Les Arènes de Nîmes : Un chef-d’œuvre architectural du monde romain

par Eric Canto | Mis à jour le 18/10/2024 | Publié le 24/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Découvrez les Arènes de Nîmes, cet amphithéâtre romain situé dans la ville de Nîmes, dans le Gard, qui a traversé les siècles et continue d’émerveiller par son architecture et son histoire. Dans cet article, nous vous invitons à explorer ce monument emblématique, ses origines, sa construction et son utilisation au fil des siècles.

Origines et construction des Arènes de Nîmes

Construites durant le Ier siècle après J.C, les Arènes de Nîmes témoignent de la grandeur et de l’influence du monde romain. À l’époque, la ville de Nîmes faisait partie de la province romaine de Gaule Narbonnaise et était un important centre commercial et culturel. La construction de cet amphithéâtre s’inscrit dans le développement urbain de la ville, marqué également par la présence d’autres monuments romains tels que la Maison Carrée ou encore la Tour Magne.

Architecture et dimensions des Arènes de Nîmes

L’amphithéâtre de Nîmes est considéré comme l’un des mieux conservés au monde. Il mesure 133 mètres de longueur, 101 mètres de largeur et possède une hauteur maximale de 21 mètres. De forme ovale, il pouvait accueillir environ 24 000 spectateurs répartis sur deux niveaux de gradins. Les Arènes de Nîmes sont composées de pierres calcaires locales et ont été conçues avec un système de voûtes et d’arcs qui assurent la stabilité et la solidité de l’ensemble.

Dans le souci du détail caractéristique de l’architecture romaine, les façades des Arènes sont ornées de sculptures et de bas-reliefs représentant notamment Neptune et Typhon, divinités marines dans la mythologie romaine. Leur disposition est organisée selon les ordres architecturaux dorique, ionique et corinthien, symboles de raffinement et d’harmonie.

Les Arènes de Nîmes à travers les siècles

L’utilisation des Arènes de Nîmes a évolué au fil des siècles en fonction des besoins et des influences culturelles successives. Découvrons quelques-unes des étapes importantes de cette histoire mouvementée.

Fonction originelle : amphithéâtre romain et spectacles antiques

À l’époque romaine, les Arènes de Nîmes avaient pour principale fonction d’accueillir des spectacles publics, tels que les combats de gladiateurs, les courses de chars ou encore des représentations théâtrales. Ces divertissements étaient organisés pour distraire et impressionner la population locale, mais aussi pour témoigner de la puissance et de la prospérité du monde romain.

Moyen Âge et Renaissance : forteresse et habitat

Au Moyen Âge, les Arènes de Nîmes ont été réutilisées comme forteresse par les seigneurs locaux pour protéger la population lors des conflits et des invasions barbares. Des tours fortifiées ont été ajoutées aux quatre angles de l’édifice afin d’assurer sa défense. À l’intérieur de l’amphithéâtre, des habitations ont été construites pour loger plus de 2 000 personnes. La vie quotidienne s’est alors organisée autour des commerces, des ateliers et des lieux de culte qui ont vu le jour au sein même des Arènes.

Cette période sombre a cependant entraîné une profonde dégradation du monument, qui sera progressivement abandonné dès le XVIe siècle avec la Renaissance et le rétablissement de l’autorité royale.

XIXe siècle : restauration et préservation du patrimoine

L’intérêt pour les vestiges du monde romain renaît au XIXe siècle, à l’image de l’écrivain français Victor Hugo qui célèbre la beauté des Arènes de Nîmes dans son ouvrage « Les Voix intérieures ». Les autorités françaises décident alors de lancer des travaux de restauration et de mise en valeur du monument. La première étape consiste à démanteler les habitations et les structures médiévales qui défiguraient l’architecture originelle des Arènes. Puis, des campagnes de fouilles archéologiques sont menées et several projets de restauration sont entrepris pour redonner leur magnificence aux Arènes de Nîmes.

Les Arènes de Nîmes aujourd’hui : entre histoire et spectacle

Actuellement, les Arènes de Nîmes témoignent de leur passé prestigieux tout en continuant d’accueillir des événements divers, faisant ainsi le lien entre l’histoire romaine et notre époque moderne. Parmi les manifestations les plus connues ayant lieu dans cet amphithéâtre, citons notamment :

• La Feria de Nîmes, célèbre fête taurine locale qui se déroule chaque année pendant la Pentecôte et la récolte du vin;
• Des corridas traditionnelles, perpétuant ainsi la dimension spectaculaire et combative des Arènes;
• Des concerts et festivals, comme les « Nuits Musicales » ou encore les « Grands Jeux Romains », reconstituions historiques mettant à l’honneur la culture antique;
• Des expositions temporaires et autres animations autour de l’histoire et de l’archéologie.

Ainsi, grâce aux efforts de préservation et de valorisation, les Arènes de Nîmes demeurent un témoin vibrant du patrimoine architectural et culturel du monde romain, permettant aux visiteurs du monde entier de plonger dans l’univers fascinant de cette période riche en découvertes et en émotions.

EN SAVOIR PLUS…La fascinante histoire des Arènes de Nîmes

Situées dans la ville française de Nîmes, dans le département du Gard, les Arènes de Nîmes sont un amphithéâtre romain édifié au I^er siècle après J.-C. Elles comptent parmi les mieux conservées au monde et témoignent encore aujourd’hui de l’incroyable ingéniosité des architectes de l’époque.

Un héritage architectural impressionnant

Bâties en 70 après J.-C., les Arènes de Nîmes étaient conçues pour accueillir entre 20 000 et 24 000 spectateurs lors de divers spectacles offerts aux habitants de la cité romaine. Grâce à leurs deux niveaux, soit 60 arcades chacun, elles mesurent 133 mètres de longueur pour 100 mètres de largeur. Il s’agit du monument public le plus grand de la ville, suivi de près par la Maison Carrée.

L’amphithéâtre romain

L’amphithéâtre ressemble fortement au Colisée de Rome. Il possède une arène elliptique entourée de gradins dont l’accès était réglementé selon la classe sociale du spectateur. L’arène centrale mesure 69 mètres de long sur 38 mètres de large et servait originellement aux combats de gladiateurs, aux courses de chars et aux chasses d’animaux sauvages. Ces spectacles étaient en effet très prisés par l’élite de l’époque.

La particularité des Arènes de Nîmes

Comme la plupart des amphithéâtres romains, les Arènes de Nîmes étaient dotées de dispositifs ingénieux pour optimiser tant le confort que l’acoustique. Parmi ces innovations : un système de galeries souterraines qui permettait une circulation fluide des spectateurs et des participants aux jeux de surface, ainsi qu’un mécanisme subterfuge composé de poulies et de cordages afin d’afficher en temps réel le déroulement des courses de chars à grand rayon d’action, ou encore les systèmes d’entrées secondaires pour faciliter la sortie des animaux sauvages au cours des représentations.

Les différentes fonctions du site au fil du temps

Au cours des siècles qui ont suivi la construction des Arènes, celles-ci sont passés successivement par différents usages :

1. En 475 après J.-C., les Arènes ont progressivement perdu leur fonction initiale due à l’interdiction du christianisme et se sont transformées en carrière ouverte ;
2. Au Moyen-Âge, elles ont servi d’hôtel fortifié, puis de base militaire à partir du XVII^e siècle pour protéger la ville contre les troupes étrangères;
3. Jusqu’au XIX^e= siècle, elles ont accueilli tournois médiévaux et fêtes foraines, avant d’être réinvesties pour leur usage originel à l’initiative de Prosper Mérimée et les premiers spectacles taurins voient le jour.
4. Depuis le XX^e siècle, elles sont utilisées également pour des événements culturels, comme des concerts ou spectacles en plein air.

La restauration et la valorisation des Arènes de Nîmes

Afin de préserver cet héritage patrimonial exceptionnel, les autorités compétentes ont entrepris dès le XIX^e siècle un travail de restauration conséquent. Des experts spécialistes dans le domaine classique sont régulièrement sollicités pour mener cette démarche dans le respect des règles de l’art.

Le programme de restauration actuel

Les travaux de restauration actuels ont débuté en 2010 et doivent s’étendre sur plusieurs années encore. Le périmètre couvert par ces interventions englobe :

• La consolidation et la rénovation des façades extérieures;
• Le remplacement total ou partiel de certaines pierres abimées;
• Le nettoyage des surfaces par des techniques douces pour préserver la patine du temps;
• La mise en valeur de l’amphithéâtre lui-même, ainsi que de ses annexes (tour médiévale, église Saint-Alexandre, etc.), grâce à des dispositifs muséographiques et d’expositions temporaires.

Les événements organisés aux Arènes de Nîmes

Le caractère unique et le patrimoine exceptionnel qui entoure les Arènes de Nîmes en font également un lieu prisé pour l’organisation d’événements culturels dans la ville. Parmi ceux-ci :

• Festival de Nîmes : une série de concerts souvent attendus avec impatience par les amateurs de musique française et internationale;
• Les Grands Jeux Romains : cette importante reconstitution historique rassemble chaque année des milliers de participants venus du monde entier pour revivre les combats de gladiateurs ou les courses de chars rendues célèbres à travers le monde;
• Expositions temporaires : sur des thèmes liés à l’histoire romaine, elles offrent au public l’occasion de découvrir des objets et documents rares prêtés par plusieurs musées nationaux ou étrangers.

L’impact économique et touristique des Arènes de Nîmes

La visite des prestigieuses Arènes constitue une étape incontournable lors d’un séjour touristique dans le sud de la France, notamment en Languedoc-Roussillon. Classées monument historique depuis 1840, elles attirent chaque année près d’un million de visiteurs et génèrent ainsi d’importantes retombées économiques pour la ville et ses alentours, contribuant grandement à la dynamisation de la région.

Les Arènes de Nîmes

C’est dans ce lieu magique, empreint d’histoire, que de nombreux artistes et groupes prennent plaisir à venir se produire pour des spectacles culturels et festifs où se pressent un public local et international, notamment lors d’un festival bien connu le Festival de Nîmes. 

Où se situent les Arènes de Nîmes ?

Joyau de la Romanité, cet amphithéâtre est situé au cœur de la commune de Nîmes ou Nemausus, citée prospère sous l’Empire Romain, aujourd’hui préfecture du département du Gard, en Occitanie, dans le sud de la France. Nîmes, avant-poste important au temps de l’Empire romain, est connue pour ses monuments bien conservés, comme la Maison Carrée, La Tour Magne ou encore le Temple de Diane.

Cet amphithéâtre conçu pour le spectacle et communément appelé « Arènes de Nîmes » ; de part son origine latine « arena » qui signifie aire de sable où se déroulent les courses ;  fait partie des plus grands amphithéâtres de la Gaule Romaine les mieux conservés du monde antique.  

Qui a construit les Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes, pensées sur le modèle du Colisée à Rome, ont été construites vers 100 après J.C sous le règne de l’Empereur Auguste. Toujours en usage pour des concerts, des représentations théâtrales, des manifestations sportives et des corridas pendant les férias, cet édifice a été bâti à l’époque romaine pour accueillir des spectacles de gladiateurs qui aujourd’hui revivent au travers de ludi (jeux du cirque) reconstitués chaque année, fin avril, lors des Grands Jeux Romains.

Cette ellipse mesure 133 mètres de long sur 101 mètres de large. Les Arènes de Nîmes possèdent une piste centrale ovale de 68 mètres de long sur 38 mètres de large. La corniche sommitale est située à 21 mètres de haut. Sa forme permet donc d’éviter tout angle mort quelque soit la place occupée et d’avoir une vue incroyable de l’ensemble, en plein air.

Réparties sur 2 étages, 120 arcades sont séparées par 60 colonnes surmontées de blocs en saillie, percés et destinés à recevoir un mat afin d’y tendre des câbles soutenant un Velum (voile immense) protégeant les spectateurs du soleil. 

A l’intérieur des Arènes de Nîmes, le système de galeries et d’escaliers, appelés « vomitoires », a été pensé pour éviter les bousculades et faciliter la circulation. Le système architectural permet ainsi de vider l’édifice en un temps record et en toute sécurité.

Combien de places aux Arènes de Nîmes ?

A l’époque Romaine, les Arènes de Nîmes pouvaient accueillir 24 000 spectateurs, sur 34 rangées de gradins réparties en 4 zones. Chaque zone était réservée à une catégorie sociale. Les plus hauts placés socialement étaient placés le plus bas dans les arènes, c’est-à-dire au plus prés du spectacle.

Aujourd’hui la capacité d’accueil a été réduite puisque des rangées de gradins ont été détruites. Les Arènes de Nîmes peuvent accueillir près de 13 800 spectateurs en position assise. 

Quelles sont les meilleures places aux Arènes de Nîmes ?

Quelque soit votre emplacement, la vue sera magnifique, mais plus vous serez placés dans le bas des gradins, plus vous serez proches de(s) artiste(s). En définitive, ceux qui souhaitent profiter du concert en étant à quelques mètres de la scène, avec un certain confort, optez pour la catégorie 1 ou  carrément le carré Or.

Pour ceux qui veulent vivre une expérience plus intense, au cœur de l’ambiance, assez proches de la scène, et emportés par la foule, optez pour la fosse c’est-à-dire débout (catégorie 3). Attention pour certains spectacles, les places assises occupent la fosse. Dans ce cas vous aurez accès à 2 catégories en fosse : carrée or (tout devant) ou catégorie 1.

Si vos moyens sont plus limités et que vous ne souhaitez pas vous mêler à l’euphorie de la fosse, choisissez une vos places dites « en général » avec placement libre ou en catégorie 2 (places choisies). Elles seront situées aux points les plus hauts. 

Enfin, à éviter si vous ne voulez pas louper une miette du show et que vous êtes sensibles aux ondes sonores, la catégorie 4. Ces places sont en fait des sièges situés sur le côté de la scène, à la même hauteur que les places en catégorie 1. Vous serez certes bien placés mais la visibilité ne sera pas optimisée. Et équipez vous de bouchons d’oreille ou d’un casque car niveau décibels vous serez servis.

Peut on visiter les Arènes de Nîmes ?

Même si les Arènes de Nîmes sont classées aux monuments historiques, elles ne sont pas inscrites au patrimoine mondial de l’Unesco. Depuis qu’Edeis a repris la gestion en 2021 en délégation de service public, une nouvelle visite est proposée aux touristes avec un audio-guide en sept langues, des panneaux pédagogiques ainsi que des espaces muséographiques. 

Il est donc possible grâce aux nouvelles technologies et à la bonne conservation du lieu, de se plonger à l’époque de nos ancêtres les romains. 

Les arènes de Nîmes sont ouvertes tous les jours sur des amplitudes horaires allant de 9h à 20h selon les saisons et les périodes de l’année. La visite des arènes n’est toutefois pas autorisée lors des fêtes, spectacles et férias. Il est facile de stationner puisque des parkings souterrains sont situés tout autour du site et dès la Gare Feuchères, située à quelques dizaines de mètres de l’édifice.

Le festival de Nîmes: le festival des  les Arènes de Nîmes

Le Festival de Nîmes est un événement annuel de musique qui se déroule dans la ville de Nîmes, dans le sud de la France. Depuis sa création en 1997, il est devenu l’un des événements musicaux les plus importants de la région, attirant des milliers de visiteurs chaque année.

Le festival se déroule chaque été, généralement en juin et juillet, dans l’amphithéâtre romain de Nîmes, qui est l’un des plus grands et des mieux préservés de l’Antiquité. L’amphithéâtre peut accueillir jusqu’à 16 000 spectateurs et offre une expérience de concert unique avec ses gradins en pierre et son acoustique exceptionnelle.

Au fil des ans, le Festival de Nîmes a accueilli de nombreux artistes de renommée internationale, tels que Bob Dylan, Sting, Elton John, Muse, Metallica, Coldplay, Depeche Mode et bien d’autres. Les concerts sont généralement organisés sur plusieurs jours et offrent une variété de styles musicaux, allant du rock et du pop au reggae, à l’électro et à la musique du monde.

Outre les concerts dans l’amphithéâtre romain, le festival propose également des spectacles dans d’autres lieux de la ville, tels que la Maison Carrée et la Tour Magne. Il y a également une foire aux vins qui propose des dégustations de vins locaux et régionaux ainsi que des produits artisanaux.

Le Festival de Nîmes est une occasion unique de découvrir la beauté de l’amphithéâtre romain tout en profitant de la musique live de certains des artistes les plus célèbres au monde. C’est un événement incontournable pour les amateurs de musique et les passionnés d’histoire et de culture romaine. Si vous envisagez de vous rendre à Nîmes pour le festival, il est recommandé de réserver vos billets et votre hébergement à l’avance car les places sont souvent limitées et se vendent rapidement.

FAQ sur les Arènes de Nîmes

1. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes ?

La capacité des Arènes de Nîmes varie en fonction des événements organisés. Lors de spectacles et concerts, l’amphithéâtre peut accueillir environ 13 000 spectateurs. Cependant, en configuration historique pour les jeux romains, la capacité des Arènes de Nîmes était estimée à environ 24 000 personnes, ce qui montre l’ampleur de cet édifice romain.

2. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes pour les concerts ?

Lors des concerts, la capacité des Arènes de Nîmes est légèrement réduite par rapport à sa capacité historique. Selon la configuration scénique et les dispositions de sécurité, l’arène peut accueillir jusqu’à 13 000 personnes, assurant une ambiance intime malgré la grandeur de l’espace.

3. Quelles sont les meilleures places aux Arènes de Nîmes ?

Les meilleures places aux Arènes de Nîmes pour assister à un concert ou un spectacle dépendent de vos préférences. Pour une vue panoramique, les places situées au sommet de l’amphithéâtre offrent une vision globale de l’arène. Si vous préférez être plus proche de l’action, les places situées au niveau des gradins inférieurs sont idéales. Les places VIP ou de catégorie supérieure, généralement situées au centre, sont aussi très prisées pour leur proximité avec la scène.

4. Combien de places y a-t-il aux Arènes de Nîmes ?

En fonction de la configuration, le nombre de places aux Arènes de Nîmes peut varier. En version concert ou spectacle moderne, la capacité est d’environ 13 000 places. En version historique, lors des spectacles de gladiateurs ou d’événements sportifs dans l’Antiquité, elle pouvait atteindre près de 24 000 places.

5. Quelle est la hauteur des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes mesurent environ 21 mètres de hauteur. Cet édifice monumental, construit au 1er siècle après J.-C., impressionne par ses proportions et la qualité de sa préservation. La structure comporte deux étages d’arcades et une série de galeries internes permettant la circulation des spectateurs.

6. Comment est organisé le plan des places pour les concerts aux Arènes de Nîmes ?

Le plan des places pour les concerts aux Arènes de Nîmes est généralement divisé en plusieurs catégories. Les places les plus proches de la scène se situent dans la zone centrale de l’arène, suivies par les gradins inférieurs, puis les gradins supérieurs. Ce système permet à chaque spectateur de bénéficier d’une excellente vue, tout en tenant compte de la configuration historique des lieux.

7. À quoi servaient les Arènes de Nîmes à l’époque romaine ?

À l’époque romaine, les Arènes de Nîmes servaient principalement à accueillir des spectacles de gladiateurs, des combats d’animaux et d’autres événements publics. Construites au 1er siècle après J.-C., elles représentaient un centre majeur de divertissement pour la population de l’époque, un peu comme les stades de football aujourd’hui.

8. Quel est le nombre de places disponibles aux Arènes de Nîmes pour les événements modernes ?

Le nombre de places disponibles aux Arènes de Nîmes pour les événements modernes, tels que des concerts, des festivals ou des spectacles, est d’environ 13 000. Cette capacité est optimisée pour garantir le confort et la sécurité des spectateurs tout en conservant l’authenticité du lieu.

9. Quel est le plan des Arènes de Nîmes pour les concerts ?

Le plan des Arènes de Nîmes lors des concerts varie en fonction de l’événement, mais il est généralement organisé en trois zones principales :

• La fosse : située directement devant la scène pour les spectateurs souhaitant être au plus près de l’action.
• Les gradins inférieurs : offrant une excellente vue sur la scène tout en étant légèrement surélevés.
• Les gradins supérieurs : idéals pour une vue d’ensemble et pour les personnes préférant une vision panoramique.

10. Quelle est l’histoire des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes, construites à la fin du 1er siècle après J.-C., sont l’un des amphithéâtres romains les mieux préservés au monde. Leur architecture est inspirée du Colisée de Rome, mais avec des dimensions plus modestes. Au fil des siècles, elles ont servi à de multiples usages, allant des spectacles de gladiateurs à la forteresse médiévale, et aujourd’hui, elles accueillent des concerts et des événements culturels majeurs.

11. Combien de places étaient disponibles dans les Arènes de Nîmes à l’époque romaine ?

À l’époque romaine, la capacité des Arènes de Nîmes était d’environ 24 000 places. L’amphithéâtre pouvait accueillir une grande partie de la population de Nîmes et des environs, pour des spectacles de gladiateurs et d’autres événements publics.

12. Comment accéder aux meilleures places dans les Arènes de Nîmes ?

Pour accéder aux meilleures places des Arènes de Nîmes, il est conseillé de réserver tôt, notamment pour les événements très populaires. Les places situées au centre de l’arène ou dans les gradins inférieurs sont généralement les plus recherchées pour leur proximité avec la scène et leur excellente vue.

13. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes en fonction des événements ?

La capacité des Arènes de Nîmes varie en fonction du type d’événement. Pour les concerts et spectacles, elle est d’environ 13 000 places, tandis qu’à l’époque romaine, elle pouvait atteindre 24 000 personnes lors des combats de gladiateurs et autres spectacles publics.

14. Pourquoi visiter les Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes sont un monument incontournable pour quiconque s’intéresse à l’histoire romaine et à l’architecture ancienne. Non seulement elles sont parfaitement conservées, mais elles continuent de vivre aujourd’hui grâce aux événements culturels qui y sont organisés. C’est un mélange parfait entre histoire et modernité, qui vous permet de marcher dans les pas des spectateurs romains tout en assistant à des concerts de légendes du rock ou de la musique classique.

15. Quelle est l’importance historique des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes représentent un témoignage exceptionnel de l’ingéniosité romaine en matière d’architecture et de divertissement public. Elles ont survécu à des millénaires d’histoire, servant à la fois de stade, de forteresse, et aujourd’hui de salle de spectacle moderne. Leur importance historique réside dans leur capacité à avoir traversé les âges tout en restant un centre de vie culturelle, faisant le lien entre le passé glorieux de la civilisation romaine et notre époque contemporaine.

THE CURE CONCERT & HiSTOIRE DEPUIS 1979

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 14/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

THE CURE concert & histoire : De tous les groupes qui ont émergé immédiatement après le punk rock à la fin des années 70, peu étaient aussi durables et populaires que The Cure.

Dirigé à travers de nombreuses incarnations par le guitariste/chanteur Robert Smith (né le 21 avril 1959), le groupe est devenu célèbre pour ses chants lents et sombres et Smith, l’apparence macabre de Cure, une image publique qui cachait souvent la diversité de la musique de The Cure.

The cure concert

Au début, The Cure jouait des chansons pop irrégulières et énervées avant d’évoluer lentement vers une tenue plus texturée. En tant que l’un des groupes qui a jeté les bases du rock gothique, le groupe a créé d’imposantes couches de guitares et de synthétiseurs, mais au moment où le goth s’est imposé au milieu des années 80, The Cure s’était éloigné du genre.

À la fin des années 80, le groupe était entré dans le courant dominant non seulement dans son Angleterre natale, mais aussi aux États-Unis et dans diverses parties de l’Europe.

The Cure est resté un attrait populaire pour les concerts et un vendeur de disques fiable tout au long des années 90, et leur influence pouvait être clairement entendue sur des dizaines de nouveaux groupes au cours du nouveau millénaire, dont beaucoup n’avaient pas grand-chose à voir avec le gothique.

Initialement appelé Easy Cure, le groupe a été formé en 1976 par des camarades de classe Smith (chant, guitare), Michael Dempsey (basse) et Laurence « Lol » Tolhurst (batterie). Initialement, le groupe s’est spécialisé dans la guitare pop sombre et nerveuse avec des paroles pseudo-littéraires, comme en témoigne le « Killing an Arab » inspiré d’ Albert Camus .

The cure concert

Une cassette démo avec « Killing an Arab » est arrivée entre les mains de Chris Parry , un représentant A&R chez Polydor Records; au moment où il a reçu la cassette, le nom du groupe avait été tronqué à The Cure.

Parry a été impressionné par la chanson et a arrangé sa sortie sur le label indépendant Small Wonder en décembre 1978.Parry a quitté Polydor pour former son propre label, Fiction, et The Cure a été l’un des premiers groupes à signer avec le label parvenu. « Killing an Arab » est ensuite réédité en février 1979, et The Cure entame sa première tournée en Angleterre.

 THE CURE : Three Imaginary Boys

Le premier album de The Cure, Three Imaginary Boys , est sorti en mai 1979 avec des critiques positives dans la presse musicale britannique. Plus tard cette année-là, le groupe a sorti les singles non LP « Boys Don’t Cry » et « Jumping Someone Else’s Train ».

Cette même année, The Cure se lance dans une grande tournée avec Siouxsie and the Banshees . Pendant la tournée, le guitariste des Banshees , John McKay , quitte le groupe, et Smith a remplacé le musicien disparu. Pendant la décennie suivante, Smith collaborera fréquemment avec des membres des Banshees .

 THE CURE : Seventee seconds

Fin 1979, The Cure sort un single,  » I’m a Cult Hero « , sous le nom de Cult Heroes. Suite à la sortie du single, Dempsey quitte le groupe pour rejoindre les Associates ; il est remplacé par Simon Gallup au début des années 1980.

Parallèlement, The Cure s’adjoint un claviériste, Mathieu Hartley , et boucle la production du deuxième album du groupe, Seventeen Seconds ., qui a été publié au printemps 1980.

L’ajout d’un claviériste a élargi le son du groupe, qui était désormais plus expérimental et embrassait souvent des chants lents et sombres. Néanmoins, le groupe écrivait toujours des accroches pop, comme en témoigne le premier single à succès britannique du groupe, « A Forest », qui a culminé au numéro 31. Après la sortie de Seventeen Seconds , The Cure a lancé sa première tournée mondiale.

Après l’étape australienne de la tournée, Hartley a quitté la formation et ses anciens camarades du groupe ont choisi de continuer sans lui, sortant leur troisième album en 1981 ( Faith ) et le regardant culminer au numéro 14 dans les charts. Faith a également engendré le single à succès mineur « Primary ». Le quatrième album de The Cure, le doom-laden,, est sorti peu de temps après en 1982.

Pornography a encore élargi son public culte et a percé le Top Ten britannique. Une fois la tournée Pornography terminée, Gallup a quitté le groupe et Tolhurst est passé de la batterie aux claviers. Fin 1982, The Cure sort un nouveau single, le « Let’s Go to Bed » teinté de danse.

 THE CURE : Hyaena

Smith a consacré la majeure partie du début de 1983 à Siouxsie and the Banshees , enregistrant l’ album Hyaena avec le groupe et apparaissant en tant que guitariste du groupe lors de la tournée d’accompagnement de l’album.

Cette même année, Smith forme également un groupe avec le bassiste des Banshees Steve Severin ; après avoir adopté le nom The Glove , le groupe sort son unique album, Blue Sunshine . À la fin de l’été 1983, une nouvelle version de The Cure – mettant en vedette Smith , Tolhurst , le batteur Andy Anderson et le bassiste Phil Thornalley– avait composé et enregistré un nouveau single, un morceau enjoué nommé « The Lovecats ».

La chanson est sortie à l’automne 1983 et est devenue le plus grand succès du groupe à ce jour, culminant à la septième place des charts britanniques. La nouvelle formation de The Cure a sorti The Top en 1984. Malgré les penchants pop du hit numéro 14 « The Caterpillar », The Top était un retour aux paysages sonores sombres de la pornographie .

Au cours de la tournée mondiale soutenant The Top , Anderson a été renvoyé du groupe. Au début de 1985, après la fin de la tournée, Thornalley quitte le groupe. The Cure a réorganisé sa formation après son départ, ajoutant le batteur Boris Williams et le guitariste Porl Thompson; Gallup revient à la basse.

 THE CURE : The head on the door

Plus tard en 1985, The Cure sort son sixième album, The Head on the Door . L’album était le disque le plus concis et orienté pop que le groupe ait jamais sorti, ce qui a contribué à l’envoyer dans le Top Ten britannique et au numéro 59 aux États-Unis, la première fois que le groupe avait battu l’American Hot 100.

« In Between Days  » et  » Close to Me  » – tous deux tirés de The Head on the Door – sont devenus des succès britanniques importants, ainsi que des succès populaires de la radio underground et universitaire aux États-Unis.

 THE CURE : Kiss me, kiss me,kiss me

The Cure a suivi le succès retentissant de The Head on the Door en 1986 avec la compilation Standing on a Beach : The Singles. Standing on a Beach a atteint la quatrième place au Royaume-Uni, mais plus important encore, il a établi le groupe comme un groupe culte majeur aux États-Unis; l’album a culminé au numéro 48 et est devenu or en un an. En bref, Standing on a Beach a préparé le terrain pour le double album de 1987 Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me .

the cure concert

L’album était éclectique mais c’était un succès, engendrant quatre singles à succès au Royaume-Uni (« Why Can’t I Be You », « Catch », « Just Like Heaven », « Hot Hot Hot !!! ») et le groupe premier hit américain du Top 40, « Just Like Heaven ». Après la tournée de soutien pour Kiss Me,, l’activité du Curé s’est ralentie.

Avant que The Cure ne commence à travailler sur leur nouvel album au début de 1988, le groupe a renvoyé Tolhurst , affirmant que les relations entre lui et le reste du groupe avaient été irrévocablement endommagées.

Tolhurst allait bientôt intenter une action en justice, affirmant que son rôle dans le groupe était plus important que celui indiqué dans son contrat et, par conséquent, il méritait plus d’argent.

 THE CURE : Désintégration

Entre-temps, The Cure a remplacé Tolhurst par l’ancien claviériste de Psychedelic Furs Roger O’Donnell et a enregistré leur huitième album, Disintegration . Sorti au printemps 1989, l’album était plus mélancolique que son prédécesseur, mais ce fut un succès immédiat, atteignant le numéro trois au Royaume-Uni et le numéro 14 aux États-Unis, et engendrant une série de singles à succès.

 » Lullaby  » est devenu le plus grand succès britannique du groupe au printemps 1989, culminant au numéro cinq. À la fin de l’été, le groupe a eu son plus grand succès américain avec « Love Song », qui a grimpé au numéro deux. Sur la désintégrationtournée, The Cure a commencé à jouer dans des stades à travers les États-Unis et le Royaume-Uni.

À l’automne 1990, The Cure a sorti Mixed Up , une collection de remixes comprenant un nouveau single, « Never Enough ». Après la tournée Disintegration , O’Donnell a quitté le groupe et The Cure l’a remplacé par leur roadie, Perry Bamonte . Au printemps 1992, le groupe sort Wish .

Comme Disintegration , Wish a été un succès immédiat, entrant dans les charts britanniques au numéro un et les charts américains au numéro deux, ainsi que le lancement des singles à succès « High » et « Friday I’m in Love ».

The Cure s’est lancé dans une autre tournée internationale après la sortie de Wish. Un concert, joué à Detroit, a été documenté sur un film intitulé Show et sur deux albums, Show et Paris . Le film et les albums sont sortis en 1993.

 THE CURE : Wild Mood Swings

Thompson a quitté le groupe en 1993 pour rejoindre le groupe de Jimmy Page et Robert Plant . Après son départ, O’Donnell a rejoint la formation en tant que claviériste et Bamonte est passé des fonctions de synthétiseur à la guitare. Pendant la majeure partie de 1993 et ​​au début de 1994, les Cure ont été écartés par un procès en cours de Tolhurst , qui revendiquait la copropriété du nom du groupe et cherchait également à restructurer ses paiements de redevances.

Un règlement (décision en faveur du groupe) est finalement arrivé à l’automne 1994, et les Cure se sont concentrés sur la tâche à accomplir : enregistrer un album de suivi de Wish .

Cependant, le batteur Boris Williams démissionner juste au moment où le groupe se préparait à commencer le processus d’enregistrement. Le groupe a recruté un nouveau percussionniste grâce à des annonces dans les journaux musicaux britanniques; au printemps 1995, Jason Cooper avait remplacé Williams .

Tout au long de 1995, The Cure a enregistré son dixième album studio proprement dit, s’arrêtant pour effectuer une poignée de festivals de musique européens en été. L’album, intitulé Wild Mood Swings , sort finalement au printemps 1996, précédé du single « The 13th ».

 THE CURE : Galore

Une combinaison de morceaux pop et de moments plus sombres à la hauteur de son titre, Wild Mood Swings a reçu un accueil mitigé critique et commercial, ralentissant mais n’arrêtant pas l’élan acquis par Wish .

Galore , la deuxième collection de singles de The Cure axée sur les succès du groupe depuis Standing on a Beach, est apparue en 1997 et a présenté la nouvelle chanson « Wrong Number ».

The Cure a passé les années suivantes tranquillement – ​​donnant une chanson à la bande originale de X-Files, Robert Smith apparaissant dans un épisode mémorable de South Park – réapparaissant en 2000 avec Bloodflowers, leur dernier album de matériel original, pour Fiction.

Conçu comme le dernier volet d’une trilogie gothique lourde qui remontait jusqu’à la pornographie et incluait la désintégration , Bloodflowers a été bien accueilli et un succès respectable, remportant une nomination aux Grammy Awards pour le meilleur album de musique alternative.

L’année suivante, The Cure a conclu son contrat avec Fiction avec Greatest Hits , qui a également été accompagné d’une sortie DVD de leurs vidéos les plus populaires. En 2002, ils ont passé du temps sur la route, terminant leur tournée par une aventure de trois nuits à Berlin, où ils ont joué chaque album de leur « trilogie gothique » une nuit différente.

l’événement a été documenté sur la sortie vidéo à domicile Trilogy.

The cure & GEFFEN Records

The Cure signe un contrat international avec Geffen Records en 2003 puis lance une vaste campagne de réédition en 2004 avec le coffret de raretés Join the Dots : B-Sides & Rarities, 1978-2001 (The Fiction Years) ; des éditions étendues à double disque de leurs premiers albums ont rapidement suivi.

Toujours en 2004, le groupe sort son premier album pour Geffen, un effort éponyme enregistré en direct en studio. Plus lourd mais pas nécessairement plus dur – et certainement pas plus sombre que Bloodflowers – The Curea été en partie conçu pour plaire à un public plus jeune familier avec The Cure grâce à leur influence sur une nouvelle génération de groupes, dont beaucoup ont été présentés en première partie de la tournée de soutien du groupe pour l’album.

The Cure a subi un autre changement de composition en 2005, lorsque Bamonte et O’Donnell ont quitté le groupe et que Porl Thompson est revenu pour son troisième passage.

Cette nouvelle formation sans clavier a fait ses débuts en 2005 en tant que tête d’affiche du concert-bénéfice Live 8 Paris, puis s’est dirigée sur le circuit des festivals d’été, dont les temps forts ont été capturés sur la sortie DVD 2006 Festival 2005. The Cure est apparu dans divers festivals au cours des deux années suivantes, jouant une tournée européenne plus étendue au début de 2008, alors qu’ils terminaient leur 13e album.

Conçu à l’origine comme un double album, le disque a été divisé en deux avant sa sortie, avec le matériel plus léger et plus pop sorti en premier sous le nom de 4:13 Dream en octobre 2008. Après une pause de trois ans, le groupe est revenu sur le circuit live avec leur tournée « Reflections » – qui démarre en Australie et voit le retour du batteur et claviériste original Lol Tolhurst après environ 22 ans – qui a vu le groupe jouer ses trois premiers albums, Three Imaginary Boys , Seventeen Seconds et Faith, dans leur intégralité.

Un titre principal de 150 minutes couvrant toute la carrière au Bestival de 2011 sur l’île de Wight a été enregistré et sorti la même année et le groupe a continué à tourner tout au long de 2012 et 2013 avec des spectacles de festivals en Europe et en Amérique du Nord et des spectacles phares en Amérique latine.

Début 2014, Smith a annoncé qu’il sortirait la suite de 4:13 Dream plus tard en 2014, et qu’il poursuivrait également sa tournée « Reflections » avec une autre série d’albums complets, cette fois en interprétant The Top , The Head on the Door , et Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me dans leur intégralité.

FAQ The Cure

1. Qui est The Cure ?

Réponse : The Cure est un groupe de rock britannique formé en 1976 par Robert Smith, Michael Dempsey et Lol Tolhurst. Le groupe est connu pour son style musical sombre et mélancolique, ainsi que pour l’apparence excentrique de ses membres.

2. Quelle est la carrière de The Cure ?

Réponse : The Cure a sorti son premier album en 1979, intitulé « Three Imaginary Boys ». Depuis lors, le groupe a sorti 13 albums studio, ainsi que de nombreux singles et compilations. Le groupe est également connu pour ses performances en direct, qui sont souvent accompagnées d’un éclairage et d’une scénographie spectaculaires.

3. Quel est le style musical de The Cure ?

Réponse : Le style musical de The Cure est souvent décrit comme étant du rock gothique, bien que le groupe ait exploré différents genres tout au long de sa carrière, notamment la new wave, le post-punk et le pop rock. Le son distinctif du groupe est caractérisé par la guitare mélancolique de Robert Smith et les textes introspectifs.

4. Quels sont les plus grands succès de The Cure ?

Réponse : The Cure a connu de nombreux succès tout au long de sa carrière, mais certains de ses plus grands hits incluent « Boys Don’t Cry », « Just Like Heaven », « Lovesong », « Friday I’m in Love », et « Pictures of You ».

5. Quel est l’album le plus vendu de The Cure ?

Réponse : L’album le plus vendu de The Cure est « Disintegration », sorti en 1989. L’album a été certifié double platine aux États-Unis et a été salué par la critique pour son atmosphère sombre et sa production élaborée.

6. Quel est le lien entre The Cure et le cinéma ?

Réponse : La musique de The Cure a été utilisée dans de nombreux films, notamment dans « Le Journal de Bridget Jones », « Le Labyrinthe de Pan », et « 500 jours ensemble ». Le groupe a également enregistré des chansons pour plusieurs films, notamment « The Crow » et « Batman Forever ».

7. Quelles sont les influences musicales de The Cure ?

Réponse : Les influences musicales de The Cure sont variées et incluent des groupes tels que Joy Division, Siouxsie and the Banshees, The Velvet Underground, et David Bowie. Le groupe a également été influencé par la musique classique et la musique électronique.

8. Quel est l’héritage de The Cure dans l’industrie musicale ?

Réponse : L’héritage de The Cure dans l’industrie musicale est considérable. Le groupe est considéré comme l’un des pionniers du rock gothique et a influencé de nombreux groupes dans ce genre. The Cure est également connu pour avoir innové dans la production musicale, en utilisant des techniques d’enregistrement avancées pour créer des atmosphères sonores uniques.

9. Quel est le statut actuel de The Cure ?

Réponse : The Cure est toujours actif et continue de tourner et de sortir de la musique. Le groupe a effectué sa dernière tournée en 2019 et a déclaré qu’il travaillait sur un nouvel album. Robert Smith, le leader de The Cure, a également déclaré qu’il avait de nombreuses idées pour l’avenir du groupe.

10. Qu’est-ce qui fait la renommée de The Cure ?

Réponse : La renommée de The Cure est due à son style musical unique, qui a influencé de nombreux autres artistes, ainsi qu’à son apparence excentrique et à ses performances en direct spectaculaires. Le groupe est également connu pour ses paroles introspectives et ses thèmes sombres, qui ont touché de nombreux fans à travers le monde.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Slash, l’icône du rock qui a redéfini la guitare électrique

par Eric Canto | Mis à jour le 01/10/2024 | Publié le 03/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Vous avez déjà entendu parler de Slash. Si vous aimez le rock, vous connaissez sans doute ses solos endiablés, ses riffs reconnaissables entre mille, et ce look emblématique : un chapeau haut de forme, des lunettes noires, et une Gibson Les Paul qu’il manie comme personne. Slash, c’est la définition même du guitar hero, celui qui a marqué des générations entières avec des morceaux qui résonnent encore aujourd’hui.

Né Saul Hudson à Londres en 1965, Slash est devenu le guitariste principal des légendaires Guns N’ Roses dans les années 80. Mais son influence va bien au-delà d’un groupe. Slash a contribué à la renaissance du rock, un genre en pleine évolution à l’époque. Entre sa technique incroyable et son sens inné de la mélodie, il est devenu une figure incontournable du paysage musical.

Alors, qu’est-ce qui rend Slash si spécial ? Pourquoi est-il considéré comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps ? Plongeons ensemble dans l’univers d’un homme qui a littéralement écrit l’histoire du rock’n’roll avec ses solos de guitare.

 

I. Les débuts de Slash : d’un enfant de Londres à une légende du rock

1.1 Une enfance bercée par la musique

Slash n’était pas destiné à devenir une légende du rock. Né à Stoke-on-Trent, en Angleterre, en 1965, il est le fils d’un artiste anglais et d’une créatrice de costumes américaine qui a travaillé pour des stars comme David Bowie. À seulement 5 ans, Slash déménage avec sa mère à Los Angeles, une ville qui allait bientôt devenir le terrain de jeu de sa carrière.

• Un environnement créatif : Dès son plus jeune âge, Slash a été plongé dans le monde de la création artistique. Sa mère travaillait pour des stars du rock, ce qui lui a permis d’être en contact avec des musiciens et des artistes dès son plus jeune âge. Cette immersion dans la musique et la créativité a fortement influencé son avenir.
• L’appel de la guitare : À 14 ans, Slash découvre la guitare grâce à un ami, et là, tout change. Il se consacre corps et âme à l’apprentissage de l’instrument, pratiquant des heures chaque jour, jusqu’à développer son style si unique. Il cite des artistes comme Eric Clapton, Jimi Hendrix, et Jimmy Page comme ses plus grandes influences.

1.2 La rencontre avec Guns N’ Roses

Le destin de Slash change radicalement lorsqu’il rencontre Axl Rose, Izzy Stradlin, Duff McKagan, et Steven Adler. Ensemble, ils forment les Guns N’ Roses en 1985, un groupe qui va révolutionner la scène rock.

• Des débuts modestes : Les Guns N’ Roses commencent à se produire dans des clubs de Los Angeles, attirant rapidement l’attention avec leur mélange explosif de punk, rock et blues. Leurs concerts sont sauvages, bruts, et chargés d’énergie.
• L’ascension fulgurante : Leur premier album, Appetite for Destruction, sorti en 1987, devient un véritable phénomène. Des titres comme « Sweet Child O’ Mine« , « Welcome to the Jungle« , et « Paradise City » propulsent le groupe au rang de légende. Slash, avec ses solos enflammés et son style unique, devient rapidement une star.

 

 

Slash guitariste

II. Le style unique de Slash : entre blues et riffs percutants

2.1 Une technique reconnaissable parmi toutes

Slash est souvent considéré comme un guitariste aux racines blues, mais capable d’ajouter une touche rock moderne qui rend chaque morceau mémorable. Sa technique repose sur plusieurs éléments clés qui ont fait sa renommée.

• Le vibrato précis : Un des aspects les plus reconnaissables du jeu de Slash est son vibrato unique. Chaque note qu’il joue semble vibrer avec une émotion brute, donnant à ses solos une intensité particulière. Il a réussi à perfectionner cette technique au point de la rendre instantanément identifiable.
• Les bends expressifs : Slash est aussi célèbre pour ses bends, ces notes qu’il fait monter ou descendre tout en douceur, presque comme s’il racontait une histoire avec sa guitare. Dans des solos comme celui de « November Rain« , chaque bend est une montée en puissance, un cri qui transcende la simple technique.
• Un mélange de vitesse et de précision : Contrairement à certains guitaristes qui misent tout sur la vitesse, Slash privilégie la précision. Même dans les morceaux les plus rapides, il prend soin que chaque note soit claire et distincte. Il n’est jamais esclave de la technique, mais plutôt au service de l’émotion.

2.2 Gibson Les Paul : l’arme de prédilection de Slash

On ne peut pas parler de Slash sans mentionner sa Gibson Les Paul, un modèle qu’il a rendu encore plus légendaire. Cet instrument, avec ses courbes élégantes et son son chaleureux, est devenu l’extension naturelle du guitariste.

• Le choix de la Les Paul : Slash a opté pour la Les Paul parce qu’elle offrait le son qu’il cherchait : riche, épais, avec une capacité à se démarquer dans un mix rock’n’roll. Il a souvent dit que cette guitare était celle qui lui permettait de mieux s’exprimer.
• Une symbiose parfaite : Ce modèle de guitare, entre les mains de Slash, est devenu un symbole du rock classique. Chaque note qu’il joue semble couler naturellement de l’instrument, comme si les deux étaient faits l’un pour l’autre.
• Le son iconique : Avec ses micros humbucker, la Les Paul produit un son qui est à la fois doux et percutant, parfait pour les solos longs et émotionnels de Slash, mais aussi pour les riffs plus lourds et entraînants.

III. L’après Guns N’ Roses : Slash se réinvente

3.1 Slash’s Snakepit : une aventure solo

Après des tensions internes avec Axl Rose et la dissolution progressive de la formation classique des Guns N’ Roses dans les années 90, Slash décide de créer son propre projet, Slash’s Snakepit, en 1994.

• Un retour aux racines : Avec ce projet, Slash voulait revenir à un rock plus brut et direct, loin des tensions et des pressions entourant les Guns N’ Roses. It’s Five O’Clock Somewhere, le premier album de Slash’s Snakepit, reçoit un accueil mitigé, mais les fans de Slash apprécient son retour à un rock authentique et décomplexé.
• Un exutoire créatif : Slash a décrit Slash’s Snakepit comme un moyen de s’exprimer sans avoir à se soucier des dynamiques de groupe complexes qui pesaient sur Guns N’ Roses à l’époque. C’était son terrain de jeu personnel, un espace où il pouvait laisser libre cours à ses instincts rock.

3.2 Velvet Revolver : la renaissance

Après quelques années en solo, Slash rejoint un nouveau groupe, Velvet Revolver, en 2002, aux côtés de plusieurs anciens membres des Guns N’ Roses, ainsi que du chanteur de Stone Temple Pilots, Scott Weiland.

• Un supergroupe explosif : Velvet Revolver est rapidement salué comme l’un des supergroupes les plus prometteurs du début des années 2000. Leur premier album, Contraband (2004), connaît un succès commercial et critique, en grande partie grâce à des hits comme « Slither » et « Fall to Pieces« .
• Une nouvelle énergie : Slash semble revitalisé dans Velvet Revolver, offrant certains de ses solos les plus puissants depuis Guns N’ Roses. Ce groupe permet à Slash de combiner son style classique avec une énergie grunge et moderne qui le connecte à une nouvelle génération de fans.

 

Slash guitariste

IV. L’héritage de Slash dans le monde du rock

4.1 Une icône toujours active

Même après plusieurs décennies sur le devant de la scène, Slash reste une figure active du rock contemporain. Que ce soit avec Guns N’ Roses, Velvet Revolver ou en tant qu’artiste solo, il continue de se produire, d’enregistrer des albums, et de repousser les limites de son art.

• Collaborations et projets solo : Slash a collaboré avec de nombreux artistes, de Michael Jackson à Ozzy Osbourne, prouvant que son talent transcende les genres. Ses projets solo, notamment avec Myles Kennedy (chanteur d’Alter Bridge), ont aussi été salués pour leur qualité et leur créativité.

FAQ  Slash

1. Pourquoi Slash est-il considéré comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps ?

Slash est souvent cité parmi les plus grands guitaristes de l’histoire du rock pour plusieurs raisons. D’abord, il a développé un style unique, mêlant influences blues et rock avec une fluidité et une expressivité incomparables. Ensuite, ses riffs et solos sont devenus emblématiques, reconnaissables entre mille, et ont marqué des générations de musiciens. Des morceaux comme « Sweet Child O’ Mine », « November Rain », et « Paradise City » sont des exemples parfaits de son génie musical.

• Signature sonore : Slash a un son immédiatement identifiable, en partie grâce à sa Gibson Les Paul, mais aussi grâce à sa maîtrise du vibrato et des bends, qui ajoutent une dimension émotionnelle à chaque note.
• Solos intemporels : Ses solos ne sont pas seulement techniques, ils racontent une histoire. Par exemple, le solo de « November Rain » est considéré comme l’un des plus grands de tous les temps, grâce à sa progression lente et majestueuse qui culmine dans une explosion d’émotion.
• Influence durable : Slash a inspiré des milliers de guitaristes à travers le monde. Même aujourd’hui, des jeunes musiciens apprennent à jouer la guitare en reproduisant ses riffs, preuve de l’impact durable de son style.

2. Comment Slash a-t-il influencé la guitare rock moderne ?

Slash a eu une influence majeure sur la guitare rock moderne, surtout à une époque où le rock était dominé par le heavy metal ou les groupes de hair metal des années 80. Il a ramené un son plus brut et authentique, basé sur les racines du blues et du rock classique.

• Retour aux sources : Alors que beaucoup de guitaristes de son époque se concentraient sur la virtuosité technique et la vitesse, Slash a prouvé que l’émotion et le feeling étaient tout aussi importants. Son jeu se distingue par sa capacité à communiquer des sentiments à travers des riffs simples mais puissants, ainsi que des solos mélodiques.
• Popularisation de la Gibson Les Paul : Bien que la Les Paul soit un modèle de guitare mythique depuis les années 50, Slash l’a remise sous les feux de la rampe dans les années 80, contribuant à une résurgence de cet instrument auprès des jeunes guitaristes. Il a démontré que la Les Paul pouvait offrir à la fois des sons doux et chauds pour des ballades, mais aussi un ton lourd pour des riffs rock intenses.

3. Quelle est la relation entre Slash et Axl Rose ?

La relation entre Slash et Axl Rose a été tumultueuse, marquée par des périodes d’amitié, de collaboration musicale intense, mais aussi de conflits et de séparations. Les tensions entre les deux icônes du rock ont contribué à la dissolution de la formation originale de Guns N’ Roses dans les années 90.

• Collaboration fructueuse : Au début, la collaboration entre Slash et Axl a donné naissance à certains des plus grands hits du rock. Leur alchimie musicale était indéniable, Axl apportant une voix puissante et charismatique, et Slash produisant des riffs et des solos mémorables. Ensemble, ils ont créé des albums légendaires comme Appetite for Destruction.
• Conflits internes : Cependant, au fil des années, des divergences artistiques et personnelles ont émergé. Axl Rose a progressivement pris le contrôle créatif du groupe, et Slash, qui voulait plus de liberté musicale, a quitté le groupe en 1996. Pendant près de 20 ans, les deux artistes ont été en froid, échangeant parfois des mots durs dans les médias.
• Réconciliation : En 2016, contre toute attente, Slash et Axl se sont réconciliés, marquant le début de la tournée « Not In This Lifetime » qui a vu Guns N’ Roses se reformer avec plusieurs membres originaux. Depuis, leur relation semble apaisée, et ils continuent de collaborer musicalement.

4. Quelle a été l’influence de Slash sur Guns N’ Roses ?

Slash est l’un des piliers fondateurs du son de Guns N’ Roses. Sans lui, les morceaux emblématiques du groupe n’auraient probablement pas eu le même impact.

• Des riffs emblématiques : Slash est responsable de certains des riffs les plus célèbres du groupe. Par exemple, le riff d’ouverture de « Sweet Child O’ Mine » a été créé presque par accident, mais il est devenu l’un des riffs les plus reconnaissables de l’histoire du rock. De même, le riff de « Welcome to the Jungle » capte l’énergie brute de la scène rock des années 80.
• Solos mémorables : Les solos de Slash ont joué un rôle crucial dans l’identité sonore de Guns N’ Roses. Des morceaux comme « November Rain » et « Estranged » mettent en avant sa capacité à combiner des passages techniques avec des mélodies captivantes et émotionnelles.
• Image visuelle : Au-delà de la musique, Slash a contribué à l’image visuelle de Guns N’ Roses. Son look iconique, avec son chapeau haut de forme et ses cheveux longs, est devenu indissociable de l’identité du groupe.

5. Pourquoi Slash a-t-il quitté Guns N’ Roses dans les années 90 ?

Le départ de Slash de Guns N’ Roses dans les années 90 était principalement dû à des conflits internes et des différences créatives avec Axl Rose. Au fur et à mesure que le groupe devenait plus célèbre, Axl a pris de plus en plus de contrôle sur la direction musicale du groupe, ce qui a créé des tensions avec Slash.

• Désaccords sur le son : Axl voulait que Guns N’ Roses adopte une approche plus expérimentale et diversifiée, incorporant des éléments de musique électronique et de symphonie, tandis que Slash voulait rester fidèle aux racines rock plus brutes du groupe. Ces différences ont mené à une rupture inévitable entre les deux membres.
• Fatigue émotionnelle et épuisement : Après des années de tournées intenses et de pression pour produire des albums à succès, Slash a également ressenti un épuisement émotionnel et créatif. Les conflits au sein du groupe, ainsi que les difficultés de communication avec Axl, ont contribué à sa décision de quitter le groupe en 1996.

6. Comment Slash a-t-il géré sa carrière après Guns N’ Roses ?

Après avoir quitté Guns N’ Roses en 1996, Slash a exploré plusieurs avenues musicales, cherchant à se réinventer tout en restant fidèle à ses racines rock.

• Slash’s Snakepit : En 1994, Slash a lancé son projet Slash’s Snakepit, un groupe qu’il a formé en parallèle avec Guns N’ Roses avant de s’y consacrer pleinement après son départ. Le groupe a sorti deux albums, It’s Five O’Clock Somewhere (1995) et Ain’t Life Grand (2000), qui ont reçu des critiques mitigées mais ont trouvé un public fidèle parmi les fans de rock.
• Velvet Revolver : En 2002, Slash a rejoint un supergroupe appelé Velvet Revolver, composé d’anciens membres de Guns N’ Roses et du chanteur de Stone Temple Pilots, Scott Weiland. Velvet Revolver a connu un succès commercial avec leur premier album Contraband (2004), qui comprenait des hits comme « Slither » et « Fall to Pieces ». Le groupe a duré jusqu’en 2008, date à laquelle il s’est dissous en raison de conflits internes.
• Carrière solo : Depuis 2010, Slash a également poursuivi une carrière solo réussie, collaborant avec le chanteur Myles Kennedy et son groupe, The Conspirators. Ensemble, ils ont sorti plusieurs albums, et leur collaboration continue de susciter l’enthousiasme des fans.

7. Quelle est la relation de Slash avec Myles Kennedy ?

La collaboration entre Slash et Myles Kennedy est l’une des plus fructueuses de la carrière post-Guns N’ Roses de Slash. Kennedy, qui est également le chanteur d’Alter Bridge, a apporté une nouvelle dynamique à la musique de Slash, alliant virtuosité à expressivité vocale.

• Chimie musicale : Ensemble, Slash et Myles Kennedy ont sorti plusieurs albums à succès, dont Apocalyptic Love (2012), World on Fire (2014), et Living the Dream (2018). Kennedy est un chanteur polyvalent, capable d’ajouter à la fois puissance et émotion aux compositions de Slash, ce qui en fait un duo complémentaire.
• Tournées mondiales : Le groupe Slash featuring Myles Kennedy and the Conspirators a également entrepris plusieurs tournées mondiales, jouant des titres issus de la carrière solo de Slash, ainsi que des classiques de Guns N’ Roses. Leur collaboration continue de se renforcer, et les fans attendent toujours avec impatience leurs nouvelles sorties musicales.

8. Quels sont les albums les plus marquants de Slash en solo ?

Slash a publié plusieurs albums solo qui ont été bien accueillis par la critique et les fans. Voici quelques-uns des plus marquants :

• Slash (2010) : Cet album est le premier véritable album solo de Slash, et il fait appel à une série de chanteurs invités, dont Ozzy Osbourne, Fergie, et Chris Cornell. Cet album a montré la capacité de Slash à s’adapter à différents styles tout en restant fidèle à son son caractéristique.
• Apocalyptic Love (2012) : Cet album marque le début de sa collaboration avec Myles Kennedy et The Conspirators. Il est plus cohérent que son premier album solo, et contient des morceaux puissants comme « Anastasia », qui met en avant les talents de guitariste de Slash.
• World on Fire (2014) : Cet album a été salué pour son intensité et son énergie. Le morceau titre, « World on Fire », est l’un des plus gros succès solo de Slash, combinant riffs percutants et mélodies accrocheuses.
• Living the Dream (2018) : Dernier album en date, Living the Dream continue de montrer la vitalité de Slash en tant qu’artiste solo, avec des morceaux comme « Driving Rain » et « Mind Your Manners ».

9. Quels sont les modèles de guitare préférés de Slash ?

Slash est surtout connu pour jouer sur des Gibson Les Paul, un modèle qui est devenu indissociable de son son et de son image.

• Gibson Les Paul : La Les Paul est la guitare préférée de Slash, en grande partie grâce à sa tonalité riche et chaleureuse. Slash utilise principalement des modèles Custom Shop qui sont conçus sur mesure pour répondre à ses besoins spécifiques. Il a également une série signature chez Gibson qui reproduit les spécifications exactes de ses guitares les plus utilisées.
• B.C. Rich Mockingbird : Au début de sa carrière, Slash a également joué sur une B.C. Rich Mockingbird, notamment sur certains des premiers concerts de Guns N’ Roses. Cette guitare, au design unique, a contribué à façonner son son avant qu’il ne se tourne définitivement vers la Les Paul.
• Marshall Amplifiers : En plus de ses guitares, Slash est également connu pour utiliser des amplificateurs Marshall, qui ajoutent une distorsion classique à son son et lui permettent de créer des solos puissants et accrocheurs.