Apprendre la photo de musique live dans le cadre d’un concert peut être une tâche difficile. Il y a beaucoup de restrictions: beaucoup de mouvement, peu de lumière, beaucoup de rétro-éclairage, des angles difficiles à trouver, des objets parasites sur scène, la tête du géant juste devant vous … Nous vous proposons 8 astuces pour apprendre la photo de musique.
Conseils utiles, pratiques et faciles à utiliser pour prendre de très belles photos de musique live !
Un concert est toujours une révélation du chanteur ou du musicien à son public. Apprendre la photo de musique c’est aussi apprendre à capturer les moments les plus forts d’un concert. Essayez de construire votre image en anticipant les moments émotionnels et en étant réactif au lieu de vous déchaîner tout au long du concert. Ils deviennent plus efficaces, plus efficaces … et peuvent profiter un peu plus de l’ambiance musicale du concert !
Il est aussi primordial de s’intéresser à ce que l’artiste fait avant le concert. Connaitre la musique de l’artiste shooté peut permettre d’anticiper des actions. Cela donne aussi des informations sur l’ambiance, cela instaure aussi un climat dans lequel se plonger avant que la lumière s’éteigne…
2. La Composition est l’élément primordial pour apprendre la photo de musique
Avant de penser aux limites techniques et de choisir votre mode (manuel, semi-automatique, tout automatique): pensez à votre composition. De nombreux éléments peuvent structurer votre photo lors d’un concert et former des lignes de force: matière scénique, dynamique et lignes créées par les instruments, notamment guitares et basses, rayons de lumière …
Apprendre la photo de musique, c’est avant tout apprendre à utiliser la composition afin de rendre la photo intéressante en dehors de son sujet.
3. Choisir l’exposition en fonction de votre sujet et jouer avec la lumière.
L’éclairage d’un concert offre de grandes opportunités photographiques. Pour apprendre la photo de concert, essayez de réfléchir à la différence de luminosité entre le sujet et l’arrière-plan. Elle est souvent très importante, il peut donc être intéressant de jouer avec les contrastes. Faites attention au jeu des ombres et de la lumière pour votre composition. Selon l’élément central de votre photo, trois modes de mesure de l’exposition peuvent être sélectionnés:
– « Mode Spot » limité à une très petite zone (par exemple mise au point sur un visage)
– « Mode pondéré central »: intéressant si le sujet est au milieu et à la lumière
– « Mode Matriciel »: Moyenne sur toute la scène pour régler la sensibilité et le mode d’enregistrement
Avec un smartphone, vous pouvez télécharger une application qui vous permet de varier l’exposition et de sous-exposer vos images de deux ou trois crans.
photo de musique
4. Ne pas trop monter en ISO…mais un peu quand même.
Si le flash compense généralement le manque de lumière, il n’est pas conseillé de l’utiliser pour photographier des musiciens. D’abord parce qu’elle peut surprendre et déranger les artistes et ensuite parce que le flash déforme l’atmosphère lumineuse de la scène et du concert pour de la photo de musique.
Pour compenser ce manque de lumière, augmentez la sensibilité ISO de votre appareil photo à plus de 1000 si votre appareil le permet (cela évite le flou et capture mieux la lumière).
Mais attention: cela nécessite de connaître les limites de votre appareil photo et s’il peut « grimper » en ISO sans que le « bruit » numérique soit trop important (rugosité / grain qui apparaît sur la photo si Vous grimpez trop fort en ISO).
Et deuxième point de vigilance: pensez à réinitialiser votre ISO à des valeurs inférieures à la fin du concert! (Cela évite les mauvaises surprises lors de la prise de nouvelles photos dans des conditions lumineuses plus favorables!).
5. Garder un œil sur la vitesse d’obturation
La restauration de la dynamique d’un concert dans une photo est l’un des éléments les plus puissants d’une photo de scène. Il est également important de garder un œil sur la vitesse d’obturation quel que soit le mode utilisé (P, A ou M).
Cependant, gardez à l’esprit qu’il vous sera difficile de prendre une photo nette en dessous de 1/100 ou 1/60. En jouant sur la vitesse (priorité à la vitesse), vous pouvez choisir quel élément de l’image doit être rendu dynamique, sur quel élément vous voulez créer un flou de mouvement: plus votre vitesse est lente, plus l’effet de flou de votre sujet en mouvement devient important.
Il est également utile de choisir correctement le mode de mise au point automatique pour restaurer la scène dynamique. En termes d’autofocus, l’AF-C est souvent le mieux adapté pour suivre dynamiquement le sujet en mouvement sur scène ou dans la foule.
photo de musique : conseils
6. Garder le public à l’œil !
De la fosse ou rétrospectivement, la foule est toujours très intéressante d’un point de vue photographique en matière d’émotions. Vous pouvez choisir si vous souhaitez couvrir une large zone ou vous concentrer sur quelques téléspectateurs qui attirent votre attention: le résultat est souvent fort et vivant.
Surtout, n’oubliez pas de saisir l’instant ! Pour apprendre la photo de concert, il faut avant tout apprendre à regarder autour de soi et prendre en considération la scène mais aussi le public !. Il serait dommage de se concentrer uniquement sur votre appareil et d’oublier les artistes devant vous !
7. Réfléchir à sa position et bouger !
Le choix de votre place est essentiel sur la photo de musique live. Les meilleures positions diffèrent selon le type d’images et l’angle de vue souhaité. La fosse est idéale pour les gros plans de chanteurs.
Il vous permet de saisir avec précision les expressions des musiciens. Pour les photos ambiantes où une photo plus large montre également le public, il peut être utile de prendre un peu de hauteur ou de prendre du recul.
Vous pouvez également jouer avec courage et essayer d’autres aspects plus inhabituels, par exemple B. prenez des photos dans les coulisses ou directement depuis la scène! Pour les petits groupes, n’hésitez pas à demander au préalable aux musiciens si vous pouvez prendre des photos sur scène ou dans les coulisses: vous serez souvent très heureux de retrouver vos photos!
8. Apprendre la photo de musique « live », c’est aussi respecter les règles.
Que cela soit une petite salle ou un festival, la production, le management donnent des consignes. C’est un point primordiale à respecter si vous souhaitez faire de la photo de musique, être accrédité et éviter d’être black-listé.
En dehors du fait que les consignes doivent être respectées car c’est un engagement du photographe de musique, si vous acceptez une accréditation, vous acceptez les consignes qui vont avec.
Personne ne vous oblige à venir shooter, la moindre des choses est de rester respectueux pour vous, mais aussi pour vos collègues photographes.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Les Arctic Monkeys, c’est un peu comme cette vieille paire de baskets que vous ne voulez jamais jeter : toujours là, toujours à la mode, et qui vous surprennent à chaque nouveau pas. Formé en 2002 à Sheffield, ce quatuor britannique est passé d’un groupe de garage à l’une des formations rock les plus influentes du XXIe siècle. Mais comment ont-ils fait ? Comment un groupe, dont les premières démos circulaient sur MySpace, a-t-il conquis le monde et redéfini les codes du rock moderne ?
Dans cet article, on va plonger dans l’histoire des Arctic Monkeys, analyser leur évolution musicale, explorer leur impact culturel, et se demander : quel sera leur prochain coup de maître ? Mais avant de nous plonger dans les détails, laissez-moi vous dire une chose : si vous n’avez jamais écouté « Do I Wanna Know? », vous êtes passé à côté d’un morceau de l’histoire. Allez-y, mettez vos écouteurs, et préparez-vous à découvrir pourquoi les Arctic Monkeys sont bien plus qu’un simple groupe de rock.
I. Histoire des Arctic Monkeys : Des débuts modestes à la gloire mondiale
1.1 La genèse des Arctic Monkeys
Tout commence à Sheffield, une ville industrielle du nord de l’Angleterre. Dans cette ville grise, bercée par la pluie et les fumées des usines, un jeune Alex Turner, fils unique d’un professeur de musique et d’une prof de lycée, découvre le rock. Avec ses amis d’enfance, Jamie Cook (guitariste), Nick O’Malley (basse), et Matt Helders (batterie), il forme un petit groupe sans grande prétention.
Ils commencent comme beaucoup d’autres : des répétitions dans le garage des parents, quelques concerts dans des bars locaux et des reprises de groupes comme The Strokes et Oasis. Mais très vite, une chose se démarque : la plume d’Alex Turner. Il n’est pas qu’un simple auteur-compositeur. Ses textes sont bruts, pleins d’ironie et de poésie, des instantanés de la jeunesse anglaise, un peu comme des photos Polaroid accompagnées de riffs cinglants.
1.2 L’explosion grâce à Internet
Nous sommes en 2005. Les réseaux sociaux commencent à peine à émerger. MySpace, plateforme populaire à l’époque, devient un terrain fertile pour les jeunes groupes de musique. Et c’est là que la magie opère. Leurs fans commencent à partager des démos du groupe sur Internet, et sans qu’ils s’en rendent compte, les Arctic Monkeys deviennent viraux.
Leur premier single, « I Bet You Look Good on the Dancefloor« , sorti en octobre 2005, est un véritable tremblement de terre. Il se hisse directement à la première place des charts britanniques. Quelques mois plus tard, leur premier album « Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not » devient l’album le plus rapidement vendu de l’histoire du Royaume-Uni. Pas mal pour des jeunes de 20 ans, non ?
1.3 De la scène indie à l’international
Le succès des Arctic Monkeys ne se limite pas au Royaume-Uni. Leurs performances à des festivals comme Glastonbury les propulsent sur la scène internationale. Leur son énergique, un mélange de garage rock, punk et indie, séduit des foules du monde entier. Et ce qui est encore plus impressionnant, c’est leur capacité à rester fidèles à leurs racines tout en évoluant musicalement.
Leur deuxième album, « Favourite Worst Nightmare« , sort en 2007 et reçoit des critiques dithyrambiques. Avec des morceaux comme « Fluorescent Adolescent » et « 505« , l’album consolide leur statut de stars mondiales. Mais ce n’est que le début. Le meilleur reste à venir.
II. Analyse musicale des Arctic Monkeys : Une alchimie unique entre les genres
2.1 Le son Arctic Monkeys : Une fusion de rock et de pop indie
Alors, qu’est-ce qui fait que les Arctic Monkeys sonnent comme… les Arctic Monkeys ? Ce sont les guitares, bien sûr. Jamie Cook, avec son jeu tranchant et ses riffs mémorables, est au cœur du son du groupe. Dès les premières notes de « I Bet You Look Good on the Dancefloor« , vous savez que vous écoutez un groupe qui ne fait pas dans la dentelle. Mais il y a plus.
La véritable arme secrète des Arctic Monkeys, c’est Alex Turner. Ses textes sont aussi importants que la musique elle-même. Il a cette capacité rare de capturer des moments de vie en une seule phrase, un peu comme un photographe qui saisit une image au moment parfait. Que ce soit dans « A Certain Romance » ou « Do Me a Favour« , les paroles d’Alex Turner résonnent avec une authenticité brute.
2.2 Des évolutions sonores majeures
Les Arctic Monkeys ne sont pas du genre à rester dans leur zone de confort. Si leurs deux premiers albums sont dans la veine du rock indie énergique, leur troisième album, « Humbug« , marque un changement de cap. Produit par Josh Homme des Queens of the Stone Age, cet album plonge dans des sonorités plus sombres, psychédéliques. Certains fans sont un peu déroutés par cette évolution, mais pour beaucoup, c’est la preuve que le groupe n’a pas peur d’expérimenter.
Puis vient l’album « AM » en 2013, un véritable chef-d’œuvre qui fusionne le rock, le hip-hop et des influences R&B. Avec des titres comme « Do I Wanna Know? » et « R U Mine?« , les Arctic Monkeys atteignent un niveau de maturité musicale impressionnant. Cet album est un véritable carton, aussi bien en termes de ventes qu’auprès des critiques. On y trouve des rythmes plus lents, des ambiances plus feutrées, mais toujours cette énergie brute qui caractérise le groupe.
2.3 Le groupe face aux critiques
Les Arctic Monkeys n’ont pas toujours été encensés par la critique. À chaque nouvelle sortie, ils prennent des risques, et cela ne plaît pas à tout le monde. Pourtant, c’est cette capacité à se réinventer qui fait leur force. Ils ne se contentent pas de reproduire la même formule album après album. Et c’est précisément pour cela qu’ils sont devenus l’un des groupes les plus importants du XXIe siècle.
III. L’impact culturel et générationnel des Arctic Monkeys : Pourquoi ce groupe reste-t-il incontournable ?
3.1 Les Arctic Monkeys et la scène rock britannique moderne
Si on doit résumer l’impact des Arctic Monkeys en une phrase, ce serait celle-ci : ils ont redéfini la scène rock britannique moderne. Leur succès a ouvert la voie à toute une nouvelle génération de groupes indie. Des groupes comme The 1975 ou Blossoms ont clairement été influencés par les Arctic Monkeys, que ce soit par leur approche musicale ou leur manière de se connecter avec leurs fans via Internet.
Mais leur impact va bien au-delà de la musique. Les Arctic Monkeys, c’est aussi une attitude, un look, une esthétique. Leur style vestimentaire – vestes en cuir, cheveux gominés, look vintage – est devenu emblématique et a influencé une génération entière de jeunes.
3.2 Une influence mondiale
Ce qui est fascinant avec les Arctic Monkeys, c’est leur capacité à séduire des publics aussi bien en Europe qu’aux États-Unis. Contrairement à de nombreux groupes britanniques, qui peinent à s’imposer outre-Atlantique, les Arctic Monkeys ont réussi à conquérir le public américain, notamment grâce à leur son évolutif et à leurs performances live percutantes. Ils ont même joué au mythique festival de Coachella, une consécration pour n’importe quel groupe de rock.
3.3 Les fans et la culture Arctic Monkeys
Les fans des Arctic Monkeys sont une force vive. Présents depuis le tout début, ils ont suivi le groupe dans toutes ses évolutions. Aujourd’hui, les réseaux sociaux sont remplis de communautés dédiées au groupe, partageant des théories sur les nouvelles chansons, analysant chaque interview d’Alex Turner, et créant des mèmes autour de leurs albums.
IV. Le futur des Arctic Monkeys : Où va le groupe ? (suite)
4.3 Un groupe en perpétuelle réinvention
Une des plus grandes forces des Arctic Monkeys est leur capacité à se réinventer sans perdre leur identité. Cela pourrait sembler paradoxal, mais c’est précisément ce qui fait leur longévité. Là où d’autres groupes auraient pu se reposer sur leurs lauriers après un premier album explosif, les Arctic Monkeys ont décidé de toujours chercher de nouveaux horizons musicaux, que ce soit dans la production, les influences ou même les paroles. Leur album « Tranquility Base Hotel & Casino », sorti en 2018, en est un excellent exemple.
Avec cet album, Alex Turner et son groupe ont pris un virage totalement inattendu. Là où leurs fans attendaient un nouvel opus dans la continuité d’« AM », avec ses sonorités rock et ses rythmes accrocheurs, ils ont eu droit à une œuvre plus expérimentale, mêlant des influences jazz, lounge et même des éléments de space rock. C’était un pari risqué, et si une partie des critiques n’a pas été tendre avec ce changement de direction, beaucoup d’autres y ont vu une évolution audacieuse, signe que le groupe refusait de se répéter.
4.4 Tranquility Base Hotel & Casino : un tournant audacieux
Sortir un album comme « Tranquility Base Hotel & Casino » après le succès de « AM » aurait pu être un suicide commercial pour n’importe quel autre groupe. Après tout, « AM » avait non seulement consolidé leur statut de superstars mondiales, mais il avait également réussi à capter un public bien plus large, allant au-delà des simples fans de rock. Pourtant, les Arctic Monkeys ont pris le risque de s’éloigner de ce son grand public pour offrir un album bien plus introspectif et expérimental.
Dès les premières notes de « Star Treatment », le premier titre de l’album, il est clair que l’on se dirige vers une nouvelle direction musicale. Turner abandonne son image de rock star sexy pour endosser le rôle d’un narrateur un peu mélancolique, un peu détaché, parlant d’un hôtel fictif sur la Lune. Les claviers prédominent, les guitares se font plus discrètes, et les paroles se teintent de références philosophiques et politiques.
Ce n’est pas l’album le plus accessible du groupe, loin de là, mais c’est probablement l’un de leurs projets les plus intrigants. Si les fans hardcore de la première heure ont parfois eu du mal à s’y retrouver, cet album a également permis au groupe de toucher un public différent, plus sensible à l’expérimentation musicale. C’est la preuve que les Arctic Monkeys sont toujours en quête de nouvelles façons d’exprimer leur créativité, sans craindre de décevoir ceux qui s’attendent à des reprises constantes de leurs plus grands succès.
V. L’influence des Arctic Monkeys dans l’industrie musicale moderne
5.1 Une génération de groupes influencés par les Arctic Monkeys
Il est impossible de parler de l’héritage des Arctic Monkeys sans évoquer leur influence sur la nouvelle génération de groupes rock. Depuis leurs débuts, des centaines d’artistes et de groupes ont cité les Arctic Monkeys comme une source d’inspiration majeure. Mais qu’est-ce qui rend leur musique si influente ?
Pour commencer, leur ascension fulgurante grâce à Internet a montré à une nouvelle génération de musiciens qu’il était possible de réussir sans passer par les circuits traditionnels de l’industrie musicale. Leur succès sur MySpace a pavé la voie pour des groupes comme The 1975 ou Catfish and the Bottlemen, qui ont également utilisé les réseaux sociaux pour se faire connaître.
Ensuite, il y a leur style musical éclectique. Les Arctic Monkeys ont prouvé qu’il était possible de mélanger plusieurs genres tout en gardant une identité forte. Cette approche a inspiré des artistes à ne pas se limiter à un seul style, mais à explorer différentes influences pour créer leur propre son. Des groupes comme Blossoms, Circa Waves et même Tame Impala ont tous été marqués, d’une manière ou d’une autre, par l’audace créative des Arctic Monkeys.
Enfin, il ne faut pas oublier l’impact des paroles d’Alex Turner. Ce dernier a su capturer l’essence de la jeunesse britannique dans ses textes, en abordant des thèmes aussi variés que l’amour, l’amitié, la frustration, et même la politique. Cette authenticité a inspiré une génération entière de jeunes auteurs-compositeurs à être plus sincères et directs dans leur écriture, créant ainsi un lien plus fort avec leur public.
5.2 L’influence des Arctic Monkeys sur le rock moderne
Dans un paysage musical souvent dominé par la pop, le hip-hop et l’électro, les Arctic Monkeys ont réussi à garder le rock pertinent et excitant. Ils ont su moderniser ce genre tout en restant fidèles à ses racines. En combinant des éléments du garage rock, du post-punk et même du hip-hop, ils ont créé un son hybride qui parle autant aux fans de rock pur et dur qu’aux amateurs de musique plus grand public.
Aujourd’hui, il est difficile d’imaginer la scène rock sans l’influence des Arctic Monkeys. Leur empreinte est partout, des festivals comme Reading & Leeds aux playlists de millions de jeunes fans de musique à travers le monde. Et même si leur style a évolué au fil des années, ils ont toujours gardé cette énergie brute et cet amour pour le rock qui les a propulsés sur le devant de la scène.
5.3 Un héritage durable dans l’histoire du rock
Les Arctic Monkeys sont désormais considérés comme un groupe légendaire, et à juste titre. Avec chaque album, ils ont repoussé les frontières de ce qu’un groupe de rock moderne peut accomplir. Leur musique, leurs paroles, et même leur esthétique ont marqué l’histoire du rock, et il ne fait aucun doute qu’ils laisseront une empreinte durable pour les décennies à venir.
Si vous êtes un amateur de rock, il est probable que vous avez déjà une place spéciale pour les Arctic Monkeys dans votre cœur. Et si vous êtes simplement curieux, leur discographie vous promet une aventure musicale passionnante, remplie de surprises et d’émotions.
VI. Conclusion : Les Arctic Monkeys, un groupe qui continue d’innover
Les Arctic Monkeys sont sans aucun doute l’un des groupes les plus importants et influents de notre époque. Depuis leurs humbles débuts à Sheffield, ils ont conquis le monde avec leur son unique, leur énergie débordante et leur créativité sans limite. Mais ce qui est encore plus impressionnant, c’est leur capacité à rester pertinents et à évoluer, même après plus de 15 ans de carrière.
Que vous soyez un fan de la première heure ou un nouveau venu dans leur univers musical, il est clair que les Arctic Monkeys ont encore beaucoup à offrir. Avec chaque album, ils nous surprennent, nous émeuvent et nous rappellent pourquoi ils sont l’un des meilleurs groupes de rock du XXIe siècle. Alors, qu’est-ce que l’avenir leur réserve ? Seul le temps nous le dira, mais une chose est sûre : les Arctic Monkeys ne sont pas prêts de quitter le devant de la scène.
FAQ
1. Quel a été le rôle de MySpace dans la carrière des Arctic Monkeys ?
MySpace a permis aux fans des Arctic Monkeys de partager leurs premières démos, ce qui a propulsé le groupe à une renommée internationale avant même la sortie de leur premier album.
2. Pourquoi l’album « AM » est-il considéré comme un tournant pour les Arctic Monkeys ?
« AM » a marqué un tournant dans la carrière des Arctic Monkeys en intégrant des influences hip-hop et R&B tout en conservant leurs racines rock. Cet album a aussi permis au groupe de conquérir le marché américain.
3. Comment les Arctic Monkeys ont-ils réussi à évoluer sans perdre leurs fans ?
Les Arctic Monkeys ont toujours pris des risques musicaux tout en restant fidèles à leur identité. Cette capacité à se réinventer tout en maintenant une connexion émotionnelle avec leurs fans a été la clé de leur longévité.
4. Quelles sont les influences majeures des Arctic Monkeys ?
Les Arctic Monkeys s’inspirent de groupes comme The Strokes, Oasis, et Queens of the Stone Age, mais aussi de genres variés comme le jazz, le hip-hop, et la musique lounge.
5. Quel est le futur des Arctic Monkeys ?
Bien que les détails sur un nouvel album soient encore flous, les Arctic Monkeys continuent d’expérimenter de nouvelles sonorités et d’évoluer. Les fans peuvent s’attendre à des surprises musicales dans les années à venir.
ZZ Top : l’histoire du groupe de rock légendaire qui a conquis le monde
Dans cet article, nous allons évoquer le groupe de rockZZ Top, originaire de Houston aux États-Unis. Formé par Billy Gibbons (guitare et chant), Dusty Hill (basse et chant) et Frank Beard (batterie) né le 11 juin 1949 à Frankston, ce trio de musiciens a marqué plusieurs générations avec leurs hits tels que « La Grange », « Sharp Dressed Man » ou encore « Gimme All Your Lovin' ». Avec plus de 50 millions d’albums vendus à travers le monde, il est indéniable que ZZ Top fait partie des groupes les plus emblématiques de la scène musicale internationale.
L’émergence de ZZ Top dans les années 1970
Le parcours de ces trois talentueux musiciens débute en 1969, lorsqu’ils décident de fonder leur propre groupe après avoir évolué au sein de formations différentes. Rapidement, ils trouvent un style qui leur est propre et se font remarquer grâce à leur virtuosité à la guitare et à la basse, ainsi que leur sens du rythme contagieux. Leurs premiers albums, tels que « ZZ Top’s First Album » (1971) et « Rio Grande Mud » (1972), rencontrent un succès modéré mais contribuent à forger la réputation du groupe.
La consécration avec l’album « Tres Hombres » et le titre « La Grange »
En 1973, ZZ Top sort son troisième opus, intitulé « Tres Hombres« . Porté par les singles « La Grange » et « Jesus Just Left Chicago », cet album leur permet de se faire connaître du grand public et assoit leur statut d’artistes incontournables de la scène rock américaine. Le succs de ce disque est également dû à la tournée mondiale qui s’ensuit, au cours de laquelle ZZ Top impressionne les foules par ses performances électrisantes.
L’évolution musicale et stylistique dans les années 1980
Au tournant des années 80, ZZ Top décide de moderniser sa musique en intégrant des éléments de rock électronique et en misant sur une production plus sophistiquée. Cette évolution artistique est incarnée par l’album « Eliminator » (1983), dont sont issus les tubes « Gimme All Your Lovin’« , « Sharp Dressed Man » et « Legs« . Ces morceaux rencontrent un succès fulgurant et contribuent à renouveler l’image du groupe, notamment grâce à des clips vidéo novateurs pour l’époque.
Le succès commercial et le tournant vers le blues-rock
Grâce aux ventes records d »‘Eliminator » et à sa popularité croissante, ZZ Top peut se permettre de s’aventurer dans de nouveaux territoires musicaux. Leur opus suivant, intitulé « Afterburner » (1985), explore ainsi des sonorités plus bluesy tout en conservant l’énergie électrique qui caractérise la formation. Cette démarche artistique est bien accueillie par les fans et permet au groupe de rester au sommet de sa popularité durant une décennie.
Le maintien de la flamme du rock’n’roll à travers les années 1990 et 2000
Durant les deux dernières décennies du XXe siècle, ZZ Top persévère avec succès dans la voie tracée par ses précédents albums. Les opus « Recycler » (1990), « Rhythmeen » (1996) ou encore « Mescalero » (2003) sont autant de témoignages de la passion toujours intacte pour le rock’n’roll partagée par Billy Gibbons, Dusty Hill et Frank Beard.
L’intemporalité de leur musique et des valeurs prônées
En dépit des changements de styles et d’influences, ZZ Top a su conserver tout au long de sa carrière un univers musical cohérent et immuable. Les textes de leurs chansons célèbrent souvent les mêmes thèmes – la liberté, l’amour et les idéaux d’un mode de vie typiquement américain – auxquels le public continue de se rallier.
ZZ Top : un groupe inoxydable malgré les épreuves
Alors que la formation fêtait son 50e anniversaire en 2019, ZZ Top a dû faire face au décès de son bassiste Dusty Hill en juillet 2021. Pour autant, Billy Gibbons et Frank Beard ont décidé de poursuivre l’aventure musicale avec le remplaçant du regretté musicien, Elwood Francis.
Des concerts à succès pour célébrer leur passion de la musique
Depuis plus de quarante ans, ZZ Top enchaîne les tournées mondiales et se produit devant des millions de fans conquis par leur talent. Souvent salués comme étant l’un des meilleurs groupes en live, ils continuent à perpétuer l’esprit du rock’n’roll auprès des nouvelles générations.
Billy Gibbons : chant, guitare
Dusty Hill : chant, basse (décédé en 2021)
Frank Beard : batterie
En conclusion, ZZ Top est un groupe à l’aura légendaire qui a traversé les époques sans jamais renier ses racines musicales ni son identité artistique. Forts d’une discographie riche et variée, ces trois musiciens ont su conquérir le cœur du public et s’imposer comme une référence incontournable du paysage rock international.
ZZ Top, la formation, 1969
Né à Houston, Texas en 1949, Gibbons est le fils d’un musicien qui a encouragé sa passion pour la musique.Lorsqu’il s’est d’abord intéressé à jouer des instruments à percussion, son père s’est arrangé pour qu’il prenne des cours avec l’icône de la musique latine Tito Puente.
Cependant, assister à une session d’enregistrement avec B.B. King a eu un plus grand impact sur le jeune Gibbons, qui, pour son 13e anniversaire, reçoit une guitare électrique et un ampli.
Il commence à jouer dans des groupes de rock alors qu’il vivait en Californie avec sa famille, mais ce n’est qu’à son retour au Texas qu’il forme son premier groupe remarquable, les Moving Sidewalks, un groupe psychédélique qui enregistre un hit local appelé « 99th Floor » et un album intitulé Flash.
Peu de temps après la sortie de Flash, les Moving Sidewalks se séparent et Gibbons choisit de former un groupe plus orienté blues.Pour la petite histoire, à cette époque, Gibbons vient de se faire offrir une Fender Stratocaster par Jimi Hendrix, celui qu’il considère comme« l’un des meilleurs jeunes guitaristes d’Amérique »
C’est la naissance de ZZ Top, le 20 juin 1969.
Avec le batteur et le bassiste de Moving Sidewalks, Dan Mitchell et Lanier Greig, Gibbons forme un trio de blues et boogie qu’il appelle ZZ Top (ZZ du bluesman Z.Z. Hill, et Top comme pièce de théâtre sur King, comme dans B.B. King).
Avec le manager Bill Ham comme producteur, le nouveau groupe enregistre un single pour le label local Scat Records, « Salt Lick » n/b « Miller’s Farm ». Mais, des différences créatives conduisent Greig et Mitchell à quitter le groupe.
Gibbons recrute une nouvelle section rythmique, le bassiste Billy Etheridge et le batteur Frank Beard.Après avoir acheté ZZ Top auprès de plusieurs maisons de disques, Ham persuade London Records de tenter sa chance.
Etheridge n’étant pas satisfait des termes du contrat il choisit de ne pas signer, et quitte le groupe. Ayant besoin d’un bassiste, Beard suggére de faire venir Dusty Hill, son compagnon de groupe dans American Blues. Cette formation allait bientôt entrer en studio, enregistrer le premier album de ZZ Top en 1971, et travaillerait ensemble pendant les 50 prochaines années.
ZZ Top, le succès des années 70’
En l’espace d’un an, ils signent avec London Records et sortent leur premier album en 1971.
Très rapidement, ils deviennent des stars du rock.
De retour en 1972 avec le LP Rio Grande Mud ; qui contient » Francine » et » Just Got Paid « , le groupe devient incontournable, mais leur véritable percée vient avec leur troisième album, Tres Hombres de 1973.Cet album suivi du single « La Grange » qui est une célébration d’un bordel notoire du Texas, est très largement diffusé à la radio rock.
Tres Hombres figure dans le Top Ten, et leur permet d’obtenir leur premier disque d’or. Le groupe devient une attraction majeure en tournée. Alors que la tournée mondiale du Texas traversait le pays en 1976 et 1977, ZZ Top sort Tejas en 1976, qui est le dernier album sous leur contrat avec Londres.
Cette tournée épuisante, appelée le Worldwide Texas Tour, comprend des décors peints extravagants, une scène en forme de Lone Star State et une variété de flore et de faune locales (cactus, yucca, buffle et plusieurs serpents à sonnette).
Le groupe décide de faire une pause de 3 ans après la fin de l’épuisant Texas Tour.
Durant cette période, les trois musiciens apprennent le saxophone et peaufinent leur nouvelle apparence.
Gibbons voyage en Europe et en Jamaïque tout en explorant de nouveaux sons, Hill apaise son esprit en travaillant dans un aéroport de Dallas et Beard part en cure de désintoxication pour se débarrasser de sa dépendance à la drogue.
Pendant les temps d’arrêt du groupe, Ham a négocié un nouveau contrat d’enregistrement pour ZZ Top avec Warner Bros.
Ils reviennent avec l’album Degüello en novembre 1979, qui comprend deux tubes « Cheap Sunglasses » et « I’m Bad, I’m Nationwide ». Le public découvre Gibbons et Hill avec une identité visuelle ; look barbu, version prospecteurs, lunettes noires, que l’avènement du clip rendra mondialement célèbre au début des années 1980.
ZZ Top, le succès se confirme dans les années 80’
Le son plus incisif de Degüello est poussé plus fort sur El Loco de 1981, qui introduit des synthétiseurs dans le mix d’autres chansons « Tube Snake Boogie » et « Pearl Necklace » rencontrent leur public.
Dans les années 80, ils se réinventent habilement, câblant à chaud leur son avec des séquenceurs et des synthétiseurs et devenant des héros MTV improbables avec une série de vidéos intelligentes qui transforment les chanteurs barbus Billy Gibbons (guitare) et Dusty Hill (basse) en une signature visuelle excentrique.
Le pari est gagné. ZZ Top est l’un des seuls groupes de leur époque à non seulement survivre dans la nouvelle arène de la pop, mais à devenir plus populaire que jamais, gagnant un nouveau public sans sacrifier l’ancien.
À la base, les chansons de ZZ Top n’ont jamais beaucoup changé, prenant des figures de blues standard, les filtrant à travers la guitare précisément torride de Gibbons, les mariant au groove simple mais funky de Hill et du batteur Frank Beard, et ajoutant des paroles imprégnées d’esprit surréaliste alors qu’ils traitait du sexe, de l’alcool, du blues et des particularités glorieuses de la vie au Texas.
Eliminator sort en 1983. Cet album rencontre un succès phénoménal, se vend à plus de 10 millions d’exemplaires aux Etats-Unis, devenant 5 fois disque de platine.
Synthétiseurs, séquenceurs et effets électroniques partagent un espace égal avec la guitare de Gibbons et leurs paroles pleines d’esprit mais orientées vers le blues.Les singles « Legs », « Sharp Dressed Man« , « Got Me Under Pressure » et « TV Dinners » deviennent des tubes, et les clips font des rockers vétérans le toast de MTV.
Eliminator devient le plus gros album de la carrière de ZZ Top, qui suit une approche similaire sur Afterburner en 1985 et Recycler en 1990, qui ont tous deux été des succès majeurs dans les charts.
En 1987, le groupe sort The ZZ Top Six Pack, un ensemble de trois CD qui comprend les albums First Album de ZZ Top, Rio Grande Mud, Tres Hombres, Fandango, Tejas et El Loco. Cependant, les albums présentés dans de nouveaux mélanges conçus pour les faire ressembler au son que le groupe a introduit sur Eliminator, suscite la controverse parmi leurs fans plus âgés.
ZZ Top, Dusty Hill et Billy Gibbons
ZZ Top, le succès s’estompe dans les années 90’
Leur célébrité s’estompe au milieu des années 90 lorsque leurs albums ont cessé d’être en tête des charts, mais ZZ Top reste un groupe populaire pouvant remplir de manière fiable de grandes salles et offrir aux fans un grand spectacle.Recycler sorti en 1990, se vend beaucoup moins bien et ne trouve pas son public.
En 1992, Warner Bros sort ZZ Top’s Greatest Hits, une collection qui comprend une reprise de « Viva Las Vegas » d’Elvis Presley devenant un autre hit de MTV. C’est sur leur dernier album pour le label, et en 1993, que le groupe révèle avoir signé un contrat de 35 millions de dollars avec RCA Records.
Leur premier LP RCA, Antenna en 1994, n’atteint pas le succès habituel bien qu’il soit disque de platine.Leurs albums suivants, plutôt orientés blues, Rhythmeen en 1996 et XXX en 1999 (sorti pour leur 30e anniversaire) suivent le modèle de Fandango (de 1975) avec un côté studio et un enregistré en direct. Aucun des deux albums n’a fait une impression significative sur les fans ou les palmarès des ventes.
ZZ Top, un groupe qui se cesse de tourner
En 2003, ZZ Top conclut son contrat RCA avec Mescalero, tandis que Warner Bros sort un coffret de quatre disques.Cet album sera le seul des années 2000. Malgré un nouvel échec commercial, le groupe ne cesse de se produire sur scène et ce à l’international avec notamment une tournée mondiale en 2008.
En 2004, ZZ Top est intronisé au Rock & Roll Hall of Fame, où Keith Richards prononce le discours d’intronisation. Le groupe concentré sur ses tournées, enregistre son concert, Live from Texas , qui sort en formats audio et vidéo en 2008.
Un autre ensemble de DVD en direct, Double Down Live suit en 2009, avec un concert tourné pour la télévision allemande en 1980 ainsi que des images d’émissions organisées en 2007 et 2008 à San Francisco, Paris, et Bixby, Oklahoma. L’émission de 1980 obtient une sortie audio en 2011 sous le titre Live in Germany1980.
Après une longue période de 9 ans sans enregistrement, ZZ Top signe avec American Recordings, et avec leur producteur Rick Rubin, ils font La Futura en 2012.
Salué par la critique comme un retour bienvenu à leur son pré-Eliminator, le groupe prend la route pour soutenir la sortie, et une autre collection de concerts, Live: Greatest Hits from Around the World, est publiée par Suretone en 2016.
En octobre 2017, le groupe annule un certain nombre de spectacles lorsque Dusty Hill développe des problèmes de santé. Ses médecins insistent pour qu’il fasse une pause. Ils sont de retour en studio en 2018, et en 2019, ils réservent une résidence de huit nuits au Venetian Theatre de Las Vegas.
La même année, un long métrage documentaire sur le groupe, That Little Ol ‘Band du Texas, sort sur Netflix.
Mais la pandémie de Covid-19 met entre parenthèses la résidence de Las Vegas après quelques spectacles ainsi que la tournée en 2020.
Cependant, le groupe prévoit une longue tournée commençant en juillet 2021 et se prolongeant jusqu’en 2022. Mais, au cours du mois de juillet 2021, Dusty Hill chute, se blessant la hanche et l’obligeant à rentrer chez lui.
Le 23 juillet, le trio joue son premier concert sans Hill depuis 1970, avec leur guitariste, Elwood Francis, prenant le relais à la basse avec la bénédiction de Hill. Le 28 juillet 2021, Dusty Hill décède chez lui à Houston, au Texas, à l’âge de 72 ans.
« Nous, ainsi que les fans de ZZ Top à travers le monde, regretterons ta présence inébranlable, ta belle nature et ton engagement sans faille à donner cette assise au ‘Top’. Tu vas beaucoup nous manquer, amigo. »
Peu de temps après que le décès de Hill, Billy Gibbons publie une déclaration disant que Hill avait insisté pour que le groupe continue d’exister après sa mort. Francis continue à maintenir la basse pour le trio.
Le premier album ZZ Top sorti après le décès de Hill est RAW: That Little Ol ‘Band du Texas, un album de concert de 2022 de la fin des années 2010 capturant le groupe dans l’intimité du dance hall texan Gruene Hall, et l’un des derniers albums avec Hill.
ZZ Top continue de rendre hommage à Hill en posant son chapeau sur son micro et en reprenant Tush, avec la voix enregistrée de Dusty.
Le 12 décembre 2022, ZZ Top annonce une tournée en co-tête d’affiche avec Lynyrd Skynyrd pour l’été 2023, intitulée The Sharp Dressed Simple Man Tour. La tournée devrait commencer le 21 juillet 2023 à West Palm Beach et se terminer le 17 septembre 2023 à Camden.
Nous avons récemment rencontré le fondateur de ZZ Top et célèbre six cordes, Billy Gibbons.
Chanteur principal de ZZ Top, il s’est assis pour discuter du prochain album Raw du légendaire groupe de rock et de l’accompagnement de Raw Whiskey Tour, du regretté bassiste Dusty Hill, et plus encore.
André :Billy, merci beaucoup d’avoir pris le temps. J’aimerais commencer par discuter de Raw, un tout nouvel album live dont la sortie est prévue le 22 juillet, qui coïncidera avec le prochain Raw Whiskey Tour pour célébrer les cinquante ans d’histoire remarquable du groupe. Quelles sont les origines de cet album en particulier ?
Billy:Les producteurs de That Little Ol ‘Band From Texas, le documentaire ZZ Top, ont pensé que ce serait une bonne idée d’avoir un intermède de performance autonome dans le film pour informer les téléspectateurs d’une manière unique.
Le film couvre notre histoire, ce serait donc une façon de souligner que nous continuons à nous battre en termes clairs. Gruene Hall, le lieu, fait partie de l’histoire du Texas, tout comme nous, je suppose. C’était l’occasion d’obtenir un enregistrement vierge dans la boîte et c’est ce que nous avons fait.
André :Je vous ai vu décrire Raw comme un retour aux racines du groupe. Pouvez-vous nous en dire plus ? Quel était le plan de l’album ?
Billy:Nous jouons tous les trois au même endroit, en même temps, avec un minimum de retouches en post-production. De nos jours, il est inhabituel d’enregistrer lorsque vous regardez réellement les personnes avec lesquelles vous enregistrez, mais Raw n’est que cela.
André :Je m’en voudrais de ne pas mentionner le regretté Dusty Hill. Y a-t-il un souvenir ou une histoire à propos de Dusty qui se démarque ?
Billy:Le jour où nous avons spontanément écrit « Tush » en 1973. Nous faisions une vérification du son dans un sol en terre battue à Florence, en Alabama, et nous étions en train de déconner lorsque le riff s’est présenté, et Dusty est intervenu et a commencé à chanter des paroles improvisées. En l’espace de dix minutes, nous avons eu un coup sur nos mains.
André :Le guitariste de longue date Elwood Francis assumera à nouveau les fonctions de basse pour la prochaine tournée. Qu’est-ce qui fait de lui un choix logique et qu’apporte-t-il à la formation?
Billy:Il fait partie de notre famille musicale depuis près de trente ans et sait comment ça se passe. Lorsque Dusty est tombé malade, il a indiqué que le spectacle devait continuer et a pensé qu’Elwood serait capable de gérer le remplacement à la lumière du fait qu’il est un musicien très accompli à part entière. Dusty avait bien sûr raison.
André :Avant ZZ Top, vous faisiez partie d’un groupe appelé les Moving Sidewalks, où vous avez fait la première partie de Jimi Hendrix Experience lors de leur première tournée américaine en tant que tête d’affiche. Que retiens-tu de ces concerts, et en tant que jeune musicien, qu’as-tu pu apprendre de Jimi ?
Billy: Jimi était un type timide en dehors de la scène mais un homme sauvage quand il était dessus. C’était un gars vraiment gentil et aimait comparer les notes – jeu de mots – et offrir des pointeurs. Nous sommes restés en contact jusqu’à sa disparition tragique et je lui rends hommage presque tous les soirs.
André :Alors que nous réfléchissons aux cinquante ans de ZZ Top, j’aimerais revenir sur les années de formation du groupe. Comment le groupe s’est-il formé ? Frank [Beard] et Dusty ne se sont joints que plus tard, alors comment sont-ils finalement entrés en scène ?
Billy:Nous avons recruté Frank et savions qu’il avait ce qu’il fallait pour nous garder à l’heure, pour ainsi dire. Nous avions besoin d’un bassiste, et il a suggéré Dusty, qui avait été son compagnon de groupe dans le blues américain. Dusty est venu et, au lieu d’une audition, nous avons juste jammé sur un blues shuffle en C.
Plusieurs heures de cela se sont suivies, et nous savions que nous avions la version «gardienne» du groupe.
André :Quel est votre souvenir des sessions d’écriture de chansons qui ont alimenté la sortie la plus réussie du groupe, Eliminator ?
Billy:Certaines des chansons viennent d’une expérience personnelle, « Legs » en est un exemple. Nous avons vu une jeune femme, qui se faisait tremper par un orage et a décidé de faire demi-tour pour lui offrir un tour, mais au moment où nous sommes arrivés là où elle était, elle était partie. Elle avait des jambes et savait s’en servir.
Notre approche est de trouver des riffs et des paroles que nous aimons et de les essayer. Si nous les aimons toujours, ils sont enregistrés et, évidemment, avec les chansons de cet album, nous n’étions pas les seuls à les aimer.
André :Merci encore d’avoir pris du temps, Billy. Je vous souhaite tout le meilleur dans vos projets futurs. Dernière question. Où Eliminator a-t-il été enregistré et que retenez-vous de ces sessions en studio ?
Billy:Eliminator a été enregistré aux Ardent Studios à Memphis avec l’ingénieur Terry Manning. C’est là que nous avons rencontré le monde des synthés de manière significative et ouvert la porte à des expérimentations qui sont toujours en cours.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
ZZ Top est un groupe de rock américain formé en 1969 à Houston, au Texas. Le groupe est composé de Billy Gibbons à la guitare et au chant, Dusty Hill à la basse et au chant, et Frank Beard à la batterie. Le groupe est connu pour son mélange unique de blues, de rock et de hard rock, ainsi que pour ses performances live impressionnantes.
2. Quel est le style musical de ZZ Top ?
ZZ Top est connu pour son mélange de blues, de rock et de hard rock. Le groupe a créé un son unique en utilisant des guitares à grosses caisses et des amplis, ainsi que des effets sonores tels que des distorsions et des réverbérations. Les chansons du groupe sont souvent basées sur des grooves simples mais efficaces, avec des solos de guitare de Billy Gibbons et des lignes de basse funky de Dusty Hill.
3. Quels sont les albums les plus connus de ZZ Top ?
ZZ Top a sorti plus de 15 albums studio au cours de sa carrière, mais certains des albums les plus connus incluent « Tres Hombres » (1973), « Degüello » (1979), « Eliminator » (1983) et « La Futura » (2012). « Eliminator » est considéré comme l’album qui a catapulté le groupe au sommet de sa popularité, avec des chansons comme « Gimme All Your Lovin' », « Sharp Dressed Man » et « Legs » devenant des classiques de la radio.
4. Comment ZZ Top a-t-il commencé ?
ZZ Top a commencé en 1969 lorsque Billy Gibbons, qui avait déjà un groupe appelé The Moving Sidewalks, a rencontré Dusty Hill et Frank Beard. Les trois ont commencé à jouer ensemble sous le nom de ZZ Top, qui aurait été inspiré par le nom d’une marque de cigarettes. Le groupe a commencé à se produire dans des clubs du Texas, puis a commencé à enregistrer des albums au début des années 1970.
5. Quels sont les succès les plus connus de ZZ Top ?
ZZ Top a eu de nombreux succès au cours de sa carrière, mais certains des plus connus incluent « La Grange » (1973), « Tush » (1975), « Sharp Dressed Man » (1983), « Legs » (1984) et « Gimme All Your Lovin' » (1983). Ces chansons ont toutes été des tubes de radio et ont contribué à la popularité durable du groupe.
6. Quelle est l’histoire de la barbe de ZZ Top ?
ZZ Top est également connu pour ses barbes emblématiques, qui ont fait partie intégrante de l’image du groupe depuis les années 1970. Selon la légende, Billy Gibbons a commencé à porter une barbe après avoir promis à un ami de laisser pousser la sienne jusqu’à ce que le prochain album du groupe soit terminé. Dusty Hill et Frank Beard ont ensuite suivi le mouvement, et la barbe est devenue une partie intégrante de l’image de ZZ Top.
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Quelles sont les performances live de ZZ Top les plus célèbres ?
ZZ Top est connu pour ses performances live impressionnantes, qui comprennent souvent des effets pyrotechniques, des lumières éblouissantes et des danseuses sexy. L’une des performances les plus célèbres du groupe a été lors du festival de musique « Texas International Pop Festival » en 1969, où ils ont partagé l’affiche avec des groupes comme Janis Joplin, Led Zeppelin et Santana. Le groupe a également donné des performances mémorables au festival « Rockpalast » en Allemagne en 1980 et au festival « Crossroads Guitar Festival » en 2010.
8. Quel est l’impact de ZZ Top sur la musique rock ?
ZZ Top a eu un impact significatif sur la musique rock depuis leur début en 1969. Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de rock, notamment AC/DC, Guns N’ Roses et Van Halen. Le son unique de ZZ Top, qui mélange le blues, le rock et le hard rock, a également inspiré de nombreux autres groupes de musique, ce qui en fait l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock.
9. Quelle est la situation actuelle de ZZ Top ?
ZZ Top continue de tourner et de produire de la musique, bien que le groupe ait subi une tragédie en 2021 avec la mort de Dusty Hill. Malgré cela, le groupe a annoncé qu’il continuerait à tourner et à honorer la mémoire de Hill. ZZ Top est également l’un des rares groupes de rock qui n’a jamais changé de formation depuis sa création en 1969, ce qui témoigne de la force de leur collaboration musicale.
10. Quel est le meilleur moyen d’écouter ZZ Top ?
Le meilleur moyen d’écouter ZZ Top est de se procurer leurs albums studio et de les écouter en entier. Cela permet de mieux comprendre l’évolution de leur musique et de leur style au fil des ans. Il est également recommandé d’assister à l’un de leurs concerts live, car le groupe est connu pour ses performances énergiques et divertissantes. Enfin, il est possible d’écouter les classiques de ZZ Top sur des plateformes de streaming telles que Spotify ou Apple Music, mais cela ne vaut pas la peine de manquer l’occasion de vivre une expérience musicale en direct.
par Eric Canto | Mis à jour le 27/09/2024 | Publié le 19/01/2023 | make
La montée fulgurante du Royal Republic : Rock Suédois et Diversité
Le Royal Republic est un groupe de rock suédois qui a conquis le cœur des fans avec son mélange unique de rock, punk et pop. Formé en 2007 à Malmö, ce quatuor a démontré sa capacité à rester pertinent dans une industrie musicale en constante évolution grâce à son style innovant et son énergie contagieuse sur scène.
Les membres du Royal Republic
Le groupe se compose de quatre membres aux talents variés :
Adam Grahn – Le chanteur principal et guitariste;
Hannes Irengård – Guitariste rythmique et choriste;
Jonas Almén – Bassiste et choriste;
Per Andreasson – Batteur et choriste.
Ensemble, ils sont connus pour donner un spectacle captivant et entraînant leur public dans l’expérience live.
Influences diverses du Royal Republic
Leurs influences musicales sont aussi vastes que variées, allant du rock classique aux groupes modernes. Parmi ces influences, on trouve :
AC/DC – La légendaire formation de hard rock australienne crée la colonne vertébrale de leur amour du rock à guitares;
Foo Fighters – Cette formation emblématique de rock alternatif conduit par Dave Grohl a certainement laissé sa marque sur le groupe, en particulier dans les jeux de guitares;
The Hives – Également originaires de Suède, les punk rockers apportent une touche d’énergie et de sarcasme que l’on peut sentir dans l’œuvre du Royal Republic;
Red Hot Chili Peppers – Leurs rythmes funk et leur approche créative pour les riffs ont inspiré le groupe à trouver sa propre voie tout en incorporant divers éléments musicaux;
Queens of the Stone Age – La complexité des compositions de ce groupe américain peut se ressentir dans certains des morceaux plus expérimentaux du Royal Republic.
La discographie du Royal Republic : Albums marquants et succès
Depuis ses débuts en 2007, le groupe a produit plusieurs albums et EPs qui témoignent de son évolution musicale ainsi que de son amour indéfectible pour le rock’n’roll.
We Are the Royal (2010)
Le premier album studio du groupe est sorti en 2010 et inclut le single à succès « Tommy-Gun ». Cet album dévoile un mélange énergétique et accrocheur des rythmes rock, punk et pop avec une pointe d’ironie. On y retrouve également des morceaux tels que « Full Steam Spacemachine », « Underwear » et « Good To Be Bad ».
Save the Nation (2012)
Leur deuxième opus propose une approche plus politisée avec des titres engagés tels que « Everybody Wants to Be an Astronaut » et « Revolution ». Cet album démontre également leur capacité à expérimenter de nouvelles sonorités, comme en témoigne la chanson emblématique « You Ain’t Nobody (‘Til Somebody Hates You) ».
Royal Republic and the Nosebreakers (2014)
Ce disque offre une expérience acoustique unique, réinventant leurs morceaux les plus populaires et les présentant dans un format unplugged. On y retrouve des versions acoustiques de « Tommy-Gun », « Full Steam Spacemachine » et « Underwear », ainsi qu’une reprise émouvante du titre « I Must Be Out of My Mind » de Chris Isaak.
Weekend Man (2016)
Leur troisième album studio marque un tournant stylistique, optant pour un son plus pop et accrocheur tout en conservant l’ADN rock qui caractérise le groupe. On y découvre des tubes tels que « Baby », « Uh Huh » et « When I See You Dance with Another », offrant un mélange éclectique de styles et d’émotions.
Club Majesty (2019)
Dernier-né de la discographie du Royal Republic, cet album est sans conteste leur réalisation la plus ambitieuse et polyvalente à ce jour. On y trouve des morceaux puissants et électrisants tels que « Fireman & Dancer », « Like a Lover » et « Boomerang ». Il met également en avant le goût de l’exploration musicale avec des chansons comme « Can’t Fight the Disco » fusionnant le rock, le disco et la pop d’une manière unique.
Toujours sur scène grâce à leur énergie contagieuse
En plus de leur solide discographie, les membres du Royal Republic sont réputés pour leurs performances live intenses et leur connexion incroyable avec leur public. Chaque concert est une véritable célébration de l’énergie brute et de l’esprit rebelle qui caractérise la musique du groupe. Ils ont ainsi participé à de nombreux festivals majeurs de la scène rock tels que le Hellfest, le Download Festival ou encore le Rock am Ring.
En conclusion, il est indéniable que le Royal Republic est un groupe de rock suédois marquant qui sait évoluer et s’imposer dans un paysage musical toujours changeant. Leur talent, leur originalité et leur détermination en font l’un des groupes les plus prometteurs et enthousiasmants de leur génération.
Royal Republic est un groupe de rock de la scène suédoise dont nous vient de grands noms d’artistes et de groupes reconnus tels qu’ ABBA, Roxette, Europe, The Cardigans, Ghost et tant d’autres.
Je suis de près Royal Republic, ce quatuor rock déjanté, aux rythmes endiablés, à tendance punk pop qui d’ailleurs est en couverture de mon 1erlivre, A moment suspended in time, en 2017.
Petit focus sur un de mes groupes préférés, Royal Republic, que j’aie eu la chance de suivre et d’immortaliser en coulisses et sur scène.
Ces quatre musiciens, Adam Grahn (chanteur et guitare rythmique), Hannes Irengard (guitare solo et chœurs), Jonas Almen (guitare basse, chœurs et co-chant) et Per Andreasson (batteur et chœurs), originaires de Suède, se rencontrent fin 2007 à l’académie de musique de Malmö et créent Royal Republic.
« On ne s’est connaissait pas avant. En fait, chacun avait entendu parler des autres mais on ne se connaissait pas. Ça sonne cliché, mais quelque chose est arrivé quand nous avons commencé à jouer ensemble. C’était incroyable quand nous faisions de la musique ensemble. Et on s’est dit – tant pis on fera connaissance plus tard. D’ abord nous allons faire de la musique. »
En 2009 Royal Republic enregistre We Are the Royal, sous la supervision du producteur suédois Anders Hallbäck à Malmö. Ce premier album de Royal Republic sort le 6 août 2009 et rencontre un large succès en Suède. Tommy-Gun, un des singles de l’album, par exemple, atteint la 1ère place dans les charts MTV Rocks.
Royal Republic, clip de Tommy-Gun
Royal Republic remporte la finale du festival Emergenza en Suède, lui permettant de se produire sur une scène parisienne, et sa carrière décolle lorsqu’il accompagne en 1ère partie, le groupe américain très connu The Offspring.
« On vient tous de différents horizons musicaux, Jonas (basse) est plus dans le heavy metal, c’est pour ça qu’il crie comme un bourrin d’ailleurs, et puis Adam (chant) écoute vraiment de tout, comme nous le faisons tous en fait. On est très ouverts d’esprits. »
« J’ai pour habitude de dire que nous avons toujours voulu être une version heavy des Beatles : un groupe qui peut écrire un jour « I’m The Walrus » et le lendemain une chanson comme « Yesterday » ! »
Royal Republic 1er album
Royal Republic, un groupe de scène
Après leur 2e album Save the Nation, largement acclamé par la critique, Royal Republic part en tournée, à l’assaut des scènes d’Australie, de Grande-Bretagne, d’Allemagne, de France… et d’autres pays d’Europe. Le succès est au rendez-vous.
Les quatre acolytes de Royal Republic sont faits pour la scène et composent toujours en se projetant sur scène. Ils composent pour reprendre la route. Cela fait partie d’eux.
De fait, leurs morceaux dégagent une énergie forte, et leur prestation scénique est unique : costumes à paillettes, humour, autodérision, pas endiablés. L’objectif pour le groupe Royal Republic est toujours de passer un bon moment, de rire, de s’amuser, de partager.
Royal Republic, backstage
« Écrire et composer des morceaux sans monter sur scène, c’est comme avoir une relation platonique avec quelqu’un. La scène c’est notre sexe. C’est un aboutissement. (…)
Le but de la tournée c’est vraiment ça : passer un maximum de temps sur scène. Sinon tu passes la plupart de ton temps dans un bus. On a la chance d’avoir une très bonne équipe autour de nous, donc les gens de cette équipe deviennent ta famille par procuration.
À part ça, tu passes par toute l’Europe et c’est super mais tu n’as pas le temps de visiter quoi que ce soit. Je pense que cela fait 10 fois que je passe par Paris mais je n’ai jamais vu la Tour Eiffel ! C’est frustrant. » (Adam Grahn, Royal Republic, www.vacarm.net, 2 juin 2016)
Même si en 2014, Royal Republic sort un album plus acoustique, Royal Republic and the Nosebreakers, il sillonne l’Europe en se produisant en France, en Allemagne, en Suisse, en Autriche, en Pologne, en Suède… toujours avec la même énergie.
Il en sera de même pour les deux derniers albums.
Le 4e album Weekend Man de Royal Republic sort le 26 février 2016. Cet album plus mature n’en est pas moins fou et original. Adam dira qu’à travers cet album le groupe a trouvé sa propre identité.
« Pour le premier opus, nous avons juste copié d’autres musiciens et artistes que nous aimions, comme par exemple Danko Jones, The Hives… Sur cet album, c’est vraiment comme si nous savions qui nous étions, nous n’avions plus à aller voir et écouter ce que les autres faisaient, on a réellement commencé à faire ce que nous aimons tous ensemble. »
Suit le 31 mai 2019 « Club Majesty » qui dès l’été 2019 permet au groupe Royal Republic de reprendre le chemin de la scène, des festivals comme le Download, de partir en tournée dans toute l’Europe et rencontrer un large succès. Pour la petite anecdote, Le titre Stop Movin’ apparait dans le jeu Just Dance 2020.
Royal Republic, dernier album
« Lorsque vous êtes un groupe de rock, il y a des chemins que vous êtes censé de suivre et des chemins que vous n’êtes pas censé de suivre. On s’en fiche ! Nous avons juste fait tout ce que nous voulions faire. Nous avons donc pris ce que nous aimons, nous avons tout mis dans un pot et nous avons bien mélangé, tourné et secoué dans tous les sens. Et à la fin Club Majesty en est sorti.
Je pense que je parle pour nous quatre, quand je dis que nous sommes très fiers de cet album, et nous sommes fiers du fait que maintenant nous avons la confiance de faire ce que nous voulons faire. »
Royal Republic en concert
BONUS ; interview pour minute minute de Royal Republic
Entretien avec Royal Republic à propos de « Club Majesty » , par Andrea Holstein, 31 mai 2019
Aujourd’hui, les héros du rock’n’roll suédois, Royal Republic, sortent leur cinquième album. Nous avons discuté avec le chanteur de Royal Republic et leader Adam Grahn de l’album, de bonnes chansons pour le sexe et de sa rencontre avec Campino.
minutenmusik : Merci d’avoir pris le temps de l’interview.
Adam de Royal Republic : Merci ! C’est ma joie.
minutenmusik : Votre nouvel album Club Majesty sortira bientôt. Comment vous sentez-vous si proche de la libération ?
Adam de Royal Republic : « Excited » résume assez bien la situation. Nous travaillons sur cet album depuis environ l’été dernier. Et maintenant, il sort petit à petit. Pour nous, c’est toujours comme si nous avions attendu une éternité. Nous sommes vraiment impatients de le montrer enfin aux gens.
minutenmusik : Vous avez dû reporter votre tournée, qui était prévue pour le début de l’année, à cause de la production de l’album. Que s’est-il passé là-bas ? Cela a-t-il pris plus de temps que prévu ?
Adam de Royal Republic : Oui, il a fallu plus de temps pour réunir les personnes, les lieux et les horaires. Il ne s’agissait pas du matériau lui-même. Il s’agissait plutôt de ne pas faire de compromis lors de la production d’un album. On veut que ce mec mixe l’album, ensuite on aura ce mec. Point.
Et nous voulons ce producteur. Nous voulons enregistrer la batterie ici et les guitares là. Réconcilier toutes ces personnes s’est avéré plus difficile que prévu. En fin de compte, nous n’avons eu d’autre choix que de reporter la tournée. Nous ne voulions rien précipiter ni faire de compromis.
On avait une idée très claire de ce qu’on voulait faire et c’est comme ça qu’on a fait. Mais je pense que lorsque les gens entendront le résultat, ils comprendront.
minutenmusik : Vous êtes maintenant entièrement satisfait du résultat ?
Adam de Royal Republic :Je crois que oui. Quand on enregistre un album, on le fait deux fois. Nous ne faisons pas de démos iPhone ou quoi que ce soit du genre. Nous faisons des démos entièrement produites, mixées et polies. Et puis on réenregistre le tout, mais avec des micros plus chers.
Nous procédons de cette façon afin de pouvoir vivre avec les chansons pendant un certain temps avant de les mettre sur l’album. Quand tu as fini une chanson, tu es toujours très enthousiaste. Tu te dis « Ouais ! » et trois semaines plus tard tu l’écoutes à nouveau et tu te dis « Merde, ça craint ! » Alors on enregistre les chansons pour qu’on puisse les réécouter encore et encore pendant longtemps temps.
S’ils traversent cette période, nous nous disons : ‘D’accord, c’est bien, ça peut aller sur l’album.’ Alors oui, nous sommes très contents de l’album. On a toujours le sentiment qu’il faut dire : « C’est notre meilleur album à ce jour ! » Mais je ne dis pas ça. Je réfléchis.
minutenmusik : La deuxième chanson dit « You can’t fight the disco ». Combien de disco y a-t-il dans Royal Republic et surtout dans cet album ?
Adam de Royal Republic : Évidemment trop pour continuer à se cacher. Cela a toujours été dans notre ADN. Si vous regardez des trucs plus anciens comme Tommy Gun ou Full Steam Space Machineécoute, ou surtout les démos pour ça, c’est très, très sautillant.
C’est très dansant. Cela a toujours été une partie importante de notre son. Nous n’avons pas essayé de le cacher. Nous avons juste senti que le moment était venu de montrer toute notre diversité. Nous sommes un groupe très diversifié. On a un gros problème avec la différenciation des genres pour mettre un cachet sur la musique. Ce n’est pas grave si les gens font ça. Ce n’est pas le problème.
Je ne veux tout simplement pas que la musique soit estampillée du genre « Vous pouvez faire n’importe quoi dans cet espace, mais si vous le quittez… vous ne pouvez pas ! » Cela limite les possibilités et les expériences, le son et la musique. C’est de cela qu’il s’agit dans cet album. C’est très illimité, c’est éclectique et sans vergogne. Nous n’avons pas de « plaisirs coupables », nous avons juste du pur plaisir. C’est un peu le slogan de notre album.
Dans de nombreuses interviews, on nous demande : « Quelle est la chanson la plus embarrassante de votre playlist Spotify ? » Ensuite, ils veulent entendre quelque chose comme les Backstreet Boys et Taylor Swift. J
Je dis alors: «J’ai les deux sur ma liste. tu trouves ça gênant Pas moi. J’aime la musique. Il y a tellement de bonnes choses là-bas. Pourquoi ne pas profiter de tout ? Il y a tellement de bonnes choses là-bas. Pourquoi ne pas profiter de tout ? Il y a tellement de bonnes choses là-bas. Pourquoi ne pas profiter de tout ?
minutenmusik : Pourquoi est-il maintenant temps de laisser sortir cette partie de votre ADN ? Y a-t-il eu une certaine évolution ces dernières années ?
Adam de Royal Republic : Avec notre dernier album Weekend Man , nous avons posé les fondations, les bases du groupe. Lorsque nous avons sorti le premier album, le groupe n’existait que depuis six mois, peut-être un an. Avons-nous déjà défini notre son complet et trouvé notre place dans le monde ? Je ne pense pas. Ensuite, nous avons Save The Nation fait un tour complet.
C’était quelque chose de très différent et quelque chose que nous avons tous déconseillé, pourrais-je ajouter. Mais nous l’avons fait parce que nous pensions que c’était la bonne chose à faire à l’époque et parce que c’était ce que nous voulions faire. Nous avons toujours été fiers de garder le contrôle du groupe.
Aucun label ne contrôle ce groupe. Personne ne contrôle ce groupe à part le groupe lui-même, c’est la loi. Je pense que nos fans, qui nous suivent depuis le début, en sont conscients. Vous ne savez jamais vraiment ce que vous allez obtenir.
Certaines personnes pensent « Hé, j’ai mieux aimé ton premier album » ou « C’est la meilleure merde que tu aies jamais sortie. » Il y a toutes ces opinions différentes. Mais nous nous sentons suffisamment libres et confiants pour faire ce que nous voulons vraiment faire. Je pense que nous avons la confiance des gens qui nous suivent, y compris le label et le management.
Ils croient vraiment en ce que nous faisons. Parce que d’une manière ou d’une autre, cela fonctionne toujours. Les gens ont maintenant cessé de nous dire quoi faire parce qu’ils ont abandonné. Par conséquent, c’est maintenant le bon moment pour publier.
minutenmusik : J’ai entendu dire que la chanson Undercover n’était pas prévue à l’origine comme une chanson de Royal Republic. pouvez-vous m’en dire plus à ce sujet
Adam de Royal Republic : Eh bien, la demande est venue de l’un des plus grands fabricants de préservatifs au monde. Ils voulaient une chanson pour leur nouvelle campagne. Je suppose pour un préservatif.
Je pensais que c’était la chose parfaite pour Royal Republic. Ensuite, nous avons commencé ce jeu de mots enfantin sur « undercover », qui évidemment dans ce cas peut avoir plusieurs significations. Vous pouvez aller « sous les couvertures ». Vous pouvez mettre votre truc à l’abri. Quoi qu’il en soit! Nous avons donc commencé à écrire les lignes les plus ringardes auxquelles nous pouvions penser.
Et ce riff de guitare (il imite le riff)ça ressemble à du sexe pour moi. Comme la guitare qui fait l’amour. Un autre journaliste a dit un jour : « Je ne tiendrais pas une minute à ce rythme ! » J’ai dit : « Pas de problème, fais-le deux fois moins vite. Nous avons une autre chanson sur l’album, essayez-la. Alors peut-être que vous pourrez durer plus longtemps. » (rires)
Eh bien, nous avions la chanson prête et nous l’avons envoyée et ils ne nous ont jamais rappelés. Nous avions donc une chanson publicitaire sur les préservatifs, mais sans publicité ni préservatif. Mais à la place, nous avions l’un de mes morceaux préférés de cet album. Et ironiquement, maintenant que la chanson est sortie, les gens auront toujours des relations sexuelles quand ils entendront la chanson et achèteront des préservatifs à cause de cela.
C’est donc gagnant-gagnant pour le fabricant de préservatifs.
musique minute : Haha, parfait ! Était-ce la chanson la plus facile à écrire pour vous sur l’album ? Ou y en avait-il un autre que vous aviez en tête pour l’album en premier ?
Adam de Royal Republic : Je pense que Fireman and Dancer était la première chanson. Like When I See You Dance With Another était la première chanson du dernier album. Nous avons toujours une chanson où nous pensons : « C’est la première.
C’est le drapeau qui montre la voie pour le reste. » Et une fois que nous avons cette première chanson, le reste est généralement plus facile à écrire. J’ai probablement environ 100 versions de Fireman and Dancersur mon ordinateur portable, avec des variations dans les riffs de guitare, la structure de la chanson, les paroles, les mélodies, tout.
Avec certaines chansons, vous savez juste que cela vaut la peine d’investir du temps. Certains prennent un an pour terminer. Certains arrivent juste en trois heures. Mais nous détestons écrire. Je suis honnête. Ce n’est pas que l’écriture soit la partie la plus difficile de notre travail ou que nous la bousillions.
C’est plus comme si nous étions si pointilleux et que nous contrôlions chaque seconde de chaque chanson. On joue quatre secondes et puis c’est : « Stop ! Cela m’ennuie.
Il faut faire ça différemment. » Puis on réécoute, une, deux, trois, quatre, cinq, six secondes et encore : « Stop ! C’est ennuyeux. Nous le faisons nouveau. » Nous le faisons pour que les gens ne s’ennuient pas plus tard. Donc:Fireman était la première chanson, mais Undercover était la plus simple.
minutenmusik : Et lequel a été le plus difficile ?
Adam de Royal Republic : Hmm, laissez-moi y réfléchir. (réfléchit) Je pense qu’Anna-Leigh a peut-être été la plus dure. Pas parce que c’était horrible à écrire, en fait c’était très amusant. Mais parce qu’il y a eu toute cette discussion au sein du groupe, » Pouvons-nous vraiment faire ça ? »
C’est ce dont j’ai parlé avant, que nous voulions rendre l’album sans limite. C’était définitivement un nouveau territoire. À la fin de la discussion, nous sommes tous tombés d’accord : « Bien sûr, pourquoi parlons-nous même de cela ? nous aimons tout
À qui devons-nous demander l’autorisation ? personne. Donc c’est bien. » Mais même après qu’il soit devenu clair que nous aimons tous la chanson, nous avons quand même retenu notre souffle alors qu’Anna-Leigh a été publié. Parce que c’est comme une déclaration.
C’est quelque chose de complètement différent et on ne sait jamais comment les gens y réagiront. Mais si vous lisez les commentaires sur les réseaux sociaux, il semble que la réponse ait été extrêmement positive. Nous ne pourrions pas être plus heureux à ce sujet.
minutenmusik : Donc ça valait le coup. Après ce temps d’enregistrement et de production, les scènes live vous attendent à nouveau.
Adam de Royal Republic : Oui, heureusement !
minutenmusik : Vous jouez dans quelques festivals cet été et la tournée européenne de l’album en hiver. Y a-t-il une chanson de Club Majesty que vous avez particulièrement hâte de jouer en live ?
Adam de Royal Republic : Je pense que la première et la dernière chanson. Nous allons jouer pas mal de chansons de Club Majesty sur cette tournée . Quand nous avons commencé à l’époque, notre premier album faisait 36 minutes et nous devions encore jouer des concerts de 90 minutes.
On s’est dit : « Comment diable allons-nous transformer un album de 36 minutes en 1h30 ? » Nous avions toutes sortes de solutions folles. Mais maintenant, nous avons le problème de luxe que nous avons trop de chansons pendant 90 minutes que nous aimerions jouer.
C’est une concurrence sérieuse maintenant. Je veux dire, nous allons être Tommy Gunjouer. Mais il y a d’autres chansons que nous aimons vraiment, vraiment et qui ont toujours été des chansons importantes dans le set, et maintenant nous nous disons: « Eh bien, nous voulons jouer cette chanson et nous voulons jouer celle-ci aussi ».
Comment diable est-ce censé fonctionner ? » Je pense que nous devrons éventuellement faire une roulette ou un tirage au sort. Nous verrons quelles chansons intégreront le set à la fin.
minutenmusik : Alors j’espère que mes chansons préférées seront toujours là !
Adam de Royal Republic : Qu’est-ce que c’est ?
minutenmusik : Tout le monde veut être un astronaute , par exemple. Parce que c’était l’une des premières chansons que je connaissais de toi
Adam de Royal Republic : Oooh, je suis vraiment désolé !
minutenmusik : Oh non, maintenant l’anticipation du Hurricane Festival est terminée.
Adam de Royal Republic : (rires) On verra, on verra.
minutenmusik : Qu’est-ce que tu préfères : jouer dans de grands festivals ou faire tes propres têtes d’affiche ?
Adam de Royal Republic : (réfléchit)Je ne peux pas décider. Ce que j’aime vraiment dans les festivals, c’est le fait que j’en ai une sorte de vision compétitive. J’ai grandi avec le sport, donc j’ai toujours aimé concourir avec les autres.
Je ne veux pas dire – ou peut-être que je veux dire – que vous partagez la scène avec d’autres groupes et que vous pensez : « Nous allons être meilleurs qu’eux. » Mais cela vous encourage vraiment à rester concentré et à faire de votre mieux. Principalement pour votre propre fierté, mais aussi pour le public et les amis des autres groupes qui regardent dans les coulisses.
Vous voulez bien faire votre travail pour qu’ils pensent que vous êtes cool. Et aussi pour vous faire sentir bien dans votre peau. J’aime généralement l’ambiance des festivals. Parce que nous avons tant voyagé dans toute l’Europe ces dernières années, presque tous les festivals ressemblent à un barbecue familial avec tous les groupes que nous avons rencontrés.
Mais c’est aussi génial de jouer vos propres émissions phares. On peut jouer aussi longtemps qu’on veut et on a plus de liberté. Eh bien, je ne peux vraiment pas décider, désolé!
musique minute : Pas de problème ! Tu viens de mentionner que tu as rencontré tellement de groupes. Vous semblez avoir une relation particulièrement bonne avec des groupes allemands tels que Donots, Toten Hosen et Kraftklub. Y a-t-il une histoire particulièrement drôle que vous pouvez nous raconter ?
Adam de Royal Republic :Je peux vous dire comment j’ai rencontré Campino pour la première fois et que je ne l’ai pas reconnu. Je viens de Suède, sans offenser Toten Hosen. Je veux dire, on se connaît bien maintenant et ils sont cool !
Mais j’ai raconté une fois l’histoire aux fans de Toten Hosen sur scène et ils ont hué. Et puis ri. Je viens de Suède et je n’ai pas grandi avec les Toten Hosen comme les Allemands. Nous avons donc joué au Rock am Ring pour la première fois en 2011 et avons été invités à l’afterparty des Beatsteaks en Backstage.
Je volais haut. Nous venions de jouer au Rock am Ring et c’était quelque chose d’énorme pour moi. J’ai vraiment fait la fête. Vers 22 heures, nous étions tous assez ivres et ce type est entré dans la salle des coulisses. Il portait un long trench-coat gris et oui, c’était Campino. Je n’en avais aucune idée.
Alors ce type est venu vers moi et il m’a dit : « Hey Adam ! Ravi de vous rencontrer. J’ai vu ton émission, tu étais super ! On devrait jouer ensemble un jour. » J’étais juste comme, « Qui est ce vieil homme ivre et comment a-t-il réussi à se débrouiller dans les coulisses? » Et il était toujours là, me serrant la main et attrapant mon épaule. Il a salué les gens avec qui je me suis levé et j’ai parlé. Et je me suis dit : ‘Ce type ne peut-il pas me laisser tranquille ?
J’essaie d’avoir une conversation ici. » Ensuite, j’ai regardé autour de la pièce et mon manager se tenait à l’autre bout de la pièce en agitant les bras comme un contrôleur aérien, « Adam, Adam, tu as tout gâché! » Je veux dire , Campino se tient devant moi et me dit : « Tu as été formidable, jouons ensemble. » C’est la meilleure chose qui puisse t’arriver en Allemagne. Alors mon manager est venu vers moi et m’a dit : « Adam, je t’ai vu avec Campino. »
Et puis ça a cliqué : « Ah, salut ! Comment ça va? Ravi de vous rencontrer ! » Mais finalement tout s’est bien passé et nous sommes partis en tournée avec eux. Ils étaient vraiment fantastiques avec nous qu’ils nous ont pris comme première partie. Pour l’un des plus grands groupes de l’histoire allemande !
Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie. Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Je t’ai vu avec Campino. » Et puis ça a cliqué : « Ah, salut ! Comment ça va? Ravi de vous rencontrer ! »
Mais finalement tout s’est bien passé et nous sommes partis en tournée avec eux. Ils étaient vraiment fantastiques avec nous qu’ils nous ont pris comme première partie. Pour l’un des plus grands groupes de l’histoire allemande ! Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie.
Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Je t’ai vu avec Campino. » Et puis ça a cliqué : « Ah, salut ! Comment ça va? Ravi de vous rencontrer ! »
Mais finalement tout s’est bien passé et nous sommes partis en tournée avec eux. Ils étaient vraiment fantastiques avec nous qu’ils nous ont pris comme première partie. Pour l’un des plus grands groupes de l’histoire allemande ! Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie.
Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie. Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie.
Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen.
minutenmusik : Cela ressemble à un début spécial mais agréable pour une amitié.
Adam de Royal Republic :Oui, mais je dois ajouter une dernière chose : en fait, cela n’a pas si bien commencé. Quand nous avons tourné avec eux, ils avaient une table de ping-pong avec eux. Ils prennent le tennis de table au sérieux, surtout Andy et Vom.
Ce n’est vraiment pas amusant parce qu’ils le prennent très au sérieux et que tout le groupe est de très bons joueurs de tennis de table. Lors de notre premier show, je pense que c’était à Hambourg, j’ai rencontré Campino après le show alors qu’il sortait tout juste de la loge. Il venait de prendre une douche et était en route pour la rencontre avec les VIP.
Et j’ai dit : « Hé Campino, super spectacle ! Ping Pong ? » Il a dit : « Désolé, je dois aller chez les VIP. » J’ai dit : « Tu as peur de jouer contre moi ? » Et lui : « Alors tu veux que je t’achève ? Alors je t’achèverai. » Je pouvais déjà dire qu’il était un peu en colère, mais je suis allé avec toi. Et 30 autres personnes sont venues avec nous.
Nous avons joué un tour et je l’ai battu. Il a posé la batte, m’a serré la main et a dit : « Bon jeu, au revoir ! » Puis il est parti assez rapidement et un gars de la sécurité m’a regardé et a secoué la tête : « Mec… ». Mais ça allait, la prochaine fois je le laissais gagner.
minutenmusik : Quelle belle histoire ! C’étaient toutes mes questions maintenant. Y a-t-il autre chose que vous voudriez dire à nos lecteurs ?
Adam de Royal Republic : Tu ne peux pas lutter contre le disco ! N’essayez même pas.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Royal Republic est un groupe de rock suédois originaire de Malmö, formé en 2007. Le groupe est composé de quatre membres : Adam Grahn (chant, guitare), Hannes Irengård (guitare), Jonas Almén (basse) et Per Andreasson (batterie). Ils sont connus pour leur style énergique et leurs performances scéniques captivantes, avec un mélange de rock’n’roll, garage rock et punk rock, influencé par des groupes tels que The Hives et The Ramones.
2. Quels sont les albums studio de Royal Republic?
À ce jour, Royal Republic a sorti cinq albums studio :
1. We Are the Royal (2010)
2. Save the Nation (2012)
3. Weekend Man (2016)
4. Club Majesty (2019)
5. Superlove (2021)
Chacun de ces albums a contribué à façonner l’identité du groupe et à élargir leur base de fans à travers le monde.
3. Quelles sont les chansons les plus populaires de Royal Republic?
Royal Republic a de nombreux titres populaires, dont certains de leurs hits les plus notables sont « Tommy-Gun », « Full Steam Spacemachine », « Everybody Wants to Be an Astronaut », « When I See You Dance with Another » et « Fireman & Dancer ». Ces chansons mettent en valeur le style énergique, les riffs de guitare accrocheurs et les paroles amusantes qui sont caractéristiques de leur musique.
4. Comment Royal Republic a-t-il été formé?
Le groupe s’est formé à Malmö en 2007 lorsque les membres se sont rencontrés à l’Académie de musique de Malmö. Adam Grahn, Hannes Irengård, Jonas Almén et Per Andreasson ont rapidement découvert qu’ils partageaient un amour pour le rock’n’roll et ont commencé à écrire et jouer ensemble.
Leur alchimie musicale et leurs performances scéniques énergiques ont rapidement attiré l’attention des fans et des professionnels de l’industrie, ce qui a conduit à la signature de leur premier contrat d’enregistrement en 2009.
5. Quels sont les influences musicales de Royal Republic?
Les membres de Royal Republic citent de nombreuses influences musicales, notamment des groupes tels que The Hives, The Ramones, AC/DC, The Rolling Stones et Led Zeppelin. Leur musique est un mélange de styles de rock, y compris le rock’n’roll, le garage rock et le punk rock. Leurs paroles sont souvent humoristiques et satiriques, ajoutant une touche d’ironie à leur son énergique.
6. Comment est leur performance sur scène?
Royal Republic est réputé pour ses performances scéniques captivantes et énergiques. Les membres du groupe interagissent souvent avec le public, créant une ambiance festive et conviviale. Leurs concerts sont caractérisés par des riffs de guitare accrocheurs, des rythmes de batterie pulsants et des performances vocales charismatiques. Ils sont également connus pour leur sens de l’humour et leur approche décontractée, ce qui rend leurs spectacles amusants et accessibles pour les fans de tous âges.
7. Comment Royal Republic interagit-il avec ses fans?
Le groupe entretient une relation étroite avec ses fans et est très actif sur les réseaux sociaux, notamment sur Facebook, Instagram et Twitter. Ils publient régulièrement des mises à jour sur leurs activités, des photos et des vidéos des coulisses, ainsi que des annonces de tournée et de nouvelles sorties.
Ils sont également connus pour répondre aux messages de leurs fans et organiser des rencontres et des séances de dédicaces lors de leurs concerts. Royal Republic apprécie le soutien de ses fans et cherche toujours à renforcer cette connexion.
8. Quelles sont les collaborations notables de Royal Republic?
Royal Republic a travaillé avec divers artistes et producteurs tout au long de sa carrière. L’une de leurs collaborations les plus notables a été avec le producteur suédois Christian Neander, qui a travaillé sur plusieurs de leurs albums. Le groupe a également partagé la scène avec de nombreux autres groupes et artistes de renom, tels que The Subways, Danko Jones et Eagles of Death Metal, lors de festivals et de tournées internationales.
9. Quels sont les projets futurs de Royal Republic?
Alors que les projets futurs de Royal Republic n’ont pas été officiellement annoncés au moment de cette FAQ, on peut s’attendre à ce que le groupe continue de sortir de nouvelles musiques, de tourner à l’échelle internationale et d’interagir avec ses fans.
Les membres du groupe ont également exprimé leur intérêt pour la collaboration avec d’autres artistes et pour l’exploration de nouveaux styles musicaux, ce qui pourrait indiquer une évolution future de leur son.
10. Comment puis-je suivre l’actualité de Royal Republic?
Pour rester informé des dernières nouvelles concernant Royal Republic, vous pouvez les suivre sur leurs réseaux sociaux (Facebook, Instagram, Twitter), ainsi que sur leur site web officiel.
Les plateformes de streaming musical et les sites de vente en ligne proposent également leurs albums et chansons, où vous pouvez vous tenir au courant de leurs dernières sorties.
Enfin, vous pouvez vous inscrire à leur newsletter pour recevoir des informations sur les tournées, les nouvelles sorties et les événements spéciaux directement dans votre boîte de réception.
La photographie de concert est un domaine passionnant et exigeant qui consiste à capturer les moments clés d’un spectacle en direct. Les photographes de concert doivent être capables de saisir les émotions et l’énergie d’un spectacle, tout en gérant les défis uniques liés à la photographie de concert, tels que les conditions d’éclairage changeantes et les mouvements rapides des artistes.
Pour devenir photographe de concert, il est important de développer vos compétences en photographie de base, telles que la composition, l’exposition et la maîtrise de l’appareil photo. Il est également important d’avoir une bonne connaissance de la musique et des artistes pour savoir quoi capturer et comment le faire et ainsi réussir une bonne photographie de concert.
Photographie de concert
Les photographes de concert doivent également être capables de travailler rapidement et efficacement, car ils n’ont généralement qu’une courte période de temps pour prendre des photos pendant un concert et réaliser des photographies de concert à la hauteur de leurs attentes. Cela signifie qu’ils doivent être à l’aise avec l’utilisation de leur appareil photo en mode manuel et savoir comment réagir rapidement aux changements de lumière et de mouvement sur scène.
En outre, les photographes de concert doivent être capables de gérer les pressions et les exigences des organisateurs de concerts et des artistes. Ils doivent être professionnels et respectueux des règles et des restrictions imposées par les organisateurs de concerts, tout en maintenant leur créativité et leur vision artistique afin que le rendu de leur photographie de concert soit optimal.
En résumé, la photographie de concert est un domaine exigeant qui nécessite des compétences en photo, une passion pour la musique et la capacité de gérer les défis uniques liés à la photode concert. Les photographes de concert doivent être capables de saisir les moments clés d’un spectacle tout en respectant les règles et les restrictions imposées par les organisateurs de concerts.
Photographie de concert : 7 conseils pour y arriver !
1. Connaître son matériel : assurez-vous de connaître parfaitement votre appareil photo et ses réglages pour être prêt à réagir rapidement aux conditions changeantes de l’éclairage et des mouvements sur scène.
2. Bien préparer son matériel : assurez-vous d’avoir suffisamment de batteries et de mémoire, et de vérifier les réglages de votre appareil avant le concert.
3. Trouver la bonne position : essayez de trouver une bonne position pour capturer les artistes de la meilleure manière possible, tout en respectant les consignes de sécurité et les restrictions imposées par les organisateurs de concerts.
4. Utiliser la lumière naturelle : utilisez la lumière naturelle pour créer des effets intéressants et pour mettre en valeur les artistes.
5. Utiliser le flash avec précaution : utilisez le flash avec précaution pour éviter de gêner les artistes et les autres photographes, et pour éviter d’obtenir des photos floues.
6. Capturer les moments clés : soyez attentif pour capturer les moments clés du concert, tels que les solos, les moments d’émotion et les interactions avec le public.
7. Respecter les droits d’auteur : respectez les droits d’auteur en ne utilisant vos photos qu’à des fins personnelles ou en obtenant l’autorisation de l’artiste ou des organisateurs avant de les publier ou de les utiliser à des fins commerciales.
En suivant ces conseils, vous devriez être en mesure de réaliser des photographies de concert de qualité professionnelle qui capturent l’énergie et l’émotion d’un spectacle en direct.
Photo de concert
Photographie de concert : 5 erreurs à éviter
1. Utiliser le flash trop souvent : utiliser le flash trop souvent peut gêner les artistes et les autres photographes, et peut également causer des flous ou des images surexposées. Utilisez plutôt la lumière naturelle pour créer des effets intéressants sur votre photographie de concert.
2. Ne pas connaître les consignes de sécurité et les restrictions : assurez-vous de connaître les consignes de sécurité et les restrictions imposées par les organisateurs de concerts pour éviter de vous mettre en danger ou de gêner les artistes.
3. Ne pas utiliser le bon réglage d’exposition : une mauvaise exposition peut causer des photos sous-exposées ou surexposées, il est donc important de bien régler l’exposition de votre appareil photo pour capturer des images de qualité.
4. Ne pas zoomer assez : zoomer suffisamment permet de capturer des détails importants et de mettre en valeur les artistes.
5. Ne pas être assez créatif : la photographie de concert est un domaine créatif, ne soyez pas trop timide pour essayer de nouveaux angles ou de nouveaux cadrages pour capturer des images uniques et intéressantes.
Photo de concert
Histoire de la photographie de concert
L’histoire de la photographie de concert remonte aux débuts de la photographie elle-même. Les premières photographies de concerts ont été prises dans les années 1850 et 1860, principalement par des photographes amateurs qui utilisaient des appareils photo à plaque de verre pour capturer des images fixes de musiciens jouant dans des salles de concert ou des théâtres.
Ces premières photographies de concerts étaient souvent de mauvaise qualité en raison des limites techniques de l’époque, mais elles ont tout de même été utilisées pour documenter la musique de l’époque.
Avec l’avènement de l’appareil photo argentique et l’amélioration des techniques photographiques dans les années 1920 et 1930, les photographes de concert ont commencé à capturer des images plus détaillées et plus expressives des artistes en direct. Les photographes de renom tels que Gered Mankowitz et Bob Gruen ont commencé à documenter les tournées et les concerts de stars de la musique tels que The Beatles, The Rolling Stones et Elvis Presley.
La photographie de concert est donc née avec l’avènement de la photographie elle-même, mais son développement est étroitement lié à l’histoire de la musique et des concerts. Les premières photographies de concerts datent du milieu du 19ème siècle, à une époque où la photographie en était encore à ses débuts.
Les premiers photographes de concerts ont été chargés de documenter les événements musicaux importants, tels que les opéras et les concerts de musique classique. Avec l’émergence du jazz et du rock and roll dans les années 1950 et 1960, la photographie de concert a évolué pour devenir un genre à part entière.
Les années 1960 ont vu l’émergence de certains des plus grands photographes de concerts, tels que Jim Marshall, qui a immortalisé des artistes tels que Jimi Hendrix, Janis Joplin et les Rolling Stones. D’autres grands noms de la photographie de concerts incluent Annie Leibovitz, Danny Clinch, Anton Corbijn et Linda McCartney.
Avec l’avènement de la photographie numérique, la photographie de concert a connu une évolution rapide, offrant de nouvelles possibilités créatives aux photographes. Aujourd’hui, la photographie de concert est un genre florissant qui offre aux photographes de nombreuses opportunités de capturer des moments uniques et de créer des images puissantes et évocatrices de certains des plus grands artistes du monde.
Photographie de concert: Bob Gruen, l’un des premiers..
Bob Gruen est un photographe américain connu pour ses photographies de célébrités de la musique, notamment des photographes de John Lennon et des Rolling Stones. Il est né en 1945 à New York, et a commencé sa carrière de photographe en prenant des photographies de concerts dans les années 1960 et 1970.
Il a été introduit dans le monde de la musique en travaillant pour le magazine Creem en 1972, où il a commencé à prendre des photos de groupes tels que Led Zeppelin, The Who et The New York Dolls. Il est devenu photographe officiel de John Lennon et Yoko Ono en 1974 et a été témoin de certains des moments les plus importants de leur vie ensemble, comme la naissance de leur fils Sean et leur campagne anti-guerre.
Il a également pris des photos de nombreuses autres célébrités de la musique tels que Bob Dylan, The Clash, Kiss, et Iggy Pop, ainsi que des photographes de concerts de Tina Turner, Eric Clapton, et Elton John. Ses photos ont été publiées dans de nombreux magazines de musique et de divertissement, et ont également été utilisées pour des pochettes d’albums, des affiches et des livres d’art.
Bob Gruen est considéré comme l’un des photographes les plus influents de la musique rock. Il a continué à prendre des photographies de concerts jusqu’à aujourd’hui, et ses photos sont devenues des pièces de collection pour les fans de musique. Il a également écrit plusieurs livres sur ses expériences en tant que photographe de concert et sur les célébrités qu’il a photographiées.
Photographie de concert, récapitulatif:
Utilisez un appareil photo adapté : Les reflex numériques sont généralement les meilleurs choix pour la photographie de concert, mais les appareils photo hybrides et les compacts experts peuvent également donner de bons résultats. Choisissez un appareil avec une bonne qualité d’image à des sensibilités ISO élevées.
Utilisez un objectif lumineux : Les concerts ont souvent un éclairage tamisé, donc il est important d’utiliser un objectif lumineux qui peut capter plus de lumière. Un objectif à grande ouverture, comme un 50mm f/1.8, peut aider à créer des images nettes avec un arrière-plan flou.
Privilégiez les réglages manuels : Les réglages manuels vous permettent d’avoir plus de contrôle sur les paramètres de votre appareil photo, notamment l’ouverture, la vitesse d’obturation et la sensibilité ISO. Réglez votre appareil photo sur le mode manuel pour obtenir les meilleurs résultats.
Utilisez le mode rafale : Les concerts sont souvent des événements dynamiques, avec des artistes en mouvement constant. Utilisez le mode rafale pour capturer plusieurs images en succession rapide et augmenter vos chances d’obtenir des images nettes.
Faites attention à l’éclairage : Les concerts ont souvent un éclairage complexe avec des changements fréquents de couleur et d’intensité. Essayez de capturer les moments où l’éclairage est le plus avantageux pour créer des images intéressantes et originales.
Soyez discret : Les concerts sont souvent bondés et les spectateurs peuvent se sentir gênés si vous êtes trop visible ou bruyant. Essayez d’être discret et respectueux envers les autres spectateurs et les artistes.
Soyez créatif : Les concerts offrent de nombreuses opportunités pour la créativité photographique. Essayez de jouer avec la composition, l’angle de prise de vue et la mise au point pour créer des images uniques et mémorables.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Q1: Quel est le meilleur moment pour prendre des photos lors d’un concert ?
R1: Le meilleur moment pour prendre des photos lors d’un concert dépend du style de musique et de la mise en scène de l’artiste. Essayez d’anticiper les moments forts du spectacle, comme les refrains ou les solos d’instruments, pour prendre des photos dynamiques et captivantes.
Q2: Comment puis-je éviter les photos floues lors d’un concert ?
R2: Pour éviter les photos floues, utilisez une vitesse d’obturation rapide pour figer les mouvements des artistes et des spectateurs. Vous pouvez également utiliser un trépied ou un monopode pour stabiliser votre appareil photo.
Q3: Comment puis-je prendre des photos en basse lumière lors d’un concert ?
R3: Pour prendre des photos en basse lumière, utilisez un objectif lumineux avec une grande ouverture, comme f/1.8 ou f/2.8, et augmentez la sensibilité ISO de votre appareil photo. Évitez d’utiliser le flash, qui peut gêner les artistes et les spectateurs.
Q4: Comment puis-je composer mes photos de concert pour les rendre plus intéressantes ?
R4: Pour composer des photos de concert intéressantes, essayez de jouer avec les angles et les perspectives. Essayez de capturer des images de l’artiste et de son environnement, comme les lumières et les foules. N’oubliez pas d’inclure des éléments de contexte pour raconter une histoire.
Q5: Comment puis-je obtenir des accréditations pour photographier des concerts ? R5: Pour obtenir des accréditations pour photographier des concerts, il est généralement nécessaire de contacter directement le tourneur ou le gestionnaire de l’artiste en question. Il est également possible de contacter les organisateurs de festivals ou de concerts pour obtenir une accréditation pour l’événement.
Q6: Comment puis-je gérer mes photos après un concert ?
R6: Pour gérer vos photos après un concert, triez-les en fonction de leur qualité et de leur pertinence. Éditez-les pour améliorer leur netteté, leur exposition et leur couleur. Vous pouvez également partager vos photos sur les réseaux sociaux ou les soumettre à des publications spécialisées.
Q7: Comment puis-je améliorer mes compétences en photographie de concert ?
R7: Pratiquez autant que possible, assistez à différents types de concerts et essayez différentes techniques de prise de vue. Étudiez également le travail des photographes professionnels et des artistes pour vous inspirer et apprendre de nouvelles techniques. Enfin, rejoignez des groupes en ligne et des communautés de photographie de concert pour obtenir des commentaires et des conseils.
