Pendant les années 60, la musique rock était un élément fondamental du divertissement collectif.
Pendant ce temps, une autre vague musicale s’est également développée, connue sous le nom de heavy métal, dérivée de grands interprètes avec une toute nouvelle approche des compositions de chansons et des performances live.
Il a été largement accepté par des millions de jeunes, qui se sont immédiatement identifiés avec ses paroles et son visuel.
Des sons intenses et puissants de riffs déformés et des motifs de batterie uniques, accompagnés d’une forte présence de la guitare électrique et des sons stridents typiques du genre dont il est dérivé, c’est la marque de ce style musical.
Bien que l’apparition de ce genre se soit produite fin des années 60, sa popularité continue de croître aujourd’hui, on peut donc affirmer avec certitude que le heavy métal sera toujours présent et résonnera.
Heavy Métal
Origines du heavy métal : comment le terme a-t-il été créé ?
L’origine de ce mot provient de plusieurs sources, il est donc difficile de déterminer exactement où il a été créé.
Cependant, certaines théories semblent répondre à cette question.
Bien que le mot dérivé du célèbre romancier William Burroughs soit largement accepté, qui inclut dans l’un de ses romans un personnage dont le surnom est «le garçon de heavy métal», le terme remonte au 19e siècle.
Le terme est apparu pour la première fois dans les paroles du célèbre album de Steppenwolf «Born to be Wild» (1968) et en 1970, les critiques de musique faisaient déjà référence au terme heavy métal Music comme un style spécifique et unique.
Si nous remontons à la naissance du heavy métal, il y a un grand fond de musique classique.
Des guitaristes expérimentés dans la musique classique ont développé de nouvelles formes d’accords et de progressions solo.
Cette influence a donné naissance à une approche complètement nouvelle des compositions, de l’énergie, de l’atmosphère, des solos de guitare, des voix, des paroles et des performances live.
Les musiciens ont commencé à s’écarter des sonorités classiques standard et les ont mélangées à de lourds riffs et motifs de batterie.
Les paroles avaient un thème de base et tournaient autour d’un message personnel. Les chansons devenaient de plus en plus ciblées et politiques.
Dans les années 1960, le heavy métal s’est propagé dans les esprits musicaux du monde et a gagné une place solide sur presque tous les continents.
AVATAR-metal-band-concert-festival-nimes-credit photo Eric CANTO
Précurseurs du heavy métal
L’histoire du heavy métal est un peu déroutante, et il n’est pas possible de dire exactement où et quand il est apparu.
Ceci grâce au fait que ce genre a différentes influences musicales, c’est-à-dire que différentes régions du monde ont apporté une contribution significative au concept qui existe aujourd’hui.
On sait qu’au milieu des années 1960, de nombreux groupes britanniques ont exercé une véritable influence pour renforcer les fondations du heavy métal. Ce sont ces artistes qui ont grandement contribué à ce que nous savons maintenant du heavy métal.
Des groupes comme Cream, The Jeff Beck Group et The Yardbirds ainsi que des professionnels comme Jimmy Hendrix étaient connus pour faire des rythmes de batterie lourds, des riffs déformés et uniquement des basses profondes.
Ces styles n’avaient jamais été expérimentés auparavant. Ces nouvelles formes ont détourné la musique rock centrale basée sur le blues vers une approche plus lourde (heavy métal) et de ces mélanges, il a été possible de valider que ce nouveau mouvement allait complètement secouer toute l’industrie du rock.
De nombreuses théories indiquent que ceux qui ont suivi les traces des artistes susmentionnés et ont commencé à jouer du vrai heavy métal étaient le groupeBlack Sabbath.
Puisqu’ils ont réussi à intégrer le heavy du genre avec d’autres éléments caractéristiques, grâce à leur succès, ce groupe a ouvert la voie à de nombreux autres qui s’ajouteront à la liste des groupes de heavy métal au cours des prochaines années.
Ces nouveaux mixages sonores sont devenus de plus en plus populaires dans les années 70 par des groupes de pionniers anglais comme Led Zeppelin et Deep Purple, qui ont complètement modelé le concept actuel du heavy métal.
Bien sûr, il existe de nombreux autres noms de groupes qui sont également apparus simultanément.
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Comment le heavy métal a-t-il marqué l’histoire ?
La musique est une forme d’expression qui agit comme une entité libérant de l’énergie. Par conséquent, beaucoup pensent que le heavy métal incite à la violence. Le heavy métal représente surtout l’expression de sentiments négatifs.
Cependant, la musique à elle seule n’encourage pas les actes de vandalisme ou le non-respect de la loi. Depuis que le genre a atteint le sommet de sa popularité, beaucoup se sont fortement prononcés contre lui. Une chose est claire : tout le monde ne partage pas la même idéologie et peu se reconnaissent dans les paroles, les sentiments et les situations que la plupart des artistes du genre décrivent dans leurs compositions.
Le heavy métal a toujours été au centre des critiques depuis son apparition et certains groupes politiques ainsi que des universitaires l’ont blâmé pour avoir poussé au crime et à la violence.
Les amateurs de heavy métal ont noté qu’il n’y avait pas de lien entre la violence et la musique, au contraire, il a exploré un large éventail de possibilités d’expression à travers son son puissant.
Le heavy métal a émergé dans le but d’exprimer les sentiments que beaucoup réprimaient, et sa popularité a augmenté parce que des millions de personnes partageaient les mêmes sentiments que cette musique a réussi à transmettre.
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Beaucoup des premiers groupes de heavy métal, tels que Led Zeppelin, Deep Purple, Uriah Heep et UFO, sont maintenant considérés, au sein de la communauté métal actuelle, comme des groupes de heavy métal au sens où vous l’entendrez aujourd’hui, mais plutôt comme des groupes de hard rock.
Beaucoup de ces groupes ne se revendiquent pas du heavy métal, même s’ils admettent, que grâce à leurs œuvres, le développement du genre. À cette époque, ainsi que dans les années 70, les concepts de heavy métal et de hard rock étaient en fait à peu près synonyme.
Pour illustrer la confusion des genres qui en résultent, on peut citer le groupe de rock progressif Jethro Tull, qui n’est pas considéré comme un groupe de heavy métal et qui n’a jamais prétendu appartenir à ce genre, mais qui a marqué l’esprit avec l’album Aqualung (1971) 72 , dans un style similaire aux codes du heavy métal, le groupe a reçu après de nombreuses années un Grammy Award du meilleur album du genre pour « Crest of a Knave (1987) ».
Un autre groupe qui flirte également avec les frontières encore floues entre le rock psychédélique et le heavy métal: Hawkwind, notamment sa chanson Master of the Universe (1971). De nombreux artistes précurseurs de métal sont également considérés comme des précurseurs punk tels que The Stooges, MC5, Grand Funk Railroad, The Who, The New York Dolls, The Troggs et Blue Cheer.
Pochette d’album : comme le suggèrent les lois de la physique, vous verrez les choses avant de les entendre. Ce n’est pas différent quand il s’agit d’écouter un album ou une chanson, car le plus souvent, avant d’appuyer sur la lecture, la première chose qui attirera votre attention est la Pochette d’album, son esthétisme, ses couleurs, son message…
Dans cet article, je vais explorer la relation entre la musique et les œuvres d’art, en détaillant son importance pour améliorer l’expérience de l’auditeur, mais aussi, comment les œuvres d’art ont changé et continueront de changer à l’ère numérique.
Pochette d’album: Relation entre l’œuvre d’art et la musique
Bien qu’il puisse sembler qu’un album soit centré uniquement sur la musique, l’illustration ornant sa pochette est essentiellement l’équivalent de la couverture d’un livre. En effet, la musique est une expérience qui met tous nos sens en éveil. L’auditeur va ressentir l’émotion générée par l’univers de l’artiste, parce que la musique va nourrir son imagination. C’est pour cette raison que l’artwork est important dans la musique.
En conséquence, les œuvres d’art et la musique vont de pair.
Les clips vidéo font partie intégrante de l’industrie musicale et il en va de même pour les illustrations de votre album.
L’œuvre d’art sert de portail à ce que l’auditeur peut attendre d’un album, et même à quel type de musicien se cache derrière la créativité.
Des couvertures d’album solides font une déclaration, car après tout, cette imagerie est l’occasion de faire la bonne première impression.
De nos jours, avec les nombreux progrès technologiques, les fabricants de disques sont capables de produire un kaléidoscope de vinyles de toutes les couleurs et de tous les motifs.l’aspect visuel sert un projet musical, le met en avant et influence le public.
Ainsi, le vinyle physique lui-même devient partie intégrante de l’œuvre d’art et à son tour partie intégrante de l’expérience musicale collective. On écoute aussi avec les yeux.
Pochette d’album
Pochette d’album : L’évolution de l’oeuvre dans l’industrie musicale actuelle
Avant Internet, la musique ne pouvait être achetée que dans un format physique et, par conséquent, l’emballage et la présentation d’un album étaient primordiaux pour assurer son succès commercial.
Les artistes avaient une toile en carton de 30 x 30 cm ou une boîte en plastique de 10 x 10 cm pour embellir les albums avec des illustrations qui inciteraient les auditeurs à prendre en mains l’objet, le découvrir pour finalement l’acheter.
De nos jours, les pochettes d’album et de single apparaissent comme de minuscules carrés sur nos bibliothèques de musique et nos sites de streaming. Pourtant, malgré cette miniaturisation, ces aides visuelles sont toujours d’actualité.
Pochette d’album : Avons-nous encore besoin d’une cover, d’un artwork ?
Lorsque nous écoutons de la musique, nous voulons ressentir d’une certaine manière, être transporté dans un endroit entièrement différent, et laPochette d’album peut aider à le faire.
La sensation de toucher est également quelque chose qui améliore l’expérience d’écoute.
Malgré la récente augmentation des sites de streaming musical, les ventes de vinyles ont continué d’augmenter au cours des cinq dernières années environ, ce qui a donné aux artistes la liberté de travailler sur une plus grande toile.
Quoi qu’il en soit, il est quelque chose de spécial et profondément personnel de placer un vinyle sur une platine et d’écouter un album tout en ayant la pochette à portée de main.
Et n’oublions pas que pour un artiste, se créer une identité artistique est primordiale pour se démarquer et se faire un nom. L’identité visuelle de l’artiste (typographie, charte graphique, une histoire, pochettes, affiches de concerts…) est donc primordiale pour que son nom et projet musical soient reconnus.
Sur la plupart des versions de luxe, les artistes ont tendance à inclure des illustrations d’accompagnement, des photographies, des livrets de paroles, qui sont tous conçus pour l’interaction.
Cela nous amène également à l’un des aspects les plus sous-discutés de l’attrait esthétique des couvertures de vinyle : la texture.
Certaines pochettes sont fabriquées avec un extérieur brillant, tandis que d’autres optent pour un style parchemin plus rugueux.
Cet aspect de la création de pochettes d’album joue sur le toucher.
C’est une caractéristique que l’on retrouve chez les lecteurs. Toucher le livre apporte une certaine dimension à sa lecture. Il en va de même pour les vinyles.
Même si les illustrations d’album sont maintenant (principalement) réduites à une minuscule vignette sur nos écrans, c’est toujours un aspect si important du processus de création d’un monde pour un album particulier.
Donc, afin de répondre à la question de savoir si nous avons encore besoin de pochettes d’album, je vous laisse avec une pensée : imaginez ce que ce serait, si tous les CD, vinyles, albums numériques que vous possédez n’avaient pas d’illustration.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
C’est un élément clé de la présentation visuelle d’un album musical. Elle est souvent constituée d’une image ou d’une illustration, accompagnée du nom de l’artiste, du titre de l’album et éventuellement d’autres informations. La Pochette d’album peut également contenir les paroles des chansons, les crédits de l’album, les remerciements ou autres éléments qui peuvent être pertinents pour le projet musical.
Quels sont les différents types de pochettes d’album ?
Il existe différents types de pochettes d’album, allant de simples photographies en noir et blanc à des illustrations complexes et colorées. Certaines pochettes d’album mettent en avant l’image de l’artiste, tandis que d’autres se concentrent sur une idée ou un concept en particulier. Les pochettes d’album peuvent également varier en termes de taille et de forme, allant de petits formats pour les CD à des Pochette d’album plus grandes pour les vinyles.
Qui crée les pochettes d’album ?
Les pochettes d’album peuvent être créées par des graphistes, des designers, des illustrateurs ou même des artistes eux-mêmes. Les artistes ont souvent une vision claire de ce qu’ils veulent pour leur Pochette d’album et peuvent travailler avec des designers pour réaliser cette vision. Dans d’autres cas, les labels peuvent embaucher des graphistes ou des designers pour travailler sur la pochette de l’album.
Comment la pochette d’album peut-elle influencer l’expérience d’écoute ?
La Pochette d’album peut jouer un rôle important dans l’expérience d’écoute d’un album. Elle peut évoquer des émotions et des sentiments, ou offrir un aperçu visuel de l’ambiance et du ton de l’album. En tant qu’élément clé de l’identité visuelle de l’album, la pochette peut également influencer la façon dont les auditeurs perçoivent l’artiste et le projet musical dans son ensemble.
Quelles sont certaines des pochettes d’album les plus emblématiques de l’histoire de la musique ?
Il y a de nombreuses pochettes d’album iconiques dans l’histoire de la musique. Voici quelques exemples :
« Abbey Road » des Beatles : l’image des quatre membres du groupe traversant un passage clouté est l’une des images les plus emblématiques de l’histoire de la musique.
« Nevermind » de Nirvana : l’image d’un bébé nageant sous l’eau pour attraper un billet de un dollar est devenue une icône culturelle.
« The Dark Side of the Moon » de Pink Floyd : la pochette représente un prisme lumineux traversant un triangle, un visuel qui est devenu indissociable de la musique elle-même.
Comment créer une pochette d’album?
Il y a plusieurs façons de créer une pochette d’album, mais voici quelques étapes générales pour vous aider à démarrer:
Définissez le concept et le thème de votre album: pensez à ce que vous voulez communiquer à travers votre musique et à ce qui représente le mieux l’essence de votre travail. Cela peut vous aider à définir le style visuel de votre pochette d’album.
Trouvez un designer graphique ou un photographe: Si vous n’êtes pas un expert en conception graphique ou en photographie, il peut être utile de faire appel à un professionnel pour créer votre pochette . Assurez-vous de trouver quelqu’un qui comprend votre vision artistique et qui peut travailler en étroite collaboration avec vous pour réaliser votre projet.
Sélectionnez une image ou une illustration: Si vous travaillez avec un photographe, discutez avec lui des images que vous souhaitez utiliser. Si vous travaillez avec un designer graphique, vous pouvez envisager d’utiliser une illustration ou une création numérique. Assurez-vous que l’image que vous choisissez est de haute qualité et convient à la taille de la pochette d’album .
Concevez votre pochette : travaillez avec votre designer graphique ou photographe pour créer un design qui reflète votre concept artistique. Assurez-vous que le nom de l’artiste et le titre de l’album sont clairement visibles, ainsi que les informations nécessaires telles que le nom du label et les crédits de production.
Soignez les détails : la pochette de votre album est souvent le premier point de contact avec votre public. Assurez-vous que le design est cohérent avec votre image artistique et le thème de l’album. Prenez le temps de vérifier les détails tels que les couleurs, les polices et les images pour vous assurer que tout est cohérent et professionnel.
Imprimez votre pochette d’album: une fois que vous êtes satisfait de votre design final, il est temps de l’imprimer. Trouvez une imprimerie qui peut imprimer des pochettes d’album et assurez-vous que le design est imprimé sur un support de haute qualité.
Comment trouver des inspirations pour des pochettes d’album ?
Il existe de nombreuses façons de trouver de l’inspiration pour les pochettes d’album. Voici quelques idées pour vous aider:
Recherchez les pochettes d’albums de vos artistes préférés: Analysez les pochettes d’album d’artistes que vous appréciez pour voir comment ils ont représenté leur musique visuellement.
Parcourez les galeries d’art: Visitez des galeries d’art pour découvrir des œuvres qui peuvent inspirer votre pochette . Les expositions de photographie, de peinture ou de design peuvent fournir des idées intéressantes pour votre design.
Parcourez les sites web de design graphique: Il existe de nombreux sites web qui présentent des conceptions graphiques pour les pochettes d’album et d’autres projets. Parcourez ces sites pour voir les tendances actuelles et pour trouver de l’inspiration pour votre propre pochette .
Quels sont les différents types de pochettes d’albums?
Il existe de nombreux types de pochettes d’albums, chacune avec ses propres caractéristiques et avantages. Voici quelques-uns des types les plus courants :
Pochette standard : Il s’agit de la pochette d’album la plus courante pour les albums, généralement en papier cartonné avec une ouverture sur le côté pour insérer le disque. Elle peut comporter des illustrations, des photos ou des textes pour l’artwork.
Pochette gatefold : Une pochette gatefold s’ouvre comme un livre et a généralement plus d’espace pour les illustrations ou les photos. Elle peut contenir un livret ou un poster à l’intérieur, ou un disque supplémentaire.
Pochette en digipack : Il s’agit d’une pochette en carton pliable qui ressemble à une boîte à CD. Elle peut avoir plusieurs panneaux pour des illustrations ou des photos, ainsi qu’un livret.
Pochette en jewel case : Il s’agit d’une pochette en plastique rigide qui s’ouvre comme un livre et contient un livret. Elle est souvent utilisée pour les CD.
Pochette en vinyle coloré : Certaines pochettes pour les disques vinyles sont fabriquées à partir de vinyle coloré, ce qui ajoute un aspect visuel unique à la pochette d’album.
Comment peut-on créer une pochette d’album ?
Il y a plusieurs façons de créer une pochette d’album. Si vous êtes un artiste professionnel, vous pouvez embaucher un graphiste pour créer la pochette pour vous. Si vous êtes un artiste indépendant, vous pouvez créer vous-même la pochette à l’aide d’un logiciel de conception graphique comme Adobe Photoshop ou Illustrator.
Voici quelques étapes de base pour créer une pochette d’album :
Définir le concept et le thème de la pochette d’album
Sélectionner les images ou les illustrations qui seront utilisées pour l’artwork
Définir la police de caractères et la disposition pour le titre et les crédits de l’album
Créer une maquette pour avoir une idée de l’ensemble de la pochette d’album
Obtenir les autorisations pour les images et les illustrations utilisées si elles ne sont pas de votre propriété
Finaliser la conception et enregistrer les fichiers pour l’impression
Il est important de se rappeler que la pochette d’album est souvent le premier point de contact entre l’auditeur et l’artiste, il est donc crucial de créer une pochette d’album qui attire l’attention et reflète l’esthétique de l’artiste.
Les Déferlantes est un festival de musique incontournable en France, qui se déroule chaque été depuis 2007 à Argelès-sur-Mer, dans le sud de la France. Ce festival attire des milliers de fans de musique chaque année, grâce à une programmation éclectique qui met en vedette des artistes internationaux et nationaux de renom.
Le festival « Les Déferlantes » est un festival de musique qui se déroule chaque année en France, à Argelès-sur-Mer, dans les Pyrénées-Orientales. Il est organisé depuis 2007 et accueille chaque été des artistes nationaux et internationaux de renom dans différents genres musicaux, tels que le rock, la pop, l’électro, le hip-hop, le reggae, etc.
Le festival se déroule sur plusieurs jours et offre aux spectateurs des concerts, des animations et des activités variées. Le site du festival est situé en bord de mer, ce qui permet également de profiter de la plage et de l’environnement naturel de la région.
En plus de sa programmation musicale, le festival est également connu pour son engagement en faveur de l’environnement, avec une politique de développement durable et une sensibilisation du public à l’écologie.
Le festival Les Déferlantes propose une programmation variée, qui s’adresse à tous les goûts musicaux. Des artistes de renommée mondiale comme Muse, Depeche Mode et Arctic Monkeys ont déjà participé au festival, mais il y a aussi de la place pour les artistes émergents et les talents locaux. Le festival accueille également des DJ sets pour les fans de musique électronique.
Festival les Déferlantes Sud de France
Festival les Déferlantes Sud de France
La mer, un château, les vignes pour seul décor. Quatre jours de musique, de partage, de sourires, de rencontres et de découvertes sous le soleil catalan… Vivement l’été !
La naissance du Festival les Déferlantes Sud de France
Né de la rencontre de deux amis, David Garcia, programmateur au Médiator de Perpignan et Christophe Samitier, organisateur de soirées électro, l’événement illumine la belle région catalane et lui permet d’accueillir les plus grands noms du monde entier de Sting à Iggy POP en passant par Lenny Kravitz sans parler des Français comme -M-, IAM et une bonne liste de découvertes locales.
«Nous avions organisé Argelès Rock au printemps 2005 et lorsque les femmes méditerranéennes ont quitté Valmy Park, nous avons demandé à la communauté de changer de musique. Souvenez-vous de David Garcia qui, en 2007, avec l’aide de son ami le musicien Cali, a écrit sa première édition. Lors de la programmation, le directeur du festival explique d’abord la question des têtes d’affiche: »
Je me demande s’ils ne me coûteront pas un bras car les frais ont augmenté ces dernières années. Les premières offres aux artistes remontent à presque un an plus tôt. En fait, on nous informe qu’un musicien va tourner et on décide de se positionner dessus ou non. Cela s’applique à la fois aux têtes d’affiche et aux autres musiciens prévus. Cela peut prendre quelques mois avant le premier retour.»
L’avantage du Festival les Déferlantes Sud de France est leur capacité à plaire à toute la famille quels que soient leurs goûts musicaux. Pour s’en assurer, il faut prendre des décisions: « Nous essayons de trouver un équilibre pour nous assurer qu’une soirée n’est pas juste du rock ou du vintage par exemple. Nous nous assurons que le public trouve au moins deux artistes qui ils sont adorer puis découvrir. Il peut découvrir quelqu’un d’une autre génération ou quelque chose de nouveau. Nous nous assurons d’avoir un large spectre artistique. »
Ces passionnés de musique veulent stimuler la découverte et continuer à se connaître puis la partager … Pour y parvenir, ils attirent les festivaliers avec l’aide de grands noms avant de proposer leurs enregistrements du cœur de demain. À cela s’ajoute la présence de la scène Nouvelle Vague, dans laquelle seuls des artistes régionaux apparaissent.
Et la formule est payante: «En 2015, nous avions Christine and the queen, qui avaient très peu de date cet été. Nous en sommes très fiers. Nous avons également eu Arcade Fire en 2010. Plus personnellement, nous avons programmé les Spécials qui sont le groupe de ma vie. Nous devons également nous rappeler que nous sommes à Argelès, où il n’y a pas de grande salle, donc tout ce que nous avons est déjà génial.»
FESTIVAL LES DÉFERLANTES
L’engagement du festival Les déferlantes
Le festival Les Déferlantes est engagé en faveur de l’environnement et de la responsabilité sociale. Voici quelques exemples de son engagement :
Développement durable : Le festival met en place des actions pour limiter son impact sur l’environnement. Par exemple, il encourage les festivaliers à venir en transport en commun, en covoiturage ou à vélo. Il utilise également des énergies renouvelables, comme des panneaux solaires, pour alimenter une partie des équipements. Les déchets sont triés et recyclés autant que possible.
Responsabilité sociale : Le festival encourage l’inclusion sociale et la diversité. Il travaille avec des associations locales pour proposer des activités aux personnes en situation de handicap ou en difficulté sociale. Il offre également des opportunités d’emploi et de formation pour les jeunes de la région.
Sensibilisation du public : Le festival sensibilise les festivaliers aux enjeux environnementaux et sociaux à travers des animations et des actions de sensibilisation. Il propose également des espaces de rencontre et de débat pour discuter de ces enjeux avec le public.
Soutien aux associations : Le festival soutient des associations locales en leur offrant une visibilité sur le site et en leur permettant de collecter des fonds. Il organise également des actions de solidarité pour soutenir des causes sociales et environnementales.
L’ensemble de ces actions témoigne de la volonté du festival Les Déferlantes d’être un acteur responsable et engagé sur les plans social et environnemental.
Donnez vie à la région…
Sur place, les festivaliers sont étonnés de ne pas avoir l’habitude de voir de grands noms chez eux, de ne pas voir de concert dans cette belle ville au bord de la mer. Il n’est pas rare de leur parler uniquement pour les entendre raconter qu’ils sont heureux lorsqu’une affiche principale évoque le nom d’Argelès-sur-Mer.
Un sentiment que le réalisateur partage toujours: « Quand j’en parle, ça me fait peur. Le montage du festival est encore compliqué. On est dans les profondeurs de la France, il faut 5h30 en train pour arriver de Paris Joe Cocker, Lenny Kravitz, Sting … les voir dans la région était inimaginable il y a encore un certain temps. Avant de devoir faire tout un voyage pour les voir, ce n’est pas à tout le monde qui peux se payer une nuit d’hôtel, le transport, les billets…c’est un sacré coût », a-t-il déclaré.
Le lieu lui-même est un atout essentiel de l’événement: « Dans les Pyrénées-Orientales il y a des châteaux, la mer et les montagnes. Et quand il s’agit du Festival les Déferlantes Sud de France, il y a tout. C’est comme à Paris au même endroit que vous pourriez trouver le Louvre et la Tour Eiffel. »
FESTIVAL LES DÉFERLANTES
Toutes les informations pratiques sur le Festival les Déferlantes
Date : Le festival Les Déferlantes se déroule chaque année sur plusieurs jours en été. Les dates exactes peuvent varier d’une année à l’autre, mais elles sont généralement annoncées plusieurs mois à l’avance. Il est conseillé de consulter le site officiel du festival pour connaître les dates de l’édition en cours.
Lieu : Le festival se déroule à Argelès-sur-Mer, une ville située dans les Pyrénées-Orientales, dans le sud de la France. Le site du festival est situé à proximité de la plage, sur l’Esplanade de la Mer.
Accès : Le festival est accessible en voiture, en train ou en avion. Si vous venez en voiture, vous pouvez utiliser les autoroutes A9 ou A61 pour vous rendre à Argelès-sur-Mer. Si vous venez en train, la gare la plus proche est la gare d’Argelès-sur-Mer, à environ 3 km du site du festival. En avion, vous pouvez atterrir à l’aéroport de Perpignan-Rivesaltes, situé à environ 30 km d’Argelès-sur-Mer.
Hébergement : Il existe de nombreuses options d’hébergement à Argelès-sur-Mer et dans les environs, notamment des hôtels, des campings et des locations de vacances. Il est recommandé de réserver votre hébergement à l’avance, car les disponibilités peuvent être limitées pendant la période du festival.
Billets : Les billets pour le festival Les Déferlantes sont disponibles à l’achat sur le site officiel du festival, ainsi que dans certains points de vente physiques. Les tarifs varient en fonction des jours et des artistes programmés. Il est conseillé de réserver vos billets à l’avance, car le festival peut être complet certains jours.
Infos pratiques : Sur le site du festival, vous pouvez trouver des informations pratiques sur les horaires, les consignes de sécurité, les moyens de paiement acceptés, les points de restauration et les activités proposées sur le site.
R : Le Festival Les Déferlantes aura lieu du jeudi 7 juillet au dimanche 10 juillet.
Q : Où se déroule le Festival Les Déferlantes ?
R : Le Festival Les Déferlantes se déroule sur le site du Parc de Valmy, à Argelès-sur-Mer, dans le sud de la France.
Q : Comment puis-je obtenir des billets pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Les billets pour le Festival Les Déferlantes peuvent être achetés en ligne sur le site officiel du festival ou dans les points de vente autorisés.
Q : Y a-t-il des mesures de sécurité spéciales en place pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, le Festival Les Déferlantes dispose d’un plan de sécurité complet qui est mis en place pour garantir la sécurité de tous les participants. Cela comprend des fouilles à l’entrée, des patrouilles de sécurité et des caméras de surveillance.
Questions pratiques
Q : Puis-je amener de la nourriture et des boissons au Festival Les Déferlantes ?
R : Il est interdit d’apporter de la nourriture et des boissons sur le site du festival. Cependant, il y a de nombreux stands de nourriture et de boissons à l’intérieur du site.
Q : Y a-t-il un camping sur place pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, il y a un camping sur place pour le Festival Les Déferlantes. Les campeurs peuvent acheter un billet pour le camping qui leur donne accès au site du festival et au camping.
Q : Y a-t-il des restrictions d’âge pour assister au Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, les personnes de moins de 16 ans doivent être accompagnées d’un adulte pour assister au festival. Les personnes de moins de 18 ans ne sont pas autorisées à acheter ou à consommer de l’alcool sur le site du festival.
Questions sur les artistes
Q : Qui sont les artistes confirmés pour le Festival Les Déferlantes 2023 ?
R : Les artistes confirmés pour le Festival Les Déferlantes 2023 seront annoncés prochainement sur le site officiel du festival.
Q : Comment savoir quand mes artistes préférés joueront-ils au Festival Les Déferlantes ?
R : L’horaire complet des performances des artistes sera annoncé sur le site officiel du festival avant le début du festival. Vous pouvez également télécharger l’application officielle du festival pour avoir toutes les informations en temps réel.
Questions sur les billets
Q : Les billets pour le Festival Les Déferlantes sont-ils remboursables ?
R : Les billets pour le Festival Les Déferlantes ne sont pas remboursables, sauf en cas d’annulation du festival. Cependant, il est possible de revendre les billets sur des plateformes de revente officielles.
Q : Puis-je transférer mon billet à quelqu’un d’autre ?
R : Oui, vous pouvez transférer votre billet à quelqu’un d’autre en le revendant sur des plateformes de revente officielles. Il est important de noter que le billet doit être au nom de la personne qui assiste au festival.
Q : Puis-je acheter des billets pour une seule journée du Festival Les Déferlantes ?
R : Oui, il est possible d’acheter des billets pour une seule journée du Festival Les Déferlantes. Les billets pour une seule journée sont généralement mis en vente après l’annonce de la programmation.
Q : Quel est le coût des billets pour le Festival Les Déferlantes ?
R : Le coût des billets pour le Festival Les Déferlantes varie en fonction du type de billet que vous achetez. Les billets pour le festival peuvent être achetés en ligne sur le site officiel du festival et les prix varient en fonction de la date d’achat et du type de billet choisi.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Chaque été, le parc de Saint-Cloud, aux portes de Paris, se transforme en une scène musicale vibrante où les plus grands noms du rock, de la pop, et de l’électro se rencontrent pour le plus grand plaisir des festivaliers. Bienvenue à Rock en Seine, l’un des festivals de musique les plus emblématiques de France.
Depuis sa création en 2003, Rock en Seine a su s’imposer comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs de musique, attirant des milliers de spectateurs venus de tout le pays et d’ailleurs. Dans cet article, nous allons plonger dans l’univers de Rock en Seine, en explorant son histoire, ses moments mémorables, et l’impact culturel qu’il a eu sur la scène musicale française et internationale.
1. L’Histoire de Rock en Seine : Du Début Modeste à la Gloire Internationale
1.1 Les Origines : Naissance d’un Festival
Rock en Seine a vu le jour en 2003, une époque où la scène musicale parisienne avait besoin d’un nouvel élan. À l’origine, le festival a été conçu pour combler un vide dans l’agenda des festivals en France, qui manquait alors d’un événement majeur consacré au rock et aux musiques alternatives. Le pari était audacieux : organiser un festival à la fin de l’été, après la plupart des autres grands événements musicaux.
Le parc de Saint-Cloud : Le choix du lieu s’est porté sur le parc de Saint-Cloud, un vaste domaine historique aux portes de Paris, offrant un cadre verdoyant et spacieux. Ce cadre idyllique, combiné à la proximité de la capitale, a rapidement fait de Rock en Seine un succès populaire. Dès la première édition, le festival a attiré une foule enthousiaste, séduite par la programmation éclectique et l’atmosphère unique du site.
Les débuts modestes : La première édition de Rock en Seine s’est déroulée sur une seule journée, avec une affiche modeste mais prometteuse. Des groupes comme Massive Attack, Morcheeba, et les Queens of the Stone Age ont attiré les premiers festivaliers, posant les bases d’une longue tradition de qualité. Malgré des débuts modestes, l’accueil positif du public et des critiques a encouragé les organisateurs à voir plus grand pour les éditions suivantes.
Rock_en_seine
1.2 La Croissance du Festival : De la Niche à l’Événement Majeur
Au fil des ans, Rock en Seine a connu une croissance spectaculaire, tant en termes de fréquentation que de notoriété. Ce qui avait commencé comme un petit événement estival est rapidement devenu l’un des festivals les plus importants de France, attirant des artistes de renommée mondiale et un public toujours plus nombreux.
Une programmation de plus en plus ambitieuse : Dès 2004, le festival s’étend sur deux jours, puis trois à partir de 2007, pour offrir une programmation encore plus riche et diversifiée. Les organisateurs ont su attirer des têtes d’affiche prestigieuses, comme Radiohead, The Chemical Brothers, et R.E.M., tout en offrant une plateforme aux artistes émergents. Cette montée en puissance a permis à Rock en Seine de se forger une réputation de festival incontournable sur la scène européenne.
L’élargissement des genres musicaux : Bien que le rock soit au cœur de l’ADN du festival, Rock en Seine n’a jamais hésité à explorer d’autres genres musicaux, de la pop à l’électro, en passant par le rap et le folk. Cette ouverture a permis d’attirer un public plus diversifié, tout en garantissant une expérience musicale riche et variée. Le mélange des genres est devenu l’une des marques de fabrique du festival, qui continue d’attirer des festivaliers aux goûts éclectiques.
Un impact international : À mesure que le festival prenait de l’ampleur, il a commencé à attirer l’attention des médias et des professionnels de la musique à l’échelle internationale. Les collaborations avec d’autres festivals européens et la participation d’artistes venus du monde entier ont contribué à faire de Rock en Seine un événement de référence sur la scène musicale mondiale. Aujourd’hui, le festival est reconnu bien au-delà des frontières françaises, attirant des spectateurs venus des quatre coins de l’Europe.
1.3 Rock en Seine Aujourd’hui : Un Festival Mûr et Établi
Aujourd’hui, Rock en Seine est bien plus qu’un simple festival de musique ; c’est un événement culturel majeur qui fait partie intégrante de la vie estivale parisienne. Avec une capacité d’accueil de plus de 100 000 festivaliers sur trois jours, Rock en Seine est devenu un incontournable pour les amateurs de musique, offrant chaque année des performances mémorables dans un cadre unique.
Un lieu de découvertes musicales : Rock en Seine est non seulement un lieu où les grands noms de la musique se produisent, mais aussi un tremplin pour les nouveaux talents. Le festival accorde une place importante aux artistes émergents, leur offrant une visibilité précieuse sur une scène prestigieuse. Cette volonté de soutenir la nouvelle génération de musiciens est l’un des éléments qui rendent le festival si dynamique et attrayant.
Un engagement pour l’environnement : Conscient de son impact écologique, Rock en Seine s’est engagé dans une démarche de développement durable, en mettant en place diverses initiatives pour réduire son empreinte environnementale. Le tri des déchets, l’utilisation de gobelets réutilisables, et la promotion des transports en commun sont autant d’actions qui témoignent de la volonté du festival de minimiser son impact sur l’environnement.
Un festival pour tous : Rock en Seine s’efforce d’être un événement inclusif, accessible à tous, y compris aux personnes à mobilité réduite. Des dispositifs spécifiques sont mis en place pour faciliter l’accès et le confort des festivaliers, rendant ainsi l’expérience Rock en Seine accessible au plus grand nombre.
2. Les Moments Inoubliables de Rock en Seine : Des Concerts Mémorables
2.1 Les Performances Légendaires : Quand le Rock Prend le Pouvoir
Rock en Seine a été le théâtre de performances légendaires qui ont marqué l’histoire du festival et laissé une empreinte indélébile dans la mémoire des festivaliers. Chaque édition apporte son lot de moments forts, où la magie de la musique se mêle à l’énergie du public.
Rage Against the Machine en 2008 : L’un des concerts les plus emblématiques de Rock en Seine reste celui de Rage Against the Machine en 2008. Après plusieurs années d’absence, le groupe californien a fait son grand retour sur scène à Paris, offrant une performance explosive qui a enflammé le public. Le concert, marqué par l’intensité et l’engagement politique du groupe, a été l’un des moments forts du festival, laissant un souvenir impérissable chez les spectateurs.
Arctic Monkeys en 2014 : En 2014, les Arctic Monkeys ont livré une performance mémorable lors de leur passage à Rock en Seine. Avec un setlist composé de leurs plus grands succès, le groupe britannique a captivé la foule avec son énergie et son charisme. Ce concert a été salué comme l’un des meilleurs de cette édition, renforçant la place des Arctic Monkeys parmi les têtes d’affiche incontournables du festival.
David Bowie en 2005 : Le passage de David Bowie à Rock en Seine en 2005 reste l’un des moments les plus marquants de l’histoire du festival. Le légendaire chanteur britannique, accompagné de son groupe, a offert une performance électrisante, interprétant certains de ses plus grands succès dans une ambiance survoltée. Ce concert, devenu mythique, a contribué à asseoir la réputation internationale de Rock en Seine.
2.2 Les Moments Surprenants : Quand l’Inattendu Crée la Magie
Au-delà des performances prévues, Rock en Seine a également été le théâtre de moments inattendus qui ont ajouté une touche de magie à l’événement. Les invités surprises, les collaborations improvisées, et les interactions spontanées avec le public font partie de ces instants qui rendent chaque édition unique.
Les invités surprises : Il n’est pas rare que des artistes invités fassent des apparitions surprises lors des concerts, créant des moments de pure excitation pour le public. Lors du concert de The Last Shadow Puppets en 2016, les spectateurs ont eu la surprise de voir Miles Kane et Alex Turner être rejoints sur scène par Johnny Marr, l’ex-guitariste des Smiths, pour un duo improvisé. Ces moments imprévus sont souvent ceux qui restent gravés dans les mémoires, car ils ajoutent un élément d’imprévisibilité à l’expérience.
Les collaborations inédites : Rock en Seine est aussi un lieu où des collaborations inattendues peuvent voir le jour. En 2019, lors d’un concert de Jorja Smith, la chanteuse britannique a été rejointe sur scène par Loyle Carner pour un duo improvisé. Cette rencontre entre deux étoiles montantes de la scène musicale a donné lieu à une performance exceptionnelle, marquant les esprits par sa spontanéité et son authenticité.
Les moments de communion avec le public : Certains concerts à Rock en Seine ont été marqués par des moments de communion particulièrement forts entre les artistes et le public. Lors du concert de Massive Attack en 2010, le groupe a réussi à créer une atmosphère de pure émotion avec des morceaux comme « Teardrop » et « Unfinished Sympathy », chantés en chœur par des milliers de festivaliers. Ce genre de moments, où la musique transcende la scène pour unir les spectateurs, est l’une des raisons pour lesquelles Rock en Seine reste un festival si spécial.
2.3 L’Expérience Rock en Seine : Plus Qu’un Simple Concert
Assister à un concert à Rock en Seine, c’est vivre une expérience unique où la musique, le cadre, et l’ambiance se rejoignent pour créer quelque chose de plus grand que la somme de ses parties. Le parc de Saint-Cloud, avec ses vastes espaces verts et son atmosphère bucolique, offre un cadre idéal pour un festival de cette envergure.
Le cadre idyllique : Le parc de Saint-Cloud, avec sa vue imprenable sur Paris et ses jardins à la française, ajoute une dimension particulière à chaque concert. Les festivaliers peuvent profiter d’un environnement naturel exceptionnel tout en assistant à des performances de qualité. Le contraste entre la nature paisible du parc et l’énergie brute des concerts crée une atmosphère unique, où chaque spectateur peut se sentir à la fois détendu et exalté.
Une ambiance conviviale : Rock en Seine est réputé pour son ambiance conviviale et festive, où les festivaliers de tous horizons se retrouvent pour partager leur passion de la musique. Que ce soit en pique-niquant sur l’herbe, en déambulant entre les scènes, ou en dansant devant les artistes, l’atmosphère du festival est toujours joyeuse et décontractée. Cet esprit de communauté est l’une des forces du festival, qui attire chaque année un public fidèle et enthousiaste.
Un festival pour les curieux : Au-delà des têtes d’affiche, Rock en Seine est aussi un lieu de découvertes musicales, où les festivaliers peuvent explorer de nouveaux genres et artistes. Les scènes plus petites, dédiées aux talents émergents, offrent une vitrine précieuse aux artistes en début de carrière, permettant aux spectateurs de découvrir des pépites avant qu’elles ne deviennent les stars de demain. Ce côté exploratoire fait partie intégrante de l’expérience Rock en Seine, où chaque édition réserve son lot de surprises et de révélations.
3. L’Impact Culturel et Économique de Rock en Seine
3.1 Un Moteur Économique pour la Région
Rock en Seine joue un rôle crucial dans l’économie locale, attirant chaque année des milliers de visiteurs qui contribuent à la vitalité économique de la région parisienne.
Les retombées économiques : Chaque été, Rock en Seine attire un large public, tant national qu’international. Cet afflux de visiteurs génère des retombées économiques importantes pour la région. Les hôtels, restaurants, et commerces locaux bénéficient directement de l’événement, avec une augmentation notable de l’activité pendant la période du festival. Selon des études locales, le festival contribue de manière significative à l’économie de la région, en particulier dans les secteurs de l’hôtellerie et de la restauration.
La création d’emplois : Le festival génère également des emplois temporaires, tant directs qu’indirects. De la billetterie à la sécurité, en passant par la logistique et le service à la clientèle, de nombreux postes sont créés pour répondre aux besoins du festival. De plus, l’événement soutient l’activité des prestataires locaux, tels que les techniciens du son, les entreprises de location de matériel, et les fournisseurs de services divers, contribuant ainsi à la dynamique économique locale.
La promotion touristique : Rock en Seine joue un rôle clé dans la promotion de la région parisienne sur la scène nationale et internationale. En attirant des visiteurs de toute la France et d’au-delà, le festival contribue à renforcer l’image de Paris en tant que destination culturelle de premier plan. De nombreux spectateurs profitent de leur venue pour explorer la ville et ses environs, visitant les monuments historiques, les musées, et les sites naturels, ce qui augmente l’attrait touristique de la région.
3.2 Un Catalyseur Culturel : Promouvoir la Musique et les Arts
Au-delà de son impact économique, Rock en Seine est également un catalyseur culturel, contribuant à la promotion de la musique et des arts dans la région.
Une scène pour tous les genres : Rock en Seine se distingue par sa capacité à rassembler des artistes de tous horizons musicaux, offrant une scène aux talents émergents comme aux artistes confirmés. Cette diversité musicale permet au festival de toucher un large public, tout en offrant une vitrine aux différents genres musicaux. Du rock au jazz, en passant par la pop, la musique classique, et l’électro, le festival célèbre la richesse et la diversité de la musique contemporaine.
Le soutien aux artistes locaux : En plus des grands noms de la scène internationale, le festival accorde une place importante aux artistes locaux, leur offrant une opportunité unique de se produire dans un cadre prestigieux. Ce soutien aux talents régionaux contribue à dynamiser la scène musicale locale, en offrant une visibilité précieuse aux artistes et en encourageant la création musicale dans la région. Le festival collabore également avec des associations culturelles locales pour organiser des événements parallèles, tels que des expositions, des ateliers, et des rencontres artistiques.
Une plateforme pour l’innovation artistique : Rock en Seine n’est pas seulement un lieu de diffusion de la musique ; il est aussi un laboratoire d’innovation artistique. De nombreux artistes profitent du cadre unique du festival pour expérimenter de nouvelles formes de performances, en intégrant des éléments visuels, scénographiques, et technologiques à leurs concerts. Cette ouverture à l’innovation fait du festival un espace de création et de découverte, où le public peut assister à des spectacles qui repoussent les limites de la scène musicale traditionnelle.
3.3 Un Héritage Durable : Conjuguer Culture et Patrimoine
Rock en Seine joue un rôle essentiel dans la préservation et la valorisation du patrimoine historique et culturel de la région, tout en contribuant à la transmission culturelle pour les générations futures.
La valorisation du parc de Saint-Cloud : En organisant des concerts dans le parc de Saint-Cloud, le festival contribue à la valorisation de ce site historique exceptionnel. Plutôt que de rester un simple espace de verdure, le parc devient un lieu vivant, où le patrimoine historique et la culture contemporaine se rejoignent. Cette utilisation moderne du site permet de le maintenir en vie, tout en offrant au public une expérience culturelle unique. De plus, une partie des revenus générés par le festival est réinvestie dans l’entretien et la restauration du parc, contribuant ainsi à la préservation du patrimoine pour les générations futures.
La transmission culturelle : Rock en Seine s’inscrit dans une démarche de transmission culturelle, en mettant l’accent sur l’accessibilité et l’éducation. Des initiatives telles que des billets à tarif réduit pour les jeunes, des concerts pédagogiques, et des rencontres avec les artistes sont organisées pour sensibiliser les nouvelles générations à la musique et aux arts. Cette démarche éducative vise à susciter l’intérêt des jeunes pour la culture et à les encourager à devenir les spectateurs et les créateurs de demain.
Un engagement écologique : Conscient de l’impact environnemental des grands événements, Rock en Seine a également pris des mesures pour réduire son empreinte écologique. Des initiatives telles que le tri sélectif, la réduction des déchets plastiques, et l’utilisation d’énergies renouvelables sont mises en place pour rendre le festival plus respectueux de l’environnement. De plus, des partenariats avec des associations locales de protection de l’environnement sont établis pour sensibiliser le public aux enjeux écologiques et promouvoir des pratiques durables.
Erwin Olaf (né en 1959 à Hilversum, Pays-Bas) est apparu sur la scène artistique internationale avec sa série Chessmen, qui a remporté le prix du jeune photographe européen de l’année en 1988.
Elle a été suivie d’une exposition au Ludwig Museum de Cologne, suivie d’expositions individuelles et collectives dans d’importants musées et galeries du monde entier, notamment au Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Málaga, Espagne; Museu da Imagem e do Som, São Paulo; Martin-Gropius-Bau, Berlin; Centre d’art contemporain du sud-est, Winston-Salem, Caroline du Nord; et le Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chili.
Il est surtout connu pour son travail commercial et personnel. Il a été chargé de photographier des campagnes publicitaires pour de grandes entreprises internationales telles que Levi’s , Microsoft et Nokia . Certaines de ses séries photographiques les plus célèbres incluent « Grief », « Rain » et « Royal Blood ». Ne craignant jamais la controverse, son travail est souvent audacieux et provocateur.
Erwin Olaf a étudié le journalisme à l’École de journalisme d’ Utrecht . Son travail est montré dans des galeries et des musées partout dans le monde, par exemple chez Wagner + Partner, Berlin; Flatland Gallery, Amsterdam; Hamiltons Gallery, Londres; Galerie Magda Danysz, Paris ; Galerie Espacio Minimo, Madrid; et plein d’autres.
Erwin Olaf a conçu les pièces en euros néerlandaises de 2014 avec le portrait du roi Willem-Alexander .
Erwin OLAF Photographe
La carrière d’ Erwin Olaf photographe
Erwin Olaf a commencé sa carrière en tant que photojournaliste documentant la vie nocturne des années 1980. Il a de plus en plus recherché et défini ses propres sujets, qu’il a fréquemment examinés dans une série d’œuvres en noir et blanc (Squares, Chessmen and Blacks) et en couleurs (Mind of Their Own, Rain, Hope) (chagrin, aube et aube). Ces dernières années, il a développé ses sujets sous forme de peintures monumentales, pour lesquelles il assume à la fois le rôle de réalisateur et de photographe.
Ses travaux les plus récents à Berlin, Shanghai et Palm Springs marquent la fin du projet en trois parties Shifting Metropolises (titre provisoire), une série d’œuvres d’art sur des villes de renommée internationale en pleine mutation sismique dans le monde de la modernité.
Au lieu de créer un environnement de studio contrôlé, Olaf a filmé sur place pour la première fois dans cette trilogie tout en conservant ses associations cinématographiques caractéristiques pour produire une série d’œuvres façonnées par les émotions et les névroses authentiques de ces lieux et de leurs habitants.
L’approche audacieuse d’ Erwin Olaf dans son travail lui a valu un certain nombre de missions institutionnelles, notamment Louis Vuitton, Vogue, le Stedelijk Museum Amsterdam et le Rijksmuseum d’Amsterdam, pour lesquels il a conçu l’exposition Catwalk 2016, y compris une vidéo promotionnelle et une campagne photo. Il a reçu le prix du photographe de l’année aux International Color Awards 2006 et le Dutch Artist Award 2014 du magazine Kunstbeeld ainsi que le célèbre Johannes Vermeer Award des Pays-Bas en 2011. D’autres prix internationaux incluent le Lion d’argent à Cannes Festival de la publicité et Lucie Award pour ses services publicitaires, tous deux en 2008.
Erwin OLAF Photographe
Olaf a projeté une œuvre vidéo au Centre Pompidou, Paris; Musée de la FIT, New York; et Nuit Blanche Toronto, avec une partition en direct commandée pour sa série Waiting.
Il a également projeté son installation vidéo trente canaux L’Éveil sur l’Hôtel de Ville pour Nuit Blanche à Paris, organisée par Jean de Loisy (directeur, Palais de Tokyo). En mars 2018, le Museu da Imagem e do Som de São Paulo a accueilli une rétrospective de son travail.
En 2018, le Rijksmuseum a acquis cinq cents œuvres clés des quarante ans de travail d’Olaf pour leur collection. Cela fait suite aux portraits officiels d’Olaf pour la famille royale néerlandaise en 2017-2018 et au design de la nouvelle pièce en euros du roi Willem-Alexander en 2013.
Rutger Pontzen, critique d’art pour le journal néerlandais le Volkskrant, a déclaré: «Controverse ou non, Erwin Olaf donne une photo des pays-bas. ,et cela le rend distinctif dans la photographie néerlandaise.
Erwin OLAF Photographe
En d’autres termes, son travail fait partie du patrimoine culturel. La photographie de renommée internationale d’Erwin Olaf fait toujours partie intégrante de la culture néerlandaise. Taco Dibbits, directeur du Rijksmuseum, déclare: « Son travail est profondément enraciné dans les traditions visuelles de l’art néerlandais. C’est pourquoi Olaf est » l’un des photographes les plus importants du dernier quart du XXe siècle « .
En 2019, le Gemeentemuseum Den Haag et le Fotomuseum Den Haag aux Pays-Bas organiseront une exposition personnelle conjointe pour Erwin Olaf pour commémorer son 60e anniversaire et célébrer son 40e anniversaire en tant que photographe. Le Shanghai Center of Photography présente également une exposition personnelle cette année, et le Rijksmuseum présente une exposition d’une sélection d’œuvres acquises par Olaf en 2018. L’artiste vit et travaille à Amsterdam.
Erwin OLAF Photographe
Erwin OLAF Photographe
Erwin Olaf photographe
INTERVIEW Pourquoi avez-vous choisi ces emplacements particuliers ?
Erwin Olaf Photographe : Les lieux que j’ai utilisés existaient tous au début du 20e siècle et ils sont chacun importants pour l’histoire des Berlins. Le Rathaus Schöneberg, par exemple, est l’endroit où le président Kennedy a prononcé ces mots célèbres: «Ich bin ein Berliner». Le stade olympique de Berlin était l’endroit où Hitler refusait de serrer la main du grand athlète Jesse Owens parce qu’il était noir. Une autre raison est l’escalier.
J’ai de l’emphysème, donc les escalader est de plus en plus difficile. Berlin est aussi une confrontation de mes propres démons et c’est pourquoi j’ai intégré des escaliers dans beaucoup de photographies. C’est moi que j’ai photographié dans les escaliers du stade olympique de Berlin.
Vous avez utilisé beaucoup d’enfants dans ce projet, pourquoi Erwin Olaf photographe ?
Erwin Olaf Photographe : J’ai tendance à travailler uniquement avec des personnes matures mais avec ce projet, je n’étais pas satisfait des résultats. Pendant que j’étais à l’aéroport en Espagne, j’ai regardé des enfants et leurs parents ensemble. Les enfants ont tellement de contrôle sur leurs mères et leurs pères et les adultes écoutent les enfants.
J’ai commencé à penser que si un jour c’était des enfants qui dirigeaient. Ce serait terrifiant car ils ne sauraient pas gérer le pouvoir, en plus de cela, ils peuvent être erratiques et irrationnels. C’est la même chose pour les adultes mais avec les enfants c’est plus extrême.
Pouvez-vous nous parler de la signification de ces images?
Erwin Olaf Photographe : Certains d’entre eux abordent des événements historiques associés aux bâtiments tandis que d’autres sont complètement abstraits. La photo représentant le clown debout sur un plongeoir au Stadtbad Neukölln par exemple. Je ne pourrais jamais vous dire ce qu’il y a dans la lettre qu’il tient ou pourquoi il la présente au garçon assis près de la piscine.
Ce n’était que l’instinct. J’avais étudié beaucoup d’art du 20e siècle et je voulais entamer un dialogue avec le spectateur. Souvent, les photographies ne le font pas aussi bien que les peintures. Je veux que le spectateur invente sa propre histoire et crée son fantasme.
Votre marque de commerce est des impressions couleur grand format. Lors de cette exposition, nous comprenons que vous présenterez de petites impressions au carbone faites à la main. Parlez-nous de ces derniers et du processus de fabrication.
Erwin Olaf Photographe : J’ai commencé à penser, c’est mieux mieux? J’en doute, alors j’ai étudié l’impression au carbone. Cette technique a 150 ans et j’ai été aidé par l’une des deux personnes aux Pays-Bas qui pouvaient le faire.
Le processus est incroyablement délicat et difficile et cela peut prendre 24 heures avant de vous retrouver avec une impression qui vous satisfait.
Les autres expositions d’Erwin Olaf
2019:
Exposition personnelle anniversaire, Musée Gemeente de La Haye et Musée de la photographie de La Haye, La Haye, Pays-Bas
Palm Springs Unseen, Flatland, Amsterdam
2017:
Album 13 d’Indochine, Galerie Rabouan Moussin, Paris, France
Human & Nature, Gallery Kong, Séoul, République de Corée
2016:
Erwin Olaf – Four Series, Centro de Arte Contemporaneo de Málaga, Málaga, Espagne
Cell of Emotions, National Art Gallery, Sofia, Bulgarie
Hommage à Louis Gallait, Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou, Russie
2015:
A Corps Perdu, Galerie Magda Danysz , Paris
Erwin Olaf: The Empire of Illusion, Museo de Arte Contemporaine de Rosario, Rosario, Argentine
En attente, Flatland, Amsterdam
« Rétrospective », Fondation Oriente Museu, Macao, Chine
« Erwin Olaf – Berlin », Galerie Rabouan Moussion, Paris
« Erwin Olaf – En attente », Galerie Rabouan Moussion, Paris
« Émotions – Installations », La Sucrière, Lyon
«Berlin», Hasted Kraeutler Gallery, New York
«Berlin», Hamiltons Gallery, Londres
2012:
The Dark Side , Galerie Rabouan Moussion, Paris
«Works 2000 – 2010», Art Statements Gallery, Hong Kong
«Erwin Olaf», Galerie Kong, Séoul
« Short Stories », Galerie Wagner, Berlin
2011:
«Erwin Olaf», Art Statements Gallery, Tokyo
« Paradis le club », Galerie Rabouan Moussion, Paris
« High Tension », Carbon, Dubaï
« Captured sens », Cer Modern, Ankara
«Erwin Olaf», Festival international de photographie nordique de lumière, Kristiansund
2010:
«Hôtel Erwin Olaf», Galerie Magda Danysz , Paris
«Hôtel Erwin Olaf», Galerie Paris-Benijing, Pékin
« Erwin Olaf – Travaux récents », Hamiltons Gallery, Londres
«Hotel, Dawn & Dusk», Hasted Kraeutler Gallery, New York
2009:
Crépuscule, Flatland, Amsterdam
« Série Laboral Escena », Galerie Magda Danysz , Paris
« Rain, Hope, Grief & Fall », Institut des Pays-Bas, Paris
« Fléchettes du plaisir », Musée Domus Artium, Salamanque
«Moving Targets», Musée d’art de Haïfa, Haïfa
Biographie officielle d’Erwin Olaf
Erwin Olaf (né à Hilversum, Pays-Bas, 1959) a émergé sur la scène artistique internationale avec sa série Chessmen, qui a remporté le prix du jeune photographe européen de l’année en 1988.
Elle a été suivie d’une exposition au Museum Ludwig de Cologne, avec des expositions personnelles et collectives ultérieures dans les principaux musées et galeries du monde entier, notamment le Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Málaga, Espagne; Museu da Imagem e do Som, São Paulo; Martin-Gropius-Bau, Berlin; Southeastern Center for Contemporary Art, Winston-Salem, Caroline du Nord; et Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chili.
Débutant sa carrière de photojournaliste documentant la vie nocturne des années 1980, Olaf a de plus en plus cherché et défini ses propres sujets, souvent explorés dans des séries d’œuvres en noir et blanc (Squares, Chessmen, and Blacks) et en couleur (Mind of their Own, Rain, Hope, Grief, Dusk et Dawn).
Ces dernières années, il a développé ses thèmes sous la forme de tableaux monumentaux, pour lesquels il adopte à la fois le rôle de réalisateur et de photographe. Son travail le plus récent, à Berlin, Shanghai et Palm Springs, marque la conclusion du projet en trois parties Shifting Metropolises (titre provisoire), une série d’œuvres d’art examinant des villes de renommée internationale subissant des changements sismiques dans le monde moderne.
Plutôt que de fabriquer un environnement de studio contrôlé, dans cette trilogie Olaf a tourné sur place pour la première fois, conservant ses associations cinématographiques caractéristiques pour produire un corpus d’œuvres travaillé avec les émotions et les névroses authentiques de ces lieux et de leurs habitants.
L’approche audacieuse d’Olaf envers son travail a remporté un certain nombre de commandes d’institutions, notamment Louis Vuitton, Vogue, le Stedelijk Museum d’Amsterdam et le Rijksmuseum d’Amsterdam, pour lesquels il a conçu l’exposition Catwalk 2016, y compris une vidéo promotionnelle et une campagne photographique.
Il a reçu le prix du photographe de l’année aux International Color Awards 2006 et de l’artiste néerlandais de l’année 2014 du magazine Kunstbeeld, ainsi que le prestigieux prix Johannes Vermeer des Pays-Bas en 2011. Parmi les autres prix internationaux, citons le Lion d’argent au Festival de la publicité de Cannes et un prix Lucie pour ses réalisations en publicité, tous deux en 2008.
Olaf a projeté des œuvres vidéo au Centre Pompidou, Paris; Musée au FIT, New York; et Nuit Blanche Toronto, avec une partition en direct commandée pour sa série Waiting. Il a également projeté son installation vidéo de trente chaînes L’Éveil sur l’Hôtel de Ville pour Nuit Blanche à Paris, sous la direction de Jean de Loisy (réalisateur, Palais de Tokyo). En mars 2018, le Museu da Imagem e do Som de São Paulo a accueilli une rétrospective de son travail.
En 2018, le Rijksmuseum a acquis cinq cents œuvres d’art clés de l’œuvre d’Olaf depuis quarante ans pour sa collection. Cela faisait suite aux portraits officiels réalisés par Olaf pour la famille royale néerlandaise en 2017-2018 et à la conception de la nouvelle pièce en euros pour le roi Willem-Alexander en 2013. Rutger Pontzen, critique d’art pour le journal néerlandais Volkskrant, a déclaré: «Controversé ou non, Erwin Olaf donne une image des Pays-Bas. . . et cela le rend distinctif dans la photographie néerlandaise. . . .
En d’autres termes, son œuvre appartient au patrimoine culturel. Désormais de renommée internationale, la photographie d’Erwin Olaf reste un élément essentiel de la culture néerlandaise. Taco Dibbits, directeur du Rijksmuseum, déclare: «Son travail est profondément enraciné dans les traditions visuelles de l’art hollandais», et par conséquent Olaf est «l’un des photographes les plus importants du dernier quart du XXe siècle».
Plus récemment, en 2019, le Gemeentemuseum Den Haag et le Fotomuseum Den Haag, aux Pays-Bas, ont accueilli une exposition solo conjointe pour Erwin Olaf pour commémorer son soixantième anniversaire et célébrer ses quarante ans de photographie.
En juillet de la même année, pour marquer le transfert de sa collection principale au musée, le Rijksmuseum a ouvert l’exposition 12x Erwin Olaf, dans lequel Olaf a placé onze de ses photographies et une installation vidéo, en dialogue avec des peintures hollandaises de la collection du musée.
Les célébrations d’ouverture ont eu lieu le 2 juillet, jour du 60e anniversaire de l’artiste, lorsque Olaf a été nommé Chevalier de l’Ordre du Lion des Pays-Bas, un ordre hollandais de chevalerie décerné à ceux qui ont des mérites d’une nature très exceptionnelle pour la société. Le photographe a été distingué au Rijksmuseum d’Amsterdam pour ses principales photos et son engagement envers la communauté LGBTq, selon la municipalité d’Amsterdam.
Lorsque le Hellfest ouvre ses portes à Clisson, il y a déjà une ruée vers le « merch » officiel, la boutique Hellfest. Derrière le comptoir, dix vendeurs ne savent plus vers qui se tourner. Plusieurs articles sont déjà en stock dés les premières heures. «Les T-shirts L et XL sortent toujours très vite», précise l’un des deux responsables du «Merch» qui sont au cœur du site. C’est pourquoi nous recommandons de faire vos achats au début du festival. »
Boutique HELLFEST : Une file d’attente chaque année
Chaque année, la file d’attente est sans fin et le soleil frappe. Mais après plus d’une heure d’attente et environ 90 euros, vous pouvez sortir en souriant. « J’ai pris un polo pour mon père, un porte-clés et une chemise pour moi, une tasse et des aimants pour les amis à la boutique Hellfest.
Attendre dans la file d’attente, même si cela prend quelques heures, fait partie du jeu lorsque vous venez au festival. Le métallurgiste aime les objets, surtout lorsqu’il s’agit de souvenirs. Passer par la boutique Hellfest, C’est comme une nécessité! »
Chaque année, pour réduire les temps d’attente, il est possible de compléter le bon de commande après avoir effectué votre sélection dans un petit livret qui contient une cinquantaine de références ( Briquet, badge, couette …). Les organisateurs l’assurent chaque année: il ne restera presque plus rien dimanche.
Boutique Hellfest: La course au tee-shirt
Dimitri et Hugues, qui sortent les mains chargées, sont pressés de retirer les articles de l’emballage. « J’ai pris un pantalon court, un chapeau et un marcel. Je vais les mettre de suite ».
Lorsque vous regardez autour de nous, vous vous rendez compte que beaucoup ont déjà trouvé et enfilé leurs nouveaux tee-shirts. Cela va du chapeau de cow-boy au tee-shirt, sweat, pulls molletonnés aussi, il peut faire un peu froid la nuit à Clisson.
Boutique Hellfest – Hellfest shop
Des six modèles de la version 2019 du T-shirt par exemple, tous les modèles affichent une programmation à l’arrière, il y en a pour tous, du fluo, du sobre, du trash. Des modèles très sobres aussi permettant d’utiliser le tee-shirt à l’année, même au bureau. Car la discrétion et aussi disponible avec juste un petit logo du festival.
Boutique Hellfest : Un vrai village de « merch », bientôt.
Le merchandising au festival génère près d’un million de chiffre d’affaires, est selon les organisateurs l’un des points noirs du festival. « Nous avons de nombreuses demandes, nous avons souvent de très longues files d’attente », explique Alex Rebecq, porte-parole du Hellfest.
Heureusement, nous avons affaire à un public très respectueux qui ne se presse pas et attend patiemment. Les organisateurs espèrent que le problème sera enfin résolu et un site de vente en ligne est maintenant disponible pour pallier à ces ruptures de stock pendant l’édition.
« Nous devons repenser complètement notre approche du merch sur site. « Nous pensons à un véritable village de merch, un truc un peu fou » poursuit Alex. « Ce serait mieux pour les participants du festival, mieux pour le travail de nos équipes sur place ».
Boutique Hellfest – Hellfest shop
La boutique Hellfest en ligne : le Hellfest Shop
Le festival a ouvert il y a déjà plusieurs années un site en ligne permettant de commander toute l’année le « Merch » du festival.
T-shirts, Sweats, Vestes, Accesoires…le merchandising officiel du festival est a porté de clic. De très nombreux produits textiles et accessoires, mais aussi les livres du festival.
Livre Hellfest : le festival raconté par les groupes.
Près de 2,5 kilos pour ce livre étonnant, 300 pages, à peu près autant de photographies,un tirage de 20 000 exemplaires, 100 groupes, des heures et des heures de lecture et une diffusion en France, Belgique et Suisse francophone.
Ce livre raconte le festival, tout simplement, mais le festival depuis le backstage, vu de la scène, par les coulisses, par des groupes qui y ont arpenté le festival tout au long des quatorze éditions.
Le Hellfest Shop est la boutique en ligne officielle du Hellfest, le célèbre festival de musique metal qui se déroule chaque année à Clisson, en France. Cette boutique permet aux fans du festival et du genre metal de se procurer des produits dérivés, des vêtements, et des accessoires estampillés Hellfest. Que vous soyez un amateur de heavy metal, de hard rock ou de death metal, vous trouverez ici de quoi afficher fièrement votre amour pour l’un des plus grands festivals européens de musique extrême.
2. Quels types de produits puis-je acheter sur le Hellfest Shop ?
Le Hellfest Shop propose une large gamme de produits pour répondre à tous les goûts des fans de metal. Voici quelques exemples des produits que vous pouvez y trouver :
Vêtements : T-shirts, hoodies, vestes, pantalons, casquettes, et même des chaussettes, tous ornés des logos et des designs uniques inspirés du Hellfest.
Accessoires : Badges, pin’s, patchs brodés, porte-clés, écharpes, mugs et autres goodies pour agrémenter votre quotidien avec une touche de Hellfest.
Vinyles et CD : Sélection d’albums de groupes ayant joué au festival.
Affiches et lithographies : Posters officiels du festival et de ses différentes éditions, souvent en édition limitée.
Merchandising exclusif : Objets rares et collectors, parfois disponibles uniquement pendant des périodes spécifiques ou lors d’événements spéciaux liés au Hellfest.
3. Les produits du Hellfest Shop sont-ils disponibles à l’international ?
Oui, le Hellfest Shop livre à l’international. Peu importe où vous vous trouvez dans le monde, vous pouvez commander vos produits Hellfest favoris. Les délais de livraison peuvent varier en fonction de votre lieu de résidence, mais le shop s’efforce d’expédier rapidement, que vous soyez en France, en Europe ou à l’autre bout du globe.
4. Comment sont sélectionnés les produits vendus sur le Hellfest Shop ?
Les produits proposés sur le Hellfest Shop sont soigneusement sélectionnés pour leur qualité et leur authenticité. L’équipe du Hellfest travaille en collaboration avec des designers, des artistes et des marques partenaires pour créer des produits uniques qui reflètent l’esprit du festival. Les vêtements, par exemple, sont souvent en coton bio, garantissant confort et durabilité. Les collections varient au fil des éditions, avec de nouvelles gammes dévoilées chaque année pour coller à l’actualité du festival.
5. Y a-t-il des collections limitées sur le Hellfest Shop ?
Oui, le Hellfest Shop propose régulièrement des collections limitées, particulièrement autour des périodes de festival ou à l’occasion de collaborations spéciales. Ces collections sont souvent disponibles en quantités réduites et incluent des articles collectors, tels que des affiches signées, des vêtements numérotés ou des produits dérivés en série limitée. Il est conseillé aux fans de surveiller les annonces du Hellfest et du shop pour ne pas manquer ces occasions uniques.
6. Quels sont les délais de livraison pour les produits commandés sur le Hellfest Shop ?
Les délais de livraison dépendent de plusieurs facteurs, notamment votre lieu de résidence. Voici quelques estimations :
France métropolitaine : 3 à 5 jours ouvrables.
Europe : 5 à 10 jours ouvrables.
Reste du monde : 10 à 15 jours ouvrables.
Cependant, pendant les périodes de forte demande, comme juste avant le festival ou lors de la sortie de nouvelles collections, les délais peuvent être un peu plus longs.
7. Quels sont les frais de livraison appliqués par le Hellfest Shop ?
Les frais de livraison varient en fonction du pays de destination et du poids du colis. Vous pouvez consulter ces frais lors du processus de commande, juste avant de valider votre achat. Le Hellfest Shop propose également des promotions occasionnelles où les frais de livraison peuvent être réduits ou offerts pour des commandes dépassant un certain montant.
8. Puis-je retourner un produit acheté sur le Hellfest Shop ?
Oui, le Hellfest Shop accepte les retours sous certaines conditions :
Les produits doivent être retournés dans leur état d’origine, non portés, non lavés et avec toutes les étiquettes attachées.
Vous disposez de 14 jours à compter de la réception de votre commande pour demander un retour.
Les frais de retour sont à la charge de l’acheteur, sauf en cas d’erreur de la part du shop (produit défectueux ou mauvaise commande).
Une fois le retour validé, un remboursement sera effectué ou un échange proposé en fonction des disponibilités.
9. Comment puis-je suivre ma commande sur le Hellfest Shop ?
Une fois votre commande passée, vous recevrez un e-mail de confirmation avec un lien de suivi. Ce lien vous permettra de suivre l’avancement de la livraison de votre colis, depuis le départ de l’entrepôt jusqu’à la réception chez vous. Si vous rencontrez un problème ou si vous ne recevez pas cet e-mail, vous pouvez contacter le service client du Hellfest Shop pour obtenir de l’aide.
10. Les produits du Hellfest Shop sont-ils de bonne qualité ?
Absolument ! Le Hellfest Shop met un point d’honneur à offrir des produits de haute qualité. Que ce soit pour les vêtements, fabriqués à partir de matériaux durables et confortables, ou pour les accessoires et objets de collection, chaque article est conçu pour durer et refléter l’esprit du Hellfest. Les avis des clients sont généralement très positifs, notamment sur la durabilité des produits et la fidélité des designs au thème du festival.
11. Comment le Hellfest Shop soutient-il la communauté metal ?
En achetant sur le Hellfest Shop, vous soutenez directement l’organisation du Hellfest et sa capacité à organiser ce festival majeur de la scène metal. Une partie des bénéfices des ventes est réinvestie dans le développement du festival, ainsi que dans des initiatives caritatives et écologiques menées par l’organisation Hellfest. De plus, certains produits exclusifs sont créés en collaboration avec des artistes ou des groupes de la scène metal, renforçant ainsi les liens entre la communauté musicale et le festival.
12. Le Hellfest Shop propose-t-il des cartes-cadeaux ?
Oui, le Hellfest Shop propose des cartes-cadeaux que vous pouvez acheter pour offrir à vos proches. Ces cartes sont disponibles en plusieurs montants et permettent à l’heureux bénéficiaire de choisir parmi une vaste gamme de produits. C’est une excellente option si vous voulez faire plaisir à un fan de Hellfest sans vous tromper sur le produit !
13. Quels sont les modes de paiement acceptés sur le Hellfest Shop ?
Le Hellfest Shop accepte plusieurs modes de paiement pour faciliter vos achats :
Cartes bancaires (Visa, MasterCard, etc.).
PayPal.
Paiement en plusieurs fois, disponible pour certaines commandes.
Tous les paiements sont sécurisés grâce aux normes en vigueur pour garantir la protection de vos informations.
14. Le Hellfest Shop propose-t-il des articles pour enfants ?
Oui, le Hellfest Shop propose également une gamme d’articles pour enfants, notamment des t-shirts et des accessoires. Ces articles permettent aux plus jeunes de la famille de partager leur passion pour le Hellfest et la musique metal tout en étant habillés confortablement et avec style.
15. Les produits du Hellfest Shop sont-ils éco-responsables ?
Le Hellfest Shop s’engage à promouvoir des pratiques durables et éco-responsables. De nombreux produits, notamment les vêtements, sont fabriqués à partir de coton biologique ou de matériaux recyclés. L’équipe met un point d’honneur à limiter l’impact écologique du shop en utilisant des emballages écoresponsables et en collaborant avec des partenaires respectueux de l’environnement.
16. Comment puis-je contacter le service client du Hellfest Shop ?
Si vous avez des questions ou des préoccupations concernant une commande ou un produit, vous pouvez contacter le service client du Hellfest Shop via leur formulaire en ligne ou par e-mail. Le service client s’efforce de répondre rapidement et efficacement à toutes les demandes, que ce soit pour des questions de commande, de retour ou de produit.
17. Y a-t-il des promotions régulières sur le Hellfest Shop ?
Le Hellfest Shop propose régulièrement des promotions et des offres spéciales, notamment autour des périodes de festival ou à l’occasion d’événements comme le Black Friday. Pour ne rien manquer, il est conseillé de s’inscrire à la newsletter du Hellfest Shop ou de suivre les réseaux sociaux du festival pour être tenu informé des dernières offres.
18. Comment s’inscrire à la newsletter du Hellfest Shop ?
Vous pouvez vous inscrire à la newsletter du Hellfest Shop directement sur leur site. Cette inscription vous permettra de recevoir des informations exclusives sur les nouvelles collections, les promotions et les événements liés au Hellfest. En plus, vous serez informé en avant-première des collaborations spéciales et des lancements de produits en édition limitée.
19. Le Hellfest Shop a-t-il une boutique physique ?
En dehors des périodes du festival, le Hellfest Shop est principalement en ligne. Cependant, pendant le Hellfest, une grande boutique physique est installée sur le site du festival, où les festivaliers peuvent acheter des produits exclusifs et en édition limitée.
The ARRS, abréviation de The Alien’s Right Respect Sect, est un groupe de métalcorefrançais originaire de Paris Île-de-France. The ARRS a été fondée en 1998 à Paris, Île-de-France.
Après plusieurs années d’investissements en Île-de-France et sur des scènes de démo, qui ont rapidement acquis une bonne réputation,The ARRSest devenu populaire en 2005.
Le premier album de The ARRS
Avec le premier album … Et la douleur est la même (Beat im All / PIAS). Les dix titres qui le composent sont très bien reçus par le public et permettent de reconnaître le quintette de ses pairs et professionnels, et ainsi de réaliser des centaines de dates à travers l’Europe.
La performance constatée sur la scène principale du Furyfest la même année confirme leur potentiel. The ARRS a sorti son deuxième album, intitulé Trinité en 2007, avec les labels de disques Active Entertainment / PIAS, et est reparti avec encore plus de férocité.
C’est en raison de sa superbe et magnifique prestation que le groupe a de nouveau participé au Hellfest avec de grands groupes internationaux.
Le deuxième album de THE ARRS : TRINITE
En 2007, le deuxième album Trinité’s sonne différemment, même s’il reste dans la continuité du travail du groupe, et les paroles du groupe portent toujours des thèmes religieux. The Arrs s’exporte en Europe pour 80 concerts, sa popularité ne cesse de grandir, d’augmenter.
Heros/ Assassins, le troisiéme album
En 2009, « Heros / Assassins » sort le label « Misty Season ». Les gens ont ressenti la maturité acquise lors de la tournée précédente, et l’équipe était plus ferme dans son authenticité. L’album se situe entre le rythme hardcore punk et la mélodie heavy metal, consolidant sa position de référence dans le genre français.
ARRS a ensuite annoncé un DVD live gratuit, capté par dix caméras dans la salle du Trabendo Trabendo à Paris.
THE ARRS – Héros / assassins
Soleil noir en 2012
2012 est une nouvelle année. Des années plus tard, Paskual et Jérôme quittent le groupe pour faire place à Stefo (guitare) et Phil (basse). À travers cette nouvelle forme, le groupe s’est modernisé et porté dans la vision des gens avec une nouvelle image visuelle, considérée comme sa meilleure œuvre, Soleil noir (Verycords / Warner Music France). Cet album est plus violent, plus sombre et plus réussi que les épisodes précédents, et a été bien accueilli par l’industrie.
Dernier album de The ARRS : Khrónos
En 2015, Khrónos est le cinquième album studio du groupe (Verycords / Warner Music France), qui est également le deuxième album sorti sous la même formation 2.0. Le 5 janvier 2017, le groupe annonce que sa tournée 2017 sera la dernière, qu’il n’y aura pas de nouveaux albums et que l’aventure se terminera au concert de Paris en octobre.
The ARRS – Khronos
Après avoir traversé la France pour la dernière fois, la route de THE ARRS s’est terminée à Trabendo le 11 novembre 2017, avec une date d’adieu magnifique. La carrière d’un groupe est terminée. Depuis près de 19 ans, le groupe a vu beaucoup de jeunes groupe arriver et a principalement sorti des albums de grande qualité, tels que le petit dernier : KHronos.
Discographie
2015 : Khrónos
2012 : Soleil noir
2009 : Héros assassin
2007 : Trinité
2005 : …Et la douleur est la même
Autres sorties
2003 : Condition Humaine – EP (Autoproduction)
2009 : Condition Humaine – Réédition EP (Customcore Records)
2010 : Just Live – DVD Live (En téléchargement à prix libre)
2011 : Dans la chair et par le sang – Coffret 2CD + DVD live (Customcore Records)
2017 : » Crépuscule » – EP ( Autoproduction ) Format numérique 3 Titres 12 min 36
Les concerts sont l’un des événements les plus captivants et les plus excitants que l’on puisse assister. Les artistes donnent tout sur scène pour offrir une expérience inoubliable à leur public. Pour de nombreux fans, la musique et l’ambiance des concerts restent gravées dans leur mémoire pour toujours. Mais que diriez-vous d’immortaliser ces moments grâce à des photos de concert professionnelles?
La vente de photos de concert est un moyen unique de garder des souvenirs tangibles de vos artistes préférés et de leur musique. Que vous soyez un fan inconditionnel ou que vous cherchiez simplement à ajouter à votre collection de photos, les photos de concert peuvent être un investissement précieux.
Les photos de concert professionnelles captent l’énergie et l’émotion de l’instant. Les photographes spécialisés dans la photographie de concert ont l’œil pour capturer les moments les plus mémorables, les moments les plus épiques et les moments les plus intenses de chaque concert. Ils travaillent avec des équipements haut de gamme pour produire des images nettes et de haute qualité qui transmettent l’excitation et l’atmosphère du moment.
Les photos de concert peuvent également être un excellent ajout à votre décor intérieur. En les accrochant sur les murs de votre maison ou de votre bureau, vous pouvez rappeler les moments les plus excitants de vos concerts préférés. Les photos de concert peuvent également être un excellent cadeau pour les fans de musique de votre entourage.
Si vous cherchez à acheter des photos de concert, il existe de nombreuses options disponibles. De nombreux photographes professionnels vendent leurs photos de concert en ligne ou dans des boutiques spécialisées. Les sites de vente en ligne tels que Etsy et Amazon proposent également une grande sélection de photos de concert.
En conclusion, l’achat de photos de concert est un moyen unique et excitant d’immortaliser les moments les plus mémorables de vos concerts préférés. Que vous soyez un fan inconditionnel ou simplement à la recherche d’un moyen de décorer votre espace, les photos de concert peuvent être un investissement précieux et un souvenir intemporel.
Importance de la photographie de concert
La photographie de concert joue un rôle important pour les fans de musique et les artistes eux-mêmes. Tout d’abord, elle permet de capturer les moments les plus mémorables d’un concert, notamment l’énergie et l’émotion que les artistes transmettent à leur public. Les photos de concert permettent également aux fans de garder des souvenirs tangibles de leurs concerts préférés et de les revivre même des années plus tard.
De plus, la photographie de concert est un moyen pour les artistes de promouvoir leur travail et d’interagir avec leur public. Les photos de concert peuvent être partagées sur les réseaux sociaux et utilisées pour la promotion de futurs événements musicaux. Les photographes de concert professionnels peuvent également être invités à photographier des événements privés pour les artistes ou les maisons de disques.
Enfin, la photographie de concert est un art en soi. Les photographes de concert doivent être en mesure de capter les moments les plus intéressants tout en travaillant dans des conditions de faible luminosité et de mouvement rapide. Ils doivent également être capables de produire des images nettes et de haute qualité pour créer des souvenirs durables pour les fans de musique.
Il y a plusieurs avantages à acheter des photos de concert, que ce soit pour les fans de musique ou pour les collectionneurs d’art. Voici quelques-uns des avantages les plus importants :
Garder des souvenirs tangibles : Les photos de concert sont un moyen de garder des souvenirs tangibles de vos concerts préférés. Elles vous permettent de revivre les moments les plus mémorables de l’événement, y compris les performances des artistes, l’ambiance et l’énergie de la foule. Les photos de concert vous permettent également de vous rappeler de l’expérience que vous avez vécue avec vos amis et votre famille.
Ajouter à votre collection de photos : Si vous êtes un passionné de photographie ou un collectionneur d’art, les photos de concert peuvent être un excellent ajout à votre collection. Elles peuvent être considérées comme une forme d’art contemporain et peuvent ajouter une dimension intéressante à votre collection.
Décoration intérieure : Les photos de concert peuvent être utilisées pour décorer votre maison ou votre bureau. Elles peuvent être encadrées et accrochées sur les murs pour ajouter une touche personnelle à votre décor.
Cadeau pour les fans de musique : Si vous cherchez un cadeau original pour un fan de musique, les photos de concert peuvent être une excellente option. Elles sont uniques et personnalisées, et peuvent être choisies en fonction des goûts musicaux de la personne.
En résumé, l’achat de photos de concert peut être bénéfique pour les fans de musique et les collectionneurs d’art. Les photos de concert permettent de garder des souvenirs tangibles, d’ajouter à votre collection de photos, de décorer votre maison ou votre bureau, et de servir de cadeau original pour les fans de musique.
Vente photos de concert de Sick of it all – Photo de concert par Eric CANTO
Comment acheter des photos de concert
Il existe plusieurs moyens d’acheter des photos de concert :
Directement auprès du photographe : Vous pouvez contacter directement le photographe qui a pris les photos lors du concert. La plupart des photographes ont un site web ou une boutique en ligne où ils vendent leurs photos. Vous pouvez également les contacter par email ou par téléphone pour passer une commande.
Sur des sites web spécialisés : Il existe plusieurs sites web spécialisés dans la vente de photos de concert. Ces sites regroupent des photos de différents photographes et artistes, et vous pouvez facilement trouver des photos de vos artistes préférés.
Lors de festivals et de concerts : Si vous assistez à des festivals et à des concerts, il est possible que des photographes soient présents pour prendre des photos de l’événement. Certains d’entre eux vendent ensuite leurs photos sur place, ou vous pouvez les contacter ultérieurement pour passer une commande.
Avant d’acheter des photos de concert, assurez-vous de vérifier la qualité des photos et de vérifier les tarifs. Les prix peuvent varier considérablement en fonction de la qualité de la photo et de la notoriété du photographe. Il est également important de vérifier les droits d’utilisation des photos, surtout si vous comptez les utiliser pour un usage commercial.
La photographie de concert professionnelle
La photographie de concert professionnelle est une discipline de la photographie qui consiste à capturer les moments les plus marquants des performances en direct des artistes et des groupes de musique. Cette forme de photographie est très populaire auprès des fans de musique, des artistes et des professionnels de l’industrie musicale.
Pour conclure : Récapitulation des avantages de l’achat de photos de concert
L’achat de photos de concert présente plusieurs avantages, notamment :
Capturer des moments uniques : Les concerts sont des événements en direct qui ne se répètent pas et qui peuvent produire des moments uniques et mémorables. L’achat de photos de concert permet de capturer ces moments pour les revivre et les apprécier plus tard.
Obtenir des images de haute qualité : Les photographes professionnels de concerts utilisent des équipements de pointe pour capturer des images de haute qualité. Les photos achetées seront donc nettes, claires et parfaitement exposées.
Posséder des souvenirs uniques : Les photos de concert sont des souvenirs uniques qui permettent de revivre l’expérience du concert encore et encore. Elles peuvent être encadrées et exposées dans votre maison ou votre bureau, ou utilisées pour personnaliser votre téléphone ou votre ordinateur.
Soutenir les artistes et les photographes : En achetant des photos de concert, vous soutenez les artistes et les photographes qui travaillent dur pour capturer ces moments uniques. Cela peut aider à encourager leur travail et leur permettre de continuer à créer de superbes images de concerts.
Accéder à une grande variété de photos : Les photographes de concerts prennent souvent des centaines de photos lors d’un seul événement, offrant ainsi une grande variété de choix pour trouver l’image parfaite. De plus, il est souvent possible de trouver des photos de différents angles ou perspectives qui ne sont pas accessibles au public pendant le concert.
Découvrez notre selection de PHOTOS DE CONCERT
Vente photos de concert : Découvrez notre sélection de photos de concert. Nos nombreuses photos de musique n’attendent que vous pour donner une touche d’originalité à votre décoration. Si vous êtes passionné de rock, de métal ou encore de pop et que vous allez régulièrement assister à des concerts, vous avez sans doute remarqué la présence de photographes de concert pendant le spectacle.
Si vous souhaitez opter pour une ambiance particulière parcourez notre sélection de photos couleur Toutes les photographies de concert mises en vente sur ericcanto.com sont vendues en édition limitée.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un premier teaser ultra efficace pour le documentaire de Spike Jonze :Beastie Boys Story. Le réalisateur de Her accompagne lesBeastie Boys depuis des années et a réalisé certains de leurs clips. L’histoire d’amour entre Spike Jonze et les Beastie Boys remonte à plusieurs années.
Le réalisateur de Her and In the Skin de John Malkovich a rencontré les Beastie Boys au début des années 1990. Ils ont ensuite travaillé plusieurs fois ensemble, sur des clips comme « Ricky’s Theme », « Root Down » ou même « Sabotage« . À l’occasion du 25e anniversaire de la sortie de l’album Ill Communication, Spike Jonze a produit un documentaire intimiste qui retrace l’histoire du groupe.
Le réalisateur a pu accompagner Mike D (Mike Diamond), Ad-Rock (Adam Horovitz) et feu MCA (le musicien décédé d’un cancer en 2012) dans leur vie quotidienne pendant plusieurs années.
Le premier teaser ultra-efficace du documentaire Beastie Boys Story vient de sortir. Vous pouvez y voir les trois Mc de l’autel à leurs débuts, dans des sessions hip-hop improvisées et dans des clips. Mike D et Ad-Rock apparaissent alors plus âgés sur une immense scène de théâtre devant un public de fans.
« Bonjour à tous! Ce que nous allons faire ici, c’est que nous voyagerons loin, très loin dans le temps! », entend-on en arrière-plan. Quelque chose qui vous met l’eau à la bouche.
Le film sera disponible dans certaines salles IMAX à partir du 3 avril et sur Apple TV + à partir du 24 avril Les Beastie Boys ont développé une approche et un style qui va de quinze ans de punk rock animé au hip-hop, un style ouvert et particulié. Loin d’être des adolescents douteux, ils ont redéfini la jeunesse: une secte cool ouverte à tous et qui a entre 7 et 77 ans. La discographie des Beastie Boys est sans faille.
Beastie boys Story
Le début des Beastie boys
Hiver 1981: Un obscur groupe punk de New York enregistre une chanson forte à huit pistes pour un magasin de disques hardcore dans l’East Village de New York: le certificat de naissance en vinyle des Beastie Boys, Polly Woog Stew, une naissance époustouflante. Mars 1982: Le groupe, dont la composition est encore incertaine, troque ses singles hardcore contre le maxi rap de Sugarhill.
Adam Horovitz a ensuite accompagné Mike D., Adam Yauch et Kate Schellenbach à la batterie (maintenant avec Luscious Jackson) pour enregistrer le Single Cookie Puss, une farce téléphonique dans la cour de récréation qui lorgne ouvertement vers le hip-hop. À partir de là, « nous avons laissé tomber nos instruments et commencé à faire des MCs », explique Mike D. Encore une fois, nous prouvons que le punk mène à tout lorsque vous le quittez.
License to ill (Def Jam, 1986)
“Fight for your right to party / Your father was caught smoking ¬ he said « No way » / Now your mother threw » (fight for your rights). Concentré de manière particulièrement explosive sur la colère des jeunes, le premier album des Beastie Boys, précédé du tonnerre Maxi Rock Hard (1984), est le tout premier.
Insolent, provocateur et sexiste, des paroles bruyantes plutôt stridentes, associées à une collision sonore titanesque entre le heavy métal et les rythmes hip hop. Rick Rubin, co-fondateur du label Def Jam, qui a signé le trio Thug sous contrat, n’est pas étranger à cette effraction brutale de riffs de tartre dans le chaudron de rap Horovitz aujourd’hui.
Rick Rubin, l’architecte sonore du duo mémorable de Run DMC avec Aerosmith on Walk, a l’intention d’utiliser sa vision musicale élargie pour servir une approche entre deux clans qui est incompatible dès le départ, mais qui est similaire à bien des égards: les cheveux métalliques et que B-Boys.
Avec ce Licensed to Ill, le premier album de rap dans les charts américains, qui étonnera encore et encore douze ans plus tard, il connaîtra un brillant succès.
Avec un paradoxe, la batterie de John Bonham (Led Zeppelin) à l’ouverture. Au niveau de l’enregistrement, Adam Horovitz voulait rendre un hommage au Zeppelin sur New Style (« Si j’étais guitariste, je serais Jimmy Page »), Page ne l’entendra pas de cette oreille quand il découvrira son riff de The Ocean sur le disque. L’affaire est finalement réglée à l’amiable pour une dizaine de dollars.
Si un bon nombre de B-boys sont immédiatement conquis par ce feu contagieux, une partie de la jeune nation hip-hop fronce les sourcils face à ce rappeur blanc de blancs (juifs et aussi de bonnes familles) dont le succès écrasant leur rappelle le succès, la réappropriation opportuniste dont le jazz et le rock étaient déjà victimes.
Surtout, contrairement au « message » politique qui commence à émerger dans le hip-hop (l’émergence des groupes de rap les plus engagés, Public Enemy, n’aura lieu que l’année suivante), ces escrocs lubriques à l’humour d’écolier, qui n’ont apparemment d’autre souci que de revendiquer « le droit de faire la fête ».
C’est le début de l’aventure de l’un des groupes les plus importants de ces trente dernières années.
Le , Adam Yauch, âgé de 47 ans ,meurt après une bataille de trois ans contre le cancer. Le groupe décide de ne pas survivre à la perte d’Adam. Le , Mike D annonce la fin définitive du groupe : Nous ne sommes plus capables de tourner depuis que MCA, Adam Yauch, est mort […] nous ne pouvons pas faire de nouveaux morceaux.
beastie boys story
Membres des Beastie Boys
Anciens membres des Beastie boys
John Berry – guitare (1981–1982)
Mike D – chant, batterie (1981–2012)
Kate Schellenbach – batterie, percussions (1981–1984)
MCA – chant, basse (1981–2012)
Ad-Rock – chant, guitare (1982–2012)
Membres de tournée
DJ Double R – DJing (1984–1985)
Doctor Dré – DJing (1986)
DJ Hurricane – DJing (1986–1997)
Eric Bobo – percussions (1992–1996)
Money Mark (Mark Ramos-Nishita) – clavier, chant (1992–2012)
AWOL – batterie (1994–1995)
Alfredo Ortiz – batterie, percussions (1996–2012)
Mix Master Mike – DJing, platines, chœurs (1998–2012)
Discographie des Beastie Boys
1986 : Licensed to Ill
1989 : Paul’s Boutique
1992 : Check Your Head
1994 : Ill Communication
1996 : The In Sound From Way Out
1998 : Hello Nasty
2004 : To the 5 Boroughs
2007 : The Mix-Up
2011 : Hot Sauce Committee Part Two
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bonus : Interview du NY Times, Les Beastie Boys posent le micro et ramassent le stylo
Après la mort d’Adam Yauch, Michael Diamond et Adam Horovitz ont travaillé pour capturer l’esthétique et l’héritage du groupe révolutionnaire sur la page. Voici comment ils l’ont fait.
Michael Diamond (Mike D) des Beastie Boys (à gauche) et Adam Horovitz (Ad-Rock) ont tenté de définir leur propre héritage dans leur «Beastie Boys Book».Crédit…Brad Ogbonna pour le New York Times
L’histoire commence – ou peut-être se termine – avec trois gars au début de la cinquantaine qui traînent dans un bel après-midi de fin d’été, buvant du café glacé et parlant de combien ils aiment le Clash, et à quel point c’est étrange que l’hôtel encombré de célébrités où ils Être assis est juste en haut du bloc de là où CBGB était à l’époque. Des trucs de papa.
Deux des papas, cependant, sont les membres survivants des Beastie Boys: Adam Horovitz, avec des cheveux gris surélevés et un T-shirt blanc avec un léger graffito sur le devant; et Michael Diamond, vêtu d’un bouton rouge vif, ses cheveux toujours sombres, son visage froissé et bronzé après des années de vie dans le sud de la Californie. Ad-Rock et Mike D, en d’autres termes.
Le troisième Beastie, Adam Yauch – MCA, la conscience, le chaman et l’épine dorsale intellectuelle du groupe – est décédé en 2012 après une bataille de trois ans contre le cancer des glandes salivaires. Son absence, six ans plus tard, est un fait palpable dans la salle. Son nom revient souvent dans la conversation, comme dans le nouveau livre qu’Horovitz et Diamond ont écrit.
Appelé «Beastie Boys Book» (bien que la page de couverture puisse vous faire croire que le véritable titre est «PIZZA»), c’est un butoir de 571 pages et une pierre tombale, un recueil d’anecdotes, de recettes, de riffs espiègles et d’histoires de chiens hirsutes et une élégie sincère à un ami très regretté.
Le volume, plein de photographies et de bandes dessinées anciennes, avec une multitude de polices et de mises en page, est un summa non musical de l’esthétique Beastie.
Histoire personnelle, folklore des bus de tournée, geek de studio et drame générationnel qui convoque une liste impressionnante de témoins, y compris les écrivains Jonathan Lethem, Ada Calhoun et Colson Whitehead, la comédienne / actrice Amy Poehler et divers collègues musiciens.
Certains comptes sont réglés, du bœuf est écrasé, et sans aucun doute, certaines affaires laides sont aérographiées ou sautées. Un mauvais comportement est reconnu; La bonne foi des alliées féministes est maintenue. Puisqu’il n’y aura plus de nouvelle musique de Beastie Boys, cet album aidera à consolider un héritage tentaculaire et compliqué.
La construction de monuments n’est pas quelque chose que vous attendez nécessairement des Beasties, qui ont construit leur carrière par irrévérence, sournoiserie et cool discret. Au début, au début des années 1980, le nom était un acronyme pour Boys Entering Anarchistic States Toward Internal Excellence, écrit Diamond, et la programmation comprenait une fille, Kate Schellenbach.
Le groupe est passé du hardcore au hip-hop lorsque le rap ressemblait plus à une mode qu’à une force dominante de la culture pop. Ils étaient puérils et profanes puis, d’une manière ou d’une autre, dans les années 90, des musiciens sérieux avec quelque chose à dire et des innovations surprenantes à apporter. Yauch était une bouddhiste et une féministe affirmée.
Leur vidéo « Sabotage » de 1994 , réalisé par Spike Jonze, était un jetable rétro loufoque qui a contribué à transformer le genre.
Les beastie boys ont pratiqué l’extension de marque multiplateforme avant que ces mots horribles ne deviennent une monnaie culturelle. Ils étaient conscients de la mode, de la nourriture et du graphisme, ils ont trouvé de l’art et de vieux «médias physiques» étranges au moment où le genre numérique commençait à les balayer.
«J’écoute de la cire / je n’utilise pas le CD», se vantait Mike D dans «Sure Shot» en 1994, anticipant la reconquête millénaire de la suprématie du vinyle d’une décennie ou plus.
À peu près au même moment, ils ont lancé un magazine appelé Grand Royal qui était aussi une sorte de label de disques et aussi une sorte de magasin de consommation de style de vie et aussi une sorte de club-house où l’on pouvait se sentir à la fois comme un noob et un savant.
C’était comme un site Web, mais sur papier. Idiot et à faire soi-même, il avait le sens désarmant, improvisé et ressemblant à ce que j’ai trouvé, de l’intégrité artistique qui est au cœur de l’héritage de Beastie.
Cet héritage entre les couvertures rigides ne ressemble pas beaucoup à un mémoire de rock star standard. À la manière d’apt Gen X, c’est plus drôle et plus modeste que les best-sellers des héros musicaux des baby-boomers. Nous en avons parlé tous les trois et de bien d’autres choses. Ce sont des extraits édités de la conversation.
Alors, comment est né le livre?
MICHAEL DIAMOND des beastie boys : C’est mieux que de nous faire tenter une comédie musicale à Broadway, je pense.
ADAM HOROVITZ Whoa.
DIAMOND des beastie boys : Yauch, quand nous étions enfants, il adorait «The Kids Are Alright», le documentaire Who. C’était comme une obsession.
Et donc il était intéressé, lorsque nous travaillions sur «Hot Sauce Committee» ou même un peu avant cela, à rassembler des documents d’archives dans un projet de type documentaire. Ensuite, il a été question de quelqu’un qui ferait un livre sur le groupe, alors nous étions en quelque sorte comme, nous devrions nous rassembler et le faire.
Puis Yauch est mort et nous étions trop tristes et ce n’était certainement pas le moment pour nous d’y toucher. Et puis nous y sommes retournés et cela a traversé différentes manifestations. Nous avons commencé avec l’idée d’amener les gens qui étaient autour du groupe et nos amis et personnes impliquées à différents moments à raconter l’histoire.
Qu’est-ce que vous vouliez le plus que ce ne soit pas?
DIAMANT des beastie boys : Nous ne voulions certainement pas que ce soit comme une autobiographie rock typique. «Je suis monté dans le bus un jour et il y avait un garçon qui jouait de la guitare et il s’est avéré qu’il s’agissait de John Lennon.
HOROVITZ des beastie boys : Bien que ce serait génial – dans une histoire sur les Beastie Boys. Nous ne voulions pas faire le truc où ces autobiographies sont comme un tas de trucs, puis quelques photos, et plus de trucs, et plus de photos.
DIAMANT des beastie boys : Voici 20 pages de nous quand nous grandissions. Voici 20 pages quand nous devenons célèbres. Voici 20 pages quand nous sommes célèbres et voici 20 pages après que nous ne pouvions pas nous supporter et maintenant j’ai écrit toutes ces choses diffamatoires sur les gars avec qui j’étais dans le groupe.
HOROVITZ des beastie boys : En 2018, vous pouvez simplement Google tout cela et écrire votre propre livre. Nous ne voulions pas non plus avoir d’histoires sur des choses vraiment personnelles, ou des trucs scandaleux ou [jurons] qui ne sont l’affaire de personne.
Y a-t-il des endroits où vous vous souvenez des choses différemment?
HOROVITZ des beastie boys : Non. C’était plutôt: Est-ce que l’un de nous se souvient?
DIAMANT des beastie boys : Nous avons tous deux été étonnés de voir à quel point nous nous souvenons peu.
Eh bien, cela fait longtemps.
DIAMANT des beastie boys : Surtout parce que c’était important de vivre le moment fou de notre adolescence. Parce que c’était si formateur et à cause de l’époque où c’était à New York .
Comment vous souvenez-vous de cela maintenant – de la musique que vous avez écoutée et qu’est-ce qui vous a donné l’idée que c’était quelque chose que vous pouviez faire?
HOROVITZ des beastie boys : Nous avions environ 15 ans, et nous allions voir des groupes, et beaucoup de groupes étaient comme des groupes punk hardcore. J’avais une guitare, et je connaissais quelques accords, et tu as réalisé que tu pouvais jouer cette chanson des Ramones, et c’est comme, Jésus, chaque chanson des Ramones est juste ça? Je pourrais faire ça.
La seule musique accessible que nous pourrions faire serait le hard-core. Même le punk semblait sophistiqué.
DIAMANT des beastie boys : Le point d’entrée était là. Avant cela, de grands groupes de rock étaient sur scène et c’était inaccessible. Mais si vous alliez dans un club comme A7, tout le club avait peut-être la taille de cette chambre d’hôtel, et il y avait littéralement un canapé comme ce canapé sur le côté de la scène.
La barrière entre le public et le groupe n’existait pas vraiment, et la plupart des gens du public étaient dans des groupes. Une autre chose intéressante qui se passait lorsque nous avons commencé à sortir dans des clubs à l’adolescence – que ce soit Mudd Club , Danceteria ou ailleurs – était cette culture de tout le monde faisant quelque chose.
S’ils ne faisaient pas partie d’un groupe, ils essayaient de vous vendre leur petit fanzine de poésie ou de devenir le prochain artiste visuel. Tout le monde avait un peu de créativité.
DIAMOND des beastie boys : Au début, nous étions un groupe hard-core comme tout le monde. Sauf que peut-être que nous avions le sens de l’humour à ce sujet.
HOROVITZ des beastie boys : Et puis nous avons commencé à rapper. Nous étions comme les rappeurs du centre-ville. Il n’y avait personne d’autre qui frappait au centre-ville. Droite? Le pont était que nous avons rencontré Rick Rubin . Nous allions tous dans les mêmes clubs mais il était un peu plus âgé et il avait une boîte à rythmes.
DIAMANT des beastie boys : Et nous avons en quelque sorte atteint un moment d’épuisement avec le hardcore. Le rap 12 pouces a commencé à sortir, et cela semblait être une chose vraiment excitante. «Sucker MC’s» [de Run-DMC] était vraiment le disque qui a tout brisé, c’était ce dépouillé, minimal… voilà ce que le rap allait être.
HOROVITZ des beastie boys : Cette époque du rap était vraiment punk pour une raison quelconque. Quelque chose était connectable dans la mesure où nous voulions faire des disques de rap, en plus d’aimer les disques de rap.
DIAMANT des beastie boys : Ou peut-être que nous étions tellement naïfs et que nous n’avions aucun adulte responsable autour de vous pour dire: «À quoi pensez-vous les gars?»
Étiez-vous un peu gêné d’être des enfants blancs travaillant dans l’idiome du rap?
HOROVITZ des beastie boys : Eh bien, nous venions du centre-ville, donc nous frappions à Danceteria, dans ces clubs blancs du centre-ville, vraiment. Personne au centre-ville ne rappait. Personne que nous connaissions ne rappait. Donc nous étions comme, nous devrions le faire. On ne s’en moquait pas, on adorait ça et on voulait en faire partie.
Au bout d’une minute, nous avons eu des costumes Puma assortis, et nous portions des chiffons, et nous avons joué dans ce club du Queens appelé Encore, et tout le monde se moque de nous. Ils ont allumé les lumières fluorescentes quand nous sommes arrivés à faire nos deux chansons d’ouverture pour Kurtis Blow, et nous étions comme, mec, nous avons l’air stupides.
DIAMOND des beastie boys : Nous nous sommes tous sentis comme [juron] après ce concert. Mais nous étions toujours déterminés à faire du rap car c’est ce que nous aimions faire. Nous avons en quelque sorte réalisé que nous devions être notre propre version.
Beaucoup d’enfants grandissent maintenant dans un monde créé par Beastie, où la musique, les baskets, les vêtements, la nourriture, une grande partie de ce qu’ils consomment sont connectés et inter-marques. Et vous avez été des pionniers dans ce genre de choses. Comment cela est-il né de la musique?
DIAMOND des beastie boys : C’était la grande leçon du punk et du hardcore. Que vous puissiez publier quoi que ce soit. Pour jouer à des concerts, vous voliez l’accès à une machine Xerox et fabriquiez des dépliants.
HOROVITZ des beastie boys : Punks n’engage pas de personnes pour faire la couverture de leur disque. Les punks font tout eux-mêmes. C’est ça le vrai punk – le faire soi-même et bâtir une communauté où les gens partagent des idées et partagent leur créativité.
J’ai l’impression que nous avons toujours essayé d’y revenir. Grand Royal a commencé parce que nous étions sur la tournée Lollapalooza et nous voulions envoyer ce message aux gens que le Mosh Pit est ringard.
Arrêter de faire ça. MTV l’a ruiné, et c’est dangereux, et les filles sont blessées. Donc Mike avait conçu tout ça et nous l’avons fait passer à Lollapalooza et ensuite nous nous sommes dit, faisons juste un fanzine et sortons-le.
Et puis il est simplement passé au niveau suivant. Nous avons eu de la chance d’avoir de l’argent.
DIAMANT des beastie boys : Et que nous avons eu le public. Le fait que nous ayons eu un public plus large pour ces choses que nous avons faites est encore un petit miracle pour moi.
Quand je pense à vous les gars, je pense à deux moments. Le premier, le début et le milieu des années 80, dont nous parlions.
Mais il y a aussi le début et le milieu des années 90, une décennie plus tard, quand il y a une floraison créative dans le hip-hop et le moment indie-rock. D’une manière ou d’une autre, vous étiez dans ces deux endroits. Comment pensez-vous y être arrivé?
HOROVITZ des beastie boys : Eh bien, cela revient probablement à aimer le Clash. Ils avaient des chansons punk-rock, des chansons reggae et des chansons mélodiques, et ils ont juste suivi ce qu’ils voulaient faire, non?
DIAMOND des beastie boys : Il ne nous est jamais venu à l’esprit de ne pas faire de musique qui incluait quelque influence que ce soit.
Heureusement, nous avons pu faire des disques sur une bonne période de temps, car vous n’allez pas tout découvrir à la fois. La réalité que nous pourrions être joués sur «Yo! MTV Raps »à côté de« 120 Minutes »- je suppose que c’est là que MTV était à l’époque.
Même s’ils présentaient de la musique rap et de la musique alternative, ils les présentaient de manière séparée. Nous essayions de tout mettre ensemble, et en quelque sorte nous étions l’enfant étrange dont les vidéos pouvaient jouer sur les deux.
Une chose qui était certainement vraie des premiers Beastie Boys était la personnalité ludique et odieuse. Il y avait le pénis gonflable sur scène à vos spectacles.
HOROVITZ des beastie boys : Hydraulique. C’était un pénis hydraulique.
Et déjà, il y a probablement 20 ans, vous vous êtes éloigné de certains des aspects les plus offensants de cela. En ce moment, à travers la culture, il y a beaucoup de comptes en cours sur la misogynie et l’homophobie, passées et présentes, et je me demande si cela est revenu à nouveau en travaillant sur le livre?
DIAMANT des beastie boys : Nous avons tous, en grandissant, soit eu l’expérience de nous comporter mal, soit de faire un mauvais travail de la façon dont nous traitions les autres dans n’importe quel type de relation. Pour nous, bien sûr, une grande partie de cela était dans le personnage public que nous avons créé.
C’était quelque chose d’inspirant dans le livre, c’était l’occasion de s’ouvrir et de se plonger dedans et de pouvoir dire: «Nous étions [jurons]. Nous aurions vraiment pu mieux gérer cela. Mais peut-être que nous devions être [jurons] pour apprendre notre leçon.
HOROVITZ des beastie boys : Je veux dire que vous ne pouvez pas ne pas en parler. C’est une grande partie de notre histoire pour nous.
Parce que pendant longtemps nous n’avons pas joué «Fight for Your Right to Party», nous n’avons joué aucune de ces chansons. «Licensed to Ill» était comme un rhume, et nous avons pris tellement de vitamine C que nous n’aurions plus jamais eu ce rhume.
Mais ensuite on s’est rendu compte que l’on peut séparer le bien du mal, que ce n’est pas tout, quelle est l’expression, coupée et séchée?
DIAMANT des beastie boys : Cela ne semblait plus binaire.
HOROVITZ des beastie boys : Oh maintenant, nous utilisons des mots fantaisistes.
DIAMANT des beastie boys : Ce qui a ouvert la porte, ce sont les paroles de Yauch à la fin des années 90 sur «Sure Shot» sur «le manque de respect des femmes doit être passé».
Au fur et à mesure que nous avons évolué pour avoir cette voix, nous pourrions être à l’aise de revenir en arrière et de jouer l’une de ces chansons, en disant maintenant que nous sommes suffisamment clairement établis comme autre chose pour pouvoir jouer cette musique sans le devenir.
Il y a quelque chose de doux-amer dans ce livre, à cause de la mort de Yauch.
HOROVITZ des beastie boys : C’est [juron] triste. Il n’y a aucun moyen de le contourner. Comment êtes-vous censé terminer ce livre? Moi et Mike assis ici? Moi et Mike allons au cinéma? Il y a tellement de films Dwayne «The Rock» Johnson que nous n’avons pas encore vus.
DIAMANT des beastie boys : Ce qu’il y avait de gentil à ce sujet, c’était de pouvoir revenir en arrière et d’exploiter ces histoires dont il était au-delà de tout. C’était une chose gratifiante, quelque chose qui nous manque chaque jour.
Je ne sais pas comment nous pourrions faire cela avec un degré d’honnêteté sans avoir cette tristesse et cette perte.
HOROVITZ des beastie boys : Il n’y a pas moyen de contourner cela. Il est le groupe.
Mass Hysteria l’armée des ombres est le 7e album studio de Mass Hysteria, groupe de métal français.L’armée des ombres est sorti le 27 août 2012. Je me suis occupé sur cet album de l’artwork, des photos presse ainsi que de toute la communication.
L’armée des ombres est le premier album avec Vincent Mercier à la basse, remplaçant Stéphan Jacquet « Titou », ainsi que le dernier avec Nicolas Sarrouy à la guitare. L’ancien guitariste du groupe Olivier Coursier, aujourd’hui dans AaRON s’est occupé des samples de l’album.
Mass Hysteria a 18 ans, une majorité que le cours des années ne dément pas. L’âge de l’émancipation, l’âge auquel rien n’est impossible.
Où nous voyons la liberté, où nous rêvons. Combattant la mode, les périodes sombres, un amour sans faille pour la musique et pour cette alchimie indescriptible entre le groupe et le public. Fort de son expérience et des années passées, Mass Hysteria ne fait plus attention aux détails, et distille aujourd’hui une recette unique en France, faisant fi des détails pour ne conserver que le nécessaire.
Trois ans après « Failles » MASS HYSTERIA change de label, bassiste et adopte le côté sombre de l’album, dont la pochette annonce la couleur: sombre.
Il n’y a plus d’humeurs révolutionnaires festives des albums précédents, le monde a changé, de même MASS et « l’armée des ombres » ne sont rien d’autre qu’un bataillon de survivants face au système actuel qui envisage la destruction de l’homme lui-même.
Oui, pas joyeux, joyeux, mais c’est l’atmosphère qui sort du battage médiatique, il suffit de regarder l’artwork dérangeant pour le remarquer. Même « Positive A Bloc » avec son titre optimiste n’est pas pour là pour calmer l’ambiance.
C’est juste une bombe en introduction à cet album. Un de ces morceaux qui vous frappe sans le voir venir, et annonce la couleur et montre que le groupe n’est pas venu là pour faire de la figuration.
Mass Hysteria l’armée des ombres en tournée
Les samples nous permettent de comprendre que cette chanson est une machine qui écrase tout sur son passage, des guitares grasses et lourdes accompagnent la batterie et sa double grosse caisse sur la quasi-totalité du titre. Le son est très dense, presque étouffant, avec le goût de l’Indus, ce qui n’est pas désagréable.
C’est une recette magique qui déroule sur l’ensemble de l’album. Cela dit, on pourrait penser que « L’Armée des Ombres » n’est qu’un régiment en marche, que le CD est une frontière très linéaire et ennuyeuse. Eh bien, si vous l’écoutez de manière substantielle, oui. Mais l’ambiance est ce que le groupe impose donne toute sa subtilité à l’album.
En effet, les échantillons électros et les sons occupent une grande place dans les chansons, ajoutant à l’atmosphère dure créée par les instruments, des climats différents pour augmenter la pression, comme dans « Commedia Dell » Inferno.
MASS sait aussi surprendre l’auditeur avec le titre « Même si j’explose », son intro sur le clavier et le refrain sont forts et engageants, et dégagent une atmosphère post-apocalyptique dérangeante, mais terriblement excitante.
Aussi dur, sérieux et puissant que l’armée de l’ombre, vous partez bien éveillé et bien ancré dans la réalité économique de plus en plus difficile. Cette fois, Mouss ne porte plus de gants, car ses paroles n’ont jamais été aussi directes. Ils témoignent de son anxiété, de sa profonde préoccupation pour ce monde et de la chute actuelle.
On ne rit plus, l’état d’urgence est annoncé et l’Armée fantôme revient sur scène. Cette nouvelle chanson est la chanson la plus métal, la plus dure et la plus compacte que Mass Hysteria nous ait jamais offerte. Sur cet album, il y a l’occasion de présenter le nouveau bassiste Vince Mercier, qui remplace le symbolique Titou parti l’an dernier.
Le changement s’est opéré avec style avec une basse ronde et éclatante, comme dans « L’homme sans tête ». Mass Hysteria l’armée des ombres est encore plus réussi que Failles, car les titres qui composent cet album sont plus intenses. Au final, on ne voit qu’une chose, le résultat est impressionnant. L’armée des ombres réussit, car en perdant un peu d’insouciance, Mass Hysteria a gagné en efficacité.
Mass Hysteria l’armée des ombres : Le making of
Mass Hysteria l’armée des ombres : Teaser Basse
Mass Hysteria l’armée des ombres : le Teaser
Mass Hysteria l’armée des ombres : Teaser de l’album
Mass Hysteria l’armée des ombres : l’interview
Il semble que Mass Hysteria ait parcouru un long chemin entre un album noir, plus introspectif et personnel, et l’armée des ombres, qui apparaît presque comme un « cri du peuple ». Le rock’n roll doit-il être positionné comme un art de la résistance, dans le contexte actuel ?
Raphaël: Sans faire partie de l’approche punk, le rock’n roll doit redevenir « dangereux ».
Yann: J’écoute et j’aime certaines choses dans le rock d’aujourd’hui, mais je pense aussi que c’est un peu trop propre. Ce qui est actuellement un succès, comme Black Keys, est peut-être trop intelligent, même si la musique est très bien structurée et que le groupe est excellent au concert.
La page « image » est importante, mais elle semble prendre trop de place. En général, je pense qu’il y a un manque de rébellion dans la scène actuelle, une certaine rébellion. Peut-être faut-il qu’un groupe américain émerge en tête du discours pour faire repartir le rock français dans cet esprit. Lorsque Rage Against The Machine est apparu au début des années 90, ils ont profondément changé le paysage musical.
La scène américaine doit-elle être le moteur des artistes français?
Raphaël: Personnellement, je ne suis pas influencé par la scène française. Trust, Bérurier Noir et Lofofora m’ont alors fait forte impression. Ce qui se fait aujourd’hui ne m’intéresse pas vraiment. Cependant, il existe de très bons groupes qui offrent une musique extrêmement forte.
Yann: Il ne s’agit pas de critique, je pense que la musique d’aujourd’hui répond aux exigences du système. Si une grosse locomotive américaine atterrit en France, elle sera suivie par une foule de groupes français.
Cela s’est produit avec la vague de Korn et Deftones. Mass Hysteria a grandement profité de l’explosion de la scène américaine. Le métal existe, le succès du Hellfest est d’en témoigner, mais il se développe en «sous-marin». Aucun média ne veut supporter ce genre, nous sommes fermés plus que toute autre chose.
Raphaël: D’un autre côté, si un gars a l’intention de détruire des tombes et de porter un t-shirt Slayer, les magazines feront la une avec cette anecdote. Il est difficile de développer ce genre de musique en France. Le genre est malheureusement ultra-stéréotypé et pour beaucoup ce n’est rien d’autre que du bruit. C’est toujours une musique complexe qui nécessite une certaine technique et beaucoup d’efforts.
Mass Hysteria est de retour avec un nouvel album, L’Armée des Ombres. Le groupe propose ici un disque plus sombre et plus impliqué, idéalement adapté à l’époque par rapport au message. Comment avez-vous abordé ce septième album : Mass Hysteria l’armée des ombres ?
Yann: Les graphismes de cet album sont très sombres et je pense que cela donne le côté sombre de l’album. Les compositions sont plus « métal » et nettes, mais en termes de paroles l’armée des ombres s’inscrit parfaitement dans la continuité de son prédécesseur. Les textes sont cependant très réalistes et directs par rapport au monde actuel. Je pense que les graphiques peuvent avoir un petit impact sur le contenu de cet enregistrement.
Raphaël: « World on Fire » sur Failles était déjà une chanson engagée, comme « Babylon » sur Une Somme de Détail. Malgré cela, l’armée fantôme a prononcé un discours encourageant et Mouss a d’abord utilisé son slogan « Positif à bloc ».
Yann: Mass vieillit également. Les temps changent et pas nécessairement dans le bon sens. Après tout, nous essayons d’être positifs sur un monde qui devient un peu barbare.
Vous avez changé le bassiste avec le départ de Stéphane, qui était là depuis le début. Comment vous êtes-vous retrouvé dans cette situation et comment avez-vous intégré votre ami Vincent?
Yann Heurtaux: Je ne veux pas m’étendre sur le pourquoi, mais Stephan est parti…, tout ce que je peux dire, c’est que c’était difficile pour les deux côtés. Ensuite, le choix a été fait rapidement: nous ne voulions pas quelqu’un que nous ne connaissions pas, alors nous avons regardé autour et il y avait Vince. Il a passé du temps dans les mêmes bars et nous avons passé de nombreuses soirées ensemble, nous sommes amis depuis longtemps.
Au niveau de la guitare, nous ressentons des influences plus diverses, à la fois plus lourdes et plus repliées si nécessaire. Comment décririez-vous le travail des guitares ?
Yann : Nous avons vraiment pris la tête du son. Il fallait ensuite équilibrer le moment où les machines devaient être présentes et le moment où les guitares devaient prendre le contrôle: le mix était très important, c’est pourquoi nous travaillons avec Fred Duquesne, il nous connaît, je lui fais confiance!
Selon vous, qu’est-ce qui a le plus contribué à ces nouvelles compositions par rapport à ce que vous avez réussi à écrire sur Failles ?
Raphaël: Mass Hysteria l’armée des ombres est plus compact, vous pouvez l’écouter en même temps. A la fin de Failles, je pense qu’il y a deux ou trois titres moins forts. L’armée passe d’elle-même sans se désagréger.
Le disque a une meilleure structure. Mass Hysteria l’armée des ombres est en fait relativement monolithique. Un titre comme « Raison close » impose cependant un tempo moyen plus fort et est enregistré comme un souffle « léger » au milieu de compositions très « métal » …
Yann: le titre se distingue par son ambiance et son rythme. J’adore les paroles de Mouss, il a abordé la chanson un peu différemment. J’aime cette chanson, mais nous ne la jouerons probablement pas, elle scellera l’ensemble, qui est plus axé sur les chansons fortes.
Raphaël: Parmi les chansons « lentes » que nous avons composées, « Raison close » est probablement ma préférée. Mais ce n’est pas vraiment un titre live. C’est génial sur l’album, mais c’est une chanson que vous pouvez écouter dans les deux.
Tous les groupes ont les leurs, à commencer par AC / DC avec « Touch Too Much ». Deux compositions sont également réservées uniquement à la sortie de Digipak, dont le très bon « Soyez vous-même » …
Yann: C’est une combinaison de circonstances. Nous avons fourni notre liste de chansons, et la maison de disques a décidé de faire exploser deux chansons dans la version standard pour réserver une édition limitée. Pour être honnêtes, nous pourrions choisir d’autres opportunités potentielles. Tout s’est passé rapidement, l’ordre de mastering n’a pas pu être modifié.
Mass Hysteria a signé un nouveau label, et comme Failles avait déjà trois ans, nous ne voulions pas perdre de temps inutilement. Vous devez également répondre aux exigences de planification. Cependant, il a été pensé bien à l’avance, nous avons consacré le temps nécessaire à l’écriture.
Raphaël: L’actualité de Mass Hysteria a été particulièrement chargée ces dernières années, notamment en matière de concerts. Nous avons également préparé notre premier DVD live. Nous avons attaqué des compos pour l’armée fin 2011. Nous sommes également à une époque où nous ne pouvons pas nous permettre d’oublier.
Pour De Cercle en Cercle et l’album noir, nous avions composé pendant de longs mois, même si ce n’était pas vraiment volontaire. Aujourd’hui, nous n’avons plus ce luxe, nous devons rapidement revenir au premier plan.
Mass Hysteria L’Armée des ombres reste particulièrement cohérente avec les Failles et Une somme de détails. Le tout peut être écouté comme un bloc ou une trilogie …
Yann: Bien sûr. L’unité résulte également du fait que la trilogie a été produite par Fred Duquesne. Compte tenu du travail qu’il a réalisé sur l’armée des ombres, il est difficile pour cette collaboration d’aller au-delà de ces trois albums.
Dès le premier album, la « touche » de Mass Hysteria était sa capacité à combiner la puissance des guitares avec le côté dance des samples électroniques. Après le départ d’Olivier Coursier, personne n’a repris cette fonction dans le groupe.
Comment avez-vous abordé Mass Hysteria l’armée des ombres ?
Yann: Olivier s’est occupé des appareils de ce nouvel album. Nous avions de très bonnes relations avec lui. Sur Failles, Julien a occupé un poste temporaire. C’est quelqu’un qui a travaillé avec Sinclair. Pour Mass Hysteria l’armée des ombres l’armée des ombres, nous ne savions pas vraiment qui appeler. Nous avons bien sûr frappé à la porte d’Olivier. Son travail est vraiment très bon, il a sublimé les chansons.
Le titre de L’Armée des Ombres fait-il référence au roman de Kessel ?
Bien sûr ! C’est le nom de la résistance des hommes et des femmes pour moi et nos vrais héros. Ce film est exceptionnel avec Lino Ventura! La résistance est le sujet qui nous fascine. La chanson de L’esprit Du Temps leur rend hommage, elle cite deux grands héros, Edgar Morin et Stéphane Hessel, et je recommande fortement la lecture de leurs œuvres.
En tant qu’ancien membre, qu’a-t-il pensé de ce dernier album ?
Il a vraiment aimé cet album. Bien qu’il joue dans AaRON, Olivier écoute toujours du métal. Il suit de près Mass Hysteria. Je sais qu’il aime nos derniers albums et pense que Mass Hysteria l’armée des ombres est l’une de nos meilleures œuvres.
Raphaël: Parmi nos proches, beaucoup de gens semblent avoir la même opinion. Nous avons de vieux fans qui reviennent maintenant sur la musique du groupe.
Yann: L’évolution s’est déroulée progressivement. Mass Hysteria est née d’une somme des détails. Bien que j’adore l’album noir, les gens l’ont mal compris, principalement parce que nous avons fait de mauvais choix en matière de production. J’ai du mal à écouter cet album, mais j’adore ces chansons.
A cette époque, nous avions déjà contacté Fred Duquesne, je regrette toujours de ne pas avoir pu concrétiser cette coopération. Il fallait ramener les fans à la maison. Nous avons vraiment travaillé le son avec Fred. Le public répond de plus en plus, en une semaine nous avons vendu mille disques de plus que Failles sur la même période. Au regard de l’état de l’industrie musicale actuellement, c’est vraiment positif.
Au début de sa carrière, Mass Hysteria aborde la fusion des styles, transplantant des samples dans une musique plutôt rock. Quelle est votre opinion sur les expériences avec le métal et le dubstep qui semblent se multiplier depuis un certain temps?
Yann: J’ai été frappé par la première chanson de Korn, « Get Up! » … Le Dubstep existe depuis des années, mais aujourd’hui il apparaît partout.
Ce mélange crée une musique ultra efficace, notamment grâce au côté fort du rock’n’roll. Personnellement, je trouve ce style de musique assez intéressant, même s’il a tendance à tourner en rond . Rien ne vaut les bons vieux classiques électros. J’ai récemment assisté au concert de Chemicals Brothers, c’était tellement puissant.
Mais Skrillex Zenith était également énorme.
Lizzo a inspiré les pages du numéro de février de Rolling Stone avec une belle série de photos par David LaChapelle. Le photographe et artiste hawaïen a fait ses armes pour le magazine d’interview d’Andy Warhol dans les années 1980 et est depuis devenu une figure importante du monde de l’art pour ses séances de photo hardcore qui apparaissent dans Rolling Stone et d’autres revues nationales du passé.
Les œuvres colorées et remarquables de David LaChapelle sont inspirées de l’iconographie religieuse, du surréalisme et de l’apocalypse. Lorsqu’ils sont lus le plus cyniquement, ils peuvent mettre en évidence les éléments les plus intrépides de leurs sujets célèbres. Mais David LaChapelle est rarement cynique à propos de qui il photographie, et il pense que ce CD combine spécifiquement les aspects « amusants et sains » de son travail avec Lizzo.
En fait, le directeur créatif de la chanteuseLizzo, Quinn Wilson, a déclaré que l’équipe avait reçu les premiers exemples du style et de l’inspiration uniques du photographe. « Je pense que sur le plan esthétique et élargi, j’ai toujours regardé DavidLaChapelle« , a déclaré Wilson à Rolling Stone sur le tournage de la couverture de Lizzo à Los Angeles.
Pendant l’un des plans, j’ai commencé à halluciner parce que c’est tellement incroyable que j’ai travaillé d’une manière ou d’une autre – même si c’est juste un peu de couleur ou juste un peu d’influence de sa part qui a été tourné dans notre travail nous en voyons maintenant le véritable créateur ensemble. Avec elle. Elle est devant son objectif. C’est un moment où je me dis: « Nous avons fait notre travail, nous l’avons bien fait. »
Wilson a ajouté que la chanteuse Lizzo avait probablement mis quelque chose dans la tête de David LaChapelle: « Il n’a besoin d’aucune action », a-t-elle déclaré le matin. Depuis que David LaChapelle a déménagé vers Los Angeles depuis son île il y a environ 14 ans, il s’est éloigné de la photographie de célébrités et s’est concentré sur les films d’art et de danse . Il est apparu en 2018 avec des images surréalistes et souvent risquées de Tupac Shakur, David Bowie, Whitney Houston et Keith Richards. Kanye West, Miley Miley Cyrus et bien d’autres.
La photo de Lizzo réalisée par David LaChapelle photographe en couverture de Rolling Stone
David LaChapelle avec Rolling Stone a récemment parlé, depuis sa maison à Maui, de travailler avec la chanteuseLizzo pour faire une premiere couverture. Qu’est-ce qui vous a amené à Lizzo en premier et vous a permis de travailler ensemble ? « Un ami a joué une chanson d’elle; Je suis ici à Hawaï, donc je suis un peu déconnecté. J’écoute Stevie Wonder. De temps en temps, il y a une chanson qui vous éblouit et nous shootons ici avec mon ami: « Je fais ma coiffure. Regarde mes ongles Bébé, comment vas-tu? Je me sens bien. » Je veux dire que c’est la chanson de joie qui n’est jamais sortie.
C’est tellement joyeux et plein de lumière et nous avons tous dansé et juste soufflé les haut-parleurs dans la jungle. Tellement merveilleux. Je l’ai aimée, puis je l’ai oubliée. Et puis j’ai regardé quelque chose sur YouTube et je pense que mes algorithmes sont similaires … J’aime Chaka et Aretha, alors ils ont posté une vidéo d’elle. Et j’ai pensé, attends, c’est cette fille !
Elle fait son truc, chante et bouge, puis joue de la flûte, et je me suis dit: que se passe-t-il?
Chaque fois que quelqu’un peut jouer d’un instrument, c’est juste magique pour moi. C’est comme la fille de la classe assise à l’arrière. C’est la fille que j’ai forcée à être ma meilleure amie au lycée. Elle a juste pleuré sur cette flûte et j’ai pensé: « OK, ça doit arriver. Je veux la prendre en photo. » Et c’était tout.
David LaChapelle photographe
David LaChapelle photographe
David Lachapelle photographe
David LaChapelle photographe
David Lachapelle photographe – David Lachapelle photographe
Bonus: David LaChapelle photographe explique son inspiration pour le tournage de la couverture de Lizzo ‘Rolling Stone’
La « musique de Lizzo est une sorte d’évasion et de joie, et j’étais vraiment attirée par elle pour cette joie qu’elle a. C’est le genre de fille vers qui j’aurais gravité au lycée R…
Lizzo orne les pages du numéro de février 2020 de Rolling Stone avec une magnifique série de photographies de David LaChapelle.
Le photographe et artiste basé à Hawaï a fait ses premières armes en travaillant pour le magazine Andy Warhol’s Interview dans les années 1980, et est depuis devenu une figure majeure du monde de l’art pour ses séances photo de célébrités non traditionnelles, apparaissant dans Rolling Stone et d’autres magazines nationaux pour les trois dernières décennies. Les œuvres colorées et saisissantes de LaChapelle s’inspirent de l’iconographie religieuse, du surréalisme et de l’apocalypse.
S’ils sont lus de la manière la plus cynique, ils peuvent mettre en évidence les éléments les moins recommandables de leurs sujets célèbres. Mais LaChapelle est rarement cynique à propos de qui il photographie, et il dit que ce tournage en particulier visait à fusionner les aspects « amusants et sains » de son travail avec la personnalité de Lizzo.
En fait, la directrice créative de Lizzo, Quinn Wilson, a déclaré que pour les premiers exemples de style et d’art unique de la pop star, son équipe s’était inspirée du photographe. « Je pense que d’un point de vue esthétique et de référence, j’ai toujours regardé vers David LaChapelle », a déclaré Wilson à Rolling Stone sur le tournage de la couverture de Lizzo à Los Angeles.
« Pendant l’un des tournages, j’ai commencé à pleurer, parce que c’est tellement incroyable d’avoir fait du travail d’une manière ou d’une autre – même si c’est juste, comme, une petite touche de couleur, ou juste une toute petite influence de lui qui est incluse dans notre travail – nous voyons maintenant le véritable créateur de cela avec elle.
Elle est devant son objectif. C’est un moment où je me dis: « Nous avons fait notre travail, nous avons bien fait notre travail. » Wilson a ajouté que Lizzo a dû déclencher quelque chose à LaChapelle depuis, « Il n’a pas besoin du concert », a-t-elle dit en riant. Depuis qu’il a déménagé sa base de travail de Los Angeles vers sa résidence actuelle sur l’île il y a environ 14 ans, LaChapelle s’est largement éloigné de la photographie de célébrités, se concentrant plutôt sur les belles œuvres d’art et les films de danse occasionnels. Il a publié ce qu’il a dit être ses dernières collections de livres, Lost + Found, Part I et Good News, Part II,…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
All access pour ce shooting avec un groupe décontracté malgré l’enjeu. Avoir un accès à la scène et aux backstages est toujours un grand bonheur, car si les 3 premiers morceaux dans le pit, c’est déjà une bonne chose, pouvoir avoir aussi des points de vue de derrière la scène est assez exaltant.
Un moment toujours trop court dans des arènes que je commence à connaître par cœur.
Retour en image et interview du groupe par Mike Smith.
Enjoy.
Interview Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band) par Mike Smith
Avatar , l’un des groupes de métal les plus intrigants et visuellement les plus intrigants à émerger de Suède cette décennie, s’est produit dans une machine à sous pour Mushroomhead lors de la phase 2 à Lynchburg, en Virginie.
Bien avant l’heure du spectacle, alors que les premiers arrivants se rassemblaient nonchalamment devant les portes du lieu, je me suis assis à une table dans le restaurant adjacent avec Johannes Eckerström, un vrai leader s’il en était.
Géant sortant d’un jeune homme, à la fois en taille physique et en esprit, Johannes est le dernier d’une longue lignée de figures de proue métalliques inclinées dans le théâtre telles que Marilyn Manson et King Diamond.
Avec le port de la peinture faciale macabre de marque encore à quelques heures de distance, le chanteur germano-suédois et moi avons pu nous rapporter en tant que contemporains sur une multitude de sujets, en commençant par son groupe lui-même et en passant par la nostalgie musicale, jusqu’à «Selling Out », aux malheurs du nü-metal, au piratage, aux différences culturelles, au mythe du« Rock God »et à la« mentalité de groupie », et bien plus encore.
Si jamais une interview pouvait être décrite comme un portrait d’une personne, j’ose dire que ce serait celle-ci. Je vous donne Johannes Eckerström d’Avatar – non abrégé, non édité et non censuré.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Mike Smith : J’avoue que je suis encore très nouveau sur Avatar. J’ai passé en revue «Black Waltz» en 2012 pour un magazine, mais je n’en ai jamais eu de copie, et ce n’est qu’à «Hail The Apocalypse», [2014] et maintenant cette tournée que je suis vraiment devenu curieux. Avatar semble assez différent de beaucoup de ce qui existe, donc en gros, de quoi êtes-vous les gars?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, « Black Waltz » a été le premier album à sortir aux États-Unis. Les trois albums précédents, nous n’en avions sorti qu’en Europe – en fait le troisième n’a été sorti que par un petit gars indépendant dans un garage au Japon.
Et il a cessé de répondre aux e-mails après un mois, donc je ne compte pas vraiment celui-là. [rires] « Black Waltz » était le premier album où nous nous sommes vraiment mis ensemble. Cela a commencé à devenir plus qu’une simple chanson, même si je sentais que nous avions fait nos meilleures chansons à ce jour sur cet album.
Nous avons compris que nous voulions tout traiter sur Avatar comme un art, comme un projet d’art conceptuel. C’est ce que nous avons admiré dans de nombreux autres groupes dans toutes sortes de genres différents. Si vous regardez quelqu’un de The Hives à Mushroomhead, ce sont des gens qui réussissent à assembler les visuels avec ce que la musique dit.
Tout communique la même chose. La plupart des plus grands groupes le font, soit dans des exemples extrêmes comme KISS, soit subtilement comme Foo Fighters. Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral. Nous savions que nous voulions faire quelque chose comme ça, dans un sens très large du terme.
Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout. Nous lui avons donné un peu de temps, et à un moment donné, nous avons eu une idée pour une couverture d’album me mettant en vedette dans un lac de feu.
Et un lac de feu n’est amusant que si vous avez un vrai lac et un vrai feu. [rires] Nous sommes donc allés à la campagne, et le seul pyrotechnicien assez fou pour l’essayer était un gars du nom de Bryce Graves, d’un groupe américain appelé soit dans des exemples extrêmes comme KISS, soit subtilement comme Foo Fighters. Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral.
Ils ressemblent à leur son, sans rien faire de fou ou de théâtral. Nous savions que nous voulions faire quelque chose comme ça, dans un sens très large du terme. Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Nous sommes donc allés à la campagne, et le seul pyrotechnicien assez fou pour l’essayer était un gars du nom de Bryce Graves, d’un groupe américain appelé au sens très large du terme. Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout.
Nous expérimentions beaucoup en enregistrant et en faisant des séances photo, en essayant des idées de couvertures d’albums et tout. Nous lui avons donné un peu de temps, et à un moment donné, nous avons eu une idée pour une couverture d’album me mettant en vedette dans un lac de feu.
Alors il m’a allumé le feu, et c’était très cool. [rires] Puis il a montré d’autres astuces qu’il pouvait faire, comme manger le verre d’une ampoule et des trucs comme ça. Cela nous a amenés à décider d’utiliser tout cela dans un clip, et tout ce dont nous avions besoin était de m’intégrer dans le contexte de la vidéo.
Nous l’avons vu comme une vidéo de performance, mais il y aurait eu TROP de performances en incluant tout le groupe. C’était une Christina Aguilera, «laisser la chanteuse se promener et chanter et faire des poses sexy».
[rires] Et nous avons eu toute cette ambiance de cirque dans la chanson, avec le son de la valse et des échantillons avec des orgues, alors nous avons étoffé le contexte: faisons de moi un clown effrayant! [rires] Et ça vient de cliquer. Cela a si bien fonctionné, résonné avec moi et l’ensemble du groupe.
Nous avions trouvé le visage de la musique, et quelque chose à partir duquel construire. Depuis lors, c’est une chose très organique, et nous voici aujourd’hui.
Nous savons maintenant que nous voulons toujours connecter la musique avec les visuels, et mettre les vidéos musicales main dans la main avec les chansons elles-mêmes. Chaque aspect est également important. Voilà ce que nous sommes aujourd’hui: un projet d’art conceptuel.
AVATAR Métal Band – Crédit photo Eric CANTO
Mike: Et à part votre niveau de confiance à cet égard, qu’est-ce qui a changé dans la musique? Selon vous, qu’est-ce qui a rendu la musique de « Black Waltz » tellement meilleure?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, nous avons commencé à apprendre le principe «moins c’est plus». Personnellement, j’ai eu l’impression de redécouvrir le métal. Je suis redevenu treize ans, en quelque sorte. C’est très simple: en métal, le riff est roi, et le riff est groove. Prenez «Iron Man» de Sabbath, ce rythme, ce riff… [commence à taper sur la table, chanter]
Mike: D’accord. Et TOUT LE MONDE le sait!
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Et imaginez si ça avait sonné comme ça. [tape un rythme rapide et technique en chantant le riff] Ça aurait été la pire chanson de tous les temps! Il devait avoir ce rythme et cette rythmique spécifiques qu’ils avaient élaborés avec Bill Ward. Ils ont créé le bon groove pour cette chanson en particulier.
Mike: Si ça avait été une explosion, les gens ne s’en souviendraient peut-être pas.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, mais dans d’autres cas, ce groove peut également signifier un beat. Je veux dire, je n’aurais pas voulu entendre « De Mysteriis Dom Sathanas » de Mayhem commençant par [tape un rythme de danse, commence la techno-beatboxing, rit]. Pas de groove disco backbeat sur celui-là !
Mike: D’accord. Quel que soit le rythme, il doit être adapté à la chanson.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, exactement – le rythme résonne avec le riff, ce qui crée un groove, et résonne avec le style de jeu des musiciens spécifiques.
Passant du noir au Black Sabbath, «Paranoid» ne sonne VRAIMENT bien que lorsqu’il est interprété par Sabbath, la gamme originale. Ronnie James Dio était un chanteur incroyable, mais l’une des choses les plus faibles qu’il ait jamais faites, à mon avis, est de chanter «Paranoid». Ça n’a pas marché.
Mike: Certaines interprétations de Dio des chansons d’Ozzy sonnaient très bien, mais sur d’autres, vous pouvez certainement dire que quelqu’un d’autre les avait déjà faites, quelqu’un de plus approprié.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): D’accord. Personne ne peut toucher Dio en tant que chanteur en soi, mais parfois cela n’a pas fonctionné aussi bien que quand Ozzy Osbourne a chanté ces chansons particulières.
Il s’agit donc de trouver ce qui vous convient en tant que musicien individuel. Une fois que nous avons compris ces morceaux, écrit des riffs que nous aimions et obtenu quelques titres de chansons dans nos têtes, le ciel était la limite.
Vient ensuite la partie «Pink Floyd» de la composition, où nous emmenons la chanson partout où elle doit aller. Heureusement pour nos carrières, cela signifiait que certaines chansons ne durent que trois minutes et trente-trois secondes, avec un refrain accrocheur.
C’était bien. [rires] Parce qu’ici, aux États-Unis, la radio est toujours importante, même pour le métal, d’une manière qui ne l’est pas du tout en Europe, sauf en Finlande, en gros.
Nous n’écrivons pas de «chansons radio» – nous écrivons simplement des chansons – et certaines chansons devaient durer neuf minutes, et contiennent des guitares de diapositives et des échantillons étranges de comédies musicales indiennes.
Mais de toute façon, il s’agit de respecter les fondations du métal comme nous le définissons, puis de faire ce que nous voulons avec lui.
Mike: Rencontrez-vous des gens qui n’aiment tout simplement pas le fait que vous ayez des chansons à la radio? J’imagine que certains cyniques ne se soucieraient même pas de faire la distinction entre un groupe comme Avatar, dont le processus créatif se traduit parfois par une «chanson radio» et un groupe de cookies que vous pouvez dire, écrit des chansons spécifiquement destinées à la radio.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Je pense que dans un sens… cela nous met dans une foule de gens qui ne me dérange pas d’être.
Une partie de notre public vient de la radio, mais cela ne me dérange pas, parce que je vois toujours des tonnes d’Opeth Des t-shirts à nos concerts aussi, ce qui est très cool pour moi.
Cela me fait penser: «Wow, vous aimez Opeth et nous aussi? Nous devons être plutôt bons, je suppose! Cool! » [rires]
Mais c’est intéressant d’être ici aux États-Unis, parce que le truc de la radio ne nous est pas arrivé en Europe, et je ne pense pas que cela arrivera jamais, parce que ces chaînes ne sont tout simplement pas là. Ici, nous sommes plutôt considérés comme un groupe de rock radio-friendly, mais c’est bizarre…
Il y a quelque temps, j’ai mentionné Mayhem. Nous venons de ce genre de formation en tant que groupe; nous étions à l’origine un groupe de death metal quand nous apprenions à jouer en faisant des reprises.
C’était tout «Hammer Smashed Face. « [Cannibal Corpse] Et puis d’autres trucs ont été intégrés au fil des ans, puis d’une certaine manière, certains ont commencé à s’intégrer dans le format radio. Mais ça ne me dérange pas, tu sais? Tant que je ne suis pas tenté d’écrire uniquement dans ce but.
Mike: Bien sûr. Ensuite, tout deviendrait vicié assez rapidement.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Nous devions donc rester concentrés sur ce sentiment que nous avions lors de notre petite «fête de réunion» dans la brasserie de Göteborg.
[rires] «Ne nous répétons pas; mettons-nous au défi; faisons-le pour nous. Et si la direction peut le mettre à la radio, alors oui, tant mieux pour eux!
Mike: Cela vous a-t-il étonné qu’Avatar ait atteint ce niveau ici aux États-Unis? Après quelques tournées et la performance Rock on the Range, et bien sûr la radio, les gens bourdonnent vraiment sur vous.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Eh bien, j’essaie de trouver un équilibre avec ma mégalomanie. [rires] L’auto-qualification est un sentiment que je déteste juste… mais quand vous êtes concentré sur votre travail, vous êtes comme, [parlant très rapidement]
«OK, donc nous devons aller à la direction et obtenir cet accord et allons à notre [charabia indéchiffrable]. » [rires] Vous transformez ces rêves en objectifs très rapidement, vous savez?
Bien sûr, parfois vous vous arrêtez et l’appréciez, comme « Hé, c’est assez mignon. »
Mais pour nous… Oui, en quelque sorte, nous avons été surpris que les gens nous aiment tellement. Nous ne pouvions pas savoir cela à l’avance. Mais là encore, nous avons eu près de dix ans de pratique en Europe et dix ans d’erreurs, ce qui a conduit le groupe qui a sorti «Black Waltz» comme son premier album ici.
Le niveau d’entrée d’expérience que nous avons eu en arrivant ici a conduit à des partenariats que nous avons construits immédiatement. Nous n’avions plus d’agent de réservation travaillant dans le garage de sa maman à côté de la maison de la maman de notre bassiste. [rires]
Ce type était de retour en Suède. Ici, nous n’avons pas eu à parcourir ces étranges contrats de label où ils spécifient toutes les planètes du système solaire, où ils ont également les droits de libération à des fins futures, lorsque de nouvelles planètes sont découvertes, et bla bla bla. Toute cette merde bizarre.
[rires] Nous n’en avions pas ici, car nous avons vécu ces expériences en Europe. Nous sommes venus ici en tant que groupe beaucoup plus expérimenté, sachant mieux ce que nous voulions. Vous pensez toujours que vous êtes honnête sur le plan artistique, mais c’est toujours un processus d’apprentissage pour décoller des couches de vous-même et trouver de nouveaux niveaux d’honnêteté. «Black Waltz», en ce sens, était notre album le plus profond jusqu’à cette date.
Donc pour ces raisons, je n’ai pas été vraiment choqué par notre succès, parce que la configuration était déjà là, mais nous avons eu de la chance que les chansons semblent également être aux normes, et que les gens les aiment.
Cette partie que vous ne pouvez jamais connaître et ne garantissez jamais, et nous ne savons toujours pas. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien!
Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça. Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène. Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire.
Tout ça est plutôt cool. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien! Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça.
Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène.
Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire. Tout ça est plutôt cool. Nous écrivons maintenant des chansons pour un nouvel album, et si les gens ne l’aiment pas… très bien! Je vais m’assurer que j’aime ça, donc je peux l’écouter après avoir détruit ma carrière. [rires] Je suis cool avec ça.
Ce n’est pas SI IMPORTANT que je fasse ça pour le monde, tu sais? Je ne suis pas impressionné par moi-même juste parce que je suis musicien, un gars sur scène. Il y a des ambulanciers, Médecins sans frontières, des enseignants du préscolaire. Tout ça est plutôt cool.
Mike: Je peux imaginer prendre les choses au fur et à mesure – «Nous sommes arrivés à ce niveau, cool… Allons-nous aller plus haut? Peut-être, peut-être pas – Oh, niveau suivant! C’est cool aussi. «
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, je veux dire, nous avons faim, et maintenant nous sentons que nous pouvons construire le groupe, sur le plan professionnel, d’une manière que nous avons eu du mal à comprendre il y a cinq ans. Cela n’a pas vraiment bougé à l’époque. Maintenant ça bouge et c’est très amusant.
Mais c’est aussi devenu un peu un travail. Ce n’est pas un mauvais travail, mais encore une fois, vous transformez ces rêves en objectifs, et l’idée est de rester à la terre et concentré. Cela rend difficile de s’arrêter et de célébrer.
Ce qui ressemble à un point de réussite de l’extérieur est en fait un point de travail intense pour le groupe. Nous sommes très occupés maintenant, ce qui est très cool, mais nous ne nous arrêtons pas pour secouer les bouteilles de champagne. [des rires]
Mike: Au sujet de ce type théâtral de hard rock et de métal … il y a eu un grand succès populaire il y a dix, quinze ans, lorsque des groupes ont éclaté comme Slipknot, Mudvayne et Mushroomhead – qui sont ici ce soir, bien sûr.
Si Avatar avait fait son truc à cette époque ou légèrement avant, pensez-vous que les choses se seraient déroulées de la même manière? Ou pensez-vous que quelque chose devait changer en premier, comme la montée en popularité de groupes suédois comme In Flames?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): C’est la partie intéressante, ce que tu dis là. Évidemment, si nous devions sortir « Hail The Apocalypse » il y a vingt ans, tout un tas de nos influences n’auraient pas encore existé.
J’ai toujours l’impression que nous avons fait un nouvel album, et il est toujours dans le genre du métal, donc dans ce sens, il aurait été lié à quelque chose de préexistant, avec notre propre petit point de vue bien sûr.
Mais si nous l’avions sorti à cette époque… l’album « Mutter » de Rammstein [2001] n’aurait probablement pas été sorti, et nous l’avons beaucoup écouté. [rires] Donc je suppose que si vous le formuliez ainsi, nous aurions encore plus époustouflé!
Oui, peut-être que nous nous serions adaptés au contexte de cette scène… mais inévitablement, cela aurait été légèrement différent. Je ne sais pas vraiment. Mais il est toujours intéressant de spéculer!
Mike: Oui, les divisions entre les scènes américaine et européenne, et les grandes migrations de tendance, m’ont toujours beaucoup fasciné. Par exemple, il a fallu quelques années au style métallique de Göteborg pour se faire remarquer ici aux États-Unis.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Et vice-versa. Parce que quand on écoutait ces groupes de Göteborg… enfin, pour moi en particulier, ce sont des groupes un peu plus anciens qui m’ont fait entrer dans le métal en général. Années 70 et 80. Et donc, les nouvelles choses à l’époque – ce terme méprisable de «nü-métal» – n’étaient pas correctes.
Les fans de Slipknot n’étaient pas du tout des metalheads, selon moi à l’époque. [rires] Ça m’a pris du temps, parce que maintenant j’adore Slipknot, et j’entre dans Mushroomhead. «Mesmerize» de System Of A Down est à chaque fois l’un des albums de fête de notre groupe. Tellement de ces trucs. Mais à quinze ans…
Mike: « Posers! »
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): « Posers » n’était même pas assez fort. Cela ressemblait plus à du «poison». Nous pensions que cela détruisait le métal. [rires] Cela me fait me demander… si nous faisions cela en Suède en 1999, en nous peignant, en faisant le truc théâtral dans cet environnement à l’époque… [grimace]
Je pense que l’Europe est plus ouverte MAINTENANT à ce que nous faisons. Tout comme il a fallu un certain temps aux groupes suédois pour percer en Amérique du Nord, il a fallu un certain temps aux enfants comme moi pour aimer Slipknot.
Mike: Une chose similaire m’est arrivée. J’avais quinze ans lorsque Slipknot a sorti ses débuts, que je suis devenu fou, et j’étais aussi à Korn à cette époque, mais j’ai ensuite quitté la phase et j’ai fait une grande croisade élitiste «anti-nü-metal» pendant quelques années. .
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Mais ensuite, quelques années plus tard, je parie que vous avez accidentellement entendu « Spit It Out » et que vous avez commencé à faire cela … [commence un tête à tête « Night At The Roxbury »] et que vous avez pensé: « C’ÉTAIT hypocrite. » [des rires]
Mike: [rires] C’est exactement ce qui s’est passé. J’avais rangé mes CD Slipknot et je me suis promené en disant aux gens: «Blah, Korn est le pire», et cetera.
Johannes (AVATAR Métal Band) : «Je ne les ai jamais aimés! Ce n’est jamais arrivé! » [rires] Ouais, je me souviens d’un gars de quelques années plus jeune que moi qui vivait dans ma rue. Il a commencé avec les trucs nü-metal, et chaque année, il a continué à devenir plus d’un « truc metalhead ».
Et pendant la période de transition, il a précisé qu’il n’aimait que le VIEUX ÉCOLE Limp Bizkit. [rires] Il disait: « Je n’aime que leurs affaires avant qu’elles ne soient toutes vendues. » Parce que c’est ce que vous avez dit à propos de n’importe quel groupe au cours d’une transition – vous n’aimiez que la «vieille école», l’original, la vraie «avant qu’ils ne soient tous vendus». Et personne ne définit jamais vraiment quand ils ont vendu.
Mike: Beaucoup de gens doivent mettre un qualificatif sur les choses. Vous ne pouvez jamais simplement aimer un groupe; vous devez vous annoncer «ne les aimez que jusqu’à [X] album».
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): D’accord, et l’histoire de Limp Bizkit montre vraiment à quel point c’est bizarre, surtout à l’époque où In Flames a sorti « Reroute To Remain ». [2002] Cela a changé beaucoup de choses.
Mike: C’est un super album, cependant.
Johannes (AVATAR Métal Band) : J’adore! Mais je devais les voir en direct avant de me sentir à l’aise avec ça. Parce que pour un, ils… [fait une grimace horrifiée] ont tourné avec Slipknot! En Amérique! Porter une salopette blanche sur scène! [rires]
Nous étions tous du genre: « Hmmm, je ne suis pas sûr de ça… » nous sommes en sécurité; «Natural Born Chaos» [2002] est un album incroyable », et tout.
Nous avons donc vu cela, et cela nous a réchauffé à «Reroute To Remain». Nous nous sommes finalement simplement dit: «Eh bien, qu’est-ce qu’un sold out de toute façon?»
Pour moi, c’était comme si Avatar flirtait avec le «sold out» sur le troisième album, mais ensuite ça a explosé! Personne n’a aimé ça. Parce que vous ne pouvez pas faire de la bonne musique de cette façon. Aucune chance.
Mike: Et vous ne pouvez pas techniquement «vendre» si personne ne l’achète.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Exactement. Nous avions tellement de sentiments mitigés, parce que nous voulions être plus thrash et plus brutaux, mais aussi plus traditionnels…
nous voulions être TOUT en même temps, sauf pour nous-mêmes. C’était étrange. Il était difficile de se concentrer artistiquement, car nous essayions de plaire à tout le monde.
Mike: Et je suppose qu’avec plus d’âge et de maturité vient la simple satisfaction de vous plaire, comme avec la redécouverte de groupes comme Slipknot et Korn et en décidant que vous les avez vraiment aimé à nouveau après tout.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Bien sûr, et à quelques exceptions près, j’ai arrêté d’adorer les catalogues entiers des groupes. Non pas parce que certains albums sont «à guichets fermés» et d’autres «pas à guichets fermés», mais simplement parce qu’ils deviennent plus sélectifs.
Ce n’est même pas vraiment une question de genre. C’est juste de bonnes choses. Je pense que dix pour cent de ce que Marilyn Manson a fait est vraiment incroyable pour moi. Il m’a fait peur et a déclenché ma puberté d’une manière si étrange.
Je n’étais pas prêt quand j’avais douze ans, quand « Mechanical Animals » [1998] est sorti!
C’était bizarre et explique beaucoup de choses qui ne me conviennent pas aujourd’hui. [rires] Mais à part ça… Aujourd’hui, je reconnais certaines choses qui sont plus faibles, mais j’aime toujours ces dix pour cent – ces chansons en particulier, ou peut-être un album complet ici ou là.
Mike: Êtes-vous un gros téléchargeur?
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Non, mais je suis un produit de mon temps. Je possède bien plus de CD et de vinyles que la plupart des mecs nés en ’86, mais aussi beaucoup moins que ceux nés quelques années avant moi.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Tout le groupe, nous sommes tous un produit de notre temps. Avatar n’a jamais existé avant Napster. Ils avaient le nom en 2001, et j’ai rejoint en 2002, quand nous étions enfants. Napster était déjà fini et mort à ce moment-là.
C’était Kazaa ou autre chose, tout ce partage de fichiers. Nous n’avons donc publié de musique que pendant l’ère du téléchargement. Je préfère la solution iTunes, Spotify, «venez nous voir et achetez un T-shirt».
Qui a besoin d’être aussi riche que les Rolling Stones? Sérieusement. Cela me rend un peu d’accord avec ça. Lorsque l’argent disparaît, il supprime un peu de la cupidité au fil du temps.
Mike: Et peut-être aussi un peu de pression financière.
Johannes Eckerström (AVATAR Métal Band): Oui, et l’inconvénient est qu’avec le niveau où nous sommes maintenant, à une époque différente, nous aurions peut-être obtenu beaucoup plus d’argent à l’avance pour faire des conneries plus folles que nous ne pouvons le faire maintenant, mais quand même, nous le faisons ont un support d’étiquette et nous en sommes satisfaits. Donc, c’est comme ça aujourd’hui.
A suivre…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts portraits, pochettes d’albums.
AC/DC Highway to hell est une chanson du groupe de rock australien AC/DC . C’est le morceau d’ouverture de leur album de 1979 Highway to Hell . Il est initialement sorti en single en 1979.
AC/DC Highway to hell a été écrite par Angus Young , Malcolm Young et Bon Scott , avec Angus Young crédité pour avoir écrit le riff de guitare qui est devenu un classique instantané.
AC / DC avait fait plusieurs albums de studio avant et les promouvait constamment via un programme de tournée exténuant, mentionné par Angus Young comme étant sur une autoroute vers l’enfer, d’où le nom.
Cela fait 44 ans qu’AC / DC est sorti pour la première fois d’Australie avec son premier album bruyant, High Voltage , et il est sûr de dire que, à cette époque, le groupe a tout vu et tout fait:
des albums en tête des charts et singles, a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2003, a perdu certains membres clés dans des circonstances tragiques en cours de route.
Mais peut-être le cran le plus impressionnant sur le pied-à-terre collectif d’AC / DC est celui-ci: le fait que, sur la liste des artistes les plus vendus de tous les temps aux États-Unis, AC / DC est classé 10e.
Ce qui signifie que Guns N ‘Roses , Metallica , Van Halen, U2, Aerosmith, les Rolling Stones et d’innombrables autres actes légendaires sont bien derrière AC / DC en ce qui concerne les ventes de disques de tous les temps en Amérique.
AC/DC Highway to hell
AC/DC Highway to hell : Les débuts…
À la fin des années 70, les choses étaient assez différentes pour AC / DC, et il y avait un chemin difficile devant eux avant de pouvoir créer ce qui allait s’avérer être leur album révolutionnaire créatif et commercial, Highway to Hell de 1979. .
Entre la formation du groupe à Sydney, en Australie, en 1973 – avec une formation initiale composée des frères écossais Angus et Malcolm Young aux guitares, Dave Evans au micro, Larry Van Kriedt à la basse et Colin Burgess à la batterie – et 1978, le rugueux- and-tumble rockers a sorti cinq albums studio complets: High Voltage (1975), TNT (1975), Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976), Let There Be Rock (1977) et Powerage(1978).
AC/DC Highway to hell
Le groupe – qui s’était alors solidifié dans l’unité désormais classique de Bon Scott au chant, Cliff Williams à la basse, Phil Rudd à la batterie et les frères Young – a maintenu un rythme assez furieux d’enregistrement et de tournées pendant ces premières années.
Ils construisaient certainement une base de fans fidèles comme en témoignent les foules en constante augmentation et l’augmentation des ventes d’albums à chaque fois. Mais ce n’était pas suffisant – pas pour Atlantic Records, le label américain d’AC / DC, en tout cas.
En 1978, le disco était toujours l’une des formes dominantes de musique sur les ondes américaines, et du côté rock, des tubes dansants savamment produits comme « Baker Street » de Gerry Rafferty, « Miss You » des Rolling Stones, « Foreigner’s » Hot Blooded « et » Wheel in the Sky « de Journey étaient en tête des charts.
AC/DC Highway to hell
Atlantic voulait que AC / DC atteigne un certain niveau de succès radiophonique mesurable aux États-Unis, et le groupe n’allait certainement pas le faire avec des hurlements bruyants et parfois insipides comme « Whole Lotta Rosie », « Riff Raff » ou « She’s Got Balls » . » Enfer, le label n’a même pas sorti Dirty Deeds – qui a été enregistré au début de 1976 – aux États-Unis jusqu’à un an après Bon Scott ‘
Le finale pour Atlantic est arrivée vers la fin de 1978, lorsque le label a sorti le premier album live d’AC / DC, If You Want Blood You’ve Got It.
Cela faisait à peine six mois depuis la sortie de Powerage , et avec cet album ne produisant rien de proche d’une chanson à succès, Atlantic espérait que If You Want Blood ferait pour AC / DC ce que Alive! avait fait pour KISS cinq ans plus tôt – exploitez l’énergie live inégalée du groupe dans un album et priez pour qu’au moins une chanson attrape le feu de la radio à la Kiss « Rock and Roll All Nite », ou la version live de Peter Frampton de « Show Me the Way » « de Frampton Comes Alive en 1976 !
AC/DC Highway to hell – AC/DC Highway to hell
« If you want blood » a moyennement bien performé lors de sa sortie en novembre 1978, devançant les albums studio récents du groupe, mais il est rapidement devenu évident pour Atlantic qu’AC / DC n’allait jamais percer en grand aux États-Unis s’ils étaient autorisés à continuer à écrire de la musique selon leurs propres conditions et enregistrement sur leur propre terrain de Sydney, Australie.
En ce qui concerne le label, une intervention s’impose. Alors que le calendrier passait de 1978 à 1979, le vice-président senior d’Atlantic Records, Michael Klenfner, était dans un avion pour Sydney pour rencontrer les membres d’AC / DC et élaborer un plan de match pour le prochain album du groupe, la suite de Powerage.
Jusque-là, tous les disques d’AC / DC avaient été produits par l’équipe de Harry Vanda et George Young, le frère aîné d’Angus et Malcolm, et enregistrés aux Albert Studios à Sydney – alors quand Klenfner l’a suggéré, pour ce prochain album , le groupe abandonne Vanda et Young et travaille avec un producteur extérieur choisi par Atlantic, les tensions ont commencé à s’intensifier.
Vanda and Young avait connu un succès considérable dans le monde entier en tant que producteurs, auteurs-compositeurs et musiciens, mais cela n’avait pas d’importance pour Atlantic – le label voulait du sang frais dans le camp AC / DC, quelqu’un qui pourrait prendre la puissance brute du blues-rock du groupe et l’énergie live maniaque et l’ajuster en quelque chose qui générerait des chansons à succès et des ventes d’albums plus puissantes.
AC/DC Highway to hell
Comme l’ancien manager d’AC / DC Michael Browning l’a dit aux écrivains Murray Engleheart et Arnaud Durieux dans le livre AC / DC: Maximum Rock & Roll de 2006 , « George et Harry étaient assez honorables à ce sujet. Ils auraient pu être en quelque sorte énervés. »
» Je suis sûr qu’ils l’étaient. Pour une maison de disques américaine, dire qu’il faut changer de producteur alors qu’ils sont en quelque sorte vénérés dans leur propre pays était un peu une gifle, je suppose. Donc c’était très, très difficile. Malcolm et Angus n’aimaient pas du tout ça. Ils étaient très énervés. »
Quand il s’agissait de choisir un producteur qui pourrait, espérons-le, élever le jeu d’AC / DC à un niveau supérieur, Atlantic avait un nom en tête: Eddie Kramer. Kramer travaillait comme producteur et ingénieur depuis le milieu des années 60, et son curriculum vitae comptait des crédits impressionnants: Jimi Hendrix, les Beatles, les Rolling Stones, Led Zeppelin et KISS, entre autres.
AC/DC Highway to hell
Kramer s’est rendu à Sydney où lui et les garçons se sont enfermés dans les studios Albert pour enregistrer des pistes de démonstration, après quoi ils se sont tous envolés pour Miami pour commencer à enregistrer l’album qui deviendrait finalement Highway to Hell – du moins c’est ce qu’ils pensaient tous.
Il n’a fallu que quelques semaines à Criteria Recording Studios, le lieu de travail principal de Kramer, pour que tout le monde se rende compte que, malgré son apparence sur papier, ce n’était pas un match fait au paradis du rock & roll.
« Il ne correspondait pas vraiment à nous en tant que producteur », a déclaré Malcolm Young dans le numéro d’avril 2003 du magazine Guitar World . « Nous lui avons montré les riffs de ‘Highway to Hell’ et il ne l’a pas tout à fait compris. Nous avons pensé, ce type est déconnecté de ce que nous sommes. »
« Et en même temps, je suppose que toutes les idées d’Eddie ne semblent pas nous inspirer », a commenté Angus dans le même numéro de Guitar World .
« Je ne sais pas pourquoi, mais il n’arrêtait pas de parler de pianos. Peut-être pensait-il qu’un piano était une chose intéressante pour un groupe de rock and roll. Mais ce n’était pas le bon mot à utiliser autour de nous. »
Après avoir travaillé ensemble à Criteria pendant trois semaines sans même avoir dépassé la phase de répétition, il était évident pour tous que cette mission devait être interrompue, pronto – et il a fallu un coup de téléphone fortuit de Malcolm Young au manager Michael Browning pour y arriver.
Avec Browning en ligne, un Young clairement agité lui a annoncé que l’enregistrement avec Kramer n’allait pas bien et a demandé à Browning de faire sortir le groupe de Miami.
Comme le destin l’aurait voulu, à l’époque, Browning partageait une maison à New York avec un jeune producteur renommé nommé Robert John « Mutt » Lange et le manager de Lange, Clive Calder.
Alors qu’il était toujours au téléphone avec Young, Browning s’est tourné vers Lange et a dit: « Mec, tu dois faire ce disque. »
Lange était un producteur accompli à l’époque, ayant travaillé avec des artistes principalement britanniques comme City Boy, Graham Parker, les Motors, Savoy Brown et les rockers irlandais les Boomtown Rats – et même s’il n’avait pas le palmarès hard-rock d’Eddie Kramer, Atlantic Records était très favorable à ce que Mutt Lange prenne la tête de l’enregistrement de Highway to Hell .
Après la débâcle de Kramer, les membres d’AC / DC hésitaient naturellement à entrer dans une autre situation avec un producteur autre que leur équipe de confiance de longue date de George Young et Harry Vanda.
«Nous étions très prudents à l’idée de travailler avec n’importe qui de nouveau», a déclaré Angus Young dans le numéro d’avril 2003 de Guitar World .
«À un moment donné, nous avons pensé, y a-t-il quelqu’un là-bas, autre que George et Harry, qui peut vraiment rendre justice à notre musique?
Et en fait, certaines des choses que nous entendrions sur ce que les gens faisaient avec les disques, nous Je dirais: « Décidément, c’est trop extravagant.
» Vous entendiez dire que des producteurs ont enlevé un groupe pendant deux ans, les ont mis dans un manoir. Et c’était quelque chose que nous ne voulions pas. Nous étions donc assez nerveux. »
Avec Mutt Lange maintenant enfermé en tant que nouveau producteur d’AC / DC, le vrai travail sur AC/DC Highway to hell pourrait enfin commencer.
Le groupe était trop heureux de quitter Miami ensoleillé et de se diriger vers Londres froide et morne au début de 1979 pour rencontrer Lange et commencer.
Pendant les deux semaines suivantes, le groupe a travaillé sur toutes les nouvelles chansons dans un espace de répétition miteux qui n’avait pas de chaleur, à l’exception d’un petit radiateur au kérosène et d’un sol en terre battue. Les manteaux d’hiver étaient souvent portés lors des séances d’entraînement.
Mais c’est exactement là que Highway to Hell a finalement commencé à se réunir, et à la fin des deux semaines, toutes les chansons étaient affinées et prêtes à être enregistrées – ce qui était différent des sessions d’enregistrement précédentes, pendant lesquelles AC / DC passait habituellement le temps d’écrire et de réécrire des chansons en studio jusqu’à ce qu’elles soient prêtes.
En mars 1979, AC / DC se retrouva niché dans les Roundhouse Studios de Londres avec leur nouveau producteur pour commencer ce qui allait être la session d’enregistrement la plus importante et la plus critique de la carrière du groupe.
AC / DC et Mutt Lange ont cliqué tout de suite, et leur respect mutuel a fait que les sessions d’AC/DC Highway to hell se sont déroulées rapidement et sans heurts, avec très peu de bosses en cours de route (à part la rencontre occasionnelle avec Scott sur sa performance vocale. ).
Le groupe avait toujours enregistré en direct en studio, et Lange savait qu’il ne valait pas mieux que de suggérer une approche différente.
«Mutt s’est rendu compte que nous étions un bon groupe qui pouvait jouer de leurs instruments, alors il nous a laissé aller», a déclaré Malcolm Young dans Guitar World .
« La liberté était là. Et nous lui avons donné la liberté aussi – nous essayions tout ce qu’il nous demandait. Mutt s’intégrait très bien avec le groupe. »
Quelques semaines plus tard – après des sessions d’enregistrement supplémentaires aux Chalk Farm Studios puis un mixage aux Basing Street Studios – AC/DC Highway to hell était terminé.
En fin de compte, Lange a donné à Atlantic exactement ce qu’il voulait: un disque AC / DC avec des chansons bien conçues et entraînantes, des refrains palpitants et une touche raffinée.
La qualité et l’énergie des albums précédents d’AC / DC étaient tout à fait intactes, mais l’élément punk-rock déséquilibré et chaotique qui, selon Atlantic, retenait le groupe sur le plan commercial avait disparu.
Dix chansons et à peine 42 minutes de longueur, AC/DC Highway to hell est un chef-d’œuvre d’écriture tendue et précise et de production sans fioritures – une expérience d’écoute du début à la fin qui plus que tient aujourd’hui, 40 ans depuis son 27 juillet 1979, date de sortie.
AC/DC Highway to hell est dirigé par la chanson titre, avec son refrain entraînant et adapté à la radio, un riff d’ouverture simple mais efficace qui rappelle le classique gratuit « All Right Now », et des paroles sur la vie sur la voie rapide.
Il y a aussi le dansant «Girls Got Rhythm», le boogie-swing de «Walk All Over You», l’explosion de blues au rythme rapide «Beating Around the Bush», le classique du concert «Shot Down in Flames» et l’album sexy, se rapprochant, « Night Prowler. »
AC/DC Highway to hell – AC/DC Highway to hell
1979 a été l’année où tout a changé pour AC / DC. C’était l’année où ils ont établi ce qui allait devenir une relation très fructueuse avec Mutt Lange;
l’année où ils ont appris ce dont ils étaient vraiment capables en tant qu’auteurs-compositeurs et musiciens; l’année où ils ont appris qu’il était acceptable de quitter leur nid confortable à Sydney et de faire de la musique ailleurs dans le monde.
Ils ont également appris à quoi ressemblait le grand succès en Amérique, alors que Highway to Hell atteignait la 17e place des charts américains et était le premier album de platine d’AC / DC aux États-Unis, se vendant à plus d’un million d’exemplaires.
Malheureusement, ce serait aussi la dernière année de Bon Scott sur terre – en février 1980, le chanteur écossais qui faisait la fête serait mort après avoir bu dangereusement, et la carrière soudainement florissante d’AC / DC serait envoyée dans une spirale sombre et déprimante. Bien sûr, ils finiraient par revenir de la tragédie – de retour en noir, pour être précis.
AC/DC Highway to hell : le contexte de l’album
Le titre et les paroles de AC/DC Highway to hell reflètent la nature incroyablement ardue des tournées constantes et de la vie sur la route.
L’autoroute qui a inspiré le nom de la chanson, Canning Highway , relie l’ autoroute Perth Kwinana à son port Fremantle et abritait de nombreux pubs et hôtels préférés de Bon Scott, y compris le Raffles Hotel .
AC/DC Highway to hell a passé 45 semaines sur le tableau des singles allemands , même s’il n’a culminé qu’à la 30e place, à sa 19e semaine sur ce tableau.
Le chanteur principal Bon Scott a été retrouvé mort à l’arrière de la voiture d’un ami, un peu plus de six mois après la sortie de la chanson. La chanson est dans la tonalité de la majeur.
AC/DC Highway to hell a remporté la catégorie « titre australien le plus joué à l’étranger » aux APRA Awards 2009 .
AC/DC Highway to hell : le groupe
Bon Scott – chant principal
Angus Young – guitare solo
Malcolm Young – guitare rythmique, choeurs
Cliff Williams – guitare basse, choeurs
Phil Rudd – batterie
AC/DC Highway to hell : la production
AC/DC Highway to hell a été produit par Mutt Lange dans le cadre de l’album du même nom, et son travail est considéré comme un facteur important dans la livraison de l’un des albums classiques d’AC / DC, l’émergence du son de double guitare, qui a ensuite été perfectionné sur Back in Black , et amélioré les chœurs avec Malcolm Young, rejoint par Cliff Williams pour la première fois.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Festival de Lunel 2020 : A quelques kilomètres de Montpellier, dans le cadre idyllique des nouvelles arènes de la ville, un nouveau festival dévoile sa seconde programmation. J’ai eu le plaisir d’y shooter quelques artiste en 2019, des artistes nationaux et internationaux qui ont présenté leur univers unique dans un nouveau lieu, celui des arènes. Lunel est une commune du département de l’Hérault en région Occitanie.
Festival de Lunel 2019 : Retour sur la programmation.
L’inauguration Festival eut lieu en 2019 avec un démarrage prestigieux et une programmation variée, organisée par l’agence Onze Productions. Une saison estivale mouvementée et musicale pour ce premier Festival avec de superbes invités et des artistes talentueux!
Au programme de ce Festival 2019 du 24 mai au 3 août 2019 onze soirées pour des artistes français et internationaux. D’Aldebert et son enfance le 28 juillet à Barbara Hendricks le 27 juillet via Aya Nakamura le 3 août , il y en eu pour tous les goûts! Le groupeRock Skip the The Use electro rock ouvrit les festivités lors de la première soirée du Festival le 24 mai 2019.
Feder et Mome, les DJs vedettes des platines ont transformé les arènes de Lunel en une immense piste de danse en rythme avec leurs tubes planétaires et house, hip-hop, électro et remix profonds. Le 15 juillet 2019, au soir de la Pescalune, c’est au groupe L.E.J. qui a enflammé les nouvelles arènes de Lunel. Tournée, victoire musicale et nouvel album en préparation, on ne peut plus arrêter la montée en puissance de ces 3 amies d’enfance au talent indéniable.
Julien Clerc participa à ce premier ensemble festival dans les arènes de Lunel et interpréta son répertoire de tubes de chansons françaises pour le plus grand plaisir de ses fans! La Bienheureuse Prêtresse du Blues Barbara Hendricks et ses musiciens donna un concert extraordinaire le 27 juillet 2019 !
Aldebert le 28 juillet (concert à 17h) avec le troisième épisode de ses enfantillages et pour clôturer ce festival le 3 août 2019, l’aspirante star française des 3 dernières années: Aya Nakamura.
Une Programmation polyvalente et populaire pour l’édition 2019 du Festival de Lunel qui a jeté des ponts entre les styles et entre les générations.
De l’électro (Feder, Møme, Synapson, Bleu Toucan, Joris Delacroix, Vimala …) au hip-hop (Fianso, Aya Nakamura Joey Star, Cut Killer, Rim K du 113 …) à la chanson (Julien Clerc, LEJ, Barbara Hendricks). ..), le spectacle jeunesse (Aldebert …) et le format pop-rock (Skip the Use …). En plus des nombreux concerts, des conférences et réunions, des ateliers philo et des activités autour de la culture furent organisées.
une offre large et riche qui fit le succès de l’édition 2019.
Programmation 2019
Skip The Use – Feder – Møme – Vimala – Earth Wind And Fire – Synapson – Joris Delacroix – Bleu Toucan – LEJ – Maxenss – Julien Clerc – Barbara Hendricks – Aldebert – Jeanne Added – Léonie Pernet – Fianso – Joey Starr – Cut Killer – RimK du 113 – Aya Nakamura – Fabien Olicard…
Festival de Lunel 2020 : Une deuxième édition pleine de promesse.
le Festival de Lunel 2020 aura lieu les 5, 6, 7 et 8 août. Il propose pour 2020 de la nouvelle chanson française avec GAUVAIN SERS, les tubes d’OLDELAF, un vent d’indépendance avec BLACK M, suivis de près de LORD ESPERANZA, étoile montante du rap français.
Le Festival de Lunel 2020 célébrera également les 15 ans du label CHINESE MAN RECORDS avec un spectacle explosif de CHINESE MAN, SCRATCH BANDITS CREW et BAJA FREQUENCIA, qui fera bouger la scène de l’arène avec son électro hip-hop classique.
En clôture du Festival de Lunel, MARWA LOUD, nouveau phénomène du hip hop français nommé dans la catégorie French Revelation NRJ Music Awards 2018, offrira au public l’opportunité de découvrir sa voix douce et ses mélodies enivrantes.
Les arènes Francis San Juan sont les arènes de la ville de Lunel dans le département français de l’Hérault. Selon Torofiesta, elle peuvent accueillir plus de 4000 personnes, selon Jean-Baptiste Maudet 3000 personnes.
Elles ont été construites en 1861 et redessinées en 1981. Des courses espagnoles s’y déroulent, principalement des Novilladas, mais surtout des courses camarguaises. Grâce à la restructuration, les arènes de Lunel peuvent étendre leur vocation à organiser des concerts, spectacles et autres événements. L’inauguration de cette nouvelle salle d’arène a eu lieu le samedi 29 septembre 2018.
En décembre 2014, la ville a lancé un concours limité de gestion de projet pour restructurer les arènes afin de créer 1 000 places supplémentaires et un toit qui protège les spectateurs. La capacité totale peut varier entre 3 500 et 5 000 places selon la configuration et le type de spectacle joué (corrida, concert, théâtre, événements sportifs, etc.).
Trois cabinets d’architecture ont répondu au concours: Jakob + MacFarlane, A + Architecture et Jacques Ferrier Architects. L’agence Jacques Ferrier Architects a remporté le concours. Le groupe était composé des architectes CoO Architects, TPF Engineering, Line Environment and Building et dUCKS Sceno. La restructuration des arènes a permis d’augmenter et d’actualiser la capacité d’accueil des spectateurs. Cet endroit est surmonté d’un toit avec des motifs en dentelle qui donnent à l’ensemble un cachet que l’on ne retrouve nul part ailleurs.
Une véritable première pour les arènes semi-couvertes, qui donne à Lunel une touche de charme et de modernité sans précédent. L’inauguration eut lieu le samedi 29 septembre 2018.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le costume de Harley Quinn a été classé comme le costume le plus populaire aux États-Unis et au Royaume-Uni. Jim Lee, co-éditeur de DC Comics, cite Harley Quinn comme quatrième pilier de sa ligne de publication derrière Superman, Batman et Wonder Woman. Harley Quinn peut actuellement être vu dans cinq séries différentes: trois titres du même nom , Suicide Squad et aujourd »hui « Harley Quinn Film : Birds of Prey« . Seuls Batman et Superman ont un nombre comparable d’apparitions, ce qui en fait le personnage féminin le plus important et le plus rentable de DC Comics.
Harley Quinn Film -Birds of Prey
Birds of Prey (et l’émancipation fantastique d’une Harley Quinn) est un film américain réalisé par Cathy Yan et sorti en 2020. La huitième production dans l’univers du cinéma DC est un film qui se concentre à la fois sur le personnage de Harley Quinn, dont la version théâtrale a été présentée dans le film Suicide Squad en 2016, et sur l’équipe de Birds of Prey de DC Comics. Le film, écrit par Christina Hodson, parle de l’émancipation de Harley Quinn après sa séparation du Joker. Au cours de cette aventure, elle croisera le chemin de trois femmes (Hunter, Black Canary et Renee Montoya) qui formeront le futur trio « Birds of Prey » et avec qui elle affrontera le masque sadique noir.
Dans les adaptations, le personnage a été joué par l’actrice Mia Sara dans la série télévisée The Angels of the Night entre 2002 et 2003. Le personnage revient ensuite en 2016 dans le film Suicide Squad, qui lui fait découvrir l’univers cinématographique de DC, dans lequel Margot Robbie l’incarne. Cette version du personnage est très réussie, ce qui lui permettra d’être au centre des Birds of Prey (et de la fantastique histoire de Harley Quinn) en 2020.
Description ,d’Harley Quinn Film : Birds of Prey
Apparence et capacités
C’est une jeune femme blonde aux yeux bleus, elle a un beau visage, un maquillage blanc, porte une cagoule avec des cloches. Elle porte un costume d’arlequin (référence à son surnom), il est rouge et noir, comme son « poussin ». Elle s’inspire d’un jeu de cartes, elle est la reine des diamants. On retrouve ces tuiles sur leur salopette (souvent moulante). C’est une excellente gymnaste.
Après avoir été brutalement maltraitée par le Joker, elle est soutenue par Poison Ivy (le mélangeur de poison), ce qui augmente ses capacités physiques: elle devient plus forte, plus agile et immunisée contre le poison et les maladies.Elle est généralement armée d’un maillet géant, d’une batte de baseball et de beaucoup d’explosifs.
Personnalité et vie affective D’ Harley Quinn Film : Birds of Prey
Elle est énergique et joueuse, elle se concentre sur la comédie de la situation. Elle est aussi sensuelle et sexy. Elle ne déteste pas vraiment Batman, elle ne fait pas de mal pour le plaisir, juste pour faire plaisir au Joker. Son animal préféré est la hyène, charognard carnivore, qui se caractérise par son ridicule, elle en a deux (Bud et Lou). Leur relation avec le Joker est compliquée, ils se querellent souvent, se pardonnent toujours et reviennent toujours.
Elle est « folle » amoureuse de lui. Batman Arkham City a un test de grossesse positif aux côtés de l’un des costumes de Harley. De nombreux autres tests se trouvant à terre démontrent qu’Harley n’est pas enceinte…
Harley Quinn Film -Birds of Prey
Dans les bandes dessinées, en particulier dans The Last Laugh, nous apprenons que tant qu’elle n’est pas mariée au Joker, elle ne veut pas avoir d’enfants avec lui. Cependant, c’est le cas dans certains univers alternatifs. Dans le jeu de l’injustice: les dieux sont parmi nous, elle a eu une petite fille, Lucy, qui la cache au Joker, elle lui dit qu’elle est sa « tante folle Harleen ».
Harley Quinn Film, Birds of Prey, la renaissance DC
Contrairement à la version précédente, Harleen maintient initialement une relation médecin-patient avec le Joker et ne répond pas à ses stimuli. Cependant, il lui révèle certaines choses, comme la véritable intention de son chef de département, qui utilise ses notes à des fins personnelles. Dans Suicide Squad # 06, il lui parle même de l’accident de son père, qui a été frappé par un conducteur ivre, et lui donne un de ses doigts (il dira dans les bandes dessinées qu’il ne pouvait pas amener tout le corps et le lui donnerait) Doigts avec l’anneau conducteur).
Elle tombe enfin sous le charme du Joker et l’aide à s’échapper. Elle le prend là où il est tombé, dans un réservoir d’acide, puis le repousse dans le réservoir. Elle est aussi folle que lui, Harleen Quinzel devient Harley Quinn.
Lorsque le Joker a été déclaré mort, Harley Quinn, maintenant complètement indépendante, a rejoint l’équipe de suicide pendant un certain temps. Elle a une relation courte mais intense avec Deadshot. Cependant, la nouvelle de cette mort la dérange tellement qu’elle se convainc que Deadshot est le farceur et qu’elle le tient en otage.
Quelques mois plus tard, il s’avère que le joker est toujours vivant. Harley, initialement enthousiaste, se rend compte que le Joker est en réalité beaucoup plus fou qu’avant, qu’il est devenu un véritable « monstre » mentalement et physiquement (« Tu étais un monstre! »). Lorsqu’il arrête Harley, il n’a d’autre choix que de la tuer.
Harley Quinn Film -Birds of Prey
Dans Suicide Squad # 14, Waller explique à l’un des membres: « Ecoutez, j’ai toujours cru que Harley ne pouvait pas vivre sans le Joker, mais la vérité est que c’est lui qui ne peut pas vivre sans elle. Il aime à sa manière il Harley et veut son approbation. « Après une longue lutte, le Joker s’assure qu’il lui appartient.
Il l’enferme dans une prison pleine de cadavres déguisés en Arlequin. Le Joker lui révèle qu’elle n’est pas la première Harley Quinn Elle parvient enfin à s’échapper, tandis que le Joker garantit que ce n’est qu’un changement. Il a dit ces mots: « Bien joué, ma chère. Tu pourrais être ma Harley. À sa façon, il promet de la récupérer de toute façon. Ce couple complètement fou est fou et se soutient mutuellement.
Le physique d’ Harley Quinn Film : Birds of Prey
À l’origine blonde aux yeux bleus, Harley subit plusieurs changements physiques causés par l’acide dans le réservoir où le joker le précipite. Elle a maintenant la peau blanche, tandis que ses cheveux sont rouges et noirs (ou bleus, selon la version). Elle porte un corset bleu et rouge avec un short (parfois un pantalon) de la même couleur et des bas assortis. Flexible et acrobatique, il est plus fort que dans les versions précédentes.
Dans le film Suicide Squad, Harley a des cheveux blonds avec des pointes colorées en bleu et rouge. Elle porte également un pull blanc et rouge avec des trous marqués « Daddy’s lil Monster » (« le petit monstre papa »). Elle porte une sorte de culotte bleue et rouge à paillettes, des chaussures à talons hauts à lacets, des collants résille et une veste rouge et bleue avec l’inscription « Property of Joker ». Cependant, l’actrice dit qu’elle n’aimait pas porter cette tenue.
Harley Quinn: Vie affective
Dans le nouvel univers DC, où Joker est le « créateur » de Harley Quinn, elle lui dédie toujours de l’amour. Cependant, leur relation n’a jamais été aussi violente, étrange et folle que jamais auparavant. En particulier, elle aura une courte avec Deadshot. Elle a également une relation libre / polyamoureuse avec Poison Ivy8,9,10. personnalité Nous avons développé un côté extrêmement sombre et mortel à Harleys depuis la création de l’univers DC. Parfois, elle est prête à trahir ses coéquipiers (Suicide Squad # 7). Sa relation avec le Joker n’a jamais été aussi violente et étrange, ils deviennent presque ennemis, sont fous et s’aiment à leur manière.
Harley Quinn Film – Birds of Prey
Suicide Squad, départ du projet d’Harley Quinn Film : Birds of Prey
Lors de sa sortie en 2016, Suicide Squad a fait exploser le box-office mais a donné faim aux fans. Les critiques pleuvent, assassinent, à la réalisation déchiquetée, un Jared Leto trop méthodique, des personnages mineurs qui manquent de relief, un scénario coupé des ellipses sauvages et des effets spéciaux coupables. Margot Robbie, la seule survivante de ce champ en ruine, comme une fleur sauvage s’échappant du ruisseau sale, à peine vêtue de son petit mini short que le réalisateur David Ayer a enfilé, se glisse dans la peau de Harley Quinn, un sage psychiatre dans le joker. L’actrice australienne offre une représentation dramatique de l’un des personnages les plus populaires et les plus rentables de DC Comics.
Même avant la fin des sons de Suicide Squad, Margot Robbie prend le risque de teaser l’idée Warner Bros : Birds of Prey, un spin-off ultra-féminin de Suicide Squad inspiré de DC Comics. Elle s’affirme comme productrice et s’implique pleinement dans le projet. Elle insiste immédiatement pour que sa réalisation soit portée par une femme. C’est la réalisatrice Cathy Yan, ancienne reporter de plusieurs courts métrages, qui convainc par sa vision folle et précise. Sa comédie dramatique Dead Pigs était populaire auprès de Sundance en 2018.
Harley Quinn Film : Birds of Prey : Un ton, une vision.
Harley Quinn Film : Birds of Prey montre un ton irrespectueux qui se rapproche de celui de Deadpool dans une atmosphère totalement rehaussée et un feu d’artifice de couleurs et de paillettes. Nous savourons et suivons goulûment l’histoire d’une Harley Quinn au cœur brisé qui noie son chagrin dans l’alcool, la violence et les sandwichs typiques aux œufs et au bacon de New York.
Pour la première fois, le scénario de Christina Hodson, spécialiste du thriller féminin, combine les personnages Black Canary (Jurnee Smollett-Bell), Huntress (Mary Elizabeth Winstead), Renée Montoya (Rosie Perez) et Cassandra Cain (Ella) sur l’écran Jay Basco) , Tout le monde déplie son histoire de fond en rythme syncopé et 100% jubilant sur des flashbacks imprévisibles. Le récit est également un reflet de l’esprit d’ouragan de Miss Quinn, qui franchit avec joie le quatrième mur. Une histoire sur un diamant volé tourne son cou au cliché de la fille matérielle.
Au revoir Joker, et bienvenue dans les cinq phases du chagrin, version Badass, puisque chacun des protagonistes a sa revanche pour prendre la vie (et les hommes). Elisabeth Kubler-Ross serait fière. Nous vivons la naissance des oiseaux comme une formation inférieure à l’histoire « fantastique » de Harley Quinn. Margot Robbie, moitié clown, moitié punk, trouve son épanouissement pleinement, cette fois en short, et fait face à une poignée de méchants qui veulent sa vie, y compris le super méchant Roman Sionis Slash Black Mask, joué par un souvent Ewan McGregor, peu de temps avant une dépression nerveuse et une hystérie botox, et Chris Messina, trop souvent sous-utilisé, dans le rôle ingrat de son partenaire Victor Zsasz.
Harley Quinn Film : Birds of Prey, aussi irrespectueux que possible, brisent joyeusement les codes de l’univers DC et leur accordent un immense respect, un cadrage et des effets spéciaux au traitement impeccable, signé Evan Schiff, que l’on retrouve au générique des deux derniers John Wick. Et si l’hommage aux diamants de la meilleure amie Marilyn ne met pas le feu à la poudre malgré ses accents à Baz Luhrmaniens, la séquence dans le parc d’attractions, décor classique de la bande dessinée, est sublimée par l’ingéniosité de la mise en scène.
Un vrai regret: la traduction intégrée des textes incrustés à l’écran en VO et non dans les sous-titres en VO, ce qui enlève quelques bons mots au spectateur. Un inconvénient: la bande-son inégale et ultra-féminine de Harley Quinn Film : Birds of Prey qui essaie de ratisser loin et de surfer trop souvent sur une popurbaine épuisante et autodéterminée, bien que certaines pistes soient parfaites à leur place, comme Heads Will Roll de Yeah Yeah Yeahs ou It’s so quiet de Lucy Woodward.
Mais Harley Quinn Film : Birds of Prey dans son ensemble tient sa promesse et se considère comme un hymne féministe, sans se prendre au sérieux. Dans ce monde humain sauvagement patriarcal, brutalement brisé par les jeunes oiseaux maléfiques (probablement la parole de 2020), Bromance flirte joyeusement avec un amour inconditionnel, et la fraternité prend le relais alors qu’elle pose des questions existentielles.
La vengeance étant un plat qui se mange….chaud,Harley Quinn Film : Birds of Prey est classé «R» aux États-Unis et interdit en France aux enfants de moins de 12 ans. Une suite indépendante de Suicide Squad est déjà en préparation.
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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Les Eurockéennes de Belfort : lefestival pour tous les publicsLes Eurockéennes de Belfort est un festival musical qui a lieu chaque année depuis 1989 sur le site du Malsaucy à Belfort, en France.
Cet événementpopulaire est le plus grand festival de musique alternative en France. Il est destiné à tous les publics et propose des concerts variés, des animations et des activités pour tous les âges et tous les goûts.Le festival se déroule généralement sur une période de quatre jours, du jeudi soir au dimanche soir.
Il se compose de plusieurs scènes où des artistes internationaux et locaux se produisent. Les genres musicaux représentés sont variés et incluent de la musique électronique, durock, de la pop, du rap, du folk, du funk, du hip–hop et bien plus encore. En plus des concerts, les Eurockéennes proposent également des activités pour les enfants, des stands de nourriture et des spectacles d‘artistes.
Le festival est l‘occasion pour les artistes de présenter leurs nouvelles chansons et leurs nouveaux albums aux festivaliers. Les Eurockéennes de Belfort sont également connus pour leur atmosphère conviviale et chaleureuse. Les artistes et les fans peuvent communiquer et se divertir ensemble, ce qui crée une ambiance unique et spéciale.
Les Eurockéennes ont lieu chaque année depuis 1989 et ont connu une croissance considérable depuis leur création. En 2016, le festival a attiré plus de 100 000 visiteurs. Il est maintenant reconnu comme l‘un des principaux festivals de musique en Europe et attire des artistes de renommée internationale.
Les artistes qui se sont produits lors des Eurockéennes comprennent des groupes tels que TheCure, Radiohead, Red Hot Chili Peppers,Muse et bien d‘autres encore.Le festival est aussi connu pour sa programmation variée et sa taille. Les Eurockéennes proposent généralement plus de 150 concerts et spectacles, ainsi que des activités et des stands de nourriture. Les Eurockéennes ont également un programme d‘activités pour les enfants, qui comprend des jeux, des spectacles et des ateliers.
Les Eurockéennes de Belfort sont un festival pour tous les publics. Il est accessible à tous et offre une grande variété de musique, d‘animations et d‘activités pour tous les âges. Les Eurockéennes proposent aux festivaliers une expérience musicale unique et inoubliable et sont une excellenteoccasion pour les artistes de se produire sur une scène internationale.
On se souvient des Red Hot Chily Peppers, The Cure, Jay Z, Aerosmith, Amy Winehouse Daft Punk ou encore Robert Plant. De nombreux styles de musique sont représentés: rock, électro, métal, mais aussi chansons françaises, pop, etc. De jeunes groupes locaux se produisent.
Fidèle à l’esprit de jeunesse éternelle, le festival n’a pas encore vieilli au début de sa troisième décennie et est encore une fois le miroir de son temps. Il conserve sa place parmi les événements musicaux historiques européens… Depuis 1989, 1 777 concerts avec un éclectisme prétendu ont ravi près de 2 813 000 festivaliers de tous âges, origines et nationalités!
La mixité des spectateurs et cette variété de styles abondants réunis au creux d’un cocon vert, un peu entre parenthèses du monde, sont synonymes de partage, d’émotions et de rencontres chaque année. Une communauté venant faire la fête dans le respect de la nature qui reste fidèle aux nombreux engagements solidaires d’un festival qui reste contre vent et marais 100% associatif et de tous ses partenaires, communautés et associations.
C’est une organisation à but non lucratif qui s’occupe du festival. Territoire de Musiques organise le festival et s’implique donc activement dans le développement culturel, économique et social de la région. L’association mène donc différentes actions et coopérations culturelles. Cet engagement dure toute l’année. Grâce au programme Eurocks Solidaires, le festival s’engage pour l’accès à l’année à la culture pour tous, la citoyenneté, l’inclusion sociale, la prévention et la protection de l’environnement.
FAQ sur les Eurockéennes de Belfort
Quand a lieu le festival?
Les Eurockéennes de Belfort se déroulent chaque année le premier week-end de juillet.
Où se trouve le festival?
Les Eurockéennes de Belfort se déroulent à Malsaucy, un lieu situé près de Belfort dans le Territoire de Belfort.
Quel est le prix des billets?
Les prix des billets varient selon la journée et le type de billet (week-end, pass journée, VIP, etc.). Les prix des billets sont disponibles sur le site web des Eurockéennes.
Y a-t-il des activités pour les enfants?
Oui, les Eurockéennes proposent une programmation adaptée à tous les âges. Il y a des activités pour les enfants et des animations pour les familles.
Est-ce que le festival est accessible aux personnes à mobilité réduite?
Oui, les Eurockéennes sont accessibles aux personnes à mobilité réduite. Il suffit de contacter l’équipe des Eurockéennes pour obtenir des informations et des conseils.
Est-ce qu’il y a des stands de restauration?
Oui, il y a plusieurs stands de restauration sur le site du festival. Des plats traditionnels et internationaux sont servis, ainsi que des options végétariennes et vegan.
Y a-t-il des stands de merchandising?
Oui, il y a des stands de merchandising sur le site du festival. Les visiteurs pourront acheter des articles et des souvenirs des Eurockéennes.
Est-ce que les animaux sont autorisés?
Non, les animaux domestiques ne sont pas autorisés sur le site des Eurockéennes.
Quelles sont les règles de sécurité?
Les visiteurs sont invités à respecter les règles de sécurité et à respecter les consignes du personnel du festival. Des fouilles sont effectuées à l’entrée pour des raisons de sécurité.
Y a-t-il des logements à proximité?
Oui, il y a des hébergements à proximité du site des Eurockéennes. Il y a des hôtels, des auberges de jeunesse et des campings à Belfort et à proximité.
La programmation de l’édition 1996 des Eurockéennes de Belfort
C’est le petit moment « vieux con ». Le moment où je vais commencer à dire que « c’était mieux avant… ». Pour être franc, cela me gêne de dire cela, mais lorsque je regarde la programmation des premiers festivals eurockéennes, il faut bien avouer que ça avait une autre gueule. Pas de mauvais procès, juste un petit retour dans le temps avec cette programmation qui sur 3 jours….fait aujourd’hui rêver.
VENDREDI 5 JUILLET 1996: SKWATT – ONEYED JACK – SILMARILS – LOUDBLAST – THE PRESIDENTS OF THE UNITED STATES OF AMERICA – FUGUCHERI – NTM – SEPULTURA– CYPRESS HILL –RED HOT CHILI PEPPERS – RAGGASONIC SAMEDI 6 JUILLET 1996: TRASHCAN JUICE – RED CARDELL – MIOSSEC – THEO HAKOLA – ASH –BECK – FRANK BLACK – ULTRA ORANGE– NICK CAVE – PATTI SMITH – LOU REED – MINISTRY DIMANCHE 7 JUILLET 1996 : GINKGO – BLUETONES – DOMINIQUE A. – THE AMPS – LITTLE RABBITS – GARBAGE – SKUNK ANANSIE –FOO FIGHTERS– DOG EAT DOG – DAVID BOWIE – FUN LOVIN’ CRIMINALS
Programmation de la 1er édition des Eurockéennes de Belfort
MAURANE – JACQUES HIGELIN – NINA HAGEN – ANGE – UNTEL UNTEL – E 127 – GAMINE – LES KIDNAPPÉS DE LA PLEINE LUNE – LES INFIDÈLES – LES CYCLISTES – ENIGMATIC LEGUME – JADE – PASCAL MATHIEU – RAVEL-CHAPUIS – CHRISTIAN BLONDEL – ZANIBONI – FABIENNE PRALON – LES LOLITAS – ELMER FOOD BEAT – EMMA ZITA- CHARLÉLIE COUTURE – ELVIS COSTELLO – NOIR DÉSIR ET LIFTIBA – LES GARÇONS BOUCHERS – LES ZAMANTS – CHIHUAHUA – LES RAVIOLETS – THE BLECH – THE RENEGADES – GIRLS WITHOUT CURLS – ANIMAL GROTESQUE – JEAN-LOUIS MAHJUN – MICHEL BUZON – VÉRONIQUE GAIN – MAMA BEA TEKIELSKI – COLETTE MAGNY – ANNA PRUCNAL
Programmation de la 2ème édition des Eurockéennes de Belfort
LES GARÇONS BOUCHERS – STEPHAN EICHER – HUBERT-FÉLIX THIÉFAINE – STÉPHANE RIVA – DAVY SPILLANE BAND – P.V.O- NUIT D’OCTOBRE – TOP MODEL – CHEB KADER – RICTUS – PARK CAFÉ – MISS B HAVEN – ALAIN BASHUNG – TROVANTE – CARLOS SANTANA – THE ESSENCE – AUKTSION – ORKEZTRA LUNA – TRIO BULGARKA – ARNO – ROÉ –TRYPES – KUNSERTÙ – KHÉOPS – JEAN-LOUIS AUBERT – TEXAS
Programmationde la 3ème édition des Eurockéennes de Belfort
House Of Love, INXS, Joe Jackson, Mano Negra, Pixies, Raoul Petite, Axel Bauer, Cecil’ No, El Ultimo, Elmer Food Beat, James, John Cale, Kromozom, Lefdup, Pigalle, Red Rain Coat, The Charlatans, The Wailers, V.V., Les VRP, Au P’tit Bonheur, Garaz, Jivaros Quartet, Kheops, La Strada, Les Tétines Noires, Lionel D., One Million Bulgarians, Shredded Ermines et Wromble Experience.
Programmation de la 4ème édition des Eurockéennes de Belfort
Bob Dylan, Bryan Adams, James Brown, Lou Reed, Moe Tucker, Morrissey, Ned’s Atomic Dustbin, Rufus Thomas, The Wedding Present, Alpha Blondy, Black Maria, Charlélie Couture, Dix Petits Indiens, Dominic Sonic, Fishbone, Fools, Jade, Les Négresses Vertes, Little Nemo, Love Bizarre, Manic Street Preachers, Mike Rimbaud, Milena, Sapho, Sunset, Urban Dance Squad, Welcome To Julian, Wilko Johnson, Anechoïc Chamber, Betty Boop, Francis Décamps, Happy Drivers, Kafkha, La Nuit Venue, Les Freluquets, Les Infidèles, Planète Zen et Résistance de faire vibrer les festivaliers
Programmation de la 5ème édition des Eurockéennes de Belfort
Black Crowes, Jean-Louis Aubert, Lenny Kravitz, Living Colour, Midnight Oil, Noir Désir, Willy DeVille, Calvin Russel, Chris Isaak, Disposible Heroes of Hiphoprisy, Faith No More, Galliano, Jesus Jones, Lemonheads, Little Bob, MC Solaar, Sonic Youth, The Frank and Walters, Ziggy Marley, Ça Plait Aux Filles, Democrate D., French Lovers, Gene Clarcksville, Sages Poètes de la Rue, Massilia Sound System, Mau Mau, Ménélik Et La Tribu, Mr Kuriakin, Rattlesnakes, Roadrunners, Soon EMC, Tom Fools et Blonde Amer.
Programmation de la 6ème édition des Eurockéennes de Belfort
Björk, Khaled, The Pretenders, Rage Against the Machine, Rita Mitsouko, Stephan Eicher, ZZ Top, Blind Fish, Burma Shave, Chaka Demus & Pliers, F.F.F., Gary Clail, Grant Lee Buffalo, IAM, Thugs, Morphine, Spin Doctors, Swell, The Posies, Therapy?, Fabulous Trobadors, Fly And The Tox, Helmet, Human Spirit, No One Is Innocent, Nyah Fearties, Rachid Taha, Sons Of The Desert et Well Spotted.
Programmation de la 7ème édition des Eurockéennes de Belfort
Blur, The Cure, Jamiroquai, Page & Plant, Public Enemy, Renaud, Sheryl Crow, Terence Trent d’Arby, Ange, Arno, Ben Harper, Body Count, Dave Matthews Band, dEUS, Dreadzone, Earthling, Edwyn Collins, Jeff Buckley, Oasis, Paradise Lost, Paul Weller, The Roots, Rosco Martinez, Senser, Spearhead, 18th Dye, Aleister, Alliance Ethnik, Burning Heads, Dag, Gérald De Palmas, Dodge Veg-O-Matic, Juliabirds, Marauder’s, Oil-Len, Phobimaniacs, Silverchair, Supergrass et Ultimatum.
Programmation de la 8ème édition des Eurockéennes de Belfort
Beck, David Bowie, Foo Fighters, Lou Reed, Nick Cave and The Bad Seeds, Red Hot Chili Peppers, Sepultura, Skunk Anansie, Presidents of the United States of America, Ash, The Bluetones, Dog Eat Dog, Frank Black, Fun Lovin’ Criminals, Me’shell Ndegeocello, Ministry, Miossec, NTM, Patti Smith, Raggasonic, Silmarils, Aston Villa, The Bates, Dominique A, Fugucheri, Ginkgo, Little Rabbits, Loudblast, Oneyed Jack, Red Cardell, Skwatt, Théo Hakola, Trashcan Juice et Ultra Orange.
Programmation de la 9ème édition des Eurockéennes de Belfort
En 1997, les organisateurs recrutent Mad Pop’X, Addict, Channel Zero, Biohazard, Mass Hysteria, Live, Radiohead, Spicy Box, Supergrass, The Smashing Pumpkins, The Chemical Brothers, Oobik and the Pucks, Stereophonics, Melville, Baby Bird, No One Is Innocent, Nada Surf, Marcel et son Orchestre, FFF, Noir Désir, Sloy, 16 Horsepower, Silverchair, Rollins Band, Placebo, Paul Personne et Suede.
Programmation de la 10ème édition des Eurockéennes de Belfort
Cornershop, Faudel, Heather Nova, Iggy Pop, Jon Spencer Blues Explosion, Louise Attaque, NTM, Portishead, Pulp, Rammstein, Sean Lennon, Suicidal Tendencies, Texas, Asian Dub Foundation, Cubanismo, Divine Comedy, Dolly, Hotei, Jean-Louis Aubert, Morcheeba, Passi, Pigalle, Pills, Prodigy, Underworld, Automatics, Awake, CSI, Djoloff, Fonky Family, Hare, Jeremy, Jim White, K’s Choice, Marc Em, Tabula Rasa, Tortoise et Useless.
Programmation de la 11ème édition des Eurockéennes de Belfort
Al Green, Blondie, Eagle-Eye Cherry, Lenny Kravitz, Marilyn Manson, Matmatah, Metallica, Monster Magnet, Placebo, Skunk Anansie, Hubert-Félix Thiéfaine, Angra, Black Crowes, The Cardigans, Cheb Mami, Gus Gus, Lofofora, LTNO, Mass Hysteria, Mercury Rev, P18, Pierpoljak, Stereophonics, Tricky, Bloodhound Gang, Calexico, Cree Summer, Creed, Everlast, Faf Larage, Jail, JMPZ, Masnada, Mercyful Fate, Miskeen, NOI, Polar, Popa Chubby, Rinôçérôse, Shovel et Virago.
Programmation de la 12ème édition des Eurockéennes de Belfort
Oomph!, The Cranberries, Slayer, Fu Manchu, Muse, Coldplay, Nine Inch Nails, Alanis Morissette, Venus, -M-, Tryo, Skirt, Mister Gang, Dionysos, The Cranberries, Les Rita Mitsouko, Macy Gray, Day One, France Cartigny, Emilíana Torrini, Asian Dub Foundation, Laurent Garnier, Massilia Sound System, Femi Kuti, A Perfect Circle, Oasis, St Germain, Mukta, Moby et Eels.
Programmation de la 13ème édition des Eurockéennes de Belfort
La Ruda Salska, Skull, Incubus, Matmatah, Yann Tiersen, Tété, La Nef des Fous, Mass Hysteria, Les Têtes Raides, Enhancer, K’s Choice, Disiz La Peste, Burning Spear, The Young Gods, Tricky, La Brigade, Anthony B, Joseph Arthur, Rae & Christian, Freestylers, Ben Harper, Nashville Pussy, Pleymo, Dies Coroles, Marcel et son Orchestre, Amadou et Mariam, Mass Hysteria, K2R Riddim, Sergent Garcia, Le Peuple de l’Herbe, Badmarsh & Shri, Fantômas et Iggy Pop.
Programmation de la 14ème édition des Eurockéennes de Belfort
Flying Donuts, Buju Banton, Pleymo, Les Joueurs de Biques, Bulle, The (International) Noise Conspiracy, Sinclair, Mclusky, New Bomb Turks, Saïan Supa Crew, The Bellrays, Noir Désir, Bilal, Archive, Antipop Consortium, Soulfly, The Herbaliser, Meï Teï Shô, High Tone, Alec Empire, Planeausters, Rival Schools, Liquid Laughter Lounge Quartet, Aston Villa, Guem & Bouto Experience, Tarmac, Frédéric Galliano & African Divas, Ska-P, Watcha, Gomez, Opus Akoben, Lofofora, N*E*R*D, Air, Miro, The Chemical Brothers, Heroes Of Kingston, Burning Heads, Vitalic, Miss Kittin & The Hacker, Tournelune, Hawksley Workman, Un Air Deux Familles, Whysome, The Notwist, Wormachine, Travis, Dj Logic, Reverend Beat-Man, Michael Franti & Spearhead, Muse, Trio Mocoto, Sizzla, Sainkho Namtchylak, Rammstein et Gotan Project font vibrer les festivaliers.
Programmationde la 15ème édition des Eurockéennes de Belfort
Z-Tribe, Toots and the Maytals, The Datsuns, Mxd, Mickey 3D, La Vieille Ecole, Zenzile, The Rapture, The Roots, Sleeppers, Stone Sour, Console, Radiohead, Nostromo, The Streets, Arto Lindsay, Peaches, Les Wampas, Ellen Allien, Mike Ladd, Hexstatic, Second Rate, AqME, Leopold Kraus Wellenkapelle, Hell Is For Heroes, Tokyo Ska Paradise Orchestra, Electric Six, Noise Surgery, La Rumeur, Dionysos, Tom McRae, Themselves – Sage Francis – Sole, Tricky, LCD Soundsystem, Death in Vegas, Suicide, Slayer, 2 Many Djs, I Monster, Fat Truckers, Eiffel, The Polyphonic Spree, Kerplunk!, Zebda, Tony Allen, Nada Surf, Marrakech Emballages Ensemble, Dave Gahan, Jaga Jazzist, Watcha, Blackalicious, Asian Dub Foundation, Tomahawk, Underworld, Stupeflip, Massive Attack et Melvins.
Programmation de la 16ème édition des Eurockéennes de Belfort
Luke, Membrane, No One Is Innocent, Two Tone Club, An Pierlé et la Synfonietta de Belfort, Jr Ewing, IAM, Broken Social Scene, Franz Ferdinand, Avril, -M-, Zero 7, Ben Kweller, Chk Chk Chk, Placebo, Lyrics Born, Lifesavas, Capleton, TV on the Radio, Ralph Myerz & The Jack Herren Band, Mono, Drey, Elista, AS Dragon, Tim Patience Watch, Herman Düne, Girls in Hawaii, Daniel Darc, Seeed, Buck 65, Shrink Orchestra, PJ Harvey, Youngblood Brass Band, Alain Bashung, Grandbuffet, Automato, RJD2, The Perceptionists, Pixies, An Albatross, Scissor Sisters, Agoria, Sludgefeast, An Albatross, Serotonine, Blonde Redhead, Doctor L, Svinkels, X-Vision, The Cat Empire, Lust, Amp Fiddler, Le Peuple de L’Herbe, Belle and Sebastian, Antibalas Afrobeat Orchestra, Slipknot, The Rapture, Groove Armada, The Dillinger Escape Plan, Shetou, Korn, Wang Lei et High Tone.
Programmation de la 17ème édition des Eurockéennes de Belfort
Bloc Party, Blumen, Bright Eyes, Bumcello, The Chemical Brothers, CocoRosie, Eagles of Death Metal, Electrelane, Émilie Simon et la Synfonietta de Belfort, The Go! Team, Gomm, Interpol, Jamie Lidell, Jean Grae, Kaizers Orchestra, Ken Boothe, Konono n°1, La Phaze, Little Barrie, Nine Inch Nails, Queens of the Stone Age, Saul Williams, Taf, T.Raumschmiere, Twaii, Amadou et Mariam, Bonnie Prince Billy, Cake, Cali, Common, Dälek, Elkee, Eths, Garbage, Ghinzu, Kas Product, Mastodon, Moodymann, Morgan Heritage, The National, Nosfell & Ez3kiel, Tom Vek, Raw-T, Raphael Saadiq, Torm, Vitalic, Andrew Bird, Amon Tobin, Balkan Beat Box, The Bravery, Isis, The Killers, Kraftwerk, Le Tigre, Louise Attaque, Marcelo D2, Mass Hysteria, Monsieur Z, Nosfell, Plant Life, Röyksopp, Slum Village, Sonic Youth, Tom Vek, Tom Ze, Toxic Kiss, TTC et Turbo Trio.
Programmation de la 18èmer édition des Eurockéennes de Belfort
Daft Punk, Deftones, The Strokes, Dionysos & la Synfonietta de Belfort, Gojira, Anaïs, Arctic Monkeys, Damian Marley, Gossip, Seun Kuti & Fela’s Egypt 80, Two Gallants, Venus, Atmosphere, NonStop, Polysics, Poni Hoax, Malajube, Dj Aï, Brother Ali, Benjie, Hellbats, Jack and the Beared, Fancy, ZZZ, Uffie feat. DJ Feadz, Winston McAnuff & Bazbaz Orchestra, AsherAsher, Adam Kesher, Depeche Mode, Morrissey, Coldcut, Enhancer, Infadels, Philippe Katerine, Camille & The Pascals, The Sunday Drivers, Hushpuppies, Spank Rock, Apsci, La Caution, Spleen, Last Minutes, I Love UFO, Teitur , Nathan Fake, Animal Collective, Fat Freddy’s Drop, Sébastien Martel, Spleen, Camille, Free’s B, Jahcoustix, Fidel Nadal, Asher, A Brand, Duracell, The Young Knives, Muse, Sigur Rós, Archive, Blackalicious, Mogwaï, Dominique A, Art Brut, Cult of Luna, Islands, Les Georges Leningrad, We Are Wolves, Ghislain Poirier, Omnikrom, Duchess Says, Aberfeldy, Giant Drag, Bo Weavil, Las Ondas Marteles, Dahlia, My Baby Wants To Eat Your Pussy, Aloan, Le Crapo du Marais, DJ Mehdi, John Lord Fonda et Asher font vibrer les festivaliers.
Programmation de la 19ème édition des Eurockéennes de Belfort
Marilyn Manson, Juliette and the Licks, Wu-Tang Clan, Les Rita Mitsouko, Amy Winehouse, Kaolin, Justice, Gogol Bordello, Griots and Gods, Clipse, Converge, Peter von Poehl, Archie Bronson Outfit, Punish Yourself, Hellbats, Iltika, Hollow Corp., The Hives, Queens of the Stone Age, Phoenix, JoeyStarr, Olivia Ruiz, Editors, Abd Al Malik, Digitalism, Maxïmo Park, Cold War Kids, Tokyo Ska Paradise Orchestra, I’m from Barcelona, Bassekou Kouyaté, Tumi and The Volume, Stones Throw, Scanners, Blanche, Deerhoof, Shitdisco, Heavyweight Dub Champion, Stellardrive, For My Hybrid, Navel, Arcade Fire, Tryo, Air, The Good the Bad and the Queen, TV on the Radio, Laurent Garnier, Bikini Machine, Sick of it All, Bitty McLean, Klaxons, Hatebreed, Loney Dear, Goose, Pelican, 65DaysofStatic, Stuck in the Sound, Stellardrive, The Audience et Cocoon.
Programmation de la 20ème édition des Eurockéennes de Belfort
Massive Attack, Ben Harper, Arno, Cat Power, Keny Arkana, Gossip, dEUS, Comets On Fire, Calvin Harris, Missill, Yules, Galactic, Genghis Tron, T, La Bande Originale, Biffy Clyro, SoKo, A Place to Bury Strangers, The Mondrians, Nortec Collective, Faso Kombat, Cadence Weapon, Grinderman, N.E.R.D., Cavalera Conspiracy, The Wombats, CSS, Camille, Sharon Jones & The Dap Kings, The Dø, Alborosie, Daniel Darc, Sébastien Tellier, November Forever, Xavier Rudd, Lady Saw, Vampire Weekend, Kasai Allstars, Red Sparowes, Generic, Shape of Broad Minds, Love Motel, Santogold, Fucked Up, The Seducers, The Cool Kids, Moby, The Offspring, Cali, Band Of Horses, MGMT, Babyshambles, Sinik, Gnarls Barkley, Danko Jones, Ez3kiel, The Blakes, Electric Electric, French Cowboy, Seasick Steve, Future of the Left, Nash, Holy Fuck, Battles, Dan Le Sac vs Scroobius Pip, Lykke Li, Yeasayer, Girl Talk et Sna-fu Grand Désordre Orchestre.
Programmationde la 21ème édition des Eurockéennes de Belfort
The Prodigy, Cypress Hill, Ghinzu, Yeah Yeah Yeahs, Capitaine Bertine, Les Wampas, The Kills, The Bronx, Diplo, Oxmo Puccino, Alela Diane, Chapelier Fou, Crookers, Dananananakroyd, The Ting Tings, Emilíana Torrini, Kap Bambino, Naïve New Beaters, Rolo Tomassi, The Feeling Of Love, La Roux, King Khan & The Shrines, Hockey, Sefyu, The Noisettes, Rye Rye, Tieuma, Kanye West, Pete Doherty, Groundation, Birdy Nam Nam, Tricky, Olivia Ruiz, The Answer, Lauter, Kylesa, Nneka, Passion Pit, Schwefelgelb, Solange la Frange, Sophie Hunger, The Asteroids Galaxy Tour, The Temper Trap, Torche, Peter Bjorn and John, Magistrates, Amanda Blank, Slipknot, Laurent Garnier, Gojira, Kool Shen, Phoenix, Charlie Winston, Rodrigo y Gabriela, Sliimy, Electrons Libres, Florence And The Machine, Friendly Fires, Glasvegas, Jaromil, Just Jack, Staff Benda Bilili, Stuck in the Sound, The Pains of Being Pure at Heart, Tinariwen, Yuksek, Sleepy Sun, Zone Libre vs Casey et Hamé, The Inspector Cluzo et Curtiss font vibrer les festivaliers.
Programmation de la 22ème édition des Eurockéennes de Belfort
FM Belfast, The Gaslamp Killer, Schlachthofbronx, Bomba Estéreo, Jay-Z, Kasabian, Charlotte Gainsbourg, Missy Elliot, Hot Chip, The Dead Weather, The Black Keys, Foals, Sophie Hunger, Piers Faccini, Patrick Watson, Suicidal Tendencies, BB Brunes, Converge, Infectious Grooves, The Subs, Chromeo, Baroness, Rox, Two Door Cinema Club, King Midas Sound, Filiamotsa, The Picturebooks, The Wankin’ Noodles, The Hives, The Specials, The XX, Airbourne, Broken Social Scene, Vitalic, Ghinzu, Émilie Simon, General Elektriks, Omar Souleyman, Hindi Zahra & El Tanbura, Serena Maneesh, Memory Tapes, The Bewitched Hands, Janelle Monáe, Selah Sue, Radio Radio, We are Enfant terribles, Le Prince Miiaou, Sexy Sushi, Afrodizz, Oy, Colt Silvers, Elektrisk Gønner, Mika, Massive Attack, Julian Casablancas, The Drums, Gallows, LCD Soundsystem, Bloody Beetroots, Empire of the Sun, Health, Fuck Buttons, Beast, Martina Topley Bird, Woven Hand & Muzsikás, Wildbirds & Peacedrums, The Middle East, Gablé, Action Beat, My Own Private Alaska, Kid Bombardos, My Lady’s House et Rien.
Programmation de la 23ème édition des Eurockéennes de Belfort
En 2011, les organisateurs recrutent Tryo, The Ting Tings, Tiken Jah Fakoly, Paul Kalkbrenner, Les Hurlements d’Léo, Keziah Jones, Beth Ditto, Staff Benda Bilili, Stromae, And So I Watch You From Afar, Wu Lyf, Carte Blanche, The Electric Suicide Club, Cheers, Metronomy, The Shoes, True Live, Les Savy Fav, Battles, Queens of the Stone Age, Motörhead, Birdy Nam Nam, Gaëtan Roussel, Raphael Saadiq, House Of Pain, Boys Noize, Anna Calvi, Ullmann Kararocke, Padwriterz, King Automatic, Drums Are For Parades, Mars Red Sky, Medi, Atari Teenage Riot, Funeral Party, Kyuss, Arcade Fire, Arctic Monkeys, Beady Eye, The Dø, Katerine, Moriarty, Aaron, Crystal Castles, Ullmann Kararocke, Nasser, Honey For Petzi, Hit By Moscow, Binary Audio Misfits, Mona, Karkwa et Odd Future.
Programmation de la 24ème édition des Eurockéennes de Belfort
Dionysos, Gentleman, Hubert-Félix Thiéfaine, Shaka Ponk, Amadou et Mariam avec Bertrand Cantat, C2C, Hanni El Khatib, The Kooks, Factory Floor, Hank Williams III, Hollie Cook, Los Disidentes Del Sucio Motel, The Mars Volta, Art District, Christine, Näo, Sahab Koanda & Le Kokondo Zaz, Dropkick Murphys, Justice, Mastodon, Sallie Ford & The Sound Outside, The Cure, Cerebral Ballzy, Die Antwoord, Miike Snow, Thee Oh Sees, Wiz Khalifa, Busy P, Django Django, Electric Guest, Jesus Christ Fashion Barbe, Kavinsky, Kindness, SebastiAn, Skream And Benga, Sgt Pokes, Frànçois and The Atlas Mountains, Hathors, Marie Madeleine, Murkage, 1995, Alabama Shakes, Cypress Hill, Jack White, Carbon Airways, Charlie Winston, Le Comte de Bouderbala, Orelsan, Refused, Chinese Man, Cie Transe Express, Lana Del Rey, Miles Kane, Set & Match, Brian Jonestown Massacre, Dope D.O.D, Poliça, Reggie Watts et The Buttshakers.
Programmation de la 25ème édition des Eurockéennes de Belfort
Jamiroquai, -M-, Asaf Avidan, Alt-J, Wax Tailor, Boys Noize, Major Lazer, Gary Clark Jr., Joey Bada$$, Skaters, La Femme, Juveniles, Parquet Courts, Chapelier Fou, Mesparrow, The Smashing Pumpkins, Archive, The Bloody Beetroots, Woodkid, Airbourne, Skip the Use, Lilly Wood & The Prick, Gesaffelstein, Deap Vally, Action Bronson, Danny Brown, FIDLAR, Beware of Darkness, Jupiter & Okwess Int., Trash Talk, Matthew E. White, Electric Electric, Pih Poh, Le Club des Justiciers Milliardaires d’Abidjan, Phoenix, Two Door Cinema Club, Kery James, Kavinsky, Lou Doillon, Dinosaur Jr., Busy P, A$ap Rocky, Black Rebel Motorcycle Club, Valerie June, Matisyahu, Rich Aucoin, Is Tropical, Jackson and his Computer Band, Mykki Blanco, Cassius, Fauve, JC Satàn, Von Pariahs, Oy, Yules, Griefjoy, The Strypes, Blur, Skunk Anansie, My Bloody Valentine, Keny Arkana, Tame Impala, MassHysteria, Neurosis, The Black Angels, The Vaccines, Disclosure, Palma Violets, Graveyard, Red Fang, Hyphen Hyphen, Chvrches, Kvelertak et Da Octopuss.
Programmation de la 26ème édition des Eurockéennes de Belfort
les Pixies, Stromae, Détroit, Reignwolf, Metronomy, Casseurs Flowters, Findlay, Fat White Family, Mø, Benjamin Clémentine, Trash Talk, Gramatik, The Daptone Super Soul Revue, Temples, Odezenne, Salut c’est cool, MOFO Party Plan, Hermigervill, Skrillex, Franz Ferdinand, Shaka Ponk, Gaëtan Roussel, M.I.A., The Parov Stelar Band, Jagwar Ma, Little Dragon, D-Bangerz Bondax, Drenge, Circa Waves, Pegase, Brodinski, Travi$ Scott, Freddie Gibbs, Young Fathers, Kaytranada, Cashmere Cat, Jungle, Louisahhh!!!, Club Cheval, Manu Le Malin, The Black Keys, Robert Plant and The Sensational Space Shifters, Patrice, Volbeat, Fauve, Biffy Clyro, Foster the People, Crew Peligrosos, Schoolboy Q, SBTRKT, Dakhabrakha, A Tribe Called Red, I Am Legion, Uncle Acid and The Deadbeats, Jonwayne, Nathalie Natiembé, Ghost, Goat et Catfish.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
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C’est la société Bicom qui depuis maintenant 15 ans, réalise les affiches du festivalHellfest. Sur les 14 affiches on remarque des similitudes dans la construction du visuel : Le nom du festival HELLFEST au premier plan, la liste des artistes présents en second plan et un visuel sombre, dans l’ambiance du festival en arrière-plan. Cette construction est toujours respectée et a été conservée depuis la création du festival en 2006.
Les 4 premières affiches du Hellfest Festival (de 2006 à 2009), mettent l’ensemble des artistes présents sur le devant de la scène. On peut supposer que l’objectif aux prémices du festival était de démontrer la diversité des groupes, des artistes et des styles musicaux. Ce qui explique la domination textuelle présente sur les affiches par rapport au nom du festival encore peu connu du public. On constate aussi une recherche d’identité dans le design du logo qui change à chaque édition du festival jusqu’en 2009.
HELLFEST programme 2010 – 2013 : Une identité solide et durable
Dès 2010, le logo plus construit et plus travaillé, le festival le conservera. Cette nouvelle identité se fond parfaitement dans l’ambiance du festival et des affiches, ce qui nous met dans l’atmosphère de l’événement avant le jour-J ! Avec cette identité claire et cohérente et un événement qui devient de plus en plus qualitatif au fil des années, le festival ne va pas tarder à se faire un nom sur la scène des musiques « extrêmes »…
HELLFEST programme 2014 – 2017 : Une notoriété s’installe
A partir de 2014, les affiches du HELLFEST festival deviennent plus légères, laissant plus de place à l’image choisie. Le festival commence à privilégier la valorisation des têtes d’affiches par rapport à la multitude d’artistes. On peut comprendre que la notoriété du festival monte en flèche, ils peuvent donc se contenter de communiquer sur les grands noms de l’événement.
HELLFEST programme 2018 – 2019 : Une nouvelle ambiance, plus « souple »…
Depuis 2018 le programme du Hellfest festival a pris un tournant souple. Terminée l’ambiance agressive et « violente » ! L’atmosphère est beaucoup plus calme, on peut même faire le rapprochement avec un climat paranormal. On peut aussi imaginer que le festival s’est inspiré de séries à succès telles que « Stranger Things » dans la mise en place de cette nouvelle ambiance.
On peut interpréter ce changement par la recherche d’un public plus large. En ayant une communication moins provocante et agressive, le festival va sans doute attirer un public plus familial.
La qualité est toujours au rendez-vous au niveau des visuels. Cette même qualité qui se retrouve sur chaque communication du festival. Cette communication est travaillée de manière à ne pas vendre uniquement un festival , mais également un état d’esprit.
Pour ceux qui ont eu la chance de participer au festival, chaque détail, chaque finesse graphique est léchée. Le Hellfest n’est pas uniquement un rassemblement musical, c’est aussi un état d’esprit que les organisateurs amènent dans la communication.
Le tour de force du Hellfest est d’avoir rassemblé les différents courants du métal dans une immense fête où se pressent 150.000 spectateurs à chaque édition.
Eric Canto, photographe de festival, concert et portraits artistes :
Eric Canto est photographe de concert et festival depuis de nombreuses années. Il a eu l’occasion de réaliser des photographies pour de nombreux artistes connus, avec par exemple la cover de l’album « Hellfest » de Mass Hysteria. Découvrez son travail :
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
En plus d’être un grand photographe de guerre, Robert Capa était un photojournaliste au sens large du terme qui a su capter les émotions, les drames ou les joies avec le même talent et donner au monde un regard qui n’est pas sans humour, mais toujours bienveillant.
« Si ta photo n’est pas assez bonne, c’est que tu n’étais pas assez près » devise de Robert Capa
Qui est Robert Capa ?
Robert Capa était un photojournaliste et photographe de guerre hongrois, né le 22 octobre 1913 à Budapest et mort le 25 mai 1954 à Thai Binh au Vietnam. Il est considéré comme l’un des plus grands photographes de guerre de l’histoire et a couvert plusieurs conflits majeurs du XXe siècle, notamment la guerre d’Espagne, la Seconde Guerre mondiale et la guerre d’Indochine.
Il est notamment célèbre pour sa photographie « The Falling Soldier », prise pendant la guerre d’Espagne, qui montre un soldat républicain espagnol en train de tomber au moment de sa mort. Capa a également cofondé l’agence de presse Magnum Photos en 1947, avec entre autres Henri Cartier-Bresson, George Rodger et David « Chim » Seymour. Sa vie et son œuvre ont inspiré plusieurs livres et films, et il est encore aujourd’hui une figure emblématique du photojournalisme.
robert capa photos
Robert Capa, un jeune immigré …
Robert Capa est né André Friedmann le 22 octobre 1913 à Budapest, en Hongrie. Il a grandi dans une famille juive, avec son frère aîné Cornell, qui deviendra plus tard réalisateur de films documentaires. Dans les années 1930, Robert Capa étudie la photographie à Berlin, où il rencontre la photographe Gerda Taro, avec qui il formera plus tard le célèbre duo « Capa et Taro ».
En 1933, Capa fuit l’Allemagne nazie pour Paris, où il commence à travailler en tant que photographe indépendant pour des magazines tels que Vu et Regards. Il adopte le nom de Robert Capa pour faciliter sa carrière et se faire passer pour un photographe américain, car le marché de la photographie était plus lucratif aux États-Unis.
En 1936, Capa et Taro partent pour l’Espagne pour couvrir la guerre civile espagnole. C’est là que Capa prendra certaines de ses photographies les plus célèbres, dont « The Falling Soldier ». Après la mort de Taro dans un accident de travail en 1937, Capa continue à travailler comme photographe de guerre, couvrant notamment la Seconde Guerre mondiale et la guerre d’Indochine. Il cofondera également l’agence de presse Magnum Photos en 1947, qui deviendra l’une des plus importantes agences photographiques du monde.
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Particularité des photos de robert capa
Les photos de Robert Capa se caractérisent par leur réalisme et leur proximité avec le sujet photographié, ce qui donne une impression d’immersion dans la scène et de vivacité. Capa a été l’un des premiers photographes de guerre à travailler avec des appareils photo légers et portables, qui lui ont permis de se déplacer rapidement et de capturer des moments spontanés sur le vif.
Capa a également été connu pour sa capacité à saisir l’émotion et l’humanité dans des situations de guerre, en montrant les aspects les plus personnels et les plus intimes de la vie des soldats et des civils. Ses photographies de la guerre d’Espagne, en particulier, ont été considérées comme particulièrement émouvantes et poignantes, montrant les effets de la guerre sur les gens ordinaires.
Enfin, Capa était également connu pour son utilisation de la technique du flou de mouvement, qui consiste à bouger intentionnellement l’appareil photo pendant la prise de vue, créant ainsi une impression de mouvement et de dynamisme dans l’image. Cette technique a été utilisée de manière particulièrement efficace dans l’une de ses photos les plus célèbres, « The Falling Soldier », prise pendant la guerre d’Espagne.
Robert Capa
« En attendant Robert Capa »
« En attendant Robert Capa » est un roman de Susana Fortes publié en 2010. Il s’agit d’un roman historique qui explore la vie et l’œuvre de deux célèbres photojournalistes de guerre, Gerda Taro et Robert Capa, qui ont couvert la guerre civile espagnole dans les années 1930.
Le roman est construit autour d’une histoire d’amour fictive entre Taro et Capa, qui se rencontrent à Paris avant de partir ensemble en Espagne pour couvrir la guerre. Le livre suit leurs aventures sur le front, ainsi que leur relation amoureuse tumultueuse.
Le titre du roman fait référence à la phrase célèbre de Capa : « Si vos photos ne sont pas assez bonnes, c’est que vous n’êtes pas assez près », soulignant l’importance de la proximité et de l’immersion dans le sujet photographié. Le livre explore également les enjeux éthiques et moraux de la photographie de guerre, ainsi que le rôle des photojournalistes dans la documentation de l’histoire et la création de l’opinion publique.
La naissance de robert capa photos
Pour son pseudonyme Capa, André Friedmann s’est apparemment inspiré du nom de Frank Capra, un réalisateur américain d’origine sicilienne dont le film New York-Miami (It Happened One Night) a reçu des Oscars en 1934. Selon d’autres sources, il était appelé « Cápa » (requin en hongrois) depuis son enfance.
Le prénom a une origine similaire puisqu’il a été emprunté à Robert Taylor. Dans le même temps, Gerda a adopté le pseudonyme Taro. Le nom de Gerda Taro correspondait vaguement à celui de Greta Garbo. En 1934 ou 1935, Capa tient un rapport à Lisieux lors d’une des nombreuses cérémonies religieuses liées au culte de Sainte Thérèse, dont la Bibliothèque nationale a acquis une série de « volumes » de France début 2004.
Ces photographies très modernes n’ont été ni publiées dans la « bonne presse » ni dans la presse générale de l’époque, qui préférait les vues générales aux sujets locaux, montrant l’ampleur des manifestations et l’afflux de pèlerins.
Robert Capa
Robert Capa et la guerre d’Espagne
C’est la guerre d’Espagne qui a permis à Capa et, dans une moindre mesure, à Gerda Taro d’apparaître comme reporters photographes. La guerre a éclaté le 17 juillet 1936. À partir du 5 août, Capa et Taro, envoyés par le rédacteur en chef de Vu Lucien Vogel, sont arrivés à Barcelone et ont commencé à photographier les combats, Capa avec un Leica et Taro avec un Rolleiflex. Dans l’esprit des jeunes, ces caméras n’étaient pas seulement un moyen de subsistance mais aussi une arme pour obtenir un soutien international pour la cause républicaine.
À la gare de Barcelone, ils ont photographié les soldats qui sont partis pour le front d’Aragon et se sont séparés de leurs épouses ou fiancées. Ils se sont ensuite rendus à Huesca et à Saragosse, une région où de nombreux réfugiés allemands ont servi dans les milices, ce qui a facilité le commerce.Le milicien espagnol
Dès son premier voyage sur le front de Cordoue, Capa a pris la célèbre photo de la milice espagnole qui a été touchée par des balles, et la photo a fait le tour du monde et suscité des commentaires enthousiastes. Bien que très controversée, elle est à l’origine du mythe Capa. Il a été publié pour la première fois par le magazinefrançais Vu et un an plus tard par Life et est l’une des images les plus importantes de l’histoire de la photographie.
Ils sont arrivés à Madrid le 18 novembre; Robert Capa a passé la plupart du temps avec le XII. Brigade internationale, dont le commandant, un homme énergique et charismatique, le général Lugar Lukács et le commissaire politique Gustav Regulator, que Robert Capa avait rencontré à Paris, faisaient partie d’une association d’écrivains allemands émigrés. Ils ont ensuite photographié les réfugiés d’Almeria et de Murcie.
Au début de mars 1937, Capa et Taro ont commencé à travailler à Tonight, un magazine de front populaire de la plus jeune création, dont le rédacteur en chef était Louis Aragon. Ils ont photographié les batailles près de Bilbao (une région industrielle dont Franco s’intéressait aux ressources) et la bataille de Sollube le 7 mai. Ils sont rentrés à Madrid fin mai et se sont installés à l’hôtel Florida, siège des journalistes et des intellectuels, où ils ont rencontré Hemingway.
Le 31 mai, Capa et Taro étaient à Paso de Navacerrada, près de Ségovie, pour rendre compte de la malheureuse offensive républicaine décrite par Hemingway dans For Whom the Bell Tolls. Hemingway lui-même n’était pas présent dans la salle d’opération et s’est appuyé non seulement sur les photos du témoin oculaire Capa, mais aussi sur des rapports écrits. De retour à Madrid, ils ont photographié la bataille de Carabanchel et rapporté les funérailles du général Lukács, tué à Huesca le 12 juin.
Indochine En avril 1954, Capa a été invité à accueillir le Manaichi Shimbun au Japon pendant trois mois pour aider à démarrer un nouveau journal photo. La vie lui a demandé de prendre la place d’un collègue américain en Indochine pendant un mois. Il a accepté malgré les objections de certains amis.
Accablé par divers problèmes (il avait pris du poids, souffrait sous son dos et, surtout, avait besoin d’argent), Capa voulait prouver qu’il était toujours le meilleur photographe de guerre. Il était prisonnier de sa légende. Pour ceux qui connaissent la fin de l’histoire, il est impossible de découvrir rétrospectivement quelque chose de préliminaire dans les dernières photos de Capa: Ces femmes pleurent dans un cimetière, ce signe indique la direction de Thai Binh où il devrait tomber Ces soldats de vu à travers l’herbe derrière.
Le 25 mai, il était accompagné de deux Américains, soutenus par un convoi de soldats français qui, après la reddition de Diên Biên Phû, étaient occupés à évacuer deux forteresses désormais sans défense. Là, il est mort en sautant sur une mine avec un appareil photo dans chaque main. Les Français lui ont conféré des honneurs militaires à Hanoi. En plus d’un géant photographe de guerre, Robert Capa était un photojournaliste au sens large du terme qui a su capter les émotions, les drames ou les joies avec le même talent et donner au monde un regard qui n’est pas sans humour, mais toujours bienveillant.
robert capa photos
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Robert Capa
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BONUS 1 : Voici une rare interview audio de Robert Capa , 1947
Bob Capa raconte des expériences photographiques à l’étranger » a été diffusé le 20 octobre 1947 dans l’émission de radio du matin de 8h30 « Salut ! Porte-poisse. »
L’interview faisait partie du circuit de presse entourant la publication de Slightly Out of Focus , son roman autobiographique relatant ses aventures pendant la Seconde Guerre mondiale publié par Henry Holt and Company cette année-là.
« Salut! Jinx » était une émission nationale sur la radio NBC qui a débuté en 1946 par Jinx Falkenburg et Tex McCrary. L’équipe du mari et de la femme a été la pionnière de ce qui est devenu le format du talk-show.
Ils ont finalement eu deux programmes de radio, un programme de télévision de cinq jours par semaine et une chronique syndiquée dans le New York Herald Tribune. Falkenburg était mannequin et avait été photographiée par Capa en décembre 1940 après l’une de ses performances dans la comédie musicale d’Al Jolson « Hold on to Your Hat ».
McCrary était journaliste et, en tant que colonel de l’Army Air Corps, avait conduit les premiers journalistes dans les ruines d’Hiroshima. Les tentatives précédentes pour localiser cela dans les archives nationales de la radio ont échoué.
Aucun n’avait d’enregistrements de cette émission spécifique. L’enregistrement est apparu en 2013 sur eBay par un vendeur de l’ouest du Massachusetts, qui avait découvert l’enregistrement et d’autres dans la région lors d’une vente immobilière plusieurs années auparavant.
Le disque est un enregistrement microgroove 33 1/3 tours réalisé par Associated Recording Services, un service d’enregistrement d’archives. C’est le seul enregistrement connu de Robert Capa. Bien qu’il ait donné quelques conférences publiques, c’était la seule interview à la radio et il n’a jamais été interviewé à la télévision.
Seuls quelques films d’actualités le montrent en action, et aucun avec sa voix. Il est apparu dans quelques productions hollywoodiennes, mais a été choisi comme un Arabe muet. Sa première langue était le hongrois, mais il a appris, dans l’ordre, l’allemand, le français, l’espagnol et l’anglais. L’anglais est devenu sa langue écrite et parlée dominante en 1941.
Sa manière de parler, surnommée « Capaese » par des amis, a été décrite comme un méli-mélo incompréhensible de langues, mais l’interview montre que Capa était non seulement clair, mais très articulé. Son style facile souligne sa propension innée à l’autodérision, à l’humour et à la narration.
L’entretien commence par des récits de son récent voyage en URSS avec John Steinbeck puis se tourne vers d’autres sujets : le poker, l’invention de son nom, sa soi-disant dernière image de la guerre prise d’un soldat américain tué à Leipzig en avril 1945. Mais c’est Capa qui évoque sa célèbre image « Falling Soldier » et décrit comment elle a été fabriquée. Il dit: « La photo du prix est née dans l’imagination des éditeurs et du public qui les voit. » C’est le seul commentaire public que nous ayons directement de lui sur cette célèbre image.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Robert Capa était un photojournaliste hongrois né en 1913 et décédé en 1954. Il est surtout connu pour ses photographies de guerre, notamment celles prises pendant la guerre d’Espagne et la Seconde Guerre mondiale. Capa a également cofondé l’agence de presse Magnum Photos en 1947.
2. Qu’est-ce qui a rendu les photographies de Robert Capa célèbres ?
Les photographies de Robert Capa sont connues pour leur réalisme et leur capacité à capturer l’essence de moments historiques importants. En particulier, ses images de la guerre d’Espagne, telles que « La Mort d’un Soldat Républicain » et « Le Milicien Abattu », sont des exemples emblématiques de la photographie de guerre.
3. Quelle a été l’influence de Robert Capa sur la photographie de guerre ?
Robert Capa est souvent considéré comme l’un des pionniers de la photographie de guerre moderne. Il a popularisé la pratique de se rapprocher de l’action pour obtenir des images plus immersives, ce qui a donné naissance à la notion de « photographie de guerre en immersion ». Cette approche a permis aux photographes de guerre de capturer des images plus intenses et plus émotionnelles.
4. Quelles sont les principales réalisations de Robert Capa en tant que photographe de guerre ?
Robert Capa a couvert plusieurs conflits, notamment la guerre civile espagnole, la Seconde Guerre mondiale et la première guerre israélo-arabe. Parmi ses réalisations les plus célèbres, on peut citer ses photographies de la Débarquement de Normandie en 1944, connues sous le nom de « The Magnificent Eleven », ainsi que ses images du débarquement des troupes alliées en Italie en 1943.
5. Quels sont les principaux thèmes abordés par les photographies de Robert Capa ?
Les photographies de Robert Capa couvrent un large éventail de sujets, mais elles sont souvent axées sur la guerre et la violence. Capa a également réalisé des photographies de paysages, de gens ordinaires et de personnalités célèbres, telles que Pablo Picasso et Ernest Hemingway.
6. Comment Robert Capa a-t-il co-fondé l’agence de presse Magnum Photos ?
Robert Capa a co-fondé Magnum Photos en 1947 avec Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David Seymour et William Vandivert. L’agence a été créée pour permettre aux photographes de garder le contrôle sur leur travail et de conserver les droits d’auteur sur leurs images.
7. Qu’est-ce que le « style Capa » ?
Le « style Capa » fait référence à la technique photographique de Robert Capa, qui impliquait souvent de se rapprocher de l’action pour obtenir des images plus intenses et plus immersives. Cette approche a permis à Capa de capturer des images puissantes et émotionnelles, et elle a influencé de nombreux photographes de guerre depuis lors.
8. Comment Robert Capa a-t-il documenté la guerre d’Espagne ?
Robert Capa a couvert la guerre d’Espagne en 1936, où il a photographié les combats entre les forces républicaines et nationalistes. Ses photographies, telles que « La Mort d’un Soldat Républicain » et « Le Milicien Abattu », sont devenues des icônes de la photographie de guerre et ont immortalisé l’horreur et la tragédie de la guerre civile espagnole.
9. Quels sont les risques que Robert Capa a pris pour obtenir ses photographies ?
Robert Capa a souvent risqué sa vie pour obtenir des images. Pendant la guerre d’Espagne, il se trouvait souvent au cœur de l’action, photographiant les combats à bout portant. Il a également couvert la guerre en Chine en 1938, où il a été blessé par une mine antipersonnel. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Capa a couvert le débarquement de Normandie en 1944, où il a risqué sa vie en débarquant sur Omaha Beach avec les troupes alliées.
10. Quel est l’héritage de Robert Capa sur la photographie de guerre ?
Robert Capa a été un pionnier de la photographie de guerre moderne et a influencé de nombreux photographes depuis lors. Sa technique de se rapprocher de l’action pour obtenir des images plus immersives a inspiré de nombreux photojournalistes, tandis que ses photographies iconiques de la guerre d’Espagne et de la Seconde Guerre mondiale ont contribué à façonner notre compréhension de ces conflits. Capa a également co-fondé Magnum Photos, une agence de presse qui continue à produire des images emblématiques aujourd’hui.
Solve Sundsbo est une photographe et cinéaste norvégienne qui apporte à son image des concepts et des techniques expérimentales innovantes. Elle est venue à Londres en 1995 pour suivre un court cours de photographie au London College of Printing et est devenue assistante photo du célèbre Nick Knight.
Ce rôle important et les quatre années passées à s’occuper des chevaliers ont permis à Solve de devenir un photographe de mode hautement décoré. Bien que ses œuvres apparaissent modifiées numériquement en raison de l’utilisation fréquente de trompe-l’œil et de couleurs spectaculaires par la manipulation de la lumière, du mouvement et de l’eau, Solve Sundsbo utilise en fait de nombreuses « vieilles techniques ».
Solve Sundsbo, photographe de mode
Sous son regard virtuose, les images de mode se parent d’une beauté presque surnaturelle. Solve Sundsbo a photographié des publicités pour des marques de mode et de beauté telles que Giorgio Armani, Chanel, Cartier, Gucci, Mugler, Dolce et Gabbana, Louis Vuitton, Yves Saint Laurent, Hermès, Guerlain, Givenchy, H&M, Lancôme, Estôme Lauder et Sergio Rossi et Boucher.
Elle a réalisé des courts métrages pour Chanel, Gucci, Lancôme, LOVE, NY Times, Nike et SHOW Studio. Le travail de Solve a été inclus dans la vente aux enchères Phillips De Pury et est conservé dans la collection permanente de la National Portrait Gallery de Londres.
Elle a créé la pochette de l’album pour Coldplay « A Rush of Blood to the Head ». Cette image a été convertie en timbre-poste par Royal Mail en 2010 pour célébrer les dix œuvres d’art les plus emblématiques de la pochette d’album au cours des quarante dernières années. Découvrez quelques photos du photographe ci-dessous, vous pouvez en voir plus sur sa page.
Le Festival de Nîmes réunit chaque été les amoureux de la musique depuis maintenant plus de vingt ans. Des chansons françaises les plus connues aux plus belles révélations en passant par le métal ou encore les variétés internationales, les concerts investissent les Arènes.
Sans oublier que de grandes légendes de la musique seront également présentes pour offrir aux adeptes un spectacle inoubliable dans un cadre exceptionnel.
Un rendez-vous international inégalable
Le Sud de la France est connu pour accueillir un grand nombre de festivals culturels dans tous les domaines, notamment, le théâtre, la danse, la musique, les arts de la rue et bien d’autres.
Une occasion pour vivre des instants magiques et de pur bonheur grâce à un mélange unique d’artistes de renom mais aussi des stars de demain.
Un partage entre l’actualité, la découverte mais surtout une redécouverte des stars mythiques de la musique pour vivre une expérience à part entière.
De Francis Cabrel aux Vieilles Canailles en passant par Metallica, Kendji Girac, Santana ou encore David Bowie, le Festival de Nîmes rassemble en un seul lieu tous les goûts musicaux.
Un festival aux Arènes de Nîmes dans un cadre exceptionnel
Les Arènes de Nîmes, qui accueillent le Festival de Nîmes, sont un lieu de prédilection qui attire toute une foule de visiteurs séduite par la qualité de conservation du site.
En effet, les Arènes sont un endroit architectural classé monument historique mais surtout un lieu de spectacle et de plaisir. L’endroit idéal pour organiser le Festival de Nîmes 2021 !
Un endroit qui fait rêver plus d’un aussi bien pour les jeux romains d’hier, les Vendanges, les Férias de Pentecôte ou encore les concerts d’été sous un ciel étoilé.
Patrimoine par excellence, cette « Antiquité au présent » est un cadre exceptionnel pour s’installer en fin d’après-midi et attendre l’entrée en scène des musiciens jusqu’à la tombée de la nuit.
● Ceux qui ont réussi à acheter leur billet à temps pourront voir PNL le 27 juin 2021. En effet, la date affiche déjà complète.
● Les fans d’Aya Nakamura et Ninho peuvent se faire plaisir le 28 juin 2021.
● Les amateurs de rock peuvent se donner rendez-vous et vivre des moments inoubliables dans un lieu exceptionnel au concert de Lynyrd Skynyrd le 29 juin 2021.
Le Festival de Nîmes 2021
● Le 30 juin 2021, les fans de métal symphonique seront gâtés par la présence sur scène du groupe finlandais Nightwish.
● Le 01 juillet 2021, le groupe Deep Purple prendra les devants de la scène et partager avec ses fans les meilleurs instants hard rock.
● Découvrez et redécouvrez les meilleures tubes de M Pokora ou encore les plus beaux duos de Vitaa et Slimane au Festival de Nîmes le 02 juillet 2021.
● Les fans de Francis Cabrel et Alain Souchon pourront chanter « Un samedi soir sur la terre » et « Foule sentimentale » avec eux le 03 et 04 juillet 2021. Bien que la date du 04 juillet affiche déjà complète, il n’est pas encore tard pour acheter un billet pour le concert du 03 juillet.
● Le 05 juillet affiche également complet, toutefois ceux qui ont déjà effectué leur réservation peuvent profiter des plus belles chansons de Taylor Swift.
● Pour le Festival de Nîmes 2021, Mika et Catherine Ringer monteront sur scène le 09 juillet 2021.
● Les Cowboys Fringants et Tryo seront présents au Festival de Nîmes le 11 juillet 2021.
● Le 15 juillet 2021, ce sera au tour de Dropkick Murphys et Les Négresses vertes de chauffer la scène du Festival de Nîmes 2021.
● Nekfeu également prendra part au Festival de Nîmes 2021 en montant sur scène le 16 juillet 2021.
● Dansez, chantez et amusez-vous sur les meilleurs morceaux de Black Eyed Peas le 17 juillet 2021.
● Ben Harper, The Innocent Criminals et Rodrigo y Gabriela participent également au Festival de Nîmes 2021, le 19 juillet 2021.
● Ne manquez pas la prestation du mythique Lenny Kravitz le 20 juillet 2021.
● Le 22 juillet 2021, Asaf Avidan & Band, Dido et Suzanne Vega interprèteront leurs chansons sur la scène du Festival de Nîmes 2021.
● Et enfin, si vous souhaiter assister au concert d’Angèle, effectuez une réservation de votre billet pour le 24 juillet 2021.
Le photographe Eric Canto vous dévoile des photos inédites du Festival de Nîmes !
Chaque année et chaque été, le Festival de Nîmes est grandiose et spectaculaire, même en étant sur place, il est impossible de tout voir.
Pas de panique ! Sur le site www.ericcanto.com, vous avez l’occasion de découvrir les plus belles photos du Festival de Nîmes 2021.
www.ericcanto.com : le site pour acquérir des photos inédites d’artistes
La boutique en ligne du photographe Eric Canto vous permet d’acquérir des tirages photo en Edition Limitée mais aussi des livres de photographies sur les plus grandes stars.
Une photo de Lenny Kravitz sur scène ou encore une photo de Slash mais aussi une photo de Shaka Ponk lors d’un concert sont disponibles sur le site.
Parmi les livres disponibles, découvrez le livre de photographies intitulé « A moment suspend in time ». Une édition dans laquelle est immortalisée les meilleurs instants ou encore les moments les plus fous sur scène des artistes.
Ce livre rassemble également des clichés de ce qui se passe derrière la scène pour permettre aux amateurs de photos et musique de découvrir l’envers du décor d’un concert ou d’un festival.
De Jay-Z à Alicia Keys en passant par Stromae, Neil Young, Marilyn Manson ou encore Pink, de nombreuses stars de la musique y sont visibles.
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