Le Festival de Nîmes 2022 s’est déroulé cette année encore dans ce cadre magnifique que sont les Arènes romaines de Nîmes.
Des artistes nationaux et internationaux se sont produits cet été devant plus de 10 000 spectateurs. Kiss – Nightwish – Deep Purple – Foo Fighters – Dropkick Murphys – Sting – Angele – Booba – PLN – GORILLAZ – Orelsan et d’autres encore sur la scène mythique des arènes.
Festivale de Nîmes 2022 : les captations visuelles
Certains concerts ont déjà fait l’objet de captations visuelles ou sonores lors du Festival de Nîmes, à l’instar du groupeMetallica en 2009 (1), dont le DVD est intituléFrançais pour une nuit, ou encore le groupeJustice (groupe)pour son album live en 2012.
De la chanson française (Johnny Hallyday, Michel Polnareff, Renaud, Patrick Bruel…) au métal (Slipknot, Rammstein, Metallica…), stars internationales (Placebo, Foo Fighters, Bjork, Lenny Kravitz, Arcade Fire, Red Hot chilly Peppers…), artistes confirmés ces dernières années (Stromae, Shaka Ponk, Angele, Maitre Gim’s…), le festival de Nîmes accueille aussi des artistes plus reconnus et adulés (Sting, Santana, Daft Punk, Slash, Radiohead, David Bowie…).
(1) Français pour une nuit est un DVD live du groupe de heavy metal américain Metallica , enregistré à Nîmes , en France, dans les Arènes de Nîmes le 7 juillet 2009, lors du World Magnetic Tour . Il est sorti en trois formats : Un DVD standard dans un digipak comprenant un livret de 16 pages, un Blu-ray , et un digipak avec le livret et un coffret deluxe en édition limitéecomprenant le DVD, une copie de Death Magneticsur CD, un T-shirt, un laissez-passer plastifié et cinq photos exclusives. Bien qu’il n’ait été émis qu’en France, il a été importé en quantité suffisante pour être considéré comme une version régulière. Hormis la photographie de Ross Halfin , l’ensemble du projet a été réalisé par des professionnels français, de la vidéo à la direction artistique.
Anton Corbijn. Ce nom évoque immédiatement des images en noir et blanc saisissantes, où les icônes du rock semblent dénudées de tout artifice, plongées dans un monde où l’authenticité prime. Photographe, réalisateur, artiste polyvalent, il est devenu une légende dans le milieu, capturant l’essence des plus grandes stars de la musique. Mais qu’est-ce qui le rend si unique, et comment a-t-il influencé l’art de la photographie musicale ? C’est ce que nous allons explorer ensemble.
Qui est Anton Corbijn ?
Anton Corbijn est né le 20 mai 1955 à Strijen, aux Pays-Bas. Grandissant dans un environnement religieux, il a rapidement ressenti le besoin de s’exprimer différemment, cherchant une évasion artistique. Sa carrière débute par un coup de chance : lors d’un concert aux Pays-Bas, il commence à photographier avec l’appareil de son père, et il se découvre une passion instantanée pour capturer les artistes en action. Le reste appartient à l’histoire, une histoire qu’il a lui-même écrite avec sa caméra.
Les années de formation : le jeune Corbijn et la découverte de la photo
Dans les années 70, Corbijn commence à prendre des clichés de groupes locaux. Très vite, son talent est remarqué, et il déménage à Londres pour être au plus près de la scène musicale effervescente. Cette époque marque le début de collaborations légendaires avec des artistes qui allaient bientôt dominer les charts. Il ne se contente pas de photographier les stars, il les réinvente, dévoilant des facettes souvent ignorées par le grand public.
De la scène musicale à la photographie : la fusion des passions
Ce n’est pas un hasard si Corbijn est devenu le photographe favori de nombreux musiciens. Pour lui, la musique et la photographie ne sont pas deux mondes distincts, mais des expressions complémentaires. Il parvient à capturer l’âme de ses sujets, des instants d’abandon que seule la musique semble pouvoir révéler.
Un style visuel unique : le noir et blanc brut d’Anton Corbijn
Le choix du noir et blanc n’est pas simplement une préférence esthétique, c’est une signature, une façon d’aller droit à l’essentiel. Les contrastes marqués, les ombres profondes et les textures rugueuses donnent à ses clichés une intensité rare. Le noir et blanc, pour Corbijn, c’est un moyen de transcender le sujet, de le libérer des distractions colorées pour se concentrer sur l’émotion pure.
Les collaborations marquantes d’Anton Corbijn
Si l’on devait résumer la carrière de Corbijn en un mot, ce serait « collaboration. » Il ne se contente pas de photographier, il collabore, il participe, il devient presque un membre du groupe. Ses partenariats avec des artistes comme U2 et Depeche Mode ont durablement marqué l’histoire de la musique.
U2 et Anton Corbijn : une relation durable qui a façonné l’image du groupe
Lorsque l’on pense à U2, on imagine immédiatement des photos iconiques en noir et blanc, des paysages désolés, et des poses dramatiques. C’est le regard de Corbijn qui a contribué à créer cette image du groupe, une image qui dure depuis plus de 30 ans. Dès l’album The Joshua Tree, sa vision a aidé à définir l’esthétique visuelle du groupe, en capturant l’essence de leurs chansons : l’exploration, l’introspection, et un désir insatiable de liberté.
Les albums emblématiques où Corbijn a laissé sa marque
Les pochettes d’albums comme Achtung Baby, The Unforgettable Fire, et Rattle and Hum portent tous la patte de Corbijn. Ce dernier ne se contente pas de photographier les membres du groupe, il raconte une histoire visuelle qui résonne avec leur musique. Chaque photo devient un symbole, un moment suspendu dans le temps qui accompagne l’auditeur au fil des morceaux.
Anecdotes de tournages photo avec le groupe
Corbijn a souvent raconté des anecdotes sur ses séances photo avec U2, notamment une séance dans le désert de Mojave pour The Joshua Tree. « C’était comme si le paysage lui-même faisait partie du groupe, » se souvient-il. Cette immersion totale dans l’environnement et la musique crée des photos qui ne sont pas de simples portraits, mais des évocations de l’âme du groupe.
Depeche Mode : comment Corbijn a créé une esthétique visuelle pour le groupe
Depeche Mode est un autre groupe qui a trouvé en Corbijn un allié visuel de choix. En collaborant avec eux pour leurs clips vidéo et pochettes d’albums, il a contribué à façonner l’image de la bande synth-pop, ajoutant une touche de mystère et de profondeur qui a captivé leurs fans.
Les vidéos iconiques et les pochettes d’album
Corbijn n’est pas seulement photographe pour Depeche Mode, il a aussi réalisé certains de leurs clips les plus célèbres, comme Personal Jesus et Enjoy the Silence. Ces vidéos sont devenues des références, non seulement pour les fans du groupe, mais aussi dans le monde du clip musical.
Impact sur l’image publique de Depeche Mode
Avant Corbijn, Depeche Mode était considéré comme un simple groupe synth-pop. Grâce à ses collaborations, leur image a évolué vers quelque chose de plus sombre, de plus adulte, et de plus intemporel. Corbijn a littéralement sculpté leur identité visuelle, la rendant indissociable de leur musique.
Nirvana, Metallica, et d’autres légendes du rock : diversité et continuité dans ses choix artistiques
La liste des artistes avec lesquels Corbijn a travaillé est aussi longue qu’impressionnante : Nirvana, Metallica, The Rolling Stones, Joy Division… Chaque collaboration apporte son lot de défis, et pourtant, il parvient à capturer l’essence de chaque artiste.
Le style artistique d’Anton Corbijn
Le style d’Anton Corbijn ne se résume pas à un choix de noir et blanc, il s’agit d’une approche globale de l’art visuel. Son esthétique se caractérise par un minimalisme assumé, où chaque élément a sa place, rien n’est superflu.
Le choix du noir et blanc : pourquoi Corbijn privilégie cette esthétique
Pour Corbijn, le noir et blanc permet de révéler l’âme des artistes. « Les couleurs peuvent distraire, » explique-t-il, « le noir et blanc nous force à voir les détails, les imperfections, et c’est là que réside la vérité. » Ce choix de couleur est devenu une marque de fabrique, un moyen de distiller l’essentiel.
Anton Corbijn Photographe
Le minimalisme et l’authenticité : capturer l’essence des artistes
L’approche de Corbijn est résolument minimaliste : pas de décors extravagants, pas de retouches sophistiquées. Ce qui compte, c’est l’émotion brute. Son objectif est de dénuder les artistes de tout ce qui est superficiel pour atteindre ce qui est réel. « La photographie, c’est une quête de vérité, » dit-il souvent.
L’influence du cinéma sur ses photos : un regard de réalisateur
Les photos de Corbijn sont souvent comparées à des scènes de films. Cela n’a rien d’étonnant, puisqu’il est aussi réalisateur. Ses expériences derrière la caméra ont enrichi son regard, ajoutant une dimension narrative à ses photos. Chaque cliché raconte une histoire, et c’est ce qui les rend si captivants.
Anton Corbijn, le réalisateur
En 2007, Corbijn fait ses débuts au cinéma avec Control, un biopic sur Ian Curtis, le chanteur de Joy Division. Le film est acclamé par la critique, et Corbijn se fait une place dans le monde du septième art.
« Control » : le film qui a marqué le début d’une carrière cinématographique
Loin d’être un simple biopic, Control est une œuvre intimiste, un hommage à l’univers musical que Corbijn connaît si bien. Le film plonge le spectateur dans l’angoisse et la vulnérabilité de Curtis, et le noir et blanc sert encore une fois de toile de fond pour raconter une histoire profondément humaine.
« The American » et « A Most Wanted Man » : explorer de nouveaux horizons
Après Control, Corbijn continue à explorer le cinéma avec des films comme The American et A Most Wanted Man. Bien que ces films soient très différents de ses débuts photographiques, ils portent la marque de son style : un souci du détail, une mise en scène soignée, et un amour pour les histoires qui vont à l’essentiel.
La complémentarité entre la photo et le cinéma : deux moyens d’expression distincts mais connectés
Pour Corbijn, la photographie et le cinéma sont deux facettes d’une même pièce. L’un capture un instant, l’autre raconte une histoire en mouvement, mais les deux cherchent à révéler l’âme humaine.
Bruce Springsteen Photos
L’héritage et l’influence d’Anton Corbijn
Le nom d’Anton Corbijn est indissociable de la culture rock, mais son influence s’étend bien au-delà de la musique. Son approche a marqué des générations d’artistes et de photographes, et son héritage continue de résonner dans le monde de la photographie contemporaine.
Influence sur les photographes contemporains et les réalisateurs
Les photographes modernes qui cherchent à capturer l’essence des artistes ont souvent été influencés par Corbijn. Son utilisation du noir et blanc, sa capacité à créer des images intemporelles et sa recherche de l’authenticité sont autant de traits repris par d’autres artistes.
La marque Anton Corbijn dans la culture populaire : de la musique aux arts visuels
Que ce soit à travers des pochettes d’albums, des vidéos ou des films, Corbijn a laissé une marque indélébile sur la culture populaire. Il a redéfini ce que signifie être un photographe de musique, et a montré que la photographie peut être aussi puissante que la musique elle-même.
Expositions et rétrospectives : une reconnaissance mondiale de son œuvre
Les expositions dédiées à son travail, notamment à la Tate Modern et au Fotomuseum, attirent les foules et témoignent de la reconnaissance internationale dont il jouit. Elles permettent à un nouveau public de découvrir ses œuvres et d’apprécier la profondeur de son art.
Conclusion
Anton Corbijn n’est pas qu’un simple photographe ou réalisateur, il est un raconteur d’histoires. Son style, son approche, et sa vision ont durablement marqué l’histoire de la photographie et de la musique. Ses œuvres ne se contentent pas de capturer des images, elles capturent des âmes, et c’est cela qui les rend intemporelles.
Clips réalisés par Anton Corbijn
Hockey, Palais Schaumburg (1983)
Beat Box, Art of Noise (1984)
Dr. Mabuse, Propaganda (1984)
Red Guitar, David Sylvian (1984)
Seven Seas, Echo & the Bunnymen (1984)
The Ink in the Well, David Sylvian (1984)
Pride (In the Name of Love) (third version), U2 (1984)
Bring on the Dancing Horses, Echo & the Bunnymen (1985)
Quiet Eyes, Golden Earring (1986)
A Question of Time, Depeche Mode (1986)
Bedbugs and Ballyhoo, Echo & the Bunnymen (1987)
Strangelove, Depeche Mode (1987)
Pimpf, Depeche Mode (1987)
The Game, Echo & the Bunnymen (1987)
Never Let Me Down Again, Depeche Mode (1987)
Lips Like Sugar (first version), Echo & the Bunnymen (1987)
Behind the Wheel, Depeche Mode (1987)
Welcome to Paradise, Front 242
My Secret Place, Joni Mitchell avec Peter Gabriel (1988)
Blueprint, Rainbirds (1988)
Atmosphere, Joy Division (1988)
Headhunter, Front 242 (1988)
Faith and Healing, Ian McCulloch (1989)
Sea of Time, Rainbirds (1989)
White City of Light, Rainbirds (1989)
Personal Jesus, Depeche Mode (1989)
Killer Wolf, Danzig (1990)
Enjoy the Silence (first version), Depeche Mode (1990)
Policy of Truth, Depeche Mode (1990)
World in My Eyes, Depeche Mode (1990)
May This Be Your Last Sorrow, Banderas (1990)
Clean, Depeche Mode (1991)
Marie, Herbert Grönemeyer (1991)
Two Faces, Rainbirds (1991)
Tragedy (For You), Front 242 (1991)
Halo, Depeche Mode (1991)
Front By Front, Front 242 (1992)
Hail Hail Rock ‘n’ Roll, Garland Jeffreys (1992)
Lover Lover Lover, Ian McCulloch (1992)
One (original version), U2 (1992)
Straight To You, Nick Cave and the Bad Seeds (1992)
Dirty Black Summer, Danzig (1992)
Do I Have to Say the Words?, Bryan Adams (1992)
I Feel You, Depeche Mode (1993)
Walking in My Shoes, Depeche Mode (1993)
Condemnation (first version), Depeche Mode (1993)
Heart-Shaped Box, Nirvana (1993) Alternative Video
Delia’s Gone, Johnny Cash (1994)
Mockingbirds, Grant Lee Buffalo (1994)
In Your Room, Depeche Mode (1994)
Liar, Henry Rollins (1994)
Love & Tears, Naomi Campbell (1994)
Have You Ever Really Loved a Woman?, Bryan Adams (1995)
My Friends (first version), Red Hot Chili Peppers (1995)
Hero of the Day, Metallica (1996)
Mama Said, Metallica (1996)
Barrel of a Gun, Depeche Mode (1997)
It’s No Good, Depeche Mode (1997)
Useless, Depeche Mode (1997)
Please (first version), U2 (1997)
Bleibt Alles Anders, Herbert Grönemeyer (1998)
Fanatisch, Herbert Grönemeyer (1998)
Goddess on a Hiway (second version), Mercury Rev (1998)
Salvation, Roxette (1999)
Opus 40 (first version), [Mercury Rev (1999)
Stars, Roxette (1999)
Chemical (first version), Joseph Arthur (2000)
In The Sun, Joseph Arthur (2000)
Invalid Litter Dept., At the Drive-In (2001)
Freelove (second version), Depeche Mode (2001)
Mensch, Herbert Grönemeyer (2002)
Electrical Storm, U2 (2002)
Re-Offender, Travis (2003)
Zum Meer, Herbert Grönemeyer (2003)
Haar Schnitt: Love Will Come Through, Travis (2004)
All These Things That I’ve Done » (second version) The Killers (2005)
Talk, Coldplay (2005)
Suffer Well, Depeche Mode (2005)
Viva La Vida (seconde version), Coldplay (2008)
Should Be Higher, Depeche Mode (2013)
Reflektor, Arcade Fire (2013)
Where’s the Revolution, Depeche Mode (2017)
Cover Me, Depeche Mode (2017)
FAQ sur Anton Corbijn
1. Pourquoi Anton Corbijn utilise-t-il principalement le noir et blanc dans ses photographies ?
Corbijn privilégie le noir et blanc car il considère que cette palette réduit les distractions et permet de se concentrer sur l’essentiel : l’émotion et l’authenticité du sujet. Pour lui, le noir et blanc crée une atmosphère intemporelle et évite que l’image ne soit datée par les tendances en matière de couleur. Cela ajoute également une profondeur émotionnelle, car les contrastes et les ombres révèlent des détails qui peuvent être perdus dans la couleur.
2. Quelles sont les collaborations les plus marquantes d’Anton Corbijn ?
Les collaborations les plus célèbres de Corbijn incluent des groupes tels que U2, Depeche Mode, Joy Division, Nirvana, et Metallica. Avec U2, il a non seulement photographié les pochettes d’albums, mais a aussi contribué à façonner l’esthétique visuelle du groupe pendant des décennies. Pour Depeche Mode, il a réalisé des clips vidéo iconiques et créé des pochettes d’albums inoubliables. Son travail avec Joy Division est particulièrement marquant, notamment pour avoir immortalisé Ian Curtis peu avant sa mort.
3. Comment le style de Corbijn a-t-il influencé la photographie musicale contemporaine ?
Anton Corbijn a introduit un style plus brut et émotionnel dans la photographie musicale, en s’éloignant de l’image glamour et en préférant une approche plus minimaliste et réaliste. Il a mis l’accent sur l’émotion des artistes, capturant des moments de vulnérabilité plutôt que des poses glamour. Cette approche a inspiré de nombreux photographes qui cherchent à aller au-delà de la surface pour capturer l’âme des musiciens.
4. Quel est le lien entre les travaux de Corbijn en photographie et en cinéma ?
Les travaux photographiques et cinématographiques de Corbijn sont étroitement liés par une recherche de vérité et d’émotion brute. En photographie, il capture des instants figés dans le temps qui racontent une histoire, tandis qu’au cinéma, il développe ces histoires sur la durée. Les deux disciplines lui permettent d’explorer l’intensité humaine, mais d’une manière différente : la photographie condense l’émotion en une seule image, tandis que le cinéma la déroule sur plusieurs minutes.
5. Quels films a réalisés Anton Corbijn et pourquoi sont-ils importants ?
Corbijn a réalisé plusieurs films, dont Control (2007), un biopic sur Ian Curtis de Joy Division, The American (2010), un thriller avec George Clooney, et A Most Wanted Man (2014), adapté du roman de John le Carré. Control est particulièrement important car il marque le passage de Corbijn de la photographie au cinéma, tout en conservant son esthétique visuelle caractéristique. Le film a été salué pour sa représentation intime et réaliste de Curtis et a montré que Corbijn pouvait utiliser le langage cinématographique pour explorer les mêmes thèmes que dans ses photographies.
6. Quelles techniques photographiques Anton Corbijn utilise-t-il ?
Corbijn privilégie les techniques simples et directes, évitant les retouches complexes. Il travaille principalement avec la lumière naturelle et utilise souvent des appareils photo argentiques pour obtenir une texture granuleuse. Sa préférence pour les prises de vue en extérieur ou dans des lieux peu conventionnels, plutôt qu’en studio, renforce l’authenticité de ses clichés. Il est également connu pour ses compositions asymétriques et ses angles inattendus qui donnent une impression de spontanéité.
7. Comment le travail de Corbijn avec Depeche Mode a-t-il influencé l’image du groupe ?
La collaboration avec Depeche Mode a débuté dans les années 80 et a contribué à transformer l’image du groupe, passant d’un look synth-pop à une esthétique plus sombre et mature. Les clips vidéo réalisés par Corbijn, tels que Enjoy the Silence et Personal Jesus, ont ajouté une dimension visuelle marquante aux chansons, renforçant l’identité du groupe. Les pochettes d’albums qu’il a créées, avec leur style épuré et émotionnel, sont également devenues des images emblématiques de la culture musicale.
8. Pourquoi les photographies d’Anton Corbijn sont-elles souvent comparées à des scènes de films ?
Les clichés de Corbijn ont un caractère cinématographique en raison de leur composition, de l’utilisation des ombres, et de la narration visuelle qui semble figer un moment d’une histoire plus vaste. Cette approche est influencée par son travail en tant que réalisateur, où il a appris à raconter des histoires à travers une série d’images en mouvement. Chaque photographie semble capturer un moment dans une scène de film qui n’existe que dans l’imagination du spectateur.
9. Quel a été l’impact d’Anton Corbijn sur les artistes avec lesquels il a travaillé ?
Les artistes qui ont collaboré avec Corbijn ne sont pas seulement des sujets de ses photographies, ils bénéficient aussi d’une redéfinition de leur image publique. Par exemple, U2 a évolué vers une esthétique plus introspective grâce à ses photographies, tandis que Depeche Mode a adopté une imagerie plus sombre et symbolique. Son travail ne se contente pas d’accompagner la musique, il la transcende et la complète, créant ainsi une synergie entre son art visuel et l’univers sonore des groupes.
10. Où peut-on voir les œuvres d’Anton Corbijn ?
Les œuvres de Corbijn sont exposées dans des musées et galeries prestigieuses à travers le monde. Des rétrospectives de son travail ont eu lieu au Fotomuseum de La Haye, à la Tate Modern de Londres, et au Foam Museum d’Amsterdam. Pour les amateurs d’art, ces expositions offrent une occasion unique de voir ses photographies en grand format et de découvrir leur impact émotionnel dans un cadre immersif.
11. Pourquoi le style de Corbijn est-il souvent qualifié de minimaliste ?
Le minimalisme chez Corbijn se manifeste par l’absence de distractions dans ses photos. Il élimine les éléments superflus pour ne laisser que l’essentiel, ce qui permet aux sujets de prendre toute la place. Ce style minimaliste, combiné à l’utilisation du noir et blanc, donne une impression de simplicité et d’intensité émotionnelle. Pour lui, moins c’est plus, et chaque détail compte.
12. Quelle est l’importance de l’intimité dans les photographies d’Anton Corbijn ?
L’intimité est au cœur de l’œuvre de Corbijn. Il parvient à établir une connexion avec les artistes qu’il photographie, capturant des moments de vulnérabilité et d’humanité. Ses photos ne sont pas seulement des images de célébrités, elles sont des portraits d’individus, avec leurs forces et leurs failles.
13. Comment Anton Corbijn choisit-il les projets sur lesquels il travaille ?
Corbijn a toujours été sélectif quant aux projets qu’il accepte. Il privilégie les collaborations où il sent qu’il peut apporter une vision unique, et où il y a un défi artistique à relever. Il aime travailler avec des musiciens et des artistes qui partagent une même sensibilité et une ouverture à l’expérimentation. Cette approche lui permet de maintenir une qualité artistique élevée dans son travail.
14. Quel a été l’impact de la numérisation sur le travail de Corbijn ?
Bien que le numérique ait transformé la photographie, Corbijn reste fidèle à l’argentique pour la majorité de ses projets. Il préfère le grain et la texture qu’offrent les films photographiques, même s’il utilise parfois le numérique pour des projets spécifiques. Son attachement à l’argentique témoigne de son désir de préserver une approche artisanale de la photographie.
15. Comment Corbijn voit-il l’avenir de la photographie ?
Corbijn est optimiste quant à l’avenir de la photographie, mais il croit que l’authenticité deviendra de plus en plus importante. Dans un monde saturé d’images, il pense que ce qui fera la différence, ce sera l’émotion et la sincérité capturées dans une photo, plutôt que la perfection technique.
Depuis 1986, l’esthétique intemporelle et menaçante du maître photographique néerlandais Anton Corbijn a solidifié la réputation de Depeche Mode en rendant leur image éthérée et toujours avant-gardiste.
« Anton a su donner une identité visuelle au son que les DM commençaient à créer. » Dave Gahan
Le volume contient plus de 500 photographies tirées des archives personnelles de Corbijn, certaines jamais vues auparavant, ainsi que des décors, des croquis, des couvertures d’albums et des observations personnelles de Corbijn.
Egalement en vente est une édition collector (# 201-1 986), chacune signée par Anton Corbijn et Depeche Mode.
C’est un artiste autodidacte qui a commencé une extraordinaire histoire quotidienne avec les SDF il y a une quinzaine d’années. Dans une interview publiée il y a quelques mois en Grande-Bretagne, il déclarait « Tout le monde passe comme si les sans-abris étaient invisibles. Je transcende la peur, dans l’espoir que les gens réalisent que ces gens sont comme vous et moi ».
Les photographies de Lee Jeffries ont la gravité et l’authenticité des véritables relations humaines. Il connaît chacun de ses sujets personnellement, parfois il partage leur quotidien jusqu’au point de dormir dans la rue à leurs côtés, partageant ainsi la brutalité de leur quotidien.
Pour l’artiste Lee Jeffries c’est le seul moyen de construire une relation réelle et ainsi de donner vie à ses portraits. Les incroyables prises de vue de Lee Jeffries dégagent une sensibilité exacerbée, émouvante, captant la beauté universelle de l’humanité dans ce qu’elle a de plus dramatique.
Lee Jeffries Photographe – Lee Jeffries Photographe
Lee Jeffries a déclaré dans des interviews qu’il considérait la photographie comme un moyen de communiquer avec les autres et de trouver une forme de connexion avec les personnes qu’il photographie. Il est également connu pour son engagement envers les causes humanitaires et pour son travail avec des organisations caritatives pour sensibiliser à la situation des personnes sans-abri.
L’histoire de Lee Jeffries
Passionné de foot, Lee Jeffries commença par photographier en premier lieu des manifestations sportives. Un jour, il photographie en cachette une jeune femme sans-abri, dans les rues de Londres. Il va à sa rencontre et c’est à ce moment-là que sa pratique photographique se voit.
En effet, Lee Jeffries a commencé à faire de la photographie en 2008. Avant cela, il travaillait dans le milieu financier à Manchester, en Angleterre. Son premier projet photographique, intitulé « Lost Angels », a commencé par accident lorsqu’il a photographié une jeune sans-abri à Londres en 2008. Cette rencontre a profondément marqué Lee Jeffries et l’a inspiré à poursuivre une série de portraits de personnes sans-abri, en capturant leur humanité et leur vulnérabilité.
Depuis lors, Lee Jeffries a continué à photographier des portraits poignants de personnes en situation de précarité à travers le monde, tout en travaillant comme photographe indépendant et en collaborant avec des organisations caritatives pour sensibiliser à la situation des personnes sans-abri.
Grâce à son style de photographie unique et émotionnellement puissant, Lee Jeffries est devenu un photographe renommé, exposant ses œuvres dans des galeries d’art et remportant de nombreux prix prestigieux de photographie.
Il décide alors de placer les sans-abris au cœur de son art. Il compose alors une série de photos nommée HOMELESS.
L’artiste Lee Jeffries poursuit alors son projet aux quatre coins du monde, car, pour lui, la photographie constitue un moyen d’attirer l’attention et de réunir des fonds pour les « homeless » (sans-abris) du monde entier.
Son style photographique unique utilise des techniques de lumière et d’ombre pour créer des portraits émotionnellement puissants et révélateurs.
Lee Jeffries a exposé ses œuvres dans des galeries d’art à travers le monde, notamment à New York, Paris et Londres, et a remporté de nombreux prix prestigieux de photographie. Ses photographies ont été publiées dans de nombreux magazines et journaux, et ont été utilisées pour des campagnes publicitaires et des projets humanitaires.
En dehors de la photographie, Lee Jeffries est connu pour sa passion pour la course à pied, qu’il considère comme un moyen de se vider l’esprit et de se concentrer sur la créativité. Il est également un fervent défenseur de la sensibilisation à la situation des personnes sans-abri et travaille avec des organisations caritatives pour aider à leur fournir de l’aide et du soutien.
Lee Jeffries en vidéos
Lee Jeffries, ses photographies les plus célèbres
Lee Jeffries est connu pour ses portraits émouvants et intenses de personnes en situation de précarité. Certaines de ses photos les plus célèbres comprennent :
« Angelina », une photo de 2011 d’une jeune fille sans-abri à Los Angeles, aux États-Unis. La photo montre Angelina, âgée de 18 ans, avec les yeux fermés et une expression de tristesse et de désespoir sur son visage. Cette photo est devenue l’une des plus célèbres de Lee Jeffries et a été largement partagée sur les réseaux sociaux.
« Homeless Simon », une photo de 2013 d’un homme sans-abri à Londres, au Royaume-Uni. Cette photo montre Simon avec un regard intense et déterminé sur son visage, portant une capuche et un manteau qui accentuent son air de mystère et de dignité.
« Elizabeth », une photo de 2013 d’une femme sans-abri à Los Angeles, aux États-Unis. Cette photo montre Elizabeth avec un regard dur et déterminé sur son visage, soulignant sa force intérieure et sa résilience.
« Benjamin », une photo de 2014 d’un homme sans-abri à Paris, en France. Cette photo montre Benjamin avec les yeux fermés, comme s’il était perdu dans ses pensées, et une expression douloureuse sur son visage, évoquant la douleur et la vulnérabilité des personnes en situation de précarité.
Ces photos, ainsi que de nombreuses autres œuvres de Lee Jeffries, ont été exposées dans des galeries d’art à travers le monde et ont été utilisées pour des campagnes publicitaires et des projets humanitaires.
Lee Jeffries, sa bibliographie et ses expositions
Lee Jeffries a publié plusieurs livres de photographie et a également exposé ses œuvres dans des galeries et des musées à travers le monde.
En 2014, Lee Jeffries a publié son premier livre de photographie, intitulé « Lost Angels », qui rassemble ses portraits de personnes sans-abri prises à Los Angeles. Ce livre a été très bien reçu et a contribué à faire connaître le travail de Lee Jeffries à un public plus large.
Depuis lors, Lee Jeffries a publié d’autres livres de photographie, notamment « Homeless » (2019), qui présente une sélection de portraits de personnes sans-abri prises dans différents endroits du monde, et « Gathered » (2021), qui présente une sélection de portraits de personnes issues de diverses communautés et cultures.
Le livre « Homeless » de Lee Jeffries, publié en 2019, est un recueil de portraits de personnes sans-abri prises dans différentes villes du monde, notamment à Paris, Londres, Rome, New York, Los Angeles et Amsterdam.
Le livre contient plus de 150 photographies en noir et blanc, qui capturent les visages et les expressions de personnes sans-abri dans leur quotidien. Les portraits sont accompagnés de courts textes qui racontent les histoires de vie des personnes photographiées, permettant ainsi de mieux comprendre leur situation et leur vécu.
L’ouvrage est divisé en plusieurs chapitres, chacun consacré à une ville différente et présentant des portraits de personnes sans-abri spécifiques à cette ville. Les portraits sont souvent très intenses et émouvants, montrant la vulnérabilité et la dignité des personnes sans-abri.
Le livre « Homeless » a été très bien accueilli par le public et la critique, salué pour la qualité artistique des photographies ainsi que pour la sensibilité et l’empathie de l’auteur envers les personnes photographiées. Le livre a également contribué à sensibiliser le public aux questions sociales liées à la pauvreté et à l’exclusion sociale, en mettant en lumière la réalité quotidienne des personnes les plus vulnérables de notre société.
Le livre « Gathered » de Lee Jeffries, publié en 2021, est un recueil de portraits de personnes de diverses communautés et cultures, prises dans différentes villes du monde. Il est construit sur le modèle de « Homeless ». Le livre contient plus de 200 photographies en noir et blanc, qui capturent les visages et les expressions de personnes issues de différentes origines, races, cultures et religions. Les portraits sont souvent très intenses et expressifs, montrant la diversité et la richesse de l’humanité.
Le livre « Gathered » a aussi été très bien accueilli par le public et la critique, salué pour la qualité artistique des photographies ainsi que pour la sensibilité et l’empathie de l’auteur envers les personnes photographiées. Le livre est une célébration de la diversité humaine et un appel à l’ouverture d’esprit et à la tolérance envers les différences culturelles et sociales.
En plus de ses livres, Lee Jeffries a exposé ses œuvres dans des galeries d’art à travers le monde, notamment à Londres, Paris, Berlin, New York et Los Angeles. Ses photos ont également été exposées dans des musées, tels que le Musée d’art contemporain de Shanghai et le Musée de la Photographie de Moscou.
Les œuvres de Lee Jeffries sont appréciées pour leur intensité émotionnelle et leur capacité à susciter l’empathie envers les personnes les plus vulnérables de notre société. Ses expositions et publications ont contribué à sensibiliser le public aux questions sociales liées à la pauvreté, à la précarité et à l’exclusion sociale.
FAQ sur le photographe, Lee Jeffries
Q1: Qui est Lee Jeffries?
R: Lee Jeffries est un photographe anglais célèbre pour ses photographies de rue réalisées avec des appareils-photos argentiques.
Q2: Quelles sont les principales caractéristiques de ses photographies?
R: Les principales caractéristiques de ses photographies sont la lumière douce et enveloppante et les couleurs vives, ce qui donne une atmosphère unique à ses images.
Q3: Quels sont les principaux sujets de ses photographies?
R: Les principaux sujets de ses photographies sont les personnes à la rue, les sans-abri et les réfugiés, qu’il aime à photographier pour faire prendre conscience des conditions difficiles de leur vie.
Q4: Quel est le style de Lee Jeffries?
R: Le style de Lee Jeffries est un style de portrait intime et émouvant, où les visages et les histoires humaines sont mis en avant.
Q5: Quels sont les appareils-photos qu’utilise Lee Jeffries?
R: Lee Jeffries utilise principalement des appareils-photos argentiques, comme le Canon EOS-1V et le Hasselblad 503 CW.
Q6: Quels sont les logiciels de retouche d’image qu’utilise Lee Jeffries?
R: Lee Jeffries utilise principalement Adobe Photoshop pour retoucher ses images.
Q7: Quels sont les principaux prix que Lee Jeffries a reçu?
R: Lee Jeffries a reçu de nombreux prix, dont le Prix du Public du Taylor Wessing Photographic Portrait Prize et le Prix du Public du Sony World Photography Award.
Q8: Quels sont les principaux projets de Lee Jeffries?
R: Les principaux projets de Lee Jeffries sont ses séries de photographies intitulées « Les Visages de la Marge » et « Les Portraits des Réfugiés ».
Q9: Quels sont les principaux prix que Lee Jeffries a remportés?
R: Lee Jeffries a remporté de nombreux prix, dont le Prix du Public du Taylor Wessing Photographic Portrait Prize et le Prix du Public du Sony World Photography Award.
Q10: Quels sont les principaux livres publiés par Lee Jeffries?
R: Lee Jeffries a publié deux livres, « The Faces of the Margin » et « The Portraits of the Refugee ».
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Vous avez eu une conférence à la Stockholm Gallery, pouvez-vous me dire de quels thèmes vous avez discuté?
Lee Jeffries: Dans mes conférences, j’essaie de souligner la profondeur des relations avec les personnes que je photographie. Je montre généralement un petit clip vidéo que j’ai réalisé au cours des six dernières années pour le prouver. Il est extrêmement puissant et met toujours le public dans un état de choc émotionnel.
Certains de nos lecteurs ne connaissent peut-être pas la fille sans-abri qui a changé à jamais votre approche artistique. Pouvez-vous m’en dire plus sur cette rencontre inoubliable?
Oui, il y a une histoire que je connais bien. Celle du marathon de Londres. La veille de la course, j’étais dans la rue pour essayer de shooter quelque chose.
Je remarque une fille sans-abri qui est blottie dans un sac de couchage dans une porte de magasin de l’autre côté de la rue et je la photographie avec mon objectif 200 mm! Elle me voit et commence à poser un grand moment. J’ai honte de l’absence de réaction des passants. Tout ce que je veux, c’est la sortir de l’enfer. Quelque chose m’arrête et je vais lui parler. Elle m’a appris ma première leçon de photographe.
Avez-vous une formation en photographie?
Mes photos parlent de foi, d’amour et d’humanité.
Quand j’ai commencé (il y a 6 ans), je n’avais pas d’approche artistique particulière. J’ai vécu ma vie … en aimant … en ouvrant mon cœur à toutes sortes d’influences que j’ai maintenues jusqu’à ce jour. L’amour était le catalyseur de tout. Cela m’a amené de grand moment de plaisir, mais aussi des périodes de solitude sans fin qui se poursuivent encore aujourd’hui.
En fait, cela ne me dérange pas d’admettre que l’amour est la force motrice de tous mes efforts artistiques. Les sans-abris ? Pas parce qu’ils sont sans abri … plus qu’eux je comprends et je reconnais vraiment la solitude avec laquelle je marche tous les jours. C’était et c’est mon point de départ.
Votre entreprise sensibilise et influence la perception de la société. Vous avez également créé de nombreuses initiatives. Pourriez-vous développer?
J’ai eu beaucoup de chance. Une sélection de mes photos peut être achetée dans les galeries YellowKorner du monde entier.
Cela leur a donné une exposition inestimable. YellowKorner et moi avons également pu organiser des ventes aux enchères caritatives, dont la dernière a permis de récolter plus de 25 000 euros pour une association caritative basée à Paris.
J’entends l’incompréhension du public face à l’exploitation commerciale de la pauvreté, mais je pense vraiment que sans un certain nombre d’événements commerciaux comme la vente aux enchères caritatives, les gens n’auraient tout simplement pas pris conscience des conditions de vie d’un sans-abri. Il faut développer un certain niveau de conscience dans le monde de l’art.
Certains portraits ressemblent presque à une photo sincère, ils semblent distraits de leurs propres pensées. Comment y arrivez-vous et comment abordez-vous votre sujet ? Avez-vous une méthode ?
Chaque sujet est un projet. Je vais dans un quartier, par exemple à Overtown à Miami, et je plonge dans une communauté. Je marche dans les rues, mange et dors là-bas pendant des semaines. Je fais partie de cette communauté. Cela me permet d’établir des connexions profondes.
Le post-traitement est un élément clé de votre travail. Pouvez-vous me parler de votre technique ?
J’ai assisté à une réunion avec Justin Zackham à Ojai il y a quelques années et il m’a posé la même question. J’ai commencé à expliquer .. oh pendant environ 20 minutes. Finalement, il a dit: « Lee, j’aurais aimé ne jamais vous poser cette question. Vos photos sont bien plus que tout autre processus. Estimez ce que représente l’image … pas comment elle a été faite. »
Si vous deviez choisir une photo que vous aimez le plus, laquelle choisiriez-vous et pourquoi?
J’ai un lien émotionnel avec chacun d’elles. Si je devais en nommer une seule, ce serait la version couleur des mains en prière. Tout a commencé à Rome. Courir dans les couloirs du Vatican en larmes. Cette image capture l’essence de ce que j’ai fait là-bas.
« Sumo » aux éditions Taschen, de Annie Leibovitz est un livre de photographies incroyablement unique et remarquable.
Mesurant plus de 50 centimètres de haut et pesant près de 60 kilogrammes, ce livre est considéré comme l’un des plus grands livres de photographies jamais publiés. Publié pour la première fois en 1999 en édition limitée à seulement 10 000 exemplaires numérotés et signés, ce livre est devenu un objet de collection rare et recherché par les amateurs de photographie et les collectionneurs d’art.
Avec plus de 400 photographies captivantes couvrant la carrière de Leibovitz depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui, « Sumo » est une vitrine spectaculaire de l’œuvre de l’un des plus grands photographes du monde.
Annie Leibovitz est une photographe américaine née en 1949. Elle est surtout connue pour ses portraits de célébrités et de personnalités publiques, ainsi que pour son travail pour le magazine Rolling Stone et le Vanity Fair.
Au cours de sa carrière, elle a capturé des images iconiques de personnalités telles que John Lennon, Yoko Ono, Mick Jagger, Queen Elizabeth II, Barack Obama et de nombreuses autres.
Elle a également travaillé sur des campagnes publicitaires pour des marques de renom telles que American Express et Louis Vuitton. En plus de ses portraits, Leibovitz est également reconnue pour son travail sur des séries photographiques, notamment sur les thèmes de la guerre et de la culture populaire américaine. Elle est largement considérée comme l’une des photographes les plus influentes de notre époque.
Dans cet article, nous allons plonger dans les coulisses de ce livre extraordinaire et découvrir pourquoi il est devenu un objet de convoitise pour les amateurs d’art et les collectionneurs du monde entier.
La description du Sumo Annie Leibovitz par Taschen
Lorsque Benedikt Taschen a demandé au photographe portraitiste le plus important travaillant aujourd’hui, de rassembler ses photos dans un livre au format SUMO, elle a été intriguée et interpellée. Le projet a mis plusieurs années à se développer et s’est révélé plus qu’intéressant.
Annie Leibovitz s’est inspirée de plus de 40 ans de travail, en commençant par le reportage viscéralement intime qu’elle a créé pour le magazineRolling Stone dans les années 1970, en passant par le portrait plus stylisé de son travail pour Vanity Fair et Vogue. Des images célèbres telles que John Lennon et Yoko Ono enlacées dans une dernière étreinte côtoient des portraits rarement, voire jamais vus auparavant.
Annie Leibovitz a pu présenter certains de ses célèbres portraits de groupe dans un format qui prouve qu’elle est la maîtresse du genre. Ses images sont à la fois intimes et iconiques, stylistiquement larges et aussi uniquement la sienne. Annie Leibovitz est souvent imitée, en particulier par les jeunes photographes, mais son travail est immédiatement reconnaissable.
Les serre-livres de la collection Leibovitz sont la photographie en noir et blanc de l’hélicoptère de Richard Nixon décollant de la pelouse de la Maison Blanche après sa démission en tant que président en 1974, et le portrait officiel en couleur de la reine Elizabeth II pris dans un salon du palais de Buckingham en 2007.
Entre les deux, des portraits qui composent un album de famille de notre temps : comédiens, danseurs,musiciens, artistes, écrivains, performeurs, journalistes, sportifs, hommes d’affaires.
La performance et la puissance sont des thèmes récurrents. Un livre supplémentaire contient des essais d’Annie Leibovitz, de Graydon Carter, Hans Ulrich Obrist et Paul Roth ainsi que de courts textes décrivant les sujets de chacune des plus de 250 photographies.
Taschen Sumo Annie Leibovitz
L’édition Collector est disponible en quatre couvertures différentes :
-Whoopi Goldberg, Berkeley, Californie, 1984
-Keith Haring, New York, 1986
-David Byrne, Los Angeles, 1986
-Patti Smith, Nouvelle-Orléans, Louisiane, 1978
Limité à un total de 10 000 exemplaires signés et numérotés, ce livre est disponible en édition collector (n° 1 001– 10 000) et également en édition d’art (n° 1 à 1 000) avec un tirage d’art, signé par Annie Leibovitz, et l’ensemble complet des quatre couvertures.
Taschen Sumo Annie Leibovitz
L’histoire du Sumo Annie Leibovitz par Taschen
Avec toute la technologie avec laquelle nous vivons tous les jours, il y a quelque chose à dire sur le fait de se blottir avec un bon livre. Avant la télévision, les films et Internet, les livres ont été fabriqués à la main par des artisans et des illustrateurs et, avec l’invention de l’imprimerie, ont rendu l’art et les artistes accessibles au public depuis la fin du XIXe siècle.
Le célèbre marchand d’art et éditeur Ambroise Vollard (1866 – 1939) s’est profondément engagé dans la production de livres d’artistes et a créé plusieurs volumes en éditions limitées qui sont toujours recherchés aujourd’hui. Un livre d’artiste est une œuvre d’art sous forme de livre, souvent créée pour illustrer une œuvre littéraire.
Le livre en édition limitée serait publié avec les tirages en vrac qui l’accompagnent, souvent contenus dans un étui ou une boîte à linge. Au cours des années 1900, des artistes européens bien connus tels que Picasso, Matisse, Miró et Chagall ont collaboré avec les éditeurs les plus importants de Paris pour créer des livres en édition limitée somptueusement imprimés basés sur de grandes œuvres littéraires, remontant jusqu’au deuxième siècle. .
André Suares, un éditeur bien connu du siècle dernier a dit des livres d’artistes de Vollard ; « Des livres comme ceux-ci n’ont jamais été faits auparavant et ne seront plus jamais faits. » Et nous ressentons la même chose pour les offres de Taschen.
Conformément à la tradition de la collection de livres, ÆRENA Galleries and Gardens est heureuse de présenter une sélection de livres à collectionner en édition limitée de l’éditeur de renommée mondiale Taschen, y compris leur gamme de livres SUMO très recherchés et signés qui incluent : Annie Leibovitz, The Rolling Stones , David Hockney, Genesis de Sebastiao Salgado et un nombre très limité d’archives James Bond épuisées. « Pas le temps de mourir ».
Caractéristiques du Sumo Annie Leibovitz par Taschen
Artiste : TASCHEN
Titre : Sumo Annie Leibovitz – Whoopi
Médias:
Dimensions : 19,70″ x 27,00″ x 2,00″
Édition : Unique
Hauteur : 19,7″
Largeur : 27″
Profondeur : 2″
Poids : 108 livres
Code produit : T-66W
Voici quelques-unes des principales caractéristiques détaillées du livre « Sumo » de Annie Leibovitz :
Taille : le livre est incroyablement grand, mesurant plus de 50 centimètres de haut et 70 centimètres de large une fois déplié.
Poids : le livre pèse près de 60 kilogrammes, ce qui en fait l’un des plus grands et des plus lourds livres de photographies jamais publiés.
Édition limitée : le livre a été publié en édition limitée à seulement 10 000 exemplaires numérotés et signés, ce qui en fait un objet de collection rare et recherché.
Plus de 400 photographies : le livre contient plus de 400 photographies captivantes de la carrière de Leibovitz depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui.
Couverture en SUMO-tissu : la couverture du livre est fabriquée en SUMO-tissu, une toile durable et résistante.
Design unique : le livre a été conçu par Marc Newson, un célèbre designer industriel australien, qui a créé une structure en accordéon qui permet de déployer les pages avec facilité.
Contenu varié : les photographies présentées dans le livre couvrent une grande variété de sujets, allant des portraits de célébrités et de personnalités publiques aux paysages, en passant par des séries photographiques sur des thèmes tels que la guerre et la culture populaire américaine.
En somme, « Sumo » est un livre de photographies unique en son genre, qui présente le travail captivant et influent de l’une des photographes les plus célèbres de notre époque.
Le livre « Sumo » de Annie Leibovitz contient plus de 400 photographies, ce qui en fait un ouvrage très riche et varié. Voici un aperçu des photos et du sommaire :
Introduction : le livre commence par une introduction de l’acteur et ami de longue date de Leibovitz, Steve Martin.
The Early Years : cette section présente les premiers travaux de Leibovitz, y compris des portraits de musiciens et de personnalités publiques des années 1970.
The 1980s : cette section contient des portraits iconiques de personnalités telles que Mikhail Baryshnikov, Keith Haring, et Christo et Jeanne-Claude.
The 1990s : cette section inclut des portraits de personnalités telles que Patti Smith, Demi Moore enceinte, et Arnold Schwarzenegger.
The 2000s : cette section contient des portraits de personnalités telles que George W. Bush, Queen Elizabeth II, et Lance Armstrong.
The Women : cette section est consacrée aux portraits de femmes, notamment des artistes, des actrices et des musiciennes.
The Dancers : cette section présente des portraits de danseurs et de chorégraphes tels que Mikhail Baryshnikov, Martha Graham, et Jerome Robbins.
The Athletes : cette section contient des portraits de sportifs, notamment des joueurs de basket-ball, de football américain et de golf.
The War : cette section est consacrée à la photographie de guerre et inclut des images de soldats et de paysages dévastés.
The Performers : cette section présente des portraits de comédiens, de musiciens, de chanteurs d’opéra et de circassiens.
The Landscape : cette section contient des images de paysages américains, notamment des déserts, des forêts et des plages.
The Queen : cette section est consacrée aux portraits de la reine Elizabeth II et inclut des images prises à Buckingham Palace.
The End : le livre se termine par une sélection de photographies récentes de Leibovitz.
En somme, « Sumo » est un livre qui présente une grande variété de travaux photographiques de Leibovitz, allant des portraits de célébrités et de personnalités publiques à la photographie de guerre en passant par les paysages et les images de danse et de sport.
À propos de Taschen
Qu’est-ce que la vie, sinon l’art ? Et en tant qu’êtres humains, nous aimons aussi collectionner l’art. Vous avez de la chance car Taschen est un éditeur d’art et d’anthropologie dont les livres regorgent de photos de qualité, de littérature informative et de designs uniques. La société est bien connue pour sa vision astucieuse de sujets tels que l’architecture, le mysticisme et la culture pop.
Les amateurs d’art et les collectionneurs de livres sont devenus fous pour Taschen, et cela se voit. Entre leur abondance de critiques Taschen en ligne, leurs 425 000 abonnés sur Instagram et des articles réguliers dans des périodiques bien connus comme Forbes et Vanity Fair, cette maison d’édition d’art avant-gardiste a fait l’effort de se démarquer de votre libraire moyen pour se faire remarquer.
Avec la vision motrice de l’entreprise de vendre à la fois des livres de collection en édition limitée et de la littérature à bas prix, Taschen touche tous les créneaux du marché des amateurs de livres. Cette revue Taschen va vous aider à décider si vous souhaitez investir dans l’une de leurs pièces uniques et impressionnantes.
Présentation de Taschen
Cette maison d’édition a été fondée en 1980 par Benedikt Taschen, qui écrivait ses propres bandes dessinées et voulait partager son travail avec le monde. En peu de temps, l’entreprise est rapidement devenue une entreprise qui ne se spécialisait pas seulement dans les romans graphiques, mais aussi dans l’art, la littérature et même l’érotisme.
Actuellement dirigée par Benedikt et sa fille Marlene, cette maison d’édition a atteint un statut bien connu en raison de sa qualité d’impression et de ses grandes pièces de déclaration de la longueur d’un livre qui peuvent être appréciées par les propriétaires et les invités. Chaque livre Taschen est conçu pour impressionner, inspirer et apparaître comme de l’art .
Avant d’approfondir l’héritage et les offres que l’entreprise promeut, nous voulions vous montrer la liste des faits saillants que nous avons collectés, afin que vous puissiez voir, dès le départ, ce dont Taschen est fier.
Points forts de Taschen
L’éditeur propose une grande variété de sujets
Collections de livres rares
Long héritage (depuis 1980)
Entreprise familiale et exploitée
Disponible en ligne et en magasin
Expédition rapide aux États-Unis
Livraison gratuite sur les commandes de plus de 100 $
Revue Taschen
Avec une pile de merveilleux faits saillants comme celui-ci, il est difficile de ne pas être curieux de savoir ce que Taschen fait bien d’autre. Cette entreprise existe depuis un certain temps, elle a donc un catalogue impressionnant de livres, de produits et, bien sûr, des avis Taschen de clients qui souhaitent donner leur avis.
Pour conclure, « Sumo » de Annie Leibovitz est bien plus qu’un simple livre de photographies. C’est un monument à la carrière d’une des photographes les plus influentes de notre époque. Avec des images captivantes et des portraits iconiques de personnalités célèbres, ce livre est devenu un objet de collection incontournable pour les amateurs de photographie et les collectionneurs d’art.
Avec sa taille impressionnante et son poids considérable, « Sumo » est un objet à part entière, une œuvre d’art en soi. Le travail de Leibovitz dans ce livre est le reflet de son incroyable talent, son sens aigu de l’esthétique et sa capacité à capturer l’essence même de ses sujets. « Sumo » est un témoignage de l’héritage photographique de Leibovitz, un héritage qui continuera d’influencer et d’inspirer des générations de photographes à venir.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
FAQ sur Annie Leibovitz et son livre « Sumo » de 2014
Question 1: Qui est Annie Leibovitz ?
Annie Leibovitz est une photographe américaine célèbre pour ses portraits de célébrités, de musiciens, de politiciens et d’autres personnalités influentes. Elle a travaillé pour des magazines tels que Rolling Stone, Vanity Fair et Vogue.
Question 2 : Qu’est-ce que « Sumo » ?
« Sumo » est un livre de photographies publié en 2014 par Annie Leibovitz. Le livre mesure plus de 50 centimètres de haut et pèse près de 60 kilogrammes. Il est considéré comme l’un des plus grands livres de photographies jamais publiés.
Question 3 : Que contient « Sumo » ?
« Sumo » contient plus de 400 photographies de Leibovitz, couvrant sa carrière depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui. Les photos comprennent des portraits de célébrités, des paysages, des photos de mode et des reportages.
Question 4: Pourquoi « Sumo » est-il si grand et lourd ?
Le livre a été conçu pour être aussi grand que possible afin de mettre en valeur les photographies de Leibovitz, qui sont souvent grandioses et spectaculaires. Le titre du livre fait référence aux lutteurs de sumo, qui sont également de grandes et puissantes figures. Le poids et la taille du livre ont également contribué à son caractère unique et à sa valeur en tant qu’objet d’art.
Question 5: Combien coûte « Sumo » ?
Le prix initial de « Sumo » était de 2 500 $US. Depuis lors, le prix a fluctué en fonction de la rareté et de la demande, et il peut être considérablement plus élevé.
Question 6: Y a-t-il d’autres éditions de « Sumo » disponibles ?
Oui, il existe des éditions moins chères de « Sumo » qui ont été publiées depuis la première édition en 1999. Il y a une édition XL de 2019, qui mesure 70 cm x 50 cm, mais qui est beaucoup plus légère. Les éditions ultérieures peuvent avoir des photographies supplémentaires ou être publiées dans des formats plus petits.
Question 7: Combien d’exemplaires de « Sumo » ont été imprimés ?
Seulement 10 000 exemplaires ont été imprimés de la première édition de « Sumo ». Chaque exemplaire était numéroté et signé par Leibovitz.
Question 8: Qui a écrit l’introduction de « Sumo » ?
L’introduction de « Sumo » a été écrite par l’écrivain américain Paul Roth.
Question 9: Quel est le format de « Sumo » ?
Le format original de « Sumo » mesure 50 cm x 70 cm et pèse environ 60 kilogrammes. Les éditions ultérieures peuvent être publiées dans des formats plus petits.
Question 10 : Est-ce que « Sumo » est un livre de photographies en couleur ou en noir et blanc ?
« Sumo » contient à la fois des photographies en couleur et en noir et blanc.
Question 11: Quelles sont les célébrités les plus connues qui figurent dans « Sumo » ?
« Sumo » contient des portraits de nombreuses célébrités connues, notamment Mick Jagger, John Lennon, Yoko Ono, Queen Elizabeth II, Demi Moore, Brad Pitt, Angelina Jolie, et Barack Obama.
Question 12 : Quelle est la valeur actuelle de « Sumo » ?
La valeur de « Sumo » dépend de nombreux facteurs, notamment de l’état de l’exemplaire, du nombre d’exemplaires encore en circulation et de la demande du marché. Les exemplaires signés et numérotés peuvent se vendre pour des sommes considérables, allant jusqu’à plusieurs dizaines de milliers de dollars.
