Kerrang! est un magazine hebdomadaire britannique consacré à la musique rock et métal, actuellement publié par Wasted Talent (la même société qui possède la publication de musique électronique Mixmag ).
Il a été publié pour la première fois le 6 juin 1981 en tant que supplément ponctuel dans le journal Sounds.
Fondé il y a trente-quatre ans, un événement aussi sismique que les événements dans l’industrie de l’édition, sans parler de la musique, c’est aussi une radio, une chaîne de télévision, c’est une cérémonie de remise de prix, une tournée.
Nommé d’après le mot onomatopée qui dérive du son produit lors de la lecture d’un accord de puissance sur une guitare électrique déformée, Kerrang! a d’abord été consacrée à la nouvelle vague du heavy metal britannique et à la montée du hard rock .
Au début des années 2000, il est devenu l’hebdomadaire de musique britannique le plus vendu. L’édition imprimée de Kerrang! est actuellement en pause de publication en raison de la pandémie COVID-19 en cours , bien que le site Web et les éditions numériques se poursuivent comme d’habitude.
Kerrang! : L’histoire
Les débuts de Kerrang!
Le magazine a été fondé en 1981. Le magazine a commencé la publication le 6 juin 1981 et a été édité par Geoff Barton , initialement comme un supplément ponctuel dans le journal Sounds , qui se concentrait sur la nouvelle vague du phénomène britannique des métaux lourds et sur la montée d’autres actes de hard rock .
Angus Young d’ AC / DC est apparu sur le magazine’ S premier couvercle. Lancé en tant que magazine mensuel, le magazine a commencé à apparaître tous les quinze jours puis dès 1987 chaque semaine.
Le propriétaire d’origine était United Newspapers qui l’a ensuite vendu à EMAP en 1991.
Au cours des années 1980 et au début des années 1990, le magazine a placé de nombreux numéros de thrash et de glam métal en couverture, notamment Mötley Crüe , Slayer , Bon Jovi , Metallica , Poison et Venom ).
Kerrang! Trash Métal !
Le terme « thrash métal » a été inventé pour la première fois dans la presse musicale par Kerrang! journaliste Malcolm Dome , en référence à la chanson Anthrax » Métal Thrashing Mad « .
Avant cela, James Hetfield de Metallica avait fait référence à leur son comme » power métal« . L’accent du magazine changerait au cours des années 1990 une fois que les actes grunge tels que Nirvana seraient devenus célèbres.
Le magazine A parfois fait face à des critiques pour avoir répété ce processus chaque fois qu’un nouveau sous-genre musical devenait populaire.
La popularité de la société a de nouveau augmenté avec l’embauche de l’éditeur Paul Rees vers 2000, lorsque le genre nu métal , avec des groupes comme Limp Bizkit et Slipknot , devenait plus populaire.
Rees a continué à éditer le magazine Q et l’ancien Kerrang! Le rédacteur des revues Ashley Bird a été nommé rédacteur en chef de 2003 à 2005. Suite à son départ, Paul Brannigan a pris la relève en mai 2005.
Avec l’émergence de l’ emo et du metalcore entre le milieu et la fin des années 2000, le genre se concentre sur le magazine décalé une fois de plus. La refonte n’a pas été bien accueillie par tous les lecteurs et de nombreuses plaintes ont été reçues à propos de Kerrang! L’ accent soudain sur la musique emo et metalcore.
Le records de Kerrang!
Cependant, à la suite de ce changement, Brannigan a amené le magazine dans sa période la plus réussie commercialement avec un record jamais enregistré ABC pour le titre de 80.186 exemplaires. En outre, le magazine a continué à présenter occasionnellement des groupes plus établis tels que Iron Maiden et Metallica sur la couverture, en dépit d’être critiqué pour faire autrement.
En 2008, EMAP a vendu ses magazines grand public à Bauer Media Group . Brannigan a quitté le magazine en 2009 et Nichola Browne a été nommé rédacteur en chef. Plus tard, elle a démissionné en avril 2011. L’ancien rédacteur en chef de NME et le rédacteur adjoint de GamesMaster James McMahon a été nommé rédacteur en chef le 6 juin 2011.
En avril 2017, le magazine, son site Web et le K! ont été achetés par Mixmag Media, éditeur du mensuel de danse Mixmag , ainsi que des actifs liés au défunt magazine de style The Face . Mixmag a depuis formé la société mère Wasted Talent, qui a relancé Kerrang! comme un titre numérique, tout en continuant à publier une édition imprimée hebdomadaire.
L’ancien rédacteur en chef Phil Alexander a été nommé directeur de la création mondiale le 3 août 2017. Bauer a conservé la propriété de Kerrang! Radio et le réseau Box Plus continueront d’exploiter Kerrang! TV comme avant.
Le logo de du magazine a été lancé à la mi-2017 avant que le magazine ne reçoive une refonte complète en 2018. Ce changement a vu plusieurs des fonctionnalités de longue date du magazine abandonnées, y compris l’Ultimate Rockstar Test, tandis que de nouvelles fonctionnalités ont été ajoutées à leur place.
Kerrang! : Éditions internationales
Emap a lancé Kerrang! Australie à la fin des années 1990. Contrairement à son homologue hebdomadaire au Royaume-Uni, l’édition australienne a été publiée mensuellement en raison de la forte concurrence des publications musicales locales gratuites. Kerrang! est également publié en espagnol et en allemand.le magazine a annoncé son intention de s’étendre aux États-Unis en mars 2018.
En mars 2018, suite à une refonte du magazine, le magazine a annoncé son expansion aux États-Unis, avec un bureau à New York dirigé par Ethan Fixell . L’objectif serait de générer du contenu, des événements et des partenariats de marque centrés sur les États-Unis.
Le Site Web KERRANG!
Kerrang! Le site Web de www.kerrang.com a été lancé à l’été 2001 par Dan Silver. Kerrang! La société mère de Emap a acquis le nom de domaine d’un cybersquatter norvégien du nom de Steingram Stegane pour une somme symbolique de 666 £.
Kerrang! Le site Web présente des nouvelles et des articles sur les groupes de rock contemporain et classique, ainsi que des aperçus des événements à venir. Le site héberge Kerrang! La boutique en ligne, les podcasts, les babillards électroniques, les segments de la télévision et de la radio offrent plus de possibilités de vendre des marchandises et des produits associés.
En 2001, le magazine a lancé son propre forum en ligne avec la section «rants and raves» absorbant la majeure partie du trafic. Bien qu’initialement extrêmement populaire, le nombre d’utilisateurs a commencé à diminuer vers 2005, le nombre de personnes en ligne tombant à 10 alors qu’il était auparavant plus proche du chiffre de 100.
Les Récompenses
Depuis 1993, le magazine organise une cérémonie annuelle de remise de prix pour récompenser les groupes les plus réussis dans l’intérêt de leurs lecteurs. Les récompenses sont devenues l’un des événements les plus reconnus de Grande-Bretagne par le livre Guinness, désormais disparu, des singles et albums à succès britanniques , énumérant souvent certains des gagnants dans leur tour d’horizon annuel de l’année précédente.
L’événement est présenté par de grandes célébrités de la musique, avec de nombreuses autres en dehors de l’industrie qui assistent à l’événement.
Après un an de pause, les prix ont été relancés en 2018, avec des invités notables dont Johnny Depp , Joe Perry , Tony Iommi , Corey Taylor et Dave Grohl , entre autres.
Radio Kerrang!
Article principal: Radio Kerrang
En 2000, EMAP a lancé Kerrang! en tant que station de radio numérique , à travers le Royaume-Uni. C’était principalement une station de «jukebox», jouant une séquence consécutive de rock et de musique alternative .
Le 10 juin 2004, Kerrang! 105.2 a été lancée en tant que station de radio régionale à Birmingham avec une campagne publicitaire de l’agence de création londonienne ODD.
La radio avait un certain nombre de programmes spécialisés consacrés aux nombreux sous-genres de la musique rock. La production radiophonique comprenait des entrevues avec des acteurs de la culture et de la société populaires ainsi que des acteurs de la musique. Elle a cessé de diffuser sur FM à partir du 14 juin 2013 et est redevenue une station numérique, avec des auditeurs capables de syntoniser sur DAB ou le Kerrang! Application radio.
Avec ce changement de diffusion est venu un déménagement à Kerrang! Bureaux de la radio de Birmingham à Londres. Absolute Radio diffuse désormais sur sa fréquence FM.
Kerrang! TV
En 2001, EMAP a lancé Kerrang! TV . Comme pour la station de radio, la chaîne de télévision couvre le côté le plus grand public de la musique rock ainsi que des groupes de rock classique comme Aerosmith et AC / DC , et des groupes de heavy metal classiques tels que Kerrang! Magazine et Metallica .
Kerrang! TV, avec ses chaînes sœurs The Box Plus Network , est désormais entièrement détenue par Channel Four Television Corporation .
La tournée Kerrang!
La tournée s’est déroulée de 2006 à 2017. La programmation de chaque année était généralement annoncée en octobre de l’année précédente et se tenait en janvier et février de l’année suivante. La boisson énergisante implacable a parrainé le magazine Tournée pendant plusieurs années. Il est actuellement inconnu si la tournée sera jamais relancée.
Les dates de la tournée Kerrang!
2006, a présenté Bullet pour My Valentine , Hawthorne Heights , Still Remains et Aiden .
2007, avec Biffy Clyro , The Bronx , The Audition et I Am Ghost .
2008, a présenté Coheed et Cambria , Madina Lake , Fightstar et Circa Survive .
2009, parrainé par Relentless Energy Drink à partir de cette année; a présenté Mindless Self Indulgence , Dir En Grey , Bring Me the Horizon , Black Tide et In Case of Fire .
2010, a présenté All Time Low , The Blackout , Young Guns et My Passion . Jettblack ont été ajoutés pour deux dates au London Roundhouse à la fin de la tournée.
2011, en vedette Good Charlotte , Four Year Strong , Framing Hanley et The Wonder Years .
2012. La tournée a duré du 5 au 17 février. [25] Il a présenté la Nouvelle Gloire Trouvée , Somme 41 , letlive. et pendant qu’elle dort . Le 20 janvier 2012, il a été révélé que Sum 41 avait été malheureusement forcé de se retirer en raison du chanteur Deryck Whibley qui avait subi une blessure au dos et n’était pas assez bien pour jouer pendant la durée de la tournée, ils ont été remplacés par The Blackout qui avait déjà joué sur la tournée 2010. [26]
2013, a présenté Black Veil Brides , Chiodos , Tonight Alive et Fearless Vampire Killers . C’était une tournée de 11 dates qui s’est déroulée du 3 au 15 février, les 6 et 11 étant des jours de congé. William Control était un DJ invité et est également apparu aux côtés de Black Veil Brides sur 2 chansons; Les ombres meurent et à la fin.
2014, a présenté Limp Bizkit , Crossfaith , Nekrogoblikon et Baby Godzilla.
2015, mettait en vedette Don Broco , We Are the In Crowd , Bury Tomorrow , Beartooth et Young Guns . [27]
2016. Le 29 septembre, la tête d’affiche du onzième Kerrang! La tournée s’est révélée être Sum 41. [28] Dans une interview avec Kerrang, le chanteur Deryck Whibley a déclaré que « Après une pause de trois ans, nous sommes honorés que notre première tournée de retour soit le Kerrang! » [29] La tournée a présenté Sum 41 , Roam , Frank Carter & The Rattlesnakes and Biters .
2017, a présenté The Amity Affliction , Boston Manor, Vukovi et Casey .
Le K! Pit
L’année après le Kerrang final! Tour, Kerrang! a lancé un nouveau concept de concert connu sous le nom de «The K! Pit ‘, où le magazine fait la promotion d’un concert gratuit pour un groupe populaire dans une petite salle londonienne.
Les fans y accèdent en demandant des billets en ligne et en étant sélectionnés au hasard dans un tirage de type compétition. Les artistes présentés jusqu’à présent incluent Parkway Drive , Mastodon , Fever 333 et Neck Deep , cette dernière performance coïncidant avec le Kerrang 2018 ! Récompenses où Neck Deep remporterait la « Meilleure chanson ».
La marque a depuis également lancé la série à Brooklyn, New York, mettant en vedette des artistes tels que Sum 41 , Baroness, Knocked Loose, Filles, apte pour une autopsie . Les performances sont également diffusées sur le Kerrang! Page Facebook avant d’être téléchargée sur YouTube.
Le Kerrang officiel! Graphique Rock
Dans les années 80, le magazine publie des graphiques hebdomadaires de heavy metal pour des singles, des albums et des albums d’importation. Chacun a été compilé à partir des données de vente de cinquante magasins spécialisés à travers le Royaume-Uni.
En mars 2012, Kerrang! a annoncé un nouveau classement hebdomadaire des singles rock pour le Royaume-Uni, basé sur la diffusion sur Kerrang Radio, Kerrang TV et des stations de radio rock spécialisées, ainsi que sur les chiffres de vente de la société Official Charts Company . À partir de 2020, le graphique continue d’être imprimé dans le magazine chaque semaine, contient 20 titres et contient souvent des faits d’accompagnement ou des citations d’artistes.
Le profil officiel de Kerrang Spotify comprend également une liste de lecture des pistes sur le graphique et est mis à jour tous les mercredis. Le graphique était autrefois annoncé le samedi matin sur Kerrang! Radio et peut être visionné en ligne tous les samedis à midi. Le graphique serait également affiché sur Kerrang! Télévision les jeudis à 16h.
Contrairement au UK Rock & Metal Singles Chart produit par la Official Charts Company, qui est généralement dominé par des artistes de rock classique, le Kerrang! Rock Chart se concentre principalement sur les nouveautés d’artistes rock contemporains.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photographie, comme tout art, ne doit pas être pratiquée dans une chambre d’écho. Afin de devenir meilleur dans votre métier, vous devez voir ce que font les autres artistes. C’est ainsi que les gens grandissent et perfectionnent leurs compétences.
Essayer d’imiter le travail de photographes célèbres n’est pas du vol, c’est simplement une pratique de votre talent. L’acte de créer quelque chose de nouveau et d’unique découle de cette pratique. Voici notre liste de photographes célèbres dont j’espère que vous pourrez vous inspirer créative.
Photographe célèbre 1: Annie Leibovitz
Annie Leibovitz est une photographe de premier plan. Annie Leibovitz a commencé sa carrière de tournage pour le magazineRolling Stone, y travaillant pendant 10 ans avant de passer à d’autres entreprises. Annie Leibovitz tourne pour de nombreuses publications mais fait la majorité de son travail pour Vanity Fair.
Si vous deviez prendre un numéro actuel du magazine, Annie Leibovitz aurait probablement pris certaines des images qu’il contient. Leibovitz a photographié presque toutes les célébrités imaginables et ce qui la distingue vraiment des autres photographes célèbres, c’est son style d’éclairage.
Elle utilise une configuration d’éclairage très distincte qui offre une image presque picturale en sourdine. Ses photographies sont très reconnaissables si vous avez étudié son travail même pour une courte période de temps.
La cohérence dans votre style photographique est une grande compétence à atteindre car cela signifie que les gens peuvent facilement reconnaître votre travail et vous serez davantage embauché.
Si vous voulez imiter Annie Leibovitz, vous devez devenir un maître en éclairage de studio . Bien que l’éclairage de studio puisse être un peu effrayant au début, lorsqu’il est bien fait, la récompense est une image magnifiquement conçue.
Gregory Crewdson dépense des milliers et même des millions de dollars pour créer une seule photographie. Imaginez l’ensemble d’un film majeur utilisé pour une seule image. Gregory Crewdson a commencé à expérimenter ces ensembles à grande échelle à l’université et continue de les rendre plus extravagants.
En tant que photographe célèbre, il utilise tout, des bouches d’incendie cassées à la brumisation manuelle d’ensembles entiers pour obtenir ce look. Il utilise des appareils photo grand format pour capturer toute la profondeur qui se passe dans chaque scène, puis réalise d’énormes impressions.
On m’a dit que le seul moyen de saisir la profondeur et le détail de ses photographies est de les voir en personne.
L’idée de mettre en place des scènes est très intéressante et pourrait être longuement expérimentée. Vous n’avez pas besoin d’investir beaucoup d’argent ou d’avoir de nombreux outils pour créer quelque chose d’extraordinaire. Je recommande de commencer par recréer certaines des photos de Gregory, puis d’essayer certaines de vos propres idées.
Ce serait un autre excellent endroit pour mettre en œuvre l’utilisation de feux de vitesse.
Photographe célèbre 3: Richard Avedon
Richard Avedon était un photographe célèbre, un photographe de mode et de portrait de New York. Richard Avedon est devenu célèbre en tirant pour de nombreuses publications telles que Harper’s Bazaar et a photographié un éventail de personnalités.
Mais le travail que je veux souligner est un corpus de photographies intitulé In The American West .
Dans l’Ouest américain, Richard Avedon a parcouru le pays en photographiant des gens ordinaires qu’il trouvait intéressants. Dans l’Ouest américain, Richard Avedon installait un drap blanc sur le côté nord d’un bâtiment pour un éclairage uniforme et un arrière-plan cohérent. Ses assistants rechargeaient constamment son appareil photo géant 8 × 10 pendant qu’il interagissait avec les sujets.
Photographe célèbre RIchard Avdon
En se promenant, il prenait une photo en obtenant des expressions incroyables de la part des personnes debout devant ses caméras. Semblable au travail de Crewdson, Avedon a imprimé ces très grands. Le détail de chaque image est à couper le souffle.
Alors que certains considéraient ce travail de photographe de mode et de portrait comme se moquant des cols bleus, je pense que cela jette un bel éclairage sur les métiers de ces personnes.
Il offrait aux spectateurs dans les galeries un aperçu de la vie quotidienne et du travail auquel ils n’étaient pas habitués et le mettait juste devant leurs visages à vivre. Ces images sont également des œuvres d’art incroyablement belles.
Richard Avedon a vraiment pris son temps pour choisir des individus intéressants et uniques à photographier. Ces photos valent vraiment la peine de passer du temps à regarder.
Photographe célèbre 4: Elliott Erwitt
S’éloignant de la photographie grand format, Elliott Erwitt tournait principalement avec des appareils photo 35 mm. Erwitt était originaire de France et a immigré aux États-Unis pour aller à l’université. Il a travaillé comme assistant de photographie dans l’armée américaine où il a perfectionné ses compétences.
En tant que photographe, Elliott a concentré une grande partie de son attention sur la photographie de rue et est l’un des photographes de rue américains les plus spirituels à avoir jamais honoré la terre. Ses images sont à la fois profondes et amusantes. Si vous aimez la photographie de rue, Elliott Erwitt vous épatera!
Photographe celebre Erwitt
Photographe célèbre 5: Vivian Maier
Probablement la photographe célèbre les plus intéressantes de tous les temps, Vivian Maier n’est devenue célèbre qu’après sa mort. En 2007, John Maloof a acheté une malle de négatifs et de films non développés lors d’une vente aux enchères. Il ne savait pas que le contenu de cette malle comprendrait des milliers d’images d’un photographe bientôt connu nommé Vivian Maier.
Ce que nous savons maintenant de Vivian, c’est qu’elle a passé sa vie en tant que nounou. Elle a principalement photographié sur un appareil photo à double objectif 6 × 6 et l’a emporté partout où elle allait.
La majorité de ses photographies ont été prises à Chicago et à New York. Elle a simplement photographié tout ce qui l’intéressait lorsqu’elle marchait dans les rues.
Photographe célèbre Vivian Maier
Bien qu’elle soit connue pour être recluse et bizarre, ses photographies ne représentent pas ce côté d’elle. Les images de Vivian sont audacieuses et montrent des inconnus qui regardent directement dans son appareil photo.
Je ne peux qu’imaginer ce que les gens ont pensé quand ils ont remarqué une nounou pointant une caméra sur eux dans les rues de Chicago.
Mais sa photographie constante a porté ses fruits et ses images sont très soignées et belles. La chose la plus frappante dans ses photographies est qu’elles semblent appartenir à une autre époque.
Quand on regarde son travail, on dirait qu’il aurait pu être tourné dans les années 30 ou 40, mais la plupart d’entre eux l’ont été beaucoup plus tard.
Si vous voulez en savoir plus sur Vivian Maier, je vous recommande de regarder un magnifique documentaire réalisé sur elle intitulé Finding Vivian Maier.
Photographe célèbre 6: Edward Weston
Edward Henry Weston était l’un des photographes célèbres américains les plus influents du XXe siècle. Il a été reconnu pour son travail dans divers genres. Des nus aux natures mortes en passant par les paysages, Edward Weston a dépeint les sujets de manière innovante mais simple.
Beaucoup pensent qu’Edward Weston a développé l’approche américaine de la photographie moderne en raison de sa concentration sur les lieux et les gens de l’Amérique occidentale.
Des objets du quotidien aux paysages élémentaires, Weston a contribué à sortir la photographie de la perception victorienne de la peinture. Il a été le pionnier d’une approche moderniste d’un appareil photo grand format pour produire des images noir et blanc richement détaillées.
Certaines de ses œuvres célèbres incluent des photos de coquillages, de feuilles de chou et de poivrons qui semblent mystiques et presque érotiques.
Tout au long de sa carrière de quatre décennies, Weston a montré des images soigneusement composées et bien ciblées. Il a continué à travailler jusqu’à ce que sa maladie de Parkinson l’oblige à abandonner l’appareil photo en 1948.
L’héritage de Weston vit sur trois générations de photographes célèbres, ses fils Cole et Brett et ses petits-enfants Cara et Kim.
Photographe célèbre 7: Henri Cartier-Bresson
Considéré par de nombreux historiens comme le «père du photojournalisme», Henri Cartier-Bresson était un photographe humaniste français. Il était un photographe de rue pionnier et savant connu pour ses candides, c’est à dire ses photographies capturée sans pose du sujet photographié. Henri Cartier-Bresson a qualifié son style de photographie de représentation de l’intuition, à la fois, et de la spontanéité.
Henri Cartier-Bresson a inventé le terme «moment décisif», qui est devenu un sujet fascinant mais très débattu dans la photographie moderne. Cela fait référence à la situation où les éléments psychologiques et visuels des personnes dans des scènes de la vie réelle se réunissent en harmonie pour exprimer l’essence de ce moment.
Henri Cartier Bresson s’est rendu en Chine pendant sa révolution, puis en Union soviétique après la mort de Joseph Staline, et enfin en Amérique après la Seconde Guerre mondiale pour documenter les perturbations économiques et sociales après la guerre.
Cartier Bresson a également été l’un des premiers photographes à utiliser un film 35 mm tandis que d’autres utilisaient des appareils photo moyen format volumineux et lourds.
Photographe célèbre 9: Andreas Gursky
Gursky est un photographe célèbre allemand qui se concentre sur l’architecture grand format, la photographie de paysage et les photos manipulées numériquement.
Ses compositions uniques encadrent les sujets à grande échelle, utilisant souvent un point de vue élevé et épissant plus tard plusieurs images ensemble pour un résultat plus dramatique.
Cependant, cette technique de photographie a relancé le débat séculaire sur la manipulation d’image et la capacité d’enregistrement de la vérité d’un appareil photo. Néanmoins, le monde continue d’admirer le travail de Gursky, certaines de ses images atteignant les prix les plus élevés du marché de l’art parmi les photographes célèbres vivants.
Malgré son talent pour le surréalisme et les abstractions, son travail évalue généralement l’agitation de la vie contemporaine et la culture de consommation. Ses photographies sont pleines de couleurs et de touches industrialisées, étonnamment séduisantes et belles.
Photographe célèbre 10: Imogen Cunningham
Cunningham était un photographe célèbre, un américain reconnu pour ses portraits, ses paysages industriels et sa photographie botanique. Ses portraits intimes véhiculent des images floues et une mise au point douce pour solidifier la structure et la silhouette de ses sujets.
Pendant ce temps, les natures mortes florales de Cunningham montrent des formes naturelles utilisant la lumière, les ombres et l’attention portée aux détails.
Ses premières estampes ont été réalisées dans le pictorialisme, un style photographique qui imitait la peinture académique du début du siècle. Cunningham a également expérimenté des images plus nettes pour créer la technique connue sous le nom de photographie nette.
En 1910, elle s’est forgé une solide réputation en tant que photographe portraitiste et commerciale. Au début des années 1920, Cunningham a changé son style pour inclure la vie végétale et la photographie de rue. Elle a également brièvement travaillé pour Vanity Fair et des célébrités dans les années 1930.
Photographe célèbre 11: Man Ray
Man Ray était un artiste visuel américain qui a contribué aux mouvements Dada et surréaliste. Il était surtout connu pour ses portraits et ses photographies de mode. Ray a également expérimenté la création d’images sans caméra, qu’il appelait des «rayographes».
Ray avait été grandement influencé par le travail d’Alfred Stieglitz, dans lequel il utilisait un style similaire de photographies non vernies. Il a également mis en évidence les espaces négatifs, les ombres et l’application à arêtes vives de couleurs non modulées.
Dans les années 1920, Ray a commencé à faire des images animées et a réalisé quatre films non narratifs très créatifs. Il revient à Paris dans les années 1950 et se concentre sur la peinture jusqu’à sa mort.
Photographe célèbre 12: Eliot Porter
Porter était un photographe célèbre pour ses images colorées et intimes de la nature. Il s’est intéressé à la photographie en utilisant un appareil photo Kodak pour prendre des photos d’oiseaux et de paysages dans la maison d’été de sa famille dans le Maine. Tout comme Ansel Adams, Porter a pratiqué la photographie «directe» pour montrer le sujet de manière directe, en mettant l’accent sur les détails et les tons.
Porter est passé à la photographie couleur après qu’un éditeur a rejeté une proposition de livre sur les oiseaux, car les gens ne pouvaient pas différencier les espèces d’oiseaux sur des images en noir et blanc. Il a utilisé un système de lumières stroboscopiques et a passé des heures à composer la scène pour photographier les oiseaux.
Au début et au milieu des années 1950, Porter a beaucoup voyagé pour photographier des lieux d’importance culturelle et écologique. Il a documenté le parc Adirondack, Glen Canyon, les Appalaches, la Basse Californie, les îles Galapágos, la Turquie, la Grèce, l’Islande, l’Afrique, la Chine et l’Antarctique. Avec son travail, Porter a pu publier un certain nombre de livres de photographie acclamés par la critique.
Photographe célèbre 13: Diane Arbus
Arbus était une photographe célèbre surtout connue pour son portrait des gens de New York dans les années 1950 et 1960. Elle a capturé des photographies directes implacables de personnes considérées comme des déviants sociaux à cette époque. Ses images montrent souvent ses sujets regardant directement dans l’appareil photo, la mise au point nette incitant les spectateurs à les regarder et à les reconnaître.
Son œil documentaire a produit des portraits choquants mais intrigants de nudistes, d’hommes tatoués, de détenus d’asile, de malades mentaux, de strip-teaseuses, de toxicomanes, d’artistes de carnaval, de nains et de la communauté LGBT. Arbus a photographié ses sujets dans des environnements familiers comme leur maison, leur lieu de travail ou leur rue pour montrer qu’ils sont comme tout le monde.
Alors que son travail a repoussé les limites de ce que les gens perçoivent comme approprié, ses photographies ont mis en évidence l’essence de l’égalité et de la représentation appropriée à une époque où peu de gens étaient prêts à accepter les marginalisés comme des membres fonctionnels de la société. À l’heure actuelle, des photographes célèbres voient son travail photographique comme une source d’inspiration d’intensité psychologique.
Photographe célèbre 14: George Hurrell
Hurrell était un photographe américain réputé pour ses portraits de stars hollywoodiennes. Son style caractéristique d’éclairage de précision, de projecteurs, de composition, d’ombres et de retouches à la main sur les négatifs a contribué au glamour d’Hollywood des années 1930 aux années 1940.
Les superbes portraits en noir et blanc de Hurrell sont devenus recherchés pour le marketing des acteurs.
Après avoir tourné des images séduisantes pour l’actrice Norma Shearer, MGM a embauché Hurrell comme chef du département de photographie. À la MGM, il était chargé de prendre des photos de stars hollywoodiennes pour chaque film. En dehors de cela, George a travaillé pour Warner Brothers Studio et Columbia Pictures.
Hurrell a servi pendant la Seconde Guerre mondiale et a vécu à New York par la suite en tant que photographe de mode. De retour à Hollywood au milieu des années 50, ses portraits glamour ne font plus appel aux studios. Hurrell a continué à travailler comme photographe d’images fixes sur des plateaux de tournage jusqu’à sa mort.
Photographe célèbre 15: Cindy Sherman
Sherman est une artiste américaine qui a passé la majeure partie de sa vie professionnelle à explorer les concepts d’identité, de sexualité et de féminité. Son travail de photographie se compose principalement d’autoportraits, se représentant dans divers contextes et personnages imaginés.
Le style unique de photographie de portrait de Sherman est devenu central dans la prolifération des images et le consumérisme du XXe siècle.
Alors que Sherman a commencé comme peintre, elle est devenue frustrée par les limites de la forme d’art à l’ère du minimalisme, ce qui l’a amenée à se tourner vers la photographie.
Elle s’inspire de la télévision, du cinéma, de l’imagerie et de la mode de la culture pop pour défier les rôles restrictifs des identités féminines et l’aversion pour l’objectivation.
En tant que maître des photographies socialement critiques, Sherman a remis en question l’influence oppressive des médias de masse sur les identités individuelles et collectives des gens.
À travers ses autoportraits, elle a attiré l’attention du public sur des sujets troublants, les forçant à reconsidérer les hypothèses et les stéréotypes culturels.
Bien sur, il existe bien sur des centaines d’autres photographes à découvrir, mais pour cela, Google reste votre meilleurs ami 🙂
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Décider de faire de vente de photographies d’art signées et numérotées peut être un excellent moyen de susciter l’intérêt des collectionneurs et de créer un sentiment d’urgence autour du processus d’achat.
Cependant, comprendre ce à quoi les collectionneurs d’art s’attendent lorsqu’ils achètent des éditions limitées est une partie importante de votre travail d’artiste. Il y a une variété de facteurs à garder à l’esprit – du choix de la taille de l’édition à la façon de signer et dater correctement vos tirages.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
C’est quoi la photographie d’art ?
La photographie d’art est une forme de photographie qui se concentre sur l’expression artistique et la création d’images à des fins esthétiques plutôt que simplement documentaires ou informatives. Contrairement à la photographie commerciale ou de presse, qui vise à vendre un produit ou à relater une histoire, la photographie d’art est destinée à être exposée et appréciée pour sa valeur artistique.
La photographie d’art peut prendre de nombreuses formes, allant de la photographie de paysages à la photographie de portraits, en passant par la photographie abstraite et expérimentale. Elle peut être en noir et blanc ou en couleur, numérique ou argentique. Les photographes d’art cherchent souvent à explorer de nouvelles techniques et à expérimenter avec différents styles pour créer des images qui sont originales, expressives et stimulantes sur le plan visuel.
La photographie d’art est appréciée dans les galeries d’art, les musées et les collections privées, où elle peut être vendue comme œuvre d’art. De nombreux photographes d’art travaillent en tant qu’artistes indépendants, mais certains peuvent également travailler pour des magazines d’art ou collaborer avec des entreprises pour des projets artistiques.
En résumé, la photographie d’art est un moyen d’expression créative qui vise à produire des images qui sont belles, significatives et émotionnelles plutôt que purement informatives ou commerciales. Elle est appréciée pour sa valeur esthétique et est souvent considérée comme une forme d’art à part entière.
Comment la photographie d’art se distingue-t-elle de la photographie commerciale ou documentaire ?
La photographie d’art se distingue de la photographie commerciale ou documentaire par ses objectifs, ses techniques et ses finalités.
Tout d’abord, la photographie commerciale est réalisée à des fins publicitaires ou promotionnelles. Elle est utilisée pour vendre un produit, un service ou une marque. La photographie documentaire, quant à elle, a pour but de documenter un événement, un lieu ou une situation, enregistrant ainsi une réalité visuelle et sociale.
En revanche, la photographie d’art est créée dans un but esthétique ou expressif, cherchant à créer des images qui sont belles, significatives et émotionnelles. Elle est souvent réalisée pour être exposée dans des galeries d’art, des musées ou des collections privées. La photographie d’art peut également être utilisée pour transmettre des idées ou des messages sociaux, politiques ou culturels.
De plus, la photographie d’art peut utiliser des techniques créatives et expérimentales, telles que l’utilisation de lumières et de couleurs, des expositions longues ou des effets spéciaux pour créer des images qui sont plus artistiques que documentaires ou commerciales. Elle peut également utiliser des sujets qui sont plus abstraits ou symboliques que des sujets réalistes ou commerciaux.
En somme, la photographie d’art se distingue de la photographie commerciale et documentaire par ses objectifs esthétiques, ses techniques créatives et ses finalités artistiques.
Comment la photographie d’art est-elle utilisée et exposée dans le monde de l’art ?
Expositions individuelles : les photographes d’art peuvent organiser des expositions individuelles dans des galeries d’art, des musées ou des centres culturels. Ces expositions permettent aux photographes de présenter leur travail à un public plus large et d’interagir avec les amateurs et les critiques d’art.
Expositions collectives : les photographes d’art peuvent également participer à des expositions collectives, où leur travail est exposé aux côtés d’autres artistes. Les expositions collectives peuvent être organisées autour d’un thème commun, d’un mouvement artistique ou d’un médium particulier.
Ventes aux enchères : les photographies d’art peuvent être vendues aux enchères dans des maisons de vente aux enchères spécialisées dans les beaux-arts. Ces ventes aux enchères peuvent attirer des collectionneurs et des investisseurs d’art du monde entier.
Édition de livres d’art : les photographies d’art peuvent être publiées dans des livres d’art, des catalogues d’exposition ou des magazines spécialisés. Ces publications permettent aux photographes d’art d’atteindre un public plus large et de diffuser leur travail auprès des amateurs d’art.
Collections privées : les photographies d’art peuvent également être achetées et conservées dans des collections privées d’art. Les collectionneurs d’art peuvent acquérir des photographies d’art pour leur collection personnelle ou pour des raisons d’investissement.
En somme, la photographie d’art peut être utilisée et exposée dans une variété de contextes, de l’exposition individuelle à la vente aux enchères, en passant par les publications d’art et les collections privées. Les photographes d’art peuvent ainsi toucher un public varié et interagir avec des amateurs d’art, des critiques et des collectionneurs du monde entier.
Comment devient-on photographe d’art ?
Devenir photographe d’art peut être un processus long et exigeant, mais voici quelques étapes qui peuvent aider à y parvenir :
Acquérir des compétences techniques : pour devenir photographe d’art, il est important d’avoir une maîtrise technique de la photographie, y compris de la composition, de la gestion de la lumière, des réglages de l’appareil photo, de la post-production, etc. Il peut être utile de suivre des cours de photographie et de pratiquer régulièrement pour acquérir ces compétences.
Trouver sa voix artistique : la photographie d’art est avant tout une expression personnelle de l’artiste, il est donc important de trouver sa propre voix artistique. Cela peut impliquer d’explorer différents styles de photographie, de s’inspirer d’autres artistes et d’expérimenter avec différentes techniques.
Créer un portfolio solide : pour être reconnu comme photographe d’art, il est important d’avoir un portfolio solide qui démontre votre maîtrise technique et votre voix artistique. Un portfolio peut inclure des photographies individuelles, des séries de photographies et des projets personnels.
Participer à des expositions : pour se faire connaître en tant que photographe d’art, il peut être utile de participer à des expositions collectives ou individuelles dans des galeries d’art, des musées ou des centres culturels. Cela peut aider à créer une visibilité et une notoriété auprès du public et des critiques d’art.
Réseauter avec d’autres artistes et professionnels de l’art : en tant que photographe d’art, il est important de développer des relations avec d’autres artistes, des critiques d’art, des collectionneurs et des professionnels de l’art. Cela peut aider à créer des opportunités d’exposition, de publication et de collaboration.
En somme, devenir photographe d’art nécessite du temps, de l’engagement et une grande passion pour la photographie. Il est important de développer ses compétences techniques, de trouver sa voix artistique, de créer un portfolio solide, de participer à des expositions et de réseauter avec d’autres professionnels de l’art.
Comment peut-on trouver des photographes d’art émergents ou des œuvres d’art photographiques à acheter ?
Il existe plusieurs façons de trouver des photographes d’art émergents et des œuvres d’art photographiques à acheter :
Les galeries d’art : Les galeries d’art sont un excellent point de départ pour découvrir des artistes émergents et leurs œuvres photographiques. Les galeries d’art spécialisées en photographie sont souvent un bon choix.
Les foires d’art : Les foires d’art sont une excellente occasion de découvrir de nouveaux artistes et de voir un large éventail d’œuvres photographiques. De nombreuses villes organisent des foires d’art annuelles ou biennales, notamment des foires d’art contemporain, qui peuvent inclure des œuvres photographiques.
Les musées et les expositions : Les musées organisent souvent des expositions photographiques qui peuvent mettre en vedette des artistes émergents. Visiter les expositions de photographie est une excellente façon de découvrir de nouveaux artistes et de voir leur travail en personne.
Les sites web d’art : Il existe de nombreux sites web spécialisés dans la vente d’œuvres d’art photographiques en ligne. Vous pouvez parcourir ces sites pour découvrir de nouveaux artistes et acheter des œuvres en ligne.
Les réseaux sociaux : Les réseaux sociaux sont un excellent moyen de découvrir des artistes émergents et de suivre leur travail. De nombreux photographes d’art publient régulièrement leur travail sur les réseaux sociaux, vous pouvez donc les suivre pour découvrir de nouvelles œuvres et être informé des expositions à venir.
Il est important de faire des recherches approfondies avant d’acheter des œuvres photographiques, en particulier lorsqu’il s’agit d’artistes émergents. Assurez-vous de connaître les antécédents de l’artiste, de voir des exemples de son travail et de comprendre les termes de l’achat.
Choisissez soigneusement la taille de l’édition pour la vente de photographies d’art signées et numérotées
La Vente de photographies d’art signées et numérotées ont tendance à être plus recherchées que les éditions ouvertes, mais une fois que vous avez défini la taille, vous ne pourrez plus changer d’avis et créer plus d’images, même si elles se sont vendues plus rapidement que vous ne le pensiez.
Il ne s’agit pas simplement de revenir sur votre parole – ce qui est déjà assez mauvais pour votre réputation en soi – cela diminue la valeur des pièces que vous avez déjà vendues.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Ainsi, même si l’ensemble est limité, plus les images sont précieuses, choisissez de sélectionner un nombre en gardant à l’esprit le nombre d’impressions que vous souhaitez ou pensez que vous pourrez vendre.
La confiance est primordiale pour vendre des photographies d’art signées et numérotées
Une fois que vous avez choisi de créer des tirages en édition limitée, décidez à l’avance de la taille du tirage et indiquez clairement aux acheteurs potentiels le nombre en cours de création.
Les acheteurs de photographies d’art signées et numérotées prennent souvent une décision d’achat en se basant sur le fait que la pièce est limitée et que modifier la taille du tirage est une violation de la confiance.
Quel que soit le nombre que vous choisissez, si votre travail est imprimable, vous n’avez pas réellement besoin d’imprimer le tirage complet en une seule fois.
Étiquetez-les simplement par ordre chronologique au fur et à mesure de leur création (si vous choisissez une série de 10, par exemple, étiquetez le premier «1/10» et le dernier «10/10»).
De nombreuses imprimantes vous permettront de conserver les images numériques dans un fichier, ce qui vous permettra de revenir facilement et de terminer l’impression d’un tirage lorsque vous êtes prêt.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Laissez de la place pour les options lors de la vente de photographies d’art signées et numérotées
La vente de photographies d’art signées et numérotées peut se faire dans différentes tailles à condition que vous communiquiez clairement à vos acheteurs ce que vous entendez lorsque vous dites que la pièce est une édition limitée.
Si votre travail est une sérigraphie, par exemple, expliquez que l’image ne sera plus jamais imprimée à cette taille particulière. Cela vous laisse la possibilité de créer une impression en édition limitée au formataffiche par exemple, puis une édition ouverte de notecards à une date ultérieure.
Vente de photographies d’art signées et numérotées : Pensez long terme
Vendre toute une série d’impressions en édition limitée est une situation idéale, mais vous pourriez avoir le sentiment que vous auriez dû en créer davantage dans le but de répondre au marché et d’augmenter vos ventes.
C’est une façon naturelle de ressentir, mais comme nous l’avons déjà mentionné, il n’est tout simplement pas éthique d’augmenter la taille de votre édition une fois qu’elle a été définie.
Au lieu de cela, essayez de vous rappeler que cette demande pour votre travail se transformera probablement en intérêt pour les pièces futures.
Gardez une liste des collectionneurs intéressés à acheter et informez-les lorsqu’une nouvelle pièce est disponible à la vente.
Vous construirez une solide base de collectionneurs qui savent qu’ils peuvent faire confiance à votre parole et seront ravis lorsqu’une opportunité se présentera d’acheter une nouvelle pièce de votre travail.
Savoir comment étiqueter vos tirages de photographies en édition limitée
Lorsque vous étiquetez des photographies, des sérigraphies, des lithographies, des sérigraphies ou des monographies, signez chaque impression ou certificat.
Par exemple, vous pouvez décider d’indiquer le numéro d’impression (1/10 ou quel que soit le nombre) en bas à gauche, le titre (si vous en avez un) au centre et le signe et la date à droite.
Vente de photographies d’art signées et numérotées : Être cohérent
Tout comme vous décidez de la taille de votre tirage en édition limitée et que vous vous y tenez, une fois que vous avez choisi un format pour la façon dont vous souhaitez signer, dater et numéroter vos impressions, soyez cohérent.
Décidez comment vous voulez noter la date (01-12-16 vs 01/12/16 vs 01/12/2016 etc.) et utilisez ce format chaque fois que vous étiquetez ou certifiez votre travail.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Présentez votre travail honnêtement
Soyez clair sur la taille du tirage, le type de papier et d’encre utilisé lorsque vous travaillez avec des travaux imprimables, et documentez chaque article que vous vendez. Incluez un certificat d’authenticité original avec chaque vente.
Ces documents doivent être signés, datés et répertorier toutes les informations importantes telles que le titre de l’œuvre, le type de support et, le cas échéant: le type de papier, la date imprimée et la taille du tirage.
Vente de photographies d’art signées et numérotées : Enregistrez et étiquetez correctement vos épreuves d’artiste
Lors du processus d’impression, vous risquez de vous retrouver avec un certain nombre de tirages qui sont tirés au même niveau de qualité que le produit final mais qui vous sont fournis par l’imprimante pour vous assurer que tout va bien avant de procéder à l’exécution.
Ces impressions initiales sont appelées «épreuves d’artiste» et ont leurs racines dans les premiers jours de la gravure lorsque les artistes les utilisaient pour résoudre les problèmes de couleur et de qualité des impressions.
De nos jours, ces rares sous-ensembles de l’édition sont un standard dans les tirages en édition limitée et sont généralement la propriété de l’artiste.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Les «épreuves d’artiste» ne doivent pas être comptées dans la numérotation de l’édition limitée, mais doivent être signées et numérotées séparément – en veillant à ajouter «AP» pour les distinguer.
Les points d’accès peuvent être vendus à un prix légèrement plus élevé que le reste de la série et ne sont généralement pas vendus immédiatement (voire pas du tout).
Cette décision est prise à votre discrétion. La raison de ce prix plus élevé vient de l’idée que les premières images tirées de la plaque d’une imprimante sont de la plus haute qualité, car les plaques et les écrans ne sont pas encore usés.
Signez votre travail
Peu importe à quel point vous croyez que votre travail est identifiable, n’oubliez pas de signer un certificat. Vous ne pouvez jamais être sûr de la destination future et des types de problèmes pouvant résulter d’un manque de signature ou même d’une signature illisible ou incohérente.
Choisissez une signature soit facile à lire, soit si unique et très facile à identifier et une fois que vous avez pris votre décision, tenez-vous-y. Cette marque servira à jamais à authentifier une pièce de votre travail.
Vente de photographies d’art signées et numérotées
Faire des choix éclairés sur ces questions dès le début, puis s’y tenir vous aidera à gagner la confiance de vos acheteurs et à bâtir de bonnes relations à long terme.
Prendre le temps de décider d’une signature et d’une manière cohérente d’étiqueter votre travail vous servira également à l’avenir et contribuera grandement à éviter l’apparition de problèmes d’authentification.
Plus vous en savez sur le processus, plus il devient facile et vous pouvez dépenser votre énergie à vous concentrer sur ce que vous faites de mieux: créer votre travail.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
La photographie d’art est une forme d’expression visuelle qui utilise la photographie comme moyen de création artistique. Elle se distingue de la photographie documentaire ou commerciale en mettant l’accent sur la créativité, l’esthétique et l’émotion plutôt que sur la simple représentation de la réalité. La photographie d’art peut prendre de nombreuses formes, allant du portrait à la nature morte en passant par le paysage et l’abstrait.
Qu’est-ce qui distingue la photographie d’art de la photographie ordinaire?
La principale différence entre la photographie d’art et la photographie ordinaire réside dans l’intention de l’artiste. Alors que la photographie ordinaire est souvent utilisée pour documenter la réalité ou pour des raisons commerciales, la photographie d’art est créée dans un but esthétique ou expressif. Elle se concentre sur la beauté, la créativité et l’émotion, plutôt que sur la simple représentation de la réalité.
Comment crée-t-on une photographie d’art?
La création d’une photographie d’art implique souvent un processus de réflexion créative, qui peut prendre différentes formes en fonction de l’artiste et de sa vision. Certains artistes utilisent des techniques de post-production pour donner à leur photographie une apparence plus créative ou abstraite, tandis que d’autres préfèrent travailler en utilisant uniquement la prise de vue. Le choix des sujets, des cadrages, de la lumière et de la couleur sont tous des éléments importants dans la création d’une photographie d’art.
Comment choisir un sujet pour une photographie d’art?
Le choix d’un sujet pour une photographie d’art dépend largement de la vision de l’artiste et de ce qu’il souhaite exprimer. Certains artistes se concentrent sur des sujets tels que le corps humain, les paysages naturels ou urbains, ou encore des objets du quotidien, tandis que d’autres cherchent à explorer des sujets plus abstraits ou conceptuels. L’important est de trouver un sujet qui inspire l’artiste et qui lui permette de créer une photographie qui exprime sa vision créative.
Qu’est-ce qui fait une bonne photographie d’art?
La qualité d’une photographie d’art dépend de plusieurs éléments, notamment de la créativité, de l’esthétique et de l’émotion qu’elle transmet. Une bonne photographie d’art doit être esthétiquement agréable à regarder, elle doit susciter une émotion chez le spectateur et transmettre la vision de l’artiste. Elle doit également être techniquement bien réalisée, avec une bonne utilisation de la lumière, des couleurs et des cadrages.
Comment évaluer la valeur d’une photographie d’art?
L’évaluation de la valeur d’une photographie d’art dépend de plusieurs facteurs, notamment de la notoriété de l’artiste, de la rareté de l’édition de la photographie, de la qualité de l’impression et de la provenance de la photographie. Les photographies d’art sont souvent vendues en éditions limitées, ce qui signifie que chaque tirage est numéroté et signé par l’artiste. Les photographies d’art peuvent également être vendues aux enchères, où elles sont évaluées en fonction de leur qualité et de leur valeur artistique.
Comment exposer une photographie d’art?
Les photographies d’art peuvent être exposées de différentes manières, que ce soit dans des galeries d’art, des musées ou des espaces publics tels que des cafés ou des restaurants. L’exposition peut être individuelle ou collective, en fonction de l’artiste et de l’organisateur de l’événement. Il est également possible d’exposer des photographies d’art en ligne, sur des sites web spécialisés ou des plateformes de vente en ligne.
Comment préserver une photographie d’art?
La conservation des photographies d’art est importante pour préserver leur qualité et leur valeur à long terme. Les photographies doivent être stockées dans des endroits secs et frais, à l’abri de la lumière directe du soleil et de l’humidité. Il est également important d’utiliser des matériaux de conservation de qualité, tels que des encres pigmentées et des papiers sans acide. Les photographies d’art doivent être manipulées avec soin pour éviter toute déchirure ou détérioration.
Quels sont les grands noms de la photographie d’art?
La photographie d’art a produit de nombreux grands artistes au fil des ans. Parmi les noms les plus célèbres, on peut citer Ansel Adams, qui a capturé des paysages naturels emblématiques de l’Ouest américain, Diane Arbus, qui a exploré les thèmes de la marginalité et de la différence, et Cindy Sherman, qui a créé des autoportraits pour interroger les normes sociales et les stéréotypes. D’autres grands noms de la photographie d’art incluent Robert Mapplethorpe, Man Ray et Edward Weston.
Quel équipement est nécessaire pour la photographie d’art?
Le choix de l’équipement pour la photographie d’art dépend largement de l’artiste et de son style de création. Cependant, un appareil photo de haute qualité avec une résolution élevée et des objectifs interchangeables est généralement nécessaire pour obtenir des images de qualité supérieure. Les accessoires tels que les trépieds, les filtres et les éclairages supplémentaires peuvent également être utiles pour créer des effets créatifs ou pour travailler dans des conditions de lumière difficiles.
Quelles sont les tendances actuelles de la photographie d’art?
Les tendances en matière de photographie d’art évoluent constamment, mais certaines tendances actuelles incluent l’utilisation de techniques de post-production pour créer des effets créatifs et abstraits, l’exploration de thèmes sociaux et politiques tels que la diversité et l’inclusion, et l’utilisation de nouvelles technologies telles que la réalité augmentée et la vidéo pour créer des expériences d’art immersives.
La tournée est désormais l’un des plus gros revenus pour les artistes, selon Billboard. Avant la tournée d’un artiste, il est important pour eux et pour la direction de la tournée de réserver des lieux adaptés à leur public cible – compte tenu de l’emplacement, du type de lieu, de la capacité et des installations.
Il existe d’innombrables grandes salles de concert dans le monde, des grandes arènes aux petits clubs , cet article vous parlera des 10 meilleures salles de musique live dans le monde!
Salles de concert : Royal Albert Hall – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
Ouvert en 1871 par la reine Victoria, l’Albert Hall est l’une des salles de concerts britanniques les plus prisées et les plus distinctives. Il peut accueillir 5272 personnes et accueille plus de 400 événements chaque année, notamment des concerts de rock, de pop et de classique, des spectacles d’opéra et de ballet, des projections de films et des événements sportifs.
Les artistes réguliers incluent Eric Clapton, Shirley Bassey et James Last. «The Proms» est son événement le plus connu, y ayant eu lieu chaque été depuis 1941. Conçu pour convenir à tous les genres, ce lieu dispose d’un système de sonorisation permanent D&B Audio Technik.
La scène est de forme semi-circulaire, avec plus de place qu’assez pour que n’importe quel groupe ou orchestre se produise facilement. Les quais de chargement sont à deux étages plus bas afin que les camions puissent déposer des décors, du matériel et des artistes.
La salle dispose d’un deuxième espace de spectacle, la salle Elgar, qui accueille également des événements musicaux et possède son propre restaurant. Située au-dessus du porche de la porte 9 au troisième étage (niveau du cercle), la salle est très adaptable et dispose d’un kit technique complet disponible.
Avec son propre système d’éclairage DMX, la pièce peut également bénéficier de la lumière naturelle ou être obscurcie. Il est prévu pour la projection AV et les haut-parleurs PA 4 Meyer UPJ de haute qualité et 4 haut-parleurs Meyer UP4-XP, 2 microphones radio portables et un lien iPod directement vers le système AV.
Il y a un boîtier de plancher 32x XLR relié au système audiovisuel si vous souhaitez utiliser votre propre bureau de son. Une large gamme de microphones et de moniteurs est disponible pour ces deux salles. La sortie de cette pièce peut également être canalisée vers le reste de la salle.
Salles de concert :Red Rocks Amphitheatre – Colorado, États-Unis
Salles de concert
En vedette dans notre article « Top 10 des salles aux États-Unis », Red Rocks est l’une des salles de concert les plus uniques et les plus belles au monde. Il est à 10 miles à l’ouest de Denver, Colorado, États-Unis et fait partie des parcs de montagne de Denver, Red Rocks Park.
Situé entre deux gigantesques rochers de grès à 6450 pieds au-dessus du niveau de la mer, il crée une acoustique naturelle que l’argent ne peut pas acheter. Une fois que le soleil se couche et que les lumières s’allument, ce lieu étonnant se transforme en un spectacle à couper le souffle.
Il peut accueillir jusqu’à 10000 fans qui ont regardé des performances célèbres telles que Jimi Hendrix, les rolling stones, les Beatles, U2 et Earth, Wind and Fire. Un écran LED haute résolution de 14 × 20 pieds a également été ajouté côté scène en 2017 pour améliorer l’expérience des fans.
Salles de concert :Opéra de Sydney – Sydney, Australie
Salles de concert
Première salle de concert en Australie, l’Opéra de Sydney accueille plus de 2000 événements par an pour plus de 8,2 millions de personnes. Construit en 1973, ce centre des arts de la scène multi-lieux a accueilli certains des plus grands musiciens, tels que Brian Wilson, Bon Iver et Mary J. Blige.
L’Opéra comprend un certain nombre d’installations différentes pour les groupes de touristes. Il y a la salle de concert principale (2679 places), un théâtre d’avant-scène (1507 places), un théâtre dramatique (544 places), une salle de théâtre (398 places), le studio (280 places ou 400 places debout), la salle Utzon (pour les petits spectacles) ), un studio d’enregistrement et un parvis extérieur.
Un système D&B Audio Technik Line Array est installé dans le hall principal. Ce système a été mis en place pour améliorer les performances amplifiées ainsi que le délai d’exécution entre les productions .
Une zone derrière la scène a permis à l’équipe de son de positionner une console, un équipement de traitement et des câbles audio pré-configurés .
Cela réduit le temps de configuration des groupes ou des artistes. Les nuages acoustiques sont situés au-dessus de la scène, qui peuvent être abaissés et relevés par l’équipe technique pour répondre aux besoins acoustiques. Le quai de chargement est une zone partagée et les camions de plus de 4,3 mètres doivent prévoir un autre moyen d’accès.
Le seul inconvénient de ce lieu est que le stationnement n’est pas gratuit! Depuis le quai de chargement, le personnel aide à décharger et à transporter tout l’équipement jusqu’à l’ascenseur où il monte au 1er étage et monte une courte rampe sur la scène.
En tant que salles de concert à Sydney, vous n’obtiendrez pas mieux que cela!
Salles de concert : The O2 Arena – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
Une autre des incroyables salles de concert au Royaume-Uni, l’O2 Arena est une installation événementielle intérieure polyvalente pouvant accueillir 20 000 personnes. Il s’agit de la deuxième capacité intérieure la plus élevée du Royaume-Uni.
Il propose des performances d’artistes tels que Prince, Céline Dion, Queen et Stormzy.
Dans les coulisses, il y a un salon club VIP, des vestiaires et une entrée et sortie VIP pour les artistes. La structure du dôme mesure 52 mètres de haut en son point central et est une pièce d’architecture majeure sur les toits de Londres.
L’arène peut être modifiée en position assise, debout, sur table ou peut même être transformée en espace sportif. En raison de son emplacement, le lieu applique un couvre-feu de 23 heures. Il y a des vestiaires complets, des bureaux et des espaces de soutien.
La très grande zone de chargement peut accueillir 4 gros camions et la scène standard mesure 60x40x6 pieds. Le lieu peut fournir tous les principaux AV (y compris les effets spéciaux). Il y a une grande cour de service souterraine pour les artistes et l’équipage et 12 camions peuvent se garer dans cet espace. Il y a un parking gratuit pour les membres d’équipage, les artistes, les camions de soutien, les voitures et les voitures privées.
Salles de concert : Grosser Musikvereinssaal – Vienne, Autriche
Salles de concert
Une légende parmi les salles de musique classique de Vienne, cette salle de concert a ouvert ses portes en 1870. Principalement utilisée pour les concerts classiques, elle est considérée comme le joyau de la couronne parmi les salles de concert.
Ce music-hall de Vienne offre 2000 places pour les amateurs de musique classique, mais est également populaire auprès des amateurs d’architecture. Avec sa longue forme rectangulaire (50x20x20 pieds), la salle est connue pour fournir le meilleur environnement pour l’acoustique, ce qui la rend idéale pour la musique classique.
Comme il est richement recouvert de couleur or, il est parfois appelé la «boîte dorée». Dans ce bâtiment conçu à cet effet, le plancher en bois est creux, ce qui agit comme une boîte à résonateur.
Avec le plafond suspendu en bois, cela permet au son de résonner dans toute la salle. Au total, il y a six salles de musique dans ce lieu de musique classique.
Salles de concert : Nippon Budokan – Tokyo, Japon
Salles de concert
Cette arène couverte est située au cœur de la capitale japonaise, Tokyo. Construit en 1964, le lieu a accueilli certains des plus grands noms de la culture musicale occidentale, tels que Toto, Led Zeppelin, Kiss, Diana Ross, Aerosmith et Iron Maiden.
Le bâtiment octogonal peut accueillir 14 471 places. Son objectif principal est d’accueillir des concours d’arts martiaux, mais il est devenu un lieu de concert populaire pour les artistes et les groupes au cours des 50 dernières années.
Salles de concert : Radio City Music Hall – New York, États-Unis
Salles de concert
Le Radio City Music Hall est connu comme le «palais du peuple». Conçu pour que les artistes divertissent et amusent tout en élevant et inspirant, Radio City est un lieu de beauté offrant un excellent divertissement à des prix abordables. Construit en 1932, ce grand auditorium Art déco saisissant peut accueillir environ 5960 places.
Le hall d’entrée est remarquable à environ 60 pieds de haut. Le lieu maintient son objectif initial d’être un hommage étonnant à la réussite humaine dans l’art, la science et l’industrie.
Dit être le plus grand théâtre en salle du monde, chacune des trois sections de scène est montée hydrauliquement pour des effets de mise en scène, et tout l’orchestre peut être abaissé et élevé. En plus de ses 25 000 lumières, la scène peut également envoyer des fontaines d’eau, de la pluie, du brouillard et des nuages.
Salles de concert : Eventim Apollo – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
L’un des principaux lieux de musique de Londres est l’Eventim Apollo (anciennement connu sous le nom de Hammersmith Apollo). C’est également l’un des théâtres originaux les plus grands et les mieux conservés avec une capacité de 3 487 places.
Ouvert en 1932 sous le nom de Hammersmith Odeon, il a subi plusieurs changements de nom et de propriété. Des artistes légendaires tels que The Rolling Stones, Queen et Bob Marley se sont produits ici au fil des décennies.
L’Eventim a un intérieur conçu Art Déco avec des installations sonores et lumineuses de haute technologie. De nombreuses configurations de sol différentes sont disponibles en fonction du type de performance requis pour s’asseoir / se tenir debout. Le lieu possède également son propre grand orgue de théâtre.
Salles de concert : Opéra de Dubaï – Dubaï, EAU
Salles de concert
L’Opéra de Dubaï est un bâtiment plus récent, ayant ouvert ses portes en 2016. Il a accueilli des artistes et des groupes du monde entier, tels que Katherine Jenkins, Russell Howard, des actes d’hommage de classe mondiale, des ballets et des concerts classiques. Cette salle de 2500 places est parfaite pour les performances acoustiques, classiques et pop.
La zone culturelle luxueuse du centre-ville de Dubaï est le lieu de la magnifique salle de concert. La salle peut être configurée de trois manières; comme théâtre, salle de concert ou salle d’événement à plancher plat. Il abrite également un superbe restaurant sur le toit avec vue sur la ville de Dubaï.
Salles de concert : Ronnie Scotts – Londres, Royaume-Uni
Salles de concert
Petite salle de concert emblématique de Londres, Ronnie Scotts accueille des concerts de jazz et des jams tous les soirs de la semaine, attirant des musiciens professionnels du monde entier pour se produire. Le saxophoniste Ronnie Scott a ouvert le club en 1959 en tant que petit club de sous-sol où les musiciens locaux pouvaient jouer.
Parmi les premiers artistes figurent Miles Davis et Count Basie, et à ce jour, il a continué à présenter les plus grands noms de la scène jazz, tels que Lee Ritenour, Marcus Miller et Jules Holland.
C’est également l’endroit idéal pour apercevoir les étoiles montantes et la prochaine grande nouveauté! Les sièges de style club de jazz à table créent une atmosphère plus intime dans la petite salle.
La scène mesure 6m x 4m et il y a plusieurs petits vestiaires pour les artistes dans les coulisses et en bas. Le lieu dispose d’une console de 48 pouces, 24 sorties et d’un mixage de moniteurs en façade, ainsi que d’une impressionnante ligne arrière, de micros, de moniteurs et d’installations d’enregistrement.
Si vous souhaitez toujours louer votre propre équipement de backline , nous sommes toujours là pour vous. Ronnie Scotts dispose également d’une salle plus petite, le Ronnies Bar, au-dessus du club principal qui dispose de ses propres installations techniques et d’un système de DJ.
Pour finir…
Du club de jazz intimiste Ronnie Scotts à Londres aux 25 000 lumières extravagantes du Radio City Music Hall de New York, nous espérons que vous avez apprécié nos meilleures salles à travers le monde.
Brighton, Dublin, Brisbane et Manchester sont d’autres exemples remarquables de salles de concerts incroyables – il y en a tout simplement trop pour les énumérer.
créer une section FAQ de 10 questions- réponse avec balise H2 et h3 sur un article « les meilleures salles de concert au monde »
FAQ sur les meilleures salles de concert au monde
1. Où se trouve la salle de concert la plus connue au monde ?
La salle de concert la plus connue au monde est le Madison Square Garden de New York.
2. Quelle est la plus grande salle de concert du monde ?
La plus grande salle de concert au monde est le Stade du Roi Fahd à Riyad, en Arabie Saoudite. Cette salle peut accueillir jusqu’à 120 000 spectateurs.
3. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des plus belles au monde ?
La salle de concert la plus considérée comme l’une des plus belles au monde est l’Opera House de Sydney, en Australie.
4. Quelle est la plus ancienne salle de concert encore en activité au monde ?
La plus ancienne salle de concert encore en activité au monde est la Reduta Jazz Club à Prague, en République tchèque. Elle a été fondée en 1906.
5. Quelle salle de concert a la plus grande capacité d’accueil au Royaume-Uni ?
La salle de concert avec la plus grande capacité d’accueil au Royaume-Uni est le stade de Wembley à Londres, qui peut accueillir jusqu’à 90 000 spectateurs.
6. Quelle salle de concert a la plus grande capacité d’accueil aux États-Unis ?
La salle de concert avec la plus grande capacité d’accueil aux États-Unis est le stade AT&T à Arlington, au Texas, qui peut accueillir jusqu’à 100 000 spectateurs.
7. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de jazz ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de jazz est le Blue Note à New York.
8. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de rock ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de rock est le Rock and Roll Hall of Fame à Cleveland, Ohio.
9. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique classique ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique classique est le Musikverein à Vienne, en Autriche.
10. Quelle salle de concert est considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique électronique ?
La salle de concert considérée comme l’une des meilleures pour les spectacles de musique électronique est le Berghain à Berlin, en Allemagne.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un concert est une performance musicale en direct devant un public .
La représentation peut être par un seul musicien, parfois alors appelé un récital , ou par un ensemble musical , tel qu’un orchestre , une chorale ou une bande .
Les lives ont lieu dans une grande variété et une grande variété de paramètres, des maisons privées et des petites boîtes de nuit , des salles de concert dédiées , des amphithéâtres et des parcs , aux grands bâtiments polyvalents, tels que les arènes et les stades..
Les concerts en salle tenus dans les plus grandes salles sont parfois appelés concerts d’arène ou concerts d’amphithéâtre . Les noms informels pour un concert incluent spectacle et concert .
Quel que soit le lieu, les musiciens se produisent généralement sur une scène (si ce n’est pas réel, une zone du sol désignée comme telle). Les lives nécessitent souvent un support d’événements en direct avec un équipement audio professionnel . Avant la musique enregistrée, les lives ont été l’occasion principale d’entendre jouer des musiciens.
Pour les grands concerts ou les tournées live, la logistique difficile de l’organisation des musiciens, du lieu, de l’équipement et du public (vente de billets) est gérée par des organisateurs de tournée professionnels .
De nombreux musiciens se produisant dans de grandes salles ou devant un public de masse par le biais des médias électroniques vivent le trac ou l’anxiété de la performance. Le stress psychologique lié au maintien de la performance à un niveau élevé au cours d’une longue tournée de concerts est associé à la dépression et à la toxicomanie . Les lives de rock moderne se déroulent souvent à des niveaux de volume extrêmement élevés, proches du seuil de perte auditive .
L’intensité de l’environnement sonore et l’écrasement du public de masse induisent un état psychologique de transe chez certains membres du public, et au-delà de la musique elle-même, fonctionne comme un point d’entrée pour atteindre un état de conscience altéré .
Les chanteurs et autres musiciens (si leur instrument le permet) danseront souvent ou se pavaneront sur scène pendant qu’ils se produiront, et le public dansera ou se balancera souvent en réponse (si l’espace le permet); cela peut également être considéré comme une manifestation de la psychologie des foules .
Dans certains contextes de concert, comme la musique classique, le public participe passivement. Dans d’autres contextes de concert, en particulier les lives folk ou rock, les interprètes encouragent et s’engagent avec une réponse active du public.
Concert : l’histoire
Alors que les premiers concerts n’apparaissent officiellement qu’à la fin du XVIIe siècle, des rassemblements similaires ont eu lieu tout au long du XVIIe siècle dans plusieurs universités européennes, telles qu’Oxford et Cambridge . Officiellement, cependant, les premiers concerts publics nécessitant une admission ont été créés par le violoniste anglais John Banister .
Au cours des siècles suivants, les concerts ont commencé à gagner un plus grand public et les symphonies classiques étaient très populaires. Enfin, après la Seconde Guerre mondiale, ces événements se sont transformés en concerts modernes qui ont lieu aujourd’hui. Le Moondog Coronation Ball est un exemple d’un premier concert d’après-guerre.
Concert au 17ème siècle
Le premier événement connu de concerts où les gens sont accusés d’admission a eu lieu au domicile du violoniste John Banister à Whitefriars, Londres en 1672. 6 ans plus tard, en 1678, un homme du nom de Thomas Britton a donné des concerts hebdomadaires à Clerkenwell . Cependant, ces concerts étaient différents.
Avant, vous aviez une entrée que vous payiez en entrant dans le bâtiment où se tenait le concert, mais lors des concerts de Britton, les clients achetaient un abonnement annuel pour venir aux concerts. À 10 shillings par an, les gens pouvaient voir autant de concerts qu’ils voulaient.
En plus de tenir des concerts dans certaines salles, des concerts sont également allés au public. Au XVIIe siècle en France, des concerts étaient donnés dans les maisons de la noblesse, pour seulement la noblesse.
Organisés par Anne Danican Philidor , les premiers concerts publics en France, et sans doute dans le monde, ont été les Concerts Spirituels . Ces concerts ont eu lieu lors des fêtes religieuses lorsque l’ Opéra était fermé et ont servi de modèle aux sociétés de concerts du monde entier.
Concert au 18ème siècle
À la fin du 18e siècle, la musique de Haydn et Mozart a été apportée et jouée dans des concerts en anglais. Une œuvre notable de Haydn jouée lors de ces concerts était son ensemble de 12 symphonies, également appelées les Symphonies de Londres .
Des concerts reflétant l’élégance de l’Angleterre à l’époque ont eu lieu dans les jardins de Vauxhall , Ranelagh et Marylebone . Le répertoire musical interprété lors de ces événements allait des œuvres composées par le jeune Mozart aux chansons qui étaient populaires à cette époque.
Les différents types de concerts
La nature d’un concert varie selon le genre musical , les interprètes individuels et le lieu. Les concerts d’un petit combo de jazz ou d’un petit groupe de bluegrass peuvent avoir le même ordre de programme, d’ambiance et de volume – mais varient en musique et en tenue.
De la même manière, un musicien, un groupe ou un genre de musique particulier peut attirer des spectateurs avec une tenue, une coiffure et un comportement similaires.
Par exemple, les spectateurs des années 1960 avaient souvent les cheveux longs (parfois sous la forme de dread lock), des sandales et des vêtements bon marché en fibres naturelles. Les participants réguliers à une salle de concert peuvent également avoir un style reconnaissable qui comprend la scène de cette salle.
Un récital est un concert d’un soliste ou d’un petit groupe qui suit un programme . Il peut mettre en valeur un seul interprète, parfois accompagné de piano , ou une interprétation des œuvres d’un seul compositeur , ou un seul instrument ( récital d’orgue ). L’invention du récital de piano solo a été attribuée à Franz Liszt .
De plus, un récital peut avoir de nombreux participants, comme pour un récital de danse. Un récital de danse est une présentation de mouvements chorégraphiés pour un public, généralement dans un lieu d’arts de la scène établi, éventuellement en compétition . Certains récitals de danse sont saisonniers.
Ceux-ci peuvent inclure un éclairage de scène élaboré , des images électroniques via le système (IMAG) et / ou une vidéo préenregistrée, des décors gonflables, des œuvres d’art ou d’autres décors, divers effets spéciaux tels que la fumée et le brouillard théâtraux et la pyrotechnie , et des costumes ou une garde-robe inhabituels .
Certains chanteurs , en particulier la musique populaire, augmentent le son du concert avec un accompagnement préenregistré, des danseurs de renfort, et même diffusé des pistes vocales de la propre voix du chanteur. Les activités pendant ces concerts peuvent inclure de la danse , des chants en accompagnement et du moshing .
Le concert classique
Les concerts classiques incarnent deux styles différents de musique classique – orchestrale et chorale. Ils sont interprétés par une pléthore de groupes différents dans des salles de concert ou d’autres lieux d’art du spectacle.
Pour l’orchestre, selon le nombre d’interprètes et les instruments utilisés, ils comprennent la musique de chambre, l’orchestre de chambre ou l’orchestre symphonique. L’orchestre de chambre est un orchestre à petite échelle comprenant entre dix et quarante membres, principalement des instruments à cordes, et probablement dirigé par un chef d’orchestre.
L’orchestre symphonique, en revanche, est un orchestre à grande échelle pouvant compter jusqu’à quatre-vingts membres ou plus, dirigé par un chef d’orchestre et exécuté avec des instruments tels que des cordes, des bois ,les cuivres et les percussions .
Pour les pièces de style choral, les concerts incluent la musique chorale , l’ opéra et le théâtre musical. Chacun englobant une variété de chanteurs qui sont organisés par un chef d’orchestre ou un metteur en scène.
La salle de concert
Il existe une grande variété de salles de concert qui peuvent varier en taille, en emplacement et en type de musique hébergée dans ce lieu particulier. Une salle de concert est une salle de concert qui accueille principalement de la musique classique comme une symphonie, et ils font souvent partie d’un plus grand centre des arts de la scène .
L’une des salles les plus célèbres est le Royal Albert Hall situé au Royaume-Uni. Ce lieu accueille une grande variété de genres musicaux allant du classique au pop. Un amphithéâtre est un lieu circulaire ou ovale découvert avec des gradins de sièges entourant la scène.
Amphithéâtres tels que l’amphithéâtre bien connu de Red Rocks , [7]situé dans le Colorado, accueille principalement des concerts de rock et de pop. Les concerts de rock et de pop, cependant, sont principalement organisés dans des stades et des arènes de sport tels que le Madison Square Garden en raison de la tendance de ces stades à avoir une plus grande capacité.
En raison de leur taille, les festivals se déroulent presque exclusivement à l’extérieur. Les nouvelles plates-formes de festivals deviennent de plus en plus populaires telles que Jam Cruise, qui est un festival organisé sur un bateau de croisière, ainsi que Mayan Holidaze, qui est un festival de destination organisé à Tulum .
La tournée
Une tournée est une série de lives d’un artiste ou d’un groupe d’artistes dans différentes villes, pays ou lieux. Les tournées sont souvent nommées, pour différencier les différentes tournées du même artiste et associer une tournée spécifique à un album ou un produit particulier (par exemple Ariana Grande : Sweetener World Tour ).
Surtout dans le monde de la musique populaire, ces tournées peuvent devenir des entreprises à grande échelle qui durent plusieurs mois, voire des années, sont vues par des centaines de milliers ou des millions de personnes et rapportent des millions de dollars (ou l’équivalent) en revenus de billets.
Résidence et concert
Bien que l’admission à certains soit gratuite, il est courant de facturer de l’argent en vendant des billets d’entrée. Avant l’avènement des ventes de musique enregistrée et des redevances mécaniques au début du 20e siècle, ils étaient la principale source de revenus pour les musiciens.
Les revenus provenant de la vente de billets vont généralement aux artistes interprètes, aux producteurs, au lieu, aux organisateurs et aux courtiers. Dans le cas des concerts-bénéfices , une partie des bénéfices va souvent à un organisme de bienfaisance .
Des revenus supplémentaires sont également souvent générés grâce à la publicité en concert, des lives locaux gratuits pour les commandites locales aux commandites d’entreprises lors de tournées majeures, par exemple » Vans ‘Warped Tour Presented by AT&T « .
Les deux Vans et AT & T aurait payé des sommes importantes pour leurs noms de sociétés incluses à l’avant – garde dans tout le matériel de marketing pour le Warped Tour .
Les 20 Meilleures salles de concert au monde
1. The 100 Club – Londres, Angleterre
Situé au 100 Oxford Street, à Londres, le 100 Club accueille la musique live depuis 1942. À l’origine, il s’agissait d’un restaurant accueillant une soirée jazz une fois par semaine, il est devenu le berceau du punk rock dans les années 1970 avec des personnalités telles que Les Sex Pistols et The Clash jouent ici.
Le décor est resté en grande partie inchangé depuis, donc franchir le seuil, c’est comme remonter dans le temps. Certainement un à ajouter à votre itinéraire à Londres.
2. Sidecar – Barcelone, Espagne
Situé juste à côté de Las Ramblas à Barcelone, Sidecar est un petit lieu intime qui présente la musique la plus éclectique de la ville. Un favori de nombreux groupes de voyage, Sidecar a la capacité de contenir seulement 300 personnes, ce qui signifie que ce bar en sueur au sous-sol abrite certaines des nuits les plus agitées de Barcelone. Pas pour les timides, mais à ne pas manquer.
3. The Bowery Ballroom – New York City, États-Unis
Connu pour ses spectacles à guichets fermés (il a une capacité de 525 personnes) et pour avoir accueilli la tristement célèbre diatribe sur scène de Kanye en 2010, The Bowery Ballroom est l’un des lieux les plus emblématiques de New York. Son acoustique claire, ses superbes vues et sa liste continue de musique live exceptionnelle en font une visite incontournable.
4. The Drake Hotel – Toronto, Canada
Parfois appelé «le sous-sol qui ne dort jamais», le Drake Underground du Drake Hotel de Toronto est largement salué comme l’une des meilleures salles de concert de la ville. Ils ont la réputation de présenter des artistes de rupture, mais de grands noms tels que MIA, Sampha et Beck ont également honoré la scène du Drake Underground.
5. Zapata Café Bar – Berlin, Allemagne
Une petite salle de concert dans le centre de Berlin où les sons et la pyrotechnie se réunissent pour offrir quelque chose d’un peu différent à la foule. Profitez de votre boisson, écoutez de la bonne musique et faites attention à vos cheveux alors que les flammes jaillissent du bar pendant que le groupe joue.
6. Prinzenbar – Hambourg, Allemagne
L’un des plus anciens cinémas d’Europe, Prinzenbar vaut le détour pour son esthétique à elle seule. Avec des finitions en stuc et des lustres ostentatoires à chaque tournant, c’est un spectacle à voir. Des artistes comme David Bowie et Bloc Party ont honoré ses scènes et ses rotas nocturnes de soirées électro et de concerts avec des frais d’entrée peu élevés en font un à découvrir.
Ce circuit de Formule 1 de renommée mondiale accueille le Grand Prix du Mexique et accueille chaque année le festival de musique Corona Capital. Le festival multi-genre promet d’immenses numéros sur deux jours et est considéré comme l’un des meilleurs festivals de musique moderne au monde.
8. Vicar Street – Dublin, Irlande
Au cœur de Dublin, Vicar Street est l’une des meilleures salles de concert de la capitale irlandaise. D’une capacité de 1 500 personnes, il a fourni un cadre de concert intime à certains des plus grands artistes du monde, dont Bob Dylan, Neil Young et Paul Simon. Il est également récipiendaire à plusieurs reprises du prix «Live Venue of The Year». Où mieux goûter une Guinness et des talents irlandais locaux?
9. The Fillmore – San Francisco, États-Unis
Le légendaire Fillmore à San Francisco a eu sa première incarnation en tant que salle de danse lors de son ouverture en 1912. Depuis lors, des artistes comme James Brown, Tina Turner et Tom Petty ont tous joué dans le lieu emblématique. Il a fermé pendant une courte période à la fin des années 80 et au début des années 90, mais a ensuite récupéré sa couronne comme l’un des endroits les plus chauds de San Fran lors de sa réouverture en 1994. Ils ont des spectacles fréquents, donc si vous vous trouvez à SF, prenez un billet et faites l’expérience un morceau d’histoire que vous ne trouverez dans aucun musée.
10. Cherry Bar – Melbourne, Australie
Vous n’obtenez pas beaucoup plus de rock and roll que Cherry Bar. Situé sur la voie AC / DC, ce bar bruyant a toutes les caractéristiques d’un lieu emblématique: des tapis collants, un sous-sol et une entrée ornée de graffitis. Sans parler de la clientèle célèbre – ils ont une fois refusé Lady Gaga pour un concert d’après-spectacle parce qu’un groupe local jouait ce soir-là. Elle est quand même venue et a fait la fête toute la nuit avec les habitués!
11. Olympia Theatre – Dublin, Irlande
Ayant commencé sa vie de music-hall en 1879, l’Olympia offre un aperçu du passé culturel de Dublin ainsi que de son présent énergique. L’intérieur orné magnifiquement restauré et l’acoustique nette ont fourni l’environnement de performance parfait pour plusieurs grandes stars au fil des ans, y compris Adele, REM, LCD Soundsystem et même Charlie Chaplin
12. The Fonda – Los Angeles, États-Unis
L’emblématique Fonda, situé sur Hollywood Boulevard, est un lieu historique des années 1920 et un véritable morceau de l’histoire d’Hollywood. Si la musique n’est pas une raison suffisante pour visiter, alors le design accrocheur de la renaissance coloniale espagnole vous fera certainement tourner la tête.
13. Opéra de Sydney – Sydney, Australie
Y a-t-il un lieu de musique plus reconnaissable au monde que l’Opéra de Sydney? La fierté et la joie de la ville sont ouvertes au public pour des visites, mais si vous n’avez que quelques minutes à perdre, assurez-vous de prendre un selfie sur les marches emblématiques d’un bâtiment où des légendes de la musique comme Crowded House et Thin Lizzy se sont produites.
14. Jones Beach Theatre – Wantagh, NY, États-Unis
Un amphithéâtre en plein air où la scène donne sur l’eau de Jones Beach. Un cadre de rêve pour un live d’été!
15. Preservation Hall – La Nouvelle-Orléans, États-Unis
Le lieu de jazz ultime situé dans le célèbre quartier français de la Nouvelle-Orléans. Chaque soir, les membres du public sont traités avec la musique de musiciens de jazz locaux. Offrez-vous une nuit d’acoustique authentique et merci plus tard.
16. Wilton’s Music Hall – Londres, Angleterre
Un music-hall original situé dans l’East End de Londres avec des caractéristiques originales toujours intactes. Ils organisent des lives et des spectacles musicaux tout au long de l’année tout en servant de la nourriture et des boissons sur place. Dîner et spectacle sous un même toit!
17. Red Rocks – Colorado, États-Unis
Cet amphithéâtre en plein air fait de formations rocheuses naturelles a fourni un environnement surréaliste pour certaines des meilleures performances de l’histoire. Jimi Hendrix, les Blues Brothers et les Beatles sont tous montés sur scène au Red Rocks Park.
18. Casbah – San Diego, États-Unis
Située au centre-ville de San Diego, la Casbah est un morceau de l’histoire californienne qui a lancé une multitude de groupes locaux. Avec une capacité de 200 personnes, les clients ont eu droit à des lives intimes de Nirvana, Alanis Morrisette et Blink 182.
19. King Tut’s Wah Wah Hut – Glasgow, Écosse
Décrit par NME comme «probablement la plus belle petite salle du monde», King Tut’s sur la rue St Vincent à Glasgow est un favori des fans pour attraper des groupes locaux émergents et des artistes internationaux cultes. Certains des plus grands artistes du monde ont fait leurs débuts chez King Tut’s. Blur, Biffy Clyro et Coldplay ont tous honoré la scène au début de leur carrière
20. Ronnie Scott’s – Londres, Angleterre
Ronnie Scott n’a pas besoin d’être présenté, mais vous aurez peut-être besoin d’une carte pour trouver ce célèbre restaurant de jazz situé dans un bar au sous-sol de Soho à Londres. Arrivez tôt pour vous imprégner de l’atmosphère et éviter d’être refoulé. Quand c’est plein, c’est plein.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
L’histoire de Fender : Fender Stratocaster & Télécaster
Leo Fender
Clarence Leonidas «Leo» Fender est né en 1909 et a grandi en Californie. Ses parents, Clarence Monte Fender et Harriet Elvira Wood, étaient propriétaires d’une orangeraie prospère située entre Anaheim et Fullerton, en Californie. Leo a montré un intérêt pour le bricolage de l’électronique à un très jeune âge.
Son oncle, qui dirigeait un atelier automobile-électrique, a eu une grande influence sur lui. Leo était fasciné par les radios et a rapidement commencé à les réparer dans un petit magasin de la maison de ses parents.
Après avoir obtenu son diplôme du Fullerton High School, Leo a fréquenté le Fullerton Junior College où il a étudié pour devenir comptable. Il a continué à apprendre l’électronique et à bricoler des radios et d’autres appareils électriques. Leo n’a jamais suivi de formation formelle en électronique.
Plus tard, il est devenu comptable et a appris un peu comment gérer une entreprise.
Alors qu’il travaillait comme comptable, un chef de groupe local a demandé à Leo s’il pouvait créer un système de sonorisation à l’usage du groupe lors des danses à Hollywood. Vous ne pouviez pas conduire à Guitar Center ou à Sam Ash à l’époque. Ce n’étaient pas des articles «prêts à l’emploi».Il a finalement été engagé pour construire six de ces systèmes de sonorisation.
Leo a épousé sa première femme, Esther Klosky en 1934 et a pris un emploi responsable avec le département des autoroutes de Californie à San Luis Obispo.
Cependant, son poste au gouvernement a été éliminé en raison de compressions. Après avoir perdu un autre emploi en tant que comptable dans une entreprise de pneus en raison d’une réduction des effectifs après seulement six mois, Leo en avait assez avec les chiffres d’équilibrage.
En 1938, avec un emprunt de 600 $, Leo et Esther retournèrent à Fullerton, et Leo créa son propre atelier de réparation de radio, «Fender Radio Service».
Le début de l’histoire de Fender
C’est là que commence l’histoire. Il a ouvert sa petite boutique pour réparer les radios, les phonographes, les amplificateurs audio pour la maison, les systèmes de sonorisation et les amplificateurs d’instruments de musique.
À la fin des années 1930, ils étaient tous basés sur des tubes à vide avec les conceptions originales basées sur la recherche développée et publiée dans le domaine public par Western Electric, qui fabriquait des équipements pour les compagnies de téléphone.
L’entreprise de vitrine de Leo proposait également des disques à vendre et des systèmes de sonorisation auto-conçus en location.
Leo a commencé à construire des amplificateurs basés sur ses propres conceptions ou des modifications de conceptions, qu’il estimait avoir amélioré leur qualité et leur utilité.
Le Fender Radio Service était l’un des rares endroits autour de Fullerton à acheter des disques ou à faire réparer une radio.
Leo était un homme d’affaires intelligent et fournissait tous les articles ou appareils de sa petite entreprise qui pourraient éventuellement faire des bénéfices.
Des musiciens locaux et des chefs de groupe ont commencé à venir chez Leo pour des systèmes de sonorisation, qu’il a construits, loués et vendus.
Ils ont également visité son magasin pour l’amplification des guitares acoustiques qui commençaient à être utilisées dans le big band et le jazz, et pour les guitares électriques «hawaïennes» ou «lap steel» qui devenaient très populaires.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, au début des années 1940, Leo rencontra Clayton Orr «Doc» Kauffman qui était musicien et formellement le concepteur en chef des guitares électriques pour Rickenbacker, qui fabriquait et vendait des guitares lap steel depuis une décennie.
Doc Kauffman a inventé et breveté l’une des premières unités de vibrato mécaniques, Vibrola (parfois appelé «Kauffman Vibrola» ou «Kaufman vibrato») en 1935. Il est rapidement devenu le partenaire commercial de Leo et ils ont fondé la K & F Manufacturing Corp pour concevoir, fabriquer , et commercialiser des instruments et amplificateurs électriques.
K & F a commencé la production en 1945 avec des guitares hawaïennes en acier lap (incorporant un micro breveté) et des amplificateurs à tube à vide (ou à valve) vendus en ensembles. À la fin de l’année, il est devenu convaincu que la fabrication était plus rentable que la réparation et il a décidé de se concentrer sur cette activité à la place.
Il est important de se rendre compte que c’était à la fin de la grande guerre et Kauffman avait déjà vu des tentatives infructueuses de profits chez Rickenbacker. Kauffman n’était pas convaincu par les perspectives avec Leo et avait peur de perdre l’argent qu’il avait encore.
Kauffman et Fender se séparèrent à l’amiable au début de 1946. À ce moment-là, Leo renomma la société Fender Electric Instrument Company. L’atelier de service d’origine est resté ouvert jusqu’en 1951, bien que Leo ne l’ait pas personnellement supervisé après 1947.
C’est donc à ce moment que «Fender» en tant que société est née. On pensait qu’une guitare lap steel personnalisée fabriquée en 1946 pour son ami Noel Boggs était le tout premier produit arborant le logo Big «F» désormais familier.
En 1948, l’ingénieur George Fullerton a été embauché par Leo, commençant un partenariat et une amitié qui dureraient plus de 40 ans. George a travaillé avec Leo sur de nombreux designs de guitares et d’amplis. Il a également joué un rôle important dans la marque en introduisant des couleurs dans les modèles de guitare. Le premier était connu sous le nom de «Fullerton Red» du nom de George Fullerton.
Deux autres personnes qui ont joué un rôle important dans les premiers succès de la marque étaient le musicien / ingénieur produit Freddie Tavares et le génie du marketing Don Randall.
Rickenbacker était le distributeur exclusif des guitares et amplificateurs Hawaiian Lap Steel de Fender à ses débuts. Don Randall a réuni ce que le partenaire d’origine de Fender, Doc Kauffman, a appelé «un distributeur de vente comme personne n’avait jamais vu dans le monde».
C’est Don Randall qui a suggéré à Leo de concevoir une guitare de style espagnol pour compléter les aciers de style hawaïen que Fender vendait vers 1948. Leo a commencé à travailler sur le design.
Personne ne sait à quel point la guitare Merle Travis de Doc Kauffman, Les Paul, Don Randall ou Paul Bigsby a eue sur la conception initiale de Leo de la première guitare électrique solid body de Fender.
Il est probable que Leo était bien conscient du corps solide de Bigsby car ils se connaissaient socialement et étaient tous deux basés en Californie. Leo n’était pas un guitariste. Cela a peut-être été un inconvénient, mais cela lui a probablement permis de «sortir des sentiers battus» dans ce qu’il pensait que sa conception de la guitare devrait être.
Leo a passé beaucoup de temps à parler avec des musiciens country et occidentaux locaux qu’il connaissait. Il a loué des AP à beaucoup d’entre eux. Fender a fait fabriquer des guitares lap steel pendant quelques années. Leo a développé une bonne idée de ce qu’ils voulaient dans un instrument.
Il a déterminé que beaucoup de musiciens à l’époque possédaient peut-être une guitare. Si la guitare était endommagée ou si les frettes étaient usées, les réparations seraient coûteuses et prendraient beaucoup de temps. Si leur guitare était en réparation, ils ne pourraient pas gagner leur vie. Les musiciens qui travaillent apprécieraient une guitare peu coûteuse, facile et rapide à réparer.
De nombreux petits combos jouaient maintenant du boogie-woogie, du rythme et du blues, du swing occidental et du honky-tonk dans les roadhouses et les salles de danse, ce qui, selon Leo, créait un besoin croissant de guitares plus bruyantes, moins chères et plus durables.
Depuis que Leo a loué du matériel de sonorisation, il était bien conscient des problèmes de rétroaction des guitares électrifiées à corps creux. Leo était là pour concevoir ce qu’il pensait être une meilleure guitare pour les musiciens qui travaillent.
Leo pouvait regarder quelque chose et discerner immédiatement la méthode la plus simple pour faire tout ce qui devait être fait », a déclaré Les Paul. «C’était un type bon et honnête qui fabriquait une guitare simple.
LA PREMIERE FENDER : L’ESQUIRE
LA ESQUIRE
Après quelques prototypes et quelques tests et commentaires de joueurs, puis des améliorations éventuelles, Leo était prêt à lancer la première guitare solid body . La première guitare était l’Esquire 1950, ainsi nommée car elle sonnait royale.
L’Esquire avait un seul pick-up, une pleine échelle de 25,5 pouces et pas de truss rod. Le premier montré dans le catalogue 1950 était en fait peint en noir avec un pickguard blanc.
Je suppose que cela correspond au thème «royal». Même si le magazine Esquire était populaire à l’époque, personne ne s’est plaint du nom. Leo avait estimé que l’érable de roche qu’il utilisait pour les manches serait assez solide et qu’une barre de traction ne serait pas nécessaire.
Cela s’est avéré être un faux départ car certains cous avaient des problèmes de déformation. Une cinquantaine seulement ont probablement été fabriquées. Ce qui a suivi était un modèle plus raffiné.
En 1951, Leo a offert la première guitare électrique de style espagnol à corps solide produite en série, qui avait deux micros et un truss rod. L’un des problèmes était que les premières précommandes concernaient en fait le seul pick-up Esquire, qui était un peu moins cher à fabriquer.
La solution était donc de donner un nouveau nom au nouveau modèle à deux micros et de mettre fin au modèle de micros Esquire one. La radio était un roi à cette époque et Leo était un réparateur de radio, donc le nom reflétait cela, comme on l’appelait le Broadcaster.
Le diffuseur a été présenté au public par la marque en 1951, avec un prix de 169,95 $ plus 39,95 $ pour le cas. Doté de l’ajout d’une tige de truss réglable et a été la première guitare officiellement publiée avec 2 micros (bien que certains Esquires de transition à 2 micros existent).
MAIS ce fut de courte durée… le nom fut bientôt changé. On estime que de 50 à 500 diffuseurs ont été construits, bien que la plupart des experts s’accordent à dire qu’il n’y a probablement pas eu plus de 200 instruments produits au cours des six mois environ pendant lesquels le nom du diffuseur a été utilisé.
FENDER CONTACTE PAR GRETSCH
Presque immédiatement, Fender a été contacté par la Gretsch Company de Brooklyn, New York par télégramme. Gretsch a informé Fender qu’ils avaient une marque déposée sur le nom, Broadkaster, qui était utilisée pour leur batterie.
La marque étant une jeune entreprise, a reconnu ce dilemme et savait qu’elle avait besoin d’un changement de nom rapide. Leo était un gars qui a vécu la Grande Dépression et qui était assez frugal.
Donc, pour économiser de l’argent et ne pas ralentir la production, il a demandé aux ouvriers de l’usine de couper simplement Broadcaster des décalcomanies pour que la guitare dise simplement Fender. Les collectionneurs ont ensuite surnommé ces guitares «sans roulettes».
Fender Champion Lap Steels que Leo fabriquait dès 1948, partageait de nombreux éléments de conception pour le Broadcaster. Les premiers micros de tête sur le Fender Broadcaster étaient identiques au Champion Lap Steel.
Il n’est pas rare de trouver de nombreux champions vintage Lap Steel manquant leurs micros, boutons ou pots d’origine en tant que joueurs capables de les acheter dans des prêteurs sur gages à bas prix après la fin des années 1960.
LA FENDER TELECASTER
Bientôt, la guitare a été renommée. Beaucoup de gens achetaient des téléviseurs pour la première fois, le nom choisi était donc Telecaster. Avec la Telecaster, Leo voulait changer le monde de la guitare pour toujours.
La Fender Telecaster était une guitare entièrement solide avec un boulon sur le manche en érable rock. L’idée était que si les frettes étaient usées ou si le manche était endommagé, vous pouviez remplacer le manche par un nouveau avec quatre vis.
LE CORPS DE LA FENDER TELECASTER
Le corps était en frêne, après que Fender eut essayé d’autres bois. Les corps prototypes étaient en pin, mais facilement bosselés car le pin est un bois tendre. Le frêne a probablement été utilisé car c’est un bois plus dur qui a un joli grain qui pourrait transparaître à travers la finition et qui était facile à acquérir.
Le corps a été acheminé pour les micros et la plaque de commande qui pourraient facilement permettre l’accès aux pièces électroniques. La Telecaster, était une guitare solidement construite qui pouvait être utilisée pour arrêter un combat de bar et rester toujours à l’écoute!
Une fois la Telecaster introduite, l’Esquire est devenue une version à moindre coût. Il est venu avec un pick-up, mais la plupart avaient le corps a été acheminé pour deux micros et couvert par le pickguard.
Le joueur peut toujours ajouter un deuxième ramassage plus tard, s’il le souhaite. Les ventes de l’Esquire ont finalement diminué et le modèle a été abandonné en 1969. Il a cependant été réédité plusieurs fois.
Certains peuvent se demander qui a créé la première guitare électrique solid body.
Ce que nous savons avec certitude, c’est que Leo a considérablement amélioré les conceptions antérieures qui pouvaient être produites en série et ne nécessiteraient pas de luthier hautement qualifié pour la construction.
Leo voulait produire ces guitares en masse et il a construit une usine pour y parvenir.
D’autres constructeurs, comme Paul Bigsby, n’avaient aucun désir d’usine et ne fabriquaient que des guitares fabriquées à la main. L’une des principales différences entre Bigsby et Fender était leurs modèles commerciaux.
Leo, avait une usine avec des employés à rencontrer. Cela a sûrement aidé à dicter comment la Telecaster a été conçue et construite.
LA TELECASTER « HOMEMADE »
la marque a fabriqué la plupart des pièces de la Telecaster dans sa propre usine. Une bonne partie du génie de Leo était de pouvoir «outiller» l’usine et de concevoir le processus de construction en utilisant une main-d’œuvre locale.
Il n’y avait pas de «maîtres constructeurs» chez la marque à l’époque. La plupart des travailleurs de l’usine étaient des femmes et des travailleurs migrants formés à l’intérieur de l’usine. Leo a conclu un accord avec VC Squier Company pour fournir des cordes pour ses nouvelles guitares électriques vers 1950.
Jimmy Bryant a été l’un des premiers soutiens de la Telecaster. C’était un joueur de country de haut niveau qui était très populaire avec Speedy West (sur de l’acier à pédales qui était en fait fabriqué sur mesure par Paul Bigsby).
Jimmy était un des premiers «guitar-hero» et d’autres joueurs étaient très intéressés par cette nouvelle guitare Fender qu’il jouait. Jimmy Bryant a été utilisé dans les premières publications de vente .
La Telecaster qui avait l’air un peu rudimentaire, par rapport aux guitares traditionnelles, s’appelait de nombreux noms, comme la pagaie de canoë, la planche, etc. Cependant, la Telecaster était un succès à peu près depuis le début, mais Leo ne s’est pas arrêté là.
Les premiers Esquire, Broadcaster, «no-caster» et Telecaster sont connus sous le nom de Blackguards car ils partagent tous un pickguard noir de 1950 à 1954. À la fin de 1954, la Telecaster devient Whiteguard.
LA PRECISION BASS
LEO FENDER INVENTE LA PREMIERE BASSE ELECTRIQUE
En 1951, Leo a inventé la première basse électrique solid body produite en série, la Precision Bass (P-Bass) avec une échelle de 34 pouces.
Leo a compris les problèmes rencontrés par les joueurs de contrebasse acoustique, qui ne pouvaient plus rivaliser pour le volume avec les autres musiciens. Transporter une grosse basse «dog house» n’était pas une tâche facile car ils sont gros et encombrants.
La Precision Bass a été nommée pour refléter le fait qu’elle était frettée et permettait aux bassistes de jouer avec «précision».
LEO FENDER INVENTE LE BASSMAN
la marque a également présenté un amplificateur de basse, le Bassman, un amplificateur de 25 watts avec un haut-parleur de 15 ″ (plus tard mis à jour à 45 watts et quatre haut-parleurs de 10 ″ et souvent adopté par les guitaristes).
Ce succès précoce a certainement attiré l’attention de Gibson. Gibson avait transmis l’idée des guitares électriques solid body, mais s’est vite rendu compte qu’elles devaient réagir rapidement. L’appel du nom n’aurait plus d’importance.
Gibson a contacté Les Paul, qui essayait depuis plusieurs années d’acheter l’idée de la guitare solid body. Les Paul était un joueur de premier ordre avec des records à succès.
Gibson a présenté la guitare solid body Les Paul Gold Top de 1952 en 1952. Cet accord d’approbation avec Les Paul a été l’un des contrats les plus longs et les plus réussis dans le monde de la guitare.
Les Paul avait montré à Gibson sa «bûche» créée à partir d’un morceau de bois massif 4 X 4 auquel des «ailes» avaient été ajoutées à partir d’un corps de guitare archtop standard pour créer une forme de guitare reconnaissable qui lui permettait de jouer assis au début des années 1940 .
OW Appleton a également lancé sa guitare APP sur Gibson en 1943 qui ressemble beaucoup à une Gibson Les Paul des débuts. Gibson n’avait aucun intérêt pour une guitare solid body. Après la Telecaster de Fender, Gibson a finalement dû prendre les guitares solid body au sérieux.
LA STRATOCASTER
En 1954, la marque a répondu avec un tout nouveau design qui, selon Leo , remplacerait la Telecaster. La Stratocaster a été conçue par Leo , Bill Carson, George Fullerton et Freddie Tavares.
Freddie Tavares (qui a également contribué à la conception de l’ampli Bassman classique). Tavares était un talentueux musicien et inventeur hawaïen qui a en fait joué le swoop lap steel sur le début du thème Looney Tunes.
Il était un bon guitariste et un virtuose de la steel guitar, jouant sur plusieurs centaines de sessions d’enregistrement, d’émissions radio et de bandes sonores de films avant de travailler pour Leo.
FENDER STRATOCASTER PREMIERE GUITARE A DISPOSER DE 3 MICROS
La Stratocaster avait une forme de corps unique de l’ère spatiale «à double pan coupé» qui présentait des contours du corps pour le confort du joueur et était bien équilibrée. La Fender Stratocaster a été la première guitare à disposer de trois micros et d’un système de vibrato à ressort.
Le système de trémolo est en fait mal nommé car il s’agit en fait d’un vibrato (appelé plus tard le trémolo sur leurs amplis un vibrato). Les doubles cutaways de la Stratocaster ont permis aux joueurs d’accéder plus facilement à des positions plus élevées sur le cou.
Le nouveau trémolo tendu par ressort maintiendrait la guitare relativement harmonieuse une fois utilisée. La Fender Stratocaster est toujours la guitare électrique la plus populaire et la plus copiée au monde.
Le vibrato est un effet de modulation qui varie la hauteur. Le trémolo est également un effet de modulation, mais il utilise une amplitude ou un volume variable du signal.
Donc techniquement, le «bras trémolo» de votre guitare est un vibrato qui fait varier la hauteur des cordes et le vibrato comme le nomme sur certains amplis, est en fait un trémolo qui fait varier le volume du signal amplifié.
De véritables effets de «vibrato» peuvent être trouvés sur certaines pédales et processeurs d’effets, mais rarement intégrés dans les amplis. Tremolo modifie le signal électroniquement, ce n’est donc pas ce que l’on trouve sur votre guitare qui utilise un système de cordes mécanique pour modifier la hauteur.
LES PREMIERS JOUEURS DE FENDER STRATOCASTER
Les premiers joueurs de Stratocaster qui ont contribué à propulser ce modèle pour Fender étaient Buddy Holly, Dick Dale et Hank Marvin of the Shadows (groupe qui a initialement soutenu Cliff Richard) qui ont joué l’un des premiers Strats introduits en Grande-Bretagne.
En 1965, George Harrison et John Lennon ont acquis Stratocasters et les ont utilisés pour Help !, Rubber Soul et des sessions d’enregistrement ultérieures; le solo de guitare à double unisson sur «Nowhere Man» est joué par Harrison et Lennon sur leur Sonic Blue Stratocasters.
Cependant, les Beatles ne jouaient pas en direct à cette époque, si peu de gens savaient que Strats était en studio. C’est plus tard que George Harrison a transformé sa Sonic Blue Stratocaster en guitare emblématique Rocky lorsqu’il a peint la sienne.
La Stratocaster dispose de trois micros à simple bobinage, avec la sortie sélectionnée à l’origine avec un commutateur à 3 voies (comme le commutateur de la Telecaster).
Le joueur a rapidement découvert qu’en bloquant un livre de match ou un autre élément dans le commutateur, ils pouvaient obtenir des sons différents entre la 1ère et la 2ème position (les micros du chevalet et du milieu pouvaient être sélectionnés), et de même, les micros du milieu et du manche pouvaient être sélectionnés entre les 2ème et 3ème position.
Ceci est devenu connu sous le nom de ton charlatan Stratocaster. En 1977,la marque a finalement ajouté un sélecteur à 5 positions facilitant ces combinaisons de micros.
Le ton «charlatan» des micros central et chevalet a été popularisé par des joueurs tels que David Gilmour, Rory Gallagher, Mark Knopfler, Bob Dylan, Scott Thurston, Ronnie Wood, Ed King, Eric Clapton et Robert Cray.
Avec toutes ces innovations et améliorations, Leo s’était attendu à ce que la Stratocaster remplace totalement la Telecaster, qui paraissait grossière en comparaison.
Surnommé «la planche», c’était une hypothèse décente. Mais les joueurs tout en acceptant grandement la Stratocaster voulaient toujours des téléviseurs et ils étaient très demandés. Depuis, la Telecaster et la Stratocaster sont en production constante.
Fin 1954, a apporté une Telecaster mise à jour. Cela a commencé ce qui a été connu comme l’ère de la garde blanche.
Des artistes country comme Buck Owens, Don Rich, Merle Haggard, Waylon Jennings, Luther Perkins, Marty Stuart et Roy Nichols ont joué presque exclusivement à Telecasters pendant les années 1960.
Buck Owens et Don Rich ont été vus dans des émissions de télévision comme Hee Haw et The Buck Owens Show jouant régulièrement à des télédiffuseurs étincelants personnalisés construits par Fender.
Les artistes de rock et de blues ont également adoré la Fender Telecaster. Des joueurs comme Jimmy Page, Keith Richards, Jeff Beck, Bruce Springsteen, Chrissie Hynde, Andy Summers, Nancy Wilson, Mike Bloomfield, Muddy Waters et Albert Collins ont joué à Fender Telecasters.
Le B-Bender a été inventé en 1968 par les musiciens Gene Parsons et Clarence White de Nashville West et The Byrds. Gene Parsons, batteur et mécanicien, a travaillé avec Clarence White pour transformer sa Fender Telecaster de 1954.
Ils ont ajouté un mécanisme de traction des cordes afin qu’en appuyant sur la sangle de la guitare, la corde B pouvait être élevée d’un ton entier (de B à C dièse). Après la mort prématurée de Clarence, sa guitare a été achetée par Marty Stuart comme sa guitare numéro un.
Les guitares Fender Musicmaster et Duo-Sonic ont été introduites en 1956 en tant que modèles étudiants. Ces modèles ont été demandés par le service commercial de Fender.
Les deux modèles comportaient un manche en érable boulonné avec une échelle plus courte qui était considéré comme idéal pour les jeunes guitaristes débutants et les autres joueurs avec des mains plus petites. Le Musicmaster et Duo-Sonic avaient une longueur d’échelle de 22,5 pouces et 21 frettes.
LA JAZZ MASTER
LA JAZZMASTER UN CORPS HAUT DE GAMME
En 1958, la marque a présenté la Jazzmaster, un corps solide haut de gamme qui était à l’origine destiné aux joueurs de jazz. La conception décalée facilitait le jeu de la guitare assis.
C’était la première guitare de la marque à avoir une touche en palissandre et aussi la première à avoir une tête plus grande. Les micros comportaient des micros à simple bobinage de style plat plus gros (un peu comme un P-90) avec une électronique unique pour permettre la polyvalence des sons.
Leo s’attendait totalement à ce que la Jazzmaster remplace la Fender Stratocaster avec sa nouvelle forme de corps et son trémolo flottant nouvellement conçu. C’était la guitare la plus chère de Fender à ce jour.
Le Jazzmaster, n’a jamais atteint sa cible des musiciens de jazz. Au lieu de cela, il est rapidement devenu un instrument que les joueurs de surf adoraient.
LA F JAGUAR
La Jaguar a été introduit en 1962. Doté d’une échelle de 24 pouces (la plupart des guitares Fender ont une échelle de 25,5 pouces). La Jaguar est rapidement devenue populaire auprès des groupes de surf en vogue.
Les micros ressemblent plus à une Strat, mais étaient mieux protégés pour moins de ronflement. Il partageait un corps offset et une commutation électronique similaires. la marque a également présenté les guitares Duo-Sonic et Mustang.
Ces deux guitares offset n’ont jamais été aussi réussies que la Fender Telecaster et la Fender Stratocaster. Surtout après que Jimi Hendrix ait poussé la Fender Stratocaster dans la Stratosphère à la fin des années 1960. La Fender Stratocaster de Fender a été le modèle préféré de guitaristes virtuoses tels que Eric Clapton, Buddy Guy, Jeff Beck, Bonnie Raitt, David Gilmour et Stevie Ray Vaughan.
L’image visuelle la plus durable de Jimi Hendrix est son coup au Monterey PopFestival 1967 quand il a allumé sa Fender Stratocaster en feu et s’est agenouillé derrière, amenant les flammes à monter plus haut.
Cependant, ces guitares offset Fender ont trouvé un tout nouveau public avec les rockers Indy, Garage et Punk alors qu’ils commençaient à jouer ces guitares Fender originales et inhabituelles.
Jazzmaster et Jaguar étaient des guitares de qualité bien construites qui pouvaient être achetées à des prix assez bas car il n’y avait pas beaucoup de marché vintage pour ces guitares de la fin des années 1970 aux années 1980.
Une fois que des joueurs comme Ric Ocasek de The Cars, Tom Verlaine de Television et Elvis Costello ont frappé grand avec l’emblématique Jazzmaster, les prix du vintage ont commencé à monter en flèche.
Trouver un modèle vintage en bon état à un prix abordable est devenu assez difficile. Cela a incité Fender à apporter les rééditions.
En 1960, la marque a introduit une nouvelle basse, un «modèle de luxe» de la Precision Bass. Ce modèle comprenait des caractéristiques qui, selon Leo, plairaient aux musiciens de jazz (comme le ferait sa guitare Jazzmaster).
La nouvelle Jazz Bass avait un manche plus fin et le corps était moins symétrique que la Precision, plus comme les guitares Jazzmaster et Jaguar récemment introduites.
Les deux micros opposés au micro split unique sur la Precision Bass standard lui ont donné un son totalement différent.
LA MUSTANG
En 1964, à la suite de la sortie de la nouvelle Mustang, le Musicmaster et le Duo-Sonic ont été redessinés en utilisant des ébauches de cou et de corps Mustang. Le corps de la Mustang était plus grand et légèrement décalé.
Ces modèles étaient désormais proposés en 22 frettes avec une échelle de 24 pouces. Une échelle de 24 pouces est la même que la Jaguar mais un pouce et demi plus courte que la Stratocaster et la r Telecaster (échelle de 25,5 pouces) et trois quarts de pouce plus courte que la Gibson Les Paul. La guitare Mustang a été abandonnée en 1982.
La gamme courte de la Fender Mustang, combinée à un bras de trémolo unique et extrêmement direct, ferait de la Mustang une guitare culte plus tard dans les années 1990. Comme la Jazzmaster et la Jaguar, ces modèles étaient bon marché dans les années 1980 et pouvaient être trouvés dans les prêteurs sur gages. Après avoir été repris par des joueurs comme Kurt Cobain, les prix du vintage ont augmenté et il y avait à nouveau une demande pour la Mustang. Fender a réédité la Mustang dans les années 1990.
En 2012, Fender a sorti une Mustang Signature Kurt Cobain. Ce modèle est basé sur les Mustangs modifiés de Kurt qu’il a joués pendant la tournée In Utero.
En 1966, Fender a publié la Mustang Bass. Un nouveau corps de basse a été conçu pour cela avec un style de corps décalé similaire à celui de la guitare Mustang, et une échelle courte (30 pouces) a été utilisée.
Une FENDER Telecaster toujours très populaire
La Fender Telecaster est aussi populaire que beaucoup pensent que « Leo a bien compris la première fois. » Des joueurs comme Vince Gill, Jeff Beck, James Burton, Brad Paisley, Mike Campbell, Tom Petty, Steve Cropper, Jim Weider, Jim Campilongo, Muddy Waters, Brent Mason, Luther Perkins, Jimmy Page, Keith Richards, Mart Stuart, Arlen Roth, Keith Urban, Chrissie Hynde, Johnny Hiland, Nancy Wilson, Merle Haggard, Waylon Jennings, Sheryl Crow, Mike Stern, Joe Strummer, Jerry Reed et John 5 ont joué aux télédiffuseurs la plupart de leur carrière.
Le cœur de la gamme d’instruments de Fender – la Telecaster (1950), la Stratocaster (1954), la Jazzmaster (1958), la Jaguar (1962), la Mustang (1964), la Precision Bass (1951) et la Jazz Bass (1960) – reste en grande partie inchangée par rapport à la originaux. De nombreuses variantes à différents prix sont disponibles chez Fender et ces modèles ont également inspiré de nombreux autres fabricants pour leurs «prises» sur ces modèles classiques.
Avec l’introduction de ses nouvelles guitares American Vintage Series, Fender propose des reproductions fidèles des classiques Fender qui ressemblent, se sentent, sonnent et jouent aussi près que possible des modèles originaux. Ils représentent ce que Fender pense aujourd’hui que ces modèles classiques étaient quand ils étaient nouveaux et Leo dirigeait toujours l’entreprise.
LES AMPLIS FENDER
LES AMPLIS HAUT DE GAMME
Fender étant une entreprise qui construit des amplis pour correspondre à ses guitares a été une grande partie de leur succès précoce. Qu’est-ce qu’une guitare électrique sans un bon ampli de toute façon? Leo l’a compris depuis le début. Fender a construit des amplis robustes et qui sonnaient très bien dès le début.
L’armée a montré pendant la Seconde Guerre mondiale que les circuits électriques devaient être robustes. Leo était un bon étudiant en conception de circuits et comprenait que les musiciens itinérants avaient besoin d’amplificateurs bien construits et qui ne tombaient pas en panne sur la route.
En 1946, Fender a conçu et commencé à fabriquer le Deluxe, le Professional et le Dual Professional, ainsi que le Princeston, un ampli de pratique de 4 watts.
Poussant de 18 à 45 watts, ce sont de loin les amplificateurs les plus puissants produits commercialement. Avec un châssis en acier lourd, des plaques de contrôle chromées et des boîtiers en pin épais recouverts de tissu tweed, ces amplificateurs étaient extrêmement robustes. Ils ont rencontré les musiciens assez rapidement.
Les voitures Woody étaient en vogue dans les années 1930 aux années 1940. Leo, qui aime beaucoup les voitures, l’a peut-être inspiré avec le design de l’ampli boisé ou il se peut simplement que le bois n’ait pas encore été pensé. Même les radios ressemblaient beaucoup à des meubles à l’époque.
FENDER TWEED
Fender Tweed utilisé pour la première fois sur des amplis de 1946 à 1960 – Recouvert du même type de tissu «tweed» utilisé pour les bagages à l’époque.
Les premières armoires avaient des ouvertures de haut-parleurs à angle arrondi relativement petites, appelées «façades TV»; ils ont été remplacés en 1953 par des «panneaux larges» supérieurs et inférieurs et ceux de 1955 par les «panneaux étroits».
La gamme d’amplis tweed originale comprenait les modèles Champion / Champ, Princeton, Deluxe, Professional / Pro et Super. Les années 50 ont vu l’ajout des Bassman (1952), Bandmaster and Twin (1953), Tremolux et Harvard (1955) et Vibrolux (1956).
En 1948, Fender a commencé la série d’amplis de pratique «Champion», qui a finalement été appelé «The Champ» et est devenu l’un des amplificateurs les plus populaires jamais construits. Le Champ avait la puissance de sortie la plus basse et le circuit le plus simple de tous les amplis à lampes Fender. Le Champ n’avait qu’un seul tube de puissance. Fender l’a commercialisé comme un ampli d’étudiant et de pratique, mais ses trois ou quatre watts et son circuit simple et bon son ont rendu le Champ populaire dans les studios d’enregistrement.
À l’autre bout de la gamme, le Twin en est venu à utiliser quatre lampes de puissance 6L6 ou 5881 pour produire 50, et plus tard un énorme (pour l’époque) 75 watts.
LE FENDER BASSMAN
Le Fender Bassman de 1952 a été conçu comme amplificateur de basse pour accompagner le nouveau Fender Precision Bass. Il a été rapidement découvert par les guitaristes comme un excellent ampli pour guitares.
Donc, comme certains autres modèles prévus par Fender, a trouvé un public plus large et différent. Le Bassman est TOUJOURS un ampli de guitare recherché avec certains joueurs le sentant comme le meilleur jamais fabriqué.
Fait intéressant, Leo cherchait les amplis les plus propres, les plus purs et les plus fiables qu’il puisse produire. À peu près, il y est parvenu, mais les joueurs ont vite découvert qu’en saturant ces amplis à lampes purs, un crunch et une distorsion étaient produits.
Ce n’était certainement pas l’intention des premières créations de Leo. Finalement, les harmoniques et la distorsion ont commencé à se frayer un chemin dans la musique populaire. Cela a bien sûr tout changé!
En 1952, le Bassman a été présenté comme un ampli combo avec un haut-parleur de quinze pouces (1 × 15), mais en 1955 a acquis sa configuration classique de haut-parleurs 4 × 10 ″. Considéré comme l’un des meilleurs amplis Fender les plus purs jamais construits par certains joueurs, Ask Brian Setzer…
La série Fender Brownface a été introduite en 1959 et abandonnée en 1963 – Fender est passé des revêtements Tweed aux revêtements Tolex pour les nouveaux amplis «brownface», ainsi appelés pour leurs panneaux de commande marron montés à l’avant.
Fender a en fait produit des amplificateurs blonds et bruns entre 1960 et 1964, avec une refonte complète des circuits, des armoires et des dispositions de contrôle.
*À cette époque, Fender a présenté le Concert, Vibrasonic, Showman et Vibroverb – et un tout nouveau Princeton. Les amplificateurs Fender Blonde ont été produits entre 1960 et 1964.
Les amplis Fender Blonde avaient une toute nouvelle conception de ferroutage tête et cabine (le Tremolux, Bassman, Showman et Bandmaster) ainsi que quelques amplis combos, y compris le Vibrasonic haut de gamme.
La plupart des combos étaient bruns, sauf pour plus tard Twins, que Fender a changé de brun à blond en 1961, et le Champ, qui a gardé son tweed jusqu’en 1964. Ils ont présenté deux couleurs de toiles de gril – bœuf et blé.
La génération Brownface comprenait des circuits de trémolo sur la plupart des modèles et introduisit la réverbération à ressort en tant qu’unité séparée et dans le Vibroverb.
Fender a également commencé à utiliser les haut-parleurs Oxford, Utah et CTS de manière interchangeable avec les Jensens. Jensens et Oxford sont restés les plus courants pendant cette période. En général, ils utilisaient le haut-parleur qu’ils pouvaient obtenir le plus économiquement et le plus facilement.
À la fin de 1963, certains amplificateurs Fender sont passés au début des panneaux blackface. D’autres modèles d’amplis de 1963, en particulier le Vibroverb, qui était le premier ampli Fender à réverbération intégrée, restaient marron.
Fender proposait toujours les amplis de 4 watts à 85, mais la différence de volume était plus grande, en raison de la tonalité améliorée et nette du 85w Twin.
Les amplificateurs Fender Blackface ont été produits entre 1964 et 1967 – passant à un revêtement Tolex noir, un tissu de calandre argenté et un panneau de commande noir. Les premiers amplis blackface ferroutage (ainsi que le Princeton) avaient des boutons blancs. Après 1964, les amplis contournaient des boutons noirs.
En 1964, la marque a changé le trémolo du complexe «vibrato harmonique» à un circuit plus simple et moins coûteux basé sur un coupleur optique, qui ne nécessitait que la moitié d’un tube à double triode 12AX7. Toujours à l’ère du blackface, ils ont ajouté des versions de réverbération interne de plusieurs amplis populaires, y compris le Princeton Reverb, Deluxe Reverb, Super Reverb, Pro Reverb, Twin Reverb et Showman Reverb.
la marque a arrêté les cosmétiques blackface à la fin de 1967. Ils les ont ramenés pendant une brève période en 1981, et les ont à nouveau interrompus l’année suivante. Ces amplis blackface sont à nouveau disponibles en réédition et certains estiment qu’ils sont les meilleurs amplis jamais fabriqués.
Randall Smith, fondateur de Mesa / Boogie Amplifiers, a noté que les amplis Blackface avaient un «son plus propre» que les versions précédentes, ce qui l’a inspiré à fabriquer des amplis «plus sales».
Questions Fréquemment Posées sur Fender
1. Quelle est l’histoire de Fender?
Réponse: Fender a été fondée en 1946 par le légendaire luthier Leo Fender. Il a conçu et construit les premiers amplificateurs et guitares électriques à la fin des années 1940, et a rapidement établi Fender comme la principale entreprise dans le monde de la musique électrique. Les produits Fender sont devenus extrêmement populaires parmi les musiciens et les fabricants d’instruments à travers le monde, et la marque est maintenant une force majeure dans l’industrie de la musique électrique.
2. Quels produits Fender sont disponibles?
Réponse: Fender propose une gamme complète d’instruments et d’équipements pour les musiciens électriques, du matériel professionnel aux produits grand public. La gamme Fender comprend des guitares électriques, des basses électriques, des amplificateurs, des accessoires, des claviers et des pédales d’effets. La marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation, ainsi que des pièces de rechange.
3. Quels sont les principaux avantages de la marque Fender?
Réponse: Les principaux avantages de Fender sont la qualité et la fiabilité de ses produits. Les instruments Fender sont conçus pour offrir une excellente précision et une qualité sonore supérieure, et sont conçus pour durer des années. La marque propose également une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange pour maintenir et réparer vos instruments. Enfin, Fender offre une garantie de trois ans sur tous ses produits pour vous assurer que vous êtes toujours couvert en cas de problème.
4. Quels types de guitares électriques Fender sont disponibles?
Réponse: Fender propose une gamme complète de guitares électriques, y compris des modèles acoustiques, des modèles de jazz, des modèles de blues, des modèles de rock, des modèles de metal et des modèles de country. La marque propose également des guitares électriques spécialisées, notamment des guitares à 7 cordes, des guitares à 12 cordes et des guitares électro-acoustiques.
5. Quels sont les principaux avantages des amplificateurs Fender?
Réponse: Les amplificateurs Fender sont conçus pour offrir une excellente qualité sonore et une grande variété de tonalités. La gamme Fender comprend des amplificateurs à tubes, des amplificateurs numériques et des amplificateurs hybrides. Les amplificateurs Fender sont conçus pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.
6. Quels sont les principaux avantages des pédales d’effets Fender?
Réponse: Les pédales d’effets Fender sont conçues pour offrir une grande variété d’effets et de tonalités. La gamme Fender comprend des pédales d’overdrive, des pédales de distorsion, des pédales de modulation, des pédales d’écho et des pédales de delay. Les pédales Fender sont conçues pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.
7. Quels sont les principaux avantages des accessoires Fender?
Réponse:Les accessoires Fender sont conçus pour offrir une grande précision et une excellente qualité sonore. La gamme Fender comprend des cordes, des capots de protection, des étuis, des supports, des câbles et des adaptateurs. La marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation, ainsi que des pièces de rechange.
8. Quels sont les principaux avantages des claviers Fender?
Réponse: Les claviers Fender sont conçus pour offrir une précision, une polyvalence et une excellente qualité sonore. La gamme Fender comprend des modèles de scène, des modèles professionnels et des modèles grand public. Les claviers Fender sont conçus pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.
9. Quels sont les principaux avantages des pièces de rechange Fender?
Réponse: Les pièces de rechange Fender sont conçues pour offrir une excellente qualité et une longue durée de vie. La gamme Fender comprend des pièces pour les guitares électriques, les basses électriques, les amplificateurs, les claviers et les pédales d’effets. Les pièces Fender sont conçues pour être robustes et fiables, et la marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation.
10. Quelles sont les conditions de garantie Fender?
Réponse: Tous les produits Fender sont couverts par une garantie de trois ans à compter de la date d’achat. La garantie couvre tous les défauts de fabrication et de matériel. La garantie ne couvre pas les dommages causés par l’utilisation abusive ou la mauvaise manipulation du produit. La garantie ne s’applique pas aux consommables tels que les cordes, les capots de protection et les câbles.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Peu importe que les batteurs soient souvent mal éclairés et se déchaînent derrière une cage de métal envahissant. Certaines des images rock les plus dynamiques à faire sont celles d’un batteur en plein essor, les bras en l’air. Afin de photographier un concert, le batteur ne peut pas être oublié.
Bien sûr, ce conseil n’est pas vraiment spécifique aux batteurs, mais s’applique à tous les membres du groupe.
Qu’il s’agisse d’un panoramique ou de portraits en dehors des cibles évidentes, peut donner lieu à certaines des images de concert les plus gratifiantes.
Photographier un concert : 6 conseils pour les batteurs
Je préfère un objectif 70-200 mm f / 2,8 comme zoom téléobjectif de choix, qui fonctionne bien pour toutes les configurations de salles.
En revanche, dans les situations où la distance n’est pas un problème, tentez avec un objectif grand angle pour une perspective plus unique.
2) Choisissez soigneusement vos angles pour photographier un concert
Avec des kits de batterie souvent massifs devant eux, trouver des angles propres et clairs peut être un énorme défi pour photographier des batteurs.
Tenez compte des autres membres du groupe, des pieds de micro et des moniteurs entre les batteurs et les photographes, et les fenêtres d’opportunités littérales sont encore plus étroites.
Faire des photos réussies de batteurs revient souvent à trouver la bonne position et le bon angle qui donne une image claire de leur visage, même si cela signifie délimiter plusieurs endroits.
Une astuce que j’utilise est d’utiliser mon temps passé dans la fosse à photos après le montage de la scène, mais avant que le groupe ne sorte pour définir les lignes de vue du groupe pour tous les membres, mais surtout pour les batteurs.
Photographier un concert : 6 conseils pour les batteurs
3) Vitesses d’obturation élevées
Avec des batteurs, les vitesses d’obturation élevées sont votre meilleur pari.
À des vitesses d’obturation suffisantes pour figer l’action sur les autres membres du groupe, le bras oscillant et les baguettes rapides des percussionnistes ont besoin de vitesses d’obturation encore plus rapides pour éviter le flou, sans parler de leurs têtes souvent ballottées.
Je préfère tourner à 1/200 au minimum, mais 1/250 ou même plus rapide est préférable pour les clichés les plus nets.
4) Composez pour le mouvement
Une chose qui est différente avec les batteurs est que leur amplitude de mouvement est souvent plus grande que celle des guitaristes et des chanteurs.
Bien sûr, ils sont assis, mais le jeu et le style musical peuvent dicter un énorme mouvement de bras de gamme pour les batteurs. Ajoutez des baguettes et l’arc de mouvement s’étend encore plus loin.
Tout comme vous devez choisir soigneusement vos angles pour des lignes de vue claires grâce à un kit de batterie, aligner un cadre en tenant compte de la gamme complète de mouvements vous aidera à planifier le type de gestes et de mouvements épiques qui peuvent transmettre la puissance de la percussion.
Photographier un concert : 6 conseils pour les batteurs
5) Photographier un concert : Shooter sur le batteur dans élément
Un petit conseil ? Photographiez le batteur dans le contexte du kit, du groupe et de la scène.
Alors qu’un cadrage serré peut souvent être le meilleur spectacle de l’énergie d’un batteur, un plan plus large qui montre tout son kit peut être tout aussi impressionnant, en particulier pour les artistes qui ont évidemment conçu leur kit pour des performances visuelles autant que des fonctionnalités.
Photographier un concert : 6 conseils pour les batteurs
6) Photographier un concert : Soyez patient
Le meilleur conseil que je puisse donner pour photographier les batteurs est simplement d’avoir de la patience. Même avec le bon angle et les détails techniques, shooter un batteur tueur revient simplement à capturer un moment décisif.
Bien que ce ne soit vraiment pas différent de toute photographie musicale, la myriade de problèmes de prise de vue entourant les batteurs rend la patience encore plus importante.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Découvrez Gojira, les maîtres français du heavy metal
Originaire d’Ondres dans les Landes, Gojira est un groupefrançais de heavy metal qui s’est rapidement imposé sur la scène internationale. Alliant des sonorités issues du death et du metal extrême, ce quatuor talentueux se démarque grâce à une identité puissante et méticuleusement construite au fil des albums. Dans cet article, nous vous invitons à en apprendre davantage sur l’histoire de Gojira, ses membres et sa musique.
les membres de gojira
Le parcours fulgurant de Gojira
Les débuts du groupe
Formé en 1996 à Bayonne, Pyrénées-Atlantiques, Gojira était initialement composé des deux frères Joe (chant et guitare rythmique) et Mario Duplantier (batterie), associés aux guitaristes Christian Andreu et Alexandre Cornillon. Le groupe prend alors le nom de « Godzilla » en référence à la prononciation japonaise du célèbre monstre, avant de changer pour « Gojira » en 2001 afin d’éviter tout problème de droits d’auteur.
Percée internationale
Après avoir joué pendant plusieurs années sur la scène locale et régionale, Gojira signe en 2004 avec Listenable Records, un label international qui leur permet de toucher un public plus large. Leur album « From Mars to Sirius » sorti en 2005 marque véritablement le début de leur ascension, avec des morceaux tels que « Ocean Planet » et « Flying Whales » qui les propulsent sur la scène internationale. Dès lors, le groupe tourne aux côtés de grands noms du metal comme Metallica, Slayer ou encore Slipknot.
L’identité musicale de Gojira
Un style progressivement affirmé
Au fil des albums, Gojira a su affirmer son identité, tant au niveau des paroles que de l’instrumentation. Les membres du groupe puisent leurs influences dans les racines du death metal mais aussi chez des artistes moins conventionnels tels que Tool et Massive Attack. Ils ne s’interdisent aucune expérimentation, avec des morceaux parfois très éloignés des codes traditionnels du genre. C’est ainsi que leurs compositions sont régulièrement empreintes d’une atmosphère sombre et mystérieuse, laissant place à une certaine introspection.
L’engagement écologique et humaniste
Une autre caractéristique marquante de Gojira est sans conteste leur engagement en faveur de l’environnement et du respect de la nature. Leurs textes n’hésitent pas à aborder des thèmes forts et complexes tels que la pollution, le réchauffement climatique ou la sauvegarde des espèces menacées. De plus, ils ont su toucher un public toujours plus large grâce à ces messages porteurs d’espoir et d’altruisme.
Les principaux albums et morceaux de Gojira
Au cours de leur carrière, Gojira a sorti plusieurs albums qui ont marqué l’histoire du metal français et international. Voici les plus emblématiques :
The Link (2003) : premier album sous le nom de Gojira, il pose les bases du style musical du groupe ;
From Mars to Sirius (2005) : véritable tournant dans la carrière de Gojira, cet album est souvent considéré comme une référence du genre ;
The Way of All Flesh (2008) : avec des titres plus sombres et introspectifs, cet opus confirme l’identité particulière de Gojira ;
L’Enfant Sauvage (2012) : un disque riche en sonorités variées qui mêle influences death, progressif et atmosphériques ;
Magma (2016) : cet album marque un virage plus accessible pour le groupe, séduisant ainsi un public encore plus large.
Fortitude (2021) : cet opus continue d’affirmer l’évolution progressive du groupe tout en restant fidèle à ses racines.
Suivre Gojira sur les réseaux sociaux et internet
Pour ne rien rater des actualités de Gojira et suivre leurs aventures au jour le jour, vous pouvez vous rendre sur leur site officiel ou les rejoindre sur les réseaux sociaux. Vous y trouverez notamment les annonces de tournée, des photos et vidéos exclusives ainsi que toutes les informations sur leurs sorties d’albums.
Site officiel : pour vous tenir informé(e) des dernières news du groupe et accéder aux contenus exclusifs ;
Compte Instagram : suivez Gojiraofficial pour découvrir les coulisses du groupe et admirer les clichés pris lors de leurs tournées mondiales ;
Compte Deezer : écoutez l’intégralité de la discographie de Gojira en qualité optimale et créez vos propres playlists ;
Trouver le merchandising officiel de Gojira
Si vous êtes un véritable fan de Gojira, vous serez ravi(e) d’apprendre que le groupe propose de nombreux produits dérivés à la vente sur leur boutique en ligne EMP. Vous y trouverez tout ce qu’il vous faut pour afficher fièrement votre passion pour le quatuor français : t-shirts, posters, vinyles, CDs, cassettes, box sets et autres goodies à l’effigie de Gojira n’y attendent plus que vous.
Les membres de Gojira : l’histoire du groupe
Gojira est un groupe de metal français originaire de Bayonne, dans le sud-ouest de la France. Le groupe est composé de quatre membres : Joe Duplantier (chant et guitare), Mario Duplantier (batterie), Christian Andreu (guitare) et Jean-Michel Labadie (basse).
Le style musical de Gojira est souvent décrit comme un mélange de death metal, de thrash metal et de groove metal. Leurs paroles traitent de sujets tels que l’environnement, la nature, la spiritualité et la justice sociale.
Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « From Mars to Sirius » en 2005, « The Way of All Flesh » en 2008, « L’Enfant Sauvage » en 2012 et « Magma » en 2016. Ils ont également tourné avec des groupes tels que Metallica, Lamb of God et Slayer.
En dehors de leur musique, les membres de Gojira sont connus pour leur engagement en faveur de l’environnement et leur soutien à des organisations telles que Sea Shepherd Conservation Society et The Ocean Cleanup.
GOJIRA: Les débuts
Tirant son nom de la prononciation japonaise originale de Godzilla, le quatuor de death metal français Gojira est passé de la plus grande obscurité au cours de la première moitié de sa carrière à une reconnaissance mondiale.
Originaire de la ville de Bayonne sur la côte sud de ouest de la France, Gojiraa enregistré la première d’une séquence de démos presque annuelles en 1996.
Malgré son statut d’indépendant, le bien nommé LP a fait de nombreuses vagues avec son mélange imprévisible de death, thrash, groove, progressif et math métal – rappelant des groupes aussi divers que Pantera , Meshuggah , Suffocation et Sepultura .
GOJIRA THE LINK
Pourtant, il a fallu plusieurs années (et un curieux détour par la musique de la bande originale du Maciste All Inferno EP de 2003) pour que le monde du métal prenne de l’ampleur, et même le deuxième album de Gojira , The Link , a dû être publié via le minuscule Boycott Records indépendant avant d’être réédité par Listenable.
Cela fut suivi par l’ album live The Link Alive de 2004 et le set vidéo correspondant, dont la composante audio était limitée à 500 exemplaires.
Des compositions à la fois complexes et punitives sonores comme « Death of Me », « Remembrance » et « Embrace the World » ont constamment mis les auditeurs au défi de résister à leur gamme vertigineuse de styles Cuisinart, présenté avec une esthétique quasi industrielle et une brutalité quasi atonale.
Pour les amateurs de metal éclairés, ces chansons rappelleront principalement Meshuggah en Suède, moins les motifs rythmiques distinctifs et exotiques; pour les néophytes, ils ressembleront au travail de machines en colère, grinçant éternellement dans un avenir post-humaniste.
Mais la polyvalence susmentionnée s’est également reflétée dans quelques brefs intermèdes de changement de vitesse («Connected», «Torii», «Wisdom Comes»), des chansons plus lentes augmentées par des mélodies évanescentes et des effets sonores de bruit blanc (la chanson titre, «Dawn» ), et une paire de « singles » inhabituellement concis et moins oppressants dans « Indians » et « Over the Flows ».
Dans l’ensemble, il y avait juste assez de variété et d’émotion humaine perceptible pour élargir la portée créative de Gojira ; mais pas encore autant que le groupe développera sur les albums suivants, à commencer par le bond en avant révélateur de 2005 ‘
groupe metal francais gojira
GOJIRA: From Mars to Sirius
Maintenant, prenant enfin de l’ampleur, Gojira a vu leur troisième album, From Mars to Sirius, entrer dans les charts français au numéro 44, tout en recueillant les critiques les plus enthousiastes de leur carrière.
Un niveau de reconnaissance qui a conduit à de nombreuses apparitions dans des festivals européens et de longues tournées européennes et nord-américaines avec Obituary , Hatesphere , Children de Bodom , et Machine Head , pour n’en citer que quelques-uns.
À la fin du long cycle promotionnel de From Mars to Sirius , Gojira était largement reconnue comme une force avec laquelle il fallait compter, sur scène et en studio.
Leur quatrième album très attendu, The Way of All Flesh (sorti aux États-Unis par Prosthetic Records), a fait une forte impression en faisant ses débuts à la 138e place des charts américains en octobre 2008.
La vaste tournées que Gojira entreprit alors signifiait que les fans devraient attendre près de quatre ans pour le prochain album studio du groupe.
Groupe metal francais gojira
Albums de gojira: L’enfant sauvage
En 2012, le groupe est passé dans la cour des grands, signant au grand label Roadrunner pour la sortie de L’Enfant Sauvage, inspiré du film Truffaut du même nom.
Il a remporté de nombreux éloges de la part de la critique, ainsi que le Top 40 des charts américains, canadiens, suédois et français.
De longues années de tournées et d ‘enregistrements occasionnels – dont un autre album live, Les Enfants Sauvages – ont été suivies par la sortie du sixième album de Gojira , Magma , sorti sur Roadrunner en 2016.
Albums de gojira: MAGMA
Ce sixième album des métalleux de l’extrême français sera un pas en avant audacieux vers un nouveau territoire.
Ayant déjà consolidé leur place comme l’un des meilleurs groupes de death metal technique de l’histoire, ils élargissent ici considérablement leurs horizons, expérimentant la mélodie, le groove, des chansons plus courtes, des structures plus simples et le chant réel.
Ce passage de la complexité à l’accessibilité a vu Magma établir des comparaisons avec l’album noir de Metallica , que Gojira ont accueilli.
Bien qu’ils aient atténué un peu la complexité, la musique est toujours incroyablement lourde, et il y a encore plus d’idées dans cet album que la plupart des groupes n’en gèrent dans toute une carrière.
Du solo du Moyen-Orient de « Silvera » au brutal, syncopé tatouage de batterie qui conduit « The Cell » à la voix presque liturgique et monastique de la chanson titre et à l’effet de guitare industrielle incroyablement dur et hurlant qui apparaît périodiquement.
« The Shooting Star » prépare le terrain pour le reste de l’album avec un groove mi-tempo boueux, des voix multi-pistes, une mélodie mineure, un chant clair et un véritable mur de guitare.
La chanson titre est l’une des plus progressives du disque, rappelant l’époque de la vieille école du groupe avec au moins cinq sections différentes, Joe Duplantier rugit dans le vide sur un tourbillon cyclique de guitare.
Mais il y a presque une sensation pop dans certains des titres. La musique et le style de chant de Duplantier ont tous deux une ambiance des années 90, et le refrain de « Stranded » aurait presque pu sortir quelque chose de l’un des groupes grunge les plus boueux, comme Alice in Chains ou Tad .
L’album se termine dans un quasi-silence majestueux avec l’outro instrumental acoustique «Liberation».
La plupart des paroles sont inspirées du décès prématuré de la mère des frères Duplantier, un sujet qui a évidemment fait beaucoup de mal mais qui est également traité avec grâce, sensibilité et bon goût.
Cet album ne donnera pas à Gojira de grands succès radiophoniques pop, mais il élargira certainement son attrait en dehors du ghetto de death metal à des fans plus généraux de métal et de hard rock.
Albums de gojira: Fordtitude
Cinq longues années après la sortie du Magma révolutionnaire et au succès foudroyant , la pression est sur Gojira pour que le groupe fournisse une suite à la hauteur, faisant de Fortitude l’ une des sorties de métal les plus attendues de 2021.
Le premier set offrait des chansons astucieusement rendues qui étaient inhabituellement personnelles; ils ont été composés en réponse à la mort du chanteur / guitariste Joe et de la mère du batteur Mario Duplantier .
Le groupe a tout utilisé, du chant clair au grunge rétro en passant par le post-punk, le prog noueux et le néo-psych pour faire passer les chansons, gagnant ainsi de nouveaux fans, dont beaucoup ne fréquentaient généralement pas la section métal du magasin de disques.
Fortitude été enregistré aux Sterling Silver Studios à Brooklyn, New York, produit par Joe Duplantier et mixé par Andy Wallace ( Nirvana ). Malgré un éventail plus large d’éléments stylistiques et de production, ces 11 chansons sont liées comme une suite.
Le premier titre « Born for One Thing » est propulsé par les rythmes explosifs de Mario au milieu des grooves du death metal et punissant les pannes industrielles alors que Joe chante la peur humaine de la mort et se prépare à son inévitabilité.
Les deux vamps de guitare de Joe et Christian Andreu se heurtent et rebondissent l’un sur l’autre.
L’hymne anti-déforestation « Amazonia » offre un groove de basse massif de Jean-Michel Labadie , soutenu par les accords de puissance, tambours battants et des instruments indigènes qui paie directement hommage à Sepultura de Roots époque.
« Another World » offre une magnifique présentation de Gojirales prouesses de la mort technologique abondantes.
Les harmonies vocales superposées et quasi-chantées introduisent « Hold On » au sommet d’une orgie de riffs de Sabbat et de tambours incantatoires.
Les voix claires en couches décalent les cadences de la guitare et de la basse, tourbillonnant ensemble parmi la réverbération et les effets néo-psychiques avant qu’Andreu ne signale un changement avec un vamp crunch-and-burn ajouté par une distorsion et des battements explosifs.
Il éclate avec un death metal lourd et groove ancré par la voix principale grondante de Joe .
La chanson titre ressemble plus à une intro de deux minutes avec des marimbas, des tam-toms et des grosses caisses offrant des rythmes cumbia et reggae.
Un chant clair sans paroles et des guitares pincées avant d’exploser en « The Chant » au milieu de basses croustillantes et de vamps de guitare électrique bruyants.
Combiné,Le premier album éponyme de Neil Young , Re-ac-tor et Killing Joke . « Sphinx » est un regard furieux en arrière sur l’ histoire de l’enregistrement de Gojira tandis que « Into the Storm » sort de la porte avec des guitares jumelles mélodiques
Ces guitares se transforment en un vamp de death metal effréné au sommet de blastbeats triples et de chants chantés et durs.
Pour les fans de longue date, « The Grind », plus proche, est la récompense: il est incroyablement lourd, syncopé, technique et nuancé dans la production, avec des voix déchaînées qui peuvent prêcher la capitulation mais qui sont en fait profondément insurgées comme la musique bouillonnante en offre la preuve.
Les fans de Magma n’avaient pas à s’inquiéter: Fortitude est énorme ,L’évolution musicale continue alors qu’ils tissent d’anciens sons avec de nouveaux pour créer une tapisserie sonore qui met en valeur une imagination surprenante, une intelligence musicale et humaine stimulante, des émotions complexes et une immense puissance physique.
L’inspiration secrète derrière la pochette de l’album Fortitude de Gojira
Le chanteur de Gojira, Joe Duplantier, révèle comment une peinture du XIXe siècle a inspiré la couverture énigmatique du nouvel album Fortitude.
Le septième album de Gojira , Fortitude , est une sortie décisive pour le groupe et pour le métal en 2021. L’une des choses les plus frappantes de l’album au-delà de la musique est son oeuvre énigmatique, créée par le chanteur Joe Duplantier.
Le batteur de Gojira, Mario Duplantier, nous parle de la signification de l’œuvre d’art – et de l’inspiration qui la sous-tend.
«Nous avions le titre, nous savions que nous voulions appeler l’album Fortitude », dit Joe. «Les gens comprendront pourquoi on l’appelle Fortitude lorsqu’ils liront les paroles. [Pour la couverture], je voulais représenter une personne autochtone, car une grande partie de l’album est un hommage aux communautés autochtones – je voulais représenter cet aspect.
Pour l’inspiration, Mario a montré à son frère plusieurs peintures et œuvres d’art. Parmi eux, Pallas Athena , une peinture de 1898 de l’artiste autrichien Gustav Klimt.
«C’est un beau tableau», dit Joe. «Il m’a montré d’autres exemples de guerriers et de chevaliers, et l’œuvre a fini par être les Chevaliers de la Table Ronde mélangés à la culture indigène.
«Cela représente l’esprit de l’album.» ajoute Mario, qui peint également. «Joe m’a demandé: ‘Voulez-vous dessiner quelque chose?’ J’ai dit: ‘Non, non, c’est votre rôle, parce que c’est vous qui réunissez les mots. Les mots et les visuels s’accordent si bien. »
Le batteur ajoute qu’il existe un lien visuel entre de nombreuses pochettes d’albums de Gojira. «J’aime le fait qu’il y ait une ligne entre The Link , From Mars To Sirius , The Way Of All Flesh , L’Enfant Sauvage et celui-ci. Et il y a aussi un esprit derrière la technique du dessin – c’est comme un masque pour les gens qui aiment la musique. C’est très réconfortant.
GOJIRA: Projets secondaires
Joe Duplantier a été invité par les frères fondateurs du groupe brésilien influent Sepultura , Max et Igor Cavalera , à rejoindre leur nouveau groupe Cavalera Conspiracy en tant que bassiste.
L’album Inflikted est sorti en mars 2008 et une tournée a suivi à la mi-2008. Aussi, les frères Duplantier ont formé un groupe de métal d’avant-garde appelé Empalot en 1998, mettant en vedette Stéphane Chateauneuf, qui apparaît dans la courte émission de The Link Alive DVD appelée « Thang & Tanguy ».
Leur première sortie était un album de démonstration intitulé Brout , sorti en 1998. Deux albums suivirent: Tous aux Cèpesen 2001 et un CD live intitulé Empalot en Concert en 2004.
Joe Duplantier a prêté son style vocal unique à Devin Townsend sur son album de 2011 «Deconstruction». La chanson qui utilise les talents vocaux de Joe s’intitule «Sumeria».
Joe Duplantier a également exécuté des voix avec le groupe suisse Kurger sur l’album 2010 « For Death, Glory And The End Of The World » sur la chanson intitulée « Muscle ».
GOJIRA the flesh alive – groupe metal francais gojira
Style musical, les influences et les chansons de Gojira
Le son de Gojira mélange plusieurs styles. Gojira est un groupe de death metal technique et combinant des éléments de death , thrash , groove , progressif , et de math métal .
Ils sont également considérés comme du post-métal . Gojira ont été influencés par des artistes de métaux lourds tels que Death , Morbid Angel , Metallica , Sepultura , Meshuggah , Outil , Pantera , Névrose , Slayer et Godflesh .
Gojira joue un style technique et rythmique de heavy metal avec des percussions de précision accompagnées de battements explosifs , de motifs rythmiques inhabituels et de riffs start-and-stop.
Gojira est également connu pour incorporer des éléments atmosphériques texturés et des chansons instrumentales dans sa musique.
Les chansons de Gojira ont des structures de chansons progressives et inhabituelles , utilisant rarement l’ écriture de chansons standard de couplet-chœur .
Le style vocal est varié, utilisant le style crié souvent employé dans le métal extrême, avec le style de grognement de mort principalement utilisé dans le death metal, en plus des voix claires et des cris plus élevés.
Parfois, des grognements de death metal et des voix claires sont mélangés pour créer un effet agressif mais mélodique.
Les paroles de Gojira abordent les thèmes de la vie, de la mort, de la renaissance, de la spiritualité et de la nature. En particulier, leur album 2005 De Mars à Sirius est un album conceptuel abordant des questions environnementales et des thèmes plus larges de la vie, de la mort et de la renaissance.
Les membres du groupe ont grandi dans la région d’Ondres et de Bayonne, sur la côte sud-ouest de la France ( Pyrénées-Atlantiques / Pays Basque français ).
La campagne pittoresque environnante et le littoral accidenté ont inspiré l’intérêt de Gojira pour la nature et la terre. Gojira utilise leurs paroles pour répandre ses croyances spirituelles et ses préoccupations pour l’environnement.
Dans une interview en 2016, les frères Duplantier ont déclaré que l’éducation qu’ils avaient reçue pendant leur jeunesse – par un père illustrateur et peintre, Dominique Duplantier, et une mère, Patricia, une Américaine d’origine açorienne – dans une maison de style landaise « perdue dans la forêt , sans voisinage », se reflétait dans la musique de Gojira.
Mario Duplantier a rappelé ces souvenirs, et sa mère comme, un esprit très libre, qui a toujours encouragé notre créativité.
D’une part, nous avions cette mère extravertie, qui dessinait, sculptait, réalisait de magnifiques tableaux en bois flotté, et d’autre part, un père silencieux, « bourreau de travail », qui pouvait passer des journées entières sur ses gigantesques dessins à l’encre de Chine, avec une rigueur presque inquiétante.
Ces deux aspects de notre éducation se retrouvent à Gojira, un mélange de discipline et quelque chose de plus extraverti, farfelu et chaotique.
Gojira coopère également avec Sea Shepherd Conservation Society pour protéger les animaux marins, en particulier les dauphins, les baleines et les requins.
Les membres de la Sea Shepherd Conservation Society sont autorisés à organiser un stand de marchandise lors des concerts de Gojira.
De plus, Gojira travaille sur l’EP Sea Shepherd avec des musiciens bien connus de la scène metal, dont Devin Townsend et le guitariste de Meshuggah Fredrik Thordendal .
Tous les profits du projet vont à l’organisation, bien qu’en juin 2016, l’état actuel de ce projet soit inconnu.
Le concert de Gojira au Hellfest 2019 a été très acclamé par les fans et la presse.
Voici la setlist du concert :
Oroborus
Backbone
Stranded
Flying Whales
The Cell
The Heaviest Matter of the Universe
Silvera
L’Enfant Sauvage
Toxic Garbage Island
Vacuity
Le groupe a offert une performance énergique et puissante, avec des visuels impressionnants et une ambiance électrique. La setlist incluait une sélection de chansons de leurs albums précédents ainsi que de leur dernier album à l’époque, « Magma ». Le public a été impressionné par la virtuosité des membres du groupe et leur capacité à créer une atmosphère intense et captivante tout au long du concert.
FAQ sur Gojira : Tout savoir sur le groupe de metal français
1. Qui est Gojira ?
Gojira, un groupe de metal français formé en 1996, est reconnu comme l’un des acteurs majeurs de la scène metal internationale. Le groupe originaire de Bayonne a su se démarquer avec un style unique qui combine des éléments de death metal, de groove metal et de progressif. Gojira est notamment apprécié pour ses thèmes lyriques engagés, souvent centrés sur la nature, la vie, et des questions environnementales.
2. Quels sont les membres de Gojira ?
Les membres actuels de Gojira sont :
Joe Duplantier : chant et guitare rythmique,
Mario Duplantier : batterie,
Christian Andreu : guitare lead,
Jean-Michel Labadie : basse.
Le groupe a su maintenir cette formation depuis ses débuts, ce qui a contribué à sa cohésion et son évolution musicale.
3. Quelle est l’origine du nom « Gojira » ?
Le nom « Gojira » est la transcription phonétique japonaise de « Godzilla, » le célèbre monstre du cinéma. Avant de s’appeler ainsi, le groupe s’appelait Godzilla, mais pour éviter des conflits juridiques avec les créateurs du monstre, ils ont opté pour Gojira en 2001. Ce choix reflète l’esprit du groupe, qui évoque la force de la nature et des thèmes apocalyptiques.
4. Pourquoi Gojira est-il considéré comme un groupe de metal unique ?
Gojira se distingue par son approche technique du metal, combinant des éléments de death metal avec des sonorités progressives et atmosphériques. Leurs compositions sont souvent complexes, avec des changements de rythme inattendus, des riffs puissants, et des structures de chansons non conventionnelles. De plus, les thèmes abordés, notamment la protection de l’environnement, ajoutent une dimension philosophique et engagée à leur musique.
5. Quels sont les albums les plus connus de Gojira ?
Gojira a sorti plusieurs albums acclamés par la critique et le public :
« Terra Incognita » (2001) – Leur premier album, déjà prometteur, posant les bases de leur style unique.
« The Link » (2003) – Un album charnière qui montre l’évolution vers un son plus progressif.
« From Mars to Sirius » (2005) – L’album qui a propulsé le groupe sur la scène internationale, avec des titres comme « Flying Whales ».
« The Way of All Flesh » (2008) – Une exploration de la mortalité et des thématiques existentielles.
« L’Enfant Sauvage » (2012) – Un album très personnel, marqué par une intensité émotionnelle.
« Magma » (2016) – Album qui a remporté un succès mondial avec des chansons comme « Stranded » et « Silvera ».
« Fortitude » (2021) – Dernier opus en date, très engagé, avec des titres comme « Amazonia » qui dénoncent la destruction de l’Amazonie.
6. Quels sont les thèmes abordés dans les chansons de Gojira ?
Les chansons de Gojira sont souvent centrées sur des thèmes profonds et universels :
L’environnement : De nombreuses chansons de Gojira évoquent la protection de la planète, comme « Global Warming » ou « Amazonia ».
L’existence humaine : L’album The Way of All Flesh traite par exemple de la mortalité et du sens de la vie.
La nature et les forces cosmiques : Des titres comme « Flying Whales » illustrent l’influence des forces naturelles dans leur musique.
La spiritualité : Joe Duplantier aborde parfois des thèmes liés à l’âme et à l’introspection, notamment dans L’Enfant Sauvage.
7. Quelle est la notoriété internationale de Gojira ?
Le groupe groupe metal francais gojira a connu une montée en puissance impressionnante sur la scène internationale. Après leur tournée aux côtés de Metallica, Gojira a conquis de nouveaux fans à travers le monde. Leur style novateur et leurs performances scéniques intenses leur ont valu une reconnaissance dans des festivals prestigieux, tels que le DownloadFestival et Hellfest.
8. Quels sont les meilleurs concerts et performances live de Gojira ?
Gojira est célèbre pour ses performances live électrisantes, marquées par une énergie brute et une précision musicale impeccable. Certains des concerts les plus mémorables incluent :
Hellfest : Gojira est régulièrement la tête d’affiche de ce festival, avec des performances mémorables qui sont restées gravées dans l’esprit des fans.
Le concert au Red Rocks Amphitheatre (2017) : Un lieu mythique où Gojira a offert une performance inoubliable.
Tournée avec Metallica : Leur tournée en première partie de Metallica a marqué un tournant dans leur carrière, leur permettant de se faire connaître auprès d’un public encore plus large.
9. Quels sont les meilleurs morceaux de Gojira ?
Voici une sélection de quelques-unes des meilleures chansons de gojira :
« Flying Whales » (From Mars to Sirius) – Un hymne qui incarne l’essence de leur style.
« Stranded » (Magma) – Une chanson plus accessible mais puissante.
« Silvera » (Magma) – Un mélange parfait de lourdeur et de mélodie.
« Amazonia » (Fortitude) – Un cri d’alerte pour la protection de l’Amazonie.
« L’Enfant Sauvage » (L’Enfant Sauvage) – Une chanson introspective et intense.
10. Comment Gojira a-t-il influencé la scène metal mondiale ?
Gojira a non seulement apporté une fraîcheur au death metal, mais ils ont aussi influencé toute une génération de musiciens avec leur approche technique, leurs thèmes engagés, et leur passion pour la planète. Le groupe est souvent cité par d’autres artistes comme une source d’inspiration, et ils ont contribué à renouveler l’image du metal progressif et du death metal en y incorporant des éléments nouveaux.
11. Quelles sont les collaborations marquantes de Gojira ?
Gojira a collaboré avec plusieurs grands noms du rock et du metal :
Joe Duplantier a collaboré avec Cavalera Conspiracy, le groupe formé par Max Cavalera.
Mario Duplantier a participé à des projets avec d’autres batteurs célèbres et a également développé une carrière en tant qu’artiste visuel. Ces collaborations renforcent la polyvalence du groupe et leur ouverture à d’autres styles.
12. Gojira est-il un groupe engagé ?
Oui, Gojira est très engagé, notamment sur les questions environnementales. Le groupe a souvent utilisé sa notoriété pour attirer l’attention sur des causes importantes comme la déforestation et le changement climatique. L’album Fortitude contient des chansons qui reflètent cet engagement, avec des titres comme « Amazonia » qui dénonce la destruction de la forêt amazonienne.
13. Pourquoi le groupe est parfois appelé « Godzilla groupe » ?
Cela vient de l’origine du nom du groupe, qui faisait référence à Godzilla avant qu’ils ne soient contraints de le changer en Gojira pour des raisons légales. Cette association avec le monstre géant symbolise aussi la puissance brute et les thématiques liées à la nature qui caractérisent la musique du groupe.
14. Comment Gojira a-t-il évolué musicalement au fil des ans ?
Depuis leurs débuts avec Terra Incognita, Gojira a constamment évolué, passant d’un death metal brut à un son plus mature et nuancé, intégrant des éléments progressifs et atmosphériques. L’album Magma marque un tournant dans leur carrière avec un son plus accessible, mais toujours aussi puissant et émotionnellement chargé.
15. Quelles sont les chansons les plus engagées de Gojira ?
Parmi les chansons de Gojira qui portent un message fort, on peut citer :
« Amazonia » : Un appel à protéger l’Amazonie.
« Global Warming » : Un cri d’alarme sur le changement climatique.
« Toxic Garbage Island » : Une dénonciation de la pollution des océans.
Conclusion
En somme, Gojira n’est pas seulement un groupe de metal francais, mais un véritable phénomène international. Avec des thèmes qui résonnent dans notre monde moderne, une virtuosité musicale hors pair, et une présence scénique incroyable, le groupe continue de repousser les frontières du metal. Que vous soyez fan depuis leurs débuts ou que vous découvriez leur musique, Gojira a encore beaucoup à offrir.
No One Is Innocent stylisé comme [No One Is Innocent] est un groupe de rockfrançais parisien amené par le chanteur Kémar Gulbenkian.
Le groupe a été fondé en 1994 avec le hit de 1994 « La peau ». No One Is Innocent a sorti cinq albums studio et deux albums live.
NO ONE IS INNOCENT
LES DEBUTS DU GROUPE
No One Is Innocente a été révélé en 1994 avec le premier album No One Is Innocent. Au début des années 1990, No One is Innocent, avec Lofofora, Oneyed Jack et Silmarils, étaient l’un des groupes les plus connus de la scène rap métal française à émerger dans un paysage musical marqué par le succès de groupes comme Rage Against the Machine.
Porté par le single La Peau (écrit après avoir regardé Rage Against The Machine lors d’un concert à l’Elysée-Montmartre), qui utilise des programmes soutenus par des radios jeunesse comme Fun Radio et Skyrock, le premier album du groupe est certifié or (100 000 ventes).
Le chanteur arménien Kémar signe la chanson Another Land, condamnant le génocide arménien, estimant que « ce triste événement doit être dénoncé » .
INTERVIEW DE NO ONE IS INNOCENT
Le maître mot de No One Is Innocent est la résistance ?
Vous avez toujours brandi cette bannière, sans parler des événements tragiques de 2015. Est-ce votre côté rebelle qui vous a poussé vers la musique pour écrire des paroles très engagées?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Notre engagement n’est pas seulement à cause de ces événements, nous ne sommes pas des combattants, mais il y a des raisons que nous avons approchées et défendues,
comme combattre le front national, lutter pour défendre d’autres mouvements écologistes sans papiers.
Notre parcours est marqué par la rencontre de personnes qui ont la même approche que nous, pas forcément de faire de la musique.
Ce n’est pas que je me sens rebelle, mais compte tenu de la musique que nous faisons dans ce pays, vous êtes considéré comme un rebelle.
Que ce soit la nôtre, Tagada Jones, Mass Hysteria ou autres. Donc juste parce que nous faisons cette musique, nous sommes des rebelles en France.
En fait, quand j’ai commencé le groupe, je voulais vraiment écrire des paroles engageantes et le jour où je me suis dit que je vais l’appeler « No One Is Innocent ».
Cependant, j’ai été critiqué car l’anglais n’était pas bien accueilli à l’époque. Enfin, indiquez le nom du groupe en anglais. Et puis ce n’était pas seulement en anglais, mais c’était trop long!
Mais j’étais convaincu qu’en dehors du sens de ce que signifiait « No One Is Innocent » et qui me convenait parfaitement, et par rapport à ce que je voulais écrire, on se souviendrait de Personne.
Vous voyez, dans ma chambre, je l’ai écrit sur le mur et je me suis concentré sur Personne.
C’est un nom complètement intemporel qui nous renvoie quelque chose et qui nous semble bien comparé à ce que nous disons dans nos paroles.
Et puis ce nom, d’album en album, vous fait comprendre ce que vous écrivez. C’est grâce à ce nom de groupe que vous savez pourquoi vous écrivez ces chansons depuis tant d’années
NO ONE IS INNOCENT
Vos paroles sont fortes et pleines de rage et nous sentons que vous êtes passionné et luttez quotidiennement contre toutes les injustices sur Terre. Passez-vous beaucoup de temps à composer des paroles?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, je suis passionné parce que mon peuple est derrière. Je ne serais pas avec une contrebasse et un clavecin.
Si je peux croire ce que je dis, c’est parce que je l’écris très bien et quand je l’interprète, c’est parce que le batteur jouera de manière à être interactif avec moi aussi, ou un strummer avec un riff qu’il présentera.
moi en transe et vice versa. Quand j’agite ce que je lance, ça affecte aussi l’humeur des gars. Nous sommes un groupe complètement interactif et tout le monde est intéressé.
La rédaction de textes prend beaucoup de temps car les exigences sont nombreuses. J’écris avec mon ami et co-auteur Emmanuel de Arriba, généralement 7 à 8 chansons sur l’album.
Nous écrivons ensemble sur « Revolution.com » (Ed.: Troisième album sorti en 2004).
Il y a des choses sur lesquelles je vais continuer seul, il y a aussi des sujets sur lesquels j’aime travailler parce qu’on se connaît depuis le lycée, et aussi parce qu’il est l’auteur et fan de Rock’n ‘Roll.
Dans un gang, il peut être le plus grand fan d’AC / DC.
Et quand vous écrivez de tels motifs, le fait qu’il y ait du «ping-pong» entre deux personnes vous permet d’aller plus loin. Nous nous complétons, et surtout, nous ne sommes pas satisfaits de ce que nous avons écrit rapidement.
Il peut y avoir des phases de génie, mais nous sommes extrêmement critiques envers notre travail, les uns envers les autres, et c’est ce qui donne de la force aux paroles.
Parfois on peut se prendre la tête pendant une semaine en deux phrases, tu vois, je veux dire que l’autre opposé est totalement obsessionnel, je le suis un peu moins, et ce côté obsessionnel me conduit à être très exigeant.
NO ONE IS INNOCENT Kemar : Une chose est claire: la musique anime les paroles. Vous voyez, les paroles de Jihad Propaganda ne peuvent pas concerner la musique de Charlie, et les paroles de Charlie ne peuvent pas concerner la musique de Silencio.
Mon obsession personnelle est que lorsque je travaille avec des instruments, je les écoute 20, 30, 40 fois et c’est l’intensité de ce que le titre me donne qui me donnera le sujet.
Eh bien, je ne vous cache pas qu’il y a évidemment des choses dans les tiroirs dont vous voulez parler, mais cela ne veut pas dire non plus que c’est comme un supermarché. On peut s’abstenir de parler de quelque chose si à un moment donné la musique ne fait pas ressortir le thème.
Et vous voyez, l’intensité d’un titre comme Jihad Propaganda a provoqué une telle transe pendant la chanson qu’elle a inévitablement remporté le titre.
C’est un coup dur pour Charlie de la colère. Il y a un peu de nostalgie dans les vers de Silencio.
Je suis entré dans le côté nostalgique de ce que pourrait être un gouvernement socialiste et de tout ce qu’il pourrait nous apporter pour répondre à nos attentes, vous savez, et puis à un moment donné c’est: «Mais putain pourquoi tu ne nous l’as pas donné !! « .
Vous voyez comment il est construit? vous prenez tel ou tel instrument et vous vous dites, hé, c’est la partie dont je voudrais dire quelque chose. Et quand il se met en colère, je me dis, est-ce cohérent?
Et quand quelqu’un me dit, Merde, quelle énergie, quand tu chantes tout, et puis je réponds que l’écriture est si cohérente qu’à un moment donné, cette énergie décuple.
Vous voyez, ce n’est pas une arnaque! Nous sommes communicatifs parce que tout ce travail a été là avant, et si vous donnez à vos zicos la puissance d’un texte qui illustrera la musique alors c’est …….
Vous vous demandez souvent ce que vous écrivez?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Absolument, tout le temps. Je ne peux pas y croire, mais notre merde est d’écrire Propaganda avant de frapper les barricades.
Et les gars disaient: « Alors qu’est-ce qu’il se passe? » mais constamment!
D’accord, maintenant ils comprennent un peu plus. Ils sont impatients, mais en montrent moins. Ils savent que cela prend du temps et des exigences.
La grande chose à ce sujet est qu’à un moment donné, vous regardez en arrière ce que vous avez fait et vous vous dites: « Merde, c’était bien! » Et vous ne baissez pas la tête parce que vous êtes fier de ce que vous avez fait.
Barricades est sorti le vendredi 13 mai 2016, le jour du concert d’AC / DC à Mareille, est-ce un pur hasard?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’est donc une coïncidence vraiment amusante! En fait, nous étions censés le publier fin avril, puis nous l’avons traduit en article promotionnel et «convenu le 13 mai.
Soudain, nous avons réalisé et avons pensé que le vendredi 13 était bon. Ce furent deux moments magiques pour nous avec la sortie de Barricades et le concert d’AC / DC. Ce que nous avons vécu avec eux au Stade de France, nous n’aurions pas pu faire mieux.
NO ONE IS INNOCENT
Vous avez encore eu la chance de jouer le concert d’ouverture de Motorhead et c’est merveilleux aussi!
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Moi, si tu veux, en plus de ne pas voir Bob Marley, c’est un gros regret, tout comme Hendrix. Honnêtement, quand je vois ce que nous avons fait avec Personne, vous vous dites que vous pouvez continuer.
Là tu l’as, la force est là et ça donne envie de continuer, outre le fait qu’on travaille sur la musique, les textes, on est constamment en train de rêver et faire de la musique c’est rêver.
« Barricades » est sorti presque un an après la sortie de « Propaganda ». Était-il déjà en préparation ou le choix de le faire en direct était-il venu plus tard?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’était donc une décision prise fin septembre. Heureusement, nous avions des amis avec nous comme Julien Reymond, le réalisateur et monteur de DVD, notre label, qui nous a soutenus et aidés parce que nous étions à la moitié de la tournée et qu’il y a beaucoup de choses auxquelles nous n’avons pas pu assister. sauf quand j’ai participé au montage avec Julien.
Par contre, le jour du concert, on cache complètement le fait qu’on tourne un DVD, car il y a des choses bien plus importantes pour nous, comme le succès de ce concert que l’on joue chez nous, avec les gens de Charlie Hebdo qui viennent, à T-time, 15 jours après les attentats
Par conséquent, devant son peuple, nous avons le devoir d’organiser un concert qui se souviendra des fantômes.
Vous avez eu un réel impact sur l’esprit des gens cette année!
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, ce fut une année pleine d’événements et de choses tragiques que nous avons pu rebondir musicalement.
A notre niveau, nous avons essayé de replacer la musique dans le contexte du moment et nous dire que la musique est là pour dire quelque chose, pour défendre la liberté d’expression, la laïcité et à travers notre musique, que cela nous plaise ou non, nous venons défendre nos idées.
As-tu une chanson préférée?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Ah, bonne question ……… pas facile …………… Je te dirais Charlie, car en ce moment tous nos amis sont sur scène.
Il y a Marika et Coco qui viennent de parler, non pas parce que c’est le dernier titre du concert, mais on dit tous la même chose ensemble, c’est tout!
il y a Nico de Tagada Jones qui chante avec moi, il y a Fred Duquesne, le guitariste de Mass Hystéria, le réalisateur de notre album, et aussi Nikko Bonnière, le guitariste d’Eiffel, Fred Mariolle, les gars de Bukowski, et nous sommes là pour chanter notre titre, et c’est vraiment un moment qui restera gravé à jamais.
De plus, nous ne jouons pas une chanson triviale pour le moment.
NO ONE IS INNOCENT
Par rapport à Line Up, c’est le quatrième groupe de No One, pensez-vous que le groupe va se stabiliser cette fois?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’est donc la première fois qu’il y a un deuxième guitariste, ce qui change beaucoup. Et si on nous disait que la Propagande est l’une des meilleures de Personne, c’est aussi pour cette raison que je pense.
Grâce à cette formule, nous avons trouvé un équilibre que nous n’avions peut-être pas auparavant. Surtout avec la personnalité de Popa, avec laquelle j’ai un grand lien dans la composition, ainsi qu’avec Shanka.
Mais ce n’est pas normal qu’il se connecte si étroitement avec deux guitaristes. Nous sommes comme un couple qui a retrouvé son équilibre.
La tournée 2016 a démarrée le 4 mars, est ce qu’il y a un concert qui t’as plus marqué qu’un autre?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, le 7ème festival de la vague a lieu à Bretignolles sur Mer. Comme nous avons l’habitude d’élever des gens sur scène, c’était une excitation totale!
Mais un débordement comme vous n’en avez jamais connu dans l’histoire de Nobody. Nous devions avoir environ 300 personnes sur scène et ils ne voulaient plus quitter la scène.
Donc à 3/4 du titre, la chanson s’est arrêtée parce qu’il y avait des gars qui sont entrés dans la batterie et puis les gens ne sortaient pas.
Nous avons dû arrêter le concert même s’il nous restait deux chansons à jouer, mais nous avons dépassé le calendrier et avons dû arrêter. Ensuite, nous devons nous dire que nous faisons des concerts pour que ces choses arrivent aussi.
Et même si on était pressé quand on quittait la scène et qu’on rentrait dans le vestiaire, on se dirait que si on fait des concerts, on a de quoi parler, pour y avoir une action inattendue, improbable, impensable, c’est tout.
NO ONE IS INNOCENT
Le dimanche 19 juin vous êtes sur la scène principale de Clisson au Hellfest, est-ce votre première fois pour No One?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Donc pour moi, et pour nous tous, c’est une immense joie car nous l’avons fait une ou deux fois en tant que spectateurs et là, maintenant, nous montons sur la grande scène à 3h du matin. midi est un moment magique pour nous.
Nous continuons dans un rêve. Nous sommes comme un groupe qui a sorti un album qui a marqué beaucoup de monde et si nous sommes programmés avec des groupes comme AC / DC et si nous sommes au Hellfest et toujours dans d’autres festivals, c’est peut-être parce que c’est un album qui a fait une grande impression.
Par contre, j’apprécie personnellement le plus la performance du plus grand festival hippie de France.
Tu le considères comme un festival Hippie ?
NO ONE IS INNOCENT Kemar: Ouais, c’est Metal Woodstock, Hellfest. Ceci est incroyable.
Malgré toutes les questions et les crachats, ils ont reçu des menaces dès le début parce que vous pouvez voir des gars tomber habillés en Satan ou avec des cornes sur la tête et écouter de la musique extrême,
le festival est toujours là et il y a de plus en plus de monde et les gens ont finalement changé d’avis sur Hellfest. Mais ils n’ont pas de Babos, ce sont des hippies.
Les bébés sont des gens avec une sorte de flegme qui s’en moquent, tandis que le hippie, lui, est toujours concerné et a une conscience.
Et puis chapeau à Ben, vraiment! J’ai vécu une fureur et pour être honnête cette chose est vraiment forte à construire!
Et il a été prouvé que ce festival rassemble le plus de monde en France car il est légendaire. C’est un festival qui a une vraie éthique dans le choix des artistes et dans l’imagerie.
Voici quelques conseils photo, faciles à comprendre, qui couvrent tout, de la technique de l’appareil photo pour débutant à la créativité et à la composition. Si vous apprenez la photo, cette liste offre quelques conseils qui peut vous être utile en cours de route.
Conseil photo 1: Utilisez l’appareil photo que vous possédez déjà
L’équipement de la caméra n’est pas si important que cela, c’est le premier conseil photo.
Il existe aujourd’hui d’innombrables appareils , objectifs et autres accessoires sur le marché. Il est vrai que certains sont meilleurs que d’autres (ou mieux adaptés pour un travail donné).
Mais une fois que vous en avez testé suffisamment, le vrai point à retenir est que pratiquement tout est excellent aujourd’hui. Les différences sont presque toujours mineures, surtout à un prix donné.
Alors, utilisez l’appareil photo que vous avez déjà et ne regardez pas en arrière. À presque tous les égards, les reflex numériques d’entrée de gamme d’aujourd’hui sont meilleurs que les reflex vidéo haut de gamme. Pourtant, ces photographes ont réussi à capturer de belles photos emblématiques qui ont toujours fière allure aujourd’hui.
Vos compétences créatives et votre connaissance des paramètres de l’appareil sont bien plus importantes. Concentrez vos efforts sur ceux-ci, pas sur la collecte de matériel.
Conseils photo
Conseil photo 2: Travaillez votre composition
Pour prendre des photos attrayantes, vous devez être impliqué dans ce que vous faites. Ne vous contentez pas de voler en pilote automatique. Au lieu de cela, réfléchissez à votre composition et essayez de rendre vos photos aussi belles que possible. c’est le deuxième conseils.
Cela commence par connaître les bases de la composition de bonnes photos. Ne coupez pas des parties importantes de votre sujet avec le bord de votre cadre. Gardez vos horizons à niveau et essayez d’éliminer toutes les distractions en ajustant votre composition.
Voyez si elle a un sens de l’équilibre et de la simplicité. Et si elle ne semble pas bonne lors de votre premier essai, continuez à expérimenter jusqu’à ce que vous ayez raison.
Conseils photo
Conseil photo 3: Apprenez quels paramètres sont importants
Il existe de nombreux paramètres d’appareil et il faut un peu de pratique pour les faire correctement, surtout en tant que débutant. Même les photographes avancés ne feront pas toujours tout parfaitement.
Mais cela vaut la peine d’apprendre comment régler correctement votre appareil et quels paramètres de l’appareil sont les plus importants, afin que vous ayez les meilleures chances de prendre les clichés que vous voulez. C’est le troisième conseil.
Tout d’abord, essayez de vous entraîner avec des modes de caméra autres que « Auto ». Vous n’apprendrez rien si votre caméra prend toutes les décisions à votre place. Cela peut être déroutant au début, mais j’espère que nos articles sur l’ ouverture , la vitesse d’obturation et l’ ISO vous donneront une bonne longueur d’avance.
Conseils photo
Ce sont les trois paramètres les plus importants de toute la photographie.
Outre l’ouverture, la vitesse d’obturation et l’ISO, apprenez à faire la mise au point correctement en vous entraînant avec les différents modes de mise au point automatique. Vous préférerez probablement l’autofocus mono-servo (également appelé AF One-Shot) pour les sujets stationnaires et l’autofocus continu (également appelé AI Servo) pour les sujets en mouvement.
N’utilisez pas la mise au point manuelle à moins qu’il fasse si sombre que la mise au point automatique ne fonctionne pas.
Enfin, prenez des clichés en RAW si vous souhaitez éditer vos clichés ou pensez qu’il y a une chance que vous les éditiez à l’avenir. Les JPEG semblent bien sortis de l’appareil, mais les fichiers ont beaucoup moins de latitude pour le post-traitement. (Si vous n’êtes pas sûr, prenez des photos RAW + JPEG et conservez les RAW pour plus tard au cas où.) Consultez RAW vs JPEG pour en savoir plus.
Conseil 4: Ne surexposez pas les hautes lumières
Lorsque vous choisissez les paramètres de votre appareil, il est essentiel d’éviter de surexposer les hautes lumières. La raison? Il est tout simplement impossible de récupérer les détails des zones blanches d’un cliché.
Il est assez facile de garder vos reflets intacts. Mais c’est là que la vitesse d’obturation, l’ouverture et l’ISO sont si importantes. Ce sont les seuls paramètres de l’appareil qui affectent directement la luminosité d’un cliché (en ignorant les paramètres du flash, bien sûr). Même la compensation d’exposition – un paramètre important en soi – indique simplement à votre appareil de modifier une ou plusieurs de ces trois variables.
Lorsque vous prenez des clichés, regardez l’écran de l’appareil pour voir s’il y a une surexposition. Si tel est le cas, la première chose à faire est de réduire votre ISO à sa valeur de base (généralement ISO 100). S’il est déjà là, utilisez une vitesse d’obturation plus rapide. Cela réglera le problème. Quant à l’ouverture, assurez-vous qu’elle n’est pas réglée sur une valeur folle (f / 32, f / 45, etc.) et vous serez bien.
Conseil photo 5: Faites attention à la lumière
La lumière est probablement la partie la plus importante de la photographie. Si vous prenez un cliché avec une bonne lumière, vous avez fait un grand pas en avant pour obtenir un bon cliché. Mais qu’est-ce qui compte comme une bonne lumière? Il ne s’agit pas uniquement de couchers de soleil.
Souvent, le but ici est d’équilibrer l’intensité de la lumière entre votre sujet et l’arrière-plan. Même si vous photographiez un coucher de soleil incroyable, le cliché pourrait être gâchée par un premier plan complètement sombre et silhouetté.
Conseils photo
Le moyen le plus simple de résoudre ce problème est de faire attention à la direction et à la douceur de la lumière. Si la lumière est trop forte, vous pourriez avoir de mauvaises ombres sur votre sujet, ce qui est particulièrement un problème pour la photographie de portrait.
Si la lumière provient d’un angle peu flatteur, voyez ce que vous pouvez faire pour déplacer la source de lumière (dans un studio) ou déplacer le sujet (à l’extérieur) – ou attendre que la lumière soit meilleure (photographie de paysage).
De plus, si vous prenez des clichés avec un ordinateur de poche, assurez-vous que la lumière est suffisante . Sinon, utilisez un flash ou déplacez-vous là où il fait le plus clair. Le moyen le plus simple d’obtenir des clichés fades et décolorés est de prendre des photos dans des environnements sans suffisamment de lumière.
Conseil photo 6: Prenez son temps
Il est facile de faire des erreurs en photographie si vous ne faites pas attention. Le meilleur moyen de contourner ce problème est de ralentir et de prendre votre temps chaque fois que possible, en particulier lorsque vous commencez à apprendre.
Tout d’abord, vérifiez les paramètres de votre appareil. Si vous shootez des portraits en extérieur par une journée ensoleillée, mais que vous utilisez les réglages de la nuit dernière pour photographier la Voie lactée, quelque chose ne va vraiment pas. Ralentissez et prenez le temps de bien faire les choses.
Ensuite, gardez le même état d’esprit pour toutes les autres décisions importantes. Votre composition est-elle aussi bonne que possible? Avez-vous effectué la mise au point automatique au bon endroit? Avez-vous tout fait pour améliorer les conditions d’éclairage?
Et n’écoutez pas les gens qui vous disent d’éviter de revoir les clichés sur le terrain. Bien sûr, c’est une mauvaise idée de revoir les clichés lorsque quelque chose d’extraordinaire se passe devant vous, mais vous aurez presque toujours un temps d’arrêt entre les prises. Déterminez les problèmes avec une image sur le terrain – pas de retour sur votre ordinateur.
Conseils photo
Conseil photo 7: Bougez !
Il est facile de rester coincé au même endroit pendant que vous prenez des clichés. Ne tombez pas dans ce piège. Au lieu de cela, bougez vos pieds (ou votre trépied) autant que possible. Montez au-dessus des choses, changez la hauteur de votre caméra, avancez et reculez, faites tout ce que vous devez faire, mais continuez à avancer.
Si vous prenez une dizaine de clichés de la même hauteur, dans la même direction, sans bouger du tout les pieds ou le trépied, devinez quoi? Ils ne seront pas très différents. Si tout votre portfolio est pris de la même hauteur et sans aucune expérimentation, vous manquez de superbes clichés.
Se déplacer est le seul moyen de modifier les tailles et les positions relatives des objets de votre cliché. Vous n’aimez pas que votre sujet soit trop grand et que le paysage en arrière-plan soit trop petit?
Reculez et faites un zoom avant. Vous voulez réparer un rocher qui vous distrait? Déplacez-vous jusqu’à ce qu’il soit hors de votre composition ou trop petit pour être une nuisance.
Conseil photo 8: Apprenez à utiliser un trépied
Les trépieds sont l’une des plus grandes inventions de la photographie. Ils éliminent pratiquement l’un des problèmes les plus épineux: le manque de lumière. Avec les trépieds, vous pouvez prendre des expositions de plusieurs minutes et capturer des détails si sombres qu’ils sont invisibles à l’œil humain.
Même dans une scène plus lumineuse, les trépieds améliorent la stabilité de votre composition et vous aident à prendre des clichés plus nettes.
Alors, quand utiliser un trépied? Si votre sujet est stationnaire, presque toujours. Cela signifie que les photographes de paysage, d’architecture et de natures mortes ont mieux une bonne excuse s’ils n’utilisent pas de trépied.
La photographie événementielle et l’action sont un peu différentes car il est vrai qu’un trépied peut vous ralentir. Il en va de même pour la photographie de voyage; autant que vous souhaitiez emporter un trépied, cela ne vaut peut-être pas la peine.
C’est juste, mais sachez que vous manquez quelque chose lorsque vous laissez votre trépied à la maison. Si vous m’offriez le choix entre un reflex numérique d’entrée de gamme et un trépied par rapport au meilleur combo appareil photo / objectif du marché sans un, je choisirais le kit de trépied à chaque fois.
conseils photo
Conseil photo 9: Sachez quand utiliser un flash
Les flashs ne sont pas uniquement destinés aux environnements sombres.
Ne vous méprenez pas, ils sont parfaits si vous avez besoin de plus de lumière. Procurez-vous un flash externe, inclinez-le au plafond et utilisez un objectif relativement long (50 mm ou plus). Tous ceux que vous connaissez seront étonnés de la qualité de vos clichés d’événement. C’est le moyen le plus simple d’obtenir de bons résultats sans vraiment savoir ce que vous faites.
Mais les flashs sont également utiles à l’extérieur, même au milieu de la journée. Si vous avez déjà entendu parler du «flash d’appoint», c’est pourquoi c’est si important. Vous pouvez remplir les ombres laides sur votre sujet simplement en utilisant un flash doux – et la plupart des gens qui regardent la photographie ne pourront même pas le dire.
C’est idiot, mais j’aime dire aux gens que le flash intégré de leur appareil photo est plus utile par temps clair et ensoleillé que dans l’obscurité. Ce conseil est tout aussi vrai ici.
Conseil photo 10: Nettoyez !
J’ai vu trop de gens se promener avec l’élément avant de l’objectif de leur appareil photo sale, poussiéreux et taché. C’est le moyen le plus simple d’obtenir des clichés flous 100% du temps.
Bien sûr, un peu de poussière ne fera aucun mal; il ne sera même pas visible dans une image. Il y a de petites particules de poussière à l’ intérieur de chaque objectif, qui sont impossibles à nettoyer sans démonter l’objectif – et elles n’ont aucun impact sur un cliché.
Au lieu de cela, je parle de lentilles qui n’ont jamais été nettoyées, avec de la saleté et des empreintes digitales qui n’ont pas été enlevées depuis des lustres. Faites-vous plaisir et procurez-vous un chiffon en microfibre et une solution de nettoyage pour lentilles. Emmenez-les en voyage et utilisez-les au moins une fois par semaine.
Conseil photo 11: N’utilisez pas de filtre bon marché
Le deuxième moyen le plus simple d’obtenir des clichés flous à 100% est d’utiliser un filtre bon marché à l’avant de votre objectif.
Personnellement, quand j’ai débuté, mon grand-père m’a donné un vieux filtre clair de son appareil argentique. Il s’adapte parfaitement à mon objectif; J’étais tellement surpris de le garder tout le temps sur mon objectif, sans jamais me soucier de savoir si le verre était conforme aux normes d’aujourd’hui ou non.
Il s’avère que ce n’était pas le cas. Les coins de toutes mes clichés étaient flous, et toute zone légèrement lumineuse de la photographie (comme le ciel ou une lampe la nuit) s’est transformée en une mauvaise lumière .
conseils photo
Conseil photo 12: Recadrez à partir d’une photo floue
Personnellement, je n’utilise plus jamais de filtre protecteur transparent sur mon objectif, sauf dans les environnements où j’ai également besoin de lunettes de protection.
Conseil photo 13: Apprenez le post-traitement de base
Le post-traitement n’est pas très élevé sur la liste des priorités du photographe typique, mais il devrait probablement l’être. Parfois, avec le bon post-traitement, une bonne photographie peut se transformer en quelque chose de vraiment exceptionnel.
Il est facile d’en faire trop lorsque vous effectuez un post-traitement, donc le plus important est de vous assurer qu’aucune de vos modifications n’est permanente (AKA «édition destructive»). Utilisez la commande Enregistrer sous pour conserver vos fichiers d’origine ou, mieux encore, modifiez-les dans un logiciel qui stocke vos modifications dans un fichier séparé plutôt que de les intégrer à l’image.
Le post-traitement consiste à donner une ambiance et à guider l’œil de votre spectateur dans une image. Vous irez de mieux en mieux avec le temps. Ma meilleure recommandation? Soyez subtile. Vous ne voulez pas que vos clichés paraissent trop traités.
Conseil photo 14: Sauvegardez vos photos
Presque tous les photographes que je connais ont perdu des clichés importantes au moins une fois dans leur vie. Ne laissez pas cela vous arriver.
Pour commencer, gardez une sauvegarde de chacune de vos clichés. Ils ne doivent jamais être stockées sur un seul disque dur à la fois, car votre disque dur finira par se casser. Ce n’est pas une question de savoir si, mais quand.
Idéalement, vous auriez au moins trois copies de toutes vos photographies à un moment donné. Cela doit inclure au moins deux types de supports différents, tels qu’un disque dur interne et un support de stockage amovible. Et au moins une des sauvegardes doit être stockée hors site. Ceci est connu comme la règle 3-2-1. C’est le meilleur moyen d’éviter de perdre l’une de vos photographies.
Personnellement, mes clichés sont mes biens les plus importants et je ne veux pas les perdre quoi qu’il arrive. Mon disque dur est sauvegardé en ligne en temps réel, et j’ai également plusieurs disques durs externes avec des sauvegardes complètes. C’est exagéré, mais c’est le point.
Conseil photo 15: Organisez-vous
Que vous soyez une personne organisée ou désordonnée, il est très important que vos clichés soient faciles à trouver. Il ne s’agit pas seulement d’accélérer votre flux de travail; si vous ne vous souvenez pas comment vous avez organisé votre disque dur, vous pourriez finir par supprimer un dossier contenant des images importantes sans vous en rendre compte.
Ma méthode consiste simplement à créer un nouveau dossier d’images pour chaque année, puis à diviser chaque année par mois (étiqueté «01 janvier», «02 février», etc., par ordre alphabétique). Ensuite, dans mon logiciel de post-traitement, je trie et organise les clichés séparément dans différentes collections. De cette façon, je peux trouver des images d’ un emplacement donné ou destinées à un projet particulier.
Mais ce n’est qu’une des nombreuses méthodes possibles. Certains photographes préfèrent organiser leurs clichés par année, puis diviser chaque année par des événements spécifiques plutôt que par mois. La méthode exacte n’a pas d’importance; utilisez ce avec quoi vous êtes à l’aise. Mais assurez-vous de prendre de bonnes habitudes tôt, sinon vous rencontrerez éventuellement de nombreux problèmes.
Conseil photo 16: Essayez quelque chose de nouveau
Plus vous expérimentez la photographie, plus elle devient intéressante. Il est facile de tomber dans une routine et de prendre des clichés similaires encore et encore, et il n’y a rien de mal à cela, mais il est également important d’essayer quelque chose de nouveau de temps en temps.
Donnez une photographie à la macro ou testez de nouvelles techniques d’éclairage. Passez à un style de post-traitement différent. Soyez spontané et conduisez vers un endroit que vous n’avez jamais shooté auparavant. Il y a tellement de façons d’essayer quelque chose de nouveau, et vous ne le regretterez pas si vous le faites.
Habituellement, vous découvrirez quelque chose – une nouvelle technique ou une préférence personnelle – que vous pouvez ramener à votre cliché habituelle pour de bons résultats. C’est là aussi un bon conseils à garder en tête !
Rencontrer d’autres photographes est l’un des meilleurs moyens de continuer à apprendre et à s’améliorer, que ce soit pour l’inspiration ou pour obtenir des conseils.
Vous seriez surpris de voir à quel point les gens aiment partager leurs conseils et leurs techniques avec d’autres photographes. Vous rencontrerez rarement le secret ou le dédain; même le grand Ansel Adams a écrit plusieurs livres expliquant ses techniques photographiques.
Si vous êtes le genre de personne qui préfère l’apprentissage autoguidé de la photographie, cela s’applique toujours. Posez des questions sur les forums en ligne, envoyez des e-mails aux photographes dont vous admirez le travail et économisez autrement des ressources que vous trouvez précieuses. Quoi qu’il en soit, n’arrêtez pas d’apprendre. Il y a toujours plus à apprendre.
Conseil photo 18: Corrigez vos points faibles
Si vous essayez toujours de comprendre la vitesse d’obturation, l’ouverture et l’ISO, il peut être tentant de revenir en mode automatique plutôt que de pratiquer ce que vous ne comprenez pas. C’est une énorme erreur!
Si vous essayez d’apprendre le portrait, mais que vous avez du mal à obtenir la lumière de votre flash pour bien paraître, il peut être tentant de prendre toutes vos clichés d’intérieur à côté d’une fenêtre pour une belle lumière. C’est aussi une énorme erreur!
Si vous essayez d’apprendre le post-traitement, mais que votre logiciel est déroutant, il peut être tentant de prendre toutes vos clichés au format JPEG pour obtenir quelque chose de bien de l’appareil. Mais – vous l’avez deviné – c’est une autre énorme erreur!
Ne contournez pas vos points faibles. Réparez-les . La meilleure façon d’améliorer vos photographies est d’analyser ce que vous ne comprenez pas encore, puis de passer le temps nécessaire pour l’apprendre. Cela vaut surtout pour les débutants, qui ont naturellement le plus à apprendre, mais même les experts feraient bien de suivre ces conseils.
conseils photo – conseils photo
Conseil photo 19: Regardez vos anciennes photos
J’ai remarqué que beaucoup de photographes ont tendance à prendre des clichés, à choisir les meilleurs d’une séance, puis à revenir rarement ou jamais aux autres. Mais il existe de nombreuses raisons pour lesquelles vos anciennes clichés inutilisées sont parmi les plus précieuses de votre portefeuille.
Premièrement, ils vous aident à corriger vos points faibles. Demandez-vous simplement, en moyenne, pourquoi vos mauvaises clichés sont-elles mauvaises? Peut-être avez-vous tendance à faire une mise au point incorrecte, à exposer trop sombre ou trop clair, à composer maladroitement, etc. Tout cela est une information très utile car elle vous aide à améliorer le problème la prochaine fois.
En plus de cela, vous pourriez trouver une vieille photographie qui chante vraiment – mais vous ne l’avez pas remarquée la première fois. Cela m’arrive de temps en temps, et j’ai l’impression de frapper de l’or.
Conseil photo 20: Amusez-vous!
La photographie est censée être amusante. Même les professionnels ont choisi cette carrière, presque sans exception, car ils aiment la photographie. Ne laissez pas cette étincelle s’éteindre.
Une partie de cela consiste à essayer quelque chose de nouveau, comme mentionné précédemment – et à continuer à apprendre de nouvelles compétences. Mais il s’agit aussi de ne pas prendre la photographie trop au sérieux, ou de se laisser prendre par l’équipement au détriment de la photographie elle-même.
Je vois beaucoup de gens en ligne s’engager dans des débats houleux sur leur choix de marque d’appareil, ou sur une critique bonne / mauvaise / avisée qu’ils voient de quelqu’un d’autre sur Internet. On s’en fout ? Tout cela contribue exactement à ce que vous essayez d’éviter: faire de la photographie un autre ennui dans votre vie, pas une source de bonheur ou de joie.
Pensez plutôt aux raisons pour lesquelles vous aimez prendre des clichés. C’est significatif; c’est un moyen de voir des sites incroyables et de rencontrer des gens brillants et créatifs. Pas de surprise, les meilleurs que je connaisse sont toujours ceux qui s’amusent le plus.
Pratiquez et expérimentez !
Pratique, pratique, pratique. C’est une astuce qui vous fera progresser dans n’importe quelle compétence, pas seulement en photographie. C’est le meilleurs des conseils !
Les caméras sont compliquées. Il en va de même pour les logiciels de post-traitement, tout comme (peut-être surtout ) le côté créatif de la photographie.
Plus vous expérimentez et plus vous prenez de clichés, meilleures seront vos clichés. Ce n’est pas seulement une question de qualité, c’est aussi une question de quantité. Vous constaterez que les voyages et les séances ultérieurs ont presque toujours plus de gagnants que vos premières tentatives.
Cela ne veut pas dire que vos premières photographies seront toujours mauvaises. La célèbre citation d’Henri Cartier-Bresson, «Vos 10 000 premiers clichés sont vos pires», est un peu dramatique. Mais je dois admettre qu’il y a du vrai. Vous pouvez prendre de superbes clichés lorsque vous débutez, mais cela demande un peu de chance et vous continuerez à vous améliorer en prenant plus de clichés.
En bref, plus vous y passerez de temps, plus il vous sera facile de prendre les clichés que vous avez en tête. C’est l’objectif final dans tout cela – traduire l’image dans votre tête et les émotions que vous ressentez en un cliché qui fait vivre la même chose à d’autres personnes.
Eric CANTO Photographe : concerts, portraits, pochettes d’albums.
Vox est un fabricant d’équipement musical fondé en 1957 par Thomas Walter Jennings à Dartford,Kent, Angleterre. La société est surtout connue pour fabriquer l’ ampli de guitare Vox AC30 , utilisé par les Beatles , les Rolling Stones , les Kinks , les Yardbirds , Queen , Dire Straits , U2 , Manilarajj et Radiohead.
VOX AMPS est aussi connu pour fabriquer l’orgue électrique Vox Continental, le Vox wah-wah pédale utilisée par Jimi Hendrix , et une série de guitares électriques et basses innovantes. Depuis 1992, Vox appartient à la société d’électronique japonaise Korg .
L’HISTOIRE LÉGENDAIRE DE L’AMPLI VOX : VOX AMPS
Le son légendaire de VOX Amps commence avec Dick Denney, un jeune concepteur d’amplificateurs qui a commencé à travailler pour l’Angleterre JMI Corporation en 1957.
Dick, lui-même guitariste, avait le doigt sur le pouls du monde en évolution rapide de la guitare électrique à la fin des années 1950. et a travaillé sans relâche avec le personnel de JMI pour concevoir un amplificateur qui pourrait offrir le volume et le sustain dont les guitaristes de l’époque avaient envie.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Le résultat de leur travail a été présenté au monde en janvier 1958. Cet ampli Vox, baptisé AC1 / 15, a marqué la toute première apparition du nom VOX sur un amplificateur de guitare et a ainsi lancé une institution qui a prospéré pendant près de 60 ans. années.
Plus tard abrégé en AC15, cet ampli Vox est rapidement devenu le choix des meilleurs guitaristes de Londres, dont Vic Flick qui a utilisé un AC15 sur son enregistrement emblématique du «James Bond Theme».
Ampli VOX, ROCK ‘N’ ROLL À LA HAUSSE: l’histoire de VOX AMPS
Avec le rock’n’roll en plein essor au printemps 1960, Dick Denney et l’équipe de VOX ont rapidement reconnu que les groupes londoniens en herbe avaient soif de plus de puissance de leurs amplificateurs.
Plutôt que de concevoir un ampli Vox entièrement nouveau à partir de rien, Denney a décidé de s’en tenir à ce qu’il savait être un design gagnant et a doublé la puissance de son bien-aimé AC15. Pour accueillir la puissance accrue de cet amplificateur, Denney a jugé bon d’élargir les dimensions de l’armoire de l’amplificateur et d’ajouter un haut-parleur supplémentaire.
AMPLI VOX – VOX AMPS
L’ampli Voxr résultant a été surnommé AC30 / 4 Twin. Avec 30 watts, deux haut-parleurs Celestion de 12 pouces, quatre entrées et deux canaux – Normal et Vibrato, l’AC30 / 4 Twin a été un succès parmi les Rock ‘n’ Rollers à Londres, et a rapidement établi VOX comme l’ampli le plus recherché dans tous La Grande-Bretagne.
En juillet 1962, deux jeunes gars de Liverpool acquièrent leurs tout premiers ampli Vox, un AC15 Twin et un AC30 Twin équipé de Top Boost. Plus tard cette année-là, le groupe sortira du studio avec une chanson intitulée «Love Me Do» et changera à jamais le monde de la musique populaire.
Le son inoubliable de leurs guitares saccadées deviendrait la norme pour un bon son de guitare pendant des décennies. Cette chanson, et la frénésie qui allait suivre ce jeune groupe dans les mois à venir, feront de VOX l’ampli de guitare le plus recherché au monde.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Le succès massif obtenu par VOX dans les années 1960 a jeté les bases de l’héritage qui continue de prospérer près de 60 ans plus tard. Beaucoup des mêmes amplificateurs sur lesquels les artistes s’appuyaient à l’époque fonctionnent encore aujourd’hui. Les ampli Vox comme l’ AC4 , l’ AC15 et l’ AC30 sont toujours les produits VOX les plus populaires parmi les guitaristes à la recherche de ce carillon classique.
VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les pédales Cambridge50 et Valvenergy acclamées par la critique , intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.
Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.
Le son des amplis Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les ampli Vox pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX
VOX AMPS ET POP MODERNE: l’histoire de VOX AMPS
VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les séries Valvetronix + et Night Train G2, acclamées par la critique, intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.
AMPLI VOX – VOX AMPS
Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.
Le son des ampli Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les amplificateurs VOX pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX.
VOX AMPS : L’HISTOIRE DE WAH WAH VOX
La pédale Wah, ou Wah-Wah, utilise un filtre passe-bande à décalage avec un pic hautement résonnant pour créer son son distinctif – le son d’une trompette muette, ou plus précisément la voix humaine prononçant le nom onomatopéique «Wah-Wah».
L’effet peut être utilisé de différentes manières, mais il est le plus courant lorsque les guitaristes sont en solo ou par des guitaristes funk pour créer le son de guitare rythmique «wacka-wacka».
AMPLI VOX – VOX AMPS
La création de la pédale Wah était un accident – découvert lors de la conception de l’ampli Vox Super Beatle en 1966. Il s’agissait d’une version transistorisée de l’AC50 avec quelques effets – MRB (mid resonant boost) et reverb – conçue uniquement pour le marché américain.
Lors de la conception, l’équipe a remarqué que l’augmentation de la résonance moyenne pouvait être contrôlée avec la pédale de volume du VOX Continental pour balayer la fréquence augmentée. Pour eux, cela ressemblait à utiliser une sourdine sur une trompette.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Un ampli VOX est un amplificateur de guitare électrique fabriqué par la société VOX, une entreprise britannique fondée en 1947. Les amplis VOX sont utilisés par de nombreux guitaristes célèbres et sont connus pour leur son caractéristique, particulièrement associé au mouvement musical britannique des années 1960.
2. Qu’est-ce qui rend les amplis VOX si particuliers?
Les amplis VOX sont connus pour leur son clair et cristallin, ainsi que pour leur distorsion naturelle et leur sustain. Ils sont également appréciés pour leur conception élégante et leur look vintage.
3. Quels sont les différents modèles d’amplis VOX?
Il existe de nombreux modèles d’amplis VOX, allant des amplis à lampes haut de gamme aux amplis à transistors plus abordables. Certains des modèles les plus populaires incluent le VOX AC30, le VOX AC15, le VOX AC10, le VOX Pathfinder et le VOX Valvetronix.
4. Quel est le meilleur ampli VOX pour un guitariste débutant?
Pour un guitariste débutant, un ampli VOX à transistors comme le VOX Pathfinder ou le VOX Valvetronix peut être un excellent choix. Ils sont abordables, faciles à utiliser et offrent une grande variété de sons différents.
5. Comment obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX?
Pour obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX, il est important de régler les contrôles d’égalisation de manière appropriée. En général, les aigus doivent être réduits et les médiums et les graves augmentés. Le contrôle du volume doit également être utilisé avec soin pour éviter la saturation excessive.
6. Comment entretenir un ampli VOX?
Pour entretenir un ampli VOX, il est important de le garder propre et de le protéger contre l’humidité et la poussière. Les lampes doivent être remplacées régulièrement et les contacts électriques doivent être nettoyés avec un produit spécialisé. Il est également important de ne pas laisser l’ampli allumé pendant de longues périodes sans jouer de la guitare.
7. Quelle est la puissance des amplis VOX?
La puissance des amplis VOX varie en fonction du modèle. Certains modèles plus petits, comme le VOX Pathfinder, ont une puissance de sortie d’environ 10 watts, tandis que des modèles plus gros comme le VOX AC30 peuvent atteindre jusqu’à 30 watts ou plus.
8. Peut-on utiliser un ampli VOX pour jouer d’autres styles de musique que le rock?
Bien que les amplis VOX soient souvent associés au rock britannique des années 1960, ils peuvent être utilisés pour jouer une grande variété de styles de musique.
9. Comment choisir le bon ampli VOX ?
Le choix de l’ampli VOX dépend de plusieurs facteurs, tels que le style de musique que vous jouez, le niveau de puissance nécessaire, la taille de la salle où vous jouez et votre budget. Si vous êtes un joueur débutant ou intermédiaire, l’ampli VOX ADIO Air GT est un choix solide car il offre une grande variété de sons et d’effets, ainsi que la possibilité de jouer sans fil via Bluetooth.
Pour les joueurs professionnels ou ceux qui ont besoin d’un niveau de puissance plus élevé, les amplis VOX AC15 et AC30 sont des choix populaires. Ils sont connus pour leur son cristallin et leur capacité à fournir des tonalités vintage.
10. Comment entretenir son ampli VOX ?
L’entretien régulier de votre ampli VOX peut prolonger sa durée de vie et améliorer son fonctionnement. Pour éviter les dommages, ne jamais exposer votre ampli à des températures extrêmes ou à l’humidité. Vous devez également nettoyer régulièrement l’extérieur de l’ampli avec un chiffon doux et sec.
En ce qui concerne l’entretien interne, il est recommandé de remplacer les tubes de préampli et de puissance tous les deux ans environ, ou lorsqu’ils commencent à perdre de la clarté ou à produire des sons distordus.
11. Comment obtenir un son de guitare « britannique » avec un ampli VOX ?
L’ampli VOX est célèbre pour son son de guitare « britannique » distinctif, caractérisé par des tonalités claires et cristallines avec une légère distorsion.
Pour obtenir ce son, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros simples bobinage, tels que les micros Vox Vintage. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé, mais le son de base de l’ampli VOX devrait vous donner un son de guitare classique « britannique ».
12. Comment obtenir un son de guitare « américain » avec un ampli VOX ?
Bien que l’ampli VOX soit connu pour son son « britannique », il est tout à fait possible d’obtenir un son de guitare « américain » avec certains modèles.
Pour ce faire, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros double bobinage, tels que les micros Fender. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé.
13. Comment utiliser la fonction « Top Boost » sur un ampli VOX ?
La fonction « Top Boost » est une caractéristique courante des amplis VOX, qui ajoute une tonalité aigüe et une distorsion douce à votre son de guitare.
Pour utiliser cette fonction, vous devez augmenter les aigus et les aigus moyens sur les contrôles de tonalité de votre ampli. Vous pouvez également augmenter le gain pour une distorsion plus prononcée.
Découvrez tous les différents amplis VOX
Il existe de nombreux modèles d’amplificateurs de guitare VOX, chacun ayant ses propres caractéristiques sonores et fonctionnalités. Voici un aperçu de quelques-uns des modèles les plus populaires :
VOX AC15 : l’un des modèles les plus célèbres de VOX, cet ampli de 15 watts à lampes offre un son classique britannique, idéal pour les styles rock, blues et indie.
VOX AC30 : un autre modèle emblématique de VOX, cet ampli à lampes de 30 watts est apprécié pour son son riche et complexe, souvent utilisé par les guitaristes de rock et de pop.
VOX Pathfinder : une gamme d’amplis de guitare plus petits et plus abordables, offrant des sons VOX classiques dans un format compact.
VOX Valvetronix : une gamme d’amplis à modélisation, qui utilisent la technologie numérique pour simuler une variété de sons d’ampli de guitare, y compris les sons VOX classiques.
VOX Night Train : un ampli à lampes compact et portable, offrant un son chaud et dynamique dans un format facile à transporter.
VOX VT20X : un ampli à modélisation plus récent de VOX, offrant une grande variété de sons d’ampli de guitare et d’effets, ainsi qu’une connectivité Bluetooth pour une utilisation avec des appareils mobiles.
Chacun de ces modèles offre des caractéristiques sonores et des fonctionnalités uniques, il est donc important de réfléchir à vos besoins et à votre style de jeu avant de choisir le modèle qui vous convient le mieux.
Lenny Kravitz dégage quelque chose de magique. Musicien hors pair et complet, c’est un touche à tout de génie. En plus de chanter et de faire les backing vocals, il joue lui-même de tous les instruments lorsqu’il enregistre (guitare,batterie, basse,percussions et clavier). Ses ventes sont estimées à 381 millions d’albums dans le monde.
Lenny Kravitz est aussi une bête de scène. Chaque concert auquel j’ai pu assister me ramène à chaque fois à une éternelle réflexion : « chaque photo est bien…ce type est tellement photogénique qu’il est pratiquement impossible de louper une photo. »
Né le 26 mai 1964 à New York, Lenny est un chanteur, musicien, compositeur et acteur américain.
Ses titres mêlent des éléments aussi variés que le hard rock, le rhythm and blues, le rock psychédélique,le funk, la soul et la pop.
Ses influences multiples s’entendent : John Lennon,Jimi Hendrix, Prince, The Jackson 5, Funkadelic, The Rolling Stones, Stevie Wonder, Led Zeppelin, ou encore James Brown.
Un début de Carrière et 2 albums cultes.
1989-1990 : Let Love Rule
En 1989, son premier album Let Love Rule rencontre un succès modéré (il atteint la 61e place du Billboard).
Lenny gagne une plus grande reconnaissance en 1990,lorsque Madonna devient no 1 aux États-Unis et no 2 en France avec la chanson Justify My Love, qu’il a écrite et réalisée avec la poète Ingrid Chavez et Madonna, pour l’album The Immaculate Collection.
En 1987, il s’enfuit à Las Vegas avec l’actrice Lisa Bonet, alors connue du Cosby Show. Un an plus tard, leur fille, Zoë Kravitz née (elle est maintenant une actrice à succès). Ils louent un loft à Broome Street à New York à un gars qui jouait avec Bob Marley. «C’était tellement sale ici», se souvient-il.
Les chansons de guitare brutes et hippies qui ont formé son premier album jaillissent au milieu de cette vie bohème. Sans label, il les enregistre dans un studio bon marché à Hoboken, New Jersey.
Il est sorti un jour de l’ascenseur de son immeuble après une séance et a écrit: «Let love rule» sur le mur. «C’était juste quelque chose que je pensais», dit-il. «Après l’avoir vu tous les jours, je suis entré dans l’appartement et j’ai attrapé une guitare. La chanson est sortie. »
Avec un album complet fait, Kravitz n’a pas pu obtenir un contrat. Jusqu’au jour où un A&R chez Virgin lui a offert un entretien de cinq minutes. « Elle s’est assise, m’a regardé, et dit: «Je reviens tout de suite». »Puis le président du label est entré et m’a dit que j’étais « Le Prince qui rencontre John Lennon », et m’a proposé de me signer.
Les autres labels en ont eu vent et ont fait monter les enchères. «Warner m’a offert beaucoup plus», dit-il en riant. «Mais je savais que Virgin me laisserait évoluer. Je me fiche que vous soyez Ray Charles ou Aretha Franklin, vous devez vous développer. »
1991-1992 : Mama Said
En 1991, il sort son deuxième album, Mama Said, qui est son premier album, qui figure dans le Top 40. Les chansons de cet album sont consacrées à Lisa Bonet, il y revient sur sa dépression après leur séparation.
Le plus grand single de l’artiste, It Ain’t Over ‘Til It Over, a pris la deuxième place sur la liste Billboard top 100.
Kravitz a écrit son deuxième album, Mama Said dans Broome Street. Le single It Ain’t Over…, cependant, lui est venu dans une chambre d’hôtel à Los Angeles sur un piano Fender Rhodes qu’il avait livré. « J’essayais de récupérer ma femme avec cette chanson. » De retour à New York, il a rendu l’album, mais a voulu garder cette piste «J’ai dit: ‘Je ne mets pas cette chanson parce que c’est un succès. Je voulais la donner à Smokey Robinson. »
Finalement, il réfléchit… le funk fluide de la chanson et les cuivres de Phenix Horns de Earth, Wind & Fire permettent à Lenny Kravitz d’atteindre la deuxième place du top américain. «C’était la première fois que je marchais dans les rues de New York en entendant ma chanson sortir des voitures des gens. La vidéo était partout. J’ai dû arrêter de prendre le métro.
Le prochain single, Always on the Run, en hommage à sa mère, apparaît alors que son ami du secondaire, Slash à la guitare, apparaît sur « What goes around comes around » et « Stand by my Woman ».
En 1992, il produit l’album Vanessa Paradis de Vanessa Paradis, sur lequel il écrit toutes les chansons et joue de tous les instruments. L’album s’est vendu à 1 500 000 exemplaires dans le monde et son premier single « Be my baby » a été un succès dans plusieurs pays européens.
C’est le début d’un immense sucés pour Lenny Kravitz qui enchaînera albums et concert lors les décennies suivantes.
Lenny Kravitz – Festival de Nîmes 2019 – Crédit photo Eric CANTO
Une nouvelle tournée pour Lenny Kravitz en 2019.
Avec la sortie de Raise Vibration le 7 septembre 2019, Lenny Kravitz met fin à quatre ans d’absence. Le chanteur n’a jamais passé autant de temps entre deux albums. « J’ai joué sur scène longtemps après l’album « Strut » avant de rentrer chez moi aux Bahamas.
Je ne savais pas où aller musicalement, j’ai commencé à me poser beaucoup trop de questions, dit-il.
Ce n’est qu’au bout d’un mois qu’un véritable miracle s’est produit. « Une nuit, j’ai été réveillé par un rêve, j’ai bondi en studio pour enregistrer la chanson dont je venais de rêver.
C’était le début de l’album: toutes les chansons de l’album me paraissaient ainsi. C’était la première fois! ». Kravitz, qui enregistre des albums depuis 30 ans, n’en revient toujours pas.
C’est peut-être la nouveauté de cette approche qui rend l’album particulièrement inspirant. À 54 ans, le musicien américain signe une excellente collection de compositions. « J’ai encore de l’inspiration et beaucoup d’énergie, peut-être même plus qu’avant », explique-t-il en grignotant des fruits secs.
Mon ami m’a dit que Raise Vibration ne sonne pas comme le disque d’un gars qui le fait depuis trente ans.
Ça m’a fait plaisir. » Lenny Kravitz est toujours un artisan qui produit de la musique, il joue la grande majorité des instruments. «Je n’ai donc rien à expliquer à personne, tout est fluide en studio, sans stress», explique-t-il.
« Quand j’ai commencé, je rêvais d’être entouré d’un groupe. Mais je n’avais pas assez d’argent pour m’en payer. C’est pourquoi j’ai enregistré « Let Love Rule » tout seul. J’ai développé mon son et c’est a présent ma marque de fabrique.Aujourd’hui encore, je continue a faire ainsi. »
Le concert dans les arènes de Nîmes fut assez exceptionnel pour ses fans : « Lenny Kravitz en concert c’est déjà la promesse d’une belle soirée avec des tubes qui nous font revivre, nos années collège/lycée. Quel show dans ce cadre magnifique des Arènes de Nîmes et son amphithéâtre chargé d’histoire. «
« Ce concert, ce fut surtout l’occasion unique de voir et écouter ce musicien hors-norme, et pour l’occasion en totale communion avec son public lors d’un très long bain de foule final. Inoubliable ! »
Lenny Kravitz – Crédit photo Eric CANTO
Raise vibration de Lenny Kravitz.
Raise Vibration peut rappeler le choc ressenti après la découverte de Let Love Rule en 1989. À cette époque, seule une poignée de musiciens noirs se démarquent en multipliant les références. « Il y avait un prince et moi », se souvient l’artiste.
Il est le fils d’un couple mixte d’Amérique ségréguée, entretient une relation très forte avec la France et particulièrement Paris, où il a acquis une résidence somptueuse.
Il partage aujourd’hui sa vie entre Paris et les Bahamas, souvent sur scène, il reste une figure de notre temps, musicien hors pair, il est aussi une bête de scène toujours fantastique à shooter.
Retrouvez le concert intégral de la tournée 2019 de Lenny Kravitz.
Discographie de Lenny Kravitz
Albums studio de Lenny Kravitz
1989 : Let Love Rule
1991 : Mama Said
1993 : Are You Gonna Go My Way
1995 : Circus
1998 : 5
2001 : Lenny
2004 : Baptism
2008 : It Is Time for a Love Revolution
2011 : Black And White America
2014 : Strut
2018 : Raise Vibration
Compilations / Rééditions de Lenny Kravitz
2000 : Greatest Hits
2009 : Let Love Rule: 20th Anniversary Deluxe Edition
2012 : Mama Said: 21st Anniversary Deluxe Edition
2013 : Are You Gonna Go My Way : 20th Anniversary Deluxe Edition
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Bonus : Interview de Lenny Kravitz dans Rolling Stone
Après que la pandémie a commencé à se propager début mars, Lenny Kravitz a quitté son domicile parisien et a décampé dans sa retraite à Eleuthera, une petite île des Bahamas.
Plutôt que de parcourir le monde et de promouvoir ses nouveaux mémoires , Kravitz a mené une vie simple, cultivant sa propre nourriture et utilisant des arbres comme bancs d’entraînement de fortune.
Kravitz est d’humeur réfléchie grâce aux mémoires, intitulé Let Love Rule. C’est le premier des deux volumes prévus, couvrant sa vie jusqu’à la sortie de son premier album en 1989.
Avec peu d’hédonisme de rock star ou d’histoires stéréotypées d’excès à proprement parler – attendez-vous à cela dans le volume 2 – vous avez le droit d’être sceptique. Mais les mémoires sont un regard fascinant sur les dualités de toujours de Kravitz.
Enfant biracial, fils d’un père producteur de NBC News (Sy Kravitz) et d’une mère actrice de télévision (Roxie Roker, de The Jeffersons ), il a fait la navette entre Manhattan et Brooklyn avant de déménager à Los Angeles, où il se sentait également à l’aise dans un Beverly Manoir des collines et dans les sous-cultures gothiques, new wave et stoner/skater.
« J’ai toujours dit que j’aimais les extrêmes », dit Kravitz. «C’est le milieu que je ne fais pas très bien. Bien sûr que je peux le faire, mais ce n’est pas aussi attrayant pour moi. Je n’en tire aucune énergie. Je me nourris des extrêmes. L’artiste de 56 ans a parlé à Rolling Stone des Bahamas des mémoires, de la pandémie et du ralentissement.
Trouvez-vous plus facile ou plus difficile de trouver une inspiration créative pendant la quarantaine ?
Lenny Kravitz: Ce fut une période très calme et créative. Pour être honnête, quand nous ne sommes pas dans cette situation et que je suis ici en train de créer, je me rends compte que j’ai mis en quarantaine toute ma vie. Quand je descends ici, c’est un peu ça. Vous n’êtes entouré que de quelques personnes.
La seule différence est que vous pouvez aller dans le village [et] dans la colonie et passer du temps avec les gens et aller vous asseoir dans un bar ou un restaurant et parler avec les gens. Cela me manque.
Mais sinon, c’est un peu comme ça que je vis tout le temps quand je suis ici.
Trouvez-vous plus difficile de trouver l’inspiration en vieillissant ou l’âge ne joue-t-il pas un rôle ? Lenny Kravitz: Je ne m’occupe pas de cette chose vieillissante. Les chiffres augmentent, mais je suis toujours aussi affamé, motivé et inspiré que je l’étais dans le livre.
Quand j’entre dans ce studio, c’est toujours magique pour moi. Je ne le prends jamais pour acquis. Être ici vous permet de vous entendre de manière très claire parce que vous êtes dans la nature.
Parce que c’est si calme. Parce que vous êtes un peu isolé. Cela a toujours été un endroit idéal pour moi d’être créatif. Mais, oui, je suis toujours à cet endroit, mec, Dieu merci.
Je ne le ferais pas autrement. Je connais des artistes qui continuent à faire ça pendant des années, j’ai vu des gens devenir blasés [et] fatigués. Ils ne veulent pas tellement être en studio, et je n’ai pas vécu ça.
Pourquoi un mémoire maintenant, et pourquoi le diviser en deux parties ? Lenny Kravitz: Eh bien, je n’ai jamais pensé à écrire le livre. Je ne pense pas que ma vie soit si intéressante. [Mais] je suis content de l’avoir fait car écrire ce livre a été la meilleure forme de thérapie que j’aurais pu suivre.
C’était une histoire où je trouvais ma voix et je ne voulais pas qu’il s’agisse de célébrité ou de célébrité. Le deuxième livre sera un livre beaucoup plus difficile à écrire.
Les choses sont devenues intenses, mais je pense que [écrire] cela fournira le même niveau de thérapie [et] beaucoup de choses seront guéries.
J’ai été choqué de lire qu’après que vous ayez surpris votre père en train de tromper votre mère, il vous a dit : « Vous le ferez aussi » avant d’être expulsé de la maison.
Lenny Kravitz: J’avais environ 19 ans. C’était une déclaration assez profonde à un moment où je crois que ma mère voulait qu’il dise quelque chose qui m’aurait été bénéfique. « C’était faux. Je veux que vous compreniez et je suis désolé.
Et il vient d’ y aller . Aussi intransigeant que cela puisse être à ce moment-là, je ne réalisais pas à quel point cela avait pénétré mon être.
Mais quand j’y repense, je peux comprendre maintenant avec des yeux neufs et sans jugement qu’il parlait simplement de ce qu’il pensait être sa vérité.
Son père avait fait des choses similaires et il était extrêmement en colère contre son père pour cela. Et puis il répète le même genre de comportement, et puis je suppose qu’il a pensé que c’était une sorte de chaîne qui ne peut pas être brisée. « Tu le feras aussi, comme il l’a fait [et] comme je l’ai fait. » C’est vraiment triste et vraiment intense et j’ai dû faire face à cela des années plus tard.
Vous avez dit que la première chose qui vous est venue à l’esprit était l’arme que votre père gardait cachée dans son placard.
Je suis sûr que c’était une pensée dramatique d’un adolescent en colère, parce que l’aurais-je fait ? Non. Mais j’avais ce côté de moi qui me mettait rapidement en colère.
Et j’étais tellement en colère contre lui et j’étais tellement blessé, parce que je suis un fils à maman, n’est-ce pas ? J’adore ma mère et je savais que cette arme était dans le placard pour protéger la maison.
Mais c’est là que ma tête est allée. Je me souviens avoir dit à ma mère : « Si vous n’obtenez pas ce billet [d’avion] maintenant [pour m’emmener hors de LA], quelqu’un pourrait mourir. » Encore une fois, c’est un adolescent en colère, mais c’est ce que je ressentais.
Comment pensez-vous que cet événement vous a affecté plus tard dans la vie ? Lenny Kravitz: Cela a certainement soulevé des questions sur l’engagement, et pourrais-je le faire ? Mais j’ai passé quelques années à travailler pour faire sortir ça de moi.
Ce qui était beau qu’au lieu de voir mon père comme mon père et ce qu’il avait fait pour moi ou à ma mère, je l’ai vu comme un personnage.
Parce qu’une fois que vous écrivez le livre, tout le monde est un personnage et vous essayez de rassembler toutes ces choses. Je l’ai vu comme un homme qui essayait juste de trouver son moyen de vivre cette expérience avec ce qu’il avait, et ce qu’il avait dans certains domaines se limitait à ce que son père faisait avec lui.
Tout d’un coup, tout le jugement est tombé et mon amour s’est même ouvert pour lui en écrivant le livre. J’ai fini par vraiment l’aimer et le comprendre et tout ce qui restait de l’anxiété, du jugement [et] de la douleur a simplement disparu parce que je l’ai accepté en tant qu’être humain…
J’aime mon père et je l’ai aimé davantage après avoir écrit ce livre. Nous avons fait la paix avant sa mort.
Vous avez dit dans une vidéo en mars : « Nous sommes tous un ; nous sommes une seule race humaine », ce qui a été une philosophie globale pour vous. Il y a souvent un sens de l’utopie dans votre travail. Cela a-t-il été plus difficile à maintenir avec tout ce qui s’est passé cette année? Lenny Kravitz: Non, ça devient de plus en plus intense. Cela devient de plus en plus difficile. Je sais que nous avons la capacité de nous rassembler; nous sommes juste coincés dans nos horribles manières.
Je suis resté positif à travers cela. J’ai eu des jours où je dois lutter contre la dépression qui s’annonce, parce que c’est tellement triste la façon dont nous nous traitons nous-mêmes et notre planète. Et juste pour voir à quel point les choses vont à l’envers.
J’ai vu les gens avant moi se battre pour les choses pour lesquelles ils se sont battus. Si mon grand-père était vivant maintenant pour voir ce qui se passe, il ne serait pas capable de le gérer. Je sais que nous en avons la capacité, mais nous avons un trou profond à creuser pour le moment. Le système doit être complètement détruit et reconstruit.
Il y a quatre ans, vous disiez : « L’amour doit être le résultat final de chaque situation. Compte tenu des troubles sociaux de l’année dernière, y a-t-il jamais eu un espace pour la violence en tant qu’acte rebelle pour provoquer un changement social ?
Lenny Kravitz: Je vois pourquoi les gens deviennent violents et je le comprends. Ce n’est pas ma façon de faire ; Je veux agir en combattant ces choses, mais pas par la violence. Mais est-ce que je comprends la violence ? Oui.
Est-ce que je me sens parfois violent à l’intérieur ? Absolument. C’est arrivé au point [où] je regardais toutes ces vidéos où des hommes et des femmes noirs sont filmés et je ne pouvais plus le faire. Cela fait ressortir des sentiments violents.
À la fin du livre, vous écrivez : « La vie d’une rock star est à la fois une belle bénédiction et un fardeau périlleux. » Quel est le « fardeau périlleux » et comment cela a-t-il façonné votre relation avec les gens ? Lenny Kravitz: Je n’étais pas préparé à ce qui allait arriver. Même si j’avais connu la célébrité et que j’avais regardé ma mère s’en occuper d’une manière très gracieuse et que j’étais avec la mère de Zoe [Lisa Bonet] et que je la regardais s’en occuper….
J’ai été élevé comme une personne très terre-à-terre, mais lorsque le [premier] album est sorti et que la dynamique de la célébrité est arrivée et que la musique jouait dans le monde entier, l’attitude des gens à mon égard a changé.
Je voulais rester la même personne que j’étais, mais j’ai dû prendre une vraie leçon, comment puis-je garder mon esprit, mais en même temps me protéger des gens qui me voient maintenant comme cette chose et ce qu’ils peuvent obtenir d’être autour de moi ?
Je suis resté ouvert pendant les deux premières années et ensuite, vous savez, des choses se sont produites.
Vous nous avez dit en 1994 : « Je ne suis pas un hippie. Je suis juste une personne qui aime ce qu’il aime et joue ce qu’il aime. Regardez ce qui est arrivé aux hippies. La majorité d’entre eux sont maintenant des connards qui gèrent tout. Vous sentez-vous toujours de cette façon? Lenny Kravitz: C’était dans les années 90. J’ai vu beaucoup de gens et d’amis de mes parents – des gens qui étaient des hippies – [qui] sont devenus des yuppies d’entreprise et tous les neuf. Mais c’est la vie.
Nous changeons. « Hippie » est un mot si spécifique. Je suppose que vous pourriez dire que je suis toujours un hippie, peu importe ce que cela veut dire.
Je suis dans la paix et l’amour. Je suis dans la nature. Je suis dans le jardinage. Je suis dans la musique et l’art.
Que ce soit hippie ou bohème et peu importe comment vous l’appelez, je vis ce style de vie. Mais je suppose qu’alors, quand je disais « Je ne suis pas un hippie », je ne voulais pas être enfermé dans [ça].
Quelle était votre définition personnelle du succès lorsque vous avez commencé, et comment cela a-t-il changé en vieillissant ? Lenny Kravitz: Ma définition du succès était que j’étais vraiment fier des albums et des enregistrements.
Mais je m’en fichais qu’ils soient des tubes ou qu’ils se vendent. Je ne suis jamais allé à une cérémonie de remise de prix où j’ai reçu le prix. Je me souviens d’une nuit où j’étais à Paris.
Il était tard dans la nuit [et] je sortais du club Les Bains Douches et j’étais à l’arrière d’une voiture et quelqu’un m’a appelé et m’a dit: « Tu as gagné le Grammy pour… »
J’étais comme, « Oh, ouais , c’est cool, mec. Super. » Et j’ai raccroché et pris un autre coup sur mon joint. J’ai raté des moments où j’aurais dû sentir les fleurs.
Et donc je suis maintenant à un endroit dans les dernières années de ma vie où quand j’ai un quelconque succès, je m’arrête et je prends un moment pour le comprendre, parce que vous devriez.
J’étais toujours du genre « Ouais, peu importe », parce que ma tête était tellement coincée dans l’art et la fabrication de ces choses.
La pandémie a-t-elle été étrangement bonne pour cela? Beaucoup de gens ont été obligés de ralentir les choses et de réfléchir davantage. Lenny Kravitz: Oh oui. Cela commence par le simple réveil et chaque matin [en disant], « Dieu. Merci. Merci. Un autre jour de vie. C’est excitant.
Même les plus petites choses que nous appelons les « petites choses » – comme se réveiller, respirer, manger des aliments frais, avoir de l’eau courante – sont de grandes choses.
J’apprécie ces luxes et je reconnais qu’ils sont des luxes. Pour moi, être ici aux Bahamas dans la nature dans un endroit dans lequel j’ai des racines et que je peux isoler – mais pourtant ressentir cette énergie de Dieu et de la nature et des éléments – [a] été très curatif et je suis reconnaissant .
Il y a toujours eu une contradiction et une dualité dans votre vie entre la rock star hédoniste et le naturaliste décontracté. Vous écrivez dans le livre : « Je suis profondément à double face. » Était-ce une excroissance naturelle de qui vous êtes ? Lenny Kravitz: Je l’ai toujours eu, et c’est tout ce que j’ai connu. Je suis né Gémeaux. Ma mère me demandait : « D’accord, avec qui d’entre vous ai-je affaire aujourd’hui ? » J’ai toujours prospéré dessus. Je me nourris des extrêmes. Je peux vivre dans la rue ou je peux vivre dans un manoir.
Le milieu, cependant, ne m’attire pas autant. Je n’en tire pas une énergie qui me nourrit. À 15 ans, ma mère est dans l’émission de télévision numéro un. Qu’est-ce que je décide de faire ?
Pars parce que mon père ne me laisse pas aller à un concert, et maintenant je vis dans la rue [ou] les étages des gens. Je me mets dans cette position.
Je n’ai pas eu à partir, mais cela a fonctionné pour moi d’une manière ou d’une autre et cela a toujours été le cas.
En 1995, vous nous avez dit : « Je veux faire ça jusqu’à ce que je sois vieux et petit. J’aimerais être comme John Lee Hooker dans mon petit costume, jouer de la musique, gratter ma guitare. Lenny Kravitz: Quand John Lee Hooker a eu ce grand succès avec cet album [1989] The Healer, j’étais comme, « Wow, d’accord, voici un gars plus âgé et il a des disques à succès et il est en tournée. »
Regarder tous les gars que j’ai regardés, de Duke Ellington à BB King, qui a dû s’asseoir sur une chaise lors de ses dernières performances.
Mick Jagger a 70 ans et peut encore faire vibrer un stade mieux que la plupart des jeunes de 20 ans.
Je suis au milieu maintenant. Je suis encore jeune, et dans une vingtaine d’années, quand j’arriverai là où se trouve Mick, je le ferai toujours si nous avons un monde où nous pouvons le faire. Je prévois de le faire jusqu’à ce que je ne puisse plus.
Les portraits de Martin Schoeller sont connus pour ses ultra-gros plans, avec le ton, l’humeur et la cohérence des compositions qui ont ravivé les pages de nombreuses publications les plus chères en Amérique et en Europe au cours des 20 dernières années. Mais ces photographies révélatrices ne sont que la partie la plus reconnaissable de son travail étonnamment mouvementé.
Martin Schoeller a maintenant accumulé tout le travail qui défie la classification parce qu’il s’est aventuré dans toutes les sous-cultures, à l’exception des événements invisibles récents, des perturbations de la justice sociale, des célébrités et de nombreuses autres sous-catégories. Comme nous le voyons dans Martin Schoeller 1999–2019, ces images sont un véritable musée de l’histoire récente – un projet diversifié, ingénieux, dynamique, discipliné et consciencieux qui est le travail d’une perspective humaine.
L’approche de Martin Schoeller
« Comme tous des photographes de portraits, j’essaie de capter le moment où le sujet arrête de réfléchir. J’essaie d’aller au-delà de la représentation du visage du sujet, à la recherche de quelque chose d’inattendu. « – Martin Schoeller est un photographe portraitiste né en 1968. C’est un portraitiste connu pour ses portraits en gros plan extrêmes.
Martin Schoeller a travaillé comme assistant d’Annie Leibovitz dans les années 1993–1996, et depuis 1998. Ses œuvres sont apparues, entre autres chez National Geographic, Time, Rolling Stone, GQ, Entertainment Weekly, Esquire, et The New York Times Magazine. Il rejoint Richard Avedon en tant que photographe portraitiste à New Yorker en 1999. Il continue de travailler à New York. Schoeller expose à l’international et ses photos sont stockées dans des collections, dont la National Portrait Gallery de la Smithsonian Institution à Washington.
Biographie de Martin Schoeller
Martin Schoeller est allemand. Très jeune, Martin Schoeller a été influencé par le travail extraordinaire du portraitiste August Sander, connu pour ses photographies de pauvres, d’ouvriers et de bourgeois.
Son regard est alors attiré par les photos extraordinaires de Bernd et Hilla Becher, qui ont ensuite créé la célèbre école Becher.
Le travail de Martin Schoeller a été exposé aux Jeux olympiques de Pékin en 2008 et est régulièrement traité aux États-Unis et en Europe.
Ses portraits sont exposés et collectionnés dans le monde entier. Ils ont fait l’objet de plusieurs expositions et font partie de la prestigieuse National Portrait Gallery du Smithsonian Institute à Washington. Les portraits de Schoeller donnent à toutes les expressions humaines du visage une nouvelle dimension. C’est pourquoi les portraits existants sont leur raison d’être, explique David Remnick, lauréat de Pulitzer en 1994 et directeur du New Yorker Magazine.
Le premier livre de Martin Schoeller , Gros Plan, est publié en 2005 par teNeues.
Il poursuit ses portraits pour New Yorker, acquérant de nouvelles séries, commandées par des magazines ou dictées par des recherches faciales qui attirent la société moderne. C’est comme ça que je veux travailler sur des femmes championnes de culturisme. C’est ainsi que les bodybuilders sont créés, une série de monographies en tirages limités,très recherchée des collectionneurs de photographie contemporaine.
Pour les culturistes, j’essaie de montrer la faiblesse que je vois et ressens dans mes modèles quand je suis avec eux; il a réalisé des émotions complexes cachées sous un masque physique extrêmement fonctionnel. Ces femmes sont le reflet de notre désir moderne de grandeur, de force et d’agressivité; et attention à tout prix. Nous sommes dans un âge excédentaire. Martin Schoeller vit et travaille à New York et est considéré comme l’un des maîtres de la photographie moderne.
Martin Schoeller est particulièrement connu pour sa série de portraits en gros plan qui captent de près les icônes de la culture américaine. De Clint Eastwood à Barack Obama, en passant par Paris Hilton ou Bill Murray, Martin Schoeller offre au spectateur la fixation, aux yeux de ces personnalités devenues des monstres vivants.
Certainement un regard nouveau et sans compromis sur ces visages que vous penseriez connaître par cœur. Ses portraits offrent le même cadre serré et la même lumière vive et presque médicale des célébrités et des étrangers. De cette façon, il explore l’univers des jumeaux monozygotes lors d’une série pour le National Geographic ou les femmes championnes de culturisme en musculation.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Comment avez-vous commencé la photographie? Quel âge aviez-vous lorsque vous avez commencé et que faisiez-vous avant cela?
Martin Schoeller : J’ai terminé mes études secondaires en Allemagne et je n’avais aucune idée de ce que je voulais être. L’éducation en Allemagne est gratuite, donc je me suis inscrit au collège. Malgré cela, je n’y suis presque jamais allé.
J’ai travaillé avec un homme handicapé atteint de sclérose en plaques. J’ai pris soin de lui, je suis parti en vacances avec lui, je l’ai lavé et nourri. J’étais fondamentalement un travailleur social. La nuit, j’étais barman et serveur.
Il y a des avantages dans le système éducatif européen; vous avez une assurance maladie et vous pouvez gagner de l’argent sans payer d’impôts. Un de mes amis postulait dans une école de photographie à Berlin et a dit: «Pourquoi ne postulez-vous pas avec moi? Ils nous emmèneront peut-être tous les deux et nous pourrons partir ensemble.
J’avais pensé que les photographes étaient des geeks jusque-là. Chaque fois que j’organisais une fête au lycée, les photographes se tenaient dans le coin, attendaient que quelqu’un s’embarrasse, s’enfuit et prenne des clichés.
Je n’ai jamais beaucoup aimé les photographes; Je les ai toujours considérés comme des voyeurs. Mais mon ami a postulé pour l’école et j’ai pensé: «Pourquoi pas? Ce sera peut-être cool. «
Mon attitude était qu’ils n’étaient pas susceptibles de m’accepter de toute façon. Les chances étaient de un sur vingt et 800 personnes ont postulé. Ils nous ont donné certaines missions, et j’ai rempli toutes ces missions dans le temps qu’ils nous ont donné. Finalement, ils m’ont accepté et non mon ami.
Vous aviez un talent d’artiste visuel que vous ne saviez pas avoir ?
Martin Schoeller : J’ai été bouleversé qu’ils m’aient accepté. Avec le recul, je ne pense pas que mes photos étaient meilleures que mes amis. Pourtant, pour une raison quelconque, j’ai été sélectionné. J’étais flatté.
Je me suis dit: «Oh mon dieu. C’est peut-être quelque chose que je pourrais être bon si j’essaie vraiment. » Mon père a toujours dit que j’avais un bon œil. Je ne savais pas ce qu’il voulait dire par là, mais il a toujours senti que j’avais un bon sens pour les meubles, les espaces et le design; bon goût.
Plus tard, vous êtes venue à New York et avez aidé Annie Leibovitz. Comment cela s’est-il produit et qu’avez-vous appris ?
Martin Schoeller : Lorsque j’ai terminé mes études de photographie, j’ai aidé un photographe de nature morte à Francfort, puis j’ai travaillé pour un photographe très célèbre à Hambourg, qui m’a licencié après trois mois.
J’étais complètement dépassé par la situation. Je ne savais pas que n’importe qui pouvait travailler aussi dur. La charge de travail et les responsabilités étaient incroyables. C’était une combinaison de choses qui n’ont pas fonctionné.
Ce que je retiens de cela, c’est que l’aide est tellement de travail pour si peu d’argent, vous devez travailler pour quelqu’un que vous respectez et que vous aimeriez faire un jour. Mes trois photographes préférés à l’époque étaient Annie Leibovitz, Steven Meisel et Irving Penn.
J’ai économisé 2 000 $, j’ai déménagé à New York et je les ai tous appelés. Rien ne s’est passé. J’ai manqué d’argent et j’ai dû rentrer chez moi et travailler à nouveau pour l’homme handicapé.
Je suis revenu quelques mois plus tard après avoir économisé de l’argent et trouvé un travail gratuit pendant un mois pour un photographe de nature morte. Il connaissait quelqu’un qui travaillait dans le studio d’Annie et les choses se sont arrangées.
J’avais envoyé tellement de candidatures et finalement quelqu’un chez Annie m’a dit de venir me présenter. Et à l’époque, Annie venait de renvoyer quelqu’un. Le premier assistant m’aimait beaucoup. Il a dit à Annie qu’il pensait que je serais une bonne assistante, alors j’ai commencé comme troisième assistante et j’ai travaillé pour elle pendant trois ans.
Êtes-vous devenu second ou premier assistant plus tard ?
Martin Schoeller : Oui. Peu de temps après avoir commencé, le deuxième assistant est parti, et peu de temps après, le premier assistant est parti. J’ai été de nouveau pris dans une situation où j’étais complètement au-dessus de ma tête. Cela a rendu le travail assez tendu avec Annie.
Ce fut un travail intense en tant que premier assistant ?
Martin Schoeller : Ouais, c’était très intense. Vous apprenez tellement à travailler avec Annie parce qu’elle vous donne tellement de responsabilités. J’étais en charge de l’éclairage pour elle. Elle est très particulière dans son éclairage, mais elle n’est pas très technique.
Elle ne sait pas toujours comment réaliser ce qu’elle veut, mais elle sait ce qu’elle veut – ce qui est le plus important. Le problème était que parfois je ne pouvais pas lui faire plaisir, et elle disait: « Non, je n’aime pas cet éclairage. » J’ai essayé très fort de lui plaire, mais je n’ai pas toujours réussi.
Vous avez donc beaucoup appris d’elle. J’ai entendu dire qu’elle avait appris son éclairage auprès de ses assistants.
Martin Schoeller : Oui, mais mes prédécesseurs sont partis si peu de temps après que j’ai commencé que je n’ai pas eu le temps d’apprendre d’eux.
C’était difficile, mais avez-vous beaucoup appris ?
Martin Schoeller : J’ai tellement appris d’elle. Je dis toujours que je n’aurais jamais eu la carrière que j’ai eue sans avoir travaillé avec elle.
Les contacts vous ont-ils aidé à parler dans votre premier emploi ?
Martin Schoeller : Non, je pense que les contacts des photographes professionnels sont souvent surfaits. En travaillant avec Annie, vous travaillez avec les types de magazines qui ne vous embaucheraient pas en tant que jeune photographe.
Aucun photographe n’obtient son premier emploi auprès de Vanity Fair ou d’agences de publicité. Il peut y avoir une exception dans le monde de la mode, mais en tant que photographe, vous commencez avec des magazines d’affaires et un budget plus petit.
Vous étiez seul, mais son nom n’a pas aidé au début ?
Martin Schoeller : Cela m’a un peu aidé. Les gens étaient toujours curieux d’entendre ce qui se passait dans les coulisses du studio d’Annie. Cela m’a probablement aidé à obtenir plus d’interviews en personne quand ils ont entendu que je travaillais avec Annie Leibovitz.
Cependant, chaque éditeur de photos est en fin de compte responsable des photos que vous livrez, et il ne veut pas montrer au rédacteur en chef une photographie médiocre.
Il fallait avoir le travail.
Martin Schoeller : Ouais, tu dois avoir le travail.
D’où vous sont venues vos idées de beaux-arts, comme les jumeaux et les culturistes féminins? Quelle était la motivation pour faire ces séries ?
Martin Schoeller : Les culturistes féminines venaient d’un de mes assistants. Il aimait la musculation, bien que je ne puisse pas en dire autant. Il m’a montré un magazine un jour et je suis tombé sur ces bodybuilders féminins et j’étais juste sous le choc.
Pourquoi une femme se ferait-elle quelque chose comme ça, pour ressembler davantage à un homme?
Je suis allée à un concours de musculation avec mon amie et j’ai parlé à certaines dames. J’ai vu qu’elles étaient souvent des mères avec des enfants et des emplois à plein temps. Je me suis sentie très intriguée. J’ai trouvé leur apparence et leurs histoires de vie intéressantes, alors j’ai passé cinq ans à trouver ces bodybuilders professionnels à toutes les différentes compétitions à travers le pays.
D’où est venue l’idée des jumeaux?
Martin Schoeller : Les jumeaux étaient une mission pour National Geographic. National Geographic a fait un numéro sur les jumeaux et m’a engagé pour les photographier. Quand j’ai entendu parler de la mission pour la première fois, j’ai pensé: «Oh mon dieu, les jumeaux.
N’est-ce pas la chose la plus ancienne de la photographie? » Mais je ne dis pas non à National Geographic; c’est un excellent magazine.
Ils m’ont envoyé à Twinsburg, Ohio, où ils organisent un festival jumeau chaque année. Quand j’ai pris les premiers Polaroid et les ai mis côte à côte, l’attirance de deux personnes différentes qui se ressemblaient si étrangement m’a fait penser:
« Hmm, c’est peut-être quelque chose de différent. » C’était l’idée de photographier des jumeaux séparément et non ensemble comme une seule entité. Je l’ai trouvé de plus en plus fascinant.
Une fois la mission terminée, tout le monde semblait tellement intrigué par ces jumeaux, alors j’ai continué le travail. J’ai trouvé deux paires de jumeaux où l’un d’eux a subi une opération de changement de sexe.
J’ai trouvé des quadruplés identiques, ce qui est extrêmement rare. Ensuite, j’ai développé tout cela dans un livre; c’est ainsi qu’est né ce livre.
Dans quelle mesure trouvez-vous les œuvres d’art intéressantes par rapport aux missions commerciales ?
Martin Schoeller : Je ne pense pas vraiment aux termes beaux-arts et artiste et photographe. Je me vois comme un photographe. Je pense que je suis plus un photographe qu’un artiste, car je pense que le but d’un véritable artiste devrait être de proposer une idée qui n’a jamais été faite auparavant. Voilà ma définition d’un artiste. Je pense qu’il y a très peu de photographes que j’appellerais des artistes.
Je pense que la plupart d’entre eux ne sont que des photographes. Eh bien, pas seulement les photographes, mais ils ne correspondent pas à la facture des artistes. C’est pourquoi il n’y a pas tant de photographie dans les musées.
Diriez-vous que les définitions sont commerciales-affectations, puis artiste ?
Je pense que beaucoup de gens sont satisfaits du fait qu’ils se considèrent comme des artistes; cela devient une grande partie de leur identité. Je ne ressens pas ce besoin. Je n’ai pas honte de faire de la publicité.
Je suis heureux de voir mon travail dans les musées et d’être vendu dans des galeries. En tant que photographe, vous essayez simplement de créer le meilleur travail possible, quelle que soit la mission.
Quels sont les avantages et les inconvénients d’être si occupé? Y a-t-il des inconvénients ?
Martin Schoeller : Je pense que ce que les gens sous-estiment, c’est que plus vous avez de missions, plus vous avez besoin d’équipage. Vous avez une responsabilité envers vos employés. Vous vous retrouvez dans des situations où vous devez gagner beaucoup d’argent pour garder cette machine que vous avez construite.
J’ai entendu une fois, quand je travaillais avec Annie, qu’elle avait 50 ou 80 000 $ de frais généraux par mois à nettoyer juste pour atteindre le seuil de rentabilité. C’était il y a 20 ans aussi. Vous devez gagner beaucoup d’argent juste pour atteindre le seuil de rentabilité.
Vous devez en faire encore plus pour en garder pour vous. Cela devient plus facile, mais pas vraiment. Si quelqu’un est une entreprise individuelle, il peut conserver tous les bénéfices.
Est-il difficile de refuser de travailler à ce stade ?
Martin Schoeller : Je me considère très chanceux d’avoir continuellement eu tellement de travail. Mais ce n’est souvent pas le cas si j’ai trois emplois par semaine. En tant que photographe qui existe depuis longtemps, vous êtes un peu tenu pour acquis. Les gens aiment votre travail, mais cela ne signifie pas nécessairement qu’ils vous donnent du travail. Vous venez avec certaines associations.
Par exemple, vous avez peut-être fait un tournage coûteux pour quelqu’un il y a trois ans lorsque les magazines avaient plus d’argent. Mes honoraires sont les mêmes que tous les autres, mais j’ai peut-être fait un tournage intense.
Maintenant, tout le monde vous considère comme un photographe cher. De plus, les gens aiment découvrir de nouvelles personnes. Ils ne veulent pas nécessairement embaucher quelqu’un qui travaille pour le concours.
Il n’y a donc jamais un point où vous pouvez vous déplacer le long de la côte – bien qu’Annie en ait un avec ses contrats. Mais c’est très rare.
Martin Schoeller : C’est très rare, oui. Ces contrats peuvent toujours expirer à la fin d’une année. Il n’y a aucune garantie en photographie. Je dis toujours aux jeunes photographes: «Ne pensez pas que vous avez une couverture Vanity Fair et vous avez terminé; tu es aussi bon que ta dernière photo.
Vous pouvez prendre dix superbes photos et les gens diront que vous êtes bon. C’est pourtant ce qu’ils attendent de vous. Si vous prenez deux ou trois mauvaises photos, les gens s’en souviennent plus qu’ils ne se souviennent des bonnes.
Comment avez-vous rencontré Hasted Kraeutler ?
Martin Schoeller : Je ne me souviens pas très bien comment ils m’ont trouvé, ou si je les ai trouvés. Cela fait si longtemps que j’ai oublié comment nous avons été présentés.
La relation se passe-t-elle bien? Ils ont géré quelques-uns de vos spectacles.
Martin Schoeller : Tout va bien. La chose avec les projets personnels, c’est que si vous les décomposez financièrement, ils sont un gouffre financier complet. Vous n’allez jamais récupérer l’argent que vous dépensez pour ces photos.
Les spectacles sont chers ?
Oh oui. J’ai probablement dépensé 250 000 $ pour le projet de culturiste. Je n’ai même jamais voulu l’additionner. Je pense que j’ai vendu peut-être trois tirages pour 10 000 $ chacun. La galerie en reçoit la moitié, j’ai donc réalisé 15 000 $ de ventes d’imprimés.
C’est un vrai travail d’amour.
Martin Schoeller : Ouais. C’est pourquoi je dis toujours aux jeunes photographes qu’être photographe d’art n’est pas une bonne idée; il y en a très peu qui peuvent en vivre.
Envisagez-vous des projets personnels de beaux-arts en ce moment?
Martin Schoeller : J’ai eu un projet que j’ai mis en attente. J’ai un enfant de cinq ans à la maison et j’ai du mal à le quitter pendant longtemps. Mais peut-être que cette année à venir, je pourrais aller rendre visite à un autre groupe indigène – avec un peu de chance pour National Geographic – et le rassembler sous forme de livre un jour.
Quel pays visiteriez-vous?
Martin Schoeller : Nous verrons. Probablement encore l’Amazonie. Ou encore le Brésil. Mais on verra.
Quel type d’équipement utilisez-vous en termes de caméras et d’éclairage ?
Martin Schoeller : Je filme toujours tous mes gros plans sur film avec un RZ, 6 × 7 et 140, sur Portra 800.
Le film vous donne donc toujours quelque chose que vous préférez. Ouais. J’ai également une caméra Phase One. J’avais l’habitude de tout filmer jusqu’à il y a environ trois ans. Mon appareil photo préféré de tous les temps doit être le Fuji 6 × 9, avec l’objectif 90 mm. C’est un appareil télémétrique.
C’est comme un Leica surdimensionné. Je trouve qu’il est facile de se concentrer. J’ai toujours adoré cet appareil photo. J’en ai cinq. Je les utilisais exclusivement pour toutes les photos horizontales. J’ai utilisé un RZ pour les verticales et Fuji 6 × 9 pour les horizontales.
Pourquoi en avez-vous cinq ?
Martin Schoeller : J’en prendrais trois sur la route, mais certains seraient cassés. J’en ai un en réparation, celui que je pensais devoir remplacer, puis j’en ai donné un à mon assistant quand il est parti. J’en ai probablement acheté plus comme sept ou huit.
Shootez-vous aussi numériquement?
Martin Schoeller : Oui, maintenant je suis passé au numérique. J’ai toujours prêché la photographie analogique parce que je sentais que les tons chair sont meilleurs avec le film; c’est plus indulgent et plus naturel; plus en trois dimensions si vous photographiez sur film. Mon ancien assistant m’a convaincu d’essayer ces appareils photo numériques, et nous en avons essayé un tas.
Je suis tombé sur la Phase One – à l’époque c’était un Mamiya avec la Phase One de retour – et je dois dire que c’était la première fois que je sentais que les tons de peau étaient vraiment très bons.
C’était il y a combien de temps ?
Martin Schoeller : Il y a environ trois ans.
Vous utilisez donc le numérique pour le format moyen – vous ne faites pas du 35 mm?
Martin Schoeller : J’ai un Nikon numérique, mais je ne l’utilise que rarement. Je l’utilise si je dois photographier quoi que ce soit à grande vitesse comme courir ou sauter; des choses où vous devez pouvoir prendre dix images par seconde. Normalement, je tourne avec le film IQ280 de 80 mégapixels. C’est parfois une grosse douleur dans le cul. Mais lorsque l’appareil photo fonctionne et que tout fonctionne, c’est presque comme photographier en 4 × 5.
Avez-vous déjà tourné en 4 × 5?
Martin Schoeller : Non, mais j’ai beaucoup tourné en 8 × 10. Tous les culturistes que j’ai photographiés en 8 × 10. C’est pourquoi le projet était si cher.
Quelle entreprise utilisez-vous pour l’éclairage et quelles lumières spécifiques utilisez-vous? Je sais que tu utilises Kino’s.
Martin Schoeller : J’utilise le Kino Flo pour mon gros plan. Pour le stroboscope, j’utilise le Profoto Acute’s. Ils sont plus légers et plus faciles à voyager. Mais finalement, tout ce qui clignote me convient.
Avez-vous essayé les monolights Profoto, les D1?
Martin Schoeller : Non, je n’ai jamais essayé ça. J’ai toujours peur que mes lumières ne tombent.
Comment aimez-vous vivre aux États-Unis contre l’Allemagne? Qu’aimez-vous ou n’aimez-vous pas aux États-Unis et que manque-t-il à l’Allemagne?
Martin Schoeller : Chaque fois que je suis ici, je loue l’Allemagne et l’égalité en Allemagne. Toute l’infrastructure fonctionne: 80% des gens sont en union, tout le monde a une assurance maladie, l’économie se porte bien, vous pouvez aller n’importe où en train, les autoroutes sont meilleures et l’écart entre riches et pauvres n’est pas aussi drastique, et nous n’avons pas de guerres.
Vivant à New York, j’ai parfois l’impression de vivre dans un pays du tiers monde. Il y a des nids de poule profonds au milieu de New York. Et quand vous allez au Queens, il y a tellement de déchets sur la route. Je pense, dans l’ensemble, que le système européen est meilleur que le système américain; c’est plus juste. Mais chaque fois que je suis en Allemagne, je veux revenir aux États-Unis parce que le sentiment d’optimisme et d’humour me manque.
Les Allemands aiment se plaindre. C’est un peu plus lourd et plus lent. Il faut une demi-journée pour remplir la paperasse pour louer du matériel en Allemagne. Il lui manque la rapidité et la légèreté de vivre aux États-Unis et la spontanéité qui l’accompagne.
Êtes-vous citoyen maintenant ?
Martin Schoeller : Non, je n’ai toujours qu’une carte verte. Les Allemands n’aiment pas la double nationalité.
Tirage d’art photo vs affiches: quelle est la différence?
Une photographie d’art est une reproduction d’une photo originale à 100 ou 100.000 exemplaires.
Plusieurs fois, ces tirages sont produits en masse en utilisant ce que l’on appelle un processus photo-mécanique dans lequel l’image de la source originale est transféré pour créer les tirages d’art de la pièce.
En quoi les tirages d’art photo diffèrent-ils des originaux?
La principale différence entre la photographie d’art et les tirage d’art est que le tirage d’art est une création artisanale de l’artiste. Pour cette raison, le tirage d’art photo propose une œuvre totalement unique en son genre.
Le tirage d’art photo est l’impression à 30 exemplaires d’un tirage qui ne sera pas reproduit. Un Tirage d’art photo est limité à 30 exemplaires certifié, numéroté & signé. Le tirage est effectué par laboratoire spécialisé dans l’impression d’oeuvre d’art. Exposé à la lumière il aura une longévité exceptionnelle à l’inverse d’un tirage classique.
On parle alors d’une oeuvre d’art, dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe car ce tirage sera considéré comme un original de l’artiste.
Les sites de vente de photos en ligne comme Yellowkorner, proposent des milliers d’exemplaires d’une même photo. On parle alors de reproduction de photographie ou photographie d’art. Ces reproductions ne sont pas des tirages d’art photo, ils n’ont aucune côte et ne prendront aucune valeur dans le temps.
▶POURQUOI ACHETER UN TIRAGE D’ART PHOTO?
◼ Avoir une œuvre d’art chez vous dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe.
◼ Achetez une œuvre pérenne, grâce à la qualité de son tirage ( encres, papiers, supports…).
◼ La garantie d’une valeur. Une œuvre limitée à 30 exemplaires accompagnée d’un certificat d’authenticité, signé et numéroté.
◼ Soutenir le travail artistique du photographe que vous suivez
Tirage d’art photo
Le tirage d’art : c’est quoi ?
Le tirage d’art est une impression photo signée par l’artiste photographe, tirée et numérotée en un nombre restreint de copies, au maximum 30.
Une impression en tirage d’art n’a rien à voir avec un tirage classique ; en effet les tirages d’art sont réalisés par des labos spécialisés dans l’impression d’oeuvre d’art ( que vous pouvez retrouver au Musée du Louvre, au MOMA, MEP etc… )
Tirage d’art et association
Le tirage d’art est aussi le résultat de l’association de différentes matières:
– Papier à pH neutre fait de fibres naturelles, résistant au temps, fabriqués par les plus grands papetiers d’art.
– Des encres à pigment haut de gamme.
– Savoir-faire d’un maître tireur.
– Supports de qualité supérieure.
– Et enfin la vérification du rendu par l’auteur de l’oeuvre.
Un tirage d’art exposé à la lumière aura une longévité de prés de 100 ans à l’inverse d’un tirage classique qui fanera au bout de quelques années.
Pourquoi donc acheter un tirage d’art ?
Maintenant que vous savez ce qu’est un tirage d’art et que vous comprenez sa valeur, pourquoi en acheter ?
– Si vous souhaitez acheter une oeuvre c’est qu’elle vous inspire, vous plaît et décorera peut-être aussi à merveille votre intérieur.
– Soutenir le travail artistique du photographe que vous suivez. De nos jours soutenir le travail d’un artiste, c’est aussi soutenir l’art. Dans une société de consommation immédiate, l’achat d’une oeuvre permet de faire vivre un artiste et rétribuer le temps qu’il a passer à développer son art.
– Vous achetez une oeuvre pérenne, grâce à la qualité de son tirage ( encres, papiers, supports… ), une oeuvre que vous pourrez léguer.
– Et enfin, c’est aussi un investissement, vous aurez une oeuvre d’art dans votre habitat, une oeuvre dont la côte peut grimper en même temps que celle du photographe.
Tirage d’art photo
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
En savoir plus : Tirage d’art photoVs Poster, un peu d’histoire…
La plupart d’entre nous ont grandi avec des affiches accrochées dans nos chambres et nous avons l’habitude de les voir comme des publicités accrochées dans la ville.
Cependant, comme les tirages d’art sont de plus en plus courants, la plupart des consommateurs occasionnels ne connaissent toujours pas la différence entre les deux ou ne savent pas quand opter pour l’un par rapport à l’autre. Nous les voyons fleurir et le prix du tirage d’art est généralement un prix plus élevé; mais pourquoi ?
Le tirage d’art est devenue plus populaire et les consommateurs s’éloignent lentement des affiches traditionnelles à mesure que leurs besoins évoluent. Alors, qu’est-ce que le tirage d’art ? Pourquoi tant d’imprimeurs proposent-ils cela et qu’est-ce qui justifie le prix plus élevé? Cela se résume à quelques facteurs non seulement sur la qualité, mais aussi sur les possibilités. L’imprimerie d’art et les affiches ont chacune leur rôle dans la société et nous allons aujourd’hui en décomposer les principales différences.
Si vous avez déjà été à l’intérieur d’un grand musée, vous avez probablement parcouru la boutique de cadeaux et regardé les affiches qu’ils vendent des œuvres d’art à bas prix.
Vous avez probablement également été dans une imprimerie et vous avez vu le «prix de l’affiche» par rapport au prix de «l’impression d’art». Quelles sont les différences entre un tirage d’art et une affiche qui mériteraient une différence de prix? Les images semblent toutes deux identiques, alors pourquoi l’une devrait-elle coûter plus cher que l’autre?
Tout d’abord, l’impression est devenue un art de plus en plus au cours des dernières années à mesure que la technologie a progressé. En ce qui concerne les affiches, vous pouvez obtenir des résultats décents à la maison ou dans la plupart des imprimeries grâce à l’impression numérique. Mais pour les très gros projets, les entreprises veulent une meilleure qualité et un meilleur prix.
En conséquence, ils se tournent généralement vers l’impression offset, ce qui leur permet de produire des affiches par milliers tout en obtenant de meilleures reproductions de la pièce originale et en étant également abordables. Ceci est crucial car, à moins qu’il ne soit dédicacé, personne n’est prêt à dépenser plus de 10 $ pour une affiche des New England Patriots ou de Lady Gaga.
Par conséquent, le coût de production doit être maintenu bas. C’est pourquoi les affiches utilisent souvent du papier et de l’encre qui apportent un retour sur investissement décent. La qualité n’est pas parfaite mais si vous vous occupez correctement d’une affiche, elle durera quelques années.
En comparaison, le tirage d’art se concentre sur la qualité plutôt que sur la quantité. Les reproductions d’affiches d’un tableau célèbre pourraient se vendre à 3 $ chacune, tandis que mille tirages d’art de la même œuvre pourraient se vendre à 35 $ chacune.
Le coût de production est important mais certainement pas crucial ici. Par conséquent, tout se résume à la qualité: les tirages d’art utilisent des encres et des surfaces d’impression de meilleure qualité, ressemblent mieux à l’œuvre originale et se détériorent beaucoup plus lentement qu’une affiche.
Pourtant, les graphistes et la technologie ont tellement évolué que la plupart d’entre nous ne peuvent pas faire la différence entre une impression d’art et une affiche fraîchement produite par une imprimante. Les deux auront des couleurs et une qualité incroyables lors de l’impression et ce ne sera que quelques années plus tard que vous pourrez vraiment repérer la différence. Examinons donc de plus près les beaux-arts et les affiches
Tirage d’art photo, lithographies offset et jet d’encre
Pour ceux qui aiment le travail d’artistes populaires mais n’ont pas le budget pour acheter une œuvre originale, les reproductions de tirages d’art offrent une option abordable. L’option de reproduction la plus courante et la moins coûteuse est la lithographie offset produite à l’aide de l’impression offset commerciale.
Une autre option de reproduction est l’impression jet d’encre. Les impressions giclées consistent à prendre l’image numérique d’une œuvre d’art originale et à l’imprimer à l’aide d’une imprimante à jet d’encre sur une toile, du papier ou d’autres types de supports.
Les impressions Giclée ont tendance à coûter un peu plus que l’option offset, mais permettent également d’imprimer aussi peu ou autant d’impressions que vous le souhaitez, ainsi que la liberté d’utiliser une variété de matériaux.
Autres types de tirages d’art originaux
Certains artistes préfèrent utiliser d’autres méthodes d’impression et peuvent utiliser une variété de matériaux différents pour appliquer l’encre sur une œuvre d’art.
Des éléments tels que des blocs de bois, de l’aluminium, des plaques de plexiglas, des sérigraphies, du cuivre ou des pierres peuvent être utilisés pour créer une plaque à partir de laquelle plusieurs œuvres d’art sont fabriquées.
Même si de nombreuses pièces peuvent être fabriquées à partir de la même plaque, en raison des différences uniques dans chaque impression en raison du processus d’application, chacune de ces pièces est considérée comme une impression originale.
Il est courant de trouver des tirages d’art originaux dans des éditions qui incluent la signature de l’artiste ainsi qu’un nombre indiquant le numéro de l’impression particulière en dehors du nombre total de tirages dans l’édition, par exemple, 2 sur 10 ou 2 / dix.
Différentes méthodes d’impression
Certaines méthodes d’impression utilisées pour réaliser ces tirages d’art originaux comprennent les collagraphies, les sérigraphies, la lithographie et les tirages d’art numérique.
Les collagraphes utilisent plusieurs planches ressemblant à un collage pour agir comme une plaque pour appliquer de l’encre sur le papier. Les sérigraphies impliquent un processus de sérigraphie et peuvent créer une impression de meilleure qualité avec une plus grande précision que les collagraphes.
En lithographie, du calcaire ou une plaque photosensible sont utilisés pour créer ou transférer l’image sur. L’image est ensuite encrée à l’aide de rouleaux, puis imprimée sur papier à la main à l’aide d’une grande presse plate. Pour les tirages d’art numériques, ceux-ci peuvent être créés sur un ordinateur à l’aide d’une application d’image ou de dessin. L’image est ensuite imprimée sur du papier d’archivage à l’aide d’une imprimante à jet d’encre.
Tirages d’art et types de papier et de toile
Le tirage d’art photo peuve être imprimés sur une variété de types de papier différents, ainsi que sur des toiles. Tous les papiers doivent être sans acide pour assurer la longévité du tirage d’art.
Le papier mat d’archivage de qualité supérieure est un papier épais qui offre un contraste élevé et une reproduction nette.
Le papier photo brillant de qualité supérieure offre une grande profondeur et des couleurs vives et constitue un bon choix pour les reproductions giclées. Le papier photo semi-mat de qualité supérieure offre un ton neutre, une saturation d’encre élevée et un éblouissement minimal.
Le papier photo lustré haut de gamme est un favori des photographes de portrait et donne l’impression que les images de l’eau prennent vie. Le chiffon pour photos aux tons froids est fait à 100% de coton et est idéal pour les images en noir et blanc.
Le papier velours Somerset est le choix parfait pour les reproductions d’huiles et de pastels, tandis que le papier aquarelle fonctionne mieux pour les reproductions d’aquarelles.
Tirage d’art brillant ou mat
Lors du choix de la toile pour les impressions d’art, la toile brillante aide à recréer la texture et les qualités réfléchissantes d’une peinture. Une toile mate rendra l’impression plus semblable à la peinture originale et apportera une douceur unique à l’impression.
Lorsqu’il s’agit d’art ou de tirages d’art originaux, cela dépend généralement de ce que vous êtes prêt et capable de dépenser pour une pièce. Une œuvre originale durera généralement le plus longtemps, alors prenez le temps de déterminer ce qui compte le plus pour vous avant de faire un achat. Quoi qu’il en soit, vous aurez une belle œuvre d’art.
Obtenez des offres spéciales sur les affiches
De nombreuses imprimeries proposent des tirages d’art, mais peu de consommateurs savent vraiment ce que cela signifie. L’encre et la surface utilisées pour imprimer sont différentes des impressions d’affiche traditionnelles. Si c’est du papier, le papier sera beaucoup plus épais, les encres dureront beaucoup plus longtemps et la qualité de l’image sera bien meilleure.
Les tirages d’art ne sont pas seulement réservés au papier, il est également possible de faire des impressions d’art sur d’autres matériaux comme le bois, la toile, le cuivre, le plastique et à peu près tout ce que vous pouvez imaginer.
Différentes surfaces d’impression peuvent donner à votre image une sensation différente et vous permettre d’être vraiment créatif avec la décoration, l’art ou la préservation de vos photos. De plus, les tirages d’art ne sont pas seulement une «photocopie» , grâce à la qualité et à la longévité supérieures, ils peuvent en fait prendre de la valeur au fil du temps.
Tirages d’affiches
Les impressions d’affiches restent le choix des consommateurs qui ont besoin de produire en masse et des personnes qui veulent quelque chose de rapide immédiatement.
Pensez à l’époque de votre enfance et souvenez-vous des affiches que vous aviez l’habitude de suspendre dans votre chambre; ce n’étaient probablement pas des tirages d’art.
Quand tu as eu l’âge de les jeter, ou peut-être que tu les as encore, tu t’es rendu compte que l’image et les couleurs n’étaient pas aussi vives que tu t’en souviens quand tu étais enfant. Si cette affiche était un tirage d’art, elle serait restée en bien meilleure forme.
Les couleurs vives peuvent d’abord perdre leur éclat et au fil du temps, vous vous retrouvez avec une image fanée si elle n’est pas bien entretenue. Les affiches sont toujours un excellent moyen d’imprimer une image et elles ne perdent pas leurs couleurs aussi vite lorsque vous les encadrez et les éloignez de la surexposition à la lumière.
L’ histoire du tirage d’art photo
L’ invention par des années 1940 Un historien de la photographie a affirmé que « le premier exposant de « beaux – arts » ou la photographie de composition était John Edwin Mayall , « qui a exposé daguerréotypes illustrant la Prière du Seigneur en 1851 ».
Les tentatives réussies pour faire la photographie d’art bien remontent à l’ époque victorienne des praticiens tels que Julia Margaret Cameron , Charles Lutwidge Dodgson et Oscar Gustave Rejlander et d’autres.
Aux États-Unis, F. Holland Day , Alfred Stieglitz et Edward Steichen ont contribué à faire de la photographie un art d’art, et Stieglitz était particulièrement remarquable en l’introduisant dans les collections des musées.
Au Royaume-Uni aussi récemment qu’en 1960, la photographie n’était pas vraiment reconnue comme un Beaux-Arts. Le Dr SDJouhar a déclaré, lorsqu’il a formé l’Association des beaux-arts photographiques à cette époque -« Pour le moment, la photographie n’est généralement pas reconnue comme autre chose qu’un artisanat. Aux États-Unis, la photographie a été ouvertement acceptée comme des Beaux-Arts dans certains quartiers officiels.
Elle est présentée dans les galeries et expositions en tant qu’art. Il n’y a pas de reconnaissance correspondante dans ce domaine. Le salon de Londres présente de la photographie picturale, mais elle n’est généralement pas comprise comme un art.
Qu’une œuvre présente des qualités esthétiques ou non, elle est appelée «photographie picturale» qui est un terme très ambigu. Le photographe lui-même doit avoir confiance en son travail et dans sa dignité et sa valeur esthétique, pour forcer la reconnaissance en tant qu’art plutôt qu’en tant qu’artisanat «
Jusqu’à la fin des années 1970, plusieurs genres prédominaient, tels que les nus, les portraits et les paysages naturels (illustrés par Ansel Adams ). Des artistes « vedettes » révolutionnaires des années 1970 et 80, tels que Sally Mann , Robert Mapplethorpe , Robert Farber et Cindy Sherman , s’appuyaient toujours fortement sur ces genres , tout en les voyant avec un regard neuf. D’autres ont étudié une approche esthétique instantanée .
Des organisations américaines, telles que l’ Aperture Foundation et le Museum of Modern Art , ont beaucoup fait pour maintenir la photographie à la pointe des beaux-arts. La création par le MOMA d’un département de photographie en 1940 et la nomination de Beaumont Newhall comme premier conservateur sont souvent cités comme une confirmation institutionnelle du statut de la photographie en tant qu’art.
FAQ : Le tirage d’art
1. Qu’est-ce qu’un tirage d’art ?
Un tirage d’art est une reproduction d’une œuvre d’art originale, généralement créée en utilisant des techniques d’impression de haute qualité pour produire des tirages de qualité muséale.
2. Quelles sont les techniques d’impression utilisées pour les tirages d’art ?
Les techniques d’impression couramment utilisées pour les tirages d’art incluent l’impression jet d’encre, la lithographie, la sérigraphie et la gravure.
3. Qu’est-ce qui différencie un tirage d’art d’une impression ordinaire ?
Les tirages d’art sont créés en utilisant des techniques d’impression de haute qualité pour produire des tirages de qualité muséale, tandis que les impressions ordinaires sont souvent créées en utilisant des techniques d’impression de masse à bas prix.
4. Comment peut-on déterminer la qualité d’un tirage d’art ?
La qualité d’un tirage d’art dépend de plusieurs facteurs tels que la résolution de l’image, la qualité de l’encre et du papier, ainsi que la méthode d’impression utilisée. Il est recommandé de se renseigner sur les spécifications techniques du tirage d’art avant de l’acheter.
5. Qu’est-ce qu’un tirage limité ?
Un tirage limité est une édition limitée d’un tirage d’art, généralement numérotée et signée par l’artiste ou l’imprimeur. Les tirages limités ont souvent une valeur plus élevée que les tirages en série ou les impressions ordinaires.
6. Comment peut-on protéger un tirage d’art ?
Il est recommandé de protéger les tirages d’art en les encadrant sous verre anti-reflets, en évitant la lumière directe du soleil, l’humidité et les températures extrêmes. Les tirages d’art doivent également être manipulés avec précaution pour éviter tout dommage.
7. Comment peut-on acheter des tirages d’art ?
Les tirages d’art peuvent être achetés en visitant des galeries d’art, des foires d’art, des ventes aux enchères ou en ligne sur des sites spécialisés dans les tirages d’art.
8. Comment peut-on reconnaître un tirage d’art authentique ?
Il est recommandé de se renseigner sur l’authenticité d’un tirage d’art en vérifiant la signature de l’artiste ou de l’imprimeur, le numéro de l’édition limitée, ainsi que les spécifications techniques du tirage d’art. Il est également recommandé de se procurer des certificats d’authenticité pour les tirages d’art achetés.
En 2020, AC/DC a frappé fort avec la sortie de ** »Power Up »**, un album attendu depuis longtemps par les fans du monde entier. Cet opus est plus qu’un simple album de rock ; c’est un hommage vibrant à l’héritage d’AC/DC et une célébration de leur capacité à persister dans l’industrie musicale après plus de quatre décennies.
Avec des riffs classiques, une énergie inégalée, et des hommages subtils à leur passé, « Power Up » s’est imposé comme un album incontournable. Dans cet article, nous explorerons l’histoire derrière cet album, analyserons ses morceaux phares, et discuterons de l’impact durable d’AC/DC sur le rock.
1. L’Histoire derrière Power Up
1.1 Un Album marqué par la Perte de Malcolm Young
AC/DC a toujours été connu pour sa longévité, mais « Power Up » a une signification particulière pour le groupe. Après le décès du co-fondateur et guitariste rythmique **Malcolm Young** en 2017, de nombreux fans pensaient que cela marquait la fin du groupe. Malcolm avait joué un rôle essentiel dans la création du son emblématique d’AC/DC.
Un hommage à Malcolm : « Power Up » a été conçu comme un hommage à Malcolm, avec de nombreuses chansons basées sur des riffs qu’il avait écrits avec son frère Angus Young avant sa mort. Angus a déclaré que cet album était une façon de « garder Malcolm vivant à travers la musique ». L’influence de Malcolm est palpable tout au long de l’album, à la fois dans les riffs et dans l’énergie brute des morceaux.
Le processus d’enregistrement de « Power Up » a également réuni les membres originaux du groupe, avec **Brian Johnson** de retour au chant après des problèmes auditifs, **Phil Rudd** à la batterie, et **Cliff Williams** à la basse. Ensemble, ils ont recréé la magie d’AC/DC tout en honorant l’esprit de Malcolm.
1.2 Le Retour Triomphal de Brian Johnson
Après avoir été forcé de quitter la tournée « Rock or Bust » en 2016 en raison de graves problèmes d’audition, Brian Johnson semblait en retrait de la scène musicale. Toutefois, avec les progrès technologiques et l’aide d’un traitement spécialisé, Johnson a pu récupérer suffisamment pour enregistrer « Power Up ».
Une voix légendaire : La voix de Brian Johnson est une partie intégrante du son AC/DC. Sur « Power Up », il prouve que même après des décennies de performances intenses, il peut toujours livrer des performances vocales puissantes. Des morceaux comme « Shot in the Dark » et « Demon Fire » témoignent de sa capacité à capturer l’énergie brute du groupe.
Un retour émotionnel : Pour les fans, entendre à nouveau la voix de Brian Johnson sur un album d’AC/DC a été un moment fort. Son retour a contribué à la renaissance du groupe, montrant que même après des années d’adversité, AC/DC pouvait encore offrir de la musique à la hauteur de son légendaire catalogue.
1.3 La Production et le Choix des Morceaux
La production de « Power Up » a été confiée à **Brendan O’Brien**, qui avait déjà travaillé avec le groupe sur les albums « Black Ice » (2008) et « Rock or Bust » (2014). La collaboration avec O’Brien a permis à AC/DC de conserver leur son brut et énergique tout en bénéficiant d’une production moderne.
Un son fidèle à l’esprit AC/DC : Malgré les avancées technologiques et les tendances musicales contemporaines, AC/DC est resté fidèle à son style distinct. « Power Up » est rempli de riffs agressifs, de solos de guitare percutants, et d’une rythmique implacable. Chaque morceau semble être une continuation naturelle de l’héritage du groupe.
AC/DC Power Up
Le processus de sélection des morceaux : Angus Young a révélé que la plupart des morceaux de « Power Up » étaient basés sur des riffs et des idées de chansons écrites par lui et Malcolm avant la mort de ce dernier. Ces morceaux avaient été mis de côté, mais ont trouvé une nouvelle vie dans cet album. Cela a permis à l’album de capter l’essence du son classique d’AC/DC tout en offrant quelque chose de nouveau aux fans.
2. Analyse des Morceaux Phare de Power Up
2.1 Shot in the Dark
Le premier single de « Power Up », ** »Shot in the Dark »**, est immédiatement reconnaissable comme un morceau signature d’AC/DC. Avec un riff d’ouverture accrocheur et un rythme entraînant, cette chanson s’inscrit parfaitement dans la lignée des classiques du groupe.
Un retour aux sources : « Shot in the Dark » rappelle les morceaux emblématiques du groupe, tels que « Back in Black » ou « Thunderstruck ». La combinaison du riff percutant de guitare d’Angus Young et des paroles puissantes de Brian Johnson en fait un hymne instantané du rock.
Un message optimiste : Les paroles évoquent un sentiment d’espoir et de résilience, un thème récurrent pour AC/DC tout au long de leur carrière. Le morceau a été bien accueilli par les critiques et les fans, certains le qualifiant même de « retour glorieux » pour le groupe après plusieurs années d’absence.
2.2 Realize
« Realize » est la première piste de l’album et elle donne immédiatement le ton de « Power Up ». Avec son riff accrocheur et son rythme implacable, elle rappelle pourquoi AC/DC est l’un des groupes les plus respectés du rock.
Une introduction explosive : « Realize » ouvre l’album avec un punch immédiat, montrant qu’AC/DC n’a rien perdu de son énergie brute. Le morceau est rempli de la même puissance et intensité qui ont fait du groupe une légende du rock.
Un hommage à Malcolm : Cette chanson, comme beaucoup d’autres sur l’album, reflète l’influence de Malcolm Young. Les riffs de guitare sont simples mais puissants, capturant l’essence du style de Malcolm et montrant comment son esprit vit encore à travers la musique du groupe.
2.3 Demon Fire
« Demon Fire » est l’un des morceaux les plus agressifs de l’album, avec un rythme rapide et un chant percutant de Brian Johnson. Ce morceau rappelle l’énergie frénétique des premiers albums du groupe.
Un morceau plein d’énergie : Avec ses paroles mordantes et son rythme effréné, « Demon Fire » est un exemple parfait de la capacité d’AC/DC à continuer de livrer des morceaux puissants, même après des décennies de carrière. Le morceau combine des éléments de hard rock avec une touche de groove, rappelant les grands classiques du groupe.
Un solo de guitare explosif : Comme toujours, Angus Young brille sur ce morceau avec un solo de guitare rapide et précis, démontrant son talent inégalé en tant que guitariste principal.
À sa sortie, ** »Power Up »** a été acclamé par les critiques du monde entier. Les critiques ont salué la capacité du groupe à rester fidèle à son son tout en continuant à livrer des morceaux puissants et percutants.
Un accueil chaleureux : Les critiques ont notamment souligné la production propre et moderne de l’album, tout en reconnaissant l’authenticité brute du son AC/DC. Les performances vocales de Brian Johnson et la virtuosité d’Angus Young à la guitare ont également été saluées, prouvant que le groupe était toujours au sommet de son art.
Un lien avec le passé : Beaucoup de critiques ont noté que « Power Up » était à la fois un hommage à Malcolm Young et un rappel du pouvoir intemporel d’AC/DC en tant que groupe de rock. L’album a été qualifié de « pont entre le passé et le présent », reliant les anciens fans du groupe aux nouvelles générations.
3.2 Le Succès Commercial de Power Up
En plus d’être un succès critique, « Power Up » a également été un succès commercial. L’album a atteint la première place des charts dans plusieurs pays, dont les États-Unis, le Royaume-Uni, l’Australie et la France.
Des ventes impressionnantes : « Power Up » a été certifié disque d’or et a reçu de nombreuses distinctions pour ses performances commerciales exceptionnelles. Les fans d’AC/DC, nouveaux et anciens, ont répondu massivement à la sortie de l’album, prouvant que le groupe était toujours une force incontournable sur la scène musicale.
Une tournée annulée : Malheureusement, en raison de la pandémie de COVID-19, AC/DC n’a pas pu lancer une tournée mondiale pour promouvoir « Power Up ». Cependant, l’album a continué de se vendre en ligne et a été massivement diffusé en streaming, maintenant ainsi l’enthousiasme des fans.
3.3 AC/DC : Une Influence Intemporelle
Avec la sortie de « Power Up », AC/DC a une fois de plus prouvé qu’ils étaient l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock. Leur son unique et leur style inimitable continuent d’influencer des musiciens à travers le monde.
L’influence d’AC/DC sur les jeunes groupes : AC/DC a influencé des générations de groupes de rock et de metal. Des artistes contemporains comme Foo Fighters, Metallica, et Guns N’ Roses ont tous cité AC/DC comme une influence majeure dans leur musique. Le groupe a su maintenir sa pertinence, même face aux changements de l’industrie musicale.
Un son reconnaissable : Le son d’AC/DC est immédiatement reconnaissable grâce à ses riffs puissants, ses solos de guitare emblématiques, et ses rythmes implacables. Ce son distinctif a permis au groupe de rester populaire et pertinent pendant plus de 40 ans, et « Power Up » ne fait que renforcer cet héritage.
Warner Bros.a mis en ligne un vaste documentaire des coulisses retraçant la trilogie emblématique de Christopher Nolan Batman Dark Knight Rises. Intitulé « The Fire Rises: The Creation And Impact Of The Dark Knight Trilogy », ce regard d’une heure et plus sur la franchise Batman (en prenant Batman Begins en 2005, The Dark Knight en 2008 et The Dark Knight Rises en 2012) présente «la perspective intérieure sur l’histoire fascinante derrière la création de la franchise la plus célèbre de Christopher Nolan et comment elle a changé la portée du cinéma… pour toujours ».
En plus d’inclure des «séquences inédites» et des «moments rares», The Fire Rises… propose également des interviews exclusives avec des titans de cinéma tels que Guillermo Del Toro, Damon Lindelof, Michael Mann, Richard Roeper et Zack Snyder. De plus… eh bien, c’est juste un brillant rappel à quel point ces films sont bons, et l’excuse parfaite pour les revoir tous .
Batman Dark Knight Trilogy (2005–2012)
La trilogie Dark Knight se compose de Batman Begins (2005), The Dark Knight (2008) et The Dark Knight Rises (2012), tous dirigés par Christopher Nolan . Avec un chiffre d’affaires global de plus de 2,4 milliards de dollars au box-office mondial, la trilogie a été classée parmi les plus grandes jamais réalisées. [93] [94]
Selon Christopher Nolan , Christian Bale (qui a décrit Batman de 2005 à 2012) avait «exactement l’équilibre entre l’obscurité et la lumière que nous recherchions».
Batman Dark Knight Rises
Batman Begins (2005)
Suite à un reboot rejeté d’ histoire d’origine de Batman , Joss Whedon a lancé en décembre 2002, Warner Bros a embauché Christopher Nolan et David S. Goyer pour écrire Batman Begins . Le duo visait un ton plus sombre et plus réaliste, avec l’humanité et le réalisme étant la base du film.
Le film a été principalement tourné au Royaume-Uni et à Chicago, et s’est appuyé sur des cascades traditionnelles et des modèles réduits avec une utilisation minimale d’ imagerie générée par ordinateur .
Christian Bale a joué le rôle de Batman, Liam Neeson commeRa’s al Ghul et Cillian Murphy dans le rôle de Jonathan Crane / The Scarecrow . Katie Holmes apparaît dans le film comme l’intérêt amoureux de Wayne, Rachel Dawes , un rôle créé pour le film.
Alfred Pennyworth a été joué par Michael Caine et Jim Gordon a été interprété par Gary Oldman. Une nouvelle Batmobile (appelée le Tumbler ) et une combinaison plus mobile ont toutes deux été créées spécifiquement pour le film.
Le film commence avec la mort des parents de Bruce et explore ensuite sa décision de quitter Gotham et sa formation sous la Ligue des ombres, avec Ra’s al Ghul, avant qu’il se rebelle contre la Ligue et adopte l’apparence de Batman, reconnaissant qu’il ne peut pas tolérer leur utilisation de la force meurtrière. La Ligue tente d’attaquer Gotham en utilisant la toxine de peur armée de Jonathan Crane, mais Batman est capable de les vaincre. Batman Begins a connu un succès à la fois critique et commercial.
Batman Dark Knight Rises
Le film a débuté le 15 juin 2005 aux États-Unis et au Canada dans 3 858 salles. Il a rapporté 48 millions de dollars lors de son week-end d’ouverture, pour finalement plus de 372 millions de dollars dans le monde.
Le film a reçu une cote d’approbation globale de 85% de Rotten Tomatoes . Les critiques ont noté que la peur était un motif courant tout au long du film et ont remarqué qu’elle avait un ton plus sombre par rapport aux films précédents de Batman. Le film a été répertorié au n ° 81 sur »Les 500 plus grands films de tous les temps » d’ Empire .
The Dark Knight (2008)
Christopher Nolan a repris ses fonctions de réalisateur et a amené son frère, Jonathan , à co-écrire le scénario du deuxième volet. Le chevalier noir a présenté Christian Bale reprenant son rôle de Batman / Bruce Wayne, Heath Ledger comme le Joker et Aaron Eckhart comme Harvey Dent / Two-Face . La photographie principale a commencé en avril 2007 à Chicago et s’est terminée en novembre.
D’autres sites comprenaient Pinewood Studios , Ministry of Sound à Londres et Hong Kong. Le 22 janvier 2008, après avoir terminé le tournage de The Dark Knight, Ledger est décédé d’une surdose accidentelle de médicaments sur ordonnance.
Warner Bros. avait créé une campagne de marketing viral pour The Dark Knight , développant des sites Web promotionnels et des bandes-annonces mettant en évidence des captures d’écran de Ledger en tant que Joker, mais après la mort de Ledger, le studio a recentré sa campagne promotionnelle.
Le film dépeint Batman combattant le Joker , aidé par la poursuite du procureur de district charismatique Harvey Dent. Le Joker teste la résolution de Batman lorsqu’il provoque la mort de Rachel et la transformation de Dent en un criminel défiguré à deux visages.
Bien que Batman soit capable d’empêcher le Joker de forcer deux ferries – l’un chargé de civils et l’autre de prisonniers – à se détruire, il est obligé de prendre le blâme pour les meurtres commis par Dent pour s’assurer que les citoyens de Gotham ne perdent pas espoir. pour le futur. Le film a reçu de larges acclamations critiques, [106] [107] [108] et a établi de nombreux records pendant sa course théâtrale.
Avec un peu plus de 1 milliard de dollars de revenus dans le monde, c’est le 45e film le plus rentable de tous les temps, sans tenir compte de l’inflation. Le film a reçu huit nominations aux Oscars; il a remporté le prix du meilleur montage sonore et Ledger a été décerné à titre posthume Meilleur acteur dans un second rôle . Les critiques et les auteurs de films citent souvent The Dark Knight comme l’un des meilleurs films des années 2000.
The Batman Dark Knight Rises (2012)
Nolan voulait que l’histoire de Batman Dark Knight Rises et dernier volet le maintienne investi émotionnellement. « Sur un plan plus superficiel, je dois poser la question », raisonna-t-il, « combien de bons troisièmes films dans une franchise les gens peuvent-ils nommer? »
Il est revenu trouver un moyen nécessaire de continuer l’histoire, mais craignait à mi-chemin du tournage de trouver une suite redondante.
The Batman Dark Knight Rises est destiné à compléter la trilogie Batman de Nolan . En décembre 2008, Nolan a terminé une ébauche d’histoire de Batman Dark Knight Rises, avant de s’engager dans Inception .
Batman Dark Knight Rises
En février 2010, le travail sur le scénario de Batman Dark Knight Rises commençait avec David S. Goyer et Jonathan Nolan . Lorsque Goyer est parti travailler sur le redémarrage de Superman , Jonathan écrivait le scénario basé sur l’histoire de son frère et Goyer.
Tom Hardy a été proposé comme Bane et Anne Hathaway joue Selina Kyle . Joseph Gordon-Levitt a été proposé comme Robin John Blake , et Marion Cotillard a été proposée comme Miranda Tate . Le tournage de Batman Dark Knight Rises a commencé en mai 2011 et s’est terminé en novembre.
Nolan a choisi de ne pas filmer Batman Dark Knight Rises en 3-D mais, en se concentrant sur l’amélioration de la qualité d’image et de l’échelle en utilisant le format IMAX , espérait repousser les limites technologiques tout en rendant néanmoins le style du film cohérent avec les deux précédents.
Batman Dark Knight Rises
Batman Dark Knight Rises
Christopher Nolan a eu plusieurs réunions avec le vice-président IMAX David Keighley pour travailler sur la logistique de la projection de Batman Dark Knight Rises dans des lieux IMAX numériques.
The Batman Dark Knight Rises a présenté plus de scènes tournées en IMAX que The Dark Knight . Le directeur de la photographie Wally Pfister a exprimé son intérêt pour le tournage du film entièrement en IMAX.
Pendant le film, mis huit ans après Batman Dark Knight Rises, l’arrivée d’un nouvel ennemi Bane oblige Bruce à retourner à son ancien rôle de Batman, pour se retrouver maîtrisé et capturé par Bane alors que Gotham est coupé du reste du monde avec un prototype de générateur de fusion Wayne Enterprises volé.
Avec l’aide de la voleuse Selina Kyle, Bruce est capable de retourner à Gotham et de vaincre Bane tout en rachetant son image de Batman. Le film se termine avec Bruce ayant « pris sa retraite » en tant que Batman après avoir simulé sa mort pour vivre avec Selina Kyle, des preuves suggérant qu’il a transmis la Batcave à Blake pendant que Gotham se reconstruit en mémoire de l’héroïsme du Chevalier noir.
À sa sortie, The Batman Dark Knight Rises a reçu une réponse critique positive et a réussi au box-office, dépassant ainsi son prédécesseur et devenant le 24e film le plus rentable de tous les temps, avec plus de 1,08 milliard de dollars. Total Film a nommé Batman Dark Knight Rises 48e meilleur film des années 2010.
Batman Dark Knight Rises
Batman Dark Knight Rises
Bonus : les infos sur Batman Dark Knight Rises…
Batman Dark Knight Rises estRéalisé par Christopher Nolan
Batman Dark Knight Rises est produit par Emma Thomas – Christopher Nolan – Charles Roven
Le scénario de Batman Dark Knight Rises est de Jonathan Nolan – Christopher Nolan
L’histoire de Batman Dark Knight Rises est de Christopher Nolan – David S. Goyer
Acteurs de Batman Dark Knight Rises :
– Christian Bale
– Michael Caine
– Gary Oldman
– Anne Hathaway
– Tom Hardy
– Marion Cotillard
– Joseph Gordon-Levitt
-Morgan FREEMAN
Musique de Batman Dark Knight Rises par Hans Zimmer
Cinématographie Wally Pfister , Édité par Lee Smith
Date de sortie de Batman Dark Knight Rises :
16 juillet 2012 (New York)
20 juillet 2012 (États-Unis et Royaume-Uni)
Budget de Batman Dark Knight Rises :
250 à 300 millions de dollars (bruts)
230 millions de dollars (net)
Box-office pour Batman Dark Knight Rises :
1.081 milliard de dollars
Accueils de la trilogie
Avec un total brut de plus de 4,99 milliards de dollars au box-office mondial, la série est la onzième franchise de films la plus rentable de tous les temps.
Sur le plan national, les films de Batman ont rapporté 2 783 118 504 $ US, faisant de la franchise la quatrième série de films la plus rentable en Amérique du Nord.
La réception critique des films modernes a varié à travers ses différentes époques. The Dark Knight , de la trilogie de Christopher Nolan , est considéré comme l’ un des meilleurs films de super-héros de tous les temps , tandis que deux entrées, Batman et Robin et Catwoman sont considérées comme parmi les pires .
Batman Dark Knight Rises
Batman Dark Knight Rises est le film Batman le plus rentable, avec 1 081 041 287 $ dans le monde, tandis que Batman et Robin est le film le moins rentable à présenter Batman, avec 238 207 122 $ dans le monde.
Les films de la série ont remporté trois Oscars ( Batman de Burton pour la conception de la production et The Dark Knight pour le montage sonore et le meilleur second rôle à titre posthume pour la performance de Heath Ledger dans le rôle du Joker), un BAFTA (également pour Ledger) et dix Saturn Awards , qui honorent l’excellence dans la science-fiction, l’horreur et la fantaisie.
Des années 1980 et 1990, les films de Tim Burton ont reçu des critiques positives pour leur retour du personnage à une représentation plus sérieuse, bien que certains aient estimé que Batman Returns était trop sombre.
Les deux films de Joel Schumacher ont reçu des critiques mitigées, en particulier Batman et Robin , qui a les scores globaux les plus bas de tous les films de la série.
À l’inverse, les films de la trilogie de Christopher Nolan des années 2000 et 2010 ont les scores les plus élevés sur les sites d’agrégation de critiques des longs métrages d’action réelle avec The Dark Knight recevant 94% de Rotten Tomatoes et 84 de Metacritic .
Les films d’animation de la série sortis en salles présentent une grande disparité critique, Mask of the Phantasm et Lego Batman Movie étant bien accueillis tandis que Batman: The Killing Joke a reçu des critiques mitigées.
Le futur de la franchise : The Batman (2021)
Robert Pattinson incarnera le rôle titulaire dans Le Batman réalisé par Matt Reeves .
En juillet 2015, Ben Affleck était en pourparlers pour jouer, co-écrire avec Geoff Johns et éventuellement réaliser un film Batman autonome .
En mars 2016, Johns a prétendu que l’apparence du costume de Robin couvert de graffitis de Dawn of Justice serait explorée plus tard et que l’identité du personnage décédé était intentionnellement non spécifiée. (Le film laisse entendre que Robin a été assassiné par le Joker et Harley Quinn.) Suite à la sortie de Dawn of Justice , Patrick Whitesell, co-PDG de William Morris Endeavoura confirmé qu’Affleck avait écrit un scénario pour un film Batman autonome qu’il espérait être également choisi par Warner Bros pour réaliser.
Le PDG de Warner Bros., Kevin Tsujihara, a confirmé en avril 2016 que le studio allait de l’avant avec le film Batman autonome d’Affleck , dans lequel l’acteur jouerait et dirigerait.
En mai 2016, Affleck a déclaré que son film solo de Batman emprunterait des bandes dessinées, mais serait principalement une «histoire originale». En août 2016, Jared Leto a exprimé son espoir que sa version du Joker apparaîtrait dans le film solo de Batman d’Affleck .
Plus tard ce mois-là, Deathstroke a été taquiné par Affleck à travers des séquences de test, confirmées plus tard par Johns que le personnage serait joué par Joe Manganiello .
En octobre 2016, Affleck a déclaré que le titre prévu pour le film serait The Batman , mais a précisé plus tard que le film pourrait finir par avoir un titre différent. Manganiello et Irons ont déclaré que le tournage commencerait au printemps 2017.
En décembre 2016, Affleck a confirmé que le film était sur la bonne voie pour commencer le tournage au printemps 2017.
Plus tard ce mois-là, le cadre de Warner Bros., Greg Silverman, a déclaré que le film serait sorti en 2018. À peu près au même moment, Affleck a déclaré que le film n’avait pas de scénario et qu’il pourrait finir par ne pas le réaliser.
Affleck prévoyait de tourner le film à Los Angeles comme doublant pour Gotham City. Il a réaffirmé son engagement à diriger le film dans son apparition sur Jimmy Kimmel Live! .
À la fin de janvier 2017, Affleck a décidé de se retirer en tant que directeur, mais resterait impliqué en tant que producteur et acteur.
À ce stade, l’écrivain Chris Terrio , qui a remporté un Oscar pour avoir écrit Argo d’Affleck et a également aidé au scénario Batman v Superman: Dawn of Justice , avait réécrit le scénario.
En février 2017, Reeves a signé pour diriger et coproduire le film.
La production a été retardée jusqu’en 2018 alors que Reeves était lié à la post-production sur War for the Planet of the Apes jusqu’en juin 2017, et The Batman est en cours de réécriture pour permettre à Reeves plus de liberté créative en tant que réalisateur.
Reeves a déclaré dans une interview que le film présentera « une version policière presque noire de Batman » qui mettra l’accent sur le cœur et l’esprit du personnage et s’inspirera d’ Alfred Hitchcock .
Le 2 août 2018, Reeves est apparu sur un panel de la Television Critics Association et a révélé de nombreux détails sur le film. Il a confirmé que The Batman est une histoire originale, axée sur le noir et non une histoire d’origine.
Il a également révélé que le scénario est en voie d’achèvement et que le film n’établira que de petites connexions avec le plus grand « DC Universe ».
En janvier 2019, il a été annoncé qu’Affleck ne reviendrait pas en tant que Batman et ne serait plus impliqué à aucun titre. Le tournage du film devait commencer au début de 2019. Le 16 mai 2019, Variety et The Hollywood Reporter ont rapporté que Robert Pattinson était en « premiers pourparlers » et le « favori » pour remplacer Affleck en tant que Bruce Wayne / Batman .
Le 31 mai 2019, Pattinson a été officiellement jeté dans le rôle titre. The Batman doit sortir en Amérique du Nord le 25 juin 2021.
Le 23 septembre 2019, Jeffrey Wright était en pourparlers pour le rôle de James Gordon .
Le 14 octobre 2019, Zoë Kravitz a été jeté dans le rôle de Selina Kyle / Catwoman ; il a également été révélé que Mattson Tomlin avait contribué au scénario.
Le 17 octobre 2019,Paul Dano a été jeté dans le rôle d’ Edward Nashton / The Riddler .
Le 6 décembre 2019, il a été rapporté que Peter Sarsgaard avait été choisi comme Gotham DA Gill Colson. Le film a officiellement commencé le tournage le 6 janvier 2020 à Londres .
Cependant, en raison de la pandémie COVID-19 , le film a suspendu la production le 14 mars. On s’attend à ce qu’il reprenne le tournage vers le début de septembre aux studios Warner Bros., Leavesden dans le Hertfordshire , en Angleterre. En août 2020, la première bande-annonce a été révélée à DC FanDome et a révélé que Peter Craigavait contribué au scénario et Barry Keoghan avait rejoint le casting.
Le 3 septembre, le tournage avait repris pendant 3 jours aux Leavesden Studios, seulement pour être mis en pause à nouveau après que Pattinson ait été testé positif pour COVID-19 .
L’équipe de tournage est entrée en quarantaine pendant près de deux semaines, après quoi le tournage reprendra, tandis que la construction sur les décors et les accessoires aux Leavesden Studios se poursuivait.
Le tournage a officiellement repris le 17 septembre, après que Pattinson ait été autorisé à revenir.
La sortie du film est prévue le 1er octobre 2021.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le Graspop Metal Meeting est un festival belge de heavy metal qui se tient à Dessel chaque année depuis 1996. Malgré la petite taille du terrain du Graspop Metal Meeting (avec un périmètre de seulement ~ 4 km), le festival attire un grand nombre de spectateurs internationaux, avec un total de 152 000 spectateurs. visiteurs au cours de l’édition 2015.
Histoire du Graspop Metal Meeting
Le Graspop Metal Meeting n’était pas à l’origine un festival de heavy metal ; Il a plutôt été conçu comme un festival de rock familial local, organisé pour la première fois en 1986. En 1995, les têtes d’affiche étaient Joe Cocker et Simple Minds . Cependant, en raison du fait que le public est saturé de festivals familiaux, le nombre de visiteurs est tombé à un niveau historiquement bas.
Le fondateur du Graspop Metal Meeting, Peter Van Geel s’est rendu compte que la musique rock traditionnelle n’avait pas un attrait suffisant pour les visiteurs du festival. Réfléchissant aux actes les plus mémorables des années précédentes ( Motörhead , Ramones , Paradise Lost , etc.) et à ses propres préférences musicales, il s’est prononcé en faveur d’une réorientation radicale.
Après des discussions avec le promoteur du festival Werchter Herman Schueremans , Van Geel a contacté Bob Schoenmaekers, le propriétaire de la salle de concert et du club de métal Biebob à Vosselaar, à proximité .
Quelques années plus tôt, Schoenmaekers avait organisé son « Midsummer Metal Meeting » à Vosselaar et en raison des limites de l’espace, il envisageait un festival en plein air. Le premier contact a rapidement conduit à une étroite collaboration. Le duo a décidé de lancer un tout nouveau festival de métal sous le nom de « Graspop Metal Meeting ». La date de choix devait être le dernier week-end de juin.
La nouvelle direction s’est avérée fructueuse. Le festival a vu un nombre sans cesse croissant de visiteurs au fil des ans et a été en mesure d’attirer les groupes internationaux les plus populaires du genre. Depuis la création du festival en 1996, Iron Maiden a été la tête d’affiche la plus fréquente avec 10 apparitions. Les autres groupes qui ont été en évidence sont Hatebreed , Saxon , Sick Of It All , Slayer ), Cradle Of Filth , Epica , In Flames Moonspell , My Dying Bride et Within Temptation .
Combien de personnes au Graspop ?
Le nombre de personnes présentes au festival Graspop dépend de l’édition du festival en question. Graspop est un festival de musique annuel organisé en Belgique depuis 1996, et il attire un nombre important de spectateurs chaque année.
Selon les sources officielles, l’édition 2022 du festival Graspop a accueilli plus de 90 000 visiteurs, ce qui en fait l’un des plus grands festivals de musique en Belgique et en Europe. Les éditions précédentes ont également connu un nombre important de participants, avec une moyenne d’environ 50 000 à 60 000 personnes par jour selon les années.
Il est important de noter que le nombre de visiteurs peut varier d’une journée à l’autre en fonction de la programmation musicale et des conditions météorologiques.
Ou acheter des billets pour le Graspop ?
Les billets pour le festival Graspop sont généralement vendus sur le site officiel du festival, ainsi que sur d’autres sites web de billetterie en ligne. Voici quelques options pour acheter des billets pour Graspop :
Site officiel : Vous pouvez acheter des billets directement sur le site officiel de Graspop. Les billets sont généralement mis en vente plusieurs mois avant l’événement, alors gardez un œil sur le site pour les dates de vente.
Site de billetterie : Vous pouvez également acheter des billets pour Graspop sur des sites de billetterie en ligne tels que Ticketmaster, StubHub, LiveNation, etc. Assurez-vous de faire vos achats sur des sites de confiance pour éviter les fraudes.
Points de vente locaux : Si vous êtes en Belgique, il peut être possible d’acheter des billets pour Graspop dans des points de vente locaux. Les billets peuvent être disponibles dans des magasins de musique, des magasins de disques et des points de vente physiques locaux.
Il est important de noter que les billets pour Graspop peuvent se vendre rapidement, surtout pour les artistes populaires et les jours les plus demandés. Il est donc recommandé de planifier à l’avance et d’acheter vos billets dès qu’ils sont disponibles pour éviter toute déception.
Les scènes du Graspop Metal Meeting
Main Stage 1 & 2 :
Les deux scènes principales, accueillent des groupes importants et des numéros de tête d’affiche. Avant 2014, il n’y avait qu’une seule scène principale.
Marquee :
Une scène de tente, qui accueille principalement du thrash metal , du death metal , du black metal ou même des groupes de rock stoner .
Metal Dome :
Accueillez des groupes plus intimistes et des artistes locaux.
Jupiler Stage :
Organisé pour la première fois en 2014, il s’agit d’une petite scène en plein air, principalement dédiée à la musique metalcore , hardcore et deathcore .
Où se déroule le Graspop Metal Meeting?
Le Graspop Metal Meeting est situé en BelgiqueRéunion Graspop Metal
Carte montrant l’emplacement de Graspop Metal Meeting en Belgique.
Le festival est situé à Kastelsedijk, à Dessel , à environ 60 km d’Anvers, 99 km de Bruxelles et 35 km d’Eindhoven aux Pays-Bas.
Dessel est une commune de 9103 habitants dans la province d’Anvers en Belgique. La communauté globale de 27,03 km² se trouve dans la région flamande, également connue sous le nom de Flandre, c’est la partie officiellement néerlandophone de la Belgique. La distance avec le pays voisin, les Pays-Bas, est inférieure à 10 km.
La plus grande partie de l’économie de Dessel est déterminée par différentes régions de l’industrie nucléaire. Dessel est la ville jumelle de Hesse-Lichtenau.
Le Billets du Graspop Metal Meeting
Les billets combinés pour le Graspop Metal Meeting comprennent le camping du jeudi au lundi, le stationnement d’un véhicule et l’entrée sur le site du festival. Les billets à la journée sont disponibles et avant 2013, ils n’incluaient pas le camping; les billets de camping peuvent être achetés séparément.
Les tickets de camping permettaient aux détenteurs de tickets journaliers de passer la nuit sur le camping. Un ticket de camping était valable le même jour que le ticket de festival. A partir de 2013, un ticket journalier inclut l’entrée au camping.
En 2009, Graspop Metal Meeting a introduit un ticket VIP. Le package VIP comprend: une place de parking dans le parking VIP; qui est plus proche du terrain du festival, de l’accès au salon VIP et des entrées séparées du camping et de l’arène du festival.
Où dormir au Graspop
La plupart des personnes qui séjournent à Graspop Metal Meeting camperont dans une tente. L’hébergement en camping est fourni au prix d’un billet combiné mais les festivaliers doivent apporter leurs propres tentes.
Les caravanes et les tentes roulottes ne sont pas autorisées sur le camping. Cependant, vous pouvez réserver un emplacement en plus du billet principal qui permet d’accéder à Graspop Metal Town.
Graspop Metal Town
Graspop Metal Town est situé à seulement 1 km du site du festival et est un véritable hôtel de plein air avec ses installations sanitaires appropriées, sa tente de petit-déjeuner, son bar et sa réception. Vous pouvez soit passer la nuit dans un festihut, soit réserver un emplacement pour votre camping-car, caravane ou tente.
Festihuts
Introduit en 2008, le festihut est un cottage en bois équipé de lits ou de lits superposés et de matelas.
Emplacements
Metal Town peut accueillir 250 emplacements standard et 50 emplacements XL, pour les personnes souhaitant apporter une caravane, un mobil-home ou une tente.
Voici une possible conclusion pour un article sur le festival Graspop :
En somme, le festival Graspop est l’un des événements les plus excitants pour les amateurs de musique métal et rock en Europe. Avec une programmation éclectique comprenant des artistes locaux et internationaux, le festival a quelque chose à offrir à tous les fans de musique.
Graspop est également connu pour son atmosphère conviviale et son emplacement idéal. Le festival se déroule à Dessel, en Belgique, dans un cadre magnifique et verdoyant. Le camping est confortable, bien organisé et offre une excellente occasion de se faire de nouveaux amis et de s’immerger dans la culture de la musique métal.
En fin de compte, Graspop est un événement majeur pour tous ceux qui apprécient la musique métal et rock, offrant un accès à certains des meilleurs artistes du monde dans un environnement amusant et accueillant. Que vous soyez un fan de longue date ou un nouveau venu dans le monde de la musique métal, Graspop est un festival incontournable à ajouter à votre liste.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le Graspop est un festival de musique metal qui a lieu chaque année à Dessel, en Belgique. C’est l’un des plus grands festivals de musique metal d’Europe et accueille des groupes de metal de renommée mondiale.
2. Quand a lieu le Graspop Metal Meeting?
Le Graspop a lieu chaque année pendant le mois de juin. Les dates exactes varient d’une année à l’autre, mais le festival dure généralement trois jours.
3. Qui sont les artistes qui se produisent au Graspop Metal Meeting?
Le Graspop accueille un large éventail d’artistes de metal, allant du heavy metal traditionnel au metalcore moderne. Les artistes qui se produisent au festival varient d’une année à l’autre, mais certains des artistes qui ont joué au festival ces dernières années incluent Iron Maiden, Slipknot, Guns N’ Roses, Metallica, Judas Priest, Sabaton, et bien d’autres encore.
4. Comment se déroule le Graspop Metal Meeting?
Le Graspop est un festival de trois jours qui se déroule sur plusieurs scènes. Les groupes se produisent sur plusieurs scènes en même temps, ce qui permet aux festivaliers de voir plusieurs groupes différents en une journée. Il y a également des stands de nourriture et de boissons, ainsi que des stands de marchandises pour les fans.
5. Comment obtenir des billets pour le Graspop Metal Meeting?
Les billets pour le Graspop peuvent être achetés sur le site officiel du festival ou via des points de vente locaux. Les billets pour le festival sont généralement en vente plusieurs mois avant l’événement.
6. Quelles sont les options d’hébergement pour le Graspop Metal Meeting?
Il y a plusieurs options d’hébergement pour le Graspop, notamment des campings sur place et des hôtels dans les villes voisines. Le camping est généralement l’option la plus populaire car il permet aux festivaliers de rester sur place et de profiter de l’ambiance du festival.
7. Y a-t-il des règles à suivre au Graspop Metal Meeting?
Oui, il y a des règles à suivre au Graspop pour assurer la sécurité et le bien-être de tous les festivaliers. Certaines règles communes incluent l’interdiction des armes, des drogues illégales et de l’alcool pour les mineurs. Les organisateurs du festival fournissent des informations détaillées sur les règles à suivre avant et pendant le festival.
8. Les enfants sont-ils autorisés au Graspop Metal Meeting?
Les enfants sont autorisés au Graspop, mais les organisateurs du festival recommandent que les enfants de moins de 12 ans soient accompagnés d’un adulte en tout temps. Les enfants de moins de 6 ans peuvent entrer gratuitement dans le festival.
9. Le Graspop Metal Meeting est-il adapté aux personnes à mobilité réduite?
Le Graspop s’efforce d’être accessible à tous les festivaliers, y compris ceux qui ont des besoins spécifiques en matière d’accessibilité. Le festival dispose de zones réservées aux personnes à mobilité réduite, d’un service de navette pour les personnes à mobilité réduite et d’autres mesures pour garantir que tout le monde puisse profiter de l’événement.
10. Qu’est-ce qui rend le Graspop Metal Meeting unique?
Le Graspop est unique en raison de son atmosphère incroyablement électrique et de la variété des artistes qui se produisent. C’est un festival qui rassemble des fans de metal de toute l’Europe et du monde entier pour célébrer la musique et l’esprit de la communauté metal. Le Graspop Metal Meeting est également connu pour son organisation professionnelle et sa grande attention aux détails, ce qui en fait un festival de musique metal de premier plan en Europe.
Lorsque l’on est un photographe de concert, shooter Slipknot est une véritable partie de plaisir. Outre les magnifiques lumières et l’énergie que le groupe déploie sur scène, la personnalité de chaque membre ainsi que le caractère photogénique des masques entraînent une certaine difficulté à louper ses photos…
La Track list du concert Slipknot Live at Resurrection
“(sic)”
“Get This”
“Unsainted”
“Disasterpiece”
“Before I Forget”
“The Heretic Anthem”
“Psychosocial”
“The Devil In I”
“Prosthetics”
“Vermillion”
“Custer”
“Sulfur”
“All Out Life”
“Duality”
“Spit It Out”
“Surfacing”
Slipknot Tour 2020 : La tournée
Slipknot emmène à nouveau son Knotfest sur la route en 2020 avec un autre trek qu’ils ont surnommé le Knotfest Roadshow. A Day to Remember, Underoath et Code Orange ouvriront pour Slipknot sur chaque date.
« Nous avons créé un précédent l’année dernière – Knotfest est une vitrine où vous ne savez jamais à quoi vous attendre », a déclaré Corey Taylor, le leader de Slipknot, dans un communiqué. « Cette année ne fait pas exception. Les groupes que nous avons représentent tous les coins de notre monde musical, tout comme nous. Et ils sont passionnants comme l’enfer. J’ai hâte de les regarder et de les apprécier avec le reste des fans. »
Neil Westfall, de A Day to Remember, a appelé Slipknot « un groupe qui a défini la musique lourde pour toute une génération ». Chris Dudley de Underoath a déclaré: « Lorsque Slipknot vous demande de venir pour un été de folie, il n’y a exactement aucune question à poser: vous dites oui. »
Et Jami Morgan de Code Orange a déclaré: « Slipknot est l’un des groupes que nous avons eu en haut de notre liste pour pouvoir ouvrir et, espérons-le, être exposés à leurs incroyables fans qui les suivent depuis très longtemps. »
Qui est Slipknot…?
Slipknot est un groupe de heavy métal américain originaire de Des Moines, Iowa, qui a été fondé en 1995. La première tournée de concerts du groupe a eu lieu aux États-Unis avec l’Ozzfest 1999, un festival fondé en 1996 avec des performances live de groupes de heavy métal.
Après le Livin la Vida Loco Tour, le groupe a commencé son premier circuit international en novembre 1999, le World Domination Tour.
Après avoir passé un an en Amérique du Nord, en Europe, au Japon et en Australie, le groupe a brièvement visité Tattoo the Earth, au cours duquel le groupe a enregistré la performance au Dynamo Open Airet puis a sorti Death Love Hass dans le cadre du film 10 Years of Life La douleur marque le sang et la destruction de la guerre.
La première tournée mondiale de Slipknot a commencé en mai 2001 pour soutenir son deuxième album studio, Iowa. Le groupe a tourné pendant près de 15 mois et a inclus une apparition à la London Arena qui a été filmée pour « Disasterpieces » et pour l’Ozzfest 2001.
La tournée mondiale suivante « The Subliminal Verses World Tour », a duré plus de 20 mois et a comptabilisé plus de 230 concerts.
La tournée a également déclenché le premier album live officiel de Slipknot, 9.0: Live. Pendant la tournée, le groupe a joué la chanson « Purity », qui a été retirée du premier album en 1999 en raison d’une violation du droit d’auteur.
Slipknot a joué des chansons qui sont rarement jouées en live, comme « Iowa » et « Get This » ainsi que pour la première fois en live le morceau « Skin Ticket ».
La tournée mondiale All Hope Is Gone a eu lieu après la sortie du quatrième album studio All Hope Is Gone en 2008. Le groupe a fait des tournées en Israël, au Luxembourg et dans plusieurs autres pays où il n’avait jamais joué auparavant.
Pendant la tournée, les batteurs Joey Jordison et DJ Sid Wilson se sont cassé respectivement une et deux chevilles.
La plupart des concerts de Slipknot ont été joués avec les membres du groupe suivants: Sid Wilson, Joey Jordison, Paul Gray, Chris Fehn, Jim Root, Craig Jones, Shawn Crahan, Mick Thomson et Corey Taylor. Cependant, certains ont dû laisser provisoirement leur place en raison de blessures.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Interview réalisé par Radio Métal pour la sortie de 5: The Grey Chapter
Jim Root est l’une des personnes clés derrière cet opus, intitulé .5: The Grey Chapter, en mémoire du regretté bassiste, dont la présence reste palpable. Root est resté fidèle au groupe et a été profondément impliqué dans la composition des nouvelles chansons, ce qui semble lui avoir coûté sa place dans Stone Sour.
Un peu de lumière doit encore être apportée à ce sujet, mais il en parle longuement vers la fin de l’entretien. Avant cela, cependant, le guitariste parle du cinquième album de Slipknot (ou du sixième, si vous considérez Made. Feed. Kill. Repeat comme un disque à part entière), dont tout le monde dans le groupe est très fier.
Et peu importe le mécontentement, qu’il écarte juste après avoir répondu aux critiques concernant la mélodie du chant de Corey Taylor. C’était aussi une bonne occasion de poser quelques questions après les deux débutants du groupe,
«Paul va être présent dans tout ce que nous faisons. […] J’ai absolument l’impression que Paul m’aidait à mettre en place ces arrangements. »
Vous étiez l’un des principaux compositeurs de ce nouvel album de Slipknot. Puisqu’il survient six ans après le précédent, après une grosse tragédie pour le groupe et le départ d’un membre important, cela a suscité beaucoup d’anticipation et d’anxiété de la part des fans. Avez-vous envie d’avoir un gros poids sur le dos?
Jim Root (guitare Slipknot): Non. [Rires] Curieusement, je n’ai vraiment ressenti aucune pression quand j’ai commencé à mettre en place les arrangements pour cet album.
Je n’avais pas ressenti ce genre de poids ou de pression jusqu’à présent, maintenant que je fais des interviews, c’est hors de mes mains et ça va être disponible pour tout le monde assez tôt. C’est un peu le moment où ce genre de truc me touche mais, vous savez, ça va parce que ça ne me dérange pas vraiment.
Je veux dire, l’album est important pour moi personnellement et émotionnellement.
Entre moi et quelques autres membres du groupe, c’est notre disque préféré que nous avons fait à ce jour. Peu importe ce que les autres en pensent, je l’aime bien. Et c’est vraiment ce qui compte le plus pour moi.
Comment saviez-vous quelle direction musicale vous deviez prendre?
Jim Root (guitare Slipknot):Nous ne l’avons pas fait. Je n’avais aucune idée de la voie à suivre. Je pense que tant que vous faites tout avec le cœur, faites tout ce qui est réel et pour le bien de ce qu’est le groupe, de ce que nous avons atteint, de la manière dont nous voulons évoluer et pour l’héritage de Paul,
j’ai juste fait ce que je pensais devrait être fait naturellement. C’est un peu aussi profond que ça a été, vous savez. [Rires]
L’album s’appelle .5: The Grey Chapter. Combien de Paul Gray y a-t-il réellement dans cet album? Je veux dire musicalement mais aussi en termes d’âme, de souvenirs, d’émotions, etc.
Jim Root (guitare Slipknot):Paul sera présent dans tout ce que nous faisons.
En ce qui concerne la façon dont nous parlons de lui, de son héritage et de choses comme ça, en ce qui concerne la part de Paul sur cet album, c’est plus une chose lyrique et vous devez demander à Corey à ce sujet parce qu’il est un parolier très métaphorique. Je pense qu’il y a pas mal de chansons qui traitent du groupe et de notre relation avec Paul…
Pas seulement ça, mais aussi d’autres événements actuels qui sont pertinents pour ce que nous faisons dans ce groupe. Mais comme je l’ai dit, il est si métaphorique que vous pouvez prendre n’importe quel sens de la plupart des mots qu’il écrit et vous pouvez en quelque sorte attribuer cela à quelque chose que vous pourriez personnellement vivre dans votre propre vie.
Mais étiez-vous, vous-même, en tant que compositeur, inspiré par Paul Gray d’une manière ou d’une autre?
Jim Root (guitare Slipknot):Absolument. J’ai vraiment l’impression que Paul m’aidait à mettre en place ces arrangements. Je veux dire, la façon dont j’ai abordé les arrangements et l’écriture de chansons sur cet album, je ne l’ai jamais fait auparavant.
La seule chose que je peux attribuer à cela, c’est que je l’ai appris de Paul et que je n’ai jamais vraiment utilisé ce qu’il m’avait appris jusqu’à présent, car j’avais toujours travaillé avec lui sur nos précédents disques. Donc cette fois, avec lui étant absent, j’ai pu…
Ça m’a un peu frappé comme une tonne de briques un jour, je ne serais jamais allé aussi profondément dans les arrangements des chansons avant et j’ai en quelque sorte réalisé que je faisais parce que c’est ce que Paul ferait, c’est ce que nous ferions quand nous travaillions ensemble sur une idée.
Ce «chapitre» doit-il être vu comme un chapitre de clôture dans l’ère précédente du groupe ou comme un chapitre d’ouverture pour une nouvelle ère?
Jim Root (guitare Slipknot):[Rires] Je ne sais pas vraiment! Je veux dire, ce groupe est une telle anomalie qu’on ne sait jamais…
J’aborde toujours chaque cycle d’album que nous faisons comme le dernier que nous pourrions faire. Il me semble que nous avons bien plus de raisons de continuer que de raisons de ne pas continuer.
Cela dit, c’est ce que je ressens des choses. Je ne sais pas comment Corey pense les choses, je ne sais pas comment Shawn Crahan pense les choses, je ne sais pas ce que pensent Mick ou Chris ou l’un des autres gars de continuer. Je préférerais continuer plutôt que de nous débarrasser de tout notre travail acharné et de retirer tout ce que nous avons appris de Paul et de ne pas l’attribuer à son héritage.
Je pense que ce serait un gaspillage extrême de tout ce que nous avons vécu au cours des quinze dernières années.
Considérez-vous cet album comme une sorte de thérapeutique à certains égards?
Jim Root (guitare Slipknot):Ouais, absolument. Je veux dire que c’est la raison pour laquelle il nous a fallu si longtemps pour faire un autre disque
. Notre processus de guérison a commencé avec nous en tournée pour voir si nous pouvions continuer en tant que groupe. La façon dont nous avons fait cela a été de commencer à tourner en premier.
Nous sommes arrivés au point où nous avons appris que nous pouvions faire cela, nous pouvions tourner, nous pouvions jouer, nous pouvions faire tout ce que nous faisions, et la prochaine étape logique dans cette évolution est de faire un disque.
Avez-vous parlé de tout cela pendant le processus?
Jim Root (guitare Slipknot):Non, nous ne parlons pas vraiment de ça tant que nous ne nous sommes pas réunis, vous savez. Ce sera davantage une évolution qui continuera à se produire alors que nous tournons et passons plus de temps ensemble.
Nous sommes toujours en train de surmonter des choses et quand nous étions en studio, nous étions ensemble mais nous étions tellement concentrés sur le travail que notre objectif principal était de rassembler ces arrangements, de les enregistrer sur bande et de les rendre aussi bons que possible. .
Maintenant que ce processus est terminé et que nous nous préparons à prendre la route, nous aurons suffisamment de temps d’arrêt pendant que nous sommes là-bas pour que ces conversations reviennent davantage au premier plan.
Jim Root (guitare Slipknot): L’album commence par une longue introduction avec beaucoup de tension appelée «XIX». Qu’est-ce que cela représente?
Jim Root (guitare Slipknot):«XIX» était une chanson que Clown a écrite et il avait la musique dans sa tête… Vous savez, nous étions porteurs aux funérailles de Paul et quand nous marchions avec Paul pour l’emmener à son dernier lieu de repos, c’était en quelque sorte le thème musical ce clown avait roulé dans sa tête.
Il avait besoin de le faire savoir et c’est ainsi qu’il l’a fait. C’est en quelque sorte la philosophie derrière cette chanson.
Il y a une ballade appelée «Au revoir» qui semble être un adieu à Paul Gray. Comment avez-vous abordé cet exercice sensible?
Jim Root (guitare Slipknot):Vous savez, vous écrivez pour la chanson et vous écrivez pour la faire du mieux que vous pouvez la faire. Cela dit, cette chanson est une chanson que Corey a écrite: elle est venue de son esprit et de son cœur.
C’est un peu plus près de lui, j’en suis sûr. Pour moi, c’est plus un truc musical et je dois exprimer mes sentiments à travers mon jeu de guitare.
Corey a composé une très bonne chanson à laquelle j’ai pu ajouter. C’est un homme dur, il y aura toujours une guérison, il y aura toujours quelque chose à résoudre, quelque chose à essayer d’améliorer.
Je veux dire, c’est comme ça que vous évoluez en tant que groupe et c’est ainsi que vous essayez de continuer en tant que groupe. Je pense que tant que nous aurons des raisons de le faire, nous continuerons de le faire.
Serait-ce parce que Corey était un peu personnel que ce soit la piste huit ou est-ce que je suis juste en train d’analyser la tracklist?
Jim Root (guitare Slipknot):[Rires] Je pourrais l’être. Je veux dire, Clown et Corey ont mis l’ordre de passage de l’album ensemble. Clown pense à tout quand il fait ce genre de choses.
Il ne pense pas seulement à: « Cette chanson est rapide et cette chanson est lente, nous devons donc les remettre dos à dos » ou « Cette chanson ressemble beaucoup à cette chanson, nous devons donc les séparer sur le disque. »
Il entre dans le contenu lyrique, dans le battement par minute, dans l’accord, le nombre de… Peut-être que le fait que ce soit le numéro huit signifie quelque chose. Je ne sais pas. C’était certainement quelque chose auquel on avait probablement pensé, j’en suis sûr.
Cet album est assez maussade. Il contient des chansons Slipknot très classiques et énervées qui raviront les premiers fans, mais aussi des chansons qui vont vraiment de l’avant artistiquement, avec une sensation sombre et douce aussi. Est-ce que cela représente la dualité des sentiments que vous aviez en vous?
Jim Root (guitare Slipknot):Absolument. Je veux dire, nous sommes un groupe assez complexe à la fin de la journée. Il y a un tas de gars différents et un tas de personnalités différentes. Vous ne pouvez pas vraiment sortir les mêmes chansons encore et encore. Pour ne pas s’ennuyer et ne pas ennuyer votre public, vous devez toujours continuer à évoluer dans tout ce que vous faites.
Il s’agit d’essayer de trouver un équilibre dans cette évolution et de ne pas devenir si éloigné de ce que nous sommes en tant que groupe, de ce que nous avons commencé à faire en tant que groupe ou de ce qui a fait de nous ce que nous sommes en tant que groupe.
Si vous ne faites pas attention, vous pouvez vous éloigner trop de ce qui a fait de vous ce que vous êtes, et ce n’est pas notre intention de nous en éloigner aussi. Mais en même temps, vous devez avancer et évoluer.
Si les gens veulent entendre des chansons qui sont sur l’album de l’Iowa, eh bien, ils ont l’album de l’Iowa à écouter, ou la version éponyme.
Je veux dire, ces albums sont là pour que tout le monde puisse en profiter pour le reste du temps. Voyons ce que nous pouvons faire d’autre et si cela fonctionne, continuons à le faire. Si cela ne fonctionne pas, nous reviendrons aux anciennes habitudes, je suppose.
L’une des critiques que nous avons souvent vues concernant le single «The Devil In I» est le fait qu’il y a des mélodies très accrocheuses avec Corey chantant à voix claire et beaucoup de gens pensaient que c’était trop proche de Stone Sour. Que diriez-vous à ceux qui pensent que Stone Sour projette une ombre trop grande sur Slipknot maintenant?
Jim Root (guitare Slipknot):Je dirais à ces critiques de revenir en arrière et d’écouter la ligne mélodique dans «Wait And Bleed» et dans «My Plague». Corey est un chanteur mélodique. Il a toujours été un chanteur mélodique. Il est assez doué pour tout faire. Alors pourquoi ne ferait-il pas tout, s’il est capable de tout faire?
Cela semble extrêmement étroit d’esprit. Si certaines choses vont avoir un rapport avec d’autres choses: oui, c’est la même personne. Vous ne pouvez pas vraiment changer qui vous êtes en tant que personne.
Mais s’ils pensent que c’est trop mélodique ou trop chatte ou quelque chose comme ça, alors tout ce qu’ils ont à faire est d’écouter « Snuff » ou « Dead Memories » ou, comme je l’ai déjà dit, « My Plague », voire » Duality »ou la ligne mélodique de« Wait And Bleed »- c’est assez mélodique! [Rires]
Je pense qu’ils ont un argument invalide ou qu’ils ne connaissent pas vraiment le groupe, parce qu’ils n’ont pas écouté le groupe. Ils ont peut-être entendu le groupe mais ils n’ont pas vraiment écouté le groupe. Et une autre chose que je peux dire à ces critiques est: nous sommes Slipknot et nous ferons tout ce que nous voulons, parce que nous sommes Slipknot.
Écoutez notre premier disque:«Merde tout, baise ce monde, baise tout ce que tu défends.» «Ne me jugez pas» , c’est une chose énorme. Alors quoi qu’il en soit, ils peuvent porter le jugement qu’ils veulent, nous allons continuer à faire ce que nous faisons et essayer d’évoluer en tant que groupe.
«Pour avoir quelques nouveaux gars, ils vont devoir travailler un peu comme nous avons dû travailler pour ça dans le passé. »
Une des choses qui frappe sur cet album est l’importance de la batterie et de la basse, autant dans le mix que dans la musique elle-même. Cela vient-il d’une grande implication du nouveau batteur et bassiste?
Jim Root (guitare Slipknot):Ouais, ils ont joué sur le disque et ces parties font partie des chansons. Vous devrez donc pouvoir entendre ces parties de l’album.
Quand Metallica a fait And Justice For All, ils ont en quelque sorte enterré la basse dans le mix et, même si c’est un disque classique et un excellent disque, je pense que l’album a souffert parce qu’on n’entend aucune basse autre que dans les guitares.
Vous savez, si vous passez à autre chose, vous devez avancer dans tous les sens du terme. En cachant des choses dans le mix, nous ne ferions que du mal à nous-mêmes et aux gens qui écoutent l’album.
La basse et la batterie sont des parties importantes des disques. Vous avez besoin de ces éléments du dossier pour en quelque sorte maintenir le fort. Et nous avons assez de bons joueurs qui font ces parties qui devraient être entendues.
Comment ont-ils été embauchés?
Jim Root (guitare Slipknot):Nous avons mis une publicité à Hollywood. Nous sommes allés au Guitar Center pour mettre une annonce et voir qui y répondrait. Non, je plaisante [rires].
Nous connaissions le batteur; nous avions beaucoup d’amis communs et sur caprice nous nous sommes réunis avec lui au studio de Dave Grohl et nous nous sommes bloqués, lui ne sachant rien de la raison pour laquelle il était là.
Il a joué environ vingt ou vingt-quatre chansons et nous aurions pu jouer un spectacle ce soir-là si nous en avions besoin. Le truc de la basse était un peu plus délicat: nous ne savions pas quoi faire et comment l’aborder.
C’est encore une sorte de courbe d’apprentissage sur ce que nous faisons. Donnie Steele est évidemment venu et nous a aidés en studio. Il n’était pas vraiment à la hauteur de tout ce que nous faisions, alors nous avons amené quelques autres personnes. Et cela ne semblait pas vraiment marcher avec les autres personnes que nous amenions.
«Attendez une minute, voyons si cela peut fonctionner!» [Rires] Vous savez ce que je veux dire? Alors on l’a fait sortir et ça a semblé marcher. En ce moment, tout semble plutôt bien fonctionner. Ce n’est pas cassé pour le moment, il n’y a donc aucune raison de remettre en question quoi que ce soit. Nous allons juste aller de l’avant et avancer.
Les deux joueurs portent les mêmes masques, cela signifie-t-il qu’ils ne sont pas pleinement considérés comme intégrés au groupe, qu’ils ne sont pas encore considérés comme des membres permanents de Slipknot?
Jim Root (guitare Slipknot):Vous pouvez considérer cela comme une métaphore pour eux qui doivent en quelque sorte travailler à leur manière et trouver leur propre identité au sein du groupe. Je pense que c’est un peu plus d’où cela vient.
Nous avons tous vécu beaucoup de choses ensemble en tant que groupe et nous avons payé beaucoup deux fois ensemble à venir, donc pour avoir quelques nouveaux gars, ils vont devoir travailler un peu comme nous a dû y travailler dans le passé.
Leurs noms ont été quelque peu révélés par des déductions assez fiables ces derniers jours, bien qu’il n’y ait eu aucune déclaration officielle du groupe. Alors, que pensez-vous de tout ce jeu de devinettes qui se déroule sur Internet?
Jim Root (guitare Slipknot):Tout ça quoi? Le jeu de devinettes? [Rires] Je pense que c’est intéressant. Nous sommes à l’époque d’Internet où il ne peut plus y avoir d’anonymat, vraiment. Finalement, les gens découvriront qui sont les gens qui sont avec nous maintenant. Je préfère les laisser se présenter, plutôt que de faire une sorte de grande déclaration.
Cela ne veut pas dire que Corey l’a peut-être déjà dit ou même Clown ou quelqu’un d’autre peut le dire. Pour moi, c’est quand vient le temps, quand on est sur la route tous ensemble et que quelqu’un fait de la presse et qu’ils veulent demander qui joue de la basse dans le coin, qui est à la batterie qu’ils entendent de l’autre chambre, ils iront peut-être leur demander. [Rires]
Alors ne pouvez-vous pas me confirmer que le nouveau batteur et bassiste est Jay Weinberg et Alessandro Venturella?
Alessandro Venturella… Quel genre de nom est-ce? [Rires] Alessandro Venturella… Je ne vais ni confirmer ni nier cela. [Des rires]
Vous avez dévoilé vos nouveaux masques. Nous voyons les changements dans leur apparence, mais y a-t-il eu une évolution dans leur confort et leur commodité à porter par rapport aux débuts du groupe?
Jim Root (guitare Slipknot):Vous savez, ils n’ont jamais été aussi inconfortables et incommodes. Pour moi, les masques, c’est plus l’idée de mettre le masque plutôt que de porter le masque, si vous voyez ce que je veux dire.
Une fois le masque mis, je ne me rends même pas compte que je le porte [rires]. C’est un processus évolutif et j’étais plus préoccupé par l’écriture et l’enregistrement de la musique. Je n’ai pas vraiment pensé à la question du masque.
Je n’aime pas trop changer de masque, j’aime le garder assez proche de ce qu’il a toujours été, juste peut-être en faire des variations, de petites petites évolutions.
Il y a d’autres gars dans le groupe qui aiment changer radicalement le leur pour qu’il soit très différent de ce qu’ils avaient auparavant. Je ne veux pas aller aussi loin parce que je pense qu’il est important de pouvoir reconnaître un semblant de ce que ce membre est ou représente, du moins du point de vue des fans.
Maintenant, cela ne veut pas dire que si nous faisons un autre disque, quelque chose se passe et change complètement d’avis sur la façon dont mon image est dans le groupe et comment je veux être perçu dans le groupe, je pourrais repartir de zéro et en faire un complètement nouveau.
Mais pour l’instant, je veux juste faire, comme je l’ai dit, de légers changements et de légères variations.
Que pouvons-nous attendre du groupe dans le cadre du live pour le futur?
Jim Root (guitare Slipknot):Nous construisons un tout nouveau décor. Nous allons migrer notre pyro et notre éclairage dans le décor que nous construisons. Ça fait longtemps. Je veux dire, nous n’avons pas eu de nouveau décor de scène depuis les Versets subliminaux.
C’est la principale nouveauté. En ce qui concerne toute autre chose, c’est tout. Il y aura une évolution alors que nous avançons, tournons et apprenons plus sur nous-mêmes [rires].
«Je suppose qu’il y a des gens dans [Stone Sour] qui ne voulaient pas voir un cycle d’album de Slipknot se produire parce qu’ils voulaient continuer à faire ce qu’ils faisaient. »
Sur un autre sujet, vous avez été pratiquement viré de Stone Sour à la fin de l’année dernière. Cela n’a-t-il pas terni votre relation avec Corey Taylor?
Jim Root (guitare Slipknot):Cela a définitivement ajouté une nouvelle dynamique à ma relation avec Corey Taylor, c’est sûr. Je pense que si quelque chose, cela a probablement rapproché Corey et moi. Si quelque chose est terni, c’est ma relation avec d’autres personnes qui sont toujours membres de Stone Sour.
Je n’ai même pas parlé avec ces gars depuis qu’ils ont conspiré et fait leur choix, ce qui est bien parce que cela ne m’affecte pas vraiment beaucoup pour le moment, à part le fait que j’avais beaucoup de sang dans le jeu, je m’en souciais beaucoup sur ce groupe. Je me souciais plus de ce groupe que de l’argent qu’il gagnait.
Je me souciais de la musique et de ce que nous faisions en tant que groupe. Et je pense que c’est en partie la raison pour laquelle nous avons eu des désaccords, parce que je pense qu’il y a d’autres personnes dans ce groupe qui se soucient plus de l’argent que de ce que le groupe fait artistiquement. Donc, après avoir dit cela,
Mais quelles ont été les raisons concrètes de votre départ?
Jim Root (guitare Slipknot):Je ne sais pas. Il faudrait demander aux conspirateurs du groupe ce que c’est, car je ne sais toujours pas quelle est la raison. Aucun d’eux n’a les couilles pour prendre un téléphone et m’appeler.
La seule chose à laquelle je peux penser, c’est quelqu’un qui ne se soucie que de l’argent et qui veut continuer à continuer une tournée de Stone Sour alors qu’il devrait y avoir un cycle d’albums de Slipknot, et c’est probablement quelqu’un qui pense:
«Eh bien, si je me débarrasse de ce membre, alors j’obtiendrai plus d’argent pour l’édition et j’obtiendrai plus d’argent de merch…Puisque je n’en ai parlé à personne, à part Corey, c’est la seule sorte de conclusion que je puisse en tirer.
Corey et moi allons très bien, nous avons une excellente relation et ça ne fera que s’améliorer au fur et à mesure que le cycle de l’album [Slipknot] avance. Je suis honnêtement toujours dans le noir sur celui-là aussi, donc ce serait intéressant de savoir… Mais encore une fois, ces gars-là ne réfléchissent pas vraiment très bien.
Peut-être qu’ils n’y ont pas réfléchi, peut-être qu’ils disaient simplement: «Nous devons continuer à tourner et Jim ne veut pas tourner, alors merde, nous le virerons! C’était peut-être aussi stupide. [Chuckes]
Mais Corey Taylor est aussi à la fois dans Slipknot et Stone Sour, alors qu’est-ce qui a fait la différence, pourquoi ont-ils eu un problème avec le fait que vous soyez dans les deux groupes et non avec Corey?
Jim Root (guitare Slipknot):Hum, je ne sais pas, parce qu’ils ne peuvent probablement pas faire carrière sans Corey, je devrais supposer, tu sais [rires].
Je veux dire, s’ils perdent Corey de Stone Sour, alors c’est tout, Stone Sour est fait. Je ne suis qu’un guitariste; Je ne suis pas la voix du groupe, pour ainsi dire, même si j’ai beaucoup apporté à la table en termes d’écriture et de guitare.
Je suppose que c’est facile de trouver quelqu’un pour venir et essayer de jouer mes parties, ça ne sonnera jamais de la même façon mais c’est beaucoup plus difficile de remplacer quelqu’un comme Corey que de remplacer un guitariste, je suppose.
Vous avez récemment dit que tout fonctionnait «pour le mieux» parce que vous n’étiez plus «vraiment content» de Stone Sour. De quoi étiez-vous malheureux à Stone Sour?
Jim Root (guitare Slipknot):Juste beaucoup de choses; beaucoup de décisions qui étaient prises ou qui n’étaient pas prises en tant que groupe à part entière. Rien n’a été vraiment décidé en tant que groupe à part entière, c’était juste un groupe d’individus essayant de faire avancer les choses.
Vous vous êtes battu sur des choses, avec trois gars qui veulent une chose d’une manière et un gars qui la veulent d’une manière différente, et puis, tout d’un coup, c’est la manière d’un gars au lieu de la façon dont tout le monde a voté… C’était tellement de choses différentes.
Vous savez, la politique est une chose énorme, profonde et effrayante, mais à la fin de la journée, essentiellement, le processus d’un album de Slipknot devait commencer à se produire.
Je suppose qu’il y a des gens dans cet autre groupe qui ne voulaient pas voir un cycle d’albums Slipknot se produire parce qu’ils voulaient continuer à faire ce qu’ils faisaient.
Donc le processus de l’album Slipknot a continué à être repoussé, repoussé et repoussé et… Il est arrivé au point où il ne pouvait plus être repoussé, nous avons dû avancer et commencer.
Vous savez, vous faites des plans en tant que groupe et les gens vont à l’encontre de ces plans et changent d’avis, puis, tout d’un coup, on vous dit que les choses vont se passer d’une certaine façon. Il suffit de s’en occuper et d’en être heureux ou… ou pas! [Rires]
Pour moi, c’était important de revenir à Slipknot et je pense que tout le monde savait que cela devait arriver. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses.
Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé. vous faites des projets en tant que groupe et les gens vont à l’encontre de ces plans et changent d’avis, puis, tout d’un coup, on vous dit en quelque sorte que les choses vont se passer d’une certaine manière.
Il suffit de s’en occuper et d’en être heureux ou… ou pas! [Rires] Pour moi, c’était important de revenir à Slipknot et je pense que tout le monde savait que cela devait arriver.
Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses. Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé.
vous faites des projets en tant que groupe et les gens vont à l’encontre de ces plans et changent d’avis, puis, tout d’un coup, on vous dit en quelque sorte que les choses vont se passer d’une certaine manière. Il suffit de s’en occuper et d’en être heureux ou… ou pas! [Rires]
Pour moi, c’était important de revenir à Slipknot et je pense que tout le monde savait que cela devait arriver. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses.
Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses.
Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé. Peut-être que cela n’a pas rendu certaines personnes heureuses. Peut-être étaient-ils bouleversés que les choses allaient devoir se produire comme elles se produisaient toujours dans le passé.
Cela vous a-t-il permis d’utiliser peut-être un peu de cette colère que vous aviez d’avoir été viré du groupe vers l’album Slipknot?
Jim Root (guitare Slipknot):Peut-être un peu mais j’avais déjà écrit la plupart de ces chansons avant. La pire nouvelle que j’avais, c’était qu’ils allaient faire une tournée sans moi. Et c’est là que j’ai commencé à me concentrer sur l’écriture du disque de Slipknot.
Donc, le grand couteau dans le dos n’est pas arrivé avant que nous ayons déjà travaillé sur la pré-production, travaillé avec le nouveau batteur, travailler avec le producteur, juste avant la sortie du reste du groupe.
Corey a dû faire cette tournée avec Stone Sour avant de sortir travailler sur ce disque.
Je ne connais pas l’homme, il y a tellement de variables différentes et, comme je l’ai dit, aucun d’entre eux n’a jamais décidé de me dire quelle était sa mentalité [rires] ou pourquoi cela se passait.
Ils diraient probablement que c’était quelque chose comme si j’étais malheureux ou que je me plaignais ou autre chose, mais je ne suis pas le seul …
14/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Dublin, 3Arena 16/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Manchester, Arena 17/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Newcastle, Utilita Arena 18/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Glasgow, The SSE Hydro 20/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Sheffield, Flydsa Arena 21/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Nottingham, Motorpoint Arena 22/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Cardiff, Motorpoint Arena 24/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Birmingham, Arena Birmingham 25/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ London, O2 Arena T
28/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Amsterdam, Ziggo Dome 29/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Frankfurt, Festhalle 30/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Paris, AccorHotels Arena – Bercy – POPB 01/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Esch-sur-Alzette, RockHal 02/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Lyon, Halle Tony Garnier 04/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Budapest, SportArena 06/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Lodz, Atlas Arena 08/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Stuttgart, Schleyerhalle 09/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ München, Olympiahalle 11/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Milan, Mediolanum Forum 12/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Zurich, Hallenstadion 14/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Wien / Vienna, Stadthalle
16/02/2020 @ Hamburg, Barclaycard Arena 17/02/2020 @ Berlin, Mercedes-Benz Arena 18/02/2020 @ Dortmund, Westfalenhallen 20/02/2020 @ Copenhagen, Royal Arena 21/02/2020 @ Stockholm, Ericsson Globe 22/02/2020 @ Oslo, Telenor Arena 24/02/2020 @ Helsinki, Hartwall Arena 20/03/2020 KnotFest Japan 2020 @ Chiba, Makuhari Messe 24/03/2020 Singapore Rockfest 2020 @ Singapore 27/03/2020 Hammersonic Festival 2020 @ Jakarta 29/03/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Manilla, Amoranto Stadium
15/05/2020 Sonic Temple Art + Music Festival 2020 @ Columbus, MAPFRE Stadium 22/05/2020 Rocklahoma Festival 2020 @ Pryor Creek, Rocklahoma 30/05/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Syracuse, St. Joseph’s Health Amphitheater at Lakeview 31/05/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Mansfield, Xfinity Center 02/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ New York, Madison Square Garden
04/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Quebec City, Centre Videotron 05/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Montreal, Centre Bell 06/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Toronto, Budweiser Stage
08/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Clarkston, DTE Energy Music Theatre 10/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Nashville, Bridgestone Arena 12/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Memphis, FedExForum 14/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Orlando, Amway Center 15/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ West Palm Beach, iTHINK Financial Amphitheatre 17/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Charlotte, PNC Music Pavilion 18/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Alpharetta, Ameris Bank Amphitheatre 20/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Birmingham, Oak Mountain Amphitheatre 22/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Dallas, Dos Equis Pavilion 23/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Austin, Germania Insurance Amphitheater 25/06/2020 Slipknot -Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ The Woodlands, The Cynthia Woods Mitchell Pavilion 16/07/2020 Slipknot Tour 2020 Rock Fest 2020 @ Cadott, Rock Fest 16/07/2020 Slipknot Tour 2020 Rock USA Festival 2020 @ Oshkosh, Ford Festival Park
30/07/2020 Wacken Open Air 2020 @ Wacken, Wacken 31/07/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Köln, Rhein Energie Stadion 05/08/2020 Metaltown Festival 2020 @ Göteborg, Bananpiren 07/08/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Berlin, Waldbühne 10/08/2020 KnotFest At Sea Cruise 2020 @ Barcelona 14/08/2020 Metal Paradise Fest 2020 @ Fuengirola, Marenostrum Music Castle Park 20/08/2020 Festival Cabaret Vert 2020 @ Charleville-Mézières, Square Bayard 22/08/2020 Knotfest UK 2020 @ Milton Keynes, The National Bowl
14/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Dublin, 3Arena 16/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Manchester, Arena 17/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Newcastle, Utilita Arena 18/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Glasgow, The SSE Hydro 20/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Sheffield, Flydsa Arena 21/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Nottingham, Motorpoint Arena 22/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Cardiff, Motorpoint Arena 24/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Birmingham, Arena Birmingham 25/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ London, O2 Arena T
28/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Amsterdam, Ziggo Dome 29/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Frankfurt, Festhalle 30/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Paris, AccorHotels Arena – Bercy – POPB 01/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Esch-sur-Alzette, RockHal 02/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Lyon, Halle Tony Garnier 04/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Budapest, SportArena 06/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Lodz, Atlas Arena 08/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Stuttgart, Schleyerhalle 09/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ München, Olympiahalle 11/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Milan, Mediolanum Forum 12/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Zurich, Hallenstadion 14/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Wien / Vienna, Stadthalle
16/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Hamburg, Barclaycard Arena 17/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Berlin, Mercedes-Benz Arena 18/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Dortmund, Westfalenhallen 20/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Copenhagen, Royal Arena 21/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Stockholm, Ericsson Globe 22/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Oslo, Telenor Arena 24/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Helsinki, Hartwall Arena 20/03/2020 KnotFest Japan 2020 @ Chiba, Makuhari Messe 24/03/2020 Singapore Rockfest 2020 @ Singapore 27/03/2020 Hammersonic Festival 2020 @ Jakarta 29/03/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Manilla, Amoranto Stadium
15/05/2020 Sonic Temple Art + Music Festival 2020 @ Columbus, MAPFRE Stadium 22/05/2020 Rocklahoma Festival 2020 @ Pryor Creek, Rocklahoma 30/05/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Syracuse, St. Joseph’s Health Amphitheater at Lakeview 31/05/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Mansfield, Xfinity Center 02/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ New York, Madison Square Garden
04/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Quebec City, Centre Videotron 05/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Montreal, Centre Bell 06/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Toronto, Budweiser Stage
08/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Clarkston, DTE Energy Music Theatre 10/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Nashville, Bridgestone Arena 12/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Memphis, FedExForum 14/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Orlando, Amway Center 15/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ West Palm Beach, iTHINK Financial Amphitheatre 17/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Charlotte, PNC Music Pavilion 18/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Alpharetta, Ameris Bank Amphitheatre 20/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Birmingham, Oak Mountain Amphitheatre 22/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Dallas, Dos Equis Pavilion 23/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Austin, Germania Insurance Amphitheater 25/06/2020 Slipknot Tour 2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ The Woodlands, The Cynthia Woods Mitchell Pavilion 16/07/2020 Slipknot Tour 2020 Rock Fest 2020 @ Cadott, Rock Fest 16/07/2020 Slipknot Tour 2020 Rock USA Festival 2020 @ Oshkosh, Ford Festival Park
30/07/2020 Wacken Open Air 2020 @ Wacken, Wacken 31/07/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Köln, Rhein Energie Stadion 05/08/2020 Metaltown Festival 2020 @ Göteborg, Bananpiren 07/08/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Berlin, Waldbühne 10/08/2020 KnotFest At Sea Cruise 2020 @ Barcelona 14/08/2020 Metal Paradise Fest 2020 @ Fuengirola, Marenostrum Music Castle Park 20/08/2020 Festival Cabaret Vert 2020 @ Charleville-Mézières, Square Bayard 22/08/2020 Knotfest UK 2020 @ Milton Keynes, The National Bowl
Je n’avais pas encore visionné le film sur Don McCullin photographe. C’est maintenant chose faite. Un magnifique documentaire, sur un des plus grand reporter de guerre: Don McCullin. Si aujourd’hui, la photo a une utilisation assez superficielle pour beaucoup (selfies), les grands photographes comme Don Mc Cullin ont une autre approche de ce mode d’expression.
Don Mc Cullin photographe de guerre
Don McCullin a photographié la misère en Irlande, la construction du mur de Berlin en 1961, la guerre civile à Chypre (World Press Photo Award 1964), El Salvador, Vietnam pendant 10 ans, le conflit israélo-palestinien, les famines (Biafra, Inde, Bangladesh, et plus récemment la dévastation du SIDA en Afrique. Il est récompensé à plusieurs reprises pour ses reportages et rejoint les milieux les plus connus des photographes de presse.
Don McCullin est l’un des « grands reporters » qui ont parcouru le monde, vécu les conflits des années 1960, 1970 et 1980, les séquelles de la guerre froide et une mondialisation qui ne dit pas encore son nom. Ils l’ont fait avec la même brutalité que les événements qu’ils ont rapportés. Mccullin est en colère quand il dénonce le sale visage du conflit international, apporte la sécurité à la une des journaux et donne vie à un conflit abstrait pour l’Occident.
Don McCullin
Les photos de Don Mc Cullin photographe
«Depuis 20 ans, je n’ai jamais refusé une invitation à la guerre ou à participer à une révolution. Pourquoi? Je peux sentir la raison, mais je ne peux pas l’exprimer. « Malheureusement, Don McCullin appartient à cette génération, ce qui augmentera l’engagement de l’artiste sensationnel avec son corps en défense, avec la sueur de son front et au péril de sa vie.
Si ses photos de la guerre du Vietnam ont eu un impact énorme sur l’opinion publique et ont aidé à mettre fin à un conflit absurde, elles ont également montré des cadavres recouverts de linceuls, des femmes en larmes qui gisaient sur le corps de leurs enfants et couvraient leur visage, le sang collectif de soldats épuisés. Elles ont impacté notre conscience grâce à une exposition répétée.
La légende veut que son appareil Nikon arrête une balle en 1968, qu’il soit grièvement blessé au Salvador. Elle veut aussi que le gouvernement britannique lui ai refusé sa carte de presse pour couvrir la guerre de Malouines, en raison du trop grand impact visuel de ses images.
Don McCullin born 1935 ARTIST ROOMS
Une génération de photographes face à la violence
Cette génération de producteurs d’images fortes découvrira la banalisation de la violence et du sensationnalisme tout en adhérant au paradoxe du photographe reporter: vivre de ce qui est dénoncé. Chaque photographe a sa stratégie pour faire face aux questions morales insolubles de son métier. Don McCullin, comme une poignée d’autres, semble s’être adapté à la testostérone en raison de la proximité du conflit, de l’engagement fugace mais physique, immédiat et complet avec les personnes qu’il a photographiées.
«La compassion et le regret du Biafra n’ont cessé de me poursuivre. Vous imaginez naïvement que l’intégrité est suffisante pour vous justifier dans toutes les situations. Nous n’avons donc rien à faire – et comment ai-je aidé les Biafres? […] « Extrait du journal Le monde du 6/04/07.
Le 28 juillet 19682, il réalise une série d’enregistrements avec les Beatles, une session surnommée « A Mad Day Out » en raison des nombreux endroits de Londres qui ont servi de toile de fond . En 1980, il réalise sa première grande exposition au Victoria and Albert Museum de Londres puis dans d’autres lieux de renom (Arles 1992, Barbican Centre à Londres 1998, siège des Nations Unies 2001 avec photos de malades du SIDA …).
Il a écrit son autobiographie, qu’il a publiée en 1990, Unreasonnable Behavior (comportement déraisonnable, publié en France sous le titre Risque et péril). Exposé en 2006 aux Rencontres d’Arles en France et en 2012 à l’Imperial War Museum de Londres pour l’exposition Shaped by War. Don McCullin s’est récemment tourné vers le paysage, la nature morte et a commandé des portraits. Don McCullin vit actuellement à Somerset, est marié et a cinq enfants issus de mariages multiples.
Bonus : L’interview de Don McCullin dans The Guardians
Lorsque le photographe Giles Duley avait 18 ans, son parrain lui a offert deux cadeaux: un appareil photo et une copie de Unreasonable Behavior, L’autobiographie de Don McCullin sur sa vie de photojournaliste au Vietnam, en Irlande du Nord, au Biafra, au Liban et dans l’est de Londres. Le livre était illustré par les célèbres photographies en noir et blanc de Don McCullin, des images de guerre et de souffrance humaine qui ont aidé à définir les conflits qu’ils décrivaient.
C’était un livre qui a bouleversé Duley. Aujourd’hui, les deux hommes sont assis l’un en face de l’autre dans le cottage tranquille de Don McCullin sur les niveaux du Somerset – aussi éloignés des horreurs de la guerre qu’on peut l’imaginer. L’excuse de leur rencontre et de notre conversation est une rétrospective majeure du travail de Don McCullin à la Tate Britain, qui s’ouvre la semaine prochaine. Pas qu’une excuse soit nécessaire car, comme ils le révèlent, ils sont déjà amis.
À 83 ans, l’apparence et l’éloquence hale de Don McCullin, après 60 ans à prendre des photos dans des zones de guerre et ailleurs, ne peuvent s’empêcher de paraître un coup de chance défiant la mort.
Il écarte toute mention des blessures qu’il a subies en tombant d’un toit au Cambodge (il s’est cassé plusieurs côtes et s’est brisé le bras) et ne s’attarde pas sur ses luttes infernales dans la ville de Hue au Vietnam, qui l’ont laissé (comme il l’a rapporté dans Le documentaire Don McCullin de Jacqui et David Morris en 2013 ) comme un «animal tourmenté». Sa retenue peut en partie être qu’il est un stoïque, mais c’est aussi, probablement, à cause de la présence de Duley. Car Duley, comme le dit McCullin, a «payé le prix».
Je l’ai interviewé pour la première fois à l’hôpital de Charing Cross en octobre 2011. Peu de temps après et toujours en convalescence, il a rendu visite à Don McCullin et à sa femme, la journaliste de voyage Catherine Fairweather, dans le Somerset. Il était alors en fauteuil roulant, mais aujourd’hui, aujourd’hui âgé de 47 ans, il marche sur des jambes prothétiques et travaille dur, son esprit est modeste, engageant et impressionnant.
Le projet photographique Legacy of War de Duley , lancé en 2013, explore les effets à long terme du conflit mondial et, en 2015, il a été chargé par le HCR de documenter la crise des réfugiés, visitant 14 pays du Moyen-Orient et d’Europe et publiant, en 2017 , Je ne peux que te dire ce que mes yeux voient. Il a inspiré Angelina Jolie et PJ Harvey et d’innombrables autres. Il a collecté des fonds pour aider certaines des personnes qu’il a photographiées et a un magnifique fil Instagram, The One Armed Chef , avec des photos de la nourriture qu’il prépare minutieusement. Il cuisine souvent avec les réfugiés avant de les photographier. C’est une chose conviviale, dit-il.
Kate Kellaway: Ma première question, dans l’esprit du départ, est ce que vous prenez tous les deux lorsque vous allez sur le terrain? Quels sont les éléments pratiques dont vous avez besoin?
Don McCullin: La bonne attitude vraiment. Vous devez savoir pourquoi vous y allez; êtes-vous déterminé à prendre le risque? Surtout quand on avait une famille, des enfants, comme moi. Et puis beaucoup de préméditation: «Serai-je capable de faire ça? Vais-je pouvoir le faire? »
Giles Duley J’emporte toujours du Tabasco avec moi, à cause de la quantité de nourriture terrible que j’ai eue. Et j’ai toujours un arrêt de porte. Dans de nombreux endroits où je travaille actuellement, les enlèvements sont devenus une chose importante. Donc je pousse toujours ça dans la porte, alors au moins si quelqu’un essaie de le faire entrer, il y a un coin dessus. C’est drôle comment vous avez ces petites choses par habitude.
Don McCullin: J’avais l’habitude de prendre un pansement en crêpe au cas où je me casserais la cheville ou quelque chose comme ça. Et Ready Brek parce que j’avais toujours peur de me retrouver sans rien manger le matin. Il y a toutes ces choses insignifiantes.
Giles, vous avez déjà parlé de la façon dont la lecture des mémoires de Don sur le comportement déraisonnable à 18 ans vous a inspiré. Pourquoi était-ce? Don McCullin: C’est intéressant, car il y avait de l’aventure et de l’excitation, mais ce qui m’est resté, ce sont les photos. Il y a une image d’un enfant soldat pointant une arme sur d’autres enfants soldats [au Congo, 1964]. Ils ont environ 12 ans, entièrement équipés de M16 et de casques. En grandissant, j’avais vraiment voulu être dans l’armée, pensant que c’était glamour, pensant que la guerre était excitante.
Et voir des images comme celle-là a fait comprendre ce qu’était la guerre: une chose laide et brutale. Toutes les photos que j’avais vues de la guerre auparavant, qui parlaient de chaos, de chars, d’avions, d’explosions, de gens qui tiraient des armes. Mais ce qui m’est resté dans les photos de Don, c’est le contact avec les yeux des gens. Je pense que beaucoup de photographie de guerre, qu’elle soit accidentelle ou délibérée, rend la guerre glamour, mais Don ne l’a jamais fait.
Don McCullin: Lorsque vous vivez une journée calamiteuse et que vous voyez des balles survoler et des obus arriver et que vous survivez ce jour-là, il ne fait aucun doute que l’adrénaline est à plein régime. Mais alors cela continue pour la guerre après la guerre jusqu’à ce que vous arriviez à la conclusion que vous vous moquez de vous-même, en pensant que la guerre est excitante, et que vous oubliez que les gens souffrent et meurent autour de vous.
Cela semble être une question simple, mais elle est en fait très compliquée: qu’est-ce qu’une bonne photo? Don McCullin: Une photographie doit vous crier dessus et vous dire que quelque chose ne va pas, que vous ne vivez pas dans le bon monde, quelque chose que les mots ne peuvent pas vous expliquer.
Quand je suis entré dans une école en 1969 au Biafra et que j’ai vu 600 enfants mourants, certains s’effondrant et mourant devant moi, je ne peux tout simplement pas vous dire ce que c’était, sachant que j’avais mes propres enfants vivant à Hampstead à l’époque. Quand une image comme celle-là est si mauvaise, il est facile d’appuyer sur le bouton, mais ce n’est pas facile de vivre avec.
Moralement, j’ai toujours eu une conscience terriblement inconfortable à ce sujet. Essayer de justifier mon travail, dans n’importe quelle déclaration, sous n’importe quelle forme ou forme, est très difficile pour moi.
Mais je pense que ce à quoi je veux en venir ici, c’est de trouver de bonnes photos? Ou fait? L’œil trouve-t-il l’image? Don McCullin: Il s’agit de l’émotionnel – nous ne sommes pas que des photographes, nous nous rassemblons émotionnellement. Une caméra ne veut pas dire un tirage au sort pour moi. Je viens de le mettre devant moi et de transférer l’image à travers ce morceau de verre et ce film. Mais j’utilise mon émotion plus que j’utilise cet équipement.
Et en même temps, un millier de pensées traversent mon cerveau et me disent: « Est-ce bien de faire ça? » J’ai vu des hommes exécutés et je ne l’ai pas photographié et j’ai pensé mon Dieu, si mon éditeur savait que je n’avais pas appuyé sur ce bouton, il me donnerait le coffre. Mais c’est mon devoir moral de ne pas prendre cette photo parce que l’homme sur le point d’être tué ne m’a pas donné sa permission.
GD Contrairement à Don, j’ai toujours été au bord du conflit, [préoccupé] des conséquences de celui-ci. Mais certainement, il y a des moments où vous choisissez de ne pas prendre de photo. Il y a toujours un moment où vous vous connectez avec l’œil de quelqu’un ou quelque chose se passe et lorsque quelqu’un ne le veut pas, c’est assez clair.
Don McCullin: Quand un homme se tient devant vous sur le point de mourir, vous ne pouvez pas l’aider. Il pleure et il vous regarde. Il regarde là où il pense que Dieu est et il bouscule comme un fou à cette dernière chance de rester en vie et vous vous tenez là, vous ne pouvez pas l’aider. Vous avez honte de l’humanité.
Alors, le travail a-t-il changé votre vision de l’humanité au fil du temps? Don McCullin: Absolument. Absolument. C’est pourquoi je vis ici. Il n’y a presque personne ici. Je n’ai pas à communiquer avec les gens. J’ai besoin de partir. J’ai besoin de me cacher. J’ai besoin d’un sanctuaire, et voici [sa maison dans le Somerset].
Vous avez dit, Don, que vous sentez d’une certaine manière que vous n’avez pas réussi à faire ce que vous auriez aimé faire par la photographie, mais vous ne pouvez sûrement pas avoir pensé que la photographie mettrait fin à la guerre ou à la misère humaine?
Don McCullin: Beaucoup de gens ne comprendraient pas ce que l’on entend par «échec». Tout ce que je dis, c’est que lorsqu’une guerre est éclaircie, la prochaine guerre attend dans les coulisses et elle semble s’être aggravée au fil des ans.
Quand j’ai commencé, il n’y avait pas de garçons de 14 ans fous en Afrique de l’Ouest avec des machettes, coupant les bras des gens, des bébés et des enfants. Vous pensiez que ça ne pouvait pas être pire que ça, puis Isis est arrivé, mettant le feu à ce pilote jordanien dans cette cage.
Et si vous pensez aux deux photos les plus importantes qui sont sorties du Vietnam, l’une était la fille courant sur la route, qui a été prise par Nick Ut (bien que tout le monde pense que j’ai pris cette photo … je ne sais pas pourquoi) en 1972. L’autre photo était celle d’Eddie Adams en 1968 du chef de la police tirant sur l’homme à la tête . Il a fallu plusieurs années après eux pour que la guerre prenne fin. Voilà donc ce à quoi je veux en venir. On change quelque chose? Les images n’ont pas arrêté la guerre, n’est-ce pas?
Les gens de GD demandent: pouvez-vous changer le monde avec votre photo et je dirais, non, mais peut-être que nous pouvons inspirer les gens qui le font. Il y a quelques années, j’ai reçu une lettre d’un homme en Australie qui venait d’entrer à l’école de médecine.
Il a vraiment eu du mal à grandir, à la maison et à l’école, mais il avait une photo de moi sur son mur, celle que j’ai prise en Afghanistan. «C’est ce qui m’a donné envie d’être médecin», dit-il. Chaque jour, il regardait cette photo pour se souvenir. Honnêtement pour moi, si c’est le seul impact de mon travail, c’est génial. Et Don dit que son travail n’a rien changé, eh bien cela a changé ma vie. Cela m’a fait faire ce que je fais.
Don McCullin: Si je peux revenir à Giles: si j’avais souffert de ce que Giles a vécu, je ne ressentirais pas ce que je ressens. Il a raison d’appuyer sur ce bouton plus que moi parce qu’il a payé ce prix effroyable. Il connaît le prix de la douleur. Si j’avais vécu ce qu’il a vécu, je n’aurais pas cette culpabilité d’avoir appuyé sur le bouton [tout en sachant] que je peux m’en aller, monter dans un avion et retourner en sécurité.
Don McCullin: J’ai toujours cet atout! Je me promenais à Mossoul dans un hôpital il y a quelques années et les gens avaient perdu leurs jambes. Je plaisantais: « Eh bien, ce n’est qu’une jambe, de quoi vous embêtez-vous? »
Je suis l’une des rares personnes à s’en sortir avec ça. Mais je me souviens qu’avant de me blesser, j’ai photographié un garçon au Soudan du Sud qui avait reçu une balle dans l’estomac et les reins et j’étais juste seule dans une petite hutte de boue avec lui, parce que les médecins étaient partis.
J’ai pointé mon appareil photo et pris une photo et j’ai failli vomir par la suite parce que je me sentais tellement malade de ce que je venais de faire. Vous pensez que vous êtes là pour les bonnes raisons, car il est important que l’histoire soit racontée.
Mais en pointant une caméra sur une personne mourante, si vous faisiez ça à Londres dans la rue, les gens penseraient que vous êtes la personne la plus vile du monde. Alors, pourquoi le faire parce que nous sommes à l’étranger? Ce n’est pas une chose humaine à faire.
Don McCullin: Je pense vraiment que nous payons le prix, ou moi personnellement, c’est la nuit. Quand je vais me coucher, si je laisse la gâchette s’allumer, tout se revit avec une telle clarté. Beaucoup de gens disent: «Oh, la photo que vous avez faite du garçon albinos affamé» [a dû être le pire moment], mais ce n’était pas la pire expérience que j’aie jamais vécue.
Je n’ai même jamais pris de photo de la pire expérience que j’ai vécue. J’ai trouvé un homme une fois à Salvador, quand les rebelles avaient capturé cette petite ville, qui avait perdu tout le bas de son visage par ses narines, toute la mâchoire était partie, tout le reste. Il avait été touché au visage avec quelques balles et s’était déchiré tout le reste du visage.
Giles, puis-je vous poser une question incroyablement dangereuse? Eh bien, c’est plus personnel que dangereux. Mais je ne peux pas comprendre à ce jour pourquoi vous avez été blessé alors que vous étiez aux mains de l’armée américaine – comment l’appellent-ils? Embarqué?
GD Oui, intégré [attaché à une unité militaire impliquée dans un conflit armé]. C’est intéressant. Vous êtes sous le feu et vous devez aller là où on vous dit. Au Soudan du Sud et au Congo, j’avais l’habitude d’être toujours seule. Lorsque vous êtes avec un groupe de soldats comme celui-là, vous perdez une partie de votre instinct et de votre façon de travailler normalement. Je ne les blâmerais certainement pas, mais il est intéressant de noter que le moment où je me suis blessé était lorsque je ne contrôlais pas totalement ce que je faisais.
Don McCullin: Ils étaient responsables de [vos] blessures, à mon avis, pas vous.
GD Mais dans beaucoup d’endroits où vous avez été, disons, au Vietnam, vous avez peut-être été avec les troupes américaines, mais vous ne les tiendriez pas responsables de votre sécurité?
Don McCullin: Non. Mais à l’époque, vous n’étiez pas intégré. Vous avez obtenu le grade de major, avez sauté sur un hélicoptère et êtes allé où vous vouliez. Ils se moquaient de savoir si vous étiez tué. Je dois dire que mon fils était en Afghanistan avec les Marines, seulement pendant six mois, mais tout le temps qu’il était là, je pensais à toi et j’ai pensé que c’était une chose tellement égoïste de ma part de dire, je ne voulais pas lui de revenir horriblement blessé comme vous l’avez fait. Il est revenu et, il allait bien, il est heureux.
Je me disais que cela ne m’inquiétait pas, mais j’étais inquiète à mort.
Tu pensais comme un père. Giles a payé un prix énorme, mais il faut aussi réfléchir au rôle que joue la chance …
GD Bien sûr. Je me considère comme l’homme le plus chanceux du monde. Seulement 20 personnes dans ce pays ont même survécu à l’explosion et à la perte de trois membres.
Dix-huit mois plus tard, j’étais de retour en Afghanistan pour travailler. J’ai voyagé seul dans 14 pays l’année dernière. J’ai tout ce que j’ai toujours voulu dans ma vie, plus beaucoup plus d’expérience, beaucoup plus de compréhension de la vie et de la mort, mon empathie, mon lien avec les gens.
Il ressort clairement de votre autobiographie, Don, que la photographie de guerre n’est pas un excellent choix de carrière en termes de vie privée? Don McCullin: Cela peut vous ruiner. C’est ce qui s’est passé avec mon premier mariage, même si mes enfants sont revenus vers moi d’une manière très généreuse et m’ont pardonné. Nous sommes une famille très proche mais la photographie – ce n’est pas tout bon.
GD Non. Et même si vous oubliez les dangers, c’est juste le montant de votre absence. Quelque chose d’autre pourrait être planifié et ensuite vous partez… C’est égoïste. Je veux dire qu’il n’y a pas moyen de contourner cela.
Don McCullin: C’est une maîtresse dangereuse, et c’est une de ces amours qui ne finit jamais, vous savez. Cela ne finit jamais. Vous êtes totalement captif de la photographie une fois qu’elle vous prend.
Vous faites tous les deux un travail merveilleux en noir et blanc – c’est presque une marque pour vous, Don. Qu’est-ce que le noir et blanc a cette couleur qui manque?
Don McCullin: J’ai fait quelques photos en couleur, mais je pense que d’une certaine manière, cela commence à être un peu glamour. Vous voyez la couleur, vous pensez à Hollywood. Mais le noir et blanc n’est pas véridique, n’est-ce pas?
Je veux dire, nous ne vivons pas dans un monde en noir et blanc. Nous utilisons le noir et blanc comme arme car il va vous crier et vous crier dessus. Vous ne manquerez pas le noir et blanc, mais vous pourriez passer devant une image couleur.
Don McCullin: … surtout sur le numérique…
GD Oui. Il dit: « C’est exactement la réalité. » Mais ce n’est pas. Une photographie est toujours une fausse chose. J’ai pris une seconde de toute la journée; ma version de la réalité. Le noir et blanc pour moi, c’est honnête, c’est dire, ce n’est évidemment pas la réalité.
Un Turc sprint de la porte exposée d’un vieux cinéma à Limassol, Chypre, 1964. C’était la première mission étrangère de Don McCullin pour l’Observer. Photographie: Don McCullin / Observateur
Les images que je trouve les plus puissantes sont un peu comme des hantises. Ils traînent. Don McCullin: Ils devraient. C’est ce que nous essayons d’apporter. Si je peux hanter les gens avec mes photos, j’ai fait mon travail.
Vous avez tous les deux souffert de dyslexie quand vous étiez garçons et je me demande si votre talent en photographie a été un moyen de trouver un moyen de communication différent et puissant? Don McCullin: J’ai souffert d’être dyslexique. Les maîtres d’école avaient l’habitude de me faire sauter sept cloches parce qu’ils pensaient que je faisais du skiving. J’ai pris de terribles cachettes à des maîtres sadiques et victoriens qui étaient le dernier de cet héritage.
GD Quand j’avais 13 ans, j’ai été retenu un an à l’école. Quand tu as cet âge, se faire dire que tu es stupide et que tout le monde se moque de toi laisse une énorme empreinte. Alors quand à 18 ans j’ai découvert la photographie, trouvé tout le travail de ces photographes, c’était comme découvrir la poésie ou la littérature.
Don McCullin: C’est ce qui nous rend si différents, Giles. Vous avez eu ce formidable coup de pouce dans la culture. À l’âge de 15 ans, je travaillais sur un train à vapeur qui remontait vers le nord de l’Angleterre, faisant la vaisselle dans le wagon-restaurant. Je vivais une vie brute. Je regardais des spectacles de nu!
J’avais l’habitude de dormir dans les hangars des voies ferrées à l’extérieur de Liverpool – Edge Hill – et j’y ai rencontré ce garçon qui m’a emmené dans ce vieux théâtre minable de Liverpool. Les femmes étaient nues – seulement à partir de la taille à l’époque – et elles n’étaient pas autorisées à bouger. Tout a été fait dans un tableau de bon goût.
En regardant vers l’avenir de la photographie maintenant, nous sommes une culture saturée en images: les téléphones portables et Instagram sont-ils une menace?
Don McCullin: Pas du tout une menace. Prenez les casques blancs qui ont risqué leur vie en Syrie: les téléphones étaient le seul moyen de diffuser des informations. Le photojournalisme a pourtant fait son temps. Quand avez-vous vu pour la dernière fois un grand ensemble de photos vraiment sérieux? Les journaux, même les grands journaux, diffusent presque du matériel de type tabloïd sur des stars de cinéma et des footballeurs et des conneries comme ça.
Don McCullin: Je reçois beaucoup de lettres – et vous devez avoir la même chose – disant: «Je veux être photographe de guerre». Je dis aux gens que c’est bien, mais il y a tout autant de guerres en cours dans nos villes.
Si vous voulez être photographe de guerre, sortez et aidez-vous. Ma meilleure histoire n’était pas dans une guerre étrangère; ma meilleure histoire a été l’histoire des sans-abri que j’ai faite dans les années 1970, à Aldgate, à la périphérie de la grande partie lucrative de ce pays, la ville.
Et ça va être dans l’exposition Tate, n’est-ce pas? Don McCullin: Oui. Je suis plus fier de ces images et je suis plus fier des images sociales que j’ai faites de la pauvreté dans le nord de l’Angleterre que de toutes mes images de guerre. Je ne suis pas du tout fier de mes photos de guerre.
Que pensez-vous du spectacle Tate? Don McCullin: C’est inconfortable. Nous devons faire attention à ce que nous faisons car si nous le faisons trop bien, nous transformons notre travail en icônes. Le mot «art» – je déteste absolument qu’il soit associé à la photographie.
La plupart des photographes américains veulent désormais être appelés artistes. Je pourrais être très critiqué pour [être à la Tate Britain] vraiment, mais je suis dans une galerie d’art parce que je ne suis pas dans un journal. J’ai 60 000 négatifs dans cette maison et j’ai une très bonne collection d’environ 400 photos dont je suis vraiment fier.
GD Oui, à quoi ça sert de prendre une photo si personne ne la voit? Il faut le trouver, que ce soit dans une galerie, que ce soit dans un journal.
Je ne peux pas résister à vous demander, Don, comment l’ Observer est devenu le journal à vous commander? Don McCullin: Oui, j’ai commencé ma carrière avec l’ Observer , même si le mot «carrière» me dérange, c’est une vocation. Le journal a publié quelques photos [du gang de Finsbury Park, les Guv’nors] que j’ai envoyées selon les spécifications, puis plus tard le rédacteur en chef, Bryn Campbell, a déclaré: «Envisageriez-vous d’aller à la guerre civile à Chypre?»
Je [sentais que] j’étais capable de léviter; Je pensais que je décollais vraiment! Je suis allé avec l’ observateur correspondant ecclésiastique de la ville de Limassol, tué par la suite à Swiss Cottage par une nuit pluvieuse sur sa Vespa. Et c’est là que j’ai eu mon baptême du feu – j’étais dans le quartier turc et il y avait toutes ces balles. Je courais juste comme un lièvre fou, je ne savais pas ce que je faisais; Je ne me concentrais pas. Et puis je me suis calmé. C’était ma première fois en guerre.
Enfin, je me demande ce que cela signifierait réellement pour vous deux, abandonner la photographie? Don McCullin: Ce sera le jour de ma mort. C’est à ce moment que la photographie me sera volée. Je n’ai pas encore l’intention de mourir, d’ailleurs. Mon moment le plus excitant de ma vie arrive lundi à mon exposition.
Je ne sais pas pourquoi, j’ai eu beaucoup d’expositions et tout d’un coup je ne peux plus dormir la nuit en pensant à celle-ci.
GD J’ai fait ce commentaire sur les mots que j’ai prononcés lors de mon hospitalisation. Si je n’avais pas pu refaire une photo, j’aurais préféré mourir en Afghanistan. La photographie , c’est moi. C’est ma voix. Aussi simple que cela.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
GREGORY CREWDSON : un des plus grands photographes d’art.
Gregory Crewdson est un photographe contemporain américain qui s’est fait connaître pour ses images cinématographiques, souvent décrites comme des scènes de film. Son travail se caractérise par des mises en scène minutieusement planifiées, des décors grandioses, des éclairages sophistiqués et une forte utilisation de la couleur.
Ses photographies ont captivé des millions de personnes à travers le monde. Sa maîtrise de lacomposition et sa capacité à capturer des moments magiques font de lui un artiste très talentueux.
Crewdson a développé un style de photographie qui s‘appelle «Scene on Location ». Ce style est caractérisé par des prises de vue de scènes de la vie quotidienne à l‘aide d‘un ensemble de lumières et d‘équipements professionnels.
Gregory Crewdson
Ses photos sont connues pour leur beauté saisissante et leur capacité à capturer des moments subtils et poignants.L‘œuvre de Crewdson aété largement exposée dans des lieux tels que la Bienal Internacional de Arte de São Paulo, le PérezArt Museum de Miami et le Museum of Modern Art de New York.
En plus de ses expositions, il a également publié plusieurs livres de photographies qui ont captivé les critiques et le public.
Crewdson a également collaboré avec plusieurs marques célèbres pour des campagnes publicitaires, telles que Nike, Calvin Klein et Audi. Il a également réalisé un certain nombre de films, dont la plus célèbre est « Brief Encounters », qui a remporté de nombreux prix.
En plus de sa carrière photographique, Crewdson a également enseigné à diverses universités et a inspiré de nombreuxétudiants à poursuivre leurs rêves artistiques. Son travail aété salué par des critiques et des fans à travers le monde.
Gregory Crewdson est un photographe qui a captivé le monde par sa maîtrise de la composition et sa capacité à capturer des moments magiques. Son travail est reconnu comme l‘un des plus importants et des plus influents de sa génération.
Les photographies de Gregory Crewdson sont des scènes dramatiques qui se sont arrêtées dans le temps, et c’est au spectateur d’imaginer l’histoire. Il est l’un des plus grands photographes d’art.
Les photographies de l’homme, dit « Edward Hopper of Photography », font l’objet d’une production complexe et d’une attention méticuleuse aux détails de la composition, dans laquelle la lumière occupe une place centrale.
Pour ce faire, Gregory Crewdson a construit au fil des années une équipe digne d’un plateau de tournage.
Biographie de Gregory Crewdson
Né en 1962 à Brooklyn, New York, Gregory Crewdson a étudié la photographie à la State University of New York à Purchase, où il a obtenu son diplôme en 1985. Il a ensuite poursuivi ses études à la Yale University School of Art, où il a obtenu un Master of Fine Arts en 1988.
Crewdson a commencé sa carrière en tant que photographe de rue à New York, mais a rapidement commencé à se concentrer sur des projets plus ambitieux, tels que sa série « Natural Wonder » (1992-1997), qui documentait les paysages de parcs nationaux américains. C’est cependant avec sa série « Twilight » (1998-2002) que Crewdson a véritablement commencé à se faire connaître, présentant des images somptueuses de la banlieue américaine.
Le travail de Gregory Crewdson
Le travail de Gregory Crewdson est souvent décrit comme étant « cinématographique » en raison de sa qualité dramatique et de sa capacité à raconter des histoires à travers des images. Ses photographies sont largement construites et planifiées à l’avance, et souvent réalisées avec une équipe importante de collaborateurs, y compris des décorateurs, des éclairagistes et des acteurs.
Ses photographies présentent souvent des scènes mystérieuses et intrigantes, évoquant des thèmes tels que la solitude, l’aliénation et l’angoisse. Les décors sont souvent des maisons de banlieue, des routes de campagne ou des zones industrielles désaffectées, mais ce sont les éclairages sophistiqués et la précision de la composition qui donnent aux images leur caractère cinématographique.
Les photographies de Crewdson ont été largement exposées aux États-Unis et à l’étranger, notamment à la galerie Luhring Augustine à New York, à la Gagosian Gallery à Londres et à la galerie White Cube à Hong Kong. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont « Beneath the Roses » (2008) et « Cathedral of the Pines » (2016).
Les Début en photographie de Gregory Crewdson
Gregory Crewdson est né à Park Slope, Brooklyn, New York, le 26 septembre 1962. Son premier souvenir de la photographie remonte à son 10e anniversaire lorsque son père l’a emmené voir la rétrospective de Diane Arbus au Museum of Modern Art de New York.
Il décrit cette expérience comme «sa première compréhension du mystère et de la complexité des images» et découvre pour la première fois que les photographies peuvent avoir un aspect psychologique et un pouvoir psychologique.
Il n’a commencé à pratiquer que plus tard lorsqu’il s’est inscrit à Purchase dans sa première classe de photographie alors qu’il étudiait à la State University of New York.
Alors qu’il était destiné à une carrière de psychologue, il était logique pour lui de prendre des photos permanentes et statiques sur les traces de son père, qui avait des difficultés à écrire, à lire et à avoir une pensée linéaire claire en tant que dyslexique.
En même temps, il a suivi des cours de théorie du film avec Tom Gynning – ce qui a eu un grand impact pour lui. Il découvre Blue Velvet de David Lynch et Third Kind Meetings de Spielberg.
L’accessibilité de ces films, qui révèlent un côté plutôt sombre, montre la tension que montrera plus tard son univers photographique. Son univers artistique a été largement façonné par son enfance.
Fils de psychanalyste, il se souvient avoir entendu la confiance de certains patients en écoutant. Ces histoires névrotiques ont produit sa photo à mi-chemin entre le cinéma et le côté sombre du mode de vie américain.
Il puise son inspiration dans la littérature et le cinéma. Ses ambiances s’inspirent des films de Spielberg ou Lynch pour leur science-fiction et leurs mondes étrangers; et rappelez-vous également les couleurs et la fantaisie originale de Wes Anderson.
Il y a également des références à Jeff Walls.
GREGORY CREWDSON
A 26 ans, Gregory Crewdson produit sa première série « Early Work ». Une œuvre de 1986 à 1988 qui a jeté les bases de son univers en illustrant l’ennui et le vide dans les familles américaines.
Par rapport au rêve de vie américain, la série suggère que ce dernier n’apparaît qu’illusoire. Trois ans plus tard, il entame sa deuxième série « Natural Wonder », sur laquelle il travaille pendant six ans jusqu’en 1997.
Les photographies immortalisent des micro-événements oniriques ou monstrueux et représentent des cadavres qui se distinguent d’un environnement rural onirique.
Son style est défini: dans un environnement qui semble être typique des jardins normaux de l’Amérique rurale, une sorte d’étrangeté surgit qui est liée à des opposés.
S’ensuit une phase ultra-productive, où le photographe s’essaie au noir et blanc plein de poésie et de mélancolie avec la série « Negative ».
Dans le même temps, il a produit la série «Hover», qui à première vue montre les rues banlieues ordinaires; mais si vous regardez les détails, vous voyez des scènes étranges et étranges.
L’étrange atmosphère de Crewdson Avec « Twilight »
C’est une série sur laquelle il travaille depuis près de cinq ans – Gregory Crewdson a commencé à s’occuper de l’éclairage cinématographique de son style.
Il fait un meilleur usage de l’aspect narratif des photographies en construisant des compositions complexes et très détaillées qui sont capturées dans des reconstructions complètes en studio ou à l’extérieur de Massachusetts.
Apparence manquante, teint translucide, situations bizarres et mystérieuses, travail avec les couleurs et l’atmosphère; ses photographies stimulent l’imagination du spectateur.
On découvre une femme qui flotte distraitement dans un salon inondé; Un adolescent qui plonge sa main dans la douche et qui a accès au monde souterrain qui crée ce contraste entre le lieu de la vie quotidienne et les voyages dans le sentiment imaginaire du voyeurisme.
L’équipe de Gregory Crewdson s’est agrandie au fil des ans. Les visions de l’artiste nécessitent des installations impressionnantes.
Il travaille en étroite collaboration avec Juliane Hiam, son directeur de studio, directeur artistique et partenaire, avec qui il écrit les scènes de ses images. Il travaille également avec le caméraman Rick Sands et Daniel Karp et sa productrice Saskia Rifkin.
Une façon de travailler similaire à celle du cinéma, et pourtant il n’y a ni avant ni après en photographie. Juste figé un instant. Le photographe utilise cette limitation, qu’il trouve positive dans son travail; pour créer plus de mystère.
GREGORY CREWDSON
Si la série « Beneath the Roses » utilise les mêmes codes et le même style, les photographies seront davantage axées sur l’aspect psychologique et les événements réels. « Créer une image est un acte de recherche. C’est de la recherche, un acte de découverte de soi
. » La solitude, l’inconfort, la désillusion et la frustration composent la complexité des sentiments qui ont été inspirés par les photographies de la série. Les personnages semblent errer sans expression.
Ces photographies représentent des moments de la vie quotidienne où le temps s’est arrêté pour prendre un tour irrationnel, explique Gregory Crewdson.
Il s’agit de la dernière série qu’il réalise dans la chambre avec un Hasselblad 8 × 10 – son appareil photo habituel, choisi pour sa clarté et sa présentation précise des détails. Un format moyen de Phase One est maintenant utilisé.
En 2002, il réalise « Dream House » avec les actrices Julianne Moore, Gwyneth Paltrow et Tilda Swindon, qu’il dirige dans cette étrange atmosphère.
L’année 2009 a été suivie de « Sanctuary »: photographies en noir et blanc prises comme documentaire sur les studios Cinecittà à Rome. Destiné à rivaliser avec Hollywood, il a photographié ces studios abandonnés qui étaient en passe de devenir une ville fantôme – et a rendu ces deux séries sacrées pour son lien étroit avec le cinéma.
L’évolution du style Crewdson
Après 5 ans à ne plus produire, Crewdson est revenu en 2014 avec une nouvelle série, Cathedral of the Pines, combinant extérieur et intérieur de la ville de Becket, Massachusetts, où il a passé son enfance.
En période hivernale, les personnages sont toujours plongés dans ce type de vide, seuls, comme s’ils n’étaient pas connectés.
Gregory Crewdson réalise cette série après une phase sombre de sa vie et la considère comme des personnages dans une tentative de « connexion ». Pour lui, l’art et la vie se mélangent et se nourrissent.
Les photographies de Gregory Crewdson, qui frisent la réalité, sont un mélange d’espaces extérieurs rêveurs, mystérieux et désenchantés et de caméras privées, qui résultent du contrôle absolu de chaque élément dont ses images sont composées.
Gregory Crewdson est un photographe et réalisateur américain né en 1962 à Brooklyn, New York.
2. Quel est le style de photographie de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson est connu pour ses photographies mises en scène, souvent grandioses et mystérieuses, avec une esthétique proche du cinéma hollywoodien.
3. Où peut-on voir les photographies de Gregory Crewdson ?
Les photographies de Gregory Crewdson sont exposées dans des galeries et des musées du monde entier. Il a notamment exposé au MoMA, à la Gagosian Gallery, et à la White Cube Gallery.
4. Quel est le processus de création de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson travaille avec une équipe de professionnels pour créer ses photographies mises en scène. Il utilise des décors grandioses, des costumes, des éclairages sophistiqués et des acteurs professionnels pour créer des images souvent surréalistes.
5. Quel est le message que Gregory Crewdson veut transmettre à travers ses photographies ?
Gregory Crewdson ne cherche pas à donner une signification unique à ses photographies, mais plutôt à susciter une réaction émotionnelle chez le spectateur et à encourager la réflexion sur des thèmes universels tels que l’isolement, l’aliénation et la perte.
6. Gregory Crewdson utilise-t-il des logiciels de retouche d’image ?
Gregory Crewdson utilise des logiciels de retouche d’image pour peaufiner ses photographies, mais il s’efforce de garder l’aspect naturel de ses images et évite les retouches excessives.
7. Quel est le coût d’une photographie de Gregory Crewdson ?
Les photographies de Gregory Crewdson sont très prisées et peuvent se vendre pour des sommes allant jusqu’à plusieurs centaines de milliers de dollars en fonction de la taille et de l’édition.
8. Quel est le processus d’édition des photographies de Gregory Crewdson ?
Gregory Crewdson travaille avec des éditeurs pour sélectionner les images à inclure dans ses livres et expositions. Il est très méticuleux dans le choix de ses images et peut prendre plusieurs années pour éditer un seul projet.
9. Gregory Crewdson a-t-il reçu des prix pour son travail ?
Oui, Gregory Crewdson a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment le prix Infinity Award du International Center of Photography et le prix Lucie Award du Photographic Resource Center.
10. Quel est le prochain projet de Gregory Crewdson ?
Actuellement, Gregory Crewdson travaille sur un nouveau projet intitulé « An Eclipse of Moths ». Ce projet comprendra une série de photographies grand format et un film court. Crewdson a décrit le projet comme explorant « l’obscurité de la psyché humaine et les luttes internes que nous traversons tous ».
Le premier set offrait des chansons astucieusement rendues qui étaient inhabituellement personnelles; ils ont été composés en réponse à la mort du chanteur / guitariste Joe et de la mère du batteur Mario Duplantier .
.jpg "Conseils photo")
14/01/2020 
16/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Manchester, Arena
28/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Amsterdam, Ziggo Dome
29/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Frankfurt, Festhalle
30/01/2020 Slipknot Tour 2020 @ Paris, AccorHotels Arena – Bercy – POPB
01/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Esch-sur-Alzette, RockHal
04/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Budapest, SportArena
06/02/2020 Slipknot Tour 2020 @ Lodz, Atlas Arena
11/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Milan, Mediolanum Forum
12/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Zurich, Hallenstadion
14/02/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Wien / Vienna, Stadthalle
20/02/2020 @ Copenhagen, 
21/02/2020 @ Stockholm, Ericsson Globe
22/02/2020 @ Oslo, Telenor Arena
24/02/2020 @ Helsinki, Hartwall Arena
20/03/2020 KnotFest Japan 2020 @ Chiba, Makuhari Messe
24/03/2020 Singapore Rockfest 2020 @ Singapore
27/03/2020 Hammersonic Festival 2020 @ Jakarta
29/03/2020 Slipknot – Tour 2020 @ Manilla, Amoranto Stadium
15/05/2020 Sonic Temple 
04/06/2020 Knotfest Roadshow tour 2020 @ Quebec City, Centre Videotron
10/08/2020 KnotFest At Sea Cruise 2020 @ Barcelona
