Vox est un fabricant d’équipement musical fondé en 1957 par Thomas Walter Jennings à Dartford,Kent, Angleterre. La société est surtout connue pour fabriquer l’ ampli de guitare Vox AC30 , utilisé par les Beatles , les Rolling Stones , les Kinks , les Yardbirds , Queen , Dire Straits , U2 , Manilarajj et Radiohead.
VOX AMPS est aussi connu pour fabriquer l’orgue électrique Vox Continental, le Vox wah-wah pédale utilisée par Jimi Hendrix , et une série de guitares électriques et basses innovantes. Depuis 1992, Vox appartient à la société d’électronique japonaise Korg .
L’HISTOIRE LÉGENDAIRE DE L’AMPLI VOX : VOX AMPS
Le son légendaire de VOX Amps commence avec Dick Denney, un jeune concepteur d’amplificateurs qui a commencé à travailler pour l’Angleterre JMI Corporation en 1957.
Dick, lui-même guitariste, avait le doigt sur le pouls du monde en évolution rapide de la guitare électrique à la fin des années 1950. et a travaillé sans relâche avec le personnel de JMI pour concevoir un amplificateur qui pourrait offrir le volume et le sustain dont les guitaristes de l’époque avaient envie.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Le résultat de leur travail a été présenté au monde en janvier 1958. Cet ampli Vox, baptisé AC1 / 15, a marqué la toute première apparition du nom VOX sur un amplificateur de guitare et a ainsi lancé une institution qui a prospéré pendant près de 60 ans. années.
Plus tard abrégé en AC15, cet ampli Vox est rapidement devenu le choix des meilleurs guitaristes de Londres, dont Vic Flick qui a utilisé un AC15 sur son enregistrement emblématique du «James Bond Theme».
Ampli VOX, ROCK ‘N’ ROLL À LA HAUSSE: l’histoire de VOX AMPS
Avec le rock’n’roll en plein essor au printemps 1960, Dick Denney et l’équipe de VOX ont rapidement reconnu que les groupes londoniens en herbe avaient soif de plus de puissance de leurs amplificateurs.
Plutôt que de concevoir un ampli Vox entièrement nouveau à partir de rien, Denney a décidé de s’en tenir à ce qu’il savait être un design gagnant et a doublé la puissance de son bien-aimé AC15. Pour accueillir la puissance accrue de cet amplificateur, Denney a jugé bon d’élargir les dimensions de l’armoire de l’amplificateur et d’ajouter un haut-parleur supplémentaire.
AMPLI VOX – VOX AMPS
L’ampli Voxr résultant a été surnommé AC30 / 4 Twin. Avec 30 watts, deux haut-parleurs Celestion de 12 pouces, quatre entrées et deux canaux – Normal et Vibrato, l’AC30 / 4 Twin a été un succès parmi les Rock ‘n’ Rollers à Londres, et a rapidement établi VOX comme l’ampli le plus recherché dans tous La Grande-Bretagne.
En juillet 1962, deux jeunes gars de Liverpool acquièrent leurs tout premiers ampli Vox, un AC15 Twin et un AC30 Twin équipé de Top Boost. Plus tard cette année-là, le groupe sortira du studio avec une chanson intitulée «Love Me Do» et changera à jamais le monde de la musique populaire.
Le son inoubliable de leurs guitares saccadées deviendrait la norme pour un bon son de guitare pendant des décennies. Cette chanson, et la frénésie qui allait suivre ce jeune groupe dans les mois à venir, feront de VOX l’ampli de guitare le plus recherché au monde.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Le succès massif obtenu par VOX dans les années 1960 a jeté les bases de l’héritage qui continue de prospérer près de 60 ans plus tard. Beaucoup des mêmes amplificateurs sur lesquels les artistes s’appuyaient à l’époque fonctionnent encore aujourd’hui. Les ampli Vox comme l’ AC4 , l’ AC15 et l’ AC30 sont toujours les produits VOX les plus populaires parmi les guitaristes à la recherche de ce carillon classique.
VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les pédales Cambridge50 et Valvenergy acclamées par la critique , intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.
Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.
Le son des amplis Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les ampli Vox pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX
VOX AMPS ET POP MODERNE: l’histoire de VOX AMPS
VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les séries Valvetronix + et Night Train G2, acclamées par la critique, intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.
Le son des ampli Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les amplificateurs VOX pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX.
VOX AMPS : L’HISTOIRE DE WAH WAH VOX
La pédale Wah, ou Wah-Wah, utilise un filtre passe-bande à décalage avec un pic hautement résonnant pour créer son son distinctif – le son d’une trompette muette, ou plus précisément la voix humaine prononçant le nom onomatopéique «Wah-Wah».
L’effet peut être utilisé de différentes manières, mais il est le plus courant lorsque les guitaristes sont en solo ou par des guitaristes funk pour créer le son de guitare rythmique «wacka-wacka».
AMPLI VOX – VOX AMPS
La création de la pédale Wah était un accident – découvert lors de la conception de l’ampli Vox Super Beatle en 1966. Il s’agissait d’une version transistorisée de l’AC50 avec quelques effets – MRB (mid resonant boost) et reverb – conçue uniquement pour le marché américain.
Lors de la conception, l’équipe a remarqué que l’augmentation de la résonance moyenne pouvait être contrôlée avec la pédale de volume du VOX Continental pour balayer la fréquence augmentée. Pour eux, cela ressemblait à utiliser une sourdine sur une trompette.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un ampli VOX est un amplificateur de guitare électrique fabriqué par la société VOX, une entreprise britannique fondée en 1947. Les amplis VOX sont utilisés par de nombreux guitaristes célèbres et sont connus pour leur son caractéristique, particulièrement associé au mouvement musical britannique des années 1960.
2. Qu’est-ce qui rend les amplis VOX si particuliers?
Les amplis VOX sont connus pour leur son clair et cristallin, ainsi que pour leur distorsion naturelle et leur sustain. Ils sont également appréciés pour leur conception élégante et leur look vintage.
3. Quels sont les différents modèles d’amplis VOX?
Il existe de nombreux modèles d’amplis VOX, allant des amplis à lampes haut de gamme aux amplis à transistors plus abordables. Certains des modèles les plus populaires incluent le VOX AC30, le VOX AC15, le VOX AC10, le VOX Pathfinder et le VOX Valvetronix.
4. Quel est le meilleur ampli VOX pour un guitariste débutant?
Pour un guitariste débutant, un ampli VOX à transistors comme le VOX Pathfinder ou le VOX Valvetronix peut être un excellent choix. Ils sont abordables, faciles à utiliser et offrent une grande variété de sons différents.
5. Comment obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX?
Pour obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX, il est important de régler les contrôles d’égalisation de manière appropriée. En général, les aigus doivent être réduits et les médiums et les graves augmentés. Le contrôle du volume doit également être utilisé avec soin pour éviter la saturation excessive.
6. Comment entretenir un ampli VOX?
Pour entretenir un ampli VOX, il est important de le garder propre et de le protéger contre l’humidité et la poussière. Les lampes doivent être remplacées régulièrement et les contacts électriques doivent être nettoyés avec un produit spécialisé. Il est également important de ne pas laisser l’ampli allumé pendant de longues périodes sans jouer de la guitare.
7. Quelle est la puissance des amplis VOX?
La puissance des amplis VOX varie en fonction du modèle. Certains modèles plus petits, comme le VOX Pathfinder, ont une puissance de sortie d’environ 10 watts, tandis que des modèles plus gros comme le VOX AC30 peuvent atteindre jusqu’à 30 watts ou plus.
8. Peut-on utiliser un ampli VOX pour jouer d’autres styles de musique que le rock?
Bien que les amplis VOX soient souvent associés au rock britannique des années 1960, ils peuvent être utilisés pour jouer une grande variété de styles de musique.
9. Comment choisir le bon ampli VOX ?
Le choix de l’ampli VOX dépend de plusieurs facteurs, tels que le style de musique que vous jouez, le niveau de puissance nécessaire, la taille de la salle où vous jouez et votre budget. Si vous êtes un joueur débutant ou intermédiaire, l’ampli VOX ADIO Air GT est un choix solide car il offre une grande variété de sons et d’effets, ainsi que la possibilité de jouer sans fil via Bluetooth.
Pour les joueurs professionnels ou ceux qui ont besoin d’un niveau de puissance plus élevé, les amplis VOX AC15 et AC30 sont des choix populaires. Ils sont connus pour leur son cristallin et leur capacité à fournir des tonalités vintage.
10. Comment entretenir son ampli VOX ?
L’entretien régulier de votre ampli VOX peut prolonger sa durée de vie et améliorer son fonctionnement. Pour éviter les dommages, ne jamais exposer votre ampli à des températures extrêmes ou à l’humidité. Vous devez également nettoyer régulièrement l’extérieur de l’ampli avec un chiffon doux et sec.
En ce qui concerne l’entretien interne, il est recommandé de remplacer les tubes de préampli et de puissance tous les deux ans environ, ou lorsqu’ils commencent à perdre de la clarté ou à produire des sons distordus.
11. Comment obtenir un son de guitare « britannique » avec un ampli VOX ?
L’ampli VOX est célèbre pour son son de guitare « britannique » distinctif, caractérisé par des tonalités claires et cristallines avec une légère distorsion.
Pour obtenir ce son, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros simples bobinage, tels que les micros Vox Vintage. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé, mais le son de base de l’ampli VOX devrait vous donner un son de guitare classique « britannique ».
12. Comment obtenir un son de guitare « américain » avec un ampli VOX ?
Bien que l’ampli VOX soit connu pour son son « britannique », il est tout à fait possible d’obtenir un son de guitare « américain » avec certains modèles.
Pour ce faire, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros double bobinage, tels que les micros Fender. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé.
13. Comment utiliser la fonction « Top Boost » sur un ampli VOX ?
La fonction « Top Boost » est une caractéristique courante des amplis VOX, qui ajoute une tonalité aigüe et une distorsion douce à votre son de guitare.
Pour utiliser cette fonction, vous devez augmenter les aigus et les aigus moyens sur les contrôles de tonalité de votre ampli. Vous pouvez également augmenter le gain pour une distorsion plus prononcée.
Découvrez tous les différents amplis VOX
Il existe de nombreux modèles d’amplificateurs de guitare VOX, chacun ayant ses propres caractéristiques sonores et fonctionnalités. Voici un aperçu de quelques-uns des modèles les plus populaires :
VOX AC15 : l’un des modèles les plus célèbres de VOX, cet ampli de 15 watts à lampes offre un son classique britannique, idéal pour les styles rock, blues et indie.
VOX AC30 : un autre modèle emblématique de VOX, cet ampli à lampes de 30 watts est apprécié pour son son riche et complexe, souvent utilisé par les guitaristes de rock et de pop.
VOX Pathfinder : une gamme d’amplis de guitare plus petits et plus abordables, offrant des sons VOX classiques dans un format compact.
VOX Valvetronix : une gamme d’amplis à modélisation, qui utilisent la technologie numérique pour simuler une variété de sons d’ampli de guitare, y compris les sons VOX classiques.
VOX Night Train : un ampli à lampes compact et portable, offrant un son chaud et dynamique dans un format facile à transporter.
VOX VT20X : un ampli à modélisation plus récent de VOX, offrant une grande variété de sons d’ampli de guitare et d’effets, ainsi qu’une connectivité Bluetooth pour une utilisation avec des appareils mobiles.
Chacun de ces modèles offre des caractéristiques sonores et des fonctionnalités uniques, il est donc important de réfléchir à vos besoins et à votre style de jeu avant de choisir le modèle qui vous convient le mieux.
Lenny Kravitz dégage quelque chose de magique. Musicien hors pair et complet, c’est un touche à tout de génie. En plus de chanter et de faire les backing vocals, il joue lui-même de tous les instruments lorsqu’il enregistre (guitare,batterie, basse,percussions et clavier). Ses ventes sont estimées à 381 millions d’albums dans le monde.
Lenny Kravitz est aussi une bête de scène. Chaque concert auquel j’ai pu assister me ramène à chaque fois à une éternelle réflexion : « chaque photo est bien…ce type est tellement photogénique qu’il est pratiquement impossible de louper une photo. »
Né le 26 mai 1964 à New York, Lenny est un chanteur, musicien, compositeur et acteur américain.
Ses titres mêlent des éléments aussi variés que le hard rock, le rhythm and blues, le rock psychédélique,le funk, la soul et la pop.
Ses influences multiples s’entendent : John Lennon,Jimi Hendrix, Prince, The Jackson 5, Funkadelic, The Rolling Stones, Stevie Wonder, Led Zeppelin, ou encore James Brown.
Un début de Carrière et 2 albums cultes.
1989-1990 : Let Love Rule
En 1989, son premier album Let Love Rule rencontre un succès modéré (il atteint la 61e place du Billboard).
Lenny gagne une plus grande reconnaissance en 1990,lorsque Madonna devient no 1 aux États-Unis et no 2 en France avec la chanson Justify My Love, qu’il a écrite et réalisée avec la poète Ingrid Chavez et Madonna, pour l’album The Immaculate Collection.
En 1987, il s’enfuit à Las Vegas avec l’actrice Lisa Bonet, alors connue du Cosby Show. Un an plus tard, leur fille, Zoë Kravitz née (elle est maintenant une actrice à succès). Ils louent un loft à Broome Street à New York à un gars qui jouait avec Bob Marley. «C’était tellement sale ici», se souvient-il.
Les chansons de guitare brutes et hippies qui ont formé son premier album jaillissent au milieu de cette vie bohème. Sans label, il les enregistre dans un studio bon marché à Hoboken, New Jersey.
Il est sorti un jour de l’ascenseur de son immeuble après une séance et a écrit: «Let love rule» sur le mur. «C’était juste quelque chose que je pensais», dit-il. «Après l’avoir vu tous les jours, je suis entré dans l’appartement et j’ai attrapé une guitare. La chanson est sortie. »
Avec un album complet fait, Kravitz n’a pas pu obtenir un contrat. Jusqu’au jour où un A&R chez Virgin lui a offert un entretien de cinq minutes. « Elle s’est assise, m’a regardé, et dit: «Je reviens tout de suite». »Puis le président du label est entré et m’a dit que j’étais « Le Prince qui rencontre John Lennon », et m’a proposé de me signer.
Les autres labels en ont eu vent et ont fait monter les enchères. «Warner m’a offert beaucoup plus», dit-il en riant. «Mais je savais que Virgin me laisserait évoluer. Je me fiche que vous soyez Ray Charles ou Aretha Franklin, vous devez vous développer. »
1991-1992 : Mama Said
En 1991, il sort son deuxième album, Mama Said, qui est son premier album, qui figure dans le Top 40. Les chansons de cet album sont consacrées à Lisa Bonet, il y revient sur sa dépression après leur séparation.
Le plus grand single de l’artiste, It Ain’t Over ‘Til It Over, a pris la deuxième place sur la liste Billboard top 100.
Kravitz a écrit son deuxième album, Mama Said dans Broome Street. Le single It Ain’t Over…, cependant, lui est venu dans une chambre d’hôtel à Los Angeles sur un piano Fender Rhodes qu’il avait livré. « J’essayais de récupérer ma femme avec cette chanson. » De retour à New York, il a rendu l’album, mais a voulu garder cette piste «J’ai dit: ‘Je ne mets pas cette chanson parce que c’est un succès. Je voulais la donner à Smokey Robinson. »
Finalement, il réfléchit… le funk fluide de la chanson et les cuivres de Phenix Horns de Earth, Wind & Fire permettent à Lenny Kravitz d’atteindre la deuxième place du top américain. «C’était la première fois que je marchais dans les rues de New York en entendant ma chanson sortir des voitures des gens. La vidéo était partout. J’ai dû arrêter de prendre le métro.
Le prochain single, Always on the Run, en hommage à sa mère, apparaît alors que son ami du secondaire, Slash à la guitare, apparaît sur « What goes around comes around » et « Stand by my Woman ».
En 1992, il produit l’album Vanessa Paradis de Vanessa Paradis, sur lequel il écrit toutes les chansons et joue de tous les instruments. L’album s’est vendu à 1 500 000 exemplaires dans le monde et son premier single « Be my baby » a été un succès dans plusieurs pays européens.
C’est le début d’un immense sucés pour Lenny Kravitz qui enchaînera albums et concert lors les décennies suivantes.
Lenny Kravitz – Festival de Nîmes 2019 – Crédit photo Eric CANTO
Une nouvelle tournée pour Lenny Kravitz en 2019.
Avec la sortie de Raise Vibration le 7 septembre 2019, Lenny Kravitz met fin à quatre ans d’absence. Le chanteur n’a jamais passé autant de temps entre deux albums. « J’ai joué sur scène longtemps après l’album « Strut » avant de rentrer chez moi aux Bahamas.
Je ne savais pas où aller musicalement, j’ai commencé à me poser beaucoup trop de questions, dit-il.
Ce n’est qu’au bout d’un mois qu’un véritable miracle s’est produit. « Une nuit, j’ai été réveillé par un rêve, j’ai bondi en studio pour enregistrer la chanson dont je venais de rêver.
C’était le début de l’album: toutes les chansons de l’album me paraissaient ainsi. C’était la première fois! ». Kravitz, qui enregistre des albums depuis 30 ans, n’en revient toujours pas.
C’est peut-être la nouveauté de cette approche qui rend l’album particulièrement inspirant. À 54 ans, le musicien américain signe une excellente collection de compositions. « J’ai encore de l’inspiration et beaucoup d’énergie, peut-être même plus qu’avant », explique-t-il en grignotant des fruits secs.
Mon ami m’a dit que Raise Vibration ne sonne pas comme le disque d’un gars qui le fait depuis trente ans.
Ça m’a fait plaisir. » Lenny Kravitz est toujours un artisan qui produit de la musique, il joue la grande majorité des instruments. «Je n’ai donc rien à expliquer à personne, tout est fluide en studio, sans stress», explique-t-il.
« Quand j’ai commencé, je rêvais d’être entouré d’un groupe. Mais je n’avais pas assez d’argent pour m’en payer. C’est pourquoi j’ai enregistré « Let Love Rule » tout seul. J’ai développé mon son et c’est a présent ma marque de fabrique.Aujourd’hui encore, je continue a faire ainsi. »
Le concert dans les arènes de Nîmes fut assez exceptionnel pour ses fans : « Lenny Kravitz en concert c’est déjà la promesse d’une belle soirée avec des tubes qui nous font revivre, nos années collège/lycée. Quel show dans ce cadre magnifique des Arènes de Nîmes et son amphithéâtre chargé d’histoire. «
« Ce concert, ce fut surtout l’occasion unique de voir et écouter ce musicien hors-norme, et pour l’occasion en totale communion avec son public lors d’un très long bain de foule final. Inoubliable ! »
Lenny Kravitz – Crédit photo Eric CANTO
Raise vibration de Lenny Kravitz.
Raise Vibration peut rappeler le choc ressenti après la découverte de Let Love Rule en 1989. À cette époque, seule une poignée de musiciens noirs se démarquent en multipliant les références. « Il y avait un prince et moi », se souvient l’artiste.
Il est le fils d’un couple mixte d’Amérique ségréguée, entretient une relation très forte avec la France et particulièrement Paris, où il a acquis une résidence somptueuse.
Il partage aujourd’hui sa vie entre Paris et les Bahamas, souvent sur scène, il reste une figure de notre temps, musicien hors pair, il est aussi une bête de scène toujours fantastique à shooter.
Retrouvez le concert intégral de la tournée 2019 de Lenny Kravitz.
Discographie de Lenny Kravitz
Albums studio de Lenny Kravitz
1989 : Let Love Rule
1991 : Mama Said
1993 : Are You Gonna Go My Way
1995 : Circus
1998 : 5
2001 : Lenny
2004 : Baptism
2008 : It Is Time for a Love Revolution
2011 : Black And White America
2014 : Strut
2018 : Raise Vibration
Compilations / Rééditions de Lenny Kravitz
2000 : Greatest Hits
2009 : Let Love Rule: 20th Anniversary Deluxe Edition
2012 : Mama Said: 21st Anniversary Deluxe Edition
2013 : Are You Gonna Go My Way : 20th Anniversary Deluxe Edition
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bonus : Interview de Lenny Kravitz dans Rolling Stone
Après que la pandémie a commencé à se propager début mars, Lenny Kravitz a quitté son domicile parisien et a décampé dans sa retraite à Eleuthera, une petite île des Bahamas.
Plutôt que de parcourir le monde et de promouvoir ses nouveaux mémoires , Kravitz a mené une vie simple, cultivant sa propre nourriture et utilisant des arbres comme bancs d’entraînement de fortune.
Kravitz est d’humeur réfléchie grâce aux mémoires, intitulé Let Love Rule. C’est le premier des deux volumes prévus, couvrant sa vie jusqu’à la sortie de son premier album en 1989.
Avec peu d’hédonisme de rock star ou d’histoires stéréotypées d’excès à proprement parler – attendez-vous à cela dans le volume 2 – vous avez le droit d’être sceptique. Mais les mémoires sont un regard fascinant sur les dualités de toujours de Kravitz.
Enfant biracial, fils d’un père producteur de NBC News (Sy Kravitz) et d’une mère actrice de télévision (Roxie Roker, de The Jeffersons ), il a fait la navette entre Manhattan et Brooklyn avant de déménager à Los Angeles, où il se sentait également à l’aise dans un Beverly Manoir des collines et dans les sous-cultures gothiques, new wave et stoner/skater.
« J’ai toujours dit que j’aimais les extrêmes », dit Kravitz. «C’est le milieu que je ne fais pas très bien. Bien sûr que je peux le faire, mais ce n’est pas aussi attrayant pour moi. Je n’en tire aucune énergie. Je me nourris des extrêmes. L’artiste de 56 ans a parlé à Rolling Stone des Bahamas des mémoires, de la pandémie et du ralentissement.
Trouvez-vous plus facile ou plus difficile de trouver une inspiration créative pendant la quarantaine ?
Lenny Kravitz: Ce fut une période très calme et créative. Pour être honnête, quand nous ne sommes pas dans cette situation et que je suis ici en train de créer, je me rends compte que j’ai mis en quarantaine toute ma vie. Quand je descends ici, c’est un peu ça. Vous n’êtes entouré que de quelques personnes.
La seule différence est que vous pouvez aller dans le village [et] dans la colonie et passer du temps avec les gens et aller vous asseoir dans un bar ou un restaurant et parler avec les gens. Cela me manque.
Mais sinon, c’est un peu comme ça que je vis tout le temps quand je suis ici.
Trouvez-vous plus difficile de trouver l’inspiration en vieillissant ou l’âge ne joue-t-il pas un rôle ? Lenny Kravitz: Je ne m’occupe pas de cette chose vieillissante. Les chiffres augmentent, mais je suis toujours aussi affamé, motivé et inspiré que je l’étais dans le livre.
Quand j’entre dans ce studio, c’est toujours magique pour moi. Je ne le prends jamais pour acquis. Être ici vous permet de vous entendre de manière très claire parce que vous êtes dans la nature.
Parce que c’est si calme. Parce que vous êtes un peu isolé. Cela a toujours été un endroit idéal pour moi d’être créatif. Mais, oui, je suis toujours à cet endroit, mec, Dieu merci.
Je ne le ferais pas autrement. Je connais des artistes qui continuent à faire ça pendant des années, j’ai vu des gens devenir blasés [et] fatigués. Ils ne veulent pas tellement être en studio, et je n’ai pas vécu ça.
Pourquoi un mémoire maintenant, et pourquoi le diviser en deux parties ? Lenny Kravitz: Eh bien, je n’ai jamais pensé à écrire le livre. Je ne pense pas que ma vie soit si intéressante. [Mais] je suis content de l’avoir fait car écrire ce livre a été la meilleure forme de thérapie que j’aurais pu suivre.
C’était une histoire où je trouvais ma voix et je ne voulais pas qu’il s’agisse de célébrité ou de célébrité. Le deuxième livre sera un livre beaucoup plus difficile à écrire.
Les choses sont devenues intenses, mais je pense que [écrire] cela fournira le même niveau de thérapie [et] beaucoup de choses seront guéries.
J’ai été choqué de lire qu’après que vous ayez surpris votre père en train de tromper votre mère, il vous a dit : « Vous le ferez aussi » avant d’être expulsé de la maison.
Lenny Kravitz: J’avais environ 19 ans. C’était une déclaration assez profonde à un moment où je crois que ma mère voulait qu’il dise quelque chose qui m’aurait été bénéfique. « C’était faux. Je veux que vous compreniez et je suis désolé.
Et il vient d’ y aller . Aussi intransigeant que cela puisse être à ce moment-là, je ne réalisais pas à quel point cela avait pénétré mon être.
Mais quand j’y repense, je peux comprendre maintenant avec des yeux neufs et sans jugement qu’il parlait simplement de ce qu’il pensait être sa vérité.
Son père avait fait des choses similaires et il était extrêmement en colère contre son père pour cela. Et puis il répète le même genre de comportement, et puis je suppose qu’il a pensé que c’était une sorte de chaîne qui ne peut pas être brisée. « Tu le feras aussi, comme il l’a fait [et] comme je l’ai fait. » C’est vraiment triste et vraiment intense et j’ai dû faire face à cela des années plus tard.
Vous avez dit que la première chose qui vous est venue à l’esprit était l’arme que votre père gardait cachée dans son placard.
Je suis sûr que c’était une pensée dramatique d’un adolescent en colère, parce que l’aurais-je fait ? Non. Mais j’avais ce côté de moi qui me mettait rapidement en colère.
Et j’étais tellement en colère contre lui et j’étais tellement blessé, parce que je suis un fils à maman, n’est-ce pas ? J’adore ma mère et je savais que cette arme était dans le placard pour protéger la maison.
Mais c’est là que ma tête est allée. Je me souviens avoir dit à ma mère : « Si vous n’obtenez pas ce billet [d’avion] maintenant [pour m’emmener hors de LA], quelqu’un pourrait mourir. » Encore une fois, c’est un adolescent en colère, mais c’est ce que je ressentais.
Comment pensez-vous que cet événement vous a affecté plus tard dans la vie ? Lenny Kravitz: Cela a certainement soulevé des questions sur l’engagement, et pourrais-je le faire ? Mais j’ai passé quelques années à travailler pour faire sortir ça de moi.
Ce qui était beau qu’au lieu de voir mon père comme mon père et ce qu’il avait fait pour moi ou à ma mère, je l’ai vu comme un personnage.
Parce qu’une fois que vous écrivez le livre, tout le monde est un personnage et vous essayez de rassembler toutes ces choses. Je l’ai vu comme un homme qui essayait juste de trouver son moyen de vivre cette expérience avec ce qu’il avait, et ce qu’il avait dans certains domaines se limitait à ce que son père faisait avec lui.
Tout d’un coup, tout le jugement est tombé et mon amour s’est même ouvert pour lui en écrivant le livre. J’ai fini par vraiment l’aimer et le comprendre et tout ce qui restait de l’anxiété, du jugement [et] de la douleur a simplement disparu parce que je l’ai accepté en tant qu’être humain…
J’aime mon père et je l’ai aimé davantage après avoir écrit ce livre. Nous avons fait la paix avant sa mort.
Vous avez dit dans une vidéo en mars : « Nous sommes tous un ; nous sommes une seule race humaine », ce qui a été une philosophie globale pour vous. Il y a souvent un sens de l’utopie dans votre travail. Cela a-t-il été plus difficile à maintenir avec tout ce qui s’est passé cette année? Lenny Kravitz: Non, ça devient de plus en plus intense. Cela devient de plus en plus difficile. Je sais que nous avons la capacité de nous rassembler; nous sommes juste coincés dans nos horribles manières.
Je suis resté positif à travers cela. J’ai eu des jours où je dois lutter contre la dépression qui s’annonce, parce que c’est tellement triste la façon dont nous nous traitons nous-mêmes et notre planète. Et juste pour voir à quel point les choses vont à l’envers.
J’ai vu les gens avant moi se battre pour les choses pour lesquelles ils se sont battus. Si mon grand-père était vivant maintenant pour voir ce qui se passe, il ne serait pas capable de le gérer. Je sais que nous en avons la capacité, mais nous avons un trou profond à creuser pour le moment. Le système doit être complètement détruit et reconstruit.
Il y a quatre ans, vous disiez : « L’amour doit être le résultat final de chaque situation. Compte tenu des troubles sociaux de l’année dernière, y a-t-il jamais eu un espace pour la violence en tant qu’acte rebelle pour provoquer un changement social ?
Lenny Kravitz: Je vois pourquoi les gens deviennent violents et je le comprends. Ce n’est pas ma façon de faire ; Je veux agir en combattant ces choses, mais pas par la violence. Mais est-ce que je comprends la violence ? Oui.
Est-ce que je me sens parfois violent à l’intérieur ? Absolument. C’est arrivé au point [où] je regardais toutes ces vidéos où des hommes et des femmes noirs sont filmés et je ne pouvais plus le faire. Cela fait ressortir des sentiments violents.
À la fin du livre, vous écrivez : « La vie d’une rock star est à la fois une belle bénédiction et un fardeau périlleux. » Quel est le « fardeau périlleux » et comment cela a-t-il façonné votre relation avec les gens ? Lenny Kravitz: Je n’étais pas préparé à ce qui allait arriver. Même si j’avais connu la célébrité et que j’avais regardé ma mère s’en occuper d’une manière très gracieuse et que j’étais avec la mère de Zoe [Lisa Bonet] et que je la regardais s’en occuper….
J’ai été élevé comme une personne très terre-à-terre, mais lorsque le [premier] album est sorti et que la dynamique de la célébrité est arrivée et que la musique jouait dans le monde entier, l’attitude des gens à mon égard a changé.
Je voulais rester la même personne que j’étais, mais j’ai dû prendre une vraie leçon, comment puis-je garder mon esprit, mais en même temps me protéger des gens qui me voient maintenant comme cette chose et ce qu’ils peuvent obtenir d’être autour de moi ?
Je suis resté ouvert pendant les deux premières années et ensuite, vous savez, des choses se sont produites.
Vous nous avez dit en 1994 : « Je ne suis pas un hippie. Je suis juste une personne qui aime ce qu’il aime et joue ce qu’il aime. Regardez ce qui est arrivé aux hippies. La majorité d’entre eux sont maintenant des connards qui gèrent tout. Vous sentez-vous toujours de cette façon? Lenny Kravitz: C’était dans les années 90. J’ai vu beaucoup de gens et d’amis de mes parents – des gens qui étaient des hippies – [qui] sont devenus des yuppies d’entreprise et tous les neuf. Mais c’est la vie.
Nous changeons. « Hippie » est un mot si spécifique. Je suppose que vous pourriez dire que je suis toujours un hippie, peu importe ce que cela veut dire.
Je suis dans la paix et l’amour. Je suis dans la nature. Je suis dans le jardinage. Je suis dans la musique et l’art.
Que ce soit hippie ou bohème et peu importe comment vous l’appelez, je vis ce style de vie. Mais je suppose qu’alors, quand je disais « Je ne suis pas un hippie », je ne voulais pas être enfermé dans [ça].
Quelle était votre définition personnelle du succès lorsque vous avez commencé, et comment cela a-t-il changé en vieillissant ? Lenny Kravitz: Ma définition du succès était que j’étais vraiment fier des albums et des enregistrements.
Mais je m’en fichais qu’ils soient des tubes ou qu’ils se vendent. Je ne suis jamais allé à une cérémonie de remise de prix où j’ai reçu le prix. Je me souviens d’une nuit où j’étais à Paris.
Il était tard dans la nuit [et] je sortais du club Les Bains Douches et j’étais à l’arrière d’une voiture et quelqu’un m’a appelé et m’a dit: « Tu as gagné le Grammy pour… »
J’étais comme, « Oh, ouais , c’est cool, mec. Super. » Et j’ai raccroché et pris un autre coup sur mon joint. J’ai raté des moments où j’aurais dû sentir les fleurs.
Et donc je suis maintenant à un endroit dans les dernières années de ma vie où quand j’ai un quelconque succès, je m’arrête et je prends un moment pour le comprendre, parce que vous devriez.
J’étais toujours du genre « Ouais, peu importe », parce que ma tête était tellement coincée dans l’art et la fabrication de ces choses.
La pandémie a-t-elle été étrangement bonne pour cela? Beaucoup de gens ont été obligés de ralentir les choses et de réfléchir davantage. Lenny Kravitz: Oh oui. Cela commence par le simple réveil et chaque matin [en disant], « Dieu. Merci. Merci. Un autre jour de vie. C’est excitant.
Même les plus petites choses que nous appelons les « petites choses » – comme se réveiller, respirer, manger des aliments frais, avoir de l’eau courante – sont de grandes choses.
J’apprécie ces luxes et je reconnais qu’ils sont des luxes. Pour moi, être ici aux Bahamas dans la nature dans un endroit dans lequel j’ai des racines et que je peux isoler – mais pourtant ressentir cette énergie de Dieu et de la nature et des éléments – [a] été très curatif et je suis reconnaissant .
Il y a toujours eu une contradiction et une dualité dans votre vie entre la rock star hédoniste et le naturaliste décontracté. Vous écrivez dans le livre : « Je suis profondément à double face. » Était-ce une excroissance naturelle de qui vous êtes ? Lenny Kravitz: Je l’ai toujours eu, et c’est tout ce que j’ai connu. Je suis né Gémeaux. Ma mère me demandait : « D’accord, avec qui d’entre vous ai-je affaire aujourd’hui ? » J’ai toujours prospéré dessus. Je me nourris des extrêmes. Je peux vivre dans la rue ou je peux vivre dans un manoir.
Le milieu, cependant, ne m’attire pas autant. Je n’en tire pas une énergie qui me nourrit. À 15 ans, ma mère est dans l’émission de télévision numéro un. Qu’est-ce que je décide de faire ?
Pars parce que mon père ne me laisse pas aller à un concert, et maintenant je vis dans la rue [ou] les étages des gens. Je me mets dans cette position.
Je n’ai pas eu à partir, mais cela a fonctionné pour moi d’une manière ou d’une autre et cela a toujours été le cas.
En 1995, vous nous avez dit : « Je veux faire ça jusqu’à ce que je sois vieux et petit. J’aimerais être comme John Lee Hooker dans mon petit costume, jouer de la musique, gratter ma guitare. Lenny Kravitz: Quand John Lee Hooker a eu ce grand succès avec cet album [1989] The Healer, j’étais comme, « Wow, d’accord, voici un gars plus âgé et il a des disques à succès et il est en tournée. »
Regarder tous les gars que j’ai regardés, de Duke Ellington à BB King, qui a dû s’asseoir sur une chaise lors de ses dernières performances.
Mick Jagger a 70 ans et peut encore faire vibrer un stade mieux que la plupart des jeunes de 20 ans.
Je suis au milieu maintenant. Je suis encore jeune, et dans une vingtaine d’années, quand j’arriverai là où se trouve Mick, je le ferai toujours si nous avons un monde où nous pouvons le faire. Je prévois de le faire jusqu’à ce que je ne puisse plus.
Les portraits de Martin Schoeller sont connus pour ses ultra-gros plans, avec le ton, l’humeur et la cohérence des compositions qui ont ravivé les pages de nombreuses publications les plus chères en Amérique et en Europe au cours des 20 dernières années. Mais ces photographies révélatrices ne sont que la partie la plus reconnaissable de son travail étonnamment mouvementé.
Martin Schoeller a maintenant accumulé tout le travail qui défie la classification parce qu’il s’est aventuré dans toutes les sous-cultures, à l’exception des événements invisibles récents, des perturbations de la justice sociale, des célébrités et de nombreuses autres sous-catégories. Comme nous le voyons dans Martin Schoeller 1999–2019, ces images sont un véritable musée de l’histoire récente – un projet diversifié, ingénieux, dynamique, discipliné et consciencieux qui est le travail d’une perspective humaine.
L’approche de Martin Schoeller
« Comme tous des photographes de portraits, j’essaie de capter le moment où le sujet arrête de réfléchir. J’essaie d’aller au-delà de la représentation du visage du sujet, à la recherche de quelque chose d’inattendu. « – Martin Schoeller est un photographe portraitiste né en 1968. C’est un portraitiste connu pour ses portraits en gros plan extrêmes.
Martin Schoeller a travaillé comme assistant d’Annie Leibovitz dans les années 1993–1996, et depuis 1998. Ses œuvres sont apparues, entre autres chez National Geographic, Time, Rolling Stone, GQ, Entertainment Weekly, Esquire, et The New York Times Magazine. Il rejoint Richard Avedon en tant que photographe portraitiste à New Yorker en 1999. Il continue de travailler à New York. Schoeller expose à l’international et ses photos sont stockées dans des collections, dont la National Portrait Gallery de la Smithsonian Institution à Washington.
Biographie de Martin Schoeller
Martin Schoeller est allemand. Très jeune, Martin Schoeller a été influencé par le travail extraordinaire du portraitiste August Sander, connu pour ses photographies de pauvres, d’ouvriers et de bourgeois.
Son regard est alors attiré par les photos extraordinaires de Bernd et Hilla Becher, qui ont ensuite créé la célèbre école Becher.
Le travail de Martin Schoeller a été exposé aux Jeux olympiques de Pékin en 2008 et est régulièrement traité aux États-Unis et en Europe.
Ses portraits sont exposés et collectionnés dans le monde entier. Ils ont fait l’objet de plusieurs expositions et font partie de la prestigieuse National Portrait Gallery du Smithsonian Institute à Washington. Les portraits de Schoeller donnent à toutes les expressions humaines du visage une nouvelle dimension. C’est pourquoi les portraits existants sont leur raison d’être, explique David Remnick, lauréat de Pulitzer en 1994 et directeur du New Yorker Magazine.
Le premier livre de Martin Schoeller , Gros Plan, est publié en 2005 par teNeues.
Il poursuit ses portraits pour New Yorker, acquérant de nouvelles séries, commandées par des magazines ou dictées par des recherches faciales qui attirent la société moderne. C’est comme ça que je veux travailler sur des femmes championnes de culturisme. C’est ainsi que les bodybuilders sont créés, une série de monographies en tirages limités,très recherchée des collectionneurs de photographie contemporaine.
Pour les culturistes, j’essaie de montrer la faiblesse que je vois et ressens dans mes modèles quand je suis avec eux; il a réalisé des émotions complexes cachées sous un masque physique extrêmement fonctionnel. Ces femmes sont le reflet de notre désir moderne de grandeur, de force et d’agressivité; et attention à tout prix. Nous sommes dans un âge excédentaire. Martin Schoeller vit et travaille à New York et est considéré comme l’un des maîtres de la photographie moderne.
Martin Schoeller est particulièrement connu pour sa série de portraits en gros plan qui captent de près les icônes de la culture américaine. De Clint Eastwood à Barack Obama, en passant par Paris Hilton ou Bill Murray, Martin Schoeller offre au spectateur la fixation, aux yeux de ces personnalités devenues des monstres vivants.
Certainement un regard nouveau et sans compromis sur ces visages que vous penseriez connaître par cœur. Ses portraits offrent le même cadre serré et la même lumière vive et presque médicale des célébrités et des étrangers. De cette façon, il explore l’univers des jumeaux monozygotes lors d’une série pour le National Geographic ou les femmes championnes de culturisme en musculation.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Comment avez-vous commencé la photographie? Quel âge aviez-vous lorsque vous avez commencé et que faisiez-vous avant cela?
Martin Schoeller : J’ai terminé mes études secondaires en Allemagne et je n’avais aucune idée de ce que je voulais être. L’éducation en Allemagne est gratuite, donc je me suis inscrit au collège. Malgré cela, je n’y suis presque jamais allé.
J’ai travaillé avec un homme handicapé atteint de sclérose en plaques. J’ai pris soin de lui, je suis parti en vacances avec lui, je l’ai lavé et nourri. J’étais fondamentalement un travailleur social. La nuit, j’étais barman et serveur.
Il y a des avantages dans le système éducatif européen; vous avez une assurance maladie et vous pouvez gagner de l’argent sans payer d’impôts. Un de mes amis postulait dans une école de photographie à Berlin et a dit: «Pourquoi ne postulez-vous pas avec moi? Ils nous emmèneront peut-être tous les deux et nous pourrons partir ensemble.
J’avais pensé que les photographes étaient des geeks jusque-là. Chaque fois que j’organisais une fête au lycée, les photographes se tenaient dans le coin, attendaient que quelqu’un s’embarrasse, s’enfuit et prenne des clichés.
Je n’ai jamais beaucoup aimé les photographes; Je les ai toujours considérés comme des voyeurs. Mais mon ami a postulé pour l’école et j’ai pensé: «Pourquoi pas? Ce sera peut-être cool. «
Mon attitude était qu’ils n’étaient pas susceptibles de m’accepter de toute façon. Les chances étaient de un sur vingt et 800 personnes ont postulé. Ils nous ont donné certaines missions, et j’ai rempli toutes ces missions dans le temps qu’ils nous ont donné. Finalement, ils m’ont accepté et non mon ami.
Vous aviez un talent d’artiste visuel que vous ne saviez pas avoir ?
Martin Schoeller : J’ai été bouleversé qu’ils m’aient accepté. Avec le recul, je ne pense pas que mes photos étaient meilleures que mes amis. Pourtant, pour une raison quelconque, j’ai été sélectionné. J’étais flatté.
Je me suis dit: «Oh mon dieu. C’est peut-être quelque chose que je pourrais être bon si j’essaie vraiment. » Mon père a toujours dit que j’avais un bon œil. Je ne savais pas ce qu’il voulait dire par là, mais il a toujours senti que j’avais un bon sens pour les meubles, les espaces et le design; bon goût.
Plus tard, vous êtes venue à New York et avez aidé Annie Leibovitz. Comment cela s’est-il produit et qu’avez-vous appris ?
Martin Schoeller : Lorsque j’ai terminé mes études de photographie, j’ai aidé un photographe de nature morte à Francfort, puis j’ai travaillé pour un photographe très célèbre à Hambourg, qui m’a licencié après trois mois.
J’étais complètement dépassé par la situation. Je ne savais pas que n’importe qui pouvait travailler aussi dur. La charge de travail et les responsabilités étaient incroyables. C’était une combinaison de choses qui n’ont pas fonctionné.
Ce que je retiens de cela, c’est que l’aide est tellement de travail pour si peu d’argent, vous devez travailler pour quelqu’un que vous respectez et que vous aimeriez faire un jour. Mes trois photographes préférés à l’époque étaient Annie Leibovitz, Steven Meisel et Irving Penn.
J’ai économisé 2 000 $, j’ai déménagé à New York et je les ai tous appelés. Rien ne s’est passé. J’ai manqué d’argent et j’ai dû rentrer chez moi et travailler à nouveau pour l’homme handicapé.
Je suis revenu quelques mois plus tard après avoir économisé de l’argent et trouvé un travail gratuit pendant un mois pour un photographe de nature morte. Il connaissait quelqu’un qui travaillait dans le studio d’Annie et les choses se sont arrangées.
J’avais envoyé tellement de candidatures et finalement quelqu’un chez Annie m’a dit de venir me présenter. Et à l’époque, Annie venait de renvoyer quelqu’un. Le premier assistant m’aimait beaucoup. Il a dit à Annie qu’il pensait que je serais une bonne assistante, alors j’ai commencé comme troisième assistante et j’ai travaillé pour elle pendant trois ans.
Êtes-vous devenu second ou premier assistant plus tard ?
Martin Schoeller : Oui. Peu de temps après avoir commencé, le deuxième assistant est parti, et peu de temps après, le premier assistant est parti. J’ai été de nouveau pris dans une situation où j’étais complètement au-dessus de ma tête. Cela a rendu le travail assez tendu avec Annie.
Ce fut un travail intense en tant que premier assistant ?
Martin Schoeller : Ouais, c’était très intense. Vous apprenez tellement à travailler avec Annie parce qu’elle vous donne tellement de responsabilités. J’étais en charge de l’éclairage pour elle. Elle est très particulière dans son éclairage, mais elle n’est pas très technique.
Elle ne sait pas toujours comment réaliser ce qu’elle veut, mais elle sait ce qu’elle veut – ce qui est le plus important. Le problème était que parfois je ne pouvais pas lui faire plaisir, et elle disait: « Non, je n’aime pas cet éclairage. » J’ai essayé très fort de lui plaire, mais je n’ai pas toujours réussi.
Vous avez donc beaucoup appris d’elle. J’ai entendu dire qu’elle avait appris son éclairage auprès de ses assistants.
Martin Schoeller : Oui, mais mes prédécesseurs sont partis si peu de temps après que j’ai commencé que je n’ai pas eu le temps d’apprendre d’eux.
C’était difficile, mais avez-vous beaucoup appris ?
Martin Schoeller : J’ai tellement appris d’elle. Je dis toujours que je n’aurais jamais eu la carrière que j’ai eue sans avoir travaillé avec elle.
Les contacts vous ont-ils aidé à parler dans votre premier emploi ?
Martin Schoeller : Non, je pense que les contacts des photographes professionnels sont souvent surfaits. En travaillant avec Annie, vous travaillez avec les types de magazines qui ne vous embaucheraient pas en tant que jeune photographe.
Aucun photographe n’obtient son premier emploi auprès de Vanity Fair ou d’agences de publicité. Il peut y avoir une exception dans le monde de la mode, mais en tant que photographe, vous commencez avec des magazines d’affaires et un budget plus petit.
Vous étiez seul, mais son nom n’a pas aidé au début ?
Martin Schoeller : Cela m’a un peu aidé. Les gens étaient toujours curieux d’entendre ce qui se passait dans les coulisses du studio d’Annie. Cela m’a probablement aidé à obtenir plus d’interviews en personne quand ils ont entendu que je travaillais avec Annie Leibovitz.
Cependant, chaque éditeur de photos est en fin de compte responsable des photos que vous livrez, et il ne veut pas montrer au rédacteur en chef une photographie médiocre.
Il fallait avoir le travail.
Martin Schoeller : Ouais, tu dois avoir le travail.
D’où vous sont venues vos idées de beaux-arts, comme les jumeaux et les culturistes féminins? Quelle était la motivation pour faire ces séries ?
Martin Schoeller : Les culturistes féminines venaient d’un de mes assistants. Il aimait la musculation, bien que je ne puisse pas en dire autant. Il m’a montré un magazine un jour et je suis tombé sur ces bodybuilders féminins et j’étais juste sous le choc.
Pourquoi une femme se ferait-elle quelque chose comme ça, pour ressembler davantage à un homme?
Je suis allée à un concours de musculation avec mon amie et j’ai parlé à certaines dames. J’ai vu qu’elles étaient souvent des mères avec des enfants et des emplois à plein temps. Je me suis sentie très intriguée. J’ai trouvé leur apparence et leurs histoires de vie intéressantes, alors j’ai passé cinq ans à trouver ces bodybuilders professionnels à toutes les différentes compétitions à travers le pays.
D’où est venue l’idée des jumeaux?
Martin Schoeller : Les jumeaux étaient une mission pour National Geographic. National Geographic a fait un numéro sur les jumeaux et m’a engagé pour les photographier. Quand j’ai entendu parler de la mission pour la première fois, j’ai pensé: «Oh mon dieu, les jumeaux.
N’est-ce pas la chose la plus ancienne de la photographie? » Mais je ne dis pas non à National Geographic; c’est un excellent magazine.
Ils m’ont envoyé à Twinsburg, Ohio, où ils organisent un festival jumeau chaque année. Quand j’ai pris les premiers Polaroid et les ai mis côte à côte, l’attirance de deux personnes différentes qui se ressemblaient si étrangement m’a fait penser:
« Hmm, c’est peut-être quelque chose de différent. » C’était l’idée de photographier des jumeaux séparément et non ensemble comme une seule entité. Je l’ai trouvé de plus en plus fascinant.
Une fois la mission terminée, tout le monde semblait tellement intrigué par ces jumeaux, alors j’ai continué le travail. J’ai trouvé deux paires de jumeaux où l’un d’eux a subi une opération de changement de sexe.
J’ai trouvé des quadruplés identiques, ce qui est extrêmement rare. Ensuite, j’ai développé tout cela dans un livre; c’est ainsi qu’est né ce livre.
Dans quelle mesure trouvez-vous les œuvres d’art intéressantes par rapport aux missions commerciales ?
Martin Schoeller : Je ne pense pas vraiment aux termes beaux-arts et artiste et photographe. Je me vois comme un photographe. Je pense que je suis plus un photographe qu’un artiste, car je pense que le but d’un véritable artiste devrait être de proposer une idée qui n’a jamais été faite auparavant. Voilà ma définition d’un artiste. Je pense qu’il y a très peu de photographes que j’appellerais des artistes.
Je pense que la plupart d’entre eux ne sont que des photographes. Eh bien, pas seulement les photographes, mais ils ne correspondent pas à la facture des artistes. C’est pourquoi il n’y a pas tant de photographie dans les musées.
Diriez-vous que les définitions sont commerciales-affectations, puis artiste ?
Je pense que beaucoup de gens sont satisfaits du fait qu’ils se considèrent comme des artistes; cela devient une grande partie de leur identité. Je ne ressens pas ce besoin. Je n’ai pas honte de faire de la publicité.
Je suis heureux de voir mon travail dans les musées et d’être vendu dans des galeries. En tant que photographe, vous essayez simplement de créer le meilleur travail possible, quelle que soit la mission.
Quels sont les avantages et les inconvénients d’être si occupé? Y a-t-il des inconvénients ?
Martin Schoeller : Je pense que ce que les gens sous-estiment, c’est que plus vous avez de missions, plus vous avez besoin d’équipage. Vous avez une responsabilité envers vos employés. Vous vous retrouvez dans des situations où vous devez gagner beaucoup d’argent pour garder cette machine que vous avez construite.
J’ai entendu une fois, quand je travaillais avec Annie, qu’elle avait 50 ou 80 000 $ de frais généraux par mois à nettoyer juste pour atteindre le seuil de rentabilité. C’était il y a 20 ans aussi. Vous devez gagner beaucoup d’argent juste pour atteindre le seuil de rentabilité.
Vous devez en faire encore plus pour en garder pour vous. Cela devient plus facile, mais pas vraiment. Si quelqu’un est une entreprise individuelle, il peut conserver tous les bénéfices.
Est-il difficile de refuser de travailler à ce stade ?
Martin Schoeller : Je me considère très chanceux d’avoir continuellement eu tellement de travail. Mais ce n’est souvent pas le cas si j’ai trois emplois par semaine. En tant que photographe qui existe depuis longtemps, vous êtes un peu tenu pour acquis. Les gens aiment votre travail, mais cela ne signifie pas nécessairement qu’ils vous donnent du travail. Vous venez avec certaines associations.
Par exemple, vous avez peut-être fait un tournage coûteux pour quelqu’un il y a trois ans lorsque les magazines avaient plus d’argent. Mes honoraires sont les mêmes que tous les autres, mais j’ai peut-être fait un tournage intense.
Maintenant, tout le monde vous considère comme un photographe cher. De plus, les gens aiment découvrir de nouvelles personnes. Ils ne veulent pas nécessairement embaucher quelqu’un qui travaille pour le concours.
Il n’y a donc jamais un point où vous pouvez vous déplacer le long de la côte – bien qu’Annie en ait un avec ses contrats. Mais c’est très rare.
Martin Schoeller : C’est très rare, oui. Ces contrats peuvent toujours expirer à la fin d’une année. Il n’y a aucune garantie en photographie. Je dis toujours aux jeunes photographes: «Ne pensez pas que vous avez une couverture Vanity Fair et vous avez terminé; tu es aussi bon que ta dernière photo.
Vous pouvez prendre dix superbes photos et les gens diront que vous êtes bon. C’est pourtant ce qu’ils attendent de vous. Si vous prenez deux ou trois mauvaises photos, les gens s’en souviennent plus qu’ils ne se souviennent des bonnes.
Comment avez-vous rencontré Hasted Kraeutler ?
Martin Schoeller : Je ne me souviens pas très bien comment ils m’ont trouvé, ou si je les ai trouvés. Cela fait si longtemps que j’ai oublié comment nous avons été présentés.
La relation se passe-t-elle bien? Ils ont géré quelques-uns de vos spectacles.
Martin Schoeller : Tout va bien. La chose avec les projets personnels, c’est que si vous les décomposez financièrement, ils sont un gouffre financier complet. Vous n’allez jamais récupérer l’argent que vous dépensez pour ces photos.
Les spectacles sont chers ?
Oh oui. J’ai probablement dépensé 250 000 $ pour le projet de culturiste. Je n’ai même jamais voulu l’additionner. Je pense que j’ai vendu peut-être trois tirages pour 10 000 $ chacun. La galerie en reçoit la moitié, j’ai donc réalisé 15 000 $ de ventes d’imprimés.
C’est un vrai travail d’amour.
Martin Schoeller : Ouais. C’est pourquoi je dis toujours aux jeunes photographes qu’être photographe d’art n’est pas une bonne idée; il y en a très peu qui peuvent en vivre.
Envisagez-vous des projets personnels de beaux-arts en ce moment?
Martin Schoeller : J’ai eu un projet que j’ai mis en attente. J’ai un enfant de cinq ans à la maison et j’ai du mal à le quitter pendant longtemps. Mais peut-être que cette année à venir, je pourrais aller rendre visite à un autre groupe indigène – avec un peu de chance pour National Geographic – et le rassembler sous forme de livre un jour.
Quel pays visiteriez-vous?
Martin Schoeller : Nous verrons. Probablement encore l’Amazonie. Ou encore le Brésil. Mais on verra.
Quel type d’équipement utilisez-vous en termes de caméras et d’éclairage ?
Martin Schoeller : Je filme toujours tous mes gros plans sur film avec un RZ, 6 × 7 et 140, sur Portra 800.
Le film vous donne donc toujours quelque chose que vous préférez. Ouais. J’ai également une caméra Phase One. J’avais l’habitude de tout filmer jusqu’à il y a environ trois ans. Mon appareil photo préféré de tous les temps doit être le Fuji 6 × 9, avec l’objectif 90 mm. C’est un appareil télémétrique.
C’est comme un Leica surdimensionné. Je trouve qu’il est facile de se concentrer. J’ai toujours adoré cet appareil photo. J’en ai cinq. Je les utilisais exclusivement pour toutes les photos horizontales. J’ai utilisé un RZ pour les verticales et Fuji 6 × 9 pour les horizontales.
Pourquoi en avez-vous cinq ?
Martin Schoeller : J’en prendrais trois sur la route, mais certains seraient cassés. J’en ai un en réparation, celui que je pensais devoir remplacer, puis j’en ai donné un à mon assistant quand il est parti. J’en ai probablement acheté plus comme sept ou huit.
Shootez-vous aussi numériquement?
Martin Schoeller : Oui, maintenant je suis passé au numérique. J’ai toujours prêché la photographie analogique parce que je sentais que les tons chair sont meilleurs avec le film; c’est plus indulgent et plus naturel; plus en trois dimensions si vous photographiez sur film. Mon ancien assistant m’a convaincu d’essayer ces appareils photo numériques, et nous en avons essayé un tas.
Je suis tombé sur la Phase One – à l’époque c’était un Mamiya avec la Phase One de retour – et je dois dire que c’était la première fois que je sentais que les tons de peau étaient vraiment très bons.
C’était il y a combien de temps ?
Martin Schoeller : Il y a environ trois ans.
Vous utilisez donc le numérique pour le format moyen – vous ne faites pas du 35 mm?
Martin Schoeller : J’ai un Nikon numérique, mais je ne l’utilise que rarement. Je l’utilise si je dois photographier quoi que ce soit à grande vitesse comme courir ou sauter; des choses où vous devez pouvoir prendre dix images par seconde. Normalement, je tourne avec le film IQ280 de 80 mégapixels. C’est parfois une grosse douleur dans le cul. Mais lorsque l’appareil photo fonctionne et que tout fonctionne, c’est presque comme photographier en 4 × 5.
Avez-vous déjà tourné en 4 × 5?
Martin Schoeller : Non, mais j’ai beaucoup tourné en 8 × 10. Tous les culturistes que j’ai photographiés en 8 × 10. C’est pourquoi le projet était si cher.
Quelle entreprise utilisez-vous pour l’éclairage et quelles lumières spécifiques utilisez-vous? Je sais que tu utilises Kino’s.
Martin Schoeller : J’utilise le Kino Flo pour mon gros plan. Pour le stroboscope, j’utilise le Profoto Acute’s. Ils sont plus légers et plus faciles à voyager. Mais finalement, tout ce qui clignote me convient.
Avez-vous essayé les monolights Profoto, les D1?
Martin Schoeller : Non, je n’ai jamais essayé ça. J’ai toujours peur que mes lumières ne tombent.
Comment aimez-vous vivre aux États-Unis contre l’Allemagne? Qu’aimez-vous ou n’aimez-vous pas aux États-Unis et que manque-t-il à l’Allemagne?
Martin Schoeller : Chaque fois que je suis ici, je loue l’Allemagne et l’égalité en Allemagne. Toute l’infrastructure fonctionne: 80% des gens sont en union, tout le monde a une assurance maladie, l’économie se porte bien, vous pouvez aller n’importe où en train, les autoroutes sont meilleures et l’écart entre riches et pauvres n’est pas aussi drastique, et nous n’avons pas de guerres.
Vivant à New York, j’ai parfois l’impression de vivre dans un pays du tiers monde. Il y a des nids de poule profonds au milieu de New York. Et quand vous allez au Queens, il y a tellement de déchets sur la route. Je pense, dans l’ensemble, que le système européen est meilleur que le système américain; c’est plus juste. Mais chaque fois que je suis en Allemagne, je veux revenir aux États-Unis parce que le sentiment d’optimisme et d’humour me manque.
Les Allemands aiment se plaindre. C’est un peu plus lourd et plus lent. Il faut une demi-journée pour remplir la paperasse pour louer du matériel en Allemagne. Il lui manque la rapidité et la légèreté de vivre aux États-Unis et la spontanéité qui l’accompagne.
Êtes-vous citoyen maintenant ?
Martin Schoeller : Non, je n’ai toujours qu’une carte verte. Les Allemands n’aiment pas la double nationalité.
Tirage d’art photo vs affiches: quelle est la différence?
Une photographie d’art est une reproduction d’une photo originale à 100 ou 100.000 exemplaires.
Plusieurs fois, ces tirages sont produits en masse en utilisant ce que l’on appelle un processus photo-mécanique dans lequel l’image de la source originale est transféré pour créer les tirages d’art de la pièce.
En quoi les tirages d’art photo diffèrent-ils des originaux?
La principale différence entre la photographie d’art et les tirage d’art est que le tirage d’art est une création artisanale de l’artiste. Pour cette raison, le tirage d’art photo propose une œuvre totalement unique en son genre.
Le tirage d’art photo est l’impression à 30 exemplaires d’un tirage qui ne sera pas reproduit. Un Tirage d’art photo est limité à 30 exemplaires certifié, numéroté & signé. Le tirage est effectué par laboratoire spécialisé dans l’impression d’oeuvre d’art. Exposé à la lumière il aura une longévité exceptionnelle à l’inverse d’un tirage classique.
On parle alors d’une oeuvre d’art, dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe car ce tirage sera considéré comme un original de l’artiste.
Les sites de vente de photos en ligne comme Yellowkorner, proposent des milliers d’exemplaires d’une même photo. On parle alors de reproduction de photographie ou photographie d’art. Ces reproductions ne sont pas des tirages d’art photo, ils n’ont aucune côte et ne prendront aucune valeur dans le temps.
▶POURQUOI ACHETER UN TIRAGE D’ART PHOTO?
◼ Avoir une œuvre d’art chez vous dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe.
◼ Achetez une œuvre pérenne, grâce à la qualité de son tirage ( encres, papiers, supports…).
◼ La garantie d’une valeur. Une œuvre limitée à 30 exemplaires accompagnée d’un certificat d’authenticité, signé et numéroté.
◼ Soutenir le travail artistique du photographe que vous suivez
Tirage d’art photo
Le tirage d’art : c’est quoi ?
Le tirage d’art est une impression photo signée par l’artiste photographe, tirée et numérotée en un nombre restreint de copies, au maximum 30.
Une impression en tirage d’art n’a rien à voir avec un tirage classique ; en effet les tirages d’art sont réalisés par des labos spécialisés dans l’impression d’oeuvre d’art ( que vous pouvez retrouver au Musée du Louvre, au MOMA, MEP etc… )
Tirage d’art et association
Le tirage d’art est aussi le résultat de l’association de différentes matières:
– Papier à pH neutre fait de fibres naturelles, résistant au temps, fabriqués par les plus grands papetiers d’art.
– Des encres à pigment haut de gamme.
– Savoir-faire d’un maître tireur.
– Supports de qualité supérieure.
– Et enfin la vérification du rendu par l’auteur de l’oeuvre.
Un tirage d’art exposé à la lumière aura une longévité de prés de 100 ans à l’inverse d’un tirage classique qui fanera au bout de quelques années.
Pourquoi donc acheter un tirage d’art ?
Maintenant que vous savez ce qu’est un tirage d’art et que vous comprenez sa valeur, pourquoi en acheter ?
– Si vous souhaitez acheter une oeuvre c’est qu’elle vous inspire, vous plaît et décorera peut-être aussi à merveille votre intérieur.
– Soutenir le travail artistique du photographe que vous suivez. De nos jours soutenir le travail d’un artiste, c’est aussi soutenir l’art. Dans une société de consommation immédiate, l’achat d’une oeuvre permet de faire vivre un artiste et rétribuer le temps qu’il a passer à développer son art.
– Vous achetez une oeuvre pérenne, grâce à la qualité de son tirage ( encres, papiers, supports… ), une oeuvre que vous pourrez léguer.
– Et enfin, c’est aussi un investissement, vous aurez une oeuvre d’art dans votre habitat, une oeuvre dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe.
Tirage d’art photo
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
En savoir plus : Tirage d’art photoVs Poster, un peu d’histoire…
La plupart d’entre nous ont grandi avec des affiches accrochées dans nos chambres et nous avons l’habitude de les voir comme des publicités accrochées dans la ville.
Cependant, comme les tirages d’art sont de plus en plus courants, la plupart des consommateurs occasionnels ne connaissent toujours pas la différence entre les deux ou ne savent pas quand opter pour l’un par rapport à l’autre. Nous les voyons fleurir et le prix du tirage d’art est généralement un prix plus élevé; mais pourquoi ?
Le tirage d’art est devenue plus populaire et les consommateurs s’éloignent lentement des affiches traditionnelles à mesure que leurs besoins évoluent. Alors, qu’est-ce que le tirage d’art ? Pourquoi tant d’imprimeurs proposent-ils cela et qu’est-ce qui justifie le prix plus élevé? Cela se résume à quelques facteurs non seulement sur la qualité, mais aussi sur les possibilités. L’imprimerie d’art et les affiches ont chacune leur rôle dans la société et nous allons aujourd’hui en décomposer les principales différences.
Si vous avez déjà été à l’intérieur d’un grand musée, vous avez probablement parcouru la boutique de cadeaux et regardé les affiches qu’ils vendent des œuvres d’art à bas prix.
Vous avez probablement également été dans une imprimerie et vous avez vu le «prix de l’affiche» par rapport au prix de «l’impression d’art». Quelles sont les différences entre un tirage d’art et une affiche qui mériteraient une différence de prix? Les images semblent toutes deux identiques, alors pourquoi l’une devrait-elle coûter plus cher que l’autre?
Tout d’abord, l’impression est devenue un art de plus en plus au cours des dernières années à mesure que la technologie a progressé. En ce qui concerne les affiches, vous pouvez obtenir des résultats décents à la maison ou dans la plupart des imprimeries grâce à l’impression numérique. Mais pour les très gros projets, les entreprises veulent une meilleure qualité et un meilleur prix.
En conséquence, ils se tournent généralement vers l’impression offset, ce qui leur permet de produire des affiches par milliers tout en obtenant de meilleures reproductions de la pièce originale et en étant également abordables. Ceci est crucial car, à moins qu’il ne soit dédicacé, personne n’est prêt à dépenser plus de 10 $ pour une affiche des New England Patriots ou de Lady Gaga.
Par conséquent, le coût de production doit être maintenu bas. C’est pourquoi les affiches utilisent souvent du papier et de l’encre qui apportent un retour sur investissement décent. La qualité n’est pas parfaite mais si vous vous occupez correctement d’une affiche, elle durera quelques années.
En comparaison, le tirage d’art se concentre sur la qualité plutôt que sur la quantité. Les reproductions d’affiches d’un tableau célèbre pourraient se vendre à 3 $ chacune, tandis que mille tirages d’art de la même œuvre pourraient se vendre à 35 $ chacune.
Le coût de production est important mais certainement pas crucial ici. Par conséquent, tout se résume à la qualité: les tirages d’art utilisent des encres et des surfaces d’impression de meilleure qualité, ressemblent mieux à l’œuvre originale et se détériorent beaucoup plus lentement qu’une affiche.
Pourtant, les graphistes et la technologie ont tellement évolué que la plupart d’entre nous ne peuvent pas faire la différence entre une impression d’art et une affiche fraîchement produite par une imprimante. Les deux auront des couleurs et une qualité incroyables lors de l’impression et ce ne sera que quelques années plus tard que vous pourrez vraiment repérer la différence. Examinons donc de plus près les beaux-arts et les affiches
Tirage d’art photo, lithographies offset et jet d’encre
Pour ceux qui aiment le travail d’artistes populaires mais n’ont pas le budget pour acheter une œuvre originale, les reproductions de tirages d’art offrent une option abordable. L’option de reproduction la plus courante et la moins coûteuse est la lithographie offset produite à l’aide de l’impression offset commerciale.
Une autre option de reproduction est l’impression jet d’encre. Les impressions giclées consistent à prendre l’image numérique d’une œuvre d’art originale et à l’imprimer à l’aide d’une imprimante à jet d’encre sur une toile, du papier ou d’autres types de supports.
Les impressions Giclée ont tendance à coûter un peu plus que l’option offset, mais permettent également d’imprimer aussi peu ou autant d’impressions que vous le souhaitez, ainsi que la liberté d’utiliser une variété de matériaux.
Autres types de tirages d’art originaux
Certains artistes préfèrent utiliser d’autres méthodes d’impression et peuvent utiliser une variété de matériaux différents pour appliquer l’encre sur une œuvre d’art.
Des éléments tels que des blocs de bois, de l’aluminium, des plaques de plexiglas, des sérigraphies, du cuivre ou des pierres peuvent être utilisés pour créer une plaque à partir de laquelle plusieurs œuvres d’art sont fabriquées.
Même si de nombreuses pièces peuvent être fabriquées à partir de la même plaque, en raison des différences uniques dans chaque impression en raison du processus d’application, chacune de ces pièces est considérée comme une impression originale.
Il est courant de trouver des tirages d’art originaux dans des éditions qui incluent la signature de l’artiste ainsi qu’un nombre indiquant le numéro de l’impression particulière en dehors du nombre total de tirages dans l’édition, par exemple, 2 sur 10 ou 2 / dix.
Différentes méthodes d’impression
Certaines méthodes d’impression utilisées pour réaliser ces tirages d’art originaux comprennent les collagraphies, les sérigraphies, la lithographie et les tirages d’art numérique.
Les collagraphes utilisent plusieurs planches ressemblant à un collage pour agir comme une plaque pour appliquer de l’encre sur le papier. Les sérigraphies impliquent un processus de sérigraphie et peuvent créer une impression de meilleure qualité avec une plus grande précision que les collagraphes.
En lithographie, du calcaire ou une plaque photosensible sont utilisés pour créer ou transférer l’image sur. L’image est ensuite encrée à l’aide de rouleaux, puis imprimée sur papier à la main à l’aide d’une grande presse plate. Pour les tirages d’art numériques, ceux-ci peuvent être créés sur un ordinateur à l’aide d’une application d’image ou de dessin. L’image est ensuite imprimée sur du papier d’archivage à l’aide d’une imprimante à jet d’encre.
Tirages d’art et types de papier et de toile
Le tirage d’art photo peuve être imprimés sur une variété de types de papier différents, ainsi que sur des toiles. Tous les papiers doivent être sans acide pour assurer la longévité du tirage d’art.
Le papier mat d’archivage de qualité supérieure est un papier épais qui offre un contraste élevé et une reproduction nette.
Le papier photo brillant de qualité supérieure offre une grande profondeur et des couleurs vives et constitue un bon choix pour les reproductions giclées. Le papier photo semi-mat de qualité supérieure offre un ton neutre, une saturation d’encre élevée et un éblouissement minimal.
Le papier photo lustré haut de gamme est un favori des photographes de portrait et donne l’impression que les images de l’eau prennent vie. Le chiffon pour photos aux tons froids est fait à 100% de coton et est idéal pour les images en noir et blanc.
Le papier velours Somerset est le choix parfait pour les reproductions d’huiles et de pastels, tandis que le papier aquarelle fonctionne mieux pour les reproductions d’aquarelles.
Tirage d’art brillant ou mat
Lors du choix de la toile pour les impressions d’art, la toile brillante aide à recréer la texture et les qualités réfléchissantes d’une peinture. Une toile mate rendra l’impression plus semblable à la peinture originale et apportera une douceur unique à l’impression.
Lorsqu’il s’agit d’art ou de tirages d’art originaux, cela dépend généralement de ce que vous êtes prêt et capable de dépenser pour une pièce. Une œuvre originale durera généralement le plus longtemps, alors prenez le temps de déterminer ce qui compte le plus pour vous avant de faire un achat. Quoi qu’il en soit, vous aurez une belle œuvre d’art.
Obtenez des offres spéciales sur les affiches
De nombreuses imprimeries proposent des tirages d’art, mais peu de consommateurs savent vraiment ce que cela signifie. L’encre et la surface utilisées pour imprimer sont différentes des impressions d’affiche traditionnelles. Si c’est du papier, le papier sera beaucoup plus épais, les encres dureront beaucoup plus longtemps et la qualité de l’image sera bien meilleure.
Les tirages d’art ne sont pas seulement réservés au papier, il est également possible de faire des impressions d’art sur d’autres matériaux comme le bois, la toile, le cuivre, le plastique et à peu près tout ce que vous pouvez imaginer.
Différentes surfaces d’impression peuvent donner à votre image une sensation différente et vous permettre d’être vraiment créatif avec la décoration, l’art ou la préservation de vos photos. De plus, les tirages d’art ne sont pas seulement une «photocopie» , grâce à la qualité et à la longévité supérieures, ils peuvent en fait prendre de la valeur au fil du temps.
Tirages d’affiches
Les impressions d’affiches restent le choix des consommateurs qui ont besoin de produire en masse et des personnes qui veulent quelque chose de rapide immédiatement.
Pensez à l’époque de votre enfance et souvenez-vous des affiches que vous aviez l’habitude de suspendre dans votre chambre; ce n’étaient probablement pas des tirages d’art.
Quand tu as eu l’âge de les jeter, ou peut-être que tu les as encore, tu t’es rendu compte que l’image et les couleurs n’étaient pas aussi vives que tu t’en souviens quand tu étais enfant. Si cette affiche était un tirage d’art, elle serait restée en bien meilleure forme.
Les couleurs vives peuvent d’abord perdre leur éclat et au fil du temps, vous vous retrouvez avec une image fanée si elle n’est pas bien entretenue. Les affiches sont toujours un excellent moyen d’imprimer une image et elles ne perdent pas leurs couleurs aussi vite lorsque vous les encadrez et les éloignez de la surexposition à la lumière.
L’ histoire du tirage d’art photo
L’ invention par des années 1940 Un historien de la photographie a affirmé que « le premier exposant de « beaux – arts » ou la photographie de composition était John Edwin Mayall , « qui a exposé daguerréotypes illustrant la Prière du Seigneur en 1851 ».
Les tentatives réussies pour faire la photographie d’art bien remontent à l’ époque victorienne des praticiens tels que Julia Margaret Cameron , Charles Lutwidge Dodgson et Oscar Gustave Rejlander et d’autres.
Aux États-Unis, F. Holland Day , Alfred Stieglitz et Edward Steichen ont contribué à faire de la photographie un art d’art, et Stieglitz était particulièrement remarquable en l’introduisant dans les collections des musées.
Au Royaume-Uni aussi récemment qu’en 1960, la photographie n’était pas vraiment reconnue comme un Beaux-Arts. Le Dr SDJouhar a déclaré, lorsqu’il a formé l’Association des beaux-arts photographiques à cette époque -« Pour le moment, la photographie n’est généralement pas reconnue comme autre chose qu’un artisanat. Aux États-Unis, la photographie a été ouvertement acceptée comme des Beaux-Arts dans certains quartiers officiels.
Elle est présentée dans les galeries et expositions en tant qu’art. Il n’y a pas de reconnaissance correspondante dans ce domaine. Le salon de Londres présente de la photographie picturale, mais elle n’est généralement pas comprise comme un art.
Qu’une œuvre présente des qualités esthétiques ou non, elle est appelée «photographie picturale» qui est un terme très ambigu. Le photographe lui-même doit avoir confiance en son travail et dans sa dignité et sa valeur esthétique, pour forcer la reconnaissance en tant qu’art plutôt qu’en tant qu’artisanat «
Jusqu’à la fin des années 1970, plusieurs genres prédominaient, tels que les nus, les portraits et les paysages naturels (illustrés par Ansel Adams ). Des artistes « vedettes » révolutionnaires des années 1970 et 80, tels que Sally Mann , Robert Mapplethorpe , Robert Farber et Cindy Sherman , s’appuyaient toujours fortement sur ces genres , tout en les voyant avec un regard neuf. D’autres ont étudié une approche esthétique instantanée .
Des organisations américaines, telles que l’ Aperture Foundation et le Museum of Modern Art , ont beaucoup fait pour maintenir la photographie à la pointe des beaux-arts. La création par le MOMA d’un département de photographie en 1940 et la nomination de Beaumont Newhall comme premier conservateur sont souvent cités comme une confirmation institutionnelle du statut de la photographie en tant qu’art.
FAQ : Le tirage d’art
1. Qu’est-ce qu’un tirage d’art ?
Un tirage d’art est une reproduction d’une œuvre d’art originale, généralement créée en utilisant des techniques d’impression de haute qualité pour produire des tirages de qualité muséale.
2. Quelles sont les techniques d’impression utilisées pour les tirages d’art ?
Les techniques d’impression couramment utilisées pour les tirages d’art incluent l’impression jet d’encre, la lithographie, la sérigraphie et la gravure.
3. Qu’est-ce qui différencie un tirage d’art d’une impression ordinaire ?
Les tirages d’art sont créés en utilisant des techniques d’impression de haute qualité pour produire des tirages de qualité muséale, tandis que les impressions ordinaires sont souvent créées en utilisant des techniques d’impression de masse à bas prix.
4. Comment peut-on déterminer la qualité d’un tirage d’art ?
La qualité d’un tirage d’art dépend de plusieurs facteurs tels que la résolution de l’image, la qualité de l’encre et du papier, ainsi que la méthode d’impression utilisée. Il est recommandé de se renseigner sur les spécifications techniques du tirage d’art avant de l’acheter.
5. Qu’est-ce qu’un tirage limité ?
Un tirage limité est une édition limitée d’un tirage d’art, généralement numérotée et signée par l’artiste ou l’imprimeur. Les tirages limités ont souvent une valeur plus élevée que les tirages en série ou les impressions ordinaires.
6. Comment peut-on protéger un tirage d’art ?
Il est recommandé de protéger les tirages d’art en les encadrant sous verre anti-reflets, en évitant la lumière directe du soleil, l’humidité et les températures extrêmes. Les tirages d’art doivent également être manipulés avec précaution pour éviter tout dommage.
7. Comment peut-on acheter des tirages d’art ?
Les tirages d’art peuvent être achetés en visitant des galeries d’art, des foires d’art, des ventes aux enchères ou en ligne sur des sites spécialisés dans les tirages d’art.
8. Comment peut-on reconnaître un tirage d’art authentique ?
Il est recommandé de se renseigner sur l’authenticité d’un tirage d’art en vérifiant la signature de l’artiste ou de l’imprimeur, le numéro de l’édition limitée, ainsi que les spécifications techniques du tirage d’art. Il est également recommandé de se procurer des certificats d’authenticité pour les tirages d’art achetés.
En 2020, AC/DC a frappé fort avec la sortie de ** »Power Up »**, un album attendu depuis longtemps par les fans du monde entier. Cet opus est plus qu’un simple album de rock ; c’est un hommage vibrant à l’héritage d’AC/DC et une célébration de leur capacité à persister dans l’industrie musicale après plus de quatre décennies.
Avec des riffs classiques, une énergie inégalée, et des hommages subtils à leur passé, « Power Up » s’est imposé comme un album incontournable. Dans cet article, nous explorerons l’histoire derrière cet album, analyserons ses morceaux phares, et discuterons de l’impact durable d’AC/DC sur le rock.
1. L’Histoire derrière Power Up
1.1 Un Album marqué par la Perte de Malcolm Young
AC/DC a toujours été connu pour sa longévité, mais « Power Up » a une signification particulière pour le groupe. Après le décès du co-fondateur et guitariste rythmique **Malcolm Young** en 2017, de nombreux fans pensaient que cela marquait la fin du groupe. Malcolm avait joué un rôle essentiel dans la création du son emblématique d’AC/DC.
Un hommage à Malcolm : « Power Up » a été conçu comme un hommage à Malcolm, avec de nombreuses chansons basées sur des riffs qu’il avait écrits avec son frère Angus Young avant sa mort. Angus a déclaré que cet album était une façon de « garder Malcolm vivant à travers la musique ». L’influence de Malcolm est palpable tout au long de l’album, à la fois dans les riffs et dans l’énergie brute des morceaux.
Le processus d’enregistrement de « Power Up » a également réuni les membres originaux du groupe, avec **Brian Johnson** de retour au chant après des problèmes auditifs, **Phil Rudd** à la batterie, et **Cliff Williams** à la basse. Ensemble, ils ont recréé la magie d’AC/DC tout en honorant l’esprit de Malcolm.
1.2 Le Retour Triomphal de Brian Johnson
Après avoir été forcé de quitter la tournée « Rock or Bust » en 2016 en raison de graves problèmes d’audition, Brian Johnson semblait en retrait de la scène musicale. Toutefois, avec les progrès technologiques et l’aide d’un traitement spécialisé, Johnson a pu récupérer suffisamment pour enregistrer « Power Up ».
Une voix légendaire : La voix de Brian Johnson est une partie intégrante du son AC/DC. Sur « Power Up », il prouve que même après des décennies de performances intenses, il peut toujours livrer des performances vocales puissantes. Des morceaux comme « Shot in the Dark » et « Demon Fire » témoignent de sa capacité à capturer l’énergie brute du groupe.
Un retour émotionnel : Pour les fans, entendre à nouveau la voix de Brian Johnson sur un album d’AC/DC a été un moment fort. Son retour a contribué à la renaissance du groupe, montrant que même après des années d’adversité, AC/DC pouvait encore offrir de la musique à la hauteur de son légendaire catalogue.
1.3 La Production et le Choix des Morceaux
La production de « Power Up » a été confiée à **Brendan O’Brien**, qui avait déjà travaillé avec le groupe sur les albums « Black Ice » (2008) et « Rock or Bust » (2014). La collaboration avec O’Brien a permis à AC/DC de conserver leur son brut et énergique tout en bénéficiant d’une production moderne.
Un son fidèle à l’esprit AC/DC : Malgré les avancées technologiques et les tendances musicales contemporaines, AC/DC est resté fidèle à son style distinct. « Power Up » est rempli de riffs agressifs, de solos de guitare percutants, et d’une rythmique implacable. Chaque morceau semble être une continuation naturelle de l’héritage du groupe.
AC/DC Power Up
Le processus de sélection des morceaux : Angus Young a révélé que la plupart des morceaux de « Power Up » étaient basés sur des riffs et des idées de chansons écrites par lui et Malcolm avant la mort de ce dernier. Ces morceaux avaient été mis de côté, mais ont trouvé une nouvelle vie dans cet album. Cela a permis à l’album de capter l’essence du son classique d’AC/DC tout en offrant quelque chose de nouveau aux fans.
2. Analyse des Morceaux Phare de Power Up
2.1 Shot in the Dark
Le premier single de « Power Up », ** »Shot in the Dark »**, est immédiatement reconnaissable comme un morceau signature d’AC/DC. Avec un riff d’ouverture accrocheur et un rythme entraînant, cette chanson s’inscrit parfaitement dans la lignée des classiques du groupe.
Un retour aux sources : « Shot in the Dark » rappelle les morceaux emblématiques du groupe, tels que « Back in Black » ou « Thunderstruck ». La combinaison du riff percutant de guitare d’Angus Young et des paroles puissantes de Brian Johnson en fait un hymne instantané du rock.
Un message optimiste : Les paroles évoquent un sentiment d’espoir et de résilience, un thème récurrent pour AC/DC tout au long de leur carrière. Le morceau a été bien accueilli par les critiques et les fans, certains le qualifiant même de « retour glorieux » pour le groupe après plusieurs années d’absence.
2.2 Realize
« Realize » est la première piste de l’album et elle donne immédiatement le ton de « Power Up ». Avec son riff accrocheur et son rythme implacable, elle rappelle pourquoi AC/DC est l’un des groupes les plus respectés du rock.
Une introduction explosive : « Realize » ouvre l’album avec un punch immédiat, montrant qu’AC/DC n’a rien perdu de son énergie brute. Le morceau est rempli de la même puissance et intensité qui ont fait du groupe une légende du rock.
Un hommage à Malcolm : Cette chanson, comme beaucoup d’autres sur l’album, reflète l’influence de Malcolm Young. Les riffs de guitare sont simples mais puissants, capturant l’essence du style de Malcolm et montrant comment son esprit vit encore à travers la musique du groupe.
2.3 Demon Fire
« Demon Fire » est l’un des morceaux les plus agressifs de l’album, avec un rythme rapide et un chant percutant de Brian Johnson. Ce morceau rappelle l’énergie frénétique des premiers albums du groupe.
Un morceau plein d’énergie : Avec ses paroles mordantes et son rythme effréné, « Demon Fire » est un exemple parfait de la capacité d’AC/DC à continuer de livrer des morceaux puissants, même après des décennies de carrière. Le morceau combine des éléments de hard rock avec une touche de groove, rappelant les grands classiques du groupe.
Un solo de guitare explosif : Comme toujours, Angus Young brille sur ce morceau avec un solo de guitare rapide et précis, démontrant son talent inégalé en tant que guitariste principal.
À sa sortie, ** »Power Up »** a été acclamé par les critiques du monde entier. Les critiques ont salué la capacité du groupe à rester fidèle à son son tout en continuant à livrer des morceaux puissants et percutants.
Un accueil chaleureux : Les critiques ont notamment souligné la production propre et moderne de l’album, tout en reconnaissant l’authenticité brute du son AC/DC. Les performances vocales de Brian Johnson et la virtuosité d’Angus Young à la guitare ont également été saluées, prouvant que le groupe était toujours au sommet de son art.
Un lien avec le passé : Beaucoup de critiques ont noté que « Power Up » était à la fois un hommage à Malcolm Young et un rappel du pouvoir intemporel d’AC/DC en tant que groupe de rock. L’album a été qualifié de « pont entre le passé et le présent », reliant les anciens fans du groupe aux nouvelles générations.
3.2 Le Succès Commercial de Power Up
En plus d’être un succès critique, « Power Up » a également été un succès commercial. L’album a atteint la première place des charts dans plusieurs pays, dont les États-Unis, le Royaume-Uni, l’Australie et la France.
Des ventes impressionnantes : « Power Up » a été certifié disque d’or et a reçu de nombreuses distinctions pour ses performances commerciales exceptionnelles. Les fans d’AC/DC, nouveaux et anciens, ont répondu massivement à la sortie de l’album, prouvant que le groupe était toujours une force incontournable sur la scène musicale.
Une tournée annulée : Malheureusement, en raison de la pandémie de COVID-19, AC/DC n’a pas pu lancer une tournée mondiale pour promouvoir « Power Up ». Cependant, l’album a continué de se vendre en ligne et a été massivement diffusé en streaming, maintenant ainsi l’enthousiasme des fans.
3.3 AC/DC : Une Influence Intemporelle
Avec la sortie de « Power Up », AC/DC a une fois de plus prouvé qu’ils étaient l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock. Leur son unique et leur style inimitable continuent d’influencer des musiciens à travers le monde.
L’influence d’AC/DC sur les jeunes groupes : AC/DC a influencé des générations de groupes de rock et de metal. Des artistes contemporains comme Foo Fighters, Metallica, et Guns N’ Roses ont tous cité AC/DC comme une influence majeure dans leur musique. Le groupe a su maintenir sa pertinence, même face aux changements de l’industrie musicale.
Un son reconnaissable : Le son d’AC/DC est immédiatement reconnaissable grâce à ses riffs puissants, ses solos de guitare emblématiques, et ses rythmes implacables. Ce son distinctif a permis au groupe de rester populaire et pertinent pendant plus de 40 ans, et « Power Up » ne fait que renforcer cet héritage.
Warner Bros.a mis en ligne un vaste documentaire des coulisses retraçant la trilogie emblématique de Christopher Nolan Batman Dark Knight Rises. Intitulé « The Fire Rises: The Creation And Impact Of The Dark Knight Trilogy », ce regard d’une heure et plus sur la franchise Batman (en prenant Batman Begins en 2005, The Dark Knight en 2008 et The Dark Knight Rises en 2012) présente «la perspective intérieure sur l’histoire fascinante derrière la création de la franchise la plus célèbre de Christopher Nolan et comment elle a changé la portée du cinéma… pour toujours ».
En plus d’inclure des «séquences inédites» et des «moments rares», The Fire Rises… propose également des interviews exclusives avec des titans de cinéma tels que Guillermo Del Toro, Damon Lindelof, Michael Mann, Richard Roeper et Zack Snyder. De plus… eh bien, c’est juste un brillant rappel à quel point ces films sont bons, et l’excuse parfaite pour les revoir tous .
Batman Dark Knight Trilogy (2005–2012)
La trilogie Dark Knight se compose de Batman Begins (2005), The Dark Knight (2008) et The Dark Knight Rises (2012), tous dirigés par Christopher Nolan . Avec un chiffre d’affaires global de plus de 2,4 milliards de dollars au box-office mondial, la trilogie a été classée parmi les plus grandes jamais réalisées. [93] [94]
Selon Christopher Nolan , Christian Bale (qui a décrit Batman de 2005 à 2012) avait «exactement l’équilibre entre l’obscurité et la lumière que nous recherchions».
Batman Dark Knight Rises
Batman Begins (2005)
Suite à un reboot rejeté d’ histoire d’origine de Batman , Joss Whedon a lancé en décembre 2002, Warner Bros a embauché Christopher Nolan et David S. Goyer pour écrire Batman Begins . Le duo visait un ton plus sombre et plus réaliste, avec l’humanité et le réalisme étant la base du film.
Le film a été principalement tourné au Royaume-Uni et à Chicago, et s’est appuyé sur des cascades traditionnelles et des modèles réduits avec une utilisation minimale d’ imagerie générée par ordinateur .
Christian Bale a joué le rôle de Batman, Liam Neeson commeRa’s al Ghul et Cillian Murphy dans le rôle de Jonathan Crane / The Scarecrow . Katie Holmes apparaît dans le film comme l’intérêt amoureux de Wayne, Rachel Dawes , un rôle créé pour le film.
Alfred Pennyworth a été joué par Michael Caine et Jim Gordon a été interprété par Gary Oldman. Une nouvelle Batmobile (appelée le Tumbler ) et une combinaison plus mobile ont toutes deux été créées spécifiquement pour le film.
Le film commence avec la mort des parents de Bruce et explore ensuite sa décision de quitter Gotham et sa formation sous la Ligue des ombres, avec Ra’s al Ghul, avant qu’il se rebelle contre la Ligue et adopte l’apparence de Batman, reconnaissant qu’il ne peut pas tolérer leur utilisation de la force meurtrière. La Ligue tente d’attaquer Gotham en utilisant la toxine de peur armée de Jonathan Crane, mais Batman est capable de les vaincre. Batman Begins a connu un succès à la fois critique et commercial.
Batman Dark Knight Rises
Le film a débuté le 15 juin 2005 aux États-Unis et au Canada dans 3 858 salles. Il a rapporté 48 millions de dollars lors de son week-end d’ouverture, pour finalement plus de 372 millions de dollars dans le monde.
Le film a reçu une cote d’approbation globale de 85% de Rotten Tomatoes . Les critiques ont noté que la peur était un motif courant tout au long du film et ont remarqué qu’elle avait un ton plus sombre par rapport aux films précédents de Batman. Le film a été répertorié au n ° 81 sur »Les 500 plus grands films de tous les temps » d’ Empire .
The Dark Knight (2008)
Christopher Nolan a repris ses fonctions de réalisateur et a amené son frère, Jonathan , à co-écrire le scénario du deuxième volet. Le chevalier noir a présenté Christian Bale reprenant son rôle de Batman / Bruce Wayne, Heath Ledger comme le Joker et Aaron Eckhart comme Harvey Dent / Two-Face . La photographie principale a commencé en avril 2007 à Chicago et s’est terminée en novembre.
D’autres sites comprenaient Pinewood Studios , Ministry of Sound à Londres et Hong Kong. Le 22 janvier 2008, après avoir terminé le tournage de The Dark Knight, Ledger est décédé d’une surdose accidentelle de médicaments sur ordonnance.
Warner Bros. avait créé une campagne de marketing viral pour The Dark Knight , développant des sites Web promotionnels et des bandes-annonces mettant en évidence des captures d’écran de Ledger en tant que Joker, mais après la mort de Ledger, le studio a recentré sa campagne promotionnelle.
Le film dépeint Batman combattant le Joker , aidé par la poursuite du procureur de district charismatique Harvey Dent. Le Joker teste la résolution de Batman lorsqu’il provoque la mort de Rachel et la transformation de Dent en un criminel défiguré à deux visages.
Bien que Batman soit capable d’empêcher le Joker de forcer deux ferries – l’un chargé de civils et l’autre de prisonniers – à se détruire, il est obligé de prendre le blâme pour les meurtres commis par Dent pour s’assurer que les citoyens de Gotham ne perdent pas espoir. pour le futur. Le film a reçu de larges acclamations critiques, [106] [107] [108] et a établi de nombreux records pendant sa course théâtrale.
Avec un peu plus de 1 milliard de dollars de revenus dans le monde, c’est le 45e film le plus rentable de tous les temps, sans tenir compte de l’inflation. Le film a reçu huit nominations aux Oscars; il a remporté le prix du meilleur montage sonore et Ledger a été décerné à titre posthume Meilleur acteur dans un second rôle . Les critiques et les auteurs de films citent souvent The Dark Knight comme l’un des meilleurs films des années 2000.
The Batman Dark Knight Rises (2012)
Nolan voulait que l’histoire de Batman Dark Knight Rises et dernier volet le maintienne investi émotionnellement. « Sur un plan plus superficiel, je dois poser la question », raisonna-t-il, « combien de bons troisièmes films dans une franchise les gens peuvent-ils nommer? »
Il est revenu trouver un moyen nécessaire de continuer l’histoire, mais craignait à mi-chemin du tournage de trouver une suite redondante.
The Batman Dark Knight Rises est destiné à compléter la trilogie Batman de Nolan . En décembre 2008, Nolan a terminé une ébauche d’histoire de Batman Dark Knight Rises, avant de s’engager dans Inception .
Batman Dark Knight Rises
En février 2010, le travail sur le scénario de Batman Dark Knight Rises commençait avec David S. Goyer et Jonathan Nolan . Lorsque Goyer est parti travailler sur le redémarrage de Superman , Jonathan écrivait le scénario basé sur l’histoire de son frère et Goyer.
Tom Hardy a été proposé comme Bane et Anne Hathaway joue Selina Kyle . Joseph Gordon-Levitt a été proposé comme Robin John Blake , et Marion Cotillard a été proposée comme Miranda Tate . Le tournage de Batman Dark Knight Rises a commencé en mai 2011 et s’est terminé en novembre.
Nolan a choisi de ne pas filmer Batman Dark Knight Rises en 3-D mais, en se concentrant sur l’amélioration de la qualité d’image et de l’échelle en utilisant le format IMAX , espérait repousser les limites technologiques tout en rendant néanmoins le style du film cohérent avec les deux précédents.
Batman Dark Knight Rises
Batman Dark Knight Rises
Christopher Nolan a eu plusieurs réunions avec le vice-président IMAX David Keighley pour travailler sur la logistique de la projection de Batman Dark Knight Rises dans des lieux IMAX numériques.
The Batman Dark Knight Rises a présenté plus de scènes tournées en IMAX que The Dark Knight . Le directeur de la photographie Wally Pfister a exprimé son intérêt pour le tournage du film entièrement en IMAX.
Pendant le film, mis huit ans après Batman Dark Knight Rises, l’arrivée d’un nouvel ennemi Bane oblige Bruce à retourner à son ancien rôle de Batman, pour se retrouver maîtrisé et capturé par Bane alors que Gotham est coupé du reste du monde avec un prototype de générateur de fusion Wayne Enterprises volé.
Avec l’aide de la voleuse Selina Kyle, Bruce est capable de retourner à Gotham et de vaincre Bane tout en rachetant son image de Batman. Le film se termine avec Bruce ayant « pris sa retraite » en tant que Batman après avoir simulé sa mort pour vivre avec Selina Kyle, des preuves suggérant qu’il a transmis la Batcave à Blake pendant que Gotham se reconstruit en mémoire de l’héroïsme du Chevalier noir.
À sa sortie, The Batman Dark Knight Rises a reçu une réponse critique positive et a réussi au box-office, dépassant ainsi son prédécesseur et devenant le 24e film le plus rentable de tous les temps, avec plus de 1,08 milliard de dollars. Total Film a nommé Batman Dark Knight Rises 48e meilleur film des années 2010.
Batman Dark Knight Rises
Batman Dark Knight Rises
Bonus : les infos sur Batman Dark Knight Rises…
Batman Dark Knight Rises estRéalisé par Christopher Nolan
Batman Dark Knight Rises est produit par Emma Thomas – Christopher Nolan – Charles Roven
Le scénario de Batman Dark Knight Rises est de Jonathan Nolan – Christopher Nolan
L’histoire de Batman Dark Knight Rises est de Christopher Nolan – David S. Goyer
Acteurs de Batman Dark Knight Rises :
– Christian Bale
– Michael Caine
– Gary Oldman
– Anne Hathaway
– Tom Hardy
– Marion Cotillard
– Joseph Gordon-Levitt
-Morgan FREEMAN
Musique de Batman Dark Knight Rises par Hans Zimmer
Cinématographie Wally Pfister , Édité par Lee Smith
Date de sortie de Batman Dark Knight Rises :
16 juillet 2012 (New York)
20 juillet 2012 (États-Unis et Royaume-Uni)
Budget de Batman Dark Knight Rises :
250 à 300 millions de dollars (bruts)
230 millions de dollars (net)
Box-office pour Batman Dark Knight Rises :
1.081 milliard de dollars
Accueils de la trilogie
Avec un total brut de plus de 4,99 milliards de dollars au box-office mondial, la série est la onzième franchise de films la plus rentable de tous les temps.
Sur le plan national, les films de Batman ont rapporté 2 783 118 504 $ US, faisant de la franchise la quatrième série de films la plus rentable en Amérique du Nord.
La réception critique des films modernes a varié à travers ses différentes époques. The Dark Knight , de la trilogie de Christopher Nolan , est considéré comme l’ un des meilleurs films de super-héros de tous les temps , tandis que deux entrées, Batman et Robin et Catwoman sont considérées comme parmi les pires .
Batman Dark Knight Rises
Batman Dark Knight Rises est le film Batman le plus rentable, avec 1 081 041 287 $ dans le monde, tandis que Batman et Robin est le film le moins rentable à présenter Batman, avec 238 207 122 $ dans le monde.
Les films de la série ont remporté trois Oscars ( Batman de Burton pour la conception de la production et The Dark Knight pour le montage sonore et le meilleur second rôle à titre posthume pour la performance de Heath Ledger dans le rôle du Joker), un BAFTA (également pour Ledger) et dix Saturn Awards , qui honorent l’excellence dans la science-fiction, l’horreur et la fantaisie.
Des années 1980 et 1990, les films de Tim Burton ont reçu des critiques positives pour leur retour du personnage à une représentation plus sérieuse, bien que certains aient estimé que Batman Returns était trop sombre.
Les deux films de Joel Schumacher ont reçu des critiques mitigées, en particulier Batman et Robin , qui a les scores globaux les plus bas de tous les films de la série.
À l’inverse, les films de la trilogie de Christopher Nolan des années 2000 et 2010 ont les scores les plus élevés sur les sites d’agrégation de critiques des longs métrages d’action réelle avec The Dark Knight recevant 94% de Rotten Tomatoes et 84 de Metacritic .
Les films d’animation de la série sortis en salles présentent une grande disparité critique, Mask of the Phantasm et Lego Batman Movie étant bien accueillis tandis que Batman: The Killing Joke a reçu des critiques mitigées.
Le futur de la franchise : The Batman (2021)
Robert Pattinson incarnera le rôle titulaire dans Le Batman réalisé par Matt Reeves .
En juillet 2015, Ben Affleck était en pourparlers pour jouer, co-écrire avec Geoff Johns et éventuellement réaliser un film Batman autonome .
En mars 2016, Johns a prétendu que l’apparence du costume de Robin couvert de graffitis de Dawn of Justice serait explorée plus tard et que l’identité du personnage décédé était intentionnellement non spécifiée. (Le film laisse entendre que Robin a été assassiné par le Joker et Harley Quinn.) Suite à la sortie de Dawn of Justice , Patrick Whitesell, co-PDG de William Morris Endeavoura confirmé qu’Affleck avait écrit un scénario pour un film Batman autonome qu’il espérait être également choisi par Warner Bros pour réaliser.
Le PDG de Warner Bros., Kevin Tsujihara, a confirmé en avril 2016 que le studio allait de l’avant avec le film Batman autonome d’Affleck , dans lequel l’acteur jouerait et dirigerait.
En mai 2016, Affleck a déclaré que son film solo de Batman emprunterait des bandes dessinées, mais serait principalement une «histoire originale». En août 2016, Jared Leto a exprimé son espoir que sa version du Joker apparaîtrait dans le film solo de Batman d’Affleck .
Plus tard ce mois-là, Deathstroke a été taquiné par Affleck à travers des séquences de test, confirmées plus tard par Johns que le personnage serait joué par Joe Manganiello .
En octobre 2016, Affleck a déclaré que le titre prévu pour le film serait The Batman , mais a précisé plus tard que le film pourrait finir par avoir un titre différent. Manganiello et Irons ont déclaré que le tournage commencerait au printemps 2017.
En décembre 2016, Affleck a confirmé que le film était sur la bonne voie pour commencer le tournage au printemps 2017.
Plus tard ce mois-là, le cadre de Warner Bros., Greg Silverman, a déclaré que le film serait sorti en 2018. À peu près au même moment, Affleck a déclaré que le film n’avait pas de scénario et qu’il pourrait finir par ne pas le réaliser.
Affleck prévoyait de tourner le film à Los Angeles comme doublant pour Gotham City. Il a réaffirmé son engagement à diriger le film dans son apparition sur Jimmy Kimmel Live! .
À la fin de janvier 2017, Affleck a décidé de se retirer en tant que directeur, mais resterait impliqué en tant que producteur et acteur.
À ce stade, l’écrivain Chris Terrio , qui a remporté un Oscar pour avoir écrit Argo d’Affleck et a également aidé au scénario Batman v Superman: Dawn of Justice , avait réécrit le scénario.
En février 2017, Reeves a signé pour diriger et coproduire le film.
La production a été retardée jusqu’en 2018 alors que Reeves était lié à la post-production sur War for the Planet of the Apes jusqu’en juin 2017, et The Batman est en cours de réécriture pour permettre à Reeves plus de liberté créative en tant que réalisateur.
Reeves a déclaré dans une interview que le film présentera « une version policière presque noire de Batman » qui mettra l’accent sur le cœur et l’esprit du personnage et s’inspirera d’ Alfred Hitchcock .
Le 2 août 2018, Reeves est apparu sur un panel de la Television Critics Association et a révélé de nombreux détails sur le film. Il a confirmé que The Batman est une histoire originale, axée sur le noir et non une histoire d’origine.
Il a également révélé que le scénario est en voie d’achèvement et que le film n’établira que de petites connexions avec le plus grand « DC Universe ».
En janvier 2019, il a été annoncé qu’Affleck ne reviendrait pas en tant que Batman et ne serait plus impliqué à aucun titre. Le tournage du film devait commencer au début de 2019. Le 16 mai 2019, Variety et The Hollywood Reporter ont rapporté que Robert Pattinson était en « premiers pourparlers » et le « favori » pour remplacer Affleck en tant que Bruce Wayne / Batman .
Le 31 mai 2019, Pattinson a été officiellement jeté dans le rôle titre. The Batman doit sortir en Amérique du Nord le 25 juin 2021.
Le 23 septembre 2019, Jeffrey Wright était en pourparlers pour le rôle de James Gordon .
Le 14 octobre 2019, Zoë Kravitz a été jeté dans le rôle de Selina Kyle / Catwoman ; il a également été révélé que Mattson Tomlin avait contribué au scénario.
Le 17 octobre 2019,Paul Dano a été jeté dans le rôle d’ Edward Nashton / The Riddler .
Le 6 décembre 2019, il a été rapporté que Peter Sarsgaard avait été choisi comme Gotham DA Gill Colson. Le film a officiellement commencé le tournage le 6 janvier 2020 à Londres .
Cependant, en raison de la pandémie COVID-19 , le film a suspendu la production le 14 mars. On s’attend à ce qu’il reprenne le tournage vers le début de septembre aux studios Warner Bros., Leavesden dans le Hertfordshire , en Angleterre. En août 2020, la première bande-annonce a été révélée à DC FanDome et a révélé que Peter Craigavait contribué au scénario et Barry Keoghan avait rejoint le casting.
Le 3 septembre, le tournage avait repris pendant 3 jours aux Leavesden Studios, seulement pour être mis en pause à nouveau après que Pattinson ait été testé positif pour COVID-19 .
L’équipe de tournage est entrée en quarantaine pendant près de deux semaines, après quoi le tournage reprendra, tandis que la construction sur les décors et les accessoires aux Leavesden Studios se poursuivait.
Le tournage a officiellement repris le 17 septembre, après que Pattinson ait été autorisé à revenir.
La sortie du film est prévue le 1er octobre 2021.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le Graspop Metal Meeting est un festival belge de heavy metal qui se tient à Dessel chaque année depuis 1996. Malgré la petite taille du terrain du Graspop Metal Meeting (avec un périmètre de seulement ~ 4 km), le festival attire un grand nombre de spectateurs internationaux, avec un total de 152 000 spectateurs. visiteurs au cours de l’édition 2015.
Histoire du Graspop Metal Meeting
Le Graspop Metal Meeting n’était pas à l’origine un festival de heavy metal ; Il a plutôt été conçu comme un festival de rock familial local, organisé pour la première fois en 1986. En 1995, les têtes d’affiche étaient Joe Cocker et Simple Minds . Cependant, en raison du fait que le public est saturé de festivals familiaux, le nombre de visiteurs est tombé à un niveau historiquement bas.
Le fondateur du Graspop Metal Meeting, Peter Van Geel s’est rendu compte que la musique rock traditionnelle n’avait pas un attrait suffisant pour les visiteurs du festival. Réfléchissant aux actes les plus mémorables des années précédentes ( Motörhead , Ramones , Paradise Lost , etc.) et à ses propres préférences musicales, il s’est prononcé en faveur d’une réorientation radicale.
Après des discussions avec le promoteur du festival Werchter Herman Schueremans , Van Geel a contacté Bob Schoenmaekers, le propriétaire de la salle de concert et du club de métal Biebob à Vosselaar, à proximité .
Quelques années plus tôt, Schoenmaekers avait organisé son « Midsummer Metal Meeting » à Vosselaar et en raison des limites de l’espace, il envisageait un festival en plein air. Le premier contact a rapidement conduit à une étroite collaboration. Le duo a décidé de lancer un tout nouveau festival de métal sous le nom de « Graspop Metal Meeting ». La date de choix devait être le dernier week-end de juin.
La nouvelle direction s’est avérée fructueuse. Le festival a vu un nombre sans cesse croissant de visiteurs au fil des ans et a été en mesure d’attirer les groupes internationaux les plus populaires du genre. Depuis la création du festival en 1996, Iron Maiden a été la tête d’affiche la plus fréquente avec 10 apparitions. Les autres groupes qui ont été en évidence sont Hatebreed , Saxon , Sick Of It All , Slayer ), Cradle Of Filth , Epica , In Flames Moonspell , My Dying Bride et Within Temptation .
Combien de personnes au Graspop ?
Le nombre de personnes présentes au festival Graspop dépend de l’édition du festival en question. Graspop est un festival de musique annuel organisé en Belgique depuis 1996, et il attire un nombre important de spectateurs chaque année.
Selon les sources officielles, l’édition 2022 du festival Graspop a accueilli plus de 90 000 visiteurs, ce qui en fait l’un des plus grands festivals de musique en Belgique et en Europe. Les éditions précédentes ont également connu un nombre important de participants, avec une moyenne d’environ 50 000 à 60 000 personnes par jour selon les années.
Il est important de noter que le nombre de visiteurs peut varier d’une journée à l’autre en fonction de la programmation musicale et des conditions météorologiques.
Ou acheter des billets pour le Graspop ?
Les billets pour le festival Graspop sont généralement vendus sur le site officiel du festival, ainsi que sur d’autres sites web de billetterie en ligne. Voici quelques options pour acheter des billets pour Graspop :
Site officiel : Vous pouvez acheter des billets directement sur le site officiel de Graspop. Les billets sont généralement mis en vente plusieurs mois avant l’événement, alors gardez un œil sur le site pour les dates de vente.
Site de billetterie : Vous pouvez également acheter des billets pour Graspop sur des sites de billetterie en ligne tels que Ticketmaster, StubHub, LiveNation, etc. Assurez-vous de faire vos achats sur des sites de confiance pour éviter les fraudes.
Points de vente locaux : Si vous êtes en Belgique, il peut être possible d’acheter des billets pour Graspop dans des points de vente locaux. Les billets peuvent être disponibles dans des magasins de musique, des magasins de disques et des points de vente physiques locaux.
Il est important de noter que les billets pour Graspop peuvent se vendre rapidement, surtout pour les artistes populaires et les jours les plus demandés. Il est donc recommandé de planifier à l’avance et d’acheter vos billets dès qu’ils sont disponibles pour éviter toute déception.
Les scènes du Graspop Metal Meeting
Main Stage 1 & 2 :
Les deux scènes principales, accueillent des groupes importants et des numéros de tête d’affiche. Avant 2014, il n’y avait qu’une seule scène principale.
Marquee :
Une scène de tente, qui accueille principalement du thrash metal , du death metal , du black metal ou même des groupes de rock stoner .
Metal Dome :
Accueillez des groupes plus intimistes et des artistes locaux.
Jupiler Stage :
Organisé pour la première fois en 2014, il s’agit d’une petite scène en plein air, principalement dédiée à la musique metalcore , hardcore et deathcore .
Où se déroule le Graspop Metal Meeting?
Le Graspop Metal Meeting est situé en BelgiqueRéunion Graspop Metal
Carte montrant l’emplacement de Graspop Metal Meeting en Belgique.
Le festival est situé à Kastelsedijk, à Dessel , à environ 60 km d’Anvers, 99 km de Bruxelles et 35 km d’Eindhoven aux Pays-Bas.
Dessel est une commune de 9103 habitants dans la province d’Anvers en Belgique. La communauté globale de 27,03 km² se trouve dans la région flamande, également connue sous le nom de Flandre, c’est la partie officiellement néerlandophone de la Belgique. La distance avec le pays voisin, les Pays-Bas, est inférieure à 10 km.
La plus grande partie de l’économie de Dessel est déterminée par différentes régions de l’industrie nucléaire. Dessel est la ville jumelle de Hesse-Lichtenau.
Le Billets du Graspop Metal Meeting
Les billets combinés pour le Graspop Metal Meeting comprennent le camping du jeudi au lundi, le stationnement d’un véhicule et l’entrée sur le site du festival. Les billets à la journée sont disponibles et avant 2013, ils n’incluaient pas le camping; les billets de camping peuvent être achetés séparément.
Les tickets de camping permettaient aux détenteurs de tickets journaliers de passer la nuit sur le camping. Un ticket de camping était valable le même jour que le ticket de festival. A partir de 2013, un ticket journalier inclut l’entrée au camping.
En 2009, Graspop Metal Meeting a introduit un ticket VIP. Le package VIP comprend: une place de parking dans le parking VIP; qui est plus proche du terrain du festival, de l’accès au salon VIP et des entrées séparées du camping et de l’arène du festival.
Où dormir au Graspop
La plupart des personnes qui séjournent à Graspop Metal Meeting camperont dans une tente. L’hébergement en camping est fourni au prix d’un billet combiné mais les festivaliers doivent apporter leurs propres tentes.
Les caravanes et les tentes roulottes ne sont pas autorisées sur le camping. Cependant, vous pouvez réserver un emplacement en plus du billet principal qui permet d’accéder à Graspop Metal Town.
Graspop Metal Town
Graspop Metal Town est situé à seulement 1 km du site du festival et est un véritable hôtel de plein air avec ses installations sanitaires appropriées, sa tente de petit-déjeuner, son bar et sa réception. Vous pouvez soit passer la nuit dans un festihut, soit réserver un emplacement pour votre camping-car, caravane ou tente.
Festihuts
Introduit en 2008, le festihut est un cottage en bois équipé de lits ou de lits superposés et de matelas.
Emplacements
Metal Town peut accueillir 250 emplacements standard et 50 emplacements XL, pour les personnes souhaitant apporter une caravane, un mobil-home ou une tente.
Voici une possible conclusion pour un article sur le festival Graspop :
En somme, le festival Graspop est l’un des événements les plus excitants pour les amateurs de musique métal et rock en Europe. Avec une programmation éclectique comprenant des artistes locaux et internationaux, le festival a quelque chose à offrir à tous les fans de musique.
Graspop est également connu pour son atmosphère conviviale et son emplacement idéal. Le festival se déroule à Dessel, en Belgique, dans un cadre magnifique et verdoyant. Le camping est confortable, bien organisé et offre une excellente occasion de se faire de nouveaux amis et de s’immerger dans la culture de la musique métal.
En fin de compte, Graspop est un événement majeur pour tous ceux qui apprécient la musique métal et rock, offrant un accès à certains des meilleurs artistes du monde dans un environnement amusant et accueillant. Que vous soyez un fan de longue date ou un nouveau venu dans le monde de la musique métal, Graspop est un festival incontournable à ajouter à votre liste.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le Graspop est un festival de musique metal qui a lieu chaque année à Dessel, en Belgique. C’est l’un des plus grands festivals de musique metal d’Europe et accueille des groupes de metal de renommée mondiale.
2. Quand a lieu le Graspop Metal Meeting?
Le Graspop a lieu chaque année pendant le mois de juin. Les dates exactes varient d’une année à l’autre, mais le festival dure généralement trois jours.
3. Qui sont les artistes qui se produisent au Graspop Metal Meeting?
Le Graspop accueille un large éventail d’artistes de metal, allant du heavy metal traditionnel au metalcore moderne. Les artistes qui se produisent au festival varient d’une année à l’autre, mais certains des artistes qui ont joué au festival ces dernières années incluent Iron Maiden, Slipknot, Guns N’ Roses, Metallica, Judas Priest, Sabaton, et bien d’autres encore.
4. Comment se déroule le Graspop Metal Meeting?
Le Graspop est un festival de trois jours qui se déroule sur plusieurs scènes. Les groupes se produisent sur plusieurs scènes en même temps, ce qui permet aux festivaliers de voir plusieurs groupes différents en une journée. Il y a également des stands de nourriture et de boissons, ainsi que des stands de marchandises pour les fans.
5. Comment obtenir des billets pour le Graspop Metal Meeting?
Les billets pour le Graspop peuvent être achetés sur le site officiel du festival ou via des points de vente locaux. Les billets pour le festival sont généralement en vente plusieurs mois avant l’événement.
6. Quelles sont les options d’hébergement pour le Graspop Metal Meeting?
Il y a plusieurs options d’hébergement pour le Graspop, notamment des campings sur place et des hôtels dans les villes voisines. Le camping est généralement l’option la plus populaire car il permet aux festivaliers de rester sur place et de profiter de l’ambiance du festival.
7. Y a-t-il des règles à suivre au Graspop Metal Meeting?
Oui, il y a des règles à suivre au Graspop pour assurer la sécurité et le bien-être de tous les festivaliers. Certaines règles communes incluent l’interdiction des armes, des drogues illégales et de l’alcool pour les mineurs. Les organisateurs du festival fournissent des informations détaillées sur les règles à suivre avant et pendant le festival.
8. Les enfants sont-ils autorisés au Graspop Metal Meeting?
Les enfants sont autorisés au Graspop, mais les organisateurs du festival recommandent que les enfants de moins de 12 ans soient accompagnés d’un adulte en tout temps. Les enfants de moins de 6 ans peuvent entrer gratuitement dans le festival.
9. Le Graspop Metal Meeting est-il adapté aux personnes à mobilité réduite?
Le Graspop s’efforce d’être accessible à tous les festivaliers, y compris ceux qui ont des besoins spécifiques en matière d’accessibilité. Le festival dispose de zones réservées aux personnes à mobilité réduite, d’un service de navette pour les personnes à mobilité réduite et d’autres mesures pour garantir que tout le monde puisse profiter de l’événement.
10. Qu’est-ce qui rend le Graspop Metal Meeting unique?
Le Graspop est unique en raison de son atmosphère incroyablement électrique et de la variété des artistes qui se produisent. C’est un festival qui rassemble des fans de metal de toute l’Europe et du monde entier pour célébrer la musique et l’esprit de la communauté metal. Le Graspop Metal Meeting est également connu pour son organisation professionnelle et sa grande attention aux détails, ce qui en fait un festival de musique metal de premier plan en Europe.
Lorsque l’on est un photographe de concert, shooter Slipknot est une véritable partie de plaisir. Outre les magnifiques lumières et l’énergie que le groupe déploie sur scène, la personnalité de chaque membre ainsi que le caractère photogénique des masques entraînent une certaine difficulté à louper ses photos…
La Track list du concert Slipknot Live at Resurrection
“(sic)”
“Get This”
“Unsainted”
“Disasterpiece”
“Before I Forget”
“The Heretic Anthem”
“Psychosocial”
“The Devil In I”
“Prosthetics”
“Vermillion”
“Custer”
“Sulfur”
“All Out Life”
“Duality”
“Spit It Out”
“Surfacing”
Slipknot Tour 2020 : La tournée
Slipknot emmène à nouveau son Knotfest sur la route en 2020 avec un autre trek qu’ils ont surnommé le Knotfest Roadshow. A Day to Remember, Underoath et Code Orange ouvriront pour Slipknot sur chaque date.
« Nous avons créé un précédent l’année dernière – Knotfest est une vitrine où vous ne savez jamais à quoi vous attendre », a déclaré Corey Taylor, le leader de Slipknot, dans un communiqué. « Cette année ne fait pas exception. Les groupes que nous avons représentent tous les coins de notre monde musical, tout comme nous. Et ils sont passionnants comme l’enfer. J’ai hâte de les regarder et de les apprécier avec le reste des fans. »
Neil Westfall, de A Day to Remember, a appelé Slipknot « un groupe qui a défini la musique lourde pour toute une génération ». Chris Dudley de Underoath a déclaré: « Lorsque Slipknot vous demande de venir pour un été de folie, il n’y a exactement aucune question à poser: vous dites oui. »
Et Jami Morgan de Code Orange a déclaré: « Slipknot est l’un des groupes que nous avons eu en haut de notre liste pour pouvoir ouvrir et, espérons-le, être exposés à leurs incroyables fans qui les suivent depuis très longtemps. »
Qui est Slipknot…?
Slipknot est un groupe de heavy métal américain originaire de Des Moines, Iowa, qui a été fondé en 1995. La première tournée de concerts du groupe a eu lieu aux États-Unis avec l’Ozzfest 1999, un festival fondé en 1996 avec des performances live de groupes de heavy métal.
Après le Livin la Vida Loco Tour, le groupe a commencé son premier circuit international en novembre 1999, le World Domination Tour.
Après avoir passé un an en Amérique du Nord, en Europe, au Japon et en Australie, le groupe a brièvement visité Tattoo the Earth, au cours duquel le groupe a enregistré la performance au Dynamo Open Airet puis a sorti Death Love Hass dans le cadre du film 10 Years of Life La douleur marque le sang et la destruction de la guerre.
La première tournée mondiale de Slipknot a commencé en mai 2001 pour soutenir son deuxième album studio, Iowa. Le groupe a tourné pendant près de 15 mois et a inclus une apparition à la London Arena qui a été filmée pour « Disasterpieces » et pour l’Ozzfest 2001.
La tournée mondiale suivante « The Subliminal Verses World Tour », a duré plus de 20 mois et a comptabilisé plus de 230 concerts.
La tournée a également déclenché le premier album live officiel de Slipknot, 9.0: Live. Pendant la tournée, le groupe a joué la chanson « Purity », qui a été retirée du premier album en 1999 en raison d’une violation du droit d’auteur.
Slipknot a joué des chansons qui sont rarement jouées en live, comme « Iowa » et « Get This » ainsi que pour la première fois en live le morceau « Skin Ticket ».
La tournée mondiale All Hope Is Gone a eu lieu après la sortie du quatrième album studio All Hope Is Gone en 2008. Le groupe a fait des tournées en Israël, au Luxembourg et dans plusieurs autres pays où il n’avait jamais joué auparavant.
Pendant la tournée, les batteurs Joey Jordison et DJ Sid Wilson se sont cassé respectivement une et deux chevilles.
La plupart des concerts de Slipknot ont été joués avec les membres du groupe suivants: Sid Wilson, Joey Jordison, Paul Gray, Chris Fehn, Jim Root, Craig Jones, Shawn Crahan, Mick Thomson et Corey Taylor. Cependant, certains ont dû laisser provisoirement leur place en raison de blessures.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Interview réalisé par Radio Métal pour la sortie de 5: The Grey Chapter
Jim Root est l’une des personnes clés derrière cet opus, intitulé .5: The Grey Chapter, en mémoire du regretté bassiste, dont la présence reste palpable. Root est resté fidèle au groupe et a été profondément impliqué dans la composition des nouvelles chansons, ce qui semble lui avoir coûté sa place dans Stone Sour.
Un peu de lumière doit encore être apportée à ce sujet, mais il en parle longuement vers la fin de l’entretien. Avant cela, cependant, le guitariste parle du cinquième album de Slipknot (ou du sixième, si vous considérez Made. Feed. Kill. Repeat comme un disque à part entière), dont tout le monde dans le groupe est très fier.
Et peu importe le mécontentement, qu’il écarte juste après avoir répondu aux critiques concernant la mélodie du chant de Corey Taylor. C’était aussi une bonne occasion de poser quelques questions après les deux débutants du groupe,
«Paul va être présent dans tout ce que nous faisons. […] J’ai absolument l’impression que Paul m’aidait à mettre en place ces arrangements. »
Vous étiez l’un des principaux compositeurs de ce nouvel album de Slipknot. Puisqu’il survient six ans après le précédent, après une grosse tragédie pour le groupe et le départ d’un membre important, cela a suscité beaucoup d’anticipation et d’anxiété de la part des fans. Avez-vous envie d’avoir un gros poids sur le dos?
Jim Root (guitare Slipknot): Non. [Rires] Curieusement, je n’ai vraiment ressenti aucune pression quand j’ai commencé à mettre en place les arrangements pour cet album.
Je n’avais pas ressenti ce genre de poids ou de pression jusqu’à présent, maintenant que je fais des interviews, c’est hors de mes mains et ça va être disponible pour tout le monde assez tôt. C’est un peu le moment où ce genre de truc me touche mais, vous savez, ça va parce que ça ne me dérange pas vraiment.
Je veux dire, l’album est important pour moi personnellement et émotionnellement.
Entre moi et quelques autres membres du groupe, c’est notre disque préféré que nous avons fait à ce jour. Peu importe ce que les autres en pensent, je l’aime bien. Et c’est vraiment ce qui compte le plus pour moi.
Comment saviez-vous quelle direction musicale vous deviez prendre?
Jim Root (guitare Slipknot):Nous ne l’avons pas fait. Je n’avais aucune idée de la voie à suivre. Je pense que tant que vous faites tout avec le cœur, faites tout ce qui est réel et pour le bien de ce qu’est le groupe, de ce que nous avons atteint, de la manière dont nous voulons évoluer et pour l’héritage de Paul,
j’ai juste fait ce que je pensais devrait être fait naturellement. C’est un peu aussi profond que ça a été, vous savez. [Rires]
L’album s’appelle .5: The Grey Chapter. Combien de Paul Gray y a-t-il réellement dans cet album? Je veux dire musicalement mais aussi en termes d’âme, de souvenirs, d’émotions, etc.
Jim Root (guitare Slipknot):Paul sera présent dans tout ce que nous faisons.
En ce qui concerne la façon dont nous parlons de lui, de son héritage et de choses comme ça, en ce qui concerne la part de Paul sur cet album, c’est plus une chose lyrique et vous devez demander à Corey à ce sujet parce qu’il est un parolier très métaphorique. Je pense qu’il y a pas mal de chansons qui traitent du groupe et de notre relation avec Paul…
Pas seulement ça, mais aussi d’autres événements actuels qui sont pertinents pour ce que nous faisons dans ce groupe. Mais comme je l’ai dit, il est si métaphorique que vous pouvez prendre n’importe quel sens de la plupart des mots qu’il écrit et vous pouvez en quelque sorte attribuer cela à quelque chose que vous pourriez personnellement vivre dans votre propre vie.
Mais étiez-vous, vous-même, en tant que compositeur, inspiré par Paul Gray d’une manière ou d’une autre?
Jim Root (guitare Slipknot):Absolument. J’ai vraiment l’impression que Paul m’aidait à mettre en place ces arrangements. Je veux dire, la façon dont j’ai abordé les arrangements et l’écriture de chansons sur cet album, je ne l’ai jamais fait auparavant.
La seule chose que je peux attribuer à cela, c’est que je l’ai appris de Paul et que je n’ai jamais vraiment utilisé ce qu’il m’avait appris jusqu’à présent, car j’avais toujours travaillé avec lui sur nos précédents disques. Donc cette fois, avec lui étant absent, j’ai pu…
Ça m’a un peu frappé comme une tonne de briques un jour, je ne serais jamais allé aussi profondément dans les arrangements des chansons avant et j’ai en quelque sorte réalisé que je faisais parce que c’est ce que Paul ferait, c’est ce que nous ferions quand nous travaillions ensemble sur une idée.
Ce «chapitre» doit-il être vu comme un chapitre de clôture dans l’ère précédente du groupe ou comme un chapitre d’ouverture pour une nouvelle ère?
Jim Root (guitare Slipknot):[Rires] Je ne sais pas vraiment! Je veux dire, ce groupe est une telle anomalie qu’on ne sait jamais…
J’aborde toujours chaque cycle d’album que nous faisons comme le dernier que nous pourrions faire. Il me semble que nous avons bien plus de raisons de continuer que de raisons de ne pas continuer.
Cela dit, c’est ce que je ressens des choses. Je ne sais pas comment Corey pense les choses, je ne sais pas comment Shawn Crahan pense les choses, je ne sais pas ce que pensent Mick ou Chris ou l’un des autres gars de continuer. Je préférerais continuer plutôt que de nous débarrasser de tout notre travail acharné et de retirer tout ce que nous avons appris de Paul et de ne pas l’attribuer à son héritage.
Je pense que ce serait un gaspillage extrême de tout ce que nous avons vécu au cours des quinze dernières années.
Considérez-vous cet album comme une sorte de thérapeutique à certains égards?
Jim Root (guitare Slipknot):Ouais, absolument. Je veux dire que c’est la raison pour laquelle il nous a fallu si longtemps pour faire un autre disque
. Notre processus de guérison a commencé avec nous en tournée pour voir si nous pouvions continuer en tant que groupe. La façon dont nous avons fait cela a été de commencer à tourner en premier.
Nous sommes arrivés au point où nous avons appris que nous pouvions faire cela, nous pouvions tourner, nous pouvions jouer, nous pouvions faire tout ce que nous faisions, et la prochaine étape logique dans cette évolution est de faire un disque.
Avez-vous parlé de tout cela pendant le processus?
Jim Root (guitare Slipknot):Non, nous ne parlons pas vraiment de ça tant que nous ne nous sommes pas réunis, vous savez. Ce sera davantage une évolution qui continuera à se produire alors que nous tournons et passons plus de temps ensemble.
Nous sommes toujours en train de surmonter des choses et quand nous étions en studio, nous étions ensemble mais nous étions tellement concentrés sur le travail que notre objectif principal était de rassembler ces arrangements, de les enregistrer sur bande et de les rendre aussi bons que possible. .
Maintenant que ce processus est terminé et que nous nous préparons à prendre la route, nous aurons suffisamment de temps d’arrêt pendant que nous sommes là-bas pour que ces conversations reviennent davantage au premier plan.
Jim Root (guitare Slipknot): L’album commence par une longue introduction avec beaucoup de tension appelée «XIX». Qu’est-ce que cela représente?
Jim Root (guitare Slipknot):«XIX» était une chanson que Clown a écrite et il avait la musique dans sa tête… Vous savez, nous étions porteurs aux funérailles de Paul et quand nous marchions avec Paul pour l’emmener à son dernier lieu de repos, c’était en quelque sorte le thème musical ce clown avait roulé dans sa tête.
Il avait besoin de le faire savoir et c’est ainsi qu’il l’a fait. C’est en quelque sorte la philosophie derrière cette chanson.
Il y a une ballade appelée «Au revoir» qui semble être un adieu à Paul Gray. Comment avez-vous abordé cet exercice sensible?
Jim Root (guitare Slipknot):Vous savez, vous écrivez pour la chanson et vous écrivez pour la faire du mieux que vous pouvez la faire. Cela dit, cette chanson est une chanson que Corey a écrite: elle est venue de son esprit et de son cœur.
C’est un peu plus près de lui, j’en suis sûr. Pour moi, c’est plus un truc musical et je dois exprimer mes sentiments à travers mon jeu de guitare.
Corey a composé une très bonne chanson à laquelle j’ai pu ajouter. C’est un homme dur, il y aura toujours une guérison, il y aura toujours quelque chose à résoudre, quelque chose à essayer d’améliorer.
Je veux dire, c’est comme ça que vous évoluez en tant que groupe et c’est ainsi que vous essayez de continuer en tant que groupe. Je pense que tant que nous aurons des raisons de le faire, nous continuerons de le faire.
Serait-ce parce que Corey était un peu personnel que ce soit la piste huit ou est-ce que je suis juste en train d’analyser la tracklist?
Jim Root (guitare Slipknot):[Rires] Je pourrais l’être. Je veux dire, Clown et Corey ont mis l’ordre de passage de l’album ensemble. Clown pense à tout quand il fait ce genre de choses.
Il ne pense pas seulement à: « Cette chanson est rapide et cette chanson est lente, nous devons donc les remettre dos à dos » ou « Cette chanson ressemble beaucoup à cette chanson, nous devons donc les séparer sur le disque. »
Il entre dans le contenu lyrique, dans le battement par minute, dans l’accord, le nombre de… Peut-être que le fait que ce soit le numéro huit signifie quelque chose. Je ne sais pas. C’était certainement quelque chose auquel on avait probablement pensé, j’en suis sûr.
Cet album est assez maussade. Il contient des chansons Slipknot très classiques et énervées qui raviront les premiers fans, mais aussi des chansons qui vont vraiment de l’avant artistiquement, avec une sensation sombre et douce aussi. Est-ce que cela représente la dualité des sentiments que vous aviez en vous?
Jim Root (guitare Slipknot):Absolument. Je veux dire, nous sommes un groupe assez complexe à la fin de la journée. Il y a un tas de gars différents et un tas de personnalités différentes. Vous ne pouvez pas vraiment sortir les mêmes chansons encore et encore. Pour ne pas s’ennuyer et ne pas ennuyer votre public, vous devez toujours continuer à évoluer dans tout ce que vous faites.
Il s’agit d’essayer de trouver un équilibre dans cette évolution et de ne pas devenir si éloigné de ce que nous sommes en tant que groupe, de ce que nous avons commencé à faire en tant que groupe ou de ce qui a fait de nous ce que nous sommes en tant que groupe.
Si vous ne faites pas attention, vous pouvez vous éloigner trop de ce qui a fait de vous ce que vous êtes, et ce n’est pas notre intention de nous en éloigner aussi. Mais en même temps, vous devez avancer et évoluer.
Si les gens veulent entendre des chansons qui sont sur l’album de l’Iowa, eh bien, ils ont l’album de l’Iowa à écouter, ou la version éponyme.
Je veux dire, ces albums sont là pour que tout le monde puisse en profiter pour le reste du temps. Voyons ce que nous pouvons faire d’autre et si cela fonctionne, continuons à le faire. Si cela ne fonctionne pas, nous reviendrons aux anciennes habitudes, je suppose.
L’une des critiques que nous avons souvent vues concernant le single «The Devil In I» est le fait qu’il y a des mélodies très accrocheuses avec Corey chantant à voix claire et beaucoup de gens pensaient que c’était trop proche de Stone Sour. Que diriez-vous à ceux qui pensent que Stone Sour projette une ombre trop grande sur Slipknot maintenant?
Jim Root (guitare Slipknot):Je dirais à ces critiques de revenir en arrière et d’écouter la ligne mélodique dans «Wait And Bleed» et dans «My Plague». Corey est un chanteur mélodique. Il a toujours été un chanteur mélodique. Il est assez doué pour tout faire. Alors pourquoi ne ferait-il pas tout, s’il est capable de tout faire?
Cela semble extrêmement étroit d’esprit. Si certaines choses vont avoir un rapport avec d’autres choses: oui, c’est la même personne. Vous ne pouvez pas vraiment changer qui vous êtes en tant que personne.
Mais s’ils pensent que c’est trop mélodique ou trop chatte ou quelque chose comme ça, alors tout ce qu’ils ont à faire est d’écouter « Snuff » ou « Dead Memories » ou, comme je l’ai déjà dit, « My Plague », voire » Duality »ou la ligne mélodique de« Wait And Bleed »- c’est assez mélodique! [Rires]
Je pense qu’ils ont un argument invalide ou qu’ils ne connaissent pas vraiment le groupe, parce qu’ils n’ont pas écouté le groupe. Ils ont peut-être entendu le groupe mais ils n’ont pas vraiment écouté le groupe. Et une autre chose que je peux dire à ces critiques est: nous sommes Slipknot et nous ferons tout ce que nous voulons, parce que nous sommes Slipknot.
Écoutez notre premier disque:«Merde tout, baise ce monde, baise tout ce que tu défends.» «Ne me jugez pas» , c’est une chose énorme. Alors quoi qu’il en soit, ils peuvent porter le jugement qu’ils veulent, nous allons continuer à faire ce que nous faisons et essayer d’évoluer en tant que groupe.
«Pour avoir quelques nouveaux gars, ils vont devoir travailler un peu comme nous avons dû travailler pour ça dans le passé. »
Une des choses qui frappe sur cet album est l’importance de la batterie et de la basse, autant dans le mix que dans la musique elle-même. Cela vient-il d’une grande implication du nouveau batteur et bassiste?
Jim Root (guitare Slipknot):Ouais, ils ont joué sur le disque et ces parties font partie des chansons. Vous devrez donc pouvoir entendre ces parties de l’album.
Quand Metallica a fait And Justice For All, ils ont en quelque sorte enterré la basse dans le mix et, même si c’est un disque classique et un excellent disque, je pense que l’album a souffert parce qu’on n’entend aucune basse autre que dans les guitares.
Vous savez, si vous passez à autre chose, vous devez avancer dans tous les sens du terme. En cachant des choses dans le mix, nous ne ferions que du mal à nous-mêmes et aux gens qui écoutent l’album.
La basse et la batterie sont des parties importantes des disques. Vous avez besoin de ces éléments du dossier pour en quelque sorte maintenir le fort. Et nous avons assez de bons joueurs qui font ces parties qui devraient être entendues.
Comment ont-ils été embauchés?
Jim Root (guitare Slipknot):Nous avons mis une publicité à Hollywood. Nous sommes allés au Guitar Center pour mettre une annonce et voir qui y répondrait. Non, je plaisante [rires].
Nous connaissions le batteur; nous avions beaucoup d’amis communs et sur caprice nous nous sommes réunis avec lui au studio de Dave Grohl et nous nous sommes bloqués, lui ne sachant rien de la raison pour laquelle il était là.
Il a joué environ vingt ou vingt-quatre chansons et nous aurions pu jouer un spectacle ce soir-là si nous en avions besoin. Le truc de la basse était un peu plus délicat: nous ne savions pas quoi faire et comment l’aborder.
C’est encore une sorte de courbe d’apprentissage sur ce que nous faisons. Donnie Steele est évidemment venu et nous a aidés en studio. Il n’était pas vraiment à la hauteur de tout ce que nous faisions, alors nous avons amené quelques autres personnes. Et cela ne semblait pas vraiment marcher avec les autres personnes que nous amenions.
«Attendez une minute, voyons si cela peut fonctionner!» [Rires] Vous savez ce que je veux dire? Alors on l’a fait sortir et ça a semblé marcher. En ce moment, tout semble plutôt bien fonctionner. Ce n’est pas cassé pour le moment, il n’y a donc aucune raison de remettre en question quoi que ce soit. Nous allons juste aller de l’avant et avancer.
Les deux joueurs portent les mêmes masques, cela signifie-t-il qu’ils ne sont pas pleinement considérés comme intégrés au groupe, qu’ils ne sont pas encore considérés comme des membres permanents de Slipknot?
Jim Root (guitare Slipknot):Vous pouvez considérer cela comme une métaphore pour eux qui doivent en quelque sorte travailler à leur manière et trouver leur propre identité au sein du groupe. Je pense que c’est un peu plus d’où cela vient.
Nous avons tous vécu beaucoup de choses ensemble en tant que groupe et nous avons payé beaucoup deux fois ensemble à venir, donc pour avoir quelques nouveaux gars, ils vont devoir travailler un peu comme nous a dû y travailler dans le passé.
Leurs noms ont été quelque peu révélés par des déductions assez fiables ces derniers jours, bien qu’il n’y ait eu aucune déclaration officielle du groupe. Alors, que pensez-vous de tout ce jeu de devinettes qui se déroule sur Internet?
Jim Root (guitare Slipknot):Tout ça quoi? Le jeu de devinettes? [Rires] Je pense que c’est intéressant. Nous sommes à l’époque d’Internet où il ne peut plus y avoir d’anonymat, vraiment. Finalement, les gens découvriront qui sont les gens qui sont avec nous maintenant. Je préfère les laisser se présenter, plutôt que de faire une sorte de grande déclaration.
Cela ne veut pas dire que Corey l’a peut-être déjà dit ou même Clown ou quelqu’un d’autre peut le dire. Pour moi, c’est quand vient le temps, quand on est sur la route tous ensemble et que quelqu’un fait de la presse et qu’ils veulent demander qui joue de la basse dans le coin, qui est à la batterie qu’ils entendent de l’autre chambre, ils iront peut-être leur demander. [Rires]
Alors ne pouvez-vous pas me confirmer que le nouveau batteur et bassiste est Jay Weinberg et Alessandro Venturella?
Alessandro Venturella… Quel genre de nom est-ce? [Rires] Alessandro Venturella… Je ne vais ni confirmer ni nier cela. [Des rires]
Vous avez dévoilé vos nouveaux masques. Nous voyons les changements dans leur apparence, mais y a-t-il eu une évolution dans leur confort et leur commodité à porter par rapport aux débuts du groupe?
Jim Root (guitare Slipknot):Vous savez, ils n’ont jamais été aussi inconfortables et incommodes. Pour moi, les masques, c’est plus l’idée de mettre le masque plutôt que de porter le masque, si vous voyez ce que je veux dire.
Une fois le masque mis, je ne me rends même pas compte que je le porte [rires]. C’est un processus évolutif et j’étais plus préoccupé par l’écriture et l’enregistrement de la musique. Je n’ai pas vraiment pensé à la question du masque.
Je n’aime pas trop changer de masque, j’aime le garder assez proche de ce qu’il a toujours été, juste peut-être en faire des variations, de petites petites évolutions.
Il y a d’autres gars dans le groupe qui aiment changer radicalement le leur pour qu’il soit très différent de ce qu’ils avaient auparavant. Je ne veux pas aller aussi loin parce que je pense qu’il est important de pouvoir reconnaître un semblant de ce que ce membre est ou représente, du moins du point de vue des fans.
Maintenant, cela ne veut pas dire que si nous faisons un autre disque, quelque chose se passe et change complètement d’avis sur la façon dont mon image est dans le groupe et comment je veux être perçu dans le groupe, je pourrais repartir de zéro et en faire un complètement nouveau.
Mais pour l’instant, je veux juste faire, comme je l’ai dit, de légers changements et de légères variations.
Que pouvons-nous attendre du groupe dans le cadre du live pour le futur?
Jim Root (guitare Slipknot):Nous construisons un tout nouveau décor. Nous allons migrer notre pyro et notre éclairage dans le décor que nous construisons. Ça fait longtemps. Je veux dire, nous n’avons pas eu de nouveau décor de scène depuis les Versets subliminaux.
C’est la principale nouveauté. En ce qui concerne toute autre chose, c’est tout. Il y aura une évolution alors que nous avançons, tournons et apprenons plus sur nous-mêmes [rires].
«Je suppose qu’il y a des gens dans [Stone Sour] qui ne voulaient pas voir un cycle d’album de Slipknot se produire parce qu’ils voulaient continuer à faire ce qu’ils faisaient. »
Sur un autre sujet, vous avez été pratiquement viré de Stone Sour à la fin de l’année dernière. Cela n’a-t-il pas terni votre relation avec Corey Taylor?
Jim Root (guitare Slipknot):Cela a définitivement ajouté une nouvelle dynamique à ma relation avec Corey Taylor, c’est sûr. Je pense que si quelque chose, cela a probablement rapproché Corey et moi. Si quelque chose est terni, c’est ma relation avec d’autres personnes qui sont toujours membres de Stone Sour.
Je n’ai même pas parlé avec ces gars depuis qu’ils ont conspiré et fait leur choix, ce qui est bien parce que cela ne m’affecte pas vraiment beaucoup pour le moment, à part le fait que j’avais beaucoup de sang dans le jeu, je m’en souciais beaucoup sur ce groupe. Je me souciais plus de ce groupe que de l’argent qu’il gagnait.
Je me souciais de la musique et de ce que nous faisions en tant que groupe. Et je pense que c’est en partie la raison pour laquelle nous avons eu des désaccords, parce que je pense qu’il y a d’autres personnes dans ce groupe qui se soucient plus de l’argent que de ce que le groupe fait artistiquement. Donc, après avoir dit cela,
Mais quelles ont été les raisons concrètes de votre départ?
Jim Root (guitare Slipknot):Je ne sais pas. Il faudrait demander aux conspirateurs du groupe ce que c’est, car je ne sais toujours pas quelle est la raison. Aucun d’eux n’a les couilles pour prendre un téléphone et m’appeler.
La seule chose à laquelle je peux penser, c’est quelqu’un qui ne se soucie que de l’argent et qui veut continuer à continuer une tournée de Stone Sour alors qu’il devrait y avoir un cycle d’albums de Slipknot, et c’est probablement quelqu’un qui pense:
«Eh bien, si je me débarrasse de ce membre, alors j’obtiendrai plus d’argent pour l’édition et j’obtiendrai plus d’argent de merch…Puisque je n’en ai parlé à personne, à part Corey, c’est la seule sorte de conclusion que je puisse en tirer.
Corey et moi allons très bien, nous avons une excellente relation et ça ne fera que s’améliorer au fur et à mesure que le cycle de l’album [Slipknot] avance. Je suis honnêtement toujours dans le noir sur celui-là aussi, donc ce serait intéressant de savoir… Mais encore une fois, ces gars-là ne réfléchissent pas vraiment très bien.
Peut-être qu’ils n’y ont pas réfléchi, peut-être qu’ils disaient simplement: «Nous devons continuer à tourner et Jim ne veut pas tourner, alors merde, nous le virerons! C’était peut-être aussi stupide. [Chuckes]
Mais Corey Taylor est aussi à la fois dans Slipknot et Stone Sour, alors qu’est-ce qui a fait la différence, pourquoi ont-ils eu un problème avec le fait que vous soyez dans les deux groupes et non avec Corey?
Jim Root (guitare Slipknot):Hum, je ne sais pas, parce qu’ils ne peuvent probablement pas faire carrière sans Corey, je devrais supposer, tu sais [rires].
Je veux dire, s’ils perdent Corey de Stone Sour, alors c’est tout, Stone Sour est fait. Je ne suis qu’un guitariste; Je ne suis pas la voix du groupe, pour ainsi dire, même si j’ai beaucoup apporté à la table en termes d’écriture et de guitare.
Je suppose que c’est facile de trouver quelqu’un pour venir et essayer de jouer mes parties, ça ne sonnera jamais de la même façon mais c’est beaucoup plus difficile de remplacer quelqu’un comme Corey que de remplacer un guitariste, je suppose.
Vous avez récemment dit que tout fonctionnait «pour le mieux» parce que vous n’étiez plus «vraiment content» de Stone Sour. De quoi étiez-vous malheureux à Stone Sour?
Jim Root (guitare Slipknot):Juste beaucoup de choses; beaucoup de décisions qui étaient prises ou qui n’étaient pas prises en tant que groupe à part entière. Rien n’a été vraiment décidé en tant que groupe à part entière, c’était juste un groupe d’individus essayant de faire avancer les choses.
Vous vous êtes battu sur des choses, avec trois gars qui veulent une chose d’une manière et un gars qui la veulent d’une manière différente, et puis, tout d’un coup, c’est la manière d’un gars au lieu de la façon dont tout le monde a voté… C’était tellement de choses différentes.
Vous savez, la politique est une chose énorme, profonde et effrayante, mais à la fin de la journée, essentiellement, le processus d’un album de Slipknot devait commencer à se produire.
Je suppose qu’il y a des gens dans cet autre groupe qui ne voulaient pas voir un cycle d’albums Slipknot se produire parce qu’ils voulaient continuer à faire ce qu’ils faisaient.
Donc le processus de l’album Slipknot a continué à être repoussé, repoussé et repoussé et… Il est arrivé au point où il ne pouvait plus être repoussé, nous avons dû avancer et commencer.
Vous savez, vous faites des plans en tant que groupe et les gens vont à l’encontre de ces plans et changent d’avis, puis, tout d’un coup, on vous dit que les choses vont se passer d’une certaine façon. Il suffit de s’en occuper et d’en être heureux ou… ou pas! [Rires]
Pour moi, c’était important de revenir à Slipknot et je pense que tout le monde savait que cela devait arriver. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses.
Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé. vous faites des projets en tant que groupe et les gens vont à l’encontre de ces plans et changent d’avis, puis, tout d’un coup, on vous dit en quelque sorte que les choses vont se passer d’une certaine manière.
Il suffit de s’en occuper et d’en être heureux ou… ou pas! [Rires] Pour moi, c’était important de revenir à Slipknot et je pense que tout le monde savait que cela devait arriver.
Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses. Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé.
vous faites des projets en tant que groupe et les gens vont à l’encontre de ces plans et changent d’avis, puis, tout d’un coup, on vous dit en quelque sorte que les choses vont se passer d’une certaine manière. Il suffit de s’en occuper et d’en être heureux ou… ou pas! [Rires]
Pour moi, c’était important de revenir à Slipknot et je pense que tout le monde savait que cela devait arriver. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses.
Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses.
Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses. Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé.
Cela vous a-t-il permis d’utiliser peut-être un peu de cette colère que vous aviez d’avoir été viré du groupe vers l’album Slipknot?
Jim Root (guitare Slipknot):Peut-être un peu mais j’avais déjà écrit la plupart de ces chansons avant. La pire nouvelle que j’avais, c’était qu’ils allaient faire une tournée sans moi. Et c’est là que j’ai commencé à me concentrer sur l’écriture du disque de Slipknot.
Donc, le grand couteau dans le dos n’est pas arrivé avant que nous ayons déjà travaillé sur la pré-production, travaillé avec le nouveau batteur, travailler avec le producteur, juste avant la sortie du reste du groupe.
Corey a dû faire cette tournée avec Stone Sour avant de sortir travailler sur ce disque.
Je ne connais pas l’homme, il y a tellement de variables différentes et, comme je l’ai dit, aucun d’entre eux n’a jamais décidé de me dire quelle était sa mentalité [rires] ou pourquoi cela se passait.
Ils diraient probablement que c’était quelque chose comme si j’étais malheureux ou que je me plaignais ou autre chose, mais je ne suis pas le seul …
14/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Dublin, 3Arena 16/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Manchester, Arena 17/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Newcastle, Utilita Arena 18/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Glasgow, The SSE Hydro 20/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Sheffield, Flydsa Arena 21/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Nottingham, Motorpoint Arena 22/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Cardiff, Motorpoint Arena 24/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Birmingham, Arena Birmingham 25/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ London, O2 Arena T
28/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Amsterdam, Ziggo Dome 29/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Frankfurt, Festhalle 30/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Paris, AccorHotels Arena – Bercy – POPB 01/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Esch-sur-Alzette, RockHal 02/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Lyon, Halle Tony Garnier 04/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Budapest, SportArena 06/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Lodz, Atlas Arena 08/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Stuttgart, Schleyerhalle 09/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ München, Olympiahalle 11/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Milan, Mediolanum Forum 12/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Zurich, Hallenstadion 14/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Wien / Vienna, Stadthalle
16/02/2020 @ Hamburg, Barclaycard Arena 17/02/2020 @ Berlin, Mercedes-Benz Arena 18/02/2020 @ Dortmund, Westfalenhallen 20/02/2020 @ Copenhagen, Royal Arena 21/02/2020 @ Stockholm, Ericsson Globe 22/02/2020 @ Oslo, Telenor Arena 24/02/2020 @ Helsinki, Hartwall Arena 20/03/2020 KnotFest Japan 2020 @ Chiba, Makuhari Messe 24/03/2020 Singapore Rockfest 2020 @ Singapore 27/03/2020 Hammersonic Festival 2020 @ Jakarta 29/03/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Manilla, Amoranto Stadium
15/05/2020 Sonic Temple Art + Music Festival 2020 @ Columbus, MAPFRE Stadium 22/05/2020 Rocklahoma Festival 2020 @ Pryor Creek, Rocklahoma 30/05/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Syracuse, St. Joseph’s Health Amphitheater at Lakeview 31/05/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Mansfield, Xfinity Center 02/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ New York, Madison Square Garden
04/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Quebec City, Centre Videotron 05/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Montreal, Centre Bell 06/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Toronto, Budweiser Stage
08/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Clarkston, DTE Energy Music Theatre 10/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Nashville, Bridgestone Arena 12/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Memphis, FedExForum 14/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Orlando, Amway Center 15/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ West Palm Beach, iTHINK Financial Amphitheatre 17/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Charlotte, PNC Music Pavilion 18/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Alpharetta, Ameris Bank Amphitheatre 20/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Birmingham, Oak Mountain Amphitheatre 22/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Dallas, Dos Equis Pavilion 23/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Austin, Germania Insurance Amphitheater 25/06/2020 Slipknot -Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ The Woodlands, The Cynthia Woods Mitchell Pavilion 16/07/2020 Slipknot Tour 2020 Rock Fest 2020 @ Cadott, Rock Fest 16/07/2020 Slipknot Tour 2020 Rock USA Festival 2020 @ Oshkosh, Ford Festival Park
30/07/2020 Wacken Open Air 2020 @ Wacken, Wacken 31/07/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Köln, Rhein Energie Stadion 05/08/2020 Metaltown Festival 2020 @ Göteborg, Bananpiren 07/08/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Berlin, Waldbühne 10/08/2020 KnotFest At Sea Cruise 2020 @ Barcelona 14/08/2020 Metal Paradise Fest 2020 @ Fuengirola, Marenostrum Music Castle Park 20/08/2020 Festival Cabaret Vert 2020 @ Charleville-Mézières, Square Bayard 22/08/2020 Knotfest UK 2020 @ Milton Keynes, The National Bowl
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Je n’avais pas encore visionné le film sur Don McCullin photographe. C’est maintenant chose faite. Un magnifique documentaire, sur un des plus grand reporter de guerre: Don McCullin. Si aujourd’hui, la photo a une utilisation assez superficielle pour beaucoup (selfies), les grands photographes comme Don Mc Cullin ont une autre approche de ce mode d’expression.
Don Mc Cullin photographe de guerre
Don McCullin a photographié la misère en Irlande, la construction du mur de Berlin en 1961, la guerre civile à Chypre (World Press Photo Award 1964), El Salvador, Vietnam pendant 10 ans, le conflit israélo-palestinien, les famines (Biafra, Inde, Bangladesh, et plus récemment la dévastation du SIDA en Afrique. Il est récompensé à plusieurs reprises pour ses reportages et rejoint les milieux les plus connus des photographes de presse.
Don McCullin est l’un des « grands reporters » qui ont parcouru le monde, vécu les conflits des années 1960, 1970 et 1980, les séquelles de la guerre froide et une mondialisation qui ne dit pas encore son nom. Ils l’ont fait avec la même brutalité que les événements qu’ils ont rapportés. Mccullin est en colère quand il dénonce le sale visage du conflit international, apporte la sécurité à la une des journaux et donne vie à un conflit abstrait pour l’Occident.
Don McCullin
Les photos de Don Mc Cullin photographe
«Depuis 20 ans, je n’ai jamais refusé une invitation à la guerre ou à participer à une révolution. Pourquoi? Je peux sentir la raison, mais je ne peux pas l’exprimer. « Malheureusement, Don McCullin appartient à cette génération, ce qui augmentera l’engagement de l’artiste sensationnel avec son corps en défense, avec la sueur de son front et au péril de sa vie.
Si ses photos de la guerre du Vietnam ont eu un impact énorme sur l’opinion publique et ont aidé à mettre fin à un conflit absurde, elles ont également montré des cadavres recouverts de linceuls, des femmes en larmes qui gisaient sur le corps de leurs enfants et couvraient leur visage, le sang collectif de soldats épuisés. Elles ont impacté notre conscience grâce à une exposition répétée.
La légende veut que son appareil Nikon arrête une balle en 1968, qu’il soit grièvement blessé au Salvador. Elle veut aussi que le gouvernement britannique lui ai refusé sa carte de presse pour couvrir la guerre de Malouines, en raison du trop grand impact visuel de ses images.
Don McCullin born 1935 ARTIST ROOMS
Une génération de photographes face à la violence
Cette génération de producteurs d’images fortes découvrira la banalisation de la violence et du sensationnalisme tout en adhérant au paradoxe du photographe reporter: vivre de ce qui est dénoncé. Chaque photographe a sa stratégie pour faire face aux questions morales insolubles de son métier. Don McCullin, comme une poignée d’autres, semble s’être adapté à la testostérone en raison de la proximité du conflit, de l’engagement fugace mais physique, immédiat et complet avec les personnes qu’il a photographiées.
«La compassion et le regret du Biafra n’ont cessé de me poursuivre. Vous imaginez naïvement que l’intégrité est suffisante pour vous justifier dans toutes les situations. Nous n’avons donc rien à faire – et comment ai-je aidé les Biafres? […] « Extrait du journal Le monde du 6/04/07.
Le 28 juillet 19682, il réalise une série d’enregistrements avec les Beatles, une session surnommée « A Mad Day Out » en raison des nombreux endroits de Londres qui ont servi de toile de fond . En 1980, il réalise sa première grande exposition au Victoria and Albert Museum de Londres puis dans d’autres lieux de renom (Arles 1992, Barbican Centre à Londres 1998, siège des Nations Unies 2001 avec photos de malades du SIDA …).
Il a écrit son autobiographie, qu’il a publiée en 1990, Unreasonnable Behavior (comportement déraisonnable, publié en France sous le titre Risque et péril). Exposé en 2006 aux Rencontres d’Arles en France et en 2012 à l’Imperial War Museum de Londres pour l’exposition Shaped by War. Don McCullin s’est récemment tourné vers le paysage, la nature morte et a commandé des portraits. Don McCullin vit actuellement à Somerset, est marié et a cinq enfants issus de mariages multiples.
Bonus : L’interview de Don McCullin dans The Guardians
Lorsque le photographe Giles Duley avait 18 ans, son parrain lui a offert deux cadeaux: un appareil photo et une copie de Unreasonable Behavior, L’autobiographie de Don McCullin sur sa vie de photojournaliste au Vietnam, en Irlande du Nord, au Biafra, au Liban et dans l’est de Londres. Le livre était illustré par les célèbres photographies en noir et blanc de Don McCullin, des images de guerre et de souffrance humaine qui ont aidé à définir les conflits qu’ils décrivaient.
C’était un livre qui a bouleversé Duley. Aujourd’hui, les deux hommes sont assis l’un en face de l’autre dans le cottage tranquille de Don McCullin sur les niveaux du Somerset – aussi éloignés des horreurs de la guerre qu’on peut l’imaginer. L’excuse de leur rencontre et de notre conversation est une rétrospective majeure du travail de Don McCullin à la Tate Britain, qui s’ouvre la semaine prochaine. Pas qu’une excuse soit nécessaire car, comme ils le révèlent, ils sont déjà amis.
À 83 ans, l’apparence et l’éloquence hale de Don McCullin, après 60 ans à prendre des photos dans des zones de guerre et ailleurs, ne peuvent s’empêcher de paraître un coup de chance défiant la mort.
Il écarte toute mention des blessures qu’il a subies en tombant d’un toit au Cambodge (il s’est cassé plusieurs côtes et s’est brisé le bras) et ne s’attarde pas sur ses luttes infernales dans la ville de Hue au Vietnam, qui l’ont laissé (comme il l’a rapporté dans Le documentaire Don McCullin de Jacqui et David Morris en 2013 ) comme un «animal tourmenté». Sa retenue peut en partie être qu’il est un stoïque, mais c’est aussi, probablement, à cause de la présence de Duley. Car Duley, comme le dit McCullin, a «payé le prix».
Je l’ai interviewé pour la première fois à l’hôpital de Charing Cross en octobre 2011. Peu de temps après et toujours en convalescence, il a rendu visite à Don McCullin et à sa femme, la journaliste de voyage Catherine Fairweather, dans le Somerset. Il était alors en fauteuil roulant, mais aujourd’hui, aujourd’hui âgé de 47 ans, il marche sur des jambes prothétiques et travaille dur, son esprit est modeste, engageant et impressionnant.
Le projet photographique Legacy of War de Duley , lancé en 2013, explore les effets à long terme du conflit mondial et, en 2015, il a été chargé par le HCR de documenter la crise des réfugiés, visitant 14 pays du Moyen-Orient et d’Europe et publiant, en 2017 , Je ne peux que te dire ce que mes yeux voient. Il a inspiré Angelina Jolie et PJ Harvey et d’innombrables autres. Il a collecté des fonds pour aider certaines des personnes qu’il a photographiées et a un magnifique fil Instagram, The One Armed Chef , avec des photos de la nourriture qu’il prépare minutieusement. Il cuisine souvent avec les réfugiés avant de les photographier. C’est une chose conviviale, dit-il.
Kate Kellaway: Ma première question, dans l’esprit du départ, est ce que vous prenez tous les deux lorsque vous allez sur le terrain? Quels sont les éléments pratiques dont vous avez besoin?
Don McCullin: La bonne attitude vraiment. Vous devez savoir pourquoi vous y allez; êtes-vous déterminé à prendre le risque? Surtout quand on avait une famille, des enfants, comme moi. Et puis beaucoup de préméditation: «Serai-je capable de faire ça? Vais-je pouvoir le faire? »
Giles Duley J’emporte toujours du Tabasco avec moi, à cause de la quantité de nourriture terrible que j’ai eue. Et j’ai toujours un arrêt de porte. Dans de nombreux endroits où je travaille actuellement, les enlèvements sont devenus une chose importante. Donc je pousse toujours ça dans la porte, alors au moins si quelqu’un essaie de le faire entrer, il y a un coin dessus. C’est drôle comment vous avez ces petites choses par habitude.
Don McCullin: J’avais l’habitude de prendre un pansement en crêpe au cas où je me casserais la cheville ou quelque chose comme ça. Et Ready Brek parce que j’avais toujours peur de me retrouver sans rien manger le matin. Il y a toutes ces choses insignifiantes.
Giles, vous avez déjà parlé de la façon dont la lecture des mémoires de Don sur le comportement déraisonnable à 18 ans vous a inspiré. Pourquoi était-ce? Don McCullin: C’est intéressant, car il y avait de l’aventure et de l’excitation, mais ce qui m’est resté, ce sont les photos. Il y a une image d’un enfant soldat pointant une arme sur d’autres enfants soldats [au Congo, 1964]. Ils ont environ 12 ans, entièrement équipés de M16 et de casques. En grandissant, j’avais vraiment voulu être dans l’armée, pensant que c’était glamour, pensant que la guerre était excitante.
Et voir des images comme celle-là a fait comprendre ce qu’était la guerre: une chose laide et brutale. Toutes les photos que j’avais vues de la guerre auparavant, qui parlaient de chaos, de chars, d’avions, d’explosions, de gens qui tiraient des armes. Mais ce qui m’est resté dans les photos de Don, c’est le contact avec les yeux des gens. Je pense que beaucoup de photographie de guerre, qu’elle soit accidentelle ou délibérée, rend la guerre glamour, mais Don ne l’a jamais fait.
Don McCullin: Lorsque vous vivez une journée calamiteuse et que vous voyez des balles survoler et des obus arriver et que vous survivez ce jour-là, il ne fait aucun doute que l’adrénaline est à plein régime. Mais alors cela continue pour la guerre après la guerre jusqu’à ce que vous arriviez à la conclusion que vous vous moquez de vous-même, en pensant que la guerre est excitante, et que vous oubliez que les gens souffrent et meurent autour de vous.
Cela semble être une question simple, mais elle est en fait très compliquée: qu’est-ce qu’une bonne photo? Don McCullin: Une photographie doit vous crier dessus et vous dire que quelque chose ne va pas, que vous ne vivez pas dans le bon monde, quelque chose que les mots ne peuvent pas vous expliquer.
Quand je suis entré dans une école en 1969 au Biafra et que j’ai vu 600 enfants mourants, certains s’effondrant et mourant devant moi, je ne peux tout simplement pas vous dire ce que c’était, sachant que j’avais mes propres enfants vivant à Hampstead à l’époque. Quand une image comme celle-là est si mauvaise, il est facile d’appuyer sur le bouton, mais ce n’est pas facile de vivre avec.
Moralement, j’ai toujours eu une conscience terriblement inconfortable à ce sujet. Essayer de justifier mon travail, dans n’importe quelle déclaration, sous n’importe quelle forme ou forme, est très difficile pour moi.
Mais je pense que ce à quoi je veux en venir ici, c’est de trouver de bonnes photos? Ou fait? L’œil trouve-t-il l’image? Don McCullin: Il s’agit de l’émotionnel – nous ne sommes pas que des photographes, nous nous rassemblons émotionnellement. Une caméra ne veut pas dire un tirage au sort pour moi. Je viens de le mettre devant moi et de transférer l’image à travers ce morceau de verre et ce film. Mais j’utilise mon émotion plus que j’utilise cet équipement.
Et en même temps, un millier de pensées traversent mon cerveau et me disent: « Est-ce bien de faire ça? » J’ai vu des hommes exécutés et je ne l’ai pas photographié et j’ai pensé mon Dieu, si mon éditeur savait que je n’avais pas appuyé sur ce bouton, il me donnerait le coffre. Mais c’est mon devoir moral de ne pas prendre cette photo parce que l’homme sur le point d’être tué ne m’a pas donné sa permission.
GD Contrairement à Don, j’ai toujours été au bord du conflit, [préoccupé] des conséquences de celui-ci. Mais certainement, il y a des moments où vous choisissez de ne pas prendre de photo. Il y a toujours un moment où vous vous connectez avec l’œil de quelqu’un ou quelque chose se passe et lorsque quelqu’un ne le veut pas, c’est assez clair.
Don McCullin: Quand un homme se tient devant vous sur le point de mourir, vous ne pouvez pas l’aider. Il pleure et il vous regarde. Il regarde là où il pense que Dieu est et il bouscule comme un fou à cette dernière chance de rester en vie et vous vous tenez là, vous ne pouvez pas l’aider. Vous avez honte de l’humanité.
Alors, le travail a-t-il changé votre vision de l’humanité au fil du temps? Don McCullin: Absolument. Absolument. C’est pourquoi je vis ici. Il n’y a presque personne ici. Je n’ai pas à communiquer avec les gens. J’ai besoin de partir. J’ai besoin de me cacher. J’ai besoin d’un sanctuaire, et voici [sa maison dans le Somerset].
Vous avez dit, Don, que vous sentez d’une certaine manière que vous n’avez pas réussi à faire ce que vous auriez aimé faire par la photographie, mais vous ne pouvez sûrement pas avoir pensé que la photographie mettrait fin à la guerre ou à la misère humaine?
Don McCullin: Beaucoup de gens ne comprendraient pas ce que l’on entend par «échec». Tout ce que je dis, c’est que lorsqu’une guerre est éclaircie, la prochaine guerre attend dans les coulisses et elle semble s’être aggravée au fil des ans.
Quand j’ai commencé, il n’y avait pas de garçons de 14 ans fous en Afrique de l’Ouest avec des machettes, coupant les bras des gens, des bébés et des enfants. Vous pensiez que ça ne pouvait pas être pire que ça, puis Isis est arrivé, mettant le feu à ce pilote jordanien dans cette cage.
Et si vous pensez aux deux photos les plus importantes qui sont sorties du Vietnam, l’une était la fille courant sur la route, qui a été prise par Nick Ut (bien que tout le monde pense que j’ai pris cette photo … je ne sais pas pourquoi) en 1972. L’autre photo était celle d’Eddie Adams en 1968 du chef de la police tirant sur l’homme à la tête . Il a fallu plusieurs années après eux pour que la guerre prenne fin. Voilà donc ce à quoi je veux en venir. On change quelque chose? Les images n’ont pas arrêté la guerre, n’est-ce pas?
Les gens de GD demandent: pouvez-vous changer le monde avec votre photo et je dirais, non, mais peut-être que nous pouvons inspirer les gens qui le font. Il y a quelques années, j’ai reçu une lettre d’un homme en Australie qui venait d’entrer à l’école de médecine.
Il a vraiment eu du mal à grandir, à la maison et à l’école, mais il avait une photo de moi sur son mur, celle que j’ai prise en Afghanistan. «C’est ce qui m’a donné envie d’être médecin», dit-il. Chaque jour, il regardait cette photo pour se souvenir. Honnêtement pour moi, si c’est le seul impact de mon travail, c’est génial. Et Don dit que son travail n’a rien changé, eh bien cela a changé ma vie. Cela m’a fait faire ce que je fais.
Don McCullin: Si je peux revenir à Giles: si j’avais souffert de ce que Giles a vécu, je ne ressentirais pas ce que je ressens. Il a raison d’appuyer sur ce bouton plus que moi parce qu’il a payé ce prix effroyable. Il connaît le prix de la douleur. Si j’avais vécu ce qu’il a vécu, je n’aurais pas cette culpabilité d’avoir appuyé sur le bouton [tout en sachant] que je peux m’en aller, monter dans un avion et retourner en sécurité.
Don McCullin: J’ai toujours cet atout! Je me promenais à Mossoul dans un hôpital il y a quelques années et les gens avaient perdu leurs jambes. Je plaisantais: « Eh bien, ce n’est qu’une jambe, de quoi vous embêtez-vous? »
Je suis l’une des rares personnes à s’en sortir avec ça. Mais je me souviens qu’avant de me blesser, j’ai photographié un garçon au Soudan du Sud qui avait reçu une balle dans l’estomac et les reins et j’étais juste seule dans une petite hutte de boue avec lui, parce que les médecins étaient partis.
J’ai pointé mon appareil photo et pris une photo et j’ai failli vomir par la suite parce que je me sentais tellement malade de ce que je venais de faire. Vous pensez que vous êtes là pour les bonnes raisons, car il est important que l’histoire soit racontée.
Mais en pointant une caméra sur une personne mourante, si vous faisiez ça à Londres dans la rue, les gens penseraient que vous êtes la personne la plus vile du monde. Alors, pourquoi le faire parce que nous sommes à l’étranger? Ce n’est pas une chose humaine à faire.
Don McCullin: Je pense vraiment que nous payons le prix, ou moi personnellement, c’est la nuit. Quand je vais me coucher, si je laisse la gâchette s’allumer, tout se revit avec une telle clarté. Beaucoup de gens disent: «Oh, la photo que vous avez faite du garçon albinos affamé» [a dû être le pire moment], mais ce n’était pas la pire expérience que j’aie jamais vécue.
Je n’ai même jamais pris de photo de la pire expérience que j’ai vécue. J’ai trouvé un homme une fois à Salvador, quand les rebelles avaient capturé cette petite ville, qui avait perdu tout le bas de son visage par ses narines, toute la mâchoire était partie, tout le reste. Il avait été touché au visage avec quelques balles et s’était déchiré tout le reste du visage.
Giles, puis-je vous poser une question incroyablement dangereuse? Eh bien, c’est plus personnel que dangereux. Mais je ne peux pas comprendre à ce jour pourquoi vous avez été blessé alors que vous étiez aux mains de l’armée américaine – comment l’appellent-ils? Embarqué?
GD Oui, intégré [attaché à une unité militaire impliquée dans un conflit armé]. C’est intéressant. Vous êtes sous le feu et vous devez aller là où on vous dit. Au Soudan du Sud et au Congo, j’avais l’habitude d’être toujours seule. Lorsque vous êtes avec un groupe de soldats comme celui-là, vous perdez une partie de votre instinct et de votre façon de travailler normalement. Je ne les blâmerais certainement pas, mais il est intéressant de noter que le moment où je me suis blessé était lorsque je ne contrôlais pas totalement ce que je faisais.
Don McCullin: Ils étaient responsables de [vos] blessures, à mon avis, pas vous.
GD Mais dans beaucoup d’endroits où vous avez été, disons, au Vietnam, vous avez peut-être été avec les troupes américaines, mais vous ne les tiendriez pas responsables de votre sécurité?
Don McCullin: Non. Mais à l’époque, vous n’étiez pas intégré. Vous avez obtenu le grade de major, avez sauté sur un hélicoptère et êtes allé où vous vouliez. Ils se moquaient de savoir si vous étiez tué. Je dois dire que mon fils était en Afghanistan avec les Marines, seulement pendant six mois, mais tout le temps qu’il était là, je pensais à toi et j’ai pensé que c’était une chose tellement égoïste de ma part de dire, je ne voulais pas lui de revenir horriblement blessé comme vous l’avez fait. Il est revenu et, il allait bien, il est heureux.
Je me disais que cela ne m’inquiétait pas, mais j’étais inquiète à mort.
Tu pensais comme un père. Giles a payé un prix énorme, mais il faut aussi réfléchir au rôle que joue la chance …
GD Bien sûr. Je me considère comme l’homme le plus chanceux du monde. Seulement 20 personnes dans ce pays ont même survécu à l’explosion et à la perte de trois membres.
Dix-huit mois plus tard, j’étais de retour en Afghanistan pour travailler. J’ai voyagé seul dans 14 pays l’année dernière. J’ai tout ce que j’ai toujours voulu dans ma vie, plus beaucoup plus d’expérience, beaucoup plus de compréhension de la vie et de la mort, mon empathie, mon lien avec les gens.
Il ressort clairement de votre autobiographie, Don, que la photographie de guerre n’est pas un excellent choix de carrière en termes de vie privée? Don McCullin: Cela peut vous ruiner. C’est ce qui s’est passé avec mon premier mariage, même si mes enfants sont revenus vers moi d’une manière très généreuse et m’ont pardonné. Nous sommes une famille très proche mais la photographie – ce n’est pas tout bon.
GD Non. Et même si vous oubliez les dangers, c’est juste le montant de votre absence. Quelque chose d’autre pourrait être planifié et ensuite vous partez… C’est égoïste. Je veux dire qu’il n’y a pas moyen de contourner cela.
Don McCullin: C’est une maîtresse dangereuse, et c’est une de ces amours qui ne finit jamais, vous savez. Cela ne finit jamais. Vous êtes totalement captif de la photographie une fois qu’elle vous prend.
Vous faites tous les deux un travail merveilleux en noir et blanc – c’est presque une marque pour vous, Don. Qu’est-ce que le noir et blanc a cette couleur qui manque?
Don McCullin: J’ai fait quelques photos en couleur, mais je pense que d’une certaine manière, cela commence à être un peu glamour. Vous voyez la couleur, vous pensez à Hollywood. Mais le noir et blanc n’est pas véridique, n’est-ce pas?
Je veux dire, nous ne vivons pas dans un monde en noir et blanc. Nous utilisons le noir et blanc comme arme car il va vous crier et vous crier dessus. Vous ne manquerez pas le noir et blanc, mais vous pourriez passer devant une image couleur.
Don McCullin: … surtout sur le numérique…
GD Oui. Il dit: « C’est exactement la réalité. » Mais ce n’est pas. Une photographie est toujours une fausse chose. J’ai pris une seconde de toute la journée; ma version de la réalité. Le noir et blanc pour moi, c’est honnête, c’est dire, ce n’est évidemment pas la réalité.
Un Turc sprint de la porte exposée d’un vieux cinéma à Limassol, Chypre, 1964. C’était la première mission étrangère de Don McCullin pour l’Observer. Photographie: Don McCullin / Observateur
Les images que je trouve les plus puissantes sont un peu comme des hantises. Ils traînent. Don McCullin: Ils devraient. C’est ce que nous essayons d’apporter. Si je peux hanter les gens avec mes photos, j’ai fait mon travail.
Vous avez tous les deux souffert de dyslexie quand vous étiez garçons et je me demande si votre talent en photographie a été un moyen de trouver un moyen de communication différent et puissant? Don McCullin: J’ai souffert d’être dyslexique. Les maîtres d’école avaient l’habitude de me faire sauter sept cloches parce qu’ils pensaient que je faisais du skiving. J’ai pris de terribles cachettes à des maîtres sadiques et victoriens qui étaient le dernier de cet héritage.
GD Quand j’avais 13 ans, j’ai été retenu un an à l’école. Quand tu as cet âge, se faire dire que tu es stupide et que tout le monde se moque de toi laisse une énorme empreinte. Alors quand à 18 ans j’ai découvert la photographie, trouvé tout le travail de ces photographes, c’était comme découvrir la poésie ou la littérature.
Don McCullin: C’est ce qui nous rend si différents, Giles. Vous avez eu ce formidable coup de pouce dans la culture. À l’âge de 15 ans, je travaillais sur un train à vapeur qui remontait vers le nord de l’Angleterre, faisant la vaisselle dans le wagon-restaurant. Je vivais une vie brute. Je regardais des spectacles de nu!
J’avais l’habitude de dormir dans les hangars des voies ferrées à l’extérieur de Liverpool – Edge Hill – et j’y ai rencontré ce garçon qui m’a emmené dans ce vieux théâtre minable de Liverpool. Les femmes étaient nues – seulement à partir de la taille à l’époque – et elles n’étaient pas autorisées à bouger. Tout a été fait dans un tableau de bon goût.
En regardant vers l’avenir de la photographie maintenant, nous sommes une culture saturée en images: les téléphones portables et Instagram sont-ils une menace?
Don McCullin: Pas du tout une menace. Prenez les casques blancs qui ont risqué leur vie en Syrie: les téléphones étaient le seul moyen de diffuser des informations. Le photojournalisme a pourtant fait son temps. Quand avez-vous vu pour la dernière fois un grand ensemble de photos vraiment sérieux? Les journaux, même les grands journaux, diffusent presque du matériel de type tabloïd sur des stars de cinéma et des footballeurs et des conneries comme ça.
Don McCullin: Je reçois beaucoup de lettres – et vous devez avoir la même chose – disant: «Je veux être photographe de guerre». Je dis aux gens que c’est bien, mais il y a tout autant de guerres en cours dans nos villes.
Si vous voulez être photographe de guerre, sortez et aidez-vous. Ma meilleure histoire n’était pas dans une guerre étrangère; ma meilleure histoire a été l’histoire des sans-abri que j’ai faite dans les années 1970, à Aldgate, à la périphérie de la grande partie lucrative de ce pays, la ville.
Et ça va être dans l’exposition Tate, n’est-ce pas? Don McCullin: Oui. Je suis plus fier de ces images et je suis plus fier des images sociales que j’ai faites de la pauvreté dans le nord de l’Angleterre que de toutes mes images de guerre. Je ne suis pas du tout fier de mes photos de guerre.
Que pensez-vous du spectacle Tate? Don McCullin: C’est inconfortable. Nous devons faire attention à ce que nous faisons car si nous le faisons trop bien, nous transformons notre travail en icônes. Le mot «art» – je déteste absolument qu’il soit associé à la photographie.
La plupart des photographes américains veulent désormais être appelés artistes. Je pourrais être très critiqué pour [être à la Tate Britain] vraiment, mais je suis dans une galerie d’art parce que je ne suis pas dans un journal. J’ai 60 000 négatifs dans cette maison et j’ai une très bonne collection d’environ 400 photos dont je suis vraiment fier.
GD Oui, à quoi ça sert de prendre une photo si personne ne la voit? Il faut le trouver, que ce soit dans une galerie, que ce soit dans un journal.
Je ne peux pas résister à vous demander, Don, comment l’ Observer est devenu le journal à vous commander? Don McCullin: Oui, j’ai commencé ma carrière avec l’ Observer , même si le mot «carrière» me dérange, c’est une vocation. Le journal a publié quelques photos [du gang de Finsbury Park, les Guv’nors] que j’ai envoyées selon les spécifications, puis plus tard le rédacteur en chef, Bryn Campbell, a déclaré: «Envisageriez-vous d’aller à la guerre civile à Chypre?»
Je [sentais que] j’étais capable de léviter; Je pensais que je décollais vraiment! Je suis allé avec l’ observateur correspondant ecclésiastique de la ville de Limassol, tué par la suite à Swiss Cottage par une nuit pluvieuse sur sa Vespa. Et c’est là que j’ai eu mon baptême du feu – j’étais dans le quartier turc et il y avait toutes ces balles. Je courais juste comme un lièvre fou, je ne savais pas ce que je faisais; Je ne me concentrais pas. Et puis je me suis calmé. C’était ma première fois en guerre.
Enfin, je me demande ce que cela signifierait réellement pour vous deux, abandonner la photographie? Don McCullin: Ce sera le jour de ma mort. C’est à ce moment que la photographie me sera volée. Je n’ai pas encore l’intention de mourir, d’ailleurs. Mon moment le plus excitant de ma vie arrive lundi à mon exposition.
Je ne sais pas pourquoi, j’ai eu beaucoup d’expositions et tout d’un coup je ne peux plus dormir la nuit en pensant à celle-ci.
GD J’ai fait ce commentaire sur les mots que j’ai prononcés lors de mon hospitalisation. Si je n’avais pas pu refaire une photo, j’aurais préféré mourir en Afghanistan. La photographie , c’est moi. C’est ma voix. Aussi simple que cela.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
GREGORY CREWDSON : un des plus grands photographes d’art.
Gregory Crewdson est un photographe contemporain américain qui s’est fait connaître pour ses images cinématographiques, souvent décrites comme des scènes de film. Son travail se caractérise par des mises en scène minutieusement planifiées, des décors grandioses, des éclairages sophistiqués et une forte utilisation de la couleur.
Ses photographies ont captivé des millions de personnes à travers le monde. Sa maîtrise de lacomposition et sa capacité à capturer des moments magiques font de lui un artiste très talentueux.
Crewdson a développé un style de photographie qui s‘appelle «Scene on Location ». Ce style est caractérisé par des prises de vue de scènes de la vie quotidienne à l‘aide d‘un ensemble de lumières et d‘équipements professionnels.
Gregory Crewdson
Ses photos sont connues pour leur beauté saisissante et leur capacité à capturer des moments subtils et poignants.L‘œuvre de Crewdson aété largement exposée dans des lieux tels que la Bienal Internacional de Arte de São Paulo, le PérezArt Museum de Miami et le Museum of Modern Art de New York.
En plus de ses expositions, il a également publié plusieurs livres de photographies qui ont captivé les critiques et le public.
Crewdson a également collaboré avec plusieurs marques célèbres pour des campagnes publicitaires, telles que Nike, Calvin Klein et Audi. Il a également réalisé un certain nombre de films, dont la plus célèbre est « Brief Encounters », qui a remporté de nombreux prix.
En plus de sa carrière photographique, Crewdson a également enseigné à diverses universités et a inspiré de nombreuxétudiants à poursuivre leurs rêves artistiques. Son travail aété salué par des critiques et des fans à travers le monde.
Gregory Crewdson est un photographe qui a captivé le monde par sa maîtrise de la composition et sa capacité à capturer des moments magiques. Son travail est reconnu comme l‘un des plus importants et des plus influents de sa génération.
Les photographies de Gregory Crewdson sont des scènes dramatiques qui se sont arrêtées dans le temps, et c’est au spectateur d’imaginer l’histoire. Il est l’un des plus grands photographes d’art.
Les photographies de l’homme, dit « Edward Hopper of Photography », font l’objet d’une production complexe et d’une attention méticuleuse aux détails de la composition, dans laquelle la lumière occupe une place centrale.
Pour ce faire, Gregory Crewdson a construit au fil des années une équipe digne d’un plateau de tournage.
Biographie de Gregory Crewdson
Né en 1962 à Brooklyn, New York, Gregory Crewdson a étudié la photographie à la State University of New York à Purchase, où il a obtenu son diplôme en 1985. Il a ensuite poursuivi ses études à la Yale University School of Art, où il a obtenu un Master of Fine Arts en 1988.
Crewdson a commencé sa carrière en tant que photographe de rue à New York, mais a rapidement commencé à se concentrer sur des projets plus ambitieux, tels que sa série « Natural Wonder » (1992-1997), qui documentait les paysages de parcs nationaux américains. C’est cependant avec sa série « Twilight » (1998-2002) que Crewdson a véritablement commencé à se faire connaître, présentant des images somptueuses de la banlieue américaine.
Le travail de Gregory Crewdson
Le travail de Gregory Crewdson est souvent décrit comme étant « cinématographique » en raison de sa qualité dramatique et de sa capacité à raconter des histoires à travers des images. Ses photographies sont largement construites et planifiées à l’avance, et souvent réalisées avec une équipe importante de collaborateurs, y compris des décorateurs, des éclairagistes et des acteurs.
Ses photographies présentent souvent des scènes mystérieuses et intrigantes, évoquant des thèmes tels que la solitude, l’aliénation et l’angoisse. Les décors sont souvent des maisons de banlieue, des routes de campagne ou des zones industrielles désaffectées, mais ce sont les éclairages sophistiqués et la précision de la composition qui donnent aux images leur caractère cinématographique.
Les photographies de Crewdson ont été largement exposées aux États-Unis et à l’étranger, notamment à la galerie Luhring Augustine à New York, à la Gagosian Gallery à Londres et à la galerie White Cube à Hong Kong. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont « Beneath the Roses » (2008) et « Cathedral of the Pines » (2016).
Les Début en photographie de Gregory Crewdson
Gregory Crewdson est né à Park Slope, Brooklyn, New York, le 26 septembre 1962. Son premier souvenir de la photographie remonte à son 10e anniversaire lorsque son père l’a emmené voir la rétrospective de Diane Arbus au Museum of Modern Art de New York.
Il décrit cette expérience comme «sa première compréhension du mystère et de la complexité des images» et découvre pour la première fois que les photographies peuvent avoir un aspect psychologique et un pouvoir psychologique.
Il n’a commencé à pratiquer que plus tard lorsqu’il s’est inscrit à Purchase dans sa première classe de photographie alors qu’il étudiait à la State University of New York.
Alors qu’il était destiné à une carrière de psychologue, il était logique pour lui de prendre des photos permanentes et statiques sur les traces de son père, qui avait des difficultés à écrire, à lire et à avoir une pensée linéaire claire en tant que dyslexique.
En même temps, il a suivi des cours de théorie du film avec Tom Gynning – ce qui a eu un grand impact pour lui. Il découvre Blue Velvet de David Lynch et Third Kind Meetings de Spielberg.
L’accessibilité de ces films, qui révèlent un côté plutôt sombre, montre la tension que montrera plus tard son univers photographique. Son univers artistique a été largement façonné par son enfance.
Fils de psychanalyste, il se souvient avoir entendu la confiance de certains patients en écoutant. Ces histoires névrotiques ont produit sa photo à mi-chemin entre le cinéma et le côté sombre du mode de vie américain.
Il puise son inspiration dans la littérature et le cinéma. Ses ambiances s’inspirent des films de Spielberg ou Lynch pour leur science-fiction et leurs mondes étrangers; et rappelez-vous également les couleurs et la fantaisie originale de Wes Anderson.
Il y a également des références à Jeff Walls.
GREGORY CREWDSON
A 26 ans, Gregory Crewdson produit sa première série « Early Work ». Une œuvre de 1986 à 1988 qui a jeté les bases de son univers en illustrant l’ennui et le vide dans les familles américaines.
Par rapport au rêve de vie américain, la série suggère que ce dernier n’apparaît qu’illusoire. Trois ans plus tard, il entame sa deuxième série « Natural Wonder », sur laquelle il travaille pendant six ans jusqu’en 1997.
Les photographies immortalisent des micro-événements oniriques ou monstrueux et représentent des cadavres qui se distinguent d’un environnement rural onirique.
Son style est défini: dans un environnement qui semble être typique des jardins normaux de l’Amérique rurale, une sorte d’étrangeté surgit qui est liée à des opposés.
S’ensuit une phase ultra-productive, où le photographe s’essaie au noir et blanc plein de poésie et de mélancolie avec la série « Negative ».
Dans le même temps, il a produit la série «Hover», qui à première vue montre les rues banlieues ordinaires; mais si vous regardez les détails, vous voyez des scènes étranges et étranges.
L’étrange atmosphère de Crewdson Avec « Twilight »
C’est une série sur laquelle il travaille depuis près de cinq ans – Gregory Crewdson a commencé à s’occuper de l’éclairage cinématographique de son style.
Il fait un meilleur usage de l’aspect narratif des photographies en construisant des compositions complexes et très détaillées qui sont capturées dans des reconstructions complètes en studio ou à l’extérieur de Massachusetts.
Apparence manquante, teint translucide, situations bizarres et mystérieuses, travail avec les couleurs et l’atmosphère; ses photographies stimulent l’imagination du spectateur.
On découvre une femme qui flotte distraitement dans un salon inondé; Un adolescent qui plonge sa main dans la douche et qui a accès au monde souterrain qui crée ce contraste entre le lieu de la vie quotidienne et les voyages dans le sentiment imaginaire du voyeurisme.
L’équipe de Gregory Crewdson s’est agrandie au fil des ans. Les visions de l’artiste nécessitent des installations impressionnantes.
Il travaille en étroite collaboration avec Juliane Hiam, son directeur de studio, directeur artistique et partenaire, avec qui il écrit les scènes de ses images. Il travaille également avec le caméraman Rick Sands et Daniel Karp et sa productrice Saskia Rifkin.
Une façon de travailler similaire à celle du cinéma, et pourtant il n’y a ni avant ni après en photographie. Juste figé un instant. Le photographe utilise cette limitation, qu’il trouve positive dans son travail; pour créer plus de mystère.
GREGORY CREWDSON
Si la série « Beneath the Roses » utilise les mêmes codes et le même style, les photographies seront davantage axées sur l’aspect psychologique et les événements réels. « Créer une image est un acte de recherche. C’est de la recherche, un acte de découverte de soi
. » La solitude, l’inconfort, la désillusion et la frustration composent la complexité des sentiments qui ont été inspirés par les photographies de la série. Les personnages semblent errer sans expression.
Ces photographies représentent des moments de la vie quotidienne où le temps s’est arrêté pour prendre un tour irrationnel, explique Gregory Crewdson.
Il s’agit de la dernière série qu’il réalise dans la chambre avec un Hasselblad 8 × 10 – son appareil photo habituel, choisi pour sa clarté et sa présentation précise des détails. Un format moyen de Phase One est maintenant utilisé.
En 2002, il réalise « Dream House » avec les actrices Julianne Moore, Gwyneth Paltrow et Tilda Swindon, qu’il dirige dans cette étrange atmosphère.
L’année 2009 a été suivie de « Sanctuary »: photographies en noir et blanc prises comme documentaire sur les studios Cinecittà à Rome. Destiné à rivaliser avec Hollywood, il a photographié ces studios abandonnés qui étaient en passe de devenir une ville fantôme – et a rendu ces deux séries sacrées pour son lien étroit avec le cinéma.
L’évolution du style Crewdson
Après 5 ans à ne plus produire, Crewdson est revenu en 2014 avec une nouvelle série, Cathedral of the Pines, combinant extérieur et intérieur de la ville de Becket, Massachusetts, où il a passé son enfance.
En période hivernale, les personnages sont toujours plongés dans ce type de vide, seuls, comme s’ils n’étaient pas connectés.
Gregory Crewdson réalise cette série après une phase sombre de sa vie et la considère comme des personnages dans une tentative de « connexion ». Pour lui, l’art et la vie se mélangent et se nourrissent.
Les photographies de Gregory Crewdson, qui frisent la réalité, sont un mélange d’espaces extérieurs rêveurs, mystérieux et désenchantés et de caméras privées, qui résultent du contrôle absolu de chaque élément dont ses images sont composées.
Gregory Crewdson est un photographe et réalisateur américain né en 1962 à Brooklyn, New York.
2. Quel est le style de photographie de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson est connu pour ses photographies mises en scène, souvent grandioses et mystérieuses, avec une esthétique proche du cinéma hollywoodien.
3. Où peut-on voir les photographies de Gregory Crewdson ?
Les photographies de Gregory Crewdson sont exposées dans des galeries et des musées du monde entier. Il a notamment exposé au MoMA, à la Gagosian Gallery, et à la White Cube Gallery.
4. Quel est le processus de création de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson travaille avec une équipe de professionnels pour créer ses photographies mises en scène. Il utilise des décors grandioses, des costumes, des éclairages sophistiqués et des acteurs professionnels pour créer des images souvent surréalistes.
5. Quel est le message que Gregory Crewdson veut transmettre à travers ses photographies ?
Gregory Crewdson ne cherche pas à donner une signification unique à ses photographies, mais plutôt à susciter une réaction émotionnelle chez le spectateur et à encourager la réflexion sur des thèmes universels tels que l’isolement, l’aliénation et la perte.
6. Gregory Crewdson utilise-t-il des logiciels de retouche d’image ?
Gregory Crewdson utilise des logiciels de retouche d’image pour peaufiner ses photographies, mais il s’efforce de garder l’aspect naturel de ses images et évite les retouches excessives.
7. Quel est le coût d’une photographie de Gregory Crewdson ?
Les photographies de Gregory Crewdson sont très prisées et peuvent se vendre pour des sommes allant jusqu’à plusieurs centaines de milliers de dollars en fonction de la taille et de l’édition.
8. Quel est le processus d’édition des photographies de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson travaille avec des éditeurs pour sélectionner les images à inclure dans ses livres et expositions. Il est très méticuleux dans le choix de ses images et peut prendre plusieurs années pour éditer un seul projet.
9. Gregory Crewdson a-t-il reçu des prix pour son travail ?
Oui, Gregory Crewdson a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment le prix Infinity Award du International Center of Photography et le prix Lucie Award du Photographic Resource Center.
10. Quel est le prochain projet de Gregory Crewdson ?
Actuellement, Gregory Crewdson travaille sur un nouveau projet intitulé « An Eclipse of Moths ». Ce projet comprendra une série de photographies grand format et un film court. Crewdson a décrit le projet comme explorant « l’obscurité de la psyché humaine et les luttes internes que nous traversons tous ».
Imaginez un festival où la musique rencontre l’histoire, où les sons modernes résonnent dans les murs antiques d’un amphithéâtre romain. Ce lieu existe, et c’est là que le Festival de Nîmes prend vie chaque été. Installé dans les arènes de Nîmes, un site classé au patrimoine mondial de l’UNESCO, ce festival offre une expérience musicale unique, alliant la grandeur du passé à l’énergie du présent.
Depuis sa création, le Festival de Nîmes s’est imposé comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs de musique de tous horizons. Dans cet article, nous plongerons dans l’histoire, l’évolution, et l’impact culturel de ce festival unique en son genre, tout en explorant ce qui fait du Festival de Nîmes un événement si spécial.
1. L’Histoire du Festival de Nîmes : Un Héritage Millénaire au Service de la Musique
1.1 Les Origines : Quand l’Histoire Rencontre la Musique
Le Festival de Nîmes est ancré dans une histoire riche qui remonte à l’époque romaine. Les arènes de Nîmes, construites vers la fin du Ier siècle, ont longtemps été un lieu de spectacles, d’abord pour les combats de gladiateurs, puis pour des événements publics au fil des siècles. Cependant, ce n’est qu’en 1997 que les arènes ont été redécouvertes sous un nouvel angle : celui d’un espace dédié à la musique contemporaine.
Les arènes de Nîmes : Ce majestueux amphithéâtre romain, pouvant accueillir jusqu’à 24 000 spectateurs, est l’un des mieux préservés au monde. Avec sa structure elliptique imposante et ses gradins en pierre, les arènes offrent une acoustique exceptionnelle qui en fait un lieu idéal pour les concerts en plein air. L’idée de transformer cet édifice antique en une scène musicale moderne est née de la volonté de conjuguer patrimoine et culture vivante.
AVATAR-metal-band-concert-festival-nimes-credit photo Eric CANTO- (1)
La première édition du festival : En 1997, la ville de Nîmes décide de lancer un festival de musique estivale pour dynamiser la vie culturelle et attirer les visiteurs. Cette première édition marque le début d’une nouvelle ère pour les arènes, qui deviennent un lieu emblématique non seulement pour les habitants de Nîmes, mais aussi pour les artistes et les spectateurs du monde entier. Le succès est immédiat, et le Festival de Nîmes s’impose rapidement comme un événement phare de l’été.
1.2 L’Évolution du Festival : Une Scène Internationale
Au fil des années, le Festival de Nîmes a évolué pour devenir l’un des plus grands festivals de musique en France, attirant des artistes de renommée internationale et un public toujours plus large.
Une programmation éclectique : Le Festival de Nîmes se distingue par sa programmation diversifiée, qui couvre une large gamme de genres musicaux. Du rock au rap, en passant par la musique classique et la chanson française, le festival a su attirer un public varié en offrant des concerts pour tous les goûts. Cette diversité est l’une des clés de son succès, permettant à chaque édition de proposer des moments uniques qui marquent les esprits.
Les grands noms du festival : Au fil des ans, le Festival de Nîmes a accueilli certains des plus grands noms de la musique, comme Metallica, David Bowie, Radiohead, Elton John, et bien d’autres. Ces performances légendaires ont contribué à asseoir la réputation du festival, qui est désormais reconnu comme un événement incontournable pour les artistes en tournée mondiale. Chaque année, la programmation mélange habilement des icônes de la musique avec des artistes émergents, créant une expérience musicale riche et variée.
Une notoriété grandissante : Avec chaque nouvelle édition, le Festival de Nîmes a gagné en notoriété, attirant non seulement des spectateurs français, mais aussi un public international. Les arènes de Nîmes, avec leur cadre unique, sont devenues un lieu mythique où artistes et spectateurs viennent vivre une expérience hors du commun. Cette reconnaissance internationale a permis au festival de s’inscrire durablement dans le paysage des grands événements culturels européens.
1.3 Le Festival Aujourd’hui : Un Événement Culturel Incontournable
Aujourd’hui, le Festival de Nîmes est bien plus qu’un simple festival de musique ; c’est un événement culturel majeur qui joue un rôle important dans la vie sociale et économique de la région.
Un impact économique et touristique : Le Festival de Nîmes attire chaque année des milliers de visiteurs, générant des retombées économiques significatives pour la ville et ses environs. Les hôtels, restaurants, et commerces locaux bénéficient directement de l’afflux de spectateurs, faisant de l’événement un moteur économique pour la région. De plus, la renommée du festival contribue à la promotion touristique de Nîmes, attirant des visiteurs qui viennent découvrir le riche patrimoine historique de la ville.
Une expérience unique pour les artistes : Pour les artistes, se produire dans les arènes de Nîmes est une expérience unique en son genre. Le cadre exceptionnel et l’histoire des lieux ajoutent une dimension particulière aux concerts, souvent décrits comme des moments magiques et mémorables. De nombreux musiciens considèrent leur passage au Festival de Nîmes comme un moment fort de leur carrière, et certains reviennent même à plusieurs reprises pour retrouver cette atmosphère incomparable.
Un engagement envers la qualité : Le succès du Festival de Nîmes repose également sur un engagement constant envers la qualité, tant sur le plan artistique que technique. Les organisateurs veillent à offrir des conditions optimales pour les artistes et les spectateurs, avec une attention particulière portée à l’acoustique, aux éclairages, et à la sécurité. Cet engagement se reflète dans la satisfaction du public, qui revient chaque année pour vivre de nouvelles expériences musicales.
2. Les Moments Inoubliables du Festival de Nîmes : Des Concerts Légendaires
2.1 Les Performances Mémorables : Quand la Musique Fait Vibrer les Arènes
Le Festival de Nîmes est le théâtre de performances mémorables qui restent gravées dans la mémoire des spectateurs. Chaque édition apporte son lot de moments inoubliables, où la magie de la musique se mêle à l’atmosphère unique des arènes.
Metallica en 2009 : L’un des concerts les plus emblématiques du Festival de Nîmes reste celui de Metallica en 2009. Le groupe de heavy metal, connu pour ses performances intenses, a enflammé les arènes avec un set explosif, devant un public en délire. Ce concert a été enregistré et publié sous forme de DVD, intitulé « Français Pour Une Nuit », ce qui a permis à des millions de fans à travers le monde de revivre cette soirée exceptionnelle. Pour beaucoup, ce concert reste l’un des moments les plus marquants de l’histoire du festival.
David Bowie en 2002 : En 2002, le légendaire David Bowie a marqué les esprits avec un concert sublime dans les arènes de Nîmes. Sa voix unique et son charisme ont envoûté le public, offrant une performance qui est restée dans les annales du festival. Ce concert, qui s’est tenu lors de la tournée « Heathen Tour », a été salué pour son intensité et sa setlist variée, mêlant des classiques intemporels à des morceaux plus récents. Pour beaucoup de fans, voir Bowie se produire dans un cadre aussi majestueux a été une expérience inoubliable.
Radiohead en 2012 : En 2012, le groupe britannique Radiohead a fait vibrer les arènes de Nîmes avec une performance magistrale. Le mélange de sons électroniques et de rock alternatif du groupe a trouvé un écho particulier dans l’acoustique des arènes, créant une atmosphère presque surnaturelle. Le concert a été marqué par des moments de pure émotion, notamment lors de l’interprétation de morceaux tels que « Paranoid Android » et « Street Spirit (Fade Out) ». Cette performance reste l’une des plus acclamées par les critiques et les fans du festival.
Elton John en 2015 : Le passage d’Elton John au Festival de Nîmes en 2015 a été un autre moment fort. Le légendaire chanteur et pianiste a offert un concert empreint d’élégance et de générosité, interprétant ses plus grands succès devant un public conquis. Les arènes de Nîmes, illuminées par les feux de la scène, ont résonné au son de classiques tels que « Rocket Man », « Your Song », et « Candle in the Wind », créant une ambiance à la fois festive et émotive. Cette soirée a confirmé la capacité du festival à accueillir des artistes de renommée mondiale dans un cadre à la hauteur de leur talent.
2.2 Les Moments Surprenants : Quand l’Inattendu Crée la Magie
Au-delà des performances prévues, le Festival de Nîmes a également été le théâtre de moments inattendus qui ont ajouté une touche de magie à l’événement.
Les invités surprises : Il n’est pas rare que des artistes invités fassent des apparitions surprises lors des concerts, créant des moments de pure excitation pour le public. Lors du concert de Foo Fighters en 2018, par exemple, les spectateurs ont eu la surprise de voir Perry Farrell, le chanteur de Jane’s Addiction, rejoindre le groupe sur scène pour une reprise endiablée de « Mountain Song ».
Ces moments improvisés sont souvent ceux qui restent gravés dans les mémoires, car ils ajoutent un élément d’imprévisibilité à l’expérience.
Les collaborations inédites : Le Festival de Nîmes est aussi un lieu où des collaborations inattendues peuvent voir le jour. En 2014, lors d’un concert de Ben Harper & The Innocent Criminals, le groupe a été rejoint sur scène par Charlie Musselwhite, le légendaire harmoniciste de blues, pour un duo improvisé. Cette rencontre entre deux grands noms de la musique a donné lieu à une performance exceptionnelle, marquant les esprits par sa spontanéité et son authenticité.
Les Arènes de Nîmes
Les moments de communion avec le public : Certains concerts au Festival de Nîmes ont été marqués par des moments de communion particulièrement forts entre les artistes et le public.
Lors du concert de Rammstein en 2013, le groupe allemand, connu pour ses spectacles pyrotechniques spectaculaires, a réussi à créer une atmosphère de pure énergie et de connexion avec les spectateurs. Le final, où le public a chanté en chœur « Sonne », a été un moment de pure magie, montrant la puissance de la musique pour rassembler et émouvoir.
2.3 L’Expérience des Arènes : Plus Qu’un Simple Concert
Assister à un concert au Festival de Nîmes, c’est vivre une expérience unique où la musique et l’histoire se rejoignent pour créer quelque chose de plus grand que la somme de ses parties.
Le cadre historique : Les arènes de Nîmes offrent un cadre incomparable pour les concerts. Ce monument historique, qui a traversé les siècles, ajoute une dimension particulière à chaque performance. La grandeur des lieux, combinée à l’intimité que procure l’amphithéâtre, crée une atmosphère à la fois solennelle et festive. Pour les spectateurs, assister à un concert dans un tel lieu est une expérience inoubliable, où l’histoire se mêle à la musique contemporaine.
L’acoustique exceptionnelle : L’une des raisons pour lesquelles les arènes de Nîmes sont si prisées pour les concerts est leur acoustique exceptionnelle. La structure en pierre et la forme elliptique de l’amphithéâtre permettent une diffusion du son d’une qualité rare, faisant de chaque note une expérience sensorielle intense.
Que vous soyez installé dans les gradins ou près de la scène, la qualité sonore est toujours au rendez-vous, ce qui contribue à l’immersion totale dans le spectacle.
Une atmosphère particulière : L’atmosphère des concerts au Festival de Nîmes est souvent décrite comme électrique. La combinaison de la musique, du cadre historique, et de l’énergie du public crée une ambiance unique, où chaque concert devient un événement à part entière. Les spectateurs viennent non seulement pour écouter de la musique, mais pour vivre une expérience, partager des moments forts avec d’autres passionnés, et créer des souvenirs qui dureront toute une vie.
3. L’Impact Culturel et Économique du Festival de Nîmes
3.1 Un Moteur Économique pour la Région
Le Festival de Nîmes joue un rôle crucial dans l’économie locale, attirant chaque année des milliers de visiteurs qui contribuent à la vitalité économique de la ville et de ses environs.
Les retombées économiques : Chaque été, le Festival de Nîmes attire un large public, tant national qu’international. Cet afflux de visiteurs génère des retombées économiques importantes pour la région.
Les hôtels, restaurants, et commerces locaux bénéficient directement de l’événement, avec une augmentation notable de l’activité pendant la période du festival. Selon des études locales, le festival contribue de manière significative à l’économie de la ville, en particulier dans les secteurs de l’hôtellerie et de la restauration.
La création d’emplois : Le festival génère également des emplois temporaires, tant directs qu’indirects. De la billetterie à la sécurité, en passant par la logistique et le service à la clientèle, de nombreux postes sont créés pour répondre aux besoins du festival.
De plus, l’événement soutient l’activité des prestataires locaux, tels que les techniciens du son, les entreprises de location de matériel, et les fournisseurs de services divers, contribuant ainsi à la dynamique économique locale.
Les Arènes de Nîmes
La promotion touristique : Le Festival de Nîmes joue un rôle clé dans la promotion de la ville sur la scène nationale et internationale. En attirant des visiteurs de toute la France et d’au-delà, le festival contribue à renforcer l’image de Nîmes en tant que destination culturelle de premier plan. De nombreux spectateurs profitent de leur venue pour explorer la ville et ses environs, visitant les monuments historiques, les musées, et les sites naturels, ce qui augmente l’attrait touristique de la région.
3.2 Un Catalyseur Culturel : Promouvoir la Musique et les Arts
Au-delà de son impact économique, le Festival de Nîmes est également un catalyseur culturel, contribuant à la promotion de la musique et des arts dans la région.
Une scène pour tous les genres : Le Festival de Nîmes se distingue par sa capacité à rassembler des artistes de tous horizons musicaux, offrant une scène aux talents émergents comme aux artistes confirmés. Cette diversité musicale permet au festival de toucher un large public, tout en offrant une vitrine aux différents genres musicaux. Du rock au jazz, en passant par la pop, la musique classique, et l’électro, le festival célèbre la richesse et la diversité de la musique contemporaine.
Le soutien aux artistes locaux : En plus des grands noms de la scène internationale, le festival accorde une place importante aux artistes locaux, leur offrant une opportunité unique de se produire dans un cadre prestigieux. Ce soutien aux talents régionaux contribue à dynamiser la scène musicale locale, en offrant une visibilité précieuse aux artistes et en encourageant la création musicale dans la région.
Le festival collabore également avec des associations culturelles locales pour organiser des événements parallèles, tels que des expositions, des ateliers, et des rencontres artistiques.
Une plateforme pour l’innovation artistique : Le Festival de Nîmes n’est pas seulement un lieu de diffusion de la musique ; il est aussi un laboratoire d’innovation artistique. De nombreux artistes profitent du cadre unique des arènes pour expérimenter de nouvelles formes de performances, en intégrant des éléments visuels, scénographiques, et technologiques à leurs concerts. Cette ouverture à l’innovation fait du festival un espace de création et de découverte, où le public peut assister à des spectacles qui repoussent les limites de la scène musicale traditionnelle.
3.3 Un Héritage Durable : Conjuguer Culture et Patrimoine
Le Festival de Nîmes joue un rôle essentiel dans la préservation et la valorisation du patrimoine historique de la ville, tout en contribuant à la transmission culturelle pour les générations futures.
La valorisation des arènes : En organisant des concerts dans les arènes, le festival contribue à la valorisation de ce monument historique exceptionnel. Plutôt que de rester un simple vestige du passé, les arènes de Nîmes sont devenues un lieu vivant, où le patrimoine historique et la culture contemporaine se rejoignent.
Cette utilisation moderne du site permet de le maintenir en vie, tout en offrant au public une expérience culturelle unique. De plus, une partie des revenus générés par le festival est réinvestie dans l’entretien et la restauration des arènes, contribuant ainsi à la préservation du patrimoine pour les générations futures.
La transmission culturelle : Le Festival de Nîmes s’inscrit dans une démarche de transmission culturelle, en mettant l’accent sur l’accessibilité et l’éducation. Des initiatives telles que des billets à tarif réduit pour les jeunes, des concerts pédagogiques, et des rencontres avec les artistes sont organisées pour sensibiliser les nouvelles générations à la musique et aux arts. Cette démarche éducative vise à susciter l’intérêt des jeunes pour la culture et à les encourager à devenir les spectateurs et les créateurs de demain.
Un engagement écologique : Conscient de l’impact environnemental des grands événements, le Festival de Nîmes a également pris des mesures pour réduire son empreinte écologique. Des initiatives telles que le tri sélectif, la réduction des déchets plastiques, et l’utilisation d’énergies renouvelables sont mises en place pour rendre le festival plus respectueux de l’environnement. De plus, des partenariats avec des associations locales de protection de l’environnement sont établis pour sensibiliser le public aux enjeux écologiques et promouvoir des pratiques durables.
Conclusion
Le Festival de Nîmes est bien plus qu’un simple événement musical ; c’est une rencontre entre l’histoire et la modernité, un espace où la musique prend vie dans un cadre unique et chargé de sens. Depuis sa création, ce festival a su s’imposer comme un acteur incontournable de la scène culturelle européenne, attirant des artistes de renommée mondiale et un public toujours plus large.
En conjuguant la préservation du patrimoine, l’innovation artistique, et l’engagement pour la durabilité, le Festival de Nîmes continue de jouer un rôle essentiel dans la promotion de la musique et des arts, tout en contribuant à l’économie et à la vitalité culturelle de la région. Que vous soyez un mélomane passionné, un amateur d’histoire, ou simplement à la recherche d’une expérience inoubliable, le Festival de Nîmes offre un voyage unique au cœur de la musique et du patrimoine.
FAQ
1. Quand se déroule le Festival de Nîmes ?
Le Festival de Nîmes se déroule chaque été, généralement de juin à juillet, dans les arènes de Nîmes. La programmation est annoncée quelques mois à l’avance, avec des concerts étalés sur plusieurs semaines.
2. Comment puis-je acheter des billets pour le Festival de Nîmes ?
Les billets pour le Festival de Nîmes peuvent être achetés en ligne via le site officiel du festival ou dans les points de vente autorisés. Il est recommandé de réserver à l’avance, car certains concerts se vendent rapidement.
3. Quels genres musicaux sont représentés au Festival de Nîmes ?
Le Festival de Nîmes propose une programmation éclectique, couvrant une large gamme de genres musicaux, du rock au rap, en passant par la musique classique, la pop, le jazz, et bien d’autres.
4. Le Festival de Nîmes est-il accessible aux personnes à mobilité réduite ?
Oui, le Festival de Nîmes met en place des dispositifs pour accueillir les personnes à mobilité réduite, avec des accès dédiés et des places réservées dans les arènes. Il est conseillé de contacter l’organisation à l’avance pour toute demande spécifique.
5. Y a-t-il des activités en dehors des concerts lors du Festival de Nîmes ?
En plus des concerts, le Festival de Nîmes propose parfois des expositions, des rencontres avec les artistes, et d’autres événements culturels en parallèle. La ville de Nîmes offre également de nombreuses possibilités de visites touristiques, notamment ses monuments historiques et ses musées.
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Le format du fichier RAW est couramment utilisé par les experts et les photographes professionnels pour optimiser les photos et obtenir de meilleures capacités de traitement que JPG ou TIFF.
En plus des données du capteur, le fichier RAW contient toutes sortes d’informations, y compris des informations spécifiques à l’appareil photo (marque, modèle, type d’objectif, etc.), ainsi que des données d’image (paramètres d’exposition), vitesse, ouverture, etc.) ou des données EXIF.
Le fichier RAW peut être considéré comme l’équivalent d’un négatif argent. Les informations liées à l’image sont en fait des données brutes du capteur, données qui peuvent être soumises au premier traitement par l’électronique interne du boitier selon les marques.
Cependant, ces données ne sont pas un fichier image dans le sens où ce sont des données brutes.
Le fichier RAW n’est lisible par aucun logiciel, il est nécessaire d’utiliser un logiciel spécialisé qui sait interpréter les données RAW et permet de générer un fichier utilisable dans un format clé, tel que JPG ou TIFF.
Comment lire un fichier RAW
Certains systèmes d’exploitation peuvent reconnaître et afficher le fichier RAW (par exemple, Windows 7) ainsi que certains logiciels génériques, mais il est généralement impossible de créer des fichiers à l’aide de ce logiciel générique.
Les logiciels de création et de traitement de fichier RAW (par exemple Adobe Lightroom ou Nikon Capture NX2) sont communément appelés derawtiser.
Fichier RAW ou fichier JPEG ?
Exemples de logiciels de traitement RAW Voici quelques exemples des logiciels de traitement RAW les plus connus :
Certains logiciels de traitement d’image nécessitent un complément pour lire et traiter les fichiers RAW, comme le logiciel Adobe à l’aide du module Camera RAW. Ce module est installé par défaut avec le logiciel mentionné ci-dessus. Le logiciel GIMP gratuit nécessite un plug-in UFRaw gratuit.
Les fichiers RAW doivent nécessairement contenir des informations pour obtenir une image visible en plus des données brutes du capteur :
– Métadonnées du capteur photo nécessaires pour interpréter les données d’image. Il s’agit notamment de la taille du capteur, son profil de couleur et la disposition des filtres de couleur.
– Métadonnées contextuelles utiles à inclure dans tout système de gestion de contenu ou base de données: paramètres d’exposition, modèle d’appareil, date (et emplacement facultatif) des photos vues, informations sur l’auteur, etc.; ces métadonnées peuvent être incluses dans la section au format EXIF
– Miniature de l’image, image éventuellement réduite au format JPEG, qui permet un aperçu rapide
– Détails pour la numérisation des films de cinéma
– Les paramètres saisis par l’utilisateur ou les systèmes automatisés au moment du tournage
– Données du capteur.
Dans les fichiers bruts, les informations de luminosité sont codées avec une valeur proportionnelle au flux lumineux reçu par chaque élément. Dans la plupart des cas, chaque élément fournit une valeur pour une seule couleur.
Dans tous les formats d’image affichés, chaque pixel contient 24 bits, huit pour chaque couleur primaire, avec une correction gamma standard sRGB en général, de sorte que la différence entre les deux valeurs consécutives est imperceptible.
La différence entre ces valeurs est plus grande en lumière qu’en ombre. Si la valeur sRGB maximale, 0xFF, correspond à une valeur linéaire de 1000 unités de luminance, la différence avec la valeur sRGB immédiatement inférieure, 0xFE, est de 9 unités, tandis que la première valeur supérieure à 0, 0x01, correspond à 0,3 unité.
Il faut environ 3300 échelons à intervalles réguliers pour obtenir un pas de quantification comparable aux écrans dans les ombres et en lumière vive.
Pour corriger l’exposition, multipliez les valeurs de ligne par le nombre. Ces valeurs se trouvent dans le fichier Raw; dans l’image affichée, la différence imperceptible entre la valeur lumineuse moyenne et élevée peut devenir visible si elle est multipliée par un facteur.
L’augmentation de contraste que les caméras font souvent pour améliorer l’apparence d’une image renforce cet effet. Pour réduire la taille des fichiers et faciliter l’archivage et la transmission, le format JPEG utilise des méthodes beaucoup plus sophistiquées pour s’adapter à la perception humaine.
Ils réduisent irréversiblement les informations de couleur et coupent l’image en blocs de 8 par 8 pixels qui apparaissent si nous essayons de faire des corrections extrêmes.
Mais même si le fichier image PPM ou TIFF est plus volumineux que le fichier Raw (24 bits par pixel sans compression au lieu de 12 ou 14, avec compression sans perte), il contient moins d’informations, car une grande partie de ses données est interpolée avant que la correction gamma n’en élimine une partie.
Pourquoi shooter en Raw ? Pourquoi ne pas shooter en JPEG ?
Telles sont les questions qui divisent les photographes depuis de nombreuses années maintenant. D’une part, si vous êtes un pro, vous avez vos éditeurs qui veulent des images le plus tôt possible alors que de nombreux amateurs ne veulent pas faire tout le post-traitement de l’édition de fichier Raw.
Est-il difficile de modifier de fichier Raw ? Cela prend-il beaucoup plus de temps que le JPEG ? Examinons donc ces questions une par une et je soulignerai pourquoi, à mon avis, vous devriez shooter en RAW.
Contrairement à JPG, le format RAW permet à toutes les informations d’être capturées par le capteur. En effet, le fichier JPG est généré par la caméra selon les paramètres de prise de vue sélectionnés, et après la création du fichier JPG par l’électronique interne, il n’est plus possible d’intervenir dans l’image initiale.
Le logiciel de traitement d’image peut gérer les formats JPG de manière satisfaisante, mais RAW est le seul format qui offre une efficacité de traitement maximale.
Est-il difficile de modifier des fichiers bruts ? Pour être honnête, c’est assez facile et une fois que vous avez l’expérience, vous pouvez modifier les fichiers très rapidement. Je fais la plupart de mes retouches sur les photos en moins de 30 secondes par image.
Mais c’est avec beaucoup de pratique. Presque toute mon édition se fait dans Lightroom et j’irai rarement dans Photoshop lors de l’édition. Je vois toujours Photoshop primaire pour la manipulation d’images, tandis que Lightroom est pour la retouche photo.
Tant que vous utilisez une application comme Lightroom pour votre édition, vous devriez pouvoir éditer rapidement des photos brutes. Alors pourquoi tant de gens détestent-ils éditer leurs photos ?
La réponse simple est que ce n’est pas excitant. Appuyer sur le bouton de l’appareil photo est passionnant, mais s’asseoir devant votre ordinateur est ennuyeux. Donc, beaucoup d’amateurs veulent juste la partie sexy de la photographie, prendre une photo, la télécharger sur Internet, puis leur travail est terminé.
fichier RAW ou fichier JPEG ?
Ces types d’amateurs ne réalisent pas que c’est en post-traitement de vos images que vous développez votre style photographique. Prendre une photo, ce n’est que la moitié du travail.
Autrefois, les photographes passaient des heures dans la chambre noire à retoucher leurs clichés, et aujourd’hui ce ne devrait pas être différent. Ce n’est pas parce que le support a changé que la méthode a changé. Chaque photo que je poste pour le travail est prise en Raw et éditée.
Toute photo enregistrée au format JPEG est à peu près définie comme ça. C’est comme un gâteau, une fois le gâteau cuit, il faut le manger. Si vous n’aimez pas son goût, eh bien, vous ne pouvez rien faire.
Soit le garder ou le jeter. Shooter en Raw, c’est comme avoir la recette et les ingrédients crus pour le gâteau et vous pouvez y apporter les dernières modifications avant de cuire le gâteau.
Vous pouvez changer tellement de choses dans un fichier brut, contrairement à un JPEG. Vous pouvez modifier la balance des blancs, modifier les détails de l’ombre, contrôler les niveaux de bruit et la netteté de la photo.
Lorsque vous photographiez en JPEG dans votre appareil photo, l’appareil photo fait de son mieux pour deviner les paramètres corrects, mais il se trompe presque toujours.
Les fichiers bruts vous permettent de modifier légèrement les paramètres de votre appareil photo après la prise de la photo.
La plupart des fichiers JPEG, lorsque vous les modifiez, vous perdrez de la qualité. Chaque fois que vous enregistrez un JPEG, la qualité diminue légèrement. Les fichiers bruts ne perdent pas leur qualité si vous les modifiez ou même les enregistrez.
Personnellement, je ne recommanderais pas d’enregistrer les modifications que vous apportez sur un fichier brut. Vous voulez que le fichier brut reste original afin que vous puissiez y apporter des modifications futures lorsque le logiciel d’édition s’améliorera.
Les images ISO élevées
La deuxième raison pour laquelle vous devez prendre des photos en RAW est lorsque vous prenez des images ISO élevées.
La plupart des appareils photo utiliseront leurs propres filtres ISO élevés pour JPEG et ils ont tendance à tout adoucir, même si je peux contrôler la réduction du bruit moi-même lors de l’édition et contrôler ce qui se passe avec le bruit et en éditer une grande partie sans rendre la photo très douce.
La technologie est l’outil que nous utilisons pour créer, mais ce ne doit pas être le créateur. Un photographe doit toujours être le créateur, c’est votre vision, pas la décision de certaines routines logicielles.
L’évolution constante des logiciels
L’autre raison qui me laisse à penser qu’il faut shooter en RAW est liée à l’évolution constante des logiciels.
Le logiciel continue de s’améliorer, et si vous avez votre fichier RAW, vous pouvez revenir en arrière et rééditer vos images à l’avenir et obtenir des résultats encore meilleurs que ceux que vous pouvez obtenir actuellement.
Si vous regardez l’édition de fichier RAW dans Lightroom 2 et que vous les comparez à Lightroom 6 ou CC, vous verrez une énorme augmentation de la qualité d’image. Avec un JPEG, ce que vous voyez est ce que vous obtenez. Rien ne peut l’améliorer.
Si le fichier en RAW est si bon, pourquoi les professionnels subissent-ils tant de pression pour prendre des photos JPEG ces derniers temps ?
Beaucoup de nouvelles agences passent aux politiques JPEG uniquement et de nombreux professionnels n’en sont pas trop satisfaits.
Le temps c’est de l’argent et les photos perdent très rapidement leur valeur. La plupart des agences de presse veulent des images dès que possible. Un délai de 5 heures sur les images est trop lent. La plupart des agences souhaitent que les images soient mises en ligne dès que possible.
Ils voient une mauvaise image d’un événement qui est mis en ligne en quelques secondes, bien plus précieuses qu’une excellente image avec 5 heures de retard. Cela met les pros dans une situation difficile, car les photos sont désormais devenues un support jetable.
On peut aussi tricher le système. Je prends toujours des photos brutes, mais je transfère les fichiers bruts sur mon téléphone portable, j’en édite rapidement quelques-uns sur mon téléphone et les envoie à mon éditeur.
De cette façon, je garde toujours mon style sur la photo, mais je parviens également à garder mes éditeurs heureux. Je ferai bientôt un article sur l’édition de photos sur téléphone, car c’est quelque chose de nouveau en photographie que tous les professionnels devront faire pour adapter leur flux de travail pour survivre.
De plus, de nombreuses photos mobiles commencent à offrir des capacités brutes maintenant. Je shoote toujours avec la meilleure qualité possible. Mais s’il s’agit d’un instantané de mes animaux de compagnie ou de ma petite amie, je peux prendre des photos en JPEG pour pouvoir publier l’image sur les réseaux sociaux, puis supprimer le fichier.
Mais toute image que je prévois d’enregistrer, je continuerai à la shooter dans la haute qualité possible qui est jusqu’à présent, RAW.
Inconvénients du fichier RAW par rapport au JPEG
Bien qu’il présente de nombreux avantages, le fichier RAW présente encore certains inconvénients que vous devez connaître. La taille du fichier RAW est supérieure à la taille du fichier JPG pour la même image.
On peut donc stocker moins de photos sur la même carte mémoire, ce qui impose des restrictions supplémentaires en termes d’espace disque sur votre ordinateur.
Selon l’appareil photo, l’enregistrement de fichier RAW sur la carte prend plus de temps pendant la prise de vue, ce qui réduit la fréquence d’images en mode de prise de vue en continu.
Le fichier RAW ne peut pas être distribué immédiatement avant le traitement. Pour l’envoyer par email ou le publier sur un site internet, vous devez le traiter et créer un fichier JPG. Il en va de même pour l’obtention d’impressions dans un laboratoire numérique ou un laboratoire en ligne.
Bonus : Les logiciels & convertisseurs
Logiciels libres et open source
darktable est un outil de workflow brut pour macOS, Windows, Linux et autres systèmes d’exploitation ouverts de type Unix. Le logiciel comprend un traitement natif en virgule flottante 32 bits et une architecture de plug-in.
dcraw est un programme qui lit la plupart des formats bruts et peut être exécuté sur des systèmes d’exploitation non pris en charge par la plupart des logiciels commerciaux (comme Unix ). LibRaw [56] est une bibliothèque d’ API basée sur dcraw, offrant une interface plus pratique pour lire et convertir des fichiers bruts. HDR PhotoStudio et AZImage [57] sont quelques-unes des applications commerciales qui utilisent Libraw. Jrawio est une autre bibliothèque d’ API , écrite en code Java pur et conforme à l’API Java Image I / O standard.
digiKam est une application avancée de gestion de photos numériques pour Linux, Microsoft Windows et Mac OS X qui prend en charge le traitement brut.
ExifTool prend en charge la lecture, l’écriture et l’édition de métadonnées dans des fichiers d’images brutes. ExifTool prend en charge de nombreux types de métadonnées, notamment Exif , GPS, IPTC , XMP , JFIF , GeoTIFF , ICC Profile , Photoshop IRB, FlashPix , AFCP et ID3, ainsi que les notes du fabricant de nombreux appareils photo numériques.
ImageMagick , une suite logicielle de manipulation et de conversion d’images, lit de nombreux formats de fichiers bruts différents. [58] ImageMagick est disponible pour Linux / Unix, Mac OS, Microsoft Windows et d’autres plates-formes.
LightZone est un programme de retouche photo offrant la possibilité de modifier de nombreux formats bruts nativement. La plupart des outils sont des convertisseurs bruts, mais LightZone permet à un utilisateur de modifier un fichier brut comme s’il s’agissait de TIFF ou JPEG. Le projet a été interrompu en septembre 2011 [59] et rétabli en tant que projet open source en décembre 2012.
Rawstudio est un développeur de format brut.
RawTherapee est un développeur brut prenant en charge les systèmes d’exploitation Linux, OS X et Microsoft Windows. Il dispose d’un pipeline natif à virgule flottante 32 bits.
Shotwell est un organisateur d’images disponible pour tous les principaux systèmes d’exploitation avec la possibilité de visualiser et de modifier des images brutes et possède une capacité de téléchargement de réseaux sociaux intégrée.
UFRaw est un frontend qui utilise dcraw comme back-end . Il peut être utilisé comme un plugin GIMP et est disponible pour la plupart des systèmes d’exploitation.
Logiciel propriétaire
En plus de ceux répertoriés sous la prise en charge du système d’exploitation ci-dessus, les logiciels commerciaux décrits ci-dessous prennent en charge les formats bruts.
Convertisseurs bruts dédiés
Les produits suivants ont été lancés en tant que logiciel de traitement brut pour traiter une large gamme de fichiers bruts, et ont ceci comme objectif principal:
Adobe Photoshop Lightroom
Bibble Pro (maintenant Corel AfterShot Pro )
Capture One [60]
DxO Optics Pro (maintenant DxO PhotoLab )
Le Phocus de Hasselblad s’appuie sur la prise en charge du système d’exploitation pour traiter les fichiers non Hasselblad
ACDSee Pro est un logiciel de gestion et d’édition de photos qui prend en charge les formats bruts de 21 fabricants d’appareils photo. [61]
Adobe Photoshop prend en charge les formats bruts (à partir de la version CS2).
Affinity Photo prend en charge les formats bruts.
Blackmagic Design DaVinci Resolve
DNG Viewer est un visualiseur gratuit (32 bits) pour Microsoft Windows basé sur dcraw . La visionneuse très simple est installée en tant que visionneuse d’images RAW , prend en charge certaines opérations sans perte et peut enregistrer des images brutes au format BMP , JPEG , PNG ou TIFF . [62]
FastRawViewer est une visionneuse brute dédiée qui s’exécute sur Mac et Microsoft Windows et prétend actuellement prendre en charge tous les formats bruts à l’exception de Foveon. [63]
Helicon Filter prend en charge les formats bruts.
IrfanView est un éditeur de base freeware / shareware avec prise en charge des fichiers bruts.
La prise en charge de Konvertor pour les formats bruts est basée sur dcraw.
Paint Shop Pro contient une prise en charge brute, bien que, comme dans le cas de la plupart des éditeurs, des mises à jour du programme puissent être nécessaires pour atteindre la compatibilité avec les nouveaux formats bruts dès leur sortie.
PhotoLine prend en charge les formats bruts.
Picasa (développement interrompu) est un éditeur et organisateur gratuit de Google . Il peut lire et afficher de nombreux formats bruts, mais comme
iPhoto , Picasa ne fournit que des outils limités pour le traitement des données dans un fichier brut.
SilverFast prend en charge les formats bruts.
La prise en charge de Wild Media Server (UPnP, DLNA, HTTP) [64] pour les formats bruts est basée sur libraw.
Transloadit est un logiciel en tant que service qui prend en charge la conversion de fichiers bruts dans d’autres formats [65]
La prise en charge de XnView pour les formats bruts est principalement basée sur dcraw.
Applications basées sur un navigateur HTML5
Une nouvelle classe d’outils de traitement de fichier brut est apparu avec le développement de HTML5 – applications Internet riches .
Raw.pics.io est capable de rendre et d’appliquer des ajustements de base aux fichiers bruts et DNG.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La magie des photos noir et blanc : une collection d’art intemporelle
Les photos en noir et blanc ont longtemps fait partie de notre patrimoine culturel. Qu’il s’agisse de revivre des souvenirs personnels ou de capturer des moments historiques, les images monochromes possèdent un charme unique et indémodable. Voyons ensemble les différentes facettes de cette forme d’art, ainsi que quelques astuces pour créer vos propres impressions noir et blanc.
Pourquoi choisir le noir et blanc dans la photographie ?
Vous vous êtes peut-être déjà demandé pourquoi certaines personnes restent fascinées par les photos noir et blanc, malgré l’avènement de la couleur. La réponse réside souvent dans la puissance émotionnelle et artistique de ces clichés.
Tout d’abord, les photos en noir et blanc permettent de se concentrer sur les lignes, les formes et les contrastes, mettant ainsi en valeur la composition de l’image. En supprimant les couleurs, on élimine les distractions potentielles et on attire l’œil vers les éléments essentiels du sujet.
De plus, le rendu monochrome crée une atmosphère particulière, conférant aux photos une ambiance intemporelle et mystérieuse. Les moments capturés en noir et blanc semblent parfois figés hors du temps, nous invitant à porter un regard nouveau sur notre monde et ses habitants.
Les styles et genres en photographie noir et blanc
Les photos en noir et blanc peuvent être utilisées dans de nombreux genres photographiques, tels que :
Le portrait : les visages et expressions sont magnifiés par le noir et blanc, qui révèle la personnalité et les émotions des sujets.
La nature : les paysages et scènes naturelles prennent un aspect graphique et onirique en monochrome.
L’architecture : le rendu en noir et blanc met en valeur les lignes et textures des bâtiments, créant des compositions géométriques fascinantes.
La photo de rue : la photographie en milieu urbain gagne en intérêt grâce au contraste et au grain du noir et blanc, qui apportent une atmosphère unique aux scènes du quotidien.
Bien entendu, cette liste n’est pas exhaustive, et chaque photographe pourra explorer d’autres domaines avec sa propre sensibilité artistique.
Comment créer de belles photos noir et blanc ?
Même si la technologie moderne facilite grandement le passage d’une photo couleur à une version en noir et blanc, quelques conseils de base peuvent vous aider à obtenir des résultats encore plus impressionnants. Voici quelques astuces pour réussir vos photos monochromes :
Trouver un sujet adapté
Certaines situations se prêtent mieux que d’autres au rendu en noir et blanc. Recherchez des sujets aux formes géométriques intéressantes, offrant un bon contraste entre zones sombres et zones claires. Les textures, telles que les rides d’un visage ou l’écorce d’un arbre, peuvent également donner de bons résultats.
Jouer avec la lumière
Les photos en noir et blanc mettent particulièrement en valeur les jeux de lumière et d’ombre. Une lumière rasante peut créer des ombres dramatiques et souligner les reliefs, tandis qu’une lumière douce ou diffuse adoucira les contrastes. N’hésitez pas à expérimenter avec différents éclairages pour trouver celui qui convient le mieux à votre sujet.
Maitriser les réglages de son appareil photo
Pour réussir vos photos en noir et blanc, il est important de bien connaître les fonctionnalités de votre appareil photo. Si vous disposez d’un modèle numérique récent, il y a fort à parier qu’il comporte un mode dédié à la prise de vue monochrome. Ce dernier simplifiera grandement les choses, mais n’hésitez pas à explorer les autres options disponibles au cas où elles offriraient plus de flexibilité.
Utiliser un logiciel de retouche
Quand personne ne pouvait même imaginer disposer d’un ordinateur personnel équipé de logiciels de retouche pour travailler sur une image, les photographes passaient parfois des heures dans leur chambre noire pour optimiser leurs tirages. Aujourd’hui, des outils tels que Photoshop et Lightroom sont à portée de main pour nous aider à sublimer nos clichés. Avec un peu de pratique, on peut améliorer le contraste et les détails d’une photo en noir et blanc, tout en accentuant son aspect artistique et esthétique.
Créez votre propre collection d’images noir et blanc
Maintenant que vous savez comment réaliser de belles photos noir et blanc, pourquoi ne pas créer votre propre collection ? Que ce soit pour offrir à des proches ou décorer votre intérieur, les impressions monochromes sont toujours une bonne idée.
Imprimez vos œuvres sur différents supports
Certains choix, tels que le type de papier, peuvent avoir un impact considérable sur l’apparence de vos photos en noir et blanc. Voici quelques options parmi lesquelles choisir :
Le papier photo classique : avec son rendu lisse et brillant, il est idéal pour mettre en valeur les contrastes et les détails d’une image monochrome.
Le papier fineart : ce papier de grande qualité offre une texture plus douce et soyeuse, propice aux nuances et aux subtilités des tons de gris.
Les supports alternatifs : la toile, l’aluminium ou le plexiglas sont autant de matériaux sur lesquels il est possible d’imprimer vos photos pour un résultat original et élégant.
Pensez également aux formats et tailles d’impression, qui donneront une nouvelle dimension à vos œuvres.
Exposer et partager sa collection
Une fois vos photos en noir et blanc imprimées et encadrées, il ne vous reste plus qu’à les exposer fièrement chez vous. Créez une galerie d’art personnalisée avec vos clichés préférés, en les regroupant par thèmes ou en jouant sur les contrastes pour un effet dynamique.
Enfin, n’hésitez pas à partager vos réalisations avec votre entourage et sur les réseaux sociaux. Les photos noir et blanc ont toujours la cote et suscitent souvent de vives émotions. Qui sait, peut-être inspirerez-vous d’autres personnes à se lancer dans cette aventure artistique ?
Photos noir et blanc : le guide en 7 points
Les photos noir et blanc impliquent plus que la simple conversion de n’importe quelle photo ancienne en monochrome dans Photoshop. Seuls certains sujets fonctionnent bien en noir et blanc. L’art de la photographie en noir et blanc est étonnamment difficile à maîtriser.
La photographie en noir et blanc est l’art d’utiliser différents tons de gris, allant du blanc au sombre, pour créer des images fascinantes. Ce genre a une très longue histoire – aussi vieux que la photographie elle-même. Au moment où les photographes ont capturé la première image couleur permanente en 1861, les photos monochromes existaient depuis 35 ans.
Pourtant, bien que la couleur sexiste, elle n’a pas remplacé l’art du noir et blanc. La couleur peut être une distraction; cela peut être terne et sans vie. L’une des tâches des photographes est de simplifier une image, de distiller une scène jusqu’à son essence. Parfois, cette essence est incolore.
Ansel Adams , discutant des différences entre les deux types de photographie, a déclaré: «Je peux obtenir un bien plus grand sens de la« couleur »grâce à une image en noir et blanc bien planifiée et exécutée que je ne l’ai jamais obtenue avec la photographie en couleur.»
De bonnes photos noir et blanc et blanc sont avant tout de bonnes photos, point final. Vous ne pourrez pas sauver une image désastreuse en appliquant un filtre «Noir» dessus, bien que ce soit une chose populaire.
Il y a sept éléments essentiels pour faire des photos noir et blanc , cependant, la chose la plus importante à retenir est tout d’abord: vous devez avoir une raison pour des Photos noir et blanc. Tous les sujets ne fonctionnent pas bien en noir et blanc. Alors, demandez-vous toujours: pourquoi supprimez-vous la couleur d’une photo particulière? Pourquoi est-il si important de photographier votre sujet de cette façon?
Les photos noir et blanc peuvent être superbes, mais pas toujours. Vous devez savoir à l’avance pourquoi vous prenez une photo en noir et blanc plutôt qu’en couleur. Si vous ne pouvez pas identifier une bonne raison, peut-être que votre photo n’est pas censée être monochromatique.
Crédit photo Eric CANTO
3. Photos noir et blanc vs monochrome
Peut-être avez-vous remarqué qu’il existe deux termes courants qui font référence à la «même» chose: noir et blanc (N&B) et monochrome. Cependant, même si vous pouvez voir ces mots utilisés de manière interchangeable, ils ne sont pas identiques!
Le mot monochrome signifie «d’une seule couleur». Ainsi, les photos monochromes peuvent avoir une teinte de couleur, à condition qu’il ne s’agisse que d’une seule couleur. Les vraies photos noir et blanc n’ont aucune couleur. Ils sont entièrement noirs, gris et blancs.
La bonne nouvelle est que vous pouvez généralement utiliser l’un ou l’autre des termes sans causer de confusion. Mais si vous voulez être parfaitement précis, il est préférable d’utiliser l’expression «noir et blanc» pour les photos sans teinte.
4. Photos noir et blanc : Équipement
En général, lorsque vous faites des photos noir et blanc, vous devez simplement continuer à utiliser l’appareil photo que vous possédez déjà; cela fonctionnera aussi bien pour les images monochromes qu’en couleur. Mais il y a encore quelques considérations sur l’équipement photo qui comptent pour la photographie en noir et blanc, que nous couvrirons ci-dessous.
4.1. Photos noir et blanc et Appareils photo
Tout d’ abord, il est important de mentionner qu’il y a des caméras qui font uniquement des photos monochromes. Ils ont tendance à être très haut de gamme et coûteux, comme le Leica M Monochrome, qui se vend 8000€.
Pourquoi voudrait-on faire un tel effort pour un appareil photo qui ne photographie qu’en noir et blanc? Les caméras monochromes uniquement offrent des images en noir et blanc plus nettes et plus propres que celles que vous pouvez obtenir avec une caméra couleur, ce n’est donc pas comme s’il n’y avait aucun avantage. Pour la plupart des gens, cependant, l’aspect pratique d’une caméra couleur ordinaire en fait le choix évident.
4.2. Photos noir et blanc vs prise de vue en couleur et conversion
La plupart des appareils photo ont un mode « photos noir et blanc », ce qui soulève une question intéressante: vaut-il mieux prendre des photos en couleur et les convertir en post-traitement, ou opter pour le mode monochrome dès le départ?
Vous devez toujours prendre des photos en couleur en premier et les convertir en noir et blanc plus tard en post-production, simplement parce qu’il n’y a pas de véritable pénalité pour cela. Et, si jamais vous changez d’avis et souhaitez la version couleur à la place, vous avez toujours la possibilité de revenir en arrière.
Crédit photo Eric CANTO
De plus, si vous commencez avec un fichier couleur, vous gagnez en flexibilité, car vous pourrez toujours ajuster les «couleurs» en post-production, même après la conversion en noir et blanc. Par exemple, vous pouvez assombrir le canal bleu pour rendre le ciel plus sombre dans vos images monochromes. Cela n’est pas possible si votre fichier hors caméra est déjà en noir et blanc.
4.3. JPEG vs RAW
La section précédente était en fait un peu un faux dilemme. Tout simplement, ce n’est pas pertinent pour de nombreux photographes en premier lieu. C’est parce que – espérons-le – vous photographierez des fichiers RAW plutôt que des JPEG, et les photos RAW prises avec une caméra couleur conservent toujours les informations couleur .
Si vous n’avez pas entendu parler du débat RAW vs JPEG, consultez notre article spécifique sur le sujet. Mais l’aperçu de base est que les fichiers RAW ont plus d’informations et de qualité d’image, tandis que les fichiers JPEG sont des fichiers plus petits avec moins de données. Pour des raisons évidentes, les photographes à la recherche d’images de haute qualité ont donc tendance à prendre des photos RAW.
Ainsi, si vous photographiez au format RAW, vous pouvez activer le «monochrome» sur votre appareil photo et commencer à prendre des photos. Les images apparaîtront en noir et blanc sur l’écran LCD de l’appareil photo, mais lorsque vous les ouvrirez dans un logiciel de post-traitement, elles passeront en couleur! Le fichier RAW ne jette aucune de ces données.
Vous pouvez utiliser ça à votre avantage. Supposons que vous prenez des photos et que vous prévoyez de convertir la plupart de vos photos RAW en noir et blanc. Si vous activez le mode monochrome, vous verrez un aperçu en noir et blanc sur l’écran LCD de votre appareil photo, ce qui peut vous aider à mieux visualiser votre image. Mais la clé est que toutes ces photos sont en fait en couleur, car ce sont des fichiers RAW, donc vous ne perdez aucune flexibilité si vous décidez plus tard que vous préférez la version couleur.
4.4. Filtres
Lorsque vous découvrez l’équipement de l’appareil photo pour la photographie en noir et blanc, vous pouvez trouver des informations sur les filtres. Avec un film noir et blanc – ou si vous photographiez avec un appareil photo numérique uniquement monochrome – il est important d’utiliser des filtres à l’avant de votre objectif pour modifier le contraste et les tons de vos images.
Filtres de couleur
Le choix du filtre a un effet majeur sur les photos noir et blanc. Le filtre bleu bloque la lumière rouge, assombrissant des choses comme les feuilles et le sol. Le filtre vert illumine tout ce qui est vert. Enfin, un filtre rouge assombrit le ciel et les autres éléments bleus de la photo, tout en éclaircissant comparativement tout ce qui est rouge.
Malgré les différences majeures indiquées ci-dessus, les photographes numériques utilisent rarement aujourd’hui des filtres de couleur pour la photographie en noir et blanc. La raison en est simplement qu’ils ont trop d’impact sur les photos couleur, ce qui rend potentiellement impossible la reconversion. En outre, vous pouvez imiter plusieurs des mêmes effets lors du post-traitement en ajustant les canaux de couleur individuels.
Les puristes utilisent toujours des filtres de couleur pour leurs photos noir et blanc, car les effets ne sont pas parfaitement reproductibles dans un logiciel. Mais cela devient de moins en moins courant, et vous n’avez probablement pas besoin d’investir dans un système de filtre couleur pour votre propre photographie monochrome.
5. Les sept éléments des meilleures photos noir et blanc
Lorsque vous photographiez en noir et blanc, vous devez transmettre l’essence de votre sujet – y compris ses couleurs et autres caractéristiques – à travers des nuances de lumière et d’obscurité uniquement. Les meilleures photos noir et blanc accomplissent cela en perfectionnant les sept éléments ci-dessous.
Crédit photo Eric CANTO
5.1. Photos noir et blanc et Ombre
L’une des premières choses à retenir lors de la prise de vue en noir et blanc est que les ombres ont un impact surdimensionné. Ce ne sont plus simplement des zones plus sombres d’une photographie – ce sont des éléments majeurs de la composition, et parfois votre sujet lui-même.
Votre traitement des ombres en photographie noir et blanc affecte tous les autres aspects de l’apparence d’une photo. Les ombres sont-elles noires sans aucun détail? Cela signale une sensation d’intensité et de vide. Ou, d’un autre côté, si vos ombres sont subtiles et détaillées, cela peut rendre la photographie plus complexe dans l’ensemble.
Notez que rien dans la photographie en noir et blanc ne nécessite des régions de noir pur pour avoir une belle apparence (ou du blanc pur, d’ailleurs). C’est un peu un mythe que vous avez besoin d’une gamme complète allant des ombres profondes aux reflets nets avant qu’une photo en noir et blanc soit optimale.
Au lieu de cela, faites simplement ce qui vous convient le mieux, mais gardez un œil sur les ombres dans votre cadre. Ils ont souvent une «attraction» plus forte en noir et blanc qu’en couleur, et votre composition devra peut-être changer vis a vis de cela.
Crédit photo Eric CANTO
5.2. Contraste
Beaucoup de gens pensent que le contraste n’est que la différence entre les parties les plus claires et les plus sombres d’une photographie. Cependant, par cette seule définition, ce dégradé doux a un contraste extrême, car il contient à la fois du blanc et du noir:
Gradient de faible contraste
Au lieu de cela, le contraste comprend également une composante de proximité . La différence de luminosité entre deux objets est exagérée lorsqu’ils apparaissent côte à côte.
Le contraste est important dans la photographie en noir et blanc en raison du message qu’il envoie. Les photos noir et blanc ont un contraste élevé transmet une sensation d’intensité dynamique – souvent, encore une fois, à cause des ombres sombres. C’est pourquoi les photographes aiment ajouter du contraste aux photos monochromes. Cela aide les images à se démarquer.
Les photos à faible contraste n’attirent pas autant l’attention, mais leur qualité plus douce et atténuée peut tout aussi bien fonctionner. Certaines de mes photos noir et blanc préférées de tous les temps n’ont que quelques demi-tons argentés, et leur subtilité est ce qui les fait fonctionner si bien.
La clé est que le niveau de contraste d’une photo doit avoir un sens pour votre sujet – ce que vous pouvez affiner, au moins dans une certaine mesure, en post-production. C’est peut-être une erreur de photographier une douce journée de printemps avec un contraste intense qui distrait de votre humeur. De même, si vous prenez des photos monochromes d’un paysage puissant, un contraste élevé est un choix naturel pour faire ressortir le sujet.
5.3. Tons (sombre et clair)
Tous les photographes n’utilisent pas le mot «ton» de la même manière. Les tons sont la pierre angulaire de chaque image en noir et blanc. Si vous avez déjà entendu l’expression «high-key» ou «low-key» en photographie, vous avez probablement vu des exemples de tons poussés à l’extrême.
Bien que la plupart des photos ne soient ni particulièrement lumineuses ni particulièrement sombres – elles se situent quelque part entre les deux – vous devez quand même faire attention aux tons lorsque vous prenez une photo. En effet, tout comme le contraste, les tons peuvent envoyer un message puissant sur l’humeur de votre photo.
Bien que les différences soient extrêmes, même de minuscules variations dans les tons que vous capturez peuvent faire osciller considérablement les émotions d’une photo.
La chose la plus importante à retenir est la suivante: les tons de votre image – qu’ils soient sombres ou clairs – doivent s’harmoniser avec le caractère du sujet lui-même. Utilisez-les délibérément pour raconter l’histoire que vous avez en tête.
5.4. Formes
Les photos noir et blanc sont une collection de formes, simples ou complexes. Lorsque vous supprimez la couleur de votre boîte à outils, les formes deviennent encore plus importantes dans le cadre de l’histoire que vous racontez.
Les gens sont attirés automatiquement par les formes. S’il n’y a pas de couleur à un objet, la seule façon de le reconnaître est par sa forme. Imaginez une photo monochrome d’une lampe, silhouettée. Les seuls tons de la photo peuvent être blancs et noirs. Il n’y a pas d’ombres ou de texture pour indiquer ce que montre la photo. Mais y a-t-il un doute que vous regardez une lampe?
Les formes ancrent et simplifient une photographie. Certains belvédères célèbres sont photographiés par des milliers de personnes chaque année simplement parce qu’ils contiennent une montagne ou une rivière avec une forme agréable. Et ai-je même besoin de mentionner les formes des personnes, immédiatement reconnaissables et profondément émotionnelles?
Avec la photographie en noir et blanc, il n’y a pas de couleur pour rendre une image plus familière (ou plus abstraite, si c’est votre objectif). Ainsi, les formes sont particulièrement importantes – elles sont l’un des principaux moyens pour un spectateur de donner un sens à une photographie.
5.5. Texture
Alors que les formes créent la «grande image» d’une image, la texture remplit le reste. Et, comme tous les éléments de la photographie noir et blanc que nous avons couverts jusqu’à présent, les textures que vous capturez ont le pouvoir d’affecter l’humeur et les émotions d’une photo.
Des cailloux lisses à l’herbe grossière, de l’aluminium élégant à la rouille terne, la texture est le fondement de la personnalité d’une image. Il est très difficile de prendre des photos dures d’un ruisseau doux, par exemple, en grande partie à cause de la texture douce de l’eau. (Mais si vous n’avez un tel objectif, vous pouvez augmenter le contraste et la capture des ombres profondes -. Équilibrer la texture douce en faisant la photo d’ ensemble plus intense)
Lorsque vous ne pouvez pas compter sur la couleur pour former l’épine dorsale émotionnelle d’une image, la texture est encore plus cruciale. Cela a simplement un impact majeur sur la façon dont vos photos noir et blanc se sentent.
5.6. Composition et photos noir et blanc
Les meilleures photos noir et blanc ont tendance à avoir un objectif sous-jaccent – une indication que le photographe a délibérément capturé la scène de cette manière plutôt que d’une autre. L’image a une structure et un ordre. Ce n’est pas qu’un instantané. En d’autres termes, il a une composition forte.
La clé dans ce contexte est que les éléments de votre photo changeront en noir et blanc par rapport à la couleur. Si vous prenez des photos de portraits en couleur, par exemple, votre sujet peut avoir des yeux vifs qui affectent considérablement votre composition. Il en va de même pour la photographie de paysage, auquel cas un ciel doré peut dessiner toute l’image vers le haut. Dans les deux cas, vous devrez composer votre photo différemment si vous prenez des photos noir et blanc à la place – et ce sont loin d’être les seuls exemples.
D’autres fois, vous voudrez peut-être utiliser à votre avantage la nature plus imaginaire de la photographie en noir et blanc.
Bien sûr, il est essentiel de bien composer vos photos, quelle que soit la couleur ou le noir et blanc. Ce n’est pas quelque chose qui change lorsque vous convertissez une photo. Pourtant, lorsque vous prenez des photos noir et blanc, il est utile de penser à la scène à partir d’un état d’esprit monochrome . Lorsque vous le faites, vous vous retrouverez souvent à prendre des décisions différentes au sujet de votre composition – et cela peut transformer un plan décent en un morceau de portefeuille.
5.7. Émotion
À un certain niveau, l’émotion est la partie la plus importante de la photographie – ce qui en fait le moyen idéal pour compléter cette liste. Tous les éléments dont nous avons discuté jusqu’à présent sont importants parce qu’ils sont des outils de l’émotion; ils vous aident à définir l’ambiance et le message de vos photos noir et blanc.
L’émotion n’est pas une variable distincte dont vous avez besoin pour capturer de bonnes photos noir et blanc. Il s’agit plutôt de l’aboutissement des outils dont nous avons discuté jusqu’à présent. Bien utilisés, les six autres éléments de la photographie en noir et blanc vous permettent de sculpter votre message émotionnel d’une manière qui résonne avec les téléspectateurs et leur montre quelque chose qui vaut la peine d’être vu.
6. Post-traitement
Voyons comment vous pouvez post-traiter des images couleur en noir et blanc à l’aide de Lightroom, Photoshop et d’autres logiciels.
6.1. Comment créer une image en noir et blanc dans Lightroom
Il existe plusieurs façons de convertir des photos noir et blanc dans Lightroom, mais la plus simple consiste simplement à basculer le traitement «Noir et blanc» tout en haut du panneau de base, ou à appuyer simplement sur «v» sur votre clavier.
Vous pouvez également convertir vos photos noir et blanc en réduisant la saturation à -100 ou (avec certains appareils photo) en modifiant le profil sous «Calibrage de l’appareil photo» en monochrome. Mais ces méthodes ne sont pas optimales, car elles éliminent certaines options sous l’onglet HSL pour ajuster les couleurs individuelles dans le mélange noir et blanc.
Mélange noir et blanc
Bien que l’onglet HSL soit très utile pour affiner les photos noir et blanc, sachez que des ajustements extrêmes ajoutent souvent des niveaux de bruit élevés à vos images. Cela peut être minimisé quelque peu dans le panneau de réduction du bruit (en particulier la réduction du «bruit de couleur»), mais il est préférable de garder vos réglages au minimum.
6.2. Comment créer une image en noir et blanc dans Photoshop
Vous avez encore plus de flexibilité pour convertir vos photos noir et blanc dans Photoshop que dans Lightroom, dans la mesure où tout le monde a une méthode préférée différente. Personnellement, j’aime utiliser le «Camera RAW Filter» dans Photoshop CC, qui ouvre les mêmes options d’édition que dans Lightroom et les applique comme filtre. C’est parce que j’aime beaucoup les réglages HSL de Lightroom pour les photos noir et blanc !
Pourtant, vous avez également beaucoup d’autres options. Une méthode courante consiste à créer un calque de réglage «mélangeur de canaux», qui vous permet de contrôler le canal rouge, bleu et vert de votre image en noir et blanc.
Vous pouvez également utiliser un calque de réglage noir et blanc, réduire complètement la saturation ou même ouvrir la photo dans un plugin qui effectue une conversion en noir et blanc. En bref, il existe de nombreuses façons d’obtenir une image en noir et blanc dans Photoshop, et il est utile de tester certaines de ces méthodes par vous-même pour décider laquelle vous préférez.
6.3. Conversion de photos dans d’autres logiciels de post-traitement
De nos jours, il est très populaire d’utiliser un logiciel tiers dédié pour convertir vos photos noir et blanc. Le plus populaire est Nik Silver Efex Pro, que de nombreux photographes possèdent déjà, car il était gratuit pendant quelques années consécutives. (Il coûte maintenant 70€ dans le cadre du bundle Nik, puisque DxO l’a acheté à Google.) Il fonctionne seul ou en tant que plugin pour Lightroom et Photoshop.
Personnellement, j’ai tendance à ne pas utiliser Silver Efex Pro ou un autre logiciel de conversion tiers, car l’enregistrement de la version noir et blanc élimine les informations de couleur, ce qui signifie qu’il n’y a aucun moyen de reconvertir en couleur à partir de ce moment. (Bien que vous puissiez toujours rééditer le RAW d’origine pour une version couleur.) Pourtant, un logiciel comme Silver Efex fait un meilleur travail de gestion des ajustements extrêmes sans ajouter de bruit, il peut donc être très utile pour certaines photos. Et il est indéniable que des plugins comme celui-ci ont beaucoup plus de flexibilité que les options intégrées de Lightroom.
7. Inspiration et idées
Si vous voulez prendre de superbes photos noir et blanc, sortez et faites-le! La meilleure façon d’améliorer vos compétences est de vous entraîner, à la fois sur le terrain et en post-production. Bientôt, vous vous retrouverez à regarder le monde en monochrome, en visualisant exactement à quoi ressemblera la scène devant vous en noir et blanc. Voici quelques brèves idées pour vous aider à démarrer.
7.1. Photographie de portrait en noir et blanc
En raison de l’accessibilité de la photographie de portrait, c’est l’un des meilleurs moyens de commencer à prendre des photos noir et blanc. Portez une attention particulière à l’interaction de la lumière et des ombres lorsque vous prenez des portraits monochromes. Vous pouvez utiliser un éclairage soigneux pour sculpter la forme du visage de votre sujet ou attirer l’attention sur certaines caractéristiques, telles que le regard dans ses yeux ou la texture de ses mains. Bien fait, les résultats en disent long.
En outre, vous pouvez utiliser le noir et blanc pour distiller les émotions de votre sujet. Si vous prenez des portraits en couleur, les vêtements de la photo peuvent attirer plus l’attention qu’il ne le devrait, ce qui détourne votre message. Monochrome vous aide à vous concentrer sur des choses comme les expressions faciales et les gestes.
7.2. Photographie de paysage noir et blanc
Les images de paysages monochromes ont un sentiment de brutalité qui les aide à attirer l’attention. Ils s’appuient sur les caractéristiques fondamentales de la scène – lumière et terre – pour raconter une histoire. Parallèlement à cela, il est courant que des paysages aux couleurs innombrables deviennent indisciplinés, distrayant du message que vous souhaitez transmettre. Souvent, le noir et blanc est la meilleure solution.
Pourtant, il y aura des moments où les couleurs d’un paysage sont parfaitement bonnes, mais l’image est toujours meilleure en noir et blanc. C’est parce que, en tant que photographe, vous essayez souvent de capturer l’essence d’une scène plus qu’une simple réplique précise de ce que vous avez vu. Parfois, cette essence concerne davantage l’ombre, la texture, la forme et le contraste que des teintes particulières.
7.3. Photographie de rue et Photos noir et blanc
Le dernier est la photographie de rue – peut-être le seul genre de photographie où les gens sont plus susceptibles de photographier en monochrome qu’en couleur. Pourquoi ?
Dans un certain sens, c’est dû à l’histoire de la photographie de rue. Des gens comme Henri Cartier-Bresson et Vivian Maier ont capturé la vie de la rue exclusivement en noir et blanc, et leur influence s’est transmise à de nombreuses personnes qui prennent des photos aujourd’hui.
Mais à un niveau plus profond, la couleur peut détourner l’attention des scènes de rue d’une manière qui est plus rare dans d’autres genres. Si vous voulez que les spectateurs se concentrent sur une interaction ou un jeu de mots visuel subtil que vous avez capturé, vous ne voudrez certainement pas détourner leur regard de l’action avec des touches de couleur (en particulier dans les villes, où la position des couleurs dans le cadre est souvent au hasard). Cela ne veut pas dire que toutes les bonnes photographies de rue doivent être en noir et blanc, mais il ne devrait pas être surprenant que tant de choses le soient.
Si vous prenez des photos régulières en couleur, vous pourrez peut-être compter sur des nuages vifs au coucher du soleil pour capturer une image saisissante. Ou, pour la photographie de portrait, vous pouvez rendre votre sujet plus réaliste en décrivant la couleur de ses yeux, de ses cheveux et de sa peau avec un plus grand sens du réalisme.
Rien de tout cela n’est possible avec la photographie en noir et blanc. Au lieu de cela, vous devez travailler avec la lumière, les ombres et les éléments de composition pour raconter une histoire et capturer les émotions que vous avez en tête. Bien que cela prenne de la pratique, cela en vaut la peine. Certains messages sont simplement destinés à être transmis en monochrome.
Crédit photo Eric CANTO
Crédit photo Eric CANTO
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le choix de l’objectif pour tout type de photographie est important, mais cela est particulièrement vrai lorsque vous vous heurtez à des contraintes. Si vous êtes photographe de concert, vous savez que le temps, l’accès et l’éclairage sont des choses qui sont bien souvent hors de votre contrôle pour la photo de concert. Pour cette raison, choisir le bon équipement est indispensable.
Voici un aperçu des meilleurs objectifs à utiliser pour la photo de concert.
Objectifs fixes ou Zooms ? : l’éternelle question pour la photo de concert
L’éternel débat : les objectifs fixes ou les Zooms. Pour la photographie de concert, la réponse à cette question dépend du type d’événement que l’on couvre. Pour mon travail, qui consiste principalement à photographier des concerts dans des lieux petits et grands, je préfère largement les zooms f / 2,8. La raison est simple: la flexibilité offerte par les objectifs zoom est indispensable pour couvrir des événements tels que la musique live, où la position de chacun est souvent sévèrement restreinte.
Si vous photographiez et que vous n’avez accès qu’à la fosse photo, un zoom vous donnera la plus grande possibilité de varier vos compositions et de créer des images fascinantes pour de la photo de concert.
Si vous photographiez de plus petits spectacles sans fosse photo, où vous pouvez couvrir à partir d’une position fixe dans la foule ou avoir une capacité de mouvement limitée, la possibilité de varier facilement votre cadre sera une aubaine encore plus grande.
Photo de concert : Situations où les objectifs fixes sont intéressants.
Pour les très petits clubs où l’éclairage peut être particulièrement faible, la différence de 2 niveaux de zoom af / 1.4 prime et af / 2.8 peut avoir un impact énorme sur ses images.
Cette différence de 2 diaph peut signifier une prise de vue à une vitesse d’obturation 4x plus rapide ou un réglage ISO 1/4 de celui dont vous auriez besoin avec le zoom. Un objectif af / 1,8 peut être d’une grande aide en cas de faible luminosité.
Au-delà des avantages purement utilitaires, les amorces rapides peuvent également aider à créer des images avec un aspect très différent d’un objectif f / 2,8.
Cela est particulièrement vrai avec la prise de vue d’images à faible profondeur de champ – pensez à photographier derrière un artiste avec un grand ouverture de 35 mm f / 1,4 avec une salle remplie de téléphones portables soutenus avec les lumières allumées.
L’autre exception de la préférence des zooms concerne les objectifs spéciaux. Pour la photo live, cela signifie des super téléobjectifs (objectifs 300 mm ou plus) ou des objectifs fisheye. Ici, les focales fixes offriront la meilleure vitesse dans les performances les plus élevées.
Passons aux exemples !
Canon EF 24-70 mm F2.8 L USM photo de Concert – photo concert
Photo de concert : L’objectif Canon 24-70 mm f / 2,8
On me demande souvent quel objectif je recommande pour la photo de concert. Le canon 24-70 mm f / 2,8 est toujours mon premier choix si le budget le permet. La polyvalence de cette gamme est la raison même pour laquelle il s’agit d’un standard.
Pour moi, c’est mon objectif à tout faire en photo de concert. Un canon 24-70 mm offre une polyvalence fantastique, vous offrant un grand angle au téléobjectif court, et tout le reste.
Si vous appuyez dessus, vous pouvez très facilement couvrir un concert entier avec juste la distance focale de 24 à 70 mm et créer une variété de différents types d’images.
Sick of it all – Crédit photo Eric CANTO- photo concert
L’ouverture f / 2,8, en particulier pour les focales relativement courtes couvertes dans cette plage, est suffisamment rapide pour vous offrir des vitesses d’obturation raisonnables, en particulier avec les excellentes performances ISO élevées de pratiquement n’importe quel appareil photo APS-C ou plein format moderne.
S’il y a un objectif à acheter lorsque vous débutez en tant que photographe de musique, le Canon 24-70 mm f / 2,8 est mon premier choix.
Pour ceux qui tournent exclusivement de grands événements, un objectif comme un 24-105 mm f / 4 ou 24-120 mm f / 4 peut également être une option.
Je connais plusieurs photographes qui utilisent cet objectif sur un 24-70 mm f / 2,8, mais ces photographes tournent presque exclusivement de grands concerts bien éclairés.
En fin de compte, le choix se résume à la portée et au poids plus léger par rapport à la capacité de collecte de lumière et à la qualité optique.
CANON EF 70-200 mm f/2,8 L IS III USM photos de Concert – photo concert
Photo de concert : Le CANON 70-200 mm f / 2,8
Juste après le zoom de milieu de gamme, le Canon 70-200 mm f / 2,8 est le Graal pour le photographe de concert ou de festival. Cette plage de téléobjectif est particulièrement utile pour un cadrage plus serré des artistes individuels, qu’il s’agisse de shooter la tête d’un chanteur ou de la distance du batteur à l’arrière de la scène.
L’isolement et la portée d’un objectif 70-200 mm f / 2,8 se combinent pour produire des images qui peuvent sembler radicalement différentes d’un objectif 24-70 mm.
Pour cette raison, le 70-200 mm f / 2,8 est la deuxième recommandation que je fais lorsque vous construisez votre kit pour de la photo de concert.
Gonzales concert – Crédit photo Eric CANTO – photo concert
Lorsque vous photographiez des festivals avec des scènes plus grandes, des objectifs comme le 70-200 mm f / 2,8 deviennent indispensables, tout simplement parce que dans des lieux plus grands, la distance augmente entre les photographes et les artistes.
Cela peut être particulièrement vrai avec des scènes très hautes avec des artistes à 5-8 mètres de votre objectif (ou plus).
De plus, la plage focale plus longue d’un 70-200 mm libère le photographe de concert pour explorer différents angles et traitements. Un 200 mm peut donner à chacun la liberté de shooter de loin, ce qui peut donner aux artistes un angle plus flatteur.
Rihanna Live – Crédit photo Eric CANTO – photo concert
Canon EF 16-35mm f/2.8L USM photos de Concert
Photo de concert : Le Canon 16-35 mm f / 2,8
Ensuite, je recommande un Canon 16-35 mm f / 2,8 . Pour moi, cette gamme ultra large complète la «sainte trinité» des objectifs. Pour moi, le zoom ultra large est l’un de ces objectifs «sympa à avoir» qui ne peut être utilisé que 5 à 10% du temps, mais qui crée des images pleines d’impact et pour lesquelles il n’y a souvent pas de substitut.
J’adore utiliser un objectif 16-35 mm pour shooter une salle ou une immense scène, mais aussi pour être extrêmement proche des artistes pour jouer de façon spectaculaire avec la perspective et l’échelle.
Pour moi, un objectif comme un 16-35 mm est un objectif qui est «dispensable» la plupart du temps, mais souvent, il est tellement fou qu’il vous fera chercher l’occasion d’utiliser cette perspective unique.
Autres objectifs pour la photo de concert
L’objectif 35 mm ou 50 mm f / 1,8
Bien que je préfère les objectifs zoom pour leur flexibilité, parfois rien ne vaut un objectif à focale fixe rapide. Pour ceux qui tournent des spectacles plus petits ou des lieux plus faiblement éclairés, je recommanderais d’inclure un 35 mm f / 1,8 ou 50 mm f / 1,8 dans votre kit.
La bonne distance focale dépendra du type de lieu où vous travaillez. 35 mm pour les petits sites peut être préférable, tandis que ceux qui tournent avec des scènes plus hautes peuvent bénéficier davantage d’un 50 mm.
Red Hot Chilly Peppers – Crédit photo Eric CANTO – Photo de concert
Dans l’ensemble, je dirais que les versions f / 1.8 dans ces focales sont assez rapides pour offrir un gros avantage, tandis que les économies de coûts par rapport à l’objectif af / 1.4 font de ces objectifs une option beaucoup plus économique.
Même un objectif f / 1,8 offrira une amélioration de 1 et 2/3 arrêts. Cela peut être un énorme avantage si vous luttez pour une vitesse d’obturation raisonnable et que vous êtes déjà aux limites du confort en termes de réglage ISO.
Il y a eu d’innombrables concerts que j’ai couvertes où avoir une petite ouverture à porté a fait la différence entre travailler avec facilité ou se débattre avec un éclairage frustrant.
L’objectif 15 ou 16 mm fisheye:
Un objectif fisheye peut couvrir la même distance focale qu’un objectif rectiligne ultra-large, mais il le fait d’une manière radicalement différente. Cet effet est celui que j’aime utiliser pour les très grands spectacles, tout comme un 14-24 mm .
Cependant, l’effet est suffisamment différent pour que j’aime l’option des deux pour mes clients. Dans certains cas, un aspect rectiligne est préférable, et pour d’autres, un objectif fisheye peut produire un effet incomparable.
Le 300 mm + super téléobjectif
Pour les prises de vue à distance comme couvrir un événement depuis la table de mixage ou de la foule.Pour une option beaucoup moins chère, un télé convertisseur 1,4x vous donnera une excellente capacité à atteindre près de 300 mm lorsqu’il est associé à un 70-200 mm f / 2,8 .
Pour terminer :
Si vous avez un objectif pour la photographie musicale, un 24-70 mm f / 2,8 est -ce que je recommande avant tout autre choix pour la photo de concert. C’est le meilleur équilibre de vitesse, d’autonomie et de qualité que vous trouverez, et chaque fabricant fabrique un objectif professionnel de cette spécification.
Vous pouvez vous en tirer avec d’autres objectifs ou des zooms plus lents, mais pour la plupart des photographes d’événements professionnels, un zoom à ouverture constante comme le 24-70 mm est roi.
Green Day – Crédit photo Eric CANTO – Photo de concert
De là, j’achèterais un 70-200 mm f / 2,8 car pour moi, il reste indispensable pour un photographe de concert. Avec un zoom de milieu de gamme et 70-200 mm, vous pouvez couvrir presque tout ce qui se présente à vous en tant que photographe de musique.
Au-delà de cela, tout dépend des objectifs spéciaux: ultra-large, fisheye et super téléobjectif. Ces lentilles sont les pièces «à avoir». Mais bien qu’ils ne soient pas strictement nécessaires, ils peuvent aider à créer des images qui vous distinguent.
utiliser une vitesse d’obturation d’au moins 1/200 s
commencer avec ISO 1600
utiliser la priorité à l’ouverture ou le mode manuel
attendre le bon moment pour prendre vos photos
Utiliser TOUJOURS des bouchons d’oreille pour éviter les dommages auditifs
Il est très facile d’être intimidé par l’environnement peu éclairé d’une salle de concert. Il est important de comprendre vos paramètres et de parcourir vos images pendant la post-production pour voir où les choses se sont mal passées ou où les choses se sont bien passées. Plus vous prendrez de photos de concert dans des situations de faible luminosité, plus vous deviendrez confiant et à l’aise avec vous-même et avec votre appareil photo.
Et surtout, amusez-vous!
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photo-concert-photos-de-concert-eric-canto-
photo-concert-photos-de-concert crédit photo Eric CANTO
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mais pour l’heure, voici un petit report de ce concert qui est surtout l’occasion de revenir sur les visuels du groupe, artwork et clip vidéo qui font un sublime écrin à ce groupe. Vous trouverez ci dessous les visuels pour l’album « vilains »
Queens of the stone age – Artwork
Queens of the stone age – Artwork
Qui est Queens of the stone age
Nées en 1995 des cendres du légendaire groupe Kyuss, les Queens of the stone age sont rapidement devenues célèbres dans le monde des stoners.
Avec deux anciens rois du désert aux avant-postes, en la personne de Josh Homme et Nick Olivieri, complétés par une formation à géométrie variable qui sera complétée par de nombreux musiciens talentueux tels qu’Alfredo Hernandez (ancien Kyuss) Matt Cameron (Soundgarden), Mike Johnson (Dinosaur Jr), Mark Lanegan (Screaming Trees).
The Queens Of The Stone Age réussira à partir du premier album titre, qui fournit un stoner plus léger que celui que nous pouvons trouver à Kyuss, plus rapide mais plus léger, transférant leur musique dans un univers qui se rapproche plus du rock.
Puis ils partiront en tournée avec des groupes comme Bad Religion, Rage Against The Machine, Hole ou The Smashing Pumpkins.
Queens of the stone age – Rated R
« Rated R » est le deuxième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2000. Il est considéré comme un tournant dans la carrière du groupe, car il a reçu des critiques positives et a été un succès commercial. L’album est devenu l’un des plus connus de Queens of the Stone Age, avec des chansons comme « Feel Good Hit of the Summer », « The Lost Art of Keeping a Secret » et « Leg of Lamb » qui ont été jouées fréquemment en concert. Il a été enregistré dans le studio de Josh Homme en Californie. Rated R a également été nominé aux Grammy Awards en 2001.
Entre deux sessions Desert, Queens of the stone age consacre du temps à l’enregistrement de l’énorme Rated R, d’abord publié en septembre 2000, puis la deuxième fois dans l’édition vinyle (2001).
C’est un tournant musical pour Queens of the stone age , car c’est sur cet album que le « son » des reines de l’âge de pierre prend vraiment forme qui s’éloigne de Stoner, que l’on connaissait avec Kyuss ou Monster Magnet.
Environ un an plus tard, ils reviennent en compagnie de Dave Grohl à la batterie pour Song For The Deaf, qui sera le premier grand succès du groupe, grâce auquel ils vont vraiment démarrer à l’international et le couronner comme l’un des meilleurs groupes de rock américain. En 2004, Josh Homme s’est séparé de Nick Olivieri, fatigué du bassiste en excès qui avait été arrêté pour avoir joué nu sur scène. Josh Homme le remplace par Alain Johannes, guitariste du groupe de rock Eleven, recrutant au passage la claviériste Natasha Schneider du même groupe.
Queens of the stone age – Artwork
Queens of the stone age – Lullabies to paralyze
Le successeur attendu de Song For The Deaf est sorti en 2005, intitulé Lullabies To Paralyze, marqué par un retour à Mark Lanegan et Troy Van Leeuwen, le guitariste de A perfect Circle, qui a déjà participé à Song For The Deaf.
« Lullabies to Paralyze » est le quatrième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2005. Il a été enregistré aux Rancho De La Luna Studios en Californie et a été produit par le leader du groupe, Josh Homme. L’album a été bien accueilli par les critiques de musique, qui ont loué sa diversité musicale et son approche innovante de la composition de chansons. Les chansons les plus populaires de l’album incluent « Little Sister », « Burn the Witch » et « In My Head ». Il a été nominé pour un Grammy Award en 2006.
. Josh Homme n’est pas en reste, profitant d’une pause dans son emploi du temps pour participer au projet Eagles of Death Metal de son ami Jesse Hugues, avec qui il donne des concerts (notamment en jouant de la batterie).
Il trouve également le temps d’épouser la chanteuse The Distillers et d’avoir un enfant, mais là, bien sûr, il a besoin de se calmer un peu, et Queens of the Stone Age en profitera pour publier un album live et un DVD. correspondant, Au fil des ans et à travers la forêt. Cependant, pour les hommes, le congé de paternité sera de courte durée…
Queens of the stone age – Era Vulgaris
En 2007 Queens of the stone age revient sur scène avec l’album « Era Vulgaris », pour lequel Homme fait appel aux nouveaux bassistes Michael Schuman et Dean Fertita comme claviéristes.
« Era Vulgaris » est le cinquième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2007. Il a été enregistré aux studio The Pink Duck et produit par le leader du groupe, Josh Homme. L’album a été bien accueilli par les critiques de musique, qui ont loué son approche plus expérimentale et son énergie débridée. Les chansons les plus populaires de l’album incluent « Sick, Sick, Sick », « 3’s & 7’s » et « Make it wit Chu ». Il a été un succès commercial pour le groupe, atteignant la 36ème place du Billboard 200 aux États-Unis.
Josh Homme a appris cette leçon et est revenu à une musique plus robuste pour … comme une horloge.
Queens of the stone age – Artwork
Queens of the stone age – Artwork
Queens of the stone age – Vilains
« Villains » est le septième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2017. Il a été enregistré aux studio The Pink Duck en Californie et a été produit par le leader du groupe, Josh Homme, et Mark Ronson. L’album a été bien accueilli par les critiques de musique, qui ont salué sa maturité musicale et son approche rafraîchissante de la composition de chansons.
Les chansons les plus populaires de l’album incluent « The Way You Used to Do », « Feet Don’t Fail Me » et « The Evil Has Landed » . Il a été un succès commercial pour le groupe, atteignant la 1ère place des charts rock aux États-Unis.
« Villains » a reçu des critiques positives de la part des critiques de musique. Les critiques ont loué l’énergie débridée de l’album et sa diversité musicale, allant de la pop rock aux influences funk et disco. Les chansons ont été jugées comme étant plus mûres et plus conscientes que les précédentes sorties du groupe.
La collaboration avec Mark Ronson a également été saluée pour avoir apporté une nouvelle dimension à la musique de Queens of the Stone Age. D’autre part, certains critiques ont déploré un manque de risque et d’innovation par rapport aux précédents albums de Queens of the Stone Age.
Bonus: L’interview de Josh Homme de Queens of the Stone Age par SPIN
Après six ans, plus de projets parallèles, et un coup de pinceau avec la mort, le leader de QOTSA revient avec le sixième album de son groupe, le tendu, intime «… Like Clockwork».
Assis sur un lit dans une chambre d’hôtel du centre-ville de Manhattan deux jours après la sortie de Queens of the Stone Age ‘s … Like Clockwork (Matador), Josh Homme allume une cigarette électronique et inhale profondément. «J’ai trouvé la bonne excuse», dit-il, «alors maintenant je la cherche à nouveau.»
Il parle d’essayer d’arrêter de fumer, mais de faire signe à quelque chose de plus grand – et de plus effrayant. Fin 2010, Homme a failli mourir de complications survenues lors d’une chirurgie du genou et a été cloué au lit pendant trois mois déprimants pendant sa convalescence.
Pendant ce temps, Homme, 40 ans, et père de deux petits enfants avec sa femme, la chanteuse de Spinnerette Brody Dalle, ont eu du mal à trouver une raison de continuer une carrière qui a explosé il y a plus de 20 ans avec le majestueux métal du désert californien de Kyuss, navigué dans le rock rythmique très populaire de Queens of the Stone Age, ravitaillé en Them Crooked Vultures avec un ami et partenaire musical Dave Grohl et l’ancien bassiste de Led Zeppelin, John Paul Jones, et se sont relayés pour travailler sur la production avec Arctic Monkeys et ses propres albums de longue date et hautement collaboratifs Desert Sessions .
En fin de compte, Josh Homme a repris pied avec l’épineux, intense émotionnellement … Comme Clockwork , un album qui offre une preuve irréfutable à la fois de sa résilience et de sa proximité avec le bord – qui, en fait, était là où l’avenir l’attendait.
Vous ne pensez pas que six ans est long entre les albums? Josh Homme: Objectivement, oui, mais pas du tout. Je considère ma carrière comme une œuvre, pas seulement les disques de Queens of the Stone Age. Je suis dans Eagles of Death Metal, je suis dans Them Crooked Vultures, je fais des disques avec d’autres personnes. Six ans n’a l’air drôle que sur le papier.
Si j’étais juste dans un groupe, j’aurais un problème avec le temps entre les enregistrements, parce que je ne veux pas agiter un seul drapeau. Je veux juste faire partie de quelque chose de cool. Parce que ce que c’est, et il est fou de putain, mec. Six disques? Comment fais-je encore ça? Je suis à New York et je sors un disque. C’est tellement bizarre.
Lorsque vous vous remettiez de vos problèmes de santé, avez-vous déjà pensé que vous ne feriez pas plus de musique de Queens of the Stone Age? Josh Homme des Queens of the stone age : J’ai passé cinq ou six mois à attendre un signe. J’aime aller de l’avant et remarquer des choses le long de la route qui indiquent où je dois aller.
Et donc j’ai fini par passer beaucoup de temps à attendre sans avancer, à essayer de comprendre ce que faire pendant que j’étais assis mentalement dans ma propre pente. Cela a été utile parce que j’ai réalisé que c’était la pire chose que je puisse jamais faire.
Qu’est-ce que vous voulez dire? Josh Homme des Queens of the stone age: Lorsque vous tombez malade et que c’est prolongé, vous passez par toutes ces phases mentales et tout le monde les gère différemment. Mais ce qui a rendu les choses difficiles, c’est que j’étais si fatigué de moi-même, vous savez?
J’aurais aimé pouvoir me séparer de moi-même – me quitter. Le problème est que la musique est égoïste dans la mesure où vous devez la créer vous-même, pour pouvoir la donner, et ces deux choses ne fonctionnent pas. J’avais besoin de trouver la bonne raison de jouer qui avait la magie, le mystère et l’excitation qui me donnaient envie de jouer en premier lieu.
Où avez-vous trouvé cette raison? Josh Homme des Queens of the stone age: Eh bien, pendant un moment, j’ai pensé: « C’est tellement stupide. » Qu’est-ce que c’est que tout ça? [ Gestes autour de la pièce ] C’est tellement détestable. Puis, tout à coup, vous commencez à dire: «Non. La musique est belle. »
Vous pouvez faire pleurer quelqu’un et vous pouvez dire des choses que vous ne diriez jamais autrement. Alors pourquoi n’y croiriez-vous pas? Pourquoi choisiriez-vous d’être amer plutôt que de faire de la musique? Être amer est dégoûtant. Cela ne vaut rien.
Pouvez-vous m’en dire un peu plus sur votre rétablissement? Cela a-t-il changé vos interactions avec votre famille et les personnes avec lesquelles vous faites de la musique? Qu’est-ce qui vous poussait exactement à l’amertume? Josh Homme des Queens of the stone age: Je préfère ne pas dire. C’est juste – je n’ai jamais été arrêté froid avant. Les obstacles sont toujours, comme: «À travers lui, par-dessus, par-dessous: que vais-je faire?» C’est juste difficile de partager certaines choses.
Je ne suis pas le gars qui dit: « Ce truc sent la merde, prends une bouffée. » Je pense juste: « Ça sent la merde. » Je ne veux pas que vous ayez à le sentir aussi.
Pouvez-vous dire ce qui s’est passé physiquement? Josh Homme des Queens of the stone age: Eh bien, j’ai toujours été assez dur avec moi-même. Alors quoi qu’il m’est arrivé, je l’ai totalement mérité. C’est presque comme si je le demandais. Mais pourquoi se concentrer sur des choses qui craignent? Ça ne vaut pas le coup.
Mis à part les problèmes de santé, vous avez 40 ans et vous avez deux petits enfants qui ne sont pas nés la dernière fois que vous avez sorti un album de Queens of Stone Age. Avez-vous repriorisé du tout? Josh Homme des Queens of the stone age: Les reines ont grimpé sur ma liste de priorités. Au lieu d’être mon copain, c’est devenu mon copain de guerre. Et les gars du groupe sont aussi plus importants pour moi maintenant. Quand ils voulaient vraiment faire un disque, j’ai dit: «D’accord, si tu veux faire ça, je ne suis pas dans le plus grand espace.
Vous devez commencer dans la confusion et je ne sais pas où ça va aller et vous ne le saurez pas non plus. Mais cela nous a rendus tellement plus serrés. Nous devions nous faire confiance ou nous nous séparerions. Je pense que cela a quelque chose à voir avec la raison pour laquelle nous avons perdu [le batteur] Joey [Castillo] et avons dû le laisser partir…
Il avait du mal à naviguer dans cette incertitude. Même si c’était très amical, c’était comme, « Merde, pourquoi est-ce que cela a dû arriver? » Mais cela a rapproché le reste d’entre nous.
Les conséquences du licenciement de Joey ont-elles été différentes de celles où vous avez laissé [le bassiste et membre fondateur de la QOTSA] Nick Oliveri s’en prendre à Songs for the Deaf ? Josh Homme des Queens of the stone age: Nick et moi avons eu des problèmes qui n’étaient pas musicaux. Il chante sur le nouvel album. Mais à l’époque, en 2004 ou à chaque fois, j’avais l’impression qu’au lieu d’être compris pour avoir pris une décision difficile concernant quelqu’un qui était hors de contrôle, les gens se disaient: «Putain Josh Homme, il veut juste chanter plus.
Quoi? Tu dois être fou. Je voulais chanter plus? Après Deaf , le groupe a commencé à se concentrer davantage sur les personnalités que sur la musique et cela ne se sentait pas bien. Honnêtement, les gens du monde de la musique avaient déjà décidé de moi au moment [2005] de Lullabies to Paralyze sortit de. Nous avons divisé tout le monde dans notre monde et je me suis dit: « Oh, merde. »
Mais maintenant je me rends compte que tout ce truc extérieur est inutile. Je m’intéresse au long arc d’une vie de musique, dans une vie d’honnêteté.
Vous ne pensez pas avoir été honnête avant? Josh Homme des Queens of the stone age: J’étais en train de piquer et de pousser avant, mais maintenant je veux pousser et pousser là où ça fait mal. C’est la même idée que pour les anciens albums de Queens, mais orientée dans une direction différente.
Les paroles de … Like Clockwork sont la plus grande différence pour moi par rapport à vos trucs passés. Une chanson comme « The Vampyre of Time and Memory », où vous chantez sur le fait de vous sentir mal aimé et de vouloir que Dieu vienne vous emmener – c’est loin de « Feel Good Hit of the Summer ». Essayiez-vous d’être plus direct? Il n’y a plus beaucoup de sarcasme.
Josh Homme des Queens of the stone age: Je me sens comme«Go with the Flow» ou [ Lullabies to Paralyze ’s] « Long Slow Goodbye »sont des chansons très directes. Mais avec ces records, je pouvais voir l’objectif final avant de commencer. Celui-ci a commencé sans fin en vue… c’est juste différent cette fois pour le groupe.
[Le fondateur de Matador] Chris Lombardi m’a dit que c’était le deuxième acte de Queens of the Stone Age et je suis d’accord avec ça. L’acte deux a commencé par me réveiller dans un hôpital.
Je ne me plains pas, mais j’aurais aimé que cela ait commencé d’une manière différente. J’ai toujours pensé que la musique était séparée de la réalité, mais il est impossible d’échapper à la réalité d’où cet album a commencé. Je n’avais pas d’autre choix que de m’en occuper.
Si la motivation a changé, qu’est-ce que c’était sur, disons, [2000] Rated R ou Songs for the Deaf ? Une grande partie de Queens of the Stone Age, du nom aux pochettes d’album en passant par les paroles, semblait être un commentaire ironique sur le fait d’être dans un groupe de hard-rock. Josh Homme des Queens of the stone age: Je pense que c’est un jugement précis. N’importe quel groupe sur ses deux premiers albums essaie juste de suivre son inspiration. Vous êtes pris dans ce raz-de-marée de grandes idées: «Et si un groupe avait trois chanteurs? Personne ne fait jamais ça!
Je pensais à ce que ce serait si le chant était entrelacé, comme si vous chantez en solo, alors vous chantez des harmonies, puis vous chantez à peine – juste une transition transparente tout le temps.
Il s’agissait de ce genre de choses, d’essayer de créer quelque chose que personne ne faisait. Et j’ai toujours eu un sens de l’humour malade et j’ai toujours voulu que cela imprègne la musique parce que je ne me prends pas au sérieux. Je prends la musique au sérieux, mais je sais que je ne suis pas le cadeau de Dieu à personne sauf à ma mère.
Revenons à une chanson comme « Feel Good Hit of the Summer ». Ou même plus tôt, quand vous étiez à Kyuss, qui est l’un des grands groupes de stoner-rock de tous les temps – même si je sais que vous n’aimez pas ce terme. Il y avait cette aura d’excès autour de vous et de votre musique.
Je veux dire, votre maison de disques a organisé une fête pour Songs for the Deaf et vous avez demandé qu’ils apportent des nains et des mimes. Dans quelle mesure était-ce un «commentaire» et dans quelle mesure avez-vous vraiment apprécié l’excès?
Josh Homme des Queens of the stone age: Il est impossible de savoir. Avec la fête, je l’ai fait parce que les nains et les mimes effraient les gens. C’était une fête pour nous et ils se sont dit: « Qu’est-ce que tu veux? » Et je me suis dit: « Oh, c’est facile: les nains et les mimes. » C’était la fête la plus inconfortable de tous les temps, mais je pensais que c’était génial.
Rendre les gens mal à l’aise est l’un de mes hobbies. J’espère toujours que la moitié des gens de la blague et l’autre moitié sont la blague. Mais quelque part en cours de route, surtout après les sourds et l’explosion – puis l’implosion avec Nick – il est devenu clair que cela devait être plus sur la musique.
Ce sens de l’humour malade est toujours là, mais je ne suis pas si blasé de le répandre partout. Il doit être utilisé aux doses appropriées, car ce serait dommage si cela confondait le vrai problème, qui consiste à essayer de chanter sur la vie. J’avais l’habitude de considérer Queens of the Stone Age d’une manière irréaliste, uniquement comme une évasion. Je ne pense plus ça.
Que pense votre famille de la façon dont la musique a changé pour vous? Josh Homme des Queens of the stone age: Je ne peux pas vraiment répondre à cela si ce n’est de dire que j’ai toujours été proche de ma famille et des gens qui me tiennent à cœur et c’est tout ce qui compte vraiment.
Ils savent que les choses ont changé. Je n’essaye pas de donner un sens à ce qui s’est passé, je sais juste que c’est arrivé. Je sais ce que j’ai traversé. Je n’ai pas besoin qu’on me dise d’arrêter et de sentir les roses parce que je renifle si fort.
« Renifler si fort. » Ça vous dérange si je prends cela hors de son contexte? Ce serait un bon titre. Vous ne seriez pas le premier à faire ça.
Un autre exemple? Josh Homme des Queens of the stone age: Une fois, j’ai dit bêtement à un intervieweur que les chansons parlaient de tout ce que vous vouliez qu’elles parlent, et cela a été repris par la suite. « Oh, vous dites que vos chansons ne parlent de rien. » Ce n’est pas ça. C’est embarrassant de parler de quelque chose de personnel même si je chante quelque chose de personnel.
Non pas que tout était toujours enveloppé de mystère avant, mais sur Lullabies, je me sentais un peu persécuté parce que j’avais viré mon meilleur ami et c’était vraiment dur et ce n’était pas une question de musique. Et je n’ai rien dit, pensant que les gens respecteraient cette décision. Mais au lieu de cela, j’ai senti ces roches sociales me frapper.
Au lieu de dire: «Je me sens persécuté», j’ai écrit [de Berceuses ] «Brûlez la sorcière».J’ai pensé: « Eh bien, c’est clair comme le jour » et c’est plus intéressant que d’écrire « C’est quoi ton problème? » Mais les gens ne l’ont pas compris.
Mais quand l’histoire est clairement si centrale dans la musique, il est difficile de ne pas être curieux de connaître les détails plutôt que de simplement en parler.
Cela ne me dérange pas de les encercler, un peu comme quelque chose dans une cuvette de toilette. C’est juste que se concentrer sur les mauvaises choses pour expliquer les bonnes choses est bizarre.
Vous avez parlé plus tôt de la confusion liée à la création du nouvel album. Qu’est-ce que cela signifie concrètement? Y avait-il plus assis et se regardant en attendant que des idées viennent? Josh Homme des Queens of the stone age: Ce que nous faisons dans le Queens, c’est de parler de chansons comme si elles étaient une personne. La personne n’est pas censée être parfaite. Il est censé avoir des cicatrices et il est censé être représenté avec précision. Vous commencez à dire: «Qui est cette personne? Qu’est-ce que cette personne a vécu? Vous commencez à jouer à ça .
Et parfois, l’un de nous dira: « C’est si proche, mais ce n’est pas juste. » Vous ne savez pas toujours pourquoi. Vous êtes donc obligé de poser les choses, de donner de l’air aux choses et d’y penser. C’est pourquoi il a fallu si longtemps pour ce disque. Normalement, nous entendons tous ce qu’est le jeu final: cela devrait ressembler à ceci.
Quand nous avons commencé à faire cet album, j’aurais adoré faire un album de répétition bluesy, semblable à la transe, James Brown, mais ce n’était tout simplement pas censé être.
Il est devenu que c’était un disque où la musique était censée soutenir la voix. Visuellement, c’était une voix blessée et elle avait besoin de la béquille du moins de musique possible. Telle était la situation, et lorsque vous servez la situation, vous devez attendre que quelqu’un sonne la cloche avant de la servir à nouveau.
C’est drôle que je vous ai demandé si vous pouviez décrire des différences pratiques et vous m’avez donné un tas de comparaisons élaborées. Josh Homme des Queens of the stone age: [ Rires ] Désolé, mec. J’aimerais pouvoir être plus concret pour vous, mais il s’agit de mystère et de ne pas laisser la réalité prendre le dessus. La réalité et le mystère doivent être de taille égale.
Que puis-je dire d’autre? Je suppose que vous connaissez la phrase: « Quelque chose de méchant vient de cette façon? » J’adore cette phrase. C’est tellement sexy. C’est, « Oh mon Dieu, qu’est-ce que cela vient à l’horizon? » J’écris beaucoup là-dessus.
Lorsque vous étiez allongé, écoutiez-vous quelque chose qui vous a donné des indices sur la façon d’aller de l’avant? Il existe une tradition d’albums d’alerte post-santé. Time Out of Mind de Bob Dylan en était un. The Next Day de David Bowie en était un autre. Cherchez-vous des précédents? Josh Homme des Queens of the stone age: La vérité est que j’ai arrêté d’écouter beaucoup de musique. Je veux aimer autant que je peux, mais il n’y a pas grand-chose là-bas. Le but serait de trouver le bien dans tout. Les gens qui disent aimer tout n’ont pas le sable pour vous dire ce qu’ils aiment vraiment . J’adore le disque Metronomy de la Riviera anglaise .
C’est putain incroyable. Cela ressemble à la sombre côte de l’Angleterre. J’aime le disque des Savages [ Silence Yourself] pour la façon dont il traîne ce qui était en avant. J’aimerais beaucoup plus de musique, mais j’ai presque l’impression que ça ne dépend pas de moi. J’essaye, mais que faire une fille?
Une musique qui avait déjà été importante pour vous est-elle devenue plus importante? Josh Homme des Queens of the stone age: Je me souviens avoir écouté la radio et la chanson de Bruce Springsteen «I’m on Fire» a commencé. Je n’ai jamais vraiment été à Springsteen. Non pas que je ne l’aimais pas, c’est juste que je m’en fichais.
Cette chanson est venue et je me suis dit: « Putain de merde, c’est bien. » Je ne suis pas allé acheter un album de Springsteen, mais j’ai acheté cette chanson et j’ai commencé à l’écouter avec une perspective différente. J’en ai compris certaines choses auxquelles je n’avais pas prêté attention auparavant.
Vous avez dit dans le passé que l’enregistrement est la partie la plus amusante de la création musicale pour vous. Mais est-ce toujours amusant quand le sujet est si sérieux?
Josh Homme des Queens of the stone age: Avant … clockwork , je ne vous considérais pas comme l’un de ces musiciens pour qui l’enregistrement est un processus cathartique, presque masochiste. Je m’inquiète parfois pour ça. Le disque de Them Crooked Vultures, chanter et écrire les mots et mettre tout cela ensemble était très éprouvant. Ce nouvel album était très éprouvant.
Est-ce que ça va être comme ça tout le temps? Je prie le dieu du rock’n’roll que ce ne soit pas mon nouveau style. Parce que: Non . J’ai toujours pu apprécier ce que c’est et je détesterais perdre la clé de ça. L’alternative est que vous deveniez un grognard. J’aimerais penser que mes derniers mots seront un gloussement.
Le nouvel album va faire ses débuts au n ° 1, et c’est votre premier album sur Matador après quatre avec Interscope. Qu’est-ce qui a été différent dans le travail avec un indépendant? Josh Homme des Queens of the stone age: Le système des grands labels avait vraiment peur de tout. C’est presque comme s’ils se réveillaient dans la mauvaise pièce et se disaient «Oh mon dieu». Mais risquer de ne rien obtenir.
Et à un moment où ils devraient faire confiance à leur instinct, ils font le contraire, je ne voulais pas passer du temps à discuter d’une idée créative avec quelqu’un qui ne joue pas de musique et ne sait pas ce qu’ils font. re parler. C’était un gaspillage d’énergie. Je veux juste faire de la musique et faire de l’art et faire des vidéos et je me fiche que ce soit « pour le single ». Qui s’en soucie? Ne m’interrompez pas. Ne me censurez pas. Ne m’arrêtez pas. Laisse-moi tranquille.
Vous vous cogniez la tête contre le mur d’Interscope? Josh Homme des Queens of the stone age: C’était une bataille constante. Vous ne voulez pas faire quelque chose, dites: « Je ne veux pas le faire. » Je m’en fiche. Mais ne donnez pas une bonne réunion. C’est le moment [en musique] où si vous n’êtes que vous-même, vous pouvez briller.
Certaines personnes veulent vendre des écouteurs et des conneries comme ça et c’est totalement cool, mais je ne veux pas être là. Je veux mettre en place un modèle où les gens d’affaires nous laissent simplement faire ce que nous voulons faire et Matador a dit: «Nous allons aider vous faites cela. »
Nous aurions pu prendre plus d’argent et prendre plus ceci et plus cela, mais ce sont des conneries temporaires. Je veux faire quelque chose de classique. Si nous faisons cela correctement, nous pourrions en fait être le groupe préféré de quelqu’un de tous les temps. C’est putain de rad. Comment pouvez-vous battre cette merde? Beaucoup de gens écoutent de la musique sur le chemin de la banque et ils n’y pensent plus et c’est très bien. Mais certaines personnes écoutent une chanson 60 fois de suite. Je fais de la musique pour eux.
À ce stade de votre carrière, qui regardez-vous comme modèle? Josh Homme des Queens of the stone age: J’adore Iggy [Pop]. Je me suis toujours considéré comme un étudiant du monde Iggy, tu sais? Laisse juste ‘er déchirer – et peut-être que ça va déchirer, et c’est pas grave.
Nous avons beaucoup parlé de moments difficiles. Quel est le meilleur moment que vous avez passé à faire de la musique? Josh Homme des Queens of the stone age: Depuis 20 ans, tout ce que je recherche, c’est le sentiment que j’avais l’habitude de jouer avec Kyuss dans le désert avec des groupes électrogènes. Vous n’avez jamais su ce qui allait se passer. C’était merveilleux. J’ai eu beaucoup de chance parce que c’est avec ça que j’ai grandi. C’était une conséquence du temps et du lieu.
Cette scène n’existait pas à cause de moi, j’étais juste là. Et c’est là que j’ai appris la bonne façon de jouer. La bonne façon de jouer n’est pas pour l’argent ni pour devenir célèbre. Vous êtes censé éviter quelque chose comme ça. Vous jouez pour la musique et vous jouez parce que vous n’avez aucune idée de ce qui va se passer, mais vous savez que les chances que ce soit bon augmentent lorsque vous êtes honnête sur ce que vous faites.
Avez-vous toujours ce sentiment? Josh Homme des Queens of the stone age: Absolument, et avec le groupe en ce moment, jouant cette musique si honnête et vulnérable, nous avons de bonnes chances d’arriver à ce putain de sentiment. Je ne sais pas comment le décrire. C’est cette boule d’énergie. Un jour, vous pourriez vous en approcher si près que vous vous brûlez.
Et si cela arrivait? Quelle belle façon d’en finir.
Heureux de vous présenter ma 11e cover pour le groupeMass Hysteria. Cela fait plusieurs années que je suis photographe pour leurs pochettes d’albums. J’ai shooté le Hellfest 2019 en me demandant comment une image pouvait synthétiser ce concert… Juste après ça , je me suis dirigé vers la sortie de scène après une heure à courir partout lorsque je vis le groupe se rassembler pour saluer le public. Ce n’était pas prévu, je suis revenu en courant pour shooter à l’arrache trois photos, dont celle-là. Tout cela sans savoir qu’elle serait la photo pour la pochette d’album Mass Hysteria Hellfest 2019.
Je compris sur le moment que si une photo devait représenter ce concert ce serait celle-là, car en dehors des prouesses, des écrans géants, des flammes et de la baffe musicale, c’est cette relation si particulière entre le groupe et son public qui pousse ce groupe, depuis 20 ans, à en faire toujours plus, à ne rien lâcher, à se surpasser à chaque concert.
L’album Mass Hysteria Hellfest est un enregistrement live du groupe français de métal. Il a été enregistré lors de leur performance au festival de musique Hellfest en France, en juin 2019. L’album contient 14 titres enregistrés en direct, y compris des chansons de leurs albums précédents, ainsi que de nouveaux titres tels que « Le Bal des Enragés » et « Réanime ».
Sorti en novembre 2019, « Hellfest » a été acclamé par la critique et les fans de musique métal pour sa production de haute qualité et l’énergie brute de la performance en live. L’album est une célébration de la musique métal française et de l’expérience du festival Hellfest, qui est devenu un événement majeur pour les amateurs de musique métal en Europe.
Avec Mass Hysteria Hellfest, le groupe a réussi à capturer l’essence de leur performance live et à la transmettre aux auditeurs, offrant ainsi une expérience immersive pour ceux qui n’ont pas pu assister au concert en personne. L’album est également une étape importante dans la carrière du groupe, qui a réussi à se forger une réputation solide en France et dans d’autres pays francophones, en se produisant sur des scènes importantes telles que le Hellfest.
Contexte de la création de l’album Mass Hysteria HELLFEST
L’album « Hellfest » de Mass Hysteria a été enregistré lors de leur performance au festival de musique métal français du même nom, qui a eu lieu en juin 2019. Le groupe avait déjà joué au Hellfest auparavant, en 2016, mais leur performance de 2019 a été particulièrement remarquable, avec une énergie et une intensité qui ont attiré l’attention des organisateurs du festival.
Le groupe a été approché par les organisateurs pour enregistrer leur performance en live et sortir un album pour commémorer l’événement. Mass Hysteria a accepté et a travaillé en étroite collaboration avec les ingénieurs du son pour s’assurer que la qualité de l’enregistrement était à la hauteur de leurs normes élevées.
L’enregistrement live de Mass Hysteria Hellfest été réalisé sans aucune modification en post-production, à l’exception du mixage final, afin de préserver l’authenticité de la performance. Le groupe a déclaré que l’enregistrement de leur performance en live au Hellfest était une expérience incroyablement intense et émotionnelle, et que l’album capturait parfaitement l’énergie brute de leur performance sur scène.
La sortie de Mass Hysteria Hellfest a également coïncidé avec la tournée du groupe pour promouvoir leur album studio « Maniac », sorti en octobre 2019. Cette tournée a été l’occasion pour le groupe de présenter leur nouveau matériel, ainsi que de revisiter leurs anciens classiques, tels que « Contraddiction » et « Furia ». L’album « Hellfest » a donc été une manière pour Mass Hysteria de célébrer leur expérience au Hellfest, ainsi que leur carrière dans la musique métal française.
Mass Hysteria HELLFEST
Le groupe Mass Hysteria : Brève présentation du groupe
Mass Hysteria est un groupe de métal français qui a été fondé en 1993. Le groupe se compose de six membres, avec Mouss Kelai au chant, Yann Heurtaux et Fred Duquesne à la guitare, Raphaël Mercier à la batterie, Jamel Dridi à la basse et Anthony Miranda au clavier.
Mass Hysteria est connu pour son style de métal unique, qui combine des éléments de punk, de hardcore et de thrash metal avec des paroles engagées en français. Le groupe a sorti son premier album « Le Bien-être et la Paix » en 1997, qui a été salué par la critique pour son énergie brute et sa créativité.
Depuis lors, Mass Hysteria a sorti de nombreux albums, notamment « Contraddiction » en 1999, « De Cercle en Cercle » en 2001, « L’Armée des Ombres » en 2003, « Failles » en 2009 et « Maniac » en 2019. Le groupe a également remporté plusieurs prix, notamment le prix de la meilleure vidéo rock aux Victoires de la Musique en 2002 pour leur chanson « Furia ».
Mass Hysteria est connu pour ses performances live énergiques, qui ont été saluées par les fans et les critiques. Le groupe a joué dans de nombreux festivals en France et dans d’autres pays, notamment le Hellfest, le Download Festival et le Wacken Open Air. Mass Hysteria est considéré comme l’un des groupes de métal les plus influents et les plus respectés en France, avec une base de fans dévoués qui les suivent depuis plus de deux décennies.
Découvrez la version 360° de Mass Hysteria HELLFEST
Réflexion sur l’impact de l’album « Hellfest » sur la carrière de Mass Hysteria et sur la scène métal en général.
Mass Hysteria Hellfest a eu un impact considérable sur la carrière du groupe ainsi que sur la scène métal en général.
Tout d’abord, « Hellfest » a été une sorte de consécration pour Mass Hysteria, qui a ainsi affirmé sa place dans le paysage musical français et international. L’album est un enregistrement en live du concert donné par le groupe lors de l’édition 2019 du Hellfest, l’un des plus grands festivals de métal en Europe. Grâce à ce concert, Mass Hysteria a pu montrer l’étendue de son talent et de son énergie à un public très large, composé de fans du monde entier.
De plus, Mass Hysteria Hellfest a permis à Mass Hysteria de renouer avec ses racines et de retrouver l’esprit punk et hardcore qui avait animé ses premiers albums. En effet, le groupe a enregistré une grande partie de ses premiers albums en live, dans des conditions souvent spartiates. Avec « Hellfest », Mass Hysteria a retrouvé cette spontanéité et cette urgence qui ont fait son succès.
Enfin, « Hellfest » a eu un impact considérable sur la scène métal en général. En tant qu’enregistrement live d’un concert donné lors d’un des plus grands festivals de métal au monde, l’album a permis de mettre en lumière l’importance de ce genre musical, ainsi que la vitalité et la créativité des groupes qui le composent. De plus, Mass Hysteria Hellfest a permis à Mass Hysteria de gagner de nouveaux fans, mais aussi de donner envie à de nombreux autres groupes de se produire sur scène et de créer une expérience inoubliable pour leur public.
En somme, l’album « Hellfest » a été un véritable tournant dans la carrière de Mass Hysteria et un événement majeur pour la scène métal en général. Grâce à cet enregistrement en live, le groupe a pu montrer toute l’étendue de son talent et de son énergie, tout en affirmant sa place parmi les plus grands groupes de métal français et internationaux.
Le tracking et les crédits de Mass Hysteria HELLFEST 2019
Version CD
1. Reprendre mes esprits
2. Positif à bloc
3. World on fire
4. Vae soli
5. Nerf de boeuf
6. Se brûler sûrement
7. Tout est poison
8. L’enfer des dieux
9. Chien de la casse
10. Contraddiction
11. Arômes complexes
12. Plus que du metal
13. Furia
Version Blu-ray
1. Reprendre mes esprits
2. Positif à bloc
3. World on fire
4. Vae soli
5. Nerf de boeuf
6. Se brûler sûrement
7. Tout est poison
8. L’enfer des dieux
9. Chien de la casse
10. Contraddiction
11. Arômes complexes
12. Plus que du metal
13. Furia
Production images
Sombrero & Co
Réalisation : Thierry Villeneuve & Julien Metternich
Post-production images
Little Big Films
Directeur de production : Yann Merrien
Montage : Julien Metternich
Étalonnage : Tristan Donard
Authoring : Thomas Garbis
Production concerts & booking
Veryshow Productions
Ghost band est un groupe de métal qui s’est formé en 2006 dans la petite ville de Linköping, en Suède. Contrairement à la croyance populaire, Ghost n’est pas un «groupe» mais le projet du membre fondateur, chanteur, compositeur et leader du groupe : Tobias Forge. Découvrez les membres de Ghost (groupe) ci-dessous…
Ghost est surtout connu pour ses théâtres occultes / black-métal et ses performances scéniques captivantes. Le fondement de Ghost est le suivant: un pape diable et ses serviteurs (les goules sans nom, et maintenant les ghoulettes); c’est le thème récurrent de tous les albums et époques.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) Créditphoto Eric CANTO
La caractéristique la plus distincte de Ghost est ses «uniformes»; Les goules sans nom portent des masques et des vêtements identiques, tandis que Tobias a dissimulé son identité sous un masque et un maquillage prothétiques complets qui créeraient ses papes démoniaques qui ont changé à chaque époque du groupe, jusqu’à présent.
Malgré le fait que les goules sans nom étaient censées être sans nom , les fans ont commencé à nommer des surnoms pour ce qui est maintenant connu comme les «goules originales».
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Guitare Rythym = Aether Ghoul (qui plus tard s’appelait Omega et « stompy »)
Claviers = Air Ghoul
Tambours = Earth Ghoul
Les noms provenaient des symboles qui étaient étiquetés sur leurs costumes; une fois que la gamme «originale» de Ghouls a été licenciée du groupe (2017); le nouvel ensemble de goules a également pris des surnoms .
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Jusqu’à la fin de 2018, l’anonymat était la partie la plus convaincante de Ghost; beaucoup de gens ont d’abord été attirés par Ghost pour le mystère qui accompagnait ce groupe clandestin chantant des airs rythmés mais lourds sur Satan et l’enfer.
Personne ne savait qui ils étaient, personne ne savait d’où ils venaient, mais ils ne pouvaient pas détourner le regard du spectacle «effrayant». Cependant, il y a quelques mois, Tobias s’est «démasqué» dans une émission de radio suédoise et a confirmé ce que les plus intenses savaient déjà; Tobias Forge EST Ghost.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
La raison? Eh bien, personne ne sait vraiment ce qui l’a poussé à sauter le pas, à part Tobias qui a dit que le « mystère » ne pouvait rester en vie aussi longtemps de nos jours avec les téléphones-appareils photo et la communication instantanée, donc il préfère faire la « sortie » que cela ne soit annoncé ailleurs.
Pour les trois premiers albums, Tobias Forge a pris différentes incarnations et personnages de Papa Emeritus. Jusqu’à présent, nous avons eu un papa émérite I, II et III. Avec leur dernier album, nous avons également été présentés à Papa Nihil (alias Papa Zero) qui est essentiellement le manager du diable-pape (également le père de tous les Papa).
Papa Emeritus I’a fait face à Ghost de 2008 à 2012, puis en décembre 2012, Ghost a fait ses débuts « Secular Haze », ainsi que Papa Emeritus II, comme annonce pour leur deuxième album « Infestissumam », dans leur ville natale de Linköping.
Trois ans plus tard, en 2015, Papa II a présenté le public à son «frère cadet», Papa Emeritus III, qui prendrait la responsabilité d’essayer de renverser l’Église et le gouvernement, car Papa II avait été licencié pour ne pas avoir réussi à cet objectif ne remplissant pas son devoir de renverser les églises, ce fut le début de l’ère Meliora, ce qui a vraiment fait entrer Ghost dans la scène hard-rock / métal.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
En septembre 2017, à Göteborg (Göteborg), en Suède, Papa Emeritus III a été traîné hors de la scène par deux hommes, les hommes ont ensuite escorté Papa Nihil en introduisant que le prochain chapitre et l’ère actuelle commencerait…
Fait amusant: vous pouvez réellement visiter les papas morts à la «Vénération des reliques» lorsque vous achetez des pass Meet and Greet pour la tournée en cours.
Un Papa III et moi morts à Stockholm, en Suède.
Ce n’est qu’en janvier 2018 que nous avons appris la sortie de Prequelle et avons été informés par le clergé (qui est essentiellement le QG fantôme) que nous ne verrons pas le retour d’un papa, du moins pas encore.
En avril 2018, Ghost a fait ses débuts au Cardinal Copia à un public privé lors d’une émission acoustique secrète, confirmant aux fans que Ghost n’est plus «contrôlé» par un papa. Le cardinal est le premier «leader» et membre du clergé à ne pas appartenir à la lignée Nihil. Le cardinal a été amené par soeur Imperator, qui détient un titre élevé dans le clergé, pour intervenir en tant que leader de Ghost en raison du fait que la lignée émérite est maintenant entièrement morte,
Papa Nihil n’est pas sûr du Cardinal, malgré le fait que Sœur imperator insiste sur le fait que Ghost a besoin « d’un nouveau leader avec la jeunesse, l’endurance et le charisme sexuel », auquel Nihil accepte à contrecœur simplement parce qu’il veut continuer la mission Ghost de diffuser le message de Satan.
En conclusion, où le groupe est en ce moment est: The Cardinal est toujours en face de Ghost et en tournée le quatrième et dernier album Prequelle qui a été publié en 2018. Tobias Forge a récemment déclaré que le cinquième album et la cinquième ère de Ghost seront toujours dirigés par le Cardinal , il est rare pour Ghost de garder le même personnage…
Les albums et leurs concepts
La musique est en fait un sujet controversé avec Ghost, car beaucoup de « metalheads » ont tendance à rejeter l’idée de laisser Ghost s’asseoir dans le genre Métal; et beaucoup d’élitistes n’aiment pas Ghost.
Une partie du plaisir d’être fan de ce groupe est que vous êtes toujours face à de la nouveauté; que ce soit la musique, les personnages, les costumes, l’intrigue, etc.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Opus éponyme (2010) – Ghost Band
En 2006, alors que Tobias Forge faisait toujours partie de son groupe Subvision (qui comprend des membres qui deviendront des Ghouls sans nom « originaux »), il a écrit la chanson « Stand By Him » puis s’est réuni avec un ancien compagnon de groupe de Repugnant pour enregistrer la chanson.
En 2008, Tobias Forge, et ce qui allait bientôt être une goule sans nom, a écrit et enregistré «Stand By Him», «Prime Mover» et «Death Knell», et c’est dans ce processus que les deux ont décidé de poursuivre cette thématique satanique, mais dans un format «groupe de théâtre» car ils pensaient que leurs apparitions ne seraient pas prises au sérieux avec les chansons.
Utilisant l’amour de Tobias pour les films d’horreur et les traditions du black métal scandinave, il est venu avec le concept original de membres masqués pour les « Nameless Ghouls », tandis qu’il a enfilé le personnage de « Papa Emeritus » dans les insignes papaux et la peinture de cadavre. -une peinture faciale.
Membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Tobias Forge a offert le rôle de chanteur à plusieurs autres musiciens suédois, car il voulait un rôle plus «en coulisses» d’écriture de paroles et de musique, et de ne jouer de la guitare que sur scène. Cependant, comme trop de gens rejetaient l’idée d’être un «pape diable», Tobias devait le faire lui-même, et le tour est joué, le reste appartient à l’histoire!
En mars 2010, Tobias Forge a posté les trois premières chansons de Ghost sur MySpace et en moins de deux jours, il a été approché par des maisons de disques et des managers! Ghost a ensuite terminé son album à Linköping et a sorti son premier single «Elizabeth» en juin 2010, puis a sorti Opus Eponymous en octobre 2010.
L’album a atteint le numéro 50 du top suédois, et a déjà commencé à créer beaucoup de buzz avec le premier album. Il est inquiétant, lourd, satanique et parvient toujours à faire vibrer votre corps avec ces crochets mélodiques. Opus, est également la pierre angulaire des albums conceptuels de Ghost et le fondement de notre position actuelle en termes de «story line»
Sur le plan thématique, Opus met le groupe en place pour «libérer» l’antéchrist dans le monde, car l’objectif de l’album est le «rituel et la conception de l’antéchrist» et ce n’est pas avant le deuxième album d’Infestissumam, où nous obtenons réellement le Antéchrist.
Ghost Band – Crédit photo Eric CANTO
Infestissumam (2012) – Ghost Band
En février 2012, «Special Ghoul» (qui est Tobias déguisé en Nameless Ghoul quand il fait des interviews, parce que les Papas n’ont pas fait d’interviews) a annoncé que le groupe avait terminé d’écrire et d’enregistrer leur deuxième album. Comme mentionné précédemment, en décembre 2012, à Linköping, en Suède, le groupe a joué «Secular Haze» et leur reprise ABBA de «I’m a Marionette» avant de présenter Papa Emeritus II, annonçant qu’il [Papa II] reprendra le groupe comme il [Papa I] a été renvoyé du clergé.
C’est en même temps que Ghost a fait face à beaucoup de contrecoups des États-Unis, légalement. Tout d’abord, ils ont dû devenir temporairement Ghost BC aux États-Unis pour éviter des problèmes juridiques. Ensuite, la date de sortie aux États-Unis d’Infestissumam avait été repoussée en raison du fait qu’aucune entreprise de fabrication américaine ne voulait presser les albums en raison de l’illustration blasphématoire sur les CD de luxe, les entreprises se plaignant qu’il s’agissait « essentiellement d’une orgie du XVIe siècle ».
Hélas, Ghost a décidé de changer la couverture de l’album pour éviter tout retard supplémentaire et a réservé la «couverture de luxe» pour toutes les copies européennes et les copies en vinyle aux États-Unis.
Infestissumam est l’album qui a vraiment fait de Ghost un groupe «live», car le groupe a tourné consécutivement pendant deux ans d’affilée. C’est également cet album qui a permis au groupe de se constituer rapidement une large base de fans!
En avril 2013, ils ont joué Coachella, puis en juillet ils ont joué Lolla Chicago; ce qui est en fait assez important si l’on considère qu’en 2012 le groupe Ghost était encore dans sa «phase effrayante» et plus «intimidante». Fin 2013, ils ouvrent pour Iron Maiden & Slayer, puis Avenged Sevenfold & Deftones, et terminent 2013 par une ouverture pour Alice in Chains en Europe.
En novembre 2013, Ghost a sorti son EP de reprise, If You Have Ghost, produit par Dave Grohl. (Dave a également admis avoir joué de la batterie pour Ghost en costume à quelques reprises!)
En termes de thème d’Infestissumam, c’est l’album dans lequel l’antéchrist est enfin né!
Le clergé célèbre et prépare le mouvement prévu de libérer l’antichrsit dans le monde, afin qu’ils puissent conquérir le monde. Musicalement, vous pouvez déjà dire que Ghost Band a commencé à croître financièrement, en termes de valeur de production, mais vous pouvez également entendre que Tobias Forge a trouvé le son de Ghost Band.
Il a sorti beaucoup d’éléments «heavy métal» et les a édulcorés avec des touches pop mélodiques.
Meliora (2015) – Ghost Band
En mai 2015, il a été annoncé que Papa Emeritus II avait été congédié pour avoir échoué en tant que leader du pape antichrist pour Ghost Band, en raison du fait qu’il n’avait pas réussi à renverser les Églises de toutes les religions ni à succéder aux gouvernements du monde (combien ambitieux, eh ?). Alors que le buzz du battage médiatique était toujours fort, Ghost a publié le single «Cirice» en téléchargement gratuit sur le site officiel du groupe comme un aperçu de Meliora, qui a été publié plus tard en août 2015.
Meliora est vraiment l’album «révolutionnaire» de Ghost Band en termes de succès international, de production scénique et de concepts thématiques; une fois Meliora sortie, Tobias et Ghost Band n’ont pas fait marche arrière, car cela a vraiment fait de Ghost Band l’un des plus grands groupes de la décennie.
Selon Tobias, cependant, tout ce succès n’est pas venu avec un manque d’effort. Tobias Forge a travaillé avec le producteur suédois Klas Åhlund, plus connu pour sa production de musique pop. Il réfléchira plus tard que l’expertise pop de Klas avait été la touche manquante parfaite qui manquait à Ghost Band manquait pour créer le parfait « disque ABBA sombre ».
Meliora parle de l’antéchrist et réussit son titre de «tout-puissant» renversant Dieu. Comme Tobias Forge l’a expliqué (comme Special Ghoul): «Les paroles parlent du vide qui se produit quand il n’y a pas de dieu, quand il n’y a personne pour vous aider. Mais même alors, il y aura toujours des f * cker pour vous guider. Et le groupe est essentiellement décrit comme le parti religieux qui vient avec une main directrice. Nous offrons le seul endroit au monde qui soit spirituel ».
Il continue avec «la toile de fond que nous voulions peindre devant laquelle nous jouons ces chansons, est censée être, une image futuriste super-urbaine, métropolitaine, pré-apocalyptique, dystopique» qui reflète également la société moderne.
Cet album a prouvé la capacité de Tobias Forge à maîtriser l’habileté de créer un album concept. Il y a tellement de petits détails auxquels il a pensé, des détails techniques des costumes aux choix de couleurs de l’œuvre d’art, aux connexions avec leur quatrième album. Tobias Forge a finalement pu réaliser son rêve d’un album de doomy-clerical-rock, et clairement la vision de Tobias a porté ses fruits puisque le groupe a remporté un Grammy pour Cirice dans la catégorie «Best Métal». Performance »en 2016.
Ghost Band – Crédit photo Eric CANTO
Prequelle (2018) – Ghost Band
Prequelle est le quatrième et dernier album studio de Ghost Band, et est le premier album avec l’identité de Tobias Forges. Depuis «l’enlèvement» public de Papa Emeritus III en 2017 lors de leur émission à Göteborg, les fans avaient des attentes et une attente élevées pour ce record; créant beaucoup de pression sur Tobias, car c’est le premier album où il pourrait être personnellement critiqué pour le travail de Ghost Band.
Tobias avait prévu Prequelle pendant des années, il a apparemment commencé à planifier cet album avant Meliora. Prequelle est la peste après l’apocalypse, littéralement. Tobias décrit l’album comme «la survie à travers une période tumultueuse où votre existence est fondamentalement menacée», ce qui, en dépit du thème médiéval de Meliora, reflète également les problèmes modernes du monde.
Tobias est entré dans cet album pour tourner autour des concepts de «mort et malheur», c’est pourquoi le thème central de Prequelle est la peste et la peste noire, mais il a dit qu’il était important de l’équilibrer avec des «problèmes de mortalité» tels que memento mori et «saisissez le jour» parce que l’autre moitié a survécu.
Ces thèmes décrits manifestent également des problèmes personnels dans la vie de Tobias Forge au moment de l’enregistrement de Prequelle, car cet album a été écrit et enregistré alors qu’il était en train de lutter contre un procès, chez lui en Suède, avec les anciens Ghouls (et amis de longue date). Par conséquent, le thème du «memento mori», comme l’a dit Tobias, ne concerne pas seulement les personnages qu’il a créés, mais aussi pour lui-même.
Malgré les deux nominations aux Grammy Awards de l’album, cet album a reçu des critiques mitigées dans tous les domaines. En moyenne, les critiques ont donné à cet album une note de 4,5 étoiles sur 5, alors que les fans, en moyenne, ont donné à cet album 3 étoiles sur 5.
Pourquoi? Très probablement en raison de ses tons pop-centrés. Auparavant, les albums de Ghost Band avaient des aspects pop mais étaient toujours fortement hard-rock. Cependant, c’est ce que voulait Tobias, il veut que Ghost Band grandisse en tant que groupe de stades, il veut vendre des stades et de grandes tournées, et il veut surtout des tubes en radio, ce qu’il a obtenu avec les singles « rats » et » danse macabre ».
Membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Style et influences musicales de Ghost band
La musique de Ghost Band a été classée dans de nombreux genres, les critiques les ont classés en hard rock , heavy métal , doom metal , pop rock , rock progressif, rock psychédélique, rock occulte , et rock arena. Adrien Begrand de PopMattersa déclaré que Ghost Band rappelle « les premiers sons de Black Sabbath , Pentagram et Judas Priest , ainsi que le rock progressif et psychédélique de la fin des années 60 ».
S’adressant à Noisey.com, une goule sans nom a décrit Ghost Band comme un groupe de black metal au sens traditionnel, mais a déclaré qu’ils ne correspondaient probablement pas aux normes de la scène black métal actuelle. Cette Nameless Ghoul décrit la musique de Ghost Band comme un mélange entre la musique pop et le death metal.
Dans une interview, une goule sans nom a déclaré qu’ils étaient influencés par « tout, du rock classique aux groupes de metal underground extrêmes des années 80, aux musiques de film et à la grandeur de la musique harmonique émotionnelle ».
Un membre du groupe a déclaré que le mouvement suédois et scandinave du black métal du début des années 90 joue un rôle majeur dans leur acte, [105] et a déclaré que chaque membre venait d’un milieu métallique.
Cependant, le groupe a déclaré à plusieurs reprises qu’il ne visait pas à être un groupe de métal. Pour leur deuxième album, Ghost Band a choisi un style d’écriture plus diversifié; un membre a déclaré: « Nous avons essayé de faire en sorte que chaque chanson ait sa propre signature ».
Seuls quelques membres écrivent des chansons. Les auteurs composent un contour acoustique de chansons avant que d’autres instruments ne soient ajoutés pour que cela sonne comme un groupe, plutôt que d’être dominé par la guitare.
Leurs paroles sont souvent de nature satanique; un Ghoul a dit: « le premier album parle de l’arrivée prochaine du Diable , parlé en termes bibliques, tout comme l’église dira que le Jugement Dernier est proche. [ Infestissumam ] parle de la présence du Diable et de la présence du Antichrist . «
Cependant, le groupe a dit à plusieurs reprises que leur image était toute ironique, citant que « Nous n’avons pas de programme militant. Nous sommes un groupe de divertissement. » Infestissumam traite également de « comment les gens se rapportent à une divinité ou à Dieu, des thèmes comme la soumission et la superstition, les horreurs d’être religieux. »
En outre, une goule sans nom a déclaré que le deuxième album parlait de « la façon dont l’humanité – principalement des hommes – ce qu’elle a considéré comme la présence du diable, à travers l’histoire et même de nos jours. Et c’est pourquoi le disque est alimenté par des thèmes sexuels et des femmes. .. l’ Inquisition était essentiellement des hommes accusant les femmes d’être le diable ».
La scénographie du groupe est influencée par Kiss, David Bowie et Alice Cooper , mais un membre a dit qu’elles étaient plus influencées par Pink Floyd .
Papa Emeritus III – performance vocale (2015-2017)
Cardinal Copia – performance vocale (2018-2020)
Papa Emeritus IV – performance vocale (2020-présent)
A Group of Nameless Ghouls – guitares, basse, batterie, claviers, chœurs (2010-présent)
Papa Nihil – saxophone (2018-2020)
Anciens membres de Ghost band
Martin Persner
Simon Söderberg
Mauro Rubino
Martin Hjertstedt
Henrik Palm
Gustaf Lindström
Aksel Holmgren
Rikard Ottoson
Linton Rubino
Megan Thomas
Papa émérite I, II, III et Nihil
FAQ sur le groupe Ghost
1. Qui est Ghost ?
Ghost est un groupe de heavy metal suédois formé en 2006. Le groupe est connu pour sa musique influencée par le rock des années 70 et 80, ses costumes théâtraux et son image sombre.
2. Qui sont les membres de Ghost ?
Le groupe Ghost est connu pour garder l’identité de ses membres secrets. Le chanteur principal, Tobias Forge, est le seul membre connu du groupe et incarne un personnage nommé Papa Emeritus ou Cardinal Copia, selon l’ère du groupe. Les autres membres du groupe portent des masques et des costumes sur scène pour rester anonymes.
3. Quel est le style musical de Ghost ?
Le style musical de Ghost est principalement influencé par le heavy metal, le rock des années 70 et 80, le hard rock et le doom metal. La musique du groupe est souvent décrite comme mélodique et sombre, avec des paroles centrées sur l’occulte, la religion et la mort.
4. Quels sont les albums de Ghost ?
Ghost a sorti six albums studio à ce jour : « Opus Eponymous » (2010), « Infestissumam » (2013), « Meliora » (2015), « Popestar » (2016), « Prequelle » (2018) et « Impera » (2021).
5. Quelles sont les chansons les plus connues de Ghost ?
Parmi les chansons les plus connues de Ghost, on peut citer « Square Hammer », « Cirice », « From the Pinnacle to the Pit », « Rats » et « Dance Macabre ».
6. Quelles sont les influences de Ghost ?
Ghost s’inspire de nombreux artistes et groupes de rock et de heavy metal des années 70 et 80, tels que Black Sabbath, Blue Öyster Cult et Alice Cooper. Le groupe est également influencé par la musique classique, le théâtre et les films d’horreur.
7. Quel est le concept derrière l’image de Ghost ?
L’image de Ghost est inspirée par les films d’horreur, la religion et l’occultisme. Les membres du groupe portent des costumes sombres et théâtraux, et Tobias Forge incarne différents personnages à chaque ère du groupe. L’image de Ghost est un élément important de leur performance en direct et contribue à leur ambiance unique.
8. Quelle est la signification du nom de Ghost ?
Le nom de Ghost fait référence à l’idée de la mort et de l’au-delà, ainsi qu’à l’obscurité et au mystère. Le groupe a choisi ce nom pour refléter leur image sombre et théâtrale.
9. Comment est l’expérience d’un concert de Ghost ?
Les concerts de Ghost sont connus pour leur ambiance sombre et théâtrale. Le groupe utilise des éclairages et des effets spéciaux pour créer une atmosphère mystique et engageante. Les membres du groupe portent des costumes théâtraux et Tobias Forge interagit souvent avec le public sous le personnage de Papa Emeritus ou Cardinal Copia. Les concerts de Ghost sont une expérience unique, où la musique, l’image et la performance se rejoignent pour créer une ambiance envoûtante.
10. Quelle est l’histoire de Ghost ?
Ghost a été formé en 2006 à Linköping, en Suède, par Tobias Forge, qui est le principal compositeur, chanteur et guitariste du groupe. Le groupe a sorti son premier album, « Opus Eponymous », en 2010, qui a reçu des critiques positives et a permis à Ghost de se faire connaître dans le monde du heavy metal.
Depuis, le groupe a sorti cinq autres albums, remporté un Grammy Award en 2016 pour la meilleure performance de metal, et a tourné dans le monde entier. Ghost est considéré comme l’un des groupes les plus importants du heavy metal contemporain, grâce à leur musique unique, leur image sombre et théâtrale et leur performance envoûtante.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
J’ai fait les photos et les artworks de cet album qui est sorti en trois exemplaires. Un premier exemplaire digipack standard, un second artwork entièrement fait pour la série limitée et enfin un vinyle avec là aussi un artwork complètement différent.
La genèse de Mass Hysteria Maniac.
Lorsque l’on travaille sur un artwork, le concept arrive parfois par hasard. L’idée de Mass Hysteria Maniacprovient d’une réunion du groupe Mass Hysteria. Le première artwork que je proposais ne convenait pas : trop violent. Il fallait trouver dans l’urgence une direction à prendre. Nous cherchions quelque chose qui fasse résonner l’album enregistré, néanmoins, les propositions de chacun ne faisaient pas l’unanimité.
Le point de départ de Mass Hysteria Maniac fut deux dessins de l’illustrateur Jean Luc Navette qui étaient sur le téléphone de Yann, le guitariste du groupe. Il montra ces dessins aux autres membres du groupe : la décision fut prise de partir dans cette direction et de créer un couple. Le groupe et moi aimons énormément le travail de Jean Luc Navette, ce dessin d’une femme et d’un homme aux yeux blancs fut le point de départ de la réflexion.
Un lieu fut trouvé ( L’hôtel Providence à Paris) et le shooting s’organisa en un temps record. J’avais en tête l’idée d’avoir suffisamment de matière pour travailler deux ambiances différentes. Le résultat c’est trois artworks différents pour Mass Hysteria Maniac suivant le support (CD, Vinyle,…). Un résultat que je vous laisse découvrir ci dessus.
Trois ans après « Matière Noire », MASS HYSTERIA revient avec un nouvel album intitulé « Maniac ». C’est probablement l’album le plus métal de toute la discographie du groupe. Énergie et violence, probablement expliquées par une tournée de concerts intensifs de trois ans. La production, une nouvelle fois signée Fred Duquesne qui produit la 5ème l’album de MASS HYSTERIA et le deuxième en tant que guitariste.
01. Reprendre Mes Esprits
02. Ma Niaque
03. Partager Nos Ombres
04. L’antre Ciel Ether
05. Chaman Acide
06. Se Brûler Sûrement
07. Nerf De Boeuf
08. Arômes Complexes
09. Derrière La Foudre
10. We Came To Hold Up Your Mind
Mass Hysteria Maniac est le neuvième album studio du groupe de métal industriel français Mass Hysteria, est sorti le 26 octobre 2018. Album produit par Frédéric Duquesne à la guitare. Masterisé par Ted Jensen.
MASS HYSTERIA MANIAC TOUR 2018- 2019
Date de la tournée Maniac de Mass Hysteria
06/10/2018 La Cartonnerie REIMS (51) / COMPLET
13/11/2018 La Poudrière BELFORT (90) / COMPLET
14/11/2018 Le Grillen COLMAR (68) / COMPLET
15/11/2018 La Chapelle des Trinitaires METZ (57) / COMPLET
Est-il encore nécessaire de faire les présentations lorsque le nom Mass est mentionné? Leader du métal français depuis plus de vingt ans, c’est toujours avec une joie non déguisée que nous mettons à nos oreilles un nouveau disque des Parisiens. Trois ans après le très acclamé «Matière noire», Mass Hysteria est de retour sous les projecteurs avec son neuvième album studio: «Maniac».
Ce nouvel album fera-t-il partie de la discographie qualitative du groupe? D’une part, la première chose qui stimule notre appétit et nous fait écouter davantage est le soin de la production. Toujours sous la direction de Fred Duquesne, également guitariste, le résultat mérite des applaudissements.
Le son est d’une précision chirurgicale, les guitares répondent superbement aux rythmes sauvages de la batterie de Raphaël Mercier. La basse donne aux compositions beaucoup de rondeur. La voix de Mouss, apporte elle, toute l’énergie et la rage qu’on lui connaît et donne encore plus de valeurs à l’ensemble.
Après Matière noire, largement salué par le public, une présence médiatique plus importante et un disque d’or emblématique certifiée par Contraddiction, nul doute que Mass Hysteria est un fier représentant du patrimoine métal français – sinon rock – et qu’il est mérité. Pour les mass, ce succès n’est clairement pas une excuse pour se calmer ou camper sur leurs acquis.
En effet, le nouveau disque maniaque risque de surprendre avec ses inspirations plus extrêmes, plus prononcées que jamais, pour montrer qu’ils n’ont rien perdu de leur niac.
Cette niac symbolise avant tout un principe qui a fait la joie du groupe depuis un quart de siècle: celui de la résistance. D’abord celui de l’individu qui se fait face, ses émotions, qu’il doit essayer de gérer. Ceci est illustré par l’intrigante entrée « reprendre mes esprits ».
Mais il est difficile de trouver la raison quand nous avons été frappés en mode rouleau compresseur par des guitares et une caisse claire cinglante qui ouvre l’album. Là où nous voyons évidemment l’esprit du combo, c’est dans sa relation avec le collectif.
Maniac incarne cette résistance fraternelle et en particulier le lien avec son public. Donc, dans la scène de « partager nos ombres », nous verrons des clins d’œil réguliers qui maintiennent l’intensité définie au début de l’album. À l’apogée de sa technique (impressionnant sur « Reprendre Mes Esprits »), le batteur Raphaël Mercier conduit les riffs dans un groove massif, presque tribal qui saisit l’auditeur par le col.
« L’Antre Ciel Ether » reste dans la thématique et rappelle ce besoin qui lie Mass Hysteria à leur passion et à leur art.
Le combo canalise sa colère afin de l’exploser chirurgicalement. « Ma Niaque » recherchera ses influences dans la nervosité du Thrash Metal et en particulier du Slayer qui plane sur tout le pont, également dans la chanson qui semble adopter une diction spécifique au style.
« Nerf De Bœuf », dans lequel Mouss prétend que sa « colère dépasse celle des dieux », fait revivre le Death Metal de Yann Heurtaux, comme le montre un échange de solos enragés old school.
Cette colère vient aussi des observations sur notre société avec une lutte contre l’oisiveté et l’ignorance qui domine l’espace public: « Chaman acide » ou les « Arômes complexes » dérangeants avec leurs guitares happent « l’auditeur » et ne le lâche plus.
Mass Hysteria ne manque pas non plus, comme d’habitude, d’exprimer du ressentiment contre les politiciens qui sont «l’orchestre du Titanic», et clôt «Arômes complexes» par des cris alarmants, voire terribles. Rappelle, cependant, que la fameuse résistance ne peut se faire dans la retraite et la passivité, puis invite l’auditeur à regarder vers l’avenir.
Un discours qui se transforme en catharsis, avec des rythmes sourds et des répétitions de voix dramatiques.
On retrouve aussi le groupe sur un sol plus sensible avec » Derrière La Foudre » qui, lorsque l’intensité est omniprésente, utilise des breaks et des samples « à la Mass Hysteria » pour créer un chœur entêtant dans un registre plus sentimental.
La formule répétée à la fin «Tu meurs de peur, mais tu ne meurs pas» seule porte toute la finesse de la plume de Mouss. Maniac se termine par un petit bonbon électronique / industriel près d’un combichrist: « We Came To Hold Up Your Mind » qui se démarque du reste de l’album, part son ton obscur, mais rappelle surtout les origines du groupe.
D’une certaine manière, Mass Hysteria Maniac délivre le même message que l’armée des ombres et Matière noire, mais en enfonçant à nouveau le clou pour utiliser leurs propres termes.
S’il peut surprendre par son tempérament, Maniac représente finalement ce qui incarne le groupe : un groupe qui évolue dans le temps, qui continue à s’inspirer de son environnement et qui ne décolère pas.
L’album « Maniac » est le huitième album studio du groupe de metal français « Mass Hysteria ». Il a été publié en 2018, après une pause de quatre ans depuis la sortie de leur précédent album « L’Armée des Ombres ». Cet album est considéré comme un retour en force pour le groupe, avec une énergie brute et une ambiance sombre et agressive.
Voici quelques informations supplémentaires sur l’album « Maniac » de Mass Hysteria :
Quel est le concept de l’album « Maniac » ?
L’album Mass Hysteria MANIAC est un album concept qui explore le thème de la folie et de l’aliénation mentale. Le titre de l’album fait référence à cette idée de la folie, et chaque chanson explore une facette différente de ce thème.
Quel est le style musical de « Maniac » ?
Mass Hysteria MANIAC est un album de metal puissant et énergique, avec des influences de thrash, de groove et de metalcore. Les riffs de guitare sont lourds et rapides, les rythmes de batterie sont puissants et la voix du chanteur est agressive et expressive.
Quelles sont les chansons les plus populaires de l’album ?
Certaines des chansons les plus populaires de l’album incluent « Vae Soli » e. Chaque chanson apporte une énergie et une ambiance différente à l’album, tout en explorant le thème de la folie.
Qui a produit l’album « Maniac » ?
L’album « Maniac » de Mass Hysteria a été produit par Fred Duquesne, guitariste et compositeur. Il a également travaillé avec d’autres groupes de la scène rock et metal française tels que Bukowski, Tagada Jones, et Ultra Vomit. Le mixage de l’album a été réalisé par Dan Certa, un ingénieur du son américain qui a travaillé avec d’autres groupes de metal tels que Bring Me The Horizon et The Amity Affliction.
Quels sont les membres du groupe Mass Hysteria ?
Le groupe Mass Hysteria est composé de cinq membres :
Mouss Kelai – chant
Yann Heurtaux – guitare
Frédéric Duquesne – guitare
Raphaël Mercier – batterie
Jamie – basse
Le groupe a été formé en 1993 à Paris, France, et a depuis sorti 10 albums studio. Les membres ont évolué au fil des années, mais la formation actuelle est celle qui a enregistré l’album « Maniac ».
Comment a été accueilli l’album MANIAC par la critique et le public ?
Mass Hysteria MANIAC a été très bien accueilli par la critique, qui a salué le retour du groupe à un son plus brut et agressif, ainsi que les thèmes abordés dans les paroles. Le magazine Rock Hard lui a décerné la note maximale de 10/10, qualifiant l’album de « chef-d’œuvre du genre ». D’autres critiques ont souligné la qualité des compositions et de l’interprétation, ainsi que la production soignée de Fred Duquesne.
Le public a également été conquis par l’album, qui a atteint la 26ème place des ventes d’albums en France à sa sortie. Le groupe a également fait une tournée pour promouvoir l’album, en jouant notamment dans des festivals tels que le Hellfest et le DownloadFestival.
10.Quelle est la place de l’album MANIAC dans l’histoire du groupe MASS HYSTERIA ?
Mass Hysteria MANIAC est considéré comme un des albums les plus importants de la carrière de MASS HYSTERIA. Après plusieurs années d’exploration musicale dans des directions plus expérimentales, le groupe est revenu à un son plus brut et plus direct avec cet album, qui a été très bien accueilli par la critique et le public.
Mass Hysteria MANIAC a également permis à MASS HYSTERIA de renouer avec son public et de gagner de nouveaux fans, en prouvant que le groupe était toujours capable de proposer une musique puissante et engageante. Aujourd’hui, l’album est souvent considéré comme un classique du metal français, et les chansons qu’il contient sont toujours jouées en concert
Retrouvez chez YellowKorner Paris l’histoire de la musique avec une collection numérotée et limitée de photographies consacrées à cette forme d’art. Des images d’artistes qui ont laissé une empreinte permanente dans le monde de la musique et notamment les photos de Peter Hankfield.
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Peter Hankfield
Peter Hankfield chez Yellowkorner Paris
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Peter Hankfield
Ses images de célébrités au milieu d’un concert sont éblouissantes par leur force. Après les avoir regardés de près, le spectateur peut presque entendre les notes de piano, les voix chantées et les accords de guitare joués si précisément.
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Peter Hankfield
BIOGRAPHIE DE PETER HANKFIELD
Originaire de Liverpool, Peter Hankfield s’était toujours plongé dans la culture rock. Sans oreille musicale, Peter Hankfield a eu un œil pour la photographie dès son plus jeune âge. Alors que tout Liverpool écoutait les Beatles à la radio, Peter avait déjà fièrement tourné son attention vers la scène musicale américaine.
En 1969 à 18 ans à peine, contrairement aux souhaits de ses parents, Peter Hankfield décide de se rendre à Londres pour devenir photographe. Peter savait que la formation institutionnelle ne conviendrait pas à sa forte personnalité. Il a donc choisi de se former.
Peter Hankfield
Contre les rebuffades mais inspiré par les critiques et les conseils qui lui ont été donnés, Peter a appris à devenir un bon technicien et a fini par devenir un photographe talentueux. En juillet 1972, alors que Peter n’avait que 23 ans, il se rendit à Montréal pour photographier les Rolling Stones en concert. Sa carrière de photographe avait décollé.
Peter Hankfield a travaillé soit par commande, soit en offrant ses clichés aux grands journaux. Son habileté lui a permis de se désengager des contingences techniques en réalisant des photos artistiques candides.
Peter Hankfield ne s’est pas contenté de photographier des légendes de la musique comme Marley, Keith Richards, James Brown et Miles Davis. Il s’est mélangé avec eux. C’est sa connaissance du milieu et son immense respect pour les musiciens qui lui ont permis d’appréhender la réalité sur scène. Maintenant âgé de 65 ans, Peter a choisi de vivre à Cornwall dans le village de Polperro.
Il continue à travailler comme photographe et expose régulièrement.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le magasin est situé au 9 rue des Filles du Calvaire, dans le 3ème arrondissement de Paris, en France. Il y a également d’autres boutiques Yellowkorner dans d’autres villes de France et dans le monde entier.
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Le magasin propose une politique de retour de 30 jours pour les achats effectués en ligne ou dans leurs magasins. Si vous n’êtes pas satisfait de votre achat, vous pouvez retourner la photographie pour un remboursement ou un échange. Toutefois, les photographies encadrées sur mesure ne peuvent pas être retournées.
7. Est-ce que Yellowkorner Paris propose des services de livraison et d’installation?
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8. Quelles sont les gammes de prix chez Yellowkorner Paris ?
Chez Yellowkorner Paris, il y en a pour tous les budgets. Les prix varient en fonction du format de la photographie, du tirage (numéroté, signé, encadré), et du photographe. Les formats les plus petits commencent à partir d’une centaine d’euros, tandis que les formats les plus grands peuvent coûter plusieurs milliers d’euros. Les photographies signées et numérotées par l’artiste sont généralement plus chères que les photographies qui ne le sont pas.
9.Comment se déroule l’achat d’une photographie chez Yellowkorner Paris ?
L’achat d’une photographie chez Yellowkorner Paris est simple et rapide. Tout d’abord, il est possible de se rendre dans l’un des magasins physiques de la galerie pour voir les photographies en vrai et discuter avec les conseillers de vente. Il est également possible de passer commande sur le site internet de la galerie, où toutes les photographies sont présentées en ligne avec des informations détaillées sur chaque tirage. Les achats en ligne sont sécurisés et peuvent être livrés dans le monde entier.
10.Est-il possible de bénéficier de conseils personnalisés chez Yellowkorner Paris ?
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Il est également possible de prendre rendez-vous avec un conseiller pour un entretien personnalisé en ligne ou par téléphone. Enfin, la galerie propose des services d’encadrement sur mesure pour mettre en valeur les photographies choisies.
AC/DC Back in Black : L’album légendaire qui a redéfini le rock
Introduction
AC/DC *Back in Black* n’est pas seulement un album ; c’est un phénomène culturel qui a marqué l’histoire du rock. Sorti en 1980, cet album est devenu l’un des plus vendus de tous les temps, cimentant la place d’AC/DC parmi les géants du rock.
À travers ses riffs puissants, ses paroles percutantes, et son énergie brute, *Back in Black* a redéfini le genre, tout en rendant hommage à Bon Scott, le chanteur emblématique du groupe décédé peu avant l’enregistrement.
Cet article explore en profondeur l’histoire de l’album, son impact sur la musique et la culture populaire, et pourquoi il reste une référence incontournable pour les amateurs de rock du monde entier.
AC/DC Back in Black
1. Contexte historique et création de l’album AC/DC Back in Black
L’album *Back in Black* est né dans un contexte unique, marqué par la tragédie et le défi de surmonter la perte. Cette section retrace l’histoire de la création de l’album, depuis la mort de Bon Scott jusqu’à l’introduction de Brian Johnson en tant que nouveau chanteur du groupe.
1.1 La tragédie : La mort de Bon Scott et son impact sur le groupe
Le 19 février 1980, le monde du rock est choqué par la mort soudaine de Bon Scott, le chanteur charismatique d’AC/DC. Cette sous-partie explore l’impact de cette tragédie sur le groupe, les doutes qui ont entouré l’avenir d’AC/DC, et comment la perte de Scott a influencé le processus de création de *Back in Black*.
**La mort de Bon Scott** a été un coup dur pour AC/DC, menaçant de mettre fin à la carrière du groupe. Cependant, après une période de deuil, les membres restants ont décidé de continuer, déterminés à honorer la mémoire de Scott avec un nouvel album. Nous examinerons comment cette décision a conduit à la recherche d’un nouveau chanteur, et comment l’esprit de Bon Scott a inspiré les thèmes et le ton de *Back in Black*.
1.2 L’arrivée de Brian Johnson : Un nouveau départ pour AC/DC
En mars 1980, AC/DC recrute Brian Johnson, un chanteur britannique avec une voix puissante et un style énergique. Cette sous-partie explore comment Brian Johnson a été choisi pour rejoindre le groupe, son intégration dans AC/DC, et comment il a contribué à l’écriture et à l’enregistrement de *Back in Black*.
**L’arrivée de Brian Johnson** a marqué un tournant dans l’histoire d’AC/DC. Johnson, connu pour son travail avec le groupe Geordie, a apporté une nouvelle énergie au groupe, tout en respectant l’héritage laissé par Bon Scott. Nous discuterons de son influence sur les chansons de *Back in Black*, notamment sur des titres comme « Hells Bells » et « You Shook Me All Night Long », et comment il a aidé AC/DC à traverser une période de transition difficile.
1.3 L’enregistrement de l’album AC/DC Back in Black : Des sessions historiques aux Bahamas
L’enregistrement de *Back in Black* a eu lieu aux studios Compass Point aux Bahamas, un choix inattendu pour un album de hard rock. Cette sous-partie explore les conditions d’enregistrement, les défis rencontrés par le groupe, et comment ces sessions ont donné naissance à un album devenu légendaire.
**Les sessions d’enregistrement aux Bahamas** ont été marquées par des conditions météorologiques difficiles, mais aussi par une détermination collective à créer quelque chose de spécial. Le producteur Robert John « Mutt » Lange, qui avait déjà travaillé avec AC/DC sur *Highway to Hell*, a joué un rôle crucial dans le façonnage du son de l’album.
Nous analyserons comment l’atmosphère unique des Bahamas, combinée à la direction artistique de Lange, a influencé la production de l’album, en faisant de *Back in Black* un chef-d’œuvre du rock.
2. Analyse des chansons de AC/DC Back in Black : Des classiques intemporels
*Back in Black* est composé de dix titres, chacun ayant laissé une empreinte indélébile sur la musique rock. Cette section propose une analyse détaillée des chansons de l’album, en explorant les thèmes, les compositions, et l’impact de chaque morceau.
2.1 « Hells Bells » : L’ouverture légendaire
« Hells Bells » ouvre l’album avec un riff de guitare sombre et des cloches funèbres, établissant immédiatement le ton de *Back in Black*. Cette sous-partie analyse les paroles, la composition, et l’impact de ce morceau sur l’ensemble de l’album.
AC/DC Back in Black
** »Hells Bells »** est un hommage direct à Bon Scott, avec des paroles qui évoquent la mort et l’au-delà. Le riff d’Angus Young, couplé au son des cloches, crée une atmosphère unique qui capture l’auditeur dès les premières secondes. Nous examinerons comment « Hells Bells » a non seulement introduit l’album, mais a également fixé les attentes pour le reste des chansons, devenant l’un des morceaux les plus emblématiques d’AC/DC.
2.2 « Shoot to Thrill » et « What Do You Do for Money Honey » : L’énergie brute du rock
« Shoot to Thrill » et « What Do You Do for Money Honey » sont deux morceaux qui illustrent parfaitement l’énergie et la puissance brute de *Back in Black*. Cette sous-partie explore la dynamique de ces chansons, leurs structures, et comment elles ont contribué à définir le son de l’album.
** »Shoot to Thrill »** est un morceau énergique, avec un tempo rapide et des paroles qui célèbrent l’excès et l’aventure. ** »What Do You Do for Money Honey »**, quant à lui, aborde des thèmes de matérialisme et de survie, avec un riff accrocheur et une performance vocale puissante de Brian Johnson.
Nous analyserons comment ces deux chansons capturent l’essence du hard rock, avec des guitares tranchantes, une rythmique solide, et des refrains mémorables.
2.3 « Back in Black » : L’hymne ultime du rock
La chanson titre, « Back in Black », est devenue l’un des hymnes les plus célèbres du rock. Cette sous-partie analyse en profondeur ce morceau emblématique, de sa composition à son impact culturel, en passant par les raisons pour lesquelles il est devenu un classique intemporel.
** »Back in Black »** est un hommage à Bon Scott, avec des paroles qui célèbrent la résilience et la renaissance du groupe après la tragédie. Le riff principal, écrit par Angus Young, est l’un des plus reconnaissables de l’histoire du rock, et la performance vocale de Brian Johnson est à la fois puissante et émotive. Nous discuterons de la manière dont cette chanson a capturé l’esprit du rock n’ roll, devenant un standard dans les concerts et un incontournable pour les amateurs de rock du monde entier.
3. L’impact commercial et critique de *Back in Black*
*Back in Black* n’est pas seulement un succès artistique ; il est aussi l’un des albums les plus vendus de tous les temps. Cette section explore l’impact commercial de l’album, sa réception critique, et comment il a consolidé la place d’AC/DC parmi les légendes du rock.
3.1 Un succès commercial phénoménal : Les chiffres qui font l’histoire
*Back in Black* s’est vendu à des millions d’exemplaires à travers le monde, devenant l’un des albums les plus vendus de tous les temps. Cette sous-partie explore les chiffres de vente, les certifications, et comment cet album a atteint un tel niveau de succès commercial.
**Le succès commercial de *Back in Black*** est sans précédent. Avec plus de 50 millions d’exemplaires vendus, il est l’album de rock le plus vendu de l’histoire après *Thriller* de Michael Jackson. Nous analyserons les raisons de ce succès, notamment le timing de sa sortie, l’impact de la tournée qui a suivi, et la manière dont l’album a touché un public mondial. Nous discuterons également des différentes certifications obtenues par l’album, des ventes en Amérique du Nord à celles en Europe et en Australie.
3.2 La réception critique : Comment *Back in Black* a redéfini le genre
*Back in Black* a été acclamé par la critique dès sa sortie, et est depuis considéré comme un chef-d’œuvre du hard rock. Cette sous-partie explore les critiques contemporaines de l’album, son impact sur le genre du hard rock, et comment il est perçu rétrospectivement.
**La réception critique de *Back in Black*** a été extrêmement positive, avec de nombreux critiques louant sa production, ses compositions, et l’énergie du groupe. Nous examinerons les critiques publiées à l’époque, ainsi que les réévaluations rétrospectives qui continuent de placer *Back in Black* au sommet des classements des meilleurs albums de rock.
Nous discuterons également de la manière dont l’album a influencé le genre, en redéfinissant les attentes pour les albums de hard rock et en établissant de nouvelles normes pour les productions musicales.
3.3 L’héritage de AC/DC Back in Black : Un album intemporel
L’héritage de *Back in Black* va bien au-delà de ses ventes et de son succès critique. Cet album a laissé une empreinte indélébile sur la culture populaire, influençant des générations d’artistes et devenant un incontournable pour les amateurs de rock. Cette sous-partie explore l’héritage de l’album, son influence sur la musique et la culture, et pourquoi il reste pertinent des décennies après sa sortie.
**L’héritage de *Back in Black*** est vaste et durable. Nous examinerons comment cet album a influencé d’autres artistes dans le genre du rock et du metal, inspirant des groupes comme Metallica, Guns N’ Roses, et bien d’autres. Nous discuterons également de la manière dont les chansons de l’album continuent d’être utilisées dans la culture populaire, des films aux publicités, en passant par les événements sportifs. Enfin, nous analyserons pourquoi *Back in Black* reste un album essentiel pour tout fan de rock, et comment il continue de captiver de nouveaux auditeurs, génération après génération.
4. *Back in Black* : Un modèle de résilience et de renouveau
*Back in Black* est plus qu’un simple album ; c’est une déclaration de résilience et de renouveau pour AC/DC. Cette section explore le message derrière l’album, la manière dont il a aidé le groupe à surmonter la perte de Bon Scott, et comment il symbolise la force et la détermination dans le monde du rock.
4.1 Le message de résilience de *Back in Black*
*Back in Black* est souvent interprété comme un album de renaissance, où AC/DC surmonte la tragédie pour créer l’une de leurs œuvres les plus puissantes. Cette sous-partie explore le message de résilience véhiculé par l’album, et comment il a aidé le groupe à se reconstruire après la perte de Bon Scott.
**Le message de *Back in Black*** est celui de la résilience et de la force face à l’adversité. Nous discuterons de la manière dont les paroles de l’album, combinées à son énergie brute, ont servi de catharsis pour les membres du groupe et leurs fans. Nous examinerons également comment cet album a permis à AC/DC de non seulement se réinventer, mais de se solidifier comme l’un des groupes les plus résistants et durables de l’histoire du rock.
4.2 L’impact de AC/DC Back in Black sur la carrière d’AC/DC
AC/DC Back in Black a joué un rôle crucial dans le maintien et l’élévation de la carrière d’AC/DC. Cette sous-partie explore comment cet album a transformé le destin du groupe, lui permettant de surmonter la perte d’un membre clé et de s’affirmer comme une force majeure dans l’industrie musicale.
**L’impact de *Back in Black*** sur la carrière d’AC/DC ne peut être sous-estimé. Nous examinerons comment cet album a non seulement aidé le groupe à surmonter la perte de Bon Scott, mais a également propulsé leur carrière à de nouveaux sommets. Nous discuterons de l’évolution du groupe après *Back in Black*, de la manière dont ils ont continué à sortir des albums à succès et à remplir des stades, et de l’influence durable de cet album sur leur image et leur réputation.
4.3 AC/DC Back in Black : Une source d’inspiration pour les générations futures
AC/DC Back in Blackcontinue d’inspirer de nouvelles générations de musiciens et de fans de rock. Cette sous-partie explore comment cet album reste pertinent aujourd’hui, en inspirant non seulement les artistes, mais aussi les auditeurs, et comment il continue de définir les normes du genre.
**L’inspiration de *Back in Black*** est palpable dans la musique de nombreux groupes contemporains. Nous analyserons comment des artistes de divers genres, du rock au metal en passant par la musique pop, continuent de s’inspirer des sonorités et de l’attitude d’AC/DC.
Conclusion
AC/DC Back in Black est bien plus qu’un simple album ; c’est une pierre angulaire du rock. Avec ses riffs inoubliables, ses paroles puissantes, et son énergie indomptable, cet album a non seulement redéfini le genre, mais a également symbolisé la résilience d’AC/DC face à l’adversité. Aujourd’hui, des décennies après sa sortie, *Back in Black* reste un incontournable pour tout amateur de musique, et son influence continue de se faire sentir à travers le monde. Alors que nous célébrons l’héritage de cet album légendaire, il est clair que *Back in Black* continuera d’inspirer et de captiver des générations de fans et de musiciens pour les années à venir.
1. Pourquoi AC/DC Back in Black est-il considéré comme un album emblématique ?
*Back in Black* est considéré comme un album emblématique en raison de son succès commercial massif, de son influence sur le genre du hard rock, et de sa capacité à capturer l’esprit de résilience du groupe après la perte de Bon Scott.
2. Quel est le morceau le plus célèbre de l’album AC/DC Back in Black ?
La chanson titre, « Back in Black », est sans doute le morceau le plus célèbre de l’album, avec son riff de guitare iconique et son refrain puissant qui en ont fait un hymne du rock.
3. Comment AC/DC Back in Black a-t-il influencé d’autres artistes ?
*Back in Black* a influencé une multitude d’artistes dans le rock, le metal, et même la pop, grâce à sa production exemplaire, ses compositions solides, et son énergie brute qui ont redéfini les attentes pour les albums de rock.
4. Combien de copies de AC/DC Back in Black ont été vendues à ce jour ?
*Back in Black* s’est vendu à plus de 50 millions d’exemplaires dans le monde, en faisant l’un des albums les plus vendus de tous les temps.
5. Comment AC/DC Back in Black a-t-il aidé AC/DC à surmonter la perte de Bon Scott ?
*Back in Black* a servi de catharsis pour le groupe, leur permettant de transformer leur douleur en une œuvre d’art puissante qui a non seulement honoré la mémoire de Bon Scott, mais a également permis au groupe de continuer à évoluer et à prospérer.
14/01/2020 
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