Le 13 septembre 2019, les maîtres du métal californiens Kornont organisé un événement privé pour certains de leurs plus grands fans à Los Angeles afin de fêter la sortie du nouvel album : KORN The Nothing .
Le concert a eu lieu avec la reproduction de la pochette de l’album en live avec l’aide d’un performer suspendu au dessus de la scène aux Studios ShowBiz. Le tournage et la mise en scène ont été supervisés par le vidéaste et compagnon de longue date du groupe, l’excellent Sébastien Paquet.
Le film de concert est maintenant disponible. Vois pouvez le regarder en entier avec les commentaires du groupe.
Korn a déclaré à propos de ce concert étonnant et magique de près de 50 minutes: «C’est pour vous tous qui nous soutenez et n’avez pas pu assister à cet événement exclusif. Nous espérons que vous apprécierez cette expérience. »
1. Falling Away From Me
2. You’ll Never Find Me
3. Dead Bodies Everywhere
4. Can You Hear Me
5. Here to Stay
6. Cold
7. Clown
8. Finally Free
9. Faget
L’histoire du groupe Korn
Le son cathartique de Korn positionne le groupe comme l ‘un des plus populaires et les plus provocateurs à voir le jour dans les années 1990.
À l’avant-garde du mouvement nu-métal / rap-rock de l’époque, ils ont rapidement évolué, développant un style de marque qui comprenait des guitares dissonantes, une section rythmique groove-heavy, une production atmosphérique hantée et des paroles sombres du chanteur Jonathan Davis.
Korn s’est attaqué à des thèmes tels que les traumatismes infantiles, les comportements destructeurs et les démons intérieurs.
Leur premier album en 1994, Korn, a construit un public, Life Is Peachy de 1996, qui a lancé le groupe du bas des charts dans le Top Tree.
Quatre ans seulement après leur apparition, ils possédaient un numéro un: le blockbuster Follow the Leader , qui abrite «Freak on a Leash» et «Got the life ».
Clôturant la décennie au sommet des charts avec Issues, Korn est resté l’un des plus grands groupes de rock américain dans les années 2000, publiant une série d’albums certifiés platine: Untouchables (2002), Take a Look in the Mirror (2003) et See You on l’autre côté (2005).
Après quelques détours à la fin des années 2000, ils se sont tournés vers le monde électronique, en embauchant des DJs comme Skrillex pour aider à produire le du bstep-blasted Le Path of totality en 2011.
À la fin des années 2010, Korn n’a pas souhaité s’installer dans une zone de confort avec The Paradigm Shift, The Serenity of Suffering et The nothing ont tous favorisé leur développement sonore vers quelque chose de plus mature.
Les débuts de Korn
Le groupe commence son existence en tant que groupe de métal basé à Bakersfield, en Californie, LAPD, qui comprenait les guitaristes James « Munky » Shaffer et Brian « Head » Welch , le bassiste Reginald « Fieldy » Arvizu et le batteur David Silveria .
Après avoir publié un LP en 1993, les membres de LAPD croisent la route de Jonathan Davis, un étudiant en sciences mortuaires et chanteur principal du groupe local Sexart. Ils demandent à Davis de rejoindre le groupe et, à son arrivée, le quintette se rebaptise Korn .
Ils enregistrent leur démo avec Ross Robinson (Limp Bizkit , Slipknot ), qui deviendra l’un des producteurs de rock les plus recherchés à la fin des années 90.
L’album KORN
Après avoir signé sur Immortal, ils sortent leur premier album éponyme à la fin de 1994.
Avec un calendrier de tournée implacable qui comprend des premières parties d’Ozzy Osbourne , Megadeth , Marilyn Manson et 311, Korn progresse lentement mais régulièrement dans les charts, finissant par remporter un disque d’or pour le single single « Blind ».
Combinant un contenu lyrique sombre sur la maltraitance des enfants, la molestation, la discrimination et la toxicomanie avec des influences hip-hop et des guitares novatrices, Korn devient involontairement le représentant du mouvement surnommé nu-métal.
KORN concert – crédit photo Eric CANTO
Life is Peachy // Follow the leader
En 1996, Life Is Peachy, est un succès plus immédiat, atteignant la troisième place du classement des albums pop. L’album comprend « ADIDAS » et une reprise de « Wicked » d’ Ice Cube avec le leader de Deftones Chino Moreno .
En 1998, Korn sort Follow the Leader, leur plus gros album à ce jour. L’album fait ses débuts au sommet du Billboard 200, donnant naissance aux singles à succès « Got the Life » et « Freak on a Leash ». Ils remportent un Grammy pour la vidéo « Freak on a Leash » et, parmi les boys band et les starlettes pop.
La même année, le groupe lance le premier relais de leur tournée Family Values , avec une programmation composée d’amis: Limp Bizkit , le rappeur Ice Cube , le groupe de métal industriel allemandRammstein et les premiers signataires de l’empreinte Davis, Elementree Records, Orgie. Follow the Leader est finalement devenu quintuple platine et s’est vendu à plus de dix millions d’exemplaires dans le monde.
KORN concert – crédit photo Eric CANTO
Issues
Après avoir terminé leur été avec une place sur la scène principale de Woodstock ’99, ils commencent la promotion de leur quatrième effort, Issues. Avec les singles « Falling Away from Me », « Make Me Bad » et « Somebody Someone », Issues continue à enfoncer la domination de Korn sur MTV, les radios rock et les Billboard.
Le groupe tourne à la sortie de l’album sur le Sick & Twisted Tour avec Staind , POD , Papa Roach et Powerman 5000. Une tournée américaine du stade baptisée Summer Sanitarium suit plus tard cette année-là avec Metallica , Kid Rock , Powerman 5000, et System of a Down.
Avant la sortie de leur prochain album, Fieldy sort un album de gangsta rap et Davis marque le film Queen of the Damned. À la fin de 2001, le groupe se réunit et entre en studio.
Untouchables // Take a look in the mirror
La popularité du groupe atteint un sommet vertigineux, il dévoile un nouveau son plus d’expérimental avec plus de chant de la part de Davis. « Untouchables », lauréat d’un Grammy, sort à l’été 2002, numéro deux derrière Eminem, avec les singles « Here to Stay » et « Thoughtless ».
Korn fait une série de dates sur l’Ozzfest et l’album est un nouveau succès, se vendant à plus de cinq millions d’exemplaires dans le monde.
Peu de temps après, le groupe sort l’auto-produit « Take a Look in the Mirror » en 2003. Présenté par Korn comme une reconsidération de leur son (ils ont même inclus une refonte du morceau de démonstration de Neidermayer « Alive »), l’album est accompagné du Back à la tournée Basics, qui a vu le groupe jouer dans des salles plus petites avec lors vieux amis Limp Bizkit .
Bien que l’album devienne multi-platine, cette époque marque le début de la baisse de popularité du groupe, une période encore aggravée par le départ du guitariste fondateur Welch , qui quitte le groupe en 2005 après sa conversion au christianisme.
See You on the Other Side
En décembre suivant, Korn sort « See You on the Other Side » , des titres qui présentent un lot de chansons prêtes à l’emploi co-écrites avec l’équipe de production pop à succès The Matrix ( Avril Lavigne , Britney Spears ). Other Side est le dernier travail du groupe avec leur batteur fondateur Silveria , qui quitte le groupe en 2006.
Live & Rare est sorti la même année, avec l’enregistrement acoustique live MTV Unplugged – avec Robert Smith de The Cure et Amy Lee d’ Evanescence – suivront en mars 2007. Plus tard cette année-là, le groupe refait surface avec un album décevant qui a été délibérément laissé sans titre (parfois appelé Korn II).
Sans Silveria , le groupe a recruté des batteurs invités pour contribuer au studio, notamment Terry Bozzio ( Frank Zappa ), Brooks Wackerman ( Bad Religion ) et même Jonathan Davis lui-même. Le groupe a finalement trouvé un remplacement permanent, l’incroyable Ray Luzier .
Korn III: Remember Who You Are
En 2010, Korn signe avec Roadrunner Records et retourne avec Ross Robinson. Leur neuvième album, Korn III: Remember Who You Are, est à la fois un retour aux sources et une projection vers le futur.
Cherchant une nouvelle direction, Korn travaille avec des producteurs électroniques comme Skrillex et Noisia, qui les aident à modifier leur son déjà lourd avec dubstep martelant sur leur dixième album teinté d’électronique, The Path of Totality en 2011. L’effort fait ses débuts au sommet du palmarès Billboard Dance / Electronic et était leur 11e LP à arriver dans le Top Ten du Billboard 200.
En mai 2012, le guitariste prodigue Welch est invité par le groupe sur une version de « Blind » lors d’un spectacle en Caroline du Nord.
Exactement un an plus tard, il annonce qu’il rejoint officiellement le groupe. Avec le groupe (presque) originale de retour, Korn se met à travailler sur leur 11e album.
The Paradigm Shift : le retour de Head
Ce premier album de Welch avec Korn en une décennie sort en octobre 2013. Inspiré par la brutalité mélodique de Issues et Untouchables , The Paradigm Shift entre directement dans le Top Ten des charts américain, allemand, autrichien et australien.
Pour le 20e anniversaire de leurs débuts, Korn fait une tournée mondiale en jouant Korn, le premier album, dans son intégralité.
The Serenity of Suffering // The nothing
En 2015, le groupe est retourné au studio pour enregistrer leur 12e LP. The Serenity of Suffering qui est sorti fin 2016. Il mettait en vedette le single « Rotting in Vain » et une apparition du chanteur de Slipknot, Corey Taylor, sur « A Different World ».
L’album atteint le numéro quatre sur le Billboard 200, leur plus haut niveau depuis 2010. C’est au milieu d’une tournée mondiale qu’ils commencent à enregistrer leur 13e album, The Nothing , avec le producteur Nick Raskulinecz .
Korn est aujourd’hui un groupe emblématique, dont le son particulier fait de ce groupe un incontournable de la scène métal actuelle. Pour un photographe de concert, la forte personnalité de chaque membre et l’ambiance sur scène permettent des clichés toujours intéressant.
Sur le 13e album The Nothing , le chanteur de Korn Jonathan Davis entraîne ses camarades de groupe avec lui, livrant le travail le plus vulnérable et le plus mature de l’équipe de métal vétéran à ce jour.
Intensément cathartique, ce sombre voyage est fortement influencé par le décès de l’épouse de Davis , Deven en 2018 , ce qui donne lieu à certains des travaux les plus douloureusement honnêtes qu’ils aient jamais produits. Les mots «brutal» et «lourd» sont des descripteurs fréquents du style musical caractéristique de Korn , mais ici ils prennent une nouvelle signification.
Psychologiquement, The Nothing est implacable, une plongée sans faille dans le chagrin et le désespoir qui suivent la mort prématurée d’un être cher.« l’honnêteté face à la laideur et au désordre de cette angoisse imprègne chaque piste, transformant la colère, la culpabilité et la frustration dans un cocktail puissant qui laisse peu de temps pour reprendre son souffle ou se cacher de l’agression.
En tant que tel, The Nothing est épuisant émotionnellement; mais pour ceux qui connaissent le processus de deuil, il est finalement cathartique dans sa vérité. Alors que la cornemuse funèbre retentit lors de l’ouverture du premier match «The End Begins», Davis hurle à plusieurs reprises «Pourquoi êtes-vous parti? à travers des cris bouillonnants et des sanglots déchirants. De là, le groupe – les guitaristes James « Munky » Shaffer et Brian « Head » Welch , le bassiste Reggie « Fieldy » Arvizu et le batteur Ray Luzier- servir d’unité de soutien émotionnel, offrant une attaque de précision typique pour aider Davis à surmonter son cauchemar personnel.
Alors que « Vous ne me trouverez jamais » et « Cold » secouent les auditeurs à leur apogée des années 90, « Idiosyncrasy » et « H @ rd3r » les poussent dans un territoire terriblement dur habituellement occupé par Slipknot . Alors que le groupe bat et poignarde, la production tourbillonnante les aspire dans l’abîme, créant une expérience ciblée qu’ils ont précédemment réalisée sur The Paradigm Shift , Issues et leurs débuts éponymes.
Bien que Davisa toujours été ouvert à propos de ses démons et de ses luttes, ses paroles parfois maladroites et inéloquentes font que ses vraies émotions semblent immatures et sous-développées. Ici, il y a une adulte et une vulnérabilité distinctes qui distinguent The Nothing d’une grande partie de leur œuvre – à l’exception de moments déchirants comme « Daddy » traumatique de 1994 – et la saignée de Davis est si manifestement réelle que, même après 25 ans, cela parvient à se sentir frais.
Sur l’avant-dernier morceau « This Loss », Davis réfléchit à sa vie, dépouillé de joie et volé de bonheur, acceptant son destin alors même qu’il hurle de désespoir: « Je veux la reprendre! » À ce bas vulnérable, The Nothing avale Davis avec plus proche « Surrender to Failure.NIN- like piano et imposants tambours, il expose son âme coupable dans un dernier confessionnal.
Alors que la houle s’estompe, il pleure: « J’ai échoué, j’ai échoué. » C’est l’un des moments les plus tristes de leur catalogue, un point bas qui, ironiquement, élève cet album à l’une de leurs déclarations les plus fortes. Korn a toujours excellé dans la douleur, mais avec The Nothing , c’est le plus authentique qu’il ait jamais été.
Introduction : Le métal en France, une passion inébranlable
Le métal, ce genre musical qui respire la puissance, la rébellion et l’énergie brute, a toujours trouvé un écho particulier en France. Et s’il y a bien un endroit où cette passion pour la musique extrême prend tout son sens, c’est dans les festivals. Des scènes enflammées aux pogos déchaînés, les festivals de métal sont plus qu’un simple rassemblement de fans : ce sont de véritables expériences immersives où la musique, la communauté et l’atmosphère créent une alchimie unique.
Que vous soyez fan de death metal, de black metal, ou simplement curieux de découvrir ce que le genre a à offrir, la France regorge de festivals qui font vibrer les cœurs et les âmes. Dans cet article, nous allons explorer le top 5 des festivals français dédiés au métal, des événements incontournables où la fureur sonore est à son paroxysme.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
1. Top 5 des Festivals français dédiés au métal :Hellfest (Clisson), Le Titan du Métal Français
1.1 Un mythe en pleine campagne
Commençons par l’incontournable : Hellfest, situé à Clisson en Loire-Atlantique. Créé en 2006, ce festival est aujourd’hui l’un des plus grands événements de métal au monde. Chaque année, ce sont des dizaines de milliers de métalleux qui se rassemblent pour assister à des concerts inoubliables.
Une programmation éclectique : Que vous soyez fan de black metal, de death metal, ou de heavy metal, Hellfest propose une programmation capable de satisfaire toutes les branches du métal. Des groupes légendaires comme Iron Maiden, Metallica, et Slayer y ont déjà joué, aux côtés de groupes émergents qui redéfinissent le genre.
Une expérience totale : Hellfest ne se contente pas de proposer des concerts. Le festival a construit une véritable ville temporaire avec ses propres décors, des installations d’art immersives, des bars thématiques, et une ambiance qui vous plonge dans un univers à part. La Hell City est devenue une attraction en soi, où chaque recoin offre une nouvelle expérience visuelle ou sonore.
1.2 Une communauté mondiale
Le Hellfest attire des visiteurs du monde entier. Que vous veniez de France, des États-Unis, ou du Japon, ce festival est un lieu où la passion pour le métal unit les fans. Les trois jours du festival offrent une immersion complète, où la solidarité et l’énergie collective sont palpables.
Pourquoi y aller ?
Parce qu’aucun autre festival en France ne peut prétendre à une telle ampleur. Hellfest, c’est LE rendez-vous des légendes du métal et des fans en quête de frissons.
1.3 Conseils pratiques pour profiter pleinement du Hellfest
Anticiper l’achat des billets : Les billets pour le Hellfest se vendent souvent en quelques minutes, alors il est crucial de planifier à l’avance. Soyez prêt à acheter dès l’ouverture des ventes pour ne pas manquer l’événement.
Camping ou hébergement ? : Le camping sur place est une excellente option pour profiter de l’ambiance festive 24h/24. Toutefois, si vous préférez un peu plus de confort, il existe des options d’hébergement à Clisson, mais elles se remplissent très rapidement.
Équipement de survie : Apportez des bouchons d’oreilles, une crème solaire, et surtout des chaussures confortables. Les journées sont longues, et vous voudrez être bien préparé pour profiter de chaque minute.
2. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Motocultor (Saint-Nolff), Le Petit Frère du Hellfest
2.1 Une ambiance plus intimiste
Situé en Bretagne, à Saint-Nolff, le Motocultor Festival est souvent considéré comme le petit frère du Hellfest, mais avec une ambiance plus conviviale et intimiste. Ce festival a vu le jour en 2007 et a rapidement gagné en popularité grâce à sa programmation variée et son cadre chaleureux.
Une programmation diversifiée : Bien que plus modeste que celle du Hellfest, le Motocultor accueille chaque année des pointures du métal ainsi que des groupes plus confidentiels. On y retrouve du death metal, du black metal, mais aussi des genres plus atypiques comme le folk metal ou le punk hardcore.
Un cadre authentique : Contrairement aux festivals de grande envergure, le Motocultor se déroule dans un cadre plus naturel, presque familial. Les fans de métal se retrouvent dans une ambiance conviviale, où les scènes sont proches, et où il est facile d’approcher ses groupes préférés.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
2.2 Le métal dans toutes ses déclinaisons
Le Motocultor se démarque par sa capacité à explorer toutes les facettes du métal. De la brutalité du grindcore à la mélodie du metal symphonique, ce festival met à l’honneur la diversité du genre.
Pourquoi y aller ?
Si vous cherchez une alternative plus intimiste au Hellfest, avec une ambiance chaleureuse et des rencontres authentiques entre passionnés, le Motocultor est fait pour vous.
2.3 La convivialité bretonne, un plus
Une ambiance plus détendue : Comparé à certains grands festivals où les foules peuvent être intimidantes, le Motocultor conserve une dimension humaine, permettant aux fans d’interagir plus facilement avec les artistes et de se sentir plus connectés à la communauté métal.
Un climat agréable : L’été breton est souvent plus frais que dans d’autres régions de France, ce qui est un atout pour un festival en plein air. Pensez tout de même à vous munir de vêtements chauds et imperméables, car la Bretagne est célèbre pour ses averses soudaines !
3. Top 5 des Festivals français dédiés au métal: Sylak Open Air (Saint-Maurice-de-Gourdans), L’Esprit du Métal Underground
3.1 Un festival à taille humaine
Le Sylak Open Air est un festival qui se déroule dans la charmante ville de Saint-Maurice-de-Gourdans, dans l’Ain. Bien que moins connu que le Hellfest ou le Motocultor, il se distingue par son esprit underground et sa proximité avec les artistes.
Un public fidèle : Ce festival, créé en 2011, attire chaque année un public fidèle, majoritairement composé de fans de métal extrême. Ce qui fait sa force, c’est son authenticité et sa capacité à réunir les passionnés de métal autour de concerts explosifs, le tout dans une ambiance détendue.
Une programmation pointue : Le Sylak met un point d’honneur à inviter des groupes qui incarnent la diversité du métal, tout en faisant la part belle à des genres plus extrêmes comme le grindcore, le thrash metal, ou encore le death metal. Des groupes comme Napalm Death, Testament, et Suicidal Tendencies ont déjà marqué la scène de leur empreinte.
3.2 Un cadre naturel et authentique
Le cadre du Sylak Open Air est un autre de ses atouts. Situé en plein cœur de la campagne, il offre une atmosphère unique, loin de l’agitation des grandes villes. Ici, pas de foule écrasante, juste du métal, de la bonne ambiance, et des décibels à gogo.
Pourquoi y aller ?
Si vous aimez les festivals où l’esprit underground domine, où vous pouvez profiter de concerts explosifs sans jouer des coudes dans une marée humaine, le Sylak est votre destination idéale.
3.3 Une ambiance intimiste pour les vrais fans
Proximité avec les groupes : L’un des grands avantages du Sylak est la possibilité d’être vraiment proche de la scène. Les fans apprécient cette proximité avec leurs artistes préférés, créant une interaction unique.
Des tarifs abordables : Comparé à d’autres festivals, les prix des billets du Sylak Open Air sont généralement plus abordables, ce qui le rend plus accessible aux jeunes et aux amateurs de métal qui veulent profiter d’un festival sans se ruiner.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
4. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Fall of Summer (Torcy), Le Métal Aquatique
4.1 Un cadre atypique au bord d’un lac
Le Fall of Summer est un festival unique en son genre. Situé à Torcy, à quelques kilomètres de Paris, ce festival a la particularité de se dérouler en plein été, au bord d’un lac. Imaginez un peu : écouter du black metal tout en profitant de la fraîcheur d’un cadre naturel, c’est le pari du Fall of Summer.
Une programmation rétro et moderne : Ce qui distingue le Fall of Summer des autres festivals, c’est sa volonté de marier les légendes du métal avec les nouvelles générations. Vous pouvez y voir des groupes cultes des années 80 et 90, comme Venom ou Sodom, partager l’affiche avec des groupes plus récents du death ou du doom metal.
Un festival pour les puristes : Le Fall of Summer attire un public de puristes, avec une programmation qui met l’accent sur des genres comme le black metal, le doom, et le thrash. Ici, pas de compromis : c’est du métal pur et dur, pour les amateurs de sonorités sombres et puissantes.
4.2 Un cadre rafraîchissant pour des musiques sombres
Le cadre du Fall of Summer est sans aucun doute l’une des raisons pour lesquelles ce festival se distingue. Se déroulant au bord d’un lac, il offre une pause rafraîchissante entre deux concerts brûlants. Vous pouvez profiter du paysage, vous détendre, puis replonger dans l’ambiance noire des concerts.
Pourquoi y aller ?
Pour son cadre unique, son mélange de générations de groupes, et son ambiance à la fois conviviale et sombre, le Fall of Summer est parfait pour ceux qui veulent une expérience immersive dans le métal, loin des grandes foules.
5. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Ragnard Rock Festival (Simandre-sur-Suran), Le Métal Viking
5.1 Un festival au cœur de la tradition viking
Le Ragnard Rock Festival est un événement unique en France, mêlant métal et culture viking. Situé à Simandre-sur-Suran, dans l’Ain, ce festival est plus qu’un simple rassemblement de fans de métal : c’est une immersion totale dans l’univers nordique.
Un festival thématique : Le Ragnard Rock se concentre sur des genres comme le folk metal, viking metal, et le pagan metal, où les groupes racontent des histoires épiques de batailles, de dieux et de héros. Le cadre est décoré pour ressembler à un village viking, et les festivaliers peuvent même participer à des reconstitutions historiques et des combats vikings.
Des performances épiques : Si vous êtes amateur de métal et de mythologie nordique, vous adorerez les performances de groupes comme Amon Amarth, Ensiferum, ou Moonsorrow, qui sont souvent programmés au Ragnard Rock.
5.2 Une immersion totale dans l’univers viking
Activités vikings : En plus des concerts, le festival propose des activités thématiques comme des reconstitutions de batailles, des démonstrations d’artisanat traditionnel, et des banquets vikings. C’est une véritable immersion culturelle autant qu’un festival de musique.
Un cadre enchanteur : Le festival se déroule dans un cadre pittoresque, avec des montagnes et des forêts en toile de fond, ce qui accentue l’ambiance épique et mythologique du festival.
Pourquoi y aller ?
Si vous voulez vivre une expérience totalement immersive, où la musique se mêle à la culture viking et aux légendes nordiques, le Ragnard Rock Festival est un must.
Conclusion : La France, une terre de festivals métal incontournables
La France n’est pas seulement un pays de gastronomie et de vin, elle est aussi devenue une terre de prédilection pour le métal. Chaque festival apporte sa propre ambiance, sa propre vision du genre, et offre une expérience unique. Que vous soyez en quête d’intimité, de légendes du métal, ou d’immersion dans une autre culture, il y a forcément un festival pour vous dans cette liste.
Festivals français dédiés au métal
FAQ sur les Festivals de Métal en France
1. Pourquoi la France est-elle devenue une destination incontournable pour les festivals de métal ?
La France a su se positionner comme une destination majeure pour les festivals de métal pour plusieurs raisons :
Diversité des genres : La scène métal française est incroyablement diversifiée, avec des festivals qui couvrent toutes les branches du métal, du heavy metal classique au black metal, en passant par des genres plus spécifiques comme le doom ou le folk metal. Cette pluralité attire des fans de toutes les sous-cultures du métal.
Proximité géographique : Grâce à sa situation géographique centrale en Europe, la France est facilement accessible pour les fans venant d’autres pays. Les festivals comme le Hellfest ou le Motocultor accueillent ainsi des visiteurs du monde entier, créant une ambiance internationale tout en restant ancrés dans la culture locale.
Qualité de l’organisation : Les festivals de métal en France, en particulier le Hellfest, sont réputés pour leur organisation impeccable, que ce soit en termes de sécurité, de confort pour les festivaliers ou de qualité sonore. Cela contribue à renforcer leur attractivité.
Atmosphère festive : Les Français sont connus pour leur goût des festivals et de la fête, ce qui se reflète dans les événements de métal. Les fans peuvent non seulement profiter des concerts, mais aussi d’une véritable ambiance de communauté, avec des bars à thème, des food trucks, et des espaces dédiés à la détente.
2. Quels sont les festivals de métal en France qui conviennent le mieux aux débutants ?
Si vous découvrez le monde du métal ou si vous souhaitez vous initier à l’ambiance des festivals, certains événements en France sont plus adaptés pour les débutants que d’autres.
Motocultor Festival : Avec sa programmation variée et son atmosphère plus intime que le Hellfest, le Motocultor est un excellent point de départ. Vous pourrez y découvrir différents sous-genres de métal sans être submergé par l’immensité d’un grand festival.
Fall of Summer : Ce festival plus modeste se déroule dans un cadre magnifique au bord d’un lac, créant une ambiance plus détendue. Avec une programmation mêlant des groupes légendaires et des découvertes, il est idéal pour les débutants qui cherchent une introduction en douceur au monde du métal.
Sylak Open Air : Ce festival à taille humaine offre un excellent rapport qualité/prix, et son public fidèle crée une atmosphère amicale et conviviale. Les débutants y trouveront une bonne porte d’entrée pour découvrir des groupes variés tout en profitant de l’ambiance chaleureuse.
3. Quels conseils pour profiter pleinement d’un festival de métal en France ?
Participer à un festival de métal est une expérience immersive, et il est essentiel d’être bien préparé pour en profiter au maximum. Voici quelques conseils pratiques pour une expérience inoubliable :
Préparez-vous physiquement : Les festivals peuvent être éprouvants physiquement, surtout si vous comptez rester debout pendant plusieurs concerts. Prévoyez des chaussures confortables, hydratez-vous régulièrement, et assurez-vous d’avoir des moments de pause entre les shows.
Soyez prêts pour les conditions météorologiques : La plupart des festivals de métal en France se déroulent en plein air. La météo peut être imprévisible, notamment en Bretagne pour le Motocultor. Apportez toujours une veste imperméable, un chapeau pour vous protéger du soleil, et une crème solaire.
Respectez l’ambiance : Les festivals de métal sont connus pour leur ambiance conviviale et respectueuse. Même si le public est souvent dynamique, avec des pogos ou des headbangs, l’esprit reste à la camaraderie. Si vous êtes novice dans le monde du métal, ne soyez pas intimidé. Engagez-vous dans l’ambiance, mais respectez les autres festivaliers.
Apportez des bouchons d’oreilles : La puissance sonore des concerts peut être impressionnante, surtout lors de festivals comme le Hellfest où plusieurs scènes diffusent des décibels en continu. Il est essentiel de protéger vos oreilles avec des bouchons auditifs, surtout si vous êtes près des enceintes.
4. Quelles sont les options d’hébergement pour les festivals de métal en France ?
Les options d’hébergement varient selon les festivals, mais voici les principales possibilités disponibles pour les festivaliers :
Camping sur place : La majorité des festivals, comme le Hellfest, le Motocultor, et le Sylak Open Air, offrent des espaces de camping spécialement aménagés pour les festivaliers. Le camping est souvent l’option la plus économique et permet de s’immerger pleinement dans l’ambiance du festival. Vous pourrez partager des moments avec d’autres fans, participer à des afterparties, et profiter de l’expérience 24h/24.
Hôtels et gîtes : Si vous préférez plus de confort, vous pouvez réserver un hôtel ou un gîte à proximité du festival. Attention, les places sont limitées et se remplissent très rapidement, surtout pour des événements majeurs comme le Hellfest. Pensez à réserver plusieurs mois à l’avance pour être sûr d’avoir un hébergement.
Logement chez l’habitant : Certains festivals, notamment dans des zones rurales, ont des partenariats avec les habitants locaux qui proposent des logements chez eux via des plateformes comme Airbnb. C’est une bonne option si vous souhaitez un peu plus de tranquillité après une journée intense de concerts.
5. Quels sont les groupes légendaires qui jouent régulièrement dans les festivals français ?
Les festivals français de métal sont célèbres pour attirer les plus grands groupes du genre. Voici quelques groupes légendaires qui apparaissent régulièrement dans les programmations :
Iron Maiden : L’un des groupes les plus influents du heavy metal, Iron Maiden est un habitué des scènes françaises. Leur présence au Hellfest est toujours un événement majeur, et leurs performances sont réputées pour leur intensité et leur spectacle visuel.
Metallica : Bien que rare, Metallica a déjà fait plusieurs apparitions dans les festivals français. Le groupe reste l’une des principales têtes d’affiche internationales lorsque des festivals parviennent à les inviter.
Slayer : Bien que Slayer ait récemment pris sa retraite, ils ont marqué de nombreuses éditions du Hellfest avec leurs performances légendaires. Les fans espèrent toujours un retour, même si cela semble peu probable.
Gojira : Le groupe français Gojira est un incontournable de la scène métal mondiale. Leur présence dans des festivals comme le Hellfest ou le Motocultor est toujours attendue avec impatience. Gojira continue de représenter le métal français à l’international.
Amon Amarth : Pour les fans de viking metal, Amon Amarth est un groupe de référence. Ils sont régulièrement présents dans les festivals français, offrant des performances épiques avec des thématiques nordiques.
6. Quels sont les défis logistiques des festivals de métal en France ?
Participer à un festival de métal peut représenter plusieurs défis logistiques, surtout pour les grands événements comme le Hellfest. Voici quelques points à anticiper :
Accès et transport : Le Hellfest, par exemple, se déroule à Clisson, une petite ville de Loire-Atlantique. Les transports en commun sont disponibles, mais il est essentiel de planifier à l’avance. Des navettes sont souvent mises en place depuis Nantes ou d’autres grandes villes, mais elles peuvent être bondées.
Circulation et parking : Si vous venez en voiture, soyez prêt à affronter des embouteillages autour du site, surtout lors des jours d’arrivée et de départ. Les parkings officiels sont nombreux, mais il est recommandé d’arriver tôt pour avoir une place convenable.
Sécurité : Les grands festivals prennent très au sérieux la sécurité des festivaliers. Les contrôles à l’entrée peuvent être longs, notamment lors des pics d’affluence. Il est conseillé de voyager léger et de ne pas apporter d’objets interdits (bouteilles en verre, armes, etc.) pour faciliter l’accès.
Gestion des repas : La plupart des festivals proposent des stands de nourriture variée, mais les files d’attente peuvent être longues. Vous pouvez apporter des snacks pour éviter de perdre du temps dans les files et profiter pleinement des concerts.
7. Le Hellfest est-il adapté aux familles ?
Bien que le Hellfest soit un festival orienté principalement vers les adultes et les passionnés de métal, certains visiteurs viennent en famille. Voici quelques points à considérer si vous envisagez d’y aller avec des enfants :
Ambiance festive, mais intense : Le Hellfest est un festival avec une atmosphère de fête, mais les concerts, les pogos, et l’ambiance générale peuvent être intimidants pour les jeunes enfants. Le niveau sonore est très élevé, et la foule peut être dense, surtout devant les scènes principales.
Options pour les familles : Bien que le festival ne soit pas spécifiquement conçu pour accueillir des familles, certaines zones du camping sont plus calmes et plus adaptées aux festivaliers recherchant une ambiance moins intense. Il est également possible de s’éloigner des zones les plus animées pour profiter de moments de tranquillité.
Protection auditive : Si vous venez avec des enfants, il est crucial de prévoir une protection auditive adaptée. Les casques anti-bruit sont fortement recommandés pour protéger les oreilles des plus jeunes, car le niveau sonore peut être dangereux pour leur audition.
8. Quels festivals de métal proposent des activités culturelles en parallèle des concerts ?
Certains festivals de métal en France ne se limitent pas aux concerts, mais proposent également des activités culturelles et des expériences immersives :
Ragnard Rock Festival : Ce festival met en avant des reconstitutions vikings, des démonstrations d’artisanat traditionnel, et des banquets médiévaux. C’est une véritable immersion dans la culture nordique, avec des activités qui vont bien au-delà de la simple musique.
Hellfest : Bien que majoritairement axé sur les concerts, le Hellfest propose également des installations artistiques, des expositions, et des performances visuelles qui viennent enrichir l’expérience. L’Hell City Square, avec ses décors spectaculaires et ses bars à thème, est un espace où la culture métal est célébrée sous toutes ses formes.
Motocultor Festival : Ce festival breton met parfois en place des conférences, des expositions d’art, et des stands de merchandising artisanal, offrant ainsi aux festivaliers une dimension culturelle en plus des performances musicales.
9. Quelles sont les alternatives aux grands festivals pour les amateurs de métal en France ?
Si vous cherchez à éviter les foules massives des grands festivals comme le Hellfest, il existe plusieurs alternatives plus petites et tout aussi authentiques :
Xtreme Fest : Ce festival, situé dans le sud de la France, est un événement plus modeste mais tout aussi intense. Il met en avant des genres extrêmes comme le hardcore, le punk, et le thrash metal, dans une ambiance décontractée et conviviale.
Plane’r Fest : Ce festival, plus intimiste, offre une programmation variée dans un cadre plus rural. C’est une excellente alternative pour ceux qui cherchent à vivre l’expérience d’un festival de métal sans la foule massive.
10. Les festivals de métal en France sont-ils accessibles aux personnes en situation de handicap ?
La majorité des grands festivals de métal en France, comme le Hellfest et le Motocultor, ont fait des efforts pour rendre leurs sites accessibles aux personnes en situation de handicap.
Zones spéciales : Le Hellfest, par exemple, dispose de zones spécialement aménagées pour les personnes en fauteuil roulant, permettant d’assister aux concerts dans de bonnes conditions.
Accès aux infrastructures : Les infrastructures, telles que les toilettes et les points de restauration, sont généralement adaptées pour accueillir les personnes à mobilité réduite. Il est toutefois recommandé de contacter les organisateurs en amont pour vérifier les disponibilités et l’accessibilité des services.
J’ai eu la chance de shooter Machine Head lors d’une séance photo rapide et impressionnante. Pour un photographe de concert, Machine Head est compliqué à shooter. Machine Head refuse depuis des années les photographes de concert et encore plus tout portrait.
Par une sorte de tour de magie, j’ai shooté le groupe en 2016 après un simple mail envoyé à Robb, le chanteur. Comme quoi les solutions les plus simples sont souvent les plus efficaces.
Revenons sur l’histoire en image en vidéos sur Machine Head. Machine Head est un groupe de heavy métal, formé en 1992 à Oakland, en Californie.
Machine Head concert intégral février 2020 New York
Machine Head, les premières années
Machine Head est l’un des groupes de métal le plus lourd à être devenu célèbre au cours des années 1990. Fondé en 1992 par l’ancien guitariste de Vio-lence Robert Flynn et Adam Duce, leur premier album, Burn My Eyes (1994), est largement acclamé pour être aussi essentiel au heavy métal que Slayer » Reign in Blood » et Metallica « Master of puppets ».
La première chanson de l’album, « Davidian », contient les paroles « Que la liberté sonne avec un coup de fusil « . Par la suite, la vidéo a été interdite de MTV en raison de sa date de sortie très peu de temps après le siège de Waco qu’elle décrivait apparemment.
Après le départ de Chris Kontos pour travailler avec Testament, les services de batterie de Dave McClain ont été acquis. Ils ont ensuite sorti l’album de suivi, The More Things Change en 1997, après quoi le guitariste Logan Mader est parti de façon inattendue au printemps 1998. Il a ensuite été remplacé par Ahrue Luster qui a travaillé avec le groupe le troisième album The Burning Red (1999).
Cet album était un signe de changement pour le groupe, le groupe décidant d’expérimenter plus plutôt que de sortir un autre album qui serait vu comme une ombre sur les traces de Burn My Eyes. Robb utilise ses techniques de rap dans cet album plutôt que le grognement qu’il utilisait sur les versions précédentes.
La chanson « Devil With The Kings Card » est basée sur le départ de Logan Mader du groupe. L’album a cependant reçu des réactions négatives de fans insatisfaits du virage..
Bien que Burn My Eyes ait été plus influent en tant qu’album sur la scène métal en général, selon un rapport de Blabbermouth.net, The Burning Red a vendu presque autant d’unités en 3 ans (1999-2002) que Burn My Eyes en 8 ans ( 1994-2002).
En 2000, des groupes comme Machine Head et Slipknot ont participé au placement de produits pour l’émission HBO The Sopranos. AJ Soprano, joué par Robert Iler, portait souvent des vêtements Roadrunner Records comme le t-shirt Year of the Dragon de Machine Head.
Machine Head concert – Crédit photo Eric CANTO
Supercharger
Machine Head a sortie Supercharger en 2001, bien que l’album n’ait pas bien fonctionné, principalement en raison de sa sortie peu de temps après le 11 septembre. La vidéo de la chanson « Crashing Around You » a été interdite par MTV en raison de ses images de bâtiments qui s’effondrent. L’album a reçu plus de la même critique qui a rencontré The Burning Red.
Une fois la tournée terminée, le groupe est retourné sur son label Roadrunner Records. En 2002, Ahrue Luster a quitté le groupe en raison de différences musicales. Ahrue Luster a été remplacé par Phil Demmel, qui a joué dans le groupe de thrash Vio-lence aux côtés de Flynn.
Machine Head 2003-2004
Depuis lors, 2003 et 2004 ont été en quelque sorte un renouveau pour le group et tout d’abord leur album live Hellalive en 2003 qui était un enregistrement d’un ensemble de Brixton Academy à Londres.
À l’automne 2003, Machine Head a sorti son cinquième album studio, Through the Ashes of Empires, en Europe. Début 2004, ils signent de nouveau avec Roadrunner Records aux USA, puis sortent Through the Ashes of Empires aux États-Unis, avec une nouvelle chanson ( « Seasons Wither « ) qui n’était pas apparue sur la version européenne.
Through the Ashes of Empires est revenu à un style plus proche de celui de Burn My Eyes, et a reçu une publicité importante en raison du succès de la chanson « Imperium » et de ce que les fans ont vu comme un retour massif à la forme – à la fois musicalement et lyriquement. . Dans le cadre de ce renouveau, Machine Head a présenté la scène « True Metal » au festival Wacken Open Air de 2005 devant 40 000 fans – leur plus grand spectacle à ce jour.
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Machine Head le DVD Elegies
Le 11 octobre 2005, Machine Head a sorti son tout premier DVD: Elegies. Le DVD contenait des images de concerts de la Brixton Academy en décembre 2004. Elegies contient également 3 clips: « The Blood, The Sweat, The Tears » de Hellalive, et « Imperium » et « Days Turn Blue to Gray « de Through The Ashes Of Empires.
Le DVD contient également un documentaire plutôt cinglant sur la quasi-disparition du groupe et comment ils ont survécu au grand fardeau que leur imposent les maisons de disques, la sortie d’Ahrue Luster et le manque de confiance du public dans la direction musicale du groupe.
Au cours de la première semaine de sortie du DVD, « Elegies » a atteint la première place aux États-Unis et la sixième place des ventes de DVD liés à la musique au Royaume-Uni.
Machine Head concert – Crédit photo Eric CANTO
Le 11 octobre 2005 également, Roadrunner Records a sorti un album pour commémorer les 25 ans de l’histoire du label. Quatre des chansons de l’album, Roadrunner United: The All-Star Sessions, ont été écrites par Robert Flynn de Machine Head. Phil Demmel et Dave McClain de Machine Head ont tous deux contribué à l’album.
Roadrunner United était un projet conçu par le label pour mettre en valeur le talent des dizaines de groupes signés chez Roadrunner Records. Il y avait 4 « Capitaines » affectés à l’écriture des chansons de l’album: Robb Flynn de Machine Head, Dino Cazares ex-Fear Factory, Matt Heafy de Trivium et Joey Jordison de Slipknot. Chaque « Captain » devait choisir quels artistes devaient participer à l’enregistrement de leurs chansons, et ils devaient être les producteurs primaires.
Le groupe travaille actuellement sur leur sixième album studio. Le 18 avril, Robb Flynn a rapporté sur le site Web du groupe que certains des titres de chanson actuels étaient Halo, Aesthetics of Hate, The Beautiful Mourning et Now I Lay Thee Down.
Ils ont également contribué un studio enregistré et produit la reprise de Metallica « Battery » pour Kerrang! Magazine , un hommage à l’album fondateur de Metallica, Master of Puppets.
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Machine Head The Blackening (2006-2009)
En 2006, le groupe prépare son sixième album studio intitulé The Blackening. L’album, produit par Robert Flynn et mixé par Colin Richardson, est sorti en Amérique du Nord le 27 mars 2007.
Les chansons Halo, Aesthetics of Hate, The Beautiful Mourning, Now I Lay Thee Down ont été annoncées en avril 2006 par Robb Flynn dans le journal du groupe. Selon Through the Ashes of Empires, l’album a été bien accueilli par les critiques et le public; aux États-Unis, la 53e place des ventes d’albums, alors que le groupe n’a jamais atteint cette position
A la sortie de The Blackening, Machine Head sera sur la route, que ce soit en première partie, comme pou Megadeth ou Trivium au printemps 2007, mais aussi pour Metallica en 2009. Le groupe enregistre également en Europe et en Océanie. Machine Head n’effectue qu’une seule grande tournée de concerts, celle-ci ayant lieu à l’hiver 2008 aux États-Unis.
Le groupe terminera en apothéose avec l’ouverture de la Metallica World Tour, le festival Wacken Open Air en Allemagne, et le passage au British Sonisphere (à Knebworth) a vu l’un des meilleurs concerts du groupe ( et leur concert le plus important auquel ont assisté plus de 45 000 personnes).
Le groupe continue son chemin, mais The Blackening reste son chef d’oeuvre.
Un album qui a fait date et reste aujourd’hui inégalable.
Membres actuels de Machine Head
Robert Flynn – chant, guitare (depuis 1992)
Vogg Kiełtyka – guitare (depuis 2019)
Matt Alston – batterie (depuis 2019)
Jared MacEachern – basse (depuis 2013)
Anciens membres de Machine Head
Dave McClain – batterie (1995-2019)
Phil Demmel – guitare (2002-2019)
Adam Duce – basse, chant (1992-2013)
Ahrue Luster – guitare (1998-2002)
Logan Mader – guitare (1992-1998)
Will Carrol – batterie (1995-1996)
Chris Kontos – batterie (1992-1995)
Tony Costanza – batterie (1992)
Discographie
Albums studio de Machine Head
1994 : Burn My Eyes
1997 : The More Things Change
1999 : The Burning Red
2001 : Supercharger
2003 : Through the Ashes of Empires
2007 : The Blackening
2011 : Unto the Locust
2014 : Bloodstone and Diamonds
2018 : Catharsis
Albums live[modifier | modifier le code]
2003 : Hellalive
2012 : Machine Fucking Head Live
Singles et EP de Machine Head
1995 : Davidian
1995 : Old
1997 : Take My Scars
1999 : From This Day
1999 : Year of the Dragon
1999 : Year of the Dragon Tour Diary : Japan
1999 : Silver (Take My Hand)
2001 : Crashing Around You
2004 : Days Turn Blue to Gray
2012 : B-Sides & Rarities
Chansons en Streaming de Machine Head
2019 : Do or Die
2020 : Circle the Drain
Vidéographie
1995 : Old
1995 : Davidian, de Chris Hafner
1997 : Ten Ton Hammer
1997 : Take My Scars, de Chris Hafner
1999 : From This Day, de Michael Martin
2001 : Crashing Around You, de Nathan Karma Cox
2003 : The Blood, The Sweat, The Tears, de Robb Flynn
2003 : Imperium, de Mike Sloat
2004 : Days Turn Blue to Gray, de Mike Sloat
2005 : Seasons Wither, de Mike Sloat
2007 : Aesthetics of Hate, de Mike Sloat
2007 : Now I Lay Thee Down, de Mike Sloat
2008 : Halo, de Mike Sloat
2011 : Locust, de Mike Sloat
2012 : Darkness Within, de Mike Sloat
2014 : Now We Die
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le leader de Machine Head , Robb Flynn, a été interviewé par Metal Hammer récemment publiée en ligne. L’entrevue révèle que Flynn ne retient pas ses coups, y compris ses réflexions sur le départ inattendu de Phil Demmel et Dave McClain et la réaction de division que l’album du groupe de 2018 » Catharsis » a reçue. L’interview trouve également Flynn peser sur le dernier single du groupe, » Do Or Die « , et leur tournée en cours du 25e anniversaire à l’appui de » Burn My Eyes « .
En ce qui concerne le sujet de la décision de Demmel et McClain de quitter le groupe après une dernière tournée ensemble, Robb Flynn: «Le monde a pu me regarder divorcer sur le World Wide Web. C’est le prix de vivre sa vie en public. Bien sûr, vous pouvez partager vos voyages à travers le monde et tous les points forts, mais vous pouvez également partager tous les mauvais points. Je ne voulais pas prétendre que ça ne se passait pas et puis, à la fin de la tournée, annoncer qu’ils partaient.
Nous avons eu une relation douloureusement honnête avec nos fans et cela a été une chose incroyable. Cela a vraiment créé un lien incroyable. Nous avons fait ce voyage ensemble et il n’y a aucun moyen que je puisse me regarder dans les yeux et prétendre que cela ne s’est pas produit pendant six semaines, juste pour protéger la base de fans. Nous avons donc réglé le problème et l’avons diffusé. »
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Quant à « Catharsis », Demmel a apparemment donné un aperçu d’au moins une de ses raisons de quitter dans une interview en février dernier, déclarant qu’il «détestait» le disque , qualifiant le groupe de « projet solo de Robb Flynn » à ce stade. Robb Flynn lui-même ne souscrit pas nécessairement à cette accusation, disant à Metal Hammer : «Lorsque vous reculez, vous pouvez voir que tout le monde en faisait partie. Je ne sais pas exactement ce qui l’a amené à la tête, mais je sais que j’écrivais de la nouvelle musique depuis un moment et ces gars-là ne voulaient pas travailler sur des trucs.
J’ai donc commencé à faire des démonstrations de certaines choses, juste pour qu’ils puissent entendre ce que j’écrivais, puis je pense qu’il y a peut-être eu une conversation sur l’avenir, car nous savions que cette tournée à venir était la dernière chose que nous faisions pour le cycle de tournée. »
Quant à la réaction à « Catharsis », Robb Flynn a déclaré au sujet de l’effusion de négativité qui lui est parvenue en réponse à sa sortie: «J’ai été le sac de boxe américain pendant neuf mois à partir du moment où la première chanson de« Catharsis »a été mise en ligne. Je ne pouvais pas mettre un seul putain de poste sans une centaine de trolls qui me fassent la peau. Être le leader d’un groupe peut être solitaire. Quand les choses ne sont pas nécessairement bien reçues, c’est encore plus solitaire. »
Robb Flynn a continué: «Je suis fier comme si j’avais fait un putain de ce record. Je savais que ça allait énerver les gens. D’une certaine manière, c’est devenu la mythologie de ‘ Catharsis ‘, ‘C’était un record très diviseur!’ Chaque putain d’article que j’ai lu! Ouais, c’était source de division pour les suprémacistes blancs et les conneries racistes, c’était source de division pour le putain d’alt-droit. Mais nos fans ont adoré. Les gens adorent ce putain de disque. Un tas de trolls connards qui ont mis leur putain de nez dans un tas à ce sujet. Allez vous faire foutre! J’ai l’impression que certains groupes, la presse en particulier, veulent que je m’excuse pour ce disque. Je ne m’excuse pas pour ca ! «
» Nous savions que nous voulions que ce soit un disque de métal épique et grandiose, mais nous n’avions aucune idée de ce que ça allait être (rires). J’adorerais dire que nous avions tout planifié et que tout était parfaitement en place, mais cela ne fonctionne pas comme ça. Nous avons tous les quatre eu la chance de puiser et de laisser passer cela en nous et d’avoir en quelque sorte une vue d’ensemble où ces huit chansons se sont le mieux combinées. «
A la question « Avez-vous récemment découvert une nouvelle musique qui fera une différence dans la vôtre à l’avenir ? » Robb Flynn: « Pas vraiment. Je regardais juste TERROR sur scène et ils sont tellement brutaux et néandertaliens. Ça m’a vraiment donné envie d’écrire des riffs très simples comme «pah pah pah… pah pah pah» (rires). Fondamentalement, juste bash parce que j’aime ça. «
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Après un bref rire, Robb Flynna ajouté: «Je suis reconnaissant que quiconque ait aimé un moment de Machine Head . Si vous avez déjà aimé une chanson que j’ai écrite dans ma vie, je vous en suis incroyablement reconnaissant. Merci beaucoup d’avoir apprécié quelque chose que j’ai fait. Néanmoins, je pense que c’est incroyablement arrogant et naïf et putain de stupide de penser que tout ce que j’écris va plaire à chaque personne qui a déjà acheté un seul de nos albums.
Je ne m’attends pas à ce que tout le monde reste dans le voyage qu’est Machine Head, mais si vous restez, ça va être complètement fou parce que …la vie est folle !. «
Machine Head a récemment terminé la première étape européenne / britannique de leur tournée du 25e anniversaire de » Burn My Eyes » avec les membres de retour Logan Mader et Chris Kontos de retour dans le giron. Ces spectacles comportent deux performances, l’une étant un album complet qui se déroule chaque soir avec ces deux anciens élèves susmentionnés.
Dans la deuxième performance, Robb Flynn et le bassiste / chanteur actuel de Machine Head Jared MacEachern jouent un ensemble distinct de matériel traditionnel de Machine Head avec Waclaw «Vogg» Kieltyka ( Decapitated ) à la guitare et Matt Alston ( Devilment ) à la batterie.
Voici quelques conseils pour des prises de photos live qui marquent. L’ajout de petites finesses à la façon dont vous composez les photos et le choix des angles, tous ces détails apparaîtront dans vos photos.
Essayez d’obtenir votre plus beau cliché en vous adaptant spontanément à l’ambiance d’un concert, mais aussi au lieu.
Une fois que vous incluez des instruments et des effets de scène tels que de la fumée en arrière-plan de votre image, l’atmosphère de l’image du concert est considérablement améliorée.
Transmettre l’atmosphère du concert live.
Lorsque vous photographiez un seul artiste, il est plus facile de composer la photo en orientation portrait. Définissez le point AF quelque part dans la zone que vous souhaitez capturer, il ne doit pas nécessairement être sur le visage de l’artiste.
Prenez une photo pour capturer une section d’une scène tout en excluant les sujets inutiles du cadre et vous obtiendrez une composition tout simplement agréable. De plus, essayez d’ajuster la vitesse d’obturation en fonction des mouvements du sujet.
C’est bien même si vous ne capturez pas une photo complète de l’artiste. La capture des sections que vous souhaitez représenter est l’une des techniques utilisées dans la photographie de concert.
Vérifiez le lieu, la salle, le club avant le concert lui-même pour visualiser le type de plans que vous pouvez cadrer et capturer dans les orientations portrait et paysage, de sorte que pendant la prise de vue réelle, vous pourrez composer votre plan calmement.
Si le lieu ou l’équipement de prise de vue vous empêche d’obtenir la photo souhaitée, vous pouvez recadrer vos images pendant le post-traitement.
L’une des joies de la photo live est de prendre une photo presque comme vous l’avez visualisée. Grâce aux essais et erreurs, vous pourrez mieux sélectionner l’équipement et les lieux de prise de vue pour votre prochain shooting de photo live .
Photo live :des photos audacieuses à partir d’un grand-angle
Si le seul endroit à partir duquel vous pouvez prendre des photos live est inférieur à la hauteur de la scène, lancez-vous un défi pour une prise de vue en contre-plongée qui repousse les limites.
L’utilisation de l’extrémité d’un zoom « grand-angle » pour capturer une scène aussi large que possible facilitera l’inclusion de l’artiste et du fond de scène dans le cadre. Il peut être intéressant d’inclure les lights en hauteur de scène pour capturer un plan distinctif.
N’abandonnez pas même si les lieux de prise de vue vous restreignent. L’utilisation de compositions audacieuses transmettra l’énergie du concert.
La prise de vue avec un 200 mm en photo live permet de capturer plus facilement le visage des guitaristes ou d’autres artistes qui ont tendance à incliner la tête vers le bas pendant qu’ils se produisent.
L’utilisation d’un grand-angle traduit également par des prises de vue plus percutantes telles que lorsqu’un artiste saute.
Photo live avec un grand-angle: inclure toute la largeur de la scène…
Lorsque vous photographiez avec un grand-angle, faites un effort conscient pour capturer l’atmosphère générale du lieu.
Vous serez en mesure de représenter la taille de la foule et de capturer les batteurs et les claviers loin derrière, qui sont généralement difficiles à photographier sous d’autres angles.
La capture d’artistes sur la scène est un exemple de prise de vue qui ne peut être photographiée qu’à partir d’une position plus élevée.
Avec une prise de vue avec un grand-angle, vous pouvez représenter l’atmosphère globale du lieu. Être capable de capturer toute la largeur de la scène est un autre avantage.
Capturer les couleurs et les textures vibrantes.
Capturer le dynamisme du costume et des accessoires de l’artiste est une autre technique pour rendre plus vivante la photographie de concert.
Que l’artiste soit ou non plongé dans un éclairage flatteur est une clé. Si l’artiste se trouve dans un éclairage naturel, la texture d’un costume n’apparaîtra pas même en gros plan. f/ 5-f / 5,6 ou supérieur et vous serez en mesure de représenter les détails des textures du costume.
Si vous voulez représenter les détails d’un costume, observez les effets d’éclairage et visez à obtenir une photo lorsque l’éclairage semble le plus naturel.
Notez qu’il est difficile de faire ressortir la texture du costume lorsqu’il est sous un éclairage puissant, comme lorsqu’il y a des effets d’éclairage rouge ou bleu.
Si cela est possible, essayez de savoir à l’avance quel costume l’artiste portera. Pour cela YouTube est ton ami…
Voilà quelques petites infos pour commencer, après, il faut faire et refaire…
Depuis leur formation en 1983, les Red hot chili peppers se sont imposés comme l’un des groupes les plus influents de la scène rock mondiale. Avec un mélange unique de **funk**, **rock**, **punk**, et **psychédélique**, le groupe a créé un son singulier qui continue d’inspirer des millions de fans.Leur carrière, marquée par des succès commerciaux énormes et des défis personnels, fait des Red hot chili peppers une véritable légende vivante de la musique. Cet article explore leur parcours depuis leurs débuts, leur évolution musicale, et leur impact durable sur le paysage musical mondial.
Red hot chili peppers
1. Les Débuts des Red Hot Chili Peppers
1.1 La Formation du Groupe
Les Red hot chili peppers (RHCP) ont vu le jour à Los Angeles en 1983, dans une période où la scène musicale de la ville bouillonnait d’énergie et de créativité. Le groupe initialement composé de **Anthony Kiedis** (chant), **Flea** (basse), **Hillel Slovak** (guitare), et **Jack Irons** (batterie) s’inspire des sons émergents du **punk**, du **funk**, et du **hard rock**. Leur fusion de ces genres a immédiatement attiré l’attention du public, notamment grâce à leurs performances scéniques délirantes.
Red hot chili peppers
Les débuts en club : Les RHCP commencent par jouer dans des clubs underground de Los Angeles, où leur style explosif et leur énergie brute sur scène attirent rapidement un public de fans fidèles. Dès le début, Kiedis et Flea démontrent une chimie scénique intense, souvent accompagnée de cascades scéniques, d’improvisations et de performances souvent déjantées, ce qui devient rapidement leur marque de fabrique.
Avec l’influence de la scène funk, notamment des artistes comme **George Clinton** et **Bootsy Collins**, Flea apporte à la musique du groupe un groove inimitable à la basse, tandis que Slovak, inspiré par des guitaristes tels que **Jimi Hendrix**, contribue à l’aspect psychédélique et agressif de leur son.
1.2 Les Premiers Albums : Une Fusion de Styles
Le premier album éponyme des **Red Hot Chili Peppers**, produit par **Andy Gill**, sort en 1984. Cet album jette les bases du son unique du groupe, bien que les critiques soient divisées. Les ventes restent modestes, mais le groupe se fait remarquer pour son mélange inhabituel de **funk** et de **punk**, une combinaison qui, bien qu’encore brute, pose les bases de ce qui deviendra leur signature musicale.
Des débuts modestes : L’album reçoit des critiques mitigées, certains louant leur énergie brute, tandis que d’autres jugent leur son trop chaotique et pas encore assez abouti. Cependant, malgré ces débuts modestes, le groupe commence à attirer un public de plus en plus large grâce à leur style de performance live qui se démarque des autres groupes de l’époque.
L’arrivée de George Clinton : Pour leur deuxième album, **Freaky Styley** (1985), le groupe fait appel à **George Clinton**, le maître du funk, pour produire l’album. Ce choix renforce l’influence funk dans leur musique, et des titres comme « Jungle Man » et « Hollywood (Africa) » montrent une évolution dans leur style. L’album permet au groupe de raffiner son son, mais le succès commercial reste encore limité.
Red hot chili peppers
1.3 Le Tragique Destin de Hillel Slovak
Le guitariste original du groupe, **Hillel Slovak**, est un élément clé dans la formation du son des RHCP. Son jeu de guitare énergique, fortement influencé par le funk et le rock psychédélique, joue un rôle central dans l’identité musicale du groupe. Malheureusement, Slovak lutte contre la toxicomanie tout au long de sa carrière avec le groupe, une bataille qui aura des conséquences tragiques.
Les luttes internes : Au cours de cette période, la toxicomanie affecte plusieurs membres du groupe, notamment Slovak et le chanteur Anthony Kiedis. Malgré leur ascension, ces problèmes de dépendance créent des tensions internes. En 1988, après la sortie de leur troisième album ** »The Uplift Mofo Party Plan »**, Hillel Slovak meurt d’une overdose d’héroïne. Sa mort marque un tournant majeur pour le groupe.
La perte de Slovak pousse également le batteur **Jack Irons** à quitter le groupe, incapable de supporter le choc de la mort de son ami. À ce moment-là, l’avenir du groupe semble incertain, mais Kiedis et Flea décident de poursuivre.
2. L’Ascension des Red Hot Chili Peppers
2.1 L’arrivée de John Frusciante et Chad Smith
Après la mort de Hillel Slovak et le départ de Jack Irons, les Red hot chili peppers se retrouvent à un moment critique. Cependant, en 1988, deux nouveaux membres rejoignent le groupe : **John Frusciante** à la guitare et **Chad Smith** à la batterie. Ces nouvelles recrues apportent une énergie et une créativité renouvelées au groupe, leur permettant de surmonter les difficultés et de passer à une nouvelle étape dans leur carrière.
John Frusciante, le prodige de la guitare : À seulement 18 ans, Frusciante impressionne par sa maîtrise de la guitare et sa capacité à intégrer des influences variées, allant du punk au funk en passant par le rock psychédélique. Son jeu est à la fois technique et émotionnel, apportant une nouvelle dimension au son des RHCP.
Chad Smith, le pilier rythmique : De son côté, **Chad Smith** apporte une puissance brute à la batterie, avec un style percutant et une énergie inébranlable. Ensemble, Frusciante et Smith apportent une nouvelle alchimie au groupe, ce qui conduit à la création de leur quatrième album ** »Mother’s Milk »** en 1989.
Red hot chili peppers
2.2 Le Succès Explosif de « Mother’s Milk »
Avec « Mother’s Milk », sorti en 1989, les RHCP commencent à atteindre un succès commercial et critique. L’album contient des hits comme ** »Higher Ground »**, une reprise du classique de Stevie Wonder, et « Knock Me Down », un hommage à Hillel Slovak. Grâce à ce disque, le groupe parvient à capter l’attention du grand public tout en conservant leur identité musicale unique.
Un style plus affiné : Cet album montre une évolution claire dans leur son, avec des morceaux plus structurés et mélodiques. La basse funky de Flea, combinée aux riffs innovants de Frusciante, crée un équilibre parfait entre la puissance brute et la sophistication musicale. « Mother’s Milk » permet également au groupe de développer davantage ses capacités de composition, avec des titres plus réfléchis et émotionnels.
Une tournée réussie : La tournée qui suit la sortie de ** »Mother’s Milk »** propulse le groupe dans la sphère internationale. Leurs performances scéniques, toujours aussi énergiques et excentriques, leur permettent de conquérir un public de plus en plus large. À ce stade, RHCP est devenu un nom familier dans le monde du rock alternatif, mais leur plus grand succès est encore à venir.
2.3 « Blood Sugar Sex Magik » : L’Apogée
En 1991, les **Red Hot Chili Peppers** sortent ** »Blood Sugar Sex Magik »**, produit par **Rick Rubin**. Cet album marque un tournant décisif dans la carrière du groupe et est souvent considéré comme leur chef-d’œuvre. Avec des hits comme ** »Give It Away »**, ** »Under the Bridge »**, et ** »Suck My Kiss »**, l’album est à la fois un succès commercial massif et un triomphe critique.
Une fusion parfaite des genres : « Blood Sugar Sex Magik » combine des éléments de funk, de rock, de rap, et de ballades plus introspectives, montrant la capacité du groupe à s’aventurer dans différents styles tout en restant fidèles à leurs racines. La production soignée de Rick Rubin met en valeur la complexité et la profondeur des compositions du groupe, tout en capturant l’énergie brute de leurs performances en studio.
Un succès mondial : L’album se vend à plus de 13 millions d’exemplaires dans le monde, propulsant les Red hot chili peppers au rang de superstars internationales. Le single ** »Give It Away »** remporte un **Grammy Award**, tandis que ** »Under the Bridge »** devient l’une de leurs chansons les plus emblématiques, atteignant la deuxième place des charts aux États-Unis.
Malgré ce succès monumental, des tensions internes commencent à apparaître au sein du groupe, notamment en raison des difficultés de **John Frusciante** à gérer la notoriété croissante. Peu de temps après la sortie de l’album, Frusciante quitte brusquement le groupe en pleine tournée, plongeant les RHCP dans une période d’incertitude.
Red hot chili peppers
3. Le Renouveau des Red Hot Chili Peppers
3.1 Le Retour de John Frusciante et l’Épopée « Californication »
Après plusieurs années d’instabilité et de changements de formation, **John Frusciante** fait un retour triomphal au sein du groupe en 1998, après avoir surmonté ses problèmes personnels. Le groupe entame alors l’enregistrement de leur septième album, ** »Californication »** (1999), qui marque une nouvelle phase dans leur carrière.
Le triomphe de « Californication » : Cet album renoue avec un son plus mélodique et introspectif, tout en conservant les racines funk-rock du groupe. Des morceaux comme ** »Scar Tissue »**, ** »Otherside »**, et ** »Californication »** deviennent des hits internationaux, et l’album se vend à plus de 15 millions d’exemplaires à travers le monde. La guitare éthérée et émotionnelle de Frusciante, combinée aux lignes de basse groovy de Flea et aux paroles introspectives de Kiedis, fait de « Californication » l’un des albums les plus emblématiques de leur carrière.
Le retour de Frusciante dans le groupe apporte une nouvelle énergie créative, et les RHCP commencent une tournée mondiale triomphale qui les consolide en tant que l’un des groupes de rock les plus influents de leur génération.
3.2 Red hot chili peppers« By the Way » et « Stadium Arcadium »
En 2002, les **Red Hot Chili Peppers** sortent ** »By the Way »**, un album qui continue à explorer des sonorités plus mélodiques et plus pop, tout en restant fidèle à leurs racines funk-rock. Cet album produit des hits comme ** »By the Way »**, ** »The Zephyr Song »**, et ** »Can’t Stop »**, consolidant encore davantage leur position au sommet de la scène musicale internationale.
« Stadium Arcadium » : En 2006, les RHCP sortent leur premier double album, ** »Stadium Arcadium »**, un projet ambitieux qui explore un large éventail de styles musicaux. Cet album reçoit un accueil critique enthousiaste et remporte plusieurs **Grammy Awards**, notamment pour la chanson ** »Dani California »**. Le double album se compose de deux disques, ** »Jupiter »** et ** »Mars »**, qui explorent différentes facettes du son du groupe, du funk au rock psychédélique en passant par des ballades acoustiques.
Avec « Stadium Arcadium », les Red Hot Chili Peppers montrent une fois de plus leur capacité à se réinventer tout en restant fidèles à leur essence. L’album est un énorme succès commercial, atteignant la première place des charts dans plusieurs pays et se vendant à des millions d’exemplaires.
3.3 Les Départs et Retours de John Frusciante
Après la tournée mondiale qui suit la sortie de ** »Stadium Arcadium »**, John Frusciante quitte à nouveau le groupe en 2009 pour se concentrer sur sa carrière solo. Le groupe recrute alors **Josh Klinghoffer**, un guitariste talentueux, pour le remplacer.
Avec Klinghoffer, les RHCP sortent l’album ** »I’m with You »** en 2011, suivi de ** »The Getaway »** en 2016. Ces albums sont bien accueillis par la critique, mais ne parviennent pas à capturer l’alchimie unique que Frusciante avait apportée au groupe.
En décembre 2019, les fans sont ravis d’apprendre que **John Frusciante** fait son retour au sein du groupe. Ce retour tant attendu marque une nouvelle ère pour les **Red Hot Chili Peppers**, qui préparent un nouvel album avec Frusciante à la guitare.
La Discographie des Red Hot Chili Peppers : Une Évolution Musicale Iconique
1. Les Premiers Albums (1984-1987)
1.1 The Red Hot Chili Peppers (1984)
Le tout premier album éponyme des **Red Hot Chili Peppers** sort en 1984. Produit par **Andy Gill**, ancien membre de **Gang of Four**, cet album pose les bases du style unique du groupe, mais montre encore une identité musicale en gestation. La production est rugueuse, et bien que l’énergie du groupe soit palpable, cet album est loin d’être le reflet de leur potentiel à venir.
Des morceaux comme ** »Get Up and Jump »** et ** »Out in L.A. »** montrent la volonté des RHCP d’intégrer des éléments de funk et de punk dans leur musique, mais le son global manque de cohérence. Néanmoins, cet album pose les bases de la dynamique explosive entre **Anthony Kiedis**, **Flea**, **Hillel Slovak**, et **Jack Irons**, et ouvre la voie à des évolutions plus ambitieuses dans leurs albums suivants.
1.2 Red hot chili peppers Freaky Styley (1985)
Avec **Freaky Styley**, les **Red Hot Chili Peppers** collaborent avec le légendaire **George Clinton**, le maître du funk. Cela renforce considérablement l’aspect funk de leur musique. L’album bénéficie d’une production plus travaillée, et Clinton aide le groupe à affiner leur style unique de fusion funk-punk.
Des titres comme ** »Jungle Man »**, ** »Hollywood (Africa) »**, et ** »The Brothers Cup »** montrent l’influence de Clinton, avec des lignes de basse groovy et des rythmes de batterie funky, soutenus par la voix dynamique de Kiedis. Si cet album est une amélioration par rapport à leur premier effort, il ne réussit pas à attirer une attention commerciale majeure. Toutefois, il est désormais considéré comme un jalon important dans l’évolution du groupe vers un son plus mature.
1.3 Red hot chili peppers The Uplift Mofo Party Plan (1987)
**The Uplift Mofo Party Plan** marque une étape importante dans la carrière des RHCP, car c’est le seul album enregistré par la formation originale avec **Hillel Slovak** à la guitare et **Jack Irons** à la batterie. Cet album représente une fusion plus cohérente de funk et de rock, ce qui leur permet de commencer à attirer l’attention du grand public.
Les chansons ** »Fight Like a Brave »** et ** »Me and My Friends »** illustrent parfaitement cette fusion d’énergies, avec des riffs accrocheurs et des rythmes funky. L’album est un pas en avant dans l’affirmation de leur style, mais c’est aussi un moment marqué par des luttes internes dues à la toxicomanie de Slovak. Sa mort en 1988, peu après la sortie de l’album, marque une période sombre pour le groupe.
2. La Période de l’Ascension (1989-1995)
2.1 Red hot chili peppers Mother’s Milk (1989)
Avec **John Frusciante** remplaçant Hillel Slovak à la guitare et **Chad Smith** à la batterie, les **Red Hot Chili Peppers** trouvent enfin la formation qui les mènera au succès. **Mother’s Milk** est leur quatrième album, et c’est celui qui les propulse vers une reconnaissance mondiale.
Des titres comme ** »Higher Ground »** (une reprise de Stevie Wonder) et ** »Knock Me Down »** témoignent de la nouvelle dynamique du groupe, avec une guitare plus fluide et un groove plus affirmé. L’album marque également une amélioration notable en termes de production et de cohésion musicale. C’est la première fois que le groupe commence à percer dans les classements américains, un signe avant-coureur de leur succès à venir.
2.2 Red hot chili peppers Blood Sugar Sex Magik (1991)
En 1991, **Blood Sugar Sex Magik** marque une révolution dans la carrière des RHCP. Produit par **Rick Rubin**, cet album est considéré comme leur chef-d’œuvre et a un impact durable sur la scène musicale. C’est un mélange parfait de funk, de rock, de rap et d’éléments psychédéliques, et il contient des titres qui deviendront des classiques intemporels.
Des morceaux comme ** »Give It Away »**, ** »Suck My Kiss »**, et le plus introspectif ** »Under the Bridge »** propulsent le groupe vers un succès mondial. La guitare mélodique de Frusciante, combinée aux lignes de basse groovy de Flea et aux paroles puissamment émotionnelles de Kiedis, donne à cet album une profondeur musicale qui dépasse les attentes. ** »Blood Sugar Sex Magik »** se vend à plus de 13 millions d’exemplaires dans le monde et est souvent cité comme l’un des meilleurs albums de rock alternatif des années 1990.
Malheureusement, peu après la sortie de l’album, **John Frusciante** quitte le groupe en raison de l’énorme pression liée à la célébrité, ce qui plonge les RHCP dans une période d’incertitude.
2.3 Red hot chili peppers One Hot Minute (1995)
Après le départ de Frusciante, les Red Hot Chili Peppers recrutent **Dave Navarro**, ancien guitariste de **Jane’s Addiction**, pour l’album **One Hot Minute**. Cet album est marqué par un son plus sombre et plus lourd, reflétant les luttes internes du groupe à cette époque.
Des titres comme ** »Warped »**, ** »My Friends »**, et ** »Aeroplane »** sont plus axés sur le hard rock et le grunge que sur le funk. Bien que cet album ait connu un succès modéré, il ne parvient pas à capturer la magie de **Blood Sugar Sex Magik**. **Navarro** quitte finalement le groupe en 1998, et cette période est souvent considérée comme une parenthèse difficile dans leur carrière.
3. Le Retour en Force et l’Âge d’Or (1999-2006)
3.1 Red hot chili peppers Californication (1999)
Le retour de **John Frusciante** en 1998 marque une renaissance pour les **Red Hot Chili Peppers**. Leur septième album, **Californication**, sort en 1999 et est un triomphe à tous les niveaux. Ce disque se distingue par une approche plus mélodique et plus introspective, tout en conservant les éléments de funk-rock qui ont fait la renommée du groupe.
Des chansons comme ** »Scar Tissue »**, ** »Otherside »**, et la chanson-titre ** »Californication »** deviennent des hits planétaires. **Californication** se vend à plus de 15 millions d’exemplaires dans le monde, et Frusciante y joue un rôle central, en apportant des textures sonores plus éthérées et émotionnelles à la musique du groupe. Cet album marque également un tournant dans les paroles de Kiedis, qui deviennent plus introspectives et réfléchissent sur des thèmes tels que la dépendance, la rédemption et la quête de sens.
3.2 Red hot chili peppers By the Way (2002)
Trois ans après le succès de **Californication**, les RHCP sortent **By the Way** en 2002, un album qui montre une évolution vers un son encore plus mélodique et plus pop. Bien que certaines chansons comme ** »Can’t Stop »** conservent une énergie funk-rock, l’album dans son ensemble est plus doux et plus introspectif que leurs précédents travaux.
Avec des titres comme ** »By the Way »**, ** »The Zephyr Song »**, et ** »Universally Speaking »**, le groupe explore des ambiances plus rêveuses et plus légères. Si certains fans regrettent l’aspect plus brut de leurs albums précédents, **By the Way** reçoit un accueil critique positif et se vend à des millions d’exemplaires, confirmant la place des RHCP en tant que l’un des plus grands groupes de rock de la scène mondiale.
3.3 Red hot chili peppers Stadium Arcadium (2006)
En 2006, les **Red Hot Chili Peppers** sortent un album double ambitieux intitulé **Stadium Arcadium**. Cet album explore toute la gamme des influences musicales du groupe, du funk au rock psychédélique en passant par des ballades acoustiques. Les deux disques, ** »Jupiter »** et ** »Mars »**, contiennent des titres tels que ** »Dani California »**, ** »Snow (Hey Oh) »**, et ** »Tell Me Baby »**, qui deviennent des succès immédiats.
**Stadium Arcadium** est acclamé par la critique et remporte plusieurs **Grammy Awards**, y compris celui du Meilleur Album Rock. Cet album est également le dernier projet avec John Frusciante avant son départ en 2009. Il incarne une période de créativité intense et de cohésion musicale pour le groupe, avec des compositions qui reflètent à la fois leur maturité et leur volonté de continuer à innover.
4. Une Nouvelle Phase (2011-présent)
4.1 Red hot chili peppers I’m with You (2011)
Après le départ de John Frusciante, les RHCP recrutent **Josh Klinghoffer** pour leur dixième album **I’m with You** en 2011. Cet album présente un son plus expérimental, avec des influences variées allant de l’afrobeat au jazz.
Bien que des morceaux comme ** »The Adventures of Rain Dance Maggie »** aient reçu des critiques positives, **I’m with You** n’a pas le même impact que les albums précédents avec Frusciante. Cependant, le groupe montre qu’il est capable de se réinventer malgré les changements de line-up.
4.2 Red hot chili peppers The Getaway (2016)
En 2016, les RHCP sortent **The Getaway**, produit par **Danger Mouse**. Cet album se distingue par une production plus raffinée et des arrangements plus subtils. Des titres comme ** »Dark Necessities »** et ** »Go Robot »** montrent une volonté de continuer à explorer de nouvelles sonorités, tout en gardant les éléments fondamentaux de leur style.
Bien que **The Getaway** ne connaisse pas le même succès commercial que **Californication** ou **Stadium Arcadium**, il reçoit des critiques positives et montre que les **Red Hot Chili Peppers** restent un groupe capable d’évoluer et de surprendre après plus de trois décennies de carrière.
4.3 Le Retour de John Frusciante et l’Avenir
En 2019, le groupe annonce le retour de **John Frusciante**, à la grande joie des fans. Le retour de Frusciante a ravivé l’espoir que le groupe retrouve l’alchimie musicale qui avait marqué leurs plus grands succès. Avec de nouveaux projets en préparation, les **Red Hot Chili Peppers** continuent de prouver qu’ils sont l’un des groupes de rock les plus influents et résilients de l’histoire.
» Motorhead Lemmy n’est pas une biographie de Lemmy Kilmister, l’âme bouillonnante de Motorhead. C’est bien mieux. Greg Olliver et Wes Orshoski ont suivi Lemmy sur une période de deux ans.
Ils l’ont accompagné dans les coulisses d’une tournée, ou soir après soir, il réanime la légende, ce typhon rock’n’roll qui franchit la barrière du son et culmine avec le culte « Ace of Spades » dans sa maison de Los Angeles.
Découvrez le film « Motorhead Lemmy » en version intégrale
Le gars est un doigt d’honneur à lui tout seul. Il est l’esprit du rock. Il faut s’incliner devant lui. Dave Navarro, Nikki Sixx, Billy Bob Thornton, Slash, Ozzy Osbourne Joan Jett, Henry Rollins, Alice Cooper, Ice T et bien d’autres rocks stars…pour eux, « Lemmy incarne ce qu’ils ne sont plus depuis bien longtemps. »
Véritable légende et icône de la scène heavymétal et hard rock depuis 40 ans, Lemmy a marqué son époque par son style de jeu, sa voix rauque et ses excès.
Marqué par des dizaines de disques et de tournées, son parcours est également marqué par des escapades et des anecdotes aussi improbables les unes que les autres, qui suffiraient pour écrire un roman. Lemmy raconte cela parfaitement.
En 2006, Lemmy Kilmister a accordé une interview à Libération. Il a exprimé son dégoût pour les légumes et s’est décrit comme « remarquablement conservé malgré une vie en excès, un peu comme une vipère dans un pot d’alcool ».
L’occasion tout de même de discuter de ses problèmes de santé, et en particulier de son sang plus sain, selon les dernières analyses.
« Keith Richards avait les moyens de faire changer son sang, mais je n’ai pas son argent », a expliqué Lemmy à qui les médecins auraient expliqué, alors qu’il était hospitalisé à Londres au début des années 1990: « Vous voyez, si on vous donne du sang pur, vous mourrez … s’il vous plaît, ne donnez pas votre sang ! Il est si toxique que vous tueriez quelqu’un! »
Motorhead Lemmy : un mode de vie…fou
Compte tenu de son mode de vie, Lemmy a eu une longévité inattendue. Il l’attribuait au fait qu’il n’avait jamais consommé d’héroïne, une drogue qu’il avait vue emporter beaucoup d’amis.
Cependant, il était loin d’être hostile à d’autres drogues, telles que le LSD et les amphétamines. Selon la légende, il ne pouvait pas arrêter de se droguer, sinon son corps aurait cessé de fonctionner. Lui-même disait qu’il n’avait pas pu dormir pendant deux semaines après en avoir pris.
Sa consommation d’alcool était également impressionnante. Dans le documentaire Live Fast Die Old, on apprend notamment qu’il a consommé une bouteille de Jack Daniel’s par jour pendant 30 ans (ce qui, si on fait le calcul, équivaudrait à quelque 10000 litres consommés dans sa vie).
Lemmy avait déclaré au Guardian qu’il était passé à la vodka orange pour gérer son diabète. Malgré ses problèmes de santé, il disait être « indestructible » et n’avait pas l’intention de s’arrêter.
Avant que Lemmy Kilmister ne devienne le leader incontesté et charismatique de Motörhead, il a roulé sa bosse ailleurs.
Entre la fin des années 1960 et le début des années 1970, il a joué dans plusieurs autres groupes, comme The Rockin ‘Vickers, Sam Gopal et surtout Hawkwind, un groupe de space rock toujours actif dans lequel des dizaines de musiciens ont joué.
Le rockeur a également était roadie, c’est-à-dire technicien qui accompagne les groupes en tournée.
Et pas pour des inconnus. À la fin des années 1960, il suit Jimi Hendrix et prépare ses guitares. « Quand il jouait, c’était magique. L’espace et le temps s’arrêtaient », a déclaré le leader de Motörhead, décrivant Hendrix comme « un gars vraiment sympa » et « très poli ».
Motorhead Lemmy : Une voix d’outre-tombe, un micro perché…
Sur scène, Lemmy chantait avec un microphone anormalement haut, une habitude qu’il avait gardée depuis les débuts du groupe.
Cette position inhabituelle l’obligeait à chanter la tête tournée vers le haut, ce qui, selon lui, l’empêchait à l’époque de voir le peu de spectateurs.
Autre explication possible, relayée par Rolling Stone, la position de son micro lui permettait de regarder vers le haut, « comme s’il prononçait un sermon en colère ou hurlait face à une brute beaucoup plus grosse que lui ». À moins que ce soit simplement un moyen de conserver son timbre robuste.
Motorhead Lemmy : Pas de mariage mais deux fils…
Lemmy n’a jamais été marié, pas vraiment un adepte d’une vie de famille stable et ordonnée, et avait deux fils.
Dans un portrait rendu public après sa mort, Libération rappelle qu’il a été abandonné par son père et que cette expérience, tout comme son style de vie, a probablement joué un rôle dans les relations avec ces deux enfants.
Son premier fils, Sean, est né lorsque Lemmy n’avait que 17 ans. Adopté par la suite, il n’a jamais rencontré son père.
Dans le documentaire Lemmy, le chanteur fait référence quand il dit que la mère de l’enfant l’a trouvé, mais « n’a pas eu le courage » de dire à son fils qui était son père.
Le deuxième fils de Lemmy, Paul, est né au milieu des années 1960. Il n’a connu son père qu’à l’âge de 6 ans, et ils se rencontraient régulièrement.
OFFICIAL « MAKING OF LEMMY »
Motorhead Lemmy : Une collection…d’objets nazis
Adepte de la provocation, Lemmy est également devenu connu pour son penchant pour les objets liés au nazisme et au IIIe Reich.
Des objets qu’il gardait chez lui mais qu’il arborait aussi parfois sur scène, suscitant controverses et accusations de sympathie idéologique, même si le rockeur l’a toujours niée et que son point de vue ne laissait aucun doute.
« Je ne collectionne que des objets, je ne collectionne pas d’idées », a expliqué Lemmy, qui se considérait plutôt comme un « anarchiste ».
Il a reconnu sa fascination pour les uniformes nazis (mais aussi napoléoniens) en expliquant que « les méchants ont toujours eu les meilleurs trucs » tandis que les soldats britanniques ont des uniformes kakis qui les faisaient ressembler à des « grenouilles des marais ».
Motorhead Lemmy : Une sexualité débridée
Comme d’autres rockeurs, Lemmy a construit son image sulfureuse sur sa consommation excessive d’alcool et de drogues, mais aussi sur sa sexualité débridée.
En 2006, le magazine Maxim l’a également classé dans son top 10 des «légendes sexuelles vivantes», lui décernant pas moins de 2000 conquêtes. « Je n’ai jamais dit 2000, j’ai dit 1000.
Mais je suis probablement aux alentours de 1200 maintenant », a déclaré Lemmy au magazine mensuel pour hommes.
« Je l’ai commencé il y a longtemps et je n’ai jamais été marié, donc je n’ai jamais pris de pause. » Lemmy souffrait aussi parfois de ces excès sexuels, s’évanouissant surtout sur scène après un léger « épuisement ».
Le leader de Motörhead a également exprimé à plusieurs reprises son amour et son respect pour les femmes, qu’il considérait comme égales dans tous les domaines.
Lemmy reste une des dernières véritables légendes du rock. Par son oeuvre, son mode de vie, par sa façon si particulière d’avoir traversé son temps.
Motorhead était un groupe de heavy métal britannique originaire de Londres, en Angleterre. Le groupe a été formé par le bassiste et chanteur Lemmy Kilmister en 1975 et dissous en 2015 après la mort de ce dernier. Il faisait partie de la nouvelle vague de métaux lourds britanniques, qui a imprégné la communauté britannique de heavy métal.
Les albums Overkill, Bomber, Ace of Spades et surtout No Sleep’til Hammersmith ont renforcé la réputation de Motorhead comme l’un des plus grands groupes de rock du Royaume-Uni.
Motorhead est considéré dans le heavy métal comme l’une des principales influences du speed et du thrash, Lemmy Kilmister admet qu’il déteste ce terme, préférant décrire le son du groupe comme « rock and roll ».
L’approche de Motorhead à sa musique est restée simple tout au long de la vie du groupe, préférant jouer ce que ses membres ont aimé, sans se soucier de « ce que les autres pensent ». Au cours des 40 années de sa carrière, le groupe a vendu plus de 35 millions d’albums dans le monde.
Les textes de Motorhead couvrent des sujets aussi larges que la guerre, le sexe,le bien contre le mal, la consommation de drogue et la vie sur la route.
Le logo du groupe a été créé en 1977 par l’artiste Joe Petagno pour les besoins de l’album Motorhead. Le groupe se classe 26ème dans le classement VH1 des 100 plus grands groupes de métal.
Les héritiers de Motorhead
Metallica
Parmi ceux qui se considèrent comme les plus influencés par Motörhead se trouve bien sûr Metallica, et Lars Ulrich était même le président junior du fan club de Motorhead.
Le groupe leur rendra hommage, notamment l’album The Lemmy’s a.k.a Metallica, enregistré lors de l’anniversaire des cinquante ans de Lemmy dans Whiskey A Go-Go à Los Angeles. Les groupes des Big Four disent que Motorhead a beaucoup d’influence.
L’album se compose de 8 chansons de Motorhead jouées par Metallica et de 12 chansons jouées par Motorhead. Sur cet album live, Four Horsemen comprend Overkill (avec Lemmy), Damage Case, Stone Dead Forever, Too Late Too Late, The Chase Better than the Catch et (We Are) The Road Crew.
D’autres groupes de thrash comme Sodome ou Sepultura le disent. Le Venom, pionnier du Black Metal, se déclare également sous l’influence de Motorhead.
Il a fondé le groupe Probot et Lemmy autour de lui, on voit aussi Dave Grohl dans un T-shirt Motorhead dans son Clip, comme Axl Rose of Guns N ‘Roses dans le clip Estranged, M Shadows Avenged Sevenfold au Hellfest 2014, ainsi que Greg Graffin de Bad Religion dans des clips bonus de DVD Live at the Palladium.
Le chanteur du groupe Rancid n’a pas non plus caché son amour pour Lemmy et Motorhead, nous voyons donc qu’il a pris la même apparence que Lemmy dans son groupe Lars Frederiksen et les salauds, adoptant un style de barbe ou un fer à repasser sur le cou.
Airbourn
Le groupe australien Airbourne rend hommage à Lemmy et Motorhead par la chanson « It’s All for Rock’n’Roll« . Dans le clip de ce titre, Lemmy apparaît à plusieurs reprises, menant une carrière difficile (probablement une référence à la période « roadie ») ou sur scène.
D’un autre côté, on voit dans le clip une structure de scène similaire à celle mise en œuvre lors des concerts de Motörhead pour le titre « Bomber ». Dee Dee Ramone, qui a composé plus de la moitié des chansons des Ramones, était également un grand fan de Motorhead.
Lemmy enregisgrera une chanson dédiée à Ramones sur un album de 1916 intitulé R.A.M.O.N.E.S. À ce sujet, le chanteur des Ramones Joey a déclaré: « La chanson de Lemmy pour nous est le plus grand hommage, comme si Lennon faisait de même.
» Il y a eu de nombreux groupes d’hommage, principalement britanniques, tels que Motörheadache et I’m Not Motörhead de Portsmouth en Grande-Bretagne.
2004 : Everything Louder Than Everything Else (Live 1991) (DVD)
2005 : Stage Fright (Live 2004) (DVD)
2010 : Lemmy The Movie (DVD)
2011 : The Wörld Is Ours – Vol. 1 – Everywhere Further Than Everyplace Else (DVD)
2012 : The World Is Ours – Vol.2 – Anyplace Crazy As Anywhere Else (DVD)
2016 : Clean Your Clock (DVD)
BONUS: la dernière interview de Lemmy
L’icône de Motorhead, Lemmy, a ri d’apparaître sur scène comme un fantôme après sa mort dans l’une de ses dernières interviews. La conversation de 14 minutes a été enregistrée par la chaîne de télévision allemande ZDF fin novembre, des semaines avant le décès du 28 décembre . Son manager Todd Singerman a révélé cette semaine que Lemmy était devenu trop fragile pour passer des interviews et des soundchecks lors de sa dernière tournée.
Le batteur Mikkey Dee a déclaré que son collègue avait «dépensé toute son énergie» sur la route en décembre. Malgré un air malade et fatigué, Lemmy était de bonne humeur lors de l’interview ZDF. Lorsqu’on lui a demandé s’il avait l’intention de continuer à jouer, il a plaisanté: «Après la mort ? Non. Je vais devoir m’arrêter alors, je pense.
On ne sait jamais… je pourrais hanter quelque part. Gâcher le concert de quelqu’un d’autre. Tears For Fears ou quelqu’un – apparaissez au milieu et dites « Tout le monde! » » Il a dit de la longévité de son groupe: «40 ans, c’est une blague. C’est ridicule. La presse ne nous aimait pas.
Ils nous ont donné six mois à vivre. Ils sont tous partis et je suis toujours là. Dommage. » Il a évoqué la mort récente de l’ancien batteur Philthy ‘Animal’ Taylor , en disant: «J’ai l’impression d’avoir connu Phil toute ma vie. C’était un fou – et j’admire cela chez une personne. Je pense qu’il a perdu sa volonté de vivre. Il faisait beaucoup de mauvaises drogues et vivait avec les mauvaises personnes.
C’était trop pour sa constitution. Jusqu’à présent, j’ai survécu, parce que je l’ai inventé, plus ou moins. » Lemmy a ajouté: «Je ne recommande pas le mode de vie, car la plupart des gens en meurent. Beaucoup de mes amis sont morts, ce qui ne devrait pas être le cas.
Ils avaient beaucoup plus de musique en eux. Mais c’est comme ça que la vie est – tout dépend de la chance. Pour l’avenir, il a déclaré: «Je le ferai aussi longtemps que possible. J’ai 70 ans en décembre et c’est un peu ridicule après ça.
Mais je vais voir comment je me sens. » Il a également parlé des attentats terroristes de Paris, de la musique punk, de l’écriture de chansons, d’Elvis, de Little Richard, de Carl Perkins, de Lars Ulrich et du rejet du titre de « parrain du heavy metal ».
Slayer, le groupe emblématique du metal et leur incroyable parcours
Au fil des années, Slayer s’est imposé comme l’un des groupes les plus emblématiques de la scène metal. Leur musique puissante et envoûtante a marqué l’histoire du rock et continue d’influencer de nombreux artistes. Dans cet article, nous allons revenir sur l’histoire de ce groupe hors du commun, découvrir ses membres fondateurs et explorer leurs albums cultes. Alors, sans plus attendre, entrons dans l’univers exceptionnel de Slayer.
Les débuts de Slayer : entre passion et audace
Tout commence en 1981 à Huntington Park, une banlieue de Los Angeles. Deux guitaristes talentueux, Kerry King et Jeff Hanneman, décident de s’associer pour former un groupe. Ils recrutent alors Tom Araya, un chanteur et bassiste doté d’une voix puissante et captivante, ainsi que Dave Lombardo, un batteur exceptionnel. Ainsi naît Slayer, un groupe qui n’a pas encore pris sa forme définitive, mais dont les fondations sont désormais posées.
Le quatuor s’investit corps et âme dans la création de leur premier album, enchaînant les répétitions et les concerts locaux pour se faire connaître. En 1983, ils sortent leur premier opus intitulé « Show No Mercy ». L’accueil est très positif, notamment grâce à des morceaux tels que « Die by the Sword » ou « Evil Has No Boundaries ». Forts de ce premier succès, les membres de Slayer décident de poursuivre leur aventure et enchainent les tournées à travers les Etats-Unis.
Les albums cultes de Slayer
Avec plus de trente années d’existence et une discographie riche de douze albums studio, Slayer a su évoluer tout en restant fidèle à son style emblématique. Découvrons ensemble quelques-uns de leurs albums les plus marquants :
« Reign in Blood » (1986) – Souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, cet album est un véritable monument du metal. Avec des morceaux aussi emblématiques que « Angel of Death » ou « Raining Blood », il propulse le groupe au sommet de la scène métal internationale.
« South of Heaven » (1988) – Plus atmosphérique et mélodique que son prédécesseur, cet opus séduit grâce à des titres tels que « Mandatory Suicide » ou « Ghosts of War ». Il confirme également l’excellente collaboration entre les deux guitaristes fondateurs, Kerry King et Jeff Hanneman.
« Seasons in the Abyss » (1990) – Fusionnant avec brio l’énergie brute de « Reign in Blood » et la richesse mélodique de « South of Heaven », cet album offre certains des meilleurs morceaux du groupe, notamment « War Ensemble » et « Dead Skin Mask ».
« God Hates Us All » (2001) – Après une période plus calme, Slayer revient avec cet album puissant et sombre, qui plonge l’auditeur dans un univers aussi fascinant que dérangeant. Des titres tels que « Disciple » et « New Faith » témoignent de la rage et de la virtuosité du groupe.
Leurs dernières années de carrière
En 2015, le groupe sort son dernier album studio en date, intitulé « Repentless ». Cette réalisation fait suite au décès du guitariste fondateur Jeff Hanneman en 2013, remplacé par Gary Holt. Bien que confrontés à cette épreuve difficile, les membres de Slayer continuent de donner le meilleur d’eux-mêmes pour offrir à leurs fans des morceaux d’une intensité rare et maintenir l’héritage de leur ami disparu.
Fidèles à leur engagement scénique depuis leurs débuts, Slayer annonce également une ultime tournée mondiale en 2018, baptisée « The Final World Tour ». C’est ainsi que Tom Araya, Kerry King, Paul Bostaph et Gary Holt sillonnent les routes du monde entier pour dire adieu à leurs fidèles admirateurs et célébrer ensemble une dernière fois leur passion commune pour la musique.
L’influence de Slayer sur la scène metal
Tout au long de leur carrière, Slayer a eu un impact indéniable sur la scène metal, inspirant de nombreux groupes et artistes venus après eux. Leur style musical unique et novateur a notamment influencé le genre du thrash metal, dont ils sont considérés comme l’un des pionniers aux côtés de METALLICA, MEGADETH et ANTHRAX. Leur succès a également encouragé d’autres formations à tenter leur chance dans ce style musical exigeant, notamment les groupes TESTAMENT, EXODUS ou encore KREATOR.
Mais Slayer ne se limite pas au domaine du thrash metal. Leurs compositions ont également touché des artistes provenant d’autres styles musicaux, comme le death metal, le black metal, le punk hardcore ou même le hip-hop. Des groupes aussi variés que SLIPKNOT, LAMB OF GOD, BEHEMOTH, CONVERGE ou encore PUBLIC ENEMY revendiquent ainsi l’influence importante quIls ont eu sur leurs parcours musicaux.
La passion toujours vive chez les fans de Slayer
Aujourd’hui, malgré l’annonce de la fin de leur carrière scénique, la cote d’amour pour Slayer reste intacte auprès de ses admirateurs. Concerts événements, objets collectors et autres projets dérivés témoignent de cet attachement indéfectible envers le groupe et sa musique. En somme, si Slayer peut être fier d’un héritage riche en émotions et en succès, ils peuvent surtout compter sur une communauté de fans qui n’est pas prête de les abandonner, quelles que soient les circonstances.
EN SAVOIR PLUS:
Slayer était un groupe de thrash métal américain de Huntington Park, en Californie . Le groupe a été formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman , le batteur Dave Lombardo et le bassiste et chanteur Tom Araya . Le style musical rapide et agressif de Slayer en a fait l’un des « quatre grands » groupes fondateurs de thrash metal , aux côtés de Metallica , Megadeth et Anthrax .
La formation finale de Slayer comprenait King, Araya, le batteur Paul Bostaph et le guitariste Gary Holt . Le batteur Jon Dette était également membre du groupe.
Dans la programmation originale, King, Hanneman et Araya ont contribué aux paroles du groupe, et toute la musique du groupe a été écrite par King et Hanneman.
Les paroles et les pochettes d’album du groupe, qui couvrent des sujets tels que le meurtre , les tueurs en série , la torture , le génocide , la politique , l’expérimentation humaine , le satanisme , les crimes de haine , le terrorisme , la religion , l’ anti religion , le nazisme , le racisme , la guerre et la prison, ont généré des interdictions d’album, des retards, des poursuites et des critiques de la part de groupes religieux et de factions du grand public.
Cependant, sa musique a été très influente, souvent citée par de nombreux groupes comme une influence musicale, visuelle et lyrique; le troisième album du groupe, Reign in Blood (1986), a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus lourds et les plus influents.
Slayer a sorti douze albums studio, deux albums live, un coffret, six clips musicaux, deux pièces prolongées et un album de couverture. Quatre des albums studio du groupe ont reçu la certification d’or aux États-Unis.
Le groupe a reçu cinq nominations aux Grammy Awards, dont une en 2007 pour la chanson » Eyes of the Insane » et une en 2008 pour la chanson « Final Six », toutes deux issues de l’album Christ Illusion (2006). Entre 1991 et 2013, le groupe a vendu cinq millions d’albums aux États-Unis.
Après plus de trois décennies d’enregistrement et d’ interprétation, Slayer a annoncé en Janvier 2018 , cette qu’elle se lancer dans sa tournée mondiale finale , qui a eu lieu de mai 2018 à Novembre 2019, et le groupe s’est dissous par la suite.
Histoire
Premières années (1981–1983)
Slayer a été formé en 1981 par Kerry King , Jeff Hanneman , Dave Lombardo et Tom Araya à Huntington Park, en Californie.
Le groupe a commencé à jouer des reprises de chansons de groupes comme Iron Maiden , Black Sabbath , Judas Priest et Venom dans des fêtes et des clubs du sud de la Californie . L’image primitive du groupe reposait fortement sur des thèmes sataniques qui comprenaient des pentagrammes , du maquillage, des pointes et des croix inversées.
Rumeurs selon lesquelles le groupe était à l’origine connu sous le nom de Dragonslayer, après le film de 1981 du même nom, ont été démentis par King, comme il l’a déclaré plus tard: « Nous ne l’avons jamais été; c’est un mythe à ce jour. »
En 1983, Slayer a été invité à ouvrir pour le groupe Bitch au Woodstock Club à Anaheim, en Californie, pour interpréter huit chansons, dont six étaient des reprises. Le groupe a été repéré par Brian Slagel , un ancien journaliste musical qui avait récemment fondé Metal Blade Records .
Impressionné par Slayer, il a rencontré le groupe dans les coulisses et leur a demandé d’enregistrer une chanson originale pour son prochain album de compilation Metal Massacre III . Le groupe a accepté et leur chanson « Aggressive Perfector » a créé un buzz underground à sa sortie au milieu de 1983, ce qui a conduit Slagel à offrir au groupe un contrat d’enregistrement avec Metal Blade.
Show No Mercy , Haunting the Chapel et Hell Awaits (1983-1986)
Jeff Hanneman a été le guitariste de Slayer pendant 30 ans, de 1981 à 2011.Il était le principal auteur-compositeur avec Kerry King, ainsi qu’un parolier.
Sans budget d’enregistrement, le groupe a dû autofinancer son premier album. Combinant les économies d’Araya, qui était employée en tant que thérapeute respiratoire, et l’argent emprunté au père de King, le groupe est entré dans le studio en novembre 1983.
L’album a été précipité dans la sortie, stockant des étagères trois semaines après que les pistes aient été terminé.
Show No Mercy, sorti en décembre 1983 chez Metal Blade Records, a généré une popularité underground pour le groupe. Le groupe a commencé une tournée du club de Californie pour promouvoir l’album.
La tournée a donné au groupe une popularité supplémentaire et les ventes de Show No Mercy ont finalement atteint plus de 20 000 aux États-Unis et 20 000 autres dans le monde.
En février 1984, King rejoint brièvement le nouveau groupe de Dave Mustaine , Megadeth . Hanneman était inquiet de la décision de King, déclarant dans une interview, « Je suppose que nous allons avoir un nouveau guitariste. »
Tandis que Mustaine voulait que King reste sur une base permanente, King est parti après cinq spectacles, déclarant que le groupe de Mustaine « prenait trop de mon temps. » La scission a provoqué une rupture entre King et Mustaine, qui a évolué en une querelle de longue durée entre les deux groupes.
En juin 1984, Slayer sort un EP à trois titres intitulé Haunting the Chapel . L’EP présente un style plus sombre et plus orienté thrash que Show No Mercy , et jette les bases de la future direction du groupe.
En mars 1985, Slayer a entamé une tournée nationale avec Venom et Exodus , ce qui a donné lieu à leur première vidéo à domicile baptisée Combat Tour: The Ultimate Revenge . La vidéo présentait des images filmées au club Studio 54 . Le groupe a ensuite fait ses débuts européens en direct au Heavy Sound Festival en Belgique en ouverture pour UFO .
Toujours en 1985, Slayer a fait des tournées ou joué des spectacles sélectionnés avec des groupes comme Megadeth, Destruction , DRI , Possessed , Agent Steel , SOD , Nasty Savage et Church of métal .
Show No Mercy se vendit à plus de 40 000 exemplaires, ce qui conduisit le groupe à retourner en studio pour enregistrer leur deuxième album. Metal Blade a financé un budget d’enregistrement, ce qui a permis au groupe d’embaucher le producteur Ron Fair .
Sorti en mars 1985, le deuxième album de Slayer, Hell Awaits , s’est étendu sur l’obscurité de Haunting the Chapel , avec l’enfer et Satan comme sujets de chanson communs.
Reign in Blood , le bref hiatus de Lombardo et South of Heaven (1986–1989)
Le guitariste Kerry King était l’un des deux membres constants de Slayer.
Après le succès de Hell Awaits , Slayer s’est vu proposer un contrat d’enregistrement avec Russell Simmons et le nouveau Def Def Records de Rick Rubin , un label largement hip hop .
Le groupe a accepté avec un producteur expérimenté et un budget d’enregistrement de label majeur. le groupe subi une cure de jouvence sonore pour leur troisième album Reign in Blood , résultant : des chansons plus courtes et plus rapides avec une production plus claire. Les arrangements complexes et les longs titres de Hell Awaits ont été abandonnés au profit de structures de chansons dépouillées et influencées par le punk hardcore .
Le distributeur de Def Jam, Columbia Records , a refusé de sortir l’album en raison de la chanson » Angel of Death » qui détaille les camps de concentration de l’ Holocauste et les expériences humaines menées par le médecin nazi Josef Mengele .
L’album a été distribué par Geffen Records le 7 octobre 1986. Cependant, en raison de la controverse, Reign in Blood n’est pas apparu sur le calendrier de sortie de Geffen Records. Bien que l’album n’ait reçu pratiquement aucune diffusion radio, il est devenu le premier groupe à entrer dans le Billboard 200 , débutant au numéro 94, et le premier album du groupe certifié or aux États-Unis.
Slayer a entamé la tournée mondiale Reign in Pain, avec Overkill aux États-Unis d’octobre à décembre 1986 et Malice en Europe en avril et mai 1987. Ils ont également joué avec d’autres groupes tels que Agnostic Front , Testament , Metal Church , DRI , Dark Angel et Flotsam et Jetsam .
Le groupe a été ajouté comme groupe de première partie pour la tournée américaine de WASP , mais juste un mois après, le batteur Lombardo quitta le groupe: « Je ne gagnais pas d’argent. Je me suis dit si nous allions être professionnel, je voulais que mon loyer soit payé. » Pour continuer la tournée, Slayer a enrôlé Tony Scaglione de Whiplash .
Cependant, Lombardo a été convaincu par sa femme de revenir en 1987. À l’insistance de Rubin, Slayer a enregistré une version de couverture de » In-A-Gadda-Da-Vida « d’ Iron Butterfly pour le film Less Than Zero .
Bien que le groupe ne soit pas satisfait du produit final, Hanneman le jugeant « une mauvaise représentation de Slayer » et King le qualifiant de « gros morceau de merde », ce fut l’une de leurs premières chansons à obtenir une diffusion radio .
Fin 1987, Slayer revient au studio pour enregistrer son quatrième album studio. Pour contraster la vitesse de Reign in Blood , le groupe a consciemment décidé de ralentir les tempos et d’incorporer un chant plus mélodique.
Selon Hanneman, « Nous savions que nous ne pouvions pas battre Reign in Blood , alors nous avons dû ralentir. Nous savions que tout ce que nous faisions allait être comparé à cet album, et je me souviens que nous avons en fait discuté du ralentissement. C’était bizarre – nous ‘ai jamais fait ça sur un album, avant ou depuis. »
Sorti en juillet 1988, South of Heaven a reçu des réponses mitigées de la part des fans et des critiques, bien que ce soit la sortie la plus réussie de Slayer à l’époque, faisant ses débuts au numéro 57 sur le Billboard 200, et leur deuxième album à recevoir la certification d’or aux États Unis.
La réponse de presse à l’album a été contrastée, avec AllMusic citant l’album comme « dérangeant et puissant »,et Kim Nelly de Rolling Stone l’ appelant « un radotage satanique véritablement offensant ».
King dit que « cet album fut ma performance la plus terne », bien qu’Araya l’ait qualifié de « floraison tardive » qui a finalement grandi dans la tête des gens. Slayer a fait une tournée d’août 1988 à janvier 1989 pour promouvoir South of Heaven , soutenir Judas Priest aux États-Unis lors de leur tournée Ram It Down , et visiter l’Europe avec Nuclear Assault et les États-Unis avec Motörhead et Overkill .
« Seasons in the Abyss » et deuxième départ de Lombardo (1990–1993)
Le bassiste / chanteur Tom Araya était l’un des deux membres constants de Slayer.
Slayer est revenu au studio au début des années 1990 avec le coproducteur Andy Wallace pour enregistrer son cinquième album studio. Après le contrecoup créé par South of Heaven , Slayer est revenu à la «vitesse martelante de Reign in Blood , tout en conservant leur nouveau sens mélodique ».
Seasons in the Abyss , sorti le 9 octobre 1990, est le premier album de Slayer à sortir sous le nouveau label Def American de Rubin , car il s’est séparé du propriétaire de Def Jam, Russell Simmons, pour des différences créatives.
L’album a fait ses débuts au numéro 44 sur le Billboard 200 et a été certifié or en 1992 .L’album a donné naissance au premier clip de Slayer pour la chanson titre de l’album, qui a été filmée devant les pyramides de Gizeh en Égypte.
Au cours de l’étape européenne à guichets fermés de cette tournée, les billets ont monté en flèche à 1 000 deutsche marks (680 $ US) sur le marché noir. Avec la popularité du thrash américain à son apogée, le groupe a de nouveau tourné avec Testament au début de 1991 et à trois titres la version nord-américaine de la tournée Clash of the Titans cet été-là avec Megadeth, Anthrax et Alice in Chains .
Le groupe sortit un double album live, Decade of Aggressionen 1991, pour fêter les dix ans de leur formation. La compilation a fait ses débuts au numéro 55 sur le Billboard 200.
En mai 1992, Lombardo quitta le groupe en raison de conflits avec les autres membres, ainsi que de son désir de ne pas être en tournée pour la naissance de son premier enfant. Lombardo forma son propre groupe Grip Inc. avec le guitariste Voodoocult Waldemar Sorychta , et Slayer recruta l’ancien batteur Forbidden Paul Bostaph pour occuper le poste de batteur.
Slayer a fait ses débuts avec Bostaph au festival Monsters of Rock de 1992 à Castle Donington . Le premier effort de Bostaph en studio fut un mélange de trois chansons Exploited , « War », « UK ’82 » et « Disorder », avec le rappeur Ice-T, pour la bande originale du film Judgment Night en 1993.
Divine Intervention , Undisputed Attitude et Diabolus in Musica (1994–2000)
En 1994, Slayer sort Divine Intervention , le premier album du groupe avec Bostaph à la batterie. L’album comprenait des chansons sur Reinhard Heydrich , un architecte de l’Holocauste, et Jeffrey Dahmer , un tueur en série américain et un délinquant sexuel.
Les autres thèmes incluaient le meurtre, les maux de l’église et les longueurs auxquelles les gouvernements allaient exercer le pouvoir, l’intérêt d’Araya pour les tueurs en série a inspiré une grande partie du contenu des paroles.
Slayer se prépare pour une tournée mondiale en 1995, avec Biohazard et Machine Head .
En 1996, Undisputed Attitude , un album de reprises punk sortit. Le groupe reprit des chansons de Minor Threat , TSOL , Dirty Rotten Imbeciles , DI , Verbal Abuse, Dr. Know et The Stooges . L’album comprenait trois morceaux originaux, « Gemini », « Can’t Stand You », « Ddamm »; les deux derniers ont été écrits par Hanneman en 1984–1985 pour un projet parallèle intitulé Pap Smear.
Bostaph quitta Slayer peu de temps après l’enregistrement de l’album pour travailler sur son propre projet, Truth About Seafood. Avec le départ de Bostaph, Slayer recruta le batteur du Testament Jon Dette et a titré l’Ozzfest 1996 aux côtés d’ Ozzy Osbourne , Danzig , Biohazard , Sepultura et Fear Factory .
Dette fût licencié après un an, en raison d’une retombée avec les membres du groupe. Après cela, Bostaph revint our continuer la tournée.
Diabolus in Musica (latin pour « The Devil in Music ») sorti en 1998, se classa 31 au Billboard 200, se vendant à plus de 46 000 exemplaires au cours de sa première semaine. L’album reçu des critiques très contrastées.
Le critique de Blabbermouth.net , Borijov Krgin, a décrit l’album comme « une faible tentative d’incorporer des éléments mis à jour dans le son du groupe, dont la présence a quelque peu accru les efforts du groupe et a donné l’espoir que Slayer pourrait s’abstenir de ressasser sans cesse leur matériel précédent pour leur sortie future »
Ben Ratliff du New York Times avait des sentiments similaires, écrivant le 22 juin 1998 que: « Huit des onze chansons de Diabolus in Musica , dont quelques-unes ont été jouées lors de l’émission, sont dans la même tonalité grise, et les idées rythmiques du groupe ont une similitude fatigante aussi. »
Slayer s’est associé au groupe hardcore numérique Atari Teenage Riot pour enregistrer une chanson pour la bande originale de Spawn intitulée « No Remorse (I Wanna Die) ». Le groupe a rendu hommage à Black Sabbath en enregistrant une reprise de « Hand of Doom » pour le deuxième de deux albums hommage, intitulé Nativity in Black II .
Une tournée mondiale a suivi pour soutenir le nouvel album, avec Slayer faisant une apparition au Royaume-Uni Ozzfest 1998 .
God Hates Us All (2001-2005)
Après des retards concernant le remixage et les illustrations, y compris les couvertures de diapositives créées pour couvrir les illustrations originales car elles étaient jugées « trop graphiques », le prochain album de Slayer, God Hates Us All , est sorti le 11 septembre 2001 .
Le groupe a reçu sa première nomination aux Grammy pour le titre « Disciple », bien que le Grammy ait été décerné à Tool , pour » Schism « .
Les attaques du 11 septembre contre l’Amérique ont mis en péril la tournée européenne 2001 Tattoo the Planet, qui devait à l’origine présenter Pantera , Static-X , Cradle of Filth , Biohazard et Vision of Disorder.
Les dates au Royaume-Uni ont été reportées en raison de restrictions de vol, avec une majorité de groupes décidant de se retirer, laissant Slayer et Cradle of Filth restant pour la partie européenne de la tournée.
Pantera, Static-X, Vision of Disorder et Biohazard ont été remplacés par d’autres groupe ; Amorphis , In Flames , Moonspell , Children of Bodom et Necrodeath . Biohazard a finalement décidé de rejoindre la tournée plus tard, et a réservé de nouveaux concerts dans les pays, où ils ont raté quelques dates.
Le batteur Bostaph a quitté Slayer avant Noël en 2001, en raison d’une blessure chronique au coude, ce qui entraverait sa capacité à jouer. La tournée « God Hates Us All » de Slayer étant inachevée , le directeur, Rick Sales, contacta Lombardo, et lui demanda s’il aimerait terminer le reste de la tournée. Lombardo a accepté l’offre et est restera membre permanent.
SLAYER
Christ Illusion (2006-2008)
Le batteur de Original Slayer, Dave Lombardo, a rejoint le groupe en 2001 après une interruption de neuf ans et a joué sur les albums Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009) avant de repartir en 2013.
Le prochain album studio, Christ Illusion , devait initialement sortir le 6 juin 2006 et serait le premier album avec le batteur original Lombardo depuis 1990 . Cependant, le groupe a décidé de retarder la sortie du disque, car ils ne voulaient pas être parmi les nombreux, selon King, « demi-cul, stupides putains de perdants » publiant des disques le 6 juin.
Bien que USA Today ait rapporté que l’idée a été contrecarrée parce que le groupe n’a pas réussi à obtenir suffisamment de temps d’enregistrement en studio. Slayer a sorti Eternal Pyre le 6 juin comme un EP en édition limitée .
Cinq mille exemplaires ont été publiés et vendus exclusivement dans les chaînes de magasins Hot Topic , et vendus dans les heures suivant leur sortie. Le 30 juin, Nuclear Blast Records a sorti une version de disque vinyle de 7 « limitée à mille exemplaires.
Christ Illusion est sorti le 8 août 2006 et a fait ses débuts au numéro 5 sur le Billboard 200, se vendant à plus de 62 000 exemplaires au cours de sa première semaine. Slayer a été intronisé au Kerrang! Hall of Fame pour leur influence sur la scène heavy metal.
Une tournée mondiale baptisée The Unholy Alliance Tour a été entreprise pour soutenir le nouveau disque. La tournée devait initialement démarrer le 6 juin, mais a été reportée au 10 juin, car Araya a dû subir une opération de la vésicule biliaire .
La tournée a fait son chemin à travers l’Amérique et l’Europe et les groupes qui ont participé, à part Thine Eyes Bleed, se sont réunis pour se produire au Festival Loudpark au Japon le 15 octobre 2006.
La vidéo du premier single de l’album, » Eyes of the Insane « , est sortie le 30 octobre 2006. Le titre a été présentée sur la bande originale de Saw III , et a remporté un Grammy-Award pour » Best Metal Performance » au 49th Grammy Awards, bien que le groupe n’ait pas pu assister en raison d’obligations de tournée.
Une semaine plus tard, le groupe a visité le 52e escadron de services situé sur la base de l’US Air Force à Spangdahlem en Allemagne pour donner un concert. Il s’agissait de la toute première visite d’une base militaire pour le groupe.
Le groupe a fait sa première apparition TV sur le l’emission de Jimmy Kimmel Live!le 19 janvier, jouant la chanson « Eyes of the Insane », et quatre chansons supplémentaires pour les fans après le spectacle (bien que les images de » Jihad » aient été coupées en raison de ses thèmes lyriques controversés).
Slayer a fait une tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande en avril avec Mastodon, et est apparu au Download Festival , Rock Am Ring , et une tournée d’été avec Marilyn Manson et Bleeding Through .
World Painted Blood (2009-2011)
En 2008, Araya déclare son incertitude quant à l’avenir du groupe, et qu’il ne peut pas se voir continuer la carrière à un âge plus avancé. Il a dit qu’une fois que le groupe aurait terminé son prochain album, qui était le dernier disque de leur contrat, le groupe s’asseyait et discutait de son avenir.
King pensais que le groupe produirait au moins deux autres albums avant d’envisager de se dissoudre: « Nous parlons d’aller en studio en février prochain [2009] et de sortir le prochain album donc si nous faisons les choses en temps opportun Je ne vois pas de raison pour laquelle nous ne pouvons pas sortir plus d’un album. »
Slayer, avec Trivium , Mastodon et Amon Amarth, font alors équipe pour une tournée européenne intitulée «The Unholy Alliance: Chapter III», en octobre et novembre 2008.
Le onzième album studio du groupe, World Painted Blood , est sorti chez American Recordings . Il fût disponible le 3 novembre en Amérique du Nord et le 2 novembre pour le reste du monde.
Le groupe déclara que l’album reprenait des éléments de toutes leurs œuvres précédentes, notamment Seasons in the Abyss , South of Heaven et Reign in Blood . Megadeth et Slayer ont uni leurs forces encore une fois pour la tournée Carnage américaine de Juillet à Octobre 2010 , avec Anthrax et Testament.
Début 2011, Hanneman a reçu un diagnostic de fasciite nécrosante . Selon le groupe, les médecins ont déclaré que cela provenait probablement d’une morsure d’araignée.
Araya a déclaré à propos de la condition de Hanneman: « Jeff était gravement malade. Jeff a fini par contracter une bactérie qui rongeait sa chair sur son bras, alors ils lui ont ouvert le bras, du poignet à l’épaule, et ils ont fait une greffe de peau sur lui, ils ont nettoyé … C’était un virus mangeur de chair, donc il était vraiment, vraiment mauvais. Alors nous attendrons qu’il s’améliore, et quand il sera à cent pour cent, il sortira et se joindra à nous. »
Le groupe decida de jouer leurs dates de tournée à venir sans Hanneman. Gary Holt d’ Exodus a remplacé Hanneman. Le 23 avril 2011, lors de l’émission American Big 4 à Indio, en Californie , Hanneman a rejoint ses camarades de groupe pour jouer les deux dernières chansons de leur ensemble, « South of Heaven » et « Angel of Death ».
Cela s’est avéré être la dernière performance live de Hanneman avec le groupe.
La mort de Hanneman, la troisième scission de Lombardo et Repentless (2011-2016)
Lorsqu’on lui a demandé si Slayer ferait un autre album, Lombardo a répondu « Oui absolument; bien qu’il n’y ait rien d’écrit, il y a certainement des plans. » Cependant, Araya disait que Slayer ne commencerait pas à écrire un nouvel album jusqu’à ce que la condition de Hanneman se soit améliorée.
Pour célébrer le 25e anniversaire de Reign In Blood , le groupe a interprété toutes les pistes de l’album au festival All Tomorrow’s Parties à l’ Alexandra Palace à Londres.
En novembre 2011, Lombardo a publie un tweet indiquant que le groupe commençait à écrire de la nouvelle musique. Cela signifiait probablement que l’état de Hanneman s’était amélioré, et on pensait qu’il était prêt à entrer dans le studio.
King avait travaillé avec Lombardo cette année-là et ils ont terminé trois chansons. Le groupe prévoyait d’entrer en studio en mars ou avril 2012 et espérait que l’album soit enregistré avant la tournée américaine du groupe fin mai et le sortir d’ici l’été de la même année.
Cependant, King dit à l’époque que l’album à venir ne serait pas fini avant septembre et octobre de cette année, rendant une sortie 2013 probable.
En juillet 2012, King a révélé deux titres de chansons pour l’album à venir, « Chasing Death » et « Implode ».
En février 2013, Lombardo est licencié juste avant que Slayer ne joue au festival australien Soundwave en raison d’une dispute avec les membres du groupe au sujet d’un différend salarial.
Slayer et American Recordings publient une déclaration, disant que « M. Lombardo est venu dans le groupe moins d’une semaine avant leur départ prévu pour l’Australie pour présenter un ensemble de conditions entièrement nouvelles pour son engagement qui étaient contraires à celles qui avaient été précédemment. »
Lombardo est alors officiellement hors de Slayer pour la troisième fois, et, en mai, Bostaph rejoint le groupe.
Le guitariste d’ Exodus Gary Holt rejoint Slayer en 2011, à l’origine en tant que membre de tournée, et devient plus tard un remplaçant officiel de Jeff Hanneman , décédé en 2013.
Le 2 mai 2013, Hanneman est décédé des suites d’une insuffisance hépatique dans un hôpital local près de son domicile dans l’ Inland Empire du sud de la Californie ; la cause du décès a ensuite été déterminée comme étant une cirrhose liée à l’alcool .
King a confirmé que le groupe continuerait, disant: « Jeff va être dans les pensées de tout le monde pendant longtemps. Il est malheureux que vous ne puissiez pas empêcher que des choses malheureuses se produisent.
Mais nous allons continuer – et il ‘ je serai là en esprit. » Cependant, Araya se sentait plus incertain quant à l’avenir du groupe, exprimant sa conviction que « Après 30 ans [avec Hanneman actif dans le groupe], ce serait littéralement comme recommencer ».
Malgré l’incertitude concernant l’avenir du groupe, Slayer a toujours travaillé sur un suivi de World Painted Blood . De plus, le nouvel album contiendrait du matériel écrit par Hanneman.
Le groupe a annoncé qu’il avait signé avec Nuclear Blast , et prévoyait de sortir un nouvel album en 2015. Il a été rapporté que Holt prendrait en charge les fonctions de guitare de Hanneman à plein temps, bien que Holt n’ait pas participé à l’écriture de chansons .
En février, Slayer a annoncé une tournée américaine de dix-sept dates pour commencer en juin avec Suicidal Tendencies et Exodus . En 2015, Slayer a titré le Rockstar Energy Mayhem Festival pour la deuxième fois. Sans repentir, le douzième album studio du groupe, est sorti le 11 septembre 2015.
Slayer a fait une tournée de deux ans et demi à l’appui de Repentless . Le groupe a fait une tournée en Europe avec Anthrax et Kvelertak en octobre et novembre 2015 et s’est lancé dans trois tournées nord-américaines: une avec Testament et Carcass en février et mars 2016 puis avec Anthrax et Death Angel en septembre et octobre 2016. Une seule date en Asie du Sud-Est en 2017 a eu lieu aux Philippines.
Treizième album studio annulé, tournée d’adieu et séparation (2016-2019)
En août 2016, on a demandé au guitariste Kerry King si Slayer publierait une suite de Repentless .
Il a répondu: « Nous avons beaucoup de restes du dernier album, parce que nous avons écrit tellement de choses, et nous en avons aussi enregistré un tas.
Si les paroles ne changent pas musicalement la chanson, ces chansons sont terminées. Nous avons donc une longueur d’avance sur le match sans même rien avoir à faire pour le prochain album. Et j’ai travaillé sur des trucs sur mon temps d’arrêt.
Comme, je vais me réchauffer et un riff me viendra à l’esprit et je l’enregistrerai. J’en ai une poignée. Donc les roues tournent encore. Je n’ai encore rien travaillé sur le plan lyrique à part ce qui a été fait sur le dernier album, donc c’est quelque chose que je dois faire. Mais, ouais , Repentless n’a pas encore tout à fait un an. »
King a également déclaré que Slayer ne devait pas entrer dans le studio avant au moins 2018. Dans une interview en octobre sur le podcast de Jamey Jasta, le chanteur de Hatebreed , King a déclaré qu’il était » complètement ouvert « au fait que le guitariste Gary Holt (qui n’a pas contribué à l’écriture de chansons sur Repentless ) soit impliqué dans le processus d’écriture du prochain album de Slayer.
Il a expliqué: » Je suis tout à fait disposé à ce que Gary travaille sur quelque chose. Cela ne veut pas dire que cela arrivera ou ne se produira pas. Mais mes oreilles sont ouvertes. »
Le 22 Janvier 2018, Slayer annonce sa tournée mondiale d’ adieu , qui a commencé en Amérique du Nord en mai et Juin, soutenu par Anthrax , Behemoth et Testament . La deuxième étape de la tournée nord-américaine a eu lieu en juillet et août, Napalm Death remplaçant Behemoth, suivie en novembre et décembre par une tournée européenne avec Lamb of God, Anthrax et Obituary .
La tournée d’adieu s’est poursuivie en 2019, avec des plans pour visiter des endroits tels que l’Amérique du Sud, l’Australie et le Japon; en plus des festivals européens tels que le Hellfest et Graspop , Slayer joue également au Mexique au Force Fest en octobre 2018.
Le 2 décembre 2018, Holt annonce qu’il ne jouerait pas le reste de la tournée européenne du groupe car son son père est mourant. En conséquence, Vio-lence et l’ancien guitariste de Machine Head Phil Demmel le remplaceront.
Holt avait déclaré que Slayer ne sortirait pas de nouvel album avant la fin de la tournée d’adieu.
La dernière étape nord-américaine de la tournée, surnommée « The Last Campaign », a eu lieu en novembre 2019 et comprenait également le soutien de Primus , Ministry et Philip H. Anselmo & The Illegals . Bien qu’il soit qualifié de tournée d’adieu pour Slayer, leur manager Rick Sales a déclaré que le groupe ne se séparait pas, mais n’avait pas l’intention de se produire à nouveau en live.
Kristen Mulderig, qui travaille avec Rick Sales Entertainment Group, aurait également déclaré qu’il y aurait des activités liées à Slayer après la fin de la tournée. Cependant, dans les deux jours suivant la fin de la tournée, la femme du roi, Ayesha, a déclaré sur sa page Instagram qu’il n’y avait « aucune chance » que Slayer se réunisse pour exécuter plus de spectacles ou sortir de la nouvelle musique.
En mars 2020, en parlant à Guitar World de sa dernière approbation avec Dean Guitars , King a laissé entendre qu’il continuerait à faire de la musique en dehors de Slayer, disant simplement: « Dean ne m’a pas signé pour rien! » Lorsqu’on lui a demandé par le podcast Let There Be Talk en juin 2020 si une réunion Slayer se produirait jamais, Holt a déclaré: « Si cela se produit, si cela se produit, cela n’a rien à voir avec moi ».
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Slayer est un groupe de heavy metal américain formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman. Le groupe est connu pour ses performances sur scène très intenses et ses chansons brutales et rapides. Slayer a joué un rôle important dans le développement de la musique thrash metal et a contribué à façonner le son du genre.
Qui sont les membres du groupe Slayer?
Les membres fondateurs de Slayer sont le guitariste Kerry King et le batteur Dave Lombardo. Ils ont ensuite été rejoints par le chanteur/bassiste Tom Araya et le guitariste Jeff Hanneman. Après le décès de Hanneman en 2013, le groupe a recruté Gary Holt pour le remplacer à la guitare.
Quels sont les albums de Slayer?
Slayer a sorti 11 albums studio depuis sa formation en 1981. Les albums sont les suivants : Show No Mercy (1983), Hell Awaits (1985), Reign in Blood (1986), South of Heaven (1988), Seasons in the Abyss (1990), Divine Intervention (1994), Undisputed Attitude (1996), Diabolus in Musica (1998), God Hates Us All (2001), Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009).
Quels sont les titres les plus populaires de Slayer?
Les titres les plus populaires de Slayer incluent ‘Raining Blood’ (1986), ‘Angel of Death’ (1986), ‘War Ensemble’ (1990), ‘Seasons in the Abyss’ (1990), ‘Dead Skin Mask’ (1991), ‘South of Heaven’ (1988), ‘Mandatory Suicide’ (1988), ‘Chemical Warfare’ (1985), ‘Hell Awaits’ (1985) et ‘Altar of Sacrifice’ (1983).
Quels sont les principaux festivals où Slayer a joué?
Slayer a joué dans de nombreux grands festivals de musique à travers le monde. Les principaux festivals auxquels le groupe a participé comprennent Wacken Open Air en Allemagne, Download Festival en Angleterre, Rock am Ring en Allemagne, Rock im Park en Allemagne, Graspop Metal Meeting en Belgique, Knotfest en Amérique du Nord et South Korea’s Pentaport Rock Festival.
Qu’est-ce que le style musical de Slayer?
Le style musical de Slayer est principalement du thrash metal, mais le groupe incorpore également des éléments de death metal et de heavy metal traditionnel. Les chansons sont généralement très rapides et brutales, avec des guitares agressives et des rythmes complexes.
Quels sont les principaux prix remportés par Slayer?
Slayer a remporté de nombreux prix au cours de sa carrière. En 2003, le groupe a été honoré par la Revolver Golden Gods Awards comme «Meilleur groupe de metal». En 2016, Slayer a reçu le prix «Lifetime Achievement Award» lors des Metal Hammer Golden Gods Awards. En 2017, le groupe a remporté le prix «Hall of Fame» lors des Classic Rock Roll of Honour Awards. En 2018, Slayer a été intronisé au «Hall of Fame» des Kerrang! Awards.
Quels sont les membres fondateurs de Slayer?
Les membres fondateurs de Slayer sont Kerry King (guitare) et Jeff Hanneman (guitare). King et Hanneman ont fondé le groupe en 1981 et sont restés membres du groupe jusqu’à la mort de Hanneman en 2013.
Quelle est l’influence de Slayer sur la scène metal?
Slayer est largement considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène metal. Le groupe a joué un rôle important dans le développement du genre thrash metal et a contribué à façonner le son du genre. De nombreux groupes de metal modernes ont été influencés par le style de Slayer et le groupe est un modèle pour de nombreux musiciens.
Quels sont les projets de Slayer à venir?
Slayer a annoncé qu’ils allaient entamer une tournée mondiale en 2020 pour célébrer leur 40e anniversaire. Depuis, le groupe a splité, Slayer n’existe plus.
Quelle est la signification du logo de Slayer ?
Le logo de Slayer, souvent appelé « le logo de l’aigle », représente un aigle avec une épée dans ses griffes. L’aigle est souvent associé à la guerre et à la mort, tandis que l’épée symbolise la justice et la vengeance. Le logo a été créé par le guitariste Kerry King.
Quel est l’héritage de Slayer dans le metal ?
L’héritage de Slayer dans le metal est considérable, tant en termes d’influence musicale que de culture populaire. Le groupe est souvent considéré comme l’un des pionniers du thrash metal et son style agressif et extrême a inspiré de nombreux autres groupes de metal. Le logo de Slayer est également devenu un symbole emblématique du metal.
Pourquoi Slayer s’est-il séparé ?
En 2018, Slayer a annoncé sa dissolution après plus de 35 ans de carrière.
10. Quels sont les moments les plus mémorables de l’histoire de Slayer ?
Il y a eu plusieurs moments mémorables dans l’histoire de Slayer, en voici quelques-uns :
Leur performance à la première édition du festival de musique metal « Monsters of Rock » en 1988, où ils ont partagé la scène avec Metallica, Van Halen, Scorpions et d’autres grands noms de la musique.
La controverse entourant la chanson « Angel of Death » de l’album « Reign in Blood », qui aborde le sujet de l’Holocauste. La chanson a été accusée de glorifier la violence et l’antisémitisme, mais les membres de Slayer ont défendu la chanson en affirmant qu’elle avait été écrite dans un contexte historique et n’était pas destinée à être offensante.
Le décès du guitariste Jeff Hanneman en 2013, qui a bouleversé les fans de Slayer et a conduit à l’arrivée de Gary Holt en tant que guitariste de remplacement.
La tournée d’adieu de Slayer en 2018-2019, qui a vu le groupe jouer dans des salles combles à travers le monde pour célébrer leur carrière de plus de trois décennies.
Slayer est un groupe emblématique de la musique metal, connu pour son style musical agressif et ses paroles violentes. Le groupe a eu une influence considérable sur la musique metal et a inspiré de nombreux autres groupes au fil des ans. Bien que Slayer se soit séparé en 2018, leur héritage dans le metal reste important et leurs fans continuent de les célébrer comme l’un des plus grands groupes de l’histoire du genre.
La photographie d’art est un domaine de la photographie qui se concentre sur la création d’images expressives et esthétiques qui vont au-delà de la simple représentation d’une scène.
La créativité : La photographie d’art permet aux artistes de s’exprimer de manière créative en utilisant des techniques et des approches innovantes pour capturer et transformer leur sujet en quelque chose de plus expressif et esthétique.
L’émotion : Les photographies d’art sont souvent utilisées pour communiquer des émotions et des sentiments profonds, qu’ils soient positifs ou négatifs. Les photographes d’art cherchent souvent à évoquer une réponse émotionnelle chez le spectateur en utilisant des techniques telles que la composition, l’éclairage et la couleur.
La composition : La composition est un élément essentiel de la photographie d’art. Les photographes d’art cherchent à créer des images qui sont esthétiquement équilibrées et qui ont une composition réfléchie et intentionnelle. La composition peut aider à diriger l’œil du spectateur vers les éléments clés de l’image et à donner un sens de l’équilibre et de la profondeur.
La technique : Les photographes d’art peuvent utiliser une variété de techniques pour créer des images uniques et expressives. Cela peut inclure l’utilisation de techniques de prise de vue spéciales, telles que la surimpression, la double exposition, le flou de mouvement, etc. Les techniques de post-production, telles que le traitement numérique, peuvent également être utilisées pour transformer les images en œuvres d’art uniques.
L’originalité : La photographie d’art est souvent utilisée pour créer des images uniques et originales qui sortent des sentiers battus. Les photographes d’art cherchent souvent à créer des images qui sont différentes et qui se démarquent, afin de créer un impact visuel et émotionnel plus fort. La recherche de l’originalité est souvent ce qui distingue la photographie d’art de la photographie commerciale ou documentaire.
La créativité est un élément clé en photographie d’art. Les photographes d’art cherchent à créer des images qui sont expressives et qui vont au-delà de la simple représentation d’une scène. Voici quelques points clés sur la créativité en photo d’art :
Penser en dehors des sentiers battus : Pour être créatif en photographie d’art, il est important de sortir des sentiers battus et de chercher des perspectives et des approches différentes de celles que l’on utilise habituellement. Cela peut impliquer de changer de point de vue, d’expérimenter avec la composition ou d’explorer de nouvelles techniques de prise de vue.
L’expérimentation : Les photographes d’art sont souvent à la recherche de nouvelles techniques et de nouveaux moyens de s’exprimer. Cela peut impliquer de jouer avec la lumière, de travailler avec des objets inattendus ou de créer des images en combinant plusieurs images.
La réflexion : Pour être créatif en photographie d’art, il est important de prendre le temps de réfléchir à ce que l’on souhaite communiquer avec ses images. Cela peut impliquer de réfléchir à ses propres émotions ou à celles que l’on souhaite susciter chez le spectateur.
La patience : La créativité en photographie d’art peut prendre du temps. Il est important de prendre le temps d’expérimenter et de réfléchir à ses images pour obtenir le résultat que l’on souhaite.
La persévérance : Les photographes d’art peuvent rencontrer des obstacles en cours de route, mais il est important de persévérer pour atteindre leurs objectifs créatifs. Cela peut impliquer de persévérer dans l’expérimentation, de surmonter les obstacles techniques ou de trouver de nouvelles sources d’inspiration.
En fin de compte, la créativité en photographie d’art dépend de la capacité du photographe à explorer et à expérimenter de nouvelles approches, techniques et perspectives pour créer des images qui sont expressives, esthétiques et originales.
Photo d’art – Photographie d’art
L’émotion en photo d’art
L’émotion est un élément clé de la photographie d’art. Les photographes cherchent souvent à capturer et à transmettre des émotions dans leurs images, que ce soit leur propre émotion ou celle de leur sujet.
Voici quelques points clés sur l’émotion en photo d’art :
Capturer l’instant : Les photographes d’art cherchent souvent à capturer des moments émotionnels intenses ou des instants fugaces qui peuvent évoquer des sentiments chez le spectateur.
Travailler avec la lumière : La lumière peut avoir un impact émotionnel significatif sur une image. Les photographes peuvent utiliser la lumière pour créer une atmosphère particulière, mettre en valeur les émotions ou créer des ombres dramatiques qui évoquent un sentiment de mystère ou de tristesse.
La composition : La composition peut être utilisée pour transmettre des émotions. Les photographes peuvent utiliser la règle des tiers ou la symétrie pour créer une composition équilibrée et harmonieuse, ou utiliser des angles inattendus pour ajouter un sentiment d’urgence ou de confusion.
Le traitement d’image : Le traitement d’image peut être utilisé pour renforcer les émotions dans une photo. Les photographes peuvent ajuster la saturation, la teinte ou la luminosité pour créer une ambiance particulière ou ajouter des effets spéciaux pour renforcer l’émotion.
L’histoire : Les photographes d’art peuvent utiliser l’histoire pour transmettre des émotions. En créant une image qui raconte une histoire, les spectateurs peuvent se connecter avec les émotions des personnages de l’image.
En fin de compte, l’émotion en photographie d’art dépend de la capacité du photographe à capturer et à transmettre les émotions de manière visuelle, que ce soit par la composition, la lumière, le traitement d’image ou l’histoire racontée par l’image. Les images qui suscitent des émotions chez les spectateurs sont souvent les plus mémorables et les plus puissantes.
Photo d’art
La composition en photo d’art
La composition est un élément clé de la photographie d’art, car elle permet au photographe de créer une image visuellement équilibrée, intéressante et expressive. Voici quelques points clés sur la composition en photo d’art :
La règle des tiers : Cette règle suggère de diviser l’image en tiers horizontalement et verticalement, puis de placer le sujet principal le long de l’une de ces lignes ou à leur intersection. Cela crée une image équilibrée et harmonieuse qui est agréable à l’œil.
La symétrie : La symétrie est souvent utilisée dans la composition pour créer une image équilibrée et apaisante. Les photographes peuvent rechercher des motifs naturels ou architecturaux symétriques pour créer une image intéressante et esthétique.
Les lignes et les formes : Les lignes et les formes peuvent être utilisées pour guider l’œil du spectateur dans l’image. Les photographes peuvent utiliser des lignes diagonales pour ajouter du mouvement et de l’énergie à une image, ou des formes géométriques pour créer une image abstraite et intéressante.
Les couleurs : Les couleurs peuvent être utilisées pour créer une image harmonieuse et cohérente. Les photographes peuvent utiliser des couleurs complémentaires pour créer une image vibrante et équilibrée, ou des couleurs monochromes pour créer une ambiance calme et apaisante.
L’angle de prise de vue : L’angle de prise de vue peut avoir un impact significatif sur la composition de l’image. Les photographes peuvent utiliser des angles inattendus pour créer une image intéressante et unique, ou utiliser des angles élevés ou bas pour changer la perspective et la perception de l’image.
En fin de compte, la composition en photographie d’art est un moyen de créer des images visuellement équilibrées et expressives qui communiquent un message ou une émotion. Les photographes peuvent utiliser une variété de techniques pour créer une composition intéressante, allant de la règle des tiers à la symétrie en passant par les couleurs, les lignes et les angles de prise de vue.
La tehnique en photo d’art
La technique en photographie d’art est importante pour réaliser des images de qualité et réussir à transmettre des émotions et des messages. Voici quelques points clés sur la technique en photographie d’art :
La maîtrise de l’appareil photo : Le photographe doit connaître les réglages de base de l’appareil photo, tels que l’ouverture, la vitesse d’obturation et la sensibilité ISO, pour pouvoir adapter les paramètres en fonction de la situation de prise de vue.
Le choix de l’objectif : Le choix de l’objectif peut avoir un impact significatif sur l’image. Les objectifs grand angle peuvent être utilisés pour capturer une vue d’ensemble, tandis que les objectifs à focale fixe peuvent être utilisés pour créer un effet de profondeur de champ ou pour réaliser des portraits.
La lumière : La lumière est un élément clé de la photographie d’art. Les photographes doivent apprendre à utiliser la lumière naturelle et artificielle pour créer des effets de lumière intéressants, tels que les ombres, les reflets et les contrastes.
La post-production : La post-production est une étape importante de la photographie d’art. Les photographes peuvent utiliser des logiciels de retouche pour ajuster la luminosité, le contraste, la saturation, la netteté et d’autres paramètres de l’image pour améliorer sa qualité et sa cohérence.
La créativité : La technique est importante, mais la créativité est essentielle en photographie d’art. Les photographes doivent apprendre à sortir des sentiers battus, à explorer de nouveaux angles de prise de vue, à expérimenter avec la composition et à chercher des sujets qui leur inspirent pour créer des images originales et expressives.
En fin de compte, la technique en photographie d’art est importante pour créer des images de qualité, mais la créativité est essentielle pour créer des images originales et expressives. Les photographes doivent apprendre à maîtriser leur appareil photo, à utiliser la lumière et la post-production pour améliorer la qualité de leurs images, tout en gardant leur créativité et leur vision artistique intactes.
Pour conclure…
La photographie d’art est un moyen de s’exprimer artistiquement et de capturer des moments et des émotions uniques. Pour réussir à transmettre efficacement son message, un photographe d’art doit considérer cinq points clés : la maîtrise de l’appareil photo, le choix de l’objectif, la lumière, la post-production et la créativité.
La technique est importante pour créer des images de qualité, mais elle ne suffit pas à elle seule pour produire des photos d’art impactantes. Les photographes d’art doivent également faire preuve de créativité en expérimentant de nouvelles approches et en recherchant des sujets qui leur inspirent.
En fin de compte, la photographie d’art est une combinaison subtile de technique et de créativité. En gardant ces cinq points clés à l’esprit, les photographes d’art peuvent réussir à capturer des images qui communiquent leur vision personnelle et évoquent des émotions chez le spectateur.
Comment le faire de la photo d’art?
La photographie numérique a changé la façon dont les gens prennent des photos et combien les prennent.
N’importe qui avec un appareil photo peut être photographe de nos jours, et beaucoup d’entre eux veulent être des photographes professionnels ou des artistes, bien qu’ils puissent être les deux. Partout sur Internet, il y a une montée en puissance de ceux qui se disent photographes d’art ; alors peut-être qu’il est temps d’examiner ce qu’ils sont et en quoi ils sont différents des photographes habituels.
Récemment, j’ai entendu un photographe en ligne dire que vous pouviez ajouter un flou sur une image, puis appeler cela de l’art. Cela ne rend pas une image artistique, cela la rend juste ridicule.
Le travail doit porter sur vous et sur ce qui vous passionne. Ne vous inquiétez pas de ce que les autres pensent. Si vous savez quelle est votre vision, quel est votre sujet et comment vous voulez créer votre travail, alors votre déclaration devrait venir facilement et vous vous retrouverez sur une nouvelle voie, passionnante.
Si vous ne faites que de belles images sans aucun des éléments ci-dessus, il y a de fortes chances que vous ne créez pas de photo d’art.
Cependant, si vous avez une vision ou un message et que vous souhaitez transmettre des idées à travers votre travail, vous êtes plus susceptible de créer de la photo d’art. Peut-être devriez-vous réfléchir à ce que vous voulez que votre travail soit. Il est également très bien de simplement prendre des photos parce que vous aimez cela…
Les 5 Erreurs courantes dans la photo d’art
1. Ignorer l’importance de la qualité technique en photo d’art.
Alors que la photo artistique consiste à ignorer les règles et à exprimer son esprit, la maîtrise technique de la photographie en tant que médium ne peut être négligée.
La photo d’art nécessite un haut niveau d’expertise dans ce qui fait une photo techniquement bonne. Par exemple, obtenir la bonne mise au point, l’éclairage pour une bonne exposition et ce qui rend une composition intéressante sont importantes.
Une fois que vous savez comment contrôler ces éléments dans la caméra, vous avez le pouvoir de les utiliser comme formes de communication pour votre message.
Trop souvent, les artistes utilisent des films de qualité médiocre ou des capteurs de caméra de mauvaise qualité pour obtenir un aspect granuleux et artistique. La meilleure pratique serait d’utiliser une technique de meilleure qualité mais d’obtenir le résultat artistique grâce à la technique.
Quand tenir l’appareil photo à la main est un autre exemple d’un aspect technique à ne pas négliger. Savoir quand et comment utiliser un trépied est essentiel pour toute photographie.
Enfin, les photographes ont tendance à trop s’appuyer sur les fonctionnalités automatiques de leurs appareils photo modernes. L’exposition automatique et la mise au point automatique sont d’excellents outils, mais ils ont tendance à produire des images ternes et ordinaires.
Régler votre appareil photo en mode entièrement manuel vous permet de contrôler l’image et d’obtenir exactement le look que vous recherchez.
2. Confondre la qualité technique avec l’art.
Alors que la qualité technique est vitale pour la photo d’art, une photographie techniquement parfaite n’en fait pas de l’art. La photographie d’art concerne votre message, qui transcende entièrement les aspects techniques. La technique ne doit pas brouiller les éléments compositionnels et artistiques.
3. Suivre trop de règles en photo d’art.
Les photographes débutants apprennent toutes sortes de règles. Il y a la règle des tiers , la règle d’or et bien d’autres à suivre pour créer de la photo d’art.
Mais suivre les règles que tout le monde apprend signifie que vos images peuvent ressembler à la photographie de tout le monde. Si vous voulez que votre art soit unique et se démarque, vous devrez apprendre à enfreindre certaines règles. C’est une base de l’art globalement, il faut connaitre les techniques, les maîtriser complètement afin de pouvoir les dépasser.
4. Essayer de rendre toutes vos photos belles.
Presque toutes les photographies commerciales sont basées sur des photographies belles et esthétiques. En conséquence, nous sommes tous conditionnés à percevoir la photographie à travers le même filtre de cette beauté.
Mais parfois, surtout en tant que photographes artistiques , le message que nous essayons de communiquer est contraire à cette esthétique. Parfois crasseux, sale ou dramatique correspondent mieux au message. La photo d’art n’a pas besoin d’être belle, mais elle doit être convaincante et percutante.
5. Ne pas utiliser l’abstraction en photo d’art.
L’abstraction est un autre concept important de la photo d’art. Cela peut signifier supprimer les éléments superflus d’une photo et la distiller jusqu’à l’essentiel. Cela aide le spectateur à se connecter à l’image à un niveau plus fondamental.
Ou cela peut être fait lors de la composition de la photo ou en post-production. Quoi qu’il en soit, cela fait partie intégrante de l’envoi du bon message avec votre photo.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Avec un programme principalement composé de nouvelles productions, les Rencontres d’Arles ont acquis une dimension internationale. En 2017, plus de 125 000 spectateurs ont pu découvrir la 48e édition du festival. En 2018, le festival a battu un nouveau record avec 140000 visiteurs.
Certains sites, comme les chapelles du XIIe siècle ou les bâtiments industriels du XIXe siècle, sont ouverts au public pendant la durée du festival.
Grâce aux Rencontres d’Arles, de nombreux photographes ont été découverts et mis en lumière, ce qui confirme l’importance du festival comme tremplin pour la photographie et la création contemporaine. Ces dernières années, les Rencontres d’Arles ont invité de nombreux commissaires et ont confié certains de ses programmes à des personnalités telles que Martin Parr (2004), Raymond Depardon (2006) ou le couturier d’Arles Christian Lacroix (2008) ou encore Nan Goldin (2009).
Grâce aux grâce au soutien du ministère de la Culture, le festival a pu étendre et développer ses activités, devenant ainsi l’un des événements majeurs du calendrier culturel européen. Chaque année, le festival attire environ 200 000 visiteurs, ce qui en fait l’une des destinations touristiques les plus populaires en France.
Le festival est organisé autour d’un thème central, qui sert de point de départ à un large éventail d’expositions, de conférences, de films et d’autres événements. L’objectif du festival est de promouvoir la photographie contemporaine et d’encourager le dialogue entre les artistes, les critiques et le public.
L’un des points forts du festival est le « musée en plein air », qui présente une sélection des meilleures photographies contemporaines du monde entier. Cette année, le musée sera ouvert de juin à septembre. Un autre point fort est la « Nuit de la photographie », qui a lieu le premier samedi de chaque mois. Cet événement est l’occasion pour les photographes de présenter leur travail à un public plus large.
Événements
La semaine d’ouverture des Rencontres d’Arles propose des événements axés sur la photographie (projections nocturnes, visites d’expositions, débats, symposiums, soirées, signatures de livres, etc.) dans des lieux historiques de la ville, dont certains sont spécialement ouverts pour l’occasion.
Les moments les plus importants des dernières conférences sont: la Nuit de l’Europe (2008), dans laquelle un large panorama des identités photographiques européennes a été présenté; défilé de spectacles de Christian Lacroix lors de la soirée de clôture du festival (2008); et le concert de Patti Smith à l’occasion du 20e anniversaire de l’agence Vu (2006).
La Nuit de l’année
La nuit de l’année est le festival incontournable des Rencontres d’Arles. Elle se déroule dans les Papeteries Étienne du quartier Trinquetaille. Cette soirée d’ouverture de la semaine ouvre la variété des pratiques artistiques associées à l’image. Il présente les coups de cœur de l’année, propose aux artistes, institutions, magazines une licence …
La nuit de l’année est de neuf écrans pour une trentaine de représentations. L’événement commence à la fin de la journée avec la campagne BYOPaper – Bring Your Own Paper. 40 artistes sont sélectionnés pour coller leurs estampes sur les murs de la papeterie.
Un jury composé de l’équipe de direction des Rencontres d’Arles et de l’équipe du magazinephoto lifestyle Fisheye sélectionne chaque année les 40 projets. En 2017, les Papeteries Étienne ont accueilli la nuit de l’année pour la troisième fois consécutive, à laquelle ont assisté plus de 5000 visiteurs.
Cosmos-Arles Books
Cosmos-Arles Books est un événement satellite des Rencontres d’Arles dédié aux nouvelles pratiques éditoriales. Au cours des quinze dernières années, les publications photographiques grand format, les livres commerciaux et les livres électroniques sont devenus des matériaux expérimentaux importants pour les photographes et les artistes.
La photographie y est redécouverte comme moyen d’expression et de diffusion, et l’hybridité des formes qui lui sont propres y trouve sans aucun doute son champ d’expression le plus riche. Pour incarner cette énergie, la direction artistique des livres Cosmos Arles sera reprise par Olivier Cablat et Sebastian Hau (Cosmos) et Sam Stourdzé, directeur des Rencontres d’Arles.
Soirées au Théâtre Antique
Les projections nocturnes en plein air du théâtre romain d’Arles montrent le travail d’un photographe ou d’un spécialiste de la photographie, accompagné de concerts et de performances.
Chaque soirée fait l’objet d’une création unique. Lors de l’édition 2009 du festival, 8500 spectateurs ont assisté aux soirées du Théâtre antique, en moyenne 2000 spectateurs par soirée et 2500 pour la soirée de clôture et la représentation de la ballade de la dépendance sexuelle de Nan Goldin, accompagnée d’un concert de Tiger Lillies. Lors de l’édition 2013, plus de 6 000 spectateurs ont assisté aux soirées avec projections photo ou environ 1 500 spectateurs par soirée.
Colloques et débats des Rencontres de la photographie d’Arles
Au cours de la semaine d’ouverture des Rencontres, des réunions et débats sont organisés au cours desquels les photographes présents sont invités à parler de leur travail ou à répondre aux questions que se pose le public sur les photos exposées.
Les dernières éditions de ces événements se sont donc tournées vers la photographie sur différents sujets: peut-on encore imaginer aujourd’hui une esthétique noir et blanc pour la photographie? (2013), Comment les réseaux sociaux affectent-ils la créativité et l’information? (2011) Breaks, un concept central de la photographie d’aujourd’hui (2009), Le devoir en photographie: liberté ou coercition (2008), opérations et mutations du marché de la photo (2007) …
Les Stages de photographie des Rencontres de la photographie d’Arles
L’échange entre photographes professionnels et praticiens de tous niveaux est un enjeu constant depuis la création des Rencontres d’Arles. Chaque année, les cours photo permettent aux participants de s’engager dans un processus créatif personnel au plus près des enjeux esthétiques, éthiques et technologiques de la photographie.
De grands noms de la photographie ont régulièrement formé des directeurs des Rencontres d’Arles: Abbas, Guy Le Querrec, René Burri, Mary Ellen Mark, Paul Almasy, Antoine d’Agata, Martin Parr, Joan Fontcuberta, Jean Mezière etc.
La Rentrée en Images
Depuis 2004, l’événement «Une rentrée scolaire en images» est au cœur de la politique pédagogique développée par les Rencontres d’Arles. Au cours des deux premières semaines de septembre, les étudiants du CP au Master visitent les expositions, qui sont encadrées par des médiateurs spécialisés.
S’appuyant sur le programme du festival, l’événement vise à initier les jeunes aux arts visuels et s’inscrit dans une politique plus large de démocratisation culturelle. En effet, « Un retour à l’école en images » peut toucher plusieurs milliers d’élèves, dont un nombre important aborde pour la première fois le monde de l’art contemporain.
Luma Rencontres Dummy Book Award
En 2015, les Rencontres d’Arles ont lancé un prix promotionnel pour la publication d’un modèle de livre. Doté d’un budget de production de 25 000 euros, ce nouveau prix est ouvert à tout photographe et artiste en herbe qui utilise la photographie sur proposition d’un modèle de livre qui n’a jamais été publié. La production de l’édition gagnante commence à l’automne après la fin du festival et sera présentée lors de la prochaine édition des Rencontres d’Arles.
Photo Folio Review & Gallery
Lancé en 2006, Photo Folio Review & Gallery propose aux photographes des lectures de portfolio pendant la semaine d’ouverture du festival et la possibilité d’exposer leurs images pendant la durée des Rencontres d’Arles. Au cours de ces lectures, les photographes mettent leur travail à la disposition d’experts en photographie internationaux de divers domaines: éditeurs, conservateurs, directeurs d’institutions, directeurs d’agences, galeristes, collectionneurs, critiques et directeurs artistiques.
Le Prix des Rencontres d’Arles
Depuis leur création en 2002, les Rencontres d’Arles Awards ont permis de découvrir de nouveaux talents aux Rencontres d’Arles. Leur formule a été développée en 2007 pour conserver trois prix annuels, décernés tout l’été à Arles et décernés lors de la cérémonie de clôture de la semaine spécialisée du festival: le Prix Découverte (25 000 euros), l’auteur du Prix du Livre (8 000 euros) et le Prix du Livre du Prix Historique ( 8 000 euros) Lors de l’édition 2015, un nouveau prix, le Prix Photo-Texte (6 000 euros).
Le Budget des Rencontres de la photographie d’Arles
Le budget de l’édition 2015 des réunions était de 7 millions d’euros, dont 38% provenaient de fonds publics, 43% de revenus propres (principalement billetterie et dérivés) et 17% de mécénat et de partenariats privés.
Les expositions par Année
2010 : 41e édition (3 juillet – 19 septembre)
Promenade Argentine : Léon Ferrari, Marcos Adandia, Leandro Berra, Marcos Lopez, Sebastiano Mauri, Gabriel Valansi, Promenade rock : Mick Jagger, Jean Pigozzi, Claude Gassian, I am a cliché, Échos de l’esthétique punk, Andy Warhol, Billy Name, Stephen Shore, Robert Mapplethorpe5, Dan Graham, Peter Hujar, David Wojnarowicz, Bruce Conner, Destroy All Monsters, Sue Rynski, David Lamelas, Dennis Morris, Jamie Reid, Album Covers, Linder, Alain Dister, Robert Malaval, Belle journée en perspective, Katharina Sieverding, Rhona Bitner, Céleste Boursier-Mougenot, Christian Marclay, Meredith Sparks, Wolfgang Tillmans,
Promenade argentique : Ernst Haas, Shoot ! La photographie existentielle, Michel Campeau, Chambre(s) claire(s), note(s) sur la photographie, Polaroid en péril !, Zhang Dali, Augusto Ferrari, Des photographes en autoportraits, où sont-ils ?,
Promenade avec les amis de la Fondation Luma : Fischli/Weiss, Luke Fowler/Peter Hutton, Prix Découverte 2010, Artistes présentés par Tom Eccles, Anne Colier, Liz Deschenes, Roe Ethridge, Artistes présentés par Liam Gillick, Marlo Pascual, Gilad Ratman, Solmaz Shahbazi, Artistes présentés par Hans Ulrich Obrist & Philippe Parreno, Hans Peter Feldmann, Shannon Ebner, Kazuo Shinohara, Taryn Simon, Trisha Donnelly, Darius Khondji, Artistes présentés par Beatrix Ruf, Annette Kelm, Elad Lassry, Leigh Ledare, Prix du livre d’auteur et prix du livre historique 2010,
Promenade des passages de témoins : Un parcours dans la collection de Marin Karmitz, France 14, ReGeneration2, Paolo Woods, ENSP (promotion 2010), SFR jeunes talents, Lea Golda Holterman,
Hors promenade : No Scoop, Télérama culture couverture, Ivan Mikhailov, Des clics et des classes, Marcher-créer, Mario Giacomelli, Klavdij Sluban, 1950-2010 : Picto a 60 ans, Patrick Bouchain, François Deladerrière, Galerie Vu’, François Halard, Peter Klasen, Pierre Jahan
2011 : 42e édition (4 juillet – 18 septembre)
Chris Marker, photos du New York Times, Robert Capa, Pentti Sammallahti, JR, Wang Qingsong, Dulce Pinzon,…
2012 : 43e édition (3 juillet – 23 septembre)
Les 30 ans de l’ENSP, Josef Koudelka, Amos Gitai, Klavdij Sluban & Laurent Tixador, Arnaud Claass6, Grégoire Alexandre, Édouard Beau, Jean-Christophe Béchet, Olivier Cablat, Sébastien Calvet, Monique Deregibus & Arno Gisinger, Vincent Fournier, Marina Gadonneix, Valérie Jouve, Sunghee Lee, Isabelle Le Minh, Mireille Loup, Alexandre Maubert, Mehdi Meddaci, Collection Jan Mulder, Alain Desvergnes7, Olivier Metzger, Joséphine Michel, Erwan Morère, Tadashi Ono, Bruno Serralongue, Dorothée Smith, Bertrand Stofleth & Geoffroy Mathieu, Pétur Thomsen, Jean-Louis Tornato, Aurore Valade, Christian Milovanoff8,
2013 : 44e édition (1er juillet – 22 septembre)
Hiroshi Sugimoto, Sergio Larrain, Guy Bourdin, Alfredo Jaar9, John Stezaker10, Wolfgang Tillmans11, Viviane Sassen12, Jean-Michel Fauquet, Arno Rafael Minkkinen, Miguel Angel Rojas, Pieter Hugo13, Michel Van den Eeckhoudt, Xavier Barral14, John Davis, Antoine Gonin15, Thabiso Sekgala, Philippe Chancel, Raphaël Dallaporta, Alain Willaume, Cedric Nunn, Santu Mofokeng, Harry Gruyaert, Jo Ractliffe, Zanele Muholi, Patrick Tourneboeuf, Thibaut Cuisset, Antoine Cairns, Jean-Louis Courtinat, Christina de Middel, Stéphane Couturier, Frédéric Nauczyciel, Jacques Henri Lartigue, Pierre Jamet, Raynal Pellicer, Studio Fouad, Erik Kessels.
2014 : 45e édition (7 juillet – 21 septembre)
Expositions : Lucien Clergue, Christian Lacroix, Raymond Depardon, Léon Gimpel, David Bailey, Vik Muniz, Patrick Swirc, Denis Rouvre, Vincent Pérez, Chema Madoz, Élise Mazac, Robert Drowilal, Anouck Durand, Refik Vesei, Pleurat Sulo, Katjusha Kumi, Ilit Azoulay, Katharina Gaenssler, Miguel Mitlag, Victor Robledo, Youngsoo Han, Zhang Kechun, Pieter Ten Hoopen, Will Steacy, Kudzanai Chiurai, Patrick Willocq, Ciril Jazbec, Milou Abel, Sema Bekirovic, Melanie Bonajo, Hans de Vries, Hans Eijkelboom, Erik Fens, Jos Houweling, Hans van der Meer, Maurice van Es, Benoît Aquin, Luc Delahaye, Mitch Epstein, Nadav Kander.
2015 : 46e édition (6 juillet – 20 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Walker Evans, Stephen Shore, Robert Venturi, Denise Scott Brown, Toon Michiels, Olivier Cablat, Markus Brunetti, Paul Ronald, Sandro Miller, Eikoh Hosoe, Masahisa Fukase, Daido Moriyama, Masatoshi Naito, Issei Suda, Kou Inose, Sakiko Nomura, Daisuke Yokota, Martin Gusinde, Paolo Woods, Gabriele Galimberti, Natasha Caruana, Alex Majoli, Paolo Pellegrin, Ambroise Tézenas, Thierry Bouët, Anna Orlowska, Vlad Krasnoshchok, Sergiy Lebedynskyy, Vadym Trykoz, Lisa Barnard, Robert Zhao Renhui, Pauline Fargue, Julián Barón, Delphine Chanet, Omar Victor Diop, Paola Pasquaretta, Niccolò Benetton, Simone Santilli, Dorothée Smith, Rebecca Topakian, Denis Darzacq, Swen Renault, Paolo Woods, Elsa Leydier, Alice Wielinga, Cloé Vignaud, Louis Mattonet Pablo Mendez.
2016 : 47e édition (4 juillet – 25 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Sid Grossman, Ethan Levitas, Garry Winogrand, Peter Mitchell, Eamonn Doyle, William Klein, Christian Marclay, Bernard Plossu, Charles Fréger, Sara Galbiati, Peter Helles Eriksen, Tobias Selnaes Markussen, Maud Sulter, Laia Abril, Piero Martinello, João Pina, Stéphanie Solinas, Yan Morvan, Alexandre Guirkinger, Don McCullin, PJ Harvey& Seamus Murphy, Yann Gross, Alinka Echeverría, Maurizio Cattelan & Pierpaolo Ferrari, Augustin Rebetez, Frank Berger, Stephanie Kiwitt, Basma Alsharif, Daisuke Yokota, Marie Angeletti, Christodoulos Panayiotou, Nader Adem, Sarah Waiswa, Beni Bischof, Sara Cwynar.
2017 : 48e édition (3 juillet – 19 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Joel Meyerowitz, Michael Wolf, Audrey Tautou, Kate Barry, Roger Ballen, Marie Bovo, Mathieu Asselin, Gideon Mendel, Karlheinz Weinberger, Samuel Gratacap, Mathieu Pernot, Niels Ackermann, Sébastien Gober, Yves Chaudouët, Guillaume Herbaut, Eleonore Lubna, Dominique Auerbacher, Gabriele Basilico, Alain Ceccaroli, Despatin & Gobeli, Robert Doisneau, Tom Drahos, Pierre de Fenoÿl, Jean-Louis Garnell, Albert Giordan, François Hers, Josef Koudelka, Christian Milovanoff, Sophie Ristelhueber, Holger Trülzsch, Dune Varela, Christophe Rihet, Masahisa Fukase, Julián Barón, Ricardo Cases, Federico Clavarino, David Hornillos, Alejandro Marote, Óscar Monzón, Bernardita Morello, Miren Pastor, Michele Tagliaferri, Fosi Vegue, Antonio M. Xoubanova, Julie Balagué, Vincent Fillon, Bruno Fontana, Jean Noviel, Camille Richer, Meead Akhi, Azadeh Akhlaghi, Ali & Ramyar, Saba Alizadeh, Hoda Amin, Hawar Amini, Abbas Attar, Fatemeh Baigmoradi, Dadbeh Bassir, Erfan Dadkhah, Solmaz Daryani, Gohar Dashti, Alireza Fani, Hamed Farhangi, Arash Fayez, Shadi Ghadirian, Jassem Ghazbanpour, Azin Haghighi, Ghazaleh Hedayat, Bahman Jalali, Rana Javadi, Poolad Javaher Haghighi, Alborz Kazemi, Babak Kazemi, Kaveh Kazemi, Mehregan Kazemi, Arash Khamooshi, Danial Khodaie, Abbas Kiarostami, Gelareh Kiazand, Abbas Kowsari, Yalda Moaiery, Sasan Moayyedi, Mehran Mohajer, Mehdi Monem, Amir Mousavi, Sahar Mokhtari, Tahmineh Monzavi, Mehran Naghshbandi, Azin Nafarhaghighi, Mehrdad Naraghi, Morteza Niknahad & Behnam Zakeri, Ebrahim Noroozi, Mohsen Rastani, Ghazaleh Rezaei, Behnam Sadighi, Majid Saeedi, Omid Salehi, Hasan Sarbakhshian, Jalal Sepehr, Bahram Shabani, Noushin Shafiei, Hashem Shakeri, Jalal Shams Azaran, Sina Shiri, Arya Tabandehpoor, Nazanin Tabatabaee Yazdi, Maryam Takhtkeshian, Newsha Tavakolian, Sadegh Tirafkan, Mehdi Vosoughnia, Mohsen Yazdipour, Hasti Zahiri, Maryam Zandi.
2018 : 49e édition (2 juillet – 23 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : William Wegman, Robert Frank, Raymond Depardon, Paul Graham, Taysir Batniji, Laura Henno, Michael Christopher Brown, Jane Evelyn Atwood, Gregor Sailer, Baptiste Rabichon, Ann Ray, René Burri, Jean-Luc Godard, Dmitry Markovet Picasso.
2019 : 50e édition (1er juillet – 22 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Edward Weston, Lucien Clergue, Eve Arnold, Abigail Heyman, Susan Meiselas, Helen Levitt, Libuše Jarcovjáková, Alberto García-Alix, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez, Miguel Trillo, Tom Wood, Ying Ang, Matthew Casteel, David Denil, Yvonne De Rosa, Isa Ho, Chia Huang, Hou I-Ting, Dominique Laugé, Manuel Rivera-Ortiz, Evangelía Kranióti, Man Ray, Germaine Krull, Berenice Abbott, László Moholy-Nagy, Florence Henri, Claude Martin-Rainaud, Philippe Chancel, Randa Mirza, Camille Fallet, Guillaume Simoneau, Laurence Aëgerter, Lionel Astruc, Erick Bonnier, Marjan Teeuwen, Pixy Liao, Yann Pocreau
Les expositions de Années 2000
2000 : 31e édition
Tina Modotti, Jakob Tuggener, Peter Sakaer, Masahisa Fukase, Herbert Matter, Robert Heinecken, Jean-Michel Alberola, Tom Drahos, Willy Ronis, Frederick Sommer, Lucien Clergue, Sophie Calle…
2001 : 32e édition
Luc Delahaye, Patrick Tosani, Stéphane Couturier, David Rosenfeld, James Casebere, Peter Lindbergh, Jonathan Abbou…
2002 : 33e édition (6 juillet -8 septembre)
Guillaume Herbaut, Baader Meinhof, Astrid Proll, Josef Koudelka, Gabriele Basilico, Rineke Dijkstra, Lise Sarfati, Jochen Gerz, Collection Ordoñez Falcon, Larry Sultan, Alex Mac Lean, Alastair Thain, Raeda Saadeh, Zineb Sedira, Serguei Tchilikov, Jem Southam, Alexey Titarenko, Andreas Magdanz, Sophie Ristelhueber…
2003 : 34e édition (5 juillet -12 octobre)
Collection Claude Berri, Hou Bo4,Lin Tianmiao & Wang Gongxin, Xin Danwen, Gao Bo, Shao Yinong & Mu Chen, Hong Li, Hai Bo, Chen Lingyang, Ma Liuming, Hong Hao, Naoya Hatakeyama, Roman Opalka, Jean-Pierre Sudre, Suzanne Lafont, Corinne Mercadier, Adam Bartos, Marie Le Mounier, Yves Chaudouët, Galerie VU, Harry Gruyaert, Vincenzo Castella, Alain Willaume, François Halard, Donovan Wylie, Jérôme Brézillon & Nicolas Guiraud, Jean-Daniel Berclaz, Monique Deregibus, Youssef Nabil, Tina Barney…
2004 : 35e édition (8 juillet -19 septembre)
Dayanita Singh, Les archives du ghetto de Lodz, Stephen Gill, Oleg Kulik, Arsen Savadov, Keith Arnatt, Raphaël Dallaporta, Taiji Matsue, Tony Ray-Jones, Osamu Kanemura, Kawauchi Rinko, Chris Killip, Chris Shaw, Kimura Ihei, Neeta Madahar, Frank Breuer, Hans van der Meer, James Mollison, Chris Killip, Mathieu Pernot, Paul Shambroom, Katy Grannan, Lucien Clergue, AES + F, György Lörinczy…
2005 : 36e édition (5 juillet -18 septembre)
Collection William M. Hunt, Miguel Rio Branco, Thomas Dworzak, Alex Majoli, Paolo Pellegrin, Ilkka Uimonen, Barry Frydlender, David Tartakover, Michal Heiman, Denis Rouvre, Denis Darzacq, David Balicki, Joan Fontcuberta, Christer Strömholm, Keld Helmer-Petersen…
s 2006 : 37e édition (4 juillet -17 septembre)
La photographie américaine à travers les collections françaises, Robert Adams, Cornell Capa, Gilles Caron, Don McCullin, Guy Le Querrec, Susan Meiselas, Julien Chapsal, Michael Ackerman, David Burnett, Lise Sarfati, Sophie Ristelhueber, Dominique Issermann, Jean Gaumy, Daniel Angeli, Paul Graham, Claudine Doury, Jean-Christophe Béchet, David Goldblatt, Anders Petersen, Philippe Chancel, Meyer, Olivier Culmann, Gilles Coulon, Gilles Leimdorfer,…
2007 : 38e édition (3 juillet -16 septembre)
Les 60 ans de Magnum Photos, Pannonica de Koenigswarter, Le Studio Zuber, Collections d’Albums Indiens de la Collection Alkazi, Alberto Garcia-Alix, Raghu Rai, Dayanita Singh, Nony Singh, Sunil Gupta, Anay Mann, Pablo Bartholomew, Bharat Sikka, Jeetin Sharma, Siya Singh, Huang Rui, Gao Brothers, RongRong & inri, Liu Bolin, JR…
2008 : 39e édition (8 juillet -14 septembre)
Richard Avedon, Grégoire Alexandre, Joël Bartoloméo, Achinto Bhadra, Jean-Christian Bourcart, Samuel Fosso, Charles Fréger, Pierre Gonnord, Françoise Huguier, Grégoire Korganow, Peter Lindbergh, Guido Mocafico, Henri Roger, Paolo Roversi, Joachim Schmid, Georges Tony Stoll, Patrick Swirc, Tim Walker, Vanessa Winship, Marikel LAHANA, Sung-Hee Lee, Christophe Mattern…
2009 : 40e édition (7 juillet -13 septembre)
Robert Delpire, Willy Ronis, Jean-Claude Lemagny, Lucien Clergue, Elger Esser, Roni Horn, Duane Michals, Nan Goldin (invitée d’honneur), Brian Griffin, Naoya Hatakeyama, JH Engström, David Armstrong, Eugene Richards, Martin Parr, Paolo Nozolino…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Foo Fighters The Pretender est le premier single du groupe extrait de l’album « Echoes, Silence, Patience & Grace » du groupe américain Foo Fighters sorti en 2007. C’est l’une des chansons les plus réussies de Foo Fighters, elle est classée 37ème au Billboard américain.
En tant que photographe de concert, j’ai déjà eu la chance de shooter les Foo Fighters et de voir la folie qu’occasionne ce titre lorsque le groupe le joue sur scène. Revenons ici sur le making-of de ce titre phare des Foo, son histoire, l’enregistrement, ses paroles.
Foo Fighters The Pretender
Le clip vidéo : Foo Fighters The Pretender
Le clip de Foo fighters the pretender a été réalisé par Sam Brown. Foo Fighters the Pretender est présenté au format 16/9. Il utilise fortement le panoramique, et les zooms. Il s’agit du groupe interprétant une chanson dans un hangar à avion avec de nombreuses lumières au plafond. Derrière le groupe se trouve un grand écran rouge . Les membres du groupe des Foo fighters font face à ce qui semble être un CRS qui avance jusqu’à une ligne noire.
Au fur et à mesure que la chanson des Foo Fighters the Pretender se joue, de plus en plus de CRS avancent et se rassemblent sur la même ligne noire. Chaque policier possède un numéro sur sa poitrine, qui est en ordre de compte à rebours vers le moment de la chanson le plus intense qui approche. Lorsque le pont le plus silencieux commence, la vidéo ralentit et les officiers chargent l’équipe. Lorsque le groupe commence le refrain au plus fort de la chanson, l’écran explose soudainement et pulvérise du liquide rouge hors de lui, écrasant les policiers et aspergeant le groupe.
À la fin de la vidéo de Foo Fighters the Pretender, Dave Grohl tombe à genoux sur le sol. Les effets visuels de la vidéo ont été créés par Mechnology Visual Effects à Burbank, en Californie.
Foo Fighters The Pretender : le making of du clip
L’enregistrement du titre: Foo Fighters The Pretender
Dave Grohl a d’abord composé le titre « Silver Heart » lors de la pré-production d’Echoes, Silent, Patience et Grace, mais la chanson n’évoluait pas… Selon le producteur Gil Norton, « La chorale était là, mais il n’y a pas de paroles et de pont. La chanson était beaucoup plus lente. » lors d’une pause de 10 jours pendant l’enregistrement en avril 2007, Dave Grohl écouta le mixage de monitoring, et pensa que le disque avait besoin d’une chanson au rythme rapide. Il l’écrivit en une journée.
Dave Grohl a décrit la chanson Foo Fighters the Pretender comme une « chanson de Foo Fighters avec un peu de Chuck Berry« . La chanson est écrite dans la tonalité de La Mineur et montre la dynamique changeante que Grohl voulait utiliser pour cet album, en commençant par une introduction très simplifiée, avec une guitare et des voix douces ainsi qu’ une petite section de cordes.
Foo Fighters The Pretender
Rich Costey, ingénieur du mixage, a déclaré que faire tout ce travail dynamique, ainsi que l’équilibre des instruments, était un défi parce que Dave Grohl et le batteur Taylor Hawkins voulaient toujours se concentrer davantage sur leurs instruments. Les overdubs de guitare de Costey étaient également inquiétants – « Les guitares de » The Pretender « sont assez « pleines », donc ça devient assez dense pour mixer l’ensemble. L’enjeu de ce type de mix est de conserver la puissance de la chanson, tout en déterminant la place de tout. L’équilibre des guitares était une grande difficulté par rapport à la batterie et au chant. »
Dave Grohl a admis que la chanson de Sesame Street avait surement inconsciemment influencé son écriture de la chanson. Dans une interview avec XFM en 2007, Dave Grohl n’a pas expliqué la signification de The Pretender, mais a suggéré que ses racines se trouvaient dans la tourmente politique actuelle.
Grohl a également déclaré que Foo Fighters the Pretender n’était pas initialement prévu pour l’album et que cela s’est produit très rapidement: Cette chanson n’est arrivée que très tard. Jusqu’à ce titre, je ne savais pas si nous avions une bonne chanson d’ouverture… ou non. Donc après l’enregistrement, j’ai pensé: « Oh, c’est parfait, nous avons une chanson pour ouvrir un album » et c’est devenu la chanson préférée de tout le monde. … C’est une sorte de chanson avec laquelle j’ai hâte d’ouvrir les concerts. Nous avons composé cette chanson, je ne sais pas, en un jour…, alors que pour beaucoup d’autres chansons, nous avons travaillé pendant des semaines.
Foo Fighters The Pretender
Foo Fighters The Pretender : la mise en perspective historique
Après l’éclatement de la tristesse et de la colère du 11 septembre, le président Bush avait décidé d’envoyer l’armée américaine en Irak « à la recherche d’armes de destruction massive ». La colère envers le terrorisme a poussé les gens à soutenir la décision de ce président.
Bien sûr, certaines personnes étaient contre l’idée, mais le nationalisme était élevé à ce stade et les gens voulaient juste se venger sans penser aux conséquences auxquelles nous pourrions faire face à l’avenir. Des années ont passé, les combats n’ont jamais cessé et nous n’avons jamais trouvé «d’armes de destruction massive».
Cette ambiance historique sera le terreau de l’écriture du tube Foo Fighters The Pretender.
Foo Fighters The Pretender
Foo Fighters The Pretender : Les crédits de l’enregistrement
Dave Grohl : chanteur, guitare rythmique
Chris Shiflett : lead guitar
Nate Mendel : Basse
Taylor Hawkins : batterie et chant
Section Section de quatuor à cordes, arrangée par Audrey Riley
La tracklist de l’album Echoes, Silence, Patience & Grace des Foo Fighters :
01. The Pretender
02. Let It Die
03. Erase/Replace
04. Long Road to Ruin
05. Come Alive
06. Stranger Things Have Happened
07. Cheer Up, Boys (Your Make Up Is Running)
08. Summer’s End
09. Ballad of the Beaconsfield Miners
10. Statues
11. But, Honestly
12. Home
Foo Fighters The Pretender : Classements du titre
Cette chanson était numéro 47 sur la liste des 100 meilleures chansons de 2007 Rolling Stone. La chanson a été nominée pour un Grammy Award en 2008 pour la meilleure chanson rock et record de l’année. La même année, il remporte un Grammy Award dans la catégorie Meilleure performance Hard Rock. Cette chanson était également numéro 94 dans le top 100 des MTV Asia en 2007. Le clip a été nominé pour le meilleur clip rock aux Video Music Award 2008, mais a perdu face à Linkin Park.
Cet album était le quatrième album des Foo Fighters dans lequel la chanson était en tête de la liste des chansons américaines Hot Modern Rock. « The Pretender » était la chanson rock alternative de 2007. Ce titre a détenu le record dans l’histoire de Modern Rock Tracks, battant le record de 16 semaines de « Scar Tissue » des Red Hot Chili Peppers et Green Day’s Boulevard of Broken Dreams, avec 18 semaines numéro un. Il a également passé 6 semaines au numéro 1 sur la liste Hot Mainstream Rock Tracks.
Foo Fighters The Pretender
Paroles originales : Foo Fighters The Pretender
Keep you in the dark
You know they all pretend
Keep you in the dark
And so it all began
Send in your skeletons
Sing as their bones go marching in, again
The need you buried deep
The secrets that you keep are ever ready
Are you ready?
I’m finished making sense
Done pleading ignorance
That whole defense
Spinning infinity, boy
The wheel is spinning me
It’s never-ending, never-ending
Same old story
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
In time our soul untold
I’m just another soul for sale, oh well
The page is out of print
We are not permanent
We’re temporary, temporary
Same old story
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
I’m the voice inside your head
You refuse to hear
I’m the face that you have to face
Mirrored in your stare
I’m what’s left, I’m what’s right
I’m the enemy
I’m the hand that will take you down
Bring you to your knees
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Keep you in the dark
You know they all pretend
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)
What if I say I will never surrender?
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Foo Fighters the Pretender
Paroles en Francais : Foo Fighters The Pretender
{Celui qui prétend}
Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant
Tu restes dans le noir
Et c’est ainsi que tout à commencé
Envoie moi tes squelettes
Chante pendant que leurs os marchent à nouveau
Tes besoins enfuis au plus profond de toi
Les secrets que tu gardes sont toujours prêts
Es-tu prêt?
J’en ai assez d’être normal
De plaider l’innocence
Toute cette…défense
Tu fais tourner l’infinité
Cette roue qui me fait tourner
Ça ne s’arrête jamais, s’arrête jamais
Toujours la même histoire
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Avec le temps notre âme est indescriptible
Je ne suis qu’une autre âme à vendre…et alors?
Cette page est épuisée
Nous ne sommes pas éternels
Nous sommes éphémères, éphémères
Toujours la même histoire
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement un autre de tes
personnages?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Je suis la voix à l’intérieur de ta tête
Que tu refuses d’entendre
Je suis le visage auquel tu dois faire face
Réfléchis dans ton regard
Je suis ce qui reste, je suis ce qui est juste
Je suis l’ennemi
Je suis la main qui te détruira
Et te fera tomber à genoux
Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Foo Fighters The Pretender en live à Wembley
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mass Hysteria est un groupe de metalfrançais qui a gagné une immense popularité auprès des fans de metal partout dans le monde. Depuis leur formation en 1993, ils ont sorti plusieurs albums acclamés par la critique et ont joué dans des festivals de musique en France et à l’étranger.
Leur son unique, qui mélange des riffs de guitare lourds avec des paroles fortes et engagées, a attiré des fans de tous horizons. Mass hysteriaest connu pour sa capacité à faire passer des messages politiques et sociaux importants à travers leur musique, tout en offrant un spectacle incroyablement énergique.
Leur album le plus récent, « Maniac« , sorti en 2018, a été très bien accueilli par les fans et les critiques. Il présente un son plus mature et plus diversifié que les albums précédents du groupe, tout en restant fidèle à leur style unique.
Mass Hysteria est également connu pour ses performances live incroyables, avec des spectacles pleins d’énergie et de passion. Le groupe est très engagé envers leur public, offrant des shows mémorables qui laissent les fans épuisés mais heureux.
En somme, MassHysteria est un groupe de metal français qui a conquis la scène internationale grâce à son son unique, ses paroles fortes et engagées, et ses performances live incroyables. Ils continuent d’inspirer des fans à travers le monde avec leur musique, et leur avenir promet d’être tout aussi brillant que leur passé.
Présentation de Mass Hysteria, ses origines et ses influences…
Mass Hysteria est un groupe de metal français originaire de Paris, fondé en 1993. Le groupe se compose de six membres: Mouss Kelai (chant), Yann Heurtaux (guitare), Frédéric Duquesne (guitare), Raphaël Mercier (batterie), Julien Nicolas (claviers) et Vincent Mercier (basse).
Le groupe s’est formé à une époque où le metal français était en pleine effervescence, avec des groupes comme Gojira, Dagoba ou encore Eths. Leur premier album, « Le Bien-être et la Paix » sorti en 1997, a connu un grand succès auprès des fans de metal français, et a permis au groupe de se faire connaître sur la scène nationale.
Le style de Mass Hysteria est un mélange de metal, de punk et de hardcore, avec des paroles souvent engagées et politiques. Le groupe s’est notamment inspiré des mouvements punk et hardcore des années 80, ainsi que de groupes de metal tels que Metallica ou Sepultura.
Mass Hysteria a également été influencé par la culture hip-hop, et a collaboré avec plusieurs rappeurs français, tels que Passi ou Casey, pour fusionner leurs styles et créer des morceaux uniques.
Au fil des années, le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, tels que « Contraddiction » en 1999, « De Cercle en Cercle » en 2001, ou encore « Matière Noire » en 2015. Leur son unique et leur énergie sur scène leur ont permis de gagner de nombreux fans en France et à l’étranger.
En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est inspiré de nombreux mouvements musicaux pour créer un son unique, mélangeant metal, punk, hardcore et hip-hop. Leur engagement politique et social, ainsi que leur énergie sur scène, ont fait d’eux l’un des groupes de metal les plus populaires en France.
Discographie Mass Hysteria
Voici la discographie complète du groupe de metal français Mass Hysteria :
« Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » (2014)
Compilations :
« Mass Hysteria / F.F.F. » (2002)
EP :
« Plus Que Du Metal » (1995)
« Contraddiction » (version single) (1999)
« Mass Hysteria » (version single) (2005)
Mass Hysteria est un groupe qui a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « Le Bien-être et la Paix » qui leur a permis de se faire connaître, « Contraddiction » qui a remporté un grand succès commercial, et « L’Armée des Ombres » qui a été très bien accueilli par les fans et la presse spécialisée.
Le groupe a également sorti plusieurs albums live, dont « Live à L’Elysée Montmartre » en 2006 et « Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » en 2014, qui témoignent de leur énergie et de leur talent sur scène.
En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui a sorti une discographie riche et variée, avec des albums studio acclamés par la critique et des albums live témoignant de leur talent sur scène.
Mass Hysteria : l’album MANIAC
« Maniac » est le neuvième album studio du groupe de metal français Mass Hysteria, sorti en 2018. Cet album marque une nouvelle étape dans l’histoire du groupe, qui continue d’évoluer et de se renouveler tout en restant fidèle à son identité musicale.
L’album a été enregistré aux Studios Sainte-Marthe à Paris, sous la direction du producteur Fred Duquesne, qui avait déjà travaillé avec le groupe sur leur précédent album « Matière Noire ». Le processus d’enregistrement a été long et minutieux, car le groupe souhaitait peaufiner chaque détail pour obtenir le son qu’ils avaient en tête.
L’album comporte onze titres, qui témoignent de l’évolution musicale de Mass Hysteria. Le groupe a intégré de nouvelles influences, notamment des sonorités électroniques et des arrangements plus complexes, tout en conservant son identité musicale énergique et engagée. Les paroles abordent des thèmes tels que l’aliénation, la folie, la liberté et l’amour, avec une grande sensibilité et une réflexion profonde.
« Maniac » a été très bien accueilli par la critique et par les fans, qui ont salué l’évolution musicale du groupe tout en reconnaissant leur engagement et leur message politique et social. L’album a été suivi d’une tournée à travers la France et l’Europe, qui a permis au groupe de partager leur musique avec leur public fidèle et de conquérir de nouveaux fans.
Conclusion
En conclusion, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est forgé une place importante dans le paysage musical français grâce à sa musique énergique et engagée. Le groupe a su mélanger plusieurs styles musicaux pour créer un son unique, qui témoigne de son engagement politique et social.
Leur discographie riche et variée, ainsi que leur présence scénique impressionnante, ont permis à Mass Hysteria de s’imposer comme un groupe incontournable du metal français.
Le message porté par Mass Hysteria est fort et universel, puisqu’il aborde des thèmes tels que la société de consommation, la guerre, l’injustice sociale, ou encore la condition humaine. Le groupe utilise sa musique comme un moyen de faire passer des messages forts et de sensibiliser son public aux problèmes de société.
En somme, Mass Hysteria est un groupe important dans le paysage musical français, tant pour son message que pour sa musique énergique et engagée. Leur discographie et leur engagement politique et social en font un groupe qui compte, et qui est à suivre de près pour tous les amateurs de metal et de musique engagée.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le 26 janvier 2020, Slipknot a enregistré une session au légendaire studio Bida Radio 1 Maida Vale à Londres. La session a eu lieu dans les studios légendaires de la BBC Maida Vale à Londres, en Angleterre. Au milieu du SLIPKNOT Tour 2020 – SLIPKNOT Unmasked All Out Life est une pause intimiste dans la tournée des stades que fait actuellement le groupe.
SLIPKNOT All Out Life : un concert intimiste
Un très petit public de 120 fans a vu le groupe jouer un ensemble de six chansons, une bien petite jauge au milieu d’un slipknot tour 2020 qui squatte les stades. Six morceaux dont les titres Unsainted, Psychosocial, The Devil In I, Duality, Disasterpiece et Wait And Bleed.
L’émission a été filmée par des professionnels et sera diffusée sur BBC Four sous le nom de Slipknot Unmasked: All Out Life, le vendredi 13 mars 2020 à minuit. Pour info, BBC Four est la chaîne de télévision britannique BBC disponible via la télévision numérique terrestre, IPTV, satellite et câble.
SLIPKNOT Unmasked All Out Life – Slipknot tour 2020
Setlist de Slipknot Unmasked All Out Life (slipknot tour 2020 )
01. Unsainted
02. Psychosocial
03. The Devil In I
04. Duality
05. Disasterpiece
06. Wait And Bleed
SLIPKNOT Tour 2020 : le Knotfest Roadshow
Slipknot a annoncé le Knotfest Roadshow en 2020, produit par Live Nation pour son Slipknot tour 2020. Des invités spéciaux tels que A Day To Remember, Underoath et Code Orange rejoindront le groupe. L’année dernière, lors du Knotfest Roadshow, Slipknot a joué devant les plus grandes foules américaines de son histoire.
Cette année, le slipknot tour 2020 débutera le 30 mai à Syracuse (New York) et se terminera le 25 juin à The Woodlands (Texas), passant auparavant dans 15 autres villes. De plus, le Slipknot tour 2020 a visité 30 villes d’Amérique du Nord cet été.Actuellement, Slipknot continue le Slipknot tour 2020, une suite de concerts promotionnels de son dernier album We Are Not Your Kind, qui a été publié en août 2019 par Roadrunner Records.
Découvrez le documentaire Slipknot Unmasked: All Out Life (Documentary)
Slipknot « We Are Not Your Kind » : le nouvel album
Slipknot a sorti « We Are Not Your Kind », l’un des albums les plus attendus de 2019. Ce sixième album est la continuation d’un très bon cinquième, The Grey Chapter, un album dédié au défunt bassiste du groupe, était sorti cinq ans plus tôt. Le groupe de l’Iowa a officialisé leur retour d’All Out Life l’année dernière avant d’annoncer la sortie de leur album tant attendu. À cette fin, Slipknot a dévoilé le premier extrait « Unsainted », qui a déjà annoncé un album qui combine à la fois lourdeur et mélodies fortes.
C’est ce que l’on observe en écoutant We Are Not Your Kind: nous sommes d’accord avec son prédécesseur, avec une tendance très conceptuelle, notamment grâce aux nombreux intermèdes entre chaque chanson constituant l’album. Vous ne pouvez pas échapper au très psychédélique « Death from Death » avec ses tambours indiens, et même « What’s Next », avec cette boîte à musique en compagnie d’une guitare, donnant l’effet d’une limite étonnante et gênante, mais réussie.
Slipknot Tour: vidéo Live BBC Londres
La recette de Slipknot est très présente, alliant riffs forts, chœurs groove et stade, en compagnie de Corey Taylor, qui chante alternativement rock et voix claire, car il sait le faire.
Dans les chansons les plus efficaces on remarque « Nero Forte », « Solway Firth » ou même le dernier single « Birth of the Cruel » avec des grattages très actuels et typiques du groupe. Certains titres de l’album évoquent les débuts de Slipknot, comme le très réussi « Red Flag » ou « Critical Darling », avec ce pont d’efficacité totale qui relie les fans de la première heure au combo américaine.
Néanmoins, nous trouverons plus de chansons de planification, comme « A Liar’s Funeral » à un tempo moyen ou même « Spiders » avec ce piano aux sonorités très miteuses, un solo de guitare exceptionnel et une basse très sèche. De même, dans le cas de « My Pain », qui est également très psychédélique, avec une introduction très élevée, composée uniquement de sons électroniques, rendant la chanson sombre et mystérieuse.
Nous gardons avec We Are Not Your Kind qu’il s’agit d’un album très sombre et expérimental, à travers divers arrangements tout au long de l’album, soutenu par une production complète et exemplaire. En effet, Slipknot a beaucoup travaillé pour rendre cet album aussi réussi que possible et le résultat ne mérite pas le moins du monde.
Cependant, ce sixième album nécessite quelques séances d’écoute pour apprécier tous ses efforts. Il y a là de vraies pépites, le groupe ne s’est pas contenté de reproduire ce qu’il sait faire dès la première tentative, qui a fêté cette année ses 20 bougies. Vous devez être capable de creuser pour réaliser que « We Are Not Your Kind » est un pari réussi pour Slipknot et que les Américains signent un retour triomphal.
Tracklist:
01. Insert Coin 1:39
02. Unsainted 4:21
03. Birth Of The Cruel 4:36
04. Death Because Of Death 1:21
05. Nero Forte 5:15
06. Critical Darling 6:26
07. A Liar’s Funeral 5:27
08. Red Flag 4:12
09. What’s Next 0:54
10. Spiders 4:04
11. Orphan 6:02
12. My Pain 6:48
13. Not Long For This World 6:36
14. Solway Firth 5:56
Sortie le 9 août chez Roadrunner Records
Enregistré novembre 2018 – avril 2019 EasrWest Studios, à Hollywood, Californie Durée 63:29
Producteur Greg Fidelman, Slipknot
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La pandémie de coronavirus met à mal l’industrie du Métal en annulant les festivals en en reportant les tournées. Mais les groupes réagissent en mettant en ligne leurs incroyables représentations comme Metallica, Gojira, Slipknot, ou encore Iron Maiden. Amis du concert métal… vous avez de quoi faire.
Pas de Concert métal avant 2021 ?
Dans un article du New York Times Magazine, cinq experts en santé publique ont été interrogés au sujet de la réouverture des entreprises; triste et inquiétante annonce pour les festivals de concerts métal.
En effet, Zeke Emanuel, Directeur du Healthcare, un des cinq experts interrogés sur divers aspects de la remise en marche de la vie américaine quotidienne, a insisté sur le fait qu’un retour à des fonctions normales devrait se faire « par étapes et qu’il doit commencer par une distanciation physique plus importante sur le lieu de travail qui permette aux personnes à moindre risque de revenir » et que les plus grands rassemblements tels que les festivals, « seront les derniers à revenir ». Il a anticipé au-delà d’un an « En réalité, nous parlons de l’automne 2021 au plus tôt. »
Un but : la diminution du nombre de personnes infectées
La réouverture des espaces publics et de travail signifie inévitablement qu’il y aura toujours une transmission de virus entre les personnes, c’est -à-dire un flux et un reflux de l’augmentation et de la diminution du nombre de personnes infectées.
« A Hong Kong, à Singapour et dans d’autres endroits, nous voyons des résurgences quand ils s’ouvrent et permettent plus d’activité.
Ce sera ce roller coaster, de haut en bas », a t-il estimé. Il a ajouté: « La question est quand cela augmente. Pouvons-nous faire de meilleurs tests et retrouver les contacts afin de pouvoir nous concentrer sur des personnes particulières et les isoler sans avoir à réimposer un confinement comme nous l’avons fait auparavant? »
Compte tenu de l’absence de tournées, d’innombrables artistes poursuivent leur travail. Ils continuent de diffuser des concerts métal, et se réunissent partout pour offrir des performances live à tous leurs fans.
Par exemple, Dave Grohl et Billie Joe Armstrong ont organisé des concerts dans leur salon, où ils jouent leurs grands classiques que tout le monde aime.
Qu’il s’agisse d’un festival en ligne dans un jeu ou d’un live sur Facebook, il y en a pour tous les fans de rock et de métal. Certaines organisations et labels accueillent même chaque semaine un artiste différent.
Voyez quelques exemples ci-dessous. Profitez-en et restez en sécurité !
Les lundis de Metallica
Chaque lundi soir, Metallica diffuse une performance de concert métal enregistrée précédemment sur sa chaîne Facebook et YouTube. Restez à jour avec chaque performance en suivant leurs comptes de médias sociaux.
Diffusions en direct hebdomadaires de Knotfest
Le site Web de Knotfest diffusera une performance en direct de vos concerts métal préférés tous les vendredis. Jusqu’à présent, ils ont diffusé des sets de Lamb of God et Megadeth, qui comportaient tous les deux des discussions en direct avec des membres des groupes.
Napalm Records « Napalm Sofa Series ». Napalm Records accueillera plusieurs groupes sur leur «Napalm Sofa Series», qui se déroulera sous forme de diffusion en direct sur leur page Facebook . Assurez-vous de rester à l’écoute pour les mises à jour, car ils annoncent des performances différentes régulièrement.
Bref, face aux conséquences colossales du COVID-19, toute l’industrie de la musique tente de trouver des solutions pour répondre aux besoins du public et le faire patienter… un peu.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bien que l’origine du terme métal soit largement attribuée au romancier William Burroughs , son utilisation remonte en fait au 19e siècle, lorsqu’il faisait référence au canon ou au pouvoir en général.
Il a également été utilisé pour classer certains éléments ou composés , comme dans l’expression empoisonnement aux métaux lourds . Ce style musical est apparu dans les paroles de Steppenwolf « Born to be Wild »(1968), et au début des années 1970, les critiques de rock l’utilisaient pour faire référence à un style de musique spécifique.
Les groupes britanniques du milieu des années 1960 tels que Cream , les Yardbirds et le Jeff Beck Group, avec Jimi Hendrix , sont généralement crédités pour avoir développé des sons de batterie, de basse et de guitare plus lourds qui différencient ce style musical des autres rock blues.
Le nouveau son a été codifié dans les années 1970 parLed Zeppelin , Deep Purple et Black Sabbath avec la sortie de Led Zeppelin II, Deep Purple in Rock et Paranoid, respectivement, qui comportait des riffs lourds, des «power chord», des paroles mystiques, des solos de guitare et de batterie et des styles vocaux qui allaient des pleurs de Robert Plant de Led Zeppelin aux gémissements d’ Ozzy Osbourne de Black Sabbath .
En développant des spectacles sur scène de plus en plus élaborés et en faisant des tournées incessantes tout au long des années 1970 pour compenser leur manque de diffusion radio, des groupes tels que Kiss, AC / DC , Aerosmith , Judas Priest et Alice Cooper ont établi une base de fans internationale.
La popularité de ce style musical a chuté pendant les années disco à la fin des années 1970, mais il a connu plus de succès que jamais dans les années 1980 alors que Def Leppard , Iron Maiden et Saxon ont dirigé la «nouvelle vague de heavy métal britannique» qui, avec l’impact de la virtuosité étonnante de la guitare d’Eddie Van Halen , a ravivé le genre.
Une vague de Métal «glam», avec des groupes spécifiques comme Mötley Crüe et Ratt, émanaient de Los Angeles à partir de 1983 environ; Poison, Guns N ‘Roses et des centaines d’autres groupes ont ensuite déménagé à Los Angeles dans l’espoir d’obtenir des contrats d’enregistrement.
Mais le heavy métal était devenu un phénomène mondial avec le succès des Scorpions et d’autres groupes du Japon à la Scandinavie.
L’influence musicale la plus importante de la décennie a été l’ adaptation des progressions d’accords, de la figuration et des idéaux de virtuosité des modèles baroques, en particulier Bach et Vivaldi.
Comme Van Halen, des guitaristes tels que Ritchie Blackmore (de Deep Purple), Randy Rhoads (avec Osbourne) et Yngwie Malmsteen ont démontré de nouveaux niveaux et styles de technique de guitare rock, faisant exploser les stéréotypes populaires de ce style musical comme monolithiques et musicalement simples.
Le métal s’est fragmenté en sous-genres dans les années 1980.
Une scène underground plus petite, aux styles plus durs, s’est développée en opposition au métal plus orienté pop de Bon Jovi, Whitesnake et des groupes glam.
Metallica , Megadeth, Anthrax et Slayer ont été les pionniers du thrash métal, qui se distingue par ses tempos rapides, ses timbres de voix et de guitare durs, son agressivité et ses paroles critiques ou sarcastiques.
Les styles de heavy metal plus largement populaires ont pratiquement repris le courant dominant de la musique populaire à la fin des années 1980, mais la cohérence du genre s’est effondrée au tournant de la décennie; des groupes tels que Guns N ‘Roses et Nirvana ont attiré les fans dans des directions différentes, et de nombreux fans ont également abandonné la musique rap .
Au cours des années 1990, de nombreuses stars des décennies précédentes, telles que Van Halen, Metallica et Osbourne, ont connu un succès continu aux côtés de nouveaux groupes tels que Soundgarden, mais le nom de heavy métal était moins souvent utilisé pour commercialiser ces groupes ou pour définir leur communauté de fans .
Les musiciens et les fans de heavy métal ont été sévèrement critiqués dans les années 80. Des groupes politiques et universitaires ont surgi pour blâmer le genre et ses fans pour avoir causé tout, du crime et de la violence au découragement et au suicide.
Mais les défenseurs de la musique ont souligné qu’il n’y avait aucune preuve que l’exploration par le heavy métal de la folie et de l’horreur ait causé, plutôt qu’articulé , ces maux sociaux.
Les paroles et les images du genre ont longtemps abordé un large éventail de sujets, et sa musique a toujours été plus variée et virtuose que les critiques aiment l’admettre.
J’ai rencontré Reuno, le chanteur de Lofofora, il y a quelques années lors d’un de ses projets solos. Lorsque le groupe me contacta quelques temps après pour m’occuper du visuel de l’album, je dois dire que je fus….heureux car grand fan du groupe.
Certains groupes ont des idées très précises, d’autres pas. Pour cet album de Lofofora, Reuno avait une chose en tête, l’album allait s’appeler « Monstre ordinaire« . Il souhaitait quelque chose qui puisse se rapporter, représenter cette monstruosité sans passer par des raccourcis trop simples, du style un patron en costard,…
Le travail fut d’essayer de parler d’une monstruosité qui puisse être dans chacun d’entre nous. Non pas juger telle ou telle personne ou caste, mais parler de la monstruosité humaine. Cette série n’est donc pas explicite, on ne sait pas si l’homme, dont on ne voit pas le visage, enterre ou déterre quelque chose. S’il s’effondre à la vue de ce qu’il découvre ou s’il s’effondre à la vue de ce qu’il déterre. Cette monstruosité est latente…
Lofofora est un groupe de musique français formé à Paris en 1989. Le groupe est souvent associé au mouvement punk, bien qu’il incorpore également des éléments de metal, de rock alternatif et de musique world. Les membres fondateurs du groupe sont Reuno (chant), Phil Curty (guitare), Daniel Descieux (basse) et Édouard Caro (batterie).
Le groupe s’est fait connaître dans les années 1990 en France grâce à ses textes engagés et son énergie sur scène. Les paroles de Lofofora abordent des thèmes tels que la politique, la société, la violence, l’injustice et la condition humaine. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « L’épreuve du contraire » (1999), « Mémoires de singes » (2007) et « Simple Appareil » (2018).
Lofofora est également connu pour ses prestations live puissantes et énergiques. Le groupe a tourné en France et à l’étranger, se produisant dans des festivals et des salles de concert de renom. Au fil des ans, Lofofora a influencé de nombreux autres groupes de musique en France et a contribué à l’émergence d’une scène punk et metal française dynamique et engagée.
Importance de Lofofora dans le paysage musical français
Lofofora est considéré comme l’un des groupes les plus importants et influents de la scène alternative française. Depuis sa formation en 1989, le groupe a marqué le paysage musical français par son engagement, son style musical unique et ses prestations live intenses.
Lofofora a contribué à l’émergence d’une scène punk et metal française dynamique et engagée, en inspirant de nombreux autres groupes à travers le pays. Le groupe est reconnu pour sa capacité à rassembler les foules et à transmettre un message fort à travers ses paroles et sa musique.
Au-delà de son influence musicale, Lofofora a également eu un impact important sur la culture française en général. Les textes du groupe abordent des questions sociales et politiques importantes, telles que l’injustice, la violence et la marginalisation, ce qui a permis d’ouvrir le débat et de sensibiliser un public plus large à ces problématiques.
En somme, Lofofora est un groupe emblématique de la scène alternative française et un symbole de la rébellion et de l’engagement contre l’injustice.
L’album Lofofora Monstre ordinaire
Montre ordinaire s’ouvre en territoire connu : Reuno n’a rien perdu de son agressivité, un flux reconnaissable entre mille. Il crache, hurle, appelle, comme il le fait depuis plus de 20 ans. Comme il le dit sur Utopiste, il n’a pas dit son «dernier mot» et nous pouvons «le tuer, et pire encore, mais ne jamais le faire taire».
Les textes reviennent sur des sujets phare du groupe, la brutalisation de masse à coup de « conneries en barre ». Les conquérants rappellent la conquête du Nouveau Monde vue par les indigènes et ce n’est pas très beau, un mec sans histoire ressemble étrangement a macho blues, tant de perspicacité amère sur la société.
Monstre ordinaire
Monstre ordinaire est inspiré, les riffs de Daniel sont dévastateurs (Utopiste, Un Mec Sans Histoire) même si on remarque généralement une approche moins groovy que dans le passé, plus lourde et pesante (Frustrasong est un bon exemple). En fin de compte, c’est son côté sombre qui plaît le plus.
Le groupe n’a jamais sorti quelque chose d’aussi noire. Cette obscurité, dont la révélation prend du temps, se produit partout, à commencer par les textes de Reuno qui, s’ils sont plus sombres que d’habitude, restent de grande qualité.
Signe qu’après tant d’années le gars a encore quelque chose à dire … La façon dont il chante est également en train de changer: moins saccadée, plus profonde, plus sombre … La dernière chanson a atteint le sommet de l’obscurité de l’album, La Beauté et la Bête qui affiche 7 minutes au compteur et donne un rendu final très éloigné de ce que le groupe propose d’habitude.
Monstre ordinaire
Lofofora Monstre ordinaire : Un album personnel
Cependant, cet album, plus sombre selon Reuno, est aussi très personnel. Mais il conserve sa portée universelle .
« Ma folie » est une véritable introspection de la folie du chanteur, à la limite de la schizophrénie, un thème que l’on retrouve sur Frustrasong, qui peut facilement illustrer le parallèle entre le héros et le monstre. D’autres titres d’album sont paradoxalement beaucoup plus profonds et il faudrait sans doute écouter de longues heures pour détecter tout ce que le groupe voulait exprimer.
Lofofora Monstre ordinaire : Un album lourd et sombre
Musicalement, l’entrée Utopist annonce le contenu de l’album: un très bon son, parfaitement mixé lorsque la guitare, la basse, la batterie et la voix divisent la scène et infligent de gros coups sur l’auditeur tout en conservant la touche mélodique.
Seules les premières secondes du « visiteur » donnent un moment de répit avant que des guitares très sales reviennent pour annoncer le retour de l’ivresse afin de jouer ce merveilleux chant d’obscurité et de violence.
La voix de Reuno est centrale elle charme, frappe, mène, déclare, augmente l’avalanche provoquée par d’autres instruments. Avec le monstre ordinaire, Lofofora est en grande forme et prouve que le groupe est toujours là.
Monstre ordinaire – credit Eric CANTO
Les titres de Lofofora Monstre ordinaire
01. Utopiste
02. Les évadés
03. Élixir
04. Les conquérants
05. La merde en tube
06. Le visiteur
07. Ma folie
08. Un mec sans histoire
09. Cannibales
10. Frustrasong
11. La beauté et la bête
Sortie 24 octobre 2011
Enregistré juillet 2011 Durée 50:44
Genre Punk hardcore, stoner rock
Label At(h)ome
Les débuts de Lofofora
Lofofora est un groupe de métal français qui voit le jour en 1989, il est composée de Reuno (chant), Phil Curty (basse), Daniel Descieux (guitare) et Vincent Hernault (batterie). Le nom du groupe fait référence au peyote dont le nom scientifique est Lophophora williamsii.
Lofofora est considéré comme l’un des pionniers du rock fusion métal (guitares saturées, raps, punk) en France. Peu de temps après, Phil Curty (basse) et Erik « Ragout » Rossignol (batteur) ont rencontré The Hammers quand une impulsion pour un nouveau style de musique est apparue. Nous pouvons citer lors de cette période l’apparition de groupes comme Mass Hysteria, No one is innocent, Silmarils, etc…
Les premiers concerts du quatuor ont eu lieu dans les années 1990-1991. Lofofora signe, en juin 1994, après quelques mois de négociations avec Polygram, ce qui permet de financer l’album enregistré et mixé par Daniel Weber (Trepal Pal, Young Gods) en octobre, chez Forces motrices à Genève.
La tournée du première album se déroule sur 115 dates dont 10 concerts au Canada . A la fin de cette tournée le groupe se penche sur l’exercice difficile du second album. Peuh ! sera composé entre janvier et mai 1996. L’album Peuh ! sera enregistré au studio Hautregard par André Gielen.
« Dur comme fer » sort en mars 1999. C’est le le troisième album du groupe. Cet album est sans doute le plus sombre et le plus abouti du groupe avec ses tempos lourds et inquiétants. Plusieurs albums suivront, de nombreuses tournées et un groupe toujours en activité et toujours aussi énervé.
Lofofora sur scène…
Un concert de Lofofora est un moment intense et énergique, où la musique et les paroles engagées du groupe prennent tout leur sens. Voici quelques caractéristiques qui sont souvent associées à un concert de Lofofora :
Une forte présence scénique : Reuno, le chanteur, est un showman charismatique et généreux, qui n’hésite pas à descendre dans la fosse pour chanter avec le public. Les autres membres du groupe sont également très dynamiques et communiquent leur énergie à la foule.
Un son puissant et efficace : Lofofora est connu pour son style musical énergique et percutant, avec des riffs de guitare puissants, une section rythmique solide et des mélodies accrocheuses. Le son est généralement assez fort et enveloppant, pour que le public puisse se laisser emporter par la musique.
Des textes engagés et poétiques : Les paroles des chansons de Lofofora abordent des sujets sociaux et politiques, comme la lutte contre les inégalités, la défense de l’environnement, la critique du système capitaliste, etc. Les textes sont souvent poétiques et imagés, et le groupe n’hésite pas à jouer sur les mots et les sonorités.
Une communion avec le public : Un concert de Lofofora est souvent l’occasion d’une véritable communion entre le groupe et le public, qui partagent ensemble une même énergie et une même envie de se libérer. Le public chante les paroles avec Reuno, saute en rythme, applaudit à tout rompre, et parfois même s’embrasse ou se prend dans les bras.
Une ambiance conviviale et festive : Malgré la dimension engagée et militante de leur musique, les membres de Lofofora sont également très proches de leur public et cherchent à créer une ambiance conviviale et festive. Ils n’hésitent pas à faire des blagues, à raconter des anecdotes, à offrir des bières au public, etc.
Discographie de Lofofora
Voici la discographie complète de Lofofora :
Albums studio :
« Lofofora » (1995)
« Dur Comme Fer » (1996)
« Peuh! » (1997)
« Double » (1998)
« Monstre ordinaire » (1999)
« Le Fond et la Forme » (2001)
« Mémoire de Singes » (2007)
« Les Choses Qui Nous Dérangent » (2011)
« L’épreuve du contraire » (2014)
« Simple Appareil » (2018)
Albums live :
« Lofofora & the Ed Warner’s Cage Experience » (1999)
« Live! » (2003)
« LIVE[S] (XIV) – 2013 » (2013)
Compilations :
« Lofofora Volume 1 » (1999)
« Lofofora Volume 2 » (1999)
Lofofora a également sorti plusieurs singles, EPs et participé à de nombreuses compilations tout au long de sa carrière.
La discographie de Lofofora témoigne de l’évolution du groupe à travers les années, depuis ses débuts punk rock jusqu’à son style plus complexe et varié mélangeant punk, metal, rock alternatif et musiques du monde. Le groupe a su maintenir une forte cohérence artistique tout en se renouvelant constamment, ce qui a permis de fidéliser son public et d’inspirer de nombreux autres artistes en France et ailleurs.
Membres actuels de Lofofora
Reuno Wangermez : chant
Phil Curty : guitare
Daniel Descieux : basse
Vincent Hernault : batterie
Reuno est le fondateur du groupe, présent depuis sa création en 1989. Les autres membres ont rejoint le groupe à des moments différents, mais ils font tous partie intégrante de l’histoire et de l’évolution de Lofofora.
Au fil des années, le groupe a connu quelques changements de line-up, avec des départs et des arrivées de musiciens. Néanmoins, la formation actuelle est stable depuis plusieurs années et continue d’enregistrer des albums, de donner des concerts et de défendre avec passion les couleurs de Lofofora sur scène.
Les membres de Lofofora sont également impliqués dans d’autres projets musicaux, ce qui leur permet d’explorer de nouvelles sonorités et de nourrir leur inspiration. Mais c’est ensemble, en tant que Lofofora, qu’ils continuent de porter haut les valeurs et l’engagement de la scène alternative française.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Vous êtes considéré comme un pionnier de la scène métal française. Qu’est-ce que tu en penses ?
Reuno Lofofora : Vous savez, nous n’avons jamais demandé de médaille. Au moment où nous avons commencé, nous avons été présentés comme les successeurs de Bérurier Noir ou Trust. En parallèle, Loudblast revient, et le dernier album est très bon. Nous n’avons jamais eu de complexe par rapport au français, et notre côté punk des débuts a donné naissance à un son plus hardcore, voire métal. Nous avons toujours eu un très bon accueil sur la scène métal, et ces dernières années nous ont été plus que favorables.
Vous avez encore recruté un nouveau batteur en 2009 …
Reuno Lofofora: Nous les utilisons! En fait, cela est dû à un manque de motivation de leur part. Il est toujours regrettable que de telles choses se produisent, mais je vois surtout le côté positif de Lofofora.
Vincent est le batteur parfait. Nous avons adoré au début. Il a su apporter quelque chose de plus à la composition et a un véritable esprit de groupe. Vous savez, nous ne sommes pas là pour sentir le cul: le respect est fondamental dans ce groupe, et Vincent s’est bien intégré. C’est un excellent batteur avec un très bon jeu. Pas d’espace à remplir, ce n’est pas son affaire.
Comment avez-vous perçu cette scène au cours de la dernière décennie ?
Reuno Lofofora: Les années Nu-Métal ont mis en colère de nombreux groupes, tout comme nous. Tout le monde voulait devenir riche et célèbre, et finalement les trois quarts des groupes ont disparu de la circulation. Heureusement, il y a ceux qui gardent la route, par exemple Noï-d. La communauté métal s’est ouverte et la musique fusion a beaucoup évolué. Les groupes sont moins honnêtes et nous pensons que les gens aiment regarder de nouveaux groupes en live.
Ce nouvel album est plus exigeant, plus métal. Est-ce aussi votre point de vue ?
Reuno Lofofora: Absolument. Je dirais même que c’est moche. Certains l’apprécieront, d’autres pas, mais on s’en fiche, car on fait ce qu’on veut! Il a fallu un an pour sortir l’album. Doudou (ndlr: guitare) a eu une période plutôt sombre, il était en Angleterre à l’époque. Il a apporté beaucoup de riffs. Il a toujours cette petite chose au niveau du groove, et ses rythmes sont accrocheurs.
L’album est assez brut, avec beaucoup d’harmonie à la basse. Nous avons joué 3 nouvelles chansons en direct, « Utopiste », « Les Évadés », « La Merde en Tube » et c’était vraiment terrible.
Comment voyez-vous Lofofora dans 10 ans?
Reuno Lofofora: Avec des varices et des rhumatismes, mon ami ! Je suis toujours étonné que Lofo soit toujours là, 20 ans plus tard. Les groupes sont actuellement assez volatils. Pour être honnête, j’ai peur de l’incrustation et j’espère que nous aurons toujours le désir et l’énergie de plaire à tout le monde. Le secret de notre longévité est simple: nous n’avons jamais signé de contrat avec major et nous ne serons jamais un phénomène de mode.
Comment est-ce d’entendre des groupes dire que Lofo est l’un des groupes qui les a le plus influencés ?
Reuno Lofofora: C’est un plaisir. Quand j’ai eu mon premier album rock, cela m’a propulsé dans une vie de liberté. Si vous pouvez lui donner un avant-goût, c’est très bien. Lorsque vous démarrez un groupe, il voyage sur les routes, car vous voulez partager des choses avec les gens d’une manière relativement altruiste. Ensuite, il y a deux catégories de personnes qui montent sur scène. Il y a ceux qui veulent briller, être pompés par des groupes. Il y a aussi ceux qui veulent partager de bons moments sur scène avec les téléspectateurs. Et il y a aussi l’occasion de rencontrer des gens tous les jours, ce qui enrichit nos vies.
Bring Me The Horizon : L’évolution d’un groupe qui a redéfini les frontières du rock et du metal
Introduction
Bring Me the Horizon (BMTH), un nom qui résonne avec force dans l’univers de la musique alternative, est bien plus qu’un simple groupe de rock. Depuis leurs débuts dans le deathcore jusqu’à leur transformation en pionniers du rock moderne, BMTH a constamment repoussé les limites des genres musicaux.
Cet article explore l’histoire fascinante du groupe, leur évolution musicale, et leur impact sur la scène internationale. Si vous êtes fan de rock, de metal ou simplement curieux de découvrir comment ce groupe a su conquérir le monde, ce guide complet est fait pour vous.
1. L’histoire de Bring Me the Horizon : Des débuts à Sheffield au succès mondial
Bring Me the Horizon a commencé dans les sous-sols de Sheffield, au Royaume-Uni, avant de devenir l’un des groupes les plus influents de la scène rock moderne. Cette section retrace les origines du groupe, leur formation, et les premières étapes de leur carrière.
1.1 Les origines : La naissance de BMTH dans la scène underground
Bring Me the Horizon s’est formé en 2004 à Sheffield, une ville connue pour sa scène musicale vibrante. Le groupe était initialement composé d’Oli Sykes, Lee Malia, Matt Kean, Matt Nicholls, et Curtis Ward. Inspirés par le deathcore et le hardcore, ils ont rapidement attiré l’attention avec un son brut et agressif, qui contrastait fortement avec les tendances pop de l’époque. Leur premier EP, *This Is What the Edge of Your Seat Was Made For*, a rapidement fait des vagues dans la scène underground britannique.
**Les débuts de BMTH** ont été marqués par une énergie brute et une agressivité qui se reflétaient dans leur musique et leurs performances scéniques. Ils se sont rapidement forgé une réputation pour leurs concerts intenses et chaotiques, où l’énergie du groupe se répercutait sur le public. Cette sous-partie analysera comment leur son initial a été façonné par leurs influences musicales et par l’environnement de la scène underground britannique.
1.2 La percée avec « Count Your Blessings » : Un album qui divise
En 2006, BMTH sort son premier album studio, *Count Your Blessings*, qui polarise immédiatement la critique. Cet album, profondément ancré dans le deathcore, est un cocktail de violence sonore et de technicité. Cependant, il a également suscité des réactions mitigées, certains fans adorant sa brutalité, tandis que d’autres le critiquaient pour son manque de mélodie et de structure. Cette sous-partie explorera en profondeur les éléments de cet album qui ont à la fois construit et détruit des ponts avec le public.
**L’impact de « Count Your Blessings »** ne se limite pas seulement à sa réception critique. L’album a également joué un rôle crucial dans l’établissement de BMTH sur la scène internationale, leur permettant de tourner à travers l’Europe et l’Amérique du Nord. Nous discuterons des thèmes abordés dans les paroles, de l’évolution du son du groupe, et de l’impact de cet album sur la suite de leur carrière.
1.3 L’évolution musicale avec « Suicide Season » : La réinvention d’un genre
Avec *Suicide Season* en 2008, BMTH amorce un virage stylistique majeur, s’éloignant du deathcore pur pour intégrer des éléments de metalcore et d’électronique. Cet album est considéré comme un tournant dans leur carrière, marquant le début de leur évolution musicale qui les mènera à explorer de nouveaux territoires sonores. Cette sous-partie analysera les changements musicaux et lyriques qui ont caractérisé cet album, et comment BMTH a commencé à se distinguer de leurs pairs.
**L’impact de « Suicide Season »** sur la scène musicale a été significatif, influençant de nombreux autres groupes à expérimenter avec de nouveaux sons.
Cet album a non seulement changé la perception du public envers BMTH, mais il a également montré que le groupe n’avait pas peur de prendre des risques. Nous examinerons également comment cet album a aidé BMTH à élargir leur base de fans, attirant des auditeurs qui n’étaient peut-être pas familiers avec leur son plus brutal des débuts.
2. L’évolution musicale de Bring Me the Horizon : Du deathcore au rock alternatif
BMTH est un groupe qui a constamment évolué, explorant de nouveaux genres et repoussant les limites de leur son. Cette section se concentre sur l’évolution musicale du groupe, de leurs débuts dans le deathcore à leur transformation en pionniers du rock moderne.
2.1 « There Is a Hell Believe Me I’ve Seen It » : L’expérimentation et l’innovation
En 2010, BMTH sort *There Is a Hell Believe Me I’ve Seen It. There Is a Heaven Let’s Keep It a Secret.*, un album qui pousse encore plus loin l’expérimentation sonore. Cet album intègre des éléments de musique électronique, d’orchestration, et de chœurs, tout en conservant l’agressivité caractéristique du groupe.
Cette sous-partie explorera comment cet album a ouvert de nouvelles voies pour BMTH, leur permettant de se distinguer encore plus de leurs contemporains.
**Les influences musicales variées** qui se manifestent dans cet album montrent la volonté de BMTH d’évoluer et de ne pas se limiter à un seul genre. Nous analyserons comment l’incorporation de ces éléments a non seulement enrichi leur son, mais a également élargi leur audience.
Cet album a également abordé des thèmes plus complexes et personnels, reflétant la croissance des membres du groupe en tant qu’artistes et individus.
2.2 « Sempiternal » : Le chef-d’œuvre qui redéfinit le groupe
*Sempiternal*, sorti en 2013, est souvent considéré comme le chef-d’œuvre de BMTH. Cet album marque un changement radical, intégrant des mélodies accrocheuses, des synthétiseurs, et des éléments de rock alternatif.
Il a non seulement reçu des critiques élogieuses, mais il a également permis à BMTH de franchir une nouvelle étape dans leur carrière, atteignant un public encore plus large. Cette sous-partie analysera les innovations musicales de *Sempiternal* et comment cet album a redéfini l’identité du groupe.
**L’impact de « Sempiternal »** a été monumental, tant sur le plan commercial que critique. Cet album a non seulement consolidé la réputation de BMTH en tant que leaders de la scène rock alternative, mais il a également influencé de nombreux autres artistes à expérimenter avec de nouveaux sons. Nous discuterons également des thèmes lyriques abordés dans cet album, qui traitent de sujets tels que la dépression, la spiritualité, et la résilience.
2.3 « That’s the Spirit » : La transition vers un son plus accessible
En 2015, BMTH sort *That’s the Spirit*, un album qui représente une transition vers un son plus accessible et commercial. Cet album intègre des éléments de pop, d’électro, et de rock alternatif, marquant un éloignement significatif de leurs racines metal. Cette sous-partie analysera les raisons derrière ce changement de direction, les critiques qu’il a suscitées, et comment BMTH a réussi à maintenir leur intégrité artistique tout en atteignant un plus large public.
**La réception de « That’s the Spirit »** a été variée, certains fans appréciant l’évolution du groupe, tandis que d’autres regrettant leur son plus lourd des débuts. Cependant, cet album a permis à BMTH d’atteindre un nouveau niveau de succès commercial, avec des singles comme « Drown » et « Happy Song » devenant des hits mondiaux. Nous examinerons également comment cet album a ouvert la porte à de nouvelles opportunités pour le groupe, notamment en termes de collaborations et de tournées internationales.
3. L’influence et l’impact culturel de Bring Me the Horizon
Bring Me the Horizon n’a pas seulement influencé la scène musicale, ils ont également eu un impact significatif sur la culture populaire. Cette section examine l’influence de BMTH sur d’autres artistes, ainsi que leur impact sur la mode, les médias, et la culture des jeunes.
3.1 L’influence sur la scène musicale : De nouveaux standards pour le rock et le metal
BMTH a redéfini les frontières du rock et du metal, influençant une multitude de groupes à travers les genres. Leur capacité à fusionner des éléments de différents genres a ouvert la voie à de nouvelles expérimentations dans la musique alternative. Cette sous-partie analysera comment BMTH a influencé la scène musicale, de leur impact sur le metalcore à leur rôle dans l’émergence de nouveaux sous-genres.
**L’influence de BMTH** s’étend bien au-delà de leur propre discographie. Leur capacité à évoluer musicalement tout en maintenant une base de fans solide a inspiré de nombreux autres groupes à suivre leur propre voie créative.
Nous discuterons également de la manière dont BMTH a contribué à populariser des genres autrefois underground, comme le deathcore, et comment ils ont aidé à démocratiser un son plus accessible sans sacrifier leur intégrité artistique.
3.2 L’impact sur la culture des jeunes : Mode, attitudes, et identité
BMTH a eu un impact considérable sur la culture des jeunes, non seulement par leur musique, mais aussi par leur influence sur la mode et les attitudes. Leur style distinctif, mélangeant des éléments de goth, de punk, et de streetwear, est devenu emblématique pour de nombreux fans. Cette sous-partie explorera comment BMTH a influencé la mode et l’identité des jeunes, créant un mouvement qui transcende la musique.
**Le style visuel de BMTH** a joué un rôle clé dans leur attrait pour les jeunes. De leurs clips musicaux aux designs de merchandising, le groupe a toujours mis un point d’honneur à soigner leur image, ce qui leur a permis de créer une identité visuelle forte et reconnaissable. Nous analyserons également comment leur approche de sujets tels que la santé mentale, l’aliénation, et la rébellion a résonné auprès d’une jeune génération en quête de sens et d’identité.
3.3 La présence médiatique et l’influence digitale : De YouTube aux réseaux sociaux
BMTH a su tirer parti des médias numériques pour étendre leur influence, utilisant YouTube, Instagram, et autres plateformes pour rester connectés avec leurs fans. Leur présence en ligne a non seulement renforcé leur popularité, mais elle a aussi permis de créer une communauté mondiale autour de leur musique. Cette sous-partie analysera comment BMTH a utilisé les médias numériques pour se promouvoir, interagir avec leurs fans, et influencer la scène musicale.
**La stratégie digitale de BMTH** a été un facteur clé de leur succès. Leur utilisation des réseaux sociaux pour annoncer des albums, partager des contenus exclusifs, et interagir directement avec les fans a permis de créer un lien fort et personnel avec leur audience. Nous discuterons également de l’impact de leurs clips musicaux, qui cumulent des millions de vues sur YouTube, et comment leur esthétique visuelle a contribué à leur image globale.
4. Les membres de BMTH : Figures emblématiques et dynamique de groupe
Les membres de BMTH ont chacun apporté une contribution unique au succès du groupe, leur personnalité et leur talent étant au cœur de leur musique. Cette section se concentre sur les membres clés du groupe, leur rôle au sein de BMTH, et la dynamique interne qui a façonné leur musique.
4.1 Oli Sykes : Le charismatique leader et chanteur
Oli Sykes, le chanteur principal de BMTH, est souvent considéré comme le visage du groupe. Son charisme sur scène, ses paroles introspectives, et sa capacité à se réinventer ont été essentiels à l’évolution de BMTH. Cette sous-partie explore la carrière de Sykes, son impact sur le groupe, et comment sa personnalité a façonné l’image et le son de BMTH.
**Le parcours d’Oli Sykes** est fascinant, de ses débuts en tant que figure de la scène underground à son statut actuel de leader d’un groupe mondialement reconnu. Nous examinerons comment Sykes a surmonté des défis personnels, notamment des problèmes de santé mentale et des addictions, pour devenir un symbole de résilience et d’inspiration pour les fans du monde entier. Nous analyserons également son rôle dans l’écriture des paroles et sa contribution à l’évolution sonore de BMTH.
4.2 Lee Malia : Le guitariste et architecte sonore
Lee Malia, le guitariste principal de BMTH, a joué un rôle crucial dans la définition du son du groupe. Son jeu de guitare, qui combine technicité et mélodie, a été un élément clé de l’évolution musicale de BMTH. Cette sous-partie se concentre sur l’apport de Malia au groupe, son style de jeu, et comment il a contribué à façonner le son de BMTH au fil des années.
**Le style de jeu de Lee Malia** est unique, mêlant des influences variées allant du metal au rock classique. Nous analyserons comment son approche de la guitare a évolué avec le temps, passant de riffs brutaux et complexes à des mélodies plus subtiles et nuancées. Nous discuterons également de sa contribution aux compositions du groupe et de son rôle dans l’innovation musicale de BMTH.
4.3 La dynamique de groupe : Matt Kean, Matt Nicholls, et les autres membres
BMTH ne serait pas ce qu’il est aujourd’hui sans la contribution de ses autres membres, notamment Matt Kean à la basse et Matt Nicholls à la batterie. La section rythmique du groupe a toujours été un pilier solide, apportant puissance et cohésion à leur musique. Cette sous-partie explore la dynamique de groupe, le rôle de chaque membre, et comment leur collaboration a permis de maintenir l’intégrité musicale de BMTH au fil des années.
**La section rythmique de BMTH** est souvent sous-estimée, mais elle joue un rôle crucial dans le son du groupe. Nous analyserons comment Matt Kean et Matt Nicholls ont contribué à la profondeur et à la complexité de la musique de BMTH, tout en maintenant une base rythmique solide qui a permis au groupe d’explorer de nouvelles directions sonores. Nous discuterons également de l’importance de la collaboration entre les membres du groupe et de la manière dont ils ont surmonté les défis internes pour maintenir leur cohésion.
5. L’avenir de BMTH : Quelles sont les prochaines étapes ?
BMTH a toujours été un groupe en évolution constante, repoussant les limites de leur musique et explorant de nouveaux territoires sonores. Cette section se concentre sur l’avenir du groupe, leurs projets à venir, et ce que les fans peuvent attendre de BMTH dans les années à venir.
5.1 Les nouveaux projets et collaborations
BMTH est connu pour ses collaborations innovantes avec d’autres artistes et pour son ouverture à de nouveaux genres musicaux. Cette sous-partie explore les projets récents du groupe, y compris leurs collaborations avec des artistes d’autres genres, et comment cela influence leur son. Nous discuterons également des rumeurs et des attentes autour de leurs futurs albums.
**Les collaborations de BMTH** ont toujours été un moyen pour le groupe d’élargir leurs horizons et d’expérimenter de nouveaux sons. De leurs collaborations avec des artistes de pop, de hip-hop, ou même de musique électronique, BMTH a montré qu’ils n’ont pas peur de sortir des sentiers battus. Nous examinerons également comment ces collaborations ont enrichi leur musique et ce que les fans peuvent attendre de futures collaborations.
5.2 L’évolution continue du son de BMTH
BMTH a prouvé à maintes reprises qu’ils ne se contentent pas de rester dans leur zone de confort. Cette sous-partie explore les évolutions musicales possibles pour le groupe, les nouvelles directions qu’ils pourraient prendre, et comment ils continuent de surprendre leur audience. Nous discuterons également de la manière dont leur son pourrait évoluer à mesure qu’ils vieillissent et mûrissent en tant qu’artistes.
**L’évolution sonore de BMTH** a été un élément clé de leur succès, et il est probable que le groupe continue à explorer de nouvelles directions. Nous examinerons comment leur son pourrait évoluer dans le futur, en tenant compte des tendances actuelles de la musique alternative et des influences que le groupe pourrait intégrer dans leurs futurs travaux. Nous discuterons également de l’impact potentiel de cette évolution sur leur base de fans et sur leur place dans l’industrie musicale.
5.3 L’héritage de BMTH : L’impact durable sur la musique et la culture
Enfin, nous examinerons l’héritage de BMTH et comment ils ont influencé non seulement la musique, mais aussi la culture au sens large. Cette sous-partie explore comment BMTH sera probablement perçu à l’avenir, leur place dans l’histoire de la musique, et l’impact durable qu’ils auront laissé sur la scène musicale et culturelle.
**L’héritage de BMTH** est déjà évident, mais leur impact à long terme continue de se développer. Nous discuterons de la manière dont BMTH pourrait être perçu par les générations futures, en tenant compte de leur contribution à l’évolution du rock et du metal, ainsi que de leur influence sur la culture des jeunes. Nous examinerons également comment leur musique pourrait continuer à résonner avec les auditeurs dans les décennies à venir.
Conclusion
Bring Me the Horizon n’est pas seulement un groupe, c’est un phénomène culturel. De leurs débuts dans la scène underground de Sheffield à leur statut de leaders du rock moderne, BMTH a constamment évolué et redéfini les frontières de la musique alternative. Leur capacité à se réinventer tout en restant fidèles à leur essence a fait d’eux un groupe incontournable, et leur impact se fait sentir bien au-delà de la musique.
Alors que leur carrière continue d’évoluer, il est certain que Bring Me the Horizon continuera de surprendre, d’inspirer, et de façonner l’avenir de la musique pour les années à venir.
FAQ
1. Comment Bring Me the Horizon a-t-il évolué musicalement au fil des ans ?
BMTH a évolué d’un son deathcore brutal à un rock alternatif plus accessible, intégrant des éléments de pop, d’électronique, et de metal dans leur musique.
2. Quel est l’album le plus influent de Bring Me the Horizon ?
« Sempiternal » est souvent considéré comme l’album le plus influent de BMTH, marquant un tournant dans leur carrière et redéfinissant leur son.
3. Pourquoi Bring Me the Horizon est-il considéré comme un groupe innovant ?
BMTH est innovant pour sa capacité à fusionner différents genres, à expérimenter avec de nouveaux sons, et à repousser constamment les limites du rock et du metal.
4. Quelle est l’influence de Bring Me the Horizon sur la culture des jeunes ?
BMTH a influencé la culture des jeunes par leur style distinctif, leurs paroles introspectives, et leur capacité à aborder des sujets tels que la santé mentale et l’aliénation.
5. Quels sont les projets futurs de Bring Me the Horizon ?
BMTH continue d’évoluer et de collaborer avec d’autres artistes, et les fans peuvent s’attendre à de nouvelles explorations musicales dans leurs futurs albums.
Les situations de faible luminosité sont connues pour affecter la capacité de votre appareilphoto à se « concentrer » correctement. Si les conditions d’éclairage (et le contraste) diminuent, des erreurs de mise au point peuvent se produire plus fréquemment. C’est particulièrement vrai pour les zooms et les objectifs grand-angles, où la faible profondeur de champ montre une mauvaise mise au point avec une clarté brutale. Retour sur l’autofocus basse lumière en concert.
Croyez-moi, en tant que photographe de concert, la prise de vue en très faible luminosité est fondamentale dans mon travail ! . Si vous avez eu du mal à photographier à de grandes ouvertures pour obtenir une mise au point parfaite avec vos objectifs, voici 5 conseils pour améliorer le verrouillage de la mise au point.
Que vous photographiez de la musique en live dans un endroit faiblement éclairé ou que vous souhaitiez simplement obtenir les meilleures performances de l’autofocus de votre appareil photo et de vos objectifs, ces conseils vous aideront à vous concentrer de manière plus fiable et précise.
1 . Calibrez votre reflex numérique
La calibration de la mise au point automatique (AF) peut améliorer la précision et la fiabilité de la mise au point automatique de votre reflex numérique, en particulier lors de la prise de vue avec des objectifs interchangeables. Voici les étapes à suivre pour calibrer l’autofocus de votre appareil photo :
Trouvez une cible de test : pour calibrer l’AF, vous aurez besoin d’une cible de test, comme un charte de mise au point automatique ou un objet avec des détails fins et nets, tels qu’un texte imprimé ou un motif à carreaux.
Configurez votre appareil photo : placez votre appareil photo sur un trépied pour éviter les tremblements et les mouvements pendant la calibration. Réglez votre appareil photo sur le mode de mise au point automatique, puis sélectionnez le point AF que vous voulez calibrer. Si votre appareil photo dispose d’options de micro-ajustement AF, assurez-vous qu’elles sont activées.
Placez la cible de test : placez la cible de test à une distance appropriée, en fonction de la longueur focale de votre objectif. Assurez-vous que la cible est bien éclairée et que le contraste est suffisant pour que l’AF puisse fonctionner correctement.
Effectuez la mise au point : prenez une série de photos de la cible de test en utilisant l’AF. Vérifiez chaque photo pour voir si la mise au point est précise et si elle se situe sur la partie de la cible que vous souhaitez mettre au point.
Répétez le processus : si la mise au point n’est pas précise, ajustez les paramètres de l’objectif ou de l’appareil photo et répétez le processus jusqu’à ce que vous obteniez une mise au point précise et fiable.
En calibrant la mise au point automatique de votre reflex numérique, vous pouvez améliorer la qualité de vos photos et vous assurer que les images que vous capturez sont nettes et précises.
2. Comprendre le fonctionne la mise au point automatique
La mise au point automatique (AF) est un processus complexe qui permet aux photographes de capturer des images nettes et claires sans avoir à ajuster manuellement la mise au point de l’objectif. Voici un aperçu de son fonctionnement :
Le photographe encadre la scène à travers le viseur ou l’écran LCD de l’appareil photo.
L’appareil photo utilise un capteur AF pour détecter le contraste et la netteté de l’image, en analysant les différentes zones de la scène.
Les algorithmes de l’appareil photo utilisent ces informations pour déterminer quelle zone de la scène doit être mise au point. Les points AF de l’appareil photo sont positionnés sur la zone de mise au point sélectionnée.
L’appareil photo ajuste ensuite la mise au point de l’objectif en se basant sur les informations fournies par le capteur AF et les points AF.
Enfin, une fois la mise au point effectuée, l’appareil photo déclenche l’obturateur et prend la photo.
Il existe différents types de capteurs AF, tels que les capteurs à détection de phase et les capteurs à détection de contraste, qui fonctionnent différemment. Les appareils photo modernes offrent également de nombreuses options de mise au point automatique, telles que la mise au point automatique en continu, la sélection de zone de mise au point, la mise au point manuelle assistée et bien d’autres encore.
3. Évitez la concurrence
Une cause fréquente d’erreurs de mise au point par faible luminosité est la concurrence entre des éléments dont le contraste est supérieur à celui de votre sujet. Il peut s’agir d’une lumière derrière le sujet ou d’un objet légèrement devant lui (pour la photographie musicale, les microphones sont connus pour tromper les capteurs AF et créer une mauvaise mise au point).
Étant donné que les capteurs AF sont en réalité beaucoup plus grands que ce qui est affiché dans le viseur, il est très facile pour eux de détecter une mauvaise cible si le contraste est suffisamment élevé. Si vous donnez suffisamment d’espace à la concurrence potentielle ou si vous modifiez légèrement votre point de vue pour obtenir la meilleure vue possible de votre objectif, vous pouvez alors obtenir de meilleurs résultats.
Autofocus basse lumière en concert
4. Autofocus, Zones cibles à contraste élevé
Le contraste est tout avec une mise au point automatique précise. Pour de meilleurs résultats, utilisez des zones à contraste élevé pour faire la mise au point sur les bords définis par le sujet. Avec des lignes de contraste dures, les capteurs AF peuvent obtenir une mise au point précise. Si votre sujet présente moins de contraste, recherchez les zones à contraste élevé situées sur le même plan que celui sur lequel vous souhaitez effectuer la mise au point.
Cela peut signifier une mise au point automatique sur un motif sur la chemise d’un sujet au lieu de son visage ou une ombre nette sur son oreille au lieu de ses yeux. Lorsque vous utilisez d’autres cibles AF, assurez-vous qu’elles sont aussi proches de l’objectif que du point AF pour tirer le meilleur parti de cette astuce.
5. Utilisez le collimateur AF central
Tous les collimateurs AF ne sont pas identiques. Avec presque tous les reflex numériques, le collimateur autofocus central est le plus sensible et le plus précis en usine en raison de l’étalonnage et du type de capteurs utilisés pour le centre. Utilisez cela à votre avantage en donnant la priorité au collimateur autofocus central par rapport aux autres points pour des performances d’autofocus plus précises et plus fiables.
Pour mieux comprendre votre équipement, reportez-vous au manuel de votre appareil photo reflex numérique pour savoir quels capteurs AF sont les collimateurs AF de type croisé les plus sensibles (capteurs bidimensionnels sur les axes verticaux et horizontaux) pour savoir quels points sont plus précis.
Personnellement, j’utilise très souvent la méthode de mise au point et de recomposition. Autrement dit, effectuez un verrouillage AF sur un sujet, puis ré-assemblez le pour la composition préférée. Autrement dit, si vous avez des problèmes avec une mise au point précise, la méthode de mise au point et de recomposition peut être à blâmer. L’utilisation de la méthode de ré-assemblage du focus entraîne des erreurs de focus – c’est juste une question de géométrie.
Il est préférable de rapprocher le plus possible le cadre lors de la mise au point sans ré-assembler considérablement la scène lorsque vous appuyez sur le déclencheur. Il est préférable de choisir un collimateur autofocus qui soit le plus proche du collimateur de mise au point souhaité et provoquera le moindre changement de mise au point lors de la recomposition. Chaque recomposition après réception du verrouillage AF entraîne des erreurs de mise au point avec précision.
La distance et la profondeur de champ jouent un rôle essentiel pour déterminer si le décalage de mise au point est perceptible lors de la mise au point et de la recomposition. Plus la profondeur de champ est petite, plus le changement de foyer résultant de la recomposition est spectaculaire. :
Pour finir avec l’autofocus : si vous avez du mal à « clouer » l’AF (autofocus), j’espère que ces suggestions vous aideront. Les deux derniers conseils – pour utiliser le collimateur AF central et comprendre les limites de la méthode de mise au point et de recomposition – sont un peu plus éditoriaux (et même contradictoires). Il est rare qu’une grande photo ait son sujet si légèrement au centre du cadre que vous puissiez utiliser le collimateur AF central sans le remonter.
En fin de compte, le timing, la composition et un sujet fascinant ont priorité sur la perfection technique.
Autofocus : en conclusion…
En conclusion, l’autofocus (AF) est une fonctionnalité essentielle de la photographie numérique moderne qui permet aux photographes de capturer des images nettes et précises sans avoir à ajuster manuellement la mise au point de leur objectif. Les progrès technologiques ont permis le développement de différents types de capteurs AF et d’options de mise au point automatique avancées, offrant aux photographes une plus grande flexibilité et une meilleure précision dans leurs prises de vue.
Cependant, malgré ses avantages, l’autofocus peut parfois être imprécis ou ne pas fonctionner correctement, en particulier lors de la prise de vue dans des conditions de faible luminosité ou avec des sujets en mouvement rapide. Dans ces cas, il peut être nécessaire de calibrer l’autofocus pour obtenir des résultats optimaux.
En fin de compte, l’autofocus reste un outil précieux pour les photographes de tous niveaux, leur permettant de se concentrer sur l’aspect créatif de leur travail plutôt que sur les tâches techniques liées à la mise au point de leur objectif.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Hard Force est un magazine de musique français spécialisé dans le hard rock et le heavy metal et publié entre 1985 et 2000. Sa première édition a été publiée en octobre 1985 et distribuée à 1500 exemplaires via un réseau de distribution « maison » et fondée à l’origine par Hard Force Association en tant que fanzine (ses membres étaient à l’époque Christian Lamet, Jean de Larquier, Serge Lamet, Philippe Marek et Daniel Baud).
Un départ fulgurant
En moins d’un an, les exigences de qualité en termes de contenu et de forme de certains de ses créateurs ont fait du fanzine un format de magazine professionnel en kiosque.
Il s’est rapidement positionné comme un outsider de Hard Rock Magazine, lancé un an plus tôt, et a profité de la disparition d’Enfer Magazine et de Metal Attack.
Les grandes années
De 1985 à 2000, Hard Force est reconnu en France comme un magazine de référence en termes d’originalité, de dossiers et d’entretiens. Hard Force est pionnier dans la plupart des initiatives technologiques (création de samplers, Discographies et biographies exhaustives, CD-Rom multimédia, premières sections Internet de la presse musicale française, etc…).
La disparition
Hard Force a cessé de paraître en 2000. Prés de 10 ans après, le 30 octobre 2009, Hard Force a lancé un réseau social appelé « THE METAL NETWORK« .
La renaissance
Fin 2010, Hard Force a lancé un magazine web (archives, documents audio et vidéo) pour marquer son 25e anniversaire, réalisé par Christian Lamet, plusieurs journalistes impliqués dans la rédaction du magazine de 1985 à 2000 et de nouveaux collaborateurs.
En trois ans, le site Hard Force devient une référence. Réactivité éditoriale, information quotidienne, les médias ravivent l’esprit d’origine.
En effet, il va redevenir le partenaire privilégié de la plupart des événements live en France, concerts, tournées et festivals. En décembre 2012, Christian Lamet a lancé l’émission hebdomadaire « MetalXS » sur L’Enôrme TV, exclusivement dédiée au métal.
Hard Force est le partenaire de cette nouvelle chaîne.
Collaborateurs de Hard Force
Rédacteur en chef de Hard Force
Christian Lamet
Rédacteurs de Hard Force
Christine Chapel, Hervé Guegano, Richard Guérin, Laurent Joulins, Nicolas Kontos, Stéphane Lacassagne, Laurent Lacoste, Christian Lamet, Serge Lamet, Etienne Lançon, Alain Lavanne, Jean de Larquier, Yann Le Goff, Juliette Legouy, Fabrice Lemaitre, Nicolas Gounet, Philippe Goussard, Charles Gronche, Laura Grünberger,Marc Belpois, Benji, Stéphane Bergeon, Daniel Bernot, Guillaume Bertail, Eric Beuriot, Elisabeth Bieber, Jean-François Lescene, Frank Arnaud, Roger Balac, Albert Bareiro, Daniel Baud, Emmanuel Potts, Hervé Reiss,
Christophe Rudant, François Schenck, François Sinibaldi, Vincent Tigreat, Jean-Christophe Thomas, Martine Varago, Christian Veraz, Olivier Wallerand, Valérie Chedot, Joël Coudrier, Vincent Dresel, Christophe Droit, Laurent Ducastel, Henry Dumatray, Samantha Dunn, Arnaud Durieux, Patrick Garel, Arnaud Geenens, Pascal Girard, Stéphane Girard, Guillaume Goriot,Christophe Blanquart, Laurent Bollee, Laurent Borde, Jean-François Bouquet, Marc Bredenbach, Franck Brisson, Eric Bruno-Mattiet, Julien Capraro,Valérie Lestienne, Jérôme Mairal, Isabelle Maitre, Philippe Marek, Patrick Meyer, Gilles Moinet, Thierry Mousset, Fred Pederzoli, Lionel Pétillon.
Hard Force Magazine
Membres honoraires ou collaborateurs exceptionnels de Hard Force
Bernie Bonvoisin, Renaud Hantson, Francis Zégut, Elie Benali
Correspondants et collaborateurs à l’étranger de Hard Force
Alexis Charbonnier, Claude Englebert, Alain Fahrny, Valérie Le Terreux, Daniel Oliveira, Michael Patton, K.K. Pearcy, Paul Suter, Sasha Stojanovic, Agence Intervision (Mohamed Ansar, Paul Branigan, Elianne Halbersberg, Mark Putterford, Paul Rees, Sylvie Simmons, Victoria Strommer, Jodi Summers, Arlett Vereecke), Norman C. Allin, Christian Bouchard,
Christophe Blanquart, Norman Bouthiller, Henri Clausel, Renaud Corloüer, Rafaël Erdodi, Claude Gassian, Philippe Goussard, Nicolas Kontos, Martin Lepage, Danny Lilken, Jen Lowery, Didier Picard, Eva Ries, François Schenck, Niels Van Iperen, Christophe Viala, Marc Villalonga,
P. Wagner, Sharon Weisz, SIN, Pierre Terrasson, Irene Vogeli ) – Agence Intervision (Gene Ambo, P. Bergen, Steffan Chirazi, Agence DALLE APRF (Michael Bussman, George Chin, Ron Delany, Larry Di Marzio, Peter Distefano, Carmello Giordano, Idols, Gie Knaeps,
Tony Motram, Ebet Roberts, Edouard Setton, L. McAfee, Alex Mitram, Ray Palmer, Alex Solca, David Wainwright, Mick Wall, Mark Webb, Tony Woolliscroft, Neil Zlozower), Agence Repfoto (Robert Ellis), Bertrand Alary, Andrew C. Allin, Pascal Beaumont, Jean-Paul Bellanger, Benji, Daniel Bernot, Jean-Max Bigand, Fin Costello, Ana Maria DiSanto, Tom Farrington, Paul Frati, Rick Gould, Ross Halfin, Mike Hashimoto, Mick Hutson, Robert John, Dave Jordan, Gene Kirkland, Glenn LaFerman, Mark Leialoha.
Illustrateurs :
Jean-Marc Tavernier, Jean-Pierre Charbonnier, Christian de Metter, Daniel Pierre.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
J’ai 55 ans maintenant. Une carrière professionnelle inhabituelle, car mes études de bibliothécaire après l’obtention du diplôme ne sont pas il n’y a pas de prédisposition au journalisme, et surtout au monde des médias. Ce fut une énorme passion pour la musique qui m’a orientée de cette façon.
Une volonté de partager cette passion avec les autres, de découvrir de nouveaux musiciens, de nouveaux disques et une vie au rythme des concerts a été la première motivation. Maintenant je me rends compte à quel point le but justifiait les moyens: Je n’avais que 19 ans, lorsque le premier numéro de HARD FORCE est sorti, j’étais complètement inexpérimenté et il fallait une forte dose un non-sens afin que nous puissions commencer l’aventure.
Comment avez-vous contracté le virus et qu’est-ce qui vous a amené au hard rock?
Si c’est un virus, c’est presque depuis ma naissance. Ma culture musicale a commencé avec les albums que mon père écoutait. À la fin dans les années 1960, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck et Jimmy Page ont révolutionné la musique. Il s’agit notamment de leurs guitares qui secoua mon enfance. Parmi ceux que je viens de mentionner figurent les créateurs de hard rock et de saturation.
De l’énergie, mais toujours une mélodie, deux éléments qui me paraissent nécessaires dans la musique que j’écoute depuis. Le hard rock est comme une extension de cette « éducation ». Sur mes albums d’ adolescent, il y avait le même nombre de LYNYRD SKYNYRD, AC / DC de la période Scott des premiers albums, THIN LIZZY, Ted Nugent, puis TRUST et IRON MAIDEN depuis le début comme BOSTON, KANSAS ou … TOTO.
D’où est venue l’idée de créer HARD FORCE ?
Dans les années 1981-1982, ce fut l’ouverture des ondes et l’apparition de stations de radio libre. J’ai Créé une radio associative à Samois-sur-Seine (77) il y avait une opportunité de faire écouter ma musique et d’apprendre à parler dans le micro. Nous étions donc un groupe d’amis qui ne se rendaient même pas compte qu’ils vivaient à l’époque, des pionniers, sans restrictions commerciales, sans quotas ni censure.
Nous n’étions pas des adultes et on nous laissé les clés de la radio ! Nous avons créé l’émission de hard rock « Countdown » sur Radio Arc en Ciel. Nous avons commencé un samedi en fin d’après-midi et nous avons rendu l’antenne trois heures plus tard, quand nous n’avions plus d’albums à à faire écouter (que nous avons bien sûr achetés avec les nôtres argent de poche).
Dans ce programme, nous avons reçu tous les groupes français, des amateurs locaux .
Il y a une opportunité pour la première interview « internationale »: Yngwie Malmsteen. Nous sommes alors en juin 1985, soit Le guitare hero le plus spectaculaire du moment. Dans le même temps, le Festival de France avec le plus grand plateau a lieu. Des groupes français se sont réunis en deux jours et Monsters of Rock à Castle Donington.
Plein d’interviews, frustré de revenir la radio et que cette « affaire » n’est entendue que par une poignée, nous pensions que la création d’un fanzine ce serait un résultat largement logique.
Étiez-vous un lecteur de la presse métal (ENFER MAGAZINE, METAL ATTACK) avant cette création?
Bien sûr. Je dirais même ROCK & FOLK et BEST . BEST a été le premier magazine national à oser le hard rock et le heavy metal en couverture du magazine. ENFER, cependant, incarne le moment historique de la création une presse spécialisée dans le hard rock, même si METAL ATTACK est apparu peu de temps après, en 1983.
ENFER était plus documenté, METAL ATTACK plus élégant, l’un plus épicé, pointu et savant, l’autre plus fédérateur et efficace. Tous les deux coexistaient parfaitement, constituant un panorama intéressant et une source d’information pour les lecteurs précieux pour les animateurs radio débutants …
Vous êtes-vous senti libre de la rédaction ou sous la pression de certains labels et attachés de presse ?
La liberté est illusoire, impossible. Parce que la vie d’un magazine dépend de ses ventes ou de ses revenus publicitaires – et très souvent les deux – quelle liberté avons-nous? La flatterie pour les lecteurs crée une dépendance. La page publicitaire est un engagement pris par l’annonceur.
Notre liberté a été gagnée grâce aux idées innovantes dont j’ai parlé plus tôt, dans les domaines où personne n’est allé. Nous sommes prêts surprise. « L’originalité dans le consensus » peut être une bonne définition.
Savez-vous ce qui est arrivé aux anciens membres de la rédac ??
Je sais ce qui leur est arrivé. En revanche, très peu sont ceux avec qui je suis resté en contact étroit. Il y a eu de véritables «divorces» après HARD FORCE. Ils sont donc une poignée au cours des 15 dernières années que je vois ou rencontre régulièrement. Il reste de l’amitié en dehors du magazine, ce fut une telle aventure.
En tant que chef d’équipe de rédaction, qu’avez-vous préféré faire et qu’avez-vous détesté ou craint?
Le plaisir consistait à écrire, à examiner la documentation des dossiers, à participer à un concert ou festival, partir à l’étranger pour mener une interview dans laquelle un échange avec le musicien va bien au-delà des questions et réponses.
Au début, nous voulons tout faire. Vous devez apprendre à déléguer et c’est le plus difficile. J’ai dû participer à la production complète du produit, ce qui a considérablement raccourci mon temps de repos. Pendant pendant des années j’ai vécu des concerts et des voyages de journalistes par procuration, gardant de rares moments avec certains artistes précis quand ils venaient à Paris.
Quelle était la relation avec la presse métal compétitive ? Y avait-il une saine compétition, émulation, espionnage, jalousie?
Je pense avoir pris la première salve de bois vert d’un ami, quelques mois seulement après la publication du fanzine.
De puis j’ai réalisé que l’apparition de HARD FORCE, même petite, pouvait perturber tout ce que je faisais. Quand HARD FORCE est arrivé nous avons changé le registre dans les kiosques. J’ai reçu des appels téléphoniques anonymes au bureau, de l’intimidation… J’ai su plus tard qu’ils émanaient journalistes oisifs travaillant « en face ».
Beaucoup d’activités de sape ont été lancées dans des maisons de disques, faisant du lobbying pour nous discréditer, bloquer les publicités ou donner des interviews. Pendant ce temps, vous pouvez facilement devenir paranoïaque.
J’ai commencé à me défendre avec la seule arme que j’avais: mon magazine mensuel. Ça a juste fait rire les autres, mais à quoi ça sert ? à me soulager !
Est-ce que les querelles entre amateurs de courants glam contre thrash, par exemple étaient du pain béni pour vous ?
J’ai toujours trouvé fou que l’on oppose BEATLES et STONES, les rivalité entre styles hard rock et le métal m’ont toujours étonné. Je ne parle pas de goût, je parle d’intolérance et de fanatisme. HARD FORCE a toujours maintenu une certaine pluralité.
C’était un mix difficile car il fallait informer sur les nouveaux produits et être représentatif des styles établis avec l’augmentation des courants. La musique est toujours en mouvement: un magazine, s’il veut survivre, ne peut pas rester figé le passé mais doit s’y référer.
Êtes-vous conscient d’avoir marqué une certaine génération par vos écrits et votre combat dans un magazine culte ?
Être culte n’est pas un postulat lorsque vous démarrez un fanzine ou un magazine. Ce serait suffisant! Les différentes équipes successivement et moi-même, nous avons essayé de proposer le meilleur magazine possible, le plus sincère dans le processus.
Si nous en avons encouragé certains, initié d’autres, c’est un fabuleux bonus. Ai-je vraiment dit mon dernier mot, c’est toute la question ? J’espère également combiner certaines choses à l’avenir.
J’ai rencontréGilles Lartigot il y a une dizaine d’années. C’est au VIP du festival Hellfest open air . Nous avions discuté autour d’un verre de nos passions communes, la musique et l’alimentation. Gilles est un métalleux dans l’âme, c’est une de nos passions communes.
L’alimentation en est une seconde. Mass Hysteria jouait cette année là. C’est aussi un point en commun que nous avons, l’amour du métalfrançais. Gilles Lartigot a d’ailleurs produit le premier album du groupe marseillais Dagoba.
Le shooting de la couverture du livre de Gilles Lartigot Eat2
Je fus agréablement surpris de recevoir, il y a quelques mois, un coup de téléphone de Gilles Lartigot. Il venait de terminer la suite de son best -seller EAT et voulait un portrait pour la couverture de son nouveau livre EAT2.
Gilles naviguant régulièrement entre l’Europe et l’Amérique du nord, le rendez-vous fut pris à Aubagne, sa maison du sud de la France pour un shooting improvisé. Autour d’un bon repas, nous discutons du projet, de ses attentes en matière de photo, puis après quelques heures de shooting, un résultat sobre et efficace.
Pas de fioriture lors de ce shooting, pas de coiffeur, pas de maquilleur, juste un peu d’argile blanche que Gilles Lartigot avait dans un pot. Les portraits de cette séance photo sont dans le même esprit.
Qui est Gilles Lartigot ?
Gilles Lartigot est un militant français pour une consommation éco-responsable et saine, hors des supermarchés et des produits agro-industriels. Gilles vit en France et à Montréal. Il est l’auteur du best seller « EAT – Chronique d’un fauve dans la jungle alimentaire » aux éditions WinterFields, paru en septembre 2013.
EAT, le livre de Gilles Lartigot est le résultat d’une enquête qui a duré plus de trois ans, une étude traitant des modes alimentaires. Le propos tourne autour du « bien manger ».
Résumé de Gilles Lartigot Eat2
Résumé du livre EAT 2 de Gilles Lartigot : « Nous vivons dans une société toxique pour notre santé. La nourriture industrielle nous rend malade. La pollution, le stress et les produits chimiques font partie de notre vie quotidienne. Gilles Lartigot, auteur du livre Eat, témoigne de son parcours et de sa conscience des aliments modernes. Il révèle divers faits sur l’élevage industriel et les additifs chimiques et nous donne quelques options pour une meilleure assimilation des aliments pour notre corps et notre esprit. »
Dans ce livre, l’auteur souligne l’importance d’être ouvert, de ne pas discriminer les gens pour leurs divergentes opinions, d’être compatissant et empathique. « C’est l’idée de débattre ensemble pour comprendre le monde dans lequel nous vivons, ne pas être sujet et être acteur de notre propre bonheur. Malgré notre désaccord, chacun de nous a une opinion intéressante à partager, une pierre pour éveiller la conscience collective. »
Pourquoi vouliez-vous écrire une suite à EAT ?
Gille Lartigot : C’était vraiment un souhait de ma part. Si je devais écouter mes lecteurs, j’écrirais un livre tous les six mois. J’ai pris mon temps. J’ai étudié de près des dossiers, comme le cas du cancer après ma rencontre avec le Dr Nicole Delepine ou la lutte pour la survie avec Vol West, qui reste l’un des piliers centraux du livre.
Deux sujets principaux intéressants et actuels que je voulais absolument partager avec les lecteurs. Ensuite, c’est allé assez vite, j’avais rassemblé beaucoup d’informations depuis que j’ai écrit EAT en 2013. Ma pensée avait changé.
Gilles Lartigot Eat2
Présentation de Gille Lartigot par COTE Magazine
Gilles Lartigot a tout d’un athlète, un mètre quatre-vingt-dix et son quintal de muscles. Plus de trente ans de culture physique lui ont permis de faire face à tous les aléas de la vie. Dès le matin, la pratique sportive nourrit ses réflexions et son inspiration, mais aussi sa volonté d’ériger la nourriture et son mode de consommation en priorités absolues. Sa vision est simple: nous vivons dans une société toxique pleine d’industriels nuisibles en proie au stress, à la pollution et aux produits chimiques qui nous entourent.
Les dérives dans l’industrie alimentaire continueront d’augmenter et la rentabilité deviendra une exigence. En dehors de l’élevage industriel, des OGM, et des farines animales , il y a la menace du TAFTA, qui imposera des méthodes d’élevage toujours plus intensives au détriment de la qualité.
Parce que nos habitudes alimentaires déterminent notre santé et déterminent l’avenir de nos enfants, Gilles Lartigot a résumé ses observations et considérations dans un livre. Il livre une observation grossière des dangers de la nourriture moderne et de son impact sur le développement des cancers, des accidents vasculaires cérébraux et des maladies chroniques. Si le livre est un grand succès, c’est aussi parce qu’il prône une autre façon de manger, met l’accent sur ce qui est bon pour la santé et propose des recettes originales qui brisent les préjugés.
Bien sûr, nous avons publié un certain nombre d’articles sur l’alimentation, mais EAT est différent: il explique les bases de l’alimentation actuelle grâce à de nombreuses interviews réalisées avec des spécialistes. Gilles Lartigot prolonge ses réflexions écrites en sillonnant la France, en organisant des cycles de conférences où il dévoile les secrets d’une cuisine originale.
Eric CANTO Photographe : Photos de concert, portraits, pochettes d’album.
Gille Lartigot : Je suis un écrivain 100% indépendant. J’ai écrit « Eat » il y a un peu plus d’un an. Plus tôt, j’ai eu un cycle de vie assez éclectique. J’étais musicien puis producteur. J’ai vécu en Californie à l’âge de 18 ans. A cette époque, j’avais des contacts avec le monde du sport et de la culture physique et je me suis intéressé à la nutrition.
J’ai travaillé avec mon père qui était imprimeur. J’ai fait beaucoup d’activités différentes jusqu’à ce que je commence à me poser des questions sur mon travail et ma vie en général. Nous sommes souvent absorbés par le travail. S’il est passionnant, il peut être réalisé sur un lieu et un temps dédiés, et c’est une bonne chose. Mais la plupart du temps, le travail entre dans la vie personnelle et familiale. Pour les gens qui ont des enfants, le problème est qu’ils ne peuvent pas les voir grandir, ils ne peuvent pas s’occuper d’eux. Ma femme et moi voulions faire une pause.
Nous avons lancé un projet dans l’industrie alimentaire. Tout a commencé avec les films réalisés avec une caméra cachée. L’objectif étant de protéger les animaux. Nous avons pris conscience des atrocités que nous infligeons à nos animaux, en particulier aux animaux que nous mangeons et qui sont dans nos assiettes.
Ensuite, nous avons traité les mensonges de l’industrie alimentaire. Je veux dire des conseils nutritionnels de ce type: « Il faut boire du lait », « Les protéines animales valent mieux que les protéines végétales » … Toutes ces désinformations, soutenues par le lobby, qui nous ont poussé à écrire « Eat ».
Ton alimentation de sportif à tes débuts ?
Gille Lartigot : En musculation, un repas classique se compose de nombreux produits laitiers, poulet, bœuf ou thon avec riz. Quelle chose digeste ! Mon approche de la nourriture était purement physique. J’ai dû manger mes protéines, glucides, lipides. Il s’agissait de repas avec une très petite quantité de matières premières, auxquelles des compléments alimentaires à base de lait de vache, des boissons gazeuses légères, des boissons d’endurance à la malto-dextrine, des colorants très fluorescents étaient rajoutés … Mais malgré tout, je sentais que je mangeais une alimentation très saine.
Je n’ai jamais été trop préparé ou cuisiné de plats, car mon sport exigeait de moi une nourriture « propre ». Ça vous fait sourire aujourd’hui … Mon changement de régime s’est fait rapidement, et les plantes sont désormais la base de mon alimentation. Il est encourageant de penser que le changement peut survenir à tout âge!
Le déclic est venu comment ?
Gille Lartigot : C’est lorsque j’ai aidé à infiltrer les fermes industrielles pour mon enquête. La première était une ferme de poules pondeuses, ce qui m’a suffisamment choqué, puis les porcs. Là, j’ai vu des choses que je n’aurais pas dû voir et qui m’ont marqué fortement. Je ne pouvais plus manger de viande. J’étais un peu paniqué car j’ai continué ce sport et j’avais encore ces préjugés alimentaires construits depuis vingt ans. J’ai donc été obligé de me renseigner sur les aliments dits « alternatifs »: végétarisme, véganisme, cru, jus …
Cela m’a ouvert les yeux. J’ai réalisé que nous pouvions manger avec conscience. Quand nous apprenons comment nos animaux sont élevés et abattus, peu de gens peuvent encore manger cette viande. C’est devenu une grande poubelle, surtout au détriment des animaux. Quand nous savons que nous tuons 3 millions d’animaux par jour et que nous devons toujours en produire plus, il est évident qu’ils sont tués de manière terrible. Pour produire plus de plantes, nous avons dû utiliser des pesticides, etc. Pour produire plus d’animaux vivants, nous tombons volontairement malades.
Aujourd’hui, les gens ne veulent pas voir, ils ne veulent pas savoir. Et quand on me dit que l’Homme a toujours été carnivore, je réponds que cela n’est pas vrai car l’homme ne mangeait pas de viande en cage. Il chassait pour se nourrir. et l’homme est omnivore. Cette consommation excessive de viande se produit de nos jours. Avant la Seconde Guerre mondiale, il n’y avait pas de fermes industrielles. Nous mangions des bêtes élevées dans des conditions normales c’est à dire raisonnable; qui permettaient de répondre à des besoins « locaux » donc plus restreints et donc dans des conditions plus responsables et respectueuses.
Les bovins recevaient de la nourriture adaptée, pas du maïs OGM. Nous ne les bourrions pas d’antibiotiques, et ne les vaccinions pas dès la naissance. Ces pratiques me choquent. J’ai également été frappé par le fait que ces informations n’ont pas été communiquées par les principaux médias. J’avais vraiment besoin de chercher loin pour apprendre à manger différemment. Mes succès personnels m’ont convaincu.
Tu entends quoi par nourriture originel?
Gille Lartigot : C’est de la nourriture produite par la terre! Fondamentalement, c’est un légume. Je m’appuie en particulier sur les textes de Charles Darwin, le père de l’évolution, qui dit que l’homme est construit comme un végétarien, il doit donc manger des légumes. Hippocrate, le père de la médecine, était végétarien. Les grands penseurs grecs comme Socrate étaient végétariens. Vous avez aussi Albert Einstein, Confucius, Léonard de Vinci … Vous commencez à vous demander: ces gens sont encore très intelligents!
Je n’aime pas classer les gens: végétariens, végans … Pour moi, ce sont des « cases ». Quoique nous choisissons, il y a des aliments toxiques et des aliments originaux. Si tout le monde ne mangeait que de la viande bio, cultivée « normalement », alors la production se suffirait pas à satisfaire les habitudes alimentaires de tout le monde. Il faudrait rééduquer les gens à n’en manger qu’une fois par semaine! Ce que faisaient les anciens.
Gilles Lartigot Eat 2
Changer d’alimentation, ça apporte quoi ?
Gille Lartigot : La santé. C’est quelque chose de nécessaire. Malheureusement, les gens réalisent souvent leur erreurs alimentaires lorsqu’ils sont malades. C’est dommage alors qu’ils pourraient l’empêcher. Quand vous avez des enfants, vous voulez leur santé. En leur donnant des frites, de la purée de pommes de terre, du Mc Do, du coca ou des bonbons, vous les empoisonnez. Il faut en être conscient.
Mais quand vous réalisez que vous pouvez manger différemment, que c’est bien et que vous vous amusez, alors vous réalisez que le problème n’est pas l’argent. Les gens dépensent de l’argent pour des médicaments, des substituts de repas, des compléments alimentaires et des vitamines chimiques. Le problème du temps se pose. Le temps a été volé par la société moderne. Nous n’avons plus le temps d’aller au marché,de cuisiner,de s’informer…
Mais ce problème est devenu mondial, et affecte d’autres domaines de la vie. Vous n’avez pas à changer le monde, mais vous devez changer vos habitudes, et la nourriture est à la base de ce changement, car lorsque nous buvons du jus fraîchement pressé, nous ne pensons pas la même chose que lorsque l’on nous buvons du »Gatorade ».
Avec un changement de régime, il y a une sorte d’excitation. C’est comme ouvrir une cage. Manger des aliments toxiques affecte nos pensées. C’est donc une histoire de conscience et chacun a le « clic » pour lui trouver une porte.
Irving Penn était l’un des grands photographes du XXe siècle, connu pour ses images saisissantes de nature morte et ses portraits. Bien qu’il ait été célébré comme l’un des meilleurs photographes du magazine Vogue pendant plus de soixante ans,Irving Penn était un homme qui a évité les feux de la rampe et a poursuivi son travail avec un dévouement calme et implacable.
À une époque où la photographie était d’abord perçue comme un moyen de communication, il l’a abordée avec un œil d’artiste et a élargi le potentiel créatif du médium, tant dans son travail professionnel que personnel.
Mieux connu pour sa photographie de mode, le répertoire de Penn comprend également des portraits de grands créateurs; photographies ethnographiques du monde entier; Nature morte moderniste de nourriture, d’os, de bouteilles, de métal et d’objets trouvés; et essais photographiques de voyage.
Il a été parmi les premiers photographes à poser des sujets sur un simple fond gris ou blanc et il a effectivement utilisé sa simplicité. Élargissant son environnement de studio austère, Penn a construit un ensemble de toiles de fond inclinées verticales, pour former un coin aigu et dur. Les sujets photographiés avec cette technique étaient John Hersey , Martha Graham , Marcel Duchamp , Pablo Picasso , Georgia O’Keeffe , WH Auden et Igor Stravinsky .
Les compositions de natures mortes de Penn sont clairsemées et très organisées, des assemblages d’aliments ou d’objets qui articulent l’interaction abstraite de la ligne et du volume. Ses photographies sont composées avec une grande attention aux détails, ce qui se poursuit dans son art de développer et de faire des tirages de ses photographies.
Il a expérimenté de nombreuses techniques d’impression, y compris des tirages réalisés sur des feuilles d’aluminium recouvertes d’une émulsion de platine rendant l’image avec une chaleur qui manquait aux tirages argentiques non teintés. Ses impressions en noir et blanc sont remarquables pour leur contraste profond, leur donnant un aspect net et net.
Tout en étant imprégné de la tradition moderniste, Penn s’est également aventuré au-delà des frontières créatives.
La naissance d’Irving Penn
Né en 1917 à Plainfield, New Jersey de parents immigrés, Irving Penn a fréquenté la Philadelphia Museum School of Industrial Arts de 1934 à 1938 et a étudié avec Alexey Brodovitch dans son Design Laboratory. Émigré russe travaillant à Paris dans les années 1920, Brodovitch a enseigné les principes de l’art moderne et du design dans des magazines, des expositions et de la photographie.
Après un certain temps à New York en tant qu’assistant de Brodovitch au Harper’s Bazaar et divers emplois de directeur artistique, Irving Penn est allé au Mexique pour peindre en 1941, voyageant à travers le Sud américain et en prenant des photos en cours de route. Il a finalement été déçu par ses tableaux et les a détruits avant de retourner à New York à la fin de l’année suivante. En 1943, le nouveau directeur artistique de Vogue, Alexander Liberman, a engagé Irving Penn comme son associé pour préparer des mises en page et suggérer des idées de couvertures aux photographes du magazine.
Irving PENN Photographe
Liberman, un autre émigré russe qui avait travaillé à Paris, a regardé les planches contact de Irving Penn lors de ses récents voyages et a reconnu « un esprit et un œil qui savait ce qu’il voulait voir ». Il a encouragé Irving Penn à commencer à prendre les photographies qu’il envisageait, lançant une longue et fructueuse carrière ainsi qu’une collaboration qui a transformé la photographie moderne.
Irving Penn, le début d’une réputation
Après la Seconde Guerre mondiale, alors que Irving Penn s’est rapidement forgé une réputation pour son style frappant dans la nature morte et le portrait, Liberman l’a envoyé dans le monde entier pour des missions de portraits et de mode.
Ces expériences formatrices ont confirmé pour Irving Penn l’intérêt de la photographie dans l’environnement contrôlé d’un studio, où il pouvait couper tout ce qui n’était pas essentiel à ses compositions et se concentrer sur ses sujets. Indépendamment de ces missions, Irving Penn a entrepris un projet personnel majeur, photographiant des nus charnus à courte distance en studio pour « percer la douceur de l’image ».
Il s’agissait d’une nouvelle approche de la photographie issue d’une profonde réflexion sur les modèles historiques de l’art antérieur, mais les images étaient jugées trop provocantes et non montrées depuis des décennies.
Irving Penn et Paris
En 1950, Irving Penn est envoyé à Paris pour photographier les collections haute couture de Vogue . Il a travaillé dans un studio de jour avec un vieux rideau de théâtre en toile de fond et a été honoré d’un modèle extraordinaire nommé Lisa Fonssagrives, qu’il a rencontré pour la première fois en 1947. Née en Suède et formée comme danseuse, elle était l’une des mannequins de l’époque les plus recherchées, parce qu’elle avait une compréhension sophistiquée de la forme et de la posture.
Irving Penn a rappelé plus tard: « Quand Lisa est entrée, je l’ai vue et mon cœur battait vite et il n’y avait aucun doute « . Ils se sont mariés à Londres en septembre 1950. Dans le même temps, Irving Penn a également travaillé sur un projet inspiré par les traditions de gravure ancienne, photographiant les métiers comme les bouchers, boulangers, ouvriers qui devenaient représentatifs d’un monde en voie de disparition.
Irving Penn et les Nus
IRVING Penn a photographié une série de nus le week-end et le soir en 1949-1950. Attiré par des modèles charnus dont il a capturé les ondulations corpulentes en gros plan, il les a imprimées en utilisant des techniques expérimentales, blanchissant et développant les impressions jusqu’à ce qu’elles prennent une qualité éthérée. Penn a abordé la photographie sur ce projet avec des principes qui allaient à l’encontre de l’élégance brillante des pages de magazine.
Les voyages d’Irving Penn
Les voyages d’Irving Penn pour Vogue ont augmenté entre 1964 et 1971, l’emmenant au Japon, en Espagne, au Cameroun,au Dahomey, au Népal, en Crète, en Nouvelle-Guinée et au Maroc. Au cours de ces voyages, Irving Penn était de plus en plus libre de se concentrer sur ce qui l’intéressait vraiment: faire des portraits de personnes à la lumière naturelle.
Lors des premiers voyages, il a adapté des espaces comme un garage ou une grange, et a noté le rôle crucial d’un environnement neutre pour encourager l’échange respectueux qui l’intéressait. Finalement, cela l’a amené à construire un studio de tentes qui pourrait être démonté et transporté d’un endroit à un autre. Irving Penn sentait « dans ce vide de la tente » qu’ il y avait la possibilité de contact, une expérience émouvante pour les sujets eux-mêmes.
Le travail de Irving Penn a été mis en lumière sur les pages de Vogue , où il était largement diffusé. Cependant, au début des années 1950, les éditeurs ont commencé à sentir que les photographies de Irving Penn étaient trop « sévères » pour le magazine, ses publications ont été réduites et il s’est tourné vers la publicité.
Irving Penn a salué les défis que ce nouveau domaine offrait, en particulier dans les domaines de la photographie de nature morte, et a expérimenté avec des lumières stroboscopiques pour produire des images qui ont véritablement révolutionné la photographie publicitaire.
La révolution des années 60
Au début des années 1960, les budgets des magazines étaient tendus et la qualité des reproductions offset était en baisse. Bien que Irving Penn ait de nouveau photographié intensivement pour le magazine, il est devenu de plus en plus déçu par la façon dont ses photos apparaissaient sur la page, évitant de les regarder parce qu’ « elles font trop mal ».
La solution fut de lancer un renouveau des techniques d’impression, révolutionnaires à une époque où les tirages photographiques n’étaient pas considérés comme des objets artistiques. À partir de recherches et d’expérimentations approfondies, il a étudié des méthodes du XIXe siècle qui pourraient offrir un plus grand contrôle sur les variations et les tonalités subtiles qu’il recherchait à reproduire. Il a poursuivi ses recherches jusqu’à ce qu’il perfectionne un procédé complexe d’impression dans les métaux platine et palladium.
Les années 70 « le trésor des déchets de la ville »
Au début des années 1970, Irving Penn a fermé son studio de Manhattan et s’est plongé dans l’impression de platine dans le laboratoire qu’il a construit sur la ferme familiale de Long Island, NY. Cela a conduit à trois grandes séries conçues pour le platine: Cigarettes (1972, présentée au Musée d’art moderne en 1975), Street Material (1975-1976, présentée au Metropolitan Museum of Art en 1977) et Archéologie (1979-1980, exposé à la Marlborough Gallery en 1982).
Comme sa précédente série Nudes, cette œuvre s’écarte radicalement des usages dominants de la photographie. Bien que beaucoup l’ont trouvée répugnante, Irving Penn a vu dans le sujet « un trésor des déchets de la ville, des formes de couleurs, de taches et de typographies déformées intrigantes ».
Les années 80 d’Irving Penn
En 1983, Irving Penn a rouvert un studio dans la ville et a repris un calendrier chargé de travaux commerciaux et de revues. L’année suivante, il a été honoré d’une rétrospective organisée par John Szarkowski au Museum of Modern Art, qui a fait une tournée internationale jusqu’en 1989.
Après la rétrospective, Irving Penn a repris la peinture et le dessin comme une quête créative, incorporant même l’impression au platine dans sa pratique. Il a également trouvé la liberté de création grâce à une collaboration vivifiante à longue distance avec la designer japonaise Issey Miyake, qui a envoyé ses créations dynamiques et sculpturales à New-York pour que Irving Penn les interprète photographiquement.
Nature morte
À la base du travail de Irving Penn se trouve son talent spécial pour la nature morte auquel il a appliqué sa technique donnant à son travail, une couleur particulière, une signature. De ses premiers clichés pour Vogue à sa dernière série de travaux personnels, des images puissantes invitant à la contemplation de la conscience aiguë d’Irving Penn sont restées, gravées pour toujours.
Irving Penn a fréquemment inclus des éléments de memento mori et des sujets choisis qui pourraient sembler indignes d’un examen attentif, à première vue, ce qui donne à ses images un mordant qui persiste.
Les Portraits
Une grande partie du travail de Penn pour Vogue consistait en des portraits de célébrités, d’artistes, d’écrivains et d’autres personnalités pertinentes pour le reportage valorisées par le magazine. Ils constituent une véritable encyclopédie de l’histoire culturelle du XXe siècle.
Pour sa première campagne de portraits, il a mis en place des environnements inhabituels dans le studio pour que ses modèles s’y insèrent et réagissent contre un espace resserré fait de deux murs placés en biais, et un tapis en lambeaux drapé sur une base solide dans laquelle ils pourraient s’asseoir. Ceux-ci indiquent l’intérêt de Penn pour la perturbation, présent dans ses premiers travaux pour le magazine alors qu’il tentait de donner à ses images une granularité qui animerait la page.
Cette pratique a permis à Penn d’affiner sa capacité à reproduire l’environnement sans rien de plus qu’une toile de fond et un tabouret. Il évite les arrière-plans ornés qui pourraient distraire du sujet, dans ses portraits, Penn a cherché à distiller l’essence de son sujet.
La mode et Irving Penn
Tout au long de la longue carrière d’Irving Penn chez Vogue , la mode a été l’élément essentiel de son travail. Dans les années 1940, en utilisant des fonds en papier blanc et des compositions saisissantes pour souligner la forme, il a introduit un style concis dans la photographie de mode qui s’écartait des décors kitsch et fleuris qui définissaient le genre à l’époque.
En plus des photographies réalisées en studio de 1950 à 1995, Penn se rendait souvent à Paris pour photographier les collections haute couture pour des magazines. Jusqu’à la fin de sa vie, Penn a utilisé le même rideau de théâtre trouvé à Paris en 1950 comme toile de fond pour transformer une remarquable variété de styles et de dessins en images intemporelles. Dès le début, Irving Penn a cherché à exprimer la forme sculpturale des vêtements, un thème qu’il a exploré dans une collaboration spéciale avec Issey Miyake.
La fin de vie d’Irving Penn
La créativité de Irving Penn a prospéré au cours des dernières décennies de sa vie. Ses portraits innovants, ses natures mortes, ses photos de mode et de beauté ont continué à apparaître régulièrement dans Vogue. Le studio était occupé par des magazines, de la publicité et du travail personnel, ainsi que des projets d’impression et d’exposition.
Irving Penn a adopté avec enthousiasme de nouvelles idées, construisant des appareils photo pour photographier les débris sur le trottoir, expérimentant avec une bande de lumière en mouvement pendant de longues expositions ou avec l’impression couleur numérique.
Les projets de livres étaient également une priorité, et Irving Penn a accordé une attention particulière à leur production, de la conception à la qualité de l’impression. Déterminé à façonner l’ensemble des œuvres qu’il a laissées derrière une carrière aussi prolifique, il a également soigneusement structuré et réduit ses archives.
Particulièrement après la mort de Lisa en 1992, il a cherché du réconfort dans son travail et dans la structure de son horaire de studio, et il peignait la plupart du temps, le soir après le travail et le week-end. En 2009, Irving Penn est décédé à New -York, à l’âge de 92 ans.
Les expositions d’ Irving Penn
1975 Recent Works, Photographs of Cigarettes, Museum of Modern Art, New York
1975 I Platini di Irving Penn: 25 Anni di Fotografia, Galleria Civica d’Arte Moderna, Turin
1975 Platinum Plates, The Photographers’ Gallery, London
1977 Street Material. Photographs in Platinum Metals, The Metropolitan Museum of Art, New York
1980 Exhibition at the Center for Visual Arts, Oakland, California
1984 a retrospective, The Museum of Modern Art, New York
1986 Printemps des arts de Monte Carlo, Monte Carlo
1990 Master Images, National Museum of American Art and the National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
1990 Platinum Test Material, Center for Creative Photography, University of Arizona
1994 I Collection Privée/Privatsammlung, Musée d’Art et d’Histoire, Fribourg, Switzerland
1995 A Donation in Memory of Lisa Fonssagrives-Penn, Moderna Museet, Stockholm
1997 Le Bain: Dancers’ Workshop of San Francisco, Maison Européenne de la Photographie, Paris
1997 A Career in Photography, The Art Institute of Chicago
2001 Objects (Still Lifes) for the Printed Page, Museum Folkwang, Essen
2002 Dancer: 1999 Nudes by Irving Penn, Whitnew Museum of American Art, New York
2002 Earthly Bodies: Irving Penn’s Nudes, 1949–1950, The Metropolitan Museum of Art, New York
2004 Dahomey (1967), The Museum of Fine Arts, Houston
2005 Irving Penn: Platinum Prints, the National Gallery of Art, Washington, D.C.
2008 Close Encounters, Morgan Library & Museum, New York
2009 The Small Trades, J. Paul Getty Museum, Los Angeles: a collection of 252 full-length portraits by Penn from 1950 to 1951
2010 Exhibition at the National Portrait Gallery (London): an exhibit of over 120 portraits of people from the worlds of literature, music and the visual and performing arts
2012 Diverse Worlds, Museum of Modern Art (Moderna Museet), Malmö, Sweden
2013 On Assignment, Pace Gallery, New York City, New York.
2015-2016 Beyond Beauty, career retrospective of 146 photographs at the Smithsonian American Art Museum.
2017 Centennial, Metropolitan Museum of Art, New York City;[21] Irving Penn – Le Centenaire, Grand Palais, Paris.
Les livres d’Irvin Penn
Moments Preserved. 1960
Worlds in a Small Room. 1974. ISBN 978-0-670-79025-8
Inventive Paris Clothes, 1909–1939. 1977. ISBN 0-670-40067-X
Flowers. 1980. ISBN 0-517-540746
Passage. 1991. ISBN 0-679-40491-0
Drawings. 1999. ISBN 0-9665480-0-0
The Astronomers Plan a Voyage to Earth. 1999. ISBN 0-9665480-1-9
Irving Penn Regards The Work of Issey Miyake. 1999. ISBN 0-224-05966-1
Still Life. 2001. ISBN 0-8212-2702-5
A Notebook at Random. 2004. ISBN 0-8212-6192-4
Photographs of Dahomey. 2004. ISBN 3-7757-1449-9
Livres à propos d’Irving Penn
A Career in Photography. Colin Westerbeck. 1997.
Earthly Bodies: Irving Penn’s Nudes, 1949-50. By Irving Penn, Maria Morris Hambourg, Metropolitan Museum of Art, 2002.
Platinum Prints. Sarah Greenough, David Summers. 2005.
Small Trades. 2009. ISBN 978-0-89236-996-6
Irving Penn Portraits. 2010. ISBN 978-1-85514-417-0
Beyond Beauty. Merry A. Foresta. Yale University Press, 2015. ISBN 978-0-300214-901
Centennial. Maria Morris Hambourg, Jeff L. Rosenheim, Alexandra Dennett, Philippe Garner, Adam Kirsch, Harald E.L. Prins, Vasilios Zatse., New York: Metropolitan Museum of Art/Yale University Press, 2017. ISBN 978-1588396181
Irving Penn: Le Centenaire. Paris: Editions de la Réunion des musées nationaux, 2017.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mass HysteriaOlympia est le second live que j’ai fait pour le groupe. Le précédent live, je l’avais shooté au BIKINI à Toulouse. LE BIKINI est LA salle du sud de la France, elle et son boss, le bien nommé Hervé, bon vivant légendaire du rock’n roll, lui et ses fantastiques magrets de canard (…). Pour ce second live, on passait d’une salle fantastique, à une salle mythique : l’Olympia à Paris. Le 5 avril 2013 est donc une date important pour Mass Hysteriaet pour moi.
Après une journée à tourner dans les 4 coins de cette salle mythique, une soirée riche en décibels et en sueur, je me suis attelé à créer les visuels des versions CD et DVD de ce double album que je vous laisse découvrir ci-dessous.
Mass Hysteria Olympia : Le concert
Le groupe avait annoncé son passage dans la mythique salle parisienne de L’Olympia pour fêter comme il se doit ses 20 ans. C’est dans une salle complète et bouillante et devant 2200 furieux que le groupe a célébré ses 20 ans.
Pour compléter l’événement, histoire de compliquer la tâche, Mass Hysteria a invité deux formations : The Arrs, qui ouvrira le bal avec un nouvel album en poche à présenter au public, et Punish Yourself, le combo industriel toulousain.
Ce concert fait le tour de la carrière du groupe pour nous offrir probablement le meilleur de La discographie. Le groupe en profite pour réunir le Line Up original pour le plaisir des fans de la première époque.
Le groupe vise haut, mélange les tempos et les ambiances pour créer des moments forts en maintenant ce lien qu’il a toujours eu avec le public. Il s’agit bien d’une des qualités du groupe une proximité et un respect qui lui permet de générer cette furia propre qu’au groupe.
Mass Hysteria Olympia est un album de 21 titres pour environ 1h40 de Furia.
Mass HytseriaOlympia l’album live le plus complet du groupe, mais également comme un très beau cadeau pour les fans du groupe.On y retrouve les classiques. Des titres comme Positif à Bloc, World on Fire, Babylone, Une Somme de Détails….
La version Blue Ray commence par l’installation des mythiques lettres sur la façade de l’Olympia, la célèbre salle de concert parisienne qui a vu passer des milliers d’artistes. C’est cette image qui sert de fond au menu du disque.
Ce Blu-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia, le set grandiose du Hellfest et le clip vidéo de « Même si J’explose ».
Erwan Disez — guitare (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
Stéphan Jaquet — basse (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
Pascal Jeannet — chœurs (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
Une version Blu Ray a également été éditée, mais la piste 5.1 étant défectueuse (contrairement à la PCM et la 2.0) sa commercialisation s’est limitée à la sortie. À noter qu’elle contenait en bonus inédit l’intégralité du concert au Hellfest de 2013.
Récompense de Mass Hysteria Olympia
En mars 2018, soit 5 ans après sa sortie, il s’est vendu à plus de 7 500 exemplaires et est certifié vidéo or.
L’histoire du groupe MASS HYSTERIA
Mass Hysteria est né en 1993 dans le 20ème arrondissement de Paris, le groupe est constitué en grande majorité de bretons immigrés. Mass Hysteria enregistre 2 démos avant de produire le premier album. Des démos où la guitare est tenue par Alain Fornassari un ancien de Treponem Pal. Le groupe trouve sa configuration de croisière avec l’arrivée de Pascal aux machines et de Yann Heurtaux à la seconde guitare.
En 1997, le premier album suivi d’un live les placeent au sommet du Métal Industriel. Kmar, le chanteur de No One Is Innocent n’hésite pas à les encenser en affirmant que Mass Hysteria est » un des seuls trucs qui soit arrivé comme ça, qui a débarqué et qui tient vraiment bien la route » .
Et puis, en 2005, c’est la chute : l’album éponyme tente une percée vers la poprock. A tel point que 3 morceaux sont signés par Miossec… Une déconvenue commerciale qui signe un retour aux sources avec la sortie de « Une somme de détails » en 2007 où l’on trouve Fred de Watcha à la préproduction… Et Emmanuelle Monet (ex Dolly) sur le dernier titre en hommage à son bassiste décédé en 2006.
Un très bon opus qui (re)place Mass Hysteria comme un des leaders de Métal français. Et pourquoi pas une percée hors de l’Hexagone puisque pour « Contraddiction » – déjà – Korn, médusé par la puissance du groupe, évoquera une participation des frenchies à leur US Family Values !
En juillet 2009, c’est Metallica qui souhaite les voir assurer leur première partie aux Arènes de Nîmes. Un beau défi qui devance de quelques mois la sortie de leur 5ème album sorti fin septembre.
Mais autant de défis scéniques ne pouvaient rester sans récompense : en juin 2011 « Mass Hysteria live » témoigne, une seconde fois dans l’histoire du groupe, de cette puissance ravageuse. Le tout enregistré au Bikini à Toulouse et au Hellfest en Bretagne.
« L’armée des ombres » sort en 2012 suivi un an plus tard d’un autre live enregistré le 5 avril 2013 à l’Olympia et au Hellfest de la même année par Arte. En 2015, Nicolas Sarrouy quitte le groupe remplacé par le guitariste et producteur Fred Duquesne.
En 2016, ils sont de nouveau au Hellfest où ils affirment haut et fort que Clisson est bien en Bretagne !
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
BONUS: Critique de l’album Mass Hysteria – A L’Olympia (Live) par Karnogal de lagrosseradiométal.com
En bonus un retour sur la critique de l’album MASS HYSTERIA à L’Olympia par la grosse radio.com lors de la sortie de l’album en DVD. En Un grand merci à eux pour ce retour intéressant.
Poursuivant son parcours extrêmement riche depuis la sortie de L’Armée des ombres, Mass Hysteria vient de sortir un troisième album live enregistré à l’Olympia en avril 2013 à l’occasion de ses vingt ans. Histoire de poursuivre une année extrêmement riche, la bande se fait également plaisir en proposant cet enregistrement en DVD et Blue Ray. Ben l’ancien va se faire un plaisir de décortiquer ce dernier. Mais d’abord, place au CD!
5 avril 2013. Une date à placer sous le signe de la fête et de la réussite. En effet, Mass Hysteria avait annoncé que ce passage dans la mythique salle parisienne qu’est L’Olympia serait l’occasion de fêter ses vingt ans. Et c’est donc dans une salle complète de chez complète et devant 2200 furieux et furieuses que le groupe a célébré sa double décennie.
Ces furieux et furieuses ont d’ailleurs été particulièrement gâtés. Avec 21 pistes pour environ 1h40 d’indus-metal, À L’Olympia s’affiche non seulement comme l’album live le plus complet du groupe, mais également comme un très beau cadeau pour ses fans.
La discographie, composée de sept disques, voit tous ses classiques joués avec une énergie et une rage évidente (même sans les images!). Seul Mass Hysteria est laissé de côté, ce qui n’est surement pas une mauvaise chose pour certains.
Après avoir envoyé du très très lourd avec le totalement efficace « Positif à bloc », Mass Hysteria continu de manœuvrer le bulldozer L’Armée des ombres avec « Tout doit disparaitre ».
Pierre angulaire de ce live, la dernière production de MH voit huit de ses pistes jouées lors de ce concert. Les classiques « P4 », « Donnez-vous la peine » ou encore « Babylone » sont évidemment présents et le plaisir que l’on ressent, aussi bien chez les musiciens que dans les oreilles, est le même que lorsque l’on écoutait ces titres il y a cinq, dix ou quinze ans.
La bande reste fidèle à elle même en terminant sa setlist par des compositions qui ont fait son succès comme « Respect to the Dancefloor » ou la complètement déjantée « Furia ».
Célèbre pour être très proche de son public, Mouss Kelai n’est pas avare en parole et clame régulièrement son amour pour la scène française. Seul bémol, certaines de ses interventions ont été coupées nette. Dommage. Enfin côté son, l’équilibre entre chaque instrument est excellent. On a plus qu’à fermer les yeux et s’imaginer les cinq bonhommes retourner la scène avec frénésie
.
Bilan des courses: À L’Olymbia est un très bon album live avec pour seul défaut son manque de surprise. Les classiques, et seulement les classiques, composent ces deux disques. Des titres comme « Attracteurs étranges » ou encore un « Killing The Hype » auraient été les bienvenues. Mais en dépit de cette petite déception, Mass Hysteria comblera tous ses fans.
Le son c’est génial, l’image, c’est encore mieux, surtout chez Mass Hysteria qui a toujours apporté à l’aspect visuel de ses créations beaucoup de soin, aidé en cela par l’extraordinaire travail d’Eric Canto.
Pour célébrer dignement ses 20 ans, le groupe investit donc l’Olympia, et c’est tout naturellement que le Blue Ray s’ouvre sur l’installation des mythiques lettres rouges sur la façade de la célèbre salle de concert parisienne.
C’est d’ailleurs cette image qui sert de fond au menu du disque et Mouss le rappellera avec une poignante sincérité durant le concert » les grands groupes, ils sont blasés …pour eux, l’Olympia, c’est un showcase, mais pour nous, c’est 20 ans pour arriver à ça, et un putain de bonheur ! »
Dans le détail, le blue-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia (set entier ou accès par titre), le set hallucinant du Hellfest et la vidéo de « Même si J’explose ». Dans le détail, le blue-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia (set entier ou accès par titre), le set hallucinant du Hellfest et la vidéo de « Même si J’explose » C’est un peu léger et cela me donne l’occasion de souligner une légère déception, dans ce format, point de documentaire sur la tournée des festivals de l’été, uniquement disponible sur le DVD.
Côté audio, c’est le classique choix : stéréo ou 5.1.
Avant de revenir sur le concert parisien, parlons du clip. C’est une pure merveille ! Esthétiquement très travaillé avec un sublime rendu noir et blanc, des ralentis et des gros plans de toute beauté, cette vidéo referme magnifiquement le visionnage (eh oui, je commence par la fin, comme dans un roman qu’on attend avec impatience).
Le concert du Hellfest… à part vous conseiller d’aller lire le report publié fin juin, que dire ? Que Mouss était définitivement dans une très grande forme ce jour-là, insufflant une énergie diabolique à cette prestation, que le groupe et le public ne faisait qu’un, et que rien que pour l’image du circle pit sur « P4 » avec Mouss, Nico et Yann encerclés par une marée humaine tourbillonnante, l’achat de cette vidéo est purement indispensable !
Inutile d’en dire plus, si ce n’est peut-être que la durée du set (45 minutes) confère à ce gig une atmosphère d’urgence encore plus palpable que sur un concert classique du combo.
Mais abordons maintenant le véritable objet de cette chronique (en essayant de ne pas trop être redondant avec ce que Karnogal vient de vous dire (et auquel j’adhère tout à fait).
On démarre avec l’entrée dans la salle (chargée d’histoire) entrecoupée de courte interviews de fans. Sur scène, le noir se fait et l’intro voit des percussions japonaises martelées un rythme lancinant, tandis qu’en milieu de scène se dressent les deux personnages qui illustrent la pochette de L’Armée des ombres. Un long moment de calme, de fascination, d’immobilisme terminé par un noir assez long. Lorsque la lumière revient, le quintet est sur scène et c’est l’explosion avec l’ouverture sur « Positif à bloc ».
Visuellement, c’est simple, c’est la première fois que je regarde une vidéo de concert qui donne REELLEMENT l’impression d’assister au spectacle, d’être totalement immergé dans l’action. Le secret ?
En plus des prises de vue habituelles, des caméras dans le public, ou bien en fond de salle mais filmant à ras des spectateurs donnent un réalisme hors norme à cette captation (y compris quand les cadreurs se font embarquer dans les mouvements de foule !).
La réalisation est très organique (sans surjouer dans le montage épileptique) et j’ai particulièrement apprécié la discrétion des cameramen sur scène qu’on ne voit quasiment pas dans le montage
Quelques lignes plus haut, j’ai parlé de quintet, mais c’est faux, car ce soir-là, encore plus que les autres, outre Mouss, Yann, Nico, Vincent et Raphaël, il faut aussi compter le public, omniprésent (sur Babylone, c’est juste époustouflant !), ressemblant autant à un océan déchaîné qu’à un lac de lave en fusion. Un mouvement permanent secoué de spasmes, de convulsions.
Et puis il y a ces visages, proches de l’extase, ces regards dans lesquels on lit la ferveur, mais aussi la reconnaissance, le plaisir de voir le chemin parcouru, tous ces fans connaissant tous les textes du premier au dernier mot…Une osmose qui atteint peut-être son paroxysme sur les morceaux les plus calmes, notamment « Remède » (et tant pis si ce titre voit Mouss être approximatif dans sa justesse).
Une foule qui mange littéralement dans la main du vocaliste, qui s’exécute lorsque celui-ci lui demande de se séparer en deux pour un braveheart (difficile à mettre en place dans l’exiguïté de la salle, mais qui donne lieu à une mémorable bataille !).
La soirée défile à grande vitesse et pour donner une dimension encore plus humaine à cette célébration, le groupe remercie son staff dans un superbe hommage (ingé son, light) mais appelle aussi les anciens membres et même tous les gamins des musiciens (il faut voir l’émotion et la fierté de Yann, prenant son bout de chou dans les bras et venant se poster en milieu de scène) avant une version ultra festive de « Respect to The Dancefloor ».
Le final est carrément surprenant avec l’arrivée de danseuses brésiliennes avant « Furia » (un joli clin d’œil aux grandes heures de ce temple parisien de la variété).
Que vous aimiez Mass Hysteria ou que vous souhaitiez simplement découvrir ce groupe, précipitez-vous sur ce témoignage live car il est aussi impressionnant que fidèle à tout ce que ce combo peut représenter dans le paysage métal français. Un must !
23/01/2020 The Nothing Tour 2020 @ Allentown, PPL Center
27/01/2020 The Nothing Tour 2020 @ Québec, Vidéotron Centre
02/06/2020 Impact Festival 2020 @ Lodz, Atlas Arena
05/06/2020 Rock am Ring 2020 @ Nürburg,Nürburgring
10/06/2020 Nova Rock 2020 @ Nickelsdorf, Nova Rock
12/06/2020 Télécharger Festival 2020 @ Donington
12/06/2020 I-Days Milano 2020 @ Milano, Area Expo
17/06/2020 Copenhell 2020 @ Refshalevej Billets: Ticketswap
18/06/2020 Graspop Metal Meeting 2020 @ Dessel, Graspop
19/06/2020 Hellfest 2020 @ Clisson, Site du Hellfest
25/06/2020 Provinssirock Festival 2020 @ Provinsii
01/07/2020 Resurrection Fest 2020 @ Viveiro Billets: Ticketswap
02/07/2020 VOA – Heavy Rock Festival 2020 @ Lisboa ( Cruz Quebrada Oeiras), Estádio Nacional
10/01/2021 KnotFest Japan 2020 @ Chiba, Makuhari Messe
