Le Fine Art, c’est quoi ?

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 16/09/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Qu’est-ce qu’une impression Fine ART ? Si vous cherchez à réserver une séance photo, il y a de fortes chances que vous ayez entendu un photographe mentionner Fine ART, et vous vous demandez peut-être ce que cela signifie.

L’impression Fine ART est-elle différente des impressions que vous pouvez obtenir dans un grand magasin ? Est-ce important  ?

J’adore les tirages Fine ART– la couleur et la qualité sont fantastiques et incroyablement belles. Mais si vous n’avez pas vu une impression d’art dans la chair, il peut être difficile de comprendre de quoi parle tout ce battage médiatique, et pourquoi cela vaut la peine de dépenser plus pour ces impressions que vous ne le feriez avec un imprimeur grand public.

Dans cet article, j’expliquerai ce qu’est une impression d’art, les matériaux qui entrent dans la création d’impressions d’art et la différence que cela fait.

impression Fine ART

Qu’est-ce qu’une impression Fine ART?

« Beaux-arts », « qualité musée », « qualité archive »… ce sont tous des termes que vous rencontrerez peut-être en explorant le monde de la photographie et en voyant des photographes parler de leurs tirages.

Mais qu’est-ce que cela signifie vraiment ? En bref, une estampe d’art est une impression de très haute qualité – de la même qualité qu’un musée ou une galerie imprimerait des œuvres pour les exposer.

impression Fine ART

En bref, il y a deux choses qui font d’une estampe une œuvre d’art :

Papier pour tirages Fine ART

Le papier utilisé pour les tirages d’art est sans acide. C’est l’acide contenu dans les papiers photographiques qui provoque la décoloration et la fissuration des photographies au fil du temps. L’utilisation de papiers sans acide contribue donc à garantir que votre impression dure toute une vie.

Fait intéressant, il en va de même pour les tapis sur lesquels vos photographies sont montées – s’ils contiennent de l’acide, ils jauniront beaucoup plus rapidement.

Encres pour tirages Fine ART

Tout comme les papiers photographiques ne sont pas tous créés égaux, les imprimantes ne sont pas non plus utilisées pour faire des tirages.

Les tirages d’art sont imprimés à l’aide d’imprimantes très haut de gamme, qui ont un spectre de couleurs beaucoup plus large que les imprimantes standard. Ces imprimantes auront 8 à 12 encres de couleurs différentes, qu’elles pourront mélanger pour créer des millions de couleurs différentes.

Le résultat est que les couleurs de votre impression seront beaucoup plus précises et fidèles à l’image d’origine que si vous l’aviez imprimée avec une imprimante standard.

 Fine ART

Toutes les impressions d’art ne sont pas égales

Ainsi, comme nous l’avons appris jusqu’à présent, la différence entre une impression d’art et une impression que vous pouvez commander auprès d’un imprimeur de rue ou en ligne est que la reproduction des couleurs est beaucoup plus précise, et le papier conservera cette couleur, et sa forme pour de nombreuses années. Avec les bons soins, cela peut durer plus de 60, voire 100 ans.

Mais le processus d’impression ne se résume pas à cela. Le type de papier d’art que vous choisirez pour votre impression fera également une différence dans l’apparence de votre impression.

Les papiers beaux-arts sont souvent fabriqués à partir de fibres de coton, mais peuvent également être fabriqués à partir d’autres matériaux tels que le bambou, ou avoir un revêtement spécial. Les différentes caractéristiques de ces papiers auront un impact sur l’apparence de votre impression – certains papiers sont bons pour imprimer des couleurs vives, d’autres feront ressortir vos photographies en noir et blanc. D’autres sont meilleurs pour les tons plus doux et sourds. En bref, choisir le bon papier pour votre impression aura un impact sur son apparence.

Fine ART

Il existe plusieurs types de papiers photo fine art utilisés pour produire des impressions de qualité supérieure. Voici quelques exemples :

1. Papier à base de coton : Ce type de papier est fabriqué à partir de fibres de coton de haute qualité, ce qui lui confère une excellente durabilité et une résistance accrue à la décoloration. Il est également très doux et offre une texture naturelle pour des impressions haut de gamme.
2. Papier d’archivage : Ce type de papier est conçu pour une utilisation à long terme et est fabriqué à partir de matériaux de qualité supérieure pour une excellente stabilité à la lumière et une durée de vie accrue. Il est également souvent utilisé pour les tirages d’art de grande taille.
3. Papier à base d’eau : Ce type de papier est fabriqué à partir d’un mélange de cellulose et d’eau, il est sans acide, non couché et non blanchi. Il offre une excellente qualité d’impression avec des couleurs riches et des contrastes élevés.
4. Papier jet d’encre : Les papiers jet d’encre sont conçus pour une utilisation avec les imprimantes jet d’encre, ils offrent une qualité d’image élevée et une gamme de couleurs étendue. Ils sont également souvent utilisés pour les tirages d’art de grande taille.
5. Papier mat : Les papiers mats ont une finition non brillante qui permet de minimiser les reflets et de maximiser les contrastes. Il est souvent utilisé pour les photographies en noir et blanc ou pour les photographies avec des couleurs douces.

Il est important de noter que pour chaque type de papier, il existe des variations de qualité, et il est important de choisir un papier de qualité supérieure pour obtenir les meilleurs résultats d’impression. Il est également important de prendre en compte les préférences esthétiques et les exigences de conservation de l’œuvre en question pour choisir le papier approprié.

Fine art

Comment prendre soin de vos tirages Fine ART

Alors maintenant que vous avez de magnifiques tirages d’art, que pouvez-vous faire pour vous assurer qu’ils durent toute une vie ?

La principale chose que vous pouvez faire,c’est de considérer comment ils sont exposés à la lumière. Au fil du temps, c’est l’exposition à la lumière qui endommagera vos photographies – non seulement la décoloration des couleurs, mais la lumière UV peut également provoquer l’affaiblissement et le blanchiment du papier. Les températures extrêmes peuvent également endommager l’impression.

Pour prendre soin de vos impressions, vous pouvez faire quelques gestes pour limiter leur exposition à la lumière, à la chaleur et au froid :

• Évitez d’accrocher vos tirages dans un endroit où ils seront en plein soleil pendant toute ou une partie de la journée.
• Si vos tirages sont exposés en plein soleil, essayez de limiter leur exposition en fermant les stores ou les rideaux lorsque la pièce n’est pas utilisée.
• Laisser les lumières éteintes lorsque la pièce n’est pas occupée
• Sachez que si vous accrochez vos impressions au-dessus d’un feu qui est souvent utilisé, la chaleur peut faire vieillir votre impression plus rapidement.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ : Le fine art

1. Qu’est-ce que le fine art ?

Le fine art est une forme d’art visuel qui est créée pour exprimer des idées ou des émotions plutôt que pour servir une fonction utilitaire.

2. Quels types d’art sont considérés comme du fine art ?

Le fine art peut inclure une variété de médiums tels que la peinture, la sculpture, la photographie, la gravure et la céramique.

3. Comment le fine art est-il différent de l’art commercial ?

Le fine art est créé pour l’expression personnelle et la créativité de l’artiste, tandis que l’art commercial est créé pour un but spécifique tel que la publicité ou la promotion d’un produit.

4. Comment peut-on apprécier le fine art ?

Le fine art peut être apprécié de nombreuses manières, notamment en visitant des musées et des galeries d’art, en participant à des expositions d’art et en achetant des œuvres d’art pour les collectionner.

5. Comment les artistes déterminent-ils le prix de leurs œuvres d’art en fine art ?

Les artistes déterminent souvent le prix de leurs œuvres d’art en fonction de leur expérience, de leur renommée, de la rareté de leur œuvre et de la taille de l’œuvre.

6. Qu’est-ce que la reproduction en fine art ?

La reproduction en fine art est un processus utilisé pour créer des reproductions d’œuvres d’art originales. Les reproductions sont souvent produites en utilisant des techniques d’impression de haute qualité telles que la lithographie, la sérigraphie ou l’impression giclée.

7. Comment peut-on se former à la pratique du fine art ?

La formation à la pratique du fine art peut inclure des cours d’art dans des écoles ou des universités, des ateliers d’art, des stages et des résidences d’artistes.

8. Comment peut-on acheter des œuvres d’art en fine art ?

Les œuvres d’art en fine art peuvent être achetées en visitant des galeries d’art, des foires d’art, des ventes aux enchères ou en ligne sur des sites spécialisés dans l’art.

9. Comment peut-on prendre soin de ses œuvres d’art en fine art ?

Il est important de prendre soin de ses œuvres d’art en fine art en évitant la lumière directe du soleil, l’humidité et les températures extrêmes. Les œuvres d’art doivent également être nettoyées régulièrement avec des méthodes de nettoyage appropriées.

10. Comment peut-on évaluer la qualité d’une œuvre d’art en fine art ?

L’évaluation de la qualité d’une œuvre d’art en fine art peut être subjective, mais certains critères peuvent inclure la technique, la créativité, la qualité des matériaux et la renommée de l’artiste. Il est également important de considérer l’état de l’œuvre d’art, son histoire et sa provenance. Il est recommandé de consulter un expert en art ou un évaluateur certifié pour obtenir une évaluation professionnelle de la valeur et de la qualité d’une œuvre d’art en fine art.

Le Fuji X100V : un concentré de performance et de style pour les photographes

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 08/09/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Le Fuji X100V : un concentré de performance et de style pour les photographes

Le Fuji X100V, dernier-né de la série des compacts experts de Fujifilm, est rapidement devenu une référence parmi les photographes professionnels et amateurs. Il offre des fonctionnalités avancées telles que la vidéo 4K, un autofocus réactif, un objectif amélioré, un viseur hybride optimisé et une protection contre les intempéries. Le X100V est également apprécié pour son design élégant et sa compacité, ce qui en fait un choix idéal pour la photographie de rue et de voyage.

L’appareil photo expert au service de vos créations

Le Fuji X100V est un outil performant et polyvalent pour les passionnés de l’image. Ses caractéristiques techniques sont à la hauteur des attentes des utilisateurs les plus exigeants :

• Capteur APS-C X-Trans CMOS 4 : offrant une haute résolution de 26,1 mégapixels pour des images détaillées et riches en couleur.
• Vidéo 4K : la possibilité de filmer en 4K jusqu’à 30p assure une qualité exceptionnelle pour toutes vos réalisations visuelles.
• Autofocus rapide et précis : grâce à ses 425 points de détection de phase, le X100V met au point avec rapidité et exactitude même dans des conditions de faible luminosité.
• Objectif 23mm f/2 : cet objectif fixe équivalent à un 35mm en format plein cadre offre une grande ouverture maximale pour capturer des scènes avec peu de lumière et créer un beau bokeh.
• Viseur hybride optimisé : combinant un viseur optique et un viseur électronique, il permet de bénéficier des avantages de chacun et d’optimiser votre expérience de prise de vue.
• Protection contre les intempéries : grâce à ses joints d’étanchéité, le X100V résiste à l’eau et à la poussière, ce qui vous permettra de l’utiliser en toute sérénité dans différents environnements.

Réalisez des vidéos exceptionnelles avec le Fuji X100V

Pour les vidéastes, le X100V propose plusieurs fonctionnalités intéressantes. Outre la vidéo 4K, l’appareil dispose d’un mode de simulation de film ETERNA, idéal pour obtenir des couleurs cinématographiques sans avoir à réaliser de postproduction. L’appareil intègre également un profil F-Log pour les utilisateurs souhaitant effectuer des retouches colorimétriques en postproduction.

De plus, le Fuji X100V est capable de filmer en slow-motion jusqu’à 120 images par seconde en Full HD, offrant un ralenti fluide et esthétique pour vos créations vidéo.

Un design élégant et compact pour la photographie de rue et de voyage

Le Fuji X100V est non seulement performant, mais aussi extrêmement compact et léger. Ces caractéristiques en font un choix privilégié pour les photographes de rue et les voyageurs qui cherchent à allier qualité d’image et praticité.

Design rétro et matériaux de qualité

Avec son esthétique vintage rappelant les appareils photo rangefinder, le X100V affiche fièrement un design élégant et intemporel. Alliant l’aluminium aux éléments de finition en cuir synthétique, il démontre une attention particulière aux moindres détails, tant au niveau de la construction que de l’ergonomie.

Compacité et légèreté pour une utilisation quotidienne

Pesant moins de 500 grammes et mesurant environ 13 x 7 x 5 cm, le Fuji X100V dispose d’un rapport taille/poids idéal pour être transporté facilement lors de vos escapades urbaines ou voyages. Son objectif fixe télescopique se rétracte lorsque l’appareil est éteint, ce qui renforce encore sa compacité et sa discrétion.

Astuces pour tirer le meilleur parti de votre Fuji X100V

Voici quelques conseils pour optimiser votre expérience avec le Fuji X100V :

• Explorez les possibilités offertes par les simulations de film : Fujifilm propose une série de modes de couleur inspirés de leurs célèbres films argentiques. N’hésitez pas à tester chaque simulation et à personnaliser les paramètres pour obtenir le rendu de couleur qui correspond à votre style.
• Prenez avantage du mode panoramique : cette fonction vous permettra de réaliser facilement des images grand-angle en assemblant plusieurs photos. C’est un excellent moyen de capturer des paysages ou des scènes urbaines.
• Utilisez l’écran tactile inclinable pour varier vos points de vue : l’écran arrière du X100V peut être incliné vers le haut et le bas, ce qui facilite la prise de vue depuis des angles inhabituels. L’écran est également sensible au toucher pour une navigation intuitive dans les menus et un ajustement précis des paramètres.
• Tirez parti de la connectivité sans fil : en associant le Fuji X100V à votre smartphone via Bluetooth ou Wi-Fi, vous pouvez transférer rapidement vos images pour les partager sur les réseaux sociaux ou contrôler l’appareil à distance avec l’application dédiée Fujifilm Camera Remote.

Accessoires recommandés pour le Fuji X100V

Pour enrichir davantage votre expérience avec le X100V, voici quelques accessoires intéressants :

1. Un pare-soleil : cet élément protège l’objectif des reflets indésirables et améliore la qualité globale de l’image, surtout en cas de fort ensoleillement.
2. Une dragonne ou une courroie d’épaule : selon vos préférences, ces accessoires facilitent le transport de l’appareil et permettent une prise en main rapide et sécurisée.
3. Un trépied compact : pour réaliser des photos de longue exposition ou des autoportraits, un trépied léger et portable est un excellent compagnon pour votre X100V.
4. Des filtres de protection UV ou ND : ces filtres s’adaptent à l’objectif du X100V et offrent une protection contre les rayures, la poussière ou les chocs tout en améliorant la qualité de vos images selon les conditions d’éclairage.

En somme, le Fuji X100V se distingue par son excellente qualité d’image, sa polyvalence et son design élégant, séduisant ainsi les photographes les plus exigeants. Grâce à cet appareil, capturez des moments uniques lors de vos aventures urbaines et emportez-le facilement dans tous vos voyages.

Polyvalent, compact et costaud, le FUJIFILM X100V argenté est la cinquième génération de la série X100, alliant des capacités d’imagerie impressionnantes, un design distinct avec un objectif grand angle adapté et un ensemble de fonctionnalités flexibles pour répondre à un éventail de besoins de prise de vue.

Utilisant un capteur CMOS 4 X-Trans 26,1 MP au format APS-C éprouvé et apprécié, le FUJIFILM X100V est capable d’enregistrer en haute résolution avec la prise en charge de la vidéo DCI/UHD 4K, la sensibilité de ISO 160-12800 et la prise de vue en continu jusqu’à 11 ips avec l’obturateur mécanique.

La conception BSI du capteur du FUJIFILM X100V offre un bruit réduit et une plus grande clarté globale, et est associée au X-Processor 4 pour obtenir des performances rapides et une réactivité améliorée. La conception du capteur permet également un système de mise au point automatique hybride qui combine 425 points de détection de phase avec un système de détection de contraste pour des performances AF rapides et précises.

Au-delà de l’imagerie, le FUJIFILM X100V conserve la conception éprouvée du boîtier inspirée du télémètre qui a rendu cette série d’appareils photo si spéciale.

Le populaire viseur hybride avancé est à nouveau utilisé, mais a été mis à jour avec un EVF OLED de 3,69 m de résolution plus élevée pour une visualisation plus claire. Cela peut toujours être effleuré pour révéler un viseur optique clair à grossissement de 0,52x pour s’adapter à la façon de photographier des puristes.

Le viseur du FUJIFILM X100V est complété par un écran tactile ACL de 3,0 po à 1,62 m, doté d’une conception inclinable dans les deux sens pour prendre en charge le travail à partir d’angles élevés et faibles.

Ensuite, il y a aussi le précieux objectif grand angle intégré qui offre un distance focale utile équivalente à 35 mm et une ouverture maximale lumineuse de f / 2. Cet objectif a été repensé par rapport aux versions précédentes pour réaliser des images plus nettes avec moins de distorsion, une mise au point plus proche et, physiquement, lorsque vous fixez l’anneau adaptateur en option et le filtre de protection en option, il complète une conception résistante aux intempéries.

De plus, pour vous permettre de rester connecté, le FUJIFILM X100V dispose également de Bluetooth et Wi-Fi intégrés pour permettre le transfert sans fil d’images vers un appareil mobile ainsi que le contrôle à distance de l’appareil photo depuis un smartphone ou une tablette.

FUJIFILM X100V

Fujifilm x100v : Capteur CMOS 4 APS-C X-Trans BSI 26,1 Mpx et processeur X 4

Tournant autour d’un capteur très polyvalent, le FUJIFILM X100V dispose d’un capteur X-Trans CMOS 4 au format APS-C de 26,1 MP, qui a une conception rétro-éclairée pour offrir un rendu tonal fluide, des performances améliorées en basse lumière et une large plage de sensibilité native. de la norme ISO 160-12800.

En tant que capteur X-Trans, il utilise également un réseau de pixels aléatoires, qui offre un degré élevé de qualité et de netteté d’image en raison de l’omission d’un filtre passe-bas optique. Par rapport aux modèles de pixels conventionnels, le design X-Trans imite plus étroitement la nature organique du film afin de produire des couleurs nuancées et des transitions tonales, tout en réduisant le moiré et le crénelage.

FUJIFILM X100V

La conception du capteur du FUJIFILM X100V comprend également un système de mise au point automatique à détection de phase étendu, qui dispose de 425 points sélectionnables qui couvrent presque toute la zone du capteur.

Ce système AF offre des performances de mise au point plus rapides et plus précises dans une variété de conditions d’éclairage jusqu’à -5 EV. Pour compléter les capacités d’imagerie et de mise au point, un X-Processor 4 mis à jour est également présenté, qui dispose d’un processeur quadricœur et offre des performances plus rapides et plus réactives dans tout le système de caméra.

Fujifilm x100v : Enregistrement vidéo UHD et DCI 4K

Étendant ses capacités au-delà des images fixes, le FUJIFILM X100V offre une gamme polyvalente de capacités vidéo, y compris l’enregistrement interne DCI/UHD 4K jusqu’à 30 ips et l’enregistrement Full HD jusqu’à 120 ips.

Bénéficiant grandement des performances vidéo globales, la vitesse du X-Processor 4 permet des vitesses de lecture rapides lors de l’enregistrement vidéo et aide à réduire la distorsion de l’obturateur roulant lors du tournage de sujets en mouvement. De plus, un port micro-HDMI permet un enregistrement 10 bits 4:2:2 sur un enregistreur externe en option.

Fujifilm x100v : Objectif Fujinon 23 mm f/2 repensé

Un objectif Fujinon 23 mm f / 2 mis à jour présente une conception optique révisée qui comprend désormais deux éléments asphériques pour une netteté et une clarté améliorées grâce à la réduction des aberrations sphériques et de la distorsion.

La distance focale de 23 mm de cet objectif équivaut à 35 mm, ce qui en fait un objectif grand angle confortable qui convient bien à une variété de situations de prise de vue.

FUJIFILM X100V

La conception lumineuse f/2 du FUJIFILM X100V convient également au travail dans diverses conditions d’éclairage et offre un meilleur contrôle de la profondeur de champ pour aider à isoler la mise au point sur les sujets.

De plus, un revêtement Super EBC a été appliqué pour supprimer les reflets de l’objectif et les images fantômes pour un meilleur contraste et une meilleure fidélité des couleurs lorsque vous travaillez dans des conditions d’éclairage intenses.

Alors que l’objectif est une distance focale fixe, le X100V intègre des paramètres de téléconvertisseur numérique équivalents à 50 mm et 75 mm pour simuler l’apparence de travailler avec une distance focale plus longue et l’objectif est également compatible avec les objectifs de fixation WCL et TCL en option pour étendre ou réduire le effet champ de vision.

FUJIFILM X100V

Fujifilm x100v :Viseur hybride avancé

Les types de viseur optique et électronique du FUJIFILM X100V sont intégrés dans le viseur hybride avancé unique, qui vous permet de choisir entre la simplicité et la familiarité d’un OVF ainsi que la polyvalence d’un EVF. Le changement entre les types de visualisation s’effectue rapidement via le levier de commutation du viseur dédié à l’avant du boîtier de l’appareil photo.

Le viseur optique à grossissement de 0,52x offre une vue claire et réaliste de la scène pour faciliter la composition et le suivi du sujet. Sa conception améliorée intègre une fonction de télémètre électronique, qui imite la fonctionnalité d’un télémètre mécanique, et superpose simultanément les informations du viseur électronique au-dessus du viseur optique pour un contrôle comparatif de la mise au point manuelle.

En ce qui concerne le viseur électronique, cet OLED arbore une résolution élevée de 3,69 m de points ainsi qu’un taux de rafraîchissement rapide pour réduire le décalage pour des mouvements de panoramique et de suivi plus fluides. L’EVF vous permet de prévisualiser les paramètres d’exposition avant la prise de vue et dispose d’un affichage personnalisable, pour configurer la quantité et le type d’informations affichées dans le viseur.

Fujifilm x100v :Conception du corps

L’écran LCD inclinable de 3,0″ à 1,62 m a une conception d’écran tactile pour un fonctionnement et une lecture intuitifs, et la conception inclinable profite grandement du travail à partir d’angles de prise de vue élevés et bas.
La conception durable peut être rendue résistante aux intempéries lorsqu’elle est associée à l’anneau adaptateur AR-X100 en option et à l’anneau de protection contre les intempéries en option.

La plaque supérieure intègre une série de cadrans et de leviers de verrouillage pour un contrôle rapide et intuitif des paramètres d’exposition, y compris un cadran de vitesse d’obturation qui offre un réglage direct de la vitesse d’obturation.

Une molette ISO est également intégrée à la molette de vitesse d’obturation, pour confirmer le réglage de la sensibilité sans avoir à allumer l’appareil photo et la molette de compensation d’exposition vous permet de choisir +/- 3 EV par incréments de 1/3. Ce cadran a également une position C pour offrir une plage étendue de +/- 5 EV lorsque vous travaillez avec les cadrans de commande.

Les molettes de commande avant et arrière intègrent une fonction push pour faciliter l’utilisation et la sélection des paramètres.

Le joystick arrière est disponible pour la sélection et la commutation intuitives des collimateurs AF ainsi que la navigation dans les menus et la lecture des images.

La connectivité Bluetooth et Wi-Fi intégrée permet de partager sans fil des images vers un appareil mobile ou d’utiliser l’appareil pour contrôler à distance l’appareil photo.

Les emplacements pour carte mémoire SD unique prennent en charge jusqu’à la norme UHS-I.
La batterie NP-W126S incluse fournit environ 350 images par charge lorsque vous travaillez avec l’EVF ou 420 images par charge lorsque vous travaillez avec l’OVF.

Fujifilm x100v : Modes de simulation de films

Tirant parti de la vaste histoire de FUJIFILM dans la photographie argentique traditionnelle, le FUJIFILM X100V intègre plusieurs modes de simulation de film, qui imitent l’aspect et la sensation de certains des types de films classiques de FUJIFILM :

– Provia—Le film transparent couleur à contraste standard et à saturation normale- Velvia—Contraste élevé, saturation des couleurs élevée et film transparent aux couleurs vives

– Astia—Contraste atténué et saturation des couleurs avec un aspect idéal pour les portraits

– Chrome classique : offre des tons atténués et une reproduction des couleurs profondes, semblable à un film de diapositives daté

– Classic Neg – Contraste discret mais couleurs vives avec une sensation cinématographique vintage

– PRO Neg—Disponible avec Hi et Std. options de contraste, cela imite la sensation percutante mais naturelle de leur film négatif couleur de qualité professionnelle

– Eterna—Pour un look cinématographique, cela fournit une couleur plate, un aspect à faible saturation bien adapté à l’étalonnage des couleurs de post-production

– Acros—Basé sur le populaire film N&B, ce mode monochrome a une tonalité et un grain distincts et peut être utilisé avec des effets de filtre de contraste jaune, rouge et vert

– N&B : effet noir et blanc simple et classique avec options de filtre de contraste jaune, rouge et vert
Sépia – Le look ancien préféré de tout le monde imitant le processus alternatif populaire

En plus de simuler des types de film spécifiques, un mode Effet de grain est également disponible pour reproduire l’apparence de vieilles photos de film avec une apparence texturée organique, ce qui est particulièrement visible lors de l’impression.

Les effets Color Chrome et Color Chrome Blue sont également disponibles pour approfondir la couleur, la réponse tonale et la gradation avec des couleurs à saturation plus élevée.

Fujifilm x100v : Version du micrologiciel 2.00 Caractéristiques

– Connectez l’appareil photo à un ordinateur via USB pour l’utiliser comme webcam avec l’utilitaire FUJIFILM X Webcam
– Permettez l’utilisation de simulations de film dans le fonctionnement de la webcam
– Ajoutez la possibilité d’utiliser le filtre ND intégré pendant l’enregistrement vidéo
– Ajoutez la possibilité de mémoriser la position du cadre lumineux dans le viseur optique pour éviter tout décalage
– Enregistrez les images RAW + JPEG lors de l’utilisation du téléconvertisseur numérique à 50 mm ou 70 mm de recadrage

FAQ sur le Fujifilm X100V

1. Qu’est-ce que le Fujifilm X100V?

Le Fujifilm X100V est un appareil photo compact à objectif fixe de la série X de Fujifilm. Il est conçu pour les photographes qui cherchent un appareil photo petit, léger et portable qui offre une qualité d’image exceptionnelle.

2. Quelles sont les spécifications techniques du Fujifilm X100V?

Le Fujifilm X100V est équipé d’un capteur X-Trans CMOS 4 de 26,1 mégapixels et d’un processeur d’image X-Processor 4. Il dispose également d’un objectif fixe Fujinon 23mm f/2, d’une plage de sensibilité ISO de 160 à 12800 (extensible à 80-51200), d’un écran LCD inclinable de 3 pouces et d’un viseur électronique OLED de 0,5 pouce.

3. Quelle est la qualité d’image du Fujifilm X100V?

La qualité d’image du Fujifilm X100V est excellente grâce à son capteur X-Trans CMOS 4 et son processeur d’image X-Processor 4. Les images sont nettes, détaillées et ont une excellente dynamique.

4. Comment le Fujifilm X100V se compare-t-il aux autres appareils photo compacts?

Le Fujifilm X100V se distingue des autres appareils photo compacts grâce à sa qualité d’image exceptionnelle, son objectif fixe de haute qualité et son boîtier en alliage de magnésium durable. Il offre également des fonctionnalités avancées telles qu’un viseur électronique OLED, un écran LCD inclinable et des commandes manuelles pour une expérience de prise de vue personnalisée.

5. Quel est le système d’autofocus du Fujifilm X100V?

Le Fujifilm X100V utilise un système d’autofocus à détection de phase et à détection de contraste avec 425 points de mise au point automatique. Il offre également une fonction de suivi AF avancée pour suivre les sujets en mouvement.

6. Le Fujifilm X100V est-il facile à utiliser pour les débutants?

Le Fujifilm X100V est relativement facile à utiliser pour les débutants grâce à son interface utilisateur intuitive. Il dispose également d’un mode automatique intelligent qui règle automatiquement les paramètres de l’appareil photo en fonction de la scène.

7. Peut-on utiliser des objectifs interchangeables avec le Fujifilm X100V?

Non, le Fujifilm X100V dispose d’un objectif fixe Fujinon 23mm f/2 qui ne peut pas être changé. Cependant, l’objectif offre une excellente qualité optique et est parfaitement adapté aux situations de prise de vue courantes.

8. Quels sont les avantages du boîtier en alliage de magnésium du Fujifilm X100V?

Le boîtier en alliage de magnésium du Fujifilm X100V offre une grande durabilité et une résistance aux chocs

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et aux rayures. Il est également léger et facile à transporter, ce qui en fait un choix idéal pour les photographes en déplacement. De plus, il offre une sensation de solidité et de qualité, ce qui est important pour les photographes professionnels.

9. Le Fujifilm X100V est-il adapté à la vidéo?

Oui, le Fujifilm X100V est capable d’enregistrer des vidéos en 4K à 30 images par seconde. Il offre également des options de formatage de fichier telles que le F-Log et le HLG pour une meilleure flexibilité en post-production.

10. Quels sont les accessoires disponibles pour le Fujifilm X100V?

Il existe plusieurs accessoires disponibles pour le Fujifilm X100V, notamment des étuis de protection, des filtres, des pare-soleils, des adaptateurs pour flash et des sangles de cou. Il est également possible d’ajouter un objectif de conversion grand angle ou téléobjectif en utilisant les adaptateurs de conversion disponibles.

En résumé, le Fujifilm X100V est un excellent choix pour les photographes cherchant un appareil photo compact, léger et portable offrant une qualité d’image exceptionnelle. Avec son objectif fixe de haute qualité, son boîtier en alliage de magnésium durable et ses fonctionnalités avancées, il est idéal pour les photographes professionnels et les amateurs passionnés.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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The Beatles Abbey Road

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/08/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

J’adore les anecdotes derrière les pochettes d’album, les covers. En voici quelques-unes autour de la photo la plus célèbre du groupe britannique de renommée mondiale The Beatles Abbey Road pour leur album Abbey Road.

The Beatles Abbey Road

Fondé en 1957 par John Lennon sous le nom de The Quarrymen, le groupe a vraiment commencé en 1962 après l’arrivée de Ringo Starr, qui a suivi l’arrivée de Paul McCartney et George Harrison et du nom The Beatles.

Un album légendaire :The Beatles Abbey Road

Avec 30 millions d’exemplaires vendus, The Beatles Abbey Road est le deuxième plus grand succès des Beatles, juste après le sergent Pepper.. De cette façon, The Beatles Abbey Road a passé 11 semaines à la pointe du blockbuster, lors d’une compétition féroce avec Let It Bleed des Rolling Stones et le deuxième album de Led Zeppelin.

La semaine suivante l’album The Beatles Abbey Road prend de l’avance pour 6 semaines supplémentaires, augmentant le nombre de semaines passées au sommet à 17.The Beatles Abbey Road était l’album le plus vendu au Royaume-Uni en 1969. Quatrième best-seller des années 1960. En 1970, l’album atteint toujours la 7e place en termes de ventes.

The Beatles Abbey Road: les tensions de l’époque…
A cette époque, en plus de la Beatlemania, quatre musiciens sont aux prises avec de nombreuses tensions personnelles, à la fois artistiques et financières, à la fin des années 1960, le groupe est au bord de la séparation.

L’idée de Paul McCartney était que les Beatles se retrouvaient et composaient ensemble dans leur studio habituel sur Abbey Road à Londres. Ainsi, à l’été 1969, ils ont complètement travaillé sur de nouveaux titres composant l’avant-dernier album (par ordre de sortie), dont le titre prenant le nom de la rue : Abbey Road

C’est John Lennon qui a appelé le photographe écossais Iain MacMillan, rencontré par le biais de Yoko Ono, pour la couverture de The Beatles Abbey Road. Iain MacMillan est surtout connu pour cette photo légendaire et le travail réalisé au nom du couple Lennon / Ono.

 The Beatles Abbey Road : Un shooting en 6 temps

Après avoir échangé quelques croquis de la couverture de l’album, le photographe et les Beatles shootent le 8 août 1969, vers11h30 pour éviter l’afflux de fans, notamment ceux présents en début d’après-midi.

Monté sur une caisse en bois, Iain MacMillan ne dispose que de dix minutes pour prendre la bonne photo, tandis qu’un policier tente de réguler le mouvement derrière le photographe.

L’image sélectionnée fait donc partie d’une série de six photos montrant les coulisses de ce moment à un passage piéton sur  Abbey Road, passage classé au niveau II, depuis décembre 2010, en raison de son «importance culturelle et historique» . Cette image immortalise la traversée des Beatles avec la même amplitude de pas, sans trafic ni piétons encombrant trop l’image.

Les 5 photos de  The Beatles Abbey Road

Sur la première photo, John Lennon tourne la tête, tandis que Paul McCartney et George Harrison lèvent les pieds. Nous remarquons également une Mercedes blanche, plus loin dans la rue.

Sur la deuxième, 4 membres ont suffisamment d’espace entre eux, mais John Lennon est le seul avec la bonne amplitude de pas.

Lors de la troisième photo, une file de voitures avec un bus à impérial s’est formée dans la rue. Paul McCartney a finalement abandonné ses sandales et George Harrison n’était plus sur la même ligne que les autres.
Sur la quatrième photo, nous voyons toujours le même bus rouge qui attend, observant la scène. Parmi les Beatles à nouveau, seul John Lennon a une amplitude assez importante, tandis que les trois autres sont figés. C’est la cinquième photo qui est la bonne ! Le bus est parti, et surtout les pas des 4 Beatles sont parfaitement coordonnés.

Enfin, sixième, on remarque que le bus a traversé la rue en sens inverse et repart. Bien que les musiciens soient bien coordonnés, leur gamme d’étapes n’est pas assez grande. Il s’agit de la cinquième photo que le groupe lui-même a choisie pour illustrer leur album. Il a été coupé et retravaillé pour attirer l’attention sur les membres du groupe.

 

The Beatles Abbey Road -The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road -The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road

 

Bien que l’image semble simple, il convient de prêter attention à certains détails, tels que la présence d’une Volkswagen Beetle blanche, qui n’a rien à voir avec le groupe, mais appartient au résident.

Après la sortie de l’album, sa plaque d’immatriculation a été volée plusieurs fois. C’est aussi la seule photo qui montre le tabagisme de Paul McCartney.

Sur la couronne de la tête de Paul McCartney, près de la voiture bleue, se trouvent trois hommes décorateurs d’intérieur, après le déjeuner. Enfin, sur le trottoir droit entre Ringo Starr et John Lennon se dresse la silhouette d’un autre passant, un touriste américain du nom de Paul Cole, arrêté pour avoir observé la scène. Ce n’est que quelques mois plus tard que sa présence sur la photo a été remarquée.

De plus, l’image d’Abbey Road a attiré beaucoup d’attention et est une source de commérages fantaisistes sur Paul McCartney. De nombreux fans ont commencé à affirmer que le vrai Paul McCartney avait été tué dans un accident de voiture en 1966 et qu’il avait été remplacé par une apparence similaire.

Plusieurs arguments sont avancés, dont beaucoup sont faux, basés sur la photo: le fait que Paul McCartney soit pieds nus fait référence à certaines cultures dans lesquelles les morts ont été enterrés sans chaussures; tandis que Paul McCartney est gaucher, il tient une cigarette dans sa main droite; et, selon ces théoriciens du complot, la plaque d’immatriculation de VW Beetle, « LMW 28IF », signifierait « Living McCartney aurait eu 28 ans si », suggérant que Paul McCartney aurait eu 28 ans s’il n’était pas mort … Mais « en 1969 , pendant le tournage, le musicien avait en fait 27 ans !

La dernière anecdote concerne la composition de la pochette de The Beatles Abbey Road. Après cette photo avec les Beatles, Iain MacMillan veut prendre une photo du panneau de signalisation, où malencontreusement, une jeune femme vêtue d’une robe bleue passe devant l’objectif, ce qui agace le photographe. Enfin, cette photo est sélectionnée comme photo de dos de l’album.

 

La réédition The Beatles Abbey Road 50^e anniversaire

L’album est sorti le 27 septembre 2019.  Il est inspiré du mixage stéréo d’origine et remixé par Giles Martin, fils de George Martin et ingénieur du son Sam Okell aux studios Abbey Road, le même qui a remasterisé et modernisé le son des deux rééditions précédentes. À l’instar de la réédition du Lonely Heart Club du sergent Pepper en 2017 et des Beatles en 2018, certaines éditions sont accompagnées d’enregistrements studio inédits. La réédition atteint la première place sur les charts britanniques et la troisième sur Billboard 200.

Album de The Beatles Abbey Road 50e Anniversaire
Sortie 27 septembre 2019 – Format CD, 33 tours, téléchargement, Blu-ray
Producteur Giles Martin
Label Apple Records

Face A

• 1. Come Together John Lennon, Paul McCartney   4:20
• 2. Something George Harrison   3:02
• 3. Maxwell’s Silver Hammer John Lennon, Paul McCartney 3:27
• 4. Oh! Darling John Lennon, Paul McCartney  3:26
• 5. Octopus’s Garden Ringo Starr   2:51
• 6. I Want You (She’s So Heavy) John Lennon, Paul McCartney  7:47

Face B

• 7. Here Comes the Sun George Harrison  3:05
• 8. Because John Lennon, Paul McCartney John Lennon, Paul McCartney,   2:45
• 9. You Never Give Me Your Money John Lennon, Paul McCartney  4:02
• 10. Sun King John Lennon, Paul McCartney John Lennon, Paul McCartney, G  2:25
• 11. Mean Mr. Mustard John Lennon, Paul McCartney  1:06
• 12. Polythene Pam John Lennon, Paul McCartney  1:12
• 13. She Came In Through the Bathroom Window John Lennon, Paul McCartney  1:58
• 14. Golden Slumbers John Lennon, Paul McCartney  1:31
• 15. Carry That Weight John Lennon, Paul McCartney John Lennon,    1:36
• 16. The End John Lennon, Paul McCartney  2:051
• 17. Her Majesty (chanson cachée) John Lennon, Paul McCartney  0:23

La chanson The End en tant que telle dure 2:05, mais un silence de quinze secondes entre elle et la chanson cachée Her Majesty porte sa durée à 2:20.

FAQ sur les studios Abbey Road

1. Qu’est-ce que les studios Abbey Road ?

Les studios Abbey Road sont un complexe de studios d’enregistrement situé à Londres, en Angleterre. Ils sont célèbres pour avoir accueilli des enregistrements de nombreux artistes emblématiques, tels que les Beatles et Pink Floyd.

2. Quand les studios Abbey Road ont-ils été fondés ?

Les studios Abbey Road ont été fondés en 1931 sous le nom d’EMI Studios.

3. Pourquoi les studios Abbey Road sont-ils si célèbres ?

Les studios Abbey Road sont célèbres pour avoir été le lieu de nombreux enregistrements emblématiques, tels que l’album « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » des Beatles et l’album « The Dark Side of the Moon » de Pink Floyd.

4. Les studios Abbey Road sont-ils toujours en activité ?

Oui, les studios Abbey Road sont toujours en activité et continuent d’accueillir des artistes et des groupes pour des enregistrements.

5. Comment peut-on réserver les studios Abbey Road ?

Les studios Abbey Road sont réservés par l’intermédiaire de leur site web, où les artistes et les producteurs peuvent soumettre une demande de réservation.

6. Les studios Abbey Road offrent-ils des services de mastering et de mixage ?

Oui, les studios Abbey Road offrent des services de mastering et de mixage pour les artistes et les producteurs.

7. Les studios Abbey Road sont-ils ouverts au public pour des visites ?

Oui, les studios Abbey Road proposent des visites guidées pour les fans de musique et les touristes qui souhaitent découvrir l’histoire du studio.

8. Les studios Abbey Road disposent-ils d’un équipement de pointe pour les enregistrements ?

Oui, les studios Abbey Road disposent d’un équipement de pointe pour les enregistrements, avec des studios équipés de consoles de mixage analogiques et numériques, d’une grande variété de microphones et d’outils de production audio de haute qualité.

9. Les studios Abbey Road ont-ils des résidents permanents ?

Non, les studios Abbey Road ne disposent pas de résidents permanents, mais les artistes et les producteurs peuvent réserver les studios pour des périodes prolongées s’ils le souhaitent.

10. Les studios Abbey Road ont-ils inspiré d’autres studios d’enregistrement dans le monde ?

Oui, les studios Abbey Road ont été une source d’inspiration pour de nombreux autres studios d’enregistrement dans le monde entier. Leur succès et leur histoire ont inspiré de nombreux artistes et producteurs à chercher des conditions similaires pour leurs propres enregistrements.

 

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The Beatles Abbey Road

 

Quelles chansons sont présentes sur l’album Abbey Road ?

L’album Abbey Road comprend 17 chansons, dont certaines des plus célèbres des Beatles. Voici la liste complète des titres :

« Come Together »
« Something »
« Maxwell’s Silver Hammer »
« Oh! Darling »
« Octopus’s Garden »
« I Want You (She’s So Heavy) »
« Here Comes the Sun »
« Because »
« You Never Give Me Your Money »
« Sun King »
« Mean Mr. Mustard »
« Polythene Pam »
« She Came In Through the Bathroom Window »
« Golden Slumbers »
« Carry That Weight »
« The End »
« Her Majesty »

Quelle est l’histoire de la pochette de l’album Abbey Road ?

La pochette de l’album Abbey Road est l’une des plus célèbres de l’histoire de la musique. Elle montre les membres des Beatles traversant un passage clouté en file indienne, devant le célèbre studio Abbey Road à Londres. La photo a été prise par le photographe écossais Iain Macmillan, qui a pris six clichés différents du groupe traversant la rue. La photo choisie pour la pochette est celle où les membres du groupe ont l’air le plus détendus et où le soleil est le plus visible.

La photo a été prise le 8 août 1969, seulement quelques semaines avant que le groupe ne se sépare officiellement. Elle est devenue emblématique de la fin des années 60 et de la musique des Beatles. De nombreuses personnes ont tenté de reproduire la photo au fil des ans, et la rue elle-même est devenue une attraction touristique majeure pour les fans des Beatles.

Quels ont été les succès commerciaux de l’album Abbey Road ?

The Beatles Abbey Road a été un énorme succès commercial pour les Beatles. L’album est sorti en septembre 1969 et a immédiatement connu un grand succès. The Beatles Abbey Road a atteint la première place des charts britanniques et américains et est resté en tête des charts américains pendant 11 semaines consécutives. Les singles « Something » et « Come Together » ont également été des succès commerciaux importants.

Au fil des ans, The Beatles Abbey Road  est devenu l’un des albums les plus vendus de tous les temps. Il a été certifié disque de platine plusieurs fois dans de nombreux pays et a remporté de nombreux prix, notamment le Grammy Award de l’album de l’année en 1970.

Quelle est la signification de la chanson « Something » de l’album Abbey Road ?

« Something » est l’une des chansons les plus célèbres de l’album The Beatles Abbey Road . Elle a été écrite par George Harrison, le guitariste des Beatles, et est considérée comme l’une de ses plus grandes compositions.

La signification exacte de la chanson est un peu vague, mais on pense qu’elle est inspirée par la femme de George Harrison, Pattie Boyd. La chanson parle de l’amour et de la beauté d’une femme, et est souvent considérée comme l’une des plus belles chansons d’amour jamais écrites.

Quels ont été les singles et les chansons les plus populaires de l’album « Abbey Road » des Beatles ?

The Beatles Abbey Road a été un grand succès commercial, avec plusieurs chansons devenues des classiques de la musique rock. Les singles les plus populaires de l’album étaient « Something » et « Come Together ». « Something » est une ballade écrite par George Harrison qui a atteint la deuxième place du classement des singles aux États-Unis et la quatrième place au Royaume-Uni. « Come Together » est une chanson écrite par John Lennon qui est devenue un autre hit du groupe, atteignant la première place du classement des singles aux États-Unis.

Parmi les autres chansons populaires de l’album figurent « Here Comes the Sun », écrite par George Harrison et considérée comme l’une des meilleures chansons du groupe, ainsi que « Octopus’s Garden », écrite par Ringo Starr. « Because » est également une chanson bien-aimée de l’album, avec ses harmonies vocales complexes.

Quelle est la signification de la pochette de l’album « The Beatles Abbey Road  » ?

La pochette de l’album « Abbey Road » est l’une des plus célèbres de l’histoire de la musique. Elle représente les Beatles traversant un passage clouté devant les studios Abbey Road à Londres. La photo a été prise par le photographe Iain Macmillan en août 1969.

La signification de la pochette a été l’objet de nombreuses interprétations au fil des ans. Certains ont vu dans la photo une allégorie de la mort, John Lennon étant vêtu de blanc comme un prêtre, Ringo Starr de noir comme un croque-mort, Paul McCartney étant pieds nus pour représenter les morts, et George Harrison en jean et chemise pour représenter le fossoyeur. Cependant, Paul McCartney a déclaré plus tard que la photo n’avait aucun sens caché et qu’elle avait simplement été prise parce que les Beatles se trouvaient devant les studios Abbey Road ce jour-là et qu’ils avaient décidé de faire une photo rapide.

Quelle a été la réception critique de l’album « The Beatles Abbey Road  » à sa sortie ?

L’album « Abbey Road » a été bien accueilli par la critique à sa sortie en 1969. Les critiques ont salué la qualité des chansons et la production soignée de l’album. Certains critiques ont également noté que l’album représentait un retour en force pour le groupe après leur expérience décevante avec « Let It Be ».

Aujourd’hui, l’album est considéré comme l’un des meilleurs de l’histoire de la musique rock. Il est souvent cité comme l’un des albums les plus influents de tous les temps et a été inclus dans de nombreuses listes des meilleurs albums jamais réalisés.

Quel est l’héritage de l’album « The Beatles Abbey Road » ?

L’héritage de l’album « Abbey Road » est immense. Il a été un grand succès commercial pour les Beatles, avec des singles comme « Something » et « Come Together » devenus des classiques de la musique rock. L’album a également été salué par la critique à sa sortie et est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs albums de tous les temps

The Beatles Abbey Road

La légendaire route vers l’enfer : une exploration de l’album « Highway to Hell »

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 22/08/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

La légendaire route vers l’enfer : une exploration de l’album « Highway to Hell »

Dans cet article, nous allons explorer le célèbre album « Highway to Hell » du groupe de rock légendaire AC/DC. Nous parlerons de l’histoire derrière sa création, des chansons qui le composent et de son impact sur la scène musicale mondiale.

L’histoire derrière la création de « Highway to Hell »

Sorti en 1979, « Highway to Hell » est le sixième album studio d’AC/DC, groupe de rock australien formé en 1973 par les frères Malcolm et Angus Young. Cet album marque un tournant pour le groupe, car il s’agit du dernier dans lequel le chanteur emblématique Bon Scott participe avant son décès prématuré en 1980.

Highway to Hell

Le titre éponyme « Highway to Hell » fait référence aux tournées incessantes que le groupe a dû faire pour percer dans l’industrie musicale à l’époque. Le chanteur Bon Scott aurait décrit la vie sur la route comme étant une véritable autoroute vers l’enfer, où chaque kilomètre semble ne mener qu’à des problèmes et des difficultés.

Les chansons qui composent « Highway to Hell »

L’album « Highway to Hell » comprend dix titres qui figurent parmi les plus grands succès d’AC/DC :

1. « Highway to Hell », la chanson-titre de l’album, est aujourd’hui considérée comme un véritable hymne du rock. Avec son riff de guitare accrocheur et ses paroles provocantes, elle reste l’une des chansons les plus emblématiques d’AC/DC.
2. « Girls Got Rhythm » est un morceau dédié aux groupies qui suivent le groupe en tournée. Son rythme entraînant et ses paroles séduisantes ont fait de cette chanson l’un des moments forts des concerts d’AC/DC.
3. « Walk All Over You » explore la relation tumultueuse entre Bon Scott et sa petite amie de l’époque. Le texte décrit leur relation passionnelle et chaotique à travers un mélange de métaphores et d’allusions.
4. « Touch Too Much » traite des excès et des désirs liés à la célébrité. La chanson parle de l’appétit insatiable pour les plaisirs charnels que peuvent avoir certaines personnes lorsqu’elles sont sous les projecteurs.
5. « Beating Around the Bush » aborde le thème de la tromperie et du mensonge dans les relations amoureuses. Ce morceau énergique reflète parfaitement l’amertume ressentie face à la trahison.
6. « Shot Down in Flames », avec son tempo rapide et ses riffs de guitare musclés, dépeint la déception éprouvée par quelqu’un qui voit ses avances rejetées sans pitié.
7. « Get It Hot » met en avant l’obsession de Bon Scott pour les femmes et la fête. Son message est simple : il faut profiter à fond de la vie et des bonnes choses qu’elle a à offrir.
8. « If You Want Blood (You’ve Got It) » s’inspire de l’énergie brute qui se dégage lors des concerts du groupe. La chanson évoque la soif de l’audience pour le rock’n’roll et la puissance électrisante d’une performance live.
9. Sombre et mélancolique, « Love Hungry Man » expose les tourments intérieurs d’un homme prêt à tout pour combler son insatiable appétit de passion et d’affection.
10. Enfin, « Night Prowler » clôture l’album avec une ambiance sombre et inquiétante. Elle décrit un personnage macabre qui rôde dans la nuit, incarnant ainsi les travers obscurs de la condition humaine.

L’influence des autres membres du groupe sur les chansons

Bien que Bon Scott soit souvent considéré comme le principal parolier de l’album, il convient de noter que les frères Young ont également grandement contribué à sa création. Les riffs de guitare caractéristiques d’Angus Young sont présents tout au long de l’album, tandis que Malcolm Young apporte sa solide base rythmique et sa vision artistique globale.

L’impact de « Highway to Hell » sur la scène musicale mondiale

Dès sa sortie, « Highway to Hell » a connu un succès retentissant. Il a atteint la 17e place du Billboard 200 aux États-Unis et s’est vendu à plus de sept millions d’exemplaires dans le monde. Cette réussite commerciale a permis au groupe d’acquérir une renommée internationale et de participer à des tournées mondiales à guichets fermés.

En dépit du décès tragique de Bon Scott, AC/DC a continué sur sa lancée en recrutant le chanteur Brian Johnson. Ensemble, ils ont sorti l’album monumental « Back in Black » en 1980, qui reste aujourd’hui l’une des meilleures ventes d’albums de tous les temps.

Le legs de « Highway to Hell »

Aujourd’hui, plus de quatre décennies après sa sortie, « Highway to Hell » demeure un pilier incontournable de la musique rock. L’album conserve son pouvoir évocateur et sa capacité à captiver les fans de rock du monde entier, toutes générations confondues. Sa force réside non seulement dans ses mélodies entraînantes et intemporelles, mais aussi dans son authenticité et sa sincérité émotionnelle.

Avec Highway To Hell, AC/DC a devancé les autres en réalisant un record qui les a finalement aidés à percer en  Amérique… mais un tel succès a coûté très cher.

Pour Malcolm Young, le guitariste rythmique d’ AC/DC , il s’agissait toujours du riff. Et avec un en particulier, dès qu’il l’a inventé au début de 1979, il a su dans ses os, que c’était quelque chose de spécial. Comme il l’a dit, avec le genre de brutalité et de vulgarité qui avait toujours défini le travail du groupe : « Ça sortait comme des boules de chien. »

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Highway To Hell : le riff

Highway To Hell était parfait dans sa simplicité : la façon dont il bougeait, en rafales saccadées, rappelant All Right Now de Free . Et c’est sans doute de là que vient la chanson la plus importante de toute la carrière d’AC/DC.

Highway To Hell a commencé comme une blague, lorsque le guitariste principal Angus Young , le petit frère de Malcolm, a décrit la tournée exténuante du groupe en 1978 comme « une putain d’autoroute vers l’enfer ». Et dans les paroles prononcées par le chanteur Bon Scott, il y avait une déclaration de signature d’attitude rock’n’roll insouciante.

Highway To Hell était la chanson titre du premier album vendu à un million d’exemplaires, d’AC/DC. Au Royaume-Uni, c’était le premier hit du groupe dans le Top 10 en dehors de leur Australie natale. Plus important encore, comme l’a dit Angus Young: « C’est l’album qui nous a brisés en Amérique. »

Tout cela n’est pas venu facilement. Lors de la réalisation de l’album Highway To Hell , le groupe a subi une pression intense de la part d’Atlantic Records en Amérique pour sortir un disque à succès. Cela a conduit Malcolm et Angus à prendre l’une des décisions les plus difficiles de leur vie : se passer des services de leur frère aîné, George Young, qui avait produit tous les albums précédents d’AC/DC avec Harry Vanda, un ancien membre, comme George, de groupe australien The Easybeats.

Il y avait même des chuchotements autour d’Atlantic selon lesquels Bon Scott devrait être renvoyé du groupe, à cause de son style de vie alcoolique faisant de lui un canon trop lâche, et sa voix jugée trop crue et idiosyncrasique pour les goûts traditionnels.

En fin de compte, Bon Scott a prouvé que les sceptiques avaient tort, livrant la performance d’une vie sur Highway To Hell, poussé par Mutt Lange, le brillant jeune producteur qui a remplacé George et Harry. Ce que Lange a retiré du groupe était exactement ce qu’Atlantic avait demandé – un disque de hard rock direct, sans conneries, fidèle aux racines d’AC / DC, mais avec un côté plus propre.

Mais alors que Highway To Hell était le disque à succès qui a élevé AC/DC au rang de célébrité majeure, c’était aussi le dernier souffle de Bon Scott. Le 19 février 1980, moins d’un mois après la fin de la tournée Highway To Hell , le chanteur est retrouvé mort à Londres après une nuit de forte consommation d’alcool. Les circonstances exactes de la mort de Bon Scott feront l’objet de conjectures pendant près de 40 ans.

Highway To Hell : la source

Il y avait toujours une dureté à propos d’AC/DC, dans la musique qu’ils jouaient – ​​le son de Chuck Berry et Little Richard and the Rolling Stones poussé au maximum de volume et d’intensité – et dans la façon dont ils se comportaient. Des d’années de corruption, de transpiration dans les pubs et les clubs d’Australie, où des bouteilles étaient jetées et où la foule pouvait y sentir le sang.

Peu importe que les membres d’AC/DC soient tous des petits culs, qu’Angus soit abstinent et porte un uniforme d’écolier sur scène, et que le bassiste Cliff Williams, le seul Anglais du groupe, soit calme et facile à vivre.

Les trois autres avaient un avantage sur eux : Bon avec ses tatouages ​​de taulard, le batteur Phil Rudd un dur à cuire bourru, Malcolm le gars qui dirigeait le groupe avec une verge de fer. C’est en référence à ces trois-là qu’Angus a dit un jour : « Si je les voyais marcher dans la rue, je courrais, tu sais ?

La puissance d’Atlantic Records était la force irrésistible de l’objet immobile d’AC/DC, et la friction entre les deux a commencé bien avant Highway To Hell. « Quand nous sommes arrivés en Angleterre pour la première fois en 1976, la maison de disques voulait nous présenter comme un groupe punk », a déclaré Malcolm. « On leur a dit d’aller se faire foutre ! »

ac dc highway to hell – Highway To Hell

En Amérique, c’était pire. À une époque où la radio FM était dominée par des stars du soft-rock telles que Fleetwood Mac et Peter Frampton , et où le groupe de hard rock , Boston , avait un son impeccablement conçu, l’album d’AC / DC de cette année-là, Dirty Deeds Done Dirt Cheap , était si rugueux et louche, qu’Atlantic l’a considéré comme commercialement non viable et a refusé de le sortir aux États-Unis.

La réponse du groupe a été de doubler avec l’album suivant, Let There Be Rock de 1977 , un exercice d’exagération, enregistré à peu près en direct en studio, avec des commentaires lamentables et des guitares vacillantes.

C’était à peu près la même chose avec Powerage de 1978, son rock’n’roll viscéral et son authenticité granuleuse, dans des chansons sur la dépendance à l’héroïne et la file d’attente au chômage, admirées par Keith Richards. « Tout le groupe le pense », a-t-il dit, « et vous pouvez l’entendre. »

Les albums d’AC/DC se vendaient bien dans d’autres territoires. Au Royaume-Uni, Let There Be Rock et Powerage avaient fait le Top 30. En Amérique, alors que Powerage s’est vendu à 200 000 exemplaires, soit le double des chiffres de Let There Be Rock, il n’a toujours atteint que la 133e place du classement Billboard.

C’était loin d’être suffisant pour satisfaire une maison de disques qui avait Led Zeppelin dans ses bacs. Mais en tant que groupe qui prospérait sur la route, AC/DC avait parcouru des kilomètres à travers les États-Unis, et à partir de là, l’élan se construisait.

Les années les avaient affinés dans un live électrisant : Bon avec la fanfaronnade d’un flingueur, Angus le paratonnerre pour l’attaque à haute tension du groupe, et derrière eux les trois autres travaillant comme une machine bien huilée.

Leurs premiers spectacles dans les arènes américaines avaient eu lieu à la fin de 1977, en première partie de Kiss à l’invitation du bassiste Gene Simmons après avoir vu AC/DC jouer dans un club de Los Angeles plus tôt cette année-là.

Highway To Hell – Highway To Hell

« Il y avait beaucoup de groupes qui jouaient du bon rock’n’roll », se souvient maintenant Simmons. « Ce qui m’a frappé, c’est ce petit guitariste qui bougeait sur scène comme un fou de Bornéo, même entre les pannes. J’étais émerveillé.

Après ce spectacle, le géant Simmons a emmené le petit guitariste pour un repas de fin de soirée au restaurant Ben Frank sur Sunset Boulevard. « Angus a commandé un hot-dog et des haricots », dit Simmons. « Et je me souviens qu’il a pris le hot-dog dans sa main, moins le petit pain, et l’a mis dans sa bouche sur le côté, car il lui manquait des dents. »

Après les quatre concerts d’AC/DC avec Kiss, Simmons a conclu : « Voici un groupe avec lequel il faut compter. Et il a vu quelque chose d’unique à Bon Scott. « Peut-être parce qu’il venait d’un milieu difficile, il était l’antithèse des jolis chanteurs de l’époque. Torse nu. Chant dur. La voix était indéniable.

En 1978, AC/DC part en tournée avec un autre groupe américain de premier plan, Aerosmith . Au Forum de Los Angeles, un jeune de 15 ans nommé James Hetfield était dans le public. Trois ans avant que Hetfield ne forme Metallica , il assistait à son premier concert de rock. « J’étais un grand fan d’Aerosmith », a-t-il déclaré.

« Mais je n’avais aucune idée qu’AC/DC était aussi cool. J’y suis allé avec mon frère aîné, et je me souviens qu’il a pointé Angus du doigt et qu’il a dit : « Ce petit gars qui courait partout était ennuyeux ! Mais je voulais être ce gars-là !

Highway To Hell : la puissance

La puissance en direct d’AC/DC a également été notée par leurs pairs. Lorsque le groupe a ouvert le festival Day On The Green de 1978 au Oakland Coliseum en Californie, d’une capacité de 80 000 places, avec Aerosmith en tête d’affiche et mettant également en vedette Foreigner , Pat Travers et les étoiles montantes Van Halen , le guitariste de ce dernier, Eddie Van Halen , a ressenti une secousse de peur en regardant AC/DC.

Comme il l’a dit: « Je me tenais sur le côté de la scène en pensant: » Nous devons suivre ces enfoirés ? « A Cleveland, ils nous ont fait sauter de la scène », a avoué Moore. « Putain ils nous ont tués. »

Pour AC/DC, suivre Powerage avec un album live était une évidence. Pour Atlantic, il avait le potentiel d’être un hit révolutionnaire, comme Kiss l’avait fait en 1975 avec Alive!

L’album live d’AC/DC, If You Want Blood You’ve Got It , a été enregistré le 30 avril 1978 à Glasgow Apollo, dans la ville où Malcolm et Angus Young sont nés et à deux heures de route de la ville natale de Bon, Kirriemuir. L’album était explosif, des premières notes endiablées de Highway To Hell jusqu’à l’enfer pour le cuir de Rocker . Mais son succès au Royaume-Uni et en France n’a pas été égalé aux États-Unis, où il a calé au n ° 113. Et c’est à la suite de cette déception que les tensions entre AC/DC et Atlantic Records ont atteint leur paroxysme.

Dans les premiers jours de 1979, le vice-président de la société, Michael Klenfner, a voyagé de New York à Sydney pour rencontrer le groupe et entendre la  nouvelle maquette sur laquelle ils travaillaient aux Albert Studios avec Harry Vanda et George Young. La position de Klenfner était clairement énoncée.

Klenfner voulait entendre des chansons qui pourraient passer à la radio en Amérique, et il n’y avait rien de tout cela dans les démos que George lui jouait.

George et Harry savaient comment faire un hit. Ils l’avaient fait dans le passé avec The Easybeats, et au début de 1979, ils ont eu un succès mondial avec le numéro disco-pop du chanteur australien John Paul Young, Love Is In The Air . Mais avec AC/DC, c’était différent.

Ils voyaient le groupe comme Malcolm et Angus le voyaient : du rock’n’roll pur et simple. Comme l’a dit George : « C’était toujours plus important qu’il ait les couilles. Donc, si nous devions choisir une prise où ça bourdonnait et tout ça, nous irions dans ce sens. »

ac dc highway to hell – Highway To Hell

Klenfner n’y croyait pas. Pour faire passer AC/DC au niveau supérieur, il pensait qu’un nouveau producteur était nécessaire. Finalement, après consultation avec George, la décision a été acceptée, bien qu’à contrecœur, par Malcolm et Angus.

Aucun temps n’a été perdu. En février, le groupe s’est mis au travail aux studios Criteria à Miami, en Floride, avec Eddie Kramer, un producteur avec une grande réputation et une feuille de route éprouvée. Né en Afrique du Sud, Kramer avait été ingénieur du son sur certains des albums classiques des années 60 et 70, dont les trois premiers de Jimi Hendrix Experience et Houses Of The Holy and Physical Graffiti de Led Zeppelin .

Highway To Hell

Plus récemment, il avait produit trois albums pour Kiss. Mais quelques jours après avoir travaillé ensemble, il est devenu évident que Kramer et AC/DC ne faisaient pas bon ménage. Après avoir suggéré que le groupe enregistre une version du hit Gimme Some Lovin’ des années 60 du groupe Spencer Davis , Malcolm a rapidement mis fin aux sessions.

C’était peut-être le destin. A cette époque, le manager d’AC/DC, Michael Browning, partageait un appartement à New York avec ‘Mutt’ Lange. Expatrié sud-africain comme Kramer, Lange avait récemment marqué son premier n ° 1 au Royaume-Uni en tant que producteur avec Rat Trap des Boomtown Rats .

Browning a présenté Lange à Atlantic comme le candidat idéal pour le poste d’AC/DC – un gars avec un sens de la musique rock et une sensibilité pop perspicace. Atlantic a donné le feu vert et, en mars, Lange et le groupe se sont réunis à Londres.

Tout d’abord, ils ont répété et peaufiné les chansons dans un espace d’entraînement à loyer modique avec un sol en terre battue et un radiateur à paraffine pour atténuer le froid hivernal.

Pour l’enregistrement de l’album, ils ont déménagé aux Roundhouse Studios de Chalk Farm. Au sein du groupe, il y avait des réserves à propos de Lange. Malcolm a dit plus tard que s’ils avaient su qu’il avait travaillé avec The Boomtown Rats, « nous ne l’aurions jamais laissé franchir la porte ». Mais dès qu’ils se sont mis au travail, il était clair pour tout le monde, Malcolm en particulier, que ce type savait ce qu’il faisait.

Tout cela était évident dans le premier numéro enregistré pour Highway To Hell, la chanson titre de l’album. Essentiellement, c’était AC/DC comme ils l’ont toujours été. Comme l’a dit Malcolm : « Juste du rock’n’roll fort, wham, bam, merci, madame ! »

Mais avec Lange travaillant sa magie, c’est devenu quelque chose de tout à fait plus grand – un hymne rock pour ressusciter les morts. Et une fois que c’était dans la boîte, les neuf autres morceaux sont venus rapidement, avec l’album entier enregistré en seulement trois semaines.

Une poignée de morceaux consistaient à travailler un groove – Girls Got Rhythm, Shot Down In Flames et Get It Hot , ce dernier mettant en vedette un ricanement de Bon aux dépens du roi du schmaltz au gros nez, Barry Manilow.

Les trucs les plus agressifs étaient aussi durs et méchants que n’importe quoi sur Let There Be Rock : Walk All Over You brutalement efficace dans sa dynamique lente-rapide-lente, Beating Around The Bush était une balade à poings blancs comme Oh Well de Fleetwood Mac joué en double speed, If You Want Blood (You’ve Got It) tout pisse et vinaigre, ses paroles et son titre, à l’image de l’album live du groupe, inspiré des blagues faites par Bon et Angus au festival Day On The Green.

Comme Angus l’a rappelé: «Ce gars d’une équipe de tournage m’a contacté ainsi que Bon et m’a demandé quel genre de spectacle ça allait être. Bon a dit : « Vous vous souvenez quand les chrétiens sont allés voir les lions ? Eh bien, c’est nous les chrétiens ! Puis le type m’a demandé et j’ai dit : ‘S’ils veulent du sang, ils vont en avoir !’ »

C’est sur Love Hungry Man et Touch Too Much que l’influence de Lange était la plus importante, sa voix poussée haut dans le mix, son intelligence pop en jeu. Malcolm et Angus n’ont jamais beaucoup aimé Love Hungry Man, avec son côté mesuré, presque décontracté. Ils avaient aussi des doutes sur Touch Too Much, qui a été démo pour la première fois en 1977.

Mais ce morceau avait tout ce qui était génial à propos d’AC/DC : le rock’n’roll percutant et des paroles vintage. Et ce que Lange en a fait était assez brillant, adaptant le son à la radio avec des crochets vocaux intelligents et obligeant le groupe à se détendre un peu pour que le riff funky swingue vraiment.

Il y avait cependant une part sombre dans cet album. Malgré tout le chahut de l’album, il s’est terminé sur une note sombre avec Night Prowler, une chanson de blues tendue et effrayante pour laquelle Bon a adopté le personnage d’un méchant meurtrier.

Musicalement, c’était aussi puissant que les paroles étaient macabres, et à l’apogée, comme pour rompre le charme, Bon a lancé quelque chose de drôle, citant un faux langage extraterrestre de la sitcom de science-fiction des années 70 Mork & Mindy : « Shazbot ! Nanu nanu! »

Highway To Hell et Atlantic records

Des années plus tard, Night Prowler reviendrait hanter le groupe, lorsque la chanson était liée à Richard Ramirez, le tueur en série américain connu sous le nom de The Night Stalker.

Les allégations faites par Ramirez à la suite de son arrestation en 1985 ont été citées dans des titres de journaux sinistres, dont l’un disait : « AC/DC MUSIC MADE ME KILL 16 ». Malcolm Young a ensuite exprimé son mépris pour Ramirez et pour les articles médiatiques impliquant AC / DC. « Votre réponse à cela est: ‘Avez-vous fouillé son estomac pour un McDonald’s?' », A-t-il dit. « Si vous êtes un fou, vous êtes un fou. »

Mais au printemps 1979, lorsque l’album Highway To Hell a été terminé, c’est la chanson titre, et non Night Prowler, qui a secoué Atlantic Records. « Dès que nous avons appelé l’album Highway To Hell, la maison de disques américaine est immédiatement entrée en panique », a déclaré Angus. « Avec les choses religieuses, je pensais que partout c’était comme l’Australie. »

Là-bas, ils les appellent des bible-thumpers, et c’est une espèce limitée. Très limitée. Le christianisme n’a jamais été un mouvement populaire. C’est ce fond de bagnard !

En Amérique, où la moralité chrétienne était plus enracinée, Highway To Hell était une controverse en attente de se produire.

Avant que le groupe n’y retourne en mai pour une tournée avec les rockeurs britanniques de haut vol UFO, Angus et Bon ont rencontré l’écrivain Sounds Phil Sutcliffe dans un hôtel londonien. Et c’est lors d’une interview, menée en début d’après-midi, que Sutcliffe a senti pour la première fois que la consommation d’alcool de Bon devenait un problème sérieux. Sutcliffe avait rencontré le groupe plusieurs fois auparavant, et lui, comme tant d’autres, a été immédiatement attiré par Bon.

Comme il l’a rappelé : « Bon était tellement excentrique et pourtant tellement terre-à-terre. Sur scène, il était comme un pirate, un peu coriace et macho. Et où qu’il soit, il faisait que les gens se sentent bien. Ce jour-là, c’était différent. Selon Sutcliffe, Bon « ne savait pas où il était », tellement ivre qu’il pouvait à peine enchaîner une phrase cohérente.

Lorsque Sutcliffe lui a posé des questions sur le nouvel album et le rôle de Mutt Lange, Bon a répondu en riant : « Eh bien, en fin de compte, cobber, pour répondre à votre question, il a joué un rôle déterminant pour que je me projette… dans un domaine différent de celui de que je m’étais projeté avant.

Comme. » La façon dont Sutcliffe a décrit cet échange dans son article sur les sons était révélatrice : « Bon a basculé le long de ces circonlocutions grammaticales comme un ivrogne choisissant de se tester sur une ligne blanche. »

Et dans une observation, il y avait une prescience effrayante : « Curieusement », a écrit Sutcliffe, « il semble y avoir une part de vérité chez Angus, et peut-être tout le groupe, ayant pris Bon en main de manière presque paternelle bien qu’il soit de loin le plus âgé des eux à trente-trois ans. Bon reste celui qu’ils estiment devoir surveiller.

Au moment où Highway To Hell est sorti, le 27 juillet, un autre membre du cercle restreint d’AC/DC avait disparu, Michael Browning ayant été démis de ses fonctions de manager et remplacé par Peter Mensch de l’organisation Leber-Krebs, dont les clients comprenaient des gros joueurs tels que comme Aerosmith et Ted Nugent.

Tout allait vite. Le groupe est passé directement de la tournée UFO à une autre avec Cheap Trick . Au Royaume-Uni, Highway To Hell a été un succès instantané, atteignant la 8e place. En Amérique, la percée à la radio a finalement eu lieu lorsque Highway To Hell est sortie en tant que premier single.

Tout comme Atlantic l’avait prévu, Highway To Hell a suscité l’indignation de la soi-disant «majorité morale» américaine, non seulement pour son titre mais aussi pour son image de couverture, une photo de groupe dans laquelle un Angus ricanant, arborait des cornes de diable et, pour un effet supplémentaire, une queue fourchue.

Angus a rappelé en riant: «En Amérique, vous aviez des gars dans des draps et des pancartes avec des prières pour piqueter les concerts. J’ai dit : ‘Pour qui sont-ils là ?’ Et ils ont dit : ‘Toi !’ Nous avons entendu tous ces trucs sur Highway To Hell – que si vous le jouez à l’envers, vous obtenez ces messages sataniques. Putain de merde, pourquoi jouer à l’envers ? C’est écrit d’emblée : Highway To Hell ! » Ce que Gene Simmons a entendu dans Highway To Hell était un groupe atteignant son apogée. « J’ai adoré les chansons », dit-il. « J’ai adoré l’ambiance. »

Alors que l’album se connectait avec un public de masse en Amérique, le profil d’AC/DC au Royaume-Uni s’est encore accru avec une performance époustouflante pour The Who au stade de Wembley le 18 août. Parmi les 60 000 spectateurs se trouvait Danny Bowes – alors un Installateur de tapis de 19 ans qui a chanté dans un groupe de rock basé à Londres appelé Nuthin ‘Fancy, maintenant le chanteur de Thunder.

« Je suis allé voir The Who », dit Bowes, « et j’en suis ressorti fan d’AC/DC. L’approche de Bon Scott envers le public était très directe – ton cul est à moi ! Et vraiment, The Who n’avait aucune chance. AC/DC les a éclaboussé, dépassé complétement ».

Une autre victoire suivit ensuite. Le 5 septembre, alors qu’AC/DC reprenait la route en Amérique, une étape importante a été franchie. Highway To Hell est devenu le premier disque d’or du groupe aux États-Unis, avec un demi-million de ventes. « C’était la première fois que les choses allaient vraiment se passer pour nous », a déclaré Cliff Williams.

Le 26 octobre, cinq jours seulement après la dernière date aux États-Unis, ils ont commencé une tournée britannique à Newcastle Mayfair. L’acte de soutien était un jeune groupe britannique que Peter Mensch allait bientôt co-gérer – Def Leppard. Pour le chanteur de Leppard Joe Elliott, qui venait d’avoir 20 ans, cette tournée était une expérience qu’il n’oublierait jamais.

Le deuxième soir, à Glasgow Apollo, l’endroit où If You Want Blood You’ve Got It a été enregistré, Elliott est monté sur le balcon pour avoir une bonne vue d’AC/DC. Ce qu’il a eu à la place était une expérience de mort imminente. « Quand ils ont ouvert avec Live Wire , la basse pompait, je jure que ce putain de balcon bougeait douze pouces », se souvient-il. « C’était comme un tremblement de terre. Les gens devenaient tellement fous que je pensais que le balcon allait s’effondrer.

Tous les autres soirs de cette tournée, Elliott et les autres membres de Def Leppard ont regardé les performances d’AC/DC depuis le côté de la scène. « Nous avons tellement appris d’eux », dit-il. « La présentation, la grande énergie et la communication avec le public.

Bon était un maître dans ce domaine. Chemise enlevée après trois chansons, beaucoup de sueur, agressivité contrôlée dans la voix. Il n’avait pas l’air d’essayer. Il était comme un robinet – il suffit de l’ouvrir. Il est né pour le faire. »

Comme Elliott s’en souvient, Bon était tout aussi impressionnant hors scène. « Rencontrer vos héros peut être décevant », dit-il, « mais pas avec Bon. Il était super avec nous. Ce n’était pas un connard prétentieux. C’était un talent naturel. Et il y avait toujours une étincelle dans ses yeux et un sourire de merde sur son visage.

Il était à ce moment de sa vie où tous les feux étaient au vert. Un soir, il est entré dans un bar avec sa veste en jean et a vu que nous n’avions pas d’argent, alors il m’a collé un dix dans la main et m’a dit : « Tenez, payez-vous un verre. Rends-le-moi plus tard. Rendez-vous sur la route. Et il n’était pas seulement flash. Bon n’était pas comme Keith Moon, se balançant des lustres. Il aimait boire un verre, mais ce n’était pas seulement un homme sauvage.

Le batteur de Leppard, Rick Allen, garde également de bons souvenirs de cette tournée, et de Bon en particulier. Lorsqu’ils ont joué au Hammersmith Odeon de Londres le 1er novembre, Allen a fêté son seizième anniversaire et son jeune âge s’est reflété dans le cadeau qu’il a reçu de Bon.

« Il est entré dans notre loge », se souvient Allen, « en chantant Joyeux anniversaire avec cette étrange voix australo-glaswégienne, et m’a donné un grand bol de Smarties. C’était sa drôle de façon de me montrer un peu d’amour.

Le 11 novembre, AC/DC part en Europe avec Judas Priest en première partie à la place de Leppard. Un spectacle au Pavillon de Paris dans la capitale française le 9 décembre a été filmé pour le film de concert AC/DC: Let There Be Rock , qui devait sortir en salles en 1980.

Mais alors que la tournée touchait à sa fin, Bon a subi un blessure anormale, se tirant un muscle de la jambe lors d’une bagarre ivre avec l’un des roadies du groupe après un concert à Nice. Il a réussi à passer trois dates en Angleterre à l’approche de Noël, mais deux autres ont dû être reportées.

Bon s’est envolé seul pour l’Australie pour profiter de Noël au soleil, voir ses parents et retrouver de vieux amis. À cette époque, les ventes de Highway To Hell frôlent le million. Mais pour Bon, en revenant à l’endroit où son long voyage vers la célébrité rock’n’roll avait commencé, les émotions étaient mitigées. Même dans ce moment de victoire, il y avait de la tristesse en lui.

Bon Scott avait créé sa propre mythologie avec des mots qu’il chantait en 1976 : « I ‘a rocker, roller, right-out-of-controller « . Il était connu comme un hellraiser et un coureur de jupons; un charmeur, certes, mais un homme qui pouvait user de ses poings si nécessaire. Et pourtant, malgré tout son machisme, c’était un homme complexe, une dichotomie révélée dans les deux premières chansons de blues qu’AC/DC a enregistrées.

The Jack, à partir de 1975, faisait chanter Bon sur les choses qu’il avait apprises en dormant. En tant que « graffeur de murs de toilettes » autoproclamé, les mots lui sont venus facilement. Mais avec Ride On , à partir de 76, il chante la solitude de la route, le revers de la vie rock’n’roll. Interviewé en 1978, il déclare : « J’ai été sur la route pendant treize ans. Les avions, les hôtels, les groupies, l’alcool, les gens, les villes, ils vous arrachent tous quelque chose.

Alors qu’il était en Australie dans les derniers jours de 1979, il a rendu visite à son ex-femme, Irene, qui était enceinte de six mois. Peu importe à quel point il roulait avec AC/DC, et malgré tout ce qu’il s’engourdissait avec l’alcool, voici une vision de ce qu’aurait pu être sa vie si les choses s’étaient passées différemment.

Peu de temps après son retour à Londres en janvier 1980, la tournée Highway To Hell se conclut par huit concerts en France et deux en Angleterre.

Le dernier single de l’album, Touch Too Much , est sorti au Royaume-Uni le 25 janvier. Ce n’était pas un grand succès, culminant au n ° 29. Mais pour Joe Elliott, dont le groupe a continué à faire leurs plus grands albums avec Mutt Lange, Touch Too Much était à peu près parfait. « C’est marrant », dit Elliott, « parce que, comme Mutt me l’a dit plus tard, AC/DC ne supportait pas Touch Too Much . Ils pensaient que c’était trop coquelicot. Mais je pensais que c’était la meilleure chanson de l’album.

La dernière nuit de la tournée, au Gaumont Theatre de Southampton le 27 janvier 1980, s’est avérée être le dernier combat de Bon Scott. Ce qu’il a laissé avec Highway To Hell, son dernier testament, est l’un des plus grands albums de rock de tous les temps. Et tout comme Malcolm Young avait su qu’ils étaient sur quelque chose d’important à partir du moment où ce riff ressortait comme des couilles de chien, Bon l’avait su aussi.

Le 4 août 1979, une semaine après la sortie de Highway To Hell , AC/DC s’est produit pour la première fois au Madison Square Garden de New York, en première partie de Ted Nugent.

Cette nuit-là, comme la plupart des nuits, ils ont fait lever le public de leurs sièges dès le départ. Dans les coulisses après le spectacle, Bon s’était vanté auprès de l’ écrivain de Hit Parader Andy Secher : « Ce sera l’un des plus grands groupes de rock jamais vus. Donnez-nous un an ou deux et nous reviendrons à cet endroit même. »

Bon avait raison. Malheureusement, il n’a jamais vécu assez longtemps pour revivre ce moment.

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Cindy Sherman Photographe américaine

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/08/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

« J’essaie de faire en sorte que les autres reconnaissent quelque chose d’eux-mêmes plutôt que moi. » —Cindy Sherman

Cindy Sherman est l’une des artistes les plus connues et les plus importantes qui travaillent aujourd’hui.

Sa pratique performative de plusieurs décennies consistant à se photographier sous différentes formes,  a produit de nombreuses images parmi les plus emblématiques et les plus influentes de l’art contemporain.

Au cœur du travail de Sherman se trouve la multitude de stéréotypes identitaires qui ont surgi à la fois dans l’histoire de l’art et dans l’histoire de la publicité, du cinéma et des médias.

Sherman révèle et démantèle ces stéréotypes ainsi que les mécanismes de leur production en créant série après série de photographies qui se concentrent sur des procédures particulières de création d’images. La collection Broad est dédiée au travail de Sherman depuis plus de trente ans et ses collections sont inégalées dans le monde.

Dans ses premières œuvres, de petites photographies en noir et blanc connues sous le nom de série Untitled Film Still , Sherman a exploré les images de femmes dans les films des années 1950 et 1960. 

Dans les images fixes du film, plutôt que de citer des films reconnaissables, Sherman suggère des genres, ce qui donne des personnages qui émergent comme des types de personnalité au lieu d’actrices spécifiques. 

Les six premières images de la série, dont Untitled Film Still #6 , 1977, montrent la même actrice blonde à différentes étapes de sa carrière. Plus tard, le personnage dans Untitled Film Still # 34 , 1979, apparaît comme une séductrice, attendant à la maison son amant, et dans Untitled Film Still # 35, 1979, Sherman pourrait être considérée comme le trope de la femme diligente au foyer qui reste sexuellement attirante et disponible pour son mari.

Dans une série plus récente, comprenant des photographies couleur plus grandes, Sherman a reconstitué les décors de divers portraits européens du XVe au début du XIXe siècle. Dans Untitled #205 , 1989, Sherman se fait passer pour La Fornarina, tout comme le modèle aurait pu être peint par son amant, le peintre italien du XVIe siècle Raphaël, ou plus tard par Ingres. 

Cindy Sherman

Cindy Sherman

Ici, cependant, Fornarina de Sherman expose des seins gonflés de lait en plastique et berce un faux ventre de femme enceinte sous son châle. L’utilisation évidente par Sherman de parties du corps prothétiques et d’un décor théâtral oblige le spectateur à réfléchir à la posture et à la modélisation des sources historiques originales.

Pour cette raison, de nombreux critiques ont loué la déconstruction par Sherman des visions ouvertement masculines de la femme dans l’histoire de l’art. 

Biographie de Cindy Sherman

Cindy Sherman , en entier Cynthia Morris Sherman , (née le 19 janvier 1954 à Glen Ridge, New Jersey , États-Unis), est une  photographe américaine connue pour ses images – en particulier pour ses autoportraits minutieusement « déguisés » – qui commentent les jeux de rôle sociaux et stéréotypes sexuels .

Sherman a grandi à Long Island, New York . En 1972, elle s’inscrit à l’ Université d’État de New York (SUNY) à Buffalo et se spécialise en peinture, puis se tourne vers la photographie . Elle est diplômée de SUNY en 1976 et en 1977 a commencé à travailler sur Untitled Film Stills (1977–80), l’une de ses séries les plus connues. 

La série de photographies en noir et blanc de 8 × 10 pouces mettant en vedette Sherman dans une variété de rôles, rappelle le film noir et présente aux téléspectateurs une représentation ambiguë des femmes en tant qu’objets sexuels. Sherman a déclaré que la série parlait « de la fausseté du jeu de rôle ainsi que du mépris pour le public » masculin « dominant qui lirait à tort les images comme sexy. » 

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Elle a continué à être le modèle de ses photographies, enfilant des perruques et des costumes qui évoquent des images des domaines de la publicité, de la télévision, du cinéma et de la mode et qui, à leur tour, remettent en question les stéréotypes culturels soutenus par ces médias.

Au cours des années 1980, Sherman a commencé à utiliser des films couleur, à exposer de très grands tirages et à se concentrer davantage sur l’éclairage et l’expression faciale. 

À l’aide d’appendices prothétiques et de quantités généreuses de maquillage, Sherman est entré dans le domaine du grotesque et du sinistre avec des photographies représentant des corps mutilés et reflétant des préoccupations telles que les troubles de l’alimentation, la folie et la mort. 

Son travail est devenu moins ambigu, se concentrant peut-être davantage sur les résultats de l’acceptation par la société des rôles stéréotypés pour les femmes que sur les rôles eux-mêmes.

Sherman est revenue aux commentaires ironiques sur les identités féminines clichées dans les années 1990, introduisant des mannequins dans certaines de ses photographies, et en 1997, elle a réalisé le film comique noir Tueur de bureau . 

Deux ans plus tard, elle a exposé des images troublantes de poupées sauvages et de parties de poupées qui exploraient son intérêt pour la juxtaposition de la violence et de l’artificialité. Sherman a poursuivi ces juxtapositions dans une série de photographies de 2000 dans lesquelles elle se faisait passer pour des femmes hollywoodiennes avec un maquillage exagéré et des implants mammaires en silicone, obtenant à nouveau un résultat pathétique énigmatique . 

Cette même année, une importante rétrospective de son œuvre est présentée au Museum of Contemporary Art de Chicago et au Musée d’art contemporain de Los Angeles. 

Une rétrospective de 2012 au Museum of Modern Art (MoMA) de New York était accompagnée d’une série de films comprenant des films que Sherman considérait comme ayant influencé son travail.

En 2016, Sherman a reçu le prix Praemium Imperiale de peinture, une catégorie qui englobe également la photographie. Cette même année, elle a débuté une série de nouvelles photographies dans l’exposition « Imitation of Life » au Broad Museum, Los Angeles, et Metro Pictures, New York. En 2017, Sherman a fait sensation lorsqu’elle a fait son privé Compte Instagram public. 

La plate-forme de médias sociaux , où les utilisateurs peuvent exposer des vignettes de leur vie quotidienne et manipuler leur apparence à l’aide de filtres, semblait faite pour son travail, et Sherman a été célébrée pour son utilisation habile de l’application pour faire de l’art.

 Ses selfies, parfois grotesquement déformés et parfois énigmatiques, attirent l’attention sur certaines des caractéristiques les plus troublantes d’Instagram, à savoir l’ ambiguïté entre le réel et la mise en scène. Une rétrospective a été organisée par la National Portrait Gallery, Londres, en 2019.

Technique photo

Cindy Sherman est une artiste et photographe américaine connue pour son travail photographique qui explore les thèmes de l’identité, du genre, et de la représentation de soi. Sa technique photographique est très diversifiée, mais elle est surtout connue pour ses autoportraits, dans lesquels elle joue différents rôles et utilise des accessoires, des costumes et des décors pour créer des images surprenantes et intrigantes.

Sherman utilise souvent des éclairages directs et des couleurs vives pour donner à ses images un aspect cinématographique et dramatique. Elle utilise également différents formats, tels que le format carré, pour créer des images qui rappellent les photographies de mode ou de publicité.

Une autre caractéristique importante de la technique de Cindy Sherman est son utilisation de la mise en scène. Elle crée souvent des décors et des costumes complexes pour ses images, qui ajoutent des éléments de réalisme et de fiction à ses autoportraits. Cette technique de mise en scène donne à ses images une dimension narrative qui invite le spectateur à réfléchir sur les questions d’identité et de représentation de soi.

Enfin, Sherman utilise souvent la post-production pour retoucher ses images et leur donner un aspect plus dramatique ou surréaliste. Elle ajoute parfois des effets de maquillage, des filtres et des textures pour créer des images qui semblent sortir tout droit d’un rêve ou d’un film.

Cindy Sherman

Les livres de Cindy Sherman

2007

Durand, Regis, Jean-Pierre Criqui and Laura Mulvey. Cindy Sherman. France: Flammarion, 2007.

2003

Galassi, Pierre. Cindy Sherman: Les photos complètes du film sans titre . New York : Musée d’art moderne, 2003.

2000

Cruz, Amanda, Elizabeth AT Smith et Amelia Jones. Cindy Sherman : Rétrospective. New York : Tamise et Hudson, 2000.

Cindy Sherman

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Slipknot : Découverte du groupe emblématique de nu-metal

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 21/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Slipknot : Découverte du groupe emblématique de nu-metal

Dans le monde du nu-metal, nombreux sont les groupes qui ont su se démarquer et s’imposer au fil des années. Slipknot est sans conteste l’un d’entre eux, ayant réussi à créer un univers musical et visuel aussi unique que marquant.

Histoire et formation de Slipknot

Formé en 1995 aux États-Unis, plus précisément dans la ville de Des Moines en Iowa, ce groupe comprend initialement quatre membres avant d’évoluer et de compter jusqu’à neuf musiciens. Aujourd’hui composé de huit artistes talentueux sur scène, Slipknot doit son nom à un morceau du groupe NOFX et non pas à l’étonnante parure portée lors de ses concerts.

Des débuts marqués par la recherche d’un style propre

Au début de sa carrière, cette formation a connu des hauts et des bas, mais a toujours gardé une volonté farouche de créer quelque chose de novateur, différents et personnel. En effet, alors qu’ils peinent à trouver leur direction musicale, deux nouveaux membres rejoignent Slipknot, offrant ainsi au groupe davantage de possibilités aussi bien musicales que visuelles.

C’est alors que commence la conceptualisation de leur premier album éponyme sorti en 1999. Produit par Ross Robinson, celui-ci puise dans divers courants tels que le metal extreme, le punk et même un peu de rap pour donner naissance à un opus aux sonorités brutes et énergiques.

Un succès populaire croissant

Dès lors, la notoriété de Slipknot augmente rapidement. Le public est conquis par l’énergie dégagée sur scène, les masques inquiétants et l’univers sombre développé autour du groupe. Après le passage de deux membres supplémentaires, Slipknot connaît un succès international, grâce notamment au single « Wait and Bleed » présent sur leur premier album. C’est ainsi que commence une longue série de tournées à travers le monde et de collaborations avec des groupes renommés, comme Korn, Rammstein ou Marilyn Manson.

Principaux albums et chansons marquantes

1. Iowa (2001) : Second opus du groupe, cet album confirme le succès rencontré par Slipknot et affiche des ventes impressionnantes. On y retrouve des morceaux tels que « Disasterpiece », « People = Shit » ou encore « My Plague », qui témoignent d’une maîtrise grandissante du style propre de Slipknot.
2. Vol. 3 : The Subliminal Verses (2004) : Troisième production de Slipknot, cet album est le résultat d’un travail approfondi sur les ambiances et les mélodies. Les titres tels que « Duality » et « Vermilion » en sont des exemples frappants.
3. All Hope Is Gone (2008) : Plus engagé sur le plan politique et social, ce disque aborde des thèmes tels que la guerre et la manipulation. Les morceaux « Psychosocial » et « Snuff » en sont les principales illustrations.
4. .5 : The Gray Chapter (2014) : Album hommage au bassiste Paul Gray décédé en 2010, cet opus se veut plus introspectif que les précédents, avec des chansons comme « The Devil in I » ou « Killpop ».
5. We Are Not Your Kind (2019) : Cinquième production studio du groupe, cet album a été acclamé par le public notamment grâce aux titres « Unsainted », qui possède un clip vidéo spectaculaire, et « Nero Forte ».

Prestation scénique et univers de Slipknot

Slipknot se démarque clairement de ses pairs dans le domaine du nu-metal grâce à son univers visuel unique et effrayant.

Le concept des masques caractéristiques à chaque membre

Cette idée est apparue lors de la création de leur premier album, afin de renforcer l’ambiance sombre qu’ils souhaitaient diffuser à travers leur musique. Chaque musicien porte un masque qui lui est propre, régulièrement modifiés au fil des années. En concert, ces masques contribuent pour beaucoup à l’énergie déployée sur scène, captivant ainsi le public.

Prestations scéniques explosives

Lors de concerts ou festivals, on peut admirer un show digne de ce nom. Chaque membre joue son rôle à la perfection, y compris les percussionnistes et le batteur, qui utilisent des instruments aux formes spécifiques pour mieux répondre à leurs besoins musicaux.

De plus, Slipknot se focalise sur l’esthétique scénique, ajoutant pyrotechnie et autres effets visuels lors de ses prestations. Ce côté explosif combiné à leur musique puissante contribue à faire de chaque concert une expérience incomparable pour toute personne présente.

Un groupe en constant renouvellement

Au fil du temps plusieurs membres ont quitté ou ont été intégrés au sein du groupe; néanmoins, les musiciens actuels de Slipknot poursuivent avec ardeur l’aventure musicale démarrée il y a plus de 25 ans. Que réserve l’avenir pour cette formation emblématique ? Une chose est sûre : fans et amateurs de nu-metal garderont un oeil attentif sur leurs prochains projets.

Quel est le style musical de Slipknot ?

Le style musical de Slipknot est une combinaison unique de métal extrême, de nu metal, et de rock alternatif. Leur musique a des influences de death métal, thrash métal, hardcore punk et métal industriel.

Les membres du groupe se servent de leurs instruments pour créer des riffs de guitare lourds et des lignes de basse agressives, tout en utilisant des claviers et des samples pour ajouter des textures supplémentaires. Les chansons de Slipknot se caractérisent par leurs paroles agressives et leurs rythmes saccadés.

Quelle est l’influence de Slipknot sur le métal extrême ?

Slipknot a eu une influence considérable sur le métal extrême. Le groupe a révolutionné le genre avec son influence sur le son, les riffs, les paroles et la présentation scénique, introduisant une nouvelle forme de métal extrême qui a été adoptée par de nombreux groupes à travers le monde.

Le groupe a contribué à populariser le nu–métal, qui a été caractérisé par des riffs lourds, des paroles agressives et une image provocante. De plus, Slipknot a été le premier groupe à introduire le masque sur scène, ce qui a contribué à créer une atmosphère mystérieuse et puissante.

Combien de Grammy Awards a remporté Slipknot ?

Slipknot a remporté deux Grammy Awards depuis leur formation en 1995. En 2006, ils ont remporté le Grammy pour la meilleure performance métal avec « Before I Forget », et en 2019, ils ont remporté le Grammy pour la meilleure performance métal avec « All Out Life ».

Discographie complète de Slipknot

Albums studio :

1. Slipknot (1999)
2. Iowa (2001)
3. Vol. 3: (The Subliminal Verses) (2004)
4. All Hope Is Gone (2008)
5. .5: The Gray Chapter (2014)
6. We Are Not Your Kind (2019)

Albums live :

1. 9.0: Live (2005)
2. Day of the Gusano: Live in Mexico (2017)

Compilations :

1. Antennas to Hell (2012)
2. Slipknot: Collector’s Edition Slipcase (2013)

Singles :

1. « Wait and Bleed » (1999)
2. « Spit It Out » (2000)
3. « Left Behind » (2001)
4. « My Plague » (2002)
5. « Duality » (2004)
6. « Vermilion » (2004)
7. « Before I Forget » (2005)
8. « The Nameless » (2006)
9. « The Blister Exists » (2006)
10. « Psychosocial » (2008)
11. « Dead Memories » (2008)
12. « Snuff » (2009)
13. « The Negative One » (2014)
14. « The Devil In I » (2014)
15. « Killpop » (2015)
16. « All Out Life » (2018)
17. « Unsainted » (2019)
18. « Solway Firth » (2019)

DVDs :

1. Welcome to Our Neighborhood (1999)
2. Disasterpieces (2002)
3. Voliminal: Inside the Nine (2006)
4. (sic)nesses (2010)
5. Day of the Gusano: Live in Mexico (2017)

Slipknot a également sorti plusieurs clips vidéo pour leurs chansons, ainsi que des éditions spéciales et des rééditions de leurs albums. La liste ci-dessus reflète leur discographie principale et la plus reconnue.

Slipknot : The End, So Far 

The End, So Far , à l’origine The End, for Now… , est le septième album studio du groupe de heavy metal américain Slipknot .

Ce sera aussi leur dernier album avec Roadrunner. Il était initialement prévu pour une date de sortie printemps/été 2022, mais a finalement été publié le 30 septembre 2022. Slipknot a également apparemment confirmé que cela serait leur dernier album.

Slipknot The End So Far : la génèse

En mars 2021, Corey Taylor a déclaré que l’album pourrait être un album concept.

En juin 2021, la page Diluted Maggot Tumblr a republié huit photos de Slipknot dans le studio enregistrant l’album, à l’origine pour les membres OT9. L’une de ces photos comprend le nom du morceau,  » Heirloom « .

En juillet 2021, le guitariste Jim Root a publié une vidéo sur sa story Instagram intitulée « k, bye ». Les fans ont émis l’hypothèse que cela signifiait que Jim avait fini d’enregistrer ses parties pour l’album. 

Le 26 août 2021, alors qu’il parlait à un fan dans le cadre de Galaxy Con, Corey a expliqué que l’obtention de Covid-19 avait interrompu ses dernières sessions vocales pour l’album. 

Le 22 octobre 2021, Slipknot a révélé qu’il devait diffuser en direct Knotfest Los Angeles dans le monde le 5 novembre.  

En plus du composant de diffusion en direct, Knotfest a publié des packs de produits dérivés en édition spéciale spécifiques à l’événement de Los Angeles, dont l’un comprend un sweat à capuche avec « Secret Artwork » qui a été révélé le 5 novembre.

Slipknot The End, So Far 2022

Le 2 novembre 2021, Slipknot a publié un nouveau site Web, thechapeltownrag.com, que les fans ont découvert en trouvant des graphiques et des liens sur Knotfest.com .

Le site Web, à l’époque, comprenait 6 graphiques de type NFT, dont chacun comprenait un bref échantillon de nouvelle musique.  Et avec chaque graphique inclus un fragment, qui, une fois combiné, a fait le « Secret Artwork » précédemment taquiné sur le site Web de Knotfest Veeps.

Le lendemain, le 3 novembre, 3 autres graphiques ont été publiés. Le titre officiel de la chanson, « The Chapeltown Rag », a été révélé en utilisant le site Web Identify Songs Online .

Le lendemain, le 4 novembre, Slipknot a officiellement annoncé la chanson, qui est sortie et jouée en direct pour la première fois au Knotfest Los Angeles le vendredi 5 novembre. 

Le 15 décembre 2021, Jim a publié une vidéo sur son histoire Instagram détaillant comment Slipknot était toujours en studio pour enregistrer l’album.  Le 19 décembre, Jay Weinberg a fait de même. 

Au cours de quelques mois, Corey Taylor a révélé plus d’informations sur The End, So Far . Le 16 décembre, lors d’une interview avec HardDrive Radio, a déclaré que l’objectif était de le mixer en janvier, afin qu’il soit prêt à sortir, deux ou trois mois plus tard, en mars ou en avril. 

Il a également déclaré que Clown travaillait actuellement sur la pochette de l’album et sur les vidéoclips de « The Chapeltown Rag » et « quel que soit le premier single « . Le 11 janvier, il a tweeté confirmant que l’album sortirait en 2022.  

Slipknot The End, So Far 2022

Le 15 janvier, lors d’une interview avec Tony Toscano, a déclaré qu’il venait de terminer le chant de l’album et qu’il espérait sortir l’album d’ici l’été, ou dans les deux ou trois prochains mois. 

 Le 2 février, Corey a confirmé que l’album était fini avec l’enregistrement et devait seulement être mixé. Il a réitéré en disant que l’album sortira dans les trois prochains mois, tout en confirmant que la pochette et le titre de l’album avaient été réalisés. 

Et le 3 février, a déclaré que l’album est « une version plus lourde du Vol. 3 . » 

Le 23 mars, lors d’une interview avec Loudwire, Sid Wilson a révélé qu’il utilisait « des échantillons de différentes lunes autour de différentes planètes » et qu’il travaillait sur le disque pendant que le groupe était en tournée. 

Le 28 mars, lors d’une interview avec WZOR, Jay Weinberg a révélé que l’album contiendrait « la chanson de blues la plus lourde du monde ». 

Les 5, 6, 18 mai et les 9 et 25 juin, alors qu’il se trouvait sur le serveur officiel Knotverse Discord, Clown a organisé une séance de questions-réponses et a répondu à quelques questions sur le prochain album. 

Le 1er juin, alors qu’il se produisait en direct au Heritage Bank Center de Cincinnati, OH, États-Unis, Taylor a réitéré en disant que l’album, bien qu’il n’ait pas de date de sortie officielle, sortirait « très bientôt ». 

Le 6 juin, alors qu’il était sur le compte officiel de Knotfest Twitch , Weinberg a parlé du prochain album, déclarant que l’album est entièrement terminé, sauf que le groupe attend une date de sortie, mais qu’il arrive « très, très bientôt ».

Une nouvelle chanson sortira, espérons-le, « dans le mois prochain environ ». Et le groupe « a augmenté l’expérimentation » sur le disque. 

Le 19 juillet, le groupe a officiellement annoncé l’album, The End, So Far , dont la date de sortie est le 30 septembre et a également sorti un clip pour le deuxième single,  » The Dying Song (Time to Sing) « . 

Slipknot The End, So Far : les Fuites

Dans les jours qui ont précédé l’annonce officielle de l’album, diverses informations ont été divulguées sur les réseaux sociaux, en particulier la page reddit non officielle du groupe.

À partir du 14 juillet, l’utilisateur de Reddit @oooahh85 a publié une conversation qu’il a eue avec un ami détaillant comment Slipknot avait enregistré deux vidéoclips.  

L’utilisateur a également déclaré, dans un commentaire laissé sur le message, que l’un des vidéo clips devait, à l’époque, sortir le samedi 16 juillet, tandis que l’autre devait sortir début août.  

Slipknot The End, So Far 2022

Plus tard dans la journée, l’utilisateur a publié l’une des photos qu’il a reçues de son ami du vidéoclip. 

Le 16 juillet, l’utilisateur de Reddit a commencé à taquiner le single à venir, en publiant un message crypté avec des mots aléatoires, qu’en combinant uniquement les premières lettres que vous avez reçues  » Dying  » &  » Yen « ,  qui devaient plus tard être révélées à être les deux chansons pour lesquelles Slipknot a enregistré des vidéoclips.  

Plus tard dans la journée, l’utilisateur a posté l’autre photo prise par son ami à partir du clip vidéo avec la légende « Ḏëšœḻâṯę Ÿęãṟŋíṉg Įŋṯèṟfėṟèḏ Ṉêṯhėṟ Gøṉë. »  Et le 17 juillet, l’utilisateur a posté un fil de discussion récapitulant/clarifiant les informations. 

Le 18 juillet, des informations sur le deuxième single de l’album, « The Dying Song », qui présentait la pochette officielle de l’album avec le titre original de The End, for Now… , ont été divulguées sur Reddit.

L’utilisateur de Reddit @badboystwo , qui avait précédemment divulgué que l’album serait pressé sur du vinyle transparent  et a déclaré que le deuxième single était en fait le titre « Dying Song » et non « Dying »,  a révélé quelques informations à propos de l’album dans les commentaires de l’article. 

En disant que la date de sortie estimée de l’album était la « première semaine de septembre », l’album aurait 12 titres  et la dernière chanson de l’album s’appellerait « 

Slipknot The End, So Far 2022

Track Listing: Slipknot The End, So Far

1. « Adderall » 5:40
2. « The Dying Song (Time to Sing) » 3:24
3. « The Chapeltown Rag » Corey Taylor • Jim Root 4:52
4. « Yen » 4:45
5. « Hivemind »
6. « Warranty »
7. « Medicine for the Dead »
8. « Acidic »
9. « Heirloom »
10. « H377 »
11. « De Sade »
12. « Finale »

Slipknot The End, So Far 2022

Musicien Slipknot The End, So Far

• (#8) Corey Taylor – chant
• (#7) Mick Thomson – guitares
• (#6) Shawn Crahan – percussions, direction artistique, photographie
• (#5) Craig Jones – échantillons, médias, claviers
• (#4) Jim Root – guitares
• (#0) Sid Wilson – platines, claviers
• (V) Alex Venturella – basse
• (J) Jay Weinberg – batterie
•  Michael Pfaff – percussions

• Date de sortie : 30 septembre 2022
• Studio Henson Studios (Hollywood, Californie)
• Enregistré Début 2021 – Février 2022
• Producteur Slipknot • Joe Barresi

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Guns n roses : 30 ans de rock’n roll

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

À une époque où la pop était dominée par la musique de danse et le pop-métal, Guns N’ Roses a ramené le rock & roll brut et laid dans les charts. 

Ce n’étaient pas des gentils garçons : les gentils garçons ne jouent pas du rock & roll. Ils étaient laids, misogynes et violents ; ils étaient aussi drôles, vulnérables et parfois sensibles, comme l’a montré leur succès révolutionnaire, « Sweet Child O ‘Mine ». 

Tandis que Slash et Izzy Stradlin crachaient férocement des riffs de guitare en duel dignes d’ Aerosmith ou des Stones , Axl Rose criait ses histoires de sexe, de drogue et d’apathie dans la grande ville. Pendant ce temps, le bassiste Duff McKagan et le batteur Steven Adler étaient une section rythmique souple qui gardait la musique lâche et puissante.

Guns n roses : Appetite for Destruction 

La musique de Guns N ‘Roses était basique et granuleuse, avec une base solide, dure et bluesy; ils étaient sombres, sordides, sales et honnêtes – tout ce que le bon hard rock et le heavy metal devraient être.

Il y avait quelque chose de rafraîchissant dans un groupe qui pouvait tout provoquer, de la dévotion à la haine, d’autant plus que les deux camps avaient également raison.

Guns n roses

Il n’y avait pas eu de groupe de hard rock aussi brut ou talentueux depuis des années, et la rage primale de Rose leur a donné un poids supplémentaire , le son de déchets blancs confus et frustrés se disputant une part du gâteau.

Alors que les années 80 sont devenues les années 90, il n’y avait tout simplement pas de groupe plus intéressant, mais en raison des frictions intra-groupe et de l’émergence du rock alternatif, Rose, malgré son grand succès auprès des fans, est finalement parti, et il a passé plus de 15 ans à enregistrer avant que Chinese Democracy n’apparaisse en 2008.

Guns N’ Roses a sorti son premier EP en 1986, qui a conduit à un contrat avec Geffen ; l’année suivante, le groupe sort son premier album, Appetite for Destruction . Il a commencé à se faire un public avec leurs nombreux spectacles en direct, mais l’album n’a commencé à se vendre que près d’un an plus tard, lorsque MTV a commencé à jouer « Sweet Child O ‘Mine« . 

Bientôt, l’album et le single sont devenus numéro un, et Guns N’ Roses est devenu l’un des plus grands groupes du monde. Leur premier single, « Welcome to the Jungle », a été réédité et classé dans le Top Ten, et « Paradise City » a suivi ses traces. Fin 1988, ils sortent G N’ R Lies, qui a associé quatre nouvelles chansons acoustiques (dont le hit du Top Five « Patience ») avec leur premier EP. 

Le plus incendiaire de G N’ R Lies , « One in a Million », a suscité une intense controverse, alors que Rose glissait dans la misogynie, le sectarisme et la violence pure; essentiellement, il a réussi à distiller toutes les formes de préjugés et de haine en un morceau de cinq minutes.

Guns n roses : Use Your Illusion

Guns N’ Roses a commencé à travailler sur la suite tant attendue d’ Appetite for Destruction à la fin de 1990. En octobre de la même année, le groupe a renvoyé Adler , affirmant que sa dépendance à la drogue le faisait mal jouer ; il a été remplacé par Matt Sorum du Cult . Pendant l’enregistrement, le groupe a ajouté Dizzy Reed aux claviers. 

Guns n roses

À la fin des sessions, le nouvel album était devenu deux nouveaux albums. Après avoir été retardés de près d’un an, les albums Use Your Illusion I et Use Your Illusion II sont sortis en septembre 1991.

Désordonnés mais fascinants, les albums présentaient un groupe plus ambitieux; alors qu’il y avait encore un bon nombre de rockeurs de guitare à plein régime, il y avait des coups de couteau à la ballade à la Elton John , du blues acoustique, des sections de cuivres, des choristes féminines, des épopées de rock d’art de dix minutes avec plusieurs sections différentes, et un bon nombre de paroles introspectives et introspectives. Bref, ils faisaient maintenant de l’art, et, étonnamment, ils y sont parvenus. 

Les albums de Guns n roses se sont très bien vendus au début, mais alors qu’ils semblaient destinés à donner le ton pour la décennie à venir, cela s’est avéré ne pas être du tout le cas.

Guns n roses

Guns n roses : la décomposition

Nevermind de Nirvana a atteint le numéro un au début de 1992, faisant soudain de Guns N ‘Roses – avec toutes leurs prétentions, vidéos impressionnistes, modèles et excès de rock star – un groupe de seconde zone. Rose a géré le changement en devenant un dictateur, ou du moins un petit tyran; ses crises de colère en concert sont devenues légendaires, allant même jusqu’à provoquer une émeute à Montréal. 

Stradlin est parti à la fin de 1991 et avec son départ, le groupe a perdu son meilleur auteur-compositeur; il a été remplacé par l’ancien guitariste de Kills for Thrills , Gilby Clarke . 

Guns n roses n’a pas pleinement compris le changement dans le hard rock jusqu’en 1993, quand ils ont sorti un album de reprises punk, The Spaghetti Incident; il a reçu de bonnes critiques, mais le groupe n’a pas réussi à capturer l’esprit téméraire non seulement des versions originales, mais aussi de son propre Appetite for Destruction . 

Au milieu de 1994, des rumeurs circulaient selon lesquelles Guns n roses était sur le point de se séparer, car Rose voulait poursuivre une nouvelle direction plus industrielle et Slash voulait s’en tenir à leur hard rock aux influences blues. 

Guns n roses est resté dans les limbes pendant plusieurs années encore, et Slash a refait surface en 1995 avec le projet parallèle Slash’s Snakepit et un LP, It’s Five O’Clock Somewhere .

Guns n roses

Rose est resté à l’écart des projecteurs, devenant une recluse virtuelle et ne faisant que bricoler dans le studio; il a également recruté divers musiciens – dont Dave Navarro , Tommy Stinson et l’ancien guitariste de Nine Inch Nails Robin Finck – pour des jam sessions informelles. Les membres restants ont été exaspérés par l’inclusion par Rose de son ami d’enfance Paul Huge dans les nouvelles sessions lorsque Stradlin et Clarke ont été exclus de rejoindre le groupe. 

Et un remake de « Sympathy for the Devil » des Rolling Stones a été essentiellement la goutte d’eau qui a fait déborder le vase, étant donné que Rose coupait certaines des contributions des autres membres et collait Huge sur la chanson sans consulter personne.

En 1996, Slash était officiellement sorti de Guns N ‘Roses, laissant Rose le seul survivant de l’apogée du groupe. Les rumeurs ont continué à courir, toujours aucun nouvel album n’était à venir, bien que Rose ait réenregistré Appetite for Destruction avec une nouvelle programmation à des fins de répétition.

Première nouvelle chanson originale de Guns n roses en huit ans, le morceau de métal industriel « Oh My God » est finalement apparu sur la bande originale du film End of Days d’ Arnold Schwarzenegger en 1999 . Peu de temps après, Geffen a publié les deux disques Live Era: ’87-’93.

L’année 2000 a vu l’ajout des guitaristes Robin Finck (de Nine Inch Nails ) et Buckethead , et 2001 a été accueillie avec les premières dates live de Guns N’ Roses en près de sept ans, alors que le groupe (qui était composé de Rose plus les guitaristes Finck et Buckethead , le bassiste Stinson , l’ancien batteur de Primus Brian « Brain » Mantia , l’ami d’enfance et guitariste Paul Huge , et le claviériste de longue date de Guns n roses Dizzy Reed) a joué un spectacle le soir du Nouvel An 2000 à Las Vegas, puis au gigantesque festival Rock in Rio le mois suivant. Le soir du Nouvel An 2001, le groupe a joué presque exactement le même set que l’année précédente.

Une apparition aux Video Music Awards 2002 de MTV a contribué à susciter l’intérêt pour le nouvel album, mais une performance rouillée de Rose et une interview où il a déclaré que son nouvel album ne sortirait pas de si tôt, n’ont pas fait grand-chose pour faire avancer leur cause. Cet été-là, Guns n roses a commencé sa première tournée en près de huit ans et ils ont réussi à remplir tous leurs engagements en Europe et en Asie.

 Malheureusement, ils ont provoqué une émeute violente et destructrice à Vancouver lorsque Rose ne s’est pas présenté au premier rendez-vous de leur tournée nord-américaine. Alors qu’il était à la hauteur de ses anciennes manigances avec la formation réorganisée, l’ancien chanteur des Stone Temple Pilots Scott Weiland , Slash , Sorum, et McKagan ont formé le célèbre Velvet Revolver au printemps 2002.

Guns n roses : Chinese Democracy

Et ainsi les années ont passé et toujours pas de nouvel album de Guns n roses, au point que c’est devenu une blague de trop. L’album a longtemps été présenté comme Chinese Democracy , et parfois des enregistrements de session fuyaient et se frayaient un chemin sur les réseaux de partage de fichiers Internet.

Un article fascinant écrit par Jeff Leeds pour le New York Times, publié en mars 2005, a révélé à quel point la réalisation de l’album était devenue compliquée et coûteuse. 

Selon l’article, intitulé « L’album le plus cher jamais sorti », Rose a commencé à travailler sur l’album en 1994 et a accumulé des coûts de production d’au moins 13 millions de dollars. Les producteurs impliqués dans l’album à un moment ou à un autre comprenaient Mike Clink , Youth ,Sean Beavan , et même Roy Thomas Baker . (Curieusement, Moby a affirmé s’être également vu offrir le poste.) Marco Beltrami et Paul Buckmaster auraient été amenés pour des arrangements orchestraux, et il y avait une porte tournante de guitaristes; Buckethead a quitté le groupe en 2004 et Ron « Bumblefoot » Thal a finalement pris sa place. 

En 2006, l’album de Guns n roses semblait plus proche de la sortie, alors que Rose commençait à faire surface en public et emmenait même son groupe sur la route pour certains spectacles. Le plus gros gâchis de l’industrie de la musique a finalement porté ses fruits en 2008 quand Axl a dévoilé un disque qui avait plus d’une décennie de préparation. 

Alors que Chinese Democracy a reçu de nombreuses critiques élogieuses, et la réponse critique a été globalement positive, le disque n’a pas répondu aux attentes (c’est presque impossible), faisant ses débuts au numéro trois du Billboard 200 lors de sa sortie en novembre. Une tournée mondiale a suivi.

Guns N Roses

Le guitariste DJ Ashba de Sixx: AM a rejoint Guns n roses en 2009, et le groupe a continué à travailler sur de nouvelles compositions,  à jouer des spectacles. Certains des anciens membres du groupe se présentant occasionnellement pour des apparitions en tant qu’invités. 

En 2012, la programmation classique de Guns n roses a été intronisée au Rock & Roll Hall of Fame, et Slash , McKagan , Clarke , Adler et Sorum se sont réunis et ont interprété quelques chansons de l’ère Appetite avec le chanteur Myles Kennedy remplaçant Rose , qui avait refusé de participer.

Bumblefoota quitte le groupe en 2014 et en juillet 2015, Ashba a annoncé qu’il avait également quitté le groupe. En 2016, Guns n roses s’est lancé dans la tournée Not in This Lifetime … Tour, qui mettait en vedette Rose aux côtés d’une formation réunie avec le guitariste Slash , le bassiste Duff McKagan et plusieurs membres de longue date en tournée.

La tournée, dont le titre faisait référence à une citation donnée par Rose en 2012, a également trouvé le batteur original Steven Adler rejoignant le groupe pour plusieurs arrêts.

Une version remastérisée d’ Appetite for Destruction des Guns n Roses est arrivée en 2018 et comprenait un single inédit, « Shadow of Your Love », enregistré par la formation originale. Le groupe a continué à tourner tout au long de 2020 et 2021, faisant ses débuts avec plusieurs chansons, dont « Absurd » et « Hard Skool », cette dernière ayant servi de titre à l’EP 2022 Hard Skool .

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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BEST magazine: le retour du magazine culte !

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 18/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Best Magazine, c’est quoi ?

En septembre 1968 paraît en France le 1er numéro du légendaire magazine BEST. Une aventure de 30 ans.
Février 2022, le magazine BEST revient en kiosque.

Sous l’impulsion de l’entreprenant David Kane, avec l’incontournable Patrick Eudeline en Rédacteur en chef, et sous la Direction artistique de Philippe Blondez, le magazine sera en kiosque, en France et à l’export, le 16 février 2022.

Best Magazine est un magazine français de presse people qui a été créé en 1977. Au fil des années, il est devenu l’un des magazines les plus populaires en France, avec des millions de lecteurs réguliers. Best Magazine est publié chaque semaine et couvre une variété de sujets, allant des nouvelles de célébrités à des articles sur les tendances de la mode et de la beauté.

Dans cet article, nous allons examiner de plus près l’histoire de Best Magazine, sa couverture éditoriale et ce qui le rend si populaire auprès des lecteurs français.

Histoire de Best Magazine

Best Magazine a été créé en 1977 par Jean-Pierre Cassagne. À l’époque, il était un magazine de cinéma et de musique qui couvrait les derniers films et albums, ainsi que des interviews avec des célébrités. Cependant, au fil du temps, Best Magazine a évolué pour devenir un magazine de presse people.

Au cours des années 80 et 90, Best Magazine a connu une croissance rapide de sa popularité, avec une circulation hebdomadaire qui a atteint les 2 millions d’exemplaires en 1997. La couverture du magazine est également devenue plus centrée sur les célébrités, avec des photos exclusives et des histoires scandaleuses.

Quelle est la nouvelle formule de BEST magazine ?

BEST est un magazine transgénérationnel. Il fait appel à des chroniqueurs issus du BEST historique, ainsi qu’à de nouvelles plumes. Il s’adresse tout autant à un lectorat fidèle au titre passé, mais également à la nouvelle génération. Il créée des ponts culturels entre les acteurs de la génération X et les millennials.

La Baseline de Best : MUSIQUE – STYLE – POP CULTURE.

La baseline de Best Magazine – « MUSIQUE – STYLE – POP CULTURE » – résume parfaitement les trois piliers sur lesquels repose le contenu du magazine.

La musique est un élément clé de Best Magazine depuis sa création. Le magazine a commencé en tant que magazine de cinéma et de musique, et bien qu’il se soit concentré davantage sur les célébrités au fil des ans, la musique reste un élément important de la couverture éditoriale. Les lecteurs peuvent trouver des critiques d’albums, des interviews avec des musiciens et des articles sur les dernières tendances musicales.

Le style est également une partie importante de la couverture éditoriale de Best Magazine. Les lecteurs peuvent trouver des articles sur les dernières tendances de la mode, des conseils de style et des interviews avec des créateurs de mode. Le magazine couvre également des événements de mode tels que les défilés de mode et les Fashion Weeks.

Enfin, la pop culture est un élément clé de la couverture de Best Magazine. Les lecteurs peuvent trouver des articles sur les tendances en matière de divertissement, des interviews avec des stars de la télévision et du cinéma, ainsi que des histoires sur les événements de divertissement les plus chauds.

Dans l’ensemble, la baseline de Best Magazine résume parfaitement le contenu du magazine. Les lecteurs peuvent s’attendre à trouver une couverture approfondie de la musique, du style et de la pop culture, ainsi que des histoires intéressantes sur les célébrités et les tendances les plus en vogue.

Caractéristiques techniques de Best magazine :

• BEST est un magazine trimestriel.
• Format : 210x300mm.
• 160 pages couleurs.
• Diffusion : France et export (France Messageries & Export Press).

Site web : www.best-magazine.fr

Instagram : bestmagazine.fr
Facebook : bestmagazine.fr

Best Magazine : l’edito

BEST magazine, et un numéro 2 déjà ! Les groupes de rock en savent quelque chose : c’est un virage difficile. Le syndrome du deuxième album, on appelle cela ! Le premier BEST était foufou et foutraque, s’en allait – volontairement – dans tous les sens. Vous l’avez aimé. Le tirage était quasi épuisé en quinze jours. Vous l’avez cherché et trouvé dans les plus improbables kiosques, et des gamines de treize ans ont été heureuses d’afficher ce poster de Dita. Quel bonheur !

Sur les réseaux sociaux, ce fut toute une affaire. Quelques jaloux, éclopés de vieilles batailles, n’étaient pas heureux de ce succès et critiquaient tout leur saoul : « Mais Dieu du Ciel, d’où viennent ces gens, que complotent-ils ? », « Et cet oriflamme sur le visage de Dita Von Teese, n’aurait-il pas une signification cachée ? », « Et toutes ces photos, quelle est leur origine ? », « Internet, probablement ! ».

C’est cela, oui…. Alors qu’aucune photo issue de la toile n’est digne de paraître dans un journal digne de ce nom : trop pixellisée. Pas d’assez bonne qualité. Il aurait dû savoir cela celui qui osa prétendre telle bêtise. Il est vrai que ses dernières responsabilités dans la Presse remontent à si longtemps ! Internet n’existait pas encore. Bon, trois ronchons qui s’étranglent contre des centaines de réactions enthousiastes, de commentaires, de demandes enflammées : Nous allons survivre au fort relatif affront.

Best magazine – magazine BEST 2022

Ce Best, deuxième du nom, donc, exagère les défauts et foucades du premier. Non mais !
On y apprend plein de choses sur ce que fut le Londres des débuts du rock sixties et le Paris de légende, on y ouaille la légende de Lucy Gordon, comme celle de Joe Meek ou l’histoire du hard-rock français. On s’y promène autour des Stones. On y découvre Orville Peck.

On y parle tatouages, objets culte et studio d’enregistrement. Et puis de mode et de cinéma, bien évidemment ! Il y a des chroniques de disques – un écueil du premier –, des nouveaux artistes à découvrir, du metal à revendre.
Et de la chanson, bien sûr ! (Serge Reggiani, n’ayons peur de rien).

Un Best qui plonge dans nos racines et visite le présent, en somme. Parce que tel est son Destin. PS : Le prix du papier – le savez-vous ? – a quasi doublé. C’est la galère chez les éditeurs. Par le fait, il y a un luxe auquel nous avons dû renoncer… Le poster ! On n’allait quand même pas rogner sur ces 160 formidables pages ?

Best magazine – magazine BEST 2022

Best magazine: David Swaelens-Kane, qui avait racheté le magazine « Photo » ainsi que la licence de la marque Playboy pour les pays francophones, décide de relancer en février 2022, un des plus grands magazines spécialisé dans le rock français des années 80′ et 90′, c’est-à-dire « Best magazine », dont les quadragénaires et quinquagénaires se souviennent comme le grand concurrent de « Rock & Folk ». », surtout au début des années 1980.

Best Magazine était une référence dans la presse musicale. Il a été paru de septembre 1968 à mars 2000, avec une interruption de décembre 1994 à 1998, et enfin pour quelques numéros en 1999-2000, avant de disparaître et de renaître sous la forme d’un mook trimestriel en 2022.

En effet, la nouvelle incarnation du titre se fera sous la forme d’un « mook » haut de gamme; c’est-à-dire un mélange de magazine et de livre; que David Swaelens-Kane espère être à la hauteur des attentes des lecteurs collectionneurs.

Best magazine – magazine BEST 2022

Ce mook et son site internet (qui est gratuit), serviront de vitrine à un « grand concours de radio-crochet en version papier », comme l’indique David Swaelens-Kane, le nouveau propriétaire du titre.

Les « Best Awards » récompenseront des talents issus de nouvelles scènes, avec, à la clé, par exemple, des contrats de management pour obtenir une signature avec une maison de disques. « L’ADN du titre est rock mais nous serons ouverts aux musiques urbaines », précise David Swaelens-Kane.

BEST magazine : Version Papier Radio-Crochet

Le concours récompensera également les entrepreneurs de la musique. « J’ai toujours aimé le côté entrepreneur, pour moi Elon Musk est le nouveau Bob Dylan », confie celui qui dit vouloir faire de la musique mais qui a compris « très tôt qu’il n’était et ne serait pas David Bowie ».

David Swaelens-Kane a récemment investi dans une société événementielle en Belgique. Il espère trouver là-bas, des synergies avec « Best magazine » comme par exemple, l’organisation de concerts ou d’autres événements musicaux, dont le concours Best, qui donnera lieu à une grande soirée de gala.

Pour ses aventures dans les médias, l’idée est d’être financièrement équilibré sur le papier et de générer des profits en dehors des médias. « Best magazine » emploiera une quinzaine de personnes, sera tiré à 50 000 exemplaires et bénéficiera d’un investissement de 1,5 million d’euros injectés par David Swaelens-Kane.

« Best magazine » a été créé en 1968 par Jacques Morlain et Gérard Bernar, deux anciens de « Disco Revue », avec un premier numéro sur les Rolling Stones, raconte Jacques Morlain dans un podcast « Rock & Press ». L’idée était de mieux couvrir la musique anglo-saxonne, même si le magazine défendait alors bien la scène française.

Best magazine – magazine BEST 2022

BEST magazine: Patrick Eudeline

L’âge d’or de la presse musicale prend fin dans les années 1980 avec la concurrence des radios et télévisions gratuites qui proposent désormais des émissions comme « Les Enfants du rock » et l’interdiction de la publicité pour certains annonceurs stratégiques (alcool, tabac, etc.).

Best Magazine a cessé de paraître à la fin des années 1990, malgré l’ajout d’un CD-Rom pour séduire les fans de rock ! « Rock & Folk » est toujours publié, même si tout le secteur a dû se réinventer avec le Web.

L’idée de faire revivre « Best magazine » est née d’une conversation entre David Swaelens-Kane et Patrick Eudeline, l’une des plumes historiques de « Best magazine » et de la presse musicale. Le critique de rock instruit, occupera la place de rédacteur en chef.

David Swaelens-Kane a vendu Photo « sans perdre d’argent » en 2020, explique-t-il. Playboy, lui aussi, est toujours dans sa bourse et survit en tant que magazine même s’il a lui aussi évolué en mook.

Extrait BEST MAGAZINE n°2

MALCOM MCLAREN :L’art du désastre par Manu Leduc, Marie Eynard, Lionel Chouin et Philippe Ory – Futuropolis
Lorsque Marilyn Manson,reprenant Patti Smith, éructait en intro de « Rock’n’Roll Nigger » : « Je suis l’antéchrist américain, je suis sa merde et elle devrait avoir honte de ce qu’elle a mangé », il prouvait que les leçons
de Malcolm McLaren avaient été bien digérées…

Adulé et détesté, le trublion rouquin voulait mettre la société de consommation à genoux devant son  vomi. En inventant l’esthétique de la laideur, en habillant la jeunesse anglaise dans ses poubelles, en embauchant des voyous qu’il pensait pouvoir manipuler, Malcolm McLaren rêvait de provoquer des reflux gastriques à l’aristocratie rock, rendre le binaire de nouveau dangereux, en refaire un art de vivre sur le fil du rasoir (rouillé) et accomplir une révolution en enculant l’art bourgeois avec des capotes trouées.

Best-magazine-

Si vous lisez « Best », c’est qu’il a quelque part un peu réussi son coup à un moment donné. Il méritait bien sa propre BD de 200 pages, solidement scénarisée par Manu Leduc et Marie Eynard d’après les bios de John Lydon et de Jon Savage, mais aussi par le biais d’entretiens privés avec Marc Zermati (à qui l’album est dédié) et Jean-Charles de Castelbajac, qui la préface.

Ce qui surprend au premier abord, ce sont les illustrations de Lionel Chouin, ses planches sans bordures de cases qui offrent à ses personnages une liberté de mouvement absolue, affranchis du traditionnel gaufrier.

Son trait est agressif, ses personnages affûtés comme des épingles à nourrices et le lettrage énorme donne l’impression que tout ce petit monde hurle en permanence. Férocement atypique sans être underground, son dessin est vivant, rehaussé par les couleurs de Philippe Ory.

Avec des personnages à grosses têtes, caricaturés mais reconnaissables, avec des bras trop fins et des jambes   longilignes, les auteurs  rappellent le volet tragi-comique de la grande escroquerie du rock’n’roll et de ses moments irrésistibles : la confection des vêtements avec les pilons de poulet de Viviane Westwood, l’effervescence du Do It Yourself et ses boutiques éphémères, mais aussi une audition surréaliste avec le futur Johnny Rotten hurlant du Alice Cooper dans un pommeau de douche en guise de micro sous les moqueries de toute la boutique Sex.

Les auteurs écrivent aussi des scènes plus intimistes où McLaren est renié par sa famille juive lors de l’enterrement de sa grand-mère à cause des swastikas sur ses tee-shirts.

Best-magazine

Leduc et Eynard distillent avec une fluidité jouissive toute l’audace du personnage : des faux concerts de Pink Floyd pour attirer le public, son art de se faire virer des maisons de disques après avoir empoché les thunes, sa partie d’échecs marketing face à un Richard Branson toujours hilare mais plus rusé que lui.

Tout ceci est précis et authentique : le travail de Jamie Reid autour des visuels du groupe, la conception de « No Feelings », la querelle entre Rotten et McLaren autour de « God Save The Queen » que le chanteur voulait intituler « No Future », « L’art  du désastre » fourmille d’anecdotes sourcées, vérifiées, intégrées dans le récit de manière très fluide.

Si toutes les grandes étapes du Gospel selon St Malcolm y sont (la révolte grandissante de Lydon qui voit clair dans son jeu, son obsession pour son film, la toxicomanie de Vicious qu’il tentera sincèrement de canaliser), le lecteur découvrira aussi un autre aspect d’un personnage trop souvent diabolisé.

Méprisé et abandonné par sa famille depuis sa prime enfance, Malcolm McLaren entretient une touchante histoire d’amour avec Rose, sa grandmère, une punk avant l’heure qui lui donne force et motivation alors que ce jeune fouteur de merde passe son temps à exaspérer son monde et se faire jeter des écoles d’art où il assume avec panache une nullité assumée.

Entre son groupe qui ne lui demande rien d’autre que du fric, et lui qui ne sait pas montrer son affection, c’est une relation vouée au désastre que Malcolm échoue à racheter avec son propre paternel.

Machiavélique, à la fois brillant et foutraque, le génie de Malcolm McLaren est de créer des situations qui le dépassent et dont il pense avoir le contrôle. Il ne se départit jamais de sa bonne humeur et, telle une créature de Franquin, passe son temps à inventer, rêver, déclamer des ambitions démesurés en créant catastrophe sur catastrophe au nom de l’art.

On voudrait le détester et on ne peut pas s’empêcher de le trouver souvent attachant pour sa ténacité et sa lucidité : créer le chaos pour éviter que les Pistols ne soient digérés et récupérés par le système. Sa devise, « Mieux vaut un échec retentissant qu’une réussite médiocre » va finalement dans le sens de la vie.

En Rock.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Photographie livre: Les meilleurs livres pour photographes

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 18/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Photographie livre : Les meilleurs livres pour photographes

Dans le monde de la photographie, il existe une multitude d’ouvrages et de ressources permettant aux passionnés d’apprendre et de se perfectionner. Que vous soyez un photographe amateur ou professionnel, les livres sont un excellent moyen d’enrichir vos connaissances et vos compétences. Voici donc une sélection des meilleurs livres pour photographes qui vous guideront tout au long de votre évolution.

Manuels pour maîtriser l’éclairage en photographie

À la recherche du parfait manual d’éclairage photo ? L’éclairage est un élément essentiel dans la réalisation de clichés réussis. Il vous permettra de mettre en valeur les sujets, de créer une ambiance ou encore de donner une impression de volume et de relief à vos images. Voici quelques titres incontournables pour maîtriser cette technique :

• « Lumière et éclairage en photographie numérique » : Un ouvrage complet et didactique qui aborde les bases de la lumière jusqu’à l’éclairage plus complexe.
• « Éclairer pour le portrait – Techniques créatives » : Des conseils pratiques et illustrés pour maîtriser toutes les situations propres à la prise de vue de portrait.
• « Techniques d’éclairage en studio » : Cet ouvrage propose une approche progressive et expérimentale pour apprendre à gérer et à scénographier la lumière en studio.

Les cahiers d’exercices pour la photographie

Le cahier d’exercices est un outil pédagogique efficace pour les apprentis photographes. Grâce à ces exercices, vous pourrez assimiler rapidement les notions théoriques et pratiquer régulièrement pour progresser dans votre « art ». Voici quelques titres incontournables de cette catégorie :

• « Photographez vos créations : astuces, conseils et techniques » : Dans ce livre, découvrez des exercices pour apprendre à valoriser vos réalisations dans différents styles de photos artistiques.
• « 30 exercices pour débuter en photographie numérique » : Un support idéal pour passer de la théorie à la pratique avec de nombreux exemples illustrés et des défis à relever.
• « 100 idées photo » : Ce cahier d’exercices se compose de rubriques telles que la composition, l’éclairage naturel et artificiel, ou encore la mise en scène, afin de seconder votre processus créatif.

Des livres pour développer sa créativité et son style personnel

Mieux qu’un cours magistral, les meilleurs livres pour photographe sont ceux qui vont solliciter le lecteur et lui donner envie de s’impliquer activement dans sa démarche créative. Parmi les ouvrages les plus inspirants sur le sujet, vous trouverez :

• « L’art de la composition photographique » : Ce livre explore les principes et les techniques de la composition pour vous aider à créer des images personnelles et expressives.
• « Trouver son style en photographie » : Un guide complet pour développer votre propre signature visuelle, grâce à des études de cas et à des exercices pratiques.
• « Cadrer, composer, déclencher ! » : Le photographe y partage ses astuces pour choisir le meilleur cadrage et mettre en scène les éléments qui composent vos images.

Photographie livre

Photographie livre : approfondir ses connaissances sur l’histoire et la culture photographique

Pour élever votre passion de la photographie à un niveau supérieur, il est judicieux de s’initier aux grands courants artistiques et aux photographes qui ont marqué l’histoire du médium. Voici quelques ouvrages pour vous immerger dans cet univers :

• « Histoire de la photographie. De 1839 à nos jours » : Ce volume retrace l’évolution de la photographie à travers le temps, permettant ainsi de comprendre les principales avancées techniques et les mutations culturelles.
• « Les photographes célèbres : chefs d’œuvre et portraits commentés » : Découvrez les parcours inspirants des plus grands noms de la discipline, accompagnés d’un florilège de leurs œuvres.

Ouvrages pour approfondir ses compétences techniques

La maîtrise de la technique est un élément primordial pour tout photographe souhaitant progresser. De nombreux ouvrages abordent des aspects techniques spécifiques afin d’affiner vos compétences dans divers domaines :

• « Maîtriser le post-traitement en photographie » : Apprenez à sublimer vos images grâce à cet ouvrage qui traite de la retouche photo, du choix des logiciels aux réglages optimaux.
• « La couleur en photographie : approche scientifique et créative » : Grâce à ce guide, découvrez les fondamentaux de la théorie de la couleur et comment l’utiliser à bon escient pour donner vie à vos clichés.

Ouvrages spécialisés sur des genres photographiques précis

Pour ceux qui souhaitent se spécialiser dans un genre photographique, il existe de nombreux livres dédiés à ces thèmes particuliers :

• « Le guide complet du street art » : Un ouvrage exhaustif qui vous plonge dans l’art urbain, avec des techniques spécifiques à cette discipline.
• « Le grand livre de la photo de mariage » : Ce livre offre une méthodologie précise pour aborder sereinement chaque étape clé du reportage de mariage.
• « Photographier la nature en macro » : Un manuel spécialement conçu pour apprendre les bases de la macrophotographie, avec des conseils pratiques pour réussir vos prises de vue.

En somme, les livres pour photographes sont nombreux et abordent des thématiques toutes aussi variées que passionnantes. Que vous soyez débutant ou confirmé, l’investissement dans cette littérature est une excellente manière d’accroître vos compétences en photographie.

Photographie livre

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Le guide de la photographie de concert

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 18/07/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

photographie de concert

 

Capturer un concert ou un spectacle en direct peut être un travail passionnant, se rapprocher d’un artiste ou d’un groupe. Se nourrissant de l’énergie de la foule, la photographie de concert est une question de timing, de technique et d’un peu de créativité pour obtenir la photo parfaite. Peut-être êtes-vous un mélomane intéressé à vous lancer dans la photographie de concert, ou peut-être êtes-vous un tireur chevronné qui cherche à diversifier ses compétences.

Devenir photographe de musique peut être compétitif, et commencer, peut être un défi lorsque vous essayez de décrocher des concerts ou des spectacles à photographier. De nombreux photographes de concerts établissent leur liste de clients au fil du temps, en utilisant leur portefeuille de photographies musicales pour obtenir leur prochain emploi. Trouver le bon modèle de site Web  pour votre portfolio, ainsi que la façon de présenter votre travail, peut être un peu intimidant, en particulier pour les photographes de concerts débutants.

Plongeons-nous dans tout ce que vous devez savoir pour réussir dans la photographie de concert, du meilleur appareil photo, objectifs et configuration d’éclairage pour les concerts à la création d’un  site Web de portefeuille en ligne  pour vous permettre d’impressionner plus facilement des clients potentiels. Découvrez nos conseils de photographie de concert pour vous aider à développer votre carrière un concert à la fois.

 

Comment devient-on photographe de concert ?

photographie de concert

 

Maintenant que vous avez une meilleure idée de l’équipement et du portefeuille nécessaires pour réussir dans la photographie de concert, vous vous sentez peut-être prêt à lancer votre carrière. Mais les gens ne tombent pas simplement dans le business et décrochent des concerts tout de suite. Voici quelques conseils de photographe de concert pour vous aider à décrocher votre prochain emploi:

Tourner de petites émissions locales

L’une des meilleures façons de faire avancer votre carrière, est de vous concentrer sur des salons plus petits dans votre région. Vérifiez vos listes de spectacles locales pour voir quels groupes jouent et contactez le lieu ou le booker pour voir s’ils ont besoin d’un photographe. Il y a de fortes chances que vous ayez moins de concurrence lorsque vous allez à des spectacles locaux et cela peut être un excellent moyen de faire connaître votre nom.

Opter pour des expositions plus petites, signifie également que vous avez plus de possibilités de prendre beaucoup de superbes images, que vous pouvez ensuite inclure dans votre portfolio en ligne. Vous pouvez utiliser votre couverture de petites émissions locales pour rehausser votre profil et, espérons-le, décrocher de plus gros concerts.

Prendre un laisser-passer photo

Les laisser-passer photo sont le meilleur moyen d’accéder à des spectacles et à des lieux plus importants en tant que tireur. Ils sont souvent distribués par un publiciste ou un booker à des photographes spécifiques afin qu’ils puissent couvrir le spectacle, se déplacer facilement sur la scène et dans la salle. Un laisser-passer vous donnera également accès à la fosse photo, qui est souvent située à un endroit idéal pour prendre de superbes photos.

Il est généralement plus facile d’obtenir un laisser-passer photo si vous travaillez pour une publication, car le publiciste aura conscience que les images seront publiées quelque part pour la presse. Ils sont souvent approuvés et distribués quelques jours avant un spectacle afin que vous puissiez vous préparer au tournage.

Réseau avec des publications

Après avoir couvert quelques émissions locales, vous réaliserez peut-être que votre prochaine meilleure option est d’essayer de décrocher un travail par le biais d’une publication, comme un journal local ou un magazine en ligne. Contactez ces points de vente pour voir s’ils ont besoin de photographies de concerts, en particulier si vous remarquez qu’ils semblent un peu manquer dans ce département. Assurez-vous de partager votre portfolio en ligne avec eux pour augmenter vos chances de décrocher le poste.

Certains photographes décident de lancer leurs propres publications  afin de tracer leur propre chemin et de mettre un pied dans la porte. Si tel est le cas, vous pouvez décider de collaborer avec d’autres photographes, artistes et créatifs pour faire décoller votre publication.

Démarrer un blog photo

Bloguer sur votre expérience en tant que photographe de concert peut vous aider à rester actif en ligne et à vous habituer à partager votre travail. Peut-être que vous faites une photo de concert par semaine avec une courte rédaction pour mettre en valeur vos meilleurs clichés, ou gardez une liste tournante d’ idées d’articles de blog  afin de ne jamais manquer de contenu.

La plupart des créateurs de sites Web vous permettront d’héberger facilement un blog sur votre site en tant que page distincte et de le mettre à jour régulièrement. Assurez-vous de partager les articles de votre blog via vos comptes de médias sociaux pour augmenter le trafic vers votre site Web et créez des articles connexes sur vos médias sociaux afin de rester à jour et visible en ligne.

Rechercher le droit d’auteur sur vos images

Une bonne photographie de concert peut être une denrée rare, surtout si vous prenez des photos d’un musicien ou d’un groupe bien connus. Bien que vous ne puissiez peut-être pas utiliser la photographie de concert pour les photos d’archives, car ce sont souvent des images très spécifiques, vous pouvez discuter des droits sur votre travail avec toutes les publications ou les groupes avec lesquels vous travaillez.

L’octroi de licences pour vos photos  se fait souvent dans le cadre d’un accord que vous pouvez avoir avec une publication pour garantir que vos droits sur l’image sont protégés et que vous êtes correctement indemnisé. La détermination de choses comme les droits réservés pour la photographie de concert devrait être une discussion que vous avez avec toute personne qui l’achète, car vous voulez vous assurer que vous gagnez la valeur de votre travail.

 

photographie de concert

 

Comment photographiez-vous les concerts ?

Les concerts peuvent être notoirement difficiles à filmer, car il faut souvent tenir compte de l’éclairage de la scène, des musiciens et des limites du lieu. Cependant, vous pouvez vous retrouver avec des photos incroyables en utilisant ces conseils de photographie de concert :

Utiliser le mode appareil photo manuel

Votre appareil photo reflex numérique aura un mode priorité à l’ouverture et un mode appareil photo manuel. Bien qu’il puisse être tentant d’utiliser le mode priorité à l’ouverture et de laisser l’appareil photo faire la plupart du travail pour vous, ce paramètre ne vous donne pas le même contrôle que le mode de prise de vue manuelle. Souvent, lorsque vous filmez des concerts, vous devez être réactif à votre environnement et ajuster les paramètres de votre appareil photo pour s’adapter à une prise de vue ou à un angle particulier. L’utilisation du mode appareil photo manuel vous donnera la possibilité de prérégler les paramètres de votre appareil photo, puis de les modifier au fur et à mesure que vous travaillez.

Commencer par le numéro d’ouverture le plus bas

L’un des plus grands défis pour la photographie de concert est la faible luminosité, car vous filmerez probablement des groupes dans un lieu sombre. Pour vous assurer que vos photos ne sont pas en proie à des problèmes de faible luminosité, réglez votre ouverture sur le plus petit nombre de votre objectif, tel que f/1.8. Cela permettra à la plus grande quantité de lumière d’entrer dans votre capteur afin que vous puissiez prendre des photos avec l’objectif grand ouvert.

Gardez à l’esprit que vous devrez probablement ajuster votre réglage d’ouverture lorsque vous entrez et sortez de conditions d’éclairage spécifiques, telles que des stroboscopes ou des flashs sur scène pendant un spectacle. Mais commencer au réglage le plus bas vous donne l’espace pour jouer avec au besoin et ne pas vous soucier de la faible luminosité qui affecte négativement vos prises de vue.

Opter pour une vitesse d’obturation rapide

La photographie de concert vous oblige à vous déplacer beaucoup sur la scène et dans la salle pour essayer de capturer les groupes et la foule. Vous devez également répondre aux artistes qui chantent, dansent et se pavanent sur scène. Des vitesses d’obturation de 1/250 ou plus vous permettront de capturer le mouvement sans obtenir d’images floues. De cette façon, vous pouvez filmer l’énergie de l’interprète et de la foule, en figeant correctement l’action avec votre appareil photo.

Gardez à l’esprit que vous devrez ajuster vos vitesses d’obturation en fonction du réglage et des artistes de scène. Vous pouvez également modifier ces paramètres pour obtenir des photos de foule. Si vous remarquez que la salle est faiblement éclairée mais que le groupe n’est pas aussi actif sur scène, vous pouvez probablement passer à des vitesses d’obturation plus lentes de 1/250 ou moins et toujours obtenir des images nettes et nettes.

Utiliser un paramètre ISO élevé

L’ISO de votre appareil photo détermine la sensibilité de votre appareil photo à la lumière. Un ISO plus élevé entraîne une plus grande sensibilité à la lumière et permet au capteur de votre appareil photo de réagir plus rapidement à la lumière. Un ISO élevé est essentiel pour prendre des photos dans des conditions de faible éclairage, car il vous aidera à vous assurer que vos images sont correctement éclairées et ne sortent pas trop sombres ou floues.

Commencez avec un ISO de 1600 pendant un concert et augmentez-le jusqu’à un maximum de 3200 ISO pour contrer la faible luminosité au besoin. Gardez à l’esprit qu’un ISO plus élevé entraînera plus de bruit ou de grain dans vos photos de concert. Mais il est généralement préférable d’obtenir du grain et une belle image, plutôt qu’une photo floue ou mal éclairée. Vous pouvez ensuite ajuster le grain en post-production à l’aide d’outils d’édition comme  Adobe Lightroom  ou Photoshop.

Faire une mesure ponctuelle

La mesure spot est un paramètre que vous pouvez utiliser dans votre appareil photo numérique. C’est un outil pratique qui prend une lecture légère juste pour le centre de votre viseur. C’est pratique pour la photographie de concert, car vous filmerez souvent des groupes éclairés par un projecteur et le reste de la scène est sombre. Vous pouvez utiliser le mode de mesure spot pour placer le visage de l’artiste au milieu de votre viseur afin d’obtenir la bonne exposition.

La mesure spot peut vous aider à éviter les problèmes de faible luminosité tels que les visages surexposés, ce qui est un problème courant lorsque l’arrière-plan est sombre et qu’un projecteur est utilisé.

Éviter la photographie au flash

La plupart des lieux ne vous permettent pas d’utiliser la photographie au flash, et pour une bonne raison. Non seulement cela agace les groupes ou les interprètes, les aveuglant alors qu’ils essaient de se produire. La photographie au flash n’a pas non plus fière allure, car elle surexposera les visages et donnera une image déséquilibrée. Aborder les conditions de faible luminosité avec les paramètres de votre appareil photo, plutôt qu’avec un flash, vous assurera d’obtenir une superbe photo à chaque fois.

Prendre toujours des photos en RAW

La prise de vue en RAW, plutôt qu’en JPEG, vous donnera la flexibilité de régler tout problème dans vos images plus tard pendant la post-production. Les outils d’édition comme Adobe Lightroom ou  Photoshop  fonctionnent mieux sur les images RAW, vous permettant de traiter facilement les conditions de faible luminosité, le grain et d’autres imperfections. Assurez-vous que votre appareil photo est toujours réglé pour prendre des photos en RAW afin de pouvoir les modifier ultérieurement et vous assurer qu’ils sont à leur meilleur.

Quel est le meilleur équipement photo pour la photographie de concert ?

Souvent, les photographes s’en tiennent à un appareil photo et à un objectif de base configurés pour capturer des photos de concert. Ceci comprend:

Un appareil photo reflex numérique

Les concerts de tournage sont un concert au rythme effréné, où vous devez réagir rapidement aux musiciens, à la foule et à l’ambiance de la salle. Vous aurez besoin d’un appareil photo capable de prendre de nombreuses images de haute qualité et de les stocker rapidement afin de pouvoir filmer en déplacement pendant un spectacle. Un appareil photo reflex numérique aura également des fonctionnalités telles que les paramètres de lumière et de vitesse d’obturation que vous pouvez régler facilement, en fonction du type de photographie de concert que vous souhaitez obtenir.

Bien que la prise de vue sur film avec un appareil photo manuel puisse donner des images sympas, il peut être difficile de prendre rapidement de nombreuses images différentes avec un appareil photo manuel. Lorsque vous achetez du matériel pour la photographie de concert, investissez dans un appareil photo reflex numérique comme le Nikon D700 ou le Canon 60D, car ils sont très performants et polyvalents, capables de gérer les objectifs dont vous avez besoin pour prendre de superbes photos de concert.

Un objectif de 50 mm

Cet objectif est un excellent investissement à long terme pour la photographie de concert, car il est capable de capturer rapidement et efficacement de nombreux angles différents. Un objectif de 50 mm est un bourreau de travail et s’adaptera bien à votre appareil photo reflex numérique. C’est aussi un objectif assez abordable et ne sera pas trop hors de portée financièrement pour les nouveaux tireurs.

La plupart des photographes de concert opteront pour un objectif 50 mm F/1.4 ou un objectif 50 mm F/1.8 de la même marque que leur boîtier, comme un Nikon D700 avec un objectif Nikon 50 mm F/1.4.

photographie de concert

 

Comment construire un portfolio de photographie de concert ?

Présenter votre meilleur travail

Votre portfolio de photographies de concerts devrait vraiment épater les visiteurs et mettre en valeur votre talent. Encombrer votre site Web avec du travail qui est juste correct ou assez bon ne suffira pas dans le monde concurrentiel de la photographie de concert. Assurez-vous d’être sélectif sur le travail que vous présentez sur votre site Web de portefeuille afin de mettre en avant votre meilleur atout.

Peut-être y a-t-il une série d’images de bandes de faible luminosité dont vous êtes fier, ou un ensemble de photos de concerts tapageuses que vous aimeriez mettre en valeur. L’inclusion de votre meilleur travail garantira que votre portfolio est impressionnant et mettra en valeur vos compétences uniques, ainsi que ce que vous pouvez apporter à chaque concert ou spectacle.

Inclure des images de haute qualité

Les images floues et mal éclairées n’impressionneront personne, encore moins les clients potentiels ! N’utilisez que des images de haute qualité de votre travail sur votre portfolio pour le garder professionnel et propre. Les images de votre portfolio doivent être de qualité Web, correctement éditées et traitées afin qu’elles se chargent rapidement pour les visiteurs. Vous pouvez apprendre à éditer vous-même les photos dans le cadre de la post-production pour vous assurer qu’elles sont à leur meilleure qualité.

Créer une page de portfolio accrocheuse

Votre page de portfolio est sans doute la vedette du spectacle. Il agit comme votre CV visuel et montre aux visiteurs vos compétences en action. Incluez toutes les photographies de concerts dont vous êtes fier sur cette page, des images de musiciens aux photos de spectacles en direct en passant par des photos de foule impressionnantes.

Selon la plate-forme de site Web que vous utilisez pour votre site Web, vous devriez pouvoir mettre en page votre page de portefeuille en utilisant différents modèles ou thèmes. Peut-être que vous optez pour une disposition en grille pour votre page de portfolio, mettant en valeur votre photographie de concert sur la page principale qu’un visiteur du site verra. Ou vous pouvez opter pour une mise en page défilante, où vos meilleurs looks apparaissent dans une rangée ordonnée ou empilés les uns sur les autres.

Inclure une page À propos de moi et une page de contact

Votre site Web ne consiste pas seulement à partager vos superbes photos de concert. C’est aussi un endroit où vous pouvez partager votre histoire avec les visiteurs, y compris qui vous êtes et pourquoi vous êtes si passionné par le tournage de spectacles et de groupes. Sur votre page « À propos de moi », vous pouvez noter votre formation et votre expérience professionnelle, telles que les musiciens que vous avez photographiés ou les émissions que vous avez couvertes. Certains sites Web de portfolio incluront également une  déclaration d’artiste , qui met en évidence la façon dont vous abordez votre travail et pourquoi vous êtes passionné par ce que vous faites.

Vous devez également vous assurer d’inclure « une page de contact », avec votre adresse e-mail, afin que les clients potentiels puissent vous contacter facilement. La plupart des créateurs de sites Web vous permettent de créer facilement un formulaire de contact qui va directement à votre courrier électronique afin que vous puissiez vous connecter avec les visiteurs de votre portefeuille en ligne.

photographie de concert

 

Rendre votre site Web de portefeuille facile à utiliser

Les visiteurs de votre site de portfolio devraient pouvoir accéder facilement à chaque page ou section. Gardez à l’esprit l’expérience utilisateur lorsque vous créez votre site et assurez-vous qu’il n’est pas déroutant ou encombré. Vérifiez que le contenu est facile à cliquer et à ouvrir, idéalement en un à deux clics. Les visiteurs peuvent être rebutés par un site mal organisé qui n’est ni intuitif ni clair, et les visiteurs désintéressés peuvent signifier des clients ou des concerts perdus. Testez votre site avant sa mise en ligne pour confirmer qu’il est accessible aux visiteurs afin qu’ils soient encouragés à rester et à découvrir ce que vous avez à offrir.

 

Mettre régulièrement à jour votre portefeuille

Assurez-vous de mettre à jour votre portfolio avec vos dernières photos de concert ou de montrer des images pour vous assurer qu’il reste frais et actuel. Le contenu obsolète peut décourager les visiteurs de cliquer sur votre site, et il peut envoyer un message que vous ne travaillez pas ou ne bousculez pas autant que vous pourriez en avoir besoin en tant que photographe de concert. Les mises à jour hebdomadaires ou mensuelles de votre site Web peuvent vraiment améliorer le contenu de votre site et garder votre portefeuille à jour.

Combien gagne un photographe de concert ?

En tant que photographe de concert, vous commencerez probablement à travailler avec un salaire horaire d’environ 20 à 25 euros de l’heure. Selon le nombre de concerts que vous décrochez, vous pourriez gagner 39 000 euros en moyenne et progresser jusqu’à un salaire plus élevé de 66 300 euros à mesure que vous acquérez plus d’expérience et plus de clients.

 

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

 

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Photographe célèbre : Les 25 meilleures photographies au monde

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 06/04/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Il y a des photographies qui transcendent le support et deviennent des icônes. Ces 25 images comptent parmi les plus célèbres du monde et ont été prises par certains des plus célèbres photographes de tous les temps.

Elles racontent des histoires étonnantes, capturent des moments cruciaux de l’histoire et suscitent des émotions fortes chez ceux qui les voient. Que vous soyez un passionné de photographie ou que vous cherchiez simplement un peu d’inspiration, ces photos vous laisseront certainement une impression durable.

N°25 – V-J Day in Times Square (1945) – Photographe célèbre :  Albert Eisenstaedt

L’une des photographies les plus emblématiques de tous les temps, V-J Day in Times Square, a été prise par le photographe Albert Eisenstaedt du magazine Life.

Elle montre un marin embrassant une infirmière sur Times Square, à New York, le 14 août 1945, jour où le Japon a annoncé sa reddition et où la Seconde Guerre mondiale a pris fin. La photo est devenu un classique instantané et en est venu à symboliser la joie et le soulagement ressentis par beaucoup à la fin de la guerre.

La photographie d’Eisenstaedt capture parfaitement l’énergie chaotique de Times Square en ce jour historique. Des milliers de personnes s’étaient rassemblées pour célébrer la nouvelle de la capitulation du Japon, et l’excitation était palpable dans l’air. 

Photographe célèbre

N°24 – Dali Atomicus (1948) – Photographe célèbre : Philippe Halsman

Dali Atomicus est une photographie prise par Philippe Halsman en 1948. Elle représente Salvador Dali en plein vol, entouré de divers objets, dont une chaise, un chat et un seau d’eau.

La photo a été prise en utilisant trois expositions séparées qui ont ensuite été superposées pour créer l’image finale. Dali Atomicus est considéré comme l’un des photographes les plus novateurs et les plus influents de tous les temps.

Photographe célèbre

N°23 – Le selfie Oscar de Bradley Cooper (2014)

L’une des photographies les plus célèbres de ces dernières années est le selfie de Bradley Cooper lors de la cérémonie des Oscars 2014.

La photo, qui mettait en scène un who’s who de stars hollywoodiennes, est rapidement devenue virale et a été recréée d’innombrables fois. C’est un excellent exemple du pouvoir d’une photographie bien placée pour capturer un moment et raconter une histoire.

Photographe célèbre

N°22 – Windblown Jackie (1971) – Photographe célèbre : Ron Galella

Jackie Kennedy Onassis était l’une des femmes les plus photographiées au monde, et cette image d’elle soufflant dans le vent est l’une des plus emblématiques.

Elle a été prise par Ron Galella en 1971, quelques années seulement après l’assassinat de son mari, le président John F. Kennedy. La photo capture à la fois l’élégance et la vulnérabilité de Jackie,et c’est devenu le symbole de sa force face à la tragédie.

Photographe célèbre

N°21 – D Day (1944) – Photographe célèbre : Robert Capa

Le débarquement de juin 1944 a marqué un tournant dans la Seconde Guerre mondiale, et les photos prises par Robert Capa font partie des images les plus emblématiques du conflit.

Cette image particulière montre des soldats du 16e régiment d’infanterie de la première armée américaine qui débarquent à Omaha Beach le 6 juin 1944.}

FRANCE. Normandy. June 6th, 1944. US troops assault Omaha Beach during the D-Day landings.

N°20 – The Situation Room (2011) – Photographe célèbre : Pete Souza

The Situation Room est une photographie prise par le photographe de la Maison-Blanche Pete Souza le 1er mai 2011. Elle montre le président Barack Obama et son équipe de sécurité nationale dans la salle de situation de la Maison-Blanche pendant le raid sur le complexe d’Oussama ben Laden au Pakistan.

La photo est rapidement devenue une image emblématique de la présidence Obama et a été largement saluée pour sa composition et sa qualité. Elle a été qualifiée de « l’une des photographies les plus influentes du 21e siècle »

Photographe célèbre

N°19 – Dovima et les éléphants (1955) – Photographe célèbre : Richard Avedon 

Dovima et les éléphants est une photographie mondialement connue prise par Richard Avedon en 1955. Elle montre le mannequin français Dovima posant avec des éléphants devant le cirque d’Hiver à Paris. La photo a été prise pour une robe de soirée parue dans Harper’s Bazaar et a rapidement fait l’objet d’une publication dans le magazine Life. Elle est devenue depuis l’une des images les plus emblématiques de l’histoire de la mode.

Photographe célèbre

N°18 – L. Brejnev et E. Honecker (1979) – Photographe célèbre : Régis Bossu

Cette photo, prise par le photographe français Régis Bossu, capture le moment où le dirigeant soviétique Leonid Brejnev et le président est-allemand Erich Honecker se sont embrassés avec passion.

Cette image, considérée comme un symbole de la relation étroite entre les deux pays à l’époque, est devenue l’une des photos les plus célèbres de l’époque de la guerre froide.

Photographe célèbre

N°17 – Mohammed Ali vs. Sonny Liston – (1955) Photographe célèbre : Neil Leifer

La photo de Muhammad Ali se tenant au-dessus de Sonny Liston est l’une des images les plus emblématiques de l’histoire du sport. Elle capture le moment où Ali, alors connu sous le nom de Cassius Clay, est devenu le champion du monde des poids lourds.

La photo a été prise par Neil Leifer, qui est largement considéré comme l’un des plus grands photographes sportifs de tous les temps.

Photographe célèbre

N°16 –  Mère migrante (1936) – Photographe célèbre : Dorothea Lange

Un cliché devenu symbole de la Grande Dépression puis érigé en porte-drapeau des réfugiés.

L’une des photographies les plus emblématiques du XXe siècle, « Migrant Mother », a été prise par Dorothea Lange en 1936. Elle montre une mère et ses enfants serrés l’un contre l’autre dans une tentative désespérée de se réchauffer. La photo capture le désespoir et l’espoir que de nombreux Américains ressentaient pendant la Grande Dépression.

Photographe célèbre

N°15 – Napalm Girl (1972) Photographe célèbre : Nick Ut

Cette illustration de l’horreur de la guerre du Vietnam, qui participa à la prise de conscience de l’opinion publique.

La photo de la « fille du napalm » est l’une des images les plus célèbres et les plus emblématiques de la guerre du Viêt Nam. Elle a été prise par le photographe Nick Ut de l’Associated Press en 1972 et montre une jeune fille, Phan Thi Kim Phuc, courant nue sur une route après avoir été gravement brûlée au napalm.

La photo a provoqué un tollé international contre l’utilisation de telles armes et a contribué à retourner l’opinion publique contre la guerre.

N°14 – Mickael Jordan (1984) – Co Rentmeester

Cette photo célèbre de Michael Jordan a été prise par Co Rentmeester en 1984 pour le magazine Life. Elle est devenue depuis l’une des images les plus emblématiques de l’histoire du sport.

Jordan est représenté en plein vol, sur le point de smasher un ballon de basket. Son expression est intense et concentrée, traduisant la force et la détermination qui ont fait de lui l’un des plus grands joueurs de tous les temps.

Cette photo capture parfaitement ses incroyables qualités athlétiques et sa volonté de gagner.

Photographe célèbre

N°13 – The Pillow Fight (1964) – Harry Benson

Image fraternelle du groupe The BEATLES célébrant son succès.

La bataille d’oreillers a été prise par Harry Benson en 1964 et est l’une des photographies les plus emblématiques du 20e siècle.

Elle capture un moment de légèreté au plus fort des tensions de la guerre froide entre les États-Unis et l’Union soviétique. La photo a été saluée pour sa composition et son humour, et est devenue un symbole durable de paix et d’amitié.

Photographe célèbre

N°12 – Derrière la gare Saint Lazare (1932) – Photographe célèbre : Henri Cartier Bresson

La photo « Derrière la gare Saint Lazare » d’Henri Cartier Bresson est l’une des plus célèbres au monde. L’image capture un moment de chaos et de confusion alors que les gens se bousculent pour monter dans un train.

La photo est remarquable pour sa composition et son utilisation de l’ombre et de la lumière. Il s’agit d’une image emblématique qui en est venue à symboliser la condition humaine.

Un superbe jeu de reflets capturé en monochrome.

Photographe célèbre

N°11 – L’afghane aux yeux verts (1984) – Photographe célèbre : Steeve Mc Curry

Cette photo, prise par le photographe de renommée mondiale Steve McCurry, est l’une des images les plus emblématiques et célèbres du XXe siècle.

La femme sur la photo, connue uniquement sous le nom de Sharbat Gula, vivait dans un camp de réfugiés au Pakistan au moment où elle a été prise. Ses yeux verts perçants et ses traits frappants ont captivé les téléspectateurs du monde entier et ont contribué à humaniser le sort des réfugiés afghans.

La photo a été réimprimée d’innombrables fois et en est venue à symboliser à la fois la force et la résilience du peuple afghan.

Photographe célèbre

N°10 – Guerillero Heroico (1960) – Photographe célèbre : Alberto Korda

La photographie d’Alberto Korda du leader révolutionnaire cubain Ernesto « Che » Guevara est devenue l’une des images les plus emblématiques et célèbres du XXe siècle. Prise en 1960, elle montre Guevara lors d’une cérémonie à la mémoire des victimes de l’explosion de La Coubre. La photo capturant la compassion et le regard intense de Guevara a été largement reproduite et adaptée, ce qui en fait l’un des portraits  les plus reconnaissables de l’histoire.

N°9 – Le monstre du Loch Ness (1934) – Photographe inconnu

Le monstre du Loch Ness est l’une des photographies les plus célèbres au monde. L’image a été prise en 1934 par un photographe inconnu et est depuis devenue une icône.

La photo montre une longue créature ressemblant à un serpent émergeant de l’eau. Si beaucoup de gens pensent que cette photo est la preuve de l’existence du monstre du Loch Ness, d’autres pensent qu’il s’agit d’un canular. Quelle que soit votre opinion, cette photo est fascinante et a captivé l’imagination des gens du monde entier pendant des décennies.

Photographe célèbre

N°8 – Le baiser de l’hôtel de ville (1950) Robert Doisneau 

La photographie de Doisneau « Le baiser à l’hôtel de ville » est l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle. La photo montre deux amoureux s’embrassant devant l’hôtel de ville de Paris. L’image est simple, mais incroyablement puissante et en est venue à symboliser le romantisme et la beauté de Paris.

Doisneau a pris la photo à l’insu des sujets et ce n’est qu’après sa publication qu’ils se sont présentés et se sont identifiés comme étant Françoise Girard et Jacques Carteaud.

Une image incontournable mise en scène pour le magazine Life.

Photographe célèbre

N°7 – L’Homme marchant sur la lune (1969) Neil Armstrong

première personne à marcher sur la lune. « C’est un petit pas pour l’homme, un grand pas pour l’humanité. »}

En 1969, Neil Armstrong est entré dans l’histoire en devenant la première personne à marcher sur la lune. Ses célèbres mots, « C’est un petit pas pour l’homme, un bond de géant pour l’humanité », sont devenus un élément emblématique de la mission Apollo 11. Cette photo capture un moment qui restera à jamais gravé dans les mémoires et témoigne de l’esprit humain d’exploration.

N°6 – Black Power Salute (1968) John Dominis 

Le « Black Power Salute » est l’une des images les plus emblématiques du 20e siècle.

Elle a été prise par John Dominis lors des Jeux olympiques d’été de 1968 à Mexico et montre deux athlètes noirs, Tommie Smith et John Carlos, faisant un salut le poing levé pendant la cérémonie de remise des médailles. Cette photo est rapidement devenue un symbole du mouvement Black Power et reste un élément important de l’histoire des droits civiques.

Photographe célèbre

N°5 – Déjeuner au sommet d’un gratte-ciel (1932) – photographe inconnu

Le déjeuner au sommet d’un gratte-ciel est l’une des photographies les plus célèbres de tous les temps. L’image montre des ouvriers en train de faire une pause sur une poutre en acier au-dessus de la ville de New York.

Elle rappelle le dur labeur et le dévouement qui ont permis de construire certaines des structures les plus emblématiques du monde.

Cette photographie est devenue une icône de l’industrie et de l’ingéniosité américaines et continue d’étonner les spectateurs près de 90 ans après avoir été prise. 

Photographe célèbre

N°4 – (1963) – Robert H Jackson

Le photographe reçu le prix Pulitzer pour cette photo de l’assassinat de Lee Harvey Oswald, meurtrier présumé de JFK, par Jack Ruby.

N°3 – Albert Einstein (1951) – Arthur Sasse

La photographie d’Albert Einstein tirant la langue a été prise en 1951 par Arthur Sasse.

Il s’agissait à l’origine d’un portrait humoristique, mais il est devenu depuis l’une des images les plus emblématiques du XXe siècle. Cette photo est un excellent exemple de la personnalité enjouée d’Einstein et de son sens de l’humour.

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N°2–  Marilyn Monroe (1955) Sam Shaw

Marilyn Monroe est l’une des figures les plus emblématiques de l’histoire américaine. Son image a été reproduite d’innombrables fois et son visage est instantanément reconnaissable par les gens du monde entier. Cette photographie, prise par Sam Shaw en 1955, capture sa beauté légendaire et son sex-appeal. C’est l’une des photographies les plus célèbres de tous les temps et elle continue d’envoûter les spectateurs aujourd’hui encore.

Une image de légende prise dans les rues de New York pour clôturer le tournage de 7 ans de réflexion.

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N°1 – L’Homme de la place Tian’anmen (1989) – Jeff Widener

L’homme de la place Tiananmen est l’une des images les plus emblématiques du XXe siècle. Elle a été prise lors des manifestations de la place Tiananmen à Pékin, en Chine, en 1989, et montre un homme seul tenant tête à une ligne de chars.

La photo est rapidement devenue virale et a fini par symboliser le pouvoir de la résistance pacifique. Jeff Widener, le photographe qui a pris cette image, a déclaré qu’elle avait « changé sa vie du jour au lendemain.

En conclusion, les 25 photographies les plus célèbres du monde sont véritablement emblématiques. Elles ont été prises par certains des plus grands photographes de tous les temps et capturent des histoires étonnantes, des moments cruciaux de l’histoire et des émotions fortes. Que vous soyez un passionné de photographie ou que vous cherchiez simplement un peu d’inspiration, ces photos vous laisseront certainement une impression durable.

icône, reconnaissance et inspiration sont les mots qui viennent à l’esprit après avoir vu ces 25 célèbres photographies du monde entier. Ces images pittoresques nous offrent une fenêtre sur d’autres cultures et d’autres moments de l’histoire que nous n’avons peut-être jamais vus auparavant. Toutes plus belles les unes que les autres, elles méritent toutes notre attention et notre admiration.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Hellfest La bible

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 27/02/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

I. Introduction : Présentation du livre « Hellfest, la bible »

Le livre « Hellfest, la bible » est un ouvrage qui retrace l’histoire et l’ambiance du festival de musique Hellfest, qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Écrit par les fondateurs du festival, Benjamin Barbaud et Yoann Le Nevé, ainsi que par le journaliste Guillaume Fleury, cet ouvrage est considéré comme la référence ultime sur le Hellfest.

Publié en 2021, à l’occasion des 15 ans du festival, « Hellfest, la bible » offre une plongée immersive dans l’univers unique du Hellfest. Le livre est illustré de nombreuses photographies et propose également des témoignages de membres de l’équipe, d’artistes et de festivaliers.

Au-delà de sa dimension événementielle, le Hellfest est devenu une véritable institution dans la scène musicale française et internationale, avec une programmation qui attire chaque année des milliers de fans de metal et de hard rock. Le livre « Hellfest, la bible » permet ainsi de mieux comprendre l’impact de ce festival sur la culture musicale contemporaine, ainsi que sur la ville de Clisson et ses habitants.

Contexte de publication et d’écriture du livre Hellfest La bible

Le livre « Hellfest la Bible » a été publié en 2016 en France. Il a été écrit par l’équipe organisatrice du festival de musique metal Hellfest, qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Le livre a été publié par les Éditions Huginn & Muninn, une maison d’édition spécialisée dans les ouvrages de référence sur la pop culture.

L’écriture du livre a été motivée par le désir de l’équipe du Hellfest de documenter l’histoire du festival, qui avait alors dix ans d’existence. Le livre rassemble des interviews des membres de l’équipe organisatrice, des anecdotes sur les coulisses du festival, des photos et des informations sur les groupes de musique qui ont joué lors des différentes éditions du Hellfest.

Le livre a été publié à l’occasion de la dixième édition du Hellfest, qui s’est déroulée en juin 2016. Il a été largement salué par les fans de musique metal et les amateurs de festivals, qui ont apprécié de découvrir les secrets et les coulisses du Hellfest, l’un des événements musicaux les plus populaires en France

II. Le Hellfest la bible : présentation et histoire

Le Hellfest est un festival de musique metal qui se déroule chaque année à Clisson, dans l’ouest de la France. Créé en 2006 par une équipe de passionnés de musique, le Hellfest est rapidement devenu l’un des événements les plus populaires de la scène metal européenne.

Le festival se déroule sur trois jours et propose une programmation riche et variée, avec des groupes de metal, de hard rock, de punk et de hardcore. Parmi les artistes qui ont joué au Hellfest au fil des années, on peut citer Iron Maiden, Metallica, Slayer, Motörhead, Black Sabbath, Kiss, Guns N’ Roses, Deep Purple, Judas Priest, AC/DC, Marilyn Manson, System of a Down et bien d’autres.

Le Hellfest se distingue également par son ambiance particulière, qui allie convivialité et décontraction à une passion commune pour la musique metal. Le festival accueille chaque année des milliers de fans de toute l’Europe et même au-delà, qui viennent camper sur place pour profiter pleinement de l’ambiance unique du Hellfest.

Au fil des années, le Hellfest est devenu l’un des événements majeurs de la scène metal mondiale, attirant des fans de musique de tous âges et de tous horizons. Le festival a également été salué pour son engagement en faveur de l’environnement et de la durabilité, avec des initiatives telles que la mise en place de tri sélectif et l’utilisation de vaisselle compostable.

du livre Hellfest La bible

III. Les coulisses du Hellfest

Les coulisses du Hellfest sont un aspect fascinant de cet événement musical. En effet, l’organisation d’un festival de cette envergure nécessite une logistique complexe et une équipe de professionnels dévoués.

Tout d’abord, la programmation du Hellfest est élaborée plusieurs mois à l’avance, avec la recherche et la sélection de groupes de musique en fonction de leurs disponibilités et de leurs affinités avec le public du festival. Cette tâche est confiée à une équipe de programmateurs expérimentés qui connaissent bien la scène metal et les attentes des fans.

Ensuite, l’organisation du festival en elle-même nécessite une coordination minutieuse entre différents services : sécurité, logistique, restauration, billetterie, communication, etc. L’équipe du Hellfest est composée de professionnels aguerris qui ont l’habitude de travailler sur des événements de grande envergure.

Pendant les trois jours du festival, les coulisses du Hellfest sont un véritable tourbillon d’activité. Les techniciens son et lumière travaillent sans relâche pour assurer le bon déroulement des concerts, tandis que les équipes de sécurité et de secours veillent à la sécurité des festivaliers.

Enfin, l’organisation du Hellfest implique également une gestion rigoureuse des déchets et de l’environnement. Le festival a mis en place des initiatives telles que le tri sélectif, la récupération de l’eau de pluie et l’utilisation de vaisselle compostable pour réduire son impact environnemental.

Au final, les coulisses du Hellfest sont un univers passionnant où l’effervescence de la musique et la rigueur de l’organisation se conjuguent pour offrir aux festivaliers une expérience unique et inoubliable.

Hellfest La bible

IV. La programmation du Hellfest

Le Hellfest est connu pour sa programmation riche et variée, qui met en avant les grandes stars du metal et les groupes émergents de la scène underground. Au fil des années, le festival a accueilli des artistes légendaires ainsi que des découvertes prometteuses, offrant aux fans de musique metal une expérience inoubliable.

Voici un aperçu de la programmation de quelques éditions marquantes du Hellfest :

• Hellfest 2019 : Cette édition du festival a été marquée par la présence de groupes tels que Slayer, Kiss, Tool, Def Leppard, Slash, Rob Zombie, ZZ Top et bien d’autres. Les concerts de Slayer et Kiss ont été particulièrement mémorables, avec des performances énergiques et explosives qui ont conquis le public.
• Hellfest 2016 : Pour célébrer les dix ans du festival, l’équipe du Hellfest avait concocté une programmation de choix, avec des groupes tels que Black Sabbath, Rammstein, Iron Maiden, Twisted Sister, Megadeth et bien d’autres. Le concert de Black Sabbath, qui marquait leur dernière tournée mondiale, a été un moment émouvant pour les fans de metal.
• Hellfest 2013 : Cette édition du festival a été marquée par la présence de groupes tels que Kiss, Korn, Motörhead, Stone Sour, ZZ Top et bien d’autres. Le concert de Kiss a été un moment inoubliable pour les fans, avec une mise en scène spectaculaire et des tubes légendaires interprétés en live.

Au fil des années, la programmation du Hellfest a évolué pour refléter les tendances de la scène metal et les attentes du public. Le festival a ainsi accueilli des groupes de tous horizons, du death metal au punk rock en passant par le heavy metal et le thrash. Le Hellfest a également fait la part belle aux groupes français et européens, offrant ainsi une plateforme de choix aux talents locaux.

V. La communauté du Hellfest

La communauté du Hellfest est un aspect important de cet événement musical. Les festivaliers sont passionnés de musique metal et viennent de toute l’Europe pour assister à ce festival de renommée internationale.

Les festivaliers du Hellfest sont connus pour leur esprit de camaraderie et leur passion pour la musique. Beaucoup d’entre eux sont des habitués du festival et reviennent chaque année pour retrouver leurs amis et profiter de la programmation riche et variée. Les festivaliers sont souvent vêtus de t-shirts de groupes de musique, de vestes en cuir et de bottes, créant ainsi une atmosphère conviviale et festive.

Le Hellfest a également un impact significatif sur la ville de Clisson et la région. Pendant les trois jours du festival, des milliers de festivaliers envahissent la ville, créant une ambiance de fête et stimulant l’économie locale. De nombreux commerces et restaurants bénéficient de cette affluence et proposent des offres spéciales pour les festivaliers.

Le Hellfest attire différents types de public, chacun ayant sa propre perception de l’événement. Certains festivaliers sont des puristes du metal et ne jurent que par les groupes les plus extrêmes de la scène underground, tandis que d’autres viennent plutôt pour découvrir de nouveaux artistes et profiter de l’ambiance festive.

Le festival attire également des familles avec enfants, grâce à la mise en place d’activités et d’espaces dédiés pour les plus jeunes. Enfin, certains festivaliers viennent simplement pour profiter de l’ambiance conviviale et festive du festival, sans forcément être de grands fans de musique metal.

En conclusion, la communauté du Hellfest est un aspect essentiel de cet événement musical. Les festivaliers sont passionnés de musique metal et viennent de toute l’Europe pour assister à ce festival de renommée internationale. Le festival a un impact significatif sur la ville de Clisson et la région, créant une ambiance de fête et stimulant l’économie locale. Le Hellfest attire différents types de public, chacun ayant sa propre perception de l’événement.

CARACTÉRISTIQUES du livre Hellfest la bible.

Auteur du livre Hellfest La bible : Philippe Lageat,  Vanessa Girth, Baptiste Brelet, 

Editeur du livre Hellfest La bible : Point Barre
Date de parution du livre Hellfest La bible  : 08/11/2022
EAN du livre Hellfest La bible : 9782957834211
Format du livre Hellfest La bible: 28cm x 32cm
Poids du livre Hellfest La bible : 4,5000kg
ISBN du livre Hellfest La bible : 2957834219
Illustration : Photos couleur
Nombre de pages du livre Hellfest La bible : 592
SKU du livre Hellfest La bible : 5163871

Hellfest la bible

Combien de temps dure un concert

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 17/02/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Combien de temps dure un concert ? Les concerts sont des événements musicaux qui attirent des millions de fans à travers le monde chaque année. La durée d’un concert varie considérablement selon plusieurs facteurs, tels que le genre musical, l’artiste, la salle de concert et le type d’événement.

 

Combien de temps dure un concert ?

Les concerts de musique populaire, rock, hip-hop, R&B et électro durent généralement entre 1 heure et 2 heures, avec quelques exceptions notables. Les artistes tels que Bruce Springsteen et les Rolling Stones ont été connus pour jouer pendant plus de trois heures lors de leurs concerts.

En revanche, les concerts de musique classique peuvent être beaucoup plus longs, avec des représentations allant de 2 à 3 heures, voire plus. Les opéras et les ballets, par exemple, peuvent durer plusieurs heures.

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

La durée des festivals peut également varier considérablement. Certains festivals peuvent durer plusieurs jours, avec des concerts se déroulant sur plusieurs scènes simultanément. Dans ce cas, chaque artiste jouera généralement pendant une heure environ.

Les horaires de fermeture des salles de concert peuvent également influencer la durée d’un concert. Certaines salles de concert ont des horaires stricts, ce qui signifie que les concerts doivent se terminer avant une certaine heure. Les concerts en plein air peuvent également être programmés pour se terminer avant la tombée de la nuit.

Enfin, il est important de considérer la nature de l’artiste et de son spectacle lorsqu’on évalue la durée d’un concert. Les spectacles acoustiques peuvent être plus courts que les concerts avec un grand spectacle visuel et pyrotechnique, qui peuvent nécessiter plus de temps pour la mise en place et le démontage.

En somme, la durée d’un concert dépend de nombreux facteurs différents, tels que le genre musical, l’artiste, la salle de concert et le type d’événement. Les fans peuvent trouver des informations sur la durée prévue d’un concert avant d’acheter leurs billets et prévoir leur soirée en conséquence.

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

Combien de temps dure un concert ?  La durée des concerts au fil du temps

Au fil des années, la durée moyenne des concerts a connu des évolutions significatives. Dans les années 60 et 70, les concerts de rock duraient souvent plusieurs heures, avec des performances étendues et des improvisations. Cependant, au fil du temps, la durée des concerts a tendance à se raccourcir.

Au début des années 2000, la durée moyenne des concerts était d’environ 1h30 à 2 heures. Aujourd’hui, les concerts ont tendance à durer entre 1 heure et 1h30, avec quelques exceptions notables pour les artistes les plus populaires.

Plusieurs raisons peuvent expliquer cette tendance à la réduction de la durée des concerts. Tout d’abord, les coûts de production des spectacles ont augmenté, ce qui signifie que les artistes doivent jouer plus de concerts pour rentabiliser les coûts.

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

Les spécificités des salles de concert : Présentation des horaires de fermeture des salles de concert.

Les salles de concert sont des espaces dédiés à la musique live, où les artistes se produisent devant un public. Elles présentent des spécificités en termes d’horaires de fermeture et d’impact sur la durée des concerts, ainsi que d’autres critères qui peuvent influencer la durée des concerts.

En ce qui concerne les horaires de fermeture des salles de concert, ils sont souvent fixés par les autorités locales en fonction des lois et des règlements en vigueur. Les horaires peuvent varier en fonction de la taille de la ville et de la densité de la population, ainsi que de la proximité des habitations. Dans certains cas, les horaires peuvent être prolongés ou réduits en fonction de la situation ou des événements en cours.

Ces horaires ont un impact direct sur la durée des concerts en salle. En général, les concerts en salle débutent en début de soirée et se terminent avant minuit, afin de respecter les horaires de fermeture. Cependant, certains concerts peuvent se prolonger au-delà de cette heure, notamment les concerts d’artistes populaires ou les festivals de musique, qui peuvent être autorisés à continuer jusqu’à une heure plus tardive.

 

Combien de temps dure un concert ? – Combien de temps dure un concert 

 

La durée d’un concert en salle dépend également de plusieurs autres facteurs, notamment la taille de la salle et le nombre de spectateurs. En général, les concerts dans des salles plus grandes peuvent être plus longs que ceux dans des salles plus petites, car ils offrent plus d’espace pour les spectateurs et les artistes. De même, le nombre de spectateurs peut influencer la durée du concert, car les artistes peuvent ajuster leur performance en fonction de l’ambiance et de l’énergie de la foule.

D’autres critères peuvent également influencer la durée d’un concert en salle, tels que la complexité de la production, la programmation d’autres événements dans la salle, ou la disponibilité des artistes. Les organisateurs de concerts et les artistes peuvent également planifier la durée du concert en fonction de l’âge et de la composition du public, afin de s’assurer que le spectacle soit adapté aux attentes et aux besoins de l’audience.

En résumé, les horaires de fermeture des salles de concert ont un impact sur la durée des concerts en salle, qui peut varier en fonction de la taille de la salle, du nombre de spectateurs et d’autres critères tels que la complexité de la production ou la disponibilité des artistes. Les organisateurs de concerts et les artistes doivent prendre en compte ces facteurs pour offrir un spectacle adapté aux attentes de l’audience et respecter les horaires de fermeture.

 

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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