Canon de Pachelbel: tout savoir….

par Eric Canto | Mis à jour le 27/12/2024 | Publié le 16/03/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

I. Introduction : Le Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est une pièce de musique classique écrite par le compositeur allemand Johann Pachelbel au XVIIème siècle. Cette pièce étonnante est devenue une des chansons classiques les plus populaires et les plus connues dans le monde entier.

Elle est reconnue pour sa structure et son harmonie riches et magnifiques. Les paroles et les mélodies de ce Canon de Pachelbel sont si mémorables qu‘elles sont souvent utilisées dans des films, des documentaires et des mariages.

Dans cet article, nous examinerons le Canon de Pachelbel et discuterons de sa structure, de sa signification et de son histoire.

Canon de Pachelbel – 

2. Histoire et contexte du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est une pièce de musique baroque composée par Johann Pachelbel (1653–1706). C‘est l‘une des œuvres classiques les plus populaires et les plus célèbres de tous les temps, et elle est souvent jouée lors des mariages et autres cérémonies.

Le Canon de Pachelbel est une forme musicale connue sous le nom de «canon», qui est une structure musicale dans laquelle une mélodie est jouée simultanément à différentes hauteurs et rythmes.

La mélodie du Canon de Pachelbel est basée sur une chanson allemande populaire du XVIIe siècle connue sous le nom de «Kanon und Gigue in D–Dur». Le Canon de Pachelbel est une pièce instrumentale qui est composée à l‘origine pour trois violons et une basse continue.

La mélodie est jouée par les violons et accompagnée par la basse continue, qui est une ligne de basse répétitive qui soutient la mélodie. Au fil des années, le Canon de Pachelbel a été arrangé pour des instruments différents, y compris l‘orgue, le piano et l‘ensemble de cuivres.

Le Canon de Pachelbel est une œuvre très populaire qui a été jouée dans de nombreux films et programmes télévisés. Il est considéré comme une pièce intemporelle qui a traversé les âges et qui est toujours aussi populaire aujourd‘hui qu‘elle l‘était il y a 300 ans.

4. Biographie de Johann Pachelbel

Johann Pachelbel (1653–1706) était un compositeur, organiste et professeur d‘orgue allemand du Baroque. Né à Nuremberg, Pachelbel était le plus jeune enfant d‘une famille de musiciens respectés.

Son père, Johann (Hans) Pachelbel était un chef de chœur et un organiste de l‘église Saint–Sébastien et sa mère était la fille d‘un compositeur et organiste. Pachelbel étudia à l‘école de musique locale et apprit la composition et l‘orgue avec des professeurs locaux.

Il a ensuite étudié à l‘Université d‘Altdorf et à l‘Université de Regensburg, où il a reçu une formation approfondie en théologie et en musique.

En 1677, Pachelbel a été nommé organiste de l‘église Saint–Laurent à Vienne, où il était en contact avec des compositeurs importants tels que Heinrich Biber et Johann Jakob Froberger. Il a ensuite été nommé organiste à l‘église Saint–Stephen de Vienne en 1690, où il est resté jusqu‘à sa mort en 1706.

5. Œuvres de Pachelbel

1. Canon in D

2. Chaconne in F minor

3. Hexachordum Apollinis

4. Magnificat in G Major

5. Fugue in A minor

6. Toccata in F sharp minor

7. Prelude and Fugue in D Major

8. Suite in A minor

9. Aria Sebaldina

10. Ricercar in E minor

Canon de Pachelbel

7. Analyse musicale du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique écrit par le compositeur allemand Johann Pachelbel, et composé en 1680. C‘est l‘un des morceaux les plus populaires de l‘ère baroque et est l‘un des morceaux classiques les plus connus et les plus appréciés de tous les temps.

Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon à trois voix qui se déroule à une vitesse modérée. La première partie est jouée par une ligne mélodique qui est ensuite imitée par les deux autres voix.

La progression harmonique du Canon de Pachelbel  est basée sur une tonalité majeure et il y a une grande variété d‘accords qui sont utilisés pour créer une atmosphère expressive. Les mouvements rythmiques sont très simples, mais ils sont la clé qui donne à la pièce son caractère mélodieux.

La mélodie principale du Canon de Pachelbel est jouée dans les tons les plus aigus et est ensuite imitée par les autres voix. Les accents en contrepoint et les pauses subtiles créent une texture riche et variée.

Le Canon de Pachelbel est une pièce très mélodieuse et expressif. Une grande attention est accordée à la structure et à l‘harmonie, ce qui en fait une pièce très réussie. Le Canon de Pachelbel est une pièce qui est considérée comme l‘un des chefs–d‘œuvre les plus célèbres et les plus appréciés de la musique classique.

9. Histoire de la diffusion du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique classique composé par Johann Pachelbel au XVIIe siècle. Il a été composé pour l‘orgue, mais est aujourd‘hui plus communément joué à l‘orchestre et à la guitare.

Bien qu‘il ait été composé plus de 300 ans auparavant, le Canon de Pachelbel est devenu l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et populaires de tous les temps. Le Canon de Pachelbel est devenu populaire pour la première fois au début du XXe siècle, lorsque le musicien et compositeur Max Reger a adapté le morceau pour piano.

La version de Reger est devenue très populaire et a été enregistrée par de nombreux artistes, notamment le pianiste Vladimir Horowitz.

Le Canon de Pachelbel a connu une nouvelle vague de popularité au milieu des années 1960, lorsque le guitariste classique Jean–Claude Rapin a enregistré une version pour guitare. Sa version est devenue très populaire et a été enregistrée par de nombreux artistes, notamment le groupe de rock britannique The Alan Parsons Project.

Au cours des années 1970 et 1980, le Canon de Pachelbel a été adapté à divers instruments et styles musicaux, notamment le reggae, le jazz et la musique country.

Il a également été utilisé dans des films, des émissions de télévision et des publicités. Au cours des années 1990 et 2000, le Canon de Pachelbel est devenu de plus en plus populaire et a connu une nouvelle vague de popularité, notamment grâce à sa présence dans la musique populaire et le film La Chambre des Merveilles.

La version pour guitare de Rapin a également été utilisée dans de nombreux films et émissions de télévision, notamment la série télévisée Friends.

Le Canon de Pachelbel est aujourd‘hui l‘une des œuvres de musique classique les plus connues et les plus populaires. Il est joué dans le monde entier et apprécié par des millions de personnes.

10. Impact et héritage du Canon de Pachelbel

Le Canon de Pachelbel est un morceau de musique qui a des origines allemandes et qui a été composé par Johann Pachelbel vers 1680. Le Canon de Pachelbel est considéré comme l‘un des morceaux de musique classique les plus célèbres et les plus populaires de tous les temps.

Le Canon de Pachelbel a eu un impact considérable sur la musique classique et a été utilisé par de nombreux compositeurs au fil des siècles. C‘est une source d‘inspiration pour les nouvelles compositions et est encore aujourd‘hui un morceau très apprécié.

Le Canon de Pachelbel a également eu un impact culturel considérable. Il est souvent utilisé dans des films, des séries télévisées et des publicités, ce qui permet à un plus large public de découvrir et d‘apprécier la musique classique. Le Canon de Pachelbel est aussi un héritage culturel très important.

Il a inspiré de nombreuses interprétations et arrangements modernes, ce qui en fait un classique intemporel et un morceau qui continuera à être apprécié par les générations futures.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ: Questions fréquemment posées sur le Canon de Pachelbel

1. Qui a composé le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a été composé par Johann Pachelbel, un compositeur allemand du 17ème siècle. Il est né en 1653 et est décédé en 1706.

2. Quand le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?

Le Canon de Pachelbel a été composé vers 1680, bien que la date exacte soit inconnue. Il est également possible qu’il ait été composé avant 1680.

3. Quelle est la forme musicale utilisée dans le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est une pièce en forme canon. Un canon est une forme musicale dans laquelle une ligne mélodique est jouée par plusieurs instruments ou voix à des intervalles différents en même temps. Les lignes mélodiques sont généralement entrelacées pour créer un effet élaboré.

4. Quelle est la tonalité du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est en tonalité de D majeur. La tonalité est la hauteur moyenne des sons d’une pièce et est généralement exprimée par une lettre et une accidentale. Dans le cas du Canon, la tonalité est D Majeur, ce qui signifie que la note la plus haute de la pièce est Ré.

5. Quel instrument est utilisé dans le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est généralement joué à l’orgue, mais il peut également être joué à la harpe, à la flûte, au violon et à d’autres instruments.

6. Où le Canon de Pachelbel a-t-il été composé ?

Le Canon de Pachelbel a été composé en Allemagne, plus précisément à Nuremberg, où Pachelbel a vécu et travaillé. Il a également composé d’autres pièces à Nuremberg, y compris des pièces pour l’orgue et des chorals.

7. Quel est le genre musical du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel est un genre de musique classique appelé musique baroque. C’est une forme de musique qui était très populaire en Europe entre 1600 et 1750 et qui est caractérisée par une certaine sophistication et des ornementations.

8. Qui a popularisé le Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a été popularisé par des artistes tels que les Beatles, Elvis Presley et les Beach Boys. Il a été utilisé dans de nombreuses chansons, films et publicités, et est devenu une pièce très populaire.

9. Quelle est l’influence du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel a eu une grande influence sur la musique classique moderne. Il a été une source d’inspiration pour de nombreux compositeurs et a été utilisé comme base pour de nombreuses reprises et variations. Il a également influencé le genre de la musique pop.

10. Quelle est la signification symbolique du Canon de Pachelbel ?

Le Canon de Pachelbel n’a pas de signification symbolique spécifique, mais il est largement considéré comme une pièce très mélancolique et émouvante. Il est également considéré comme une pièce romantique, et est souvent associée à l’amour et à l’amitié.

The Prodigy : Le Parcours Explosif d’un Groupe Légendaire entre Punk et Électronique

par Eric Canto | Mis à jour le 14/10/2024 | Publié le 05/03/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

The Prodigy, ces anarchistes de la musique électronique, ont marqué l’histoire en transformant le paysage sonore des années 90 et 2000. Ils ont mélangé la rave, le punk, et l’électronique pour créer un son unique qui a secoué les clubs, les festivals, et les esprits. Leur musique n’est pas seulement faite pour être écoutée, elle est faite pour être ressentie.

À une époque où la musique électronique restait souvent en arrière-plan, The Prodigy l’a placée sous les projecteurs avec des hits fracassants comme « Firestarter », « Breathe » et « Smack My Bitch Up ». Leur énergie brute, leur attitude provocatrice, et leur esthétique audacieuse ont conquis le monde, faisant de The Prodigy un pilier du mouvement électronique. Explorons ensemble leur parcours fulgurant, leurs albums mythiques, et leur héritage inoubliable.

THE PRODIGY

 L’univers électro-punk de The Prodigy : une fusion explosive

Liam Howlett : Le cerveau derrière le chaos

Derrière le mur de décibels et l’agitation visuelle des concerts de The Prodigy se trouve Liam Howlett, le maître d’œuvre. C’est lui qui compose et produit la majorité des morceaux du groupe. Avec une formation classique en musique, Howlett s’est rapidement tourné vers les platines et les synthétiseurs, trouvant dans la scène rave britannique de la fin des années 80 un terrain fertile pour ses expérimentations sonores. Sa capacité à mélanger breakbeat, punk, techno, et rock a défini le son unique de The Prodigy.

Howlett n’a jamais eu peur de prendre des risques. Chaque album pousse les limites de ce que l’on attend d’un groupe électronique. Avec lui aux commandes, The Prodigy a créé un univers sonore chaotique, où les basses grondent et les synthés déchirent l’air, tout en restant accessible à un large public. Il est le compositeur de génie derrière les beats assassins et les refrains catchy qui ont fait la renommée du groupe.

Keith Flint : L’incarnation du chaos

Si Liam Howlett est le cerveau, Keith Flint en est l’âme. Sa mort tragique en 2019 a laissé un vide immense dans le monde de la musique. Mais ce qu’il a laissé derrière lui est inoubliable. Avec son look punk, ses danses frénétiques et sa voix rauque, Flint a été l’incarnation vivante de l’énergie explosive de The Prodigy.

Son rôle dans des morceaux comme « Firestarter » et « Breathe » a marqué l’histoire. Flint n’était pas qu’un chanteur, c’était un performeur. Sur scène, il ne se contentait pas de chanter, il électrisait la foule. Sa présence était magnétique, et sa capacité à canaliser la rage et la rébellion a fait de The Prodigy bien plus qu’un simple groupe de musique électronique.

Albums incontournables de The Prodigy : Des hymnes rave au punk électronique

 « Experience » (1992) : La naissance d’un son révolutionnaire

Le premier album de The Prodigy, « Experience », est une véritable plongée dans l’univers des raves britanniques des années 90. À l’époque, la scène rave était florissante, et Liam Howlett y a trouvé son terrain de jeu idéal. Cet album mélange des rythmes frénétiques, des basses puissantes et des samples accrocheurs qui définissent l’ADN du groupe. Des morceaux comme « Charly » et « Out of Space » deviennent rapidement des hymnes dans les clubs.

Si cet album est encore très marqué par la culture rave, il montre déjà le potentiel de The Prodigy à casser les codes. L’énergie brute qui s’en dégage attire non seulement les fans de musique électronique, mais aussi ceux qui cherchent quelque chose de plus audacieux, de plus percutant.

« Music for the Jilted Generation » (1994) : La rébellion en marche

Avec « Music for the Jilted Generation », The Prodigy franchit une nouvelle étape. Cet album est un manifeste de rébellion contre le gouvernement britannique, qui tentait à l’époque de criminaliser la culture rave avec des lois restrictives. The Prodigy répond avec des morceaux d’une agressivité nouvelle, mêlant techno, breakbeat, et rock dans une explosion sonore.

Des morceaux comme « Voodoo People » et « No Good (Start the Dance) » deviennent des classiques instantanés, et l’album est acclamé par la critique. C’est à ce moment que The Prodigy commence à transcender les genres, attirant à la fois les fans de musique électronique et les amateurs de rock alternatif. « Music for the Jilted Generation » est une déclaration audacieuse : The Prodigy n’est pas là pour plaire, ils sont là pour défier. « The Fat of the Land » (1997) : La consécration mondiale

« The Fat of the Land » est l’album qui propulse The Prodigy au rang de superstars mondiales. Avec des hits comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up », cet album devient emblématique des années 90. L’énergie punk de Keith Flint, combinée aux beats assassins de Liam Howlett, crée un cocktail explosif qui conquiert la planète.

Cet album est aussi l’un des premiers à brouiller définitivement la ligne entre rock et électronique. The Prodigy joue sur les deux tableaux, créant un son qui attire aussi bien les ravers que les rockeurs. « The Fat of the Land » est un monument de la musique alternative, et son influence se fait encore sentir aujourd’hui dans de nombreux genres musicaux.

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The Prodigy en concert : Une expérience viscérale et inoubliable

 Une énergie brute sur scène

Les concerts de The Prodigy sont une vraie tornade. Dès les premières notes, l’énergie brute qui se dégage de la scène est palpable. Keith Flint, avec sa démarche frénétique et son look punk, captait immédiatement l’attention de la foule. Ses performances étaient à la fois hypnotiques et chaotiques, transformant chaque concert en une expérience unique.

Le groupe ne se contente pas de jouer ses morceaux : ils les réinventent en live. Les beats sont plus lourds, les basses plus puissantes, et les synthés plus tranchants. Chaque concert est une explosion d’énergie, où le public se retrouve entraîné dans une transe collective.

 L’esthétique visuelle des performances live

En plus de l’énergie musicale, The Prodigy accorde une attention particulière à l’esthétique visuelle de leurs concerts. Les jeux de lumière, les projections vidéo, et les décors sont soigneusement orchestrés pour créer une atmosphère immersive. Les visuels reflètent souvent l’énergie brute de la musique, avec des effets stroboscopiques et des couleurs vives qui renforcent le caractère explosif des morceaux.

Les concerts de The Prodigy ne sont pas seulement des performances musicales, ce sont des spectacles sensoriels où la musique et l’image se combinent pour offrir une expérience totale.

THE PRODIGY

L’héritage de The Prodigy : Une influence indélébile

Des pionniers de la musique électronique grand public

Avant The Prodigy, la musique électronique restait largement confinée aux clubs underground. Mais avec des albums comme « The Fat of the Land », The Prodigy a réussi à faire passer cette musique dans le mainstream, tout en conservant son énergie subversive et alternative. Ils ont ouvert la voie à des artistes comme Skrillex, The Chemical Brothers, et même Daft Punk, qui ont poursuivi l’œuvre de démocratisation de la musique électronique.

The Prodigy et la culture underground

Malgré leur succès commercial, The Prodigy a toujours conservé une certaine attitude punk. Ils n’ont jamais cherché à se conformer aux attentes de l’industrie musicale, préférant rester fidèles à leurs racines rave et rebelles. Cette dualité – être à la fois des icônes mainstream tout en restant des figures de proue de l’underground – est ce qui rend The Prodigy unique.

Ils ont également été un porte-étendard de la contre-culture, notamment dans leur opposition aux lois anti-rave en Angleterre dans les années 90. Cette position leur a valu une place spéciale dans le cœur des amateurs de musique électronique et alternative.

Conclusion

The Prodigy n’est pas juste un groupe, c’est un phénomène. Leur musique, mélange unique de rave, de punk, et de techno, a redéfini les codes de la musique électronique et continue d’inspirer des générations de musiciens. Avec des albums emblématiques comme « The Fat of the Land », des performances live électrisantes, et un héritage qui s’étend bien au-delà de leur époque, The Prodigy a changé la donne.

Leur énergie brute, leur esthétique provocante et leur engagement envers la liberté artistique en font des légendes incontournables. Si leur musique frappe fort, leur héritage, lui, est indestructible.

FAQ : Tout savoir sur The Prodigy

1. Quel est l’album le plus emblématique de The Prodigy ?
L’album qui a sans doute le plus marqué l’histoire de The Prodigy est « The Fat of the Land » (1997). Cet opus est souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, grâce à des hits devenus mythiques comme « Firestarter », « Breathe », et « Smack My Bitch Up ». C’est cet album qui a véritablement propulsé le groupe au rang de superstars internationales, en réussissant à combiner l’énergie brute du punk avec la puissance de la musique électronique. « The Fat of the Land » a non seulement conquis les classements, mais il a aussi redéfini ce qu’un album de musique électronique pouvait être : audacieux, agressif, et inoubliable.

2. Comment The Prodigy a-t-il influencé la scène électronique et rock ?
The Prodigy a profondément influencé les deux scènes, en brouillant volontairement la frontière entre musique électronique et rock. Leur son unique, mélange de breakbeat, techno, punk, et industriel, a ouvert de nouvelles perspectives pour les artistes de ces genres. Des groupes et artistes comme Skrillex, Pendulum, et The Chemical Brothers leur doivent beaucoup, en particulier pour avoir popularisé la musique électronique au-delà des clubs underground.

The Prodigy a aussi joué un rôle clé dans l’essor de la musique big beat et du rock électronique, un sous-genre hybride qui combine l’agressivité du rock avec la complexité rythmique de l’électronique. Ils ont permis à cette musique de percer dans le mainstream, tout en conservant une attitude rebelle et anti-establishment, qui a inspiré de nombreux autres artistes.

3. Quelle était la relation entre Liam Howlett et Keith Flint ?
La relation entre Liam Howlett et Keith Flint était au cœur de l’alchimie qui faisait le succès de The Prodigy. Liam Howlett, en tant que cerveau créatif et compositeur principal, est celui qui a conçu et produit la majorité des morceaux du groupe. Keith Flint, avec son énergie explosive et son charisme inégalé, a apporté l’attitude punk qui a donné au groupe sa notoriété sur scène. Ils formaient une combinaison parfaite : Howlett était le technicien brillant derrière les platines et les synthés, tandis que Flint était l’incarnation physique et visuelle de l’esprit rebelle de The Prodigy.

Keith Flint, qui a commencé comme simple danseur pour le groupe, a pris de plus en plus d’importance au fil des années, notamment avec l’album « The Fat of the Land », où il est devenu la voix de morceaux cultes comme « Firestarter ». Sa mort en 2019 a laissé un vide immense, mais son impact sur The Prodigy, ainsi que sur la musique en général, reste inoubliable.

4. Quels sont les morceaux les plus célèbres de The Prodigy ?
The Prodigy a produit une multitude de hits qui sont devenus des classiques de la musique électronique et du rock alternatif. Parmi leurs titres les plus célèbres :

• « Firestarter » : Probablement leur morceau le plus emblématique, avec une énergie brute et une ligne de basse inoubliable.
• « Breathe » : Ce duo explosif entre Keith Flint et Maxim est devenu un hymne instantané.
• « Smack My Bitch Up » : Un morceau provocateur qui a suscité des controverses mais qui reste un monument de la culture rave.
• « Voodoo People » : Un classique du breakbeat, avec un riff de guitare qui est devenu iconique dans la scène électronique.
• « Out of Space » : Tiré de leur premier album, ce morceau est un exemple parfait de leur style rave énergique des débuts. Ces morceaux continuent d’être joués en festivals et en clubs, témoignant de l’influence durable de The Prodigy sur la scène musicale.

5. The Prodigy continue-t-il de produire de la musique après la mort de Keith Flint ?
Après la mort tragique de Keith Flint en 2019, de nombreuses questions se sont posées sur l’avenir du groupe. Cependant, Liam Howlett a rapidement confirmé que The Prodigy continuerait à produire de la musique en hommage à Flint. En 2021, le groupe a annoncé qu’il travaillait sur de nouveaux morceaux, bien que la disparition de Flint ait profondément affecté leur dynamique. Les fans attendent avec impatience la sortie de nouveaux titres, qui, espérons-le, honoreront l’héritage de Keith Flint tout en explorant de nouvelles directions musicales.

6. Pourquoi The Prodigy a-t-il suscité des controverses ?
The Prodigy a toujours été un groupe provocateur, et cela fait partie de leur ADN. Des morceaux comme « Smack My Bitch Up » ont été l’objet de vives critiques en raison de leur titre et de leurs paroles perçues comme misogynes. Le clip vidéo, qui présente des scènes violentes et explicites, a été banni de nombreuses chaînes de télévision, mais est devenu culte dans les cercles underground. Malgré les critiques, The Prodigy a toujours défendu leur art en affirmant que leurs morceaux ne prônaient pas la violence, mais plutôt l’énergie brute et la subversion.

Leur esthétique visuelle et leur attitude punk ont également été sources de controverses, mais c’est précisément ce qui a fait d’eux des icônes. Ils ont toujours refusé de se conformer aux attentes, préférant rester fidèles à leur vision artistique.

7. Comment The Prodigy a-t-il redéfini le live électronique ?
The Prodigy a joué un rôle essentiel dans la redéfinition de ce qu’un concert électronique peut être. Là où beaucoup de performances électroniques se limitent à des DJs derrière leurs platines, The Prodigy a introduit une énergie live comparable à celle des concerts de rock ou de punk. Keith Flint et Maxim apportaient une intensité scénique rarement vue dans la musique électronique, transformant chaque performance en une véritable explosion d’émotions et de décibels.

Leur utilisation de visuels, de lumières et de projections lors de leurs concerts a également contribué à cette expérience immersive. En intégrant des éléments visuels aussi intenses que leur musique, The Prodigy a fait de ses concerts des événements multisensoriels qui laissent une impression durable sur le public.

8. Quelle est l’influence de The Prodigy sur les générations actuelles de musiciens ?
L’influence de The Prodigy sur les musiciens actuels est immense. Leur capacité à fusionner des genres tels que la techno, le breakbeat, le punk et le rock a ouvert la voie à de nombreux artistes et genres musicaux. Des groupes comme Pendulum, The Chemical Brothers, et Skrillex citent souvent The Prodigy comme une source d’inspiration.

Au-delà de la musique, leur attitude punk et leur refus de se conformer aux attentes de l’industrie musicale ont également inspiré de nombreux artistes. The Prodigy a montré qu’il était possible de rester fidèle à sa vision artistique tout en rencontrant un succès mondial, et cette indépendance d’esprit continue de résonner chez les musiciens d’aujourd’hui.

9. Quelle est la place de Maxim dans The Prodigy ?
Maxim, l’autre figure emblématique de The Prodigy, joue un rôle essentiel dans l’énergie du groupe, en particulier sur scène. Bien que Keith Flint ait souvent été le centre d’attention, Maxim, avec son style vocal unique et son charisme scénique, a toujours apporté une dimension supplémentaire aux performances live de The Prodigy. Son style vocal, souvent plus sombre et plus posé, offrait un contrepoint parfait à l’agitation frénétique de Flint.

En plus de ses contributions musicales, Maxim est également connu pour son sens visuel, ayant exploré des projets artistiques en dehors de The Prodigy, notamment dans le domaine de l’art visuel. Son rôle au sein du groupe est crucial pour maintenir l’équilibre entre l’énergie brute de Flint et la production impeccable de Howlett.

10. Quel est l’héritage de The Prodigy dans la culture rave et underground ?
The Prodigy est souvent considéré comme l’un des piliers de la culture rave britannique des années 90. À une époque où la musique rave était encore largement underground, ils ont réussi à faire passer ce son dans le mainstream tout en conservant une attitude de rébellion et d’indépendance. Des albums comme « Experience » et « Music for the Jilted Generation » sont devenus des symboles de cette époque, où la fête et la contestation allaient souvent de pair.

Leur opposition aux lois anti-rave du gouvernement britannique à travers leur musique et leurs prises de position a également consolidé leur statut de porte-étendards de la contre-culture. Même après avoir atteint le succès commercial, The Prodigy est resté fidèle à ses racines underground, ce qui les rend d’autant plus respectés dans la culture rave et alternative.

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

par Eric Canto | Mis à jour le 02/10/2024 | Publié le 25/01/2021 | make, Inspiration, musique et idées créatives

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Il y a un grand secret caché depuis 14 ans et qui voit maintenant le jour: le DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA en HD. Il y a quelques jours, une vidéo de très bonne qualité du concert complet que le fantastique duo électronique français a donné au festival Lollapalooza en août 2007, à Chicago, a été partagée sur YouTube.

Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza, cette brillante performance faisait partie de l’incroyable et célèbre tournée ‘ Alive ‘ que tant de fans aimeraient avoir l’occasion de revivre.

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Daft Punk a toujours habitué la foule à des choses merveilleuses, brillantes et flashy. La tournée «Alive» a été remarquable à bien des égards, allant de la qualité incontestable de leurs sets, remplis des tubes de renommée internationale du duo, à la superbe façon dont ils se produisent. Pendant le set de Lollapalooza, aucun de ces composants n’était manquant.

Portant des casques noirs brillants, les deux robots se sont ralliés à des proportions incroyables, apparaissant sous une énorme pyramide de lumières. Quel moment…

L’ensemble de Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza est similaire à celui qu’ils ont présenté à Coachella en 2006 , cependant, la qualité des images est loin d’être proche.

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

La vidéo DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Ce ne sont pas des captures fragmentées mais une vidéo cohérente et de bonne qualité. Au début de cet incroyable film du tournage de 2007, les notes montrent que les images ont été mixées en direct pour les écrans du lieu, donnant non seulement un tournage de bonne qualité mais aussi une perspective parfaite pour revivre le moment.

Si vous avez toujours voulu pouvoir remonter le temps et revenir aux solos de Lollapalooza en 2007, devant la scène mégalomane des Daft Punk, réjouissez-vous, vous pouvez désormais profiter de tout ici.

Set list: Daft punk Live ALIVE 2017 Lollapalooza

0:00 – Pre-Show

2:41 – Close Encounters Intro

3:34 – Robot Rock / Oh Yeah

9:54 – Touch It / Technologic

15:24 – Television Rules The Nation / Crescendolls

20:14 – Too Long / Steam Machine

27:16 – Around The World / Harder Better Faster Stronger

32:59 – Burnin ‘/ Too Long

40:10 – Face To Face / Short Circuit

45:06 – One More Time / Aerodynamic

51:15 – Aerodynamic Beats / Forget About The World

54:48 – The Prime Time Of Your Life / The Brainwasher / Rollin ‘/ Alive

1:05:16 – Da Funk / Daftendirekt

1:11:48 – Superheroes / Human After All / Rock’n Roll

1:16:57 – Main Show End, Intermission

1:18:42 – Rappel: Encore (Human After All / Together / One More Time / Music Sounds Better With You)

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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L’Histoire de la Tournée DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA

Les visuels de la tournée ont été mis en place par XL Video.  La société a fourni des unités Mac Pro à huit cœurs exécutant Catalyst v4 et Final Cut Pro .

Daft Punk a approché l’entreprise avec son concept visuel pour les spectacles. « Ils sont venus nous voir avec une idée assez fixe de ce qu’ils voulaient », a déclaré le directeur de XL Video, Richard Burford. «Ils voulaient mélanger la vidéo en direct avec des effets. En utilisant les Mac Pro à huit cœurs, nous avons pu prendre huit sources numériques et les traiter comme des flux vidéo.

Ensuite, ils ont pu utiliser Catalyst pour coordonner la vidéo avec des effets d’éclairage et ajouter les leurs. effets à la volée. Les flux vidéo numériques finaux ont été diffusés sur des écrans LED . « 

Début 2006, Daft Punk a annoncé des plans pour un certain nombre de spectacles d’été spéciaux. Le 29 avril, Daft Punk s’est produit au Coachella Valley Music and Arts Festival où ils ont reçu une réception jubilatoire pour leur première performance américaine depuis 1997.

Thomas Bangalter avait initialement été signalé comme disant qu’il y aurait un DVD de leur concert récent ensemble.  Il a souligné plus tard sa réticence pour une telle libération, car le duo a estimé que les vidéos amateurs en ligne de leurs performances étaient plus convaincantes que tout ce qui a été capturé professionnellement.

Dans une interview avec le Miami HeraldGuy-Manuel de Homem-Christo a déclaré que leur apparition le 11 novembre au Bang Music Festival était leur finale pour 2006 et que Daft Punk donnerait plus de performances à l’avenir. Le groupe a spécifié plus tard une date pour un spectacle vivant à Bercy , Paris pour juin 2007.  Également rapporté étaient des dates au Festival sans fil et à RockNess en juin, au festival d’ Oxegen en juillet et à Lollapalooza en août.

Daft Punk a alors annoncé une tournée mondiale appelée Alive 2007 .

Daft Punk en concert à Bercy en juin 2007
Daft Punk a joué au Festival RockNess sur les rives du Loch Ness , en Écosse, le 10 juin 2007 en tant que titre dans la tente Clash d’une capacité de 10 000 personnes. Au grand dam de la foule, le spectacle a été retardé, mais la foule a réservé un accueil joyeux au duo lors de leur apparition. En raison de sa popularité, une partie de la tente a été retirée pour permettre à des milliers de personnes à l’extérieur de voir le spectacle.

Le 16 juin 2007, Daft Punk a titré avec succès le troisième jour du festival sans fil d’O2 à la réaction et aux critiques positives. Le Times a décrit l’ensemble comme un « spectacle sensoriel mémorable, à la fois éblouissant et assourdissant » et ThisisLondon l’a déclaré « un ensemble presque irréprochable d’euphorie électro implacable ».

Daft Punk a été la vedette de Stage 2 / NME Stage au festival de musique Oxegen le 8 juillet 2007. Leur live a été précédé de la projection de la bande-annonce du film Daft Punk’s Electroma . Des rapports ultérieurs ont déclaré que l’apparition de Daft Punk était le point culminant du festival. NME a écrit que la performance était « un spectaculaire robotique », tandis que Shoutmouth a décrit le décor comme « typiquement triomphant ».

Quatre jours plus tard, le duo a joué au Festival Libre de Trafic Torino au Parco della Pellerina à Turin , en Italie.

Daft Punk a été la tête d’affiche de la scène AT&T le 3 août 2007, la première nuit du festival de musique Lollapalooza à Chicago. Leur émission là-bas a été saluée par Pitchfork Media, affirmant que l’expérience de regarder la performance «était un rappel bien nécessaire du pouvoir encore puissant de la pop communicative».

Le 5 août, ils ont joué au Centre International de Toronto suivi par une représentation du 9 août au KeySpan Park à Brooklyn , New York. Le duo a également titré le festival de Vegoose à Las Vegas le 27 octobre. Ils sont apparus au festival avec les groupes Rage Against the Machine, Muse et reines de l’âge de pierre . [9] À la fin d’octobre, Daft Punk a joué à Mexico . Le duo a également joué le vendredi 2 novembre 2007 à l’Arena Monterrey à Monterrey, au Mexique et à Guadalajara.

Modular Records a annoncé que Daft Punk apparaîtrait en Australie pour un événement en décembre 2007 appelé Never Ever Land.

L’annonce a adressé des années de spéculation sur si Daft Punk visiterait l’Australie pour des exécutions en direct. Daft Punk a été soutenu par leurs numéros réguliers SebastiAn et Kavinsky lors des apparitions, qui avaient été annoncées comme une extension de la tournée Alive 2007 . Never Ever Land a visité Melbourne au Sidney Myer Music Bowl , Perth à l’Esplanade, Brisbane au Riverstage et enfin Sydney à l’ arène principale de Sydney Showground .

Une interview de Triple J avec Pedro Winter (Busy P) a révélé que l’apparition de Daft Punk à Sydney le 22 décembre serait leur dernier spectacle pour 2007 et le dernier à présenter le schéma de lumière pyramidale. Les billets pour la tournée australienne se sont vendus plus rapidement que pour tout événement lié à Daft Punk dans leur histoire.

Un album live intitulé Alive 2007 , qui présentait la performance du groupe au Palais Omnisports Bercy à Paris, a été publié en novembre 2007. L’album a remporté le Grammy Award du meilleur album électronique / de danse en 2009.

Dates de la tournée Alive 2006/200

• 29 avril 2006 Indio États Unis Festival de musique et d’arts de la vallée de Coachella
• 30 juin 2006 Belfort France Eurockéennes
• 14 juillet 2006 Barcelone Espagne Summercase
• 15 juillet 2006 Madrid
• 26 juillet 2006 Stratford-upon-Avon Royaume-Uni Rassemblement mondial
• 8 août 2006 Zambujeira do Mar le Portugal Festival Sudoeste
• 12 août 2006 Osaka Japon Festival Sonic d’été
• 13 août 2006 Chiba
• 19 août 2006 Hasselt Belgique Pukkelpop
• 28 août 2006 Dublin Irlande Parc Marlay
• 9 septembre 2006 Varsovie Pologne Festival d’été de musique
• 27 octobre 2006 Rio de Janeiro Brésil Festival TIM
• 29 octobre 2006 São Paulo Festival TIM
• 2 novembre 2006 Santiago Chili Festival de Sue
• 4 novembre 2006 Buenos Aires Argentine Festival de Bue
• 11 novembre 2006 Miami États Unis Coup! Festival de musique
• 10 juin 2007 Inverness Royaume-Uni RockNess
• 14 juin 2007 Paris France Palais Omnisports Bercy
• 16 juin 2007 Londres Royaume-Uni Festival sans fil
• 17 juin 2007 Leeds
• 23 juin 2007 Istanbul dinde Turkcell Kuruçeşme Arena
• 26 juin 2007 Nîmes France Arènes de Nîmes
• 29 juin 2007 Düsseldorf Allemagne Philipshalle
• 30 juin 2007 Berlin Velodrom
• 4 juillet 2007 Amsterdam Pays-Bas Salle de musique Heineken
• 6 juillet 2007 Esch-sur-Alzette Luxembourg Rockhal
• 8 juillet 2007 Naas Irlande Bœufs
• 12 juillet 2007 Turin Italie Festival sans trafic
• 21 juillet 2007 Los Angeles États Unis Los Angeles Memorial Sports Arena
• 27 juillet 2007 Berkeley Théâtre grec de Hearst
• 29 juillet 2007 Seattle Théâtre WaMu
• 31 juillet 2007 Morrison Amphithéâtre de Red Rocks
• 3 août 2007 Chicago Lollapalooza
• 5 août 2007 Mississauga Canada Flèche Hall
• 7 août 2007 Montréal Centre Bell
• 9 août 2007 La ville de New York États Unis Parc KeySpan
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZAAmérique du Nord
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA27 octobre 2007 Las Vegas États Unis Vegoose
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA31 octobre 2007 Mexico Mexique Palacio de los Deportes
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA2 novembre 2007 Monterrey Arène de Monterrey
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA4 novembre 2007 Zapopan Auditorium Telmex
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA6 décembre 2007 Kobe Japon World Memorial Hall (世界 の 記念 館)
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA8 décembre 2007 Chiba Makuhari Messe (幕 張 メ ッ セ)
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA9 décembre 2007
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA13 décembre 2007 Melbourne Australie Bol à musique Sidney Myer
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA14 décembre 2007
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA16 décembre 2007 Perth L’Esplanade
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA20 décembre 2007 Brisbane Riverstage
• DAFT PUNK LIVE ALIVE 2007 LOLLAPALOOZA22 décembre 2007 Sydney Showground Main Arena

Pantera : Histoire, Albums et Héritage d’un Géant du Métal 1990 -1994

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 23/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Pantera : Histoire, Albums et Héritage d’un Géant du Métal

Introduction

Pantera est plus qu’un simple groupe de métal ; c’est une légende vivante qui a redéfini le genre et influencé d’innombrables musiciens à travers le monde. Fondé au début des années 1980, Pantera a traversé plusieurs phases stylistiques avant de devenir l’un des groupes les plus respectés du heavy metal, en particulier avec l’arrivée de Phil Anselmo au chant.

Avec des albums comme « Cowboys from Hell » et « Vulgar Display of Power », Pantera a introduit un son plus agressif et direct, souvent qualifié de groove metal, qui a marqué toute une génération. Cet article retrace l’histoire du groupe, explore leurs albums les plus emblématiques, et examine l’héritage durable qu’ils ont laissé dans le monde de la musique.

 

PANTERA

1. Histoire du Groupe Pantera

1.1 Les Débuts de Pantera : Du Glam Metal au Groove Metal

Pantera a été formé en 1981 à Arlington, au Texas, par les frères Dimebag Darrell (guitare) et Vinnie Paul (batterie), rejoints par Rex Brown à la basse et Terry Glaze au chant. À ses débuts, le groupe s’inscrivait dans la mouvance glam metal, avec des influences de groupes comme Van Halen et Kiss. Leur premier album, « Metal Magic », sorti en 1983, reflétait ce style, avec une imagerie et un son typiques du glam.

L’évolution du style : Cependant, le groupe n’était pas satisfait de cette direction. Avec l’arrivée de Phil Anselmo au chant en 1987, Pantera a commencé à évoluer vers un son plus lourd et agressif. C’est à cette période que le groupe a trouvé sa véritable identité musicale, marquant un tournant décisif dans leur carrière.

 

Le son Pantera : Pantera a introduit un son distinctif, souvent qualifié de groove metal, qui mêlait la brutalité du thrash avec des rythmes lourds et groovy. Ce son est devenu la marque de fabrique du groupe, les distinguant nettement de la scène glam metal de leurs débuts.

Le passage du glam au groove metal a été une transformation cruciale pour Pantera, leur permettant de se faire un nom dans la scène heavy metal internationale.

 

1.2 L’Âge d’Or : Cowboys from Hell et Vulgar Display of Power

L’album « Cowboys from Hell » (1990) est souvent considéré comme le point de départ de l’âge d’or de Pantera. C’est avec cet album que le groupe a véritablement trouvé son public, définissant le son groove metal qui allait les rendre célèbres.

Cowboys from Hell : « Cowboys from Hell » est l’album qui a marqué la transition complète de Pantera vers un son plus lourd et plus mature. Des titres comme « Cemetery Gates » et « Domination » sont devenus des hymnes du metal, avec des riffs puissants de Dimebag Darrell et des vocaux agressifs de Phil Anselmo.

Vulgar Display of Power : En 1992, Pantera a sorti « Vulgar Display of Power », un album qui a encore renforcé leur statut de géants du metal. Cet album est souvent cité comme l’un des plus influents de l’histoire du métal, avec des morceaux comme « Walk », « Mouth for War », et « This Love » qui sont devenus des classiques instantanés.

L’impact sur la scène metal : Avec ces albums, Pantera a non seulement solidifié leur place dans le heavy metal, mais ils ont également influencé une génération entière de musiciens. Le groove metal de Pantera a ouvert la voie à de nombreux groupes qui ont suivi, contribuant à façonner le son du metal des années 1990.

L’âge d’or de Pantera a vu le groupe atteindre de nouveaux sommets, tant sur le plan artistique que commercial, consolidant leur héritage dans l’histoire du métal.

1.3 Les Années de Tension et la Dissolution

Malgré leur succès, les tensions internes au sein de Pantera ont commencé à émerger à la fin des années 1990. Ces tensions, exacerbées par les problèmes de toxicomanie de Phil Anselmo et les différences créatives entre les membres, ont finalement conduit à la dissolution du groupe.

The Great Southern Trendkill : Sorti en 1996, « The Great Southern Trendkill » reflète une période plus sombre pour Pantera. Bien que l’album ait été bien accueilli, il a également marqué le début des problèmes internes qui allaient déchirer le groupe. Les sessions d’enregistrement ont été marquées par des conflits, Phil Anselmo enregistrant ses parties vocales séparément du reste du groupe.

 

 

Reinventing the Steel : Le dernier album studio de Pantera, « Reinventing the Steel », est sorti en 2000. Bien que l’album ait reçu des critiques positives, les tensions internes étaient devenues insurmontables. En 2003, le groupe a officiellement annoncé sa dissolution.

La tragédie de Dimebag Darrell : En 2004, Dimebag Darrell a été tragiquement assassiné sur scène lors d’un concert avec son nouveau groupe, Damageplan. Cette perte a non seulement choqué le monde du métal, mais a également mis fin à tout espoir de réunion de Pantera.

La dissolution de Pantera a marqué la fin d’une ère, laissant derrière elle un héritage musical qui continue d’influencer le monde du métal.

 

2. Les Albums Légendaires de Pantera

2.1 Cowboys from Hell (1990) : L’Album Révolutionnaire

« Cowboys from Hell » est souvent considéré comme l’album qui a catapulté Pantera au rang de légende du métal. Cet album a marqué un tournant décisif dans leur carrière, leur permettant de passer du statut de groupe régional à celui de superstar internationale.

La naissance du groove metal : Avec « Cowboys from Hell », Pantera a introduit un son unique, mélangeant des riffs rapides et tranchants avec des rythmes lourds et groovy. Des morceaux comme « Cemetery Gates » et « Cowboys from Hell » sont devenus des classiques instantanés, définissant le son du groupe pour les années à venir.

L’impact sur la scène metal : « Cowboys from Hell » n’a pas seulement été un succès commercial, il a également influencé de nombreux autres groupes de metal, ouvrant la voie à un nouveau sous-genre de metal qui a marqué les années 1990. Cet album reste une référence incontournable pour les fans de métal et les musiciens du genre.

« Cowboys from Hell » est un album révolutionnaire qui a changé le visage du metal et a établi Pantera comme l’un des groupes les plus importants de leur génération.

 

2.2 Vulgar Display of Power (1992) : La Confirmation de la Légende

« Vulgar Display of Power » est l’album qui a solidifié la réputation de Pantera en tant que géants du métal. Cet album est souvent considéré comme l’un des meilleurs albums de metal de tous les temps, avec des morceaux qui sont devenus des hymnes du genre.

Des riffs emblématiques : Avec des morceaux comme « Walk », « Mouth for War », et « This Love », « Vulgar Display of Power » est rempli de riffs puissants et mémorables. La guitare de Dimebag Darrell brille particulièrement sur cet album, avec des solos fulgurants et des riffs lourds qui définissent le groove metal.

Un son agressif et direct : « Vulgar Display of Power » est un album plus brut et plus agressif que son prédécesseur, avec des paroles qui reflètent la colère et la frustration. Phil Anselmo livre des performances vocales intenses, ajoutant une couche supplémentaire d’intensité à l’album.

L’héritage de l’album : Cet album a non seulement été un succès commercial, mais il a également été acclamé par la critique. Il est régulièrement cité comme l’un des albums les plus influents du métal, inspirant de nombreux groupes à suivre le chemin de Pantera.

« Vulgar Display of Power » reste un pilier de la discographie de Pantera et un monument de la musique heavy metal.

 

2.3 Far Beyond Driven (1994) : Le Succès Commercial

« Far Beyond Driven » est l’un des albums les plus réussis commercialement de Pantera. Il a fait ses débuts à la première place du classement Billboard 200, une prouesse rare pour un album de heavy metal à l’époque.

Un son encore plus lourd : Cet album voit Pantera pousser leur son encore plus loin, avec des riffs encore plus lourds et des tempos plus rapides. Des morceaux comme « I’m Broken » et « 5 Minutes Alone » sont devenus des classiques du groupe, avec des paroles introspectives et des compositions agressives.

Le triomphe commercial : « Far Beyond Driven » a été un succès commercial massif, prouvant que Pantera pouvait atteindre les sommets des charts tout en restant fidèle à leur son heavy metal. Cet album a consolidé leur statut de groupe incontournable des années 1990.

« Far Beyond Driven » est un album qui démontre la capacité de Pantera à combiner succès commercial et intégrité artistique, confirmant leur place parmi les plus grands du métal.

 

3. L’Héritage de Pantera dans le Monde du Métal

3.1 L’Influence de Pantera sur la Scène Metal

L’héritage de Pantera va bien au-delà de leurs propres albums. Leur influence sur la scène metal est immense, et de nombreux groupes contemporains citent Pantera comme une inspiration majeure.

L’essor du groove metal : Pantera est souvent crédité d’avoir popularisé le genre du groove metal, un sous-genre qui mélange des éléments de thrash metal avec des rythmes plus lents et groovy. Ce style a influencé des groupes comme Lamb of God, Machine Head, et Sepultura.

Un modèle pour les musiciens : Dimebag Darrell est considéré comme l’un des plus grands guitaristes de l’histoire du metal. Son style unique, mêlant vitesse, précision et créativité, a inspiré une génération de guitaristes. De même, Phil Anselmo est reconnu pour ses performances vocales puissantes et son approche brute du chant.

Pantera a laissé une empreinte indélébile sur la scène metal, influençant de nombreux artistes et contribuant à façonner le son du metal moderne.

 

3.2 L’Impact de Pantera sur la Culture Populaire

Au-delà de la musique, Pantera a également eu un impact significatif sur la culture populaire. Leur style, leur attitude et leur musique ont transcendé les frontières du metal, influençant divers aspects de la culture pop.

Références dans la culture pop : Les chansons de Pantera ont été utilisées dans de nombreux films, jeux vidéo et émissions de télévision. Des morceaux comme « Walk » et « Cowboys from Hell » sont devenus des hymnes du metal, utilisés dans des bandes sonores et des scènes d’action emblématiques.

Un groupe culte : Pantera a acquis une réputation de groupe culte, avec une base de fans dévoués qui continue de croître, même après la dissolution du groupe. Leur musique reste un pilier de la culture metal, et leurs albums continuent de se vendre bien des décennies après leur sortie.

Pantera a réussi à transcender la scène metal pour devenir une force culturelle à part entière, laissant un impact durable sur la musique et la culture populaire.

 

3.3 L’Héritage de Dimebag Darrell et Vinnie Paul

La mort tragique de Dimebag Darrell en 2004 a marqué la fin d’une époque pour Pantera et pour le monde du metal en général. Cependant, son héritage continue de vivre à travers sa musique et son influence sur les guitaristes du monde entier.

Dimebag Darrell, une légende de la guitare : Dimebag est largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes de metal de tous les temps. Son style unique, qui mélangeait des riffs rapides, des solos techniques et une créativité sans limites, a inspiré des milliers de guitaristes à travers le monde.

Vinnie Paul, le maître des percussions : Vinnie Paul, frère de Dimebag et batteur de Pantera, a également laissé un héritage durable. Son style de batterie puissant et précis a défini le son de Pantera, et il est respecté comme l’un des meilleurs batteurs de métal de sa génération.

L’héritage de Dimebag Darrell et Vinnie Paul continue d’inspirer de nombreux musiciens, et leur contribution au monde du metal restera à jamais gravée dans l’histoire.

 

AFFICHE ET POSTER

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

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AFFICHE ET POSTER : L’HISTOIRE

1880 – 1895: La naissance de l’affiche lithographique (affiche et poster)

La lithographie a été inventée en 1798, mais pendant des décennies, elle était trop lente et trop chère pour la production d’affiches. La plupart des affiches ont continué à être de simples gravures sur bois ou sur métal avec peu de couleurs ou de motifs.

Tout cela a changé vers 1880

Tout cela a changé vers 1880 avec le « procédé lithographique à 3 pierres » de Cheret , une percée qui a permis aux artistes de réaliser toutes les couleurs de l’arc-en-ciel avec aussi peu que trois pierres – généralement rouge, jaune et bleu – imprimées dans un enregistrement soigné.

Le procédé de Cheret exigeait néanmoins encore un superbe art et un savoir-faire remarquable. Le résultat en valait la peine – une intensité de couleur et de texture remarquable, avec des transparences et des nuances sublimes impossibles dans d’autres supports (même à ce jour).

La capacité de combiner le mot et l’image dans un format aussi attrayant et économique a finalement permis à l’affiche lithographique d’inaugurer l’ère moderne de la publicité. Artiste extrêmement doué également, Cheret a inauguré cet âge en créant plus de 1000 affiches sur une carrière de 30 ans.

1890 – 1900: La Belle Epoque et l’Art nouveau

les expositions de posters, et d’affichent prolifèrent

En 1891, l’ extraordinaire première affiche de Toulouse-Lautrec , Moulin Rouge , élève le statut de l’affiche aux beaux-arts et déclenche un engouement pour l’affiche.

Au cours des années 1890, appelées la Belle Epoque en France , les expositions de posters, les magazines et les marchands prolifèrent; le marchand parisien pionnier Sagot a répertorié 2200 affiches différentes dans son catalogue!

À peine trois ans plus tard, Alphonse Mucha , un Tchèque travaillant à Paris, a créé le premier chef-d’œuvre de la conception d’affiche Art Nouveau .

Portant de multiples influences, notamment les préraphaélites, le mouvement des arts et de l’artisanat et l’art byzantin, ce style fleuri et fleuri est devenu le principal mouvement international d’art décoratif jusqu’à la Première Guerre mondiale.

Dans chaque pays, l’affiche a été utilisée pour célébrer les institutions culturelles uniques de la société. En France , le café et le cabaret étaient omniprésents; en Italie l’ opéra et la mode ; en Espagne la corrida et les fêtes; en Allemagne des foires et des magazines , en Grande – Bretagne et en Amérique, des revues littéraires , des bicyclettes et du cirque .

Malgré la pollinisation croisée, des styles nationaux distinctifs sont également apparus – les posters hollandaises étaient marquées par la retenue et l’ordre; Les affiches italiennes par leur drame et leur grande échelle; Affiches allemandes pour leur caractère direct et leur influence médiévale.

1900-1914: le nouveau siècle et le modernisme précoce – affiche et poster

En 1900, l’ Art nouveau avait perdu une grande partie de son dynamisme par pure imitation et répétition. La mort de Toulouse-Lautrec en 1901 et l’abandon de l’affiche par Mucha et Cheret (qui se tournèrent tous deux vers la peinture) laissèrent un vide qui fut comblé par un jeune caricaturiste italien du nom de Leonetto Cappiello , arrivé à Paris en 1898.

Fortement influencé par Cheret et Toulouse-Lautrec , Cappiello rejette le détail pointilleux de l’Art Nouveau. Au lieu de cela, il s’est concentré sur la création d’une image simple, souvent humoristique ou bizarre, qui capterait immédiatement l’attention et l’imagination du spectateur sur un boulevard très fréquenté.

Affiches et posters : Le père de la publicité moderne

Cette capacité à créer une identité de marque a fait de Cappiello le père de la publicité moderne. Son style dominera l’art de l’affiche parisienne jusqu’à la première affiche Art Déco de Cassandre en 1923.

Pendant ce temps, des artistes travaillant à la Glasgow School en Écosse, à la Sécession de Vienne en Autriche et au Deutscher Werkbund en Allemagne ont également transformé l’approche organique de l’Art nouveau. Ces écoles ont rejeté l’ornementation curviligne au profit d’une structure rectiligne et géométrique basée sur le fonctionnalisme.

Une conséquence clé de ces efforts modernistes était le Plakatstil allemand , ou style de l’affiche, qui a été lancé en 1905 par Lucian Bernhard à Berlin et à Munich par Ludwig Hohlwein . Le naturalisme minimisé et l’accent mis sur les couleurs et les formes plates ont fait de leur travail la prochaine étape vers la création d’un langage visuel abstrait et plus moderne.

1914 – 1919: Première Guerre mondiale et révolution bolchevique – affiche et poster

La Première Guerre mondiale signifiait un nouveau rôle pour l’affiche: la propagande . La guerre a inauguré la plus grande campagne publicitaire à ce jour, cruciale pour les besoins de communication de chaque combattant en temps de guerre: de la collecte de fonds , du recrutement de soldats et du renforcement des efforts des volontaires , à la stimulation de la production et à l’indignation face aux atrocités ennemies.

En utilisant les techniques contemporaines de Madison Avenue, l’ Amérique a produit à elle seule environ 2 500 conceptions d’affiche frappantes et environ 20 millions d’affiches – près de 1 pour 4 citoyens – en un peu plus de 2 ans.

Les leçons de la brillante publicité américaine dans les posters de la Première Guerre mondiale n’ont pas été perdues pour les bolcheviks , qui se sont tournés vers l’affiche pour les aider à gagner leur guerre civile contre les Blancs .

Lénine et ses disciples se sont révélés être les maîtres pionniers de la propagande moderne , et l’affiche est devenue une arme de choix tout au long du siècle dans les guerres chaudes et froides partout.

1919-1938: Entre les guerres mondiales: modernisme et art déco – affiche et poster

Après la Première Guerre mondiale, l’inspiration organique de l’Art nouveau est devenue hors de propos dans une société de plus en plus industrielle; les mouvements d’art moderne Cubisme , Futurisme , Expressionnisme , et dadaïsme sont devenus des influences principales.

Parallèlement, les premiers cours de graphisme ont été lancés en France , en Allemagne et en Suisse , moment clé dans le passage de l’illustration au graphisme dans la publicité.

Ce changement s’est rapidement fait sentir en Union soviétique , où l’ art constructiviste est né pour aider à créer la nouvelle société révolutionnaire et technologique. Les constructivistes ont développé un style «agité» de composition de posters, marqué par de fortes diagonales, un photomontage et des couleurs discordantes.

La position agressive des constructivistes, comme le montrent les travaux d’El Lissitsky, Rodchenko , Klutsis et les frères Stenberg , aurait un impact majeur sur la conception des posters occidentales, principalement à travers le Bauhaus et de Stijl.

un nouveau mouvement décoratif international majeur appelé Art Déco

Au milieu des années vingt, ces approches modernistes souvent disparates se fondent dans un nouveau mouvement décoratif international majeur appelé Art Déco . Dans ce style de l’ère des machines, la puissance et la vitesse sont devenues les thèmes principaux.

Les formes ont été simplifiées et rationalisées, et les polices courbées ont été remplacées par des polices élancées et anguleuses qui refléteraient l’ère du jazz. Toujours éclectiques, les souches de l’Art Déco réussiraient également à intégrer les arts exotiques de la Perse, de l’Égypte et de l’Afrique.

Le terme Art Déco est dérivé de l’ Exposition « Arts Décoratifs » de 1925 à Paris , qui s’est avérée être une vitrine spectaculaire pour le style.

Images géométriques et intellectuelles d’ AM Cassandre

À Paris, le style caricature de Cappiello a cédé la place aux images géométriques et intellectuelles d’ AM Cassandre , qui a popularisé les techniques de l’ aérographe qui conféraient à ses images une surface semblable à une machine.

Ses posters imposantes des Normandie , Statendam et Atlantique paquebots sont devenus des icônes de l’ère industrielle. L’Art déco, comme l’Art nouveau avant lui, s’est rapidement répandu dans toute l’Europe et aux États-Unis

1939 – 1950: Seconde Guerre mondiale et la fin de la lithographie sur pierre – affiche et poster

L’affiche a de nouveau joué un grand rôle de communication pendant la Seconde Guerre mondiale , mais cette fois, elle a partagé la vedette avec d’autres médias, en particulier la radio et la presse écrite . À cette époque, la plupart des posters étaient imprimées en utilisant la technique de production de masse de l’offset photo, ce qui a abouti au motif de points familier vu dans les journaux et les magazines.

core décliné dans la plupart des pays, la télévision devenant un concurrent supplémentaire.

L’utilisation de la photographie dans les posters, commencée en Union soviétique

L’utilisation de la photographie dans les posters, commencée en Union soviétique dans les années vingt, est maintenant devenue aussi courante que l’illustration. Après la guerre, l’affiche a encore décliné dans la plupart des pays, la télévision devenant un concurrent supplémentaire.

Le dernier souffle de l’affiche lithographique s’est produit en Suisse , où le gouvernement a fortement encouragé l’industrie de l’imprimerie et l’excellence de l’affiche. Faisant appel au sens suisse de la précision, le Sachplakat, ou Object Poster Style , s’est développé dans les années 20 mais s’est épanoui pendant la Seconde Guerre mondiale et au début des années 50 dans la région de Bâle .

Ses artistes étaient ravis de transformer des objets du quotidien en icônes géantes, utilisant une impression suisse spectaculaire pour créer de merveilleux effets de trompe-l’œil. Avec des racines remontant au Plakatstil de Lucian Bernhard et au mouvement surréaliste, l’élégance visuelle était souvent accompagnée d’un humour doux.

1946 – 1965: modernisme de l’après-guerre et du milieu du siècle – affiche et poster

Malgré les tensions imminentes de la guerre froide, la fin de la Seconde Guerre mondiale a inauguré un baby-boom et une nouvelle société de consommation avec l’arrivée de la télévision , du jet-travel et des marques mondiales qui alimentent la voie.

Les méthodes publicitaires ont évolué pour s’adapter à l’époque. Un véritable «boom de l’affiche» s’est produit au début des années 50, faisant avancer deux styles distincts, un consommateur et un corporatif.

Le premier, que nous avons appelé le style des années 50 , était de couleur vive et fantaisiste, tandis que le second, appelé le style typographique international , était plus rationnel et ordonné.

Les posters réalisées dans le style des années 50 utilisaient des couleurs vives et des motifs ludiques

Les posters réalisées dans le style des années 50 utilisaient des couleurs vives et des motifs ludiques pour plaire à un large public. Des artistes comme Herbert Leupin et Donald Brun en Suisse, Paul Rand aux États-Unis et Raymond Savignac en France illustrent les qualités enjouées du style.

Le style des années 50 a été appliqué aux services aux consommateurs ainsi qu’aux produits. Les merveilleuses campagnes aériennes de David Klein , Stan Galli et d’autres ont toujours été présentes, qui cherchaient à attirer les voyageurs vers des destinations comme Disneyland , New York , Las Vegas et Paris .

Le style typographique international, ou style suisse, était également parfaitement adapté au monde de plus en plus connecté au monde. Des conceptions systématiques hautement structurées ont accordé de l’ordre et de la clarté à tout, des autoroutes et aéroports aux manuels d’instructions des produits.

Influencé par la nouvelle typographie du Bauhaus et de Tshichhold, ce style s’est développé en Suisse à la fin des années 50 et 60. Il utilisait des éléments typographiques de base avec des règles graphiques strictes et remplaçait souvent l’illustration par une photographie austère et «moderne».

Les posters de concert de Josef Muller-Brockmann représentent l’apothéose classique de ce style – cool, élégant et systématiquement abstrait. Sur le même niveau était Erik Nitsche de « Atomes pour la paix série » d’affiches spectaculaires pour la première Conférence internationale sur les utilisations pacifiques de l’ énergie atomique.

1965 – 1972: Les années 60 et l’art de la rébellion– affiche et poster

L’ordre des années 50 cédera à un ténor plus chaotique et révolutionnaire au milieu des années 60 . Un nouveau style d’illustration, qui empruntait librement au surréalisme, au pop art et à l’expressionnisme, était plus détendu et intuitif et la première vague d’une sensibilité post-moderniste.

Affiche et poster : Surréalisme et pop art

Un exemple célèbre est l’ insertion de l’album de disque Bob Dylan de Milton Glaser en 1967 . Glaser a cristallisé le message contre-culturel du musicien en dépeignant ses longs cheveux comme un arc-en-ciel de vagues richement fluides. Le Push Pin Studio de Glaser a été associé à la créativité d’une école dynamique de l’affiche en Pologne des années 50 aux années 80.

L’école polonaise est devenue connue pour une variété sardonique et déchirante de surréalisme dans la promotion du théâtre et des organisations culturelles contrôlés par l’État.

Les excès de la culture de la drogue et de l’aliénation politique ont conduit à un bref mais spectaculaire engouement pour l’affiche psychédélique aux États-Unis, qui rappelait les excès floraux de l’Art nouveau, les images rémanentes palpitantes de l’Op-Art et les juxtapositions bizarres du surréalisme.

Et les manifestations françaises du 1er mai ont généré une école d’affiche de propagande qui rappelle l’ affiche soviétique et l’art de la bande dessinée.

1970-1989: Les années 70 et 80 – Post modernisme affiche et poster

Le style international s’est rapidement répandu au-delà de la Suisse et est devenu le premier style de conception graphique au monde dans les années 70 . Au début des années 80 , le style a commencé à céder la place aux post-modernistes , qui cherchaient à briser les règles formelles et dogmatiques du style suisse.

Un jeune professeur de Bâle nommé Wolfgang Weingart a mené la révolte du palais qui a inauguré le style graphique prédominant d’aujourd’hui, vaguement connu sous le nom de design post-moderne. Weingart a expérimenté le processus d’impression offset pour produire des posters qui semblaient complexes et chaotiques, ludiques et spontanées – le tout en contraste frappant avec les enseignements de ses aînés.

La libération de la typographie par Weingart a été une base importante pour plusieurs nouveaux styles, de Memphis et Retro, aux progrès actuellement réalisés dans l’infographie .

1990 sur: L’affiche et le poster  aujourd’hui

Le rôle et l’apparence de l’affiche ont constamment changé au cours du siècle dernier pour répondre aux besoins changeants de la société. Bien que son rôle soit moins central qu’il y a 100 ans, l’affiche évoluera davantage à mesure que l’ordinateur et le Web mondial révolutionneront la façon dont nous communiquons au 21e siècle.

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L’HISTOIRE DE L’AFFICHE ET DU POSTER

L’affiche a été l’une des premières formes de publicité et a commencé à se développer comme moyen de communication visuelle au début du 19e siècle. Ils ont influencé le développement de la typographie parce qu’ils étaient destinés à être lus à distance et nécessitaient la production de caractères plus grands, généralement en bois plutôt qu’en métal.

L’affiche s’est rapidement répandue dans le monde entier et est devenue un incontournable du métier de graphiste. De nombreux artistes, comme Henry Toulouse-Latrec et Henry van de Velde, ont également créé des posters.

Ils servaient à promouvoir divers partis politiques, à recruter des soldats, à faire la publicité de produits et à diffuser des idées au grand public.

Les artistes du style typographique international du design pensaient qu’il s’agissait de l’outil de communication le plus efficace et leurs contributions au domaine du design découlaient de l’effort de perfectionnement de l’affiche. Même avec la popularité d’Internet, des posters sont toujours créées chaque jour pour toutes sortes de raisons.

Prince : Légende musicale, icône culturelle, et génie créatif

par Eric Canto | Mis à jour le 02/10/2024 | Publié le 15/01/2021 | make, Inspiration, musique et idées créatives

Introduction

Prince, de son vrai nom Prince Rogers Nelson, est l’une des figures les plus influentes et emblématiques de l’histoire de la musique. Artiste complet, il a marqué plusieurs générations avec son talent exceptionnel, sa créativité débordante, et son style unique qui a transcendé les genres.

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Cet article explore la carrière fascinante de Prince, ses contributions inestimables à la musique, et son impact indélébile sur la culture populaire. Que vous soyez un fan de longue date ou que vous découvriez son œuvre pour la première fois, ce guide complet répondra à toutes vos questions sur Prince et son héritage musical.

1. Les débuts de Prince : Du prodige de Minneapolis à la scène internationale

Prince n’est pas devenu une légende du jour au lendemain. Ses premières années ont été marquées par un développement musical intense, une recherche d’identité artistique, et une détermination à briser les barrières. Cette section retrace les débuts de Prince, de son enfance à Minneapolis à ses premiers succès sur la scène musicale mondiale.

1.1 L’enfance et les premières influences musicales

Prince Rogers Nelson est né le 7 juin 1958 à Minneapolis, dans le Minnesota. Fils de musiciens, il est plongé très tôt dans l’univers de la musique. Son père, John L. Nelson, était pianiste et compositeur, tandis que sa mère, Mattie Shaw, était chanteuse de jazz. Cette sous-partie explore l’enfance de Prince, ses premières influences musicales, et comment il a développé son talent musical dès son plus jeune âge.

**Les premières influences de Prince** incluent une gamme variée de genres musicaux, du jazz au funk en passant par le rock et le R&B. Il apprend à jouer du piano à l’âge de sept ans, avant de maîtriser la guitare et la batterie. Nous examinerons ici comment ces premières influences ont façonné son style musical unique, combinant des éléments de différents genres pour créer un son qui lui est propre.

1.2 Les débuts dans la musique : De Grand Central à son premier contrat

Adolescent, Prince forme son premier groupe, Grand Central, avec quelques amis de lycée. Ce groupe, qui mélangeait funk, rock et R&B, lui permet de se faire connaître sur la scène locale. Cette sous-partie retrace l’évolution de Grand Central, les premières performances de Prince, et comment il a attiré l’attention des producteurs, menant à son premier contrat d’enregistrement.

**La transition de Prince de Grand Central à une carrière solo** marque le début de son ascension. À l’âge de 19 ans, il signe un contrat avec Warner Bros. Records, devenant le plus jeune producteur de l’histoire de la maison de disques. Nous discuterons de l’importance de ce contrat pour Prince, de ses premiers enregistrements, et de la manière dont il a commencé à définir son image artistique, en insistant sur le contrôle créatif total de sa musique.

1.3 Les premiers albums : « For You » et « Prince »

En 1978, Prince sort son premier album, *For You*, un projet ambitieux où il joue tous les instruments et compose tous les morceaux. Cet album marque le début de sa carrière professionnelle, mais c’est avec son deuxième album, *Prince*, sorti en 1979, qu’il connaît son premier véritable succès commercial. Cette sous-partie explore la production de ces deux albums, leur réception critique et commerciale, et comment ils ont jeté les bases de sa future carrière.

**L’album *For You***, bien que n’ayant pas rencontré un succès commercial retentissant, a montré le potentiel de Prince en tant que musicien polyvalent et innovant. Avec des morceaux comme « Soft and Wet », l’album dévoile son talent pour fusionner des genres et créer un son unique. **L’album *Prince***, quant à lui, contient des hits comme « I Wanna Be Your Lover » et se vend à plus d’un million d’exemplaires, établissant Prince comme une force montante dans l’industrie de la musique. Nous examinerons comment ces albums ont contribué à définir le son de Prince et à élargir son audience.

2. L’ascension de Prince : Une carrière marquée par l’innovation et la controverse

Les années 80 marquent la montée en puissance de Prince, avec une série d’albums qui redéfinissent la musique pop et le positionnent comme une figure emblématique de la culture populaire. Cette section explore les albums emblématiques de cette période, ainsi que les controverses et les défis qui ont accompagné son ascension.

2.1 « Dirty Mind », « Controversy », et l’affirmation de son identité artistique

Avec la sortie de *Dirty Mind* en 1980 et de *Controversy* en 1981, Prince commence à explorer des thèmes plus audacieux et à repousser les limites de la musique pop. Ces albums sont marqués par des paroles provocantes, des explorations de la sexualité, et une fusion innovante de funk, rock et new wave. Cette sous-partie analyse l’impact de ces albums sur la carrière de Prince, ainsi que la manière dont ils ont contribué à façonner son image d’artiste rebelle et avant-gardiste.

**L’album *Dirty Mind*** est souvent considéré comme un tournant dans la carrière de Prince. Avec des chansons comme « Head » et « When You Were Mine », il aborde des thèmes de sexualité, d’identité et de rébellion, créant un son brut et minimaliste qui contraste avec la musique pop de l’époque.

**L’album *Controversy*** poursuit cette exploration, avec des titres comme « Controversy » et « Do Me, Baby » qui établissent Prince comme un artiste prêt à briser les tabous et à repousser les limites. Nous discuterons de l’impact de ces albums sur la perception de Prince par le public et la critique, ainsi que de leur influence sur la musique pop des années 80.

2.2 « 1999 » et l’explosion du succès international

En 1982, Prince sort *1999*, l’album qui le propulse sur la scène internationale. Avec des hits comme « 1999 », « Little Red Corvette », et « Delirious », cet album devient un phénomène mondial et positionne Prince comme l’un des artistes les plus innovants de sa génération. Cette sous-partie explore la création de *1999*, son impact sur la carrière de Prince, et comment il a ouvert la voie à son prochain chef-d’œuvre, *Purple Rain*.

**L’album *1999*** est un chef-d’œuvre de la synthèse des genres, mélangeant le funk, le rock, la pop et la musique électronique pour créer un son futuriste et accrocheur. Les singles de l’album connaissent un succès retentissant, avec « 1999 » devenant un hymne des années 80 et « Little Red Corvette » établissant Prince comme un artiste pop de premier plan.

Nous analyserons comment cet album a non seulement élargi l’audience de Prince à l’international, mais a également influencé de nombreux autres artistes de l’époque. Nous discuterons également de la manière dont *1999* a jeté les bases du prochain projet ambitieux de Prince, *Purple Rain*.

2.3 « Purple Rain » : L’apogée de la carrière de Prince

*Purple Rain*, sorti en 1984, est sans doute l’album le plus emblématique de Prince. Accompagné d’un film du même nom, cet album est un triomphe commercial et critique, avec des hits comme « When Doves Cry », « Let’s Go Crazy », et bien sûr, « Purple Rain ». Cette sous-partie explore la production de cet album légendaire, son impact sur la carrière de Prince, et comment il a consolidé son statut de superstar mondiale.

**L’album *Purple Rain*** est plus qu’un simple album ; c’est une œuvre d’art complète qui a marqué une génération. Le film, dans lequel Prince joue le rôle principal, est un succès critique et commercial, renforçant l’impact culturel de l’album. Les chansons de *Purple Rain* sont devenues des classiques intemporels, et l’album lui-même a été certifié multi-platine dans plusieurs pays. Nous discuterons de la manière dont *Purple Rain* a transformé la carrière de Prince, en le propulsant au rang de légende vivante, et comment cet album a influencé la musique pop, le rock, et la culture populaire en général.

3. L’impact culturel de Prince : Un artiste qui a redéfini les normes

Au-delà de sa musique, Prince a eu un impact profond sur la culture populaire, en redéfinissant les normes de genre, de sexualité, et de créativité artistique. Cette section explore l’influence de Prince sur la société, son rôle en tant qu’icône culturelle, et la manière dont il a utilisé sa notoriété pour défendre ses convictions.

3.1 Prince et la redéfinition des genres musicaux

Prince n’a jamais accepté d’être limité par les catégories musicales. Tout au long de sa carrière, il a brouillé les frontières entre les genres, créant une musique qui défie toute classification simple. Cette sous-partie explore comment Prince a redéfini les genres musicaux, en mélangeant le funk, le rock, le R&B, le jazz, et bien plus encore pour créer un son unique et révolutionnaire.

**L’influence de Prince sur les genres musicaux** est incommensurable. En refusant de se conformer aux attentes de l’industrie musicale, il a ouvert la voie à d’autres artistes pour explorer de nouveaux territoires sonores. Nous examinerons comment Prince a intégré divers genres dans sa musique, créant ainsi un son qui transcende les étiquettes traditionnelles. Nous discuterons également de son impact sur les artistes contemporains, qui continuent de s’inspirer de sa capacité à repousser les limites de la musique.

3.2 L’influence de Prince sur la mode et l’expression de soi

Prince n’était pas seulement un musicien, il était aussi un pionnier de la mode et un champion de l’expression individuelle. Son style vestimentaire audacieux, son maquillage, et son attitude provocatrice ont fait de lui une icône de la mode et un modèle pour ceux qui cherchent à s’exprimer sans compromis. Cette sous-partie explore l’impact de Prince sur la mode, son influence sur l’expression de soi, et comment il a redéfini les normes de genre et de sexualité.

**Le style de Prince** était aussi révolutionnaire que sa musique. Connue pour ses tenues flamboyantes, ses couleurs vives, et ses accessoires excentriques, il a défié les conventions de la mode masculine et féminine, créant un look qui était totalement unique.

Nous examinerons comment Prince a utilisé la mode comme un moyen d’expression personnelle, et comment son style a influencé la mode pop et la culture populaire. Nous discuterons également de la manière dont il a contribué à la conversation sur le genre et la sexualité, en brouillant les frontières et en encourageant ses fans à embrasser leur propre identité.

3.3 L’engagement social et les convictions personnelles de Prince

Prince était non seulement un artiste, mais aussi un activiste engagé. Tout au long de sa carrière, il a utilisé sa plateforme pour défendre ses convictions, que ce soit en matière de droits civiques, de justice sociale, ou de liberté artistique. Cette sous-partie explore l’engagement social de Prince, ses prises de position sur des questions importantes, et comment il a utilisé sa musique pour faire passer des messages puissants.

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**L’engagement social de Prince** était profondément enraciné dans sa musique et ses actions. Il a souvent abordé des thèmes de justice sociale dans ses chansons, comme « Sign o’ the Times » qui traite des problèmes sociétaux de l’époque.

Nous analyserons comment Prince a utilisé sa musique comme un outil de changement social, en abordant des sujets comme le racisme, l’injustice et la violence. Nous discuterons également de son soutien à des causes caritatives, de son engagement pour les droits des artistes, et de la manière dont il a utilisé sa notoriété pour défendre la liberté d’expression et les droits humains.

4. L’héritage de Prince : Un impact durable sur la musique et la culture

Prince a laissé derrière lui un héritage qui continue d’influencer la musique et la culture populaire. Cette section se concentre sur son héritage, la manière dont il est perçu aujourd’hui, et comment sa musique continue d’inspirer les générations futures.

4.1 Les rééditions, documentaires, et l’influence posthume

Depuis la disparition de Prince en 2016, son œuvre a été redécouverte et célébrée à travers des rééditions, des documentaires, et de nouvelles interprétations de sa musique. Cette sous-partie explore l’impact posthume de Prince, la manière dont son héritage est préservé, et comment il continue d’influencer la musique et la culture.

**Les rééditions des albums de Prince** ont permis à une nouvelle génération de découvrir son génie musical. Nous analyserons comment ces rééditions, souvent enrichies de contenu inédit, ont ravivé l’intérêt pour son œuvre. Nous discuterons également des documentaires, comme « Prince: Sign o’ the Times », qui ont offert un aperçu de sa vie et de sa carrière, et de la manière dont ils ont contribué à renforcer son héritage. Nous examinerons comment la musique de Prince continue d’influencer les artistes contemporains et comment son style et son approche créative restent pertinents dans le paysage musical actuel.

4.2 La reconnaissance critique et les récompenses

Prince a reçu de nombreuses récompenses tout au long de sa carrière, et son héritage est régulièrement célébré dans le monde de la musique. Cette sous-partie explore les récompenses les plus significatives qu’il a reçues, ainsi que la reconnaissance critique qui lui a été accordée.

**Les récompenses et distinctions de Prince** sont le reflet de son impact durable sur la musique. Nous examinerons les moments clés où il a été honoré, comme son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame, ainsi que les Grammy Awards et autres distinctions qu’il a reçues.

Nous discuterons de la manière dont ces récompenses ont non seulement célébré ses réalisations passées, mais ont également consolidé son statut de légende vivante. Nous aborderons également les hommages rendus à Prince par d’autres artistes et institutions, et comment ces hommages ont contribué à cimenter son héritage dans l’histoire de la musique.

4.3 La perception de Prince par les nouvelles générations

Prince continue d’influencer les nouvelles générations, non seulement par sa musique, mais aussi par son style de vie et son attitude. Cette sous-partie explore comment il est perçu par les jeunes aujourd’hui, son influence sur les artistes contemporains, et comment son héritage continue d’évoluer.

**La perception de Prince par les jeunes générations** est fascinante, car il parvient à rester pertinent même après des décennies dans l’industrie. Nous analyserons comment ses valeurs, son style, et sa musique résonnent avec les jeunes d’aujourd’hui, et comment ils continuent de s’inspirer de son parcours. Nous discuterons également de l’influence de Prince sur les médias contemporains, et comment ils sont représentés dans les films, les séries, et la culture populaire moderne.

Conclusion

Prince n’était pas seulement un artiste ; il était une force de la nature. Avec une carrière qui s’étend sur plusieurs décennies, il a redéfini les normes de la musique populaire et a laissé un impact indélébile sur la culture mondiale. De ses débuts à Minneapolis à son statut de légende, Prince continue de fasciner et d’inspirer des millions de personnes à travers le monde. Alors que nous célébrons son héritage, il est clair que l’influence de Prince sur la musique, la culture et la société se fera sentir pour les générations à venir.

FAQ

1. Quel est l’album le plus emblématique de Prince ?

Purple Rain est souvent considéré comme l’album le plus emblématique de Prince, avec des hits comme « When Doves Cry » et « Purple Rain ».

2. Comment Prince a-t-il influencé la mode et la culture populaire ?

Prince a redéfini le style vestimentaire avec ses tenues flamboyantes, ses couleurs vives, et son attitude audacieuse, influençant des générations de créateurs de mode et de musiciens.

3. Quelle est l’implication de Prince dans l’engagement social et les droits des artistes ?

Prince a été un fervent défenseur des droits des artistes et a souvent utilisé sa musique pour aborder des questions de justice sociale et de liberté artistique.

4. Comment Prince est-il perçu par les nouvelles générations ?

Prince est perçu par les nouvelles générations comme une icône intemporelle, dont la musique et l’attitude continuent de résonner avec les jeunes d’aujourd’hui.

5. Quels sont les projets posthumes qui ont contribué à préserver l’héritage de Prince ?

Les rééditions d’albums, les documentaires, et les hommages musicaux ont tous contribué à préserver l’héritage de Prince et à le présenter à une nouvelle génération de fans.

Kerrang!

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 14/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Kerrang! est un magazine hebdomadaire britannique consacré à la musique rock et métal, actuellement publié par Wasted Talent (la même société qui possède la publication de musique électronique Mixmag ).

Il a été publié pour la première fois le 6 juin 1981 en tant que supplément ponctuel dans le journal Sounds.

Fondé il y a trente-quatre ans, un événement aussi sismique que les événements dans l’industrie de l’édition, sans parler de la musique, c’est aussi une radio, une chaîne de télévision, c’est une cérémonie de remise de prix, une tournée.

Nommé d’après le mot onomatopée qui dérive du son produit lors de la lecture d’un accord de puissance sur une guitare électrique déformée, Kerrang! a d’abord été consacrée à la nouvelle vague du heavy metal britannique et à la montée du hard rock .

Au début des années 2000, il est devenu l’hebdomadaire de musique britannique le plus vendu. L’édition imprimée de Kerrang! est actuellement en pause de publication en raison de la pandémie COVID-19 en cours , bien que le site Web et les éditions numériques se poursuivent comme d’habitude.

Kerrang! : L’histoire

Les débuts de Kerrang! 

Le magazine a été fondé en 1981. Le magazine a commencé la publication le 6 juin 1981 et a été édité par Geoff Barton , initialement comme un supplément ponctuel dans le journal Sounds , qui se concentrait sur la nouvelle vague du phénomène britannique des métaux lourds et sur la montée d’autres actes de hard rock .

Angus Young d’ AC / DC est apparu sur le magazine’ S premier couvercle. Lancé en tant que magazine mensuel, le magazine a commencé à apparaître tous les quinze jours puis dès 1987  chaque semaine.

Le propriétaire d’origine était United Newspapers qui l’a ensuite vendu à EMAP en 1991.

Au cours des années 1980 et au début des années 1990, le magazine a placé de nombreux numéros de thrash et de glam métal en couverture, notamment Mötley Crüe , Slayer , Bon Jovi , Metallica , Poison et Venom ).

 Kerrang! Trash Métal ! 

Le terme « thrash métal » a été inventé pour la première fois dans la presse musicale par Kerrang! journaliste Malcolm Dome , en référence à la chanson Anthrax  » Métal Thrashing Mad « .

Avant cela,  James Hetfield de Metallica avait fait référence à leur son comme  » power métal« .  L’accent du magazine changerait au cours des années 1990 une fois que les actes grunge tels que Nirvana seraient devenus célèbres.

Le magazine A parfois fait face à des critiques pour avoir répété ce processus chaque fois qu’un nouveau sous-genre musical devenait populaire.

La popularité de la société a de nouveau augmenté avec l’embauche de l’éditeur Paul Rees vers 2000, lorsque le genre nu métal , avec des groupes comme Limp Bizkit et Slipknot , devenait plus populaire.

Rees a continué à éditer le magazine Q et l’ancien Kerrang! Le rédacteur des revues Ashley Bird a été nommé rédacteur en chef de 2003 à 2005. Suite à son départ, Paul Brannigan a pris la relève en mai 2005.

Avec l’émergence de l’ emo et du metalcore entre le milieu et la fin des années 2000, le genre se concentre sur le magazine décalé une fois de plus. La refonte n’a pas été bien accueillie par tous les lecteurs et de nombreuses plaintes ont été reçues à propos de Kerrang! L’ accent soudain sur la musique emo et metalcore.

Le records de Kerrang! 

Cependant, à la suite de ce changement, Brannigan a amené le magazine dans sa période la plus réussie commercialement avec un record jamais enregistré ABC pour le titre de 80.186 exemplaires. En outre, le magazine a continué à présenter occasionnellement des groupes plus établis tels que Iron Maiden et Metallica sur la couverture, en dépit d’être critiqué pour faire autrement.

En 2008, EMAP a vendu ses magazines grand public à Bauer Media Group . Brannigan a quitté le magazine en 2009 et Nichola Browne a été nommé rédacteur en chef. Plus tard, elle a démissionné en avril 2011. L’ancien rédacteur en chef de NME et le rédacteur adjoint de GamesMaster James McMahon a été nommé rédacteur en chef le 6 juin 2011.

En avril 2017, le magazine, son site Web et le K! ont été achetés par Mixmag Media, éditeur du mensuel de danse Mixmag , ainsi que des actifs liés au défunt magazine de style The Face . Mixmag a depuis formé la société mère Wasted Talent, qui a relancé Kerrang! comme un titre numérique, tout en continuant à publier une édition imprimée hebdomadaire.

L’ancien rédacteur en chef Phil Alexander a été nommé directeur de la création mondiale le 3 août 2017. Bauer a conservé la propriété de Kerrang! Radio et le réseau Box Plus continueront d’exploiter Kerrang! TV comme avant.

Le logo de du magazine a été lancé à la mi-2017 avant que le magazine ne reçoive une refonte complète en 2018. Ce changement a vu plusieurs des fonctionnalités de longue date du magazine abandonnées, y compris l’Ultimate Rockstar Test, tandis que de nouvelles fonctionnalités ont été ajoutées à leur place.

Kerrang! : Éditions internationales

Emap a lancé Kerrang! Australie à la fin des années 1990. Contrairement à son homologue hebdomadaire au Royaume-Uni, l’édition australienne a été publiée mensuellement en raison de la forte concurrence des publications musicales locales gratuites. Kerrang! est également publié en espagnol et en allemand.le magazine a annoncé son intention de s’étendre aux États-Unis en mars 2018.

En mars 2018, suite à une refonte du magazine, le magazine a annoncé son expansion aux États-Unis, avec un bureau à New York dirigé par Ethan Fixell . L’objectif serait de générer du contenu, des événements et des partenariats de marque centrés sur les États-Unis.

Le Site Web KERRANG!

Kerrang! Le site Web de www.kerrang.com a été lancé à l’été 2001 par Dan Silver. Kerrang! La société mère de Emap a acquis le nom de domaine d’un cybersquatter norvégien du nom de Steingram Stegane pour une somme symbolique de 666 £.

Kerrang! Le site Web présente des nouvelles et des articles sur les groupes de rock contemporain et classique, ainsi que des aperçus des événements à venir. Le site héberge Kerrang! La boutique en ligne, les podcasts, les babillards électroniques, les segments de la télévision et de la radio offrent plus de possibilités de vendre des marchandises et des produits associés.

En 2001, le magazine a lancé son propre forum en ligne avec la section «rants and raves» absorbant la majeure partie du trafic. Bien qu’initialement extrêmement populaire, le nombre d’utilisateurs a commencé à diminuer vers 2005, le nombre de personnes en ligne tombant à 10 alors qu’il était auparavant plus proche du chiffre de 100.

Les Récompenses

Depuis 1993, le magazine organise une cérémonie annuelle de remise de prix pour récompenser les groupes les plus réussis dans l’intérêt de leurs lecteurs. Les récompenses sont devenues l’un des événements les plus reconnus de Grande-Bretagne par le livre Guinness, désormais disparu, des singles et albums à succès britanniques , énumérant souvent certains des gagnants dans leur tour d’horizon annuel de l’année précédente.

L’événement est présenté par de grandes célébrités de la musique, avec de nombreuses autres en dehors de l’industrie qui assistent à l’événement.

Après un an de pause, les prix ont été relancés en 2018, avec des invités notables dont Johnny Depp , Joe Perry , Tony Iommi , Corey Taylor et Dave Grohl , entre autres.

Radio Kerrang!

Article principal: Radio Kerrang
En 2000, EMAP a lancé Kerrang! en tant que station de radio numérique , à travers le Royaume-Uni. C’était principalement une station de «jukebox», jouant une séquence consécutive de rock et de musique alternative .

Le 10 juin 2004, Kerrang! 105.2 a été lancée en tant que station de radio régionale à Birmingham avec une campagne publicitaire de l’agence de création londonienne ODD.

La radio avait un certain nombre de programmes spécialisés consacrés aux nombreux sous-genres de la musique rock. La production radiophonique comprenait des entrevues avec des acteurs de la culture et de la société populaires ainsi que des acteurs de la musique. Elle a cessé de diffuser sur FM à partir du 14 juin 2013 et est redevenue une station numérique, avec des auditeurs capables de syntoniser sur DAB ou le Kerrang! Application radio.

Avec ce changement de diffusion est venu un déménagement à Kerrang! Bureaux de la radio de Birmingham à Londres. Absolute Radio diffuse désormais sur sa fréquence FM.

Kerrang! TV

En 2001, EMAP a lancé Kerrang! TV . Comme pour la station de radio, la chaîne de télévision couvre le côté le plus grand public de la musique rock ainsi que des groupes de rock classique comme Aerosmith et AC / DC , et des groupes de heavy metal classiques tels que Kerrang! Magazine et Metallica .

Kerrang! TV, avec ses chaînes sœurs The Box Plus Network , est désormais entièrement détenue par Channel Four Television Corporation .

La tournée Kerrang!

La tournée s’est déroulée de 2006 à 2017. La programmation de chaque année était généralement annoncée en octobre de l’année précédente et se tenait en janvier et février de l’année suivante. La boisson énergisante implacable a parrainé le magazine Tournée pendant plusieurs années. Il est actuellement inconnu si la tournée sera jamais relancée.

Les dates de la tournée Kerrang! 

• 2006, a présenté Bullet pour My Valentine , Hawthorne Heights , Still Remains et Aiden .
• 2007, avec Biffy Clyro , The Bronx , The Audition et I Am Ghost .
• 2008, a présenté Coheed et Cambria , Madina Lake , Fightstar et Circa Survive .
• 2009, parrainé par Relentless Energy Drink à partir de cette année; a présenté Mindless Self Indulgence , Dir En Grey , Bring Me the Horizon , Black Tide et In Case of Fire .
• 2010, a présenté All Time Low , The Blackout , Young Guns et My Passion . Jettblack ont été ajoutés pour deux dates au London Roundhouse à la fin de la tournée.
• 2011, en vedette Good Charlotte , Four Year Strong , Framing Hanley et The Wonder Years .
• 2012. La tournée a duré du 5 au 17 février. [25] Il a présenté la Nouvelle Gloire Trouvée , Somme 41 , letlive. et pendant qu’elle dort .  Le 20 janvier 2012, il a été révélé que Sum 41 avait été malheureusement forcé de se retirer en raison du chanteur Deryck Whibley qui avait subi une blessure au dos et n’était pas assez bien pour jouer pendant la durée de la tournée, ils ont été remplacés par The Blackout qui avait déjà joué sur la tournée 2010. [26]
• 2013, a présenté Black Veil Brides , Chiodos , Tonight Alive et Fearless Vampire Killers . C’était une tournée de 11 dates qui s’est déroulée du 3 au 15 février, les 6 et 11 étant des jours de congé. William Control était un DJ invité et est également apparu aux côtés de Black Veil Brides sur 2 chansons; Les ombres meurent et à la fin.
• 2014, a présenté Limp Bizkit , Crossfaith , Nekrogoblikon et Baby Godzilla.
• 2015, mettait en vedette Don Broco , We Are the In Crowd , Bury Tomorrow , Beartooth et Young Guns . [27]
• 2016. Le 29 septembre, la tête d’affiche du onzième Kerrang! La tournée s’est révélée être Sum 41. [28] Dans une interview avec Kerrang, le chanteur Deryck Whibley a déclaré que « Après une pause de trois ans, nous sommes honorés que notre première tournée de retour soit le Kerrang! » [29] La tournée a présenté Sum 41 , Roam , Frank Carter & The Rattlesnakes and Biters .
  2017, a présenté The Amity Affliction , Boston Manor, Vukovi et Casey .

Le K! Pit

L’année après le Kerrang final! Tour, Kerrang! a lancé un nouveau concept de concert connu sous le nom de «The K! Pit ‘, où le magazine fait la promotion d’un concert gratuit pour un groupe populaire dans une petite salle londonienne.

Les fans y accèdent en demandant des billets en ligne et en étant sélectionnés au hasard dans un tirage de type compétition. Les artistes présentés jusqu’à présent incluent Parkway Drive , Mastodon , Fever 333 et Neck Deep , cette dernière performance coïncidant avec le Kerrang 2018 ! Récompenses où Neck Deep remporterait la « Meilleure chanson ».

La marque a depuis également lancé la série à Brooklyn, New York, mettant en vedette des artistes tels que Sum 41 , Baroness, Knocked Loose, Filles, apte pour une autopsie . Les performances sont également diffusées sur le Kerrang! Page Facebook avant d’être téléchargée sur YouTube.

Le Kerrang officiel! Graphique Rock

Dans les années 80, le magazine publie des graphiques hebdomadaires de heavy metal pour des singles, des albums et des albums d’importation. Chacun a été compilé à partir des données de vente de cinquante magasins spécialisés à travers le Royaume-Uni.

En mars 2012, Kerrang! a annoncé un nouveau classement hebdomadaire des singles rock pour le Royaume-Uni, basé sur la diffusion sur Kerrang Radio, Kerrang TV et des stations de radio rock spécialisées, ainsi que sur les chiffres de vente de la société Official Charts Company . À partir de 2020, le graphique continue d’être imprimé dans le magazine chaque semaine, contient 20 titres et contient souvent des faits d’accompagnement ou des citations d’artistes.

Le profil officiel de Kerrang Spotify comprend également une liste de lecture des pistes sur le graphique et est mis à jour tous les mercredis.  Le graphique était autrefois annoncé le samedi matin sur Kerrang! Radio et peut être visionné en ligne tous les samedis à midi. Le graphique serait également affiché sur Kerrang! Télévision les jeudis à 16h.

Contrairement au UK Rock & Metal Singles Chart produit par la Official Charts Company, qui est généralement dominé par des artistes de rock classique, le Kerrang! Rock Chart se concentre principalement sur les nouveautés d’artistes rock contemporains.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Photographe célèbre: 14 exemples pour vous inspirer

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 09/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Photographe célèbre: connaissez-vous déjà le travail de ces photographes?

La photographie, comme tout art, ne doit pas être pratiquée dans une chambre d’écho. Afin de devenir meilleur dans votre métier, vous devez voir ce que font les autres artistes. C’est ainsi que les gens grandissent et perfectionnent leurs compétences.

Essayer d’imiter le travail de photographes célèbres n’est pas du vol, c’est simplement une pratique de votre talent. L’acte de créer quelque chose de nouveau et d’unique découle de cette pratique. Voici notre liste de photographes célèbres dont j’espère que vous pourrez vous inspirer créative.

Photographe célèbre 1: Annie Leibovitz

Annie Leibovitz est une photographe de premier plan. Annie Leibovitz a commencé sa carrière de tournage pour le magazine Rolling Stone, y travaillant pendant 10 ans avant de passer à d’autres entreprises. Annie Leibovitz tourne pour de nombreuses publications mais fait la majorité de son travail pour Vanity Fair.

Si vous deviez prendre un numéro actuel du magazine, Annie Leibovitz aurait probablement pris certaines des images qu’il contient. Leibovitz a photographié presque toutes les célébrités imaginables et ce qui la distingue vraiment des autres photographes célèbres, c’est son style d’éclairage.

Photographe célèbre annie leibovitz

Photographe célèbre annie leibovitz

Elle utilise une configuration d’éclairage très distincte qui offre une image presque picturale en sourdine. Ses photographies sont très reconnaissables si vous avez étudié son travail même pour une courte période de temps.

La cohérence dans votre style photographique est une grande compétence à atteindre car cela signifie que les gens peuvent facilement reconnaître votre travail et vous serez davantage embauché.

Si vous voulez imiter Annie Leibovitz, vous devez devenir un maître en éclairage de studio . Bien que l’éclairage de studio puisse être un peu effrayant au début, lorsqu’il est bien fait, la récompense est une image magnifiquement conçue.

Photographe célèbre annie leibovitz

Photographe célèbre 2: Gregory Crewdson

Le travail de cet homme est littéralement énorme. Pensez à la photographie la plus extravagante qui ait jamais pu être construite et Gregory Crewdson l’a fait. Gregory Crewdson est devenu un photographe célèbre pour cette raison exacte.

Gregory Crewdson dépense des milliers et même des millions de dollars pour créer une seule photographie. Imaginez l’ensemble d’un film majeur utilisé pour une seule image. Gregory Crewdson a commencé à expérimenter ces ensembles à grande échelle à l’université et continue de les rendre plus extravagants.

Photographe célèbre Gregory Crewdson

Photographe célèbre Gregory Crewdson

En tant que photographe célèbre, il utilise tout, des bouches d’incendie cassées à la brumisation manuelle d’ensembles entiers pour obtenir ce look. Il utilise des appareils photo grand format pour capturer toute la profondeur qui se passe dans chaque scène, puis réalise d’énormes impressions.

On m’a dit que le seul moyen de saisir la profondeur et le détail de ses photographies est de les voir en personne.

L’idée de mettre en place des scènes est très intéressante et pourrait être longuement expérimentée. Vous n’avez pas besoin d’investir beaucoup d’argent ou d’avoir de nombreux outils pour créer quelque chose d’extraordinaire. Je recommande de commencer par recréer certaines des photos de Gregory, puis d’essayer certaines de vos propres idées.

Ce serait un autre excellent endroit pour mettre en œuvre l’utilisation de feux de vitesse.

Photographe célèbre 3: Richard Avedon

Richard Avedon était un photographe célèbre, un photographe de mode et de portrait de New York. Richard Avedon est devenu célèbre en tirant pour de nombreuses publications telles que Harper’s Bazaar et a photographié un éventail de personnalités.

Mais le travail que je veux souligner est un corpus de photographies intitulé In The American West .

Dans l’Ouest américain, Richard Avedon a parcouru le pays en photographiant des gens ordinaires qu’il trouvait intéressants. Dans l’Ouest américain, Richard Avedon installait un drap blanc sur le côté nord d’un bâtiment pour un éclairage uniforme et un arrière-plan cohérent. Ses assistants rechargeaient constamment son appareil photo géant 8 × 10 pendant qu’il interagissait avec les sujets.

Photographe célèbre RIchard Avdon

En se promenant, il prenait une photo en obtenant des expressions incroyables de la part des personnes debout devant ses caméras. Semblable au travail de Crewdson, Avedon a imprimé ces très grands. Le détail de chaque image est à couper le souffle.

Alors que certains considéraient ce travail de photographe de mode et de portrait comme se moquant des cols bleus, je pense que cela jette un bel éclairage sur les métiers de ces personnes.

Il offrait aux spectateurs dans les galeries un aperçu de la vie quotidienne et du travail auquel ils n’étaient pas habitués et le mettait juste devant leurs visages à vivre. Ces images sont également des œuvres d’art incroyablement belles.

Richard Avedon a vraiment pris son temps pour choisir des individus intéressants et uniques à photographier. Ces photos valent vraiment la peine de passer du temps à regarder.

Photographe célèbre 4: Elliott Erwitt

S’éloignant de la photographie grand format, Elliott Erwitt tournait principalement avec des appareils photo 35 mm. Erwitt était originaire de France et a immigré aux États-Unis pour aller à l’université. Il a travaillé comme assistant de photographie dans l’armée américaine où il a perfectionné ses compétences.

En tant que photographe, Elliott a concentré une grande partie de son attention sur la photographie de rue et est l’un des photographes de rue américains les plus spirituels à avoir jamais honoré la terre. Ses images sont à la fois profondes et amusantes. Si vous aimez la photographie de rue, Elliott Erwitt vous épatera!

Photographe celebre Erwitt

Photographe célèbre 5: Vivian Maier

Probablement la photographe célèbre les plus intéressantes de tous les temps, Vivian Maier n’est devenue célèbre qu’après sa mort. En 2007, John Maloof a acheté une malle de négatifs et de films non développés lors d’une vente aux enchères. Il ne savait pas que le contenu de cette malle comprendrait des milliers d’images d’un photographe bientôt connu nommé Vivian Maier.

Ce que nous savons maintenant de Vivian, c’est qu’elle a passé sa vie en tant que nounou. Elle a principalement photographié sur un appareil photo à double objectif 6 × 6 et l’a emporté partout où elle allait.

La majorité de ses photographies ont été prises à Chicago et à New York. Elle a simplement photographié tout ce qui l’intéressait lorsqu’elle marchait dans les rues.

Photographe célèbre Vivian Maier

Bien qu’elle soit connue pour être recluse et bizarre, ses photographies ne représentent pas ce côté d’elle. Les images de Vivian sont audacieuses et montrent des inconnus qui regardent directement dans son appareil photo.

Je ne peux qu’imaginer ce que les gens ont pensé quand ils ont remarqué une nounou pointant une caméra sur eux dans les rues de Chicago.

Mais sa photographie constante a porté ses fruits et ses images sont très soignées et belles. La chose la plus frappante dans ses photographies est qu’elles semblent appartenir à une autre époque.

Quand on regarde son travail, on dirait qu’il aurait pu être tourné dans les années 30 ou 40, mais la plupart d’entre eux l’ont été beaucoup plus tard.

Si vous voulez en savoir plus sur Vivian Maier, je vous recommande de regarder un magnifique documentaire réalisé sur elle intitulé Finding Vivian Maier.

Photographe célèbre 6: Edward Weston

Edward Henry Weston était l’un des photographes célèbres américains les plus influents du XXe siècle. Il a été reconnu pour son travail dans divers genres. Des nus aux natures mortes en passant par les paysages, Edward Weston a dépeint les sujets de manière innovante mais simple.

Beaucoup pensent qu’Edward Weston a développé l’approche américaine de la photographie moderne en raison de sa concentration sur les lieux et les gens de l’Amérique occidentale.

Des objets du quotidien aux paysages élémentaires, Weston a contribué à sortir la photographie de la perception victorienne de la peinture. Il a été le pionnier d’une approche moderniste d’un appareil photo grand format pour produire des images noir et blanc richement détaillées.

Certaines de ses œuvres célèbres incluent des photos de coquillages, de feuilles de chou et de poivrons qui semblent mystiques et presque érotiques.

Tout au long de sa carrière de quatre décennies, Weston a montré des images soigneusement composées et bien ciblées. Il a continué à travailler jusqu’à ce que sa maladie de Parkinson l’oblige à abandonner l’appareil photo en 1948.

L’héritage de Weston vit sur trois générations de photographes célèbres, ses fils Cole et Brett et ses petits-enfants Cara et Kim.

Photographe célèbre 7: Henri Cartier-Bresson

Considéré par de nombreux historiens comme le «père du photojournalisme», Henri Cartier-Bresson était un photographe humaniste français. Il était un photographe de rue pionnier et savant connu pour ses candides, c’est à dire ses photographies capturée sans pose du sujet photographié. Henri Cartier-Bresson a qualifié son style de photographie de représentation de l’intuition, à la fois, et de la spontanéité.

Henri Cartier Bresson photos célèbres

Henri Cartier Bresson photos célèbres

Henri Cartier-Bresson a inventé le terme «moment décisif», qui est devenu un sujet fascinant mais très débattu dans la photographie moderne. Cela fait référence à la situation où les éléments psychologiques et visuels des personnes dans des scènes de la vie réelle se réunissent en harmonie pour exprimer l’essence de ce moment.

Henri Cartier Bresson s’est rendu en Chine pendant sa révolution, puis en Union soviétique après la mort de Joseph Staline, et enfin en Amérique après la Seconde Guerre mondiale pour documenter les perturbations économiques et sociales après la guerre.

Cartier Bresson a également été l’un des premiers photographes à utiliser un film 35 mm tandis que d’autres utilisaient des appareils photo moyen format volumineux et lourds.

Photographe célèbre 9: Andreas Gursky

Gursky est un photographe célèbre allemand qui se concentre sur l’architecture grand format, la photographie de paysage et les photos manipulées numériquement.

Ses compositions uniques encadrent les sujets à grande échelle, utilisant souvent un point de vue élevé et épissant plus tard plusieurs images ensemble pour un résultat plus dramatique.

Cependant, cette technique de photographie a relancé le débat séculaire sur la manipulation d’image et la capacité d’enregistrement de la vérité d’un appareil photo. Néanmoins, le monde continue d’admirer le travail de Gursky, certaines de ses images atteignant les prix les plus élevés du marché de l’art parmi les photographes célèbres vivants.

Malgré son talent pour le surréalisme et les abstractions, son travail évalue généralement l’agitation de la vie contemporaine et la culture de consommation. Ses photographies sont pleines de couleurs et de touches industrialisées, étonnamment séduisantes et belles.

Photographe célèbre 10: Imogen Cunningham

Cunningham était un photographe célèbre, un américain reconnu pour ses portraits, ses paysages industriels et sa photographie botanique. Ses portraits intimes véhiculent des images floues et une mise au point douce pour solidifier la structure et la silhouette de ses sujets.

Pendant ce temps, les natures mortes florales de Cunningham montrent des formes naturelles utilisant la lumière, les ombres et l’attention portée aux détails.

Ses premières estampes ont été réalisées dans le pictorialisme, un style photographique qui imitait la peinture académique du début du siècle. Cunningham a également expérimenté des images plus nettes pour créer la technique connue sous le nom de photographie nette.

En 1910, elle s’est forgé une solide réputation en tant que photographe portraitiste et commerciale. Au début des années 1920, Cunningham a changé son style pour inclure la vie végétale et la photographie de rue. Elle a également brièvement travaillé pour Vanity Fair et des célébrités dans les années 1930.

Photographe célèbre 11: Man Ray

Man Ray était un artiste visuel américain qui a contribué aux mouvements Dada et surréaliste. Il était surtout connu pour ses portraits et ses photographies de mode. Ray a également expérimenté la création d’images sans caméra, qu’il appelait des «rayographes».

Ray avait été grandement influencé par le travail d’Alfred Stieglitz, dans lequel il utilisait un style similaire de photographies non vernies. Il a également mis en évidence les espaces négatifs, les ombres et l’application à arêtes vives de couleurs non modulées.

Dans les années 1920, Ray a commencé à faire des images animées et a réalisé quatre films non narratifs très créatifs. Il revient à Paris dans les années 1950 et se concentre sur la peinture jusqu’à sa mort.

Photographe célèbre 12: Eliot Porter

Porter était un photographe célèbre pour ses images colorées et intimes de la nature. Il s’est intéressé à la photographie en utilisant un appareil photo Kodak pour prendre des photos d’oiseaux et de paysages dans la maison d’été de sa famille dans le Maine. Tout comme Ansel Adams, Porter a pratiqué la photographie «directe» pour montrer le sujet de manière directe, en mettant l’accent sur les détails et les tons.

Porter est passé à la photographie couleur après qu’un éditeur a rejeté une proposition de livre sur les oiseaux, car les gens ne pouvaient pas différencier les espèces d’oiseaux sur des images en noir et blanc. Il a utilisé un système de lumières stroboscopiques et a passé des heures à composer la scène pour photographier les oiseaux.

Au début et au milieu des années 1950, Porter a beaucoup voyagé pour photographier des lieux d’importance culturelle et écologique. Il a documenté le parc Adirondack, Glen Canyon, les Appalaches, la Basse Californie, les îles Galapágos, la Turquie, la Grèce, l’Islande, l’Afrique, la Chine et l’Antarctique. Avec son travail, Porter a pu publier un certain nombre de livres de photographie acclamés par la critique.

Photographe célèbre 13: Diane Arbus

Arbus était une photographe célèbre surtout connue pour son portrait des gens de New York dans les années 1950 et 1960. Elle a capturé des photographies directes implacables de personnes considérées comme des déviants sociaux à cette époque. Ses images montrent souvent ses sujets regardant directement dans l’appareil photo, la mise au point nette incitant les spectateurs à les regarder et à les reconnaître.

Son œil documentaire a produit des portraits choquants mais intrigants de nudistes, d’hommes tatoués, de détenus d’asile, de malades mentaux, de strip-teaseuses, de toxicomanes, d’artistes de carnaval, de nains et de la communauté LGBT. Arbus a photographié ses sujets dans des environnements familiers comme leur maison, leur lieu de travail ou leur rue pour montrer qu’ils sont comme tout le monde.

Alors que son travail a repoussé les limites de ce que les gens perçoivent comme approprié, ses photographies ont mis en évidence l’essence de l’égalité et de la représentation appropriée à une époque où peu de gens étaient prêts à accepter les marginalisés comme des membres fonctionnels de la société. À l’heure actuelle, des photographes célèbres voient son travail photographique comme une source d’inspiration d’intensité psychologique.

Photographe célèbre 14: George Hurrell

Hurrell était un photographe américain réputé pour ses portraits de stars hollywoodiennes. Son style caractéristique d’éclairage de précision, de projecteurs, de composition, d’ombres et de retouches à la main sur les négatifs a contribué au glamour d’Hollywood des années 1930 aux années 1940.

Les superbes portraits en noir et blanc de Hurrell sont devenus recherchés pour le marketing des acteurs.

Après avoir tourné des images séduisantes pour l’actrice Norma Shearer, MGM a embauché Hurrell comme chef du département de photographie. À la MGM, il était chargé de prendre des photos de stars hollywoodiennes pour chaque film. En dehors de cela, George a travaillé pour Warner Brothers Studio et Columbia Pictures.

Hurrell a servi pendant la Seconde Guerre mondiale et a vécu à New York par la suite en tant que photographe de mode. De retour à Hollywood au milieu des années 50, ses portraits glamour ne font plus appel aux studios. Hurrell a continué à travailler comme photographe d’images fixes sur des plateaux de tournage jusqu’à sa mort.

Photographe célèbre 15: Cindy Sherman

Sherman est une artiste américaine qui a passé la majeure partie de sa vie professionnelle à explorer les concepts d’identité, de sexualité et de féminité. Son travail de photographie se compose principalement d’autoportraits, se représentant dans divers contextes et personnages imaginés.

Le style unique de photographie de portrait de Sherman est devenu central dans la prolifération des images et le consumérisme du XXe siècle.

Alors que Sherman a commencé comme peintre, elle est devenue frustrée par les limites de la forme d’art à l’ère du minimalisme, ce qui l’a amenée à se tourner vers la photographie.

Elle s’inspire de la télévision, du cinéma, de l’imagerie et de la mode de la culture pop pour défier les rôles restrictifs des identités féminines et l’aversion pour l’objectivation.

En tant que maître des photographies socialement critiques, Sherman a remis en question l’influence oppressive des médias de masse sur les identités individuelles et collectives des gens.

À travers ses autoportraits, elle a attiré l’attention du public sur des sujets troublants, les forçant à reconsidérer les hypothèses et les stéréotypes culturels.

Bien sur, il existe bien sur des centaines d’autres photographes à découvrir, mais pour cela, Google reste votre meilleurs ami 🙂

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Rock Hard magazine

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 05/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Rock Hard magazine est un magazine culte de la scène métal européenne. Spécialisé dans le hard rock et le métal, Rock hard paraît dans une vingtaine de pays en Europe dont la France.

L’histoire du Rock Hard magazine Allemand

Rock Hard magazine (également RockHard ) est un magazine de musique allemand publié à Dortmund , en Allemagne, avec d’autres éditions linguistiques dans divers pays du monde, dont la France, l’Espagne, le Brésil, le Portugal, l’Italie et la Grèce. Le magazine se concentre sur le contenu de hard rock et de heavy metal , y compris des reportages, des interviews, des spéciaux, des critiques et des nouvelles.

À côté de l’édition allemande de Metal Hammer, c’est le premier magazine métal et hard rock en Allemagne. Le magazine d’information allemand Der Spiegel l’ a appelé le Zentralorgan (« organe central »),  d’ autres l’ont surnommé un Kultzeitschrift (« magazine culte »).

Rock Hard magazine

Fondé par Holger Stratmann, plus de 300 numéros ont été publiés en Allemagne depuis 1983; il est publié mensuellement depuis 1989. Rock Hard magazine est indépendant des grandes sociétés de médias. Son slogan est « critique, compétent, indépendant ».

Depuis 1990, les employés du magazine organisent également le Rock Hard Festival, qui a lieu chaque année à Gelsenkirchen le week – end de la Pentecôte depuis 2003. Le festival est diffusé par le magazine d’information Spiegel Online , l’édition Internet de Der Spiegel et par la télévision WDR sous le label Rockpalast .

Götz Kühnemund a été rédacteur en chef de Rock Hard magazine de 1990 à janvier 2014, date à laquelle lui et d’autres rédacteurs ont dû quitter le magazine en raison de besoins financiers et de différences créatives avec le fondateur et éditeur du magazine Holger Stratmann.

Kühnemund, qui est une figure bien connue non seulement de la scène métal allemande, était connu pour ses efforts pour préserver ce qu’il appelait le « vrai heavy metal » au lieu de devenir plus commercial, ouvrant le magazine aux influences de différents sous-styles de métal.

Rock Hard magazine – Couverture Mass Hysteria  photo Eric CANTO

Le départ de Kühnemund a été comparé au « pape quittant l’église ». Kühnemund a alors fondé un nouveau magazine appelé Deaf Forever. Boris Kaiser et Michael Rensen sont devenus les nouveaux rédacteurs en chef dans une double direction.

Depuis février 2016, seul Boris Kaiser est rédacteur en chef, tandis que Michael Rensen travaille à nouveau en tant qu’éditeur.

Rock Hard magazine a sa propre chaîne de diffusion de musique sur le portail vidéo Internet Putpat.tv .

Rock Hard magazine publie également sa propre application mobile en plus du magazine disponible sur iTunes et Google Play . Ce développement était dû à la baisse des ventes du magazine imprimé, un phénomène qui a affecté toute la presse musicale en Allemagne ces dernières années et a également forcé Rock Hard à « se concentrer sur l’activité principale », en utilisant le secteur en ligne pour le marketing et les services supplémentaires.

Rock Hard magazine  

L’histoire du RockHard magazine en France

En France, Rock Hard magazine est disponible depuis juin 2001 et est édité par Grands Malades Éditions SARL. Il a été créé par Marc Villalonga et Philippe Lageat, un photographe et un journaliste qui ont déjà fait leurs preuves dans d’autres journaux et qui ont quitté leur précédent employeur, Hard Rock Magazine, afin de voler de leurs propres ailes.

La rédaction de Rock Hard magazine est complétée par Stéphane Auzilleau, Benji, Charlélie Arnaud, Emmanuel Hennequin, Djul, Guillaume Fleury, François Blanc, Stephan Biard et Morgan Rivalin.

Rock Hard magazine  

On y trouve les mêmes rubriques que dans la version allemande et des rubriques originales telles que l’« Œil de verre » (photographie d’un musicien célèbre commentée par son auteur), « Première Fois » (les premières fois d’un artiste), « Dans la peau de… » (les tatouages d’un artiste) et, surtout, la « Métalthèque idéale » (une sélection des meilleurs albums de chaque genre).

La rédaction de Rock Hard magazine se targue, de plus, de produire un magazine « 100 % indépendant ». Ce dernier est en effet capable de se financer entièrement seul. La version francophone est distribuée en France, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg et au Canada.

En avril 2009, Rock Hard magazine jouit d’une exposition inattendue puisque le député PS Patrick Roy, au cours du débat sur la loi Hadopi, brandit le magazine à la tribune de l’Assemblée nationale afin d’expliquer à l’hémicycle qu’internet a favorisé l’émergence et la diffusion de petits groupes – tels que Rock Hard magazine les recense.

Lors de la session de questions au gouvernement du 30 mars 2010, Patrick Roy récidive avec un exemplaire du hors-série consacré à l’édition 2009 du Hellfest avant d’interroger le ministre de la culture sur la polémique née des propos de Christine Boutin et Philippe de Villiers sur le festival de musiques extrêmes.

En juin 2010 est sorti le numéro 100 de Rock Hard magazine qui retrace les dix ans de carrière de la rédaction.

Rock Hard magazine Mass Hysteria photo Eric CANTO

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le magazine français RockHard :

1. Qu’est-ce que le magazine RockHard ?

RockHard est un magazine français de musique rock et métal qui a été créé en 1983. Le magazine propose des critiques d’albums, des interviews, des reportages sur des concerts, ainsi que des articles sur l’actualité de la scène rock et métal en France et dans le monde.

2. Qui sont les lecteurs de RockHard ?

Les lecteurs de RockHard sont principalement des fans de musique rock et métal en France et dans les pays francophones. Les lecteurs du magazine sont généralement des hommes âgés de 18 à 35 ans, bien que le magazine attire également un public plus large de tous âges et de tous genres.

3. Quel est le contenu du magazine RockHard ?

Le contenu de RockHard est principalement axé sur la musique rock et métal. Les numéros du magazine comprennent des critiques d’albums, des interviews avec des musiciens célèbres, des reportages sur des concerts, des festivals et des événements de musique rock et métal. Le magazine propose également des articles sur l’actualité de la scène rock et métal en France et dans le monde.

4. Qui écrit pour RockHard ?

RockHard est écrit par une équipe de journalistes et de chroniqueurs passionnés de musique rock et métal. Les journalistes du magazine ont généralement une expérience dans le journalisme musical ou ont travaillé pour d’autres magazines de musique avant de rejoindre l’équipe de RockHard.

5. Comment est sélectionné le contenu de RockHard ?

Le contenu de RockHard est sélectionné par l’équipe éditoriale du magazine, qui suit de près l’actualité de la scène rock et métal en France et dans le monde. Les albums, concerts et événements sont choisis en fonction de leur pertinence pour le public du magazine et de leur qualité artistique.

6. Comment est financé RockHard ?

RockHard est financé par les ventes du magazine et par la publicité. Le magazine propose également des abonnements à ses lecteurs.

7. Quel est l’impact de RockHard sur la scène musicale rock et métal ?

RockHard est considéré comme l’un des magazines de musique rock et métal les plus influents en France et dans les pays francophones. Le magazine a contribué à promouvoir de nombreux groupes de rock et de métal, en particulier ceux de la scène française, et a joué un rôle important dans la promotion de concerts et de festivals de musique rock et métal.

8. Quel est le positionnement éditorial de RockHard ?

Le positionnement éditorial de RockHard est centré sur la musique rock et métal, avec une approche passionnée et engagée envers la musique et les musiciens. Le magazine est connu pour son ton direct et sans compromis, ainsi que pour son engagement envers la promotion de la scène rock et métal en France et dans les pays francophones.

9. Comment RockHard s’est-il adapté à l’ère numérique ?

RockHard s’est adapté à l’ère numérique en proposant un site web et une application mobile qui proposent du contenu exclusif en plus du contenu du magazine imprimé. Le magazine est également présent sur les réseaux sociaux, où il partage des actualités, des critiques et des reportages sur la scène rock et métal en temps réel avec ses abonnés et ses lecteurs. Le site web de RockHard propose également des vidéos, des podcasts et des événements en direct, permettant au magazine de toucher un public plus large et de s’adapter aux nouvelles tendances en matière de consommation de contenu en ligne.

10. Comment peut-on se procurer RockHard ?

RockHard est disponible en kiosque en France et dans les pays francophones, ainsi que sur le site web du magazine où l’on peut s’abonner pour recevoir les numéros directement chez soi. Le magazine peut également être acheté dans les boutiques spécialisées en musique rock et métal.

Bonus : l’interview de Holger Stratmann, fondateur de Rock Hard Magazine

Bonjour Holger Stratmann, Vous avez beaucoup de concurrence de la part des webzines, de YouTube et des algorithmes mentionnés précédemment de Spotify and Co. en ce qui concerne les recommandations musicales et les rapports sur la musique. Bien sûr, les médias sociaux jouent également un rôle car ils donnent aux musiciens la possibilité de partager eux-mêmes leur actualité avec le monde entier. Mais quels atouts et avantages pensez-vous qu’un magazine imprimé a encore sur toutes ces choses?

Je pense que l’art consistera tout d’abord à relier de manière transparente ces deux mondes. Que vous combiniez la vitesse et l’immédiateté d’Internet avec des articles plus longs, car c’est encore difficile pour moi numériquement. Cela dépend beaucoup du type de présentation et de la facilité de lecture. Le journalisme devrait toujours vouloir raconter des histoires plus longues en premier.

Qu’ils puissent ensuite être lus sous forme imprimée ou numérique est d’importance secondaire tant qu’ils sont payés. Parce qu’une histoire bien documentée n’est même pas écrite de cette façon. Et si c’est censé être quelque chose qui, au mieux, est toujours intemporel, alors il a sa valeur.

Il y a beaucoup d’histoires Rock Hard des cinq dernières années qui étaient dans le magazine et qui ont maintenant disparu à moins que vous ne preniez un vieux magazine. Pour moi, ce n’est pas une question de format. Je pense que le numérique est vraiment bien.

Je peux m’asseoir à la maison et faire défiler des textes d’il y a quelques années. Je mentionne spontanément «Heavy Metal en Afrique» d’Andreas Schiffmann. Peut-être qu’un ou deux groupes se sont joints maintenant, mais c’est toujours très pertinent. Mais il est important qu’il y ait de telles histoires et que l’on trouve quelqu’un qui les paie pour qu’Andreas Schiffmann puisse écrire cette histoire.

C’est une question d’appréciation. La manière dont l’histoire parvient ensuite au lecteur est en fait relativement secondaire. L’important est que l’histoire existe.

Rock Hard est une sorte de marketplace pour tous les acteurs de la scène qui y sont présentés. Cela nous permet de rassembler des personnes qui autrement ne se seraient peut-être pas trouvées. Bien sûr, vous pouvez rechercher un groupe sur Google aujourd’hui, mais si vous n’avez pas le nom, vous devez le trouver quelque part.

Et c’est cette fonction de filtre. C’est aussi un aspect très important car aujourd’hui, chacun dans le salon peut plus ou moins enregistrer un disque seul. On ne peut pas tout entendre non plus, personne ne peut faire ça. Mais nos 30 ou 40 personnes, qui ont leur scène dans leurs manches, peuvent en faire un best-of. Si cela n’existait plus, le niveau de la scène musicale chuterait incroyablement.

Il existe bien sûr d’autres magazines et magazines en ligne. Mais il est important qu’il y ait des médias qui fassent le filtrage, et nous prétendons aussi le faire de manière professionnelle. Cela signifie, d’une part, que vous devez toujours tout donner et aligner votre journée en conséquence, et d’autre part, que vous l’abordez de manière indépendante et critique. Et il est important que cela existe. La forme sous laquelle il est lu est moins importante. Tout le monde peut le faire à sa guise.

Vous avez maintenant parlé de la concordance de l’imprimé et en ligne. Certains magazines tels que le NME britannique ou ici en Allemagne Spex et Groove sont passés à un fonctionnement purement en ligne après l’arrêt de l’édition imprimée. Pourriez-vous imaginer cette étape pour Rock Hard en fonction du développement futur du magazine?

Eh bien, je serais probablement un éditeur incroyablement mauvais si je ne pouvais pas imaginer cela. Mais bien sûr, c’est une chose sacrément dangereuse à modérer. Bien sûr, nous y pensons. Vous devez avoir le bon timing.

Vous ne pouvez pas être trop tôt, pas trop tard et un peu de chance en fait également partie. De plus, vous êtes incroyablement dépendant de la technologie. Cela ne doit pas être oublié. Un magazine imprimé comme celui-ci ne fonctionne pas tout seul, mais nous connaissons chaque étape.

Le numérique n’a besoin que d’un système d’exploitation Apple ou Android pour apporter une innovation et en tant qu’éditeur, vous n’avez aucune influence sur la façon dont le contenu est affiché. Bien sûr, il y a des gens qui s’occupent de cela et qui sont très bien payés pour cela.

Mais c’est le nœud du problème pour moi, le rythme rapide de l’édition numérique. Dans quels appareils se trouvent actuellement?

Comment fonctionnent les systèmes? Quelle est la politique de base? Tout cela change très rapidement. Lorsque nous avons lancé notre application, l’iPad était l’appareil du futur. J’étais absolument ravi de la façon dont il était affiché et je lis toujours mes magazines sur l’iPad aujourd’hui.

Mais tout d’un coup, tout le monde avait d’énormes téléphones portables que vous ne pouviez même pas mettre dans votre poche. Vous n’êtes pas impliqué dans ce développement. Il y a des gens qui font des prédictions, mais vous ne pouvez pas toujours vous y fier. C’est incroyablement dangereux.

La question de savoir si, quand et comment nous allons franchir cette étape …

FENDER STRATOCASTER & TELECASTER : L’HISTOIRE

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 02/01/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

L’histoire de Fender : Fender Stratocaster & Télécaster

Leo Fender

Clarence Leonidas «Leo» Fender est né en 1909 et a grandi en Californie. Ses parents, Clarence Monte Fender et Harriet Elvira Wood, étaient propriétaires d’une orangeraie prospère située entre Anaheim et Fullerton, en Californie. Leo a montré un intérêt pour le bricolage de l’électronique à un très jeune âge.

Son oncle, qui dirigeait un atelier automobile-électrique, a eu une grande influence sur lui. Leo était fasciné par les radios et a rapidement commencé à les réparer dans un petit magasin de la maison de ses parents.

Après avoir obtenu son diplôme du Fullerton High School, Leo a fréquenté le Fullerton Junior College où il a étudié pour devenir comptable. Il a continué à apprendre l’électronique et à bricoler des radios et d’autres appareils électriques. Leo n’a jamais suivi de formation formelle en électronique.
Plus tard, il est devenu comptable et a appris un peu comment gérer une entreprise.

Alors qu’il travaillait comme comptable, un chef de groupe local a demandé à Leo s’il pouvait créer un système de sonorisation à l’usage du groupe lors des danses à Hollywood. Vous ne pouviez pas conduire à Guitar Center ou à Sam Ash à l’époque. Ce n’étaient pas des articles «prêts à l’emploi».Il a finalement été engagé pour construire six de ces systèmes de sonorisation.

Leo a épousé sa première femme, Esther Klosky en 1934 et a pris un emploi responsable avec le département des autoroutes de Californie à San Luis Obispo.

Cependant, son poste au gouvernement a été éliminé en raison de compressions. Après avoir perdu un autre emploi en tant que comptable dans une entreprise de pneus en raison d’une réduction des effectifs après seulement six mois, Leo en avait assez avec les chiffres d’équilibrage.

En 1938, avec un emprunt de 600 $, Leo et Esther retournèrent à Fullerton, et Leo créa son propre atelier de réparation de radio, «Fender Radio Service».

Le début de l’histoire de Fender

C’est là que commence l’histoire. Il a ouvert sa petite boutique pour réparer les radios, les phonographes, les amplificateurs audio pour la maison, les systèmes de sonorisation et les amplificateurs d’instruments de musique.

À la fin des années 1930, ils étaient tous basés sur des tubes à vide avec les conceptions originales basées sur la recherche développée et publiée dans le domaine public par Western Electric, qui fabriquait des équipements pour les compagnies de téléphone.

L’entreprise de vitrine de Leo proposait également des disques à vendre et des systèmes de sonorisation auto-conçus en location.

Leo a commencé à construire des amplificateurs basés sur ses propres conceptions ou des modifications de conceptions, qu’il estimait avoir amélioré leur qualité et leur utilité.

Le Fender Radio Service était l’un des rares endroits autour de Fullerton à acheter des disques ou à faire réparer une radio.

Leo était un homme d’affaires intelligent et fournissait tous les articles ou appareils de sa petite entreprise qui pourraient éventuellement faire des bénéfices.

Des musiciens locaux et des chefs de groupe ont commencé à venir chez Leo pour des systèmes de sonorisation, qu’il a construits, loués et vendus.

Ils ont également visité son magasin pour l’amplification des guitares acoustiques qui commençaient à être utilisées dans le big band et le jazz, et pour les guitares électriques «hawaïennes» ou «lap steel» qui devenaient très populaires.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, au début des années 1940, Leo rencontra Clayton Orr «Doc» Kauffman qui était musicien et formellement le concepteur en chef des guitares électriques pour Rickenbacker, qui fabriquait et vendait des guitares lap steel depuis une décennie.

Doc Kauffman a inventé et breveté l’une des premières unités de vibrato mécaniques, Vibrola (parfois appelé «Kauffman Vibrola» ou «Kaufman vibrato») en 1935. Il est rapidement devenu le partenaire commercial de Leo et ils ont fondé la K & F Manufacturing Corp pour concevoir, fabriquer , et commercialiser des instruments et amplificateurs électriques.

K & F a commencé la production en 1945 avec des guitares hawaïennes en acier lap (incorporant un micro breveté) et des amplificateurs à tube à vide (ou à valve) vendus en ensembles. À la fin de l’année, il est devenu convaincu que la fabrication était plus rentable que la réparation et il a décidé de se concentrer sur cette activité à la place.

Il est important de se rendre compte que c’était à la fin de la grande guerre et Kauffman avait déjà vu des tentatives infructueuses de profits chez Rickenbacker. Kauffman n’était pas convaincu par les perspectives avec Leo et avait peur de perdre l’argent qu’il avait encore.

Kauffman et Fender se séparèrent à l’amiable au début de 1946. À ce moment-là, Leo renomma la société Fender Electric Instrument Company. L’atelier de service d’origine est resté ouvert jusqu’en 1951, bien que Leo ne l’ait pas personnellement supervisé après 1947.

C’est donc à ce moment que «Fender» en tant que société est née. On pensait qu’une guitare lap steel personnalisée fabriquée en 1946 pour son ami Noel Boggs était le tout premier produit arborant le logo Big «F» désormais familier.

En 1948, l’ingénieur George Fullerton a été embauché par Leo, commençant un partenariat et une amitié qui dureraient plus de 40 ans. George a travaillé avec Leo sur de nombreux designs de guitares et d’amplis. Il a également joué un rôle important dans la marque en introduisant des couleurs dans les modèles de guitare. Le premier était connu sous le nom de «Fullerton Red» du nom de George Fullerton.

Deux autres personnes qui ont joué un rôle important dans les premiers succès de la marque étaient le musicien / ingénieur produit Freddie Tavares et le génie du marketing Don Randall.

Rickenbacker était le distributeur exclusif des guitares et amplificateurs Hawaiian Lap Steel de Fender à ses débuts. Don Randall a réuni ce que le partenaire d’origine de Fender, Doc Kauffman, a appelé «un distributeur de vente comme personne n’avait jamais vu dans le monde».

C’est Don Randall qui a suggéré à Leo de concevoir une guitare de style espagnol pour compléter les aciers de style hawaïen que Fender vendait vers 1948. Leo a commencé à travailler sur le design.

Personne ne sait à quel point la guitare Merle Travis de Doc Kauffman, Les Paul, Don Randall ou Paul Bigsby a eue sur la conception initiale de Leo de la première guitare électrique solid body de Fender.

Il est probable que Leo était bien conscient du corps solide de Bigsby car ils se connaissaient socialement et étaient tous deux basés en Californie. Leo   n’était pas un guitariste. Cela a peut-être été un inconvénient, mais cela lui a probablement permis de «sortir des sentiers battus» dans ce qu’il pensait que sa conception de la guitare devrait être.

Leo a passé beaucoup de temps à parler avec des musiciens country et occidentaux locaux qu’il connaissait. Il a loué des AP à beaucoup d’entre eux. Fender a fait fabriquer des guitares lap steel pendant quelques années. Leo a développé une bonne idée de ce qu’ils voulaient dans un instrument.

Il a déterminé que beaucoup de musiciens à l’époque possédaient peut-être une guitare. Si la guitare était endommagée ou si les frettes étaient usées, les réparations seraient coûteuses et prendraient beaucoup de temps. Si leur guitare était en réparation, ils ne pourraient pas gagner leur vie. Les musiciens qui travaillent apprécieraient une guitare peu coûteuse, facile et rapide à réparer.

De nombreux petits combos jouaient maintenant du boogie-woogie, du rythme et du blues, du swing occidental et du honky-tonk dans les roadhouses et les salles de danse, ce qui, selon Leo, créait un besoin croissant de guitares plus bruyantes, moins chères et plus durables.

Depuis que Leo a loué du matériel de sonorisation, il était bien conscient des problèmes de rétroaction des guitares électrifiées à corps creux. Leo était là pour concevoir ce qu’il pensait être une meilleure guitare pour les musiciens qui travaillent.

Leo pouvait regarder quelque chose et discerner immédiatement la méthode la plus simple pour faire tout ce qui devait être fait », a déclaré Les Paul. «C’était un type bon et honnête qui fabriquait une guitare simple.

LA PREMIERE FENDER : L’ESQUIRE

LA ESQUIRE

Après quelques prototypes et quelques tests et commentaires de joueurs, puis des améliorations éventuelles, Leo était prêt à lancer la première guitare solid body . La première guitare était l’Esquire 1950, ainsi nommée car elle sonnait royale.

L’Esquire avait un seul pick-up, une pleine échelle de 25,5 pouces et pas de truss rod. Le premier montré dans le catalogue 1950 était en fait peint en noir avec un pickguard blanc.

Je suppose que cela correspond au thème «royal». Même si le magazine Esquire était populaire à l’époque, personne ne s’est plaint du nom. Leo avait estimé que l’érable de roche qu’il utilisait pour les manches serait assez solide et qu’une barre de traction ne serait pas nécessaire.

Cela s’est avéré être un faux départ car certains cous avaient des problèmes de déformation. Une cinquantaine seulement ont probablement été fabriquées. Ce qui a suivi était un modèle plus raffiné.

En 1951, Leo a offert la première guitare électrique de style espagnol à corps solide produite en série, qui avait deux micros et un truss rod. L’un des problèmes était que les premières précommandes concernaient en fait le seul pick-up Esquire, qui était un peu moins cher à fabriquer.

La solution était donc de donner un nouveau nom au nouveau modèle à deux micros et de mettre fin au modèle de micros Esquire one. La radio était un roi à cette époque et Leo était un réparateur de radio, donc le nom reflétait cela, comme on l’appelait le Broadcaster.

Le diffuseur a été présenté au public par la marque en 1951, avec un prix de 169,95 $ plus 39,95 $ pour le cas. Doté de l’ajout d’une tige de truss réglable et a été la première guitare  officiellement publiée avec 2 micros (bien que certains Esquires de transition à 2 micros existent).

MAIS ce fut de courte durée… le nom fut bientôt changé. On estime que de 50 à 500 diffuseurs ont été construits, bien que la plupart des experts s’accordent à dire qu’il n’y a probablement pas eu plus de 200 instruments produits au cours des six mois environ pendant lesquels le nom du diffuseur a été utilisé.

FENDER CONTACTE PAR GRETSCH

Presque immédiatement, Fender a été contacté par la Gretsch Company de Brooklyn, New York par télégramme. Gretsch a informé Fender qu’ils avaient une marque déposée sur le nom, Broadkaster, qui était utilisée pour leur batterie.

La marque étant une jeune entreprise, a reconnu ce dilemme et savait qu’elle avait besoin d’un changement de nom rapide. Leo  était un gars qui a vécu la Grande Dépression et qui était assez frugal.

Donc, pour économiser de l’argent et ne pas ralentir la production, il a demandé aux ouvriers de l’usine de couper simplement Broadcaster des décalcomanies pour que la guitare dise simplement Fender. Les collectionneurs ont ensuite surnommé ces guitares «sans roulettes».

Fender Champion Lap Steels que Leo fabriquait dès 1948, partageait de nombreux éléments de conception pour le Broadcaster. Les premiers micros de tête sur le Fender Broadcaster étaient identiques au Champion Lap Steel.

Il n’est pas rare de trouver de nombreux champions vintage Lap Steel manquant leurs micros, boutons ou pots d’origine en tant que joueurs capables de les acheter dans des prêteurs sur gages à bas prix après la fin des années 1960.

LA FENDER TELECASTER

Bientôt, la guitare a été renommée. Beaucoup de gens achetaient des téléviseurs pour la première fois, le nom choisi était donc Telecaster. Avec la   Telecaster, Leo voulait changer le monde de la guitare pour toujours.

La Fender Telecaster était une guitare entièrement solide avec un boulon sur le manche en érable rock. L’idée était que si les frettes étaient usées ou si le manche était endommagé, vous pouviez remplacer le manche par un nouveau avec quatre vis.

LE CORPS DE LA FENDER TELECASTER

Le corps était en frêne, après que Fender eut essayé d’autres bois. Les corps prototypes étaient en pin, mais facilement bosselés car le pin est un bois tendre. Le frêne a probablement été utilisé car c’est un bois plus dur qui a un joli grain qui pourrait transparaître à travers la finition et qui était facile à acquérir.

Le corps a été acheminé pour les micros et la plaque de commande qui pourraient facilement permettre l’accès aux pièces électroniques. La Telecaster, était une guitare solidement construite qui pouvait être utilisée pour arrêter un combat de bar et rester toujours à l’écoute!

Une fois la  Telecaster introduite, l’Esquire est devenue une version à moindre coût. Il est venu avec un pick-up, mais la plupart avaient le corps a été acheminé pour deux micros et couvert par le pickguard.

Le joueur peut toujours ajouter un deuxième ramassage plus tard, s’il le souhaite. Les ventes de l’Esquire ont finalement diminué et le modèle a été abandonné en 1969. Il a cependant été réédité plusieurs fois.

Certains peuvent se demander qui a créé la première guitare électrique solid body.

Ce que nous savons avec certitude, c’est que Leo  a considérablement amélioré les conceptions antérieures qui pouvaient être produites en série et ne nécessiteraient pas de luthier hautement qualifié pour la construction.

Leo voulait produire ces guitares en masse et il a construit une usine pour y parvenir.

D’autres constructeurs, comme Paul Bigsby, n’avaient aucun désir d’usine et ne fabriquaient que des guitares fabriquées à la main. L’une des principales différences entre Bigsby et Fender était leurs modèles commerciaux.

Leo, avait une usine avec des employés à rencontrer. Cela a sûrement aidé à dicter comment la Telecaster a été conçue et construite.

LA TELECASTER « HOMEMADE »

la marque a fabriqué la plupart des pièces de la  Telecaster dans sa propre usine. Une bonne partie du génie de Leo était de pouvoir «outiller» l’usine et de concevoir le processus de construction en utilisant une main-d’œuvre locale.

Il n’y avait pas de «maîtres constructeurs» chez la marque à l’époque. La plupart des travailleurs de l’usine étaient des femmes et des travailleurs migrants formés à l’intérieur de l’usine. Leo a conclu un accord avec VC Squier Company pour fournir des cordes pour ses nouvelles guitares électriques vers 1950.

Jimmy Bryant a été l’un des premiers soutiens de la Telecaster. C’était un joueur de country de haut niveau qui était très populaire avec Speedy West (sur de l’acier à pédales qui était en fait fabriqué sur mesure par Paul Bigsby).

Jimmy était un des premiers «guitar-hero» et d’autres joueurs étaient très intéressés par cette nouvelle guitare Fender qu’il jouait. Jimmy Bryant a été utilisé dans les premières publications de vente .

La  Telecaster qui avait l’air un peu rudimentaire, par rapport aux guitares traditionnelles, s’appelait de nombreux noms, comme la pagaie de canoë, la planche, etc. Cependant, la Telecaster était un succès à peu près depuis le début, mais Leo ne s’est pas arrêté là.

Les premiers Esquire, Broadcaster, «no-caster» et   Telecaster sont connus sous le nom de Blackguards car ils partagent tous un pickguard noir de 1950 à 1954. À la fin de 1954, la  Telecaster devient Whiteguard.

LA PRECISION BASS

LEO FENDER INVENTE LA PREMIERE BASSE ELECTRIQUE

En 1951, Leo a inventé la première basse électrique solid body produite en série, la Precision Bass (P-Bass) avec une échelle de 34 pouces.

Leo a compris les problèmes rencontrés par les joueurs de contrebasse acoustique, qui ne pouvaient plus rivaliser pour le volume avec les autres musiciens. Transporter une grosse basse «dog house» n’était pas une tâche facile car ils sont gros et encombrants.

La Precision Bass a été nommée pour refléter le fait qu’elle était frettée et permettait aux bassistes de jouer avec «précision».

LEO FENDER INVENTE LE  BASSMAN

la marque a également présenté un amplificateur de basse, le Bassman, un amplificateur de 25 watts avec un haut-parleur de 15 ″ (plus tard mis à jour à 45 watts et quatre haut-parleurs de 10 ″ et souvent adopté par les guitaristes).

Ce succès précoce a certainement attiré l’attention de Gibson. Gibson avait transmis l’idée des guitares électriques solid body, mais s’est vite rendu compte qu’elles devaient réagir rapidement. L’appel du nom n’aurait plus d’importance.

Gibson a contacté Les Paul, qui essayait depuis plusieurs années d’acheter l’idée de la guitare solid body. Les Paul était un joueur de premier ordre avec des records à succès.

Gibson a présenté la guitare solid body Les Paul Gold Top de 1952 en 1952. Cet accord d’approbation avec Les Paul a été l’un des contrats les plus longs et les plus réussis dans le monde de la guitare.

Les Paul avait montré à Gibson sa «bûche» créée à partir d’un morceau de bois massif 4 X 4 auquel des «ailes» avaient été ajoutées à partir d’un corps de guitare archtop standard pour créer une forme de guitare reconnaissable qui lui permettait de jouer assis au début des années 1940 .

OW Appleton a également lancé sa guitare APP sur Gibson en 1943 qui ressemble beaucoup à une Gibson Les Paul des débuts. Gibson n’avait aucun intérêt pour une guitare solid body. Après la Telecaster de Fender, Gibson a finalement dû prendre les guitares solid body au sérieux.

LA STRATOCASTER

En 1954, la marque a répondu avec un tout nouveau design qui, selon Leo , remplacerait la Telecaster. La Stratocaster a été conçue par Leo , Bill Carson, George Fullerton et Freddie Tavares.

Freddie Tavares (qui a également contribué à la conception de l’ampli Bassman classique). Tavares était un talentueux musicien et inventeur hawaïen qui a en fait joué le swoop lap steel sur le début du thème Looney Tunes.

Il était un bon guitariste et un virtuose de la steel guitar, jouant sur plusieurs centaines de sessions d’enregistrement, d’émissions radio et de bandes sonores de films avant de travailler pour Leo.

FENDER STRATOCASTER PREMIERE GUITARE A DISPOSER DE 3 MICROS

La Stratocaster avait une forme de corps unique de l’ère spatiale «à double pan coupé» qui présentait des contours du corps pour le confort du joueur et était bien équilibrée. La Fender Stratocaster a été la première guitare à disposer de trois micros et d’un système de vibrato à ressort.

Le système de trémolo est en fait mal nommé car il s’agit en fait d’un vibrato (appelé plus tard le trémolo sur leurs amplis un vibrato). Les doubles cutaways de la Stratocaster ont permis aux joueurs d’accéder plus facilement à des positions plus élevées sur le cou.

Le nouveau trémolo tendu par ressort maintiendrait la guitare relativement harmonieuse une fois utilisée. La Fender Stratocaster est toujours la guitare électrique la plus populaire et la plus copiée au monde.

Le vibrato est un effet de modulation qui varie la hauteur. Le trémolo est également un effet de modulation, mais il utilise une amplitude ou un volume variable du signal.

Donc techniquement, le «bras trémolo» de votre guitare est un vibrato qui fait varier la hauteur des cordes et le vibrato comme le nomme sur certains amplis, est en fait un trémolo qui fait varier le volume du signal amplifié.

De véritables effets de «vibrato» peuvent être trouvés sur certaines pédales et processeurs d’effets, mais rarement intégrés dans les amplis. Tremolo modifie le signal électroniquement, ce n’est donc pas ce que l’on trouve sur votre guitare qui utilise un système de cordes mécanique pour modifier la hauteur.

LES PREMIERS JOUEURS DE FENDER STRATOCASTER

Les premiers joueurs de Stratocaster qui ont contribué à propulser ce modèle pour Fender étaient Buddy Holly, Dick Dale et Hank Marvin of the Shadows (groupe qui a initialement soutenu Cliff Richard) qui ont joué l’un des premiers Strats introduits en Grande-Bretagne.

En 1965, George Harrison et John Lennon ont acquis  Stratocasters et les ont utilisés pour Help !, Rubber Soul et des sessions d’enregistrement ultérieures; le solo de guitare à double unisson sur «Nowhere Man» est joué par Harrison et Lennon sur leur Sonic Blue Stratocasters.

Cependant, les Beatles ne jouaient pas en direct à cette époque, si peu de gens savaient que Strats était en studio. C’est plus tard que George Harrison a transformé sa Sonic Blue Stratocaster en guitare emblématique Rocky lorsqu’il a peint la sienne.

La  Stratocaster dispose de trois micros à simple bobinage, avec la sortie sélectionnée à l’origine avec un commutateur à 3 voies (comme le commutateur de la Telecaster).

Le joueur a rapidement découvert qu’en bloquant un livre de match ou un autre élément dans le commutateur, ils pouvaient obtenir des sons différents entre la 1ère et la 2ème position (les micros du chevalet et du milieu pouvaient être sélectionnés), et de même, les micros du milieu et du manche pouvaient être sélectionnés entre les 2ème et 3ème position.

Ceci est devenu connu sous le nom de ton charlatan Stratocaster. En 1977,la marque a finalement ajouté un sélecteur à 5 positions facilitant ces combinaisons de micros.

Le ton «charlatan» des micros central et chevalet a été popularisé par des joueurs tels que David Gilmour, Rory Gallagher, Mark Knopfler, Bob Dylan, Scott Thurston, Ronnie Wood, Ed King, Eric Clapton et Robert Cray.

Avec toutes ces innovations et améliorations, Leo s’était attendu à ce que la  Stratocaster remplace totalement la  Telecaster, qui paraissait grossière en comparaison.

Surnommé «la planche», c’était une hypothèse décente. Mais les joueurs tout en acceptant grandement la  Stratocaster voulaient toujours des téléviseurs et ils étaient très demandés. Depuis, la Telecaster et la Stratocaster sont en production constante.

Fin 1954, a apporté une Telecaster mise à jour. Cela a commencé ce qui a été connu comme l’ère de la garde blanche.

Des artistes country comme Buck Owens, Don Rich, Merle Haggard, Waylon Jennings, Luther Perkins, Marty Stuart et Roy Nichols ont joué presque exclusivement à  Telecasters pendant les années 1960.

Buck Owens et Don Rich ont été vus dans des émissions de télévision comme Hee Haw et The Buck Owens Show jouant régulièrement à des télédiffuseurs étincelants personnalisés construits par Fender.

Les artistes de rock et de blues ont également adoré la Fender Telecaster. Des joueurs comme Jimmy Page, Keith Richards, Jeff Beck, Bruce Springsteen, Chrissie Hynde, Andy Summers, Nancy Wilson, Mike Bloomfield, Muddy Waters et Albert Collins ont joué à Fender Telecasters.

Le B-Bender a été inventé en 1968 par les musiciens Gene Parsons et Clarence White de Nashville West et The Byrds. Gene Parsons, batteur et mécanicien, a travaillé avec Clarence White pour transformer sa Fender Telecaster de 1954.

Ils ont ajouté un mécanisme de traction des cordes afin qu’en appuyant sur la sangle de la guitare, la corde B pouvait être élevée d’un ton entier (de B à C dièse). Après la mort prématurée de Clarence, sa guitare a été achetée par Marty Stuart comme sa guitare numéro un.

Les guitares Fender Musicmaster et Duo-Sonic ont été introduites en 1956 en tant que modèles étudiants. Ces modèles ont été demandés par le service commercial de Fender.

Les deux modèles comportaient un manche en érable boulonné avec une échelle plus courte qui était considéré comme idéal pour les jeunes guitaristes débutants et les autres joueurs avec des mains plus petites. Le Musicmaster et Duo-Sonic avaient une longueur d’échelle de 22,5 pouces et 21 frettes.

LA  JAZZ MASTER

LA  JAZZMASTER UN CORPS HAUT DE GAMME

En 1958, la marque a présenté la Jazzmaster, un corps solide haut de gamme qui était à l’origine destiné aux joueurs de jazz. La conception décalée facilitait le jeu de la guitare assis.

C’était la première guitare de la marque à avoir une touche en palissandre et aussi la première à avoir une tête plus grande. Les micros comportaient des micros à simple bobinage de style plat plus gros (un peu comme un P-90) avec une électronique unique pour permettre la polyvalence des sons.

Leo s’attendait totalement à ce que la Jazzmaster remplace la Fender Stratocaster avec sa nouvelle forme de corps et son trémolo flottant nouvellement conçu. C’était la guitare la plus chère de Fender à ce jour.

Le Jazzmaster, n’a jamais atteint sa cible des musiciens de jazz. Au lieu de cela, il est rapidement devenu un instrument que les joueurs de surf adoraient.

LA F JAGUAR

La Jaguar a été introduit en 1962. Doté d’une échelle de 24 pouces (la plupart des guitares Fender ont une échelle de 25,5 pouces). La Jaguar est rapidement devenue populaire auprès des groupes de surf en vogue.

Les micros ressemblent plus à une Strat, mais étaient mieux protégés pour moins de ronflement. Il partageait un corps offset et une commutation électronique similaires. la marque a également présenté les guitares Duo-Sonic et Mustang.

Ces deux guitares offset n’ont jamais été aussi réussies que la Fender Telecaster et la Fender Stratocaster. Surtout après que Jimi Hendrix ait poussé la Fender Stratocaster dans la Stratosphère à la fin des années 1960. La Fender Stratocaster de Fender a été le modèle préféré de guitaristes virtuoses tels que Eric Clapton, Buddy Guy, Jeff Beck, Bonnie Raitt, David Gilmour et Stevie Ray Vaughan.

L’image visuelle la plus durable de Jimi Hendrix est son coup au Monterey Pop Festival 1967 quand il a allumé sa Fender Stratocaster en feu et s’est agenouillé derrière, amenant les flammes à monter plus haut.

Cependant, ces guitares offset Fender ont trouvé un tout nouveau public avec les rockers Indy, Garage et Punk alors qu’ils commençaient à jouer ces guitares Fender originales et inhabituelles.

Jazzmaster et Jaguar étaient des guitares de qualité bien construites qui pouvaient être achetées à des prix assez bas car il n’y avait pas beaucoup de marché vintage pour ces guitares de la fin des années 1970 aux années 1980.

Une fois que des joueurs comme Ric Ocasek de The Cars, Tom Verlaine de Television et Elvis Costello ont frappé grand avec l’emblématique Jazzmaster, les prix du vintage ont commencé à monter en flèche.

Trouver un modèle vintage en bon état à un prix abordable est devenu assez difficile. Cela a incité Fender à apporter les rééditions.

En 1960, la marque a introduit une nouvelle basse, un «modèle de luxe» de la Precision Bass. Ce modèle comprenait des caractéristiques qui, selon Leo, plairaient aux musiciens de jazz (comme le ferait sa guitare Jazzmaster).

La nouvelle Jazz Bass avait un manche plus fin et le corps était moins symétrique que la Precision, plus comme les guitares Jazzmaster et Jaguar récemment introduites.

Les deux micros opposés au micro split unique sur la Precision Bass standard lui ont donné un son totalement différent.

LA  MUSTANG

En 1964, à la suite de la sortie de la nouvelle Mustang, le Musicmaster et le Duo-Sonic ont été redessinés en utilisant des ébauches de cou et de corps Mustang. Le corps de la Mustang était plus grand et légèrement décalé.

Ces modèles étaient désormais proposés en 22 frettes avec une échelle de 24 pouces. Une échelle de 24 pouces est la même que la  Jaguar mais un pouce et demi plus courte que la  Stratocaster et la r Telecaster (échelle de 25,5 pouces) et trois quarts de pouce plus courte que la Gibson Les Paul. La guitare  Mustang a été abandonnée en 1982.

La gamme courte de la Fender Mustang, combinée à un bras de trémolo unique et extrêmement direct, ferait de la Mustang une guitare culte plus tard dans les années 1990. Comme la Jazzmaster et la Jaguar, ces modèles étaient bon marché dans les années 1980 et pouvaient être trouvés dans les prêteurs sur gages. Après avoir été repris par des joueurs comme Kurt Cobain, les prix du vintage ont augmenté et il y avait à nouveau une demande pour la Mustang. Fender a réédité la Mustang dans les années 1990.

En 2012, Fender a sorti une Mustang Signature Kurt Cobain. Ce modèle est basé sur les Mustangs modifiés de Kurt qu’il a joués pendant la tournée In Utero.

En 1966, Fender a publié la Mustang Bass. Un nouveau corps de basse a été conçu pour cela avec un style de corps décalé similaire à celui de la guitare Mustang, et une échelle courte (30 pouces) a été utilisée.

Une FENDER Telecaster toujours très populaire

La Fender Telecaster est aussi populaire que beaucoup pensent que « Leo a bien compris la première fois. » Des joueurs comme Vince Gill, Jeff Beck, James Burton, Brad Paisley, Mike Campbell, Tom Petty, Steve Cropper, Jim Weider, Jim Campilongo, Muddy Waters, Brent Mason, Luther Perkins, Jimmy Page, Keith Richards, Mart Stuart, Arlen Roth, Keith Urban, Chrissie Hynde, Johnny Hiland, Nancy Wilson, Merle Haggard, Waylon Jennings, Sheryl Crow, Mike Stern, Joe Strummer,  Jerry Reed et John 5 ont joué aux télédiffuseurs la plupart de leur carrière.

Le cœur de la gamme d’instruments de Fender – la Telecaster (1950), la  Stratocaster (1954), la  Jazzmaster (1958), la Jaguar (1962), la Mustang (1964), la Precision Bass (1951) et la Jazz Bass (1960) – reste en grande partie inchangée par rapport à la originaux. De nombreuses variantes à différents prix sont disponibles chez Fender et ces modèles ont également inspiré de nombreux autres fabricants pour leurs «prises» sur ces modèles classiques.

Avec l’introduction de ses nouvelles guitares American Vintage Series, Fender propose des reproductions fidèles des classiques Fender qui ressemblent, se sentent, sonnent et jouent aussi près que possible des modèles originaux. Ils représentent ce que Fender pense aujourd’hui que ces modèles classiques étaient quand ils étaient nouveaux et Leo dirigeait toujours l’entreprise.

LES AMPLIS FENDER

LES AMPLIS HAUT DE GAMME

Fender étant une entreprise qui construit des amplis pour correspondre à ses guitares a été une grande partie de leur succès précoce. Qu’est-ce qu’une guitare électrique sans un bon ampli de toute façon? Leo l’a compris depuis le début. Fender a construit des amplis robustes et qui sonnaient très bien dès le début.

L’armée a montré pendant la Seconde Guerre mondiale que les circuits électriques devaient être robustes. Leo était un bon étudiant en conception de circuits et comprenait que les musiciens itinérants avaient besoin d’amplificateurs bien construits et qui ne tombaient pas en panne sur la route.

En 1946, Fender a conçu et commencé à fabriquer le Deluxe, le Professional et le Dual Professional, ainsi que le Princeston, un ampli de pratique de 4 watts.

Poussant de 18 à 45 watts, ce sont de loin les amplificateurs les plus puissants produits commercialement. Avec un châssis en acier lourd, des plaques de contrôle chromées et des boîtiers en pin épais recouverts de tissu tweed, ces amplificateurs étaient extrêmement robustes. Ils ont rencontré les musiciens assez rapidement.

Les voitures Woody étaient en vogue dans les années 1930 aux années 1940. Leo, qui aime beaucoup les voitures, l’a peut-être inspiré avec le design de l’ampli boisé ou il se peut simplement que le bois n’ait pas encore été pensé. Même les radios ressemblaient beaucoup à des meubles à l’époque.

FENDER TWEED

Fender Tweed utilisé pour la première fois sur des amplis de 1946 à 1960 – Recouvert du même type de tissu «tweed» utilisé pour les bagages à l’époque.

Les premières armoires avaient des ouvertures de haut-parleurs à angle arrondi relativement petites, appelées «façades TV»; ils ont été remplacés en 1953 par des «panneaux larges» supérieurs et inférieurs et ceux de 1955 par les «panneaux étroits».

La gamme d’amplis tweed originale comprenait les modèles Champion / Champ, Princeton, Deluxe, Professional / Pro et Super. Les années 50 ont vu l’ajout des Bassman (1952), Bandmaster and Twin (1953), Tremolux et Harvard (1955) et Vibrolux (1956).

En 1948, Fender a commencé la série d’amplis de pratique «Champion», qui a finalement été appelé «The Champ» et est devenu l’un des amplificateurs les plus populaires jamais construits. Le Champ avait la puissance de sortie la plus basse et le circuit le plus simple de tous les amplis à lampes Fender. Le Champ n’avait qu’un seul tube de puissance. Fender l’a commercialisé comme un ampli d’étudiant et de pratique, mais ses trois ou quatre watts et son circuit simple et bon son ont rendu le Champ populaire dans les studios d’enregistrement.

À l’autre bout de la gamme, le Twin en est venu à utiliser quatre lampes de puissance 6L6 ou 5881 pour produire 50, et plus tard un énorme (pour l’époque) 75 watts.

LE FENDER BASSMAN

Le Fender Bassman de 1952 a été conçu comme amplificateur de basse pour accompagner le nouveau Fender Precision Bass. Il a été rapidement découvert par les guitaristes comme un excellent ampli pour guitares.

Donc, comme certains autres modèles prévus par Fender, a trouvé un public plus large et différent. Le Bassman est TOUJOURS un ampli de guitare recherché avec certains joueurs le sentant comme le meilleur jamais fabriqué.

Fait intéressant, Leo  cherchait les amplis les plus propres, les plus purs et les plus fiables qu’il puisse produire. À peu près, il y est parvenu, mais les joueurs ont vite découvert qu’en saturant ces amplis à lampes purs, un crunch et une distorsion étaient produits.

Ce n’était certainement pas l’intention des premières créations de Leo. Finalement, les harmoniques et la distorsion ont commencé à se frayer un chemin dans la musique populaire. Cela a bien sûr tout changé!

En 1952, le Bassman a été présenté comme un ampli combo avec un haut-parleur de quinze pouces (1 × 15), mais en 1955 a acquis sa configuration classique de haut-parleurs 4 × 10 ″. Considéré comme l’un des meilleurs amplis Fender les plus purs jamais construits par certains joueurs, Ask Brian Setzer…

La série Fender Brownface a été introduite en 1959 et abandonnée en 1963 – Fender est passé des revêtements Tweed aux revêtements Tolex pour les nouveaux amplis «brownface», ainsi appelés pour leurs panneaux de commande marron montés à l’avant.

Fender a en fait produit des amplificateurs blonds et bruns entre 1960 et 1964, avec une refonte complète des circuits, des armoires et des dispositions de contrôle.

*À cette époque, Fender a présenté le Concert, Vibrasonic, Showman et Vibroverb – et un tout nouveau Princeton. Les amplificateurs Fender Blonde ont été produits entre 1960 et 1964.

Les amplis Fender Blonde avaient une toute nouvelle conception de ferroutage tête et cabine (le Tremolux, Bassman, Showman et Bandmaster) ainsi que quelques amplis combos, y compris le Vibrasonic haut de gamme.

La plupart des combos étaient bruns, sauf pour plus tard Twins, que Fender a changé de brun à blond en 1961, et le Champ, qui a gardé son tweed jusqu’en 1964. Ils ont présenté deux couleurs de toiles de gril – bœuf et blé.

La génération Brownface comprenait des circuits de trémolo sur la plupart des modèles et introduisit la réverbération à ressort en tant qu’unité séparée et dans le Vibroverb.

Fender a également commencé à utiliser les haut-parleurs Oxford, Utah et CTS de manière interchangeable avec les Jensens. Jensens et Oxford sont restés les plus courants pendant cette période. En général, ils utilisaient le haut-parleur qu’ils pouvaient obtenir le plus économiquement et le plus facilement.

À la fin de 1963, certains amplificateurs Fender sont passés au début des panneaux blackface. D’autres modèles d’amplis de 1963, en particulier le Vibroverb, qui était le premier ampli Fender à réverbération intégrée, restaient marron.

Fender proposait toujours les amplis de 4 watts à 85, mais la différence de volume était plus grande, en raison de la tonalité améliorée et nette du 85w Twin.

Les amplificateurs Fender Blackface ont été produits entre 1964 et 1967 – passant à un revêtement Tolex noir, un tissu de calandre argenté et un panneau de commande noir. Les premiers amplis blackface ferroutage (ainsi que le Princeton) avaient des boutons blancs. Après 1964, les amplis contournaient des boutons noirs.

En 1964, la marque a changé le trémolo du complexe «vibrato harmonique» à un circuit plus simple et moins coûteux basé sur un coupleur optique, qui ne nécessitait que la moitié d’un tube à double triode 12AX7. Toujours à l’ère du blackface, ils ont ajouté des versions de réverbération interne de plusieurs amplis populaires, y compris le Princeton Reverb, Deluxe Reverb, Super Reverb, Pro Reverb, Twin Reverb et Showman Reverb.

la marque a arrêté les cosmétiques blackface à la fin de 1967. Ils les ont ramenés pendant une brève période en 1981, et les ont à nouveau interrompus l’année suivante. Ces amplis blackface sont à nouveau disponibles en réédition et certains estiment qu’ils sont les meilleurs amplis jamais fabriqués.

Randall Smith, fondateur de Mesa / Boogie Amplifiers, a noté que les amplis Blackface avaient un «son plus propre» que les versions précédentes, ce qui l’a inspiré à fabriquer des amplis «plus sales».

Questions Fréquemment Posées sur Fender

1. Quelle est l’histoire de Fender?

Réponse: Fender a été fondée en 1946 par le légendaire luthier Leo Fender. Il a conçu et construit les premiers amplificateurs et guitares électriques à la fin des années 1940, et a rapidement établi Fender comme la principale entreprise dans le monde de la musique électrique. Les produits Fender sont devenus extrêmement populaires parmi les musiciens et les fabricants d’instruments à travers le monde, et la marque est maintenant une force majeure dans l’industrie de la musique électrique.

2. Quels produits Fender sont disponibles?

Réponse: Fender propose une gamme complète d’instruments et d’équipements pour les musiciens électriques, du matériel professionnel aux produits grand public. La gamme Fender comprend des guitares électriques, des basses électriques, des amplificateurs, des accessoires, des claviers et des pédales d’effets. La marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation, ainsi que des pièces de rechange.

3. Quels sont les principaux avantages de la marque Fender?

Réponse: Les principaux avantages de Fender sont la qualité et la fiabilité de ses produits. Les instruments Fender sont conçus pour offrir une excellente précision et une qualité sonore supérieure, et sont conçus pour durer des années. La marque propose également une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange pour maintenir et réparer vos instruments. Enfin, Fender offre une garantie de trois ans sur tous ses produits pour vous assurer que vous êtes toujours couvert en cas de problème.

4. Quels types de guitares électriques Fender sont disponibles?

Réponse: Fender propose une gamme complète de guitares électriques, y compris des modèles acoustiques, des modèles de jazz, des modèles de blues, des modèles de rock, des modèles de metal et des modèles de country. La marque propose également des guitares électriques spécialisées, notamment des guitares à 7 cordes, des guitares à 12 cordes et des guitares électro-acoustiques.

5. Quels sont les principaux avantages des amplificateurs Fender?

Réponse: Les amplificateurs Fender sont conçus pour offrir une excellente qualité sonore et une grande variété de tonalités. La gamme Fender comprend des amplificateurs à tubes, des amplificateurs numériques et des amplificateurs hybrides. Les amplificateurs Fender sont conçus pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.

6. Quels sont les principaux avantages des pédales d’effets Fender?

Réponse: Les pédales d’effets Fender sont conçues pour offrir une grande variété d’effets et de tonalités. La gamme Fender comprend des pédales d’overdrive, des pédales de distorsion, des pédales de modulation, des pédales d’écho et des pédales de delay. Les pédales Fender sont conçues pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.

7. Quels sont les principaux avantages des accessoires Fender?

Réponse:Les accessoires Fender sont conçus pour offrir une grande précision et une excellente qualité sonore. La gamme Fender comprend des cordes, des capots de protection, des étuis, des supports, des câbles et des adaptateurs. La marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation, ainsi que des pièces de rechange.

8. Quels sont les principaux avantages des claviers Fender?

Réponse: Les claviers Fender sont conçus pour offrir une précision, une polyvalence et une excellente qualité sonore. La gamme Fender comprend des modèles de scène, des modèles professionnels et des modèles grand public. Les claviers Fender sont conçus pour être robustes et fiables, et la marque propose une gamme complète d’accessoires et de pièces de rechange.

9. Quels sont les principaux avantages des pièces de rechange Fender?

Réponse: Les pièces de rechange Fender sont conçues pour offrir une excellente qualité et une longue durée de vie. La gamme Fender comprend des pièces pour les guitares électriques, les basses électriques, les amplificateurs, les claviers et les pédales d’effets. Les pièces Fender sont conçues pour être robustes et fiables, et la marque propose également une gamme complète de produits d’entretien et de réparation.

10. Quelles sont les conditions de garantie Fender?

Réponse: Tous les produits Fender sont couverts par une garantie de trois ans à compter de la date d’achat. La garantie couvre tous les défauts de fabrication et de matériel. La garantie ne couvre pas les dommages causés par l’utilisation abusive ou la mauvaise manipulation du produit. La garantie ne s’applique pas aux consommables tels que les cordes, les capots de protection et les câbles.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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GOJIRA : histoire, albums, clips, live en 10 points.

par Eric Canto | Mis à jour le 17/10/2024 | Publié le 27/12/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Découvrez Gojira, les maîtres français du heavy metal

Originaire d’Ondres dans les Landes, Gojira est un groupe français de heavy metal qui s’est rapidement imposé sur la scène internationale. Alliant des sonorités issues du death et du metal extrême, ce quatuor talentueux se démarque grâce à une identité puissante et méticuleusement construite au fil des albums. Dans cet article, nous vous invitons à en apprendre davantage sur l’histoire de Gojira, ses membres et sa musique.

les membres de gojira

Le parcours fulgurant de Gojira

Les débuts du groupe

Formé en 1996 à Bayonne, Pyrénées-Atlantiques, Gojira était initialement composé des deux frères Joe (chant et guitare rythmique) et Mario Duplantier (batterie), associés aux guitaristes Christian Andreu et Alexandre Cornillon. Le groupe prend alors le nom de « Godzilla » en référence à la prononciation japonaise du célèbre monstre, avant de changer pour « Gojira » en 2001 afin d’éviter tout problème de droits d’auteur.

Percée internationale

Après avoir joué pendant plusieurs années sur la scène locale et régionale, Gojira signe en 2004 avec Listenable Records, un label international qui leur permet de toucher un public plus large. Leur album « From Mars to Sirius » sorti en 2005 marque véritablement le début de leur ascension, avec des morceaux tels que « Ocean Planet » et « Flying Whales » qui les propulsent sur la scène internationale. Dès lors, le groupe tourne aux côtés de grands noms du metal comme Metallica, Slayer ou encore Slipknot.

L’identité musicale de Gojira

Un style progressivement affirmé

Au fil des albums, Gojira a su affirmer son identité, tant au niveau des paroles que de l’instrumentation. Les membres du groupe puisent leurs influences dans les racines du death metal mais aussi chez des artistes moins conventionnels tels que Tool et Massive Attack. Ils ne s’interdisent aucune expérimentation, avec des morceaux parfois très éloignés des codes traditionnels du genre. C’est ainsi que leurs compositions sont régulièrement empreintes d’une atmosphère sombre et mystérieuse, laissant place à une certaine introspection.

L’engagement écologique et humaniste

Une autre caractéristique marquante de Gojira est sans conteste leur engagement en faveur de l’environnement et du respect de la nature. Leurs textes n’hésitent pas à aborder des thèmes forts et complexes tels que la pollution, le réchauffement climatique ou la sauvegarde des espèces menacées. De plus, ils ont su toucher un public toujours plus large grâce à ces messages porteurs d’espoir et d’altruisme.

Les principaux albums et morceaux de Gojira

Au cours de leur carrière, Gojira a sorti plusieurs albums qui ont marqué l’histoire du metal français et international. Voici les plus emblématiques :

• The Link (2003) : premier album sous le nom de Gojira, il pose les bases du style musical du groupe ;
• From Mars to Sirius (2005) : véritable tournant dans la carrière de Gojira, cet album est souvent considéré comme une référence du genre ;
• The Way of All Flesh (2008) : avec des titres plus sombres et introspectifs, cet opus confirme l’identité particulière de Gojira ;
• L’Enfant Sauvage (2012) : un disque riche en sonorités variées qui mêle influences death, progressif et atmosphériques ;
• Magma (2016) : cet album marque un virage plus accessible pour le groupe, séduisant ainsi un public encore plus large.
• Fortitude (2021) : cet opus continue d’affirmer l’évolution progressive du groupe tout en restant fidèle à ses racines.

Suivre Gojira sur les réseaux sociaux et internet

Pour ne rien rater des actualités de Gojira et suivre leurs aventures au jour le jour, vous pouvez vous rendre sur leur site officiel ou les rejoindre sur les réseaux sociaux. Vous y trouverez notamment les annonces de tournée, des photos et vidéos exclusives ainsi que toutes les informations sur leurs sorties d’albums.

• Site officiel : pour vous tenir informé(e) des dernières news du groupe et accéder aux contenus exclusifs ;
• Compte Instagram : suivez Gojiraofficial pour découvrir les coulisses du groupe et admirer les clichés pris lors de leurs tournées mondiales ;
• Compte Deezer : écoutez l’intégralité de la discographie de Gojira en qualité optimale et créez vos propres playlists ;

Trouver le merchandising officiel de Gojira

Si vous êtes un véritable fan de Gojira, vous serez ravi(e) d’apprendre que le groupe propose de nombreux produits dérivés à la vente sur leur boutique en ligne EMP. Vous y trouverez tout ce qu’il vous faut pour afficher fièrement votre passion pour le quatuor français : t-shirts, posters, vinyles, CDs, cassettes, box sets et autres goodies à l’effigie de Gojira n’y attendent plus que vous.

Les membres de Gojira : l’histoire du groupe

Gojira est un groupe de metal français originaire de Bayonne, dans le sud-ouest de la France. Le groupe est composé de quatre membres : Joe Duplantier (chant et guitare), Mario Duplantier (batterie), Christian Andreu (guitare) et Jean-Michel Labadie (basse).

Le style musical de Gojira est souvent décrit comme un mélange de death metal, de thrash metal et de groove metal. Leurs paroles traitent de sujets tels que l’environnement, la nature, la spiritualité et la justice sociale.

Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « From Mars to Sirius » en 2005, « The Way of All Flesh » en 2008, « L’Enfant Sauvage » en 2012 et « Magma » en 2016. Ils ont également tourné avec des groupes tels que Metallica, Lamb of God et Slayer.

En dehors de leur musique, les membres de Gojira sont connus pour leur engagement en faveur de l’environnement et leur soutien à des organisations telles que Sea Shepherd Conservation Society et The Ocean Cleanup.

GOJIRA: Les débuts

Tirant son nom de la prononciation japonaise originale de Godzilla, le quatuor de death metal français Gojira est passé de la plus grande obscurité au cours de la première moitié de sa carrière à une reconnaissance mondiale.

Originaire de la ville de Bayonne sur la côte sud de ouest de la France, Gojira a enregistré la première d’une séquence de démos presque annuelles en 1996.

Perfectionnant progressivement leur son jusqu’en 2000, lorsque les membres du groupe Joe Duplantier (chant / guitare), Christian Andreu (guitare) ), Jean-Michel Labadie (basse) et Mario Duplantier(batterie), se sentaient prêts à enregistrer leur premier album, Terra Incognita , en ne comptant que sur leurs propres moyens.

Malgré son statut d’indépendant, le bien nommé LP a fait de nombreuses vagues avec son mélange imprévisible de death, thrash, groove, progressif et math métal – rappelant des groupes aussi divers que Pantera , Meshuggah , Suffocation et Sepultura .

GOJIRA THE LINK

Pourtant, il a fallu plusieurs années (et un curieux détour par la musique de la bande originale du Maciste All Inferno EP de 2003) pour que le monde du métal prenne de l’ampleur, et même le deuxième album de Gojira , The Link , a dû être publié via le minuscule Boycott Records indépendant avant d’être réédité par Listenable.

Cela fut suivi par l’ album live The Link Alive de 2004 et le set vidéo correspondant, dont la composante audio était limitée à 500 exemplaires.

Des compositions à la fois complexes et punitives sonores comme « Death of Me », « Remembrance » et « Embrace the World » ont constamment mis les auditeurs au défi de résister à leur gamme vertigineuse de styles Cuisinart, présenté avec une esthétique quasi industrielle et une brutalité quasi atonale.

Pour les amateurs de metal éclairés, ces chansons rappelleront principalement Meshuggah en Suède, moins les motifs rythmiques distinctifs et exotiques; pour les néophytes, ils ressembleront au travail de machines en colère, grinçant éternellement dans un avenir post-humaniste.

Mais la polyvalence susmentionnée s’est également reflétée dans quelques brefs intermèdes de changement de vitesse («Connected», «Torii», «Wisdom Comes»), des chansons plus lentes augmentées par des mélodies évanescentes et des effets sonores de bruit blanc (la chanson titre, «Dawn» ), et une paire de « singles » inhabituellement concis et moins oppressants dans « Indians » et « Over the Flows ».

Dans l’ensemble, il y avait juste assez de variété et d’émotion humaine perceptible pour élargir la portée créative de Gojira ; mais pas encore autant que le groupe développera sur les albums suivants, à commencer par le bond en avant révélateur de 2005 ‘

groupe metal francais gojira

GOJIRA: From Mars to Sirius

Maintenant, prenant enfin de l’ampleur, Gojira a vu leur troisième album, From Mars to Sirius, entrer dans les charts français au numéro 44, tout en recueillant les critiques les plus enthousiastes de leur carrière.

Un niveau de reconnaissance qui a conduit à de nombreuses apparitions dans des festivals européens et de longues tournées européennes et nord-américaines avec Obituary , Hatesphere , Children de Bodom , et Machine Head , pour n’en citer que quelques-uns.

À la fin du long cycle promotionnel de From Mars to Sirius , Gojira était largement reconnue comme une force avec laquelle il fallait compter, sur scène et en studio.

Leur quatrième album très attendu, The Way of All Flesh (sorti aux États-Unis par Prosthetic Records), a fait une forte impression en faisant ses débuts à la 138e place des charts américains en octobre 2008.

La vaste tournées que Gojira entreprit alors signifiait que les fans devraient attendre près de quatre ans pour le prochain album studio du groupe.

Groupe metal francais gojira

Albums de gojira: L’enfant sauvage

En 2012, le groupe est passé dans la cour des grands, signant au grand label Roadrunner pour la sortie de L’Enfant Sauvage, inspiré du film Truffaut du même nom.

Il a remporté de nombreux éloges de la part de la critique, ainsi que le Top 40 des charts américains, canadiens, suédois et français.

De longues années de tournées et d ‘enregistrements occasionnels – dont un autre album live, Les Enfants Sauvages – ont été suivies par la sortie du sixième album de Gojira , Magma , sorti sur Roadrunner en 2016.

Albums de gojira: MAGMA

Ce sixième album des métalleux de l’extrême français sera un pas en avant audacieux vers un nouveau territoire.

Ayant déjà consolidé leur place comme l’un des meilleurs groupes de death metal technique de l’histoire, ils élargissent ici considérablement leurs horizons, expérimentant la mélodie, le groove, des chansons plus courtes, des structures plus simples et le chant réel.

Ce passage de la complexité à l’accessibilité a vu Magma établir des comparaisons avec l’album noir de Metallica , que Gojira ont accueilli.

Bien qu’ils aient atténué un peu la complexité, la musique est toujours incroyablement lourde, et il y a encore plus d’idées dans cet album que la plupart des groupes n’en gèrent dans toute une carrière.

Du solo du Moyen-Orient de « Silvera » au brutal, syncopé tatouage de batterie qui conduit « The Cell » à la voix presque liturgique et monastique de la chanson titre et à l’effet de guitare industrielle incroyablement dur et hurlant qui apparaît périodiquement.

« The Shooting Star » prépare le terrain pour le reste de l’album avec un groove mi-tempo boueux, des voix multi-pistes, une mélodie mineure, un chant clair et un véritable mur de guitare.

La chanson titre est l’une des plus progressives du disque, rappelant l’époque de la vieille école du groupe avec au moins cinq sections différentes, Joe Duplantier rugit dans le vide sur un tourbillon cyclique de guitare.

Mais il y a presque une sensation pop dans certains des titres. La musique et le style de chant de Duplantier ont tous deux une ambiance des années 90, et le refrain de « Stranded » aurait presque pu sortir quelque chose de l’un des groupes grunge les plus boueux, comme Alice in Chains ou Tad .

L’album se termine dans un quasi-silence majestueux avec l’outro instrumental acoustique «Liberation».

La plupart des paroles sont inspirées du décès prématuré de la mère des frères Duplantier, un sujet qui a évidemment fait beaucoup de mal mais qui est également traité avec grâce, sensibilité et bon goût.

Cet album ne donnera pas à Gojira de grands succès radiophoniques pop, mais il élargira certainement son attrait en dehors du ghetto de death metal à des fans plus généraux de métal et de hard rock.

Albums de gojira: Fordtitude

Cinq longues années après la sortie du Magma révolutionnaire et au succès foudroyant , la pression est sur Gojira pour que le groupe  fournisse une suite à la hauteur, faisant de Fortitude l’ une des sorties de métal les plus attendues de 2021.

Le premier set offrait des chansons astucieusement rendues qui étaient inhabituellement personnelles; ils ont été composés en réponse à la mort du chanteur / guitariste Joe et de la mère du batteur Mario Duplantier .

Le groupe a tout utilisé, du chant clair au grunge rétro en passant par le post-punk, le prog noueux et le néo-psych pour faire passer les chansons, gagnant ainsi de nouveaux fans, dont beaucoup ne fréquentaient généralement pas la section métal du magasin de disques.

Fortitude été enregistré aux Sterling Silver Studios à Brooklyn, New York, produit par Joe Duplantier et mixé par Andy Wallace ( Nirvana ). Malgré un éventail plus large d’éléments stylistiques et de production, ces 11 chansons sont liées comme une suite.

Le premier titre « Born for One Thing » est propulsé par les rythmes explosifs de Mario au milieu des grooves du death metal et punissant les pannes industrielles alors que Joe chante la peur humaine de la mort et se prépare à son inévitabilité.

Les deux vamps de guitare de Joe et Christian Andreu se heurtent et rebondissent l’un sur l’autre.

L’hymne anti-déforestation « Amazonia » offre un groove de basse massif de Jean-Michel Labadie , soutenu par les accords de puissance, tambours battants et des instruments indigènes qui paie directement hommage à Sepultura de Roots époque.

« Another World » offre une magnifique présentation de Gojirales prouesses de la mort technologique abondantes.

Les harmonies vocales superposées et quasi-chantées introduisent « Hold On » au sommet d’une orgie de riffs de Sabbat et de tambours incantatoires.

Les voix claires en couches décalent les cadences de la guitare et de la basse, tourbillonnant ensemble parmi la réverbération et les effets néo-psychiques avant qu’Andreu ne signale un changement avec un vamp crunch-and-burn ajouté par une distorsion et des battements explosifs.

Il éclate avec un death metal lourd et groove ancré par la voix principale grondante de Joe .

La chanson titre ressemble plus à une intro de deux minutes avec des marimbas, des tam-toms et des grosses caisses offrant des rythmes cumbia et reggae.

Un chant clair sans paroles et des guitares pincées avant d’exploser en « The Chant » au milieu de basses croustillantes et de vamps de guitare électrique bruyants.

Combiné,Le premier album éponyme de Neil Young , Re-ac-tor et Killing Joke . « Sphinx » est un regard furieux en arrière sur l’ histoire de l’enregistrement de Gojira tandis que « Into the Storm » sort de la porte avec des guitares jumelles mélodiques

Ces guitares  se transforment en un vamp de death metal effréné au sommet de blastbeats triples et de chants chantés et durs.

Pour les fans de longue date, « The Grind », plus proche, est la récompense: il est incroyablement lourd, syncopé, technique et nuancé dans la production, avec des voix déchaînées qui peuvent prêcher la capitulation mais qui sont en fait profondément insurgées comme la musique bouillonnante en offre la preuve.

Les fans de Magma n’avaient pas à s’inquiéter: Fortitude est énorme ,L’évolution musicale continue alors qu’ils tissent d’anciens sons avec de nouveaux pour créer une tapisserie sonore qui met en valeur une imagination surprenante, une intelligence musicale et humaine stimulante, des émotions complexes et une immense puissance physique.

L’inspiration secrète derrière la pochette de l’album Fortitude de Gojira

Le chanteur de Gojira, Joe Duplantier, révèle comment une peinture du XIXe siècle a inspiré la couverture énigmatique du nouvel album Fortitude.

Le septième album de Gojira , Fortitude , est une sortie décisive pour le groupe et pour le métal en 2021. L’une des choses les plus frappantes de l’album au-delà de la musique est son oeuvre énigmatique, créée par le chanteur Joe Duplantier.

Le batteur de Gojira, Mario Duplantier, nous parle de la signification de l’œuvre d’art – et de l’inspiration qui la sous-tend.

«Nous avions le titre, nous savions que nous voulions appeler l’album Fortitude », dit Joe. «Les gens comprendront pourquoi on l’appelle Fortitude lorsqu’ils liront les paroles. [Pour la couverture], je voulais représenter une personne autochtone, car une grande partie de l’album est un hommage aux communautés autochtones – je voulais représenter cet aspect.

Pour l’inspiration, Mario a montré à son frère plusieurs peintures et œuvres d’art. Parmi eux, Pallas Athena , une peinture de 1898 de l’artiste autrichien Gustav Klimt.

«C’est un beau tableau», dit Joe. «Il m’a montré d’autres exemples de guerriers et de chevaliers, et l’œuvre a fini par être les Chevaliers de la Table Ronde mélangés à la culture indigène.

«Cela représente l’esprit de l’album.» ajoute Mario, qui peint également. «Joe m’a demandé: ‘Voulez-vous dessiner quelque chose?’ J’ai dit: ‘Non, non, c’est votre rôle, parce que c’est vous qui réunissez les mots. Les mots et les visuels s’accordent si bien. »

Le batteur ajoute qu’il existe un lien visuel entre de nombreuses pochettes d’albums de Gojira. «J’aime le fait qu’il y ait une ligne entre The Link , From Mars To Sirius , The Way Of All Flesh , L’Enfant Sauvage et celui-ci. Et il y a aussi un esprit derrière la technique du dessin – c’est comme un masque pour les gens qui aiment la musique. C’est très réconfortant.

GOJIRA: Projets secondaires

Joe Duplantier a été invité par les frères fondateurs du groupe brésilien influent Sepultura , Max et Igor Cavalera , à rejoindre leur nouveau groupe Cavalera Conspiracy en tant que bassiste.

L’album Inflikted est sorti en mars 2008 et une tournée a suivi à la mi-2008. Aussi, les frères Duplantier ont formé un groupe de métal d’avant-garde appelé Empalot en 1998, mettant en vedette Stéphane Chateauneuf, qui apparaît dans la courte émission de The Link Alive DVD appelée « Thang & Tanguy ».

Leur première sortie était un album de démonstration intitulé Brout , sorti en 1998. Deux albums suivirent: Tous aux Cèpesen 2001 et un CD live intitulé Empalot en Concert en 2004.

Joe Duplantier a prêté son style vocal unique à Devin Townsend sur son album de 2011 «Deconstruction». La chanson qui utilise les talents vocaux de Joe s’intitule «Sumeria».

Joe Duplantier a également exécuté des voix avec le groupe suisse Kurger sur l’album 2010 « For Death, Glory And The End Of The World » sur la chanson intitulée « Muscle ».

GOJIRA the flesh alive – groupe metal francais gojira

Style musical, les influences et les chansons de Gojira

Le son de Gojira mélange plusieurs styles.  Gojira est un groupe de death metal technique et combinant des éléments de death , thrash , groove ,  progressif ,  et de math métal .

Ils sont également considérés comme du post-métal . Gojira ont été influencés par des artistes de métaux lourds tels que Death ,  Morbid Angel , Metallica , Sepultura ,  Meshuggah , Outil , Pantera , Névrose , Slayer et Godflesh .

Gojira joue un style technique et rythmique de heavy metal avec des percussions de précision accompagnées de battements explosifs , de motifs rythmiques inhabituels et de riffs start-and-stop.

Gojira est également connu pour incorporer des éléments atmosphériques texturés et des chansons instrumentales dans sa musique.

Les chansons de Gojira ont des structures de chansons progressives et inhabituelles , utilisant rarement l’ écriture de chansons standard de couplet-chœur .

Le style vocal est varié, utilisant le style crié souvent employé dans le métal extrême, avec le style de grognement de mort principalement utilisé dans le death metal, en plus des voix claires et des cris plus élevés.

Parfois, des grognements de death metal et des voix claires sont mélangés pour créer un effet agressif mais mélodique.

Les paroles de Gojira abordent les thèmes de la vie, de la mort, de la renaissance, de la spiritualité et de la nature. En particulier, leur album 2005 De Mars à Sirius est un album conceptuel abordant des questions environnementales et des thèmes plus larges de la vie, de la mort et de la renaissance.

Les membres du groupe ont grandi dans la région d’Ondres et de Bayonne, sur la côte sud-ouest de la France ( Pyrénées-Atlantiques / Pays Basque français ).

La campagne pittoresque environnante et le littoral accidenté ont inspiré l’intérêt de Gojira pour la nature et la terre. Gojira utilise leurs paroles pour répandre ses croyances spirituelles et ses préoccupations pour l’environnement.

Dans une interview en 2016, les frères Duplantier ont déclaré que l’éducation qu’ils avaient reçue pendant leur jeunesse – par un père illustrateur et peintre, Dominique Duplantier, et une mère, Patricia, une Américaine d’origine açorienne – dans une maison de style landaise « perdue dans la forêt , sans voisinage », se reflétait dans la musique de Gojira.

Mario Duplantier a rappelé ces souvenirs, et sa mère comme, un esprit très libre, qui a toujours encouragé notre créativité.

D’une part, nous avions cette mère extravertie, qui dessinait, sculptait, réalisait de magnifiques tableaux en bois flotté, et d’autre part, un père silencieux, «  bourreau de travail  », qui pouvait passer des journées entières sur ses gigantesques dessins à l’encre de Chine, avec une rigueur presque inquiétante.

Ces deux aspects de notre éducation se retrouvent à Gojira, un mélange de discipline et quelque chose de plus extraverti, farfelu et chaotique.

Gojira coopère également avec Sea Shepherd Conservation Society pour protéger les animaux marins, en particulier les dauphins, les baleines et les requins.

Les membres de la Sea Shepherd Conservation Society sont autorisés à organiser un stand de marchandise lors des concerts de Gojira.

De plus, Gojira travaille sur l’EP Sea Shepherd avec des musiciens bien connus de la scène metal, dont Devin Townsend et le guitariste de Meshuggah Fredrik Thordendal .

Tous les profits du projet vont à l’organisation, bien qu’en juin 2016, l’état actuel de ce projet soit inconnu.

GOJIRA – Hellfest 2019 :  Le live intégral

Le concert de Gojira au Hellfest 2019 a été très acclamé par les fans et la presse.

Voici la setlist du concert :

1. Oroborus
2. Backbone
3. Stranded
4. Flying Whales
5. The Cell
6. The Heaviest Matter of the Universe
7. Silvera
8. L’Enfant Sauvage
9. Toxic Garbage Island
10. Vacuity

Le groupe a offert une performance énergique et puissante, avec des visuels impressionnants et une ambiance électrique. La setlist incluait une sélection de chansons de leurs albums précédents ainsi que de leur dernier album à l’époque, « Magma ». Le public a été impressionné par la virtuosité des membres du groupe et leur capacité à créer une atmosphère intense et captivante tout au long du concert.

FAQ sur Gojira : Tout savoir sur le groupe de metal français

1. Qui est Gojira ?

Gojira, un groupe de metal français formé en 1996, est reconnu comme l’un des acteurs majeurs de la scène metal internationale. Le groupe originaire de Bayonne a su se démarquer avec un style unique qui combine des éléments de death metal, de groove metal et de progressif. Gojira est notamment apprécié pour ses thèmes lyriques engagés, souvent centrés sur la nature, la vie, et des questions environnementales.

2. Quels sont les membres de Gojira ?

Les membres actuels de Gojira sont :

• Joe Duplantier : chant et guitare rythmique,
• Mario Duplantier : batterie,
• Christian Andreu : guitare lead,
• Jean-Michel Labadie : basse.

Le groupe a su maintenir cette formation depuis ses débuts, ce qui a contribué à sa cohésion et son évolution musicale.

3. Quelle est l’origine du nom « Gojira » ?

Le nom « Gojira » est la transcription phonétique japonaise de « Godzilla, » le célèbre monstre du cinéma. Avant de s’appeler ainsi, le groupe s’appelait Godzilla, mais pour éviter des conflits juridiques avec les créateurs du monstre, ils ont opté pour Gojira en 2001. Ce choix reflète l’esprit du groupe, qui évoque la force de la nature et des thèmes apocalyptiques.

4. Pourquoi Gojira est-il considéré comme un groupe de metal unique ?

Gojira se distingue par son approche technique du metal, combinant des éléments de death metal avec des sonorités progressives et atmosphériques. Leurs compositions sont souvent complexes, avec des changements de rythme inattendus, des riffs puissants, et des structures de chansons non conventionnelles. De plus, les thèmes abordés, notamment la protection de l’environnement, ajoutent une dimension philosophique et engagée à leur musique.

5. Quels sont les albums les plus connus de Gojira ?

Gojira a sorti plusieurs albums acclamés par la critique et le public :

• « Terra Incognita » (2001) – Leur premier album, déjà prometteur, posant les bases de leur style unique.
• « The Link » (2003) – Un album charnière qui montre l’évolution vers un son plus progressif.
• « From Mars to Sirius » (2005) – L’album qui a propulsé le groupe sur la scène internationale, avec des titres comme « Flying Whales ».
• « The Way of All Flesh » (2008) – Une exploration de la mortalité et des thématiques existentielles.
• « L’Enfant Sauvage » (2012) – Un album très personnel, marqué par une intensité émotionnelle.
• « Magma » (2016) – Album qui a remporté un succès mondial avec des chansons comme « Stranded » et « Silvera ».
• « Fortitude » (2021) – Dernier opus en date, très engagé, avec des titres comme « Amazonia » qui dénoncent la destruction de l’Amazonie.

6. Quels sont les thèmes abordés dans les chansons de Gojira ?

Les chansons de Gojira sont souvent centrées sur des thèmes profonds et universels :

• L’environnement : De nombreuses chansons de Gojira évoquent la protection de la planète, comme « Global Warming » ou « Amazonia ».
• L’existence humaine : L’album The Way of All Flesh traite par exemple de la mortalité et du sens de la vie.
• La nature et les forces cosmiques : Des titres comme « Flying Whales » illustrent l’influence des forces naturelles dans leur musique.
• La spiritualité : Joe Duplantier aborde parfois des thèmes liés à l’âme et à l’introspection, notamment dans L’Enfant Sauvage.

7. Quelle est la notoriété internationale de Gojira ?

Le groupe groupe metal francais gojira a connu une montée en puissance impressionnante sur la scène internationale. Après leur tournée aux côtés de Metallica, Gojira a conquis de nouveaux fans à travers le monde. Leur style novateur et leurs performances scéniques intenses leur ont valu une reconnaissance dans des festivals prestigieux, tels que le Download Festival et Hellfest.

8. Quels sont les meilleurs concerts et performances live de Gojira ?

Gojira est célèbre pour ses performances live électrisantes, marquées par une énergie brute et une précision musicale impeccable. Certains des concerts les plus mémorables incluent :

• Hellfest : Gojira est régulièrement la tête d’affiche de ce festival, avec des performances mémorables qui sont restées gravées dans l’esprit des fans.
• Le concert au Red Rocks Amphitheatre (2017) : Un lieu mythique où Gojira a offert une performance inoubliable.
• Tournée avec Metallica : Leur tournée en première partie de Metallica a marqué un tournant dans leur carrière, leur permettant de se faire connaître auprès d’un public encore plus large.

9. Quels sont les meilleurs morceaux de Gojira ?

Voici une sélection de quelques-unes des meilleures chansons de gojira :

• « Flying Whales » (From Mars to Sirius) – Un hymne qui incarne l’essence de leur style.
• « Stranded » (Magma) – Une chanson plus accessible mais puissante.
• « Silvera » (Magma) – Un mélange parfait de lourdeur et de mélodie.
• « Amazonia » (Fortitude) – Un cri d’alerte pour la protection de l’Amazonie.
• « L’Enfant Sauvage » (L’Enfant Sauvage) – Une chanson introspective et intense.

10. Comment Gojira a-t-il influencé la scène metal mondiale ?

Gojira a non seulement apporté une fraîcheur au death metal, mais ils ont aussi influencé toute une génération de musiciens avec leur approche technique, leurs thèmes engagés, et leur passion pour la planète. Le groupe est souvent cité par d’autres artistes comme une source d’inspiration, et ils ont contribué à renouveler l’image du metal progressif et du death metal en y incorporant des éléments nouveaux.

11. Quelles sont les collaborations marquantes de Gojira ?

Gojira a collaboré avec plusieurs grands noms du rock et du metal :

• Joe Duplantier a collaboré avec Cavalera Conspiracy, le groupe formé par Max Cavalera.
• Mario Duplantier a participé à des projets avec d’autres batteurs célèbres et a également développé une carrière en tant qu’artiste visuel. Ces collaborations renforcent la polyvalence du groupe et leur ouverture à d’autres styles.

12. Gojira est-il un groupe engagé ?

Oui, Gojira est très engagé, notamment sur les questions environnementales. Le groupe a souvent utilisé sa notoriété pour attirer l’attention sur des causes importantes comme la déforestation et le changement climatique. L’album Fortitude contient des chansons qui reflètent cet engagement, avec des titres comme « Amazonia » qui dénonce la destruction de la forêt amazonienne.

13. Pourquoi le groupe est parfois appelé « Godzilla groupe » ?

Cela vient de l’origine du nom du groupe, qui faisait référence à Godzilla avant qu’ils ne soient contraints de le changer en Gojira pour des raisons légales. Cette association avec le monstre géant symbolise aussi la puissance brute et les thématiques liées à la nature qui caractérisent la musique du groupe.

14. Comment Gojira a-t-il évolué musicalement au fil des ans ?

Depuis leurs débuts avec Terra Incognita, Gojira a constamment évolué, passant d’un death metal brut à un son plus mature et nuancé, intégrant des éléments progressifs et atmosphériques. L’album Magma marque un tournant dans leur carrière avec un son plus accessible, mais toujours aussi puissant et émotionnellement chargé.

15. Quelles sont les chansons les plus engagées de Gojira ?

Parmi les chansons de Gojira qui portent un message fort, on peut citer :

• « Amazonia » : Un appel à protéger l’Amazonie.
• « Global Warming » : Un cri d’alarme sur le changement climatique.
• « Toxic Garbage Island » : Une dénonciation de la pollution des océans.

Conclusion

En somme, Gojira n’est pas seulement un groupe de metal francais, mais un véritable phénomène international. Avec des thèmes qui résonnent dans notre monde moderne, une virtuosité musicale hors pair, et une présence scénique incroyable, le groupe continue de repousser les frontières du metal. Que vous soyez fan depuis leurs débuts ou que vous découvriez leur musique, Gojira a encore beaucoup à offrir.

NO ONE IS INNOCENT

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 24/11/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

No One Is Innocent stylisé comme [No One Is Innocent] est un groupe de rock français parisien amené par le chanteur Kémar Gulbenkian.

Le groupe a été fondé en 1994 avec le hit de 1994 « La peau ». No One Is Innocent a sorti cinq albums studio et deux albums live.

NO ONE IS INNOCENT

LES DEBUTS DU GROUPE

No One Is Innocente a été révélé en 1994 avec le premier album No One Is Innocent. Au début des années 1990, No One is Innocent, avec Lofofora, Oneyed Jack et Silmarils, étaient l’un des groupes les plus connus de la scène rap métal française à émerger dans un paysage musical marqué par le succès de groupes comme Rage Against the Machine.

Porté par le single La Peau (écrit après avoir regardé Rage Against The Machine lors d’un concert à l’Elysée-Montmartre), qui utilise des programmes soutenus par des radios jeunesse comme Fun Radio et Skyrock, le premier album du groupe est certifié or (100 000 ventes).

Le chanteur arménien Kémar signe la chanson Another Land, condamnant le génocide arménien, estimant que « ce triste événement doit être dénoncé » .

INTERVIEW DE NO ONE IS INNOCENT

Le maître mot de No One Is Innocent est la résistance ?

Vous avez toujours brandi cette bannière, sans parler des événements tragiques de 2015. Est-ce votre côté rebelle qui vous a poussé vers la musique pour écrire des paroles très engagées?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Notre engagement n’est pas seulement à cause de ces événements, nous ne sommes pas des combattants, mais il y a des raisons que nous avons approchées et défendues,

comme combattre le front national, lutter pour défendre d’autres mouvements écologistes sans papiers.

Notre parcours est marqué par la rencontre de personnes qui ont la même approche que nous, pas forcément de faire de la musique.

Ce n’est pas que je me sens rebelle, mais compte tenu de la musique que nous faisons dans ce pays, vous êtes considéré comme un rebelle.

Que ce soit la nôtre, Tagada Jones, Mass Hysteria ou autres. Donc juste parce que nous faisons cette musique, nous sommes des rebelles en France.

En fait, quand j’ai commencé le groupe, je voulais vraiment écrire des paroles engageantes et le jour où je me suis dit que je vais l’appeler « No One Is Innocent ».

Cependant, j’ai été critiqué car l’anglais n’était pas bien accueilli à l’époque. Enfin, indiquez le nom du groupe en anglais. Et puis ce n’était pas seulement en anglais, mais c’était trop long!

Mais j’étais convaincu qu’en dehors du sens de ce que signifiait «  No One Is Innocent  » et qui me convenait parfaitement, et par rapport à ce que je voulais écrire, on se souviendrait de Personne.

Vous voyez, dans ma chambre, je l’ai écrit sur le mur et je me suis concentré sur Personne.

C’est un nom complètement intemporel qui nous renvoie quelque chose et qui nous semble bien comparé à ce que nous disons dans nos paroles.

Et puis ce nom, d’album en album, vous fait comprendre ce que vous écrivez. C’est grâce à ce nom de groupe que vous savez pourquoi vous écrivez ces chansons depuis tant d’années

NO ONE IS INNOCENT

Vos paroles sont fortes et pleines de rage et nous sentons que vous êtes passionné et luttez quotidiennement contre toutes les injustices sur Terre. Passez-vous beaucoup de temps à composer des paroles?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, je suis passionné parce que mon peuple est derrière. Je ne serais pas avec une contrebasse et un clavecin.

Si je peux croire ce que je dis, c’est parce que je l’écris très bien et quand je l’interprète, c’est parce que le batteur jouera de manière à être interactif avec moi aussi, ou un strummer avec un riff qu’il présentera.

moi en transe et vice versa. Quand j’agite ce que je lance, ça affecte aussi l’humeur des gars. Nous sommes un groupe complètement interactif et tout le monde est intéressé.

La rédaction de textes prend beaucoup de temps car les exigences sont nombreuses. J’écris avec mon ami et co-auteur Emmanuel de Arriba, généralement 7 à 8 chansons sur l’album.

Nous écrivons ensemble sur « Revolution.com » (Ed.: Troisième album sorti en 2004).

Il y a des choses sur lesquelles je vais continuer seul, il y a aussi des sujets sur lesquels j’aime travailler parce qu’on se connaît depuis le lycée, et aussi parce qu’il est l’auteur et fan de Rock’n ‘Roll.

Dans un gang, il peut être le plus grand fan d’AC / DC.

Et quand vous écrivez de tels motifs, le fait qu’il y ait du «ping-pong» entre deux personnes vous permet d’aller plus loin. Nous nous complétons, et surtout, nous ne sommes pas satisfaits de ce que nous avons écrit rapidement.

Il peut y avoir des phases de génie, mais nous sommes extrêmement critiques envers notre travail, les uns envers les autres, et c’est ce qui donne de la force aux paroles.

Parfois on peut se prendre la tête pendant une semaine en deux phrases, tu vois, je veux dire que l’autre opposé est totalement obsessionnel, je le suis un peu moins, et ce côté obsessionnel me conduit à être très exigeant.

Mais comment se passe la composition d’un album ?

NO ONE IS INNOCENT Kemar : Une chose est claire: la musique anime les paroles. Vous voyez, les paroles de Jihad Propaganda ne peuvent pas concerner la musique de Charlie, et les paroles de Charlie ne peuvent pas concerner la musique de Silencio.

Mon obsession personnelle est que lorsque je travaille avec des instruments, je les écoute 20, 30, 40 fois et c’est l’intensité de ce que le titre me donne qui me donnera le sujet.

Eh bien, je ne vous cache pas qu’il y a évidemment des choses dans les tiroirs dont vous voulez parler, mais cela ne veut pas dire non plus que c’est comme un supermarché. On peut s’abstenir de parler de quelque chose si à un moment donné la musique ne fait pas ressortir le thème.

Et vous voyez, l’intensité d’un titre comme Jihad Propaganda a provoqué une telle transe pendant la chanson qu’elle a inévitablement remporté le titre.

C’est un coup dur pour Charlie de la colère. Il y a un peu de nostalgie dans les vers de Silencio.

Je suis entré dans le côté nostalgique de ce que pourrait être un gouvernement socialiste et de tout ce qu’il pourrait nous apporter pour répondre à nos attentes, vous savez, et puis à un moment donné c’est: «Mais putain pourquoi tu ne nous l’as pas donné !! « .

Vous voyez comment il est construit? vous prenez tel ou tel instrument et vous vous dites, hé, c’est la partie dont je voudrais dire quelque chose. Et quand il se met en colère, je me dis, est-ce cohérent?

Et quand quelqu’un me dit, Merde, quelle énergie, quand tu chantes tout, et puis je réponds que l’écriture est si cohérente qu’à un moment donné, cette énergie décuple.

Vous voyez, ce n’est pas une arnaque! Nous sommes communicatifs parce que tout ce travail a été là avant, et si vous donnez à vos zicos la puissance d’un texte qui illustrera la musique alors c’est …….

 Vous vous demandez souvent ce que vous écrivez?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Absolument, tout le temps. Je ne peux pas y croire, mais notre merde est d’écrire Propaganda avant de frapper les barricades.

Et les gars disaient: « Alors qu’est-ce qu’il se passe? » mais constamment!

D’accord, maintenant ils comprennent un peu plus. Ils sont impatients, mais en montrent moins. Ils savent que cela prend du temps et des exigences.

La grande chose à ce sujet est qu’à un moment donné, vous regardez en arrière ce que vous avez fait et vous vous dites: « Merde, c’était bien! » Et vous ne baissez pas la tête parce que vous êtes fier de ce que vous avez fait.

 Barricades est sorti le vendredi 13 mai 2016, le jour du concert d’AC / DC à Mareille, est-ce un pur hasard?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’est donc une coïncidence vraiment amusante! En fait, nous étions censés le publier fin avril, puis nous l’avons traduit en article promotionnel et «convenu le 13 mai.

Soudain, nous avons réalisé et avons pensé que le vendredi 13 était bon. Ce furent deux moments magiques pour nous avec la sortie de Barricades et le concert d’AC / DC. Ce que nous avons vécu avec eux au Stade de France, nous n’aurions pas pu faire mieux.

NO ONE IS INNOCENT

Vous avez encore eu la chance de jouer le concert d’ouverture de Motorhead et c’est merveilleux aussi!

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Moi, si tu veux, en plus de ne pas voir Bob Marley, c’est un gros regret, tout comme Hendrix. Honnêtement, quand je vois ce que nous avons fait avec Personne, vous vous dites que vous pouvez continuer.

Là tu l’as, la force est là et ça donne envie de continuer, outre le fait qu’on travaille sur la musique, les textes, on est constamment en train de rêver et faire de la musique c’est rêver.

  « Barricades » est sorti presque un an après la sortie de « Propaganda ». Était-il déjà en préparation ou le choix de le faire en direct était-il venu plus tard?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’était donc une décision prise fin septembre. Heureusement, nous avions des amis avec nous comme Julien Reymond, le réalisateur et monteur de DVD, notre label, qui nous a soutenus et aidés parce que nous étions à la moitié de la tournée et qu’il y a beaucoup de choses auxquelles nous n’avons pas pu assister. sauf quand j’ai participé au montage avec Julien.

Par contre, le jour du concert, on cache complètement le fait qu’on tourne un DVD, car il y a des choses bien plus importantes pour nous, comme le succès de ce concert que l’on joue chez nous, avec les gens de Charlie Hebdo qui viennent, à T-time, 15 jours après les attentats

Par conséquent, devant son peuple, nous avons le devoir d’organiser un concert qui se souviendra des fantômes.

 Vous avez eu un réel impact sur l’esprit des gens cette année!

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, ce fut une année pleine d’événements et de choses tragiques que nous avons pu rebondir musicalement.

A notre niveau, nous avons essayé de replacer la musique dans le contexte du moment et nous dire que la musique est là pour dire quelque chose, pour défendre la liberté d’expression, la laïcité et à travers notre musique, que cela nous plaise ou non, nous venons défendre nos idées.

 As-tu une chanson préférée?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Ah, bonne question ……… pas facile …………… Je te dirais Charlie, car en ce moment tous nos amis sont sur scène.

Il y a Marika et Coco qui viennent de parler, non pas parce que c’est le dernier titre du concert, mais on dit tous la même chose ensemble, c’est tout!

il y a Nico de Tagada Jones qui chante avec moi, il y a Fred Duquesne, le guitariste de Mass Hystéria, le réalisateur de notre album, et aussi Nikko Bonnière, le guitariste d’Eiffel, Fred Mariolle, les gars de Bukowski, et nous sommes là pour chanter notre titre, et c’est vraiment un moment qui restera gravé à jamais.

De plus, nous ne jouons pas une chanson triviale pour le moment.

NO ONE IS INNOCENT

Par rapport à Line Up, c’est le quatrième groupe de No One, pensez-vous que le groupe va se stabiliser cette fois?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: C’est donc la première fois qu’il y a un deuxième guitariste, ce qui change beaucoup. Et si on nous disait que la Propagande est l’une des meilleures de Personne, c’est aussi pour cette raison que je pense.

Grâce à cette formule, nous avons trouvé un équilibre que nous n’avions peut-être pas auparavant. Surtout avec la personnalité de Popa, avec laquelle j’ai un grand lien dans la composition, ainsi qu’avec Shanka.

Mais ce n’est pas normal qu’il se connecte si étroitement avec deux guitaristes. Nous sommes comme un couple qui a retrouvé son équilibre.

  La tournée 2016 a démarrée le 4 mars, est ce qu’il y a un concert qui t’as plus marqué qu’un autre?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Oui, le 7ème festival de la vague a lieu à Bretignolles sur Mer. Comme nous avons l’habitude d’élever des gens sur scène, c’était une excitation totale!

Mais un débordement comme vous n’en avez jamais connu dans l’histoire de Nobody. Nous devions avoir environ 300 personnes sur scène et ils ne voulaient plus quitter la scène.

Donc à 3/4 du titre, la chanson s’est arrêtée parce qu’il y avait des gars qui sont entrés dans la batterie et puis les gens ne sortaient pas.

Nous avons dû arrêter le concert même s’il nous restait deux chansons à jouer, mais nous avons dépassé le calendrier et avons dû arrêter. Ensuite, nous devons nous dire que nous faisons des concerts pour que ces choses arrivent aussi.

Et même si on était pressé quand on quittait la scène et qu’on rentrait dans le vestiaire, on se dirait que si on fait des concerts, on a de quoi parler, pour y avoir une action inattendue, improbable, impensable, c’est tout.

NO ONE IS INNOCENT

Le dimanche 19 juin vous êtes sur la scène principale de Clisson au Hellfest, est-ce votre première fois pour No One?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Donc pour moi, et pour nous tous, c’est une immense joie car nous l’avons fait une ou deux fois en tant que spectateurs et là, maintenant, nous montons sur la grande scène à 3h du matin. midi est un moment magique pour nous.

Nous continuons dans un rêve. Nous sommes comme un groupe qui a sorti un album qui a marqué beaucoup de monde et si nous sommes programmés avec des groupes comme AC / DC et si nous sommes au Hellfest et toujours dans d’autres festivals, c’est peut-être parce que c’est un album qui a fait une grande impression.

Par contre, j’apprécie personnellement le plus la performance du plus grand festival hippie de France.

 Tu le considères comme un festival Hippie ?

NO ONE IS INNOCENT Kemar: Ouais, c’est Metal Woodstock, Hellfest. Ceci est incroyable.

Malgré toutes les questions et les crachats, ils ont reçu des menaces dès le début parce que vous pouvez voir des gars tomber habillés en Satan ou avec des cornes sur la tête et écouter de la musique extrême,

le festival est toujours là et il y a de plus en plus de monde et les gens ont finalement changé d’avis sur Hellfest. Mais ils n’ont pas de Babos, ce sont des hippies.

Les bébés sont des gens avec une sorte de flegme qui s’en moquent, tandis que le hippie, lui, est toujours concerné et a une conscience.

Et puis chapeau à Ben, vraiment! J’ai vécu une fureur et pour être honnête cette chose est vraiment forte à construire!

Et il a été prouvé que ce festival rassemble le plus de monde en France car il est légendaire. C’est un festival qui a une vraie éthique dans le choix des artistes et dans l’imagerie.

Membres de NO ONE IS INNOCENT

• Kémar Gulbenkian – chant
• Shanka – guitare
• Popy – guitare
• Bertrand Dessoliers – basse
• Gaël Chosson – batterie

Discographie de NO ONE IS INNOCENT

• 1994 : No One Is Innocent
• 1997 : Utopia
• 2004 : Révolution.com
• 2005 : Siempre de suerte (DVD live)
• 2007 : Gazoline
• 2011 : Drugstore
• 2015 : Propaganda (8 juin 2015)
• 2016 : Barricades Live (13 mai 2016)
• 2018 : Frankenstein (30 mars 2018)

Vidéographie de NO ONE IS INNOCENT

• La peau
• Nomenklatura
• Révolution.com
• Où étions nous
• La peur
• Salut l’artiste
• Silencio
• Charlie
• Ali king of the ring

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Ampli VOX : l’histoire de VOX AMPS

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 22/11/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Vox est un fabricant d’équipement musical fondé en 1957 par Thomas Walter Jennings à Dartford,Kent, Angleterre. La société est surtout connue pour fabriquer l’ ampli de guitare Vox AC30 , utilisé par les Beatles , les Rolling Stones , les Kinks , les Yardbirds , Queen , Dire Straits , U2 , Manilarajj et Radiohead.

VOX AMPS est aussi connu pour fabriquer l’orgue électrique Vox Continental, le Vox wah-wah pédale utilisée par Jimi Hendrix , et une série de guitares électriques et basses innovantes. Depuis 1992, Vox appartient à la société d’électronique japonaise Korg .

L’HISTOIRE LÉGENDAIRE DE L’AMPLI VOX : VOX AMPS

Le son légendaire de VOX Amps commence avec Dick Denney, un jeune concepteur d’amplificateurs qui a commencé à travailler pour l’Angleterre JMI Corporation en 1957.

Dick, lui-même guitariste, avait le doigt sur le pouls du monde en évolution rapide de la guitare électrique à la fin des années 1950. et a travaillé sans relâche avec le personnel de JMI pour concevoir un amplificateur qui pourrait offrir le volume et le sustain dont les guitaristes de l’époque avaient envie.

AMPLI VOX – VOX AMPS

Le résultat de leur travail a été présenté au monde en janvier 1958. Cet ampli Vox, baptisé AC1 / 15, a marqué la toute première apparition du nom VOX sur un amplificateur de guitare et a ainsi lancé une institution qui a prospéré pendant près de 60 ans. années.

Plus tard abrégé en AC15, cet ampli Vox est rapidement devenu le choix des meilleurs guitaristes de Londres, dont Vic Flick qui a utilisé un AC15 sur son enregistrement emblématique du «James Bond Theme».

Ampli VOX, ROCK ‘N’ ROLL À LA HAUSSE: l’histoire de VOX AMPS

Avec le rock’n’roll en plein essor au printemps 1960, Dick Denney et l’équipe de VOX ont rapidement reconnu que les groupes londoniens en herbe avaient soif de plus de puissance de leurs amplificateurs.

Plutôt que de concevoir un ampli Vox entièrement nouveau à partir de rien, Denney a décidé de s’en tenir à ce qu’il savait être un design gagnant et a doublé la puissance de son bien-aimé AC15. Pour accueillir la puissance accrue de cet amplificateur, Denney a jugé bon d’élargir les dimensions de l’armoire de l’amplificateur et d’ajouter un haut-parleur supplémentaire.

AMPLI VOX – VOX AMPS

L’ampli Voxr résultant a été surnommé AC30 / 4 Twin. Avec 30 watts, deux haut-parleurs Celestion de 12 pouces, quatre entrées et deux canaux – Normal et Vibrato, l’AC30 / 4 Twin a été un succès parmi les Rock ‘n’ Rollers à Londres, et a rapidement établi VOX comme l’ampli  le plus recherché dans tous La Grande-Bretagne.

En juillet 1962, deux jeunes gars de Liverpool acquièrent leurs tout premiers ampli Vox, un AC15 Twin et un AC30 Twin équipé de Top Boost. Plus tard cette année-là, le groupe sortira du studio avec une chanson intitulée «Love Me Do» et changera à jamais le monde de la musique populaire.

Le son inoubliable de leurs guitares saccadées deviendrait la norme pour un bon son de guitare pendant des décennies. Cette chanson, et la frénésie qui allait suivre ce jeune groupe dans les mois à venir, feront de VOX l’ampli de guitare le plus recherché au monde.

AMPLI VOX – VOX AMPS

Le succès massif obtenu par VOX dans les années 1960 a jeté les bases de l’héritage qui continue de prospérer près de 60 ans plus tard. Beaucoup des mêmes amplificateurs sur lesquels les artistes s’appuyaient à l’époque fonctionnent encore aujourd’hui. Les ampli Vox comme l’ AC4 , l’ AC15 et l’ AC30 sont toujours les produits VOX les plus populaires parmi les guitaristes à la recherche de ce carillon classique.

VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les pédales Cambridge50 et Valvenergy acclamées par la critique , intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.

Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.

Le son des amplis Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les ampli Vox pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX

VOX AMPS ET POP MODERNE: l’histoire de VOX AMPS

VOX Amplification a également perpétué la tradition d’innovation initiée par Dick Denney à la fin des années 50. De nombreux produits actuels de VOX, comme les séries Valvetronix + et Night Train G2, acclamées par la critique, intègrent une technologie de pointe dans leurs conceptions pour obtenir une flexibilité tonale sans précédent.

AMPLI VOX – VOX AMPS

Avec la capacité d’offrir à la fois des conceptions classiques tout lampes et une technologie de modélisation sophistiquée, VOX Amplification dispose d’un amplificateur qui répondra aux besoins de tout guitariste moderne.

Le son des ampli Vox a laissé un impact durable sur la musique populaire qui résonne encore aujourd’hui. Les artistes les plus influents du monde continuent de s’appuyer sur les amplificateurs VOX pour délivrer un son de classe mondiale dans les meilleurs studios et sur les plus grandes scènes du monde entier. Trouvez votre voix avec VOX.

VOX AMPS : L’HISTOIRE DE WAH WAH VOX

La pédale Wah, ou Wah-Wah, utilise un filtre passe-bande à décalage avec un pic hautement résonnant pour créer son son distinctif – le son d’une trompette muette, ou plus précisément la voix humaine prononçant le nom onomatopéique «Wah-Wah».

L’effet peut être utilisé de différentes manières, mais il est le plus courant lorsque les guitaristes sont en solo ou par des guitaristes funk pour créer le son de guitare rythmique «wacka-wacka».

AMPLI VOX – VOX AMPS

La création de la pédale Wah était un accident – découvert lors de la conception de l’ampli Vox Super Beatle en 1966. Il s’agissait d’une version transistorisée de l’AC50 avec quelques effets – MRB (mid resonant boost) et reverb – conçue uniquement pour le marché américain.

Lors de la conception, l’équipe a remarqué que l’augmentation de la résonance moyenne pouvait être contrôlée avec la pédale de volume du VOX Continental pour balayer la fréquence augmentée. Pour eux, cela ressemblait à utiliser une sourdine sur une trompette.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur l’ampli VOX

1. Qu’est-ce qu’un ampli VOX?

Un ampli VOX est un amplificateur de guitare électrique fabriqué par la société VOX, une entreprise britannique fondée en 1947. Les amplis VOX sont utilisés par de nombreux guitaristes célèbres et sont connus pour leur son caractéristique, particulièrement associé au mouvement musical britannique des années 1960.

2. Qu’est-ce qui rend les amplis VOX si particuliers?

Les amplis VOX sont connus pour leur son clair et cristallin, ainsi que pour leur distorsion naturelle et leur sustain. Ils sont également appréciés pour leur conception élégante et leur look vintage.

3. Quels sont les différents modèles d’amplis VOX?

Il existe de nombreux modèles d’amplis VOX, allant des amplis à lampes haut de gamme aux amplis à transistors plus abordables. Certains des modèles les plus populaires incluent le VOX AC30, le VOX AC15, le VOX AC10, le VOX Pathfinder et le VOX Valvetronix.

4. Quel est le meilleur ampli VOX pour un guitariste débutant?

Pour un guitariste débutant, un ampli VOX à transistors comme le VOX Pathfinder ou le VOX Valvetronix peut être un excellent choix. Ils sont abordables, faciles à utiliser et offrent une grande variété de sons différents.

5. Comment obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX?

Pour obtenir le son caractéristique d’un ampli VOX, il est important de régler les contrôles d’égalisation de manière appropriée. En général, les aigus doivent être réduits et les médiums et les graves augmentés. Le contrôle du volume doit également être utilisé avec soin pour éviter la saturation excessive.

6. Comment entretenir un ampli VOX?

Pour entretenir un ampli VOX, il est important de le garder propre et de le protéger contre l’humidité et la poussière. Les lampes doivent être remplacées régulièrement et les contacts électriques doivent être nettoyés avec un produit spécialisé. Il est également important de ne pas laisser l’ampli allumé pendant de longues périodes sans jouer de la guitare.

7. Quelle est la puissance des amplis VOX?

La puissance des amplis VOX varie en fonction du modèle. Certains modèles plus petits, comme le VOX Pathfinder, ont une puissance de sortie d’environ 10 watts, tandis que des modèles plus gros comme le VOX AC30 peuvent atteindre jusqu’à 30 watts ou plus.

8. Peut-on utiliser un ampli VOX pour jouer d’autres styles de musique que le rock?

Bien que les amplis VOX soient souvent associés au rock britannique des années 1960, ils peuvent être utilisés pour jouer une grande variété de styles de musique.

9. Comment choisir le bon ampli VOX ?

Le choix de l’ampli VOX dépend de plusieurs facteurs, tels que le style de musique que vous jouez, le niveau de puissance nécessaire, la taille de la salle où vous jouez et votre budget. Si vous êtes un joueur débutant ou intermédiaire, l’ampli VOX ADIO Air GT est un choix solide car il offre une grande variété de sons et d’effets, ainsi que la possibilité de jouer sans fil via Bluetooth.

Pour les joueurs professionnels ou ceux qui ont besoin d’un niveau de puissance plus élevé, les amplis VOX AC15 et AC30 sont des choix populaires. Ils sont connus pour leur son cristallin et leur capacité à fournir des tonalités vintage.

10. Comment entretenir son ampli VOX ?

L’entretien régulier de votre ampli VOX peut prolonger sa durée de vie et améliorer son fonctionnement. Pour éviter les dommages, ne jamais exposer votre ampli à des températures extrêmes ou à l’humidité. Vous devez également nettoyer régulièrement l’extérieur de l’ampli avec un chiffon doux et sec.

En ce qui concerne l’entretien interne, il est recommandé de remplacer les tubes de préampli et de puissance tous les deux ans environ, ou lorsqu’ils commencent à perdre de la clarté ou à produire des sons distordus.

11. Comment obtenir un son de guitare « britannique » avec un ampli VOX ?

L’ampli VOX est célèbre pour son son de guitare « britannique » distinctif, caractérisé par des tonalités claires et cristallines avec une légère distorsion.

Pour obtenir ce son, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros simples bobinage, tels que les micros Vox Vintage. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé, mais le son de base de l’ampli VOX devrait vous donner un son de guitare classique « britannique ».

12. Comment obtenir un son de guitare « américain » avec un ampli VOX ?

Bien que l’ampli VOX soit connu pour son son « britannique », il est tout à fait possible d’obtenir un son de guitare « américain » avec certains modèles.

Pour ce faire, il est recommandé d’utiliser un ampli VOX AC30 ou AC15 avec des micros double bobinage, tels que les micros Fender. Vous pouvez également ajouter des pédales d’effet pour créer un son plus personnalisé.

13. Comment utiliser la fonction « Top Boost » sur un ampli VOX ?

La fonction « Top Boost » est une caractéristique courante des amplis VOX, qui ajoute une tonalité aigüe et une distorsion douce à votre son de guitare.

Pour utiliser cette fonction, vous devez augmenter les aigus et les aigus moyens sur les contrôles de tonalité de votre ampli. Vous pouvez également augmenter le gain pour une distorsion plus prononcée.

Découvrez tous les différents amplis VOX

Il existe de nombreux modèles d’amplificateurs de guitare VOX, chacun ayant ses propres caractéristiques sonores et fonctionnalités. Voici un aperçu de quelques-uns des modèles les plus populaires :

1. VOX AC15 : l’un des modèles les plus célèbres de VOX, cet ampli de 15 watts à lampes offre un son classique britannique, idéal pour les styles rock, blues et indie.
2. VOX AC30 : un autre modèle emblématique de VOX, cet ampli à lampes de 30 watts est apprécié pour son son riche et complexe, souvent utilisé par les guitaristes de rock et de pop.
3. VOX Pathfinder : une gamme d’amplis de guitare plus petits et plus abordables, offrant des sons VOX classiques dans un format compact.
4. VOX Valvetronix : une gamme d’amplis à modélisation, qui utilisent la technologie numérique pour simuler une variété de sons d’ampli de guitare, y compris les sons VOX classiques.
5. VOX Night Train : un ampli à lampes compact et portable, offrant un son chaud et dynamique dans un format facile à transporter.
6. VOX VT20X : un ampli à modélisation plus récent de VOX, offrant une grande variété de sons d’ampli de guitare et d’effets, ainsi qu’une connectivité Bluetooth pour une utilisation avec des appareils mobiles.

Chacun de ces modèles offre des caractéristiques sonores et des fonctionnalités uniques, il est donc important de réfléchir à vos besoins et à votre style de jeu avant de choisir le modèle qui vous convient le mieux.