Hormis Mick Rock, Peu de stars du rock’n’roll ont mieux compris la relation symbiotique entre la musique et l’image. David Bowie a avec le photographe Mick Rock, trouvé le partenaire créatif idéal.
Chargé de faire un article de photojournalisme par le bureau londonien du magazine Rolling Stone, Mick Rock se rendit à un concert de Bowie à la mairie de Birmingham en mars 1972 et noua une relation immédiate avec le gourou du glam rock, juste au moment où il se métamorphosait en son Ziggy Stardust.
Mick Rock est un photographe britannique mondialement connu pour son travail de photographie de rock et de musique. Né en 1948, il a commencé sa carrière artistique dans les années 1970, travaillant en étroite collaboration avec des artistes tels que David Bowie, Lou Reed et Iggy Pop pour créer des images emblématiques du mouvement glam rock.
Mick Rock est souvent considéré comme le photographe le plus célèbre du mouvement, ayant contribué à définir son esthétique flamboyante et colorée. Au cours de sa carrière, il a remporté de nombreux prix et distinctions pour son travail, notamment le Lifetime Achievement Award du Classic Rock Roll of Honour Awards en 2011.
Les œuvres de Mick Rock sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde, faisant de lui l’un des photographes les plus influents de l’histoire de la musique rock.
Avant sa disparition le 18 novembre 2021, Il continuait à travailler en tant que photographe et avait publié un livre de photographies intitulé « Mick Rock: The Rise of David Bowie, 1972-1973 ». Il travaillait également sur des projets tels que la création d’une installation artistique pour la station de métro de Tottenham Court Road à Londres. En plus de son travail de photographie, il était également impliqué dans des projets de musique et de cinéma, travaillant notamment sur la bande sonore du film « The Velvet Underground ».
Retour sur la vie de cet artiste incontournable.
Mick Rock : photographe de Bowie
Mick Rock, décédé à l’âge de 72 ans, est devenu le photographe personnel de Bowie alors que son profil a grimpé en flèche avec la sortie de son cinquième album studio, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, en juin 1972, et a capturé certains des meilleurs souvenirs images de l’étoile mercurielle.
Mick Rock
Celles-ci comprenaient la photo de Bowie et du guitariste Mick Ronson en train de déjeuner dans un train pour Aberdeen, et la célèbre photo provocante de « fellation » du duo sur scène à la mairie d’Oxford.
Comme Mick Rock l’a expliqué plus tard, probablement avec ironie : « Tout ce que David essayait de faire – et il me l’a expliqué plusieurs années plus tard, lorsque nous avons fait le livre Moonage Daydream – était de mordre la guitare. »
Mick Rock jouissait d’un accès intime unique à Bowie (« Je l’ai eu dans sa culotte, juste en train de camper »), et le charisme pionnier de Bowie a attiré d’autres musiciens tels que Lou Reed et Iggy Pop dans son orbite.
Mick Rock était toujours présent avec son appareil photo. Il a pris la photo définitive d’un Reed aux yeux de panda et à l’air mélancolique pour la couverture de son album solo à succès Transformer (1972), et a mis en sac l’image de couverture dramatique d’un Pop torse nu pour Iggy and the Stooges’ RawPower LP ( 1973).
Sa photo de pochette pour Queen’s Queen II (1974) faisait écho de manière mémorable à une image de Marlene Dietrich du film Shanghai Express de 1932 (« Personne n’a jamais été plus glamour que la divine Mme Dietrich », a déclaré Mick Rock), et Queen l’a revisitée dans leur vidéo pour Bohemian Rhapsody en 1975.
1977 :Mick Rock s’installe à New york
Après avoir voyagé à New York en tournée avec Bowie en 1972, Mick Rock s’est de plus en plus entiché de la ville et s’y est installé en 1977. « Il ne fait aucun doute que New York était plus sombre, plus dépravée que Londres », a-t-il déclaré à l’intervieweur Barney Hoskyns.
Mick Rock
« Lou Reed m’a emmené dans des endroits que vous n’auriez jamais trouvés à Londres. » Mick Rock s’est inévitablement retrouvé à photographier des icônes de la scène new-yorkaise comme les Ramones et Debbie Harry de Blondie, et a chéri son cliché de Mötley Crüe dans un bain moussant (« le groupe le plus sale, le plus méchant des années 80, que Dieu les bénisse »).
Mick Rock n’aimait pas parler de ses antécédents et de son éducation, commentant que « je n’aborde pas cela normalement parce que je ne pense pas que ce soit nécessaire », mais il était généralement admis qu’il était né à Hammersmith, Londres, son ses parents Joan et David Rock, ce dernier étant fonctionnaire au ministère du Travail.
Cependant, Mick Rock a jeté un éclairage différent à ce sujet dans une interview de 2017 avec le site Web The Talks . Il a décrit comment il avait été conçu lorsque sa mère mal mariée a eu une liaison avec un aviateur américain, qui est ensuite retourné aux États-Unis. Il a affirmé qu’il avait eu deux certificats de naissance, dont le premier le nommait Michael Edward Chester Smith.
Cependant, c’est sous le nom de Michael Rock qu’il a fréquenté l’école indépendante Emanuel de Battersea, avant de décrocher une bourse au Gonville and Caius College de Cambridge, où il a obtenu un diplôme en langues médiévales et modernes.
À Cambridge, il a d’abord commencé à expérimenter la photographie, en acquérant « un appareil photo Pentax cabossé d’un compagnon pour 40 livres », et là, il a rencontré le garçon local Syd Barrett , membre fondateur de Pink Floyd. Mick Rock photographierait Barrett pour son premier album solo, The Madcap Laughs (1970), avec la couverture arrière représentant une femme nue, et a également pris la photo centrale de l’album Meddle de Pink Floyd en 1971.
Mick Rock s’est immergé avec enthousiasme dans le style de vie des artistes qu’il a photographiés et a admis que «à la fin des années 80, début des années 90, mon problème de cocaïne était devenu complètement hors de propos. Je pouvais encore tirer, mais le reste de ma vie était une épave. Il a divorcé de sa première femme, Sheila (également photographe), et s’est remarié avec Pati (qui travaillait dans l’immobilier).
Mick Rock
En 1996, il a subi un quadruple pontage et une greffe de rein, sa facture médicale payée par l’ancien manager des Rolling Stones, Allen Klein , et a ensuite connu une renaissance de carrière. Il avait été irrité par le tag « Man Who Shot the 70s », considérant que cela le rendait obsolète, et il a photographié des pans d’artistes plus récents, dont Snow Patrol, les Black Keys, Snoop Dogg, Foo Fighters, Alicia Keys, Yeah Yeah Yeahs. , Janelle Monae, Rufus Wainwright, Lady Gaga, Miley Cyrus et Pharrell Williams.
En plus de ses photographies, il a créé plusieurs vidéos mémorables avec Bowie, pour Life on Mars, John I’m Only Dancing, Jean Genie et Space Oddity, et Bowie a donné son approbation aux livres de Rock Blood and Glitter : Glam – an Eyewitness Account (2001), Moonage Daydream: The Life and Times of Ziggy Stardust (2002) et The Rise of David Bowie 1972-1973 (2015).
Il a également publié des livres en collaboration avec Debbie Harry, Iggy Pop et les membres de Queen Brian May et Roger Taylor.
En 2016, Mick a animé une série télévisée Ovation Cable acclamée, « On The Record With Mick Rock ». Un documentaire sur sa carrière, produit par Vice Films et Straight Up Films, intitulé « SHOT! », A été lancé au Tribeca Film Festival en avril 2016.
Mick Rock a été présenté dans le documentaire SHOT! de Barney Clay! Le mantra psycho-spirituel du rock (2016). Il a été photographe en chef sur les films The Rocky Horror Picture Show, Hedwig and the Angry Inch et Shortbus.
Mick Rock with his photo of David Bowie and Iggy Pop (Photo by J. Vespa/WireImage for Peoples Revolution)
Mick Rock a eu de grandes expositions à Tokyo, Toronto, Londres, Liverpool, Berlin, Manchester, Mexico, Oslo, Göteborg, Stockholm, Amsterdam, Rotterdam, São Paulo, San Francisco, Las Vegas, EMP Museum Seattle, Buenos Aires, Barcelone, Los Anges, New York et Toulouse.
Il fait également partie de la collection permanente du Victoria & Albert Museum de Londres ainsi que du Brooklyn Museum de New York. Il a été honoré d’une plaque bleue à la salle de concert Scala commémorant le titre de deux nuits (14 juillet 1972) de Lou Reed et Iggy Pop, et la capture par Mick des photos de l’album Transformer et Raw Power.
Mick Rock
Conteur enthousiaste, Mick Rock a souligné que son travail découlait toujours d’une admiration pour les artistes avec lesquels il travaillait. « Pour moi, ces gars étaient comme Baudelaire, Rimbaud, Shelley, Keats, Coleridge, les Beats… J’ai été respectueux parce que j’aime ces gens et je sens que je suis une sorte de gardien de l’image. »
SHOOT! by ROCK – L’autobiographie visuelle d’une icône.
SHOOT! by ROCK, sortie le 22 novembre 2022, est une monographie de luxe pleine de la signature de Mick Rock, de photographies saturées de couleurs et de sujets légendaires, ainsi que de tout nouveaux souvenirs de Mick pour les accompagner.
Né en 1948 à Hammersmith, Londres, Michael Rock a traversé la scène rock londonienne de la fin des années soixante et des années soixante-dix pour devenir l’un des photographes rock et pop les plus emblématiques de tous les temps.
Mick était à la fois photographe et ami de certains des artistes et stars musicaux les plus dynamiques et passionnants de l’histoire du rock, et Shot! by Rock contient des histoires étonnantes et amusantes sur les coulisses de musiciens, de Mick Jagger à Miley Cyrus ; de Queen à Lana Del Ray; de David Bowie à Snoop Dog, et bien au-delà.
Mick a sélectionné des photos à la main et a contribué à de nouvelles histoires de son incroyable carrière. Ce livre inoubliable sert de monument à la brillante carrière de cinquante ans et à la vie étonnante de Mick.
Shot-By-Mick-Rock
Mick Rock : Publications
1995 : A Photographic Record 1969-1980
2002 : Psychedelic Renegades: Syd Barrett
2002 : Moonage Daydream: Ziggy Stardust
2003 : Killer Queen
2004 : Picture This: Debbie Harry and Blondie
2010 : Exposed
Pour conclure, Mick Rock est surtout connu pour son travail de photographie de rock et de musique, notamment pour ses portraits emblématiques d’artistes tels que David Bowie, Lou Reed et Iggy Pop. Voici quelques-unes de ses photographies et publications les plus célèbres :
Les photographies de l’album « Transformer » de Lou Reed, sorti en 1972.
Les photographies de l’album « The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars » de David Bowie, sorti en 1972.
Les photographies de l’album « Raw Power » des Stooges, sorti en 1973.
Les photographies de l’album « Queen II » de Queen, sorti en 1974.
Les photographies du livre « Rock ‘n’ Roll Eye: The Photography of Mick Rock », publié en 1999.
Les photographies du livre « Exposure: The Music Photography of Mick Rock », publié en 2005.
Les photographies du livre « The Rise of David Bowie, 1972-1973 », publié en 2015.
Ces photographies et publications ont contribué à définir l’esthétique du mouvement glam rock des années 1970 et ont fait de Mick Rock l’un des photographes les plus influents de l’histoire de la musique rock.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mick Rock est un photographe britannique né en 1948, connu pour son travail en tant que photographe de rock et de musique. Il est souvent considéré comme le photographe le plus célèbre du mouvement glam rock des années 1970.
Question 2: Quels sont les sujets de prédilection de Mick Rock ?
Mick Rock est surtout connu pour son travail de photographie de rock et de musique, notamment pour avoir photographié des groupes tels que Queen, David Bowie, Lou Reed, Iggy Pop, et les Sex Pistols.
Question 3: Comment Mick Rock a-t-il commencé sa carrière artistique ?
Mick Rock a commencé sa carrière en tant que photographe dans les années 1970, travaillant en étroite collaboration avec des artistes tels que David Bowie, Iggy Pop et Lou Reed pour créer des images emblématiques du mouvement glam rock.
Question 4 : Quels sont les livres les plus connus de Mick Rock ?
Mick Rock a publié plusieurs livres de photographies, notamment « Rock ‘n’ Roll Eye » (1999), « Glam! An Eyewitness Account » (2006), « Exposure: The Music Photography of Mick Rock » (2009), et « The Rise of David Bowie, 1972-1973 » (2015).
Question 5: Quels sont les prix et distinctions que Mick Rock a remportés au cours de sa carrière ?
Mick Rock a remporté de nombreux prix et distinctions pour son travail, notamment le Lifetime Achievement Award du Classic Rock Roll of Honour Awards en 2011, et le Outstanding Contribution to Music Photography Award de la Professional Music Photographers Association en 2015.
Question 6 : Comment Mick Rock a-t-il influencé la photographie de rock et de musique ?
Mick Rock est considéré comme l’un des photographes les plus influents de l’histoire de la musique, ayant capturé certains des moments les plus emblématiques de la musique rock et ayant contribué à définir l’esthétique du mouvement glam rock des années 1970.
Question 7: Où peut-on trouver des œuvres de Mick Rock ?
Les œuvres de Mick Rock sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde, notamment dans des musées tels que le Victoria and Albert Museum de Londres et le National Portrait Gallery de Londres.
Question 8: Quel est le style de photographie de Mick Rock ?
Mick Rock est connu pour son style de photographie flamboyant et coloré, qui a contribué à définir l’esthétique du mouvement glam rock des années 1970. Il utilise souvent des techniques telles que la surexposition et la superposition d’images pour créer des effets visuels saisissants.
Question 9 : Comment Mick Rock travaille-t-il avec les artistes qu’il photographie ?
Mick Rock a souvent travaillé en étroite collaboration avec les artistes qu’il photographie, les aidant à créer des images qui reflètent leur personnalité et leur esthétique. Il a également contribué à définir l’image de nombreux artistes, en leur proposant des idées pour leurs costumes, leur maquillage et leur coiffure.
Question 10 : Quel est le processus créatif de Mick Rock lorsqu’il prend des photos ?
Le processus créatif de Mick Rock varie selon les projets, mais il travaille souvent en étroite collaboration avec les artistes qu’il photographie pour créer des images qui reflètent leur personnalité et leur style. Il utilise également des techniques de post-production pour modifier et améliorer ses images.
Question 11: Quels sont les projets récents de Mick Rock ?
Mick Rock continue de travailler en tant que photographe et a récemment publié un livre de photographies intitulé « Mick Rock: The Rise of David Bowie, 1972-1973 ». Il a également travaillé sur des projets tels que la création d’une installation artistique pour la station de métro de Tottenham Court Road à Londres.
Question 12: Quels sont les conseils de Mick Rock pour les photographes en herbe ?
Mick Rock conseille aux photographes en herbe de travailler dur, d’être passionnés par leur travail, et de ne jamais perdre de vue leur vision artistique. Il recommande également de s’inspirer de la musique et de l’art pour créer des images qui ont une signification et une émotion fortes.
THE CURE concert & histoire : De tous les groupes qui ont émergé immédiatement après le punkrock à la fin des années 70, peu étaient aussi durables et populaires que The Cure.
Dirigé à travers de nombreuses incarnations par le guitariste/chanteur Robert Smith (né le 21 avril 1959), le groupe est devenu célèbre pour ses chants lents et sombres et Smith, l’apparence macabre de Cure, une image publique qui cachait souvent la diversité de la musique de The Cure.
The cure concert
Au début, The Cure jouait des chansons pop irrégulières et énervées avant d’évoluer lentement vers une tenue plus texturée. En tant que l’un des groupes qui a jeté les bases du rock gothique, le groupe a créé d’imposantes couches de guitares et de synthétiseurs, mais au moment où le goth s’est imposé au milieu des années 80, The Cure s’était éloigné du genre.
À la fin des années 80, le groupe était entré dans le courant dominant non seulement dans son Angleterre natale, mais aussi aux États-Unis et dans diverses parties de l’Europe.
The Cure est resté un attrait populaire pour les concerts et un vendeur de disques fiable tout au long des années 90, et leur influence pouvait être clairement entendue sur des dizaines de nouveaux groupes au cours du nouveau millénaire, dont beaucoup n’avaient pas grand-chose à voir avec le gothique.
Initialement appelé Easy Cure, le groupe a été formé en 1976 par des camarades de classe Smith (chant, guitare), Michael Dempsey (basse) et Laurence « Lol » Tolhurst (batterie). Initialement, le groupe s’est spécialisé dans la guitare pop sombre et nerveuse avec des paroles pseudo-littéraires, comme en témoigne le « Killing an Arab » inspiré d’ Albert Camus .
The cure concert
Une cassette démo avec « Killing an Arab » est arrivée entre les mains de Chris Parry , un représentant A&R chez Polydor Records; au moment où il a reçu la cassette, le nom du groupe avait été tronqué à The Cure.
Parry a été impressionné par la chanson et a arrangé sa sortie sur le label indépendant Small Wonder en décembre 1978.Parry a quitté Polydor pour former son propre label, Fiction, et The Cure a été l’un des premiers groupes à signer avec le label parvenu. « Killing an Arab » est ensuite réédité en février 1979, et The Cure entame sa première tournée en Angleterre.
THE CURE : Three Imaginary Boys
Le premier album de The Cure, Three Imaginary Boys , est sorti en mai 1979 avec des critiques positives dans la presse musicale britannique. Plus tard cette année-là, le groupe a sorti les singles non LP « Boys Don’t Cry » et « Jumping Someone Else’s Train ».
Cette même année, The Cure se lance dans une grande tournée avec Siouxsie and the Banshees . Pendant la tournée, le guitariste des Banshees , John McKay , quitte le groupe, et Smith a remplacé le musicien disparu. Pendant la décennie suivante, Smith collaborera fréquemment avec des membres des Banshees .
THE CURE : Seventee seconds
Fin 1979, The Cure sort un single, » I’m a Cult Hero « , sous le nom de Cult Heroes. Suite à la sortie du single, Dempsey quitte le groupe pour rejoindre les Associates ; il est remplacé par Simon Gallup au début des années 1980.
Parallèlement, The Cure s’adjoint un claviériste, Mathieu Hartley , et boucle la production du deuxième album du groupe, Seventeen Seconds ., qui a été publié au printemps 1980.
L’ajout d’un claviériste a élargi le son du groupe, qui était désormais plus expérimental et embrassait souvent des chants lents et sombres. Néanmoins, le groupe écrivait toujours des accroches pop, comme en témoigne le premier single à succès britannique du groupe, « A Forest », qui a culminé au numéro 31. Après la sortie de Seventeen Seconds , The Cure a lancé sa première tournée mondiale.
Après l’étape australienne de la tournée, Hartley a quitté la formation et ses anciens camarades du groupe ont choisi de continuer sans lui, sortant leur troisième album en 1981 ( Faith ) et le regardant culminer au numéro 14 dans les charts. Faith a également engendré le single à succès mineur « Primary ». Le quatrième album de The Cure, le doom-laden,, est sorti peu de temps après en 1982.
Pornography a encore élargi son public culte et a percé le Top Ten britannique. Une fois la tournée Pornography terminée, Gallup a quitté le groupe et Tolhurst est passé de la batterie aux claviers. Fin 1982, The Cure sort un nouveau single, le « Let’s Go to Bed » teinté de danse.
THE CURE : Hyaena
Smith a consacré la majeure partie du début de 1983 à Siouxsie and the Banshees , enregistrant l’ album Hyaena avec le groupe et apparaissant en tant que guitariste du groupe lors de la tournée d’accompagnement de l’album.
Cette même année, Smith forme également un groupe avec le bassiste des Banshees Steve Severin ; après avoir adopté le nom The Glove , le groupe sort son unique album, Blue Sunshine . À la fin de l’été 1983, une nouvelle version de The Cure – mettant en vedette Smith , Tolhurst , le batteur Andy Anderson et le bassiste Phil Thornalley– avait composé et enregistré un nouveau single, un morceau enjoué nommé « The Lovecats ».
La chanson est sortie à l’automne 1983 et est devenue le plus grand succès du groupe à ce jour, culminant à la septième place des charts britanniques. La nouvelle formation de The Cure a sorti The Top en 1984. Malgré les penchants pop du hit numéro 14 « The Caterpillar », The Top était un retour aux paysages sonores sombres de la pornographie .
Au cours de la tournée mondiale soutenant The Top , Anderson a été renvoyé du groupe. Au début de 1985, après la fin de la tournée, Thornalley quitte le groupe. The Cure a réorganisé sa formation après son départ, ajoutant le batteur Boris Williams et le guitariste Porl Thompson; Gallup revient à la basse.
THE CURE : The head on the door
Plus tard en 1985, The Cure sort son sixième album, The Head on the Door . L’album était le disque le plus concis et orienté pop que le groupe ait jamais sorti, ce qui a contribué à l’envoyer dans le Top Ten britannique et au numéro 59 aux États-Unis, la première fois que le groupe avait battu l’American Hot 100.
« In Between Days » et » Close to Me » – tous deux tirés de The Head on the Door – sont devenus des succès britanniques importants, ainsi que des succès populaires de la radio underground et universitaire aux États-Unis.
THE CURE : Kiss me, kiss me,kiss me
The Cure a suivi le succès retentissant de The Head on the Door en 1986 avec la compilation Standing on a Beach : The Singles. Standing on a Beach a atteint la quatrième place au Royaume-Uni, mais plus important encore, il a établi le groupe comme un groupe culte majeur aux États-Unis; l’album a culminé au numéro 48 et est devenu or en un an. En bref, Standing on a Beach a préparé le terrain pour le double album de 1987 Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me .
the cure concert
L’album était éclectique mais c’était un succès, engendrant quatre singles à succès au Royaume-Uni (« Why Can’t I Be You », « Catch », « Just Like Heaven », « Hot Hot Hot !!! ») et le groupe premier hit américain du Top 40, « Just Like Heaven ». Après la tournée de soutien pour Kiss Me,, l’activité du Curé s’est ralentie.
Avant que The Cure ne commence à travailler sur leur nouvel album au début de 1988, le groupe a renvoyé Tolhurst , affirmant que les relations entre lui et le reste du groupe avaient été irrévocablement endommagées.
Tolhurst allait bientôt intenter une action en justice, affirmant que son rôle dans le groupe était plus important que celui indiqué dans son contrat et, par conséquent, il méritait plus d’argent.
THE CURE : Désintégration
Entre-temps, The Cure a remplacé Tolhurst par l’ancien claviériste de Psychedelic Furs Roger O’Donnell et a enregistré leur huitième album, Disintegration . Sorti au printemps 1989, l’album était plus mélancolique que son prédécesseur, mais ce fut un succès immédiat, atteignant le numéro trois au Royaume-Uni et le numéro 14 aux États-Unis, et engendrant une série de singles à succès.
» Lullaby » est devenu le plus grand succès britannique du groupe au printemps 1989, culminant au numéro cinq. À la fin de l’été, le groupe a eu son plus grand succès américain avec « Love Song », qui a grimpé au numéro deux. Sur la désintégrationtournée, The Cure a commencé à jouer dans des stades à travers les États-Unis et le Royaume-Uni.
À l’automne 1990, The Cure a sorti Mixed Up , une collection de remixes comprenant un nouveau single, « Never Enough ». Après la tournée Disintegration , O’Donnell a quitté le groupe et The Cure l’a remplacé par leur roadie, Perry Bamonte . Au printemps 1992, le groupe sort Wish .
Comme Disintegration , Wish a été un succès immédiat, entrant dans les charts britanniques au numéro un et les charts américains au numéro deux, ainsi que le lancement des singles à succès « High » et « Friday I’m in Love ».
The Cure s’est lancé dans une autre tournée internationale après la sortie de Wish. Un concert, joué à Detroit, a été documenté sur un film intitulé Show et sur deux albums, Show et Paris . Le film et les albums sont sortis en 1993.
THE CURE : Wild Mood Swings
Thompson a quitté le groupe en 1993 pour rejoindre le groupe de Jimmy Page et Robert Plant . Après son départ, O’Donnell a rejoint la formation en tant que claviériste et Bamonte est passé des fonctions de synthétiseur à la guitare. Pendant la majeure partie de 1993 et au début de 1994, les Cure ont été écartés par un procès en cours de Tolhurst , qui revendiquait la copropriété du nom du groupe et cherchait également à restructurer ses paiements de redevances.
Un règlement (décision en faveur du groupe) est finalement arrivé à l’automne 1994, et les Cure se sont concentrés sur la tâche à accomplir : enregistrer un album de suivi de Wish .
Cependant, le batteur Boris Williams démissionner juste au moment où le groupe se préparait à commencer le processus d’enregistrement. Le groupe a recruté un nouveau percussionniste grâce à des annonces dans les journaux musicaux britanniques; au printemps 1995, Jason Cooper avait remplacé Williams .
Tout au long de 1995, The Cure a enregistré son dixième album studio proprement dit, s’arrêtant pour effectuer une poignée de festivals de musique européens en été. L’album, intitulé Wild Mood Swings , sort finalement au printemps 1996, précédé du single « The 13th ».
THE CURE : Galore
Une combinaison de morceaux pop et de moments plus sombres à la hauteur de son titre, Wild Mood Swings a reçu un accueil mitigé critique et commercial, ralentissant mais n’arrêtant pas l’élan acquis par Wish .
Galore , la deuxième collection de singles de The Cure axée sur les succès du groupe depuis Standing on a Beach, est apparue en 1997 et a présenté la nouvelle chanson « Wrong Number ».
The Cure a passé les années suivantes tranquillement – donnant une chanson à la bande originale de X-Files, Robert Smith apparaissant dans un épisode mémorable de South Park – réapparaissant en 2000 avec Bloodflowers, leur dernier album de matériel original, pour Fiction.
Conçu comme le dernier volet d’une trilogie gothique lourde qui remontait jusqu’à la pornographie et incluait la désintégration , Bloodflowers a été bien accueilli et un succès respectable, remportant une nomination aux Grammy Awards pour le meilleur album de musique alternative.
L’année suivante, The Cure a conclu son contrat avec Fiction avec Greatest Hits , qui a également été accompagné d’une sortie DVD de leurs vidéos les plus populaires. En 2002, ils ont passé du temps sur la route, terminant leur tournée par une aventure de trois nuits à Berlin, où ils ont joué chaque album de leur « trilogie gothique » une nuit différente.
l’événement a été documenté sur la sortie vidéo à domicile Trilogy.
The cure & GEFFEN Records
The Cure signe un contrat international avec Geffen Records en 2003 puis lance une vaste campagne de réédition en 2004 avec le coffret de raretés Join the Dots : B-Sides & Rarities, 1978-2001 (The Fiction Years) ; des éditions étendues à double disque de leurs premiers albums ont rapidement suivi.
Toujours en 2004, le groupe sort son premier album pour Geffen, un effort éponyme enregistré en direct en studio. Plus lourd mais pas nécessairement plus dur – et certainement pas plus sombre que Bloodflowers – The Curea été en partie conçu pour plaire à un public plus jeune familier avec The Cure grâce à leur influence sur une nouvelle génération de groupes, dont beaucoup ont été présentés en première partie de la tournée de soutien du groupe pour l’album.
The Cure a subi un autre changement de composition en 2005, lorsque Bamonte et O’Donnell ont quitté le groupe et que Porl Thompson est revenu pour son troisième passage.
Cette nouvelle formation sans clavier a fait ses débuts en 2005 en tant que tête d’affiche du concert-bénéfice Live 8 Paris, puis s’est dirigée sur le circuit des festivals d’été, dont les temps forts ont été capturés sur la sortie DVD 2006 Festival 2005. The Cure est apparu dans divers festivals au cours des deux années suivantes, jouant une tournée européenne plus étendue au début de 2008, alors qu’ils terminaient leur 13e album.
Conçu à l’origine comme un double album, le disque a été divisé en deux avant sa sortie, avec le matériel plus léger et plus pop sorti en premier sous le nom de 4:13 Dream en octobre 2008. Après une pause de trois ans, le groupe est revenu sur le circuit live avec leur tournée « Reflections » – qui démarre en Australie et voit le retour du batteur et claviériste original Lol Tolhurst après environ 22 ans – qui a vu le groupe jouer ses trois premiers albums, Three Imaginary Boys , Seventeen Seconds et Faith, dans leur intégralité.
Un titre principal de 150 minutes couvrant toute la carrière au Bestival de 2011 sur l’île de Wight a été enregistré et sorti la même année et le groupe a continué à tourner tout au long de 2012 et 2013 avec des spectacles de festivals en Europe et en Amérique du Nord et des spectacles phares en Amérique latine.
Début 2014, Smith a annoncé qu’il sortirait la suite de 4:13 Dream plus tard en 2014, et qu’il poursuivrait également sa tournée « Reflections » avec une autre série d’albums complets, cette fois en interprétant The Top , The Head on the Door , et Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me dans leur intégralité.
FAQ The Cure
1. Qui est The Cure ?
Réponse : The Cure est un groupe de rock britannique formé en 1976 par Robert Smith, Michael Dempsey et Lol Tolhurst. Le groupe est connu pour son style musical sombre et mélancolique, ainsi que pour l’apparence excentrique de ses membres.
2. Quelle est la carrière de The Cure ?
Réponse : The Cure a sorti son premier album en 1979, intitulé « Three Imaginary Boys ». Depuis lors, le groupe a sorti 13 albums studio, ainsi que de nombreux singles et compilations. Le groupe est également connu pour ses performances en direct, qui sont souvent accompagnées d’un éclairage et d’une scénographie spectaculaires.
3. Quel est le style musical de The Cure ?
Réponse : Le style musical de The Cure est souvent décrit comme étant du rock gothique, bien que le groupe ait exploré différents genres tout au long de sa carrière, notamment la new wave, le post-punk et le pop rock. Le son distinctif du groupe est caractérisé par la guitare mélancolique de Robert Smith et les textes introspectifs.
4. Quels sont les plus grands succès de The Cure ?
Réponse : The Cure a connu de nombreux succès tout au long de sa carrière, mais certains de ses plus grands hits incluent « Boys Don’t Cry », « Just Like Heaven », « Lovesong », « Friday I’m in Love », et « Pictures of You ».
5. Quel est l’album le plus vendu de The Cure ?
Réponse : L’album le plus vendu de The Cure est « Disintegration », sorti en 1989. L’album a été certifié double platine aux États-Unis et a été salué par la critique pour son atmosphère sombre et sa production élaborée.
6. Quel est le lien entre The Cure et le cinéma ?
Réponse : La musique de The Cure a été utilisée dans de nombreux films, notamment dans « Le Journal de Bridget Jones », « Le Labyrinthe de Pan », et « 500 jours ensemble ». Le groupe a également enregistré des chansons pour plusieurs films, notamment « The Crow » et « Batman Forever ».
7. Quelles sont les influences musicales de The Cure ?
Réponse : Les influences musicales de The Cure sont variées et incluent des groupes tels que Joy Division, Siouxsie and the Banshees, The Velvet Underground, et David Bowie. Le groupe a également été influencé par la musique classique et la musique électronique.
8. Quel est l’héritage de The Cure dans l’industrie musicale ?
Réponse : L’héritage de The Cure dans l’industrie musicale est considérable. Le groupe est considéré comme l’un des pionniers du rock gothique et a influencé de nombreux groupes dans ce genre. The Cure est également connu pour avoir innové dans la production musicale, en utilisant des techniques d’enregistrement avancées pour créer des atmosphères sonores uniques.
9. Quel est le statut actuel de The Cure ?
Réponse : The Cure est toujours actif et continue de tourner et de sortir de la musique. Le groupe a effectué sa dernière tournée en 2019 et a déclaré qu’il travaillait sur un nouvel album. Robert Smith, le leader de The Cure, a également déclaré qu’il avait de nombreuses idées pour l’avenir du groupe.
10. Qu’est-ce qui fait la renommée de The Cure ?
Réponse : La renommée de The Cure est due à son style musical unique, qui a influencé de nombreux autres artistes, ainsi qu’à son apparence excentrique et à ses performances en direct spectaculaires. Le groupe est également connu pour ses paroles introspectives et ses thèmes sombres, qui ont touché de nombreux fans à travers le monde.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
« Comment devient-onphotographe de concert ? J’ai répondu à cette question un million de fois et de différentes manières, car il n’y a pas de moyen simple pour devenir photographe de concert.
Chaque photographe de concert aura son propre parcours créatif et professionnel. Il n’y a pas nécessairement une » bonne « façon de s’y rendre (l’art est subjectif), mais au cours des 10 dernières années en tant que photographe de concert, j’ai appris qu’il y a des choses à ne pas faire ou à faire dans le monde de la photographie de concert.
En tant que débutant, vous ne pouvez pas vous attendre à connaître toutes ces choses dès le départ.
C’est pourquoi je vais tenter de vous donner quelques conseils et astuces si vous êtes un nouveau photographe de concert dans une salle ou dans un festival. Je ne suis pas un expert, mais après quelques années d’expérience, de concerts et de grands festivals, je sais 2-3 choses qui pourront vous intéresser si vous voulez vous lancer dans la photo « live ».
Voici donc dix conseils pour les futurs photographes de concerts :
1. Photographe de concert : Shootez non stop !
Cela devrait être évident, mais vous devez littéralement shooter autant de concerts que vous le pouvez. Vous ne savez pas comment faire entrer votre réflexe en concert?
Ne vous inquiétez pas, je vais tout de suite entrer dans la partie la plus sérieuse. Pour l’instant, contactez certains groupes locaux et demandez si vous pouvez shooter leur concert.
Honnêtement, aucun groupe local ne refuse des photos gratuites si vous devez vous entraîner. Avouons-le, les musiciens sont un peu égoïstes – ils aiment les photos où ils ont l’air super cool sur scène (J’expliquerai en détail, plus tard, de la façon d’obtenir des pass photos pour les grands concerts).
Après…se faire la main au départ est une chose, mais travailler gratuitement en est une autre. Dans l’idée, il faut très rapidement se faire payer en tant que photographe , car c’est un boulot comme un autre.
Cela ne traverse l’esprit de personne d’entrer dans une boulangerie pour demander une baguette gratuite, car, si elle est bonne, vous en ferez la pub qui fera connaître la boulangerie. Pour les photos, c’est la même chose.
Photographes concert- Crédit photo Eric CANTO
2. Apprenez à connaître votre équipement
Apprenez à connaître votre appareil photo et ses paramètres pour devenir photographe . Même si ce n’est pas du live, prenez beaucoup de photos et habituez-vous à utiliser votre appareil, en particulier avec différents types de lumières, car l’éclairage de concert peut être complètement imprévisible (et parfois indésirable).
La plupart des photographes débutants pensent également qu’apprendre à utiliser leur équipement, c’est simplement connaître leur appareil photo, mais je pense aussi aux logiciels.
Utilisez Lightroom et Photoshop. Passez du temps à regarder des tutos relatif au logiciel utilisé– je sais que cela peut sembler ennuyeux …
Prenez une photo et modifiez-la de mille façons différentes. Apprenez à exploiter toutes les possibilités que vous offre le logiciel choisi, notamment en post-traitement, même si vous pensez que vous n’en aurez jamais besoin.
Vous serez reconnaissant quand il sera une heure du matin et que vous aurez un shoot à rendre dans sept heures, et que toutes vos photos auront été prises dans une lumière rouge ou bleue nettement sursaturée.
3. L’importance du Réseau pour le photographe
Je ne parle pas nécessairement de vendre à tous ceux que nous rencontrons, je parle simplement d’être ouvert aux gens, d’apprendre à les connaître. Cela devrait également aller de soi, mais vous serez surpris du nombre de portes qui s’ouvriront à vous si vous êtes amical et détendu.
Si vous êtes sur un festival et attendez le prochain groupe, entamez une conversation avec le service de sécurité. Rencontrez les organisateurs de concerts locaux, les personnes qui dirigent vos salles de concerts locales et les groupes locaux qui y jouent. Soyez présent et accessible.
Il est important d’apprendre, d’être agréable et de simplement travailler en restant cool, par téléphone et par e-mail, car au final, vous ferez beaucoup d’affaires par téléphone ou en ligne.
Cela peut paraître évident…mais vous vous rendrez compte que l’ego un peu démesuré se retrouve aussi auprès de certains photographes de concerts. On se détend, on fait juste des photos de concert, on ne sauve pas de vies.
C’est amusant parce que vous pouvez toujours travailler à trouver votre propre style de photographe , peu importe depuis combien de temps vous faites des concerts (ou autre). Après 10 ans, je continue d’apprendre chaque jour.
Y a-t-il un photographe particulier dont vous appréciez le style ? Jouez avec les photos de grands maîtres et voyez si vous pouvez les recréer ! Passez votre temps libre à découvrir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas dans le cadrage, la composition.
Je ne saurais trop insister sur le fait que les didacticiels YouTube sont nos amis. Il y a toujours quelque chose de nouveau à apprendre !
Si vous ne travaillez pas pour une publication, obtenir un pass photo est probablement un peu plus difficile. Certaines salles et groupes sont plus indulgents que d’autres et vous permettent de photographier leur groupe pour constituer facilement votre portfolio.
Cependant, les places sur la liste des accréditations sont généralement réservées aux publications locales ou aux photographes en place. Parfois, vous obtenez uniquement un laissez-passer photo, mais pas un billet d’entrée.
J’ai profité de ces opportunités chaque fois qu’elles se présentaient, car elles me permettaient de construire mon portfolio de photographe lorsque je shootais pour celui-ci. Parfois, une production ne peut tout simplement pas vous accréditer, et si c’est le cas, soyez amical, respectueux et indulgent.
N’adoptez jamais une mauvaise attitude, les divas sont sur la scène, pas dans la fosse ;). Faites en sorte que l’on se souvienne de vous comme une personne agréable avec qui travailler.
Walls of Jericho – Crédit photo Eric CANTO
6. Pour être un photographe, il faut trouver un support de presse.
Si vous êtes un pigiste et que vous souhaitez passer à l’étape suivante (ou si vous voulez simplement faire plus d’artistes / groupes qui ont besoin d’un support médiatique), vous devez prendre une photo pour faire des publications. Cela inclut les stations de radio locales, les journaux, les blogs, les magazines, etc.
Recherchez partout.
Trouvez des publications nationales qui acceptent des candidatures à travers le pays / la région. Toutes ces autres compétences seront utiles ici. Vous devez envoyer des e-mails à ces personnes, vous devez avoir de l’expérience et un portfolio décent, vous devez être cool accessible, et souple dans votre approche.
Comme pour les tourneurs, certains de ces supports diront non ou ne répondront pas, mais ne vous laissez pas décourager. Essayez de toucher autant de personnes que possible, soyez amical et courtois et, finalement, des portes s’ouvriront à vous.
7. Suivre les règles….
Je pense que c’est l’une des choses les plus importantes de cette liste. Si vous avez reçu une accréditation pour un spectacle, respectez scrupuleusement les règles imposées. TOUJOURS suivre les règles et les conditions fixées par l’organisateur. La plupart du temps, vous serez autorisé à shooter sur les trois premières chansons, du crash, sans flash.
Cependant, cela peut varier selon la salle, l’artiste, le groupe. Dans 99% des cas, les règles sont fixées avant votre arrivée. Cela signifie également que vous devez respecter tous les contrats ou avis de non-responsabilité que vous devrez signer avant le concert.
Si vous prenez des photos du crash et que d’autres photographes sont avec vous, soyez poli. Ne restez pas au même endroit pendant la durée des trois chansons. Bougez.
De cette façon, vous obtiendrez non seulement beaucoup de photos, mais vous aurez également les mêmes chances de prendre de bonnes photos.
Vous ne devez pas vous faire d’ennemis parmi vos pairs, car ils vous aideront lorsque vous en aurez vraiment besoin. De plus, en tant que photographe de concert, vous êtes là pour ramener un extrait visuel du concert, mais jamais pour priver le groupe ou le public de cette expérience.
Ne faites rien que vous ne voudriez pas que quelqu’un vous fasse, par exemple en vous tenant sur les barrières et en bloquant la vue d’un fan.
Scorpions – Crédit photo Eric CANTO –
8. Apprenez à envoyer des e-mails
Je sais que cela semble un peu bizarre, et vous vous demandez peut-être: « Quel est le lien entre la messagerie électronique et la photographie de concert? Je veux juste sortir et prendre des photos! »
En effet, savoir envoyer des emails a tout à voir avec la photographie de concert. Si vous souhaitez prendre une photo d’un groupe local, mais que vous ne le connaissez pas, vous devez lui envoyer un e-mail.
Si vous souhaitez prendre une photo d’un groupe en tournée, vous devez, comme vous le soupçonniez, envoyer une demande par e-mail à son tourneur ou à son management.
Ce sont des gens qui reçoivent des centaines ou des milliers de courriels chaque jour, et la dernière chose à laquelle ils veulent faire face est quelqu’un qui est impoli.
Étonnamment, ils ne veulent pas lire toute l’histoire de votre vie, tous vos groupes préférés ni pourquoi vous voulez shooter cet artiste.
GHOST- Crédit photo Eric CANTO –
Lorsque vous envoyez un e-mail à un tourneur / manager pour demander un pass photo pour un concert, il y a trois choses à considérer: soyez courtois, précis et clair.
Lorsque vous leur envoyez un e-mail, soyez bref, précis: de qui voulez-vous prendre des photos? Où et quand? Quel est votre nom ? Pour qui ou pourquoi photographiez vous? Pour votre portfolio ou pour une publication ? Ce sont toutes des choses qu’un manager aimerait savoir.
Un simple e-mail sans fioritures doit être envoyé 10 à 14 jours avant le spectacle et ressemble à ceci:
« Bonjour [SALLE / MANAGER], Je m’appelle [NOM]. Je vous contacte, car je souhaite photographier [GROUPE] à [SALLE] à [VILLE] le [DATE]. Je n’ai besoin que d’un pass photo pour photographier le spectacle et les images sont utilisées pour mon portfolio. Je peux vous envoyer un lien vers les photos une fois celles-ci terminées. Merci beaucoup pour votre temps !
9. Photographe de concert, kiffez, oubliez la concurrence
L’idée est de passer plus de temps à se concentrer sur son propre travail que sur celui des autres. La concurrence avec vos pairs est absolument inutile, ni pour vous ou pour la scène musicale.
Vous pouvez vous soucier de ce qui vous rend spécial, de ce qui vous rend commercialisable ou de ce qui vous différencie des autres, mais à partir du moment où vous essayez d’être « meilleur que » ou « plus populaire que » quelqu’un d’autre ce n’est plus votre travail artistique, mais celui de quelqu’un d’autre.
Prenez soin de votre boîtier, de vos objectifs et de votre passion. Il s’agit de vous améliorer et de shooter ce que vous aimez shooter. Rester intègre, accessible et modeste vous permettra de faire de belles rencontres, et vous tisserez des liens précieux avec d’autres photographes, vous créerez votre réseau tout au long de cette belle aventure qu’est la photographie de concert.
Les autres photographes sont ceux qui vous prêtent une batterie supplémentaire lorsque la vôtre est morte voire même une carte mémoire de batterie supplémentaire si vous avez oublié la vôtre. Ce sont ces mêmes personnes qui vous alertent lorsqu’un fan atterrit sur votre tête.
Ils vous tapotent doucement l’épaule quand ils veulent vous dépasser dans la fosse photo au lieu de vous cogner et gâcher votre photo. C’est aussi avec eux que vous partagez une bonne bière après un concert. Ces personnes soutiendront votre travail parce que vous soutiendrez le leur, au lieu de vous faire concurrence.
Chacun travaille à son rythme. Vous pouvez utiliser le téléobjectif si vous découvrez à la dernière minute que vous avez besoin de prendre des photos à partir de la table de mix.
Si jamais vous vous sentez découragé par votre travail, je vous recommande de regarder les premières photos que vous avez prises et de les comparer avec vos dernières photos.
Elles sont probablement bien meilleures que celles qui datent de quelques années, même il y a quelques mois. Vous continuerez à grandir en tant que photographe, mais vous devez vous obliger à le faire.
Défiez-vous, des photos ou des artistes que vous ne shootez pas normalement, shootez dans des lieux minuscules et découvrez comment vous en sortir ! Utilisez tous les conseils que vous donnent des photographes avec plus d’expérience et continuez à shooter.
Si vous avez des questions, n’hésitez pas à les poser autour de vous, dans le pit, auprès de vos collègues photographes.
Un photographe de concert ne deviendra jamais millionnaire, par contre, il rencontrera beaucoup de monde, des passionnés, des musiciens, d’autres photographes qui auront, à coup sûr, une passion en commun avec vous : la scène.
Julien Doré – Festival de Nîmes – Crédit photo Eric CANTO
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Vous avez déjà entendu parler de Slash. Si vous aimez le rock, vous connaissez sans doute ses solos endiablés, ses riffs reconnaissables entre mille, et ce look emblématique : un chapeau haut de forme, des lunettes noires, et une GibsonLes Paul qu’il manie comme personne. Slash, c’est la définition même du guitar hero, celui qui a marqué des générations entières avec des morceaux qui résonnent encore aujourd’hui.
Né Saul Hudson à Londres en 1965, Slash est devenu le guitariste principal des légendaires Guns N’ Roses dans les années 80. Mais son influence va bien au-delà d’un groupe. Slash a contribué à la renaissance du rock, un genre en pleine évolution à l’époque. Entre sa technique incroyable et son sens inné de la mélodie, il est devenu une figure incontournable du paysage musical.
Alors, qu’est-ce qui rend Slash si spécial ? Pourquoi est-il considéré comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps ? Plongeons ensemble dans l’univers d’un homme qui a littéralement écrit l’histoire du rock’n’roll avec ses solos de guitare.
I. Les débuts de Slash : d’un enfant de Londres à une légende du rock
1.1 Une enfance bercée par la musique
Slash n’était pas destiné à devenir une légende du rock. Né à Stoke-on-Trent, en Angleterre, en 1965, il est le fils d’un artiste anglais et d’une créatrice de costumes américaine qui a travaillé pour des stars comme David Bowie. À seulement 5 ans, Slash déménage avec sa mère à Los Angeles, une ville qui allait bientôt devenir le terrain de jeu de sa carrière.
Un environnement créatif : Dès son plus jeune âge, Slash a été plongé dans le monde de la création artistique. Sa mère travaillait pour des stars du rock, ce qui lui a permis d’être en contact avec des musiciens et des artistes dès son plus jeune âge. Cette immersion dans la musique et la créativité a fortement influencé son avenir.
L’appel de la guitare : À 14 ans, Slash découvre la guitare grâce à un ami, et là, tout change. Il se consacre corps et âme à l’apprentissage de l’instrument, pratiquant des heures chaque jour, jusqu’à développer son style si unique. Il cite des artistes comme Eric Clapton, Jimi Hendrix, et Jimmy Page comme ses plus grandes influences.
1.2 La rencontre avec Guns N’ Roses
Le destin de Slash change radicalement lorsqu’il rencontre Axl Rose, Izzy Stradlin, Duff McKagan, et Steven Adler. Ensemble, ils forment les Guns N’ Roses en 1985, un groupe qui va révolutionner la scène rock.
Des débuts modestes : Les Guns N’ Roses commencent à se produire dans des clubs de Los Angeles, attirant rapidement l’attention avec leur mélange explosif de punk, rock et blues. Leurs concerts sont sauvages, bruts, et chargés d’énergie.
L’ascension fulgurante : Leur premier album, Appetite for Destruction, sorti en 1987, devient un véritable phénomène. Des titres comme « Sweet Child O’ Mine« , « Welcome to the Jungle« , et « Paradise City » propulsent le groupe au rang de légende. Slash, avec ses solos enflammés et son style unique, devient rapidement une star.
Slash guitariste
II. Le style unique de Slash : entre blues et riffs percutants
2.1 Une technique reconnaissable parmi toutes
Slash est souvent considéré comme un guitariste aux racines blues, mais capable d’ajouter une touche rock moderne qui rend chaque morceau mémorable. Sa technique repose sur plusieurs éléments clés qui ont fait sa renommée.
Le vibrato précis : Un des aspects les plus reconnaissables du jeu de Slash est son vibrato unique. Chaque note qu’il joue semble vibrer avec une émotion brute, donnant à ses solos une intensité particulière. Il a réussi à perfectionner cette technique au point de la rendre instantanément identifiable.
Les bends expressifs : Slash est aussi célèbre pour ses bends, ces notes qu’il fait monter ou descendre tout en douceur, presque comme s’il racontait une histoire avec sa guitare. Dans des solos comme celui de « November Rain« , chaque bend est une montée en puissance, un cri qui transcende la simple technique.
Un mélange de vitesse et de précision : Contrairement à certains guitaristes qui misent tout sur la vitesse, Slash privilégie la précision. Même dans les morceaux les plus rapides, il prend soin que chaque note soit claire et distincte. Il n’est jamais esclave de la technique, mais plutôt au service de l’émotion.
2.2 Gibson Les Paul : l’arme de prédilection de Slash
On ne peut pas parler de Slash sans mentionner sa Gibson Les Paul, un modèle qu’il a rendu encore plus légendaire. Cet instrument, avec ses courbes élégantes et son son chaleureux, est devenu l’extension naturelle du guitariste.
Le choix de la Les Paul : Slash a opté pour la Les Paul parce qu’elle offrait le son qu’il cherchait : riche, épais, avec une capacité à se démarquer dans un mix rock’n’roll. Il a souvent dit que cette guitare était celle qui lui permettait de mieux s’exprimer.
Une symbiose parfaite : Ce modèle de guitare, entre les mains de Slash, est devenu un symbole du rock classique. Chaque note qu’il joue semble couler naturellement de l’instrument, comme si les deux étaient faits l’un pour l’autre.
Le son iconique : Avec ses micros humbucker, la Les Paul produit un son qui est à la fois doux et percutant, parfait pour les solos longs et émotionnels de Slash, mais aussi pour les riffs plus lourds et entraînants.
III. L’après Guns N’ Roses : Slash se réinvente
3.1 Slash’s Snakepit : une aventure solo
Après des tensions internes avec Axl Rose et la dissolution progressive de la formation classique des Guns N’ Roses dans les années 90, Slash décide de créer son propre projet, Slash’s Snakepit, en 1994.
Un retour aux racines : Avec ce projet, Slash voulait revenir à un rock plus brut et direct, loin des tensions et des pressions entourant les Guns N’ Roses. It’s Five O’Clock Somewhere, le premier album de Slash’s Snakepit, reçoit un accueil mitigé, mais les fans de Slash apprécient son retour à un rock authentique et décomplexé.
Un exutoire créatif : Slash a décrit Slash’s Snakepit comme un moyen de s’exprimer sans avoir à se soucier des dynamiques de groupe complexes qui pesaient sur Guns N’ Roses à l’époque. C’était son terrain de jeu personnel, un espace où il pouvait laisser libre cours à ses instincts rock.
3.2 Velvet Revolver : la renaissance
Après quelques années en solo, Slash rejoint un nouveau groupe, Velvet Revolver, en 2002, aux côtés de plusieurs anciens membres des Guns N’ Roses, ainsi que du chanteur de Stone Temple Pilots, Scott Weiland.
Un supergroupe explosif : Velvet Revolver est rapidement salué comme l’un des supergroupes les plus prometteurs du début des années 2000. Leur premier album, Contraband (2004), connaît un succès commercial et critique, en grande partie grâce à des hits comme « Slither » et « Fall to Pieces« .
Une nouvelle énergie : Slash semble revitalisé dans Velvet Revolver, offrant certains de ses solos les plus puissants depuis Guns N’ Roses. Ce groupe permet à Slash de combiner son style classique avec une énergie grunge et moderne qui le connecte à une nouvelle génération de fans.
Slash guitariste
IV. L’héritage de Slash dans le monde du rock
4.1 Une icône toujours active
Même après plusieurs décennies sur le devant de la scène, Slash reste une figure active du rock contemporain. Que ce soit avec Guns N’ Roses, Velvet Revolver ou en tant qu’artiste solo, il continue de se produire, d’enregistrer des albums, et de repousser les limites de son art.
Collaborations et projets solo : Slash a collaboré avec de nombreux artistes, de Michael Jackson à Ozzy Osbourne, prouvant que son talent transcende les genres. Ses projets solo, notamment avec Myles Kennedy (chanteur d’Alter Bridge), ont aussi été salués pour leur qualité et leur créativité.
4.2 Un modèle pour les générations futures
Slash n’est pas simplement un guitariste exceptionnel, il est aussi un modèle pour de nombreux musiciens et fans du monde entier. Il a prouvé que la guitare pouvait être bien plus qu’un simple instrument ; entre ses mains, elle devient une extension de son être, un moyen d’expression unique.
Influence sur les jeunes musiciens : Des générations entières de guitaristes ont été inspirées par son jeu. Nombreux sont ceux qui ont appris leurs premiers riffs sur « Sweet Child O’ Mine » ou ont tenté de reproduire son célèbre solo sur « November Rain« . Pour de nombreux musiciens débutants, Slash représente ce que le rock’n’roll peut avoir de plus pur et de plus passionné.
Un style inimitable : Alors que certains guitaristes sont connus pour leur vitesse ou leur technique, Slash est salué pour sa capacité à raconter une histoire à travers sa guitare. Il joue avec émotion, et chaque note semble avoir un sens. C’est cette capacité à allier technique et expression qui en fait un modèle pour les jeunes musiciens cherchant à développer leur propre style.
Un look iconique : Ce fameux chapeau haut de forme, ces lunettes de soleil, et cette Gibson Les Paul. Le look de Slash est immédiatement reconnaissable et participe à son charisme sur scène. Au-delà de la musique, il a aussi influencé la culture visuelle du rock.
V. Slash aujourd’hui : un héritage vivant et un guitariste indémodable
5.1 Le retour de Guns N’ Roses
Après des années de séparation, les fans du monde entier ont eu la surprise de voir Slash rejoindre Guns N’ Roses pour une tournée mondiale en 2016, intitulée Not In This Lifetime Tour. Cette tournée marquait le grand retour de Slash aux côtés d’Axl Rose, après deux décennies de tensions entre les membres.
Une réunion historique : La tournée Not In This Lifetime a été un véritable événement mondial, rassemblant des millions de fans à travers des concerts mémorables. Les retrouvailles entre Slash et Axl sur scène étaient plus que symboliques, et leur alchimie musicale intacte a ravi les fans de longue date.
Un nouvel album ? : Bien que des rumeurs persistent quant à l’enregistrement d’un nouvel album studio avec les membres historiques de Guns N’ Roses, Slash reste évasif sur la question, laissant le mystère planer. Cependant, les fans sont optimistes et espèrent un retour en studio pour immortaliser cette renaissance.
5.2 Slash, un artiste solo accompli
Outre ses projets avec Guns N’ Roses, Slash continue de développer sa carrière solo. En collaboration avec Myles Kennedy et The Conspirators, il a sorti plusieurs albums qui ont rencontré un succès critique et commercial. Leur chimie musicale est indéniable, et ensemble, ils repoussent les frontières du rock moderne.
Les albums solo : Slash a déjà sorti plusieurs albums sous son propre nom, notamment Apocalyptic Love (2012), World on Fire (2014) et Living the Dream (2018). Ces albums montrent que Slash est toujours aussi créatif, expérimentant de nouveaux sons tout en restant fidèle à son style unique.
Une tournée constante : Qu’il soit sur scène avec Guns N’ Roses ou avec Myles Kennedy, Slash est un performer infatigable. Il passe une grande partie de son temps en tournée, jouant dans les plus grandes salles du monde, prouvant que, même après toutes ces années, il reste l’un des guitaristes les plus respectés de la scène rock.
Conclusion : Slash, une légende du rock’n’roll toujours en mouvement
Slash est plus qu’un simple guitariste ; il est un phénomène. Que ce soit à l’époque des Guns N’ Roses, avec Velvet Revolver ou dans sa carrière solo, il a marqué chaque projet de son empreinte indélébile. Avec son look iconique, son jeu de guitare puissant et sa capacité à transcender les genres, il est devenu un symbole du rock’n’roll dans toute sa splendeur.
Aujourd’hui encore, il continue de faire vibrer les scènes du monde entier, prouvant que son héritage est loin d’être figé dans le passé. Slash est une légende vivante, et chaque nouvelle note jouée est une pièce supplémentaire de l’histoire du rock qu’il continue d’écrire avec passion.
FAQ Slash
1. Pourquoi Slash est-il considéré comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps ?
Slash est souvent cité parmi les plus grands guitaristes de l’histoire du rock pour plusieurs raisons. D’abord, il a développé un style unique, mêlant influences blues et rock avec une fluidité et une expressivité incomparables. Ensuite, ses riffs et solos sont devenus emblématiques, reconnaissables entre mille, et ont marqué des générations de musiciens. Des morceaux comme « Sweet Child O’ Mine », « November Rain », et « Paradise City » sont des exemples parfaits de son génie musical.
Signature sonore : Slash a un son immédiatement identifiable, en partie grâce à sa Gibson Les Paul, mais aussi grâce à sa maîtrise du vibrato et des bends, qui ajoutent une dimension émotionnelle à chaque note.
Solos intemporels : Ses solos ne sont pas seulement techniques, ils racontent une histoire. Par exemple, le solo de « November Rain » est considéré comme l’un des plus grands de tous les temps, grâce à sa progression lente et majestueuse qui culmine dans une explosion d’émotion.
Influence durable : Slash a inspiré des milliers de guitaristes à travers le monde. Même aujourd’hui, des jeunes musiciens apprennent à jouer la guitare en reproduisant ses riffs, preuve de l’impact durable de son style.
2. Comment Slash a-t-il influencé la guitare rock moderne ?
Slash a eu une influence majeure sur la guitare rock moderne, surtout à une époque où le rock était dominé par le heavy metal ou les groupes de hair metal des années 80. Il a ramené un son plus brut et authentique, basé sur les racines du blues et du rock classique.
Retour aux sources : Alors que beaucoup de guitaristes de son époque se concentraient sur la virtuosité technique et la vitesse, Slash a prouvé que l’émotion et le feeling étaient tout aussi importants. Son jeu se distingue par sa capacité à communiquer des sentiments à travers des riffs simples mais puissants, ainsi que des solos mélodiques.
Popularisation de la Gibson Les Paul : Bien que la Les Paul soit un modèle de guitare mythique depuis les années 50, Slash l’a remise sous les feux de la rampe dans les années 80, contribuant à une résurgence de cet instrument auprès des jeunes guitaristes. Il a démontré que la Les Paul pouvait offrir à la fois des sons doux et chauds pour des ballades, mais aussi un ton lourd pour des riffs rock intenses.
3. Quelle est la relation entre Slash et Axl Rose ?
La relation entre Slash et Axl Rose a été tumultueuse, marquée par des périodes d’amitié, de collaboration musicale intense, mais aussi de conflits et de séparations. Les tensions entre les deux icônes du rock ont contribué à la dissolution de la formation originale de Guns N’ Roses dans les années 90.
Collaboration fructueuse : Au début, la collaboration entre Slash et Axl a donné naissance à certains des plus grands hits du rock. Leur alchimie musicale était indéniable, Axl apportant une voix puissante et charismatique, et Slash produisant des riffs et des solos mémorables. Ensemble, ils ont créé des albums légendaires comme Appetite for Destruction.
Conflits internes : Cependant, au fil des années, des divergences artistiques et personnelles ont émergé. Axl Rose a progressivement pris le contrôle créatif du groupe, et Slash, qui voulait plus de liberté musicale, a quitté le groupe en 1996. Pendant près de 20 ans, les deux artistes ont été en froid, échangeant parfois des mots durs dans les médias.
Réconciliation : En 2016, contre toute attente, Slash et Axl se sont réconciliés, marquant le début de la tournée « Not In This Lifetime » qui a vu Guns N’ Roses se reformer avec plusieurs membres originaux. Depuis, leur relation semble apaisée, et ils continuent de collaborer musicalement.
4. Quelle a été l’influence de Slash sur Guns N’ Roses ?
Slash est l’un des piliers fondateurs du son de Guns N’ Roses. Sans lui, les morceaux emblématiques du groupe n’auraient probablement pas eu le même impact.
Des riffs emblématiques : Slash est responsable de certains des riffs les plus célèbres du groupe. Par exemple, le riff d’ouverture de « Sweet Child O’ Mine » a été créé presque par accident, mais il est devenu l’un des riffs les plus reconnaissables de l’histoire du rock. De même, le riff de « Welcome to the Jungle » capte l’énergie brute de la scène rock des années 80.
Solos mémorables : Les solos de Slash ont joué un rôle crucial dans l’identité sonore de Guns N’ Roses. Des morceaux comme « November Rain » et « Estranged » mettent en avant sa capacité à combiner des passages techniques avec des mélodies captivantes et émotionnelles.
Image visuelle : Au-delà de la musique, Slash a contribué à l’image visuelle de Guns N’ Roses. Son look iconique, avec son chapeau haut de forme et ses cheveux longs, est devenu indissociable de l’identité du groupe.
5. Pourquoi Slash a-t-il quitté Guns N’ Roses dans les années 90 ?
Le départ de Slash de Guns N’ Roses dans les années 90 était principalement dû à des conflits internes et des différences créatives avec Axl Rose. Au fur et à mesure que le groupe devenait plus célèbre, Axl a pris de plus en plus de contrôle sur la direction musicale du groupe, ce qui a créé des tensions avec Slash.
Désaccords sur le son : Axl voulait que Guns N’ Roses adopte une approche plus expérimentale et diversifiée, incorporant des éléments de musique électronique et de symphonie, tandis que Slash voulait rester fidèle aux racines rock plus brutes du groupe. Ces différences ont mené à une rupture inévitable entre les deux membres.
Fatigue émotionnelle et épuisement : Après des années de tournées intenses et de pression pour produire des albums à succès, Slash a également ressenti un épuisement émotionnel et créatif. Les conflits au sein du groupe, ainsi que les difficultés de communication avec Axl, ont contribué à sa décision de quitter le groupe en 1996.
6. Comment Slash a-t-il géré sa carrière après Guns N’ Roses ?
Après avoir quitté Guns N’ Roses en 1996, Slash a exploré plusieurs avenues musicales, cherchant à se réinventer tout en restant fidèle à ses racines rock.
Slash’s Snakepit : En 1994, Slash a lancé son projet Slash’s Snakepit, un groupe qu’il a formé en parallèle avec Guns N’ Roses avant de s’y consacrer pleinement après son départ. Le groupe a sorti deux albums, It’s Five O’Clock Somewhere (1995) et Ain’t Life Grand (2000), qui ont reçu des critiques mitigées mais ont trouvé un public fidèle parmi les fans de rock.
Velvet Revolver : En 2002, Slash a rejoint un supergroupe appelé Velvet Revolver, composé d’anciens membres de Guns N’ Roses et du chanteur de Stone Temple Pilots, Scott Weiland. Velvet Revolver a connu un succès commercial avec leur premier album Contraband (2004), qui comprenait des hits comme « Slither » et « Fall to Pieces ». Le groupe a duré jusqu’en 2008, date à laquelle il s’est dissous en raison de conflits internes.
Carrière solo : Depuis 2010, Slash a également poursuivi une carrière solo réussie, collaborant avec le chanteur Myles Kennedy et son groupe, The Conspirators. Ensemble, ils ont sorti plusieurs albums, et leur collaboration continue de susciter l’enthousiasme des fans.
7. Quelle est la relation de Slash avec Myles Kennedy ?
La collaboration entre Slash et Myles Kennedy est l’une des plus fructueuses de la carrière post-Guns N’ Roses de Slash. Kennedy, qui est également le chanteur d’Alter Bridge, a apporté une nouvelle dynamique à la musique de Slash, alliant virtuosité à expressivité vocale.
Chimie musicale : Ensemble, Slash et Myles Kennedy ont sorti plusieurs albums à succès, dont Apocalyptic Love (2012), World on Fire (2014), et Living the Dream (2018). Kennedy est un chanteur polyvalent, capable d’ajouter à la fois puissance et émotion aux compositions de Slash, ce qui en fait un duo complémentaire.
Tournées mondiales : Le groupe Slash featuring Myles Kennedy and the Conspirators a également entrepris plusieurs tournées mondiales, jouant des titres issus de la carrière solo de Slash, ainsi que des classiques de Guns N’ Roses. Leur collaboration continue de se renforcer, et les fans attendent toujours avec impatience leurs nouvelles sorties musicales.
8. Quels sont les albums les plus marquants de Slash en solo ?
Slash a publié plusieurs albums solo qui ont été bien accueillis par la critique et les fans. Voici quelques-uns des plus marquants :
Slash (2010) : Cet album est le premier véritable album solo de Slash, et il fait appel à une série de chanteurs invités, dont Ozzy Osbourne, Fergie, et Chris Cornell. Cet album a montré la capacité de Slash à s’adapter à différents styles tout en restant fidèle à son son caractéristique.
Apocalyptic Love (2012) : Cet album marque le début de sa collaboration avec Myles Kennedy et The Conspirators. Il est plus cohérent que son premier album solo, et contient des morceaux puissants comme « Anastasia », qui met en avant les talents de guitariste de Slash.
World on Fire (2014) : Cet album a été salué pour son intensité et son énergie. Le morceau titre, « World on Fire », est l’un des plus gros succès solo de Slash, combinant riffs percutants et mélodies accrocheuses.
Living the Dream (2018) : Dernier album en date, Living the Dream continue de montrer la vitalité de Slash en tant qu’artiste solo, avec des morceaux comme « Driving Rain » et « Mind Your Manners ».
9. Quels sont les modèles de guitare préférés de Slash ?
Slash est surtout connu pour jouer sur des Gibson Les Paul, un modèle qui est devenu indissociable de son son et de son image.
Gibson Les Paul : La Les Paul est la guitare préférée de Slash, en grande partie grâce à sa tonalité riche et chaleureuse. Slash utilise principalement des modèles Custom Shop qui sont conçus sur mesure pour répondre à ses besoins spécifiques. Il a également une série signature chez Gibson qui reproduit les spécifications exactes de ses guitares les plus utilisées.
B.C. Rich Mockingbird : Au début de sa carrière, Slash a également joué sur une B.C. Rich Mockingbird, notamment sur certains des premiers concerts de Guns N’ Roses. Cette guitare, au design unique, a contribué à façonner son son avant qu’il ne se tourne définitivement vers la Les Paul.
Marshall Amplifiers : En plus de ses guitares, Slash est également connu pour utiliser des amplificateurs Marshall, qui ajoutent une distorsion classique à son son et lui permettent de créer des solos puissants et accrocheurs.
Depuis sa création, le rock est un genre musical qui a toujours rassemblé et offert des concerts de rock incroyables à tous ses fans. Certains concerts de rock restent encore dans les annales comme spectacles mythiques comme The Jimi Hendrix Experience, Monterey en 1967, The Rolling Stones, Hyde Park 1969, The Beatles, Shea Stadium 1965…et j’en passe.
Dans cet article, vous en saurez un peu plus sur les meilleurs et plus mythiques grands concerts de Rock qui ont été donnés dans toute l’histoire du genre.
Chaque concert est un spectacle sans précédent qui démontre que seul le Rock est capable de réunir en un seul et même lieu autant de spectateurs et susciter autant d’émotions et d’énergie.
Concert des Monsters of Rock (1991) Moscou – Tushino Airfield (audience estimée à plus de 1,6 million)
Imaginez qu’un festival puisse réunir tous vos artistes / groupes de rock et de métal préférés. Le festival Tushino Airfield à Moscou est considéré comme l’un des meilleurs de l’histoire, car non seulement il a la réputation d’être l’un des plus massifs qui réussit à rassembler les meilleures icônes du rock et du métal en une journée.
Le Concert des Monsters of Rock (1991) à Moscou est devenu avec le temps une belle référence emprunt de nostalgie, à cause notamment de la disparition de certaines légendes comme le légendaire guitariste de Pantera, Dimebag Darrell. Seuls les monstres du rock pouvaient accomplir cela.
L’aérodrome de Tushino à Moscou était le seul lieu pouvant recevoir toutes ces icônes et légendes de la musique rock et métal pour offrir un spectacle épique dans un endroit où les tensions au niveau politique étaient complètement saturées.
En effet, cet événement a représenté un moment d’exception et de liesse pour beaucoup notamment au regard de cette période historique qu’a été la chute de l’Union Soviétique. Dans ce contexte si tendu, ce concert a été un des plus fantastiques de l’histoire du rock: AC-DC, The Black Crows, Pantera ou encore Metallica, les plus grands noms du rock étaient bien présents.
Concerts de rock : Rolling Stones (2006) à Rio de Janeiro – Copacabana Beach (1,5 million de personnes)
Tout le monde les connaît, leur renommée les précède.
Les Rolling Stones sont l’un des groupes de rock les plus influents qui n’aient jamais existé. Et ils ont toujours marqué une voie à suivre pour les autres artistes du genre.
Les Rolling Stones ont décidé en 2006 de répéter l’exploit de Rod Stewart de 1994, sur la même scène de Rio. Plus de 1,5 million de personnes ont répondu présentes.
Une fois de plus, Copacabana a assisté à un exploit musical qui a réuni près de 2 millions de spectateurs pour voir les fantastiques Rolling Stones jouer les chansons les plus symboliques de leur tournée « A Bigger Bang ».
Mick Jagger, le leader du groupe, a donné au concert le titre de «la plus grande fête du monde».
La scène de cet inoubliable spectacle des Rolling Stones devait être construite à une hauteur difficile à croire, près de 24 mètres de haut pour pouvoir être vue par le plus de monde possible.
Concerts de rock : Rolling Stones
Concerts de rock : Woodstock Festival (1969) Sullivan County, États-Unis (plus de 400.000 personnes)
Quand on dit «festival» ou » Concert de rock« , le premier mot qui nous vient à l’esprit est «Woodstock», car grâce à son succès, il est devenu une référence, une légende.
White Lake, une ferme dans le hameau de Bethel, comté de Sullivan, abritait dans ses 240 hectares plus de 400 000 personnes, réunies pour profiter d’un spectacle sans précédent dans lequel se sont produits les plus grands artistes de la scène rock de l’époque.
Ce festival emblématique n’ a finalement pas duré que 3 jours mais bien 4, en réunissant 32 artistes au total. Même Les conditions météorologiques défavorables et l’organisation chaotique n’ont pas pu faire décourager le demi million de festivaliers.
Non seulement artistiquement et musicalement, ce concert était fou, mais il rassemblait également toute une génération de jeunes, marquée par les violences et les guerres, qui s’élevait ainsi, en prônant paix. L’acheminement de ces 400 000 personnes a causé embouteillages et un certain chaos dans les environs de la ville de Bethel, qui le temps d’un week-end est devenue l’une des trois villes les plus peuplées de l’Etat de New-York.
Cette alternative « anti-guerre et anti-violence », a été décrite comme un festival emblématique de la culture «Hippie», et pour de nombreuses personnes, les symboles emblématiques de la paix sont nés dans cet événement. Toutes les spectateurs et artistes réunis étaient contre la guerre du Vietnam, comme Jimi Hendrix, qui lors de ce festival, pour protester et réclamer la paix, a joué l’hymne national des États-Unis sur un solo de guitare.
De plus, Joe Cocker a également réalisé une performance spectaculaire en jouant une reprise des Beatles «With a little help from my friends». Ce morceau a reçu un accueil incroyable pour toutes les personnes présentes.
Concerts de rock : Woodstock
Concerts de rock : Rod Stewart (1994) Rio de Janeiro – Copacabana Beach (3,5 – 4,2 millions de personnes)
Nous commençons ce festival avec un concert fantastique et inégalé, celui de Rob Stewart à Rio de Janeiro. Plus de 3,5 millions de personnes réunies dans un concert spectaculaire. Copacabana Beach a connu l’un des exploits musicaux les plus spectaculaire de l’histoire.
En décembre 1994, le 31 plus précisément, c’est déroulé un concert entièrement gratuit puisque l’icône du rock britannique a exprimé son intention d’offrir à chaque citoyen un spectacle inoubliable, qu’il puisse ou non payer leur place.
Le sentiment que près de 4 millions de personnes chantent et dansent au rythme de ses chansons les plus célèbres était sûrement écrasant mais certainement inoubliable.
Bien que l’on pense que presque toutes les personnes présentes ne pouvaient le voir sur scène, tout le monde a pleinement apprécié chacune de ses notes.
Rod Stewart était tellement excité à l’idée de partager sa musique avec autant de personnes qu’il a offert une fête inoubliable. Le chanteur écossais a révélé d’ailleurs avoir fait appel à un sorcier brésilien, pour optimiser sa capacité à entrer en communion avec son public.
Concerts de rock : Rod Stewart
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
