Les photos érotiques d’Elmut Newton

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 02/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Helmut Newton et ses photos érotiques…

Helmut Newton est un photographe de mode allemand, né le 31 octobre 1920 à Berlin et décédé le 23 janvier 2004 à Los Angeles. Il commence sa carrière de photographe à l’âge de 16 ans en travaillant pour la presse allemande.

Après avoir fui l’Allemagne nazie en 1938, il s’installe en Australie où il travaille pour des magazines tels que Vogue, Harper’s Bazaar et Elle.

Photos érotiquesEn 1957, il s’installe à Paris et commence à travailler pour de grandes marques de mode telles que Chanel, Yves Saint Laurent et Dior. Ses photographies sont connues pour leur esthétique provocante et érotique, mettant souvent en scène des femmes nues ou partiellement dénudées.

En 1981, il publie son premier livre « White Women » qui devient rapidement un best-seller. Il continue ensuite à publier de nombreux livres de photographies, notamment « Big Nudes » en 1981 et « Sumo » en 1999, un livre géant de plus de 400 pages qui est considéré comme le plus grand livre de photographies jamais publié.

Au cours de sa carrière, Helmut Newton a également travaillé pour des magazines de mode tels que Vogue, Vanity Fair et Playboy. Il a également réalisé des portraits de célébrités telles que Mick Jagger, Catherine Deneuve et David Bowie.

Helmut Newton a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, notamment le prix de la photographie de mode de l’Association française pour le développement de l’art de la photographie (AFAP) en 1985 et le prix culturel de la Société allemande de photographie en 1999.

Il est décédé en 2004 à Los Angeles, à l’âge de 83 ans, dans un accident de la route. Son travail est toujours considéré comme une référence dans le domaine de la photographie de mode.

Importance de ses photos érotiques dans l’histoire de la photographie

Les photos érotiques d’Helmut Newton ont été très importantes dans l’histoire de la photographie, en raison de leur approche novatrice et provocante de la représentation de la sexualité.

Newton a créé un style de photographie qui a mis en avant l’esthétique de la provocation, de la sensualité et de l’érotisme, avec des images souvent très explicites, érotiques. Il a utilisé des techniques de composition, d’éclairage et de mise en scène pour créer des images audacieuses qui ont été très controversées à leur époque.

Ses photos de charme ont été considérées comme une rupture avec les conventions de la photographie de mode traditionnelle, qui était souvent plus douce et plus romantique. Newton a introduit des éléments de domination et de soumission dans ses images, qui ont été interprétées comme une critique de la culture patriarcale et du sexisme.

Ses photos ont également été importantes pour la représentation des femmes dans la photographie, en particulier en ce qui concerne la représentation de la sexualité féminine. Les femmes dans les photos de Newton étaient souvent très puissantes, dominantes et sexuellement libérées, ce qui était une rupture avec les stéréotypes de la femme soumise et passive souvent représentée dans la photographie de mode.

En résumé, les photos de charme d’Helmut Newton ont été importantes dans l’histoire de la photographie pour leur approche novatrice et provocante de la représentation de la sexualité, leur critique de la culture patriarcale et leur représentation des femmes en tant que figures de pouvoir et de liberté sexuelle.

Succès et reconnaissance internationale

Les photos érotiques d’Helmut Newton ont connu un grand succès et une reconnaissance internationale considérables. En effet, Newton a été l’un des photographes de mode les plus influents de son temps et ses photographies ont eu un impact significatif sur l’esthétique de la photographie de mode contemporaine.

Ses photos érotiques ont été publiées dans de nombreux magazines de mode prestigieux, tels que Vogue, Harper’s Bazaar, Elle et Playboy. Ses photographies ont également été exposées dans des galeries et des musées du monde entier, y compris au Museum of Contemporary Art de Chicago, au Centre Pompidou à Paris et au Museum für Fotografie à Berlin.

Photos érotiques d’Helmut Newton – Helmut Newton et ses photos érotiques

En 1981, il a publié son premier livre « White Women », qui a été un best-seller international et a connu un grand succès critique. Il a ensuite publié de nombreux autres livres de photographies, notamment « Big Nudes » en 1981, « Polaroids » en 1991 et « Sumo » en 1999, qui est considéré comme l’un des plus grands livres de photographies jamais publiés.

Au cours de sa carrière, Helmut Newton a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, notamment le prix de la photographie de mode de l’Association française pour le développement de l’art de la photographie (AFAP) en 1985 et le prix culturel de la Société allemande de photographie en 1999. Il a également été nommé Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres en France et a reçu la Médaille de l’Ordre du Mérite de Berlin.

En résumé, les photos érotiques d’Helmut Newton ont connu un succès et une reconnaissance internationale considérables, avec des publications dans des magazines de mode prestigieux, des expositions dans des galeries et des musées du monde entier, ainsi que des distinctions pour son travail.

Photos érotiques d’Helmut Newton – Helmut Newton et ses photos érotiques

Les thèmes érotiques de prédilection d’Helmut Newton

elmut Newton était connu pour ses photographies de charme provocatrices et érotiques, qui ont souvent été qualifiées de controversées. Ses thèmes de charme de prédilection incluaient principalement des femmes, souvent nues ou partiellement dévêtues, dans des poses provocantes et des environnements sophistiqués.

Newton avait une prédilection pour les femmes puissantes et fortes, et cela se reflétait dans ses photographies. Ses images présentaient souvent des femmes avec des poses dominantes et confiantes, posant dans des vêtements de haute couture et des accessoires luxueux. Il aimait également jouer avec les stéréotypes de genre, créant des images où les femmes étaient vues comme des personnages dominants et les hommes comme des personnages soumis.

Newton était également intéressé par la relation entre le sexe et le pouvoir, et cela se reflétait dans ses images. Il aimait créer des scènes où la sexualité était utilisée comme une forme de pouvoir ou de manipulation, avec des femmes séduisantes des hommes faibles ou vice versa.

Photos érotiques d’Helmut Newton – Helmut Newton et ses photos érotiques

Enfin, Newton aimait explorer les thèmes de la sexualité et de la transgression, créant des images qui étaient souvent considérées comme choquantes ou subversives. Il a utilisé des lieux inhabituels, tels que les rues et les parkings, pour créer des images provocatrices qui ont souvent été qualifiées de pornographiques ou d’obscènes.

En résumé, les thèmes de charme de prédilection d’Helmut Newton incluaient les femmes puissantes et confiantes, les stéréotypes de genre, la relation entre le sexe et le pouvoir, et la sexualité transgressive. Ses images ont souvent été considérées comme controversées en raison de leur nature érotique et de leur représentation de sujets tabous.

Les techniques photographiques d’Helmut Newton

Helmut Newton était un photographe connu pour sa maîtrise des techniques photographiques, qui ont été très influentes dans l’histoire de la photographie.

L’une des techniques les plus marquantes qu’il utilisait était l’éclairage, qu’il manipulait avec précision pour créer des effets dramatiques dans ses images. Il utilisait souvent des sources de lumière fortes et contrastées pour accentuer les formes et les textures des sujets, et pour créer des ombres denses et marquées.

Newton était également très méticuleux dans sa composition, travaillant avec un grand souci du détail pour créer des images dynamiques et équilibrées. Il avait une sensibilité particulière pour les lignes et les formes, et aimait jouer avec la symétrie et l’asymétrie pour créer des images saisissantes.

Photos érotiques d’Helmut Newton – Helmut Newton et ses photos érotiques

Il utilisait souvent des objectifs grand-angle pour capturer des images larges et panoramiques, qui donnaient une impression d’espace et de profondeur. Il était également connu pour sa manipulation de la profondeur de champ, créant des images nettes et précises avec des arrière-plans flous pour attirer l’attention sur le sujet principal de l’image.

Enfin, Newton était également connu pour sa capacité à travailler avec des modèles, en les dirigeant avec précision pour créer des poses dramatiques et expressives. Il avait une approche très professionnelle de la photographie de mode, travaillant avec des équipes de stylistes et de maquilleurs pour créer des images cohérentes et évocatrices.

En résumé, les techniques photographiques d’Helmut Newton étaient très maîtrisées et influentes, utilisant l’éclairage, la composition, la profondeur de champ et la direction de modèle pour créer des images dramatiques et provocantes.

Les influences d’Helmut Newton

Helmut Newton a été influencé par plusieurs courants artistiques et culturels qui ont marqué son travail et ont contribué à la création de son style unique.

Tout d’abord, Newton a été influencé par le mouvement surréaliste, dont les artistes ont cherché à créer des images qui défient la réalité et l’imaginaire. Il a souvent utilisé des éléments surréalistes dans ses photographies, créant des images qui étaient souvent étranges et dérangeantes.

Photos érotiques d’Helmut Newton – Helmut Newton et ses photos érotiques

Newton a également été influencé par la photographie de mode des années 1920 et 1930, qui se caractérisait par une esthétique sophistiquée et élégante. Il a cherché à réinterpréter ce style en y ajoutant une touche de provocation et de subversion, en créant des images qui étaient à la fois sophistiquées et provocantes.

En outre, Newton a été influencé par la culture populaire de son époque, notamment la musique rock et punk, ainsi que les films d’horreur et de science-fiction. Il a intégré ces influences dans ses photographies en créant des images qui étaient souvent sombres et macabres, mais qui avaient également une touche de glamour et de sophistication.

Enfin, Newton a été influencé par les femmes fortes et indépendantes, qu’il a souvent représentées dans ses photographies. Cette fascination pour les femmes fortes peut être attribuée en partie à son enfance passée en Allemagne nazie, où les femmes étaient souvent des figures importantes de la résistance et de la lutte contre l’oppression.

En résumé, les influences d’Helmut Newton comprennent le mouvement surréaliste, la photographie de mode des années 1920 et 1930, la culture populaire de son époque, ainsi que sa fascination pour les femmes fortes et indépendantes. Il a intégré ces influences dans son travail pour créer un style unique qui a été très influent dans l’histoire de la photographie.

Les Photos Érotiques D’Elmut Newton

Les Photos Érotiques D’Elmut Newton

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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1. Qui est Helmut Newton ?

Helmut Newton (1920-2004) était un photographe allemand connu pour son travail de mode, de portraits et de nus. Ses photographies sont souvent controversées et considérées comme érotiques en raison de leur contenu explicite et de leur esthétique provocante.

2. Quel était le style photographique d’Helmut Newton ?

Le style photographique d’Helmut Newton est caractérisé par des compositions fortes et graphiques, des poses et des expressions provocantes, ainsi qu’une esthétique sombre et cinématographique. Ses photographies étaient souvent prises en noir et blanc, ce qui renforçait leur caractère dramatique.

3. Quels sont les sujets abordés dans les photos érotiques d’Helmut Newton ?

Les photos érotiques d’Helmut Newton abordent des sujets tels que la sexualité, le pouvoir, l’identité de genre et les stéréotypes de genre. Ses photographies présentent souvent des femmes fortes et dominantes, ainsi que des hommes soumis ou impuissants.

4. Les photos érotiques d’Helmut Newton sont-elles considérées comme de l’art ou de la pornographie ?

La distinction entre l’art et la pornographie est souvent subjective et dépendante de la culture et des normes sociales. Les photos érotiques d’Helmut Newton ont été considérées à la fois comme de l’art et de la pornographie en fonction des points de vue individuels.

5. Quelle a été l’influence d’Helmut Newton sur la photographie contemporaine ?

L’influence d’Helmut Newton sur la photographie contemporaine a été considérable. Ses photographies ont inspiré de nombreux artistes et ont influencé le développement de l’esthétique de la photographie de mode et de la photographie érotique.

6. Les photos érotiques d’Helmut Newton ont-elles été critiquées ?

Les photos érotiques d’Helmut Newton ont été critiquées pour leur contenu explicite et leur représentation controversée des femmes et des hommes. Certaines personnes ont considéré ses photographies comme sexistes et offensantes, tandis que d’autres les ont défendues comme des représentations honnêtes et provocantes de la sexualité.

7. Les photos érotiques d’Helmut Newton ont-elles été exposées dans des musées ?

Les photographies d’Helmut Newton ont été exposées dans de nombreux musées et galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art à New York, au Victoria and Albert Museum à Londres et au Centre Pompidou à Paris.

8. Comment les photos érotiques d’Helmut Newton ont-elles été reçues par le public ?

Les photos érotiques d’Helmut Newton ont été reçues de manière mitigée par le public. Certaines personnes ont été choquées ou offensées par leur contenu explicite, tandis que d’autres les ont appréciées pour leur esthétique provocante et leur représentation honnête de la sexualité.

9. Quel est l’héritage d’Helmut Newton dans la photographie érotique?

L’héritage d’Helmut Newton dans la photographie érotique est immense. Il a non seulement redéfini la photographie de mode, mais a également repoussé les limites de la photographie érotique en la transformant en une forme d’art sophistiquée.

Son style unique, caractérisé par un contraste élevé, des cadrages serrés et un sens aigu du pouvoir, a inspiré de nombreux autres photographes.

En plus de cela, Newton a également introduit une vision nouvelle et audacieuse de la sexualité féminine. Plutôt que de représenter les femmes comme des objets passifs de désir, il a créé des images de femmes puissantes et dominantes qui étaient clairement conscientes de leur propre sexualité et de leur pouvoir sur les hommes.

Cette représentation audacieuse de la sexualité féminine a été particulièrement radicale pour son époque et a contribué à briser les stéréotypes sexistes dans la photographie érotique.

Pourquoi les photos érotiques d’Helmut Newton ont-elles été critiquées?

Les photos érotiques d’Helmut Newton ont été critiquées pour leur contenu controversé et leur représentation de la sexualité. Certains critiques ont considéré ses images comme sexistes et offensantes pour les femmes.

Ils ont accusé Newton de promouvoir une vision rétrograde et dégradante de la sexualité féminine en la représentant comme un moyen de contrôle et de pouvoir sur les hommes.

D’autres ont critiqué la nature élitiste et hautaine de son travail, affirmant que ses images n’étaient destinées qu’à une audience de connaisseurs de l’art et qu’elles étaient déconnectées de la réalité des femmes ordinaires.

En fin de compte, cependant, il est impossible de nier l’importance des photos érotiques d’Helmut Newton dans l’histoire de la photographie et leur impact sur la représentation de la sexualité féminine.

Même si elles ont été critiquées pour leur contenu controversé, elles restent des œuvres d’art puissantes et influentes qui ont repoussé les limites de la photographie érotique.

The Black keys, un duo blues rock de choc depuis 2001

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 23/02/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

The Black Keys, formés en 2001 par le guitariste/chanteur Dan Auerbach et le batteur/producteur Patrick Carney à Akron dans l’Ohio sont à l’origine de nombreux tubes dont le célèbre morceau Howlin’for.

D’une variété plus grungy que les White Stripes, inspiré par le rocker Junior Kimbrough et influencé par le delta blues, ce duo de blues rock américain sort son 11^e album en 2022, Dropout Boogie, et annonce une tournée mondiale en 2023 avec notamment une date parisienne au Zénith les 18 et 19 juin et une au festival de Nîmes le 04 juillet.

J’aurai donc l’occasion de les photographier à nouveau.

En attendant de retrouver The Black Keys, sur scène, voici leur histoire.

The Black keys, des débuts prometteurs 2001-2007

Dan et Patrick sont amis d’enfance puisque voisins, ils ont côtoyé la même école, dans les années 90,  le Firestone High School. Les deux garçons se lient d’amitié malgré leurs différences ; alors que Patrick Carney est réservé, Dan Auerbach lui est capitaine de l’équipe de football.

Ils commencent à s’amuser ensemble sur différents instruments à l’adolescence ne faisant qu’un passage éclair à l’Université d’Akron.

Dan Auerbarch est un fan du bluesman Junior Kimbrough. C’est en écoutant ses chansons qu’il décide de se mettre à la guitare.

Les deux acolytes décident donc d’arrêter les études pour se consacrer pleinement à la musique, gagnant leur vie grâce à des petits boulots.

Chacun dans sa famille est associé à un musicien. Dan a pour cousin le guitariste Robert Quine, et Patrick est le neveu du saxophoniste Ralph Carney.

Ils forment leur groupe, The Black Keys en 2001, dont le nom vient de Alfred Mc Moore, un homme schizophrène qu’ils connaissent, et qui les menaçait de les envoyer en prison parce qu’il détenait des dossiers sur eux, « des notes noires ».

Très rapidement, The Black Keys sortent sont premier album, The Big Come Up, au début de l’année 2002,  enregistré dans le garage de Patrick et produit par le label  indépendant Alive Records, spécialisé en musique underground.

L’album, malgré des ventes modestes est une jolie réussite puisque il attire le public et leur permet avec des titres (reprises) comme I’ll Be Your Man (thème de la série Hung sur HBO)  Leavin’ Trunk et She Said, She Said de signer chez le label Fat Possum Records.

Sur cet opus,  The Black Keys rendent hommage au défunt guitariste Junior Kimbrough en réarrangeant certains de ses titres comme  Everywhere I Go.

Très rapidement, le groupe The Black Keys enregistre (en quatorze heures) et sort son 2^e album Thickfreakness en avril 2003, avec des titres phares comme Hard Row, Set You Free (utilisé dans les show TV),  Have Love, Will Travel (une reprise de Richard Berry).

Après un certain succès commercial, s’en suit un tournée éreintante que The Black Keys ne pourront pas honorer jusqu’au bout, devant annuler les dates européennes.

Ils enchaînent les apparitions TV notamment dans  Late Night with Conan O’Brien.

En 2004, après la sortie d’un EP The Moan, le 19 janvier, The Black Keys est en difficultés financières et cumule les dettes. En effet, leur tournée européenne est déficitaire. Pour renflouer les caisses, The Black Keys décident de vendre Set You Free  à Nissan pour une publicité, mais également pour les médias télévisés. Le groupe se produit également dans des festivals tels que le Coachella et le Bonnaroo.

Finalement l’année 2004 se terminera sous de meilleurs auspices avec la sortie de leur 3^e album en septembre  Rubber Factory, enregistré dans une usine désaffectée.

Cet opus confirme leur succès avec des singles tels que 10 A.M. Automatic, ‘Til I Get My Way, et Girl Is on My Mind ou encore When the Lights Go Out.

L’album atteint la 143^ème  place au Billboard 200 et leur musique est exploitée dans des jeux vidéos, publicités et films. The Black Keys enchaîne alors avec une tournée en Amérique du Nord, en Europe et en Australie, pour terminer par le festival Lollapalooza  puis sort en 2005 un album live intitulé Live.

Le 2 mai 2006, The Black Keys sortent Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough, un album six-titres de reprises de blues de Junior Kimbrough.

Encore une fois, le succès est au rendez-vous , puisque cet album permet à The Black Keys de signer chez un label majeur Nonesuch Records qui produit Magic Potion leur 4^e album,  plus morose.

The Black Keys, le succès continue depuis 2008

Le 1^er avril 2008, The Black Keys sort son 5^e album  Attack and Release, toujours ancré dans des racines bluesy-rock. Malgré des critiques mitigées, il culmine à la 14^e place au Billboard 200 avec des titres comme Strange Times et I Got Mine qui  sera d’ailleurs utilisé dans la bande originale du film Homefront  sorti en 2014. Leur musique sera aussi exploitée dans Grand Theft Auto IV et la série canadienne The Bridge.

Après un projet en 2009 avec Damon Dash, producteur de hip-hop, leur musique prend une nouvelle couleur.

The Black Keys se sépare quelques temps. Le batteur devant régler des problèmes conjugaux.

Puis c’est au tour de l’album Brothers, sorti le 18 mai 2010,  de marquer le public.  Avec ses 15 titres dont les singles Tighten Up, Howlin’ for You et Next Girl, il se vend à plus d’un million d’exemplaires, est récompensé par l’Award du meilleur album dans la catégorie musique alternative, et se classe à la seconde place du classement des meilleurs albums de 2010 selon le magazine Rolling Stone.

Il reste le plus gros album de The Black Keys.

La tournée qui s’enchaîne est aussi épuisante que les précédentes. Dan et Patrick font une pause et se retrouvent pour l’enregistrement de El Camino qui sort en 2011.

Ce 7^e album fait référence à l’histoire du rock américain avec des singles comme, Gold On The Ceiling et Little Black Submarines, Lonely Boy. C’est aussi un triomphe commercial puisque dès la 1ere semaine aux Etats-Unis, il se vend à plus de 200 000 exemplaires, se positionne 2^e au Billboard   et reçoit l’Award du meilleur album de rock en 2013. Il obtient également un disque de platine aux Etats-Unis et en Grande-Bretagne.

Leur huitième album, Turn Blue, toujours en collaboration avec Danger Mouse, sort le 7 mai 2014. Il se place rapidement dans les charts pop.

Malheureusement, suite à un accident de surf sur une plage de Saint-Barthélemy, en janvier 2015, Patrick Carney est contraint de se mettre au repos. Finalement après un cycle promotionnel fatiguant, et des projets personnels entrepris chacun de leurs côtés, The Black Keys font une pause.

Pendant cette période Auerbach crée son studio et son label Easy Eye Sound.

Il faut attendre 2019 pour découvrir les singles Lo/Hi en mars, puis Eagle Birds en avril,  extraits de leur 9^e album Let’s Rock, qui parait le 28 juin 2019.

Cet opus de The Black Keys occupe la 4^e place du Billboard 200 et la 3^e place dans les charts britanniques. Puis parait Delta Kream en 2021 où sont mis en avant des artistes blues du Mississippi  comme R.L. Burnside et Junior Kimbroug.

Cet album de reprises est nominé aux Grammy Awards.

Leur 12^e et dernier album à ce jour Dropout Boogie sort le  13 mai 2022, avec comme premier extrait le single Wild Child. Pour cet opus The Black Keys collaborent avec des artistes tels que  Billy F. Gibbons de ZZ Top, Angelo Petraglia de Kings of Leon et Greg Cartwright de Reigning Sound.

The Black Keys, leur discographie

• 2002: The Big Come Up , Alive Records
• 2003: Thickfreakness , Fat Possum Records
• 2004: Rubber Factory, Fat Possum Records
• 2006: Magic Potion, Nonesuch Records
• 2006 : Chulahoma, Nonesuch Records
• 2008: Attack and Release, Nonesuch Records
• 2010: Brothers, Nonesuch Records
• 2011: El Camino, Nonesuch Records
• 2014: Turn Blue, Nonesuch Records
• 2019: Let’s Rock, Nonesuch Records
• 2021: Delta Kream, Easy Eye Sound Records
• 2022: Dropout Boogie (Nonesuch Records)

BONUS : Interview de Dan Dan Auerbach of The Black Keys is ready for a rock ‘n’ roll revival

Pour le Detroit Free Press ,  Brian McCollum, septembre 2019

Ne négligez pas l’avenir du rock ‘n’ roll pour l’instant.

Le genre vénérable peut être éclipsé en ce moment par d’autres sons, styles et modes de la culture américaine, et certaines personnes semblent déterminées à écrire sa nécrologie.

Mais pas si vite, déclare Dan Auerbach des Black Keys : Une étincelle, une explosion d’énergie juvénile, un riff entendu dans le monde entier, peut déclencher la prochaine révolution rock.

« On ne sait pas où va aller l’industrie de la musique. Mais en termes de rock ‘n’ roll et d’enfants qui jouent de la guitare électrique : mec, je pense qu’il suffit d’un seul groupe avec une seule chanson – vous savez, une personne de 18 ans -vieux gamin écrivant une chanson follement bonne », dit Auerbach. « Et ça va changer tout le paysage. C’est aussi simple que ça. »

Le guitariste voit des parallèles historiques qui suggèrent que le baril de poudre se met en place.  « Aussi édulcoré et commercial que soit le hip-hop, c’est presque comme si le hip-hop d’aujourd’hui était un peu comme le rock dans les années 80.

C’est un peu gonflé et ça roule dans la pâte. Tout sonne pareil », dit-il. . « Je pense que ce n’est qu’une question de temps – quelqu’un va faire quelque chose (en révolte). » Greta Van Fleet, le jeune quatuor du Michigan dont le son Zeppelinesque s’est révélé diviseur, ne reçoit que des félicitations d’Auerbach. 

« Écoutez, je ne reprocherai jamais à personne de jouer de la musique et de faire ce qu’il aime. Je suis trop vieux pour faire ça », dit-il. « C’est cool. Peut-être que leurs fans ne connaissent pas certaines des références que d’autres peuvent entendre si facilement. C’est juste un tout nouveau monde de fans de musique prêts à en entendre (rock). » Auerbach et son compagnon de groupe, l’ami batteur d’enfance Patrick Carney, ont certainement fait leur part en portant le drapeau de la musique graveleuse et axée sur la guitare.

Leur travail cinétique et accrocheur – au son frais mais ancré dans la tradition – a fait de The Black Keys l’un des rares groupes de rock du 21e siècle à atteindre le statut de tête d’affiche et de tête d’affiche.

Le duo originaire de l’Ohio, cette fois rejoint par deux autres guitaristes et un bassiste, fléchira ce muscle samedi à Little Caesars Arena, une première étape d’une tournée des Black Keys soutenant l’album d’été « Let’s Rock ». La course a débuté le 19 septembre au Wiltern Theatre de Los Angeles.

La tournée fait suite à une pause de quatre ans qu’Auerbach décrit comme un besoin, pas un choix : face à l’épuisement professionnel, les Black Keys ont choisi de s’effacer pendant un certain temps. Non pas qu’Auerbach et Carney se soient cachés, exactement.  

Tous deux ont poursuivi des projets individuels, y compris un emploi du temps chargé pour Auerbach dans son rôle de producteur dans son studio de Nashville. Ce travail comprenait l’album « Tell Me I’m Pretty », lauréat d’un Grammy en 2015, de Cage the Elephant. Pourtant, sur scène la semaine dernière, le groupe se sent rajeuni et réorienté.

Le guitariste-chanteur dit que les musiciens ajoutés – de vieux copains de l’Ohio Zach et Andy Gabbard des Shams, ainsi que le musicien vétéran Delicate Steve – ont apporté un nouveau coup de poing à la musique avec l’effet ironique de ramener les Black Keys à leur deux-homme les racines. 

« Pour être honnête, c’est presque mieux que jamais, avec cette équipe qui joue avec nous – trois guitares électriques, une basse et une batterie », a déclaré Auerbach. « Pour une raison quelconque, cela ressemble presque plus à la façon dont nos anciens disques sonnaient que jamais sur scène. Donc ça fait vraiment du bien là-haut. »

Un autre ancien compatriote est également à bord, contribuant à donner au spectacle un coup digne d’une arène. « Avec toute la grande scène, toutes les lumières, c’est sauvage », dit Auerbach. « Le gars qui dirige nos lumières, Mike Grant, est l’un de nos employés les plus âgés.

Il faisait le tour de la fourgonnette avec nous à l’époque. Alors il a juste laissé les choses se déchaîner. Il se passe toutes sortes de trucs fous. dans ma tête pendant le spectacle. »

La réactivation des Black Keys a été stimulée par une connexion encore plus profonde avec l’Ohio –   une connexion qui remonte à la fascination adolescente d’Auerbach pour le jeu de Glenn Schwartz, le guitariste de Cleveland surtout connu pour son travail avec le James Gang. Auerbach s’est retrouvé à travailler dans son studio de Nashville avec le musicien vétéran et collègue guitariste de James Gang Joe Walsh, et l’expérience a fait tourner les roues mentales. 

« Nous jouions toutes les vieilles chansons de Glenn, toutes celles que j’écoutais quand j’avais 17, 18 ans, quand je jouais pour la première fois avec Pat (Carney). Et il était clair et clair comme le jour que son ADN était partout. des trucs Black Keys que j’avais fait », raconte Auerbach. « Dès que j’ai terminé ce disque, j’ai appelé Pat. Depuis, c’est très centré sur la guitare électrique.

« Cela m’a juste ramené à cet endroit – avoir 18 ans, regarder jouer Glenn et être tellement bouleversé par ça. Cela m’a donné le même sentiment de vouloir immédiatement aller jouer de la musique avec Pat. C’est tellement drôle comment ça a fonctionné. » 

Cela fait 17 ans que The Black Keys a émergé d’Akron en tant qu’un autre groupe indépendant qui exerce son métier au milieu du renouveau du garage-rock.   Et cela fait une décennie que la stature grand public du duo a augmenté de façon spectaculaire, via une série d’albums à succès (« Attack & Release », « Brothers », « El Camino ») qui en ont fait les chouchous de la radio et des émissions de récompenses.

La scène de Detroit de l’époque s’est avérée cruciale pour la cause, dit Auerbach. Bien que le groupe de l’Ohio ne soit pas affilié à des groupes et à des événements dans la Motor City, il était parfaitement conscient de l’explosion de garage-rock qui s’y produisait, via des groupes tels que les Dirtbombs, Detroit Cobras, Rocket 455 et finalement les White Stripes. 

« Nous ne serions même pas ici sans toute cette résurgence du garage rock qui se produisait autour du studio Jim Diamond (à Detroit) », dit-il. « Cette renaissance était ce dans quoi nous nous sommes en quelque sorte entraînés, et cela a aidé. Cela nous a donné notre petite longueur d’avance. » Et il était logique qu’une si grande partie de la substance provienne du Midwest.

 « Vous ne pouvez pas nier qu’il n’y a que l’esthétique musicale de Rust Belt », déclare Auerbach. « C’est dans le subconscient. Nous sommes juste câblés d’une certaine manière. »

Auerbach est heureux de s’extasier sur l’héritage musical de Detroit – et pas seulement de flatter les milliers de fans qu’il est sur le point de visiter à la Little Caesars Arena.

À 40 ans, il s’enthousiasme toujours comme un jeune de 18 ans lorsqu’il s’agit de s’extasier sur la musique, y compris sur une certaine institution imposante de Motor City. « Honnêtement, j’ai l’impression que la musique est peut-être la plus grande forme d’expression que l’humanité ait inventée.

C’est comme le sommet d’une montagne », dit-il. « Et pour moi personnellement, ces choses qu’ils ont faites à Motown sont comme les plus grandes choses que l’humanité ait jamais concoctées. Ça ne va pas mieux. » En effet, Motown reste une star pour Auerbach alors qu’il nourrit son label et son studio, Easy Eye Sound. 

« Vous n’aviez même pas besoin de connaître l’anglais pour aimer les chansons de Motown – les mélodies sont si bonnes. Ensuite, les musiciens sont tellement fous et tous les ingénieurs sont les meilleurs. Il n’y avait aucune faille dans leur armure. Aucun point faible nulle part. »

Auerbach n’a pas grand-chose à dire sur l’étrange et courant bœuf entre les Black Keys et le natif de Detroit Jack White, qui a été révélé en 2012 lorsque White a banni Auerbach de son studio de Nashville. Après des années de poussées périodiques – y compris la prétendue menace de coups de poing à un moment donné – White a fait l’éloge du groupe dans une interview de Rolling Stone cet été. 

Interrogé sur la querelle, Auerbach semble réticent à aborder le sujet, disant seulement: « Mec, je ne sais vraiment pas. Je veux dire, tu en sais autant que moi. Je ne sais rien à ajouter.

«  Pour l’instant, l’accent est mis sur la route à venir. Les Black Keys ont encore 28 spectacles sur un calendrier qui les mènera jusqu’en novembre, et alors que Carney et Auerbach envisagent toujours leurs plans pour 2020, ils disent qu’ils réduisent définitivement le rythme de tournée qui a dominé leur vie pendant tant d’années.

« Je dirais que si vous êtes en Europe, vous voudrez peut-être réserver un billet pour Detroit », dit Auerbach en riant. « Parce que je pense que nous allons garder la tournée très simple et très axée sur l’Amérique du Nord pour le moment. »

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The Hives : L’Énergie Brute du Rock Scandinave depuis 1993

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 19/02/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

ZZ Top Eliminator, album culte du groupe (1983)

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 10/02/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

zz top Eliminator, 1983, a été le premier album de ZZ Top à devenir un succès mondial.

Il a fait du groupe des « pop stars authentiques », selon le Financial Times.  En décembre 1996, ZZ Top Eliminator s’est vendu à plus de 11 millions d’exemplaires aux États-Unis, dix fois plus que n’importe quel album précédent de ZZ Top. 

Ce fût la sortie la plus réussie de ZZ Top en 1983 Les vidéos des chansons « Gimme All Your Lovin' », « Sharp Dressed Man » et « Legs » étaient en rotation régulière sur MTV. Retour sur cet album de légende.  

pochette de l’album ZZ  top Eliminator

Petite histoire de ZZ Top

Memphis au début du printemps 1982 était chaud, collant et humide, comme n’importe quelle autre année.

Cependant, le changement était définitivement dans l’air pour trois gentlemen texans qui s’étaient réunis dans la ville, même brièvement, pour établir les pistes de base de ce qui serait leur huitième album. 

Jusque-là, Billy Gibbons, Dusty Hill et Frank Beard, collectivement ZZ Top, avaient fait ensemble de la musique aussi fidèle à une tradition américaine que la tarte à la citrouille ; une musique imprégnée de blues électrique lancée par Jimmy Reed, Howlin’ Wolf, Muddy Waters et les deux Kings : BB et Albert.  

Pourtant, à ce moment précis, ZZ Top se retrouve à un carrefour de sa carrière. Et en tant que leur chef, Gibbons au moins avait déterminé qu’ils ouvraient une nouvelle voie. 

C’est Gibbons qui forme le groupe dans sa ville natale de Houston, soutenu par son directeur-producteur dévoué, l’entrepreneur et énigmatique Bill Ham.  Le premier line-up de ZZ a duré juste assez longtemps pour couper un single en 1969, un modeste chugger intitulé Salt Lick, et garantir à Gibbons et Ham un accord avec London Records.  

ZZ  top Eliminator

Après quoi le bassiste Hill et le batteur Beard, déjà des vétérans du bar-band, ont été recrutés.  Le troisième album du trio, Tres Hombres de 1973, a été leur percée, avec une série de disques courts, pointus et émouvants qui en ont fait le plus grand groupe culte des États-Unis.

Ce premier chapitre a atteint son apogée avec Tejas de 1976 et la tournée mondiale du Texas qui a suivi sur 19  mois et 96 dates à travers les États-Unis. 

Après cette entreprise épique, le groupe s’est interrompu pour une pause de deux ans, au cours de laquelle Gibbons a parcouru l’Europe, Hill a visité le Mexique et Beard a fait un séjour prolongé en Jamaïque.  Leur album de retour en 1979, Deguello, est resté fidèle à la formule et s’est vendu à un million.  

Mais Gibbons avait ramassé un prototype d’échantillonneur/synthétiseur « Fairlight » lors de ses voyages et avait commencé à l’utiliser pour expérimenter de nouveaux sons.  

Le prochain album El Loco de 1981, s’est avéré trop choquant pour le public du cœur de ZZ et s’est vendu moins de la moitié de son prédécesseur.  

Transportant avant son groupe son album mal aimé à travers l’Europe, Gibbons est arrivé dans un club tard dans la nuit et a été frappé par le spectacle d’une foule de gens dansant sur le funk-a-thon aux membres élastiques des Rolling Stones Emotional Rescue.  

Les aînés de Gibbons d’une demi-décennie et plus, les Stones venaient alors de se redéfinir comme des explorateurs frais, vibrants, voire sonores, alors que son propre groupe s’était coincé dans une ornière de leur propre fabrication.  

ZZ  top Eliminator, la conception

Le premier fruit éventuel de leur travail a été ZZ Top Eliminator, qui est devenu de loin l’album le plus réussi et le plus controversé de ZZ Top.

Dans les histoires respectives de Gibbons, Hill et Beard, ZZ Top Eliminator a été forgé pendant des mois de jam sessions très soudées, le groupe s’est d’abord retrouvé au Texas, puis dans leur studio préféré à Memphis.  

Certes, les travaux ont commencé à la maison de Gibbons sur l’île de South Padre, un bout de terre qui s’avance dans l’océan depuis la côte du golfe du Texas. C’est là-bas au début de 1982 que Manning a expédié un studio d’enregistrement portable. 

De là, l’enregistrement s’est déplacé vers la nouvelle maison de Beard à la périphérie de Houston.

Selon le batteur, pendant les semaines suivantes, Gibbons et Hill arrivaient chez lui à 13 heures et ils descendaient ensuite dans son studio au sous-sol pour forer les matières premières. 

Ford modèle B8- 1933 Hot Rod

« Nous savions dans quelle direction nous allions, donc nous ne volions pas à l’aveuglette », déclare Beard. « Nous nous battions tous les trois jusqu’à ce que nous soyons fatigués, parfois vers 17 heures, d’autres jusqu’à minuit. Billy plaçait une feuille de papier au milieu du sol et écrivait les paroles sur le sabot. »

Un associé du groupe Linden Hudson, un ancien DJ, fait également partie de l’aventure. Hudson avait construit le studio de Beard au lieu de lui payer un loyer et avait auparavant effectué un travail de pré-production non crédité sur El Loco. Il a repris le même rôle maintenant, travaillant en particulier avec Gibbons.  « Linden était une figure assez influente et inspirante », admet Gibbons.

Néanmoins, lorsque l’année suivante ZZ Top Eliminator sort, la contribution d’Hudson n’a pas été créditée une fois de plus. À cette occasion, il a intenté une action en justice, affirmant avoir été étroitement impliqué à la fois dans la création des sons et dans l’écriture des chansons de l’album.  « Tout cela a été une déception particulière pour moi », raisonne maintenant Beard. « En gros, Linden était une sorte de gardienne de maison pour moi. Il s’est occupé de ma maison quand nous étions en tournée. Ce qui s’est passé avec lui a été une vraie galère. Mais il faut avancer. »

jaquette de l’album-ZZ Top Eliminator

Le travail sur les morceaux de base a commencé au Studio A des Ardent Studios avec Bill Ham comme producteur.

Installé dans un magasin en briques rouges indéfinissable à un mile du centre-ville et des clubs de blues de Beale Street, Ardent avait accueilli, entre autres, Led Zeppelin, Joe Cocker, Leon Russell et les garçons locaux Big Star et avait été la base d’opérations de ZZ. pour chaque album depuis Tres Hombres. Gibbons affirme que le groupe s’en est tenu dans l’ensemble à une « routine dorée », faisant le plein tous les jours de 9h à 21h.

« Ardent était un endroit tellement remarquable et un grand club de gentlemen », poursuit-il.  Une grande partie de ce disque a fini par être faite dans le studio à Memphis. Après près d’un an d’enregistrement puis de mise au point, ZZ Top Eliminator (un terme pour gagner une course de dragsters), est sorti le 23 mars 1983.   Convenablement accéléré et à indice d’octane élevé, il était également enveloppé de manière appropriée dans une couverture représentant un Coupé Ford 1933 rouge de course avec un moteur Corvette qui avait été construit sur mesure pour Gibbons en Californie.

L’utilisation de la voiture comme accessoire pour le groupe avait permis au guitariste d’en déduire le coût de l’impôt. Il a également joué un rôle de premier plan dans le médium par lequel ZZ Top Eliminator exploserait en tant que véritable phénomène.

ZZ Top Eliminator, le succès 

Au total, cela sonnait le travail d’un tout nouveau groupe, mais encore une fois intemporel. Eliminator était un changement si important qu’il a incité les puristes du blues à accuser le groupe d’un acte de quasi-hérésie.
Pourtant, il a perduré à tel point que, 33 ans plus tard, il a fourni plus d’un tiers des morceaux de Live Greatest Hits From Around The World, l’album live du groupe à l’époque.
« Mais si nous ne jouions pas ces chansons, nous serions probablement suspendus par les talons », note Frank Beard avec optimisme.

Et si à la surface, il est apparu une déclaration musicale entièrement cohérente, il se cache une vérité plus alambiquée et controversée derrière l’histoire de sa fabrication qui continue de garder des secrets et de fermenter le mauvais sang.  À ce jour, Eliminator s’est vendu à plus de 20 millions d’exemplaires dans le monde.
De plus, cela a eu un effet quasi instantané et profond sur la façon dont les disques de rock seraient faits pour sonner dans les années 80 et au-delà et en utilisant la technologie nouvellement disponible.

« Bien sûr, c’est toujours génial d’être associé à quelque chose qui devient un succès mondial, et cela a influencé ce qui est arrivé plus tard dans la musique – certains pour le bien, mais d’autres pour le pire », suggère-t-il. « Malheureusement, cela a peut-être contribué à la chute du rock’n’roll, à cause de la façon dont d’autres personnes ont commencé à utiliser des machines et des choses. »

ZZ  top Eliminator, Conclusion :

En conclusion, l’album ZZ Top Eliminator est un album incontournable pour tous les fans de rock et de blues. Avec son mélange unique de guitares acérées, de rythmes entraînants et de paroles pleines d’humour, cet album a propulsé le groupe sur le devant de la scène et a contribué à redéfinir le rock pour les années 1980.

L’album contient des classiques tels que « Gimme All Your Lovin' », « Sharp Dressed Man » et « Legs », qui ont tous été des succès majeurs à l’époque et ont continué à être diffusés en radio et à apparaître dans des films et des émissions de télévision. Mais ZZ Top Eliminator est plus qu’un simple album de tubes ; il est cohérent dans son style et son approche, et chaque chanson est un témoignage de la créativité, de l’originalité et de l’habileté musicale du groupe.

Malgré le passage des années, ZZ Top Eliminator reste un album intemporel qui a inspiré des générations de musiciens et de fans de musique à travers le monde. Si vous ne l’avez pas encore écouté, il est grand temps de découvrir ce classique du rock et du blues et de vous laisser transporter par l’énergie contagieuse de ZZ Top.

ZZ Top, Dusty Hill et Billy Gibbons

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur l’album « Eliminator » de ZZ Top

1. Qu’est-ce que « ZZ Top Eliminator » de ZZ Top ?

« ZZ Top Eliminator » est le huitième album studio du groupe de rock américain ZZ Top, sorti en 1983. Il est considéré comme l’un des albums les plus influents de l’histoire du rock, car il a marqué un tournant dans le son et le style du groupe.

2. Quel est le son de « ZZ Top Eliminator » ?

Le son de « Eliminator » est un mélange unique de blues, de rock, de funk et de synthpop. Le groupe a utilisé des synthétiseurs pour la première fois sur cet album, ce qui a donné à leur musique un son plus moderne et plus commercial. Cependant, le son de base du groupe, qui est le blues rock, est toujours présent sur l’album.

3. Quels sont les morceaux les plus célèbres de « ZZ Top Eliminator » ?

« ZZ Top Eliminator » contient plusieurs des plus grands succès de ZZ Top, notamment « Gimme All Your Lovin' », « Sharp Dressed Man » et « Legs ». Ces chansons ont été largement diffusées à la radio et ont été accompagnées de clips vidéo très populaires diffusés en rotation sur MTV à l’époque.

4. Quelle est l’histoire derrière la pochette de l’album « Eliminator » ?

La pochette de « ZZ Top Eliminator » présente une voiture personnalisée rouge vif surnommée « The Eliminator », qui est devenue un symbole emblématique du groupe. Cette voiture a été construite spécialement pour le groupe par Billy Gibbons et a été utilisée dans plusieurs de leurs clips vidéo. La voiture est maintenant exposée dans le Rock and Roll Hall of Fame.

5. Quelle est l’influence de « Eliminator » sur la musique rock ?

« ZZ Top Eliminator » a eu une influence considérable sur la musique rock, car il a marqué une évolution importante du son et du style de ZZ Top. L’utilisation de synthétiseurs et de boîtes à rythmes a influencé de nombreux autres groupes de rock des années 1980, notamment Def Leppard et Bon Jovi.

6. Quels sont les producteurs de « Eliminator » ?

« ZZ Top Eliminator » a été produit par Bill Ham, le producteur historique de ZZ Top, et par le célèbre producteur anglais Terry Manning, qui a travaillé avec des artistes tels que Led Zeppelin et Lenny Kravitz.

7. Comment a été accueilli « Eliminator » par la critique à sa sortie ?

« ZZ Top Eliminator » a été très bien accueilli par la critique à sa sortie en 1983. Les critiques ont salué l’album pour son son novateur et son mélange unique de blues et de synthpop. L’album a également connu un grand succès commercial, atteignant la 9e place du Billboard 200 et étant certifié disque de diamant aux États-Unis.

8. Comment a évolué la musique de ZZ Top après « Eliminator » ?

Après « ZZ Top Eliminator », ZZ Top a continué à évoluer et à explorer de nouveaux styles musicaux. Le groupe a sorti plusieurs albums qui ont rencontré un succès modéré, notamment « Afterburner » en 1985, qui a suivi la même direction que « Eliminator » avec l’utilisation de synthétiseurs et de boîtes à rythmes. Cependant, le groupe est retourné à ses racines blues rock avec des albums tels que « Recycler » en 1990 et « Antenna » en 1994. Plus récemment, ZZ Top a sorti « La Futura » en 2012, qui a été salué pour son retour aux sonorités blues rock traditionnelles.

9. Quelle est la place de « Eliminator » dans l’histoire de ZZ Top ?

« ZZ Top Eliminator » est l’album le plus connu et le plus populaire de ZZ Top. Il a permis au groupe de conquérir un nouveau public et a marqué un tournant dans leur carrière musicale. La voiture « The Eliminator » est devenue un symbole emblématique du groupe et est encore associée à leur musique aujourd’hui.

10. Quelles sont les influences de ZZ Top sur la musique rock ?

ZZ Top est considéré comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock. Leur son unique, qui mélange blues, rock et funk, a influencé de nombreux autres artistes, notamment Lynyrd Skynyrd, Guns N’ Roses et Black Crowes. De plus, leur utilisation de synthétiseurs et de boîtes à rythmes sur « Eliminator » a eu un impact significatif sur la musique rock des années 1980 et a inspiré de nombreux autres groupes à explorer de nouveaux sons et styles.

ZZ Top La Grange le grand tube du groupe légendaire, 1973

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 03/02/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

ZZ Top La Grange est mythique.

Ce groupe de rock américain formé en 1969 à Houston, au Texas a traversé les décennies. De ces cinquante et quelques années de musique, restent des tubes légendaires dont le morceau phare La Grange, ainsi que  « Tube Snake Boogie », « I Gotsta Get Paid » et tant d’autres… 

Voici la petite histoire de ce tube mondialement connu.

ZZ Top La Grange

Alors, de quoi parlait vraiment « ZZ Top La Grange » ? 

Ce petit groupe du Texas, ZZ Top, est bien connu pour ses paroles humoristiques. Leur première chanson à succès, « La Grange », a attiré l’attention du monde entier sur la ville de La Grange, au Texas. Ou plus précisément, l’une des attractions de La Grange. 

Le parolier principal de ZZ Top est le chanteur à la guitare Billy Gibbons. Combinant un mélange d’humour et de narration, il peint un portrait vivant de lieux, de personnes et d’événements qui passeraient autrement sous le radar de la population.

La Grange est le single extrait de leur 3^e album Tres Hombres, sorti en 1973. 

C’est une petite chansonnette sur une « cabane à l’extérieur de La Grange ».  La Grange » est principalement un jam instrumental de forme libre débordant du solo de blues débridé de Gibbons. Les quelques paroles qu’il contient ont été inspirées par le tristement célèbre bordel Chicken Ranch situé à l’extérieur de La Grange, au Texas. 

ZZ Top La Grange, The Chicken Ranch 

En effet, principalement connu sous le nom de Chicken Ranch (le ranch du poulet), La Grange était un bordel texan ouvert de 1905 à 1973. Une simple ferme sans aucun signe annonçant son objectif, le Chicken Ranch fonctionnait avec la connaissance, sinon la bénédiction, des politiciens locaux et des forces de l’ordre. 

The Chicken Ranch », ou la pension de Miss Edna à La Grange, était probablement le plus ancien établissement du Texas dédié à la plus ancienne profession.  Il a été fermé par un journaliste de télévision zélé de Houston, qui n’a pas trouvé assez de vice et de corruption pour faire un reportage à Houston.

Il a défié le gouverneur sur la question de savoir pourquoi il continuait à fonctionner à la vue de tous. Le gouverneur n’a eu d’autre choix que d’ordonner au shérif de le fermer. 

Les filles de Mlle Edna recevaient des visites hebdomadaires des médecins locaux, elles étaient donc « propres ». Les filles ont dépensé leur argent à La Grange et lorsqu’un nouvel hôpital a été nécessaire, Mlle Edna a fait le premier et le plus gros don.  

La majeure partie du bâtiment est toujours debout, seule une pièce a été déplacée à Dallas pour une discothèque.

Un « Dix pour entrer » était le prix. Il y avait un code vestimentaire strict pour les clients – seuls les hommes bien habillés étaient autorisés à entrer.  

L’endroit dans cette chanson est le sujet du film de 1982 The Best Little Whorehouse In Texas, avec Dolly Parton et Burt Reynolds, qui a été adapté d’une pièce de Broadway de 1978. 

Dans une interview accordée en 1985 au magazine Spin, le bassiste de ZZ Top, Dusty Hill, expliquait :

« Avez-vous déjà vu le film, The Best Little Whorehouse in Texas ? C’est de cela qu’il s’agit. J’y suis allé quand j’avais 13 ans. , quand il est temps d’être un mec, est allé là-bas et l’a fait. Les pères ont emmené leurs fils là-bas. Vous ne pouviez pas jurer là-dedans. Tu ne pouvais pas boire. Il avait un air de respectabilité. 

C’est la femme qui dirigeait l’endroit, et vous savez qu’elle ne ressemblait pas non plus à Dolly Parton.  Je vais vous dire, c’était une femme d’apparence méchante. Mais les travailleurs des champs pétrolifères et les sénateurs seraient tous les deux là.

L’endroit était ouvert depuis plus de 100 ans, puis ce connard décide qu’il va faire un exposé et le fermer. Et il a tellement remué que ça a dû fermer. La Grange est une toute petite ville, et les petites villes du Texas sont vraiment conservatrices. Mais ils se sont battus contre cela. Ils ne voulaient pas qu’il soit fermé, car c’était comme un point de repère.

C’était dans un petit ranch en dehors de la ville, le Chicken Ranch.  Quoi qu’il en soit, nous avons écrit cette chanson et l’avons sortie, et elle était sortie peut-être trois mois avant qu’ils ne la ferment.  Ça m’a énervé. C’était un bordel, mais tout ce qui dure cent ans doit avoir une raison. »  Comme le rappelle Gibbons, «En grandissant au Texas, il y avait deux exigences pour devenir viril: vous deviez visiter La Grange et vous deviez vous rendre à la frontière mexicaine. Nous avons en quelque sorte capturé les deux en un seul voyage. » 

ZZ Top La Grange, un morceau inspiré de Buddy Holly 

Le guitariste se réfère à « Peggy Sue Got Married » de Buddy Holly, la suite du pionnier du rock à « Peggy Sue », comme inspiration de composition.

« Cette chanson nous a montré que vous n’aviez pas à rimer chaque strophe ou couplet », dit Gibbons. Ce morceau a non seulement inspiré le hit ZZ Top de 1973, mais aussi les adaptations de Broadway et cinématographiques de The Best Little Whorehouse in Texas. 

Billy Gibbons a expliqué comment il avait obtenu son son de guitare sur ce morceau dans une interview de 1995 avec Guitar World.

 « C’est de la guitare directement dans l’ampli, une Strat de 1955 avec un cordier d’arrêt via un Marshall Super Lead 100 de 1969. Ce son fuzz dans le lead et à l’avant et à l’arrière de la composition n’est qu’une pure distorsion à lampe.

Les différentiels de réglage tiennent compte des différentes tonalités. La partie d’ouverture a été jouée sur ce que nous avions l’habitude d’appeler «le réglage mystérieux» dans les jours sombres avant l’existence de l’interrupteur à bascule à cinq positions, lorsque trouver ce «tweener» parfait nécessitait du dévouement. » 

ZZ top La Grange, un tube mondialement connu 

Ce tube blues a été le premier single du groupe à faire une brèche dans le Billboard Hot 100 (atteignant le numéro 41), et il a propulsé leur troisième album, Tres Hombres de 1973, dans le Top 10.

En 1974, il était classé 15^ème en Australie dans le Go-Set National Top 40. « La genèse et, bien sûr, le cœur de la chanson était ce backbeat boogie, que tout le monde et leur frère ont appris à jouer », dit Gibbons. 

« La rumeur se répand dans cette ville du Texas, au sujet de la grange près de La Grange, et vous savez de quoi je parle. Faites moi juste savoir si vous voulez y aller, dans cette maison là-bas dans les pâturages, oui il y a beaucoup de jolies filles Ah. Ayez pitié, Ah haw, haw, haw, haw, a haw. Bon, j’entends que c’est OK si vous avez le temps, et le pognon pour pouvoir y aller. A hmm, hmm hmm, hmm. Et j’entends que c’est complet presque tous les soirs, mais maintenant je peux me tromper… Hmm, hmm, hmm, hmm. Ayez pitié… » 

« C’était une chanson importante en termes de carrière, et à bien des égards, c’était la parfaite introduction de ZZ Top au monde », déclare Billy Gibbons à propos de la chanson.

ZZ Top, Dusty Hill et Billy Gibbons

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le titre ZZ Top La Grange

1. Qu’est-ce que « ZZ Top La Grange » ?

« ZZ Top La Grange » est une chanson emblématique du groupe de rock américain ZZ Top, sortie en 1973 sur l’album « Tres Hombres ». Elle a été écrite par le guitariste Billy Gibbons et est considérée comme l’une des chansons les plus populaires et les plus reconnaissables du groupe.

2. Quelle est l’histoire de « ZZ Top La Grange » ?

« ZZ Top La Grange » a été écrite par Billy Gibbons après avoir visité un bordel à La Grange, au Texas. La chanson raconte l’histoire d’un homme qui visite la maison close et tombe sous le charme d’une prostituée nommée Mona. Gibbons a déclaré que la chanson était inspirée par ses expériences personnelles et celles de ses amis qui fréquentaient les bordels du Texas.

3. Quel est le style musical de « ZZ Top La Grange » ?

« ZZ Top La Grange » est un mélange de blues rock et de boogie woogie, avec un rythme entraînant et une guitare électrique saturée caractéristique du son de ZZ Top. La chanson est souvent considérée comme un exemple classique du style de blues rock sudiste, et est souvent utilisée comme référence pour décrire ce genre musical.

4. Comment « ZZ Top La Grange » est-elle devenue populaire ?

« ZZ Top La Grange » a d’abord connu un succès limité, mais elle est devenue beaucoup plus populaire après que la station de radio KILT à Houston, au Texas, l’a ajoutée à sa liste de lecture en 1974. La chanson a ensuite été diffusée dans d’autres stations de radio aux États-Unis et est rapidement devenue un succès national.

5. « La Grange » a-t-elle été reprise par d’autres artistes ?

Oui, « ZZ Top La Grange » a été reprise par de nombreux artistes dans différents styles musicaux. Les versions les plus célèbres incluent celles de Kid Rock, Dwight Yoakam et Motley Crue. La chanson a également été utilisée dans de nombreux films et publicités, et est souvent considérée comme l’un des morceaux les plus emblématiques de ZZ Top.

6. Quelle est la signification des paroles de « ZZ Top La Grange » ?

Les paroles de « ZZ Top La Grange » racontent l’histoire d’un homme qui tombe sous le charme d’une prostituée nommée Mona dans une maison close à La Grange, au Texas. Les paroles sont souvent considérées comme provocantes et crues, mais elles sont également appréciées pour leur langage imagé et leur description vivante de la scène.

7. Qui a écrit « ZZ TopLa Grange » ?

« ZZ Top La Grange » a été écrite par le guitariste de ZZ Top, Billy Gibbons. Gibbons a également chanté la chanson, accompagné de Dusty Hill à la basse et de Frank Beard à la batterie.

8. Quelle est la place de « La Grange » dans l’histoire de ZZ Top ?

« ZZ Top La Grange » est l’une des chansons les plus emblématiques de ZZ Top et a été un grand succès pour le groupe. Elle est considérée comme l’un de leurs morceaux les plus populaires et est souvent mentionnée comme l’un des exemples les plus représentatifs du son de ZZ Top. La chanson a également contribué à la notoriété du groupe et a aidé à établir leur réputation en tant que l’un des groupes de rock les plus influents des années 1970.

9. Quel est l’impact de « La Grange » sur la musique en général ?

« ZZ Top La Grange » est souvent citée comme l’une des chansons les plus influentes de l’histoire du rock. Elle a été une source d’inspiration pour de nombreux artistes et a contribué à populariser le style de blues rock sudiste. La chanson est également considérée comme un exemple classique du son de guitare électrique saturée et de boogie woogie, et est souvent utilisée comme référence pour décrire ce genre musical.

10. Quel est le clip vidéo de « La Grange » ?

Le clip vidéo de « ZZ Top La Grange » a été tourné en 1983 et montre ZZ Top jouant la chanson dans un décor inspiré de la maison close de La Grange. Les membres du groupe sont habillés en costumes noirs et chapeaux de cowboy, et la vidéo présente également des images de femmes en tenue de prostituée. Le clip a été diffusé en rotation régulière sur MTV et est souvent considéré comme l’un des meilleurs clips de ZZ Top.

Arctic Monkeys, groupe rock incontournable depuis 20 ans

par Eric Canto | Mis à jour le 14/10/2024 | Publié le 25/01/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les Arctic Monkeys, c’est un peu comme cette vieille paire de baskets que vous ne voulez jamais jeter : toujours là, toujours à la mode, et qui vous surprennent à chaque nouveau pas. Formé en 2002 à Sheffield, ce quatuor britannique est passé d’un groupe de garage à l’une des formations rock les plus influentes du XXIe siècle. Mais comment ont-ils fait ? Comment un groupe, dont les premières démos circulaient sur MySpace, a-t-il conquis le monde et redéfini les codes du rock moderne ?

Dans cet article, on va plonger dans l’histoire des Arctic Monkeys, analyser leur évolution musicale, explorer leur impact culturel, et se demander : quel sera leur prochain coup de maître ? Mais avant de nous plonger dans les détails, laissez-moi vous dire une chose : si vous n’avez jamais écouté « Do I Wanna Know? », vous êtes passé à côté d’un morceau de l’histoire. Allez-y, mettez vos écouteurs, et préparez-vous à découvrir pourquoi les Arctic Monkeys sont bien plus qu’un simple groupe de rock.

I. Histoire des Arctic Monkeys : Des débuts modestes à la gloire mondiale

1.1 La genèse des Arctic Monkeys

Tout commence à Sheffield, une ville industrielle du nord de l’Angleterre. Dans cette ville grise, bercée par la pluie et les fumées des usines, un jeune Alex Turner, fils unique d’un professeur de musique et d’une prof de lycée, découvre le rock. Avec ses amis d’enfance, Jamie Cook (guitariste), Nick O’Malley (basse), et Matt Helders (batterie), il forme un petit groupe sans grande prétention.

Ils commencent comme beaucoup d’autres : des répétitions dans le garage des parents, quelques concerts dans des bars locaux et des reprises de groupes comme The Strokes et Oasis. Mais très vite, une chose se démarque : la plume d’Alex Turner. Il n’est pas qu’un simple auteur-compositeur. Ses textes sont bruts, pleins d’ironie et de poésie, des instantanés de la jeunesse anglaise, un peu comme des photos Polaroid accompagnées de riffs cinglants.

1.2 L’explosion grâce à Internet

Nous sommes en 2005. Les réseaux sociaux commencent à peine à émerger. MySpace, plateforme populaire à l’époque, devient un terrain fertile pour les jeunes groupes de musique. Et c’est là que la magie opère. Leurs fans commencent à partager des démos du groupe sur Internet, et sans qu’ils s’en rendent compte, les Arctic Monkeys deviennent viraux.

Leur premier single, « I Bet You Look Good on the Dancefloor« , sorti en octobre 2005, est un véritable tremblement de terre. Il se hisse directement à la première place des charts britanniques. Quelques mois plus tard, leur premier album « Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not » devient l’album le plus rapidement vendu de l’histoire du Royaume-Uni. Pas mal pour des jeunes de 20 ans, non ?

1.3 De la scène indie à l’international

Le succès des Arctic Monkeys ne se limite pas au Royaume-Uni. Leurs performances à des festivals comme Glastonbury les propulsent sur la scène internationale. Leur son énergique, un mélange de garage rock, punk et indie, séduit des foules du monde entier. Et ce qui est encore plus impressionnant, c’est leur capacité à rester fidèles à leurs racines tout en évoluant musicalement.

Leur deuxième album, « Favourite Worst Nightmare« , sort en 2007 et reçoit des critiques dithyrambiques. Avec des morceaux comme « Fluorescent Adolescent » et « 505« , l’album consolide leur statut de stars mondiales. Mais ce n’est que le début. Le meilleur reste à venir.

II. Analyse musicale des Arctic Monkeys : Une alchimie unique entre les genres

2.1 Le son Arctic Monkeys : Une fusion de rock et de pop indie

Alors, qu’est-ce qui fait que les Arctic Monkeys sonnent comme… les Arctic Monkeys ? Ce sont les guitares, bien sûr. Jamie Cook, avec son jeu tranchant et ses riffs mémorables, est au cœur du son du groupe. Dès les premières notes de « I Bet You Look Good on the Dancefloor« , vous savez que vous écoutez un groupe qui ne fait pas dans la dentelle. Mais il y a plus.

La véritable arme secrète des Arctic Monkeys, c’est Alex Turner. Ses textes sont aussi importants que la musique elle-même. Il a cette capacité rare de capturer des moments de vie en une seule phrase, un peu comme un photographe qui saisit une image au moment parfait. Que ce soit dans « A Certain Romance » ou « Do Me a Favour« , les paroles d’Alex Turner résonnent avec une authenticité brute.

2.2 Des évolutions sonores majeures

Les Arctic Monkeys ne sont pas du genre à rester dans leur zone de confort. Si leurs deux premiers albums sont dans la veine du rock indie énergique, leur troisième album, « Humbug« , marque un changement de cap. Produit par Josh Homme des Queens of the Stone Age, cet album plonge dans des sonorités plus sombres, psychédéliques. Certains fans sont un peu déroutés par cette évolution, mais pour beaucoup, c’est la preuve que le groupe n’a pas peur d’expérimenter.

Puis vient l’album « AM » en 2013, un véritable chef-d’œuvre qui fusionne le rock, le hip-hop et des influences R&B. Avec des titres comme « Do I Wanna Know? » et « R U Mine?« , les Arctic Monkeys atteignent un niveau de maturité musicale impressionnant. Cet album est un véritable carton, aussi bien en termes de ventes qu’auprès des critiques. On y trouve des rythmes plus lents, des ambiances plus feutrées, mais toujours cette énergie brute qui caractérise le groupe.

2.3 Le groupe face aux critiques

Les Arctic Monkeys n’ont pas toujours été encensés par la critique. À chaque nouvelle sortie, ils prennent des risques, et cela ne plaît pas à tout le monde. Pourtant, c’est cette capacité à se réinventer qui fait leur force. Ils ne se contentent pas de reproduire la même formule album après album. Et c’est précisément pour cela qu’ils sont devenus l’un des groupes les plus importants du XXIe siècle.

III. L’impact culturel et générationnel des Arctic Monkeys : Pourquoi ce groupe reste-t-il incontournable ?

3.1 Les Arctic Monkeys et la scène rock britannique moderne

Si on doit résumer l’impact des Arctic Monkeys en une phrase, ce serait celle-ci : ils ont redéfini la scène rock britannique moderne. Leur succès a ouvert la voie à toute une nouvelle génération de groupes indie. Des groupes comme The 1975 ou Blossoms ont clairement été influencés par les Arctic Monkeys, que ce soit par leur approche musicale ou leur manière de se connecter avec leurs fans via Internet.

Mais leur impact va bien au-delà de la musique. Les Arctic Monkeys, c’est aussi une attitude, un look, une esthétique. Leur style vestimentaire – vestes en cuir, cheveux gominés, look vintage – est devenu emblématique et a influencé une génération entière de jeunes.

3.2 Une influence mondiale

Ce qui est fascinant avec les Arctic Monkeys, c’est leur capacité à séduire des publics aussi bien en Europe qu’aux États-Unis. Contrairement à de nombreux groupes britanniques, qui peinent à s’imposer outre-Atlantique, les Arctic Monkeys ont réussi à conquérir le public américain, notamment grâce à leur son évolutif et à leurs performances live percutantes. Ils ont même joué au mythique festival de Coachella, une consécration pour n’importe quel groupe de rock.

3.3 Les fans et la culture Arctic Monkeys

Les fans des Arctic Monkeys sont une force vive. Présents depuis le tout début, ils ont suivi le groupe dans toutes ses évolutions. Aujourd’hui, les réseaux sociaux sont remplis de communautés dédiées au groupe, partageant des théories sur les nouvelles chansons, analysant chaque interview d’Alex Turner, et créant des mèmes autour de leurs albums.

IV. Le futur des Arctic Monkeys : Où va le groupe ? (suite)

4.3 Un groupe en perpétuelle réinvention

Une des plus grandes forces des Arctic Monkeys est leur capacité à se réinventer sans perdre leur identité. Cela pourrait sembler paradoxal, mais c’est précisément ce qui fait leur longévité. Là où d’autres groupes auraient pu se reposer sur leurs lauriers après un premier album explosif, les Arctic Monkeys ont décidé de toujours chercher de nouveaux horizons musicaux, que ce soit dans la production, les influences ou même les paroles. Leur album « Tranquility Base Hotel & Casino », sorti en 2018, en est un excellent exemple.

Avec cet album, Alex Turner et son groupe ont pris un virage totalement inattendu. Là où leurs fans attendaient un nouvel opus dans la continuité d’« AM », avec ses sonorités rock et ses rythmes accrocheurs, ils ont eu droit à une œuvre plus expérimentale, mêlant des influences jazz, lounge et même des éléments de space rock. C’était un pari risqué, et si une partie des critiques n’a pas été tendre avec ce changement de direction, beaucoup d’autres y ont vu une évolution audacieuse, signe que le groupe refusait de se répéter.

4.4 Tranquility Base Hotel & Casino : un tournant audacieux

Sortir un album comme « Tranquility Base Hotel & Casino » après le succès de « AM » aurait pu être un suicide commercial pour n’importe quel autre groupe. Après tout, « AM » avait non seulement consolidé leur statut de superstars mondiales, mais il avait également réussi à capter un public bien plus large, allant au-delà des simples fans de rock. Pourtant, les Arctic Monkeys ont pris le risque de s’éloigner de ce son grand public pour offrir un album bien plus introspectif et expérimental.

Dès les premières notes de « Star Treatment », le premier titre de l’album, il est clair que l’on se dirige vers une nouvelle direction musicale. Turner abandonne son image de rock star sexy pour endosser le rôle d’un narrateur un peu mélancolique, un peu détaché, parlant d’un hôtel fictif sur la Lune. Les claviers prédominent, les guitares se font plus discrètes, et les paroles se teintent de références philosophiques et politiques.

Ce n’est pas l’album le plus accessible du groupe, loin de là, mais c’est probablement l’un de leurs projets les plus intrigants. Si les fans hardcore de la première heure ont parfois eu du mal à s’y retrouver, cet album a également permis au groupe de toucher un public différent, plus sensible à l’expérimentation musicale. C’est la preuve que les Arctic Monkeys sont toujours en quête de nouvelles façons d’exprimer leur créativité, sans craindre de décevoir ceux qui s’attendent à des reprises constantes de leurs plus grands succès.

V. L’influence des Arctic Monkeys dans l’industrie musicale moderne

5.1 Une génération de groupes influencés par les Arctic Monkeys

Il est impossible de parler de l’héritage des Arctic Monkeys sans évoquer leur influence sur la nouvelle génération de groupes rock. Depuis leurs débuts, des centaines d’artistes et de groupes ont cité les Arctic Monkeys comme une source d’inspiration majeure. Mais qu’est-ce qui rend leur musique si influente ?

Pour commencer, leur ascension fulgurante grâce à Internet a montré à une nouvelle génération de musiciens qu’il était possible de réussir sans passer par les circuits traditionnels de l’industrie musicale. Leur succès sur MySpace a pavé la voie pour des groupes comme The 1975 ou Catfish and the Bottlemen, qui ont également utilisé les réseaux sociaux pour se faire connaître.

Ensuite, il y a leur style musical éclectique. Les Arctic Monkeys ont prouvé qu’il était possible de mélanger plusieurs genres tout en gardant une identité forte. Cette approche a inspiré des artistes à ne pas se limiter à un seul style, mais à explorer différentes influences pour créer leur propre son. Des groupes comme Blossoms, Circa Waves et même Tame Impala ont tous été marqués, d’une manière ou d’une autre, par l’audace créative des Arctic Monkeys.

Enfin, il ne faut pas oublier l’impact des paroles d’Alex Turner. Ce dernier a su capturer l’essence de la jeunesse britannique dans ses textes, en abordant des thèmes aussi variés que l’amour, l’amitié, la frustration, et même la politique. Cette authenticité a inspiré une génération entière de jeunes auteurs-compositeurs à être plus sincères et directs dans leur écriture, créant ainsi un lien plus fort avec leur public.

5.2 L’influence des Arctic Monkeys sur le rock moderne

Dans un paysage musical souvent dominé par la pop, le hip-hop et l’électro, les Arctic Monkeys ont réussi à garder le rock pertinent et excitant. Ils ont su moderniser ce genre tout en restant fidèles à ses racines. En combinant des éléments du garage rock, du post-punk et même du hip-hop, ils ont créé un son hybride qui parle autant aux fans de rock pur et dur qu’aux amateurs de musique plus grand public.

Aujourd’hui, il est difficile d’imaginer la scène rock sans l’influence des Arctic Monkeys. Leur empreinte est partout, des festivals comme Reading & Leeds aux playlists de millions de jeunes fans de musique à travers le monde. Et même si leur style a évolué au fil des années, ils ont toujours gardé cette énergie brute et cet amour pour le rock qui les a propulsés sur le devant de la scène.

5.3 Un héritage durable dans l’histoire du rock

Les Arctic Monkeys sont désormais considérés comme un groupe légendaire, et à juste titre. Avec chaque album, ils ont repoussé les frontières de ce qu’un groupe de rock moderne peut accomplir. Leur musique, leurs paroles, et même leur esthétique ont marqué l’histoire du rock, et il ne fait aucun doute qu’ils laisseront une empreinte durable pour les décennies à venir.

Si vous êtes un amateur de rock, il est probable que vous avez déjà une place spéciale pour les Arctic Monkeys dans votre cœur. Et si vous êtes simplement curieux, leur discographie vous promet une aventure musicale passionnante, remplie de surprises et d’émotions.

VI. Conclusion : Les Arctic Monkeys, un groupe qui continue d’innover

Les Arctic Monkeys sont sans aucun doute l’un des groupes les plus importants et influents de notre époque. Depuis leurs humbles débuts à Sheffield, ils ont conquis le monde avec leur son unique, leur énergie débordante et leur créativité sans limite. Mais ce qui est encore plus impressionnant, c’est leur capacité à rester pertinents et à évoluer, même après plus de 15 ans de carrière.

Que vous soyez un fan de la première heure ou un nouveau venu dans leur univers musical, il est clair que les Arctic Monkeys ont encore beaucoup à offrir. Avec chaque album, ils nous surprennent, nous émeuvent et nous rappellent pourquoi ils sont l’un des meilleurs groupes de rock du XXIe siècle. Alors, qu’est-ce que l’avenir leur réserve ? Seul le temps nous le dira, mais une chose est sûre : les Arctic Monkeys ne sont pas prêts de quitter le devant de la scène.

FAQ

1. Quel a été le rôle de MySpace dans la carrière des Arctic Monkeys ?

MySpace a permis aux fans des Arctic Monkeys de partager leurs premières démos, ce qui a propulsé le groupe à une renommée internationale avant même la sortie de leur premier album.

2. Pourquoi l’album « AM » est-il considéré comme un tournant pour les Arctic Monkeys ?

« AM » a marqué un tournant dans la carrière des Arctic Monkeys en intégrant des influences hip-hop et R&B tout en conservant leurs racines rock. Cet album a aussi permis au groupe de conquérir le marché américain.

3. Comment les Arctic Monkeys ont-ils réussi à évoluer sans perdre leurs fans ?

Les Arctic Monkeys ont toujours pris des risques musicaux tout en restant fidèles à leur identité. Cette capacité à se réinventer tout en maintenant une connexion émotionnelle avec leurs fans a été la clé de leur longévité.

4. Quelles sont les influences majeures des Arctic Monkeys ?

Les Arctic Monkeys s’inspirent de groupes comme The Strokes, Oasis, et Queens of the Stone Age, mais aussi de genres variés comme le jazz, le hip-hop, et la musique lounge.

5. Quel est le futur des Arctic Monkeys ?

Bien que les détails sur un nouvel album soient encore flous, les Arctic Monkeys continuent d’expérimenter de nouvelles sonorités et d’évoluer. Les fans peuvent s’attendre à des surprises musicales dans les années à venir.

ZZ Top, un trio de légende depuis plus de 50 ans

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 24/01/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

ZZ Top : l’histoire du groupe de rock légendaire qui a conquis le monde

Dans cet article, nous allons évoquer le groupe de rock ZZ Top, originaire de Houston aux États-Unis. Formé par Billy Gibbons (guitare et chant), Dusty Hill (basse et chant) et Frank Beard (batterie) né le 11 juin 1949 à Frankston, ce trio de musiciens a marqué plusieurs générations avec leurs hits tels que « La Grange », « Sharp Dressed Man » ou encore « Gimme All Your Lovin' ». Avec plus de 50 millions d’albums vendus à travers le monde, il est indéniable que ZZ Top fait partie des groupes les plus emblématiques de la scène musicale internationale.

L’émergence de ZZ Top dans les années 1970

Le parcours de ces trois talentueux musiciens débute en 1969, lorsqu’ils décident de fonder leur propre groupe après avoir évolué au sein de formations différentes. Rapidement, ils trouvent un style qui leur est propre et se font remarquer grâce à leur virtuosité à la guitare et à la basse, ainsi que leur sens du rythme contagieux. Leurs premiers albums, tels que « ZZ Top’s First Album » (1971) et « Rio Grande Mud » (1972), rencontrent un succès modéré mais contribuent à forger la réputation du groupe.

La consécration avec l’album « Tres Hombres » et le titre « La Grange »

En 1973, ZZ Top sort son troisième opus, intitulé « Tres Hombres« . Porté par les singles « La Grange » et « Jesus Just Left Chicago », cet album leur permet de se faire connaître du grand public et assoit leur statut d’artistes incontournables de la scène rock américaine. Le succs de ce disque est également dû à la tournée mondiale qui s’ensuit, au cours de laquelle ZZ Top impressionne les foules par ses performances électrisantes.

L’évolution musicale et stylistique dans les années 1980

Au tournant des années 80, ZZ Top décide de moderniser sa musique en intégrant des éléments de rock électronique et en misant sur une production plus sophistiquée. Cette évolution artistique est incarnée par l’album « Eliminator » (1983), dont sont issus les tubes « Gimme All Your Lovin’« , « Sharp Dressed Man » et « Legs« . Ces morceaux rencontrent un succès fulgurant et contribuent à renouveler l’image du groupe, notamment grâce à des clips vidéo novateurs pour l’époque.

Le succès commercial et le tournant vers le blues-rock

Grâce aux ventes records d »‘Eliminator » et à sa popularité croissante, ZZ Top peut se permettre de s’aventurer dans de nouveaux territoires musicaux. Leur opus suivant, intitulé « Afterburner » (1985), explore ainsi des sonorités plus bluesy tout en conservant l’énergie électrique qui caractérise la formation. Cette démarche artistique est bien accueillie par les fans et permet au groupe de rester au sommet de sa popularité durant une décennie.

Le maintien de la flamme du rock’n’roll à travers les années 1990 et 2000

Durant les deux dernières décennies du XXe siècle, ZZ Top persévère avec succès dans la voie tracée par ses précédents albums. Les opus « Recycler » (1990), « Rhythmeen » (1996) ou encore « Mescalero » (2003) sont autant de témoignages de la passion toujours intacte pour le rock’n’roll partagée par Billy Gibbons, Dusty Hill et Frank Beard.

L’intemporalité de leur musique et des valeurs prônées

En dépit des changements de styles et d’influences, ZZ Top a su conserver tout au long de sa carrière un univers musical cohérent et immuable. Les textes de leurs chansons célèbrent souvent les mêmes thèmes – la liberté, l’amour et les idéaux d’un mode de vie typiquement américain – auxquels le public continue de se rallier.

ZZ Top : un groupe inoxydable malgré les épreuves

Alors que la formation fêtait son 50e anniversaire en 2019, ZZ Top a dû faire face au décès de son bassiste Dusty Hill en juillet 2021. Pour autant, Billy Gibbons et Frank Beard ont décidé de poursuivre l’aventure musicale avec le remplaçant du regretté musicien, Elwood Francis.

Des concerts à succès pour célébrer leur passion de la musique

Depuis plus de quarante ans, ZZ Top enchaîne les tournées mondiales et se produit devant des millions de fans conquis par leur talent. Souvent salués comme étant l’un des meilleurs groupes en live, ils continuent à perpétuer l’esprit du rock’n’roll auprès des nouvelles générations.

• Billy Gibbons : chant, guitare
• Dusty Hill : chant, basse (décédé en 2021)
• Frank Beard : batterie

En conclusion, ZZ Top est un groupe à l’aura légendaire qui a traversé les époques sans jamais renier ses racines musicales ni son identité artistique. Forts d’une discographie riche et variée, ces trois musiciens ont su conquérir le cœur du public et s’imposer comme une référence incontournable du paysage rock international.

ZZ Top, la formation, 1969 

Né à Houston, Texas en 1949, Gibbons est le fils d’un musicien qui a encouragé sa passion pour la musique. Lorsqu’il s’est d’abord intéressé à jouer des instruments à percussion, son père s’est arrangé pour qu’il prenne des cours avec l’icône de la musique latine Tito Puente.  

Cependant, assister à une session d’enregistrement avec B.B. King a eu un plus grand impact sur le jeune Gibbons, qui,  pour son 13e anniversaire, reçoit une guitare électrique et un ampli.  

Il  commence à jouer dans des groupes de rock alors qu’il vivait en Californie avec sa famille, mais ce n’est qu’à son retour au Texas qu’il forme son premier groupe remarquable, les Moving Sidewalks, un groupe psychédélique qui enregistre un hit local appelé « 99th Floor » et un album intitulé Flash.  

Peu de temps après la sortie de Flash, les Moving Sidewalks se séparent et Gibbons choisit de former un groupe plus orienté blues. Pour la petite histoire, à cette époque, Gibbons vient de se faire offrir une Fender Stratocaster par Jimi Hendrix, celui qu’il considère comme « l’un des meilleurs jeunes guitaristes d’Amérique »  

C’est la naissance de ZZ Top, le 20 juin 1969.

 Avec le batteur et le bassiste de Moving Sidewalks, Dan Mitchell et Lanier Greig, Gibbons forme un trio de blues et boogie qu’il appelle ZZ Top (ZZ du bluesman Z.Z. Hill, et Top comme pièce de théâtre sur King, comme dans B.B. King).  

Avec le manager Bill Ham comme producteur, le nouveau groupe enregistre un single pour le label local Scat Records, « Salt Lick » n/b « Miller’s Farm ».  Mais,  des différences créatives conduisent Greig et Mitchell à quitter le groupe.

Gibbons recrute une nouvelle section rythmique, le bassiste Billy Etheridge et le batteur Frank Beard. Après avoir acheté ZZ Top auprès de plusieurs maisons de disques, Ham persuade London Records de tenter sa chance.  

Etheridge n’étant pas satisfait des termes du contrat il  choisit de ne pas signer, et quitte le groupe. Ayant besoin d’un bassiste, Beard suggére de faire venir Dusty Hill, son compagnon de groupe dans American Blues.  Cette formation allait bientôt entrer en studio, enregistrer le premier album de ZZ Top en 1971, et travaillerait ensemble pendant les 50 prochaines années.  

ZZ Top, le succès des années 70’  

En l’espace d’un an, ils signent avec London Records et sortent leur premier album en 1971.  

Très rapidement, ils deviennent des stars du rock. 

De retour en 1972 avec le LP Rio Grande Mud ; qui  contient  » Francine  » et  » Just Got Paid « , le groupe devient incontournable, mais leur véritable percée vient avec leur troisième album, Tres Hombres de 1973.Cet album  suivi du single « La Grange » qui est une célébration d’un bordel notoire du Texas, est très largement diffusé à la radio rock.  

Tres Hombres figure dans le Top Ten, et leur permet d’obtenir leur premier disque d’or.  Le groupe devient une attraction majeure en tournée. Alors que la tournée mondiale du Texas traversait le pays en 1976 et 1977, ZZ Top sort Tejas en 1976, qui est le dernier album sous leur contrat avec Londres. 

Cette tournée épuisante, appelée le Worldwide Texas Tour, comprend des décors peints extravagants, une scène en forme de Lone Star State et une variété de flore et de faune locales (cactus, yucca, buffle et plusieurs serpents à sonnette).

Le groupe décide de faire une pause de 3 ans après la fin de l’épuisant Texas Tour.

Durant cette période, les trois musiciens apprennent le saxophone et peaufinent leur nouvelle apparence.

Gibbons voyage en Europe et en Jamaïque tout en explorant de nouveaux sons, Hill apaise son esprit en travaillant dans un aéroport de Dallas et Beard part  en cure de désintoxication pour se débarrasser de sa dépendance à la drogue.  

Pendant les temps d’arrêt du groupe, Ham a négocié un nouveau contrat d’enregistrement pour ZZ Top avec Warner Bros.

Ils reviennent avec l’album Degüello  en novembre 1979, qui comprend deux tubes « Cheap Sunglasses » et « I’m Bad, I’m Nationwide ». Le public découvre Gibbons et Hill avec une identité visuelle ; look barbu, version prospecteurs,  lunettes noires, que l’avènement du clip rendra mondialement célèbre au début des années 1980. 

ZZ Top, le succès se confirme dans les années 80’  

Le son plus incisif de Degüello est poussé plus fort sur El Loco de 1981, qui introduit des synthétiseurs dans le mix d’autres chansons « Tube Snake Boogie » et « Pearl Necklace » rencontrent leur public. 

Dans les années 80, ils se réinventent habilement, câblant à chaud leur son avec des séquenceurs et des synthétiseurs et devenant des héros MTV improbables avec une série de vidéos intelligentes qui transforment les chanteurs barbus Billy Gibbons (guitare) et Dusty Hill (basse) en une signature visuelle excentrique.  

Le pari est gagné. ZZ Top est l’un des seuls groupes de leur époque à non seulement survivre dans la nouvelle arène de la pop, mais à devenir plus populaire que jamais, gagnant un nouveau public sans sacrifier l’ancien.  

À la base, les chansons de ZZ Top n’ont jamais beaucoup changé, prenant des figures de blues standard, les filtrant à travers la guitare précisément torride de Gibbons, les mariant au groove simple mais funky de Hill et du batteur Frank Beard, et ajoutant des paroles imprégnées d’esprit surréaliste alors qu’ils traitait du sexe, de l’alcool, du blues et des particularités glorieuses de la vie au Texas.  

Eliminator sort en 1983. Cet album rencontre un succès phénoménal, se vend à plus de 10 millions d’exemplaires aux Etats-Unis, devenant 5 fois disque de platine.   

Synthétiseurs, séquenceurs et effets électroniques partagent un espace égal avec la guitare de Gibbons et leurs paroles pleines d’esprit mais orientées vers le blues. Les singles  « Legs », « Sharp Dressed Man« , « Got Me Under Pressure » et « TV Dinners » deviennent des tubes, et les clips font des rockers vétérans le toast de MTV.  

Eliminator devient le plus gros album de la carrière de ZZ Top, qui suit une approche similaire sur Afterburner en 1985 et Recycler en 1990, qui ont tous deux été des succès majeurs dans les charts. 

En 1987, le groupe sort The ZZ Top Six Pack, un ensemble de trois CD qui comprend les albums First Album de ZZ Top, Rio Grande Mud, Tres Hombres, Fandango, Tejas et El Loco.  Cependant, les albums présentés dans de nouveaux mélanges conçus pour les faire ressembler au son que le groupe a introduit sur Eliminator, suscite la  controverse parmi leurs fans plus âgés.   

ZZ Top, Dusty Hill et Billy Gibbons

ZZ Top, le succès s’estompe dans les années 90’  

Leur célébrité s’estompe au milieu des années 90 lorsque leurs albums ont cessé d’être en tête des charts, mais ZZ Top reste un groupe populaire pouvant remplir de manière fiable de grandes salles et offrir aux fans un grand spectacle. Recycler  sorti en 1990, se vend beaucoup moins bien et ne trouve pas son public.

En 1992, Warner Bros sort  ZZ Top’s Greatest Hits, une collection qui comprend une reprise de « Viva Las Vegas » d’Elvis Presley devenant un autre hit de MTV.  C’est sur leur dernier album pour le label, et en 1993, que le groupe révèle avoir signé un contrat de 35 millions de dollars avec RCA Records.

 Leur premier LP RCA,  Antenna en 1994, n’atteint pas le succès habituel bien qu’il soit disque de platine.Leurs albums suivants, plutôt orientés blues, Rhythmeen en 1996 et XXX en 1999 (sorti pour leur 30e anniversaire) suivent le modèle de Fandango  (de 1975) avec un côté studio et un enregistré en direct. Aucun des deux albums n’a fait une impression significative sur les fans ou les palmarès des ventes.    

ZZ Top, un groupe qui se cesse de tourner  

En 2003, ZZ Top conclut son contrat RCA avec Mescalero, tandis que Warner Bros sort un coffret de quatre disques.Cet album sera le seul des années 2000. Malgré un nouvel échec commercial, le groupe ne cesse de se produire sur scène et ce à l’international avec notamment une tournée mondiale en 2008. 

En 2004, ZZ Top est intronisé au Rock & Roll Hall of Fame, où Keith Richards prononce le discours d’intronisation.  Le groupe concentré sur ses tournées,  enregistre son concert, Live from Texas , qui sort en formats audio et vidéo en 2008.

Un autre ensemble de DVD en direct, Double Down Live suit en 2009, avec un concert tourné pour la télévision allemande en 1980 ainsi que des images d’émissions organisées en 2007 et 2008 à San Francisco, Paris, et Bixby, Oklahoma.  L’émission de 1980 obtient une sortie audio en 2011 sous le titre Live in Germany 1980.

Après une longue période de 9 ans sans enregistrement, ZZ Top signe avec American Recordings, et avec leur producteur Rick Rubin, ils font  La Futura en 2012. 

Salué par la critique comme un retour bienvenu à leur son pré-Eliminator, le groupe prend la route pour soutenir la sortie, et une autre collection de concerts, Live: Greatest Hits from Around the World, est publiée par Suretone en 2016.   

En octobre 2017, le groupe annule un certain nombre de spectacles lorsque Dusty Hill développe  des problèmes de santé. Ses médecins insistent pour qu’il fasse une pause.  Ils sont de retour en studio en 2018, et en 2019, ils réservent une résidence de huit nuits au Venetian Theatre de Las Vegas.

La même année, un long métrage documentaire sur le groupe, That Little Ol ‘Band du Texas, sort sur Netflix.  

Mais la pandémie de Covid-19 met entre parenthèses la résidence de Las Vegas après quelques spectacles ainsi que la tournée en 2020. 

Cependant, le groupe prévoit une longue tournée commençant en juillet 2021 et se prolongeant jusqu’en 2022. Mais, au cours du mois de juillet 2021, Dusty Hill chute, se blessant la hanche et  l’obligeant à rentrer chez lui.  

Le 23 juillet, le trio joue son premier concert sans Hill depuis 1970, avec leur guitariste, Elwood Francis, prenant le relais à la basse avec la bénédiction de Hill.  Le 28 juillet 2021, Dusty Hill décède chez lui à Houston, au Texas, à l’âge de 72 ans.  

« Nous, ainsi que les fans de ZZ Top à travers le monde, regretterons ta présence inébranlable, ta belle nature et ton engagement sans faille à donner cette assise au ‘Top’. Tu vas beaucoup nous manquer, amigo. » 

Peu de temps après que le décès de Hill, Billy Gibbons publie une déclaration disant que Hill avait insisté pour que le groupe continue d’exister après sa mort. Francis continue à maintenir la basse pour le trio.

Le premier album ZZ Top sorti après le décès de Hill est RAW: That Little Ol ‘Band du Texas, un album de concert de 2022 de la fin des années 2010 capturant le groupe dans l’intimité du dance hall texan Gruene Hall, et l’un des derniers albums avec Hill. 

ZZ Top continue de rendre hommage à Hill en posant son chapeau sur son micro et en reprenant Tush, avec la voix enregistrée de  Dusty.  

Le 12 décembre 2022, ZZ Top annonce une tournée en co-tête d’affiche avec Lynyrd Skynyrd pour l’été 2023, intitulée The Sharp Dressed Simple Man Tour.  La tournée devrait commencer le 21 juillet 2023 à West Palm Beach et se terminer le 17 septembre 2023 à Camden.

ZZ Top, les membres du groupe

Billy Gibbons – guitare, chœurs, chant solo, harmonica (depuis 1969),  fiddle (1976), saxophone (1979)

Dan Mitchell- batterie (1969)

Lanier Greig (†) – basse, orgue Hammond (1969), mort en février 2013.

Billy Ethridge – basse (1969)

Dusty Hill (†) – basse, claviers, chœurs, chant solo (1970-2021), saxophone (1979), mort le 28 juillet 2021.

Frank Beard – batterie, percussions, chœurs (depuis 1970), saxophone (1979)

Elwood Francis – basse (depuis 2021)

ZZ Top, leurs albums et leurs compilations

1971 : ZZ Top’s First Album (London Records)

1972 : Rio Grande Mud (London Records)

1973 : Tres Hombres (London Records)

1974 : Ten Legendary Texas Tails (Compilation

1975 : Fandango! (London Records)

1976 : Tejas (London Records)

1977 : The Best of ZZ Top

1979 : Degüello (Warner Bros. Records)

1981: Live in Germany

1981 : El Loco

1983 : Eliminator

1985 : Afterburner

1987 : The ZZ Top Sixpack (6 albums en un seul coffret)

1990 : Recycler

1992 : Greatest Hits

1994 : Antenna (RCA Records)

1994 : One Foot in the Blues

1996 : Rhythmeen

1999 : XXX

2003 : Mescalero

2003 : Compilation + inédits Chrome, Smoke and BBQ

2004 : Rancho Texicano

2006 : The Beginning of ZZ Top

2008 : Live from Texas

2008 : Greatest Hits

2012 : La Futura (American Recordings)

2014 : The Very Baddest of ZZ Top

2019 : Goin’ 50

2022 : RAW (« That Little Ol’ Band From Texas » Original Soundtrack)

Bonus: Interview de Billy Gibbons, avril 2022,

https://vwmusicrocks.com/

Nous avons récemment rencontré le fondateur de ZZ Top et célèbre six cordes, Billy Gibbons.

Chanteur principal de ZZ Top, il s’est assis pour discuter du prochain album Raw du légendaire groupe de rock et de l’accompagnement de Raw Whiskey Tour, du regretté bassiste Dusty Hill, et plus encore.

André :Billy, merci beaucoup d’avoir pris le temps. J’aimerais commencer par discuter de Raw, un tout nouvel album live dont la sortie est prévue le 22 juillet, qui coïncidera avec le prochain Raw Whiskey Tour pour célébrer les cinquante ans d’histoire remarquable du groupe. Quelles sont les origines de cet album en particulier ? 

Billy:Les producteurs de That Little Ol ‘Band From Texas, le documentaire ZZ Top, ont pensé que ce serait une bonne idée d’avoir un intermède de performance autonome dans le film pour informer les téléspectateurs d’une manière unique.

Le film couvre notre histoire, ce serait donc une façon de souligner que nous continuons à nous battre en termes clairs. Gruene Hall, le lieu, fait partie de l’histoire du Texas, tout comme nous, je suppose. C’était l’occasion d’obtenir un enregistrement vierge dans la boîte et c’est ce que nous avons fait.

André :Je vous ai vu décrire Raw comme un retour aux racines du groupe. Pouvez-vous nous en dire plus ? Quel était le plan de l’album ? 

Billy:Nous jouons tous les trois au même endroit, en même temps, avec un minimum de retouches en post-production. De nos jours, il est inhabituel d’enregistrer lorsque vous regardez réellement les personnes avec lesquelles vous enregistrez, mais Raw n’est que cela. 

André :Je m’en voudrais de ne pas mentionner le regretté Dusty Hill. Y a-t-il un souvenir ou une histoire à propos de Dusty qui se démarque ? 

Billy:Le jour où nous avons spontanément écrit « Tush » en 1973. Nous faisions une vérification du son dans un sol en terre battue à Florence, en Alabama, et nous étions en train de déconner lorsque le riff s’est présenté, et Dusty est intervenu et a commencé à chanter des paroles improvisées. En l’espace de dix minutes, nous avons eu un coup sur nos mains.

André :Le guitariste de longue date Elwood Francis assumera à nouveau les fonctions de basse pour la prochaine tournée. Qu’est-ce qui fait de lui un choix logique et qu’apporte-t-il à la formation?

Billy:Il fait partie de notre famille musicale depuis près de trente ans et sait comment ça se passe. Lorsque Dusty est tombé malade, il a indiqué que le spectacle devait continuer et a pensé qu’Elwood serait capable de gérer le remplacement à la lumière du fait qu’il est un musicien très accompli à part entière. Dusty avait bien sûr raison. 

André :Avant ZZ Top, vous faisiez partie d’un groupe appelé les Moving Sidewalks, où vous avez fait la première partie de Jimi Hendrix Experience lors de leur première tournée américaine en tant que tête d’affiche. Que retiens-tu de ces concerts, et en tant que jeune musicien, qu’as-tu pu apprendre de Jimi ? 

Billy: Jimi était un type timide en dehors de la scène mais un homme sauvage quand il était dessus. C’était un gars vraiment gentil et aimait comparer les notes – jeu de mots – et offrir des pointeurs. Nous sommes restés en contact jusqu’à sa disparition tragique et je lui rends hommage presque tous les soirs. 

André :Alors que nous réfléchissons aux cinquante ans de ZZ Top, j’aimerais revenir sur les années de formation du groupe. Comment le groupe s’est-il formé ? Frank [Beard] et Dusty ne se sont joints que plus tard, alors comment sont-ils finalement entrés en scène ? 

Billy:Nous avons recruté Frank et savions qu’il avait ce qu’il fallait pour nous garder à l’heure, pour ainsi dire. Nous avions besoin d’un bassiste, et il a suggéré Dusty, qui avait été son compagnon de groupe dans le blues américain. Dusty est venu et, au lieu d’une audition, nous avons juste jammé sur un blues shuffle en C.

Plusieurs heures de cela se sont suivies, et nous savions que nous avions la version «gardienne» du groupe.

André :Quel est votre souvenir des sessions d’écriture de chansons qui ont alimenté la sortie la plus réussie du groupe, Eliminator ? 

Billy:Certaines des chansons viennent d’une expérience personnelle, « Legs » en est un exemple. Nous avons vu une jeune femme, qui se faisait tremper par un orage et a décidé de faire demi-tour pour lui offrir un tour, mais au moment où nous sommes arrivés là où elle était, elle était partie. Elle avait des jambes et savait s’en servir.

Notre approche est de trouver des riffs et des paroles que nous aimons et de les essayer. Si nous les aimons toujours, ils sont enregistrés et, évidemment, avec les chansons de cet album, nous n’étions pas les seuls à les aimer. 

André :Merci encore d’avoir pris du temps, Billy. Je vous souhaite tout le meilleur dans vos projets futurs. Dernière question. Où Eliminator a-t-il été enregistré et que retenez-vous de ces sessions en studio ? 

Billy:Eliminator a été enregistré aux Ardent Studios à Memphis avec l’ingénieur Terry Manning. C’est là que nous avons rencontré le monde des synthés de manière significative et ouvert la porte à des expérimentations qui sont toujours en cours.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe ZZ Top

1. Qui est ZZ Top ?

ZZ Top est un groupe de rock américain formé en 1969 à Houston, au Texas. Le groupe est composé de Billy Gibbons à la guitare et au chant, Dusty Hill à la basse et au chant, et Frank Beard à la batterie. Le groupe est connu pour son mélange unique de blues, de rock et de hard rock, ainsi que pour ses performances live impressionnantes.

2. Quel est le style musical de ZZ Top ?

ZZ Top est connu pour son mélange de blues, de rock et de hard rock. Le groupe a créé un son unique en utilisant des guitares à grosses caisses et des amplis, ainsi que des effets sonores tels que des distorsions et des réverbérations. Les chansons du groupe sont souvent basées sur des grooves simples mais efficaces, avec des solos de guitare de Billy Gibbons et des lignes de basse funky de Dusty Hill.

3. Quels sont les albums les plus connus de ZZ Top ?

ZZ Top a sorti plus de 15 albums studio au cours de sa carrière, mais certains des albums les plus connus incluent « Tres Hombres » (1973), « Degüello » (1979), « Eliminator » (1983) et « La Futura » (2012). « Eliminator » est considéré comme l’album qui a catapulté le groupe au sommet de sa popularité, avec des chansons comme « Gimme All Your Lovin' », « Sharp Dressed Man » et « Legs » devenant des classiques de la radio.

4. Comment ZZ Top a-t-il commencé ?

ZZ Top a commencé en 1969 lorsque Billy Gibbons, qui avait déjà un groupe appelé The Moving Sidewalks, a rencontré Dusty Hill et Frank Beard. Les trois ont commencé à jouer ensemble sous le nom de ZZ Top, qui aurait été inspiré par le nom d’une marque de cigarettes. Le groupe a commencé à se produire dans des clubs du Texas, puis a commencé à enregistrer des albums au début des années 1970.

5. Quels sont les succès les plus connus de ZZ Top ?

ZZ Top a eu de nombreux succès au cours de sa carrière, mais certains des plus connus incluent « La Grange » (1973), « Tush » (1975), « Sharp Dressed Man » (1983), « Legs » (1984) et « Gimme All Your Lovin' » (1983). Ces chansons ont toutes été des tubes de radio et ont contribué à la popularité durable du groupe.

6. Quelle est l’histoire de la barbe de ZZ Top ?

ZZ Top est également connu pour ses barbes emblématiques, qui ont fait partie intégrante de l’image du groupe depuis les années 1970. Selon la légende, Billy Gibbons a commencé à porter une barbe après avoir promis à un ami de laisser pousser la sienne jusqu’à ce que le prochain album du groupe soit terminé. Dusty Hill et Frank Beard ont ensuite suivi le mouvement, et la barbe est devenue une partie intégrante de l’image de ZZ Top.

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Quelles sont les performances live de ZZ Top les plus célèbres ?
ZZ Top est connu pour ses performances live impressionnantes, qui comprennent souvent des effets pyrotechniques, des lumières éblouissantes et des danseuses sexy. L’une des performances les plus célèbres du groupe a été lors du festival de musique « Texas International Pop Festival » en 1969, où ils ont partagé l’affiche avec des groupes comme Janis Joplin, Led Zeppelin et Santana. Le groupe a également donné des performances mémorables au festival « Rockpalast » en Allemagne en 1980 et au festival « Crossroads Guitar Festival » en 2010.

8. Quel est l’impact de ZZ Top sur la musique rock ?

ZZ Top a eu un impact significatif sur la musique rock depuis leur début en 1969. Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de rock, notamment AC/DC, Guns N’ Roses et Van Halen. Le son unique de ZZ Top, qui mélange le blues, le rock et le hard rock, a également inspiré de nombreux autres groupes de musique, ce qui en fait l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock.

9. Quelle est la situation actuelle de ZZ Top ?

ZZ Top continue de tourner et de produire de la musique, bien que le groupe ait subi une tragédie en 2021 avec la mort de Dusty Hill. Malgré cela, le groupe a annoncé qu’il continuerait à tourner et à honorer la mémoire de Hill. ZZ Top est également l’un des rares groupes de rock qui n’a jamais changé de formation depuis sa création en 1969, ce qui témoigne de la force de leur collaboration musicale.

10. Quel est le meilleur moyen d’écouter ZZ Top ?

Le meilleur moyen d’écouter ZZ Top est de se procurer leurs albums studio et de les écouter en entier. Cela permet de mieux comprendre l’évolution de leur musique et de leur style au fil des ans. Il est également recommandé d’assister à l’un de leurs concerts live, car le groupe est connu pour ses performances énergiques et divertissantes. Enfin, il est possible d’écouter les classiques de ZZ Top sur des plateformes de streaming telles que Spotify ou Apple Music, mais cela ne vaut pas la peine de manquer l’occasion de vivre une expérience musicale en direct.

Le médiator personnalisé, tout savoir…

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 02/01/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Le médiator personnalisé existe depuis de nombreuses années, même s’il reste assez récent. Il est difficile de donner une date précise de son apparition. En effet, les musiciens ont toujours cherché à personnaliser leur équipement, y compris leurs médiators, pour obtenir un son ou une sensation de jeu spécifique.

Cependant, avec l’avènement de la technologie moderne, il est devenu plus facile et plus courant de fabriquer des médiators personnalisés. Les fabricants de médiators ont commencé à proposer des services de personnalisation pour permettre aux musiciens de concevoir leur propre médiator avec des matériaux, des formes et des épaisseurs spécifiques.

De plus, avec l’avènement de l’impression 3D, le musicien a désormais la possibilité de créer son propre médiator personnalisé à partir de matériaux tels que le plastique, le métal et même le bois. Cette technologie a ouvert de nouvelles possibilités pour la personnalisation des médiators, permettant aux musiciens de concevoir des médiators uniques, adaptés à leurs besoins et à leurs préférences.

La popularité  du médiator personnalisé a donc augmenté avec l’avènement de la technologie moderne et des services de personnalisation proposés par les fabricants de médiators. De nos jours, le médiator personnalisé est de plus en plus courant et est apprécié par de nombreux musiciens pour sa capacité à offrir un son et une sensation de jeu uniques.

Retour sur l’histoire du médiator personnalisé,  ce petit accessoire indispensable pour les guitaristes, les bassistes et les autres musiciens qui jouent d’un instrument à cordes et qui perdent, cassent et remplacent fréquemment  leur médiator.

Muse

Le médiator, qu’est-ce que c’est ?

Le médiator, ou plectre, est un accessoire utilisé pour gratter les cordes d’une guitare ou d’un autre instrument à cordes. Les premiers médiators remontent au début du 20ème siècle, lorsqu’ils ont commencé à être utilisés comme une alternative aux ongles ou aux doigts nus pour jouer de la guitare. Les premiers médiators étaient souvent fabriqués à partir d’os, de corne, de nacre ou d’autres matériaux naturels.

Au fil du temps, de nouveaux matériaux ont été introduits pour la fabrication du médiator, tels que le celluloïd, qui était très populaire dans l’industrie de la musique dans les années 1920 et 1930. Depuis lors, de nombreux autres matériaux ont été utilisés pour fabriquer des médiators, notamment le nylon, le Delrin, l’ultem, la gomme naturelle et divers métaux.

Le médiator personnalisé,  est utilisé par de nombreux musiciens à travers le monde pour jouer de la guitare, de la basse et d’autres instruments à cordes pincées. Il est difficile de dire avec certitude qui utilise le plus le médiator, car cela dépend de nombreux facteurs tels que le genre musical, la culture musicale et les préférences individuelles de chaque musicien.

Scorpions

Cependant, le médiator personnalisé est particulièrement populaire dans les genres de musique rock, pop, blues, jazz, country et folk, où il est souvent utilisé pour créer des sons plus puissants et plus percussifs. Les guitaristes célèbres tels que Jimi Hendrix, Eric Clapton, Eddie Van Halen, Jimmy Page, Stevie Ray Vaughan, et bien d’autres ont tous utilisé des médiators pour jouer de la guitare.

Kiss

Jimi Hendrix : « Je ne suis pas le meilleur joueur de guitare du monde, mais je suis assez bon pour savoir qu’un médiator peut faire une énorme différence dans le son que vous obtenez. J’utilise souvent des médiators en nylon pour jouer de la guitare électrique, car ils me donnent une attaque plus douce et plus souple. »

Eddie Van Halen : « Je suis très particulier sur les médiators que j’utilise pour jouer de la guitare. J’aime les médiators en métal avec des bords pointus pour une attaque plus nette et plus précise. Je peux vraiment sentir la différence quand j’utilise le bon médiator. »

John Mayer : « J’ai commencé à jouer de la guitare avec mes doigts, mais j’ai rapidement réalisé que j’avais besoin d’un médiator pour créer les sons que je voulais. J’utilise souvent des médiators en plastique plus épais pour une attaque plus puissante et plus percussive. »

Bonnie Raitt : « J’utilise des médiators en acier inoxydable pour jouer de la guitare slide. Ils sont très résistants et me permettent de jouer avec un peu plus de force sans me blesser les doigts. »

Mark Knopfler : « Je joue souvent de la guitare avec mes doigts plutôt qu’avec un médiator, mais j’utilise parfois des médiators en cuir pour créer un son plus doux et plus chaleureux. »

Ces témoignages montrent que les musiciens ont des préférences et des habitudes différentes en ce qui concerne l’utilisation du médiator. Certains préfèrent jouer avec leurs doigts, tandis que d’autres considèrent le médiator comme un outil indispensable pour obtenir le son qu’ils recherchent.

L’histoire du médiator

Le médiator est un petit accessoire en forme de triangle utilisé pour gratter les cordes d’une guitare, d’une basse ou d’un ukulélé. Aussi connu sous le nom de « plectre », le médiator est fabriqué dans une variété de matériaux, allant du plastique aux métaux précieux, et est disponible dans une gamme de tailles et d’épaisseurs pour répondre aux besoins de chaque musicien.

L’histoire du médiator remonte au début du 20e siècle, lorsque les guitaristes ont commencé à chercher des alternatives aux doigts nus ou aux ongles pour jouer de la guitare. Les premiers médiators étaient en fait des morceaux d’os, de corne ou de nacre, mais ont rapidement été remplacés par des matériaux plus modernes, tels que le celluloïd, qui était alors un matériau de pointe dans l’industrie de la musique.

Au fil des ans, de nombreuses marques de médiators ont émergé sur le marché, chacune offrant des caractéristiques uniques pour répondre aux besoins de chaque musicien. Voici quelques-unes des marques les plus connues dans le monde des médiators :

• Dunlop : Fondée en 1965, la marque Dunlop est l’une des plus célèbres dans l’industrie des médiators. La marque propose une large gamme de médiators, allant des modèles en nylon standard aux modèles en Delrin, en ultex ou en gomme naturelle.
• Fender : Fender est une marque de guitare bien connue, mais elle fabrique également des médiators de haute qualité. Les médiators Fender sont disponibles dans une gamme de tailles, d’épaisseurs et de matériaux, et sont connus pour leur qualité de fabrication supérieure.
• Gibson : La marque Gibson est également célèbre pour ses guitares, mais fabrique également des médiators de qualité supérieure. Les médiators Gibson sont disponibles dans une gamme de matériaux, allant de l’acétate au celluloid, et sont connus pour leur durabilité et leur qualité sonore.
• Jim Dunlop : Jim Dunlop est le fondateur de la marque Dunlop, mais fabrique également des médiators sous son propre nom. Les médiators Jim Dunlop sont fabriqués à partir de matériaux de haute qualité et sont connus pour leur durabilité et leur précision.
• Clayton : La marque Clayton propose une gamme de médiators de qualité supérieure, allant des modèles en nylon standard aux modèles en acétate, en ultem ou en métal. Les médiators Clayton sont connus pour leur confort de jeu et leur sonorité exceptionnelle

En conclusion, le médiator est un petit accessoire essentiel pour tout guitariste, et les marques mentionnées ci-dessus sont toutes des choix de qualité pour les musiciens de tous niveaux et de tous styles musicaux. Quel que soit votre choix, il est important de trouver un médiator qui convient à votre style de jeu et à vos préférences personnelles, afin de tirer le meilleur parti de votre expérience musicale.

Le médiator, sa fabrication

Le processus de fabrication d’un médiator peut varier en fonction du matériau utilisé, du type de médiator et de la méthode de fabrication. Cependant, voici une description générale du processus de fabrication d’un médiator en plastique, qui est l’un des matériaux les plus couramment utilisés :

1. Préparation du matériau : Le plastique utilisé pour fabriquer les médiators est souvent fourni sous forme de feuille ou de bobine. Les feuilles sont découpées en bandes de la largeur voulue, puis ces bandes sont découpées en carrés ou en formes triangulaires.
2. Découpe : Les carrés ou les formes triangulaires sont découpés en médiators individuels à l’aide d’une presse de découpe spéciale. La presse est souvent équipée d’un moule en acier qui permet de découper les médiators à la forme et à la taille voulues.
3. Finition des bords : Les bords des médiators découpés peuvent être rugueux et avoir des bavures. Pour lisser les bords, les médiators peuvent être placés sur une machine à poncer qui les polit et les lisse.
4. Personnalisation : Si les médiators sont destinés à être personnalisés, cette étape peut être réalisée à l’aide d’une imprimante UV ou d’une machine de gravure laser. Les musiciens peuvent ainsi ajouter leur logo, leur nom ou leur image préférée sur le médiator.
5. Conditionnement et emballage : Les médiators sont ensuite triés en fonction de leur taille et de leur forme, puis emballés en vrac ou conditionnés dans des pochettes spéciales.

En somme, le processus de fabrication d’un médiator peut être relativement simple ou plus complexe en fonction du matériau et du type de médiator fabriqué. Cependant, la plupart des médiators sont fabriqués en utilisant une presse de découpe et une machine à poncer pour lisser les bords, avant d’être personnalisés et emballés pour la vente.

Le médiator personnalisé, une innovation récente

Le médiator personnalisé est une innovation relativement nouvelle dans le monde de la musique, qui permet aux musiciens de créer des médiators qui répondent exactement à leurs besoins individuels en termes de jeu de guitare. Les médiators personnalisés sont fabriqués à partir de matériaux de haute qualité, tels que du nylon, du Delrin ou de l’ultex, et sont disponibles dans une variété de tailles, de formes et d’épaisseurs.

Les médiators personnalisés offrent de nombreux avantages par rapport aux médiators standards. Tout d’abord, ils sont plus confortables à jouer, car ils sont spécialement conçus pour s’adapter à la taille et à la forme de la main du musicien. De plus, les médiators personnalisés peuvent être conçus pour offrir une réponse sonore spécifique, avec une attaque plus nette ou plus douce, une plus grande précision, ou encore une meilleure résistance à l’usure.

Pour créer un médiator personnalisé, un musicien peut utiliser un logiciel en ligne ou un service de fabrication spécialisé pour télécharger son design. Les designs peuvent inclure une variété d’éléments, tels que des images, des logos, des photos et des motifs personnalisés. Le musicien peut également choisir la taille, la forme et l’épaisseur du médiator en fonction de ses préférences.

Une fois que le design est finalisé, le médiator personnalisé est fabriqué à partir du matériau choisi et découpé selon les spécifications du design. Le processus de fabrication peut prendre quelques jours à plusieurs semaines, en fonction de la complexité du design et des matériaux utilisés.

Les médiators personnalisés sont populaires auprès des musiciens de tous niveaux, du débutant à l’expert. Les débutants peuvent trouver un médiator personnalisé qui leur convient parfaitement dès le début de leur apprentissage, ce qui peut améliorer leur technique et leur confort de jeu. Les musiciens plus avancés peuvent créer des médiators personnalisés pour répondre à des besoins spécifiques en termes de son et de jeu, et pour se démarquer de la foule.

Le médiator personnalisé est de fait, un outil précieux pour les musiciens qui cherchent à améliorer leur confort de jeu et leur son, tout en exprimant leur personnalité artistique. Les médiators personnalisés sont de plus en plus populaires, et leur disponibilité en ligne et en magasin spécialisé rend cette innovation accessible à tous les musiciens, quels que soient leur niveau et leur style musical.

Voici quelques citations de musiciens qui utilisent des médiators personnalisés :

• Eddie Van Halen : « Je suis très pointilleux sur les médiators que j’utilise pour jouer de la guitare. J’ai même conçu mes propres médiators en collaboration avec la société Dunlop pour obtenir exactement le son que je recherchais. »
• John Mayer : « J’utilise des médiators personnalisés depuis des années. Je préfère des médiators en plastique plus épais avec une surface texturée pour une attaque plus puissante et plus précise. »
• Billy Gibbons (ZZ Top) : « Je joue avec un médiator personnalisé en os depuis des années. J’aime la façon dont il se sent dans ma main et la façon dont il sonne sur les cordes de ma guitare. »
• Mark Tremonti (Alter Bridge) : « Je préfère des médiators personnalisés plus larges pour une meilleure prise en main et un meilleur contrôle de mes attaques. J’utilise souvent des médiators en nylon personnalisés avec une surface texturée pour une adhérence supplémentaire. »

Ces citations montrent que les musiciens sont très passionnés par leurs médiators personnalisés et qu’ils sont prêts à investir du temps et de l’argent pour trouver le médiator parfait pour leur son et leur style de jeu. Les médiators personnalisés offrent aux musiciens un moyen de se connecter encore plus étroitement avec leur instrument et de créer un son unique et personnel.

ZZ Top, Billy Gibbons

Le médiator personnalisé, sa fabrication

La fabrication d’un médiator personnalisé peut varier en fonction du fabricant et de la méthode de personnalisation utilisée. Voici cependant un aperçu général du processus de fabrication d’un médiator personnalisé :

1. Conception : Le premier pas pour fabriquer un médiator personnalisé consiste à concevoir la forme, la taille et les caractéristiques du médiator. Le musicien peut concevoir son médiator personnalisé en utilisant un logiciel de conception assistée par ordinateur (CAO), en dessinant à la main ou en envoyant des spécifications à un fabricant de médiators personnalisés.
2. Choix des matériaux : Le musicien peut également choisir les matériaux à utiliser pour son médiator personnalisé. Les médiators personnalisés peuvent être fabriqués à partir de divers matériaux tels que le plastique, le métal, le bois et même l’ivoire végétal.
3. Prototypage : Une fois que le design est finalisé, le fabricant de médiators personnalisés peut créer un prototype pour vérifier que le médiator fonctionne correctement et que sa forme et sa taille sont conformes aux spécifications du musicien. Ce prototype peut être créé en utilisant une imprimante 3D ou en sculptant à la main.
4. Production : Après la validation du prototype, le fabricant peut commencer la production en série du médiator personnalisé. Les médiators sont généralement produits en utilisant des presses de découpe ou des machines à commande numérique qui peuvent découper les médiators à la forme et à la taille voulues.
5. Personnalisation : La personnalisation est généralement réalisée à l’aide d’une imprimante UV ou d’une machine de gravure laser. Les musiciens peuvent ainsi ajouter leur logo, leur nom ou leur image préférée sur le médiator.
6. Finition : Après la personnalisation, le médiator personnalisé est souvent poncé pour lisser les bords et éliminer toute rugosité ou bavure.
7. Conditionnement et emballage : Les médiators personnalisés sont ensuite triés en fonction de leur taille et de leur forme, puis emballés dans des pochettes spéciales ou dans des boîtes personnalisées pour la vente.

En somme, la fabrication d’un médiator personnalisé implique des étapes supplémentaires de conception et de personnalisation par rapport à la fabrication d’un médiator standard, mais elle suit généralement un processus similaire de production en série et de finition.

Le médiator personnalisé, en bref

Le médiator personnalisé est de plus en plus populaire auprès des musiciens car il offre la possibilité d’avoir un outil de jeu unique et adapté à ses préférences individuelles. Un médiator personnalisé peut être fabriqué à partir de matériaux spécifiques, tels que des métaux, des plastiques, des bois exotiques, des cornes animales ou même des matériaux composites.

La forme et la taille du médiator peuvent également être personnalisées pour s’adapter à la main et au style de jeu du musicien. Certains musiciens préfèrent des médiators plus larges pour une meilleure prise en main, tandis que d’autres préfèrent des médiators plus minces pour une attaque plus rapide et plus précise.

Enfin, la texture de la surface du médiator peut également être personnalisée pour offrir une meilleure adhérence ou une meilleure résistance à l’usure. Certains musiciens choisissent des médiators avec des surfaces lisses, tandis que d’autres préfèrent des médiators avec des surfaces texturées pour une meilleure accroche.

En somme, l’utilisation d’un médiator personnalisé peut offrir un certain nombre d’avantages pour un musicien, notamment en termes de confort, de son et de technique de jeu. Cependant, il est important de noter que les préférences en matière de médiator peuvent varier considérablement d’un musicien à l’autre et qu’il est important de trouver le médiator qui convient le mieux à son propre style de jeu.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Marilyn Manson : Le Roi du Rock Industriel et l’Icône de la Provocation

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 08/12/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

marilyn manson

 

1. Les Débuts et la Formation de Marilyn Manson

1.1 Les Origines de Brian Hugh Warner

Né en 1969 à Canton, Ohio, **Brian Warner** grandit dans une famille de classe moyenne. Avant de devenir Marilyn Manson, il est un jeune homme passionné par la musique, le journalisme et les arts visuels. À l’adolescence, il découvre des groupes comme **David Bowie**, **Alice Cooper**, et **Kiss**, des artistes qui n’hésitent pas à associer la musique à des performances théâtrales et provocantes. C’est de là que vient sa fascination pour les identités multiples et la transgression des normes culturelles.

Warner choisit le nom de scène **Marilyn Manson**, en combinant deux figures iconiques et opposées de la culture américaine : l’actrice glamour **Marilyn Monroe** et le criminel tristement célèbre **Charles Manson**. Ce choix de nom symbolise parfaitement la dualité et les contradictions qui définiront sa carrière : la beauté contre la violence, le glamour contre l’horreur.

 

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1.2 La Création du Groupe Marilyn Manson

En 1989, Brian Warner fonde le groupe **Marilyn Manson & the Spooky Kids**, qui deviendra plus tard simplement **Marilyn Manson**. À cette époque, le groupe commence à se faire un nom sur la scène underground de **Floride**, avec des performances qui allient musique industrielle, metal et un visuel saisissant inspiré par l’esthétique gothique et le cinéma d’horreur.

Le groupe signe rapidement avec le label de **Trent Reznor**, leader du groupe **Nine Inch Nails**, et sort son premier album ** »Portrait of an American Family »** en 1994. Cet album, bien qu’ayant attiré l’attention des critiques, ne rencontre pas immédiatement le succès grand public. Cependant, c’est avec la sortie de leur second album, ** »Antichrist Superstar »** en 1996, que Marilyn Manson atteint la célébrité mondiale.

 

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1.3 L’Ascension avec « Antichrist Superstar »

En 1996, la sortie de ** »Antichrist Superstar »** marque un tournant décisif dans la carrière de **Marilyn Manson**. Cet album, produit par **Trent Reznor**, est un succès commercial et critique. Il est salué pour sa production soignée, ses paroles provocantes, et sa capacité à repousser les limites de la musique rock. Le personnage de Marilyn Manson devient alors une véritable figure publique, à la fois adulée et détestée.

Provocation et symbolisme : Avec « Antichrist Superstar », Manson se place en opposition directe à la religion, à la culture de masse et aux valeurs traditionnelles américaines. L’album est un concept dans lequel Manson se réinvente en figure messianique, à la fois sauveur et destructeur. Cette dualité, omniprésente dans son œuvre, est également reflétée dans ses visuels et ses performances scéniques, où il combine des éléments gothiques, religieux, et militaristes.

Ce disque controversé lui vaut des critiques acerbes de la part des groupes conservateurs, mais il attire aussi un public de jeunes en quête de rébellion et d’expression de soi. Le personnage de **Marilyn Manson** devient une icône de l’anti-establishment, défiant les normes et se moquant des conventions.

2. Des Portraits Qui Traversent les Décennies

2.1 L’Image de Marilyn Manson : Un Visuel Choc et Inoubliable

Ce qui fait de **Marilyn Manson** une icône intemporelle, c’est sa capacité à manipuler son image. Dès ses débuts, il a compris l’importance du visuel dans la musique et a adopté une esthétique choquante, inspirée par les films d’horreur, l’art surréaliste, et la culture gothique. Il a créé une image immédiatement reconnaissable, avec son maquillage blafard, ses lentilles de contact excentriques, et ses tenues provocantes. Cette construction visuelle était non seulement un moyen d’attirer l’attention, mais aussi une façon de défier les attentes de la société quant à ce que devait être une star du rock.

Avec des photographes de renom comme **David LaChapelle** ou **Perou**, Manson a produit des portraits emblématiques qui sont devenus des références dans la culture populaire. Ses images reflètent une réflexion sur l’identité, le pouvoir et la décadence. Ces portraits sont souvent aussi dérangeants qu’envoûtants, créant un lien indissociable entre son personnage public et son art.

Le pouvoir du visuel : L’un des portraits les plus célèbres de **Marilyn Manson** est celui réalisé par **David LaChapelle** pour la promotion de l’album ** »Mechanical Animals »** (1998). Dans cette photo, Manson apparaît sous les traits d’une créature androgyne, à mi-chemin entre l’humain et le robot. La peau blanche, le corps longiligne et lisse, les cheveux orange, tout dans cette image rappelle la fascination de Manson pour la transformation et le dépassement des normes.

Ce portrait, plus qu’une simple image de promotion, est devenu une icône culturelle, symbolisant à la fois la rupture avec les codes traditionnels de genre et l’obsession de la société pour la perfection artificielle.

 

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2.2 Une Métamorphose Continue à Travers les Albums

Tout au long de sa carrière, **Marilyn Manson** a utilisé son apparence pour incarner différents personnages, chaque album étant l’occasion d’une nouvelle métamorphose. Il n’a jamais eu peur d’explorer des thèmes sombres et dérangeants à travers son apparence, que ce soit en tant qu’anti-héros, créature futuriste, ou figure quasi religieuse. Ce processus de transformation perpétuelle fait de lui un caméléon du rock, un artiste capable de réinventer son image tout en restant fidèle à son univers visuel et conceptuel.

Antichrist Superstar : Dans la période ** »Antichrist Superstar »**, Manson adopte un look inspiré par l’imagerie religieuse et militaire. Ses performances scéniques sont marquées par des références au fascisme, à la religion, et à la politique, créant une atmosphère de provocation constante. Ses portraits durant cette période sont souvent sombres et brutaux, reflétant l’hostilité de l’album et de son message.

Mechanical Animals : Pour la sortie de ** »Mechanical Animals »** en 1998, Manson choisit une approche radicalement différente. Le personnage qu’il incarne dans cet album est une créature androgyne et extraterrestre, un être à la fois vulnérable et dangereux. Les photos de cette époque, notamment celles de **David LaChapelle**, sont saturées de couleurs vives et d’effets surréalistes. Ce changement de ton est non seulement visuel, mais aussi musical, l’album étant plus influencé par le glam rock et moins sombre que ses précédents travaux.

Born Villain : Au début des années 2010, avec la sortie de l’album ** »Born Villain »**, Manson revient à une esthétique plus brute et plus minimaliste. Les portraits de cette époque montrent un homme vieillissant, mais toujours aussi provocateur, avec un look plus dépouillé et une énergie brute. Ce retour à une forme plus simple de provocation montre que Manson, même après deux décennies de carrière, est toujours capable de se réinventer tout en conservant l’essence de son personnage transgressif.

2.3 Un Héritage Visuel et Culturel Durable

Les portraits de **Marilyn Manson** ont laissé une marque indélébile sur la culture populaire. Ils sont devenus des symboles de la rébellion, du rejet des normes et de la provocation. Que ce soit à travers ses visuels choquants ou son image de caméléon, Manson a influencé des générations d’artistes, de musiciens et de créateurs de mode.

Sa capacité à manipuler son image et à incarner des personnages extrêmes fait de lui un modèle pour ceux qui cherchent à repousser les limites de l’expression artistique.

En utilisant son apparence comme un moyen de communication, Manson a compris le pouvoir du visuel dans la musique. Ses portraits sont des œuvres d’art à part entière, créant une esthétique qui a redéfini le look du rock industriel et gothique. Aujourd’hui encore, ses images continuent d’influencer les jeunes artistes et les photographes, qui voient en lui un pionnier de l’auto-représentation et de la transgression visuelle.

Au-delà de la musique, Manson est également une figure culturelle qui a marqué le cinéma, la mode, et l’art contemporain. Son influence s’étend bien au-delà des frontières de la scène musicale, faisant de lui une icône intemporelle de la contre-culture moderne.

Rolling Stone : Le magazine incontournable de la pop culture et de la musique

par Eric Canto | Mis à jour le 27/12/2024 | Publié le 25/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Rolling Stone Magazine est un bimensuel américain ayant une présence exceptionnelle dans l’univers de la pop culture et de la musique.

L’histoire du magazine Rolling Stone et son évolution

Fondé en 1967 à San Francisco, le magazine tire son nom d’une chanson des Muddy Waters. Créé par Jann Wenner, ce premier numéro présentait John Lennon sur la couverture.

Au fil des années, Rolling Stone a toujours suivi les tendances musicales avec une attention particulière pour la culture rock. Il est rapidement devenu le mensuel de référence pour obtenir des informations musicales, en plus de porter un regard précis et éclairant sur les actualités culturelles, sociétales et politiques.

Des interviews exclusives et des reportages passionnants

Le succès du magazine repose sur ses interviews exclusives et autres reportages passionnants, mettant en lumière aussi bien les personnalités emblématiques du histoire de la musique que les nouveaux talents. Ainsi, chaque article apporte quelque chose de neuf et captivant sur l’artiste ou le groupe concerné.

Outre les interviews, Rolling Stone propose également des chroniques d’album, des comptes rendus de concert, des sujets sur les tendances du secteur de la musique et du showbiz, ainsi que des articles sur les derniers albums à succès.

Au-delà de la musique, Rolling Stone explore également d’autres thèmes tels que le cinéma, la télévision, la littérature, la mode et l’art contemporain. Le magazine a parfois été controversé pour ses reportages et ses critiques, n’hésitant pas à s’attaquer aux problèmes de société.

Une présence mondiale avec des éditions internationales

En plus de son édition américaine, Rolling Stone possède des moutures nationales dans différents pays qui reprennent les articles publiés aux États-Unis en y ajoutant des contenus locaux comme les sorties d’albums, les concerts, les festivals, les expositions et les manifestations culturelles locales.

L’édition francophone et les autres éditions européennes

De nombreuses éditions européennes ont vu le jour, dont une version française commencée en 1988. D’autres versions ont aussi vu le jour en Italie, en Allemagne ou encore au Royaume-Uni par exemple, attestant de la portée internationale de la marque.

Des supports numériques pour un magazine toujours plus accessible

Soucieux de s’adapter aux nouvelles technologies, Rolling Stone a investi les médias numériques pour proposer une version en ligne enrichie de contenu multimédia, notamment grâce à des vidéos exclusives, mais aussi grâce à la possibilité pour les internautes de participer à diverses enquêtes, sondages et concours.

La version numérique du magazine propose ainsi une grande variété de contenus, qu’il s’agisse d’articles de fond, de brèves actualités, de listes thématiques ou encore de portfolios sur des sujets plus légers et divertissants.

Rolling Stone : un acteur incontournable dans la promotion de la musique

Depuis sa création, Rolling Stone a toujours cherché à mettre en avant les artistes qui ont marqué l’histoire de la musique. Ceci est particulièrement vrai pour la culture rock, dont le magazine se veut dépositaire.

Récompenser et honorer les meilleures créations musicales

À travers ses célèbres classements annuels tels que « Les 500 meilleurs albums de tous les temps » , « Les 100 meilleurs guitaristes » ou encore « Les 100 meilleures chansons », Rolling Stone contribue à récompenser et honorer les meilleures créations musicales et artistique.

Certains voient ces classements comme une forme de favoritisme et craignent qu’ils ne contribuent à figer l’image de la musique plutôt que de la faire évoluer. Néanmoins, force est de constater que les choix du magazine sont reconnus et respectés par la profession et le grand public, qui y voient souvent un repère utile.

Promouvoir la nouvelle génération d’artistes

Bien conscient de l’évolution du monde de la musique, Rolling Stone n’hésite pas à consacrer de la place aux jeunes artistes prometteurs pour les faire connaître auprès d’un public plus large et attiser ainsi l’intérêt des maisons de disques, des tourneurs et autres acteurs du secteur.

Ainsi, grâce au soutien du magazine, un grand nombre de nouveaux talents ont pu émerger et trouver leur voie dans le métier.

Un succès indéniable qui reste intact avec le temps

Malgré quelques polémiques ou critiques prenant parfois à partie sa ligne éditoriale ou ses choix rédactionnels, force est de constater que le magazine a conservé son statut de référence dans le milieu de la musique et culturelle.

Aujourd’hui encore, Rolling Stone reste un véritable passeport vers la réussite pour bon nombre d’artistes et groupes musicaux en quête de reconnaissance. L’aventure continue donc, riche en passion et découvertes, comme le témoignent chaque mois les pages du célèbre magazine américain.

Pour tous les amateurs de musique et de pop culture, Rolling Stone est un rendez-vous à ne pas manquer !

(suite…)

Les Arènes de Nîmes : Un chef-d’œuvre architectural du monde romain

par Eric Canto | Mis à jour le 18/10/2024 | Publié le 24/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Découvrez les Arènes de Nîmes, cet amphithéâtre romain situé dans la ville de Nîmes, dans le Gard, qui a traversé les siècles et continue d’émerveiller par son architecture et son histoire. Dans cet article, nous vous invitons à explorer ce monument emblématique, ses origines, sa construction et son utilisation au fil des siècles.

Origines et construction des Arènes de Nîmes

Construites durant le Ier siècle après J.C, les Arènes de Nîmes témoignent de la grandeur et de l’influence du monde romain. À l’époque, la ville de Nîmes faisait partie de la province romaine de Gaule Narbonnaise et était un important centre commercial et culturel. La construction de cet amphithéâtre s’inscrit dans le développement urbain de la ville, marqué également par la présence d’autres monuments romains tels que la Maison Carrée ou encore la Tour Magne.

Architecture et dimensions des Arènes de Nîmes

L’amphithéâtre de Nîmes est considéré comme l’un des mieux conservés au monde. Il mesure 133 mètres de longueur, 101 mètres de largeur et possède une hauteur maximale de 21 mètres. De forme ovale, il pouvait accueillir environ 24 000 spectateurs répartis sur deux niveaux de gradins. Les Arènes de Nîmes sont composées de pierres calcaires locales et ont été conçues avec un système de voûtes et d’arcs qui assurent la stabilité et la solidité de l’ensemble.

Dans le souci du détail caractéristique de l’architecture romaine, les façades des Arènes sont ornées de sculptures et de bas-reliefs représentant notamment Neptune et Typhon, divinités marines dans la mythologie romaine. Leur disposition est organisée selon les ordres architecturaux dorique, ionique et corinthien, symboles de raffinement et d’harmonie.

Les Arènes de Nîmes à travers les siècles

L’utilisation des Arènes de Nîmes a évolué au fil des siècles en fonction des besoins et des influences culturelles successives. Découvrons quelques-unes des étapes importantes de cette histoire mouvementée.

Fonction originelle : amphithéâtre romain et spectacles antiques

À l’époque romaine, les Arènes de Nîmes avaient pour principale fonction d’accueillir des spectacles publics, tels que les combats de gladiateurs, les courses de chars ou encore des représentations théâtrales. Ces divertissements étaient organisés pour distraire et impressionner la population locale, mais aussi pour témoigner de la puissance et de la prospérité du monde romain.

Moyen Âge et Renaissance : forteresse et habitat

Au Moyen Âge, les Arènes de Nîmes ont été réutilisées comme forteresse par les seigneurs locaux pour protéger la population lors des conflits et des invasions barbares. Des tours fortifiées ont été ajoutées aux quatre angles de l’édifice afin d’assurer sa défense. À l’intérieur de l’amphithéâtre, des habitations ont été construites pour loger plus de 2 000 personnes. La vie quotidienne s’est alors organisée autour des commerces, des ateliers et des lieux de culte qui ont vu le jour au sein même des Arènes.

Cette période sombre a cependant entraîné une profonde dégradation du monument, qui sera progressivement abandonné dès le XVIe siècle avec la Renaissance et le rétablissement de l’autorité royale.

XIXe siècle : restauration et préservation du patrimoine

L’intérêt pour les vestiges du monde romain renaît au XIXe siècle, à l’image de l’écrivain français Victor Hugo qui célèbre la beauté des Arènes de Nîmes dans son ouvrage « Les Voix intérieures ». Les autorités françaises décident alors de lancer des travaux de restauration et de mise en valeur du monument. La première étape consiste à démanteler les habitations et les structures médiévales qui défiguraient l’architecture originelle des Arènes. Puis, des campagnes de fouilles archéologiques sont menées et several projets de restauration sont entrepris pour redonner leur magnificence aux Arènes de Nîmes.

Les Arènes de Nîmes aujourd’hui : entre histoire et spectacle

Actuellement, les Arènes de Nîmes témoignent de leur passé prestigieux tout en continuant d’accueillir des événements divers, faisant ainsi le lien entre l’histoire romaine et notre époque moderne. Parmi les manifestations les plus connues ayant lieu dans cet amphithéâtre, citons notamment :

• La Feria de Nîmes, célèbre fête taurine locale qui se déroule chaque année pendant la Pentecôte et la récolte du vin;
• Des corridas traditionnelles, perpétuant ainsi la dimension spectaculaire et combative des Arènes;
• Des concerts et festivals, comme les « Nuits Musicales » ou encore les « Grands Jeux Romains », reconstituions historiques mettant à l’honneur la culture antique;
• Des expositions temporaires et autres animations autour de l’histoire et de l’archéologie.

Ainsi, grâce aux efforts de préservation et de valorisation, les Arènes de Nîmes demeurent un témoin vibrant du patrimoine architectural et culturel du monde romain, permettant aux visiteurs du monde entier de plonger dans l’univers fascinant de cette période riche en découvertes et en émotions.

EN SAVOIR PLUS…La fascinante histoire des Arènes de Nîmes

Situées dans la ville française de Nîmes, dans le département du Gard, les Arènes de Nîmes sont un amphithéâtre romain édifié au I^er siècle après J.-C. Elles comptent parmi les mieux conservées au monde et témoignent encore aujourd’hui de l’incroyable ingéniosité des architectes de l’époque.

Un héritage architectural impressionnant

Bâties en 70 après J.-C., les Arènes de Nîmes étaient conçues pour accueillir entre 20 000 et 24 000 spectateurs lors de divers spectacles offerts aux habitants de la cité romaine. Grâce à leurs deux niveaux, soit 60 arcades chacun, elles mesurent 133 mètres de longueur pour 100 mètres de largeur. Il s’agit du monument public le plus grand de la ville, suivi de près par la Maison Carrée.

L’amphithéâtre romain

L’amphithéâtre ressemble fortement au Colisée de Rome. Il possède une arène elliptique entourée de gradins dont l’accès était réglementé selon la classe sociale du spectateur. L’arène centrale mesure 69 mètres de long sur 38 mètres de large et servait originellement aux combats de gladiateurs, aux courses de chars et aux chasses d’animaux sauvages. Ces spectacles étaient en effet très prisés par l’élite de l’époque.

La particularité des Arènes de Nîmes

Comme la plupart des amphithéâtres romains, les Arènes de Nîmes étaient dotées de dispositifs ingénieux pour optimiser tant le confort que l’acoustique. Parmi ces innovations : un système de galeries souterraines qui permettait une circulation fluide des spectateurs et des participants aux jeux de surface, ainsi qu’un mécanisme subterfuge composé de poulies et de cordages afin d’afficher en temps réel le déroulement des courses de chars à grand rayon d’action, ou encore les systèmes d’entrées secondaires pour faciliter la sortie des animaux sauvages au cours des représentations.

Les différentes fonctions du site au fil du temps

Au cours des siècles qui ont suivi la construction des Arènes, celles-ci sont passés successivement par différents usages :

1. En 475 après J.-C., les Arènes ont progressivement perdu leur fonction initiale due à l’interdiction du christianisme et se sont transformées en carrière ouverte ;
2. Au Moyen-Âge, elles ont servi d’hôtel fortifié, puis de base militaire à partir du XVII^e siècle pour protéger la ville contre les troupes étrangères;
3. Jusqu’au XIX^e= siècle, elles ont accueilli tournois médiévaux et fêtes foraines, avant d’être réinvesties pour leur usage originel à l’initiative de Prosper Mérimée et les premiers spectacles taurins voient le jour.
4. Depuis le XX^e siècle, elles sont utilisées également pour des événements culturels, comme des concerts ou spectacles en plein air.

La restauration et la valorisation des Arènes de Nîmes

Afin de préserver cet héritage patrimonial exceptionnel, les autorités compétentes ont entrepris dès le XIX^e siècle un travail de restauration conséquent. Des experts spécialistes dans le domaine classique sont régulièrement sollicités pour mener cette démarche dans le respect des règles de l’art.

Le programme de restauration actuel

Les travaux de restauration actuels ont débuté en 2010 et doivent s’étendre sur plusieurs années encore. Le périmètre couvert par ces interventions englobe :

• La consolidation et la rénovation des façades extérieures;
• Le remplacement total ou partiel de certaines pierres abimées;
• Le nettoyage des surfaces par des techniques douces pour préserver la patine du temps;
• La mise en valeur de l’amphithéâtre lui-même, ainsi que de ses annexes (tour médiévale, église Saint-Alexandre, etc.), grâce à des dispositifs muséographiques et d’expositions temporaires.

Les événements organisés aux Arènes de Nîmes

Le caractère unique et le patrimoine exceptionnel qui entoure les Arènes de Nîmes en font également un lieu prisé pour l’organisation d’événements culturels dans la ville. Parmi ceux-ci :

• Festival de Nîmes : une série de concerts souvent attendus avec impatience par les amateurs de musique française et internationale;
• Les Grands Jeux Romains : cette importante reconstitution historique rassemble chaque année des milliers de participants venus du monde entier pour revivre les combats de gladiateurs ou les courses de chars rendues célèbres à travers le monde;
• Expositions temporaires : sur des thèmes liés à l’histoire romaine, elles offrent au public l’occasion de découvrir des objets et documents rares prêtés par plusieurs musées nationaux ou étrangers.

L’impact économique et touristique des Arènes de Nîmes

La visite des prestigieuses Arènes constitue une étape incontournable lors d’un séjour touristique dans le sud de la France, notamment en Languedoc-Roussillon. Classées monument historique depuis 1840, elles attirent chaque année près d’un million de visiteurs et génèrent ainsi d’importantes retombées économiques pour la ville et ses alentours, contribuant grandement à la dynamisation de la région.

Les Arènes de Nîmes

C’est dans ce lieu magique, empreint d’histoire, que de nombreux artistes et groupes prennent plaisir à venir se produire pour des spectacles culturels et festifs où se pressent un public local et international, notamment lors d’un festival bien connu le Festival de Nîmes. 

Où se situent les Arènes de Nîmes ?

Joyau de la Romanité, cet amphithéâtre est situé au cœur de la commune de Nîmes ou Nemausus, citée prospère sous l’Empire Romain, aujourd’hui préfecture du département du Gard, en Occitanie, dans le sud de la France. Nîmes, avant-poste important au temps de l’Empire romain, est connue pour ses monuments bien conservés, comme la Maison Carrée, La Tour Magne ou encore le Temple de Diane.

Cet amphithéâtre conçu pour le spectacle et communément appelé « Arènes de Nîmes » ; de part son origine latine « arena » qui signifie aire de sable où se déroulent les courses ;  fait partie des plus grands amphithéâtres de la Gaule Romaine les mieux conservés du monde antique.  

Qui a construit les Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes, pensées sur le modèle du Colisée à Rome, ont été construites vers 100 après J.C sous le règne de l’Empereur Auguste. Toujours en usage pour des concerts, des représentations théâtrales, des manifestations sportives et des corridas pendant les férias, cet édifice a été bâti à l’époque romaine pour accueillir des spectacles de gladiateurs qui aujourd’hui revivent au travers de ludi (jeux du cirque) reconstitués chaque année, fin avril, lors des Grands Jeux Romains.

Cette ellipse mesure 133 mètres de long sur 101 mètres de large. Les Arènes de Nîmes possèdent une piste centrale ovale de 68 mètres de long sur 38 mètres de large. La corniche sommitale est située à 21 mètres de haut. Sa forme permet donc d’éviter tout angle mort quelque soit la place occupée et d’avoir une vue incroyable de l’ensemble, en plein air.

Réparties sur 2 étages, 120 arcades sont séparées par 60 colonnes surmontées de blocs en saillie, percés et destinés à recevoir un mat afin d’y tendre des câbles soutenant un Velum (voile immense) protégeant les spectateurs du soleil. 

A l’intérieur des Arènes de Nîmes, le système de galeries et d’escaliers, appelés « vomitoires », a été pensé pour éviter les bousculades et faciliter la circulation. Le système architectural permet ainsi de vider l’édifice en un temps record et en toute sécurité.

Combien de places aux Arènes de Nîmes ?

A l’époque Romaine, les Arènes de Nîmes pouvaient accueillir 24 000 spectateurs, sur 34 rangées de gradins réparties en 4 zones. Chaque zone était réservée à une catégorie sociale. Les plus hauts placés socialement étaient placés le plus bas dans les arènes, c’est-à-dire au plus prés du spectacle.

Aujourd’hui la capacité d’accueil a été réduite puisque des rangées de gradins ont été détruites. Les Arènes de Nîmes peuvent accueillir près de 13 800 spectateurs en position assise. 

Quelles sont les meilleures places aux Arènes de Nîmes ?

Quelque soit votre emplacement, la vue sera magnifique, mais plus vous serez placés dans le bas des gradins, plus vous serez proches de(s) artiste(s). En définitive, ceux qui souhaitent profiter du concert en étant à quelques mètres de la scène, avec un certain confort, optez pour la catégorie 1 ou  carrément le carré Or.

Pour ceux qui veulent vivre une expérience plus intense, au cœur de l’ambiance, assez proches de la scène, et emportés par la foule, optez pour la fosse c’est-à-dire débout (catégorie 3). Attention pour certains spectacles, les places assises occupent la fosse. Dans ce cas vous aurez accès à 2 catégories en fosse : carrée or (tout devant) ou catégorie 1.

Si vos moyens sont plus limités et que vous ne souhaitez pas vous mêler à l’euphorie de la fosse, choisissez une vos places dites « en général » avec placement libre ou en catégorie 2 (places choisies). Elles seront situées aux points les plus hauts. 

Enfin, à éviter si vous ne voulez pas louper une miette du show et que vous êtes sensibles aux ondes sonores, la catégorie 4. Ces places sont en fait des sièges situés sur le côté de la scène, à la même hauteur que les places en catégorie 1. Vous serez certes bien placés mais la visibilité ne sera pas optimisée. Et équipez vous de bouchons d’oreille ou d’un casque car niveau décibels vous serez servis.

Peut on visiter les Arènes de Nîmes ?

Même si les Arènes de Nîmes sont classées aux monuments historiques, elles ne sont pas inscrites au patrimoine mondial de l’Unesco. Depuis qu’Edeis a repris la gestion en 2021 en délégation de service public, une nouvelle visite est proposée aux touristes avec un audio-guide en sept langues, des panneaux pédagogiques ainsi que des espaces muséographiques. 

Il est donc possible grâce aux nouvelles technologies et à la bonne conservation du lieu, de se plonger à l’époque de nos ancêtres les romains. 

Les arènes de Nîmes sont ouvertes tous les jours sur des amplitudes horaires allant de 9h à 20h selon les saisons et les périodes de l’année. La visite des arènes n’est toutefois pas autorisée lors des fêtes, spectacles et férias. Il est facile de stationner puisque des parkings souterrains sont situés tout autour du site et dès la Gare Feuchères, située à quelques dizaines de mètres de l’édifice.

Le festival de Nîmes: le festival des  les Arènes de Nîmes

Le Festival de Nîmes est un événement annuel de musique qui se déroule dans la ville de Nîmes, dans le sud de la France. Depuis sa création en 1997, il est devenu l’un des événements musicaux les plus importants de la région, attirant des milliers de visiteurs chaque année.

Le festival se déroule chaque été, généralement en juin et juillet, dans l’amphithéâtre romain de Nîmes, qui est l’un des plus grands et des mieux préservés de l’Antiquité. L’amphithéâtre peut accueillir jusqu’à 16 000 spectateurs et offre une expérience de concert unique avec ses gradins en pierre et son acoustique exceptionnelle.

Au fil des ans, le Festival de Nîmes a accueilli de nombreux artistes de renommée internationale, tels que Bob Dylan, Sting, Elton John, Muse, Metallica, Coldplay, Depeche Mode et bien d’autres. Les concerts sont généralement organisés sur plusieurs jours et offrent une variété de styles musicaux, allant du rock et du pop au reggae, à l’électro et à la musique du monde.

Outre les concerts dans l’amphithéâtre romain, le festival propose également des spectacles dans d’autres lieux de la ville, tels que la Maison Carrée et la Tour Magne. Il y a également une foire aux vins qui propose des dégustations de vins locaux et régionaux ainsi que des produits artisanaux.

Le Festival de Nîmes est une occasion unique de découvrir la beauté de l’amphithéâtre romain tout en profitant de la musique live de certains des artistes les plus célèbres au monde. C’est un événement incontournable pour les amateurs de musique et les passionnés d’histoire et de culture romaine. Si vous envisagez de vous rendre à Nîmes pour le festival, il est recommandé de réserver vos billets et votre hébergement à l’avance car les places sont souvent limitées et se vendent rapidement.

FAQ sur les Arènes de Nîmes

1. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes ?

La capacité des Arènes de Nîmes varie en fonction des événements organisés. Lors de spectacles et concerts, l’amphithéâtre peut accueillir environ 13 000 spectateurs. Cependant, en configuration historique pour les jeux romains, la capacité des Arènes de Nîmes était estimée à environ 24 000 personnes, ce qui montre l’ampleur de cet édifice romain.

2. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes pour les concerts ?

Lors des concerts, la capacité des Arènes de Nîmes est légèrement réduite par rapport à sa capacité historique. Selon la configuration scénique et les dispositions de sécurité, l’arène peut accueillir jusqu’à 13 000 personnes, assurant une ambiance intime malgré la grandeur de l’espace.

3. Quelles sont les meilleures places aux Arènes de Nîmes ?

Les meilleures places aux Arènes de Nîmes pour assister à un concert ou un spectacle dépendent de vos préférences. Pour une vue panoramique, les places situées au sommet de l’amphithéâtre offrent une vision globale de l’arène. Si vous préférez être plus proche de l’action, les places situées au niveau des gradins inférieurs sont idéales. Les places VIP ou de catégorie supérieure, généralement situées au centre, sont aussi très prisées pour leur proximité avec la scène.

4. Combien de places y a-t-il aux Arènes de Nîmes ?

En fonction de la configuration, le nombre de places aux Arènes de Nîmes peut varier. En version concert ou spectacle moderne, la capacité est d’environ 13 000 places. En version historique, lors des spectacles de gladiateurs ou d’événements sportifs dans l’Antiquité, elle pouvait atteindre près de 24 000 places.

5. Quelle est la hauteur des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes mesurent environ 21 mètres de hauteur. Cet édifice monumental, construit au 1er siècle après J.-C., impressionne par ses proportions et la qualité de sa préservation. La structure comporte deux étages d’arcades et une série de galeries internes permettant la circulation des spectateurs.

6. Comment est organisé le plan des places pour les concerts aux Arènes de Nîmes ?

Le plan des places pour les concerts aux Arènes de Nîmes est généralement divisé en plusieurs catégories. Les places les plus proches de la scène se situent dans la zone centrale de l’arène, suivies par les gradins inférieurs, puis les gradins supérieurs. Ce système permet à chaque spectateur de bénéficier d’une excellente vue, tout en tenant compte de la configuration historique des lieux.

7. À quoi servaient les Arènes de Nîmes à l’époque romaine ?

À l’époque romaine, les Arènes de Nîmes servaient principalement à accueillir des spectacles de gladiateurs, des combats d’animaux et d’autres événements publics. Construites au 1er siècle après J.-C., elles représentaient un centre majeur de divertissement pour la population de l’époque, un peu comme les stades de football aujourd’hui.

8. Quel est le nombre de places disponibles aux Arènes de Nîmes pour les événements modernes ?

Le nombre de places disponibles aux Arènes de Nîmes pour les événements modernes, tels que des concerts, des festivals ou des spectacles, est d’environ 13 000. Cette capacité est optimisée pour garantir le confort et la sécurité des spectateurs tout en conservant l’authenticité du lieu.

9. Quel est le plan des Arènes de Nîmes pour les concerts ?

Le plan des Arènes de Nîmes lors des concerts varie en fonction de l’événement, mais il est généralement organisé en trois zones principales :

• La fosse : située directement devant la scène pour les spectateurs souhaitant être au plus près de l’action.
• Les gradins inférieurs : offrant une excellente vue sur la scène tout en étant légèrement surélevés.
• Les gradins supérieurs : idéals pour une vue d’ensemble et pour les personnes préférant une vision panoramique.

10. Quelle est l’histoire des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes, construites à la fin du 1er siècle après J.-C., sont l’un des amphithéâtres romains les mieux préservés au monde. Leur architecture est inspirée du Colisée de Rome, mais avec des dimensions plus modestes. Au fil des siècles, elles ont servi à de multiples usages, allant des spectacles de gladiateurs à la forteresse médiévale, et aujourd’hui, elles accueillent des concerts et des événements culturels majeurs.

11. Combien de places étaient disponibles dans les Arènes de Nîmes à l’époque romaine ?

À l’époque romaine, la capacité des Arènes de Nîmes était d’environ 24 000 places. L’amphithéâtre pouvait accueillir une grande partie de la population de Nîmes et des environs, pour des spectacles de gladiateurs et d’autres événements publics.

12. Comment accéder aux meilleures places dans les Arènes de Nîmes ?

Pour accéder aux meilleures places des Arènes de Nîmes, il est conseillé de réserver tôt, notamment pour les événements très populaires. Les places situées au centre de l’arène ou dans les gradins inférieurs sont généralement les plus recherchées pour leur proximité avec la scène et leur excellente vue.

13. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes en fonction des événements ?

La capacité des Arènes de Nîmes varie en fonction du type d’événement. Pour les concerts et spectacles, elle est d’environ 13 000 places, tandis qu’à l’époque romaine, elle pouvait atteindre 24 000 personnes lors des combats de gladiateurs et autres spectacles publics.

14. Pourquoi visiter les Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes sont un monument incontournable pour quiconque s’intéresse à l’histoire romaine et à l’architecture ancienne. Non seulement elles sont parfaitement conservées, mais elles continuent de vivre aujourd’hui grâce aux événements culturels qui y sont organisés. C’est un mélange parfait entre histoire et modernité, qui vous permet de marcher dans les pas des spectateurs romains tout en assistant à des concerts de légendes du rock ou de la musique classique.

15. Quelle est l’importance historique des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes représentent un témoignage exceptionnel de l’ingéniosité romaine en matière d’architecture et de divertissement public. Elles ont survécu à des millénaires d’histoire, servant à la fois de stade, de forteresse, et aujourd’hui de salle de spectacle moderne. Leur importance historique réside dans leur capacité à avoir traversé les âges tout en restant un centre de vie culturelle, faisant le lien entre le passé glorieux de la civilisation romaine et notre époque contemporaine.

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