Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe.

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 19/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les amplis Marshall ont été célébrés par certains des plus grands groupes et musiciens du monde, notamment: Jimi Hendrix, Eric Clapton, Slash, Oasis, Muse, Gorillaz et Bring Me The Horizon. On peut être vu en tournée avec des artistes comme Justin Timberlake, Kendrick Lamar et Lana Del Rey. Cependant, rien de tout cela ne serait possible sans le fondateur et révolutionnaire, Jim Marshall OBE et son fils Terry.

Après plus de 20 ans à jouer sur la route le 7 juillet 1960, Jim a ouvert un magasin de musique familial avec sa femme Violet et son fils Terry appelé «Jim Marshall and Son», au 76 Uxbridge Road, Hanwell, Londres. Aujourd’hui, vous trouverez une plaque sur le trottoir à l’extérieur pour célébrer nos modestes débuts.

Le magasin a vendu une variété d’instruments de musique et a attiré de nombreux jeunes talents émergents, tels que Pete Townshend, Ritchie Blackmore, John Entwistle et Big Jim Sullivan, qui étaient des amis de Terry et connaissaient le magasin de musique grâce aux étudiants en batterie de Jim, tels que Keith Moon.

Les amplificateurs de guitare Marshall sont parmi les plus reconnus au monde. Leur signature sonore, caractérisée par une distorsion grésillante et un «crunch», a été conçue par Marshall après que des guitaristes, tels que Pete Townshend , aient visité la boutique de batterie de Marshall se plaignant que les amplis de guitare alors sur le marché n’avaient pas le bon son ou assez de volume.

Après avoir gagné beaucoup de publicité, les amplis de guitare Marshall et les enceintes de haut-parleurs ont été recherchés par les guitaristes pour ce nouveau son et ce volume accru.

Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe

De nombreux amplis de guitare Marshall actuels et réédités continuent à utiliser des tubes à vide(également appelés vannes en Grande-Bretagne et dans certaines autres régions), comme cela est courant dans ce secteur de marché. Marshall fabrique également des amplis à semi-conducteurs, hybrides (tube à vide et à semi-conducteurs) et à modélisation moins chers.

Quel ampli Marshall choisir ?

Il y a plusieurs amplificateurs Marshall sur le marché qui conviendront à des besoins différents en matière de sonorisation. Si vous êtes un débutant, je vous recommande de considérer les séries d’amplificateurs Marshall MG ou Code, qui offrent des fonctionnalités abordables et faciles à utiliser. Si vous êtes un musicien expérimenté à la recherche d’un son plus puissant et plus professionnel, vous pourriez envisager les séries JCM ou DSL.

Il est également important de prendre en compte la puissance de sortie de l’ampli, la taille de l’ampli, et la compatibilité avec vos instruments. Il serait préférable de tester différents amplificateurs pour trouver celui qui convient le mieux à vos besoins et à votre style de jeu.

L’histoire de Marshall

Les Origines

Après une carrière réussie en tant que batteur et professeur de technique de batterie, Jim Marshall s’est lancé en affaires en 1962 avec un petit magasin à Hanwell , Londres, vendant des tambours, des cymbales et des accessoires liés à la batterie; Marshall lui-même a également donné des cours de batterie.

Selon Jim, Ritchie Blackmore , Big Jim Sullivan et Pete Townshend étaient les trois principaux guitaristes qui venaient souvent dans le magasin et poussaient Marshall à fabriquer des amplis de guitare et lui disaient le son et le design qu’ils voulaient. [6] Marshall Ltd. s’est ensuite agrandie, a embauché des concepteurs et a commencé à fabriquer des amplis de guitare pour concurrencer les amplis existants, dont le plus notable à l’époque était le Fenderamplis importés d’Amérique.

Ceux-ci étaient très appréciés des guitaristes et des bassistes, mais ils étaient très chers. Les trois guitaristes ont été parmi les premiers clients des 23 premiers amplis Marshall fabriqués.

Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe

Jim Marshall voulait que quelqu’un produise une alternative moins chère aux amplis de guitare fabriqués aux États-Unis, mais comme il avait une expérience limitée en génie électrique, il a fait appel à son réparateur d’atelier, Ken Bran, un technicien de Pan American Airways , Dudley Craven, un apprenti EMI.

Le plus aimé le son du Fender Bassman 4 × 10 pouces et a fait plusieurs prototypes en utilisant l’amplificateur Fender Bassman comme modèle. Le sixième prototype produit, selon les mots de Jim, le « Marshall Sound », bien qu’à cette époque, la seule implication de Jim était de vendre les amplis à la commission dans son magasin.

Au fur et à mesure que les affaires augmentaient, Marshall demanda aux trois de travailler pour lui dans son atelier, car il avait plus d’espace et de capital pour se développer.

 

L’idée originale a été évoquée tard un vendredi soir au début de 1963 dans un bar Wimpy à Ealing dans l’ouest de Londres par trois passionnés de radio amateur après avoir été à leur réunion hebdomadaire du radio-club de Greenford, l’indicatif d’appel de Dudley était G3PUN, celui de Ken Bran était G3UDC, et Ken Underwood était G3SDW.

À la mort de Dudley en 1998 et à la mort de Ken Bran en 2018, le seul individu original est Ken Underwood.

Les six premières unités de production ont été assemblées dans les abris de jardin de Ken Bran, Dudley Craven et Ken Underwood la même année, à Heston , Hanwell et Hayes , tous dans l’ouest de Londres. Ils étaient presque des copies du circuit Bassman, avec des soupapes de puissance 5881 en surplus militaire américain, un parent du 6L6.

Peu de haut-parleurs étaient alors capables de gérer plus de 15 watts,  ce qui signifiait qu’un amplificateur approchant 50 watts devait utiliser quatre haut-parleurs.

Amplis MARSHALL

Pour leur Bassman, Fender a utilisé quatre haut-parleurs Jensen dans le même baffle que l’amplificateur, mais Marshall a choisi de séparer l’amplificateur des haut-parleurs et a placé quatre haut- parleurs Celestion de 12 pouces dans un baffle fermé séparé au lieu des quatre de 10 pouces. Jensens dans un combo à dos ouvert.

D’autres différences cruciales comprenaient l’utilisation de vannes ECC83 à gain plus élevé dans tout le pré-ampli et l’introduction d’un filtre à condensateur / résistance après le contrôle du volume. Ces changements de circuit ont donné à l’ampli plus de gain, ce qui lui a permis de passer en over drive plus tôt sur le contrôle du volume que le Bassman, et a augmenté les fréquences aiguës.

Ce nouvel amplificateur, provisoirement appelé le « Mark II », a finalement été nommé le  » JTM 45 « , d’après Jim et son fils Terry Marshall et la puissance maximale de l’amplificateur.

Jimi Hendrix, Eric Clapton et d’autres groupes basés sur le blues rock de la fin des années 1960 tels que Free ont utilisé des stacks Marshall à la fois en studio et sur scène, ce qui en fait l’un des amplis les plus recherchés et les plus populaires de l’industrie.

Amplis MARSHALL

L’accord de distribution Marshall

Marshall a conclu un accord de distribution de 15 ans avec la société britannique Rose-Morris en 1965, ce qui lui a donné le capital nécessaire pour étendre ses activités de fabrication, bien que cela s’avérerait coûteux.

Rétrospectivement, Marshall a admis que l’accord Rose-Morris était « la plus grosse erreur que j’ai jamais faite. Rose-Morris n’en avait pas vraiment la moindre idée. Pour l’exportation, ils ont ajouté 55% à mon prix, ce qui nous a mis hors du monde. marché depuis longtemps.  »

Amplification du parc Marshall

Le nouveau contrat avait privé de leurs droits de nombreux anciens distributeurs d’amplis Marshall, dont son vieil ami Johnny Jones. Le contrat de Marshall ne l’a pas empêché de construire des amplis en dehors de l’entreprise, et Marshall a donc lancé le nom de marque Park , inspiré du nom de jeune fille de l’épouse de Jones.

Pour se conformer à ses stipulations de contrat, ces amplis avaient des changements de circuit mineurs par rapport aux amplis Marshalls réguliers et des changements mineurs à l’apparence.

Amplis MARSHALL

Par exemple, souvent les parcs avaient des panneaux avant argentés ou noirs au lieu de ceux dorés des amplis Marshall, certains des enclos étaient plus hauts ou de forme différente, et les commandes étaient disposées et étiquetées différemment.

À partir du début de 1965, Park a produit un certain nombre d’amplificateurs, dont une tête de 45 watts. La plupart d’entre eux avaient une disposition et des composants Marshall, bien que certains amplificateurs inhabituels aient été fabriqués, tels qu’un amplificateur de clavier de 75 watts avec des tubes KT88 .

Un combo 2 × 12 pouces avait la possibilité d’envoyer le premier canal dans le second, probablement inspiré par les utilisateurs de Marshall faisant la même chose avec un câble de raccordement. Le Park 75 de 1972 a produit environ 100 watts au moyen de deux KT88, alors que le modèle comparable de 50 watts 1987 de l’époque utilisait 2 tubes EL34 .

En 1982, Park a pris fin, bien que Marshall ait plus tard relancé la marque pour certains amplificateurs à transistors fabriqués en Asie. [9] Les parcs fabriqués du milieu des années 1960 à environ 1974 (les «années d’or»), avec un câblage point à point – selon la rumeur, être «un peu plus chaud» que les Marshall réguliers – atteignent des prix plus élevés que les «vrais» comparables aux amplis Marshalls de la même période.

Les autres noms de marque Marshall

Wall of Marshall Fridge: produits de réfrigérateur utilisant la marque Marshall.
Les autres noms de marque que Marshall Amplification avait utilisés pour diverses raisons commerciales comprenaient Big M (pour le marché ouest-allemand de l’époque), Kitchen / Marshall (pour la chaîne de vente au détail Kitchen Music au nord de Londres), Narb (le nom de famille de Ken Bran épelé à l’envers) et CMI ( Instruments de musique Cleartone).

Les amplificateurs vendus sous ces marques sont assez rares et se vendent aux collectionneurs à des prix élevés.

Amplis MARSHALL

Les premiers modèles d’amplis

Le Bluesbreaker

Pour réduire les coûts, Marshall a commencé à s’approvisionner en pièces au Royaume-Uni. Cela a conduit à l’utilisation de transformateurs fabriqués par Dagnall et Drake et à un passage à la vanne KT66 au lieu du tube 6L6 couramment utilisé aux États-Unis.

Les changements ont donné aux amplis Marshall une voix plus agressive, qui a rapidement trouvé la faveur de joueurs comme Eric Clapton , qui s’asseyait dans la boutique de Jim pour s’entraîner. Clapton a demandé à Jim Marshall de produire un ampli combo avec trémolo, qui rentrerait dans le coffre de sa voiture, et l’un des amplis Marshall les plus célèbres est né, l’ ampli  » Bluesbreaker « .

C’est l’amplificateur, en tandem avec sa Gibson Les Paul Standard de 1960 (le « Beano »), qui a donné à Clapton ce fameux ton sur l’Album de John Mayall & the Bluesbreakers de 1966, Bluesbreakers avec Eric Clapton .

La facade en Plexi  de Marshall

Les amplis Marshall de cette époque sont facilement identifiables grâce à leur façade en verre acrylique (aka Plexiglas ), qui leur a valu le surnom de « Plexi ». En 1967, Marshall a publié une version de 50 watts du Superlead de 100 watts connue sous le nom de modèle de 1987 . En 1969, le panneau en plexiglas a été remplacé par un panneau avant en métal brossé.

Parmi les autres premiers clients, citons Pete Townshend et John Entwistle de The Who , dont la recherche de volume supplémentaire a conduit Marshall à concevoir l’amplificateur à lampes classique de 100 watts.

Ken Bran et Dudley Craven, les développeurs de Marshall, ont doublé le nombre de vannes de sortie, ajouté un transformateur de puissance plus grand et un transformateur de sortie supplémentaire. Quatre de ces amplis marshall ont été construits et livrés à Pete Townshend, et le Marshall Super Lead Model 1959 , le Plexi original, est né en 1965. À la demande de Pete Townshend, Marshall a produit un baffle 8 × 12 pouces (bientôt remplacé par une paire de baffles 4 × 12 pouces) sur lequel la tête d’amplification 1959 a été placée, donnant lieu à la pile Marshall, une image emblématique du rock and roll.

La taille du mur des piles de Marshall « est devenue bientôt un indicateur de l’état du groupe », même lorsqu’elle est rendue obsolète par des systèmes de sonorisation améliorés; en fait, bon nombre des « tableaux ridiculement énormes de têtes et de cabines » comprenaient des mannequins.

Pourtant, la plupart des têtes modernes de 100 watts ont des racines dans la conception de Marshall, même si elles contiennent souvent beaucoup plus de fonctionnalités (ou des tubes différents, tels que les tubes 6L6 plus américains ).

Modèles milieu des années 1970 et 1980

L’Amplis MARSHALL JMPS

Après 1973, pour rationaliser la production, le câblage manuel à forte intensité de main-d’œuvre a été interrompu et les amplis à valve Marshall ont été remplacés par des circuits imprimés (PCB).

Une grande partie du débat sur la différence de ton entre les amplis Marshall à panneaux en plexiglas et en aluminium remonte à 1974, date à laquelle un certain nombre de changements de circuits ont été apportés aux amplis de 1959 et 1987; avec l’ajout de «mkII» ajouté au nom «Super Lead» sur le panneau arrière et «JMP» («Jim Marshall Products») ajouté à gauche de l’interrupteur d’alimentation sur le panneau avant.

Le distributeur américain de Marshall Unicord leur a également demandé de remplacer tous les amplis vendus aux États-Unis et au Japon par le General Electric 6550 beaucoup plus robuste.au lieu du tube de sortie EL34.

L’effet combiné de différents tubes et d’un circuit modifié a donné à ces Marshall du milieu des années 1970 un son très brillant et agressif qui était plus percutant que le son EL34, mais pas aussi riche, compressé et avait moins de distorsion de l’amplificateur de puissance.

À la fin de 1975, Marshall a présenté la série «Master Volume» («MV») avec le 100W 2203, suivi en 1976 par le 50W 2204. Il s’agissait d’une tentative de contrôler le niveau de volume des amplis tout en conservant les tonalités de distorsion saturées qui avaient devenir synonyme de la marque Marshall.

Pour ce faire, les concepteurs Marshall ont connecté les deux étages d’entrée en série plutôt qu’en parallèle sur le 2203, mais pas initialement sur le 2204, et ont modifié le circuit de l’étage de gain pour préserver les caractéristiques tonales du son «  Plexi à manivelle  » et ont converti le désormais obsolète. contrôle de volume du deuxième canal à un Master Volume en le connectant entre le pré-ampli et le circuit d’égalisation. Le 2204 a emboîté le pas au début de 1977 et a changé son circuit de pré-ampli pour correspondre au 2203 (alors) plus populaire.

Par Rick Reinckens, qui était un technicien électronique à court terme employé d’Unicord qui a testé les premières unités à leur arrivée d’Angleterre, Tony Frank, l’ingénieur en chef d’Unicord, a eu l’idée d’un contrôle à double volume (un gain de pré-ampli et un volume principal).

Les modifications des circuits ont été optimisées pour reproduire le son des Marshall non MV précédents avec le contrôle de volume principal réglé sur «  bas  », mais les joueurs se sont rapidement rendu compte que «  lancer  » le MV de ces nouveaux amplis Marshall produirait encore plus de distorsion overdrive, le ton dont était plus coupant et énervé, et a ensuite trouvé la faveur de joueurs tels que Randy Rhoads , Zakk Wylde et Slash .

Les modèles de volume non maître de 1959 et 1987 ont également continué sous la ligne JMP jusqu’en 1982.

Le Marshall  JCM 800

Peu de temps après la fin de l’accord Rose-Morris à la fin de 1980, Marshall a reconditionné deux modèles MV, le 2203 et le 2204 (à 100 et 50 watts, respectivement), ainsi que le Super Lead de 1959 et 1987 non maître dans une nouvelle boîte. avec un nouveau panneau, et l’a appelé la série  » JCM800  » (du nom de ses initiales et de la plaque d’immatriculation de sa voiture). [18] Marshall a fabriqué plusieurs amplis sous le nom de JCM800.

Le Jubilé Marshall

Une année marquante pour Jim Marshall fut 1987. Elle marqua 25 ans dans le domaine des amplis et 50 ans dans la musique. Cela a été célébré avec la sortie de la série d’amplis Silver Jubilee. La série Silver Jubilee comprenait le 2555 (tête de 100 watts), 2550 (tête de 50 watts) ainsi que d’autres numéros de modèle 255x dénommant divers combos et même une « tête courte ».

Les amplis Jubilee étaient fortement basés sur les JCM800 de l’époque, avec une section de sortie très similaire avec un nouveau préampli. Leur caractéristique la plus médiatisée était la commutation à demi-puissance, qui est activée par un troisième interrupteur à bascule à côté des interrupteurs standard «power» et «standby».

Sur le modèle de 50 watts, cela se reflétait dans la numérotation – 2550 est commutable de 25 à 50 watts – et reflétait également le 25e anniversaire des amplis Marshall et Jim Marshall ‘ s 50 ans dans la musique. Les amplis étaient recouverts d’un revêtement argenté et avaient une plaque frontale argentée brillante, ainsi qu’une plaque commémorative.

Le Jubilee comportait également une conception de «canal semi-divisé», dans laquelle deux niveaux de gain d’entrée différents pouvaient être réglés, passant par la même pile de sons et le même contrôle de volume principal. Cela a permis à un niveau de gain «Marshall classique» d’être commuté au pied jusqu’à un son moderne, à gain moyen à élevé, légèrement plus sombre et plus élevé en gain que le son plus brutal JCM800 qui caractérisait la musique rock des années 1980.

« Le son de ces amplis Marshall est particulièrement épais et sombre, même à l’échelle Marshall. Le gain par rapport aux standards actuels est moyen. » [19] Le son de distorsion de la gamme Jubilee est caractérisé par le travail en direct de Slash avec Guns N ‘Roses. Il utilisait rarement autre chose en direct, mais curieusement, le Jubilé n’apparaissait sur aucun Guns N ‘Appetite for Destruction (1987) et un JCM800 modifié sur les albums suivants.

Il peut être entendu sur certains desmatériaux Velvet Revolver . Les amplis Jubilee comportaient également un bouton «pull out» qui activait un circuit d’écrêtage de diode (similaire à l’augmentation de l’entrée de l’ampli avec une pédale d’overdrive).

Les autres utilisateurs notables de Jubilee incluent les Black Crowes , John Frusciante ( Red Hot Chili Peppers ) et Alex Lifeson ( Rush ), qui l’ont largement utilisé dans l’enregistrement de l’album Clockwork Angels (2012)de Rush.

Après l’année Jubilee, la production des amplis Marshall de la série 25xx a continué pendant un an de plus (sans changements internes), mais est revenue à une livrée Marshall standard de noir et d’or. On les appelle parfois les amplis personnalisés JCM800.

Modèles milieu des années 1980 et 1990

La concurrence des sociétés américaines amplificateur

Marshall a commencé à voir plus de concurrence des sociétés d’amplification américaines telles que Mesa Boogie et Soldano. Marshall a ensuite mis à jour la gamme JCM800 avec des modèles supplémentaires et de nouvelles fonctionnalités telles que la « commutation de canal », ce qui signifiait que les joueurs pouvaient basculer entre les sons clairs et déformés en appuyant sur un commutateur au pied.

Cette fonction a fait ses débuts dans les séries 2205 (50 watts) et 2210 (100 watts) et ces amplis Marshall contenaient plus de gain de pré-ampli que jamais grâce à une nouvelle innovation; coupure de diode. Cela signifiait qu’une diode à semi-conducteurs ajoutait une distorsion supplémentaire au chemin du signal, semblable à l’ajout d’une pédale de distorsion.

En tant que tels, les JCM800 à canal partagé étaient les Marshall à gain le plus élevé jamais construits – « Lors de leur première sortie, de nombreux joueurs ont été choqués (certains ont même été rebutés) par sa distorsion brillante et intense – bien plus que tout autre ampli de l’époque. »

Bien que vivement critiqués aujourd’hui par les puristes à lampes, ces amplis étaient plus populaires que jamais, trouvant une acceptation massive au sein de la communauté du hard rock et toujours utilisés aujourd’hui par beaucoup.

Les JCM800 à canal partagé sont toujours utilisés par Tom Morello (Rage Against the Machine, Audioslave) et ont été joués exclusivement par Michael Schenker (UFO) pendant de nombreuses années.

Marshall à cette époque a commencé d’autres expériences avec des amplis à semi-conducteurs , dont la qualité s’améliorait de plus en plus en raison des innovations technologiques, mais qui étaient toujours considérés comme des équipements de niveau débutant.

Quoi qu’il en soit, les gammes de produits à semi-conducteurs portant le nom Marshall ont été et sont toujours un succès féroce (bien que mis à prix critique) pour la société, permettant aux guitaristes débutants de jouer la même marque d’ampli que leurs héros.

Un Marshall d’entrée de gamme particulièrement réussi était la série combo Lead 12 / Reverb 12, qui comportait une section de préampli très similaire à un JCM800, et une section de sortie particulièrement douce. Ces amplis ont en fait été utilisés sur disque par Billy Gibbons de ZZ Top , et sont maintenant très demandés.

Les années 1990

Le Marshall  JCM 900

Dans les années 1990, Marshall a de nouveau mis à jour sa gamme de produits avec la série JCM900. Revu par le magazine Guitarist au Royaume-Uni et compte tenu de la ligne «Shredders, voici un ampli que vous n’aurez pas besoin de modifier», cette décision de Marshall était à nouveau une excroissance des désirs des musiciens, avec plus de distorsion que jamais et toujours populaire aspects des derniers modèles JCM800.

Cependant, malgré ces affirmations marketing, ils n’étaient pas aussi performants que ceux annoncés et utilisaient des composants à semi-conducteurs pour une grande partie de la distorsion de certains modèles – ce que de nombreux guitaristes n’aimaient pas.

Pourtant, sinon avec des shredders, la ligne JCM900 a été bien accueillie par les jeunes joueurs associés à la pop, au rock, au punk et au grunge qui était répandu au début des années 1990.

Il existe trois variantes différentes du JCM900. Les modèles les plus courants sont les modèles «Dual Reverb» 4100 (100 watts) et 4500 (50 watts), qui sont un descendant du modèle JCM800 2210/2205. Ces modèles comportent deux canaux, un préampli à semi-conducteurs et une distorsion de diode.

Les 2100/2500 Mark III sont essentiellement des JCM800 2203/2204 avec un écrêtage de diode supplémentaire contrôlable via un bouton sur le panneau avant et une boucle d’effets. Celles-ci sont assez rares et n’étaient pas en production depuis longtemps avant d’être remplacées par le 2100/2500 SL-X, qui a remplacé l’écrêtage de diode du Mk III par un autre tube de préampli 12AX7 / ECC83. Ce sont facilement la distorsion la plus élevée des trois variantes.

Un certain nombre d’entre eux ont été expédiés avec Sovtek 5881vannes, une variante robuste de la famille 6L6 de vannes de sortie, en raison d’un manque d’EL34 de qualité appropriée. La plupart des JCM900 et 6100 construits entre 1994 et 1998 ont quitté l’usine avec les 5881.

A cette époque, il a sorti quelques amplis Marshall « édition spéciale » dans cette gamme, dont un modèle « Slash Signature », une première pour la société. Il s’agissait en fait d’une réédition de l’ancien amplificateur Silver Jubilee 2555, avec des composants internes identiques, un look $standard et un logo Slash. Cet ampli a conservé des EL34 et 3 000 unités ont été produites de 1996 à 1997.

Le Marshall 30e anniversaire série 6100

1993 a marqué 30 ans dans le secteur des amplis. Pour commémorer cette étape importante, Marshall a sorti la série d’amplis 30th Anniversary, le 6100LE alimenté par EL34 avec un revêtement bleu commémoratif et une plaque frontale dorée, qui a été suivi par le 6100 (en tolex bleu et toujours alimenté par EL34) puis en 1994 le 6100LM (en standard Livrée Marshall mais maintenant 5881 alimenté comme les JCM900 de l’époque).

Toutes les versions du 6100 avaient trois canaux; clean, crunch et lead. Le canal clair comportait un mid shift, qui offrait l’option d’un son plus « à la Fender », et le canal crunch présentait trois modes recréant tous les sons crunch classiques de Marshall des trois dernières décennies.

Le canal principal comportait un gain de gain commutable et un commutateur de contour de milieu de gamme, ce qui lui donnait les niveaux de ton et de gain, ce que Marshall ‘ Les ingénieurs espéraient qu’il resterait compétitif dans le monde à haut gain du début au milieu des années 90. En fait, certains joueurs ont estimé que le canal principal était peut-être le maillon le plus faible de l’arsenal de l’amplificateur, et il a été révisé au cours de la troisième année de production (le LM signifie « Lead Mod »).

Cette révision présentait un gain encore plus élevé.

La série Anniversary a trouvé une place importante avec Joe Satriani en particulier, qui a favorisé les premières versions alimentées par EL34 et n’a utilisé que le canal clair en direct avec sa pédale de distorsion Vox Satchurator qui est basée sur son ancienne Boss DS-1 modifiée . Satriani a utilisé ces anciennes pédales Boss presque exclusivement pour le travail live et sur un certain nombre d’albums studio dont The Extremist (1992) jusqu’au début des années 2000.

Les modèles Anniversary étaient probablement les Marshall les plus compliqués de tous les temps (à part peut-être le dernier JVM), avec MIDIsélection de canal, commutation demi-puissance, commutation pentode / triode, excursion de haut-parleur réglable et commutateur de compensation de faible volume.

Malgré toute cette complication, les amplis  avaient un chemin de signal pur qui ne partageait pas les lampes de pré-ampli entre les canaux (contrairement aux conceptions  ultérieures comme la TSL et la JVM). Parmi les autres utilisateurs célèbres de 6100, citons Alex Lifeson sur l’album de Rush Test for Echo (1996) et le guitariste de Ocean Color Scene (OCS) Steve Cradock .

Les modèles Marshall actuels

Marshall produit actuellement un certain nombre d’amplificateurs, qui sont un mélange de designs modernes et de rééditions vintage. La plupart des modèles tentent d’inclure le « classique » Marshall « rugissement ».

Série modernes

À partir de 2012, Marshall a produit une large gamme d’amplis avec le look et le son de l’ampli à lampes Marshall. Le plus ancien de ces modèles est la gamme JCM2000, qui est divisée en séries à deux et trois canaux, appelées Dual et Triple Super Leads.

Ces amplis sont une continuation des séries JCM800 et 900, bien que le circuit d’écrêtage de diode controversé utilisé dans les derniers 800 et 900 ampères ait été supprimé au profit d’étages de gain de valve supplémentaires. Bien que regroupés en tant que modèles JCM2000, le DSL et le TSL ont des circuits différents et sont plus éloignés que la gamme de modèles ne le suggère.

Marshall s’est tourné vers un nouveau produit phare pour clouer tous les compromis des modèles précédents, la JVM, faite dans une variété de modèles et de gammes.

 Marshall Série Vintage

Amplis Marshall Vintage Reissue

En 2001, Marshall a réédité plusieurs de ses amplis antérieurs, comme le Model 1959-SLP , qui est conçu pour être une réédition de l’amplificateur « Plexi » de la fin des années 1960, mais qui sont en réalité des rééditions du Super Lead post-1973 modèles en ce qu’ils utilisent des cartes de circuits imprimés en interne pour réduire les coûts de fabrication.

La conception originale utilisait des circuits câblés à la main sur des cartes de tourelle, qui sont maintenant disponibles pour une prime dans la série «câblée à la main». D’autres rééditions sont conçues de manière similaire sur des circuits imprimés, même lorsque les originaux étaient câblés à la main, sauf indication explicite

Ampli à semi-conducteurs

Les amplificateurs «Valvestate» de contenaient un hybride de technologie à valve et à semi-conducteurs. Actuellement appelé la «série AVT» (bien que ceux-ci soient maintenant hors de production, remplacés par le «hommage AVT» pendant une courte période), il existe un certain nombre de modèles différents, tous moins chers que leurs homologues à soupapes .

Il s’agit de la gamme actuelle d’amplis Marshall «hybrides» , avec un tube de pré-ampli 12AX7 utilisé dans le pré-ampli (pour «réchauffer» le signal) ainsi que des composants à semi-conducteurs, avec un ampli de puissance à semi-conducteurs. Ceux-ci sont considérés et commercialisés comme des équipements de niveau intermédiaire pour combler l’écart entre la gamme de vannes supérieure et la série MG de gamme inférieure.

En janvier 2009, Marshall a sorti sa dernière variante de la gamme d’amplificateurs MG. Remplaçant la gamme MG3, le MG4 a été conçu pour offrir au guitariste une multitude de fonctionnalités tout en gardant le contrôle de l’amplificateur simple.

 Marshall  Série basse

Marshall fabrique actuellement une plate-forme de basse professionnelle à soupapes appelée VBA400. Il abrite huit soupapes de puissance 6550 plus trois soupapes de pré-ampli ECC83 et une ECC82 .

L’entrée reçoit les deux basses actives et passives pick-up ; il y a aussi une sortie XLR DI pour l’enregistrement complet avec élévation de terre ( mise à la terre ) et commutateurs Pre / Post EQ .

Récemment, Marshall a honoré Lemmy Kilmister de Motörhead avec sa toute première tête d’ampli basse signature, basée sur son super bass de 100 watts « Murder One ».

Il existe également des modèles à semi-conducteurs appelés série MB allant de 15 watts à 450 watts et des armoires d’extension.

amplis MARSHALL

Il y a plusieurs facteurs à considérer lorsque vous recherchez des enceintes Marshall. Voici quelques points importants à prendre en compte :

• Puissance de sortie : Assurez-vous que l’enceinte a une puissance de sortie suffisante pour votre ampli et pour les performances que vous prévoyez de donner.
• Taille et poids : Pensez à l’endroit où vous allez utiliser l’enceinte et à la facilité de transport.
• Fréquence de réponse : Assurez-vous que l’enceinte a une réponse fréquentielle suffisamment large pour reproduire tous les sons de votre instrument ou de votre système de sonorisation.
• Type de haut-parleur : Les enceintes Marshall utilisent généralement des haut-parleurs de grave, de médiums et d’aigus pour reproduire le son.
• Connexion : Vérifiez si l’enceinte est compatible avec votre ampli ou votre système de sonorisation.
• Design : Marshall est connu pour son design classique et élégant, si vous êtes un amoureux du style Marshall, vous pourriez vouloir opter pour une enceinte qui correspond à cela.

Il est important de noter que les enceintes Marshall sont généralement plus chères que les enceintes de marques concurrentes, mais elles ont généralement une qualité sonore supérieure et une plus grande durabilité. Il est donc important de bien réfléchir à vos besoins et à votre budget avant de faire un choix.

Comment connecter une enceinte Marshall ?

Il existe plusieurs façons de connecter une enceinte Marshall à votre ampli ou système de sonorisation. La méthode la plus courante consiste à utiliser des câbles de liaison à bornes, comme des câbles Speakon ou des câbles à bornes bananes. Voici les étapes à suivre pour connecter une enceinte Marshall à un ampli :

1. Assurez-vous que l’ampli et l’enceinte sont éteints et débranchés.
2. Localisez les bornes de sortie de l’ampli et les bornes d’entrée de l’enceinte. Il est généralement indiqué sur l’ampli et l’enceinte si il s’agit de bornes positives ou négatives.
3. Branchez les câbles de liaison à bornes aux bornes de l’ampli et de l’enceinte correspondantes. Assurez-vous que les câbles sont correctement branchés et que les bornes sont bien enfoncées.
4. Allumez l’ampli et réglez-le sur la puissance appropriée pour l’enceinte. Ajustez le volume de l’ampli pour éviter de surcharger l’enceinte.
5. Testez l’enceinte en jouant de la musique ou en utilisant un générateur de test de fréquence pour vous assurer qu’elle fonctionne correctement.

Il est important de noter que certains amplis ou systèmes de sonorisation peuvent utiliser des connecteurs différents, il est donc important de vérifier les spécifications de l’ampli et de l’enceinte pour s’assurer que les connecteurs correspondent. Il est également important de vérifier les limites de puissance de l’enceinte pour éviter de la surcharger.

FAQ sur la marque Marshall

1. Qui est Marshall ?

Marshall Amplification est une entreprise britannique fondée en 1962 par Jim Marshall, qui est devenu célèbre pour ses amplis pour guitares électriques. Au fil des ans, Marshall est devenu un nom synonyme de sonorités rock et de qualité supérieure.

2. Qu’est-ce qui rend les amplis Marshall si populaires ?

Les amplis Marshall sont connus pour leur sonorité distinctive et leur puissance. Ils ont été utilisés par certains des plus grands noms de la musique rock, notamment Jimi Hendrix, Eric Clapton et Slash. Les amplis Marshall sont également réputés pour leur robustesse, leur fiabilité et leur durabilité.

3. Quels types d’amplis Marshall sont disponibles ?

Marshall propose une large gamme d’amplis pour guitares électriques, allant des petits modèles portables aux grandes têtes d’amplis pour la scène. Certains des modèles les plus populaires incluent le JCM800, le DSL100 et le JTM45.

4. Comment choisir le bon ampli Marshall pour moi ?

Le choix de l’ampli Marshall qui convient dépend de vos besoins en matière de sonorité, de puissance et de budget. Si vous êtes un musicien débutant, un petit ampli Marshall peut être suffisant, tandis que les musiciens professionnels cherchent peut-être une tête d’ampli plus puissante pour jouer sur scène. Il est important d’essayer différents modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu.

5. Comment entretenir son ampli Marshall ?

Pour que votre ampli Marshall reste en bon état de fonctionnement, il est important de le nettoyer régulièrement et de le maintenir. Cela peut inclure le remplacement des lampes et des fusibles, le nettoyage des potentiomètres et des jacks d’entrée/sortie, et l’inspection régulière des câbles et des connexions.

6. Les amplis Marshall ont-ils une garantie ?

Oui, les amplis Marshall sont généralement couverts par une garantie du fabricant. La durée de la garantie peut varier en fonction du modèle et du pays de vente, mais elle couvre généralement les défauts de fabrication et les problèmes liés aux matériaux.

7. Marshall fabrique-t-il d’autres produits en plus des amplis ?

En plus des amplis pour guitares électriques, Marshall fabrique également des enceintes de sonorisation, des casques d’écoute, des pédales d’effets et des instruments de musique. La société propose également une gamme de produits sous licence, notamment des produits dérivés pour les fans de musique rock.

8. Qu’est-ce qui distingue les amplis Marshall des autres marques d’amplis pour guitares électriques ?

Les amplis Marshall sont souvent considérés comme ayant une sonorité plus chaude et plus organique que d’autres marques d’amplis

eric.canto@groupe-grim.com
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pour guitares électriques, grâce à leur conception et à leur construction. Les amplis Marshall sont également connus pour leur esthétique iconique, avec leur grille en tissu noir et leur logo blanc sur fond noir.

9. Comment se fait l’entretien d’un ampli Marshall ?

Il est important de maintenir régulièrement votre ampli Marshall pour qu’il fonctionne bien. Cela peut inclure le nettoyage des potentiomètres, des jacks d’entrée/sortie et de la grille en tissu, ainsi que le remplacement des lampes et des fusibles. Il est également important de s’assurer que l’ampli est stocké dans un endroit sec et à l’abri de la poussière et de l’humidité.

10. Où puis-je acheter un ampli Marshall ?

Les amplis Marshall sont disponibles dans de nombreux magasins de musique et en ligne, y compris sur le site web de la société. Il est recommandé d’essayer plusieurs modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu et à vos besoins. Il est également important de vérifier les prix et les garanties avant d’acheter un ampli Marshall pour vous assurer que vous obtenez le meilleur rapport qualité-prix.

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Muse : L’ascension vertigineuse d’un groupe visionnaire

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 19/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Rage Against the Machine : l’histoire, les clips, les concerts

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 14/04/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les fanatiques et militants du franc-parler Rage Against the Machine ont éduqué des foules de fans de musique en injectant leur cocktail Molotov explosif de rap, de punk hardcore, de funk et de métal avec une dose d’une urgence farouchement polémique et politiquement chargée.

Explosion mainstream en 1992 pour Rage Against the Machine avec « Killing in the Name » – leur protestation sonore contre la brutalité policière et le racisme systémique – Rage Against the Machine a planté son drapeau dans la scène avec son premier triple platine, Rage Against the Machine , qui a courtisé la controverse avec son couverture graphique d’un moine bouddhiste protestant et auto-immolé.

Pour le reste de la décennie, les Rage Against the Machine ont continué à faire passer ce message anti-autoritaire et révolutionnaire, prolongeant leur séquence de platine avec les gagnants ultérieurs des Grammy Awards Evil Empire (1996) et The Battle of Los Angeles (1999).

Au tournant du millénaire, il semblait qu’ils ne montreraient aucun signe de relâchement, d’équilibrer les ventes et le succès des graphiques avec des manifestations qui font la une des journaux (comme la fermeture de la Bourse de New York pour un tournage vidéo).

Rage Against the Machine

Cependant, à la fin de 2000, Rage Against the Machine a implosé et a décidé de faire une pause. Après avoir publié un album de reprises, Renegades , les membres ont poursuivi d’autres projets, avec le chanteur Zack de la Rocha en solo et le reste du groupe formant Audioslave avec Soundgarden.le chanteur Chris Cornell .

Dans les années 2010, un album de retour de Rage Against the Machine ne s’est jamais matérialisé, mais le groupe est resté un incontournable du paysage culturel, effectuant des spectacles et travaillant sur des projets parallèles tels que Prophets of Rage .

Au tournant de la décennie suivante, Rage Against the Machine a fait un autre retour officiel, organisant une tournée mondiale de retrouvailles en 2020 qui a été mise à l’écart par l’épidémie de la pandémie COVID-19.

La même année, au milieu des manifestations internationales contre la brutalité policière, leurs débuts marquants ont touché une corde sensible auprès des manifestants, réintégrant les charts américains alors que chacun de leurs albums atteignait le Top 30 des services de streaming.

Rage Against the Machine : la formation du groupe

La formation initale de Rage Against the Machine

S’attaquant aux entreprises américaines, à l’impérialisme culturel et à l’oppression gouvernementale, Rage Against the Machine s’est formé à Los Angeles au début des années 90 à partir de l’épave d’un certain nombre de groupes locaux: le chanteur Zack de la Rocha (le fils de l’artiste politique chicano Robert de la Rocha) est issu des groupes Headstance , Farside et Inside Out ; le guitariste Tom Morello (le neveu de Jomo Kenyatta, le premier président kenyan) est originaire de Lock Up ; et le batteur Brad Wilk a joué avec le futur leader de Pearl Jam Eddie Vedder .

Premiere cassette du groupe

Complété par le bassiste Tim Commerford , un ami d’enfance de de la Rocha , Rage Against the Machine a fait ses débuts en 1992 avec une cassette de 12 chansons auto-publiée et intitulée « Bullet in the Head », qui est devenue un succès lors de sa réédition en single plus tard. dans l’année.

La bande a valu au groupe un accord avec Epic, et leur saut dans les majors n’est pas passé inaperçu par les détracteurs, qui ont remis en question l’intégrité révolutionnaire de la décision de Rage Against the Machine de s’aligner sur la société mère du label, le géant des médias Sony.

Rage Against the Machine : le succès

Sans se décourager, le quatuor a fait ses débuts officiels sur les grands labels avec Rage Against the Machine , marquant des succès avec des singles comme « Killing in the Name » et « Bombtrack ». Après avoir tourné avec Lollapalooza et déclaré son soutien à des groupes comme FAIR (Fairness and Accuracy in Reporting), Rock for Choice et Refuse & Resist, Rage Against the Machine a passé quatre ans apparemment tumultueux à travailler sur leur suivi.

Malgré les rumeurs d’une rupture, Rage Against the Machine revient en 1996 avec Evil Empire , qui est entré dans les charts américains au numéro un et a marqué un single à succès avec « Bulls on Parade ».

Le morceau « Tire Me » a remporté un Grammy pour la meilleure performance métal.

En 1997,(le Wu a par la suite abandonné la tournée et les Roots les ont remplacés) et sont restés actifs dans le soutien de diverses causes politiques de gauche, y compris un concert-bénéfice controversé en 1999 pour la condamnée à mort Mumia Abu-Jamal .

Rage Against the Machine

Le troisième album The Battle of Los Angeles a suivi en 1999, faisant également ses débuts au numéro un et devenant double platine l’été suivant. L’album single « Guerrilla Radio » a valu à Rage un deuxième Grammy, cette fois pour la meilleure performance de Hard Rock.

En direct au Grand Auditorium OlympiqueAu début de 2000, de la Rocha a annoncé des plans pour un projet solo et le groupe a présenté un spectacle incendiaire en dehors de la Convention nationale démocrate en août (et des mois plus tard, les choses ont remué en dehors de la Convention nationale républicaine).

Le split de Rage Against the Machine

Entre les deux, le bassiste Commerford a été arrêté pour conduite désordonnée aux MTV’s Video Music Awards après sa perturbation bizarre d’un discours d’acceptation de Limp Bizkit . Des plans pour un album live ont été annoncés peu de temps après, mais en octobre, de la Rocha a annoncé brusquement son départ du groupe, invoquant des pannes dans la communication et la prise de décision du groupe.

Surpris mais pas en colère, le reste des Rage Against the Machine ont annoncé son intention de continuer avec un nouveau chanteur, tandis que de la Rocha s’est recentré sur son album solo, qui devait inclure des collaborations avec des artistes hip-hop de renom, notamment DJ Shadow et El-P de Company Flow .

Décembre 2000 a vu la sortie du dernier effort de studio de de la Rocha avec le groupe, les Renegades produits par Rick Rubin ; il comprenait près d’une douzaine de reprises d’artistes hip-hop, rock et punk comme EPMD , Bruce Springsteen , Devo , les Rolling Stones , le MC5 , et plus encore.

En 2001, Morello ,Wilk et Commerford avaient formé Audioslave avec le chanteur de Soundgarden Chris Cornell , et le groupe a sorti un album éponyme à la fin de 2002. Avec un album solo de la Rocha toujours pas annoncé, Epic a finalement sorti l’album de concert promis depuis longtemps Live at the Grand Auditorium olympique sur CD et DVD à temps pour Noël 2003.

Rage Against the Machine: les rumeurs de réunion.

Au cours des années suivantes, les rumeurs d’une réunion de Rage Against the Machine ont toujours tourbillonné mais ne se sont jamais concrétisées.

Deux albums Audioslave ont suivi en 2005 et 2006 avant la séparation du groupe, puis l’année suivante, Morello a commencé à sortir le folk-punk protestataire en tant que Nightwatchman .

Cette année a également amené la réunion tant attendue de Rage Against the Machine . Tout d’abord, le groupe a joué le jour de clôture du festival Coachella en 2007, puis en 2008 plusieurs autres concerts ont suivi, coïncidant généralement avec les principaux festivals en Europe et aux États-Unis.Aucun nouveau travail en studio de Rage Against the Machine ne s’est matérialisé, mais de la Rocha a collaboré avec l’ancien batteur de Mars Volta Jon Theodore dans un groupe appelé One Day as a Lion , sortant un EP cette année-là.

2009, le retour de Rage Against the Machine !

La prochaine explosion d’ activité de Rage Against the Machine est survenue en 2009 quand il y avait une campagne Internet pour amener « Killing in the Name » au sommet des charts britanniques, le tout dans l’espoir d’empêcher un gagnant de X Factor de prendre la pole position.

La campagne virale a fonctionné et Rage Against the Machine a donné un concert de célébration gratuit à Finsbury Park à l’été 2010.

Malgré tous ces concerts – y compris une apparition à l’été 2011 à LA Rising, un festival organisé par le groupe – et le mot d’un nouvel album, non des enregistrements sont apparus.

En 2013, leur premier album a reçu une réédition de luxe et, deux ans plus tard, le concert de 2010 à Finsbury Park a été publié sous forme de CD / DVD. L’année suivante, Morello , Wilk et Commerfordont uni leurs forces avec Public Enemy « s Chuck D et Cypress Colline » s B réel pour former les supergroupes prophètes de Rage , libérant un album éponyme en 2017.

Alors que 2019 touchait à sa fin, Rage Against the Machine a entamé une nouvelle décennie avec plus de rapports sur un retour. Les apparitions de Coachella ont été confirmées plus tard, le début d’un trek mondial qui associerait le groupe vétéran au duo de rap aux vues similaires (et aux collaborateurs fréquents de la Rocha ) Run the Jewels .

Cependant, les plans ont été interrompus en mars, lorsque la pandémie COVID-19 a forcé l’annulation de la plupart des musiques live pour 2020.

En juin, alors que des manifestations contre la brutalité policière éclataient dans le monde après la mort de George Floyd, les albums de Rage Against the Machine sont revenus sur Billboard.

Le premier album de Rage Against the Machine: un album essentiel

Probablement le premier album à fusionner avec succès les sons apparemment disparates du rap et du heavy metal, le premier album éponyme de Rage Against the Machine était suffisamment révolutionnaire lors de sa sortie en 1992, mais beaucoup diront qu’il n’a pas encore été dépassé en termes d’influence. et une brillance pure – bien que d’innombrables groupes aient certainement essayé.

Rage Against the Machine

Ceci est probablement dû à la relation créative unique entre le guitariste Tom Morello et le chanteur rebelle lettré Zack de la Rocha .

Alors que les racines du premier dans le déchiquetage du heavy metal des années 80 ont donné lieu à une gamme inimitable d’acrobaties à six cordes et d’effets spéciaux rythmiques (que peu de guitaristes ont réussi à reproduire), ce dernier a livré des rimes significatives avec une conviction chargée d’émotion que le blanc de banlieue les garçons de la génération nu-metal qui a suivi ne pourraient jamais espérer toucher.

En conséquence, des dalles syncopées d’insurrection de hard rock comme «Bombtrack», «Take the Power Back» et «Know Your Enemy» étaient aussi instantanément inoubliables qu’étonnantes.

Pourtant, même s’ils excellaient dans l’art de monter lentement la tension comme « Settle for Nothing », « Bullet in the Head » et le « Wake Up » particulièrement venimeux.’s « Kashmir » pour ses propres besoins – ils ont finalement explosé avec une puissance et une fureur impressionnantes.

Et même les auditeurs qui étaient incapables (ou ne voulaient pas) de traiter pleinement le choc unique de muscle et d’intellect du groupe ont été pris en compte, car RATM a pu transmettre leurs messages par une répétition obstinée via le défi fondamental de « Freedom » et leur morceau signature,  » Killing in the Name, « qui deviendrait un cri de ralliement de privation du droit de vote, grâce à son mantra implacablement rebelle de  « Fuck you, I won’t do what you tell me! »

En fin de compte, s’il y a une déception à avoir avec cet album presque parfait, c’est qu’il domine toujours les efforts ultérieurs en tant que point culminant sans équivoque de Rage Against the Machine.

En tant que tel, il reste absolument essentiel.

Rage Against the Machine : DEVIL EMPIRE

Rage Against the Machine a passé quatre ans à faire son deuxième album, Evil Empire .

Comme le titre l’indique, leur rage et leur mépris pour le système capitaliste «fasciste» en Amérique n’avaient pas diminué au cours de la demi-décennie où ils étaient partis.

Leur approche musicale n’a pas non plus changé. Le chanteur principal Zack de la Rocha est pris à mi-chemin entre les raps militants de Chuck D et les délires fanatiques d’un prédicateur de rue, criant ses slogans simplistes et libertaires sur l’assaut sonore dense du groupe.

Comme le groupe n’a pas beaucoup joué ensemble après 1993, il n’y a pas d’avancée collective dans leur musicalité. Néanmoins, le guitariste Tom Morello démontre une palette sonore impressionnante, créant de nouvelles textures dans le heavy metal, ce qui est assez difficile.

Même avec la virtuosité étudiée de Morello , le groupe semble plombé, manquant de dextérité pour exécuter pleinement leur fusion métal / hip-hop – ils n’entrent pas dans un groove; ils martèlent simplement.

Mais cela correspond aux délires hystériques de de la Rocha . Bien que son dévouement à la politique résolument de gauche soit admirable, son phrasé arythmique et ses cris râpants annulent tout message qu’il essaie de faire. Et cela signifie que Evil Empire ne réussit qu’au niveau d’un assaut sonore.

Rage Against the Machine : Battle of Los Angeles

Rage Against the Machine n’est pas vraiment le seul groupe de metal qui compte, mais leur activisme social et politique agressif est rafraîchissant, surtout à une époque de rage aveugle (ou généralement autodirigée) due à des groupes comme Limp Bizkit , Bush ou Nine.

Enregistré en moins d’un mois, The Battle of Los Angeles est l’album le plus ciblé de la carrière du groupe, explosant depuis la porte et laissant rarement passer le tout.

Comme quelques autres groupes célèbres, Rage Against the Machine a toujours été béni par le fait que le groupe crache autant de vitriol que son leader. Tout problème potentiel créé ici par La prestation d’une note de Zack de la Rocha et les polémiques extrémistes sont atténuées par des chansons et des grooves qui donnent l’impression que la révolution est vraiment là, du single « Guerrilla Radio » aux moments forts de l’album comme « Mic Check », « Calm Like une bombe »et« Né d’un homme brisé ».

Comme sur les deux albums précédents de Rage Against the Machine , la liste d’effets de guitare et de riffs vicieux de Tom Morello est presque écrasante et est aussi contagieuse que le groupe depuis ses débuts.

De la Rocha est le meilleur lorsqu’il a des objectifs spécifiques (comme le gouvernement ou l’affaire contre Mumia Abu Jamal), mais lorsqu’il tente de couvrir des problèmes de société plus généraux, il hésite. Un album qui reste essentiel

Rage Against the Machien: Renegades

Sorti après la scission fin 2000 entre Zack de la Rocha et le reste de Rage Against the Machine , l’album de reprises Renegades salue les racines musicales et philosophiques du groupe, allant de la vieille école Bronx au hard-rockin ‘Motor City en passant par Comme on pouvait s’y attendre, l’ensemble fonctionne mieux lorsque le groupe se concentre sur le matériel de ses ancêtres les plus récents: les rappeurs et les groupes hardcore.

En effet, Renegades commence par une paire de reprises hip-hop puissantes – «Microphone Fiend» d’ Eric B & Rakim et «Pistol Grip Pump» du Volume 10 – qui mettent en lumière les immenses atouts de Rage :Le riffing net et lourd de Tom Morello et le jet de vitriol finement réglé du chanteur de la Rocha , juste ce côté de l’autosatisfaction.

Une autre explosion hip-hop (et celle qui est la plus proche de chez nous), « How I Could Just Kill a Man » de Cypress Hill , est encore plus dévastatrice, un choix facile pour le clou de l’album. Les auditeurs familiers avec les originaux, cependant, peuvent avoir des problèmes avec les reprises de Rage de « I’m Housin ‘ » de EPMD , « Street Fighting Man  » des Stones et « Maggie’s Farm » de Dylan , un trio d’originaux des versions dont la colère et l’émotion étaient davantage véhiculées dans les paroles que dans les performances.

Pourtant, le batteur Brad Wilk définit un tempo hardcore frénétique approprié pour l’excellente version de « In My Eyes » de Minor Threat , et de la Rocha s’étire bien sur le « Kick Out the Jams » du MC5 .

À quelques exceptions près, Renegades fonctionne bien, en partie parce que Rage Against the Machine est à la fois assez intelligent pour changer très peu et assez talentueux pour s’approprier les chansons.

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FAQ sur le groupe Rage Against The Machine

1. Qui est Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine est un groupe de rock américain formé en 1991 à Los Angeles, en Californie. Le groupe est composé du chanteur Zack de la Rocha, du guitariste Tom Morello, du bassiste Tim Commerford et du batteur Brad Wilk.

2. Quel est le style musical de Rage Against The Machine ?

Le style musical de Rage Against The Machine est un mélange de rock, de punk, de hip-hop et de metal. Le groupe est connu pour son utilisation de riffs de guitare agressifs et de paroles politiquement chargées.

3. Quels sont les albums les plus connus de Rage Against The Machine ?

Les albums les plus connus de Rage Against The Machine sont leur album éponyme sorti en 1992, ainsi que leur deuxième album, « Evil Empire », sorti en 1996. Le groupe a également sorti deux autres albums studio, « The Battle of Los Angeles » en 1999 et « Renegades » en 2000.

4. Quelles sont les chansons les plus populaires de Rage Against The Machine ?

Certaines des chansons les plus populaires de Rage Against The Machine incluent « Killing in the Name », « Bulls on Parade », « Guerrilla Radio », « Sleep Now in the Fire » et « Testify ».

5. Quelle est l’influence politique de Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine est connu pour son engagement politique et social, ainsi que pour ses paroles qui abordent des sujets tels que l’injustice sociale, le racisme, la guerre et le capitalisme. Le groupe est également connu pour son soutien aux mouvements de protestation et de résistance.

6. Quels sont les concerts les plus mémorables de Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine est connu pour ses concerts énergiques et politiquement chargés. Certains de leurs concerts les plus mémorables incluent leur performance à Woodstock ’99, leur concert de réunion au festival Coachella en 2007 et leur performance à la Convention nationale démocrate de 2000.

7. Pourquoi Rage Against The Machine s’est-il séparé ?

Rage Against The Machine s’est séparé en 2000 en raison de divergences créatives entre les membres du groupe. Le chanteur Zack de la Rocha a quitté le groupe pour poursuivre une carrière solo, tandis que les autres membres ont formé un nouveau groupe, Audioslave, avec le chanteur Chris Cornell.

8. Le groupe s’est-il réuni depuis sa séparation en 2000 ?

Oui, Rage Against The Machine s’est réuni à plusieurs reprises depuis sa séparation en 2000. En 2007, le groupe s’est réuni pour une tournée qui a culminé avec une performance au festival Coachella. En 2010, le groupe s’est réuni à nouveau pour une tournée mondiale.

9. Quel est l’impact culturel de Rage Against The Machine ?

Rage Against The Machine a eu un impact culturel important en popularisant un style musical qui mélangeait différents genres et en étant l’un des groupes les plus politiquement engagés de son époque. Le groupe a inspiré de nombreux artistes et a été cité comme une influence majeure pour de nombreux groupes de rock, de metal et de hip-hop.

10. Qu’est-ce que le projet de reformation de Rage Against The Machine en 2020 ?

En 2020, Rage Against The Machine a annoncé une tournée de réunion qui était initialement prévue pour l’été de cette année-là. La tournée a été reportée en raison de la pandémie de COVID-19, mais a finalement eu lieu en 2022. Cette tournée a été très attendue par les fans, car c’était la première fois que le groupe se produisait en concert depuis 2011.

LIVRE HELLFEST

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 05/04/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Livre Hellfest : Retour en image et vidéos sur les 2 livres Hellfest qui sont en vente actuellement. Festival culte, un des plus grand d’Europe, le Hellfest reste un sujet fantastique à traiter pour tout amateur de métal.

Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY

Livre Hellfest : Le festival raconté par les groupes

Auteur de neuf romans, Cédric Sire s’est imposé comme une référence du thriller français. Ses livres ont été récompensés à plusieurs reprises et sont traduits dans de nombreuses langues.

Le Hellfest, le plus grand festival de la scène metal et hardcore internationale, raconté pour la première fois par les groupes eux-mêmes dans un livre Hellfest. Anecdotes exclusives, plus de 310 photos inédites, Cédric Sire associé à une journaliste reconnue de la scène métal.

Passionné de métal, grâce à son ancien métier de journaliste, il côtoie les groupes qui ont fait l’histoire de ce genre. C’est dans ce contexte qui naît l’idée de s’intéresser au Hellfest sous un angle original : le regard des artistes qui font son incroyable succès.

Hellfest – Le festival raconté par les groupes – Auteurs : Cédric SIRE & Isabelle MARCELLY

Journaliste musicale reconnue, Isabelle Marcelly – Le Maguet a longtemps travaillé pour le magazine Rockhard. Elle a également été rédactrice en chef du magazine Metallian. Elle a également été pendant 6 ans l’attachée de presse des maisons de disques Nuclear Blast et Century Media au Hellfest, elle connaît donc particulièrement bien les coulisses du festival.

Le rapport de confiance qu’elle a établi avec la plupart des formations de la scène métal lui a permis de recueillir les différents témoignages et anecdotes recueillis dans cet ouvrage.

éditions : Gründ //  poids 2,4kg – format 25x31cm // Langue : Français

Livre Hellfest: 10 ans du festival

Chaque année depuis bientôt 15 ans, le Hellfest reçoit des milliers de festivaliers et de festivalières.

Il s’est imposé comme l’un des principaux festivals de musique européens et permet à la France et à la petite ville de Clisson, où se déroulent les concerts, d’avoir un rayonnement international sur la scène du métal et du hardcore.

Livre Hellfest

Livre Hellfest

Cet événement a accueilli les plus grands noms du métal : Mötorhead, Kiss, Guns N’Roses, Black Sabbath, Rammstein, Ghost, Gojira mais aussi Alice Cooper et Iron Maiden.

Ce livre Hellfest, découvrez le métal à travers les groupes eux-mêmes. Les artistes les plus connus prennent la parole pour dévoiler leurs souvenirs et anecdotes inédites. Découvrez le Hellfest comme vous ne l’avez jamais vu et lu !

Le Hellfest ? Le troisième plus gros festival de musique en France. Cet événement majeur et incontournable de la musique Métal et reconnu dans le monde entier. Sa fréquentation s est multipliée par six en neuf ans, atteignant en 2014, 150 000 spectateurs sur trois jours. Il reçoit chaque année les grands noms de la scène Métal internationale et française, soit plus de 800 artistes en 10 ans.

En 2015, le Hellfest fête ses 10 ans. Cet ouvrage rend hommage à tous les acteurs du festival (artistes et équipes dédiées) qui ont permis de rendre cet événement possible et durable, et pour honorer son public, plus fidèle et plus nombreux aux fils des éditions.

Retrouvez les portraits et interviews des artistes majeurs qui se sont produits sur la scène du festival (Kiss, Motörhead, Deep Purple, Mass Hysteria …), les coulisses et ambiances de backstage, les décors extraordinaires du festival et bien sûr les festivaliers et leur univers.

Livre Hellfest

Date de parution : le 7 octobre 2015
Auteur : Lelo Jimmy Batista
Editeur : Editions Hachette Pratique

Acheter le livre : Cliquez ICI

Pour pouvoir présenter ce festival, il fallait obligatoirement faire appel à une personne passionnée par la musique rock, métal et toutes les déclinaisons des musiques dites « extrêmes ». Cette personne n’est autre que Lelo Jimmy Batista, spécialiste des courants alternatifs, journaliste pour Rock Noise et Radio France, ainsi que rédacteur en chef de la version française de Noisey, la plate-forme musique de VICE.

Avant tout de chose cet ouvrage fait partie des catégories des « Beaux livres ». Il est richement illustré de pas moins de 600 photos de très bonne qualité, reflétant fidèlement l’ambiance de ce festival si particulier en France.

Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.

En introduction du livre, nous avons toute la genèse de ce festival. Et c’est une histoire totalement passionnante, où l’on découvre le début du Hellfest qui s’appelait alors le Furyfest, petit festival prenant vie en 2002 à Nantes totalisant 400 spectateurs. Son créateur Ben Barbaud se confie sur son envie et sa passion de créer un rassemblement en France pour tous les amoureux des musiques extrêmes. Et cela ne va pas être si simple à mettre en place.

Les problèmes vont se cumuler que ce soit de l’ordre de la logistique, des moyens financiers ou même de la disparition de la caisse par un des co-dirigeants du Furyfest. Et c’est en 2006 que va naître le Hellfest dans la petite ville de Clisson.

Ensuite le livre Hellfest est divisé en quatre parties distinctes pour rendre hommage à tous les acteurs qui font le succès de ce festival. Personne n’est oublié, on nous présente tour à tour, les backstages, les bénévoles, l’équipe de direction, les artistes et surtout les festivaliers qui sans eux le festival ne serait pas ce qu’il est ! Le tout illustré de photos, interview, témoignage et portrait d’artistes.

Vous n’êtes pas familier avec ce style de musique ? Aucun problème, vous allez retrouver à l’intérieur de ce livre Hellfest tous les plus grands noms de la scène métal, heavy métal, hardcore. De Motörhead, à Slipknot, en passant par Alice Cooper, Kiss, Iron Maiden, Ghost ou bien encore le célèbre Marilyn Manson.

Bien évidemment ce livre Hellfest va d’abord intéresser tous les fans du Hellfest et des musiques extrêmes. Mais aussi toutes les personnes passionnées de musique en général.

Cet ouvrage de qualité est un cadeau idéal pour donner une tonalité rock’n’roll à votre Noël.

Histoire du Hellfest : Les débuts…

La première association a été créée en 2000 à Clisson sous le nom de « CLS CREW », afin d’organiser des concerts de hardcore et de punk dans la région nantaise. Le succès de ces concerts a permis de lancer le premier festival en juin 2002, baptisé Fury Fest. Elle a réuni 400 personnes pour assister au Front Agnostique de Clisson au complexe sportif du Val-de-Moine.

Le festival a continué les années suivantes. Il a attiré 7 000 personnes pour assister aux concerts de Sick of It All et Youth of Today (en) en 2003. Le format a changé à deux jours.

LIVRE HELLFEST

Puisque aucune salle n’était disponible à Clisson, la salle de la Trocardière (Rezé) a accueilli la deuxième édition. L’organisation du festival a également changé: l’association « MAN.IN.FEST » a été créée pour prendre en charge l’organisation. En 2003, le festival avait atteint 30 000 € de bénéfice, permettant à Benjamin Barbaud, l’un des fondateurs, de devenir salarié de la structure.

En 2004, le festival s’installe au Mans et se déroule dans les salles du circuit des 24 Heures où il attire 21 000 spectateurs pour des groupes tels que Slipknot et Soulfly.

LIVRE HELLFEST

Après un déficit en 2004, le festival 2005 a hérité du passif si bien que l’équipe organisatrice a décidé de donner les droits du festival à d’autres promoteurs afin de se concentrer sur l’organisation.

Cette fois, 30 000 entrées ont été enregistrées au Mans sur trois jours, alors que les fans venaient voir des artistes tels que Slayer, Motörhead et Anthrax, sur trois scènes.

Mais les problèmes financiers se sont aggravés, notamment avec la disparition des promoteurs avec 600 000 € de recettes. Ces pertes ont marqué la fin du festival, du moins temporairement.

Découvrez la suite de l’histoire dans notre article sur l’histoire du HELLFEST ICI

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Pochettes d’album : Billboard recense les 50 meilleures

par Eric Canto | Mis à jour le 27/12/2024 | Publié le 02/04/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

  La musique n’est pas qu’une question de musique. Bien sûr, les sons sont certainement l’élément le plus essentiel, mais vous ne pouvez pas ignorer le rôle de la pochette  dans la réalisation d’un album brillant.

icône sur un lecteur numérique, la pochette d’album a changé au fil des ans, mais elle définit toujours la façon dont nous regardons un album particulier.

Portraits photographiques, peintures, collages – tout cela et bien d’autres figurent sur la liste de Billboard des 50 plus grandes pochettes d’albums de tous les temps, remontant aux débuts éponymes d’Elvis Presley et jusqu’à nos jours. 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

50. Taylor Swift, ‘1989’ (2014)

Le cinquième album studio de Taylor Swift en 1989 était un départ pour la chanteuse, il est donc logique que la pochette rompe également avec la tradition. En forme de photo Polaroid de l’époque, le visage de Swift est coupé, mettant en valeur un sweat-shirt des années 80 tout en évoquant des souvenirs d’une autre époque. 

La couverture a été instantanément reproduite sur Internet, avec des milliers de fans mettant leur propre tour sur divers hommages à ce qui deviendra probablement l’une des œuvres les plus identifiables de sa carrière. 

 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs

49. Jeune voyou, ‘Jeffery’ (2016)

Peu de rappeurs ont joué de manière plus convaincante ou convaincante avec l’identité ou le genre au cours des années 2010 en tant que Young Thug.

 Il n’est donc pas surprenant que sa couverture d’album la plus mémorable soit cette photo photographiée par Garfield Lamond d’un voyou au visage couvert d’une longue robe fluide conçue par Alessandro Trincone pour son   projet Jeffery – une image qui aurait été impensable dans le hip- hop des décennies plus tôt, et inoubliable pendant des décennies après. 

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48. Lady Gaga, « The Fame , Mother Monster » (2009)

Les portraits peuvent être emblématiques lorsqu’ils sont bien faits, et s’il y a un artiste qui connaît l’imagerie emblématique, c’est Lady Gaga. Pour la réédition de son premier album The Fame , Mother Monster – encadré par une perruque blanche – est devenu noir et blanc, balançant un manteau brillant et angulaire qui enveloppait la moitié inférieure de son visage.

 

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47. Janet Jackson, « Rythm Nation 1814 » (1989)

Évitant une image amicale et amusante plus propice au succès des charts pop des années 80, Janet Jackson a adopté un ton militariste pour sa pochette en noir et blanc instantanément emblématique de Rhythm Nation 1814 . 

Avec le visage de Janet n’émergeant que partiellement de l’ombre et son corps vêtu d’un uniforme de soldat indescriptible, l’œuvre d’art a mis les dirigeants de l’étiquette mal à l’aise, mais à la fin, elle avait raison. 

Cette photo de couverture complète parfaitement la conscience sociale accrue de l’album, et elle deviendra sa pochette d’album la plus reconnaissable. 

 

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46. ​​Funkadelic, ‘Maggot Brain’ (1971)

Une Barbara Cheeseborough hurlante (qui était le premier modèle de couverture d’ Essence ) possède le «cerveau d’asticot» en question sur la couverture de l’album classique de 1971 du Parlement du même nom. 

Enfouie jusqu’au cou, la vraie tournure vient lorsque vous retournez l’album – là où sa tête est à l’avant, il y a un crâne à l’arrière.

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45. Cardi B, Invasion of Privacy(2018)

Brash, audacieux, dur à cuire et tous les autres mots « B » généralement appliqués à la montée en puissance de Cardi B en 2017 ont également fonctionné pour la couverture de son premier LP 2018,  Invasion of Privacy . 

Capturée par le photographe Jora Frantzis, Cardi ricane avec des lunettes de soleil yeux de chat, des cheveux blond moutarde et un manteau à carreaux à manches longues – éblouissant et incontournable, tout comme l’album qui l’accompagne s’avérera bientôt dans les   charts Billboard . 

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44. Whitney Houston, ‘Whitney Houston’ (1985)

Bien qu’on se souvienne le mieux (le pire ?) de lui pour avoir pris des photos nues d’une Brooke Shields très mineure, la photo de couverture de Garry Gross pour le premier album éponyme de Whitney Houston se démarque comme une image magnifiquement moins-est-plus à l’ère visuellement explosive de MTV. 

Vêtue d’une toge simple et intemporelle avec des perles, elle s’est présentée au monde comme un acte de classe dont la férocité élégante allait au-delà de toute tendance de la mode. 

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43. Fleetwood Mac, « Rumors » (1977)

Curieusement, seulement 40 % de la formation de Fleetwood Mac de l’époque figure sur la couverture de leur album le plus vendu, Rumors . 

Seuls Stevie Nicks du groupe (pris en plein tourbillon avec un châle coulant derrière elle) et Mick Fleetwood (avec une paire de boules de toilette suspendues entre ses jambes) sont représentés, photographiés par Herbert W. Worthington. 

L’album a été conçu par Desmond Strobel, tandis que Worthington a conçu le concept de couverture avec le groupe.

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42. Nicki Minaj, « The Pinkprint » (2014)

Nicki Minaj a toujours embrassé son cinglé intérieur, étendant ses membres sur la couverture de son premier album Pink Friday et éclaboussant son visage de peinture pour sa suite. Mais pour The Pinkprint, la Barbie de Harajuku a utilisé Donda de Kanye pour une image qui frise le grand art sans perdre son identité, montrant une empreinte digitale écrasée en poudre rose.

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41. Pas de doute, « Tragic Kingdom » (1995)

Dans le sillage du grunge de Seattle et de la montée du rap, No Doubt est arrivé dans le collimateur du grand public avec Tragic Kingdom aux accents ska , un album à la fois éclat et férocité punk-lite. 

La couverture fait écho à son contenu : il y a la jolie – la chanteuse principale Gwen Stefani canalise l’imagerie des affiches de pin-up des années 50 – et le laid, un arbre flétri avec des oranges pourries et des mouches entourant le fruit meurtri.

 

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40. Beyoncé, ‘Beyoncé’ (2013)

L’importance durable de l’art de couverture pour la libération surprise de Beyoncé 2013  Beyoncé ne  devrait pas du tout surpris. Non seulement parce que tout ce que fait la femme *** Flawless devient instantanément emblématique, mais parce que la simple police de caractères rose sur un fond noir uni est ce dont sont faits les rêves de design contemporain. 

Le combo couleur-police est devenu un classique et a trouvé sa place sur les chemises, les tasses et les mèmes du monde entier. 

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39. Johnny Cash, ‘American IV : The Man Comes Around’ (2002)

Cette couverture en noir et blanc est d’autant plus déchirante qu’il s’agissait du dernier album de Cash avant sa mort moins d’un an après sa sortie. C’était l’illustration parfaite pour le fondu au noir de Man in Black.

 

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38. Ariana Grande,Sweetener  (2018)

Il ne serait pas exagéré de dire que le monde entier d’Ariana Grande a été bouleversé au cours des trois années qui se sont écoulées.

Ainsi, quand Ariana est apparue à la manière de Spiderman sur la couverture de  Sweetener , cela s’est bien passé – et la confusion douce et sans prétention de l’imagerie correspondait également au changement musical de l’ensemble réfléchi, délirant et lourd de R&B qu’il accompagnait magnifiquement. 

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37. Madonna, ‘True Blue’ (1986)

Le troisième album studio de Madonna, True Blue , était couvert par une image saisissante de la diva photographiée par le célèbre photographe Herb Ritts. (Il fera plus tard équipe avec Madonna pour les reprises de You Can Dance et Like a Prayer .) Avant sa mort en 2002, Ritts réalisera également un certain nombre de vidéoclips – dont « Cherish » de Madonna – et gagnera un MTV Nomination au Video Music Award.

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36. Joni Mitchell, ‘Hejira’ (1976)

La série de classiques de Joni Mitchell s’est poursuivie avec l’album folk-jazz de 1976 , Hejira , qui présentait ses meilleures illustrations. 

Situé contre le lac Mendota du Wisconsin après une tempête de verglas, Mitchell, vêtue d’hiver, regarde le spectateur alors qu’une autoroute ouverte s’étend mystérieusement dans sa personne (via une photo superposée), suggérant la liberté et les possibilités illimitées contenues dans sa musique. 

 

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35. Metallica, « Master of Puppets » (1986)

Contrairement aux groupes de metal préoccupés par Satan et l’occultisme, Metallica a commenté le mal de la vie réelle avec la couverture magistrale de l’ album Master of Puppets . 

Des rangées apparemment sans fin de soldats morts s’étendent dans l’horizon rouge sang, chaque tombe étant reliée à une ficelle tirée par un maître sans visage dans le ciel. C’est la visualisation des « War Pigs » tout aussi politiques de Black Sabbath.

 

Pochette album:  Billboard recense les 50 meilleurs*

34.The slits, ‘Cut’ (1979)

Bien que techniquement, oui, il s’agisse d’une image de trois femmes seins nus recouvertes de boue, il n’y a rien de sexuellement éloigné dans cette pochette d’album. Au lieu de cela, les trois principales femmes de la tenue post-punk The Slits sont décrites comme des femmes guerrières tribales inébranlables. 

Comme Viv Albertine plus tarda dit au Guardian, « Nous savions, puisque nous n’avions pas de vêtements, que nous devions avoir l’air agressif et dur. Nous ne voulions pas inviter le regard masculin. » Il est sûr de dire qu’ils ont réussi. 

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33. Kanye West, ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)

Après une poignée de pochettes d’albums mettant en vedette Dropout Bear et une image simple conçue par Kaws pour 808s & Heartbreak , Kanye West est passé à l’art de haut niveau pour My Beautiful Dark Twisted Fantasy . 

Faisant équipe avec l’artiste George Condo pour une série de peintures, le rappeur a associé la brillance de la musique de l’album à un art qui dépasse les limites, y compris une image controversée d’un Occident démoniaque chevauché par un ange nu.

 

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32. Lizzo, Cuz I Love You (2019)

Si quelqu’un a trouvé que Lizzo était une présence perturbatrice dans le courant dominant de la musique en tant que femme de couleur de grande taille, elle a clairement indiqué avec la   reprise de Cuz I Love You qu’elle n’était pas sur le point de laisser cela la dissuader un peu. 

Posant entièrement nue sur une pochette d’album autrement vierge, elle s’est présentée comme la superstar de la pop qu’elle savait déjà être – et que le reste du monde la reconnaîtrait très bientôt comme.

 

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31. Sex Pistols, « Never mind the bollocks » (1977)

Tout comme les paroles de « God Save the Queen » avaient soulevé la colère des autorités britanniques, le mot « Bollocks » éparpillé sur la couverture de l’album a provoqué une censure de masse. 

Ça n’a pas collé, car cette explosion d’art punk est rapidement devenue emblématique. La controverse sur les pochettes d’album a même alimenté sa campagne publicitaire, avec certaines annonces disant : « L’album durera. La pochette peut-être pas. »

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30. FKA Brindilles, ‘LP1’ (2014)

Avant son premier album, FKA Twigs, qui brouille les genres, s’est fait un nom grâce à des visuels époustouflants : clips musicaux, couvertures d’EP et même tournages de magazines.

Ce portrait aux reflets de porcelaine était une introduction exquise à l’émerveillement de sa musique. 

 

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29. Aretha Franklin, « I Never Loved a Man the Way I Loved You » (1967)

Le meilleur album d’Aretha Franklin, I Never Loved a Man the Way I Loved You , la montre vêtue d’une robe extrêmement élégante avec une vieille brume hollywoodienne vaporeuse bordant la photo. Mais c’est son expression – et l’angle incliné de la photo – qui rendent cela si important. 

En 1967, la représentation des femmes noires dans la culture pop était politique, intentionnellement ou non, et la pochette de l’album calme et non posée d’Aretha en dit long. Contrairement à de nombreuses pop stars féminines de l’époque, elle ne sourit pas de manière invitante au spectateur, essayant de plaire ou d’impressionner ou même de séduire – elle existe simplement, respire la confiance et un sentiment de majesté tranquille. 

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28. Bruce Springsteen, « Born in the USA » (1984)

Tout sur le personnage de Springsteen est véhiculé dans cette seule image. Il y a le drapeau américain en toile de fond, le jean usé, le t-shirt blanc et le chapeau rouge qui sortent de sa poche arrière après une longue journée de travail. 

The Boss est la quintessence de l’Amérique des cols bleus sur cette pochette d’album inoubliable. 

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27. Janis Joplin, ‘Pearl’ (1971)

Le dernier album de Janis Joplin, sorti après sa mort à 27 ans, présente l’une des images les plus emblématiques de l’époque. Joplin se drape sur une causeuse de l’ère Victoria, parée d’un costume hippie accrocheur de San Francisco, berçant un verre et un grand sourire. 

L’image est douce-amère : l’alcool aurait joué un rôle dans l’overdose mortelle d’héroïne de Joplin, mais son sourire radieux semble transcender la tristesse de la tragédie imminente. 

 

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26. Grace Jones, «  Island Life » (1985)

Grace Jones et son collaborateur fréquent Jean-Paul Goude (oui, l’homme qui a essayé de « casser Internet » avec une Kim Kardashian nue) se sont associés pour créer l’une des couvertures les plus mémorables de la décennie pour Island Life en 1985 . 

Mettant en vedette un Jones presque nu dans une pose apparemment surhumaine, l’art était en fait un composite du chanteur dans une série de poses différentes, coupées-collées ensemble pour un résultat inoubliable.

 

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25. David Bowie, ‘Aladdin Sane’ (1973)

Bien que ce ne soit pas l’album qui a présenté au monde l’alter ego de l’homme de l’espace de Bowie, lorsque les fans de musique pensent à Ziggy Stardust, c’est l’image qu’ils voient. Le maquillage des yeux en éclair, le rouget – c’est la quintessence de Bowie.

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24. Les Rolling Stones, ‘Sticky Fingers‘ (1971)

En 1969, l’artiste Andy Warhol a été approché par les Rolling Stones pour créer la pochette de leur prochain album à succès, Through the Past, Darkly (Big Hits Vol. 2) . Tout ce que Warhol a créé pour l’ensemble n’a apparemment jamais été utilisé, mais son concept d’utiliser une fermeture à glissière fonctionnelle sur une pochette d’album s’est concrétisé sur la couverture de Sticky Fingers . 

Avec des photographies de Warhol (axées sur le jean bombé d’un modèle masculin encore non identifié) et une conception graphique de Craig Braun, l’ensemble gagnerait une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure couverture d’album.

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23. Miles Davis, ‘Bitches Brew’ (1969)

L’art surréaliste pour Bitches Brew a été créé par le peintre allemand Mati Klarwein, qui était également responsable de l’art sur Abraxas de Santana , une autre entrée sur cette liste.

 Une étude sur les contrastes, la couverture gatefold complète montre une interprétation négative modifiée de la couverture plus familière – ensemble, ils incarnent le manifeste musical de Davis. 

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22. Drake (2015)

Le titre de la « mixtape » de Drake en 2015 s’est certainement avéré approprié, car la sortie inattendue a lancé l’une de ses années les plus dominantes sur le plan commercial des années 2010, le cimentant comme une superstar au niveau de toute autre idole contemporaine du top 40. 

Mais sa pochette minimaliste a eu un impact similaire, devenant l’une des premières images de ce type à devenir un phénomène Twitter à part entière, car les fans ont remplacé leurs propres messages griffonnés dans son format et en ont fait un mème musical incontournable du milieu des années 10. 

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21. Duran Duran, ‘Rio’ (1982)

L’artiste Patrick Nagel a été chargé par Paul Berrow, alors manager de Duran Duran, de créer la pochette de l’ album Rio du groupe. 

Le bassiste du groupe, John Taylor, a écrit dans son autobiographie In the Pleasure Groove: Love, Death and Duran Duran, que lorsqu’ils ont reçu la toile « massive » « cinq pieds sur cinq pieds », il a pensé « la voilà, la fille qui dansait sur le sable » (une référence aux paroles de la chanson titre du set).

 

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20. Joy Division,   (1979)

La décision du designer Peter Saville d’utiliser les ondes radio pulsar est à la hauteur de la production envoûtante de Martin Hannett pour faire de cet album un classique gothique. 

La parodie de chemise Mickey Mouse de Disney quatre décennies plus tard n’a fait que réaffirmer sa légende.

 

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19. Judas Priest, ‘British Steel’ (1980)

L’une des pochettes d’album les plus emblématiques du métal, British Steel de Judas Priest – représentant une main émergeant d’un cuir clouté tenant une lame de rasoir – est également l’une de ses plus fascinantes. 

Comment la main tient-elle la lame sans saigner ? Cette couverture capture-t-elle le moment juste avant que le sang n’éclate et recouvre la lame ? Alors que de nombreux groupes de metal rivalisaient pour se surpasser dans le reste des années 80, cette image simple et menaçante leur survit à tous. 

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18. Les racines, ‘Things Fall Apart‘ (1999)

En tant que directeur artistique Kenny Gravallis Mets-le,« Le concept d’« échec visuel dans la société » sur la pochette d’un album intitulé Things Fall Apart avait du sens. » 

L’une des cinq couvertures originales, l’image qui est restée était une photo de l’ère des droits civiques de deux adolescents noirs fuyant la police en tenue anti-émeute à Bedford-Stuyvesant – une image puissante de l’inégalité que le groupe essayait de combattre à travers sa musique.

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17. Santana, ‘Abraxas’ (1970)

Tirée d’un tableau de Mati Klarwein (il a également fait la couverture de Bitches Brew de Miles Davis ), la couverture de l’ album Abraxas de Santana est un régal psychédélique magnifiquement surréaliste pour les yeux.

 Inspiré du récit biblique de l’Annonciation, ce tableau nous présente une Vierge Marie noire nue et un ange rouge avec une conga entre les jambes. L’une des prêtresses de la quatrième de couverture apparaît également sur la quatrième de couverture de son art Bitches Brew . 

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16. Le choc,  » London Calling » (1979)

La reprise de London Calling rend à la fois hommage à Elvis Presley tout en faisant exploser sa version du rock n’ roll. Les lettres de titre roses et vertes imitent la couverture de l’album éponyme de 1956 de Presley, mais le roi n’a probablement jamais brisé une guitare basse sur scène.

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15. Nas, « Illmatique » (1994)

L’image de Nas, sept ans, superposée à une photo de Danny Clinch des projets de logements natifs du rappeur à Queensbridge a été gravée dans la mémoire de nombreux hip-hop. « Les projets étaient mon monde », a-t-il déclaré à MTV sur la signification de l’art conçu par Aimee Macauley en 1994, « jusqu’à ce que je m’éduque pour voir qu’il y a plus là-bas. »

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14. Blink-182 (1999)

Pour la couverture de leur LP révolutionnaire grand public, Blink-182 a fait appel à l’actrice adulte Janine Lindemulder pour donner une tournure très suggestive – et littérale – au titre de l’album. C’est une image qui a été gravée dans l’esprit de chaque spectateur TRL , une image qui est devenue instantanément emblématique.       

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13. Kendrick Lamar  (2015)

L’équivalent incendiaire le plus proche du 21e siècle a produit la couverture originale du drapeau américain remplie de trous de balles de Sly & The Family Stone pour 1971  Il y a une émeute qui se passe . L’image est une photo de célébration de dizaines d’hommes noirs pour la plupart torse nu se réjouissant devant la Maison Blanche – avec un juge blanc, marteau à la main, allongé immobile au bas de la photo.

Affrontant, excitant, joyeux, dérangeant et opportun, c’était une reprise aussi provocante et évocatrice que l’un des meilleurs albums de rap de la dernière décennie pouvait demander. 

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12. Hole, « Live through this » (1994)

La couverture d’album grunge la plus emblématique après Nevermind de Nirvana , Live Through This de Hole représente une reine de beauté en sanglots avec du mascara coulant sur son visage. 

Le désespoir sur le visage de la femme révèle le doute tragique qui alimente l’industrie de la beauté, mais elle n’est pas faite pour avoir l’air entièrement ridicule – nous sommes toujours obligés de la considérer comme une humaine au lieu d’une large parodie d’un archétype. C’est la rare pochette d’album satirique qui parvient toujours à être empathique. 

 

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11. Les Beatles, ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ (1967)

Par où commencer avec cette pochette d’album ? L’image présente les Beatles, dans leur Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band tenues militaires, debout devant des dizaines de célébrités, dont Marilyn Monroe, Bob Dylan, Marlon Brando et Sonny Liston, ainsi que des figures de cire d’eux-mêmes. 

Alors que les auditeurs essaient de discerner le sens secret de la musique noble, ils peuvent également essayer d’identifier les plus de 60 visages sur la couverture bondée.

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10. Elvis Presley, ‘Elvis Presley’ (1956)

Elvis savait à quel point le vert et le rose néon étaient un mélange mortel une vingtaine d’années avant que les Clash ne fassent la couverture de London Calling .

Il y a quelque chose dans cet instantané de mi-strum d’un hurlement vocal qui nous fait à chaque fois – il a visuellement présenté le rock n’ roll à une Amérique sans méfiance avant même que l’aiguille n’atteigne le vinyle. 

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9. Ennemi public,  » Fear of a Black Planet » (1990)

Clin d’œil à l’afrofuturisme d’artistes comme Sun Ra, l’œuvre d’art de Fear of a Black Planet a été conçue par Chuck D, qui a imaginé la planète noire titulaire éclipsant la terre.

De manière appropriée, étant donné le concept interplanétaire, le groupe a engagé l’illustrateur de la NASA BE Johnson pour dessiner le design final.

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8. Cyndi Lauper, « she’s So Unusual » (1983)

Cyndi Lauper a informé le monde que « Girls Just Want To Have Fun » sur ses débuts classiques en 1983, et un coup d’œil à la couverture de She’s So Unusual convertirait tout non-croyant. 

Photographiée par Annie Leibovitz devant un musée de cire abandonné à Coney Island, Lauper prend une pose volontairement étrange vêtue d’une robe de bal d’occasion, de filets de pêche et d’un méli-mélo de bijoux en conflit. Fait révélateur, ses talons sont bottés sur le côté. 

Plus que n’importe quelle pochette d’album d’une reine de la pop féminine, cela reste le cri de ralliement ultime pour rester étrange et s’aimer pour cela. 

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7. Nirvana, « Nevermind » (1991)

L’une des couvertures d’album les plus reconnaissables de tous les temps présente un bébé nu sous l’eau qui cherche un billet d’un dollar sur une ficelle. C’est une triste déclaration sur les valeurs que notre société transmet à nos jeunes – et oh, d’ailleurs, ce bébé est un homme dans la vingtaine maintenant.

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6. Pink Floyd, « Dark side of the moon » (1973)

Cet art simple en dit long. La lumière traversant un prisme et sortant comme un arc-en-ciel était censée transmettre l’éclairage de scène du groupe et les paroles de l’album. 

Et, comme en témoigne le nombre de t-shirts portant cette image aujourd’hui, le prisme est devenu synonyme de Floyd lui-même.

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5. Led Zeppelin, « Led Zeppelin » (1969)

D’une manière ou d’une autre, l’image d’un dirigeable en feu éclatant en flammes quelques instants avant de s’effondrer au sol et de faire des dizaines de morts est l’introduction visuelle parfaite au premier chef-d’œuvre de Led Zeppelin. 

Que vous le voyiez comme une indication de la musique explosive contenue dans la pochette ou comme une tactique de choc sans cœur capitalisant sur une tragédie réelle, ce rendu en noir et blanc de la catastrophe d’Hinderburg est devenu l’une des images les plus indélébiles du hard rock. 

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4. The Notorious BIG, « Ready to Die» (1994)

L’innocence d’un Biggie de la taille d’un bébé sur la couverture de son premier classique Ready to Die contredisait largement le contenu qu’il contenait. 

Mais c’était le point : l’album retraçait sa vie du début à une fin triste et préfigurant, utilisant l’innocence d’un enfant pour illustrer comment un monde cruel s’imprime dans les esprits non moulés.

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3. Patti Smith, ‘Horses’ (1975)

Mis à part les éloges de la critique pour les paroles infusées de poésie beat de Smith mélangées à du punk rock,  la  reprise de Horses est un chef-d’œuvre visuel. 

Photographiée par un ami proche et collègue artiste Robert Mapplethorpe, la photo de Smith a été considérée par le critique Camille Paglia comme l’une des plus grandes photographies jamais prises d’une femme. 

Avec Smith décrivant son look comme celui de Sinatra, tous les éléments se sont combinés pour créer l’une des plus grandes couvertures d’album (et photographies rock) de tous les temps. 

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2. Les Beatles, « Abbey Road » (1969)

Une autre pochette d’album sur cette liste arrête-t-elle le trafic ? C’est un témoignage de l’impression durable de cette photo de traversée de rue que des centaines de fans la recréent chaque jour à l’extérieur des studios Abbey Road. 

Il y a même une webcam en direct de l’attraction. Autre fait notable : c’est la première reprise des Beatles qui ne comporte pas le nom du groupe ou le titre de l’album.

 

1. The Velvet Underground et Nico, ‘The Velvet Underground & Nico’ (1967)

Cette image de banane emblématique d’Andy Warhol avec les instructions « peler lentement et voir » est une excellente couverture en soi, mais la version originale comprenait en fait un autocollant détachable révélant une banane de couleur chair en dessous. Une combinaison parfaite d’art, de musique et d’humour.

 

 

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

 

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Canon de Pachelbel: tout savoir….

par Eric Canto | Mis à jour le 27/12/2024 | Publié le 16/03/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

I. Introduction : Le Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est une pièce de musique classique écrite par le compositeur allemand Johann Pachelbel au XVIIème siècle. Cette pièce étonnante est devenue une des chansons classiques les plus populaires et les plus connues dans le monde entier.

Elle est reconnue pour sa structure et son harmonie riches et magnifiques. Les paroles et les mélodies de ce Canon de Pachelbel sont si mémorables qu‘elles sont souvent utilisées dans des films, des documentaires et des mariages.

Dans cet article, nous examinerons le Canon de Pachelbel et discuterons de sa structure, de sa signification et de son histoire.

Canon de Pachelbel – 

2. Histoire et contexte du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est une pièce de musique baroque composée par Johann Pachelbel (1653–1706). C‘est l‘une des œuvres classiques les plus populaires et les plus célèbres de tous les temps, et elle est souvent jouée lors des mariages et autres cérémonies.

Le Canon de Pachelbel est une forme musicale connue sous le nom de «canon», qui est une structure musicale dans laquelle une mélodie est jouée simultanément à différentes hauteurs et rythmes.

La mélodie du Canon de Pachelbel est basée sur une chanson allemande populaire du XVIIe siècle connue sous le nom de «Kanon und Gigue in D–Dur». Le Canon de Pachelbel est une pièce instrumentale qui est composée à l‘origine pour trois violons et une basse continue.

La mélodie est jouée par les violons et accompagnée par la basse continue, qui est une ligne de basse répétitive qui soutient la mélodie. Au fil des années, le Canon de Pachelbel a été arrangé pour des instruments différents, y compris l‘orgue, le piano et l‘ensemble de cuivres.

Le Canon de Pachelbel est une œuvre très populaire qui a été jouée dans de nombreux films et programmes télévisés. Il est considéré comme une pièce intemporelle qui a traversé les âges et qui est toujours aussi populaire aujourd‘hui qu‘elle l‘était il y a 300 ans.

4. Biographie de Johann Pachelbel

Johann Pachelbel (1653–1706) était un compositeur, organiste et professeur d‘orgue allemand du Baroque. Né à Nuremberg, Pachelbel était le plus jeune enfant d‘une famille de musiciens respectés.

Son père, Johann (Hans) Pachelbel était un chef de chœur et un organiste de l‘église Saint–Sébastien et sa mère était la fille d‘un compositeur et organiste. Pachelbel étudia à l‘école de musique locale et apprit la composition et l‘orgue avec des professeurs locaux.

Il a ensuite étudié à l‘Université d‘Altdorf et à l‘Université de Regensburg, où il a reçu une formation approfondie en théologie et en musique.

En 1677, Pachelbel a été nommé organiste de l‘église Saint–Laurent à Vienne, où il était en contact avec des compositeurs importants tels que Heinrich Biber et Johann Jakob Froberger. Il a ensuite été nommé organiste à l‘église Saint–Stephen de Vienne en 1690, où il est resté jusqu‘à sa mort en 1706.

5. Œuvres de Pachelbel

1. Canon in D

2. Chaconne in F minor

3. Hexachordum Apollinis

4. Magnificat in G Major

5. Fugue in A minor

6. Toccata in F sharp minor

7. Prelude and Fugue in D Major

8. Suite in A minor

9. Aria Sebaldina

10. Ricercar in E minor

Canon de Pachelbel

7. Analyse musicale du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique écrit par le compositeur allemand Johann Pachelbel, et composé en 1680. C‘est l‘un des morceaux les plus populaires de l‘ère baroque et est l‘un des morceaux classiques les plus connus et les plus appréciés de tous les temps.

Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon à trois voix qui se déroule à une vitesse modérée. La première partie est jouée par une ligne mélodique qui est ensuite imitée par les deux autres voix.

La progression harmonique du Canon de Pachelbel  est basée sur une tonalité majeure et il y a une grande variété d‘accords qui sont utilisés pour créer une atmosphère expressive. Les mouvements rythmiques sont très simples, mais ils sont la clé qui donne à la pièce son caractère mélodieux.

La mélodie principale du Canon de Pachelbel est jouée dans les tons les plus aigus et est ensuite imitée par les autres voix. Les accents en contrepoint et les pauses subtiles créent une texture riche et variée.

Le Canon de Pachelbel est une pièce très mélodieuse et expressif. Une grande attention est accordée à la structure et à l‘harmonie, ce qui en fait une pièce très réussie. Le Canon de Pachelbel est une pièce qui est considérée comme l‘un des chefs–d‘œuvre les plus célèbres et les plus appréciés de la musique classique.

9. Histoire de la diffusion du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique composé par Johann Pachelbel au XVIIe siècle. Il a été composé pour l‘orgue, mais est aujourd‘hui plus communément joué à l‘orchestre et à la guitare.

Bien qu‘il ait été composé plus de 300 ans auparavant, le Canon de Pachelbel est devenu l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et populaires de tous les temps. Le Canon de Pachelbel est devenu populaire pour la première fois au début du XXe siècle, lorsque le musicien et compositeur Max Reger a adapté le morceau pour piano.

La version de Reger est devenue très populaire et a été enregistrée par de nombreux artistes, notamment le pianiste Vladimir Horowitz.

Le Canon de Pachelbel a connu une nouvelle vague de popularité au milieu des années 1960, lorsque le guitariste classique Jean–Claude Rapin a enregistré une version pour guitare. Sa version est devenue très populaire et a été enregistrée par de nombreux artistes, notamment le groupe de rock britannique The Alan Parsons Project.

Au cours des années 1970 et 1980, le Canon de Pachelbel a été adapté à divers instruments et styles musicaux, notamment le reggae, le jazz et la musique country.

Il a également été utilisé dans des films, des émissions de télévision et des publicités. Au cours des années 1990 et 2000, le Canon de Pachelbel est devenu de plus en plus populaire et a connu une nouvelle vague de popularité, notamment grâce à sa présence dans la musique populaire et le film La Chambre des Merveilles.

La version pour guitare de Rapin a également été utilisée dans de nombreux films et émissions de télévision, notamment la série télévisée Friends.

Le Canon de Pachelbel est aujourd‘hui l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et les plus populaires. Il est joué dans le monde entier et apprécié par des millions de personnes.

10. Impact et héritage du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique qui a des origines allemandes et qui a été composé par Johann Pachelbel vers 1680. Le Canon de Pachelbel est considéré comme l‘un des morceaux de musique classique les plus célèbres et les plus populaires de tous les temps.

Le Canon de Pachelbel a eu un impact considérable sur la musique classique et a été utilisé par de nombreux compositeurs au fil des siècles. C‘est une source d‘inspiration pour les nouvelles compositions et est encore aujourd‘hui un morceau très apprécié.

Le Canon de Pachelbel a également eu un impact culturel considérable. Il est souvent utilisé dans des films, des séries télévisées et des publicités, ce qui permet à un plus large public de découvrir et d‘apprécier la musique classique. Le Canon de Pachelbel est aussi un héritage culturel très important.

Il a inspiré de nombreuses interprétations et arrangements modernes, ce qui en fait un classique intemporel et un morceau qui continuera à être apprécié par les générations futures.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ: Questions fréquemment posées sur le Canon de Pachelbel

1. Qui a composé le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a été composé par Johann Pachelbel, un compositeur allemand du 17ème siècle. Il est né en 1653 et est décédé en 1706.

2. Quand le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?

Le Canon de Pachelbel a été composé vers 1680, bien que la date exacte soit inconnue. Il est également possible qu’il ait été composé avant 1680.

3. Quelle est la forme musicale utilisée dans le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon. Un canon est une forme musicale dans laquelle une ligne mélodique est jouée par plusieurs instruments ou voix à des intervalles différents en même temps. Les lignes mélodiques sont généralement entrelacées pour créer un effet élaboré.

4. Quelle est la tonalité du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est en tonalité de D majeur. La tonalité est la hauteur moyenne des sons d’une pièce et est généralement exprimée par une lettre et une accidentale. Dans le cas du Canon, la tonalité est D Majeur, ce qui signifie que la note la plus haute de la pièce est Ré.

5. Quel instrument est utilisé dans le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est généralement joué à l’orgue, mais il peut également être joué à la harpe, à la flûte, au violon et à d’autres instruments.

6. Où le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?

Le Canon de Pachelbel a été composé en Allemagne, plus précisément à Nuremberg, où Pachelbel a vécu et travaillé. Il a également composé d’autres pièces à Nuremberg, y compris des pièces pour l’orgue et des chorals.

7. Quel est le genre musical du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est un genre de musique classique appelé musique baroque. C’est une forme de musique qui était très populaire en Europe entre 1600 et 1750 et qui est caractérisée par une certaine sophistication et des ornementations.

8. Qui a popularisé le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a été popularisé par des artistes tels que les Beatles, Elvis Presley et les Beach Boys. Il a été utilisé dans de nombreuses chansons, films et publicités, et est devenu une pièce très populaire.

9. Quelle est l’influence du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a eu une grande influence sur la musique classique moderne. Il a été une source d’inspiration pour de nombreux compositeurs et a été utilisé comme base pour de nombreuses reprises et variations. Il a également influencé le genre de la musique pop.

10. Quelle est la signification symbolique du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel n’a pas de signification symbolique spécifique, mais il est largement considéré comme une pièce très mélancolique et émouvante. Il est également considéré comme une pièce romantique, et est souvent associée à l’amour et à l’amitié.

The Prodigy : Le Parcours Explosif d’un Groupe Légendaire entre Punk et Électronique

par Eric Canto | Mis à jour le 14/10/2024 | Publié le 05/03/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

The Prodigy, ces anarchistes de la musique électronique, ont marqué l’histoire en transformant le paysage sonore des années 90 et 2000. Ils ont mélangé la rave, le punk, et l’électronique pour créer un son unique qui a secoué les clubs, les festivals, et les esprits. Leur musique n’est pas seulement faite pour être écoutée, elle est faite pour être ressentie.

À une époque où la musique électronique restait souvent en arrière-plan, The Prodigy l’a placée sous les projecteurs avec des hits fracassants comme « Firestarter », « Breathe » et « Smack My Bitch Up ». Leur énergie brute, leur attitude provocatrice, et leur esthétique audacieuse ont conquis le monde, faisant de The Prodigy un pilier du mouvement électronique. Explorons ensemble leur parcours fulgurant, leurs albums mythiques, et leur héritage inoubliable.

THE PRODIGY

 L’univers électro-punk de The Prodigy : une fusion explosive

Liam Howlett : Le cerveau derrière le chaos

Derrière le mur de décibels et l’agitation visuelle des concerts de The Prodigy se trouve Liam Howlett, le maître d’œuvre. C’est lui qui compose et produit la majorité des morceaux du groupe. Avec une formation classique en musique, Howlett s’est rapidement tourné vers les platines et les synthétiseurs, trouvant dans la scène rave britannique de la fin des années 80 un terrain fertile pour ses expérimentations sonores. Sa capacité à mélanger breakbeat, punk, techno, et rock a défini le son unique de The Prodigy.

Howlett n’a jamais eu peur de prendre des risques. Chaque album pousse les limites de ce que l’on attend d’un groupe électronique. Avec lui aux commandes, The Prodigy a créé un univers sonore chaotique, où les basses grondent et les synthés déchirent l’air, tout en restant accessible à un large public. Il est le compositeur de génie derrière les beats assassins et les refrains catchy qui ont fait la renommée du groupe.

Keith Flint : L’incarnation du chaos

Si Liam Howlett est le cerveau, Keith Flint en est l’âme. Sa mort tragique en 2019 a laissé un vide immense dans le monde de la musique. Mais ce qu’il a laissé derrière lui est inoubliable. Avec son look punk, ses danses frénétiques et sa voix rauque, Flint a été l’incarnation vivante de l’énergie explosive de The Prodigy.

Son rôle dans des morceaux comme « Firestarter » et « Breathe » a marqué l’histoire. Flint n’était pas qu’un chanteur, c’était un performeur. Sur scène, il ne se contentait pas de chanter, il électrisait la foule. Sa présence était magnétique, et sa capacité à canaliser la rage et la rébellion a fait de The Prodigy bien plus qu’un simple groupe de musique électronique.

Albums incontournables de The Prodigy : Des hymnes rave au punk électronique

 « Experience » (1992) : La naissance d’un son révolutionnaire

Le premier album de The Prodigy, « Experience », est une véritable plongée dans l’univers des raves britanniques des années 90. À l’époque, la scène rave était florissante, et Liam Howlett y a trouvé son terrain de jeu idéal. Cet album mélange des rythmes frénétiques, des basses puissantes et des samples accrocheurs qui définissent l’ADN du groupe. Des morceaux comme « Charly » et « Out of Space » deviennent rapidement des hymnes dans les clubs.

Si cet album est encore très marqué par la culture rave, il montre déjà le potentiel de The Prodigy à casser les codes. L’énergie brute qui s’en dégage attire non seulement les fans de musique électronique, mais aussi ceux qui cherchent quelque chose de plus audacieux, de plus percutant.

« Music for the Jilted Generation » (1994) : La rébellion en marche

Avec « Music for the Jilted Generation », The Prodigy franchit une nouvelle étape. Cet album est un manifeste de rébellion contre le gouvernement britannique, qui tentait à l’époque de criminaliser la culture rave avec des lois restrictives. The Prodigy répond avec des morceaux d’une agressivité nouvelle, mêlant techno, breakbeat, et rock dans une explosion sonore.

Des morceaux comme « Voodoo People » et « No Good (Start the Dance) » deviennent des classiques instantanés, et l’album est acclamé par la critique. C’est à ce moment que The Prodigy commence à transcender les genres, attirant à la fois les fans de musique électronique et les amateurs de rock alternatif. « Music for the Jilted Generation » est une déclaration audacieuse : The Prodigy n’est pas là pour plaire, ils sont là pour défier. « The Fat of the Land » (1997) : La consécration mondiale

« The Fat of the Land » est l’album qui propulse The Prodigy au rang de superstars mondiales. Avec des hits comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up », cet album devient emblématique des années 90. L’énergie punk de Keith Flint, combinée aux beats assassins de Liam Howlett, crée un cocktail explosif qui conquiert la planète.

Cet album est aussi l’un des premiers à brouiller définitivement la ligne entre rock et électronique. The Prodigy joue sur les deux tableaux, créant un son qui attire aussi bien les ravers que les rockeurs. « The Fat of the Land » est un monument de la musique alternative, et son influence se fait encore sentir aujourd’hui dans de nombreux genres musicaux.

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The Prodigy en concert : Une expérience viscérale et inoubliable

 Une énergie brute sur scène

Les concerts de The Prodigy sont une vraie tornade. Dès les premières notes, l’énergie brute qui se dégage de la scène est palpable. Keith Flint, avec sa démarche frénétique et son look punk, captait immédiatement l’attention de la foule. Ses performances étaient à la fois hypnotiques et chaotiques, transformant chaque concert en une expérience unique.

Le groupe ne se contente pas de jouer ses morceaux : ils les réinventent en live. Les beats sont plus lourds, les basses plus puissantes, et les synthés plus tranchants. Chaque concert est une explosion d’énergie, où le public se retrouve entraîné dans une transe collective.

 L’esthétique visuelle des performances live

En plus de l’énergie musicale, The Prodigy accorde une attention particulière à l’esthétique visuelle de leurs concerts. Les jeux de lumière, les projections vidéo, et les décors sont soigneusement orchestrés pour créer une atmosphère immersive. Les visuels reflètent souvent l’énergie brute de la musique, avec des effets stroboscopiques et des couleurs vives qui renforcent le caractère explosif des morceaux.

Les concerts de The Prodigy ne sont pas seulement des performances musicales, ce sont des spectacles sensoriels où la musique et l’image se combinent pour offrir une expérience totale.

THE PRODIGY

L’héritage de The Prodigy : Une influence indélébile

Des pionniers de la musique électronique grand public

Avant The Prodigy, la musique électronique restait largement confinée aux clubs underground. Mais avec des albums comme « The Fat of the Land », The Prodigy a réussi à faire passer cette musique dans le mainstream, tout en conservant son énergie subversive et alternative. Ils ont ouvert la voie à des artistes comme Skrillex, The Chemical Brothers, et même Daft Punk, qui ont poursuivi l’œuvre de démocratisation de la musique électronique.

The Prodigy et la culture underground

Malgré leur succès commercial, The Prodigy a toujours conservé une certaine attitude punk. Ils n’ont jamais cherché à se conformer aux attentes de l’industrie musicale, préférant rester fidèles à leurs racines rave et rebelles. Cette dualité – être à la fois des icônes mainstream tout en restant des figures de proue de l’underground – est ce qui rend The Prodigy unique.

Ils ont également été un porte-étendard de la contre-culture, notamment dans leur opposition aux lois anti-rave en Angleterre dans les années 90. Cette position leur a valu une place spéciale dans le cœur des amateurs de musique électronique et alternative.

Conclusion

The Prodigy n’est pas juste un groupe, c’est un phénomène. Leur musique, mélange unique de rave, de punk, et de techno, a redéfini les codes de la musique électronique et continue d’inspirer des générations de musiciens. Avec des albums emblématiques comme « The Fat of the Land », des performances live électrisantes, et un héritage qui s’étend bien au-delà de leur époque, The Prodigy a changé la donne.

Leur énergie brute, leur esthétique provocante et leur engagement envers la liberté artistique en font des légendes incontournables. Si leur musique frappe fort, leur héritage, lui, est indestructible.

FAQ : Tout savoir sur The Prodigy

1. Quel est l’album le plus emblématique de The Prodigy ?
L’album qui a sans doute le plus marqué l’histoire de The Prodigy est « The Fat of the Land » (1997). Cet opus est souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, grâce à des hits devenus mythiques comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up ». C’est cet album qui a véritablement propulsé le groupe au rang de superstars internationales, en réussissant à combiner l’énergie brute du punk avec la puissance de la musique électronique. « The Fat of the Land » a non seulement conquis les classements, mais il a aussi redéfini ce qu’un album de musique électronique pouvait être : audacieux, agressif, et inoubliable.

2. Comment The Prodigy a-t-il influencé la scène électronique et rock ?
The Prodigy a profondément influencé les deux scènes, en brouillant volontairement la frontière entre musique électronique et rock. Leur son unique, mélange de breakbeat, techno, punk, et industriel, a ouvert de nouvelles perspectives pour les artistes de ces genres. Des groupes et artistes comme Skrillex, Pendulum, et The Chemical Brothers leur doivent beaucoup, en particulier pour avoir popularisé la musique électronique au-delà des clubs underground.

The Prodigy a aussi joué un rôle clé dans l’essor de la musique big beat et du rock électronique, un sous-genre hybride qui combine l’agressivité du rock avec la complexité rythmique de l’électronique. Ils ont permis à cette musique de percer dans le mainstream, tout en conservant une attitude rebelle et anti-establishment, qui a inspiré de nombreux autres artistes.

3. Quelle était la relation entre Liam Howlett et Keith Flint ?
La relation entre Liam Howlett et Keith Flint était au cœur de l’alchimie qui faisait le succès de The Prodigy. Liam Howlett, en tant que cerveau créatif et compositeur principal, est celui qui a conçu et produit la majorité des morceaux du groupe. Keith Flint, avec son énergie explosive et son charisme inégalé, a apporté l’attitude punk qui a donné au groupe sa notoriété sur scène. Ils formaient une combinaison parfaite : Howlett était le technicien brillant derrière les platines et les synthés, tandis que Flint était l’incarnation physique et visuelle de l’esprit rebelle de The Prodigy.

Keith Flint, qui a commencé comme simple danseur pour le groupe, a pris de plus en plus d’importance au fil des années, notamment avec l’album « The Fat of the Land », où il est devenu la voix de morceaux cultes comme « Firestarter ». Sa mort en 2019 a laissé un vide immense, mais son impact sur The Prodigy, ainsi que sur la musique en général, reste inoubliable.

4. Quels sont les morceaux les plus célèbres de The Prodigy ?
The Prodigy a produit une multitude de hits qui sont devenus des classiques de la musique électronique et du rock alternatif. Parmi leurs titres les plus célèbres :

• « Firestarter » : Probablement leur morceau le plus emblématique, avec une énergie brute et une ligne de basse inoubliable.
• « Breathe » : Ce duo explosif entre Keith Flint et Maxim est devenu un hymne instantané.
• « Smack My Bitch Up » : Un morceau provocateur qui a suscité des controverses mais qui reste un monument de la culture rave.
• « Voodoo People » : Un classique du breakbeat, avec un riff de guitare qui est devenu iconique dans la scène électronique.
• « Out of Space » : Tiré de leur premier album, ce morceau est un exemple parfait de leur style rave énergique des débuts. Ces morceaux continuent d’être joués en festivals et en clubs, témoignant de l’influence durable de The Prodigy sur la scène musicale.

5. The Prodigy continue-t-il de produire de la musique après la mort de Keith Flint ?
Après la mort tragique de Keith Flint en 2019, de nombreuses questions se sont posées sur l’avenir du groupe. Cependant, Liam Howlett a rapidement confirmé que The Prodigy continuerait à produire de la musique en hommage à Flint. En 2021, le groupe a annoncé qu’il travaillait sur de nouveaux morceaux, bien que la disparition de Flint ait profondément affecté leur dynamique. Les fans attendent avec impatience la sortie de nouveaux titres, qui, espérons-le, honoreront l’héritage de Keith Flint tout en explorant de nouvelles directions musicales.

6. Pourquoi The Prodigy a-t-il suscité des controverses ?
The Prodigy a toujours été un groupe provocateur, et cela fait partie de leur ADN. Des morceaux comme « Smack My Bitch Up » ont été l’objet de vives critiques en raison de leur titre et de leurs paroles perçues comme misogynes. Le clip vidéo, qui présente des scènes violentes et explicites, a été banni de nombreuses chaînes de télévision, mais est devenu culte dans les cercles underground. Malgré les critiques, The Prodigy a toujours défendu leur art en affirmant que leurs morceaux ne prônaient pas la violence, mais plutôt l’énergie brute et la subversion.

Leur esthétique visuelle et leur attitude punk ont également été sources de controverses, mais c’est précisément ce qui a fait d’eux des icônes. Ils ont toujours refusé de se conformer aux attentes, préférant rester fidèles à leur vision artistique.

7. Comment The Prodigy a-t-il redéfini le live électronique ?
The Prodigy a joué un rôle essentiel dans la redéfinition de ce qu’un concert électronique peut être. Là où beaucoup de performances électroniques se limitent à des DJs derrière leurs platines, The Prodigy a introduit une énergie live comparable à celle des concerts de rock ou de punk. Keith Flint et Maxim apportaient une intensité scénique rarement vue dans la musique électronique, transformant chaque performance en une véritable explosion d’émotions et de décibels.

Leur utilisation de visuels, de lumières et de projections lors de leurs concerts a également contribué à cette expérience immersive. En intégrant des éléments visuels aussi intenses que leur musique, The Prodigy a fait de ses concerts des événements multisensoriels qui laissent une impression durable sur le public.

8. Quelle est l’influence de The Prodigy sur les générations actuelles de musiciens ?
L’influence de The Prodigy sur les musiciens actuels est immense. Leur capacité à fusionner des genres tels que la techno, le breakbeat, le punk et le rock a ouvert la voie à de nombreux artistes et genres musicaux. Des groupes comme Pendulum, The Chemical Brothers, et Skrillex citent souvent The Prodigy comme une source d’inspiration.

Au-delà de la musique, leur attitude punk et leur refus de se conformer aux attentes de l’industrie musicale ont également inspiré de nombreux artistes. The Prodigy a montré qu’il était possible de rester fidèle à sa vision artistique tout en rencontrant un succès mondial, et cette indépendance d’esprit continue de résonner chez les musiciens d’aujourd’hui.

9. Quelle est la place de Maxim dans The Prodigy ?
Maxim, l’autre figure emblématique de The Prodigy, joue un rôle essentiel dans l’énergie du groupe, en particulier sur scène. Bien que Keith Flint ait souvent été le centre d’attention, Maxim, avec son style vocal unique et son charisme scénique, a toujours apporté une dimension supplémentaire aux performances live de The Prodigy. Son style vocal, souvent plus sombre et plus posé, offrait un contrepoint parfait à l’agitation frénétique de Flint.

En plus de ses contributions musicales, Maxim est également connu pour son sens visuel, ayant exploré des projets artistiques en dehors de The Prodigy, notamment dans le domaine de l’art visuel. Son rôle au sein du groupe est crucial pour maintenir l’équilibre entre l’énergie brute de Flint et la production impeccable de Howlett.

10. Quel est l’héritage de The Prodigy dans la culture rave et underground ?
The Prodigy est souvent considéré comme l’un des piliers de la culture rave britannique des années 90. À une époque où la musique rave était encore largement underground, ils ont réussi à faire passer ce son dans le mainstream tout en conservant une attitude de rébellion et d’indépendance. Des albums comme « Experience » et « Music for the Jilted Generation » sont devenus des symboles de cette époque, où la fête et la contestation allaient souvent de pair.

Leur opposition aux lois anti-rave du gouvernement britannique à travers leur musique et leurs prises de position a également consolidé leur statut de porte-étendards de la contre-culture. Même après avoir atteint le succès commercial, The Prodigy est resté fidèle à ses racines underground, ce qui les rend d’autant plus respectés dans la culture rave et alternative.

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

par Eric Canto | Mis à jour le 02/10/2024 | Publié le 25/01/2021 | make, Inspiration, musique et idées créatives

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Il y a un grand secret caché depuis 14 ans et qui voit maintenant le jour: le DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA en HD. Il y a quelques jours, une vidéo de très bonne qualité du concert complet que le fantastique duo électronique français a donné au festival Lollapalooza en août 2007, à Chicago, a été partagée sur YouTube.

Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza, cette brillante performance faisait partie de l’incroyable et célèbre tournée ‘ Alive ‘ que tant de fans aimeraient avoir l’occasion de revivre.

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Daft Punk a toujours habitué la foule à des choses merveilleuses, brillantes et flashy. La tournée «Alive» a été remarquable à bien des égards, allant de la qualité incontestable de leurs sets, remplis des tubes de renommée internationale du duo, à la superbe façon dont ils se produisent. Pendant le set de Lollapalooza, aucun de ces composants n’était manquant.

Portant des casques noirs brillants, les deux robots se sont ralliés à des proportions incroyables, apparaissant sous une énorme pyramide de lumières. Quel moment…

L’ensemble de Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza est similaire à celui qu’ils ont présenté à Coachella en 2006 , cependant, la qualité des images est loin d’être proche.

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

La vidéo DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Ce ne sont pas des captures fragmentées mais une vidéo cohérente et de bonne qualité. Au début de cet incroyable film du tournage de 2007, les notes montrent que les images ont été mixées en direct pour les écrans du lieu, donnant non seulement un tournage de bonne qualité mais aussi une perspective parfaite pour revivre le moment.

Si vous avez toujours voulu pouvoir remonter le temps et revenir aux solos de Lollapalooza en 2007, devant la scène mégalomane des Daft Punk, réjouissez-vous, vous pouvez désormais profiter de tout ici.

Set list: Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza

0:00 – Pre-Show

2:41 – Close Encounters Intro

3:34 – Robot Rock / Oh Yeah

9:54 – Touch It / Technologic

15:24 – Television Rules The Nation / Crescendolls

20:14 – Too Long / Steam Machine

27:16 – Around The World / Harder Better Faster Stronger

32:59 – Burnin ‘/ Too Long

40:10 – Face To Face / Short Circuit

45:06 – One More Time / Aerodynamic

51:15 – Aerodynamic Beats / Forget About The World

54:48 – The Prime Time Of Your Life / The Brainwasher / Rollin ‘/ Alive

1:05:16 – Da Funk / Daftendirekt

1:11:48 – Superheroes / Human After All / Rock’n Roll

1:16:57 – Main Show End, Intermission

1:18:42 – Rappel: Encore (Human After All / Together / One More Time / Music Sounds Better With You)

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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L’Histoire de la Tournée DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Les visuels de la tournée ont été mis en place par XL Video.  La société a fourni des unités Mac Pro à huit cœurs exécutant Catalyst v4 et Final Cut Pro .

Daft Punk a approché l’entreprise avec son concept visuel pour les spectacles. « Ils sont venus nous voir avec une idée assez fixe de ce qu’ils voulaient », a déclaré le directeur de XL Video, Richard Burford. «Ils voulaient mélanger la vidéo en direct avec des effets. En utilisant les Mac Pro à huit cœurs, nous avons pu prendre huit sources numériques et les traiter comme des flux vidéo.

Ensuite, ils ont pu utiliser Catalyst pour coordonner la vidéo avec des effets d’éclairage et ajouter les leurs. effets à la volée. Les flux vidéo numériques finaux ont été diffusés sur des écrans LED . « 

Début 2006, Daft Punk a annoncé des plans pour un certain nombre de spectacles d’été spéciaux. Le 29 avril, Daft Punk s’est produit au Coachella Valley Music and Arts Festival où ils ont reçu une réception jubilatoire pour leur première performance américaine depuis 1997.

Thomas Bangalter avait initialement été signalé comme disant qu’il y aurait un DVD de leur concert récent ensemble.  Il a souligné plus tard sa réticence pour une telle libération, car le duo a estimé que les vidéos amateurs en ligne de leurs performances étaient plus convaincantes que tout ce qui a été capturé professionnellement.

Dans une interview avec le Miami HeraldGuy-Manuel de Homem-Christo a déclaré que leur apparition le 11 novembre au Bang Music Festival était leur finale pour 2006 et que Daft Punk donnerait plus de performances à l’avenir. Le groupe a spécifié plus tard une date pour un spectacle vivant à Bercy , Paris pour juin 2007.  Également rapporté étaient des dates au Festival sans fil et à RockNess en juin, au festival d’ Oxegen en juillet et à Lollapalooza en août.

Daft Punk a alors annoncé une tournée mondiale appelée Alive 2007 .

Daft Punk en concert à Bercy en juin 2007
Daft Punk a joué au Festival RockNess sur les rives du Loch Ness , en Écosse, le 10 juin 2007 en tant que titre dans la tente Clash d’une capacité de 10 000 personnes. Au grand dam de la foule, le spectacle a été retardé, mais la foule a réservé un accueil joyeux au duo lors de leur apparition. En raison de sa popularité, une partie de la tente a été retirée pour permettre à des milliers de personnes à l’extérieur de voir le spectacle.

Le 16 juin 2007, Daft Punk a titré avec succès le troisième jour du festival sans fil d’O2 à la réaction et aux critiques positives. Le Times a décrit l’ensemble comme un « spectacle sensoriel mémorable, à la fois éblouissant et assourdissant » et ThisisLondon l’a déclaré « un ensemble presque irréprochable d’euphorie électro implacable ».

Daft Punk a été la vedette de Stage 2 / NME Stage au festival de musique Oxegen le 8 juillet 2007. Leur live a été précédé de la projection de la bande-annonce du film Daft Punk’s Electroma . Des rapports ultérieurs ont déclaré que l’apparition de Daft Punk était le point culminant du festival. NME a écrit que la performance était « un spectaculaire robotique », tandis que Shoutmouth a décrit le décor comme « typiquement triomphant ».

Quatre jours plus tard, le duo a joué au Festival Libre de Trafic Torino au Parco della Pellerina à Turin , en Italie.

Daft Punk a été la tête d’affiche de la scène AT&T le 3 août 2007, la première nuit du festival de musique Lollapalooza à Chicago. Leur émission là-bas a été saluée par Pitchfork Media, affirmant que l’expérience de regarder la performance «était un rappel bien nécessaire du pouvoir encore puissant de la pop communicative».

Le 5 août, ils ont joué au Centre International de Toronto suivi par une représentation du 9 août au KeySpan Park à Brooklyn , New York. Le duo a également titré le festival de Vegoose à Las Vegas le 27 octobre. Ils sont apparus au festival avec les groupes Rage Against the Machine, Muse et reines de l’âge de pierre . [9] À la fin d’octobre, Daft Punk a joué à Mexico . Le duo a également joué le vendredi 2 novembre 2007 à l’Arena Monterrey à Monterrey, au Mexique et à Guadalajara.

Modular Records a annoncé que Daft Punk apparaîtrait en Australie pour un événement en décembre 2007 appelé Never Ever Land.

L’annonce a adressé des années de spéculation sur si Daft Punk visiterait l’Australie pour des exécutions en direct. Daft Punk a été soutenu par leurs numéros réguliers SebastiAn et Kavinsky lors des apparitions, qui avaient été annoncées comme une extension de la tournée Alive 2007 . Never Ever Land a visité Melbourne au Sidney Myer Music Bowl , Perth à l’Esplanade, Brisbane au Riverstage et enfin Sydney à l’ arène principale de Sydney Showground .

Une interview de Triple J avec Pedro Winter (Busy P) a révélé que l’apparition de Daft Punk à Sydney le 22 décembre serait leur dernier spectacle pour 2007 et le dernier à présenter le schéma de lumière pyramidale. Les billets pour la tournée australienne se sont vendus plus rapidement que pour tout événement lié à Daft Punk dans leur histoire.

Un album live intitulé Alive 2007 , qui présentait la performance du groupe au Palais Omnisports Bercy à Paris, a été publié en novembre 2007. L’album a remporté le Grammy Award du meilleur album électronique / de danse en 2009.

Dates de la tournée Alive 2006/200

• 29 avril 2006 Indio États Unis Festival de musique et d’arts de la vallée de Coachella
• 30 juin 2006 Belfort France Eurockéennes
• 14 juillet 2006 Barcelone Espagne Summercase
• 15 juillet 2006 Madrid
• 26 juillet 2006 Stratford-upon-Avon Royaume-Uni Rassemblement mondial
• 8 août 2006 Zambujeira do Mar le Portugal Festival Sudoeste
• 12 août 2006 Osaka Japon Festival Sonic d’été
• 13 août 2006 Chiba
• 19 août 2006 Hasselt Belgique Pukkelpop
• 28 août 2006 Dublin Irlande Parc Marlay
• 9 septembre 2006 Varsovie Pologne Festival d’été de musique
• 27 octobre 2006 Rio de Janeiro Brésil Festival TIM
• 29 octobre 2006 São Paulo Festival TIM
• 2 novembre 2006 Santiago Chili Festival de Sue
• 4 novembre 2006 Buenos Aires Argentine Festival de Bue
• 11 novembre 2006 Miami États Unis Coup! Festival de musique
• 10 juin 2007 Inverness Royaume-Uni RockNess
• 14 juin 2007 Paris France Palais Omnisports Bercy
• 16 juin 2007 Londres Royaume-Uni Festival sans fil
• 17 juin 2007 Leeds
• 23 juin 2007 Istanbul dinde Turkcell Kuruçeşme Arena
• 26 juin 2007 Nîmes France Arènes de Nîmes
• 29 juin 2007 Düsseldorf Allemagne Philipshalle
• 30 juin 2007 Berlin Velodrom
• 4 juillet 2007 Amsterdam Pays-Bas Salle de musique Heineken
• 6 juillet 2007 Esch-sur-Alzette Luxembourg Rockhal
• 8 juillet 2007 Naas Irlande Bœufs
• 12 juillet 2007 Turin Italie Festival sans trafic
• 21 juillet 2007 Los Angeles États Unis Los Angeles Memorial Sports Arena
• 27 juillet 2007 Berkeley Théâtre grec de Hearst
• 29 juillet 2007 Seattle Théâtre WaMu
• 31 juillet 2007 Morrison Amphithéâtre de Red Rocks
• 3 août 2007 Chicago Lollapalooza
• 5 août 2007 Mississauga Canada Flèche Hall
• 7 août 2007 Montréal Centre Bell
• 9 août 2007 La ville de New York États Unis Parc KeySpan
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZAAmérique du Nord
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA27 octobre 2007 Las Vegas États Unis Vegoose
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA31 octobre 2007 Mexico Mexique Palacio de los Deportes
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA2 novembre 2007 Monterrey Arène de Monterrey
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA4 novembre 2007 Zapopan Auditorium Telmex
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA6 décembre 2007 Kobe Japon World Memorial Hall (世界 の 記念 館)
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA8 décembre 2007 Chiba Makuhari Messe (幕 張 メ ッ セ)
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA9 décembre 2007
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA13 décembre 2007 Melbourne Australie Bol à musique Sidney Myer
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA14 décembre 2007
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA16 décembre 2007 Perth L’Esplanade
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA20 décembre 2007 Brisbane Riverstage
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA22 décembre 2007 Sydney Showground Main Arena

Pantera : Histoire, Albums et Héritage d’un Géant du Métal 1990 -1994

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 23/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Pantera : Histoire, Albums et Héritage d’un Géant du Métal

Introduction

Pantera est plus qu’un simple groupe de métal ; c’est une légende vivante qui a redéfini le genre et influencé d’innombrables musiciens à travers le monde. Fondé au début des années 1980, Pantera a traversé plusieurs phases stylistiques avant de devenir l’un des groupes les plus respectés du heavy metal, en particulier avec l’arrivée de Phil Anselmo au chant.

Avec des albums comme « Cowboys from Hell » et « Vulgar Display of Power », Pantera a introduit un son plus agressif et direct, souvent qualifié de groove metal, qui a marqué toute une génération. Cet article retrace l’histoire du groupe, explore leurs albums les plus emblématiques, et examine l’héritage durable qu’ils ont laissé dans le monde de la musique.

 

PANTERA

1. Histoire du Groupe Pantera

1.1 Les Débuts de Pantera : Du Glam Metal au Groove Metal

Pantera a été formé en 1981 à Arlington, au Texas, par les frères Dimebag Darrell (guitare) et Vinnie Paul (batterie), rejoints par Rex Brown à la basse et Terry Glaze au chant. À ses débuts, le groupe s’inscrivait dans la mouvance glam metal, avec des influences de groupes comme Van Halen et Kiss. Leur premier album, « Metal Magic », sorti en 1983, reflétait ce style, avec une imagerie et un son typiques du glam.

L’évolution du style : Cependant, le groupe n’était pas satisfait de cette direction. Avec l’arrivée de Phil Anselmo au chant en 1987, Pantera a commencé à évoluer vers un son plus lourd et agressif. C’est à cette période que le groupe a trouvé sa véritable identité musicale, marquant un tournant décisif dans leur carrière.

 

Le son Pantera : Pantera a introduit un son distinctif, souvent qualifié de groove metal, qui mêlait la brutalité du thrash avec des rythmes lourds et groovy. Ce son est devenu la marque de fabrique du groupe, les distinguant nettement de la scène glam metal de leurs débuts.

Le passage du glam au groove metal a été une transformation cruciale pour Pantera, leur permettant de se faire un nom dans la scène heavy metal internationale.

 

1.2 L’Âge d’Or : Cowboys from Hell et Vulgar Display of Power

L’album « Cowboys from Hell » (1990) est souvent considéré comme le point de départ de l’âge d’or de Pantera. C’est avec cet album que le groupe a véritablement trouvé son public, définissant le son groove metal qui allait les rendre célèbres.

Cowboys from Hell : « Cowboys from Hell » est l’album qui a marqué la transition complète de Pantera vers un son plus lourd et plus mature. Des titres comme « Cemetery Gates » et « Domination » sont devenus des hymnes du metal, avec des riffs puissants de Dimebag Darrell et des vocaux agressifs de Phil Anselmo.

Vulgar Display of Power : En 1992, Pantera a sorti « Vulgar Display of Power », un album qui a encore renforcé leur statut de géants du metal. Cet album est souvent cité comme l’un des plus influents de l’histoire du métal, avec des morceaux comme « Walk », « Mouth for War », et « This Love » qui sont devenus des classiques instantanés.

L’impact sur la scène metal : Avec ces albums, Pantera a non seulement solidifié leur place dans le heavy metal, mais ils ont également influencé une génération entière de musiciens. Le groove metal de Pantera a ouvert la voie à de nombreux groupes qui ont suivi, contribuant à façonner le son du metal des années 1990.

L’âge d’or de Pantera a vu le groupe atteindre de nouveaux sommets, tant sur le plan artistique que commercial, consolidant leur héritage dans l’histoire du métal.

1.3 Les Années de Tension et la Dissolution

Malgré leur succès, les tensions internes au sein de Pantera ont commencé à émerger à la fin des années 1990. Ces tensions, exacerbées par les problèmes de toxicomanie de Phil Anselmo et les différences créatives entre les membres, ont finalement conduit à la dissolution du groupe.

The Great Southern Trendkill : Sorti en 1996, « The Great Southern Trendkill » reflète une période plus sombre pour Pantera. Bien que l’album ait été bien accueilli, il a également marqué le début des problèmes internes qui allaient déchirer le groupe. Les sessions d’enregistrement ont été marquées par des conflits, Phil Anselmo enregistrant ses parties vocales séparément du reste du groupe.

 

 

Reinventing the Steel : Le dernier album studio de Pantera, « Reinventing the Steel », est sorti en 2000. Bien que l’album ait reçu des critiques positives, les tensions internes étaient devenues insurmontables. En 2003, le groupe a officiellement annoncé sa dissolution.

La tragédie de Dimebag Darrell : En 2004, Dimebag Darrell a été tragiquement assassiné sur scène lors d’un concert avec son nouveau groupe, Damageplan. Cette perte a non seulement choqué le monde du métal, mais a également mis fin à tout espoir de réunion de Pantera.

La dissolution de Pantera a marqué la fin d’une ère, laissant derrière elle un héritage musical qui continue d’influencer le monde du métal.

 

2. Les Albums Légendaires de Pantera

2.1 Cowboys from Hell (1990) : L’Album Révolutionnaire

« Cowboys from Hell » est souvent considéré comme l’album qui a catapulté Pantera au rang de légende du métal. Cet album a marqué un tournant décisif dans leur carrière, leur permettant de passer du statut de groupe régional à celui de superstar internationale.

La naissance du groove metal : Avec « Cowboys from Hell », Pantera a introduit un son unique, mélangeant des riffs rapides et tranchants avec des rythmes lourds et groovy. Des morceaux comme « Cemetery Gates » et « Cowboys from Hell » sont devenus des classiques instantanés, définissant le son du groupe pour les années à venir.

L’impact sur la scène metal : « Cowboys from Hell » n’a pas seulement été un succès commercial, il a également influencé de nombreux autres groupes de metal, ouvrant la voie à un nouveau sous-genre de metal qui a marqué les années 1990. Cet album reste une référence incontournable pour les fans de métal et les musiciens du genre.

« Cowboys from Hell » est un album révolutionnaire qui a changé le visage du metal et a établi Pantera comme l’un des groupes les plus importants de leur génération.

 

2.2 Vulgar Display of Power (1992) : La Confirmation de la Légende

« Vulgar Display of Power » est l’album qui a solidifié la réputation de Pantera en tant que géants du métal. Cet album est souvent considéré comme l’un des meilleurs albums de metal de tous les temps, avec des morceaux qui sont devenus des hymnes du genre.

Des riffs emblématiques : Avec des morceaux comme « Walk », « Mouth for War », et « This Love », « Vulgar Display of Power » est rempli de riffs puissants et mémorables. La guitare de Dimebag Darrell brille particulièrement sur cet album, avec des solos fulgurants et des riffs lourds qui définissent le groove metal.

Un son agressif et direct : « Vulgar Display of Power » est un album plus brut et plus agressif que son prédécesseur, avec des paroles qui reflètent la colère et la frustration. Phil Anselmo livre des performances vocales intenses, ajoutant une couche supplémentaire d’intensité à l’album.

L’héritage de l’album : Cet album a non seulement été un succès commercial, mais il a également été acclamé par la critique. Il est régulièrement cité comme l’un des albums les plus influents du métal, inspirant de nombreux groupes à suivre le chemin de Pantera.

« Vulgar Display of Power » reste un pilier de la discographie de Pantera et un monument de la musique heavy metal.

 

2.3 Far Beyond Driven (1994) : Le Succès Commercial

« Far Beyond Driven » est l’un des albums les plus réussis commercialement de Pantera. Il a fait ses débuts à la première place du classement Billboard 200, une prouesse rare pour un album de heavy metal à l’époque.

Un son encore plus lourd : Cet album voit Pantera pousser leur son encore plus loin, avec des riffs encore plus lourds et des tempos plus rapides. Des morceaux comme « I’m Broken » et « 5 Minutes Alone » sont devenus des classiques du groupe, avec des paroles introspectives et des compositions agressives.

Le triomphe commercial : « Far Beyond Driven » a été un succès commercial massif, prouvant que Pantera pouvait atteindre les sommets des charts tout en restant fidèle à leur son heavy metal. Cet album a consolidé leur statut de groupe incontournable des années 1990.

« Far Beyond Driven » est un album qui démontre la capacité de Pantera à combiner succès commercial et intégrité artistique, confirmant leur place parmi les plus grands du métal.

 

3. L’Héritage de Pantera dans le Monde du Métal

3.1 L’Influence de Pantera sur la Scène Metal

L’héritage de Pantera va bien au-delà de leurs propres albums. Leur influence sur la scène metal est immense, et de nombreux groupes contemporains citent Pantera comme une inspiration majeure.

L’essor du groove metal : Pantera est souvent crédité d’avoir popularisé le genre du groove metal, un sous-genre qui mélange des éléments de thrash metal avec des rythmes plus lents et groovy. Ce style a influencé des groupes comme Lamb of God, Machine Head, et Sepultura.

Un modèle pour les musiciens : Dimebag Darrell est considéré comme l’un des plus grands guitaristes de l’histoire du metal. Son style unique, mêlant vitesse, précision et créativité, a inspiré une génération de guitaristes. De même, Phil Anselmo est reconnu pour ses performances vocales puissantes et son approche brute du chant.

Pantera a laissé une empreinte indélébile sur la scène metal, influençant de nombreux artistes et contribuant à façonner le son du metal moderne.

 

3.2 L’Impact de Pantera sur la Culture Populaire

Au-delà de la musique, Pantera a également eu un impact significatif sur la culture populaire. Leur style, leur attitude et leur musique ont transcendé les frontières du metal, influençant divers aspects de la culture pop.

Références dans la culture pop : Les chansons de Pantera ont été utilisées dans de nombreux films, jeux vidéo et émissions de télévision. Des morceaux comme « Walk » et « Cowboys from Hell » sont devenus des hymnes du metal, utilisés dans des bandes sonores et des scènes d’action emblématiques.

Un groupe culte : Pantera a acquis une réputation de groupe culte, avec une base de fans dévoués qui continue de croître, même après la dissolution du groupe. Leur musique reste un pilier de la culture metal, et leurs albums continuent de se vendre bien des décennies après leur sortie.

Pantera a réussi à transcender la scène metal pour devenir une force culturelle à part entière, laissant un impact durable sur la musique et la culture populaire.

 

3.3 L’Héritage de Dimebag Darrell et Vinnie Paul

La mort tragique de Dimebag Darrell en 2004 a marqué la fin d’une époque pour Pantera et pour le monde du metal en général. Cependant, son héritage continue de vivre à travers sa musique et son influence sur les guitaristes du monde entier.

Dimebag Darrell, une légende de la guitare : Dimebag est largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes de metal de tous les temps. Son style unique, qui mélangeait des riffs rapides, des solos techniques et une créativité sans limites, a inspiré des milliers de guitaristes à travers le monde.

Vinnie Paul, le maître des percussions : Vinnie Paul, frère de Dimebag et batteur de Pantera, a également laissé un héritage durable. Son style de batterie puissant et précis a défini le son de Pantera, et il est respecté comme l’un des meilleurs batteurs de métal de sa génération.

L’héritage de Dimebag Darrell et Vinnie Paul continue d’inspirer de nombreux musiciens, et leur contribution au monde du metal restera à jamais gravée dans l’histoire.

 

AFFICHE ET POSTER

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

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AFFICHE ET POSTER : L’HISTOIRE

1880 – 1895: La naissance de l’affiche lithographique (affiche et poster)

La lithographie a été inventée en 1798, mais pendant des décennies, elle était trop lente et trop chère pour la production d’affiches. La plupart des affiches ont continué à être de simples gravures sur bois ou sur métal avec peu de couleurs ou de motifs.

Tout cela a changé vers 1880

Tout cela a changé vers 1880 avec le « procédé lithographique à 3 pierres » de Cheret , une percée qui a permis aux artistes de réaliser toutes les couleurs de l’arc-en-ciel avec aussi peu que trois pierres – généralement rouge, jaune et bleu – imprimées dans un enregistrement soigné.

Le procédé de Cheret exigeait néanmoins encore un superbe art et un savoir-faire remarquable. Le résultat en valait la peine – une intensité de couleur et de texture remarquable, avec des transparences et des nuances sublimes impossibles dans d’autres supports (même à ce jour).

La capacité de combiner le mot et l’image dans un format aussi attrayant et économique a finalement permis à l’affiche lithographique d’inaugurer l’ère moderne de la publicité. Artiste extrêmement doué également, Cheret a inauguré cet âge en créant plus de 1000 affiches sur une carrière de 30 ans.

1890 – 1900: La Belle Epoque et l’Art nouveau

les expositions de posters, et d’affichent prolifèrent

En 1891, l’ extraordinaire première affiche de Toulouse-Lautrec , Moulin Rouge , élève le statut de l’affiche aux beaux-arts et déclenche un engouement pour l’affiche.

Au cours des années 1890, appelées la Belle Epoque en France , les expositions de posters, les magazines et les marchands prolifèrent; le marchand parisien pionnier Sagot a répertorié 2200 affiches différentes dans son catalogue!

À peine trois ans plus tard, Alphonse Mucha , un Tchèque travaillant à Paris, a créé le premier chef-d’œuvre de la conception d’affiche Art Nouveau .

Portant de multiples influences, notamment les préraphaélites, le mouvement des arts et de l’artisanat et l’art byzantin, ce style fleuri et fleuri est devenu le principal mouvement international d’art décoratif jusqu’à la Première Guerre mondiale.

Dans chaque pays, l’affiche a été utilisée pour célébrer les institutions culturelles uniques de la société. En France , le café et le cabaret étaient omniprésents; en Italie l’ opéra et la mode ; en Espagne la corrida et les fêtes; en Allemagne des foires et des magazines , en Grande – Bretagne et en Amérique, des revues littéraires , des bicyclettes et du cirque .

Malgré la pollinisation croisée, des styles nationaux distinctifs sont également apparus – les posters hollandaises étaient marquées par la retenue et l’ordre; Les affiches italiennes par leur drame et leur grande échelle; Affiches allemandes pour leur caractère direct et leur influence médiévale.

1900-1914: le nouveau siècle et le modernisme précoce – affiche et poster

En 1900, l’ Art nouveau avait perdu une grande partie de son dynamisme par pure imitation et répétition. La mort de Toulouse-Lautrec en 1901 et l’abandon de l’affiche par Mucha et Cheret (qui se tournèrent tous deux vers la peinture) laissèrent un vide qui fut comblé par un jeune caricaturiste italien du nom de Leonetto Cappiello , arrivé à Paris en 1898.

Fortement influencé par Cheret et Toulouse-Lautrec , Cappiello rejette le détail pointilleux de l’Art Nouveau. Au lieu de cela, il s’est concentré sur la création d’une image simple, souvent humoristique ou bizarre, qui capterait immédiatement l’attention et l’imagination du spectateur sur un boulevard très fréquenté.

Affiches et posters : Le père de la publicité moderne

Cette capacité à créer une identité de marque a fait de Cappiello le père de la publicité moderne. Son style dominera l’art de l’affiche parisienne jusqu’à la première affiche Art Déco de Cassandre en 1923.

Pendant ce temps, des artistes travaillant à la Glasgow School en Écosse, à la Sécession de Vienne en Autriche et au Deutscher Werkbund en Allemagne ont également transformé l’approche organique de l’Art nouveau. Ces écoles ont rejeté l’ornementation curviligne au profit d’une structure rectiligne et géométrique basée sur le fonctionnalisme.

Une conséquence clé de ces efforts modernistes était le Plakatstil allemand , ou style de l’affiche, qui a été lancé en 1905 par Lucian Bernhard à Berlin et à Munich par Ludwig Hohlwein . Le naturalisme minimisé et l’accent mis sur les couleurs et les formes plates ont fait de leur travail la prochaine étape vers la création d’un langage visuel abstrait et plus moderne.

1914 – 1919: Première Guerre mondiale et révolution bolchevique – affiche et poster

La Première Guerre mondiale signifiait un nouveau rôle pour l’affiche: la propagande . La guerre a inauguré la plus grande campagne publicitaire à ce jour, cruciale pour les besoins de communication de chaque combattant en temps de guerre: de la collecte de fonds , du recrutement de soldats et du renforcement des efforts des volontaires , à la stimulation de la production et à l’indignation face aux atrocités ennemies.

En utilisant les techniques contemporaines de Madison Avenue, l’ Amérique a produit à elle seule environ 2 500 conceptions d’affiche frappantes et environ 20 millions d’affiches – près de 1 pour 4 citoyens – en un peu plus de 2 ans.

Les leçons de la brillante publicité américaine dans les posters de la Première Guerre mondiale n’ont pas été perdues pour les bolcheviks , qui se sont tournés vers l’affiche pour les aider à gagner leur guerre civile contre les Blancs .

Lénine et ses disciples se sont révélés être les maîtres pionniers de la propagande moderne , et l’affiche est devenue une arme de choix tout au long du siècle dans les guerres chaudes et froides partout.

1919-1938: Entre les guerres mondiales: modernisme et art déco – affiche et poster

Après la Première Guerre mondiale, l’inspiration organique de l’Art nouveau est devenue hors de propos dans une société de plus en plus industrielle; les mouvements d’art moderne Cubisme , Futurisme , Expressionnisme , et dadaïsme sont devenus des influences principales.

Parallèlement, les premiers cours de graphisme ont été lancés en France , en Allemagne et en Suisse , moment clé dans le passage de l’illustration au graphisme dans la publicité.

Ce changement s’est rapidement fait sentir en Union soviétique , où l’ art constructiviste est né pour aider à créer la nouvelle société révolutionnaire et technologique. Les constructivistes ont développé un style «agité» de composition de posters, marqué par de fortes diagonales, un photomontage et des couleurs discordantes.

La position agressive des constructivistes, comme le montrent les travaux d’El Lissitsky, Rodchenko , Klutsis et les frères Stenberg , aurait un impact majeur sur la conception des posters occidentales, principalement à travers le Bauhaus et de Stijl.

un nouveau mouvement décoratif international majeur appelé Art Déco

Au milieu des années vingt, ces approches modernistes souvent disparates se fondent dans un nouveau mouvement décoratif international majeur appelé Art Déco . Dans ce style de l’ère des machines, la puissance et la vitesse sont devenues les thèmes principaux.

Les formes ont été simplifiées et rationalisées, et les polices courbées ont été remplacées par des polices élancées et anguleuses qui refléteraient l’ère du jazz. Toujours éclectiques, les souches de l’Art Déco réussiraient également à intégrer les arts exotiques de la Perse, de l’Égypte et de l’Afrique.

Le terme Art Déco est dérivé de l’ Exposition « Arts Décoratifs » de 1925 à Paris , qui s’est avérée être une vitrine spectaculaire pour le style.

Images géométriques et intellectuelles d’ AM Cassandre

À Paris, le style caricature de Cappiello a cédé la place aux images géométriques et intellectuelles d’ AM Cassandre , qui a popularisé les techniques de l’ aérographe qui conféraient à ses images une surface semblable à une machine.

Ses posters imposantes des Normandie , Statendam et Atlantique paquebots sont devenus des icônes de l’ère industrielle. L’Art déco, comme l’Art nouveau avant lui, s’est rapidement répandu dans toute l’Europe et aux États-Unis

1939 – 1950: Seconde Guerre mondiale et la fin de la lithographie sur pierre – affiche et poster

L’affiche a de nouveau joué un grand rôle de communication pendant la Seconde Guerre mondiale , mais cette fois, elle a partagé la vedette avec d’autres médias, en particulier la radio et la presse écrite . À cette époque, la plupart des posters étaient imprimées en utilisant la technique de production de masse de l’offset photo, ce qui a abouti au motif de points familier vu dans les journaux et les magazines.

core décliné dans la plupart des pays, la télévision devenant un concurrent supplémentaire.

L’utilisation de la photographie dans les posters, commencée en Union soviétique

L’utilisation de la photographie dans les posters, commencée en Union soviétique dans les années vingt, est maintenant devenue aussi courante que l’illustration. Après la guerre, l’affiche a encore décliné dans la plupart des pays, la télévision devenant un concurrent supplémentaire.

Le dernier souffle de l’affiche lithographique s’est produit en Suisse , où le gouvernement a fortement encouragé l’industrie de l’imprimerie et l’excellence de l’affiche. Faisant appel au sens suisse de la précision, le Sachplakat, ou Object Poster Style , s’est développé dans les années 20 mais s’est épanoui pendant la Seconde Guerre mondiale et au début des années 50 dans la région de Bâle .

Ses artistes étaient ravis de transformer des objets du quotidien en icônes géantes, utilisant une impression suisse spectaculaire pour créer de merveilleux effets de trompe-l’œil. Avec des racines remontant au Plakatstil de Lucian Bernhard et au mouvement surréaliste, l’élégance visuelle était souvent accompagnée d’un humour doux.

1946 – 1965: modernisme de l’après-guerre et du milieu du siècle – affiche et poster

Malgré les tensions imminentes de la guerre froide, la fin de la Seconde Guerre mondiale a inauguré un baby-boom et une nouvelle société de consommation avec l’arrivée de la télévision , du jet-travel et des marques mondiales qui alimentent la voie.

Les méthodes publicitaires ont évolué pour s’adapter à l’époque. Un véritable «boom de l’affiche» s’est produit au début des années 50, faisant avancer deux styles distincts, un consommateur et un corporatif.

Le premier, que nous avons appelé le style des années 50 , était de couleur vive et fantaisiste, tandis que le second, appelé le style typographique international , était plus rationnel et ordonné.

Les posters réalisées dans le style des années 50 utilisaient des couleurs vives et des motifs ludiques

Les posters réalisées dans le style des années 50 utilisaient des couleurs vives et des motifs ludiques pour plaire à un large public. Des artistes comme Herbert Leupin et Donald Brun en Suisse, Paul Rand aux États-Unis et Raymond Savignac en France illustrent les qualités enjouées du style.

Le style des années 50 a été appliqué aux services aux consommateurs ainsi qu’aux produits. Les merveilleuses campagnes aériennes de David Klein , Stan Galli et d’autres ont toujours été présentes, qui cherchaient à attirer les voyageurs vers des destinations comme Disneyland , New York , Las Vegas et Paris .

Le style typographique international, ou style suisse, était également parfaitement adapté au monde de plus en plus connecté au monde. Des conceptions systématiques hautement structurées ont accordé de l’ordre et de la clarté à tout, des autoroutes et aéroports aux manuels d’instructions des produits.

Influencé par la nouvelle typographie du Bauhaus et de Tshichhold, ce style s’est développé en Suisse à la fin des années 50 et 60. Il utilisait des éléments typographiques de base avec des règles graphiques strictes et remplaçait souvent l’illustration par une photographie austère et «moderne».

Les posters de concert de Josef Muller-Brockmann représentent l’apothéose classique de ce style – cool, élégant et systématiquement abstrait. Sur le même niveau était Erik Nitsche de « Atomes pour la paix série » d’affiches spectaculaires pour la première Conférence internationale sur les utilisations pacifiques de l’ énergie atomique.

1965 – 1972: Les années 60 et l’art de la rébellion– affiche et poster

L’ordre des années 50 cédera à un ténor plus chaotique et révolutionnaire au milieu des années 60 . Un nouveau style d’illustration, qui empruntait librement au surréalisme, au pop art et à l’expressionnisme, était plus détendu et intuitif et la première vague d’une sensibilité post-moderniste.

Affiche et poster : Surréalisme et pop art

Un exemple célèbre est l’ insertion de l’album de disque Bob Dylan de Milton Glaser en 1967 . Glaser a cristallisé le message contre-culturel du musicien en dépeignant ses longs cheveux comme un arc-en-ciel de vagues richement fluides. Le Push Pin Studio de Glaser a été associé à la créativité d’une école dynamique de l’affiche en Pologne des années 50 aux années 80.

L’école polonaise est devenue connue pour une variété sardonique et déchirante de surréalisme dans la promotion du théâtre et des organisations culturelles contrôlés par l’État.

Les excès de la culture de la drogue et de l’aliénation politique ont conduit à un bref mais spectaculaire engouement pour l’affiche psychédélique aux États-Unis, qui rappelait les excès floraux de l’Art nouveau, les images rémanentes palpitantes de l’Op-Art et les juxtapositions bizarres du surréalisme.

Et les manifestations françaises du 1er mai ont généré une école d’affiche de propagande qui rappelle l’ affiche soviétique et l’art de la bande dessinée.

1970-1989: Les années 70 et 80 – Post modernisme affiche et poster

Le style international s’est rapidement répandu au-delà de la Suisse et est devenu le premier style de conception graphique au monde dans les années 70 . Au début des années 80 , le style a commencé à céder la place aux post-modernistes , qui cherchaient à briser les règles formelles et dogmatiques du style suisse.

Un jeune professeur de Bâle nommé Wolfgang Weingart a mené la révolte du palais qui a inauguré le style graphique prédominant d’aujourd’hui, vaguement connu sous le nom de design post-moderne. Weingart a expérimenté le processus d’impression offset pour produire des posters qui semblaient complexes et chaotiques, ludiques et spontanées – le tout en contraste frappant avec les enseignements de ses aînés.

La libération de la typographie par Weingart a été une base importante pour plusieurs nouveaux styles, de Memphis et Retro, aux progrès actuellement réalisés dans l’infographie .

1990 sur: L’affiche et le poster  aujourd’hui

Le rôle et l’apparence de l’affiche ont constamment changé au cours du siècle dernier pour répondre aux besoins changeants de la société. Bien que son rôle soit moins central qu’il y a 100 ans, l’affiche évoluera davantage à mesure que l’ordinateur et le Web mondial révolutionneront la façon dont nous communiquons au 21e siècle.

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L’HISTOIRE DE L’AFFICHE ET DU POSTER

L’affiche a été l’une des premières formes de publicité et a commencé à se développer comme moyen de communication visuelle au début du 19e siècle. Ils ont influencé le développement de la typographie parce qu’ils étaient destinés à être lus à distance et nécessitaient la production de caractères plus grands, généralement en bois plutôt qu’en métal.

L’affiche s’est rapidement répandue dans le monde entier et est devenue un incontournable du métier de graphiste. De nombreux artistes, comme Henry Toulouse-Latrec et Henry van de Velde, ont également créé des posters.

Ils servaient à promouvoir divers partis politiques, à recruter des soldats, à faire la publicité de produits et à diffuser des idées au grand public.

Les artistes du style typographique international du design pensaient qu’il s’agissait de l’outil de communication le plus efficace et leurs contributions au domaine du design découlaient de l’effort de perfectionnement de l’affiche. Même avec la popularité d’Internet, des posters sont toujours créées chaque jour pour toutes sortes de raisons.