halen, U2, Aerosmith, les Rolling Stones et d’innombrables autres actes légendaires sont bien derrière AC / DC en ce qui concerne les ventes de disques de tous les temps en Amérique.
AC/DC Highway to hell
AC/DC Highway to hell : Les débuts…
À la fin des années 70, les choses étaient assez différentes pour AC / DC, et il y avait un chemin difficile devant eux avant de pouvoir créer ce qui allait s’avérer être leur album révolutionnaire créatif et commercial, Highway to Hell de 1979. .
Entre la formation du groupe à Sydney, en Australie, en 1973 – avec une formation initiale composée des frères écossais Angus et Malcolm Young aux guitares, Dave Evans au micro, Larry Van Kriedt à la basse et Colin Burgess à la batterie – et 1978, le rugueux- and-tumble rockers a sorti cinq albums studio complets: High Voltage (1975), TNT (1975), Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976), Let There Be Rock (1977) et Powerage(1978).
AC/DC Highway to hell
Le groupe – qui s’était alors solidifié dans l’unité désormais classique de Bon Scott au chant, Cliff Williams à la basse, Phil Rudd à la batterie et les frères Young – a maintenu un rythme assez furieux d’enregistrement et de tournées pendant ces premières années.
Ils construisaient certainement une base de fans fidèles comme en témoignent les foules en constante augmentation et l’augmentation des ventes d’albums à chaque fois. Mais ce n’était pas suffisant – pas pour Atlantic Records, le label américain d’AC / DC, en tout cas.
En 1978, le disco était toujours l’une des formes dominantes de musique sur les ondes américaines, et du côté rock, des tubes dansants savamment produits comme « Baker Street » de Gerry Rafferty, « Miss You » des Rolling Stones, « Foreigner’s » Hot Blooded « et » Wheel in the Sky « de Journey étaient en tête des charts.
AC/DC Highway to hell
Atlantic voulait que AC / DC atteigne un certain niveau de succès radiophonique mesurable aux États-Unis, et le groupe n’allait certainement pas le faire avec des hurlements bruyants et parfois insipides comme « Whole Lotta Rosie », « Riff Raff » ou « She’s Got Balls » . » Enfer, le label n’a même pas sorti Dirty Deeds – qui a été enregistré au début de 1976 – aux États-Unis jusqu’à un an après Bon Scott ‘
Le finale pour Atlantic est arrivée vers la fin de 1978, lorsque le label a sorti le premier album live d’AC / DC, If You Want Blood You’ve Got It.
Cela faisait à peine six mois depuis la sortie de Powerage , et avec cet album ne produisant rien de proche d’une chanson à succès, Atlantic espérait que If You Want Blood ferait pour AC / DC ce que Alive! avait fait pour KISS cinq ans plus tôt – exploitez l’énergie live inégalée du groupe dans un album et priez pour qu’au moins une chanson attrape le feu de la radio à la Kiss « Rock and Roll All Nite », ou la version live de Peter Frampton de « Show Me the Way » « de Frampton Comes Alive en 1976 !
AC/DC Highway to hell – AC/DC Highway to hell
« If you want blood » a moyennement bien performé lors de sa sortie en novembre 1978, devançant les albums studio récents du groupe, mais il est rapidement devenu évident pour Atlantic qu’AC / DC n’allait jamais percer en grand aux États-Unis s’ils étaient autorisés à continuer à écrire de la musique selon leurs propres conditions et enregistrement sur leur propre terrain de Sydney, Australie.
En ce qui concerne le label, une intervention s’impose. Alors que le calendrier passait de 1978 à 1979, le vice-président senior d’Atlantic Records, Michael Klenfner, était dans un avion pour Sydney pour rencontrer les membres d’AC / DC et élaborer un plan de match pour le prochain album du groupe, la suite de Powerage.
Jusque-là, tous les disques d’AC / DC avaient été produits par l’équipe de Harry Vanda et George Young, le frère aîné d’Angus et Malcolm, et enregistrés aux Albert Studios à Sydney – alors quand Klenfner l’a suggéré, pour ce prochain album , le groupe abandonne Vanda et Young et travaille avec un producteur extérieur choisi par Atlantic, les tensions ont commencé à s’intensifier.
Vanda and Young avait connu un succès considérable dans le monde entier en tant que producteurs, auteurs-compositeurs et musiciens, mais cela n’avait pas d’importance pour Atlantic – le label voulait du sang frais dans le camp AC / DC, quelqu’un qui pourrait prendre la puissance brute du blues-rock du groupe et l’énergie live maniaque et l’ajuster en quelque chose qui générerait des chansons à succès et des ventes d’albums plus puissantes.
AC/DC Highway to hell
Comme l’ancien manager d’AC / DC Michael Browning l’a dit aux écrivains Murray Engleheart et Arnaud Durieux dans le livre AC / DC: Maximum Rock & Roll de 2006 , « George et Harry étaient assez honorables à ce sujet. Ils auraient pu être en quelque sorte énervés. »
» Je suis sûr qu’ils l’étaient. Pour une maison de disques américaine, dire qu’il faut changer de producteur alors qu’ils sont en quelque sorte vénérés dans leur propre pays était un peu une gifle, je suppose. Donc c’était très, très difficile. Malcolm et Angus n’aimaient pas du tout ça. Ils étaient très énervés. »
Quand il s’agissait de choisir un producteur qui pourrait, espérons-le, élever le jeu d’AC / DC à un niveau supérieur, Atlantic avait un nom en tête: Eddie Kramer. Kramer travaillait comme producteur et ingénieur depuis le milieu des années 60, et son curriculum vitae comptait des crédits impressionnants: Jimi Hendrix, les Beatles, les Rolling Stones, Led Zeppelin et KISS, entre autres.
AC/DC Highway to hell
Kramer s’est rendu à Sydney où lui et les garçons se sont enfermés dans les studios Albert pour enregistrer des pistes de démonstration, après quoi ils se sont tous envolés pour Miami pour commencer à enregistrer l’album qui deviendrait finalement Highway to Hell – du moins c’est ce qu’ils pensaient tous.
Il n’a fallu que quelques semaines à Criteria Recording Studios, le lieu de travail principal de Kramer, pour que tout le monde se rende compte que, malgré son apparence sur papier, ce n’était pas un match fait au paradis du rock & roll.
« Il ne correspondait pas vraiment à nous en tant que producteur », a déclaré Malcolm Young dans le numéro d’avril 2003 du magazine Guitar World . « Nous lui avons montré les riffs de ‘Highway to Hell’ et il ne l’a pas tout à fait compris. Nous avons pensé, ce type est déconnecté de ce que nous sommes. »
« Et en même temps, je suppose que toutes les idées d’Eddie ne semblent pas nous inspirer », a commenté Angus dans le même numéro de Guitar World .
« Je ne sais pas pourquoi, mais il n’arrêtait pas de parler de pianos. Peut-être pensait-il qu’un piano était une chose intéressante pour un groupe de rock and roll. Mais ce n’était pas le bon mot à utiliser autour de nous. »
Après avoir travaillé ensemble à Criteria pendant trois semaines sans même avoir dépassé la phase de répétition, il était évident pour tous que cette mission devait être interrompue, pronto – et il a fallu un coup de téléphone fortuit de Malcolm Young au manager Michael Browning pour y arriver.
Avec Browning en ligne, un Young clairement agité lui a annoncé que l’enregistrement avec Kramer n’allait pas bien et a demandé à Browning de faire sortir le groupe de Miami.
Comme le destin l’aurait voulu, à l’époque, Browning partageait une maison à New York avec un jeune producteur renommé nommé Robert John « Mutt » Lange et le manager de Lange, Clive Calder.
Alors qu’il était toujours au téléphone avec Young, Browning s’est tourné vers Lange et a dit: « Mec, tu dois faire ce disque. »
Lange était un producteur accompli à l’époque, ayant travaillé avec des artistes principalement britanniques comme City Boy, Graham Parker, les Motors, Savoy Brown et les rockers irlandais les Boomtown Rats – et même s’il n’avait pas le palmarès hard-rock d’Eddie Kramer, Atlantic Records était très favorable à ce que Mutt Lange prenne la tête de l’enregistrement de Highway to Hell .
Après la débâcle de Kramer, les membres d’AC / DC hésitaient naturellement à entrer dans une autre situation avec un producteur autre que leur équipe de confiance de longue date de George Young et Harry Vanda.
«Nous étions très prudents à l’idée de travailler avec n’importe qui de nouveau», a déclaré Angus Young dans le numéro d’avril 2003 de Guitar World .
«À un moment donné, nous avons pensé, y a-t-il quelqu’un là-bas, autre que George et Harry, qui peut vraiment rendre justice à notre musique?
Et en fait, certaines des choses que nous entendrions sur ce que les gens faisaient avec les disques, nous Je dirais: « Décidément, c’est trop extravagant.
» Vous entendiez dire que des producteurs ont enlevé un groupe pendant deux ans, les ont mis dans un manoir. Et c’était quelque chose que nous ne voulions pas. Nous étions donc assez nerveux. »
Avec Mutt Lange maintenant enfermé en tant que nouveau producteur d’AC / DC, le vrai travail sur AC/DC Highway to hell pourrait enfin commencer.
Le groupe était trop heureux de quitter Miami ensoleillé et de se diriger vers Londres froide et morne au début de 1979 pour rencontrer Lange et commencer.
Pendant les deux semaines suivantes, le groupe a travaillé sur toutes les nouvelles chansons dans un espace de répétition miteux qui n’avait pas de chaleur, à l’exception d’un petit radiateur au kérosène et d’un sol en terre battue. Les manteaux d’hiver étaient souvent portés lors des séances d’entraînement.
Mais c’est exactement là que Highway to Hell a finalement commencé à se réunir, et à la fin des deux semaines, toutes les chansons étaient affinées et prêtes à être enregistrées – ce qui était différent des sessions d’enregistrement précédentes, pendant lesquelles AC / DC passait habituellement le temps d’écrire et de réécrire des chansons en studio jusqu’à ce qu’elles soient prêtes.
En mars 1979, AC / DC se retrouva niché dans les Roundhouse Studios de Londres avec leur nouveau producteur pour commencer ce qui allait être la session d’enregistrement la plus importante et la plus critique de la carrière du groupe.
AC / DC et Mutt Lange ont cliqué tout de suite, et leur respect mutuel a fait que les sessions d’AC/DC Highway to hell se sont déroulées rapidement et sans heurts, avec très peu de bosses en cours de route (à part la rencontre occasionnelle avec Scott sur sa performance vocale. ).
Le groupe avait toujours enregistré en direct en studio, et Lange savait qu’il ne valait pas mieux que de suggérer une approche différente.
«Mutt s’est rendu compte que nous étions un bon groupe qui pouvait jouer de leurs instruments, alors il nous a laissé aller», a déclaré Malcolm Young dans Guitar World .
« La liberté était là. Et nous lui avons donné la liberté aussi – nous essayions tout ce qu’il nous demandait. Mutt s’intégrait très bien avec le groupe. »
Quelques semaines plus tard – après des sessions d’enregistrement supplémentaires aux Chalk Farm Studios puis un mixage aux Basing Street Studios – AC/DC Highway to hell était terminé.
En fin de compte, Lange a donné à Atlantic exactement ce qu’il voulait: un disque AC / DC avec des chansons bien conçues et entraînantes, des refrains palpitants et une touche raffinée.
La qualité et l’énergie des albums précédents d’AC / DC étaient tout à fait intactes, mais l’élément punk-rock déséquilibré et chaotique qui, selon Atlantic, retenait le groupe sur le plan commercial avait disparu.
Dix chansons et à peine 42 minutes de longueur, AC/DC Highway to hell est un chef-d’œuvre d’écriture tendue et précise et de production sans fioritures – une expérience d’écoute du début à la fin qui plus que tient aujourd’hui, 40 ans depuis son 27 juillet 1979, date de sortie.
AC/DC Highway to hell est dirigé par la chanson titre, avec son refrain entraînant et adapté à la radio, un riff d’ouverture simple mais efficace qui rappelle le classique gratuit « All Right Now », et des paroles sur la vie sur la voie rapide.
Il y a aussi le dansant «Girls Got Rhythm», le boogie-swing de «Walk All Over You», l’explosion de blues au rythme rapide «Beating Around the Bush», le classique du concert «Shot Down in Flames» et l’album sexy, se rapprochant, « Night Prowler. »
AC/DC Highway to hell – AC/DC Highway to hell
1979 a été l’année où tout a changé pour AC / DC. C’était l’année où ils ont établi ce qui allait devenir une relation très fructueuse avec Mutt Lange;
l’année où ils ont appris ce dont ils étaient vraiment capables en tant qu’auteurs-compositeurs et musiciens; l’année où ils ont appris qu’il était acceptable de quitter leur nid confortable à Sydney et de faire de la musique ailleurs dans le monde.
Ils ont également appris à quoi ressemblait le grand succès en Amérique, alors que Highway to Hell atteignait la 17e place des charts américains et était le premier album de platine d’AC / DC aux États-Unis, se vendant à plus d’un million d’exemplaires.
Malheureusement, ce serait aussi la dernière année de Bon Scott sur terre – en février 1980, le chanteur écossais qui faisait la fête serait mort après avoir bu dangereusement, et la carrière soudainement florissante d’AC / DC serait envoyée dans une spirale sombre et déprimante. Bien sûr, ils finiraient par revenir de la tragédie – de retour en noir, pour être précis.
AC/DC Highway to hell : le contexte de l’album
Le titre et les paroles de AC/DC Highway to hell reflètent la nature incroyablement ardue des tournées constantes et de la vie sur la route.
L’autoroute qui a inspiré le nom de la chanson, Canning Highway , relie l’ autoroute Perth Kwinana à son port Fremantle et abritait de nombreux pubs et hôtels préférés de Bon Scott, y compris le Raffles Hotel .
AC/DC Highway to hell a passé 45 semaines sur le tableau des singles allemands , même s’il n’a culminé qu’à la 30e place, à sa 19e semaine sur ce tableau.
Le chanteur principal Bon Scott a été retrouvé mort à l’arrière de la voiture d’un ami, un peu plus de six mois après la sortie de la chanson. La chanson est dans la tonalité de la majeur.
AC/DC Highway to hell a remporté la catégorie « titre australien le plus joué à l’étranger » aux APRA Awards 2009 .
AC/DC Highway to hell : le groupe
Bon Scott – chant principal
Angus Young – guitare solo
Malcolm Young – guitare rythmique, choeurs
Cliff Williams – guitare basse, choeurs
Phil Rudd – batterie
AC/DC Highway to hell : la production
AC/DC Highway to hell a été produit par Mutt Lange dans le cadre de l’album du même nom, et son travail est considéré comme un facteur important dans la livraison de l’un des albums classiques d’AC / DC, l’émergence du son de double guitare, qui a ensuite été perfectionné sur Back in Black , et amélioré les chœurs avec Malcolm Young, rejoint par Cliff Williams pour la première fois.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Festival de Lunel 2020 : A quelques kilomètres de Montpellier, dans le cadre idyllique des nouvelles arènes de la ville, un nouveau festival dévoile sa seconde programmation. J’ai eu le plaisir d’y shooter quelques artiste en 2019, des artistes nationaux et internationaux qui ont présenté leur univers unique dans un nouveau lieu, celui des arènes. Lunel est une commune du département de l’Hérault en région Occitanie.
Festival de Lunel 2019 : Retour sur la programmation.
L’inauguration Festival eut lieu en 2019 avec un démarrage prestigieux et une programmation variée, organisée par l’agence Onze Productions. Une saison estivale mouvementée et musicale pour ce premier Festival avec de superbes invités et des artistes talentueux!
Au programme de ce Festival 2019 du 24 mai au 3 août 2019 onze soirées pour des artistes français et internationaux. D’Aldebert et son enfance le 28 juillet à Barbara Hendricks le 27 juillet via Aya Nakamura le 3 août , il y en eu pour tous les goûts! Le groupeRock Skip the The Use electro rock ouvrit les festivités lors de la première soirée du Festival le 24 mai 2019.
Feder et Mome, les DJs vedettes des platines ont transformé les arènes de Lunel en une immense piste de danse en rythme avec leurs tubes planétaires et house, hip-hop, électro et remix profonds. Le 15 juillet 2019, au soir de la Pescalune, c’est au groupe L.E.J. qui a enflammé les nouvelles arènes de Lunel. Tournée, victoire musicale et nouvel album en préparation, on ne peut plus arrêter la montée en puissance de ces 3 amies d’enfance au talent indéniable.
Julien Clerc participa à ce premier ensemble festival dans les arènes de Lunel et interpréta son répertoire de tubes de chansons françaises pour le plus grand plaisir de ses fans! La Bienheureuse Prêtresse du Blues Barbara Hendricks et ses musiciens donna un concert extraordinaire le 27 juillet 2019 !
Aldebert le 28 juillet (concert à 17h) avec le troisième épisode de ses enfantillages et pour clôturer ce festival le 3 août 2019, l’aspirante star française des 3 dernières années: Aya Nakamura.
Une Programmation polyvalente et populaire pour l’édition 2019 du Festival de Lunel qui a jeté des ponts entre les styles et entre les générations.
De l’électro (Feder, Møme, Synapson, Bleu Toucan, Joris Delacroix, Vimala …) au hip-hop (Fianso, Aya Nakamura Joey Star, Cut Killer, Rim K du 113 …) à la chanson (Julien Clerc, LEJ, Barbara Hendricks). ..), le spectacle jeunesse (Aldebert …) et le format pop-rock (Skip the Use …). En plus des nombreux concerts, des conférences et réunions, des ateliers philo et des activités autour de la culture furent organisées.
une offre large et riche qui fit le succès de l’édition 2019.
Programmation 2019
Skip The Use – Feder – Møme – Vimala – Earth Wind And Fire – Synapson – Joris Delacroix – Bleu Toucan – LEJ – Maxenss – Julien Clerc – Barbara Hendricks – Aldebert – Jeanne Added – Léonie Pernet – Fianso – Joey Starr – Cut Killer – RimK du 113 – Aya Nakamura – Fabien Olicard…
Festival de Lunel 2020 : Une deuxième édition pleine de promesse.
le Festival de Lunel 2020 aura lieu les 5, 6, 7 et 8 août. Il propose pour 2020 de la nouvelle chanson française avec GAUVAIN SERS, les tubes d’OLDELAF, un vent d’indépendance avec BLACK M, suivis de près de LORD ESPERANZA, étoile montante du rap français.
Le Festival de Lunel 2020 célébrera également les 15 ans du label CHINESE MAN RECORDS avec un spectacle explosif de CHINESE MAN, SCRATCH BANDITS CREW et BAJA FREQUENCIA, qui fera bouger la scène de l’arène avec son électro hip-hop classique.
En clôture du Festival de Lunel, MARWA LOUD, nouveau phénomène du hip hop français nommé dans la catégorie French Revelation NRJ Music Awards 2018, offrira au public l’opportunité de découvrir sa voix douce et ses mélodies enivrantes.
Les arènes Francis San Juan sont les arènes de la ville de Lunel dans le département français de l’Hérault. Selon Torofiesta, elle peuvent accueillir plus de 4000 personnes, selon Jean-Baptiste Maudet 3000 personnes.
Elles ont été construites en 1861 et redessinées en 1981. Des courses espagnoles s’y déroulent, principalement des Novilladas, mais surtout des courses camarguaises. Grâce à la restructuration, les arènes de Lunel peuvent étendre leur vocation à organiser des concerts, spectacles et autres événements. L’inauguration de cette nouvelle salle d’arène a eu lieu le samedi 29 septembre 2018.
En décembre 2014, la ville a lancé un concours limité de gestion de projet pour restructurer les arènes afin de créer 1 000 places supplémentaires et un toit qui protège les spectateurs. La capacité totale peut varier entre 3 500 et 5 000 places selon la configuration et le type de spectacle joué (corrida, concert, théâtre, événements sportifs, etc.).
Trois cabinets d’architecture ont répondu au concours: Jakob + MacFarlane, A + Architecture et Jacques Ferrier Architects. L’agence Jacques Ferrier Architects a remporté le concours. Le groupe était composé des architectes CoO Architects, TPF Engineering, Line Environment and Building et dUCKS Sceno. La restructuration des arènes a permis d’augmenter et d’actualiser la capacité d’accueil des spectateurs. Cet endroit est surmonté d’un toit avec des motifs en dentelle qui donnent à l’ensemble un cachet que l’on ne retrouve nul part ailleurs.
Une véritable première pour les arènes semi-couvertes, qui donne à Lunel une touche de charme et de modernité sans précédent. L’inauguration eut lieu le samedi 29 septembre 2018.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le costume de Harley Quinn a été classé comme le costume le plus populaire aux États-Unis et au Royaume-Uni. Jim Lee, co-éditeur de DC Comics, cite Harley Quinn comme quatrième pilier de sa ligne de publication derrière Superman, Batman et Wonder Woman. Harley Quinn peut actuellement être vu dans cinq séries différentes: trois titres du même nom , Suicide Squad et aujourd »hui « Harley Quinn Film : Birds of Prey« . Seuls Batman et Superman ont un nombre comparable d’apparitions, ce qui en fait le personnage féminin le plus important et le plus rentable de DC Comics.
Harley Quinn Film -Birds of Prey
Birds of Prey (et l’émancipation fantastique d’une Harley Quinn) est un film américain réalisé par Cathy Yan et sorti en 2020. La huitième production dans l’univers du cinéma DC est un film qui se concentre à la fois sur le personnage de Harley Quinn, dont la version théâtrale a été présentée dans le film Suicide Squad en 2016, et sur l’équipe de Birds of Prey de DC Comics. Le film, écrit par Christina Hodson, parle de l’émancipation de Harley Quinn après sa séparation du Joker. Au cours de cette aventure, elle croisera le chemin de trois femmes (Hunter, Black Canary et Renee Montoya) qui formeront le futur trio « Birds of Prey » et avec qui elle affrontera le masque sadique noir.
Dans les adaptations, le personnage a été joué par l’actrice Mia Sara dans la série télévisée The Angels of the Night entre 2002 et 2003. Le personnage revient ensuite en 2016 dans le film Suicide Squad, qui lui fait découvrir l’univers cinématographique de DC, dans lequel Margot Robbie l’incarne. Cette version du personnage est très réussie, ce qui lui permettra d’être au centre des Birds of Prey (et de la fantastique histoire de Harley Quinn) en 2020.
Description ,d’Harley Quinn Film : Birds of Prey
Apparence et capacités
C’est une jeune femme blonde aux yeux bleus, elle a un beau visage, un maquillage blanc, porte une cagoule avec des cloches. Elle porte un costume d’arlequin (référence à son surnom), il est rouge et noir, comme son « poussin ». Elle s’inspire d’un jeu de cartes, elle est la reine des diamants. On retrouve ces tuiles sur leur salopette (souvent moulante). C’est une excellente gymnaste.
Après avoir été brutalement maltraitée par le Joker, elle est soutenue par Poison Ivy (le mélangeur de poison), ce qui augmente ses capacités physiques: elle devient plus forte, plus agile et immunisée contre le poison et les maladies.Elle est généralement armée d’un maillet géant, d’une batte de baseball et de beaucoup d’explosifs.
Personnalité et vie affective D’ Harley Quinn Film : Birds of Prey
Elle est énergique et joueuse, elle se concentre sur la comédie de la situation. Elle est aussi sensuelle et sexy. Elle ne déteste pas vraiment Batman, elle ne fait pas de mal pour le plaisir, juste pour faire plaisir au Joker. Son animal préféré est la hyène, charognard carnivore, qui se caractérise par son ridicule, elle en a deux (Bud et Lou). Leur relation avec le Joker est compliquée, ils se querellent souvent, se pardonnent toujours et reviennent toujours.
Elle est « folle » amoureuse de lui. Batman Arkham City a un test de grossesse positif aux côtés de l’un des costumes de Harley. De nombreux autres tests se trouvant à terre démontrent qu’Harley n’est pas enceinte…
Harley Quinn Film -Birds of Prey
Dans les bandes dessinées, en particulier dans The Last Laugh, nous apprenons que tant qu’elle n’est pas mariée au Joker, elle ne veut pas avoir d’enfants avec lui. Cependant, c’est le cas dans certains univers alternatifs. Dans le jeu de l’injustice: les dieux sont parmi nous, elle a eu une petite fille, Lucy, qui la cache au Joker, elle lui dit qu’elle est sa « tante folle Harleen ».
Harley Quinn Film, Birds of Prey, la renaissance DC
Contrairement à la version précédente, Harleen maintient initialement une relation médecin-patient avec le Joker et ne répond pas à ses stimuli. Cependant, il lui révèle certaines choses, comme la véritable intention de son chef de département, qui utilise ses notes à des fins personnelles. Dans Suicide Squad # 06, il lui parle même de l’accident de son père, qui a été frappé par un conducteur ivre, et lui donne un de ses doigts (il dira dans les bandes dessinées qu’il ne pouvait pas amener tout le corps et le lui donnerait) Doigts avec l’anneau conducteur).
Elle tombe enfin sous le charme du Joker et l’aide à s’échapper. Elle le prend là où il est tombé, dans un réservoir d’acide, puis le repousse dans le réservoir. Elle est aussi folle que lui, Harleen Quinzel devient Harley Quinn.
Lorsque le Joker a été déclaré mort, Harley Quinn, maintenant complètement indépendante, a rejoint l’équipe de suicide pendant un certain temps. Elle a une relation courte mais intense avec Deadshot. Cependant, la nouvelle de cette mort la dérange tellement qu’elle se convainc que Deadshot est le farceur et qu’elle le tient en otage.
Quelques mois plus tard, il s’avère que le joker est toujours vivant. Harley, initialement enthousiaste, se rend compte que le Joker est en réalité beaucoup plus fou qu’avant, qu’il est devenu un véritable « monstre » mentalement et physiquement (« Tu étais un monstre! »). Lorsqu’il arrête Harley, il n’a d’autre choix que de la tuer.
Harley Quinn Film -Birds of Prey
Dans Suicide Squad # 14, Waller explique à l’un des membres: « Ecoutez, j’ai toujours cru que Harley ne pouvait pas vivre sans le Joker, mais la vérité est que c’est lui qui ne peut pas vivre sans elle. Il aime à sa manière il Harley et veut son approbation. « Après une longue lutte, le Joker s’assure qu’il lui appartient.
Il l’enferme dans une prison pleine de cadavres déguisés en Arlequin. Le Joker lui révèle qu’elle n’est pas la première Harley Quinn Elle parvient enfin à s’échapper, tandis que le Joker garantit que ce n’est qu’un changement. Il a dit ces mots: « Bien joué, ma chère. Tu pourrais être ma Harley. À sa façon, il promet de la récupérer de toute façon. Ce couple complètement fou est fou et se soutient mutuellement.
Le physique d’ Harley Quinn Film : Birds of Prey
À l’origine blonde aux yeux bleus, Harley subit plusieurs changements physiques causés par l’acide dans le réservoir où le joker le précipite. Elle a maintenant la peau blanche, tandis que ses cheveux sont rouges et noirs (ou bleus, selon la version). Elle porte un corset bleu et rouge avec un short (parfois un pantalon) de la même couleur et des bas assortis. Flexible et acrobatique, il est plus fort que dans les versions précédentes.
Dans le film Suicide Squad, Harley a des cheveux blonds avec des pointes colorées en bleu et rouge. Elle porte également un pull blanc et rouge avec des trous marqués « Daddy’s lil Monster » (« le petit monstre papa »). Elle porte une sorte de culotte bleue et rouge à paillettes, des chaussures à talons hauts à lacets, des collants résille et une veste rouge et bleue avec l’inscription « Property of Joker ». Cependant, l’actrice dit qu’elle n’aimait pas porter cette tenue.
Harley Quinn: Vie affective
Dans le nouvel univers DC, où Joker est le « créateur » de Harley Quinn, elle lui dédie toujours de l’amour. Cependant, leur relation n’a jamais été aussi violente, étrange et folle que jamais auparavant. En particulier, elle aura une courte avec Deadshot. Elle a également une relation libre / polyamoureuse avec Poison Ivy8,9,10. personnalité Nous avons développé un côté extrêmement sombre et mortel à Harleys depuis la création de l’univers DC. Parfois, elle est prête à trahir ses coéquipiers (Suicide Squad # 7). Sa relation avec le Joker n’a jamais été aussi violente et étrange, ils deviennent presque ennemis, sont fous et s’aiment à leur manière.
Harley Quinn Film – Birds of Prey
Suicide Squad, départ du projet d’Harley Quinn Film : Birds of Prey
Lors de sa sortie en 2016, Suicide Squad a fait exploser le box-office mais a donné faim aux fans. Les critiques pleuvent, assassinent, à la réalisation déchiquetée, un Jared Leto trop méthodique, des personnages mineurs qui manquent de relief, un scénario coupé des ellipses sauvages et des effets spéciaux coupables. Margot Robbie, la seule survivante de ce champ en ruine, comme une fleur sauvage s’échappant du ruisseau sale, à peine vêtue de son petit mini short que le réalisateur David Ayer a enfilé, se glisse dans la peau de Harley Quinn, un sage psychiatre dans le joker. L’actrice australienne offre une représentation dramatique de l’un des personnages les plus populaires et les plus rentables de DC Comics.
Même avant la fin des sons de Suicide Squad, Margot Robbie prend le risque de teaser l’idée Warner Bros : Birds of Prey, un spin-off ultra-féminin de Suicide Squad inspiré de DC Comics. Elle s’affirme comme productrice et s’implique pleinement dans le projet. Elle insiste immédiatement pour que sa réalisation soit portée par une femme. C’est la réalisatrice Cathy Yan, ancienne reporter de plusieurs courts métrages, qui convainc par sa vision folle et précise. Sa comédie dramatique Dead Pigs était populaire auprès de Sundance en 2018.
Harley Quinn Film : Birds of Prey : Un ton, une vision.
Harley Quinn Film : Birds of Prey montre un ton irrespectueux qui se rapproche de celui de Deadpool dans une atmosphère totalement rehaussée et un feu d’artifice de couleurs et de paillettes. Nous savourons et suivons goulûment l’histoire d’une Harley Quinn au cœur brisé qui noie son chagrin dans l’alcool, la violence et les sandwichs typiques aux œufs et au bacon de New York.
Pour la première fois, le scénario de Christina Hodson, spécialiste du thriller féminin, combine les personnages Black Canary (Jurnee Smollett-Bell), Huntress (Mary Elizabeth Winstead), Renée Montoya (Rosie Perez) et Cassandra Cain (Ella) sur l’écran Jay Basco) , Tout le monde déplie son histoire de fond en rythme syncopé et 100% jubilant sur des flashbacks imprévisibles. Le récit est également un reflet de l’esprit d’ouragan de Miss Quinn, qui franchit avec joie le quatrième mur. Une histoire sur un diamant volé tourne son cou au cliché de la fille matérielle.
Au revoir Joker, et bienvenue dans les cinq phases du chagrin, version Badass, puisque chacun des protagonistes a sa revanche pour prendre la vie (et les hommes). Elisabeth Kubler-Ross serait fière. Nous vivons la naissance des oiseaux comme une formation inférieure à l’histoire « fantastique » de Harley Quinn. Margot Robbie, moitié clown, moitié punk, trouve son épanouissement pleinement, cette fois en short, et fait face à une poignée de méchants qui veulent sa vie, y compris le super méchant Roman Sionis Slash Black Mask, joué par un souvent Ewan McGregor, peu de temps avant une dépression nerveuse et une hystérie botox, et Chris Messina, trop souvent sous-utilisé, dans le rôle ingrat de son partenaire Victor Zsasz.
Harley Quinn Film : Birds of Prey, aussi irrespectueux que possible, brisent joyeusement les codes de l’univers DC et leur accordent un immense respect, un cadrage et des effets spéciaux au traitement impeccable, signé Evan Schiff, que l’on retrouve au générique des deux derniers John Wick. Et si l’hommage aux diamants de la meilleure amie Marilyn ne met pas le feu à la poudre malgré ses accents à Baz Luhrmaniens, la séquence dans le parc d’attractions, décor classique de la bande dessinée, est sublimée par l’ingéniosité de la mise en scène.
Un vrai regret: la traduction intégrée des textes incrustés à l’écran en VO et non dans les sous-titres en VO, ce qui enlève quelques bons mots au spectateur. Un inconvénient: la bande-son inégale et ultra-féminine de Harley Quinn Film : Birds of Prey qui essaie de ratisser loin et de surfer trop souvent sur une popurbaine épuisante et autodéterminée, bien que certaines pistes soient parfaites à leur place, comme Heads Will Roll de Yeah Yeah Yeahs ou It’s so quiet de Lucy Woodward.
Mais Harley Quinn Film : Birds of Prey dans son ensemble tient sa promesse et se considère comme un hymne féministe, sans se prendre au sérieux. Dans ce monde humain sauvagement patriarcal, brutalement brisé par les jeunes oiseaux maléfiques (probablement la parole de 2020), Bromance flirte joyeusement avec un amour inconditionnel, et la fraternité prend le relais alors qu’elle pose des questions existentielles.
La vengeance étant un plat qui se mange….chaud,Harley Quinn Film : Birds of Prey est classé «R» aux États-Unis et interdit en France aux enfants de moins de 12 ans. Une suite indépendante de Suicide Squad est déjà en préparation.
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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Les Eurockéennes de Belfort : lefestival pour tous les publicsLes Eurockéennes de Belfort est un festival musical qui a lieu chaque année depuis 1989 sur le site du Malsaucy à Belfort, en France.
Cet événementpopulaire est le plus grand festival de musique alternative en France. Il est destiné à tous les publics et propose des concerts variés, des animations et des activités pour tous les âges et tous les goûts.Le festival se déroule généralement sur une période de quatre jours, du jeudi soir au dimanche soir.
Il se compose de plusieurs scènes où des artistes internationaux et locaux se produisent. Les genres musicaux représentés sont variés et incluent de la musique électronique, durock, de la pop, du rap, du folk, du funk, du hip–hop et bien plus encore. En plus des concerts, les Eurockéennes proposent également des activités pour les enfants, des stands de nourriture et des spectacles d‘artistes.
Le festival est l‘occasion pour les artistes de présenter leurs nouvelles chansons et leurs nouveaux albums aux festivaliers. Les Eurockéennes de Belfort sont également connus pour leur atmosphère conviviale et chaleureuse. Les artistes et les fans peuvent communiquer et se divertir ensemble, ce qui crée une ambiance unique et spéciale.
Les Eurockéennes ont lieu chaque année depuis 1989 et ont connu une croissance considérable depuis leur création. En 2016, le festival a attiré plus de 100 000 visiteurs. Il est maintenant reconnu comme l‘un des principaux festivals de musique en Europe et attire des artistes de renommée internationale.
Les artistes qui se sont produits lors des Eurockéennes comprennent des groupes tels que TheCure, Radiohead, Red Hot Chili Peppers,Muse et bien d‘autres encore.Le festival est aussi connu pour sa programmation variée et sa taille. Les Eurockéennes proposent généralement plus de 150 concerts et spectacles, ainsi que des activités et des stands de nourriture. Les Eurockéennes ont également un programme d‘activités pour les enfants, qui comprend des jeux, des spectacles et des ateliers.
Les Eurockéennes de Belfort sont un festival pour tous les publics. Il est accessible à tous et offre une grande variété de musique, d‘animations et d‘activités pour tous les âges. Les Eurockéennes proposent aux festivaliers une expérience musicale unique et inoubliable et sont une excellenteoccasion pour les artistes de se produire sur une scène internationale.
On se souvient des Red Hot Chily Peppers, The Cure, Jay Z, Aerosmith, Amy Winehouse Daft Punk ou encore Robert Plant. De nombreux styles de musique sont représentés: rock, électro, métal, mais aussi chansons françaises, pop, etc. De jeunes groupes locaux se produisent.
Fidèle à l’esprit de jeunesse éternelle, le festival n’a pas encore vieilli au début de sa troisième décennie et est encore une fois le miroir de son temps. Il conserve sa place parmi les événements musicaux historiques européens… Depuis 1989, 1 777 concerts avec un éclectisme prétendu ont ravi près de 2 813 000 festivaliers de tous âges, origines et nationalités!
La mixité des spectateurs et cette variété de styles abondants réunis au creux d’un cocon vert, un peu entre parenthèses du monde, sont synonymes de partage, d’émotions et de rencontres chaque année. Une communauté venant faire la fête dans le respect de la nature qui reste fidèle aux nombreux engagements solidaires d’un festival qui reste contre vent et marais 100% associatif et de tous ses partenaires, communautés et associations.
C’est une organisation à but non lucratif qui s’occupe du festival. Territoire de Musiques organise le festival et s’implique donc activement dans le développement culturel, économique et social de la région. L’association mène donc différentes actions et coopérations culturelles. Cet engagement dure toute l’année. Grâce au programme Eurocks Solidaires, le festival s’engage pour l’accès à l’année à la culture pour tous, la citoyenneté, l’inclusion sociale, la prévention et la protection de l’environnement.
FAQ sur les Eurockéennes de Belfort
Quand a lieu le festival?
Les Eurockéennes de Belfort se déroulent chaque année le premier week-end de juillet.
Où se trouve le festival?
Les Eurockéennes de Belfort se déroulent à Malsaucy, un lieu situé près de Belfort dans le Territoire de Belfort.
Quel est le prix des billets?
Les prix des billets varient selon la journée et le type de billet (week-end, pass journée, VIP, etc.). Les prix des billets sont disponibles sur le site web des Eurockéennes.
Y a-t-il des activités pour les enfants?
Oui, les Eurockéennes proposent une programmation adaptée à tous les âges. Il y a des activités pour les enfants et des animations pour les familles.
Est-ce que le festival est accessible aux personnes à mobilité réduite?
Oui, les Eurockéennes sont accessibles aux personnes à mobilité réduite. Il suffit de contacter l’équipe des Eurockéennes pour obtenir des informations et des conseils.
Est-ce qu’il y a des stands de restauration?
Oui, il y a plusieurs stands de restauration sur le site du festival. Des plats traditionnels et internationaux sont servis, ainsi que des options végétariennes et vegan.
Y a-t-il des stands de merchandising?
Oui, il y a des stands de merchandising sur le site du festival. Les visiteurs pourront acheter des articles et des souvenirs des Eurockéennes.
Est-ce que les animaux sont autorisés?
Non, les animaux domestiques ne sont pas autorisés sur le site des Eurockéennes.
Quelles sont les règles de sécurité?
Les visiteurs sont invités à respecter les règles de sécurité et à respecter les consignes du personnel du festival. Des fouilles sont effectuées à l’entrée pour des raisons de sécurité.
Y a-t-il des logements à proximité?
Oui, il y a des hébergements à proximité du site des Eurockéennes. Il y a des hôtels, des auberges de jeunesse et des campings à Belfort et à proximité.
La programmation de l’édition 1996 des Eurockéennes de Belfort
C’est le petit moment « vieux con ». Le moment où je vais commencer à dire que « c’était mieux avant… ». Pour être franc, cela me gêne de dire cela, mais lorsque je regarde la programmation des premiers festivals eurockéennes, il faut bien avouer que ça avait une autre gueule. Pas de mauvais procès, juste un petit retour dans le temps avec cette programmation qui sur 3 jours….fait aujourd’hui rêver.
VENDREDI 5 JUILLET 1996: SKWATT – ONEYED JACK – SILMARILS – LOUDBLAST – THE PRESIDENTS OF THE UNITED STATES OF AMERICA – FUGUCHERI – NTM – SEPULTURA– CYPRESS HILL –RED HOT CHILI PEPPERS – RAGGASONIC SAMEDI 6 JUILLET 1996: TRASHCAN JUICE – RED CARDELL – MIOSSEC – THEO HAKOLA – ASH –BECK – FRANK BLACK – ULTRA ORANGE– NICK CAVE – PATTI SMITH – LOU REED – MINISTRY DIMANCHE 7 JUILLET 1996 : GINKGO – BLUETONES – DOMINIQUE A. – THE AMPS – LITTLE RABBITS – GARBAGE – SKUNK ANANSIE –FOO FIGHTERS– DOG EAT DOG – DAVID BOWIE – FUN LOVIN’ CRIMINALS
Programmation de la 1er édition des Eurockéennes de Belfort
MAURANE – JACQUES HIGELIN – NINA HAGEN – ANGE – UNTEL UNTEL – E 127 – GAMINE – LES KIDNAPPÉS DE LA PLEINE LUNE – LES INFIDÈLES – LES CYCLISTES – ENIGMATIC LEGUME – JADE – PASCAL MATHIEU – RAVEL-CHAPUIS – CHRISTIAN BLONDEL – ZANIBONI – FABIENNE PRALON – LES LOLITAS – ELMER FOOD BEAT – EMMA ZITA- CHARLÉLIE COUTURE – ELVIS COSTELLO – NOIR DÉSIR ET LIFTIBA – LES GARÇONS BOUCHERS – LES ZAMANTS – CHIHUAHUA – LES RAVIOLETS – THE BLECH – THE RENEGADES – GIRLS WITHOUT CURLS – ANIMAL GROTESQUE – JEAN-LOUIS MAHJUN – MICHEL BUZON – VÉRONIQUE GAIN – MAMA BEA TEKIELSKI – COLETTE MAGNY – ANNA PRUCNAL
Programmation de la 2ème édition des Eurockéennes de Belfort
LES GARÇONS BOUCHERS – STEPHAN EICHER – HUBERT-FÉLIX THIÉFAINE – STÉPHANE RIVA – DAVY SPILLANE BAND – P.V.O- NUIT D’OCTOBRE – TOP MODEL – CHEB KADER – RICTUS – PARK CAFÉ – MISS B HAVEN – ALAIN BASHUNG – TROVANTE – CARLOS SANTANA – THE ESSENCE – AUKTSION – ORKEZTRA LUNA – TRIO BULGARKA – ARNO – ROÉ –TRYPES – KUNSERTÙ – KHÉOPS – JEAN-LOUIS AUBERT – TEXAS
Programmationde la 3ème édition des Eurockéennes de Belfort
House Of Love, INXS, Joe Jackson, Mano Negra, Pixies, Raoul Petite, Axel Bauer, Cecil’ No, El Ultimo, Elmer Food Beat, James, John Cale, Kromozom, Lefdup, Pigalle, Red Rain Coat, The Charlatans, The Wailers, V.V., Les VRP, Au P’tit Bonheur, Garaz, Jivaros Quartet, Kheops, La Strada, Les Tétines Noires, Lionel D., One Million Bulgarians, Shredded Ermines et Wromble Experience.
Programmation de la 4ème édition des Eurockéennes de Belfort
Bob Dylan, Bryan Adams, James Brown, Lou Reed, Moe Tucker, Morrissey, Ned’s Atomic Dustbin, Rufus Thomas, The Wedding Present, Alpha Blondy, Black Maria, Charlélie Couture, Dix Petits Indiens, Dominic Sonic, Fishbone, Fools, Jade, Les Négresses Vertes, Little Nemo, Love Bizarre, Manic Street Preachers, Mike Rimbaud, Milena, Sapho, Sunset, Urban Dance Squad, Welcome To Julian, Wilko Johnson, Anechoïc Chamber, Betty Boop, Francis Décamps, Happy Drivers, Kafkha, La Nuit Venue, Les Freluquets, Les Infidèles, Planète Zen et Résistance de faire vibrer les festivaliers
Programmation de la 5ème édition des Eurockéennes de Belfort
Black Crowes, Jean-Louis Aubert, Lenny Kravitz, Living Colour, Midnight Oil, Noir Désir, Willy DeVille, Calvin Russel, Chris Isaak, Disposible Heroes of Hiphoprisy, Faith No More, Galliano, Jesus Jones, Lemonheads, Little Bob, MC Solaar, Sonic Youth, The Frank and Walters, Ziggy Marley, Ça Plait Aux Filles, Democrate D., French Lovers, Gene Clarcksville, Sages Poètes de la Rue, Massilia Sound System, Mau Mau, Ménélik Et La Tribu, Mr Kuriakin, Rattlesnakes, Roadrunners, Soon EMC, Tom Fools et Blonde Amer.
Programmation de la 6ème édition des Eurockéennes de Belfort
Björk, Khaled, The Pretenders, Rage Against the Machine, Rita Mitsouko, Stephan Eicher, ZZ Top, Blind Fish, Burma Shave, Chaka Demus & Pliers, F.F.F., Gary Clail, Grant Lee Buffalo, IAM, Thugs, Morphine, Spin Doctors, Swell, The Posies, Therapy?, Fabulous Trobadors, Fly And The Tox, Helmet, Human Spirit, No One Is Innocent, Nyah Fearties, Rachid Taha, Sons Of The Desert et Well Spotted.
Programmation de la 7ème édition des Eurockéennes de Belfort
Blur, The Cure, Jamiroquai, Page & Plant, Public Enemy, Renaud, Sheryl Crow, Terence Trent d’Arby, Ange, Arno, Ben Harper, Body Count, Dave Matthews Band, dEUS, Dreadzone, Earthling, Edwyn Collins, Jeff Buckley, Oasis, Paradise Lost, Paul Weller, The Roots, Rosco Martinez, Senser, Spearhead, 18th Dye, Aleister, Alliance Ethnik, Burning Heads, Dag, Gérald De Palmas, Dodge Veg-O-Matic, Juliabirds, Marauder’s, Oil-Len, Phobimaniacs, Silverchair, Supergrass et Ultimatum.
Programmation de la 8ème édition des Eurockéennes de Belfort
Beck, David Bowie, Foo Fighters, Lou Reed, Nick Cave and The Bad Seeds, Red Hot Chili Peppers, Sepultura, Skunk Anansie, Presidents of the United States of America, Ash, The Bluetones, Dog Eat Dog, Frank Black, Fun Lovin’ Criminals, Me’shell Ndegeocello, Ministry, Miossec, NTM, Patti Smith, Raggasonic, Silmarils, Aston Villa, The Bates, Dominique A, Fugucheri, Ginkgo, Little Rabbits, Loudblast, Oneyed Jack, Red Cardell, Skwatt, Théo Hakola, Trashcan Juice et Ultra Orange.
Programmation de la 9ème édition des Eurockéennes de Belfort
En 1997, les organisateurs recrutent Mad Pop’X, Addict, Channel Zero, Biohazard, Mass Hysteria, Live, Radiohead, Spicy Box, Supergrass, The Smashing Pumpkins, The Chemical Brothers, Oobik and the Pucks, Stereophonics, Melville, Baby Bird, No One Is Innocent, Nada Surf, Marcel et son Orchestre, FFF, Noir Désir, Sloy, 16 Horsepower, Silverchair, Rollins Band, Placebo, Paul Personne et Suede.
Programmation de la 10ème édition des Eurockéennes de Belfort
Cornershop, Faudel, Heather Nova, Iggy Pop, Jon Spencer Blues Explosion, Louise Attaque, NTM, Portishead, Pulp, Rammstein, Sean Lennon, Suicidal Tendencies, Texas, Asian Dub Foundation, Cubanismo, Divine Comedy, Dolly, Hotei, Jean-Louis Aubert, Morcheeba, Passi, Pigalle, Pills, Prodigy, Underworld, Automatics, Awake, CSI, Djoloff, Fonky Family, Hare, Jeremy, Jim White, K’s Choice, Marc Em, Tabula Rasa, Tortoise et Useless.
Programmation de la 11ème édition des Eurockéennes de Belfort
Al Green, Blondie, Eagle-Eye Cherry, Lenny Kravitz, Marilyn Manson, Matmatah, Metallica, Monster Magnet, Placebo, Skunk Anansie, Hubert-Félix Thiéfaine, Angra, Black Crowes, The Cardigans, Cheb Mami, Gus Gus, Lofofora, LTNO, Mass Hysteria, Mercury Rev, P18, Pierpoljak, Stereophonics, Tricky, Bloodhound Gang, Calexico, Cree Summer, Creed, Everlast, Faf Larage, Jail, JMPZ, Masnada, Mercyful Fate, Miskeen, NOI, Polar, Popa Chubby, Rinôçérôse, Shovel et Virago.
Programmation de la 12ème édition des Eurockéennes de Belfort
Oomph!, The Cranberries, Slayer, Fu Manchu, Muse, Coldplay, Nine Inch Nails, Alanis Morissette, Venus, -M-, Tryo, Skirt, Mister Gang, Dionysos, The Cranberries, Les Rita Mitsouko, Macy Gray, Day One, France Cartigny, Emilíana Torrini, Asian Dub Foundation, Laurent Garnier, Massilia Sound System, Femi Kuti, A Perfect Circle, Oasis, St Germain, Mukta, Moby et Eels.
Programmation de la 13ème édition des Eurockéennes de Belfort
La Ruda Salska, Skull, Incubus, Matmatah, Yann Tiersen, Tété, La Nef des Fous, Mass Hysteria, Les Têtes Raides, Enhancer, K’s Choice, Disiz La Peste, Burning Spear, The Young Gods, Tricky, La Brigade, Anthony B, Joseph Arthur, Rae & Christian, Freestylers, Ben Harper, Nashville Pussy, Pleymo, Dies Coroles, Marcel et son Orchestre, Amadou et Mariam, Mass Hysteria, K2R Riddim, Sergent Garcia, Le Peuple de l’Herbe, Badmarsh & Shri, Fantômas et Iggy Pop.
Programmation de la 14ème édition des Eurockéennes de Belfort
Flying Donuts, Buju Banton, Pleymo, Les Joueurs de Biques, Bulle, The (International) Noise Conspiracy, Sinclair, Mclusky, New Bomb Turks, Saïan Supa Crew, The Bellrays, Noir Désir, Bilal, Archive, Antipop Consortium, Soulfly, The Herbaliser, Meï Teï Shô, High Tone, Alec Empire, Planeausters, Rival Schools, Liquid Laughter Lounge Quartet, Aston Villa, Guem & Bouto Experience, Tarmac, Frédéric Galliano & African Divas, Ska-P, Watcha, Gomez, Opus Akoben, Lofofora, N*E*R*D, Air, Miro, The Chemical Brothers, Heroes Of Kingston, Burning Heads, Vitalic, Miss Kittin & The Hacker, Tournelune, Hawksley Workman, Un Air Deux Familles, Whysome, The Notwist, Wormachine, Travis, Dj Logic, Reverend Beat-Man, Michael Franti & Spearhead, Muse, Trio Mocoto, Sizzla, Sainkho Namtchylak, Rammstein et Gotan Project font vibrer les festivaliers.
Programmationde la 15ème édition des Eurockéennes de Belfort
Z-Tribe, Toots and the Maytals, The Datsuns, Mxd, Mickey 3D, La Vieille Ecole, Zenzile, The Rapture, The Roots, Sleeppers, Stone Sour, Console, Radiohead, Nostromo, The Streets, Arto Lindsay, Peaches, Les Wampas, Ellen Allien, Mike Ladd, Hexstatic, Second Rate, AqME, Leopold Kraus Wellenkapelle, Hell Is For Heroes, Tokyo Ska Paradise Orchestra, Electric Six, Noise Surgery, La Rumeur, Dionysos, Tom McRae, Themselves – Sage Francis – Sole, Tricky, LCD Soundsystem, Death in Vegas, Suicide, Slayer, 2 Many Djs, I Monster, Fat Truckers, Eiffel, The Polyphonic Spree, Kerplunk!, Zebda, Tony Allen, Nada Surf, Marrakech Emballages Ensemble, Dave Gahan, Jaga Jazzist, Watcha, Blackalicious, Asian Dub Foundation, Tomahawk, Underworld, Stupeflip, Massive Attack et Melvins.
Programmation de la 16ème édition des Eurockéennes de Belfort
Luke, Membrane, No One Is Innocent, Two Tone Club, An Pierlé et la Synfonietta de Belfort, Jr Ewing, IAM, Broken Social Scene, Franz Ferdinand, Avril, -M-, Zero 7, Ben Kweller, Chk Chk Chk, Placebo, Lyrics Born, Lifesavas, Capleton, TV on the Radio, Ralph Myerz & The Jack Herren Band, Mono, Drey, Elista, AS Dragon, Tim Patience Watch, Herman Düne, Girls in Hawaii, Daniel Darc, Seeed, Buck 65, Shrink Orchestra, PJ Harvey, Youngblood Brass Band, Alain Bashung, Grandbuffet, Automato, RJD2, The Perceptionists, Pixies, An Albatross, Scissor Sisters, Agoria, Sludgefeast, An Albatross, Serotonine, Blonde Redhead, Doctor L, Svinkels, X-Vision, The Cat Empire, Lust, Amp Fiddler, Le Peuple de L’Herbe, Belle and Sebastian, Antibalas Afrobeat Orchestra, Slipknot, The Rapture, Groove Armada, The Dillinger Escape Plan, Shetou, Korn, Wang Lei et High Tone.
Programmation de la 17ème édition des Eurockéennes de Belfort
Bloc Party, Blumen, Bright Eyes, Bumcello, The Chemical Brothers, CocoRosie, Eagles of Death Metal, Electrelane, Émilie Simon et la Synfonietta de Belfort, The Go! Team, Gomm, Interpol, Jamie Lidell, Jean Grae, Kaizers Orchestra, Ken Boothe, Konono n°1, La Phaze, Little Barrie, Nine Inch Nails, Queens of the Stone Age, Saul Williams, Taf, T.Raumschmiere, Twaii, Amadou et Mariam, Bonnie Prince Billy, Cake, Cali, Common, Dälek, Elkee, Eths, Garbage, Ghinzu, Kas Product, Mastodon, Moodymann, Morgan Heritage, The National, Nosfell & Ez3kiel, Tom Vek, Raw-T, Raphael Saadiq, Torm, Vitalic, Andrew Bird, Amon Tobin, Balkan Beat Box, The Bravery, Isis, The Killers, Kraftwerk, Le Tigre, Louise Attaque, Marcelo D2, Mass Hysteria, Monsieur Z, Nosfell, Plant Life, Röyksopp, Slum Village, Sonic Youth, Tom Vek, Tom Ze, Toxic Kiss, TTC et Turbo Trio.
Programmation de la 18èmer édition des Eurockéennes de Belfort
Daft Punk, Deftones, The Strokes, Dionysos & la Synfonietta de Belfort, Gojira, Anaïs, Arctic Monkeys, Damian Marley, Gossip, Seun Kuti & Fela’s Egypt 80, Two Gallants, Venus, Atmosphere, NonStop, Polysics, Poni Hoax, Malajube, Dj Aï, Brother Ali, Benjie, Hellbats, Jack and the Beared, Fancy, ZZZ, Uffie feat. DJ Feadz, Winston McAnuff & Bazbaz Orchestra, AsherAsher, Adam Kesher, Depeche Mode, Morrissey, Coldcut, Enhancer, Infadels, Philippe Katerine, Camille & The Pascals, The Sunday Drivers, Hushpuppies, Spank Rock, Apsci, La Caution, Spleen, Last Minutes, I Love UFO, Teitur , Nathan Fake, Animal Collective, Fat Freddy’s Drop, Sébastien Martel, Spleen, Camille, Free’s B, Jahcoustix, Fidel Nadal, Asher, A Brand, Duracell, The Young Knives, Muse, Sigur Rós, Archive, Blackalicious, Mogwaï, Dominique A, Art Brut, Cult of Luna, Islands, Les Georges Leningrad, We Are Wolves, Ghislain Poirier, Omnikrom, Duchess Says, Aberfeldy, Giant Drag, Bo Weavil, Las Ondas Marteles, Dahlia, My Baby Wants To Eat Your Pussy, Aloan, Le Crapo du Marais, DJ Mehdi, John Lord Fonda et Asher font vibrer les festivaliers.
Programmation de la 19ème édition des Eurockéennes de Belfort
Marilyn Manson, Juliette and the Licks, Wu-Tang Clan, Les Rita Mitsouko, Amy Winehouse, Kaolin, Justice, Gogol Bordello, Griots and Gods, Clipse, Converge, Peter von Poehl, Archie Bronson Outfit, Punish Yourself, Hellbats, Iltika, Hollow Corp., The Hives, Queens of the Stone Age, Phoenix, JoeyStarr, Olivia Ruiz, Editors, Abd Al Malik, Digitalism, Maxïmo Park, Cold War Kids, Tokyo Ska Paradise Orchestra, I’m from Barcelona, Bassekou Kouyaté, Tumi and The Volume, Stones Throw, Scanners, Blanche, Deerhoof, Shitdisco, Heavyweight Dub Champion, Stellardrive, For My Hybrid, Navel, Arcade Fire, Tryo, Air, The Good the Bad and the Queen, TV on the Radio, Laurent Garnier, Bikini Machine, Sick of it All, Bitty McLean, Klaxons, Hatebreed, Loney Dear, Goose, Pelican, 65DaysofStatic, Stuck in the Sound, Stellardrive, The Audience et Cocoon.
Programmation de la 20ème édition des Eurockéennes de Belfort
Massive Attack, Ben Harper, Arno, Cat Power, Keny Arkana, Gossip, dEUS, Comets On Fire, Calvin Harris, Missill, Yules, Galactic, Genghis Tron, T, La Bande Originale, Biffy Clyro, SoKo, A Place to Bury Strangers, The Mondrians, Nortec Collective, Faso Kombat, Cadence Weapon, Grinderman, N.E.R.D., Cavalera Conspiracy, The Wombats, CSS, Camille, Sharon Jones & The Dap Kings, The Dø, Alborosie, Daniel Darc, Sébastien Tellier, November Forever, Xavier Rudd, Lady Saw, Vampire Weekend, Kasai Allstars, Red Sparowes, Generic, Shape of Broad Minds, Love Motel, Santogold, Fucked Up, The Seducers, The Cool Kids, Moby, The Offspring, Cali, Band Of Horses, MGMT, Babyshambles, Sinik, Gnarls Barkley, Danko Jones, Ez3kiel, The Blakes, Electric Electric, French Cowboy, Seasick Steve, Future of the Left, Nash, Holy Fuck, Battles, Dan Le Sac vs Scroobius Pip, Lykke Li, Yeasayer, Girl Talk et Sna-fu Grand Désordre Orchestre.
Programmationde la 21ème édition des Eurockéennes de Belfort
The Prodigy, Cypress Hill, Ghinzu, Yeah Yeah Yeahs, Capitaine Bertine, Les Wampas, The Kills, The Bronx, Diplo, Oxmo Puccino, Alela Diane, Chapelier Fou, Crookers, Dananananakroyd, The Ting Tings, Emilíana Torrini, Kap Bambino, Naïve New Beaters, Rolo Tomassi, The Feeling Of Love, La Roux, King Khan & The Shrines, Hockey, Sefyu, The Noisettes, Rye Rye, Tieuma, Kanye West, Pete Doherty, Groundation, Birdy Nam Nam, Tricky, Olivia Ruiz, The Answer, Lauter, Kylesa, Nneka, Passion Pit, Schwefelgelb, Solange la Frange, Sophie Hunger, The Asteroids Galaxy Tour, The Temper Trap, Torche, Peter Bjorn and John, Magistrates, Amanda Blank, Slipknot, Laurent Garnier, Gojira, Kool Shen, Phoenix, Charlie Winston, Rodrigo y Gabriela, Sliimy, Electrons Libres, Florence And The Machine, Friendly Fires, Glasvegas, Jaromil, Just Jack, Staff Benda Bilili, Stuck in the Sound, The Pains of Being Pure at Heart, Tinariwen, Yuksek, Sleepy Sun, Zone Libre vs Casey et Hamé, The Inspector Cluzo et Curtiss font vibrer les festivaliers.
Programmation de la 22ème édition des Eurockéennes de Belfort
FM Belfast, The Gaslamp Killer, Schlachthofbronx, Bomba Estéreo, Jay-Z, Kasabian, Charlotte Gainsbourg, Missy Elliot, Hot Chip, The Dead Weather, The Black Keys, Foals, Sophie Hunger, Piers Faccini, Patrick Watson, Suicidal Tendencies, BB Brunes, Converge, Infectious Grooves, The Subs, Chromeo, Baroness, Rox, Two Door Cinema Club, King Midas Sound, Filiamotsa, The Picturebooks, The Wankin’ Noodles, The Hives, The Specials, The XX, Airbourne, Broken Social Scene, Vitalic, Ghinzu, Émilie Simon, General Elektriks, Omar Souleyman, Hindi Zahra & El Tanbura, Serena Maneesh, Memory Tapes, The Bewitched Hands, Janelle Monáe, Selah Sue, Radio Radio, We are Enfant terribles, Le Prince Miiaou, Sexy Sushi, Afrodizz, Oy, Colt Silvers, Elektrisk Gønner, Mika, Massive Attack, Julian Casablancas, The Drums, Gallows, LCD Soundsystem, Bloody Beetroots, Empire of the Sun, Health, Fuck Buttons, Beast, Martina Topley Bird, Woven Hand & Muzsikás, Wildbirds & Peacedrums, The Middle East, Gablé, Action Beat, My Own Private Alaska, Kid Bombardos, My Lady’s House et Rien.
Programmation de la 23ème édition des Eurockéennes de Belfort
En 2011, les organisateurs recrutent Tryo, The Ting Tings, Tiken Jah Fakoly, Paul Kalkbrenner, Les Hurlements d’Léo, Keziah Jones, Beth Ditto, Staff Benda Bilili, Stromae, And So I Watch You From Afar, Wu Lyf, Carte Blanche, The Electric Suicide Club, Cheers, Metronomy, The Shoes, True Live, Les Savy Fav, Battles, Queens of the Stone Age, Motörhead, Birdy Nam Nam, Gaëtan Roussel, Raphael Saadiq, House Of Pain, Boys Noize, Anna Calvi, Ullmann Kararocke, Padwriterz, King Automatic, Drums Are For Parades, Mars Red Sky, Medi, Atari Teenage Riot, Funeral Party, Kyuss, Arcade Fire, Arctic Monkeys, Beady Eye, The Dø, Katerine, Moriarty, Aaron, Crystal Castles, Ullmann Kararocke, Nasser, Honey For Petzi, Hit By Moscow, Binary Audio Misfits, Mona, Karkwa et Odd Future.
Programmation de la 24ème édition des Eurockéennes de Belfort
Dionysos, Gentleman, Hubert-Félix Thiéfaine, Shaka Ponk, Amadou et Mariam avec Bertrand Cantat, C2C, Hanni El Khatib, The Kooks, Factory Floor, Hank Williams III, Hollie Cook, Los Disidentes Del Sucio Motel, The Mars Volta, Art District, Christine, Näo, Sahab Koanda & Le Kokondo Zaz, Dropkick Murphys, Justice, Mastodon, Sallie Ford & The Sound Outside, The Cure, Cerebral Ballzy, Die Antwoord, Miike Snow, Thee Oh Sees, Wiz Khalifa, Busy P, Django Django, Electric Guest, Jesus Christ Fashion Barbe, Kavinsky, Kindness, SebastiAn, Skream And Benga, Sgt Pokes, Frànçois and The Atlas Mountains, Hathors, Marie Madeleine, Murkage, 1995, Alabama Shakes, Cypress Hill, Jack White, Carbon Airways, Charlie Winston, Le Comte de Bouderbala, Orelsan, Refused, Chinese Man, Cie Transe Express, Lana Del Rey, Miles Kane, Set & Match, Brian Jonestown Massacre, Dope D.O.D, Poliça, Reggie Watts et The Buttshakers.
Programmation de la 25ème édition des Eurockéennes de Belfort
Jamiroquai, -M-, Asaf Avidan, Alt-J, Wax Tailor, Boys Noize, Major Lazer, Gary Clark Jr., Joey Bada$$, Skaters, La Femme, Juveniles, Parquet Courts, Chapelier Fou, Mesparrow, The Smashing Pumpkins, Archive, The Bloody Beetroots, Woodkid, Airbourne, Skip the Use, Lilly Wood & The Prick, Gesaffelstein, Deap Vally, Action Bronson, Danny Brown, FIDLAR, Beware of Darkness, Jupiter & Okwess Int., Trash Talk, Matthew E. White, Electric Electric, Pih Poh, Le Club des Justiciers Milliardaires d’Abidjan, Phoenix, Two Door Cinema Club, Kery James, Kavinsky, Lou Doillon, Dinosaur Jr., Busy P, A$ap Rocky, Black Rebel Motorcycle Club, Valerie June, Matisyahu, Rich Aucoin, Is Tropical, Jackson and his Computer Band, Mykki Blanco, Cassius, Fauve, JC Satàn, Von Pariahs, Oy, Yules, Griefjoy, The Strypes, Blur, Skunk Anansie, My Bloody Valentine, Keny Arkana, Tame Impala, MassHysteria, Neurosis, The Black Angels, The Vaccines, Disclosure, Palma Violets, Graveyard, Red Fang, Hyphen Hyphen, Chvrches, Kvelertak et Da Octopuss.
Programmation de la 26ème édition des Eurockéennes de Belfort
les Pixies, Stromae, Détroit, Reignwolf, Metronomy, Casseurs Flowters, Findlay, Fat White Family, Mø, Benjamin Clémentine, Trash Talk, Gramatik, The Daptone Super Soul Revue, Temples, Odezenne, Salut c’est cool, MOFO Party Plan, Hermigervill, Skrillex, Franz Ferdinand, Shaka Ponk, Gaëtan Roussel, M.I.A., The Parov Stelar Band, Jagwar Ma, Little Dragon, D-Bangerz Bondax, Drenge, Circa Waves, Pegase, Brodinski, Travi$ Scott, Freddie Gibbs, Young Fathers, Kaytranada, Cashmere Cat, Jungle, Louisahhh!!!, Club Cheval, Manu Le Malin, The Black Keys, Robert Plant and The Sensational Space Shifters, Patrice, Volbeat, Fauve, Biffy Clyro, Foster the People, Crew Peligrosos, Schoolboy Q, SBTRKT, Dakhabrakha, A Tribe Called Red, I Am Legion, Uncle Acid and The Deadbeats, Jonwayne, Nathalie Natiembé, Ghost, Goat et Catfish.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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C’est la société Bicom qui depuis maintenant 15 ans, réalise les affiches du festivalHellfest. Sur les 14 affiches on remarque des similitudes dans la construction du visuel : Le nom du festival HELLFEST au premier plan, la liste des artistes présents en second plan et un visuel sombre, dans l’ambiance du festival en arrière-plan. Cette construction est toujours respectée et a été conservée depuis la création du festival en 2006.
Les 4 premières affiches du Hellfest Festival (de 2006 à 2009), mettent l’ensemble des artistes présents sur le devant de la scène. On peut supposer que l’objectif aux prémices du festival était de démontrer la diversité des groupes, des artistes et des styles musicaux. Ce qui explique la domination textuelle présente sur les affiches par rapport au nom du festival encore peu connu du public. On constate aussi une recherche d’identité dans le design du logo qui change à chaque édition du festival jusqu’en 2009.
HELLFEST programme 2010 – 2013 : Une identité solide et durable
Dès 2010, le logo plus construit et plus travaillé, le festival le conservera. Cette nouvelle identité se fond parfaitement dans l’ambiance du festival et des affiches, ce qui nous met dans l’atmosphère de l’événement avant le jour-J ! Avec cette identité claire et cohérente et un événement qui devient de plus en plus qualitatif au fil des années, le festival ne va pas tarder à se faire un nom sur la scène des musiques « extrêmes »…
HELLFEST programme 2014 – 2017 : Une notoriété s’installe
A partir de 2014, les affiches du HELLFEST festival deviennent plus légères, laissant plus de place à l’image choisie. Le festival commence à privilégier la valorisation des têtes d’affiches par rapport à la multitude d’artistes. On peut comprendre que la notoriété du festival monte en flèche, ils peuvent donc se contenter de communiquer sur les grands noms de l’événement.
HELLFEST programme 2018 – 2019 : Une nouvelle ambiance, plus « souple »…
Depuis 2018 le programme du Hellfest festival a pris un tournant souple. Terminée l’ambiance agressive et « violente » ! L’atmosphère est beaucoup plus calme, on peut même faire le rapprochement avec un climat paranormal. On peut aussi imaginer que le festival s’est inspiré de séries à succès telles que « Stranger Things » dans la mise en place de cette nouvelle ambiance.
On peut interpréter ce changement par la recherche d’un public plus large. En ayant une communication moins provocante et agressive, le festival va sans doute attirer un public plus familial.
La qualité est toujours au rendez-vous au niveau des visuels. Cette même qualité qui se retrouve sur chaque communication du festival. Cette communication est travaillée de manière à ne pas vendre uniquement un festival , mais également un état d’esprit.
Pour ceux qui ont eu la chance de participer au festival, chaque détail, chaque finesse graphique est léchée. Le Hellfest n’est pas uniquement un rassemblement musical, c’est aussi un état d’esprit que les organisateurs amènent dans la communication.
Le tour de force du Hellfest est d’avoir rassemblé les différents courants du métal dans une immense fête où se pressent 150.000 spectateurs à chaque édition.
Eric Canto, photographe de festival, concert et portraits artistes :
Eric Canto est photographe de concert et festival depuis de nombreuses années. Il a eu l’occasion de réaliser des photographies pour de nombreux artistes connus, avec par exemple la cover de l’album « Hellfest » de Mass Hysteria. Découvrez son travail :
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
En plus d’être un grand photographe de guerre, Robert Capa était un photojournaliste au sens large du terme qui a su capter les émotions, les drames ou les joies avec le même talent et donner au monde un regard qui n’est pas sans humour, mais toujours bienveillant.
« Si ta photo n’est pas assez bonne, c’est que tu n’étais pas assez près » devise de Robert Capa
Qui est Robert Capa ?
Robert Capa était un photojournaliste et photographe de guerre hongrois, né le 22 octobre 1913 à Budapest et mort le 25 mai 1954 à Thai Binh au Vietnam. Il est considéré comme l’un des plus grands photographes de guerre de l’histoire et a couvert plusieurs conflits majeurs du XXe siècle, notamment la guerre d’Espagne, la Seconde Guerre mondiale et la guerre d’Indochine.
Il est notamment célèbre pour sa photographie « The Falling Soldier », prise pendant la guerre d’Espagne, qui montre un soldat républicain espagnol en train de tomber au moment de sa mort. Capa a également cofondé l’agence de presse Magnum Photos en 1947, avec entre autres Henri Cartier-Bresson, George Rodger et David « Chim » Seymour. Sa vie et son œuvre ont inspiré plusieurs livres et films, et il est encore aujourd’hui une figure emblématique du photojournalisme.
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Robert Capa, un jeune immigré …
Robert Capa est né André Friedmann le 22 octobre 1913 à Budapest, en Hongrie. Il a grandi dans une famille juive, avec son frère aîné Cornell, qui deviendra plus tard réalisateur de films documentaires. Dans les années 1930, Robert Capa étudie la photographie à Berlin, où il rencontre la photographe Gerda Taro, avec qui il formera plus tard le célèbre duo « Capa et Taro ».
En 1933, Capa fuit l’Allemagne nazie pour Paris, où il commence à travailler en tant que photographe indépendant pour des magazines tels que Vu et Regards. Il adopte le nom de Robert Capa pour faciliter sa carrière et se faire passer pour un photographe américain, car le marché de la photographie était plus lucratif aux États-Unis.
En 1936, Capa et Taro partent pour l’Espagne pour couvrir la guerre civile espagnole. C’est là que Capa prendra certaines de ses photographies les plus célèbres, dont « The Falling Soldier ». Après la mort de Taro dans un accident de travail en 1937, Capa continue à travailler comme photographe de guerre, couvrant notamment la Seconde Guerre mondiale et la guerre d’Indochine. Il cofondera également l’agence de presse Magnum Photos en 1947, qui deviendra l’une des plus importantes agences photographiques du monde.
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Particularité des photos de robert capa
Les photos de Robert Capa se caractérisent par leur réalisme et leur proximité avec le sujet photographié, ce qui donne une impression d’immersion dans la scène et de vivacité. Capa a été l’un des premiers photographes de guerre à travailler avec des appareils photo légers et portables, qui lui ont permis de se déplacer rapidement et de capturer des moments spontanés sur le vif.
Capa a également été connu pour sa capacité à saisir l’émotion et l’humanité dans des situations de guerre, en montrant les aspects les plus personnels et les plus intimes de la vie des soldats et des civils. Ses photographies de la guerre d’Espagne, en particulier, ont été considérées comme particulièrement émouvantes et poignantes, montrant les effets de la guerre sur les gens ordinaires.
Enfin, Capa était également connu pour son utilisation de la technique du flou de mouvement, qui consiste à bouger intentionnellement l’appareil photo pendant la prise de vue, créant ainsi une impression de mouvement et de dynamisme dans l’image. Cette technique a été utilisée de manière particulièrement efficace dans l’une de ses photos les plus célèbres, « The Falling Soldier », prise pendant la guerre d’Espagne.
Robert Capa
« En attendant Robert Capa »
« En attendant Robert Capa » est un roman de Susana Fortes publié en 2010. Il s’agit d’un roman historique qui explore la vie et l’œuvre de deux célèbres photojournalistes de guerre, Gerda Taro et Robert Capa, qui ont couvert la guerre civile espagnole dans les années 1930.
Le roman est construit autour d’une histoire d’amour fictive entre Taro et Capa, qui se rencontrent à Paris avant de partir ensemble en Espagne pour couvrir la guerre. Le livre suit leurs aventures sur le front, ainsi que leur relation amoureuse tumultueuse.
Le titre du roman fait référence à la phrase célèbre de Capa : « Si vos photos ne sont pas assez bonnes, c’est que vous n’êtes pas assez près », soulignant l’importance de la proximité et de l’immersion dans le sujet photographié. Le livre explore également les enjeux éthiques et moraux de la photographie de guerre, ainsi que le rôle des photojournalistes dans la documentation de l’histoire et la création de l’opinion publique.
La naissance de robert capa photos
Pour son pseudonyme Capa, André Friedmann s’est apparemment inspiré du nom de Frank Capra, un réalisateur américain d’origine sicilienne dont le film New York-Miami (It Happened One Night) a reçu des Oscars en 1934. Selon d’autres sources, il était appelé « Cápa » (requin en hongrois) depuis son enfance.
Le prénom a une origine similaire puisqu’il a été emprunté à Robert Taylor. Dans le même temps, Gerda a adopté le pseudonyme Taro. Le nom de Gerda Taro correspondait vaguement à celui de Greta Garbo. En 1934 ou 1935, Capa tient un rapport à Lisieux lors d’une des nombreuses cérémonies religieuses liées au culte de Sainte Thérèse, dont la Bibliothèque nationale a acquis une série de « volumes » de France début 2004.
Ces photographies très modernes n’ont été ni publiées dans la « bonne presse » ni dans la presse générale de l’époque, qui préférait les vues générales aux sujets locaux, montrant l’ampleur des manifestations et l’afflux de pèlerins.
Robert Capa
Robert Capa et la guerre d’Espagne
C’est la guerre d’Espagne qui a permis à Capa et, dans une moindre mesure, à Gerda Taro d’apparaître comme reporters photographes. La guerre a éclaté le 17 juillet 1936. À partir du 5 août, Capa et Taro, envoyés par le rédacteur en chef de Vu Lucien Vogel, sont arrivés à Barcelone et ont commencé à photographier les combats, Capa avec un Leica et Taro avec un Rolleiflex. Dans l’esprit des jeunes, ces caméras n’étaient pas seulement un moyen de subsistance mais aussi une arme pour obtenir un soutien international pour la cause républicaine.
À la gare de Barcelone, ils ont photographié les soldats qui sont partis pour le front d’Aragon et se sont séparés de leurs épouses ou fiancées. Ils se sont ensuite rendus à Huesca et à Saragosse, une région où de nombreux réfugiés allemands ont servi dans les milices, ce qui a facilité le commerce.Le milicien espagnol
Dès son premier voyage sur le front de Cordoue, Capa a pris la célèbre photo de la milice espagnole qui a été touchée par des balles, et la photo a fait le tour du monde et suscité des commentaires enthousiastes. Bien que très controversée, elle est à l’origine du mythe Capa. Il a été publié pour la première fois par le magazinefrançais Vu et un an plus tard par Life et est l’une des images les plus importantes de l’histoire de la photographie.
Ils sont arrivés à Madrid le 18 novembre; Robert Capa a passé la plupart du temps avec le XII. Brigade internationale, dont le commandant, un homme énergique et charismatique, le général Lugar Lukács et le commissaire politique Gustav Regulator, que Robert Capa avait rencontré à Paris, faisaient partie d’une association d’écrivains allemands émigrés. Ils ont ensuite photographié les réfugiés d’Almeria et de Murcie.
Au début de mars 1937, Capa et Taro ont commencé à travailler à Tonight, un magazine de front populaire de la plus jeune création, dont le rédacteur en chef était Louis Aragon. Ils ont photographié les batailles près de Bilbao (une région industrielle dont Franco s’intéressait aux ressources) et la bataille de Sollube le 7 mai. Ils sont rentrés à Madrid fin mai et se sont installés à l’hôtel Florida, siège des journalistes et des intellectuels, où ils ont rencontré Hemingway.
Le 31 mai, Capa et Taro étaient à Paso de Navacerrada, près de Ségovie, pour rendre compte de la malheureuse offensive républicaine décrite par Hemingway dans For Whom the Bell Tolls. Hemingway lui-même n’était pas présent dans la salle d’opération et s’est appuyé non seulement sur les photos du témoin oculaire Capa, mais aussi sur des rapports écrits. De retour à Madrid, ils ont photographié la bataille de Carabanchel et rapporté les funérailles du général Lukács, tué à Huesca le 12 juin.
Indochine En avril 1954, Capa a été invité à accueillir le Manaichi Shimbun au Japon pendant trois mois pour aider à démarrer un nouveau journal photo. La vie lui a demandé de prendre la place d’un collègue américain en Indochine pendant un mois. Il a accepté malgré les objections de certains amis.
Accablé par divers problèmes (il avait pris du poids, souffrait sous son dos et, surtout, avait besoin d’argent), Capa voulait prouver qu’il était toujours le meilleur photographe de guerre. Il était prisonnier de sa légende. Pour ceux qui connaissent la fin de l’histoire, il est impossible de découvrir rétrospectivement quelque chose de préliminaire dans les dernières photos de Capa: Ces femmes pleurent dans un cimetière, ce signe indique la direction de Thai Binh où il devrait tomber Ces soldats de vu à travers l’herbe derrière.
Le 25 mai, il était accompagné de deux Américains, soutenus par un convoi de soldats français qui, après la reddition de Diên Biên Phû, étaient occupés à évacuer deux forteresses désormais sans défense. Là, il est mort en sautant sur une mine avec un appareil photo dans chaque main. Les Français lui ont conféré des honneurs militaires à Hanoi. En plus d’un géant photographe de guerre, Robert Capa était un photojournaliste au sens large du terme qui a su capter les émotions, les drames ou les joies avec le même talent et donner au monde un regard qui n’est pas sans humour, mais toujours bienveillant.
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Robert Capa
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BONUS 1 : Voici une rare interview audio de Robert Capa , 1947
Bob Capa raconte des expériences photographiques à l’étranger » a été diffusé le 20 octobre 1947 dans l’émission de radio du matin de 8h30 « Salut ! Porte-poisse. »
L’interview faisait partie du circuit de presse entourant la publication de Slightly Out of Focus , son roman autobiographique relatant ses aventures pendant la Seconde Guerre mondiale publié par Henry Holt and Company cette année-là.
« Salut! Jinx » était une émission nationale sur la radio NBC qui a débuté en 1946 par Jinx Falkenburg et Tex McCrary. L’équipe du mari et de la femme a été la pionnière de ce qui est devenu le format du talk-show.
Ils ont finalement eu deux programmes de radio, un programme de télévision de cinq jours par semaine et une chronique syndiquée dans le New York Herald Tribune. Falkenburg était mannequin et avait été photographiée par Capa en décembre 1940 après l’une de ses performances dans la comédie musicale d’Al Jolson « Hold on to Your Hat ».
McCrary était journaliste et, en tant que colonel de l’Army Air Corps, avait conduit les premiers journalistes dans les ruines d’Hiroshima. Les tentatives précédentes pour localiser cela dans les archives nationales de la radio ont échoué.
Aucun n’avait d’enregistrements de cette émission spécifique. L’enregistrement est apparu en 2013 sur eBay par un vendeur de l’ouest du Massachusetts, qui avait découvert l’enregistrement et d’autres dans la région lors d’une vente immobilière plusieurs années auparavant.
Le disque est un enregistrement microgroove 33 1/3 tours réalisé par Associated Recording Services, un service d’enregistrement d’archives. C’est le seul enregistrement connu de Robert Capa. Bien qu’il ait donné quelques conférences publiques, c’était la seule interview à la radio et il n’a jamais été interviewé à la télévision.
Seuls quelques films d’actualités le montrent en action, et aucun avec sa voix. Il est apparu dans quelques productions hollywoodiennes, mais a été choisi comme un Arabe muet. Sa première langue était le hongrois, mais il a appris, dans l’ordre, l’allemand, le français, l’espagnol et l’anglais. L’anglais est devenu sa langue écrite et parlée dominante en 1941.
Sa manière de parler, surnommée « Capaese » par des amis, a été décrite comme un méli-mélo incompréhensible de langues, mais l’interview montre que Capa était non seulement clair, mais très articulé. Son style facile souligne sa propension innée à l’autodérision, à l’humour et à la narration.
L’entretien commence par des récits de son récent voyage en URSS avec John Steinbeck puis se tourne vers d’autres sujets : le poker, l’invention de son nom, sa soi-disant dernière image de la guerre prise d’un soldat américain tué à Leipzig en avril 1945. Mais c’est Capa qui évoque sa célèbre image « Falling Soldier » et décrit comment elle a été fabriquée. Il dit: « La photo du prix est née dans l’imagination des éditeurs et du public qui les voit. » C’est le seul commentaire public que nous ayons directement de lui sur cette célèbre image.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Robert Capa était un photojournaliste hongrois né en 1913 et décédé en 1954. Il est surtout connu pour ses photographies de guerre, notamment celles prises pendant la guerre d’Espagne et la Seconde Guerre mondiale. Capa a également cofondé l’agence de presse Magnum Photos en 1947.
2. Qu’est-ce qui a rendu les photographies de Robert Capa célèbres ?
Les photographies de Robert Capa sont connues pour leur réalisme et leur capacité à capturer l’essence de moments historiques importants. En particulier, ses images de la guerre d’Espagne, telles que « La Mort d’un Soldat Républicain » et « Le Milicien Abattu », sont des exemples emblématiques de la photographie de guerre.
3. Quelle a été l’influence de Robert Capa sur la photographie de guerre ?
Robert Capa est souvent considéré comme l’un des pionniers de la photographie de guerre moderne. Il a popularisé la pratique de se rapprocher de l’action pour obtenir des images plus immersives, ce qui a donné naissance à la notion de « photographie de guerre en immersion ». Cette approche a permis aux photographes de guerre de capturer des images plus intenses et plus émotionnelles.
4. Quelles sont les principales réalisations de Robert Capa en tant que photographe de guerre ?
Robert Capa a couvert plusieurs conflits, notamment la guerre civile espagnole, la Seconde Guerre mondiale et la première guerre israélo-arabe. Parmi ses réalisations les plus célèbres, on peut citer ses photographies de la Débarquement de Normandie en 1944, connues sous le nom de « The Magnificent Eleven », ainsi que ses images du débarquement des troupes alliées en Italie en 1943.
5. Quels sont les principaux thèmes abordés par les photographies de Robert Capa ?
Les photographies de Robert Capa couvrent un large éventail de sujets, mais elles sont souvent axées sur la guerre et la violence. Capa a également réalisé des photographies de paysages, de gens ordinaires et de personnalités célèbres, telles que Pablo Picasso et Ernest Hemingway.
6. Comment Robert Capa a-t-il co-fondé l’agence de presse Magnum Photos ?
Robert Capa a co-fondé Magnum Photos en 1947 avec Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David Seymour et William Vandivert. L’agence a été créée pour permettre aux photographes de garder le contrôle sur leur travail et de conserver les droits d’auteur sur leurs images.
7. Qu’est-ce que le « style Capa » ?
Le « style Capa » fait référence à la technique photographique de Robert Capa, qui impliquait souvent de se rapprocher de l’action pour obtenir des images plus intenses et plus immersives. Cette approche a permis à Capa de capturer des images puissantes et émotionnelles, et elle a influencé de nombreux photographes de guerre depuis lors.
8. Comment Robert Capa a-t-il documenté la guerre d’Espagne ?
Robert Capa a couvert la guerre d’Espagne en 1936, où il a photographié les combats entre les forces républicaines et nationalistes. Ses photographies, telles que « La Mort d’un Soldat Républicain » et « Le Milicien Abattu », sont devenues des icônes de la photographie de guerre et ont immortalisé l’horreur et la tragédie de la guerre civile espagnole.
9. Quels sont les risques que Robert Capa a pris pour obtenir ses photographies ?
Robert Capa a souvent risqué sa vie pour obtenir des images. Pendant la guerre d’Espagne, il se trouvait souvent au cœur de l’action, photographiant les combats à bout portant. Il a également couvert la guerre en Chine en 1938, où il a été blessé par une mine antipersonnel. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Capa a couvert le débarquement de Normandie en 1944, où il a risqué sa vie en débarquant sur Omaha Beach avec les troupes alliées.
10. Quel est l’héritage de Robert Capa sur la photographie de guerre ?
Robert Capa a été un pionnier de la photographie de guerre moderne et a influencé de nombreux photographes depuis lors. Sa technique de se rapprocher de l’action pour obtenir des images plus immersives a inspiré de nombreux photojournalistes, tandis que ses photographies iconiques de la guerre d’Espagne et de la Seconde Guerre mondiale ont contribué à façonner notre compréhension de ces conflits. Capa a également co-fondé Magnum Photos, une agence de presse qui continue à produire des images emblématiques aujourd’hui.
Solve Sundsbo est une photographe et cinéaste norvégienne qui apporte à son image des concepts et des techniques expérimentales innovantes. Elle est venue à Londres en 1995 pour suivre un court cours de photographie au London College of Printing et est devenue assistante photo du célèbre Nick Knight.
Ce rôle important et les quatre années passées à s’occuper des chevaliers ont permis à Solve de devenir un photographe de mode hautement décoré. Bien que ses œuvres apparaissent modifiées numériquement en raison de l’utilisation fréquente de trompe-l’œil et de couleurs spectaculaires par la manipulation de la lumière, du mouvement et de l’eau, Solve Sundsbo utilise en fait de nombreuses « vieilles techniques ».
Solve Sundsbo, photographe de mode
Sous son regard virtuose, les images de mode se parent d’une beauté presque surnaturelle. Solve Sundsbo a photographié des publicités pour des marques de mode et de beauté telles que Giorgio Armani, Chanel, Cartier, Gucci, Mugler, Dolce et Gabbana, Louis Vuitton, Yves Saint Laurent, Hermès, Guerlain, Givenchy, H&M, Lancôme, Estôme Lauder et Sergio Rossi et Boucher.
Elle a réalisé des courts métrages pour Chanel, Gucci, Lancôme, LOVE, NY Times, Nike et SHOW Studio. Le travail de Solve a été inclus dans la vente aux enchères Phillips De Pury et est conservé dans la collection permanente de la National Portrait Gallery de Londres.
Elle a créé la pochette de l’album pour Coldplay « A Rush of Blood to the Head ». Cette image a été convertie en timbre-poste par Royal Mail en 2010 pour célébrer les dix œuvres d’art les plus emblématiques de la pochette d’album au cours des quarante dernières années. Découvrez quelques photos du photographe ci-dessous, vous pouvez en voir plus sur sa page.
Le Festival de Nîmes réunit chaque été les amoureux de la musique depuis maintenant plus de vingt ans. Des chansons françaises les plus connues aux plus belles révélations en passant par le métal ou encore les variétés internationales, les concerts investissent les Arènes.
Sans oublier que de grandes légendes de la musique seront également présentes pour offrir aux adeptes un spectacle inoubliable dans un cadre exceptionnel.
Un rendez-vous international inégalable
Le Sud de la France est connu pour accueillir un grand nombre de festivals culturels dans tous les domaines, notamment, le théâtre, la danse, la musique, les arts de la rue et bien d’autres.
Une occasion pour vivre des instants magiques et de pur bonheur grâce à un mélange unique d’artistes de renom mais aussi des stars de demain.
Un partage entre l’actualité, la découverte mais surtout une redécouverte des stars mythiques de la musique pour vivre une expérience à part entière.
De Francis Cabrel aux Vieilles Canailles en passant par Metallica, Kendji Girac, Santana ou encore David Bowie, le Festival de Nîmes rassemble en un seul lieu tous les goûts musicaux.
Un festival aux Arènes de Nîmes dans un cadre exceptionnel
Les Arènes de Nîmes, qui accueillent le Festival de Nîmes, sont un lieu de prédilection qui attire toute une foule de visiteurs séduite par la qualité de conservation du site.
En effet, les Arènes sont un endroit architectural classé monument historique mais surtout un lieu de spectacle et de plaisir. L’endroit idéal pour organiser le Festival de Nîmes 2021 !
Un endroit qui fait rêver plus d’un aussi bien pour les jeux romains d’hier, les Vendanges, les Férias de Pentecôte ou encore les concerts d’été sous un ciel étoilé.
Patrimoine par excellence, cette « Antiquité au présent » est un cadre exceptionnel pour s’installer en fin d’après-midi et attendre l’entrée en scène des musiciens jusqu’à la tombée de la nuit.
● Ceux qui ont réussi à acheter leur billet à temps pourront voir PNL le 27 juin 2021. En effet, la date affiche déjà complète.
● Les fans d’Aya Nakamura et Ninho peuvent se faire plaisir le 28 juin 2021.
● Les amateurs de rock peuvent se donner rendez-vous et vivre des moments inoubliables dans un lieu exceptionnel au concert de Lynyrd Skynyrd le 29 juin 2021.
Le Festival de Nîmes 2021
● Le 30 juin 2021, les fans de métal symphonique seront gâtés par la présence sur scène du groupe finlandais Nightwish.
● Le 01 juillet 2021, le groupe Deep Purple prendra les devants de la scène et partager avec ses fans les meilleurs instants hard rock.
● Découvrez et redécouvrez les meilleures tubes de M Pokora ou encore les plus beaux duos de Vitaa et Slimane au Festival de Nîmes le 02 juillet 2021.
● Les fans de Francis Cabrel et Alain Souchon pourront chanter « Un samedi soir sur la terre » et « Foule sentimentale » avec eux le 03 et 04 juillet 2021. Bien que la date du 04 juillet affiche déjà complète, il n’est pas encore tard pour acheter un billet pour le concert du 03 juillet.
● Le 05 juillet affiche également complet, toutefois ceux qui ont déjà effectué leur réservation peuvent profiter des plus belles chansons de Taylor Swift.
● Pour le Festival de Nîmes 2021, Mika et Catherine Ringer monteront sur scène le 09 juillet 2021.
● Les Cowboys Fringants et Tryo seront présents au Festival de Nîmes le 11 juillet 2021.
● Le 15 juillet 2021, ce sera au tour de Dropkick Murphys et Les Négresses vertes de chauffer la scène du Festival de Nîmes 2021.
● Nekfeu également prendra part au Festival de Nîmes 2021 en montant sur scène le 16 juillet 2021.
● Dansez, chantez et amusez-vous sur les meilleurs morceaux de Black Eyed Peas le 17 juillet 2021.
● Ben Harper, The Innocent Criminals et Rodrigo y Gabriela participent également au Festival de Nîmes 2021, le 19 juillet 2021.
● Ne manquez pas la prestation du mythique Lenny Kravitz le 20 juillet 2021.
● Le 22 juillet 2021, Asaf Avidan & Band, Dido et Suzanne Vega interprèteront leurs chansons sur la scène du Festival de Nîmes 2021.
● Et enfin, si vous souhaiter assister au concert d’Angèle, effectuez une réservation de votre billet pour le 24 juillet 2021.
Le photographe Eric Canto vous dévoile des photos inédites du Festival de Nîmes !
Chaque année et chaque été, le Festival de Nîmes est grandiose et spectaculaire, même en étant sur place, il est impossible de tout voir.
Pas de panique ! Sur le site www.ericcanto.com, vous avez l’occasion de découvrir les plus belles photos du Festival de Nîmes 2021.
www.ericcanto.com : le site pour acquérir des photos inédites d’artistes
La boutique en ligne du photographe Eric Canto vous permet d’acquérir des tirages photo en Edition Limitée mais aussi des livres de photographies sur les plus grandes stars.
Une photo de Lenny Kravitz sur scène ou encore une photo de Slash mais aussi une photo de Shaka Ponk lors d’un concert sont disponibles sur le site.
Parmi les livres disponibles, découvrez le livre de photographies intitulé « A moment suspend in time ». Une édition dans laquelle est immortalisée les meilleurs instants ou encore les moments les plus fous sur scène des artistes.
Ce livre rassemble également des clichés de ce qui se passe derrière la scène pour permettre aux amateurs de photos et musique de découvrir l’envers du décor d’un concert ou d’un festival.
De Jay-Z à Alicia Keys en passant par Stromae, Neil Young, Marilyn Manson ou encore Pink, de nombreuses stars de la musique y sont visibles.
Rammstein concert à Sud de France Arena à Montpellier : Retour en image sur un concert impressionnant.
Mardi 23 avril 2013, le groupe allemand de métal industriel gothique Rammstein a rempli l’aréna de produits inflammables et de spectateurs. Pas moins de 12 000 fans sont venus de tout le Grand Sud pour participer à leur spectacle pyrotechnique inégalé. Park & Suites Arena était très chaud !
Rammstein concert Sud de France Arena à Montpellier
Le groupe Rammstein
Rammstein est un groupe de métal industriel allemand de Berlin. L’entreprise, fondée en 1994, compte depuis le début six membres de la RDA. Il est décrit comme appartenant au genre Neue Deutsche Härte et est le représentant le plus connu.
Les paroles du groupe sont principalement en allemand, c’est aussi le groupe germanophone le plus vendu au monde avec près de 20 millions d’albums vendus, mais parfois il contient également des paroles en anglais, français, espagnol ou même russe.
Cependant, la classification exacte est controversée, car elle a également de fortes influences sur la musique électronique, le rock ou même la pop telle qu’elle s’est développée au fil des albums. Il connaît un succès international depuis son deuxième album Sehnsucht en 1997 et a même fait une tournée mondiale pour son sixième album Liebe Ist Für Alle Da entre 2009 et 2011.
Cependant, ce succès s’est accompagné d’une controverse dès le départ, en particulier des allégations qui ont lié le groupe au national-socialisme, en raison de prétendues corrélations dans leur langage visuel (ce qui est également le cas pour le groupe slovène Ljubljana, dont il s’est inspiré) et avec des allégations d’incitation à la violence liée au tournage à Columbine High School.
Rammstein a toujours nié tout lien avec toute forme de racisme ou de soutien à la violence, et s’est défini avant tout comme un groupe qui ne veut pas transmettre un message, et il est généralement reconnu que la controverse est plus un goût pour la provocation et des interprétations malheureuses d’une idéologie contenu.
Rammstein concert Sud de France Arena à Montpellier
Un live ide Rammstein impressionnant
Après l’excellent best-of-tour de l’année dernière, Rammstein a élargi sa tournée avec plus de dates, dont plusieurs en France, pour notre plus grand plaisir ! Rammstein est vraiment devenu un groupe « public », dans le sens où il y a des enfants, des personnes âgées, des talons aiguilles, des Goths. Néanmoins le groupe ne change pas sa recette, toujours aussi violent visuellement et musicalement aucune concession.
Le live est impressionnant, le son, la lumière, énormément les moyens pyrotechniques utilisés avec les flammes à gogo, le fantastique retour du gode-ceinture, les litres et les litres sur le dos du clavier tandis que « Buck up, » l’interprétation parfaite de chaque chanson … bref, toujours performance globale d’un grand niveau avec l’arrivée du chanteur sur une plateforme descendante, enveloppée dans une veste en plumes rose… Ou le feu d’artifice verticalement sur la scène derrière chaque membre du groupe !
Un groupe rassembleur, du grand art, du métal surpuissant.
Rammstein est un excellent exemple d’un groupe qui a atteint des sommets de renommée internationale, tout en refusant résolument de compromettre sa vision ou de se plier à toute notion préconçue de ce qu’un groupe à succès stratosphérique devrait faire.
Pionniers du mouvement «Neue Deutsche Härte» (nouvelle dureté allemande) du milieu des années 90, aux côtés d’Oomph !, Megaherz et Stahlhammer, le mélange Rammstein de métal alternatif, de groove et d’electronica était le seul exemple du genre à atteindre un public mondial véritablement sismique. .
Rammstein live -Crédit photo Eric CANTO
Rammstein Discographie / Rammstein Album
1995 Herzeleid – Sortie : 24 septembre 1995 – Label : Motor Music – Format : CD, K7
1997 Sehnsucht – Sortie : 22 août 1997 – Label : Motor Music – Format : CD, K7
2001 Mutter – Sortie : 2 avril 2001- Label : Motor Music – Format : CD, K7, LP
2004 Reise, Reise – Sortie : 27 septembre 2004 – Label : Universal Music – Format : CD
2005 Rosenrot – Sortie : 28 octobre 2005 – Label : Universal Music – Format : CD
2009 Liebe ist für alle da – Sortie : 16 octobre 2009 – Label : Universal Music – Format : CD
2019 Rammstein – Sortie : 17 mai 2019 – Label : Universal Music – Format : CD
Rammstein a été créé en 1994 à Berlin, en Allemagne, par les musiciens Till Lindemann, Richard Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christoph Schneider et Christian Lorenz. Le groupe s’est rapidement fait remarquer pour son mélange unique de métal industriel, de techno et de musique électronique.
Quel est le style musical de Rammstein ?
Rammstein est connu pour son style unique qui combine des éléments de metal, de rock industriel et de musique électronique. Ils utilisent des rythmes lourds, des guitares électriques puissantes, des claviers et des percussions pour créer un son intense et énergique. Les paroles sont souvent en allemand, bien que le groupe ait également enregistré des chansons en anglais, en espagnol et en français.
Quelles sont les chansons les plus célèbres de Rammstein ?
Rammstein a sorti de nombreux succès au fil des ans. Certaines de leurs chansons les plus célèbres incluent « Du Hast », « Sonne », « Ich Will », « Feuer Frei! », « Engel » et « Mein Herz Brennt ».
Quel est le spectacle sur scène de Rammstein ?
Le spectacle sur scène de Rammstein est souvent considéré comme l’un des plus impressionnants dans l’industrie musicale. Le groupe utilise des effets pyrotechniques spectaculaires, des costumes élaborés et des décors impressionnants pour créer une expérience immersive pour le public. Le chanteur Till Lindemann est également connu pour ses performances provocatrices et parfois choquantes sur scène.
Quelles sont les influences musicales de Rammstein ?
Les membres de Rammstein ont cité de nombreuses influences musicales au fil des ans, notamment des groupes de métal comme Metallica, Slayer et AC/DC, ainsi que des artistes de musique électronique comme Kraftwerk et Daft Punk.
H3 : Quel est le sens des paroles de Rammstein ?
Les paroles de Rammstein sont souvent considérées comme provocatrices et controversées, et elles ont souvent été interprétées de différentes manières. Les chansons du groupe abordent des thèmes tels que la violence, la sexualité, la guerre, la religion et la politique, et elles sont souvent accompagnées d’images visuelles choquantes dans leurs vidéos musicales.
Rammstein a-t-il remporté des prix ?
Oui, Rammstein a remporté plusieurs prix au cours de sa carrière, notamment des Echo Awards (l’équivalent allemand des Grammy Awards) et des MTV Europe Music Awards. Le groupe a également été nominé pour un Grammy Award en 2019 pour son album éponyme.
Quels sont les membres actuels de Rammstein ?
Les membres actuels de Rammstein sont :
Till Lindemann : chant
Richard Z. Kruspe : guitare
Oliver « Ollie » Riedel : basse
Paul Landers : guitare
Christian « Flake » Lorenz : claviers
Christoph « Doom » Schneider : batterie
Quelles sont les chansons les plus célèbres de Rammstein?
Rammstein a produit de nombreux succès au fil des ans. Certaines de leurs chansons les plus célèbres incluent « Du Hast », « Engel », « Ich Will », « Sonne », « Links 2 3 4 » et « Mein Herz brennt ». Ces chansons ont été populaires dans le monde entier et ont contribué à établir la réputation de Rammstein en tant que l’un des groupes les plus innovants et influents de la scène musicale actuelle.
Bonus : Critique de Melodie Maker pour la sortie du live PARIS de Rammstein
Paris est un chef-d’œuvre moderne du cinéma musical: un concert live filmé avec tout le flair et l’élégance d’un clip. Tourné par le célèbre réalisateur et ancien membre du groupe suédois de black metal Bathory Jonas Akerlund, le film utilise des coupes rapides, des gros plans, des colorations dramatiques et des effets CGI pour créer une expérience plus vibrante que la réalité.
À l’aide de 25 caméras et tourné en deux nuits au Palais Omnisports de Paris-Bercy, Akerlund explique son concept pour Paris comme « tourner un spectacle en direct (tout en) essayant de traduire l’énergie que vous obtenez dans la salle pour filmer ».
Il explique: « J’essaie avec chaque astuce du livre pour faire autant d’impressions que possible sur le public. »
Regarder Paris est certainement une expérience viscérale et déroutante, comme si un spectacle avec des pénis géants jaillissait, suffisamment de pyro pour détruire un petit pays et le claviériste Christian « Flake ‘Lorenz cuisiné dans un pot de feu n’était pas assez stimulant visuellement.
Les antécédents d’ Akerlund dans les vidéoclips contribuent sans aucun doute à l’esthétique saisissante qui a déjà travaillé avec le groupe sur leurs promotions vidéo pour «Ich Tu Dir Weh», « Mein Land» et la parodie porno controversée «Pussy».
«C’était principalement la vision et les idées visuelles de Jonas», explique le batteur de Rammstein, Christoph Schneider. «Nous lui avons confié un contrôle créatif et lui avons dit: ‘C’est votre film, vous êtes un grand cinéaste et monteur, alors vous le faites comme vous le voyez.’
«Avoir cette coupe rapide et ce montage lourd semblait trop sur toute la durée d’un spectacle, alors nous nous sommes un peu impliqués et avons changé les choses ici et là, mais nous ne l’avons pas vraiment changé vraiment.»
«Il a un bon sens du détail et se concentre sur les choses que vous ne voyez pas lorsque vous êtes dans le public. Jonas a donc commencé à couper les choses très rapidement et à les rendre très énervées; lorsque nous l’avons vu pour la première fois, nous avons été très choqués par la rapidité de la coupe et la difficulté de la suivre et de la digérer.
Malgré quelques réserves concernant le montage final, Rammstein n’a que du respect pour Akerlund et sa vision de leur spectacle en direct. Le guitariste Paul Landers fait l’éloge de sa fluidité visuelle et met la patience exigée pour un projet de cette ampleur à la compétence technique des Suédois.
Bien que cela puisse sembler une procédure tout à fait normale pour la plupart des groupes, les fans fidèles de Rammstein savent qu’ils abandonnent rarement beaucoup de contrôle créatif. Les six membres du groupe ont le sentiment que toutes les choses marquées de la bannière Rammstein cadrent avec la vision et les mythes qu’ils ont créés.
Permettre à Akerlund de se répandre avec sa vision créative a conduit à la représentation visuelle la plus saisissante de Rammstein à ce jour – un exploit, étant donné qu’il existe déjà 4 DVD contenant des images en direct disponibles dans le commerce. Alors pourquoi ont-ils ressenti le besoin d’en faire un autre?
«Vous les créez pour l’histoire», explique Schneider. « Si quelqu’un dans 20 ans dans le futur veut savoir à quoi ressemblait Rammstein, voici un document visuel à regarder. »
Rammstein est actuellement en train d’écrire son septième album studio encore sans titre. On sait peu de choses sur l’album en dehors du cercle restreint de Rammstein, mais compte tenu de l’écart de huit ans depuis leur dernier album, l’anticipation est à un niveau record pour la nouvelle musique du groupe.
Ce que nous savons: 28 idées de chansons ont été esquissées pour l’enregistrement, dont 24 ont déjà des paroles. Landers les décrit comme «pas prêts à enregistrer, mais en direct!» Certains d’entre eux sont des morceaux nus de chansons, certains sont pratiquement terminés.
Mais ne vous attendez pas à un effort tentaculaire et épique sur un double album; si un thème général revient au premier plan au cours de ces premières étapes de la création du disque, il réduit la graisse et affine les choses à l’essentiel.
Schneider souligne: «C’est une sorte de secret de la musique de Rammstein pour être clair et se débarrasser du ballast et se concentrer sur ce qui est là, ce qui le rend plus difficile et a plus d’impact. Cette fois, c’est plus facile, car nous nous entendons très bien ces dernières années.
«Peut-être que cela revient à l’âge; vous essayez de ne plus changer vos amis ou collègues, alors vous les acceptez davantage tels qu’ils sont et leur donnez l’espace dont ils ont besoin. »
« Pour le moment, c’est presque une harmonie insupportable dans ce groupe », lance Länder avec un sourire malicieux.
Un sens de l’euphonie a été établi en partie grâce à la mission d’un producteur de superviser non pas l’enregistrement, mais les sessions d’écriture. Olsen Involtini a déjà travaillé avec le groupe pour arranger des cordes pour Mutter et Reise, Reise, créer des remixes et concevoir leur son live; son histoire de travail avec le groupe fait d’Involtini un parfait médiateur pour lancer des idées créatives entre les deux.
«C’est un bon ami à nous», explique Schneider. «Il produit du hip-hop et de la musique pop en Allemagne et il joue également de la guitare. Il a beaucoup de bonnes qualités alors nous l’avons amené pour diriger la répétition et travailler avec nous sur les chansons.
«Si deux d’entre nous ne sont pas d’accord, nous prenons la direction qu’il aime. Souvent, nous nous perdions dans la fabrication de quelque chose; il y aurait 20 versions différentes d’une chanson et il nous aiderait à nous concentrer sur ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas. »
Landers ajoute rapidement: «L’écriture dans Rammstein est toujours démocratique… pas facile, mais démocratique. Nous sommes comme des chiens avides. Mais avec Olsen qui dirige la répétition, nous n’avons pas à nous battre autant – nous suivons simplement son exemple. Il nous aide à nous concentrer et à éviter les combats inutiles. »
Cette dernière partie en particulier est probablement une partie cruciale du rôle d’Involtini; les tensions dans le studio lors de la création du Liebe ist für alle de 2009 semblent avoir été le principal moteur de la longue pause de Rammstein. (Landers décrit l’écriture de l’album comme faire un collage à côté d’une fenêtre ouverte; le vent continue de disperser les morceaux, ce qui rend difficile leur assemblage.)
Alors, quel a été le catalyseur pour réunir les six membres de Rammstein pour commencer à travailler sur leur septième album?
« La façon dont j’ai tendance à le dire », explique Landers, « est que nous quatre qui n’avions pas enregistré de record à cette époque avaient faim. Till et Richard ne voulaient pas aller au restaurant parce qu’ils avaient déjà mangé, mais nous avons tous les quatre dit: «Nous avons faim! Alors ils ont accepté de venir. Nous avons fait un compromis et avons dit: « Commençons par trois ou quatre chansons et voyons ce que ça fait sans pression. » Et ça faisait du bien, et maintenant nous avons 28 idées de chansons. »
Rammstein live -Crédit photo Eric CANTO
« Le groupe avait des souvenirs particulièrement mauvais sur la dernière production », ajoute Schneider, se référant à Liebe ist für alle . «Cela a pris beaucoup de temps et il y a eu beaucoup de discussions. Nous perdrions la trace des choses très facilement et personne ne voulait sauter directement dans cette situation. Tout le monde avait peur que si nous nous mettions à écrire un autre album, nous recommencions tous ces petits combats. Mais cela a changé maintenant, et avec la contribution d’Olsen, nous ne nous battons plus si fort – personne ne s’entre-tue pour prendre sa part sur les autres. «
Alors que la majorité des chansons du groupe sont écrites dans leur langue maternelle, leur musique transcende toute barrière linguistique; Rammstein fait partie d’une petite poignée de groupes capables de vendre des arènes à travers le monde sans l’aide de chansons écrites en anglais.
Leur popularité internationale écrasante dépasse de loin les attentes de la plupart des groupes en dehors de l’Anglosphere, et est la preuve (le cas échéant) du pouvoir de la musique à communiquer sur un terrain de jeu universel.
Landers résume succinctement le large attrait du groupe lorsqu’il décrit son approche de l’écriture des riffs délicieusement simples, mais exécutés avec goût de Rammstein: «Une chose à laquelle j’essaie de penser lorsque nous écrivons des chansons, c’est ce que ça fera de jouer en live. Si vous vous tenez à la maison et que vous jouez un accord fort qui sonne, ça fait du bien, vous vous sentez puissant! Mais si vous êtes assis et que vous cueillez doucement, cela ne vous fait pas du bien.
«Nous essayons d’avoir plus de moments dans la musique Rammstein qui vous font vous sentir bien; si ça a l’air bien, ça sonne aussi bien. »
Cette formule relativement simple, à côté d’un spectacle conquérant dont beaucoup attesteront est l’un des meilleurs spectacles du monde de la musique live, fait en sorte que Rammstein continuera de battre toutes les chances et restera l’une des propositions les plus célèbres et uniques en métal .
Souvent, le spectacle est si (littéralement) explosif, il éclipse apparemment la qualité et l’audace pure de l’écriture de chansons du sextuor allemand. Mais c’est pour sous-estimer l’esprit acerbe de «Mein Teil», l’audace orchestrale de «Mein Herz brennt», la beauté délicate de «Ohne Dich» ou le coup de poing pur et dur de «Sonne», une chanson de 16 ans qui sonne aussi dynamique et puissant qu’en 2001.
Est-il irritant que l’écriture de chansons complexe du groupe soit éclipsée par la simple domination de leur show fougueux? «Nous mettons autant d’efforts dans la musique que dans le spectacle», explique Schneider. «Tout comme nous mettons autant d’efforts dans les photos, les lumières, les vidéos parce que nous savons qu’ils vont tous ensemble. Chaque élément a son rôle à jouer et se soutient mutuellement. »
« Vous ne pouvez pas forcer les gens à réagir d’une certaine manière à ce que vous mettez devant eux », ajoute Landers. «Nous vivons dans un monde libre et les gens ont le droit de ne pas écouter. Nous savons que parfois le spectacle éclipse la musique, et nous essayons de ne pas laisser cela se produire. Mais la musique est très bonne à mes yeux, et nous essayons d’avoir un équilibre entre les deux.
«Si vous rencontrez une belle femme aux cheveux blonds et aux gros seins, vous pourriez commencer à lui parler à cause de son apparence, mais vous découvrirez ensuite qu’elle est intelligente, drôle, et de bon cœur. Nous essayons à Rammstein d’être la blonde avec un cerveau. »
« Au cours des dix dernières années, MathewGuido Photographe a combiné son esthétique unique pour des compositions intéressantes et la faisabilité commerciale avec des détaillants, des étiquettes et des publications internationales. En tant que magicien de la lumière, les images de la beauté de Mathew explorent et illustrent la complexité des émotions humaines.
Mathew Guido Photographe est intrigué par la complexité des émotions humaines. de l’art de la Renaissance et les motifs exagérés de l’anime japonais. Le photographe Mathew Guido vient de réaliser une jolie série de portraits intitulée Eye Candy pour le magazine SCHON. Il a immortalisé des femmes dans des lunettes de soleil sous la lumière colorée des néons qui se reflètent dans les lunettes. Une série très populaire et brillante dans laquelle les corps et les visages sont dessinés entre la lumière et l’ombre.
En tant que «magicien de la lumière», Mathew crée des photos d’une beauté intemporelle qui explorent sans crainte les complexités de l’émotion humaine. En mélangeant son style unique de lumière inspiré par les maîtres de l’ère de la Renaissance avec des thèmes exagérés issus de son amour d’enfance pour l’anime japonais, Mathew exprime l’œuvre de sa vie à travers les yeux d’un véritable visionnaire artistique. Ses histoires ne manqueront pas d’ouvrir vos yeux et votre esprit à de nouvelles perspectives audacieuses et à de merveilleuses impressions durables.
Mathew Guido : Eye Candy
Webnell.com : Eye Candy est une belle série de photographie de mode par Mathew Guido photographe. C’était un travail de commission pour l’un des meilleurs magazines. Mathew Guido est un photographe de mode canadien. Le modèle de la belle série Eye Candy est Naro Lokuruka. Selon son biograpy, « En tant que magicien de la lumière, Mathews a de beaux portraits envoûtants qui n’ont pas peur d’explorer et d’illustrer la complexité de l’émotion humaine. et laisser une impression mémorable « . Cette année, Mathew Guido photographe est le fier récipiendaire des prix Muse Creative et des prix Applied Arts. Sa photographie de mode a été présentée dans de grands magazines comme Schon, Dress to Kill, Vogue Italia, Lush et bien d’autres.
Mathew Guido Photographe: biographie
Mathew Guido est un photographe de mode et d’art primé basé à Toronto, au Canada.
Son travail juxtapose le drame de l’éclairage chairoscuro avec les couleurs exagérées et les compositions fantastiques de l’animation japonaise. Ces influences ont conduit Mathew à créer sa série de photos la plus renommée « Eye Candy », qui a été sélectionnée par Adobe pour être la couverture de Lightroom Classic CC. Mathew continue de créer des techniques d’éclairage innovantes qui ont un large impact sur le monde de la photographie numérique.
Mathew Guido a été scolarisé à l’ École secondaire catholique Robert F Hall (2003-2007)
Mathew Guido a commencé à travailler comme photographe en 2005 en tant que stagiaire assistant un photographe de mode, puis a dirigé sa propre entreprise au cours des 11 dernières années.
2017, Meilleur photographe canadien, Prix notables, TORONTO/CANADA
2017, Prix Platine, Muse Creative Award, TORONTO/CANADA
2016, Prix de la photographie, Arts appliqués, TORONTO, CANADA 2016, Meilleure photographie, North American Hair Awards LAS VEGAS/ ÉTATS-UNIS
2015, Argent, Prix De La Photographie Paris PARIS, FRANCE
Ouvrages:
« 2017 », Adobe Lightroom Classic CC, Pearson Education, John Evans, New York USA, ISBN – 10:0134540026 ISBN – 13:9780134540023
Bonus: interview de Mathew Guido, avril 2011 pour LOOKBOOK’S
âgé de 22 ans demain, le jeune photographe a déjà développé un œil expert pour évoquer l’émotion brute à travers les contrastes, les couleurs et l’imagination débordante. Mathew a étudié avec David LaChapelle et est actuellement représenté par ArtHouse.
Son style unique insuffle un amour pour les dessins animés et les anime japonais. Les clichés de Mathew diffèrent de ceux de nombreux artistes en ce que son travail a tendance à tomber du côté plus morose de la photographie de mode.
Ne s’éloignant jamais de ses racines artistiques, Mathew se lance également dans l’illustration, la peinture et la production vidéo. Dans notre récente interview, voici ce que le jeune photographe de talent avait à partager sur son style et sa technique.
Comment êtes-vous venu à la photographie en tant que profession?
A l’origine j’ai commencé dans l’art par l’illustration et la peinture. Je suis venu à la photographie comme une nouvelle forme de peinture. J’ai commencé à m’amuser avec ça en filmant pour mes amis et quand je voyageais et j’ai eu une bonne réponse, alors j’ai continué avec ça. J’ai fait un stage chez David LaChapelle, ce qui m’a donné une bonne dynamique.
Comment définiriez-vous ou décririez-vous votre style photographique ?
Mon style est très important pour moi et j’essaie de présenter mon travail d’une certaine manière. Mon travail est quelque peu influencé par mon amour pour les dessins animés et les illustrations japonaises. J’exagère souvent dans la composition, la couleur et l’ambiance, ce qui tend à tout unir en un seul appel. J’essaie de mettre l’accent sur les reflets et les ombres, ce qui peut faire ressortir un autre type de beauté.
Qu’est-ce que ça fait de travailler avec ArtHouse et NYC FotoWorks ?
En assistant à l’événement NYC FotoWorks à New York, je peux dire que cela m’a donné l’occasion de parler avec tant d’éditeurs, et j’ai réalisé que je revenais à Toronto avec des opinions éclairées. Cela m’a incité à voir où je pouvais m’adapter et à y aller. J’exhorte tous les photographes en quête de direction, d’orientation et de clarté à assister à cet événement. Cela a changé ma carrière. Et au cours des derniers mois, j’ai signé avec une agence incroyable, ArtHouse.
Je sais que vous avez travaillé avec Adidas. En quoi le travail avec la deuxième plus grande entreprise de vêtements de sport au monde diffère-t-il des tournages de haute couture ?
C’est marrant. Sur un ensemble de mode, vous pouvez passer une heure entière sur un seul morceau de cheveux. Avec Adidas, vous pouvez passer autant de temps sur un seul lacet. C’est le même processus mais avec une sensation différente. J’aime travailler avec de grandes entreprises, même si le débouché artistique peut être quelque peu différent. Les couleurs qui ressortent de vos clichés semblent donner un certain état d’esprit aux spectateurs.
À quoi pensez-vous lorsque vous vous concentrez sur certaines couleurs ?
J’essaie de faire ressortir la profondeur des couleurs. Si c’est rouge, je choisis des tons riches. Cela a tendance à déclencher et évoquer l’émotion différemment. Il fait ressortir une certaine profondeur dans les plans.
Vos photos semblent créer une ambiance très définie. Je ne veux pas dire sombre, mais ils semblent évoquer une forte émotion. Comment capter cet effet ?
Je cherche à évoquer une certaine émotion, mais je suis aussi ouvert à évoluer. Cela a tendance à rendre les choses un peu plus sombres, et cela signifie généralement des couleurs et des contrastes plus forts. Les plans les plus sombres touchent les gens différemment. Avant mes prises de vue, je parle avec des modèles et je leur explique ce que je pense, pour qu’ils le sachent.
Quelles sont quelques icônes de la photographie dont vous admirez le travail ?
Miles Aldridge, Steven Klein et Tim Walker. Je les aime tous pour des raisons différentes. Il semble qu’il y ait de l’art infusé dans vos photos. J’ai également lu que vous aviez un amour pour l’art et l’anime japonais, qui vous accompagnait dans votre enfance.
Qu’est-ce qui inspire votre travail ?
Je suis inspiré par l’anime, l’art japonais et les expériences de vie. Je n’ai jamais regardé d’autres photographes. C’est un marché différent à Toronto; il n’y a pas autant de photographies de mauvaise humeur, alors j’essaie de combler cette lacune.
Avez-vous des hobbies ou passe-temps favoris ?
Je me suis lancé dans la vidéo, mais je n’ai pas eu assez de temps pour ça. Je fais de la peinture et des illustrations. Je suis aussi une sorte de nerd et j’aime les anime et les dessins animés japonais.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le photographe est un professionnel de l’image. Il est capable de réaliser des prises de vue dans les domaines de la mode, du mariage, de l’actualité, du paysage…
Il est avant tout un créatif. Toutefois, le photographe professionnelpeut consacrer une grande partie de son activité à la commercialisation de ses photos et au démarchage de nouveaux clients.
Comment devenir Photographe ? Retrouvez ici les missions, formation nécessaire, rémunération de cette profession.
Il existe plusieurs types dephotographe professionnel. Qu’il s’agisse d’un travailleur indépendant ou d’un salarié, la tâche principale reste de faire des photos pour les clients.
Lorsqu’un photographe travaille dans un laboratoire, ses activités sont beaucoup plus sédentaires. Il doit alors être responsable du développement personnel et de la commercialisation de l’imprimé dans tous les médias.
Photographe professionnel, la fiche métier. Crédit photo Eric CANTO
Rôle du photographe professionnel
Le photographe professionnel est un artiste à part entière. Il intervient tout au long du cycle de production de ses photos de partout à la vente. Le profil complet est important pour:
• Prenez des photos conformément aux spécifications spécifiées par le client.
• Adaptez la lumière, le cadrage et la composition au sujet sur lequel il travaille.
• Installez-vous confortablement et adaptez-vous au sujet s’il s’agit d’une personne.
• Effectuez tous les travaux de réparation nécessaires car il connaît l’outil informatique.
• Développez et photographiez des photos à l’aide des derniers outils numériques.
• Commercialisez vos enregistrements en ciblant des clients potentiels ou en trouvant de nouveaux marchés.
• Entretenez régulièrement votre équipement pour éviter les mauvaises surprises lors d’une séance photo.
• Adaptez le développement de matériel photo et informatique.
Comme tous les artistes, les photographes doivent être créatifs pour poursuivre leur carrière. Ils doivent avoir une forte personnalité et une sensibilité pour se démarquer de la concurrence. Ils doivent également se tenir au courant des tendances de l’industrie afin de ne pas s’isoler du marché.
Parce qu’il est en contact direct avec les clients et éventuellement avec les mannequins, le photographe doit avoir d’excellentes qualités interpersonnelles et humaines. Ses compétences en communication jouent souvent un rôle décisif dans le succès de la photo ou dans la définition de spécifications claires.
Lorsqu’il travaille seul, le photographe est responsable de la prise de photos de la prise de vue à l’impression. Il commande généralement le tirage à un fournisseur de services externe. Il doit donc bien comprendre son environnement professionnel pour ne travailler qu’avec des personnes de confiance.
Photographe professionnel, la fiche métier. Crédit photo Eric CANTO
Photographe : carrière / possibilité d’évolution
Pour un photographe novice, obtenir des postes rémunérés est presque impossible. C’est pourquoi beaucoup d’entre eux créent leur propre entreprise, espérant obtenir un emploi fixe un jour, avoir de l’expérience en tant que photographe adjoint ou générer suffisamment de revenus pour subvenir à leurs besoins.
Cependant, avec un bon livre, certaines personnes peuvent souhaiter entrer dans l’agence de presse ou dans le journal national ou local. Grâce à une formation parallèle en vente, ils peuvent également rejoindre un studio photo et même gérer un studio photo avec des années d’expérience.
Salaire mensuel total pour les débutants: 1 430 €
Photographe pro, la fiche métier. Crédit photo Eric CANTO
Devenir photographe professionnel: besoin de formation
Le métier de photographe est ouvert à ceux qui ont fait leurs preuves. Cependant, il est préférable d’être correctement formé pour comprendre les aspects théoriques et pratiques du trading. Il existe plusieurs spécialisations:
• La photographie BTS n’est disponible que pour les diplômés de la section S;
• Depuis 2012, la photographie professionnelle Bac a remplacé la photographie CAP et a permis aux étudiants de troisième année de se former en 3 ans;
• L’école nationale de photographie est très sélective et propose 3 ans de formation après avoir passé le concours Bac + 2;
• L’Université propose des masters professionnels en photographie. L’université Paris VIII propose l’une des MST les plus célèbres en photographie et multimédia;
• Les écoles privées décernent également des diplômes en photographie, mais toutes ne sont pas accréditées. Pour obtenir un poste à salaire permanent, les candidats doivent souvent démontrer leurs compétences en photographie. Par conséquent, leurs livres peuvent s’avérer décisifs et plus importants que leur formation.
Statut juridique en France
Photographe, c’est un choix entre plusieurs statuts juridiques, régime d’auto-entrepreneur principalement mais aussi :
photographe artiste-auteur,
photographe d’illustration, artisan
photographe de presse (pour 89%)
Le statut social peut être rattaché au régime général.
Pratique pro et domaine d’activité
La population mondiale de photographes qui pratiquent la photographie est très importante – plus d’un milliard de personnes – et très diversifiée, ce qui fait du nom de « photographe » un concept vague et très ambigu.
Une personne qui propose des agrandissements de 3 × 5 cm au prix de 2 € sur un stand avec des photos artistiques comme Bièvres s’appelle « photographe » lorsque le même mot « photographe » est utilisé pour indiquer le statut de « Andreas Gursky, photographe allemand dont les paysages mesurant 3 × 4 m sont vendus à Christie ou Sotheby de 2 à 4 millions d’euros.
La variété des pratiques photographiques conduit à distinguer les photographes par catégorie, avec des classifications assez nombreuses. Les photographes amateurs qui se consacrent à la photographie comme passe-temps ou passe-temps créatif, se distinguent des photographes professionnels qui le font du travail et en tirent des revenus.
Le classement des photographes par sujet peut être l’une des principales différences: paysage, portrait, mode, reportage, guerre, nudité, animaux, etc.
Les photographes professionnels gagnent leur vie et vendent leur travail.
Ils peuvent avoir le statut d’auteur et peuvent donc produire des œuvres à vendre sans commande préalable (par exemple, paysages, faune et flore ou guerre) ou ils peuvent devenir artisans et accepter les services commandés (rapport de mariage, séance photo de famille, par exemple portrait artistique) de tout acte ayant avantages fiscaux et obligations très claires.
Un photographe professionnel peut ajouter jusqu’à deux actes s’il veut être en mesure d’effectuer toutes sortes de services et de tâches liés au droit d’auteur.
Les photographes professionnels sont représentés devant les organismes publics par une organisation syndicale professionnelle, principalement l’Union des photographes professionnels (UPP) pour les auteurs et la Fédération française du commerce de la photographie et de l’image (FFPMI) pour les artisans.
Situation du métier / contexte pour devenir photographe
Le marché des photographes est désormais saturé. Avec la démocratisation des appareils numériques, de nombreux amateurs ont plus ou moins démarré leur propre entreprise.
Ce n’est pas un secret pour réussir à bâtir votre propre entreprise: vous devez vous démarquer en imposant votre propre style ou en vous déplaçant sur un marché de niche.
En conséquence, certains photographes se spécialisent aujourd’hui dans les portraits personnels ou les vieux métiers en argent. L’essentiel est de créer vos propres opportunités.
Voila quelques pistes, à vous maintenant de vous lancer !
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Dans la série des trucs qui inspirent…le magnifique livre de Jean Luc Navette : c’est beau, terriblement beau.
Le livre de Jean Luc Navette « Dernier été du vieux monde »
Jean Luc Navette nous offre un objet graphique qui est littéralement plein d’histoires. Des sujets tels qu’une promesse d’amour, une rupture avec le destin, l’émergence du malheur, la randonnée, le blues country et les ballades meurtrières se succèdent et se heurtent simultanément dans une valse grinçante et magnifique. « L’été dernier du vieux monde » est le véhicule d’années de nuits blanches, un taxi pour ses esprits …
Jean-Luc Navette s’est installé à Lyon il y a longtemps. Illustrateur de formation, Jean Luc Navette s’est inspiré du réalisme, de la gravure, des images de la Première Guerre mondiale et du début du XXe siècle pour créer son propre style. Résultat: le travail de l’artiste ne manque pas d’impressionner par son originalité et sa maîtrise magistrale.
En effet, Jean-Luc Navette navigue dans un univers où l’obscurité ne se réalise qu’avec un coup de crayon. Un autre imaginaire, renforcé par des références lointaines et meurtrières, où le blues scintille encore dans l’âme de lumière. Une vision extraordinaire du monde noir et blanc, d’où émergent des histoires vraies d’hier et d’aujourd’hui. Des histoires sombres qui finissent généralement mal …
Jean Luc Navette : « Mon travail, le tatouage et l’illustration, consiste à raconter des histoires à travers une seule image ou une série d’images. Quand j’étais très jeune, j’ai commencé à dessiner pour le plaisir. Je suis ensuite retourné à l’école Emile Cohl peu de temps après le lycée, où tout est devenu plus sérieux et structuré. »
Etudes et formation
Jean Luc Navette : « Le refus de saisir le formulaire et l’opportunité de découvrir la vie sans être enfermé m’ont incité à étudier le dessin. Étudiez et approfondissez ma connaissance de ma passion, le dessin. C’est pour cette raison que je suis entré au « département papier » de l’école Emile Cohl en 1994. Je l’ai quittée et j’ai obtenu mon diplôme en 1999. »
« J’ai eu la chance d’avoir des parents compréhensifs, ils m’ont soutenu dans mes décisions et mes souhaits, même s’ils différaient parfois de leur propre vision du monde. C’est normal, il y a toujours beaucoup de soucis quand votre enfant choisit une « passion professionnelle ». Sa motivation doit être élevée et il doit être patient car c’est un long chemin et un moyen très facile de faire quelque chose de mal. »
Les emplois de Jean Luc Navette
Je suis allé au tatouage parce que j’étais très intéressé par ce médium, puis les choses ont naturellement glissé du papier à la peau. Depuis, je fais des allers-retours entre les deux tous les jours. Il faut du temps pour se faire un nom dans l’industrie du tatouage, les choses ne se produisent pas d’un coup. Il faut du travail, de la persévérance pour trouver sa place. « Au début, une petite goutte est sortie, puis la goutte est devenue une flaque d’eau, puis elle a commencé à couler lentement, lentement, peut-être qu’un jour elle formera un ruisseau, une rivière, pourquoi pas un océan? »
Pour devenir tatoueur, il faut beaucoup de passion, de curiosité et d’écoute. Je pense que nous devons garder les yeux et les oreilles ouverts, nous référer aux anciens et respecter leurs enseignements sans essayer de copier leur travail. Philippe Rivière, le directeur et fondateur de l’école Emile Cohl, nous disait souvent: « Vous n’êtes bon que sur les épaules de quelqu’un » et « vous ne devriez pas essayer de devenir de pauvres artistes, mais de bons artisans ».
Je me rapporte souvent à ce que j’ai appris pendant mes études et cela me permet de me concentrer à nouveau. Ce sont des balises que vous devez garder à l’esprit si vous êtes un peu perdu. Fondamentalement, laissez-vous inspirer sans copier, mais malheureusement, quand vous voyez la superficialité de cet environnement et la facilité avec laquelle les tatoueurs et les artistes doivent généralement se copier, il y a encore un long chemin à parcourir.
De nos jours, c’est très rapide et il est plus facile de s’insérer dans un courant déjà fluide. Comme toujours, lorsque les phares sont allumés, il attire les gens qui aiment briller et être dans la lumière. Pour ce qui est d’apprendre à dessiner, je pense que la chose la plus difficile à raconter est une histoire.
Vous devez donc multiplier votre vocabulaire pour obtenir plus d’options et de façons de créer avec succès votre propre histoire. Le tatouage m’a ouvert des portes dans le sens où depuis dix ans que je le pratique, il remplit ma vie, je porte les traces que les souvenirs gardent; cela m’a permis de voyager, de rencontrer des gens de tous horizons et de tout ce qui était différent. Cela m’apporte beaucoup et j’ai eu la chance de traverser cette rue.
Le style pictural de Jean Luc Navette
Il faut beaucoup de temps pour trouver le style d’image, et surtout, vous ne devez pas sauter les étapes et travailler d’abord sur votre vocabulaire: « Vous devez apprendre à parler avant de chanter ». Je me souviens d’un jour en classe où j’ai demandé à un professeur quand nous étions sûrs de sa ligne et de son style.
Jean Luc Navette m’a répondu avec beaucoup d’humour que ce serait une question permanente et qu’il valait mieux changer de voie si je cherchais des certitudes. Pour développer votre style personnel, vous devez être curieux et construire une culture globale. La documentation est essentielle pour savoir comment les choses fonctionnent si vous voulez les transcrire à travers des images.
Le tatouage est une profession et un art souvent mal vu qui a une mauvaise réputation, mais cette image est en train de changer. Je ne pense pas avoir vraiment participé à ce changement, mais j’ai pris le train quand j’ai essayé de raccrocher quelques voitures et pas seulement d’être passager. L’image du tatouage change, mais il y a encore beaucoup de travail à faire.
Pendant mes études, mes attentes n’étaient pas aussi élevées qu’aujourd’hui. Je les ai largement dépassés. Maintenant, je ne peux pas dire avec certitude sur combien de projets j’ai travaillé, probablement autant qu’il y a plusieurs jours. De la multitude de projets que j’ai réalisés, je dis généralement que la chose la plus importante pour moi est la suivante !
Les conseils de Jean Luc Navette
Jean Luc Navette « Si je devais donner des conseils à des gens qui veulent suivre la même formation que moi, je leur conseillerais de ne pas sauter les étapes, de garder la tête froide et d’être patient. A l’école, certaines matières me paraissaient ennuyeuses quand je devais me lever le lundi matin pour étudier le charbon de bois ou le documentaire, mais je perdais beaucoup de temps et faisais parfois des impasses »
Après avoir voulu me renouveler et rattraper mon retard, c’était deux fois plus épuisant. Je pensais que j’aurais mieux fait d’éteindre ma cigarette dans le jardin et de retourner au travail. Heureusement, Philippe Rivière (fondateur et directeur de l’école Emile Cohl) a veillé sur le grain et m’a fait tout mettre dans la caboche … grâce à lui. Écoutez la chanson de Gabin « Je sais » si votre tête est trop lourde lundi matin, vous gagnerez un temps précieux au travail… »
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La société STRANGER&STANGER est spécialisée depuis 1994 dans le design de bouteilles d’alcool. Le rapport avec la photo ? Aucun sauf qu’on lui doit notamment le packaging de l’édition limitée du rhum Don PAPA 10 ans. Le résultat est juste magnifique d’ailleurs la liste des awards gagnés par STRANGER&STRANGER est folle. Don Papa 10 ans est un rhum des Philippines produit sur l’île de Negros. Cette version produite en très petite quantité est exclusivement réservée au marché français !
Le Rhum Don Papa 10 ans est l’un des rhums les plus populaires de la marque. Comme son nom l’indique, il est vieilli pendant une décennie entière en fûts de chêne américain, ce qui lui donne une saveur plus riche et plus complexe que le rhum original.
Quelle est l’histoire du Rhum Don Papa?
Il tire son nom de Dionisio Magbuelas, un héros philippin surnommé Don Papa, qui s’est battu pour l’indépendance des Philippines au 19ème siècle.
Il est produit sur l’île de Negros aux Philippines, qui est connue pour sa production de canne à sucre depuis plus de 100 ans. La marque a été créée en 2012 par la compagnie Bleeding Heart Rum Company, qui a voulu rendre hommage à l’héritage de Don Papa et à la riche tradition de la production de rhum aux Philippines.
Comment est produit le Rhum Don Papa?
Il est produit à partir de la canne à sucre cultivée sur l’île de Negros. La canne à sucre est récoltée à la main et pressée pour extraire le jus de canne à sucre. Le jus est ensuite fermenté avec des levures naturelles pour produire un moût alcoolisé.
Le moût est ensuite distillé en utilisant un alambic à colonne, ce qui permet de produire un rhum plus léger et plus doux en goût. Le rhum est ensuite vieilli pendant au moins 7 ans en fûts de chêne américain, qui contribuent à sa couleur ambrée et à sa saveur riche et complexe.
Quelles sont les caractéristiques du goût du Rhum Don Papa?
Il a un goût complexe et sucré, avec des notes de vanille, de miel, de fruits tropicaux et de chêne grillé. Il a une texture douce et soyeuse en bouche, avec une finition légèrement épicée.
Il est considéré comme un rhum de dégustation, qui peut être apprécié seul ou avec un glaçon pour en apprécier toutes les nuances de saveur.
Le Rhum Don Papa est-il récompensé?
Il a remporté de nombreuses récompenses et distinctions depuis son lancement. Il a notamment remporté la médaille d’or au San Francisco World Spirits Competition en 2013 et en 2017, ainsi que la médaille d’or au Rum Masters en 2018.
Ces récompenses témoignent de la qualité et de la réputation du rhum Don Papa en tant que rhum haut de gamme.
Le secret de la fabrication du Rhum Don Papa 10 ans
L’incroyable délicatesse du rhum don papa 10 ans peut également s’expliquer par un secret fait maison. En fait, trois grammes de sucre par litre sont ajoutés au rhum avant qu’il ne soit mis en barriques pour mûrir longtemps. Le nom de Don Papa est un hommage à Dionisio Magbuelas, également connu sous le nom de Papa Isio, un véritable révolutionnaire qui a façonné l’histoire des Philippines au XIXe siècle.
Contremaître dans une plantation de canne à sucre, mais aussi chamans et guérisseurs, est devenu le chef de la révolte nationale qui a conduit le pays à son indépendance en 1896. Aujourd’hui, son portrait orne les bouteilles de Don Papa. Une belle façon de découvrir une partie de l’histoire des Philippines, mais aussi de maintenir l’esprit rebelle de la marque.
L’incroyable délicatesse de Don Papa peut également s’expliquer par un secret fait maison. En fait, trois grammes de sucre par litre sont ajoutés au rhum avant qu’il ne soit mis en barriques pour mûrir longtemps. Le nom est un hommage à Dionisio Magbuelas, également connu sous le nom de Papa Isio, un véritable révolutionnaire qui a façonné l’histoire des Philippines au XIXe siècle.
Contremaître dans une plantation de canne à sucre, mais aussi chamans et guérisseurs, est devenu le chef de la révolte nationale qui a conduit le pays à son indépendance en 1896.
Aujourd’hui, son portrait orne les bouteilles de Don Papa. Une belle façon de découvrir une partie de l’histoire des Philippines, mais aussi de maintenir l’esprit rebelle de la marque. L’autre force est la production de rhum en édition limitée comme le Sherry Cask Rum ou le Rare Cask Rum.
NOTES DE DÉGUSTATION DON PAPA 10 ans
Couleur: ambre foncé avec des reflets sombres.
Nez: Profond et riche avec une impression de force. Marqué par des notes d’agrumes et de vanille.
Bouche: Gourmande et complexe, avec des notes claires de cacao, d’agrumes et de fruits secs.
Finale: Longue et riche en fruits secs et agrumes avec une pointe de cacao. Délicieux.
DÉTAILS DU PRODUIT
Type / sous-type :Rhum / Rhum Traditionnel
Distillerie :DON PAPA
Pays / Région :Philippines / Ile de Negros
Négociant :Embouteilleur Officiel
Degré :43%
Volume :70cl
Age :De 10 à 16 ans
Tourbe :Non
Packaging :Tube
Quels sont les différents types de Rhum Don Papa?
Il est disponible en plusieurs variations, chacune avec ses propres caractéristiques de goût et de vieillissement. Voici un aperçu des principales variations de Rhum Don Papa :
Don Papa 7 ans : Le rhum 7 ans est le rhum original de la marque. Il est vieilli pendant au moins 7 ans en fûts de chêne américain et offre une saveur douce et fruitée avec des notes de vanille et de miel.
Don Papa 10 ans : Le rhum 10 ans est vieilli pendant une décennie entière en fûts de chêne américain, ce qui lui donne une saveur plus riche et plus complexe que le rhum original. Il a des notes de vanille, de chêne grillé et de fruits secs, avec une finition légèrement épicée.
Don Papa Rare Cask : Le rhum D Rare Cask est vieilli pendant au moins 10 ans en fûts de chêne français et américain, ce qui lui donne une saveur profonde et complexe avec des notes de vanille, de caramel et de noix de muscade. Il est produit en édition limitée et est considéré comme l’un des rhums les plus exclusifs de la marque.
Don Papa Sherry Cask : Le rhum Sherry Cask est vieilli pendant 4 ans en fûts de chêne américain, puis vieilli pendant une année supplémentaire en fûts de sherry espagnol. Cette double maturation donne au rhum une saveur riche et fruitée avec des notes de fruits secs, de chocolat et de caramel.
Don Papa Sevillana Cask Finish : Le rhum Sevillana Cask Finish est vieilli pendant 4 ans en fûts de chêne américain, puis est transféré pour une année de finition en fûts de vin de Jerez. Cette finition donne au rhum des notes d’agrumes et de chêne grillé, avec une finale douce et fruitée.
Papa Baroko : Le rhum Baroko est vieilli pendant 7 ans en fûts de chêne américain, puis est fini en fûts de brandy espagnol pendant 18 mois. Cette finition lui donne une saveur douce et fruitée avec des notes de raisins secs, de miel et de chêne grillé.
Chaque variation de Rhum offre des nuances de saveur différentes en fonction de son vieillissement et de son processus de production unique.
FAQ sur le rhum Don Papa
Qu’est-ce que le rhum Don Papa?
C’ est un rhum de qualité supérieure produit aux Philippines. Il est fabriqué à partir de mélasse, qui est fermentée, distillée et vieillie en fûts de chêne américain pendant au moins 7 ans. Il est caractérisé par des notes de vanille, de miel et de fruits tropicaux, ainsi qu’une texture veloutée et une finition douce.
Qui est Don Papa?
C’est le nom d’un héros philippin qui a mené une rébellion contre les colons espagnols à la fin du 19ème siècle. Il a été nommé en son honneur pour rendre hommage à l’héritage et à la fierté de la culture philippine.
Comment boire du rhum Don Papa?
Il peut être apprécié seul, sur glace ou mélangé dans des cocktails. Il est souvent utilisé pour créer des cocktails tropicaux tels que le Mai Tai et le Daiquiri. Pour apprécier la saveur complexe du rhum, il est recommandé de le déguster dans un verre à dégustation et de le laisser reposer pendant quelques minutes avant de le boire.
Quelle est la différence entre le rhum Don Papa et d’autres rhums de qualité supérieure?
Il se distingue des autres rhums de qualité supérieure par son origine philippine et son processus de fabrication unique. Le rhum Don Papa est vieilli en fûts de chêne américain pendant au moins 7 ans, ce qui lui confère une saveur riche et complexe. Les notes de vanille, de miel et de fruits tropicaux sont également uniques au rhum Don Papa.
Le rhum Don Papa contient-il des additifs?
Il est produit à partir de mélasse pure et ne contient pas d’additifs artificiels tels que des colorants ou des arômes. Cependant, certaines variantes de rhum Don Papa sont aromatisées avec des ingrédients naturels tels que le gingembre, le miel et le citron.
Le rhum Don Papa est-il végétalien?
Il est végétalien car il ne contient aucun ingrédient d’origine animale. Il est produit à partir de mélasse pure et vieilli en fûts de chêne américain.
Le rhum Don Papa est-il sans gluten?
Il est sans gluten car il est fabriqué à partir de mélasse de canne à sucre, qui ne contient pas de gluten. Cependant, il est important de noter que le rhum peut être contaminé par du gluten lors de la fabrication ou du vieillissement dans des fûts ayant contenu d’autres produits.
Le rhum Don Papa est-il considéré comme un rhum de luxe?
Il est considéré comme un rhum de qualité supérieure et est souvent classé parmi les rhums de luxe en raison de son processus de fabrication unique, de son goût complexe et de son origine exotique. Le rhum Don Papa est vieilli pendant au moins 7 ans en fûts de chêne américain, ce qui lui confère une saveur riche et des notes aromatiques uniques. En outre, le rhum Don Papa est produit en quantités limitées, ce qui contribue à sa réputation de rhum haut de gamme.
Où puis-je acheter du rhum Don Papa?
Il est disponible dans les magasins spécialisés en spiritueux, les épiceries fines et les sites de commerce électronique. Il est également disponible dans certains bars et restaurants qui proposent une sélection de rhums haut de gamme.
Le rhum Don Papa est-il un bon choix pour offrir en cadeau?
Il est un excellent choix de cadeau pour les amateurs de rhum ou pour ceux qui apprécient les spiritueux haut de gamme. Son emballage élégant et sa réputation de rhum de qualité supérieure en font un cadeau élégant et mémorable.
Comment conserver le rhum Don Papa?
Il doit être conservé dans un endroit frais et sec, à l’abri de la lumière directe du soleil. Il est recommandé de le conserver debout et de le refermer soigneusement après chaque utilisation pour préserver son goût et son arôme. Le rhum Don Papa peut être conservé pendant plusieurs années s’il est stocké dans des conditions optimales.
Comment savoir si le rhum Don Papa est authentique?
Il est livré avec une étiquette de bouteille authentique, qui présente le logo et le nom de la marque. La bouteille doit également comporter un sceau de qualité sur le bouchon, qui garantit l’authenticité et l’intégrité du produit. Il est recommandé d’acheter du rhum auprès de revendeurs de confiance pour s’assurer de l’authenticité du produit.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mass Hysteria Le Trianon: Sixième artwork pour Mass Hysteria
Six albums, huit ans à suivre le groupe, le voir devenir incontournable, les suivre sur les dates, en studio, dans les galères et les grands moments. Huit ans à ne les voir ne rien lâcher, à garder une exigence intacte, à ne rien laisser arrêter cette aventure de 20 ans. Troisième LIVE, il faut trouver un autre angle, ce fut celui de l’intro de ce concert, un concert qui fit la part belle à Matière noire en live….
Dans la catégorie live Mass Hysteria, voici le quatrième du nom: Mass Hysteria Le Trianon. Un autre live, quel intérêt me direz-vous? Oui, à peine trois après Mass Hysteria à l’Olympia qui a ensuite célébré en grande pompe les vingt ans du groupe français chez Bruno Coquatrix et cinq ans après l’énergique Live capturé dans la chaleur du Bikini à Toulouse, voici le dernier enregistré dans ce superbe salle parisienne après une première partie de la tournée qui n’aurait pas pu voir le jour…
En effet, depuis le live à l’Olympia en 2013, deux événements majeurs ont eu lieu dans notre beau pays de liberté d’expression: une tragédie tout d’abord début 2015 avec les attentats terroristes de Charlie Hebdo suivi en novembre par les meurtres du Bataclan comme vous le savez tous malgré lequel Mass Hysteria voulait à juste titre assurer son début de tournée à cette même période en communiquant clairement à ce sujet.
C’est là que réside le principal intérêt de Mass Hysteria Le Trianon ce nouvel enregistrement live limité à 5000 exemplaires. Au niveau playlist, nous avons droit à l’interprétation sans faille du dernier album de Mass Hysteria: Matière noire. Et malheureusement, jamais les nouvelles compositions de cet album n’ont trouvé un tel écho et n’ont pris vie dans ces temps sombres (« L’Enfer Des Dieux » dédicacés aux victimes disparues le 13 novembre 2015).
Sur un ton sérieux et de plus en plus sérieux, les musiciens enchaînent le feu (« Chiens De La Casse », « Vae Soli! », « More than Metal » …) entrecoupé de temps en temps de petites blagues ou des dédicaces politiques épicées («merci Macron») du chanteur charismatique Mouss qui, s’il reconnaît lors du concert de ne pas être très bruyant ce soir, fait le boulot comme d’habitude à deux cents pour cent devant un public de fidèles au taquet. « Mère d’Iroise », dédiée à toutes les « mamans » dont notamment celle disparue du chanteur, termine avec mélancolie ce premier set qui ne constitue que la partie audio du live CD.
Puis nos gars reviennent avec le classique « Contraddiction » suivi de l’essentiel et très punk « P4 » où les deux guitaristes Yann et Fred investissent comme d’habitude la fosse entourant Mouss, défiant ainsi les consignes de sécurité du Trianon pour cette soirée. Beaucoup d’autres tubes pleuvent (« Une somme de détails, » Babylone « , » La connaissance c’est le pouvoir « , » donne-toi la douleur « et » Furia « )un set ou règne le bon esprit, prouvant une fois de plus que Mass Hysteria est à la fois un groupe français incontournable sur scène et sur album depuis prés de vingt-cinq ans maintenant!
Ajoutons enfin la présence de quelques invités de renom ici et là (Stéphane Buriez, Reuno (Lofofora), l’ancien guitariste Nicolas récupéré et qui est content de voir, l’ancien bassiste Vincent Mercier …) et en prime le clip de » L’Enfer des Dieux « ainsi que les préparations de ce concert.
Chien de la casse
Vae soli !
Vector equilibrium
Notre complot
L’Espérance et le Refus
Tout est poison
L’Enfer des dieux
À bout de souffle
Matière noire
Plus que du metal
Mère d’Iroise
Chien de la casse
Vae soli !
Vector equilibrium
Notre complot
L’Espérance et le Refus
Tout est poison
L’Enfer des dieux
À bout de souffle
Matière noire
Plus que du metal
Mère d’Iroise
Contraddiction
P4
Une somme de détails
Babylone
Positif à bloc
Pulsion
World on Fire
L’Archipel des pensées
Knowledge is Power
Respect to the Dancefloor
Donnez-vous la peine
Furia
Les crédits de l’album: Mass Hysteria Le Trianon
Mouss Kelai : chant
Yann Heurtaux : guitare
Frédéric Duquesne : guitare
Thomas Zanghellini : basse
Raphaël Mercier : batterie
Nicolas Sarrouy : guitare (sur le morceau L’Archipel des pensées)
Vincent Mercier : basse (sur le morceau Knowledge is Power)
Stéphane Buriez : chant (sur le morceau World on Fire)
Reuno Wangermez : chant (sur le morceau Donnez-vous la peine)
Eric Canto : Artwork et photos
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Les horaires des festivals de musique sont presque toujours affichés lors de l’événement, sinon longtemps à l’avance.
Avec souvent des dizaines de groupes se produisant un jour donné, il est utile de prendre quelques minutes pour planifier l’angle d’attaque pour maximiser l’efficacité.
Les heures de départ, la distance entre les scènes et la popularité attendue des groupes sont les principaux facteurs de la planification.
La popularité est particulièrement importante car le nombre de photographes pourrait être limité.
Avec toute prise de vue prolongée, le rythme est essentiel, surtout si l’on est limité en terme de batteries ou cartes mémoire.
La dernière chose que l’on veut, c’est être à court de jus ou de temps à la fin de la journée alors que les plus grands groupes de la tournée sont programmés.
Bien sûr, ce conseil de stimulation ne s’applique pas seulement à la conservation de vos cartes mémoire et de la batterie de votre appareil photo, mais également à votre propre énergie.
Si vous avez la chance de prendre quelques pauses, faites-le.
Prendre de petites pauses peut faire la différence entre être en mesure de fournir votre meilleur travail pour les plus grands groupes et manquer de gaz avant même que les têtes d’affiche ne montent sur scène.
Festival de musique : Dans la fosse photo
Dans les grands festivals de musique, les stands de photos peuvent rapidement devenir bondés, donc la courtoisie est de mise.
Soyez gentil, car selon toute vraisemblance, vous allez partager des photos avec les mêmes personnes toute la journée / le week-end.
Matériel de photographie pour les festivals de musique
Les Batteries
Avec plusieurs jours complets de prise de vue, vous souhaitez que les batteries de votre appareil photo soient complètement chargées avant le début de chaque journée.
La dernière chose que vous voulez, c’est que votre appareil photo meure vers la fin de la journée, lorsque de nombreux gros groupes arrivent.
Pour économiser l’énergie de la batterie, vous pouvez réduire la revue des images et prendre des photos de manière conservatrice.
Mieux encore, apportez une batterie supplémentaire. Les batteries supplémentaires seront essentielles si vous avez un appareil photo énergivore, surtout si vous checkez vos images tout au long de la journée, ce qui réduit rapidement la durée de vie de la batterie.
Festival de musique – Crédit photo Eric CANTO
Cartes mémoire et stockage d’images
Lorsque vous photographiez un festival de musique, le stockage d’images est d’une importance capitale.
Les festivals de musique sont les marathons de la photographie musicale en direct, et de grandes quantités de stockage sont tout aussi importantes que d’avoir les batteries pour alimenter vos appareils photo.
Inutile de dire qu’un festival d’une journée va nécessiter au moins 2 à 4 fois plus d’espace de stockage que le concert d’un artiste.
Il est donc essentiel d’avoir un plan pour gérer le stockage sur place.
Avec une quantité limitée de cartes mémoire et un grand nombre de groupes jouant chaque jour dans de grands festivals, il est très important de gérer efficacement vos données. À cette fin, il existe trois approches principales :
Cartes mémoire de grande capacité
Téléchargements mobiles (ordinateur portable ou lecteur portable)
Montage à huis clos (examen et suppression sur site)
Un aspect intéressant des festivals est qu’à l’exception des têtes d’affiche, la plupart des spectacles diurnes peuvent être filmés sans rien de plus sophistiqué qu’un objectif en kit et des objectifs à ouverture variable plus lents.
Cela dit, je recommande toujours les zooms f / 2,8, car lorsque le soleil se couche et que les têtes d’affiche sortent, ces lentilles lentes seront paralysantes pour un éclairage de scène normal.
Téléobjectifs : pour les scènes principales avec les artistes en tête d’affiche, pour les grands festivals (en partie due à la hauteur des scènes), idéal pour photographier les groupes d’un point de vue plus éloigné de la scène.
Lentilles de milieu de gamme : pour la photographie sur scène plus petites.
Objectifs grand angle : idéal pour capturer l’atmosphère des festivals, et particulièrement agréable si les artistes quittent la scène et se rapprochent des fans.
Outils musicaux (amplificateurs, instruments, etc.), réactions de la foule, plats savoureux, aménagements de camping élaborés, événements météorologiques, installations artistiques, expositions et spectacles parallèles. Tout cela contribue à l’expérience globale que véhiculent vos photos.
L’intégration de détails dans votre série de photos de festival donne au spectateur un regard intime sur le fonctionnement interne des festivals de musique. Prenez le temps de former votre appareil photo aux détails.
La fumée et l’éclairage dramatique , les confettis, les feux d’artifice et les pièces pyrotechniques font tous partie des performances des festivals de musique. Surtout à l’approche de la fin de la journée.
Pour geler des confettis ou des pièces pyrotechniques en action pendant la soirée, utilisez une grande ouverture avec une sensibilité ISO généreuse et une vitesse d’obturation d’au moins 1 / 200s.
Il est difficile de ne pas se laisser emporter par l’élan du tournage d’un festival de musique. Mais prendre soin de soi est important.
Portez des bouchons d’oreille. Emportez un poncho en cas de pluie. Boire beaucoup d’eau. Portez un chapeau et de la crème solaire pendant la journée et préparez un pull pour la nuit .
Assurez-vous de porter des chaussures confortables. Prenez des collations avec vous au cas où vous auriez un petit creux ou si vous auriez besoin d’un coup de sucre.
Si vous restez au festival pendant plus d’une journée, un bon conseil pour le festival est de prendre des lingettes humides, elles sont comme une douche dans un paquet!
Et ayez un pod de chargement externe ou plusieurs pour votre téléphone. Les bornes de recharge ne sont pas toujours disponibles, voire pas du tout.
Conclusion
La photographie de festival de musique est un domaine fascinant et vaste de la photographie .
En tant que débutant, la photographie de festival de musique peut sembler un peu intimidante.
Mais grâce à la planification, à la préparation et à une petite expérience de travail, vous constaterez que la photographie de festival de musique est à la fois une expérience stimulante et enrichissante.
Vous recherchez d’autres bons conseils pour les débutants? Pourquoi ne pas consulter notre article sur les conditions de photographie que vous devez savoir ensuite!
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un festival de musique est un événement culturel où de nombreux artistes et groupes musicaux se produisent sur scène pendant plusieurs jours.
Ces festivals ont souvent lieu en plein air et attirent un grand nombre de personnes. Les festivals de musique peuvent se concentrer sur un genre musical particulier, tels que le rock, le jazz, l’électro ou le classique, ou proposer une programmation plus diversifiée.
2. Comment fonctionne l’organisation d’un festival de musique?
L’organisation d’un festival de musique implique la recherche et la sélection des artistes à programmer, la location d’un espace approprié pour l’événement, la vente des billets, la mise en place des équipements et des infrastructures nécessaires, ainsi que la coordination des services de sécurité et de secours.
L’organisation d’un festival de musique est généralement très complexe et nécessite une grande planification et coordination.
3. Quels sont les avantages d’assister à un festival de musique?
Assister à un festival de musique est une expérience unique et divertissante qui permet de découvrir de nouveaux artistes, de partager sa passion pour la musique avec d’autres fans, et de profiter d’une atmosphère festive. Les festivals de musique offrent également une occasion de voyager et de découvrir de nouveaux endroits.
4. Comment choisir le festival de musique à assister?
Le choix du festival de musique à assister dépend des préférences musicales de chacun. Il est important de rechercher les festivals qui proposent les genres musicaux que l’on préfère, ainsi que les artistes et groupes que l’on souhaite voir en concert.
Il est également important de considérer la proximité géographique, le coût des billets et des hébergements, ainsi que les infrastructures proposées.
5. Quels sont les équipements nécessaires pour assister à un festival de musique?
Pour assister à un festival de musique, il est important de prévoir des équipements de base tels que des vêtements confortables, des chaussures adaptées à la marche et à la danse, de l’eau, des snacks, de la crème solaire et une casquette pour se protéger du soleil.
Il peut également être utile d’apporter une chaise pliante, une couverture, une lampe de poche, un sac à dos et un appareil photo.
6. Comment se préparer à un festival de musique?
Pour se préparer à un festival de musique, il est important de bien se renseigner sur les dates, les horaires et la programmation des concerts, ainsi que sur les règles et les restrictions de l’événement.
Il est également important de réserver l’hébergement à l’avance, de planifier les déplacements, de prévoir un budget pour la nourriture et les boissons sur place, et de s’informer sur les moyens de paiement acceptés.
7.Comment se déroule un festival de musique ?
Un festival de musique est généralement un événement en plein air sur plusieurs jours avec plusieurs scènes et artistes. Les festivaliers peuvent camper sur place ou se rendre à l’hébergement à proximité.
Les billets peuvent être achetés pour un ou plusieurs jours. Les festivaliers peuvent généralement circuler librement entre les scènes et assister aux performances des artistes qu’ils préfèrent.
Il peut y avoir des zones de restauration et de boisson, des marchands de produits dérivés, des installations de toilettes et d’autres commodités.
8.Comment choisir un festival de musique ?
Le choix d’un festival de musique dépendra en grande partie de vos goûts musicaux et de l’expérience que vous recherchez. Les festivals peuvent être axés sur différents genres musicaux, comme le rock, la pop, l’électronique, le hip-hop ou le jazz.
Vous pouvez également tenir compte de l’emplacement, de la durée et du coût du festival. Faites vos recherches sur les festivals qui vous intéressent et lisez les commentaires et les critiques d’autres festivaliers pour vous aider à faire un choix éclairé.
9.Comment se préparer pour un festival de musique ?
La préparation pour un festival de musique dépendra de la durée et de l’emplacement du festival. Assurez-vous d’avoir des billets et des réservations d’hébergement en place à l’avance. Préparez une liste de ce que vous devez emporter, comme des vêtements confortables, des chaussures de marche, des fournitures de camping (si vous campez sur place), de la nourriture et de l’eau, un sac à dos, une tente et un sac de couchage. Assurez-vous également d’avoir une trousse de premiers soins et des médicaments de base en cas de besoin.
10.Comment profiter au maximum d’un festival de musique ?
Pour profiter au maximum d’un festival de musique, planifiez votre temps à l’avance. Découvrez l’horaire et les horaires des artistes que vous voulez voir et planifiez votre emploi du temps en conséquence.
Assurez-vous également de vous hydrater régulièrement et de manger suffisamment de nourriture pour rester énergique tout au long du festival.
Soyez prêt à faire la queue pour les toilettes et les zones de restauration et soyez respectueux envers les autres festivaliers. Enfin, profitez de l’ambiance du festival et amusez-vous en découvrant de nouveaux artistes et en rencontrant de nouvelles personnes.
Tout ce qu’il faut savoir sur la photographie de portrait
La photographie de portrait est un genre passionnant et gratifiant qui permet d’immortaliser les expressions, les émotions et le caractère unique des personnes que nous photographions. Il existe cependant plusieurs astuces et techniques pour réaliser des portraits de qualité. Dans cet article, nous aborderons les différents aspects importants tels que les réglages, le cadrage, la lumière et bien d’autres conseils pratiques.
Réglages essentiels pour réussir son portrait photo
Pour obtenir des portraits photos réussis, il est crucial de maîtriser quelques réglages. Voici quelques-uns des plus importants :
Ouverture : Une grande ouverture (petit nombre f) permet de créer un arrière-plan flou qui met en valeur le sujet principal. Il est recommandé d’utiliser une ouverture comprise entre f/1.8 et f/5.6, selon l’objectif utilisé et la profondeur de champ souhaitée.
Vitesse d’obturation : Utilisez une vitesse assez rapide pour éviter le flou de bougé, causé par le mouvement du photographe ou du sujet. Une bonne règle de base est d’utiliser au minimum une vitesse équivalente à la focale inversée (par exemple, 1/100 s pour un objectif 100 mm).
Sensibilité ISO : Réglez l’ISO de manière à obtenir une exposition correcte sans trop monter en sensibilité. Privilégiez une valeur comprise entre 100 et 800 ISO pour éviter le bruit numérique.
Mode de mesure : Le mode de mesure pondérée centrale ou spot est souvent recommandé pour les portraits, car il permet de bien exposer le visage du sujet.
Conseils pour un cadrage réussi
Le cadrage a également un impact considérable sur la qualité d’un portrait photo. Voici quelques conseils pour améliorer sa composition :
Règle des tiers : Placez le sujet selon la règle des tiers, en positionnant les yeux sur l’une des intersections imaginaires pour obtenir une composition harmonieuse.
Orientation : Choisissez entre un format paysage ou portrait en fonction du sujet et de l’effet recherché. Le format portrait convient généralement mieux aux portraits serrés, tandis que le format paysage permet d’inclure plus d’éléments qui peuvent apporter du contexte à la scène.
Espace négatif : Laissez de l’espace autour du sujet pour créer un sentiment de respiration et de profondeur dans l’image.
Attention aux éléments parasites : Évitez les objets inutiles ou distrayants dans le cadre, qui détournent l’attention du sujet principal.
Comment travailler avec la lumière en photographie de portrait
La lumière joue un rôle essentiel dans la réussite d’un portrait photo. Voici quelques conseils pour tirer le meilleur parti de la lumière naturelle ou artificielle :
Utiliser la lumière naturelle
L’heure dorée : Profitez de la qualité exceptionnelle de la lumière en fin de journée, lorsque le soleil est bas sur l’horizon et produit une lumière chaude et douce.
Les jours nuageux : La lumière diffuse des jours nuageux crée un éclairage uniforme qui met en valeur les traits du visage sans créer de zones d’ombre trop marquées.
Le réflecteur : Utilisez un réflecteur pour rediriger la lumière vers le sujet et adoucir les ombres, notamment en cas de forte luminosité.
Travailler avec la lumière artificielle
Flash : En intérieur ou en faible luminosité, il peut être nécessaire d’utiliser un flash. Privilégiez un flash déporté, orienté vers un mur ou le plafond pour obtenir un éclairage indirect plus doux.
Éclairage continu : Les sources d’éclairage continu, comme les lampes LED, permettent de travailler avec une température de couleur constante et de mieux visualiser l’effet de la lumière sur le sujet avant de prendre la photo.
Modificateurs de lumière : Les modificateurs tels que les parapluies, les softboxes ou les réflecteurs permettent de contrôler et d’adoucir la lumière artificielle pour obtenir un rendu plus naturel.
La relation entre le photographe et le modèle
Pour réaliser de beaux portraits, il est important que le photographe sache également établir une relation de confiance avec son modèle, afin qu’il se sente à l’aise devant l’objectif. Voici quelques conseils pour instaurer un climat propice à la création de portraits réussis :
Instaurer un dialogue : Parlez avec votre modèle, posez-lui des questions sur ses goûts, ses passions, ses attentes par rapport à la séance photo. Cela permettra de créer un lien et de détendre l’atmosphère.
Donner des directives : Aidez votre modèle en lui donnant des indications claires et précises sur les poses à adopter, l’expression du visage ou la direction du regard.
Faire preuve d’empathie : Essayez de vous mettre à la place de votre modèle et de comprendre ce qui peut le mettre à l’aise ou, au contraire, le rendre mal à l’aise. Adapter votre approche en fonction de sa personnalité et de ses besoins.
Montrer son travail : N’hésitez pas à montrer quelques photos au cours de la séance pour rassurer votre modèle et lui donner un aperçu du résultat final.
La photographie de portrait nécessite une excellente maîtrise des réglages techniques, du cadrage et de la lumière, mais également un bon relationnel avec le modèle. En suivant ces conseils, vous pourrez améliorer vos compétences en matière de portraits et créer des images qui marqueront les esprits.
EN SAVOIR PLUS…
Comment faire un bon portrait photo ?: ce qu’il y a à savoir pour commencer la photo portrait
Le portrait photo est une science difficile. Il n’y a pas de recette miracle mais plutôt une suite de petites choses à savoir. Savoir capter le petit instant qui fait la beauté de quelqu’un, le regard qui trahit une émotion, l’attitude qui est propre à une personne…n’est cependant pas une tâche facile. Pour réussir un portrait photo, il en faut bien plus que le savoir-faire technique, mais pas que…
Découvrez dans cet article quelques infos pour essayé de faire un bon portrait photo lorsque l’on débute. Rien de miraculeux mais si vous souhaitez vous y mettre, voici quelques pistes.
La photographie de portrait peut être extrêmement enrichissante et en même temps extrêmement difficile. Alors que la plupart des autres genres photographiques reposent entièrement sur les idées, le talent et les techniques du photographe… Le portrait photo introduit un joker… le sujet.
Un «sujet» de portrait s’ennuiera et s’agitera s’il doit s’asseoir en attendant le photographe. Cela est particulièrement vrai pour les enfants, les gens d’affaires occupés, les personnes âgées et les animaux domestiques.
La plupart du temps, les portraits photo ne sont pas techniquement compliqués. Vous devez mettre en valeur votre model, le point fort qui prendra toute l’attention de l’image à moins que vous ne vouliez l’associer à un autre élément.
L’essentiel est de mettre en valeur votre sujet. Qu’il occupe toute l’attention dans l’image.
Avant de prendre un portrait, vous devez savoir que vous devez utiliser une distance focale qui ne déforme pas le sujet. En raison de la distorsion qu’ils provoquent, vous devez éviter de prendre des photos avec des focales courtes mais plutôt utiliser un objectif qui a une distance focale d’au moins 50 mm.
De toute évidence, l’utilisation d’un objectif grand angle est généralement interdite en photographie de portrait, sauf si votre objectif est de déformer intentionnellement votre sujet.
Gardez également à l’esprit que le fait de vous en rapprocher augmente l’effet de distorsion. Pour commencer dans la photographie de portrait, je recommande d’utiliser un zoom (de préférence une grande ouverture) à partir de la distance focale 50 mm ou un objectif à focale fixe.
Je parle de la grande ouverture, c’est parce que la faible profondeur de champ qu’elle génère est importante en portrait photo.
Où faire la mise au point en portrait photo ?
Pour faire une mise au point en portrait photo, visez les yeux « le miroir de l’âme ». Il faut qu’il soit net pour en maximiser l’effet. Prenez au moins un œil sur les 2 si vous aimez jouer avec de très faibles profondeurs de champ. Vous pouvez mettre en évidence la personne en photographiant des détails (une mèche de cheveux, …etc.) afin de mettre le sujet en valeur, en particulier lorsque vous utilisez une faible profondeur de champ.
photographie portrait– Crédit photo Eric CANTO
Photo noir et blanc portrait : Comment choisir vos sujets en poetrait photo
Cette réflexion commence le mieux par la question: «Quel type de portrait allez-vous créer? Quel résultat final recherchez-vous? » Si quelqu’un vous embauche, ou vous a demandé, de créer son portrait photo, eh bien, vous n’avez pas le choix sur le sujet. Ils sont le «sujet» du portrait. Dans ce cas, votre attention est mieux tournée vers trois objectifs.
• Quel type de portrait photo veulent-ils – de quoi avez-vous besoin?
• Quels choix logistiques pouvez-vous faire pour donner à votre sujet le portrait photo qu’il demande? Par exemple, cette situation nécessite-t-elle un studio? De quel type de composition a-t-il besoin?
• Enfin, compte tenu de ces paramètres, de quel type d’équipement et de techniques avez-vous besoin pour réussir à fournir à votre sujet le style de portrait qu’il recherche? Si vous créez un portrait pour votre portfolio,
Il est utile de le savoir à l’avance, de sorte que vous vous sentiez libre de vous déchaîner et de prendre les photos ou les personnes que vous voulez! Dans cette situation, il n’y a pas de règles. Si vous voulez des ombres profondes? Allez-y! Souhaitez-vous que votre sujet se tienne la cheville profondément dans la boue au milieu d’un champ.
Pourquoi pas.
Où regarder quand on prend un portrait photo ? Comment cadrer un portrait ?
Lorsque vous réalisez un portrait , commencez par un cadrage serré pour mettre en valeur le visage. Vous pouvez ensuite réaliser un cadrage plus large pour mettre votre sujet en relation avec son environnement. N’oubliez pas toutefois d’utiliser un profondeur de champ faible pour l’isoler de l’arrière-plan.
Photographier un portrait, c’est avant tout connaître quelques règles de base, dont les notions de cadrage et de compositions. Pour commencer, je vous suggère d’utiliser la règle des tiers, afin de ne pas vous confondre avec le nombre d’or.
Cette règle de cadrage simple vous offre une bonne base de travail pour rendre vos images plus harmonieuses. Vous êtes libre de respecter ou non Sachant qu’en photographie de portrait, l’important est avant tout de capter les yeux et les expressions faciales du modèle.
C’est ici voilà toute la difficulté d’obtenir un beau portrait. N’oubliez pas que le sujet doit attirer votre attention à tout moment pour photographier au bon moment.
Dans ce cas, vous pouvez vous permettre pour couper la partie supérieure du visage en plaçant les yeux sur le tiers supérieur de l’image.
Personnellement, je préfère les portraits serrés car ils font vraiment de la place pour le visage d’une personne et crée une véritable intimité, mais dans tous les cas (même pour une photo en pied) remplissez le cadre avec l’objet photographié autant que possible, il ne fera que se renforcer.
Comment gérer la lumière naturelle en portrait photo ?
Très important, la lumière naturelle joue beaucoup pour parfaire un portrait. Pour en profiter au maximum, prenez votre photo lorsque le soleil est légèrement voilé ou mettez-vous à l’ombre tout simplement.
Le but est d’adoucir les ombres. Évitez, par contre, le grand soleil qui a tendance à entraîner des ombres dures sur le visage.
Un réflecteur peut, par ailleurs, énormément vous aider à réussir vos photos sous la lumière. C’est un petit panneau de tissu blanc ou argenté qui va réfléchir la lumière là où vous voulez.
Il va apporter de la lumière là où il n’y en a pas, permettant ainsi d’éclairer le visage de votre sujet de manière très simple et flexible lorsque vous réalisez votre portrait . Il ajoutera également cette petite étincelle de lumière dans les yeux.
Crédit photo Eric CANTO
La gestion de votre modèle lors de la réalisation d’un portrait photo
Outre la maîtrise de la technicité, il faut également savoir gérer votre modèle en photo portrait. Cette tâche est assez délicate, car elle est la clé pour avoir des photos bien naturelles et réussir de beaux portraits photos. Savoir détendre et déstresser votre modèle.
L’ultime exercice que vous avez à faire consiste à aider votre modèle à être à l’aise. Le maître mot est de parler, encore et encore.
Pas facile, mais l’idée est d’établir un climat de complicité, de détendre la personne et de gagner sa confiance. Il faut que vous soyez donc patient !
Portrait photo : Faire rire votre modèle
Encore une tâche compliquée d’autant plus que tout le monde n’a pas le sens de l’humour. Or, en portrait : on veut à tout prix obtenir une expression joyeuse sur le visage de son modèle.
L’astuce c’est de jouer sur l’inattendu. Au lieu de faire rire votre modèle, étonnez-le plutôt en disant quelque chose de complètement inattendu ! Cela fonctionne tant auprès des proches qu’auprès des inconnus.
Crédit photo Eric CANTO
Quelle est la différence entre portrait et photo ?: Obtenir une expression naturelle
En portrait, c’est ce qu’on recherche le plus : capturer une expression naturelle. Pour réussir à en avoir une, voici quelques astuces.
« Ferme les yeux »
Demandez à votre modèle de fermer les yeux. Lorsque vous serez ensuite prêt à déclencher, vous lui demanderez d’ouvrir les yeux et déclenchez immédiatement. Répétez plusieurs fois jusqu’à ce que vous ayez ce que vous souhaitez.
« Pense à… » / « Visualise ça »
Ici, le but est de trouver quelque chose qui va provoquer à votre modèle l’émotion positive ou négative que vous souhaitez montrer. Pour ce faire, demandez-lui de visualiser quelque chose ou bien de penser à quelque chose. Pour des jeunes mariés, dis-leur de « Fermez les yeux, et pensez à votre lune de miel. Vous êtes tous les deux sur la plage : pensez au soleil, au bruit de la mer, au souffle du vent sur votre peau. Maintenant, ouvrez les yeux. »Le résultat sera impressionnant !
« Donnez leur un rôle à jouer »
Pour obtenir une expression naturelle, ceci marche également à merveille. Demandez à votre modèle de jouer un rôle, assez paradoxalement ! Se mettre dans la peau d’un enfant, par exemple. Vous verrez qu’il se libérera un peu, il se détachera de son ego et sera bien à l’aise. Si vous avez l’œil, vous finirez par saisir une de ses expressions lors des séances photos.
Comment faire de beaux portraits photo ?
Poser est un art qui demande vraiment plus de temps et d’efforts que ce qui peut être accompli en un seul article. Cependant, voici quelques lignes directrices pour la photo portrait qui vous permettront de démarrer dans la bonne direction pour une bonne pose.
C’est là que la «Shot List», est utile pour la planification préalable de votre portrait . N’oubliez pas que le jour même de votre shooting, les choses peuvent changer. Cependant, avoir une liste de plans vous permettra de rester organisé.
En portrait , il existe des guides standard pour le «recadrage» ou le «cadre» d’un portrait. Ceci est important, car le recadrage peut affecter la pose. Les guides standard sont: la photo de la tête, la photo de la tête et des épaules, celle de la moitié du corps, celle de trois quarts du corps, celle de tout le corps et une photo de groupe. Ce sont tous assez explicites.
Pour une photo portrait professionnel: Ne coupez pas le corps là où il se plie…
Si le portrait photo est censé être «pleine longueur», assurez-vous d’inclure tout le corps et de donner à l’image un peu d’espace sur les bords.
Voici un point clé. Ne coupez pas le corps là où il se plie. Si votre portrait photo est une photo dans la tête, rendez votre photo cadrée si serrée que vous ne voyez pas le cou « du tout », ou incluez tout le cou pour de meilleurs résultats.
Si votre portrait photo est une photo de la tête et des épaules, ne recadrez pas le sujet au niveau des épaules ou des coudes. Si votre portrait est un portrait en demi-longueur, gardez toute la taille dans la photo et au-dessus des genoux, ou complètement hors de la photo (au-dessus de la taille).
portrait photo : Ne coupez pas les bras ou les mains.
Si votre portrait est en pleine longueur, ne coupez pas le sujet au niveau des chevilles. Les autres points chauds de la pose comprennent le haut des bras, le cou et le placement des mains. S’il y a un excès de peau sur le cou, essayez de faire étirer le cou du sujet.
Capturez le sujet de sorte que l ‘«étirement» semble normal et pas déplacé. Par exemple, placez l’appareil photo plus haut que le sujet, de sorte que lorsqu’ils étirent leur cou, ils regardent vers le haut vers l’appareil photo.
L’effet final est plus naturel en combinant une pose correcte avec la nécessité de traiter les points chauds. S’il y a un excès de chair sur les bras, il ne sera amplifié que si vous posez le sujet avec les bras pressés contre son corps.
Gardez les bras hors du corps. Cela peut être vrai même avec des sujets qui ont des bras fins. Enfin, rien ne tuera votre portrait plus rapidement que des mains que votre sujet perçoit comme étranges.
Ce point chaud particulier est seulement accentué par le fait que la plupart des sujets de portrait photo ne savent pas quoi faire de leurs mains et, lorsqu’ils deviennent nerveux, ils feront des choses étranges avec leurs mains.
1. Ne poussez pas les mains vers l’avant du corps. Cela les fera paraître grands et encombrants.
2. Avant de cliquer sur l’obturateur, regardez les mains du sujet. Sont-ils crispés ou détendus? Ont-ils croisé les doigts d’une manière étrange?
3. Si le sujet est nerveux, donnez-lui quelque chose à faire. Placez-le sur leurs genoux ou faites-leur glisser leur pouce dans une poche de pantalon. Demandez-leur de tenir un accessoire.
Si vous êtes en «mode photo de groupe», placez soigneusement les mains de chaque individu sur un individu à côté d’eux. Vous devez cependant faire attention à cette astuce. Dans un portrait de famille, tout le monde peut s’accrocher l’un à l’autre.
Dans un portrait d’entreprise, considérez attentivement toutes les options touchantes. Les dernières considérations pour poser sont la posture et les jambes du sujet. Personne n’a l’air bien debout raide comme une planche. Travaillez avec votre sujet pour qu’il se détende dans une position corporelle normale.
Demandez-leur de croiser une jambe sur l’autre, ou placez un seul pied en avant ou sur le côté. Étudiez la photographie de portrait (que vous appréciez) pour voir comment le photographe a travaillé avec la position, les mains et les pieds du sujet. Voici une astuce simple pour poser des groupes de personnes.
Ne les alignez pas. Pensez en termes de triangles. Étudiez la photographie de portrait (que vous appréciez) pour voir comment le photographe a travaillé avec la position, les mains et les pieds du sujet. Voici une astuce simple pour poser des groupes de personnes. Ne les alignez pas. Pensez en termes de triangles.
Étudiez la photographie de portrait photo (que vous appréciez) pour voir comment le photographe a travaillé avec la position, les mains et les pieds du sujet. Voici une astuce simple pour poser des groupes de personnes. Ne les alignez pas. Pensez en termes de triangles.
Quelques astuces pour faire poser votre modèle lors d’un portrait photo
Faire du portrait photo nécessite par ailleurs de donner une certaine instruction.
Pour s’y mettre il faut :
Être précis dans vos instructions
Au fur et à mesure, guidez votre modèle, en lui demandant avec précision où il doit se positionner ou vers quelle direction il doit regarder. Ne dites pas « Regarde à droite » par exemple, mais « Est-ce que tu peux regarder le poteau là-bas ? (en le montrant)ou encore « Est-ce que tu peux tourner la tête vers le poteau là-bas, et ensuite me regarder mais sans bouger la tête ? »
Rendre vos modèles plus beaux
Découvrez 4 conseils pratiques pour mettre votre modèle en valeur pour un portrait photo (car les détails comptent !)
1. Faire baisser légèrement le menton de votre model
Faire baisser légèrement le menton rend les gens plus beaux. Cela a tendance à mieux dessiner la ligne de la mâchoire, à affiner le visage et masquer un léger embonpoint.
2. L’angle de vue
Pour mettre en valeur votre modèle, votre angle de vue est important. Ne photographiez jamais quelqu’un en contre-plongée (vu de dessous). Prenez votre photo pile face à la personne, légèrement au-dessus (en plongée) ou légèrement en-dessous (en contre-plongée).
3. Le « squinch »
Pour que votre modèle ait un regard plus intense, optez pour le squinch. Il s’agit de lui faire relever la paupière inférieure, quasiment sans que la paupière supérieure ne bouge.
4. Pose de trois quarts ou de face
La position du corps joue aussi sur la manière dont vous verrez le modèle, et ce, même si vous photographiez un buste par exemple.
– De face, il va paraître plus imposant.
– A trois quart, la silhouette va s’affiner.
Voila donc quelques indications pour commencer. Ce n’est pas si complexe que cela, une seule chose à garder en tête : faire et refaire du portrait photo. Testez encore et encore, vous allez voir, c’est magique, on progresse jour après jour…
portrait photo
FAQ sur la photographie de portrait
1. Qu’est-ce que la photographie de portrait ?
La photographie de portrait est un genre de photographie qui se concentre sur la capture de l’apparence physique d’une personne. Les portraits peuvent être pris en studio, à l’extérieur, ou dans tout autre lieu choisi pour sa signification ou sa symbolique.
2. Quelles sont les techniques de base de la photographie de portrait photo ?
Les techniques de base de la photographie de portrait comprennent la gestion de la lumière, la composition, la pose, la mise au point et la gestion de la profondeur de champ. La lumière est souvent le plus important de ces éléments, car elle peut affecter l’ambiance de l’image et souligner les caractéristiques du sujet.
3. Comment choisir l’emplacement pour un portrait photo?
Le choix de l’emplacement dépend souvent de l’effet que le photographe souhaite créer. Les portraits en studio peuvent permettre un meilleur contrôle de la lumière et de l’environnement, tandis que les portraits en extérieur peuvent offrir une plus grande variété de textures et de couleurs. L’emplacement doit être choisi en fonction des préférences du sujet et des objectifs esthétiques du photographe.
4. Comment choisir les vêtements pour un portrait photo ?
Les vêtements pour un portrait doivent être choisis en fonction de l’effet souhaité. Les vêtements simples et unis sont souvent préférables, car ils permettent au sujet de ressortir davantage. Les motifs et les couleurs vives peuvent distraire l’œil et être difficiles à reproduire fidèlement en photographie.
5. Comment poser le sujet pour un portrait photo ?
La pose doit être naturelle et confortable pour le sujet, tout en soulignant les caractéristiques physiques du sujet. Le photographe peut guider le sujet en lui donnant des instructions simples, mais il est important de rester à l’écoute des préférences du sujet pour que le résultat soit satisfaisant.
6. Quel équipement est nécessaire pour la portrait photo
?
Le matériel nécessaire pour la photographie de portrait dépend de l’objectif de la séance. Un appareil photo avec un objectif de portrait de qualité, un trépied, un éclairage et des réflecteurs sont des éléments couramment utilisés en photographie de portrait.
7. Comment gérer la profondeur de champ en photographie de portrait ?
La profondeur de champ est importante en photographie de portrait car elle peut aider à isoler le sujet de l’arrière-plan. Les objectifs à grande ouverture (f/1.4 – f/2.8) permettent d’obtenir une faible profondeur de champ, tandis que les objectifs à petite ouverture (f/8 – f/16) permettent d’obtenir une grande profondeur de champ.
8. Comment gérer la lumière en portrait photo ?
La lumière est souvent le plus important des éléments de la photographie de portrait et il est important de la maîtriser pour obtenir des résultats satisfaisants. Les photographes peuvent utiliser différents types d’éclairage, tels que la lumière naturelle, les lampes à lumière continue ou les flashs. Le placement de la lumière est également important pour créer des ombres et des reflets qui mettent en valeur le sujet.
9. Comment retoucher un portrait après la séance photo ?
La retouche d’un portrait peut aider à améliorer l’apparence du sujet et à corriger les défauts mineurs de l’image. Les retouches courantes comprennent la suppression de taches de peau, la réduction des rides et l’amélioration de la netteté de l’image. Il est important de ne pas trop retoucher l’image, car cela peut la rendre irréaliste ou artificielle.
10. Comment créer une atmosphère confortable pour le sujet pendant la séance photo ?
Pour que le sujet se sente à l’aise pendant la séance photo, le photographe doit créer une atmosphère détendue et accueillante. Des conversations légères peuvent aider à détendre l’atmosphère, tandis que des pauses régulières peuvent aider le sujet à se reposer. Il est également important d’écouter les préférences du sujet et de le guider avec des instructions claires et simples tout au long de la séance.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La couverture de l’album Failles de Mass Hysteria réalisée par Eric Canto, photographe : « Après 6 mois, mon travail est maintenant terminé. Je suis très fier de vous présenter la couverture de mon dernier travail : le nouvel album de Mass Hysteria : » FAILLES « . En magasin le 28 septembre en édition collector. »
Le sixième album de MASS HYSTERIA n’est rien d’autre qu’une putain de claque au visage ! Le combo a fait le « clean ». Il a fait une nette impression de l’époque qui a suivi la désormais légendaire « Contradiction » et son célèbre tube « Furia ». L’album Mass Hysteria Failles s’est vendu à 7 000 exemplaires environ. Il s’agit du premier album avec Nicolas Sarrouy à la guitare à la suite du départ de Olivier Coursier, ainsi que le dernier avec Stéphan Jacquet à la basse.
Loin de la pop / rock de l’album « Mass Hysteria » (2005) et de « De Cercle En Cercle » (2001), nos Parisiens en colère, riches de volonté sauvage, avaient déjà un certain enthousiasme et 2007 carrément une énergie positive avec « une somme de détails », qui a marqué un retour aux sources, époque « Contradiction ».
– World On Fire (04:08)
– Plus qu’aucune mer (04:07)
– Failles (03:34)
– L’archipel des pensées (03:29)
– Clean (03:13)
– Dysphoria (02:56)
– Le magnétisme des sentiments (04:10)
– Aller plus loin (02:56)
– Respirer (04:04)
– Get High (03:46)
– Rien n’être plus (03:18)
– Comme on danse (03:10)
L’année 2009 aura été une grande année pour Mass Hysteria. On les retrouve en première partie de Metallica à Nimes, de Limp Bizkit à Paris, et ils sortent en cette rentrée, leur 6ème album studio, avec un titre, Failles, et une pochette qui annoncent du lourd.
Et bien du lourd, si vous en cherchiez, vous allez être gâtés. Cet album de Mass Hysteria Failles, c’est comme la deuxième lame wilkinson ou le double effet kisscool. Après l’excellent Une somme de détails sorti en 2007 (et chroniqué ici) qui annonçait déjà un retour au gros son des Mass d’origine, Failles enfonce le clou ! Pas moins de 12 morceaux sur cette galette. Ah non pardon, douze SKUDS devrais-je dire, tant cet album n’offre pas 1 seconde de répit. On en prend littéralement plein la gueule. Aucune fioritures, juste de l’efficacité à l’état pur.
Zoom sur les morceaux de l’album Mass Hysteria Failles
D’abord y’a ce World on Fire, titre anglais mais chant français de Mouss qui, dans les premières secondes, rappelle le ton harangueur de Bernie Bonvoisin de la grande époque. Les rythmiques sont monstrueuses, les phrases chocs tombent: « Ne laissez pas la haine du système, ne laissez pas la haine s’installer/s’exprimer » ou bien « orgasme financier, éjaculation de billets ». Tout le monde est habillé pour l’hiver. Quel délire ça va être en live ce morceau. Je voudrais déjà y être.
Et que dire de l’intro énorme de Mass Hysteria Failles. Petit piano bontempi, pour un thème à la Indochine, et explosion de guitares. Rythme lent, lancinant. C’est marrant à un moment je trouve que le chant très rap, ressemble à une chanson de Diam’s (oups la référence).
L’archipel des pensées est plus classique, samples en fond, mid tempo, j’aime quand même bien le break de rythmique au milieu. Ca va donner en live ça aussi. J’adore aussi l’hystérique Clean, à l’intro style ancien Prodigy. Super speed sur le couplet, riffs de grands malades et mid tempo sur le refrain. Bien bon. Il dit avoir fait le Feng Shui, amusant car ce morceau ne me semble pas être très Zen, bien au contraire. Dysphoria (l’opposé de Euphoria) et le seul morceau où on trouve un bref moment de calme (relatif) dans le break. Profitez ça ne dure pas. On note encore une phrase qui pète « je n’ai pas connu mon Everest, le plus grand dépassement de soi ».
Encore une intro d’électro sur Le magnétisme des sentiments, morceau faussement calme.
Aller plus loin, avec un superbe refrain « jusqu’où peut on aller ensemble ? ». morceau faussement bourrin de Mass Hysteria Failles.
Encore une intro géniale avec Respirer, style Prodigy encore (c’est l’effet des samples j’imagine), qui annonce l’explosion des riffs des guitares simples et efficaces. Grosse basse ronflante, et chœurs du groupe sur le refrain. Ca rend super. Rammstein n’a qu’à bien se tenir, Mass Hysteria défouraille (et sans avoir besoin de clip porno).
Haaaa, j’adore ce morceau Get High. L’intro électro est géniale et le reste défonce tout. Dur de ne pas headbanger sur ce morceau. En plus je ne peux m’empêcher de sourire en repensant à l’interview de Yann avant le concert de Nîmes, où il expliquait que Mouss avait un accent « frenchy, frenchy ». Moi je trouve qu’il s’en tire plutôt bien sur ce morceau chanté en anglais (une première pour les Mass).
Superbe intro encore batterie + samples + voix sur Rien n’est plus. Les riffs de gratte sont toujours hyper acérés: « Tout peut changer ! ». Bref y’a encore de l’espoir nous hurle Mouss.
Comme toujours avec les Mass on finit sur le DanceFloor (cf interview Yann). On termine l’album avec Comme on danse, que je trouve géniale, très rythmée, et pleine de formules magiques « sautez, hurlez, dansez, voyez comme on danse, voyez comme on pense, voyez comme on emmerde la tendance ». Les furieux vont s’en donner à cœur joie dans la fosse cette chanson a été écrite pour la scène. Ca va pogoter !
Juste un bémol sur Plus qu’aucune Mer que je trouve un peu en retrait comme morceau et sur l’utilisation à plusieurs reprises de la voix passée au filtre style radiobox. J’aime pas beaucoup, mais rien de grave. Rassurez vous.
Moi je vous le dis : Mass Hysteria a une formule magique. Comme dans l’excellent sketch de Mozinor sur la formule de Besson pour faire des films à succès. Ici c’est plutôt :
des riffs de Yann et Nico aiguisés comme la double hache de Gimli
des formules chocs et engagées de Mouss
une section rythmique (Stephan et Rapha)
un zeste de samples et d’électro
La recette d’une tuerie tout simplement !
PS: Posologie en cas de crise (actuelle): Une écoute le matin et une écoute le soir, à donf. On peut dépasser sans problème la dose prescrite.
Faire desphotos live peut être très excitant…Imaginez-vous debout à quelques mètres de votre idole que vous prenez en photo. En tant que mélomane passionné, cela semble être le paradis et en effet, c’est une description détaillée de ce que l’on peut ressentir. Mais comment commencez-vous à faire des photos live ? Quel est l’équipement dont vous avez besoin ? Découvrez 5 conseils de photo live pour commencer l’aventure…
Si vous êtes un photographe ou un amateur de musique, vous savez probablement à quel point il est difficile de capturer les moments intenses et fugaces d’un concert. Cependant, avec les conseils suivants, vous serez en mesure de prendre des photos de qualité professionnelle en direct.
Photos live : Choisissez le bon équipement
Le choix de l’équipement approprié est crucial pour capturer des images de qualité en direct. Optez pour un appareil photo avec une haute sensibilité ISO pour une meilleure capture de la lumière en environnement sombre. Un objectif lumineux avec une grande ouverture est également essentiel pour obtenir des images nettes et bien exposées.
Pour capturer des images de qualité lors de concerts live, il est important de choisir le bon équipement. Voici quelques éléments clés à prendre en considération :
Appareil photo : Un appareil photo avec une bonne sensibilité ISO est essentiel pour capturer des images nettes dans des conditions de faible éclairage, qui sont courantes lors des concerts live. Un appareil photo reflex numérique ou un appareil photo hybride sont généralement recommandés pour leur qualité d’image et leur flexibilité.
Objectif : Un objectif lumineux avec une grande ouverture est recommandé pour les concerts live. Il permettra d’obtenir des images nettes et bien exposées, même dans des conditions de faible éclairage. Un objectif à focale fixe avec une ouverture f/1.8 ou f/2 est souvent un excellent choix pour ce type de situation.
Batteries supplémentaires : Les concerts peuvent durer plusieurs heures, il est donc important de s’assurer que vous avez suffisamment de batteries pour tenir jusqu’à la fin. Il est recommandé d’avoir au moins une batterie supplémentaire complètement chargée.
Cartes mémoire : Les fichiers de photos de haute qualité peuvent prendre beaucoup de place sur votre carte mémoire. Il est donc important d’avoir une carte mémoire de grande capacité (32 Go ou plus) ou d’en avoir plusieurs pour éviter de manquer d’espace de stockage.
Trépied : Un trépied peut être utile pour les prises de vue à faible vitesse d’obturation ou pour les prises de vue à distance. Il permet également de maintenir une position stable pour obtenir des images nettes et éviter les flous de bougé.
En somme, le choix de l’équipement approprié est essentiel pour capturer des images de qualité lors de concerts . En optant pour un appareil photo de qualité avec un objectif lumineux, des batteries et des cartes mémoire supplémentaires, et éventuellement un trépied, vous serez prêt à capturer des images mémorables qui vous permettront de revivre l’expérience du concert encore et encore.
Photos live : Anticipez les mouvements
La photographie de concerts live peut être un défi pour les photographes, car les artistes sur scène sont souvent en mouvement constant. Pour capturer des images nettes et de qualité, il est donc important d’anticiper les mouvements des artistes. Voici quelques conseils pour y parvenir :
Observer attentivement : Avant de prendre des photos, observez attentivement les artistes sur scène pour comprendre leur rythme et leur style de mouvement. Cela vous aidera à anticiper leurs mouvements et à vous préparer à capturer les moments forts du concert.
Déplacez-vous : Pour obtenir le meilleur angle de vue, vous devrez peut-être vous déplacer en fonction des mouvements des artistes. Essayez de vous positionner à un endroit stratégique où vous pouvez capturer plusieurs angles de vue intéressants, tout en restant à une distance de sécurité de la scène et des autres spectateurs.
Utilisez un mode de mise au point rapide : Les modes de mise au point automatiques peuvent être lents et inefficaces pour la photographie de concerts live. Utilisez plutôt un mode de mise au point rapide, comme le mode de mise au point continue (AF-C) ou le suivi du sujet, pour suivre les mouvements des artistes et éviter les photos floues.
Privilégiez des vitesses d’obturation élevées : Les vitesses d’obturation élevées permettent de figer les mouvements rapides des artistes sur scène et d’obtenir des images nettes. Utilisez une vitesse d’obturation d’au moins 1/250 ou 1/500 seconde pour capturer les mouvements des artistes.
En anticipant les mouvements des artistes sur scène, vous serez en mesure de capturer des images nettes et de qualité lors de concerts live. Prenez le temps d’observer attentivement, de vous déplacer si nécessaire, d’utiliser un mode de mise au point rapide et des vitesses d’obturation élevées pour obtenir des images impressionnantes qui captureront l’essence même de l’énergie et de l’émotion du concert.
Photos live : Utilisez des réglages manuels
Pour obtenir des photos de qualité lors de concerts live, il est important d’utiliser des réglages manuels sur votre appareil photo. Les conditions d’éclairage changeantes et les mouvements rapides des artistes sur scène peuvent rendre difficile l’utilisation des modes automatiques. Voici quelques conseils pour utiliser efficacement les réglages manuels :
La sensibilité ISO : Les concerts live ont souvent une faible luminosité, il est donc important d’utiliser une sensibilité ISO élevée pour capturer des images bien exposées. Cependant, une sensibilité ISO trop élevée peut entraîner du bruit sur vos photos. Essayez de trouver un équilibre entre la sensibilité ISO et la qualité d’image. En général, une sensibilité ISO de 1600 à 3200 est une bonne plage pour la photographie de concerts live.
La vitesse d’obturation : La vitesse d’obturation est importante pour figer les mouvements rapides des artistes sur scène. Utilisez une vitesse d’obturation rapide (1/250s ou plus rapide) pour obtenir des images nettes. Cependant, gardez à l’esprit que des vitesses d’obturation trop rapides peuvent entraîner une sous-exposition de vos photos.
L’ouverture : L’ouverture détermine la profondeur de champ de votre image. Pour la photographie de concerts live, une grande ouverture (f/2.8 ou plus grande) est recommandée pour créer un flou d’arrière-plan et mettre en évidence les artistes sur scène. Cependant, gardez à l’esprit que cela peut rendre plus difficile la mise au point précise sur le sujet.
La balance des blancs : Les concerts live ont souvent des lumières de couleurs différentes, ce qui peut affecter la balance des blancs de vos photos. Utilisez les réglages de balance des blancs manuels de votre appareil photo pour ajuster les couleurs de vos photos en fonction de la scène et des lumières du concert.
En utilisant des réglages manuels, vous pouvez capturer des photos de qualité lors de concerts livet. Expérimentez avec différents réglages pour trouver l’équilibre parfait entre la sensibilité ISO, la vitesse d’obturation, l’ouverture et la balance des blancs pour obtenir des images nettes et bien exposées qui capturent l’énergie et l’émotion du concert.
Photos live : Soyez créatif
La photographie de concert peut être une expérience passionnante et créative, car elle permet aux photographes de capturer l’énergie et l’émotion des artistes sur scène. Voici quelques conseils pour stimuler votre créativité et obtenir des photos de concert uniques et mémorables :
Jouez avec les angles de vue : La photographie de concert ne se limite pas à des prises de vue frontales. Essayez des angles de vue différents, comme des prises de vue en contre-plongée ou des prises de vue en plongée, pour donner une perspective différente à vos photos.
Utilisez des effets de lumière : Les effets de lumière peuvent ajouter de l’ambiance et de la créativité à vos photos de concert. Essayez d’utiliser la lumière colorée ou les faisceaux lumineux pour ajouter un effet dramatique à vos images.
Cherchez les moments forts : Les concerts sont remplis de moments forts et émotionnels. Cherchez ces moments, comme une chanson particulièrement émouvante ou un solo de guitare épique, pour capturer des images qui reflètent l’essence même du concert.
Jouez avec la vitesse d’obturation : En utilisant une vitesse d’obturation plus lente, vous pouvez créer des effets de mouvement intéressants sur vos photos de concert. Essayez de capturer le mouvement des artistes sur scène avec une vitesse d’obturation plus lente pour obtenir des images uniques.
Soyez attentif aux détails : Les concerts ne sont pas seulement des artistes sur scène, il y a également de nombreux détails intéressants à capturer, comme les instruments de musique, les gestes des artistes, les expressions faciales, les tatouages, etc.
En étant créatif et en expérimentant avec différents angles, effets de lumière, vitesses d’obturation et détails, vous pouvez capturer des photos de concert uniques et mémorables qui reflètent l’énergie et l’émotion de l’événement.
Respectez les règles de sécurité :
Lorsque vous photographiez un concert live, il est important de respecter les règles de sécurité pour vous-même, les artistes et les autres spectateurs. Voici quelques conseils à garder à l’esprit pour assurer la sécurité lors de la prise de vue de concerts :
Restez à distance de la scène : Il est important de rester à une distance appropriée de la scène pour éviter tout risque pour vous-même et pour les artistes. Évitez de vous approcher trop près de la scène ou des artistes en action.
Suivez les instructions des organisateurs du concert : Les organisateurs du concert ont mis en place des mesures de sécurité pour protéger les artistes et les spectateurs. Suivez les instructions des organisateurs du concert en matière de sécurité et de prise de vue pour éviter les problèmes.
Soyez conscient de l’environnement : Les concerts peuvent être des environnements bruyants et chaotiques. Soyez conscient de votre environnement et des personnes autour de vous pour éviter les collisions ou les accidents.
Évitez d’utiliser des flashs : Les flashs peuvent distraire les artistes et perturber leur performance. Évitez d’utiliser des flashs lors de la prise de vue de concerts live.
Ne pas obstruer la vue des autres spectateurs : Soyez conscient de votre position et ne bloquez pas la vue des autres spectateurs. Évitez de vous tenir debout ou de vous déplacer devant les autres spectateurs.
En suivant ces règles de sécurité, vous pouvez profiter d’une expérience de prise de vue de concert live sans risque pour vous-même ou pour les autres. N’oubliez pas que la sécurité est la priorité absolue lors de la prise de vue de concerts.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Brian Griffin est né à Birmingham le 13 avril 1948, mais a vécu dans le Pays noir jusqu’à ce qu’il aille à Manchester Polytechnic (1969-1972) pour étudier la photographie. A partir de 1972, il vit à Londres en tant que photographe indépendant. Il a reçu sa première commande pour Management Today en novembre 1972. Il a été exposé pour la première fois chez Young British Photographers en 1975. Il a reçu «Liberté de la ville d’Arles, France» en 1987. Publication du livre «Travail» en 1988. Avec une exposition personnelle à la National Portrait Gallery.
Son travail fût récompensé par le prix du meilleur livre photographique au monde à Barcelone Primavera Fotografica en 1991. En 1989, le journal Guardian l’a également proclamé « Photographe de la décennie ».
Le magazine « Life » a également utilisé la photo « A Broken Frame » sur la couverture avant le supplément spécial « The Greatest Photographs Of The 80’s ».
Brian Griffin photographe
Avec plus d’une centaine d’albums et de couvertures de magazines, Brian Griffin est l’un des chroniqueurs les plus connus de New Wave, Post-Punk et New Romantics. Cependant, lorsque cet enfant de Birmingham a déménagé à Londres à l’âge de 25 ans après avoir étudié la photographie au Manchester Polytechnic, il rêvait de travailler dans la mode.
« Ça s’est mal terminé », plaisante Brian Griffin photographe aujourd’hui, rappelant ses débuts en tant que « photographe d’affaires ».
Comment a-t-il immortalisé les visages les plus emblématiques de la scène musicale des années 80? « J’ai apporté mon portfolio à STIFF Records, un label indépendant à l’époque, et je leur ai montré mon travail. Ils l’ont aimé et c’est comme ça que ça a commencé », dit-il.
Le nouveau livre de Brian Griffin photographe POP – un livre de 400 pages qui s’étend du milieu des années 1970 à la fin des années 1980 – éclaire l’une des périodes les plus riches de l’histoire de la musique, dans laquelle une nouvelle scène apparaît chaque semaine.
Au centre de cette excitation, Brian Griffin tourne son objectif sur les visages qui façonnent ce nouveau paysage musical. Pour i-D, il revient sur les photos qui ont marqué cette fois.
Brian Griffin : «Cette séance a eu lieu chez un coiffeur à Coventry pour le Radio Times. Tout était prêt quand je suis arrivé, je devais juste être là et relâcher la détente. J’étais un jeune photographe, ils auraient pu me manger cru car j’étais très naïf. Je devais leur donner des instructions.
Depuis lors, je dirige à peu près les gens, plus aujourd’hui. Je vois mes sujets comme des marionnettes, qui peuvent me demander de bouger d’une manière ou d’une autre.
Brian Griffin photographe
Brian Griffin : « Le shoot a duré toute une journée et ce jour-là, Iggy m’a épuisé. Nous étions à Notting Hill. Il m’a lavé, il était si énergique. J’étais jeune, tellement en forme, mais il était extraordinaire, particulièrement inventif et brillant dans son Corps J’avais beaucoup de respect pour lui car il venait de travailler avec Bowie à Berlin.
Iggy avait quelque chose de bouleversant mais je pouvais bien faire avec lui. Le lendemain, il a fait son tournage publicitaire et je ne suis pas venu parce que je n’étais pas celui qui a été embauché pour le faire. Il est devenu fou parce que je n’étais pas là. C’est donc qu’il a aimé l’idée que j’étais là, ce que je ne comprends toujours pas. «
Elvis Costello
Brian Griffin photographe
Brian Griffin : « Cette photo a été prise dans une maison de label ou un palais dans les collines d’Hollywood. J’avais une série dans le Sunday Times Magazine parce que le groupe jouait au Hollywood High School. Je suis sorti beaucoup avec eux et j’ai improvisé la session pendant que nous y étions.
Prenez un verre dans la piscine, j’ai dit à Elvis de s’allonger sur le plongeoir et quelque temps plus tard j’ai ramené mon travail à Londres, et le Sunday Times était très strict: elle ne voulait aucune de mes photos Riviera, le directeur d’Elvis, m’a demandé après toute la série et mes photos ont finalement servi de pochettes d’album et de pochettes d’album. «
Echo & the Bunnymen
Brian Griffin photographe
Brian Griffin : « J’ai pris cette photo à Porthcawl Beach, dans le sud du Pays de Galles, pour la couverture de leur album Heaven Up Here. Le groupe travaillait à Rockfield, un grand studio à l’époque, et Porthcawl était la plage la plus proche. L’idée de la photo est venue de leurs managers qui voulait être entouré de mouettes sur la plage, j’ai photographié comme de minuscules personnages qui, comme vous pouvez l’imaginer, n’aimaient pas vraiment le label – Ian McCulloch était très beau et ses managers voulaient que nous soyons pour moi le moins qu’on puisse dire , pas bien reçu, mais finalement ils ont choisi cette photo et NME l’a choisie comme la meilleure couverture d’album de l’année. «
Brian Griffin photographe
Kate Bush
Brian Griffin : « Kate avait en tête A Broken Frame de Depeche Mode, elle avait beaucoup aimé cette photo prise dans le champ de blé et souhaitait quelque chose de proche. J’ai donc trouvé un champ dans lequel nous pouvions travailler, proche de ma maison à High Wycombe. Nous sommes allés là-bas avec le propriétaire du champ, les maquilleurs, les coiffeurs, les assistants et nous avons réalisé le shooting au beau milieu de ce champ. Kate est une femme géniale, tout à fait extraordinaire. Je ne vois pas ce qu’on peut dire d’autre d’elle, vraiment : elle est extraordinaire. C’est quelqu’un d’impossible à oublier, même après avoir passé une seule journée avec elle… »
Brian Griffin : « Nous avons utilisé une larme d’argent qui peut être vue près de son œil droit. Pour prendre la photo, j’ai beaucoup joué avec la double exposition. Il était important que j’aie un film dans l’appareil photo. et n’a pas bougé pour rembobiner la caméra et définir un nouveau plan pour le précédent. «
Dans Black Country Dada, Brian Griffin parle de pop stars filantes, d’hommes d’affaires surréalistes et de bâtisseurs majestueux
« Quand j’ai quitté la maison à 18 ans pour aller à l’université à Manchester, j’ai dit à ma mère: » Je vais être plus célèbre que David Bailey. « Cela n’a pas fonctionné de cette façon. »
Si vous avez acheté un disque de Depeche Mode dans les années 80 et 90, il y a de fortes chances que Brian Griffin ait tourné la pochette, ainsi que des dizaines d’autres pochettes d’albums emblématiques. Au cours d’une carrière de plus de quatre décennies, Brian a été récompensé par des prix allant du photographe Life de la décennie au meilleur livre photo de la décennie. Brian vient de lancer son autobiographie auto-publiée au FormatFestival, Brian parle de la joie du contrôle total, des pressions financières de faire cavalier seul et pourquoi ses fanzines auto-publiés se vendent toujours 40 ans plus tard.
En quoi était-ce différent d’écrire une autobiographie plutôt que de travailler sur un livre photo ?
L’autobiographie était une tâche énorme, il m’a fallu un an pour l’écrire pour commencer parce que je ne suis pas écrivain. C’était difficile d’essayer d’être mon propre éditeur, de décider quoi utiliser et de prendre toutes sortes de décisions que vous devez prendre lorsque vous faites un livre.
Ensuite, j’ai dû choisir toutes les images car il y a 200 ou 300 photographies dans le livre. La conception a été réalisée par The Cafeteria, à Sheffield, et c’est leur expertise qui m’a aidé à traverser cela et l’édition du livre. C’était donc une entreprise colossale, vous pouviez multiplier par 3 ou 4 la création d’un livre photo. Et puis j’ai dû réunir tout l’argent.
Avez-vous déjà publié vous-même ?
Mon premier livre auto-publié était Brian Griffin Copyright 1978. C’était une affaire mince et agrafée et j’ai imprimé 500 exemplaires mais à l’époque il ne s’est pas vendu et j’en ai encore beaucoup à la maison. Mais au cours des 10 dernières années, il a commencé à se vendre assez bien lors de conférences ou de conférences, ou via mon site Web, je les signe et les envoie.
Puis en 1988 j’ai publié Work, qui est aujourd’hui un livre très célèbre mais qui à l’époque n’avait pas fait sensation. J’ai imprimé 1000 copies papier qui avaient un disque à l’intérieur, et 3000 copies brochées. Et parce que je faisais beaucoup de photographie commerciale à l’époque, je pouvais me permettre de dépenser quelque chose comme 30 000 £ pour cela, j’ai peur de penser à ce que ce serait aujourd’hui. Nous avons eu un grand événement de lancement avec plusieurs centaines de personnes, et nous n’avons vendu qu’un seul exemplaire. Un seul exemplaire.
Pourquoi continuez-vous à le faire, qu’est-ce qui vous motive à publier votre travail sous forme de livre ?
Vous ne le faites pas pour gagner beaucoup d’argent, c’est certain. Par exemple, ce livre est un livre cartonné de 216 pages, tous produits à partir de photographies analogiques et il a fallu un an pour l’écrire, plus tous les frais des concepteurs et des imprimeurs. Je ne pouvais me permettre de faire que 750 exemplaires et au moment où vous avez tout payé, il en reste très peu.
Quel est l’attrait de l’auto-édition ?
Vous êtes tellement comblé lorsque vous recevez le premier exemplaire, lorsque vous ouvrez la boîte et que vous sentez le papier et l’encre. Vous pouvez sentir toute l’énergie que vous y mettez. Vous vous sentez juste incroyable. Et deuxièmement, pour le nouveau, c’est incroyable de l’avoir jamais écrit, je ne suis pas un écrivain mais j’ai écrit 40 à 50 000 mots dans ce livre, c’est presque autant qu’un roman. Et j’ai tout fait sur le livre à part le concevoir. Cela ressemble à un héritage. Prendre une belle photo est le meilleur sentiment de tous, mais cela vient juste après.
Avez-vous tourné de nouveaux projets ? Sur quoi travaillez-vous?
J’ai fait beaucoup de mode ces dernières années. Tout ce que j’ai toujours voulu faire, c’est être photographe de mode, ce qui est vraiment bizarre à admettre. Quand j’avais 18 ans, j’ai quitté la maison pour aller à l’université à Manchester en 1969, j’ai dit à ma mère, je vais être plus célèbre que David Bailey. Cela n’a pas fonctionné de cette façon et je suis devenu photographe professionnel. Mais peu à peu, je me suis lancé dans la mode, j’ai tourné par intermittence pendant la majeure partie de ma carrière, mais pas à plein temps.
Né à Birmingham en 1948 et diplômé de l’école polytechnique de Manchester, Brian Griffin est l’un des photographes les plus créatifs et les plus influents d’Angleterre. Sa carrière a été extrêmement variée mais à partir de la fin des années 70, il a commencé à photographier les musiciens et les groupes de l’époque. Maintenant, ses énormes archives de photographies musicales ont été rassemblées dans un nouveau livre, simplement intitulé « Pop ». J’ai rattrapé Brian pour discuter du livre.
Salut Brian et merci beaucoup de discuter avec nous. Première question : comment le livre est-il né ?
Le livre a commencé à germer de manière minimale en 2003, mais il n’a jamais abouti ! En 2005, ça a recommencé et j’ai fait faire une maquette de base avec quelques pages de la taille d’un album, mais il n’y avait aucun intérêt. Puis, en 2008, nous avons assemblé un mannequin de grande taille, qui faisait environ la moitié de la taille de Pop. Cependant, le partenaire de GOST Books à l’époque ne pensait pas que cela réussirait avec autant d’artistes différents et que cela ne plairait pas à suffisamment de gens.
Le projet a donc disparu du radar. Mais ensuite, en 2016, Stuart Smith, le co-fondateur de GOST, m’a arrêté dans la rue et m’a proposé de continuer ! Stuart et son équipe m’ont aidé à monter une campagne Kickstarter pour collecter des fonds, avec un objectif de 30 000 £, pour la publication du livre. Je ne connaissais rien à Kickstarter, mais c’était ardu. Il faut y mettre beaucoup d’efforts – j’ai vécu avec ça 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, pompant les médias sociaux et mettant en place une série de films pour le promouvoir. Vous n’avez que 30 jours pour lever les fonds ou vous perdez tout.
La réponse a été incroyable – nous recherchions 30 000 £ et nous avons collecté 33 000 £. Et puis nous avons eu des gens qui avaient raté le Kickstarter ! Au final, nous avons collecté environ 35 000 £. Cela nous a permis non seulement de publier, mais aussi de publier le très gros livre que je voulais (même si je voulais en fait 500 pages et que nous nous sommes arrêtés sur 400).
Le livre a été composé avec Terry Rawlings, un auteur musical qui habite près de chez moi et qui était donc toujours disponible pour discuter de tout ! Nous ne pouvions nous permettre d’imprimer que 1200 exemplaires et nous étions également liés à une exposition de lancement au Festival de Lodz en Pologne.
Mais je savais que le livre vendrait des piles! Il ne nous reste plus que 80 livres et nous en avons publié plus de 500 rien que cette semaine (signer tous ces exemplaires n’était pas amusant !). Je savais que le livre prendrait de l’ampleur avec le temps. Stuart m’a dit en juin que si j’en vendais 400 avant le 1er avril 2018, il m’achèterait un menu dégustation de 7 plats au restaurant de Gordon Ramsey à Londres et maintenant il me doit un repas très cher. Nous espérons faire un autre tirage pour l’année prochaine.
Qu’est-ce qui vous a amené à tourner de la musique en premier lieu ?
J’avais envie d’élargir mes perspectives et il y avait beaucoup de groupes en costume qui ressemblaient aux hommes d’affaires en costume que j’avais l’habitude de photographier. J’adorais la musique – en fait j’avais une petite discothèque appelée « Plum » le mercredi soir dans un pub près de Birmingham quand j’étais plus jeune. La prétention à la renommée de Plum était que la femme de Robert Plant avait l’habitude de venir à la discothèque lorsqu’il était en tournée.
J’ai photographié quelques groupes avant de faire un effort sérieux et en fait le premier était The Clash pour le Radio Times. J’avais donc quelques photos décentes dans mon portfolio et je savais qu’Elvis Costello était signé chez Stiff Records, alors je suis allé leur rendre visite. En fait, Elvis était parti pour Radar Records, mais j’ai rencontré le patron Dave Robinson et il m’a engagé pour mon premier tournage, en photographiant la pochette de l’album The Parkerilla de Graham Parker et The Rumour.
Et combien d’artistes sont dans le livre?
Je pense qu’il y a environ 100 musiciens / groupes dans le livre et environ 164 pochettes de disques. Il y a une concentration à la fin des années 70 et dans les années 80, et une ou deux plus tard. Le livre est un peu comme une encyclopédie musicale. Tout est daté et chronologique – tout assembler prenait énormément de temps.
Mais le livre est un livre de geek – pour les geeks du vinyle ! J’ai même cédé toute ma collection de disques pour des promesses de dons et j’ai acheté tous ceux que je n’avais pas déjà. À part les dernières prises de vue du livre, tout était analogique, j’ai donc dû parcourir chaque feuille de négatif pour voir ce qu’il y avait et chercher où je pouvais acheter des albums et des singles. Ensuite, j’ai dû découvrir s’il y avait des manches que j’avais tournées et que j’avais oubliées !
Et j’ai en fait trouvé des trucs que j’avais tournés dont je ne me souvenais pas! Il y avait un groupe qui s’appelait Babaluma et je ne savais pas qui ils étaient. J’ai envoyé la photo à John Pache qui m’a commandé le tournage et il ne s’en souvenait pas non plus. Heureusement, Terry Rawlings a reconnu le batteur et c’est ainsi que nous avons découvert qui était le groupe. Le plus drôle, c’est que je les avais photographiés dans la voiture de John !
Quel matériel et éclairage as-tu utilisé pour les photos ?
Quand j’ai commencé à l’époque de The Clash et de Joe Jackson, je tournais avec un 35 mm Olympus OM-1. Puis, en 1979, j’ai acheté un Hasselblad et c’était le pilier. J’ai utilisé Redheads et Blondes et les ai complétés avec Bowens Flash Spot. Et puis j’ai eu 4 têtes Flash Multiblitz avec une puissance nominale de 250 joules – elles étaient à la fois portables et alimentées par le secteur. Je me souviens que lorsque nous avons tourné A Broken Frame (Depeche Mode), les lumières devaient être juste au bord du cadre et à leur limite pour pouvoir lutter contre la lumière naturelle.
Comment ce travail se compare-t-il à votre travail en entreprise ? Était-ce une vraie juxtaposition ou avez-vous trouvé que vous pouviez établir des parallèles entre les deux ?
Certainement une juxtaposition. Mais en fait, je ne l’ai pas trouvé aussi intéressant que le travail en entreprise. C’était plus étrange et plus surréaliste, alors que les membres du groupe avec leurs coupes de cheveux amusantes semblaient devoir être étranges ! Les groupes étaient une douleur dans le cul la plupart du temps. Mais le travail en entreprise était très mal payé, tandis que le travail dans la musique payait des taux beaucoup plus élevés.
Avez-vous un cliché préféré dans le livre ?
Pas vraiment, même si j’aime bien les trucs de Depeche Mode et en particulier les plans de Construction Time. Nous avons tourné sur une montagne en Suisse et l’accessoire principal était un véritable marteau de forgeron. Nous l’avons emmené de Rotherhithe à la Suisse dans un sac poubelle noir et quand il a frappé le carrousel en métal en Suisse, il a fait un bruit tout-puissant.
Le bruit a immédiatement attiré la police de l’aéroport et nous étions sur le point d’être arrêtés. Je peux encore imaginer la scène ! J’ai également apprécié la complexité de l’utilisation de l’élastique de la culotte et des expositions multiples, comme la triple exposition dans le plan de King Sunny Adé.
Joe Jackson ne voulait plus travailler avec moi après l’album Look Sharp parce que je n’avais tourné que ses pieds, mais cet album l’a rendu célèbre. Et je me souviens que les producteurs d’Echo et The Bunnymen étaient assez paniqués quand je les ai photographiés en silhouette, mais cette couverture est maintenant devenue assez célèbre.
Et quels sont les plans maintenant pour le livre?
Nous allons faire un autre tirage du livre. Je viens d’ouvrir une exposition à Naples, en Italie, avec 33 photos de ma collection – toutes vintage originales et joliment encadrées. C’est sur pendant 3 mois et toutes les images sont de Pop.
Ce week-end (9 décembre) un autre spectacle s’ouvre en Hollande, qui est presque une installation, avec des vidéos et des tas de photos de tailles différentes. J’espère que le salon de Naples se déplacera à Milan et que le Belfast Photo Festival envisage également d’organiser un salon. J’espère que nous aurons une tournée au Royaume-Uni l’année prochaine.
Si vous possédez des albums à partir des années 70, il est probable que Brian ait tourné de nombreuses couvertures. Vous trouverez des artistes comme Depeche Mode, Spandau Ballet, Ultravox, Queen, Peter Gabriel, Kate Bush, Iggy Pop et Bryan Ferry présentés dans le livre, aux côtés d’une foule d’autres visages célèbres (et moins célèbres).
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Hakan Strand est un photographe d’art suédois de Stockholm. Hakan crée d’incroyables moments poétiques à partir de ses photographies. Ses collections monochromes telles que Short Stories, Seascapes, Landscapes, Cityscapes, Architecture sont tout simplement à couper le souffle. Ses images sont immédiatement méditatives et relient ses téléspectateurs à un niveau très personnel.
Vous pouvez consulter son site Web ci-dessous pour en savoir plus: hakanstrand.com/
Håkan Strand (1959) est un photographe primé de Stockholm, en Suède. Son style se caractérise par une beauté scandinave qui se compose de minimalisme, de simplicité, de formes claires mais poétiques, de réflexion sur la beauté des petites choses et de détails bien construits.
Les photos de Hakan Strand
Ces photos, conçues comme des peintures, rendent hommage aux grands maîtres de la peinture et de la photographie et inspirent des noms comme Kirsten Klein et Michael Kenna. Avec une faible exposition, il crée des compositions sombres qui traduisent des ambiances entre crépuscule et coucher de soleil. Le mauvais temps et le ciel nuageux réchauffent ces atmosphères irréelles, qui sont conservées exclusivement en noir et blanc et soulignent le côté mystique et fantomatique.
Ce n’est pas un hasard si la série Silent Moments présentée ici signifie: c’est en effet un hommage au calme, à la virginité et à la nature que le photographe nous offre. Calme, remède à la vie quotidienne bruyante et chaotique de notre époque. Chaque photo devient alors un moment de silence, de contemplation, un moment où le temps s’arrête.
Ombres et lumières
Ombre et lumière, silence et grands espaces, la plage nous emmène dans un voyage intérieur. Il se concentre sur la route, cette ligne claire qui définit les contours d’un paysage, cet élément auquel nos yeux sont trop habitués. Vous le découvrez ici comme le protagoniste d’un monde dans lequel la présence humaine semble soudainement avoir disparu.
C’est exactement cette route vide qui s’enfonce dans le brouillard et traverse des zones incommensurables, la plus belle métaphore du silence en images.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
C’est un photographe suédois né en 1976 à Sundsvall. Il est spécialisé dans la photographie de paysages minimalistes en noir et blanc. Il a commencé à photographier en 2004 et a depuis publié plusieurs livres de photographies.
Quel est le style de photographie d’Hakan Strand ?
Le style de ses photographie est axé sur les paysages minimalistes en noir et blanc. Il utilise souvent des compositions simples et des contrastes forts pour créer des images d’une grande pureté et d’une beauté frappante. Ses images sont souvent apaisantes et contemplatives, invitant le spectateur à s’immerger dans l’image.
Quels sont les sujets de prédilection d’Hakan Strand ?
Hakan Strand se concentre principalement sur la photographie de paysages naturels, notamment des forêts, des lacs, des rivières et des montagnes. Il est également connu pour ses photographies minimalistes d’architecture.
Quel est l’équipement photographique d’Hakan Strand ?
Il utilise principalement un appareil photo numérique plein format Sony A7R III avec des objectifs Sony et Zeiss. Il utilise également un trépied pour stabiliser son appareil photo lors de la prise de vue.
Comment Hakan Strand traite-t-il ses photos ?
Hakan Strand traite ses photos en utilisant principalement Adobe Lightroom et Photoshop. Il utilise des techniques de post-traitement pour accentuer les contrastes et créer des images à fort impact visuel. Il utilise également des techniques de conversion en noir et blanc pour donner à ses images une apparence intemporelle.
Quels sont les livres de photographies d’Hakan Strand ?
Il a publié plusieurs livres de photographies, dont « Silent Moments », « Muted », « Shades of Winter » et « Equilibrium ». Ces livres présentent des photographies de paysages minimalistes en noir et blanc, accompagnées de courts textes introspectifs.
Où peut-on voir les photographies d’Hakan Strand ?
Les photographies d’Hakan Strand sont exposées dans des galeries du monde entier, notamment en Europe et aux États-Unis. Il expose également régulièrement dans des salons d’art photographique. Ses photographies sont également disponibles à l’achat en ligne sur son site web et sur des sites de vente d’art en ligne.
Quels sont les prix et les distinctions reçus par Hakan Strand ?
Hakan Strand a remporté plusieurs prix et distinctions pour son travail photographique. Il a notamment remporté le prix International Photographer of the Year en 2018 dans la catégorie « FineArt Landscape » et a été finaliste dans la catégorie « Black and White Photographer of the Year » aux Sony World Photography Awards en 2019.
Quelle est la philosophie d’Hakan Strand en matière de photographie ?
Son style de photographie est principalement axé sur la simplicité, la minimalisme et l’atmosphère. Ses images sont souvent en noir et blanc, ce qui crée une ambiance éthérée et calme. Les compositions de Strand sont souvent très épurées, avec des espaces négatifs qui renforcent la sensation d’espace et de solitude.
Qu’est-ce qui inspire Hakan Strand ?
Il est inspiré par la nature et la solitude. Il cherche à capturer la beauté et la paix qu’il trouve dans les paysages naturels, en particulier les paysages nordiques. Le temps et les saisons ont également une grande influence sur son travail, car il aime capturer la nature dans ses différents états.
Comment Hakan Strand réalise-t-il ses photos ?
Il utilise un appareil photo de format moyen et des pellicules noir et blanc pour capturer ses images. Il prend son temps pour trouver le bon cadre et la bonne composition, et utilise souvent des temps d’exposition plus longs pour créer des effets de flou ou de mouvement. Il travaille ensuite en chambre noire pour développer et imprimer ses images.
Où Hakan Strand expose-t-il ses œuvres ?
Les œuvres de Hakan Strand sont exposées dans des galeries et des musées du monde entier. Il a exposé ses photos en solo ou en groupe dans des lieux prestigieux tels que la National Gallery de Londres et le Centre Pompidou à Paris. Il vend également ses tirages limités sur son site web.
Quels sont les sujets de prédilection de Hakan Strand ?
Les sujets de prédilection de Hakan Strand sont les paysages naturels, en particulier les paysages nordiques. Il aime capturer la solitude et la sérénité de ces environnements et créer une ambiance calme et réfléchissante. Il photographie également des sujets urbains de temps en temps, mais toujours avec la même esthétique minimaliste.
Qu’est-ce qui distingue les photographies de Hakan Strand des autres ?
Ce qui distingue les photographies de Hakan Strand des autres est l’ambiance qui s’en dégage. Ses images sont souvent très épurées, avec des espaces négatifs qui renforcent la sensation d’espace et de solitude. La palette de couleurs est généralement limitée au noir et blanc, ce qui crée une ambiance éthérée et calme. La plupart de ses images ont un aspect intemporel, comme si elles avaient été prises il y a des décennies.
Hakan Strand a-t-il remporté des prix pour son travail ?
Oui, Il a remporté plusieurs prix pour son travail. En 2017, il a remporté le premier prix du concours international de photographie monochrome de la revue britannique Black and White Photography. En 2020,
Script Joker : Joker, l’un des plus grands succès de l’année 2019, vient de sortir son scénario: The Joker Screenplay. Pour fêter Noël, le Warner a voulu nous offrir un petit cadeau en rendant accessible le script Joker à tout le travail de Todd Philipps et Scott Silver, scénaristes du film. Un de mes aspects préférés est qu’il commence par ce qui suit: «Cette histoire se déroule dans son propre univers ». Voici le SCRIPT du JOKER
script joker 2019
L’histoire
Il n’a aucun lien avec aucun des films DC précédents. Nous le voyons comme un film classique de Warner Bros. Graveleux, intimes et étrangement drôles, les personnages vivent dans le monde réel et les enjeux sont personnels. Bien qu’elle n’ait jamais été mentionnée dans le film, cette histoire se déroule dans le passé. Appelons cela 1981. C’est une période troublée.
Le taux de criminalité à Gotham atteint des niveaux record. Et l’écart entre les « Haves » et les « Have-Nots » est palpable. Les rêves sont inaccessibles et glissent dans des délires. »
Todd Phillips ( The Hangover ) a réalisé Joker à partir d’un script Joker qu’il a coécrit avec Scott Silver sur la base des personnages de DC Comics. Phillips a également produit le film avec Bradley Cooper et Emma Tillinger Koskoff. Il met en vedette Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz et Frances Conroy.
Ce dernier scénario d’une centaine de pages retrace les lieux et les intentions du jeu. Il y a aussi des commentaires qui décrivent l’intrigue du film. Plongez-vous scène après scène dans la folie d’Arthur Fleck, un comédien raté qui est maudit par un rire malade et sera bientôt le symbole de la cruauté dans les rues de Gotham. Et peut-être que vous trouverez les réponses aux questions dans votre tête.
SCRIPT JOKER
Le film
Réalisateurs en herbe, fans de l’univers Batman, fans de la culture pop … dans ce scénario, vous pourrez mieux comprendre les intentions des scénaristes et imaginer la préparation de Joaquin Phoenix, qui est prévu pour les Oscars.Joker a été nominé pour la meilleure interprétation masculine, le meilleur film dramatique, le meilleur réalisateur et la meilleure musique de film dans quatre catégories aux Golden Globes.
Pour mettre une chance de votre côté et permettre aux lecteurs d’analyser le film de tous les côtés, Les studios Warner Bros ont publié le script en ligne et dans son intégralité pour ceux qui veulent le comparer avec la version finale.
Le scénario écrit par le réalisateur Todd Phillips et Scott Silver contient quelques différences par rapport à l’histoire finale, car certaines scènes ont été improvisées sur le tournage de Joaquin Phoenix. Au moment de la publication du scénario, Phillips s’est confié à Tim sur les réactions et les opinions concernant ce film controversé. Le réalisateur explique qu’en particulier une ligne a attiré l’attention du public.
« L’une des choses que j’ai remarquées qui a vraiment attiré le public est ce qu’Arthur dit dans son cahier: » La pire chose à propos de la maladie mentale est que les gens aimeraient que vous agissiez comme vous. Il n’avait rien.
Il a vraiment résonné auprès de nombreuses personnes atteintes de maladie mentale qui se sont vues un peu dans le film, chez Arthur ou dans ses expériences de différentes manières. Beaucoup de gens m’écrivent des courriels ou des messages sur mon Instagram en disant: « Cette ligne est exactement ce qu’elle fait … »
Un script qui nous permet d’en savoir plus sur ce film époustouflant.
Mass Hysteria est en deuil. Une triste nouvelle vient d’être annoncée. Michel SIX nous a quitté des suites d’une longue maladie. Les fans de Mass Hysteria le connaissaient, Michel avait posé pour la pochette de « Failles ».
La rencontre
En 2009, Je cherchais à illustrer pour Mass hysteria un album sombre qui allait s’appeler « Failles ». Je cherchais une « gueule », un visage qui aurait vécu. Je le trouvai près de Montpellier dans la communauté Emmaüs. Une courte, mais belle rencontre dans une tente de la communauté, une série de quelques photos avec Michel et son grand sourire. Puis une demande « vous pourriez me faire un regard plus sombre ? » et là un regard terrible et une photo qui fit la couverture de la pochette de l’album.
L’album
Cette pochette fut une grande fierté pour lui et pour moi. Je le rencontrais à plusieurs reprises pour lui amener la version vinyle, les affiches,…. Il usa ses tee-shirts MASS jusqu’à la corde, l’affiche de la tournée bien en place dans le réfectoire des compagnons.
Le groupe l’invita pour le rencontrer lorsqu’il passa en concert à Montpellier, au concert et à la soirée qui s’en suivit. Le groupe l’invita sur scène pour le présenter au public et le remercier. Je garde en mémoire ses larmes lorsque le public lui fit une ovation, je garde aussi en mémoire son sourire au moment de la photo de fin avec lui au centre de la scène et le groupe autour.
Une belle rencontre, une triste nouvelle.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photo, c’est avec une image obtenue à l’aide d’une chambre noire au terme de plusieurs heures de pose et fixée sur une simple plaque enduite de bitume de Judée que débute, en 1827, l’âge de la photographie. Depuis, ce sont plus de cinq milliards d’images qui, d’après des statistiques officielles, sont développées chaque année rien que dans les grands laboratoires allemands.
Nous vivons, c’est évident, à l’ère des technologies de l’image. Cinéma et télévision, vidéo et technologies numériques, toutes ces images cherchent à accaparer l’attention en essayant de nous séduire, de nous manipuler, de nous érotiser et parfois aussi, de nous informer. A tel point qu’on peut parler d’un véritable déluge d’images, ce qui peut paraître menaçant mais plus fondamentalement, renvoie à un problème d’ordre phénoménologique : Quel est notre comportement face à toutes ces images ?
Comment se fait notre sélection ? Qu’est-ce que nous percevons encore au juste ? Et qu’est-ce qui a des chances d’accéder à la mémoire iconographique collective ?
En réalité, nous vivons actuellement une situation paradoxale. Tandis que l’ analogique « classique avec les territoires qui lui sont communément attachés comme par exemple le photojournalisme, est en perte de vitesse, la photographie traditionnelle, elle, fait de plus en plus l’objet d’un discours officiel. Sa présence dans des galeries d’art et des musées, dans des salons ou à des ventes est devenue quelque chose de naturel.
Comme si elle s’était résorbée d’elle-même, la question de savoir si des photos sont des œuvres d’art ne se pose plus. Payer de grosses sommes en dollars pour des images-clés de l’histoire de la photographie, mais aussi pour des travaux d’artistes photographes contemporains, n’est plus chose rare depuis longtemps. Une jeune génération a découvert dans la photographie ce qui auparavant était considéré par les investisseurs comme des antiquités.
La photographie a avancé en âge et en même temps, elle est devenue plus actuelle que jamais. En sa qualité de médium de type plutôt contemplatif, elle a trouvé un nouvel emploi porteur d’avenir.
C’est en ce sens que le médiologue Norbert Bolz parle d’une « grande image silencieuse » qui, à l’heure du déferlement de données électroniques, permet en quelque sorte de faire halte. Là où la télévision, la vidéo ou internet génèrent un bruissement visuel, seule l’image photographique traditionnelle a, en tant que « triomphe de l’abstraction », la force de s’incruster dans notre mémoire, de susciter en quelque sorte le souvenir.
Avec son exposition « images mentales », Michael Schirner en a donné, au milieu des années 80, la preuve par l’exemple. N’y figuraient que des carrés noirs dans lesquels étaient impressionnées, en négatif, quelques lignes de texte. Willy Brandt agenouillé devant le monument des héros du ghetto de Varsovie », pouvait-on ainsi lire. Ou encore « L’empreinte du pied du premier homme ayant marché sur la lune ».
La photographie, comme l’a résumé Horst Wackerbarth, serait le seul genre capable de dépasser le niveau, populaire, de la surface visible et celui, élitiste, de la vision première, pour agir, de façon subtile, plus en profondeur».
C’est est un moyen technique et mécanique de représenter graphiquement des moments, des objets ou des personnes. Mais c’est aussi un moyen d’expression plus ou moins abstrait qui porte l’écriture de son auteur, et dont l’objectivité est égale à tout travail artistique. Piégée dans l’imitation de la peinture depuis longtemps (peinture, marines, portraits, etc.), elle a trouvé sa propre voie artistique au milieu du XXe siècle avec l’apparition du surréalisme. De nos jours, de nombreux artistes utilisent ce médium, souvent associé à la « documentation », plus qu’à l’art en tant que tel. Elle mélangent parfois de nombreux médias différents (peinture, sculpture, maquillage, art numérique) en une seule image. C’est unart permet plus que tout autre support d’ancrer la réalité dans une œuvre d’art afin de lui donner une nouvelle dimension.
Eric Canto, photographe de festival, concert et portraits artistes :
Eric Canto est photographe de concert et festival depuis de nombreuses années. Il a eu l’occasion de réaliser des photographies pour de nombreux artistes connus, avec par exemple la cover de l’album « Hellfest » de Mass Hysteria. Découvrez son travail :
Tirage photo Motorhead Lemmy Disponible ICI
Tirage photo Motorhead Lemmy Disponible ICI
