…Surplombant le centre-ville de Los Angeles alors que des boules de feu font briller leurs costumes à paillettes de chaleur. Quelques jours avant Coachella de cette année, ce duo sera présenté en première via une bande-annonce de Jumbotron pour leur nouvel album, Random Access Memories. Seuls quelques privilégiés ont vu les tenues – et toutes les personnes impliquées dans cette séance photo veulent désespérément que le secret soit gardé.
Cette tâche s’avère quelque peu difficile. L’héliport se trouve à l’intérieur d’un parc public et il y a un chemin piétonnier juste à côté. Les coureurs et les motards errants sont presque inévitables, et si l’un d’entre eux décide de sortir son téléphone, de prendre une photo et de la télécharger sur Instagram sans rupture, cet élément important de la stratégie de déploiement méticuleuse de Daft Punk sera ruiné.
Pour la première partie du tournage de la journée, Thomas Bangalter (casque d’argent) et Guy-Manuel de Homem-Christo (casque d’or) des Daft punk se tiennent derrière un mur de flammes de huit pieds. Les membres de l’équipage, dont certains portent des gants blancs afin d’éviter les taches sur les tenues scintillantes de la paire, restent vigilants pour les passants curieux.
Et alors que la séquence de boules de feu commence, un gars est repéré en train de ramper sur le côté de l’héliport. Il s’assied dans l’herbe à proximité, ouvre son sac à dos en tremblant et prend une gorgée d’une bouteille d’eau. «C’est eux? demande-t-il en brandissant son téléphone.
DAFT PUNK
DJ Falcon, ami de longue date de Daft Punk et l’un des nombreux collaborateurs du nouvel album, se précipite. «Le gars était en transe», se souvient Falcon quelques jours plus tard. «C’est comme s’il pensait: ‘C’est l’image de ma vie – je vais être celui qui montre le monde.’ Je pouvais ressentir l’intensité. Alors que le fan tremblant essaie d’obtenir son tir, Falcon lève les bras pour le bloquer, «comme un défenseur de la NBA».
Un surveillant du parc remarque le brouhaha et crie: «Assaut! Permis révoqué! Ferme-le! » Retraite des Daft Punk dans leur caravane. Plus de boules de feu.
Finalement, le drame est maîtrisé. Personne ne pourra voir les images du téléphone-appareil photo du paparazzo potentiel. «C’était juste une vidéo de moi essayant de protéger mes amis – sautant devant la balle», dit Falcon. «Vous ne pouviez pas voir de la merde.»
FAITES UN ZOOM ARRIÈRE PENDANT UNE SECONDE,…
et toute cette scène peut sembler profondément idiote: un groupe d’adultes essayant frénétiquement de cacher l’image de deux Français à la fin de la trentaine portant des costumes qui les font ressembler à C-3PO après un relooking disco bien adapté. Mais une fois que vous passez du temps avec Daft Punk – ou même écoutez simplement leur musique, ou regardez leurs vidéos, ou regardez leur émission en direct – une telle protection devient soudainement compréhensible, voire nécessaire. C’est un instinct de garder vivante l’idée de mystère à un moment où elle semble être historiquement rare.
Le lendemain du jour où les apparences rénovées du couple ont été révélées sur les écrans de Coachella comme prévu – provoquant des élans fous et certaines des explosions les plus excitantes du festival – Bangalter dit que tout sur la RAM et son accumulation est une question de surprise, de magie. «Quand on sait comment se déroule un tour de magie, c’est tellement déprimant», explique-t-il. «Nous nous concentrons sur l’illusion parce que le fait de dévoiler comment cela se fait éteint instantanément le sentiment d’excitation et d’innocence.»
Cette stratégie s’étend à la conception intimidante et ambitieuse de l’album, qui a amené Daft Punk à recruter certains des joueurs de session les plus doués au monde – des gars qui ont travaillé sur des classiques comme Michael Jackson, Madonna et David Bowie – pour donner les rythmes, les mélodies et des accords qui rebondissent autour des têtes de Bangalter et de Homem-Christo.
Sans parler de collaborations pleines et époustouflantes avec un certain nombre de leurs idoles et de leurs contemporains partageant les mêmes idées, notamment le cerveau chic Nile Rodgers, Pharrell, le chanteur / compositeur des années 70 schmaltzy Paul Williams, Panda Bear, la divinité de la maison Todd Edwards et le créateur d’électro Giorgio Moroder. Plus: Tout a été enregistré sur bande analogique dans des palais d’enregistrement raréfiés comme Electric Lady à New York et Capitol Studios à Los Angeles. La spontanéité humaine était convoitée; les ordinateurs, avec leur tendance à la répétition stupide, ne l’étaient pas.
«La technologie a rendu la musique accessible d’une manière philosophiquement intéressante, ce qui est formidable», déclare Bangalter, parlant de la prolifération de l’enregistrement à domicile et du studio d’ordinateur portable. « Mais d’un autre côté, quand tout le monde a la capacité de faire de la magie, c’est comme s’il n’y avait plus de magie – si le public peut simplement le faire lui-même, pourquoi vont-ils s’en soucier? »
SUR LE BORD DES MONTAGNES DE SAN JACINTO…
à Rancho Mirage, en Californie – quelque part entre Frank Sinatra Dr. et un concessionnaire Bentley ensoleillé – se trouve le domaine Bing Crosby, où les Daft Punk séjournent en ville pour Coachella cette année. Le nom de la maison n’est pas un abus de langage: le célèbre crooner l’a fait construire en 1957, alors qu’il entrait dans ses années d’or. Désormais, toute personne disposant d’un compte bancaire sain peut profiter de la piscine d’eau salée, de la vue sur toute la vallée et de l’aura des célébrités de la vieille école – JFK et Marilyn Monroe auraient eu une aventure ici au début des années 60 – pour seulement 3 000 $ la nuit.
Une douzaine d’amis se détendent dans et autour de la piscine tandis que Jay-Z, Janet Jackson et Miguel sortent de la chaîne stéréo à un volume très raisonnable. Bangalter et de Homem-Christo sont assis près de la lisière du patio de l’arrière-cour, les vents de montagne en rafales le long de la demeure à un étage. Compte tenu de leur tenue typique du corps entier, il est un peu choquant de voir Daft Punk se prélasser simplement en maillot de bain.
Bangalter est grand, mince et barbu dans un haut en jean déboutonné et un chapeau de paille. Il parle à 95%, et bien qu’il prétende ne pas bien connaître l’anglais à un moment donné, il a probablement un vocabulaire plus étendu que de nombreux Américains. Il prend parfois de longues pauses – 10 secondes ou plus – avant de répondre à une question, mais ces réponses peuvent continuer, sans interruption, pendant des minutes, souvent parsemées de bégaiements réfléchis. Le joueur de 38 ans se présente comme assez sérieux et prudent, pas intéressé par les plaisanteries.
De Homem-Christo, 39 ans, est torse nu avec un petit triangle en or suspendu à son cou, une solide bande en or autour de son poignet et un iPhone à boîtier en or sur une chaise à proximité.
Avec ses cheveux foncés aux épaules tombantes, il ressemble en quelque sorte à un Johnny Depp, plus petit et plus large, français. Dans les rares cas où il parle, il est plus spacieux et moins surveillé. À quelques reprises, il résume un soliloque de Bangalter de deux minutes avec une phrase ou une phrase rapide et précise.
Au cours de notre conversation de trois heures, il y a peu d’interaction entre les deux, qui sont amis depuis 26 ans, mais aucune trace d’hostilité non plus. Même sans casque,
À ENVIRON 15 MILES DE LÀ SE TROUVE L’EMPIRE POLO FIELD
, où Daft Punk a fait ses débuts à Coachella en 2006. À ce moment-là, le duo n’avait pas tourné depuis la sortie de leur premier album, Homework , en 1997. Pour ces premiers concerts , les Daft Punk resteraient immobiles, mélangeant leurs propres pistes de danse répétitives et enivrantes avec des classiques de la maison devant peut-être 2000 personnes, des tops. «La musique minimaliste a une personnalité attrayante particulière; le duo ne le fait pas », réprimandait une critique en direct de Spin à l’époque.
Et pendant que les Daft Punk portaient une panoplie de masques pour les séances photo, les Daft Punk ont dévoilé leur robot pour Discovery de 2001 – mais n’ont pas du tout tourné derrière cet album. Le morne et monotone Human After All a suivi en 2005, amenant même les fans les plus fervents à remettre en question les motivations du duo.
Mais grâce à la curiosité et à l’adoration cultuelle qui grandit lentement pour le génie effaçant le genre de Discovery , des dizaines de milliers de personnes se sont rendues dans leur décor désertique il y a sept ans. Bangalter se souvient avoir été conduit sur scène dans une voiturette de golf en tenue de robot et avoir entendu les chants: «Daft Punk! Daft Punk! »
«Passer de 1 800 personnes à 40 000 a été assez brutal », dit-il en étirant le mot. «En raison de l’anonymat, la relation avec notre public jusque-là était un concept abstrait, donc ressentir cette énergie était très étrange. C’était comme si nous avions validé quelque chose de si abstrait – en français, ça s’appelle la concrétisation … »
De Homem-Christo propose une traduction: «Make it real».
«Nous aimons l’idée d’essayer d’être des pionniers», poursuit Bangalter, «mais le problème avec cela est que lorsque vous êtes trop en avance, la connexion ne se produit pas vraiment à l’époque. Chez Coachella, nous avions peut-être encore cinq ans d’avance sur les gens, mais la connexion se faisait à ce moment-là . C’était le plus synchronisé que nous ayons jamais ressenti.
La pyramide rougeoyante est devenue la carte de visite de Daft Punk alors qu’elle parcourait le monde pendant 18 mois, gagnant sa place comme l’un des spectacles les plus joyeux de l’histoire de la musique pop et ouvrant la voie à une plus large acceptation de la culture de la danse, en particulier aux États-Unis. Skrillex, dont la configuration live aveuglante s’est sans doute rapprochée de l’héritage de la pyramide au cours des dernières années, se souvient être allé voir Daft Punk par lui-même en 2007, acheter un billet à un scalper pour 170 $, et avoir réorganisé son esprit – sans influence de drogues ou d’alcool.
«C’était définitivement incroyable », dit-il. Panda Bear l’a appelé le meilleur concert qu’il ait jamais vu. En tant que photographe officiel de la tournée, DJ Falcon a pu vivre une quarantaine de spectacles d’un point de vue enviable. Il se souvient d’un en particulier, à l’Amphithéâtre Red Rocks au Colorado: «Il y avait tous ces handicapés avec leurs familles à l’avant, et ils étaient si heureux», dit-il, une trace de respect dans sa voix. «À un moment donné, je me demandais s’ils allaient se lever et commencer à marcher, comme un miracle!»
Avec une demande toujours extrêmement élevée, Daft Punk a mis un terme au trek alors que 2007 tirait à sa fin. «Nous voulions le sceller comme un moment spécial», déclare Bangalter. Mais ramèneraient-ils jamais la pyramide? Bangalter réfléchit à la question pendant un moment, éloignant une mouche de son nez. «Nous ne voulons jamais faire quelque chose deux fois … mais en même temps, nous n’avons jamais rien fait deux fois, donc si nous le faisions, ça pourrait être cool.
Homem-Christo rit de sa propre logique détournée, laisse échapper un gémissement las, sentant une pente glissante. Malgré les chargements d’argent qui les accueilleraient sûrement s’ils se glissaient dans leurs tenues étincelantes, et s’asseyaient au sommet d’un cube ou d’une sphère géante, ils disent qu’il n’y a pas de plans immédiats pour une nouvelle tournée de quelque nature que ce soit.
L’ÉRUPTION DE LA PYRAMIDE S’APPARENTAIT…
à votre extravagance de rock star typique par son ampleur et sa portée, mais aussi par les aspects plus inclusifs et diffusifs des concerts de DJ traditionnels, où tout le monde est la star. Cela place Daft Punk dans une position unique dans l’écosystème de la personnalité de la musique contemporaine: légitimement célèbre et sans visage.
À ce point, Bangalter compare leur situation à Batman («nous sentons que la pyramide était comme notre Batmobile»), Cendrillon («après la fin du spectacle, nous retournons à l’anonymat et à la normalité»), le magicien d’Oz («nous ») et un mec en costume de Mickey Mouse à Disney World (« si vous avez 100 enfants autour de vous toute la journée, ne devenez-vous pas grosse tête? » ).
«Regarder des robots n’est pas comme regarder une idole», affirme de Homem-Christo. «Ce n’est pas un être humain, donc c’est plus comme un miroir – l’énergie que les gens envoient sur scène rebondit et tout le monde passe un bon moment ensemble plutôt que de se concentrer sur nous. En outre, il s’avère que ces casques rendent la tâche assez difficile à voir . «Les visières sont très, très teintées, et je suis de toute façon myope», dit Bangalter. «Je pouvais entendre les clameurs, mais je n’ai pratiquement aucun souvenir visuel de la tournée à part regarder nos contrôleurs.
Tout comme leurs costumes établissent une frontière physique entre eux et leur public, les Daft Punk jouissent d’une «séparation totale» entre leur vie privée et leur vie publique, ce que les Daft Punk veulent précisément. «Nous ne parlons pas de nos vies privées parce qu’elles sont privées», dit Bangalter en riant.
« De plus, l’image publique est de toute façon plus amusante et divertissante. » Au lieu de désirer une renommée traditionnelle et une reconnaissance mondiale, Bangalter dit que les Daft Punk sont plus intéressés à «changer le monde sans que personne ne sache qui nous sommes, ce qui est un fantasme d’ego très différent, et cela semble être la prémisse de développements beaucoup plus passionnants.
«Habituellement, le style de vie des célébrités de 24 heures et nécessitant beaucoup d’entretien peut déconnecter les gens de la réalité», poursuit-il. «Et après qu’un groupe a fait des disques pendant 20 ans, ils ne font pas la merde la plus intéressante parce qu’ils tombent dans cette existence bourgeoise, réussie et établie.
Même dès leur plus jeune âge, Bangalter et de Homem-Christo ont fait tout leur possible pour se distancer du confort de la normalité. En fait, ils ne se sont peut-être jamais rencontrés si le père producteur de musique de Bangalter (qui a écrit plusieurs tubes disco des années 70) et la mère de la danseuse de ballet ne l’ont pas transféré dans le prestigieux lycée Carnot de Paris, cherchant à donner plus de défi à leur fils.
Alors que les deux ont grandi avec de l’argent – la famille de Homem-Christo dirigeait une agence de publicité – leurs parents leur ont donné un sentiment de liberté, ce qui n’était guère une évidence parmi leurs camarades de classe boutonnés.
«Même lorsque ces enfants avaient 13 ans, le poids de la classe sociale pesait déjà sur eux», dit Homem-Christo. «Ils étaient habillés comme leurs pères, c’était fou. Bangalter se souvient d’une connaissance adolescente bien élevée qui souhaitait devenir comptable parce qu’il pouvait «avoir un plan de retraite cool».
Le couple, qui était parmi les rares dans leur école à aimer Spacemen 3, My Bloody Valentine, Primal Scream, Big Star, les Beach Boys et le Velvet Underground, se sont rapidement liés. Et, à leur manière, ils vont à l’encontre du statu quo depuis. C’est pourquoi les Daft Punk sont plus punk que presque tous les groupes punk des 20 dernières années: Random Access Memories , leur premier véritable album en huit ans, pousse cette impulsion à l’extrême.
LE DISQUE MARQUE ÉGALEMENT UN MOMENT de BOUCLAGE
pour le mouvement disco des années 70, qui a commencé comme une scène underground ouverte d’esprit, s’est enchevêtré et homogénéisé par l’industrie de la musique d’entreprise, puis s’est rapidement écrasé. Sans un soutien financier important, la discothèque ne pouvait pas se permettre le temps du studio et les joueurs virtuoses qui ont produit certains de ses plus grands succès, mais son esprit progressiste a survécu à plusieurs variétés électroniques décousues des années 80, y compris la house, la techno et le hip-hop – les mêmes sons qui ont à l’origine inspiré Daft Punk sur Homework .
En tant que vrais disciples de la maison, le duo n’a jamais été timide quant à leurs influences. Des «Teachers» de Homework , un morceau dans lequel les Daft Punk listent littéralement leurs héros, aux nombreux échantillons et interpolations qui composent Discovery , les Daft Punk sont souvent à leur meilleur tout en interagissant joyeusement avec le passé.
Et RAM, qui fait la navette entre la discothèque festive, le funk maussade, le psychédélisme expansif, la pop new wave, le G-funk et même la musique trap minimaliste, a le même genre de portée éclectique que l’on trouverait dans des clubs légendaires comme le Paradise Garage de New York, où un jeu normal la nuit pourrait inclure des chansons de James Brown, de la police, de Steve Miller Band, de Talking Heads et de Kraftwerk. Pour Daft Punk, l’album est en quelque sorte un correctif à un style de musique qui, selon eux, est pris dans une ornière assommée par l’ordinateur.
«C’est très étrange comment la musique électronique s’est formatée et a oublié que ses racines sont sur la liberté et l’acceptation de chaque race, sexe et style de musique dans cette grande fête», dit Bangalter. «Au lieu de cela, il a commencé à devenir ce style de vie électronique qui impliquait également la glorification de la technologie.»
DAFT PUNK
Pour être clair: les Daft Punk ne sont pas anti-technologie, ni même anti-ordinateur (les Daft Punk admettent volontiers que la RAM n’aurait pas pu se faire sans eux). Mais ils ont une certaine colère pour l’aspect normalisant que la technologie peut avoir sur la musique, comment les lignes de code sont incapables de recréer les variables issues de techniques relativement organiques.
«Nous n’avons jamais pu nous connecter à l’utilisation d’ordinateurs comme instruments de musique», dit Bangalter en haussant les épaules. «Nous nous sommes toujours appuyés sur des composants matériels – vieilles boîtes à rythmes, synthétiseurs – mais c’était plus comme un laboratoire électrique chaotique avec des fils partout. Nous avons essayé de faire de la musique avec des ordinateurs portables au milieu des années 2000, mais c’était vraiment difficile de créer à partir de l’ordinateur sans y mettre des choses. Dans un ordinateur, tout est rappelable à tout moment, mais la vie est une succession d’événements qui n’arrivent qu’une seule fois. »
DAFT PUNK A COMMENCÉ À TRAVAILLER SUR RANDOM ACCESS MEMORIES EN 2008
jouant presque tout seul et faisant des boucles, comme les Daft Punk l’avaient fait auparavant. Mais ça ne semblait pas bien. «Il est devenu clair que nous étions limités par notre propre handicap à tenir un groove comme nous le voulions pendant plus de huit ou 16 mesures», admet Bangalter. « Ce que nous aimons dans le disco, c’est l’idée de jouer le même groove encore et encore – votre cerveau peut dire que ce n’est pas un échantillon qui est rejoué. »
Les Daft Punk ont donc recruté des instrumentistes techniquement maîtrisés (le genre de gars qui ornent les couvertures de magazines comme Modern Drummer et Bass Musician ), ont réuni différentes combinaisons de joueurs, expliqué leurs idées, créé des partitions ou fredonné des mélodies, et collecté des tonnes d’enregistrements originaux. sur bande analogique. «L’idée de travailler avec des musiciens allait bien au-delà de l’amélioration du son», déclare Bangalter. «C’était l’occasion de créer quelque chose à un niveau très personnel avec les gens que nous admirons le plus.»
À cette fin, les Daft Punk rencontraient souvent ces collaborateurs au préalable pour parler des idées et des inspirations derrière l’album avant même d’entrer dans un studio. Nile Rodgers de Chic, le funk à succès Zelig derrière certains des coups de langue les plus lisses de tous les temps, se souvient avoir éclaté sa guitare jazz L5 à l’ancienne dans son salon lors de sa première rencontre avec Bangalter et de Homem-Christo l’année dernière.
«les Daft Punk sont tout simplement excités», dit-il. Les trois ont fini par enregistrer les parties de Rodgers au cours de quelques jours aux Electric Lady Studios de Manhattan, le même endroit où Chic a déposé son premier single en 1977. En plus de son jeu de guitare, Rodgers a également montré à Daft Punk certaines de ses méthodes d’enregistrement. «C’est comme ça que vous faisiez autrefois: quand une personne vous paie le gros prix, vous voulez vous assurer qu’elle est heureuse et qu’elle n’a pas à vous rappeler», dit Rodgers en riant. «Alors je les ai bombardés d’idées et je leur ai dit: ‘OK, maintenant vous comprenez cette merde.’»
En effet, décider comment organiser ce que Bangalter appelle «une énorme quantité d’actifs» a été la partie la plus difficile de mettre de la RAM ensemble, et pourquoi cela a pris si longtemps. Par exemple, même si les Daft Punk ont enregistré des parties d’orchestre pour presque toutes les chansons de l’album, ces cordes ne se sont terminées que sur trois ou quatre pistes. Même un morceau apparemment simple comme le premier single «Get Lucky» a pris environ 18 mois du début à la fin, car il est lentement passé d’un morceau basé sur Wurlitzer à l’hymne estival haletant que nous connaissons maintenant.
Le titre de l’album, qui a été réglé dès le début, est devenu un guide et une justification pour le coup de fouet du disque passe d’une chanson à l’autre et d’invité à invité. «Cela nous a aidés à comprendre comment tous ces collaborateurs pouvaient vivre ensemble», déclare Bangalter, Lovesexy , ou même sortir un quadruple album.
Mais de toutes les parties mobiles qui composent Random Access Memories , la section la plus épineuse à assembler était la pièce maîtresse de l’album de huit minutes, «Touch». La piste kaléidoscopique met en vedette Paul Williams, 72 ans, qui a écrit d’immenses succès pour les Carpenters, Barbra Streisand, et plus encore à son apogée des années 70, avant de sombrer dans l’abus de drogue et d’alcool dans les années 80, puis de se rétablir dans les années 90.
Daft Punk était obsédé par Williams dès son plus jeune âge, en grande partie à cause de son rôle dans l’opus pop schlocky 1974 du réalisateur Brian De Palma, Phantom of the Paradise., dans lequel il joue une goule faustienne qui échange son âme pour devenir l’imprésario par excellence du rock’n’roll. Le film est ridicule, drôle, divertissant et sans cesse référentiel – tout comme Daft Punk. (À un moment de notre entretien, Bangalter a laissé échapper que lui et de Homem-Christo avaient récemment eu une réunion avec De Palma pour «discuter de certaines choses», bien qu’il ait refusé de divulguer des détails.)
Pour l’inspiration, Bangalter a donné à Williams un livre d’histoires sur des personnes qui étaient mortes, sont revenues à la vie et se sont souvenues de parties de vies passées. Et les paroles de Williams parlent d’un réveil: «Je me souviens du toucher», chante-t-il avec envie.
«En tant que personne qui a été déclarée morte et qui est revenue, je pourrais me connecter à cette idée dans la chanson», dit Williams, qui est maintenant sobre depuis 23 ans et qui fait l’objet du récent documentaire tranquillement triomphant Still Alive.
Pendant ce temps, la chanson se déforme et se plie, flottant à travers les genres, les époques et les émotions avec un sentiment d’émerveillement hallucinatoire, ne rappelant rien de moins que «A Day in the Life» des Beatles.
«C’est comme le cœur du disque», dit de Homem-Christo, «et les souvenirs des autres morceaux tournent autour de lui.
Alors que Bangalter et de Homem-Christo parlent de «Touch», il y a encore un sentiment d’étonnement dans leurs voix. «C’était la chose la plus compliquée que nous ayons jamais faite», dit Bangalter. «Et c’est devenu tellement excitant parce que nous n’avions pas l’impression de prendre la voie facile.
Avec ce record, nous avons eu le luxe de faire des choses que tant de gens ne peuvent pas faire, mais cela ne signifie pas qu’avec le luxe vient le confort. C’est cet état d’esprit à enjeux élevés qui maintient ces gars dans une position enviable dans l’imaginaire collectif, peu importe le temps qu’ils prennent entre les tours de magie. Parce que si les Daft Punk sont encore capables de s’étonner…
REPORTAGE DE MICHAEL RENAUD
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mes photos sont publiées depuis de nombreuses années dans Focus Magazine. À chaque numéro, une double page est consacrée aux concerts du moment ou à un report photo d’un événement de l’actualité culturelle.
Focus MagazineMontpellier est une publication mensuelle qui met en lumière la vie culturelle, artistique et sociale de la ville de Montpellier. Chaque numéro offre un regard approfondi sur les événements, les lieux et les personnalités qui font la richesse de cette métropole méditerranéenne. Dans cet article, nous vous présenterons l’histoire du magazine, son contenu, ses différentes rubriques, sa présence en ligne, ses engagements locaux et comment s’abonner.
L’histoire du magazine
Fondé en 2003, Focus Magazine Montpellier a rapidement gagné en popularité auprès des lecteurs et des annonceurs locaux grâce à sa couverture exhaustive des sujets d’intérêt pour la population montpelliéraine. Depuis lors, le magazine n’a cessé de se développer et d’évoluer pour répondre aux attentes de son lectorat et des annonceurs.
Le contenu : couverture et rubriques
Focus Magazine Montpellier offre une variété de rubriques pour satisfaire les goûts et les intérêts de ses lecteurs. Voici un aperçu des rubriques les plus populaires :
Actualités culturelles
Cette rubrique présente les dernières nouvelles concernant les événements culturels, les expositions, les spectacles et les concerts à venir à Montpellier et dans ses environs.
Portraits
Dans cette rubrique, Focus Magazine Montpellier dresse le portrait de personnalités locales qui se distinguent par leur talent, leur engagement ou leur parcours exceptionnel. Ces portraits permettent de mieux connaître les acteurs de la vie montpelliéraine.
Lieux incontournables
Cette rubrique met en avant les lieux emblématiques de Montpellier, qu’il s’agisse de musées, de galeries d’art, de salles de concert ou de théâtres. Les lecteurs peuvent ainsi découvrir ou redécouvrir les trésors cachés de leur ville.
Agenda
L’agenda de Focus Magazine Montpellier fournit un calendrier complet des événements à venir dans la ville et ses environs. Il aide les lecteurs à planifier leurs sorties culturelles et à ne rien manquer des rendez-vous incontournables.
Cuisine et gastronomie
Cette rubrique gourmande explore l’univers culinaire montpelliérain, avec des critiques de restaurants, des recettes locales et des portraits de chefs et de producteurs locaux.
La présence en ligne et l’édition numérique
Focus Magazine Montpellier est également présent sur Internet avec un site web complet et une édition numérique. Les lecteurs peuvent ainsi consulter les articles du magazine en ligne, accéder à des contenus exclusifs et partager leurs découvertes avec leurs amis sur les réseaux sociaux.
Le site web
Le site web de Focus Magazine Montpellier offre un accès facile aux articles du magazine, ainsi qu’à des contenus exclusifs tels que des interviews, des vidéos et des galeries de photos. Il permet également de consulter l’agenda des événements à venir et de s’abonner à la newsletter pour recevoir les dernières actualités directement dans sa boîte e-mail.
L’édition numérique
L’édition numérique de Focus Magazine Montpellier est disponible sur les principales plateformes de lecture en ligne, telles que Magzter, Zinio et Joomag. Elle offre une expérience de lecture interactive et dynamique, avec des fonctionnalités telles que le zoom, la recherche d’articles et la possibilité de partager des extraits sur les réseaux sociaux.
Les événements soutenus par Focus Magazine Montpellier
Focus Magazine Montpellier est un acteur engagé dans la vie culturelle locale. Le magazine soutient et sponsorise régulièrement des événements tels que des expositions, des festivals de cinéma, des concerts et des spectacles. En s’associant à ces événements, il contribue au rayonnement culturel de la ville et à la promotion des talents locaux.
L’engagement communautaire et l’impact local
Focus Magazine Montpellier est bien plus qu’un simple magazine : c’est un véritable acteur de la vie locale, engagé dans le soutien aux initiatives culturelles et artistiques. Grâce à sa couverture médiatique et à ses partenariats, le magazine contribue à la promotion des talents locaux et au développement de la scène culturelle montpelliéraine.
Focus Magazine Montpellier est un incontournable pour tous ceux qui souhaitent découvrir ou approfondir leur connaissance de la vie culturelle montpelliéraine. Grâce à ses articles de qualité, ses rubriques variées et sa présence en ligne, le magazine offre un véritable panorama de la scène artistique et culturelle de la ville. N’attendez plus pour plonger dans l’univers passionnant ce magazine Montpellier et laissez-vous surprendre par les trésors cachés de la métropole méditerranéenne.
Focus Magazine recherche continuellement les tendances, les nouveaux talents, la nouveauté. La magazine impose le tour de force de la gratuité et de la qualité, le rendant incontournable dans le sud de la France. Bimestrielle créatif, il est un concentré «de vie urbaine et chic».
Dossier high-tech et design
Actualités
Interviews et portraits de designers, de grands artistes, chefs…
Escapade dans les plus belles villes du monde
Voitures de légende
Sélection de concerts, d’expositions, de spectacles… dans le Grand Sud
Chroniques d’albums et de bouquins
Guide urbain & fooding
Sorties
Où trouver Focus Magazine ?
Vous pouvez retrouver Focus Magazine tous les deux mois dans les meilleurs spots du sud de la France : Montpellier, Nîmes, Avignon, Aix-en-Provence et Marseille.
Focus Magazine : déjà 100 numéros
Focus magazine a commencé avec 36 pages, après 100 numéros, le magazine en a à présent 160.
Au fil des années Focus développé son contenu et a créé une direction artistique unique et de grande qualité à chaque numéro. Dernièrement, le numéro 100 a été publié, un véritable cap pour la magazine.
Pour l’occasion, le magazine à créé plusieurs couvertures différentes, et a fait appel au graphiste Supakich. SupaKitch est un artiste plasticien. Né à Bagnolet , il vit et travaille à Biarritz avec sa femme Koralie, également artiste reconnue.
SUPAKITCH dans Focus Magazine
Élevé dans la culture manga et hip-hop, passionné de dessin et de musique depuis son enfance, SupaKitch trouve dans la rue une multitude de soutiens qui lui permettent de grandir. Ses premiers graffitis datent de 1990. Vers 1994, le Graffiti prend une vraie place dans sa vie: sous le pseudonyme de « Ride » il fonde l’équipe HV. Un an plus tard, une rencontre avec Hazy (photographe et graffeur) et Eone (producteur de musique et graffeur) le conduiront à son premier travail dans lequel il mélange différentes techniques (peinture, photo et graphisme), dont le thème principal est la musique.
Véritable compositeur de mélodies graphiques, il continue d’explorer son concept « Listen To My Picture », s’appropriant la technologie des circuits imprimés. Cette technique, similaire à la technique des « gravures » des illustrateurs des siècles passés, symbolise aujourd’hui le début d’un progrès dans le domaine de l’électronique. Ce contraste de temps, de nostalgie et de progrès technologique est omniprésent dans son travail.
À la fin des années 90, il a commencé à mixer différentes techniques sur les murs, usant ainsi de la peinture aérosol, peinture avec pinceau, le pochoir ou encore le collage. Originaire du mouvement graffiti où le choix du mur et du fond joue un rôle essentiel, SupaKitch a commencé à créer ses propres résines en 2016 embellies de différents motifs.
Ces motifs lui rappellent la surface de l’océan, mais également la texture des éléments. La feuille d’or étant utilisée pour améliorer la réflexion du soleil. À travers la technique empruntée aux shapers, SupaKitch aime être surpris par les schémas que prennent ses oeuvres, moment où l’art suit son propre chemin.
La surface devient ainsi un objet qui peut être coupé pour créer un rythme dans la composition des oeuvres qui se fige ensuite grâce à la résine qui se solidifie.
Interview se Christophe MALSERT, Directeur de publication
Christophe Malsert est le directeur de la publication de ce magazine gratuit ; magazine papier bimensuel et magazine de style de vie en ligne. Distribué à Montpellier, Nîmes, Avignon et Marseille et s’adresse à tous les citadins dynamiques. J’aime vraiment sa ligne éditoriale.
Nous découvrons des articles sur de nombreux sujets tels que l’architecture et le design, l’évasion, la gastronomie, la musique … Sa coopération artistique dans le domaine du graphisme avec des illustrateurs talentueux rend ce city guide très attractif. Très curieux de ce « concentré urbain et vie stylée », c’est pour moi une sorte de contenu riche et innovant dont je suis un fan absolu! C’est pourquoi je suis heureux d’avoir eu le plaisir d’interviewer Christophe Malsert.
Comment gérez-vous la crise sanitaire actuelle de votre activité professionnelle ?
Christophe Malsert : Nous ne vous mentirons pas, les 4-5 premiers jours d’emprisonnement ont été très difficiles pour l’équipe, car nous préparions le magazine avril-mai. Nous ne savions pas combien de temps durerait la crise. Au début, nous devions également résoudre rapidement avec notre comptable un licenciement partiel de notre équipe et analyser notre capacité à rester dans le temps. Ensuite, nous avons commencé à réfléchir à la manière de rester en contact avec nos lecteurs (via les réseaux sociaux) et à essayer de soutenir nos partenaires (commerçants, très petites entreprises, etc.).
Focus est aussi un studio graphique, c’est pourquoi nous avons utilisé notre savoir-faire dans le domaine de la communication au service de nos clients. Actuellement, nous sommes tous en contact constant pour discuter de nouveaux sujets dont nous aimerions discuter dans les magazines suivants.
Le comportement de chacun d’entre nous va changer après cette crise et après cette période particulière, nous devons essayer de nous réinventer.
Quels sont vos « trucs et astuces » pour vous adapter à la nouvelle situation ?
Christophe Malsert : Nous n’avons pas vraiment de « trucs et astuces », mais ce que nous disons est logique. Même si la crise a changé notre rythme de vie, nous essayons d’imposer un petit horaire quotidien. Rester en forme (exercice physique régulier) est déjà une priorité. Si le corps est en forme, la tête et le moral suivent, mais nous en aurons besoin lorsque nous récupérerons.
Il y a aussi une bonne fermeture, il est TEMPS …. Du temps pour lire, du temps pour cuisiner (bien sûr avec des produits de saison pour les circuits courts), du temps pour s’entraîner … Du temps pour faire toutes les choses que nous repoussons habituellement plus tard dans l’année 😊. Il est particulièrement important de ne pas tomber dans le désastre, étant ivre de trop de messages anxieux (ou de faux messages) qui abondent dans les réseaux sociaux.
Essayons de rester positifs, il existe de nombreuses initiatives formidables, et les retenir crée une vague de solidarité sans précédent. Pensons à demain et apprenons à faire évoluer notre société (à notre niveau), qui est à un tournant.
Interview réalisée par myurbansweetnesses.fr
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
PHOTOMagazine est un magazine français qui paraît chaque deux mois. Photo magazine est entièrement consacré à la photographie. Le magazine traite de la photographie sous de nombreux aspects, du photojournalisme à la photographie d’avant-garde, en passant par la mode, la nature et le nu artistiques, ce qui caractérisent la plupart de ses couvertures.
Photo magazine traite la photographie et les nombreuses tendances en France et dans le monde. Il aborde la technique photographique et séduit les grands photographes en leur les pages du magazine. Photo magazine, de par sa longévité et sa présence internationale, est, comme il aime à l’avancer en signature, « une référence à l’image depuis 1967. »
PHOTO Magazine : les plus belles couvertures
Magazine photo années 80 – magazine photo
Magazine photo années 80 – magazine photo
L’histoire de PHOTO Magazine
En 1967, Daniel Filipacchi qui est à la tête d’un groupe d’une vingtaine de titres de presse, crée le magazine sur une idée de Walter Carone, photojournaliste pour le magazine Paris Match.
Walton Carone 1920-1982. Walter Carone a appris le métier de photographe auprès de son père, un Italien immigré à Cannes, spécialisé dans les mariages et les banquets.
En 1945, il part tenter sa chance à Paris, équipé d’une caméra et de plusieurs pellicules. Il a débuté à Cinévie avant de travailler pour France-Dimanche, Point de Vue, Elle et enfin pour Paris-Match, qui l’a engagé trois mois avant la parution du premier numéro.
Sa carrière est étroitement liée au développement de Paris-Match, dont il était journaliste vedette, chef du département photographie et rédacteur en chef adjoint. Il a ensuite mis son talent et son expérience au service des amateurs, en créant Photo magazine, puis Photo Journal.
Catherine Deneuve inaugurera le magazine en juillet 1968, photographiée par David Bailey, son compagnon du moment.
Roger Thérond
Roger Thérond, ancien rédacteur en chef de Paris Match, rejoint la direction de du magazine et lance en 1977 le « concours amateur » (qui se poursuit à ce jour avec 50 000 candidats).
Il est officiellement directeur de la publication de PHOTO Magazine depuis avril 1969. Il recherche continuellement les photographes les plus prestigieux du moment, comme Rizzo, Brassaï, Lachapelle ou encore Richard Avedon.
Jean-Louis Swiners
Ancien rédacteur en chef de Terre d’Images, a rejoint l’équipe dans le deuxième numéro et est devenu directeur de la publicité jusqu’en 1974. Régis Pagniez a conçu non seulement le logo, mais également le design, et créé de très nombreux portfolios qui ont contribué au succès du magazine.
Quelques années plus tard, il quitte la rédaction pour émigrer en Amérique. Walter Carone sera nommé rédacteur en chef dans les années 1970-1973.
Jean-Jacques Naudet
Jusqu’en 1988, Jean-Jacques Naudet exerce des responsabilités au sein de la rédaction puis, en 1988, il laisse la place à Michel Decron, qui devient rédacteur en chef.
Agnès Grégoire
Agnès Grégoire a rejoint Photo magazine en 1988, en tant que rédactrice puis est devenue rédactrice, puis chef de département puis rédactrice adjointe, elle est devenue rédactrice en 2011 puis rédactrice en chef en 2015.
Son expérience en photographie est conséquente et il lui a permis de devenir rapporteur à l’Académie des Beaux-Arts. Elle exerce régulièrement des fonctions de conseil dans le domaine de la photographie.
Agnès Grégoire contribue à Photo España (lecture de portfolio), aux festivals de Guangzhou et de Lianzhou en Chine, au Zoom Photo Festival au Saguenay, Québec.
PHOTO Magazine – magazine photo années 80 – magazine photo
Évolution du contenu de PHOTO Magazine
La photo avant-gardiste a donné le ton du magazine à la fin des années 1960 (Art Kane, Pete Turner, Jay Maisel). Dès le tout début Photo s’est distingué comme le premier magazine présentant les shootings de grands photographes tels que Richard Avedon, Peter Lindhberg, David Lachapelle, Robert Capa, Guy Bourdin, Henri Cartier-Bresson …
Entre deux scoops « sexy », le magazine fait parfois scandale, révélant parfois en couverture de transsexuels et hermaphrodites ou offrant des photos de mineurs par Louis Malle.
En 1975 la célèbre photo de Brooke Shield jeune fit la une de Photo Magazine en 1978. Mais lorsque 3 ans plus tard, l’adolescente tente d’empêcher de nouvelles parutions et tente de récupérer les négatifs, Brooke Shield se heurte à la justice. Conclu entre sa mère et Garry Cross, le contrat prévoyait une cession totale des droits au photographe.
Après deux années de bataille juridique, Brooke Shield est finalement déboutée, et Gross ruiné.
Le magazine a été créé pendant la guerre du Vietnam et avant mai 1968. Il offre également un espace de reportage sur le terrain puis sur des sujets liés à la nature et s’inscrit dans son histoire proche du monde de la mode, l’accueillant avec des exemples d’œuvres de Cecil Beaton, Helmut Newton, William Klein …
En 1989, Photo Magazine crée le festival « Visa pour l’image« , qui rassemble chaque année des photojournalistes du monde entier (expositions, rencontres, spectacles). Le festival est rapidement reconnu internationalement par les professionnels de l’image, et le directeur est Jean-François Leroy.
La photographie utilise des relations privilégiées avec les grands photographes, les engageant dans l’écriture par écrit, avec divers acteurs étrangers dans le monde de la photographie. Plusieurs de ces correspondants ont parrainé le numéro annuel des « amateurs spéciaux » en présentant un des thèmes en lien avec leur spécialisation. PHOTO Magazine reçoit jusqu’à 50 000 photos chaque année dans le cadre du « World’s Largest Photo Contest ».
Publié en impressionpapier au début des années 90. Photo lance son site Internet en 1995. Après le décès de Roger Thérond en 2001, le groupe HFM, qui détenait déjà 50% du capital mensuel, obtient le solde des héritiers en 2002. Dix ans plus tard, en 2011, le magazine a été vendu à Magweb. Monika Bacardi et David Swaelens-Kane sont devenus propriétaires en 2014.
Autour de PHOTO Magazine
Le magazine s’est associé à diverses activités liées à la photographie, dont le Photo Management (« coaching » d’artistes), initié par l’EPMA depuis 2015. Photo Management intervient, accompagne les jeunes talents, les expose en Europe et en Amérique, à travers différents partenariats.
Le magazine réalise plus de la moitié de ses ventes à l’étranger dans environ 70 pays. PHOTO Magazine Entretient des relations privilégiées avec les professionnels de la photo, y compris les photographes.
PHOTO Magazine : Infos et chiffres
Directeur de la rédaction : Agnès Grégoire
Date de fondation : 1967
Ville d’édition : Paris
Prix au numéro : 6,90 €
Diffusion : 26 000 ex
Périodicité : bimestriel
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le magazine PHOTO est un magazine mensuel français consacré à la photographie. Il a été créé en 1967 et est considéré comme l’un des magazines les plus respectés dans le monde de la photographie. Il propose des articles sur l’histoire de la photographie, des interviews de photographes célèbres, des critiques d’expositions, des astuces techniques, des portfolios de photographes et bien plus encore.
2. Qui est le public cible du magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO s’adresse principalement aux amateurs et aux professionnels de la photographie. Il est destiné à toute personne qui s’intéresse à la photographie en tant qu’art ou en tant que métier, qu’il s’agisse de la photographie numérique ou de la photographie argentique.
3. Comment s’abonner au magazine PHOTO ?
Il est possible de s’abonner au magazine PHOTO en ligne sur le site officiel du magazine ou en appelant le service abonnement. Différentes formules d’abonnement sont proposées, allant de l’abonnement annuel au tarif standard à l’abonnement en ligne pour une durée de trois mois.
4. Quels types d’articles sont publiés dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO propose une variété d’articles sur la photographie, notamment des articles techniques sur les techniques de prise de vue, de traitement d’images et d’impression, des articles sur l’histoire de la photographie, des interviews de photographes renommés, des portfolios de photographes émergents et établis, des critiques d’expositions et de livres de photographie, et bien plus encore.
5. Comment soumettre des images pour publication dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO n’accepte pas les soumissions non sollicitées d’images pour publication. Cependant, il organise régulièrement des concours photo sur différents thèmes ouvert à tout le monde. Les concours sont annoncés sur le site web du magazine ou dans les pages du magazine.
6. Le magazine PHOTO est-il disponible en version numérique ?
Oui, le magazine PHOTO est disponible en version numérique. Les abonnés peuvent télécharger le magazine au format PDF sur le site web du magazine. Des applications mobiles sont également disponibles pour les smartphones et tablettes, permettant de lire le magazine sur ces appareils.
7. Le magazine PHOTO est-il disponible en anglais ?
Non, le magazine PHOTO n’est disponible qu’en français. Cependant, certaines parties du site web du magazine, comme les interviews de photographes célèbres, peuvent être disponibles en anglais.
8. Y a-t-il un forum ou une communauté en ligne associée au magazine PHOTO ?
Oui, le site web du magazine propose une section communauté où les lecteurs peuvent partager leurs images, discuter de la photographie et échanger des astuces techniques. Le magazine organise également des événements et des ateliers en personne pour les membres de la communauté.
9. Quels sont les photographes célèbres qui ont été présentés dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO a présenté de nombreux photographes célèbres au fil des ans, tels que Sebastião Salgado, Henri Cartier-Bresson, Annie Leibovitz, Richard Avedon, Robert Capa, William Klein, et bien d’autres encore. Régulièrement des interviews et des portraits de photographes renommés, ainsi que des critiques d’expositions présentant les œuvres de photographes établis et émergents.
10. Quelles sont les tendances actuelles en matière de photographie présentées dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO est à l’affût des tendances actuelles en matière de photographie. Ces dernières années, il s’est intéressé aux tendances émergentes telles que la photographie de rue, la photographie de paysage, la photographie documentaire et le photojournalisme, ainsi qu’à l’utilisation de nouvelles technologies dans la photographie, telles que la réalité augmentée et la photographie 360 degrés.
Le magazine explore également les nouvelles façons de présenter et de partager les images, notamment en ligne sur les réseaux sociaux et les plateformes de partage de photos.
Rammstein est un groupe perfectionniste. Cela devient encore plus clair lorsque l’on regarde le nouveau making of des photos de leur nouvel album.
2019 était sans aucun doute l’année de Rammstein. Après dix ans, Till Lindemann and Co. ont sorti un nouvel album et le sextet a également effectué une tournée des stades en Europe. Maintenant, les métalleux donnent un aperçu des préparations du shooting. Personnellement, les documentaires sur les artworks me passionnent. Concernant Rammstein, nous sommes face à une véritable machine de guerre, dont les budgets permettent toutes les folies.
Une mise en scène somptueuse
Rammstein présente un documentaire de huit minutes sur YouTube (voir ci-dessus).
Une équipe de vidéastes a accompagné le groupe lors d’une séance photo de quatre jours. C’est le photographe Jes Larsen qui s’est occupé du shooting photo, avec lequel il a ensuite conçu l’illustration du nouvel album.
Ce shooting nous présente Larsen lui-même, le retoucheur Marty Bo Kristensen et le styliste Vibe Dabelsteen.
Rammstein nouvel album : le rouleau compresseur allemand
Dix ans après « Liebe ist für alle da », Rammstein a finalement rompu le silence avec un nouvel album sans titre, dont l’image est une allumette sur un fond blanc immaculé. La mèche est aussitôt allumée, dès le premier passage mis en évidence par le clip controversé « Deutschland », qui dévoile une génération mal à l’aise avec l’histoire de son pays.
« L’Allemagne, mon cœur en flammes / Je veux t’aimer et je te maudis », a scandé le chanteur Till Lindemann avec un grand froid. Le groupe reste le même avec ses rythmes de guerre puissants. Des guitares saturées sont présentes, tout comme les effets électroniques emblématiques de ce « tanzmetal » allemand que le groupe berlinois maîtrise à la perfection.
Rammstein nouvel album
Ce septième album a été un énorme succès, catapultant d’abord en termes de ventes en Europe et dans le top 10 aux États-Unis et en Australie.
Pour le groupe utilisant la langue Goethe, qui est plutôt du genre métal industriel, il n’y a pas de précédent. Certes, le groupe allemand a légèrement adouci son point de vue alors que le tempo ralentit au son d’un arpège plus léger après l’introduction de « Puppe » ou d’une ballade propre comme « Diamond » avec une guitare classique et un violoncelle à la fin.
Le diable restant caché dans les détails, onze chansons couchées sur le CD méritent une écoute attentive, car l’album est plein de découvertes, d’arrangements et de messages de guerre condamnant les monstres pédophiles, ou les effets pervers du nationalisme.
Après la première tournée à guichets fermés des stades européens en 2019, un nouvel ensemble de dates pour l’été 2020 étaient prévus.
Malheureusement, le COVID 19 aura eu la peau des guerriers allemands
Rammstein nouvel album
Rammstein nouvel album
Rammstein nouvel album : Le groupe ?
Rammstein est un groupe de métal allemand de Berlin. Créée en 1994, elle était composée des débuts de six membres d’Allemagne de l’Est; décrit comme appartenant au genre Neue Deutsche Härte, est le représentant le plus connu. Les paroles du groupe sont principalement en allemand, c’est aussi le groupe germanophone le plus vendu au monde, près de 20 millions d’albums ont été vendus, mais parfois il comprend également des paroles en anglais, français, espagnol et même russe.
Connu pour ses concerts multipliant les effets de la pyrotechnie et de la mise en scène créative,il a à son actif depuis sa création sept albums studio, dont la musique est souvent considérée comme du métal industriel. La classification exacte de la musique du groupe est souvent remise en cause, car elle contient également de fortes influences de la musique électronique, du rock.
Groupe hybride à l’empreinte reconnaissable immédiatement, Rammstein est aujourd’hui un énorme poids lourd du métal mondial et ne joue principalement que dans des stades.
Metallica : Retour sur l’histoire d’un groupe de métal légendaire
Depuis leur formation en 1981, Metallica a marqué la scène metal et musicale mondiale. Ce groupe de metal américain originaire de Californie a réussi à s’imposer grâce à son talent et sa passion pour la musique. Dans cet article, nous allons revenir sur l’histoire du groupe et les événements qui ont construit cette légende vivante.
Les débuts du groupe
Metallica voit le jour lorsque que Lars Ulrich, un jeune batteur danois venu tenter sa chance aux États-Unis, passe une annonce dans un journal local afin de trouver des musiciens partageant son amour pour le heavy metal anglais. C’est ainsi qu’il rencontre James Hetfield, chanteur et guitariste amateur, avec qui il décide de former Metallica.
Dave Mustaine et l’album « Kill ‘Em All »
Rejoint par le bassiste Ron McGovney et le guitariste Dave Mustaine, originellement prévu pour jouer seulement quelques jours, le groupe commence à répéter et joue ses premiers concerts locaux. En 1984, ils présentent leur premier album, « Kill ‘Em All« .
Toutefois, dû à des tensions internes, Dave Mustaine est congédié du groupe peu avant le début de l’enregistrement de l’album. Il est remplacé par Kirk Hammett et fonde plus tard le groupe Megadeth. Malgré ces changements, « Kill ‘Em All » connait un succès sur la scène underground et Metallica est désormais sur le radar des fans de metal.
L’ascension vers la gloire
Ce n’est que deux ans plus tard, avec la sortie de leur deuxième album « Ride the Lightning« , que Metallica connait une explosion de popularité. Cet album introduit des éléments plus progressifs, ainsi qu’une utilisation notable du chant clair de James Hetfield, montrant la volonté du groupe à explorer de nouvelles voies artistiques.
Master of Puppets : l’apogée
En 1986, Metallica sort son troisième album, « Master of Puppets« . Considéré comme l’un des meilleurs albums de heavy metal de tous les temps, il propulse le groupe au rang d’icônes du genre et renforce sa position en tant que pilier du mouvement thrash metal américain.
Mais cette année est aussi marquée par un événement tragique : lors d’une tournée européenne, le groupe est victime d’un accident de bus qui coûte la vie à Cliff Burton, leur bassiste très talentueux. Traumatisés mais déterminés à continuer, Metallica recrute Jason Newsted pour prendre sa place et poursuit sa route.
Les années 1990 : évolutions et succès commercial
Avec l’arrivée de Newsted, le groupe connaît plusieurs changements artistiques. Leurs deux premiers albums de la décennie, « Metallica » (aussi appelé « The Black Album ») et « Load », montrent une nette évolution vers un style plus accessible, combinant heavy metal et rock n’ roll.
La controverse Napster et le départ de Jason Newsted
En 2000, Metallica se retrouve au centre d’un scandale lorsque leur chanson inédite « I Disappear » est leakée sur la plateforme de téléchargement Napster. Déclenchant une bataille juridique majeure contre Napster, les membres du groupe deviennent alors les figures de proue de la lutte contre le piratage en ligne.
Cette même année, Jason Newsted quitte soudainement le groupe, invoquant des raisons personnelles. Il sera remplacé quelques années plus tard par Robert Trujillo, qui assure toujours aujourd’hui la basse pour Metallica.
Metallica dans les années 2010 et au-delà
Avec l’album « Death Magnetic » en 2008 et surtout « Hardwired… to Self-Destruct » en 2016, Metallica revient à ses racines thrash et continue de dominer la scène métal mondiale, multipliant les tournées et les passages lors de différents festivals.
Innovations musicales et projets parallèles
Tout en restant fidèle à leur style initial, Metallica a également exploré plusieurs projets innovants, comme leur collaboration avec le compositeur Michael Kamen et l’orchestre symphonique de San Francisco en 1999 (« S&M »), ou encore leur album en collaboration avec Lou Reed, « Lulu », en 2011. Ces expériences ont montré que le groupe n’a jamais cessé d’expérimenter et de repousser les limites de leur art.
Une influence sur la culture et la société
Au fil des ans, Metallica est devenu bien plus qu’un simple groupe de metal : c’est une véritable institution qui a inspiré de nombreux artistes, contribué à populariser le genre auprès du grand public et laissé une empreinte indélébile dans l’histoire de la musique.
Lars Ulrich, batteur et fondateur du groupe, s’est illustré en tant que militant pour la protection des droits d’auteur et la lutte contre le téléchargement illégal.
Kirk Hammett, guitariste principal, est également auteur et collectionneur de films d’horreur, ayant même lancé son propre festival dédié au genre.
James Hetfield, chanteur et guitariste rythmique, soutient activement plusieurs associations caritatives et utilise sa notoriété pour promouvoir des causes environnementales et sociales.
Metallica, sans aucun doute, restera dans les mémoires comme l’un des groupes les plus marquants et influents du monde du métal. Leurs succès commerciaux, tout autant que leurs prises de position et leur travail sur la scène musicale, montrent un engagement sincère envers leur art et leur public. Et avec plus de quarante ans de carrière derrière eux, on ne peut qu’être impressionné par leur longévité et leur passion inaltérable pour la musique.
Quel est l’origine de la création de Metallica ?
Metallica a été formé à Los Angeles en 1981 par le chanteur/guitariste James Hetfield et le batteur Lars Ulrich. Les deux musiciens ont rapidement commencé à chercher des membres pour compléter leur groupe, recrutant le guitariste Dave Mustaine et le bassiste Ron McGovney pour former la formation originale de Metallica.
Après avoir enregistré une démo et joué des concerts locaux, Mustaine a été renvoyé du groupe en 1983 en raison de problèmes de drogue et d’alcool, et a ensuite formé son propre groupe, Megadeth. Kirk Hammett a été recruté pour remplacer Mustaine à la guitare solo peu de temps après.
La sortie de Kill ‘Em All en 1983 a marqué le début de la légitimation du underground du heavy metal, apportant une nouvelle complexité et profondeur au thrash metal.
Avec chaque album, le jeu et l’écriture du groupe se sont améliorés; James Hetfield a développé un rythme qui correspondait à son grognement, tandis que le guitariste principal Kirk Hammett est devenu l’un des guitaristes les plus copiés du métal.
Pour compléter le package, la batterie tonitruante (mais complexe) de Lars Ulrich s’est parfaitement adaptée au jeu de basse innovant de Cliff Burton .
La vraie naissance du thrash. Sur Kill ‘Em All , Metallica fusionne le riffing complexe de New Wave de groupes britanniques de Heavy Metal comme Judas Priest , Iron Maiden et Diamond Head avec la vélocité de Motörhead et du punk hardcore. James Hetfield Le style de guitare rythmique très technique anime la majeure partie de l’album, établissant de nouvelles normes de puissance, de précision et d’endurance.
Mais vraiment, le reste du groupe est tout aussi adroit, jouant avec une fureur contrôlée, même aux tempos les plus ridiculement rapides. Il existe déjà plusieurs compositions étendues et multi-sections préfigurant les épopées progressives ultérieures du groupe, bien que celles-ci soient motivées par l’adrénaline, pas par la texture.
Quelques hommages au heavy metal lui-même sont un peu datés lyriquement; comme Diamond Head , la plus grande influence du groupe, le son le plus efficace de Kill ‘Em All est celui de la malveillance surnaturelle – en tant que son pur, le disque est déjà tout droit sorti des enfers. Ex-membre Dave Mustainea co-écrit quatre des dix pistes originales, mais le matériau fait tous les sons d’une pièce.
Et en fait, quiconque a travaillé en arrière dans le catalogue du groupe pourrait ne pas apprécier pleinement l’impact de Kill ‘Em All lors de sa première apparition – contrairement aux versions ultérieures, il n’y a tout simplement pas beaucoup de variations musicales (à part un solo de basse lyrique de Cliff Burton ). L’ambition musicale du groupe a également grandi rapidement, alors aujourd’hui, Kill ‘Em All sonne plus comme le fondement de plus grandes choses à venir.
Mais cela n’enlève rien à la fraîcheur de son son lors de la première sortie, et le temps n’a pas atténué la montée vertigineuse de l’excitation dans ces performances. Effrayant, impressionnant et absolument implacable, Kill ‘Em All est un pouvoir destructeur pur, exécuté avec des niveaux de précision scientifique à couper le souffle.
Metallica : Master of Puppets 1986
Même si Master of Puppets n’a pas fait un bond en avant aussi gigantesque que Ride the Lightning , c’était la plus grande réussite du groupe, saluée comme un chef-d’œuvre par des critiques bien en dehors du public principal du heavy metal.
Il a également été un succès substantiel, atteignant le Top 30 et se vendant à trois millions d’exemplaires malgré une diffusion aérienne absolument inexistante. Au lieu d’une réinvention radicale, Master of Puppets est un raffinement des innovations passées.
En fait, il est possible de comparer la chanson Ride the Lightning et Master of Puppets pour la chanson et de noter les similitudes frappantes entre les positions de piste correspondantes sur chaque enregistrement .
Metallica concert
Ce soupçon de conservatisme est vraiment le seul défaut imaginable ici. Bien que ce ne soit pas aussi surprenant que Ride the Lightning , Master of Puppets se sent plus unifié, à la fois sur le plan thématique et musical. Tout y est explosé dans des proportions épiques (en effet, les chansons sont en moyenne beaucoup plus longues), et le groupe se sent plus en contrôle de sa direction.
Cependant, vous ne le sauriez jamais par les paroles – d’une manière ou d’une autre, presque toutes les chansons de Master of Puppets traitent de la peur de l’impuissance. Parfois, il s’agit d’une autorité hypocrite (chefs militaires et religieux), parfois d’impulsions humaines primaires et incontrôlables (drogues, folie, rage), et,Mode HP Lovecraft , parfois des monstres.
Pourtant, en coupant l’album avec deux tranches de chaos de thrash (« Battery » et « Damage, Inc. »), le groupe règne triomphant par la force – du son, de la volonté, de la méchanceté. Les arrangements sont épais et musclés, et le matériau varie suffisamment en texture et en tempo pour retenir l’intérêt à travers tous ses rebondissements.
Certains critiques ont appelé Master of Puppets le meilleur album de heavy metal jamais enregistré; si ce n’est pas le cas, cela se rapproche certainement. [En 2017, le groupe a sorti une énorme édition élargie de l’album avec une variété d’options de package physique, dont la plus ambitieuse était un coffret exhaustif qui comprenait un livre relié, des extraits et des interviews inédites, trois LP, dix CD, un cassette, deux DVD, une lithographie, un dossier avec des paroles manuscrites et un ensemble de six boutons.]
Après avoir sorti leur chef-d’œuvre Master of Puppets en 1986, la tragédie a frappé le groupe lorsque leur bus de tournée s’est écrasé lors d’un voyage en Suède.
Burton est décédé dans l’accident. Lorsque le groupe a décidé de continuer, Jason Newsted a été choisi pour remplacer Burton ; deux ans plus tard, le groupe a sorti le concept ambitieux … Et Justice for All , qui a frappé le Top Ten sans aucun single et très peu de soutien de MTV.
Metallica : And Justice for all
L’aspect le plus immédiatement perceptible de … Justice for all n’est pas la composition sophistiquée toujours croissante de Metallica ou le portrait lyrique apocalyptique d’une société en décadence. C’est la production étrange et sèche.
Les guitares bourdonnent légèrement, les tambours cliquent plus que les livres et la basse de Jason Newsted est presque inaudible. C’est dommage que le son froid et plat obscurcisse certains détails sonores, parce que … Et Justice for all est l’œuvre la plus complexe et ambitieuse de Metallica ; chaque chanson est une suite étendue, avec seulement deux des neuf pistes en moins de six minutes.
Metallica concert
Metallica concert
Il faut du temps pour s’enfoncer, mais compte tenu du temps, … Et Justice for all révèle pour certains, le meilleur matériau de Metallica . Il révèle également la détermination du groupe à retirer tous les arrêts de composition, en ajoutant des sections supplémentaires, des signatures rythmiques impaires et des toiles denses d’arpèges de guitare et de pistes harmonisées. Parfois, il semble qu’ils le font simplement parce qu’ils le peuvent; certaines parties de l’album manquent de direction et auraient probablement dû être coupées pour le moment.
En ce qui concerne le rythme, l’album suit à nouveau de manière lâche le plan de Ride the Lightning , mais pas aussi étroitement que Master of Puppets. Cette fois-ci, la quatrième chanson – une fois de plus une ballade avec un refrain thrashy et un outro – a donné au groupe l’un des 40 singles les plus incroyables de l’histoire; « One » était un classique du métal instantané, basé sur le roman anti-guerre de Dalton Trumbo Johnny Got His Gun et culminant avec une imitation de mitrailleuse pulvérisée.
Dans l’ensemble, les opinions sur And Justice for all restent quelque peu divisées: certains pensent que c’est un chef-d’œuvre légèrement imparfait et le summum des années progressistes de Metallica ; d’autres le voient comme gonflé et trop ambitieux. L’une ou l’autre interprétation peut être facilement appuyée, mais le groupe a clairement pris cette direction aussi loin qu’il le pouvait.
La difficulté de reproduire ces chansons en concert a finalement convaincu Metallica qu’il était temps de procéder à une refonte.
Metallica 1991
Metallica a complètement traversé le courant dominant avec Metallica de 1991, un effort éponyme qui a permis au groupe d’échanger ses longues compositions contre des structures de chansons plus concises. Parsemé de succès comme « Wherever I May Roam » et « Enter Sandman », il en est résulté un album numéro un qui s’est vendu à plus de sept millions d’exemplaires aux États-Unis seulement.
Pour soutenir le record, Metallica a lancé une longue tournée qui a gardé les musiciens sur la route pendant près de deux ans.
Après la production confuse et les structures de chansons ultra compliquées de … And Justice for All , Metallica a décidé qu’ils avaient poussé les éléments progressifs de leur musique aussi loin qu’ils le pouvaient et qu’une simplification et une rationalisation de leur son était de mise. Bien que l’évaluation ait du sens d’un point de vue musical, elle a également été l’occasion de commercialiser leur musique, et Metallica atteint les deux objectifs.
Metallica concert
Les meilleures chansons sont plus mélodiques et immédiates, les grooves écrasants et dépouillés de « Enter Sandman », « Sad but True » et « Wherever I May Roam » qui collent aux structures traditionnelles et utilisent les mêmes riffs principaux; la production nette et professionnelle de Bob Rock ajoute à leur accessibilité.
« The Unforgiven » et « Nothing Else Matters » évitent les riffs de guitare slash-and-burn qui ont toujours rythmé les ballades du groupe; ce dernier est une chanson d’amour à part entière avec une section de cordes, qui fonctionne beaucoup mieux que l’on pourrait imaginer.
L’écriture de chansons et de riff glisse ici et là, un événement rare pour Metallica , que certains fans de longue date ont interprété comme un remplisseur à côté d’un lot de singles calculé pour le succès commercial.
Les objections portaient souvent davantage sur l’idée que Metallica faisait quelque chose de explicitement commercial, mais des millions d’autres n’étaient pas d’accord. En fait, la popularité du groupe a explosé à tel point que la plupart de son catalogue arrière a trouvé une acceptation générale à part entière, tandis que d’autres groupes de speed metal progressivement inclinés copiaient le mouvement vers la simplification.
Rétrospectivement, Metallica est un bon groupe, mais pas tout à fait génial, dont les meilleurs moments ont mérité à juste titre la couronne du heavy metal, mais dont l’approche a également laissé présager un déclin créatif.
Dans les années 90, Metallica avait changé les règles de tous les groupes de heavy metal; ils étaient les leaders du genre, respectés non seulement par les headbangers, mais par les acheteurs et les critiques de disques traditionnels.
Metallica : Load et Re-load
Aucun autre groupe de heavy metal n’a jamais réussi un tel exploit. Cependant, le groupe a perdu une partie de son public principal avec son suivi tant attendu de Metallica , 1996’s Load .
L’album déplace le groupe vers le rock alternatif en termes d’image – les membres du groupe se coupent les cheveux et se font prendre en photo par Anton Corbijn . Bien que l’album ait été un succès dès sa sortie d’été, entrant dans les palmarès au premier rang et se vendant à trois millions d’exemplaires en deux mois, certains membres de la « fan base » de Metallica s’est plainte du changement d’image, ainsi que de la décision du groupe de faire le Lollapalooza.
Metallica concert
Re-Load , qui combinait du nouveau matériel avec des chansons qui n’avaient pas été enregistrées par Load , est apparu en 1997; malgré de mauvaises critiques, il s’est vendu à un rythme généralement soutenu et a donné naissance à plusieurs singles à succès, dont « Fuel » et « The Memory Remains ».
Metallica : Garage Inc, une collection de faces B
Garage Inc.,une collection de faces B, de raretés et de covers re enregistrées, a suivi en 1998. La prise de Metallica sur « Turn the Page » de Bob Seger a aidé à maintenir leur présence dans les charts, et le groupe a poursuivi son flot de produits avec S&M en 1999 avec l’Orchestre symphonique de San Francisco .
L’album fait ses débuts dans les charts directement en seconde position, reconfirmant l’immense popularité du groupe.
Metallica a passé la majeure partie de 2000 dans la controverse en menant une attaque judiciaire contre Napster, un service de partage de fichiers qui permettait aux utilisateurs de télécharger des fichiers musicaux à partir de leurs ordinateurs respectifs.
Ciblant de manière agressive la violation des droits d’auteur de leur propre matériel, Metallica a notoirement fait condamner plus de 300 000 utilisateurs, créant un débat généralisé sur la disponibilité de la musique numérique qui a fait rage pendant la majeure partie de l’année.
En janvier 2001, le bassiste Jason Newsted a annoncé son départ amical du groupe. Peu de temps après que le groupe soit apparu aux ESPN Awards en avril de la même année, Hetfield , Hammett et Ulrichest entré dans le studio d’enregistrement pour commencer à travailler sur leur prochain album, avec le producteur Bob Rock qui s’occupera de la basse pour les sessions (pendant ce temps, des rumeurs circulaient sur l’ancien bassiste Ozzy Osbourne / Alice in Chains Mike Inez étant envisagé pour le poste vacant).
En juillet, Metallica a abandonné son procès contre Napster, sentant peut-être que leur position controversée faisait plus de mal que de bien à leur image de « groupe du peuple ».
Le même été, les sessions d’enregistrement du groupe (et toutes les autres questions liées au groupe) ont été suspendues alors que Hetfield entrait dans un centre de réadaptation non divulgué pour alcoolisme et autres dépendances. Il a terminé le traitement et a rejoint Metallica alors qu’ils retournaient au studio en 2002 pour enregistrer St. Anger , qui était sorti mi-2003.
L’enregistrement de St. Anger a été couronné par la recherche d’un remplaçant permanent pour Newsted . Après un long processus d’audition, l’ancien bassiste d’ Ozzy Osbourne / Suicidal Tendencies , Robert Trujillo, a été sélectionné et a rejoint Metallica pour leur tournée mondiale 2003-2004.
Les douleurs croissantes que le groupe a connues pendant l’enregistrement de St. Anger ont été capturées dans le célèbre documentaire Some Kind of Monster , qui a vu le jour en 2004. Quatre ans plus tard, le groupe est revenu avec Death Magnetic, un album énergique qui a ramené le groupe à ses racines du début des années 80.
L’ancien producteur de Slayer , Rick Rubin, a dirigé l’album, après avoir remplacé le producteur de longue date du groupe, Bob Rock , tandis que Kirk Hammett (à qui il était interdit de jouer des solos de guitare sur St.Anger ) a parsemé le disque de riffs métalliques et de solos frénétiques.
Metallica : Death Magnetic
Death Magnetic a passé trois semaines numéro un des charts Billboard et le groupe l’a soutenu avec une vaste tournée internationale qui comprenait un concert de festival avec Slayer , Megadeth et Anthrax .
Metallica a conclu son contrat Warner avec Death Magnetic – les extraits des sessions sont apparus sous le nom de Beyond Magnetic EP fin 2011 – et alors qu’ils exploraient leurs options, ils ont entamé une collaboration avec Lou Reed , libérant l’ambitieux et arty Lulu dans à l’automne 2011.
En 2012, Metallica a lancé son propre label, Blackened, qui serait distribué par Universal; puis, l’année suivante, ils ont annoncé la sortie de leur deuxième film, Through the Never , qui combinait des images de concert spectaculaires d’eux explosant à travers les joyaux de leur catalogue arrière avec une odyssée surréaliste de road-trip avec Dane DeHaan.
Le film et l’album de la bande originale qui l’accompagne sont sortis en septembre 2013.
Au cours des prochaines années, Metallica a joué le concert occasionnel de haut niveau alors qu’ils travaillaient sur un nouvel album studio.
En 2016, le groupe a lancé une série de rééditions étendues, à commencer par les éditions de luxe de Kill ‘Em All et Ride the Lightning . Ces rééditions étaient le préambule de la publication de novembre de Hardwired … To Self-Destruct , un double album qui fut la première nouvelle musique du groupe en huit ans.
Produit par Greg Fidelman , James Hetfield et Lars Ulrich , Hardwired … To Self-Destruct a fait ses débuts au numéro un dans le monde lors de sa sortie en novembre 2016. L’année suivante, le groupe a sorti une édition massive et élargie de leur LP historique de 1986, Master of Puppets .
L’histoire continue pour Metallica…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Metallica est un groupe de heavy metal américain formé en 1981 à Los Angeles, en Californie. Les membres fondateurs du groupe étaient le chanteur et guitariste James Hetfield et le batteur Lars Ulrich, qui ont ensuite été rejoints par le guitariste Kirk Hammett et le bassiste Robert Trujillo.
Le groupe est devenu célèbre dans les années 1980 et 1990 pour leur style musical rapide et agressif, leurs paroles puissantes et leurs performances scéniques énergiques.
2. Quel est le style musical de Metallica ?
Metallica est souvent considéré comme un pionnier du thrash metal, un sous-genre du heavy metal qui se caractérise par des tempos rapides, des riffs de guitare puissants et une agressivité générale. Le groupe est également connu pour son utilisation de solos de guitare complexes et ses paroles sombres et introspectives.
3. Quels sont les membres actuels de Metallica ?
Les membres actuels de Metallica sont James Hetfield (chant, guitare rythmique), Lars Ulrich (batterie), Kirk Hammett (guitare solo) et Robert Trujillo (basse). Le groupe n’a pas changé de formation depuis l’arrivée de Trujillo en 2003, faisant de cette période la plus longue période de stabilité dans l’histoire de Metallica.
4. Quel est l’album le plus vendu de Metallica ?
Le cinquième album studio de Metallica, « Metallica« , communément appelé le « Black Album », est l’album le plus vendu du groupe à ce jour. Sorti en 1991, l’album comprend des chansons comme « Enter Sandman », « The Unforgiven » et « Nothing Else Matters », qui sont devenues des classiques du genre.
« Metallica » s’est vendu à plus de 30 millions d’exemplaires dans le monde entier et a propulsé le groupe au rang de superstar mondial.
5. Quelles sont les chansons les plus populaires de Metallica ?
Metallica a sorti de nombreux tubes tout au long de leur carrière, mais quelques-unes des chansons les plus populaires du groupe comprennent « Enter Sandman », « Master of Puppets », « One », « Nothing Else Matters », « The Unforgiven » et « Fade to Black ».
Ces chansons sont souvent considérées comme des classiques du genre et sont régulièrement jouées lors des concerts de Metallica.
6. Quels sont les prix et distinctions remportés par Metallica ?
Metallica a remporté de nombreux prix et distinctions au cours de sa carrière. Ils ont remporté neuf Grammy Awards, dont deux pour le meilleur album de heavy metal. En 2009, ils ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame, et en 2018, ils ont reçu le prix Polar Music de la musique, qui est considéré comme le prix Nobel de la musique.
7. Quelle est l’histoire de la rivalité entre Metallica et Megadeth ?
Metallica et Megadeth sont deux groupes de thrash metal qui ont émergé de la scène musicale de la baie de San Francisco dans les années 1980. Dave Mustaine, le fondateur de Megadeth, était en fait un ancien membre de Metallica, mais a été renvoyé du groupe en 1983 en raison de conflits personnels.
Cette rupture a engendré une rivalité entre les deux groupes qui a duré des années, alimentée par des interviews publiques et des chansons dissidentes. Cependant, au fil du temps, les relations entre les membres des deux groupes se sont améliorées et la rivalité s’est atténuée.
8. Quel est l’impact de Metallica sur la musique métal ?
Metallica est considéré comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire du heavy metal. Leur style musical rapide et agressif a inspiré de nombreux groupes de thrash metal et de sous-genres connexes, tandis que leurs paroles sombres et introspectives ont également eu un impact sur les paroles de nombreux groupes de métal.
Metallica est également connu pour leur approche innovante de l’industrie musicale, notamment leur utilisation précoce d’Internet pour communiquer avec leurs fans.
9. Quel est l’avenir de Metallica ?
Bien que les membres de Metallica soient tous dans la cinquantaine ou la soixantaine, le groupe continue de tourner et d’enregistrer de la musique. Ils ont récemment sorti leur dixième album studio, « Hardwired… to Self-Destruct », en 2016, et ont fait plusieurs tournées mondiales depuis lors.
Bien que l’avenir de Metallica soit incertain, les membres du groupe ont exprimé leur intention de continuer à faire de la musique et à jouer des concerts pour leurs fans.
La photo artistique est une photographie créée conformément à la vision du photographe en tant qu’artiste, utilisant la photographie comme moyen d’expression créative.
Le but de la photo artistique est d’exprimer une idée, un message ou une émotion. Cela contraste avec la photographie figurative, comme le photojournalisme, qui fournit une relation visuelle documentaire de thèmes et d’événements spécifiques, représentant littéralement la réalité objective, et non l’intention subjective du photographe; et la photographie commerciale dont le but principal est la publicité de produits ou de services.
La Photo artistique
L’invention de la photo artistique : Les années 40
Un historien de la photographie a affirmé que « le premier représentant des » beaux-arts « ou de la photographie de composition était John Edwin Mayall », qui a exposé des daguerréotypes représentant la prière du Seigneur en 1851. » Margaret Cameron, Charles Lutwidge Dodgson et Oscar Gustave Rejlander et d’autres Aux États-Unis, F. Holland Day, Alfred Stieglitz et Edward Steichen ont aidé à faire de l’art photographique, et Stieglitz était particulièrement connu pour être inclus dans les collections du musée.
La Photo artistique
La photo artistique dans les années 60
En 1960, la photographie n’était pas vraiment considérée comme des beaux-arts en Grande-Bretagne.
Le Dr SD Jouhar a déclaré lors de la fondation de la Société des beaux-arts de la photographie – «La photographie n’est plus considérée aujourd’hui que comme de l’artisanat. la photographie a été reconnue comme beaux-arts dans certains quartiers officiels, elle est présentée dans les galeries et expositions comme de l’art. Dans ce salon de Londres, il n’y a pas de reconnaissance appropriée pour la photographie d’image, mais elle n’est généralement pas comprise comme de l’art.
Que l’œuvre ait ou non une valeur esthétique, elle s’appelle « photographie d’image », terme très ambigu. Le photographe lui-même doit avoir confiance en son travail, en sa dignité et en sa valeur esthétique, ce qui l’oblige à être reconnu comme un art plutôt que comme un métier. »
La photo artistique dans les années 70
Jusqu’à la fin des années 1970, plusieurs espèces dominaient, comme les nus, les portraits et les paysages naturels (illustrés par Ansel Adams). Les artistes révolutionnaires vedettes des années 1970 et 1980, tels que Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Robert Farber et Cindy Sherman, s’appuyaient toujours sur ces genres, même s’ils les regardaient avec des yeux neufs.
D’autres ont étudié une approche esthétique immédiate. Des organisations américaines telles que l’Aperture Foundation et le Museum of Modern Art ont fait beaucoup pour maintenir la photographie à la pointe des beaux-arts. La création du département photographie par le MOMA en 1940. La première nomination de Beaumont Newhall comme premier conservateur est souvent citée comme une confirmation institutionnelle du statut de la photographie en tant qu’art.
La Photo artistique
De nos jours…
Actuellement, il y a une tendance à régler et à éclairer soigneusement l’image, au lieu d’espérer la « découvrir » prête.
Des photographes comme Gregory Crewdson et Jeff Wall sont connus pour la qualité des oeuvres exposées. De plus, les nouvelles tendances technologiques de la photographie numérique ont ouvert une nouvelle direction dans la photographie à spectre complet, où un filtrage minutieux des choix par ultraviolet, visible et infrarouge conduit à de nouvelles visions artistiques.
Comme la technologie d’impression s’est améliorée depuis environ 1980, les tirages d’art reproduits dans un livre finement imprimé à partir d’une édition limitée sont devenus le sujet d’intérêt des collectionneurs.
Selon Art Market Trend en 2005, 7.000 photos artistique ont été vendues dans des salles de vente aux enchères, et les photos ont enregistré une augmentation annuelle moyenne de 7,6% en 1994-2004. Environ 80% des photo artistique ont été vendus aux États-Unis. Bien entendu, les enchères ne représentent qu’une fraction du total des ventes privées.
Il existe actuellement un marché de collectionneurs de photo artistique en plein développement dans lequel les photographes les plus recherchés créeront des tirages d’archives de haute qualité dans des éditions strictement limitées.
La Photo artistique
Les tentatives des vendeurs d’art en ligne pour vendre de belles photos au grand public ainsi que des tirages d’images ont produit des résultats mitigés, avec de fortes ventes provenant uniquement de «grands noms» traditionnels de la photographie, comme Ansel Adams.
En plus du «mouvement numérique» vers la manipulation, le filtrage ou les changements de résolution, certains grands artistes recherchent intentionnellement un «naturaliste», y compris «l’éclairage naturel» comme une valeur en soi.
Parfois, une œuvre d’art, comme dans le cas de Gerhard Richter, consiste en une image photographique, qui a ensuite été peinte avec des peintures à l’huile et / ou a une signification politique ou historique au-delà de l’image même elle-même. L’existence de «peint avec une projection photographique» brouille désormais la frontière entre peinture et photographie, traditionnellement absolue.
Taille du cadre et impression
Jusqu’au milieu des années 1950, les photos artistiques étaient largement considérées comme un encadrement vulgaire et prétentieux de photographies à exposer dans la galerie.
Les impressions étaient généralement simplement collées sur un panneau ou du contreplaqué ou sur un cadre blanc dans la chambre noire, puis épinglées aux coins des panneaux d’affichage.
Les tirages ont donc été montrés sans les masquer par la réflexion du verre. La célèbre exposition de Steichen, The Family of Man, n’était pas encadrée, les peintures étaient collées sur les panneaux. Même en 1966, l’exposition MoMA de Bill Brandt n’était pas encadrée et de simples impressions étaient collées sur du contreplaqué fin.
Du milieu des années 1950 à environ 2000, la plupart des objets exposés dans la galerie étaient imprimés sur verre. Depuis 2000 environ, on observe une tendance notable à montrer des gravures de galeries modernes sur des planches et sans verre.
Photo artistique et Politique
La photo artistique apparaît principalement comme une expression de la vision de l’artiste, mais en tant que sous-produit, elle joue un rôle important dans la réalisation de certaines des causes.
Un exemple est le travail d’Ansel Adams à Yosemite et Yellowstone. Adams est l’un des photographes les plus reconnaissables du 20e siècle et il était un ardent promoteur de la protection de la nature. Alors que son objectif principal était la photographie en tant qu’art, une partie de son travail a sensibilisé à la beauté de la Sierra Nevada et aidé à obtenir un soutien politique pour leur protection.
Cette photo a également eu un impact sur la censure et le droit à la liberté d’expression, en raison de son inquiétude pour le corps nu.
Bien que la photo artistique puisse coïncider avec de nombreux autres types de photographie, le chevauchement de la photographie de mode et du photojournalisme mérite une attention particulière. En 1996, il a été annoncé qu ‘ »il y a eu récemment un flou entre l’illustration commerciale et la photographie artistique », notamment dans le domaine de la mode. Les preuves de chevauchement de la photo artistique et de la mode comprennent des conférences, expositions, foires, comme Art Basel Miami Beach et des livres.
L’essai photo et la photo artistique coïncident avec « la fin des années 1960 et 1970, lorsque … les photographes de presse ont pris contact avec la photographie et la peinture artistique ». En 1974, le Centre international de photographie a été ouvert, mettant l’accent à la fois sur le « photojournalisme humanitaire » et la « photographie artistique ».
En 1987, « Des photos prises lors de missions pour des magazines et des journaux apparaissent régulièrement [ed.] – dans des cadres – sur les murs des musées et des galeries. » De nouvelles applications pour smartphone telles que Snapchat sont parfois utilisées pour la photographie artistique.
Bonus : Le travail d’Ansel Adams
Ansel Easton Adams (20 février 1902 – 22 avril 1984) Il était un photographe américain de paysage et d’environnement connu pour ses photos en noir et blanc de l’Ouest américain. Il a aidé à mettre en place le groupe f / 64, une association de photographes prônant la photographie « propre » qui favorisait la mise au point nette et l’utilisation de toute la gamme tonale de la photographie.
En collaboration avec Fred Archer, ils ont développé un système de création d’image exigeant appelé système zonal, une méthode pour obtenir l’impression finale souhaitée par une compréhension technique approfondie de la façon dont la gamme tonale est enregistrée et développée dans l’exposition, le développement négatif et les impressions. La clarté et la profondeur qui en résultent caractérisent sa photographie.
Photo artistique : Ansel Adams
Adams a toujours été un défenseur de la protection de l’environnement, et sa pratique photographique était profondément liée à cette intercession. À l’âge de 12 ans, il a reçu son premier appareil photo lors de sa première visite au parc national de Yosemite. Il a développé son premier travail photographique en tant que membre du Sierra Club. Il a ensuite été employé par le Département américain de l’intérieur pour photographier les parcs nationaux. Pour son travail acharné et son soutien, qui ont contribué à étendre le réseau de parcs nationaux, il a reçu en 1980 la Médaille présidentielle de la liberté.
Adams a été un conseiller clé dans la création du département de photographie au Museum of Modern Art de New York, qui est une étape importante pour assurer la légitimité institutionnelle de la photographie. Il a aidé à organiser la première exposition de photos dans ce département, a contribué à la création du magazine de photographie Aperture et a été co-fondateur
le Center for Creative Photography de l’Université de l’Arizona
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le 13 septembre 2019, les maîtres du métal californiens Kornont organisé un événement privé pour certains de leurs plus grands fans à Los Angeles afin de fêter la sortie du nouvel album : KORN The Nothing .
Le concert a eu lieu avec la reproduction de la pochette de l’album en live avec l’aide d’un performer suspendu au dessus de la scène aux Studios ShowBiz. Le tournage et la mise en scène ont été supervisés par le vidéaste et compagnon de longue date du groupe, l’excellent Sébastien Paquet.
Le film de concert est maintenant disponible. Vois pouvez le regarder en entier avec les commentaires du groupe.
Korn a déclaré à propos de ce concert étonnant et magique de près de 50 minutes: «C’est pour vous tous qui nous soutenez et n’avez pas pu assister à cet événement exclusif. Nous espérons que vous apprécierez cette expérience. »
1. Falling Away From Me
2. You’ll Never Find Me
3. Dead Bodies Everywhere
4. Can You Hear Me
5. Here to Stay
6. Cold
7. Clown
8. Finally Free
9. Faget
L’histoire du groupe Korn
Le son cathartique de Korn positionne le groupe comme l ‘un des plus populaires et les plus provocateurs à voir le jour dans les années 1990.
À l’avant-garde du mouvement nu-métal / rap-rock de l’époque, ils ont rapidement évolué, développant un style de marque qui comprenait des guitares dissonantes, une section rythmique groove-heavy, une production atmosphérique hantée et des paroles sombres du chanteur Jonathan Davis.
Korn s’est attaqué à des thèmes tels que les traumatismes infantiles, les comportements destructeurs et les démons intérieurs.
Leur premier album en 1994, Korn, a construit un public, Life Is Peachy de 1996, qui a lancé le groupe du bas des charts dans le Top Tree.
Quatre ans seulement après leur apparition, ils possédaient un numéro un: le blockbuster Follow the Leader , qui abrite «Freak on a Leash» et «Got the life ».
Clôturant la décennie au sommet des charts avec Issues, Korn est resté l’un des plus grands groupes de rock américain dans les années 2000, publiant une série d’albums certifiés platine: Untouchables (2002), Take a Look in the Mirror (2003) et See You on l’autre côté (2005).
Après quelques détours à la fin des années 2000, ils se sont tournés vers le monde électronique, en embauchant des DJs comme Skrillex pour aider à produire le du bstep-blasted Le Path of totality en 2011.
À la fin des années 2010, Korn n’a pas souhaité s’installer dans une zone de confort avec The Paradigm Shift, The Serenity of Suffering et The nothing ont tous favorisé leur développement sonore vers quelque chose de plus mature.
Les débuts de Korn
Le groupe commence son existence en tant que groupe de métal basé à Bakersfield, en Californie, LAPD, qui comprenait les guitaristes James « Munky » Shaffer et Brian « Head » Welch , le bassiste Reginald « Fieldy » Arvizu et le batteur David Silveria .
Après avoir publié un LP en 1993, les membres de LAPD croisent la route de Jonathan Davis, un étudiant en sciences mortuaires et chanteur principal du groupe local Sexart. Ils demandent à Davis de rejoindre le groupe et, à son arrivée, le quintette se rebaptise Korn .
Ils enregistrent leur démo avec Ross Robinson (Limp Bizkit , Slipknot ), qui deviendra l’un des producteurs de rock les plus recherchés à la fin des années 90.
L’album KORN
Après avoir signé sur Immortal, ils sortent leur premier album éponyme à la fin de 1994.
Avec un calendrier de tournée implacable qui comprend des premières parties d’Ozzy Osbourne , Megadeth , Marilyn Manson et 311, Korn progresse lentement mais régulièrement dans les charts, finissant par remporter un disque d’or pour le single single « Blind ».
Combinant un contenu lyrique sombre sur la maltraitance des enfants, la molestation, la discrimination et la toxicomanie avec des influences hip-hop et des guitares novatrices, Korn devient involontairement le représentant du mouvement surnommé nu-métal.
KORN concert – crédit photo Eric CANTO
Life is Peachy // Follow the leader
En 1996, Life Is Peachy, est un succès plus immédiat, atteignant la troisième place du classement des albums pop. L’album comprend « ADIDAS » et une reprise de « Wicked » d’ Ice Cube avec le leader de Deftones Chino Moreno .
En 1998, Korn sort Follow the Leader, leur plus gros album à ce jour. L’album fait ses débuts au sommet du Billboard 200, donnant naissance aux singles à succès « Got the Life » et « Freak on a Leash ». Ils remportent un Grammy pour la vidéo « Freak on a Leash » et, parmi les boys band et les starlettes pop.
La même année, le groupe lance le premier relais de leur tournée Family Values , avec une programmation composée d’amis: Limp Bizkit , le rappeur Ice Cube , le groupe de métal industriel allemandRammstein et les premiers signataires de l’empreinte Davis, Elementree Records, Orgie. Follow the Leader est finalement devenu quintuple platine et s’est vendu à plus de dix millions d’exemplaires dans le monde.
KORN concert – crédit photo Eric CANTO
Issues
Après avoir terminé leur été avec une place sur la scène principale de Woodstock ’99, ils commencent la promotion de leur quatrième effort, Issues. Avec les singles « Falling Away from Me », « Make Me Bad » et « Somebody Someone », Issues continue à enfoncer la domination de Korn sur MTV, les radios rock et les Billboard.
Le groupe tourne à la sortie de l’album sur le Sick & Twisted Tour avec Staind , POD , Papa Roach et Powerman 5000. Une tournée américaine du stade baptisée Summer Sanitarium suit plus tard cette année-là avec Metallica , Kid Rock , Powerman 5000, et System of a Down.
Avant la sortie de leur prochain album, Fieldy sort un album de gangsta rap et Davis marque le film Queen of the Damned. À la fin de 2001, le groupe se réunit et entre en studio.
Untouchables // Take a look in the mirror
La popularité du groupe atteint un sommet vertigineux, il dévoile un nouveau son plus d’expérimental avec plus de chant de la part de Davis. « Untouchables », lauréat d’un Grammy, sort à l’été 2002, numéro deux derrière Eminem, avec les singles « Here to Stay » et « Thoughtless ».
Korn fait une série de dates sur l’Ozzfest et l’album est un nouveau succès, se vendant à plus de cinq millions d’exemplaires dans le monde.
Peu de temps après, le groupe sort l’auto-produit « Take a Look in the Mirror » en 2003. Présenté par Korn comme une reconsidération de leur son (ils ont même inclus une refonte du morceau de démonstration de Neidermayer « Alive »), l’album est accompagné du Back à la tournée Basics, qui a vu le groupe jouer dans des salles plus petites avec lors vieux amis Limp Bizkit .
Bien que l’album devienne multi-platine, cette époque marque le début de la baisse de popularité du groupe, une période encore aggravée par le départ du guitariste fondateur Welch , qui quitte le groupe en 2005 après sa conversion au christianisme.
See You on the Other Side
En décembre suivant, Korn sort « See You on the Other Side » , des titres qui présentent un lot de chansons prêtes à l’emploi co-écrites avec l’équipe de production pop à succès The Matrix ( Avril Lavigne , Britney Spears ). Other Side est le dernier travail du groupe avec leur batteur fondateur Silveria , qui quitte le groupe en 2006.
Live & Rare est sorti la même année, avec l’enregistrement acoustique live MTV Unplugged – avec Robert Smith de The Cure et Amy Lee d’ Evanescence – suivront en mars 2007. Plus tard cette année-là, le groupe refait surface avec un album décevant qui a été délibérément laissé sans titre (parfois appelé Korn II).
Sans Silveria , le groupe a recruté des batteurs invités pour contribuer au studio, notamment Terry Bozzio ( Frank Zappa ), Brooks Wackerman ( Bad Religion ) et même Jonathan Davis lui-même. Le groupe a finalement trouvé un remplacement permanent, l’incroyable Ray Luzier .
Korn III: Remember Who You Are
En 2010, Korn signe avec Roadrunner Records et retourne avec Ross Robinson. Leur neuvième album, Korn III: Remember Who You Are, est à la fois un retour aux sources et une projection vers le futur.
Cherchant une nouvelle direction, Korn travaille avec des producteurs électroniques comme Skrillex et Noisia, qui les aident à modifier leur son déjà lourd avec dubstep martelant sur leur dixième album teinté d’électronique, The Path of Totality en 2011. L’effort fait ses débuts au sommet du palmarès Billboard Dance / Electronic et était leur 11e LP à arriver dans le Top Ten du Billboard 200.
En mai 2012, le guitariste prodigue Welch est invité par le groupe sur une version de « Blind » lors d’un spectacle en Caroline du Nord.
Exactement un an plus tard, il annonce qu’il rejoint officiellement le groupe. Avec le groupe (presque) originale de retour, Korn se met à travailler sur leur 11e album.
The Paradigm Shift : le retour de Head
Ce premier album de Welch avec Korn en une décennie sort en octobre 2013. Inspiré par la brutalité mélodique de Issues et Untouchables , The Paradigm Shift entre directement dans le Top Ten des charts américain, allemand, autrichien et australien.
Pour le 20e anniversaire de leurs débuts, Korn fait une tournée mondiale en jouant Korn, le premier album, dans son intégralité.
The Serenity of Suffering // The nothing
En 2015, le groupe est retourné au studio pour enregistrer leur 12e LP. The Serenity of Suffering qui est sorti fin 2016. Il mettait en vedette le single « Rotting in Vain » et une apparition du chanteur de Slipknot, Corey Taylor, sur « A Different World ».
L’album atteint le numéro quatre sur le Billboard 200, leur plus haut niveau depuis 2010. C’est au milieu d’une tournée mondiale qu’ils commencent à enregistrer leur 13e album, The Nothing , avec le producteur Nick Raskulinecz .
Korn est aujourd’hui un groupe emblématique, dont le son particulier fait de ce groupe un incontournable de la scène métal actuelle. Pour un photographe de concert, la forte personnalité de chaque membre et l’ambiance sur scène permettent des clichés toujours intéressant.
Sur le 13e album The Nothing , le chanteur de Korn Jonathan Davis entraîne ses camarades de groupe avec lui, livrant le travail le plus vulnérable et le plus mature de l’équipe de métal vétéran à ce jour.
Intensément cathartique, ce sombre voyage est fortement influencé par le décès de l’épouse de Davis , Deven en 2018 , ce qui donne lieu à certains des travaux les plus douloureusement honnêtes qu’ils aient jamais produits. Les mots «brutal» et «lourd» sont des descripteurs fréquents du style musical caractéristique de Korn , mais ici ils prennent une nouvelle signification.
Psychologiquement, The Nothing est implacable, une plongée sans faille dans le chagrin et le désespoir qui suivent la mort prématurée d’un être cher.« l’honnêteté face à la laideur et au désordre de cette angoisse imprègne chaque piste, transformant la colère, la culpabilité et la frustration dans un cocktail puissant qui laisse peu de temps pour reprendre son souffle ou se cacher de l’agression.
En tant que tel, The Nothing est épuisant émotionnellement; mais pour ceux qui connaissent le processus de deuil, il est finalement cathartique dans sa vérité. Alors que la cornemuse funèbre retentit lors de l’ouverture du premier match «The End Begins», Davis hurle à plusieurs reprises «Pourquoi êtes-vous parti? à travers des cris bouillonnants et des sanglots déchirants. De là, le groupe – les guitaristes James « Munky » Shaffer et Brian « Head » Welch , le bassiste Reggie « Fieldy » Arvizu et le batteur Ray Luzier- servir d’unité de soutien émotionnel, offrant une attaque de précision typique pour aider Davis à surmonter son cauchemar personnel.
Alors que « Vous ne me trouverez jamais » et « Cold » secouent les auditeurs à leur apogée des années 90, « Idiosyncrasy » et « H @ rd3r » les poussent dans un territoire terriblement dur habituellement occupé par Slipknot . Alors que le groupe bat et poignarde, la production tourbillonnante les aspire dans l’abîme, créant une expérience ciblée qu’ils ont précédemment réalisée sur The Paradigm Shift , Issues et leurs débuts éponymes.
Bien que Davisa toujours été ouvert à propos de ses démons et de ses luttes, ses paroles parfois maladroites et inéloquentes font que ses vraies émotions semblent immatures et sous-développées. Ici, il y a une adulte et une vulnérabilité distinctes qui distinguent The Nothing d’une grande partie de leur œuvre – à l’exception de moments déchirants comme « Daddy » traumatique de 1994 – et la saignée de Davis est si manifestement réelle que, même après 25 ans, cela parvient à se sentir frais.
Sur l’avant-dernier morceau « This Loss », Davis réfléchit à sa vie, dépouillé de joie et volé de bonheur, acceptant son destin alors même qu’il hurle de désespoir: « Je veux la reprendre! » À ce bas vulnérable, The Nothing avale Davis avec plus proche « Surrender to Failure.NIN- like piano et imposants tambours, il expose son âme coupable dans un dernier confessionnal.
Alors que la houle s’estompe, il pleure: « J’ai échoué, j’ai échoué. » C’est l’un des moments les plus tristes de leur catalogue, un point bas qui, ironiquement, élève cet album à l’une de leurs déclarations les plus fortes. Korn a toujours excellé dans la douleur, mais avec The Nothing , c’est le plus authentique qu’il ait jamais été.
Introduction : Le métal en France, une passion inébranlable
Le métal, ce genre musical qui respire la puissance, la rébellion et l’énergie brute, a toujours trouvé un écho particulier en France. Et s’il y a bien un endroit où cette passion pour la musique extrême prend tout son sens, c’est dans les festivals. Des scènes enflammées aux pogos déchaînés, les festivals de métal sont plus qu’un simple rassemblement de fans : ce sont de véritables expériences immersives où la musique, la communauté et l’atmosphère créent une alchimie unique.
Que vous soyez fan de death metal, de black metal, ou simplement curieux de découvrir ce que le genre a à offrir, la France regorge de festivals qui font vibrer les cœurs et les âmes. Dans cet article, nous allons explorer le top 5 des festivals français dédiés au métal, des événements incontournables où la fureur sonore est à son paroxysme.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
1. Top 5 des Festivals français dédiés au métal :Hellfest (Clisson), Le Titan du Métal Français
1.1 Un mythe en pleine campagne
Commençons par l’incontournable : Hellfest, situé à Clisson en Loire-Atlantique. Créé en 2006, ce festival est aujourd’hui l’un des plus grands événements de métal au monde. Chaque année, ce sont des dizaines de milliers de métalleux qui se rassemblent pour assister à des concerts inoubliables.
Une programmation éclectique : Que vous soyez fan de black metal, de death metal, ou de heavy metal, Hellfest propose une programmation capable de satisfaire toutes les branches du métal. Des groupes légendaires comme Iron Maiden, Metallica, et Slayer y ont déjà joué, aux côtés de groupes émergents qui redéfinissent le genre.
Une expérience totale : Hellfest ne se contente pas de proposer des concerts. Le festival a construit une véritable ville temporaire avec ses propres décors, des installations d’art immersives, des bars thématiques, et une ambiance qui vous plonge dans un univers à part. La Hell City est devenue une attraction en soi, où chaque recoin offre une nouvelle expérience visuelle ou sonore.
1.2 Une communauté mondiale
Le Hellfest attire des visiteurs du monde entier. Que vous veniez de France, des États-Unis, ou du Japon, ce festival est un lieu où la passion pour le métal unit les fans. Les trois jours du festival offrent une immersion complète, où la solidarité et l’énergie collective sont palpables.
Pourquoi y aller ?
Parce qu’aucun autre festival en France ne peut prétendre à une telle ampleur. Hellfest, c’est LE rendez-vous des légendes du métal et des fans en quête de frissons.
1.3 Conseils pratiques pour profiter pleinement du Hellfest
Anticiper l’achat des billets : Les billets pour le Hellfest se vendent souvent en quelques minutes, alors il est crucial de planifier à l’avance. Soyez prêt à acheter dès l’ouverture des ventes pour ne pas manquer l’événement.
Camping ou hébergement ? : Le camping sur place est une excellente option pour profiter de l’ambiance festive 24h/24. Toutefois, si vous préférez un peu plus de confort, il existe des options d’hébergement à Clisson, mais elles se remplissent très rapidement.
Équipement de survie : Apportez des bouchons d’oreilles, une crème solaire, et surtout des chaussures confortables. Les journées sont longues, et vous voudrez être bien préparé pour profiter de chaque minute.
2. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Motocultor (Saint-Nolff), Le Petit Frère du Hellfest
2.1 Une ambiance plus intimiste
Situé en Bretagne, à Saint-Nolff, le Motocultor Festival est souvent considéré comme le petit frère du Hellfest, mais avec une ambiance plus conviviale et intimiste. Ce festival a vu le jour en 2007 et a rapidement gagné en popularité grâce à sa programmation variée et son cadre chaleureux.
Une programmation diversifiée : Bien que plus modeste que celle du Hellfest, le Motocultor accueille chaque année des pointures du métal ainsi que des groupes plus confidentiels. On y retrouve du death metal, du black metal, mais aussi des genres plus atypiques comme le folk metal ou le punk hardcore.
Un cadre authentique : Contrairement aux festivals de grande envergure, le Motocultor se déroule dans un cadre plus naturel, presque familial. Les fans de métal se retrouvent dans une ambiance conviviale, où les scènes sont proches, et où il est facile d’approcher ses groupes préférés.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
2.2 Le métal dans toutes ses déclinaisons
Le Motocultor se démarque par sa capacité à explorer toutes les facettes du métal. De la brutalité du grindcore à la mélodie du metal symphonique, ce festival met à l’honneur la diversité du genre.
Pourquoi y aller ?
Si vous cherchez une alternative plus intimiste au Hellfest, avec une ambiance chaleureuse et des rencontres authentiques entre passionnés, le Motocultor est fait pour vous.
2.3 La convivialité bretonne, un plus
Une ambiance plus détendue : Comparé à certains grands festivals où les foules peuvent être intimidantes, le Motocultor conserve une dimension humaine, permettant aux fans d’interagir plus facilement avec les artistes et de se sentir plus connectés à la communauté métal.
Un climat agréable : L’été breton est souvent plus frais que dans d’autres régions de France, ce qui est un atout pour un festival en plein air. Pensez tout de même à vous munir de vêtements chauds et imperméables, car la Bretagne est célèbre pour ses averses soudaines !
3. Top 5 des Festivals français dédiés au métal: Sylak Open Air (Saint-Maurice-de-Gourdans), L’Esprit du Métal Underground
3.1 Un festival à taille humaine
Le Sylak Open Air est un festival qui se déroule dans la charmante ville de Saint-Maurice-de-Gourdans, dans l’Ain. Bien que moins connu que le Hellfest ou le Motocultor, il se distingue par son esprit underground et sa proximité avec les artistes.
Un public fidèle : Ce festival, créé en 2011, attire chaque année un public fidèle, majoritairement composé de fans de métal extrême. Ce qui fait sa force, c’est son authenticité et sa capacité à réunir les passionnés de métal autour de concerts explosifs, le tout dans une ambiance détendue.
Une programmation pointue : Le Sylak met un point d’honneur à inviter des groupes qui incarnent la diversité du métal, tout en faisant la part belle à des genres plus extrêmes comme le grindcore, le thrash metal, ou encore le death metal. Des groupes comme Napalm Death, Testament, et Suicidal Tendencies ont déjà marqué la scène de leur empreinte.
3.2 Un cadre naturel et authentique
Le cadre du Sylak Open Air est un autre de ses atouts. Situé en plein cœur de la campagne, il offre une atmosphère unique, loin de l’agitation des grandes villes. Ici, pas de foule écrasante, juste du métal, de la bonne ambiance, et des décibels à gogo.
Pourquoi y aller ?
Si vous aimez les festivals où l’esprit underground domine, où vous pouvez profiter de concerts explosifs sans jouer des coudes dans une marée humaine, le Sylak est votre destination idéale.
3.3 Une ambiance intimiste pour les vrais fans
Proximité avec les groupes : L’un des grands avantages du Sylak est la possibilité d’être vraiment proche de la scène. Les fans apprécient cette proximité avec leurs artistes préférés, créant une interaction unique.
Des tarifs abordables : Comparé à d’autres festivals, les prix des billets du Sylak Open Air sont généralement plus abordables, ce qui le rend plus accessible aux jeunes et aux amateurs de métal qui veulent profiter d’un festival sans se ruiner.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
4. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Fall of Summer (Torcy), Le Métal Aquatique
4.1 Un cadre atypique au bord d’un lac
Le Fall of Summer est un festival unique en son genre. Situé à Torcy, à quelques kilomètres de Paris, ce festival a la particularité de se dérouler en plein été, au bord d’un lac. Imaginez un peu : écouter du black metal tout en profitant de la fraîcheur d’un cadre naturel, c’est le pari du Fall of Summer.
Une programmation rétro et moderne : Ce qui distingue le Fall of Summer des autres festivals, c’est sa volonté de marier les légendes du métal avec les nouvelles générations. Vous pouvez y voir des groupes cultes des années 80 et 90, comme Venom ou Sodom, partager l’affiche avec des groupes plus récents du death ou du doom metal.
Un festival pour les puristes : Le Fall of Summer attire un public de puristes, avec une programmation qui met l’accent sur des genres comme le black metal, le doom, et le thrash. Ici, pas de compromis : c’est du métal pur et dur, pour les amateurs de sonorités sombres et puissantes.
4.2 Un cadre rafraîchissant pour des musiques sombres
Le cadre du Fall of Summer est sans aucun doute l’une des raisons pour lesquelles ce festival se distingue. Se déroulant au bord d’un lac, il offre une pause rafraîchissante entre deux concerts brûlants. Vous pouvez profiter du paysage, vous détendre, puis replonger dans l’ambiance noire des concerts.
Pourquoi y aller ?
Pour son cadre unique, son mélange de générations de groupes, et son ambiance à la fois conviviale et sombre, le Fall of Summer est parfait pour ceux qui veulent une expérience immersive dans le métal, loin des grandes foules.
5. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Ragnard Rock Festival (Simandre-sur-Suran), Le Métal Viking
5.1 Un festival au cœur de la tradition viking
Le Ragnard Rock Festival est un événement unique en France, mêlant métal et culture viking. Situé à Simandre-sur-Suran, dans l’Ain, ce festival est plus qu’un simple rassemblement de fans de métal : c’est une immersion totale dans l’univers nordique.
Un festival thématique : Le Ragnard Rock se concentre sur des genres comme le folk metal, viking metal, et le pagan metal, où les groupes racontent des histoires épiques de batailles, de dieux et de héros. Le cadre est décoré pour ressembler à un village viking, et les festivaliers peuvent même participer à des reconstitutions historiques et des combats vikings.
Des performances épiques : Si vous êtes amateur de métal et de mythologie nordique, vous adorerez les performances de groupes comme Amon Amarth, Ensiferum, ou Moonsorrow, qui sont souvent programmés au Ragnard Rock.
5.2 Une immersion totale dans l’univers viking
Activités vikings : En plus des concerts, le festival propose des activités thématiques comme des reconstitutions de batailles, des démonstrations d’artisanat traditionnel, et des banquets vikings. C’est une véritable immersion culturelle autant qu’un festival de musique.
Un cadre enchanteur : Le festival se déroule dans un cadre pittoresque, avec des montagnes et des forêts en toile de fond, ce qui accentue l’ambiance épique et mythologique du festival.
Pourquoi y aller ?
Si vous voulez vivre une expérience totalement immersive, où la musique se mêle à la culture viking et aux légendes nordiques, le Ragnard Rock Festival est un must.
Conclusion : La France, une terre de festivals métal incontournables
La France n’est pas seulement un pays de gastronomie et de vin, elle est aussi devenue une terre de prédilection pour le métal. Chaque festival apporte sa propre ambiance, sa propre vision du genre, et offre une expérience unique. Que vous soyez en quête d’intimité, de légendes du métal, ou d’immersion dans une autre culture, il y a forcément un festival pour vous dans cette liste.
Festivals français dédiés au métal
FAQ sur les Festivals de Métal en France
1. Pourquoi la France est-elle devenue une destination incontournable pour les festivals de métal ?
La France a su se positionner comme une destination majeure pour les festivals de métal pour plusieurs raisons :
Diversité des genres : La scène métal française est incroyablement diversifiée, avec des festivals qui couvrent toutes les branches du métal, du heavy metal classique au black metal, en passant par des genres plus spécifiques comme le doom ou le folk metal. Cette pluralité attire des fans de toutes les sous-cultures du métal.
Proximité géographique : Grâce à sa situation géographique centrale en Europe, la France est facilement accessible pour les fans venant d’autres pays. Les festivals comme le Hellfest ou le Motocultor accueillent ainsi des visiteurs du monde entier, créant une ambiance internationale tout en restant ancrés dans la culture locale.
Qualité de l’organisation : Les festivals de métal en France, en particulier le Hellfest, sont réputés pour leur organisation impeccable, que ce soit en termes de sécurité, de confort pour les festivaliers ou de qualité sonore. Cela contribue à renforcer leur attractivité.
Atmosphère festive : Les Français sont connus pour leur goût des festivals et de la fête, ce qui se reflète dans les événements de métal. Les fans peuvent non seulement profiter des concerts, mais aussi d’une véritable ambiance de communauté, avec des bars à thème, des food trucks, et des espaces dédiés à la détente.
2. Quels sont les festivals de métal en France qui conviennent le mieux aux débutants ?
Si vous découvrez le monde du métal ou si vous souhaitez vous initier à l’ambiance des festivals, certains événements en France sont plus adaptés pour les débutants que d’autres.
Motocultor Festival : Avec sa programmation variée et son atmosphère plus intime que le Hellfest, le Motocultor est un excellent point de départ. Vous pourrez y découvrir différents sous-genres de métal sans être submergé par l’immensité d’un grand festival.
Fall of Summer : Ce festival plus modeste se déroule dans un cadre magnifique au bord d’un lac, créant une ambiance plus détendue. Avec une programmation mêlant des groupes légendaires et des découvertes, il est idéal pour les débutants qui cherchent une introduction en douceur au monde du métal.
Sylak Open Air : Ce festival à taille humaine offre un excellent rapport qualité/prix, et son public fidèle crée une atmosphère amicale et conviviale. Les débutants y trouveront une bonne porte d’entrée pour découvrir des groupes variés tout en profitant de l’ambiance chaleureuse.
3. Quels conseils pour profiter pleinement d’un festival de métal en France ?
Participer à un festival de métal est une expérience immersive, et il est essentiel d’être bien préparé pour en profiter au maximum. Voici quelques conseils pratiques pour une expérience inoubliable :
Préparez-vous physiquement : Les festivals peuvent être éprouvants physiquement, surtout si vous comptez rester debout pendant plusieurs concerts. Prévoyez des chaussures confortables, hydratez-vous régulièrement, et assurez-vous d’avoir des moments de pause entre les shows.
Soyez prêts pour les conditions météorologiques : La plupart des festivals de métal en France se déroulent en plein air. La météo peut être imprévisible, notamment en Bretagne pour le Motocultor. Apportez toujours une veste imperméable, un chapeau pour vous protéger du soleil, et une crème solaire.
Respectez l’ambiance : Les festivals de métal sont connus pour leur ambiance conviviale et respectueuse. Même si le public est souvent dynamique, avec des pogos ou des headbangs, l’esprit reste à la camaraderie. Si vous êtes novice dans le monde du métal, ne soyez pas intimidé. Engagez-vous dans l’ambiance, mais respectez les autres festivaliers.
Apportez des bouchons d’oreilles : La puissance sonore des concerts peut être impressionnante, surtout lors de festivals comme le Hellfest où plusieurs scènes diffusent des décibels en continu. Il est essentiel de protéger vos oreilles avec des bouchons auditifs, surtout si vous êtes près des enceintes.
4. Quelles sont les options d’hébergement pour les festivals de métal en France ?
Les options d’hébergement varient selon les festivals, mais voici les principales possibilités disponibles pour les festivaliers :
Camping sur place : La majorité des festivals, comme le Hellfest, le Motocultor, et le Sylak Open Air, offrent des espaces de camping spécialement aménagés pour les festivaliers. Le camping est souvent l’option la plus économique et permet de s’immerger pleinement dans l’ambiance du festival. Vous pourrez partager des moments avec d’autres fans, participer à des afterparties, et profiter de l’expérience 24h/24.
Hôtels et gîtes : Si vous préférez plus de confort, vous pouvez réserver un hôtel ou un gîte à proximité du festival. Attention, les places sont limitées et se remplissent très rapidement, surtout pour des événements majeurs comme le Hellfest. Pensez à réserver plusieurs mois à l’avance pour être sûr d’avoir un hébergement.
Logement chez l’habitant : Certains festivals, notamment dans des zones rurales, ont des partenariats avec les habitants locaux qui proposent des logements chez eux via des plateformes comme Airbnb. C’est une bonne option si vous souhaitez un peu plus de tranquillité après une journée intense de concerts.
5. Quels sont les groupes légendaires qui jouent régulièrement dans les festivals français ?
Les festivals français de métal sont célèbres pour attirer les plus grands groupes du genre. Voici quelques groupes légendaires qui apparaissent régulièrement dans les programmations :
Iron Maiden : L’un des groupes les plus influents du heavy metal, Iron Maiden est un habitué des scènes françaises. Leur présence au Hellfest est toujours un événement majeur, et leurs performances sont réputées pour leur intensité et leur spectacle visuel.
Metallica : Bien que rare, Metallica a déjà fait plusieurs apparitions dans les festivals français. Le groupe reste l’une des principales têtes d’affiche internationales lorsque des festivals parviennent à les inviter.
Slayer : Bien que Slayer ait récemment pris sa retraite, ils ont marqué de nombreuses éditions du Hellfest avec leurs performances légendaires. Les fans espèrent toujours un retour, même si cela semble peu probable.
Gojira : Le groupe français Gojira est un incontournable de la scène métal mondiale. Leur présence dans des festivals comme le Hellfest ou le Motocultor est toujours attendue avec impatience. Gojira continue de représenter le métal français à l’international.
Amon Amarth : Pour les fans de viking metal, Amon Amarth est un groupe de référence. Ils sont régulièrement présents dans les festivals français, offrant des performances épiques avec des thématiques nordiques.
6. Quels sont les défis logistiques des festivals de métal en France ?
Participer à un festival de métal peut représenter plusieurs défis logistiques, surtout pour les grands événements comme le Hellfest. Voici quelques points à anticiper :
Accès et transport : Le Hellfest, par exemple, se déroule à Clisson, une petite ville de Loire-Atlantique. Les transports en commun sont disponibles, mais il est essentiel de planifier à l’avance. Des navettes sont souvent mises en place depuis Nantes ou d’autres grandes villes, mais elles peuvent être bondées.
Circulation et parking : Si vous venez en voiture, soyez prêt à affronter des embouteillages autour du site, surtout lors des jours d’arrivée et de départ. Les parkings officiels sont nombreux, mais il est recommandé d’arriver tôt pour avoir une place convenable.
Sécurité : Les grands festivals prennent très au sérieux la sécurité des festivaliers. Les contrôles à l’entrée peuvent être longs, notamment lors des pics d’affluence. Il est conseillé de voyager léger et de ne pas apporter d’objets interdits (bouteilles en verre, armes, etc.) pour faciliter l’accès.
Gestion des repas : La plupart des festivals proposent des stands de nourriture variée, mais les files d’attente peuvent être longues. Vous pouvez apporter des snacks pour éviter de perdre du temps dans les files et profiter pleinement des concerts.
7. Le Hellfest est-il adapté aux familles ?
Bien que le Hellfest soit un festival orienté principalement vers les adultes et les passionnés de métal, certains visiteurs viennent en famille. Voici quelques points à considérer si vous envisagez d’y aller avec des enfants :
Ambiance festive, mais intense : Le Hellfest est un festival avec une atmosphère de fête, mais les concerts, les pogos, et l’ambiance générale peuvent être intimidants pour les jeunes enfants. Le niveau sonore est très élevé, et la foule peut être dense, surtout devant les scènes principales.
Options pour les familles : Bien que le festival ne soit pas spécifiquement conçu pour accueillir des familles, certaines zones du camping sont plus calmes et plus adaptées aux festivaliers recherchant une ambiance moins intense. Il est également possible de s’éloigner des zones les plus animées pour profiter de moments de tranquillité.
Protection auditive : Si vous venez avec des enfants, il est crucial de prévoir une protection auditive adaptée. Les casques anti-bruit sont fortement recommandés pour protéger les oreilles des plus jeunes, car le niveau sonore peut être dangereux pour leur audition.
8. Quels festivals de métal proposent des activités culturelles en parallèle des concerts ?
Certains festivals de métal en France ne se limitent pas aux concerts, mais proposent également des activités culturelles et des expériences immersives :
Ragnard Rock Festival : Ce festival met en avant des reconstitutions vikings, des démonstrations d’artisanat traditionnel, et des banquets médiévaux. C’est une véritable immersion dans la culture nordique, avec des activités qui vont bien au-delà de la simple musique.
Hellfest : Bien que majoritairement axé sur les concerts, le Hellfest propose également des installations artistiques, des expositions, et des performances visuelles qui viennent enrichir l’expérience. L’Hell City Square, avec ses décors spectaculaires et ses bars à thème, est un espace où la culture métal est célébrée sous toutes ses formes.
Motocultor Festival : Ce festival breton met parfois en place des conférences, des expositions d’art, et des stands de merchandising artisanal, offrant ainsi aux festivaliers une dimension culturelle en plus des performances musicales.
9. Quelles sont les alternatives aux grands festivals pour les amateurs de métal en France ?
Si vous cherchez à éviter les foules massives des grands festivals comme le Hellfest, il existe plusieurs alternatives plus petites et tout aussi authentiques :
Xtreme Fest : Ce festival, situé dans le sud de la France, est un événement plus modeste mais tout aussi intense. Il met en avant des genres extrêmes comme le hardcore, le punk, et le thrash metal, dans une ambiance décontractée et conviviale.
Plane’r Fest : Ce festival, plus intimiste, offre une programmation variée dans un cadre plus rural. C’est une excellente alternative pour ceux qui cherchent à vivre l’expérience d’un festival de métal sans la foule massive.
10. Les festivals de métal en France sont-ils accessibles aux personnes en situation de handicap ?
La majorité des grands festivals de métal en France, comme le Hellfest et le Motocultor, ont fait des efforts pour rendre leurs sites accessibles aux personnes en situation de handicap.
Zones spéciales : Le Hellfest, par exemple, dispose de zones spécialement aménagées pour les personnes en fauteuil roulant, permettant d’assister aux concerts dans de bonnes conditions.
Accès aux infrastructures : Les infrastructures, telles que les toilettes et les points de restauration, sont généralement adaptées pour accueillir les personnes à mobilité réduite. Il est toutefois recommandé de contacter les organisateurs en amont pour vérifier les disponibilités et l’accessibilité des services.
J’ai eu la chance de shooter Machine Head lors d’une séance photo rapide et impressionnante. Pour un photographe de concert, Machine Head est compliqué à shooter. Machine Head refuse depuis des années les photographes de concert et encore plus tout portrait.
Par une sorte de tour de magie, j’ai shooté le groupe en 2016 après un simple mail envoyé à Robb, le chanteur. Comme quoi les solutions les plus simples sont souvent les plus efficaces.
Revenons sur l’histoire en image en vidéos sur Machine Head. Machine Head est un groupe de heavy métal, formé en 1992 à Oakland, en Californie.
Machine Head concert intégral février 2020 New York
Machine Head, les premières années
Machine Head est l’un des groupes de métal le plus lourd à être devenu célèbre au cours des années 1990. Fondé en 1992 par l’ancien guitariste de Vio-lence Robert Flynn et Adam Duce, leur premier album, Burn My Eyes (1994), est largement acclamé pour être aussi essentiel au heavy métal que Slayer » Reign in Blood » et Metallica « Master of puppets ».
La première chanson de l’album, « Davidian », contient les paroles « Que la liberté sonne avec un coup de fusil « . Par la suite, la vidéo a été interdite de MTV en raison de sa date de sortie très peu de temps après le siège de Waco qu’elle décrivait apparemment.
Après le départ de Chris Kontos pour travailler avec Testament, les services de batterie de Dave McClain ont été acquis. Ils ont ensuite sorti l’album de suivi, The More Things Change en 1997, après quoi le guitariste Logan Mader est parti de façon inattendue au printemps 1998. Il a ensuite été remplacé par Ahrue Luster qui a travaillé avec le groupe le troisième album The Burning Red (1999).
Cet album était un signe de changement pour le groupe, le groupe décidant d’expérimenter plus plutôt que de sortir un autre album qui serait vu comme une ombre sur les traces de Burn My Eyes. Robb utilise ses techniques de rap dans cet album plutôt que le grognement qu’il utilisait sur les versions précédentes.
La chanson « Devil With The Kings Card » est basée sur le départ de Logan Mader du groupe. L’album a cependant reçu des réactions négatives de fans insatisfaits du virage..
Bien que Burn My Eyes ait été plus influent en tant qu’album sur la scène métal en général, selon un rapport de Blabbermouth.net, The Burning Red a vendu presque autant d’unités en 3 ans (1999-2002) que Burn My Eyes en 8 ans ( 1994-2002).
En 2000, des groupes comme Machine Head et Slipknot ont participé au placement de produits pour l’émission HBO The Sopranos. AJ Soprano, joué par Robert Iler, portait souvent des vêtements Roadrunner Records comme le t-shirt Year of the Dragon de Machine Head.
Machine Head concert – Crédit photo Eric CANTO
Supercharger
Machine Head a sortie Supercharger en 2001, bien que l’album n’ait pas bien fonctionné, principalement en raison de sa sortie peu de temps après le 11 septembre. La vidéo de la chanson « Crashing Around You » a été interdite par MTV en raison de ses images de bâtiments qui s’effondrent. L’album a reçu plus de la même critique qui a rencontré The Burning Red.
Une fois la tournée terminée, le groupe est retourné sur son label Roadrunner Records. En 2002, Ahrue Luster a quitté le groupe en raison de différences musicales. Ahrue Luster a été remplacé par Phil Demmel, qui a joué dans le groupe de thrash Vio-lence aux côtés de Flynn.
Machine Head 2003-2004
Depuis lors, 2003 et 2004 ont été en quelque sorte un renouveau pour le group et tout d’abord leur album live Hellalive en 2003 qui était un enregistrement d’un ensemble de Brixton Academy à Londres.
À l’automne 2003, Machine Head a sorti son cinquième album studio, Through the Ashes of Empires, en Europe. Début 2004, ils signent de nouveau avec Roadrunner Records aux USA, puis sortent Through the Ashes of Empires aux États-Unis, avec une nouvelle chanson ( « Seasons Wither « ) qui n’était pas apparue sur la version européenne.
Through the Ashes of Empires est revenu à un style plus proche de celui de Burn My Eyes, et a reçu une publicité importante en raison du succès de la chanson « Imperium » et de ce que les fans ont vu comme un retour massif à la forme – à la fois musicalement et lyriquement. . Dans le cadre de ce renouveau, Machine Head a présenté la scène « True Metal » au festival Wacken Open Air de 2005 devant 40 000 fans – leur plus grand spectacle à ce jour.
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Machine Head le DVD Elegies
Le 11 octobre 2005, Machine Head a sorti son tout premier DVD: Elegies. Le DVD contenait des images de concerts de la Brixton Academy en décembre 2004. Elegies contient également 3 clips: « The Blood, The Sweat, The Tears » de Hellalive, et « Imperium » et « Days Turn Blue to Gray « de Through The Ashes Of Empires.
Le DVD contient également un documentaire plutôt cinglant sur la quasi-disparition du groupe et comment ils ont survécu au grand fardeau que leur imposent les maisons de disques, la sortie d’Ahrue Luster et le manque de confiance du public dans la direction musicale du groupe.
Au cours de la première semaine de sortie du DVD, « Elegies » a atteint la première place aux États-Unis et la sixième place des ventes de DVD liés à la musique au Royaume-Uni.
Machine Head concert – Crédit photo Eric CANTO
Le 11 octobre 2005 également, Roadrunner Records a sorti un album pour commémorer les 25 ans de l’histoire du label. Quatre des chansons de l’album, Roadrunner United: The All-Star Sessions, ont été écrites par Robert Flynn de Machine Head. Phil Demmel et Dave McClain de Machine Head ont tous deux contribué à l’album.
Roadrunner United était un projet conçu par le label pour mettre en valeur le talent des dizaines de groupes signés chez Roadrunner Records. Il y avait 4 « Capitaines » affectés à l’écriture des chansons de l’album: Robb Flynn de Machine Head, Dino Cazares ex-Fear Factory, Matt Heafy de Trivium et Joey Jordison de Slipknot. Chaque « Captain » devait choisir quels artistes devaient participer à l’enregistrement de leurs chansons, et ils devaient être les producteurs primaires.
Le groupe travaille actuellement sur leur sixième album studio. Le 18 avril, Robb Flynn a rapporté sur le site Web du groupe que certains des titres de chanson actuels étaient Halo, Aesthetics of Hate, The Beautiful Mourning et Now I Lay Thee Down.
Ils ont également contribué un studio enregistré et produit la reprise de Metallica « Battery » pour Kerrang! Magazine , un hommage à l’album fondateur de Metallica, Master of Puppets.
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Machine Head The Blackening (2006-2009)
En 2006, le groupe prépare son sixième album studio intitulé The Blackening. L’album, produit par Robert Flynn et mixé par Colin Richardson, est sorti en Amérique du Nord le 27 mars 2007.
Les chansons Halo, Aesthetics of Hate, The Beautiful Mourning, Now I Lay Thee Down ont été annoncées en avril 2006 par Robb Flynn dans le journal du groupe. Selon Through the Ashes of Empires, l’album a été bien accueilli par les critiques et le public; aux États-Unis, la 53e place des ventes d’albums, alors que le groupe n’a jamais atteint cette position
A la sortie de The Blackening, Machine Head sera sur la route, que ce soit en première partie, comme pou Megadeth ou Trivium au printemps 2007, mais aussi pour Metallica en 2009. Le groupe enregistre également en Europe et en Océanie. Machine Head n’effectue qu’une seule grande tournée de concerts, celle-ci ayant lieu à l’hiver 2008 aux États-Unis.
Le groupe terminera en apothéose avec l’ouverture de la Metallica World Tour, le festival Wacken Open Air en Allemagne, et le passage au British Sonisphere (à Knebworth) a vu l’un des meilleurs concerts du groupe ( et leur concert le plus important auquel ont assisté plus de 45 000 personnes).
Le groupe continue son chemin, mais The Blackening reste son chef d’oeuvre.
Un album qui a fait date et reste aujourd’hui inégalable.
Membres actuels de Machine Head
Robert Flynn – chant, guitare (depuis 1992)
Vogg Kiełtyka – guitare (depuis 2019)
Matt Alston – batterie (depuis 2019)
Jared MacEachern – basse (depuis 2013)
Anciens membres de Machine Head
Dave McClain – batterie (1995-2019)
Phil Demmel – guitare (2002-2019)
Adam Duce – basse, chant (1992-2013)
Ahrue Luster – guitare (1998-2002)
Logan Mader – guitare (1992-1998)
Will Carrol – batterie (1995-1996)
Chris Kontos – batterie (1992-1995)
Tony Costanza – batterie (1992)
Discographie
Albums studio de Machine Head
1994 : Burn My Eyes
1997 : The More Things Change
1999 : The Burning Red
2001 : Supercharger
2003 : Through the Ashes of Empires
2007 : The Blackening
2011 : Unto the Locust
2014 : Bloodstone and Diamonds
2018 : Catharsis
Albums live[modifier | modifier le code]
2003 : Hellalive
2012 : Machine Fucking Head Live
Singles et EP de Machine Head
1995 : Davidian
1995 : Old
1997 : Take My Scars
1999 : From This Day
1999 : Year of the Dragon
1999 : Year of the Dragon Tour Diary : Japan
1999 : Silver (Take My Hand)
2001 : Crashing Around You
2004 : Days Turn Blue to Gray
2012 : B-Sides & Rarities
Chansons en Streaming de Machine Head
2019 : Do or Die
2020 : Circle the Drain
Vidéographie
1995 : Old
1995 : Davidian, de Chris Hafner
1997 : Ten Ton Hammer
1997 : Take My Scars, de Chris Hafner
1999 : From This Day, de Michael Martin
2001 : Crashing Around You, de Nathan Karma Cox
2003 : The Blood, The Sweat, The Tears, de Robb Flynn
2003 : Imperium, de Mike Sloat
2004 : Days Turn Blue to Gray, de Mike Sloat
2005 : Seasons Wither, de Mike Sloat
2007 : Aesthetics of Hate, de Mike Sloat
2007 : Now I Lay Thee Down, de Mike Sloat
2008 : Halo, de Mike Sloat
2011 : Locust, de Mike Sloat
2012 : Darkness Within, de Mike Sloat
2014 : Now We Die
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le leader de Machine Head , Robb Flynn, a été interviewé par Metal Hammer récemment publiée en ligne. L’entrevue révèle que Flynn ne retient pas ses coups, y compris ses réflexions sur le départ inattendu de Phil Demmel et Dave McClain et la réaction de division que l’album du groupe de 2018 » Catharsis » a reçue. L’interview trouve également Flynn peser sur le dernier single du groupe, » Do Or Die « , et leur tournée en cours du 25e anniversaire à l’appui de » Burn My Eyes « .
En ce qui concerne le sujet de la décision de Demmel et McClain de quitter le groupe après une dernière tournée ensemble, Robb Flynn: «Le monde a pu me regarder divorcer sur le World Wide Web. C’est le prix de vivre sa vie en public. Bien sûr, vous pouvez partager vos voyages à travers le monde et tous les points forts, mais vous pouvez également partager tous les mauvais points. Je ne voulais pas prétendre que ça ne se passait pas et puis, à la fin de la tournée, annoncer qu’ils partaient.
Nous avons eu une relation douloureusement honnête avec nos fans et cela a été une chose incroyable. Cela a vraiment créé un lien incroyable. Nous avons fait ce voyage ensemble et il n’y a aucun moyen que je puisse me regarder dans les yeux et prétendre que cela ne s’est pas produit pendant six semaines, juste pour protéger la base de fans. Nous avons donc réglé le problème et l’avons diffusé. »
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Quant à « Catharsis », Demmel a apparemment donné un aperçu d’au moins une de ses raisons de quitter dans une interview en février dernier, déclarant qu’il «détestait» le disque , qualifiant le groupe de « projet solo de Robb Flynn » à ce stade. Robb Flynn lui-même ne souscrit pas nécessairement à cette accusation, disant à Metal Hammer : «Lorsque vous reculez, vous pouvez voir que tout le monde en faisait partie. Je ne sais pas exactement ce qui l’a amené à la tête, mais je sais que j’écrivais de la nouvelle musique depuis un moment et ces gars-là ne voulaient pas travailler sur des trucs.
J’ai donc commencé à faire des démonstrations de certaines choses, juste pour qu’ils puissent entendre ce que j’écrivais, puis je pense qu’il y a peut-être eu une conversation sur l’avenir, car nous savions que cette tournée à venir était la dernière chose que nous faisions pour le cycle de tournée. »
Quant à la réaction à « Catharsis », Robb Flynn a déclaré au sujet de l’effusion de négativité qui lui est parvenue en réponse à sa sortie: «J’ai été le sac de boxe américain pendant neuf mois à partir du moment où la première chanson de« Catharsis »a été mise en ligne. Je ne pouvais pas mettre un seul putain de poste sans une centaine de trolls qui me fassent la peau. Être le leader d’un groupe peut être solitaire. Quand les choses ne sont pas nécessairement bien reçues, c’est encore plus solitaire. »
Robb Flynn a continué: «Je suis fier comme si j’avais fait un putain de ce record. Je savais que ça allait énerver les gens. D’une certaine manière, c’est devenu la mythologie de ‘ Catharsis ‘, ‘C’était un record très diviseur!’ Chaque putain d’article que j’ai lu! Ouais, c’était source de division pour les suprémacistes blancs et les conneries racistes, c’était source de division pour le putain d’alt-droit. Mais nos fans ont adoré. Les gens adorent ce putain de disque. Un tas de trolls connards qui ont mis leur putain de nez dans un tas à ce sujet. Allez vous faire foutre! J’ai l’impression que certains groupes, la presse en particulier, veulent que je m’excuse pour ce disque. Je ne m’excuse pas pour ca ! «
» Nous savions que nous voulions que ce soit un disque de métal épique et grandiose, mais nous n’avions aucune idée de ce que ça allait être (rires). J’adorerais dire que nous avions tout planifié et que tout était parfaitement en place, mais cela ne fonctionne pas comme ça. Nous avons tous les quatre eu la chance de puiser et de laisser passer cela en nous et d’avoir en quelque sorte une vue d’ensemble où ces huit chansons se sont le mieux combinées. «
A la question « Avez-vous récemment découvert une nouvelle musique qui fera une différence dans la vôtre à l’avenir ? » Robb Flynn: « Pas vraiment. Je regardais juste TERROR sur scène et ils sont tellement brutaux et néandertaliens. Ça m’a vraiment donné envie d’écrire des riffs très simples comme «pah pah pah… pah pah pah» (rires). Fondamentalement, juste bash parce que j’aime ça. «
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Après un bref rire, Robb Flynna ajouté: «Je suis reconnaissant que quiconque ait aimé un moment de Machine Head . Si vous avez déjà aimé une chanson que j’ai écrite dans ma vie, je vous en suis incroyablement reconnaissant. Merci beaucoup d’avoir apprécié quelque chose que j’ai fait. Néanmoins, je pense que c’est incroyablement arrogant et naïf et putain de stupide de penser que tout ce que j’écris va plaire à chaque personne qui a déjà acheté un seul de nos albums.
Je ne m’attends pas à ce que tout le monde reste dans le voyage qu’est Machine Head, mais si vous restez, ça va être complètement fou parce que …la vie est folle !. «
Machine Head a récemment terminé la première étape européenne / britannique de leur tournée du 25e anniversaire de » Burn My Eyes » avec les membres de retour Logan Mader et Chris Kontos de retour dans le giron. Ces spectacles comportent deux performances, l’une étant un album complet qui se déroule chaque soir avec ces deux anciens élèves susmentionnés.
Dans la deuxième performance, Robb Flynn et le bassiste / chanteur actuel de Machine Head Jared MacEachern jouent un ensemble distinct de matériel traditionnel de Machine Head avec Waclaw «Vogg» Kieltyka ( Decapitated ) à la guitare et Matt Alston ( Devilment ) à la batterie.
Voici quelques conseils pour des prises de photos live qui marquent. L’ajout de petites finesses à la façon dont vous composez les photos et le choix des angles, tous ces détails apparaîtront dans vos photos.
Essayez d’obtenir votre plus beau cliché en vous adaptant spontanément à l’ambiance d’un concert, mais aussi au lieu.
Une fois que vous incluez des instruments et des effets de scène tels que de la fumée en arrière-plan de votre image, l’atmosphère de l’image du concert est considérablement améliorée.
Transmettre l’atmosphère du concert live.
Lorsque vous photographiez un seul artiste, il est plus facile de composer la photo en orientation portrait. Définissez le point AF quelque part dans la zone que vous souhaitez capturer, il ne doit pas nécessairement être sur le visage de l’artiste.
Prenez une photo pour capturer une section d’une scène tout en excluant les sujets inutiles du cadre et vous obtiendrez une composition tout simplement agréable. De plus, essayez d’ajuster la vitesse d’obturation en fonction des mouvements du sujet.
C’est bien même si vous ne capturez pas une photo complète de l’artiste. La capture des sections que vous souhaitez représenter est l’une des techniques utilisées dans la photographie de concert.
Vérifiez le lieu, la salle, le club avant le concert lui-même pour visualiser le type de plans que vous pouvez cadrer et capturer dans les orientations portrait et paysage, de sorte que pendant la prise de vue réelle, vous pourrez composer votre plan calmement.
Si le lieu ou l’équipement de prise de vue vous empêche d’obtenir la photo souhaitée, vous pouvez recadrer vos images pendant le post-traitement.
L’une des joies de la photo live est de prendre une photo presque comme vous l’avez visualisée. Grâce aux essais et erreurs, vous pourrez mieux sélectionner l’équipement et les lieux de prise de vue pour votre prochain shooting de photo live .
Photo live :des photos audacieuses à partir d’un grand-angle
Si le seul endroit à partir duquel vous pouvez prendre des photos live est inférieur à la hauteur de la scène, lancez-vous un défi pour une prise de vue en contre-plongée qui repousse les limites.
L’utilisation de l’extrémité d’un zoom « grand-angle » pour capturer une scène aussi large que possible facilitera l’inclusion de l’artiste et du fond de scène dans le cadre. Il peut être intéressant d’inclure les lights en hauteur de scène pour capturer un plan distinctif.
N’abandonnez pas même si les lieux de prise de vue vous restreignent. L’utilisation de compositions audacieuses transmettra l’énergie du concert.
La prise de vue avec un 200 mm en photo live permet de capturer plus facilement le visage des guitaristes ou d’autres artistes qui ont tendance à incliner la tête vers le bas pendant qu’ils se produisent.
L’utilisation d’un grand-angle traduit également par des prises de vue plus percutantes telles que lorsqu’un artiste saute.
Photo live avec un grand-angle: inclure toute la largeur de la scène…
Lorsque vous photographiez avec un grand-angle, faites un effort conscient pour capturer l’atmosphère générale du lieu.
Vous serez en mesure de représenter la taille de la foule et de capturer les batteurs et les claviers loin derrière, qui sont généralement difficiles à photographier sous d’autres angles.
La capture d’artistes sur la scène est un exemple de prise de vue qui ne peut être photographiée qu’à partir d’une position plus élevée.
Avec une prise de vue avec un grand-angle, vous pouvez représenter l’atmosphère globale du lieu. Être capable de capturer toute la largeur de la scène est un autre avantage.
Capturer les couleurs et les textures vibrantes.
Capturer le dynamisme du costume et des accessoires de l’artiste est une autre technique pour rendre plus vivante la photographie de concert.
Que l’artiste soit ou non plongé dans un éclairage flatteur est une clé. Si l’artiste se trouve dans un éclairage naturel, la texture d’un costume n’apparaîtra pas même en gros plan. f/ 5-f / 5,6 ou supérieur et vous serez en mesure de représenter les détails des textures du costume.
Si vous voulez représenter les détails d’un costume, observez les effets d’éclairage et visez à obtenir une photo lorsque l’éclairage semble le plus naturel.
Notez qu’il est difficile de faire ressortir la texture du costume lorsqu’il est sous un éclairage puissant, comme lorsqu’il y a des effets d’éclairage rouge ou bleu.
Si cela est possible, essayez de savoir à l’avance quel costume l’artiste portera. Pour cela YouTube est ton ami…
Voilà quelques petites infos pour commencer, après, il faut faire et refaire…
Depuis leur formation en 1983, les Red hot chili peppers se sont imposés comme l’un des groupes les plus influents de la scène rock mondiale. Avec un mélange unique de **funk**, **rock**, **punk**, et **psychédélique**, le groupe a créé un son singulier qui continue d’inspirer des millions de fans.Leur carrière, marquée par des succès commerciaux énormes et des défis personnels, fait des Red hot chili peppers une véritable légende vivante de la musique. Cet article explore leur parcours depuis leurs débuts, leur évolution musicale, et leur impact durable sur le paysage musical mondial.
Red hot chili peppers
1. Les Débuts des Red Hot Chili Peppers
1.1 La Formation du Groupe
Les Red hot chili peppers (RHCP) ont vu le jour à Los Angeles en 1983, dans une période où la scène musicale de la ville bouillonnait d’énergie et de créativité. Le groupe initialement composé de **Anthony Kiedis** (chant), **Flea** (basse), **Hillel Slovak** (guitare), et **Jack Irons** (batterie) s’inspire des sons émergents du **punk**, du **funk**, et du **hard rock**. Leur fusion de ces genres a immédiatement attiré l’attention du public, notamment grâce à leurs performances scéniques délirantes.
Red hot chili peppers
Les débuts en club : Les RHCP commencent par jouer dans des clubs underground de Los Angeles, où leur style explosif et leur énergie brute sur scène attirent rapidement un public de fans fidèles. Dès le début, Kiedis et Flea démontrent une chimie scénique intense, souvent accompagnée de cascades scéniques, d’improvisations et de performances souvent déjantées, ce qui devient rapidement leur marque de fabrique.
Avec l’influence de la scène funk, notamment des artistes comme **George Clinton** et **Bootsy Collins**, Flea apporte à la musique du groupe un groove inimitable à la basse, tandis que Slovak, inspiré par des guitaristes tels que **Jimi Hendrix**, contribue à l’aspect psychédélique et agressif de leur son.
1.2 Les Premiers Albums : Une Fusion de Styles
Le premier album éponyme des **Red Hot Chili Peppers**, produit par **Andy Gill**, sort en 1984. Cet album jette les bases du son unique du groupe, bien que les critiques soient divisées. Les ventes restent modestes, mais le groupe se fait remarquer pour son mélange inhabituel de **funk** et de **punk**, une combinaison qui, bien qu’encore brute, pose les bases de ce qui deviendra leur signature musicale.
Des débuts modestes : L’album reçoit des critiques mitigées, certains louant leur énergie brute, tandis que d’autres jugent leur son trop chaotique et pas encore assez abouti. Cependant, malgré ces débuts modestes, le groupe commence à attirer un public de plus en plus large grâce à leur style de performance live qui se démarque des autres groupes de l’époque.
L’arrivée de George Clinton : Pour leur deuxième album, **Freaky Styley** (1985), le groupe fait appel à **George Clinton**, le maître du funk, pour produire l’album. Ce choix renforce l’influence funk dans leur musique, et des titres comme « Jungle Man » et « Hollywood (Africa) » montrent une évolution dans leur style. L’album permet au groupe de raffiner son son, mais le succès commercial reste encore limité.
Red hot chili peppers
1.3 Le Tragique Destin de Hillel Slovak
Le guitariste original du groupe, **Hillel Slovak**, est un élément clé dans la formation du son des RHCP. Son jeu de guitare énergique, fortement influencé par le funk et le rock psychédélique, joue un rôle central dans l’identité musicale du groupe. Malheureusement, Slovak lutte contre la toxicomanie tout au long de sa carrière avec le groupe, une bataille qui aura des conséquences tragiques.
Les luttes internes : Au cours de cette période, la toxicomanie affecte plusieurs membres du groupe, notamment Slovak et le chanteur Anthony Kiedis. Malgré leur ascension, ces problèmes de dépendance créent des tensions internes. En 1988, après la sortie de leur troisième album ** »The Uplift Mofo Party Plan »**, Hillel Slovak meurt d’une overdose d’héroïne. Sa mort marque un tournant majeur pour le groupe.
La perte de Slovak pousse également le batteur **Jack Irons** à quitter le groupe, incapable de supporter le choc de la mort de son ami. À ce moment-là, l’avenir du groupe semble incertain, mais Kiedis et Flea décident de poursuivre.
2. L’Ascension des Red Hot Chili Peppers
2.1 L’arrivée de John Frusciante et Chad Smith
Après la mort de Hillel Slovak et le départ de Jack Irons, les Red hot chili peppers se retrouvent à un moment critique. Cependant, en 1988, deux nouveaux membres rejoignent le groupe : **John Frusciante** à la guitare et **Chad Smith** à la batterie. Ces nouvelles recrues apportent une énergie et une créativité renouvelées au groupe, leur permettant de surmonter les difficultés et de passer à une nouvelle étape dans leur carrière.
John Frusciante, le prodige de la guitare : À seulement 18 ans, Frusciante impressionne par sa maîtrise de la guitare et sa capacité à intégrer des influences variées, allant du punk au funk en passant par le rock psychédélique. Son jeu est à la fois technique et émotionnel, apportant une nouvelle dimension au son des RHCP.
Chad Smith, le pilier rythmique : De son côté, **Chad Smith** apporte une puissance brute à la batterie, avec un style percutant et une énergie inébranlable. Ensemble, Frusciante et Smith apportent une nouvelle alchimie au groupe, ce qui conduit à la création de leur quatrième album ** »Mother’s Milk »** en 1989.
Red hot chili peppers
2.2 Le Succès Explosif de « Mother’s Milk »
Avec « Mother’s Milk », sorti en 1989, les RHCP commencent à atteindre un succès commercial et critique. L’album contient des hits comme ** »Higher Ground »**, une reprise du classique de Stevie Wonder, et « Knock Me Down », un hommage à Hillel Slovak. Grâce à ce disque, le groupe parvient à capter l’attention du grand public tout en conservant leur identité musicale unique.
Un style plus affiné : Cet album montre une évolution claire dans leur son, avec des morceaux plus structurés et mélodiques. La basse funky de Flea, combinée aux riffs innovants de Frusciante, crée un équilibre parfait entre la puissance brute et la sophistication musicale. « Mother’s Milk » permet également au groupe de développer davantage ses capacités de composition, avec des titres plus réfléchis et émotionnels.
Une tournée réussie : La tournée qui suit la sortie de ** »Mother’s Milk »** propulse le groupe dans la sphère internationale. Leurs performances scéniques, toujours aussi énergiques et excentriques, leur permettent de conquérir un public de plus en plus large. À ce stade, RHCP est devenu un nom familier dans le monde du rock alternatif, mais leur plus grand succès est encore à venir.
2.3 « Blood Sugar Sex Magik » : L’Apogée
En 1991, les **Red Hot Chili Peppers** sortent ** »Blood Sugar Sex Magik »**, produit par **Rick Rubin**. Cet album marque un tournant décisif dans la carrière du groupe et est souvent considéré comme leur chef-d’œuvre. Avec des hits comme ** »Give It Away »**, ** »Under the Bridge »**, et ** »Suck My Kiss »**, l’album est à la fois un succès commercial massif et un triomphe critique.
Une fusion parfaite des genres : « Blood Sugar Sex Magik » combine des éléments de funk, de rock, de rap, et de ballades plus introspectives, montrant la capacité du groupe à s’aventurer dans différents styles tout en restant fidèles à leurs racines. La production soignée de Rick Rubin met en valeur la complexité et la profondeur des compositions du groupe, tout en capturant l’énergie brute de leurs performances en studio.
Un succès mondial : L’album se vend à plus de 13 millions d’exemplaires dans le monde, propulsant les Red hot chili peppers au rang de superstars internationales. Le single ** »Give It Away »** remporte un **Grammy Award**, tandis que ** »Under the Bridge »** devient l’une de leurs chansons les plus emblématiques, atteignant la deuxième place des charts aux États-Unis.
Malgré ce succès monumental, des tensions internes commencent à apparaître au sein du groupe, notamment en raison des difficultés de **John Frusciante** à gérer la notoriété croissante. Peu de temps après la sortie de l’album, Frusciante quitte brusquement le groupe en pleine tournée, plongeant les RHCP dans une période d’incertitude.
Red hot chili peppers
3. Le Renouveau des Red Hot Chili Peppers
3.1 Le Retour de John Frusciante et l’Épopée « Californication »
Après plusieurs années d’instabilité et de changements de formation, **John Frusciante** fait un retour triomphal au sein du groupe en 1998, après avoir surmonté ses problèmes personnels. Le groupe entame alors l’enregistrement de leur septième album, ** »Californication »** (1999), qui marque une nouvelle phase dans leur carrière.
Le triomphe de « Californication » : Cet album renoue avec un son plus mélodique et introspectif, tout en conservant les racines funk-rock du groupe. Des morceaux comme ** »Scar Tissue »**, ** »Otherside »**, et ** »Californication »** deviennent des hits internationaux, et l’album se vend à plus de 15 millions d’exemplaires à travers le monde. La guitare éthérée et émotionnelle de Frusciante, combinée aux lignes de basse groovy de Flea et aux paroles introspectives de Kiedis, fait de « Californication » l’un des albums les plus emblématiques de leur carrière.
Le retour de Frusciante dans le groupe apporte une nouvelle énergie créative, et les RHCP commencent une tournée mondiale triomphale qui les consolide en tant que l’un des groupes de rock les plus influents de leur génération.
3.2 Red hot chili peppers« By the Way » et « Stadium Arcadium »
En 2002, les **Red Hot Chili Peppers** sortent ** »By the Way »**, un album qui continue à explorer des sonorités plus mélodiques et plus pop, tout en restant fidèle à leurs racines funk-rock. Cet album produit des hits comme ** »By the Way »**, ** »The Zephyr Song »**, et ** »Can’t Stop »**, consolidant encore davantage leur position au sommet de la scène musicale internationale.
« Stadium Arcadium » : En 2006, les RHCP sortent leur premier double album, ** »Stadium Arcadium »**, un projet ambitieux qui explore un large éventail de styles musicaux. Cet album reçoit un accueil critique enthousiaste et remporte plusieurs **Grammy Awards**, notamment pour la chanson ** »Dani California »**. Le double album se compose de deux disques, ** »Jupiter »** et ** »Mars »**, qui explorent différentes facettes du son du groupe, du funk au rock psychédélique en passant par des ballades acoustiques.
Avec « Stadium Arcadium », les Red Hot Chili Peppers montrent une fois de plus leur capacité à se réinventer tout en restant fidèles à leur essence. L’album est un énorme succès commercial, atteignant la première place des charts dans plusieurs pays et se vendant à des millions d’exemplaires.
3.3 Les Départs et Retours de John Frusciante
Après la tournée mondiale qui suit la sortie de ** »Stadium Arcadium »**, John Frusciante quitte à nouveau le groupe en 2009 pour se concentrer sur sa carrière solo. Le groupe recrute alors **Josh Klinghoffer**, un guitariste talentueux, pour le remplacer.
Avec Klinghoffer, les RHCP sortent l’album ** »I’m with You »** en 2011, suivi de ** »The Getaway »** en 2016. Ces albums sont bien accueillis par la critique, mais ne parviennent pas à capturer l’alchimie unique que Frusciante avait apportée au groupe.
En décembre 2019, les fans sont ravis d’apprendre que **John Frusciante** fait son retour au sein du groupe. Ce retour tant attendu marque une nouvelle ère pour les **Red Hot Chili Peppers**, qui préparent un nouvel album avec Frusciante à la guitare.
La Discographie des Red Hot Chili Peppers : Une Évolution Musicale Iconique
1. Les Premiers Albums (1984-1987)
1.1 The Red Hot Chili Peppers (1984)
Le tout premier album éponyme des **Red Hot Chili Peppers** sort en 1984. Produit par **Andy Gill**, ancien membre de **Gang of Four**, cet album pose les bases du style unique du groupe, mais montre encore une identité musicale en gestation. La production est rugueuse, et bien que l’énergie du groupe soit palpable, cet album est loin d’être le reflet de leur potentiel à venir.
Des morceaux comme ** »Get Up and Jump »** et ** »Out in L.A. »** montrent la volonté des RHCP d’intégrer des éléments de funk et de punk dans leur musique, mais le son global manque de cohérence. Néanmoins, cet album pose les bases de la dynamique explosive entre **Anthony Kiedis**, **Flea**, **Hillel Slovak**, et **Jack Irons**, et ouvre la voie à des évolutions plus ambitieuses dans leurs albums suivants.
1.2 Red hot chili peppers Freaky Styley (1985)
Avec **Freaky Styley**, les **Red Hot Chili Peppers** collaborent avec le légendaire **George Clinton**, le maître du funk. Cela renforce considérablement l’aspect funk de leur musique. L’album bénéficie d’une production plus travaillée, et Clinton aide le groupe à affiner leur style unique de fusion funk-punk.
Des titres comme ** »Jungle Man »**, ** »Hollywood (Africa) »**, et ** »The Brothers Cup »** montrent l’influence de Clinton, avec des lignes de basse groovy et des rythmes de batterie funky, soutenus par la voix dynamique de Kiedis. Si cet album est une amélioration par rapport à leur premier effort, il ne réussit pas à attirer une attention commerciale majeure. Toutefois, il est désormais considéré comme un jalon important dans l’évolution du groupe vers un son plus mature.
1.3 Red hot chili peppers The Uplift Mofo Party Plan (1987)
**The Uplift Mofo Party Plan** marque une étape importante dans la carrière des RHCP, car c’est le seul album enregistré par la formation originale avec **Hillel Slovak** à la guitare et **Jack Irons** à la batterie. Cet album représente une fusion plus cohérente de funk et de rock, ce qui leur permet de commencer à attirer l’attention du grand public.
Les chansons ** »Fight Like a Brave »** et ** »Me and My Friends »** illustrent parfaitement cette fusion d’énergies, avec des riffs accrocheurs et des rythmes funky. L’album est un pas en avant dans l’affirmation de leur style, mais c’est aussi un moment marqué par des luttes internes dues à la toxicomanie de Slovak. Sa mort en 1988, peu après la sortie de l’album, marque une période sombre pour le groupe.
2. La Période de l’Ascension (1989-1995)
2.1 Red hot chili peppers Mother’s Milk (1989)
Avec **John Frusciante** remplaçant Hillel Slovak à la guitare et **Chad Smith** à la batterie, les **Red Hot Chili Peppers** trouvent enfin la formation qui les mènera au succès. **Mother’s Milk** est leur quatrième album, et c’est celui qui les propulse vers une reconnaissance mondiale.
Des titres comme ** »Higher Ground »** (une reprise de Stevie Wonder) et ** »Knock Me Down »** témoignent de la nouvelle dynamique du groupe, avec une guitare plus fluide et un groove plus affirmé. L’album marque également une amélioration notable en termes de production et de cohésion musicale. C’est la première fois que le groupe commence à percer dans les classements américains, un signe avant-coureur de leur succès à venir.
2.2 Red hot chili peppers Blood Sugar Sex Magik (1991)
En 1991, **Blood Sugar Sex Magik** marque une révolution dans la carrière des RHCP. Produit par **Rick Rubin**, cet album est considéré comme leur chef-d’œuvre et a un impact durable sur la scène musicale. C’est un mélange parfait de funk, de rock, de rap et d’éléments psychédéliques, et il contient des titres qui deviendront des classiques intemporels.
Des morceaux comme ** »Give It Away »**, ** »Suck My Kiss »**, et le plus introspectif ** »Under the Bridge »** propulsent le groupe vers un succès mondial. La guitare mélodique de Frusciante, combinée aux lignes de basse groovy de Flea et aux paroles puissamment émotionnelles de Kiedis, donne à cet album une profondeur musicale qui dépasse les attentes. ** »Blood Sugar Sex Magik »** se vend à plus de 13 millions d’exemplaires dans le monde et est souvent cité comme l’un des meilleurs albums de rock alternatif des années 1990.
Malheureusement, peu après la sortie de l’album, **John Frusciante** quitte le groupe en raison de l’énorme pression liée à la célébrité, ce qui plonge les RHCP dans une période d’incertitude.
2.3 Red hot chili peppers One Hot Minute (1995)
Après le départ de Frusciante, les Red Hot Chili Peppers recrutent **Dave Navarro**, ancien guitariste de **Jane’s Addiction**, pour l’album **One Hot Minute**. Cet album est marqué par un son plus sombre et plus lourd, reflétant les luttes internes du groupe à cette époque.
Des titres comme ** »Warped »**, ** »My Friends »**, et ** »Aeroplane »** sont plus axés sur le hard rock et le grunge que sur le funk. Bien que cet album ait connu un succès modéré, il ne parvient pas à capturer la magie de **Blood Sugar Sex Magik**. **Navarro** quitte finalement le groupe en 1998, et cette période est souvent considérée comme une parenthèse difficile dans leur carrière.
3. Le Retour en Force et l’Âge d’Or (1999-2006)
3.1 Red hot chili peppers Californication (1999)
Le retour de **John Frusciante** en 1998 marque une renaissance pour les **Red Hot Chili Peppers**. Leur septième album, **Californication**, sort en 1999 et est un triomphe à tous les niveaux. Ce disque se distingue par une approche plus mélodique et plus introspective, tout en conservant les éléments de funk-rock qui ont fait la renommée du groupe.
Des chansons comme ** »Scar Tissue »**, ** »Otherside »**, et la chanson-titre ** »Californication »** deviennent des hits planétaires. **Californication** se vend à plus de 15 millions d’exemplaires dans le monde, et Frusciante y joue un rôle central, en apportant des textures sonores plus éthérées et émotionnelles à la musique du groupe. Cet album marque également un tournant dans les paroles de Kiedis, qui deviennent plus introspectives et réfléchissent sur des thèmes tels que la dépendance, la rédemption et la quête de sens.
3.2 Red hot chili peppers By the Way (2002)
Trois ans après le succès de **Californication**, les RHCP sortent **By the Way** en 2002, un album qui montre une évolution vers un son encore plus mélodique et plus pop. Bien que certaines chansons comme ** »Can’t Stop »** conservent une énergie funk-rock, l’album dans son ensemble est plus doux et plus introspectif que leurs précédents travaux.
Avec des titres comme ** »By the Way »**, ** »The Zephyr Song »**, et ** »Universally Speaking »**, le groupe explore des ambiances plus rêveuses et plus légères. Si certains fans regrettent l’aspect plus brut de leurs albums précédents, **By the Way** reçoit un accueil critique positif et se vend à des millions d’exemplaires, confirmant la place des RHCP en tant que l’un des plus grands groupes de rock de la scène mondiale.
3.3 Red hot chili peppers Stadium Arcadium (2006)
En 2006, les **Red Hot Chili Peppers** sortent un album double ambitieux intitulé **Stadium Arcadium**. Cet album explore toute la gamme des influences musicales du groupe, du funk au rock psychédélique en passant par des ballades acoustiques. Les deux disques, ** »Jupiter »** et ** »Mars »**, contiennent des titres tels que ** »Dani California »**, ** »Snow (Hey Oh) »**, et ** »Tell Me Baby »**, qui deviennent des succès immédiats.
**Stadium Arcadium** est acclamé par la critique et remporte plusieurs **Grammy Awards**, y compris celui du Meilleur Album Rock. Cet album est également le dernier projet avec John Frusciante avant son départ en 2009. Il incarne une période de créativité intense et de cohésion musicale pour le groupe, avec des compositions qui reflètent à la fois leur maturité et leur volonté de continuer à innover.
4. Une Nouvelle Phase (2011-présent)
4.1 Red hot chili peppers I’m with You (2011)
Après le départ de John Frusciante, les RHCP recrutent **Josh Klinghoffer** pour leur dixième album **I’m with You** en 2011. Cet album présente un son plus expérimental, avec des influences variées allant de l’afrobeat au jazz.
Bien que des morceaux comme ** »The Adventures of Rain Dance Maggie »** aient reçu des critiques positives, **I’m with You** n’a pas le même impact que les albums précédents avec Frusciante. Cependant, le groupe montre qu’il est capable de se réinventer malgré les changements de line-up.
4.2 Red hot chili peppers The Getaway (2016)
En 2016, les RHCP sortent **The Getaway**, produit par **Danger Mouse**. Cet album se distingue par une production plus raffinée et des arrangements plus subtils. Des titres comme ** »Dark Necessities »** et ** »Go Robot »** montrent une volonté de continuer à explorer de nouvelles sonorités, tout en gardant les éléments fondamentaux de leur style.
Bien que **The Getaway** ne connaisse pas le même succès commercial que **Californication** ou **Stadium Arcadium**, il reçoit des critiques positives et montre que les **Red Hot Chili Peppers** restent un groupe capable d’évoluer et de surprendre après plus de trois décennies de carrière.
4.3 Le Retour de John Frusciante et l’Avenir
En 2019, le groupe annonce le retour de **John Frusciante**, à la grande joie des fans. Le retour de Frusciante a ravivé l’espoir que le groupe retrouve l’alchimie musicale qui avait marqué leurs plus grands succès. Avec de nouveaux projets en préparation, les **Red Hot Chili Peppers** continuent de prouver qu’ils sont l’un des groupes de rock les plus influents et résilients de l’histoire.
» Motorhead Lemmy n’est pas une biographie de Lemmy Kilmister, l’âme bouillonnante de Motorhead. C’est bien mieux. Greg Olliver et Wes Orshoski ont suivi Lemmy sur une période de deux ans.
Ils l’ont accompagné dans les coulisses d’une tournée, ou soir après soir, il réanime la légende, ce typhon rock’n’roll qui franchit la barrière du son et culmine avec le culte « Ace of Spades » dans sa maison de Los Angeles.
Découvrez le film « Motorhead Lemmy » en version intégrale
Le gars est un doigt d’honneur à lui tout seul. Il est l’esprit du rock. Il faut s’incliner devant lui. Dave Navarro, Nikki Sixx, Billy Bob Thornton, Slash, Ozzy Osbourne Joan Jett, Henry Rollins, Alice Cooper, Ice T et bien d’autres rocks stars…pour eux, « Lemmy incarne ce qu’ils ne sont plus depuis bien longtemps. »
Véritable légende et icône de la scène heavymétal et hard rock depuis 40 ans, Lemmy a marqué son époque par son style de jeu, sa voix rauque et ses excès.
Marqué par des dizaines de disques et de tournées, son parcours est également marqué par des escapades et des anecdotes aussi improbables les unes que les autres, qui suffiraient pour écrire un roman. Lemmy raconte cela parfaitement.
En 2006, Lemmy Kilmister a accordé une interview à Libération. Il a exprimé son dégoût pour les légumes et s’est décrit comme « remarquablement conservé malgré une vie en excès, un peu comme une vipère dans un pot d’alcool ».
L’occasion tout de même de discuter de ses problèmes de santé, et en particulier de son sang plus sain, selon les dernières analyses.
« Keith Richards avait les moyens de faire changer son sang, mais je n’ai pas son argent », a expliqué Lemmy à qui les médecins auraient expliqué, alors qu’il était hospitalisé à Londres au début des années 1990: « Vous voyez, si on vous donne du sang pur, vous mourrez … s’il vous plaît, ne donnez pas votre sang ! Il est si toxique que vous tueriez quelqu’un! »
Motorhead Lemmy : un mode de vie…fou
Compte tenu de son mode de vie, Lemmy a eu une longévité inattendue. Il l’attribuait au fait qu’il n’avait jamais consommé d’héroïne, une drogue qu’il avait vue emporter beaucoup d’amis.
Cependant, il était loin d’être hostile à d’autres drogues, telles que le LSD et les amphétamines. Selon la légende, il ne pouvait pas arrêter de se droguer, sinon son corps aurait cessé de fonctionner. Lui-même disait qu’il n’avait pas pu dormir pendant deux semaines après en avoir pris.
Sa consommation d’alcool était également impressionnante. Dans le documentaire Live Fast Die Old, on apprend notamment qu’il a consommé une bouteille de Jack Daniel’s par jour pendant 30 ans (ce qui, si on fait le calcul, équivaudrait à quelque 10000 litres consommés dans sa vie).
Lemmy avait déclaré au Guardian qu’il était passé à la vodka orange pour gérer son diabète. Malgré ses problèmes de santé, il disait être « indestructible » et n’avait pas l’intention de s’arrêter.
Avant que Lemmy Kilmister ne devienne le leader incontesté et charismatique de Motörhead, il a roulé sa bosse ailleurs.
Entre la fin des années 1960 et le début des années 1970, il a joué dans plusieurs autres groupes, comme The Rockin ‘Vickers, Sam Gopal et surtout Hawkwind, un groupe de space rock toujours actif dans lequel des dizaines de musiciens ont joué.
Le rockeur a également était roadie, c’est-à-dire technicien qui accompagne les groupes en tournée.
Et pas pour des inconnus. À la fin des années 1960, il suit Jimi Hendrix et prépare ses guitares. « Quand il jouait, c’était magique. L’espace et le temps s’arrêtaient », a déclaré le leader de Motörhead, décrivant Hendrix comme « un gars vraiment sympa » et « très poli ».
Motorhead Lemmy : Une voix d’outre-tombe, un micro perché…
Sur scène, Lemmy chantait avec un microphone anormalement haut, une habitude qu’il avait gardée depuis les débuts du groupe.
Cette position inhabituelle l’obligeait à chanter la tête tournée vers le haut, ce qui, selon lui, l’empêchait à l’époque de voir le peu de spectateurs.
Autre explication possible, relayée par Rolling Stone, la position de son micro lui permettait de regarder vers le haut, « comme s’il prononçait un sermon en colère ou hurlait face à une brute beaucoup plus grosse que lui ». À moins que ce soit simplement un moyen de conserver son timbre robuste.
Motorhead Lemmy : Pas de mariage mais deux fils…
Lemmy n’a jamais été marié, pas vraiment un adepte d’une vie de famille stable et ordonnée, et avait deux fils.
Dans un portrait rendu public après sa mort, Libération rappelle qu’il a été abandonné par son père et que cette expérience, tout comme son style de vie, a probablement joué un rôle dans les relations avec ces deux enfants.
Son premier fils, Sean, est né lorsque Lemmy n’avait que 17 ans. Adopté par la suite, il n’a jamais rencontré son père.
Dans le documentaire Lemmy, le chanteur fait référence quand il dit que la mère de l’enfant l’a trouvé, mais « n’a pas eu le courage » de dire à son fils qui était son père.
Le deuxième fils de Lemmy, Paul, est né au milieu des années 1960. Il n’a connu son père qu’à l’âge de 6 ans, et ils se rencontraient régulièrement.
OFFICIAL « MAKING OF LEMMY »
Motorhead Lemmy : Une collection…d’objets nazis
Adepte de la provocation, Lemmy est également devenu connu pour son penchant pour les objets liés au nazisme et au IIIe Reich.
Des objets qu’il gardait chez lui mais qu’il arborait aussi parfois sur scène, suscitant controverses et accusations de sympathie idéologique, même si le rockeur l’a toujours niée et que son point de vue ne laissait aucun doute.
« Je ne collectionne que des objets, je ne collectionne pas d’idées », a expliqué Lemmy, qui se considérait plutôt comme un « anarchiste ».
Il a reconnu sa fascination pour les uniformes nazis (mais aussi napoléoniens) en expliquant que « les méchants ont toujours eu les meilleurs trucs » tandis que les soldats britanniques ont des uniformes kakis qui les faisaient ressembler à des « grenouilles des marais ».
Motorhead Lemmy : Une sexualité débridée
Comme d’autres rockeurs, Lemmy a construit son image sulfureuse sur sa consommation excessive d’alcool et de drogues, mais aussi sur sa sexualité débridée.
En 2006, le magazine Maxim l’a également classé dans son top 10 des «légendes sexuelles vivantes», lui décernant pas moins de 2000 conquêtes. « Je n’ai jamais dit 2000, j’ai dit 1000.
Mais je suis probablement aux alentours de 1200 maintenant », a déclaré Lemmy au magazine mensuel pour hommes.
« Je l’ai commencé il y a longtemps et je n’ai jamais été marié, donc je n’ai jamais pris de pause. » Lemmy souffrait aussi parfois de ces excès sexuels, s’évanouissant surtout sur scène après un léger « épuisement ».
Le leader de Motörhead a également exprimé à plusieurs reprises son amour et son respect pour les femmes, qu’il considérait comme égales dans tous les domaines.
Lemmy reste une des dernières véritables légendes du rock. Par son oeuvre, son mode de vie, par sa façon si particulière d’avoir traversé son temps.
Motorhead était un groupe de heavy métal britannique originaire de Londres, en Angleterre. Le groupe a été formé par le bassiste et chanteur Lemmy Kilmister en 1975 et dissous en 2015 après la mort de ce dernier. Il faisait partie de la nouvelle vague de métaux lourds britanniques, qui a imprégné la communauté britannique de heavy métal.
Les albums Overkill, Bomber, Ace of Spades et surtout No Sleep’til Hammersmith ont renforcé la réputation de Motorhead comme l’un des plus grands groupes de rock du Royaume-Uni.
Motorhead est considéré dans le heavy métal comme l’une des principales influences du speed et du thrash, Lemmy Kilmister admet qu’il déteste ce terme, préférant décrire le son du groupe comme « rock and roll ».
L’approche de Motorhead à sa musique est restée simple tout au long de la vie du groupe, préférant jouer ce que ses membres ont aimé, sans se soucier de « ce que les autres pensent ». Au cours des 40 années de sa carrière, le groupe a vendu plus de 35 millions d’albums dans le monde.
Les textes de Motorhead couvrent des sujets aussi larges que la guerre, le sexe,le bien contre le mal, la consommation de drogue et la vie sur la route.
Le logo du groupe a été créé en 1977 par l’artiste Joe Petagno pour les besoins de l’album Motorhead. Le groupe se classe 26ème dans le classement VH1 des 100 plus grands groupes de métal.
Les héritiers de Motorhead
Metallica
Parmi ceux qui se considèrent comme les plus influencés par Motörhead se trouve bien sûr Metallica, et Lars Ulrich était même le président junior du fan club de Motorhead.
Le groupe leur rendra hommage, notamment l’album The Lemmy’s a.k.a Metallica, enregistré lors de l’anniversaire des cinquante ans de Lemmy dans Whiskey A Go-Go à Los Angeles. Les groupes des Big Four disent que Motorhead a beaucoup d’influence.
L’album se compose de 8 chansons de Motorhead jouées par Metallica et de 12 chansons jouées par Motorhead. Sur cet album live, Four Horsemen comprend Overkill (avec Lemmy), Damage Case, Stone Dead Forever, Too Late Too Late, The Chase Better than the Catch et (We Are) The Road Crew.
D’autres groupes de thrash comme Sodome ou Sepultura le disent. Le Venom, pionnier du Black Metal, se déclare également sous l’influence de Motorhead.
Il a fondé le groupe Probot et Lemmy autour de lui, on voit aussi Dave Grohl dans un T-shirt Motorhead dans son Clip, comme Axl Rose of Guns N ‘Roses dans le clip Estranged, M Shadows Avenged Sevenfold au Hellfest 2014, ainsi que Greg Graffin de Bad Religion dans des clips bonus de DVD Live at the Palladium.
Le chanteur du groupe Rancid n’a pas non plus caché son amour pour Lemmy et Motorhead, nous voyons donc qu’il a pris la même apparence que Lemmy dans son groupe Lars Frederiksen et les salauds, adoptant un style de barbe ou un fer à repasser sur le cou.
Airbourn
Le groupe australien Airbourne rend hommage à Lemmy et Motorhead par la chanson « It’s All for Rock’n’Roll« . Dans le clip de ce titre, Lemmy apparaît à plusieurs reprises, menant une carrière difficile (probablement une référence à la période « roadie ») ou sur scène.
D’un autre côté, on voit dans le clip une structure de scène similaire à celle mise en œuvre lors des concerts de Motörhead pour le titre « Bomber ». Dee Dee Ramone, qui a composé plus de la moitié des chansons des Ramones, était également un grand fan de Motorhead.
Lemmy enregisgrera une chanson dédiée à Ramones sur un album de 1916 intitulé R.A.M.O.N.E.S. À ce sujet, le chanteur des Ramones Joey a déclaré: « La chanson de Lemmy pour nous est le plus grand hommage, comme si Lennon faisait de même.
» Il y a eu de nombreux groupes d’hommage, principalement britanniques, tels que Motörheadache et I’m Not Motörhead de Portsmouth en Grande-Bretagne.
2004 : Everything Louder Than Everything Else (Live 1991) (DVD)
2005 : Stage Fright (Live 2004) (DVD)
2010 : Lemmy The Movie (DVD)
2011 : The Wörld Is Ours – Vol. 1 – Everywhere Further Than Everyplace Else (DVD)
2012 : The World Is Ours – Vol.2 – Anyplace Crazy As Anywhere Else (DVD)
2016 : Clean Your Clock (DVD)
BONUS: la dernière interview de Lemmy
L’icône de Motorhead, Lemmy, a ri d’apparaître sur scène comme un fantôme après sa mort dans l’une de ses dernières interviews. La conversation de 14 minutes a été enregistrée par la chaîne de télévision allemande ZDF fin novembre, des semaines avant le décès du 28 décembre . Son manager Todd Singerman a révélé cette semaine que Lemmy était devenu trop fragile pour passer des interviews et des soundchecks lors de sa dernière tournée.
Le batteur Mikkey Dee a déclaré que son collègue avait «dépensé toute son énergie» sur la route en décembre. Malgré un air malade et fatigué, Lemmy était de bonne humeur lors de l’interview ZDF. Lorsqu’on lui a demandé s’il avait l’intention de continuer à jouer, il a plaisanté: «Après la mort ? Non. Je vais devoir m’arrêter alors, je pense.
On ne sait jamais… je pourrais hanter quelque part. Gâcher le concert de quelqu’un d’autre. Tears For Fears ou quelqu’un – apparaissez au milieu et dites « Tout le monde! » » Il a dit de la longévité de son groupe: «40 ans, c’est une blague. C’est ridicule. La presse ne nous aimait pas.
Ils nous ont donné six mois à vivre. Ils sont tous partis et je suis toujours là. Dommage. » Il a évoqué la mort récente de l’ancien batteur Philthy ‘Animal’ Taylor , en disant: «J’ai l’impression d’avoir connu Phil toute ma vie. C’était un fou – et j’admire cela chez une personne. Je pense qu’il a perdu sa volonté de vivre. Il faisait beaucoup de mauvaises drogues et vivait avec les mauvaises personnes.
C’était trop pour sa constitution. Jusqu’à présent, j’ai survécu, parce que je l’ai inventé, plus ou moins. » Lemmy a ajouté: «Je ne recommande pas le mode de vie, car la plupart des gens en meurent. Beaucoup de mes amis sont morts, ce qui ne devrait pas être le cas.
Ils avaient beaucoup plus de musique en eux. Mais c’est comme ça que la vie est – tout dépend de la chance. Pour l’avenir, il a déclaré: «Je le ferai aussi longtemps que possible. J’ai 70 ans en décembre et c’est un peu ridicule après ça.
Mais je vais voir comment je me sens. » Il a également parlé des attentats terroristes de Paris, de la musique punk, de l’écriture de chansons, d’Elvis, de Little Richard, de Carl Perkins, de Lars Ulrich et du rejet du titre de « parrain du heavy metal ».
Slayer, le groupe emblématique du metal et leur incroyable parcours
Au fil des années, Slayer s’est imposé comme l’un des groupes les plus emblématiques de la scène metal. Leur musique puissante et envoûtante a marqué l’histoire du rock et continue d’influencer de nombreux artistes. Dans cet article, nous allons revenir sur l’histoire de ce groupe hors du commun, découvrir ses membres fondateurs et explorer leurs albums cultes. Alors, sans plus attendre, entrons dans l’univers exceptionnel de Slayer.
Les débuts de Slayer : entre passion et audace
Tout commence en 1981 à Huntington Park, une banlieue de Los Angeles. Deux guitaristes talentueux, Kerry King et Jeff Hanneman, décident de s’associer pour former un groupe. Ils recrutent alors Tom Araya, un chanteur et bassiste doté d’une voix puissante et captivante, ainsi que Dave Lombardo, un batteur exceptionnel. Ainsi naît Slayer, un groupe qui n’a pas encore pris sa forme définitive, mais dont les fondations sont désormais posées.
Le quatuor s’investit corps et âme dans la création de leur premier album, enchaînant les répétitions et les concerts locaux pour se faire connaître. En 1983, ils sortent leur premier opus intitulé « Show No Mercy ». L’accueil est très positif, notamment grâce à des morceaux tels que « Die by the Sword » ou « Evil Has No Boundaries ». Forts de ce premier succès, les membres de Slayer décident de poursuivre leur aventure et enchainent les tournées à travers les Etats-Unis.
Les albums cultes de Slayer
Avec plus de trente années d’existence et une discographie riche de douze albums studio, Slayer a su évoluer tout en restant fidèle à son style emblématique. Découvrons ensemble quelques-uns de leurs albums les plus marquants :
« Reign in Blood » (1986) – Souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, cet album est un véritable monument du metal. Avec des morceaux aussi emblématiques que « Angel of Death » ou « Raining Blood », il propulse le groupe au sommet de la scène métal internationale.
« South of Heaven » (1988) – Plus atmosphérique et mélodique que son prédécesseur, cet opus séduit grâce à des titres tels que « Mandatory Suicide » ou « Ghosts of War ». Il confirme également l’excellente collaboration entre les deux guitaristes fondateurs, Kerry King et Jeff Hanneman.
« Seasons in the Abyss » (1990) – Fusionnant avec brio l’énergie brute de « Reign in Blood » et la richesse mélodique de « South of Heaven », cet album offre certains des meilleurs morceaux du groupe, notamment « War Ensemble » et « Dead Skin Mask ».
« God Hates Us All » (2001) – Après une période plus calme, Slayer revient avec cet album puissant et sombre, qui plonge l’auditeur dans un univers aussi fascinant que dérangeant. Des titres tels que « Disciple » et « New Faith » témoignent de la rage et de la virtuosité du groupe.
Leurs dernières années de carrière
En 2015, le groupe sort son dernier album studio en date, intitulé « Repentless ». Cette réalisation fait suite au décès du guitariste fondateur Jeff Hanneman en 2013, remplacé par Gary Holt. Bien que confrontés à cette épreuve difficile, les membres de Slayer continuent de donner le meilleur d’eux-mêmes pour offrir à leurs fans des morceaux d’une intensité rare et maintenir l’héritage de leur ami disparu.
Fidèles à leur engagement scénique depuis leurs débuts, Slayer annonce également une ultime tournée mondiale en 2018, baptisée « The Final World Tour ». C’est ainsi que Tom Araya, Kerry King, Paul Bostaph et Gary Holt sillonnent les routes du monde entier pour dire adieu à leurs fidèles admirateurs et célébrer ensemble une dernière fois leur passion commune pour la musique.
L’influence de Slayer sur la scène metal
Tout au long de leur carrière, Slayer a eu un impact indéniable sur la scène metal, inspirant de nombreux groupes et artistes venus après eux. Leur style musical unique et novateur a notamment influencé le genre du thrash metal, dont ils sont considérés comme l’un des pionniers aux côtés de METALLICA, MEGADETH et ANTHRAX. Leur succès a également encouragé d’autres formations à tenter leur chance dans ce style musical exigeant, notamment les groupes TESTAMENT, EXODUS ou encore KREATOR.
Mais Slayer ne se limite pas au domaine du thrash metal. Leurs compositions ont également touché des artistes provenant d’autres styles musicaux, comme le death metal, le black metal, le punk hardcore ou même le hip-hop. Des groupes aussi variés que SLIPKNOT, LAMB OF GOD, BEHEMOTH, CONVERGE ou encore PUBLIC ENEMY revendiquent ainsi l’influence importante quIls ont eu sur leurs parcours musicaux.
La passion toujours vive chez les fans de Slayer
Aujourd’hui, malgré l’annonce de la fin de leur carrière scénique, la cote d’amour pour Slayer reste intacte auprès de ses admirateurs. Concerts événements, objets collectors et autres projets dérivés témoignent de cet attachement indéfectible envers le groupe et sa musique. En somme, si Slayer peut être fier d’un héritage riche en émotions et en succès, ils peuvent surtout compter sur une communauté de fans qui n’est pas prête de les abandonner, quelles que soient les circonstances.
EN SAVOIR PLUS:
Slayer était un groupe de thrash métal américain de Huntington Park, en Californie . Le groupe a été formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman , le batteur Dave Lombardo et le bassiste et chanteur Tom Araya . Le style musical rapide et agressif de Slayer en a fait l’un des « quatre grands » groupes fondateurs de thrash metal , aux côtés de Metallica , Megadeth et Anthrax .
La formation finale de Slayer comprenait King, Araya, le batteur Paul Bostaph et le guitariste Gary Holt . Le batteur Jon Dette était également membre du groupe.
Dans la programmation originale, King, Hanneman et Araya ont contribué aux paroles du groupe, et toute la musique du groupe a été écrite par King et Hanneman.
Les paroles et les pochettes d’album du groupe, qui couvrent des sujets tels que le meurtre , les tueurs en série , la torture , le génocide , la politique , l’expérimentation humaine , le satanisme , les crimes de haine , le terrorisme , la religion , l’ anti religion , le nazisme , le racisme , la guerre et la prison, ont généré des interdictions d’album, des retards, des poursuites et des critiques de la part de groupes religieux et de factions du grand public.
Cependant, sa musique a été très influente, souvent citée par de nombreux groupes comme une influence musicale, visuelle et lyrique; le troisième album du groupe, Reign in Blood (1986), a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus lourds et les plus influents.
Slayer a sorti douze albums studio, deux albums live, un coffret, six clips musicaux, deux pièces prolongées et un album de couverture. Quatre des albums studio du groupe ont reçu la certification d’or aux États-Unis.
Le groupe a reçu cinq nominations aux Grammy Awards, dont une en 2007 pour la chanson » Eyes of the Insane » et une en 2008 pour la chanson « Final Six », toutes deux issues de l’album Christ Illusion (2006). Entre 1991 et 2013, le groupe a vendu cinq millions d’albums aux États-Unis.
Après plus de trois décennies d’enregistrement et d’ interprétation, Slayer a annoncé en Janvier 2018 , cette qu’elle se lancer dans sa tournée mondiale finale , qui a eu lieu de mai 2018 à Novembre 2019, et le groupe s’est dissous par la suite.
Histoire
Premières années (1981–1983)
Slayer a été formé en 1981 par Kerry King , Jeff Hanneman , Dave Lombardo et Tom Araya à Huntington Park, en Californie.
Le groupe a commencé à jouer des reprises de chansons de groupes comme Iron Maiden , Black Sabbath , Judas Priest et Venom dans des fêtes et des clubs du sud de la Californie . L’image primitive du groupe reposait fortement sur des thèmes sataniques qui comprenaient des pentagrammes , du maquillage, des pointes et des croix inversées.
Rumeurs selon lesquelles le groupe était à l’origine connu sous le nom de Dragonslayer, après le film de 1981 du même nom, ont été démentis par King, comme il l’a déclaré plus tard: « Nous ne l’avons jamais été; c’est un mythe à ce jour. »
En 1983, Slayer a été invité à ouvrir pour le groupe Bitch au Woodstock Club à Anaheim, en Californie, pour interpréter huit chansons, dont six étaient des reprises. Le groupe a été repéré par Brian Slagel , un ancien journaliste musical qui avait récemment fondé Metal Blade Records .
Impressionné par Slayer, il a rencontré le groupe dans les coulisses et leur a demandé d’enregistrer une chanson originale pour son prochain album de compilation Metal Massacre III . Le groupe a accepté et leur chanson « Aggressive Perfector » a créé un buzz underground à sa sortie au milieu de 1983, ce qui a conduit Slagel à offrir au groupe un contrat d’enregistrement avec Metal Blade.
Show No Mercy , Haunting the Chapel et Hell Awaits (1983-1986)
Jeff Hanneman a été le guitariste de Slayer pendant 30 ans, de 1981 à 2011.Il était le principal auteur-compositeur avec Kerry King, ainsi qu’un parolier.
Sans budget d’enregistrement, le groupe a dû autofinancer son premier album. Combinant les économies d’Araya, qui était employée en tant que thérapeute respiratoire, et l’argent emprunté au père de King, le groupe est entré dans le studio en novembre 1983.
L’album a été précipité dans la sortie, stockant des étagères trois semaines après que les pistes aient été terminé.
Show No Mercy, sorti en décembre 1983 chez Metal Blade Records, a généré une popularité underground pour le groupe. Le groupe a commencé une tournée du club de Californie pour promouvoir l’album.
La tournée a donné au groupe une popularité supplémentaire et les ventes de Show No Mercy ont finalement atteint plus de 20 000 aux États-Unis et 20 000 autres dans le monde.
En février 1984, King rejoint brièvement le nouveau groupe de Dave Mustaine , Megadeth . Hanneman était inquiet de la décision de King, déclarant dans une interview, « Je suppose que nous allons avoir un nouveau guitariste. »
Tandis que Mustaine voulait que King reste sur une base permanente, King est parti après cinq spectacles, déclarant que le groupe de Mustaine « prenait trop de mon temps. » La scission a provoqué une rupture entre King et Mustaine, qui a évolué en une querelle de longue durée entre les deux groupes.
En juin 1984, Slayer sort un EP à trois titres intitulé Haunting the Chapel . L’EP présente un style plus sombre et plus orienté thrash que Show No Mercy , et jette les bases de la future direction du groupe.
En mars 1985, Slayer a entamé une tournée nationale avec Venom et Exodus , ce qui a donné lieu à leur première vidéo à domicile baptisée Combat Tour: The Ultimate Revenge . La vidéo présentait des images filmées au club Studio 54 . Le groupe a ensuite fait ses débuts européens en direct au Heavy Sound Festival en Belgique en ouverture pour UFO .
Toujours en 1985, Slayer a fait des tournées ou joué des spectacles sélectionnés avec des groupes comme Megadeth, Destruction , DRI , Possessed , Agent Steel , SOD , Nasty Savage et Church of métal .
Show No Mercy se vendit à plus de 40 000 exemplaires, ce qui conduisit le groupe à retourner en studio pour enregistrer leur deuxième album. Metal Blade a financé un budget d’enregistrement, ce qui a permis au groupe d’embaucher le producteur Ron Fair .
Sorti en mars 1985, le deuxième album de Slayer, Hell Awaits , s’est étendu sur l’obscurité de Haunting the Chapel , avec l’enfer et Satan comme sujets de chanson communs.
Reign in Blood , le bref hiatus de Lombardo et South of Heaven (1986–1989)
Le guitariste Kerry King était l’un des deux membres constants de Slayer.
Après le succès de Hell Awaits , Slayer s’est vu proposer un contrat d’enregistrement avec Russell Simmons et le nouveau Def Def Records de Rick Rubin , un label largement hip hop .
Le groupe a accepté avec un producteur expérimenté et un budget d’enregistrement de label majeur. le groupe subi une cure de jouvence sonore pour leur troisième album Reign in Blood , résultant : des chansons plus courtes et plus rapides avec une production plus claire. Les arrangements complexes et les longs titres de Hell Awaits ont été abandonnés au profit de structures de chansons dépouillées et influencées par le punk hardcore .
Le distributeur de Def Jam, Columbia Records , a refusé de sortir l’album en raison de la chanson » Angel of Death » qui détaille les camps de concentration de l’ Holocauste et les expériences humaines menées par le médecin nazi Josef Mengele .
L’album a été distribué par Geffen Records le 7 octobre 1986. Cependant, en raison de la controverse, Reign in Blood n’est pas apparu sur le calendrier de sortie de Geffen Records. Bien que l’album n’ait reçu pratiquement aucune diffusion radio, il est devenu le premier groupe à entrer dans le Billboard 200 , débutant au numéro 94, et le premier album du groupe certifié or aux États-Unis.
Slayer a entamé la tournée mondiale Reign in Pain, avec Overkill aux États-Unis d’octobre à décembre 1986 et Malice en Europe en avril et mai 1987. Ils ont également joué avec d’autres groupes tels que Agnostic Front , Testament , Metal Church , DRI , Dark Angel et Flotsam et Jetsam .
Le groupe a été ajouté comme groupe de première partie pour la tournée américaine de WASP , mais juste un mois après, le batteur Lombardo quitta le groupe: « Je ne gagnais pas d’argent. Je me suis dit si nous allions être professionnel, je voulais que mon loyer soit payé. » Pour continuer la tournée, Slayer a enrôlé Tony Scaglione de Whiplash .
Cependant, Lombardo a été convaincu par sa femme de revenir en 1987. À l’insistance de Rubin, Slayer a enregistré une version de couverture de » In-A-Gadda-Da-Vida « d’ Iron Butterfly pour le film Less Than Zero .
Bien que le groupe ne soit pas satisfait du produit final, Hanneman le jugeant « une mauvaise représentation de Slayer » et King le qualifiant de « gros morceau de merde », ce fut l’une de leurs premières chansons à obtenir une diffusion radio .
Fin 1987, Slayer revient au studio pour enregistrer son quatrième album studio. Pour contraster la vitesse de Reign in Blood , le groupe a consciemment décidé de ralentir les tempos et d’incorporer un chant plus mélodique.
Selon Hanneman, « Nous savions que nous ne pouvions pas battre Reign in Blood , alors nous avons dû ralentir. Nous savions que tout ce que nous faisions allait être comparé à cet album, et je me souviens que nous avons en fait discuté du ralentissement. C’était bizarre – nous ‘ai jamais fait ça sur un album, avant ou depuis. »
Sorti en juillet 1988, South of Heaven a reçu des réponses mitigées de la part des fans et des critiques, bien que ce soit la sortie la plus réussie de Slayer à l’époque, faisant ses débuts au numéro 57 sur le Billboard 200, et leur deuxième album à recevoir la certification d’or aux États Unis.
La réponse de presse à l’album a été contrastée, avec AllMusic citant l’album comme « dérangeant et puissant »,et Kim Nelly de Rolling Stone l’ appelant « un radotage satanique véritablement offensant ».
King dit que « cet album fut ma performance la plus terne », bien qu’Araya l’ait qualifié de « floraison tardive » qui a finalement grandi dans la tête des gens. Slayer a fait une tournée d’août 1988 à janvier 1989 pour promouvoir South of Heaven , soutenir Judas Priest aux États-Unis lors de leur tournée Ram It Down , et visiter l’Europe avec Nuclear Assault et les États-Unis avec Motörhead et Overkill .
« Seasons in the Abyss » et deuxième départ de Lombardo (1990–1993)
Le bassiste / chanteur Tom Araya était l’un des deux membres constants de Slayer.
Slayer est revenu au studio au début des années 1990 avec le coproducteur Andy Wallace pour enregistrer son cinquième album studio. Après le contrecoup créé par South of Heaven , Slayer est revenu à la «vitesse martelante de Reign in Blood , tout en conservant leur nouveau sens mélodique ».
Seasons in the Abyss , sorti le 9 octobre 1990, est le premier album de Slayer à sortir sous le nouveau label Def American de Rubin , car il s’est séparé du propriétaire de Def Jam, Russell Simmons, pour des différences créatives.
L’album a fait ses débuts au numéro 44 sur le Billboard 200 et a été certifié or en 1992 .L’album a donné naissance au premier clip de Slayer pour la chanson titre de l’album, qui a été filmée devant les pyramides de Gizeh en Égypte.
Au cours de l’étape européenne à guichets fermés de cette tournée, les billets ont monté en flèche à 1 000 deutsche marks (680 $ US) sur le marché noir. Avec la popularité du thrash américain à son apogée, le groupe a de nouveau tourné avec Testament au début de 1991 et à trois titres la version nord-américaine de la tournée Clash of the Titans cet été-là avec Megadeth, Anthrax et Alice in Chains .
Le groupe sortit un double album live, Decade of Aggressionen 1991, pour fêter les dix ans de leur formation. La compilation a fait ses débuts au numéro 55 sur le Billboard 200.
En mai 1992, Lombardo quitta le groupe en raison de conflits avec les autres membres, ainsi que de son désir de ne pas être en tournée pour la naissance de son premier enfant. Lombardo forma son propre groupe Grip Inc. avec le guitariste Voodoocult Waldemar Sorychta , et Slayer recruta l’ancien batteur Forbidden Paul Bostaph pour occuper le poste de batteur.
Slayer a fait ses débuts avec Bostaph au festival Monsters of Rock de 1992 à Castle Donington . Le premier effort de Bostaph en studio fut un mélange de trois chansons Exploited , « War », « UK ’82 » et « Disorder », avec le rappeur Ice-T, pour la bande originale du film Judgment Night en 1993.
Divine Intervention , Undisputed Attitude et Diabolus in Musica (1994–2000)
En 1994, Slayer sort Divine Intervention , le premier album du groupe avec Bostaph à la batterie. L’album comprenait des chansons sur Reinhard Heydrich , un architecte de l’Holocauste, et Jeffrey Dahmer , un tueur en série américain et un délinquant sexuel.
Les autres thèmes incluaient le meurtre, les maux de l’église et les longueurs auxquelles les gouvernements allaient exercer le pouvoir, l’intérêt d’Araya pour les tueurs en série a inspiré une grande partie du contenu des paroles.
Slayer se prépare pour une tournée mondiale en 1995, avec Biohazard et Machine Head .
En 1996, Undisputed Attitude , un album de reprises punk sortit. Le groupe reprit des chansons de Minor Threat , TSOL , Dirty Rotten Imbeciles , DI , Verbal Abuse, Dr. Know et The Stooges . L’album comprenait trois morceaux originaux, « Gemini », « Can’t Stand You », « Ddamm »; les deux derniers ont été écrits par Hanneman en 1984–1985 pour un projet parallèle intitulé Pap Smear.
Bostaph quitta Slayer peu de temps après l’enregistrement de l’album pour travailler sur son propre projet, Truth About Seafood. Avec le départ de Bostaph, Slayer recruta le batteur du Testament Jon Dette et a titré l’Ozzfest 1996 aux côtés d’ Ozzy Osbourne , Danzig , Biohazard , Sepultura et Fear Factory .
Dette fût licencié après un an, en raison d’une retombée avec les membres du groupe. Après cela, Bostaph revint our continuer la tournée.
Diabolus in Musica (latin pour « The Devil in Music ») sorti en 1998, se classa 31 au Billboard 200, se vendant à plus de 46 000 exemplaires au cours de sa première semaine. L’album reçu des critiques très contrastées.
Le critique de Blabbermouth.net , Borijov Krgin, a décrit l’album comme « une faible tentative d’incorporer des éléments mis à jour dans le son du groupe, dont la présence a quelque peu accru les efforts du groupe et a donné l’espoir que Slayer pourrait s’abstenir de ressasser sans cesse leur matériel précédent pour leur sortie future »
Ben Ratliff du New York Times avait des sentiments similaires, écrivant le 22 juin 1998 que: « Huit des onze chansons de Diabolus in Musica , dont quelques-unes ont été jouées lors de l’émission, sont dans la même tonalité grise, et les idées rythmiques du groupe ont une similitude fatigante aussi. »
Slayer s’est associé au groupe hardcore numérique Atari Teenage Riot pour enregistrer une chanson pour la bande originale de Spawn intitulée « No Remorse (I Wanna Die) ». Le groupe a rendu hommage à Black Sabbath en enregistrant une reprise de « Hand of Doom » pour le deuxième de deux albums hommage, intitulé Nativity in Black II .
Une tournée mondiale a suivi pour soutenir le nouvel album, avec Slayer faisant une apparition au Royaume-Uni Ozzfest 1998 .
God Hates Us All (2001-2005)
Après des retards concernant le remixage et les illustrations, y compris les couvertures de diapositives créées pour couvrir les illustrations originales car elles étaient jugées « trop graphiques », le prochain album de Slayer, God Hates Us All , est sorti le 11 septembre 2001 .
Le groupe a reçu sa première nomination aux Grammy pour le titre « Disciple », bien que le Grammy ait été décerné à Tool , pour » Schism « .
Les attaques du 11 septembre contre l’Amérique ont mis en péril la tournée européenne 2001 Tattoo the Planet, qui devait à l’origine présenter Pantera , Static-X , Cradle of Filth , Biohazard et Vision of Disorder.
Les dates au Royaume-Uni ont été reportées en raison de restrictions de vol, avec une majorité de groupes décidant de se retirer, laissant Slayer et Cradle of Filth restant pour la partie européenne de la tournée.
Pantera, Static-X, Vision of Disorder et Biohazard ont été remplacés par d’autres groupe ; Amorphis , In Flames , Moonspell , Children of Bodom et Necrodeath . Biohazard a finalement décidé de rejoindre la tournée plus tard, et a réservé de nouveaux concerts dans les pays, où ils ont raté quelques dates.
Le batteur Bostaph a quitté Slayer avant Noël en 2001, en raison d’une blessure chronique au coude, ce qui entraverait sa capacité à jouer. La tournée « God Hates Us All » de Slayer étant inachevée , le directeur, Rick Sales, contacta Lombardo, et lui demanda s’il aimerait terminer le reste de la tournée. Lombardo a accepté l’offre et est restera membre permanent.
SLAYER
Christ Illusion (2006-2008)
Le batteur de Original Slayer, Dave Lombardo, a rejoint le groupe en 2001 après une interruption de neuf ans et a joué sur les albums Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009) avant de repartir en 2013.
Le prochain album studio, Christ Illusion , devait initialement sortir le 6 juin 2006 et serait le premier album avec le batteur original Lombardo depuis 1990 . Cependant, le groupe a décidé de retarder la sortie du disque, car ils ne voulaient pas être parmi les nombreux, selon King, « demi-cul, stupides putains de perdants » publiant des disques le 6 juin.
Bien que USA Today ait rapporté que l’idée a été contrecarrée parce que le groupe n’a pas réussi à obtenir suffisamment de temps d’enregistrement en studio. Slayer a sorti Eternal Pyre le 6 juin comme un EP en édition limitée .
Cinq mille exemplaires ont été publiés et vendus exclusivement dans les chaînes de magasins Hot Topic , et vendus dans les heures suivant leur sortie. Le 30 juin, Nuclear Blast Records a sorti une version de disque vinyle de 7 « limitée à mille exemplaires.
Christ Illusion est sorti le 8 août 2006 et a fait ses débuts au numéro 5 sur le Billboard 200, se vendant à plus de 62 000 exemplaires au cours de sa première semaine. Slayer a été intronisé au Kerrang! Hall of Fame pour leur influence sur la scène heavy metal.
Une tournée mondiale baptisée The Unholy Alliance Tour a été entreprise pour soutenir le nouveau disque. La tournée devait initialement démarrer le 6 juin, mais a été reportée au 10 juin, car Araya a dû subir une opération de la vésicule biliaire .
La tournée a fait son chemin à travers l’Amérique et l’Europe et les groupes qui ont participé, à part Thine Eyes Bleed, se sont réunis pour se produire au Festival Loudpark au Japon le 15 octobre 2006.
La vidéo du premier single de l’album, » Eyes of the Insane « , est sortie le 30 octobre 2006. Le titre a été présentée sur la bande originale de Saw III , et a remporté un Grammy-Award pour » Best Metal Performance » au 49th Grammy Awards, bien que le groupe n’ait pas pu assister en raison d’obligations de tournée.
Une semaine plus tard, le groupe a visité le 52e escadron de services situé sur la base de l’US Air Force à Spangdahlem en Allemagne pour donner un concert. Il s’agissait de la toute première visite d’une base militaire pour le groupe.
Le groupe a fait sa première apparition TV sur le l’emission de Jimmy Kimmel Live!le 19 janvier, jouant la chanson « Eyes of the Insane », et quatre chansons supplémentaires pour les fans après le spectacle (bien que les images de » Jihad » aient été coupées en raison de ses thèmes lyriques controversés).
Slayer a fait une tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande en avril avec Mastodon, et est apparu au Download Festival , Rock Am Ring , et une tournée d’été avec Marilyn Manson et Bleeding Through .
World Painted Blood (2009-2011)
En 2008, Araya déclare son incertitude quant à l’avenir du groupe, et qu’il ne peut pas se voir continuer la carrière à un âge plus avancé. Il a dit qu’une fois que le groupe aurait terminé son prochain album, qui était le dernier disque de leur contrat, le groupe s’asseyait et discutait de son avenir.
King pensais que le groupe produirait au moins deux autres albums avant d’envisager de se dissoudre: « Nous parlons d’aller en studio en février prochain [2009] et de sortir le prochain album donc si nous faisons les choses en temps opportun Je ne vois pas de raison pour laquelle nous ne pouvons pas sortir plus d’un album. »
Slayer, avec Trivium , Mastodon et Amon Amarth, font alors équipe pour une tournée européenne intitulée «The Unholy Alliance: Chapter III», en octobre et novembre 2008.
Le onzième album studio du groupe, World Painted Blood , est sorti chez American Recordings . Il fût disponible le 3 novembre en Amérique du Nord et le 2 novembre pour le reste du monde.
Le groupe déclara que l’album reprenait des éléments de toutes leurs œuvres précédentes, notamment Seasons in the Abyss , South of Heaven et Reign in Blood . Megadeth et Slayer ont uni leurs forces encore une fois pour la tournée Carnage américaine de Juillet à Octobre 2010 , avec Anthrax et Testament.
Début 2011, Hanneman a reçu un diagnostic de fasciite nécrosante . Selon le groupe, les médecins ont déclaré que cela provenait probablement d’une morsure d’araignée.
Araya a déclaré à propos de la condition de Hanneman: « Jeff était gravement malade. Jeff a fini par contracter une bactérie qui rongeait sa chair sur son bras, alors ils lui ont ouvert le bras, du poignet à l’épaule, et ils ont fait une greffe de peau sur lui, ils ont nettoyé … C’était un virus mangeur de chair, donc il était vraiment, vraiment mauvais. Alors nous attendrons qu’il s’améliore, et quand il sera à cent pour cent, il sortira et se joindra à nous. »
Le groupe decida de jouer leurs dates de tournée à venir sans Hanneman. Gary Holt d’ Exodus a remplacé Hanneman. Le 23 avril 2011, lors de l’émission American Big 4 à Indio, en Californie , Hanneman a rejoint ses camarades de groupe pour jouer les deux dernières chansons de leur ensemble, « South of Heaven » et « Angel of Death ».
Cela s’est avéré être la dernière performance live de Hanneman avec le groupe.
La mort de Hanneman, la troisième scission de Lombardo et Repentless (2011-2016)
Lorsqu’on lui a demandé si Slayer ferait un autre album, Lombardo a répondu « Oui absolument; bien qu’il n’y ait rien d’écrit, il y a certainement des plans. » Cependant, Araya disait que Slayer ne commencerait pas à écrire un nouvel album jusqu’à ce que la condition de Hanneman se soit améliorée.
Pour célébrer le 25e anniversaire de Reign In Blood , le groupe a interprété toutes les pistes de l’album au festival All Tomorrow’s Parties à l’ Alexandra Palace à Londres.
En novembre 2011, Lombardo a publie un tweet indiquant que le groupe commençait à écrire de la nouvelle musique. Cela signifiait probablement que l’état de Hanneman s’était amélioré, et on pensait qu’il était prêt à entrer dans le studio.
King avait travaillé avec Lombardo cette année-là et ils ont terminé trois chansons. Le groupe prévoyait d’entrer en studio en mars ou avril 2012 et espérait que l’album soit enregistré avant la tournée américaine du groupe fin mai et le sortir d’ici l’été de la même année.
Cependant, King dit à l’époque que l’album à venir ne serait pas fini avant septembre et octobre de cette année, rendant une sortie 2013 probable.
En juillet 2012, King a révélé deux titres de chansons pour l’album à venir, « Chasing Death » et « Implode ».
En février 2013, Lombardo est licencié juste avant que Slayer ne joue au festival australien Soundwave en raison d’une dispute avec les membres du groupe au sujet d’un différend salarial.
Slayer et American Recordings publient une déclaration, disant que « M. Lombardo est venu dans le groupe moins d’une semaine avant leur départ prévu pour l’Australie pour présenter un ensemble de conditions entièrement nouvelles pour son engagement qui étaient contraires à celles qui avaient été précédemment. »
Lombardo est alors officiellement hors de Slayer pour la troisième fois, et, en mai, Bostaph rejoint le groupe.
Le guitariste d’ Exodus Gary Holt rejoint Slayer en 2011, à l’origine en tant que membre de tournée, et devient plus tard un remplaçant officiel de Jeff Hanneman , décédé en 2013.
Le 2 mai 2013, Hanneman est décédé des suites d’une insuffisance hépatique dans un hôpital local près de son domicile dans l’ Inland Empire du sud de la Californie ; la cause du décès a ensuite été déterminée comme étant une cirrhose liée à l’alcool .
King a confirmé que le groupe continuerait, disant: « Jeff va être dans les pensées de tout le monde pendant longtemps. Il est malheureux que vous ne puissiez pas empêcher que des choses malheureuses se produisent.
Mais nous allons continuer – et il ‘ je serai là en esprit. » Cependant, Araya se sentait plus incertain quant à l’avenir du groupe, exprimant sa conviction que « Après 30 ans [avec Hanneman actif dans le groupe], ce serait littéralement comme recommencer ».
Malgré l’incertitude concernant l’avenir du groupe, Slayer a toujours travaillé sur un suivi de World Painted Blood . De plus, le nouvel album contiendrait du matériel écrit par Hanneman.
Le groupe a annoncé qu’il avait signé avec Nuclear Blast , et prévoyait de sortir un nouvel album en 2015. Il a été rapporté que Holt prendrait en charge les fonctions de guitare de Hanneman à plein temps, bien que Holt n’ait pas participé à l’écriture de chansons .
En février, Slayer a annoncé une tournée américaine de dix-sept dates pour commencer en juin avec Suicidal Tendencies et Exodus . En 2015, Slayer a titré le Rockstar Energy Mayhem Festival pour la deuxième fois. Sans repentir, le douzième album studio du groupe, est sorti le 11 septembre 2015.
Slayer a fait une tournée de deux ans et demi à l’appui de Repentless . Le groupe a fait une tournée en Europe avec Anthrax et Kvelertak en octobre et novembre 2015 et s’est lancé dans trois tournées nord-américaines: une avec Testament et Carcass en février et mars 2016 puis avec Anthrax et Death Angel en septembre et octobre 2016. Une seule date en Asie du Sud-Est en 2017 a eu lieu aux Philippines.
Treizième album studio annulé, tournée d’adieu et séparation (2016-2019)
En août 2016, on a demandé au guitariste Kerry King si Slayer publierait une suite de Repentless .
Il a répondu: « Nous avons beaucoup de restes du dernier album, parce que nous avons écrit tellement de choses, et nous en avons aussi enregistré un tas.
Si les paroles ne changent pas musicalement la chanson, ces chansons sont terminées. Nous avons donc une longueur d’avance sur le match sans même rien avoir à faire pour le prochain album. Et j’ai travaillé sur des trucs sur mon temps d’arrêt.
Comme, je vais me réchauffer et un riff me viendra à l’esprit et je l’enregistrerai. J’en ai une poignée. Donc les roues tournent encore. Je n’ai encore rien travaillé sur le plan lyrique à part ce qui a été fait sur le dernier album, donc c’est quelque chose que je dois faire. Mais, ouais , Repentless n’a pas encore tout à fait un an. »
King a également déclaré que Slayer ne devait pas entrer dans le studio avant au moins 2018. Dans une interview en octobre sur le podcast de Jamey Jasta, le chanteur de Hatebreed , King a déclaré qu’il était » complètement ouvert « au fait que le guitariste Gary Holt (qui n’a pas contribué à l’écriture de chansons sur Repentless ) soit impliqué dans le processus d’écriture du prochain album de Slayer.
Il a expliqué: » Je suis tout à fait disposé à ce que Gary travaille sur quelque chose. Cela ne veut pas dire que cela arrivera ou ne se produira pas. Mais mes oreilles sont ouvertes. »
Le 22 Janvier 2018, Slayer annonce sa tournée mondiale d’ adieu , qui a commencé en Amérique du Nord en mai et Juin, soutenu par Anthrax , Behemoth et Testament . La deuxième étape de la tournée nord-américaine a eu lieu en juillet et août, Napalm Death remplaçant Behemoth, suivie en novembre et décembre par une tournée européenne avec Lamb of God, Anthrax et Obituary .
La tournée d’adieu s’est poursuivie en 2019, avec des plans pour visiter des endroits tels que l’Amérique du Sud, l’Australie et le Japon; en plus des festivals européens tels que le Hellfest et Graspop , Slayer joue également au Mexique au Force Fest en octobre 2018.
Le 2 décembre 2018, Holt annonce qu’il ne jouerait pas le reste de la tournée européenne du groupe car son son père est mourant. En conséquence, Vio-lence et l’ancien guitariste de Machine Head Phil Demmel le remplaceront.
Holt avait déclaré que Slayer ne sortirait pas de nouvel album avant la fin de la tournée d’adieu.
La dernière étape nord-américaine de la tournée, surnommée « The Last Campaign », a eu lieu en novembre 2019 et comprenait également le soutien de Primus , Ministry et Philip H. Anselmo & The Illegals . Bien qu’il soit qualifié de tournée d’adieu pour Slayer, leur manager Rick Sales a déclaré que le groupe ne se séparait pas, mais n’avait pas l’intention de se produire à nouveau en live.
Kristen Mulderig, qui travaille avec Rick Sales Entertainment Group, aurait également déclaré qu’il y aurait des activités liées à Slayer après la fin de la tournée. Cependant, dans les deux jours suivant la fin de la tournée, la femme du roi, Ayesha, a déclaré sur sa page Instagram qu’il n’y avait « aucune chance » que Slayer se réunisse pour exécuter plus de spectacles ou sortir de la nouvelle musique.
En mars 2020, en parlant à Guitar World de sa dernière approbation avec Dean Guitars , King a laissé entendre qu’il continuerait à faire de la musique en dehors de Slayer, disant simplement: « Dean ne m’a pas signé pour rien! » Lorsqu’on lui a demandé par le podcast Let There Be Talk en juin 2020 si une réunion Slayer se produirait jamais, Holt a déclaré: « Si cela se produit, si cela se produit, cela n’a rien à voir avec moi ».
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Slayer est un groupe de heavy metal américain formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman. Le groupe est connu pour ses performances sur scène très intenses et ses chansons brutales et rapides. Slayer a joué un rôle important dans le développement de la musique thrash metal et a contribué à façonner le son du genre.
Qui sont les membres du groupe Slayer?
Les membres fondateurs de Slayer sont le guitariste Kerry King et le batteur Dave Lombardo. Ils ont ensuite été rejoints par le chanteur/bassiste Tom Araya et le guitariste Jeff Hanneman. Après le décès de Hanneman en 2013, le groupe a recruté Gary Holt pour le remplacer à la guitare.
Quels sont les albums de Slayer?
Slayer a sorti 11 albums studio depuis sa formation en 1981. Les albums sont les suivants : Show No Mercy (1983), Hell Awaits (1985), Reign in Blood (1986), South of Heaven (1988), Seasons in the Abyss (1990), Divine Intervention (1994), Undisputed Attitude (1996), Diabolus in Musica (1998), God Hates Us All (2001), Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009).
Quels sont les titres les plus populaires de Slayer?
Les titres les plus populaires de Slayer incluent ‘Raining Blood’ (1986), ‘Angel of Death’ (1986), ‘War Ensemble’ (1990), ‘Seasons in the Abyss’ (1990), ‘Dead Skin Mask’ (1991), ‘South of Heaven’ (1988), ‘Mandatory Suicide’ (1988), ‘Chemical Warfare’ (1985), ‘Hell Awaits’ (1985) et ‘Altar of Sacrifice’ (1983).
Quels sont les principaux festivals où Slayer a joué?
Slayer a joué dans de nombreux grands festivals de musique à travers le monde. Les principaux festivals auxquels le groupe a participé comprennent Wacken Open Air en Allemagne, Download Festival en Angleterre, Rock am Ring en Allemagne, Rock im Park en Allemagne, Graspop Metal Meeting en Belgique, Knotfest en Amérique du Nord et South Korea’s Pentaport Rock Festival.
Qu’est-ce que le style musical de Slayer?
Le style musical de Slayer est principalement du thrash metal, mais le groupe incorpore également des éléments de death metal et de heavy metal traditionnel. Les chansons sont généralement très rapides et brutales, avec des guitares agressives et des rythmes complexes.
Quels sont les principaux prix remportés par Slayer?
Slayer a remporté de nombreux prix au cours de sa carrière. En 2003, le groupe a été honoré par la Revolver Golden Gods Awards comme «Meilleur groupe de metal». En 2016, Slayer a reçu le prix «Lifetime Achievement Award» lors des Metal Hammer Golden Gods Awards. En 2017, le groupe a remporté le prix «Hall of Fame» lors des Classic Rock Roll of Honour Awards. En 2018, Slayer a été intronisé au «Hall of Fame» des Kerrang! Awards.
Quels sont les membres fondateurs de Slayer?
Les membres fondateurs de Slayer sont Kerry King (guitare) et Jeff Hanneman (guitare). King et Hanneman ont fondé le groupe en 1981 et sont restés membres du groupe jusqu’à la mort de Hanneman en 2013.
Quelle est l’influence de Slayer sur la scène metal?
Slayer est largement considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène metal. Le groupe a joué un rôle important dans le développement du genre thrash metal et a contribué à façonner le son du genre. De nombreux groupes de metal modernes ont été influencés par le style de Slayer et le groupe est un modèle pour de nombreux musiciens.
Quels sont les projets de Slayer à venir?
Slayer a annoncé qu’ils allaient entamer une tournée mondiale en 2020 pour célébrer leur 40e anniversaire. Depuis, le groupe a splité, Slayer n’existe plus.
Quelle est la signification du logo de Slayer ?
Le logo de Slayer, souvent appelé « le logo de l’aigle », représente un aigle avec une épée dans ses griffes. L’aigle est souvent associé à la guerre et à la mort, tandis que l’épée symbolise la justice et la vengeance. Le logo a été créé par le guitariste Kerry King.
Quel est l’héritage de Slayer dans le metal ?
L’héritage de Slayer dans le metal est considérable, tant en termes d’influence musicale que de culture populaire. Le groupe est souvent considéré comme l’un des pionniers du thrash metal et son style agressif et extrême a inspiré de nombreux autres groupes de metal. Le logo de Slayer est également devenu un symbole emblématique du metal.
Pourquoi Slayer s’est-il séparé ?
En 2018, Slayer a annoncé sa dissolution après plus de 35 ans de carrière.
10. Quels sont les moments les plus mémorables de l’histoire de Slayer ?
Il y a eu plusieurs moments mémorables dans l’histoire de Slayer, en voici quelques-uns :
Leur performance à la première édition du festival de musique metal « Monsters of Rock » en 1988, où ils ont partagé la scène avec Metallica, Van Halen, Scorpions et d’autres grands noms de la musique.
La controverse entourant la chanson « Angel of Death » de l’album « Reign in Blood », qui aborde le sujet de l’Holocauste. La chanson a été accusée de glorifier la violence et l’antisémitisme, mais les membres de Slayer ont défendu la chanson en affirmant qu’elle avait été écrite dans un contexte historique et n’était pas destinée à être offensante.
Le décès du guitariste Jeff Hanneman en 2013, qui a bouleversé les fans de Slayer et a conduit à l’arrivée de Gary Holt en tant que guitariste de remplacement.
La tournée d’adieu de Slayer en 2018-2019, qui a vu le groupe jouer dans des salles combles à travers le monde pour célébrer leur carrière de plus de trois décennies.
Slayer est un groupe emblématique de la musique metal, connu pour son style musical agressif et ses paroles violentes. Le groupe a eu une influence considérable sur la musique metal et a inspiré de nombreux autres groupes au fil des ans. Bien que Slayer se soit séparé en 2018, leur héritage dans le metal reste important et leurs fans continuent de les célébrer comme l’un des plus grands groupes de l’histoire du genre.
La photographie d’art est un domaine de la photographie qui se concentre sur la création d’images expressives et esthétiques qui vont au-delà de la simple représentation d’une scène.
La créativité : La photographie d’art permet aux artistes de s’exprimer de manière créative en utilisant des techniques et des approches innovantes pour capturer et transformer leur sujet en quelque chose de plus expressif et esthétique.
L’émotion : Les photographies d’art sont souvent utilisées pour communiquer des émotions et des sentiments profonds, qu’ils soient positifs ou négatifs. Les photographes d’art cherchent souvent à évoquer une réponse émotionnelle chez le spectateur en utilisant des techniques telles que la composition, l’éclairage et la couleur.
La composition : La composition est un élément essentiel de la photographie d’art. Les photographes d’art cherchent à créer des images qui sont esthétiquement équilibrées et qui ont une composition réfléchie et intentionnelle. La composition peut aider à diriger l’œil du spectateur vers les éléments clés de l’image et à donner un sens de l’équilibre et de la profondeur.
La technique : Les photographes d’art peuvent utiliser une variété de techniques pour créer des images uniques et expressives. Cela peut inclure l’utilisation de techniques de prise de vue spéciales, telles que la surimpression, la double exposition, le flou de mouvement, etc. Les techniques de post-production, telles que le traitement numérique, peuvent également être utilisées pour transformer les images en œuvres d’art uniques.
L’originalité : La photographie d’art est souvent utilisée pour créer des images uniques et originales qui sortent des sentiers battus. Les photographes d’art cherchent souvent à créer des images qui sont différentes et qui se démarquent, afin de créer un impact visuel et émotionnel plus fort. La recherche de l’originalité est souvent ce qui distingue la photographie d’art de la photographie commerciale ou documentaire.
La créativité est un élément clé en photographie d’art. Les photographes d’art cherchent à créer des images qui sont expressives et qui vont au-delà de la simple représentation d’une scène. Voici quelques points clés sur la créativité en photo d’art :
Penser en dehors des sentiers battus : Pour être créatif en photographie d’art, il est important de sortir des sentiers battus et de chercher des perspectives et des approches différentes de celles que l’on utilise habituellement. Cela peut impliquer de changer de point de vue, d’expérimenter avec la composition ou d’explorer de nouvelles techniques de prise de vue.
L’expérimentation : Les photographes d’art sont souvent à la recherche de nouvelles techniques et de nouveaux moyens de s’exprimer. Cela peut impliquer de jouer avec la lumière, de travailler avec des objets inattendus ou de créer des images en combinant plusieurs images.
La réflexion : Pour être créatif en photographie d’art, il est important de prendre le temps de réfléchir à ce que l’on souhaite communiquer avec ses images. Cela peut impliquer de réfléchir à ses propres émotions ou à celles que l’on souhaite susciter chez le spectateur.
La patience : La créativité en photographie d’art peut prendre du temps. Il est important de prendre le temps d’expérimenter et de réfléchir à ses images pour obtenir le résultat que l’on souhaite.
La persévérance : Les photographes d’art peuvent rencontrer des obstacles en cours de route, mais il est important de persévérer pour atteindre leurs objectifs créatifs. Cela peut impliquer de persévérer dans l’expérimentation, de surmonter les obstacles techniques ou de trouver de nouvelles sources d’inspiration.
En fin de compte, la créativité en photographie d’art dépend de la capacité du photographe à explorer et à expérimenter de nouvelles approches, techniques et perspectives pour créer des images qui sont expressives, esthétiques et originales.
Photo d’art – Photographie d’art
L’émotion en photo d’art
L’émotion est un élément clé de la photographie d’art. Les photographes cherchent souvent à capturer et à transmettre des émotions dans leurs images, que ce soit leur propre émotion ou celle de leur sujet.
Voici quelques points clés sur l’émotion en photo d’art :
Capturer l’instant : Les photographes d’art cherchent souvent à capturer des moments émotionnels intenses ou des instants fugaces qui peuvent évoquer des sentiments chez le spectateur.
Travailler avec la lumière : La lumière peut avoir un impact émotionnel significatif sur une image. Les photographes peuvent utiliser la lumière pour créer une atmosphère particulière, mettre en valeur les émotions ou créer des ombres dramatiques qui évoquent un sentiment de mystère ou de tristesse.
La composition : La composition peut être utilisée pour transmettre des émotions. Les photographes peuvent utiliser la règle des tiers ou la symétrie pour créer une composition équilibrée et harmonieuse, ou utiliser des angles inattendus pour ajouter un sentiment d’urgence ou de confusion.
Le traitement d’image : Le traitement d’image peut être utilisé pour renforcer les émotions dans une photo. Les photographes peuvent ajuster la saturation, la teinte ou la luminosité pour créer une ambiance particulière ou ajouter des effets spéciaux pour renforcer l’émotion.
L’histoire : Les photographes d’art peuvent utiliser l’histoire pour transmettre des émotions. En créant une image qui raconte une histoire, les spectateurs peuvent se connecter avec les émotions des personnages de l’image.
En fin de compte, l’émotion en photographie d’art dépend de la capacité du photographe à capturer et à transmettre les émotions de manière visuelle, que ce soit par la composition, la lumière, le traitement d’image ou l’histoire racontée par l’image. Les images qui suscitent des émotions chez les spectateurs sont souvent les plus mémorables et les plus puissantes.
Photo d’art
La composition en photo d’art
La composition est un élément clé de la photographie d’art, car elle permet au photographe de créer une image visuellement équilibrée, intéressante et expressive. Voici quelques points clés sur la composition en photo d’art :
La règle des tiers : Cette règle suggère de diviser l’image en tiers horizontalement et verticalement, puis de placer le sujet principal le long de l’une de ces lignes ou à leur intersection. Cela crée une image équilibrée et harmonieuse qui est agréable à l’œil.
La symétrie : La symétrie est souvent utilisée dans la composition pour créer une image équilibrée et apaisante. Les photographes peuvent rechercher des motifs naturels ou architecturaux symétriques pour créer une image intéressante et esthétique.
Les lignes et les formes : Les lignes et les formes peuvent être utilisées pour guider l’œil du spectateur dans l’image. Les photographes peuvent utiliser des lignes diagonales pour ajouter du mouvement et de l’énergie à une image, ou des formes géométriques pour créer une image abstraite et intéressante.
Les couleurs : Les couleurs peuvent être utilisées pour créer une image harmonieuse et cohérente. Les photographes peuvent utiliser des couleurs complémentaires pour créer une image vibrante et équilibrée, ou des couleurs monochromes pour créer une ambiance calme et apaisante.
L’angle de prise de vue : L’angle de prise de vue peut avoir un impact significatif sur la composition de l’image. Les photographes peuvent utiliser des angles inattendus pour créer une image intéressante et unique, ou utiliser des angles élevés ou bas pour changer la perspective et la perception de l’image.
En fin de compte, la composition en photographie d’art est un moyen de créer des images visuellement équilibrées et expressives qui communiquent un message ou une émotion. Les photographes peuvent utiliser une variété de techniques pour créer une composition intéressante, allant de la règle des tiers à la symétrie en passant par les couleurs, les lignes et les angles de prise de vue.
La tehnique en photo d’art
La technique en photographie d’art est importante pour réaliser des images de qualité et réussir à transmettre des émotions et des messages. Voici quelques points clés sur la technique en photographie d’art :
La maîtrise de l’appareil photo : Le photographe doit connaître les réglages de base de l’appareil photo, tels que l’ouverture, la vitesse d’obturation et la sensibilité ISO, pour pouvoir adapter les paramètres en fonction de la situation de prise de vue.
Le choix de l’objectif : Le choix de l’objectif peut avoir un impact significatif sur l’image. Les objectifs grand angle peuvent être utilisés pour capturer une vue d’ensemble, tandis que les objectifs à focale fixe peuvent être utilisés pour créer un effet de profondeur de champ ou pour réaliser des portraits.
La lumière : La lumière est un élément clé de la photographie d’art. Les photographes doivent apprendre à utiliser la lumière naturelle et artificielle pour créer des effets de lumière intéressants, tels que les ombres, les reflets et les contrastes.
La post-production : La post-production est une étape importante de la photographie d’art. Les photographes peuvent utiliser des logiciels de retouche pour ajuster la luminosité, le contraste, la saturation, la netteté et d’autres paramètres de l’image pour améliorer sa qualité et sa cohérence.
La créativité : La technique est importante, mais la créativité est essentielle en photographie d’art. Les photographes doivent apprendre à sortir des sentiers battus, à explorer de nouveaux angles de prise de vue, à expérimenter avec la composition et à chercher des sujets qui leur inspirent pour créer des images originales et expressives.
En fin de compte, la technique en photographie d’art est importante pour créer des images de qualité, mais la créativité est essentielle pour créer des images originales et expressives. Les photographes doivent apprendre à maîtriser leur appareil photo, à utiliser la lumière et la post-production pour améliorer la qualité de leurs images, tout en gardant leur créativité et leur vision artistique intactes.
Pour conclure…
La photographie d’art est un moyen de s’exprimer artistiquement et de capturer des moments et des émotions uniques. Pour réussir à transmettre efficacement son message, un photographe d’art doit considérer cinq points clés : la maîtrise de l’appareil photo, le choix de l’objectif, la lumière, la post-production et la créativité.
La technique est importante pour créer des images de qualité, mais elle ne suffit pas à elle seule pour produire des photos d’art impactantes. Les photographes d’art doivent également faire preuve de créativité en expérimentant de nouvelles approches et en recherchant des sujets qui leur inspirent.
En fin de compte, la photographie d’art est une combinaison subtile de technique et de créativité. En gardant ces cinq points clés à l’esprit, les photographes d’art peuvent réussir à capturer des images qui communiquent leur vision personnelle et évoquent des émotions chez le spectateur.
Comment le faire de la photo d’art?
La photographie numérique a changé la façon dont les gens prennent des photos et combien les prennent.
N’importe qui avec un appareil photo peut être photographe de nos jours, et beaucoup d’entre eux veulent être des photographes professionnels ou des artistes, bien qu’ils puissent être les deux. Partout sur Internet, il y a une montée en puissance de ceux qui se disent photographes d’art ; alors peut-être qu’il est temps d’examiner ce qu’ils sont et en quoi ils sont différents des photographes habituels.
Récemment, j’ai entendu un photographe en ligne dire que vous pouviez ajouter un flou sur une image, puis appeler cela de l’art. Cela ne rend pas une image artistique, cela la rend juste ridicule.
Le travail doit porter sur vous et sur ce qui vous passionne. Ne vous inquiétez pas de ce que les autres pensent. Si vous savez quelle est votre vision, quel est votre sujet et comment vous voulez créer votre travail, alors votre déclaration devrait venir facilement et vous vous retrouverez sur une nouvelle voie, passionnante.
Si vous ne faites que de belles images sans aucun des éléments ci-dessus, il y a de fortes chances que vous ne créez pas de photo d’art.
Cependant, si vous avez une vision ou un message et que vous souhaitez transmettre des idées à travers votre travail, vous êtes plus susceptible de créer de la photo d’art. Peut-être devriez-vous réfléchir à ce que vous voulez que votre travail soit. Il est également très bien de simplement prendre des photos parce que vous aimez cela…
Les 5 Erreurs courantes dans la photo d’art
1. Ignorer l’importance de la qualité technique en photo d’art.
Alors que la photo artistique consiste à ignorer les règles et à exprimer son esprit, la maîtrise technique de la photographie en tant que médium ne peut être négligée.
La photo d’art nécessite un haut niveau d’expertise dans ce qui fait une photo techniquement bonne. Par exemple, obtenir la bonne mise au point, l’éclairage pour une bonne exposition et ce qui rend une composition intéressante sont importantes.
Une fois que vous savez comment contrôler ces éléments dans la caméra, vous avez le pouvoir de les utiliser comme formes de communication pour votre message.
Trop souvent, les artistes utilisent des films de qualité médiocre ou des capteurs de caméra de mauvaise qualité pour obtenir un aspect granuleux et artistique. La meilleure pratique serait d’utiliser une technique de meilleure qualité mais d’obtenir le résultat artistique grâce à la technique.
Quand tenir l’appareil photo à la main est un autre exemple d’un aspect technique à ne pas négliger. Savoir quand et comment utiliser un trépied est essentiel pour toute photographie.
Enfin, les photographes ont tendance à trop s’appuyer sur les fonctionnalités automatiques de leurs appareils photo modernes. L’exposition automatique et la mise au point automatique sont d’excellents outils, mais ils ont tendance à produire des images ternes et ordinaires.
Régler votre appareil photo en mode entièrement manuel vous permet de contrôler l’image et d’obtenir exactement le look que vous recherchez.
2. Confondre la qualité technique avec l’art.
Alors que la qualité technique est vitale pour la photo d’art, une photographie techniquement parfaite n’en fait pas de l’art. La photographie d’art concerne votre message, qui transcende entièrement les aspects techniques. La technique ne doit pas brouiller les éléments compositionnels et artistiques.
3. Suivre trop de règles en photo d’art.
Les photographes débutants apprennent toutes sortes de règles. Il y a la règle des tiers , la règle d’or et bien d’autres à suivre pour créer de la photo d’art.
Mais suivre les règles que tout le monde apprend signifie que vos images peuvent ressembler à la photographie de tout le monde. Si vous voulez que votre art soit unique et se démarque, vous devrez apprendre à enfreindre certaines règles. C’est une base de l’art globalement, il faut connaitre les techniques, les maîtriser complètement afin de pouvoir les dépasser.
4. Essayer de rendre toutes vos photos belles.
Presque toutes les photographies commerciales sont basées sur des photographies belles et esthétiques. En conséquence, nous sommes tous conditionnés à percevoir la photographie à travers le même filtre de cette beauté.
Mais parfois, surtout en tant que photographes artistiques , le message que nous essayons de communiquer est contraire à cette esthétique. Parfois crasseux, sale ou dramatique correspondent mieux au message. La photo d’art n’a pas besoin d’être belle, mais elle doit être convaincante et percutante.
5. Ne pas utiliser l’abstraction en photo d’art.
L’abstraction est un autre concept important de la photo d’art. Cela peut signifier supprimer les éléments superflus d’une photo et la distiller jusqu’à l’essentiel. Cela aide le spectateur à se connecter à l’image à un niveau plus fondamental.
Ou cela peut être fait lors de la composition de la photo ou en post-production. Quoi qu’il en soit, cela fait partie intégrante de l’envoi du bon message avec votre photo.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Avec un programme principalement composé de nouvelles productions, les Rencontres d’Arles ont acquis une dimension internationale. En 2017, plus de 125 000 spectateurs ont pu découvrir la 48e édition du festival. En 2018, le festival a battu un nouveau record avec 140000 visiteurs.
Certains sites, comme les chapelles du XIIe siècle ou les bâtiments industriels du XIXe siècle, sont ouverts au public pendant la durée du festival.
Grâce aux Rencontres d’Arles, de nombreux photographes ont été découverts et mis en lumière, ce qui confirme l’importance du festival comme tremplin pour la photographie et la création contemporaine. Ces dernières années, les Rencontres d’Arles ont invité de nombreux commissaires et ont confié certains de ses programmes à des personnalités telles que Martin Parr (2004), Raymond Depardon (2006) ou le couturier d’Arles Christian Lacroix (2008) ou encore Nan Goldin (2009).
Grâce aux grâce au soutien du ministère de la Culture, le festival a pu étendre et développer ses activités, devenant ainsi l’un des événements majeurs du calendrier culturel européen. Chaque année, le festival attire environ 200 000 visiteurs, ce qui en fait l’une des destinations touristiques les plus populaires en France.
Le festival est organisé autour d’un thème central, qui sert de point de départ à un large éventail d’expositions, de conférences, de films et d’autres événements. L’objectif du festival est de promouvoir la photographie contemporaine et d’encourager le dialogue entre les artistes, les critiques et le public.
L’un des points forts du festival est le « musée en plein air », qui présente une sélection des meilleures photographies contemporaines du monde entier. Cette année, le musée sera ouvert de juin à septembre. Un autre point fort est la « Nuit de la photographie », qui a lieu le premier samedi de chaque mois. Cet événement est l’occasion pour les photographes de présenter leur travail à un public plus large.
Événements
La semaine d’ouverture des Rencontres d’Arles propose des événements axés sur la photographie (projections nocturnes, visites d’expositions, débats, symposiums, soirées, signatures de livres, etc.) dans des lieux historiques de la ville, dont certains sont spécialement ouverts pour l’occasion.
Les moments les plus importants des dernières conférences sont: la Nuit de l’Europe (2008), dans laquelle un large panorama des identités photographiques européennes a été présenté; défilé de spectacles de Christian Lacroix lors de la soirée de clôture du festival (2008); et le concert de Patti Smith à l’occasion du 20e anniversaire de l’agence Vu (2006).
La Nuit de l’année
La nuit de l’année est le festival incontournable des Rencontres d’Arles. Elle se déroule dans les Papeteries Étienne du quartier Trinquetaille. Cette soirée d’ouverture de la semaine ouvre la variété des pratiques artistiques associées à l’image. Il présente les coups de cœur de l’année, propose aux artistes, institutions, magazines une licence …
La nuit de l’année est de neuf écrans pour une trentaine de représentations. L’événement commence à la fin de la journée avec la campagne BYOPaper – Bring Your Own Paper. 40 artistes sont sélectionnés pour coller leurs estampes sur les murs de la papeterie.
Un jury composé de l’équipe de direction des Rencontres d’Arles et de l’équipe du magazinephoto lifestyle Fisheye sélectionne chaque année les 40 projets. En 2017, les Papeteries Étienne ont accueilli la nuit de l’année pour la troisième fois consécutive, à laquelle ont assisté plus de 5000 visiteurs.
Cosmos-Arles Books
Cosmos-Arles Books est un événement satellite des Rencontres d’Arles dédié aux nouvelles pratiques éditoriales. Au cours des quinze dernières années, les publications photographiques grand format, les livres commerciaux et les livres électroniques sont devenus des matériaux expérimentaux importants pour les photographes et les artistes.
La photographie y est redécouverte comme moyen d’expression et de diffusion, et l’hybridité des formes qui lui sont propres y trouve sans aucun doute son champ d’expression le plus riche. Pour incarner cette énergie, la direction artistique des livres Cosmos Arles sera reprise par Olivier Cablat et Sebastian Hau (Cosmos) et Sam Stourdzé, directeur des Rencontres d’Arles.
Soirées au Théâtre Antique
Les projections nocturnes en plein air du théâtre romain d’Arles montrent le travail d’un photographe ou d’un spécialiste de la photographie, accompagné de concerts et de performances.
Chaque soirée fait l’objet d’une création unique. Lors de l’édition 2009 du festival, 8500 spectateurs ont assisté aux soirées du Théâtre antique, en moyenne 2000 spectateurs par soirée et 2500 pour la soirée de clôture et la représentation de la ballade de la dépendance sexuelle de Nan Goldin, accompagnée d’un concert de Tiger Lillies. Lors de l’édition 2013, plus de 6 000 spectateurs ont assisté aux soirées avec projections photo ou environ 1 500 spectateurs par soirée.
Colloques et débats des Rencontres de la photographie d’Arles
Au cours de la semaine d’ouverture des Rencontres, des réunions et débats sont organisés au cours desquels les photographes présents sont invités à parler de leur travail ou à répondre aux questions que se pose le public sur les photos exposées.
Les dernières éditions de ces événements se sont donc tournées vers la photographie sur différents sujets: peut-on encore imaginer aujourd’hui une esthétique noir et blanc pour la photographie? (2013), Comment les réseaux sociaux affectent-ils la créativité et l’information? (2011) Breaks, un concept central de la photographie d’aujourd’hui (2009), Le devoir en photographie: liberté ou coercition (2008), opérations et mutations du marché de la photo (2007) …
Les Stages de photographie des Rencontres de la photographie d’Arles
L’échange entre photographes professionnels et praticiens de tous niveaux est un enjeu constant depuis la création des Rencontres d’Arles. Chaque année, les cours photo permettent aux participants de s’engager dans un processus créatif personnel au plus près des enjeux esthétiques, éthiques et technologiques de la photographie.
De grands noms de la photographie ont régulièrement formé des directeurs des Rencontres d’Arles: Abbas, Guy Le Querrec, René Burri, Mary Ellen Mark, Paul Almasy, Antoine d’Agata, Martin Parr, Joan Fontcuberta, Jean Mezière etc.
La Rentrée en Images
Depuis 2004, l’événement «Une rentrée scolaire en images» est au cœur de la politique pédagogique développée par les Rencontres d’Arles. Au cours des deux premières semaines de septembre, les étudiants du CP au Master visitent les expositions, qui sont encadrées par des médiateurs spécialisés.
S’appuyant sur le programme du festival, l’événement vise à initier les jeunes aux arts visuels et s’inscrit dans une politique plus large de démocratisation culturelle. En effet, « Un retour à l’école en images » peut toucher plusieurs milliers d’élèves, dont un nombre important aborde pour la première fois le monde de l’art contemporain.
Luma Rencontres Dummy Book Award
En 2015, les Rencontres d’Arles ont lancé un prix promotionnel pour la publication d’un modèle de livre. Doté d’un budget de production de 25 000 euros, ce nouveau prix est ouvert à tout photographe et artiste en herbe qui utilise la photographie sur proposition d’un modèle de livre qui n’a jamais été publié. La production de l’édition gagnante commence à l’automne après la fin du festival et sera présentée lors de la prochaine édition des Rencontres d’Arles.
Photo Folio Review & Gallery
Lancé en 2006, Photo Folio Review & Gallery propose aux photographes des lectures de portfolio pendant la semaine d’ouverture du festival et la possibilité d’exposer leurs images pendant la durée des Rencontres d’Arles. Au cours de ces lectures, les photographes mettent leur travail à la disposition d’experts en photographie internationaux de divers domaines: éditeurs, conservateurs, directeurs d’institutions, directeurs d’agences, galeristes, collectionneurs, critiques et directeurs artistiques.
Le Prix des Rencontres d’Arles
Depuis leur création en 2002, les Rencontres d’Arles Awards ont permis de découvrir de nouveaux talents aux Rencontres d’Arles. Leur formule a été développée en 2007 pour conserver trois prix annuels, décernés tout l’été à Arles et décernés lors de la cérémonie de clôture de la semaine spécialisée du festival: le Prix Découverte (25 000 euros), l’auteur du Prix du Livre (8 000 euros) et le Prix du Livre du Prix Historique ( 8 000 euros) Lors de l’édition 2015, un nouveau prix, le Prix Photo-Texte (6 000 euros).
Le Budget des Rencontres de la photographie d’Arles
Le budget de l’édition 2015 des réunions était de 7 millions d’euros, dont 38% provenaient de fonds publics, 43% de revenus propres (principalement billetterie et dérivés) et 17% de mécénat et de partenariats privés.
Les expositions par Année
2010 : 41e édition (3 juillet – 19 septembre)
Promenade Argentine : Léon Ferrari, Marcos Adandia, Leandro Berra, Marcos Lopez, Sebastiano Mauri, Gabriel Valansi, Promenade rock : Mick Jagger, Jean Pigozzi, Claude Gassian, I am a cliché, Échos de l’esthétique punk, Andy Warhol, Billy Name, Stephen Shore, Robert Mapplethorpe5, Dan Graham, Peter Hujar, David Wojnarowicz, Bruce Conner, Destroy All Monsters, Sue Rynski, David Lamelas, Dennis Morris, Jamie Reid, Album Covers, Linder, Alain Dister, Robert Malaval, Belle journée en perspective, Katharina Sieverding, Rhona Bitner, Céleste Boursier-Mougenot, Christian Marclay, Meredith Sparks, Wolfgang Tillmans,
Promenade argentique : Ernst Haas, Shoot ! La photographie existentielle, Michel Campeau, Chambre(s) claire(s), note(s) sur la photographie, Polaroid en péril !, Zhang Dali, Augusto Ferrari, Des photographes en autoportraits, où sont-ils ?,
Promenade avec les amis de la Fondation Luma : Fischli/Weiss, Luke Fowler/Peter Hutton, Prix Découverte 2010, Artistes présentés par Tom Eccles, Anne Colier, Liz Deschenes, Roe Ethridge, Artistes présentés par Liam Gillick, Marlo Pascual, Gilad Ratman, Solmaz Shahbazi, Artistes présentés par Hans Ulrich Obrist & Philippe Parreno, Hans Peter Feldmann, Shannon Ebner, Kazuo Shinohara, Taryn Simon, Trisha Donnelly, Darius Khondji, Artistes présentés par Beatrix Ruf, Annette Kelm, Elad Lassry, Leigh Ledare, Prix du livre d’auteur et prix du livre historique 2010,
Promenade des passages de témoins : Un parcours dans la collection de Marin Karmitz, France 14, ReGeneration2, Paolo Woods, ENSP (promotion 2010), SFR jeunes talents, Lea Golda Holterman,
Hors promenade : No Scoop, Télérama culture couverture, Ivan Mikhailov, Des clics et des classes, Marcher-créer, Mario Giacomelli, Klavdij Sluban, 1950-2010 : Picto a 60 ans, Patrick Bouchain, François Deladerrière, Galerie Vu’, François Halard, Peter Klasen, Pierre Jahan
2011 : 42e édition (4 juillet – 18 septembre)
Chris Marker, photos du New York Times, Robert Capa, Pentti Sammallahti, JR, Wang Qingsong, Dulce Pinzon,…
2012 : 43e édition (3 juillet – 23 septembre)
Les 30 ans de l’ENSP, Josef Koudelka, Amos Gitai, Klavdij Sluban & Laurent Tixador, Arnaud Claass6, Grégoire Alexandre, Édouard Beau, Jean-Christophe Béchet, Olivier Cablat, Sébastien Calvet, Monique Deregibus & Arno Gisinger, Vincent Fournier, Marina Gadonneix, Valérie Jouve, Sunghee Lee, Isabelle Le Minh, Mireille Loup, Alexandre Maubert, Mehdi Meddaci, Collection Jan Mulder, Alain Desvergnes7, Olivier Metzger, Joséphine Michel, Erwan Morère, Tadashi Ono, Bruno Serralongue, Dorothée Smith, Bertrand Stofleth & Geoffroy Mathieu, Pétur Thomsen, Jean-Louis Tornato, Aurore Valade, Christian Milovanoff8,
2013 : 44e édition (1er juillet – 22 septembre)
Hiroshi Sugimoto, Sergio Larrain, Guy Bourdin, Alfredo Jaar9, John Stezaker10, Wolfgang Tillmans11, Viviane Sassen12, Jean-Michel Fauquet, Arno Rafael Minkkinen, Miguel Angel Rojas, Pieter Hugo13, Michel Van den Eeckhoudt, Xavier Barral14, John Davis, Antoine Gonin15, Thabiso Sekgala, Philippe Chancel, Raphaël Dallaporta, Alain Willaume, Cedric Nunn, Santu Mofokeng, Harry Gruyaert, Jo Ractliffe, Zanele Muholi, Patrick Tourneboeuf, Thibaut Cuisset, Antoine Cairns, Jean-Louis Courtinat, Christina de Middel, Stéphane Couturier, Frédéric Nauczyciel, Jacques Henri Lartigue, Pierre Jamet, Raynal Pellicer, Studio Fouad, Erik Kessels.
2014 : 45e édition (7 juillet – 21 septembre)
Expositions : Lucien Clergue, Christian Lacroix, Raymond Depardon, Léon Gimpel, David Bailey, Vik Muniz, Patrick Swirc, Denis Rouvre, Vincent Pérez, Chema Madoz, Élise Mazac, Robert Drowilal, Anouck Durand, Refik Vesei, Pleurat Sulo, Katjusha Kumi, Ilit Azoulay, Katharina Gaenssler, Miguel Mitlag, Victor Robledo, Youngsoo Han, Zhang Kechun, Pieter Ten Hoopen, Will Steacy, Kudzanai Chiurai, Patrick Willocq, Ciril Jazbec, Milou Abel, Sema Bekirovic, Melanie Bonajo, Hans de Vries, Hans Eijkelboom, Erik Fens, Jos Houweling, Hans van der Meer, Maurice van Es, Benoît Aquin, Luc Delahaye, Mitch Epstein, Nadav Kander.
2015 : 46e édition (6 juillet – 20 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Walker Evans, Stephen Shore, Robert Venturi, Denise Scott Brown, Toon Michiels, Olivier Cablat, Markus Brunetti, Paul Ronald, Sandro Miller, Eikoh Hosoe, Masahisa Fukase, Daido Moriyama, Masatoshi Naito, Issei Suda, Kou Inose, Sakiko Nomura, Daisuke Yokota, Martin Gusinde, Paolo Woods, Gabriele Galimberti, Natasha Caruana, Alex Majoli, Paolo Pellegrin, Ambroise Tézenas, Thierry Bouët, Anna Orlowska, Vlad Krasnoshchok, Sergiy Lebedynskyy, Vadym Trykoz, Lisa Barnard, Robert Zhao Renhui, Pauline Fargue, Julián Barón, Delphine Chanet, Omar Victor Diop, Paola Pasquaretta, Niccolò Benetton, Simone Santilli, Dorothée Smith, Rebecca Topakian, Denis Darzacq, Swen Renault, Paolo Woods, Elsa Leydier, Alice Wielinga, Cloé Vignaud, Louis Mattonet Pablo Mendez.
2016 : 47e édition (4 juillet – 25 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Sid Grossman, Ethan Levitas, Garry Winogrand, Peter Mitchell, Eamonn Doyle, William Klein, Christian Marclay, Bernard Plossu, Charles Fréger, Sara Galbiati, Peter Helles Eriksen, Tobias Selnaes Markussen, Maud Sulter, Laia Abril, Piero Martinello, João Pina, Stéphanie Solinas, Yan Morvan, Alexandre Guirkinger, Don McCullin, PJ Harvey& Seamus Murphy, Yann Gross, Alinka Echeverría, Maurizio Cattelan & Pierpaolo Ferrari, Augustin Rebetez, Frank Berger, Stephanie Kiwitt, Basma Alsharif, Daisuke Yokota, Marie Angeletti, Christodoulos Panayiotou, Nader Adem, Sarah Waiswa, Beni Bischof, Sara Cwynar.
2017 : 48e édition (3 juillet – 19 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Joel Meyerowitz, Michael Wolf, Audrey Tautou, Kate Barry, Roger Ballen, Marie Bovo, Mathieu Asselin, Gideon Mendel, Karlheinz Weinberger, Samuel Gratacap, Mathieu Pernot, Niels Ackermann, Sébastien Gober, Yves Chaudouët, Guillaume Herbaut, Eleonore Lubna, Dominique Auerbacher, Gabriele Basilico, Alain Ceccaroli, Despatin & Gobeli, Robert Doisneau, Tom Drahos, Pierre de Fenoÿl, Jean-Louis Garnell, Albert Giordan, François Hers, Josef Koudelka, Christian Milovanoff, Sophie Ristelhueber, Holger Trülzsch, Dune Varela, Christophe Rihet, Masahisa Fukase, Julián Barón, Ricardo Cases, Federico Clavarino, David Hornillos, Alejandro Marote, Óscar Monzón, Bernardita Morello, Miren Pastor, Michele Tagliaferri, Fosi Vegue, Antonio M. Xoubanova, Julie Balagué, Vincent Fillon, Bruno Fontana, Jean Noviel, Camille Richer, Meead Akhi, Azadeh Akhlaghi, Ali & Ramyar, Saba Alizadeh, Hoda Amin, Hawar Amini, Abbas Attar, Fatemeh Baigmoradi, Dadbeh Bassir, Erfan Dadkhah, Solmaz Daryani, Gohar Dashti, Alireza Fani, Hamed Farhangi, Arash Fayez, Shadi Ghadirian, Jassem Ghazbanpour, Azin Haghighi, Ghazaleh Hedayat, Bahman Jalali, Rana Javadi, Poolad Javaher Haghighi, Alborz Kazemi, Babak Kazemi, Kaveh Kazemi, Mehregan Kazemi, Arash Khamooshi, Danial Khodaie, Abbas Kiarostami, Gelareh Kiazand, Abbas Kowsari, Yalda Moaiery, Sasan Moayyedi, Mehran Mohajer, Mehdi Monem, Amir Mousavi, Sahar Mokhtari, Tahmineh Monzavi, Mehran Naghshbandi, Azin Nafarhaghighi, Mehrdad Naraghi, Morteza Niknahad & Behnam Zakeri, Ebrahim Noroozi, Mohsen Rastani, Ghazaleh Rezaei, Behnam Sadighi, Majid Saeedi, Omid Salehi, Hasan Sarbakhshian, Jalal Sepehr, Bahram Shabani, Noushin Shafiei, Hashem Shakeri, Jalal Shams Azaran, Sina Shiri, Arya Tabandehpoor, Nazanin Tabatabaee Yazdi, Maryam Takhtkeshian, Newsha Tavakolian, Sadegh Tirafkan, Mehdi Vosoughnia, Mohsen Yazdipour, Hasti Zahiri, Maryam Zandi.
2018 : 49e édition (2 juillet – 23 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : William Wegman, Robert Frank, Raymond Depardon, Paul Graham, Taysir Batniji, Laura Henno, Michael Christopher Brown, Jane Evelyn Atwood, Gregor Sailer, Baptiste Rabichon, Ann Ray, René Burri, Jean-Luc Godard, Dmitry Markovet Picasso.
2019 : 50e édition (1er juillet – 22 septembre)
Directeur artistique : Sam Stourdzé
Expositions : Edward Weston, Lucien Clergue, Eve Arnold, Abigail Heyman, Susan Meiselas, Helen Levitt, Libuše Jarcovjáková, Alberto García-Alix, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez, Miguel Trillo, Tom Wood, Ying Ang, Matthew Casteel, David Denil, Yvonne De Rosa, Isa Ho, Chia Huang, Hou I-Ting, Dominique Laugé, Manuel Rivera-Ortiz, Evangelía Kranióti, Man Ray, Germaine Krull, Berenice Abbott, László Moholy-Nagy, Florence Henri, Claude Martin-Rainaud, Philippe Chancel, Randa Mirza, Camille Fallet, Guillaume Simoneau, Laurence Aëgerter, Lionel Astruc, Erick Bonnier, Marjan Teeuwen, Pixy Liao, Yann Pocreau
Les expositions de Années 2000
2000 : 31e édition
Tina Modotti, Jakob Tuggener, Peter Sakaer, Masahisa Fukase, Herbert Matter, Robert Heinecken, Jean-Michel Alberola, Tom Drahos, Willy Ronis, Frederick Sommer, Lucien Clergue, Sophie Calle…
2001 : 32e édition
Luc Delahaye, Patrick Tosani, Stéphane Couturier, David Rosenfeld, James Casebere, Peter Lindbergh, Jonathan Abbou…
2002 : 33e édition (6 juillet -8 septembre)
Guillaume Herbaut, Baader Meinhof, Astrid Proll, Josef Koudelka, Gabriele Basilico, Rineke Dijkstra, Lise Sarfati, Jochen Gerz, Collection Ordoñez Falcon, Larry Sultan, Alex Mac Lean, Alastair Thain, Raeda Saadeh, Zineb Sedira, Serguei Tchilikov, Jem Southam, Alexey Titarenko, Andreas Magdanz, Sophie Ristelhueber…
2003 : 34e édition (5 juillet -12 octobre)
Collection Claude Berri, Hou Bo4,Lin Tianmiao & Wang Gongxin, Xin Danwen, Gao Bo, Shao Yinong & Mu Chen, Hong Li, Hai Bo, Chen Lingyang, Ma Liuming, Hong Hao, Naoya Hatakeyama, Roman Opalka, Jean-Pierre Sudre, Suzanne Lafont, Corinne Mercadier, Adam Bartos, Marie Le Mounier, Yves Chaudouët, Galerie VU, Harry Gruyaert, Vincenzo Castella, Alain Willaume, François Halard, Donovan Wylie, Jérôme Brézillon & Nicolas Guiraud, Jean-Daniel Berclaz, Monique Deregibus, Youssef Nabil, Tina Barney…
2004 : 35e édition (8 juillet -19 septembre)
Dayanita Singh, Les archives du ghetto de Lodz, Stephen Gill, Oleg Kulik, Arsen Savadov, Keith Arnatt, Raphaël Dallaporta, Taiji Matsue, Tony Ray-Jones, Osamu Kanemura, Kawauchi Rinko, Chris Killip, Chris Shaw, Kimura Ihei, Neeta Madahar, Frank Breuer, Hans van der Meer, James Mollison, Chris Killip, Mathieu Pernot, Paul Shambroom, Katy Grannan, Lucien Clergue, AES + F, György Lörinczy…
2005 : 36e édition (5 juillet -18 septembre)
Collection William M. Hunt, Miguel Rio Branco, Thomas Dworzak, Alex Majoli, Paolo Pellegrin, Ilkka Uimonen, Barry Frydlender, David Tartakover, Michal Heiman, Denis Rouvre, Denis Darzacq, David Balicki, Joan Fontcuberta, Christer Strömholm, Keld Helmer-Petersen…
s 2006 : 37e édition (4 juillet -17 septembre)
La photographie américaine à travers les collections françaises, Robert Adams, Cornell Capa, Gilles Caron, Don McCullin, Guy Le Querrec, Susan Meiselas, Julien Chapsal, Michael Ackerman, David Burnett, Lise Sarfati, Sophie Ristelhueber, Dominique Issermann, Jean Gaumy, Daniel Angeli, Paul Graham, Claudine Doury, Jean-Christophe Béchet, David Goldblatt, Anders Petersen, Philippe Chancel, Meyer, Olivier Culmann, Gilles Coulon, Gilles Leimdorfer,…
2007 : 38e édition (3 juillet -16 septembre)
Les 60 ans de Magnum Photos, Pannonica de Koenigswarter, Le Studio Zuber, Collections d’Albums Indiens de la Collection Alkazi, Alberto Garcia-Alix, Raghu Rai, Dayanita Singh, Nony Singh, Sunil Gupta, Anay Mann, Pablo Bartholomew, Bharat Sikka, Jeetin Sharma, Siya Singh, Huang Rui, Gao Brothers, RongRong & inri, Liu Bolin, JR…
2008 : 39e édition (8 juillet -14 septembre)
Richard Avedon, Grégoire Alexandre, Joël Bartoloméo, Achinto Bhadra, Jean-Christian Bourcart, Samuel Fosso, Charles Fréger, Pierre Gonnord, Françoise Huguier, Grégoire Korganow, Peter Lindbergh, Guido Mocafico, Henri Roger, Paolo Roversi, Joachim Schmid, Georges Tony Stoll, Patrick Swirc, Tim Walker, Vanessa Winship, Marikel LAHANA, Sung-Hee Lee, Christophe Mattern…
2009 : 40e édition (7 juillet -13 septembre)
Robert Delpire, Willy Ronis, Jean-Claude Lemagny, Lucien Clergue, Elger Esser, Roni Horn, Duane Michals, Nan Goldin (invitée d’honneur), Brian Griffin, Naoya Hatakeyama, JH Engström, David Armstrong, Eugene Richards, Martin Parr, Paolo Nozolino…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Foo Fighters The Pretender est le premier single du groupe extrait de l’album « Echoes, Silence, Patience & Grace » du groupe américain Foo Fighters sorti en 2007. C’est l’une des chansons les plus réussies de Foo Fighters, elle est classée 37ème au Billboard américain.
En tant que photographe de concert, j’ai déjà eu la chance de shooter les Foo Fighters et de voir la folie qu’occasionne ce titre lorsque le groupe le joue sur scène. Revenons ici sur le making-of de ce titre phare des Foo, son histoire, l’enregistrement, ses paroles.
Foo Fighters The Pretender
Le clip vidéo : Foo Fighters The Pretender
Le clip de Foo fighters the pretender a été réalisé par Sam Brown. Foo Fighters the Pretender est présenté au format 16/9. Il utilise fortement le panoramique, et les zooms. Il s’agit du groupe interprétant une chanson dans un hangar à avion avec de nombreuses lumières au plafond. Derrière le groupe se trouve un grand écran rouge . Les membres du groupe des Foo fighters font face à ce qui semble être un CRS qui avance jusqu’à une ligne noire.
Au fur et à mesure que la chanson des Foo Fighters the Pretender se joue, de plus en plus de CRS avancent et se rassemblent sur la même ligne noire. Chaque policier possède un numéro sur sa poitrine, qui est en ordre de compte à rebours vers le moment de la chanson le plus intense qui approche. Lorsque le pont le plus silencieux commence, la vidéo ralentit et les officiers chargent l’équipe. Lorsque le groupe commence le refrain au plus fort de la chanson, l’écran explose soudainement et pulvérise du liquide rouge hors de lui, écrasant les policiers et aspergeant le groupe.
À la fin de la vidéo de Foo Fighters the Pretender, Dave Grohl tombe à genoux sur le sol. Les effets visuels de la vidéo ont été créés par Mechnology Visual Effects à Burbank, en Californie.
Foo Fighters The Pretender : le making of du clip
L’enregistrement du titre: Foo Fighters The Pretender
Dave Grohl a d’abord composé le titre « Silver Heart » lors de la pré-production d’Echoes, Silent, Patience et Grace, mais la chanson n’évoluait pas… Selon le producteur Gil Norton, « La chorale était là, mais il n’y a pas de paroles et de pont. La chanson était beaucoup plus lente. » lors d’une pause de 10 jours pendant l’enregistrement en avril 2007, Dave Grohl écouta le mixage de monitoring, et pensa que le disque avait besoin d’une chanson au rythme rapide. Il l’écrivit en une journée.
Dave Grohl a décrit la chanson Foo Fighters the Pretender comme une « chanson de Foo Fighters avec un peu de Chuck Berry« . La chanson est écrite dans la tonalité de La Mineur et montre la dynamique changeante que Grohl voulait utiliser pour cet album, en commençant par une introduction très simplifiée, avec une guitare et des voix douces ainsi qu’ une petite section de cordes.
Foo Fighters The Pretender
Rich Costey, ingénieur du mixage, a déclaré que faire tout ce travail dynamique, ainsi que l’équilibre des instruments, était un défi parce que Dave Grohl et le batteur Taylor Hawkins voulaient toujours se concentrer davantage sur leurs instruments. Les overdubs de guitare de Costey étaient également inquiétants – « Les guitares de » The Pretender « sont assez « pleines », donc ça devient assez dense pour mixer l’ensemble. L’enjeu de ce type de mix est de conserver la puissance de la chanson, tout en déterminant la place de tout. L’équilibre des guitares était une grande difficulté par rapport à la batterie et au chant. »
Dave Grohl a admis que la chanson de Sesame Street avait surement inconsciemment influencé son écriture de la chanson. Dans une interview avec XFM en 2007, Dave Grohl n’a pas expliqué la signification de The Pretender, mais a suggéré que ses racines se trouvaient dans la tourmente politique actuelle.
Grohl a également déclaré que Foo Fighters the Pretender n’était pas initialement prévu pour l’album et que cela s’est produit très rapidement: Cette chanson n’est arrivée que très tard. Jusqu’à ce titre, je ne savais pas si nous avions une bonne chanson d’ouverture… ou non. Donc après l’enregistrement, j’ai pensé: « Oh, c’est parfait, nous avons une chanson pour ouvrir un album » et c’est devenu la chanson préférée de tout le monde. … C’est une sorte de chanson avec laquelle j’ai hâte d’ouvrir les concerts. Nous avons composé cette chanson, je ne sais pas, en un jour…, alors que pour beaucoup d’autres chansons, nous avons travaillé pendant des semaines.
Foo Fighters The Pretender
Foo Fighters The Pretender : la mise en perspective historique
Après l’éclatement de la tristesse et de la colère du 11 septembre, le président Bush avait décidé d’envoyer l’armée américaine en Irak « à la recherche d’armes de destruction massive ». La colère envers le terrorisme a poussé les gens à soutenir la décision de ce président.
Bien sûr, certaines personnes étaient contre l’idée, mais le nationalisme était élevé à ce stade et les gens voulaient juste se venger sans penser aux conséquences auxquelles nous pourrions faire face à l’avenir. Des années ont passé, les combats n’ont jamais cessé et nous n’avons jamais trouvé «d’armes de destruction massive».
Cette ambiance historique sera le terreau de l’écriture du tube Foo Fighters The Pretender.
Foo Fighters The Pretender
Foo Fighters The Pretender : Les crédits de l’enregistrement
Dave Grohl : chanteur, guitare rythmique
Chris Shiflett : lead guitar
Nate Mendel : Basse
Taylor Hawkins : batterie et chant
Section Section de quatuor à cordes, arrangée par Audrey Riley
La tracklist de l’album Echoes, Silence, Patience & Grace des Foo Fighters :
01. The Pretender
02. Let It Die
03. Erase/Replace
04. Long Road to Ruin
05. Come Alive
06. Stranger Things Have Happened
07. Cheer Up, Boys (Your Make Up Is Running)
08. Summer’s End
09. Ballad of the Beaconsfield Miners
10. Statues
11. But, Honestly
12. Home
Foo Fighters The Pretender : Classements du titre
Cette chanson était numéro 47 sur la liste des 100 meilleures chansons de 2007 Rolling Stone. La chanson a été nominée pour un Grammy Award en 2008 pour la meilleure chanson rock et record de l’année. La même année, il remporte un Grammy Award dans la catégorie Meilleure performance Hard Rock. Cette chanson était également numéro 94 dans le top 100 des MTV Asia en 2007. Le clip a été nominé pour le meilleur clip rock aux Video Music Award 2008, mais a perdu face à Linkin Park.
Cet album était le quatrième album des Foo Fighters dans lequel la chanson était en tête de la liste des chansons américaines Hot Modern Rock. « The Pretender » était la chanson rock alternative de 2007. Ce titre a détenu le record dans l’histoire de Modern Rock Tracks, battant le record de 16 semaines de « Scar Tissue » des Red Hot Chili Peppers et Green Day’s Boulevard of Broken Dreams, avec 18 semaines numéro un. Il a également passé 6 semaines au numéro 1 sur la liste Hot Mainstream Rock Tracks.
Foo Fighters The Pretender
Paroles originales : Foo Fighters The Pretender
Keep you in the dark
You know they all pretend
Keep you in the dark
And so it all began
Send in your skeletons
Sing as their bones go marching in, again
The need you buried deep
The secrets that you keep are ever ready
Are you ready?
I’m finished making sense
Done pleading ignorance
That whole defense
Spinning infinity, boy
The wheel is spinning me
It’s never-ending, never-ending
Same old story
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
In time our soul untold
I’m just another soul for sale, oh well
The page is out of print
We are not permanent
We’re temporary, temporary
Same old story
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
I’m the voice inside your head
You refuse to hear
I’m the face that you have to face
Mirrored in your stare
I’m what’s left, I’m what’s right
I’m the enemy
I’m the hand that will take you down
Bring you to your knees
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Keep you in the dark
You know they all pretend
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)
What if I say I will never surrender?
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Foo Fighters the Pretender
Paroles en Francais : Foo Fighters The Pretender
{Celui qui prétend}
Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant
Tu restes dans le noir
Et c’est ainsi que tout à commencé
Envoie moi tes squelettes
Chante pendant que leurs os marchent à nouveau
Tes besoins enfuis au plus profond de toi
Les secrets que tu gardes sont toujours prêts
Es-tu prêt?
J’en ai assez d’être normal
De plaider l’innocence
Toute cette…défense
Tu fais tourner l’infinité
Cette roue qui me fait tourner
Ça ne s’arrête jamais, s’arrête jamais
Toujours la même histoire
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Avec le temps notre âme est indescriptible
Je ne suis qu’une autre âme à vendre…et alors?
Cette page est épuisée
Nous ne sommes pas éternels
Nous sommes éphémères, éphémères
Toujours la même histoire
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement un autre de tes
personnages?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Je suis la voix à l’intérieur de ta tête
Que tu refuses d’entendre
Je suis le visage auquel tu dois faire face
Réfléchis dans ton regard
Je suis ce qui reste, je suis ce qui est juste
Je suis l’ennemi
Je suis la main qui te détruira
Et te fera tomber à genoux
Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?
Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Foo Fighters The Pretender en live à Wembley
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mass Hysteria est un groupe de metalfrançais qui a gagné une immense popularité auprès des fans de metal partout dans le monde. Depuis leur formation en 1993, ils ont sorti plusieurs albums acclamés par la critique et ont joué dans des festivals de musique en France et à l’étranger.
Leur son unique, qui mélange des riffs de guitare lourds avec des paroles fortes et engagées, a attiré des fans de tous horizons. Mass hysteriaest connu pour sa capacité à faire passer des messages politiques et sociaux importants à travers leur musique, tout en offrant un spectacle incroyablement énergique.
Leur album le plus récent, « Maniac« , sorti en 2018, a été très bien accueilli par les fans et les critiques. Il présente un son plus mature et plus diversifié que les albums précédents du groupe, tout en restant fidèle à leur style unique.
Mass Hysteria est également connu pour ses performances live incroyables, avec des spectacles pleins d’énergie et de passion. Le groupe est très engagé envers leur public, offrant des shows mémorables qui laissent les fans épuisés mais heureux.
En somme, MassHysteria est un groupe de metal français qui a conquis la scène internationale grâce à son son unique, ses paroles fortes et engagées, et ses performances live incroyables. Ils continuent d’inspirer des fans à travers le monde avec leur musique, et leur avenir promet d’être tout aussi brillant que leur passé.
Présentation de Mass Hysteria, ses origines et ses influences…
Mass Hysteria est un groupe de metal français originaire de Paris, fondé en 1993. Le groupe se compose de six membres: Mouss Kelai (chant), Yann Heurtaux (guitare), Frédéric Duquesne (guitare), Raphaël Mercier (batterie), Julien Nicolas (claviers) et Vincent Mercier (basse).
Le groupe s’est formé à une époque où le metal français était en pleine effervescence, avec des groupes comme Gojira, Dagoba ou encore Eths. Leur premier album, « Le Bien-être et la Paix » sorti en 1997, a connu un grand succès auprès des fans de metal français, et a permis au groupe de se faire connaître sur la scène nationale.
Le style de Mass Hysteria est un mélange de metal, de punk et de hardcore, avec des paroles souvent engagées et politiques. Le groupe s’est notamment inspiré des mouvements punk et hardcore des années 80, ainsi que de groupes de metal tels que Metallica ou Sepultura.
Mass Hysteria a également été influencé par la culture hip-hop, et a collaboré avec plusieurs rappeurs français, tels que Passi ou Casey, pour fusionner leurs styles et créer des morceaux uniques.
Au fil des années, le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, tels que « Contraddiction » en 1999, « De Cercle en Cercle » en 2001, ou encore « Matière Noire » en 2015. Leur son unique et leur énergie sur scène leur ont permis de gagner de nombreux fans en France et à l’étranger.
En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est inspiré de nombreux mouvements musicaux pour créer un son unique, mélangeant metal, punk, hardcore et hip-hop. Leur engagement politique et social, ainsi que leur énergie sur scène, ont fait d’eux l’un des groupes de metal les plus populaires en France.
Discographie Mass Hysteria
Voici la discographie complète du groupe de metal français Mass Hysteria :
« Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » (2014)
Compilations :
« Mass Hysteria / F.F.F. » (2002)
EP :
« Plus Que Du Metal » (1995)
« Contraddiction » (version single) (1999)
« Mass Hysteria » (version single) (2005)
Mass Hysteria est un groupe qui a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « Le Bien-être et la Paix » qui leur a permis de se faire connaître, « Contraddiction » qui a remporté un grand succès commercial, et « L’Armée des Ombres » qui a été très bien accueilli par les fans et la presse spécialisée.
Le groupe a également sorti plusieurs albums live, dont « Live à L’Elysée Montmartre » en 2006 et « Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » en 2014, qui témoignent de leur énergie et de leur talent sur scène.
En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui a sorti une discographie riche et variée, avec des albums studio acclamés par la critique et des albums live témoignant de leur talent sur scène.
Mass Hysteria : l’album MANIAC
« Maniac » est le neuvième album studio du groupe de metal français Mass Hysteria, sorti en 2018. Cet album marque une nouvelle étape dans l’histoire du groupe, qui continue d’évoluer et de se renouveler tout en restant fidèle à son identité musicale.
L’album a été enregistré aux Studios Sainte-Marthe à Paris, sous la direction du producteur Fred Duquesne, qui avait déjà travaillé avec le groupe sur leur précédent album « Matière Noire ». Le processus d’enregistrement a été long et minutieux, car le groupe souhaitait peaufiner chaque détail pour obtenir le son qu’ils avaient en tête.
L’album comporte onze titres, qui témoignent de l’évolution musicale de Mass Hysteria. Le groupe a intégré de nouvelles influences, notamment des sonorités électroniques et des arrangements plus complexes, tout en conservant son identité musicale énergique et engagée. Les paroles abordent des thèmes tels que l’aliénation, la folie, la liberté et l’amour, avec une grande sensibilité et une réflexion profonde.
« Maniac » a été très bien accueilli par la critique et par les fans, qui ont salué l’évolution musicale du groupe tout en reconnaissant leur engagement et leur message politique et social. L’album a été suivi d’une tournée à travers la France et l’Europe, qui a permis au groupe de partager leur musique avec leur public fidèle et de conquérir de nouveaux fans.
Conclusion
En conclusion, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est forgé une place importante dans le paysage musical français grâce à sa musique énergique et engagée. Le groupe a su mélanger plusieurs styles musicaux pour créer un son unique, qui témoigne de son engagement politique et social.
Leur discographie riche et variée, ainsi que leur présence scénique impressionnante, ont permis à Mass Hysteria de s’imposer comme un groupe incontournable du metal français.
Le message porté par Mass Hysteria est fort et universel, puisqu’il aborde des thèmes tels que la société de consommation, la guerre, l’injustice sociale, ou encore la condition humaine. Le groupe utilise sa musique comme un moyen de faire passer des messages forts et de sensibiliser son public aux problèmes de société.
En somme, Mass Hysteria est un groupe important dans le paysage musical français, tant pour son message que pour sa musique énergique et engagée. Leur discographie et leur engagement politique et social en font un groupe qui compte, et qui est à suivre de près pour tous les amateurs de metal et de musique engagée.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le 26 janvier 2020, Slipknot a enregistré une session au légendaire studio Bida Radio 1 Maida Vale à Londres. La session a eu lieu dans les studios légendaires de la BBC Maida Vale à Londres, en Angleterre. Au milieu du SLIPKNOT Tour 2020 – SLIPKNOT Unmasked All Out Life est une pause intimiste dans la tournée des stades que fait actuellement le groupe.
SLIPKNOT All Out Life : un concert intimiste
Un très petit public de 120 fans a vu le groupe jouer un ensemble de six chansons, une bien petite jauge au milieu d’un slipknot tour 2020 qui squatte les stades. Six morceaux dont les titres Unsainted, Psychosocial, The Devil In I, Duality, Disasterpiece et Wait And Bleed.
L’émission a été filmée par des professionnels et sera diffusée sur BBC Four sous le nom de Slipknot Unmasked: All Out Life, le vendredi 13 mars 2020 à minuit. Pour info, BBC Four est la chaîne de télévision britannique BBC disponible via la télévision numérique terrestre, IPTV, satellite et câble.
SLIPKNOT Unmasked All Out Life – Slipknot tour 2020
Setlist de Slipknot Unmasked All Out Life (slipknot tour 2020 )
01. Unsainted
02. Psychosocial
03. The Devil In I
04. Duality
05. Disasterpiece
06. Wait And Bleed
SLIPKNOT Tour 2020 : le Knotfest Roadshow
Slipknot a annoncé le Knotfest Roadshow en 2020, produit par Live Nation pour son Slipknot tour 2020. Des invités spéciaux tels que A Day To Remember, Underoath et Code Orange rejoindront le groupe. L’année dernière, lors du Knotfest Roadshow, Slipknot a joué devant les plus grandes foules américaines de son histoire.
Cette année, le slipknot tour 2020 débutera le 30 mai à Syracuse (New York) et se terminera le 25 juin à The Woodlands (Texas), passant auparavant dans 15 autres villes. De plus, le Slipknot tour 2020 a visité 30 villes d’Amérique du Nord cet été.Actuellement, Slipknot continue le Slipknot tour 2020, une suite de concerts promotionnels de son dernier album We Are Not Your Kind, qui a été publié en août 2019 par Roadrunner Records.
Découvrez le documentaire Slipknot Unmasked: All Out Life (Documentary)
Slipknot « We Are Not Your Kind » : le nouvel album
Slipknot a sorti « We Are Not Your Kind », l’un des albums les plus attendus de 2019. Ce sixième album est la continuation d’un très bon cinquième, The Grey Chapter, un album dédié au défunt bassiste du groupe, était sorti cinq ans plus tôt. Le groupe de l’Iowa a officialisé leur retour d’All Out Life l’année dernière avant d’annoncer la sortie de leur album tant attendu. À cette fin, Slipknot a dévoilé le premier extrait « Unsainted », qui a déjà annoncé un album qui combine à la fois lourdeur et mélodies fortes.
C’est ce que l’on observe en écoutant We Are Not Your Kind: nous sommes d’accord avec son prédécesseur, avec une tendance très conceptuelle, notamment grâce aux nombreux intermèdes entre chaque chanson constituant l’album. Vous ne pouvez pas échapper au très psychédélique « Death from Death » avec ses tambours indiens, et même « What’s Next », avec cette boîte à musique en compagnie d’une guitare, donnant l’effet d’une limite étonnante et gênante, mais réussie.
Slipknot Tour: vidéo Live BBC Londres
La recette de Slipknot est très présente, alliant riffs forts, chœurs groove et stade, en compagnie de Corey Taylor, qui chante alternativement rock et voix claire, car il sait le faire.
Dans les chansons les plus efficaces on remarque « Nero Forte », « Solway Firth » ou même le dernier single « Birth of the Cruel » avec des grattages très actuels et typiques du groupe. Certains titres de l’album évoquent les débuts de Slipknot, comme le très réussi « Red Flag » ou « Critical Darling », avec ce pont d’efficacité totale qui relie les fans de la première heure au combo américaine.
Néanmoins, nous trouverons plus de chansons de planification, comme « A Liar’s Funeral » à un tempo moyen ou même « Spiders » avec ce piano aux sonorités très miteuses, un solo de guitare exceptionnel et une basse très sèche. De même, dans le cas de « My Pain », qui est également très psychédélique, avec une introduction très élevée, composée uniquement de sons électroniques, rendant la chanson sombre et mystérieuse.
Nous gardons avec We Are Not Your Kind qu’il s’agit d’un album très sombre et expérimental, à travers divers arrangements tout au long de l’album, soutenu par une production complète et exemplaire. En effet, Slipknot a beaucoup travaillé pour rendre cet album aussi réussi que possible et le résultat ne mérite pas le moins du monde.
Cependant, ce sixième album nécessite quelques séances d’écoute pour apprécier tous ses efforts. Il y a là de vraies pépites, le groupe ne s’est pas contenté de reproduire ce qu’il sait faire dès la première tentative, qui a fêté cette année ses 20 bougies. Vous devez être capable de creuser pour réaliser que « We Are Not Your Kind » est un pari réussi pour Slipknot et que les Américains signent un retour triomphal.
Tracklist:
01. Insert Coin 1:39
02. Unsainted 4:21
03. Birth Of The Cruel 4:36
04. Death Because Of Death 1:21
05. Nero Forte 5:15
06. Critical Darling 6:26
07. A Liar’s Funeral 5:27
08. Red Flag 4:12
09. What’s Next 0:54
10. Spiders 4:04
11. Orphan 6:02
12. My Pain 6:48
13. Not Long For This World 6:36
14. Solway Firth 5:56
Sortie le 9 août chez Roadrunner Records
Enregistré novembre 2018 – avril 2019 EasrWest Studios, à Hollywood, Californie Durée 63:29
Producteur Greg Fidelman, Slipknot
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La pandémie de coronavirus met à mal l’industrie du Métal en annulant les festivals en en reportant les tournées. Mais les groupes réagissent en mettant en ligne leurs incroyables représentations comme Metallica, Gojira, Slipknot, ou encore Iron Maiden. Amis du concert métal… vous avez de quoi faire.
Pas de Concert métal avant 2021 ?
Dans un article du New York Times Magazine, cinq experts en santé publique ont été interrogés au sujet de la réouverture des entreprises; triste et inquiétante annonce pour les festivals de concerts métal.
En effet, Zeke Emanuel, Directeur du Healthcare, un des cinq experts interrogés sur divers aspects de la remise en marche de la vie américaine quotidienne, a insisté sur le fait qu’un retour à des fonctions normales devrait se faire « par étapes et qu’il doit commencer par une distanciation physique plus importante sur le lieu de travail qui permette aux personnes à moindre risque de revenir » et que les plus grands rassemblements tels que les festivals, « seront les derniers à revenir ». Il a anticipé au-delà d’un an « En réalité, nous parlons de l’automne 2021 au plus tôt. »
Un but : la diminution du nombre de personnes infectées
La réouverture des espaces publics et de travail signifie inévitablement qu’il y aura toujours une transmission de virus entre les personnes, c’est -à-dire un flux et un reflux de l’augmentation et de la diminution du nombre de personnes infectées.
« A Hong Kong, à Singapour et dans d’autres endroits, nous voyons des résurgences quand ils s’ouvrent et permettent plus d’activité.
Ce sera ce roller coaster, de haut en bas », a t-il estimé. Il a ajouté: « La question est quand cela augmente. Pouvons-nous faire de meilleurs tests et retrouver les contacts afin de pouvoir nous concentrer sur des personnes particulières et les isoler sans avoir à réimposer un confinement comme nous l’avons fait auparavant? »
Compte tenu de l’absence de tournées, d’innombrables artistes poursuivent leur travail. Ils continuent de diffuser des concerts métal, et se réunissent partout pour offrir des performances live à tous leurs fans.
Par exemple, Dave Grohl et Billie Joe Armstrong ont organisé des concerts dans leur salon, où ils jouent leurs grands classiques que tout le monde aime.
Qu’il s’agisse d’un festival en ligne dans un jeu ou d’un live sur Facebook, il y en a pour tous les fans de rock et de métal. Certaines organisations et labels accueillent même chaque semaine un artiste différent.
Voyez quelques exemples ci-dessous. Profitez-en et restez en sécurité !
Les lundis de Metallica
Chaque lundi soir, Metallica diffuse une performance de concert métal enregistrée précédemment sur sa chaîne Facebook et YouTube. Restez à jour avec chaque performance en suivant leurs comptes de médias sociaux.
Diffusions en direct hebdomadaires de Knotfest
Le site Web de Knotfest diffusera une performance en direct de vos concerts métal préférés tous les vendredis. Jusqu’à présent, ils ont diffusé des sets de Lamb of God et Megadeth, qui comportaient tous les deux des discussions en direct avec des membres des groupes.
Napalm Records « Napalm Sofa Series ». Napalm Records accueillera plusieurs groupes sur leur «Napalm Sofa Series», qui se déroulera sous forme de diffusion en direct sur leur page Facebook . Assurez-vous de rester à l’écoute pour les mises à jour, car ils annoncent des performances différentes régulièrement.
Bref, face aux conséquences colossales du COVID-19, toute l’industrie de la musique tente de trouver des solutions pour répondre aux besoins du public et le faire patienter… un peu.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bien que l’origine du terme métal soit largement attribuée au romancier William Burroughs , son utilisation remonte en fait au 19e siècle, lorsqu’il faisait référence au canon ou au pouvoir en général.
Il a également été utilisé pour classer certains éléments ou composés , comme dans l’expression empoisonnement aux métaux lourds . Ce style musical est apparu dans les paroles de Steppenwolf « Born to be Wild »(1968), et au début des années 1970, les critiques de rock l’utilisaient pour faire référence à un style de musique spécifique.
Les groupes britanniques du milieu des années 1960 tels que Cream , les Yardbirds et le Jeff Beck Group, avec Jimi Hendrix , sont généralement crédités pour avoir développé des sons de batterie, de basse et de guitare plus lourds qui différencient ce style musical des autres rock blues.
Le nouveau son a été codifié dans les années 1970 parLed Zeppelin , Deep Purple et Black Sabbath avec la sortie de Led Zeppelin II, Deep Purple in Rock et Paranoid, respectivement, qui comportait des riffs lourds, des «power chord», des paroles mystiques, des solos de guitare et de batterie et des styles vocaux qui allaient des pleurs de Robert Plant de Led Zeppelin aux gémissements d’ Ozzy Osbourne de Black Sabbath .
En développant des spectacles sur scène de plus en plus élaborés et en faisant des tournées incessantes tout au long des années 1970 pour compenser leur manque de diffusion radio, des groupes tels que Kiss, AC / DC , Aerosmith , Judas Priest et Alice Cooper ont établi une base de fans internationale.
La popularité de ce style musical a chuté pendant les années disco à la fin des années 1970, mais il a connu plus de succès que jamais dans les années 1980 alors que Def Leppard , Iron Maiden et Saxon ont dirigé la «nouvelle vague de heavy métal britannique» qui, avec l’impact de la virtuosité étonnante de la guitare d’Eddie Van Halen , a ravivé le genre.
Une vague de Métal «glam», avec des groupes spécifiques comme Mötley Crüe et Ratt, émanaient de Los Angeles à partir de 1983 environ; Poison, Guns N ‘Roses et des centaines d’autres groupes ont ensuite déménagé à Los Angeles dans l’espoir d’obtenir des contrats d’enregistrement.
Mais le heavy métal était devenu un phénomène mondial avec le succès des Scorpions et d’autres groupes du Japon à la Scandinavie.
L’influence musicale la plus importante de la décennie a été l’ adaptation des progressions d’accords, de la figuration et des idéaux de virtuosité des modèles baroques, en particulier Bach et Vivaldi.
Comme Van Halen, des guitaristes tels que Ritchie Blackmore (de Deep Purple), Randy Rhoads (avec Osbourne) et Yngwie Malmsteen ont démontré de nouveaux niveaux et styles de technique de guitare rock, faisant exploser les stéréotypes populaires de ce style musical comme monolithiques et musicalement simples.
Le métal s’est fragmenté en sous-genres dans les années 1980.
Une scène underground plus petite, aux styles plus durs, s’est développée en opposition au métal plus orienté pop de Bon Jovi, Whitesnake et des groupes glam.
Metallica , Megadeth, Anthrax et Slayer ont été les pionniers du thrash métal, qui se distingue par ses tempos rapides, ses timbres de voix et de guitare durs, son agressivité et ses paroles critiques ou sarcastiques.
Les styles de heavy metal plus largement populaires ont pratiquement repris le courant dominant de la musique populaire à la fin des années 1980, mais la cohérence du genre s’est effondrée au tournant de la décennie; des groupes tels que Guns N ‘Roses et Nirvana ont attiré les fans dans des directions différentes, et de nombreux fans ont également abandonné la musique rap .
Au cours des années 1990, de nombreuses stars des décennies précédentes, telles que Van Halen, Metallica et Osbourne, ont connu un succès continu aux côtés de nouveaux groupes tels que Soundgarden, mais le nom de heavy métal était moins souvent utilisé pour commercialiser ces groupes ou pour définir leur communauté de fans .
Les musiciens et les fans de heavy métal ont été sévèrement critiqués dans les années 80. Des groupes politiques et universitaires ont surgi pour blâmer le genre et ses fans pour avoir causé tout, du crime et de la violence au découragement et au suicide.
Mais les défenseurs de la musique ont souligné qu’il n’y avait aucune preuve que l’exploration par le heavy métal de la folie et de l’horreur ait causé, plutôt qu’articulé , ces maux sociaux.
Les paroles et les images du genre ont longtemps abordé un large éventail de sujets, et sa musique a toujours été plus variée et virtuose que les critiques aiment l’admettre.
J’ai rencontré Reuno, le chanteur de Lofofora, il y a quelques années lors d’un de ses projets solos. Lorsque le groupe me contacta quelques temps après pour m’occuper du visuel de l’album, je dois dire que je fus….heureux car grand fan du groupe.
Certains groupes ont des idées très précises, d’autres pas. Pour cet album de Lofofora, Reuno avait une chose en tête, l’album allait s’appeler « Monstre ordinaire« . Il souhaitait quelque chose qui puisse se rapporter, représenter cette monstruosité sans passer par des raccourcis trop simples, du style un patron en costard,…
Le travail fut d’essayer de parler d’une monstruosité qui puisse être dans chacun d’entre nous. Non pas juger telle ou telle personne ou caste, mais parler de la monstruosité humaine. Cette série n’est donc pas explicite, on ne sait pas si l’homme, dont on ne voit pas le visage, enterre ou déterre quelque chose. S’il s’effondre à la vue de ce qu’il découvre ou s’il s’effondre à la vue de ce qu’il déterre. Cette monstruosité est latente…
Lofofora est un groupe de musique français formé à Paris en 1989. Le groupe est souvent associé au mouvement punk, bien qu’il incorpore également des éléments de metal, de rock alternatif et de musique world. Les membres fondateurs du groupe sont Reuno (chant), Phil Curty (guitare), Daniel Descieux (basse) et Édouard Caro (batterie).
Le groupe s’est fait connaître dans les années 1990 en France grâce à ses textes engagés et son énergie sur scène. Les paroles de Lofofora abordent des thèmes tels que la politique, la société, la violence, l’injustice et la condition humaine. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « L’épreuve du contraire » (1999), « Mémoires de singes » (2007) et « Simple Appareil » (2018).
Lofofora est également connu pour ses prestations live puissantes et énergiques. Le groupe a tourné en France et à l’étranger, se produisant dans des festivals et des salles de concert de renom. Au fil des ans, Lofofora a influencé de nombreux autres groupes de musique en France et a contribué à l’émergence d’une scène punk et metal française dynamique et engagée.
Importance de Lofofora dans le paysage musical français
Lofofora est considéré comme l’un des groupes les plus importants et influents de la scène alternative française. Depuis sa formation en 1989, le groupe a marqué le paysage musical français par son engagement, son style musical unique et ses prestations live intenses.
Lofofora a contribué à l’émergence d’une scène punk et metal française dynamique et engagée, en inspirant de nombreux autres groupes à travers le pays. Le groupe est reconnu pour sa capacité à rassembler les foules et à transmettre un message fort à travers ses paroles et sa musique.
Au-delà de son influence musicale, Lofofora a également eu un impact important sur la culture française en général. Les textes du groupe abordent des questions sociales et politiques importantes, telles que l’injustice, la violence et la marginalisation, ce qui a permis d’ouvrir le débat et de sensibiliser un public plus large à ces problématiques.
En somme, Lofofora est un groupe emblématique de la scène alternative française et un symbole de la rébellion et de l’engagement contre l’injustice.
L’album Lofofora Monstre ordinaire
Montre ordinaire s’ouvre en territoire connu : Reuno n’a rien perdu de son agressivité, un flux reconnaissable entre mille. Il crache, hurle, appelle, comme il le fait depuis plus de 20 ans. Comme il le dit sur Utopiste, il n’a pas dit son «dernier mot» et nous pouvons «le tuer, et pire encore, mais ne jamais le faire taire».
Les textes reviennent sur des sujets phare du groupe, la brutalisation de masse à coup de « conneries en barre ». Les conquérants rappellent la conquête du Nouveau Monde vue par les indigènes et ce n’est pas très beau, un mec sans histoire ressemble étrangement a macho blues, tant de perspicacité amère sur la société.
Monstre ordinaire
Monstre ordinaire est inspiré, les riffs de Daniel sont dévastateurs (Utopiste, Un Mec Sans Histoire) même si on remarque généralement une approche moins groovy que dans le passé, plus lourde et pesante (Frustrasong est un bon exemple). En fin de compte, c’est son côté sombre qui plaît le plus.
Le groupe n’a jamais sorti quelque chose d’aussi noire. Cette obscurité, dont la révélation prend du temps, se produit partout, à commencer par les textes de Reuno qui, s’ils sont plus sombres que d’habitude, restent de grande qualité.
Signe qu’après tant d’années le gars a encore quelque chose à dire … La façon dont il chante est également en train de changer: moins saccadée, plus profonde, plus sombre … La dernière chanson a atteint le sommet de l’obscurité de l’album, La Beauté et la Bête qui affiche 7 minutes au compteur et donne un rendu final très éloigné de ce que le groupe propose d’habitude.
Monstre ordinaire
Lofofora Monstre ordinaire : Un album personnel
Cependant, cet album, plus sombre selon Reuno, est aussi très personnel. Mais il conserve sa portée universelle .
« Ma folie » est une véritable introspection de la folie du chanteur, à la limite de la schizophrénie, un thème que l’on retrouve sur Frustrasong, qui peut facilement illustrer le parallèle entre le héros et le monstre. D’autres titres d’album sont paradoxalement beaucoup plus profonds et il faudrait sans doute écouter de longues heures pour détecter tout ce que le groupe voulait exprimer.
Lofofora Monstre ordinaire : Un album lourd et sombre
Musicalement, l’entrée Utopist annonce le contenu de l’album: un très bon son, parfaitement mixé lorsque la guitare, la basse, la batterie et la voix divisent la scène et infligent de gros coups sur l’auditeur tout en conservant la touche mélodique.
Seules les premières secondes du « visiteur » donnent un moment de répit avant que des guitares très sales reviennent pour annoncer le retour de l’ivresse afin de jouer ce merveilleux chant d’obscurité et de violence.
La voix de Reuno est centrale elle charme, frappe, mène, déclare, augmente l’avalanche provoquée par d’autres instruments. Avec le monstre ordinaire, Lofofora est en grande forme et prouve que le groupe est toujours là.
Monstre ordinaire – credit Eric CANTO
Les titres de Lofofora Monstre ordinaire
01. Utopiste
02. Les évadés
03. Élixir
04. Les conquérants
05. La merde en tube
06. Le visiteur
07. Ma folie
08. Un mec sans histoire
09. Cannibales
10. Frustrasong
11. La beauté et la bête
Sortie 24 octobre 2011
Enregistré juillet 2011 Durée 50:44
Genre Punk hardcore, stoner rock
Label At(h)ome
Les débuts de Lofofora
Lofofora est un groupe de métal français qui voit le jour en 1989, il est composée de Reuno (chant), Phil Curty (basse), Daniel Descieux (guitare) et Vincent Hernault (batterie). Le nom du groupe fait référence au peyote dont le nom scientifique est Lophophora williamsii.
Lofofora est considéré comme l’un des pionniers du rock fusion métal (guitares saturées, raps, punk) en France. Peu de temps après, Phil Curty (basse) et Erik « Ragout » Rossignol (batteur) ont rencontré The Hammers quand une impulsion pour un nouveau style de musique est apparue. Nous pouvons citer lors de cette période l’apparition de groupes comme Mass Hysteria, No one is innocent, Silmarils, etc…
Les premiers concerts du quatuor ont eu lieu dans les années 1990-1991. Lofofora signe, en juin 1994, après quelques mois de négociations avec Polygram, ce qui permet de financer l’album enregistré et mixé par Daniel Weber (Trepal Pal, Young Gods) en octobre, chez Forces motrices à Genève.
La tournée du première album se déroule sur 115 dates dont 10 concerts au Canada . A la fin de cette tournée le groupe se penche sur l’exercice difficile du second album. Peuh ! sera composé entre janvier et mai 1996. L’album Peuh ! sera enregistré au studio Hautregard par André Gielen.
« Dur comme fer » sort en mars 1999. C’est le le troisième album du groupe. Cet album est sans doute le plus sombre et le plus abouti du groupe avec ses tempos lourds et inquiétants. Plusieurs albums suivront, de nombreuses tournées et un groupe toujours en activité et toujours aussi énervé.
Lofofora sur scène…
Un concert de Lofofora est un moment intense et énergique, où la musique et les paroles engagées du groupe prennent tout leur sens. Voici quelques caractéristiques qui sont souvent associées à un concert de Lofofora :
Une forte présence scénique : Reuno, le chanteur, est un showman charismatique et généreux, qui n’hésite pas à descendre dans la fosse pour chanter avec le public. Les autres membres du groupe sont également très dynamiques et communiquent leur énergie à la foule.
Un son puissant et efficace : Lofofora est connu pour son style musical énergique et percutant, avec des riffs de guitare puissants, une section rythmique solide et des mélodies accrocheuses. Le son est généralement assez fort et enveloppant, pour que le public puisse se laisser emporter par la musique.
Des textes engagés et poétiques : Les paroles des chansons de Lofofora abordent des sujets sociaux et politiques, comme la lutte contre les inégalités, la défense de l’environnement, la critique du système capitaliste, etc. Les textes sont souvent poétiques et imagés, et le groupe n’hésite pas à jouer sur les mots et les sonorités.
Une communion avec le public : Un concert de Lofofora est souvent l’occasion d’une véritable communion entre le groupe et le public, qui partagent ensemble une même énergie et une même envie de se libérer. Le public chante les paroles avec Reuno, saute en rythme, applaudit à tout rompre, et parfois même s’embrasse ou se prend dans les bras.
Une ambiance conviviale et festive : Malgré la dimension engagée et militante de leur musique, les membres de Lofofora sont également très proches de leur public et cherchent à créer une ambiance conviviale et festive. Ils n’hésitent pas à faire des blagues, à raconter des anecdotes, à offrir des bières au public, etc.
Discographie de Lofofora
Voici la discographie complète de Lofofora :
Albums studio :
« Lofofora » (1995)
« Dur Comme Fer » (1996)
« Peuh! » (1997)
« Double » (1998)
« Monstre ordinaire » (1999)
« Le Fond et la Forme » (2001)
« Mémoire de Singes » (2007)
« Les Choses Qui Nous Dérangent » (2011)
« L’épreuve du contraire » (2014)
« Simple Appareil » (2018)
Albums live :
« Lofofora & the Ed Warner’s Cage Experience » (1999)
« Live! » (2003)
« LIVE[S] (XIV) – 2013 » (2013)
Compilations :
« Lofofora Volume 1 » (1999)
« Lofofora Volume 2 » (1999)
Lofofora a également sorti plusieurs singles, EPs et participé à de nombreuses compilations tout au long de sa carrière.
La discographie de Lofofora témoigne de l’évolution du groupe à travers les années, depuis ses débuts punk rock jusqu’à son style plus complexe et varié mélangeant punk, metal, rock alternatif et musiques du monde. Le groupe a su maintenir une forte cohérence artistique tout en se renouvelant constamment, ce qui a permis de fidéliser son public et d’inspirer de nombreux autres artistes en France et ailleurs.
Membres actuels de Lofofora
Reuno Wangermez : chant
Phil Curty : guitare
Daniel Descieux : basse
Vincent Hernault : batterie
Reuno est le fondateur du groupe, présent depuis sa création en 1989. Les autres membres ont rejoint le groupe à des moments différents, mais ils font tous partie intégrante de l’histoire et de l’évolution de Lofofora.
Au fil des années, le groupe a connu quelques changements de line-up, avec des départs et des arrivées de musiciens. Néanmoins, la formation actuelle est stable depuis plusieurs années et continue d’enregistrer des albums, de donner des concerts et de défendre avec passion les couleurs de Lofofora sur scène.
Les membres de Lofofora sont également impliqués dans d’autres projets musicaux, ce qui leur permet d’explorer de nouvelles sonorités et de nourrir leur inspiration. Mais c’est ensemble, en tant que Lofofora, qu’ils continuent de porter haut les valeurs et l’engagement de la scène alternative française.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Vous êtes considéré comme un pionnier de la scène métal française. Qu’est-ce que tu en penses ?
Reuno Lofofora : Vous savez, nous n’avons jamais demandé de médaille. Au moment où nous avons commencé, nous avons été présentés comme les successeurs de Bérurier Noir ou Trust. En parallèle, Loudblast revient, et le dernier album est très bon. Nous n’avons jamais eu de complexe par rapport au français, et notre côté punk des débuts a donné naissance à un son plus hardcore, voire métal. Nous avons toujours eu un très bon accueil sur la scène métal, et ces dernières années nous ont été plus que favorables.
Vous avez encore recruté un nouveau batteur en 2009 …
Reuno Lofofora: Nous les utilisons! En fait, cela est dû à un manque de motivation de leur part. Il est toujours regrettable que de telles choses se produisent, mais je vois surtout le côté positif de Lofofora.
Vincent est le batteur parfait. Nous avons adoré au début. Il a su apporter quelque chose de plus à la composition et a un véritable esprit de groupe. Vous savez, nous ne sommes pas là pour sentir le cul: le respect est fondamental dans ce groupe, et Vincent s’est bien intégré. C’est un excellent batteur avec un très bon jeu. Pas d’espace à remplir, ce n’est pas son affaire.
Comment avez-vous perçu cette scène au cours de la dernière décennie ?
Reuno Lofofora: Les années Nu-Métal ont mis en colère de nombreux groupes, tout comme nous. Tout le monde voulait devenir riche et célèbre, et finalement les trois quarts des groupes ont disparu de la circulation. Heureusement, il y a ceux qui gardent la route, par exemple Noï-d. La communauté métal s’est ouverte et la musique fusion a beaucoup évolué. Les groupes sont moins honnêtes et nous pensons que les gens aiment regarder de nouveaux groupes en live.
Ce nouvel album est plus exigeant, plus métal. Est-ce aussi votre point de vue ?
Reuno Lofofora: Absolument. Je dirais même que c’est moche. Certains l’apprécieront, d’autres pas, mais on s’en fiche, car on fait ce qu’on veut! Il a fallu un an pour sortir l’album. Doudou (ndlr: guitare) a eu une période plutôt sombre, il était en Angleterre à l’époque. Il a apporté beaucoup de riffs. Il a toujours cette petite chose au niveau du groove, et ses rythmes sont accrocheurs.
L’album est assez brut, avec beaucoup d’harmonie à la basse. Nous avons joué 3 nouvelles chansons en direct, « Utopiste », « Les Évadés », « La Merde en Tube » et c’était vraiment terrible.
Comment voyez-vous Lofofora dans 10 ans?
Reuno Lofofora: Avec des varices et des rhumatismes, mon ami ! Je suis toujours étonné que Lofo soit toujours là, 20 ans plus tard. Les groupes sont actuellement assez volatils. Pour être honnête, j’ai peur de l’incrustation et j’espère que nous aurons toujours le désir et l’énergie de plaire à tout le monde. Le secret de notre longévité est simple: nous n’avons jamais signé de contrat avec major et nous ne serons jamais un phénomène de mode.
Comment est-ce d’entendre des groupes dire que Lofo est l’un des groupes qui les a le plus influencés ?
Reuno Lofofora: C’est un plaisir. Quand j’ai eu mon premier album rock, cela m’a propulsé dans une vie de liberté. Si vous pouvez lui donner un avant-goût, c’est très bien. Lorsque vous démarrez un groupe, il voyage sur les routes, car vous voulez partager des choses avec les gens d’une manière relativement altruiste. Ensuite, il y a deux catégories de personnes qui montent sur scène. Il y a ceux qui veulent briller, être pompés par des groupes. Il y a aussi ceux qui veulent partager de bons moments sur scène avec les téléspectateurs. Et il y a aussi l’occasion de rencontrer des gens tous les jours, ce qui enrichit nos vies.
Mes photos sont publiées depuis de nombreuses années dans 
23/01/2020 The Nothing Tour 2020 @ Allentown, PPL Center
27/01/2020 The Nothing Tour 2020 @ Québec, Vidéotron Centre
02/06/2020 Impact 
05/06/2020 Rock am Ring 2020 @ Nürburg,Nürburgring
10/06/2020 Nova Rock 2020 @ Nickelsdorf, Nova Rock
12/06/2020 Télécharger Festival 2020 @ Donington
12/06/2020 I-Days Milano 2020 @ Milano, Area Expo
17/06/2020 Copenhell 2020 @ Refshalevej Billets: Ticketswap
18/06/2020 
19/06/2020 Hellfest 2020 @ Clisson, Site du Hellfest
25/06/2020 Provinssirock Festival 2020 @ Provinsii
01/07/2020 Resurrection Fest 2020 @ Viveiro Billets: Ticketswap
02/07/2020 VOA – 
10/01/2021 KnotFest Japan 2020 @ Chiba, Makuhari Messe
